I am so thankful for the year I could spend at Künstlerhaus Bethanien, exhibiting was not anything I was confident about but being able to show my works was such an important tool in the development of my practice.

Zahra is at a very young stage of her career. She studied Visual Communication at Teheran University of Art (BA) as well as Medium and Material Based Art at Oslo National Academy of the Arts (MFA). Being part in the International Studio Program is her most important activity since her graduation. Her primary medium of representation is drawing, an activity she finds highly meditative.  Hours and hours, she spends on perceiving her environment and bringing it back to life on paper. “A nice desk, nice place and nice view where I can see the city, life and just observe things happening around me. That is all I need!”. Drawing a piece of paper on another piece of paper was the beginning to her first solo exhibition today. “I didn’t have a concept in my head when I started working. It’s not like I wanted to make any kind of show, it all just evolved in the process, one decision led to another and at one point my decision-making process began to become more conscious leading into one direction”. With the years, reproduction and techniques of duplication evolved to be an important topic in her works, which she is now elaborating with ‘Between Pages’. 

INTERVIEW WITH ZAHRA RASHID

Zahra, could you share a bit of your experiences about your time at the Künstlerhaus Bethanien?

It was an intense but amazing experience. It was the first time in my life I had a studio to myself. I am not a person who needs a lot of space, I draw a lot, but that usually involves a piece of paper and a pencil. It was nice to have a space completely committed to my work, a space where I could just let things be, let things happen by itself and come back to them later. My works are a lot about time, which also involve lots of observing and waiting, having had a space to let things come as they come was important for the evolution of my work.

Please tell us what you have been working on and what is the main idea behind ‘Between Pages’

It’s all following a process that started five years ago. I started a drawing project in which I began to draw a piece of paper on another piece of paper, it was a really simple idea as all I wanted to do is to draw. I looked around and thought “Oh what can I draw?” and then I found this paper scraps in my bag from old bills or waiting room numbers. It was not really a planned move to make a show or really anything out of it. It was all a process, one thing led to another. While I studied Printmaking in Oslo, I started to transfer my drawings to the duplication techniques I learned there. When I then moved to Berlin, I decided casting could be an interesting form of reproduction to experiment. Finding new ways of duplication is fascinating to me.

Is there any personal background / story involved?

There is. One reason I wanted to duplicate a piece of paper as an object and not just as a drawing or a print is because once someone gave me a piece of paper which was attached to a traumatic experience for that person. She thought I might want to draw that. That piece of paper somehow was very different than other papers I was used to draw. It was not just a random piece of paper but one with meaning. I scanned it and put it in between a book of mine. I thought I might get back to that paper later. I’ve been moving a lot in my life, so when one day I was looking for the ticket, I realized it must have gotten lost. It was a strange loss to me, as it was not a random object, it was something I could not replace anymore. I still had the scan, and I thought maybe I could make something out of the image I had from it. That’s how I started to experiment with cast.

That sounds poetic. Why is paper such an important medium for you?

My main activity is drawing and I work a lot on paper. But there is more to it, a nice piece of paper is so inspiring to me. Sometimes the form can be interesting, then again the light or the shadow, or at times the information on it.  At the same time, I was at a point in my practice where I felt it was time to commit to something, to give it more potential. This commitment was very helpful for getting focused. 

Not only paper, but time also has a significance within your body of works. Why so?

I like observing time. Looking back at my drawings, I have this book where I kept the paper scraps and my depiction of it, it’s funny how the material of the original scraps, which is not the best quality, started turn yellow or the information on it got unreadable but my drawing stayed the same. Basically, when I look at this book today it is not what it was in the beginning and it will not be the same one year from now. Time brings continuous change.

Is there any dream in your artistic career that you would like to see happening in your life?

That’s a tough question (laughs). I hope I will be involved in more projects and activities to maintain my practice and make it sustainable. Also, I hope I will be able to exhibit more, as I found out how helpful it is for the process itself to exhibit.

How did you enjoy your time in Berlin?

I already been in Berlin few times before, so I knew my way around but it is a city I could imagine living in for longer.  Every morning in summer I went to this little café called “Corner Café” at Kottbusser Tor near the Turkish market and I just sat there with a coffee observing the surroundings and what was happening. Such a nice flow.

Interview: Domino Jahn / Photos: David Brandt für Künstlerhaus Bethanien

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Michael Hughes, Westberlin in den 1980er Jahren (Oranienstrasse) Copyright: Michael Hughes

Lieber Christoph, bitte erkläre uns als erstes was es mit dem Titel der Ausstellung, Berlinzulage, auf sich hat! 

Die „Berlinzulage“ war die Zulage, die jeder West-Berliner Arbeitnehmer zwischen 1971 und 1994 zusätzlich zum Bruttogehalt steuerfrei erhielt. Es handelte sich also um eine Art Frontstadt-Prämie, um Arbeitskräfte im eingemauerten West-Berlin zu halten oder anzulocken. Unsere Ausstellung wurde in einem Kuratoren-Trio erdacht. Anne Peschken und Marek Pisarsky sind die Auskenner mit Westblick. Ich habe meine Ost-Erfahrungen eingebracht.

Entstanden ist eine Kunstausstellung (keine kulturhistorische Schau politischer Nachhilfe), mit der wir jene künstlerischen Strategien präsentieren, die, von heute aus gesehen, Relevanz besitzen aufgrund ihrer experimentellen, abseitigen, ungewöhnlichen Perspektive, die den Mainstream herausgefordert und Gewissheiten in Frage gestellt hat.

Selbst wenn der Ausstellungstitel absurd klingt, die Teilung der Stadt war es auch.

Diesen Bonus offerieren wir, um der Klischeebildung entgegenzuwirken.

Christian Hasucha, JETZT, 1989, Dreiwöchige abendliche Performance mit Blitzlichtkasten (Gerüstsitz 300 x 250 x 150 cm) auf Fassadenkante in 15 m Höhe, Köln, Performer: Hans-Jörg Tauchert, Foto: Studio Hasucha, Berlin

Was war der Auslöser, diese Publikation ausgerechnet jetzt herauszubringen?

Seit den 1990er Jahren hat es diverse Ausstellungen, Kataloge, Bücher zur Kunstszene West-Berlins gegeben und gerade in jüngster Zeit erfreuen sich literarische Betrachtungen sowie Fotobände zur Situation Berlins vor dem Mauerfall allgemeiner Beliebtheit.

Insofern ist das Berlin der Vorwendezeit ein heißes Thema und ein idealer Humus für Mythenbildungen.

Wir wollten mit unserem Projekt ein Korrektiv zu den bisherigen Behauptungen bilden, Fehlstellen und Übersehenes benennen und nicht das Bekannte erneut auftischen.

Raffael Rheinsberg, Gebrochen Deutsch, 1992/93, Zerbrochene Straßenschilder aus Ost-Berlin, ca. 1.770 Teile, 300 x 500 cm, Außeninstallation vor dem Martin-Gropius-Bau, Berlin, 1993 Foto: Jens Rönnau, Kiel

Gab es erst die Idee zur Ausstellung oder die Idee, alles in eine gebundene Form zu bringen, um auch zukünftig nachschlagen zu können?

Wir wollten schon eine Ausstellung machen, waren uns freilich bewusst, dass auf 500 qm kein Großprojekt entwickelt werden kann. Das jetzt Präsentierte ist ein Ausschnitt. Viele innovative künstlerische Ansätze und wichtige Projekträume konnten wir nicht berücksichtigen, deshalb haben wir zusätzlich ein Katalogbuch von 500 Seiten mit lesenswerten Beiträgen hervorragender Autoren und Autorinnen erarbeitet. Wenn jemand behauptet, die Ausstellung ist ein Appendix des Buches, dann würde ich dem nicht widersprechen können.

Hans Hemmert, german panther, 2007, Luftballons, Luft, Kleber, 300 x 370 x 960 cm, Installationsansicht Städtische Galerie Nordhorn, Foto: Helmut Claus, Köln

Berlin ist eine Stadt, die aus allen Nähten platzt, es gibt in Relation gefühlt nur noch einen Bruchteil der Leute, die „das alte Berlin“, also das Berlin der 1980er Jahre erlebt hat oder sich der damaligen Situation bewusst ist. Welche Bedeutung hatte das Künstlerhaus in Bezug auf die Kunstszene in West-Berlin in den 1980er Jahren? 

44 Jahre existiert das Künstlerhaus Bethanien nun schon und gehört damit zu den ältesten Künstlerhäusern der Welt. Michael Haerdter fokussierte im alten Bethanien-Krankenhaus am Kreuzberger Mariannenplatz von Anfang an auf die Trinität von Künstlerunterkunft, künstlerischer Arbeit und Präsentation, die auf Bildende Kunst, Theater, Tanz, Performance, Film, Video, Musik, Literatur, Stadtgeschichte und Phänomene des Urbanen ausgerichtet war, zur Anschauung gebracht in Werkinstallationen, diversen prozessualen Kunstformen und Modellen der Vermittlung.

Etwas Ähnliches gab es in dieser bewusst innovativen Zeichensetzung zu dieser Zeit in Deutschland nicht.

