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6º Simpósio Internacional Virtual de Escultura e Pintura 2025 "DesafiARTE"

2025-12-15T16:17:00.001-03:00

Aconteceu no fim de novembro o 6º Simpósio Internacional Virtual de Escultura e Pintura "DesafiARTE" 2025, organizada pelo grupo ArtEnVivo Internacional, sediados em Buenos Aires, Argentina. O evento ocorreu de 22 a 29 de novembro de 2025, reunindo artistas de 8 países (Argentina, México, Colômbia, Cuba, Chile, Peru, Alemanha e Brasil). Esta já é a minha 5ª participação neste evento.

A ideia do Simpósio é que através deste evento virtual, cada artista produza um trabalho original durante 7 dias em pintura e/ou escultura, registrando em vídeo o desenvolvimento do trabalho e publicado na página do grupo no Facebook, culminando no último dia com a apresentação do trabalho concluído. Conhecer o processo artístico de cada artista e suas particularidades é sempre um ponto valioso do evento.

Nesta edição, eu produzi a obra "Festa Junina", uma dupla homenagem cultural, tanto das festas juninas que ocorrem pelo Brasil, principalmente nas cidades do interior, como também é uma homenagem à obra de Alfredo Volpi, artista brasileiro que ficou muito conhecido por explorar o tema das bandeirolas das festas juninas. Ao escolher este tema, levo para um evento internacional um traço marcante da principal festa da cidade onde vivo também.

Jornada Mail Art - Palestina Livre

2025-02-15T17:14:00.004-03:00

Neste mês de fevereiro, estou participando com uma obra da Jornada Mail Art, ação promovida pela Volos Visual Arts Association que organizou uma exposição internacional com obras em Mail Art (também conhecida como Arte Postal ou Arte Correspondência) com o tema "Palestina Livre". Os cartões postais estão expostos no espaço da entidade em Volos, na Grécia, assim como as obras estão sendo divulgadas na página da Volos Art Association no Facebook.

A Arte Postal surgiu como um esforço criativo nas décadas de 1950 e 1960, onde os participantes buscavam criar um movimento artístico global que utilizaria o correio "padrão" para compartilhar e distribuir pequenas "obras de arte" ignorando espaços tradicionais como galerias e museus, permitindo assim que indivíduos de qualquer lugar comunicassem suas ideias criativas livres de restrições políticas e financeiras.

Estou participando com a obra "Plano Humanitário em Gaza" em formato de cartão postal, que simbolicamente retrata a forma desmedida com que o governo israelita vem lidando com os palestinos da região, atingindo civis indiscriminadamente em ações que poderiam muito bem ser descritas como um verdadeiro massacre. A participação no evento está bem grande, com participantes de inúmeros países (Grécia, Bélgica, Suíça, Itália, Dinamarca, Inglaterra, Estados Unidos, México, Polônia, Malásia, França, Espanha, Alemanha, Ucrânia, Turquia, Holanda, Brasil e etc.)

Fundada em 2008, a Volos Visual Arts Association tem como objetivo encorajar e promover as artes visuais, bem como criar um ambiente que favoreça o aprendizado experimental e o cultivo da sensibilidade artística no campo das artes visuais.

- O Caminho Rural -

2025-01-04T13:48:00.002-03:00

Acrílico sobre tela – 130 x 90 cm - 2022

Clique na imagem para ampliá-la

Já há algum tempo venho notando que muitas artes importantes que eu produzi ainda não figuraram por aqui e estou planejando publicar mais frequentemente sobre estes trabalhos, como é o caso desta arte, que tem como tema um pequeno recorte do ambiente da zona rural. A maior parte da população do Brasil vive em áreas urbanas (87,4%, segundo o Censo Demográfico de 2022 do IBGE), mas esta distribuição é desigual e varia de acordo com a região do país. Se este recorte mirar apenas o estado da Bahia (estado onde resido), a porcentagem passa a ser de 72%. É bem interessante ver como é a vida nestas comunidades, as diferenças que existem de um lugar para o outro e, sobretudo, como as pessoas que não conhecem estes lugares imaginam como eles sejam. É justamente sobre este aspecto que esta pintura, de forma subjetiva, busca contribuir com um ponto de vista.

O processo artístico

Estrada da zona rural para a comunidade
de Calumbi, em Macaúbas/BA

Na verdade, este trabalho surgiu como uma encomenda que não é algo que costumo aceitar com frequência, porque sei que a probabilidade de demorar em ficar pronto é enorme e geralmente a expectativa das pessoas com estes trabalhos costuma ser bem mais breve... depende muito também da ideia me atrair, da proposta se encaixar com o meu estilo ou de ter alguma ideia que encaixe no tema. Apenas me falaram como seria a imagem, descrevendo brevemente o cenário e essa “tradução” para as imagens ficaria a meu cargo, naturalmente. Tomando como base como é a maioria das localidades da zona rural no município de Macaúbas/BA, retratei de forma livre uma estrada comum de zona rural como as que existem por aqui.

Cena do filme "O Auto da Compadecida"

Há muitos estereótipos quando falamos de como é a zona rural para quem não conhece esta realidade e em alguns casos, reconheço que é difícil de visualizar o cenário porque se trata de um outro país, que funciona num outro ritmo. Estes estereótipos acabam sendo reforçados por meio de produções de cultura de massa, como novelas, séries e filmes, que muitas vezes focam de forma rasa esta realidade, que é muito mais ampla e diversa. Se além de citarmos que se trata da zona rural, acrescentarmos que o local fica no sertão nordestino, é aí que os estereótipos e preconceitos aumentam consideravelmente no imaginário de quem não conhece, de um lugar marginalizado por uma visão reducionista. Geralmente está fixada na mente das pessoas (quando se trata apenas do ambiente propriamente), a ideia equivocada de um lugar árido e, de certa forma, até inóspito.

Pinturas "O Caminho da Roça"
e "Caminho do Coité"

Tomando como partida esta visão estereotipada do imaginário de quem não conhece, decidi fazer esta arte mostrando como é uma estrada rural típica, mas ao invés de um local totalmente seco e sem vida, mostrei um cenário fértil de um período de transição da seca para o período das chuvas, em que a vegetação está em franca recuperação. Este tempo de transição da seca para o período das primeiras chuvas, é bem fácil perceber como a vegetação responde com rapidez e o cenário volta a ficar verde em questão de pouco tempo, mostrando que a vida ali está firme, resistente e é adaptada à estas mudanças. Já havia feito antes cenas deste tipo (ainda que em escala bem menor), mas com uma vegetação muito mais verdejante e densa, como é o caso das obras “Caminho da Roça” e “Caminho do Coité” (ainda não publicado por aqui).

Detalhe da pintura "O Caminho Rural"

Apesar de não ser retratando uma estrada específica, é claro que tive que fazer as minhas pesquisas antes, fui em alguns lugares e tirei algumas fotos e fui observando como cada elemento se comporta visualmente no cenário para que o resultado final tivesse sucesso. Fiz a estrada de terra de uma forma que o observador que conheça o município de Macaúbas possa de algum jeito reconhecer que se trata de um cenário familiar à primeira vista. O personagem do sertanejo montado em um burro percorrendo a estrada já não é tão comum de se ver hoje em dia (fez parte do pedido no momento da encomenda), mas ajudou a criar um elo do elemento humano que se comunica com o ambiente, tão resistente como a vegetação que o cerca. Acredito que este tipo de cenário também se torne menos comum daqui a pouco tempo, porque tenho percebido que o progresso vem vindo com cada vez mais pressa nesta região.

Referências Artísticas

"Futebol" (1936)
de Francisco Rebolo

A grande referência para esta pintura foi o próprio local, feito a partir da minha observação in loco e dos meus recursos artísticos, mas sempre há (aqui de uma forma mais indireta) o trabalho de outros artistas do passado e do presente que servem como fonte de alguma forma, como guia para o desenvolvimento do trabalho, logicamente descontados os estilos de pintura e traço de cada um. Um artista que me lembrei bastante quando fiz a minha obra e que eu acho muito importante mencionar aqui é o de Francisco Rebolo. É claro que há poucas semelhanças estilísticas dos meus trabalhos (ou deste) com a obra dele, além de uma imensa distancia no tempo, mas há elementos que remetem de alguma forma este trabalho ao trabalho dele. O também paulistano Francisco Rebolo Gonsales, filho de imigrantes espanhóis, foi inicialmente um pintor-decorador, foi também um ex-jogador de futebol (de 1917 a 1934) atuando por São Bento, Corinthians e Ypiranga e, após sua aposentadoria do futebol profissional, retomou a atividade de pintor de parede e de artista amador, frequentando cursos livres de desenho durante a noite. Em 1935, fundou junto a outros artistas o Grupo Santa Helena (formado por Rebolo, Mário Zanini, Fulvio Pennacchi, Bonadei, Volpi, Humberto Rosa, Clóvis Graciano, Manoel Martins e Alfredo Rullo Rizzotti), importante grupo artístico brasileiro. Segundo Mário de Andrade, os membros deste grupo eram os artistas proletários, afinal todos vinham de origem humilde, descendentes de imigrantes e quase todos exerciam outras profissões que mantinham no dia-a-dia.

"Paisagem do Morumbi" (1942)
de Francisco Rebolo

A parte que me fez remeter a relação do trabalho desta publicação com a obra de Rebolo é a predileção do artista por temas de ambientes suburbanos como chácaras nos arredores de São Paulo da época e do interior do Estado, paisagens variadas e pessoas simples, numa época em que a cidade de São Paulo ainda estava no princípio da sua modernização e alguns bairros mais afastados eram praticamente uma espécie de “zona rural” da cidade, como era o caso do bairro do Morumbi, apenas para citar um. Rebolo foi o artista santelenista que mais se dedicou a pintura de paisagens e, a titulo de curiosidade, vale lembrar que Rebolo enquanto jogador de futebol, desenhou o emblema do Corinthians (que foi tendo pequenas alterações ao longo dos anos, como a ondulação na bandeira de São Paulo no centro), clube pelo qual foi campeão em 1922.

A Obra

Apesar de ter sido um trabalho encomendado, de sempre ter a parte em que eu explico para a pessoa que provavelmente demoraria para ficar pronto e tudo mais, acabou levando muito mais tempo para ficar pronto do que eu tinha planejado… não me lembro ao certo quanto tempo levou, mas com certeza foi mais de 1 ano. Primeiro pelo tamanho da tela, depois pela composição da imagem que levou tempo até que eu chegasse numa conclusão de como seria e, finalmente, a parte do trabalho prático. Ao fim, deu tudo certo e o trabalho saiu da forma como eu tinha imaginado. O resultado saiu com cores vibrantes, que deixam bem evidente a sensação de calor do ambiente ao observador, mas ao mesmo tempo mostrar que há um clima agradável, com vida ao redor.

Alguns elementos chamam a atenção à primeira vista, como o personagem do sertanejo montado em seu burro bem centralizados na cena, ou da grande sombra da árvore à beira da estrada, mas houve partes que foram muito mais desafiadoras (e demoradas de se fazer), como foi com as folhas das árvores da esquerda da tela. Não poderia ser simplesmente um ou dois tons de verde, mas uma composição de cores que refletisse que também as árvores recebiam a poeira da estrada quando passam os carros ou pela ação do vento. A perspectiva das cercas da estrada também desempenha um papel importante para mostrar a grandeza do ambiente e, logicamente, criar a ilusão de profundidade no observador, que se torna ainda mais eficaz numa tela grande. Enfim, o resultado final foi muito gratificante, conseguiu atender exatamente o que eu tinha planejado e foi um grande êxito, no âmbito geral.

Imagens: Google e Arquivo Pessoal

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Referências bibliográficas:

AJZENBERG, Elza. “Francisco Rebolo” (Coleção Folha Grandes Pintores Brasileiros; v. 20); - São Paulo: Folha de S. Paulo: Instituto Itaú Cultural, 2013.

CENSO 2022: 87% DA POPULAÇÃO BRASILEIRA VIVE EM ÁREAS URBANAS. In: Agência de Notícias IBGE. Rio de Janeiro / RJ. 2024. Disponível em: <https://agenciadenoticias.ibge.gov.br/agencia-noticias/2012-agencia-de-noticias/noticias/41901-censo-2022-87-da-populacao-brasileira-vive-em-areas-urbanas - :~:text=Segundo%20o%20Censo%20Demogr%C3%A1fico%202022,%25)%20estavam%20em%20%C3%A1reas%20rurais.>. Acesso em 02 jan. 2025.

"O Caminho Rural" by Eduardo Cambuí Junior is licensed under CC BY-ND 4.0

- Distorção de Realidade -

2024-12-19T18:20:00.000-03:00

Acrílico sobre tela – 50 x 70 cm - 2024

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Terminada a minha participação no 5º Simpósio Internacional Virtual de Escultura e Pintura "Arte e Amor" 2024, o resultado foi esta pintura que intitulei "Distorção de Realidade", que trata dos problemas que o amplo uso de redes sociais vem causando, em diferentes níveis, na sociedade. Com o surgimento destes meios de comunicação, naturalmente houveram diversos benefícios, como a conexão global das pessoas e a dinamização da comunicação, mas trouxe também contratempos consideráveis como a difusão de desinformação e discursos de ódio. A impressão que fica, é que muitas pessoas estão tendo sérias dificuldades em enxergar o cenário real, como se estivessem vendo o mundo pelas lentes de um caleidoscópio, que foi o que busquei colocar nesta imagem.

O processo artístico

Trabalho em produção

No Simpósio Internacional Virtual de Escultura e Pintura, organizado pelo grupo ArtEnVivo, a proposta é criar uma obra inédita no decorrer de uma semana, em que cada artista fica incumbido de registrar diariamente em vídeo o processo artístico em andamento. Esta foi minha 4ª participação e, apesar de a cada ano o evento ter um título, o tema para as obras apresentadas são livres. Como uma das características do meu trabalho em arte é também buscar traduzir em imagem o que percebo que está acontecendo (seja a minha volta ou pelo mundo), isto faz com que eu fique bastante atento as notícias, assim como também no comportamento das pessoas. Nos últimos tempos, vem me preocupando (e me intrigando) o crescimento da extrema direita mundo afora e de discursos inflamados que não ficariam devendo em nada ao fascismo dos anos 1930, muitas vezes abertamente hostis à determinadas minorias. É possível que as pessoas tenham esquecido dos horrores que o fascismo realizou no período da segunda guerra mundial, a ponto de praticamente repetir o que falavam naquela época? Como chegamos até aqui?

