Pouvoir se retrouver en petit comité à Cabourg, Mon Amour

La plage de Cap Cabourg, c’est le rendez-vous pour les amoureux de musique en juin, en Normandie. Étalé sur trois jours, le festival invite les participants à s’amuser au rythme des différents sets, les pieds dans le sable. Une expérience particulière instaurée par le décor bleu de la mer et l’organisation intimiste. Pas besoin de grosses infrastructures, le paysage naturel et des stands en bois suffisent à répondre aux besoins des festivaliers. Pourquoi surcharger la scène des artistes lorsque Cabourg offre déjà la scénographie adéquate ?

Un décor parfait pour assurer le bon déroulement de l’évènement qui se veut familial et accessible à tous. Les petits comme les grands peuvent profiter de la musique live et des différentes activités prévues lors de ce week-end de solstice d’été. Un tour de force possible grâce à la volonté de l’organisation de proposer un festival à taille humaine. En limitant le nombre de participants à 10 000, l’évènement conserve son essence de moment partagé en petit comité où il est probable de croiser des visages familiers au fil des éditions.

Et pour le vivre pleinement, pas question de mettre en place des restrictions. À Cabourg, Mon Amour, on ne retrouve pas d’espace VIP ou de backstage, tout le monde se mélange pour profiter dans des conditions identiques. On danse ensemble sur les chansons performées en live ou remixés lors des DJ sets, on se repose sur le sable juste après ou on participe aux activités prévues.

Si la musique est un point important des festivals de musique, Cabourg, Mon Amour vous propose de vous divertir autrement lors de votre passage dans le sable. À commencer par des jeux de plage, de la pétanque, un terrain de football, du Mölkky, pour renforcer le lien de communauté mis en avant par l’ambiance du festival. Un stand de vinyles est également présent afin de poursuivre l’expérience musicale une fois le week-end achevé !

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Et la musique du coup ?

Évidemment, on n’oublie pas la musique, sans qui rien ne serait possible en festival. Cabourg, Mon Amour réunis un line up diversifié pour plaire à tous les goûts. De la pop, du rock, du rap, de l’électro, se mêlent à d’autres sonorités durant ces trois jours de célébration musicale. L’occasion de découvrir de nouveaux artistes ou de retrouver des noms qui contrôlent déjà nos playlists.

Depuis sa création en 2012, le festival a vu performer Cigarette After Sex, L’Impératrice, Angèle, Zaho De Sagazan, ou encore Yseult sur ses deux scènes. Pour sa douzième édition, Cabourg, Mon Amour accueillera plus d’une vingtaine d’artistes répartis sur les soirées du 18, 19 et 20 juin.

Si vous retrouvez sur la plage jusqu’au coucher du soleil en faisant la fête sur de la bonne musique live en Normandie vous parle, vous vous retrouverez face à : Zélie, Sam Sauvage, Noéé, Maëm, Almighty Versa, Art Longo, Marcia, Louve, Thibaut, Blowsom, Kid Sophie, Vendredi Sur Mer, P.R2B, Lushe, Billet Doux, Louise Charbonnel, Teddy Bear et Juste Shani.

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Julien Granel, Lizy, Fleur De Mur, Léandre, DJ Football, Thib Doyce, Valentine Groove et Cracki VS R&D assureront chacun un DJ set.

Sans oublier la présence de la Charcuterie musicale, l’animation blind test ambulante qui agît comme contre-soirée pour certains festivaliers !

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Le Street Art Fest Grenoble-Alpes perdure

Le Street Art Fest Grenoble-Alpes a grandi depuis plus de dix ans. Spacejunk, l’association qui assure son organisation depuis 2015, a amené son événement à s’étendre au-delà de Grenoble au fil des éditions. Les artistes se sont appropriés les murs d’une dizaine de villes, constituant un véritable « musée à ciel ouvert ». Une appellation dont est fier Jérôme Catz, le fondateur, qui souhaitait faire davantage rayonner la richesse du street art dans l’espace public.

Le Street Art Fest Grenoble-Alpes, c’est le rendez-vous d’art urbain annuel à ne pas manquer pour tous les fans d’art urbain (et ceux en devenir). Une occasion d’explorer les différents sites où la couleur prend possession des murs devant leurs yeux. Pour les plus sportifs, il sera possible de découvrir les fresques lors d’un running matinal. Une façon de poser un regard nouveau sur l’art, en mêlant culture et sport.

Si le street art s’exprime principalement dans la rue, Spacejunk veut aussi mettre en lumière le travail d’atelier des artistes invités. Chaque année, l’Ancien Musée de Peinture de Grenoble accueille une exposition collective réunissant des œuvres diverses sur 1000 m2. Des peintures sur toiles aux réalisations sur les murs, le Street Art Fest Grenoble-Alpes propose de découvrir leurs talents de plasticien afin de « permettre aux personnes de rencontrer l’artiste dans toute sa globalité », explique Jérôme Catz pour Beware Magazine.

Une seconde exposition investit l’enceinte du musée. Cette fois-ci, l’espace dédié se concentre sur le travail d’un seul artiste : le peintre français KogaOne. Ses œuvres, où réalisme et aplat de peinture se superposent, demandent au public de prendre le temps de la réflexion. Questionner, transmettre des messages, des points importants pour Jérôme Catz qui voit de la beauté dans l’art engagé : « Une fresque est deux fois plus belle si elle transporte un message », livre-t-il.

Les différents univers de ces artistes sont à explorer du mercredi au dimanche de 13 h à 19 h. L’inauguration de l’exposition aura lieu le samedi 30 mai à 18 h 30.

La 12e édition apporte son lot de nouveautés

À l’occasion de cette 12e édition, l’organisation du Street Art Fest Grenoble-Alpes propose quelques nouveautés à son public. À commencer par la parution d’un troisième livre regroupant les oeuvres réalisées en 2020, 2021 et 2022. Le travail de ces trois années conservé entre 288 pages pour qu’il ne disparaisse jamais. L’ouvrage est à retrouver à l’Ancien Musée de Peinture de Grenoble à partir du dimanche 31 mai. Une version limitée du livre est déjà disponible à l’achat en ligne !

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Le livre n’est pas la seule forme de conservation imaginée par Spacejunk. Cinq ans après sa première version, l’application du Street Art Fest Grenoble-Alpes se retrouve enfin entre les mains des amateurs d’art urbain. L’interface offre un large panel d’informations sur le festival au fil des années : (re)découvrez les artistes qui ont marqué son évolution, apprenez-en davantage sur les oeuvres grâce aux descriptions qui les accompagnent, repérez les murs redéfinis par l’art à l’aide des cartes présentes !

Pour se plonger dans le monde du festival à partir de son téléphone, ça se passe ici !

Mais la grosse nouveauté de cette 12e édition, c’est l’aménagement d’une série de murs éphémères. Quatre murs réunis au même endroit se verront recouverts pour un temps défini, avant d’être remplacés par de nouvelles fresques au fil de l’année. Durant plus d’une décennie, le Street Art Fest Grenoble-Alpes a assuré le développement d’un patrimoine culturel important avec plus de 400 d’oeuvres à travers la métropole. Pour la première fois, il sera possible d’en découvrir plus tout au long de l’année grâce à cette initiative.

L’art se partage. À Grenoble, il est admiré en permanence depuis 2015. Malgré les difficultés budgétaires rencontrées par l’organisation du festival ces dernières années, il continue de perdurer pour permettre à tous de se plonger dans l’univers du street art.

Pour plus d’informations concernant le festival, rendez-vous sur le site internet ou sur leur compte Instagram !

Un succès insolite, une saison qui lui colle à la peau

Tout part d’une trend TikTok. Parce que si la carrière de Zara Larsson décolle vraiment en 2015 avec son single « Lush Life », il faudra attendre 2024 pour qu’elle soit reconnue mondialement. Une reconnaissance qu’elle doit à… un dauphin. Sur un fond paradisiaque où un dauphin saute de l’eau suivant la courbe d’un arc-en-ciel, les internautes partagent leurs pensées sombres en utilisant la musique « Symphony » du groupe britannique Clean Bandit pour laquelle Zara Larsson prête sa voix en 2017.

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La trend a pris tellement d’ampleur qu’elle est arrivée aux oreilles de la chanteuse suédoise. Alors en tournée des festivals, Zara Larsson interprète le son devant un écran géant projetant une animation de dauphins, similaire à celles publiées chaque jour sur les réseaux sociaux. C’est fun, coloré, mais surtout ça plaît à une communauté qui se sent entendue par les artistes. Sans elle, elle n’en aurait pas eu l’idée. Une idée que Zara Larsson n’a eu de cesse de pousser à son maximum.

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En gardant l’essence de son art, elle s’est (re)construite une identité visuelle et musicale plus en phase avec ce que la trend d’origine véhiculait. Ses tenues de scène sont de plus en plus brillantes, elle se tourne vers une palette de couleurs électriques aussi bien pour ses vêtements que son maquillage et s’approprie l’été en répétant que tout au long de l’année que la saison n’est toujours pas finie.

Zara Larsson réunit un casting 100 % féminin pour été coloré

À la sortie de son album « Midnight Sun » en septembre, Zara Larsson est la voix à suivre. Quelques mois plus tard, TikTok refait des merveilles pour sa carrière en mettant en avant son duo avec la chanteuse britannique PinkPantheress sorti en octobre 2025 dans le cadre de son projet « Fancy Some More? », la version remix de sa seconde mixtape « Fancy That ».

Ce vendredi 1er mai, c’est au tour de Zara Larsson de s’essayer à l’exercice des remix avec « Girls Trip ». Sur les dix sons du projet original, la chanteuse sera rejointe par des voix féminines des quatre coins du monde pour un nouvel été mémorable. Shakira, Madison Beer, Khelani ou encore Tyla ajouteront leur patte à des chansons déjà bien connues des fans.

Pour représenter son pays, Zara Larsson fait appel à la chanteuse suédoise Robyn et boucle la boucle des remix en proposant un nouveau duo avec PinkPantheress. Ce projet promet de faire du bruit, à la hauteur de l’album remix de Charli XCX (« Brat and it’s completely different but also still brat », octobre 2024) qui a suivi le Brat Summer de 2024. Zara Larsson s’est réappropriée la saison et compte bien ne pas la laisser lui échapper.

Euroboys, le boysband

Des décors aux tenues, en passant par les chorégraphies, tout rappelle l’esthétique de ces boysbands qui envahissaient les chaines de diffusion il y a trente ans. Les endroits utilisés comme fond sont stratégiques : un rideau rouge, un lac isolé ou encore un garage vide. Pas besoin que cela corresponde aux paroles de la chanson. L’effet dramatique qu’ils apportent grâce à l’attitude mélancolique des rappeurs, combinée au filtre flou ajouté sur la vidéo plonge immédiatement le spectateur à une autre époque.

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Ce n’est pas la première fois qu’un projet de Tommy Cash appelle à la nostalgie. Le mois dernier, l’artiste publiait le clip de son single « Figaro » dans lequel il jouait déjà avec les références du début d’Internet et des codes de montages de la première heure des logiciels. Avec « I Miss Us », ce choix de replacer la musique dans une temporalité où les boysbands étaient les plus écoutés fait sens.

Notre cerveau associe naturellement des idées ; ils ont pris les devants et ont créé cet univers pour leur projet. Parce que « I Miss Us » n’est pas un single isolé, il est le premier d’un EP à trois titres. Sobrement nommé « Boyband », le projet musical devient le premier pas des artistes en tant que Euroboys.

« I Miss Us », le clip

Des premiers prototypes à l’âge d’or de l’Arcade

Si les premiers prototypes de jeu électroniques datent des années 1950, c’est en 1972 que le jeu-vidéo connait son premier succès auprès du grand-public avec Pong. Très vite, ce simulateur de tennis de table s’impose auprès des jeunes américains, puis dans le reste du monde, comme un divertissement incontournable. Avec son esthétique épurée et son gameplay minimaliste (les moyens techniques de l’époque obligent), Pong marque son temps et les joueurs et joueuses du monde entier.

Grâce au progrès technologique et à l’interêt suscité par cette nouvelle industrie, l’âge d’or des jeux-vidéo d’arcade se déploient jusqu’au krach boursier de 1983 aux États-Unis. À cet instant de son histoire, le marché vidéo-ludique est alors saturé de propositions de gameplay trop similaires qui, couplées à l’avènement des consoles de salon et à des critiques de plus en plus virulentes de la part des conservateurs américains, s’avèrent fatales pour l’industrie américaine.

Une nouvelle manière de raconter des histoires

Mais dans la décennie suivante, l’essor du jeu-vidéo japonais permet à l’industrie de poursuivre son développement auprès d’un public de plus en plus nombreux. Parmi les fers de lance de cette nouvelle vague, le jeu Super Mario Bros, sorti en 1985, se démarque clairement de la concurrence. Suivront The Legend of Zelda et Metroid en 1986, permettant à Nintendo de poser une empreinte graphique remarquable dans l’inconscient collectif. Grâce à des compositeurs tels que Koji Kondo ou Nobuo Uematsu, les jeux s’accompagnent désormais de véritables bandes-originales, autant d’apports qui permettent à ce nouveau médium de gagner en maturation.

De leurs côtés, Sega et Capcom, deux autres studios nippons, s’associent à des créateurs tels que Hideo Kojima ou Hironobu Sakaguchi afin d’entamer la création de vastes franchises telles que Metal Gear et Final Fantasy. Doté d’une véritable patte d’auteur et d’un univers d’une densité narrative encore jamais vue dans le jeu-vidéo, ces deux sagas rejoindront bientôt le panthéon des oeuvres de pop culture les plus marquantes de la décennie 80. Quant aux couleurs vives et aux pixels apparents, ils donneront naissance à ce qu’on nomme aujourd’hui le Pixel Art (voir notre article sur Arno Beck et le Pixel Art).

L’arrivée de la 3D et l’émergence de nouvelles formes de récit

Dans les années 90, les nouveaux moteurs graphiques favorisent l’émergence de nouvelles licences. Le premier jeu de tir à la première personne, Wolfenstein 3D sort en 1992, suivront les classiques Doom en 1993, puis Quake en 1996, ouvrant ainsi la porte vers des mondes virtuels en trois dimensions.

Pour des auteurs tels que Hideo Kojima (Konami) ou encore Yoshinori Kitase (Square), cette immersion dans des mondes en trois dimensions stimulent les imaginaires et permet à ces derniers de plonger les joueurs et joueuses dans des histoires à la narration plus complexe. Avec la publication d’oeuvres vidéo-ludiques marquantes, telles que Final Fantasy VII en 1997, ou encore Metal Gear Solid en 1998, leurs créateurs proposent une expérience immersive dans un monde fictif, tout en offrant une lecture politique et critique de la société capitaliste. En guise d’exemple, on trouve dans l’intrigue de Final Fantasy VII la première itération du terme “éco-terroriste” dans un jeu-vidéo, tandis qu’avec Metal Gear Solid, Kojima nous plonge dans un univers dystopique, ou la guerre froide s’est poursuivie après les années 90.

Avec Silent Hill et Resident Evil, le genre horrifique accouche également d’une esthétique forte, faites de brumes épaisses et de musique tantôt intrigantes, stridentes ou oniriques. Pour Silent Hill, c’est d’ailleurs la limite graphique de l’époque qui donnera aux développeurs l’idée de générer un brouillard opaque autour du joueur sur certaines parties de la carte, pour masquer les temps de chargement de la console.

Enfin, grâce au nouveau support CD et aux consoles dernière génération, des compositeurs tels que Nobuo Uematsu ou Koji Kondo s’approprient les codes musicaux du cinéma pour composer des bandes-originales orchestrales, avec des titres tels que Final Fantasy VII et The Legend of Zelda : Ocarina of Time. Quant à Akira Yamoaka, célèbre pour son travail de sound-designer sur Silent Hill premier du nom, mais aussi pour avoir signé l’OST de Silent Hill 2, il s’inspire tout simplement de musiques actuelles telles que l’ambient, le rock alternatif ou la trip-hop, pour créer des ponts entre ces genres et le support vidéo-ludique (voir notre article sur la Drone et l’Ambient Music).

Le tournant du second millénaire et le succès grandissant des franchises

Si les grandes sagas établies durant la décennie précédente poursuivent leur évolution (Metal Gear Solid, Resident Evil, Final Fantasy ou encore Zelda et Mario), d’autres Blockbusters du jeu-vidéo vont voir le jour. Le monde vidéo-ludique devient alors une industrie à plusieurs milliards de dollars, attirant un public de plus en plus nombreux et de tout âge. À ce titre, les franchises Call Of Duty, Halo mais aussi World of Warcraft pour les MMORPG (jeux de rôle en ligne multijoueur), ou encore les jeux de la console Wii, à même de rassembler petits et grands, font figure de nouveaux standards aux yeux du grand-public.

Face à des budgets de plus en plus dantesques, certains jeux prennent le parti de la contemplation et d’une direction artistique plus inspirée. Ainsi, des oeuvres telles que Okami en 2006 s’inspirent du Sumi.e, un mouvement picturale né au VIII ème siècle au Japon, pour donner naissance à un style graphique unique, ainsi qu’à un gameplay des plus originaux, dans lequel vous devez apprendre à maîtriser un pinceau céleste pour combattre vos ennemis et remodeler peu à peu votre environnement.

Avec Ico en 2001 et Shadow of the Colossus en 2005, qui seront suivis en 2016 par The Last Guardian, Fumito Ueda fait la part belle à l’épure et à l’exploration dans des mondes en ruines, où la poésie des images et la beauté des paysages appellent à l’introspection. À l’opposé du caractère spectaculaire des grosses productions de l’époque, l’univers de Ueda tends à s’inscrire dans un registre plus contemplatif, tout en proposant des séquences d’ampleur, où le gigantisme des ennemis tranche avec la vulnérabilité des personnages incarnés.

Au tournant des années 2000-2010 et avec la popularisation des jeux dé-matérialisés , une partie de l’industrie commence à faire sécession afin de proposer des jeux alternatifs. Ces studios indépendants utilisent des services comme Steam ou le PS Store pour mettre en ligne des jeux moins onéreux. Contrairement aux jeux triples A (jeu avec un budget de développement et de promotion des plus conséquents) qui misent sur un gameplay accessible au plus grand nombre, l’expérience proposée par les jeux « indé » se veut plus exigeante, réflexive ou encore soutenue par une direction artistique singulière.

L’avènement des studios indépendants et la naissance d’un modèle alternatif viable

Au cours des années 2010, le jeu-video combine de plus en plus de techniques venant de médiums aussi variés qu’improbables. Si les jeux les plus populaires comptent désormais autant de budget que certaines productions hollywoodiennes, un modèle de développement alternatif se met peu à peu en place grâce à de petits créateurs tels que Markus Persson. En 2009, ce développeur suédois propose la première version en ligne du jeu Minecraft, qui deviendra un véritable phénomène à l’internationale. Cet immense succès, conçu avec un moindre budget et une équipe réduite, prouve qu’une autre économie est possible. Peu à peu, un nouveau marché se met en place via les plateformes de vente en ligne, permettant à des développeurs plus modestes de proposer leurs créations à un public plus large. Des jeux tels que Fez, Super Meat Boy ou Braid, sont parmi les réussites notables de cette nouvelle vague.

Si la complaisance envers les joueurs et joueuses semble devenir un mantra pour de grandes sociétés de production telles que Ubisoft ou Electronic Arts, le modèle indie permet l’expérimentation et la prise de risque, favorisant la création de jeux « ambitieux » et originaux. Tandis que des oeuvres comme Machinarium en 2009 ou Journey en 2012 font la part belle à l’exploration et à la contemplation, d’autres titres tels que Hollow Knight ou Cuphead en 2017 proposent une difficulté ardue, à rebours des standards de l’époque.

Parmi ces titres, des oeuvres tels que Limbo en 2010 ou Inside, du studio Playdead abordent des thèmes peu traités dans les jeux mainstream, telles que la traite d’êtres humains ou encore la maltraitance animale. On peut également citer le désormais classique The Binding of Isaac en 2011, qui expose le point de vue désenchanté d’un petit garçon envers le monde adulte, nous plongeant à travers les projections cauchemardesques de ce-dernier. Des oeuvres tout aussi clivantes, telles que The Stanley Parable en 2013, proposent une réflexion sur l’objet vidéo-ludique en lui-même, brisant avec humour les codes d’un gameplay que ledit jeu s’était pourtant attardé à exposer lors de son introduction.

Au fil de cette décennie, les inspirations pour le développement de jeux-vidéo ne cessent de se diversifier, puisant tour à tour dans la peinture, la musique ou encore dans sa propre histoire, accouchant de mondes aux styles graphiques des plus singuliers. Ainsi, des oeuvres comme Monument Valley en 2014, Fragments of Euclid en 2017 ou encore Manifold Garden en 2019 reprennent le modèle des dessins de l’artiste M.C. Escher pour créer des niveaux aux architectures contrariées et labyrinthiques.

En 2018, l’artiste Conrad Roset s’associe avec d’autres développeurs pour créer le jeu Gris, donnant ainsi vie à son univers picturale jusque là cantonné aux galeries d’art. D’autres jeux tels que Return of the Obra Dinn en 2018 ou Post Void en 2020 s’inspirent directement de l’esthétique retro-gaming pour créer une patte graphique hybride et marquante.

Entre blockbuster et vision d’auteur : vers une frontière de plus en poreuse ?

Dans les années 2010 et jusqu’à aujourd’hui, des créateurs tels que Neil Druckmann et Bruce Straley, avec le dyptique The Last Of Us (2013 et 2020 – voir notre article sur la série The Last of Us), et surtout Hidetaka Miyazaki à l’origine de la série des Souls (Demon’s Souls en 2009, la trilogie Dark Souls en 2011, 2014 et 2016, Bloodborne en 2015, Sekiro en 2019 et Elden Ring en 2022) vont parvenir à concilier leur vision d’auteur avec les contraintes de budget pour proposer des oeuvres originales, à même de rassembler nouvelles générations et joueurs les plus avertis. En s’appuyant sur leur expérience et leur savoir faire, d’autres grands studios tels que Bethesda avec la série Fallout ou The Elder Scrolls, Rockstar Games avec les franchises Grand Theft Auto et Red Dead Redemption ou encore CD Projekt avec The Witcher 3 en 2015, continuent à croître techniquement tout en créant des univers riches, au gameplay et aux intrigues travaillées.

En 2015, Hideo Kojima, qui avait signé la saga Metal Gear Solid, quitte Konami pour adopter un modèle plus indépendant, avec son studio Kojima Productions. Il lance alors le développement de Death Stranding, une oeuvre de SF dans laquelle des acteurs hollywoodiens prêtent leurs traits aux personnages principaux et secondaires. À travers un récit d’exploration et de « livraison de colis », on retrouve dans cette œuvre novatrice les grandes thématiques qui ont fait le sel des précédentes créations de son auteur : des personnages complexes, un monde futuriste et trans-humaniste, ainsi qu’une réflexion sur le médium jeu-vidéo en lui-même.

En 2025, le studio français Kepler Interactive crée la surprise avec Clair Obscur : Expédition 33. Si certains créateurs tels que Michel Ancel avec Beyond Good And Evil en 2003, ou de plus longue date, Frédérick Raynal avec Alone in the Dark en 1992, avaient su allier le fond et la forme, cela faisait longtemps qu’un projet francophone aussi ambitieux n’avait pas obtenu une telle reconnaissance. S’inspirant du système de combat au tour par tour de Final Fantasy, le jeu suit un développement en équipe réduite, dont certains des membres furent recrutés sur des forums de jeux-vidéo indépendants ou sur Reddit. Lorien Testard, le compositeur de la bande-originale, n’avait d’ailleurs à son actif qu’une expérience de professeur de guitare et quelques démos postées sur son compte Soundcloud lorsqu’on lui propose de mettre en musique ce récit de plusieurs dizaines d’heures.

À travers son histoire et depuis les années 50, le monde du jeu-vidéo a connu de nombreuses innovations technologiques, intrinsèquement liées aux partis pris artistiques adoptés par les développeurs et développeuses. S’il est dit que les contraintes sont motrices de créativité, les œuvres vidéo-ludiques en sont un bel exemple. Alors que le jeu-vidéo est aujourd’hui reconnu par ses adeptes comme un art à part entière, à la croisée de multiples médiums artistiques (il faut pour concevoir un jeu-vidéo une diversité de corps de métiers semblable à celle pour réaliser un film ), cette industrie semble de plus en plus menacée par une nouvelle vague d’innovation. L’intelligence artificielle, présente dans de multiples domaines, risque bien de faire pencher la balance bénéfice / prise de risque vers des horizons encore plus mercantiles. À l’aube de cette nouvelle ère et de la standardisation systémique des œuvres artistiques, il est légitime de se demander quel modèle économique emprunteront les productions vidéo-ludiques à venir.

N’hésitez pas à commenter et à partager l’article (et à nous dire si vous avez reconnu l’image ci-dessus).

Se décrivant comme conteur et non comme artiste, racontant les hommes et la terre – aussi bien en photographie que par écrit, via des titres comme De ma terre à la terre –, Sebastião Salgado était un photographe franco-brésilien connu pour ses reportages et sa mise en avant de peuples autochtones d’Amazonie.

Fils d’un éleveur brésilien, seul garçon d’une famille de huit enfants, il avait documenté la famine en Éthiopie et au Sahel, ainsi que le génocide rwandais, et photographié la mine d’or de Serra Pelada, dans le district de la municipalité de Curionópolis, au sud-est de l’État du Pará, à 430 kilomètres au sud de l’embouchure du fleuve Amazone.

Un hommage réalisé par sa femme

« J’ai voulu montrer différents aspects de l’être humain Sebastião Salgado : le père, le photographe et l’écologiste. Ces trois facettes composent en harmonie une grande partie de son essence. En plus d’être un père aimant, il défendait avec intensité une photographie engagée pour des valeurs essentielles à l’humanité et à la planète, ainsi qu’un monde socialement plus égalitaire et écologiquement durable », explique sa femme, Lélia Wanick Salgado.

Si cette exposition – qui dure jusqu’au 30 mai 2026 – retrace les grandes séries emblématiques qui ont marqué sa carrière de photographe à travers des images iconiques, elle revient également sur son lien avec Paris, où le couple s’était installé en 1969 pour fuir la dictature militaire brésilienne. Durant les derniers mois de sa vie, Sebastião Salgado s’était attaché à photographier, au fil des saisons, la capitale dans laquelle il avait passé plus de 50 ans.

L’exposition présente aussi les œuvres picturales du fils Salgado, Rodrigo Salgado. Né avec la trisomie 21, Rodrigo peint depuis son plus jeune âge et son travail sensible reflète les différents états de son existence. Ses œuvres marquent la fin de l’exposition.

Madonna-Sabrina : Rencontre de générations

En réalité, les fans ont déjà eu l’occasion de découvrir « Bring Your Love », le second single de « CONFESSIONS II » sur la scène du festival Coachella il y a deux semaines. Alors que la star montante de la pop, Sabrina Carpenter, performée en tant que tête d’affiche dans un décor hollywoodien, elle a mis entre parenthèses sa scénographie présentée le weekend précédent pour accueillir Madonna.

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Ensemble, les deux chanteuses ont assuré un show secondaire, dédié aux sons emblématiques de l’icône pop. Un duo si bien orchestré que les fans présents ont mis du temps à comprendre qu’une des chansons interprétées… n’était pas encore sortie !

En France, c’est à partir de minuit ce premier mai que nous avons pu écouter le nouveau single dans les meilleures conditions possibles (et plus grâce aux vidéos publiées sur TikTok). « Bring Your Love » ce n’est pas seulement une musique pop dansante, c’est un message de l’industrie musicale aux fans. Au-delà de la mélodie et des paroles écrites, ce sont les voix des deux chanteuses que l’on retient.

Ou plutôt, que l’on essaye de déchiffrer. Parce que quand Madonna et Sabrina Carpenter chantent, leurs voix ne font qu’une. Un tour de force qui appuie ce message de partage. Si Madonna a régné sur la scène pop durant des décennies, Sabrina Carpenter fait partie de ses artistes qui comptent bien marquer sa génération avec sa musique.

Des tenues de scènes extravagantes, des décors fonctionnels, des scénographies toujours plus élaborées, la jeune artiste est allée à bonne école pour comprendre comment créer un univers autour de son art. Collaborer sur une chanson, c’est renforcer ce lien qui unit la scène pop, au lieu de les diviser. On parle souvent de clash des générations, mais l’impact d’un duo est plus important que sa dissonance.

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Choisir Sabrina Carpenter pour porter la seconde voix de ce single n’est pas non plus anodin. La jeune blonde a déjà été comparée à l’icône de la pop dans son style autant musicalement que physiquement, et ne s’est pas privée d’en jouer lors d’un photoshoot avec Vogue USA en mars 2025.

Découvrez le nouveau single de Madonna en duo avec Sabrina Carpenter !

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Le mystère de Waterloo Place

L’art de Banksy est reconnaissable grâce à son style bien défini au fil des décennies et des nombreuses représentations de son travail sur les murs des bâtiments londoniens. Tellement reconnaissable que l’artiste ne signait plus ses fresques depuis quelques années, préférant révéler qu’il était derrière le projet en l’affichant sur Instagram.

Son nom sur une pierre s’est finalement avéré un aveu de la part du street-artiste, une reconnaissance plus tard expliquée par une vidéo de l’installation de la statue. Depuis l’apparition d’un pochoir représentant deux enfants allongés sur le dos, observant le ciel sur deux façades à Bayswater en décembre dernier, l’artiste se faisait discret. Cette statue signe-t-elle son retour ?

Pour l’instant, tout ce qu’on sait de l’œuvre, c’est ce qu’elle veut bien nous dire. Le nouveau résident de Waterloo Place est un homme en costume marchant d’un pas décidé en dehors de son haut socle en pierre. De sa main droite, il brandit fièrement un drapeau qui lui recouvre entièrement le visage. Derrière lui se dresse le club privé, Athenaneum, et de la statue d’Athena, déesse de la sagesse, symbole d’apprentissage et d’intelligence, à qui il doit son nom.

Un endroit stratégique qui fait réagir. Parce qu’Athéna n’est pas la seule à se dresser face à cet homme aveuglé par son drapeau. Des figures historiques ayant marqué l’histoire d’Angleterre sont représentées en bronze autour de ce nouvel arrivant. L’ancien roi Edward VII et la pionnière des soins infirmiers modernes Florence Nightingale lui tiennent compagnie. Un point qui ne ravit pas tout le monde.

Dans la vidéo partagée par l’artiste, il retient l’opinion d’un passant. Un homme âgé, mécontent de la statue et de son emplacement. Un contraste avec les retours positifs que reçoit l’artiste sur ses réseaux sociaux. 

Sa statue dérange, interroge, appelle à la remise en question. Un homme si apprêté, se déplaçant avec conviction devant un monument prônant la conservation d’un certain intellect en petit comité, qui se laisse guider par le drapeau (symbole de patriotisme ?) même lorsque celui-ci l’empêche de voir.
Un choix en réalité, d’obéir aveuglément à ce qui est dit, ce qui est présenté comme la marche à suivre. Alors, se retrouver confronté à cette représentation d’une conviction aujourd’hui activement pointée du doigt, réveille une réaction brute de la part des citoyens. 

Personne n’aime se faire critiquer, pourtant c’est ce que préfère faire l’artiste. Interpeller la société sur des problèmes qu’ils peuvent régler en se remettant en question et se mobilisant. 

Stranger Things : Chroniques de 1985 n’est pas une suite à la série, ni un conte à part, mais bel et bien une histoire complémentaire à l’oeuvre originale. Prenant place durant l’hiver 1985, elle se situe alors entre la saison 2 et 3 de l’univers. Alors qu’El a refermé le portail menant au Monde à l’Envers et que le Flagelleur Mental qui possédait Will s’est envolé dans la nuit, la petite ville d’Hawkins semblait enfin calme jusqu’aux évènements meurtriers de juillet 85.

L’intrigue de ce spin-off animé reprend en janvier, un mois après la dernière scène de la saison 2, et plonge la bande de Mike, Eleven, Lucas, Max, Dustin et Will face à une nouvelle créature qui prend vie au contact des plantes et des personnes qu’elle kidnappe.

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Pour combattre cette menace, le groupe d’amis est rejoint par Nikki, une nouvelle élève au collège d’Hawkins qui se retrouve mêlée aux problèmes du Monde à l’Envers malgré elle.

La nostalgie, le meilleur atout de Stranger Things

Au-delà des monstres et des expériences scientifiques, Stranger Things s’est fait une place en tant que série de référence grâce à son univers construit autour des années 80. Décors, accessoires, musique, tout a été pensé pour rappeler aux adultes comment était la vie à cette époque, ainsi que la faire découvrir aux plus jeunes. Bon, même s’il n’y avait pas de monstres, évidemment.

Une ambiance que l’on retrouve dans la série animée. Le groupe d’origine (+ El, Max et Nikki) est une fois encore au centre de l’histoire et se charge de régler les problèmes qu’il rencontre en sollicitant le moins possible de l’aide extérieure. Les adultes et adolescents qui avaient droit à leur propre quête sont présentés comme des personnages secondaires que l’on voit peu, voire pas du tout. L’intrigue se concentre sur les protagonistes de base : les plus jeunes.

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Stranger Things : Chroniques de 1985 le fait bien comprendre dès le début en démarrant de la même façon que le premier épisode de l’oeuvre originale. Un scientifique en détresse face à une créature venue d’une autre dimension, suivi de l’introduction de Mike et du reste de ses amis juste après le générique.

Si la façon de raconter l’histoire ne change pas, elle s’adapte au format. Avec des épisodes de moins de 30 minutes, les évènements doivent s’enchaîner pour construire une intrigue qui pousse à continuer à regarder. Pas le temps d’instaurer un suspense quand un problème apparaît et qu’il est résolu dans les minutes qui suivent.

Les chroniques de 1985, fausse bonne idée ?

En tant que série animée, Stranger Things : Chroniques de 1985 est divertissante. Elle met en scène des personnages dynamiques, une quête surnaturelle portée par des jeunes ados et une chasse aux monstres, un combo qui plaît toujours en dessin animé tout public. Pour un projet inscrit dans l’univers Stranger Things ? Certains points attirent l’attention… et pas pour une bonne raison.

Passer d’une version live action en cartoon demande des modifications. Les réactions des personnages sont souvent exagérées pour correspondre aux critères de ce nouveau format, même si cela ne respecte pas la personnalité de certains.

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Le point le plus important reste la place du dessin animé dans l’univers Stranger Things. Si les événements de ce nouveau chapitre se sont bien déroulées avant la bataille de centre commercial dans la saison 3, comment expliquer que rien n’a été mentionné depuis ? La bande d’amis ne parle pas de Nikki, alors qu’elle participe à cette aventure, ni des monstres qu’ils ont combattus durant cet hiver.

Alors que les scénaristes ont déjà démontré qu’ils adoraient se répéter. Un reproche fait sur les dialogues de la saison 5, que l’on peut retrouver dans ce nouveau récit qui résout déjà des problématiques qui seront abordées plus tard dans le développement personnel des personnages.

