Critical Practice, Ola Wasilkowsa & Michal Piasecki – Assemblage in Public, 2010 © Alexander Blackman – flickr

‘Assemblage in Public’ es una instalación temporal de 4300 cajas negras ubicadas en la plaza Rootstein Hopkins en Londres, creada por los arquitectos Ola Wasilkowska, Michal Piasecki y el grupo Critical Practice del Chelsea College of Art and Design.

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Critical Practice, un grupo de artistas, académicos e investigadores del ‘Chelsea College of Art and Design’, llamaron a los arquitectos Ola Wasilkowska and Michal Piasecki para diseñar una intervención espacial temporal para sus eventos espontáneos ‘Parade’. El la instalación se realizó del 21 al 23 de mayo del 2010.

Critical Practice, Ola Wasilkowsa & Michal Piasecki – Assemblage in Public, 2010 © Alexander Blackman – flickr

La estructura comprende una primera estrategia de diseño con computador, realizada por los arquitectos y luego un ensamblado de baja tecnología de elementos repetibles el lugar, realizados de forma colectiva.

Critical Practice, Ola Wasilkowsa & Michal Piasecki – Assemblage in Public, 2010 © Neil Cummings – flickr

La estructura principal de la intervención fue obtenida a través de una optimización con algoritmos genéricos, a través de pequeño programa creado en Processing. El objetivo era distribuir los componentes básicos de acuerdo a un mapa predefinido y algunas de las formas individuales desde una de las generaciones intermedias.

Critical Practice, Ola Wasilkowsa & Michal Piasecki – Assemblage in Public, 2010 © Alexander Blackman – flickr

Después que la base estructural fue levantada acordes con los planos, se invitó a todos a intervenir la instalación agregando el “mobiliario”. Estos fueron pensados para ser integrados totalmente en la estructura y desaparecer. Para esta parte del ensamblado, en donde no había planos definidos, la estructura empezó a tomar distintas direcciones.

‘Assemblage in Public’ prueba que la sola repetición de reglas simples pueden permitir construir geometrías complejas y soportar diversas funciones. Los componentes (cajas) permitieron la mezcla entre una búsqueda evolutiva de la forma optima con la inteligencia de grupo para crear un potente atractor, interviniendo en el espacio público y en la forma colectiva de crearlo.

http://criticalpracticechelsea.org

Dan Flavin (1933-1996) es uno de los artistas mas influyentes del arte contemporaneo. Fue el primero que se atrevió a utilizar la luz artificial sin ninguna pretensión conceptual mas que la creación de atmósferas únicas.

Es considerado uno de los principales exponentes de arte Minimalista y su obra inspira a muchos artistas que utilizan la luz como material para sus obras.

Inicios

Dan Flavin se formó como artista mas bien de manera autodidacta. Realizó estudios en climatología y sirvió como observador meteorológico en la guerra de Corea (1954.1955). Estudió brevemente Historia en 1956 en la ‘New School for Social Research’ y luego artes por tres semestres en la Universidad de Columbia.

A principios de los años 60 Dan Flavin re-descubre la luz de una nueva forma. Comienza a realizar instalaciones con tubos fluorescentes comunes, modificando espacios arquitectónicos con los más disímiles diseños de colores y disposiciones, y creando atmósferas de inmaterialidad.

En 1961 hace su primera exhibición en la Galería Judson. El mismo año que crea su primera obra con luz eléctrica, que denominaría ‘icons’. Línea que seguiría en una serie de trabajos hasta 1963.

Gregeens crosing greens (to Piet ondrian who lacked green) , 1966 © 2009 Stephen Flavin – Artists Rights Society (ARS), NY, photo: David Heald

Material de trabajo

El trabajo de flavin se basa en la utilización de piezas fluorescentes, un producto paradigmático de nuestra sociedad altamente industrializada.
A través del uso de estas estructuras producidas en masa, Flavin busca negar a la luz cualquier significado trascendental, pero también negar la simple función utilitaria al convertirla en piezas únicas que van transformando el espacio.