Imagem gerada por Inteligência Artificial

Não é preciso muito raciocínio para ver que a desinformação espalhada via redes sociais e o crescimento de discursos de ódio propagadas pelos mesmos meios são um bom ponto de partida para responder à pergunta acima. Muitas informações são compartilhadas pelas pessoas sem que haja antes nenhuma pesquisa atenta para verificar se é um fato real através de meios confiáveis. Segundo atesta o site da versão brasileira das Nações Unidas, através da divulgação da campanha da organização para o combate a desinformação e discursos de ódio, hoje em dia é desafiador identificar o que é verdade e o que é mentira em redes sociais e até em certos sites e canais de notícia. Mentiras e ódio mobilizam mais as pessoas e as empresas donas destas redes sociais querem cada vez mais engajamento… soma-se a isto a falta de regulação das big techs e o fato de que muitas pessoas não sabem como filtrar as informações que recebem, acreditando em muita coisa que foi produzida no intuito de confundir, enganar e mobilizar a opinião pública.

Pizzaria Comet Ping Pong em 2016, palco
do que ficou conhecido como Pizzagate

Um fato que exemplifica muito bem isto é o caso que ficou conhecido como “Pizzagate” ocorrido em Washington D.C., nos Estados Unidos. Uma teoria da conspiração se tornou famosa nas redes (principalmente no Reddit) durante as eleições presidenciais de 2016, colocando em dúvida várias instituições que estariam atuando criminosamente juntas, como a polícia de Washington, membros do Partido Democrata e restaurantes dos Estados Unidos, os acusando de um suposto tráfico humano e abuso sexual de menores. Um destes restaurantes que estariam supostamente envolvidos era a pizzaria Comet Ping Pong, em que tais crimes estariam ocorrendo no porão de seu restaurante. Pois eis que surge Edgar Maddison Welch, um homem de 28 anos da Carolina do Norte, acreditando que se tratava realmente de uma história verídica, decidiu ir pessoalmente (e armado) até o Comet Ping Pong e disparou três tiros no interior do restaurante, exigindo que o levassem até o porão para libertar as crianças prisioneiras. Pois teve uma grande surpresa ao descobrir que não havia crianças, nem mesmo porão e acabou sendo preso. O caso Pizzagate geralmente é considerado um predecessor da teoria da conspiração QAnon, outra maluquice espalhada pelas redes sociais, de extrema direita, que pregam que há uma espécie de seita de esquerda formada por satanistas, pedófilos e canibais, para a dominação mundial.

A revolução tecnológica pelo qual passamos agora já vem despertando minha atenção há algum tempo, principalmente quando noto os desdobramentos nos comportamentos das pessoas. Tenho a percepção muito clara que em muitos aspectos as pessoas parecem cada vez menos inteligentes, pensando menos no sentido das coisas, tendo dificuldades para interpretar qualquer coisa e, além de tudo isso, cada vez mais ansiosas, o que aumenta ainda mais a minha preocupação do que virá adiante. Tudo isso, de alguma forma, está incluído no sentido desta obra.

Referências Artísticas

"Fred" de Lucian Freud

Desde o começo, quando a ideia surgiu na mente, a essência do trabalho era mais ou menos como ficou no final. Alguns elementos foram mudando enquanto eu ia produzindo e tinha ideias de como torná-la mais interessante. Ao mesmo tempo que eu buscava uma inspiração mais para o lado da Pop Art, uma vez que eu trataria de um assunto tão atual, sobre produtos de consumo, eu também buscava algo bastante expressivo… a saída foi mesclar as duas influências: Pop Art e Expressionismo. O resultado foi o surgimento de um personagem pintado em relevo, espatulado em pintura rápida, com muita textura e caminhos de tinta bem marcados, na linha do que seria um personagem de Lucian Freud.

"Sopa de Macarrão Campbell"
de Andy Warhol

Para o fundo, busquei reproduzir as maiores marcas de redes sociais do mundo de uma forma bem realista, cuidadosa e bastante colorido, como se fossem os rótulos reproduzidos nos trabalhos de Andy Warhol, assim como as lentes dos óculos, como se fossem o fundo de um caleidoscópio. Nestes tempos de redes sociais, influencers e fama instantânea de vídeos virais, a citação atribuída a Andy Warhol que dizia que “no futuro, todos serão mundialmente famosos por 15 minutos” parece ser mais atual do que nunca e, de certa forma, combina muito bem com o tema desta pintura. Pesquisei pelas 30 maiores redes sociais do mundo e fui reproduzindo seus logotipos, com exceção de duas que incluí por minha conta… a Truth Social, rede social criada por Donald Trump após ele ter sido banido do antigo Twitter, para ter um lugar onde ele diz livremente o que bem entende, mas que não figura entre as maiores do mundo e o Chat GPT, produto da OpenAI que oferece um programa de inteligência artificial que interage de forma natural e coerente.

A Obra

No princípio, quando defini o que faria, pensei em fazer o personagem da mesma forma em que faria o fundo, num tom mais realista. Para o fundo, eu tinha pensado em fazer elementos de interação presentes na maioria das redes sociais, como botões de curtida, de compartilhamento, etc., mas enquanto ia produzindo, fui tendo ideias melhores e as mudanças foram ocorrendo. A ideia de fazer o personagem num estilo mais expressionista, ajudaria a traduzir em imagem a necessidade do usuário destes meios se expressarem e também, a própria forma com menos definição do homem seria como se a figura fosse incerta, irreal, distorcida da realidade, num contraste claro com o fundo realista. Surgiu também durante o processo a ideia de fazer a armação dos óculos em relevo e que foi um capítulo à parte. Pensei em fazer de diversas formas, fiz testes com outros materiais, mas acabei utilizando mesmo a tinta acrílica aplicada através da própria bisnaga.

Ao escolher fazer os logotipos das redes sociais, entendi que desta forma a mensagem que eu pretendia passar seria mais direta e clara. Se fosse apenas pelas imagens dos botões de interação, a mensagem poderia ficar muito subjetiva. A escolha em fazer estes logotipos em espaços triangulares foi por considerar que ajudaria a tornar a composição mais atrativa. Quando estes triângulos são combinados em seis partes, formam também um hexágono, que indiretamente nos lembra de uma colmeia de abelhas, que acaba sendo bastante conveniente, simbolicamente, considerando que os espaços combinados são como um enxame, mas de plataformas digitais.

No fim, o resultado me agradou bastante e eu acredito que a obra consegue atrair a atenção dos olhos dos observadores e, com sorte, pode estimular as pessoas a refletirem por um breve momento sobre tudo o que envolve as redes sociais, desinformação, alienação, viés de confirmação e percepção da realidade.

Imagens: Google , Arquivo Pessoal e OpenIA

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Referências bibliográficas:

HONNEF, Klaus. “Andy Warhol”; - Lisboa: Taschen, 2005.

SMEE, Sebastian. “Lucian Freud”; [tradução: Isabel Falcão]. – Lisboa: Taschen, 2008.

#PROMETOPAUSAR: COMBATA A DESINFORMAÇÃO NAS REDES SOCIAIS. In: NAÇÕES UNIDAS NO BRASIL. Brasília. 2024. Disponível em: <https://brasil.un.org/pt-br/240171-prometopausar-combata-desinforma%C3%A7%C3%A3o-nas-redes-sociais>. Acesso em 18 dez. 2024.

MÍDIAS SOCIAIS E JORNALISMO: OS PERIGOS DA DESINFORMAÇÃO. In: UFJF Notícias. Juiz de Fora. 2023. Disponível em: < https://www2.ufjf.br/noticias/2023/06/30/midias-sociais-e-jornalismo-os-perigos-da-desinformacao/>. Acesso em 18 dez. 2024

PIZZAGATE. In: WIKIPÉDIA, a enciclopédia livre. Flórida: Wikimedia Foundation, 2024. Disponível em: <https://pt.wikipedia.org/w/index.php?title=Pizzagate&oldid=67390948>. Acesso em: 29 jan. 2024.

QANON. In: WIKIPÉDIA, a enciclopédia livre. Flórida: Wikimedia Foundation, 2024. Disponível em: <https://pt.wikipedia.org/w/index.php?title=QAnon&oldid=68045147>. Acesso em: 1 jun. 2024.

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"Distorção de Realidade" by Eduardo Cambuí Junior is licensed under CC BY-ND 4.0

5º Simpósio Internacional Virtual de Escultura e Pintura 2024 "Arte y Amor"

2024-12-08T15:13:00.001-03:00

Começou o 5º Simpósio Internacional Virtual de Escultura e Pintura "Arte e Amor" 2024, organizada pelo grupo ArtEnVivo Internacional, sediados em Buenos Aires, Argentina. O evento vai de 07 a 14 de dezembro de 2024 e reúne artistas de 6 países (México, Uruguai, Cuba, Colômbia, Argentina e Brasil).

O Simpósio é um evento virtual que, durante 7 dias, cada artista participante criará uma obra original em escultura ou pintura, em que cada dia vai registrar em vídeo o desenvolvimento do trabalho e postar estes vídeos diários na página do grupo no Facebook, apresentando no último dia o trabalho concluído. Desta forma, podemos conhecer um pouco mais do processo artístico de cada um, além do evento criar este intercâmbio cultural entre os artistas de diferentes nacionalidades. O Simpósio ocorre desde 2020.

Nesta edição, vou produzir a obra "Distorção da Realidade" que trata do quanto as redes sociais potencializam o viés de confirmação, alimentando uma visão estreita de mundo em muitas pessoas atualmente, que demonstram ter dificuldades de perceber o que realmente está acontecendo ao redor. Com isso, vem crescendo diversos tipos de negacionismos, comportamentos extremistas e perigosos.

- Plano Humanitário em Gaza -

2024-11-18T00:01:00.001-03:00

Acrílico sobre papel – 30 x 42 cm - 2024

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Na constante ameaça que o mundo vive de uma guerra mundial, mais um capítulo preocupante foi adicionado, que é a guerra Israel x Hamas, iniciada em 7 de outubro de 2023 com a ação do grupo fundamentalista islâmico palestino Hamas em Israel. Combatentes do Hamas atacaram postos militares, colônias agrícolas e um festival de música, deixando 1,2 mil mortos (em sua maioria, civis) e fazendo por volta de 240 reféns na época. A resposta de Israel foi uma ofensiva pesada e absurdamente desproporcional que causou, segundo estimativas do Escritório das Nações Unidas para a Coordenação de Assuntos Humanitários (OCHA), o deslocamento de mais de 330 mil pessoas. A arte de hoje é sobre a atuação do governo de Israel na Cisjordânia, que em resposta ao ataque terrorista sofrido, vem causando também o terror, passando por cima de acordos internacionais, cometendo crimes de guerra, atacando hospitais e vitimando sobretudo mulheres e crianças, dando sempre a desculpa de que buscam integrantes do Hamas.

O processo artístico

Destruição por bombardeios israelenses em Jabalia
Imagem: Anas al-Shareef -- 11.out.23/Reuters

Neste complicado cenário global, a paz mundial parece estar a cada dia mais ameaçada e a sombra de uma guerra mundial perigosamente vai tomando forma, ano após ano. Israel sofreu um duro ataque terrorista promovido pelo grupo Hamas em outubro de 2023 e uma resposta a este ataque era esperada pela comunidade internacional, mas há muito tempo que esta resposta ultrapassou os limites éticos e o governo de Israel não dá quaisquer sinais de que pretende interromper suas ofensivas, estendendo a resposta para a vizinhança.

Assim como aconteceu quando fiz a arte “Panela de Pressão” sobre a guerra na Ucrânia, também me senti na obrigação de tratar sobre este triste capítulo de nossa realidade. O título que dei para esta arte carrega uma clara ironia, baseada em discursos do governo de Israel desde que teve início o conflito, onde a retórica parecia estar descolada da realidade, com várias contradições entre o que era dito e o que era feito. Como já disse em outras oportunidades, retratar estes eventos contemporâneos é uma forma de registro de uma época através da arte e sempre será importante. Até o momento, não há qualquer sinal de que este conflito chegará ao fim, uma vez que Israel vem estendendo suas ações ao Líbano e Irã.

Referências Artísticas

É claro que para tratar minimamente sobre estes assuntos, é preciso estar muito informado sobre eles e acompanhar o desenrolar dos fatos. Quando surge a ideia de uma arte assim, muitas vezes essa ideia vem e eu vou refletindo sobre ela, que vai ganhando forma e corpo. Em algumas delas, leva algum tempo até finalmente ganhar forma ou, em casos mais raros, a ideia inicial já chega como a definitiva. No caso desta arte, a ideia veio praticamente pronta observando o massacre promovido pelo exército israelense, sobretudo após a divulgação das imagens do ataque ocorrido em 29 de fevereiro de 2024 contra um comboio de ajuda humanitária durante a distribuição de comida, que matou mais de 100 pessoas e deixaram outras centenas de feridos. A imagens feitas por drones, mostram as pessoas em solo como se fossem formigas sendo aniquiladas, sem nenhuma piedade, e tiveram grande repercussão. A realidade, nua e crua, acabou sendo a maior referência para retratar este massacre.

A Obra

Este trabalho tinha como meta principal deixar bem evidente o massacre em curso e a diferença desproporcional de forças em ação e acredito que alcançou este objetivo. O trabalho de pesquisa das referências dos elementos da cena foi bastante amplo, como os retratar os coturnos usados pelo exército israelita, o cenário local, como se comporta uma multidão agrupada e a variação da coloração de roupas usadas, a dramaticidade do gestual das pessoas, entre tantas outras pequenas coisinhas que compõe toda a cena. Por conta desta pesquisa, tomei conhecimento que atualmente a variação de cores das roupas tem sido menor do que antes devido a padronização mercadológica, levando em conta que produzir e vender em escala se torna mais difícil com variação grande de cores.

