從旅行愛上藝術史

以心理學角度分析達利的畫作 (醫學系_侯如盈)

noreply@blogger.com (Yu's ArtSpeak) — Wed, 07 Dec 2011 16:39:00 +0000

達利：「我和瘋子最大的不同就是，我沒有瘋。」[1]

薩爾瓦多˙達利（Salvador Dalí）是著名的超現實主義畫家，一生充滿了傳奇色彩。畫作將怪異夢境般的形象與卓越的繪圖技術和受文藝復興大師影響的繪畫技巧令人驚奇地混合在一起。對超現實主義、20世紀的繪畫有深遠的影響。

超現實主義主張透過作品將夢的世界和潛意識的世界呈現出來，其意識形態主要來自於佛洛伊德的精神分析理論，因此將針對超現實主義代表畫家之一達利的畫作，與相關的心理學理論作探討。

(一)佛洛伊德

根據佛洛伊德的理論，「我們的行為、思想、和情緒來自無意識中的害怕和願望，通常是從童年的經歷開始的。」[2]達利的出生是在哥哥的早夭之後，這對他的一生有很多影響，他的名字「薩爾瓦多」便是來自哥哥，而在父母眼中，他就是哥哥的化身。這與他的創作風格之一「雙重形象」有很大的關聯，一方面是客觀形體的存在，另一方面顯露出潛意識──隱藏的內心情感與慾望。

此外，佛洛伊德認為如果童年時被某些特定的動物嚇到，而產生逃避迴避的心理，可能會出現臨床上的動物恐懼症。以螞蟻為例，當達利還是兒童的時候，從堂兄手中獲得了一隻受傷的蝙蝠，達利對這只小蝙蝠，傾注了他所有的愛，蝙蝠佔了他幼小心靈最大的部份。忽然有一天，噩夢降臨在小達利身上，不知什麼原因「他最愛的小蝙蝠被一大群瘋狂的螞蟻包圍著，奄奄一息。而達利做了一件瘋狂的事：他拿起爬滿螞蟻的蝙蝠，使勁地把蝙蝠的腦袋咬得咯吱咯吱響，然後把它扔進水池裡。自此以後大群螞蟻咬嚙的景象在心中揮之不去，像潛意識符號一樣，在達利的作品中反覆出現。這群忙碌的螞蟻通常是緊張、焦慮和衰老的象徵，暗示著達利潛意識裡的恐懼、無力、不安和性焦慮，有時更成了死亡的象徵。例如「記憶的堅持」中，紅色懷錶上聚集了一群螞蟻，彷彿點出殘酷的時間流逝將導致死亡；「納希瑟斯的蛻變」中右方的像手的石膏上也有一群向上爬的螞蟻，透出死亡與荒蕪的氛圍。

而佛洛伊德的自我、本我與超我理論，也與人的意識、潛意識有極大關連，其中本我是人格結構中最原始的部分，包括一些生物性的或本能性的衝動，是個人行為的原始動力，藉著立即的滿足，來宣洩原始的衝動，最強烈的就是性慾。又，佛洛伊德認為「夢是通往潛意識的捷徑」，睡眠時意識放鬆、平日被壓抑的原始慾望以偽裝的方式呈現，而達利就是在畫作呈現其偽裝，例如「大自慰者」，以女性形象聯繫著性慾，不斷開啟意識深處，以沉睡的自畫像延伸至女性頭顱[3]。

又例如外部堅硬、內裡柔軟的麵包，在達利的畫作中有時是情慾的象徵，藉由在畫面中描繪麵包，達利可以盡情表達他對情慾的幻想，彷彿是乳房、臀部。例如畫作「麵包籃」。此外，抽屜也可以代表潛藏的情慾，「打開的抽屜就可以把人體內部一起揭出，包括肉體與靈魂兩者，這些開著的抽屜象徵對潛意識的探索。」[4]抽屜和兒童對封閉物的好奇心也有關，是對未知物探索的慾望，抽屜在達利的作品中常在女人體上出現，表現了達利的情慾的幻想。例如「著火的長頸鹿」、「擬人型的抽屜」。

在《夢的解析》中，佛洛伊德提出了夢的凝縮作用，是將少數夢的意念能以一種觀念元素表達出來，也就是一種「刪略」的手法來對付夢。而從此佛洛伊德又引出另一個概念：錦集人物(composite person)──將兩個以上的真實人物的特點集中於一人身上[1]。在達利的許多作品中，我們可以看到人體的組合拼湊，彷彿是夢境的組合，虛與實交織，例如「大偏執狂」就是一張臉複合了許多人體。

佛洛伊德用自戀表示自我以自身為對象、彷彿與自己戀愛的一種本能，這是一種普遍存在的人性，表示人把興趣、注意力放在自身。而達利的許多畫作中都有他自己的臉藏在裏頭，象徵了極端的自戀。又作品「納希瑟斯的蛻變」是以希臘神話中水仙花的自戀當作題材。畫的左邊是納西瑟斯對著水面，凝視自己的倒影；畫的右邊卻幻化成一隻石膏般的大手、上面爬了一些螞蟻，手中的蛋萌芽出一朵水仙。「河面的倒影象徵著達利將虛實與生死做一對照，隱藏著自戀情結，並藉由雙重影像複製了此一情結。」[3]

1929年達利提出偏執狂批判法，同樣根基於佛洛伊德的精神分析理論，與潛意識有關。和超現實主義所使用的「自動書寫」不同，創作者不是在潛意識中消極地等待成果，而是自己積極激發潛意識、並尋求有系統的整合，將幻想影像與現實世界結合。「與真正的偏執狂病患有所不同，達利認為『偏執狂批判活動』是清醒而有意地運用狂想的方式來『詮釋』這個世界，以發揮非合理性的異常繪畫效果，企圖有系統地將瘋狂合理化。」[5]藉由這種創造方式，達利將潛意識迸發出來的繁雜幻象予以組織，呈現出多重物象並置的景象。

(二)拉岡鏡像階段理論

心理學家拉岡提出鏡像階段理論探討嬰兒成長過程中對自我初步認同的發展，在6~18個月大時，嬰兒對鏡中自我表現出極高的興趣，能辨識出自己並顯現興奮的神情，初次感覺到身體完整性與同一性的感覺，並產生對自己的認同，甚至有「自戀」的現象。除了對鏡內自我的認同，個人認同也受到身旁他人對自我的反應來確立，也就是與他人發生想像關係確立自己身體的同一性，而想像與意象(image)相似[6]。達利則是利用水面倒影的方式將心理顯像，例如作品「納希瑟斯的蛻變」，畫中納希瑟斯與手透過想像建立了相似的形象；「倒影變大象的天鵝」，畫中天鵝的長脖子和翅膀在水中變成大象的長鼻子和大耳朵的形象。

根據拉岡的理論，在鏡子階段時，心智生命首次誕生，透過鏡像階段這個時期，產生了人的過去與未來，然而，鏡像階段卻只是根植於鏡子或他人的虛幻錯覺中，在達利的作品中，正顯露了這樣真實的虛幻、虛幻的真實，他眾多詭譎的作品帶領我們一次次思考。

(三)完形心理學

完形心理學認為人類對於視覺圖像的認知，是一種經過知覺系統組織後的型態與輪廓，而非所有各自部分的集合(wholism: The whole is more than the sum of parts.)。由此觀念推論，人在欣賞一幅畫時，畫面的每一個部分合起來產生某種形式關聯，才是人們得到的認知經驗。完形心理學家根據對現象的觀察發展出一百多種視覺法則，例如：接近律──位置較接近的東西我們會將他們知覺為一體；封閉律──我們傾向將物體看成完整的一體，而非分開的數個部分(見下圖)[7]。

而完形心理學的核心論點包括：經驗的重整、知覺的趨合現象及頓悟。

經驗的重整指的是形狀不僅是由當時刺激眼睛的圖形決定，而是人一生中無數經驗發展出的最新經驗；當有強烈的個人需求促使觀看者希望看到具有某些知覺特性的物體時，記憶會對知覺產生強烈的影響。例如「偏執狂患者的臉」，重組了舊經驗，獲得新組織及架構，同時體現了潛意識的衝動。

知覺的趨合現象指知覺能夠被歸類需要滿足物體能清晰被呈現，且必須與對應的記憶具有高度相似，例如「偏執狂患者的臉」中，本來是一群人圍著帳篷坐著，但向右90度轉後，構成與記憶中人臉相似的圖像。

頓悟指的就是看到的幻覺，完形心理學認為這是因為鄰近性及相似性造成的結構連貫完形。在達利的雙重影像中，知覺頻繁交替、處於不穩定的狀態，彷彿是在玩遊戲，「讓人覺得日常看到的現實並不是絕對可信任的，最終目的就是要使觀看者對現實所具有的那種盲目信任感完全解體。」[3]

例如「無解的謎」，畫面看起來是四分之三是山丘和水面，近面是一張桌子放著一把樂器和一個杯子的寫生，但仔細一看，卻彷彿可以看見：1.一個臥躺著的男子，彎曲的手臂托著頭部2.近景是一隻躺在桌子上的靈猴；3.背景部分的山丘和樂器組成一隻神話中的動物圖像；4.透明的杯子裏顯出一張獨眼巨人的臉；5. 曼陀林和裝滿水悲的般子組成的靜物寫生6.一位婦女的背靠在一條船上。達利使這些主題隨著觀賞者注意力的集中程度和接受能力而出現或消失，但這幅畫真正代表的到底是什麼，就像標題一樣是個「無解的謎」。[8]

又例如「在海邊的面部幻影和水果盤」，畫面中央可以看到一個人的臉孔正在幻化成水果盤，同時也變成那隻幾乎占滿整個畫面的狗；而山和隧道呈現出狗頭形狀，拱橋變成了狗的項圈，盤裡的水果看起來像是女生的捲髮、又像是狗的背部，女性的嘴與鼻尖像是水果盤的基座底部、又像是帶著白帽的保母背影。「消失的影像」中有著心思沉重的女人低頭思索著，與背景的床、簾幕又幻化成一張老人的側臉。

參考資料：

[1]:超現實主義大師──達利。何政廣主編。藝術家出版社

[2]:夢的解析。佛洛伊德著。志文出版社

[3]:達利創作內涵之教材化研究。梁麗珍。南華大學碩士論文。

[4]:藝術大師世紀畫廊第七冊幻想國度之神達利。胡永芬總編。閣林國際圖施有限公司

[5]:瘋狂敘事˙建構神話──論達利以「偏執狂批判」創造之「晚禱神話」。楊衍畇。

[6]:自戀魅影──以拉岡鏡像論應用於數位動態影像之創作研究。蕭龍德。銘傳大學碩士論文。

[7]心理學。陳皎眉主編。雙葉書廊有限公司

達達主義與龐克文化的跨領域分析及比較(醫學系_林靖容)

noreply@blogger.com (Yu's ArtSpeak) — Wed, 07 Dec 2011 16:35:00 +0000

壹、前言

最近讀到一本書，書名為「觀念藝術」(註一)，內容提到觀念藝術家著力於美學思考的新領域之探究，試圖排除藝術中商業及消費的一面，從而將他們的藝術活動延伸成社會的、生態的及智慧的關注，捨棄因循舊法的藝術製作。而這樣子的創作動機可能起源於布爾喬亞式消費者的脅迫，使得藝術家們不得不付諸行動，從制式的博物館抽退出來，投入公共空間，重新自我定義。無論接下來各自的發展為何，他們都有一個共同的目標：不被任何定義、派別、國家所限定。

回想老師上課所提到的內容，彷彿這並非第一次藝術家們以一種反抗原有、重新思考的角度去掀起藝術創作─這不就是達達主義嗎？其中異曲同工之妙讓我不禁想要一窺究竟，而在尋找資料的過程當中，也發現另一個耐人尋味的革命─龐克文化，若將這兩種藝術結合社會脈絡的分析，也許會有所收穫吧！

貳、達達主義

達達主義發始於第一次世界大戰爆發後，由杜象領導，來自歐洲各地的藝術家聚集在瑞士，創造反戰爭、反現代、反藝術的作品。這種概念的產生可歸因於當時戰爭對環境與人們所帶來的衝擊，即使戰後經濟持續發展，科技所帶來的樂觀已經被動搖，一些藝術家開始提出不同的想法，透過藝術和演出等方式來諷刺戰爭、反對傳統的必然性、並拒絕後浪漫膨脹個人主義，甚至提出「燒毀博物館」的口號，進而重新建立、思考藝術的價值。

關於「達達」一詞的由來，有些人認為這是一個沒有實際意義的詞，有些人則認為它來自羅馬尼亞藝術家查拉和詹可頻繁使用的口頭語「da, da」，在羅馬尼亞語中意為「是的，是的」。最普遍的一種說法是，1916年，一群藝術家在蘇黎世集會，準備為他們的組織取個名字。他們隨便翻開一本法德詞典，任意選擇了一個詞，就是「dada」。在法語中，「達達」一詞意為兒童玩耍用的搖木馬。

