Arte para Niños

La banalización del arte: Una mirada Crítica al kitsch y al Museo

2025-10-22T19:12:00.002+02:00

La Banalización del Arte: Una Mirada Crítica al Kitsch y al Museo

La filósofa Chantal Maillard nos invita a una profunda reflexión sobre la degradación del valor artístico y estético en la cultura de la globalización. La obra aborda cómo la banalización se produce al descontextualizar objetos, gestos o comportamientos, haciendo que pierdan su significado y valor originales para adquirir uno nuevo en un ámbito diferente. Este proceso es la esencia de lo que hoy se entiende por kitsch.

Ideas Clave del Libro

El Kitsch como Categoría Moral y Cultural: Lo kitsch no es solo un objeto, sino un modo de vivir y un espíritu que impregna todo. La cultura de la globalización es vista como una cultura kitsch que simplifica, estereotipa, serializa y devuelve trivializado todo lo que fagocita. Históricamente, el kitsch se institucionalizó en el siglo XIX (con el Art Déco como ejemplo) al sustituir lo "bello" y austero por lo "agradable" y la cualidad de aliar utilidad con agrado de las formas.
La Colonización de la Mirada Estética: Maillard critica la institución del museo, que nació para "hacer el arte", transformando objetos con una finalidad concreta (ritual, material) en objetos cuya única finalidad es ser contemplados. La mirada estética crea un marco que sacraliza el objeto. El "conservador" del museo, más que objetos, preserva un "vínculo metafísico" y el símbolo de un orden acordado por los vencedores, un patrimonio nacional.
La Obra de Arte y la Demora: Citando a Gadamer, la obra de arte invita a la demora. Si el espectador es llevado de inmediato a interesarse solo por el tema o la idea, sin detenerse en la obra misma, puede que no se trate de arte, sino de un signo o propaganda, cuyo fin es desviar la atención hacia el objeto que señala. El arte de vanguardias, por ejemplo, tenía como referente el concepto de Arte mismo, buscando que la atención se centrase en el "cristal de la ventana" en vez del paisaje.
El Origen de la Belleza y el Azar: El concepto occidental de lo bello (bellum) tiene su raíz en el diminutivo de lo "bueno" (bonum). Para los griegos antiguos, algo kalos (bello) significaba que estaba "bien compuesto" o convenientemente ensamblado. Por otro lado, la autora explora el concepto de azar (zahr, palabra árabe para "flor" o "dado") en Occidente como un eufemismo de nuestra ignorancia. En los ready-made de Duchamp, el referente mismo de la obra es el azar con el que fueron escogidos, convertido en "azar en conserva".

Conclusión

Maillard nos recuerda que, en sus inicios, la poesía tenía una función política como forjadora de mitos para la cohesión social. Al rastrear el origen de estos conceptos, desde Platón desterrando a Homero para imponer la razón hasta la fe(fides) como promesa y seguridad para el pueblo, la obra nos exige repensar qué consideramos arte y qué valores culturales estamos perpetuando.

¿Cómo ser un artista contemporáneo?

2022-04-20T07:59:00.000+02:00

En el día de hoy vamos a plantear qué significa ser un artista contemporáneo y si todas las obras que se ofrecen al mercado o bien aquellas que se crean podrían ser calificadas como contemporáneas o bien deben tener otra acepción que calificaríamos como tradicional o bien clásica, dependiendo de la temática utilizada o bien por la técnica empleada para la creación.

Todo esto viene a cuento de un reportaje donde se referían a un imaginero contemporáneo como una de las cumbres de este arte. Pero para ello debemos analizar qué significa ser contemporáneo y darnos cuenta de que realizar en este momento una imagen de Cristo Crucificado o bien de Cristo portando la Cruz no significa que seas un artista contemporáneo sino un artista tradicional que o bien repite modelos tal vez intentando cambiar algunos aspectos que tienen pocas variaciones con la iconografía tradicional. De todas maneras algo parecido podríamos decir sobre la representación de algunos temas tradicionales como paisaje, bodegón, retrato y otros muchos más.

No cabe duda que contemporáneo lleva inscrito en la propia palabra que vive con su tiempo. Yo soy contemporáneo en este mismo momento, negarlo sería mentir. La palabra incluye tempus en su definición que alude al tiempo en el que se está viviendo. Ser y tiempo son dos conceptos que juntó Heidegger en uno de sus más famosos escritos. En este sentido todos somos contemporáneos, vivimos el presente, el aquí y el ahora, en la fecha y año en el que todavía permanecemos vivos. Caminamos con el tiempo para así percibir aquello que ocurre a nuestro alrededor, a todos los niveles, político, social y por supuesto artístico.

Nuestro tiempo está cargado de luces. El ser humano, en su progreso, ha sido y está siendo capaz de conseguir unos avances a todos los niveles que no habrían sido imaginados hace años. Las luces que nuestro tiempo es capaz de generar nos deslumbran, son como un coche que por la noche se acerca a nosotros con las luces largas, se le ha olvidado cambiar a las luces cortas o de posición y nos invita a estar más atentos a lo que sucede hasta que pase delante de nosotros porque deslumbrados no somos capaces de fijarnos en las líneas de la carretera, ni en los vehículo que vienen detrás, ni en nada que no sea esa luz cegadora que nos atrae y puede provocar una desgracia si no actuamos con prudencia.

Pero Giorgio Agamben nos dice que ser contemporáneo significa mantener la mirada fija en el tiempo para en ese mismo tiempo ser capaces de percibir las luces que nos transmite, pero también la oscuridad que aparece alrededor o detrás de la luz. Porque es cierto que los avances deslumbran, sugieren, hacen la vida más cómoda, invitan por supuesto a consumir, pero cualquier momento contemporáneo tiene sus aspectos de oscuridad. Por decirlo de otra manera, sus problemas, sus debates sin resolver, su mirada a un futuro que no parece resuelta, su legado que debemos construir entre todos y cada uno de los que estamos presentes, de los que somos en la actualidad.

Agamben nos dice que contemporáneo es aquel que sabe ver la oscuridad, aquel que está en condición de escribir humedeciendo la pluma del presente.

Luces y oscuridad caminan juntas pero hay que saber distinguir una otra, cegados por una podemos no ser capaces de descubrir la otra, pero será labor del contemporáneo afanarse en escudriñar todo aquello que se encuentre tras la luz para descubrir su tiniebla, en especial su oscuridad, que no se separa de la luz, pero que, pos supuesto, es diferente a ella.

Vamos a intentar pasar este mensaje a lo artístico, pero lo primero que necesitamos es que la obra sea capaz de transmitir un mensaje, porque sino se viene abajo todo el planteamiento. Podemos pensar que la obra es bella desde el punto de vista tradicional, pero sin contenido queda completamente vacía, podrá proporcionar un momento de placer, si queremos, estético, aunque se supone que al arte se le demanda algo más que una naturaleza muerta, un bonito paisaje o un hiperrealista retrato.

Así que partamos de que la obra debe incluir un espíritu del cual nos habla Theodor Adorno en su teoría estética. ¿No será labor del artista desvelar en su obra los aspectos de oscuridad que tiene su tiempo para poder ser calificado como artista contemporáneo? Quizás la pregunta sea demasiado directa y nos lleve a cuestionarnos cuál es el papel que tiene un artista en la sociedad y si debe tener un papel concreto o no cumple ninguna función.

Quiero pensar que sí lo hace, que tiene una utilidad, pero no aquella que se encarga de la belleza, porque desbordados por lo kitsch puede que no sea capaz de competir con esos envoltorios que rodean a los productos de consumo.

Así que puestos a buscar un papel para el arte contemporáneo podemos otorgarle la capacidad de ser el descubridor o bien el inductor de transmitir los aspectos de oscuridad que nos ofrece nuestro devenir diario, posiblemente porque sea posible otorgarle una mejor capacidad de interpretación a través de unas imágenes que sean capaces de distinguirse de la vorágine social y publicitaria que nos rodea.

La luz trata de imponerse en todo momento, nos embauca, no nos invita más que a contemplar. La oscuridad por su parte tiene un tipo de cometido distinto que incluye el poder pensar o reflexionar sobre algo concreto. Debemos como dice Agamben ser puntuales con una cita a la que no podemos faltar, la luz se dirige hacia nosotros pero también nos aleja infinitamente de los aspectos de oscuridad que deben ser puestos encima de la mesa, porque la mayoría de las veces no interesa que se hable de ellos.

Construir un futuro mejor es labor de todos, algunos por la razón que sea renunciaron hace tiempo a ello y deslumbrados por la luz parecen seguirla como si de una divinidad se tratara, ahora el contemporáneo es aquel que es capaz de agarrar a su tiempo por la pechera y es capaz de transformarlo poniéndolo en consonancia con otros tiempos, leyendo de una manera inédita la historia, buscando una respuesta a muchas de las sombras que se plantean.

Volodomir Zelensky y el Guernica

2022-04-08T08:00:00.003+02:00

El presidente de Ucrania ha intervenido en varios de los parlamentos de países democráticos para explicar la situación de su país tras la invasión rusa y pedir ayuda para repeler esta ocupación a todas luces ilegal.

En cada uno de estos lugares ha hecho alusión a un hecho histórico relacionado con el país en cuestión que haya sido referente de un ataque que ha causado trauma en la población del lugar al que se dirige. Por ejemplo en Estados Unidos aludió a Pearl Harbor o en Japón a la bomba de Hiroshima.

Había cierta intriga por saber qué episodio histórico escogería en España para comparar la situación que se está viviendo en estos momentos en su país. Podía haber aludido a la ocupación francesa, cuando Napoleón en el año 1808, con la excusa de cruzar a Portugal, invadió España. Una situación de la que da cuenta perfectamente Francisco de Goya en sus cuadros del 2 y el 3 de Mayo de 1808. Pero no fue así.