No final, acredito que esta imagem conseguiu transmitir sua mensagem, esperando sinceramente que não seja mais necessário criar outras obras do tipo no futuro, na esperança que as nações aprendam a coexistir pacífica e diplomaticamente daqui pra frente, porque, afinal, só há um planeta para chamarmos de lar.

Imagens: Google

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Referências bibliográficas:

ATAQUE DO HAMAS A ISRAEL EM 2023. In: WIKIPÉDIA, a enciclopédia livre. Flórida: Wikimedia Foundation, 2024. Disponível em: <https://pt.wikipedia.org/w/index.php?title=Ataque_do_Hamas_a_Israel_em_2023&oldid=67871794>. Acesso em: 30 abr. 2024.

COUNTING THE DEAD IN GAZA: DIFFICULT BUT ESSENTIAL. In: The Lancet.com. 2024. Disponível em: <https://www.thelancet.com/journals/lancet/article/PIIS0140-6736(24)01169-3/fulltext>. Acesso em 29 julho 2024.

GUERRA DE ISRAEL: MAIS DE 330 MIL PESSOAS FORAM DESLOCADAS EM GAZA DEVIDO BOMBARDEIOS, DIZ ONU. In: CNN Brasil. 2024. Disponível em: <https://www.cnnbrasil.com.br/internacional/guerra-de-israel-mais-de-330-mil-pessoas-foram-deslocadas-em-gaza-devido-bombardeios-diz-onu/> . Acesso em 17/11/2024

HAMAS ACUSA ISRAEL DE MATAR CENTENAS EM FILA; BIDEN VÊ TRÉGUA EM RISCO. In: Metrópoles. 2024. Disponível em: <https://www.metropoles.com/mundo/hamas-acusa-israel-de-matar-centenas-em-fila-biden-ve-tregua-em-risco>. Acesso em 17/11/2024

HAMAS DIZ QUE ATAQUE DE 7 DE OUTUBRO ERA NECESSÁRIO CONTRA ISRAEL, MAS AFIRMA QUE 'CAOS' LEVOU A 'FALHAS'. In: Globo.com com agências internacionais. Cidade de Gaza, 2024. Disponível em: <https://oglobo.globo.com/mundo/noticia/2024/01/21/hamas-diz-que-ataque-de-7-de-outubro-era-necessario-contra-israel-mas-admite-que-caos-levou-a-falhas.ghtml> . Acesso em 29 julho 2024.

ISRAEL PROPÕE “BOLSÕES HUMANITÁRIOS” GOVERNADOS POR PALESTINOS EM GAZA. In: CNN Brasil. 2024. Disponível em: <https://www.cnnbrasil.com.br/internacional/israel-propoe-bolsoes-humanitarios-governados-por-palestinos-em-gaza/> . Acesso em 17/11/2024

"Plano Humanitário em Gaza" by Eduardo Cambuí Junior is licensed under CC BY-ND 4.0

- Panela de Pressão -

2024-07-29T00:37:00.002-03:00

Acrílico sobre papel – 30 x 42 cm - 2022

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No início de 2022, a Rússia invadia a Ucrânia e ali começava um conflito que, até hoje, ainda não dá sinais de que está chegando ao fim. Esta arte é a minha interpretação visual e artística de um momento turbulento da contemporaneidade que ainda ocorre, utilizando um objeto comum do dia a dia para criar uma analogia com uma situação de tensão mundial que, num mundo globalizado, afeta a todos em menor ou em maior proporção.

O processo artístico

Guerra na Ucrânia
ALEKSEY FILIPPOV - AFP - Getty Images

No fim de fevereiro de 2022, tivemos notícias das ações de invasão da Ucrânia pelos soldados russos que buscavam anexar partes do seu território, numa iniciativa que há muito tempo não testemunhávamos, da forma como foi. Um ponto interessante no início deste conflito foi observar o empenho dos envolvidos e de aliados em fomentar a guerra, com apoio armamentista e logístico, mas, no entanto, os esforços para buscar a paz foram muito menores. Considerando que a Rússia é o país que mais possui ogivas nucleares no mundo, este conflito ganha ares ainda mais dramáticos, dependendo das respostas que forem dadas.

"O Tabuleiro Internacional"
de Eduardo Cambuí Junior

Através da arte, assim como fizeram e fazem muitos outros artistas, a obra é também uma forma de tratar (neste caso, visualmente) sobre temas da contemporaneidade, seja sob um aspecto mais intimista, de caráter pessoal, ou de forma mais ampla, abordando cenários maiores. E ver um cenário de guerra se desenvolvendo (e hoje não é o único ponto de tensão global) é uma coisa que não há como desprezar… muitas ideias estavam vindo e eu fui produzindo o quanto podia, sempre tendo em mente criar analogias da tensão de guerra com cenas universais e neste período saíram pelo menos 3 obras. Nesta arte específica, fiz uma analogia com uma panela de pressão que está prestes a explodir, simbolizando toda a tensão envolvida no conflito.

Fachada de hospital pediátrico em Kiev após
bombardeio russo, em 8 de julho de 2024
Foto Gleb Garanich - Reuters

Para este trabalho houve uma pesquisa maior, até para buscar saber o quanto a panela de pressão é um objeto universal do cotidiano e qual modelo é o mais utilizado, para que o entendimento desta imagem seja mais fácil na analogia com a tensão do conflito. Cogitei até a possibilidade de colocar no cabo da panela uma bandeira pequena da Ucrânia para deixar mais fácil a compreensão, mas depois considerei que não seria tão necessário, até para que pudesse deixar a interpretação mais livre para cada um, sem nada que guiasse o observador tão diretamente para um ponto. Coincidentemente, quando o conflito teve início eu também estava atravessando um período delicado pessoal, de ruptura de um relacionamento e o simbolismo destas imagens acabou ganhando mais significados íntimos e mais expressividade, para além do tema da guerra.

Referências Artísticas

Claudio Bravo - "Volta do Supermercado"

Normalmente, sempre que entro na parte das referências para um trabalho, é comum falar do estilo de algum grande mestre da pintura do passado ou de outras influências. No caso desta obra, as referências são mais atuais. O ponto de partida aqui é o movimento artístico do fotorrealismo, uma linha artística surgida do fim dos anos 1960, que mais tarde teve como ramificação o hiper-realismo. Em ambas, a fotografia é a base central da obra, como um modelo de referência essencial para a produção. Porém, no hiper-realismo, que abrange também a escultura, o detalhamento é ainda maior, com obras que apostam por vezes em grandes dimensões.

Glennray Tutor - "Luz das Estrelas"

Neste trabalho, ainda que não tenham sido uma fonte direta de inspiração para a produção do trabalho, destaco dois artistas que tem trabalhos que de certa forma fazem uma interconexão com a forma como eu cheguei a esta imagem, que são o estadunidense Glennray Tutor e o chileno Claudio Bravo, ainda que Bravo esteja mais ligado ao hiper-realismo. Em alguns trabalhos que conheço de Tutor, objetos do cotidiano são tratados como protagonistas em suas obras, parte onde se estreita com a produção da obra desta publicação e, de certa forma, é também um pouco mais próxima da minha linha de trabalho (guardadas as proporções). Já o trabalho de Claudio Bravo é um tanto mais diversificado, com muitos retratos também, mas quando ele coloca os objetos como personagem central da obra, o efeito é igualmente incrível.

A Obra

O resultado final deste trabalho é um dos casos em que a pintura se torna exatamente da forma como eu tinha idealizado no início e nem sempre isso acontece. No meu entendimento, quando o processo de pesquisa das referências utilizadas é bem feito, com qualidade e variação, as chances de chegar num bom resultado são bem maiores, assim como também entender os pormenores do tema, tanto subjetiva (o tema em foco, contextos e o que ele busca traduzir) como objetivamente (os elementos, suas formas, como se comportam, etc.).

Como já citei em várias oportunidades por aqui, no processo de produção, eu vou buscando diferentes referências imagéticas para cada um dos elementos que vão compor a cena, a partir da ideia que formo na mente e vou criando uma espécie de colagem, mas sem ter realmente uma colagem no sentido estrito da palavra... vou reproduzindo, alterando, criando a partir de um ponto. O surgimento da imagem pode ter diversos gatilhos: a forma como é veiculada uma notícia, figuras de linguagem (como é o caso aqui), interconexões com a cultura pop ou mesmo apenas uma imagem que surge na mente sem muita explicação. Acaba sendo uma perseguição para criar algo que corresponda com a imagem que se forma na minha mente e quanto mais se aproxima do que eu imaginei no início, significa que o trabalho foi bem sucedido. É claro que algumas vezes a ideia sofre alterações no decorrer da produção, retirando ou acrescentando elementos e significados. No meu entender, a obra foi bem sucedida justamente por criar essa interconexão entre a instabilidade de uma panela de pressão prestes a explodir e o combate armado entre dois países por um território que ameaça envolver mais atores e transformar o conflito em uma guerra mundial.

Mas é claro que, por mais que eu busque fazer um trabalho tendo em vista um objetivo e liberando pistas para um determinado entendimento, a leitura da imagem é ampla e livre e cada um vai achar uma forma peculiar de entender a mesma imagem e não adianta muito direcionar a interpretação do observador. É até mais interessante saber o quão diferente pode ser a interpretação de uma obra se ela não deixar tudo tão explicado, levando essa leitura para dezenas de outros contextos, que podem ser pessoais, políticos, sociais, emocionais… enfim, a obra tem sua vida própria.

Imagens: Arquivo pessoal e Google

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Referências bibliográficas:

STREMMEL, Kerstin. “Realismo”; [tradução: João Bernardo Boléo]. – Lisboa: Taschen, 2005.

FOTORREALISMO. In: WIKIPÉDIA, a enciclopédia livre. Flórida: Wikimedia Foundation, 2023. Disponível em: <https://pt.wikipedia.org/w/index.php?title=Fotorrealismo&oldid=66800187>. Acesso em: 18 out. 2023.

HIPER-REALISMO. In: WIKIPÉDIA, a enciclopédia livre. Flórida: Wikimedia Foundation, 2023. Disponível em: <https://pt.wikipedia.org/w/index.php?title=Hiper-realismo&oldid=66800190>. Acesso em: 18 out. 2023.

"Panela de Pressão" by Eduardo Cambuí Junior is licensed under CC BY-ND 4.0

Primeiro Salão de Escultura e Pintura

2024-05-18T16:24:00.004-03:00

Ontem à noite (17/05), aconteceu a inauguração do 1º Salão de Escultura e Pintura em Buenos Aires, na Argentina, promovida pelo Grupo Artenvivo Internacional, contando com a participação, entre artistas participantes e convidados, de nomes da Argentina, Cuba, México, Chile, Colômbia, Espanha, Itália, Alemanha e eu, participando e representando o Brasil.

Esta exposição é uma evolução das edições do Simpósio Internacional Virtual de Escultura e Pintura para uma versão presencial em solo argentino, dando continuidade na importante missão de intercâmbio cultural entre as diferentes vertentes artísticas entre as obras dos artistas e público. Das 4 edições virtuais que ocorreram do Simpósio, já participei de 3 edições.

A exposição acontece de 17 à 30 de maio de 2024, localizado na Av. Cabildo, 3067 - 2º piso, em Buenos Aires, Argentina.

- Mar de Palavras -

2024-03-04T13:29:00.000-03:00

Acrílico sobre tela - 50 x 70 cm - 2023

Clique na imagem para ampliá-la

Esta arte foi o resultado da minha participação durante o 4o Simpósio Internacional Virtual de Escultura e Pintura 2023 "Diversidarte", que contou com a participação de artistas da Argentina, Peru, Chile, El Salvador, Cuba, México, Espanha e Brasil. A ideia da arte foi tratar imageticamente (e simbolicamente) sobre o quanto nós, enquanto indivíduos, parecemos estar à deriva num mar de palavras (discursos, ideologias, crenças, etc.) que permeiam o nosso cotidiano através de muitos meios.

O processo artístico

Esta foi minha terceira participação no Simpósio promovido pelo pessoal do grupo ArtEnVivo e, como nas demais edições, a ideia é produzir uma arte inédita em uma semana e registrar suas etapas em vídeo e publicá-las na página do grupo. Os temas costumam ser livres e eu sempre busco algo que não se resuma apenas a uma imagem aleatória, mas que tenham algum sentido ou mensagem para quem veja, principalmente se tiver alguma relação com o nosso cotidiano. Nesta edição eu busquei experimentar um pouco mais com a utilização de outros materiais e isto acaba sendo um desafio à parte porque saímos de uma certa zona de segurança. E sempre ficamos em dúvida se o resultado final vai ser da maneira como esperamos que seja.

Como o título da obra sugere, é um mar de palavras que precisaria necessariamente ser composto por elementos que tivessem alguma ligação com este título e escolhi que seriam diversas letras soltas. E é aqui que surgiu a ideia de utilizar algo além de tintas e pincéis. Como pintar letras e frases não é algo que eu goste de fazer, tive a ideia de carimbar estas letras, até para ganhar tempo na produção... apesar de 7 dias parecer um tempo longo para a produção de uma pintura, pela complexidade do tema que me propus a fazer eu corria o risco de não ter tempo suficiente, principalmente se eu fizesse letra por letra manualmente (ou se escolhesse fazer frases aleatórias, o que não funcionaria, quebrando o caráter universal que eu queria dar para a obra, por conta da língua).

E carimbar estas letras acabou sendo bem mais desafiador do que eu tinha em mente. Arrumei dois tamanhos de carimbos de letras e as distribuí pela tela de forma aleatória, em 2 cores com as letras maiores e com 3 cores diferentes para as letras menores, buscando preencher ao máximo toda a área do mar, que foi pintado como base, anteriormente. Este processo repetitivo se torna um tanto cansativo, principalmente considerando que seria preciso gravar uma parte do processo, editar como um vídeo curto e publicá-lo.

