La joya del crepúsculo

Edward Hopper and the cinema

2011-05-08T20:50:00.006+02:00

Thinking about the power of images I thought it would be a good idea recovering an article Philip French wrote some years ago on The Observer about one of my favourite painters, Edward Hopper, and his relationship with cinema. So, there it goes, with a selection of images to illustrate Mr. French's words:

From Nighthawks to the shadows of film noir

Since the cinema's earliest days, film-makers have been turning to graphic artists for inspiration, most famously reflected perhaps in the phrase 'Rembrandt lighting', a term used by Cecil B. De Mille to bamboozle an impressionable producer about some peculiarly shadowy scenes. But arguably the most influential artist of our time has been Edward Hopper. Born in 1882, Hopper was 13 when the first images were projected on to a screen, 21 when The Great Train Robbery was shown around the world, and in his late forties when the 'talkies' arrived. He died in his Washington Square studio in 1967, just before the opening of Bonnie and Clyde.

Hopper loved the movies. 'When I don't feel in the mood for painting,' he said, 'I go to the movies for a week or more. I go on a regular movie binge.' The cinema returned the compliment by turning to him for stylistic inspiration, and film noir became his great love and the area of his chief influence. He created a world of loneliness, isolation and quiet anguish that we call Hopperesque.

Hopper's mentor, Robert Henri, a creator of the realist 'Ashcan School', encouraged him to go out to theatres and movie houses in order to observe the community at play. Instead, Hopper recorded the isolation of individual spectators waiting for the curtain to go up or the lights to go down. Glued to the screen or the proscenium arch, they turn in on themselves in a succession of unforgettable works. Hopper's etching entitled The Balcony or The Movies came early on, depicting two isolated figures looking down on an unseen screen. His masterpiece, New York Movie (1939), of an usherette standing beneath a wall light to the side of a palatial, darkened auditorium, is the greatest painting of any cinema interior.

German expressionism impinged on Hopper early on, during his sojourn in Paris. His 1921 etching Night Shadows looks like a storyboard sketch for a high-angle shot in a Fritz Lang movie. But what really influenced him were the movies shot on the backlots of Hollywood's great studios in the Thirties and Forties. Like the films of Hollywood's Golden Era, his paintings are about 'the city', a heightened abstract notion rather than any particular metropolis. Voyeurism has been an unavoidable condition of urban living and moviegoing, and Hopper's pictures spy on people in uncurtained rooms. They are epiphanic moments in someone else's life, stills from a movie we can't quite remember.

Hopper once earned his living designing covers and illustrations for pulp magazines that forced him to condense a story or book into a single image. According to his biographer, Gail Levin, he was inspired to paint his most famous picture, Nighthawks (1942), after reading Ernest Hemingway's story The Killers, in which two hitmen arrive at a small-town diner to murder a burnt-out prizefighter for some undisclosed offence. In the classic 1946 movie version, Robert Siodmak, German-born master of the film noir, recreates Hopper's painting in black and white. The film used two typical Hopper loci for the ex-boxer's squalid lodging and humble workplace, ie the dark room in a hotel or boarding house where a single person broods, and the desolate roadside filling station as in Gas and Four Lane Road.

A couple of years later, Abraham Polonsky, the soon-to-be blacklisted left-wing writer, was making his first movie, the noir classic, Force of Evil (1948). After three days shooting on New York locations, Polonsky took one of Hollywood's great cinematographers, George Barnes, to an exhibition of Hopper paintings and said: 'That's what I want this picture to look like', and indeed it did. Barnes went back to Hollywood and shot Samson and Delilah and The Greatest Show on Earth for De Mille.

After this, Hopper's influence became, consciously or unconsciously, pervasive. Hitchcock's Psycho (1960) was a crucial point where the sinister verticality of Hopper's mansard-roofed house in his first acclaimed painting House by the Railside (1925), was combined with the unprepossessing horizontality of his numerous paintings of motels. Not surprisingly Hopper has been a major influence on the road movie. This same image of the isolated mansard-topped mansion had been used by George Stevens in Giant and was later drawn on by Terrence Malick for Days of Heaven. Much earlier, that same house had inspired Charles Addams as the residence of his cartoon family.

Hopper's greatest contribution to film noir was his way of rendering in colour those dark shadows, that contrast between light and dark. Among the first to study this was James Wong Howe, one of Hollywood's finest directors of photography. As colour came to dominate in mainstream American cinema and the quality of film stock became increasingly sophisticated, Howe brought this knowledge to bear, not on a thriller, but on the 1955 screen version of William Inge's Pulitzer play, Picnic. Almost every other shot of the film's small Kansas town looks like a detail from a Hopper painting, reflecting the pathos of its inhabitants' quietly desperate lives.

As Hopper's reputation has grown, allusions to his work have inevitably become consciously referential homages. Director Walter Hill, working with cinematographer Philip Lathrop, draws on his paintings in Hard Times (set in New Orleans during the Depression) and The Driver (a noir thriller set in an unnamed city with equally anonymous characters). Lathrop had earlier been inspired by Hopper while working with John Boorman on Point Blank (1967); he later collaborated with Wim Wenders on Hammett (1982), a movie infused by Hopper's work.

Norman Mailer, an admirer of Hopper, preceded his only mainstream movie, Tough Guys Don't Dance, with a montage of Hopper houses and lighthouses on the New England coast. Numerous cinematographers - Gordon Willis (responsible for the Godfather trilogy and most of Woody Allen's pictures), Michael Chapman, John Bailey, László Kovács - have also been in thrall to Hopper. The great British production designer Ken Adam scrupulously reproduced Hopper's Nighthawks and New York Movie when transposing Dennis Potter's Pennies From Heaven (1981) from prewar Britain to the American Midwest during the Depression.

In The End of Violence (1997), Wim Wenders made his audience gasp by his Californian evocation of Nighthawks. More recently, another European director working in the States, Sam Mendes, for his period thriller Road to Perdition, turned to Hopper both for the film's dark interiors and the forlorn look of America in the Depression. In the final sequence, that arched, seductively innocent, apparently unoccupied house by the lake is inspired by the artist's paintings of seaside and lakeside houses. It's pure Hopper.

Eric Rohmer dies at 89

2010-02-22T00:48:00.005+01:00

I come out of my ostracism after finding unexpectedly during today's BAFTAs that the master Eric Rohmer died last month aged 89. And although it's a serious sin not having found out about it for so long it's never too late to write something even if it's short.

Rohmer was never my favourite director of the 'Nouvelle Vague' and he didn't direct my favourite movies either -Truffaut and Godard did-, but he was me in the movement. I don't know if that's good or bad because he was supposed to be an unbelievably, annoying, son of a bitch, but he always told his stories the way I would have told them and, in that way, he always made me laugh like a kid although his stories were far from amusing.

He directed a jewel like My night at Maud's but I always remember him for Pauline at the beach. I watched it when I was a kid and it always represented for me how different cinema could be and the fact that there were no conventions when it comes to tell a story.

Taking this even further he directed the rest of his "Moral tales", "Comedies and proverbs" and "The tales of four seasons" that granted him the infamous labels of "miniaturist" and "entomologist", so frequently used by his detractors to describe the way he studied and pulled his characters apart to tell his stories. But in doing so he broke the conventions of narrative to talk of life as such, a much less intricate event than we think, without fireworks celebrating big moments of joy or sad piano music accompanying drama, without a logical narrative structure, where things just happen as he showed at its best on A winter's tale or on Claire's knee. And so often using the naivety and natural manners of the youth compared to the awkward situations adults put themselves through.

And although his movies in the last decade were far from his splendor and more directed to satisfy his interest in literature, he still leaves us his talent in more than a dozen movies that will make us remember him for the cinematic genius he was.

Passion Pit o cómo sacar partido de San Valentín

2008-11-11T02:02:00.003+01:00

Aquí vengo con mi apuesta musical de turno y, posiblemente, del año: Passion Pit. Un tipo de Massachusetts llamado Michael Angelakos decidió que lo de los bombones estaba muy visto y, como lo de grabar cassettes ya no se estila, le regaló un CD a su novia con un puñadete de baladas 'disco' de creación propia. La voz se corrió, a los amigos les moló y ahí les tienes, 5 canciones mal apañadas y un 8 en Pitchfork Media.

Lo primero que escuché fue I've got your number que, al primer golpe, parece una nueva entrega de este movimiento italo disco que está pegando fuerte en el 'underground' anglosajón, pero con un toque menos nocturno y más de domingo por la mañana en el 'after-hours'. Luego llegó Sleepyhead, extrañísimo tema que suena a 'do-it-yourself' y que mezcla ese rollo vocal de Alvin y las ardillas con un 'beat' contagiosísimo. Y ahora acaban de editar el EP Chunk of change que así, en un rollo a lo Crystal Castles, sirve de carnaza a la espera de que el año que viene o el siguiente editen el largo.

Se editará mogollón de mierda, pero qué gran amigo de la música fue ese hombre que inventó el ProTools y le dio a todos estos zumbados con ideas la posibilidad de grabar en casa. Bueno, al tema, el único vídeo oficial que han sacado:

Sleepyhead
(Passion Pit)

Y para descargar os dejo I've got your number:

Passion Pit - I've got your number

Italians Do It Better: El retorno del Italo Disco

2008-11-10T23:13:00.005+01:00

¿Recordáis eso que se bailaba a mediados de los 80 y que plagaba las bandas sonoras de películas como Scarface, Cazafantasmas e, incluso, Blade runner? El mundo se llenó de gente que hacía cosas extrañas con sintentizadores, cacharros de 8 pistas y que, en gran parte, tenían apellidos europeos. El gran 'pope' de esta movida fue Giorgio Moroder que ya por los 70 tonteaba con maquinitas y que se convirtió en el rey de las producciones ochenteras para gente como Cher, Donna Summer, Blondie, David Bowie o Bonnie Tyler, sin contar que fue el responsable de las bandas sonoras de Top Gun, Flashdance, la ya citada Scarface o El expreso de medianoche con la que ganó su primer Oscar (los otros dos serían como autor de What a feeling y Take my breath away para Flashdance y Top Gun, respectivamente). Pero después de que Michael Jackson la liara con Thriller se jodió el invento y el 'disco' empezó a decaer para dejarle paso a lo que ahora todo el mundo conoce como pop... Hasta ahora.

