Arte 51

Galería Mecánica presenta la exposición colectiva "Tiempos Canallas".

noreply@blogger.com (ibán) — Wed, 30 Jan 2013 08:54:00 +0000

La Galería Mecánica (Sevilla) presenta la exposición colectiva Tiempos Canallas, que podrá visitarse, desde el 1 de Febrero al 5 de Marzo, un proyecto comisariado por la crítico de arte Regina Pérez Castillo en el que a través de la ironía y el sarcasmo se abren las puertas al tabú y lo vetado.

A nadie se le ocurriría dudar que vivimos en un mundo desacralizado, sin embargo, ciertos asuntos siguen provocando entre nosotros la ofensa, el sonrojo o la intriga. ¿Porqué seguimos reaccionando así cuando nuestros valores éticos y morales ya han sido abolidos?

Eugenio Merino, Carlos Aires, María Cañas, Juan Carlos Robles, Julio Falagán, José Antonio Reyes, Esteban Zapata y Daniel Silvo son los integrantes y representantes de una potente generación que se ha valido del sarcasmo, la mordacidad y la inteligencia para hablar de algunos temas que todavía hoy son considerados espinosos.

No importa la trascendencia del asunto (la guerra, el sexo, la religión,...), todos ellos han sabido superar la frivolidad polémica y el reclamo fácil, dejando paso a una visión personal, madura y crítica.

Eugenio Merino y Carlos Aires plantean una revisión de la historia humana, donde la principal cuestión gira en torno al rol del vencedor y del vencido. Mientras Merino hace uso del alambre de espino como símbolo de ese vínculo, Aires prefiere aislar al protagonista del conflicto, descontextualizarlo y ubicarlo en la hoja de un cuchillo. Pero a veces la historia confunde al villano y al bondadoso. El ejemplo más claro lo encontramos en la obra del artista colombianoEsteban Zapata, que ha retratado las diferentes "caras" del narcotraficante colombiano Pablo Escobar, el cual ostenta esa personalidad ambigua: un santo en Colombia y un diablo en EEUU. María Cañas, por su parte, reivindica la pornografía como lenguaje creador y se basa en ella para recrear un mundo en el que la virtud ha sido demacrada. Un cosmos en el que todo empeora a la vez que mejora, manteniendo nuestros anhelos y perversiones vivos. Esa doble moral también está presente en la obra de Juan Carlos Robles quien además define con ahínco el concepto de "ruina" (urbana y humana). Daniel Silvo consigue arrebatar el aura al mayor protagonista de nuestro tiempo: el Dinero, llevando a cabo labores de papiroflexia con billetes de Euro. Julio Falagán se aproxima al mundo religioso para hablarnos de esa cruz en la que todos acabamos clavados y José Antonio Reyes se inmiscuye en el controvertido mundo del toreo para averiguar quien es el auténtico protagonista de la fiesta: ¿el toro o el torero?

¿Qué nos pueden aportar este manojo de "canallas"? Una visión renovada, ingeniosa y lacerante, que puede enojarnos y divertirnos a la vez, pero sobre todo, consiguen exponer con naturalidad aquello que todavía hoy provoca más de una disputa, liberándonos de esa carga escrupulosa y nociva.

Art Madrid '13 Llega con Importantes Novedades.

noreply@blogger.com (ibán) — Tue, 29 Jan 2013 08:28:00 +0000

La octava edición de la Feria de Arte Contemporáneo Art Madrid contará con la participación de 39 galerías, nacionales e internacionales, y abrirá sus puertas del 13 al 17 de febrero en su nueva ubicación del Ático de la Estación de Chamartín.

Atendiendo a los cambios producidos en el mercado del arte y, concretamente, en el modelo de negocio de las galerías, Art Madrid ha diseñado un nuevo modelo de feria, con una mayor exigencia de calidad y un formato más reducido, con la presencia de 39 galerías -distribuidas en un amplio espacio de 2.500 metros cuadrados de exposición-, y doblando su presencia anual, con una primera convocatoria del 13 al 17 de febrero de 2013 y la siguiente en el mes de noviembre. Esta doble convocatoria pretende que las galerías y, por tanto, sus artistas tengan una mayor visibilidad durante todo el año.

Otra de las novedades es el cambio de emplazamiento, desde el anterior en la Casa de Campo al actual, en el Ático de la Estación de Chamartín. El nuevo espacio cuenta con tres salas diáfanas y abovedadas, idóneas para realizar una feria de arte. Además, la nueva ubicación facilitará el acceso a una mayor cantidad de visitantes, que podrán llegar hasta ella en automóvil, Metro y trenes de cercanías.

Junto al programa general, la feria mantiene el programa One Project, la gran apuesta de la feria por el arte joven, con la presencia de nuevos medios y soportes no convencionales. One Project, comisariado por el crítico Javier Rubio Nomblot, acoge galerías que participan con un proyecto específico de un artista menor de 45 años, dispuestos en stands de 10 m² y en un espacio diferenciado dentro de la feria.

En el marco de la feria y en colaboración con Montana Colors, el artista Miguel Ángel Belinchón "Belin", especialista en arte urbano y graffiti, realizará en vivo un mural gigante de 10 metros de largo por 3'22 de alto, en la pared exterior de la nave que acoge la feria.

Miquel Barceló inaugura hoy "

noreply@blogger.com (ibán) — Sat, 26 Jan 2013 08:31:00 +0000

Miquel Barceló inaugura el sábado 26 de enero de 2013 su primera exposición individual en la Galería Elvira González. Se trata, además, de la primera exposición que Barceló realiza en una galería española desde hace más de una década.

La muestra recoge su obra reciente, realizada en su totalidad en el 2012, año en el que Barceló ha trabajado sobre todo con cerámica. El artista lleva años trabajando con este material y últimamente ha intensificado su uso ya que, en sus propias palabras “es el material que mejor recoge los defectos y las imperfecciones”.

Como en su pintura, Barceló maneja el material escogido con destreza y soltura, dando lugar a unas soluciones formales transformadoras e impactantes.En palabras del propio artista: El tema de muchas de estas obras es la pintura. La arcilla se convierte en pintura, en lienzo y dibujo. Para abreviar, una transmutación. La arcilla se convierte en pintura y así en carne de nuevo.

En su conjunto, la exposición muestra la versatilidad artística de Barceló con su estilo inconfundible que le ha

convertido en uno de los artistas contemporáneos españoles con mayor proyección internacional.

Miquel Barceló (Felanitx, Mallorca, 1957) tuvo sus primeros contactos con la pintura desde muy joven con su madre Francisca Artigues a quien le gustaba pintar y con la que Miquel compartía esta afición. Asiste a partir de 1972 a l’Escola d’Arts i Oficis de Palma de Mallorca y ha sido considerado, desde muy joven, como uno de los mejores artistas europeos de nuestro tiempo.

Recibió de forma temprana el reconocimiento internacional. Con 24 años participa en la Bienal de Sao Paulo

(Brasil) 1981 y con 25 en la Documenta de Kassel (Alemania) en 1982. Desde este momento su obra es incluida en las más prestigiosas muestras internacionales, configurándose como una de las mayores revelaciones del arte español en los años ochenta. En 1986 se le concede el Premio Nacional de Artes Plásticas y, dos años después, instala su taller en Mali, un país en el que centra su fascinación por África.

Su labor artística abarca diferentes disciplinas, como la pintura, la escultura y la cerámica. Representante español en el Pabellón Bienal de Venecia en 2009 su obra ha sido expuesta en la Whitechapel de Londres, el Centre Georges Pompidou de París, el MACBA de Barcelona o el museo Louvre de París. En la pinacoteca francesa expuso en 2004 las acuarelas que creó para ilustrar La Divina Comedia.

