‘The Morning Line’ es pavellón hecho por el artista ingles Matthew Ritchie montada el 2008 en 3ª Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla.  Un trabajo que parece coherente por como Ritchie ha ido desarrollando su obra, pero paradójicamente incoherente por su formalismo fractal.

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Matthew Ritchie (1964) inició su trabajo a través de la pintura. Desde una figuración inicial, paso a impregnar sus obras con un descontrol abstracto de colores y formas abundantes. Para Ritchie esa abundancia de información se asemeja al ruido, pero tambien se asemeja a cuando somos pequeños y aún no hemos categorizado el mundo, y todo parece no tener sentido.

El siguiente paso técnico que adoptó, fue llevar su pintura hacia reproducciones digitales para luego proyectarlas a cualquier escala y asi poder reconstruirlas. Luego, estos dibujos pudieron ser mas que proyectados sino que construidos en placas de metal cortadas con láser. Hay que considerar que su trabajo seria imposible sin esta tecnología, o al menos tardaría años en terminarse manualmente.

La obra “The Lytic Circus” (2004) marcó un paso concreto hacia la escultura tridimensional, pero sin duda el ejercicio mas ambicioso hasta ahora ha sido ‘The Morning Line’, en colaboración con los arquitectos Aranda&Lash , expertos en geometrías complejas y ARUP AG, la unidad de geometría avanzada de ARUP que permitió sinergizar la potencia conceptual de la obra de Ritchie con la posibilidad de construir estructuras complejas.

Pero el trabajo colaborativo para The Morning Line no se detuvo ahí. La obra fue instalada con sensores que reproducen sonidos y musica compuesta exclusivamente para la itinerancia de la obra. Con esto, la experiencia del espacio queda completa y comienza a volverse irrepetible, ya que los sonidos dependen exclusivamente de como el usuario recorra la obra.

Mathew esta interesado en las posibilidades complejas e infinitas que puede representar una obra aparentemente sin un orden. El titulo hace referencia a las carreras de caballo en Inglaterra, pero también a las posibilidades de un dia cualquiera. Es una narrativa de la posibilidad, como un mazo de cartas aún sin desplegarse.

La exploración gradual de Matthew Ritchie y la apertura a la colaboración con arquitectos, músicos y personas de otras disciplinas habita en la misma frecuencia de complejidad formal en la que partió sus proyectos. Actualmente es mucho más fácil diseñar formas así de complejas, pero llevarlas a la realidad es otro desafío que Ritchie y el tremendo equipo pudieron superar.

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Video de Art21,  Matthew Ritchie explicando la obra. (2:05 – en ingles )

Más imágenes :

www.matthewritchie.com

http://www.pbs.org/art21/artists/ritchie/index.html

http://blog.art21.org/2008/09/04/matthew-ritchie-the-morning-line/

Hill Hut es una ampliación de una casa en la ladera de un cerro en Estocolmo, compuesta por dos habitaciones para dos niños y un hall intermedio. Lo particular de esta casa, es aquel espacio intermedio, que esta cubierto de pasto artificial y unos pequeños montículos que dan la extraña sensación de que la naturaleza ha invadido el lugar.

La propuesta de la oficina Visiondivision no es sólo conceptual sino que se aplica netamente a sus clientes, los niños. Preocupados en integrar completamente el paisaje a la casa, generan un patio cubierto en donde ellos pueden jugar y a la vez estar refugiados.

El pasto artificial también se expande hacia el exterior, en donde aparece un pequeño cine al aire libre y unas sillas para presenciar el espectáculo del paisaje. Otra parte mas invisible del proyecto, son los túneles que conectan ambos lados de la casa asentada sobre la ladera.

