Volvemos a la carga en el Kwoon con un director surcoreano que nos gusta especialmente y aprovechamos que HUMINT de Ryoo Seung-wan hace poco se ha incluido en el catálogo de Netflix para charlar un ratito en torno a ella y lo que nos apetezca, como siempre.

Recuerden que pueden ver todos los programas del Kwoon en nuestro canal de Youtube y en esta página que tenemos publicada en Asiateca. También subimos los audios a Ivoox, por si les es más útil el formato podcast para su escucha.

Raizo Ichikawa VIII, uno de los actores más destacados de su época, pasó toda su infancia y juventud dentro del mundo del teatro Kabuki. Con tan solo 6 meses fue adoptado por su tío, conocido actor teatral, y siendo aún adolescente ya participaba en obras de gran éxito. En 1951 adoptó el nombre artístico de Raizo Ichikawa VIII y pocos años después saltaría al mundo del cine firmando con la productora Daiei, de quien no se desvincularía. En el mundo del Kabuki es normal que los actores tomen nombres que, muchas veces, pasan de generación en generación artística. Ichikawa sería uno de los actores más talentosos y prometedores del estudio hasta su prematura muerte en 1969 a la edad de 37 años debido aun cáncer que se extendió a su hígado. Tan solo dos años después le estudio Daie quebraría y sus restos y catalogo pasarían a Kadokawa.

Destiny’s Son esta escrita por el conocido Kaneto Shindo, adaptando una novela de Renzaburo Shibata. Kaneto Shindo es uno de los grandes narradores de la historia del cine japones, tanto en su faceta de director como de guionista. Pocos son capaces de realizar una película casi sin diálogos de la fuerza de “La Isla Desnuda” -The Naked Island, 裸の島, 1960-, por poner un ejemplo. Suyas son, además, obras tan conocidas y emblemáticas dentro del mundo del Kaidan Eiga como Onibaba -鬼婆, 1964- o Kuroneko -藪の中の黒猫, 1968-. Al igual que Misumi, Shindo tenía una tremenda sensibilidad y fuerza narrativa a través de lo visual y lo abstracto.

En sus escasos 70 minutos, Destiny’s Son sigue la vida de Shingo, un niño que nació bajo mala estrella, fruto de una relación entre un vasallo y una mujer condenada a la que debía ajusticiar. Shingo es adoptado siendo un bebe y solo conocerá la verdad tras la trágica muerte de su padre adoptivo. Se lanza en ese momento al mundo, viviendo diferentes situaciones y terminando como fiel guardaespaldas de un noble.

Realmente esta película me abruma y es muy difícil explicar lo que me trasmite cada vez que la veo. Este es uno de los mejores ejemplos del cine de Kenji Misumi, tanto a nivel visual como narrativo y en su corta duración esconde una gran cantidad de escenas de gran fuerza: La ejecución de la madre de Shingo junto a un viejo arbol milenario; ese plano secuencia entre la hierba mientras Ichikawa lucha contra un batallón de asaltantes; ese tramo final donde Ichikawa busca a su señor entre las laberínticas estancias de un castillo desierto, justo después de haberse defendido de un ataque usando la rama de un cerezo en flor a modo de espada. Háganse una idea de que los 8 primeros minutos de la película contemplan retazos de unos 25 años de la vida de Shingo, con un pasar del tiempo especialmente bello y simbólico.

Las elipsis narrativas, la representación de la violencia -muy atentos al duelo en el río-, su ritmo en los enfrentamientos con espada, la mezcla de escenarios naturales y artificiales, su uso de los espacios naturales, grandes bosques o áridas llanuras… Tom Mess en Midnight Eyes trascribía unas palabras del decorador Akira Naito en torno a esta película «El guion de Destiny’s Son era bastante abstracto, muy poético, y tratamos de encontrar las imágenes que mejor se adaptaran a las palabras».

Mas interesante si cabe es su fondo, que divaga sobre el papel del samurái y el valor del bushido. Si el protagonista de Satan’s Sword era un luchador amoral, Shingo es el ideal samurái de lealtad y honradez. Sin embargo, no puede evitar la muerte de sus seres queridos, no puede cambiar su pasado, enfrentar los desmanes a su alrededor. Shingo es capaz de luchar y derrotar a un batallón de combatientes en una emboscada o a un atacante con un rama de cerezo, pero de poco le vale eso en el mundo que le ha tocado vivir.