Malgré tout, la série ne dénature pas l’univers déjà établi. Elle apporte une aventure supplémentaire où les plus jeunes redeviennent les héros principaux et incarne la parfaite transition entre le côté sombre de la saison 2 et celui coloré de la saison 3.

Le roi est de retour

Le plus gros vendeur de disques français va sortir son 25 ème album. Un chiffre qui veut tout dire. Absent des réseaux sociaux depuis la sortie de “TP sur TP” en décembre 2025, il sort une bande annonce qui fait déjà frémir ses fans. Lui qui se produit les 15 et 16 mai 2026 au Stade de France et le 29 et 30 mai au Stade Vélodrome va réussir à donner un nouvel élan à sa carrière grâce à un public qui semble plus chaud que jamais.

Au sommet de son art depuis des années, Jul se fait très discret sur les réseaux sociaux et dans les médias. Rares sont ceux qui ont eu la chance de l’interviewer sur leur plateau à la télé ou dans leur studio à la radio. Malgré sa discrétion auprès des médias, il est passé de très nombreuses fois avec sa TEAM sur Skyrock. On peut se demander si Jul veut faire passer un message avec “Oubliez-moi” ou s’il veut qu’on le laisse tranquille. Après des hits l’été dernier comme “Air Force blanche” en featuring avec Gims ou “Phénoménal” issu de son album “DP à vie”, l’idole marseillais va sans doute revenir fort en cette fin de 1er semestre de l’année 2026.

Un album très attendu

Encore quelques semaines à patienter avant la sortie tant attendue de son nouvel album. Après 6 mois d’absence, c’est très long d’attendre pour les fans du J qui les a habitués à un rythme de 4 projets par an même s’il semble avoir ralenti la cadence ces dernières années. “Oubliez-moi” comptera donc 21 titres, un projet assez long, ce qui, pour le coup, est assez habituel pour le J. Là où c’est étonnant, c’est qu’il n’y a qu’un seul featuring sur l’album : “La calle” avec Houari, membre du Ghetto Phénomène, et avec qui Jul a déjà collaboré à de très nombreuses reprises.

Pour l’instant, au vu des noms des morceaux écrits dans la tracklist, on dirait bien qu’aucun single n’a été dévoilé, mais on imagine que le marseillais devrait prochainement sortir des morceaux et des clips pour mettre un coup de projecteur sur cet album à venir. Ce sera le moment de voir si Jul rivalise en termes de ventes avec Ninho, PLK ou La Rvfleuze, les trois plus vendeurs du game depuis le début de l’année 2026, ou s’il écrase la concurrence une nouvelle fois.

Pour la sortie de son prochain album, Jul propose un pack avec le t-shirt Oubliez-moi et le cd sur sa boutique D’or et Platine.

Une fusion toujours plus organique

Le morceau frappe d’emblée par son équilibre. Les rythmiques sont physiques, directes, taillées pour le club — mais les lignes mélodiques ouvrent un espace plus intérieur, presque hypnotique. Les influences arabes ne sont pas posées en surface : elles circulent dans la structure même du titre, comme une langue qu’on parle couramment plutôt qu’un effet qu’on applique.

Sofiane Saïdi, voix chaude et reconnaissable, ancre le morceau dans le concret. Ghita Lahmamssi lui apporte une légèreté qui empêche l’ensemble de se figer. Ensemble, ils donnent à Goulou Marhaba une humanité rare dans l’électro actuelle.

Acid Arab, des passeurs de cultures

Depuis leurs débuts, Acid Arab s’impose comme un véritable pont entre les scènes. Révélé avec l’album « Musique de France » en 2016, le collectif n’a cessé d’élargir son spectre, notamment avec « Trois (٣) » sorti en 2023, où se croisent gasba algérienne, trance anatolienne et influences raï futuristes.

Avec une signature et une capacité unique à fusionner modernité électronique et traditions musicales, tout en collaborant avec des artistes venus d’horizons variés.

Après les récents projets autour de « Yaktın Beni » avec EDIS, notamment revisité par NTO et LB aka Labat, ainsi que « Atlas«  avec Cem Yıldız, ce nouveau single s’inscrit dans une dynamique toujours plus ambitieuse.

Désormais signé sur le label All Night Long, Acid Arab continue de repousser les frontières de la fusion musicale, en explorant de nouvelles collaborations et de nouvelles textures sonores.

Grâce à « Goulou Marhaba », le collectif confirme une chose : leur musique n’a jamais été aussi vivante, libre et tournée vers le monde.

Que ce soit en rentrant d’une journée de travail éreintante, après une journée stressante ou simplement pour se détendre, on a tous besoin d’une série réconfortante pour oublier les problèmes et les tracas du quotidien pendant quelques instants. Pour répondre à ce besoin, les sitcoms semblent être le format idéal. Avec des épisodes courts, drôles et rythmés, ces séries permettent de relâcher la pression et de se vider l’esprit. Beware! a donc dressé la liste des sitcoms incontournables à découvrir ou redécouvrir pour s’évader.

Friends – Marta Kauffman et David Crane

Diffusée de 1994 à 2004, la série qui comporte dix saisons raconte le quotidien d’un groupe d’amis composé de Rachel, Monica, Phoebe, Ross, Joey, et Chandler. Installés à New York, les six amis vivent dans des appartements voisins et se retrouvent régulièrement dans leur café habituel : le Central Perk. La série fait le récit des aventures du groupe, entre leurs relations, leur carrière, leur vie amoureuse. Les personnages sont drôles, attachants et l’on aspire à découvrir leur évolution au fil des saisons.

Brooklyn 99 – Dan Goor et Michael Schur

Sortie en 2013, la sitcom se déroule à Brooklyn, dans la ville de New-York. Dirigés par le capitaine Ray Holt, les employés du commissariat de police du 99^e district, Jake Peralta, Amy Santiago, Rosa Diaz et Charles Boyle gèrent différentes affaires criminelles sous l’égide de leur supérieur. Ils font régulièrement face à des affaires loufoques, tout en évoluant dans leurs relations amicales, amoureuses et professionnelles.

Two Broke Girls – Michael Patrick King et Whitney Cummings

Créée en 2011, la série met en scène Max et Caroline, deux femmes que tout opposent. La première a toujours vécu dans la pauvreté, elle travaille en tant que serveuse dans un dinner à New-York afin de joindre les deux bouts. La deuxième était la fille d’un homme riche, mais son héritage et sa fortune s’est volatilisée lorsqu’un scandale financier autour de son père a éclaté. Elle se retrouve contrainte de trouver un travail. Elle croise la route de Max, qui la prend sous son aile au sein du restaurant et lui propose de devenir sa colocataire. Caroline est alors plongée dans un quotidien loin du luxe auquel elle est habituée. Les deux protagonistes entretiennent une amitié touchante et parfois rocambolesque, marquée par des situations drôles et parfois improbables.

The Good Place – Michael Schur

Composée de cinquante-deux épisodes et diffusée de 2016 à 2020, cette sitcom américaine plonge ses spectateurs dans un univers parallèle qui explore ce qu’il advient des humains après la mort. Eleanor Shellstrop se retrouve par erreur au « bon endroit » et est contrainte d’usurper l’identité d’une bonne personne, ce qu’elle n’était pas sur Terre, pour rester dans cet endroit paradisiaque.

Modern Family – Steven Levitan et Christopher Lloyd

Avec onze saisons et deux cent cinquante épisodes, la famille Pritchett a fait vivre le cœur des spectateurs de 2009 à 2020. Au cœur d’une famille américaine, une équipe de tournage documente le quotidien de plusieurs générations. Ce format de faux documentaire parodique met en scène des personnages drôles, sincères et attachants à travers leurs différents liens, connexions et places au sein de la famille.

The Office – Ricky Gervais et Stephen Merchant

Série culte des années 2000, le programme aux neuf saisons suit le quotidien d’un groupe d’employés d’une entreprise de vente de papier. Dirigée par Micheal Scott, un patron loufoque et exubérant, Pam, Jim, Dwight et les autres sont aussi filmés par une équipe de tournage, transformant la série en un faux documentaire parodique dans lequel les personnages brisent régulièrement le quatrième mur et se confessent face caméra offrant un regard comique sur les relations entre employés et sur l’environnement professionnel.

New Girl – Elizabeth Meriwether

Diffusée de 2011 à 2018, la série suit Jess, qui après sa rupture, doit partir à la recherche d’un nouvel appartement. Elle trouve une colocation à Los Angeles, avec trois hommes : Nick, Schmidt et Winston. Elle doit alors trouver sa place dans ce nouvel environnement et s’acclimater à ses nouveaux colocataires, aux personnalités diverses et parfois comiques.

Plan Cœur – Noémie Saglio, Julien Teisseire et Chris Lang

Du côté français, la série Plan Cœur diffusée de 2018 à 2022 met en scène trois copines, aussi soudées qu’inséparables. Mais Charlotte et Milou sont attristées de voir qu’Elsa n’arrive pas à oublier son ex. Pour tenter d’y remédier, l’une d’elles décide d’engager un escort boy, sans mesurer les conséquences d’un tel choix. Rapidement, leur quotidien et leur amitié sont bouleversés par l’arrivée de cet homme.

Fleabag – Phoebe Waller-Bridge

Cette série britannique composé de deux saisons suit le quotidien tumultueux d’une héroïne dont l’identité reste mystérieuse tout au long des épisodes. Elle est à la tête d’un café et tente de se remettre de la mort accidentelle de sa meilleure amie et associée, Boo, tout en jonglant avec des relations familiales conflictuelles et une vie sentimentale chaotique.

Qu’elles soient déjà cultes et ancrées dans le paysage audiovisuel, ou plus récentes, les sitcoms sont indéniablement le format idéal pour décompresser et passer un bon moment. Entre des personnages attachants, des situations drôles et un rythme entraînant, elles permettent sans aucun doute de remonter le moral de leurs téléspectateurs.

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Le dernier show d’Harry Styles remontait à 2023, lors de la tournée Love On Tour qui célébrait l’album Harry’s House. Cet ultime concert s’était conclu dans les larmes (pour les fans mais aussi pour l’artiste), au milieu de la province d’Émilie-Romagne, en Italie. Les fans du chanteur étaient ensuite restés sans véritable nouvelle, si ce n’est une apparition aux côtés de Stevie Nicks lors du festival British Summer Time à Hyde Park à Londres. Même si les fans comprenaient la volonté du chanteur de s’éloigner quelques temps, l’incertitude quant à son retour (ce ne serait pas la première fois que l’artiste annonce une simple pause alors qu’il s’agit d’un adieu définitif) rendait l’attente difficile. Mais l’absence de l’ancien membre des One Direction s’est finalement achevée le 15 janvier dernier lorsque Harry Styles a annoncé la prochaine sortie de son quatrième album Kiss All the Time. Disco, Occasionally., prévu pour le 6 mars.

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Harry Styles de retour “chez lui” pour un show unique

Pour célébrer l’album, le chanteur britannique s’est produit au cours d’un show exclusif, chez lui, en Angleterre, à la Co-op Live Arena de Manchester le soir de la sortie de l’album, le 6 mars 2026. Les billets, au prix unique et attractif (20 pounds) ont été distribués sur un principe de tirage au sort, offrant à tous les fans une chance égale de participer au concert. L’équipe du chanteur et la salle de concert avaient établi une politique zéro caméra. Même si quelques bribes d’images du concert ont quand même fuité sur les réseaux sociaux, les fans qui sont parvenus à éviter les spoilers ont eu le plaisir de retrouver Harry Styles sur scène pour la première fois après trois ans d’absence dans un documentaire exclusif Netflix, diffusé deux jours après le concert, soit le 8 mars 2026.

L’ouverture du documentaire plonge le spectateur dans les coulisses de la performance. Un moment privilégié durant lequel l’artiste se livre : “Je n’ai de cesse de passer de la peur au calme”. Cette confidence témoigne de l’importance de ce concert pour lui et explique pourquoi célébrer la sortie de son album en Angleterre lui tenait particulièrement à cœur et allait de soi : “Ça signifie beaucoup de faire ce concert unique à Manchester. Cet album a été créé à un moment charnière de ma vie. Il y a quelque chose de très spécial à revenir chez soi pour le partager pour la première fois.”

Une setlist ponctuée de surprises

Sous les applaudissement des fans, Harry Styles a entamé son concert par le single de l’album : Aperture. Il a ensuite interprété l’ensemble de son nouvel album Kiss All the Time. Disco, Occasionally. dont les titres American Girls, Waiting Game, Paint by Numbers, etc…

Le Love band, notamment composé de Sarah Jones à la batterie et au chœur, Mitch Rowland à la guitare, Pauli Lovejoy aux percussions, était aussi de retour pour accompagner l’artiste après trois années loin des salles de concert.

Il a dédié sa chanson Carla’s Song à Carla, présente dans la salle le soir du concert. Elle est la personne qui a inspiré cette chanson. Avant d’interpréter ce titre, il a déclaré : “La voir découvrir quelque chose et voir la musique entrer dans sa vie, franchissant les barrières du temps et de la culture… Je l’ai regardée découvrir quelque chose de magique, et cela m’a rappelé pourquoi j’ai voulu toucher à la musique et en faire partie d’une manière ou d’une autre dès le départ.”

La setlist, inconnue des fans avant le concert, a aussi réservé de belles surprises puisque l’artiste a interprété des chansons plus anciennes. Cette plongée dans la discographie de l’artiste a débuté par le titre From the Dining Table, qu’il n’avait pas joué depuis 2018. Le chanteur britannique s’en est amusé : “Ça fait un moment qu’on ne l’a pas joué… Pour être honnête, je n’ai rien joué depuis un moment. Alors…”.

Il a aussi interprété les titres Sign of the times, qui figure sur son premier album éponyme Harry styles, Golden, Watermelon Sugar tirés de son second album Fine Line et As It Was, issu de son troisième album Harry’s House.

Une déclaration d’amour à ses fans

L’artiste britannique s’est adressé à ses fans avec reconnaissance et émotions : “Vous rendez ces soirées si spéciales. Merci. J’ai en quelque sorte redécouvert à quel point c’est un privilège de faire partie de la vie des gens à travers la musique ces dernières années. Vous avez changé ma vie. Merci infiniment. Je vous remercie pour la chaleur et la générosité que vous m’avez toujours témoignées au cours des une, deux, cinq, dix, quinze, dernières années de ma vie.”

Il a ensuite ajouté : “Vous êtes le groupe de personnes le plus extraordinaire que j’aie jamais rencontré. Merci de m’avoir permis de souffler un peu”. Pour ceux qui suivaient déjà l’artiste en 2023, impossible de ne pas penser au message déchirant qu’il avait laissé après la fin de sa tournée où il décrivait déjà ses fans comme “les personnes les plus inspirantes que je connaisse”.

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Avant d’interpréter ses dernières chansons et de quitter la scène, Harry Styles, véritable inspiration pour ses fans a adressé à la fois un message d’espoir et d’amour aux spectateurs : “L’amour est puissant, la gentillesse est puissante. Chacun d’entre vous, et tout ce que vous accomplissez ensemble, est puissant. Je vous encourage à sortir et à le répandre. Soyez la lumière que vous souhaitez voir dans le monde. Merci de l’être pour moi. Le monde aurait bien besoin d’un peu plus de paix en ce moment, alors, s’il vous plaît, faites ce que vous pouvez.” Sur ces jolis mots, le chanteur britannique a interprété deux dernières chansons avant de disparaître en coulisses (mais pas d’inquiétude pour les fans du chanteur : ils n’auront pas à attendre trois ans pour le revoir cette fois).

Maintenant, cap sur la tournée mondiale

Ce documentaire chargé d’émotions a permis aux fans de retrouver l’artiste et de faire partie de cette performance unique comme s’ils y étaient. Alternant entre des chansons au piano et des morceaux plus rythmés, Harry Styles n’a pas perdu de son énergie, ni de sa présence sur scène. Après un tel spectacle, les fans ne peuvent qu’être impatients de retrouver Harry Styles pour sa tournée qui débutera le 16 mai 2026 à Amsterdam.

Diffusée de 2013 à 2022, la série créée par Steven Knight, et portée par Cillian Murphy, Tom Hardy, et Helen McCrory, entre autres, s’inspire de l’histoire du groupe criminel des Peaky Blinders. À Birmingham, peu après la Première Guerre Mondiale, la famille Shelby, dirigée par Tommy, tente d’imposer son pouvoir dans un monde en pleine reconstruction. Très influent en ville, lui, sa fratrie et ses hommes de main développent leurs activités autour de la contrebande d’alcool et de tabac, ainsi que des paris illégaux. Mais c’est sans compter les nombreux ennemis que cette lutte de pouvoir engendre.

La série devait initialement se conclure en 2022 à la fin de la saison six, avant que le producteur Steven Knight ne décide d’offrir un dernier élan à l’univers. Peaky Blinders : L’Immortel est disponible sur Netflix depuis le 20 mars 2026.

Tommy Shelby fait face à ses démons

Dans ce retour à l’écran de la famille Shelby, Tommy se trouve de nouveau au cœur de tourments familiaux. Hanté par les fantômes de son passé, le protagoniste, parti en exil, doit remettre son emblématique béret pour faire face aux ennemis qui menacent sa famille. Entre luttes de pouvoir, alliances, trahisons, regrets, le personnage est confronté à de nouveaux dangers qui pourraient faire basculer son destin et celui de ses héritiers.

Une esthétique marquante et une intrigue captivante

Il est particulièrement plaisant de se replonger dans cet univers sombre et intense, et de retrouver la famille Shelby, qui avait profondément marqué les spectateurs durant les six saisons de la série, au fil desquelles ils ont vécu leurs aventures, leurs chagrins et leurs histoires d’amour à travers leurs écrans de télévision. Et ce long-métrage rend indubitablement justice à la série qui a fait battre le cœur des fans pendant des années. On retrouve l’esthétique qui a fait le succès des six saisons. Entre une colorimétrie sombre, des images spectaculaires, dignes des productions à gros budget pour le grand écran et une mise en scène puissante, l’ensemble est captivant et réussi.

Le film propose une intrigue cohérente et pertinente qui suffit à tenir en haleine le spectateur. Elle s’inscrit dans la continuité du récit et réussit à donner le sentiment que la famille Shelby avait encore des aventures à vivre et à relater, plutôt qu’une suite forcée et sans nécessité.  De plus, les plot twists relancent efficacement le récit et renforcent la tension dramatique.

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Un adieu poignant… ou superflu ?

Certaines séries ont parfois tendance à proposer des suites qui manquent de profondeur et sans réel enjeu dramatique, davantage pour faire perdurer l’univers encore quelques temps, que par nécessité narrative. Ici, ce n’est pas le cas. L’existence du film est légitimée par son intrigue cohérente, qui trouve sa place dans l’univers et qui reste fidèle à l’esprit de la série.

L’Immortel constitue un adieu poignant à l’univers Peaky Blinders. Cillian Murphy porte encore une fois le rôle de Tommy Shelby avec brio et le revoir sur nos écrans est un véritable plaisir.

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Cependant, la fin de la saison six de la série avait déjà réussi à conclure la plupart des arcs narratifs et à donner à ses personnages une fin satisfaisante, à tel point que les spectateurs s’étaient probablement fait à cette fin et s’étaient aussi habitués à l’absence des personnages de leurs écrans. Ainsi, rouvrir l’univers avec de nouveaux enjeux, rebondissements et conflits peut paraître superflu et donner l’impression que le film vient altérer une fin qui semblait déjà aboutie.

Ce qui change tout, c’est l’intention derrière. Les vidéos des années 95-2000 (coucou Michel ingénieur informaticien) étaient maladroites parce qu’elles n’avaient pas les outils pour faire mieux. Ici, c’est l’inverse : Tommy Cash a tous les outils, et il choisit quand même de faire semblant de ne pas savoir s’en servir.

Ce n’est pas du bricolage — c’est du bricolage joué par quelqu’un qui maîtrise parfaitement son sujet.

Ça crée quelque chose d’assez troublant à regarder. L’image a l’air propre, tenue, et en même temps quelque chose cloche en permanence. Un raccord qui ne passe pas, une profondeur qui sonne faux, un détail qui brise l’illusion au mauvais moment. Et comme ces “ratés” sont trop précis pour être vrais, on ne peut pas les ignorer. Ils attirent l’œil, ils perturbent, ils font douter.

On est loin d’une nostalgie décorative. Tommy Cash ne regarde pas le passé avec tendresse — il s’en sert comme d’une matière première. Il en prélève les codes, les défauts, les maladresses d’époque, pour les réinjecter dans quelque chose de parfaitement contemporain et parfaitement contrôlé.

Ce qui reste, c’est une image paradoxale : aboutie et sabotée en même temps. Une esthétique du faux raté, où chaque imperfection est un choix, et où le malaise qu’on ressent vient moins de ce qu’on voit que de la conscience que tout ça a été fabriqué exactement comme ça.

Regarder le clip Figaro

Aujourd’hui véritable icône de la pop, Olivia Rodrigo s’est fait connaître grâce à son titre drivers licence sorti début 2021? qui a explosé sur les réseaux sociaux, notamment sur TikTok.

Avant de faire carrière dans la musique, l’artiste de 23 ans avait obtenu plusieurs rôles en tant qu’actrice, notamment dans la sitcom Frankie and Paige en 2016, diffusée sur Disney Channel, puis dans la série High School Musical : La Comédie musicale, la série, dans laquelle elle incarnait Nini, aux côtés de Joshua Bassett, de 2019 à 2022.

Après le succès de son premier single, la star américaine a annoncé son premier album SOUR, sorti en 2021, suivi d’une tournée Sour Tour d’avril à juillet 2022. Puis en 2023, elle a sorti son deuxième album intitulé GUTS, qui a donné lieu à une tournée en 2024 qui affichait complet.

Si au cours de l’année 2025, la star a multiplié les festivals, elle n’a pas dévoilé de nouveau projet musical depuis 2024. Mais l’attente risque de prendre fin bientôt. Effectivement, au cours des dernières semaines, la pop star américaine a semé des indices laissant présager son retour (et un troisième album).

Le début d’une nouvelle ère pour Olivia Rodrigo

À Los Angeles, une fresque avec les initiales “OR” peintes en noir sur un fond initialement violet a fait son apparition. Le mur a ensuite été repeint à plusieurs reprises, changeant de teinte pour aller graduellement vers le rose. Le mur a finalement atteint sa couleur finale avec un rose pâle sur lequel l’inscription : « love » a désormais été ajoutée, indiquant peut-être le thème du prochain album de la chanteuse.

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D’autres fresques arborant les initiales d’Olivia Rodrigo sont ensuite apparues à travers le monde comme à Berlin, Toronto, Sydney ou encore Paris; de quoi alimenter les théories et spéculations des fans autour de ce retour très attendu.

Un nouveau code couleur

Les deux premiers albums de la chanteuse, SOUR et GUTS avaient un code couleur violet mais avec cette nouvelle ère, la jeune femme semble vouloir délaisser le violet pour se tourner vers un nouvel univers visuel.

Certains fans ont aussi trouvé des cadenas roses en forme de cœurs, portant les initiales de la chanteuse écrites dans le même style que sur les différentes fresques. Toutefois, l’origine des cadenas reste inconnue.

Pour renforcer la théorie d’un nouveau code couleur rose, Olivia Rodrigo avait dévoilé une réédition du médaillon inspirée de la chanson drivers licence pour célébrer l’anniversaire du titre. Sur ce pendentif est inscrite une des phrases que prononce Olivia Rodrigo dans la chanson : “I still fucking love you”. Totalement argenté à l’origine, pour cette réédition le mot love inscrit sur le pendentif apparaît désormais en rose.

Le site officiel de la chanteuse a aussi adopté un code couleur rose et reprend les éléments présents sur les fresques, notamment les initiales de la jeune artiste inscrites dans le même style graphique.

Enfin, la chanteuse est aussi apparu à la soirée des Oscars Vanity Fair dans une robe (vous l’aurez deviné) rose, peut-être un nouvel indice qui pourrait confirmer le nouveau code couleur choisi par Olivia Rodrigo pour ce nouveau chapitre de sa carrière.

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Les spéculations s’intensifient chez les fans

Si de nombreuses supposées pochettes d’album ont circulé sur les réseaux sociaux, il faut se méfier de l’IA, Olivia Rodrigo n’a encore rien dévoilé, même si ça ne saurait tarder.

En parallèle, les spéculations autour du nom du prochain album se multiplient aussi sur les réseaux sociaux. Certains avancent que l’album sera nommé Lock, alors que d’autres optent pour Love, tandis que d’autres encore pensent à Luck, ou encore Sick, mais il ne s’agit que de théories des fans, difficile de savoir qui aura raison. Par ailleurs, l’album risque bien d’être titré avec un mot court à quatre lettres, respectant la logique utilisée pour les deux premiers albums.

L’équipe a de l’artiste américaine a aussi créé une hotline sur laquelle les fans peuvent entendre un message dans lequel une voix annonce : “Attends-toi à une véritable clarté et à un renouveau juste après la lune rose… en sachant que le meilleur reste à venir”, un message énigmatique qui continue d’alimenter les théories des fans.

Le 26 mars dernier, la cérémonie des iHeartRadio Music Awards s’est tenue à Los Angeles, au Doby Theatre. Organisé par iHeartMedia, l’événement avait pour but de récompenser les artistes et les hits les plus diffusés et écoutés au cours de l’année passée sur les stations iHeartRadio (le plus gros réseau radio aux États-Unis).

Pour sa treizième édition, le gratin de la scène musicale était présent. Alex Warren, Raye, Miley Cyrus, Sombr et Taylor Swift, accompagnée de son fiancé Travis Kelce, ont foulé le tapis rouge des iHeartRadio Awards pour assister à des performances exclusives et aux remises des prix.

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Taylor Swift, grande favorite de la cérémonie

Au cours de cette cérémonie, un nom s’est démarqué. Effectivement, Taylor Swift était en tête des nominations puisqu’elle concourrait pour neuf prix dont celui d’artiste de l’année et pop artiste de l’année. La pop star américaine était suivie de près par Bad Bunny et Sabrina Carpenter, nominés pour huit prix et Morgan Wallen, SZA et Kendrick Lamar en compétition pour sept prix.

Parmi les temps forts, on peut retenir les performances d’Alex Warren qui a interprété son titre à succès Ordinary, ainsi que Fever Dream, la performance éblouissante de Raye sur Where Is My Husband et celle de Kehlani sur son titre Folded.

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Taylor Swift sacrée artiste pop de l’année

Pour ce qui est des prix, Taylor Swift a dominé la cérémonie puisqu’elle a reçu sept prix. Elle a d’abord été récompensée pour son dernier album The Life of a Showgirl, qui lui a valu le prix de l’album pop de l’année. L’award lui a été remis par Raye, l’artiste britannique qui avait participé au Eras Tour en assurant la première partie de la tournée événement en août 2024, a dressé un portrait élogieux de la reine de la pop :

“Si je devais énumérer toutes ses réalisations et distinctions, nous serions ici pendant au moins une semaine. Cette femme est une véritable référence vivante en matière d’écriture et d’art. Au cours des vingt dernières années, elle a dominé la musique pop, et si vous pensiez qu’après 14 albums studio, son règne en tête des classements serait terminé, vous vous trompiez. Son 15e album studio classé numéro 1, The Life of a Showgirl, a été l’album le plus vendu au monde en 2025. Il est resté en tête des classements iHeartRadio pendant 12 semaines. Avec plus de victoires et de nominations que n’importe quel autre artiste, il est clair que la seule personne avec qui Taylor sera toujours en compétition… c’est elle-même.”

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En acceptant ce prix, Taylor Swift a prononcé un discours qui s’apparentait à un message d’amour à ses fans et à son futur mari : “L’album The Life of a Showgirl a été fortement inspiré par l’énergie que je ressentais en regardant dans le public,en vous voyant et en créant ce lien avec vous chaque soir. Cet album est né de ce sentiment de joie, de force, de confiance et de liberté. Je veux donc remercier les fans de m’avoir donné cette énergie […] Si cet album dégage autant de bonheur et de confiance, c’est aussi parce que c’est exactement ce que je ressens chaque jour de ma vie grâce à mon fiancé, qui est présent ce soir.”

Une pluie de récompenses pour la reine de la pop

Plus tard au cours de la cérémonie, Alysia Liu, patineuse artistique américaine qui présentait l’award de l’album de l’année a introduit Taylor Swift en déclarant : “C’est un immense honneur pour moi de remettre ce prix d’artiste de l’année à cette véritable icône. Avec 34 iHeartRadio Music Awards, un record absolu, elle est tout simplement la plus grande de tous les temps.”

En annonçant sa victoire pour le prix de l’artiste de l’année, Alysa Liu a aussi dévoilé au public du Doby Theatre et à l’ensemble des téléspectateurs que la chanteuse américaine avait aussi raflé cinq autre prix. Les awards de la chanson pop de l’année, des meilleures paroles et du meilleur clip vidéo pour « The Fate of Ophelia », de l’album de l’année pour The Life of a Showgirl, et de la tournée préférée des fans, lui ont été remis simultanément par Alysa Liu.

Un discours émouvant entre souvenirs et inspiration

Taylor Swift a accepté ces prix en prononçant un discours émouvant et inspirant dans lequel elle est revenue sur les débuts de sa carrière, avant de délivrer un message d’espoir à ses fans :

“J’adore être artiste. J’aime écrire des chansons plus que tout au monde. Au début, je ne pensais même pas être une artiste, c’était juste un hobby. Puis c’est devenu mon hobby préféré, puis la chose pour laquelle je me dépêchais de rentrer chez moi après l’école. Je me disais : “J’ai hâte de retourner dans ma chambre avec ma guitare pour écrire une chanson.”

Quand j’avais 12 ans, j’ai eu le luxe de pouvoir passer des milliers d’heures à travailler mon art, à m’entraîner, à faire des erreurs, à apprendre via des essais et des erreurs, loin du regard des autres. C’était juste moi et ma passion.

Aujourd’hui, en regardant ce public, je vois tellement de personnes ambitieuses, cool, intelligentes, géniales, qui ont des rêves. On vit dans un monde où on reçoit des réactions immédiates en permanence […] Si je devais vous souhaiter une chose, ce serait de prendre le temps de développer votre passion, juste entre vous et ce que vous aimez et que vous vous donniez du temps. Donnez-vous le temps de faire des erreurs, donnez-vous le temps de progresser.

Je crois profondément que tout ce dont vous nourrissez votre esprit, il l’intègre. Mais tout ce que vous donnez à Internet, il essaie parfois de le détruire. Et ce n’est pas ce que je souhaite pour vos rêves.

Alors merci de m’avoir permis de transformer mon hobby en amour, en passion, en rêve, puis en carrière. Merci de m’avoir permis de vivre cela aussi longtemps. Je vous souhaite le meilleur dans tout ce que vous entreprendrez.”

Avec ces nouveaux trophées, Taylor Swift confirme sa domination sur l’industrie musicale. Elle s’impose comme une artiste intemporelle, qui garde une place durable dans nos playlists, malgré les années.

Vos artistes préférés en ont très probablement un. Un écrin où donner forme à leur créativité, où mettre en musique leur sensibilité : un studio. Et surtout, l’idéal : un studio sur-mesure pour pouvoir se plonger entièrement dans leur travail, au cœur de leur appartement montmartrois, dans leurs résidences personnelles, ou dans une grange réimaginée en laboratoire de musique… 

Ce dernier exemple n’est pas choisi au hasard. Matthieu Chedid, dit “M”, a fait confiance à Red House pour réaliser son projet, que l’entreprise  décrit ainsi : “voir se métamorphoser une ancienne grange en un laboratoire de création et production musicale.” 

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Pari réussi, alors que le musicien ne cache pas son admiration face au résultat : “On est allé bien au-delà de ce rêve avec cette ambition de repousser les limites pour inventer un lieu vraiment unique. C’est un endroit qui incarne la source même de la musique, avec majoritairement du matériel analogique, et qui traduit toutes mes grandes passions pour la musique légendaire.” Il décrit un lieu “profondément poétique, une source d’inspiration … et totalement vivant !” 

DJ Snake, MYD, Phœnix, The Blaze….

L’homme aux treize Victoires de la musique n’est pas le seul grand nom à avoir confié les clés de son studio à Red House. Parmi les clients listés sur le site de l’entreprise, on compte également le duo Irfane et Breakbot et sa cave retravaillée, le groupe Phœnix pour un studio éphémère au cœur du Musée des Arts Décoratifs… 

Le duo derrière The Blaze a également fait appel à Red House pour son “cocon créatif“, perché au dernier étage d’un immeuble parisien, tout comme DJ Snake, Martin Solveig, Calogero ou encore le label Microqlima, avec qui l’entreprise a plancher sur un salon d’écoute privé. N’oublions pas la salle de concert parisienne historique l’Olympia et son salon VIP signé Red House.

Le DJ MYD ne tarit pas d’éloges pour l’entreprise qui a réalisé son “petit bijou de production” sur les hauteurs de Montmartre. “Red House ont compris que je ne voulais pas que mon studio se résume à quatre murs et des câbles. Le mien devait être un organisme vivant et bleu. Un endroit qui change avec moi, qui change selon l’angle depuis lequel on le vit, un studio qui m’écoute autant que je l’écoute“, s’enthousiasme le musicien, visiblement ravi. 

Se reposant sur “des décennies d’expérience en ingénierie acoustique“, l’équipe de Red House sait visiblement faire le bonheur de ses clients. Chaque studio repose aussi sur une étude d’impact sonore, essentielle pour maîtriser à la fois l’écoute et les nuisances. Et bien sûr, l’entreprise se dote de son propre lieu d’enregistrement, Red House Studio, dans la Marne. La maison familiale du fondateur de l’entreprise, Lucas Medus, a aussi permis à Black M, Isaac Delusion, Juliette Armanet, ou encore L’Impératrice de produire leurs propres pépites.

La deuxième saison de Fonction : Juré vient de débarquer sur Prime Video (20 mars 2026), mais avec un concept un peu différent cette fois. La première saison mettait en scène un procès aux États-Unis et documentait l’expérience des membres du jury par le biais d’une équipe de tournage présente sur place. Seulement, le procès n’était qu’une imitation d’un vrai procès, tous les participants étant en fait des acteurs, excepté l’un d’eux, piégé par la production.

Le mockumentary de la salle d’audience au séminaire d’entreprise

Ce dispositif donnait lieu à un documentaire parodique rempli d’humour, de situations absurdes et s’inspirant des codes de la téléréalité. Ronald était le personnage central de la première saison et a été confronté à des situations toutes plus loufoques et étonnantes les unes que les autres, mais indéniablement hilarantes pour le spectateur.

Saluée par la critique, la série a reçu plusieurs nominations aux Primetime Emmy Awards dans les catégories : “Meilleure série comique”, “Meilleure écriture pour une série comique”, ou encore “Meilleur casting pour une série comique”. Elle a également été nominée deux fois aux Golden Globes, notamment pour la “Meilleure série télévisée – comédie ou musicale”. Le programme a aussi été récompensé par divers prix comme un Peabody Award, un Television Critics Association Award pour “La meilleure émission de téléréalité” en 2023, ou encore un American Film Institute Award pour “Le programme télévisée de l’année”, en 2023 également.

