En el oeste asiático, la península de Anatolia le presta topografía a la vieja Constantinopla. En Estambul, el templo de Hagia Sophia levanta su estructura de tal forma que el tránsito de la luz hace pensar en la presencia del factor Dios como elemento místico. Esta basílica ortodoxa que también hizo las veces de mezquita es, desde los años treinta del siglo XX, un museo que recoge un repertorio esencial para descifrar el fenómeno de la luz en la expresión artística. Fue edificada a partir del 532 por órdenes de Justiniano I y corrió a cargo de los arquitectos bizantinos Isidoro de Mileto y Antemio de Tralles, este último un entusiasta y experto en la técnica de la Cámera Oscura.

Génesis de la fotografía, el fenómeno de la Cámara Oscura juega con la luz a partir de una caja o habitación cuya única salida al exterior es un orificio: la imagen se reproduce al revés (según el registro ocular) con un color y perspectiva que a veces da la impresión de ser más fiel que el objeto original. Este acontecimiento no es magia ni tecnología, es física y se ha hablado de él desde Kepler hasta Daguerre.

Abelardo Morell (La Habana, 1948) es un fotógrafo que salió de Cuba en 1962. Ese mismo año, Raúl Castro se entrevistaba con Khrushchev en Moscú. Mientras Morell se abría paso al mar rumbo a Estados Unidos, pocos sabían que su trayecto seguía la ruta imaginaria (y posible) de dieciséis cabezas nucleares que apuntaban a la Florida. Cuando se hizo a tierra, llegó a una nación donde Andy Warhol exponía en la Ferus de Los Ángeles, Audrey Hepburn ‘desayunaba’ en Tiffany’s, y Marilyn le cantaba el “Happy Birthday” al presidente Kennedy. Tras hacerse de un espacio en el panorama artístico estadounidense e internacional, y cargando un Máster en Bellas Artes por Yale, Abelardo Morell ha recorrido el mundo reproduciendo imágenes a través de Cámara Oscura a gran escala. Siempre subraya que no se trata de algún truco tecnológico. No hay cables, no hay proyectores, es la alquimia natural de la Cámara Oscura, antesala de la fotografía, un medio que hasta hoy evoca misterios de la física misma. 

mas info en abelardomorell.net

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Por Jose del Bosque
jose@artroomtalent.com 

A partir del 17 de Mayo y hasta el 1 de Junio, las dos plantas de la Fundación Pons de la ciudad de Madrid acogen la primera exposición personal de la artista española Ruth Peche y su particular exploración artística, que combina elementos de naturaleza y tecnología digital para crear obras de alta poética.

Ruth Peche

La exposición presenta alrededor de veinte obras, divididas en grupos temáticos que van desde impresiones Dibond hasta cajas de luz, en donde los juegos entre lleno y vacío, luz y sombra y por sobre todo, la creación pura, juegan con elementos de la realidad para conformar una sinfonía que resuena en el espectador despertando todos sus sentidos.

Anemone 2

Anemone 5

El todo se complementa con un vídeo que recoge algunas de las impresiones que sirvieron de inspiración a la artista, estímulo inicial de una exploración acerca de la naturaleza, la creación, la multiplicación de la creación y la impermanencia; exploración que hunde sus raíces en las preguntas filosóficas primordiales (acerca de la existencia del ser) y que aún continúa, expresándose siempre a través de la creación artística y sus múltiples lenguajes.

 
Anemone 7 / Anemone 8

La muestra, organizada por HUMA3, contará con la presencia de importantes personalidades del mundo del arte internacional; entre ellas la comisaria y coleccionista Baronesa Lucrezia de Domizio Durini, quein además de visitar la exposición, ofrecerá una conferencia dedicada al maestro Joseph Beuys: Defense of Nature (Defensa de la Naturaleza).

La exposición se acompaña de un catálogo ilustrado en edición bilingüe Español – Inglés, con un ensayo del crítico de arte neoyorkino Edward Rubin.

