Ars Vivendi, или умение жить стильно

Урок 1 Секрет скандинавского дизайна

2014-09-17T19:38:00.001+02:00

Grythyttan Stålmöbler

О нем много говорят, нем много пишут, и, несмотря на это, знание о нем носит фрагментарный характер. Говоря о скандинавском дизайне, часто упоминают о минимализме, о его близости к природе, о доступности, а иногда и о элитизме. Чем меж собой связаны ИКЕА и лютеранская церковь, практичность и самокритика? Об этом мы поговорим сегодня.

... а существует ли вообще скандинавский дизайн?

Конфликт заявлен уже в названии: если смотреть географически, на Скандинавском полуострове расположены только Швеция и Норвегия. Исторически к ним присоединяют Данию, с которой две первые страны разделяют и единство языка. В этой связи черед и за Исландией, которая имела норвежское, а затем и датское прошлое. Финляндия стоит в стороне и в географическом, и в историческом, и в языковом отношении, хотя в сфере дизайна эксперты включают ее в скандинавское единство. Так Давид Карлсон (David Karlson), шведский консультант и основатель марки David Design, заявляет: "Да, когда речь идет о дизайне, Финляндия обычно входит в Скандинавию..."

Финская Marimekko

Официально возникший в 50х годах, скандинавский дизайн опирался на богатое наследие густавианского стиля и являл собой смесь национального романтизма и функционализма. Не слишком модерновый, зато очень функциональный, минималистский, но часто сделанный вручную и из натуральных, привычных материалов, скандинавский дизайн официально "вышел в свет" в 1960м году, во время президентских дебатов на канале CBS. Для участия в ней Джон Кеннеди потребовал Round Chairs от Ганса Вегнера (Hans Wegner), комфортные для его больной спины... После этой передачи круглый стул стал просто Стулом.

Fritz Hansen, FAVN, design Jaime Hayon 2011

Часть VI. Продолжение.Как оформить интерьер в стиле Ар Деко?

2014-02-19T23:20:00.005+01:00

Цвет

Выбирайте нейтральные тона: такие, как бежевый, коричневый, темно-серый, коричневый, черный, серый, серебристый и белый. Используйте приглушенные или яркие цвета экономно, особенно такие, как зеленый, красный, бордовый, синий, желтый и золотой.

Пол

При рассмотрении вариантов оформления полов используйте гладкие материалы (такие, как плитка, мрамор или глянцевые деревянные покрытия), например, в черно-белой шахматной клетке или с участием геометрическиx узорoв. Дополнить образ можно ковром с геометрическими узорами.

Adrienne Chinn

Мебель

Гладкая мебель с лакированной отделкой и элегантными линиями должна быть удобной и гламурной. Деревянная мебель может быть изготовлена из розового дерева, ореха, клена, тика или даже зебры дерева.

Хром, нержавеющая сталь, стекло и винил может быть объединен с высококлассными кожаными материалами (экзотические принты зебры). Шкафы, серванты и негабаритные стулья, шезлонги, диваны оформляются в общем стиле. Домашний деревянный ретро-бар станет отличным украшением для гостиной или столовой комнат.

Освещение

Предпочтите ультрасовременные потолочные светильники, бра, настольные лампы и торшеры с зигзагообразными и геометрическими узорами. Лампы из латуни, никеля, бронзы, алюминия, кованого железа, керамики или хром со стеклом в оттенках белого, светло-матового, матового.

Аксессуары

Геометрические зеркала с блестящей серебряной или хромированной рамой, старинные французские декоративные часы, старинные радиоприемники и патефоны, старинные керамические вазы, винтажные плакаты и репродукции картин таких художников, как Пабло Пикассо, Пьер Боннар, Анри Матисс, Макс Эрнст и Пауль Кли.

Павлиновые перья вместе с экзотическими цветами создают элегантную флоральную композицию. Оформление окон, простых, но привлекательных, включает виниловые шторы или широкие решетчатые деревянные венецианские жалюзи.
Избегайте цветочных и растительных принтов на обивке мебели и тканях в пользу тканей нейтральных цветов или с геометрическим орнаментом, а также кожи, винила, замши и мохера.

Дефиле Диего Монтана и презентация новой коллекции "Ночь любви в Париже"

2012-06-18T14:32:00.001+02:00

Какдлрро

Часть VI. Гламурный Арт Деко

2012-06-14T00:00:00.000+02:00

История Ар Деко (Art Deco)

Ар Деко - это оптимизированный геометрический стиль, который часто включает мебель с кривым фронтом, зеркала, чистые линии, хромовое оборудование и стекла. Этот элегантный стиль появился как модернистский ответ концепции Ар Нуво, характеризовавшийся сложными, плавными природными формами, женскими образами и лампами Тиффани (см. здесь).

Кафе "Европа", оформленное в Ар Деко, в Праге стало прототипом столовой на печально знаменитом "Титанике"

В свою очередь, Ар Деко использует угловые, сбалансированные геометрические фигуры, такие как классические архитектурные образцы1930-х годов: Chrysler Building и Empire State Building. Известные имена, определившие концепцию стиля Ар деко, включают Эрте (псевдоним Романа Тыртова), Адольфа Мурон (он же Кассандр, создавший логотип для Yves Saint-Laurent) и Тамару де Лемпика.


Chrysler Building, Нью-Йорк.

"Маскарад", Эрте.

Термин "Art Deco" происходит от названия международной выставки декоративных искусств и ремесел 1925 года “Exposition Internationale des Art Décoratifs et Industriels Modernes”, когда миру продемонстрировали предметы роскоши французского производства, доказавшие, что Париж остался интернациональным центром стиля и после Первой мировой войны. Однако этот термин в контексте дизайна начал использоваться лишь после 1960 года.

"Спящая", Тамара де Лемпика.

Атмосфера, царящая в Европе до Второй мировой войны, оказала большое влияние на стиль, который был реакцией на череду общественных и промышленных достижений начала ХХого века. Париж стал центром стиля Ар Деко, отчасти из-за художественных произведений Жака-Эмиля Рюльмана (Ruhlmann), Жан-Жака Рато (Rateau), Эйлин Грей (Eileen Gray), Эдгара Брандта (Edgar Brandt), Жана Дюнана (Dunand), Рене Лалик (Lalique), Мориса Марино (Marinot) и Картье (Cartier).

Ширма в стиле Ар Деко от Эдгара Брандта.

Стиль Арт Деко

Очень популярный и распространенный в свое время Арт деко, и в наши дни остается эффективным средством воссоздания элегантности и роскоши. Своему возникновению Арт деко обязан влиянию различных источников: от Ар нуво (Art Nouveau), модерна и немецкого стиля Баухауз (Bauhaus) до древнего искусства Египта, Востока, Африки, Америки.

Попробуйте отыскать источники вдохновения для этого интерьера!

На развитие стиля Арт деко в интерьере в Европе оказали свое влияние гастроли Русского балета Дягилева с его яркими костюмами и декорациями, а также показы модной одежды от Поля Пуаре. Интерьер в стиле Арт деко позаимствовал абстрактные формы из авангардного искусства конструктивистов, кубистов, фовистов и футуристов.

Платье Поля Пуаре, 1920е годы.

Платье от Мадлен Вионе, 1914.

Арт деко сочетал в себе одновременно неоклассицизм и обтекаемость, грациозность и игривость, монументальность и элегантность. Представители этого стиля игнорировали массовое промышленное производство товаров, они стояли за эксклюзивное изготовление предметов.

Основной формой жилой архитектуры в этом стиле, как и в Ар нуво, являлись частные виллы в предместьях крупных городов и доходные дома. Характерные особенности построек: простые геометрические формы, белые гладкие фасады, горизонтальные окна, а также новаторское распределение внутреннего пространства - так называемый «свободный план».

Отель "Бельведер дю Рейон Вер" в городке Сербер, Лангедок-Русийон, на франко-испанской границе. Спроектированный между 1928 и 1930 гг. Леоном Байем, он повторяет форму корабля и располагает кинотеатром и теннисным кортом на крыше отеля.

Интерьер в стиле Арт деко необычайно роскошен. Арт деко в интерьере обычно представлен дорогими материалами: красное и черное дерево, латунь, серебро, эмаль, полированные драгоценные камни, перламутр, слоновая кость, хрусталь, шагреневая кожа. Используются новые, экзотические сорта древесины. Примерами могут служить такие загадочные и шикарные названия пород: кавказский дуб, персидский орех, норвежская береза, палисандр, красное и черное дерево, туя, оливковое дерево…

Время Ар деко – также время появления алюминиевых и стальных конструкций. Одна из главных отличительных черт интерьера в стиле Арт деко - высокий уровень комфорта, достигаемый за счет технических инноваций.

Бар "Лютеция" в парижском одноименном отеле на Левом берегу Сены.

Мебель составляла неотъемлемую часть дизайна интерьера, задуманного декоратором. Объем, форма, цвет мебели определялись в зависимости от их расположения в комнате.
Структура мебели в 1925 году характеризуется следующими особенностями:
- объемом чистых геометрических форм;
- подбором мебели с учетом их потребностей (функциональная мебель).

Формы мебели в стиле Ар Деко

Комод из цельного дуба, мраморная столешница, 1930е гг.

Обстановка очень простая. Мало лепнины и резьбы, но поиски цветовых эффектов, маркетри из различных пород древесины. Обивка диванов и диванные думки гармонируют с обоями и настенными гобеленами.

Излюбленными декоративными мотивами были геометрические орнаменты из шести-, восьмиугольников, овалов и кругов, треугольников и ромбов. Кроме того, широко использовались растительные формы недавно распространенного модерна, различные цитаты из классицизма, а также заимствования из египетской, африканской и других экзотических культур.