Entsprechend schnell machte das Künstlerhaus Bethanien mit seinem Credo von sich reden. Zu Gast waren etwa Koichi Ono (1977), Marina Abramović und Ulay (1982), Kazuo Ohno und Anzu Furukawa (1982), Olaf Metzel (1985), Samuel Beckett (1986), Die Tödliche Doris (1986), Ulrike Grossarth (1987), Jan Fabre (1988), p.t.t.red (1988), Boris Nieslony (1989), Junko Wada mit Hans Peter Kuhn (1989), Maria Eichhorn (1990), Eran Schaerf (1990), Shogo Ohta (1992) und Ryuji Miyamoto (1999).

Käthe Be, 1987, Schwarz-Weiß-Fotografie, 60 x 40 cm, Foto: Roland Owsnitzki, Berlin

Eine lange Reihe aufsehenerregender Performance-Festivals setzte rigorose Akzente der Grenzüberschreitung.

Direktor Haerdter hat es verstanden, den Zeitgeist des Aufbruchs zu neuen Ufern, der in der Künstlerschaft präsent war und in den Kunstinstitutionen und auf den öffentlichen Plätzen herrschte, mit emanzipatorischen Kunstkonzepten zusammenzudenken und das Künstlerhaus Bethanien für 26 Jahre entscheidend zu prägen. Das sieht man der Ausstellung an. Alle Künstler_innen der Ausstellung hatten auf die eine oder andere Weise Kontakt mit dem Künstlerhaus.

Hans Hs Winkler, Telefonbuchinstallation in Telefonzelle, 1987, Kurfürstendamm, Berlin, Foto: p.t.t.red, Berlin

Und wie hat sich Euer Ansatz weiterentwickelt im Vergleich zu den Anfängen, was ist geblieben, was musste geändert werden und warum? 

Vor mehr als 40 Jahren waren wir ein „Supertanker“ mit einem Künstlerprogramm und einem opulenten Veranstaltungsprogramm. Seit dem Mauerfall, seit sich neue Institutionen für Tanz, Literatur und auch neue Künstlerprogramme in Berlin zu etablieren begannen, haben wir umgesteuert, um nicht länger Programmpunkte zu doppeln.

Aber nach wie vor sind wir den jungen Künstler_innen der Welkt verpflichtet.

Seit unserem Umzug im Jahr 2010 in die Kohlfurter / Kottbusser Str. haben wir repräsentativere Ausstellungsräume und mehr Künstlerstudios. Wir haben uns räumlich vergrößert, finanziell konsolidiert, unsere institutionelle Basis ausgebaut und das Programm geschärft, das heißt, im Kern sind wir auf die bildende Kunst orientiert, coachen wir „unsere“ Künstler, entwickeln wir Kontakte, Diskursteilhabe, Karrieren und produzieren Ausstellungen.

Ulrike Grossarth, Esther und Ruth, Lublin, 2016, Zeichnung auf Karton und Siebdruck auf Stoff, ca. 130 x 35 cm,Siebdruck: Irina Claußnitzer, Dresden, Foto: Studio Grossarth, Lublin

Erzähle uns ein bisschen mehr zur Ausstellung selbst, den Künstlern, dem Konzept.

Ins Auge fällt die Abwesenheit von Malerei. Dafür gibt es zahlreiche Beispiele der damaligen Innovationen im Bereich von Konzeptkunst, Skulptur, Kunst im urbanen Raum, performativen Interventionen, Sound und Super-8-Film.

Die Ausstellenden verbindet eine Distanz zur malerischen Wildheit, diesem Identischwerden mit dem randalierenden Pinsel.

Otmar Sattel, Grundlagen / Ballon, weiß, 2007, Wasser, Hefe, Zucker, Nährsalz, Metallkanister,Druckmesser,Kupferleitung, Ballon, Durchmesser: 60 cm, Höhe: 150 cm, Foto: Studio Sattel, Berlin

Da ist einerseits Raffael Rheinsberg mit seiner Fundstücksicherung und den Abtastungen des Weggeworfenen. Künstler_innen entwickeln damals einen neuen Produktionsbegriff, der die Verfahren der Herstellung reflektiert und lange vor den heutigen Diskursen nach der Kontextualisierung fragt, z.B. Olaf Metzel, Eva-Maria Schön, Maria Eichhorn, Hans HS Winkler, Frieder Butzmann, Ulrike Grossarth, Fritz Balthaus, Christian Hasucha, Anne Peschken / Marek Pisarsky (Urban Art) und Thomas Schulz. Sie alle beginnen damit, Raum, Skulptur, Natur und die Elemente neu zu sehen, schaffen Versuchsanordnungen und reflektieren Grundkonstanten von Kunst bzw. forschen nach den Möglichkeiten ihrer medialen Erzeugung, wie z.B. die Gruppe „Material und Wirkung“, von denen wir zwei Vertreter eingeladen haben: Eberhard Bosslet und Otmar Sattel.

Christina Kubisch, Planetarium, 1988, 14 Lautsprecher, 400 m elektrisches Kabel mit fluoreszierender Farbe, 8 UV-Lampen, 8 x 11 m Wandfläche,Ausstellungsansicht Stanze del tempo, Centro Internazionale Brera, San Carpoforo, Mailand, Italien, Foto: Giacomo Oteri, Mailand

Gibt es etwas Besonderes, ein Highlight, einen unerwarteten Moment?

Die Klang-Experimentatorin Christina Kubisch untersucht seit 2003 elektromagnetische Felder und bietet extra „Electrical Walks“ an, damit  Besucher mit speziellen Kopfhörern einmal das hören bzw. erleben können, was uns ständig umgibt, ohne dass wir es wahrnehmen: Lichtsysteme, Transformatoren, elektronische Diebstahlsicherungen, Überwachungskameras, drahtlose Internetzugänge, Hochspannungsleitungen, Mobiltelefone, Computer, Bankautomaten, Antennen, Leuchtreklamen. Das ist ein erkenntnisreicher und auch ein bisschen beängstigender Kunst-Trip.

Frieder Butzmann, Die sieben rhythmisch angeordneten Rindsrouladen – Score for any kind and number of instruments, 2014, Fotocollage, 50 x 70 cm, Foto: Roman Liebe, Berlin

Du bist selbst in Leipzig geboren, in Dresden aufgewachsen und seit 1976 in Berlin, hast also einen sehr direkten und persönlichen Einblick der dich mit dieser progressiven Zeit verbindet. Gibt es ein Erlebnis, eine Ausstellung, Künstler, Anekdote die dir in diesem Zusammenhang dazu einfällt, prägnant ist?

Als ich 1976 an der Ost-Berliner Humboldt Universität zu studieren begann und auf der Straße die ersten westdeutschen Abiturienten traf, die mit ihren Klassen zum Tagesausflug nach Ost-Berlin kamen, hab ich mir schnellstens einen Falk-Faltplan von West-Berlin erschnorrt, weil ich passionierter „S-F-Beat“-Hörer war, damals noch mit Henning Vosskamp und Helmut Lehnert.

Und wenn dann von irgendwelchen Clubs und Locations in West-Berlin die Rede war, dann bin ich mit dem Finger auf der Karte gereist und hörte dazu die entsprechende Musik. Die abgedrehteste Quelle war aber John Peel auf BFBS. Der war ab Anfang der 80er Jahre Kult, weil er auch Tapes aus dem DDR-Untergrund spielte.

Und natürlich war Westfernsehen das wichtigste Medium, insbesondere das ARD-Magazin „Kontraste“ mit den Beiträgen von Peter Wensierski, „Kennzeichen D“, „Rockpalast“, in den 80ern dann „45 Fieber“.

Axel Lieber, Sockel mit Bildhauer, 2002
Foto: Susanna Hesselberg, Malmö

Was relevant war im Ost-West-Überblick, erfuhr man über den Westkanal. Die Berliner Abendschau gehörte zum festen Tagesprogramm. Trotz der Mauer waren wir im Osten bestens informiert. Als ich im Winter 1989 ins LOFT zu MUDHONEY rannte, hatte ich das Gefühl, ich sei schon mal da gewesen. Wir Ostler lebten zwar hinter der Zeitmauer, aber kriegten trotzdem alles mit. Oftmals wussten wir mehr über den Westen als Westler über den Osten.

Und last but not least, was wünschst Du Dir, was die Stadt Berlin, der Senat, anders machen sollten, um Berlin als einzigartigen Standort für Kunst und vor allem auch den Widerstand und Boden für Diskussionen und kritische Kunstdiskurse zu erhalten bzw. wieder herzustellen?

Lange bevor von „Zwischennutzungen“ die Rede war, haben die Künstler_innen der „Berlinzulage“ im eingemauerten West-Berlin über „Lebensräume“ reflektiert und die Stadt gegen jegliche kommerzielle Verwertungsabsichten erkundet, den gelebten Raum verteidigt und neue Freiräume erobert.

Wir müssen heute neu trainieren, wirklicher zu werden, natürlicher, un-betonierter, raumgreifender und nicht nur ängstlich unseren Körper betasten, sondern die Stadt als unseren Leib begreifen.

BERLINZULAGE

Künstlerhaus Bethanien | Kottbusser Straße 10 | 10999 Berlin

Laufzeit: 24.08. – 16.09.2018
Di – So: 14 – 19 Uhr

Eintritt frei

https://www.bethanien.de

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“Reflexion Body” L.A. 01, 2011 © Semra Sevin

A kaleidoscope, much like human identity can be misleading.