De unos años para acá, en el 'underground' mas ignoto de las grandes ciudades americanas estaba apareciendo una nueva tendencia en la música electrónica que, en lugar de beber de las fuentes del 'house' y el 'drum'n'bass' como hacen el 'electro' o el 'dubstep', decidió recuperar la vena petarda-elegante del italo disco. Así, en 2006, la discográfica Troubleman Unlimited, productora de artistas como Devendra Banhart o Camera Obscura, creó el sello Italians Do It Better para darle salida a todo lo que se movía en la escena de Nueva York en forma de su serie de culto Killer Kuts. En estas grabaciones de serie limitada empezaron a sonar nombres como los de Chromatics, Glass Candy, Farah o Mirage. En la misma época apareció también Disco romance el debut de Sally Shapiro, una chica sueca de la que aún a día de hoy se desconoce casi todo (incluido su nombre real) ya que nunca ha actuado en directo o concedido una entrevista en tiempo real, y que incluía el bombazo I'll be by your side que le valió un 8,5 de la revista electrónica Pitchfork Media. Y llegó el año 2007, momento cumbre del italo disco con la publicación del recopilatorio After dark, magna opus de Italians Do It Better y uno de los discos que cualquier persona interesada en la música debería tener. Desde entonces están saliendo LPs y EPs como setas encabezados por los grandísimos trabajos de Chromatics y Glass Candy y parece que el tema sigue adelante. Ya veremos si algún grupo misterioso de estos pega el petardazo como los Crystal Castles y se convierten en lo más 'cool' de la música de aquí a un tiempo. Mientras, una selección de lo mejor:

In the city
(Chromatics) (Me encanta este vídeo)

I'll be by your side
(Sally Shapiro)

Running up that hill
(Chromatics)

Miss Broadway [live]
(Glass Candy)

Dancing girls [live]
(Farah)

Night drive [live]
(Chromatics)

Alice Glass, cantante de los Crystal Castles, elegida artista más 'cool' del año 2008

2008-11-05T01:40:00.009+01:00

Vuelvo de mi retiro autoimpuesto porque si no lo ponía reventaba.

Alice Glass, cantante de los Crystal Castles, ha sido elegida por la revista NME para encabezar su reverenciada lista de lo más 'cool' del año. En pasadas ediciones la lista estuvo liderada por personajes como Pete Doherty, Jack White o Beth Ditto, la cantante de The Gossip, que se convirtió en un auténtico referente pop después de aquello. A ver si el año que viene M.I.A. tiene suerte y pega el petardazo también.

La entrevista que le han hecho a Alice, muy en su línea cripto-zombie, va tal que así:

NME: Alice, ¿cómo sienta ser nombrada la artista más 'cool' del planeta Tierra en 2008?

Alice: Me siento halagada, pero en el colegio la gente que se tenía a sí misma en la misma consideración era el mayor desperdicio de carne que haya podido conocer.

N: ¿Por qué crees que has recibido tantos votos?

A: Mi pacto con Satán no ha expirado todavía.

N: ¿Cuál es la cosa más 'cool' que posees?

A: Esclavos.

N: ¿Quién es tu icono 'cool'?

A: Necesitamos nuevos idiomas. Necesitamos dejar de hablar como beatniks.

N: ¿Lo 'cool' realmente importa?

A: Nada importa. Sólo somos polvo.

Y, para complementar un poco, me traigo la actuación de los Crystal Castles en el festival de Glastonbury, pieza indispensable en la repercusión que el grupo está teniendo estos días. El final no se ve, obviamente, pero tuvo que ser cortada por la organización por el desmadre que se montó con Alice saltando sobre el público y los guardias de seguridad tratando de sujetarla (eso sí se ve :-P ). Atención también al futuro bombazo que puede ser el todavía inédito Baptism:

Ahora ya puedo decir de manera totalmente oficial que tuve la ocasión de conocer a la artista más 'cool' del planeta.

Crystal Castles sacan por fin LP

2008-04-01T17:49:00.005+02:00

Retorno de mi exilio estudiantil auto-impuesto porque ayer me llegó como último podcast de la KEXP el nuevo 'single' de Crystal Castles, Vanished. Me dio por curiosear a ver qué andaban haciendo y resulta que después de 3 años llenando la blogosfera de singles, EPs y remixes por fin se han decidido a sacar un largo en Last Gang Records, la productora de Chromeo, Tiga o The New Pornographers entre otros.

Todavía estoy por escuchar el disco entero, pero os cuelgo el link de lo que dice Pitchfork Media al respecto (les cascan un 8, que no está mal para el disco de debut de un combo tan ajeno a las convenciones como los Crystal Castles). Por si fuera poco ya empiezan a salir en las portadas de las revistas importantes:

Por decir algo, como epílogo a las 15 canciones de '8-bit' rabioso que componen el disco, tienen uno de los temas más bonitos que ha dado el 'shoegazing', no sólo recientemente -que tampoco sería mucho decir, porque ya casi no se estila-, sino en toda la historia del género: Tell me what to swallow. Ahí os subo un puñadillo de temas.

Descargas:

Crystal Castles - Untitled Unfinished

Crystal Castles - Vanished

Crystal Castles - Courtship Dating

Crystal Castles - Black Panther

Crystal Castles - Tell Me What To Swallow

ROAD TO THE OSCARS (38.2): Premios Oscars 2007

2008-02-25T19:19:00.003+01:00

Llega el momento de comentar el palmarés y la gala. Este año no podemos decir que se veía la cosa venir porque, sin llegar al golpe de Crash, ha habido sorpresas a montones. Las dos más claras, sin duda, las actrices. Marion Cotillard venía sonando desde el principio en las apuestas, pero el dominio que se le daba a Julie Christie desde que la Blanchett y su Elizabeth desaparecieron del mapa era casi incuestionable. Una posible razón para la sorpresa, además de que gusta eso de los 'biopics', es que Juno y con ella Ellen Page han subido como la espuma en los últimos momentos, lo que le ha podido quitar no pocos votos a la Christie. Menos sorpresa ha sido lo de Tilda Swinton en una categoría en la que sólo Saorsie Ronan partía con desventaja. En este caso sí que es obvio que la Swinton, sin duda una de las mujeres más particulares del panorama cinematográfico como ya comentaremos y a la que le llevaban tiempo teniéndole ganas, se ha aprovechado del reparto de votos entre las favoritas obvias que eran Cate Blanchett y Amy Ryan.

Sorpresas también ha habido en las categorías técnicas que les habrán servido a algunos apostadores para forrarse. Pocos podían imaginarse que una película como El ultimátum de Bourne fuera a ser la gran ganadora cuando sólo se contaba con ella para el montaje. Como siempre dicen los expertos de esto, ante la duda en unos premios tan particulares como los de sonido pues se vota al peso y entre Transformers y la británica parece que el grueso de la Academia se ha decantado por esta última. Otros premios votados al peso han sido los de dirección artística y vestuario. Hace poco la revista "In Style" publicaba una encuesta en la que diversos grandes nombres de la moda eligieron el vestido esmeralda de Atonement como el mejor vestuario para cine de todos los tiempos, incluso por delante del ínclito vestido blanco de Marilyn en La tentación vive arriba. Pero, claro, a bulto gana por varios cuerpos el despliegue de medios de Elizabeth. Otro tanto de lo mismo pasa con la dirección artística de Sweeney Todd. La historia del barbero de la calle Fleet es la más obviamente sobreproducida en ese sentido pero, como bien dijo Robert Elswit al recoger su premio de dirección de fotografía, There will be blood no sería nada sin Jack Fisk y su trabajo artístico. Pero, claro, Dante Ferretti es un grande de Hollywood y también había ya ganas de darle algo a Tim Burton, aunque fuera de rebote.

Del resto tenemos lo que se preveía en los grandes titulares. No country for old men se llevó la mitad de los premios gordos incluyendo el nuestro histórico de Bardem, Daniel Day-Lewis se hizo con el suyo, Diablo Cody se llevó a casa el de guión original, Ratatouille el de animación, Falling slowly el de mejor canción y Atonement el de banda sonora que fue lo único que rascó.

Vamos ahora con lo frívolo, el 'kitsch' y demás mitomanías de la gala. Hay que decir que en general la cosa fue bastante sosota. Jon Stewart no me acaba de convencer como presentador de la gala. Es un tipo gracioso y se le dan bien los monólogos, pero le falta esa capacidad de meter morcillas de Billy Crystal o, incluso, de Ellen DeGeneres para aligerar un poco las transiciones. Además, con eso de querer reducir en duración la gala la cosa se acaba quedando en anuncios con premios entre medias. El año pasado lograron darle fluidez a la gala gracias a las muy numerosas actuaciones que colaron como las sombras chinescas de Pilobolus, el coro de efectos de sonido o esos dúos cómico-musicales de Jack Black y Will Ferrell que casi deberían ser obligatorios. Este año sólo ha habido un par de 'sketches' dedicados a los prismáticos y periscopios (vaya usted a saber por qué) y a las pesadillas (?!), y el resto ha estado dedicado al 'revival' de los 80 años de los Oscars. Como eran más bien cortitos y la mayoría encasquetados en la presentación de los premios principales, pasaron sin pena ni gloria. Los gags más divertidos fueron sin duda el dedicado a la versatilidad de Cate Blanchett (también salía en No country for old men... y era el perro) y al repaso de embarazadas, que es algo que hacemos todos en cada gala y que se ha parodiado esta vez con bastante mala leche ("and the baby goes to... Angelina Jolie, obviously"). También fue un punto el momento en el que presentaron a Judi Dench y Halle Berry y aparecieron los protagonistas de Supersalidos debatiendo sobre quién debería ser cuál.

