Aullidos de la calle

2012-05-02T16:12:00.000-04:00

LA MOSCA
Por: Mónica Heinrich V.

Un momento basta para cambiar la existencia. Un instante. En cuestión de parpadeos podés cagarla pateando penales como Messi, Ronaldo, Ramos y Kaká. En otros, llegás a la gloria.

En el lugar equivocado a la hora equivocada pasan cosas malas, en el lugar correcto a la hora correcta pasan cosas buenas.

Segundos decisivos.

Una mosca percibe el movimiento humano en slow motion, y su visión de 360 grados hace que le sea posible anticipar el peligro y darse el lujo de terminar su comida antes de escapar.

Sehhhh…somos como esa canción chota onda poesía que se escuchaba por las madrugadas en una FM de Santa Cruz de la Sierra: Tú eres parte del universo, tienes derecho a existir…y bla bla bla bla…

Eran las 9 de la noche en suelo porteño y ese era el mensaje, el concepto en el que descansaba el más reciente show de Mayumaná. Lo de la viveza o virtud de la mosca aparecía en una pantalla únicamente para mostrarnos que la tecnología es parte inherente de nuestra vida diaria.

Mientras, un integrante del famoso grupo israelí calentaba al público y yo, por primera vez, me encontraba sentada en el Gran Rex de Buenos Aires.

En mi mente se agolpaban pensamientos: Frío. Bjork perdida. Spot. Thai Food. ¿Nos cobraron el programa? Tigo funciona. Confessions. Ley del Menor. Joaquín Cortés petacudo. Bob Dylan WTF. Mosca pendeja.

Nunca había pensado en la mosca con admiración. A excepción quizás de las negras/genocidas imágenes que Mafalda puso en mi mente cuando mataba moscas con el veneno en spray y que hizo que consecuentemente dejara de matar moscas.

Ahora resulta que la mosca es interesante, y que encima su cerebro tiene un movimiento neuronal similar al de una computadora.

Fascinante, diría Sheldon Cooper.

Pero aquí el tema no es la mosca perse, sino lo que Mayumaná intentaba decir a través de ese tierna introducción.

Alguien dirá, con justa razón, “Esperá, ¿qué mierda es Mayumaná?” Pues desde hace años uno de mis anhelos era ver a este grupo de baile. Porque ver bailar siempre es lindo, y porque ver bailar muy bien es mágico.

Creados en Israel en 1997, se trata de un elenco formado por jóvenes bailarines de varios países.

Mayumaná viene de la palabra hebrea Mayumanut', מיומנות , ', que significa habilidad, destreza. Y eso es lo que ofrece: el baile contemporáneo converge con la percusión, el teatro, humor, la tecnología y las coreografías donde además de instrumentos habituales se sirven de elementos urbanos para crear sonidos y danza (escobas, turriles, cajas, etc…)

Un espectáculo así solo puede ser un éxito y actualmente hay tres shows de Mayumaná que se presentan simultáneamente en algún lugar del mundo.

A mí me tocó ver Momentum 2.0. y de esa manera quemé una quimera más de esas que atesorás, y que luego vas destruyendo como “pompas de jabón”…

Digamos que si ya viste shows como los del Circo del Sol o los Blue Man Group, ver a Mayumaná te sabe como a una cuarto de libra con queso comprada en la McDonald.

Ajá, ya me puse cojuda con mi incendiada quimera. Y fue un bonito show, no digo que no…pero a diferencia de los otros mencionados, Momentum 2.0. tiene el concepto pegado con moco, como para decirnos que todo ese despliegue de baile, y despelote tiene un sentido, y encima es un sentido que apela hacia la usada idea de: VIVIR EL MOMENTO…

Un bailarín interactúa con el público y la página de Facebook oficial del grupo. Los presentes empiezan a enviar mensajes en tiempo real que son vistos y contestados en la pantalla gigante que tiene el escenario. Relojes, y frases célebres alusivas al tiempo se intercalan con los números.

En una de sus rutinas más logradas, los bailarines muestran cómo el corazón de cada uno late con ritmos diferentes: Batucada, beatboxing, danza clásica, baile contemporáneo, ilustran estas diferencias.

Algunas rutinas apuestan por un montaje audiovisual que se combina con la presencia del artista en vivo. Una de las bailarinas aparece en escena tocando una guitarra de palo. Cuando abandona el escenario su imagen con idéntico vestuario y actitud continúa tocando la guitarra en la pantalla, la misma chica regresa con otro instrumento o con una coreografía que luego es incorporada a la guitarra. Y así sucesivamente en un increscendo.