What seems to be— to the naked eye— an outwardly clear-cut cylinder object is anything but with a closer look. Inside, a world of beautiful patterns and images awaits to enthrall the beholder. Every turn of the kaleidoscope is a new journey. Unusual designs take shape as a variety of colourful objects dance in the middle of an arranged audience of mirrors. These mirrors reflect, from their vantage point, collectively but uniquely the different angles of these dancing pieces in an overall but ever-changing ensemble, projected in the core of this three-dimensional object.

“Crossing Identities”, Reflexion Portrait, Sorhan, Los Angeles, 2017 © Semra Sevin

With this striking analogy, Sevin sets the backdrop of her upcoming exhibition, Passengers of a Kaleidoscopic Journey, where she will bring together, at the end of October, thirty-three artists from Los Angeles, Berlin and Istanbul to demonstrate their kaleidoscopic vision on the human disposition. Supporting open-minded creativity, her exhibit will showcase the performances, paintings, photographs, sculptures, projections, as well as the installations of the invited artists to celebrate diversity in all its interpretations.

“Crossing Identities”, Reflexion Portrait, Luzia, Berlin, 2017 © Semra Sevin

Being a child of diversity herself in Germany, with Turkish immigrant parents, and a cross- continental career taking her to Berlin, Paris, Istanbul, L.A and back, Sevin learned relatively early— like philosopher Wolfgang Welsch— that traditional ideas of identity do not respond to the complexity of our modern world.

My whole essence is focused on overlapping boundaries, and presenting the other dimensions of the human experience, not visible to the common eye.

“Reflexion Body” NYC 05, 2016 © Semra Sevin

 

In a world becoming more interconnected and accessible through technology and travel “with the right passport of course”, Sevin hopes to see a shift from our traditional perception of human identity. Her aim is to use her art to contribute to the development of a much needed collective consciousness.

We live within a European Union where its inhabitants are still defining themselves by their nationalities, while, at the same time, their globalised economic context exposes them to new cultures, values, habits, and people. As this unyielding understanding of identity comes across other identities, this creates confusion, even fear of the other.

“Reflexion City” Berlin, Reichstag 01, 2010 © Semra Sevin

Today, Sevin is witnessing first-hand the transformation of major European capitals such as Berlin and Paris into globalised hubs in perpetual movement, integrating at an intimidatingly swift pace new faces, cultures, and perspectives. Her vision, presented in her Reflexion Cities series, portrays the ephemeral moments of cosmopolitan cities such as Paris, Berlin, Rome, Istanbul, New York, San Francisco and LA, and their evolving landscapes through the perspectives of its various residents.

Each of these cities are moving differently in our current context, and these movements are beautiful. However, they have also created complicated situations.

“Reflexion City” London, Big Ben 01, 2010 © Semra Sevin

Refocusing her attention on her home environment, Sevin feels like Europe is going through a dangerous identity-crisis.

As the effect of cultural globalisation speed up, and manifests itself in European cities, I feel like the traditional idea of identity is becoming more rigid, more uncompromising… and the growing populist movement in Europe is quite telling.

“Reflexion City” Istanbul, Sirkeci Train Station 01, 2010 © Semra Sevin

Sevin wants to change this fear of the “other”, by uncovering the beauty of “otherness” in us all. She believes that human identity has always been, throughout history, multi-dimensional and ever-changing. For instance “even before Germany had an influx of immigrants, there was a sense of ‘otherness’ when a Bavarian would move to Munich. We don’t realize it, but this is still the case today.” Sevin does not view her German culture as frozen, she understands that it has multiple layers and is perpetually evolving. And identifying oneself beyond the German culture does not make any German less German.

You don’t have to be an immigrant to have multiple layers. If we go beyond culture or ideology, our identity is also impacted by our gender, sexual orientation, age, etc. But I think a lot of people are not fully aware of this.

“REglam”, Berlin, Olivia Berckemeyer, 2013 © Semra Sevin

In her series of photos, Sevin has delved, not only in the movement of cities, but she has also used the power of her lens to portray a different vision of urban artists, immigrants, body types, and alternative fashion trends. She does this while taking into account three factors: her subject’s bodies and respective aesthetics, their personalities in conjunction with their work and upbringing, and the environments in which they thrive.

“REglam”, Berlin, Danielle, 2015 © Semra Sevin

The patterns of a kaleidoscope are very much dependent on the way its body turns, the composition and dance of the lose pieces from within, and the variations of light provided by its surrounding… and the beauty of this is that no single pattern produced resembles another. For me, humans are the same.

“Runaway Bride 01”, 2002 © Semra Sevin

As a photographer, Sevin trusts that she can capture the vast beauty of all human beings in the glory of their complexity, within this very new frontier of globalisation.

“Transnational Identity” Regina 01, 2011 © Semra Sevin

You should know that I have always been a dreamer of beautiful things… beautiful realities. For me, it was a means to survive. Coming from a migrant family of labourers lacking education… well… growing up, aesthetics in my life was limited. I had no room for myself, no fancy trips, or even cultural activities. To top it off, fights between my parents were a constant. Having a controlling father, after a certain age, I couldn’t just leave or escape from time to time. Dreaming provided that escape. I could imagine another lifestyle, another reality. I know this might seem like a sad story to some… but, I feel like this experience gave me superpowers! It allowed me to sharpen my ability to imagine, be visionary, and make things beautiful. And beauty has power.

“REglam”, Berlin, Amelie, 2015 © Semra Sevin

Sevin believes that if our effort is to better understand each other and our changing identities, we need to foster at the core of every citizen values of humanism, universalism and tolerance, so that the “other” does not scare, but instead inspires. And to Sevin, beauty inspires, and could perhaps move those clinging to their increasingly static vision of identity.

“Crossing Identities”, Reflexion Portrait, Carla, Berlin, 2017 © Semra Sevin

As an artist, I see the world differently. It is my responsibility, my calling even, to capture the mysterious or misunderstood parts of the turning kaleidoscope, and render it accessible and beautiful to others.” Sevin considers that all humans have a fundamental role to play in translating the human kaleidoscope. “Sure, maybe my personal engagement might not seem so significant in this great big world. However, if everyone viewed their role as insignificant, then change would never be possible.

“Reflexion Portrait” L.A., Gale Tattersall & son, 2011 © Semra Sevin

And to Sevin, if all artists foster this collective consciousness, then just maybe this change in minds-set can happen sooner than we expect. With her exhibition in October, Sevin hopes that this shared effort can counter the hateful populist rhetoric vis-à-vis immigrants, and any form of otherness, by staging the positive impacts of diversity in our fast-moving societies.

My goal is to make people understand that ‘the other’ can be found in all of us, and that ultimately everyone is turning in their kaleidoscope. Not just Semra Sevin!

PASSENGERS OF A KALEIDOSCOPIC JOURNEY curated by Semra Sevin

PARTICIPATING ARTISTS:

 

Los Angeles: Regina Mamou, Alexandra Gibson, Lindsey Nobel, Tori Zalben

 

Istanbul: Taseron Initiative: Özan Atalan, Ahmet Bilgic, Sahin Domin, Gizem Kahya Iyem, Osman Nuri Iyem, May Parlar, Seckin Tercan, Devin Yalkin

 

Berlin:  Denise Alheit, Erik Andersen, Nina Ansari, Icke Art, Stephan Brenn, Per Christian Brown, Kobe Eins, GODsDOGs, Mustafa Dok, Emma van Helden, Kamilla Kleinschmidt, Corry Siw Mirski, Nicolas Manenti, Astera Mortezai, Ekin Su Koc, Sebastian Kusenberg, Miray Seramet, Semra Sevin, Helene Sommer, Helen Kiran Taylor, Özer Toraman, Victoria Trunova (KOY), Size Two, Ria Wank, Hansa Wißkirchen, Vadim Zakharov

 

Music Artists: Mary L. Fischer, DJ ACID GOLD (Jonny Tiernan)

 

Licht: Kulturkartell

 

PASSENGERS OF KALEIDOSCOPIC JOURNEY | EXHIBITION 

PRESS PREVIEW: September 27 | 5PM | light refreshments

OPENING: September 28 | 7PM

AFTER PARTY: 22.30 – Open End

EXHIBITION PERIOD: September 28 –October 06, 2018 HOURS: 3–8PM

ADDRESS: Ehemalige Tabakfabrik Heidelberger Platz | Forckenbeckstr. 89 | 14199 Berlin | Germany

Author: Emeh Jailani

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How to run from the mess you made, 2017, fine art print, 60 x 40 cm, copyright: Lena Marie Emrich

Hannah Kruse | Projektleitung Goldrausch

Welche Veränderungen und Neuerungen auf dem Kunstmarkt und in der Berliner Kunstszene lassen sich seit den Anfängen von GOLDRAUSCH erkennen?

Das Goldrausch Künstlerinnenprojekt startete 1989, mit dem Ziel, Künstlerinnen durch berufspraktisches Wissen und tragende Netzwerke mehr Ausstellungen und mehr Öffentlichkeit für ihre Kunst zu ermöglichen. In den bald 30 Jahren hat sich viel verändert, Berlin ist sehr international geworden, und ist die europäische Stadt mit den meisten Künstler*innen proportional zur Einwohnerzahl. Aktuell macht besonders die Gentrifizierung der Stadt und die daraus folgenden Atelier-Mietpreissteigerungen den Künstler*innen schwer zu schaffen. Leider ist Berlin mehr ‚Werkstatt’ als Handelsplatz für Kunst. Der Einkommens-Gap für Künstlerinnen ist mit 28% gegenüber ihren männlichen Kollegen auch 2018 immer noch signifikant.