A etapa final veio sobrepondo várias camadas de tinta no mar, entre cores mais escuras e mais claras, dando mais profundidade e buscando um aspecto mais próximo do real. A inserção do personagem foi a última etapa, dando mais sentido e dramaticidade à cena. A intenção era mostrar um personagem que nada com afinco, sem direção, como uma tarefa árdua e exaustiva, fazendo um paralelo simbólico com o que nos deparamos no cotidiano, com tantas narrativas vigentes, versões enviesadas da realidade, crenças, ideologias, entre tantas outras que podemos observar em conversas, notícias, mídias sociais, etc. Apenas para citar um exemplo como forma de demonstrar como isso ocorre hoje em dia, a ascensão da extrema direita em diversas partes do mundo, faz com que a luta pelo domínio da tão falada narrativa se mostre cada vez mais disputada e divulgada, não importando muito se trata de fatos ou não. E este é apenas um espectro.

Referências Artísticas

Picasso - "Natureza-morta com
cadeira empalhada"

Desde o princípio, quando tive a ideia da pintura e de buscar uma forma alternativa de fazer as letras, eu tive em mente uma característica do cubismo, que era a colagem e a utilização de materiais diversos que espalhou para outros movimentos mais tarde. Artistas como Picasso, Braque, Juan Gris e Max Ernst (entre tantos outros) recorreram por um tempo ao processo de incorporar a colagem de diversos materiais junto à pintura, que foi nomeado de “papiers collés”. Principalmente Braque e Picasso, que consideravam que seu estúdio deveria ser um lugar inteiramente dedicado às experiências e nesta forma de inventar um novo tipo de pintura, foram incorporando materiais da vida cotidiana como tecidos, recortes de jornal, tiras de papel de parede, gaze, pedaços de assento de palha, papelão, lâminas de barbear, entre outros tantos materiais.

Alexander Archipenko - "Mulher
com chapéu"

Em 1912, a relação de troca de ideias entre Picasso e Braque eram bem intensas. Picasso considerava Braque como um igual. Inclusive a ideia inicial da introdução destes materiais estranhos à prática artística veio de Braque e, para Picasso, estas inovações eram um pretexto perfeito para alargar o sistema da iconologia cubista. Ainda em maio de 1912 Picasso produz a obra “Natureza-morta com cadeira empalhada”, feita com um pedaço de tela encerada colada sobre uma tela em que o artista pintou com tinta a óleo e rodeou a borda da obra com corda, como se fosse uma espécie de moldura, deixando ainda mais evidente a utilização de materiais normalmente alheios à produção artística tradicional.

Max Ernst - "Os Cormorões"

Muitos artistas beberam desta fonte, como também foi com o ucraniano Alexander Archipenko, que utilizava a técnica do papier collé para criar uma interpenetração entre pintura e escultura, fazendo a diferenciação dos materiais através das cores, como em sua obra “Mulher com chapéu”, em que utiliza a tinta à óleo em papel marchê e gaze sobre madeira. A técnica também se fez presente na obra de Max Ernst, que estava mais estreitamente ligado aos dadaístas e surrealistas do que aos cubistas, mas que utilizou com frequência a mesma técnica, como na obra “Os Cormorões”. Na obra de Ernst, foi feita uma colagem de fotografias e tinta nanquim sobre papel, num tamanho relativamente pequeno (15,5 x 13 cm).

A Obra

É claro que para a produção de “Mar de Palavras” eu não buscava inserir materiais tão diversos usados no papier collé como fizeram os cubistas, mas apenas navegar superficialmente utilizando coisas que normalmente não faço uso. No final, a arte se mostrou como uma série de camadas sobre camadas, até chegar no ponto em que eu pretendia, onde o crucial era deixar a mensagem bem clara, ainda que simbolicamente. Acho que em todas as edições do Simpósio Internacional Virtual de Escultura e Pintura que participei, com exceção da terceira edição, a conclusão da obra sempre foi em cima do prazo, mas felizmente sempre acabou saindo tudo como planejado.

Sobre a mensagem da obra, a torre de Babel que vivemos hoje parece impor dificuldades maiores do que apenas línguas diferentes, mas interpretações de realidades tão diversas e convenientes à confirmações de discursos pasteurizados que é difícil reconhecer onde está realmente a realidade, ainda mais se considerarmos que a inteligência artificial está cada dia mais presente e que muito mais cedo do que imaginamos, até os nossos próprios sentidos vão ser questionados por nós mesmos. Logicamente não sei como será o futuro e nem se ainda fazer arte da mesma forma como tantos outros antes de mim ainda vai fazer alguma diferença para alguém, mas seguimos em frente, porque, como costumo dizer, eu faço arte para desocupar o lugar onde estão armazenadas dentro de mim e não para atender expectativas.

Imagens utilizadas: Arquivo pessoal e Google Imagens

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Referências bibliográficas:

APOLLINAIRE, Guillaume, 1880-1918. “Cubismo” / Guillaume Apollinaire, Dorothea Eimert, Anatoli Podoksik; [tradução: Gil Reyes]. – São Paulo : Folha de S. Paulo, 2017.

GIMFERRER, Pere. “Max Ernst”; [tradução: Francisco Castro de Azevedo]. – Rio de Janeiro: Ao Livro Técnico S/A, 1983.

WARNCKE, Carsten-Peter. “Picasso”; [tradução: Fernando Tomaz]. – Lisboa: Taschen, 2006.

"Mar de Palavras" by Eduardo Cambuí Junior is licensed under Attribution-NoDerivatives 4.0 International

4º Simpósio Internacional Virtual de Escultura e Pintura 2023 "Diversidarte"

2023-11-29T15:55:00.003-03:00

Teve início no último sábado (25 de novembro) o 4º Simpósio Internacional Virtual de Escultura e Pintura 2023 "Diversidarte", organizada pelo grupo Art en Vivo Internacional, de Buenos Aires, Argentina. O evento, que acontece do dia 25/11 ao dia 02/12, reúne nesta edição artistas de 8 países (Argentina, Brasil, Peru, Chile, El Salvador, Cuba, México e Espanha).

O Simpósio é um evento virtual onde, durante o período de uma semana, cada artista se propõe a fazer uma obra original (escultura ou pintura), registrando o desenvolvimento da obra dia-a-dia e apresentando o trabalho pronto ao final, via grupo no Facebook.

O intercâmbio cultural e o contato entre os artistas de diferentes nacionalidades, sobretudo conhecendo o processo artístico de cada um, são pontos valiosos deste evento que desde 2020 vem criando uma tradição artística intercontinental, considerando que há participantes de fora da América Latina, como ocorre nesta e em outras edições.

Neste 4º Simpósio (já é minha terceira participação), entrei com a produção da obra "Mar de Palavras", simbolizando por meio da pintura a forma como estamos sempre imersos num meio de retóricas, crenças, ideologias e argumentos no nosso cotidiano, independente do lugar onde focamos.

3º Simpósio Internacional Virtual de Escultura e Pintura 2022 "Arte por la Paz"

2022-11-13T15:54:00.002-03:00

Terminou ontem o 3º Simpósio Internacional Virtual de Escultura e Pintura 2022 "Arte por la Paz", organizada pelo grupo Art en Vivo Internacional, de Buenos Aires, Argentina. O evento foi do dia 05 à 12 de novembro e contou com a participação de 23 artistas de 5 países, entre Argentina, México, Cuba, Chile e eu pelo Brasil. Eu já tinha participado da 2ª edição e não poderia ficar de fora desta.

"O Renascimento da Fênix", obra realizada durante o evento

Neste evento registrei em vídeo o desenvolvimento da pintura "O Renascimento da Fênix", onde a ave mitológica de fogo que renasce das próprias cinzas surge no meio de um vale, como se fosse um fenômeno da natureza, uma combustão espontânea.

O Simpósio é um evento onde, durante uma semana, cada artista se propõe a fazer uma obra (escultura ou pintura), documentando seu desenvolvimento e apresentando o trabalho pronto ao final. É um trabalho valioso considerando que cada um dos artistas terá contato com o processo artístico de cada um, o que estimula o enriquecimento do próprio processo, tanto dos participantes quanto de quem vê cada um dos vídeos que são publicados no grupo de Facebook dos organizadores, como em outras redes sociais.

Exposição Coletiva Presencial EURART

2022-11-10T19:05:00.002-03:00

Começou ontem a Exposição Coletiva Presencial EURART em Leiria, Portugal na Galeria Galleryspt da qual tenho a honra de participar. A exposição acontece de 09 à 19/11, com funcionamento de segunda à domingo, das 10h às 18h e a visitação é gratuita, via agendamento prévio por e-mail (curadoriaexpo@outlook.com).

Nesta exposição estou participando com a obra "Um Jantar Comovido" que em breve estará publicada por aqui também. Para esta exposição foram selecionados pela curadoria 26 artistas brasileiros para mostrar seu trabalho na Galeria.

Imagens da Exposição Eurart na Galeria Galleryspt em Leiria / Portugal

A EURART tem como objetivo mostrar artistas com qualidade e diversidade cultural, atingindo diferentes públicos, seja de forma presencial e/ou virtual. O fundamento principal deles é a disseminação da arte e dos artistas brasileiros em todo o mundo, com exposições em galerias, museus e etc. É possível ainda acompanhar a exposição através do Instagram pelo perfil da Eurart e de sua parceira Artttz.

A exposição acontece no endereço:

Rua Ponto da Boavista, 1, Loja 2, Marinha Grande, Leiria, Portugal

- O Crítico de Arte -

2022-11-05T21:43:00.003-03:00

Acrílico sobre tela - 100 x 120 cm - 2022

Clique na imagem para ampliá-la

Algumas vezes, o contexto da produção de uma obra de arte é um capítulo à parte, seja pelo conteúdo que tem muito a dizer ou por tudo o que acontece durante a sua produção. A pintura de hoje é um destes casos singulares, tanto no que diz respeito ao que o tema trata e tenta destacar como em toda a história de bastidores até que estivesse pronta (o que vou abordar mais abaixo). Basicamente, a obra tenta retratar a dificuldade que muitas pessoas têm de compreender uma obra de arte moderna e/ou contemporânea e todo o preconceito e estereótipos que as pessoas acabam alimentando com obras, temas e artistas, fruto maior da desatenção que é dada ao ensino de arte nas escolas do Brasil.

O processo artístico

"O Crítico de Arte" (detalhe)

Provavelmente esta é a tela que eu levei mais tempo para terminar, nem tanto pela dificuldade na produção dos detalhes, mas por uma série de coisas que aconteceram no decorrer desta pintura que eu nem sequer imaginava. A ideia desta tela é bem antiga e eu iniciei os primeiros rascunhos da pintura no final de 2012, ou seja, muita gente entrou e saiu da minha vida do início ao fim desta pintura. O foco principal da tela é na obra “A Fonte” de Marcel Duchamp, considerado como a primeira instalação da história da arte e praticamente que abriu as portas para a arte conceitual. Mas a ideia não era focar exclusivamente nesta obra, até para não dar margem para que pudessem entender como uma crítica direcionada à obra de Duchamp, então busquei inserir outras obras de artistas como Mark Rothko, Jackson Pollock, Piet Mondrian e Alberto Giacometti, compondo o cenário de uma exposição.

"O Crítico de Arte" (detalhe)

O início desta pintura não teve grandes novidades, iniciando como de costume pela pesquisa das referências de cada um dos elementos da obra, como o posicionamento das pessoas, o ambiente da exposição, as obras que figurariam na imagem da mostra, o efeito das sombras no piso, coisas assim. A parte um pouco mais trabalhosa neste início foi tentar reproduzir uma obra de Pollock, já que é praticamente impossível criar uma cópia, mas busquei alguma semelhança na forma como pintar, na disposição do gotejamento da tinta, nas formas mais amplas, etc. Tudo foi indo num processo normal, até que em 2013 nasceu meu filho e com isto, fui obrigado a fazer uma pausa. Passado algum tempo, retomei a pintura, fui completando outras partes até que em 2014, outra eventualidade me obrigou a parar novamente: no trajeto até o trabalho da minha esposa, ela sofreu um acidente de carro e faleceu, assunto que tratei por aqui na época. Por motivos óbvios, foi um período bem difícil e esta pintura ficou parada um bom tempo. Quando decidi retomar a pintura, percebi um erro no posicionamento do personagem principal que já estava pronto (uma perna estava mais curta e numa posição irreal) e que era preciso corrigir, então isto também acabou interrompendo o processo. Em situações assim, durante uma produção artística, em que ocorrem tantos intervalos grandes como os que aconteceram aqui, a motivação acaba não sendo a mesma e o processo se torna cada vez mais arrastado.

Protesto na frente do Santander Cultural,
em 2017.

Com tantos intervalos grandes durante o processo artístico, muitas coisas foram acontecendo e que me serviram para refletir melhor e dar mais embasamento ao que tratava a pintura, sobretudo os fatos ocorridos em 2017, às vésperas da eleição de Jair Bolsonaro à presidência do Brasil. Naquele período, a extrema direita com o seu discurso moralista vinha crescendo e arrebanhou muitos adeptos, que logo voltaram suas atenções para o meio artístico. Os casos mais famosos daquele período foram os ocorridos na exposição “Queermuseu” do Santander Cultural, a exposição “Cadafalso” da artista Alessandra Cunha e a performance “La Bête” no MAM-SP do artista Wagner Schwartz, que geraram grande repercussão, censuras, protestos, criminalizações e até agressões. Exemplos mais que didáticos para o que eu estava tratando nesta pintura… a ignorância das pessoas que avaliavam de forma rasa e tendenciosa o tema das obras e os meios utilizados, sem sequer buscar conhecer os conceitos e contextos das obras em questão.

Protesto na frente do MAM/SP em 2017.