Lo más curioso es que, por una vez, los que sí estuvieron sembrados fueron los ganadores en los agradecimientos. Abrió fuego Brad Bird haciendo un resumen de la evolución del cine en su vida, desde las discusiones con su padre sobre para qué se iba a dedicar a hacer películas a las discusiones con los productores sobre... para qué va hacer una película. Bardem, siendo novato en esto, también estuvo estupendo con la mezcla de inglés y español y con las coñas de su pelo. Y luego llegó Tilda Swinton, una de las 'tops' de la noche, que con su acento 'cockney' le felicitó el cumpleaños a la estatuilla diciéndole lo bien que estaba sin botox ni nada y aprovechó para tirarle los trastos a George Clooney y a su traje de Batman. También Daniel Day-Lewis, con lo poco aficionado a estas cosas que es le dedicó unas palabras a Helen Mirren diciendo que nunca había estado tan cerca de un mito. Hubo también sus momentos lágrima como el de Marion Cotillard que, básicamente, estaba flipando o el de Diablo Cody que con su vestido de Betty Mármol le agradeció a su familia que la quisiese tal como era y, cómo no, "a la sobrehumana Ellen Page". Pero con casi total seguridad uno de los momentos más emotivos de la noche fue el agradecimiento Glen Hansard y Markéta Irglová, a la que Jon Stewart como maestro de ceremnonias le cedió su tiempo de palabra para que pudiera decir un bonito 'speech' sobre la importancia de la música. Emotivo como siempre también fue el 'in memoriam', que este año estaba desgraciadamente superpoblado de nombres, y en el que se echó en falta a Brad Renfro, cuya muerte se vio eclipsada por la bomba días después de Heath Ledger.

Y por último comentar el punto frívolo de siempre de comentar el vestuario del personal en la alfombra roja y en el Kodak Theatre. A los tíos este año se les despacha aún más rápido que el pasado porque salvo Johnny Depp que siempre lleva algún detalle y Javier Bardem con esa chaqueta de corte marinero el resto iba discretito. Salvamos a los macizos oficiales como George Clooney o Patrick Dempsey, pero eso viene a ser lo de siempre.

En cuanto a chicas hay que decir que faltó la espectacularidad de otros años y que se echaron en falta guapas oficiales como Naomi Watts, Kate Winslet, Scarlett Johansson o Natalie Portman. De las que sí estuvieron yo destacaría sobre el resto a Marion Cotillard que, obviamente, ganaba bastante también por la comparación con su personaje, y a Helen Mirren que iba espectacular.

También muy bien iban Jennifer Garner, volviéndose a jugar el resbalón del año pasado con un vestido de cola negro; Katherine Heigl, que suplía a la Johansson en el papel de Marilyn del S. XXI; y la muy entrañable Amy Adams.

Tirando de encanto propio y con cosas más sencillas fueron Diane Lane y Ellen Page que las pongo porque me da la gana, aunque yo sí fuese la Page habría reutilizado el traje de chaqueta que se puso para los Spirit Awards.

Y para acabar con las guapas me voy con las australianas de oro, Nicole Kidman y Cate Blanchett, que este año con eso de sus respectivos embarazos iban más moderadas de lo habitual pero, vamos, son patrimonio de la humanidad.

Y de las horribles de la noche tenemos a dos reincidentes, Anne Hathaway con su blanca palidez enfundada en un "discreto" vestido rojo y Cameron Diaz, que retorna con la segunda parte del ataque de la crema bronceadora. También podríamos incluir como fuera de categoría a Tilda Swinton, que es peculiar toda ella, pero la evidente ganadora es, cómo no, Diablo Cody. La ventaja con la que cuenta es que sabemos fehacientemente que es un vestido premeditado y con toda la alevosía de la que es la autora del mejor guión original del año.

Así que aquí acaba todo por esta edición. De aquí a 8 meses el rollo volverá a empezar y esperemos que sea más y mejor ;-) .

ROAD TO THE OSCARS (38.1): Premios Oscars 2007

2008-02-24T18:16:00.009+01:00

Está pasando, lo estás viendo. Aquí está la lista de ganadores y los comentarios esta tarde, digo yo:

PREMIOS OSCARS 2007

Mejor Película
"No Country for Old Men"

Mejor Director
Joel & Ethan Coen, por "No Country for Old Men"

Mejor Actuación Principal Masculina
Daniel Day-Lewis, por "There Will Be Blood"

Mejor Actuación Principal Femenina
Marion Cotillard, por "La Vie en Rose"

Mejor Actuación de Reparto Masculina
Javier Bardem, por "No Country for Old Men"

Mejor Actuación de Reparto Femenina
Tilda Swinton, por "Michael Clayton"

Mejor Guión Original
"Juno", escrito por Diablo Cody

Mejor Guión Adaptado
"No Country for Old Men", escrito por Joel & Ethan Coen

Mejor Película en Lengua No Inglesa
"Los Falsificadores" (Austria)

Mejor Película de Animación
"Ratatouille"

Mejor Banda Sonora Original
"Expiación", compuesta por Dario Marianelli

Mejor Canción
"Falling Slowly" (Glen Hansard/Markéta Irglová), de "Once"

Mejor Dirección de Fotografía
"There Will Be Blood", de Robert Elswit

Mejor Montaje
"El Ultimátum de Bourne"

Mejores Efectos Visuales
"La Brújula Dorada"

Mejor Sonido
"El Ultimátum de Bourne"

Mejor Edición de Sonido
"El Ultimátum de Bourne"

Mejor Dirección Artística
"Sweeney Todd"

Mejor Maquillaje
"La Vie en Rose"

Mejor Diseño de Vestuario
"Elizabeth: La Edad de Oro"

Mejor Documental
"Taxi Hacia el Lado Oscuro"

Mejor Corto Documental
"Freeheld"

Mejor Corto de Acción Real
"Le Mozart des Pickpockets (The Mozart of Pickpockets)"

Mejor Corto de Animación
"Peter & the Wolf"

ROAD TO THE OSCARS (37): Tonight is the night

2008-02-24T17:49:00.006+01:00

Como cada año los Oscars ya están aquí y seguimos la tradición de verlos 'on-line'. Los veteranos en estas lides ya saben que esto supone eso tan divertido de tirar de emisoras oficiales y rezar para que emitan la gala, para que el servidor no casque y esas cosas. Georgia nos funcionó bien el primer año -esos hombres con bigote-, luego vinieron los serbios, los turcos y últimamente hay suerte con las hispanas y hemos podido verla en TeleTica, la tele de Costa Rica, y el año pasado en WAPA, la de Puerto Rico.

Este año me fío bastante poco de las latinas porque la de Nicaragua ya falló el año pasado y las de Panamá y Chile son corporaciones con varias emisoras, algunas de las cuales no emiten 'on-line'. Si hay suerte y estas que he cazado son las que emiten, estará bien la cosa, sino tocará irse de excursión por los países extraños. Crucemos los dedos para que funcionen como deben:

Panamá (1)
Panamá (2)
Tele13 Chile
Tele13 Cable Chile
Nicaragua
Armenia
Georgia
Rusia
Turquía
Vietnam
China
Croacia 1

Así que, ya sabéis, si os hace el tema mi MSN anda por ahí en el perfil. Yo rondaré por aquí sobre la 1:30 ó las 2 (GMT +1) organizando la cosa. Nos vemos esta noche.

En cartelera: No country for old men

2008-02-24T13:41:00.003+01:00

Como esta noche es la noche aproveché ayer para ir a ver la más que potencial gran ganadora de la ceremonia, No country for old men, de los hermanos Coen.

El argumento es un clásico de la literatura de McCarthy. Un veterano de Vietnam que pasa el tiempo cazando descubre un grupo de camionetas abandonadas rodeadas de cadáveres: un negocio de drogas que salió evidentemente mal. La forma en la que reacciona o, mejor dicho, en la que no reacciona ante la escena definirá el destino de la película. A la búsqueda del last-man-standing de la carnicería, Llewellyn Moss (Josh Brolin), que así se llama el protagonista, se encuentra con un maletín lleno de dinero. Desde ese momento empezará una cacería digna del 'far West' con multitud de partes implicadas. Por un lado está el 'sheriff' Bell (Tommy Lee Jones), un policía veterano que lo ha visto casi todo en la vida y que persigue a Moss para intentar salvarle del lío en que se va a meter. Tenemos también a Anton Chigurh (Javier Bardem), una máquina de matar de motivaciones desconocidas que pareciera únicamente creada para este "servicio" que se autoimpone, y que saldrá detrás de Moss, básicamente porque es su obligación. Y, por último, tenemos a Carson Wells (Woody Harrelson), el encargado de perseguir a la bestia descontrolada.

La película al igual que el libro sólo se podría describir como un relato existencial que, como si de una tragedia griega se tratara, analiza cómo el destino y su búsqueda influye en las vidas de los pobres mortales que aquí moran. En ese sentido es una novedad en la filmografía de los hermanos Coen. Es cierto que en sus primeras películas, e incluso en algunas más recientes como El hombre que nunca estuvo allí, se habían cuestionado cómo los pequeños actos tienen grandes consecuencias y cómo de irónica es a veces la vida, pero nunca habían llegado al descarnamiento que tiene esta película en la que apenas si hay banda sonora. Curiosamente tiene un gran número de paralelismos con la que es una de sus obras mayores, Fargo: el dinero como origen de todo -aunque las motivaciones del personaje de Brolin sean bastante más dignas que las del de Macy-, el asesino profesional que no cuestiona su obligación, el 'sheriff' que no acaba de entender el absurdo que puede llevar a una situación así y, cómo no, el humor negro. No vamos a decir ahora que No country for old men es una película divertida, ni siquiera tiene el gamberrismo tan de los Coen que tenía Fargo, pero sí que tiene ese humor ácido del absurdo Coen, de conversaciones de bar y de chistecillos en las situaciones menos apropiadas. Son los pocos asideros que deja una película que podría seguir para siempre como si de un cuento de la tradición oral se tratara. Y todo esto contado bajo las luces y las sombras que crea el genio Roger Deakins desde detrás de la cámara. Sin duda uno de los relatos más rotundos del cine reciente.