達達主義正如隨手翻開書所得到無意義的名字，它並非一般的藝術，而是致力於呈現反藝術。在第一次世界大戰後，廣泛的引起人們注意，主要目的強調破壞、反叛、諷刺當代，包括如戰爭、舊傳統、社會人性的一切事物，作品呈現無意義、機遇性。意在告訴世人，大戰造成的災難，道德或美學價值都變得沒有意義，並且需要重新思考美醜的觀念。常見的創作利用拼貼(collage)、蒙太奇(montage)、現成物的方式呈現，如：杜象的小便斗^[圖一]、現成的自行車輪^[圖二]。至今留下許多令人困惑、甚至憤怒的作品；它們到底是不是藝術？無論你的答案為何，無可否認地，達達主義早已深深地影響其後藝術的發展及走向，如超現實主義等。

叁、龐克文化

龐克紀元起源於史上影響力最大的龐克樂團－性手槍（Sex Pistols）公開表演的1976年，由四個英國青年約翰．萊頓（John Lydon）、史提夫．瓊斯（Steve Jones）、保羅．庫克（Paul Cook）以及葛連．麥拉克（Glen Matlock，後來被「邪惡席德」[Sid Vicious]所取代）。他們以十分業餘的姿態唱吵雜又簡單的曲子，其間夾雜粗話和藐視觀眾的舉動，例如當眾將含在嘴中的糖吐在地上，或者不斷辱罵準備要上場的樂團...等等，這樣子的表演時常引起憤怒、群架。一團亂的表演當然沒有人鼓掌，而萊頓也表示：「我不在乎，我們根本不打算討好觀眾。」雖然只存在了短短的兩年，性手槍（Sex Pistols）樂團卻如同龍捲風一般席捲全英^[圖三]，甚而影響到全球，至今只要一提到龐克音樂（文化），馬上就聯想到他們。

為什麼這幾個當年才二十歲的小鬼頭有辦法以惡搞行動掀起世界性的文化運動狂潮？樂評、學院的文化研究學者以為數龐大的論文、書籍探討龐克運動的成因。時代背景上，一九七五年的英國陷入空前的經濟蕭條，失業率創下二次大戰之後的新高；一九七五年二月，柴契爾夫人當選保守黨黨魁，力推個人主義；當時的流行音樂市場為大型唱片公司掌控，枱面上的走紅的藝人以繁瑣複雜的音樂風格取勝，並花費了龐大預算於過度華麗的打扮；連一九七六年英國夏日異常的酷熱與久旱不雨，也被認為是龐克狂潮的成因之一。

目前的龐克運動已經演化到以實質而非風個取勝的階段；僅僅以外表上與主流不同是不夠的，還必須把自我內在意識的不同強調出來。「龐克並不是什麼，它不是一種流行，不是一種特定的服飾，反叛父母親的暫時現象，或者是一種特定的音樂風格或形式－它是一種引導並驅動生活的觀念。龐克族群的存在是透過音樂、藝術、同仁誌^[圖四]，以及其他個人創造力^[圖五]的表達來支撐並實現這個觀念。這個觀念是什麼？為你自己而思考、做自己、不要只是讓社會來告訴你；創造你自己的法則，過你自己的日子。」（MarkAnderson，《Positive Force》，傳單，1995，註二）對那些身在龐克運動中的人來說，龐克不只是音樂，它是一種社群意識，並且是可以讓各人分享觀念、產生變化的康莊大道。「我們已創造了自己的音樂、自己的生活方式、自己的族群和自己的文化。我們正基於愛在鼓吹一個運動，為了期待和平到來的那天而採取行動。我們可能步履蹣跚，但成堅持走下去，我們天天都能創造自由，只要我們願意，就能做到。」（《Profance Existence》，1990，註三）

肆、社會學分析下的兩者

要由社會脈絡下去推演不同藝術及運動的產生，首先要能夠了解大眾社會的幾個特性：一、由於工業與都市的發展，大眾社會中的各社團各持其說，互相抗衡，而構成團體與團體間的鴻溝。二、大眾社會中傳統與現代間已呈現及明顯的龜裂，其原因是由都市社會與工業社會的生活型態，打破了傳統的社會生活的型態。三、大眾社會的特色中有文化混亂的現象。其原因乃是個制度中的規範與法典互相矛盾，各信念也互不相容。四、自動化與專業化的影響，使社會多樣性和差異性不斷增加。五、個人生存在大眾社會裡，無法避免不滿足和不如意的衝擊，而個人的不安終究會累積成社會的不安。(註四)社會本身由龐雜的因素所構成，但僅僅制度間的失衡就能使原來的社會產生不安與解體。而達達主義與龐克文化的時空背景，顯然吻合第三點和第五點。第一次世界大戰後，許多人對世界的感知已經和戰前完全不同，見證戰爭的殘酷與文明的脆弱，迫使人們重新思考、定義既有的概念；一九七五年的經濟蕭條、政治的擺盪，動搖了舊有的價值觀，鼓動人們擺脫傳統桎梏，尋找自己的方向。

面對種種變遷，社會運動就是其中一種調適方式。社會運動是集體行為的一種型態，也是一群人共同參與並推動某一目標或想法的活動。社會運動涉及有組織的行為，而且企求改變包括歷史、經濟、社會、教育、文化諸多權力的不對等關係現狀，其後果可說是社會變遷；而本文提到的兩個事件應該可以被歸類在表現運動及價值取向的社會運動。當社會中的人士被社會體系、制度、及規範所限制，在他們感到無所適從的情況下，最容易產生表現社會運動。(註五)價值取向的社會運動有以下兩種特色：一、理想具有社會公義性的含義，它是一種保守的趨勢。二、既為理想，此理想與社會現實脫節。(註六)在社會運動中忽然提出的新價值，往往對故有社會形成一個挑戰。民眾在這種情形下可能會產生兩種衝突的勢力；一方面當社會體系本身有嚴重問題時，一部分民眾很容易接受這種新價值，另一方面若社會比較安定時，卻能產生相抗衡的阻力。在第一次世界大戰後與一九七五年的經濟蕭條之下，達達主義與龐克文化都提出了各自的理想─重新建立、思考藝術的價值和創造自己的音樂、自己的生活方式、自己的族群和自己的文化；兩者不論理想或者表現方式都與社會起了某程度的衝突，因為這樣的想法前所未有，而且其呈現的型式並非一般人所能夠馬上接受。甚至，我們還可能基於對於他們的不了解而標籤化、汙名化他們；提起龐克，我們可能聯想到不良少年、吸毒...等等，而達達主義也因為其創作的機遇性而有時難以解讀。

伍、符號學分析下的兩者

美國哲學家皮爾斯認為人類的一切思想與經驗都是符號活動，提出符號學的理論是在探討意識與經驗的學問，意義的生產製造就是一種符號化的過程，而經驗的體會更是符號意義化的手段。(註七)在認識達達主義與龐克文化的時代背景的前提下，我試圖分析兩種運動中幾個作品想傳達的意義：

首先，在1920-1921年間，杜象男扮女裝創造另一個自我(alter ego)─蘿絲‧瑟拉薇(Rrose Selavy)，並請曼‧雷(Man Ray,1890-1976)替他/她拍下一系列的照片^[圖六]，蘿絲‧瑟拉薇的雙關語及「愛慾，即生命」(Eros c’est la vie)，杜象的扮裝是模仿當時消費文化中，具誘惑性的女性形象；曼‧雷以具有美化作用的柔焦攝影手法來增添他/她的魅力。(註八)輪廓鮮明的雙唇、微翹的手指、柔媚的眼神、及帽子和圍巾所造成臉龐若隱若現的效果，我猜想杜象是以一種諷刺的方式呈現時下消費文化中理想的女性形象，以及布爾喬亞式藝術窠臼的可笑。

接著來看曼‧雷本身非常有名的一部作品，Kiki, Le Violon d'Ingres^[^圖七]。曼‧雷刻劃出一個古老的大提琴手(隱喻畫家Ingres)，雙腿夾著他的大提琴就像他夢想著雙腿夾著個女人一樣。照片中女人背部複製了的樂器音箱縫細的記號，頭巾與布幔，似乎提琴手的夢想已經勾勒成真。此外，Man Ray這種半戲謔的達達手法，也逆向挑釁了造型藝術史上Ingres的裸體名畫，似乎嘲笑這幅人體名畫不過只像是個大提琴音箱。(註九)這張照片，可以說是呈現女人獨有的柔美曲線；從另外一個角度看來，把女性的身體，比擬為大提琴，卻是一種物化。許多藝術作品當中的女性，是沒有名字的；他們之所以存在，是因為男性畫家的勾勒，而作品旁邊永遠只標示著男畫家的名字，沒有女性模特兒的名字。作品當中如果出現女性的臉，那往往不是重點，重點在於其身體的線條、物性；以此圖為例，整張照片的重點在於其背部，而微微轉過來的側臉看不清楚五官，目的只是在增強整部作品中柔美特質罷了，我認為這可以說是另一種對於女性的貶低的型式。

最後取一張龐克圖片做為代表，分析及推敲圖像所帶來的意念。^[圖八]這張相片中除了白色襯衫之外，以紅色與黑色為主調。紅色是暖色系中最溫暖的顏色，不僅最具刺激性，也是最曖昧的顏色；在其數種意義當中，我認為龐克最可能採用的是其繁衍與再生的象徵。龐克的精神在於走出自我，而這樣的轉變如浴火鳳凰，在火焰中燃燒自己，在灰燼中重生。黑色是一種無彩色或光亮的顏色，在占星術中象徵土星，讓人聯想到年老、時間、及死亡。即使死亡是令人害怕、不快的，也唯有死亡才能獲得新生，拓展出截然不同的方向、道路。(註十)眉毛、鼻子、嘴唇附近都有穿洞，應該是一種表達自我的方式，如同在自己身上刺青一樣，也許代表成長過程中某個重大事件，也可能代表個人的主張與個性。

陸、結論

綜觀達達主義與龐克文化，即使在不同的時間與空間，卻有相似的氣氛與訴求─人心惶惶、重新搜尋對於事物的定義、反對時下箝制思想的傳統美學或者社會法則、找出自己的方向和生活...等，兩者都影響了後代社會、藝術、思想發展；不同的是，前者最後以一種勝利的餘韻，使得所有藝術家不得不承認其對於後現代藝術的發展，而後者則從未消失，從頭到尾以一種次文化的型式，不盛也不滅地存在迄今。

無論達達主義與龐克文化的型式或者盛況是否在改變，不變的是人們在有形或無形的限制下，尋求出口、重新定義自我及事物的精神，而那樣的精神，正是人類之所以能夠不斷成長、創新的原因。

柒、引用書目與參考資料

註一、《觀念藝術》/Gregory Battcock編/連德誠譯/初版.遠流

註二、《龐克的哲學》/Craig O’Hara著/吳佳臻譯/商周出版社/p.46

註三、《龐克的哲學》/Craig O’Hara著/吳佳臻譯/商周出版社/p.51

註四、《社會運動學》/李長貴著/水牛出版社/p.4

註五、《社會運動學》/李長貴著/水牛出版社/p.95

註六、《社會運動學》/李長貴著/水牛出版社/p.80

註七、《傳播符號學理論》/約翰‧費斯克著/張錦華譯/遠流出版社

註八、《陰性顯影：女性攝影家的扮裝及自拍像》/劉瑞琪/遠流出版社

註九、http://imagecoffee.net/cipdb/m/manray.htm

註十、《符號與象徵》/Miranda Bruce-Mitford & Philip Wilkinson著/李時芬、林淑媚譯/時報出版/p.280-283

漢斯‧利希特著《達達─藝術和反藝術》藝術家出版社1988年6月5日出版

何政廣著《世界名畫家全集杜象：現代藝術守護神》藝術家出版社2001年出版

華天雪著《達達主義》中央編輯2000年出版

皮爾‧卡巴那著《杜象訪談錄》張心龍譯.台北：雄詩出版社.1986年

http://www.wikipedia.org/

http://tw.myblog.yahoo.com/dahsau/article?mid=1232&prev=1253&next=-1

http://masquebal.com/category/punk/

http://jeph.bluecircus.net/

http://goya.bluecircus.net/archives/006003.html

http://album.udn.com/a087239920/photo/408531?o=tt

解開Rene Magritte的六個心理學密碼(尤思涵_醫學系)

noreply@blogger.com (Yu's ArtSpeak) — Mon, 28 Nov 2011 05:43:00 +0000

前言

超現實主義畫家Rene Magritte的作品時常在令人玩味的圖像和符號語言中隱藏深刻的省思和批判。實與虛的扭曲、真與假的破碎、是與否的解構，Rene Magritte的作品不僅打破了畫作平面二維的沉默，更撼動了我們對世界認知的根基。以下試從六個心理學學派來解開Rene Magritte作品與靈魂中的「超現實」。

(一)打破感官知覺的組織法則：Rene Magritte畫中的「知覺心理學」

知覺心理學重視的是人腦對於外界刺激的看法與理解，知覺使我們能夠對外界的感覺訊息進行系統化的組織與詮釋。Rene Magritte的繪畫手法時常打破知覺心理學中歸納的組織法則，帶給觀者不同的衝擊式感官體驗。