Claro que houve uma apropriação política de grupos interessados sob o pretexto da defesa da moralidade e de pautas conservadoras. Estes levaram as discussões para a internet, sem explicar muito o contexto, potencializando as reações de um público que não teve uma formação adequada em arte. Nas polêmicas que se desenrolaram, ficou claro o que o senso comum acreditava ser a “boa arte”, com estereótipos bem enraizados de como a arte deve, idealmente, abordar o seu conteúdo, de preferência meramente contemplativa, naturalista ou reproduzindo ideais de beleza, excluindo qualquer abordagem conceitual ou que fuja destas ideias pré-concebidas. No final das contas, todo o atraso que ocorreu nesta produção foi essencial para que estes todos acontecimentos mostrassem claramente que o que é abordado nesta arte é bem coerente, assim como grupos que se apropriam de pautas moralistas usam esse preconceito baseado em desconhecimento e estereótipos para manipular opiniões.

Referências Artísticas

"A Chapelaria" de Auguste Macke

Naturalmente, quem vê esta obra imagina que as referências imediatas para ela sejam os trabalhos de Duchamp, Pollock, Mondrian, Rothko e Giacometti, que eu realmente busquei me aprofundar um pouco mais. Em algumas delas, não segui exatamente como deveriam ser no que se refere ao tamanho proporcional, como no caso da obra de Pollock, que deveria ser maior do que eu fiz nesta pintura. Mas quando eu faço o recorte de “referências artísticas” aqui, me refiro ao trabalho de artistas que imediatamente acabam servindo como norte no momento que estou produzindo o trabalho e, neste caso, foram dos artistas Norman Rockwell e Edward Hooper, que sempre foram grandes influências no meu trabalho, mas também de August Macke. A ideia de retratar uma cena da pintura como se fosse uma foto, um flagrante de uma cena corriqueira, é algo que está muito presente nos trabalhos de Rockwell e Hooper e que norteiam um pouco o que eu busco no meu próprio trabalho também. A ideia é que a pintura atue como se fosse o ponto de vista de alguém que estivesse ali presente.

"Passeio" de August Macke

Quanto ao trabalho de August Macke, artista alemão do início do séc XX e que aos 27 anos morreu em combate na 1ª Guerra Mundial, veio mais na forma da expressão no rosto dos personagens. Na obra de Macke as pessoas são como meros elementos de um todo e muitos personagens não possuem fisionomia, como se estivessem inacabados, principalmente na sua fase mais madura de produção. Esta característica específica me passou uma ideia de como ressignificar as expressões, usando esta forma de pintar para transmitir pelas faces indefinidas dos personagens o quanto não conhecemos as pessoas, como são, o que pensam e o que sentem. A partir de então, comecei a explorar mais esta forma de produzir.

A Obra

"A Fonte" de Marcel Duchamp

Além da mensagem da ação extrema de ignorância de um espectador num museu sobre a obra, dando ali de sua forma peculiar e primal o veredito do que ele pensa da obra, há uma inversão de valores de algo que já havia sido invertido originalmente. Quando Duchamp deu sua explicação para “A Fonte”, ele argumentou que tinha retirado o urinol de sua função de utilidade, que era receber urina, e dado a ela uma nova função, estética, ao mudar sua posição e transformá-la em arte (e de certa forma, transformando o útil em inútil). Duchamp era um gozador… escolheu um mictório por sua falta de beleza e por seu caráter erótico. Naturalmente, quando “A Fonte” foi apresentada na Exposição de Artistas Independentes de 1917, era um confronto ao puritanismo, uma clara provocação ao júri do evento (do qual ele próprio fazia parte), que tinha estabelecido que sendo artista e pagando a taxa de inscrição, teria seu trabalho exposto. Causou enorme repercussão, sofreu ataques e a peça que vemos hoje exposta pelo mundo nem sequer é a peça original de 1917, que já foi destruída, mas substituída por outro exemplar pelo próprio Duchamp. A obra de arte tinha deixado ali de ser o produto de um meio para se tornar uma ideia.

"O Crítico de Arte" (detalhe)

Ao fazer uma pintura num estilo mais realista onde uma pessoa utiliza “A Fonte” como um urinol, de certa forma eu faço uma brincadeira, retornando a peça para sua função original, para a qual foi pensada, usando de uma arte tradicional para subverter uma arte conceitual. Ao mesmo tempo, questiona também a necessidade que muitas pessoas têm de encontrar uma utilidade para tudo (e todos, até), para que só assim possa ser validada. Depois de concluída a obra, é que descobri que em 1993 um homem já tinha realmente urinado na peça, assim como fiz nesta pintura.

Não sei se a mensagem deste trabalho consegue ser tão clara, afinal, como o próprio trabalho denuncia, não são muitos (como deveria ser) que sabem o contexto e o significado da obra, mas acredito que com esta obra eu provoco, ao menos, o espectador para que busque conhecer o significado do que é retratado, se houver curiosidade, naturalmente.

Imagens: Google

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Referências bibliográficas:

GOMPERTZ, Will. "Isso é Arte?: 150 anos de arte moderna do impressionismo até hoje"; tradução Maria Luiza X. de A. Borges; [revisão técnica: Bruno Moreschi]. - 1ª Ed. - Rio de Janeiro: Zahar, 2013.

MESEURE, Anna. "Macke"; tradução Luísa Rodrigues. Lisboa: Taschen, 2000.

______. "Após protesto, mostra com temática LGBT em Porto Alegre é cancelada". Folha de S. Paulo. São Paulo, 10 setembro 2017. Artes plásticas. Ilustrada. Disponível em: <https://www1.folha.uol.com.br/ilustrada/2017/09/1917269-apos-protesto-mostra-com-tematica-lgbt-em-porto-alegre-e-cancelada.shtml>. Acesso em: 05 novembro 2022.

BRUM, Eliane. "Wagner Schwartz, 'La Bête': 'Fui morto na internet como se fosse um zumbi da série The Walking Dead'”. El País. São Paulo, 12 fevereiro 2018. Opinião. Disponível em: <https://brasil.elpais.com/brasil/2018/02/12/opinion/1518444964_080093.html>. Acesso em: 05 novembro 2022.

______. "Museu em SP é acusado de pedofilia após performance com nudez". Folha de S. Paulo. São Paulo, 28 setembro 2017. Artes plásticas. Ilustrada. Disponível em: <https://www1.folha.uol.com.br/ilustrada/2017/09/1922810-na-internet-museu-e-acusado-de-pedofilia-apos-performance-com-nudez.shtml>. Acesso em: 05 novembro 2022.

RECH, Alessandra Paula; SCHUTZ, Danielle. "Episódio Queermuseu: reflexos do despreparo social em torno da Arte". Palíndromo, v.9, n.19, p.13-30, setembro-dezembro 2017. Disponível em: https://www.revistas.udesc.br/index.php/palindromo/article/view/11051

VALENTE, Rubens. "Deputados pressionam, e polícia apreende quadro em exposição no MS". Folha de S. Paulo. Brasília, 15 setembro 2017. Artes plásticas. Ilustrada. Disponível em: <https://www1.folha.uol.com.br/ilustrada/2017/09/1918799-deputados-pressionam-e-policia-apreende-quadro-em-exposicao-no-ms.shtml>. Acesso em: 05 novembro 2022.

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Podem estar disponíveis autorizações adicionais às concedidas no âmbito desta licença em https://www.arteporparte.com/p/contato.html.

5ª Exposição Virtual Internacional "Dia Mundial da Paz"

2022-10-03T17:47:00.001-03:00

Teve início ontem (02/10) a 5a Exposição Virtual Internacional "Dia Mundial da Paz", promovida pela Galeria Áries, de Maracaibo, Venezuela. Nesta exposição estou participando com a obra "Paz de Espírito".

A Áries Galeria de Arte tem como princípio apoiar, promover e difundir os artistas através das plataformas virtuais. O paralelo entre a astrologia e seus mistérios com as artes é, segundo definição da própria galeria, pela percepção que a arte afeta as pessoas em muitos e diferentes níveis, assim como os símbolos da astrologia, creiam neles ou não.

Esta mostra conta com a participação de 172 artistas de 46 países (Albania, Alemanha, Argélia, Argentina, Áustria, Azerbaijão, Bolívia, Brasil, Chile, Colombia, Costa Rica, Cuba, Equador, Egito, Emirados Árabes, Espanha, Estados Unidos, Filipinas, França, Guatemala, Hungria, India, Irã, Itália, Cazaquistão, Líbano, Líbia, Malásia, Marrocos, México, Nepal, Nova Zelanda, Paquistão, Panamá, Paraguai, Perú, Portugal, República Dominicana, Romênia, Russia, Singapura, Síria, Tailândia, Taiwan, Uruguay e Venezuela), unidos pela arte em comemoração ao Dia Internacional da Paz.

Vídeo da exposição com as obras participantes:

A exposição é online e pode ser acessada no perfil da Galeria Áries no Instagram, Facebook e Youtube.

2ª Exposição Internacional Online "Cartografias do Corpo"

2022-09-15T23:38:00.001-03:00

Teve início hoje a 2ª Exposição Internacional Online "Cartografias do Corpo" promovida pelo Centro Cultural Digital Yila'ob e que tenho a honra de participar com a obra "O Início de Todos Nós" (que em breve será publicada aqui no Arte por Parte). Como o nome sugere, o tema principal da exposição é o corpo humano nas mais diversas atividades, passando pelo nu artístico, dança, esportes, trabalho físico, etc.

O Yila'ob é um espaço digital mexicano que prega que a experiência em arte deve ser compartilhada e com isto, eles buscam difundir o trabalho artístico de vários artistas de diferentes vertentes de atuação através do meio digital.

Nesta exposição serão 26 obras de 14 artistas de 9 países (México, Bolívia, Colômbia, Porto Rico, Chile, Argentina, Cuba, Azerbaijão e eu pelo Brasil) e a mostra vai de 15 à 30 de setembro de 2022 no site do Centro Cultural Digital Yila'ob e em seus perfis nas redes sociais.

- Para Além das Bolhas -

2022-03-11T18:27:00.002-03:00

Acrílico sobre tela - 40 x 50 cm - 2021

Clique na imagem para ampliá-la

Na produção de uma obra de arte, sempre tenho em vista o propósito de abordar temas que tem um caráter mais complexo, ainda que fazê-lo apenas visualmente seja um desafio que muitas vezes não é nada simples. Este tipo de desafio que me proponho cada vez que decido fazer algo do tipo é realmente um grande motivador pessoal, diferente do que acontece com temas que não tem tanta capacidade de gerar algum desconforto no espectador ou que, ao menos, estimule alguma reflexão sobre o que a pintura trata. Esta pintura específica, que tem como inspiração a obra “A Criação de Adão” de Michelangelo Buonarroti, trata sobre uma realidade contemporânea que são as bolhas virtuais, que são bolhas de informações ideológicas potencializadas pelos algoritmos das redes sociais na internet e que muitos de nós estamos imersos, mas que muitos de nós ainda não sabemos muito bem como lidar com elas.

O processo artístico

Sempre que possível, busco estar bem informado do que está acontecendo no Brasil e no mundo, com os olhos atentos para algumas nuances, para os comportamentos das pessoas na mídia, na internet, no meu próprio meio, busco analisar as coisas por um cenário mais amplo, tento até ver por um olhar mais distante para encontrar alguma visão mais lateral do que se passa e assim vou chegando às minhas próprias conclusões, naturalmente filtrando o que chega até mim. A atualidade, por si só, já é um riquíssimo campo para explorar tudo o que eu posso abordar no que produzo e de algum tempo para cá, acho que seria preciso uns três tempos de vida para dar conta de tudo o que vem surgindo. Seja pelo ineditismo ou pelo absurdo, a realidade vem sempre produzindo algum espanto novo.

"Para Além das Bolhas" (detalhe)

A ideia principal desta arte é tratar sobre como tem sido o comportamento das pessoas pautadas pelas bolhas ideológicas que as mídias digitais potencializam através dos algoritmos e como, apesar da internet já ter algum tempo em nosso dia a dia, ainda é uma novidade que não estamos sabendo como lidar adequadamente, levando em conta tudo o que vem acontecendo conosco, como o crescimento das Fake News, o poder que as chamadas big techs exercem sobre o nosso comportamento e que geram sérios efeitos, o fortalecimento de movimentos de cunho fascista pelo mundo, negacionismos de várias ordens, entre tantas outras coisas que direta ou indiretamente estão ligadas à forma como a informação passou a nos alcançar e como, através dos algoritmos, somos enclausurados em bolhas de opiniões.

No período de eleições é que este fenômeno fica ainda mais em evidência, principalmente no Brasil. Posicionamentos políticos passaram por mudanças significativas e muitas pessoas que têm uma opinião política passaram a se comportar ainda mais como uma espécie de “torcida de futebol”, por suas defesas apaixonadas e muitas vezes cegas para o que é externo de sua opinião e, mesmo que diferentes pesquisas indiquem como será o resultado ao final, ainda assim o resultado passa a ser como uma grande surpresa para alguns quando ocorre, simplesmente porque a informação a que têm acesso é apenas as que estão em consonância com a sua preferência, com o seu algoritmo de acesso, excluindo do alcance o que não condiz com o seu perfil.

Esta limitação que muitos são submetidos por conta de suas bolhas de opiniões de certa forma ajudam a estereotipar comportamentos e pessoas, algo que eu já tinha abordado na arte “Sem Rótulos” e que também acontece quando se trata das tais bolhas. De certa forma, este assunto tem rondado algumas artes que produzi recentemente, ainda que não falado diretamente antes. Na obra “Ponto de Vista” o assunto são as diversas possibilidades de encarar uma mesma realidade sob perspectivas diferentes e que também é afetada diretamente por esta manipulação do que é recebido pela internet, assim como o assunto resvala também no tema da obra “Narciso moderno” que trata do fenômeno das selfies e como as redes sociais estão afetando o comportamento das pessoas. Sem dúvida nenhuma esse é um assunto bem complexo e que transita por várias esferas.