El tema de la guerra civil es sensible en el país, aunque ya hayan pasado casi 100 años del mismo. El caso es que Zelenski aludió a Guernica, cosa que algunos nostálgicos de la ultraderecha ha visto con malos ojos. Pero aparte de ideologías deberíamos tener en cuenta dos cosas que son semejantes a la situación que vive ahora Ucrania. Primero es que el Guernica no es el símbolo de uno de los bandos sino que se ha convertido en un símbolo mundial de la paz. Fue creado para que la gente en el extranjero se diera cuenta del horror que estaba viviendo España en ese momento.

La segunda cuestión es que ese bombardeo representa uno de los primeros que se hace sobre población civil sin avisar entes, coincidiendo además en un día de mercado que se celebraba en la ciudad. El número de víctimas (pese a la propaganda) debió de ser alto porque mucha gente no estaba preparada para protegerse del mismo al no ser avisados. Esta táctica que será de uso común en la segunda guerra mundial comienza a experimentarse en España durante la guerra civil y Guernica es uno de sus escenarios. Así que dejando fuera las ideologías la población civil es inocente, eso no requiere discusión.

Así que puestos a pensar la comparación es buena y acertada porque el dolor de una guerra no entiende de bandos y las víctimas son siempre inocentes que se ven envueltos en las luchas de otros con los que muchas veces, no tienen nada que ver.

Las NFT son un blufff

2022-04-07T13:08:00.003+02:00

Hace unos días pudimos leer una información en la página web de Xataka que decía que las NFT han perdido un tercio de su valor. Es decir que ya no valen nada comparado con los precios que tenían hace unos meses.

Lo cual viene a confirmar que las NFT con un bluf. Tras un arranque espectacular donde mucha gente pensó que podía hacerse rica gracias a la revalorización de estas imágenes, resulta que el valor que tienen ahora mismo es mucho menor que la compra que se hizo de ellas.

Por ejemplo si adquirirse una imagen por un valor de 200 euros el precio actual puede ser de 27 o 30 euros, como vemos solo un 10% del valor que tuvieron en el momento de salir al mercado. Algunas pueden mantenerlo o perder algo menos pero lo cierto es que parece que a las NFT le ha pasado lo mismo que a la web Second Life, que comenzó con muchos bríos a principios del siglo XXI para perder todo su potencial en muy poco tiempo.

Solo los listos que hayan sabido aprovechar el momento habrán hecho algo de dinero, el resto lo han perdido de forma estrepitosa. No parece que haya opción para la recuperación.

Hay que apuntar un par de cuestiones en torno a este tema. La primera tiene que ver con la saturación del mercado que ha llevado a que todo el mundo quisiera sacar tajada de algo que en realidad no la tenía. En segundo lugar la dificultad y la volatilidad del mercado de criptomonedas ha llevado a muchas personas se sientan frustradas en el proceso.

Precaución es la palabra que debemos utilizar para todo este tipo de procesos. Es muy difícil alterar el sistema tradicional del arte. Las NFT apuntaron a ello, pero en mi opinión han quedado en un bluf que no tiene visos de recuperar el potencial ni el animo del principio.

Espero tu opinión 😙.

El polémico arte conceptual. Definición y orígenes

2021-12-30T08:39:00.000+01:00

Debemos partir de la base de que el arte conceptual no es un arte más en la línea de tiempo que va marcando los diferentes estilos artísticos, sino que se trata de una nueva forma de definir el arte que hasta ese momento se había producido. Existe una doble relación en las obras, por un lado lo sensual, por otro lado lo conceptual, el éxito estará en ser capaz de unir ambas en un mismo resultado.

El arte conceptual lo que hace es cuestionar la experiencia estética del objeto, lo visual como experiencia estética no es lo único que se valora en la obra de arte, lo visual cuenta pero pasa a un segundo plano.

La mirada por tanto deja de ser relevante en la contemplación del objeto. El arte conceptual supone un ataque a la representación artística tradicional.

Hay dos áreas que hasta ese momento no se habían tratado de juntar pero que el arte conceptual se encarga de unir, por un lado tendríamos al tradicional campo de la producción artística y por otro lado tenemos el amplio campo de la filosofía. Se produce arte pero dentro del ámbito de la filosofía, lo que convierte al artista no solo en un creador sino también en un intelectual capaz de adaptar cuestiones filosóficas al ámbito artístico. Y no vale cualquier visión sino una que sea capaz de convencer a los que puedan programar, criticar y visitar ese trabajo.

Es decir la obra de arte pasa a tener una autoridad cultural de la que había carecido hasta ese momento porque sus pretensiones eran otras. Pensemos que esta nueva concepción artística también lleva a replantearse el papel de la crítica de arte y en concreto el de la estética que también acepta la filosofía para transformar al crítico en un observador cultural de los fenómenos contemporáneos y como extraer estos fenómenos a través de las obras que contempla.

Así que, como podemos observar, el ámbito filosófico adquiere gran importancia desde los años 60 a la hora de configurar un significado a la obra de arte. Ya no basta o mejor, ya no es necesaria una representación agradable, sino que la valoración de la obra requiere de una explicación filosófica coherente y cargada de significado, incluso con capacidad de prevalecer en el tiempo.

En sus inicios el arte conceptual está muy unido a la filosofía analítica que tuvo en un gran desarrollo en países como el Reino Unido o Estados Unidos. Tenemos a un creador que se centra en el uso de las palabras y el significado o sentido que estas puedan proporcionar a aquello de lo que se está hablando. Un creador que ha dejado de ser un profesional con dominio de la técnica para convertirse en un intelectual riguroso. Más intelectual que crítico ya que su labor no es emitir un juicio sobre el significado de la obra sino plantear ese juicio a los que sean capaces de contemplarla.

El inicio del arte conceptual podemos fecharlo en el año 1967 con diferentes parrafos dedicados al tema por el artista Soll Lewitt en el año 1967. En ellos nos habla de una producción artística no basada en los objetos sino más bien en la toma de decisiones, el objeto en este caso pasa a ser un elemento secundario porque la explicación de la obra habla por sí misma. Así que las obras objetuales pasan a un segundo plano porque lo importante es el concepto y este aparece ligado al lenguaje. El material ya no es la tela, el lienzo, la madera o el hierro sino que es el lenguaje.

Joseph Kosuth se considera el padre del conceptualismo. Parte de las obras de Marcel Duchamp para revisarlas desde un punto de vista lingüístico. De esta manera extiende el giro linguistico que la filosofía había tomado después de la segunda guerra mundial y lo aplica al campo de la producción artística de una forma rigurosa.

Kosuth en 1969 decía que ser artista significa cuestionar la naturaleza del arte, la función del arte que como una pregunta surge por primera vez con los trabajos que había realizado Marcel Duchamp en la segunda década del siglo XX. El acontecimiento que hizo posible que los artistas fueran capaces de hablar en otro lenguaje fueron los primeros ready made de Marcel Duchamp. Con el ready made el arte cambia su enfoque y el lenguaje pasa a ocupar un papel de suma importancia en la obra. Este cambio supone para Kosuth, el principio del arte moderno y el inicio del arte conceptual. Todo arte después de Duchamp es conceptual porque solo existe conceptualmente.

Los escritos de Kosuth fechados en el año 1969 no solo se plantean el trabajo de Marcel Duchamp décadas atrás sino también cuestionar la naturaleza del arte. Pasamos de preguntarnos si ese tipo de representaciones son artísticas para afirmar de forma rotunda que sí, que pueden ser consideradas como arte.

Lo cierto es que a partir de ese momento se empieza a percibir como artístico el hecho conceptual. Las obras de Duchamp aparecen expuestas en diferentes instituciones. El rechazo que hasta entonces habían sufrido se torna en aceptación, donde la provocación no deja de jugar un papel importante a la hora de cuestionar al espectador y requerir por su parte una aceptación. No deja de ser un movimiento de rechazo al tipo de pintura americana que había surgido en oposición al expresionismo abstracto y que se habría camino a través de diferentes manifestaciones, algunas ligadas al arte pop, otras al hiperrealismo y otras al minimalismo.

Para Joseph Kosuth en su obra “Art after philosophy” el arte conceptual es un arte que reconoce que la condición artística que tiene el arte es un estado conceptual, es decir que los objetos son conceptualmente relevantes para la condición del arte. Es un arte cuya intención es claramente conceptual. De forma más específica se podría decir que la filosofía fue el mediador evanescente en la transición desde el conceptualismo débil o inclusivo y ontológicamente ambiguo de Soll Lewitt a la conceptualización genérica, o al status Post conceptual del arte desde mediados de los 70.

Filosofía analítica y Joseph Kosuth

2021-06-27T09:50:00.003+02:00

Ayer tuve la oportunidad de ver en directo una de las obras clásicas del que podríamos considerar el principal teórico del arte conceptual. Fue en el Museo Helga de Alvear de Cáceres, un edificio inaugurado hace poco tiempo, que viene a aportar algo de luz al oscuro destino extremeño abandonado en un estío artístico contemporáneo que dura ya demasiado tiempo.

La obra consiste un un cuadrado blanco y otros tres cuadrados que incluyen definiciones tomadas del diccionario de diferentes palabras que, en realidad, forman parte de lo que podemos ver en el cuadro.

La conexión del arte conceptual con la filosofía analítica es muy grande. Se trata del sentido que damos a las palabras y qué es lo que con ellas queremos expresar. Cuál es su sentido, indagando en la profundidad de su significado para así comprender un poco mejor cuáles han sido las intenciones del artista. Indudablemente el análisis de cada una de las palabras puede llevarnos por unos derroteros inesperados, desconocidos, desafiantes e interesantes (quizás en el sentido que a esta palabra daba Rosenkaranz cuando decía que interesante es aquello que sí presenta una contradicción). Ahora mismo con esta última palabra ya estamos jugando con aquello que intentamos describir.