在《The Giantess》中，Rene Magritte利用違反空間知覺法則的手法，創造觀者視覺上的空間衝擊。空間知覺法則中提到，人的知覺會自然覺得遠的事物較小，近的事物較大，而在《The Giantess》中，遠與近的知覺距離衡量似乎被扭曲，離觀者較近的黑衣男子被縮小，而中央的女體被放大，使我們產生這到底是距離的錯覺，抑或是悖離真實的發想？

《The Giantess》

知覺心理學派中的格式塔學派提出了知覺組織的規律，解釋知覺如何把各個元素整合為一個整體。而Rene Magritte的畫作《The Blank Check》中即是打破了知覺組織的「相似性」和「恆常性」。「相似性」是指我們習慣將外表或實際性質相似的東西歸納為一類，而和其他不相似的物體分離，如圖一，我們會直覺地將白色的四區塊和中央的黑色十字架分離。同樣在《The Blank Check》中，我們的視覺習慣將深色的樹木歸成一類，騎馬的人為一類，但是Rene Magritte卻將這兩區塊作了重疊與拼貼，做成我們知覺「恆常性」的破壞，即在感官刺激的不斷變化下，我們對同一事物保持相當程度穩定性和既有印象的法則被解構。

圖一
另外一個Rene Magritte的施展知覺密碼的手法是造成觀者的「視覺失衡」，即當我們視覺接受到的訊息與期望不相符合時所產生的緊張心理狀態。這個概念與前頁所介紹在社會心理學上的認知失衡是相同的，視覺失衡其實就是認知失衡的一種，只是在這裡我們更強調視覺經驗的失衡所帶來的影響。像是《Not to be Reproduced》中，我們對於男人在鏡中正面呈像的期待不被達成，造成了我們在知覺上的衝擊，不過誰說那一定是面鏡子呢？

《Not to be Reproduced》

(二)解構表面世界的新詮釋：Rene Magritte畫中的「認知心理學」

認知心理學主要研究方向是人們對於認知和行為背後的心智處理方式，包含了人類的推理、創造力和解決問題的能力。Rene Magritte畫作中許多的意象就像是考驗觀者對於既定認知的轉動、解構和創造，尤其注重在認知的轉換和連結。

看到《Perspective: Madame Recamier by David》中的躺椅，我們的認知圖像裡總會想到躺椅上的人，但是Rene Magritte卻把它換成了帶有人彎著腰的形像的棺材意象，考驗我們對於既定觀點的意義延伸，躺椅上躺著的可以是人，尤其是活著的人，棺材裡躺著的也可以是人，尤指死亡的人，那麼把人的實體抽離，躺椅與棺材就好像是人之於生與死的兩種乘載。

《Perspective: Madame Recamier by David》

在《Time Transfixed》中，Rene Magritte把壁爐和火車兩者冒煙的意象相結合；冒煙的火車像是從山洞中駛出，而壁爐的炊煙就像是直接來自火車頭。Rene Magritte丟給觀者一個認知的省思：超越表面圖像的衝突，找到意義層面的連接與呼應。

《Time Transfixed》

(三)意識與潛意識的交融與反動：Rene Magritte畫中的「動力心理學」

弗洛伊德的心理動力學理論對於超現實主義有很大的影響與啟發。他把人看作是由內部和外部力量組成的一個復雜網路所推動的，並承認了人的天性並不是永遠理性的，行為可能被不在意識範圍內的動機所驅使，而人們總是嘗試解決個人需要和社會要求之間的衝突。Rene Magritte的畫作裡總是充滿心理動力學派中的衝突：本我與超我、意識與潛意識。

以這幅充滿視覺衝擊和爭議《Rape》為例，Rene Magritte批判了人類視覺的習慣理性和隱藏在內心深層的原始慾望。本我對於女體形象的欲望和超我欲符合社會期待的人臉意像互相衝突，產生了這幅引人深省的作品，就如同意識和潛意識之間互相的拉扯與反動，其中心靈掙扎奮鬥的痕跡就成了這幅《Rape》。

《Rape》

(四)童年經驗裡的最藝術的哀愁：Rene Magritte畫中的「發展心理學」

發展心理學研究的是人類隨著年齡的增長，在其發展過程中的心理轉變，最主要著重於兒童的心理發展過程和發展危機。Rene Magritte十四歲的時候，一直都有自殺傾向的母親投河身亡，這個打擊使他變成一個個性焦慮不安、悲觀、憂鬱、叛逆而反社會的少年；而這個童年發展過程的創傷在他的品中留下了許多令人不勝唏噓的痕跡。

《The Lovers II》《The Menaced Assassin》

Rene Magritte的母親體被發現時，臉上蓋著裙子的下襬，這樣的形象在Rene Magritte心中留下了深深的震撼，並強烈地展現在畫作中。《The Lovers II》和《The Menaced Assassin》中蓋著白布的人臉形象或屍體都反映了Rene Magritte在同年發展過程中的創痛，這也是發展心理學家長久以來在童年經歷與日後人格養成兩者關係的研究過程中極力分析、歸納與治療的重點。而在《The Lovers II》的白布下，除了是童年的陰影之外，理應表現的情感也頓時變得模糊、迷離而不可測，它掩飾了重要的表情，就如同把熱情溫暖的情感硬生生抽離一般的矛盾。

除了白布的意象之外，破碎的女體也是Rene Magritte畫中的童年創傷表徵，可見成長歷程中對於失去母親的深刻感受已經不知不覺從心靈滲透到畫筆，再從筆觸中蔓延到觀者心中。

(五)對中產社會最深色的咆哮：Rene Magritte畫中的「社會心理學」

社會心理學的內涵是以社會中的人與人互動及人和團體互動之層次為面向，研究人際中的心理與其相對應之行為。Rene Magritte的畫作隱含最多社會面向的或許是他對中產階級的批判與反思，最經典的意像就是帶著象徵中產階級黑帽的男子。

《Gonconda》《homesickness》《Presence of Mind》

在《Gonconda》和《Presence of Mind》中，Rene Magritte將相當不合常理的幻想畫得異常冷靜，似乎對畫中的美麗想像不帶有溫度；從天而降的黑帽男子抽離人類天生豐富的表情與肢體動作，冷冰冰地、像雨滴般地垂直落下；另一個黑帽男子被擺在巨大的鳥和魚中間，好像就是屬於跟它們同一類一般地尖銳或冷血，在藍色陰鬱的筆調內，他同樣也被抽離了人類的溫度，這些就好像Rene Magritte對中產階級資本主義的無情批判。而《homesickness》中，似乎就畫出了中產階級男子的心聲：象徵勝利、光榮的獅子帶著金色的光輝與長著陰暗黑色翅膀、想要逃離的男子形成了一個對比，好像在訴說著中產階級光亮表面下的悲哀和惋惜。Rene Magritte打破社會心理學中的「服從」、「從眾」，用批判的眼光繪出大眾眼中習以為正向、正確、亮麗的事情，是一種批判，也是一種真實的發聲。

(六)什麼是真實？桶中之腦的批判藝術：Rene Magritte畫中的「哲學心理學」

「桶中之腦」是哲學家希拉蕊普特南在《理性、真理和歷史》一書中提出的概念：他假設將我們的大腦放入一個裝有營養液的桶內，並用超級電腦連接腦的神經末梢，以傳遞各種訊息進入大腦，所以大腦所感知、知覺、體驗、理解的世界其實都是電腦製造出的一種幻覺。哲學家多年以來一直在思考什麼是「真實」，心理論、物理論、身心二元論等都不斷提出對於真實的界定，或機械式、理性式物理感知，或心靈式、感受式的心理知覺；而知識論的各個不同派別也極力挑戰人們對於「知道」的認知與觀點：我們真的「知道」嗎？Rene Magritte的畫作往往都挑戰了人們在真實世界的體驗，然而我們又怎麼確定誰才是真實的？如果依照著桶中大腦的思路，一切既定的真實和心靈的想像不過都是意識或外界力量的操縱，那它們應該都是真實嗎？或它們或許都不是真實。

Rene Magritte有名的畫作《The Betrayal of Images》中就是挑戰人類對傳統真實認知的極限。物理論哲學家說，真實就是我們物理式、身體機械式感受到的真理：《The Betrayal of Images》中的煙斗形象透過視覺、經過大腦，物理式地告訴我們，那是一個煙斗。心理論哲學家說，真實是我們心靈的感受，我們不受制於物理的框架，我們有更多無法用理論解釋的情感：《The Betrayal of Images》中的文字告訴我們，這不是一個煙斗，它只是承載著煙斗的意象，我們的心靈可以對它有更豐富的想像。Rene Magritte的畫總是像哲學家一樣，企圖提醒我們表面背後的思考和批判，不要以為我們真的「知道」什麼是「真實」。

《The Betrayal of Images》

總結：從Rene Magritte作品的元素看見Rene Magritte心理的世界

Rene Magritte的畫作總是充滿著許多心理學的密碼，令人反覆玩味與省思，而除了這些總體來看的心理學意義之外，他的畫作中更有許多分散的細小元素，有著代表Rene Magritte作品的特性，更有總體象徵的意義。

(一)天空與延伸意象

Rene Magritte畫中最大的特色是湛藍的天空，而這些天空總是配合著許多延伸的意象，像是提醒觀者打破思考的框架；下是下面四幅圖，一方面像是天際廣闊的意象蔓延到了畫者筆中，一方面又像畫者心中的無限寬廣容納了整個天空。

(二)黑暗的侷限與天藍的延伸

Rene Magritte常把侷限的空間與廣闊的意象互換，挑戰觀者對於容量的既定規範：充滿天空圖像的眼眸、鳥身和窗戶，這些有著「視野」意義的圖像經過Rene Magritte無邊無際的想像，變得更遼闊而不可限量。

(三)失去表情與溫度的臉

Rene Magritte對於人體的描摹除了失衡或破碎的女體、冷酷的中產階級男子之外，更多的是沒有表情、被遮掩的人臉，取而代之的是失去溫度的物體，令人有無窮的聯想。

(四)牢籠之鳥的束縛與解放

Rene Magritte經常使用鳥、蛋、鳥籠的意象來批判社會中的束縛與解放之意義：被牢籠關住的是但卻不是鳥、人心的位置有著關住鳥的牢籠、畫家看著蛋卻畫出被平面束縛卻有著展翅形象的鳥，這些意象都像是一種對於人心束縛的諷刺與嘲弄。

Rene Magritte的繪畫總是需要人們對於既定形象與認知的解構與重新建構，就像下面兩幅圖一樣；用六個心理學密碼與元素去發現Rene Magritte心靈中「真實」的世界，超現實或許也是一種現實。

參考書目

(1)楊文玄(民86)。超現實主義 = Surrealisme。縱橫文化。

(2) VeneziaMike(2002)。Rene Magritte。Children's Press。

(3)陳皎眉(2009)。心理學。雙葉書廊有限公司

未來主義與汽車發展之關係(陳宏宇)

noreply@blogger.com (Yu's ArtSpeak) — Mon, 28 Nov 2011 05:38:00 +0000

一. 前言

未來主義崇尚著噪音與動力，在汽車發明不久後影響世界。未來主義的作品充滿線條的美感，給人滿有能量和速度的感覺。在追求速度的車子上，設計者不斷追求卓越的過程中，完完全全展現出未來主義的內函在其車身上，有些更融合其他不一樣的元素在內，使每一輛車都看起來像是件藝術品，接下來的內容中，將會看到一台房車的演進和數台跑車多元風格的設計。

二. 車體的演進

雖然車體形狀的改變，不完全是受到未來主義的影響，也是因科學測量後，為了降低空氣阻力所做的改變，但我覺得如果少了未來主義，車體就不會那麼類似的演進。以下三張圖，分別是Honda的Accord車型的第一、第五及第八代車型，當中完完全全顯露出設計師追求未來主義，一代比一代更飽滿有力的氛圍。

1976-1981第一代

第一代的車型外觀非常方正，圓形的頭燈在其中相當顯眼，引擎蓋上有三條紋路，營造出速度感。

1993-1997 第五代

第五代雖然車體依舊有稜有角，但比起第一代車型更為和諧，水箱蓋改為線條狀讓人比較不會有沉重的感覺，頭燈也規矩的鑲嵌在前，減少前代的突兀感。

2008-至今第八代

第八代車型幾乎沒有稜角，車體是流線型，引擎蓋和門板，天花板微微的凸起帶給人飽滿的感覺，使整台車看起來充滿能量，頭燈也稍微向後拉，使整台車給人一體成型的感覺，即便是靜止也像在奔馳，營造出速度感和力量的美感。

三. 概念車的設計

概念車皆是各家廠牌所推出最先進、最前衛、最能代表造車工藝的技術與科技發展的設計，也決定了其公司之後車型的設計理念。概念車雖然不一定會量產，但其天馬行空、跨時代的想像，不會被當代工業技術所限制，能完全表達設計師完全的靈感，每次總能令人眼睛為之一亮。

A. Maybach Exelero (2005)

Maybach是間百年德國超豪華汽車品牌，此台概念車Exelero融合古典與未來，以誇張的車身比例營造出強烈的速度感。

B. Saab AeroX(2006)

此款車以戰鬥機為藍圖所設計，駕駛艙內用不少LED光源點綴，使內裝充滿未來感，並且秉持未來主義的精神，車身上留有線條，展現出力的美感。

C.
BMW 328 Hommage(2011)

此車是為了紀念BMW 328(右圖左車)推出75周年所設計出的概念紀念車款，前衛的設計融合了經典復古的造型，車身側面簡約的線條，彷彿一切均是為了空氣動力而生一樣，誇張的上揚裙邊讓它具備了更強的視覺衝擊。與張揚的側身線條相比，復古韻味強烈的輪圈造型給人一種低限主義般，單純、重複的美感。