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La seconde saison reprend le concept du mockumentary, mais comme son titre (Le séminaire d’entreprise) l’indique, cette fois, elle met en scène un séminaire d’entreprise. Mamie Rock’n’Roll, une entreprise fictive imaginée pour le documentaire, recrute un intérimaire pour accompagner et assister son PDG durant le séminaire. C’est Anthony qui décroche le job et qui aura l’honneur d’accompagner toute l’équipe durant ce séjour.

Le programme idéal pour les fans de The Office

Pour les fans de The Office, Fonction : Juré et Le séminaire d’entreprise sont les programmes idéaux. Au-delà de son humour décalé, la série à succès des années 2010 fonctionnait aussi sur le principe du faux documentaire. Les personnages s’adressaient régulièrement à une équipe de tournage supposée documenter le quotidien des employés. Les deux séries intègrent des interviews et des confessionnaux au cours desquels les personnages s’adressent directement à la caméra. Ce type d’images qui a fait le succès de The Office est reconduit dans le programme Prime Video, renforçant l’immersion du spectateur et permettant de développer une proximité avec les personnages. Ce format accentue aussi le caractère comique des situations grâce aux réactions et aux confidences des protagonistes.

Le programme reprend aussi les ingrédients classiques de la sitcom tels que des situations absurdes, des interactions embarrassantes et des quiproquos entre les personnages. Il s’agit aussi d’épisodes courts, créant un rythme dynamique et qui incite à visionner la suite.

Un renouvellement du concept qui perd en contraste

On aurait pu s’attendre à ce que le programme soit reconduit avec une seconde saison au sein d’une salle d’audience, mais avec ce nouveau cadre, la série a su se renouveler et apporter de la fraîcheur au concept.

Cependant, le cadre de la salle d’audience créait un contraste saisissant entre le sérieux exigé dans un tel environnement et l’absurde des situations. Le cadre choisi pour la saison deux est d’emblée plus détendu, mais perd de ce contraste qui renforçait le comique des situations et des interactions. La saison deux est tout de même divertissante et drôle, mais les spectateurs qui avaient particulièrement apprécié la saison une pour son cadre pourraient rester un peu sur leur faim. L’absence de James Marsden est aussi regrettable. Présent dans la saison une, il avait su s’imposer comme un personnage clé, apportant humour, énergie et dynamisme à la saison. On aurait donc aimé le retrouver dans la seconde saison, même si ce nouveau casting reste convaincant.

Dans les montagnes de l’Altaï, à la frontière entre la Mongolie, la Russie, la Chine et le Kazakhstan, un mode de vie ancestral persiste, malgré les vents glacés du changement. Avec ALTAÏ : Chasseurs et Éleveurs de Mongolie, son nouveau livre, la photojournaliste Claire Thomas nous plonge dans l’intimité des familles kazakhs pour qui les chevaux, la chasse à l’aigle, l’élevage et le foyer forment les piliers d’une existence en harmonie avec la nature. À travers son objectif, elle ne capture pas juste des paysages à couper le souffle mais saisit aussi l’âme d’une culture où chaque geste, chaque regard, chaque silence raconte une histoire de résilience face à un monde moderne en pleine mutation.

Reporter de guerre, le choix de ce sujet laisse songeur. « Tout au long de ma carrière de photojournaliste, je me suis principalement concentré sur les conflits militaires et les crises humanitaires, surtout au Moyen-Orient, ainsi que sur la crise des réfugiés en Europe. En octobre 2019, après près de trois ans passés dans le nord de l’Irak à documenter la guerre, les déplacements de populations et la résilience extraordinaire des personnes vivant ces crises, j’ai ressenti le besoin de raconter une histoire différente », explique la photographe.

Un sujet différent, mais non sans lien avec ses précédentes séries photographiques. Ainsi décide-t-elle de raconter des « histoires toujours ancrées dans la survie, mais fondées sur l’harmonie plutôt que sur le conflit ». Pour le choix du sujet, elle se tourne vers des thématiques ayant marquées son enfance : les chevaux, la nature et les communautés dont la vie est profondément liée à la terre. Une quête qui l’amène au pied de l’Altaï, dans l’ouest de la Mongolie.

Gardiens des steppes 

Dans l’Altaï, chevaux et aigles sont les piliers d’une culture millénaire. « Pour moi, passer du temps avec les chevaux était un privilège, quelque chose de passionné plutôt que de nécessaire. Pour les éleveurs kazakhs, les chevaux sont essentiels à leur survie », explique-t-elle. Se comparant à la jeune Aykerim, qui lui rappelle son « moi » de 12 ans, elle note que les « chevaux kazakhs et mongols mènent une vie bien plus naturelle, évoluant en hardes à travers de vastes paysages sans clôtures, n’étant réunis uniquement lorsque nécessaire ».  La liberté d’aller galoper à travers des espaces ouverts avec son poney fait partie du quotidien. 

Ayant grandi en montant à cheval dans la campagne galloise, le sujet s’impose. Et l’artiste d’expliquer qu’ « au Royaume-Uni, les chevaux sont souvent gardés dans des boxes individuels, couverts en hiver et nourris avec des rations soigneusement mesurées. Il a donc été fascinant pour moi de découvrir une culture où les chevaux ne sont pas des animaux de compagnie, où on ne leur donne même pas de noms, mais où ils sont profondément respectés ». Une relation entre l’Homme et la bête que découvrir Sylvain Tesson et Priscilla Telmon lors de leur chevauchée des steppes.

La chasse à l’aigle, pratique vieille de 4 000 ans, est un autre pilier de cette culture. « Nous gardons des aigles parce que c’est un sport traditionnel », explique Alankush, cavalier kazakh. « Tous les kazakhs aiment dresser les aigles. Nous avons une relation très forte avec eux. Je m’occupe de mon aigle comme si c’était un bébé ». Et la photographe de préciser que  « la chasse commence bien avant le jour J. C’est une question de confiance. L’aigle doit sentir que vous êtes digne de lui ».

Mais ces traditions sont menacées. « Si j’avais la chance de faire des études, j’irais en ville, la vie à la campagne est très dure, surtout pour les enfants. C’est pourquoi j’envoie mes enfants à l’école. S’ils terminent leurs études universitaires, j’espère qu’ils trouveront du travail en ville » explique Alankush. Un ancien déplore que « les jeunes ne veulent plus apprendre [les traditions]. Ils préfèrent les écrans ». Les anciennes générations  incarnent-elles la fin d’une  époque ? 

L’âme des plaines  

« Les chevaux comme moyen de transport et élément d’identité ; la chasse comme héritage ; l’élevage comme survie ; et le foyer comme l’ancrage qui maintient tout ensemble » : la vie des kazakhs ne s’arrête pas à la chasse et à l’équitation et Claire Thomas souhaite en montrer toutes les facettes. Une démarche sur le long court qui lui demande de gagner la confiance des communautés kazakhs. 

Pour cela, elle peut compter sur son amie chère et guide locale kazakhe, Nur Shuakh, qui lui présente de nombreuses familles. Au fil des ans, elle y retourne de nombreuses fois, « séjournant chez les mêmes familles, partageant des repas et passant simplement du temps avec elles, souvent sans mon appareil photo ». Ces visites lui permettent d’en apprendre plus sur leurs routines quotidiennes, de la « traite des chèvres et des vaches à la préparation des repas traditionnels et au rassemblement des chevaux à travers les montagnes ». 

Claire Thomas est marquée par l’ouverture et la générosité des habitants de Mongolie. Prenant le temps de les connaître avant de sortir l’appareil photographique, elle ne subit aucun rejet du projet : ils tirent une grande fierté à partager leur héritage, leur culture et leurs compétences extraordinaires en équitation et en chasse à l’aigle. Un travail qui passe par la confiance des kazakhs envers la photographe, mais aussi par le respect qu’elle leur témoigne. 

« Je ne photographie jamais un moment qui semble intime, sacré ou inconfortable pour les personnes impliquées. Si quelqu’un hésite, je pose l’appareil. Il y a eu de nombreuses situations où j’ai choisi de ne pas prendre de photo, car cela aurait empiété sur la vie privée familiale, sur le deuil ou sur des moments qui ne m’appartenaient tout simplement pas ». Dans le même temps, son travail étant de représenter la vie quotidienne avec honnêteté et soin sans la romantiser, elle n’hésite pas à demander dans un équilibre entre attention et retenue. 

ALTAÏ n’est ainsi pas seulement un livre de photographies, mais aussi un témoignage, un hommage, et peut-être un adieu à un mode de vie qui disparaît peu à peu (le téléphone s’infiltre, la moto remplace de plus en plus le cheval et arrive l’électricité). À travers ses images, comme Lorraine Turci l’avait fait avec son exploration de la la culture aïnoue au Japon, Claire Thomas nous invite à réfléchir sur notre propre rapport à la tradition, à la nature, et à ce que signifie « appartenir » à un lieu. 

« Passer du temps dans l’Altaï a profondément transformé ma perception du rythme, du sens et de la connexion. Après des années passées dans des environnements marqués par les conflits, les déplacements et l’urgence, la lenteur de la vie dans les montagnes a été une révélation. La relation des kazakhs avec le temps, étroitement liée à la météo, aux animaux et au rythme des saisons, m’a encouragé à ralentir, tant sur le plan personnel que professionnel ». 

Et la photographe de conclure que ce projet lui a rappelé pourquoi elle est devenue conteuse : « pour me connecter profondément, observer avec attention et passer du temps réel avec les gens. Il a redéfini ma compréhension de la valeur d’un travail documentaire sur le long terme, surtout lorsque la confiance, la patience et des relations authentiques guident le processus ».

ALTAÏ : Chasseurs et Éleveurs de Mongolie, édité par Hemeria, est disponible en près commande pour 50,00 € ; la version signée est à 50,00 €. Avec ses 100 photographies sur 184 pages, l’ouvrage est aussi disponible en version limité, grand format dans son coffret, accompagné de tirage en grand pour encadrer chez vous. La publication et vente de l’ouvrage est prévu entre février et mars 2026.

Le 13 mars 2026, Reuters publie ce qui restera probablement comme l’une des enquêtes journalistiques les plus attendues de la décennie dans le monde de l’art. Plus de 7 000 mots, un an de travail, des journalistes déployés entre Bristol, New York, Londres et les faubourgs de Kiev. La conclusion est posée sans trembler : Banksy s’appelle Robin Gunningham. Il est né à Bristol en 1973. Et il s’appelle désormais David Jones.

On a tous eu nos théories. On vous avait même, en 2020, parlé de Neil Buchanan — l’animateur d’Art Attack — qui avait défrayé la chronique sur Twitter à coups de coïncidences géographiques avec son groupe de heavy metal Marseille. C’était drôle, un peu fou, parfaitement inutile. La vérité, elle, est beaucoup plus sobre.

Bristol, Ukraine, New York — les trois preuves

Tout commence fin octobre 2022, dans le village de Horenka, à une vingtaine de kilomètres de Kiev. Une ambulance s’arrête devant un immeuble d’habitation éventré par les bombes russes. Trois hommes en sortent. Deux sont masqués, chargent des pochoirs en carton. Le troisième est facilement identifiable : il n’a pas de masque, un seul bras, deux prothèses. C’est Giles Duley, photographe documentaire ayant perdu ses membres sur une mine en Afghanistan, dont la fondation achemine des ambulances aux ONG ukrainiennes. Banksy confirme quelques jours plus tard sur Instagram l’authenticité de sept fresques dispersées à travers le pays.

Reuters envoie des journalistes sur place. Une habitante de Horenka, Tetiana Reznychenko, explique avoir préparé du café pour deux hommes qui peignaient la fresque, et les avoir vus à visage découvert. Confrontée à une sélection de portraits, sa réaction face à l’une des photos devient un élément central du dossier.

Vient ensuite le coup de filet : les archives d’immigration ukrainiennes. Le 28 octobre 2022, le jour où Giles Duley et Robert Del Naja — le frontman de Massive Attack — entrent en Ukraine, un certain “David Jones” franchit la même frontière. Avec la même date de naissance que Robin Gunningham. David Jones est l’un des noms les plus portés au Royaume-Uni. C’est aussi, ironie impeccable, le vrai nom de David Bowie — un autre artiste qui avait compris que l’alter ego pouvait devenir plus grand que l’homme.

Et puis il y a New York, septembre 2000. Banksy est arrêté à 4h20 du matin sur le toit du 675 Hudson Street, en train de taguer un panneau publicitaire Marc Jacobs. Les dégâts dépassent 1 500 dollars, ce qui en fait un délit. Dans les archives du tribunal de Manhattan, Reuters exhume une confession manuscrite, signée de la main de l’artiste. Le nom qui y figure : Robin Gunningham.

Del Naja : un ami mais pas l’auteur

Il était bien en Ukraine au même moment, sans doute impliqué dans le voyage — mais Reuters le présente comme un proche, pas comme l’auteur. Un collaborateur de longue date, présent dans l’ombre depuis les années Bristol underground, peut-être le “he can actually draw” auquel Banksy a fait référence un jour. En 2017, le producteur Goldie avait failli vendre la mèche en l’appelant “Rob” dans un podcast. La piste menait au bon endroit, juste au mauvais homme.

L’effacement de Robin Gunningham

En 2008, le Mail on Sunday avait déjà nommé Gunningham. L’article avait fait du bruit. Puis le silence. Selon Steve Lazarides, l’ancien manager de Banksy, c’est lui qui avait tout organisé : un changement de nom légal, discret, efficace. “Il n’y a pas de Robin Gunningham”, dit-il à Reuters. “Ce nom, je l’ai tué il y a des années.” Il précise ne pas confirmer que Gunningham est Banksy — mais ne le nie pas non plus. “C’est juste un autre nom.”

La réponse de l’avocat

L’avocat historique de l’artiste, Mark Stephens, a répondu à Reuters avant publication : son client “ne reconnaît pas l’exactitude de nombreux éléments de votre enquête”, et publier ces informations “violerait sa vie privée, interférerait avec son travail et le mettrait en danger”. Il rappelle que l’anonymat, pour Banksy, n’est pas une coquetterie — c’est une protection, artistique et physique, contre des comportements “menaçants et extrémistes” dont il aurait été victime.

Reuters a quand même publié, arguant que quelqu’un dont l’influence sur le discours politique et culturel mondial est aussi massive ne peut pas s’exonérer indéfiniment de toute transparence. La fresque de la Royal Courts of Justice — un juge frappant à coups de marteau un manifestant désarmé, en réaction à la criminalisation des soutiens à la Palestine — est citée en exemple. Quand on parle à ce point aux sociétés, on devient un sujet d’intérêt public.

Ce que ça change

Officiellement : rien. Banksy n’a pas répondu. Ses œuvres valent ce qu’elles valaient. Love is in the Bin — l’ex-Girl with Balloon auto-déchiquetée chez Sotheby’s — a été vendue 25 millions de dollars en 2021. Le marché ne se soucie pas d’un prénom.

Ce qui change, peut-être, c’est la nature du jeu. L’anonymat de Banksy a toujours été une œuvre en soi — une performance durable, un pochoir appliqué sur sa propre existence. Ce que Reuters vient de faire, c’est coller une signature sur ce pochoir. Robin Gunningham. David Jones. L’homme derrière le sweat à capuche.

Est-ce que ça réduit quelque chose ? Probablement pas. Les murs de Bristol, de Bethléem, de Horenka sont toujours là. Les questions qu’ils posent aussi.

Pour lire l’enquête de Reuters, qui est probablement la tentative de démasquage la plus sérieuse jamais publiée sur Banksy, c’est par ici.

American Girls – Harry Styles

American Girls s’impose comme morceau phare du quatrième album d’Harry Styles Kiss All the Times Disco, Occassionally. L’artiste britannique revient 4 ans après la sortie de son dernier projet. Avec des sonorités italo-disco et house, le morceau se distingue par une production dansante à base de guitare et d’une rythmique souple accompagne le refrain très accrocheur pensé pour rester en tête dès la première écoute.

Le morceau s’accompagne également d’un clip spectaculaire. Harry Styles se met en scène sur un plateau de tournage, entouré de cascades, d’explosions et de doublure, un clip avec une esthétique très cinématographique digne d’Hollywood.

En quelques jours seulement, American Girls s’annonce comme l’un des morceaux incontournables de ce nouveau chapitre musical pour Harry Styles.

Cassé c’est cassé – Wallace Cleaver

Parmi les sorties de la semaine, Wallace Cleaver sort un nouveau morceau Cassé c’est cassé, poursuivant dans sa ligne directrice d’un rap introspectif et sensible.

Le morceau est intense et incisif, porté par une instrumentale au piano entêtant. Leo de son vrai nom évoque les relations abîmées, les émotions difficiles à réparer et sa détermination. L’artiste français maîtrise parfaitement son style avec sa sincérité brute et sa fidèle cigarette. Le morceau se joint d’un clip, prolongement de cette atmosphère intime et contemplative.

Un visuel poignant avec cette ambiance intimiste ou Wallace nous regarde entouré d’une foule, une esthétique sombre avec des tons noirs et gris avec peu de couleurs. Le clip retranscrit parfaitement la dimension personnelle du morceau confirmant l’identité artistique et visuelle singulière de Wallace Cleaver sur la scène du rap français. De plus, l’artiste donne rendez-vous à ses fans la semaine prochaine pour pottentiellement sortir ou annoncer son nouvel album.

Dsl pas Dsl – Styleto

Pour la sortie de son dernier EP La fille qui a plus mal, Styleto une jeune artiste vient confirmer son univers pop moderne, entre légèreté et ironie avec Dsl pas dsl morceau le plus marquant du projet.

Sur le morceau, la chanteuse joue avec l’expression courante des messages “dsl” pour évoquer les contradictions d’une relation et les excuses qui n’en sont pas vraiment. Le morceau repose sur une production pop légère et mélancolique, avec un refrain simple et dansant qui reste très vite en tête. Fidèle à son écriture, Styleto mêle sincérité et autodérision pour raconter ces moments où l’on s’excuse… Sans réellement le regretter.

What You Want – Angèle feat Justice

Après quatre ans sans album, Angèle revient avec un nouveau single avec le du électro français Justice. L’artiste belge change de cap, le morceau s’éloigne de la pop douce et intimiste qui a fait le succès de ses deux premiers albums. À l’image de Justice, l’énergie électro brute est au rendez-vous mélangé avec la douceur d’Angèle.

Alternant entre le français et l’anglais, la séduction et le désir amoureux ” C’est tout ton maquillage sur ma bouche” jouant sur une tension flirteuse. Le morceau est accompagné d’un clip tourné dans les rues de Marseille et filmé à l’iPhone pour un rendu brut et immersif. Angèle incarne une figure libre et confiante évoluant dans les ruelles, bars de quartiers, laveries. L’artiste montre une évolution dans le style de l’artiste en se portant vers une esthétique plus électro.

Fever Dream – Alex Warren

Après le succès viral de Before You Leave Me et la ballade bouleversante Burning Down, Alex Warren poursuit son ascension avec un morceau marquant une nouvelle étape dans son évolution artistique. L’artiste américain, longtemps associé à une pop émotionnelle et introspective, explore ici une intensité d’un amour instable.

Les paroles traduisent une passion presque obsessionnelle, une relation vécue comme une illusion enivrante. Un amour intense, beau mais bancal. L’écriture reste sincère, fidèle à l’identité de l’artiste, mais la production gagne en ampleur, flirtant avec une pop alternative plus texturée. Alex Warren confirme ainsi sa capacité à évoluer, toujours porter par sa sincérité brute Fever Dream illustre la transition de l’artiste vers une pop ambitieuse sans renier sa sensibilité signature.

Go – BlackPink

Après plus de trois années sans sortie en groupe, BLACKPINK fait son retour avec Deadline, un EP de cinq titres. Au centre de ce nouveau projet, se trouve le single GO, morceau phare incarnant à la fois la confiance retrouvée du groupe et une esthétique sonore audacieuse. Les paroles jouent sur ce sentiment de confiance en soi. Les voix de Jisoo, Jennie, Rosé et Lisa alternent entre affirmation de soi et encouragement direct à leurs fans. La répétition de « Blackpink’ll make ya… GO » sonne comme un cri de ralliement.

Le morceau s’accompagne d’un clip avec une esthétique visuelle spectaculaire qui élargit l’univers du groupe au-delà des codes traditionnels du K-pop. Largement inspiré de la science-fiction, il juxtapose des images spatiales, des paysages surréalistes et des décors futuristes. Confirmant la volonté du morceau d’avancer et d’explorer. Entre puissance électro, assurance et mise en scène spectaculaire BlackPink frappe fort pour son retour ouvrant les portes d’un nouveau chapitre.

Exploration visuelle, picturale et personnelle du quartier Saint-François au Havre, l’ouvrageLa furie et la foi de Jérémy Charbaut fait de ce lieu le personnage principal de la série photographique. Île dans la ville, ville dans la ville, l’ensemble forme une sorte d’île de la Cité ou de Manhattan au cœur de la Porte Océane.

L’artiste tire du quartier un portrait vivant, en perpétuel mouvement, avec ses rituels, ses visages, ses lieux totems. Il y raconte la « fierté d’appartenance », « l’attachement à un territoire », la « singularité des êtres qui l’habitent et le défendent » ; il « donne à voir la puissance d’un univers presque insulaire, sa dramaturgie, en même temps que sa continuité historique ».

« Là où les hommes et l’eau se rencontrent, entre le gris métallique des machines et le relief argenté des vagues, Jérémy Charbaut nous plonge dans Saint-François, quartier emblématique du Havre, et dévoile dans ses photos le quotidien singulier des travailleurs de la mer, entre furie et foi, de celles et ceux qui forgent l’identité de cette île dans la ville », explique Julia Malye, à qui l’on doit la préface du livre.

Une œuvre à contre-courant

Jérémy Charbaut ne s’inscrit pas dans une approche pittoresque ou clichée de ce quartier du Havre. Les couleurs revêtent une signification émotionnelle et non pas seulement descriptive ; le réel est transfiguré sans être trahi ; le clair-obscur évoque Rembrandt autant que Soulages.

L’artiste oppose deux éléments : la furie et la foi. La furie de la mer parfois déchaînée, la furie du labeur, de la rudesse du métier autant que du quartier, la rudesse de la fatigue qui alourdit les corps, une furie presque mythologique, déesse vengeresse venue pourchasser les pauvres âmes du quartier Saint-François. Et puis la foi, comme attachement au lieu, comme solidarité et transmission entre habitants du quartier, comme espoir.

Pour ce faire, Jérémy Charbaut s’installe pendant trois ans chez Lili, un bar où se réunissent les habitués, lieu fédérateur par excellence. Le travail s’inscrit dans le temps long et l’artiste peut nouer des liens de confiance. Il associe la mer à la « survie » et à la « liberté (eau) » ; la cité au « refuge » et aux « cicatrices (terre) » ; le ciel à « l’espoir » et aux « désillusions (air) » ; le vivant à « la furie et à la foi (feu) ».

Le livre La Furie et la Foi, sorti début février 2026, est accompagné d’une exposition au Théâtre de l’Hôtel de Ville au Havre, du mardi 27 janvier au samedi 28 mars 2026.

Le site de l’artiste : https://jeremycharbaut.com

« Hurlevent » est un projet atypique. Nouvelle adaptation du classique de la littérature d’Emily Brontë, le film d’Emerald Fennell se démarque des précédents, apportant une adaptation volontairement plus moderne.

Avec sa bande originale, le film vient confirmer cette audace, en faisant appel à Charli XCX. L’artiste anglaise, à qui on doit le “brat summer” déjanté, en 2024, réinterprète le roman gothique à travers une musique radicalement contemporaine, avec plus ou moins de succès.

Une partie de la critique a salué la singularité du projet. The Standard salue le choix d’opter pour une bande originale à base d’orchestre romantique. En effet Charli XCX mêle textures, synthétiseurs sombres et rythmes électroniques, créant une atmosphère tendue et obsessionnelle. Elle reflète ainsi la violence émotionnelle et la passion destructrice de l’histoire de Cathy et Heathcliff.

Du côté des critiques, l’accueil est majoritairement positif, mais pas unanime. Sur Metacritic,  l’album affiche une très bonne moyenne, mais certains estiment que le projet est parfois inégal ou difficile à définir, pas totalement bande originale, ni totalement album hyperpop autonome.

Entre gothique et hyperpop

Les titres traduisent musicalement les grandes thématiques du roman. Inspirée par l’atmosphère sombre des landes et de  la tension psychologique entre les personnages, Charli XCX construit des morceaux qui oscillent entre introspection et crise émotionnelle. 

L’apparition de Sky Ferreira sur l’un des morceaux marque un moment fort du projet. Après plusieurs années d’absence, l’américaine, ex-star de la pop, apporte sa voix mélancolique, donnant une dimension spectrale caractérisant l’aspect gothique de l’œuvre. 

On trouve également des morceaux plus expérimentaux, proches de l’esthétique club, rappelant les racines hyperpop de Charli XCX. Ces titres semblent traduire la modernité de l’adaptation, ils ne cherchent pas à illustrer fidèlement le XIXᵉ siècle, mais à transposer l’intensité du roman avec une vision plus moderne comme le veut Emerald Fennell, aux manettes du long-métrage.

Un album qui divise ?

Selon L’éclaireur Fnac , l’album fonctionne selon deux modes d’écoute différents : avant ou après le visionnage du film. Ils pointent le flou identitaire du projet, coincé entre musique de film et album personnel de l’artiste. Pour les spectateurs et auditeurs, cette autonomie peut être déroutante.

L’album est bon mais pas assez pop et ne correspond pas réellement à l’univers de Charli XCX. Par ailleurs, il n’est pas suffisamment symphonique ou narratif pour incarner une bande originale traditionnelle, en particulier celle d’un film qui se veut d’époque. Ce positionnement peut être un atout, puisqu’il offre une lecture musique-film riche et complexe, mais il pose aussi la question de l’efficacité narrative de la musique. Sert-elle le film ou sert-elle avant tout l’interprétation du roman ? C’est sur ce point que le projet montre ses limites et ses contradictions.

Flou artistique

L’album précédent “Brat” de Charli était manifestement plus pop, flamboyant et incarnant parfaitement l’identité de la chanteuse. Sur “Wuthering Heights”, la dimension dramatique imposée par le film a atténué l’expression brutale et énergique qui faisait la force de “Brat”. D’après AP News, le disque est significativement différent de sa discographie antérieure. Rendant son identité artistique moins reconnaissable pour ceux-la suivant depuis longtemps.

Ce projet ne représente donc pas pleinement l’essence qui caractérise habituellement la popstar britannique. Il est profondément influencé par les exigences du film, au point de laisser parfois de côté la personnalité forte et expérimentale de Charli XCX.

Un retour attendu

Depuis la sortie de son dernier album Nonante-Cinq, sorti en 2022, qui a ensuite donné lieu a Nonante-Cinq la suite (2023), Angèle s’est montrée plutôt discrète. Malgré la sortie de quelques collaborations comme Tout tenter avec Damso et NOTRE DAME avec Gazo et Tiakola, puis du single A Little More en 2025, les fans de la chanteuse attendaient son retour avec impatience. Et leurs souhaits ont été exaucés !

Le 11 février, la chanteuse belge aux 4 millions d’auditeurs mensuels sur Spotify avait annoncé la sortie d’une nouvelle chanson intitulée What You Want en collaboration avec Justice, le duo français composé de Gaspard Augé et Xavier de Rosnay.

Une avant-première à la maison pour la chanteuse belge

Avant sa sortie prévue le 27 février 2026, Angèle a réuni ses fans sur la place de la Monnaie à Bruxelles le 26 février afin de présenter son nouveau morceau et son clip en avant première mondiale. Pour rendre hommage au pays qui l’a vu naître, Angèle était présente pour révéler la chanson à ses fans et raconter son histoire : «C’était trop important pour moi de commencer à la maison. Faut savoir que cette chanson, What You Want, que vous allez donc écouter avant tout le monde, a commencé à Bruxelles. J’étais allée voir Justice en concert il y a quelques années, il y a un an et demi, je crois. Je les ai rencontrés et j’avais cette chanson que j’avais écrite, qui s’appelait What You Want, je ne savais pas quoi en faire. Je leur ai dit “j’ai ça si ça vous intéresse”, et ils sont revenus vers moi avec cet énorme banger» a-t-elle expliqué devant son public jeudi dernier (26 février).

Un morceau pop électro séduisant

Pour ceux qui n’ont pas pu assister à l’avant première, la chanson et le clip sont désormais disponibles. Le titre qui mélange anglais et français allie l’univers pop de la chanteuse à une mélodie aux tonalités électro. Le texte explore les thèmes du désir amoureux et de la séduction : «Encore une bêtise, c’est tout ton maquillage sur ma bouche / Tu me dis que ça t’excite, on arrange ça dans la douche»

Un clip empreint de sensualité

Le clip, tourné de nuit dans les rues de Marseille, a été réalisé par le collectif (LA)HORDE et plonge le spectateur dans une atmosphère envoûtante et mystérieuse. La vidéo met en scène la chanteuse qui déambule avec assurance dans un univers urbain, avant d’aller à la rencontre d’un homme puis d’une femme, avec lesquels elle partage tour à tour une chorégraphie sensuelle. Tout au long du clip, les images célèbrent des relations queer et la vidéo se conclut dans une ambiance empreinte de sensualité, de liberté et de communion avec une scène où tous les acteurs convergent vers le même endroit pour danser et s’embrasser.

Même si la patience reste de mise car rien n’a encore été annoncé, ce nouveau titre pourrait bien correspondre aux prémices d’une nouvelle ère et même d’un futur album pour la chanteuse !

La création et l’expérimentation ne sont pas des options pour Gabriel Kröger, lauréat Inrocks Super Club 2026, elles sont son moteur. Multi-instrumentiste autodidacte, il façonne sa musique seul, libre et maître de sa création. Chez lui, le DIY (Do It Yourself) est un mode de fonctionnement essentiel dans son processus créatif.

Si l’on croit ses textes, Gabriel Kröger se dépeint en anti-héros, cynique, parfois vaniteux. Un personnage qui s’aime autant qu’il se déteste, et une plume acérée, traversée d’autodérision avec un aspect sombre. Sur scène, le visage dissimulé sous une cagoule en maille, il avance avec l’attitude de ceux qui n’ont rien à perdre ou à prouver. Nous sommes allés à la rencontre de Gabriel Kröger pour explorer les contours de son univers sombre.

Pourquoi as-tu choisi Gabriel Kröger comme nom d’artiste ? 

Gabriel c’est mon prénom, Kröger en revanche, c’est un nom que j’ai emprunté au héros d’un roman (Tonio Kröger) qui s’appelle Tonio Kröger, c’est l’un des premiers romans de Thomas Mann, un auteur allemand.  

Quand j’avais lu ce bouquin, je devais avoir 17 ans et ça m’a vachement marqué à l’époque. Le personnage est très touchant et je m’identifiais à lui en quelque sorte par rapport à ce qu’il vivait et ressentait. Puis, quand j’ai mis mes premiers morceaux sur Soundcloud, je me suis dit “il faut que je mette un nom complet” et c’est lui qui m’est venu directement. 

“Une éthique punk sur un style musical très acoustique”

Depuis combien de temps fais-tu de la musique ? 

Aujourd’hui ça fait 10 ans que je compose et 6 ans que j’écris des morceaux dont je suis fier, mais je suis surtout très fier de mes compositions principalement. Puis après, j’ai mis 2 ans à interpréter mes chansons sur scène et de les assumer pleinement en étant face à un public.

Quelles ont été tes influences dans la musique ? 

L’influence du mouvement anti-folk ou folk-punk qu’on ressent à travers mon premier projet “Le journal d’un jeune dégueulasse.” L’idée est surtout d’avoir une éthique punk sur un style musical très acoustique comme notamment un groupe anglais Crywank. Sinon sur une partie plus rock, ça sera surtout du rock alternatif, particulièrement celui des années 1990.  

Il y a un groupe qui m’a beaucoup marqué quand j’étais ado, je les ai suivis jusqu’à leur séparation, c’est The Districts, un groupe américain que je suis allé voir en concert à Paris quand j’avais 15 ans. Leur manière de faire de la scène et d’interpréter leur morceau m’a choqué et ça a été un élément déclencheur pour me dire j’ai envie de faire de la musique.

Tu fais pratiquement tout seul : tu écris, tu produis, tu mixes… Est-ce que c’est important pour toi d’avoir la mainmise sur ton travail et d’être plus indépendant ?

Oui, c’est vrai que j’ai toujours été dans une optique d’autoproduction et de DIY. D’une part, car j’aime cet aspect, mais aussi par nécessité. Je viens d’une petite ville de banlieue Mennecy, et personne ne savait faire ces choses-là. Quand je voyais des gens jouer plusieurs instruments, qui savaient s’enregistrer, savaient mixer, je me disais c’est trop fort de pouvoir faire ça. 

J’ai passé plusieurs années à m’entraîner et maintenant, j’ai réussi une bonne partie, le seul point qui me fait défaut, c’est sur le visuel. Puis, d’un point de vue personnel, je trouve que c’est super important de savoir faire ces choses-là, le côté “craft” et assembler les choses ensemble me passionne beaucoup. 

Lequel de tes morceaux conseillerais-tu à quelqu’un qui ne te connaît pas encore ?  

Je pense évidemment au premier son de mon nouvel EP qui sort le 12 mars “Je ne m’en sortirai jamais”. Je pense que ce sont des sons plus actuels et dont je suis le plus fier. Sinon pour rentrer un peu dans l’ambiance, un morceau plus ancien : « Orphée » dans “Les mémoires d’un jeune dégueulasse”, c’est un morceau fun qui sonne très bien. 

Comment tu abordes les performances live ? 

Alors j’avais déjà fait du live au début avec des groupes en tant qu’instrumentiste ou compositeur. Avec des amis on a vadrouillé en faisant plein de petites scènes parfois un peu miteuses… Le live a toujours été très important, c’est un énorme terrain de jeu en tout cas en tant que musicien. Mais, à partir du moment où je me suis mis à chanter mes morceaux, c’était plus difficile. 

 Le premier live solo, je l’ai fait en 2022 et j’étais terrifié de chanter ma musique devant des gens. En persévérant et en travaillant, on s’y habitue et maintenant pour moi c’est un gros défouloir, quand tu es yeux dans les yeux avec ton public, c’est un vrai moment de partage. 

Tu commences à faire des salles de plus en plus grosses la Maroquinerie, le Trabendo : comment on gère cette pression ? 

Aujourd’hui je suis tellement en confiance avec les gens autour de moi sur scène avec le public et la régie que c’est un plaisir, je ressens pratiquement plus aucun stress surtout de l’excitation et de l’adrénaline. Je pense ça me rend vivant, de tout donner pendant 45 minutes 1 heure, et je trouve plus stressant de devoir jouer dans une salle à moitié vide. 

Tu as gagné la finale du concours des Inrocks. Quelle est la sensation que tu ressens de pouvoir participer aux Inrocks festivals le 11 mars prochain ? 