El proyecto es en si una unidad simple. Un techo a dos aguas que sigue la línea de la casa tradicional y un revestimiento no muy costoso. Para Visiondivision, la propuesta trata de olvidarse de los detalles y se concentra en generar esa conexión entre lo natural y lo artificial de una forma lúdica y experimental a la vez.

http://www.visiondivision.com

http://www.designboom.com/weblog/cat/9/view/8722/visiondivision-hill-hut.html

The Bucky Bar es un proyecto temporal realizado en Rotterdam, hecho por dos oficinas muy jóvenes que entran a la idea de arquitectura no solicitada. Aquel concepto que la revista Volume ayudó a definir mejor cuando sacó una edición dedicada al tema.

La arquitectura no solicitada es la respuesta un tanto a la abundancia de arquitectos que hay en todo el mundo, y los pocos proyectos en que ellos tienen relevancia. La idea proviene un poco de ámbitos artísticos o de gestión cultural en donde los proyectos nacen netamente por la iniciativa de algún colectivo y no de forma Top-down, en donde un mecenas financia un proyecto.

La ventaja de no tener un cliente definido, es que las propuestas pueden abarcar temas mas contingentes y absorber las oportunidades subyacentes en la ciudad, que requieren la atención de gente capacitada y con ganas de cambiar las cosas.

The Bucky Bar es una estructura hecha solamente de paraguas. Una idea simple, con muy pocos recursos pero  contundente e influyente a la vez. El nombre es una referencia directa a Buckminster Fuller, el hombre que soñaba con las esturcturas geodesicas y que, adelantado a su tiempo, empezó a esparcir la idea de desarrollo sustentable basado en la tecnologías simples.

El domo es un acto y refugio pensado solo para su propósito temporal: una fiesta espontánea alrededor de un poste del alumbrado público, lo que hace que el color naranjo de los paraguas se prenda durante la fría noche europea.

La espontaneidad y elegancia hace que el proyecto haya sido un exito para su escala. Unas 300 personas colmaron el refugio en un acto colectivo, bajo una estructura usualmente pensada para ser un refugio individual.

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El ‘Estudio de Arquitectura No solicitada‘ (SUA) es una nueva iniciativa del Netherlands Architecture Institute , que adopta una aproximación proactiva a la producción de arquitectura. SUA promueve soluciones prácticas para la ciudad, las cuales no tienen un sitio o cliente definido.

http://www.dusarchitects.com

http://www.unsolicitedstudio.com/

Si Cecil Balmond te mostrara su portafolio, no creerías que él ha sido uno de los hombres detrás de las obras mas paradigmaticas de la ultima decada.  Pero él le deja la tribuna del ego a los arquitectos.

Balmond es un ingeniero estructural no convencional. Es uno de los principales socios de ARUP, la firma consultora mas grande del mundo, y ha colaborado con arquitectos como Daniel Libeskind, Alvaro Siza , Toyo Ito y Rem Koolhaas para obras  desde Serpentine Pavillion hasta  la CCTV, y e incluso con el artista Anish Kapoor para su exhibición en el Turbine Hall del Tate Modern el 2002.

Actualmente Balmond esta presentado su trabajo de exploración geométrica titulado ‘Element” en la galería de arte de la opera de Tokio.  Una exhibición original que no necesita los milestones del pasado para ganar la atención del publico.

El interés actual de Cecil se centra en repensar la arquitectura de exhibición. El deliberadamente deja de usar planos o modelos y en vez de eso se preocupa de mostrar fotos y dibujos con la intención de honrar los sentidos de cada uno de los visitantes a la muestra, para generar una experiencia mas que solamente absorber información.

El trabajo de Balmond indaga sobre los patrones y ritmos que se encuentran en el orden subyacente de la naturaleza y los desarrolla a través de una geometría que aumenta considerablemente las posibilidades de la arquitectura contemporánea.

Los dibujos estructurales de Balmond se alejan del paradigma básico en donde solo se usan rectángulos, círculos y triángulos, sino que busca transformar la geometría hacia algo dinámico, orgánico y lleno de complejidad. Al hacer eso, le da un nuevo aire a la arquitectura.