Правила королевского дресс-кода

2012-06-09T15:52:00.000+02:00

В продолжение темы Бриллиантового Юбилея английской королевы Елизаветы II Ars Vivendi хотелось бы сделать краткий обзор правил королевского дресс-кода, знание которых может быть полезно (мы на это очень надеемся!) нашим читателям.

Итак, 10 правил, которые позволят избежать модных faux pas и быть элегантной и уверенной в себе, как сама... Королева!

Все в меру. Элегантность и сдержанность входят в основное правило дресс-кода для членов королевской семьи. Не рекомендуются глубокие вырезы, а открытые плечи допускаются для вечерних мероприятий, однако в последнем случае стоит вспомнить о длинных перчатках.

Королева Великобритании Елизавета II, 1954.

Королева Великобритании с излюбленной сумочкой от Launer, 1980

Юбка должна касаться колен или быть чуть выше. Мини-юбки не приемлемы.

Королева Испании София, принц и принцесса Астурийские

Джосс Стоун

Платье-футляр. Рекомендуется надевать платье-футляр, но оно не должно быть слишком узким. В королевском протоколе есть такое правило, главным образом, из-за того, чтобы непослушный ветер не поднимал юбку платья и не обнажал те части королевских тел, которые должны быть скрыты (случалось с герцогиней Кембриджской).

Герцогиня Кембриджская во время визита в The Royal Marsden Hospital в Саттоне, Суррей, в платье от дизайнера Аманды Уейкли.

Вот что случается, когда отступают от неписаных правил королевского дресс-кода! Герцогиня Кембриджская в канадском аэропорту Калгари.

Дама в чулках. В общественных местах дамы обязаны появляться в колготках, преимущественно телесного или светло-серого цвета, без узоров. Такие чулки не привлекают внимание к ногам, что важно во время мероприятий, когда приходится долго стоять.

1970 год.

Неброские каблуки. Обувь должна быть незаметной, классической, с закрытым и немного сужающимся мысом. Протокол не рекомендует надевать обувь со слишком высокими и узкими каблуками. Королева должна символизировать стабильность и уверенность.

Свободная рука. При выборе сумки предпочтение в обязательном порядке надо отдать клатчу или строгой сумочке на цепочке, чтобы хотя бы одна рука оставалась свободной: представитель королевской семьи должен пожимать руку подданным и приветствовать их с балкона, махая рукой.

Шведская принцесса Виктория в платье от Эли Сааб

Роскошь маленькими дозами. Одежда должна быть сшита из качественных природных материалов (деним, конечно, даже не рассматривается как возможный вариант). Исключение – мех. Он считается слишком обязывающим и роскошным, поэтому протокол не рекомендует меха, за исключением особых случаев. Однако меховой воротник на пальто считается нормой.

Герцогиня Кембриджская в вечернем платье от Alexander McQueen

Нет – черному цвету. Черный цвет для членов королевской семьи практически табу. Черный предназначен исключительно для траурных мероприятий. Считается, что традицию цвета в одежде ввела Королева-мать во время Второй мировой войны: своей цветной одеждой она хотела добавить британцам радости и оптимизма. Если же члены королевской семьи выходят в свет в одежде темного цвета, они выбирают темно-синий или темно-серный цвет.

Леди Эллен Тейлор в платье от британского дизайнера Erdem

Примером нарушения правила "Нет - черному" стало первое официальное мероприятие будущей принцессы Дианы после помолвки с принцем Чарльзом. Тогда на торжественном ужине она появилась в черном платье, обнажающем плечи.

Первое светское появление леди Дианы Спенсер в платье от David и Elizabeth Emanuel в 1981.

Следите за волосами. Волосы должны быть или настолько длинными, чтобы их можно было собрать в пучок, или - короткими. Только так ветер не сможет постоянно сдувать волосы и закрывать ими лицо, что на фотографиях выглядит совсем не привлекательно.

Леди Фредерик Виндзор в коктейльном платье от Giorgio Armani.

Осторожнее с аксессуарами. Строгими также должны быть украшения и макияж. Рекомендуются обручальные кольца. Днем можно надеть, например, жемчужное колье или брошь. Вечером разрешается тиара, более выразительное ожерелье или колье, а также браслет. В макияже находится под запретом красная помада, а также темные и слишком яркие тени для век.


Принцесса Диана в 1991 году: ничего лишнего.

Жемчуг, брошь и, конечно же, шляпка идеально подобраны.

Ах, эти шляпки! На торжественных мероприятиях ношение шляпки обязательно как знак уважения к королевскому дому.

Королева Елизавета II на борту королевской "Британии", 3 июня 2012

Ее Величество Елизавета II: 60 лет королевского стиля

2012-06-05T00:31:00.007+02:00

Сегодня, в разгар бриллиантового юбилея, то есть 60 лет со дня вступления на престол Ее Величества Елизаветы II, «королевы Соединенного Королевства, Северной Ирландии и Иных территорий», Ars Vivendi хотелось бы рассказать об особенностях стиля королевы Великобритании Елизаветы II, а также о правилах королевского гардероба, соединяющего в себе светские условности и современную элегантность.

За 60 лет царствования королева Елизавета смогла на основе существующего монархического дресс-кода создать свой неповторимый стиль.

Она вдохновила дизайнеров Dolce & Gabbana в Luella Bartley и иконы стиля от Мадонны до Агнесс Дейн.

Ее гардероб включает такие разнообразные вещи, как свадебные туфли Roger Vivier и торжественный перьевой плащ маори.

Говорят, что она носила 5000 различных шляп во время своего правления, и на нее работает команда костюмеров, дизайнеров и модисток, готовых на скорую руку создать вечерний туалет платье, когда это требуется.

1937 год.

Несмотря на все ограничения, которые накладывает роль королевы Англии на ее гардероб - постоянный контроль, критика, необходимость быть культурно приемлемой для путешествий по всему миру, необходимость пройти через толпу зрителей в любую погоду на сотни общественных мероприятий каждый год - ей каким-то образом удалось абсолютно создать уникальный стиль.

Это не обошлось без испытаний: молодая Елизавета начала свою общественную жизнь во время Второй мировой войны, в последний год, которой 16-летняя принцесса участвовала в женской вспомогательной территориальной службе, обучаясь механике и вождению военного грузовика. Во время лет нужд Елизавета и ее сестра Маргарет уже поняли значение одежды в отправке сообщения солидарности с общественностью, - а также получили урок экономии. Фотографии середины 1940-х годов демонстрируют простые хлопковые платья в цветочек и твидовые костюмы.

Даже тогда, когда она вышла замуж в 1947 году, когда Диор уже создал экстравагантный и революционный New Look, принцессе пришлось использовать талоны, чтобы получить шелк, необходимый Норману Хартнеллу для создания ее подвенечного платья.

Королева Елизавета и ее супруг, герцог Эдинбургский. Ноябрь 1947.

Давайте посмотрим на стиль королевы Елизаветы II на протяжении последних шести десятилетий.

1950

С 1953 года молодая королева Елизавета посещала страны Содружества, очаровывая ее лидеров ее сдержанностью и элегантностью. Стиль 1950-х годов идеально подходил для молодой королевской четы: достойный, сдержанный, но сказочно гламурный в духе Грейс Келли.

Ее стилисты Норман Хартнелл и Харди Эмис создавали для нее лифы и широкие юбки, вместе с милыми шляпками, строгими сумками и туфлями на массивном каблуке для дневной моды. Вечерняя мода, тем временем, была более роскошной - много атласа, тюли, вышивки, белые меховые вставки, диадемы и броши.

Набросок королевского коронационного платья

1960

В 1963 году королева Елизавета, мать четырех детей, стала более царственной, зрелой фигурой, и это было время формирования ее уникального стиля, благодаря стилистам Харди Эмис и Иэн Томас, обучавшимся под руководством Нормана Хартнелла. Прямые, неприталенные формы 1960-х годов были использованы в длинных пальто в ярких цветах той эпохи, а шляпы, разрабатывавшиеся Симон Мирман, часто без полей, украшены цветами.

1970

Мягкое, современное влияние Яна Томаса начало преобладать в эту эпоху, с мягкими линиями и тканями (вышитый шифон), яркими цветами (желтый, зеленый и коралловый) для вечерней моды. Для дневной были характерны платья с принтами и с собранными рукавами, с слегка подпоясанной талией, а также цветные костюмы с плиссированной юбкой. В моду вернулись шляпы с полями, не слишком широкие и не слишком низкие, чтобы не закрывать лицо королевы. Сдержанная обувь, сумки и нитки жемчуга стали определяющей чертой королевского стиля.

С бывшим Премьер-министром Великобритании Эдвардом Хитом, президентом США Ричардом Никсоном и его супругой Пэт в 1970.

С Барбарой Стрейзанд во время Royal Film Performance, 1975.

1980

Резко острые плечи стиля 1980-х годов не прижились сразу, но к середине 1980-х годов восторжествовали яркие цвета, такие как королевский синий, красный и фиолетовый. Излюбленным цветом королевы в течение последующих двух десятилетий стал ярко-красный.

1982 год.

1986 год.

1988 год.

1990

Во время «материальных» 1990-х годов, королеву часто фотографируют на фоне деревенской жизни в Виндзоре, скачек, кантри-шоу. Твид и головные платки открыли женщину без высокомерия и с неизменной любовью к родине. Это своего рода анти-потребительский внешний вид и образ жизни, с куртками от Barbour и оружие от Purdey, которые заимствовала Мадонна в первые годы следующего десятилетия, во время своего брака с Гаем Ричи.

1991 год.