En 2003 recibió el premio Príncipe de Asturias de las Artes y en 2008 inauguró la cúpula de la Sala XX del Palacio de las Naciones Unidas en Ginebra. Recientemente ha sido reconocido con el Premio Penagos de Dibujo 2011 e investido doctor honoris causa por la Universitat Pompeu Fabra de Barcelona.

Concurso Internacional de Artes Plásticas y Visuales de Chelsea 2013

noreply@blogger.com (ibán) — Fri, 25 Jan 2013 09:52:00 +0000

Agora Gallery de Nueva York patrocina anualmente el Concurso Internacional de Artes Plásticas y Visuales de Chelsea, un concurso de arte de notoriedad que ha sido evaluado por jurados excepcionales como curadores de museos prominentes y expertos del mundo del arte. Es una gran oportunidad para que los artistas seleccionados por el jurado, ganen una plataforma para exponer su trabajo en el famoso distrito de Arte de Chelsea.

El Concurso Internacional de Artes Plásticas de Chelsea está abierto a artistas plásticos y visuales de cualquier parte del mundo, y en todas las etapas de su carrera. En años anteriores, el jurado ha seleccionado a artistas que trabajan en pintura, escultura, fotografía, dibujo, técnica mixta y gráfica.

La inscripción al 28º Concurso Internacional de Artes Plásticas iniciará el 12 de Febrero del 2013.

Influyentes voces del mundo de arte de Nueva York participan como jurado, siendo el elegido en la edición de 2013 Anthony Haden-Guest, un escritor británico, periodista, dibujante, crítico de arte y actor ocasional, que vive en Nueva York y Londres.

Los premios se distribuirán a los artistas seleccionados por el jurado. Estos incluyen la participación en la renombrada exposición del Concurso Internacional de Artes Plásticas, en el corazón de Chelsea, Nueva York; una reseña, premios en efectivo y promoción exclusiva en Internet. Estos premios, valorados en un total de 55.000 dólares, se eligen específicamente para ayudar a promover artistas en sus carreras y para maximizar su visibilidad frente a los coleccionistas y el mercado de arte de Nueva York. Hay una cuota de participación de 35 dólares hasta 5 imágenes, y 5 dólares por cada imagen adicional.

Parece una propuesta más que interesante por lo que os animamos a participar. Tenéis más información y las bases del concurso justo AQUI.

"Freehands" de Javier Fresneda en la Galería José Robles de Madrid

noreply@blogger.com (ibán) — Thu, 24 Jan 2013 11:19:00 +0000

Hoy se inaugura en la Galería José Robles de Madrid la que es la segunda exposición individual de Javier Fresneda. MFA por la UEM-Universidad Europea de Madrid, actualmente es doctorando en Bellas Artes por la UCM-Universidad Complutense Madrid. Su trabajo se ha venido desarrollando en la investigación de la relación que existe entre el hombre y su entorno a través de la exploración de los limites del espacio, pero esta vez va un paso más allá y profundiza en el papel que los medios técnicos tienen en esa relación en el mundo actual.

Freehands compila piezas e intervenciones realizadas en Alemania y México durante 2011 y 2012. Desde la invención de un código de gestos manuales, Fresneda propone relaciones con objetos cotidianos como si de interfaces se trataran, imaginando objetos potenciales que afectan al entorno y sus imágenes. La aproximación del cuerpo hacia la arquitectura genera para el artista un campo de relaciones y experiencias capaces de ser cartografiadas y puestas en relación con el público. La mirada doble, redundante o embriagada aporta pistas a Fresneda en su negociación con la idea de artefacto, de objeto y texto culturalmente connotado.

En trabajos previos, Fresneda incide en cómo voluntad de conocer aporta premisas y relaciones, utilizando para ello metodologías que nacen del potencial creativo. En MultipleMountain (2010) realiza una exhaustiva relectura de la historia del ochomilismo para escoger y describir las rutas de alpinismo más duras y complejas. Proyectos del absurdo que, descritos como modelos de origami y escultura 3D permiten a Fresneda narrar una genealogía subjetiva del encuentro con los límites del mundo. En Stamina (2011) dicho encuentro se efectúa en 7 edificios en ruinas de la periferia de Berlín (Alemania) a través de series de escalada, esculturas digitales e imágenes que vinculan el cuerpo en movimiento y el espacio descrito desde el tiempo.

Como indica Martí Manen: “Fresneda incorpora en el arte un modo de trabajo propio del mundo globalizado y tecnológico en el que vivimos, donde tanto cuerpo como paisaje son código. Su aproximación física a la realidad es también lingüística y performativa: reaccionamos y hacemos, sentimos y desconocemos, codificamos constantemente”.

Freehands reivindica la actitud como el valor decisivo en la investigación del mundo y las relaciones con los otros. Considerar nuestro entorno inmediato como pieza de una contexto más amplio cuestiona nuestro enredo con nuevas naturalezas de las que sólo somos co-creadores.

La exposición se acompaña de un texto específico realizado conjuntamente por Martí Manen y Javier Fresneda, y diseñado por Carlos Fernández-Pello.

Javier Fresneda (Segovia, 1982 - vive y trabaja en Ciudad de México). Su obra ha sido exhibida en AKV St. Joost de Holanda, el SOMA de México, la Gallery Weekend de Berlin; el CA2M de Madrid; Paralelos Manifesta8; Altes Finanzamt de Berlin; Matadero Madrid; Kunsthaus Bethanien de Berlín y en la V Bienal VentoSul de Brasil. Presente en colecciones como Fundación IAC (México) o INDOC (España), ha participado en ferias como Liste Basel, ARCO o JustMad. Actualmente representado por galería José Robles participa en la edición de ARCO 2013.

La invención concreta. Colección Patricia Phelps de Cisneros, en el MNCARS del 23 de Enero al 16 de Septiembre

noreply@blogger.com (ibán) — Wed, 23 Jan 2013 09:26:00 +0000

"La invención concreta" constituye la primera exposición organizada en Europa y la más completa realizada hasta la fecha de la importante Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC).

Comisariada por Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía, y Gabriel Pérez-Barreiro, director de la Colección Patricia Phelps de Cisneros, la muestra se compone de aproximadamente doscientas obras —pintura, escultura, instalación, collage y obra gráfica— que dan a conocer un periodo clave de la modernidad

latinoamericana (desde los años treinta hasta la década de los setenta); muchas de las cuales nunca se han visto en España con anterioridad y una veintena proceden del MoMa de Nueva York, institución a la que fueron donadas por la Colección Patricia Phelps de Cisneros.

La exposición cobra sentido en el contexto de las nuevas narraciones sobre la modernidad, abandonando la visión dominante hasta hace relativamente poco que consideraba las exposiciones de América Latina ligadas a la visión del otro como

marginal, en el contexto de la antigua dinámica centro-periferia.

La exposición La invención concreta centra su atención en el desarrollo de la abstracción geométrica en Latinoamérica, abarcando un marco cronológico que se inicia en los años treinta y concluye en la década de los setenta del siglo XX.

Aunque este tipo de arte abstracto se desarrolló inicialmente en Europa y Rusia, algunos artistas sudamericanos lo asumieron como lenguaje de un futuro cosmopolita y progresista desde las modernas ciudades de Montevideo, Buenos Aires, São Paulo, Río de Janeiro y Caracas. La abstracción geométrica se convierte así en un vehículo de expresión de la emergencia de un continente que exploraba a mediados del siglo XX nuevas ideas políticas y culturales.