Flavin fue poco a poco siendo considerado dentro de los grandes del arte Minimalista. Se une a esta definición básicamente por la reducción de sus dispositivos formales, y por su énfasis puesto más en lo racional y serial que en las formas gestuales, y en lo fenomenológico más que en los resultados simbólicos o narrativos.

Dan Flavin – Monuments for V.Tatlin exhibition  1984 – MOCA (Museum of Contemporary Art, Los angeles)  -  39 fluorescent light scptures

La idea de serialidad, un concepto fuerte en la obra de Flavin viene debido a la reducida gama plástica de cuatro largos básicos en los tubos fluorescentes: 66, 132, 198, y 264 cm.; y nueve colores posibles: azul, verde, rosa, rojo, amarillo y cuatro variantes de blanco.

En su minimalismo visual, las piezas incitaban a la contemplación y reflexión sobre la luz como experiencia puramente estética, sin otra conexión o asociación conceptual aparente. Aunque muchas de las obras se presentan como homenajes que Flavin dedicó a artistas contemporáneos y predecesores modernos que el admiró.

The Dan Flavin Art Institute – Bridgehampton © photo: Florian Holzer

Obra

En 1984 Flavin consagra su trabajo al crear ‘The Dan Flavin Art Institute’, Una pequeña casa que contiene hasta ahora una colección permanente de nueve trabajos creados por Flavin entre 1961 y 1981, asociados directamente al espacio arquitectónico como un todo indisoluble. La casa también mantiene también hasta ahora una galería para exhibiciones itinerantes.

Algunas de sus obras más paradigmáticas se encuentran en la Fundación Chinati, creada por Donald Judd en Mafa, Texas. Dentro de la cual se encuentran una de las mejores colecciones del arte Minimalista.

ultitled (to Tracy, to celebrate the love of a lifetime , 1992 © 2009 Stephen Flavin – Artists Rights Society (ARS), NY, photo: David Heald *  (Dan Flavin realizó su 2do Matrimonio en el Guggeenhem de NY ) ref: NYTimes

Otros trabajos están repartidos por diferentes galerías. Una de las que más trabajos tiene es la Dia Art Foundation, seguida por el Guguenheim de Nueva York.

“Flavin es un artista que dialoga con una entidad de índole metafísica. Mira hacia algo intangible, siente con fuerza la necesidad de lo Absoluto. Creo que en su trabajo esta búsqueda se hace muy clara, muy fuerte [..] En Flavin el límite de la materia se supera con la luz”

“Y es,[...] un arte tan plano, tan abierto, tan directo, como nunca encontrarán”

galerías & referencias

http://www.davidzwirner.com/danflavin

http://www.chinati.org/

http://www.diacenter.org/sites/main/58

http://www.guggenheim.org/new-york/collections/danflavin

http://www.moca.org/library/archive/exhibition/detail/1984/flavin

http://www.moma.org/collection/browse_results.php?object_id=81337

http://www.tate.org.uk/servlet/ViewWork?workid=4484&roomid=2773

http://www.mcachicago.org/exhibitions/exh_detail.php?id=11

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La firma Cinimod Studio apoyado por expertos en iluminación, han creado una llamativa instalación para la tienda de helados SNOG en el Soho de Londres.

La base para el diseño de Cinimod fue ajustarse a la identidad de la tienda SNOG creada por ico Design , buscando llevar mas allá la visión arquitectónica de la primera tienda en South Kensington, a través de la creación de un potente y llamativo cielo de burbujas.

Aquel cielo esta compuesto por 700 globos de vidrio que contienen luces LED y que otorgan un nuevo nivel de excitación visual y empata con el publico, ya que la tienda y su característica iluminación se hacen muy visible por las noches.