Comentario aparte hay que dedicarle a Javier Bardem. Lo de que en los Oscars conste como actor de reparto es una ironía porque si hay un personaje que defina el tono y que haga progresar la película ese es Anton Chigurh con su crueldad injustificada, jugándose la vida de sus víctimas a cara o cruz. Bardem logra crear uno de los personajes más memorables que nos ha dado la pantalla en los últimos años. Es un personaje de origen tan desconocido como su nombre y de futuro totalmente incierto salvo porque, a no ser que alguien acabe con él, es evidente que seguirá matando. Se mueve por la historia con la parsimonia de un cirujano y de la misma manera meticulosa actúa. Es un carnicero y con la misma falta de piedad que un matarife liquida una vaca, él mata a la gente. Un favor impagable que los Coen le han hecho a Bardem.

Pero no nos vamos a quedar sólo con Bardem. Tommy Lee Jones está enorme en un personaje que mezcla la cotidianidad de aquella detective embarazada de Fargo con el porte de los personajes clásicos de un Gary Cooper de los que se declara heredero -"no puedes evitar compararte con los viejos tiempos" declara en un momento. También Brolin, que se mueve por la película con la misma falta de consciencia que Bardem, está estupendo en un personaje que se sacrifica por intentar darle a su mujer una vida mejor que la del parque de caravanas en el que viven. Y, aunque su aparición es poco menos que incidental, siempre hay que destacar a Kelly Macdonald, una de esas pequeñas grandes actrices que llenan la pantalla.

Yo me sigo quedando con Juno y La escafandra y la mariposa como favoritas de lo que va de temporada, pero es indudable que los Coen han hecho un trabajo enorme que, como decía Scott Foundas en el "Village Voice" debería ser objeto de estudio en lo que a la narración se refiere. Esta noche veremos si la Academia piensa lo mismo.

ROAD TO THE OSCARS (36): Premios Razzies 2007

2008-02-24T02:43:00.005+01:00

Más ácidos y con galas casi tan graciosas como las de los Spirit Awards -inolvidable el momento de Halle Berry, que le echó un par y fue a recoger su premio- tenemos también un día antes de los Oscars los Razzies a lo peor del año. No se merecen un comentario más amplio, pero sí que cabría destacar de esta edición que I know who killed me ha batido el récord de premios hasta la fecha con 8, lo que compite en absurdo con que Eddie Murphy se haya llevado todos los premios de actuación salvo el principal femenino. Ver para creer:

PREMIOS GOLDEN RASPBERRY (RAZZIES) 2007

Peor Película
"I Know Who Killed Me"

Peor Director
Chris Siverston, por "I Know Who Killed Me"

Peor Actor
Eddie Murphy, por "Norbit"

Peor Actriz
Lindsay Lohan ('como Aubrey'), por "I Know Who Killed Me" y Lindsay Lohan ('como Dakota'), por "I Know Who Killed Me" (ex aequo)

Peor Actor de Reparto
Eddie Murphy, por "Norbit"

Peor Actriz de Reparto
Eddie Murphy, por "Norbit"

Peor Pareja
Lindsay Lohan & Lindsay Lohan ('como el yang para su propio ying'), por "I Know Who Killed Me"

Peor Remake o Refrito
"I Know Who Killed Me"

Peor Precuela o Secuela
"Papá Canguro 2"

Peor Guión
"I Know Who Killed Me", escrito por Jeffrey Hammond

Peor Excusa para una Película de Terror
"I Know Who Killed Me"

ROAD TO THE OSCARS (35): Independent Spirit Awards 2008

2008-02-24T01:03:00.005+01:00

Esto sí que son premios y lo demás son tonterías. No sólo se celebran en una fiesta playera que se ha hecho famosa porque alguna vez han llegado los premiados en moto o porque John Waters ha montado uno de sus shows, sino que se conceden a todos aquellos que realmente se merecen un premio. De hecho, este año el palmarés ha sido de los más merecidos y más equilibrados de los últimos años.

La triunfadora, si se la puede llamar así, ha sido, cómo no, una de las películas del año, Juno, que se ha llevado el premio gordo de la noche y los obvios para su guión y para el monstruo de Ellen Page. La gran revelación, La escafandra y la mariposa ha conseguido por su parte dos de los premios a los que también está nominado para los Oscars, el de dirección de fotografía, para el que partirá como una de las favoritas, y el muy merecido de dirección. Otros dos se ha llevado también la otra comedia de la temporada, The Savages, uno para su protagonista, Philip Seymour Hoffman, y el otro para su guión, también nominado a los Oscars. Cerrando el palmarés importante también se ha llevado otros dos lo nuevo de Todd Haynes, I'm not there, el Robert Altman al conjunto del reparto y el de la también favorita para el Oscar, Cate Blanchett. Y last-but-not-least destacar el premio a la mejor película extranjera para esa pequeña joya que es Once y que, con un poco de suerte, también mojará en los Oscars, aunque sólo sea por esa maravilla de canción que es Falling slowly.

INDEPENDENT SPIRIT AWARDS 2008

Mejor Película
"Juno", dirigida por Jason Reitman

Mejor Primera Película
"The Lookout", dirigida por Scott Frank

Premio John Cassavetes
(Otorgado a la mejor película realizada con menos de $500,000)
"August Evening", dirigida por Chris Eska

Mejor Director
Julian Schnabel, por "La Escafandra y la Mariposa"

Mejor Guión
"The Savages”, escrito por Tamara Jenkins

Mejor Primer Guión
"Juno", escrito por Diablo Cody

Mejor Actuación Principal Femenina
Ellen Page, por "Juno"

Mejor Actuación Principal Masculina
Philip Seymour Hoffman, por "The Savages"

Mejor Actuación de Reparto Femenina
Cate Blanchett, por "I'm Not There"

Mejor Actuación de Reparto Masculina
Chiwetel Ejiofor, por "Talk To Me"

Mejor Dirección de Fotografía
Janusz Kaminski, por "La Escafandra y la Mariposa"

Mejor Documental
"Crazy Love", dirigida por Dan Klores

Mejor Película Extranjera
"Once" (Irlanda), de John Carney

Premio Robert Altman
I'm Not There
Director: Todd Haynes
Directora de Casting: Laura Rosenthal
Reparto: Cate Blanchett, Christian Bale, Richard Gere, Heath Ledger, Ben Whishaw, Marcus Carl Franklin, Charlotte Gainsbourg, Bruce Greenwood

ROAD TO THE OSCARS (34): ¿El Diablo vestirá de Prada?

2008-02-21T01:06:00.006+01:00

No me pude resistir a la broma evidente, pero es que hay que presentarla. Teniendo en cuenta que será sin duda una de las que baje esas largas escaleras para recoger la estatuilla qué menos que dedicarle unos segundos a Diablo Cody, la guionista de Juno:

Su vida es de guión de cine, con lo que no extraña la profesión. Original de Chicago se mudó a un suburbio de Minnesota para vivir ni más ni menos que con su novio Jonny Hunt al que sólo conocía por internet y que contaba ya con una hija. Ante la ausencia de perspectivas decidió que el 'striptease' podría ser un buen negocio pese a que apenas sabía ni bailar. Mientras por la noche hacía la barra, por el día trabajaba en una agencia de publicidad en la que se ganó los odios de toda la oficina por sus costumbres dignas de un secundario de The office. Cuando inesperadamente consiguió un ascenso en la empresa huyó de una vida ordenada que no cuadraba con sus costumbres para dedicarse al 'striptease' en pleno. En sus ratos libres comenzó a escribir sus experiencias cual Bridget Jones del 'underground' en el libro Candy Girl: A year in the life of an unlikely stripper y amplió el campo a la telefonía erótica. Poco tiempo después se cansó de la "vida sexual" y decidió casarse con Jonny y mudarse a un barrio "en el que uno sólo se desnudase para meterse en la bañera". La hija de Jonny fue la niña de las flores. Por entonces creó un blog al que, por casualidad, se hizo aficionado un productor de Hollywood. Y el resto es historia. A día de hoy viven los 3 en Minneapolis con sus dos gatos, Ernie y Douchepacker.

Con estos antecedentes uno se hace una idea más completa de por dónde va Juno. Así que, volvemos a la pregunta inicial, ¿vestirá de Prada esta mujer de ojos inteligentes y tatuajes carcelarios para recoger su más que potencial Oscar?