Anna Fiegen bodenlos, 2017, Copyright und Foto: Anna Fiegen

Wie sieht der Alltag der Teilnehmerinnen während des einjährigen Kurses/ Stipendiums aus?

Wir strukturieren das Jahr entlang der Produktion von Website, Katalog und Ausstellung, die jede der 15 Künstlerinnen bei uns entwickelt. Dazu kommen Seminare, Ateliergespräche, Debatten. Möglich gemacht wird das durch die Förderung des ESF und der Senatsverwaltung für Gesundheit, Pflege und Gleichstellung, Abteilung Frauen und Gleichstellung.

Aneta Kajzer , Nächtlicher Reigen, 2018, Öl und Acryl auf Leinwand, 160 x 140 cm Copyright: Aneta Kajzer

Welche Ziele möchtet ihr für die Künstlerinnen in dieser Zeit erreichen?

Wir wünschen uns, und das bestätigen Absolventinnen, dass die Arbeiten der Künstlerinnen mehr Öffentlichkeit bekommen, weil sie spannend und ein wichtiger Beitrag zur künstlerischen Debatte sind. Und durch das Professionalisierungsprogramm bauen sich die Künstlerinnen ein stabiles, dauerhaftes berufliches Netzwerk auf. Daraus entstehen Mut und Selbstbewusstsein. Interessierte Künstlerinnen sind sehr herzlich eingeladen, sich bis zum 30.09.2018 für den neuen Kurs 2019 zu bewerben! Goldrausch-kuenstlerinnen.de

kate hers RHEE, This Way to Apgujeong Rodeo, 2016, lightbox installation in the Asian Art Museum – Berlin, photo credit: Alex Slota

Warum ist es in der heutigen Zeit immer noch wichtig das Frauen im Kunstbetrieb unterstützt/ gefördert werden?

Leider sind Arbeiten von Künstlerinnen bei wichtigen Ausstellungen immer noch unterrepräsentiert, obwohl Frauen die Mehrheit der Kunststudierenden sind. Das Berliner Institut für Strategieentwicklung IFSE hat aktuelle Zahlen: Beim Gallery Weekend Berlin 2018 gab es einen Gender Show Gap von über 40 %; die befragten bildenden Künstler der IFSE-Studie hatten 22 % mehr Einzelausstellungen zu verzeichnen als ihre weiblichen Kolleginnen.  Erst wenn da Gleichstellung erreicht ist, haben wir unser Ziel erreicht. Wir freuen uns, dass viele Absolventinnen jetzt in der Kunstszene präsent sind: Zum Beispiel die Installationen von Henrike Naumann oder die Filme von Yalda Afsah, die beide im Kurs 2014 waren.

Samantha Bohatsch a girls life 2015 Copyright: Samantha Bohatsch, VG Bild-Kunst

Die kommende Ausstellung in den großartigen Reinbeckhallen in Oberschöneweide eröffnet am 22.09.2018 um 18 Uhr und ist bis zum 14.10.18 dort zu sehen. Was wird dort zu sehen sein?

Unter dem Titel Archipelago – Goldrausch 2018 wird eine Vielfalt künstlerischer Arbeiten zu sehen sein: Von Malerei, Bildhauerei, Zeichnung und Fotografie über (Sound-)Installation bis hin zu Video und (Lecture) Performance sind alle künstlerischen Medien vertreten. Wie in einem Archipel sind die vielen spannenden Einzelpositionen der Künstlerinnen gerade durch ihre zahlreichen fluiden inhaltlichen und formalen Schnittstellen verbunden. Besucher der Gruppenausstellung entdecken, wie sich aufstrebende Kunst über die Kontinente hinweg entwickelt und gehen der Frage nach, was die Künstlerinnen, die in Frankreich, Spanien, USA, Israel, Polen, Südkorea, Österreich und Deutschland studiert haben, verbindet.

Archipelago – Goldrausch 2018

Teilnehmende Künstlerinnen:

Alma Alloro, Lotta Bartoschewski, Samantha Bohatsch, Lena Marie Emrich, Anna Fiegen, Francisca Gómez, Gisèle Gonon, Agnė Juodvalkytė, Aneta Kajzer, Annelies Kamen, Soline Krug, Yeongbin Lee, Tomoko Mori, Kate-Hers Rhee, Silke Schwarz

Eröffnung: Samstag, 22. September 2018, ab 18 Uhr
Ausstellungslaufzeit: 23. September – 14. Oktober 2018
Ort: Reinbeckhallen, Reinbeckstraße 17, 12459 Berlin
Öffnungszeiten: Donnerstag – Sonntag, 14 – 19 Uhr 

Header Photo: Alma Alloro, Electric Garden (detail) 2015-2016, © Alma Alloro Hand-sewn quilt, 100% cotton fabric, 204 X 104cm

Autorin: Saskia Wichert

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LINE by Julija Pociute Meno parkas, photo by Ignas Gleixner courtesy of Meno parkas

Glass artist is not the term I want to use to describe you, even though I am aware of the fact that you finished your studies in the field of glass. Your works can be found in the collections of the most important European glass art centres: the Glasmuseet Ebeltoft contemporary glass art museum in Denmark and the Royal Glass Factory of La Granja in Spain. Nevertheless, you are working in wide, and materia seems not to be the matter. Also, you curate quality projects in the Lithuanian context.

How would you present yourself?  

I can describe myself as a mixed media artist and artist in love with different materials and ideas.  My way of thinking and creating my artworks is based on observation. I find it interesting to go into a field that I know nothing about and I like to feel like a student, who is just starting something new and exciting. Usually, I choose some unique challenges to find the solution with new material or media. I feel the most powerful when I am at the starting point; when I am not yet familiar with the media and even if my objects look so finished there is the way of first time trying. I started curating because I find it interesting. In the same way that I am fascinated by context and visual connection between objects/artworks. When I’m curating an exhibition, I feel this magical relationship between artworks and how they can make up a new context together.

LINE by Julija Pociute Meno parkas, photo by Ignas Gleixner courtesy of Meno parkas

Your exhibit is about reality and fiction (this is where memory comes from as we perceive it). After reading the exhibition’s text, perceiver understands that the “line” has a very concrete historical meaning and is a fact. Can perceiver get these hints about Molotov Line during the WWII without the text and do separate parts of the exhibition – drawings, installation, photograph and video works – speak about one as a unit, or each different segment is telling its part? How do you build the story for the viewer, how do you suggest this political history and why specifically that one?

I came up with the idea of the Molotov Line when I was on my vacation in Palanga and was jogging in the forest where I noticed military buildings. They were not deep in the woods, it was close to the seaside near the kids’ playground. I started to follow the story and historical facts of these buildings. The first bunker – the starting point of this line – became my place of exploration and the symbol of historical facts hidden in it. It was interesting to see the line as the borderline of an occupied country with the points to protect and to think about memory as the building which is in the forest and hidden from everything else and how nature, day by day, destroys and takes over it.

I started to separate the place into different parts – it was a symbolic act for me as if I was separating the memory, trying to erase some parts.

Basically, every part of the exhibition is like a note about the main idea and in one place these notes that I am putting to start to create the story.  The story of the borders, skin of the building, process of decay, trees as panels, visualisation as a model for the future and the video performance as the person in prison trying to escape from the place where he pretends to be invisible. I think it’s possible to feel the impact of memory and history in the life of persons who have the same memory of the past.

LINE by Julija Pociute Meno parkas, photo by Ignas Gleixner courtesy of Meno parkas

The accent on the “line” instantly brings up associations with vertical and lateral thinking concepts. One can dig deep into one of those things and not consider objects, subjects, forces, etc. and another will consider each and every stone that they found on their way. There is no right or wrong way or recipe of “How to understand” or “How to behave in the exhibition”. But for me it is always essential (or acceptable?) to follow – the artist, read the hints, to hear what I am being told.

I’m not suggesting the viewer should go too deep because there’s no way to guide them and in there you can only meet yourself. My approach to guide the viewer is by using the game of associations. You take a few objects and create associations between them and in doing so build your own story.

There is no need to even mention the historical facts it can be just a feeling of universal sadness.

LINE by Julija Pociute Meno parkas, photo by Ignas Gleixner courtesy of Meno parkas

How is this exhibition different from your previous ones? What decisions thinking about the auditorium of Dusseldorf were made? Or did you act as usual? Probably, I’m trying to ask about the moment of experiment and whether there was any. Is there something that you are trying to check?

I was showing these artworks in Vilnius in a slightly different gallery than in Dusseldorf. Basically, I’m always working with space, so it does not make much difference what kind of space it is or what country. The area is my map for story building. In the gallery space here in Dusseldorf space is divided into two rooms located in one line, and that right away gives me an idea of how to arrange the artworks. First is video artwork, which is installed in the back wall but you can still see it through the door of the first room. So, in this way you can get the connection between objects in the first place with the video.

LINE by Julija Pociute Meno parkas, photo by Ignas Gleixner courtesy of Meno parkas

The show is brought to Düsseldorf – a city that has a long art tradition, with many art galleries; the town that produces artists in the famous art academy – The Kunstakademie Düsseldorf, which was attended by Joseph Beuys, Gerhard Richter, Ruth Rogers-Altmann, Sigmar Polke, Anselm Kiefer. Quite a substantial and diverse list of artists. What you value when you watch/observe the art of others?