2000

Когда ей исполнилось 80, королевский стиль стал источником вдохновения для многих, будь то ежедневная смена шляп в своей недавней поездке в Канаду, ее прекрасный пример того, как должны выглядеть хорошо одетые пожилые подданные и ее недавний интерес к экологическим способам переработки.

2004 год.

2010 год.

Здесь мы видим, как гламурная королева в Словении носит серебряное платье, созданное дизайнером Анджелой Келли на скорую руку из болтов серебряной парчи, данные ей более 20 лет назад во время поездки на Ближний Восток.

2008 год.

Другими словами, Елизавета II вполне современная женщина и … Королева.

Diego Montana: эстетика латиноамериканского шика

2012-05-17T21:26:00.000+02:00

- Hola Диего! Спасибо, что пришли к нам! Знаю, что сейчас вы заняты подготовкой к дефиле Вашей новой коллекции «Ночь любви в Париже», которое пройдет 1ого июня в шоуруме Romeо, в сердце модного парижского квартала Marais. Давайте поговорим о твоей необычной истории. По-Вашему, типичной или не совсем для дизайнера одежды?

- Да, думаю, что она типична и атипична одновременно. Я уже имел образование в области рекламы и стилизма в Колумбии, когда решил дополнить свою «академическую копилку» дипломом магистра в области менеджмента дизайна и люкса во Франции. В профессиональном плане я обрел базу в ателье известного в Латинской Америке дизайнера одежды. После работал в модных журналах бок-о-бок с редакторами моды. Во Франции стажировался в известных Домах моды, и, наконец, год назад создал свою марку женской одежды класса люкс Diego Montana Paris. Насыщенная история, но с вечным фокусом на моде.

- Какие ценности вы стремитесь передать через свои творения?

- Качество и совершенство в деталях. Мне бы хотелось воздать должное индивидуальности и творческому порыву. Мои творения всегда красочны, женственны, с плавными линиями, с налетом парижской чувственности.

Платье из сатина CLAUDIA © Diego Montana Paris

- Кто и что вдохновляет Вас в Вашей творческой деятельности?

- Красота и природа. Именно в них находится главный источник моего вдохновения. Нет ничего лучше, чем гулять по лесу с моей фотокамерой и искать нюансы цвета, формы, текстуры.

Пиджак, велюр, CHARLOTTE © Diego Montana Paris

Обожаю также гулять по городу, наблюдать, как одеваются люди, как они персонализируют предметы гардероба. Что может быть более действенно для находки новой тенденции, чем наблюдение за уличной модой!

Сатиновый топ со шлейфом POLLY © Diego Montana Paris

- Как вы представляете женщину от Diego Montana Paris?

- Женщина от Diego Montana Paris – активная, современная, сильная. Это женщина, которая работает днем, ночью посещает вечеринки и всегда предпочитает красивые вещи. Она стильно носит эти вещи, придавая им лишь ей присущую «изюминку». Она стильная, но отнюдь не вульгарная, элегантная, но не эфемерная. Она не следует моде: она ее создает.

Платье из сатина CLAUDIA © Diego Montana Paris

- Давайте поговорим о Вашей новой коллекции. Кому она адресована, прежде всего?

- Моя новая коллекция весна-лето 2012 следует направлению, заданному мною еще в коллекции осень-зима 2011-12. Она обращается, прежде всего, к современной, активной, светской, элегантной женщине, работающей и участвующей в социальной и культурной жизни.

Каждая вещь из коллекции создана для того, чтобы сделать ее красивой, но при этом, не лишив комфорта. Это вещи, которые сопровождают женщину весь день. Вечером, например, добавив кружевную вставку в топ, она спокойно может отправиться в ресторан или в Гранд-Опера!

Пончо из сатина CARLA © Diego Montana Paris

- Диего, скажите, пожалуйста, какие тенденции весны-лета 2012 ожидают нас? Что мы будем носить в этом сезоне?

- Я бы выразил их одним словом: ЦВЕТ!!!! Нужно носить цветные вещи, так как они привносят радость в моменты кризиса и неуверенности. Так что, не стесняйтесь носить голубой, красный, оранжевый с принтами, в мягких, романтичных тональностях.

Ключевой вещью в гардеробе этого сезона станет платье. Короткое или длинное, оно есть квинтэссенция женственности. Я предлагаю красивые, «струящиеся» платья, комфортно сидящие по фигуре, делающие женщину неотразимой и ужасно шикарной.

Платье из сатина KIM © Diego Montana Paris

- Что для Вас представляет собой «искусство жить», ведь наш блог пишет именно об этом?

- Действительно сложный вопрос, так как для меня ответ на него вытекает, прежде всего, из жизненного опыта и субъективного. Поэтому я отвечу на него очень лично: искусство жить – это встреча и глубинное понимание удовольствий, которые мы находим в жизни. Для меня удовольствие находится в нюансах картины художника, в изяществе ткани, во вкусовом балансе прекрасно приготовленного блюда, в «полете» ювелирного украшения. Это отнюдь не вопрос благосостояния, но, в первую очередь, вкуса и состояния души.

- А какие, на Ваш взгляд, особенности латиноамериканского искусства жить?

- Мне кажется, что латиноамериканское искусство жить обязательно проходит через удовольствие. Мы гурманы, наши глаза искрятся при виде страз, мы любим музыку, цвет, танец, комфорт, сладкий вкус фруктов, моду, излишества… Я обожаю это состояние, несмотря на то, что мой вкус и мое видение искусства жить изменились со временем. Я стараюсь держать в тонусе мою латиноамериканскую «часть».

- Давайте поговорим теперь немного о наших читательницах. Как представляете Вы россиянку?

- Когда я думаю о русской женщине, я представляю, в первую очередь, устремленную, элегантную, уверенную в себе женщину с утонченным вкусом. Это умная, образованная, гармоничная женщина безмятежной красоты. Я счастлив иметь много российских друзей, в том числе подругу, которая хорошо представляет собой качества, которые я перечислил.

- Что Вы пожелаете нашим читателям?

- Я желаю читателям блога Ars Vivendi наслаждаться счастливыми моментами, ежедневно происходящими с нами. Я приглашаю их удивляться творческой красотой, посетить музей, сходить в театр, искать совершенство там, где и не ожидаешь.

- Спасибо, Диего! Мы желаем Вам успехов в Вашей деятельности и бесконечного вдохновения!

- Спасибо Вам.

Увидеть и заказать предметы из новой коллекции, а также познакомиться с коллекцией аксесуаров марки Diego Montana Paris, Вы сможете на официальном сайте марки.

Приглашаем Вас также на официальную страницу Facebook Diego Montana.

Ars Vivendi приглашен...в Бразилию!

2012-05-16T23:30:00.002+02:00

Hoje, às 22 horas no Brasil, estarei sendo entrevistada no programa ContraPonto. Quem quiser assistir através da Internet, poderá acessar www.tvmais.org e clicar no programa ContraPonto.

Today at 22 pm (Brazil). I will be interviewed by the TV program ContraPonto. You are welcome to watch the program on www.tvmais.org

С беседой Вы сможете познакомиться, пройдя по этой ссылке.

РЕЗУЛЬТАТЫ КОНКУРСА «Об искусстве жить»

2011-12-31T03:09:00.001+01:00

Дорогие читатели!

Хотелось бы поблагодарить всех за замечательные сочинения, присланные на конкурс, а также поздравить всех наших читателей с наступающими новогодними праздниками! Пусть в этом Новом году Ваша жизнь станет ярче и красочнее, Ваш дом - гостеприимнее и теплее, а Вам - радости и чуда!

Сегодня, в канун Нового года, мы публикуем одну из призовых работ. Спасибо Марине Ж. за желание поделиться с нами своим пониманием умения жить. А в качестве приза Марина получает интересную (мы надеемся!) книгу:

Еще раз поздравляем Марину и даем ей слово.

"Каждый человек живет, как умеет.

У кого-то это выходит довольно-таки неплохо – получается чисто на интуитивном уровне, кто-то повышает уровень качества жизни сам, осознанно, в течение самой этой жизни. Тут главное – понять, что ты хочешь от себя, от людей, от мира. Ведь попытка прожить жизнь дается один раз (о боже, какая избитая фраза), и нужно попытаться использовать ее так, чтобы получилось максимально хорошо. Ну, или хотя бы неплохо. )

Уметь жить (в полном понимании этого слова) – это действительно настоящее искусство. Умение себя занять, заниматься самообразованием, самосовершенствованием, постоянно расширять свой кругозор, привносить добро в этот мир в течение всей жизни – этому стоит учиться и учиться.

Если рассматривать этот вопрос с другой стороны, я ставлю людей, умеющих жить, на пьедестал. Я беру с них пример, я ими любуюсь. В этом случае я приравниваю искусство жить к настоящему искусству – живописи, музыке, кинематографу. Как и любое другое искусство, это развивает, расширяет границы, учит новому.

И пару слов о себе (куда ж без этого). Я могу абсолютно честно признаться, что искусством жить я не овладела. Что и говорить, я начала что-то понимать в этой жизни относительно недавно (мне 23). Куда уж тут до умения жить. Но я учусь, пытаюсь. Мне кажется, буду пытаться всю жизнь. И мне кажется, что это правильно".

И до встречи в Новом году на площадке блога Ars Vivendi, или умение жить стильно!

КОНКУРС «Об искусстве жить»

2011-11-27T16:10:00.000+01:00

Дорогие читатели!

Мы рады объявить наш первый конкурс на лучшее определение термина «искусство жить»!

Чтобы поучаствовать в нем, Вам нужно лишь прислать Ваше определение на адрес блога Ars Vivendi: arsvivendi.ru@gmail.com до 18 декабря 2011.