La segunda entrega de esta trilogía conceptual llegaría en 1964 con Ken -The Sword, 剣, 1964-, la única película del director ambientada en época contemporánea. Adaptación de un relato corto de Yukio Mishima, Ichikawa da vida a Kokubun un joven obsesionado con la fuerza y el honor, convencido de que a través de su estoicismo en la perfección del Kendo obtendrá la “chispa de la vida” que vio siendo un niño en la luz del sol de verano. Kokubu decida alejarse de todo y centrarse en su habilidad, lo que le convierte en el capitán del equipo universitario en detrimento de Kagawa, su rival en el Kendo y que tiene una relación compleja con Kokubu. Por un lado admira su habilidad y dedicación, pero igualmente odia su estoicismo al tratarlo de arrogante. Kokubu es un humano como cualquiera y debería asumirlo. Además tenemos a Mibu, un joven que se debate entre su admiración por la fuerza interior de Kokubu y sus ganas de vivir la vida antes de dar el salto a la adultez.

Ken destila las creencias y contradicciones del controvertido Yukio Mishima y durante buena parte de la película la modernidad contemporánea chocará con los ideales del bushido, procedentes de otra época. Kokubu encarna ese ideal de joven actual que se rige por el código del honor, alejado de las formas y vicios actuales, cosa que ni sus familiares y ni los que le redoran llegan a entender realmente. Esto lo vemos desde varios puntos de vista, tanto del rival que quiere derrotar esas creencias hasta el seguidor que quiere imitarlo por pura admiración. La exploración de la masculinidad también es otro punto de gran interés, con esa tensión casi homoeróitca en como ve Kagawa a su rival o la obsesión de Mibu por la adultez y que le crezca la barba, ante la mofa de su madre y hermanas.

«La fascinación de Mishima por los extremos de la conducta masculina queda plasmada en los intensos primeros planos y las escenas de combate coreografiadas con gran estilo por Misumi» -Alexander Jacoby y Johan Nordström-

Y una pregunta siempre estará en el aire ¿Es Kokubu un héroe o vive un anacronismo del pasado?

Cierra esta “Trilogía de la Espada” Sword Devil -剣鬼, 1965-, que al igual que Destiny’s Son adapta una novela de Renzaburo Shibata.

La cinta comienza poniéndonos en contexto. La señora del feudo está enferma y solo permanece a su lado una de sus sirvientas. Esta sirvienta tiene un hijo sin padre y muere cuando él tan solo es un bebé, pero la señora ha dejado en su testamento que el hijo sea cuidado y no muera. El bebé es dado en adopción a un samurái de la más baja clase y al crecer debe suportar estoicamente los rumores y burlas de todo el clan de que es hijo de un perro. Ichikawa da vida a Hanpei, joven alegre amante de las flores que vive una vida sencilla cultivando el jardín del señor del clan pero esconde una gran habilidad de aprendizaje. Un día, tan solo viendo a un espadachín errante aprende esgrima y su vida cambiará radicalmente.

Es muy interesante el paralelismo entre las dos adaptaciones de Renzaburo Shibata. Ambos jóvenes nacen bajo mala estrella pero se sobreponen a su destino con jovialidad o buen hacer. Pero la espada, finalmente, es una maldición que los conducirá a un destino trágico. Sword Devil se impregna, además, de una especie de aire cómico, un humor que realza aún más la futilidad del camino de la espada. Hanpei es capaz de correr más que un caballo, haciendo honor a las burlas de que es “hijo de un perro”. Además, se convierte en un asesino implacable sin hacer preguntas, lo que le traerá múltiples desgracias debido a los juegos de poder del clan, y llega a matar a un gran grupo de espadachines con su esgrima, aprendida tan solo observando a un viejo ronin que lo instruye con la frase “Solo desenvaina, corta y envaina. Eso es todo”.

Hanpei sufre debido a su fascinación por la espada una vez que aprende a manejarla. Shingo, en Destiny’s Son, no pude cambiar el destino de los que le redoran a pesar de su enorme habilidad en esgrima. ¿Qué sentido tiene entonces?

Daibutsu Toge sigue las desventuras de Ryunosuke Tsukue, un frío samurái que se ha dedicado a la espada hasta convertirla en su único modo de vida, alejado de la moralidad y la virtud social. Un día, sin ningún motivo, mata un viejo peregrino en el Paso del Gran Buda y ahí comienza esta historia. Por un lado Ryunosuke cae en desgracia por la muerte de Bunnojo Utsuki y sus crueles actos hacia la esposa de este, Hama. Por otro lado Hyoma Utsuki busca venganza por su hermano y se entrena para, algún día, dar caza y matar en duelo a Ryunosuke. Matsu, la nieta del viejo asesinado, es ayudada por un peculiar transeúnte, pero su sino parece maldito y entrará en una espiral de vicisitudes hasta que, eventualmente, acabe conociendo a Hyoma y descubra la identidad del asesino de su abuelo.