“Bajo el efervescente cielo, se encuentra un largo mesón blanco que alcanza casi la totalidad de la tienda, respaldado por un gran muro curvo pintado de rosado, manteniendo los colores de SNOG. Los peculiares muebles del diseñador Marcel Wandes fueron utilizados alrededor de un asiento apoyado hacia la ventana. Y al final de la tienda existe un muro de vidrio que es una espacio para artistas invitados”

El diseño de Cinimod de fue galardonado como el mejor proyecto en la categoría Bar & Restaurants por The Ligthing Design Awards 2010, que otorga premios a trabajos minimalistas y de bajo costo relacionados con la Iluminación.

http://www.cinimodstudio.com

imágenes por la revista LIFE.

Una de las mejores exhibiciones de cada año es la Unilever Series en el Tate Modern de Londres. La gran sala del Turbine Hall propicia la creacción de las obras más grandes del mundo en un espacio interior, y que definitivamente consagran la carrera de los artistas que pasan por ahi.

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La siguiente instalacion denominada ‘How it is’ fue la última serie creada por el polaco Miroslaw Balka, el cual se une a la fila de artistas como Doris Salcedo, Anish Kapoor,  Louise Bourgeois y Olafur Eliasson.

La obra de Miroslaw Balka consiste en una gran estructura de acero de 13 metros de alto, 10 de ancho y 30 de largo, apoyada sobre pilares levantados a dos metros el suelo y abierta en la parte posterior por la que mediante una rampa se accede al interior.

El umbral de acceso es la parte mas desafiante de la obra. Uno de esos momentos similares a los logrados por James Turrell, en donde no se percibe absolutamente nada de las dimensiones del espacio. Al acceder, el espacio es finalmente un vacío que se va aclarando poco a poco a medida que nuestros ojos se acostumbran al leve nivel de luz. José Jiménez del diario ABC.es critica en parte a la obra por no considerar la totalidad de la experiencia: La caja al estar abierta en uno de los costados permite ingresar gran cantidad de luz, lo que va en desmedro de los conceptos de Balka. Pero creo que es precisamente el aspecto fotogénico de las obras del Turbine Hall la que las consagra al siguiente nivel.

La gran apertura genera un contraluz desde el interior se asemeja al nivel logrado por The Weather project de Eliasson, y esto precisamente es lo que queda registrado en cientos de imágenes de los espectadores, fácilmente encontrables en flickr.

El pesado container pretende jugar en la dirección completamente opuesta a la de los artistas que usan la luz artificial para animar sus obras. Balka invita a que cualquiera interprete su obra desde su puto de vista personal: La obra es un contenedor  llenado por las experiencias de los usuarios.

http://www.tate.org.uk

‘The invisibles’ es un montaje del diseñador Japones Tokujin Yoshioka en colaboración con la firma de muebles Kartell. Una muestra que expresa como ningún otra la calidad de la transparencia.

Tokujin Yoshioka (1967) es un diseñador que trabaja prácticamente con todas las disciplinas, desde arquitectura, arte, hasta la elaboración productos y showrooms para algunas marcas de automóviles.

Se caracteriza por el uso de materiales como el vidrio y el acrílico, y otros igual de sutiles como el papel. Su obra es extensa a pesar de su corta carrera, pero siempre manteniendo aquella raíz inmaculada propia del diseño Japonés contemporáneo.

‘The invisibles’, fue montada en la galería de ‘Kartell’, en el marco del Salón del Mueble en Milán 2010, e incluye la muestra de sus muebles transparentes dentro de un largo corredor hecho por unas 50000 barras cilíndricas, iluminado desde la base. Un ambiente increible.

Aquella combinación entre los elementos pesados, hechos con un grosor poco habitual para aquel material, junto con la ligereza de las fibras, logran generar un ambiente que cambia  el significado de los elementos físicos, en donde los espectadores se hacen mas conscientes de la experiencia y de sus cuerpos.

Yoshioka fue elegido el diseñador del año el 2007 en Miami y recientemente seleccionado como una de las 100 personas más creativas en los negocios por la revista FastCompany.

http://www.tokujin.com

Camody Groarke – Regent’s Place © photo :  flickr /immorejustjapan

Pabellón creado por el arquitecto  ‘Camody Groarke’ junto a Arup. Una estructura de 8 metros de alto, ubicada a las afueras de la megatienda Regent’s Place en Londres.