C’est un immense plaisir de pouvoir y participer et à la fois un aboutissement d’un cycle. J’ai tout donné pour aller chercher ma place, j’ai beaucoup travaillé sur le live sur les arrangements, la partie technique, etc.… C’est une sorte de récompense pour moi d’avoir pu prouver ma valeur. C’est le début d’un nouveau chapitre, en allant chercher tous ceux qui ne me connaissent pas encore et ne savent pas encore qu’ils sont fans. 

Ton prochain EP sors le 12 mars comment tu le décrirais en quelques mots ?

Pour moi, cet EP décrit une image d’un rayon de soleil traversant des rideaux un peu opaques, traversant une atmosphère un peu lourde, mais, malgré les obstacles il atteint sa cible. Je trouve dans dans la manière dont c’est produit, on sent que ça craque, c’est sombre y’a beaucoup de détail mais il y a toujours des pointes d’espoir et d’énergie.  Puis il parle d’une période de ma vie pleine de recherche, d’errance par moment. 

Dans ce projet quel serait le morceau qui te représente le mieux ?

“Voir les signes”, pour l’instant, c’est un morceau que je joue en live, mais pas encore diffusé sur les plateformes de streaming. Il parle d’espoir de manière frontale par le biais du négatif dans les moments où on ne le voit pas. De plus, c’est un morceau un peu différent de ce que j’ai pu faire dernièrement et j’en suis hyper fier.

Est-ce qu’il y aurait des artistes avec qui tu rêverais de collaborer ? 

Oui, il y’en a plusieurs, un de mes rêves d’ados je pense à Will Toledo dans sa manière de créer, ultra DIY, ultra indé vraiment dans une esthétique où l’on bricole avec 3 bouts de ficelles. Et pour citer un français, je dirais Hubert Felix Thiéfaine, je l’écoute depuis que je suis petit et je le trouve très marquant dans son univers. 

Qu’est-ce qu’il y’a dans ta playlist actuellement ?

Je me suis remis l’album de Oklou parce qu’après la victoire au Trabendo j’avais envie d’écouter “Want to wanna come back”. J’écoute aussi le single “Soeur d’oranger” du groupe Grife, ce sont des super copines qui sortent leur album. 

Tu as beaucoup de choses de prévues, mais tu prévois quoi pour la suite ?

Alors comme on en a parlé j’ai mon EP qui sort le 12 mars. Il y’aura des petites captations lives et clips autour. Plus tard dans l’année le deuxième volet de l’Ep sortira. J’ai quelques dates chouettes qui arrivent le 21 mars au Rack’Am dans le 91, les Inrocks, je pense que ça va être une année assez chargée. 

Inscrite au top 10 des séries TV françaises depuis sa sortie le 5 février dernier, la nouvelle série Netflix Les Lionnes rencontre un franc succès. La comédie signée Olivier Rosemberg, aussi connu pour son travail de réalisateur pour la série Super Mâles et pour ses rôles dans Family Business, Le cœur des hommes, LT-21, ou encore Comme un prince, investit cette fois le genre du récit d’action à travers un prisme féminin.

Pendant huit épisodes, cette série met en scène cinq femmes aux trajectoires singulières, mais toutes marquées par le drame. Des situations difficiles, les poussent à franchir la ligne de la légalité. Rosalie (Rebecca Marder), Kim (Zoé Marchal), Sofia (Naidra Ayadi), Alexandra (Tya Deslauriers) et Chloé (Pascale Arbillot) sont amies, voisines ou cousines, mais au-delà de leurs affinités, une autre chose les unit : un besoin et une volonté d’indépendance financière. Toutes les cinq se trouvent dans des postures difficiles, surtout sur le plan économique. Elles décident donc de braquer une banque, déguisées en hommes, afin de reprendre en main leur destin.

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La série Les Lionnes promet donc un divertissement à l’étoffe de film de braquage. Si le genre est historiquement dominé par des hommes, ici l’intrigue est portée par des femmes et centrée leurs expériences, mais le tout est réalisé par un homme. Or, n’est-il pas délicat de s’attaquer à ce type de récit quand le réalisateur ne peut naturellement pas connaître, ni comprendre pleinement le point de vue féminin qu’il donne à son intrique ?

Un discours féministe ?

Il est rafraîchissant de voir une série portée par cinq personnages principaux féminins, d’autant plus qu’elles incarnent des braqueuses, un rôle souvent associé à des hommes dans l’imaginaire collectif. Ce rôle casse les codes traditionnels et s’affranchit des stéréotypes qui associent les hommes à la criminalité tandis que les femmes sont reléguées aux rôles de victimes et très rarement à celui de meneuse ou cerveau d’un tel délit.

En dépit de cette vision moderne du rôle de braqueur, il semble difficile de ne pas noter que les femmes de la série, en dehors de leurs activités criminelles, sont cantonnées à des emplois dans lesquels elles ne possèdent aucun pouvoir de décision ou responsabilité, tandis que les postes à responsabilité sont tous occupés par des personnages masculins.

Alors, est-ce un parti pris stratégique de ne pas donner a des femmes des rôles que la série diabolise dans la mesure où ceux qui ont des rôles haut placés s’illustrent comme les antagonistes des personnages principaux féminins ? Ou est-ce simplement le continuum inconscient d’un imaginaire masculiniste dans lequel les postes à responsabilité (les maires, les policiers et les directeurs de banque) ne peuvent être occupés que par des hommes ? 

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La série Les Lionnes aborde indéniablement des thèmes associés à des luttes féministes (violences conjugales, violences économiques, etc…). Toutefois, leur traitement semble parfois maladroit et superficiel. Si l’intention d’aborder ces thèmes apparaît clairement, ils fonctionnent plus comme un ressort dramatique qu’une véritable inscription dans un discours engagé. Le discours sous-jacent de la série, inscrit dans une dynamique féministe, de prime abord, perd parfois son propos, noyé dans une mise en scène souvent lourde.

Profondeur féminine, mais caricature masculine

On peut aussi noter un contraste fort dans le traitement des personnages féminins et masculins. Les figures féminines possèdent une véritable profondeur et densité psychologique, tandis que les figures masculines semblent caricaturées. Si des personnages féminins forts, déterminés et complexes permettent de centrer le propos sur les expériences féminines, la réduction des personnages masculins à des stéréotypes limite la richesse du propos. On n’assiste pas véritablement à une inversion des rapports de force, mais plutôt à un déplacement des stéréotypes.

Le choix de placer les personnages dans un contexte socio-culturel marqué par la pauvreté et les quartiers populaires interroge aussi. Il révèle une narration empreinte de stéréotypes à travers laquelle l’illégalité et la violence apparaissent comme le seul moyen d’émancipation des milieux précaires. Plutôt qu’une critique sociale, la série reconduit une vision selon laquelle, pour se libérer de la précarité, les personnes issues des milieux populaires se tournent instinctivement vers la criminalité. Cette représentation est cliché et simplifie à l’extrême le parcours des personnes issues de quartiers populaires.

On peut quand même souligner que scénaristiquement parlant, la série dans laquelle on retrouve l’acteur à succès Jonathan Cohen (La Flamme, Family Business, etc…), réussit le pari d’allier humour déjanté et décalé et émotions. Le mélange rend l’ensemble drôle et divertissant. L’intrigue est captivante et les nombreux plots twists réussissent à tenir en haleine. Les Lionnes est donc une série ambivalente : les thèmes et la vision proposés sont audacieux, mais l’intrigue peine parfois à donner à son propos une véritable critique sociale, elle tend même parfois à un renforcement de stéréotypes ancrés dans l’imaginaire collectif. Il est dommage qu’une série qui, à première vue, cherche à valoriser les femmes, finissent par saupoudrer son intrigue de clichés.

Le groupe Only the Poets, originaire de Reading en Angleterre, a débuté en 2017. Au fil des années, il a su se constituer une réelle communauté de fans et ils cumulent aujourd’hui plus d’un million de streams sur certains de leurs morceaux, notamment Emotionally Hungover, ou I Keep On Messing It Up.

Début septembre, le groupe a annoncé qu’il performerait un concert à 1 livre pour 5000 de leurs fans. Le concert a eu lieu à l’O2 Academy Brixton le 2 février dernier.

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Dans un contexte marqué par l’inflation, le secteur de l’industrie musicale n’a pas été épargné et les concerts live sont particulièrement impactés. Pour exemple, en France, le prix des billets de concert a augmenté de 41 % entre 2014 et 2024, selon une étude du CNM.

Si certains artistes restent spectateurs face à la hausse et continuent de fixer le prix de leurs billets à des tarifs élevés, d’autres décident d’agir concrètement. C’est le cas du groupe Only the Poets, conscients et de la marginalisation que peut engendrer ces tarifs : «Ces dernières années, avec la crise du coût de la vie et la flambée des prix des billets, la musique live est devenue un luxe. Elle exclut ceux qui ne peuvent pas se le permettre et écarte justement les personnes qui ont le plus besoin des concerts.»

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Le groupe qui a gagné en popularité grâce aux réseaux sociaux et grâce à sa proximité avec leurs fans, notamment avec des zooms durant la pandémie, évolue dans une génération ou la culture des concerts connaît un essor sans précédent. Ces événements peuvent être fondateurs et jouent une rôle considérable dans la construction de certains jeunes, qui trouvent réconfort et inspiration dans la musique.

« Quand nous étions jeunes, les concerts représentaient bien plus que de simples sorties, ils étaient des bouffées d’oxygène. Ils nous donnaient un endroit où nous sentir à notre place, quelque chose en quoi croire ».

Le message militant du groupe a trouvé un écho particulier auprès des amateurs de musique live puisque le concert a eu lieu quelques jours après le début de la prévente de la prochaine tournée de l’artiste Harry Styles. À leur arrivée sur la vente, les fans avaient eu la mauvaise surprise de découvrir des tarifs particulièrement élevées : pour son concert à Amsterdam, il fallait débourser entre 141 et 315 euros pour des billets standards en fosse et pire encore, entre 348 et 828 euros pour des billets VIP.

Une volonté d’accessibilité revendiquée depuis leurs débuts

Le groupe qui s’est en partie fait connaître grâce a ses premières parties pour des artistes internationaux comme Louis Tomlinson en 2022, Lewis Capaldi en 2023 ou encore James Arthur en 2024, a toujours revendiqué sa volonté de rendre sa musique accessible au plus grand nombre.

Déjà pour sa tournée One More Night en 2024, le groupe composé de Tommy Longhurst, Andrew Burge, Clem Cherry, and Marcus Yates avait mis en place un système de billets à prix réduits pour les personnes qui ne pouvaient se permettre de débourser de grosses sommes dans les places de concerts. Une partie des billets mis en vente étaient réservées aux petits budgets. Sur inscription, les fans pouvaient accéder à des Low Income tickets (billets pour les personnes à faibles revenus, vendus à 50 % du prix normal) et des No Income tickets (billets pour les personnes sans source de revenus). La pratique reposait sur une politique d’honnêteté : chacun était invité à choisir le type de billets qui correspondait à sa situation. Le système a été reconduit pour la prochaine tournée du groupe en 2026.

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Une nouvelle génération à inspirer

Au delà de l’aspect financier, le groupe met aussi l’accent sur la nouvelle génération, qui ne pourra plus être inspirée, comme eux l’ont été, si les prix continuent de grimper : «Si les concerts continuent de devenir de plus en plus inaccessibles, que va-t-il advenir des enfants qui auraient pu tomber amoureux de la musique comme nous l’avons fait ? L’enfant destiné à devenir le prochain grand artiste, ou celui qui a simplement besoin de la musique pour traverser sa journée ?»

La musique live a forgé leur parcours et ils refusent que des jeunes soient privés cette expérience à cause de leurs revenus : «Les gens ne devraient pas avoir à travailler plus de quarante heures par semaine et quand même ne pas avoir les moyens de voir leur groupe ou artiste favori.»

Avec son concert à 1£, le groupe britannique Only the poets a permis à ses fans d’avoir accès à sa musique à un tarif défiant toute concurrence. Avec ce geste, le groupe prend partie sur la conversation sur la hausse des prix des billets de concerts qui remue l’industrie musicale ces derniers temps. Lors de l’événement qui s’est tenu le 2 février dernier, le chanteur du groupe Tommy Longhurst, a affirmé avec conviction : «la musique live n’est pas un luxe».

Sur leur collaboration intitulé Sex Model, un titre addictif et entêtant, PLK et Théodora explore la dualité d’une relation amoureuse. De leur côté, Twenty One Pilots, pour le clip de Drag Path s’inspire du court métrage Out of a Forest de Tobias Gundorff Boesen. Enfin, Jorja Smith replonge ses fans dans l’univers de son premier album.

Sex Model – PLK et Théodora

Les artistes PLK et Théodora se sont associés pour un titre exceptionnel qui a été dévoilé vendredi dernier (20 février 2026). Le morceau figurera sur le prochain album du rappeur français intitulé Grand Garçon, à paraître le 13 mars. Avec déjà plus d’un million de streams sur Spotify, la collaboration a séduit les fans des deux artistes.

Le texte explore les thèmes des relations amoureuses, de l’attirance physique et de la séduction. Il met en scène une relation fictive entre les artistes qui partagent tour à tour leur perception de l’autre. À travers son couplet, PLK décrit la femme par laquelle il est séduit, tandis que Théodora expose son dialogue intérieur, ce qu’elle perçoit de lui, de ses gestes, et vient verbaliser le jeu de séduction. 

Les deux artistes se révèlent complémentaires, tant dans leurs textes que dans leur voix. Le ton direct et parfois cru de PLK contraste avec celui de Théodora : plus imagé et poétique. Le timbre de PLK est grave, tandis que Théodora apporte douceur avec une voix plus mélodique, créant équilibre et harmonie.

Drag Path – Twenty One Pilots

En septembre 2025, les américains de Twenty One Pilots a fait son retour avec un album intitulé Breach dont une édition spéciale et limitée a ensuite été dévoilée . Sur cette version figure la chanson Drag Path, qui est donc un titre bonus exclusif. Bien que sa diffusion soit limitée, la chanson a rapidement explosé sur les réseaux sociaux, notamment sur TikTok où elle a même donné lieu à une trend. Cet engouement a incité le groupe à sortir officiellement la chanson, ainsi qu’un clip, le 18 février 2026.

Le titre de la chanson fait référence à une trace visible laissée sur le sol par un objet traîné. Pour cette chanson le terme est utilisé de manière métaphorique et correspond aux marques laissées par une perte ou un événement traumatisant. Le clip, qui prend des allures de conte à l’esthétique sombre et inquiétante, est inspiré du court métrage de Out of a Forest sorti en 2010 et réalisé par Tobias Gundorff Boesen, auquel le groupe a fait appel pour la réalisation du clip.

Don’t Leave – Jorja Smith

Le 19 janvier dernier, l’autrice, compositrice et interprète britannique Jorja Smith célébrait les 10 ans de la sortie de sa chanson Blue Lights, son premier single qui cumule aujourd’hui plus de 280 millions d’écoutes.

Pour célébrer la chanson qui a marqué ses débuts, la chanteuse avait dévoilé une mini playlist de 3 chansons intitulé Demo Dump ‘16 sur Soundcloud. Les démos qui y figurent ont été enregistrées en 2016, au même moment que Blue Lights, mais n’ont jamais été terminées. Les trois morceaux : Don’t Leave, Beneficial et Somebody Else ont ainsi été dévoilé tels quels, dix ans plus tard, le 20 février dernier.

Avec plus de 28 000 écoutes, Don’t Leave semble être de loin la favorite des fans. Jorja Smith a donc choisi de rendre ce titre disponible sur toutes les plateformes de streaming vendredi dernier.

Avec les sonorités soul et R&B qui caractérisent la chanteuse, Don’t Leave rappelle l’univers de son premier album. Le texte est puissant et empreint de vulnérabilité, avec un refrain qui sonne comme une supplication à l’être aimé qu’elle refuse de laisser partir: «Ne pars pas / Non, ne t’enfuis pas / Ne pars pas / Qu’est-ce qui te ferait rester» («Don’t leave / No don’t run away / Don’t leave / What will make you stay»). Cette chanson nous replonge avec nostalgie dans l’ambiance des débuts de la chanteuse, à travers des thèmes chargés d’émotions et de sensibilité.

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Présidées par Mika, les Victoires de la musique se sont tenues le 13 février dernier à la Seine Musicale. Les grands noms de la musique française se sont réunis pour récompenser les talents qui ont marqué l’année.

Parmi les vainqueurs de cette 41^eédition, on retrouve Disiz, figure emblématique du rap français, qui est sacré artiste masculin de l’année, Charlotte Cardin, nouvelle star de la pop, qui est nommée artiste féminine de l’année, Helena, l’enfant chouchou de la Star Académy, dont le titre Mauvais Garçon devient la chanson originale de l’année, ou encore Sam Sauvage, jeune talent prometteur de l’industrie musicale française, qui décroche le prix de la révélation masculine de l’année.

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Théodora, grande gagnante de la soirée

Mais une artiste a tout raflé et il s’agit de Théodora, qui est repartie les mains pleines de trophées. Nommée cinq fois, la jeune femme a remporté quatre récompenses. L’artiste s’illustre comme révélation féminine, révélation scène et remporte le prix de l’album de l’année pour Fashion Designa et de la création audiovisuelle de l’année pour MEGA BBL. Théodora rejoint ainsi le rang des vainqueurs sans démériter, rivalisant avec des grands noms du monde de la musique.

Une ascension fulgurante

Les premiers pas de Théodora dans l’industrie musicale remontent à quelques années. Elle a sorti un premier EP intitulé Neptune en 2021 et un second nommé Lili aux paradis artificiels en 2023. Puis sa carrière a complètement décollé en 2024 avec l’explosion de son titre KONGOLOSE SOUS BBL devenu viral, notamment sur TikTok.

Son succès s’est ensuite confirmé au cours de l’année 2025. Elle cumule aujourd’hui plus de 7 millions d’auditeurs mensuels sur Spotify et ses titres ZOU BISOU et FASHION DESIGNA approchent les 60 millions de streams chacun. Sa collaboration avec Disiz, sur le titre Mélodrama, dépasse les 110 millions d’écoutes. Aujourd’hui, rien ne semble pouvoir freiner la jeune artiste qui est bien partie pour faire raisonner durablement ses titres dans nos oreilles.

Lors de la cérémonie, Théodora est montée sur scène pour interpréter son nouveau single Des mythos et son titre FASHION DESIGNA qui était nommé dans la catégorie chanson de l’année contre Mauvais Garçon de Helena, les filles, les meufs de Marguerite, Soleil Bleu de Luiza et Tant pis pour elle, de Charlotte Cardin. La boss lady a enflammé la scène des Victoires de la musique avec une performance spectaculaire, chorégraphiée avec justesse et émotion. Si elle n’a pas remporté le prix dans cette catégorie soumise au vote du public, l’artiste n’était pas en reste pour autant.

Une artiste inspirée et inspirante

Et au moment de recevoir l’un de ses prix, l’artiste franco-congolaise a exprimé sa reconnaissance et sa gratitude : «Je tiens surtout aussi à remercier tous les projets qui sont passés avant moi, qui ont permis à mon projet d’être mieux compris, les Aya Nakamura, les Tiakola. Si aujourd’hui, mon projet avec des sonorités afro-caribéennes a pu être compris, c’est parce que ces gens-là sont passés avant moi, donc je les remercie.».

L’artiste, à l’engagement affiché pour la visibilité des femmes dans l’industrie musicale, depuis ses débuts, a aussi tenu à saluer les autres nommées : «Cette année, c’est l’année des femmes aux Victoires». Et l’artiste ne croit pas si bien dire. Cette année, parmi les 34 nommés, 21 étaient des femmes. Pour les prix de la chanson originale, de la création audiovisuelle et de la révélation scène, l’ensemble des nommées étaient des femmes. Cet indicateur révèle un paysage musical en pleine évolution et Théodora en est l’une des incarnations.

La consécration de Théodora aux Victoires de la musique confirme son talent et son statut de voix incontournable de la scène musicale française. La star montante multiplie les collaborations avec des grandes figures du paysage musical français telles que PLK, Gims, Jul ou encore Disiz, séduisant un public toujours plus large. Après avoir fait salles combles pour quatre Zénith à Paris, sa prochaine tournée à travers la France affiche déjà complet, réaffirmant l’influence et le rayonnement de Théodora, rapidement devenue une artiste emblématique de sa génération.

En ce début 2026, Hayley Williams s’impose dans l’actualité musicale grâce au lancement d’un nouveau projet. Elle s’associe à Daniel James, producteur et auteur compositeur – avec lequel elle a déjà collaboré pour certains des albums de Paramore et dans ses projets solo – pour fonder un nouveau groupe : Power Snatch. Le duo s’était donné rendez-vous sur Apple Music Radio jeudi dernier (29 janvier) pour dévoiler leur nouveau projet et diffuser leur premier single : Assignement.

Après quelques recherches, les fans ont découvert que le projet avait discrètement été teasé il y a quelques mois sur un compte instagram nommé @powersnatched en référence au nom du tout nouveau groupe. La musique de Power Snatch était donc sous leurs yeux depuis juillet ! L’unique publication du compte est une vidéo construite sur le principe de la mise en abyme, il s’agit d’une vidéo montrant une vidéo filmée, accompagnée d’un extrait d’une des chansons du groupe, laissant entrevoir l’univers musical de Power Snatch.

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D’autres singles attendus

Le compte Instagram introduit donc un deuxième single à paraître, dont le nom reste encore inconnu. Les fans les plus attentifs ont même repéré un troisième intitulé DMs en approfondissant leurs recherches sur Bandcamp. Puis le 1^er février 2026, un EP comptant trois pistes audio a été publié sur Bandcamp. Il inclut les titres DMs, DUH et HOLE IN THE CEILING. Le titre Assignment, officiellement annoncé par le groupe composé d’Hayley Williams et de Daniel James, ne figure pas sur cet EP et reste le seul morceau disponible sur les plateformes de streaming classiques.

Si la direction exacte du projet reste encore à déterminer, le duo s’épanouit dans un genre qui s’apparente à de la pop alternative, plus proche des projets solo de la chanteuse que de Paramore, mais plus expérimental que les projets déjà sortis d’un côté comme de l’autre.

Une carrière solo couronnée de succès

Si la chanteuse a toujours entretenu une carrière solo en parallèle du groupe, dernièrement elle a multiplié les projets de son côté. En 2025, elle a sorti son troisième album intituléEgo Death at a Bachelorette Party pour lequel elle partira en tournée (lien) à travers l’Amérique du Nord et l’Europe, courant 2026. Elle a d’ailleurs reçu quatre nominations aux Grammys 2026 pour son travail. Si elle n’a pas remporté de prix, ces nominations témoignent de sa capacité à s’imposer artistiquement en dehors de Paramore.

Paramore en pause

La sortie de leur album This is Why en 2023 a permis au groupe Paramore de faire son retour, tant sur la scène musicale que médiatique. Figure influente du rock alternatif, Paramore a rencontré un succès avec son dernier album, celui-ci a été classé n° 1 au Royaume‑Uni et en Australie et a débuté n° 2 du Billboard 200. Ensuite, la participation du groupe à la tournée mondiale The Eras Tour de Taylor Swift en 2024, où Paramore assurait la première partie, leur a offert une visibilité internationale sans précédent.

Alors les fans impatients du retour de Paramore devront sûrement encore patienter, faute de nouvelles de la part du groupe, mais ils pourront peut-être trouver du réconfort dans le nouveau projet de la chanteuse du groupe.

Née à Paris en 1902 dans une famille juive originaire d’Alsace et d’Allemagne, Denise Bellon (née Denise Hulmann) est une figure majeure, mais trop souvent méconnue, de la photographie française du XXᵉ siècle. Fortement influencée par la « Nouvelle Vision » – un mouvement artistique lié aux principes du Bauhaus qui considérait la photographie comme une pratique autonome et innovante –, elle contribue en 1934 à la fondation de la coopérative Alliance Photo, première agence photographique de l’entre-deux-guerres.

Son travail photographique l’amène à voyager : des Balkans à l’Afrique, en passant par la Finlande, où elle réalise de nombreux reportages, ainsi que des commandes publicitaires. C’est d’ailleurs par ce biais qu’elle débute sa carrière, en 1930, lors de son retour à Paris après sa séparation d’avec son premier mari, Jacques Bellon, dont elle conservera le nom pour sa pratique professionnelle. Intégrée au Studio Zuber, elle y réalise notamment la photographie d’une publicité pour Peugeot ou la couverture de Photographie 1938, un luxueux recueil annuel édité par la revue Arts et métiers graphiques.

L’acquisition d’un Rolleiflex, aux négatifs de format carré 6 x 6 cm, marque un tournant : elle se tourne vers le photoreportage. Avec ses compagnons du Studio Zuber – René Zuber, Pierre Boucher, Émeric Feher et Pierre Verger –, elle fonde Alliance Photo, une agence-coopérative où les photographes restent indépendants. L’essor de la presse illustrée profite à l’agence comme à la photographe : ses images paraissent dans des revues aussi variées que L’Art ménager, Art et médecine, Paris Sex-Appeal, Vu, Regards ou Match.

Les débuts du reportage 

Dès 1934, Denise Bellon réalise son premier grand reportage dans les Balkans, accompagnée d’Olivier Béchet. Traversant la Croatie, l’Albanie, la Grèce et la Bulgarie, elle y forge son style : un mélange de compositions audacieuses, de portraits saisissants et d’attrait pour l’insolite. Ses clichés révèlent déjà une patte unique, marquée par une curiosité pour « les petits métiers et les scènes ordinaires de la vie urbaine ». 

En 1936, elle se rend au Maroc et rejoint Pierre Boucher qui avait déjà effectué un premier reportage sur place en 1935. Il s’agit cette fois-ci d’une commande de la Compagnie des chemins de fer du Maroc. Elle illustre le développement rapide de Casablanca et ses constructions modernes, mais photographie aussi l’envers de ce décor, comme « le quartier réservé de Bousbir, où elle réalise sans fausse pudeur de beaux portraits de prostituées, ou le bidonville de Ben M’Sick ».

La menace d’une guerre, qui deviendra par la suite la « guerre d’Hiver », l’amène en Finlande en 1939. Envoyée sur place par l’hebdomadaire Match et le pays vivant sous la menace d’une invasion soviétique (le pacte Molotov-Ribbentrop, signé en août 1939, comporte une clause qui inclut le pays dans le giron de l’influence soviétique), Denise Bellon photographie aussi bien la courageuse mobilisation des Finlandais, sous les ordres du maréchal Gustaf Mannerheim, que la préparation des jeux Olympiques prévus à Helsinki en 1940. Achevant son périple en Estonie et en Lettonie, elle s’envole ensuite pour l’Afrique occidentale française où elle documente la conscription de volontaires africains dans les forces françaises. 

Une exposition sur les pas de l’artiste 

L’exposition retrace d’abord ses débuts : sa naissance, son entrée dans la photographie, son implication dans Alliance Photo, puis ses premiers reportages. Elle s’attarde ensuite sur la période trouble de la Seconde Guerre mondiale. En juin 1940, après la défaite française, Denise Bellon quitte Paris avec ses négatifs, échappant de justesse au pillage des locaux d’Alliance Photo par la Gestapo. Ses tirages, restés sur place, disparaissent à jamais. Elle se réfugie à Lyon avec son second compagnon, Armand Labin, journaliste juif roumain engagé dans la Résistance sous le pseudonyme de Jacques Bellon. Hésitant à partir pour le Maroc avec ses filles, elle reste à Lyon et réalise des reportages diffusés dans la presse locale.

L’exposition se penche ensuite sur l’après-guerre et la période suivant la Libération. Armand Labin fonde le Midi libre pendant que Denise Bellon s’intéresse aux paysages et à l’architecture : « châteaux, églises, cloîtres, ruines et constructions industrielles apportent une richesse documentaire à son fonds et constituent un inventaire du patrimoine régional ». Réalisant des reportages, elle évoque le rigoureux hiver 1944, la présence et l’aide américaine à Paris et à Lyon, les élections de 1945 – les premières depuis 1936 –, et la vie quotidienne des Français.

Enfin, les deux dernières parties de la rétrospective sont dédiées à sa rencontre avec les figures majeures de l’art et à ses dernières photographies : ses amies de l’école primaire de la rue de Villiers, dans le 17ᵉ arrondissement, ont épousé qui le peintre André Masson, qui l’écrivain Georges Bataille puis le psychanalyste Jacques Lacan, qui l’écrivain, éditeur et critique Jean Piel, qui Théodore Fraenkel, médecin et écrivain proche d’André Breton. L’artiste s’approche ainsi des surréalistes avec qui elle cheminera. 

Denise Bellon a traversé le XXᵉ siècle l’œil grand ouvert, capturant l’insolite, le tragique et le sublime avec une même intensité. Son œuvre, à la croisée du photojournalisme, de l’art et de l’engagement, est un témoignage précieux d’une époque en perpétuel mouvement. Pionnière, humaniste et libre, elle a su faire de son appareil photo une arme de résistance et de poésie. 

L’exposition du MahJ ne se contente pas de rendre hommage à une artiste majeure : elle nous invite à redécouvrir le monde à travers son regard vagabond. Un regard qui, aujourd’hui encore, nous rappelle que la photographie peut être à la fois un miroir et une fenêtre ouverte sur l’inconnu.

Une sortie audacieuse aux multiples influences

Imaginé comme un voyage sonore aux multiples influences, l’EP Mascarade s’inscrit dans une démarche artistique défricheuse et variée voulue par le label depuis sa création. Entre sonorités House, Minimal et une pointe de Break, l’EP se veut cohérent et permet de découvrir dès la première écoute la patte artistique du label.

Mascarade démarre fort avec le track NRJ de Nemo, une envolée House solaire aux accents minimaux, porté par un groove électrique et contagieux. Puis vient Medication Time d’Akkrosh. Un voyage mental aux nappes en apesanteur agrémentées par le sample de Jack Nicholson tiré du film Vol au dessus d’un nid de coucou. Une tension douce s’installe. L’EP continue de plus belle avec la Tech House ciselée à partir d’enregistrements live de drum machines et de synthétiseurs vintage du track Morose signé DJ Beluga92. Pour finir en beauté, c’est le percutant Don’t Worry de Catania qui clôture l’EP avec un hybride breakbeat sombre et immersif.

Un EP tiré à seulement 300 exemplaires

Autre particularité de ce nouvel EP au format uniquement vinyle est sa rareté. Avec un pressage limité à 300 exemplaires seulement, les diggers ne vont pas devoir se tourner les pouces longtemps. Pour la petite information, c’est le record store et distributeur bien connu des amoureux de vinyles Yoyaku Record Store qui s’est occupé de la distribution de la nouvelle pépite.

Pour se procurer Mascarade, rendez-vous sur Bandcamp sans plus tarder !

La release party de ce nouvel EP est prévu ce samedi 7 février au Bar Gallia à Pantin.

Paul Ressencourt & Simon Roche : Murmure

Paul Ressencourt et Simon Roche originaires de Normandie, se rencontrent en 2006 à l’École Supérieure d’Arts & Médias de Caen. Ils commencent à intervenir dans l’espace public à partir de 2010. Et choisissent de se faire appeler Murmure. Leur collaboration est très complémentarité. Paul compose les scènes tandis que Simon apporte des bases solides de dessin. Permettant de produire des œuvres d’une grande complexité technique, et d’un réalisme troublant. Ce qui distingue Murmure, c’est leur projet “Garb-age”, où l’objet banal du sac poubelle devient une métaphore puissante de la crise environnementale. Souvent en noir et blanc, ils transforment le sac plastique en baleine, en mer ou en silhouette poétique, invitant le public à réfléchir à l’impact de la pollution et de la consommation.

Roméo Tison : L’art en dialogue avec la nature

Roméo Tison est l’un des talents les plus prometteurs de la scène street art. Se distinguant par une approche singulière, faisant dialoguer ses œuvres avec leur environnement naturel. À 18 ans, il s’est rapidement fait remarquer. notamment, sur les réseaux sociaux en 2023, grâce à des créations qui mélangent graffiti urbain et land art, intégrant animaux, portraits humains. Ce qui rend l’art de Roméo Tison particulièrement captivant, c’est sa capacité à exploiter le décor naturel comme support et partenaire de création. Ses fresques monumentales, parfois visibles uniquement depuis le ciel, ou ses interventions dans des bâtiments abandonnés. Donnant une approche visuelle complétement différente. Il explore aussi l’éphémère, en travaillant avec des matériaux biodégradables ou en incorporant des éléments naturels comme la moisissure, créant des œuvres qui évoluent avec le temps.

Banksy : Provocateur de conscience

Banksy reste une figure incontournable et mystérieuse du street art mondial. Son apparition inattendue à London’s Royal Courts of Justice en septembre a confirmé son rôle. Celui d’une voix critique du pouvoir judiciaire. Fidèle à son style satirique, l’artiste peint une scène saisissante sur le mur extérieur du bâtiment judiciaire. Un juge vêtu de sa perruque traditionnelle, brandissant un marteau de justice. S’apprêtant à frapper un manifestant à terre, plaçant ainsi la justice censée protéger les citoyens, dans une posture d’oppression. Banksy a lui-même authentifié l’œuvre en la publiant sur son compte Instagram, une manière de signer sans jamais se dévoiler. Cette fresque, est perçue comme une critique cinglante de l’usage de l’institution judiciaire, contre les mouvements de protestation et les libertés civiles. Faisant écho avec les tensions politiques de l’année, notamment autour des manifestations récentes à Londres.

Monkeybird : La poésie symbolique des murs

Le duo français Monkeybird, formé par Édouard Egéa et Louis Boidron, s’est imposé comme une figure majeure du street art européen en 2025. Grâce à des fresques murales très symboliques, mêlant anthropomorphisme, histoire et mémoire urbaine. Plutôt que de suivre les codes classiques du graffiti, ils ont construit une identité artistique où l’oiseau et le singe, leurs figures récurrentes, incarnent deux facettes complémentaires de l’humanité. L’esprit rêveur, et l’instinct pragmatique pour inviter à une réflexion sur notre rapport à la liberté et à la société. Intégrant des références historiques et culturelles, pour ancrer leurs œuvres dans l’espace public. Leurs fresques, rappellent les vitraux et les gravures anciennes.

Bond Truluv : Graffiti et technologie

L’Allemand Bond Truluv, repousse les frontières entre graffitis traditionnels, arts numériques et expériences immersives. Actif depuis les années 2000, il a d’abord forgé sa réputation avec des compositions colorées sur les murs d’Europe, d’Afrique et d’Asie. Puis, il explore des nouvelles formes d’expression en intégrant la réalité augmentée à ses pièces, permettant au public de voir ses œuvres “prendre vie” via une application dédiée. Créant ainsi une interaction entre l’art mural et le monde digital. Son travail fusionne calligraphie, couleur et technologie, transformant chaque mur en une scène dynamique, questionnant les limites de l’art urbain moderne.