此車內裝設計也耐人尋味，以線條延伸的感覺佈滿整個駕駛艙縱使方向盤是以復古的感覺去設計，整體還是流露出相當未來的科技感。控制台的部分，按鍵非常少，還用了2台iphone顯示需要的資訊，表現出極簡風，給人簡約、高貴的感覺。

四. 結語

汽車是工業的表像，未來主義在當中表露無遺，當19世紀末汽車被發明時，汽車純粹只是交通工具，20世紀初，未來主義的出現、科技的進步，都使車子的外型漸受重視，成為展現工業實力的藝術品，未來主義持續帶領汽車進化，設計者不約而同的都把誇張的線條融入當中，使車子越來越動感，即使車子停住，也要散發出蓄勢待發的力量感，絕不安分待在原地。21世紀不僅僅在追求速度，現在的汽車有越來越多的風格融入當中，不再只是一味的展現力量和速度，有些多了柔和的原素，有些則展現出簡約的美感；隨著環保議題受重視，節能的巧思在車上也可以看見，像是讓車身更流線型降低風阻、捨棄傳統大又笨重的大燈，改採結能高亮度的小LED燈以各種形狀擺飾，都散發出多種不同藝術的氛圍。

五. 心得

「這世界的壯麗因著新的速度之美而益加豐盈。」

1909年義大利詩人馬里內蒂(F.T.Marinetti 1876-1944)發表『未來主義宣言』

在得知要報告的幾天後，無意間看到幾台外型酷炫的跑車，突然腦中閃過了課堂中講過的未來主義，喜歡看跑車的我就很熱血了決定要寫一篇跟車子有關的報告，也很直言的就斷定汽車的大致設計走向一直在追求著未來主義，誰知道圖書館和網路上有關這類的設計相當稀少，汽車的文章不外乎是寫馬力多少、速度多快，鮮少有人提到秉持著什麼理念設計的，所以我只好就憑自己的眼睛跟想法自己寫出這篇報告，第一次整篇報告用手打出來，用自己的感覺去寫出車子的賞析，雖然沒有辦法做出很精闢的解析，但我找到了做報告的熱情，在找資料的時候總會有「哇~原來是這樣」的聲音出現。

六.參考資料

A.參考書目

1. 張海燕譯,《汽車未來趨勢》,全華出版,2009年

2.李硯祖著,《造型藝術欣賞》,五南出版,2002年

3.Stephen Little著吳妍蓉譯,《西洋藝術流派事典》,果實出版,2005年

4.柳鳴九主編,《魔幻現實主義未來主義超現實主義》,淑馨出版,1990年

B.參考網站

1.〈前進未來飆革命---未來主義(Futurism)〉

http://www.wretch.cc/blog/toledo0225/21200516

2.一些概念車的介紹

http://home.gamer.com.tw/creationDetail.php?sn=1321377

C.圖片來源

1.HONDA: http://www.honda-taiwan.com.tw/ (圖一~圖三)

2.Maybach: http://exelerocar.com/ (圖四~圖六)

3.NetCarShow.com(汽車桌布網站): http://www.netcarshow.com/ (圖七~圖十)

明和電機-KUSO的搞怪藝術(林佳翰)

noreply@blogger.com (Yu's ArtSpeak) — Mon, 28 Nov 2011 05:32:00 +0000

第一次耳聞「明和電機」這個名字，大約是在一年前，一堂互動設計與媒體設計的課。在課堂上，老師提到明和電機的許多具有互動性的搞怪藝術作品，因為當時的課程有上到關於類比訊號的互動，所以就提到了明和電機的「Tsukuba Music」，一種類比機器的演奏方式。那時看了些許明和電機的演奏影片，真的非常令我難忘與驚奇，因為我真的沒有想到，原來音樂可以這樣玩，看似普遍的機器，經過明和電機的巧手與創意，利用一些木板、鐵片接上電路，就可以讓物體發聲，真是不可思議！當下我真的很佩服他們的創意與大膽的創新，而他們另類KUSO搞怪的演出也讓我印象深刻。

相信第一次聽到明和電機這個名稱的人，直覺上就會聯想到似乎又是一個生產工業化下的產物，這樣的名稱不免讓人誤以為真的是一家電機公司，但出乎意料之外，這是一個表演藝術團體的名稱。令人匪夷所思的是，為什麼表演藝術團體會跟電機這個工業化的稱呼扯上關係呢？在好奇心的驅使下，我上網查了一些有關明和電機的相關資料，才知道原來他們之前真的是在做電機產業，只是後來因為不景氣而面臨倒閉，後來經過土佐社長的巧手讓公司轉型，把電機相關機械改造，並發明成各種趣味的玩具商品、另類發聲樂器等。這位充滿創意點子的社長，把危機化為轉機，不但使公司另創一片天，也使原本外表冰冷的機械，變的更人性化、更平易近人，讓我們打破傳統藝術的觀點，以另一種角度欣賞藝術。

明和電機的藝術表演方式，是以自行研發製造的機器當作樂器，來進行音樂的表演形式，這些機器五花八門得讓人眼花撩亂，看到他們拿出這些機器時，一定會有「這是什麼？這真的可以演奏音樂嗎？」這類的疑惑從心底探出。作品中有長得像弓箭的敲擊琴－雙鋸弓、手部控制節奏穿在腳上的敲擊鞋－踢躂、看似像飛行器其實是個以木魚為出發點的敲擊器－響指木魚…等，太多看似荒繆和不可思議的機器，出現在他們的音樂表演藝術中。

此外，明和電機獨一無二的藍色團服，原本是普遍存在於各個工廠的工作制服，之後卻變成了最能代表他們的工作服。透過一致的工作服裝，讓觀眾感覺他們確實是一家有制度、有產品、有服務的「電機」公司。產品是他們所發明的搞怪機器，而透過整齊的藍色制服和無厘頭的風格，賦予觀眾新形態的音樂表演服務，打破了以往工匠們只要求機械之功能性的限制，他們結合了數位動態藝術，有些作品甚至還有樂器的功能，可以彈奏、與觀眾互動。除了表演之外，也有自製產品的販售，像是可愛的音樂玩具、出版書籍圖解玩具的設計原理和機制、表演時所穿的藍色工廠制服、表演的CD專輯等。這個獨特的「電機工廠」，儼然成為一個另類的工廠模式，有別於傳統的藝術表演團體，發揮他們天馬行空的想像力，創造出許多令人瞠目結舌的作品與表演形式（參考自《明和電機．搞怪=機器》山口勝弘+篠田守男+小松崎拓男+畠中實著，2004／蔡欣穎譯，2007）。

說穿了明和電機的最大特色就是搞怪。他們獨樹一格的表演方式，實在是既特別又另類。因為他們所製造奇形怪狀的機械，是可以操作演奏音樂的，每次在YouTube上觀看他們演出的影片，看到社長大人認真的演奏那些看似滑稽的樂器，結合無厘頭的搞笑方式，真的很吸引充滿好奇心的我。而明和電機在自己的作品介紹當中，最常提到的詞就是「沒有意義的機器」或是「愚蠢可笑的機器」，只要瀏覽過他們所製造過的東西，就會發現似乎「無意義的設計」占了大半，但是這類的產品卻有讓人發笑、使人愉快的作用。此外，除了表演機器外，他們所推出的玩具商品系列，也延續著這種無用但使人發笑的KUSO創意。

說到底像明和電機這樣的KUSO表演、所創作出的無厘頭產品，算是藝術的一種嗎？依據陳麗秋對於「數位藝術」一詞的解釋：「所謂『數位藝術』的創作，是指經過數位化的過程方法、手段產生的藝術創作，稱為數位藝術。而將傳統形式的藝術創作以數位化的手段或工具作各種方法的呈現稱為藝術數位化，因此凡創作時以數位化手段製作或製作時以傳統形式創作之後再加以數位化加工所產生的藝術作品皆可稱為數位藝術」（引自陳麗秋，2001）。並且，依據Robert Atkins在《Art Speak》書中對於「科技藝術」的定義為：「科技藝術並不是一項運動；它是運用複雜的科技，包括：電腦、雷射、全息圖（Holograms，即全像攝影）、影印、傳真機、衛星傳送等來創作的當代藝術。……它可以探索與科技有關的題材，或只是運用一種特定科技來協助意念的傳達，就如同畫家可能為了想要的畫面效果選用壓克力顏料而不是油畫顏料來作畫」（引自《藝術開講》Robert Atkins 著，1996）。

我認為明和電機所表現的就是科技、數位、藝術的結合。從藝術史料中可以發現，科技與藝術的接觸從西方文藝復興時期就可以看見端倪，當時像是達文西等人的繪畫，就是結合了解剖、醫學、色彩學等科學的作品；十九世紀攝影術的發明，引起了藝術家對於時間、空間、速度等元素的關注；二十世紀初期，未來主義、包浩斯等紛紛在速度、時間、空間、機械方面進行創作實驗；二十世紀中葉後，科技的發展不但帶來更便利的生活，同時也為藝術家帶來新的創作素材；現今藝術創作因為科技與新媒體的加入，展開出不同於以往的表現型態，讓藝術逐漸脫離傳統的界定範圍（參考自《台灣當代美術大系．媒材篇：科技與數位藝術》吳垠慧著，2003）。由此可知，藝術與科技其實是相輔相成，非截然二分。因此，科學技術的發現與發明，是科學家賴以探知世界的憑藉，也是藝術家可以用來表現創作的重要素材。科技與藝術的連結，創造出觀看世界的不同方式，也破除了一般認知中，科學的理性與藝術的感性互不相干的迷思。明和電機可以被視為科技藝術，也是數位藝術的一種，因為他們以電腦科技藝術為出發點，轉變成動態藝術與表演的結合，他們賦予傳統用於製造的機械一些藝術元素，使現代科技與藝術領域互相滲透，開拓出另一扇審美視窗。

而言之，像明和電機這類的團體，我認為不一定要一味的去定義他們所具有的藝術元素。他們的團名完全無法令人聯想到藝術家、他們所謂的作品當然也不像大家所熟悉的藝術品、他們的團服有別於大部分藝術家會排斥與一般人雷同的服裝或造型，取而代之的是普遍可見的工廠員工制服。他們的作品所存在的幽默與搞笑因素，使他們相較於其他藝術家，更容易使人親近，他們的表演有趣、具親和力、平易近人…。有了這些元素，明和電機所要表達的作品到底是不是所謂的「藝術」其實都不重要了，因為這類產品就是好玩、有趣，無用但是卻給予我們很大的快樂，所以娛樂也算是一個實質用處，這些其實就足夠了。

在最近這一兩個月中，我得知今年文建會辦的「2011年科技與表演藝術結合旗艦計畫」，會邀請自己所熟悉的明和電機來台灣演出《一百伏特的紐》，當時聽到這個消息時真的很興奮，很高興可以在台灣再次聽到他們的名字，也很希望可以去現場觀看，親自體驗現場氣氛、親眼目睹這些稀奇古怪的「機械」，可惜因為票價不是很便宜，所以還不會賺錢的我只能在YouTube上觀看影片來過過乾癮，自行想像現場看到這些樂器演奏的震撼感，實在是有點可惜，缺少親眼目睹的那種臨場感。希望下次還有機會可以看到他們幽默精湛的演出。

參考書籍與網站

【書籍】

明和電機搞怪=機器

山口勝弘+篠田守男+小松崎拓男+畠中實/著，蔡欣穎/譯 2007/11/01 ISBN：9789868333369)

【書籍】

台灣當代美術大系媒材篇：科技與數位藝術

(吳垠慧/著 2003/12/30 ISBN：9570154330)

【書籍】

數位藝術概論：電腦時代之美學、創作及藝術

(葉謹睿/著 2005/12/10 ISBN：9867487672)

【書籍】

數位「美」學？：電腦時代的藝術創作及文化潮流剖析

(葉謹睿/著 2008/05/19 ISBN：9789867034861)

【 DM 】滲透．2011數位表演藝術節

【網站】文建會2011年科技與表演藝術結合旗艦計畫http://www.2011penetration.net/index.htm

【網站】維基百科 - 明和電機

http://zh.wikipedia.org/wiki/%E6%98%8E%E5%92%8C%E9%9B%BB%E6%A9%9F

【網站】明和電機官方網站

http://www.maywadenki.com/

【網站】明和電機NOVMICHI SKTCHBLOG

http://www.maywadenki.com/blog/

2011關渡藝術節《討論》 Keskusteluja

noreply@blogger.com (Yu's ArtSpeak) — Mon, 05 Sep 2011 07:54:00 +0000

一種新的馬戲表演，一個現代和極度有趣的芬蘭新馬戲組合

WHS 是來自芬蘭的當代馬戲/ 視覺戲劇組合，由魔術師Kalle Hakkarainen，雜耍表演者Ville Walo 和佈景及服裝設計 Anne Jämsä 組成。團隊創作在過去的十年間，一直是他們背後的推動力量。迅速崛起於芬蘭的同時，他們的馬戲創作已經成為一種現代的，獨立的，不斷變化的形式，在此形式中，影像特為重要。
2011 關渡藝術節的演出《討論》Keskusteluja 於2006 年10 月芬蘭國家畫廊的奇亞斯瑪劇院進行首演，為一種新型態的馬戲表演。演出團隊是一個現代且極度有趣的芬蘭新馬戲組合，包括雜耍拿手的Ville Walo 和魔術師 Kalle Hakkarainen。表演的主題著重在雜耍、魔術和影像的相互關係。演出中，馬戲和影像也與不斷改變調性的音樂交互溝通與交流。