Лучшие сочинения будут опубликованы на нашем блоге, а победители получат стильные и полезные подарки к новогодним праздникам!

Искренне Ваш,

Блог

Ars Vivendi

Часть V. Ар Нуво, «новое искусство» для новой эпохи

2011-11-26T14:30:00.002+01:00

Название нового стиля Ар Нуво во Франции впервые появилось в 1894 году в бельгийском издании «Современное искусство». Тогда термином "Ар Нуво" критик Эдмонд Пикар (Edmond Picard) охарактеризовал творчество бельгийского художника и архитектора Генри Ван де Вельде (Henry Van de Velde).

Фрагмент интерьера. А.Шарпантье, А.Биго.

А уже 26 декабря 1895 года на Левом берегу Сены, в Париже, открывается художественная галерея Сигфрида Бинга (Siegfried Bing), названная «Дом Нового Искусства». В ней выставляются работы великих символистов и артистов Ар Нуво: Мюнх, Роден, Тиффани, Тулуз-Лотрек, Альфонс Легро, Едуард Вуйяр, Шарль Конде и др.

Рекламная афиша галереи Зигфрида Бинга, 1895

Ар Нуво стал, прежде всего, неотъемлемым правом художника, архитектора, декоратора использовать все приемы и методы для самовыражения. Не копировать или перерабатывать старые, существующие стили, но иметь абсолютно новый взгляд на дизайн.

Лампа Daum, 1900

Деятели движения Ар Нуво имели амбициозный проект – создание большого стиля, свободного от кодификации, массового тиражирования, безвкусицы. Удовольствие от возможности творить преобладало над следованием устоев и правил.

Рабочий стол. Ш-Г. Диль, 1878. Музей Орсэ.

Лозунг «Назад к природе» обусловил преимущественно провинциальное развитие Ар Нуво во Франции. В якобинской Франции при сильных властных институтах маргинальное течение в искусстве не могло в полной мере развиться в столице. Официальное искусство Малого Дворца господствовало на парижской артистической сцене, несмотря на творения таких гениев Ар Нуво, как Эктор Гимар (Héctor Guimard) и Альфонс Мюша (Alfons Mucha).

Стул, Э.Гимар, 1903. Музей Орсэ.

Получивший в 1899 году заказ на проектирование входов в парижское метро, Гимар по сути подтолкнул развитие Ар Нуво в столице. Под его словами «это у Природы должны мы спрашивать совета», могли бы подписаться все представители Ар Нуво. О Гимаре мы уже писали в прошлой статье.

Вход в метро Porte Dauphine, Э.Гимар. Париж

Ар Нуво развивалось в провинции: его образцы вы найдете в Лионе, Реймсе, Лилле, но большую славу, разумеется, завоевала «школа Нанси». Призванная способствовать продвижению искусств и ремесел этого города, школа Нанси объединила талантливейших артистов того времени. Эмиль Галле, Жан Дом, Луи Мажорель, Виктор Пруве, Ежэн Гайар прославили французский Ар Нуво и город Нанси.

Вилла Мажорель, арх.А.Соваж, Л.Вайсенбюргер, Нанси, 1901-1902

Эмиль Галле (Emile Gallé), долгое время являвшийся руководителем школы Нанси, известен как дизайнер-новатор изделий из стекла и мебели. Художественной основой творений Галле стали идеи символизма, которые он воплощал, прибегая к современным техникам и прикладным инновациям.

Ваза. Э.Галле,

Так, например, техника «лунного света» (clair de lune), т.е. подкраска стекла оксидами кобальта, позволяла создавать стекло с сапфировым оттенком. А использование в фактуре фольги, пузырьков воздуха и трещинок позволяло создавать так называемые «стеклянные маркетри». Растительные мотивы, характерные для всего течения Ар Нуво, украшали его изделия. Ему также принадлежит авторство говорящих стеклянных изделий с цитатами из творчества поэтов-символистов Бодлера, Малларме, Верлена, Вийона.

Ваза. Эмиль Галле, 1890. Музей Орсэ.

Мебель Галле менее известна, но не менее примечательна. Часто представляющая смешение стилей (Ренессанс, рококо, Луи XV) в первые периоды творчества, она отличается причудливыми резьбой и вставками из экзотических пород дерева, жемчуга, отделочных и полудрагоценных камней.

Кровать "Рассвет и сумерки", Эмиль Галле, 1904

Сундук, Эмиль Галле

Стилистическими особенностями Ар Нуво можно назвать отказ от прямых углов, экспериментальность и оригинальность, уход от монументальности в сторону "природных", плавных и мягких, подвижных, как растительный орнамент, линий. Линии Ар Нуво часто напоминают танцующие, волнистые арабески, проникнутые органической энергией и жизненной силой растений.

Бюро, Ежэн Вален.

В декоративной символике стиля Ар Нуво отметим стилизованные изображения ирисов, лилий, кувшинок, водорослей, стрекоз, бабочек, павлинов, ласточек. Характерные приметы стиля - «треугольная роза», вышитая на подушках и шторах, образы грациозных женщин с длинными, струящимися волосами.

Ваза "Орхидея". Эмиль Галле. Малый Дворец, Париж.

Скульптура из стела, Лалик. Предпосылки стиля ар деко.

Цветовое решение в стиле Ар Нуво предполагает использование черного, зеленого, голубого, коричневого цветов, а также их нюансов. Кроме того, цвета, воспетые в поэзии символизма, - серебристо-лиловый, розоватый, голубой, серый.

Проект столовой. Эмиль Галле @ neringa-iris

Используются все более разнообразные материалы: от привычных видов дерева (дуб, орех, груша) до экзотичных (бразильское красное дерево), металлы (железо, сталь, бронза.

Мягкие, асимметричные линии мебели имитируют флоральные формы. Ночной столик в форме стилизованной бабочки, ракушки, лепестка цветка, сам по себе уже орнаментален.

Формы мебели стиля ар нуво.

Другой особенностью стиля Ар Нуво стало стремление архитекторов и художников создать единый синтетический стиль, в котором все элементы архитектурного объекта, убранства его интерьеров были бы связаны в единое художественное целое. Ар Нуво был не только новым стилем - он был новым мировоззрением, синтезировавшим все виды искусства и ценившим ремесленника и архитектора также высоко, как художника и скульптора.

Посмотреть аутентичный интерьер в стие ар нуво Вы сможете в Музее Ар Нуво в Париже, созданный Пьером Карденом в бывших апартаментах парижской куртизанки, где собирался весь французский бомонд. После визита Вы сможете также насладиться незабываемым ужином в историческом ресторане Maxim's, в самом сердце Парижа.

Музей Ар Нуво, Maxim's, 3 rue Royale, Париж.

Часть IV. Осторожно, МОДЕРН!

2011-11-17T18:18:00.023+01:00

Сегодня мы поговорим о модерне - стиле, который закончил век девятнадцатый и начал век двадцатый.

Модерн появляется в 1860-70 е годы как ответ эклектическим стилям, господствующим тогда в Европе и повторяющим элементы предыдущих художественных приемов.

Особняк З.Морозовой в Москве, арх.Ф.О.Шехтель, 1893. Ныне дом приемов МИДа.

Бывшая курительная комната в особняке З.Морозовой. На стенах росписи Врубеля.

Модерн стремится стать синтетическим стилем, философским стилем, создающим уникальное гармоничное пространство всеми возможными средствами. Это дало толчок к развитию прикладных искусств : дизайна интерьеров, керамики, книжной графики.

Афиша бала студентов в Бордо, А.де Тулуз-Лотрек, 1900

Плавные, изогнутые линии, растительные мотивы, необычные формы, функциональность, использование новых технологий и, конечно же, особенное внимание к оформлению интерьера определили, в целом, главные характеристики стиля модерн.

Декоративный элемент шпалеры Германа Обриста с изображением изогнутого стебля цикламена, названного критиками "удар бича", стал символом модерна. 1900

Одним из первых архитекторов, работавших в стиле модерн, был бельгиец Виктор Орта (Victor Horta).

Первый в мире особняк в стиле модерн - отель Тассель (1893) в Брюсселе, арх. Виктор Орта, внесенный в список исторического наследия ЮНЕСКО.

Лестница в отеле Тасселя, арх. Виктор Орта

Во Франции идеи модерна развивал Эктор Гимар (Héctor Guimard), создавший, в том числе, входные павильоны парижского метро.

Метро Saint-Michel

Метро Tuileries

Метро Porte Dauphine

В Испании – Антонио Гауди (Antonio Gaudi) с его фантастическими шедеврами, органично вписывающимися в пространство, как будто их создатель – сама Природа.

Дом Батльо, Барселона, арх. А.Гауди

Распространению модерна способствовало проведение всемирных выставок, на которых демонстрировались достижения современных технологий и прикладного искусства. Модерн - это сказочность, мир иллюзий. Его идеалы не смогли реализоваться в сложную переходную эпоху конца XIX - начала XX вв. Они только отразились по-разному в его многочисленных течениях. Подчас эти течения были взаимоисключающими и переплетающимися между собой.

Работы Эрнста Хекеля служили источником вдохновения для эстетики модерна

Орнаментальное и конструктивное, "флореальное" и геометрическое, новаторское и ретроспективное, неоклассическое и неоготическое, индустриальное и кустарное, массовое и элитарное...

Рига - признанная столица стиля Ар Нуво, заключающая в себе наибольшее количество памятников архитектуры Ар Нуво в Европе. Центр города включен ЮНЕСКО в список архитектурного наследия стиля Ар Нуво.

Модерн не представляет собой единого стиля, он объединяет множество течений, которые имело одно общее свойство - мировоззрение «fin de siècle» – «конец века», отличавшееся, с одной стороны, растерянностью, духовной усталостью, кризисом идеалов, а с другой – настоящими поисками нового большого стиля во всех сферах творческой жизни.