One day in the museum, when I was just standing in front of the Carl Andre’s sculpture, I realised that I’m fascinated with the way the artwork is shaped when I can look at it for ages and explore it’s “skin” with my eyes.

I get the same feeling when I experience an artwork – again and again – which is like a body that I am meeting.

Somehow it needs to resonate with me at this very moment and then it means that artworks can impact me with the same or entirely different emotion that they convey.  And the artists that affect my own work are changing with me.  When I am wondering in the museum or gallery I don’t have expectations, I just walk and look, and I definitely meet the artwork that makes me pause (like last time it was artworks of Hiroshi Sugimoto).  You need time and inner silence to get in contact with the artwork. It would be interesting to have the calming-down rooms before entering a museum, to prepare yourself for art exploration.

Julija Pociūtė. LINE

Exhibition: until 31th of July, 2018

Meno parkas | Dorotheenstrasse 22 | 40235 Düsseldorf

AUTHOR: Art critic Giedrė Legotaitė

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Water by KOY, video still, Dyland Gephart

Was hat sich seit deinem Debut bei dir ergeben?

Seit dem Release meiner ersten Single “HEAT“, kamen zwei weitere hinzu (RUN und WATER). Darüber hinaus habe ich ein paar spannende Konzerte in Polen, Lettland, Frankreich und Finnland spielen dürfen. Polen hat mich bisher am meisten beeindruckt. Es ist doch erstaunlich wie wenig westliche Künstler den osteuropäischen Raum bespielen. Dabei sind die Reaktionen so ungeheuer wertvoll – zumindest für mich war das so. Von der eigentlichen Musik abgesehen, bietet ein Konzert in der Regel verschiedene Aspekte, die dem Publikum gefallen könnten, oder wichtig sind. Ich habe festgestellt, dass der Fokus auf Inhalte viel mehr Relevanz in Osteuropa zu haben scheint, während anderswo vielleicht eher ästhetische Aspekte überzeugen.

Water by KOY, video still, Dyland Gephart

WATER: Worum geht es in dem Song?

Als ich den Song schrieb, lebte ich gerade in Bergen. Als niederschlagreichste Stadt Europas, regnet es da auch gerne mal horizontal. Ständig ist man von Wasser umgeben. Da beschäftigt man sich quasi zwangsläufig mit diesem Element. In dem Song geht es um das Gefühl „fremd“ in einer neuen Umgebung zu sein. Ein für mich schon fast gewöhnlicher Zustand! Später stellte ich dann fest, dass parallel die Flüchtlingskrise ihren Höhepunkt erreicht hatte. Als Kind bin ich selbst als eine Art Flüchtling nach Deutschland gekommen. Der Hintergrund ist natürlich keinesfalls auch nur annähernd vergleichbar, aber eben dieses Gefühl des „Fremdseins“ ist eine ähnliche Erfahrung an sich.

Die Neugier und Hoffnung einerseits und Ablehnung und Culture Clash andererseits.

Das „Dabeisein“, ohne das „Dazugehören“…

KOY by Dragan Simicevic, 2018

Dies ist Deine zweite Zusammenarbeit mit dem Filmemacher Dyland Gephart aus Chicago, was macht die Arbeit mit ihm so besonders? Welchen Input gebt ihr euch gegenseitig?

Zunächst einmal ist die Arbeit mit Dylan unglaublich einfach und das Resultat großartig. Es ist schwer mit einem kleinen Budget etwas umzusetzen, das mit einem bestimmten Niveau mithalten kann. Mit Dylan war das von Anfang an easy. Wir trafen uns über eine Empfehlung durch Berlin Art Link und ich wusste gleich:

Wow, mit dem willst du zusammenarbeiten.

Kennst ihr das Gefühl des „Art-Crushs“? Das hatte ich als ich seine Webseite sah. Wir treffen uns in der Regel zu einem Kaffee, ich erzähle ihm von dem Song, der Atmosphäre und einigen Bildern und Ideen und frage ihn ob er sich das vorstellen kann. Dann gibt er Input, jeder macht seine To Dos usw. … Gerade arbeiten wir an einem neuen Video für meine im Herbst erscheinende EP-Single „DICTATORSHIP TECHNO“.

Water by KOY, video still, Dyland Gephart

Das Thema Identität spielt in deinem Leben und deiner Musik eine Rolle…

Identität, Mentalität, Nationalität. Ja absolut. Ich glaube beispielsweise an den Einfluss von Mentalitäten, habe aber schon immer ein Problem mit dem Nationalitätenbegriff gehabt. Oder dem, was viele damit verbinden. Nur weil man an einem Ort geboren wurde, heißt das nicht, dass einem gewisse Attribute zugewiesen werden können. Deine Identität wählst du dir selbst. Zum Thema Nationalität, ein paar Beobachtungen, die ich in meinem Leben gemacht habe:

Als Kind erzählte mir eine Freundin, dass sie nicht mehr mit mir spielen darf, weil meine Mutter Russin sei. Im Teenage-Alter traf ich einen Typen aus den USA der nicht verstehen konnte, dass ich mich als Kind russischer Eltern trotzdem nicht als Russin sah. Und letztens rief ich bei der Bank an um was zu regeln und da es schnell gehen musste, erzählte ich von meiner Riga-Reise am nächsten Tag. Der Beamte sagte dann beherzt: „Ah! Es geht in die Heimat!“ und man hört, dass ich Akzentfrei Deutsch spreche.

So erlebe ich immer wieder, wie andere Leute mir erzählen wollen, wer ich bin und welche Identität ich habe.

Water by KOY, video still, Dyland Gephart

Du arbeitest oft an der Schnittstelle zur Bildenden Kunst, gestaltest Cover und Bildmaterialien selbst und momentan planst du sogar eine Sound – Installation, kannst Du uns darüber mehr verraten?

Es ist schön in einer Zeit zu leben, in der Popmusik relativ frei vom kommerziellen Unterhaltungsfaktor existieren kann. KOY kann also auch als eine Art Plattform, oder „inneres Atelier“ bezeichnet werden, in dem ich mich wild austoben kann. Bildende Kunst spielte schon immer einen wichtigen Teil in meinem Leben – die Grenzüberschreitungen ergeben sich da wahrscheinlich natürlich. Man muss aber auch vorsichtig sein um sich als Künstler nicht zu wichtig zu nehmen.

KOY by Dragan Simicevic, 2018

Das Interesse für eine Soundinstallation hegte ich schon länger und als ich dann von einem Künstler dazu ermuntert wurde die Ideen in die Tat umzusetzen und sich immer mehr Ausstellungsangebote ergaben, war ich schnell begeistert. Zurzeit arbeite ich an einer Black Box, die eine Art digitales Sound-Portrait erstellt. Die Idee beruht auf der fehlenden Transparenz von dem Orakel „Internet“. Einerseits bildet es genau dein Weltbild ab, andererseits erhält man pseudo-professionelle Antworten auf alle Belange des Lebens. In wieweit beeinflusst das unsere Identität? Das fasziniert und erschreckt mich zugleich.

Water by KOY, video still, Dyland Gephart

AN DIE MUSIKERIN: Welche Projekte stehen außerdem noch an und wo kann man Dich live spielen sehen?

Gerade arbeite ich an dem Release meiner ersten EP. Dazu habe ich mich entschieden eine Diktatur zu etablieren. Spätestens bei meiner Amtseinführung werde ich sicherlich spielen. Ich habe auch zahlreiche überbezahlte Posten an dafür unqualifizierte Leute zu vergeben.

AN DIE KUNSTLIEBHABERIN: Welche Ausstellung darf man dieses Jahr nicht verpassen?

Oh wo soll ich nur anfangen!? In Slovenien findet vom 30. Juli – 4. August ein spannendes Kunstfestival statt. Da in den westlichen Kunstmedien der Osten immer noch unterrepräsentiert ist: auf zu Fotopub!

KOY by Dragan Simicevic, 2018

In Helsinki eröffnet das Amos Rex Ende August. Ein privates Großprojekt, dass in einen architektonisch beeindruckenden, unterirdischen Neubau einlädt. Die Pläne erinnern stark an eine Art Raumschiff! Wenn man schon dort ist, sollte man auch unbedingt das Kiasma besuchen. Dort wird gerade auch eine ganz gute Ausstellung mit Künstlern aus dem baltischen Raum gezeigt. „There and Back Again“ (noch bis zum 24.3.2019) – künstlerisch und politisch nicht uninteressant.

In Moss Norwegen hat Punkt Ø gerade erst eine besondere Anish Kapoor Ausstellung in der Galleri F15 eröffnet. Seine Skulpturen in der Norwegischen Landschaft sind bestimmt eine ganz eigene, atemberaubende Erfahrung und in Berlin empfehle ich einfach mal ein paar Atelierbesuche zu machen! Wer Malerei mag, den werden Fleur Helluin, Friederike Jäger, Mario Weinberg und die Naturkunstgruppe sicherlich beeindrucken. Und natürlich darf man keine Ausstellung der in Berlin lebenden Künstlerin Marianna Uutinen verpassen – ich bin großer Fan!

Vielen Dank!