Danzer es un puzzle tridimensional gigante. Al hacer una revisión detallada se ve que esta hecha solo por cuatro tipos de tetraedros, cada uno de ellos incrustado con versiones miniaturas de esos mismos. En la naturaleza se puede ver el mismo tipo de formas fractales, desde la forma de un litoral, hasta las ramificaciones de un árbol.

Este trabajo tridimensional consiste solamente en placas de aluminio con forma de H unidas por cadenas. Incapaces de sostenerse ellas solas, las placas y las cadenas se combinan de una forma regular para soportarse a si mismas, creando un espacio laberíntico de una escala aparentemente infinita, entendiéndose así tanto por dentro como fuera.

http://www.operacity.jp/ag/exh114/e/gallery.html

Desde el lanzamiento hace 3 meses hasta hoy, arqshow ha sido una tribuna para obras que se alejan de la disciplina arquitectónica tradicional y que se asocian mas a la idea de producto experimental, en donde nuevos materiales y nuevas formas de relacionarse con la ciudad van empujando los limites de lo que creemos que es posible construir.

También arqshow está explorando las ideas detrás de los fotógrafos más estimulantes tanto visual como intelectualmente. Presentar el trabajo fotográfico tiene dos razones fundamentales. La primera es el placer estético que producen las imágenes, pero lo segundo -y más importante- es la relación que establece el fotógrafo con la realidad, con la ciudad, con el mundo en que vivimos. Es interesante calar a fondo en este aspecto ya que muchas veces pasamos por alto esto y nos quedamos sólo con lo primero (que es más fácil de digerir).

Fotógrafos como Michael Wolf, por ejemplo, nos muestra un Chicago eminentemente espectacular, con imágenes muy potentes, pero mas allá de eso, es crítico citar que el poder de las imágenes de Wolf radica en que son un retrato de de todos nosotros, de todas las personas que vivimos en la ciudad.

No es tan solo esa búsqueda superficial en torno a las imágenes potentes. En el caso de las instalaciones de arquitectura, la potencia de estas radica en la experiencia. Tal vez desde lejos nunca podremos vivir las obras, pero al menos podemos capturar de alguna forma el sentido de esta. Lo interesante de estas obras es la relación directa con la tecnología, que obliga a explorar otros campos del diseño y la informática para lograr resultados más allá de lo realizado hasta hoy.

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Nos gustaría poder recibir cualquier tipo de feedback o pregunta, ya sea aquí o via twitter   @arqshow.

Increíbles imágenes del fotógrafo francés , que combina la ilusión geek de StarWars con la realidad construida. Las imágenes fueron realizadas en Francia y recientemente en Dubai.

Mas allá de lo genial que pueda ser para los fanáticos, es interesante como Delsaux logra combinar en algunas fotos los elementos ficticios con elementos cotidianos y escenarios en un estado inestable entre construcción-destrucción de un supuesto imperio. Una narrativa de calidad más allá de un fan-art cualquiera.

link:  http://arkinetblog.wordpress.com

Hallen blau-grün,  (2001),   100 x 150 cm, © Josef Schulz

Josef Schulz es un “fotógrafo” de bodegas y fábricas – edificios industriales algo trillados que nadie podría considerarlos como arquitectonicamente interesantes. Estos edificios son producidos en masa por todo el mundo, construidos a través de procesos industriales, con los mismos planos y programas. Sus exteriores no dicen nada de los usos que ahí ocurren, sus fachadas varían solo en los materiales – todos ellos prefabricados, como bloques de cemento, latas corrugadas y otros materiales baratos.

Josef Schulz no intenta exponer esta arquitectura de alguna forma sino que quiere aventurarse en un análisis crítico de su apariencia. El simplemente usa sus fotos para estudiar la gramática de su oficio. Schulz empieza por tomar fotos normales de las estructuras industriales y las instalaciones de almacenaje con placas fotográficas de gran tamaño. Luego procesándolas digitalmente, las fotografías análogas son “limpiadas” de los detalles que puedan describir algún lugar o parte de entorno de los edificios.  Cualquier indicio del tamaño, los usuarios, tiempo o lugar de los edificios ha sido completamente removido.

