Yi: un término que representa el estado de contemplación y meditación de los creadores, el modo en que los artistas o los poetas piensan sobre su entorno o lo observan, es el punto de partida de esta muestra. La muestra está dividida en tres apartados: “Yi Xiang” o imagen mental, corresponde con un momento inicial a mediados de los 60, cuando durante la Revolución Cultural china los artistas no oficiales tratan de buscar un arte personal y puro, opuesto al arte propagandístico político de Mao. “Yi Li” o principio mental, se centra en la representación del aprendizaje del universo y la cultura, utilizando símbolos orientales. Y “Yi Chang” o entorno mental, aúna artistas distintivos del maximalismo, filosofía surgida a finales de los 90. Los artistas que componen esta muestra son Shang Yang, Zhao Wenliang, Ding Fang, Chao Ge, Su Xiaobai, Qin Yufen, He Chengyao, Yu Youhan, Li Shan, Ren Jin, Zhang Jianjun, Yan Binghui, Yang Zhilin, Huang Yali, Wang Chuan, Meng Luding, Tan Ping, Man Fung-yi, Lei Hong, Li Huasheng, Zhang Yu, Liu Xuguang, Zhou Yangming, Zhang Fan y Xu Hongming.

Información

• Exposición: La Escuela Yi: treinta años de arte abstracto chino
• Fechas: 14 de noviembre 2008 - 16 de febrero 2009
• Lugar: CaixaForum Madrid

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Se establece de esta manera una colaboración entre instituciones de nuestra Comunidad y muy especialmente entre la Junta de Castilla y León y el Ayuntamiento de Ávila que lleva organizando año tras año y con destacado éxito, el Congreso Internacional de Mística; convirtiéndose así la ciudad de Ávila en la mayor referencia a nivel nacional e internacional en cuanto al estudio y análisis de la Mística pueda existir en la actualidad, tanto por razones históricas como por la importancia de los congresistas convocados durante los días que dura el Congreso, así por la enorme calidad de la obras que forman parte de la exposición y que son un claro ejemplo de cómo desde las artes plásticas adquiere una destacada importancia el misticismo en la mayoría de los creadores.

“Arte y misticismo” nos muestra los trabajos del célebre escultor lituano Jacques Lipchitz (1893-1973). Su obra ha sido investigada y mostrada internacionalmente a lo largo del siglo XX por los principales estudiosos del arte y por los más prestigiosos directores de museos. Está presente en casi todos los museos del mundo, como el Metropolitan de Nueva York, Museo de Jerusalem, Tate Gallery de Londres o Museo de Rotterdam. Su obra pública puede verse en ciudades como Philadelphia, Roma, Paris y Nueva York.

Son presentados en las salas de la Iglesia de San Francisco en Ávila un conjunto de 152 papeles con dibujos y grabados inéditos del artista. Obras que han estado en una carpeta guardadas desde su muerte hasta principios de este año 2008. Muchos son bocetos de esculturas, otros son dibujos de ideas rápidas en sobres y cartas o en el primer papel que el artista tuvo a mano. Estos dibujos recorren todos los estilos y etapas del artista, de sus comienzos a sus obras finales. Simultáneamente a la exposición de dibujos, tendremos la oportunidad de contemplar 9 esculturas de gran formato que irán situadas al aire libre entre el recorrido que va de la plaza del Ayuntamiento hasta la fachada principal de la Catedral.

Forma parte de la exposición “Arte y misticismo”, la obra de la fotógrafa alemana Ursula Schulz-Dornburg, esta exposición de 88 fotografías presenta épocas diversas de la trayectoria profesional de la artista: las iglesias de Birmania y sus estatuas de Buddha, con el interior vacío de las ermitas del románico del Pirineo. Todos ellos son lugares de culto ancestral que concitan la devoción del espacio litúrgico (sea en la luz sobre el altar, sea en la estatua de la divinidad) con la unidad del paisaje. A la vez, las fotografías manifiestan la erosión (la del tiempo y la del descuido) que han impregnado, pero sin arruinar todavía a esas arquitecturas y a esas esculturas.