Camody Groarke – Regent’s Place © photo :  flickr /immorejustjapan

El elegante pabellón está hecho de cientos de delgadas varas de acero, cubierto con un techo muy delgado, con una apertura hacia el cielo que logra crear un micro espacio al interior.  De noche, la estructura logra reflejar el tono dorado de los focos artificiales que alumbran desde el suelo, lo que le da un aire de escultura corporativa.

Camody Groarke – Regent’s Place © photo :  flickr /immorejustjapan

Levantar esta estructura delgada muchos metros sobre el nivel del suelo es un ejercicio que se asemeja mucho al Pavellón de España hecho por Francisco Mangado para la Expo Zaragoza 2008. Una operación que logra descolocar nuestro sentido de las proporciones usuales, a traves de la repetición multiple de los elementos verticales.

Camody Groarke – Regent’s Place © photo :  flickr /immorejustjapan

El proyecto de Groarke nació a partir de un concurso el año 2007 organizado por la ‘Architecture Foundation’ y recientemente fue galardonado como uno de los mejores proyectos 2010 de la RIBA.

http://www.carmodygroarke.com

Lucia luptáková – Hideaway  (2009), 10,5 x 10,5 x 4 © Katarina van Clooster

Lucia Luptáková (1977) es una arquitecta Eslovaca, basada en Ámsterdam, Holanda, que desarrolla su trabajo artístico en torno a la creación de instalaciones sencillas que logran reinventar espacios cotidianos.

Su trabajo es reconocido por sus instalaciones textiles, pero su obra también integra materiales de construcción y otros más experimentales como la bruma artificial.

Lucia luptáková – Hideaway  (2009), 10,5 x 10,5 x 4 © Katarina van Clooster

Hideaway es una instalación creada por Lucia en el contexto del ‘Bies! Festival’ en la ciudad de Dordrecht, Holanda.

La obra fue realizada al aire libre, en un prado extenso, donde espejos cuadrados en el suelo crean una superficie reflectora de 10.5 x 10.5 metros. Bajo las placas emerge una bruma densa, que cambia según las condiciones climáticas y lumínicas del día.

Apoyada por focos teatrales puestos alrededor, ‘Hideaway’ mantiene la bruma viva mientras el frió aumenta por la noche.

Lucia luptáková – Hideaway  (2009), 10,5 x 10,5 x 4 © Katarina van Clooster

Lucia luptáková – Hideaway  (2009), 10,5 x 10,5 x 4 © Katarina van Clooster

Lucia luptáková – Hideaway  (2009), 10,5 x 10,5 x 4 © Katarina van Clooster

Lucia luptáková – Hideaway  (2009), 10,5 x 10,5 x 4 © Katarina van Clooster

Más imágenes:

http://www.lucialuptakova.nl

Rebbeca Ward - ‘Rip and Pull’ (2007) © Finesilver Gallery , Houston, TX

Las instalaciones de Rebbeca Ward(1984) son trabajos que tienen una relación cercana con la arquitectura. El punto de partida de Rebbeca son los espacios dados, sus dimensiones especificas y las posibilidades donde las  líneas de colores y las formas de naturaleza textil pueden logar su expresión.

Rebbeca Ward - ‘The bed you lie in’ (2009) © dommy books , Houston, TX

El trabajo de Rebbeca se reconoce principalmente por el uso de cintas. El interés en ese formato vienen dado por la amplia gama cromática disponible; un espacio de libertad dentro de las restricciones auto impuestas por cada lugar. Rebbeca también ha elaborado una serie de trabajos en base a video y proyecciones, que le permiten ampliar el rango de posibilidades que da una instalación a través del uso de elementos ilusorios proyectados. Su ultimo trabajo es la primera colaboración comercial de la joven artista, realizada este año con la tienda Kate Spade en el SoHo de Nueva York.

Rebbeca Ward – ‘Blue light keeps me up at night‘ (2009) © Mini Dutch Gallery, Chicago, IL.