Como buena novela serializada de larga duración la cosa no quedará en estas simples líneas, plagándose de personaje y tramas secundarias, además de retazos históricos reales de la época, como la aparición del Shinsengumi o las luchas entre los leales y detractores al Shogun, si bien estos hechos son el grueso de la primera de las películas de sus múltiples adaptaciones al cine.

Quizás la más conocida, al menos en occidente, de estas adaptaciones de la obra de Kaizan Nakazato sea The Sword of Doom, dirigida en 1966 por Kihachi Okamoto con adaptación del texto original de Shinobu Hashimoto, productor y guionista que escribió obras tan determinantes como Rashomon o Los Siete Samuráis. El papel protagonista de Ryunosuke recae en el mítico Tatsuya Nakadai, maestro en estos papeles enigmáticos donde su sola presencia marca una escena. Curiosamente rodada en un majestuoso blanco y negro, que da más fuerza si cabe a esa “oscuridad del alma” del protagonista, esta película se cierra de forma abrupta en el descenso hacia la locura del personaje de Nakadai, en un plano congelado de él mismo en un frenesí con la espada.

Solo viendo otras adaptaciones el espectador puede apreciar lo inconcluso de la película de Okamoto. Yo mismo desconocía completamente la obra original, generalmente adaptada en formato tríptico. Trilogía fueron las adaptaciones de la década de 1950 tanto de Kunio Watanabe –Merciless Blade, 1953- como de Tomu Uchida –Souls in the Moonlight, 1957-, ambas protagonizadas por el actor más de moda de la época, Chiezo Kataoka.

Y trilogía es esta Satan’s Sword: The Great Buddha Pass (大菩薩峠), The Dragon God (大菩薩峠 竜神の巻) y The Final Chapter (大菩薩峠 完結篇), adaptación del texto original del mentor de Kenji Misumi, Teinosuke Kinugasa, del que siempre recomendaré esa obra capital del jidai-geki que es Gate of Hell, la historia de la obsesión amorosa de un noble por una dama hasta casi conducirlo a la locura. Es muy interesante ver como Gate of Hell sentó las bases estilísticas de lo que luego sería parte del Kaidan Eiga, o cine de fantasmas japonés, sin ser ésta una de aquellas, pero su representación de la obsesión y la locura la hacen un visionado imprescindible para el aficionado.

Centrándonos en la obra que nos ocupa, Satan’s Sword: The Great Buddha Pass (大菩薩峠), nos lleva a los acontecimientos iniciales de la historia, mientras que The Dragon God (大菩薩峠 竜神の巻) continua tras un duelo fallido, con Ryunosuke implicándose con fuerzas rebeldes y conociendo a una mujer idéntica a su esposa, y Hyoma y Matsu siguiendo su camino hacia la venganza por los desmanes pasados. A Ryunosuke le da vida el gran Raizo Ichikawa, uno de los actores más conocidos de la Daiei.

Estas son unas películas que se desarrollan a fuego lento, con ese tempo pausado tan característico del cine de época japonés, además de que tienen muchas tramas que casi se podrían considerar relleno en una película que no estuviera destinada a trilogía. Historias de amor y desamor, enfrentamientos y secuestros, en lo personal algunas de sus largas conversaciones me han parecido intrascendentes y la narrativa no es la más ágil del lugar. Misumi cobra vida en los enfrentamientos con espada y cuando se adentra en terrenos más abstractos, como ese espectacular enfrentamiento en el bosque lleno de juegos de luces y sombras, donde Ryunosuke permanece en la sombra mientras su espada brilla. Podemos ver atisbos de que lo que sería el Kenji Misumi que tanto nos gusta: en los juegos de cámara, en la composición de los planos -esa huida de la joven de la posada grabada desde el techo en plano abierto que pasa entre habitaciones-, en la iluminación, en esos escenarios artificiales que desbordan teatralidad y fuerza narrativa…

La propia historia, además, peca de ser reiterativa, si bien esto es parte de su esencia. La primera película si que se centra un poco más en el personaje de Ryunosuke, quizás el más complejo de todos los de la obra, pero el resto tienen un desarrollo general bastante similar, centrado en la búsqueda de la venganza, y un final intermedio, ese cierre de la primera y segunda película a modo de “cliffhanger”, relativamente poco satisfactorio. Pero es que The Great Buddha Pass no hace referencia solo a un lugar real -el cual existe en la prefectura de Yamanashi-, sino que en esencia es el viaje de sus personajes, en como Ryunosuke se hace consciente de su mal karma, de como enfrenta la vida alejado de la moral y con la “libertad” como máxima; en como Hyoma antepone la venganza a todo lo demás, convirtiéndola en algo cotidiano, casi rutinario; en como las historias de amor de ciertos personajes se reiteran, desde puntos de vista diferentes pero similares, a modo de contraste, de segunda oportunidad.