Здание бывшего Крестьянского Поземельного Банка в Нижнем Новгороде, арх. Ф.О.Ливчак, 1915

Среди основных течений искусства модерна обычно выделяют флореальное, или «Ар Нуво», неоромантическое (национально-романтическое), рациональное (геометрическое),"неопластицизм" ("органическая архитектура"), неоклассицизм.

Ваза марки Розенталь, 1900е годы. Торговая компания Розенталь получила признанный успех на гребне популярности именно искусства "Ар Нуво".

В разных странах модерн знаком под разными названиями. В Англии это Движение Искусств и Ремесел (Arts and Crafts Mouvement). Движение стало реакцией на "достижения" промышленной революции XIX века, в особенности на распространение товаров широкого потребления, лишенных какой бы то ни было художественной ценности. Идейным вдохновителем движения стал Джон Раскин (John Ruskin), в работах которого утверждается мысль об индустриальном производстве, ведущем к деградации творца и потребителя изделия.

Джон Раскин

Постулат о том, что изменение эстетических идеалов, развитие дизайна и ремесел позволят изменение общественного уклада и улучшение качество жизни людей, определил его следующие черты: простоту и лаконичность форм, стремление к единому стилю оформления формы и декора, преобладание растительных, анималистических, позже мифологических мотивов. Большое внимание уделялось использованию натуральных материалов.

Обои "Артишоки", У.Моррис

Обои "Фрукты", У.Моррис

Первая постройка, отнесенная к данному стилю, считается построенный в 1859 г. по проекту Филипа Уэбба (Philip Webb) в Бекслихис Красный Дом. Простое, незамысловатое здание, добротное и лишенное привычной для середины XIX века фасадности и симметрии. Живописная композиция простых и ясных объемов отражает внутреннее устройство Дома. Внешняя отделка стен Красного Дома призвана оттенить "правдивость материала".

Red House, Bexleyheath @ Eddie Mulholland

В отделке интерьеров Уэбб исходил из соображений красоты, удобства, разумности, правдивости. Это была попытка создать сооружение, объединяющее под сенью архитектуры все виды искусства - живопись, скульптуру, различные виды декоративно-прикладного искусства, создать фрагмент гармоничной среды, с помощью красоты которого облагородит и стиль жизни.

Внутренняя отделка Красного Дома

В Германии «югендштиль» — нем. Jugendstil, по названию основанного в 1896 году иллюстрированного журнала Die Jugend в Германии.

Обложка журнала "Die Jugend", давший название немецкому модерну, 1896

Стиль «Сецессион» (Secessionsstil) в Австрии назван в честь выставочного павильона. Возведенное в 1898 г. архитектором Ольбрихом, здание украшено большим позолоченным куполом с изображением позолоченных лавровых листьев, интерьеры и окна из цветного стекла. Над главным входом - надпись со словами художественного критика Людвига Хевеси: "Эпохе — свое искусство, искусству — своя свобода".

Дом сецессиона (Die Sezession) в Вене, И-М. Ольбрих

«Еловый стиль» (style sapin) в Швейцарии, вдохновляемый горной природой с ее елями и горечавками. Первым архитектурным зданием в «еловом» стиле был особняк, спроектированный Флорой Стайгер-Кроуфорд (Flora Steiger-Crawford).

Sandreuter, г. Баль, Швейцария

В Италии это «стиль либерти», названный в честь лондонского универмага Артура Либерти, близкого идеям модерна. Универмаг получил известность за импортируемые "диковины" - товары, привозимые из дальних концов Британской империи. Его клиентами стала модная лондонская публика, в том числе артисты и дизайнеры, разделяющие взгляды Движения Искусств и Ремесел. Так, универмаг стал заветным адресом для модников и модниц всего мира.

Универмаг Либерти в Лондоне

"Liberty is the chosen resort of the artistic shopper". O.Wilde

"Либерти - это избранное прибежище артистичного шоппера" О.Уайлд

Итальянский модерн не стоит в центре движения "Ар нуво"; архитектурные памятники этого стиля находятся преимущественно в Милане и Турине. Однако образцы итальянского флореального течения вы найдете также во Флоренции, Варезе, Сицилии...

Особняк Брогги-Карачени во Флоренции, арх. Джованни Микелацци, 1910-1911

В США это «стиль тиффани» названный в честь Л.К.Тиффани. С ним ассоциируются, прежде всего, яркие лампы классических форм с преобладающими натуралистическими мотивами и пестрые витражи насыщенных цветов, изображающие природные мотивы и пейзажи.

Лампа "Фазан", Студии Тиффани, 1900-1910, Музей искусства Квинс, Нью-Йорк @ Nicholas Cass-Hassol

Лампа "Глициния", Студии Тиффани, 1900-1910, Музей искусства Квинс, Нью-Йорк@ Nicholas Cass-Hassol

В Франции «ар-нуво» и «fin de siècle» (букв. «конец века»). Именно про это французское течение стиля модерн мы и поговорим в следующей статье.

«Андромаха» Расина: трагичный триумф страстей

2011-11-08T00:51:00.001+01:00

В прошлую субботу свершилось то, о чем я мечтала ужасно долго – мой первый визит в старейший французский театр Комеди-Франсез.

Театр Comédie Française, западный фасад

Эдуард Л.Кортс. Комеди Франсез

Основанная в 1680 году, Комеди-Франсез – это, прежде всего, театр отменной репутации, который, несмотря на свою близость к французской власти, всегда оставался независимым в выражении творческой воли и художественных замыслов.

Входные аркады

Зрительный зал Ришелье

21 октября 1680 года Людовик XIV подписывает указ об объединении двух парижских трупп в одну для того, чтобы «сделать театральные представления более совершенными», и дарует новой труппе монополию на проведение театральных представлений в Париже. Новый театр должен был также составить конкуренцию очень модной в то время «итальянской комедии». Именно это и стало началом славной истории театра.

Comédie Française в 1790 году, Годе и Прюдан

Театр Французской Комедии по праву считается "Домом Мольера", так как именно этот актер и драматург стоял у истоков первой театральной труппы. Его комедии со времени становления театра ставились около 32 000 раз!

Пьесы Мольера, Расина, Корнеля, Вольтера, Мариво, Бомарше, Ля Биша, Гюго, де Виньи, Дюма до сих пор трогают и впечатляют зрителя, который на протяжении всего спектакля чувствует связь времен и преемственность поколений актеров и авторов.


Галерея бюстов

Так и "Андромаха" Расина. Казалось бы, произведение классицизма, ограниченное правилом трех единств, не позволяющее личностную динамику характеров, не должно так трогать сердца современных зрителей! И тем не менее, выходишь из зала обновленным, тронутым до глубину души именно современностью трагедии героев, которой хочется сочувствовать, сопереживать.

"Андромаха" - это произведение, описывающее разрушительные для протагонистов последствия войны год спустя военного конфликта. Это история людских судеб, пострадавших и страдающих от неистощимой жажды власти.

Персонаж Пирра, блестяще сыгранный Эриком Руфом (Eric Ruf), победитель Троянской войны, страдает от своей славы, так как она все время воскрешает его угрызения совести.

Aurélien Recoing, Érif Ruf © © Christophe Raynaud de Lage. coll. Comédie-Française

Андромаха (Cécile Brune), единственная выжившая представительница уничтоженного народа, остается верна памяти своего погибшего супруга и живет ради их общего сына Астианакса. Гермиона (Léonie Simaga), обещанная в жены Оресту, затем переданная Пирру, мечтает об идеальном супружестве с нынешним властителем Трои. Орест (Clément Hervieu-Léger), мечтающий вернуть Гермиону, раздираем страстями.

Céline Samie, Cécile Brune, Éric Ruf © © Christophe Raynaud de Lage. coll. Comédie-Française

Пирр хочет "возродить" троянский народ, усыновив Астианакса и взяв в жены Андромаху, и тем самым решить внутренние противоречия. Андромаха, будучи верна себе, своему народу и своей мести, не может пойти на компромисс, если только не ради сына. Гермиона балансирует на краю двух эмоций : безусловной любви к Пирру (последний диалог в этом очень показателен) и гордости и чувства собственного достоинства. Орест делает все, чтобы завоевать сердце Гермионы, хотя знает, что это невозможно.

Кажется, что из такой ситуации выхода нет. Но почему-то - в этом вся сила Расина - на протяжении всей пьесы чувствуешь, что еще чуть-чуть и герои будут счастливы. Для благополучного исхода не хватает лишь дуновения апелиотеса...

Céline Samie, Cécile Brune, Éric Ruf © © Christophe Raynaud de Lage. coll. Comédie-Française

Отдельно хотелось бы отметить потрясающее оформление сцены. Вот что говорит о нем режиссер-постановщик спектакля и администратор Комеди-Франсэз Мюриель Майет (Murielle Mayette) : "Классическое, воздушное пространство - место встреч тет-а-тет, дворец, превращающийся в руины. Вертикаль, дающая персонажам их точную меру.

Я хотела тела против ветра. Людей, устрашенных политической ответственностью, пожираемых страстями, не в состоянии сделать выбор. Людей, обезумевших от страдания, гордыни, желающих иметь все, но не могущих располагать даже собой.

Широкий простора, ветра и живой силы слова в этом пространстве".

Léonie Simaga. © Christophe Raynaud de Lage / coll. Comédie-Française

Для тех, кто не успел на спектакль в этом сезоне, рекомендую посетить выставку Комеди Франсэз в Малом Дворце. Вы сможете увидеть элементы декора, живопись, архивные документы и даже знаменитое кресло, в котором Мольер сыграл свой последний спектакль... Бесценные экспонаты оживят перед вами самые славные моменты из истории и жизни труппы Мольера.