No cabe duda que el análisis de las palabras es, en ocasiones, complicado y digno de dedicación. Quiero recordar las dificultades que existen para la traducción de la palabra Unheimliche del alemán, que en español se ha traducido como siniestro u ominoso, pero que en otros idiomas adquiere una significación diferente. La propia palabra alemana en sí tiene un sentido que alberga su significación y la contraria en su propia acepción. Cuando catalogamos algo como siniestro podemos remitirnos a la definición que hacía Freud, es decir algo que era familiar y debía permanecer oculto, pero que se ha revelado y al salir a la luz, es capaz de crear esa sensación. Quizás queremos darle este sentido pero tiene también otros que conviene aclarar a aquella persona que se decida a leer el porqué podemos calificar una obra de arte como siniestra.

Volvamos al trabajo de Kosuth, tenemos pues un cuadro blanco colgado en la pared. Y tres cuadrados con definiciones tomadas del diccionario. En ellas (en inglés) podemos leer las acepciones de tres palabras. También los diferentes sentidos que estas palabras puedes adquirir. En primer lugar white, es decir blanco. En segundo lugar wall ósea muro, recordemos por ejemplo que no es lo mismo el muro blanco de un museo que el muro de una casa o el muro defensivo que rodea una fortificación. En tercer lugar la última palabra es plaster que podríamos traducir como yeso, aunque estoy firmemente seguro que puede tener otras acepciones. Yeso tiene el emplasto que se encuentra a la izquierda de todas estas definiciones.

Analizar las palabras resulta crucial en el arte contemporáneo así como comprender el sentido de las mismas. Aquello que el artista específicamente ha tratado de transmitir al espectador o bien que el crítico ha sido capaz de desentrañar y que el propio artista desconocía. Uno y otro son capaces juntos de construir la obra.

Los años 60 son ricos en diferentes movimientos artísticos, son una gran aportación para el presente y futuro del arte. Uno de ellos es el conceptual y como decimos este sentido que adquiere gracias a la filosofía analítica.

La belleza estética

2021-06-16T23:34:00.004+02:00

A veces alguno de los comentarios que se vierten en el canal de Youtube llegan a sorprenderme. En muchos casos no soy capaz de saber cual es la pretensión de alguno de estas pequeñas opiniones. Dice Ernesto Castro que todo el mundo quiere ser leído, pero que posiblemente lo difícil del acceso a las redes sociales es constatar que nadie te lee. Quizás sea algo aplicable a todos los que utilizamos alguna de las redes sociales de moda (lo digo por lo cambiantes que llegan a ser).

El caso es que en un anuncio sobre un debate para determinar el momento en que se origina el arte contemporáneo, un seguidor (troll) ha comentado "el arte contemporáneo comienza cuando hay belleza estética y no hay nada que comentar".

Lo primero que lleva a pensar es que la persona que lo ha escrito vive en el siglo XVIII o tal vez antes porque en ese siglo tenemos una nueva categoría estética que introduce Kant en el discurso, hablamos de lo sublime.

Claro que cuando hablamos de belleza habría que analizar a qué tipo de belleza nos estamos refiriendo. La primera definición abstracta de belleza fue definida por Gorgias que nos habla de una visión sensual y hedonista. El texto lo encontramos en uno de los primeros diálogos de Platón, cuando dice "la belleza es aquello que produce placer por medio del oído y de la vista". Así que parece que esta visión quizás de la que nos habla el comentario tiene que ver con la experiencia del placer, un placer de lo bello que quizás sea cambiante en cada época histórica, ya que los cánones han ido cambiando y adaptándose a cada momento.

En segundo lugar en el comentario tenemos la palabra estética. Kant decía que la estética se identifica con el arte, pero también con la crítica literaria y artística. Si combinamos los dos aspectos tendríamos un placer por el arte o bien por la crítica de arte, no queda del todo claro.

Adorno decía que la estética es la que nos habla del planteamiento de verdad de las obras de arte, la estética es la solución al enigma que nos plantea cada obra de arte. Esta postura quizás sea demasiado complicada para nuestro interlocutor porque nos introduce en un discurso conceptual que rechaza el propio comentario, porque la obra "no tiene nada que comentar". Según esta pequeña frase, si tenemos algo que comentar de una obra ya no será bella, ni estética, ni siquiera será contemporánea para esta visión.

Alexander Baumgarten decía que la estética lo que hace es educar el gusto de juzgar acerca de lo sensible proponiendo su propio juicio. Pero hemos sido capaces de ampliar las categorías estéticas, sobre todo en el siglo XX, que la percepción estética se ha enriquecido, para alejarse de una belleza que actualmente no es objetual, sino relacional. Necesita del espectador para complementar la obra, en una especie de juego que permite múltiples percepciones porque cada espectador es capaz de percibir de una manera distinta.

Futurismo. La estética de la velocidad

2020-02-10T11:36:00.005+01:00

Los futuristas hablaban en su manifiesto escrito en 1908 y publicado en 1909 en el periódico francés Le Figaro que “igual que nuestros antepasados buscaron inspiración en la atmosfera religiosa que embargaba sus espíritus, nosotros debemos buscarla en los prodigios tangibles de la vida moderna, en la férrea red de velocidad que cubre la tierra, en los trasatlánticos, en los maravillosos aeroplanos, en la tremenda audacia de los navegantes subacuáticos, en la agitada lucha por lo desconocido, en la actividad frenética de las grandes ciudades”. Siempre me han llamado la atención algunos aspectos de este texto que me gustaría comentar.

En primer lugar los futuristas y en concreto Marinetti cuando redacta estas líneas está profundamente emocionado por los progresos que la humanidad ha sido capaz de hacer desde la primera revolución industrial y como el desarrollo ha sido capaz de crear “necesidades” que poco a poco se adaptan al gusto de los consumidores que empiezan a comprarlas o a disfrutarlas. Una de las prioridades de la industria será la comunicación entre los diferentes lugares para que los productos vayan de un lugar a otro lo más rápido posible. Esta comunicación comienza a hacerse por medio del transporte ferroviario, también por las incipientes carreteras con la circulación de los primeros vehículos o las primeras tentativas de la conquista aérea desde que se realiza el primer vuelo a motor de la historia en el año 1903.

Todo este movimiento vertiginoso obsesionaba a los futuristas que trataban de plasmarlo en sus escritos y obras de arte. Claro que si empezamos a pensar y comparar lo que sucedía entonces y lo que disfrutamos ahora quizás esa emoción se habría multiplicado por varios miles y Marinetti no habría sido capaz de resistirlo, ingresando posiblemente en un psiquiátrico ante la rapidez con la que todo se mueve en la actualidad. No hablemos por supuesto de las comunicaciones tanto de personas y mercancías como de información, con todas las posibilidades en la palma de la mano cuando tenemos una conexión de datos en nuestro teléfono móvil.

En una entrevista de Heinz Norbert Jocks con Paul Virilio realizada en 1999 nos cuenta el filósofo que Einstein afirmaba en 1950 que había tres bombas en el porvenir del hombre, la primera era la bomba atómica, quizás refiriéndose a la amenaza de una destrucción masiva que puede ocurrir en muy poco tiempo con el arsenal armamentístico acumulado por algunas potencias mundiales, la segunda era la bomba de la información, es curioso que entonces no existía la informática y la circulación, como ahora, de noticias contradictorias que te hacen dudar qué es verdadero o falso y te hacen tomar tus propias decisiones en torno a los sentimientos y afinidades políticas, religiosas o ideológicas. Y la tercera es la bomba demográfica, ahora parece que estancada en los países desarrollados pero no en otras zonas del mundo que presionan para entrar en el primer mundo con miles de refugiados e inmigrantes que buscan una vida mejor o una nueva oportunidad.

Marinetti decía que la velocidad es la violencia en todos los ámbitos. Virilio decía que no está en contra de la técnica ni tampoco quiere volver a la época de la carretilla, pero que quizás deberíamos dejar de idealizar y desmitificar a los objetos técnicos. Todos ellos pueden parecer necesarios pero también el marketing se encarga de crear necesidades ficticias o avances mínimos con idea de aumentar las ventas.

El segundo aspecto del que hablaban los futuristas con insistencia es sobre la velocidad y la rapidez de movimiento que existía en ese momento, fábricas, industrias, compañías, comunicaciones. Si ponemos nuestros ojos en la actualidad, la velocidad tiende al infinito. En su libro El Cibermundo, la política de lo peor, editado por cátedra en 1997, Paul Virilio habla sobre la velocidad y dice de ella que es el poder mismo. También dice que la velocidad nos lleva a la estrechez del mundo, las comunicaciones son cada vez más rápidas y eso hace que el mundo se haga más pequeño, quizás, dice el filósofo, deberíamos descubrir el placer en las cosas que nos rodean, volver la vista a la naturaleza, disfrutar de ella, quizás tal como Benjamin describe el aura en su breve ensayo sobre la historia de la fotografía. Olvidarnos en suma de todo lo que rodea a la rapidez de la vida diaria.