War ! : La nature en conquête des murs

Le street artiste français War !, s’est imposé comme une figure mystèrieuse de l’art urbain en 2025. Restant anonyme, il mène une véritable « guerre » pacifique contre la grisaille urbaine. il transforme les façades de Rennes en vastes fresques, où la faune et la flore sauvages reprennent leurs droits, redonnant vie à l’espace public saturé de béton. De plus, l’artiste cherche à apporter des messages de paix et de solidarités, envers les conflits du monde actuel, donnant à sa manière une possibilité d’ouvrir la pensée sur ces sujets. Cherchant à reconnecter nos villes avec le vivant. War ! démontre que le street art peut enrichir l’espace urbain tout en suscitant réflexion, émerveillement et dialogue avec le public.

Bordalo II : L’art de recycler

Le street-artiste portugais Bordalo II né en 1987 à Lisbonne. Sa démarche à la fois esthétique et écologique. Héritier de la passion artistique de son grand-père peintre, il commence par le graffiti avant de développer une pratique singulière, il récupère des déchets urbains, plastiques, pneus, ferraille. Les transformants en sculptures monumentales d’animaux pour dénoncer la surconsommation et l’impact destructeur des déchets sur la planète. Sa série emblématique, Big Trash Animals, place d’immenses représentations d’animaux. Composés à partir de matériaux “en fin de vie”, faisant de chaque installation un manifeste écologique en pleine rue. En multipliant ces créations colorées et spectaculaires à travers le monde, Bordalo II invite le public à repenser son rapport aux déchets tout en redonnant une seconde vie aux objets jetés, mêlant ainsi le street art à l’activisme environnemental de manière percutante.

Eduardo Kobra : La couleurs pour apporter la paix

Eduardo Kobra est un artiste brésilien, dont l’art a transformé les murs des villes du monde entier en fenêtres vibrantes sur l’humanité. Originaire de São Paulo, il a commencé à peindre dès l’enfance et a forgé un style unique mêlant photoréalisme, motifs géométriques et couleurs éclatantes. Son objectif est de rendre l’art accessible à tous, en transformant l’espace urbain en un véritable musée à ciel ouvert. Il reprend aussi bien des figures emblématiques comme “La joconde” ou “Gandhi”. Il cherche également à apporter des symboliques de paix, d’égalité et de solidarité. Eduardo Kobra cherche à pacifier les esprits à travers son art, et à rendre la culture accessible à tous en l’exposant dans la rue. Rappelant que l’art, peut être un outil puissant de dialogue et d’espoir.

Charles Levalet : L’illusionniste du quotidien

Charles Leval, plus connu sous le pseudonyme Levalet, est une figure majeure du street art français dont les créations transforment les murs des villes en véritables scènes de théâtre urbain. Né en 1988 à Épinal et formé aux arts visuels, il s’est fait connaître dès 2012 à Paris en collant des dessins en noir et blanc réalisés à l’encre de Chine sur papier kraft. Ce qui distingue Levalet, c’est sa capacité à faire interagir ses personnages avec l’environnement réel, créant des scènes surprenantes, poétiques ou humoristiques qui semblent surgir du mur lui-même. Ses œuvres jouent sur l’illusion et le surréalisme pour questionner notre rapport à l’espace urbain et au quotidien.

Scott Nagy : La nature sublimée en fresques

L’artiste Scott Nagy est un artiste australien. Il met à l’honneur la nature devenant son principal sujet. Originaire des Montagnes Bleues à l’ouest de Sydney, il a développé dès son plus jeune âge son talent pour la peinture et l’aérosol avec des graffeurs locaux. Il va suivre des études aux Beaux‑Arts, lui a permettant de combiner technique classique et énergie urbaine dans ses œuvres. Ces murs captivent le regard et donnent l’impression que l’instant est figé sur les murs, prenant vie sous nos yeux. À travers ces fresques spectaculaires, Nagy ne peint pas seulement des scènes : il invite à une réflexion sur notre rapport à l’écologie, à la mémoire et à la perte, comme dans l’œuvre “Memory Loss” qui explore la façon dont l’expérience et la connaissance peuvent s’éroder dans un monde hyperconnecté.

L’exposition immersive au musée national de la Marine mêle projections sur écrans géants, décors théâtralisés et récit intime au cœur de ce tour du monde. Ce voyage, dont Magellan ne verra pas l’achèvement, prend place entre 1519 et 1522, soit quelque cinq cent sept ans plus tôt. Heureux qui, comme Ulysse, a fait un beau voyage, disait Joachim du Bellay.

Se basant en partie sur les dernières recherches scientifiques et les images de la série animée L’Incroyable périple de Magellan, écrite et réalisée par François de Riberolles, illustrée par les dessins d’Ugo Bienvenu, et produite par Camera Lucida et Arte, l’exposition replace l’expédition dans son contexte historique et apporte un regard nouveau.

Le premier tour du monde…

Fernand de Magellan (1480-1521), navigateur portugais au service du roi Charles Ier d’Espagne, souhaite atteindre les îles aux Épices (Moluques) en naviguant vers l’ouest. Il s’agit alors autant de tracer une nouvelle route commerciale comme Christophe Colomb le fit en son temps que de prouver que la Terre est navigable d’un bout à l’autre.

« Le 20 septembre 1519, un équipage de 237 hommes répartis sur cinq voiliers (le Trinidad (navire amiral), le San Antonio, le Concepción, le Victoria et le Santiago) s’élançait depuis Séville dans l’océan Atlantique, cap à l’ouest, vers les confins du monde connu », explique le musée national de la Marine. Le pari ? Trouver un passage à travers le continent américain pour rejoindre l’océan Pacifique et, de l’autre côté du monde, atteindre les Indes.

Sur les 237 hommes d’équipage, seuls dix-huit rentrent à bon port sur le seul navire restant : le Victoria. Le capitaine Magellan n’en fait pas partie : impliqué dans un conflit local aux Philippines, il est tué lors de la bataille de Mactan, face au chef Lapu-Lapu, en avril 1521.

Si l’expédition connut très rapidement des tensions entre capitaines, des mutineries et des conditions extrêmes – notamment lors de la traversée du Pacifique, qui dura trois mois avec famine, scorbut et nombreux morts –, elle fut néanmoins un succès : le tour du monde complet par voie de mer, la première circumnavigation, fut achevé.

… pour un tour en musée.

L’exposition se base sur le travail d’Antonio Pigafetta, qui laisse des chroniques très complètes du voyage, et revient sur les « enjeux politiques et économiques de l’expédition, la dureté de la vie en mer, la découverte et l’émerveillement devant les nouvelles terres et les peuples rencontrés, et jusqu’aux violences, contre les femmes et les autochtones, et à la mort ». Aucune facette du voyage n’est oubliée.

« En contant leur aventure hors du commun, l’exposition met en lumière les protagonistes souvent méconnus de l’expédition, et permet d’appréhender les caractéristiques de la navigation du début du XVIe siècle et les implications humaines et sociales des grandes expéditions de découvertes. »

L’exposition suit une chronologie simple : celle de l’expédition. Sauf à la fin de la visite, où elle revient sur la mort de Magellan et « ouvre la réflexion sur l’héritage laissé dans son sillage depuis cinq siècles ». Le musée propose ainsi une introduction traditionnelle, évoquant Fernand de Magellan (v. 1480-1521), Christophe Colomb (1451-1506) et Vasco de Gama (1469-1524), les plus célèbres navigateurs des XVe et XVIe siècles, s’intéresse au contexte géopolitique de l’époque (celui-ci étant dominé et divisé entre l’Espagne et le Portugal suivant le traité de Tordesillas signé le 7 juin 1494), et l’impact des épices – sans doute avons-nous là l’inspiration de Frank Herbert lorsqu’il écrivit Dune.

Un voyage à étapes.

« Le départ approche ! Les cloches de la cathédrale de Séville sonnent, annonçant le début du parcours audiovisuel conté par Pigafetta » : l’exposition poursuit ensuite avec le début du voyage. Et, comme Louis-Antoine de Bougainville (1729–1811), James Cook (1728–1779), Jean-François de La Pérouse (1741–1788), T. E. Lawrence a.k.a. Lawrence d’Arabie (1888–1935), Jean-Baptiste Charcot (1867–1936), Wilfred Thesiger (1910–2003) ou encore Paul-Émile Victor (1907–1995), Magellan fut militaire avant d’être marin.

En 1512, après avoir combattu en Orient sur les flottes portugaises depuis 1505, Magellan demande une augmentation pour ses services, qui lui sera refusée par le roi du Portugal. Son ami Francisco Serrão, dont il avait sauvé la vie à Malacca, l’invite alors à le rejoindre à Ternate aux Moluques, archipel indonésien des girofles. Ce dernier lui répond qu’il le fera et que « si ce n’est pas par la voie du Portugal, ce sera par celle de la Castille » : voici les origines du projet.

S’ensuit la descente de l’Atlantique le long des côtes africaines jusqu’à l’équateur. La flotte dépasse les archipels de Cap-Vert et traverse ensuite l’océan jusqu’au large du Brésil, malgré une météo instable et des orages de plus en plus violents. Les premières tensions s’installent à bord et Magellan doit tenir l’équipage et ses capitaines. Ils s’arrêtent dans la baie de Santa Lúcia, aujourd’hui Rio de Janeiro, le 13 décembre 1519, pour se reposer et rencontrer les premiers peuples autochtones avant de repartir vers le sud, jusqu’à la baie de San Julián, où ils passeront la mauvaise saison.

C’est la fin de l’insouciance : enthousiasme et espoir des débuts font place à la peur et à la violence. Trois capitaines espagnols – Juan de Cartagena, Luis de Mendoza et Gaspar de Quesada – mènent une rébellion, rapidement matée. Le Santiago, envoyé en exploration, fait naufrage et l’exposition doit être mise en pause à l’embouchure du Santa Cruz pour réparer les navires.

« À l’occasion d’une mission d’exploration, le pilote portugais du San Antonio, Estêvão Gomes, persuadé que l’expédition est vouée à l’échec, mais que le passage semble trouvé, convainc son équipage de déserter ». Les voilà désormais trois navires. De là, ils s’aventurent dans le détroit qui prendra le nom de Magellan, entre la Patagonie continentale et la Terre de Feu. Ils remontent ensuite les côtes sud-américaines le long de l’actuel Chili avant d’obliquer plein est, direction les Philippines.

« Naviguant d’île en île pendant 42 jours, Magellan semble renoncer à rejoindre les Moluques pourtant proches. Le 7 avril 1521, il signe des traités d’amitié avec le souverain de Cebu et décide de provoquer Lapulapu, le chef de l’île voisine de Mactan, qui lui serait hostile. L’affrontement éclate le 27 avril 1521. Magellan et sept de ses compagnons sont tués. Cette mort reste une énigme : fantasme d’invincibilité d’un homme qui a perdu sa lucidité ? Acte suicidaire d’un soldat qui aurait compris qu’il a échoué et ne peut reparaître ni en Espagne ni au Portugal ? ». Puis, quatre jours après la mort de Magellan, le roi de Cebu invite 26 membres de la flotte pour un banquet « qui se révèle être un guet-apens : ils sont tous tués ou capturés ». Les Moluques sont atteintes le 8 novembre 1521. Ne restent que deux navires et 113 hommes d’équipage.

Gonzalo Gómez de Espinosa, alors capitaine-général, secondé par l’Espagnol Juan Sebastián Elcano et l’Italien Giovanni Battista, décide de séparer le reste d’armada. Le premier verra la Trinidad tomber aux mains des Portugais et rejoindra l’Europe avec quatre survivants en 1526. Elcano, capitaine de la Victoria, emprunte de son côté la voie portugaise, par l’ouest. Il plonge très au sud de l’océan Indien et « réalise l’exploit inédit d’une navigation de 151 jours sans escale, de Timor jusqu’au Cap-Vert ».

Magellan est alors mal considéré au Portugal ; Elcano devient héros en Espagne ; Lapu-Lapu est glorifié aux Philippines ; seuls les Chiliens voient en Magellan un héros. Sans doute faudra-t-il aussi la lecture du Magellan de Stefan Zweig pour comprendre l’écart entre la façon dont le navigateur était alors perçu et la manière dont il est aujourd’hui décrit, inspiration d’un Jules Verne qui y inclut des références dans son Vingt mille lieues sous les mers. Fut-il aussi un modèle pour Jean Gaumy ?

Le présent est marqué par ses incertitudes, ses désordres, ses déséquilibres, ses dérives, entre réchauffement climatique (et son cortège de catastrophes, de la montée des océans à la désertification des terres, de la fonte du pergélisol à la 6ᵉ extinction de masse), incertitudes économiques et guerres qui émergent à l’horizon : Venezuela, Iran, Israël et Palestine, Chine et Taïwan, Pakistan et Inde, Inde et Chine, Cambodge et Thaïlande et, plus proche de nous, Ukraine et Russie.

Depuis cinquante ans, « sans militantisme mais avec constance, aux quatre coins du globe, Martin Parr dresse un portrait saisissant » de ses désordres qui semblent de plus en plus nombreux, se succédant tels les vidéos sans fin de nos réseaux sociaux. L’artiste y ajoute une pointe d’ironie, s’inscrivant dans une certaine « tradition satirique britannique », entre « humour incisif et moquerie douce-amère au service d’un regard critique, indirect mais profond ».

L’exposition revient sur plusieurs années de carrière et plusieurs séries, des îles britanniques et de l’Irlande au reste du monde. Y émergent plusieurs thèmes récurrents : les turpitudes et les ravages du tourisme de masse, la domination de la voiture, les dépendances technologiques, la frénésie consumériste et notre rapport ambivalent au Vivant dans une approche qui, bien qu’esthétiquement très différente, n’est pas sans rappeler le travail de Yann Arthus-Bertrand, Sean Gallagher, James Whitlow Delano, J.-Henry Fair, Daniel Beltra ou Gheorghe Popa – sur le fond et le message.

Non content de dénoncer ces désordres, il pointe aussi leurs causes : usage effréné des transports, consommation d’énergies fossiles, surconsommation globale, dégâts environnementaux. dé Clément et Cyril Dion n’auraient pas dit mieux. Avec ironie – une ironie mordante tant ce qui est partagé prête peu à rire –, c’est l’Anthropocène, l’ère géologique de l’Homme, que dénonce l’artiste.

Une œuvre et une cause

Les 180 œuvres présentées par le Jeu de Paume reviennent sur cinquante ans de production, de ses débuts en noir et blanc à des œuvres récentes ; le tout réparti en 5 parties, chacune abordant une thématique en lien avec ce message, cette cause pour laquelle œuvre, en silence, Martin Parr.

Avec humour, l’artiste dresse dans Tout doit disparaître un inventaire « cru et drôle de nos objets de désirs et nos modes de consommation, envisagés comme une forme de religion nouvelle », dénonçant l’univers consumériste qui est le nôtre ; Petite Planète évoque le tourisme de masse, sujet de prédilection de l’artiste qui, dans les lieux les plus emblématiques du phénomène, s’intéresse aux habitudes et aux comportements de ce touriste global, réalisant également, en filigrane, une étude des déséquilibres Nord/Sud ; il décrit dans Le règne animal la cohabitation entre l’humain et l’animal, entre indifférence et fascination, négligence et sur-attention, violence et affection ; puis, dans Addictions technologiques, faisant le bonheur de Bruno Patino et Gérald Bronner, Martin Parr aborde la question « de l’humain et de la machine sous ses formes les plus diverses : voitures, téléphones, jeux vidéo, machines à sous et maintenant ordinateurs et smartphones qui redéfinissent chaque jour au quotidien, notre rapport au réel, à l’espace et au temps ».

Martin Parr disait en 2021 qu’il crée « un divertissement, qui contient un message sérieux si l’on veut bien le lire, mais je ne cherche pas à convaincre qui que ce soit — je montre simplement ce que les gens pensent déjà savoir ». Souvent dans l’avion, en contradiction avec le message qu’il véhicule et bien qu’il ne cherche jamais « à se poser en donneur de leçons », il reconnaît volontiers l’impact environnemental de son mode de vie — notamment sa forte empreinte carbone — et refuse de prendre une position de surplomb vis-à-vis de ses sujets — chose que Yann Arthus-Bertrand, lui aussi critiqué pour son usage inconsidéré de l’avion et de l’hélicoptère, n’avait jamais exprimée ainsi.

« On va vers la catastrophe, mais on y va tous ensemble. Personne n’osera interdire la voiture ou les déplacements en avion », affirmait-il en 2022. L’exposition est à retrouver au Jeu de Paume du 30 janvier au 24 mai 2026, un hommage à cet artiste décédé à l’âge de 73 ans, début décembre 2025.

Un des axes forts de cette année, c’est l’inclusion de ces nouveaux supports avec la confrontation entre innovation et tradition. Des artistes mélangent des techniques classiques (aquarelle, peinture, encre) et les technologies numériques créant des œuvres visuellement fortes.

Aujourd’hui, retour sur différents artistes abordés tout au long de cette année 2025, avec une sélection des 10 meilleurs illustrateurs de 2025

Bottlingsunshine Raconter avec lumière et couleur

Bottlingsunshine, Jasmyn Arnold de son vrai nom, est une artiste américaine indépendante. Elle utilise les formats digitaux pour exprimer son art. Son univers se distingue par des émotions brutes. Elle met en scène des personnages féminins caricaturaux, souvent blessée ou en pleurs. Elle cherche à montrer la vulnérabilité et les luttes intérieur. Son esthétique aux couleurs chaudes et pastels associés à des figures enfantines. Inspiration venant du pop art et de l’art japonais, crée un contraste puissant entre douceur et dystopie. À travers ces œuvres, Jasmyn invite le questionnement sur des thématiques engagées comme la condition des femmes et la souffrance social.

Bill Mudron : Quand la pop rencontre le traditionnelle

Bill Mudron est un artiste illustrateur et cartooniste américain. Il est un grand fan de jeu vidéo, de la pop culture et des esthétique historique avec les estampes japonaises. Créant des compositions originales et sortant de l’ordinaire. Bill met l’accent sur les paysages, l’architecture et l’ambiance des mondes imaginaires. Il place les personnages au second plan pour mettre en avant la richesse des environnements.

Emmanuelle Valleran : Entre femme et félin

Emmanuelle Valleran est une illustratrice française et professeur de design et métiers d’arts. Son univers artistique s’enroule autour des figures animales et de liens symboliques qu’unissent humains et animaux. Elle utilise souvent le cheval et les félins dans ces œuvres comme le symbole de la puissance, du mystère et de l’instinct. Elle tisse le lien et explore les relations entre la femme et le monde sauvage. Son travail au crayon de couleurs est un alliage d’une grande minutie et de technique. Créant des ambiances vibrantes suspendant le regard entre réalité et imaginaire.

Sara Khan : Exploratrice de l’identité et de l’imaginaire

Sara Khan est une artiste-peintre d’origine pakistanaise, travaillant aujourd’hui à Vancouver, elle crée des peintures tirant son inspiration de sa vie personnelle et de son observation. Des compositions aux couleurs douces et riches, souvent réalisées à l’aquarelle, révélant une beauté insoupçonnée jusque dans les moments les plus banals. Une exploration des perceptions, questionnant notre perception sur l’identité, la normalité et l’humain dans un aspect plus global.

Marie Casaÿs : Briser les tabous et faire parler les corps

Marie Casaÿs se distingue pour son art confrontant les tabous de chacun. Illustratrice parisienne, elle expose l’intimité et la sensualité avec une énergie visuelle vibrante. Avec ces crayons de couleurs, elle compose des scènes où les corps se déploient librement. Elle cherche à mettre en avant la réalité des relations intimes de tous les genres et orientations. Les couleurs, franches et lumineuses, jouent un rôle central dans son langage visuel. Marie est une artiste engagée traitant de sujet controversée. Elle montre son implication sur les questions environnementales dans une collaboration avec Atelier Gabrielle. Cette jeune artiste au style reconnaissable et singulier réinvente le nu sans tabou. Marie Casaÿs renouvelle la manière dont le corps et l’intimité sont représentés aujourd’hui.

Choodraws : La pop culture au service de la narration

Illustrateur.rice australien.ne basé.e à Melbourne, Choodraws propose une vision unique où se rencontrent couleurs vives, narration implicite et influences du pop art et des bandes dessinées rétro. Iel s’est fait connaître sur ses réseaux sociaux, notamment Instagram, où iel partage des illustrations digitales reconnaissables entre toutes par leur énergie et leur style distinctif. Une signature récurrente dans son travail avec l’intégration d’éléments symboliques, comme les fruits et les fleurs, ouvrant la porte à des interprétations personnelles du spectateur. Son usage audacieux des palettes saturées et des lignes nettes crée une esthétique immersive, tout en reflétant une maîtrise du médium digital qui parle autant aux amateurs d’illustration qu’à ceux de culture visuelle contemporaine.

Pedro Pedro : Une nature morte pleine de vie

Peintre contemporain basé à Los Angeles, Pedro Pedro transforme les objets du quotidien en véritables explosions de couleurs, de forme et de sens. Ces toiles ressemblent à des natures mortes réinventées, débordantes de fruits, de mets, de vêtements et d’éléments du quotidien. Il s’inspire autant des traditions classiques de la nature morte que de l’ironie du pop art et de la fantaisie. Donnant des compositions capturant la tension entre l’ordre et le chaos.

Ron English : Quand l’art défie le consumérisme

Figure majeure du pop art contemporain et du street art, Ron English est un artiste américain né en 1959. Pionnier du mouvement qu’il appelle “Popaganda”, il mêle avec humour et provocation l’imagerie des marques, des figures politiques, des bandes dessinées, créant des visuels reconnaissable entre tous. Dans les années 80, English se fait connaître pour ses interventions de culture jamming. Il détourne et les panneaux publicitaires pour en révéler les mécanismes de persuasion, transformant des mascottes célèbres en figures satiriques. C’est au Texas qu’il sera même menacé d’être emprisonné. Avec son image unique, il revendique son appartenance à la mouvance comme des pirates médiatiques. Ron English est une figure incontournable tournant au ridicule et de manière humoristique.

Andy Kehoe : Le gardien des forêts enchantées

Artiste américain basé à Pittsburgh, Andy Kehoe est un créateur d’univers visuels mystiques, oniriques et profondément narratifs. Diplômé de la Parsons School of Design à New York, il a développé un style particulier où la peinture se mêle à l’imaginaire. Il peint une nature presque vivante habitée par des créatures étranges et fascinante. Très connus pour ces tableaux fantastiques peuplés d’être chimériques mi-homme mi-animaux. Ces personnages évoluent dans une dans des forêts mystérieuses dans une atmosphère mystique. Techniquement, l’artiste combine huile, acrylique, résine et parfois des éléments sculptés. Ces pièces évoquent une poésie silencieuse, où chaque créature, paysage ou ciel étoilé semble être le point d’entrée d’un monde parallèle riche en symboles. Par ses univers à la fois enchanteurs et troublants, Andy Kehoe invite à une contemplation de la nature.

Scott Listfield : L’astronaute de la pop culture

Artiste contemporain américain né en 1976 à Boston, Scott Listfield est surtout connu pour ses peintures énigmatiques, il met en scène un astronaute solitaire explorant des paysages saturés de culture populaire et de symboles contemporains. Ses œuvres, principalement réalisées à l’huile sur toile, il associe des éléments réalistes paysages, logos, enseignes, architectures à des touches surréalistes, peuplées de dinosaures ou de références culturelles venant de la pop. Dans ces compositions, l’astronaute agit comme symbole de curiosité, de solitude et de réflexion sur ce qui l’entoure. Ces images explorent subtilement les paradoxes de notre époque, une vision du présent oscillant entre progrès, absurdité et inquiétude.

« Avec Manga. Tout un art !, le musée Guimet met à l’honneur l’époustouflante créativité de ce mode d’expression longtemps considéré, superficiellement, comme un objet de consommation plus commercial que culturel. L’exposition n’efface pas ce premier aspect, bien sûr très présent et qui a soutenu la diffusion à grande échelle de ces œuvres au Japon comme à l’international, mais elle s’attache également à réinscrire le manga dans une histoire complexe, non seulement sociale et économique, mais aussi culturelle et artistique », explique Yannick Lintz, présidente du musée Guimet.

Si le manga est un style littéraire qui se développe au Japon dans la seconde moitié du XIXᵉ siècle, il est faux de considérer qu’il s’agit là d’une pure nouveauté. En effet, l’histoire culturelle du Japon ayant permis l’apparition de ce médium est longue et prend ses racines dans le passé de la contrée du soleil levant. 

« En rapprochant les mangas les plus contemporains d’œuvres majeures de l’art japonais ancien, en mettant en regard des statues bouddhiques et des planches originales de manga, des estampes patrimoniales et des publications récentes, en montrant le lien des mangas avec le théâtre, les croyances populaires ou la littérature, l’exposition nous invite à revisiter notre perception de la “bande dessinée japonaise” et à poser sur elle un regard esthétique nouveau », continue Yannick Lintz. 

Le musée Guimet souhaite ainsi rendre justice à la richesse de l’histoire et du patrimoine nippon, avec une exposition conçue pour se déployer dans les différents espaces de l’établissement : rez-de-jardin, premier et deuxième étage. Une bibliothèque, au premier, permet de découvrir les plaisirs de la lecture des Kodomo (pour les jeunes jusqu’à 11 ans), des shōnen et shōjo (pour les préados et adolescentes, l’un destiné à un public masculin, le second plus féminin), des seinen (pour les adolescents et les jeunes adultes jusqu’à 30 ans), des josei (pour les jeunes femmes) et des seijin (réservé aux adultes). 

Les prémices du genre

Dans son communiqué et au sein de l’exposition, le musée explique que les mangas sont « nés de la rencontre entre le Japon et l’Occident au cours de la période qui s’étend des années 1850 aux années 1920. Le pays s’ouvre aux échanges internationaux après deux siècles de fermeture relative et adopte volontairement la culture occidentale. Les premiers jalons sont posés avec l’introduction de la presse satirique qui se développe alors en Europe puis aux États-Unis depuis le milieu du 19ᵉ siècle ». 

Deux étrangers, l’Anglais Charles Wirgman (1832-1891) et le Français Georges Bigot (1860-1927), vont tour à tour lancer The Japan Punch et Tôbaé. Il s’agit des premiers périodiques de l’archipel nippon. « Apprentis ninjas, sabreurs d’élite, démons grimaçants, collégiennes magiciennes, lycéens intrépides, robots géants ou créatures fantastiques, les personnages de manga » font alors irruption dans la culture japonaise, fruits des échanges avec le monde occidental, et se développe dans l’immédiat après-guerre avec Tezuka Osamu (1928-1989) et Astro Boy, son robot futuriste.

Aujourd’hui, des millions d’exemplaires sont vendus chaque année dans le monde ainsi que leurs multiples déclinaisons : animes, jeux vidéo et autres produits dérivés. Rien qu’en France, Paris Manga & Sci-Fi Show attire chaque année près de 55 000 visiteurs, quand la Japan Expo en draine jusqu’à 250 000 sur quatre jours à chaque édition. 

Un héritage historique 

Si l’impact de l’Occident est indéniable, le musée Guimet montre aussi la relation entre mangas et tradition artistique japonaise : « la créativité des mangakas puise volontiers dans les œuvres de l’époque d’Edo (1603-1868) pour inventer des histoires captivantes et donner vie à leurs personnages, parfois avec sérieux, souvent avec humour ».

Ainsi de Naruto, jeune ninja qui donne son nom à l’œuvre, qui mobilise son énergie à l’aide de mudrā, des gestes rituels à l’origine bouddhique, et porte scellé dans son corps un renard à neuf queues dont l’ère Edo était friande ; ainsi de Demon Slayer qui s’inspire du Japon des années 1910 et aborde des thèmes en résonance avec le théâtre traditionnel (nō) : la mémoire, la filiation, la capacité à éprouver de la compassion pour ceux que la douleur a rendus monstrueux ; ainsi aussi One Piece, dont l’arc narratif du Pays des Wa est truffé de références au Japon : le territoire fermé aux étrangers rappelle l’époque d’Edo, marquée par l’isolement. Les samouraïs y incarnent l’honneur, la résistance et le sacrifice, tandis que les membres de l’équipage de pirates deviennent les alliés d’une lutte de libération. Et il n’agit ici que de trois titres parmi la foison publiée chaque année. 

« Bien avant la fin du 19e siècle, la société japonaise a donné naissance à des œuvres graphiques dont certaines caractéristiques pourraient être qualifiées de “mangaesques” », précise le musée. Et celui-ci de citer : des intrications de mots et d’images pour raconter des histoires, un talent pour traduire le mouvement des personnages ou des phénomènes naturels, un goût pour les scènes de combats et de compétition ainsi que pour le fantastique et les créatures aux pouvoirs fabuleux, une omniprésence de l’humour, des bulles pour figurer les rêves. Chacun de ses éléments est expliqué et explicité dans l’exposition. 

Hokusaï : le père du genre ? 

Katsushika Hokusai est l’un des plus grands artistes japonais de l’époque d’Edo. Peintre et surtout maître de l’ukiyo-e (estampes sur bois), il est mondialement célèbre pour La Grande Vague de Kanagawa, symbole universel de la tension entre la fragilité de la condition humaine et l’éternité du mont Fuji. Il réalise cette œuvre entre 1830 et 1832, pour la série des Trente-six vues du mont Fuji. 

« Par la netteté de ses contours et la lisibilité de ses plans, La Grande Vague préfigure l’esthétique de la bande dessinée et de la ligne claire dans une filiation qui mène de Christophe (La Famille Fenouillard, 1889) à Pinchon (Bécassine, 1904), George McManus (La Famille Illico, 1911) et Hergé (Tintin) ». Il publie entre 1814 et 1878 des recueils intitulés Hokusai Manga, où le terme désigne ici des « dessins spontanés », des « esquisses » ; il popularise alors le terme dans sa signification première. 

Il faut attendre le 20e siècle pour voir La Grande Vague s’affirmer comme une icône visuelle mondiale : elle est citée par Hergé dès 1932 dansLes Cigares du pharaon, elle se retrouve chez Jacques Martin dans Alix : L’Île maudite (1957) et David Etien dans Thorgal (2025) ; elle figure encore sur la couverture de la biographie d’Hokusai par Ishinomori Shōtarō (1987), dans le film d’Isao Takahata, Mes voisins les Yamada (1999) et chez Eiichirō Oda et son One Piece (2018). Tous rejouent le même motif : « le péril du naufrage, l’homme face aux forces du monde ».

Trois livres viennent enrichir la collection des éditions Arnaud Bizalion en ce début 2026. Bernard Plossu publie deux ouvrages : Polska, zima 1992, dans lequel il retrouve sous le froid polonais la poésie du monde en mouvement ; et Lumière sud, où il revient à La Ciotat et où la lumière devient matière photographique et où il s’intéresse à sa terre et sa clarté. Avec En herbe, Florence Chevallier explore l’enfance comme un miroir du temps, entre éveil, beauté et mémoire.

Trois livres proposant chacun une manière d’habiter «  le temps et la lumière » : Bernard Plossu, photographe français né le 26 février 1945 à ĐàLạt, au Sud du Viêt Nam, revient sur son passé, celui qu’il a vécu aux États-Unis et dont il se souvient les hivers rigoureux, mais aussi La Ciotat et ses paysages brûlés par la lumière estivale ; Florence Chevallier, diplômée de l’Institut d’études théâtrales en 1978, s’oriente définitivement vers la photographie en 1979 et s’intéresse à l’enfance, celle que « chacun porte en lui ». 

Des brûlures de l’hiver aux gènes de l’été  

Bernard Plossu navigue entre la froidure de l’hiver, « un peu comme autrefois, aux États-Unis, quand [il s’] inventait sa vie sur les hauts plateaux du Nouveau-Mexique » et la chaleur de l’été, entre les « paysages urbains et le littoral brûlés par la lumière estivale de La Ciotat » où il réside. Le froid lui évoque « un temps à trouver dans la brume des visages de chaleur, des beautés féminines aussi sauvages que de grâce, des passages secrets dans les paysages figés ». 

Un temps aussi pour raconter sa vie à Pierre Devin, qui conduisait la voiture, et au photographe Wotjek Prazmowski, auteur de L’Ange brisé et qui guidait le trio de Czestochowa à Lublin, non loin de la frontière russe, « haut lieu de l’hassidisme et de la transmission des mystères de la kabbale ». Un autre pour confier à sa femme, Françoise Nuñez, le soin du développement des photographies, que la mauvaise exposition des négatifs rend difficiles à tirer. 

Nous sommes en 1992 et Bernard Plossu visite Lublin, en Pologne, alors territoire de l’URSS. C’est sa première visite d’un pays communiste et l’artiste rend compte d’un territoire « au début de son dégel idéologique, dans la permanence bousculée de ses structures et de son peuple », territoire qui n’en est pas moins poétique. 

Souvenir d’enfance 

«Chacun porte en lui son enfance, à la fois présente et absente, fondatrice et perdue » : voilà quinze ans que Florence Chevallier suit quotidiennement Gabrielle, enfant devenue adolescente. Une façon, comme le souligne la maison d’édition, de convoquer « une histoire de la photographie qui remonte à Julia Margaret Cameron, et surtout à Lewis Carroll, dans les références au monde poétique de la Renaissance, ou à celui qui figure de l’autre côté du miroir ». Son site.

Hors de question, cependant, de réduire la question de l’enfance, celle que nous avons tous vécue, à un album de famille comme le fit Émile Zola pour sa fille Denise. Elle nous montre l’ambiguïté des relations familiales, transgénérationnelles, évoque l’oubli de soi, saisit la beauté de cette relation figée dans le temps. 

Il fut un temps où apprendre la guitare signifiait se coltiner le solfège dans une école de musique poussiéreuse, avec un prof qui vous faisait travailler « La lettre à Élise » pendant six mois. Ce temps-là, franchement, il est révolu. Aujourd’hui, des milliers de personnes chopent un instrument et se lancent sans demander la permission à personne. Pas de conservatoire, pas de diplôme, pas de pression. Juste l’envie de faire du bruit, de créer, de vibrer.

Cette vague autodidacte n’a rien d’un mouvement underground marginal. C’est devenu la norme pour toute une génération qui préfère apprendre en faisant plutôt qu’en théorisant pendant des années. Et cette liberté-là, elle change absolument tout.

Internet a tout cassé (dans le bon sens)

Faut être honnête : avant, si t’avais pas les moyens de te payer des cours ou si t’habitais loin de tout, t’étais un peu dans la merde. Maintenant ? Tu dégaines ton smartphone, tu tapes « comment jouer du blues à la basse » et BAM, t’as cinquante tutos qui t’expliquent tout, gratos. Des communautés entières partagent leurs galères, leurs petites victoires, leurs techniques de déblocage. Y’a plus de barrière à l’entrée.

Cette accessibilité totale libère complètement la pratique musicale. Tu veux bosser à 23h parce que c’est le seul moment où t’es tranquille ? Go. Tu préfères découper ton apprentissage en sessions de dix minutes dans le métro ? Aucun problème. T’as envie de sauter direct sur du metal sans passer par la case variété française ? Vas-y, personne va te juger.

Et puis soyons clairs : les outils d’aujourd’hui n’ont plus rien à voir avec les méthodes poussiéreuses de nos parents. C’est interactif, c’est visuel, ça te corrige en temps réel. T’apprends presque sans t’en rendre compte, parce que c’est pensé pour être fun avant d’être scolaire. Le game change complet.