El relato expositivo se estructura a partir de la idea de intención artística, considerando las obras como manifiestos visuales capaces de expresar diversas concepciones sobre lo que puede y debe ser el arte y el rol que este desempeña en la sociedad. Muchos de los autores de estos trabajos se ocuparon de escribir las teorías que mantenían sobre estas cuestiones en artículos, revistas y polémicos manifiestos en los que se proclamaban las características de un nuevo lenguaje artístico que, a pesar de sus aspiraciones universales, se dotaba de un significado diferente en relación con cada contexto.

Las obras que configuran esta exposición se agrupan al margen de su lugar y año de creación, atendiendo a criterios de afinidad de los autores desde los cuales entender que la cercanía en el uso del lenguaje artístico no se traduce necesariamente en una finalidad común respecto al objetivo de su arte. Todos estos trabajos proceden de la Colección Patricia Phelps de Cisneros, una de las más importantes en lo que al arte contemporáneo latinoamericano se refiere, con la que el Museo Reina Sofía ha establecido un convenio de colaboración.

Roberto González Fernández "SAN SEBASTIÁN", en la Galeria Espacio 48 de Santiago de Compostela

noreply@blogger.com (ibán) — Tue, 22 Jan 2013 19:03:00 +0000

La galería de arte Espacio48 presenta la exposición “SAN SEBASTIÁN” del artista Roberto González Fernández, que se inaugurará el próximo jueves 24 de Enero a las 20.00 horas y permanecerá abierta hasta el 8 de Marzo de 2013.

Roberto González Fernández (Monforte de Lemos, 1948), estudia en la Escuela de BB.AA. de San Fernando de Madrid entre 1969 y 1974. Tres años después se traslada a Edimburgo, lugar que se convertirá en uno de los escenarios fundamentales de su vida y obra -ya que reside y trabaja desde 1982 entre la capital escocesa y Madrid-, sin perder el contacto con su Galicia natal, donde realiza exposiciones puntuales. En 1984 es becado por “The New York Foundation for the Arts”. Su trayectoria es muy prolífica, con múltiples muestras individuales y colectivas. En 2007 realizó una exposición antológica “Punto e Seguido” presentada en el Centro Torrente Ballester de Ferrol donde se exhibieron unas trescientas obras de su amplio catálogo que abarcaban un período de cuarenta años de trabajo.

Su obra forma parte de importantes colecciones gallegas (Centro Galego de Arte Contemporánea, Colección Novagalicia Banco, Diputación de La Coruña, Museo de Bellas Artes de La Coruña), escocesas (Edinburgh City Art Center, Museo Hunterian y Museo Kelvingrove de Glasgow) y españolas (Fundación Argentaria, Comunidad de Madrid), así como otros centros de arte en el mundo (Colección Forbes de Nueva York y el Museo Victoria & Albert de Londres), entre otras.

En “SAN SEBASTIÁN” Roberto González Fernández presenta siete de los treinta y tres óleos que forman parte de la serie DEAYM (De Amor y Muerte). En las piezas el artista retrata a personajes que conoce representados según la iconografía del citado mártir, con flechas atravesando a cada uno de ellos. Pero esa muerte aquí se torna distinta, perdiendo su parte tormentosa, ya que quien la sufre son personas de carne y hueso, que desmitificadas expresan dolor y placer al mismo tiempo y que se conmueven ante esta situación tan ambigua como es la de formar parte de una iconografía clásica reinterpretada de forma tan especial. Una ceremonia donde el amor está muy presente, ya que cada uno de los representados cruza las manos sobre el pecho, lo que en lenguaje de sordomudos significa querer. Por otra parte, la riqueza de los paisajes que rodean estos “héroes contemporáneos”, está íntimamente relacionada con el carácter del modelo, y nos transmite una información adicional que visualmente resulta espectacular.

Complementan los óleos el aguafuerte I Love You IV, que es la base de la serie completa: un personaje vestido de medio cuerpo con los ojos cerrados, cruza sus brazos sobre el pecho mientras una saeta atraviesa el cuello y otras dos, las manos.

"Germania" de Alberto de las Heras.En La Fresh Gallery de Madrid del 14 de Febrero al 15 de Marzo de 2013.

noreply@blogger.com (ibán) — Mon, 21 Jan 2013 09:12:00 +0000

¿Que habría sido de Berlin de haber ganado Hitler la guerra? Sencillamente habría dejado de existir y hoy hablaríamos de Germania, la gran capital del imperio nazi. Un proyecto delirante del Führer del III Reich para el cual hubiera tenido que reducir a escombros parte del centro urbano de Berlín, creando un nuevo eje Norte – Sur que dividiría la ciudad en dos. El encargado de llevar a cabo tal locura sería el arquitecto personal del Führer, Albert Speer. La II Guerra Mundial y su desenlace; así como el suelo arenoso de la ciudad impidieron la realización del gran proyecto urbanístico de la Alemania nazi: la transformación de Berlin en Germania..

Alberto de las Heras nos hace llegar este desconocido episodio a través de los dibujos que componen una exposición que permanecerá en La Fresh Gallery de Madrid entre el 14 de Febrero y el 15 de Marzo de 2013. Él mismo nos explica como se organiza la muestra:

"La exposición se divide en tres partes.
En la primera parte, titulada “New Look”, vemos las consecuencias de la locura nazi. Son una serie de dibujos con las minas de Berlín después de los bombardeos de la guerra, en las que unas modelos fantasmagóricas posan como en una editorial de moda. Van vestidas de Dior. El “New Look” fue un revulsivo estético frente a las carencias de la guerra. También representa una mirada nostálgica y conservadora a los tiempos previos a las dos guerras mundiales y una forma de rechazo a los movimientos modernos a los que de alguna manera se les culpaba de haber llevado a los experimentos sociales que desestabilizaron las sociedades tradicionales y que desembocaron en las guerras mundiales. El “New Look” creaba una sensación de tranquilidad recuperando los corsés, las grandes faldas y una estética más rígida, conservadora y que recordaba a la vieja aristocracia.

La segunda parte se centra en la monumentalidad y el delirio arquitectónico nazi proyectado por Albert Speer como representación del poder. Son varios dibujos en diferentes formatos de edificios y plazas de la nueva ciudad que se iba a construir y de la deshumanización que reflejaba semejante alarde de poder.

La tercera parte se centra en las principales víctimas de la locura nazi: los judíos. Están representados a través de una lista de dibujos a modo de catálogo de objetos y posesiones personales confiscadas a las distintas familias judías, así como algunos dibujos de personas judías en su vida diaria antes de la llegada al poder del partido nazi."

ADA Art Gallery: Convocatoria para artistas plásticos.

noreply@blogger.com (ibán) — Sat, 19 Jan 2013 10:01:00 +0000

La Galeria aDa Art Gallery de Barcelona (c/ dels Salvador, 8 BCN 08001) convoca un concurso abierto a artistas plásticos para organizar una exposición colectiva del 7 al 21 de marzo de 2013.

Se aceptará un número máximo de 20 participantes, que enviarán una sola obra a concurso. Paralelamente a la exposición en la sede de Barcelona , las obras presentadas se exhibirán en formato de catálogo virtual en facebook y en la web de la galeria.

Las obras podrán ser votadas por el público en Facebook con un Me Gusta y el artista más votado tendrá como premio una exposición individual de dos semanas de duración sin otro coste que el traslado de las obras, que correrá a cargo del artista.

Los artistas interesados se apuntarán en el muro del evento y deberán enviar una fotografia en alta resolución de la obra que desean presentar a concurso antes del 14 de febrero al mail: galeria@ada-bcn.com

Si si son seleccionados deberán abonar 50€ como cuota de inscripción para cubrir los gastos del vernissage inaugural, promoción en medios de comunicación, video de la exposición y alquiler de la galería .

Los artistas seleccionados deberán hacer llegar la obra presentada a concurso entre el 4 y el 6 de marzo de 2013, no antes.

Ya puedes consultar las bases del concurso aquí.