Naturebenen, (2002), 100 x 136 cm, © Josef Schulz

La realidad física de las construcciones es cambiada de tal forma que parecieran ser renders buscando la perfección. Schulz de enfoca en las formas y colores reduciendo las estructuras a formas simples. Le da un énfasis particular a la imagen: que se convierten así en partes dominantes del cuadro. Los edificios así se asemejan a una arquitectura de juguete; que de pronto parecen ser una buena contraparte de si mismos.

Form #14, (2004), 120 x 160 cm, © Josef Schulz

El usa este tipo de proceso para eliminar la brecha entre la realidad fotografiada y la pintada, para poder de alguna forma  optimizar la imagen. Al mismo tiempo, él invierte el proceso fotográfico al reducir las estructuras físicas a su forma conceptual de diseño, de la fotográficamente “real” hacia la originalmente “virtual”. Schulz así opta por una aproximación que es diametralmente opuesta a los que producen imágenes digitales- tratando de renderizar fotos artificiales con tal de que parezcan lo más real posible.

Form #21, (2007), 120 x 160 cm, © Josef Schulz

El espectador queda de alguna forma confundido:  tiende a reconocer partes que parecen ser autenticas pero no es capaz de distinguir si fueron objetos realmente capturados por la cámara o si fueron generadas por un proceso digital. Haciendo esto, Josef Schulz se separa a si mismo de la “objetividad” de la fotografía y muestra imágenes que son la construcción del poder visual de la imaginación del artista.

Más Imágenes:

josefschulz.de

>  más imágenes

El 20 de frebrero, en 200 ciudades del mundo, se dará la partida a el primer Pecha Kucha global, destinado a ayudar a los afectados en Haiti.

PechaKucha es un formato de charlas que da un espacio 20 segundos por 20 imágenes, que da la oportunidad a artistas, diseñadores, arquitectos y cualquier persona que quiera presentar y compartir algún trabajo creativo. La red PechaKucha nació en Tokio hace 7 años, de la mano de los arquitectos Mark Dytham and Astrid Klein y se ha extendido por el mundo a tal nivel que casi todos los días hay uno en una ciudad del mundo.

Pero esta vez es diferente. Tras la catástrofe de Haiti, el genio tras la ONG Architecture for Humanity, Cameron Sinclair, motivó a los organizadores a hacer un llamado global, un evento paralelo sin precedentes. Asi que estén al tanto en su ciudad el día 20 de febrero, en donde serán 20 imágenes, 20 segundos, 200 ciudades, 2,000 presentaciones, y alrededor de 200,000 personas en torno a una sola causa.

http://www.pecha-kucha.org/pechakucha-for-haiti

Fermatic Wilderness © Clarles Clary

El trbajo del artista Charles Clary es increible. Sus esculturas multicolores hechas de papel son cortadas solamente a mano. Clary, tambien llamado ‘Paper Extravaganza’, pretende en un futuro llevar el concepto de sus obras  hacia instalaciones de mayor tamaño, lo que hace inevitable empezar a imaginar la relación de este trabajo con otras disciplinas.

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Existen trabajos que se obican justo al límite de las etiquetas que usualmente usamos para clasificar alguna obra. De más esta decir que esta intersección me fascina en particular. Como el caso de las publicaciones Papercraft o GraphicSpaces, es  interesante ver como las obras de papel se expanden más alla de su bidimensionalidad original.

Terr-a-Diddle Formation (izq) & dibujo por Clary (der) © Clarles Clary

Segun Clary, su trabajo se inspira en microorganismos, una suerte de descontrol de una pintura original, que se expande como un modelo de crecimiento natural. Para mi este crecimiento refleja la construcción de un paisaje, uno en particular bastante artificial que pretende ser natural. Se asemeja a una excavación minera o a proyectos recientes que proponen habitar dentro de la tierra.