Ta musique, tes règles, ton tempo

Ce qui est vraiment puissant dans l’approche autodidacte, c’est qu’elle fout en l’air toute la hiérarchie académique. Personne pour te dire « non, tu dois d’abord maîtriser ça avant de passer à autre chose ». Tu veux apprendre un morceau d’Orelsan avant de savoir lire une partition ? Fonce. Tu préfères bidouiller des boucles électro plutôt que de bosser tes gammes à la guitare ? C’est ton trip, assume.

Cette liberté créative construit un rapport totalement différent à l’instrument. C’est pas un objet qu’on te force à dompter selon un programme rigide tracé par d’autres. C’est ton pote, ton défouloir, ton terrain de jeu personnel. Tu développes ton propre langage musical, tes propres codes, tes propres raccourcis, sans être formaté par une méthode standardisée qui convient peut-être à tout le monde mais vraiment à personne.

L’absence de pression externe change aussi radicalement la donne niveau progression. Pas de prof qui soupire quand tu merdes, pas de petits génies à côté qui te mettent la honte, pas d’examen de fin d’année qui te stresse pendant six mois. Tu avances à ton rythme, tu peux galérer sur le même riff pendant trois semaines sans qu’on te fasse sentir que t’es nul. Cette bienveillance avec soi-même, elle est essentielle pour tenir dans la durée et ne pas tout plaquer au bout de deux mois comme 90% des gens.

Le meilleur des deux mondes

Être autodidacte ne veut pas dire s’enfermer dans sa chambre en mode ermite total. Beaucoup mixent leur pratique perso avec des moments collectifs : jam sessions, ateliers ponctuels, échanges avec d’autres musiciens croisés au détour d’une scène ouverte ou d’un forum. L’idée, c’est de garder l’autonomie sans se priver des apports extérieurs quand ils ont du sens.

Au fond, cette révolution autodidacte dit surtout une chose : la musique appartient à tout le monde. Pas besoin d’avoir fait dix ans de piano classique pour se considérer comme musicien. Pas besoin de diplôme pour composer, créer, s’exprimer, partager. Juste besoin d’un instrument, d’un minimum de curiosité et de la volonté d’y aller sans se prendre la tête. Le reste, c’est du détail.

Antoine Lecharny aura passé 4 ans à réaliser les photographies présentes dans l’ouvrage intitulé Sous Terre dont la parution aux Éditions d’une rive à l’autre est prévue à la fin du mois d’octobre 2025. Entre 2021 et 2024, il est ainsi retourné sur les terres des fusillades massives des Juifs en Europe de l’Est et dans les pays Baltes.

Faute de nombreux mémoriaux et d’un travail de mémoire collectif largement insuffisant, le photographe ne peut que constater la transformation des lieux de massacres, l’oubli de cette partie de l’Histoire et les transformations profondes d’une nature qui s’étend où elle le peut. Ces traces des massacres, Antoine Lecharny les cherche depuis la lecture d’Anatomie d’un génocide, Vie et mort dans une ville nommée Buczacz, de l’historien Omer Bartov.

Entre traces et effacement : le défi de la représentation

La question de la représentation photographique de ces massacres se pose, lorsque toutes traces in situ de ceux-ci semblent disparues. Comment montrer ce qui n’existe plus ? Comment raconter ce qui est depuis longtemps retourné à la terre et à l’oubli ?

Parmi ces lieux, Boutchatch, en Ukraine, incarne particulièrement cette disparition des traces et cette mémoire en danger. « De nombreuses maisons appartenant aux familles juives ont été redistribuées entre Ukrainiens après-guerre » et les synagogues ont été soit détruites soit réemployées à des fins profanes. « Le cimetière juif, dont l’origine remonte au XVIᵉ siècle, a longtemps servi de décharge avant qu’il ne soit doté d’une enceinte », précise Antoine Lecharny. Quant à la seule plaque commémorative, érigée sur la colline de la ville, il la découvre sous des ronces.

Mais nous sommes en février 2022, l’horreur passée semble en amener une nouvelle et l’artiste quitte le pays juste avant l’invasion de l’Ukraine par la Russie. Plutôt que de laisser derrière lui les traces de ce passé, « les traces de vie et d’élimination des Juifs », il décide de poursuivre son travail dans les autres pays concernés par les massacres : Estonie, Lettonie, Lituanie, Pologne, Moldavie, Roumanie et Slovaquie.

Les paysages n’ont rien d’extraordinaire. « Ce sont des paysages d’une relative banalité. L’hiver, la neige recouvre tout », précise le photographe, « mais les lieux parlent quand même et disent précisément l’effacement des traces et l’absence de mémorialisation ». Témoigner pour éviter l’oubli, enrayer la disparition de cette mémoire, devient primordial.

Mémoire en danger et manifeste contre l’amnésie collective

À Boutchatch, toujours, là où il découvre cette stèle recouverte de ronces, des massacres ont été commis. « Des historiens rapportent que, depuis la ville située dans la vallée, la population pouvait entendre résonner les détonations des fusillades perpétrées sur les collines voisines. », explique Antoine Lecharny. Ces fusillades constituent ce qu’on appelle aujourd’hui la « Shoah par balles » (bien que le terme soit encore vivement contesté, certains historiens lui préférant des expressions comme « fusillades de masse » ou « tueries de masse », car il ne rend pas compte de l’ensemble des méthodes d’extermination utilisées et peut occulter la complexité des crimes commis à l’Est de l’Europe)

Entre 1941 et 1945, plus de 2.8 millions de Juifs — hommes, femmes, enfants — ont été abattus par les Einsatzgruppen (unités mobiles nazies) et leurs collaborateurs locaux, à ciel ouvert, dans les forêts, les ravins ou les fosses creusées à la hâte. Contrairement aux camps d’extermination, ces tueries n’ont pas laissé de structures visibles, mais des paysages transformés en tombes anonymes. Ces paysages que photographie Antoine Lecharny.

En Ukraine, en Biélorussie, en Lituanie ou en Pologne, comme dans tous les pays concernés par les fusillades, ces massacres ont souvent été perpétrés en plein jour, devant les populations locales (dont les juifs faisaient parfois aussi partie), avant que les corps ne soient recouverts de chaux ou de terre. À Boutchatch, comme dans des centaines d’autres lieux, les victimes étaient contraintes de creuser leurs propres fosses avant d’être exécutées. Pourtant, ces crimes, qui représentent près d’un tiers des victimes de la Shoah, restent largement méconnus.

Si Antoine Lecharny cherche à montrer ce que le temps fait disparaître, Annette Becker « puise dans l’épaisseur du temps et les sources disponibles » pour raconter ce pan de l’Histoire de la Shoah. Cette sorte de double temporalité entre les événements ayant eu lieu et la mémoire de ceux-ci se retrouve aussi, d’une certaine façon dans l’ouvrage, qui propose un récit photographique in situ de ce qui reste visible des massacres et une analyse historique des événements ayant eu lieu.

À travers Sous Terre, Lecharny et Becker ne se contentent pas de documenter un passé enfoui. Ils interrogent notre rapport à la mémoire, à une époque où les derniers témoins disparaissent et où les paysages, eux-mêmes, deviennent des archives silencieuses. À deux, ils construisent un ouvrage à mi-chemin entre photographie et science sociale et qui découle d’une volonté de transmettre cette Histoire, encore trop méconnue.

Quelques heures plus tôt, la fresque avait déjà fait le tour des réseaux sociaux. La rumeur a été confirmée avec la publication de deux photos sur son compte officiel. Mais l’artiste n’a pas mentionné la seconde fresque, quasi identique, apparue le même jour à Tottenham Court Road, en plein centre de Londres. Un silence qui interroge.

Regarder sans voir

Ce qui frappe, c’est la discrétion. Les enfants ne jouent pas, ne courent pas. Ils sont là, allongés sur le bitume, vêtus de bonnets et de bottes de pluie, le regard tourné vers le haut, le doigt pointé vers le ciel. Les passants s’arrêtent pour prendre un selfie. Le regard glisse sans vraiment s’attarder.

À quelques jours de Noël, la scène prend une résonance particulière. L’enfance précaire, invisible au milieu de la ville. Contrairement à ses œuvres récentes au message politique explicite, celle-ci reste ouverte, suspendue. Et c’est peut-être ce qui dérange le plus.

Une continuité évidente

Cette image s’inscrit dans une ligne claire du travail de Banksy, où l’enfance devient un miroir de nos contradictions collectives.

En 2018, à Port Talbot, Season’s Greetings montrait un enfant tendant la langue pour attraper ce qu’il croyait être des flocons de neige. L’autre face du mur révélait la réalité : des cendres industrielles. Innocence d’un côté, pollution de l’autre.

À Londres, le décor change, mais le message persiste. Le ciel est toujours là. La promesse aussi. Sauf qu’elle flotte quelque part au-dessus, inaccessible.

Justice, institutions, et corps au sol

Cette thématique du corps au sol traverse plusieurs interventions récentes. En septembre dernier, près du Royal Courts of Justice, un juge levait son marteau au-dessus d’un manifestant ensanglanté, tenant une pancarte maculée de sang.

L’œuvre faisait écho aux arrestations massives lors d’un rassemblement de soutien à Palestine Action, organisation classée “terroriste” par le gouvernement britannique. Une image violente, rapidement dissimulée puis effacée. Une censure qui en disait long. Nous analysions cette intervention ici : https://www.bewaremag.com/banksy-royal-courts-of-justice/

Là encore, un corps au sol et une autorité qui regarde ailleurs — ou frappe.

Tous dans le même bateau ?

Cette obsession pour les laissés-pour-compte est omniprésente dans le travail de Banksy, on se rappelle par exemple de l’oeuvre We Are All In The Same Boat. Une œuvre de street art représentant des enfants dans une barque de tôle, avec des chapeaux de marins en papier.

Alors que le bateau prend l’eau, l’un des garçons écope. L’autre regarde à l’horizon pendant que le dernier, au milieu regarde sans agir.

Banksy, sans slogan

Banksy ne signe pas de tribunes. Il place des images. Originaire de Bristol, devenu l’un des artistes vivants les plus célèbres au monde, il continue de disperser ses pochoirs aux quatre coins de la planète. Ses œuvres se vendent pour des millions de dollars, attirent voleurs et vandales, et font régulièrement la une.

Mais à Bayswater, rien n’est expliqué. Pas de message politique explicite cette fois. Deux enfants qui attendent. Un ciel qui ne répond pas. Et nous, au milieu, qui continuons de passer — ou qui nous arrêtons pour un selfie.

La question n’est plus de savoir ce que Banksy veut dire. Elle est de savoir si nous sommes encore capables de nous arrêter pour regarder vraiment.

Des arbres bas, un rocher immense au milieu et, à ses pieds, une ligne de chemin de fer qui passe par là, coupant la forêt en deux. Une cicatrice, peut-être, ou une suture mal refermée. L’homme est passé ici, et il le fait savoir. Avec Radio Ballast, François-Xavier Gbré suit cette ligne qui traverse la « mythique voie ferrée qui traverse la Côte d’Ivoire du nord au sud, vestige de l’Afrique occidentale française ».

« En plein golfe de Guinée, un quadrilatère d’ivoire de 322 000 kilomètres carrés », l’artiste compare la région à un grand corps à la renverse. Et ce corps, il lui faut « se tenir debout », par l’exploitation de ses richesses dans le but ultime de nourrir sa métropole. « Alors aux infrastructures déjà en place, ajouter une superstructure, un organe structurel et structurant. Colonne vertébrale de la colonie de Côte d’Ivoire, le chemin de fer sera cet organe-là. Dans le sens nord-sud, il fendra en deux cette mer de végétation sauvage pour que le train, en Moïse fumant et bruyant, assure flux et reflux des besoins en matières premières et en hommes ». 

Les travaux commencent durant l’été 1904. « L’embryon est pluriethnique, mais l’organe parlera une langue unique : exploitation », s’indigne le photographe. Surtout, il est construit à l’envers, en commençant par son point d’arrivée. L’artiste de préciser avec une forme de cynisme que,  « symboliquement, l’organe est monté à l’endroit, en commençant par son point de pénétration… l’histoire de tous les viols ». 

Et puis l’abandon… 

Le temps, inexorable, s’écoule. « S’égrènent les années, s’écoulent les décades, vient le siècle. Le temps a prise sur tout, sur tout le monde, même les démiurges. Les nouveaux Frankenstein aux manettes ont d’autres monstres en laboratoire, d’autres autels à ériger à la gloire d’autres dieux tout aussi avides de nature, d’humains, de bêtes et de marchandises. Alors, peu à peu, l’organe s’effrite, s’émiette, se dissèque, se délite… Il n’a même plus la force de s’enorgueillir de son glorieux passé. Il étale sans vergogne ses abandons, ses trahisons ». 

Alors arrive François-Xavier Gbré, venu montrer les « meurtrissures du temps », « aviver les mémoires ». Il parcourt les rails, en fait une radio dans un acte qu’il décrit comme médical. Il en tire des photographies de « bâtisses perdues, rails en perdition, matériel roulant en déperdition ». 

Pendant plus d’un an, l’artiste parcourt les territoires traversés par la voie de chemin de fer, photographiant wagons, gares, ateliers de maintenance et paysages. Comme un photographe d’urbex – un Jonk d’Afrique –, son regard sur le passage du temps et la reconquête de la nature est empreint de mélancolie. Il y capture « les sentiments de décrépitude, de délaissement, d’abandon » qui hantent ces lieux. « Rien d’autre à solliciter que l’appréhension de la fin d’un temps qui n’est pas la fin des temps. Au révélateur, puis à l’agrandisseur, un être abîmé, un organe cassé, mais toujours vivant. Le ballast respire toujours…». 

François-Xavier Gbré ou la photographie comme passe-temps 

Jeune, François-Xavier Gbré pratique le football et le judo. Hyperactif, peut-être ? Mais une blessure vient mettre un terme à tout cela. Sur conseil d’un ami et pour « meubler » ses journées, il s’essaie à la photographie et attrape « le virus de ce médium ». Il interrompt alors ses études de biochimie pour s’inscrire à l’ESMA (École supérieure des métiers artistiques) à Montpellier en 2000. 

Il travaille ensuite comme assistant dans le milieu de la mode, de la beauté et de la déco, et fait la connaissance de Stephen Shore, avec qui il collabore à Milan en tant qu’opérateur numérique. Il passe 4 ans en Italie avant de partir pour l’Afrique : Bamako, au Mali, puis la Côte d’Ivoire où il documente la ville d’Abidjan et son renouveau économique, après plus de dix ans de crise politico-militaire.

Inspiré par Robert Adams ou David Goldblatt (entre autres photographes), petit-fils de cheminot, intéressé par le réseau ferroviaire d’Afrique de l’Ouest, et plus particulièrement par la ligne de chemin de fer Abidjan-Ouagadougou, avec un ami sociologue lorsqu’il vivait au Mali. L’idée de réaliser un projet photographique lui vient de là, mais il évitera la partie au Burkina Faso, au vu des tensions politiques du pays. Ainsi né Radio Ballast.

De passe-temps et occupation d’une jeune qui cherche à « meubler » ses journées, la photographie devient une écriture, une description du temps qui coule. Au début, les sociétés des chemins de fer étaient clairement contre ; aussi s’aventure-t-il à  parcourir la ligne en voiture et à pied. Il obtient finalement un accès grâce à la ministre de la Culture ivoirienne. « Depuis 2020 et la pandémie Covid-19 », autre trace de ces périodes qui passent,  « aucun passager ne voyage sur cette ligne qui a retrouvé sa fonction première : faire transiter des matières premières et des denrées sur l’axe nord-sud, entre l’hinterland et l’océan Atlantique ».

Le site de l’artiste

Salt Works de Tom Hegen

Les paysages de Tom Hegen semblent irréels. Vus du ciel, les salins du monde entier deviennent des compositions abstraites, presque numériques, où la couleur et la géométrie dominent. Pourtant, tout est bien réel : des infrastructures humaines gigantesques, façonnées pour extraire l’un des minéraux les plus anciens de notre civilisation.

Dans cette édition collector, la photographie aérienne devient une réflexion visuelle sur notre rapport à la planète. Entre beauté hypnotique et malaise discret, Salt Works fascine autant qu’il interroge, rappelant que l’esthétique peut parfois masquer la violence douce de l’exploitation industrielle.

Voir sur Amazon

Glauque Land, 25 ans d’urbex en France

Avec Glauque Land, l’urbex sort du simple voyeurisme pour devenir une archive sensible de la France abandonnée. Friches industrielles, hôpitaux désertés, manoirs en ruine : chaque image capture un lieu figé dans l’attente, vidé de ses occupants mais chargé de mémoire.

Le livre retrace 25 ans d’exploration clandestine, sans fard ni romantisme excessif. Ici, la décrépitude n’est pas esthétisée à outrance : elle est montrée comme le symptôme d’un pays qui change, oublie, reconstruit ailleurs. Un ouvrage brut, presque politique.

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Déjà View par Martin Parr

Déjà View joue avec notre mémoire visuelle collective. À travers un dispositif subtil, Martin Parr et l’ouvrage mettent en regard des images qui semblent familières sans jamais l’être vraiment, créant un trouble constant entre reconnaissance et étrangeté.

Ce beau livre questionne notre rapport saturé aux images, à l’ère des flux continus et des références recyclées. On ne le feuillette pas distraitement : on s’y perd, on doute, on ralentit. Une expérience visuelle exigeante, parfaitement dans l’air du temps.

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WAR! ou La ville sauvage de Cyrille Gouyette

WAR! est un artiste urbain breton autodidacte qui, masqué et armé de perches téléscopiques, peint depuis les années 90 un bestiaire poétique sur les murs des villes.
Ses grandes fresques nocturnes mêlant faune, flore et messages écologiques font de lui un lanceur d’alerte qui « sème des graines de poésie dans le béton ». Chacune de ses interventions devient un événement qui tisse des liens forts avec les habitants. L’historien de l’art et spécialiste du street art Cyrille Gouyette accompagne dans cet ouvrage les textes de WAR!, explorant l’œuvre d’un artiste mystérieux dont le cri de guerre résonne comme un appel à réveiller nos consciences.

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Les formes de la nature : ce que la géométrie du vivant nous révèle

À la croisée de la science et de l’émerveillement, cet ouvrage explore les structures invisibles qui organisent le vivant. Spirales, fractales, symétries : la nature y apparaît comme une immense mathématicienne silencieuse.

Accessible sans être simpliste, le livre invite à regarder autrement plantes, coquillages, corps et paysages. Un beau livre contemplatif et pédagogique, parfait pour celles et ceux qui aiment comprendre sans perdre le sens du merveilleux.

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Süü de Taemin Ha

Dans Süü, Taemin Ha propose une photographie minimaliste, presque méditative. Les images, épurées et silencieuses, laissent une grande place au vide, à l’attente, à l’émotion diffuse.

Chaque page semble suspendue, comme un souffle retenu. Plus qu’un livre à lire, Suu est un objet à ressentir, à parcourir lentement. Une proposition intime, idéale pour les amateurs de photographie contemporaine et de poésie visuelle.

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Winterland de Christophe Jacrot

Avec Winterland, Christophe Jacrot célèbre l’hiver dans ce qu’il a de plus graphique : neige, glace, brume, paysages figés : le froid devient un langage esthétique à part entière. Des paysages digne de la période de Noël que nombre de français aiment passer sous la neige.

Le livre accumule des images spectaculaires sans tomber dans la carte postale. Il évoque l’isolement, le silence, la fragilité des environnements extrêmes. Un beau livre immersif, parfait pour ralentir au cœur de la saison froide et apprendre à apprécié ce beau manteau blanc qui, parfois, recouvre les paysages de l’hexagone.

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Le Journal de Mève

À mi-chemin entre récit illustré et journal introspectif, Le Journal de Mève propose une plongée sensible dans l’intime. Les mots et les images se répondent, construisant un univers délicat, parfois mélancolique, toujours sincère.

Ce livre touche par sa simplicité et sa justesse. Il parle du quotidien, du doute, du temps qui passe. Un beau livre plus discret que spectaculaire, mais profondément humain – même s’il évoque l’intelligence artificielle -, à offrir à celles et ceux qui aiment les objets éditoriaux sensibles.

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Radio Ballast, de François-Xavier Gbré

Radio Ballast n’est pas une radio au sens strict, mais une traversée photographique. Le livre suit une ancienne ligne de chemin de fer abandonnée comme on suivrait une fréquence invisible, captant au passage les paysages, les visages et les fragments d’un pays que l’on n’écoute plus vraiment. Chaque image agit comme une émission silencieuse, diffusée depuis les marges. La voie ferrée devient ici un fil narratif, une colonne vertébrale qui relie des territoires, des ambiances, des histoires minuscules. Ce n’est pas un reportage classique, mais une cartographie sensible, où la photographie remplace le son. Un beau livre contemplatif, presque politique, qui donne à voir la Côte d’Ivoire — ou plutôt ses interstices — autrement.

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Urbex Black & White de Jonk Avec Urbex Black & White,

Jonk opère un pas de côté radical dans son travail. Exit la couleur et les grands angles spectaculaires : ici, le noir et blanc s’impose comme un langage à part entière. Un choix qui recentre le regard sur les détails, la matière, la lumière et les traces laissées par l’absence humaine. Les lieux abandonnés deviennent des paysages intérieurs. Rideaux déchirés, horloges figées, poupées mutilées ou pianos silencieux composent une poésie de la ruine, faite de mille nuances de gris. Le livre, riche de 126 images inédites prises dans 12 pays, ne documente pas seulement l’abandon : il l’interprète. Un ouvrage profond, sensible, presque méditatif, qui s’adresse autant aux amateurs d’urbex qu’aux amoureux de photographie noire et blanche

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Ces beaux livres ne se contentent pas d’être posés sur une table basse. Ils racontent, interrogent, dérangent parfois. Et rappellent que l’image, quand elle est bien choisie, reste l’un des plus puissants moyens de comprendre le monde.

Le photographe britannique Martin Parr est décédé le samedi 6 décembre 2025 à son domicile de Bristol, à l’âge de 73 ans. L’annonce a été faite par sa fondation, en lien avec l’agence Magnum Photos, dont il était membre depuis 1994.

Il souffrait depuis plusieurs années d’un cancer, révélé en 2021. Sa disparition a rapidement suscité une vague d’hommages dans le monde de la photographie, de la presse et de la culture. Né le 23 mai 1952 à Epsom, dans le Surrey, Martin Parr laisse derrière lui une œuvre prolifique, immédiatement reconnaissable, qui a profondément marqué la photographie documentaire contemporaine. Il laisse également sa famille, dont son épouse Susie et leur fille Ellen. À travers ses images, c’est une certaine vision de la société occidentale — à la fois drôle, crue, dérangeante et profondément humaine — qui s’éteint avec lui.

D’un documentaire classique à une révolution esthétique

Très tôt initié à la photographie par son grand-père, Martin Parr étudie le médium au Manchester Polytechnic dans les années 1970. Ses premiers travaux sont alors en noir et blanc, ancrés dans une tradition documentaire sobre et sociale : il photographie les classes populaires, les campagnes anglaises, les communautés religieuses ou encore les hôpitaux psychiatriques. Un travail rigoureux, déjà attentif au réel, mais encore loin de l’esthétique qui fera sa renommée. Le tournant s’opère au début des années 1980, lorsqu’il adopte définitivement la couleur et l’usage du flash. Les teintes deviennent saturées, parfois agressives, les cadrages serrés, presque intrusifs.

C’est avec The Last Resort (1983–1985), série consacrée aux stations balnéaires populaires du nord de l’Angleterre, qu’il s’impose comme une figure majeure de la photographie britannique. Vacanciers, enfants en larmes, nourriture industrielle, plages bondées : le banal devient matière à observation sociale. Par la suite, Martin Parr enchaîne les projets devenus emblématiques — The Cost of Living, Small World, Common Sense — où il ausculte avec ironie la société de consommation, le tourisme de masse, les loisirs, les classes sociales et leurs codes. Son regard, souvent qualifié de « cruel », se voulait avant tout lucide.

Il aimait rappeler qu’il réalisait « des photographies sérieuses déguisées en divertissement ». Au fil des décennies, Parr s’est imposé comme un véritable anthropologue du quotidien occidental. Ses images, parfois inconfortables, n’épargnent personne — ni les élites, ni les classes populaires, ni le photographe lui-même. Mais derrière la satire affleure toujours une profonde attention à l’humain, à ses obsessions, à ses failles, à ses contradictions.

En 2017, il fonde la Martin Parr Foundation à Bristol, afin de préserver ses archives et de soutenir la photographie documentaire britannique. Collectionneur passionné de livres et d’images vernaculaires, il a également joué un rôle central dans la reconnaissance de la photographie populaire comme véritable objet culturel. Avec la disparition de Martin Parr, c’est une manière unique de regarder le monde qui s’achève. Un regard sans fard, drôle et inconfortable, qui aura su transformer nos habitudes les plus ordinaires en miroir social. Son œuvre, elle, continuera longtemps de nous observer — avec ce mélange rare d’ironie, de tendresse et de lucidité.

image à la une Raph_PH, wikimédia

L’exposition, qui a ouvert ses portes le mardi 2 décembre et restera visible jusqu’au 10 janvier 2026, revient sur l’art graphique de l’artiste français qu’il a réalisé depuis 2004 au Japon. À travers son œuvre, la Maison de la culture du Japon propose une visite de pays du Soleil-Levant autrement, entre dessin et humour, loin du choix habituellement fait concernant le pays, entre « tradition et modernité ».

Décrite comme une « promenade graphique au style foisonnant de détails et pleine d’humour », l’exposition montre une trentaine de dessins de Florent Chavouet, à la découverte des « environnements urbains du Japon, vibrants ou paisibles, où la nature s’invite dans des recoins inattendus ». Un aperçu plein d’humour du pays, où les policiers croqués, réalisant tous sauf un travail de policier, amènent des sourires sur les visages des spectateurs. L’artiste arpente ainsi le Japon des villes (Tokyo Sanpo, Touiller le Miso) ou des champs (Manabé Shima), « avance vers l’inconnu, là où ses crayons le portent ». Il fait du rien et de l’anecdotique un art, où une simple banane sur un carton devient un sujet artistique au même titre que les rues d’une ville ou la façade d’une vieille baraque déglinguée, comme il l’écrit lui-même sur l’un des tirages exposés.

De ses dessins, Florent Chavouet crée des livres à mi-chemin entre le carnet de voyage et la bande dessinée où le texte répond à la précision du tracé architectural. Des œuvres à retrouver dans ses différentes publications, souvent primées : Tokyo Sanpo (2009), Manabé Shima (2010, prix Pierre Loti lors du festival d’Angoulême en 2011), puis Petites coupures à Shioguni, couronné par le prix Fauve polar d’Angoulême en 2015, tous publiés aux éditions Picquier. Il coédite aussi avec le musée du Louvre et Futuropolis une reconstitution minutieuse et drôle de la vie quotidienne du prestigieux musée dans L’île Louvre.

L’art de l’exploration et de la balade urbaine

Florent Chavouet a une façon bien à lui d’explorer le Japon : entre lieux touristiques et lieux privés, entre regard de passant et regard d’habitué, « il s’arrête là où d’autres ne font que passer, note dans son carnet des mots attrapés à la volée, recherche le muret qui lui offrira le meilleur point de vue pour dessiner un décor bétonné ». Une autre façon de penser le tourisme et la visite d’un pays, d’une région, d’une ville. Une balade urbaine.

Représentant des scènes du quotidien, des lieux, des bâtiments, les travaux de l’artiste revêtent un aspect presque journalistique : ne trace-t-il pas, avec ses crayons, un compte rendu de la vie du pays, la démarche d’un passant ou le reflet d’un néon sur la vitre d’un distributeur de canettes ?

Pour la Maison de la culture du Japon à Paris, il s’agit autant d’un inventaire du pays et de son quotidien – à l’image des missions héliographiques de 1851 en France – que d’une découverte du pays ou d’une façon d’inviter au voyage. Et parce qu’un voyage ne peut se faire sans carte et sans connaissance – même partielle – des lieux, l’artiste expose plusieurs cartes de certains quartiers ou villes du Japon. Y sont notés des lieux touristiques et connus et d’autres, plus secrets, normalement réservés aux locaux.

Finalement, entrer dans l’univers de Florent Chavouet, c’est se laisser « porter par le rythme d’une déambulation, porter un regard émerveillé sur tout ce qui nous entoure, observer toutes les composantes de la ville, où chaque angle de rue devient le berceau d’une histoire et chaque promenade, le début d’un nouveau récit ». Et avec l’artiste, ou comme le fait en photographies Alexey Titarenko, la ville devient une histoire à conter !

ndlr : si vous aimez le travail de Florent Chavouet au japon, vous aimerais celui de Me Kyeoung Lee sur la Corée

Le site de l’artiste

Il est des images qui, bien plus que des clichés, deviennent des symboles. Celle-ci en est une : une silhouette sombre, tête en bas, se découpant sur l’immensité flamboyante du soleil. Une chute, un vol, une démesure. La Chute d’Icare, revisitée en 2025, ne se contente pas de capturer un instant — elle réactive un mythe vieux de trois mille ans.

Dans la légende grecque, Icare, fils de Dédale, périt pour avoir volé trop près du soleil, ses ailes de cire fondant sous la chaleur divine. Une histoire de démesure, de rêve brisé, et d’un père impuissant à sauver son enfant. Aujourd’hui, c’est un autre Icare qui tombe — ou qui s’élance — vers l’astre solaire. Gabriel C. Brown, youtubeur et aventurier, incarne cette figure mythique, non plus en victime de l’hybris, mais en acteur d’une quête moderne : celle de l’homme défiant les limites, armé non de cire et de plumes, mais de technologie et d’audace.

Le photographe Andrew McCarthy, spécialiste de l’astrophotographie, a choisi le soleil comme scène de cette réinterprétation. Non pas un soleil stylisé ou peint, mais LE soleil, saisit dans ses détails chromosphériques grâce à un télescope modifié et une caméra haute précision. Le résultat est une image d’une précision presque surnaturelle. Le soleil  devient ainsi le témoin silencieux — et implacable — de la chute.

La réinterprétation d’un mythe

Pourquoi ce mythe, encore et toujours ? Parce qu’il parle de nous. De notre désir de dépasser, de toucher l’inaccessible (ou les étoiles), et des risques que nous courons à le faire. La photographie de McCarthy et Brown montre-t-elle une simple chute ou LA chute, celle qui hanterait l’imaginaire collectif depuis l’Antiquité ?  Icare n’est plus un personnage lointain ; il est cet homme anonyme, suspendu entre ciel et terre, dont la silhouette nous rappelle que la démesure est une tentation éternelle.

Ce qui frappe, dans cette image, c’est moins la prouesse technique — pourtant remarquable — que sa capacité à faire écho à l’inconscient culturel. Elle ne se contente pas de représenter Icare : elle le réincarne. Et si Dédale avait eu, lui aussi, un téléphone pour guider son fils ? Si la technologie, aujourd’hui, permettait d’éviter la tragédie ? La photographie pose ces questions sans y répondre, laissant le spectateur face à une énigme : cette chute est-elle une défaite, ou l’ultime acte de liberté ?

Les mythes ne meurent jamais. Ils se transforment, s’adaptent, et resurgissent quand une œuvre — une image, un texte, une mélodie — leur redonne vie. La Chute d’Icare de McCarthy et Brown est de celles-là : une image qui, en un instant, relie le passé et le présent, la légende et la réalité. Elle nous rappelle que les questions posées par les Grecs sont toujours les nôtres. Et que, parfois, il suffit d’un saut dans le vide pour les raviver.

Photographe japonaise, Yoshie Itasaka a voyagé à travers l’Ukraine pendant plus de cinq ans, capturant des situations quotidiennes à Odessa, Kiev, Kharkiv, Dnipro, Zaporijia, Marioupol et en Crimée, entre autres lieux. Avec le regard d’une étrangère et la « lentille empathique d’une perspective japonaise », elle propose de découvrir l’histoire de ce pays d’Europe de l’Est encore peu connu il y a quelques années. Avec la volonté de comprendre l’histoire de l’ère post-soviétique dans cette région. 

Elle en tire un ouvrage photographique publié début novembre, Infinity complex landscape dans lequel elle appelle à une « confrontation avec le passé et contribue à la guérison des blessures collectives ». Spécialiste de l’histoire et de la politique post-soviétiques, ayant reçu le prestigieux prix Huttenbach de l’Association for the Study of Nationalities (ASN) en 2019, Kimitaka Matsuzato se joint à l’ouvrage en y ajoutant sa plume. 

Prisme Japonais 

La vision de l’Ukraine proposée par la photographe japonaise Yoshie Itasaka est personnelle lorsqu’elle concerne le pays et sa « relation troublée à l’Histoire ».  L’artiste entame sa visite du Grenier à Blé de l’Europe après l’invasion de la Crimée par la Russie, voisin géant aux appétits démesurés. Mais cette vision extérieure, empreinte de culture nippone, se veut épurée de tout exotisme. Au contraire, ses photographies « invitent à réfléchir sur ce que signifie être témoin du déroulement de l’histoire ». 

Comme Fabrice Dekoninck, qui a exploré la mémoire de la Première Guerre mondiale et celle, vivante, de la guerre de Bosnie-Herzégovine, ou Annette Becker et Antoine Lecharny qui ont documenté l’effacement progressif de la “Shoah par balle” en Europe de l’Est et dans les pays Baltes, Yoshie Itasaka interroge la manière dont les traumatismes historiques persistent dans les paysages et les consciences à travers les thèmes de la mémoire collective, de l’identité d’après-guerre et des traumatismes historiques en Europe centrale et orientale.

Yoshie Itasaka de préciser que « bon nombre des problèmes actuels en Europe découlent du décalage entre la mémoire et l’histoire. Les récits historiques sont souvent construits pour justifier le présent, en particulier dans les jeunes nations indépendantes où “l’histoire” peut même devenir un outil de politique de sécurité nationale.  Mon objectif est d’affronter ces tensions, et non de les expliquer ». 

Les guerres passées, de la Première à la Seconde Guerre mondiale en passant par la guerre froide puis l’effondrement de l’URSS influence, façonne, de façon consciente ou non, les paysages politiques et émotionnels du présent. Une influence qu’elle et son pays connaissent et qui l’amène à réfléchir aux « schémas universels qui émergent lorsque les nations sont consumées par l’idéologie, la peur et la justice révisionniste ». Toujours causées par un justice erronée, des instincts défensifs et la folie de l’opinion publique selon elle, les crises ne seraient que les « conséquences d’une société sombrant dans le totalitarisme ». 

Se demandant comment rétablir la paix à la fin de la guerre, l’artiste fait d’Infinity Complex Landscape un appel à « regarder de près, à apprendre lentement et à refuser l’indifférence ». Les guerres ayant marquées l’Histoire – pour ne pas dire qu’elles la font actuellement – ces questions sont légitime et méritent sans doute d’être plus souvent traitées, la photographie étant un support adéquat. 

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« Ceci n’est pas une documentation photographique exhaustive des peuples et des cultures d’Eurasie, mais un témoignage de certaines de mes rencontres au cours d’un voyage terrestre effectué de Londres à Pékin », précise Christopher Wilton-Steer, photographe britannique et auteur de cet ouvrage photographique. 