La velocidad solo produce estrés o ansiedad. Antón Patiño en su libro Todas las Pantallas Encendidas publicado en Forcola ediciones habla sobre el zapping como una de las grandes ansiedades de la sociedad contemporánea ¿Cuál es la razón para estar pulsando una tecla y otra de forma constante? Paseando por diferentes canales con un intervalo de unos segundo. Quizás estaría bien que inventaran un mando con la posibilidad de permanecer algo menos de cinco segundos en cada canal y progresar en bucle por los cientos de posibilidades que nos ofrecen la televisión ahora mismo. Continúa Patiño que esto significa ver sin ver nada, son imágenes que desfilan antes nuestra vista y que no duran mucho más que algunos de los planos que estamos acostumbrados a ver en las películas actuales de acción, algo menos de cinco segundos. Escenas al fin y al cabo que somos incapaces de recordar. Algo parecido sucede con la red social de moda, Instagram, donde las fotografías se suceden una tras otra en intervalos menores a un segundo ya que deslizamos la pantalla para seguir viendo más y mas. No hablemos de los Stories donde el comportamiento es exactamente igual. Coincidimos con Antón Patiño en que todo esto es fruto del tedio y del aburrimiento pero sin levantar la cabeza de la pantalla.

Volvemos a la época de la modernidad donde algunos de los inventos del momento causaron un gran impacto en muchos artistas que trabajan en ese momento. El tren es uno de los elementos más representados desde su nacimiento quizás partiendo de la obra pintada por Turner en 1844 titulada Lluvia, vapor y velocidad, en cuyo ambiente se puede apreciar esa atmósfera humeante provocada por las actividad de la industria y por la presencia del tren que también aporta ese ambiente de neblina en la que se esconden los diferentes elementos que componen el cuadro. Todo ello tiene algo de novedad que atraía profundamente al artista y a buen seguro a la gente que podía contemplarlo. Desde 1830 había trenes en movimiento entre las ciudades de Manchester y Liverpool que quedaron unidas por ferrocarril en ese año. Los artistas impresionistas abiertos a la representación de nuevos temas que superaran el clasicismo parecen ansiosos por representar estos nuevos inventos, como hizo Monet cuando representó en 1877 un paisaje urbano que incluía la Estación de San Lázaro donde el tren era el protagonista de la obra.

El cine tampoco es ajeno a esta moda y los hermanos Lumiere rodarán unos 50 segundos sobre la llegada de un tren a la estación a la estación de la Ciotat, fue rodada en 1895 y presentado por primera vez al público en 1896. Los rumores dicen que causó tanta impresión en el público que algunos de ellos abandonaron la sala tras la primera proyección, no deja de ser parte de la rumorología que convierte hechos como este en parte de la mitología.

En España contamos con la obsesión en la representación del tren que realiza Dario de Regoyos en diferentes obras.

En una línea similar podemos encontrar multitud de obras y artistas dedicados al tema de la aviación y los aviadores o bien al automóvil, cuya primera exposición internacional se celebró en 1895 y cuya imagen se orientó sobre todo al tema del diseño y de la publicidad, indudablemente era necesario vender el nuevo invento con la mayor profusión posible.

La velocidad como tema de representación de diferentes artistas. Partiendo del futurismo y su idea de plasmar ese concepto en pintura, intentando tal vez representar temas que la fotografía no podía captar, como era el movimiento o bien su simulación en este caso en un lienzo, tal como ocurre en el Desnudo bajando la Escalera de Marcel Duchamp o en los trabajos de algunos de los artistas rusos que en gran número practicaron este movimiento como Natalia Goncharova en su obra El ciclista realizada en el 1913.

Maurizio Cattelan presenta un plátano en Art Basel Miami

2019-12-09T08:54:00.000+01:00

En los últimos días la polémica ha vuelto a salpicar al mundo del arte. La noticia filtrada ha sido que el polémico artista Maurizio Cattelan ha presentado en la feria de Art Basel Miami un plátano que se sujeta a la pared con una cinta. Según han declarado se han realizado tres versiones y dos de ellas se han vendido por la cifra de 120.000 dolares, la tercera ha subido su valor hasta los 150.000 y todavía no se había vendido.

Merece una pequeña reflexión esta "acción" realizada por el artista italiano. Si nos ponemos a pensar en poco tiempo el plátano se va a poner malo, ya que no está hecho con algún material inmutable sino que lo compró el artista en el mercado. Así que la vida se abre paso y pasará a ponerse de color negro y después a llenarse de moho. Supongo que los compradores son conscientes de que esto va a suceder. Claro que lo que ellos han comprado es la idea no la obra en sí. Se trata de la capacidad de reproducirla en el futuro siempre que alguien quiera exponer algo de este tipo.

Marcel Duchamp fue el pionero de todos esos artistas cuando llevó un urinario para ser presentado en un concurso donde decían que ninguna obra iba a ser rechazada. Eso ocurrió en el año 1917 (por cierto la obra fue rechazada). Desde entonces tenemos a multitud de artistas que han intentado, de forma patética, imitar a Duchamp sin llegar a su maestría.

A ello debemos sumar que los medios de comunicación se prestan sin comprobar absolutamente nada a este juego del escándalo. Estoy completamente seguro que al recibir la nota de prensa no han comprobado si realmente se ha vendido dos obras y quiénes han sido las personas que lo han adquirido. Se trata de una noticia que va a producir rechazo en aquellos que la leern, que sirve para mofarse del arte contemporáneo y reafirmarse en que la mayoría de sus obras son una autentica mierda, alejada del público con el que tampoco pretende conectar. Todos estos argumentos son suficientes para publicar y dar pie a los comentarios que generan esta noticia.

Ayer mismo escuché en un bar a alguien decir: "esto es oferta y demanda, ayer han vendido un plátano por 120.000 euros, si tienes alguien que lo compra...Lo he oído en la tele". Esta persona no tiene interés en el arte, no ha leído nada relativo al arte contemporáneo, pero ha escuchado en la tele que se ha vendido un plátano por una cantidad ingente de dinero y lo utiliza para reafirmar uno de sus argumentos.

Es muy triste pero cada una de las noticias que aparecen relativas al arte contemporáneo suelen ser de este tipo. Pero no se contacta con un experto o un crítico de arte que sea capaz de decir que la obra es mala o no tiene recorrido. Se suelta la noticia y que la gente opine en muchos casos sin saber lo que es el arte conceptual y el ready made que introdujo Duchamp a principios del siglo XX.
¿Y si todo es solo una operación de marketing del artista y la galería?

Para conocer más sobre el artista puedes ver un vídeo en este enlace

El gran hermano del arte

2019-12-01T12:37:00.001+01:00

Acostumbrados como estamos a los escándalos televisivos protagonizados por los concursantes que acuden raudos a los programas de televisión a develar los entresijos de su vida o bien los rumores de otros; me ha dado por pensar en la posible realización de un concurso tipo "gran hermano" pero que esté dedicado al mundo del arte.

Ya que el arte forma parte de la sociedad del espectáculo en la que vivimos, el contenido puede aplicarse perfectamente al formato televisivo. No hace mucho tiempo intentaron hacer una especie de gala de los oscars dedicados al arte contemporáneo patrio que solo contó con una edición, debido en parte a las críticas del vampirismo artístico cargado de envidias y filias.

Imaginemos el premio. Una exposición individual en una o dos salas del Reina Sofía, con todo el bombo y platillo posible y la visita de algunos turistas perdidos que, buscando el Guernica, sean capaces de arribar en esa sala.

Los "teachers" estarían representador por diferentes comisarios y críticos de arte que fueran capaces, libres del institucionalismo, de decir las verdades del barquero a los aspirantes. Me imagino las lágrimas de algunos de los aspirantes al escuchar los veredictos. Algo parecido a los juicios culinarios de Masterchef pero analizando las diferentes creaciones artísticas.

Un director, al modo de "super" capaz de plantear diferentes retos que sean capaces de abarcar técnicas clásicas o hibridas, ya que el momento en que vivimos nos lleva a esa mezcla de estilos en la que se produce en palabras de Omar Calabrese "poco más o menos y no se que". Pruebas con la pintura expandida, con técnicas que mezclen vídeo, performance varias, oportunismo y fuertes dosis de improvisación. Todo ello perfectamente argumentado siguiendo los paradigmas de los grandes pensadores del siglo XX y XXI.

Tendríamos la oportunidad de asistir a una fuerte lucha de egos para ser reconocido como artista. El mítico "edredoning" para empatizar con la audiencia, conociendo así la vida e inclinaciones de cada uno de los aspirantes o bien esas tiernas historias que cuentan el lado más oscuro de cada familia y que algunos intelectuales han llegado a definir como posverdad (sin duda empática)

Las expulsiones serían lo más. Entre lágrimas se vería frustrada la carrera de alguno de los artistas, obligados desde entonces a exponer en cafeterías de barrio o bien en centros municipales que nunca abren la puerta a grandes oportunidades.

Y finalmente un ganador de consenso, cuyo trabajo se mostraría cual gala de eurovisión después de haber roto su relación con el expulsado número cinco y, por supuesto, haber acudido a contarlo al programa de análisis de turno.

El escándalo de la Olimpia de Manet

2019-09-07T09:12:00.000+02:00

Seguro que cuando Edouard Manet presentó esta obra el autor era consciente de que iba a causar cierto revuelo entre el público y los entendidos que pudieran observarla. En principio iba a mostrarse en el Salón de los Rechazados en 1863 pero no fue hasta 1865 cuando se expuso en el Salón de París, recibiendo un montón de críticas por cada uno de los personajes que aparecían en el cuadro.

El problema no se encuentra en la posición central de la mujer, ni tampoco en que sea el cuerpo de una mujer desnuda. Tenemos otros ejemplos similares de representaciones de mujeres desnudas en posiciones muy similares. De hecho este cuadro está claramente inspirado en una obra de Tiziano pintado en 1538 y que lleva por título La Venus de Urbino. Pero otros artistas habían representado temas similares, como por ejemplo Velázquez cuando representa la Venus del Espejo o Goya con su Maja Desnuda, algo similar sucede con La Gran Odalisca, representada por Ingrés en la fecha cercana de 1814.