Finalmente y paralelamente a los trabajos de Lipchitz y Ursula Schulz-Dornburg, podremos disfrutar en la Iglesia de San Francisco, con la cerámica del leonés José Antonio Sarmiento, artista que desde 1989 en el taller y hornos de San Cibrián de Ardón, León, trabaja incansable en la aventura de la cocción del gres con leña en alta temperatura.

La cerámica es –en la Historia del Arte- un género hecho sin pretensiones, y refleja el gusto de cada época. En la cerámica se manifiestan tanto una larga tradición de libertad artística que no busca el lujo, como la larga tradición de un oficio que se repite sobre sí mismo a veces unido a un sentido de la vida por la vía del fuego y de la purificación espiritual.

VISITA GUIADA

Jacques Lipchitz

Jacques Lipchitz (Druskieniki, Lituania, 1891 – Capri, Italia, 1973) es una figura esencial en el panorama artístico del siglo XX, como lo fueron Pablo Picasso, Juan Gris y Julio González. Estos artistas coincidieron con Lipchitz en el París de las dos primeras décadas de aquel siglo compartiendo inquietudes y proyectos, formulando las bases del vocabulario cubista en la pintura y la escultura.

El vocabulario del artista va derivando a una figuración que mezcla los temas bíblicos o mitológicos con un mensaje social a la vez que desarrolla un muy personal lenguaje de la interacción de las formas, que constituye su estilo y que se detecta enseguida. Lipchitz, como Julio González otro gran escultor que se entregó también al papel siempre como herramienta para su visión plástica, dibujó tanto antes como después de realizar su obra escultórica. Esto se debe, en buena medida, al potencial que tiene esta actividad como punto de partida de la escultura y a su utilidad para explorar diferentes temas y formas, que pueden volcarse posteriormente en construcciones tridimensionales.

Gobierno del pueblo, 1967 / Hacia un mundo nuevo, 1934

El grito ó La pareja, 1928-29 / David y Goliath, 1933

Regreso del niño, 1941

Jacob y el Ángel, 1932 / Belerofonte somete a Pegaso, 1964

Madre e hijo, 1949 / el último abrazo, 1970

Ursula Schulz-Dornburg

El sentido de esta exposición es relacionar dos series de fotografías en geografías alejadas con paisajes y arquitecturas diferentes, pero que demarcan el mismo pensamiento visual: la presencia de la ausencia.

Luz de la fotografía. Silencio de la arquitectura (PDF del catálogo)

• La serie SONNENSTAND

La serie titulada Sonnenstand. Solar Position (Posición del Sol) es un amplio conjunto de fotografías realizadas en 1991 en ermitas del Pirineo español, a lo largo del Camino de Santiago, un verdadero trabajo de investigación, tanto histórico-artística, como de consideración del patrimonio. Schulz-Dornburg, a través de la atenta mirada de fotógrafo, devuelve a estas ermitas su consideración de calendarios, de pequeños centros litúrgicos pero también de guías astronómicas, guiadas en su construcción por la ciencia agraria árabe. El prototipo de las ermitas fotografiadas consta de una nave rectangular culminada con un ábside de diseño semicircular de tradición carolingia. Son iglesias de pequeñas dimensiones, con sala rectangular. Las cubiertas de estas iglesias solían ser de armadura de madera en prácticamente todos los casos. Normalmente no presentan ningún tipo de decoración gráfica o escultórica. La impresión de belleza que produce, es debida, más que a la completa adscripción de la construcción a su fin, a la perfección de su sencilla y humilde realización.

Espacios cristianos, ritos agrícolas

Todas las mesas de altar donde, como un dial, se apoya la luz que penetra por la ventana absidal, son muy parecidas: sencillos rectángulos construidos de piedra sin decoración alguna. La entrada de la luz en estos templos sobre el altar es lo que recogen la fotografías de Schulz-Dornburg. Este rayo que penetra y vivifica el interior del templo depende de la altura, forma, y apertura de la ventana, de su disposición en cuanto a la orientación al sol, del grosor del muro y del ángulo de su vano, del horizonte y de la época del año. Esa marca del paso de la luz en el templo es todo un calendario. Aquí lo árabe y lo cristiano, calendario de luz y espacio arquitectónico se unifican, y esto es lo que recoge Schulz-Dornburg, plástica y emocionalmente.