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Sede: Fundación Pons. C/ Serrano 138 (28006) Madrid

Rueda de Prensa General: 17 de Mayo -11:30
Conferencia Lucrezia Durini “Difesa della Natura”: 17 de Mayo - 12:00 horas Inauguración DEEP ENTROPY: 17 de Mayo – 20:00 horas.

La exposición permanece abierta al público desde el 18 de Mayo al 1 de Junio, 2012. 

www.huma3forcollectors.com

Uno de los referentes vertebrales de la escultura nacional contemporánea recae en la figura de Sebastián. Hoy, el punto de partida del Paseo de la Reforma en la ciudad de México no puede entenderse sin su “Caballito”. El ‘equino amarillo’ se planta incólume en las lindes del Centro Histórico capitalino. En sus líneas reside un concepto de la dimensión que derrocha dinamismo desde cualquier ángulo.

Caballito

Enrique Carbajal “Sebastián” (Camargo, Chihuahua; 1947) dio sus primeros golpes de cincel en la Escuela Nacional de Artes Plásticas mientras la obra de Pablo Picasso le volaba la cabeza. Así como en aquellos turbulentos años sesenta el repertorio del genio de Málaga alimentaba su curiosidad y avidez artística, hoy Sebastián es uno de los grandes impulsores que reconocen el joven talento nacional. A través de su fundación el apoyo a jóvenes artistas mexicanos se ha potenciado alrededor de todo el país. Un ejemplo es su trabajo en la segunda edición de Art Room Talent, donde apadrinó la exposición y participó con una de sus piezas.

 
TORUS ISOTÓPICO /  FE/ESMALTE ACRÍLICO / 121 X 130 X 50 CMS. 

Sebastian inaugurando ArtRoomTalent 2da. edición en CAD México

Además de la esencial “Cabeza de caballo”, la obra de Sebastián toca distintos puntos del país. El “Coyote en ayuno” que vigila el curso populoso de la Ciudad Nezahualcóyotl; el icónico pez vela de Manzanillo que apunta hacia la costa colimeña del Pacífico; o las puertas que marcan la entrada en la punta noreste con Matamoros y la de su natal Chihuahua. Y del otro lado del mundo, su “Arco fénix” se yergue en el puerto de Sakai y “Tsuru” en Kadoma, ambos en la prefectura japonesa de Osaka. Y eso son sólo ejemplos. Matemáticas, ingeniería, arquitectura, diseño industrial… todo se funde en la obra artística de Carbajal, un punto de referencia en la escultura monumental y eje sustancial del fomento para el arte emergente en México.

Pez vela en la costa de Manzanillo

“Puerta a Chihuahua”. Chihuahua

“Gran puerta de México”. Matamoros 

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Por Jose del Bosque
jose@artroomtalent.com 

El campo de trabajo de Nuur gira en torno a cualquier tipo de objeto y la clase de juego que éste ofrece cuando se le proponen diversos tonos de luz. Así surgen los famosos tubos fosforescentes de ceniza, por ejemplo. La fórmula es sencilla: se le añade al tubo la ceniza de algún cuerpo humano incinerado y, al encenderse, ese fragmento corpóreo hecho polvo vuelve a palpitar a través de la luz. De igual forma, Nuur solicitó con un galerista uno de los tubos con los que trabajaba Dan Flavin, el artista neoyorquino minimalista para realizar una obra similar: “The Ghost of Dan”.

Sobre su obra, Navid Nuur ha expresado que no se trata simplemente de una instalación, escultura o serie fotográfica, él prefiere llamarla “multimódulos”, es decir: módulos temporales independientes, pero que se complementan entre sí. La luz de uno riega al otro y así sucesivamente. Así funciona su serie “Tentacle Thought”, que consiste en distintas configuraciones de espacio hechas a partir de tubos de neón donde los cables también sugieren formas y acomodos. 

El artista de 36 años radicado en La Haya expuso Hocus Focus, su colección más reciente, a principios de abril en Madrid. Los focos seguirán de gira por Europa.