Referências Artísticas

"A Criação de Adão" por Michelangelo (detalhe)

Desde que surgiu a ideia para esta obra, eu já tinha em mente abordar este tema explorando a obra de Michelangelo “A Criação de Adão”, o sexto das nove cenas do Antigo Testamento pintadas na parte central da abóboda da Capela Sistina. A ideia era explorar, principalmente, o icônico gestual das mãos dos personagens de Adão e de Deus, que mutuamente buscam o contato e que, ao meu ver, me serviria bem para evidenciar o isolamento das bolhas e a busca cega daqueles que querem outras informações para além das bolhas, para enxergar além, como o próprio nome da obra já sugere. Sobre o toque das mãos produzido por Michelangelo, o historiador Gombrich em seu icônico livro comenta:

“É um dos maiores milagres da arte o modo como Michelangelo logrou fazer do toque da mão divina o centro e o foco do quadro, e como revelou a ideia de onipotência com a desenvoltura e a força desse gesto de criação”. (GOMBRICH, 2015, p. 312)

"Retrato de Michelangelo"
por Daniele da Volterra

Dos artistas que são considerados a santíssima trindade do renascimento italiano (Leonardo da Vinci, Michelangelo e Rafael, que foram contemporâneos em seu tempo), eu sempre me identifiquei mais com o trabalho de Leonardo e seus ensinamentos, através das tantas observações que ele deixou em seu tratado de pintura, como a percepção das cores, os preceitos da pintura e a representação da natureza, mas é importante considerar que eles eram personalidades bem diferentes e que Michelangelo não tinha o mesmo ímpeto de escrever como Leonardo tinha, além do fato de, perto de sua morte, Michelangelo ter queimado todos os esboços, projetos e papéis que o acompanhavam nos seus últimos dias.

"A Criação de Adão" por Michelangelo

Ainda sobre a “Criação de Adão”, trabalhei com muita atenção também para o cenário de fundo, que guarda uma curiosidade que muita gente não percebe. Michelangelo estudou muito de anatomia humana dissecando corpos, como Leonardo também o fez, e na época em que Michelangelo produziu a pintura da Capela Sistina, ele estava especialmente debruçado no tema. Ao observar a composição do fundo, percebemos que o tecido rebuscado que envolve Deus e os anjos tem o formato de um cérebro humano, o que sugere que não se tratou de um mero acaso. Michelangelo, apesar de absolutamente genial em sua obra, era também um homem de temperamento forte, solitário de hábitos anti-sociais e que vivia para o trabalho. Segundo registros de um amigo seu num período doentio do artista por volta dos seus 50 anos, ele comentava que Michelangelo trabalhava muito, comia pouco e mal, além de também não dormir e relatava ainda que já fazia alguns meses que o artista sofria com dores de cabeça e vertigens. Apesar de, neste período, darem como certo que o artista não viveria muito tempo, Michelangelo morreu aos 88 anos, a poucos dias de completar seu 89º ano de vida.

A Obra

"Para Além das Bolhas" (detalhe)

Nesta obra eu busquei fazer as bolhas de forma bem realista, mas além de simbolizar o sentido de isolamento ideológico, a ideia também era tratar como se cada uma delas fosse uma espécie de um mundo independente e cada mão que aparece, habita cada um destes “mundos” que se orbitam, evidenciando assim o sentimento de isolamento delas. Centralizado na tela, repliquei as mãos principais mais ou menos na mesma posição onde estão as mãos dos personagens na obra de Michelangelo, mas as fiz monocromáticas, mais claras nas extremidades enquanto em suas bases, elas estão translúcidas, como se fossem feitas do mesmo material da bolha.

"Para Além das Bolhas" (detalhe)

Quanto ao fundo, eu segui de forma livre o padrão de formatos, mas não o fiz de forma detalhada, uma vez que não caberia aqui um tecido rebuscado como no original. Como eu tinha a ideia de fazer uma relação entre as bolhas como se fossem planetas, busquei fazer o fundo de forma mais abstrata, um pouco mais escura que o da obra do mestre italiano até para deixar mais em evidência as mãos e as próprias bolhas, além de deixar as próprias formas como se fossem efeitos de gases, compondo uma espécie de malha espacial que abriga estas bolhas. Para a produção das bolhas, tive que recorrer às usuais referências fotográficas para reproduzir com a melhor fidelidade possível, até para gerar um destaque visual maior para a obra. No final, o trabalho acabou atendendo as minhas expectativas e acredito que a mensagem consegue expressar para o espectador em algum grau o que eu pretendia a princípio, ainda que mensurar como uma arte chega aos olhos do outro seja algo bem imprevisível e difícil de avaliar.

Imagens: Google

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Referências bibliográficas:

GOMBRICH, E.H. (Ernst Hans). "A História da Arte"; tradução Álvaro Cabral. - [Reimpr.] 16ª ed. - Rio de Janeiro: LTC, 2015.

MICHELANGELO / Abril Coleções: tradução de Carla Luzzati e Elke Silvério. São Paulo: Abril, 2011 [Coleção Grandes Mestres; v. 4]

MICHELANGELO / [coordenação e organização Folha de S. Paulo; tradução Martín Ernesto Russo], - Barueri, SP: Editorial Sol 90, 2007 [Coleção Folha Grandes Mestres da Pintura; 9]

GRINBERG, Victor. "BOLHA IDEOLÓGICA". Revista FAAP edição 292. São Paulo. Disponível em: <http://revista.faap.br/colunas/bolha-ideologica-coluna-victor-grinberg-e-professor-do-curso-de-relacoes-internacionais/>. Acesso em: 11 março 2022.

"Para Além das Bolhas" de Eduardo Cambuí Junior está licenciado com uma Licença Creative Commons - Atribuição-SemDerivações 4.0 Internacional.
Podem estar disponíveis autorizações adicionais às concedidas no âmbito desta licença em https://www.arteporparte.com/p/contato.html.

- Exposição virtual 11a Coletiva Contemporânea EueArte 2022 -

2022-03-06T16:53:00.000-03:00

Teve início ontem a exposição virtual 11ª Coletiva Contemporânea EueArte 2022 que conta com a participação de 23 artistas, contando também com a participação do artista Deca Torres, que em 2015 foi premiado entre os dez melhores Artistas Contemporâneos na Europa. Além desta, ele também obteve premiação na Bienal Europeia e Latino Americana.

Neste evento, que vai de 05 de março à 01 de abril de 2022, estão sendo expostas várias obras de diferentes técnicas e estilos. Nesta exposição estou participando com as obras "Para Além das Bolhas" (obra que em breve vou abordar por aqui também), "Ponto de Vista" e "Sem Rótulos". A exposição virtual pode ser acessada pelo site da galeria e através das redes sociais da mesma. Confiram lá que está muito boa!

A EUeARTE é uma Galeria de Arte Online que tem como objetivo aproximar milhares de compradores do mercado de Arte Primário através de uma plataforma inclusiva, facilitando esta conexão, sempre levando em conta a responsabilidade cultural e uma experiência agradável, direta e única.

- O Ensaio da Filarmônica -

2021-12-23T21:17:00.000-03:00

Acrílico sobre tela - 50 x 70 cm - 2021

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A música faz parte predominante em minha vida e ainda que eu não saiba tocar nenhum instrumento, são raros os meus dias em que não haja nenhuma música como trilha sonora de fundo, mesmo que por vezes seja um repertório repetido que passa por muitos estilos musicais. Esse gosto pela música foi uma herança do meu pai que, assim como eu, também não sabia tocar nada, mas que era um colecionador de um gosto bem eclético e que me influenciou a levar este hobby adiante. Em Macaúbas, a instituição cultural mais resistente, que mais gerou frutos e que até hoje segue sua insistente jornada é a Filarmônica Nossa Senhora da Imaculada Conceição, fundada em 1946 e que, pelas inúmeras dificuldades que enfrentou, sempre se manteve em caráter de resistência cultural, seja pelas mãos do seu maestro-patrono, o professor José Benedito do Amaral, ou pelas mãos dos seus ex-alunos que seguiram adiante com o legado. O tema da Filarmônica já foi abordado por mim em 2010, mas tinha sido numa tela pequena, rápida e que, portanto, merecia um tratamento melhor e por muito tempo a execução desta pintura foi adiada, até que 2021 me trouxe a disposição para colocá-la em prática, da forma mais representativa e que os moradores de Macaúbas estão acostumados a presenciar: através dos seus ensaios.

O processo artístico

Fonte: arquivo do artista

Quando fiz a pintura Filarmônica N. Sra. Imaculada Conceição, em 2010, a ideia era muito mais no sentido de documentar o patrimônio histórico do imóvel que além da importância de ser a sede da instituição, já serviu até como delegacia da cidade em tempos mais antigos. Naquele momento me parecia bastante claro que o conjunto arquitetônico daquele trecho sofreria uma mudança significativa em pouco tempo, levando em conta a falta de consciência da população na preservação do patrimônio histórico, como realmente aconteceu pouco tempo depois. Mas a pintura não retratava a Filarmônica em si, que em certos momentos me parece como uma espécie de “janela no tempo”, dada a singularidade da atividade. Desde então, sempre que possível, tirava fotos pontuais da atuação da Filarmônica e algumas delas figuravam como boas candidatas à uma pintura, ainda que não atendessem exatamente o que eu tinha em mente. A filarmônica ocupa um lugar muito importante na cultura macaubense, ainda que nem todos tenham consciência do quão presente ela está no cotidiano da cidade… tenho a impressão, inclusive, que é quase como um artigo de luxo que não é percebido muito bem pelos macaubenses por estar tão próximo e corriqueiro no seu dia a dia.

A evolução da pintura

Quando a vontade de pintar este tema chegou mais forte, recorri ao meu arquivo fotográfico (que já comentei por aqui em outras oportunidades) para encontrar o melhor cenário, para achar alguma imagem que pudesse me ajudar a contar uma história. Das fotos que eu tinha a disposição, três delas tinham partes muito boas, mas que por conta de um detalhe ou outro, não correspondiam ao que eu tinha em mente na totalidade. A saída que encontrei foi usar as melhores partes de cada foto, montando de acordo com o que eu tinha em mente, incluindo até alguns detalhes que não estavam lá realmente, até porque reproduzir uma foto em pintura da mesma forma como foi originalmente feita, não faz muito sentido para mim… é preciso que haja a intervenção do artista, que o foco da cena seja mudado, que haja mais coisa do que a mera reprodução de uma fotografia.

Detalhe do calçamento

A própria produção da pintura, de certa forma aconteceu quase literalmente como uma espécie de colagem também… pintei a cena principal, a rua, a calçada e as casas e depois, aos poucos, fui inserindo mais elementos como o carro estacionado na rua e as pessoas que não estão dentro da Filarmônica. Fazer o processo desta forma foi um jeito de facilitar a produção, refletir melhor onde colocar cada coisa e observar se a escala do objeto ou pessoa em relação ao imóvel estava condizente com a realidade. Na verdade, foi uma pintura bem trabalhosa, num processo longo de camada sobre camada sobre camada. Um exemplo bem claro deste processo todo de sobreposição foi a pintura do calçamento da rua, pensando na variação de cores de cada pedra, nos efeitos de luzes e sombras do ambiente, nos preenchimentos para causar o efeito de profundidade, enfim, foi talvez a parte mais árdua e demorada deste trabalho, sem dúvida.

Referências

"A Orquestra da Ópera"
de Edgard Degas

Quando entro nesta parte de “referências” das publicações, a ideia é deixar mais claro através dela como as grandes referências de artistas renomados, grandes mestres da história da pintura e de trabalhos reconhecidos influenciam o meu próprio trabalho ou especificamente o trabalho que apresento aqui. Muitas vezes nem é exatamente uma obra de arte tradicional, mas pode ser um ícone da cultura popular, ou algo do tipo. Neste caso, a referência evidente é a própria Filarmônica, mas sempre há alguma influência maior de um artista na forma como eu componho a minha pintura, seja pelo tema escolhido, pelo posicionamento dos personagens na tela ou pela forma como são trabalhados ou retratados e enquanto fazia esta, não pude evitar pensar bastante no trabalho de um artista que eu já citei diversas vezes aqui antes que é a do francês Edgard Degas e especialmente, do seu trabalho “A Orquestra da Ópera”, ainda que haja mais obras em que a música e a atuação dos músicos esteja presente, como na obra “Músicos de Orquestra”.

"Músicos de Orquestra"
de Edgard Degas

Na obra “Orquestra da Ópera”, o personagem que mais chama a atenção é o fagotista Désiré Dihau que era amigo de Degas (que foi o primeiro proprietário desta obra e que também aparece de costas na obra “Músicos de Orquestra”) e mostra em primeiro plano o trabalho dos músicos no fosso da orquestra, numa região obscura, enquanto no palco iluminado do espetáculo, num plano superior, estão as bailarinas num cenário artificialmente claro e de fantasia. Eu não entendo muito de instrumentos musicais, mas sei que na Filarmônica N. Sra. Imaculada Conceição não possui um fagote e pesquisando sobre o instrumento para esta publicação, descobri que é bem complicado para tocar, algo que já imaginava por sua semelhança com o oboé, que já ouvi dizer que é um dos instrumentos mais difíceis de tocar.

Desta forma, decidi colocar um músico tocando um instrumento em destaque no interior do local, mas bem visível, até porque os demais estão quase todos ocultos pelas paredes e aparecem parcialmente pelas janelas. Tendo a obra de Degas em mente e considerando as características dos instrumentos que a Filarmônica possui, decidi colocar um músico na porta bem destacado, tocando uma tuba em formato sousafone, ainda que normalmente quem toca a tuba não costuma ficar naquele local da sede quando o grupo ensaia.