La línea que conforman las ermitas es la línea del Ebro que separa la España musulmana de la cristiana, es casi la antigua frontera de la Hispania tarraconense de los romanos.

Construcciones como calendarios

Esta serie de ermitas, casi todas del s. X-XI tienen las mismas características y el paso de la luz solar por las ventanas absidales es siempre idéntica. Las ermitas funcionan como relojes que dominan el tiempo, obedeciendo a un tipo de calendario árabe. La población cristiana que desde el 711 convivió con los invasores se llamó mozárabe o ‘arabizada’.

El Calendario de Córdoba es un libro escrito en el año. 961 por el médico judío Arib b. Sa’d (m. 980), y el obispo cristiano Recemundo (Rabi b. Zayd al-Usqûf), para el califa musulmán Al-Hakam II (961-976). El original del Calendario de Córdoba es un manuscrito en lengua árabe, pero escrito con caracteres hebreos en la Bibliothèque Nationale de Paris, el título es Kitâb al-Anwâ, en latín Liber anoe. El calendario es astronómico, meteorológico y agrícola, y constituye un material de gran valor para el conocimiento de la comunidad mozárabe y la actividad rural en la España musulmana, paralela a la construcción y el uso de las ermitas fotografiadas por Schulz-Dornburg.

• KLAGELIEDER. Arquitectura DEL SILENCIO

En la meseta de Pagan, un altiplano que se extiende muchísimas hectáreas con una belleza natural salpicada de templos budistas, pertenecientes a una época –hace diez siglos– en que la región fue un importante reino, Schulz-Dornburg toma en 1977 no sólo fotografías del paisaje y de los templos, sino también de 25 esculturas de Buda, muchas de ellas con visibles trazas de mutilación, debido tanto al paso del tiempo como al descuido y a la barbarie.

La serie es una permanente y abierta galería a los signos de la erosión, a los estados diversos de la desnudez que el tiempo esculpe. Schulz-Dornburg fotografía un vacío, un vacío vivo, como el “silencio que sucede a los acordes no tiene nada que ver con un silencio corriente: es un silencio atento, es un silencio vivo”, dice Marguerite Yourcenar en Alexis ou le traité du vain Combat. Su visión de los Budas de Birmania no nos interesa por el evidente carácter de lugar sagrado que cada espacio y cada obra debió asumir en el pasado, por el concepto de témenos, por el lugar de santuario o por el valor escultórico. Lo que la fotografía nos documenta, ex-pone y manifiesta es otra dimensión más poética. Nos interesa por su esencialidad, como la del claro de un bosque: por el estremecimiento simbólico, de estar suspendidos en el espacio y en el tiempo.

• TRINITY

Trinity no es una fotografía de paisaje, sino un trabajo sobre una fotografía documental. Se refiere a la primera explosión nuclear llevada a cabo por la ciencia actual, que tuvo lugar en el desierto de Alamogordo (Nuevo México), el día 16 de julio de 1945, a las cinco y media de la mañana, siguiendo las investigaciones del equipo de Julius Robert Oppenheimer (1904-1967). Este físico, conocido como el padre de la bomba atómica, designó con el nombre Trinity tanto el lugar donde se explosionó la bomba como el código secreto del proyecto. Aunque dió instrucciones de ponerse de espaldas a la explosión para protegerse del fuerte resplandor, no pudo evitar que varios observadores quedaran cegados por la luz. Oppenheimer quedó convencido de que había encontrado el arma que, un mes después, destruyó Hiroshima y Nagasaki. El título del experimento, propuesto por el propio Oppnheimer, se ha referido unas veces a un soneto de John Donne y otras a un poema hindú. Bhagavad Gita, que leía en su lengua original, pues había aprendido sánscrito en 1933.