La obsesión por el plano, por el detalle, por plasmar lo que tenia en su mente, hizo que Kenji Misumi, al igual que su mentor Kinugasa, fuera bastante lento rodando y se dice que Daiei asignaba a otros directores como soporte, en este aso parece ser que el elegido fue Tokuzo Tanaka, que ya había trabajado con Kurosawa o Mizoguchi. Sea como fuere, el buen hacer de Misumi lo hizo ideal para dirigir Buddha (1961), a la postre uno de los grandes éxitos comerciales del estudio junto a The Tale of Zatoichi, también del director. Quizás por esto la tercera parte de esta trilogía terminó en manos de Kazuo Mori, otro hombre fuerte del estudio que participaría en sagas como Zatoihci, Shinobi no Mono, Bad Reputation o la serie televisiva Mute Samurái.

Este cierre vuelve a la misma reiteración de las anteriores películas, en un nuevo juego de amor, desamor y violencia. Se vuelve onírica, casi pesadillesca, en muchos momentos de la espiral de Ryunosuke hacia su propia desesperación. Al final, cada personaje entiende sus miserias, sus obsesiones y malas decisiones.

Y es que la vida es mucho más que el honor, la obsesión o la propia satisfacción personal.

Una buena comedia de acción coreana siempre nos gusta en el Kwoon y suelen ser apuestas seguras cuando nos apetece puro entretenimiento. Este domingo charlaremos en torno a BOSS, de Ra Hee-chan, donde veremos la peculiar competencia por ser, o no, el nuevo jefe de la banda criminal.

Recuerden que pueden ver todos los programas del Kwoon en nuestro canal de Youtube y en esta página que tenemos publicada en Asiateca. También subimos los audios a Ivoox, por si les es más útil el formato podcast para su escucha.

Este fin de semana volvemos al cine taiwanés, que siempre nos gusta, con la peculiar comedia de acción MARRY MY DEAD BODY de Cheng Wei-hao. Visto su guion, seguro que esconde mucho más de lo que parece.

Recuerden que pueden ver todos los programas del Kwoon en nuestro canal de Youtube y en esta página que tenemos publicada en Asiateca. También subimos los audios a Ivoox, por si les es más útil el formato podcast para su escucha.

Mucho hemos hablado en el Kwoon de terror indonesio y de ese grupo de directores y guionistas que llevan ya años ofreciéndonos películas muy interesantes, llenas de terror, folk y gore. Uno de esos nombres clave es Joko Anwar y hoy hablaremos de su Grave Torture, aprovechando que puede verse en Netlix.

Recuerden que pueden ver todos los programas del Kwoon en nuestro canal de Youtube y en esta página que tenemos publicada en Asiateca. También subimos los audios a Ivoox, por si les es más útil el formato podcast para su escucha.

Hace unas semanas Netflix estrno la película india DHURANDHAR, dirigida y guionizada por Aditya Dhar y que cuenta ocn un elenco de lujo con nombres como Ranveer Singh, Akshaye Khanna, R. Madhavan, Arjun Rampal y Sanjay Dutt. En el Kwoon siempre nos han gustado los buenos thrillers de acción indios, y este promete ser de los mejores de los últimos años.

Recuerden que pueden ver todos los programas del Kwoon en nuestro canal de Youtube y en esta página que tenemos publicada en Asiateca. También subimos los audios a Ivoox, por si les es más útil el formato podcast para su escucha.

Ya hemos hablado en el Kwoon de algunas películas de Nobuhiko Yamashita y nos apetece mucho reencontrarnos con ese cine de festivales de verano, de amistad y de rememorar los sentimientos juveniles. Por ese motivo este domingo en el Kwoon charlamos en torno a LINDA LINDA LINDA.

Recuerden que pueden ver todos los programas del Kwoon en nuestro canal de Youtube y en esta página que tenemos publicada en Asiateca. También subimos los audios a Ivoox, por si les es más útil el formato podcast para su escucha.

Este fin de semana nos apetece algo de thriller de acción criminal chino y nos adentramos en la obra de Marc Ma como director para ver Wolf Hiding, protagonizada, entre otros, por Nick Cheung, Ethan Juan y Darren Wang.

Recuerden que pueden ver todos los programas del Kwoon en nuestro canal de Youtube y en esta página que tenemos publicada en Asiateca. También subimos los audios a Ivoox, por si les es más útil el formato podcast para su escucha.

Charla cinéfila en el Kwoon donde queremos repasar un poco todo lo que ha dado de sí 2025, lo que hemos podido ver y lo que más nos ha gustado este año que ya hemos dejado atrás.

Recuerden que pueden ver todos los programas del Kwoon en nuestro canal de Youtube y en esta página que tenemos publicada en Asiateca. También subimos los audios a Ivoox, por si les es más útil el formato podcast para su escucha.