Indalecio Pérez Entrena: la materia y la conciencia.Desde el 18 de enero en el Museo Casa Ibañez de Olula del Rio (Almeria)

noreply@blogger.com (ibán) — Tue, 15 Jan 2013 15:28:00 +0000

"Olvido" 2011.

Indalecio Pérez Entrena, escultor de enorme exigencia formal; mente inquieta en constante búsqueda estética; gran conocedor de los grandes escultores contemporáneos españoles y de la tradición clásica (como queda manifiesto en la obra expuesta); admirador de artistas como Oteiza, Chillida, Martin Chirino o Pablo Gargallo; vástago de una de las sagas más importantes de artesanos del empedrado “granadino”, nació en Granada en diciembre de 1961. Allí, en la ciudad de la Alhambra, recibiría sus primeras enseñanzas artísticas en la Escuela de Artes y Oficios. Institución en la que tendría como maestros, entre otros, a los escultores Miguel Moreno y Aurelio López Azaustre.

Comisariada por Juan Manuel Martín Robles (director del Museo Casa Ibáñez), quien ha contado con la estrecha colaboración del propio artista tanto en la selección de las obras como en el diseño general de la exposición, bajo el título “Indalecio Pérez Entrena: la materia y la conciencia” se presenta una escogida selección de esculturas realizadas entre 1987 y 2012. Un total de veintiuna obras que han quedado distribuidas tanto en la sala 16 (donde las obras dialogan con la pintura de Ibáñez), como en el patio, recién remodelado, de la pinacoteca olulense.

Un conjunto de obras, algunas de ellas de gran formato, que permitirán al visitante conocer y disfrutar tanto de algunas de las piezas más significativas de las series “Francescas”, “Agua”, “Gótico”, “Viento” y “Torsos”, como de algunas de sus obras independientes más impactantes, como Olvido (2011) o sus Caballos de guerra (1994). Un grupo de obras que, al tiempo de permitirnos conocer la evolución del artista, demuestra que el mundo de Pérez Entrena está en constante expectación y evolución.

De las veintiuna obras expuestas, quince son piezas de hierro trabajadas por Pérez Entrena con distintas técnicas, una en piedra negra Calatorao y cinco han sido realizadas en mármol de Macael. Una variedad de materiales y técnicas que brinda al visitante la oportunidad de comprobar la versatilidad técnica de este creador granadino-almanzorí.

Con motivo de la exposición, y como es habitual en las producciones del Museo Casa Ibáñez, se ha publicado un libro sobre el escultor y su obra. Una publicación, coordinada por Martín Robles, en la que se han recogido textos de Andrés García Ibáñez, Martín López López, Bárbara Martínez González y el propio Martín Robles. Como colofón al libro, y bajo el título “Esculturas 1988-2012”, ha quedado recopilada buena parte de la obra escultórica de este artista y docente, tanto las obras expuestas en esta ocasión, como otras no exhibidas.

Bancocracia. En la Galería 6más1 de Madrid hasta el 9 de Febrero.

noreply@blogger.com (ibán) — Fri, 11 Jan 2013 17:09:00 +0000

La exposición se presenta como un "cara a cara" artístico-conceptual en el que se enfrentan Julio Flanagán, que presenta su proyecto "Prioridad absoluta"; y Wolf Geyr que muestra por primera vez en España "In God We Trust", duelo que tiene como telón de fondo la relación entre poder político y poder económico.

Con ambos trabajos, realizados cada uno en un país y en un contexto diferente, Julian y Wolf pretenden arrojar luz sobre el momento que padecemos actualmente y ayudarnos a comprenderlo presentandonos la conclusión a la que parecen haber llegado cada uno desde su mirada particular en lo que concierne a esa relación de poderes que vienen a estudiar, mirada que al tratar un problema colectivo termina ofreciendo una respuesta también para la colectividad, y es que si los bancos poseen el poder económico en nuestra sociedad de consumo, esto quiere decir que en ultima instancia también poseen el poder poder político, que depende de ellos, de modo que las ultimas responsables de la actual situación que viven Europa y el mundo occidental en general serían las entidades bancarias.

Una vez más el arte se vuelve incómodo, y activamente político y nos invita a reflexionar sobre nuestro presente, la pena es que lo haga dentro del espacio de la galería donde pierde la visibilidad que podría hacer revolverse al sistema, allí donde este ha cobijado al arte para que no pueda hacerle daño. La pena es que este arte no salga al espacio público, donde la masa anestesiada pueda experimentarlo y reflexionar y donde de estar expuesto actuaría como debe y nos enseñaría la verdadera cara de los que ahora más que nunca se esfuerzan por silenciar a los agentes que pueden derribar su fortaleza, porque este momento, el momento en el que han movido ficha y han puesto en marcha el mecanismo para la creación de un mundo mas elitista aún es también el momento en el que más fácilmente pueden quedar expuestos sus mecanismos. Por eso encierran el arte en galerías y museos, porque así lo convierten en una mercancía o en un objeto de deleite y mientras unos les alimentan, los otros nos deleitan o por decirlo de otro modo nos sirven el arte a modo de "pastilla para la felicidad". Y no solo esto, consiguen además que aquellos trabajos que les ponen en evidencia se muestren a una inmensa minoría que al salir de la galería volverá a ser atrapada por la inmensa mayoría, volviendose de nuevo marionetas de aquellos de los que por un rato quedaron libres, volviendo inútil el esfuerzo de los artistas.

Mi enhorabuena a Julio Flanagán y Wolf Geyr por su valentia, pero también mi invitación a ambos a que desarrollen sus trabajos en la calle para darles un sentido completo y para que nos enseñen de verdad como el arte puede hacer que el sistema tiemble de miedo.

I Concurso de Arte "Imposible de etiquetar": Las exposiciones.

noreply@blogger.com (ibán) — Wed, 09 Jan 2013 09:58:00 +0000

Ya hablamos en un post anterior del I Concurso de Arte "Imposible de etiquetar", convocado por la cerveza Alhambra Reserva 1925, para constituir una plataforma de exhibición, difusión y apoyo de nuevos creadores. Pues bien, tal y como avanzábamos, el plazo para la presentación de las obras terminó el 23 de Noviembre y ya han sido seleccionadas 38 piezas de entre casi 150 obras originales e inéditas de todas las disciplinas convocadas:Pintura, Fotografía, Videoarte y Escultura, por un jurado, compuesto por profesores de las escuelas y facultades participantes. En el caso de la Facultad de Bellas Artes de Madrid, el jurado integrado por los profesores Selina Blasco y Francisco Molinero Ayala ha seguido el criterio de primar, además de la calidad de las propuestas, la variedad en los formatos y las técnicas. Por otra parte, como institución docente señalaron que una de las características más valoradas de la convocatoria de Alhambra Reserva 1925 fue “la índole educativa del premio".

Llegado este punto, ya esta organizada una muestre itinerante que llevará estos 38 trabajos a cuatro ciudades españolas. Cuatro exposiciones en las que la entrada será gratuita y en las que se podrán disfrutar las mejores obras de la próxima generación de artistas de nuestro país, algunas de las cuales podéis ver en este articulo.

La primera exposición programada tendrá lugar en Madrid en la Sala Efti, C/Fuenterrabía 4, del 14 al 20 de enero de 2013. Les seguirán:

- Santander, en Escenario Santander (Parque de Las Llamas) Del 28 de enero al 3 de febrero.

- Bilbao, en Bilbao Arte (Calle Urazurrutia, 32) Del 11 al 17 de febrero.

-Barcelona, Centro de Arte Setba (Plaza Real 10, 1º 2ª) Del 28 de febrero al 3 de marzo.