José-Antonio Sarmiento

Las obras de Sarmiento olvidan su geometría objetual, el sentido de plato o de vaso, y se asemejan a organismos cuyo borde se transforma en pintura. Las piezas tienen el rango de escultura. Pierden su sentido artesanal para constituirse en mundo propio, en forma y concepto. La fuerza del material, alcanza una profundidad y una intensidad que no tiene que ver con lo doméstico sino con lo artístico, es decir, con el gesto y la voluntad artística. Sarmiento domina el lenguaje del fuego, habla en el sonido de la leña, en el sonido del fuego y en el sonido del roce de la llama sobre los objetos. La tierra no es el principal medio de la composición de sus trabajos en cerámica: son las manos y la mente del artista moldeando la arcilla y manejando el fuego como un director de orquesta maneja una partitura (la arcilla) y a los músicos que la hacen viva (el fuego).

K. de Barañano

Vaso monumental, 2008 / Plato monumental de la serie Paisajes del páramo, 2007

José-Antonio Sarmiento, cerámicas (Imágenes en Flickr Art Ceramic)

Cuatro textos de diferentes mundos religiosos, nos acercan el sentido de la obra: de la Biblia (1), del Tao (2), de un artista bahai (3), de un filósofo de la metafísica (4).,

1.
“Manipulando la arcilla laboriosamente el alfarero da forma a sus jarras para nuestro uso, pero de la misma tierra crea sin distinción el que ha de servir a un honorable fin y el otro. Mas es el moldeador de la arcilla el que decide la finalidad de cada uno”.

Libro de la Sabiduría

2.
Este espacio-vacío seno materno de las formas, no como algo a llenar sino como algo vivo, aparece ya en el Tao te Ching (XI), en la concepción de Lao Tse:
“Unimos treinta radios y lo llamamos rueda,
pero es en el vacío donde reside la utilidad de la rueda
Moldeamos arcilla para hacer un jarro;
pero es en el espacio vacío
donde reside la utilidad del jarro.
Abrimos puertas y ventanas al construir una casa;
son estos espacios vacíos
los que dan utilidad a la casa.
Igual que nos aprovechamos de lo que es,
deberíamos reconocer la utilidad de lo que no es”.

3.
“Estéticamente una cerámica puede ser analizada desde su contenido abstracto o en cuanto expresión humana; subjetiva u objetivamente; por su relación con la forma pura o por su sugerencia de fuente de contenido emocional. Puede ser fríamente intelectual, o tener calor emocional, e incluso una combinación de estas tendencias contrarias. Pero sea la que sea la escuela a la que pertenezca, su configuración y su pauta formal tienen, sin embargo, que conformarse con unos principios internos de crecimiento que se pueden sentir aun cuando no se puedan penetrar con el análisis intelectual. Cada movimiento está ahí congelado como música congelada en delicada y precisa tensión”.

Bernard Leach, A Potter’s Portfolio (Londres 1951)

4.
El sentido de la cerámica, especialmente en Oriente, está ligado a la meditación, como la poesía mística. Lo que hace un alfarero es moldear el vacío mediante la arcilla, lo que hace es dar forma al vacío (como lo había notado ya Lao-Tse) o en palabras del filósofo alemán Martin Heidegger “la cosidad del recipiente de ninguna manera descansa en la materia de que consta, sino en el vacío en cuanto capaz de contener” (Das Ding, 1950). Heidegger se pregunta por el ser del cántaro o jarra: el cántaro o jarra es un recipiente que recoge el líquido en su impermeable interior; pero ni el interior ni su impermeabilidad constituyen sin embargo el ser del cántaro, sino que es más bien el vacío, “esa nada en el cántaro”, lo que le constituye en cuanto recipiente. En griego antiguo el hacer sitio es chorein, y esto en un doble sentido: a) en “contener”, es decir, dejar sitio en sí. b) en “retirarse”, es decir, dejar sitio como lo hace el anacoreta (sustantivo de chorein, el que se ha retirado).