LINK:

www.koy-music.com

Authors: Barbara Green, Wayra Schübel von GREEN | GONZALEZ

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Die Art & Design Absolventen über ihre Bachelorausstellung

So wie unsere Persönlichkeiten, Ansichten und Ziele variieren auch unsere Themen. Alle bisherigen Ideen, Ansätze und Projekte fügen sich in den Abschlussprojekten wie die Teile eines Puzzles zusammen, um in diesen Arbeiten zu kulminieren, die sich reflektierend mit Tradition, Werten und Kultur auseinandersetzen.

Tom Kaiser |Gebaute Natur | Bachelorarbeit | Grünbrücken

Die Natur regte beispielsweise die Fotografieabsolventen an. Es entstanden Arbeiten zu Wildbrücken, industrieller Landwirtschaft, Tierwesen, die Beschäftigung mit dem Heimatbegriff bis hin zur Herausgabe eines neuen Magazins. Die chinesisch-stämmige Absolventin Hao Wang wurde vom Nibelungenlied inspiriert. Sie hat das mittelalterliche Heldenepos mit asiatischen Einflüssen zeichnerisch modern interpretiert. Was auch ein neues Outfit bekommen hat, ist der modische Style der Fünfziger Jahre. Eine andere Arbeit zeigt einen Terminkalender für junge Frauen. Und die Absolventin Thale Hieronimus hat ein frisches Konzept für Verpackungsdesign mit ihrer „Treash’sure Box“ entwickelt.

Christina Peter

Zusammenarbeit ist das Geheimnis

Unterstützung ist für neue Künstler*innen sehr wichtig, besonders die Kooperationen zu Beginn. Und die haben die Art & Design Absolventen bekommen. Der Studiengang Film + Motion Design präsentiert zum Beispiel eine Partnerschaft mit der Elbphilharmonie Hamburg, sowie die Einrichtung eines Medienraums für das Lichtfestival „Kronach leuchtet“. Der Game Design Kurs hat Kinderbücher für das Altonaer Museum als interaktive Hörspiele entwickelt und Novellen als begehbare 3D-Welten erlebbar gemacht. Und der Studiengang Illustration hat eine Kooperation mit der „Zeit“ zum Thema historische Kriminalfälle auf die Beine gestellt.

Die Zukunft der Kunst steht vor der Tür, heißen wir sie willkommen!

Sommerrundgang und Bachelorausstellung

Kuratiert von Studierenden und Absolventen der Art & Design Studiengänge und Prof. Jan Haux

Vernissage: 12. Juli, 19 bis 21 Uhr

Ausstellung: 13.Juli bis 14. Juli, 2018

Künstler*innen:
Studierende der Studiengänge Fotografie, Kommunikationsdesign, Illustration, Game Design sowie Film + Motion Design und die Bachelorabsolventen des Bereiches Art & Design der Universitiy of Applied Sciences Europe des Campus Hamburg

University of Applied Sciences Europe:  Museumstraße 39, 22765, Hamburg

Header Photo: Hao Wang

Author: Maíra Goldschmidt

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Ausblick vom Berg auf die Kunsthalle CCA, Andratx | Photo Credit: Esther Harrison

Das minimalistische, flache und langgestreckte Gebäude liegt von hochgewachsenen Palmen flankiert an einem Hang in einem ehemaligen Naturschutzgebiet und könnte auch problemlos als Kulisse für einen James Bond Film dienen. Mit 4.000 m² Ausstellungsfläche gäbe es genug Platz in diesem größten Zentrum für zeitgenössische Kunst der Balearen und Europas, das 2001 von Patricia und Jacob Asbaek gegründet wurde. Mit der Ausstellung Border Matters thematisieren die beiden Künstler in unterschiedlicher Form (Licht & Fotografie) historische und zeitgenössische Fragestellungen zur Thematik von Grenzen, sie präsentieren auch gleichzeitig Ansätze und Arbeiten, die genau hier vor zwei Jahren im Rahmen eines einmonatigen Residenz-Aufenthaltes entstanden sind.

Susanne und Claus Rottenbacher in ihrem Haus in Berlin, Mai 2018 | Photo Credit: Martin Peterdamm

Wir wollten mehr über den Werdegang der beiden erfahren und und warum das CCA darin so eine wichtige Rolle spielt und haben deswegen Anfang Mai spontan die Gelegenheit genutzt, sie in Berlin zu besuchen in ihrem nicht minder spektakulären Haus, das in unmittelbarer Nähe zur Fahrbereitschaft liegt und ihnen auch als Arbeitsplatz dient.

Arbeiten aus der Non Plus Ultra Serie von Claus Rottenbacher in Berlin | Photo Credit: Martin Peterdamm

Die Villa, in der sich früher schon Bubi Scholz und Harald Juhnke gepflegt betranken, ist an diesem Tag für uns besonders interessant, da alle Arbeiten, die sie in ihrer Doppelshow Border Matters auf Andratx zeigen werden, im Haus zu sehen sind. Da entdecken wir Susannes Comedians wie zufällig verteilt im Wohnbereich, oder die komplette Non Plus Ultra Serie von Claus in Petersburger Hängung im Erdgeschoß, der auch als Arbeitsbereich für beide fungiert. Dazwischen gibt es ältere Arbeiten der beiden und auch privat gesammelte Kunst; wir fühlen uns ein bisschen wie bei einer Schnitzeljagd für Kunstliebhaber, bei der hinter jeder Ecke eine neue Überraschung und Kleinod wartet.

Susanne Rottenbacher neben einer Arbeit ihrer Commedia della Luce Serie | Photo Credit: Martin Peterdamm

Was hält meine Kunst aus?

Im Gespräch erfahre ich, dass es reiner Zufall war, dass beide im selben Jahr, nämlich 2004, aus ihren vorherigen Berufen ausgeschieden sind und sich entschlossen haben, den Schritt in die Freie Kunst zu gehen. Bühnenbildnerin Susanne Rottenbacher hatte davor über einen Zeitraum von fünf Jahren die Projektleitung inne für die Lichtgestaltung in den Neubauten des Bundeskanzleramtes; Claus Rottenbacher war als selbstständiger Unternehmer mit 35 Angestellte nicht minder eingebunden, um es vorsichtig auszudrücken.

Obwohl wir charakterlich komplett verschieden sind, verbindet uns eine große Seelenverwandtschaft wie wir Menschen und die Welt erleben, sowie die Ernsthaftigkeit und Präzision in unserem Tun. Wir finden es auch erst dann richtig interessant, wenn wir uns mit unseren Gegensätzen auf hohem Niveau auseinandersetzen.

Was dann wiederum eine gewisse Klientel anspricht?

Susanne: Genau!

Susanne & Claus Rottenbacher | Photo Credit: Martin Peterdamm

Lachend erzählen beide wie stark der Kontrast anfangs war. Wo sie vorher durchgehend am Telefon hingen, mit fünf Personen in der Warteschleife, blieb das selbige nach dem Schritt in die freie Kunst erst einmal sehr still. Eine ungewohnte Situation für die beiden, die mit dieser Entscheidung ins kalte Wasser sprangen.

Wie war das damals für Euch?

Susanne: Wir haben uns damals kaum getraut uns Künstler zu nennen, grundsätzlich gibt es ja auch gesellschaftlich einen großen Respekt vor der Kunst. Auf Rückfragen von Bekannten, ob wir nun denken, dass wir sind Künstler, haben wir gesagt, wir machen jetzt erstmal die Arbeiten und dann schauen wir, wie darauf reagiert wird.

Claus Rottenbacher & Editor-in-Chief Esther Harrison im Gespräch | Photo Credit: Martin Peterdamm

Claus: Dadurch dass wir komplette Quereinsteiger waren, hatten wir auch überhaupt kein Netzwerk in der Kunstszene. Wir kannten keine anderen Künstler, Professoren, Kuratoren und vor allem, keine Kuratoren kannten uns. Das war zu Anfangs natürlich auch eine große Verunsicherung, denn die Anerkennung kommt ja genau aus diesem Bereich, der am Anfang noch fehlt.

Gab es eine Art Schlüssel Erlebnis für Euch in Form einer Person oder Institution, wo war der Übergang?

Susanne: Ich war durch meinen beruflichen Hintergrund eingeladen, meine ersten Arbeiten, Farbräume, im Rahmen einer Kölner Ausstellung, die Kunst und Design verband, zu zeigen. Es gab dann direkt sofort viele Interessenten und Verkäufe. Ich wurde von einem Kölner Privatier angesprochen, der eine Galerie eröffnen wollte in Köln. Danach ging dann alles relativ schnell seinen Gang.

Claus Rottenbacher vor einer Arbeit aus seiner Serie „Prostratio“ aus den Jahren 2009-2011 | Photo Credit: Martin Peterdamm

Wie kam denn die Zusammenarbeit, bzw. euer erster Aufenthalt auf Andratx bei der CCA zustande?

Susanne: Meine Arbeiten wurden damals bei der Vienna Art Fair gezeigt, und da kam am ersten Tag gleich Patricia Asbaek vorbei und fragte mich, ob ich nicht Lust hätte ein Stipendium bei ihnen zu machen. Ehrlich gesagt, kannte ich das damals gar nicht, war auch wg. der Größe meiner Arbeiten etwas zögerlich. Das Stipendium dort wird immer für ein Paar oder sogar eine ganze Familie angeboten und Claus meinte dann, ich solle die Zeit nutzen, um an neuen Entwürfen zu arbeiten, was natürlich eine großartige Idee war.