Los futuros artistas nos enseñan su visión del arte del futuro, un arte que tal y como viene ocurriendo en las ultimas décadas resulta imposible de etiquetar, pero esto solo es lo más obvio ¿Que más proponen estos jóvenes creadores? La única forma de saberlo es acercarse a esta exposición y experimentar sus obras.

Alejandro Maureira:

“Sub Sole 06”,

Fotomontaje (fondo analógico

+ retrato digital)

Edurne Herráiz:
“Rutina, Ardua
Rutina”, Fotografía

Salim Malla:
“Correspondencias”,
Impresión digital
directa
sobre PVC

AI WEIWEI: RESISTENCIA Y TRADICIÓN, en el CAAC Sevilla del 31 de Enero al 30 Junio .

noreply@blogger.com (ibán) — Tue, 08 Jan 2013 19:53:00 +0000

El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo inaugurará el próximo 31 de enero la primera exposición individual en un museo en España del artista y disidente chino, Ai Weiwei. En el antiguo Monasterio de la Cartuja de Sevilla, posterior fábrica de cerámica y loza Pickman y actualmente Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC), se presentará una muestra que abarcará la mayor parte de formas de producción de Ai Weiwei, entre ellas instalaciones, cerámicas, videos y fotografías, obras que ocuparán la mayor parte de la zona monumental, entre otras salas.

Ai Weiwei es hoy día el artista chino con mayor proyección internacional. Nacido en Beijing (1957), estudió cine en su ciudad natal, donde fundó el grupo de vanguardia Xing Xing (Las Estrellas) en los años setenta. En 1983 se trasladó a Estados Unidos, donde continuó sus estudios en arte y diseño y se convirtió en una figura destacada dentro de la comunidad de intelectuales chinos en el exilio y de la escena cultural neoyorquina, desarrollando un trabajo en la estela del arte conceptual. En 1993 regresó a China donde además de su actividad artística, ha llevado a cabo proyectos como comisario de exposiciones, arquitecto y una prolífica actividad en Internet, especialmente a partir de su prolífico blog. En los últimos años se ha convertido en una de las voces críticas con el régimen chino más conocidas internacionalmente, lo que le supuso en 2011 ser arrestado por parte de las autoridades de su país, que la mantuvieron en paradero desconocido durante tres meses.

JÄÄL PHOTO 2013. 14-16 FEBRERO (MADRID)

noreply@blogger.com (ibán) — Fri, 04 Jan 2013 08:42:00 +0000

Se trata de la feria de fotografía más joven e independiente de Europa ubicada en Madrid. Jäälphoto ha sido diseñada con el objetivo de fomentar el coleccionismo en este soporte artístico, hacerlo más accesible a todos los públicos; así como convertirse en una cita con las últimas tendencias de la fotografía que esta está abiertaa galerías/espacios de arte tanto de forma física como online que presenten propuestascuyo soporte sea exclusivamente fotográfico.

La feria abrirá sus puertas desde el jueves 14 de Febrero hasta el sábado 16 y tendrá lugar en el hotel chic&basic mayerling, de Madrid, cuyas habitaciones se convertirán durante el día en un espacio expositivo y por la nocheen el alojamiento para los participantes.

Siguiendo la filosofía de ROOM ART FAIR, las galerías y espacios de arte serán jóvenes, con propuestas innovadoras y arriesgadas.

Jäälphoto es un proyecto de L H OT S E, equipo multidisciplinar que ya puso en marcha en 2011 ROOM ART FAIR, y en noviembre de 2012 celebró su edición #2.

A continuación os facilitamos el listado de las galerías participantes en esta edición con enlace a sus respectivas webs para conocer el trabajo que realizan y la naturaleza de las propuestas de sus artistas:

About Art [Pontevedra]
Addaya Centre d'Art [Alaró]
Alicia Rey Gallery [Madrid]
Antonio Pinyol [Reus]
Art Deal Project [Barcelona]
Centre d'Art La Real [Palma de Mallorca]
Cervantes 6 [Oviedo]
Espacio Plano B [Madrid]
Galería Alonso Vidal [Barcelona]
Intersecció Art [Palma de Mallorca]
Mad is Mad [Madrid]
Metro Arte Contemporánea [Santiago de Compostela]
Montsequi Galería de Arte [Madrid]
Valid Foto Bcn [Barcelona]

Por último, podéis conocer más detalles sebre Jäälphoto y la presente edición de la feria en su página web: http://www.jaalphoto.com/

Cézanne y la construcción de la forma.

noreply@blogger.com (ibán) — Tue, 04 Dec 2012 16:36:00 +0000

Podemos considerar a Cézanne como uno de los grandes artistas que facilitaron el camino a las primeras vanguardias desde su trabajo en el ocaso del siglo XIX. Se formó en París, junto a Camille Pissarro, en la técnica impresionista, al no conseguir entrar en la Escuela de Bellas artes; incluso, hay quien le incluye en este grupo puesto que participó en su primera exposición. De esta época son lienzos en los que a través de temas como bodegones o retratos deja ya ver su interés por el color y la forma, así como por las composiciones simples y claras.

A finales de los ochenta vuelve a su localidad natal e inicia su carrera en solitario tratando de superar el impresionismo y explorando la solidez de las formas de la naturaleza y el modo en que se relacionan en el espacio. Paisajes, naturalezas muertas y retratos constituyen el grueso de su producción en la cual consigue dar volumen a todos los elementos que integran el cuadro, y lo hace usando tan solo el color, eliminando el dibujo, la linea y cualquier delimitación. Eso sí, aísla los objetos con contornos claros. Obtiene la forma y el volumen, únicamente del color organizándolo en superficies lisas: el color equivale a forma y volumen que se convierten en aspectos esenciales de la representación. El claroscuro y los esfumados atmosféricos son sustituidos por colores concretos y hace un uso muy particular de la pincelada, una pincelada que nada tiene que ver con el toque corto de los impresionistas, una pincelada constructiva que por un lado articula los distintos planos de color y que por otro acentúa la corporeidad de los objetos.

En el apartado espacial, es importante señalar que renunció al punto de fuga, pero sin dejar de atender a la profundidad, consiguiéndola a través de la yuxtaposición de superficies cromáticas. Gracias a este uso del color también para la definición espacial capta mejor los volúmenes al percibir los objetos desde distintos puntos de vista lo que le llevará a un orden plástico esencialmente geométrico, postura que ataca directamente a los postulados impresionistas interesados en la luz y la atmósfera. En este sentido destaca su serie dedicada a la montaña Sainte Victorie, donde la reducción expresiva del volumen a la pura geometría se hace más potente.

Desde una observación directa de la realidad logró la simplificación y la síntesis de las formas básicas de la naturaleza; síntesis que se convirtió en en el objetivo de su vida artística un análisis que le llevo a buscar la estructura subyacente de la naturaleza en función de sus formas geométricas.

En 1895 se organizó una exposición de su obra que obtuvo el aplauso de los pintores coetáneos y supuso una autentica revelación para los pintores más jóvenes. Así, su influencia fue determinante para la aparición del cubismo y en general, para la concepción artística del arte del siglo XX que desembocaría en las corrientes constructivistas y abstractas.

El joven Van Dyck, en el Museo del Prado del 20 de noviembre de 2012 al 3 de marzo de 2013

noreply@blogger.com (ibán) — Fri, 09 Nov 2012 00:21:00 +0000

El Museo del Prado presentará el próximo 20 de noviembre esta importante exposición, una de las mayores dedicadas al arte de Van Dyck (1599-1641) en el mundo y la primera que se celebrará en España. Centrada exclusivamente en su obra de juventud, la muestra del Prado abarcará el periodo comprendido entre 1613, aproximadamente, cuando Van Dyck contaba 14 años de edad, hasta su marcha de Amberes a Italia en octubre de 1621. Durante estos ocho años de producción temprana, Van Dyck había pintado unos 160 cuadros, mucho de ellos obras de gran tamaño y ambición creativa, de los que el Prado posee el conjunto más importante.