José Antonio Sarmiento (León, 1956): Tras formarse en las disciplinas de dibujo y pintura, Sarmiento se dedica desde el año 1980 exclusivamente a la cerámica. Ha diseñado y construido sus propios hornos siguiendo la milenaria tradición japonesa (anagama y noborigama) conservada hasta el momento presente, para desarrollar su propio estilo en su tierra nativa. Alimenta y controla el fuego, en altas temperaturas, a base de leña fundamentalmente. Desde 1988 tiene su taller-estudio a 15 Km. de la ciudad de León, en San Cibrián de Ardón. A lo largo de los años noventa ha impartido sus conocimientos a través de talleres y demostraciones de su método de trabajo, tanto en su alfar como en eventos internacionales. Uno de los más prestigiosos artistas en este campo, Ryoji Koie, le invitó a una estancia de tres meses en su estudio en Japón en 1999. Desde el año 2007 está colaborando con la universidad de Gotemburgo, Suecia, en cursos y talleres organizados por el departamento de cerámica artística.

Imágenes

• Fotos sobre la visita a la exposición (Flickr Sarmiento’anagama)

Textos del catálogo de la exposición. Esta entrada es una una republicación cortesía de Alfar Galería Azul, dónde encontrarás la fuente original.

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Lo emergente de su lenguaje se basa en una de las claves del arte contemporáneo, la mutabilidad. Esto es, cambiar la percepción de la realidad y del propio Yo utilizando elementos ambiguos y dando valor a lo enigmático. Se pone así de relieve una ausencia de sentido al intentar descifrar las obras, que parecen refugiarse en mensajes codificados que tienen mucho que ver con lo absurdo cotidiano. El trabajo de Carlos García nos libera de la lógica de la realidad, sin embargo no deja de utilizar un modo de representación en el que podemos distinguir los diferentes elementos que lo componen. Las figuras humanas, por ejemplo, casi siempre extraídas de fotografías de prensa, son reducidas a meros contornos, resaltando algún rasgo que nos tiente a dotar de significado a la escena. Sin embargo el espacio y el tiempo se convierten en cuerpos abstractos, dando lugar a superposiciones y a nexos imposibles entre objetos y planos de color.

La ubicación de estas pinturas se adapta al espacio de la Sala Lanart mediante un original montaje que el artista concibe como un elemento significativo para la percepción de su obra. No se sigue así una metodología expositiva basada en conceptos como la cronología o la temática, sino que los lienzos se agrupan o separan en un aparente caos de gran impacto estético. Otro elemento importante en este montaje es una intervención en el muro cercana al grafitti, en la que numerosas semicircunferencias se expanden por la pared.

El Centre de Cultura Contemporània L’Escorxador, inaugurado el 14 de noviembre, se ubica en el antiguo Matadero Municipal de Elche (Alicante). La actividad de este centro se centrará en varias áreas temáticas: Artes Plásticas, Artes Escénicas, Humanidades y Artes Sonoras; en las que pretende desarrollar varios campos de acción: formación, producción, exhibición y reflexión. Cuenta con espacios como la Sala Lanart, destinada a exposiciones temporales; La Nau, la gran nave central multiusos; el Espai Escènic, donde se representan espectáculos escénicos y musicales; el Taller Digital, dotado de 16 ordenadores Mac; y varias salas de ensayo tanto de danza y teatro como de música, así como aulas y talleres.

Información

• Exposición: Siempre y Cuando de Carlos García
• Comisario: José Aniorte
• Lugar: Sala Lanart. CCC L’Escorxador. Elche (Alicante)
• Fechas: 20 de noviembre de 2008 al 11 de enero de 2009

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Jenny Holzer (Gallípolis, 1950) se ha convertido en todo un hito de la creación femenina a nivel internacional gracias a sus directos, sugerentes y novedosos formatos, a través de los que nos lanza todo tipo mensajes. Alternando conceptos que se mueven entre la realidad y la ficción, entre lo público y lo privado, lo universal y lo particular; la genial norteamericana ofrece un incisivo retrato social y psicológico de la época contemporánea. Después de convertirse en artista y formarse en el ámbito de la pintura abstracta, siguiendo los pasos de creadores como Mark Rothko o Morris Louis a finales de los años 70, Jenny Holzer comienza a trabajar en torno a la palabra como valor estético en sí mismo; como obra de arte capaz de transmitir de forma clara, sencilla y atractiva un mensaje que, en el caso de la obra de esta genial norteamericana, suele tener que ver con asuntos de índole política, social, de género o medioambiental.