Выставка проходит в Малом Дворце совместно с Музеем изящных искусств Парижа с 10 до 18 ч, кроме понедельника, до 15 января 2012. Подробности вы узнаете на сайте музея.

Ж-А. Ватто. Французские актеры

А до 31 декабря в Национальном Центре сценического костюма, расположенного в городке Moulins, проходит исключительная экспозиция, посвященная Комеди Франсэз. Вас ждут более история более 200 сценических образов. Детали вы можете узнать здесь.

А в скором времени я представлю на ваш суд, дорогие читатели, небольшую заметку про Итальянскую Комедию – единственный во Франции театр, посвященный жанру «комедия дель арте».

Часть III. Второй ампир и «рождение» Гранд Опера

2011-10-31T12:10:00.000+01:00

Портрет Наполеона III

В 1848 году поражение июльской монархии Луи-Филиппа и победа на выборах президента Республики племянника Наполеона принца Луи Бонапарта привели к появлению нового художественного стиля – стиля Второго Ампира (Второй Империи). В целом, он подразумевал возвращение к эстетике ампира, но, к сожалению, историческая ситуация отличалась от эпохи Наполеона. Не та была аристократия, мечтавшая о былой роскоши, да и буржуазии не хватало смелости стать новой законодательницей стиля.

Императрица Евгения, Ф-Кс.Винтергальтер

Стиль второго ампира необычайно эклектичен: он сочетает в себе элементы ампира, архитектуры итальянского Ренессанса и барокко и даже иногда носит название «неоренессанса» или необарокко.

Эклектические и имперские устремления породили в придворных кругах моду на псевдоампирные вещи, на сочетания всех стилей, порой граничащие с безвкусием.

Гранд Опера

Однако художественным символом эпохи стало возведение в Париже Большой Оперы (Grand Opéra) Шарлем Гарнье. В этом здании причудливо, эклектично соединились элементы, типичные для архитектуры Итальянского Возрождения - сдвоенные колонны с аркадой, по-барочному тяжелый декор и необычной формы огромный купол. Фасад украсили скульптурные группы работы Ж.-Б. Карпо и А.-Э. Каррье-Беллёза. В интерьерах Гарнье использовал мрамор разноцветных пород, золоченую бронзу, мозаику, декоративные росписи, ковры, хрустальные люстры, зеркала, мраморные и бронзовые статуи.

Парадная лестница, ведущая в зал и фойе

Большое фойе

Когда императрица Евгения, пораженная такой невиданной роскошью, спросила у архитектора: «Что же это за стиль?», Гарнье находчиво ответил: «Это стиль Наполеона III и императрицы Евгении !».

Зал театра

Другой пример архитектуры эпохи Второй Империи - церковь Святой Троицы в 9ом округе Парижа архитектора Теодора Балю.

Церковь Святой Троицы, Париж

Живописцы Второй Империи вошли в историю как художники салонного искусства. Особенно модными были стилизации под античность - «à 1а grecque» (франц. «под греков»). Так, успехом парижских Салонов 1847 и 1863 гг. стали «Римляне эпохи упадка» Т. Кутюра и «Венера» А. Кабанеля.

Рождение Венеры, А.Кабанель, 1863

Корифеями Салонов стали Ж.-Л. Жером и Ж.-Л. Хамон, посредственные живописцы, но снискавшие славу публики. Жером прославился и как скульптор, он создавал мраморные статуи обнаженных женщин «под антики», натурально раскрашенные, вплоть до имитации цвета волос и ногтей.

Ж-Л. Жером, Сладкий король, 1859

Салонные живописцы Второй Империи считали себя последователями Ж.-О.-Д. Энгра, выдающегося художника академического направления, поздние произведения которого действительно близки салонной живописи. Только немногие художники отваживались пойти против канонов парижского Салона. Это Э. Делакруа, великий живописец французского Романтизма, и Г. Курбе, впервые изобразивший на своих полотнах крестьян.

Г..Курбе, Встреча, или ("Здравствуйте, господин Курбе!"), 1854

Полюбоваться динамичными, полными смысла полотнами Эжена Делакруа вы сможете в Лувре, где представлена большая экспозиция, сюжеты которой заимствованы из греческой мифологии, в Музее Орсэ, в доме-музее Делакруа, расположенном на левом берегу Сены. Росписи Делакруа можно увидеть в дни Открытых дверей в Бурбонском дворце, сегодня принимающем Национальную Ассамблею, в Люксембургском дворце, нынче месте заседания Сената Франции и всегда в Лувре. Обязательно посетите церковь Сен-Сюльпис и посмотрите удивительные фрески, которым художник посвятил двенадцать лет своей жизни.

Э.Делакруа, Свобода, ведущая народ, 1830

Фризы Бурбонского дворца

В 1863 г. в Париже был организован «Салон Отверженных», где выставляли свои картины, отвергнутые жюри официальных Салонов, Г. Курбе, Э. Мане, Э. Буден, Дж. Уистлер. В 1874 г. на артистической сцене появляются импрессионисты.

Э.Мане, Завтрак на траве, 1863

В мебели аристократических гостиных почти безраздельно господствовал стиль «буль», главным образом продукции парижской фирмы семьи Вассмю. Предпочтение отдается темным породам дерева, украшенным бронзой, с инкрустациями из перламутра, черепахового панциря, меди, экзотических пород дерева. Так расширяется выбор используемых материалов: входит в моду бамбуковое дерево и индийский тростник.

Семейный салон, Музей Маньен, Дижон

Господствующими орнаментами становятся цветочные мотивы, позолоченные ободки, медальоны, маски из позолоченной бронзы. В цветовой гамме предпочтение отдается оттенкам красного, алому, золотому цветам.

Лувр

Появляются новые предметы мебели : пуф, будёз (от франц. "bouder" - дуться, обижаться) - софа, имеющая продольную, проходящую посередине спинку, по обе стороны которой можно сидеть "спина к спине" - кресло-"лягушка" (низкое и широкое, мягкое кресло, полностью обитое тканью).


Эскизы мебели Второго Ампира

Будёз

В керамике тон задавал Ж.-Т. Дэк, успешно подражавший фаянсам Сен-Поршера, итальянской майолике эпохи Возрождения и турецким полуфаянсам.

Блюдо, Теодор Дек, Музей г. Гебвиллер

А что вы скажете о вот таком сервизе лиможского фарфора, созданного специально для императрицы Евгении?

Impératrice Eugénie, Haviland, 1901

Кстати, и по сей день этот сервиз используется для сервировки президентских трапез Елисейского дворца. А в 1987 году сервиз "Императрица Евгения" сняли в фильме "Пир Бабетты" ("Le Festin de Babette"), получивший впоследствии Оскар за лучший иностранный фильм, который я рекомендую посмотреть всем любителям французской гастрономии и французского стиля жизни.

Вот так стиль Второй Империи проникает в нашу с вами современность.

Часть II. Ампир. Триумф французского представления о роскоши

2011-10-24T12:00:00.004+02:00

Триумфальная Арка, Париж

Век классицизма продлился недолго – всего несколько десятилетий. В начале XIX века, в период Первой Империи Наполеона Бонапарта, обретая новые качества и свойства, он положил начало новому стилю, получившему название – ампир.

Ж.Л. Давид.Посвящение императора Наполеона I
и коронование императрицы Жозефины
в соборе Парижской Богоматери
2 декабря 1804 года (фрагмент), 1806—1807

Наполеоновский ампир – жесткий, холодный, пафосный стиль, который, несмотря на всего тридцатилетнюю историю, коренным образом отличается от классицизма. Стремление к гармонии неоклассицизма, его возврат к древнегреческим ценностям и демократическим идеалам античных Афин последовала жесткая переориентация на образцы искусства древнего Рима. Специалисты дают этому явлению неоднозначную оценку. Так, Поль Верлен назвал ампир «затвердевшим стилем Людовика XVI», а Игорь Эммануилович Грабарь - «холодной диктатурой Ампира».

Спальня Жозефины Богарне, Мальмезон

Во времена ампира оформление интерьера становится помпезным, монументальным, театральным, вплоть до прямого подражания бытовому укладу древнего Рима. Искусствоведы часто упрекают ампир в излишне жесткой регламентированности идеологических установок. Император Наполеон служил примером для подражания для двора, а уж сам императорский двор – для всей французской аристократии.

Спальня Наполеона, Мальмезон

В 1812 г. придворными декораторами Наполеона, Персье и Фонтеном, было издано «Собрание эскизов для украшения интерьера и всех видов обстановки». В комментариях к своим проектам они подчеркивали «возможность использования самых разных стилей всех времен и народов», но на первом месте следовало ставить «величественный стиль римлян». Это открывало возможности к смешению стилей в интерьере, т.е. эклектике.

Французский ампир ввел также моду на египетский стиль. Таким образом, формы искусства египетской империи времени Рамзесов и древнеримских императоров соединились в художественных амбициях французского узурпатора. Они сосуществовали целостно и органично в едином «пространстве» романтического мышления.

Что касается характерных стилевых черт, ампир во многом противостоит классицизму. В цветовом оформлении мягкие и сложные красочные гармонии уступили место ярким красному, синему, белому – цветам наполеоновского флага. Из материалов излюбленным становится красное дерево, декорируемое бронзой.

В орнаментах - предметы военной тематики (мечи, пики, щиты, факелы, лавровые венки), геометрические фигуры (круги, овалы, ромбы), пышные бордюры из дубовых ветвей, наполеоновские пчелы и звезды из золотой и серебряной парчи на алом, малиновом, синем или зеленом фоне. Нужно отметить также заимствование ампиром античных форм без их стилизации, как это было принято в классицизме.