P.D. No me podía marchar sin poner esta foto. Miss Cody, Olivia Thirlby y J.K. Simmons XD :

ROAD TO THE OSCARS (33): Apuestas Oscars 2007

2008-02-19T01:11:00.002+01:00

Una semana antes del evento llegó la hora de mojarse un poquito y hacer apuestas. Este año las categorías del pleno al 15 van a ser, sin lugar a dudas, las de actriz de reparto y la de fotografía que, como mínimo, cuentan con 4 candidatos en igualdad de condiciones. Así que con esa salvedad y teniendo en cuenta lo que han ido diciendo los sindicatos esta es mi selección o, mejor dicho, lo que creo que elegirá la Academia:

APUESTAS OSCARS 2007

Mejor Película

• "Expiación"
• "Juno"
• "Michael Clayton"
• "No Country for Old Men"
• "There Will Be Blood"

Mejor Director

• Paul Thomas Anderson, por "There Will Be Blood"
• Joel & Ethan Coen, por "No Country for Old Men"
• Tony Gilroy, por "Michael Clayton"
• Jason Reitman, por "Juno"
• Julian Schnabel, por "La Escafandra y la Mariposa"

Mejor Actuación Principal Masculina

• George Clooney, por "Michael Clayton"
• Daniel Day-Lewis, por "There Will Be Blood"
• Johnny Depp, por "Sweeney Todd"
• Tommy Lee Jones, por "En el Valle de Elah"
• Viggo Mortensen, por "Promesas del Este"

Mejor Actuación Principal Femenina

• Cate Blanchett, por "Elizabeth: La Edad de Oro"
• Julie Christie, por "Away from Her"
• Marion Cotillard, por "La Vie en Rose"
• Laura Linney, por "The Savages"
• Ellen Page, por "Juno"

Mejor Actuación de Reparto Masculina

• Casey Affleck, por "El Asesinato de Jesse James por el Cobarde Robert Ford"
• Javier Bardem, por "No Country for Old Men"
• Philip Seymour Hoffman, por "La Guerra de Charlie Wilson"
• Hal Holbrook, por "Into the Wild"
• Tom Wilkinson, por "Michael Clayton"

Mejor Actuación de Reparto Femenina

• Cate Blanchett, por "I'm Not There"
• Ruby Dee, por "American Gangster"
• Saoirse Ronan, por "Expiación"
• Amy Ryan, por "Gone Baby Gone"
• Tilda Swinton, por "Michael Clayton"

Mejor Guión Original

• "Juno", escrito por Diablo Cody
• "Lars and the Real Girl", escrito por Nancy Oliver
• "Michael Clayton", escrito por Tony Gilroy
• "Ratatouille", escrito por Brad Bird, Jim Capobianco y Jan Pinkava
• "The Savages", escrito por Tamara Jenkins

Mejor Guión Adaptado

• "Away From Her", escrito por Sarah Polley
• "La Escafandra y la Mariposa", escrito por Ronald Harwood
• "Expiación", escrito por Christopher Hampton
• "No Country for Old Men", escrito por Joel & Ethan Coen
• "There Will Be Blood", escrito por Paul Thomas Anderson

Mejor Película en Lengua No Inglesa

• "12" (Rusia)
• "Beaufort" (Israel)
• "Los Falsificadores" (Austria)
• "Katyn" (Polonia)
• "Mongol" (Kazakhstan)

Mejor Película de Animación

• "Locos por el Surf"
• "Persepolis"
• "Ratatouille"

Mejor Banda Sonora Original

• "3:10 to Yuma", compuesta por Marco Beltrami
• "Cometas en el Cielo", compuesta por Alberto Iglesias
• "Expiación", compuesta por Dario Marianelli
• "Michael Clayton", compuesta por James Newton Howard
• "Ratatouille", compuesta por Michael Giacchino

Mejor Canción

• "Falling Slowly" (Glen Hansard/Markéta Irglová), de "Once"
• "Happy Working Song" (Alan Menken/Stephen Schwartz), de "Encantada"
• "Raise It Up" (), de "August Rush"
• "So Close" (Alan Menken/Stephen Schwartz), de "Encantada"
• "That's How You Know" (Alan Menken/Stephen Schwartz), de "Encantada"

Mejor Dirección de Fotografía

• "El Asesinato de Jesse James por el Cobarde Robert Ford", de Roger Deakins
• "La Escafandra y la Mariposa", de Janusz Kaminski
• "Expiación", de Seamus McGarvey
• "No Country For Old Men", de Roger Deakins
• "There Will Be Blood", de Robert Elswit

Mejor Montaje

• "La Escafandra y la Mariposa"
• "Into the Wild"
• "No Country For Old Men"
• "There Will Be Blood"
• "El Ultimátum de Bourne"

Mejores Efectos Visuales

• "La Brújula Dorada"
• "Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo"
• "Transformers"

Mejor Sonido

• "3:10 to Yuma"
• "No Country For Old Men"
• "Ratatouille"
• "Transformers"
• "El Ultimátum de Bourne"

Mejor Edición de Sonido

• "Transformers"
• "No Country For Old Men"
• "Ratatouille"
• "There Will Be Blood"
• "El Ultimátum de Bourne"

Mejor Dirección Artística

• "American Gangster"
• "La Brújula Dorada"
• "Expiación"
• "Sweeney Todd"
• "There Will Be Blood"

Mejor Maquillaje

• "Norbit"
• "Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo"
• "La Vie en Rose"

Mejor Diseño de Vestuario

• "Across the Universe"
• "Elizabeth: La Edad de Oro"
• "Expiación"
• "Sweeney Todd"
• "La Vie en Rose"

Mejor Documental

• "No End in Sight"
• "Operation Homecoming: Writing the Wartime Experience"
• "Sicko"
• "Taxi Hacia el Lado Oscuro"
• "War/Dance"

Mejor Corto Documental

• "Freeheld"
• "La Corona"
• "Salim Baba"
• "Sari’s Mother"

Mejor Corto de Acción Real

• "At Night"
• "Il Supplente (The Substitute)"
• "Le Mozart des Pickpockets (The Mozart of Pickpockets)"
• "Tanghi Argentini"
• "The Tonto Woman"

Mejor Corto de Animación

• "I Met the Walrus"
• "Madame Tutli-Putli"
• "Même Les Pigeons Vont au Paradis (Even Pigeons Go to Heaven)"
• "My Love (Moya Lyubov)"
• "Peter & the Wolf"

En cartelera: La escafandra y la mariposa

2008-02-17T23:52:00.004+01:00

Pues sin una especial devoción fui hoy a ver lo último de Schnabel, La escafandra y la mariposa, y he salido pensando que es, probablemente, lo mejor que he visto en una sala de cine en algún año. Me tendría que remontar a Brokeback Mountain para encontrar algo a la altura en emotividad y a Las invasiones bárbaras para encontrar un guión tan inteligente y con tantísima ironía y fuerza dramática -de hecho, es muy curioso porque ambas películas comparten parte del reparto-.

La historia es la autobiografía de Jean-Dominique Bauby, redactor jefe de "Elle" que, tras un infarto cerebral, queda totalmente paralítico pudiéndose comunicar solamente gracias al parpadeo de su ojo izquierdo. Pero, en contraste, él es perfectamente consciente de todo y en ese punto es en el que se basa toda la película. La diferencia es que, en lugar de hacer sangre con la situación y dramatizar sobre la angustia de vivir atrapado en tu propio cuerpo (la escafandra) como si de una nueva versión de Johnny cogió su fusil se tratara, lo que hace Bauby es reflexionar con un enorme sarcasmo sobre su situación, sus gentes y sus recuerdos. La memoria y la imaginación como vía de escape, su mariposa. Ahí entra la mano de Schnabel que, como artista multidisciplinar que es, se marca un montaje narrativo que es casi una performance, una demostración de fuerza con saltos entre lo que vive y lo que piensa el protagonista que, a la sazón, ¿no viene a ser lo mismo? Todo, como buena película francesa de elevado nivel cultural, lleno de referencias al cine, la música y la cultura popular que es en algo en lo que, de nuevo, se parece a los trabajos de Denys Arcand en Canadá (ese Marlon Brando como paradigma de juventud rebelde, por poner un ejemplo). Y cómo no, no podía faltar la omnipresencia femenina. Bauby habla de las mujeres de su vida, las necesita y se recrea mirándolas que, para lo que le queda por hacer, no es algo que esté demasiado mal. Antes de verla me habría jugado el culo a que el Oscar de guión adaptado se lo llevaban los Coen, pero ahora no lo tengo yo nada claro.

En cuanto al tema visual la película es un portento. Todo lo que en Atonement eran reproches al montaje y a la utilidad de los recursos de puesta en escena son virtudes en el caso de La escafandra y la mariposa. Se nota que Schnabel es más que un director al uso y cada imagen está tratada con mimo, es como es, no debe ser de otra manera y el propio mensaje te justifica que sea así. A ello colabora el genio multioscarizado de Janusz Kaminski que este año podría añadir el tercer premio a su cuenta si es que Deakins y Elswit le dejan.

Y si detrás de la cámaras el trabajo es inmejorable, delante es simplemente genial. El que da vida a Bauby es ese actor al que pondero siempre que tengo la oportunidad, ese trasunto simpático de Roman Polanski que es Mathieu Amalric. Para los que vivimos fuera de Francia es ese tipo que sube la media de películas como Munich, pero en el cine francés es un secundario de oro y la gran esperanza blanca después de protagonizar Reyes y reina. En este caso, como decía Oti Rodríguez Marchante, está claro que se gana su sueldo, tanto interpretando con la limitación de poder mover sólo un ojo como en los pasajes en los que recrea sus memorias. Pero la galería de secundarios es un 'all-star'. El médico y el cura que apenas hacen un cameo son ni más ni menos que Patrick Chesnais y Jean-Pierre Cassel. Su colega de la redacción es ese dechado de naturalidad interpretativa y colega-muso de Jim Jarmusch que es Isaach De Bankolé. Y la galaxia femenina no se queda atrás. Su amor pasado es Marina Hands y su compañera en la salud y en la enfermedad es Emmanuelle Seigner, ambas estupendas en sus papeles. Pero si hay una mujer que brilla con luz propia esa es aquella revelación de Ararat y Las invasiones bárbaras, Marie-Josée Croze. Su sola presencia ilumina la pantalla como ilumina la propia vida de Bauby con su esfuerzo para que pueda hablar. Y dejo aparte al grande entre los grandes, Max von Sydow, que interpreta al padre de Bauby y que es monstruoso cómo se come la escena cada vez que sale.

Diría más pero creo que ha quedado suficientemente claro que no sólo estamos ante uno de los estrenos del año sino de unos cuantos y que por recurrir a la odiosa comparación es la antítesis de ese pastiche sentimentaloide que es Mar adentro. Lo que en aquella era manipulación pura y dura aquí fluye sin subrayados y sin patetismos,con una banda sonora que es una joya y una puesta en escena que no parece posible que sea tan buena. Así como ayer no recomendaba el visionado de Atonement aquí no puedo por menos que urgir a que sea así porque realmente es una gran experiencia de vida que disfrutar en una sala de cine y vale la pena descubrir que todavía hay rebelión en el Cine y que del marasmo de historias a la vieja usanza que se producen cada año pueda surgir una pequeña joya como esta.