Lo que ocurre es que Manet está tratando de romper con el Neoclasicismo en la representación de los temas y personajes que aparecen en sus obras. Se aleja de la idealización tal como se había hecho hasta el momento y como estaba de moda en la estética de la segunda mitad del siglo XIX. Para ello representa a una prostituta, una mujer de la calle, alguien que podríamos encontrar en la esquina de la calle y la coloca como modelo principal de su cuadro. El cuerpo de esta mujer no representa el ideal de belleza porque podría ser de cualquier mujer y ahí reside el escándalo, en la ruptura con los planteamientos estéticos de la época.

Algo parecido le sucedió a Caravaggio cuando para representar La Dormición de la Virgen pintó a una prostituta que se había ahogado en el río, no ahorrando detalles como el vientre hinchado por causa de la falta de oxigeno. Pero el momento y las circunstancias eran distintos. Y también los pintores.

Algo parecido sucede con El Almuerzo en la Hierba, realizada en la misma fecha por el mismo autor. Una mujer cualquiera aparece desnuda junto a dos hombres que parecen descansar sentados, ella mirando de manera provocadora al espectador, buscando una reacción. Su cuerpo, como en el caso anterior no se encuentra idealizado, sino que puede pertenecer a una mujer que pasaba por allí y que desnuda se sentó junto a los otros personajes.

Los comienzos del impresionismo tratan de romper con las normas clásicas, sobre todo en los temas a representar que dejan de tener la trascendencia que tenían para centrarse en escenas mucho más realistas sin rehuir temas menores, como el paisaje o el bodegón.

Se tata de romper con el pasado, así lo expresaba Ortega y Gasset cuando habla de la ideología de la ruptura, la "ruptura con todo el pasado del arte, acaso es la única nota clara del arte actual, la voluntad de no ser pasado". Hablaba sobre ello en el año 1926.

La llegada de la modernidad supone lo que Baudelaire llamaba "la mitad del arte frente a la otra mitad que representaba lo eterno e inmutable", así lo escribe en El Pintor y la Vida Moderna.

La estética del régimen nazi

2019-08-06T09:47:00.000+02:00

En un libro escrito por Eric Michaud se habla de los componentes artísticos del régimen nazi en sus diferentes vertientes. Muchas de esas obras se encontraban en La Casa del Arte Alemán, un museo que se abrió en Munich a mayor gloria del régimen y que trataba de exaltar los valores de la raza, aplicando estos conceptos al arte.

Una de las obras realizadas por Adolf Hitler

Hay que decir que la labor de los políticos alemanes se consideraba como la de un artista. De esta manera tratan de moldear al pueblo para convertirlo en una imagen de lo que ellos quieren ser. De hecho el propio Hitler fue artista y se dedicó a la pintura y la acuarela, siendo rechazado en la Escuela de Viena con lo que quizás se perdió un gran artista pero se ganó un dictador que provocó millones de muertos.

Los alemanes de esa época decían que los judíos habían sido muy poco originales en sus disciplinas artísticas y que se habían dedicado a copiar en casi todas ellas. Pero lo cierto es que la putas del nazismo para estas disciplinas tampoco son tan originales sino que se inspiran en otros movimientos artísticos.

Por ejemplo en arquitectura se recuperan los edificios neoclásicos con la novedad que se incluyen nuevos materiales para la construcción como el hierro o el acero, cosa que se venía haciendo desde finales del siglo XIX en las diferentes escuelas de arquitectura que surgieron en ese momento y donde queremos destacar la de Chicago por la influencia que tendrá a nivel mundial.

En escultura debido a la obsesión que tenían con el tema de la raza, los referentes erán las obras clásicas de la antigua Grecia. La mayoría de las figuras aparecen desnudas lo que les confiere un carácter eterno. También muchas de ellas muestran una insultante juventud, es decir aquellas personas que eran capaces de defender la raza aria.

En cuanto a la pintura practicaron diferentes temas. Por ejemplo en paisaje no se conformaban con aquello que ofrece la naturaleza sino que incluían alguna figura para destacar como los alemanes trabajaban en el campo o bien en paisajes urbanos en alguna de las fábricas del país, donde los obreros colaboraban con el régimen gracias a su trabajo.

Las obras de vanguardia se consideraban arte degenerado, incluso se comparaba algunas pinturas con personas que tenían deformidades físicas para venir a decir que eran lo mismo. Claro que tenían un problema con el expresionismo ya que era un movimiento genuínamente alemán y tratando de exaltar lo suyo no podían obviar que este movimiento nació y se desarrolló principalmente en ese país. Se trata de una de las contradicciones de cualquier dictadura.

Arte, estética Freak y medios de comunicación

2019-07-30T08:48:00.000+02:00

Desde hace unos días ya esta a disposición de todo el mundo nuestro nuevo libro cuyo título abarca temas que tienes que ver con el arte contemporáneo, la estética y también el pensamiento y el desarrollo de la sociedad en los últimos años.

El libro esta dividido en dos partes diferenciadas. En primer lugar se analiza el concepto del "aura" de la cual hablaba Walter Benjamin en su Breve Historia de la Fotografía e intentamos analizar que es lo que queda de ese concepto en la actualidad. Sobre todo en la cantidad ingente de fotografías sin control que se toman cada día con nuestros teléfonos móviles. ¿Es posible encontrar el aura en todos y cada uno de los selfies que se toman a diario para ser posteados en redes sociales? Pues la verdad parece complicado, porque se ha abandonado todo aquello que tiene que ver con lo artístico, para convertirse en un mero postureo. Así pues parece que el aura queda determinada por el aquí y el ahora, por un instante efímero en que otra persona pulsa el botón de like o deja un simple comentario. La democratización de la fotografía solo ha conseguido inundar el mundo de la imagen y dotarlo de una fama completamente efímera y plagada de un consumo voraz al tiempo que vamos haciendo scroll en cada uno de nuestros teléfonos móviles.

En segundo lugar el libro trata de forma más amplia la influencia de los medios de comunicación en nuestra sociedad. Muchos han pasado a ofrecer un simple espectáculo completamente alejado de la información y plagado de tertulianos fanáticos, que tratan de imponer su criterio gritando mas alto que el que tienen al lado e interrumpiendo de forma constante, de manera que es imposible extraer ninguna conclusión. Las noticias son un espejo del desastre en el que está sumido el mundo, pero se trata de un desastre que no nos afecta porque el soniquete de las noticias siempre es el mismo y forma parte de un ruido de fondo que cada día llama a nuestra puerta sin que seamos capaces a abrirla para ver que es lo que realmente pasa. La verdad o la mentira ya no se distinguen y están en función de los intereses de cada cadena, será el espectador el que con versiones contradictorias tendrá que extraer sus propias conclusiones, en muchas ocasiones siguiendo sus sentimientos mas pasionales, decidiendo en cada tema cuál es su postura, para así enfrentarse a una futura conversación, que en el fondo tendrá bastante poco de intelectual porque habrá sido inducida para provocar posturas encontradas.

De todo ello y mucho más hablamos en este ensayo que tiene 105 páginas, incluye más de 40 citas a pie de página de diferentes autores y está dividida en los dos apartados que acabamos de comentar. El libro puede encontrarse en la página de Amazon tanto en versión papel como en versión ebook. Si alguien lo adquiere y lo lee agradecemos cualquier comentario o crítica constructiva

El arte como mercancia

2019-07-21T12:18:00.004+02:00

Una vez que se produce el nacimiento de la fotografía, el arte comienza su transformación. La llegada del hecho fotográfico a múltiples hogares a través de retratos (individuales o grupales) o bien de la representación de paisajes, hace que la pintura deba buscar un nuevo papel para continuar con su labor artística si no quiere ser sustituida.

Asesinato en Ankara del embajador ruso en Turquía.

Surgirán diferentes movimiento que tratan de dotar al arte de una nueva estructura, buscando en algunos casos la pureza o la esencia del arte, reduciendo sus formas o encontrando en el color la mejor expresión para el desarrollo de esta materia.

Se trata como decía de el arte por el arte como decía Walter Benjamin, un grupo de inconformistas que se rebelan ante el hecho de entregar el arte al mercado y prefieren agruparse para buscar la esencia del arte.

Al mismo tiempo Theodor Adorno también habla del arte pero teniendo en cuenta que debe mantener una relación mayor con la sociedad, es decir ser un elemento que estimule a la sociedad, que sea capaz de despertarla de su sueño, pero al mismo tiempo si convertirse en una mercancía. El arte debería hacerse cada vez más complicado, menos democrático.

Si analizamos estas palabras de Adorno y las aplicamos a nuestra sociedad nos daremos cuenta que nada de lo que él pedía se ha cumplido en realidad. Muchos de los artistas que triunfan o que venden sus obras por grandes cantidades de dinero, o bien que pueblan los museos, han apostado por la simplicidad para llegar al público. Hablamos de los puntos de colores con los que Damien Hirst ha inundado el mercado o bien las instalaciones que Yayoi Kusama va realizando por diferentes museos. Son además exposiciones de éxito, en las cuales el elemento político del cuál hablaba Adorno ha quedado completamente anulado. Ha sido sustituido por la estética del punto y por el color.

Igual podríamos hablar de otros artistas que también están en boca de todo el mundo y cuyos planteamientos artísticos neo-pop dejan mucho que desear. Viven y trabajan para el mercado no para que exista una democratización del arte. Hablamos de artistas como Jeff Koons o bien Takashi Murakami.

El arte político, reivindicativo, reflexivo, no está de moda, es un vestigio de un pasado que coincide con el principio de la posmodernidad.

Slavoj Zizek dice que la verdad radica en la exageración y Yayo Aznar Almazán apostilla que cada posición artística por muy radical que nos parezca esconde su parte de verdad . Lo único que es necesario es que el artista tenga esa voluntad de contar una verdad, la que sea, no simplemente puntos, líneas y colores.