La muestra, compuesta por noventa pinturas y dibujos, permitirá estudiar en profundidad la carrera del joven artista y poner de relevancia que su talento precoz se manifiesta no sólo en la cantidad, sino también en la calidad de sus obras. Incluso de no haber pintado más que los cuadros de esta etapa temprana, Van Dyck sería uno de los pintores más importantes del siglo XVII.

La exposición contará con notables ejemplos de cómo este talento precoz le permitió pintar obras maestras de gran originalidad, como El Prendimiento (Museo del Prado) y elSan Jerónimo en el desierto (Gemäldegalerie de Dresde). En cuadros como La entrada de Cristo en Jerusalén(Indianapolis Museum of Art) o La Lamentación(Ashmolean Museum de Oxford), se mostrará su faceta de pintor experimental que busca nuevos recursos para aumentar el impacto de sus cuadros en los espectadores. Al margen de su trabajo propio, Van Dyck también trabajó para Rubens (1577-1640) y fue uno de los primeros pintores en enfrentarse a la abrumadora influencia de aquel, ejemplificada en obras como La coronación de espinas (Museo del Prado), en la que la aparición de figuras muy próximas a Rubens no impide apreciar nítidamente en otras la lucha del joven pintor por definir un estilo propio.

I Concurso de Arte “Imposible de etiquetar”

noreply@blogger.com (ibán) — Tue, 06 Nov 2012 11:32:00 +0000

Cervezas Alhambra acaba de abrir la convocatoria para el primer concurso de arte "Imposible de etiquetar", con el patrocinio de su marca “Alhambra 1925”, gracias al cual pretende constituir una plataforma de exhibición, difusión y apoyo a la profesionalización de nuevos creadores, con el propósito de promover la excelencia en el campo de la expresión artística y cultural.

La participación en el Concurso está abierta a mayores de 18 años residentes legales en España, que sean alumnos de Facultades de Bellas Artes y otros centros formativos de Bellas Artes que hayan sido invitadas/os a participar en el presente Concurso por la compañía, o que realicen estudios en centros artísticos y deseen participar libremente, sin más limitación que las impuestas por la legalidad vigente en el Estado español.

El premio que se entregará al Ganador consiste en:

- La matriculación en el curso de la escuela: THE UNIVERSITY OF THE ARTS

- Curso: Arte+Inglés.

- Lugar donde se realizan las clases:

- • Inglés: 15 horas semanales en La Escuela de Lenguas (High Holborn Street)2

- • Arte: 15 horas semanales en el Chelsea College of Art and Design (Pimlico-Westminster) o en el Camberwell College of Arts (Peckham Road).

Se trata de una propuesta más que interesante para los artistas en formación de nuestro país y podría convertirse en un importante impulso tanto para la formación como para el curriculum de futuribles artistas. Entra y lee las Bases del concurso y cuando lo tengas todo claro rellena la Inscripción. ¡Date prisa! El plazo para la inscripción y la recepción de obras termina el 23 de Noviembre.

Maria Luisa de Mendoza: "Ciudad interior", en AM Gallery en Roquetas de Mar (Almería)

noreply@blogger.com (ibán) — Mon, 05 Nov 2012 08:37:00 +0000

Nacida en Badajoz, realiza sus estudios en Bellas Artes en la Escuela de San Fernando de Madrid. Sus particulares arquitecturas han sido expuestas por todo el territorio nacional donde ha recibido numerosos reconocimientos a su pintura. Ha sido XXIV Premio de Pintura BMW 2009, Premio Adquisición, 30 Concurso Internacional de Pintura Caja de Extremadura 2008 y Premio Caja España de Pintura 2006 entre otras diferentes menciones y premios a su trabajo.

La obra de María Luisa de Mendoza destaca por su concepción volumétrica, superficies lisas, sedosas y una limpieza pictórica que aporta rotundidad a esta creación personal de cierto trasfondo metafísico o surrealista. Aunque realiza un tratamiento lumínico intenso, todo lo demás en el cuadro se aleja de cualquier referencia cotidiana. Nitidez compositiva, la limpieza de sus cielos, la desnudez predominante en el espacio y la sensación de vacío que se experimenta con su observación.

Buena muestra de ello es esta exposición, de la que Juan Manuel Bonet comenta lo que sigue:

"¿Es una ciudad concreta la que pinta María Luisa de Mendoza?

Ha eliminado todo lo superfluo. Ha esencializado su propósito. Se ha concentrado en construir visiones de unas arquitecturas, de unos espacios urbanos monumentales, desolados , de los que está totalmente ausente la figura humana……Paseos por la ciudad abstracta, desierta, desprovista, sí , de cualquier anécdota humana; ciudad pintada con pulcritud absoluta.… Castillos. Casamatas. Colmenas, un poco por el lado vaporoso, por el lado, pongamos por caso, Metrópolis, de Fritz Lang, y más atrás en el tiempo, la metáfora primordial de la Torre de Babel bruegheliana.

Escaleras –alguna de ellas verticales, algunas de ellas de emergencia- que ascienden hasta pequeños balcones como de monasterio tibetano, con leves barandillas metálicas.

Cielos perdidos , sí , a los que esta pintora otorga siempre un gran protagonismo. Protagonistas también, las sombras que avanzan en la tarde, como siempre sucede en la pintura de Giorgio de Chirico, y en la de Hopper. Universo en calma, sí , y a la vez ¡tan inquietante!"

"Descuadrados, Ceros e Infinitos" de Carlos Sánchez Alonso y "Color en Pinceladas" de Manolo Ballesteros en Galería Marita Segovia de Madrid

noreply@blogger.com (ibán) — Sat, 03 Nov 2012 16:36:00 +0000

El próximo miércoles 7 de Noviembre, la Galería Marita Segovia presenta una interesante doble exposición a cargo de los artistas Carlos Sanchez Alonso y Manolo Ballesteros. Una doble exposición que alberga escultura y pintura de dos grandes artistas españoles, diferenciados por la elección y la ejecución de los materiales, pero unidos por un resultado final de bella y cálida abstracción.

Así, Carlos Sánchez Alonso a través de la superposición de diferentes materiales como el metal y la madera, e influenciado por la arquitectura, crea composiciones geométricas de –en ocasiones- marcado carácter constructivista. En su obra, no solo hay superposición de materiales, sino también de disciplinas, pues la pintura está presente en algunas de las obras.

Las líneas de Manolo Ballesteros, llevadas a cabo a través de sutiles pinceladas, crean formas geométricas que poco a poco se apoderan del lienzo, originando caprichosas formas. En ocasiones, estas composiciones geométricas son el resultado de la combinación de planos de color.

Tanto en Sánchez Alonso como en Ballesteros, el uso del color suaviza la frialdad que parece poseer por defecto a estas composiciones.

Carlos Sánchez Alonso (Soria, 1963). Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, compagina su faceta artística con la docencia, impartiendo clases en la Universidad Politécnica y en la Universidad Alfonso X el Sabio, ambas en Madrid. Su obra ha podido verse de manera individual y colectiva no solo a nivel nacional, sino internacional (Londres, EEUU).

La obra de este artista multidisciplinar, pues trabaja la escultura, la pintura y la fotografía, ha sido reconocida con numerosos premios y becas, entre los que cabe destacar: Mención de Honor del Premio de Escultura de la Caja de Ahorros de Guadalajara (2004); Premio Escultura del Ayuntamiento de Majadahonda (2002) y la Beca de Escultura de la Casa de Velázquez (2002). Su obra está presente en numerosas colecciones tanto públicas como privadas y en Museos como el Museo Garachico de Tenerife.