Rebbeca Ward -’Videotape” (2005) © University of Texas , Austin TX

Rebbeca Ward  + Emily Sall- ‘Muster and Rally‘ exhibition  (2009) © Charlotte Street Foundation / Urban Culture Proyect – Kansas City, MO

Rebbeca Ward – ‘Forty-eight‘ (2008) © Box 13 artspace,  Houston TX

Rebbeca Ward – ‘Broome Street” (2010) © Kate Spade flagship – NY

entrevista realizada por Wooster Collective (2:13)

más imágenes:

http://www.rebeccasward.com

‘Rules of six’ es un proyecto de Aranda/ Lasch encargado por el MoMA para la exhibición ‘Design and Elastic Mind’. Una gran instalación mural creada a partir de algoritmos fractales.

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‘Rules of Six’ es un experimento acerca de la formación material a través de reglas de crecimientos simples e interacciones de simetrías de seis, montadas en el MoMA a través de una gran escultura de pared, y acompañada de un algoritmo corriendo en vivo e imágenes de nanoestructuas.

El proyecto explora temas referentes al autoensamblado, en donde los métodos tradicionales que determinan usualmente las forma son remplazados por reglas de formación de abajo hacia arriba; es decir, las estructuras presentadas no son talladas o compuestas, sino que crecieron a partir de interacciones simples, de naturaleza hexagonal.

El algoritmo usado para generar estas estructuras implementa una serie de autómatas celulares para representar el crecimiento a partir de reglas. Las células en cada autómata son escaladas rigurosamente para garantizar que todas las células en el sistema, a graves de las distintas escalas, puedan fijarse dentro de la celosía base y generar un comportamiento fractal.

En la animación que acompaña los paneles físicos, se exploran geométricas múltiples en dos dimensiones para subrayar la idea de modularidad de la pieza. La animación gira a graves de aquellas expresiones mientras se observan las mismas reglas de crecimiento a pesar de su expresión final.

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Aranda-Lash es una oficina de arquitectura basada en Nueva York, dedicada a la investigación experimental. Creada el 2003 por Benjamin Aranda y Chris Lash, el estudio ha diseñado edificios, instalaciones y objetos a través de una investigación profunda de los materiales y sus estructuras. Su aproximación busca abrir nuevas posibilidades más que resolver problemas, a través de algoritmos de crecimiento que les permite cambiar la escala sin sacrificar la estabilidad de sus diseños.

http://www.arandalasch.com

http://beta.arandalasch.com

Una explosión de cientos de destellos atraviesan el espacio de las oficinas de Clark Shoes en Londres fue la propuesta de la firma Roso, creada en base a un solo concepto clave.

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Conformada por Sophie Nielsen and Rolf Knudsen, ambos graduados del Royal College of Art, ‘Roso’ se enfoca en trabajar en proyectos comerciales, desde instalaciones hasta objetos ligados al mundo de la moda.

La oficina se enfoca en integrar los aspectos artísticos y emocionales con los estrictamente técnicos en sus obras. Un espacio de creación articulado entre el diseño, el arte y la arquitectura, en donde se da un intercambio que propicia desafiar los  limites establecidos.

Clark ‘Lights’ se presenta como la instalación mas aclamada de la firma. Esta obra se emplaza dentro del edificio de la empresa Clark Shoes International, ubicada en Somerset, Inglaterra. Un espacio cerrado y protegido del exterior, en donde los mas de 1500 trabajadores disfrutan sus momentos libres.

Dos potentes flujos de partículas salen desde un par de ventanas hacia el patio interior. Cada una conformada por unos 7500 discos brillantes, montadas en 36 cables anexados al edificio.

Los discos logran brillar tanto de noche como de día. La potencia de las condiciones climáticas y el piso pintado de negro hacen vibrar y encender la obra. Por la noche, la luz artificial captura la máxima expresividad de las miles de partículas. “La luz solo se ve cuando es reflejada”, como cuando cae la lluvia, Roso aplica simplemente aquel fenómeno a su obra.

http://studio-roso.com