演出者：
芬蘭/WHS+ay-rOop

Time: 10/28(五)19:30 10/29(六)14:30, 19:30 10/30(日)14:30, 16:30
Place:國立臺北藝術大學展演藝術中心戲劇廳(台北市學園路1號)
購票資訊: http://www.artsticket.com.tw

2011關渡藝術節《快感》 Euphorie(演出者：法國/1024 Architecture)

noreply@blogger.com (Yu's ArtSpeak) — Mon, 05 Sep 2011 07:44:00 +0000

集合聲音、影像、動作及生命的電子音樂新表現
這一切都從跨領域藝術團體Exyzt而開始，Franz（跨域學科的共同創始人以及Etienne de Crecy與Vitalic scenographies的設計師）遇見了Fermand。《快感》於是誕生，這個作品源自於影像、聲音、動作、身體與空間中交互發展的互動作品，由1024Architecture所創作，大巴黎表演藝術推廣協會Arcadi所支持（巴黎Nemo數位藝術節的創辦者），聲音與視覺的表現，把舊的設備給取代以”霓虹吉他”，並且重新思考了吉他英雄的神話，既熟悉貼近又令人驚艷，《快感》戲耍觀眾在當代劇場的經驗，也以電子音樂提供觀眾一個全新的途徑。

演出者：法國/1024 Architecture

Time: 10/21 (五)19:30 10/22(六)14:30, 16:30 10/23(日)14:30, 16:30
Place:

國立臺北藝術大學展演藝術中心戲劇廳(台北市學園路1號)

法蘭西戲劇院－莫里哀《誰真的愛我？》 La Comedie -Francaise

noreply@blogger.com (Yu's ArtSpeak) — Mon, 05 Sep 2011 07:34:00 +0000

● 法國百年國寶級劇院首度抵台
● 創立超過三個世紀全球歷史最悠久的劇院
● 十七世紀最偉大的喜劇大師莫里哀人生最後一齣戲
● 重量級導演克勞德˙史托茲以「模糊喜劇」執導詮釋的完美作品
● 故事取材自一個擁有過人活力的「病人」呈現悲喜交錯的荒謬人生境遇

全球歷史最悠久創立超過三個世紀法國古典戲劇最神聖的殿堂法蘭西劇院，首度抵台帶來劇院創辦人莫里哀（Molière）人生中最後一齣戲《誰真的愛我？》。莫里哀是十七世紀最偉大的喜劇大師更有「法國的莎士比亞」之稱，短短五十年的生命，創作了三十多個劇本，演出過二十多個重要角色，以滑稽的形式揭露了社會的黑暗。歌德對他的評價是：「他是一個獨來獨往的人，他的喜劇接近悲劇，戲寫得那樣聰明，沒有人有膽量想模仿他。」

莫里哀的喜劇作品嚴肅中充滿詼諧，故事蘊藏著濃厚的人生哲理。《誰真的愛我？》描述一個擁有過人活力的「病人」，悲喜交錯的荒謬人生境遇。其作品已譯成幾乎所有的重要語言，是世界各國舞台上經常演出的劇目。

演出者：導演/克勞德.史托茲（Claude Stratz, director）
演出/法蘭西戲劇院（La Comédie-Française）
演前導聆：11/11~11/13每場演出前30分鐘，國家戲劇院一樓大廳
演後座談：11/13演後，國家戲劇院一樓大廳

＊法語發音中文字幕
＊演出全場120分鐘無中場休息
＊主辦單位保留節目異動權

高木正勝+廣藝愛樂管弦樂團《ULBU》

noreply@blogger.com (Yu's ArtSpeak) — Mon, 05 Sep 2011 07:29:00 +0000

文建會2011年科技與表演藝術結合旗艦計畫《ULBU》

取材生活、自然，加上對影像獨特的敏銳度，高木正勝發展出一種「繪畫式」的動態影像。具備有音樂專業背景的高木，其音樂創作中採用了大量的鍵盤模擬原音樂器音色，音符如流水般湧出；音樂風格因為旅人經歷而擁有太平洋小島民俗風情，輕軟窩心又富自然詩意。近年來多從事於影像創作與音樂演出的結合，運用投影與互動技術營造獨特的音樂會氛圍。
廣藝愛樂管弦樂團以「新世代華人音樂的代言人」自詡，「創意」、「年輕」、「新視界」，是她的三大訴求。廣藝愛樂管弦樂團不僅僅是一個表演團隊，同時也希望成為一個發想音樂創意的平台，培植人才的基地。

高木正勝
現居京都，亞洲最受注目青年藝術家/音樂家。取材於生活、旅行中對環境的觀察及感受，從中表達人與人或與大自然之間的聯繫。從個人旅程中對環境的觀察及感受出發，表達人與人或人與大自然之間的連繫。曾製作音樂錄像、電視廣告及電影，並參與多個音樂節。其錄像裝置作品亦於多個藝術空間及美術館展出。曾參與David Sylvian的世界巡迴演出，又為不同音樂人製作影像，包括Cornelius(日本)、UA(日本)及林憶蓮(香港)等。2006年獲《Res》雜誌選為影響世界電影、錄像、設計、音樂和媒體藝術的十大新進藝術家之一。十分罕見地橫跨音樂/影像創作者、在兩方面都獲得極高的評價。作品同時具備實驗性和時尚性。Video作品遍佈「東京都現代美術館」、倫敦「SketchGallery」、新加坡「Esplanade」藝術中心、日本「Mito」藝術中心，同時更和Agnes b. 合作店內聲音影像。取材生活、自然，加上對影像獨特的敏銳度，高木正勝發展出一種「繪畫式」的動態影像。本次演出特地與臺灣新興樂團-廣藝愛樂合作，以臺灣在地精神出發，特別創作重新編曲及製作影像，與集結國內優秀年輕樂手的廣藝愛樂，一同帶領觀眾進入高木的「臺灣無邪之地」。具備有音樂專業背景的高木，其音樂創作中採用了大量的鍵盤模擬原音樂器音色，音符如流水般湧出；音樂風格因為旅人經歷而擁有太平洋小島民俗風情，輕軟窩心又富自然詩意。近年來多從事於影像創作與音樂演出的結合，運用投影與互動技術營造獨特的音樂會氛圍。以細膩綿密的繪畫風格融入影片當中，利用後製作將動態影像加上了纖細豐富的特效及色彩，成為獨特的音樂會形式。
廣藝愛樂	New Quanta, New Music, New Vision
廣藝愛樂管弦樂團以「新世代華人音樂的代言人」自詡，「創意」、「年輕」、「新視界」，是她的三大訴求。廣藝愛樂管弦樂團不僅僅是一個表演團隊，同時也希望成為一個發想音樂創意的平台，培植人才的基地。廣藝愛樂管弦樂團於2010年8月5日成立，初期以任務為導向，以固定的核心團員為基礎，召集年輕演奏好手組成，與其說她是一個表演團隊，不如說她是一個發想音樂創意的平台，培植人才的基地。新世代華人青年音樂家，現在正享受著青春的喜悅，初識愁滋味的哀愁，更經歷著幾世紀來華人不曾擁有的富庶進步。他們的生活經驗和上世代完全不同，在這樣充滿驚奇的世代，藝術家應該要有何種對等亮麗的新視界，這是時代賜予的契機。如果，音樂家缺的是催促的動力，缺的是可以駕馭或表現的舞台，那麼為新世代音樂家量身設計的「廣藝愛樂」會是一個充滿未知性與挑戰性的平台。至於新世代音樂人會想什麼？玩什麼？「廣藝愛樂」會是一個充滿未知與挑戰的平台，我們提供年輕演奏家一試身手的機會，也會鼓勵青年作曲家勇敢發聲，作出全新風潮的作品。可以向巴赫、貝多芬取經，也可以從歌仔戲和周杰倫尋訪靈感。一如廣達對新領域探索不懈的精神，在這不設限的藝術新天地，我們同樣期待大家一同融入、一同作夢、一同邁入更美好奇妙的新視界。
演出資訊：
2011 / 11 / 12(六) 19:30 ATT 4 Fun 七樓展演館購票請洽兩廳院售票系統(點我)

明和電機《一百伏特的紐》VOICE MECHANICS 2011

noreply@blogger.com (Yu's ArtSpeak) — Mon, 05 Sep 2011 07:21:00 +0000

文建會2011年科技與表演藝術結合旗艦計畫《一百伏特的紐》
明和電機帶著自製樂器的原型，主張以100V電流啟動樂器、不用揚聲器而以荒誕技巧作現場演出；由於十足的搞笑荒謬風格，用來表演的樂器原型常會突然故障，這時土佐又化身為工廠技師，當場拿出工具以排除故障，製造“笑果”。雖是搞笑演出，其實在探討和思考人、樂器、介面的關係，以最前衛的、最具開採性的方式對電子電機數位產品的玩弄，開發「物」的多義多用性。在其音樂會的擬人或人性化（anthropomorphic）的演出中，把多樣化的可能性壓平，取通俗輕鬆而淡出，而創作相對產品，藝術探索相對消費品界線的破解，帶有龐大的批判力量和戲謔潛能。

Time: 2011/10/08(六)19:30
Place: ATT 4 Fun 七樓展演館（台北市信義區松壽路12號7樓）
購票資訊: http://www.artsticket.com.tw

從旅行愛上藝術史: 西歐文化遺產深度之旅

noreply@blogger.com (Yu's ArtSpeak) — Mon, 27 Jun 2011 22:42:00 +0000

100年秋季班

從旅行愛上藝術史: 西歐文化遺產深度之旅

文山社大(景美校區) 週一晚上7:00(9/5)[加碼~當代藝術驚歎號]
松山社大(中崙高中)週三晚上7:00 (9/7開課)

大同社大(建成國中)週四晚上7:00(9/8開課)

大安社大(開平校區)週六下午2:00(9/10開課)

結合藝術、時尚、建築、旅遊、人文、外語、節慶、美食、電影、攝影等主題

一場生命與文化交織的藝術饗宴，絕對不容錯過！

講師簡介：楊衍畇

台灣師範大學美術研究所博士 • 俄羅斯國立聖彼得堡大學藝術史碩士

現任：台北市社區大學藝術課程講師(2004~) • 視丘攝影藝術學院西洋美術史講師 • 台電訓練所藝文欣賞客座講師

曾任：臺北藝術大學美術學系博士教師(2009-2010) • 華梵大學美術系兼任講師(2005-2006) •台北市立美術館解説員(2004-2005)

獲獎：2010年世安美學論文獎、2008年台北市社區大學優良教師、2007年台北市社區大學優良課程

週次	主題	簡介
第1週	課程介紹	介紹世界文化遺產的概念
第2週	法國(一)	巴黎聖母院/凡爾賽宮/夏特爾大教堂中古哥德式風格、鐘樓怪人、巴洛克風格、太陽王路易十四、法式庭園設計、彩繪玻璃藝術
第3週	法國(二)	楓丹白露/史特拉斯堡/聖米榭爾山楓丹白露畫派、巴比松畫派、王者至尊拿破崙、德法混血文化、古味聖誕節、大天使聖米榭爾、海潮奇觀
第4週	法國(三)	羅亞爾河古堡(香堡,香濃舍堡)/ 里昂文藝復興風格、解碼達文西、法國美食文化、古羅馬遺址、法國里昂當代藝術館、里昂歌劇院、絲綢藝術、迷宮密道
第5週	法國(四)	亞維儂/亞爾斯/嘉德水道教皇之爭、中古羅馬式風格、亞維儂藝術節、高盧人的小羅馬、梵谷星夜下、普羅旺斯風情、古羅馬建築風格、悲慘世界
第6週	英國(一)	西敏寺/倫敦塔/貝斯亨利八世與英國國教、伊莉沙白一世、莎士比亞、英國肖像畫中見時尚、英國皇家X檔案、羅馬浴場、喬治式建築維多利亞式建築
第7週	英國(二)	坎特伯里大教堂/愛丁堡/史前巨石群喬索的坎特伯里故事、英國風景畫、愛丁堡藝術節、新藝術在蘇格蘭、神秘祭壇、亞瑟王與梅林、魔戒大師托爾金、創意市集
第8週	德國(一)	柏林博物館島/波玆坦皇宮普魯士王國、鐵血宰相俾斯麥、柏林圍牆、哥德與康德、柏林影展、溫德斯的影像美學、波依斯的社會雕塑、費德里希的神秘浪漫主義、忘憂宮、琥珀廳
第9週	公民學程週
第10週	德國(二)	威登堡/瓦騰堡古堡/古典威瑪音樂之父巴哈、馬丁路德宗教改革、北方文藝復興、杜勒的藝術家意識、霍爾班的肖像畫、現代設計搖籃包浩斯、康定斯基的抽象藝術、德國美食文化
第11週	德國(三)	烏茲堡主教宮/雷根斯堡/科隆大教堂羅曼蒂克大道、巴伐利亞黑森林、多瑙河與萊因河、巴伐利亞建築與雕刻、恩斯特的科隆達達與超現實主義、科隆藝術博覽會、愛因斯坦相對論
第12週	奧地利(一)	維也納/麗泉宮神聖羅馬帝國、哈布斯堡王朝、一代女王泰瑞莎、洛可可建築風格、弗洛依德與藝術、維也納分離派、維也納博物館區、百水魔幻建築
第13週	奧地利(二)	薩爾斯堡/葛拉茲市音樂神童莫札特、樂聖貝多芬、音樂電影真善美、薩爾斯堡音樂節、洛可可時尚風格、奧地利圓舞曲、奧地利美食巡禮、歐洲文化之都
第14週	瑞士	伯恩市/貝林松城牆/聖蓋爾修道院瑞士火鍋美食、阿爾卑斯號角、達達藝術、科比意的現代建築、傑克梅第的人形雕塑、赫塞的流浪者之歌
第15週	校外教學	參觀美術館特展
第16週	荷蘭	阿姆斯特丹防線/威廉城/兒童堤防風車區荷蘭黃金時代、山形牆建築、喀爾文教派、人道主義者伊拉斯摩斯、林布蘭&維米爾的藝術、荷蘭靜物畫與風景畫
第17週	比利時	布魯塞爾大廣場/布魯日尿尿小童、滑鐵盧之役、布魯格爾&魯本斯&馬格利特的藝術、丁丁歷險記、霍爾塔的新藝術建築
第18週	盧森堡	盧森堡古城區