Manolo Ballesteros (Barcelona, 1965). Con una larga trayectoria profesional, su obra ha podido verse de manera individual y colectiva tanto en galerías de arte nacionales como internacionales (París, Alemania, Bélgica). Ha estado representado en importantes ferias como ARCO, Art Frankfurt, Art Miami y Art cologne entre otras. Su obra forma parte de numerosas colecciones tanto públicas como privadas.

ROOM ART FAIR 2012

noreply@blogger.com (ibán) — Wed, 31 Oct 2012 15:30:00 +0000

La nueva edición de Room Art Fair se celebrará en Madrid entre el 23 y el 25 de noviembre de 2012. En esta ocasión la Feria de Arte más joven y asequible de España se muda al Hotel Praktik Metropol, situado frente al edificio de Telefónica, en plena Gran Vía de Madrid, y como en la edición anterior permitirá a sus galeristas mostrar su obra de día y dormir de noche.

Espacio Plano B, organizador de Room Art Fair, es una empresa creada hace tres años dedicada a la comercialización y exposición de jóvenes artistas, así como a la organización de encuentros/jornadas de gestión cultural a precios low cost con los mejores agentes culturales de nuestro país en diversas instituciones públicas y privadas [más de 1000 asistentes en el último año], además de dirigir diversos proyectos culturales como Room Art Fair.

Durante tres días, galerías de todo el territorio nacional se reunirán en la capital para presentar a sus artistas, que siguiendo la filosofía de RAF#2 serán jóvenes y presentarán propuestas innovadoras y arriesgadas. Pero la juventud no es la única característica de RAF#2, en esta feria se promueve un coleccionismo distinto y mucho más cercano a público de todas las edades, con obras de pequeño y mediano formato y precios asequibles para todos los bolsillos.

Entre las novedades de este año destaca la presencia de comisarios independientes y jóvenes que mediante convocatoria podrán presentar sus proyectos de comisariado dando visibilidad al trabajo de nuevos profesionales que mostrarán sus proyectos en una de las habitaciones del hotel donde se celebrará ROOM ART FAIR, además se alojarán en el mismo hotel creando interesantes sinergias entre los participantes [galerías, artistas, comisarios, coleccionistas, editoriales, media partners…]. Además, con el programa de este año, unos 60 coleccionistas también se alojarán en el hotel, favoreciendo la creación de sinergias entre todos los participantes y el público.

El lugar donde se celebra es el Hotel Praktik | Metropol, cuya remodelación e interiorismo ha ido de la mano de Lázaro Rosa-Violán, un diseñador al que muchos han denominado como ‘arqueólogo urbano’, y su equipo de Contemporain Studio. Un espacio que por su originalidad sorprende a todos sus visitantes y que se convertirá en el escenario de un evento generador de tendencias y catalizador para agentes culturales.

"Figuraciones", en Karton Galeria de arte (Huercal-Overa, Almería)

noreply@blogger.com (ibán) — Mon, 29 Oct 2012 08:24:00 +0000

Karton Galería de Arte presenta “figuraciones” una muestra en la que se presentan una cuidada y representativa selección de los trabajos de un grupo de creadores figurativos nacidos entre 1969 y 1985, se podrá visitar en la sede de la galería desde el 26 de octubre al 19 de noviembre de 2012 y en horario habitual de la galería. Esta exposición esta comisariada por José Manuel Martin y Ginés J. Fdez. y producida por KartON GALERIA DE ARTE.

Del 14 al 18 de mayo de 2012, el Museo Casa Ibáñez de Olula del Río (Almería) acogía, en su sala 14, la primera edición del “Curso de Realismo y Figuración”. Un taller de formación y perfeccionamiento para pintores dirigido por Antonio López (Tomelloso, 1936), principal referente del Realismo contemporáneo, y Andrés García Ibáñez (Olula del Río, 1971), creador de consolidada trayectoria internacional.

Para su participación eran seleccionados por los docentes, entre más de doscientas solicitudes llegadas desde todos los rincones del planeta, treinta y cinco artistas españoles, hispanoamericanos y norteamericanos. Un selecto elenco de artífices, algunos de notable juventud y prometedores comienzos, otros de consolidado recorrido, que durante cinco jornadas se ejercitarían, atendiendo a las recomendaciones de los maestros, en la pintura del natural, con opción a practicar tanto la figura, como el bodegón o el paisaje. Tres de los géneros de mayor arraigo en la tradición realista –vehículos principales para la traslación al lienzo de las propuestas de los más diversos maestros– cuya presencia se hace notoria también ahora en esta muestra.

De aquellos treinta y cinco participantes, los comisarios de esta nueva exposición temporal, han seleccionado a siete pintores de notorias cualidades y refinada sensibilidad. Siete demiurgos, alimentados por los dones de la musa Clío, cuyas propuestas nos permitirán acercarnos a sendas visiones del Realismo contemporáneo; siete formas diferentes de trasladar al lienzo la poética que late en lo más hondo e íntimo de cada artista; siete modos concretos de expresar, desde la individualidad del creador, la realidad del mundo que le rodea y nos circunda. Siete apuestas convergentes en un punto de partida común: el Realismo, como movimiento plástico y retrato fiel de la vida cuyas fuentes de inspiración y motivaciones –la naturaleza, la realidad, lo contemporáneo, las pasiones humanas y lo bello o, su contrario, lo feo– se mantienen inagotables desde tiempos remotos.

Siete artistas cuyos planteamientos permitirán al espectador disfrutar sin parapetos, al margen del ensordecedor ruido de lo cotidiano y sus aledaños, del instante, la mirada o el encuadre preciso capturados en la superficie bidimensional del cuadro.

Una selección de pintores formada por: Javier Egea (Almería, 1983), autor de una obra, generalmente resuelta con una técnica suelta de incontestable modernidad, en la que se mostrará indagador de los misterios del alma a través de intensos retratos y recuerdos de origen cotidiano que recuerdan lo vivido, o incluso lo soñado; Ignacio Estudillo (Jerez de la Frontera (Cádiz), 1985), artista de versátil pincel –minucioso en el detalle, cuidadoso en la mancha– especialmente gustoso en el campo del retrato, lo que le llevaría a ser finalista en el “BP Portrait Award 2012” organizado por la National Portrait Gallery de Londres, y el paisaje, escenas a las que dota de un espíritu hermanado con la tradición romántica alemana; Paco Lafarga (Zaragoza, 1977), excelente dibujante y cantor de lo cotidiano en cuya producción, en ocasiones protagonizada por lo anecdótico, se hallan ecos cercanos de la pintura de Golucho, maestro del Realismo contemporáneo con el que compartiría numerosas jornadas de trabajo; Eduardo Millán (Jerez de la Frontera (Cádiz), 1979), pintor de refinada técnica e intensa poética cuyos paisajes y bodegones, siempre resueltos con exquisitez, aunque sin caer en el adocenamiento, traen a nuestra memoria la obra más clásica de Antonio López; José Luis Muñoz (Córdoba, 1969), magnífico dibujante y degustador de los jugos emanados de la literatura clásica y la mitología, autor de una obra de marcado carácter simbólico-narrativo, no exenta de rasgos de modernidad en el trazo y el uso del color, en ocasiones influida por la ilustración; Juan Manuel Rodríguez (Málaga, 1979), artista cuya producción se presenta ante el observador como una pintura de realismo minucioso, exhaustivo, aunque sin caer en el hiperrealismo ni en el amaneramiento técnico que derivase en obras de correcta resolución faltas de alma y poética; y Carlos Tardez (Madrid, 1976), autor de una obra caracterizada por la fina ironía que caracteriza al pintor –especialmente patente en la perfecta comunión entre óleos y títulos, siempre sugerentes y evocadores– y la omnipresencia en ésta de los animales como protagonistas de un particular universo, trasladado al lienzo con notable dominio de la composición y el dibujo.

