Il direttore artistico Frassetto Maria Grazia

CARUSO ANNA – BORRIELLO- BONI PAOLA – ANFUSO – AGNELLO DARIO – GAILLARD JEAN LOUIS – MONCADA – CUMINETTI ANNA ROSA – MAFFEIS ELIO – BOTTER – MONCADA – LOTITO LUIGI – LOTITO DONATO – TONELLO RENZO – RICCO77 – ROCCHI – PIOTR – - BARBARISI – LAINO MAURO – CAGNA – TUROLLI ALESSANDRA – SERINELLI NICOLA – LONGARETTI SEBASTIANO – ZOYA –ZANCHI GIAN PAOLO – INFANTE GIULIA – FORNARELLI C. – GALAVOTTI LUCA – BRESCIANINI FLORA – BIDINI MARIA – CASALI ANTONIO
NOZZA ROBERTA – CAVALLINI ANNA – GRADINARU CRISTINA
From 7 to 28 November 2009 in local New Artemisia Gallery featured in the exhibition is held collectively 30 finalists of the sixth painting competition GBMoroni Trophy.
This sixth edition of the contest has attracted many artists of every Italian region and even from foreign countries, like France, Switzerland, Moscow, and Ukraine. The theme for this edition was “Emotions” and the wave of emotions the artists have grappled with different works in oils, acrylics, graphics, digital art, the Youth under 25 and for the first time with digital installation. This overview of styles and themes between all participants, the jury chose 30 works that have had the privilege to exhibit in the gallery, to be present in posters in the city center and displayed with a banner from the balcony of the Banca d’Impresa in Piazza Porta Nuova in central Bergamo Bassa. For the first time the direction of the gallery invited artists to submit their works through files or photographs, a jury of four critics of art and a painter and gallery owner, believes the works to bring in the final. The three main prizes, however, will be voted on May 28 morning, to allow the jury to be able to see live works. On the afternoon of 28 November, at the Auditorium of San Sisto Colognola (Bg), at 16.00 in the presence of the jury, the public and the president of district 7’s award ceremony will take place for all artists.

Questo articolo è stato inviato da Maria Grazia Frassetto.

La formazione pittorica di Giorgio Griffa comincia con quadri che prendono le mosse da una provocazione che dialogava con gli atti più graffianti della coeva “Arte Povera” e con altre proposte contro corrente rispetto al sistema dell’arte. Oggi questa provocazione è diventata “altro” e anzi si fa nuovamente sfida attraverso una radicale inversione: vale a dire proprio nell’offrirsi al collezionismo più raffinato e colto. D’altro canto, i nuovi linguaggi artistici e gli ultimi esiti della svolta informatica danno al lavoro di Griffa un valore e un significato unico che ne fanno autentici incunaboli di “nuove scritture”, di innovative procedure “segniche”, di emblematiche “processualità” e strategie artistiche” che annunciano, con sorprendente lucidità, la rivoluzione tutt’oggi in atto. Ecco perché questi “cicli”, da “Segni primari”(1967-1981) a “Interazioni” (1995-1996) sono parte viva e preziosa di una recente memoria storica in cui sono state gettate le basi dell’attuale scenario artistico e si sono azzardate innovative avventure segniche, puntualmente confermate e rilanciate, peraltro, dall’ultimo e attuale ciclo di opere:”Numerazioni”. E Giorgio Griffa è pertanto uno dei più significativi artisti del nuovo millennio.

Tale libertà espressiva prende efficacemente forma nell’esposizione alla Vecchiato Art Galleries in cui si ammirano, tra gli altri: Untitled del 1986, acquaforte su carta rappresentante una testa di Medusa moderna che accosta così mito e contemporaneità; la splendida scultura King and Queen del 1987/88 in smalto su acciaio; Untitled (Wood Relief), opera del 1983 in legno intagliato e dipinto dalle forme e dai colori primordiali; Untitled (BurningSkull), maschera in alluminio del 1987 che ancora una volta riporta ad un’estetica ancestrale. Haring, oltre che artista, è stato anche un attivista sociale e il suo lavoro riflette pienamente lo spirito della generazione Pop e della cultura urbana della New York – New Wave anni ’80. Nato in Pennsilvanya nel ’58, fin da bambino crea piccoli disegni ispirandosi ai fumetti e ai cartoni animati. Dopo la Ivy School of Art di Pittsburgh, dove realizza le prime serigrafie e magliette, continua gli studi alla New York School of Visual Arts durante il biennio 1978-’79. Lì conosce Keith Sonnier e Joseph Kosuth che lo aiutano a formarsi come artista concettuale dopo le sperimentazioni con la forma e il colore. Se oggi le barriere tra arte, musica, moda e pubblicità sono quasi inesistenti, lo dobbiamo anche al suo lavoro, in cui è riuscito a coniugare e fondere le diverse discipline. L’iconografia di Keith Haring è un mix di elementi sessuali, dischi volanti, persone, cani, animali che danzano, ballano e saltano; nel tempo si aggiungono figure che corrono, bebè a 4 zampe, ecc..