從旅行愛上藝術史: 當代藝術驚歎號

noreply@blogger.com (Yu's ArtSpeak) — Mon, 27 Jun 2011 22:14:00 +0000

100年秋季班

從旅行愛上藝術史: 當代藝術驚歎號

文山社大週一晚上7:00 (9/5開課)

松山社大週二晚上7:00(9/6開課)

大安社大週六上午9:30(9/10開課)

當代藝術給觀者的思維衝擊更甚古典藝術，面對如此難解的藝術創作，觀者如何從藝術家所給的線索尋找出對自身有意義的關係，有如旅行也會常常迷路，不斷與作品進行對話與辯證，才能享受迷路的樂趣。本期課程將介紹14位炙手可熱的當代藝術家，14個驚歎號會與學員擦出什麼樣的火花，文化衝擊得效應將會震盪許久。秉持著「從旅行愛上藝術史」的課程精神，以藝術家為主軸，介紹藝術家生命史中的愛情軼事、旅遊行腳，彷彿我們也進入藝術家所在的時空光景。

講師簡介：楊衍畇

台灣師範大學美術研究所博士 • 俄羅斯國立聖彼得堡大學藝術史碩士

現任：台北市社區大學藝術課程講師(2004~) • 視丘攝影藝術學院西洋美術史講師 • 台電訓練所藝文欣賞客座講師

曾任：臺北藝術大學美術學系博士教師(2009-2010) • 華梵大學美術系兼任講師(2005-2006) •台北市立美術館解説員(2004-2005)

獲獎：2010年世安美學論文獎、2008年台北市社區大學優良教師、2007年台北市社區大學優良課程

週次	主題	簡介
第1週	課程簡介、專題演講	從達文西到杜象: 西方藝術的觀念性轉向
第2週	蔡國強的爆破藝術	‘ Chinese in New York’:驚世的睡獅、「蔡國強：我想要相信」古根漢回顧展
第3週	葛蘭.布朗(Glenn Brown)：挪用有理！	挪用vs.原創、「繪畫已死？」、英國透納獎
第4週	辛蒂.雪曼(Cindy Sherman)攝影中的曖昧諷喻	好萊塢電影中女性形象、扮裝藝術、肢解娃娃
第5週	掀起面紗的史琳.內夏特(Shirin Neshat)	東方主義、反阿拉女子的宿命、後殖民主義
第6週	天方夜壇中的神燈女精靈－札哈. 哈蒂德(Zaha Hadid)	解構主義、流動藝術展館、普立茲克建築獎、跨界設計
第7週	安尼許.卡普爾(Anish Kapoor)之印度色彩情事	新英國雕塑、鏡像觀照的公共藝術、「非物體」(non-objects)
第8週	校外教學(一)	參觀國際當代藝術特展
第9週	公民學程週
第10週	傑夫.孔斯(Jeff Koons)的後普普人生	充氣動物園、永遠的童年、媚俗(Kitsch)與敢曝(Camp)
第11週	日本沃荷：村上隆(Takashi Murakami)	超扁平(Superflat)、御宅族的動漫心靈、公開的日本情慾
第12週	校外教學(二)	參觀國際當代藝術特展
第13週	遊走巴西變形蟲體內: 艾涅斯托.奈托(Ernseto Neto)的絲襪迷宮	軟雕塑、場域特定性(site-specific)、藝術心樂園
第14週	比爾.維歐拉(Bill Viola)錄像藝術中的生命省思	水的靈感、情感可視/逝性、慢速的影像美學
第15週	獻給上帝之愛：達米恩. 赫斯特(Damien Hirst)的生命奇觀	沙奇的「聳動」、鯊魚標本的驚愕、透視生命的切面
第16週	驚世駭俗的維特金(Joel-Peter Witkin)攝影藝術	一顆頭顱的超現實經驗、他者的邊緣美學、薩德公爵的肢解誘惑
第17週	「恐怖小孩」亞歷山大.麥昆(Alexander McQueen)的時尚炸彈	21世紀的’New Look’、不可能的身體、前衛時尚劇場
第18週	演譯偏執人生的馬修.邦尼(Matthew Barney)	詭譎極致的「懸絲系列」(Cremaster Cycle)、當代個人神話、跨領域議題的延伸

3/20(日)15:00-16:00「躁鬱症」影－音互動實驗表演(台北當代藝術館)

noreply@blogger.com (Yu's ArtSpeak) — Wed, 09 Mar 2011 07:39:00 +0000

「躁鬱症」影－音互動實驗表演

‘Manic-Depression’ : The Shadow-Image-Sound Complex

時間: 2011年3月20日(週日)下午3:00-4:00

地點:台北當代藝術館1F活動大廳

策畫人: 楊衍畇(臺灣師範大學美術研究所博士)

創作者:

趙士禮(國立交通大學音樂所多媒體音樂藝術組碩士生,2010波蘭國際數位媒體節'TRIENNALE'-RADOM 評審團榮譽獎得主)

個人網站: www.verlischao.wordpress.com

范盛鴻(影偶戲創作者,曾與雷光夏,林怡君等音樂家多次合作多媒體音樂會)

影戲這門藝術最早溯及漢代已經出現，為集合文學、繪畫、音樂、工藝、戲劇的綜合藝術。目前的影戲在數位內容的發展依舊集中在靜態資料及帶歷史性的典藏展示，對於「藝術深耕人心」為發展宗旨的理念其實效果能發揮有限，且有鑒於日益興盛的科技藝術和跨領域媒體整合蓬勃發展，故此，希望能藉由結合數位科技的當代藝術表現來推廣此一具有深遠文化的民俗技藝，進而透過此「數位化」演繹，讓文化教育及藝術傳承觀念能更普及於一般大眾，而不再是藝術家間才瞭解的稀有語言。

「躁鬱症」為一種常見的心理病，在藝術創作時也時常會有焦慮不安、靈感枯竭類似的症狀，相反的也有直到快要放棄時突如其來的靈光乍現；內心狂喜不已的強烈對比。這樣的漸進過程希望能被具體化，在一個表演的短時間中一覽無遺，讓強烈的對比性能夠釋放在場域中；是創作者的自白，也希望觀眾能有一點點的「抗衡」，而不是自說自話。

《河》228豎琴音樂劇場

noreply@blogger.com (阿光) — Thu, 24 Feb 2011 12:19:00 +0000

以下內容轉貼自兩廳院節目介紹
《河》的主題在於描繪當代台灣文化的多元面貌與歷史記憶。以豎琴演奏為主，間以歌者、舞者搭配演出。除了古典樂曲之外， NSO 首席豎琴家解瑄將要挑戰西班牙古典吉他、日本三味線、傳統古琴曲、台灣南管音樂、美國爵士藍調音樂等等樂曲。觀眾可體驗以豎琴及箜篌模擬不同樂器演奏的特殊技巧。同時，專為此場音樂會設計的多媒體影像及動畫，以大台北地區水文環境為脈絡，展開一幅文化地圖，觀眾將如走入一場時空之旅般，目睹埋藏於當代都會生活中的歷史陳跡，營造出多層次而富趣味的欣賞氛圍。

以下內容，轉貼自Yahoo奇摩新聞
3位踢踏舞者約好了要一起排舞，她們各自從大台北地區不同的角落出發，趕往排練場，台北過往的歷史記憶，開始向路過的舞者們道出自己的身世。豎琴家解瑄即將於228推出的《河》豎琴音樂劇場中，透過各種混搭音樂與劇情，展現台北茶館、龍山寺前甚至日式宿舍的屋簷下豐富的文化底蘊。

不同於一般音樂家的「按牌理出牌」，豎琴家解瑄經常與戲劇、舞蹈界互動，讓音樂變得更加立體化。今年解瑄選在2月28日推出豎琴音樂劇場《河》，音樂演奏搭配舞台設計、燈光、多媒體影像動畫及電子音樂等劇場元素，讓音樂與歷史都不沉悶。

解瑄表示，228是歷史的印記，也可以是生命的印記，以音樂回顧，以音樂凝視，以音樂撫慰。解瑄不但演奏豎琴，也將要挑戰古典吉他、三味線、傳統古琴曲、南管音樂、爵士藍調音樂等等樂曲。觀眾可體驗豎琴模擬不同樂器演奏的特殊技巧。

該音樂會將於2月28日在台北國家音樂廳登場。

演出暨製作人員：豎琴、箜篌／解瑄　歌手／玫熹　南管吟唱／莊瓊虹
　　　　　　　　舞者／張念祖、周浚鵬、林妤樺　　 Bass／山田洋平　　　　
　　　　　　　　洞簫／缪沁琳　南管譜曲、足鼓／許淑慧

演出曲目：德布西:在小船上
　　　　　許淑慧:擺渡人(南管創作曲)
　　　　　突尼耶:農民之舞、神奇飛行
　　　　　津輕音頭（三味線曲）
　　　　　流水(古琴曲)
　　　　　阿爾班尼士: Asturias舞曲
　　　　　家(童謠)
　　　　　New Blues、Take5、懷念等

超脫出語彙的，由身體接管－專訪《斷章取"藝"－獻給碧娜》編舞者布拉德勒

noreply@blogger.com (阿光) — Thu, 24 Feb 2011 12:05:00 +0000

文／陳韋臻（轉貼自破報）

起初，那像是一種撩撥或搔癢，舞台上的舞者裹著紅布，節拍的頓點上以腳底板摩擦地面，發出的聲響潦草近乎一場玩笑般地與節奏對應；有個瘦弱的男人掛著耳機在脖子上，神經質地動作；十分鐘後，他/她們脫下紅布，肢體時而延遲時而延伸，又或者機械擺動關節無可克制地摔跌。整場，他/她們歌唱，他/她們聆聽，嗅聞彼此相互交媾也冷眼對視，就在獸與人的舞動中，我突然看見文明與瘋癲……而在與這部作品《斷章取"藝"－獻給碧娜》的編舞者布拉德勒（Alain Platel）聊過後，才理解這種銜接上文明與瘋癲的目光，其來有自。

「我不是個舞者，甚至也不是個編舞家」

二十五年前，比利時當代舞團（Les Ballets C. de la B.）的創辦人與編舞家布拉德勒（Alain Platel）還是名心理治療師，純粹覺得有趣而與一群來自各種不同工作場域的友人合作開始創作，未料開啟往後另一條道路，「當時的作品很受到大家喜愛，經過數年後，我才全心投入劇場創作，而最初由不同工作者集體創作的概念，則直到現在都還持續，到目前為止，比利時當代舞團還有四位是最早期留下來的共同創作者。」

在回應記者所提出關於編舞經驗的問題時，布拉德勒令人意外地謙遜與善感。他語氣淡然地表示，自己不是個舞者，也不自認為編舞者，而總觀布拉德勒的創作源頭，似乎是來自觀看與聆聽的細膩感受。他說，在創作過程中，他通常會與夥伴們一同出遊、看電影、閱讀、大量談話，將舞者個人的故事與經驗以肢體編寫串聯，「我所做的，是尋找出不同材料之間的接合點，但這一切都仰賴舞者所提供給我的訊息。」而這也是此次《斷章取"藝"－獻給碧娜》與以往最大差異之處。