A Obra

Apesar do tema “Filarmônica” ser o mesmo entre as obras de 2010 e a de 2021, são duas pinturas completamente diferentes, incluindo na forma de execução. Enquanto uma dá destaque para a parte estrutural da edificação, a outra tem como destaque a própria atuação da Filarmônica e as duas pinturas de certa forma evidenciam uma transformação ocorrida no local neste intervalo de tempo, ainda que modesta naquela altura (apenas a casa verde ao lado – casa do professor José Benedito do Amaral – incorporou um isolamento com grades), considerando que as fotos que utilizei como referência para esta pintura foram feitas em 2012. Hoje as mudanças já são mais drásticas, ainda que a sede da Filarmônica e a casa do professor José Benedito se mantenham da mesma forma, a casa amarela mais na extremidade já não existe mais e algumas construções mais altas já cercam os imóveis e muito provavelmente, em pouco tempo o cenário continuará a se transformar para um cenário mais comercial do que residencial.

Na parte do céu noturno, resolvi fazer um tipo de pintura mais expressionista, próximo do que já tinha realizado em “Esquina da Rua Vermelha”, buscando uma ilusão visual como representação da iluminação do poste da rua, que não aparece na cena, mas que se mostra mais claro conforme mais à esquerda da tela. Na rua, achei que criaria uma ambientação mais atrativa se mostrasse a iluminação da sede da Filarmônica clareando a penumbra da rua pelas aberturas das janelas. O ambiente iluminado e circundado de vida e música também tem uma força simbólica na cena, sugerindo o astral que o ambiente pode proporcionar naquele trecho, com um espectador assistindo o ensaio da rua e das portas do local, em contraste com a rua um tanto deserta e mal iluminada. A tela me agradou bastante, acho que neste formato e da forma como fiz eu consegui tratar de forma mais adequada o tema “Filarmônica de Macaúbas” e provavelmente ainda vou retornar a este mesmo tema no futuro, ainda que buscando um outro viés que já tenho em mente e que faz relação indireta com a atuação desta instituição cultural tão importante nesta cidade.

Imagens: Google

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Referências bibliográficas:

DEGAS / Abril Coleções: tradução de José Ruy Gandra. São Paulo: Abril, 2011 [Coleção Grandes Mestres; v. 11]

GROWE, Bernd. “Degas”. Tradução de Alice Milheiro. Lisboa: Taschen GmbH, 2006.

FAGOTE. In: WIKIPÉDIA, a enciclopédia livre. Flórida: Wikimedia Foundation, 2020. Disponível em: <https://pt.wikipedia.org/w/index.php?title=Fagote&oldid=59349805>. Acesso em: 23 dez. 2021.

TUBA. In: WIKIPÉDIA, a enciclopédia livre. Flórida: Wikimedia Foundation, 2021. Disponível em: <https://pt.wikipedia.org/w/index.php?title=Tuba&oldid=61205068>. Acesso em: 23 dez. 2021.

"O Ensaio da Filarmônica" de Eduardo Cambuí Junior está licenciado com uma Licença Creative Commons - Atribuição-SemDerivações 4.0 Internacional.
Podem estar disponíveis autorizações adicionais às concedidas no âmbito desta licença em https://www.arteporparte.com/p/contato.html.

- Exposição Virtual "Salón Anual de Pintura" -

2021-12-19T17:34:00.000-03:00

Na última sexta-feira, dia 17 de dezembro, teve início a exposição "Salón Anual de Pintura Online" com a organização da Galeria Goya, vinculado ao Foro Cultural Goya, na Cidade do México (México), da qual estou tendo a enorme honra de participar. Nesta exposição, estão 29 artistas de várias nacionalidades e todos eles detentores de enorme qualidade técnica. Além dos mexicanos que participam, também há artistas de Peru, Bolívia, Colômbia, Itália, Cuba, Venezuela, Alemanha, Rússia e eu representando o Brasil. A exposição vai de 17 de dezembro à 15 de janeiro e pode ser acessada no site da Galeria Goya e através de suas redes sociais, como Facebook e Instagram.

Nesta exposição eu estou participando com duas obras: "Ponto de Vista" e "Borboleta na Citronela", telas que já foram abordadas por aqui. A qualidade dos trabalhos apresentados nesta exposição realmente chama a atenção, principalmente pelo apuro técnico dos artistas participantes em técnicas muito variadas.

Vídeo de inauguração do evento:

O Foro Cultural Goya está desde maio de 2012 em atividade na Cidade do México, tendo como meta ser uma opção profissional de aprendizagem das artes plásticas, com foco em desenho e pintura. Eles contam com oficinas permanentes durante o ano e oficinas intensivas com datas programadas, além de outros eventos que sempre apresentam.

- Ponto de Vista -

2021-12-16T16:58:00.004-03:00

Acrílico sobre tela - 40 x 50 cm - 2021

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No começo de 2020, quando concluí a tela “Sem Rótulos”, que tratava da prática que muitos têm de rotular tudo, não demorou quase nada para vir à minha mente uma outra ideia de pintura e que era uma espécie de variação do tema, também partindo para uma abordagem mais ampla utilizando um objeto comum. Como já comentei por aqui em outras oportunidades, sempre que ideias para pinturas surgem eu escrevo elas da forma mais minuciosa possível para que depois, conforme surja a oportunidade e disposição para isso, eu consiga me lembrar de como a ideia chegou para mim quando anotei. É claro que algumas vezes a ideia se modifica, ideias melhores chegam na mente, mas em alguns casos permanecem da mesma forma. E agora neste fim de ano, finalmente veio a disposição para produzi-la e materializá-la em forma de arte. E afinal, o copo está meio cheio ou meio vazio?

O processo artístico

A ideia primordial por trás dessa pintura é a de provocar no espectador uma interpretação pessoal do que ele está vendo, analisando conforme sua própria perspectiva de mundo, o que é justificado pelo título que dei para a obra. Fiz questão de medir o volume do líquido no copo para que estivesse precisamente na metade dele… teoricamente, haverá algumas pessoas que ao observar a imagem vão interpretar que o copo está meio cheio de líquido (conforme um enfoque otimista), assim como haverá outras pessoas que interpretarão que este mesmo copo está meio vazio, conforme uma visão mais negativa.

Fazendo um recorte para o momento atual em que vivemos, globalmente falando, acredito que estamos num período de transição importante, num ponto em que não sabemos ao certo até onde vai o otimismo e até onde vai o pessimismo, que é basicamente o que a arte tenta explicitar através de sua simbologia. E isso passa por diversos campos: de um lado temos uma crescente onda de negacionismo apaixonado mundo afora (os anti-vacina, anti-aquecimento, terraplanistas, etc.), ressuscitando temas que parecem ter sido sepultados há muito tempo, versus os tantos avanços tecnológicos que temos à nossa disposição. Podemos também refletir sobre as próprias facilidades da modernidade tecnológica, internet, inteligência artificial versus a dependência que perigosamente vamos nos submetendo com tudo isso, como manipulações dos algoritmos das redes, fake news, etc. Até em termos de pandemia, hoje não está tão claro se já estamos num pós-pandemia ou se estamos apenas passando por uma fase mais branda, até que as variantes da covid-19 não se apresentem mais graves do que até então. O tema tem um grande potencial de complexidade, que muito provavelmente irá além do que eu posso supor aqui, o que sempre é mais interessante de ver se desdobrando.

Usando a mesma reflexão da arte especialmente para o Brasil, tanto neste momento atual como provavelmente ainda será no decorrer de 2022, é um período ainda mais crítico no que se refere a incerteza de como ver o cenário pelo qual passamos. Temos aqui diversos fatores para contribuir nessa dificuldade em avaliar o cenário… Um governo caótico de extrema direita, em franca campanha política pela reeleição e que definitivamente não trabalha para lidar com os problemas que deveria enfrentar, há também a possibilidade real de uma virada política no horizonte, temos a desigualdade social mais agravada com a crise econômica e que não parece que cederá tão fácil, o histórico forte de adesão às campanhas de vacinação e que, apesar de todos os esforços contrários de uma parcela de poderosos alinhados ao governo, tem índices bem altos de vacinação contra a covid-19, enfim, é um momento de total incerteza do que virá pela frente. No atual momento, a escolha entre otimismo e pessimismo parece ser uma linha bem tênue e o título da pintura parece muito bem adequado a tudo isso.

Referências

Assim como ocorreu na obra “Sem Rótulos”, não há como escapar da referência do neorrealismo que hoje tem diversas vertentes, inclusive de alguns artistas conhecidos meus que atuam nesse ramo. Eu até gosto da ideia de ludibriar o olhar do público, colocando-o em dúvida se a imagem que eles estão observando trata-se de uma foto ou de uma pintura, mas de fato não tenho muita disposição (e paciência) para chegar até este ponto, até porque acho interessante que haja algum rastro na obra que deixe claro que é mesmo uma pintura, o que foi algo que acabei buscando nesta aqui… não buscar tanto a confusão entre foto e pintura.

Pieter Claesz - "Natureza Morta com
copo de vinho e tigela de prata"

Por se tratar de uma espécie de natureza morta, acabei me lembrando bastante enquanto fazia esta pintura do período que ficou conhecido como idade de ouro holandesa do período barroco e que teve grandes nomes que poderiam muito bem fazer parte hoje do neorrealismo, sem quaisquer dúvidas. Já tinha comentado sobre eles aqui no Arte por Parte anteriormente na pintura “Natureza Morta com Frutas e um Observador”, onde citei o artista Willem Heda, mas o trabalho de um outro artista que me chama muito a atenção é o de Pieter Claesz, artista super virtuoso e que pintava muitos temas do cotidiano, excelente nessa prática de iludir o olhar do observador, sempre usando do simbolismo em suas obras através dos objetos que eram representados. É interessante observar que a Holanda do século XVII (na verdade, a região dos países baixos) por ter uma orientação religiosa protestante, os artistas seguiam o oposto do que orientava a igreja católica, evitando pintar os temas religiosos e/ou mitológicos e desta forma, eles tinham bastante liberdade para retratar paisagens e cenas cotidianas, muito apreciadas pelas pessoas da época, inclusive.

Frans Post - Visão de Olinda

Aproveitando este assunto para citar uma curiosidade que cabe bem aqui, de certa forma a arte barroca holandesa acabou sendo muito valiosa para o Brasil num determinado período, pois as cenas pintadas pelos artistas Albert Eckhout e Frans Post, que integraram a comitiva de Maurício de Nassau em Pernambuco no que pretendia ser a “Nova Holanda”, produziram artes que são verdadeiros registros históricos de como eram os costumes, as pessoas, as frutas e os lugares do Brasil através de sua arte e tinham como fim realmente retratar como era o Brasil daquela época e suas coisas para os europeus.

A Obra

Assim como aconteceu no momento da produção da tela “Sem Rótulos”, para esta obra eu também tive que montá-la antes de acordo com o que eu tinha imaginado e com elementos da minha própria casa, busquei uma melhor forma de dispor esteticamente os objetos e depois recorri ao uso da fotografia, para usá-la mais tarde como referência para a pintura quando chegasse o momento de fazê-la.

Como já venho fazendo há algum tempo em algumas pinturas mais minuciosas, nesta eu já trabalhei um pouco melhor no esboço, fazendo o desenho numa folha de papel de mesmo tamanho da tela, para que desta forma, fosse minimizado o risco de cometer muitos erros diretamente na tela. Por maior que seja o cuidado, mesmo que seja utilizando o carvão, ao ter que corrigir os erros a tela acaba ficando marcada demais e isso afeta na pintura. Por muito tempo não tive muita preocupação com os esboços das pinturas e em muitas delas sequer fiz esboços mais elaborados (em algumas, eram ridiculamente simples), mas atualmente (dependendo da situação), em alguns trabalhos o esboço passa a ser uma parte bem importante do meu processo artístico.

Não sei se o resultado final deste trabalho consegue corresponder tão bem ao propósito audacioso de provocar uma reflexão no observador, também tenho minhas dúvidas se as pessoas de hoje têm paciência para refletir tanto sobre uma imagem, divagando sobre visão otimista ou pessimista, mas a proposta não deixa de ser lançada aos olhos de quem se dispõe a observar. E, no meu ponto de vista, o copo está simplesmente pela metade, como está na realidade… nem cheio, nem vazio!

Imagens: Google

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Referências bibliográficas:

NOVA HOLANDA. In: WIKIPÉDIA, a enciclopédia livre. Flórida: Wikimedia Foundation, 2021. Disponível em: <https://pt.wikipedia.org/w/index.php?title=Nova_Holanda&oldid=62571594>. Acesso em: 15 dez. 2021.

PIETER CLAESZ. In: WIKIPÉDIA, a enciclopédia livre. Flórida: Wikimedia Foundation, 2019. Disponível em: <https://pt.wikipedia.org/w/index.php?title=Pieter_Claesz&oldid=56147954>. Acesso em: 15 dez. 2021.

PINTURA DO SÉCULO DE OURO DOS PAÍSES BAIXOS. In: WIKIPÉDIA, a enciclopédia livre. Flórida: Wikimedia Foundation, 2018. Disponível em: <https://pt.wikipedia.org/w/index.php?title=Pintura_do_S%C3%A9culo_de_Ouro_dos_Pa%C3%ADses_Baixos&oldid=52405422>. Acesso em: 15 dez. 2021.

"Ponto de Vista" de Eduardo Cambuí Junior está licenciado com uma Licença Creative Commons - Atribuição-SemDerivações 4.0 Internacional.
Podem estar disponíveis autorizações adicionais às concedidas no âmbito desta licença em https://www.arteporparte.com/p/contato.html.

- Narciso Moderno -

2021-12-07T00:44:00.001-03:00

Acrílico sobre tela - 70 x 70 cm - 2021

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Como tinha comentado na publicação anterior, participei do 2º Simpósio Internacional Virtual de Escultura e Pintura “LiberARTE” de Buenos Aires e a participação no evento consistia em documentar em vídeo a produção de uma pintura ou escultura e mostrasse o resultado final até o fim do evento. E hoje, apresento o resultado que é a obra “Narciso moderno”, uma releitura da famosa obra “Narciso” de Caravaggio, que trata do mito de um rapaz muito belo que foi amaldiçoado pela deusa Nêmesis a se apaixonar por si próprio e, ao encontrar seu reflexo no lago, ficou tão fascinado que permaneceu admirando seu reflexo até definhar. Na minha versão, o personagem também se admira, fascinado por si próprio, mas a imagem atua como uma crítica a problemas modernos envolvendo a tecnologia, hiperexposição, vaidade e como os algoritmos das redes sociais usam isto para prenderem a atenção de tantos ‘Narcisos’ e assim, aumentar seu valor de mercado.