Появляются новые формы мебели: книжный шкаф с трельяжем, шкаф-горка, узкие витрины, серванты, круглые столы для сервировки, а «рекамье», элегантная кушетка, выполненная изогнутой в виде гусиной шеи.

Ж.Л.Давид. Портрет Мадам Рекамье

Кушетка рекамье

Основными же принципами искусства стиля ампир стали историзм, нормативность, рационализм, декоративность, многогранность, а позже - эклектизм.

Характерна еще одна особенность ампира: присущая ему регламентированность и призвание выражать имперские притязания Наполеона Бонапарта почти полностью исключила возникновение региональных течений и школ. На территориях завоеванных стран ампирные формы не были переняты полностью, а лишь интегрированы в локальные тенденции.

Ампир как искусство Франции XIX века, прославляющее победы Наполеона, был добровольно перенят лишь Россией, где он получил название «русского ампира» или «итальянизирующего классицизма».

Нарвские Триумфальные ворота, Санкт-Петербург @ А.Петросян

История и философия французского стиля в интерьере. Часть I. От барокко до неоклассицизма

2011-10-19T12:33:00.000+02:00

Элегантный и роскошный, утонченный и оригинальный, французский стиль в интерьере – это не только эстетическое удовольствие, но и признак хорошего вкуса. Женственность французского интерьера, легкая помпезность и его необычайная функциональность считаются признаком хорошего вкуса и привлекают россиян. Но очевидно одно – определить французский стиль достаточно сложно.

В этой статье мне бы хотелось, в первую очередь, поговорить о французских ценностях, которые непосредственно влияют на французский стиль оформления интерьера. Во-вторых, хотелось бы определить, что является тем пресловутым «французским стилем». И, наконец, представить Вам несколько ключевых особенностей французского интерьера и проиллюстрировать их.

Говоря о французском стиле, поневоле сталкиваешься со следующим феноменом: он по-разному понимается и трактуется людьми различных социальных горизонтов. Будет ли традиционное оформление частного парижского особняка в стиле «а ля Версаль» или оформление лофта в районе Марэ с находящимися на каждом шагу шедеврами дизайна одним и тем же «французским стилем»? Скорее всего, нет.

Так что же составляет этот знакомый - незнакомый нам «французский стиль?

Возникший в 17 веке стиль барокко о Франции получил немного иное развитие, нежели на своей родине – Италии. Яркий и помпезный, величественный и торжественный, он сопровождал и украшал становление абсолютизма. Соревнуясь за создание наиболее богато украшенных архитектурных ансамблей, аристократы того времени (впрочем, разумеется, как и королевский двор) не скупились на самые экстравагантные расходы и, собственно, дали развитие различных ремесленных мануфактур. В 1663 году были основаны Кольбером Гобеленовские мануфактуры, занятые исключительно производством предметов роскоши.

Зеркальный зал, Версаль

Ковер "Выход турецкого посла из Тюильри", Королевская Мануфактура Гобеленов

Например, краснодеревщик Андре Шарль Буль, выработавший на основе техники маркетри свой уникальный стиль, названный в его честь. Его мебель очень простых форм кажется грандиозной благодаря изысканной пышности инкрустаций из латуни, олова, серебра и черепахового панциря, помещённых в рамы из позолоченной бронзы.

Кабинет, Андре Шарль Буль, 1675-1680

Комод, А-Ш.Буль, 1710

Однако во Франции, по сравнению с другими европейскими странами, этот стиль, называемый еще «барочным классицизмом», характеризовался относительной сдержанностью, благородным великолепием.

XVIII век – время господства Франции – законодательницы стиля. Эпоха рококо, исключительно французского стиля, в то время как другие страны лишь интерпретировали французские веяния. Рококо придал значения таким стилеобразующим нюансам, каким доселе не воздавалось должное: изяществу, изысканности, элегантности. Стремление к удобству – одна из отличительных черт этого стиля.

Овальная зала, Отель де Субиз

Задуманный женщинами и для женщин, рококо ценит интимность, уют и привнес в историю дизайна большое количество инноваций. Использование новых материалов (дуб, палисандр, самшит, розовое дерево), изменение цветовой гаммы в пользу пастельных, сочетаний белого и розового, зеленого, голубого с обязательным наличием золотых деталей, появление новой мебели (канапе, бержер, секретеры с наклонной плоскостью, книжный шкаф, туалетный столик, кровать по-польски), повышенный интерес к Востоку, в особенности к Китаю, характеризуют стиль рококо. Именно он впервые сформировал представление об интерьере как о целостном ансамбле.

Кровать по-польски работы Николя Эрто XVIII в., Версаль

Во второй половине XVIII века менялось французское общество, а с ним и французский стиль. Росли протестные движения против расточительства и легкомыслия высшего общества, звучали призывы к возврату к утраченным ценностям. Так, в 1770-1780х годах на смену рококо пришло искусство классицизма. Идеалом красоты и примером для подражания стало древнегреческое античное искусство с его простыми и совершенными формами.

Комод, стиль Людовика XVI

Неоклассицизм во Франции также называют «стилем Людовика XVI», последним из «королевских стилем». Орнаменты классицизма используют в основном античные мотивы: фестоны, меандры, цветочные или лавровые гирлянды, нити жемчужника, лист аканта. Часто для декорирования используются лаки белого и зеленого цветов, в сочетании с легкой позолотой некоторых деталей. В мебели преобладает функциональность, украшение ее маркетри с позолоченной бронзой, для обивки – ткани с цветочным орнаментом. В целом, ему характерно особенная изящность прямых, гармоничных форм, сдержанное декорирование, холодность и торжественность.

Спальня Мадам де Мантенон, Фонтенбло

Читайте продолжение через неделю.

Гастрономические события Осени 2011

2011-10-10T12:37:00.000+02:00

Хорошенько запомните эту дату: 23 сентября 2011 – Праздник Гастрономии во Франции!

Первый выпуск праздника гастрономии этого года, к сожалению, уже прошел, однако я думаю, что на следующий год любители французской гастрономии не пропустят это событие.

В этом году праздник был посвящен теме земных даров и собрал свыше 2000 отдельных мероприятий на территории Франции. Множество замечательных инициатив позволили любителям окунуться в мир французского искусства гастрономии. Например, в этот день шефы гостиничной сети Relais & Châteaux открыли двери своих кухонь для всех желающих и показали магию создания гастрономических произведений искусства.

В Париже проводились открытые ателье для желающих обучиться азам гастрономической премудрости, в Тулузе славили пирожное макарон, на острове Реюньон воздали должное рому, в Бургундии организовали «Фантастичный Пикник», а в Туре специально для этого события открыли ресторан на один день.

@ Tina Rapp

Для тех, кто пропустил это событие, но интересуется французским кулинарным искусством, напоминаем: еще не все потеряно!

С 17 по 23 октября на территории Франции проходит Неделя Вкуса (La Semaine du Goût), в рамках которой также пройдут кулинарные ателье, встречи, дегустации. А для лиц, моложе 25 лет, и студентам в ресторанах-партнерах Недели Вкуса предоставляется скидка 25%! Так, например, в Париже в числе партнеров мероприятия отметим такие уважаемые заведения, как ресторан Л’Об отеля Крийон, ресторан-будуар Le First, находящийся недалеко от площади Вандом и украшенный известным декоратором Жаком Гарсия, или излюбленное место французских парламентариев Chez Françoise. Подробности вы можете узнать на сайте французской Недели Вкуса.

А с 20 по 24 октября всех любителей шоколада приглашают организаторы Салона Шоколада. Задуманный как событие, объединяющее профессионалов, от производителей какао до шоколадных дел мастеров, и любителей, Салон привлекает своим размахом и культурной составляющей. Традиционные ателье по приготовления шоколадных лакомств, конференции и презентации, посвященные странам производителей какао (в этом году Сан-Томе и Принсипе, Панама и Бразилия) в рамках Какао Шоу, выдача различных наград, встречи и открытия...

Вы сможете также посетить Дефиле Шоколадной Моды, ставшие доброй традицией Салона. Престижная коллекция модных сюрпризов, задуманная талантливыми тандемами модных дизайнеров и мастеров шоколадного дела. В этом году уже семнадцатый по счету выпуск дефиле "Шоколадных Тенденций" пройдет под председательством несравненной Шанталь Томас (Chantal Thomass).

Однако самым ожидаемым событием Салона является, несомненно, "Дуэты на Столах" (Duos sur les Tables) - выставка роскошно сервированных и изысканно украшенных столов, дизайн которых был вдохновлен темой "7 Смертных Грехов". Лучшие кондитеры объединились с культовыми представителями дизайна, чтобы создать исключительные шедевры, обещающие незабываемое удовольствие! В этом году нас очаруют произведения известного Дома Андре Путман, представленный Оливией Путман, и кондитера Садхару Аоки, старейший в мире ювелирный дом Меллерио и Арно Ларер, архитектор Мари Дерудиль и Кристоф Мишалак, декоратор Жан Од и Жан-Поль Евэн и стилист Николя Фафьот и Себастьен Буйе.

Итак, если вы решили приобщиться к шоколадной "моде" этой осенью, не пропустите парижский Салон Шоколада 2011!

«Осенняя» гастрономия в Париже

2011-10-09T14:30:00.001+02:00

Философия французской гастрономии

В 2010 году состоялось возведение французской гастрономии в ранг всемирно охраняемого нематериального наследия ЮНЕСКО. Не удивительный для многих факт. Впрочем, не только для французов. Каждый иностранец, прибывающий во Францию, надеется, так или иначе, познать это явление – французскую гастрономию. Однако в чем это явление заключается? В потреблении определенных продуктов? В различных вкусовых ассоциациях? Или в чем-то другом? Попробуем разобраться.