Santiago Sierra. No Global Tour

El Museo del Prado no permite tomar fotografías

2019-06-23T08:00:00.000+02:00

Uno de estos días podía leer una noticia que decía que el Museo del Prado es uno de los pocos museos del mundo donde actualmente no está permitido tomar fotografías.

Lo cierto es que esta decisión combina mal con nuestro modo de vida actual donde estamos acostumbrados a indicar a todo el mundo el lugar donde nos encontramos en cada momento. Además gracias a las redes sociales es posible provocar la envidia de las personas que nos siguen si el lugar en el que estamos es famoso o el objeto representado también lo es.

No tenemos más que pensar en la lucha que supone llegar hasta La Gioconda en el Museo del Louvre que se encuentra completamente masificado. Allí hay una lucha entre postureo y palos de selfie que tratan de tomar una imagen junto a este icono del arte. Es decir muchas personas en vez de disfrutar el cuadro y tratar de descubrir las innovaciones que Leonardo da Vinci introduce en él, tratan solo de tomar una foto para subirla cuanto antes a las redes sociales.

Así que tal vez la decisión de no dejar tomar fotografías en el Museo del Prado puede que no sea tan descabellada como estamos pensando. De esa manera es posible evitar que un gran número de personas que no tienen interés por el arte se acerquen al mismo. Esos que solo buscan tener una imagen para poder compartirla, aquellos a los que les da igual si Las Meninas es el original o una copia en papel de plástico de la tienda. Los que solo buscan agrandar su vanidad grancias a los likes y comentarios recibidos.

Lo cierto es que suena raro que un museo del siglo XXI no permita tomar fotografías. Antes tenian la excusa de que el flash podía dañar las obras, pero con los teléfonos actuales se puede tomar una instantánea en cualquier lugar sin dañar para nada las obras exhibidas. Algunos museos son grandes beneficiados por ello y así otra gente se anima a visitarlos gracias a las fotos de sus amigos. Ahora quizás el Museo del Prado no necesita nada de esto y por eso no permite que se tomen fotografías en este lugar.

Si tienes una opinión me gustaría conocerla. ¿Que te parece? ¿Debería el Prado permitir que se tomen fotografías dentro del Museo?

El concepto de envidia para Zizek

2019-06-16T21:04:00.000+02:00

Me ha parecido interesante el concepto que en una entrevista hecha por periodistas daba el pensador y filósofo Slavoj Zizek acerca de la envidia. Esta entrevista se puede seguir en el libro publicado recientemente por Fernando Castro Flórez, con el título ...and so on and so on, se trata de una publicación de Cedeac de Murcia. Un librito de pequeño formato que cuenta con apenas 125 páginas y puede leerse de un tirón durante un buen rato libre.

Dice Zizek que la envidia es uno de los grandes males de nuestro tiempo. Pero no se trata de una envidia de pobres contra ricos. No es la envidia de la posesión de riqueza la que amenaza nuestra sociedad. No se trata de que los pobres deban hacer la revolución porque ansían aquello que no poseen.

La mayoría de la gente que vive en las sociedades occidentales tiene sus necesidades básicas satisfechas. Por supuesto siempre pueden ser mejor o aspirar a más, algo que puede llegar o no hacerse realidad, pero eso en sí no importa.

Dice Zizek que la envidia actualmente se encuentra en el reconocimiento social. Es decir, teniendo las necesidades básicas satisfechas lo que aspira el ser humano es a ser reconocido por su valía en la sociedad. Ahí es donde principalmente se genera la envidia, entre los que llegan a ello y los que quieren llegar. Es ahí donde se dan las situaciones mas problemáticas y dramáticas, donde se ponen más zancadillas. A veces incluso no es una cuestión de que me vaya bien a mi sino que que le vaya mal al de al lado.

El propio Zizek lo ilustra con un chiste esloveno que dice: a un agricultor se le aparece un mago y le dice que le concederá lo que quiera. Puede pedir aquello que desee. Pero solo le pone una condición, de aquello que pida y reciba su vecino recibirá el doble. El campesino piensa durante un segundo y le dice al mago: sácame un ojo.

Es muy macabro pero muy ilustrativo de lo que estamos hablando.

Joseph Beuys le habla de arte a una liebre muerta

2019-04-14T08:37:00.000+02:00

El 11 de Noviembre de 1965 Joseph Beuys llevó a cabo una de las acciones más absurdas que ha vivido el arte contemporáneo en toda su historia. Vestido con un traje de fieltro y con la cara untada en miel y polvo de oro, se paseaba por una galería de arte de Dusseldorf. En sus brazos tenía una liebre muerta y cada poco tiempo se acercaba a ella para susurrarle al oído una explicación de los cuadros que allí estaban expuestos.

La gente que allí se dio cita miraban la performance con cara de estupefacción, el artista estuvo tres horas paseando por la galería y ofreciendo al animal explicaciones de los cuadros que estaban colgados.

Se trata de una obra de arte conceptual donde el artista trata de transmitir una idea al público que allí ha acudido que en todo momento y con atención plena se cuestiona lo que Beuys está haciendo en cada momento. Los artistas conceptuales se sitúan en los límites de la lógica. Una obra de arte es una especie de proposición presentada dentro de un contexto artístico.

La idea de Beuys era que la gente tomara conciencia de las dificultades que tiene explicar el arte contemporáneo. Decía el artista que los animales, incluso los animales muertos, tienen una mayor intuición que muchos humanos, porque al no ser racionales no son capaces de cuestionarse las cosas que les explican.

La cuestión que se plantea es si podemos considerar esto como arte, tenemos una idea, un concepto que trata de transmitir y un público receptor que puede reaccionar de manera positiva o con sensación de rechazo. Conviene recordar que el ready-made que introduce Duchamp en 1917 cambia nuestra percepción del arte al convertir cualquier objeto por extraño que sea en artístico por el simple hecho de llevarlo a un museo. Pero no hace falta ir un siglo atrás sino que un icono como Andy Warhol también hizo lo mismo cuando en 1964 expuso en Nueva York un montón de cajas de las esponjas brillo, en este caso no se trataba de la propia caja que podía comprarse en cualquier tienda sino de unas reproducciones realizadas en madera con ilustraciones estampadas por medio de serigrafías, eran algo más grandes que las cajas originales. Se trataba de 24 envases que mostraban el lado más amable de la sociedad de consumo. Se trataba de una reproducción de los originales pero con una diferencia de precio considerable, unos podíamos encontrarlos en cualquier supermercado y otros en una galería de arte a un precio desorbitado. Entre las dos acciones no hay mucha diferencia pese a que una nos provoque cierto rechazo y la otra sea mucho más delicada.

Así que cuando Beuys le habla a una liebre y analizando algunas de las acciones llevadas a cabo en el siglo XX, debemos afirmar que se trata de una obra de arte. Si Manzoni fue capaz de presentar y vender a precio de oro unas latas con su propia mierda, por qué la performance de Beuys para explicar la dificultad de percepción que existe en el arte contemporáneo va a ser menos?

¿Qué es el luminismo?

2019-03-31T08:30:00.000+02:00

Respecto a esta forma de pintar debemos distinguir dos momentos en la historia del arte. En primer lugar este término se aplica a algunos pintores que van a trabajar justo antes de la aparición de Caravaggio, en la transición entre el siglo XVI y silo XVII.

Algunos artistas van a utilizar estos grandes contrastes de luces en sombras en algunos de sus cuadros. Merece la pena echar una ojeada a los cuadros realizados por artistas como George La Tour que iluminaba el interior de la habitación con una vela, siendo el único punto de luz que incluía la obra, creando con ello fuertes zonas de luz y sombra dependiendo de la situación de los personajes mas cerca o más lejos de la vela.

Por otro lado la palabra luminismo también se aplica a otro grupo de pintores que trabajan en la transición entre el siglo XIX y XX. Puede aplicarse a diferentes estilos que aparecen en ese momento y que en muchos casos se mezclan y se confunden. Los artistas tratan de reflejar la influencia de la luz sobre el paisaje, objetos y personajes que componen la obra. Muchos de los artistas se dedicaban solamente a representar paisajes y estudiaban los efectos de la luz sobre ellos, en algunos casos estos efectos son parte más importante del cuadro que el propio paisaje, cuya belleza o incluso misterio aumenta con los efectos de la luz.

Otros artistas por su parte incluyen figuras humanas en sus cuadros. En España hay distintos artistas que siguen este estilo y mezclan el paisaje con el costumbrismo que también esteba de moda en la pintura de finales del siglo XIX. Encontramos personajes realizando actividades comunes o propias de una profesión concreta. Todo ello representado con gran nivel de detalle como es característico de la pintura costumbrista que tanto éxito tuvo en España. La obra Descanso de Segadores realizada en 1901 por Vicente Castell puede ser un buen ejemplo de ello.

Uno de los grandes representantes del luminismo español será Joaquín Sorolla que muestra un dominio excepcional tanto del paisaje como de la luz que aparece en cada uno de sus cuadros, donde los paisajes de playa tienen una belleza y un colorido especial.

Muchas veces se ha dicho de Sorolla que es un pintor impresionista, aunque nosotros pensamos que pertenece más a esta corriente preocupada por el efecto de la luz sobre el paisaje y los personajes. Es uno de los grandes pintores de la transición entre los dos siglos.

El Capricho una obra de Antoni Gaudí

2019-03-17T08:30:00.000+01:00

Gaudí realizó muy pocas obras fuera de Barcelona, en concreto fueron 3, una en la ciudad de Comillas, otra en Astorga y la tercera en León. El resto de su trabajo se encuentra concentrado en la ciudad de Barcelona. Es cierto que el arquitecto no era muy proclive a salir de la ciudad y que se trata de obras de primera época, una vez consolidado no volverá a realizar obra alguna fuera de la ciudad condal.