Le livre, et le voyage, commencent en Italie. Plus précisément, dans l’atelier textile de Luigi Bevilacqua, sur le Grand Canal de Venise, entre les métiers à tisser. Est-ce là symbolique que de commencer cette aventure sur les traces de la route de la Soie par une entreprise artisanale d’étoffes ? Probablement. C’est surtout, pour l’artiste, l’occasion de s’intéresser aux « traditions culturelles qui ont résisté à l’épreuve du temps » et à leur « influence mutuelle, notamment grâce aux liens commerciaux qui unissent l’Eurasie depuis plus de 2 000 ans ». 

Cette influence, le Britannique la repère dès Venise, cette « ville-bazar », comme la décrit Jan Morris, « dans les dômes bulbeux de la cathédrale Saint-Marc, qui évoquent les mosquées et les tombeaux du Caire mamelouk du XIVᵉ siècle, dans les losanges qui recouvrent le palais des Doges, dont on pense qu’ils font référence à la décoration des mosquées ilkhanides du XIIIᵉ siècle, dans l’Ouzbékistan actuel, et dans les pigments bleus éclatants appliqués aux peintures de la Renaissance, réalisées à partir de lapis-lazuli extrait à 6 500 km de là, dans le nord de l’Afghanistan ». 

Christopher Wilton-Steer poursuit ensuite son voyage en voiture, sur 1 000 km le long des côtes croates. C’est à Mostar, petite ville de Bosnie-Herzégovine, qu’il entend son premier appel musulman à la prière. Comme « il n’y a pas de chemin direct entre la côte adriatique et Istanbul », il zigzague ensuite à travers les Balkans pour atteindre le détroit du Bosphore. 

« Dans la région des Balkans, à la croisée de l’Asie et de l’Europe, plusieurs religions et ordres religieux se côtoient. Le judaïsme dans les Balkans remonte au IVᵉ siècle avant J.-C., sous le règne d’Alexandre le Grand. L’influence chrétienne est arrivée d’Orient au IIᵉ siècle, et l’islam a suivi avec l’arrivée des Turcs ottomans qui ont conquis une grande partie des Balkans au XVᵉ siècle ». Mais Christopher Wilton-Steer ne semble pas s’en faire : le voilà prêt à « pénétrer au cœur des terres islamiques, là où commencerait la véritable Route de la Soie ».

Premier pas en Asie

Le voyage asiatique de Christopher Wilton-Steer commence en Turquie, où il découvre la calligraphie et l’enluminure par le biais d’Ayten Tiryaki, première femme à détenir une ijazah (licence ou autorisation de transmettre des connaissances dans ces deux domaines). Dans le même temps, l’artiste britannique découvre le paysage urbain de cette ancienne capitale orientale de l’Empire romain, « percée par les dômes peu profonds et les minarets vertigineux de ses nombreuses mosquées de l’époque ottomane ». 

Le voyage se poursuit par Konya, dernière demeure de Mevlana Jalaluddin Rumi, poète et théologien persan du XIIIᵉ siècle. Il croise aussi, « à travers le paysage lunaire de la Cappadoce et les villes du sud, frontalières de la Syrie, […] plusieurs caravansérails datant du XIIIᵉ siècle ». Puis, au loin, l’Ararat se dessine. C’est sur ses sommets enneigés qu’aurait échoué l’arche de Noé, à l’issue du Déluge qui devait supprimer l’humanité de la Terre. 

Découverte du Moyen-Orient 

De là, le photographe se dirige vers l’Iran. Seul touriste, du moins semble-t-il, à vouloir passer la frontière, il se résigne d’abord à une longue attente. Avant qu’un gardien de la frontière ne le remarque et ne le fasse passer. Direction Tabriz et son bazar. 

« Il y a peu d’ordinateurs ou de smartphones ici. On trouve plutôt des téléphones fixes et des calculatrices » ; l’artiste semble pouvoir dire adieu à la modernité et au confort des cités occidentales. Il entrevoit même un bouclier : cloitré dans les musées de l’autre côté du Bosphore, il est ici encore en usage. Pas de quoi chambouler les clients, qui déambulent entre 8 000 boutiques, qui font tourner 10 000 employés. 

Christopher Wilton-Steer découvre aussi le zoroastrisme : il s’agit de l’une des plus anciennes religions au monde dont l’Iran, ou plus exactement la Perse, est le berceau. Elle fut pratiquée sans interruption et fut la religion dominante de cette région souvent considérée comme le Berceau de la civilisation, avant l’arrivée de l’islam au VIIᵉ siècle. « Autrefois, lorsqu’un zoroastrien mourait, son corps était placé au sommet d’une structure circulaire surélevée appelée « Tour du Silence ». […] Aujourd’hui, cette pratique étant interdite, les zoroastriens enterrent leurs morts dans un cercueil en plâtre à la chaux. La conversion n’étant pas encouragée, il reste peu de zoroastriens », précise l’artiste. 

Le voyage se perpétue en plein désert : ici, à des températures de 55°C, « le vent ne rafraîchit pas, mais brûle comme l’air qui s’échappe d’un four ». L’air atteint parfois 70°C, explique-t-il encore. « Sculpté par le vent et balayé par une chaleur torride depuis des millénaires, le paysage semble surgir d’une autre planète ». Et l’artiste de s’étonner que quelques personnes vivent ici. 

Passage en Asie centrale

Mais, comme l’explique Aliyeh Ataei (poétesse et écrivaine irano-afghane) dans son dernier livre, La frontière des oubliés (le seul traduit en français à l’heure actuelle), la frontière entre l’Iran et son voisin afghan est fermée depuis l’arrivée au pouvoir des talibans en 2021. Ainsi Christopher Wilton-Steer traverse-t-il l’Asie centrale en remontant par le nord et le Turkménistan. 

Le passage de la frontière se fait via un minibus « branlant ». Deux, en fait. Le premier les dépose, ainsi que d’autres passagers, au milieu d’un pont. On leur dit ensuite d’attendre, avant que ce premier bus ne reparte, les abandonnant, semble-t-il, au milieu du désert. Alors qu’il se demande quelle est la suite, un second bus arrive, côté turkmène. « On aurait dit un échange de prisonniers tout droit sorti d’un film », raconte-t-il dans son livre. Il y découvre Merv, ancienne cité qui abritait autrefois un stupa bouddhiste, un autel zoroastrien, une église nestorienne, une mosquée et une chaire épiscopale, au XIIIᵉ siècle, lorsque la ville contrôlait ce carrefour clé de la Route de la Soie. « La ville, surnommée « la mère du monde », fut rasée par Gengis Khan et son armée mongole au XIIIᵉ siècle ». 

Après avoir découvert l’amour du pays et de ses habitants pour les chevaux, Christopher Wilton-Steer continue son voyage par l’Ouzbékistan (ouvert au tourisme depuis peu), qui atteint son apogée entre le IXᵉ et le XVᵉ siècle, sous l’empire timouride. C’est à Boukhara qu’Avicenne, souvent surnommé « le père de la médecine moderne », écrit son « Canon de la médecine », qui fut, pendant 600 ans, le manuel d’enseignement médical en Asie et en Europe. 

L’artiste poursuit ensuite plus à l’est, au Kirghizistan, région montagneuse, luxuriante et verdoyante. « C’est une nation aux vastes vallées douces et profondes qui, par endroits, ressemble à une terre d’avant le temps », précise l’artiste. Et d’ajouter qu’il a « visité peu d’endroits sur Terre qui ressemblent à une véritable nature sauvage, et celui-ci en fait partie ». Il y rencontre des milliers de chevaux, de moutons, de vaches, de yaks et de chameaux qui paissent dans le paysage, menés par des hommes à cheval, coiffés de leurs traditionnels chapeaux kalpaks. Un paysage qui prête à la rêverie, même lors de trajets en voiture. 

Christopher Wilton-Steer retourne ensuite à Och, avant d’entamer la suite de son périple, vers le col de Kyzyl-Art et le Tadjikistan. Mais les deux pays sont séparés par un no man’s land de 20km ! Au moment de l’effondrement de l’URSS, seuls 13 % des foyers du pays étaient raccordés à l’électricité. Si des efforts considérables sont mis en place pour changer cela, le pays reste sombre, surtout la nuit. La suite du voyage se complique : l’Afghanistan est fermé au tourisme suite à la résurgence des talibans et à leur prise de pouvoir en 2021.

Traversée de l’Asie du Sud

« Je n’avais pas beaucoup dormi ces derniers jours, alors j’ai demandé au propriétaire de l’hôtel une chambre calme. Il s’est arrêté un instant, puis, croisant mon regard, m’a informé que « c’est un endroit très difficile où trouver la paix ». Voilà notre artiste-aventurier arrivée en Inde, à Varanasi, en Uttar Pradesh. Y convergent routes de pèlerinage et routes commerciales. Mais Varanasi est surtout un endroit de mort : c’est là que les hindous viennent vivre leurs derniers instants, dans l’espoir de mettre fin au cycle des renaissances et d’atteindre le nirvana.

L’artiste se dirige ensuite vers l’ouest, semblant refaire le chemin en sens inverse. Il atteint Jaisalmer, dans le désert du Thar, qui sépare une grande partie de l’Inde et du Pakistan. Là où le « fort doré au centre de la ville et les havelis couleur sable ornés qui l’entourent semblent émerger du désert », il fait la rencontre d’Anthera, une femme « à l’allure remarquable, portant un foulard orange et un sari fuchsia » qui « portait et vendait les bijoux typiques des communautés tribales vivant dans cette partie du désert ». 

Autrefois l’une des capitales mongoles, Lahore se trouve au nord-est de l’actuel Pakistan, non loin de la région du Cachemire. L’influence architecturale y est forte ; on y trouve aussi nombre d’ascendances, comme l’Empire marathe, l’Empire sikh ou le Raj britannique, mais aussi les traces d’un passé bouddhiste. « Nos ancêtres étaient tous bouddhistes jusqu’au XIIIᵉ siècle environ. À cette époque, nous étions bien plus liés au Tibet qu’au reste du Pakistan. L’islam nous est parvenu par le Cachemire », se voit confier Christopher Wilton-Steer. 

L’Empire du Milieu 

Levoyage se termine en Chine, grand pays à l’extrême est de la route de la Soie. Le contrôle, à la douane, est d’une complexité certaine. Le photographe britannique voit l’intégralité de son appareil photographique et de son ordinateur, avec les 40 000 photos qu’il ramène de son voyage, fouillée. Mais le défilement est bref. 

De Tachkorgan, il prend un bus à destination de Kachgar, à 5 heures de route. « Le long de la vieille route rocailleuse, nous avons croisé des centaines d’excavatrices, de bétonnières et de rouleaux compresseurs en train de construire une nouvelle route gigantesque. L’ampleur de l’opération était colossale ».

Pour l’anglais, ce voyage est aussi l’occasion de faire des rencontres. Notamment celle d’un vieux monsieur, rencontré dans un nouveau bus puis retrouvé après coup. « Un jour, en me promenant, j’ai aperçu le vieil homme au chapeau pakol avec qui j’étais assis dans le minibus qui traversait la frontière avec le Pakistan. Il communiquait avec animation avec un commerçant par des gestes complexes. À côté de lui se trouvait une valise pleine d’antiquités. Je réalisai que ce vieil homme continuait à faire des allers-retours à travers la frontière et à vendre des marchandises, comme les marchands de la Route de la Soie avant lui, il y a des milliers d’années. J’avais du mal à y croire. Lorsqu’il eut fini de marchander et qu’il quitta la boutique, je lui tapai sur l’épaule. Il me fixa un instant, puis un sourire s’illumina sur son visage et il me serra dans ses bras ».

Le voyage se termine à Pékin, où le gouvernement chinois travaille d’arrachepied à la mise en place d’une nouvelle Route de la Soie. Lui qui souhaitait, « en voyageant par voie terrestre », « vivre les transitions entre différentes cultures et mieux comprendre ce qui nous unit », est servi. L’ouvrage est à retrouver aux éditions Hemeria pour 49€ et regroupe une sélection de150 photographies de ce long voyage.

Le site de l’artiste : https://www.wilton-photography.com/

Rappeur, chanteur, compositeur, acteur, réalisateur, scénariste — ce double projet marque une nouvelle étape dans une carrière jalonnée de mutations et de remises en question.

Un recentrage sur l’intime

Coproduit avec Skread et Ablaye, La Fuite en avant se distingue par son caractère profondément personnel. L’album mêle introspection et touches d’inspiration nippone, en écho au film Yoroi sorti simultanément. Orelsan y explore la paternité imminente, les angoisses qu’elle suscite et son rapport ambivalent à la célébrité. Trois titres évoquent directement la grossesse de sa compagne et le bouleversement à venir. Dans Le Pacte, il se confronte à ses propres choix : « Tu l’as voulu, tu l’as eu, maintenant assume ». Cette phrase résume la tension centrale de l’album — celle d’un homme au seuil d’une transformation majeure, oscillant entre appréhension et détermination.

Entre enthousiasme et appréhension.

Interrogé France Inter, le rappeur normand décrit cet album comme « plus personnel, plus micro que macro », un recentrage sur son quotidien et ses questionnements intimes. Après l’ouverture sociale de Civilisation (2021), où il embrassait des problématiques collectives, il opère un mouvement inverse. Après avoir regardé le monde, il se tourne vers lui-même, confronté à l’imminence de la paternité et aux transformations qu’elle impose. Cette introspection s’accompagne d’une réflexion sur le temps qui passe, sur ce qui reste d’un homme quand la célébrité s’estompe et que les responsabilités familiales s’imposent.

Une discographie en perpétuelle mutation

Orelsan conçoit sa trajectoire comme une succession de transformations, chaque album marquant une étape distincte. Perdu d’avance (2009) exprimait l’incertitude du débutant, Le Chant des Sirènes (2011) explorait la tentation et la notoriété naissante, Casseurs Flowters (2013) célébrait l’éternelle adolescence avec Gringe, La Fête est finie (2017) amorçait une profonde remise en question sur le prix de la célébrité. Enfin, Civilisation (2021) et Civilisation perdue proposaient un regard élargi sur la société, ses dérives et ses paradoxes.
Avec La Fuite en avant, l’artiste assume les contradictions de la célébrité tout en se préparant à devenir père, un bouleversement qui traverse l’ensemble du disque. Le titre même évoque cette ambivalence : fuir en avant, c’est refuser de s’arrêter tout en sachant qu’on ne peut échapper à ce qui nous rattrape. Cette dialectique entre mouvement et ancrage, entre fuite et responsabilité, structure l’album et lui confère une dimension universelle malgré son caractère intime.

Un album (dés)équilibré ?

Vingt-quatre heures après sa sortie, les critiques se montrent partagées. Le Monde titre « Orelsan père et gagne », saluant la sincérité du propos et la capacité de l’artiste à transformer ses doutes en matière créative. RFI évoque un disque « entre apaisement et lassitude », pointant une certaine fatigue. Libération se montre plus sévère, tandis que France Info souligne le « mélange de vie publique et d’intimité assumée ».

Cette diversité de réceptions révèle la difficulté à cerner un artiste qui refuse de se figer. Album après album, Orelsan se réinvente au risque de dérouter une partie de son public. À la première écoute, le constat est contrasté : certains titres semblent tourner à vide, familiers dans leur construction, quand d’autres touchent juste et ravivent ce mélange de lucidité et de fragilité qui fait sa singularité. Un déséquilibre assumé, peut-être, pour un album qui porte bien son nom.

Une polémique caennaise

L’album génère aussi une polémique aussi inattendue que symptomatique des malentendus numériques. Dans La Petite Voix, Orelsan glisse une pique à Kylian Mbappé concernant le rachat du Stade Malherbe de Caen : « Tu vas faire couler ta ville comme les Mbappé. » Le footballeur réagit publiquement, sans avoir, selon plusieurs médias, pris la peine d’écouter le morceau. Un clash Twitter pour un trait d’ironie normande — preuve que l’attachement d’Orelsan à Caen reste intact, même si le club, lui, tangue sérieusement.

Pour écouter La fuite en avant, c’est ici :

La Fuite en avant prolonge le travail introspectif entamé dans le documentaire Montre jamais ça à personne et tisse un univers transmédia où musique et cinéma dialoguent autour de thématiques communes : la fuite, la responsabilité et la transformation personnelle. L’album comprend d’ailleurs un titre éponyme, Yoroi, composé en collaboration avec Thomas Bangalter, ancien membre des Daft Punk. Ce morceau à l’atmosphère futuriste et contemplative fait le lien entre les deux projets — un pont sonore entre l’introspection du disque et la symbolique du film.

Son design, à la fois épuré et futuriste, navigue entre deux époques. Leur matière, souvent en acétate clair ou en polycarbonate cristallin, joue avec la lumière pour créer une esthétique à la fois contemporaine et intemporelle. La transparence devient ainsi un symbole de modernité : par la pureté et la simplicité visuelle qu’elle évoque, en harmonie avec les codes du design actuel ; par sa capacité à s’adapter à toutes les couleurs de peau et de cheveux ; et par cet effet « nu » sophistiqué qui révèle les traits plutôt que de les dissimuler.

Dans un monde saturé d’images et de logos, cette neutralité visuelle se transforme en une affirmation esthétique. Porter des lunettes transparentes homme, c’est dire, sans mot : « Je n’ai rien à cacher, tout à montrer. »

L’homme transparent : force tranquille et identité claire

Les hommes d’aujourd’hui n’ont plus peur de la subtilité. Là où les générations précédentes cherchaient à se distinguer par la force, la virilité ou la possession, la nouvelle élégance passe par la transparence assumée : celle de ses goûts, de ses valeurs, de son style.

Et les montures transparentes, outre la tranquillité qu’elles transmettent, inspirent confiance. Elles révèlent le regard dans une symbolique de la sincérité. Ne dit-on pas que « le regard est le reflet de l’âme », réduction d’une déclaration de Cicéron qui disait que « si le visage est le miroir de l’âme, les yeux en sont les interprètes ». Apportant un sentiment d’équilibre et de calme, elles donnent aussi à voir le visage tel qu’il est, sans artifices ni émotions masquées. 

Dans la mode comme dans la vie, la transparence devient une attitude. Elle ne consiste pas à s’effacer, mais à apparaître tel qu’on est, sans ces mêmes artifices. Cette authenticité tranquille séduit — c’est elle qui capte l’attention, bien plus que l’excentricité.

Comment intégrer la lunette transparente dans un look masculin ? 

Les lunettes transparentes s’accordent avec presque tout. Peut-être est-ce là une autre de leur force. Elles deviennent ce détail invisible qui rend un ensemble cohérent.

En mode urbain décontracté, associez-les à un sweat oversize, un pantalon droit et des sneakers clairs. Le contraste entre la structure légère des lunettes et la nonchalance du look crée un équilibre parfait. 

En version bureau minimaliste, un costume gris ou beige, une chemise blanche et une paire de lunettes transparentes propose le combo idéal pour un style professionnel sans rigidité. Elles remplacent les montures sombres trop strictes, apportant une modernité subtile à l’ensemble.

En tenue de soirée, elles se portent aussi bien avec un col roulé noir qu’avec une veste texturée. La transparence capte les reflets des lumières ambiantes, donnant un effet « reflet de verre » qui souligne le regard.

Une mode durable et consciente entre luxe et maîtrise 

La transparence ne se limite pas à l’esthétique : elle reflète aussi un état d’esprit éthique. Les nouvelles générations de créateurs privilégient désormais des matériaux recyclés, des acétates biosourcés et une production plus responsable. La lunette transparente devient ainsi un symbole de modernité éthique, une manière de concilier style et sens.

Mais la vraie élégance masculine réside aussi dans la mesure. La lunette transparente traduit cette maîtrise subtile du style : elle attire le regard, mais ne cherche jamais à séduire de force. Elle met en lumière ce que l’homme moderne revendique aujourd’hui : la confiance, la transparence et la cohérence.

Loin d’être un simple effet de mode, c’est une évolution du goût — un retour à la simplicité, mais pensée, assumée, raffinée. Une conclusion sous le signe de la clarté : choisir une lunette transparente, c’est une posture moderne, un geste de confiance dans sa propre identité. Elle incarne la clarté d’esprit, la légèreté du style et la transparence des intentions.

Dans une époque où chaque choix vestimentaire est porteur de valeurs, où la mode masculine se cherche entre excès et authenticité, la lunette transparente homme se positionne comme le parfait équilibre : celui de la visibilité tranquille. Le charme de celui qui ne parle pas fort, mais qu’on remarque quand même.

Leur studio à Nantes est devenu le prolongement naturel de cette philosophie : un espace vivant, traversé de câbles, de guitares, de claviers et de lumière. Simon y travaille depuis plus de quinze ans, dans un désordre savamment orchestré où chaque machine semble prête à s’éveiller au moindre frisson. « Tout est branché, tout est prêt », sourit-il. « Je m’installe souvent au piano ou à la guitare, je lance une base, et Sam écrit dans un coin du studio. » Ainsi naissent leurs chansons : dans le tumulte d’une conversation, dans une vibration partagée, dans un mot qui s’accroche à un son. En quelques heures, une mélodie prend vie, brute et sincère, avant d’être polie avec patience, sans jamais étouffer le feu qui l’a fait naître. « L’énergie doit rester brute », rappelle Sam. « On garde la première émotion, la première prise, celle qui tremble encore, mais on affine les mots pour que tout tienne debout. »

Chez Pamela, les textes respirent autant qu’ils cognent. Ils parlent d’indignation et de résistance, mais toujours avec la lumière au bord du cœur. « J’écris sur nos contradictions », explique Sam. « La fête et la fatigue, la joie et la colère, la beauté et la laideur du monde. Résister, pour nous, c’est continuer à ressentir. C’est danser quand ça fait mal, pour se faire du bien. » Simon ajoute : « Être indigné, c’est dire non, même si la voix tremble. On vit dans un monde qui sature les émotions, qui les consomme comme des produits. Alors nous, on choisit la sensibilité, la fragilité, l’ensemble. »

Cette recherche d’équilibre se retrouve aussi dans leur son, entre la rigueur française et la liberté britannique. « On ne force rien », glisse Simon. « Sam apporte sa culture anglaise, moi mes racines françaises. On s’est nourris de Gorillaz, Radiohead, les Beatles, mais aussi de la chanson d’ici. » Un mélange organique, fluide, presque évident. Leur musique, comme leur amitié, ne connaît pas de frontière. Elle vit à la croisée des langues, des influences, des émotions, toujours en mouvement.

Leur dernier titre, This Is A Song, parle d’amour , ce mot usé et pourtant inépuisable. « L’amour, tout le monde croit savoir ce que c’est, mais personne ne sait vraiment l’expliquer », souligne Sam. Le morceau est une traversée, une façon de dire qu’aimer, c’est aussi accepter le chaos, la maladresse, la beauté imparfaite du réel. Et quand on évoque les frites, récurrentes dans leur univers visuel, Simon nous confie : « C’est Guillaume Ménard, notre complice visuel, qui a créé ce monde un peu absurde. Il aime les stations-service, les décors en carton, les choses simples. Et puis, il faut l’avouer : on aime bien manger. »

Le 6 novembre, Pamela fera vibrer le Trianon. Un concert comme un grand rassemblement d’âmes, un moment suspendu entre le vacarme et le silence. « Ce sera une fête », promet Simon. « On va inviter des amis, mêler nos voix, partager la scène. Ce sera une respiration collective, un instant pour se souvenir pourquoi on fait tout ça. »

Pamela, c’est une invitation à danser pour ne pas plier.
À chanter pour ne pas se taire.
À vivre, simplement, ensemble.

Retrouvez les billets pour le Trianon ici et retrouvez le groupe sur les réseaux Instagram & Youtube .

3 juillet 2025. The Velvet Sundown cartonne sur Spotify : un million et demi d’auditeurs en quelques mois et bientôt un troisième album à son actif. La recette du quatuor est efficace : une musique indie-folk aux notes seventies, nostalgique, qui donne envie de partir en vadrouille sur les routes américaines.

Cependant, quelques détails clochent : au-delà d’un processus créatif ultra-rapide, les photos des quatre musiciens à la peau métallique sont entièrement générées par intelligence artificielle. Au départ introuvables sur les réseaux sociaux, les « artistes » finissent par avouer le 5 juillet sur Instagram qu’ils sont un pur produit de l’IA. Comprendre : le résultat d’un prompt où la composition, le chant et les illustrations ont été créés via Suno, une plateforme de création musicale. Une « provocation artistique destinée à questionner les limites de la création, de l’identité et le futur de la musique à l’ère de l’IA », affirme The Velvet Sundown.

Loin d’être anecdotique, le recours aux artistes imaginaires est devenu monnaie courante sur la première plateforme de streaming musicale mondiale.

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Spotify : 696 millions d’auditeurs mensuels

Le 29 juillet 2025, lors de la présentation des résultats trimestriels du groupe, le PDG et fondateur de Spotify, Daniel Ek, a annoncé une hausse de 11% du nombre d’utilisateurs annuels, soit près de 700 millions d’auditeurs par mois. Par ailleurs, le nombre d’abonnés payants a bondi de 12%, représentant 276 millions de personnes. Si ces retombées demeurent en-deçà des prévisions annoncées, la firme affiche un chiffre d’affaires de 4,19 milliards d’euros dont s’est félicité le patron. Créée en 2006 à Stockholm, l’entreprise n’a cessé de croître au fil des années ; une ascension perceptible via la mini-série The Playlist, diffusée en 2022 sur Netflix.

Rémunération des artistes : le market centric, aubaine pour les gros vendeurs

Sur Spotify ou Apple Music, le système de rémunération qui prévaut est celui du market centric. Le principe : les revenus issus de la publicité et des abonnements sont répartis au prorata des écoutes totales des artistes, indépendamment des habitudes individuelles du public. Par exemple, si un auditeur n’écoute que des groupes indépendants, son abonnement mensuel de 12,14€/mois ne sera pas reversé directement à ses membres : il ira à d’autres artistes plus streamés comme Jul, Taylor Swift ou Damso. Un modèle de rémunération qui n’est pas sans susciter de vigoureuses réactions : la chanteuse Björk considère ainsi que « Spotify est probablement la pire chose qui soit arrivée aux musiciens » en janvier 2025, dénonçant un système de partage inéquitable pour les artistes. Une précarisation accentuée par l’augmentation croissante des contenus générés par IA.

Dans son ouvrage Mood Machine.The Rise of Spotify and the Costs of the Perfect Playlist (Atria/One Signal Publishers, 2025), la journaliste américaine Liz Pelly enquête sur le modèle économique du géant suédois. Elle y explique comment la plateforme, en recommandant activement des chansons générées par l’IA via ses plateformes algorithmiques, dilue la production musicale et reverse moins de droits aux artistes. Dans une interview donnée au journal Le Monde, celle-ci déclare : « En discutant avec certains de ces ‘faux artistes’ et d’anciens employés de Spotify, j’ai ainsi été surprise d’apprendre qu’il existait tout un programme interne – présenté sous le sigle PFC [perfect fit content, ‘contenus parfaitement adaptés’], avec une équipe spécifique – destiné à veiller au placement de musiques stock dans des dizaines et des dizaines de playlists très écoutées, ainsi qu’une liste de fournisseurs ». Ajoutons qu’aucune mention ne stipule l’origine artificielle de ces morceaux sur Spotify, semant la confusion auprès des auditeurs.

Suno : créer de la musique en un clic

L’immensité de ces groupes « fictifs » se retrouve en partie sur les plateformes de streaming musicales grâce à DistroKid, distributeur digital indépendant leader du secteur (plus de 2 millions d’artistes inscrits). Avant d’être distribués, ces sons sont majoritairement générés par Suno, application de création musicale permettant de créer des musiques en quelques secondes. Start-up américaine créée en décembre 2023, Suno (« écoute » en hindi) a été lancée par d’anciens membres de Meta et TikTok. A l’image de ChatGPT, son fonctionnement est simple : une boîte de dialogue dans laquelle on décrit le genre de musique et de paroles que l’on souhaite. Simple, gratuit dans sa version de base et ultra rapide. 

Certaines créations des plus incongrues voient ainsi le jour. Sur X, le journaliste Marc Rees s’est amusé à mettre en musique… Une recette de crêpes.

Le grand reporter Raphaël Grably, quant à lui, nous propose une version toute personnalisée de « La République c’est moi ».

Musique captée à l’insu des musiciens

Comptabilisant plus de cinquante millions de visites mensuelles, Suno, dont le slogan est « Pas besoin d’instrument, juste un peu d’imagination » a fait parler d’elle en janvier 2025 via les propos polémiques de son patron Mickey Schulman. Ce dernier, interrogé au micro du podcast américain 20VC, a déclaré que « personne n’aime faire de la musique », arguant que « ça prend du temps, ça demande du travail, il faut travailler un instrument […] ».

Reposant sur l’exploitation massive de morceaux existants, l’application est aujourd’hui pointée du doigt par de nombreuses maisons de disques pour violation de droits d’auteurs. L’application ne reverse en effet aucun revenu aux artistes.

S’il arrive à certains musiciens d’utiliser l’IA, nombreux sont ceux craignant une « ubérisation » de la production musicale où la dimension fonctionnelle l’emporterait sur la création artistique : la musique serait alors uniquement guidée par la rentabilité. Conséquence : une perte de visibilité et un énorme manque à gagner pour les « vrais » artistes. Au-delà de la menace qui plane sur la création artistique, le risque d’usurpation d’identité est bien réel. Dans un article BFM TV publié en juillet dernier, on apprend que l’artiste Blaze Foley, décédé en 1989, s’est vu publier sur sa page Spotify un morceau intitulé Together. Or ce n’est ni la voix, ni la musique du chanteur de country qui figurent dans cette chanson créée de toutes pièces par intelligence artificielle, assure le propriétaire du label Craig McDonald.

Concurrence de l’IA, rémunération inéquitable, risque d’usurpation d’identité, mais aussi investissements militaires de Daniel Ek : autant de motifs qui poussent certains artistes et internautes à fuir Spotify pour se tourner vers d’autres plateformes de streaming musical jugées plus éthiques. Sur son compte Instagram, la chanteuse et compositrice Laura Bird suggère ses followers à boycotter la plateforme.

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Certains vont jusqu’à retirer leurs titres de la plateforme, à l’image du groupe de rock australien King Gizzard & The Lizard Wizard, qui a supprimé la totalité de son catalogue (plus de 500 chansons) en juillet dernier.

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Vers un streaming plus éthique

A l’instar de Spotify, la plateforme de streaming musical Deezer reçoit chaque jour plus de trente mille titres générés par IA (28% des contenus). En revanche, cette dernière mentionne explicitement les titres créés par intelligence artificielle. L’application française adopte également un modèle de rémunération user centric vis-à-vis des musiciens : les revenus sont redistribués aux artistes selon les écoutes individuelles de chaque utilisateur.

Un autre service musical français a le vent en poupe depuis quelques années : Qobuzz. Bien qu’un peu plus onéreux que ses concurrents, il offre un son d’excellente qualité et se démarque par une offre éditoriale inédite. Chaque album est accompagné de contenus premium : interviews, analyses musicologiques ou livrets numériques enrichis. 

Spotify, Deezer, Qobuz, Apple Music… Si le streaming domine aujourd’hui l’industrie musicale, il ne signe pas pour autant la fin de la musique organique. Disques, vinyles et cassettes audio continuent de coexister avec le numérique. Festivals et concerts, de leur côté, rappellent avec force que la musique est d’abord une expérience humaine, sensible et incarnée.

C’était quoi l’idée de départ pour la création de cet album ?

J’aime bien partir d’un concept (ici, la masculinité mais ça peut être autre chose), et assembler des éléments autour de ça, comme un collage ou un champ lexical. J’ai procédé de manière instinctive, en partageant mon impression de ce que le patriarcat semble attendre de nous en tant qu’homme aujourd’hui.

De quel type de masculinité parles-tu ?

Je voulais exacerber la part de violence qu’il peut y avoir dans le genre masculin. Parler de l’immaturité dont font preuve les hommes la plupart du temps, et tourner tout ça en dérision afin de prendre du recul. On peut dire que c’est une caricature de la masculinité.

Est-ce que cela fait écho aux problématiques masculinistes ?

Tout à fait. J’ai puisé des influences dans le Hardcore, la Dubstep, le Punk, le Breakcore et la Trap. Parmi ces genres, il y a des artistes qui ont pour habitude de mettre en avant une idée de la virilité dans laquelle je ne me retrouve pas. Je suis influencé par Booba, SCH, Vald et j’essaie de prendre du recul par rapport à l’homophobie de certaines paroles, au sexisme et aux discours basés sur la compétition. Je voulais m’en inspirer pour me les ré-approprier. J’avais envie qu’en tant qu’homme, on puisse écouter ça et se dire « c’est vrai qu’on est cons » et d’en rire.

D’où te vient ce goût pour les drums travaillées ?

j’ai découvert le Breakcore à la fin du lycée : Igorrr, Ruby My Dear, Venetian Snares. Au début je trouvais ça dur à écouter, et en même temps, c’était drôle. Mais le côté déstructuré et surprenant des morceaux m’a très vite captivé, et j’ai commencé à produire mes propres morceaux sur mon ordinateur.

On a l’impression que tu essaies de créer un monstre de Frankenstein, est-ce que c’est ton intention ?

C’est un album qui a été composé dans la douleur, une période difficile pour moi. Si cet opus devait être un personnage, ce serait un être torturé. J’ai composé principalement sur le peu de temps libre que j’avais, en plus de mon travail alimentaire. Ce qui ne veut pas dire que j’ai cherché la fluidité, loin de là. C’était un travail de forcené et d’obstination, sur des morceaux dont je ne considérais pas beaucoup le potentiel. Mais au final je suis content d’avoir persisté dans mes recherches et de m’être fait violence. J’ai eu l’impression de triturer les codes de mon projet musical pour en faire quelque chose de nouveau et qui serve le propos de ce nouvel album.

Quel est ton rapport au beau et à l’esthétique dans l’art ?

Je pense qu’on peut partir de quelque chose de laid et en faire du beau, comme dans la tragédie. On y parle de meurtre et de trahison, tout simplement parce que c’est la condition humaine. Selon moi, les artistes devraient aborder tous les sujets négatifs, se les ré-approprier pour les sublimer.

Quel est le fil directeur du projet Paramécie Balnéaire ?

Le Dadaïsme, le surréalisme, j’aime raconter des choses pour ne pas dire grand chose, et que les gens trouvent les réponses eux-mêmes. Le terme Paramécie Balnéaire est inspiré du cadavre exquis. Un jeu inventé par les surréalistes dans les années 20, qui consiste à mettre ensemble des mots qui n’ont rien à voir. Mes albums et mes morceaux fonctionnent de la même façon.

Si tu devais conclure cet interview en une phrase ?

Je dis souvent que je fourni la matière à partir de mes tripes, mais c’est aux auditeurs de faire le reste du travail en interprétant mes morceaux comme ils les perçoivent.