В первую очередь, в ее долгой истории и давних традициях. История высокой кухни («от кьюизин» по аналогии с «от кутюр») началась с публикации в 1651 году шеф-поваром Ля Варен первой французской кулинарной книги « Le Cuisinier françois ». Разумеется, среди французов, как и среди всех других народов, гастрономы были и до 17 века. Однако кодифицированная версия французской кухни была создана лишь в 19ом веке Огюстом Эскофье. В своих трудах он касается не только нюансов приготовления блюд, но и дает советы по использованию более легких, диетических продуктов, предлагает новые композиции меню, закрепляет структуру трапезы и даже затрагивает вопросы организации ресторанного менеджмента.

Millefeuille d'aubergines et de tomates, couvert de mozzarella

Новшества коснулись и ритуала оформления, подачи блюд и обслуживания гостей, которые были переняты у российской аристократии. В то время как французская манера приемов предполагала одновременную подачу всех блюд, принцип буфета (гости ели стоя и сами составляли свое меню), практика российского двора подразумевала последовательную подачу блюд (перемен) - таким образом, блюда подавались горячими – обслуживание гостей на месте личным мажордомом, порционную подачу блюд, а также целый ритуал накрытия стола, требования к посуде и столовым приборам и т.д. История повествует о том, что князь Александр Куракин, посол Российской империи в Париже с 1808 по 1812, произвел фурор на французских подданных, побывавших на его приемах.

Позже, с появлением нового для того времени справочника-путеводителя по Франции, а именно справочника Michelin, в 1900 году, окончательно оформилась новая тенденция – повышенный интерес к региональным кухням. Сегодня уже невозможно представить себе французскую кухню без фуа гра (foie gras), устриц, утиной грудки из Юго-Запада, касуле (cassoulet) из Тулузы, бретонских галет, нормандского сидра, каталонской карголады (cargolade), бургундского бёф бургиньон (boeuf bourguignon), лотарингского пирога (quiche Lorraine), фламандской карбонады (carbonade flamande) и многих-многих других!

Устрицы @E.Sicot


Рыбный суп @Antoine Peillon

Утиная грудка, приготовленная на меду и со специями @E.Sicot

Сегодня новые тенденции развиваются под руководством плеяды талантливых и известных по всему миру шеф-поваров, которые ратуют за упрощение блюд, использование свежайших продуктов, сохранение аутентичного вкуса продукта, приготовление на пару, использование более легких соусов и приправ, поиск и создание новых вкусовых комбинаций, уважение региональной кухни. Ален Дюкас (Alain Ducasse), Поль Бокюз (Paul Bocuse), Мишель Рот (Michel Roth), Жоель Робюшон (Joel Robuchon), Кристиан Констан (Christian Constant) составляют славу современной французской гастрономии.

Морской окунь под зеленым соусом примавера. Ален Дюкас @E.Morin

Французская трапеза – это еще социальное явление, без которого не обходится ни одно важное жизненное событие: рождение, свадьба, успех, встреча. Во время трапезы гости разделяют удовольствие быть вместе и гармонию между человеком и природными дарами. Французская трапеза, как правило, имеет свою программу и свои правила. Она начинается с аперитива, призванного открыть аппетит, и заканчивается употреблением дижестива (ликеры, настойки или кофе, чай, травяные напитки), насчитывает не менее четырех блюд, а именно закуска, рыбное или мясное блюдо с овощами, сыр и десерт. И, конечно же, - неограниченное общение на протяжении всей трапезы…

@ Eb Macelion, 2006

Уход Стива Джобса, или почему 2012 останется 2012?

2011-10-06T15:37:00.002+02:00

5 октября 2011 года в возрасте 56 лет нас покинул основатель «яблочной» компании Apple и одна из самых эмблематичных фигур начала 2ого тысячелетия человеческой истории.

Великий новатор, подаривший нам несколько поколений I-гаджетов и поменявший нашу парадигму мышления. Изобретатель с большой Буквы, не признающий компромиссов со своей мечтой. Талантливейший предприниматель, не закончивший колледж, но сумевший вывести компанию, генеральным директором которой он являлся в мировые лидеры по рыночной капитализации, а брэнд – также самым дорогим в мире.

Впрочем, и это не главное.

Стив Джобс, с талантом провидца, дал нам новый взгляд на мир, на информацию, на пространство. Благодаря ему, демократизируется рынок смартфонов. Вступает в свои права планшетный компьютер, который способен сделать революцию в образовании и науке.

А мы? Мы получили доступ к кастомизированной информации 24 часа в сутки, к неограниченным контактам на мировом уровне, документировать и делиться своими открытиями, находить все более широкую аудиторию для донесения своих идей, возможность ориентироваться в пространстве, которое стало более дружелюбным, благодаря стильному Iphone.

Разумеется, вдохновение и харима Стива Джобса незаменимы. Но, несмотря на это, он уже показал человечеству XXIого века путь.

Добро пожаловать на Ars Vivendi!

2011-10-01T22:14:00.002+02:00

Дорогие читатели,

Я рада приветствовать Вас на своем новом блоге Ars Vivendi, или Умение Жить Стильно, где вы, я на это очень надеюсь, найдете интересную и полезную информацию о новинках стиля и старинных еще не позабытых традициях, которые составляют наше art de vivre, или «искусство жить»...

Что есть Ars Vivendi?

Наслаждаться сегодняшним моментом – это ценить хорошую кухню, любить свой Дом, наслаждаться приятным обществом близких по духу людей, черпать вдохновение у других народов, искусство, быть в курсе новых тенденций и того увлекательного, что происходит в этой большом, но очень гостеприимном мире.

Мне бы хотелось делиться с вами моими открытиями в области гастрономии, новинок стиля и моды для дома, привычек разных народов, обзорами книг и всем, тем поделиться стоит!

До встречи на страницах этого блога!

Вселенная Дизайна для Вашего Дома

2011-10-01T11:05:00.000+02:00

Культовым событием сезона стала парижская выставка Maison & Objet, проходившая в Париже с 9 по 13 сентября. В чем ее уникальность? Прежде всего, в профессионализме и легитимности (не зря все мировые профессионалы, работающие в сфере дизайна, считают необходимым свое присутствие на Салоне), умении представлять мировые новинки дизайна и проводить анализ креативных тенденций мировых лидеров дизайна.

Подразделяясь на 8 выставочных павильонов, среди которых «героями» стали стиль «этнический шик», домашний текстиль, искусство столового убранства, дизайн интерьера, outdoor-дизайн, домашние аксессуары, а также особый павильон для крупнейших люксовых марок и созданных ими «интерьерных сцен» (scènes d’interieur).

Представляя на суд публики и профессионалов своего видения «искусства жить» (ars vivendi или art de vivre), участники выставки Maison & Objet 2011 выбрали своим лейтмотивом тему своеобразия. Уникальность и экологичность материалов, большой выбор тем и, конечно же, своеобразие каждого создаваемого образа.

Основными образами на выставке домашнего текстиля класса люкс стали различные оттенки «ягодных» тонов, голубизна красок океана и удивительная палитра сиреневых оттенков: от бледно-лавандовых, королевского сиреневого до темного, практически черного баклажанового. Среди дизайнеров, выбравших сиреневые тона, в качестве примера можно назвать DESIGNERS GUILD, ALEXANDER TURPAULT, HUGO BOSS и YVES DELORME. В более красных, пурпурных тонах выполнены коллекции SCHLOSSBERG, SONIA RYKIEL и OLIVIER DESFORGES.

Из последних тенденций дизайна домашнего текстиля назовем переосмысление флоральной темы, которая не выходит из моды, а наоборот находит новые источники вдохновения. Самой смелой находкой в этой теме стали пастельно-угольные розы от SONIA RYKIEL, а также новые цветочные дизайны от KENZO.

Графический модерн также стал одним из излюбленных дизайнерских решений. Однотонные комплекты или комбинации двух цветов (например, DIANE VON FURSTENBERG), оформление «в горошек», как в случае с KENZO, DESCAMP, CHRISTIAN FISCHBACHER.

Показательным трендом также стал экологичность и уважение гармоничного развития природной среды. Это воплотилось в выборе исключительно натуральных материалов, а также в деликатных, нежных дизайнах. Например, одна из старейших марок постельного белья в люксовом сегменте – Ив Делорм (YVES DELORME) – выбрала для своей новой коллекции строгую романтику зимних пейзажей (модели Passé Présent, Sous Bois).

Для роскошных интерьеров выдающимся дизайнером Эвелин Жюльен специально для зимней коллекции был создан дизайн Baupré, вдохновленный актерами труппы Жана Батиста Мольера, в нарядах которых широко использовался легкий и изысканный кашемир. В орнаменте также использован знаменитый ориентальный рисунок: «восточный огурец».

Дизайны KENZO, как всегда верные своему буйству красок и японской рефлексивности, предлагают нам новое видение цветочного мира KENZO в модели Izabal (сатиновое белье с вышивкой в контрастных тонах темно-синего и малинового цветов), цветочное изобилие в модели Enzo (фруктовый и женственный вариант все в том же малиновой цвете с деталями цветов фуксии и розовой гуявы, а также мужской голубой вариант). Дизайн Teramaya отдает дань старинным техникам вышивки, переосмысленным в современных интонациях.

Несмотря на то, что осенняя выставка Maison&Objet в преддверии новогодних праздников более посвящена деталям и аксессуарам, нежели новинкам и открытиям, она сохранила свое, ставшее традиционным, волшебство и магию изысканно оформленного Дома.