布拉德勒提到，不同於以前由情境、音樂為出發點的創作模式，在這次《斷章取"藝"－獻給碧娜》中，他拋開了所有可能的故事脈絡或敘事結構，嘗試讓各種訊息自行流竄，而他則在舞台技術上予以結合看是否可行，「這次的創作過程僅有短短的三個半月……我在創作或彩排時，會將注意力專注於共同創作的夥伴身上，在某些時刻點下，各種聲音會異常地強大，每個人都會帶入不同的訊息到舞台上，在聽覺上會同時有歌劇、古典音樂或者流行樂，以及從麥克風傳來的各種聲音，有些人要跳舞，有要唱歌，有人想擺動，或者有人嚎叫，各種可能都同時發聲，但慢慢地，一切會越來越清晰，該要抓住什麼元素與材料，會逐漸變得清楚，這次的創作是這樣產生出來的……當我們拋下脈絡，門就自然打開了。」由此，儘管作品名稱中文翻譯自以為信達雅兼顧地《斷章取"藝"》，原文「Out of Context」中，絲毫與「藝」無關，布拉德勒所言，拋下脈絡後，「意」與「藝」也才能由割離的縫隙中產生。

「難以語言描述的情感，就交給身體」

舞台上，兩名舞者相互貼近，正當我以為是雙人呼應互舞時，一人以口鼻塞入對方肌膚，盯著的我突然以為自己也嗅入對方體汗；或者雙方以奇特的肢體紐絞合而為一，詭譎的視覺角度如同異生物交媾。而更多時候，舞台上的身體點碎著細瑣而僵脆的顫慄舞動，狂喜的、殘疾的、肉慾的、疏離的，他/她們彼此靠攏也重重跌落，兀自歌唱或獸鳴哀嚎。串起生命底層各種狀態的「Out of Context」，幾乎像是一場深層的生命儀式，卻相對地具備當代戲謔荒唐的態度。

早期從事動作障礙治療師時接觸他人的經驗，透過布拉德勒的轉化，在舞台上成為獨一無二的肢體語言，一種混雜著怪異、扭曲與美感的呈現，「人們經常會問我以前的工作經驗與表演之間的關係，我必須說，一直以來，我所意圖尋找的，是一種特殊的身體語言，而非去模擬某些行為動作。以往的經驗確實是重要的啟發，但我以前所認識的人們，對我來說並非病患，他們具有相當的理性與意志，而我在他們身上看見一種身體的美感。我所尋找的語言是嘗試表達一種深層的情感，我們難以言喻，但身體可以，這是我一直以來創作的概念，而非模仿。」

自言受到Pina Pausch「藝術」與「人格特質」上相當影響與崇拜的布拉德勒表示，這部《斷章取"藝"》最初的構想純粹是想尋找自外於脈絡的創作模式，「到了彩排前，Pina Pausch突然辭世，我們便決定將這部作品當作一份禮物，送給Pina。」這份禮物，全然脫離了當代舞慣見的簡約、漂亮肢體流動，布拉德勒的舞者們，在台上延遲或壓縮肉體與精神的癲狂，確實引人回想起Pina Pausch在《穆勒咖啡館》某種異常偏執的演出。然而布拉德勒的偏執病，更展現在交託給舞者選曲、唱曲、扭擺的接力賽上。布拉德勒笑著說，「我幾乎是個DJ一樣，每個舞者自己選曲，裡面有各種音樂。」前半場可能是古典樂鋼琴伴奏，並行的是舞者與流暢、對稱旋律相扞格的關節顫動；後半場流行西洋歌曲的大接力，則突顯為一種謬誤的相互溝通。從身體的自我震動到彼此試探，音樂的拼湊、舞者交換佔領麥克風，甚至在紅布退去後，身體的張揚與互斥互吸，表面上看來都像是一場異生物的交配和生存儀式，但在布拉德勒眼底都是尋求人類情感的溝通，「最開始，人們從外面、從觀眾的角度走入舞台上，穿著就跟我們都一模一樣，隨後脫下一切他/她們所不需要的，赤裸以對，嘗試建立一種溝通的模式，一種亙古至今皆可知曉的溝通……」或許是他口中的「亙古至今」的溝通，形成觀眾唯可理解的交媾關係，而此類從人類到獸性間的互通，則為布拉德勒所正視的生命面向。

碎片化的、無語境的、去脈絡的、流行垃圾與雋永優美的一切共存，構成了布拉德勒後現代編舞家之身，至於是否贊同我們替他冠上「後現代主義者」這個稱號，布拉德勒相當爽朗地笑著說：「當然可以，只要你這麼想。」不思考流派、不在乎主義，更不會去分析自己的作品，布拉德勒認為自己僅是與其他比利時表演者一樣在尋找創作的可能，他並且接著說道，比利時當代藝術的潮流相當猛烈，從政府大力支持到觀眾寬廣的接受度，使比利時的表演舞台吸納了各種不同性質、領域甚至國家的演出者，共同在此創作當代舞蹈，「我很幸運在這樣的國家中創作，讓我有條件可以嘗試任何可能性，而我也只是試著在尋找不同的、甚至怪異的演出方式，並且感知如何作為一個人類。」

國光新編京典舞台劇《百年戲樓》

noreply@blogger.com (阿光) — Sat, 19 Feb 2011 17:05:00 +0000

欣逢建國百年，國光劇團推出新編戲《百年戲樓》，帶領觀眾從京劇人觀點看京劇人的百年歷史，魏海敏、唐文華、溫宇航、盛鑑、陳美蘭、劉海苑、朱勝麗主演，4月22日（週五）至24日（週日）在城市舞台公演四場。

特別要提醒觀眾的是：這齣戲是以舞台劇的形式呈現，藝術總監王安祈除了與愛徒趙雪君合作之外，更特邀活躍於舞台劇界的知名編導周慧玲共同編劇，周慧玲為中央大學英美語言學系所副教授，近作包括《百衲食譜》、《少年金釵男孟母》、《不三不四到台灣》、《記憶相簿》等，在劇場界都引領非常熱烈的話題。至於三位編劇之間如何分工合作，王安祈打趣地說：「非常地複雜糾葛難以分辨」！

王安祈總監更開玩笑地以「裡三層、外三層」解釋《百年戲樓》的劇情結構，「裡三層」以一齣《白蛇傳》串聯起京劇藝人的命運變遷，縱橫京劇百年來的「男旦」盛行、「海派京劇」、「樣板戲」三個時代；「外三層」則是「戲中戲中戲」的特殊包裝手法，最內層為《白蛇傳》，中層為《百年戲樓》這齣戲，最外層則是國光工作人員跨越台前幕後，一同排練著《百年戲樓》這齣戲，後台衣箱、化妝、音樂等工作同仁也都將現身舞台，一同「虛擬」這場演出，真實與虛幻之間的多重層次，將帶給觀眾非常另類的劇場感受。

國光團長陳兆虎表示：國光近年積極嘗試與現代劇場進行多元合作與創新，包括2007與國家交響樂團（NSO）年跨界合作《快雪時晴》、2009年與國際前衛劇場大師羅伯‧威爾森合作《歐蘭朵》、2010年與台北市立國樂團合作京劇歌唱劇《孟小冬》等，《百年戲樓》也帶有這樣的強烈創新企圖，希望藉這齣戲吸引更多習慣欣賞舞台劇的觀眾朋友對京劇投以注目，尤其近日京劇被聯合國教科文組織列為非物質文化的人類共同遺產，更是對京劇的最大肯定。

《百年戲樓》導演李小平更是早已在表演藝術界「江湖闖蕩多年」，從內容到形式皆累積非常豐富的跨界經驗，此次執導可以說是「邀請舞台劇觀眾換副眼鏡來看自己的京劇老家」，他將呈現什麼樣的手法與觀點，非常令人期待。音樂設計李超、舞台設計傅寯、燈光設計任懷民、服裝設計蔡毓芬等創作群都是國光合作多次，默契純熟的資深班底。

《百年戲樓》票價400元、600元、900元、1200元、1500元、2000元，演出場地為城市舞台（台北市八德路三段25號B1），對號入座，65歲以上老人及身心障礙人士5折；學生8折；軍警、榮民、新舞台之友、誠品之友、志願服務卡、台新游藝卡、青年旅遊卡、YH國際青年旅舍卡9折，一般團體及學生團體（20張以上）另有優惠。購票請洽年代系統（02）23419898（www.ticket.com.tw），或國光劇團（02）29383567轉407。

『生日快樂~夏卡爾的愛與美』故宮特展 (2011/2/26 ~ 2011/5/29)

noreply@blogger.com (Yu's ArtSpeak) — Mon, 10 Jan 2011 16:21:00 +0000

『生日快樂~夏卡爾的愛與美』特展
2011/2/26 ~ 2011/5/29
活動網址：http://qing.ishow.gmg.tw/

展覽時間：2011年2月26日至5月29日。週一不休館。
展覽地點：國立故宮博物院圖書文獻大樓特展室

預約100年的春天幸福度破表的邂逅

馬克．夏卡爾（Marc Chagall,1887~1985）是帶來夢想與愛的藝術使者。

超現實主義者奉他為先驅，畢卡索稱讚夏卡爾是「20世紀最擅長用色彩的藝術家」，夏卡爾則說：「愛就是全部，是一切的開始。」

民國100年2月26日至5月29日，充滿愛與美的春天，歡迎來故宮邂逅夏卡爾的浪漫，「生日快樂─夏卡爾的愛與美」讓我們幸福到飛起來！

2011台灣國際藝術節---戶外開幕演出(02.12;兩廳院)

noreply@blogger.com (Yu's ArtSpeak) — Thu, 06 Jan 2011 02:39:00 +0000

2011台灣國際藝術節---戶外開幕演出

曾在世界盃和愛丁堡藝術節演出，且在世界各地表演超過400場次的法國知名街頭戶外表演團體─不具名劇團（Quidams）將帶來代表作《聲色飛揚》 L'Envolee Chromatique。同台較勁者為雙十國慶、台北燈節、國際民俗藝術節中表現搶眼頻頻大放異彩的鴻勝醒獅團；以及連續三年榮獲台南市傑出團音樂類首獎、並以專輯《鼓之島》入圍美國葛萊美獎、美國獨立音樂大獎的十鼓擊樂團。不斷推陳出新、屢屢令人驚艷的醒獅陣容，多彩多姿的打擊樂演奏，以及神秘詭譎的精靈儀式，一波波如海浪般動盪人心。在2011年台灣國際藝術節的開幕之夜，將帶給觀眾多元的視聽感受元素，同時體驗台、法不同的文化面貌，值得全家大手拉小手一同來觀賞。

演出者：十鼓擊樂團、鴻勝醒獅團、法國不具名劇團
※下午3點起另有其他街頭互動表演：法國不具名劇團《音樂家日記》及《波普踩街》、無雙樂團

蒙娜麗莎會說話－世界經典藝術魔幻展(台灣科博館, 1/15-4/17)

noreply@blogger.com (Yu's ArtSpeak) — Sat, 01 Jan 2011 16:02:00 +0000

科技加藝術蒙娜麗莎有話說

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【聯合報╱記者王維玲／台北報導】

一向神秘的蒙娜麗莎居然會開口說話，娓娓訴說她的故事？還可走入梵谷名畫「星空下的咖啡館」裡品嘗咖啡。台灣科學教育館引進「蒙娜麗莎會說話」特展，讓經典藝術作品「動起來」。

科教館將在明年一月舉行「蒙娜麗莎會說話」經典藝術魔幻展，是國內首次結合藝術與影像互動的展覽，透過多媒體技術，將達文西、梵谷、克利、米開朗基羅等大師的名畫轉化成多媒體藝術作品，透過２Ｄ或３Ｄ技術互動，讓民眾欣賞名畫時，不必再忍受冗長沈悶的導覽。

在展覽中，民眾可看到達文西親自解說講解透視法，讓人彷彿穿越時空，親臨現場；也可與蒙娜麗莎揮手問答，但若遇到電腦設定以外的問題，蒙娜麗莎就會沈默，僅以那抹「神秘的微笑」作為回應。

科教館表示，展覽共規畫「遠古的奧秘」、「人神的對話」、「光影捉迷藏」、「動感的藝術」、「藝想新世界」五大展區、全像術立體劇場和觀眾互動體驗區；其中全像術立體劇場不需戴３Ｄ眼鏡就可欣賞。

特別的是，展覽還特別跟伊林模特兒經紀公司合作，美豔的女神維納斯由林又立配音，黃志瑋則化作阿波羅太陽神，讓多媒體藝術作品更活潑生動。

為了讓觀眾能進一步體驗藝術，主辦單位還規畫「我是大畫家」觀眾互動體驗區，民眾可輕鬆運用數位電腦作畫，畫作完成後，就會立即上傳至互動展區投影出來，還可寄到自己的電子信箱，相當有趣。