La idea base no es mala. Su mayor problema es que de los 10 bailarines que habían en escena, dos eran realmente sobresalientes y el resto eran bailarines estándar, incluso había uno que estaba fuera de forma, y para ver bailarines fuera de forma mejor me quedo en mi casa.

Otro detalle, si vendés un show donde la precisión es tu marca, espero ver a todos los crispines moviendo el brazo a la misma altura al mismo tiempo, porque uno que se salga de tiempo jode la cuestión y la mística.

Más. No sé quién se copió de quién, o si es algo de “moda” ajuera, pero muchos de los elementos argumentales de Momentum 2.0. eran idénticos a los usados por The Blue Man Group. A saber: incursionar con las cámaras entre el público y hacerlo participar. Crear una situación en que alguien del elenco corteje a una dama del público. Llevar a dicha dama al escenario, filmar todo y al final hacer un collage de imágenes de lo filmado.

La diferencia está en que los azules alienígenas de The Blue Man Group desde el concepto de ellos mismos como sorprendidos seres ante un mundo moderno incomprensible, hasta su show en el que todo está hilado y justificado, resultan más honestos.

Mayumaná, sin embargo, tiene cosas a destacar: una interacción con el público muy conseguida desde el inicio, un par de rutinas en las que el virtuosismo de los bailarines mencionados brilló como un faro en la oscuridad, y una sensación “feel good” generalizada al caer el telón.

¿Basta? No. Para lo esperado esa fría noche de abril, “feel good” es solo eso.

Un día después, Farruquito, el príncipe del flamenco, en el mismo lugar, a la misma hora, dejaría su impronta convirtiendo ese “feel good” en la magia esperada.

Esa magia que agita los corazones y nubla la mente, días, meses, años después de vivida.

2012-04-05T16:41:00.005-04:00

A LONELY STAR

Por: Mónica Heinrich V.

Parecía que no, parecía. Pero gracias a la diligencia y empeño de Londra Films, finalmente El Artista puede disfrutarse en el país como se debe: en pantalla gigante.

Debo reconocer que ya estaba un poco podrida de los homenajes, bastante podrida. Eso no impidió que mi corazón cinéfilo se agitara como mariposa dentro de un vaso chato ante la perspectiva de ver una película en blanco y negro, muda, protagonizada por franceses que simulaban ser actores gringos y hasta con un perro que hacía ver a Lassie como un pobre cojudo.

La felicidad, diría Palito Ortega.

Todo comienza en 1927 con George Valentin (Jean Dujardin), a quien el filme nos presenta en la cresta de la ola. Él es el Brad Pitt de esa época, el que le baja los calzones a las chichis (groupies) con solo mirarlas. Una mezcla de Clark Gable, Rodolfo Valentino, Douglas Fairbanks, y otritos.

George está casado y es la estrella del momento.

The Artist arranca en la premier de A russian affair, su último trabajo. Ahí, entre te doy besito, me das un autógrafo, te agarro una nalga, te robo una pestaña, me mirás y el alboroto usual con que algunos se relacionan con las “celebridades”, aparece la vivaracha Peppy Miller (Berenice Bejo).

Peppy Miller es fansita de Valentin (se pone un poco stalker después) y además es la típica que quiere ser actriz rica y famosa. Si Peppy Miller viviera en estas épocas, sería como esos participantes de American Idol que audicionan una y otra vez, una y otra vez.

Ambos personajes se conocen, escenas vienen y van, para de repente decirnos que ZAS! a esta gente la golpea el cine sonoro. O mejor dicho, a George Valentin, símbolo omnipresente del artista caído en desgracia, el cine sonoro le pasa por encima como un tsunami.

El conflicto es bastante prosaico: actor en decadencia ante el nuevo formato y su incapacidad de adaptación. Lo nuevo vs lo viejo. El mundo sigue su curso sin vos, cambia, o sea SE MUEVE, porque sí…porque no sos imprescindible, porque después de vos vienen más y mejores y porque lo viejo fenece, se hace pasado y puede (PUEDE) que renazca en homenajes…seh.

Argumentos similares hemos visto ene veces, y encima mucho mejor llevados.

Me vienen a la cabeza la magnífica A Star is born, Cantando bajo la lluvia, y sobre todo Sunset Boulevard dirigida por Billy Wilder, y a quien Hazanavicius le dedicó su Oscar. Las tres son ya parte del cine sonoro, y en el caso de Sunset Boulevard la trama es oscura como agua de pozo.