Jackson Pollock y la influencia del action painting son examinados en la Fundación Joan Miró

noreply@blogger.com (ibán) — Mon, 22 Oct 2012 23:05:00 +0000

"Explosión! El legado de Jackson Pollock", es el nombre de la muestra que desde mañana y hasta el 24 de Febrero de 2013 podrá verse en la Fundación Joan Miró de Barcelona y que investiga el entramado de influencias y conexiones que se generaron a partir de la action painting o pintura de acción, cuyo principal exponente fue Jackson Pollock (1912-1956). Desde finales de1940, la noción de pintura como acción abrió un inmenso campo de posibilidades que se tradujeron en el arte de la performance y en las innovadoras prácticas artísticas conocidas con el nombre de arte conceptual. Muchos artistas confirieron tanta importancia al acto creativo como la pintura que era el resultado. En esta zona fronteriza entre la pintura y la performance, el azar o el espectador actuaron a menudo como cocreadores de la obra. Esta actitud experimental y conceptual hacia la pintura y el arte inspiró posteriormente a muchos otros artistas, allanando el camino a las nuevas formas de crear y mirar el arte que eclosionaron a partir de Mayo del 68 y que condujeron a la redefinición del arte y por tanto del concepto de estética ligado al mismo.

La muestra ofrece una visión geográfica y cronológica sobre el alcance del fenómeno e incluye obras realizadas en diversas técnicas de artistas de finales de los años cuarenta hasta ahora, entre los que cabe destacar Jackson Pollock, Yves Klein, Niki de Saint Phalle, Jean Tinguely, Allan Kaprow, Andy Warhol, Lynda Benglis, Saburo Murakami (en las imágenes), Bruce Nauman, John Baldessari, y Paul McCarthy entre otros. La exposición ha sido organizada por Moderna Museet de Estocolmo y cuenta con el patrocinio de Fundación BBVA.

Jerónimo Muñoz: "Abismo del silencio," en MECA Mediterráneo Centro Artístico del 24 de Octubre al15 de Noviembre

noreply@blogger.com (ibán) — Sun, 21 Oct 2012 14:01:00 +0000

Nunca una obra puede quedar sin luz. Ese es el argumento de partida de Fernando Barrionuevo, comisario de la exposición Abismo del Silencio, del artista almeriense Jerónimo Muñoz

En su extensa producción artística, Jerónimo Muñoz presenta obras de verdadero impulso vital y eminentemente vitalista. Estos conceptos, aparentemente fáciles de entender con la mera contemplación de sus obras, parten de una rígida posición de compromiso hacia la transcendencia de la vida, hacia la repulsa de los silencios forzados.

El motivo principal de sus obras gira alrededor del ser humano, eludiendo la materia física para abrazar los contenidos de la espiritualidad.

Jerónimo Muñoz, transforma en su proceso creativo los sentimientos primarios del individuo, en grandes propuestas colectivas de soluciones emocionales.

Así, la angustia vital se traslada al concepto de fuerza y lucha colectiva. La rabia y desazón se tornan en protesta de voz y acción. O el desamor en afecto compartido.

Jerónimo Muñoz, huye de lo que es evidentemente elemental, jugando con los gestos y maniobrando estructuras sólidas que en su proceso de investigación continuo de los materiales las hace dúctiles y seguras. Para él el concepto no le erige como conceptual, ni la expresión, como expresionista. De hecho Jerónimo si alguna definición podemos dar de su trayectoria profesional dentro de las artes es la de claro combativo ante el abismo del silencio. Sus voces pictóricas así lo manifiestan.

Mirar sus obras, observarlas, contemplarlas es recrearse en la sensualidad artística. Mucho más allá que el trazo o la forma , la solución nos la aporta en el fondo. Ahí es donde nos tenemos que detener.

"El factor grotesco" 22 Octubre- 10 Febrero. Museo Picasso Málaga

noreply@blogger.com (ibán) — Mon, 15 Oct 2012 16:24:00 +0000

Todo está listo para la inauguración el próximo 22 de Octubre de una de las exposiciones más importantes de la temporada y la más importante de cuantas se han realizado en 2012 en museo malagueño: El factor grotesco.

La muestra constituye un enorme mosaico formado por más de 270 obras de unos 70 autores diferentes, tales como Leonardo da Vinci, Pieter Brueghel, Francisco de Goya, Gustave Doré, Francis Bacon, Louise Bourgeois, Pablo Ruiz Picasso, Roy Lichtenstein o Juan Muñoz y tiene como fin investigar sobre una categoría estética (lo grotesco) que ha tenido una importancia primordial en la configuración del arte contemporáneo. De este modo, y a través de obras pertenecientes a distintos momentos de la historia del arte se intenta ahondar en el recorrido de lo grotesco y de su significado, desde su identificación con lo antiestético, pasando por su utilidad crítica y hasta convertirse en una pieza clave de la estética actual.

José Lebrero Stals, director artistico del Museo Picasso Málaga, es tambiél el comisario de esta exposición y cuenta con la colaboración de Luis Puelles profesor titular de Estética y Teoría del Arte en la Universidad de Málaga. Las obras seleccionadas procederán de diversos museos y colecciones privadas de Europa y Estados Unidos.

Una exposición imprescindible pensada para el deleite y la reflexión.

"Paisaje e Identidad", Centro de Arte Moderno de Madrid.

noreply@blogger.com (ibán) — Sun, 14 Oct 2012 01:44:00 +0000

El próximo 18 de Octubre a las 20:00 de la tarde tendrá lugar la inauguración en el Centro de Arte Moderno de Madrid de la exposición "Paisaje e Identidad". La muestra trata de hacer reflexionar al espectador sobre el papel del paisaje en el arte y sobre la percepción que cada individuo puede tener del mismo para lograr re-definir tanto el concepto como la noción de paisaje comúnmente aceptada. Nada como las palabras de Malena Mastricchio Mazzitell para comprender el significado y el fin último de esta ambiciosa exposición:

"¿Qué hace que nos identifiquemos con un paisaje? El paisaje es una construcción que realizamos cuando miramos, un recorte que cada espectador hace del espacio que lo rodea. En palabras de Jean-Marc Besse el paisaje “est une interprétation”. Estas construcciones, estas miradas y estas interpretaciones no son siempre idénticas, no todos miramos o interpretamos las mismas cosas de un espacio; nuestra mirada está permeada por nuestra experiencia vivida y nuestra cultura. Podemos decir, entonces, que los paisajes son nuestras propias

construcciones, nuestras propias miradas mediadas por quienes somos, por nuestra experiencia sensible, por nuestros propios recuerdos. En este sentido, cada espectador recordará paisajes diferentes (aunque todos ellos remitan a un mismo espacio). Experimentará sensaciones diferentes, ordenará y ponderará determinados elementos en detrimento de otros y se identificará con paisajes que les son propios. No sería desacertado decir que uno se identifica con un paisaje porque el paisaje le pertenece, es una creación propia, “est une lecture” (Alain Corbin, citado en Besse). ¿Qué pasa con los paisajes que tenemos almacenados en la memoria? Massimo Venturi Ferriolo nos dice que “los paisajes son realidades vivientes en continua transformación: lugares de la totalidad de la existencia, proyecto del mundo humano, fuente de creatividad y modificaciones”. En cada recuerdo la imagen del paisaje original seguirá mutando, cambiando según la selección que haga la memoria (otra construcción del sujeto). Cuando recordamos seguimos creando nuestros propios paisajes para seguir identificándonos con nosotros mismos, con lo que fuimos y con lo que somos."