Depuis le retour des talibans au pouvoir, l’Afghanistan s’est refermé comme une prison à ciel ouvert pour ses habitantes. Les femmes, privées d’éducation, de travail, de visage, sont devenues des ombres dans leur propre pays. Pourtant, malgré l’oppression, la beauté persiste, discrète et tenace. C’est ce paradoxe que révèlent les photographes Fatimah Hossaini et Oriane Zérah dans leur livre (publié en juin 2025) et exposition « Femmes dévoilées et hommes en fleurs », qui était présentée jusqu’au 12 octobre 2025 au musée Jean-Honoré Fragonard à Grasse.

« Meurtri, ravagé, exploité de toutes parts et endeuillé sans discontinu depuis tant de décennies, l’Afghanistan est pourtant un pays de beautés… trop souvent cachées (la burqa est l’instrument le plus connu de cette occultation). Depuis que les talibans ont pris le pouvoir le 15 août 2021, ils n’ont eu de cesse de rendre invisibles les femmes, les privant de visage, de voix et d’éducation », expliquent les éditions Images Plurielles.

À travers leurs objectifs, les deux femmes photographes offrent un autre visage de l’Afghanistan : celui d’un peuple qui, malgré la guerre et l’obscurantisme, cultive encore la poésie du quotidien.

Deux regards, une même quête

Fatimah Hossaini, née en 1993 à Téhéran de parents afghans, a grandi entre l’Iran et l’Afghanistan, où elle s’est installée en 2018 pour enseigner la photographie à l’université de Kaboul. Son travail, centré sur la diversité et la résilience des femmes afghanes, est une réponse directe à leur invisibilisation forcée. « Je voulais montrer que les femmes afghanes ne sont pas seulement des victimes, mais des êtres de beauté, de courage et de dignité », confie-t-elle dans une interview à France Info. Menacée par les talibans, elle a dû fuir en France en 2021, emportant avec elle des milliers de clichés qui célèbrent les visages, les costumes traditionnels et les sourires de celles que le régime veut effacer. Ses portraits, comme ceux de sa série « La Beauté au cœur de la guerre », sont des hommages à la richesse culturelle d’un pays trop souvent réduit à ses conflits.

De son côté, Oriane Zérah, photographe française installée à Kaboul depuis 2011, a choisi de braquer son objectif sur un symbole inattendu : les fleurs. Dans un pays ravagé par la violence, les Afghans, y compris les hommes, s’entourent de roses, de tulipes et de jasmin dès le printemps. Ses images, rassemblées dans le livre « Des roses sous les épines » (2023), montrent des hommes souriants, une fleur à la main ou glissée dans leur pakol, le chapeau traditionnel. « Les fleurs sont une métaphore de la résistance et de la douceur dans un monde brutal », expliquait-elle sur RFI.

Son travail, exposé en dialogue avec celui de Fatimah Hossaini, crée un contraste saisissant : d’un côté, des femmes qui osent se montrer ; de l’autre, des hommes qui osent montrer leur sensibilité dans un voyage bien loin de ce que l’on connaît généralement de ce pays d’Asie.

La fleur et le voile : symboles d’un pays en tension

Bien que le territoire soit aujourd’hui aux mains des talibans, il reste riche de son passé, de son histoire, de ses cultures. « Pays de montagnes qui culminent à plus de 7 000 m pour certains sommets, situé entre l’Iran à l’ouest, le Pakistan au sud-est et les pays de l’ex-Union soviétique au nord (Turkménistan, Ouzbékistan et Tadjikistan), l’Afghanistan est peuplé de nombreuses ethnies aux langues, cultures et religions diverses (Pachtounes, Tadjiks, Hazaras, Ouzbeks) ».

« Passage important de la Route de la soie, le territoire a été foulé par les plus grands conquérants : Cyrus le Grand, Alexandre le Grand, Gengis Khan… et s’est trouvé au cœur des plus grands empires pré-islamiques. Disputé de tous les côtés pour ses richesses connues depuis l’Antiquité, l’Afghanistan possède des gisements de toutes les pierres précieuses excepté le diamant, et la plus importante source de lapis-lazuli. Ses paysages et ses peuples ont fasciné les grands voyageurs des Temps modernes, façonnant une mythologie romantique introduite en France par Joseph Arthur de Gobineau (diplomate français, auteur notamment des Amants de Kandahar, 1876), puis nourrie par Joseph Kessel et ses Cavaliers, Nicolas Bouvier, Ella Maillart, Christophe de Ponfilly avec son film Massoud, l’Afghan ».

L’exposition de Grasse, comme le catalogue coédité par Images Plurielles et Fragonard, est une immersion dans cet Afghanistan méconnu. Les photographies de Fatimah Hossaini, aux couleurs vives et aux détails artisanaux, révèlent la diversité ethnique du pays – Pachtounes, Tadjiks, Hazaras, Ouzbeks – et la somptuosité de leurs costumes. Celles d’Oriane Zérah, plus intimistes, captent des instants de tendresse et de fierté masculine, loin des clichés sur la virilité talibane (ou la virilité en elle-même). Ensemble, leurs images composent un récit visuel où la beauté devient un acte politique.

Les fleurs, omniprésentes dans le travail d’Oriane Zérah, ne sont pas un simple décor. Elles incarnent l’espoir et la fragilité d’une société en équilibre entre tradition et oppression. Ce détail, apparemment anodin, prend une dimension symbolique forte : dans un pays où les femmes sont contraintes de se voiler, les fleurs, elles, s’épanouissent librement. Quant aux portraits de Fatimah Hossaini, ils jouent avec l’absence de voile, un geste de défi face à l’interdit.

L’exposition (et le livre) offre ainsi une rencontre entre deux cultures et deux histoires. Fatimah Hossaini, exilée, porte le poids de la mémoire afghane ; Oriane Zérah, Française installée sur place, celui du regard extérieur. Leurs approches se complètent : l’une montre ce que les Afghanes sont, l’autre ce qu’elles pourraient être. Une collaboration comme un pied de nez aux frontières, qu’elles soient géographiques ou idéologiques.

Un héritage pour l’avenir

« Femmes dévoilées et hommes en fleurs » arrive à un moment où l’Afghanistan a presque disparu des radars médiatiques. Pourtant, la situation des femmes s’y aggrave chaque jour. En 2025, elles n’ont plus le droit de travailler, d’étudier au-delà du primaire, ni même de se déplacer sans mahram (accompagnateur masculin). Lors du séisme qui frappa le pays le 12 septembre 2025, les femmes afghanes se sont même vues privées de soins et de secours, condamnées à mourir sans aide en vertu des règles religieuses édictées par les talibans.

Dans ce contexte, le livre et l’exposition sont des cris silencieux. Ils rappellent que derrière les chiffres et les lois absurdes, il y a des visages, des rires, des rêves. À Grasse et dans les pages du livre, les visiteurs découvrent un Afghanistan inattendu : celui d’un peuple qui, malgré tout, célèbre la vie.

En ces temps de repli identitaire et de conflits, leur travail est un rappel : l’art peut être une arme, la beauté un acte de rébellion, et un livre peut être une fenêtre ouverte sur un monde qu’on cherche à nous cacher.

Le livre est publié depuis juin 2025 aux éditions Images Plurielles. L’exposition est à visiter au Musée Jean-Honoré Fragonard, 14 rue Jean Ossola, 06130 Grasse jusqu’au 12 octobre 2025.

“This is all about darkness”

Un conte de fées ténébreux, inspiré par son parcours

Formé à l’université d’Irkoutsk, de 2002 à 2007, il se lance en tant que directeur artistique et concept artiste dès 2005, notamment dans les projets de jeux vidéo. Il sera alors illustrateur, concept artiste, directeur artistique, artiste principal et designer UI et UX pour des projets comme Disciples 3, Little Reaper, Planet of Heroes ou Bombastic Brothers. Par la suite, il parvient à travailler pour des clients prestigieux comme Intel Corporation (2013) ou encore Trehlmer Film et leurs publicités (2010 à 2012).

En parallèle, son univers artistique se développe. Inspiré par les jeux vidéo de l’époque, Ivan Solyaev célèbre la beauté de la vie et de la mort, montrant aux yeux de tous la présence d’un espoir au plus profond de l’obscurité. L’artiste conceptualise la beauté de l’épouvante, une beauté épurée, fantaisiste et onirique.

Ses œuvres, rappelant l’environnement de nos mauvais rêves, explorent une tendresse complexe, par des personnages symboliques aux traits fantastiques : il utilise notamment des animaux, parfois majestueux, parfois frêles, pour montrer cette pureté de la nature, qu’il combine à une variation de textures et de sensations.

Into the Warm Darkness

Le 29 février 2024, il expose sa série de 12 œuvres, intitulée Into The Warm Darkness, inspirée par les contes et l’univers obscure de l’artiste. Cette série d’œuvre offre une expérience immersive. A la fois visuelle et auditive, la série vous transporte dans un univers sombre mais surtout doux et délicat.

« Puis-je vous expliquer, au sens figuré, cette beauté ? L’amour ? Probablement pas. Mais je peux créer un contexte aussi proche de cette réalité que possible et je ne peux qu’espérer une compréhension et une résonance chez vous. »

Si vous souhaitez suivre le travail d’Ivan Solyaev, n’hésitez pas à regarder aussi son compte Instagram, vous trouverez également toutes ses plateformes juste ici! Si cet article vous a plu, nous vous conseillons de lire cet article sur les productions de Guillermo Lorca, grand artiste chilien.

Au premier coup d’œil, Jérémy Lempin donne le ton . Son ouvrage photographique s’intéressant à l’état de stress post-traumatique est pensé, désigné à la façon des dossiers médicaux de l’armée : couverture rigide noir, photographies imprimées sur des feuilles volantes retenues par un simple fil rouge évoquant les fiches médicales de soldats. Pour montrer son travail photographique, Jérémy Lempin reste dans le champ du militaire et du médical. Il en tire ainsi un « livre-objet ». 

A l’intérieur toutefois, aucun dossier médical, aucune analyse de sang ou ordonnance, mais une radiographie de l’état mental d’une sélection de militaires et anciens militaires aujourd’hui victime d’un état de stress post-traumatique, désormais reconnu comme blessure morale. Dans cet ouvrage, Jérémy Lempin ne montre « que les images les plus puissantes, celles qui disent le mieux l’enfer d’une vie entièrement paralysée par les conséquences de cette maladie et qui gangrène peu à peu toute la sphère familiale ».

Devenir la voix de six témoins

Jérémy Lempin donne la parole à six témoins dont l’état de santé reste préoccupant : un ancien maître-chien du 132e Régiment d’infanterie cynotechnique de l’armée de terre à Suippes, en arrêt longue maladie depuis une mission en Centrafrique en 2015 ; un ancien du 75e RIMA (régiment d’infanterie de marine) parti en septembre 1960 en Algérie à l’âge de 19 ans ; un technicien en identification criminelle dans la gendarmerie, revenu d’une mission 6 mois en Afghanistan en 2011 avec un ESPT ; un ancien soldat du 1er RIMA rentré du Mali en 2013 ; la veuve de Jean-Louis, atteint d’un ESPT depuis 1994, détecté en 2015, après avoir enchaîné 18 opérations extérieures (Rwanda, ex-Yougoslavie, Afghanistan), soit une carrière de 25 ans au 3e RIMA (régiment d’infanterie de marine de Vannes) ; et une  infirmière aux services de santé des armées atteinte d’un ESPT depuis le suicide d’un de ses collègues en France en 2016. 

“ L’état de stress post-traumatique, c’est comme un film d’horreur dans la tête. ”

Élio, 12 ans, fils d’une infirmière militaire 

« Elle était infirmière militaire dans la marine », explique Jérémy Lempin. Cette dernière avait signalé un collègue atteint de stress post-traumatique à sa hiérarchie. Un jour, comme le raconte le photographe, alors qu’ils rangent la réserve, « il prend un truc, elle lui dit “non, surtout pas !” ». Le médicament en question, injecter en trop forte dose, peut entrainer la mort. Une information qu’il a retenu, précise Jérémy Lempin, et, « deux jours plus tard, se l’est injecté ». L’infirmière amène donc son collègue en en réanimation, mais il est déjà trop tard. À son tour, elle à fait un stress post-traumatique.

Autant de vie, si ce n’est brisée, du moins fortement impactée par cet état de stress post-traumatique qui se traduit, selon les cas et les personnes, par différents symptômes : alcool, drogues, agoraphobie, hyperactivité, cauchemars. Mais aussi un état d’hypervigilance, comme si les sujets étaient encore sur le théâtre d’opération, et où chaque bruit peut leur rappeler les horreurs du terrain. Bien qu’ils ne « présentent aucune séquelle physique apparente », ils traînent parfois une « blessure invisible qui grignote peu à peu l’esprit, puis le corps », analyse Jérémy Lempin, photographe à l’origine de la série photographique.

Aux côtés des blessés 

Pour réaliser son reportage, Jérémy Lempin ne se contente pas de passer, de prendre ses photographies et de repartir. Il lui faut établir une relation de confiance avec le sujet photographié, en restant avec lui et sa famille, en le côtoyant dans son quotidien, parfois plusieurs jours de suite. 

Comme ses témoins s’étaient engagés dans l’armée au début de leur parcours, ces militaires ou anciens militaires s’engagent avec le photographe pour la réalisation de la série photographique, bien qu’ils puissent émettre des demandes : ainsi, l’un d’eux demande à ne pas être pris de face. Une situation qui n’empêche pas certains d’entre eux de demander leur retrait avant publication, ne souhaitant finalement pas voir les photographies publiées. 

« Ça a été progressif. Petit à petit, mon comportement a changé, avec de l’hyper vigilance, du stress, des cauchemars, des réminiscences de scènes qu’on avait vécues là-bas, de l’agressivité. Je me suis renfermé sur moi-même ».

Solitude, impossibilité d’agir, l’ancien militaire et photographe à l’occasion d’observer l’impact de ces blessures sur la vie des soldats. « Les rendez-vous médicaux se font parfois dans des locaux à Paris, même pour des militaires vivant en dehors de la capitale. Ce qui veut dire prendre les transports, passer par Montparnasse, traverser la ville : autant de lieux fréquentés qui ne conviennent pas à un agoraphobe ! », explique-t’il. Et l’agoraphobie, symptôme possible des troubles de stress post-traumatique, rend cette situation intenable !

« Ça a été progressif. Petit à petit, mon comportement a changé, avec de l’hyper vigilance, du stress, des cauchemars, des réminiscences de scènes qu’on avait vécues là-bas, de l’agressivité. Je me suis renfermé sur moi-même. On se retrouve un petit peu seul au monde. C’est en consultant une psychologue qu’on m’a expliqué ce que c’était que le stress post-traumatique. En fait, je ne le savais pas. Maintenant ça fait trois ans, trois ans que je suis là-dedans. C’est surtout mon entourage qui a déclenché l’alerte. Consommation d’alcool, prise de drogue, comportement inadéquat. Petit à petit, en allant consulter, on a compris qu’une blessure s’était installée depuis l’opération Serval » raconte Benjamin, ancien soldat du 1er RIMA (régiment d’infanterie de marine d’Angoulême), rentré du Mali en 2013

Pendant plusieurs années, Jérémy Lempin a donc documenté le quotidien de ces blessés à plus d’un titre, « leur souffrance et celle de leurs proches »  afin de « rendre hommage aux combattants qu’ils restent et mettre un visage sur des blessures aujourd’hui trop sous-estimées ». Un travail qui lui permet de « montrer l’être humain dans toute sa fragilité, un thème au cœur de sa réflexion photographique ». Sans doute le gouvernement et l’armée française auraient-ils matière à penser à l’issue de cette lecture !

Lien vers le film photographique.

Si vous êtes concerné par l’ESTP, le ministère des Armées a mis en place un numéro d’appel pour les militaires, les anciens militaires et leur famille, accessible 24/7, en appel gratuit et anonyme :

ÉCOUTE DÉFENSE :

08 08 800 321

Site de l’artiste

Taylor Swift règne-t-elle en maître sur l’industrie de la musique internationale ? On aurait tendance à répondre par la positive, si on se fiait aux chiffres : sa dernière tournée, The Eras Tour, a rapporté 2,07 milliards de dollars, s’imposant comme la plus lucrative de tous les temps, et est même à l’origine du phénomène “Swiftonomics“. On ne compte plus les records aux sorties de ses albums. Le dernier en date, The Life of a Showgirl, dévoilé mardi 3 octobre est, par exemple, devenu le plus écouté en une journée sur Spotify et Apple Music. 

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Pourtant, peu auraient pariés sur la grande blonde, partie de la country avant de s’installer en tête des écoutes de la pop et des sujets polémiques en ligne. Morgane Giuliani revient en détail sur cette ascension qui n’a surpris que ceux qui n’ont pas fait attention, par mépris parfois, dans son ouvrage : Taylor Swift (aux éditions Le mot et le reste).

Interrogée par Beware!, la journaliste explique : “C’est plus une monographie qu’une biographie. Je vais loin dans le détail, dans le contexte.” Sous sa plume, la vedette de la pop à la voix fluette sur dévoile comme “quelqu’un qui sait, jusqu’à présent, se saisir de son époque”. Et qui personnifie aussi certaines grandes questions de société, au moins autant qu’elle “marque l’histoire de la musique en temps réel” en enchaînant les records.

“Elle a sensibilisé son public”

“C’est une artiste qui, depuis toujours, suscite beaucoup de discours médiatiques”, analyse Morgane Giuliani. Forcément, le sens du “business” de la chanteuse n’échappe à personne, “mais, je trouve qu’elle condense à elle seule, beaucoup de nos a priori, de nos injonctions contradictoires et de nos attentes envers les pop stars féminines”, ajoute l’autrice. Et puis Taylor Swift “parle à des millions de femmes à travers le monde”, et autant de raisons de s’intéresser au phénomène.

Son livre, la journaliste l’a écrit pour les fans comme les profanes, “curieux du phénomène et qui ne comprennent pas trop”. Comment, par exemple, expliquer l’hyper-fidélité des “swifties”, prêts à mettre au placard leurs albums pour ne jouer que les réenregistrements, les fameuses Taylor’s Version, de ses six premiers opus ? “Peu d’artistes de sa génération ont réussi à créer un lien aussi fort”, analyse d’abord la biographe. 

La chanteuse a plusieurs fois expliqué les ressorts de cette affaire de masters, les enregistrements de ses premiers albums revendus dans son dos par sa première maison de disque. Et ce, alors même qu’elle avait offert de les racheter. Mais puisqu’elle possédait les textes, elle a pu enregistrer des nouvelles versions, avec des titres inédits en bonus. “Elle a sensibilisé son public à des sujets qui sont assez sensibles, et qui sont aussi purement ‘business’, et ils le lui rendent bien en lui étant fidèle. Et c’est très fort ce qu’elle a fait, parce qu’il y a un tel tabou dans l’industrie musicale autour des mécanismes d’une industrie qui est très capitaliste, très dure pour les artistes.”

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“C’est un truc de meuf”

En France, les médias ont souvent sous-estimé l’influence d’une artiste dont la communauté s’est construite en ligne, où l’artiste elle-même était très active, suivant de près l’évolution des usages : “Elle a d’abord émergé sur Myspace, qu’elle a quitté pour Twitter, Instagram, Tumblr à son époque. C’est aussi ça qui la différenciait d’autres grosses artistes de son époque, qui étaient peut-être plus en recul, moins investies sur ces réseaux-sociaux.” Par exemple, cette fois où elle s’est adressée directement à ses fans, en pleine débâcle sur le rachat de ses masters :

Mais comment avoir raté la vague qui a annoncé le tsunami des Eras Tour en France ? Qui aurait parié que ses deux dates à Lyon, en juin 2024, allaient provoquer (entre autres) une hausse des réservations des hôtels de 220 % ? Il faut déjà prendre en compte la barrière de la langue “parce que le gros atout de Taylor Swift, c’est quand même les paroles, on passe complètement à côté des messages qu’elle véhicule et qui parlent énormément à son public, qui se le réaproprie avec beaucoup de force.” Pour les curieux, ça tombe bien, l’autrice traduit les meilleurs morceaux de l’Américaine, une manière de “prendre au sérieux” son travail et de “revenir à la musique, au-delà l’image”.

“Pour nous, une pop star, c’est censé être très sulfureux, comme Madonna, comme Britney Spears”

Et puis, il faut prendre en compte sur “une forme de mépris, qui n’est pas toujours conscient, pour ces chanteuses qui sont vues très féminines, qui parlent à un public très féminin” : “On a tendance à se dire : ‘C’est un truc pour meuf.’” Autre élément, “assez français” : “Pour nous, une pop star, c’est censé être très sulfureux, comme Madonna, comme Britney Spears. […] Taylor Swift ce n’est pas quelqu’un de sulfureux, en tout cas pas de manière sexuelle, et je pense qu’on a aussi beaucoup eu tendance à ne pas la prendre au sérieux en se disant que c’était un truc pour gamines.”

La comète Folklore après le confinement

Et puis il y a eu “un moment de bascule très net” qui a radicalement changé les choses pour Taylor Swift : l’album Folklore, en 2020. Et pour cause, Aaron Dessner (The National) et Bon Iver accompagnent la chanteuse, lui offrant un cadre sur-mesure pour ses textes plus que jamais poétiques.

“Tellement de gens étaient snob envers sa musique, qu’ils n’auraient jamais imaginé Aaron Dessner de The National, un groupe quand même pointu de rock indé, oser, entre guillemets, ‘se salir les mains’ et travailler avec Taylor Swift.” Une preuve, encore, pour l’autrice que “on est nous-même, parfois, plus snob que les professionnels de la musique, qui sont respectueux du talent, peu importe le genre musical dans lequel il se déploie.”

De cette collaboration ressort un véritable petit bijou folk, loin de ce à quoi la chanteuse avait habitué ses fans, et ses détracteurs : “D’ailleurs, c’est marrant, Folklore, c’est un peu devenu l’album que l’on recommande aux gens très réfractaires à la pop. Le risque, c’est aussi que certains en restent là et n’aient pas envie de mettre le nez dans le reste”, s’amuse Morgane Giuliani.

“Mais qu’est-ce qu’il se serait passé s’il n’y avait pas eu le confinement ?”

Sorti à la fin du premier confinement en France, cet opus donne une toute autre dimension à la carrière de la chanteuse. “Ça donne le tournis”, souffle Morgane Giuliani, “Je me suis souvent dis : ‘Mais qu’est-ce qu’il se serait passé s’il n’y avait pas eu le confinement ?’” Avant que le monde ne se mette en pause, la chanteuse avait prévu une tournée pour son album Lover, coupée dans son élan par la crise sanitaire.

“Taylor Swift le dit, que ce qu’il l’a inspirée, ce sont les livres qu’elle a lus, les films qu’elle a regardé. Parce qu’elle avait un gros besoin d’évasion à ce moment-là.” Pour la première fois, la chanteuse construit un récit fictif, avec des personnages qui se retrouvent d’une chanson à l’autre. Elle innove, se plonge dans un nouveau genre, et se dévoile un peu plus et signe ce qui est, peut-être, son meilleur album (selon nous).

Taylor Swift VS les haters (Kanye West en tête)

Devenue une méga-star, le terme s’applique peut-être le mieux, Taylor Swift a fait face à des vagues de haine tout au long de sa carrière. Il y a, bien sûr, le fameux “Famous-gate” avec Kanye West. Il faut remonter à 2009, quand le rappeur l’interrompt sur la scène des MTV Video Music Awards. l’Amérique est choquée. En 2011, ils se rabibochent publiquement, jusqu’en 2016, quand le musicien lance, dans son tube Famous : “J’ai l’impression que Taylor et moi pourrions coucher ensemble, j’ai rendu cette garce célèbre.” 

Entre ensuite dans la danse Kim Kardashian, alors mariée à Kanye West, qui affirme que Taylor Swift avait donné son accord (publiant un extrait tronqué). Les internets s’embrasent, le compte Instagram de Taylor Swift est inondé d’emoji de serpent, comparaison peu flatteuse. La star est harcelée.

“Il ne manquait que l’étincelle pour que ça flambe”

Dans son livre, Morgane Giuliani marque une pose dans le récit biographique et chronologique. Elle expose alors les différentes critiques faites à Taylor Swift au cours des années. “Je le fais à ce moment-là parce que, pour moi, cette bascule de sa réputation en 2016, elle s’explique par ces critiques qui grandissaient en parallèle et de plus en plus”, explique l’autrice, “L’idée, c’était de montrer qu’il ne manquait que l’étincelle pour que ça flambe.”

“C’est en ça aussi que je la trouve passionnante : à la fois c’était quelqu’un qui était en train de battre record sur record, qui vendait beaucoup d’albums, qui remplissait des stades, et, à côté, il y avait quand même un discours critique, presque haineux, qui se construisait en parallèle et devenait de plus en plus fort”, estime la journaliste qui parle d’un “acharnement qui est symptomatique de notre manière de traiter les pop stars féminines : Elle ne s’est pas sexualisée comme Britney, elle ne s’est pas rasée le crâne, mais on lui a trouvé d’autres pêchés cardinaux.” 

Au-delà des haters de 2016, l’autrice apporte aussi des “éléments de réponses” : “Par exemple, sur le fait qu’au début, elle n’était pas bonne en live, c’est un fait, il ne faut pas se leurrer. Par contre, on peut remarquer, que là, il y avait aussi des critiques qui prenaient des proportions énormes, qu’il y avait un malin plaisir à l’humilier. Parfois, ça se joue dans la nuance.”

Un sujet idéal pour une analyse féministe

Morgane Giuliani insiste : les critiques faites à Taylor Swift reposent parfois sur “des purs a priori sexistes”. Son analyse est volontairement féministe : “La clé de voute de mon livre, c’est quand j’explique à quel point cette artiste a été, je trouve de manière très injuste, victime d’acharnement.” “Prendre le temps de parler de ça, c’est féministe”, ajoute-t-elle, “C’est confronter les gens à leurs propres a priori.”

Et Taylor Swift se prête parfaitement à une analyse du traitement sexiste qu’on inflige aux pop-stars : “Pour moi, les popstars féminines, plus que les actrices encore, on les voit comme des toiles blanches sur lesquelles on va projeter toutes nos attentes, nos angoisses et nos névroses. Elles subissent tout ça.” À la différence, dans le cas de la chanteuse, que beaucoup de ses consœurs ont subi des critiques sur leur hypersexualisation ou, dans le cas de Britney Spears, quand elle a perdu pied. Mais ce sont les relations amoureuses de Taylor Swift qui fascinent.

“Dans une société misogyne, c’est déjà sulfureux d’exprimer de la colère dans une chanson”

“Taylor Swift devient pour moi déjà un phénomène de société quand elle commence à fréquenter des hommes connus[…] Ça crée de la conversation autour d’elle, en se basant sur sa manière de respecter, ou non, ce qu’une femme est censée faire”, rappelle Morgane Giuliani. Elle est “sulfureuse” mais parce que, “dans une société misogyne, qui autorise tout aux hommes, malheureusement, c’est déjà sulfureux d’exprimer de la colère dans une chanson, d’autant plus quand le public peut identifier l’homme en question.”

Autre critique fréquente : Taylor Swift, ce n’est que du marketing. Ce serait là la clé de son succès. “C’est vrai qu’il y a une part de marketing”, avoue Morgane Giuliani, “Ça fait partie du jeu. Tout est marketing, dans la manière dont les artistes décident quels clips ils font, à quel marque ils font appel, est-ce qu’ils parlent ou pas aux médias…”

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Elle pointe du doigt “notre position très puritaine autour de ce qui fait qu’un artiste est légitime ou pas” : “Ce que je trouve être une vision très mal renseignée, pas du tout réaliste. En vérité, tu es obligé d’avoir une part de marketing. Et là-dessus, il faut lui laisser. Elle est impliquée là-dedans.” Là aussi, on peut se demander pourquoi on a décidé de transformer son sens aigu de la stratégie en un argument pour dénigrer son travail artistique et son lien avec ses fans.

“La seule qui arrive à dicter son rythme comme ça, c’est Beyoncé”

D’ailleurs, si elle “représente une forme de norme”, née dans une famille très aisée, Taylor Swift “défie la norme de plein de manières”, insiste la journaliste. “Sauf que ce n’est pas de manières qui nous paraissent évidentes. Sa carrière a connu des proportions complètement folle, alors qu’elle avait plus de trente ans. Ça, c’est très rare en tant que pop star.” Elle a aussi “réussi à construire son propre modèle de pop star, qui ne va pas être dans l’hypersexualisation, mais qui met les hommes face à leurs contradictions, leurs mauvais actes”.

Enfin, c’est désormais elle qui impose son rythme de production à sa maison de disque, fait extrêmement rare dans son milieu, “la seule qui arrive à dicter son rythme comme ça, c’est Beyoncé”. Bien qu’elle ne fasse pas consensus, on peut estimer qu’elle représente une forme d’exemple féministe, dépassant les attentes et outrepassant les critiques, faisant preuve d’une “capacité d’adaptation” qui force l’admiration.

Depuis plus de deux décennies, le Salon de la Photo s’impose comme le rendez-vous incontournable des passionnés comme des professionnels. Cette année encore, le public pourra y découvrir les dernières innovations technologiques – des boîtiers haut de gamme aux accessoires indispensables –, mais aussi plonger dans une programmation artistique riche : expositions immersives, rencontres avec des photographes de renom, et conférences pour décrypter les évolutions d’un art en perpétuel mouvement.

Entre les allées des géants de l’image – Sony, Nikon, Canon –, où se pressent amateurs et professionnels, le Salon mise sur l’exigence artistique. On y croisera des figures majeures comme Patrick Zachmann (Magnum), dont les reportages ont documenté un demi-siècle d’Histoire, ou Matthieu Ricard, moine bouddhiste et photographe, qui capture l’éphémère avec le regard d’un contemplatif. Une programmation qui rappelle que la photographie est autant un métier qu’une philosophie.

Un événement qui voyage 

Le Salon de la Photo 2025 est une invitation au voyage – géographique, historique, et humain. D’abord vers l’Italie, à travers la collection Contrasto, qui déploie un siècle et demi de clichés, des premières vues de Rome en 1860 aux œuvres contemporaines de Ferdinando Scianna ou Paolo Pellegrin. Puis vers les zones de conflit, avec le Prix Bayeux des correspondants de guerre, où les reportages primés rappellent le rôle crucial de la photographie comme témoignage. Enfin, en Europe, avec Circulation(s), festival dédié aux talents émergents, qui offre un panorama des regards neufs sur le continent. Sans oublier les lauréats des Sony World Photography Awards, venus du monde entier.

Plus qu’un trajet en Italie, Contrasto propose un véritable voyage dans le temps, à la découverte de l’Histoire de la Botte et à travers le regard de grands photographes étrangers comme William Klein, Irene Kung, Herb Ritts, James Nachtwey, Elliott Erwitt ou encore Martin Parr. La majorité des images datent d’après 1950, mais la collection plonge aussi dans le passé, avec des clichés rares des années 1860-1870. Ce voyage commence à Rome et s’égrène dans les plus célèbres villes italiennes et les paysages qui les entourent, de Naples à Venise en passant par Milan. 

« Circulation(s) s’est imposé comme le premier festival français dédié aux talents photographiques émergents européens depuis sa création en 2011 par le collectif Fetart. Cette année, ce festival engagé et pluriel s’inscrit dans la programmation de l’événement en offrant aux visiteurs un panorama d’expériences visuelles innovantes avec la présentation de 23 photographes de 14 nationalités différentes ». On y retrouve Artem Humilevskyi, photographe ukrainien explorant l’identité, la résilience et l’empathie ; Tomasz Kawecki, polonais s’inspirant des phénomènes naturels ou encore Isabella Madrid, photographe aux nationalités multiples (Colombie, France et Suisse), qui explore son identité contemporaine. 

Mais le voyage ne s’arrête pas aux frontières géographiques et le salon explore aussi les territoires de l’intime et du militant. Dans cette édition, les Femmes photographes, qui ne représentent qu’un quart des photographes représentés par les grandes agences internationales, seront mises à l’honneur avec le festival Les Femmes s’exposent. Ayant pour mission de mettre en lumière la richesse des regards féminins, les œuvres d’Isabeau de Rouffignac et de Yama Ndiaye seront exposées. 

De photographies en images animées ! 

Loin de se contenter « d’images fixes », le Salon propose aussi des « images en mouvement » à travers l’avant-première du film Le Chant des Forêts de Vincent Meunier. Photographe animalier de renommée mondiale, artiste patient et contemplatif, Vincent Munier est célèbre pour ses clichés saisissants de faune sauvage, où la lumière et le silence révèlent la beauté fragile des écosystèmes. Vincent Munier invite le spectateur à voir le monde autrement, là où la nature se dévoile comme une œuvre d’art.

Pour son dernier film, La Panthère des Neiges, co-réalisé avec Sylvain Tesson — écrivain-voyageur et compagnon d’aventure —, il retraçait leur quête épique à la recherche de la panthère des neiges au cœur des montagnes tibétaines. Une odyssée visuelle et poétique, où la photographie se fait récit, entre patience, émerveillement et respect du vivant. Ses précédents films l’avaient envoyé à la recherche des ours de la cordillère Cantabrique, du Tanganyika, le plus grand crocodile du Nil et de loups au pelage roux sur les hauts plateaux éthiopiens et les toits d’Abyssinie.

Une scène photographique en pleine mutation

Le Salon de la photo 2025 fait aussi le choix de mettre en avant des créateurs de contenu au parcours varié, entre mode, paysage, astrophotographie et nature morte. Parmi eux, des profils aussi éclectiques qu’inspirants : Clara Vincent, dont les compositions oniriques entre art et photographie redéfinissent les codes de la mode ; Édouard Salmon, maître de l’astrophotographie, qui capture l’infini du cosmos depuis nos campagnes ; ou encore Lina Khezzar, dont les portraits intimes et colorés célèbrent la diversité et la résilience. Ces créateurs, souvent autodidactes et ultraconnectés, incarnent une nouvelle ère où les réseaux sociaux deviennent des galeries à ciel ouvert et où la frontière entre amateur passionné et professionnel s’estompe.

Leur présence au Salon de la Photo 2025 n’est pas anodine : elle reflète une volonté de démocratiser l’art photographique, en donnant la parole à ceux qui, hors des circuits traditionnels, renouvellent les pratiques et les publics. Entre tutoriels YouTube, collaborations avec des marques, ou projets personnels engagés, ces créateurs prouvent que la photographie contemporaine se joue autant derrière l’objectif que dans l’art de raconter des histoires. Une preuve que l’image, aujourd’hui, ne se contente plus d’être regardée — elle se vit, se partage, et s’invente sans cesse.

Alors, pourquoi venir ? 

Pour voir l’Italie à travers les yeux de Contrasto, pour frissonner devant les clichés des correspondants de guerre, ou pour découvrir comment Vincent Munier transforme un lac gelé en scène de théâtre sauvage. Pour rencontrer ceux qui font la photographie de demain Le Salon de la Photo 2025 est bien plus qu’une exposition : c’est un miroir tendu à notre époque, où l’image, qu’elle soit fixe ou animée, reste le langage universel des émotions.

Le Salon de la Photo est à visiter à Paris du 9 au 12 octobre 2025 à la Grande Halle de la Villette.