En cartelera: Expiación

2008-02-17T00:32:00.004+01:00

Pues por fin fui a ver Expiación y, la verdad, es que me ha dejado una sensación ambigua.

El montaje, en una jugada de autoconsciencia de historia sobre contar historias, fragmenta el relato y lo hace avanzar y retroceder en una serie de golpes que se asemejan al sonido de las teclas de máquina de escribir que acompasan la banda sonora. De estos golpes algunos funcionan, sobre todo concentrados en la primera parte de la historia, la de la confusión infantil y el engaño, y otros huelen totalmente a relleno. Bien contados, pero sin nada que aportar. Por poner un ejemplo tenemos la conversión de la perversa niña en una devota enfermera como parte de su proceso de expiación. Es evidente la finalidad de esos pasajes para definir el personaje y su evolución pero, realmente, ¿nos importa un carajo esa morcilla dentro del relato, ese puñado de cabos sueltos que se atan forzadamente? ¿Si ese personaje quedase 'en off' o su fragmento no fuese tan fiel al ritmo sincopado de la película no ganaría en fluidez? Preguntas que surgen. Lo mismo le ocurre al personaje de McAvoy en su peripecia por el frente francés. El plano-secuencia de la retirada de Dunkerque es impresionante pero, realmente, ¿es necesario que sea así? ¿Es necesario tanto abigarramiento de detalles para describir la nostalgia del personaje? Gracias al epílogo final sustentado por la enorme Vanessa Redgrave entendemos cuáles han sido las intenciones de la película, su reflexión sobre el poder de la palabra para curar y para herir pero, de nuevo, ¿las piezas de la narración y sus formas son las correctas para llegar a esa conclusión? Uno sabe por qué le han contado las cosas que le han contado, pero es una duda permanente el por qué así. A eso hay que añadirle los pecados típicos de las adaptaciones de situaciones contadas con brocha gorda y personajes liquidados en una escena. Ese francés moribundo, esa enfermera despótica, esa compañera que sólo se casará con un marino, ¿no enriquecerían el personaje de la chica con un trato más delicado? También me quedo con ganas de conocer al compañero de McAvoy. Seguro que debía ser un gran tipo, un interesante Virgilio a la británica de nuestro particular Dante en el infierno sin su Beatriz. Siempre se dice eso tan tópico de que una adaptación pierde comparada con el libro pero, en este caso, es evidente hasta para los que nos lo hemos leído, porque lo que trasluce con sus carencias es el buen material del libro. Si se decía del libro que era tremendamente cinematográfico, se puede decir de la película que es tremendamente novelable.

Dejando a un lado el metalenguaje de la película y centrándonos en cosas más terrenas tenemos un reparto en el que lo más destacable son los papeles más pequeños. La Knightley sigue resultando tan repelente como siempre pero, como su personaje transmite la misma sensación de indolencia despreciable, da bastante el tipo. A McAvoy le pasa un poco lo mismo, su función es dar la foto y parecer un buen tío superado por las circunstancias y cuando uno tiene su cara no es un esfuerzo sobrehumano. Es la siniestra niña Saorsie Ronan el descubrimiento evidente de la película, aunque tampoco sea una tipología de personaje especialmente innovadora. Sea como sea, lo cierto es que es el motor del relato y, tanto a nivel interpretativo como a nivel narrativo, lo mejor de la película viene de su mano. Y no dejemos fuera a la Redgrave que, en lo que es prácticamente un cameo -con guiño incorporado, ya que el que la acompaña es el director Anthony Minghella-, se come con patatas a los otros dos que se han pasado más de hora y media con sus desvelos.

En el aspecto técnico y artístico sí que es incuestionable. La banda sonora, aun pasándose de subrayado en la segunda parte, presenta un enfoque interesante que se acopla a la perfección con la particular forma del relato lo que, como ya hemos comentado, no es particularmente sencillo. En cuanto a la fotografía es un espectáculo de sepias y colores satinados que se suma al trabajo de vestuario y maquillaje aunque también peque en más de una ocasión de exceso de composición. Si alguna posibilidad tiene en los Oscars será por aquí.

Por resumir, Expiación es una bonita película, con una gran historia, pero que tiene tantos puntos de fuga en la forma como virtudes en el fondo. Recomendable, sí. Prescindible, también.

Berlinale 2008

2008-02-16T21:38:00.008+01:00

Como siempre por estas fechas abre el año de la primera división de los festivales el de Berlín, que con esto del cambio climático ya no es ni frío ni gris. De un tiempo a esta parte, eso sí, la que se ha vuelto bastante fría y gris es la programación de un festival que, de hecho, solía ser de lo más destacable de Europa. Ni tan localista como el de San Sebastián, ni tan pendiente del 'glamour' como el de Cannes ni con tanto afán de diferencia como el de Venecia. Desde aquel año 2005 con el fiascazo de la versión zulú de Carmen, el programa del festival ha sido más bien irregular y en las sucesivas ediciones el jurado se ha tenido que ir agarrando a los pocos trabajos interesantes presentados para salvar el palmarés. Por si fuera poco, el jurado de este año se quedó cojo cuando Susanne Bier y Sandrine Bonnaire, que podrían haber sido dos puntos de vista interesantes, tuvieron que abandonar el festival, la una por razones laborales y la otra por asuntos familiares.

Así pues, la edición de este año ha sido fiel reflejo de esa tendencia y ha habido que rebuscar para conceder algunos de los grandes premios. Seguramente muy influenciado por la presidencia del jurado de Costa-Gavras, el director político por excelencia, el Oso de Oro de este año ha sido para la contundente Tropa de élite, de José Padilha. La que se ha descrito como el reverso de Ciudad de Dios retrata la hipocresía del sistema en Río de Janeiro donde, con motivo de la visita del Papa, mientras el ejército masacra a cuanto se mueve entre las favelas para "limpiar" las calles, la policía y los cargos públicos se siguen beneficiando de corruptelas y tráficos de influencias.

También el Gran Premio del Jurado ha sido para una película combativa. El documental Standard Operating Procedure narra en formato de superproducción las torturas de Abu Ghraib con los testimonios de los implicados, aunque todo el mundo sepa que ellos no fueron los responsables exclusivos. Por si fuera poco, el encargado de ponerle luz a la historia es el director de fotografía Robert Richardson cuyo trabajo ayuda a recrudecer las imágenes.

Y si de grandes trabajos técnico-artísticos hablamos, cómo no destacar a la que probablemente sea la gran triunfadora de esta edición: There will be blood. Esta historia multinominada a los Oscars y basada en la novela de Upton Sinclair Oil! ha conseguido el premio al mejor director para Paul Thomas Anderson -que ya se llevara el Oso de Oro hace años con Magnolia- y el de mejor contribución artística para el guitarrista de Radiohead, Jonny Greenwood, encargado de su banda sonora e inmisericordemente ninguneado por los Oscars.

En cuanto a los premios de actuación, el femenino ha sido para Sally Hawkings, de nuevo la protagonista de un trabajo de Mike Leigh, Happy-Go-Lucky. Aunque nunca sorprende que un intérprete de película de Mike Leigh se lleve premios, sí que parece ser que no hay acuerdo en este caso. El nombre que más sonaba era el de la casi siempre estupenda Kristin Scott Thomas por su trabajo en Il y a longtemps que je t'aime, pero en una edición en la que han sobrado películas de personajes torturadores y asesinos de niños, es muy posible que el jurado haya intentado compensar dándole el premio a un personaje eternamente positivo como el de Hawkings. En cuanto al masculino ha sido para Reza Najie por la iraní The song of sparrows, una de esas pequeñas películas que pasan desapercibidas en los festivales importantes, dirigida por el gran Majid Majidi, autor de las multipremiadas El color del paraíso y Los niños del paraíso.

Completando el palmarés tenemos los nuevos trabajos de dos directores a contracorriente. El chino Xiaoshuai Wang, autor de La bicicleta de Pekín, obra cumbre de lo que se ha dado en llamar Sexta Generación del Cine Chino, se ha llevado el premio a mejor guión gracias a In love we trust, la historia de una pareja divorciada que para salvar a su hija necesitan tener otro hijo... el problema es que ambos ya están casados de nuevo. Por su lado, Fernando Eimbcke, director de la generacional Temporada de patos, se ha llevado el premio Alfred Bauer y el de la crítica por su trabajo Lake Tahoe que, centrada también en un adolescente, retrata cómo afrontan él y su familia la muerte del padre.

Y hasta aquí lo que ha dado de sí esta edición. A ver si el año que viene la cosa vuelve por sus fueros y volvemos a hablar del descubrimiento de algún gran trabajo. Mientras tanto, aquí está el palmarés:

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE BERLÍN (BERLINALE) 2008

SECCIÓN OFICIAL

OSO DE ORO A MEJOR PELÍCULA para "TROPA DE ÉLITE", dirigida por José Padilha

OSO DE PLATA - GRAN PREMIO DEL JURADO "STANDARD OPERATING PROCEDURE", dirigida por Errol Morris

OSO DE PLATA AL MEJOR DIRECTOR para Paul Thomas Anderson, por "THERE WILL BE BLOOD"

OSO DE PLATA AL MEJOR ACTOR para Reza Najie, por "AVAZE GONJESHK-HA (The song of the sparrows)", de Majid Majidi

OSO DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ para Sally Hawkins, por "HAPPY-GO-LUCKY", de Mike Leigh

OSO DE PLATA A LA MEJOR CONTRIBUCIÓN ARTÍSTICA para Jonny Greenwood por la banda sonora de "THERE WILL BE BLOOD", de Paul Thomas Anderson

OSO DE PLATA AL MEJOR GUIÓN para Xiaoshuai Wang por "ZUO YOU (In love we trust)"

PREMIO ALFRED BAUER (FUNDADOR DEL FESTIVAL) para "LAKE TAHOE", de Fernando Eimbcke

PREMIOS DE LOS JURADOS INDEPENDIENTES

PREMIOS DE LA FEDERACIÓN INTERNACIONAL DE PRENSA CINEMATOGRÁFICA (FIPRESCI) para "LAKE TAHOE" de Fernando Eimbcke, en la sección oficial; "RUSALKA (Mermaid)", de Anna Melikian, en la sección 'Panorama' y para "SHAHIDA, BRIDES OF ALLAH", de Natalie Assouline, en la sección 'Forum'.