Más información:

navidnuur.nl

mataderomadrid.org

Por Jose del Bosque

 Por ejemplo. En la Roma, la galería OMR expone Ceboruco de Jorge Méndez Blake. La multimedia del artista esta vez recurre a la obra de Malcolm Lowry y su Bajo el volcán: las líneas del poeta modernista inglés se codifican según la mirada de Méndez. Ahí mismo, en el52, Rafael Lozano-Hemmer presenta una obra interactiva experimental. El mexicano-canadiense vuelve a jugar con los conceptos de arte electrónica en X no es la nueva Y. Ahí el espectador deja su propio registro en pulso, aliento o huellas dactilares para habitar y construir la misma obra.

 
OMR

 
OMR

Rafael Lozano-Hemmer

Rafael Lozano-Hemmer

En el Palacio de Bellas Artes, Pablo Helguera propone un anecdotario del mismo recinto blanco que vigila el lado oeste del Centro Histórico capitalino. Ahí recapitula historias y pasajes de la sede del INBA.

De vuelta en la Roma, en el 174 de la calle Colima, la Galería Toca presenta el Alles Kaput de Javier Areán. El artista defeño recopila imágenes históricas y actuales que presentan autos abandonados por la ciudad. En pleno deterioro, se aprecia cómo los coches presentan un semblante tranquilo luego de su accidente o de su último viaje. Las imágenes hacen pensar en cómo ese abandono hoy se traduce a un paisaje urbano que, más que evocar destrucción, inspira calma y reposo. Muchos de esos vehículos son modelos cincuenteros, representantes del boom industrial de posguerra. Ahora lucen inmóviles.

Bien se sabe que Zona MACO funge -además de promover artistas y congregar a coleccionistas- como punto de encuentro del arte, y hasta de fomento turístico para la ciudad de México. Ese encuentro se antoja paralelo y el breviario anterior es sólo muestra: Galería Óscar Román, Arroniz, Garash, Traeger & Pinto, y demás son otros focos encendidos en estas fechas tan fértiles para el arte contemporáneo.

Por Jose Del Bosque

Avelino Sala STANDSTILL (DETALLE)
INSTALACIÓN
Escultura, gouaches y libros lacados

Françoise Vanneraud  BUSCANDO ESCAPATORIA 2
Dibujo sobre contrachapado (tinta china y acrílico)
94 x 140 cm

La Galería Raquel Ponce, inaugurada en el año 1991 y ubicada en un espacio privilegiado en la ciudad de Madrid denominado “Triángulo del Arte” -entre el Museo Reina Sofía, Museo del Prado y el Museo Thyssen Bornemisza- dedica su actividad a la difusión del Arte Contemporáneo, centrando su esfuerzo en la promoción de nuevos valores y mostrando un especial interés por la escultura, la instalación y la fotografía. La galería participa anualmente en ARCO Madrid y también en otras ferias internacionales como Pulse Miami, Circa Puerto Rico o Feria de Lisboa. La presencia ahora en ZONA MACO pretende afianzar el desarrollo internacional de la galería y de sus artistas.

Javier Fresneda. 
Sin Título (de la serie Stamina-Anillo de Ruinas). 
2011. Work in progress / C-print. 
Medidas variables. 3+2 A.P

Noe Sendas Crystal Girl N°49, 2011
Black & white Epson InkJet print (long duration)
30 x 40 cm (frame size)
Ed. 2 + 1 AP 

Más info en:

Galería Raquel Ponce 
Zona Maco 

Luego de desfilar por la Academia de San Carlos, Gerardo Murillo / Dr. Atl (Guadalajara, 1875 – Ciudad de México, 1964) recibió una beca de don Porfirio Díaz para estudiar en Europa. En París se empapó de la sutileza con que se mueve un pincel y en Roma tuvo coqueteos con el Partido Socialista. Fue en esos años de devaneos políticos y exaltaciones regionales cuando el escritor argentino Leopoldo Lugones le compuso el seudónimo que adoptaría para siempre: Dr. Atl (del vocablo ‘atl’, agua en náhuatl). A su regreso en México, trabajó al lado de Diego Rivera y se envolvió en un amorío con Carmen Mondragón, la misteriosa Nahui Ollin que él mismo apodó. Era una joven que, tras el matrimonio fallido con un militar, se zambulló a la bohemia intelectual mexicana en los efervescentes años veinte. Ahí escribió poesía, pintó lo que sus inquisidores ojos verdes veían, se paseó con minifalda en uno de los primeros síntomas de emancipación femenina y posó para el paisajista jalisciense de la barba tupida.

En Dr. Atl, obras maestras es posible atestiguar el uso que el artista dio a sus pasteles denominados ‘Atl Colors’, su experimentación con acuarela y su soltura al óleo. La sustancia de la colección reside en la rúbrica del tapatío por excelencia: el paisaje. Sobre este género, el Dr. Atl alguna vez escribió que “[…] su interpretación plástica, y aún literaria, ha exigido un esfuerzo mayor que el que han necesitado las representaciones zoomorfas o antropomorfas”. Y el paisaje de Murillo no puede entenderse sin sus volcanes. El hombre que estuvo presente en la gestación del Paricutín y la sepultura de San Juan Parangaricutiro es, sin duda, el principal recolector visual del cinturón volcánico del Valle de México y sus alrededores. La instalación también incluye esas obras forjadas a raíz de la técnica que el mismo Dr. Atl teorizó: el aeropaisaje. Del ribete de humo que expulsa el cráter, hasta las faldas bañadas por lava y ceniza, el punto de vista del pintor parte del cielo hacia abajo: a bordo de un aeroplano.

Mañana Luminosa, 1942 / Colección particular

Nubes sobre el Valle de México, 1933 / INBA

Volcán en erupción, 1943 / Colección particular

Tras cuatro meses, la exposición cierra filas este abril. El regusto gira en torno a consolidar la obra del Dr. Atl como el legado visual que le dio peso, medida y estética al registro geográfico nacional. Las topografías del Distrito Federal todavía guardan historias de un inquieto joven que intentaba pagar la renta con obra cuando todavía se llamaba Gerardo Murillo. De esos intentos, nos consta que en algunas casas viejas de la ciudad de México todavía penden de la pared los primeros bocetos de un volcán que se divisaba desde el paisaje urbano. 

La Sierra, 1933 / INBA

Paricutín en erupción, 1962 / Colección particular

Paisaje del desierto, 1952 / Colección Pascual Gutiérrez Roldán

José Del Bosque
jose@artroomtalent.com 

Father / “My Father’s Brain”. Óleo sobre tela. 150 x 100 cm

Una imagen del mundo flotante

A este pintor bonaerense lo puede acompañar la Alicia de Lewis Carroll o el Peter Pan de J. M. Barrie. Luego mutan para componer su semblante más Walt Disney y posar con él. Hasta el Serú Girán de Charly García guiña en algún título por ahí: “No cuentes lo que viste en los jardines” [el sueño acabó… ya no hay morsas ni tortugas].

Si toca encajonarlo, el hiperrealismo sería su hábitat. El toque renacentista y sus pieles palpitantes conviven con una reproducción de la realidad casi fotográfica. Y hablando de foto, su esposa se convierte en musa para hacer uno que otro cameo en la obra del marido: hablamos de la fotógrafa argentina María Gracia Geraci, otra artista del cuento de hadas y la réflex.

Secreto / “El secreto de Pan”. Óleo sobre tela. 160 x 120 cm

Corazón / “El corazón de Alicia”. Óleo sobre tela. 170 x 180 cm

A sus 36 años, Ricardo Celma es uno de esos maestros del óleo y la técnica ancestral que apunta a las narrativas actuales. Con vitaminas contemporáneas ha logrado resucitar un estilo que muchos ya daban por muerto. No hay que quitarle el ojo de encima.