Ahora que lo pienso, esas historias de “antes” fueron muy pendejas en cuanto a contenido y hacen que The Artist que pretende homenajear a grandes filmes mudos que al final son sonoros, nos parezca un poco (solo un poco) convencional.

Sí, Hazanivicius toma elementos conocidos y básicos de las silent movies, pero se agarra de lo más light, de lo más liviano. Es como cuando vas a una ciudad que no conocés y te dan el City Tours. Conocés lo turístico, lo que todo turista debería conocer, pero para conocer realmente esa ciudad tendrías que ir a otros sitios y ver otra gente.

Si la comparamos con películas mudas de Murnau, Ozu, Harold Lloyd, Griffith, Keaton, Chaplin, o con sonoras del mismísimo Billy Wilder, etc…The Artist sale muy mal parada.

O eso pensé yo que justo me acababa de despachar dos hermosos filmes días antes: My Best Girl con la señorita Mary Pickford, encantadora película muda de 1927 y también Paper Moon, que no pertenece a la era muda, pero que trataba de recrear la Gran Depresión con una propuesta diferente.

En ambas quedé fascinada por todo, en la primera por su frescura, su ingenuidad, su gracia, que en el contexto en que fue filmada justificaba cada una de sus escenas; en la segunda porque en su homenaje, el director se la jugó. Para su época no fue solo el retrato de la Gran Depresión, sino que el tipo aportó lo suyo en cuanto a su visión de ese periodo y a nivel de argumento, estilo de planos y montaje.

Por eso The Artist me suena a película que vende más de lo que en realidad tiene, sin que eso impida que ME COMPRE y que tal como sucede con Hugo, Medianoche en París o hasta Los Descendientes, aceptés que no es perfecta y llegués a disfrutarla a pesar de todo.

Si nos dejamos seducir por sus momentos mágicos, encontramos que The Artist está bien filmada, con unos actores principales que derrochan carisma y un perro que te hace pensar que todos los perros van al cielo (sí, sí van)

Era lógico y evidente que este filme arrasaría con los Oscar, de hecho en las charlas antes de la premiación decía que se lo iban a dar todo por ser un homenaje no solo al cine mudo sino a la industria hollywoodense a pleno. Y es bonito premiar lo que nos dice que somos bonitos.

Además del homenaje, tributo, pequeña copia, lo que sea, The artist transita por momentos emotivos.

Triste cuando nuestro George Valentin, el otrora papichulo camina como un “don nadie” por las calles mientras al fondo se lee una marquesina que reza “Lonely star” (estrella solitaria).

Triste cuando los años pasan y ya no solo es una estrella solitaria, sino una estrella apagada. Una clara analogía a todas esas rutilantes estrellas que luego de la fama y el éxito sufrieron el más desgraciado final, final como el de la ya mencionadísima Mary Pickfford, quien murió aislada, con problemas mentales y contadas visitas de amigos. O la olvidada Pola Negri, diva del cine mudo, que con la llegada del cine sonoro se hizo evidente su fuerte acento polaco y su incapacidad para hablar bien inglés, por lo que su carrera se extinguió.

Hazanivicius logra capturar esa sensación. Esa nostalgia. Muy a pesar de los escasos recursos del filme.

Para quienes conocen la filmografía del francés, se nos antoja a un parisino que llega a Nueva York y se pone la camisela I love NY, mientras mira arrobado los rascacielos.

Hazanavicius es conocido por una trilogía (homenaje, parodia, tributo, lo que sea) sobre las películas de James Bond. En ella(s), Dujardin repite en el protagónico con idéntico registro que en The Artist y también aparece Berenice Bejo, esposa del director.

Si en dicha trilogía la pareja funciona con creces, en la película que los ha lanzado a la fama Dujardin hace querible a un George Valentin que en otros pies pudo resultar no solo antipático sino detestable. La argentina Bejo, por su parte, hace que Peppy Miller sea encantadora. La sweetheart por antonomasia.

Quizás el mayor acierto del director francés fue un casting perfecto, en el que incluiremos una aparición de Malcom McDowell, recordado Alex en La Naranja Mecánica (escena en que Peppy va al primer casting y hay un tipo leyendo el periódico) ; John Goodman, que no estaba muerto andaba de parranda; James Cromwell y Uggie, el perro que hace que algunas partes pesadas sean menos pesadas.

El final, que como dije, bebe de las silent movies más elementales, consigue llegar al punto exacto en el que podés perdonarle a The Artist no pasar de un borroso bosquejo.