PREMIOS DE LA CONFEDERACIÓN INTERNACIONAL DE CINES DE ARTE Y ENSAYO (CICAE) para "Revanche" de Götz Spielmann, en la sección 'Panorama' y para "United Red Army" de Wakamatsu Koji, en la sección 'Forum'.

ROAD TO THE OSCARS (32): Cortos nominados a los Oscars

2008-02-13T00:10:00.000+01:00

Como todos los años me traigo para acá los cortos nominados a los Oscars que he podido cazar. Se nota que cada vez más las productoras meten mano en las páginas de vídeos para que no se cuelguen cortos. Esta vez la cosecha ha sido paupérrima y sólo he conseguido 4 de los de animación. Nada que hacer con los de acción real. Pero, bueno, qué más queréis. Aquí tenéis para echar el rato y ver lo que se cuece por ahí que, por lo que he visto, son una maravilla. Un día de estos nos empapela la SGAE pero, mientras sigan colgados, disfrutad de las pelis:

Madame Tutli-Putli

Même Les Pigeons Vont au Paradis (Even Pigeons Go to Heaven)

Moya Lyubov (My Love)

Peter & The Wolf

En cartelera: 4 meses, 3 semanas y 2 días

2008-02-11T00:18:00.000+01:00

Y la tercera en tres días es otra de las películas del año, la rumana 4 meses, 3 semanas y 2 días.

La historia, tan terrible como suena, es la de dos compañeras de universidad que en la dictadura de Ceauşescu tratan por todos los medios de que una de ellas pueda abortar (desde el 66 los anticonceptivos estaban prohibidos y el aborto estaba gravemente penado). La gran virtud de la película está en que no entra a establecer juicios de valor y, en ese sentido, es casi más un 'thriller' angustioso que sigue las andanzas de estas chicas por los bajos fondos que una película de tesis. Como Michael Haneke en Caché o Kieslowski en sus películas de los 80, Mungiu analiza los actos de sus personajes a base de enormes elipsis y primeros planos fijos de 5 y 10 minutos. No entra a discutir si la chica embarazada hace bien en abortar, la amiga en ayudarla o el tipo que lo realiza en aprovecharse de ellas a cambio. Sencillamente las circunstancias son así y el director las muestra sin ningún tipo de reparo. Ni siquiera se cita en ningún momento a Ceauşescu o el comunismo. No es su intención hacer un retrato del poder sobre las vidas ajenas como en La vida de los otros. Las dificultades perfectamente asumidas a la hora de conseguir una habitación de hotel o un simple desodorante ya hablan por sí mismas de la situación. Si En el Valle de Elah mostraba la deshumanización que causaba la guerra sin mostrarla, 4 meses, 3 semanas y 2 días es un retrato sin concesiones de la destrucción moral sin que haga falta en ningún momento cuestionar el régimen. La imagen de un feto en una toalla del baño de un hotel es bastante explícita al respecto.

El cine rumano ha pasado en los últimos tiempos de ser mano de obra barata para grandes superproducciones a ser una industria todavía pequeña pero con proyección. Después de la exitosa La muerte del señor Lazarescu, 4 meses, 3 semanas y 2 días ha dado el gran salto arrasando con todos los premios por los que ha pasado, desde la Palma de Oro en Cannes a los premios del Cine europeo, pasando por su recorrido americano que se ha visto injustamente frenado de camino a los Oscars. Gran parte de este éxito no sólo es consecuencia de este renacer del cine psicológico oriental sino de sus intérpretes, en especial de Anamaria Marinca. Marinca es la amiga decidida, la superviviente integrada en los engranajes de la clandestinidad para poder seguir con su vida que, como un sabueso, busca la salida a todos los pasadizos oscuros por los que les tocará pasar. Es la que hace lo que la situación pide sin cuestionarse demasiado con prejuicios y que en un terrible plano final no puede más que mirar al espectador para decirle "sí, aquí estoy". Un personaje que tiene que cargar con un pasado humilde y que todo el mundo sabe que estudia ciencias técnicas para que el régimen no la devuelva al campo. Que carga con la charla superficial de la familia de su novio porque sabe que es su deber, aunque sabe también que ha dejado a su amiga sola en una miserable habitación de hotel. La ambigüedad moral no por convicción sino por obligación asumida. Seguramente dos años más tarde podríamos asumir que formaría parte de las manifestaciones para derrocar el régimen pero, mientras, lo que toca es sobrevivir y ella lo hace.

Decir más de una película que se autoimpone tanto silencio sería serle infiel. Así que sólo queda la recomendación para todo aquel que se atreva a acercarse a una visión diferente del mundo y de la narrativa clásica. Una visión que respeta a sus protagonistas con todos sus lastres y que ni siquiera deja en manos del espectador la posibilidad de un juicio. No es una historia sobre el aborto, es una historia sobre personas y su forma de afrontar las circunstancias. ¿Podrá el espectador afrontarla? Prueben.

ROAD TO THE OSCARS (31): Premios BAFTA 2008

2008-02-09T23:04:00.000+01:00

Se entregaron ya también los premios de la Academia británica, los BAFTA, y parece que está todo dentro de lo previsto aunque hay pequeñas variaciones interesantes. Expiación, como era de esperar, se ha llevado el premio a la mejor película aunque, irónicamente, This is England la ha ganado en la categoría de mejor película británica. No country for old men se ha llevado el premio de dirección y el de Bardem, mientras que el de guión lo ha perdido a manos de la revelación de la temporada, La escafandra y la mariposa. El de guión original ha sido, claro está, para Diablo Cody y su Juno. En cuanto al resto de los de actuación, Day-Lewis ha confirmado el suyo de principal y han sido las chicas las que han dado la sorpresa con Marion Cotillard en la categoría principal y Tilda Swinton en la de reparto. Del resto ya veremos si para los Oscars La vie en rose mantiene ese listón tan alto o se produce un reparto más equitativo de técnicos. Mientras esperamos a lo que ocurra de aquí a dos semanas nos quedamos con lo que han dicho los británicos:

PREMIOS BAFTA 2008

Mejor Película
"Expiación", dirigida por Joe Wright

Premio Alexander Korda a la Mejor Película Británica del Año
"This Is England", dirigida por Shane Meadows

Premio Carl Foreman al Director, Guionista o Productor Británico Debutante
Matt Greenhalgh, guionista de "Control"

Premio David Lean a Mejor Dirección
Joel & Ethan Coen, por "No Country for Old Men"

Mejor Actor Principal
Daniel Day-Lewis, por "There Will Be Blood"

Mejor Actriz Principal
Marion Cotillard, por "La Vie en Rose"

Mejor Actor de Reparto
Javier Bardem, por "No Country for Old Men"

Mejor Actriz de Reparto
Tilda Swinton, por "Michael Clayton"

Mejor Guión Original
"Juno", escrito por Diablo Cody

Mejor Guión Adaptado
"La Escafandra y la Mariposa", escrito por Ronald Harwood

Premio Anthony Asquith a la Mejor Música
"La Vie en Rose", compuesta por Christopher Gunning

Mejor Dirección de Fotografía
"No Country For Old Men", de Roger Deakins

Mejor Diseño de Producción
"Expiación"

Mejor Montaje
"El Ultimátum de Bourne"

Mejor Sonido
"El Ultimátum de Bourne"

Mejores Efectos Visuales
"La Brújula Dorada"

Mejor Diseño de Vestuario
"La Vie en Rose"

Mejor Maquillaje y Peluquería
"La Vie en Rose"

Mejor Película en Lengua No Inglesa
"La Vida de los Otros", de Florian Henckel von Donnersmarck

Mejor Película de Animación
"Ratatouille", de Brad Bird

Mejor Cortometraje de Ficción
"Dog Altogether"

Mejor Cortometraje de Animación
"The Pearce Sisters"

ROAD TO THE OSCARS (30): Premios Writers Guild of America (WGA) 2007

2008-02-09T23:03:00.001+01:00

Los guionistas en huelga son los últimos en hablar y le dan su visto bueno a los favoritos. El increíble guión de Juno se lleva el premio en la categoría original y la adaptación del relato de Cormac McCarthy No country for old men hace lo propio en la suya. Para los que apostamos esto parece ponerse fácil:

PREMIOS WRITERS GUILD OF AMERICA (WGA) 2007

Mejor Guión Original
"Juno", escrito por Diablo Cody

Mejor Guión Adaptado
"No Country For Old Men", escrito por Ethan Coen & Joel Coen, basado en la novela de Cormac McCarthy

ROAD TO THE OSCARS (29): Premios Annie 2007

2008-02-09T22:53:00.000+01:00

Se le siguen poniendo difíciles las cosas a Persepolis porque anoche Ratatouille arrasó con los premios Annie llevándose 9 de los 11 a los que estaba nominada, lo que supone casi el total de los premios (sólo han quedado dos para Locos por el surf y el tercero ha sido para el corto Your friend the rat que, básicamente, es más Ratatouille). En los Oscars será diferente porque el bulto no pesa tanto, pero las cosas se le ponen feas a Marjane Satrapi.