Cuando miramos fotografías de El Capricho, que se encuentra en Comillas, en la Comunidad de Cantabria, podemos observar que Gaudí no es todavía un arquitecto modernista. Así como otras obras tienen una clara inspiración en la naturaleza e intentan imitar sus formas, este trabajo no ha llegado todavía a ese punto. el edificio fue construido entre los años 1883 y 1885.

Gaudí tuvo una formación neogótica en la escuela de arquitectura, estos movimientos neo estaban de moda en el momento en que él estudiaba y sus primeros trabajos tienen estas conexiones con este tipo de movimientos.

El ambiente general de la casa nos recuerda obras de tipo neomudejar, la utilización del ladrillo es determinante. Ya lo había utilizado en otros edificios como la Casa Vicens. El neomudejar alcanzará su máxima expresión en la ciudad de Sevilla de la mano del también arquitecto Aníbal González con edificios como la Plaza de España o el Museo de usos y costumbres populares.

Junto a la utilización del ladrillo Gaudí utilizaba en sus obras un tipo de torres que resultan extrañas a la arquitectura española. Se trata de torres orientales, como la que podemos observar en la entrada del edificio, que Gaudí había estudiado por su cuenta y que le llamaban la atención. Son ejemplos tomados de la arquitectura de la zona de oriente medio que repite en muchos de sus edificios. Al mismo tiempo se combina toda esta decoración con azulejos que también eran típicos de los edificios musulmanes como podemos observar en palacios como el Alcázar de Sevilla o la Alhambra de Granada.

Junto a la combinación de colores, rojo y verde, también llama la atención el tejado que cubre el edificio, que tiene una inclinación excesiva, comparada con los edificios españoles en general. Parece más propia de edificios del norte de Europa, zonas donde hay una mayor abundancia de lluvia que la que tenemos en España.

Reflexiones sobre la movida madrileña

2019-03-03T08:30:00.000+01:00

En el último libro publicado por Victor Lenore y que lleva por título Espectros de la movida, hay un par de cuestiones al comienzo del libro que me han llamado la atención y que me gustaría comentar de una forma más profunda. Recordemos que la movida no afecta solo a la música sino que es un movimiento contracultural que afecta a todos los ámbitos del arte o la cultura, incluidas las

manifestaciones artísticas.

El primero de los aspectos es que se produce un aumento del consumo en la mayoría de los productos ofrecidos. Los jóvenes del momento, gracias a la ayuda de su pertenencia a la clase media, pueden gracias a su propio dinero o bien al de sus padres, acceder a una serie de productos que se ofrecen vinculados al tema de la movida. Venta de discos, asistencia a conciertos, apertura de nuevas galerías de arte, asistencia a teatros, bares y discos de moda, etc. La gente quiere formar parte de cada uno de los eventos que se anuncian. Para llevar eso a cabo se necesita disponer de dinero que sirve para mover la economía.

Resulta curioso que muchos de los grupos nuevos que surgen durante la movida tienen na estética punk, tanto en su forma de vestir, comportamiento y música. Esta supuesta actitud antisistema, proveniente del Reino Unido crea una tendencia que abarca diferentes ámbitos del consumo. Pero lo que llama la atención es la capacidad del capitalismo para adaptar todo tipo de mensajes en su propio beneficio. Lo mismo sucede con la imagen del Che Guevara que con la estética punk que supuestamente clama que no existe futuro para la juventud tras la crisis que se vivió en la segunda mitad de los años 70.

El segundo aspecto es el apoyo político que recibieron por parte de los ayuntamientos, sobre todo el PSOE. Multitud de grupos de la movida eran contratados para las fiestas patronales de los diferentes pueblos y ciudades, entre otras cosas porque les hacía parecer modernos y les garantizaba votos. Desde el año 1977, cuando se producen las primeras elecciones libres, la edad de voto se rebajó desde los 21 a los 18 años. Era un nicho importante de votos que había que conquistar. Muchos políticos solo se han apoyado en la cultura por interés propio, jamás porque hayan pensado en la educación en libertad del pueblo. De hecho cuando no les ha interesado en número de votos le han dado la espalda de forma radical, como por ejemplo en la última crisis económica donde la mayoría de los presupuestos dedicados a este tema quedaron temblando.

Así que muchos ayuntamientos vieron una baza importante en la promoción de estos grupos de música. Les hacían transmitir una imagen joven y que conectaba perfectamente con un importante nicho de votos.

Me parecen dos puntos interesantes para comentar. Por un lado el aumento del consumo y por otro la promoción cultural apoyada por las personas que se encuentran en el poder.

La apropiación en la obra de arte

2019-02-17T08:30:00.000+01:00

Quizás las diferencias entre la apropiación y la copia sean muy pequeñas. En la historia de la evolución humana la copia se ha dado siempre y son las pequeñas variaciones sobre esa copia lo que han hecho que la humanidad pueda avanzar. Los avances científicos ya no se avergüenzan de mostrar claramente cuáles han sido sus fuentes de información y los cambios que sobre esas bases se han producido para poder crear algo nuevo.

Hay diferentes artistas que han usado la apropiación como forma de expresión. Algunos de los trabajos realizados en vídeo por el artista Christian Marclay están formados por diferentes fragmentos de películas famosas en las que sus personajes realizan la misma acción en cada uno de ellos, puede ser por ejemplo observar la imagen de un reloj como podemos ver en The Clock o bien diferentes personas que marcan números en aparatos telefónicos como ocurre en la obra de 1995 llamada Telephones. La pregunta es si podemos considerar una obra original este tipo de trabajos ya que en realidad son un refrito de otras creaciones ya realizadas.

Estas ideas chocan con aquello de lo que hablaba Walter Benjamin sobre el aura que toda obra de arte debería tener. En buena parte se ha perdido la originalidad. Actualmente esa idea está completamente olvidada ya que la copia se ha institucionalizado. Antes incluso la copia pese a serlo tenía algo de originalidad porque había sido realizada por alguien diferente al original, podría incluso tener diferentes matices. En la actualidad en muchos casos es imposible ya que la reproducción digital y la distribución de archivos hacen que la copia sea exacta. Pese a ello Agustín Fernandez Mallo en su libro Teoría general de la basura afirma que la copia exacta también se considera un original y como tal la utilizamos para en algunos casos transformarla. Lo que hace valioso una copia es aquello en lo que se diferencia del original (que puede ser por ejemplo el tipo de soporte) y al mismo tiempo lo que le hace igual a este.

Cuando Marcel Duchamp pinta unos bigotes a la imagen de la Gioconda, se está apropiando de una de las imágenes más icónicas de la historia del arte. Pero también con ese gesto transforma su imagen, de forma irónica, con un gran espíritu provocador, intentando buscar una reacción en el espectador. El propio autor decía que se transforma totalmente porque el rostro de una mujer pasa a convertirse en el de un hombre con ese atributo por encima de sus labios.

Pensemos en el propio Pablo Picasso, si hacemos un repaso a una de sus obras más emblemáticas Las Señoritas de Aviñón 1907 encontramos cantidad de influencias y posiciones en las que se inspira para componer la obra. ¿Se trata de copias? Pues en muchos casos parece que si pero también hay que reconocer que la mezcla le sale original. La eliminación de la tercera dimensión y Cezanne, las posiciones de los brazos con El Baño Turco de Ingres, las máscaras africanas y la inspiración en algunas piezas del arte ibérico, los ojos grandes y almendrados igual que los que observamos en las pinturas románicas de las iglesias del Vall de Boi y la simpleza en la composición de la mayoría de los cuerpos y objetos que aparecen en la obra. Citamos autores para reafirmar esta teoría de la apropiación y al mismo tiempo el avance que supone la primera obra cubista en la historia del arte superando la fotografía y ofreciendo distintos puntos de vista.

Se trata como dice Agustín Fernández Mallo de un territorio común donde confluyen lo propio y lo ajeno. Es un hecho innato a la evolución del conocimiento.

Quizás fue el arte pop el que más utilizó la copia sin ningún pudor. En algunas de las obras de Andy Warhol podemos observar que se puede copiar cualquier cosa sin que por ello se produzca un menoscabo de la obra original. Algunos artistas pop españoles como el Equipo Crónica no solo utilizan estos elementos sino que copian descaradamente algunos de los detalles que introduce Andy Warhol en sus obras incluyendo algunos elementos icónicos de la cultura española que hacen referencia a grandes cuadros de la historia o héroes del comic hiperconocidos por la juventud española.

Más que apropiación podríamos hablar de traducción. Cuando Duchamp lleva un urinario a un museo lo que hace es traer un objeto y llevarlo a un lugar diferente de su disposición habitual, transformando por completo su significado. Se traduce de esta manera y se percibe de forma diferente, indudablemente al traducir se pierde cierta información y se genera otra nueva. Es algo que ocurre con cualquier texto pero que también podemos aplicar a cualquier obra de arte u objeto incorporado a una exposición.

El pintor de bodegones barroco Luis Meléndez

2019-02-10T08:30:00.000+01:00

Vamos en situarnos en la época en la que trabaja este artista al que calificamos como pintor barroco, que trabaja en el siglo XVIII ya que nació a principios de este época 1716 y vivió hasta el año 1780. Tuvo una vida bastante difícil pasando muchas dificultades pese a ser actualmente uno de los pintores más conocidos y considerado en el género del bodegón.

Nació en Italia, concretamente en Nápoles, aunque debemos aclarar que Nápoles era un territorio español en ese momento. El caso es que su padre se había marchado a ese lugar buscando oportunidades para su obra, ya que también era pintor. Al poco tiempo de nacer su hijo regresó a Madrid donde se estableció el resto de su vida.