展期從明年一月十五日至四月十七日，相關訊息可上官網http://www.aliveart.com.tw。

永遠的他鄉－高更(2010.11.27-2011.02.20)

noreply@blogger.com (Yu's ArtSpeak) — Thu, 30 Sep 2010 07:01:00 +0000

保羅．高更傳奇的一生，為了追求遠方的呼喚，不惜頃家蕩產遠渡他鄉，企圖走出西方繪畫的新格局，謂為現代藝術的啟蒙大師。高更畫作色彩濃烈，在他超越時代的美學構圖下，卻有散發出無盡的詩意與靜謐的憂傷。本展係台灣首次策劃之高更個展，展覽作品將從歐洲、美國、日本等十多所美術館、基金會及私人藏家商借50餘件高更的油畫、版畫、紙上作品、銅雕及木刻等，希望呈現高更在他戲劇化的人生中，各種藝術風格的轉折與創新，不僅掀開歐洲藝壇的原始藝術風潮，呈現西方文化逐漸消逝的生命力，也與其綜合主義作品共同寫下他在西方藝術史的重要地位。咸認高更留給二十世紀的最重要貢獻，是解放形體與色彩的限制。本展為強調高更把下一代從自然主義束縛中解放出來的影響力，同時也展出受到高更所啟發與影響的布列塔尼地區畫家如阿凡橋派及那比派等16位藝術家約25件作品，藉由這些追隨者的作品，來瞭解高更如何透過自己與畫派對後世如野獸主義與表現主義不可磨滅的影響與貢獻。

法語電影"交響人生"

noreply@blogger.com (Yu's ArtSpeak) — Thu, 23 Sep 2010 15:16:00 +0000

最感人的人生樂章，激勵人心媲美【貧民百萬富翁】，羅馬影展映後全場起立鼓掌超過三分鐘。

30年前，安德烈是俄羅斯首席歌劇院的指揮家，因為政治因素淪為歌劇院的清潔工。30年後，安德烈在打掃時無意間發現來自巴黎的演出邀請。想要重新站上指揮台的他，決定召集一群雜牌軍組成管弦樂隊，他要前進巴黎完成當年的夢想！

數位之手：繪畫、素描、拍攝、數位操作 (2010.07.10-10.17;台中國美館)

noreply@blogger.com (Yu's ArtSpeak) — Sun, 25 Jul 2010 13:37:00 +0000

策展人:Dominique Paini

協同策展人:林志明

隨著數位攝影及剪輯工具的普及，許多藝術家紛紛選擇以錄像或是動畫作為其藝術實踐之手段；帶有強烈「手操作」性格的素描或繪畫，亦始終為眾多藝術家構思及展現其創意靈感的主要方式之一。以此為開端，「數位之手：繪畫、素描、拍攝、數位操作」展所欲探討的是當「數位」和「手繪」這兩種看似平行的藝術表達方式，成為同一位藝術家的雙重創作樣態時，兩者是否將相互趨近、揉雜、交織？又將衍生出何種創新且多元的關係？

「數位之手：繪畫、素描、拍攝、數位操作」展在2008年7月首次於法國安錫展出，由法籍學者多明尼克˙巴依尼教授策展，以「手的禮讚」、「側頁與銀幕」、「全景概觀」、「雲霧與波動」、「性、不安、錄影帶」及「故事與傳說」六個面向分別探討，企圖呈現當代藝術家如何透過素描/ 繪畫及拍製動態影像兩途徑，將腦海中的構想及思維「描繪」而出，構成某種當代藝術創作傾向之一致性與歧異性，同時對這樣的思考及實踐過程提出「當代描繪disegno：繪畫及攝錄像」的概念。

在這個影像可快速擷取、變造的數位時代中，部分台灣藝術家亦有類似的創作傾向。他們在熟稔數位創作工具的同時，也運用傳統繪畫媒材來實踐其藝術思維。在法國在台協會的促成下，本館得以將此展引介至國人面前，並邀請三位台灣藝術家：姚瑞中、王俊傑及王雅慧與十九位法國藝術家共同展出，呈現近兩百件手繪及動畫/錄像作品，期待透過此展的對照、呼應與探討，激盪出更豐富的論述觀點與藝術交流之可能。

「數位之手：繪畫、素描、拍攝、數位操作」，對創意被具體、形象化的過程提出全新觀點的理解，並將藝術從靜態發展到動態之間的轉折和深具意義的段落，細緻描繪。期待此展能帶領觀眾一探當前法國當代/數位藝術的發展樣貌。

馬內到畢卡索－費城美術館經典展(2010.06.26-09.26;北美館)

noreply@blogger.com (Yu's ArtSpeak) — Sun, 25 Jul 2010 13:12:00 +0000

成立於1876年的費城美術館擁有近22萬5千件藝術史上的代表性藏品，從中世紀及文藝復興時期的繪畫與雕塑、中國瓷器、建築裝置到當代藝術作品，其中又以豐富的印象派及後印象派藏品，以及畢卡索及馬諦斯的收藏著稱，另藏有諸多美國本土畫家的作品。是美國重要文化地標之一。其對藝術史研究極具創新思維，在當代藝術策展理念表現上也十分亮眼，曾兩度獲得策畫威尼斯雙年展美國館的殊榮。此次交流將成為北美館首度與美國重量級美術館的難得合作紀錄。本次展覽以藝術史的軸線來看費城美術術館經典收藏，同時也可透析美國慈善家與美術館典藏的脈絡與風格。展出包括馬內、竇加、畢沙羅、莫內、雷諾瓦、塞尚、梵谷、高更、羅丹、馬諦斯、畢卡索、夏卡爾、莫迪里亞尼、米羅、杜象、歐姬芙等58件油畫與雕塑作品，實屬重量級的藝術饗宴。

台北光點<藝識形態>影展(2010.08.06-09.09)

noreply@blogger.com (Yu's ArtSpeak) — Sun, 25 Jul 2010 13:09:00 +0000

冒著不純的危險

電影是一種「不純」的藝術，它一直無法擺脫向戲劇、攝影、音樂…等其他藝術借用語言的命運。正是因為它的不純，缺乏完全獨立的特質，以致打從電影誕生開始，它是不是一門藝術就一直是爭論不休的議題。不純，因此在某種程度下，成了電影的原罪。但有理論家認為（尤其是以法國哲學家為首，例如：André Bazin、Alain Badiou、Jacques Rancière…等，一再接力闡述的概念），正是這種不純的特性，使得電影在各種藝術當中獨樹一幟，甚至認為它就是藝術的「現代性」當中最明顯的特徵。但問題來了，當電影要拍其他藝術時，不純的電影如何去拍其他「純」的藝術？它如何能拍到藝術最純的部分，也就是與透明的形式合為一體的主旨，藝術之所以是藝術的「意念」？或者換個方式問，一個電影導演如何拍另一位藝術家以另一種媒介來創作？他是否可能拍到這個藝術家正在發展中的概念，同時，經由這個過程，向我們揭露電影本身「不純」的特性？

早在Andre Bazin討論電影做為一種不純的藝術時，他舉的例子便是Henri-Georges Clouzot的《畢卡索之謎》。只不過他當時的論點停留在影片中戲劇元素與真實的對立關係，用以強調電影的跨越性質來證明它的不純。但事實上， Clouzot只是在時間上稍微做假，以底片長度有限為由，和攝影機上計數器跳動的影像，用希區考克常用的手法催化觀眾的緊張情緒，以此突顯時間在觀看過程的重要性。影片的拍攝方式像是在畢卡索的腦部架上一部顯微鏡，讓我們清楚看到，整個繪畫過程其實是一種畫家想要觸碰腦海中影像之欲望的發洩過程。畢卡索要畫一幅畫之前，腦海裡的影像其實是不明確的，正是這種欲望把他最初想畫的影像「弄髒」、「使不純」…，最後定格為我們所謂的圖畫。影片證明繪畫其實也是一種不純的藝術，而且是以電影特有的能力（對時間的裁切與延遲），只不過它被完成時的平衡與安定感，讓我們誤以為看見畫家清澈的意念。
近半個世紀以來，藝術的演變經歷了前所未見的大反轉，藝術家大多已捨棄對「純」的追求，無論是在媒材或意念上都是如此。我們已經正式進入不純的年代，「跨界」已經蔚為主流。只是，正當我們期待看到藝術因雜交、混血而百花齊放時，稍微鬆懈而沒跟上潮流，世界就又悄悄改變。接著，僅就視聽藝術而言，影片、錄影帶、CD、VCD、DVD…都即將消失，取而代之的是MP3與下載，是雲端傳輸與20M上網。載體隱退，速度愈來愈快，純度似乎已被速度與產業所取代。現在最流行的理論已經是產、官、學界合作，是跨界融合的文化創意產業…。但，不純的意義已正在遺失，我們可以預見的將來是，當跨界已經變成「並置」或「混搭」，後現代理論常用的「模仿」與「挪用」就已失去它的革命性格，也就是失去它的藝術性。

透過電影，我們看到畢卡索冒著不純的危險，冒著失去自我的可能。他意識到鏡頭的存在，不停地擦去、修改、塗抹，他知道繪畫是結束（影片結尾他這麼說），而電影卻是過程。電影的不純，終究還是具有催化作用，他讓畢卡索無法只是畫「會動的畫」，而是畫「思考的律動」。意念一旦點燃，彷彿脫韁的野馬，《畢卡索之謎》已不是電影，也不是繪畫，甚至不是電影與繪畫的並置。所以，不純是一種冒險，而不是一種狀態，這就是關於藝術的影片為什麼會那麼迷人的原因。最後，這是一個國民戲院與公視「藝識形態」合作的節目。一個影展和一個電視節目的混合，又會把什麼樣不純的因子帶給對方？它是一項單純的節目並置？或是一種冒著不純的危險？

(轉載自"台北光點"官網)

Robert Lepage之《眾聲喧嘩》(2010.08.21-28;台北市社教館城市舞台)

noreply@blogger.com (Yu's ArtSpeak) — Sun, 25 Jul 2010 12:52:00 +0000

今年必看的鉅作……任何一位認真的劇場觀眾，都應該去搶一張票。 ---多倫多星報
這是一部令人驚心、感傷、歡鬧、無法言喻的美麗作品。……非看不可。---英國獨立報

7年探索，一氣呵成勒帕吉最豪氣動人的作品
舞台8小時，催醒一個跨越歐美兩洲的糾結記憶
城市新地標　語言成功取代建築
愛戀在聲音、影像與裝置的爭寵中找到盲點
出走成璀燦孤傲的閃亮星辰。

沒有人比羅伯．勒帕吉，更會在舞台上講故事。這次，在最拿手的舞台裝置、流動場景以及影像巧思之外，他成功挑戰聲音，並證實了聲音是人類表達情緒的唯一途徑。

從幕起的嬰兒哭聲開始，一路透過各式語言，以及如電話、收音機、錄音軌、默片、錄放音機、同步收音、對嘴歌聲、合成音、超自然聲音、迷幻聲音、語言治療等眾多元素，在近8個半小時的演出中，藉由優秀的9位主角，勒帕吉從容穿插並揭露9段溫馨感人的故事。從對人口販售的批判到尋找親情認同的悲憫，從歌劇紅伶床榻追蹤社會集體意識的偏差，每個單一命運，無法逃脫地重疊在集體共同歷史上；像開展一幅巨型卷軸，尚未揭露的真相，熟練地將陷阱偽裝，在遠方靜待獵物入囊。

故事在演員各自敘述的自我片段中流洩，橫跨歐美兩洲4個國家、歷經了70個年頭，時而淙淙悅耳、時而激情澎湃。勒帕吉創作史詩般的宏大作品，這不是第一次，卻是最具未來感，又最令人玩味的一次。

從旅行愛上藝術史

以心理學角度分析達利的畫作 (醫學系_侯如盈)

達達主義與龐克文化的跨領域分析及比較(醫學系_林靖容)

解開Rene Magritte的六個心理學密碼(尤思涵_醫學系)

未來主義與汽車發展之關係(陳宏宇)

明和電機-KUSO的搞怪藝術(林佳翰)

2011關渡藝術節《討論》 Keskusteluja

2011關渡藝術節《快感》 Euphorie(演出者： 法國/1024 Architecture)

法蘭西戲劇院－莫里哀《誰真的愛我？》 La Comedie -Francaise

高木正勝+廣藝愛樂管弦樂團《ULBU》

明和電機《一百伏特的紐》VOICE MECHANICS 2011

從旅行愛上藝術史: 西歐文化遺產深度之旅

從旅行愛上藝術史: 當代藝術驚歎號

3/20(日)15:00-16:00「躁鬱症」影－音互動實驗表演(台北當代藝術館)

《河》228豎琴音樂劇場

超脫出語彙的，由身體接管－專訪《斷章取"藝"－獻給碧娜》編舞者布拉德勒

國光新編 京典舞台劇《百年戲樓》

『生日快樂~夏卡爾的愛與美』故宮特展 (2011/2/26 ~ 2011/5/29)

2011台灣國際藝術節---戶外開幕演出(02.12;兩廳院)

蒙娜麗莎會說話－世界經典藝術魔幻展(台灣科博館, 1/15-4/17)

永遠的他鄉－高更(2010.11.27-2011.02.20)

法語電影"交響人生"

數位之手：繪畫、素描、拍攝、數位操作 (2010.07.10-10.17;台中國美館)

馬內到畢卡索－費城美術館經典展(2010.06.26-09.26;北美館)

台北光點<藝識形態>影展(2010.08.06-09.09)

Robert Lepage之《眾聲喧嘩》(2010.08.21-28;台北市社教館城市舞台)

2011關渡藝術節《快感》 Euphorie(演出者：法國/1024 Architecture)

國光新編京典舞台劇《百年戲樓》