En la década de los ochenta su trabajo comenzó a gozar de gran prestigio y sus frases se proyectaron en lugares tan emblemáticos como Times Square (1982). Desde entonces, su obra ha sido expuesta en todo tipo de museos e instituciones, incluyendo en la Bienal de Venecia de 1990, donde fue la artista seleccionada para representar a los Estados Unidos. Sin embargo, durante las dos últimas décadas, en las que su trabajo ha sido muy prolífico, se han visto pocas exhibiciones sobre ella en Norteamérica.

Información

• Exposición: Jenny Holzer: PROTECT PROTECT
• Fecha: 25 de octubre 2008 – 01 de febrero 2009
• Comisarios: Elizabeth Smith y James W. Alsdorf
• Lugar: Museum of Contemporary Art de Chicago

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Fuss captura los anillos concéntricos procedentes de las gotas de agua, un instante único e íntimo. Un delicado halo de ondas que se expanden, difuminan o entremezclan de forma rítmica. Imágenes suspendidas en el tiempo que remiten a la vez a lo abstracto y lo familiar. Metáforas enigmáticas de luz y agua que investigan sobre los elementos de la vida. Una gama monocroma de abstracciones llenas de una delicada riqueza poética. Un trabajo que se vuelve intensamente íntimo y personal hasta convertirse en espectro de los propios sentimientos del artista, un escenario de encuentro entre los pensamientos del autor y del espectador.

Residente en Nueva York desde 1982, Fuss nació en Londres de ahí se marcho a Australia donde estudio fotografía mientras trabajaba en un estudio como asistente a un fotógrafo comercial. Cuando llego a Nueva York trabajo como fotógrafo comercial documentando exposiciones de arte. Su trabajo fotográfico lo realiza a través de técnicas fotográficas muy simples como el fotograma, al estilo de los pioneros y grandes maestros de la fotografía como Henry Fox-Talbot, Lászlo Molí-Nagy y Man Ray. En sus obras podemos ver bebes, vestidos de comunión, gotas de agua, humo, calaveras o materiales orgánicos como plantas, flores, girasoles, entrañas de animales, el resultado es un trabajo poseedor de un lenguaje contemporáneo lleno de una extraña belleza y misterio.

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• Exposición: Adam Fuss
• Fecha: 30 de octubre - 12 de diciembre 2008
• Lugar: Galería Marta Cervera. Calle Ganeral Castaños, 5 (Madrid)

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Los protagonistas de esta muestra, compuesta por una veintena de obras, claramente son dos: el toro y el hombre. Las referencias a las astas del toro y al cuerpo desnudo del hombre se entremezclan con gran soltura. Composiciones llenas de erotismo y sensualidad, que en ocasiones muestran una sexualidad explícita. Obras que combinan de forma agresiva la pintura y el collages, donde los diferentes materiales utilizados juegan un papel importante. La integración de telas y papeles en el lienzo conceden una riqueza óptica y conceptual de gran intensidad. Con un gran interés por la técnica y la evolución de sus obras, Crespo, con su firme rotundidad en el trazo crea figuras escultóricas de sutiles volúmenes y luces. La configuración del lenguaje artístico de Francesc Crespo se basa en el color, la luz y la materia. Su obra discurre entre el Arte pop y el Arte matérico. Ensamblajes, mixturas, texturas y collages se unen a pinturas de un cromatismo plano, que expresan un intenso sentimiento de tactilidad. Muestra un camino de exploración de la intemporalidad de la imagen lleno de cromatismo e imaginación. Mucho más que el concepto importa al imagen, tratada como un símbolo lleno de luz, color y corporeidad. Figuras rotundas que se muestran en primerísimo plano como verdaderas y únicas protagonistas. Trabajos que responden a la apasionada búsqueda de una nueva dimensión expresiva, nutrida de diferentes materiales extrapictóricos y de libertad.