Atelier von Susanne und Claus Rottenbacher in Berlin | Photo Credit: Martin Peterdamm

Also alle Arbeiten, die du jetzt hier siehst, sind dort entstanden. Wir haben erst auf Mallorca realisiert, was für ein besonderer Ort das ist, und dass es über 900 Bewerber für dieses Stipendium gab. Im Nachhinein dachte ich mir auch, wie irre es gewesen wäre, die Einladung nicht anzunehmen. Das haben wir erst dort richtig verstanden.

Susanne Rottenbacher neben einer ihrer frühen Arbeiten aus der „Farbraum“ Serie | Photo Credit: Martin Peterdamm

Claus: Ich glaube daran erkennt man auch gut den fehlenden akademischen Hintergrund bei uns. Für viele Künstler sind Artist Residencies ja eine Riesen Nummer und sehr wichtig, was man natürlich versteht, wenn man es einmal mitgemacht hat, aber wir waren uns dessen überhaupt nicht bewusst.

Habt ihr Angst vor den weißen Wänden? Haben uns die Kuratoren gefragt

Im Gegenteil! In Berlin ist alles so dicht, es war einfach fantastisch aus dem Nichts heraus etwas zu entwickeln.

Ausstellungsansicht „Borders Matter“ CCA Andratx | Photo Credit: Claus Rottenbacher

Susanne: In dem Moment wo diese Kommunikation aufhört von außen, kann innen etwas nachwachsen und das haben wir beide ganz stark gemerkt, gespürt und dann auch umgesetzt. Was dort damals entstanden ist, damit arbeiten wir im Jetzt, also heute noch, wirklich ganz fantastisch.

Claus Rottenbacher im Arbeitsbereich im Berliner Haus | Photo Credit: Martin Peterdamm

Claus: Der Ort hat einfach auch etwas sehr Konzentriertes, es fühlt sich luxuriös an durch diese mentale, architektonische und landschaftliche Großzügigkeit.

Ausstellungsansicht „Disassembly“ CCA Andratx | Photo Credit: Claus Rottenbacher

Sogar die Ziegen sind schön dort! Dieses Stipendium war wirklich ganz elementar für uns.

Claus erzähle mir bitte ein bisschen was zu deiner Serie die du im CCA zeigst.

Die Serie „Non Plus Ultra bezieht sich tatsächlich auf dem griechischen Helden Herakles und den Fels von Gibraltar.

Herakles benannte diesen Ort damals nach vollendeter Heldentaten als: NON PLUS ULTRA.

Claus Rottenbacher und Editor-in-Chief Esther Harrison im Gespräch | Photo Credit: Martin Peterdamm

Denn es war tatsächlich das Ende der damals bekannten Welt. Mir hat das sehr gut gefallen, da es in starker Diskrepanz steht zu dem, was Non Plus Ultra heute bedeutet. Für mich interessant als Ausgangspunkt war dieses Bild von dem heraussegelnden Herakles zwischen den beiden geologischen Hervorhebungen, den Säulen von Gibraltar. Der Renaissancephilosoph Francis Bacon nutzte es z. B. in seiner Instauratio magna, einem heutigen Standardwerk, als Symbol für das bewusste Durchbrechen der Wissensgrenzen von Antike und Mittelalter. Das irre ist ja, dass dieser Spruch, Non Plus Ultra, im spanischen Wappen mit aufgenommen wurde.

Non Plus Ultra Serie, Claus Rottenbacher

Nach der Entdeckung Amerikas, wurde der Wappenspruch in Plus Ultra abgeändert. Dadurch haben sie aber auch die Bedeutung total verdreht. Wo Non Plus Ultra für eine Grenze steht, die man nicht überwinden kann, hat man ohne das Non automatisch diese damalige Allmachtsfantasie der Spanier: wir kennen keine Grenzen, beherrschen die ganze Welt.

Non Plus Ultra Serie, Claus Rottenbacher

Bis heute erkennen die Spanier diese Grenze zu England, mit 300 Jahren eine der ältesten Landesgrenzen die es gibt, nicht an. Es ist ein absurder Zustand vor dem Hintergrund von Europa und der heutigen Zeit, möchte man eigentlich meinen, dass Spanien bis heute diese Landesgrenze nicht akzeptiert, on top kommt hier natürlich unter heutigen Gesichtspunkten der Brexit hinzu.

Non Plus Ultra Serie, Claus Rottenbacher

Wir haben den Berliner Künstler und Kurator der Border Matters Ausstellung Frank Hauschildt, der mit beiden auch befreundet ist  und schon früher Shows der beiden kuratiert hat, über die Besonderheit beider Künstler und dieser Ausstellung befragt:

Ausstellungsansicht „Border Matters“ | Photo Credit: Claus Rottenbacher

Bedenke ich meinen eigenen Ansatz in der Kunstproduktion, hat mich wohl direkt der Aufwand, die Strukturierung und Planung wie auch Präzision bei den Projekten der beiden fasziniert; dies ist den Arbeiten beider Künstler immanent.

In der Ausstellung ging es mir vor allem darum, die so unterschiedlichen Werke in einen Kontext zu bringen – so haben wir dann auch entschieden, nur die Serie Non Plus Ultra mit der Installation Disassembly zusammenzuführen und die Commedians separat zu zeigen.

Ausstellungsansicht „Border Matters“ | Photo Credit: Claus Rottenbacher

Der Übergang vor Ort im CCA von hellen White Cube-Räumen in eine dunklere Halle, die eher wie eine schöne Tiefgarage anmutet, war die eigentliche Herausforderung. So sieht der Besucher als erstes ein Bild eines Sonnenaufgangs, der zunächst überall, insbesondere auch auf Mallorca sein kann, und dann einen „Unort“, der sich auch einer Lokalisierung entzieht.

Non Plus Ultra Serie, Claus Rottenbacher

Erst im weiteren Verlauf oder durch Hinzuziehen des Textes erklärt sich das Thema und die (Abgrund-)Tiefe der Serie.

Demgegenüber dann wieder Susannes musikalische, hochpoetische Raum-Zeichnung zu setzen und damit Platz für den Besucher selbst und abstraktere Gedanken zu Grenzen zu schaffen, macht die Zusammenführung der beiden Werke so schlüssig.

Die Kombination der beiden Werke an diesem Ort zu dieser Zeit ergeben eine enorme Bereicherung und hochspannende Situation die sich einer aktuellen Thematik stellt.

Ausstellungsansicht Detail Commedia della Luce Serie, Susanne Rottenbacher CCA Andratx | Photo Credit: Claus Rottenbacher

In meiner Rückschau ist es vor allem der Gegensatz dieser bewusst unbequemen Fragestellung und Präsenz die Border Matters hervorruft, zur parallel gezeigten Einzelausstellung der Commedia della Luce Serie, die mich fasziniert hat.

Atelier in Berlin, Skizzen zur Commedia della Luce Serie | Photo Credit: Martin Peterdamm

Die Inspiration zu dieser Serie ist in Susannes Vergangenheit am Theater als Bühnenbildnerin zu finden. Die Figurinen, die sie als Vorlagen benutzte wurden 1860 von Maurice Sand, Sohn der französischen Schriftstellerin George Sand, für die Comeddia dell’arte in Venedig entworfen und enthalten so berühmte Figuren wie den Harlekin.

Ausstellungsansicht Commedia della Luce Serie, Susanne Rottenbacher CCA Andratx | Photo Credit: Claus Rottenbacher

So erinnerte mich die raumausfüllenden Lichtinstallation Disassembly, an einen entfesselnden, vor Kraft strotzenden, den Raum beherrschenden Drachen, während die im Vergleich geradezu „petit„ anmutenden Arbeiten der Commedia della Luce Serie, eine ganz feinporige Konzentration und Schönheit ausstrahlen, deren Herzschlag den Betrachter in stille Ergriffenheit und Harmonie versinken lässt.

Zu sehen sind alle Arbeiten noch bis zum einschließlich 1. September, CCA Andtratx, Mallorca.

BORDER MATTERS

Susanne Rottenbacher & Claus Rottenbacher

Ausstellungsdauer: bis 1. September, 2018

CCA Andratx | C/ Estanyera, 2 – 07150 Andratx | Mallorca, España

www.ccandratx.com

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Bert Houbrechts | ILLUSION, Belgien, 2001

aesthetik01 // Bert Houbrechts –  This is Belgium

Until 31st August

In 2001 the photographer Bert Houbrechts registered through his lenses facades of places converted into Rave-Clubs in Antwerp. People could be dancing (and probably freaking out) for days inside Illusion, Obsession, Cherry Moon, Escape and Explosion, but outside, the environment still showed a quiet Belgium suburb. In the same year, these paradoxical pictures were published at ID Magazine curated by Raf Simons (currently the chief creative officer of Calvin Klein). And now you can see “This is Belgium” at our favorite project room aesthetik01, in Moabit!

aesthetik01: Lübecker Str. 49, 10559, Berlin

L’Asile de la Grâce
Axel Pahlavi | Embryon, 2017-2018, Oil on copper , 35 x 50 cm |Courtesy of Edmond Gallery

Edmond Gallery // Axel Pahlavi – L’Asile de la Grâce

Until 21st July

The exhibition “L’Asile de la Grâce” (The Asylum of Grace) displays four paintings from Axel Pahlavi made over a period of one year. Working with references to historical pieces of art and portrait-like representations of friends and family, the Iranian artist investigates existential questions revolving around the Christian miracle of resurrection. For this show, the visitors should follow a sequence: first, the small panel titled Embryon, then the large group composition Metanoia and L’Asile de la Grâce. And, in the end, Kénose. This is Pahlavi first solo exhibition in Berlin, where he lives since 2009.