Muchacho / “Muchacho con pipa”. Óleo sobre tela. 150 x 100 cm

Ricardo Celma

Más información:

celma.com.ar
ricardocelma.blogspot.com 

Hoy, sin necesidad de tocar tantas fibras íntimas, un neoyorquino de 34 años ha reinventado el concepto a través de la técnica para ser considerado “el artista de la sangre”. Con su reciente Hemoglyphs, Jordan Eagles (Nueva York, 1977) fue del matadero a la galería con un proceso técnico más tirado hacia la alquimia que a la bioquímica preparatoriana. Se trata de sangre de ganado, sí, pero con un movimiento y oleaje que, en comunión con cobre, gasas y resinas, hace del rojo hemoglobino un flujo de palpitar vivo que propone –y sugiere- sus propios patrones.

“BAR 1 – 9”. 2009. Sangre preservada en plexiglás, resina UV. 32 x 8 pies.

Estos glifos sanguinolentos estuvieron a finales del año pasado en la galería de Causey Contemporary del vecindario de Williamsburg, en Brooklyn. Con sus Hemoglyphs, Eagles demostró el extenso dominio que tiene sobre sus materiales. A pesar de su sangrienta naturaleza, no se trata de un mórbido espectáculo tipo gore… la elaboración de su obra implica un meticuloso tratamiento que evita la descomposición para conservar el rojo y todo su mosaico de brillos. Las capas de sangre flotan entre la resina UV y el plexiglás para trazar un recorrido con más vida que coágulo.

Hemoglyphs – Vista de la instalación

Entre abril y mayo, Jordan Eagles expondrá sus nuevas obras: Haemoscuro y Pulse New York, en San Francisco y Nueva York, respectivamente. Tras el desfalco que debieron sufrir los rastros neoyorquinos, habrá que estar al pendiente. 

Más info

http://www.jordaneagles.com/

http://www.causeycontemporary.com/

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Por José del Bosque
jose@artroomtalent.com 

Con Dead Meat, su nueva exposición, Harrington (Cork, Irlanda; 1980) vuelve a vandalizar su propia obra con aerosol. De marzo a abril, las galerías Lazarides de Londres expondrán esas viñetas con escenas del siglo XVIII al óleo que se mezclan con el golpe iracundo del spray. Con esa revolucionaria fusión, el egresado de la Escuela de Arte y Diseño de Limerick (sí, ahí de donde salieron los Cranberries) reinventa la narrativa histórica y representa a la virgen María con el desnudo de una joven mujer de raza negra.

The Three Wise Men – Los reyes magos

Influenciado desde el barroco de Caravaggio y los pasajes parisinos de Manet, el oriundo del puerto de Cork utilizó props y actores reales en una sesión fotográfica para que fueran la base de sus escenas. En “Three Wise Men”, los Reyes Magos posan con solemnidad renacentista en una atmósfera menos bíblica y más hip hop. Según el artista, es una forma de revisitar la imaginería cristiana con la que le tocó crecer. En Dead Meat también yacen animales muertos como la metáfora del gasto excesivo en el consumismo actual.

Homenaje a Velázquez

“La Venus del espejo” de Velázquez también se asoma y guiña al espectador desde su reflejo en la obra Harrington. Mantener vivo al pasado con un giro contemporáneo es la amalgama que le ha dado peso al irlandés en el panorama contemporáneo.

Tras nueve meses de trabajo durante el pasado y filoso invierno europeo, The Lazarides Galleries del número 11 de Rathbone Place en la capital británica, ya tapizó sus paredes con el amasijo de tiempos históricos que pueblan la colección de Conor Harrington. Cuando se le pidió opinar sobre la exposición, -que estará hasta el 12 de abril- el artista prefirió dejar que el público dé su propia retroalimentación con ojos frescos. “Los míos ya están cansados”, dijo.

Más info en:

www.conorharrington.com
www.lazinc.com

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Por José Del Bosque