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• Exposición: Francesc Crespo
• Fecha: 7 de noviembre - 10 de diciembre 2008
• Lugar: Galería O+O. C/Francisco Martínez, 36 (Valencia)

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Encontramos numerosas fotografías que se complementan con una videoproyección y un mural que a modo de collage combina pequeñas reproducciones fotográficas con dibujo sobre la pared. Todas estas obras comparten una reflexión sobre el uso de la palabra y la invasión publicitaria que se prodiga actualmente en cualquier rincón del mundo. En los más diversos escenarios encontramos este tipo de mensajes: estadios deportivos, bolsas de la compra, autobuses, fachadas, escaparates, vallas publicitarias, carreteras, prensa, televisión y un largo etc. “Esta invasión constante de mensajes nos lleva a un estado de saturación en el que se pierden los significados” según dice el propio artista.

Se ha comercializado nuestro espacio, produciendo una contaminación visual sin precedentes, en la que nuestros sentidos se ven expuestos a infinitos canales portadores de mensajes vacíos. La palabra ha dejado de ser un elemento vehicular hacia la reflexión y los significados se pierden en el vacío comunicativo de la publicidad.

Para desarrollar este proyecto Plademunt puso más que nunca toda su atención en estos mensajes, palabras y símbolos cuyos contenidos pasan, normalmente, desapercibidos. Fue así consciente de la saturación desmedida de nuestros canales de información, asegurando que es casi imposible encontrar un solo espacio que no contenga un mensaje. Llegando a la conclusión que en los distintos puntos del planeta la situación es la misma, variando las formas pero permaneciendo el fondo. Estereotipando y globalizando las necesidades, independientemente de las diferencias entre culturas, a veces abismales.

El proyecto ha sido una inmersión en el vacío de la palabra, en la nada como contexto, en la mundialización de la nada. La nada con sus mecanismos sutiles, se cuela cada día en nuestras vidas, disfrazada bajo coloridos imperativos. La intención del proyecto ha sido la de expresar de forma evidente y clara, sin ornamentaciones, el vacío conceptual en el que nos movemos, sirviéndonos de la palabra NADA; la creación de un espacio portador de vacío en medio de todos los canales.

Información

• Exposición: Nada de Aleix Plademunt.
• Lugar: Galería Valle Ortí. C/ Avellanas nº 22. Valencia.
• Fecha: Del 25 de septiembre al 4 de noviembre de 2008.

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Obra de Cildo Meireles

La muestra hace un recorrido por las obras fundamentales del artista brasileño, pasando desde instalaciones de pequeño y gran formato hasta la serie Inserciones en circuitos ideológicos de 1970. Para los dos comisarios de la exposición, Meireles «cambia continuamente nuestra percepción de la realidad, nos enseña que nada de lo que se ve es lo que parece y lo que no se ve es incluso más definitorio que lo visible» (Padolí),  «una obra de Meireles a menudo comienza en un lugar común, por lo general objeto interno, o una memoria de la infancia, que se convirtió en una percepción, filosófica, incluso una especulación cosmológica» (Guy Brett). La exposición del Tate podrá verse hasta el 11 de enero de 2009 cuando viajará hasta el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, más tarde continuará su recorrido llegando al Museum of Fine Arts, de Houston, al Los Angeles County Museum of Art y finalmente a la Art Gallery of Ontario (Canadá).

Información

• Exposición: Cildo Meireles
• Fecha: 14 de octubre - 11 de enero 2009
• Comisarios: Guy Brett y Padolí
• Lugar: Tate Modern
  

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Al igual que ocurre en sus otros proyecto, Kosuth realiza para está exposición un agudo ejercicio de deconstrucción e inteligencia, donde cuestiona varios órdenes del conocimiento. Afirmando que la cultura y el lenguaje son puras construcciones. De esta forma sus piezas proponen una especie de nueva cartografía. En ella abre un grupo de interrogantes y desafía al pensamiento cerrado y asentado. Kosuth sabe que la cultura es un espejismo y que sus textos son puras ilusiones, que intentan explicar (de forma errónea) la realidad. En la cultura, escrita o no, se cruzan infinitas narraciones, los intentos de interpretar estas narraciones terminan por convertirse en auténticos desvaríos. De este modo, los mapas son contracciones delirantes del universo. Creer a ciegas en el mapa, sería caer en la trampa del relato ilusionista y vivir en la ignorancia del mundo. La obra de este artista estadounidense conlleva la deconstrucción analítica, el castigo del orden y de la apariencia. “Dos tipos de mapas”, se trata de una sofisticada crítica hacia la cultura misma, en un momento en el que todo se convierte para ocultar todas las cosas.