Dall’82-’83 fanno la comparsa elementi architettonici e tecnologici come piramidi, templi, telefoni e tv fino a centrali nucleari. Arriva così a toccare temi scabrosi come il potere o la paura della tecnologia, che riflettono la sua inquetudine morale. Il supporto pittorico utilizzato è vario e facilmente accessibile: carta, fibra di vetro, tela, pezzi di acciaio smaltato, magliette, polistirolo, porte, finestre, vetri, vasi. E le sue influenze sono tante quante i supporti: dall’arte eschimese a quella africana ai Maya e agli aborigeni, così come la calligrafia cinese, gli all-over di Alechinsky e Mark Tobey a partire dai quali ha creato il caratteristico stile semi-astratto, una specie di New Wave azteca che ricorda pure Pollock e Penck. Grosse linee nere incorniciano le composizioni dominate dall’horror vacui, la paura del vuoto, e vibrano di un’energia irresitibile. Il suo stile contiene i caratteri di una generazione Pop, mescolati con la cultura sub-urbana dell’East Village di Manhattan; l’obiettivo dell’artista è sempre quello di creare le “cose” nel modo più semplice possibile. Nell’84 Haring dichiara: “L’Arte vive attraverso l’immaginazione delle persone che la guardano. Senza questo contatto, l’arte non esiste. Ho dato a me stesso il lavoro di essere un produttore di immagini del ventesimo secolo e ogni giorno cerco di capire le responsabilità e le implicazioni che questa scelta comporta. E’ diventato chiaro per me che l’arte non è un’attività elitaria riservata all’apprezzamento di pochi, ma essa esiste per tutti noi, ed è questo che continuerò a perseguire”, dice Haring nell’84.

Opere forti e sconvolgenti quelle dell’artista giapponese dove supporti, colori e tecniche si fondono, offrendoci ciò che la critica d’arte francese Brigitte Camus qualifica come “deflagrazione di colori, di linee e di forme”.
Daisuke Minowa è stato introdotto alla pittura dal maestro d’arte Mari Tomonagawa.
Vive attualmente a Londra dove è stato selezionato da Jenni Lomax per il Creekside Open 2009 (ATP), concorso di arte contemporanea per artisti delle arti visive.
Nell’artista fortemente impregnato della sua cultura originaria giapponese, “il conosciuto è solo un dato di partenza ma senza connotati certi” (Nappa); i suoi “tratti veloci lasciati sul supporto in uso esprimono un senso di perpetuo movimento” (Ciappelloni).
Lo sguardo di Minowa va al di là dei nomi delle cose, “nella speranza che esse lasceranno cadere la loro pelle per esistere, una volta ancora, davanti ai miei occhi”.
Nel catalogo della Mostra, testi di Brigitte Camus (Parigi), Chiara Ciappelloni (Viterbo), e Gianni Nappa (Napoli) e l’augurio speciale dalla Terra del Sol Levante,dove ormai è diventato il secondo italiano più famoso dopo Leonardo da Vinci, di Girolamo Panzetta “a questo interessante artista giapponese … perché riesca a ritrovare il blu dei cieli di Tokyo”.

Daisuke Minowa. To See The Blue Once More What I Had Painted Between 11/03 And 2/09
A cura di: Chantal Lora
Periodo: 29/10/2009 – 24/11/2009

GALLERIA MONTEOLIVETO
Piazzetta Monteoliveto, 11
Napoli

Tel. 08119569414

Ufficio Stampa:
GIANNI NAPPA

Indian Stills, è una serie di trenta foto, prevalentemente dei ritratti, realizzate alcuni anni fa in occasione di un viaggio in India.

Indian Stills
Le imagini di Indian Stills richiamano un mondo fatto di silenzi e di imperturbabile solennità; di una forza interiore che travalica i tempi e giunge fino a noi dalle profondità della storia, che pochi segni esteriori possono tentare di svelare. Sono i personaggi di queste fotografie, a voler sfuggire ad ogni condizionamento temporale, ad ogni cronologia; ad osservarci dalla lontananza di una civiltà che ha dato loro i tratti, i segni, il portamento di una cultura che ci sfugge, ancorata come è ai ritmi interiori dell’animo, a negare la nostra superficialità, la nostra avventura economica che ha tutto modificato. I modelli delle pose riconducibili a poche scelte: figure in piedi, riprese in ambienti quotidiani, spesso nei cortili interni, contro muri di mattoni senza intonaco, oppure ritratti, volti ravvicinati, che con fierezza e serietà si propongono per illustrare una storia. I soggetti posano senza il folclore, che spesso trasforma tanti ritratti in cartoline turistiche, e trasportano lo spettatore in una civiltà, antica almeno quanto la nostra. Attraverso i silenzi di un’immobilità e di una staticità che le pose propongono emerge il senso antico di una cultura che sfugge ai dogmi della cosiddetta modernità, introducendoci in una dimensione che scruta i secoli attraverso i volti, le pose, la pacatezza degli atteggiamenti, e che svela la quieta grandezza di una dimensione di vita,
testo di Mauro Corradini docente di storia dell’arte presso la “Laba” (Accademia di Belle Arti di Brescia) e critico d’arte

Il Tucano Concept Store P.zza Solferino, 14/G-16/A – Torino 20 Ottobre – 6 Novembre 2009

Orari lunedì: 15.30-19.30 martedì, mercoledì, venerdì e sabato: 10.00-12.30/15.30-19.30 giovedì: 10.00-14.00/15.30-19.30