La experiencia se agradece. Comparada con lo “de antes” queda deslucida, pero puesta a la altura del cine actual donde tenemos cositas como Transformers 2 y Furia de Titanes 2 y Dumb and Dumber 2, solo puede ser una brisa de aire puro.

Aire puro, fresco y necesario.

LO MEJOR: tiene sus momentos

LO PEOR: es bonita y nada más

LO MAS FALSETE: y bue…la historia de “amor”

LA ESCENA: cuando Peppy juega con el saco de George, el duelo de baile, y el baile final.

EL MENSAJE MANIFIESTO: qué bueno era el cine de antes

EL MENSAJE LATENTE: qué cine de mierda se hace ahora

EL CONSEJO: Vela, la experiencia lo vale.

LA PREGUNTA: ¿cesarán los homenajes?

CURIOSIDADES

Hazanavicius quería que se llamara George y Peppy, el estudio definió que fuera The Artist.

La casa de Peppy en el film, fue en realidad la casa de Mary Pickfford, la primera sweetheart americana. La cama donde despierta George Valentin luego de las quemaduras, es también la verdadera cama de Mary Pickfford.

Cuando George Valentin mira una película suya, está viendo la gran película La marca del zorro, protagonizada por Douglas Fairbanks y que fue intervenida en los close up para poner la cara de Valentin.

En el filme se usa un tema musical extraído de Vértigo, película de Alfred Hitchcock. La viuda del compositor confirmó que no se pidieron las licencias o permisos del caso, pero que ella después de ver The Artist sabía que su marido hubiera aprobado el uso del tema.

Dujardin y Bejo ensayaron el baile del final durante cinco meses.

Se filmó en 35 días.

Se filmó a colores y luego se pasó a blanco y negro.

Dujardin es el primer actor francés en recibir el Oscar a Mejor Actor.

La dirección de arte y el diseño de producción se inspiraron en filmes de Murnau.

La escena del desayuno es un homenaje a una escena del Ciudadano Kane.Presupuesto de 15 millones de dólares.

2012-03-19T02:39:00.014-04:00

LOS HIJOS BASTARDOS DE LA BRUJA DE BLAIR

Por: Mónica Heinrich V.

La vida es así. A alguien se le ocurre poner una venta de anticuchos en su cuadra y después tiene a tres crispines vendiendo anticucho por la misma zona.

En 1999, El proyecto de la bruja de Blair se convirtió en la influencia a beber si querías hacer una película cámara en mano que transmita la sensación de “realidad”: Un falso documental.

Mockumentary le dicen los gringos, o también found footage y nuestros asustados amigos de Blair no fueron los primeros: Woody Allen, Peter Jackson y otritos ya transitaron por esos inciertos caminos, aunque ninguno alcanzó la notoriedad que se cocinó en Blair.

Recuerdo que cuando la vi quedé fascinada con los profusos “Oh, my god”, así como los mocos de los protagonistas y todo aquello que nos indicaba que estaban cagados de miedo en pleno monte. La pasé teta.

Tengo el libro (reliquia) y seguí la campaña viral. The Blair Witch Project me pareció lo más inteligente que había hecho gente sin talento en mucho tiempo.

De los involucrados, como ya se preveía, poco o nada se sabe ahora. Los directores siguieron haciendo huevadas relacionadas al género del “terror”, pero sin el factor sorpresa que los acompañó en su debut. La actriz protagónica se cansó de vagar por Hollywood esperando que sus 15 minutos de fama se alarguen. Ahora se dedica al cultivo de marihuana y esito sería.

Señores, las cosas siguen su curso natural.

Desde entonces, los hijos bastardos de la bruja de Blair desfilan sin pudor. Así vimos Paranormal Activity, una de las peores del mundo mundial. Cloverfield, REC, Quarantine, Borat, Bruno, y una larga lista de títulos son parte de esta lluvia de iluminados proyectos en los que se decide "sorprendernos" con esas falsas verdades.

El 2012, en solo tres meses ya me he visto 4 películas (MUERAN MALDITOS, MUERAN), y cada vez que me daba cuenta que estaba ante una historia contada como mockumentary quería botarme por las escaleras del cine y estrellarme contra la pantalla gigante.

Los Desacados podrían cantar Paren de venir, pero mientras sigan apareciendo habrá que compartir con ustedes esa penosa experiencia. Aquí van las reseñas por orden de desgracia:

GRAVE ENCOUNTERS o cómo hacer que los fantasmas sean poco interesantes

Unos tipejos apodados The Vicius Brothers escriben y dirigen esta horrible (fue horrible) película acerca de un equipo de filmación que hace programas sobre presencias paranormales en locaciones específicas.