Información

• Exposición: Dos tipos de mapas. Joseph Kosith
• Fecha: Desde el 12 de septiembre 2008
• Lugar: Galería Juana Aizpuru. C/Barquillo, 44 (Madrid)

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Conocido por las grandes construcciones con las que transforma arquitecturas preexistentes en espacios totalmente nuevos, inició esta genealogía de trabajos a finales del 2003 en el Museu Serralves (Oporto). Fue así como empezó sus intervenciones con cartón prensado, aprovechando la capacidad de este material para sugerir conceptos como la fragilidad de la arquitectura, y evocar así otras cuestiones más complejas y de irremediable actualidad, como la impermanencia de los edificios. Sin contar con un plan preestablecido, las instalaciones le permiten improvisar y desarrollar la habilidad de adaptarse al lugar sobre el que se asientan. El proceso en el que las ideas se ponen en práctica es fundamental. Interesado por el fenómeno de la apropiación de lugares, sus instalaciones no sólo se sitúan en espacios arquitectónicos, sino también sobre objetos que conectan directamente con la problemática de lo doméstico. En sus maquetas improvisa “estructuras arquitectónicas en donde la yuxtaposición de planos y colores nos retrotrae al neoplasticismo y a una propuesta de arquitectura flexible y desjerarquizada.

Yuxtaposiciones es su segunda exposición en la Galería Elba Benítez, después de que en 2005 transformara el interior de este espacio con una gran intervención site specific. Usando ahora la galería como laboratorio, presenta una nueva muestra que desafía los límites entre las distintas disciplinas, un proyecto híbrido en el que conviven arquitectura, pintura y diseño. En un momento en el que existe un afán por clasificarlo todo, Carlos Bunga plantea la posibilidad de espacios intermedios. Yuxtaposiciones cruza la línea que separa lugar expositivo de obra artística. Surgen nuevos espacios que se confunden con los ya existentes, junto a pinturas que desbordan su marco tradicional para expandirse por la pared. Nos coloca en un plano abstracto, en el que cada obra nos cuenta una historia, una historia sobre la fragilidad de la vida, de la arquitectura y de la propia obra de arte. Obras como Intento de Conservación, pintura protegida con metacrilato, reflexionan sobre lo que no permanece. Pigmentos, nos permite viajar a los orígenes de la pintura, base de su trabajo y de su formación académica. Y The Phaidon Atlas of Contemporary World Architecture (2008), una composición abstracta construida con fragmentos de esta publicación, reflexiona sobre la arquitectura contemporánea y sus connotaciones políticas. Carlos Bunga resalta la temporalidad intrínseca de todos estos nuevos edificios, que pese a ser símbolos indiscutibles de poder económico y de progreso, no dejan de ser sensibles a su paulatino deterioro.

La exposición Yuxtaposiciones está incluida dentro de los programas de la Semana de la Arquitectura 2008 y de la VI Mostra Portuguesa. La primera, organizada por la Fundación Arquitectura COAM entre los días 6 al 12 de octubre, invita a varios artistas plásticos a interpretar y reflexionar sobre la realidad arquitectónica actual dentro de la sección Poéticamente habita. Por otro lado, promovida por la Embajada de Portugal en Madrid, la VI Mostra Portuguesa, reunirá en nuestro país entre los días 27 de octubre y 30 de noviembre de 2008 una amplia representación de la cultural luso-española.

Información

• Exposición: ‘Yuxtaposiciones’ de Carlos Bunga
• Lugar: Galería Elba Benítez, Madrid

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