Suponemos que fue su padre el que le transmite los primeros conceptos pictóricos, aunque sabemos que nuestro artista asistió al taller de Louis Michel Van Loo, artista de origen francés que había llegado a España para trabajar como pintor de cámara, concretamente con el cambio de dinastía tras el fallecimiento del rey Carlos II. El nuevo rey Borbón, Felipe V, era de origen francés que contrató algunos pintores también franceses para trabajar en la corte.

Acudió como alumno a la recién creada Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde su padre había sido nombrado director de pintura y sería allí donde comenzó a trabajar la naturaleza muerta que estaba siendo promocionada junto a otras disciplinas en esta escuela.

Como dijimos no tuvo una vida fácil, se marchó a Italia buscando fortuna, pero no le fue bien, regreso a España cuando tras la quema del Alcázar los reyes reclamaban todo tipo de obras para paliar el desastre que había ocurrido en ese lugar donde se perdieron multitud de obras.

Entre 1759 y 1774 trabajó en más de 30 bodegones que pasarían a formar parte de la colección del futuro rey Carlos IV. La gran mayoría de ellos se conservan en el Museo del Prado.

Tenemos que tener en cuenta que el bodegón se encuentra muy unido a la tradición española del barroco. No tenemos más que pensar en artistas como Juan Sánchez Cotán que se muestra como un gran artistas avanzado de este género. También Francisco de Zurbarán dedicó varias obras al mismo. Aunque el bodegón está presente en muchos de los trabajos realizados por los grandes artistas barrocos. Diego Velázquez utilizaba el bodegón en muchas de sus obras de primera época. José de Ribera también daba una tremenda importancia a este género en muchos de sus trabajos. Todos trataban de dotar de un gran realismo fotográfico tanto a los objetos como los alimentos que suelen aparecer en las obras.

Para Meléndez la influencia de la luz es muy importante en sus obras, el color de las frutas que aparecen o los brillos tanto de la cerámica como de los objetos metálicos son de una gran importancia en sus obras. Le atraían las obras que trataban la vida cotidiana frente a los grandes temas tratados por otros artistas de su época.

La escalera dorada de la Catedral de Burgos

2019-01-27T08:30:00.000+01:00

Es una de las mejores obras del renacimiento en España situada en la nave de crucero de la Catedral de Burgos. Es una obra realizada posteriormente a la construcción de la Catedral. Burgos es una catedral gótica clásica del siglo XIII, la segunda que se construye en España tras la Catedral de Toledo. Es cierto que la obra de Burgos tuvo fuertes reformas en el siglo XV cuando se añadieron por ejemplo el cimborrio de la Catedral o diferentes capillas que llenaron este edificio de bóvedas estrelladas.

La zona de la catedral donde se sitúa la escalera tiene que salvar un desnivel de ocho metros entre la puerta de acceso (llamada Portada de la Coronería) y el suelo de la Catedral. Debía existir otra forma de acceso anteriormente a la construcción de esta escalera aunque no sabemos nada de ella.

La obra se encargó a uno de los mejores arquitectos del renacimiento español, se trata de Diego de Siloe hijo de Gil de Siloe, artista de origen extranjero que había trabajado profusamente en la ciudad, con magnificas obras en la Cartuja de Miraflores, donde realizó el retablo y los sepulcros de familiares de la reina Isabel la Católica.

Diego de Siloe nació y se formó en España, su padre era un artista del final del gótico, pero su hijo ya se encuentra trabajando en pleno renacimiento. Además completó su formación en Italia, lo que le lleva a ser uno de los arquitectos más clasicistas que tenemos en España.

Escalera Biblioteca Laurentina de Miguel Ángel

Posee obras tanto de arquitectura como escultura, destacando la Catedral de Granada, la Iglesia del Salvador de Úbeda o el Palacio Fonseca de Salamanca, por citar algunas de ellas. Como escultor sabía trabajar los materiales duros como el mármol o el alabastro.

La obra de la escalera se realizó en torno al año 1520 y tiene semejanzas con obras italianas como la escalera de la Biblioteca Laurenciana que realizó Miguel Ángel en Roma. También Bramante había realizado una escalera en espiral en el Museo Vaticano de Roma. Tiene un tramo recto que se divide en dos tramos a derecha e izquierda que vuelven a juntarse en la parte superior que ya comunica con la puerta. La preciosa barandilla está cargada de adornos de todo tipo, flores, cabezas de ángeles y bichas entre otras cosas.

Escalera de Bramante. Museos Vaticanos

El retrato de Inocencio X para niños

2019-01-13T08:30:00.000+01:00

Estamos ante uno de los numerosos retratos que pintó el artista sevillano Diego Velázquez a lo largo de su vida, ya que en la corte de Madrid realizó esta técnica no solo con miembros de la familia real sino con nobles e incluso algunos de los bufones que trabajaban en la corte.

Es posible que este retrato esté pintado durante el segundo viaje a Italia que realiza el pintor. Este viaje tuvo lugar entre los años 1649-1651, veinte años después del primero. Su misión era mas que nada diplomática y cultural, aunque no parecía previsto que estuviera dos años en el país transalpino.

En este momento es posible que realizara otros retratos de personajes que se encontraban en la ciudad de Roma. Se ha especulado con la idea de que el Papa Inocencio X tenía dudas sobre la valía de Velázquez como pintor y le hizo presentar otros retratos para apreciar si realmente merecía la pena posar para él. Así se conservan retratos del propio esclavo de Velázquez, llamado Juan de Pareja y que sería pintor del rey una vez que su maestro, mentor y dueño falleciera. También se conserva un retrato que fue adquirido por el Museo del Prado en el año 2003 y que se ha revelado hace poco tiempo como el barbero del Papa, habría sido realizado en ese momento, aunque como digo existen dudas sobre si estos retratos se hicieron con anterioridad o posterioridad al de Inocencio X.

Sea como fuere el Papa, que había conocido a Velázquez en 1625 cuando era Nuncio Papal y viajó a Madrid, posó para él en 1650. Parece que el retrato fue de su agrado pues al verlo terminado exclamó que era "muy realista".

Si pensamos que Velázquez penetra con sus retratos en la personalidad de la persona que posa, quizás con este retrato podríamos afirmar que el Papa da impresión de ser una persona soberbia, muy estricto, poco aficionado a las bromas. Parece que está mirando al espectador por encima del hombro, mostrando en su mano derecha el anillo que le reconoce como Papa. Estamos ante una figura superior y esa es la impresión que debe dar cuando miramos este retrato.

El retrato se encuentra en la Galería Doria Pamphili de Roma que pertenecía a la familia del Papa.

Comparado con las obras de primera época del artista podemos apreciar que Velázquez en esta época pinta de una manera muy suelta, moviendo excesivamente la muñeca para extender el pincel. Pese a ello consigue un realismo similar al que tenía en sus primeros cuadros donde el detallismo y el realismo fotográfico era parte importante de su trabajo.

La Alcazaba en la Alhambra de Granada

2018-12-30T08:30:00.000+01:00

Dentro de el complejo de La Alhambra diferenciamos tres partes que serían construidas en momentos diferentes de lo que sería el último reino musulmán en España antes del 2 de Enero de 1492, fecha en la que los Reyes Católicos tomaron finalmente la ciudad.

El primero de los edificios en construirse sería la Alcazaba, en realidad un recinto fortificado que servía como lugar de residencia de los soldados. En su interior había una serie de viviendas para ellos, aunque en el edificio actual no se conservan completas y solo tenemos lo que era la planta de las mismas.

Debemos tener en cuenta cuáles son las circunstancias en las que se construye este edificio y porqué es el primero de los que se hace en el complejo de la Alhambra. El avance de los cristianos en el siglo XIII será muy grande. Un momento importantísimo será la batalla de las Navas de Tolosa, donde todos los reinos cristianos se unen para enfrentarse al bando musulmán. Fue una iniciativa del rey castellano Alfonso VIII de Castilla al que se unieron los reyes de Aragón y Navarra y numerosos voluntarios extranjeros, ya que la batalla fue calificada como cruzada por el Papa. La victoria no solo sirvió para abrir la conquista de las ciudades del Guadalquivir sino también como refuerzo moral ya que el número de los cristianos era menor pero, a pesar de ello, lograron la victoria.

Eso significa que algunas de las ciudades musulmanas van a ser conquistadas por estos reyes, por ejemplo Fernando III el Santo será el encargado de la conquista de ciudades tan emblemáticas como Córdoba que ocurrió en 1236 o Sevilla que fue conquistada en 1248.

Con este panorama el reducto musulmán quedó restringido a tres provincias que eran Almería, Málaga y Granada. Parece lógico que tuvieran mucho miedo de ser conquistados en una época de expansión como la que estamos hablando. Por eso algunos de los edificios construidos en esta época serán fortalezas defensivas en los que no se puede apreciar ninguna de las características de otros edificios musulmanes. Así no encontramos nada de decoración como ellos acostumbra, nada de azulejos o diferentes tipos de arcos. se trata de zonas de murallas y torres defensivas, nada más.

Pensamos que la Alcazaba de Granada está construida entre los años 1273 y 1302, poco tiempo después de estas batallas y conquistas de las que hemos hablado. Cuando la situación se vaya normalizando y el reino de Granada se convierta en vasallo de Castilla gracias al pago de impuestos será un momento de mayor tranquilidad y se podrá construir el Palacio de la Alhambra ya que las posibilidades de invasión castellana eran mucho menores, esto ocurrirá durante el siglo XV y primeros años del siglo XV hasta que para los Reyes Católicos sea un objetivo principal la conquista del territorio.