El trabajo de Clary requiere una cantidad de tiempo y paciencia impresionante. Le toma alrrededor de 60 horas en una sola pieza (de las más pequeñas) . Utiliza 4000 hojas de papel de distintos colores y más de 14.000 separadores de plastico. De todas formas, creo que el resultado final es de una calidad notable que logra inspirar y cruzarse entre otros ambitos conceptuales. Espero que Clary desarrolle finalmente su trabajo hacia objetos de diseño o instalaciones , que logren finalmente trasladar la potencia del papel hacia una realidad de mayor tamaño.

Flamtastic Flamtasia © Clarles Clary

© Clarles Clary

Codastic infestation © Clarles Clary

Hugg-a-Diddle Burs (Detalle) © Clarles Clary

Double DIddle Evisceration (Detalle) © Clarles Clary

Fermatic Pandemic Movement © Clarles Clary

Codastic Diddlation © Clarles Clary

http://www.society6.com/studio/paperextravaganza

Entrevista en Yatzer.com

Home Frame I _ auto , 100×160 cm © Hans Hemmert 1996

Anteriormente la escultura era un trabajo que se basaba en la manipulación de un material en donde el resultado era una pieza única, un objeto de culto bajo la lógica de monumento artístico. Con el tiempo, la escultura dio paso a la tridimensionalidad, a la lógica del espacio y la experiencia.

Dentro de esta redefinición, la investigación visual del artista alemán Hans Hemmert ha calado dentro de los trabajos intra-esculturales, en donde el aire ha sido parte clave de su trabajo. Desde 1992, el látex amarillo empezó a ser el material  de las obras inmateriales por las cuales empezó a ser reconocido.

“La serie Home-Frame I, es una serie de imágenes en donde el artista mismo es capturado dentro de ambientes abstractos, creados al llenar globos de látex dentro de la arquitectura de su vida cotidiana: sa casa, su auto, su estudio.

Home Frame I , 43×62 cm © Hans Hemmert 1995

Llenados con aire hasta su punto máximo, el látex se estira hacia los extremos del espacio que lo contiene, formando un negativo de este ultimo. Los limites de la escultura se extienden hacia adentro, resultando un efecto exactamente inverso al de la escultura tradicional. Nuestra percepción del espacio cambia: intuimos la presencia de los objetos (la cama, las ventanas, los cables en el suelo), pero los objetos son sólo un testimonio de su inaccesibilidad.

En la serie siguiente, Home Frame 2, la membrana de látex es una globo que contiene aire y un artista en su interior. La relación del artista con el exterior es mediada por el globo amarillo en el que se encuentra atrapado. Sus acciones son totalmente cotidianas: subir por una escalera, tirar de una cuerda, abrazar a su hija…etc. Pero a pesar de la simplicidad de las acciones, su segunda piel lo hace lento y torpe: cada movimiento, cada intento de agarrar un objeto está destinado a fallar. Sus respectivos títulos (”artista-de-latex adaptandose a …”) prefigura con una resignación irónica hacia el desastre inevitable.

Home Frame II , 100×75 cm © Hans Hemmert 1998

La posición artistica de Hemmert es profundamente conceptual: a través de nuevas soluciones espaciales el llega a un reflejo motivado por los aspectos formales de su trabajo escultórico. Al transformar lo familiar, él provoca una sensación de inseguridad respecto a los hálitos de nuestra existencia y al mismo tiempo invita a reflejarnos en la relación con nuestro entorno. Imponiendo una presencia, una idea, Hemmert logra con el uso de la paradoja y un humor sutil el efecto desorientador propio de un cierto tipo de arte crítico.”

“Hans Hemmert, The Invisible Materiality Of Air“

http://ingesidee.de