Edmond Gallery: Haubachstraße 17-19, 10585, Berlin

Xiyadie | Sewn 缝 1999 | Papercut with water-based dye and Chinese pigments on Xuan paper, 140cm x 140cm

NOME Gallery // Xiyadie – Cut Sleeve, Split Peach

Until 13th October

Two queer love stories from Ancient China inspired Xiyadie and gave the name of his first solo show in Europe. In the beginning, courtier Mizi Xia tastes a peach so sweet he offers it to Duke Ling of Wei to share. And, in the second, Emperor Ai’s lover Dong Xian falls asleep on his sleeve, and rather than wake him, the Emperor cuts through the silk fabric. With his erotic and romantic approach, the artist updates elegantly the paper-cutting technique, an old form of traditional Chinese folk art dating back to at least 1.500 years! Each piece is tenderly snipped and dyed by hand. Xiyadie is a self-taught artist who moved to Beijing as a migrant worker in the early 2000s. His chosen name „Xiyadie“ means „Siberian Butterfly“. Why? He explains that the Siberian Butterfly is a northern creature surviving in the harshest conditions, but it is also able to keep its vanity and pursuit of freedom in an environment that doesn’t lend political agency or representation to queer-identifying people.

NOME Gallery: Glogauer Str. 17, 10999, Berlin

To The Moon And Back, 2018 | Grit Richter |Courtesy Galerie Tanja Wagner, Berlin

Galerie Tanja Wagner // Grit Richter – The Space Between Us

Until 1st August 

When Grit Richter mixes and presents painting, objects, murals, neon and textile work altogether, she provokes a feeling of movement and connection – a kind of a solar system, even though the pieces are static. This is also her pictorial language system, which invites the visitor to look into the imaginary space between two or more people. With her visual vocabulary, this time using more vibrant colours than usual, she aims to translate what we cannot say. Feel free to make all possible associations. It is indeed an exhibition which invites to apply your emotional intelligence. This is Richter´s fourth solo exhibition. She lives and works in Hamburg.

Galerie Tanja Wagner: Pohlstraße 64, 10785, Berlin

Graduate Laif Kardelke | Art & Design department of the University of Applied Sciences Europe, Campus Berlin

University of Applied Sciences Europe // RE: Bachelor + Master Graduation exhibition
 
28th and 29th July
 
If you are interested (and you should be!) in fresh ideas and perspectives, it is time to visit “RE: Bachelor + Master Graduation exhibition”, which presents works from graduates of the Art & Design department of the University of Applied Sciences Europe, Campus Berlin. With a mix of formats, such as photography, illustration, film, communication design, game design, motion design, the show was created under the motto “RE:”. Meaning? Metamorphosis or a transformation, like a goodbye to the past (student) and hello to the future (career). Among other topics, the visitor will be carried to question media and its glossy aesthetics and gigantism in the advertisement, gentrification, digital era, and immigration.

University of Applied Sciences Europe, Campus Berlin: Dessauer Str. 3-5, 10963, Berlin

Header Photo: Graduate Manar Yousef | Art & Design department of the University of Applied Sciences Europe, Campus Berlin

Author: Maíra Goldschmidt

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Photo Credit: Markus Lichti, 2018

Album release party, 23th of June at 19.00 pm

We start our walk with some music. A highlight for this week is the album release «Fallacy» at Rinomina.
«Rinomina» is the Italian word for „rename“. Its exhibition program seeks to show the widest possible range of artistic production, to cultivate artistic freedom. The artists Daniela Baldelli and Markus Lichti met during their studies at the Staatliche Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe in Germany. They founded the interdisciplinary art space «Rinomina» in 2015 after a residency at Cité Internationale des Arts.
The curatorial work of Baldelli and Lichti is rooted in their own activity as artists.

«Fallacy» is a show that takes place for one night only and recalls a happening.

The centrepiece of this room-sized installation is the music album «Fallacy», which was recorded and produced in collaboration with the composer Julian Langlois. It is an attempt to make the self-understanding of «Rinomina» tangible. The title of the album links the individual tracks that are made up of different styles of contemporary pop music. The lyrics were written by Markus Lichti and sung by Daniela Baldelli in German, Italian, English and Spanish.
Highly recommended!

RINOMINA, 23, rue du Petit-Musc, 75004 Paris

Martin Margiela (né en 1957). Ensemble (habillement). Ensemble veste et perruque. Cheveux synthétiques blonds, taffetas ivoire, 2009. Galliera, musée de la Mode de la Ville de Paris | Photo credit: Stéphane Piera / Galliera / Roger-Viollet

Margiela / Galliera, 1989-2009 | until 15th of July, 2018

Another absolutely must-see is the first retrospective in Paris devoted to Belgian fashion designer Martin Margiela at the Palais Galliera, Musée de la Mode de la Ville de Paris.

It traces the 20-year career of a designer who`s conceptual approach challenged the aesthetics of fashion during his time.

He deconstructs the garment by exposing the inside and the unfinished parts, or by pushing the scale of a garment to extremes by enlarging the proportions to 200% in his “Oversize Collection”, and his “Margiela shoulder”, a narrow-shouldered silhouette, which he repeated in each collection, triggers an endless play of the imagination that makes you want to change and expand your own daily clothing style. A collaboration between Martin Margiela and Ania Martchenko, the scenography for this exhibition is a site under construction. It gives the sense of wandering through a private space, establishing a close and direct relationship with the garments. The “exhibition” as an object is deconstructed: it is a working proposition about progress unfolding in time, the state of transition, uncertainties and possibilities.

PALAIS GALLIERA Musée de la Mode de la Ville de Paris, 10, avenue Pierre-Ier-de-Serbie 75116 Paris

Photo Credit: Walther Wolff

A wonderful exhibition with paintings and drawings by New York-based painter Nathan Zeidman at High Art in the 9th arrondissement in Paris is installed and absolutely worth seeing.

The young artist is through and through a passionate painter and the need to spend every moment of his life painting is clearly noticeable in this exhibition.

The large-format paintings hang everywhere in the room and enter in a completely unconventional way into a dialogue with the beautiful stuccoed walls of the gallery. A proliferation of drawings fill the gallery walls in the other two rooms and can be read as snapshots to art historical interpretations.

HIGH ART, 1, rue Fromentin, 75009 PARIS

Photo Credit: David Bordes

LAURIE KARP | Seven Lakes Drive | until 2nd of September, 2018

It is always a pleasure to visit the Musée de la Chasse et de la Nature. The collection about hunting and the extraordinary interior is a beautiful and exceptional setting for every artistic intervention.

Invited guests, like Laurie Karp at the moment, create ambiences and a dialogue between the permanent collection and those subtle installations.

French-American visual artist Laurie Karp, who was born in New York and settled in Paris in 1979, brings life to a strangely organic universe. Anatomical fragments, shreds or internal organs, or small carnal shapes give the impression that they are destined for some barbarian feast, and they sketch disconcerting scenes where the relationship between man and beast becomes ambiguous. Laurie Karp`s vision of nature is far from that of an idyllic, unchanging Eden. She sees it as something more theatrical, a tragicomedy where the actors are driven by desire and hunger.

MUSÉE DE LA CHASSE ET DE LA NATURE, 62, Rue des Archives, 75003 Paris

Photo Credit: Walther Wolff

Fabrice Gygi |D-Concept | until 13th of July 2018 

Another beautiful show is on display at the gallery Chantal Crousel.
The Swiss artist Fabrice Gygi shows his large compositions of watercolours with horizontal and vertical lines, which are painted in a single stroke in overlapping layers. They attest to an extreme tension in execution and to the artist’s search for harmony between concentration and rigidity, an effort to achieve ideal self-control in wielding the brush.

Gygi emphasises the inherent power of an object by distilling it to its most minimal essence.

These constructions of basic geometrical shapes strip the object of all sensuality, and each piece exists in a state of absolute balance between perfection and accident, creating constant energy intensified by the living.

GALERIE CHANTAL CROUSEL, 10, rue Charlot, 75003 Paris

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ABOUT PATRICIA REINHART

1977 born in Vienna / Austria

Patricia Reinhart’s work has been shown in numerous solo and group exhibitions around the world, such as „Intoto 6“ at the Fondation d’entreprise Ricard in Paris, „Rencontres Internationales“ at Gaité Lyric and Palais de Tokyo in Paris, at Re-riddle in San Francisco and at Haus der Kulturen der Welt in Berlin, etc. Her artistic work was selected by the curator Harald Szeemann for the closing exhibition of the Academy of Fine Arts in Vienna (1999) and by Kasper König for the closing exhibition at the Academy of Fine Arts in Vienna (2000). Patricia Reinhart has received several awards and scholarships, including the “Bau at Camargo Arts Residency Award” from the BAU Institute/USA and
the “Austrian State Grant Visual Arts” from the Austrian Federal Ministry of Arts/AT. She has participated several times in different artist-in-residence programms and her films were shown during Berlin Art Week, Vienna Art Week and Nuit Blanche Paris.

Author: Patricia Reinhart for ARTBerlin

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