Annie al Mejor Largometraje de Animación
"Ratatouille"

Annie al Mejor Cortometraje de Animación
"Your Friend The Rat"

En cartelera: En el Valle de Elah

2008-02-09T21:44:00.000+01:00

Seguimos de maratón con otra vieja apuesta desde que se estrenara allá por el festival de Venecia en un importante rumor de premios. Al final se ha quedado sólo con la nominación a mejor actor en los Oscars, pero ya parece bastante teniendo en cuenta el fuelle que había perdido. Se trata, obviamente, de En el Valle de Elah.

Después de su estela debut con Crash, Paul Haggis retorna a los dramas autogenerados por el propio ser humano con una película que se ha definido como el mejor relato sobre la guerra de Irak. Y todo sin apenas mostrar el campo de batalla. La historia es la de Hank Deerfield (Tommy Lee Jones), un policía militar retirado cuyo hijo desaparece apenas días después de su retorno de Irak, y la meticulosa búsqueda de los hechos que emprende junto a una detective local (Charlize Theron). Mientras el ejército intenta ocultar cualquier rastro de lo sucedido, un padre obstinado y una agente que necesita demostrarse a sí misma su valor, se empeñarán en mover cielo y tierra para descubrir lo ocurrido. Y según avance la narración, no sólo descubrirán lo ocurrido con el chaval, sino la deshumanización a la que la guerra les ha llevado tanto a él como a sus compañeros de unidad. "Es la forma de afrontarlo", dicen, mientras un impertérrito veterano de guerra escruta sus rostros intentando averiguar el porqué.

Hablar del trabajo de Tommy Lee Jones a estas alturas con un Oscar a sus espaldas y teniendo en cuenta que sus últimos proyectos han sido Los tres entierros de Melquiades Estrada y No country for old men suena ridículo, pero no cabe menos que destacar una interpretación que entre tanto 'buzz' le ha valido colarse y conseguir su tercera nominación al Oscar. Como el Ethan Edwards de Centauros del desierto, Hank Deerfield es un personaje de vuelta de todo que emprende una búsqueda desesperada aunque sepa a ciencia cierta que los frutos serán de todo menos afortunados. Es ese empeño el que derrumba todos los muros que se interponen y como David en el valle que da nombre a la película será capaz de vencer a Goliath. Que la batalla haya servido para algo ya es más difícil de decidir.

Perfecta réplica le da Charlize Theron que, aunque no había nacido cuando Jones ya hacía sus pinitos en el cine, tiene también una larga y exitosa trayectoria aunque no menos irregular. En sus últimos tiempos, eso sí, ha dejado sus papeles de chica guapa para dejar aflorar una inteligencia interpretativa fuera de lo común. Sin necesidad del trabajo de maquillaje de Monster, sólo con una coleta, una camisa blanca y una chaqueta gris, la Theron se convierte en un sabueso inquieto cuyo único interés es hacer su trabajo de la manera adecuada. Así, con dos personajes tratando de hacer lo que deben, se establece un 'tour de force' en el que casi parecen luchar por demostrar quién está mejor de ambos. Gana Tommy Lee Jones. Es demasiado bueno y tiene demasiadas arrugas. Pero es un gran espectáculo verles moverse a ambos por la pantalla. Y no olvidemos a Susan Sarandon que, aunque muy incidental, tiene un personaje que se merecería un relato aparte.

Y hagamos un aparte para el aspecto técnico-artístico. La película basa su solidez en un guión sin concesiones a la galería y en unas interpretaciones sobrias que dan la talla, pero el relato es de una depuración técnica muy cercana a la que ya se viera en Crash. La dirección de fotografía -de la que está a cargo uno de los personajes del año, Roger Deakins- es de una rotundidad incuestionable, a la altura de aquella alienación de Paris, Texas, llena de paisajes desolados y luces artificiales penumbrosas. Y la banda sonora de Mark Isham es fundamental a la hora de crear el clima de desolación que puebla la película sin contar con la aparición, claro, de la gran Bird York, que se quedara sin un Oscar casi seguro por Crash.

Por no añadir mucho más, sólo decir que sumamos En el Valle de Elah a la larga lista de buenos trabajos que pueblan el cine estos días y que seguirán llegando de aquí a a final de mes. Y que ojalá Brian de Palma se dejara de gilipolleces de relatos de guerra multimedia y contase una historia así, como debe ser.

En cartelera: Juno

2008-02-08T22:38:00.000+01:00

Después de un mes sin ir al cine y bastante más sin comentar ni una sola película decidí que era hora de volver a lo grande y qué mejor para eso que hacerlo con Juno. La lista era larga y los nombres buenos, pero esta fue la elegida. Más que digna heredera del espíritu de Little Miss Sunshine cuenta la historia de Juno, hija mayor de una familia desestructurada, que, tras quedarse embarazada, decide que la solución ideal es tener al niño y buscarle la familia perfecta en el intervalo para que no viva lo que ella ha vivido. Obviamente la cosa no es tan fácil y el mundo no parece tan preparado a asumir responsabilidades como la joven Juno.

El director de todo esto es Jason Reitman que debutara hace dos años con la genial Thank you for smoking. El que recuerde aquella ya se imaginará que esto no es un drama de adolescentes embarazadas que tienen que reconducir sus vidas, es la historia de una chica inquieta, deslenguada y tremendamente autoconsciente cuyo paso a la madurez se acelera algo más de la cuenta y que asume una decisión tan tremenda con la sencillez y el sarcasmo que afronta todo lo demás. Pero la película no se desliza por la pendiente reslabadiza del humor gamberro de Lío embarazoso y otras películas de la factoría Apatow. Por el contrario, entre tanta ironía apuesta por el retrato tierno de la búsqueda de un lugar en el mundo, del amor y, sobre todo, de la estabilidad vital. De hecho, al viejo estilo del 'indie' americano, el relato avanza con las estaciones del año, desde la crisis del otoño a las dudas del invierno, acabando con las resoluciones primaverales. Y todo esto lo hace apoyada en uno de los guiones más atrevidamente frescos, sinceros y sin complejos que se hayan escrito en los últimos tiempos. La debutante Diablo Cody, cuyo paso por la vida no se aleja demasiado del de la propia Juno, ha convertido una historia llena de 'gags' adolescentes (por favor, ese teléfono hamburguesa) en uno de los mayores fenómenos del año. Los diálogos resultan tan naturales que es imposible no reírse con la misma naturalidad.

Y pasamos al meollo de la cuestión, al motivo principal por el que un guión así puede dar el salto a la pantalla, a su protagonista, la enorme Ellen Page. Lo de la Page con apenas 20 años sólo se puede describir como monstruoso. Debutó con una de las grandes referencias del 'indie' canadiense, la serie Trailer park boys, y dejó a muchos boquiabiertos con su aparición en Wilby Wonderful, pero sin duda el gran salto de calidad lo dio con la increíblemente perversa Hard candy en la que daba vida a la Caperucita que se comía al lobo. En este caso, Ellen Page, con sus pecas, su mirada inquisitiva y su 'fast talking', es sin duda la perfecta Juno. Sólo con verla caminar con su gran barriga y su bandolera a cuestas ya se comprende que es una actriz diferente -por si declarar que sus modelos son Kate Winslet, Laura Linney y Sissi Spacek no fuera suficiente-. Si sigue ascendiendo así, de aquí a 5 años será incuestionablemente una de las mejores actrices del momento. Apártate Scarlett porque llega el relevo en su versión más precoz todavía.

Pero Ellen Page no está sola en esto. Junto a ella están el habitual tipo duro J.K. Simmons que interpreta a su abnegado padre, la ex-secretaria de prensa de El ala oeste Allison Janney, el ganador del Globo por Arrested development Patrick Bateman y Jennifer Garner. También de la cantera de Arrested development sale Michael Cera, que a sus 18 años se ha convertido en el espejo de una generación de nuevos 'geeks' gracias a su personaje en Superbad y al Paulie Bleeker de Juno, padre sin premeditación y con bastante poca alevosía de la criatura -no vamos a considerar violación que Ellen Page se te tire encima, pero se acercaría bastante-. Y casi tan protagonista como los actores es, cómo no, la música de la película. Cada transición va acompañada por el humor absurdo de las letras infantiles de Kimya Dawson a lo que hay que sumar la devoción por el 'punk' de Juno, fundamental en su relación con el personaje de Jason Bateman, músico frustrado, fan de Sonic Youth, dedicado a los 'jingles' publicitarios que precisamente se replantea su vida tras conocer a la joven embarazada. Si a esto le sumamos las apariciones de la Velvet Underground, Moldy Peaches, Cat Power o, claro está, ese mito 'indie' que son Belle & Sebastian, tenemos una banda sonora no original digna de compararse con aquella inmensa de Garden State.

Poco más que decir. Juno es sin ningún lugar a duda una de las películas más memorables de la temporada y como le pasó a Little Miss Sunshine, aunque sean otras las que se lleven los premios grandes, será esta pequeña película la que perdure en la memoria colectiva.

ROAD TO THE OSCARS (28): Premios Producers Guild of America (PGA) 2008

2008-02-02T23:12:00.000+01:00

Y con los productores hacen tres. A falta de los guionistas por anunciar, No country for old men sigue arrasando de camino a los Oscars y ya se ha llevado todos los premios clave hasta la fecha: el DGA, el de conjunto de los SAG y ahora el de los productores. Si sigue estoy así va a quedar poca tela que cortar de aquí en tres semanas:

PREMIOS PRODUCERS GUILD OF AMERICA (PGA) 2008

Premio Darryl F. Zanuck a la Producción Cinematográfica del Año
"No Country For Old Men"

Premio a la Producción de Animación del Año
"Ratatouille"

Premio a la Producción Documental del Año
"Sicko"

Premio David L. Wolper a la Producción de Largometraje para Televisión
"Bury My Heart At Wounded Knee"

Premio Norman Felton a la Producción Dramática por Episodios
"Los Soprano"

Premio Danny Thomas a la Producción Cómica por Episodios
"30 Rock"