O processo artístico

A ideia desta arte surgiu em 2015, quando fiz um esboço em lápis dermatográfico. O resultado agradou bastante e me parecia óbvio que esta arte deveria ser produzida numa tela, onde há mais recursos para transmitir o que se buscava expressar. A mensagem aqui é, através da reinterpretação de uma obra famosa, refletir sobre o fenômeno das selfies, das motivações, do exibicionismo digital, da utilização desmedida das redes sociais e como estas mesmas redes utilizam isto para prender a atenção do usuário e lucrar em cima de suas atividades. No ano passado o documentário “O Dilema das Redes” se tornou um assunto bastante recorrente… o filme abordou de forma bastante impactante o quanto as redes sociais influenciam o comportamento das pessoas, direcionam suas atitudes e até, elegem governantes, através de depoimentos de pessoas que foram peças chave na criação e funcionamento de diferentes mídias sociais.

Já fiz muitas artes tratando sobre este tema das selfies, das novas tecnologias e se em 2015 já fazia muito sentido, agora o assunto é mais atual do que nunca, principalmente depois dos escândalos da Cambridge Analytica e principalmente do “Facebook papers”, no qual a ex funcionária da empresa Frances Haugen, ex-gerente de produtos da rede social, vazou documentos sigilosos para o jornal Wall Street Journal onde detalhava que o Facebook tinha conhecimento que seus sites eram potencialmente prejudiciais para a saúde mental dos seus usuários. Foi descoberto por estes documentos que o Facebook (que em seguida mudou o nome da empresa para Meta) tinha conhecimento que seus algoritmos incitavam o ódio (que gera mais engajamento nas redes), era negligente diante de atos criminosos, era moderada com relação a atividades extremistas, o ambiente do Instagram era considerada tóxica para muitos jovens, entre tantas outras revelações em pesquisas apontadas pela equipe da própria empresa, mas que foi desconsiderada por sua direção para não afetar nos negócios, basicamente. No Brasil, conforme reportagem de Tatiana Dias, do Intercept Brasil, há parlamentares que atuam alinhadas com os interesses das big techs, nome dado às gigantes empresas de tecnologia que dominam o mercado e que possuem as maiores redes sociais.

Detalhe da obra
"Narciso moderno"

A princípio, como sugere o esboço, a ideia era deixar o ambiente de um quarto escuro mais definido, com a cama visível ao fundo. Mas analisando melhor a obra de Caravaggio, o fundo escuro dá destaque unicamente ao personagem e sua ação. Como eu tinha a limitação de 8 dias para a produção do trabalho, achei que seria arriscado inserir mais elementos que não eram essenciais para o entendimento da mensagem e o foco unicamente no personagem também reforça a mensagem de que, para o personagem, tudo o que importa é ele próprio.

Referências

"Narciso" de Caravaggio

Logicamente, a referência maior é a obra de Caravaggio, que através de suas pinturas e do contexto histórico da época (a Contrarreforma da igreja católica), produzia imagens impactantes que buscavam mobilizar visualmente uma população, em sua maioria iletrada, para os ensinamentos da igreja, atuando assim de forma didática. No barroco, período artístico ao qual se encontra Caravaggio, com certeza ele foi um dos maiores expoentes, mas nesta obra a ideia foi utilizar o ensinamento do próprio barroco, abusando do contraste entre claro e escuro, dar ênfase ao personagem central da trama em seu momento mais dramático e, de certa forma como o próprio Caravaggio fazia, usar contextos modernos para tratar de temas antigos. Em sua obra “Narciso”, ele utilizou como modelo um belo rapaz da Roma de sua época para fazer o papel do personagem da mitologia. Aqui, para enfatizar a mensagem tecnológica, utilizo o tablet para que o personagem se veja ao invés do lago. Sobre as vestimentas, tentei manter um padrão próximo ao personagem, sobretudo na camisa. Só busquei inserir uma calça tipo jeans para modernizar mais a figura central.

A Obra

Detalhe do personagem Narciso

O processo de produzir uma obra de arte num prazo determinado como foi esta, em virtude do 2º Simpósio Internacional Virtual na Argentina, foi desafiador, muito mais pela condição de ter que gravar em vídeo cada dia do processo, algo que não me agrada tanto. Foi, no entanto, uma boa oportunidade para pôr em prática a ideia de fazer esta obra em tela, que era algo que eu já vinha planejando há algum tempo. A pintura desta tela se tornou mais urgente ainda quando uma editora de livros didáticos entrou em contato comigo pedindo o licenciamento do desenho que tinha feito em 2015 para integrar o livro “Educamos Pré-Vestibular: Linguagens e Ciências Humanas – Arte – Livro 1”. O esboço estava bem feito, mas no meu entendimento, ainda não era o trabalho ideal para o que eu tinha em mente.

A diferença na expressão do personagem em relação ao de Caravaggio foi para buscar transmitir a satisfação do personagem em realizar a selfie ou simplesmente se ver na tela do dispositivo. Na obra original, o personagem se mostra mais como seduzido por sua própria beleza. O processo de pintura em si foi bastante trabalhoso, porque em algumas partes, foram camadas sobre camadas de cores, mas o resultado final foi bem satisfatório e acredito que a mensagem da pintura ficou relativamente clara para quem observar com atenção.

Imagens: Google

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Referências bibliográficas:

______. FACEBOOK PAPERS: QUAIS SÃO AS ACUSAÇÕES CONTRA A GIGANTE DA TECNOLOGIA. G1 Globo. Rio de Janeiro, 02 novembro 2021. Disponível em: <https://g1.globo.com/tecnologia/noticia/2021/11/02/facebook-papers-meta-nome-acusacoes-vazamento.ghtml>. Acesso em: 6 dez. 2021.

DIAS, Tatiana. “A BANCADA DO LIKE: GOOGLE E IFOOD SE INSPIRAM EM RURALISTAS E MONTAM TROPA DE CHOQUE NO CONGRESSO”. The Intercept Brasil. Rio de Janeiro, 25 novembro 2021. Disponível em: <https://theintercept.com/2021/11/25/google-e-ifood-montam-bancada-do-lie/>. Acesso em: 6 dez. 2021.

"Narciso Moderno" de Eduardo Cambuí Junior está licenciado com uma Licença Creative Commons - Atribuição-SemDerivações 4.0 Internacional.
Podem estar disponíveis autorizações adicionais às concedidas no âmbito desta licença em https://www.arteporparte.com/p/contato.html.

- Exposição 2º Simpósio Internacional Virtual de Esculturas e Pinturas "Liber Arte" -

2021-11-24T12:03:00.007-03:00

Teve início no último domingo (21 de novembro) o 2º Simpósio Internacional Virtual de Esculturas e Pinturas "Liber Arte", realizado a partir de Buenos Aires, Argentina, com organização do grupo ART en VIVO Internacional. A exposição conta com a participação de 68 artistas de 19 países, que além dos argentinos, há representantes de Colômbia, Costa Rica, Cuba, El Salvador, Peru, Uruguai, Chile, Bolívia, México, Venezuela, Honduras, Espanha, Itália, Alemanha, Áustria, Rússia, Sri Lanka e eu pelo Brasil. O evento ocorrerá do dia 21 à 28 de novembro, onde através do grupo de Facebook dos organizadores, cada artista participante postará cada etapa do processo de produção de um trabalho inédito.

"Narciso" por Caravaggio

A arte que escolhi produzir para este evento foi a de um esboço antigo que há muito tempo estava planejando passar para a tela e que considerei bastante adequada para este momento. É uma releitura da obra "Narciso" de Caravaggio, que por sua vez interpreta o mito de Narciso, que segundo Ovídio, era um jovem grego dotado de extrema beleza, filho do deus-rio Cefiso e da ninfa Liríope, e que menosprezava as mulheres e homens que se apaixonavam por ele, apenas por não sentir qualquer atração por ninguém. Uma delas, Eco, que o amava, ficou inconformada com a recusa do belo rapaz e clamou aos deuses por vingança. A deusa Nêmesis atendeu e amaldiçoou Narciso a se apaixonar por si próprio. Quando este encontrou o seu próprio rosto refletido num lago, ficou tão encantado com sua beleza que não conseguiu sair mais de lá, definhando até a morte enquanto contemplava sua beleza.

Lista oficial dos artistas participantes do evento e seus respectivos países

"Narciso moderno" por Eduardo Cambuí Junior

Na minha versão, utilizarei os elementos que remetem a obra de Caravaggio (pose, sombras, etc), mas que ao invés do personagem se admirar num lago, ele vê seu próprio rosto na tela de um tablet, sozinho na penumbra do seu quarto, fazendo assim uma clara analogia à hiperexposição e ao exibicionismo digital, tão facilmente observável nas redes sociais pelas selfies que povoam a internet, como se desta forma todos nos transformássemos numa espécie de Narciso moderno, que inclusive é o nome que planejei para esta obra. Este esboço, inclusive, já foi até solicitada a permissão para utilização em livros didáticos da editora SM Educação, na qual estabelecemos um acordo de utilização, o que é mais um motivo considerável para que esta tela fosse produzida logo.

- Exposição Virtual - Fotolivro Antologia Mundial Microcuento y Arte por La Paz -

2021-09-22T23:11:00.004-03:00

Ontem foi lançada a publicação do livro digital "Antologia Mundial Microcuento y Arte por La Paz", promovido pela "Red de Escritores y Escénicas Potosí" (Bolívia), da qual estou participando com a obra "Sob a Sombra de uma Árvore". Apesar das dificuldades que a pandemia trouxe à todos, este ano tem sido bem movimentado pra mim em exposições, com a particularidade de serem na modalidade virtual, o que é um facilitador enorme e que acredito que será uma categoria de exposição que veio para ficar.

O grupo que idealizou o livro trabalha em vários projetos e neste, integraram escritores e artistas que apresentaram obras que tem como temática a paz e cada um buscou expressar e chamar a atenção para este tema do seu modo, mesclando literatura e ilustrações. Este livro conta com 71 participantes representando países como Bolivia, Argentina, México, Colômbia, Chile, Cuba, El Salvador, Equador, Peru, Venezuela, Paraguai, Estados Unidos, Taiwan, Vietnam, Portugal, Índia, Emirados Árabes Unidos e o Brasil, representado por mim nesta publicação.

Para quem tiver a curiosidade sobre o livro, ele está disponível no perfil do grupo no Facebook.

- Exposições virtuais - Fotolivros "Usuári0" e "Metanoia" -

2021-06-21T11:12:00.001-03:00

Neste mês de junho, tive o prazer de participar de duas exposições virtuais montadas com uma particularidade em comum: ambas tiveram como culminância a publicação de um Fotolivro. O primeiro a ser publicado virtualmente foi o Fotolivro Usuári0 (no dia 1º de junho), uma iniciativa que reuniu 25 artistas de diferentes nacionalidades. Publicado através da plataforma Issuu (e que pode ser visto por todos por este link) também houve a divulgação das obras através do perfil dos organizadores no Instagram. A outra participação foi no projeto do Fotolivro Metanoia, com participação de 10 artistas com obras de literatura e artes visuais e que foi ao ar no dia 17 de junho. Assim como o anterior, também foi publicado pela plataforma Issuu (que pode ser visto neste link) e, assim como o primeiro, também houve a divulgação do trabalho dos participantes através do perfil dos organizadores no Instagram.

A ideia da iniciativa do Fotolivro Usuário, além de um projeto editorial para a difusão de artistas, é focar através da experiência artística de cada participante na quarentena, uma análise do mundo exterior e interior, construindo suas próprias identidades. A iniciativa visa também, através das obras, uma análise introspectiva e uma perspectiva pelos olhos do outro.

Já no Fotolivro Metanoia, a publicação explora, através de várias formas de expressão pela arte, como nós artistas analisamos, experimentamos e resignificamos o mundo a nossa volta, por um ponto de vista bem pessoal.

- Exposição virtual coletiva "Sin Etiquetas" -

2021-05-15T11:52:00.002-03:00

Teve início no dia 9 de maio a exposição virtual coletiva "Sin Etiquetas" organizada pelos mexicanos do Projeto WOAF - Working On a Future. A exposição conta com a participação de 55 artistas diversos países como México, Argentina, Chile, Taiwan, Costa Rica, Colombia, entre outros. A inauguração aconteceu numa transmissão ao vivo via Facebook do WOAF onde os artistas falaram um pouco sobre o seu trabalho e a identificação com a proposta. A exposição acontecerá até o dia 29 de agosto.

No meu caso específico, estou participando com a obra "Sem rótulos" (do qual já falei por aqui há algum tempo atrás) que por uma grande coincidência é traduzida como "sin etiquetas" em espanhol, o que já criou um link imediato com a proposta da exposição e que naturalmente foi um fator importante para me motivar ainda mais a participar.

A seguir, a publicação no perfil do WOAF - Working on a Future, com a exposição virtual "Sin Etiquetas", exibindo todas as obras dos participantes. Mais abaixo, o vídeo da inauguração online do evento.

Video da inauguração do evento:

Além da exposição propriamente, durante este período de realização haverá a divulgação do trabalho dos participantes em diferentes plataformas, e as entrevistas com os artistas participantes no programa "Locura Cultural" onde cada um falará sobre seu trabalho, seu processo artístico e a troca de experiências entre os participantes via o grupo do Facebook do WOAF pensado para este propósito.

Veja a seguir a entrevista dada para o programa mexicano "Locura Cultural", realizado no dia 26 de maio, em companhia com a artista argentina Daniela Paola Zacur e os artistas chilenos Dina Rodriguez e Jorge Mella.

O WOAF - Working on a future é uma companhia de arte liderada por Rodrigo Verastegui e que está em atividade há 11 anos, divulgando e promovendo arte em diferentes segmentos.