El grupete se mete a un psiquiátrico abandonado, en el que supuestamente suceden “cosas raras”. Las cosas raras son 95 minutos de tu vida perdidos irremediablemente, sustos tópicos y elementales, y un argumento estúpido que te hace sentir estúpido.

En esta bosta se gastaron medio millón de dólares que insisten en ponerlo como “bajo presupuesto”.

Bajo mi asqueada mirada, esa cantidad de plata comparada con los resultados obtenidos solo puede parecer la inversión más cara de la historia.

La culpa la tiene el Festival de Tribeca, que además de darle reseñas favorables hizo posible su distribución.

Cuando supe el detalle, fue el único momento de mi existencia en que me permití odiar un poquito al gran Robert De Niro (uno de los fundadores del Tribeca Film Festival).

Con tantas películas para ver, con tantas películas que hacen cola o que son rechazadas en el Cine Center para ser exhibidas, justo nos llega Grave Encounters…

Fue una noche deprimente.

THE DEVIL INSIDE o cómo hacer que el diablo luzca pelotudo

En esta película de William Brent Well, no solo nos emputa ver OTRO mockumentary, sino que encima nos lo encajan con OTRA historia sobre exorcismo. Típica disyuntiva creo/no creo. Dios viendo algún partido de Barcelona mientras el diablo hace desmanes por el mundo.

Según el póster “es la película que el Vaticano no quiere que veas” y debo decir que es la primera vez que el Vaticano y esta servidora están de acuerdo.

Una tipa cuya madre cometió un triple homicidio durante un exorcismo, viaja años después a Italia para reencontrarse con ella.

María Rossi (la madre) está recluida en un hospital psiquiátrico que pertenece al Vaticano. La hija está acompañada de un camarógrafo que grabará todo lo que suceda para crear un documental sobre la truculenta historia.

Desde el inicio deseás que el diablo se aparezca y barra con todos. Ese es tu espiritual deseo. La película es larga, aburrida, mal filmada, llena de los clichés del género, emputante, y con un final que algunos críticos piensan que es el peor de todos los tiempos.

Aquí parto lanza a favor de The Devil Inside. Aunque es malísima, creo que no puede usurparle el lugar a otras producciones que llevan lo malo hacia un talento nato, hacia arte puro.

También llega una reflexión sobre el mercado local o nuestro amoroso público cruceño. The devil inside, así mala como es, lleva ya varias semanas en cartelera, eso indica que la gente sigue yendo a verla. Es como la cagada de Adam Sandler Jack y Jill que sigue en cartelera después de más de un mes de su estreno.

Esa pastilla roja matrixiana nos dice que la culpa no es del chancho, sino de quien le da de comer.

CHRONICLE o cómo hacer que los superhéroes sean villanos

Si ya en los casos mencionados, el elegir el mockumentary como estilo nos parecía rebuscado y una excusa para tapar falencias de bajo presupuesto y justificar look de película chota, en Chronicle es donde deseás más profundamente que no se hayan decantado por ello.

La historia con la que Josh Trank debuta tanto en guión como en dirección, no está tan mal como las anteriores: Tres adolescentes adquieren superpoderes luego de estar en contacto con un objeto desconocido. Estos poderes se vuelven más fuertes cada día y los chicos deciden crear reglas para no hacer mal uso de ellos.

El argumento de cómo uno de los chicos, cuya madre padece de cáncer y cuyo padre es un abusivo alcohólico, empieza a corromperse es muy atractivo. Como atractiva es la forma que el director usa para contarla. No lo de las pinches cámaras, sino los climas que crea para mostrarnos esa caída en desgracia y la impotencia de los otros dos personajes.

Filmada con la cámara ALEXA, aunque se simula que las imágenes corresponden a la Canon Xl1 y a la Canon Vixia HF, Chronicle es la crónica de un descenso a los infiernos. No está mal, de verdad que no. El problema es que hacerlo al estilo mockumentary más que ayudar, perjudica. Pudo muy bien filmarse sin eso, y la historia quedaría más intimista y jodida.

Aún así, con sus baches y su despatarre final, este hijo bastardo de la bruja de Blair resulta por lo menos digerible y tiene un je ne sais qua que la hace interesante.

Josh Trank a sus 27, es el director más joven de la historia del cine en tener una película como número uno en la taquilla. Le sigue Spielberg quien a los 28 encubró a Jaws, y James Cameron que a los 31 lanzó su Terminator.

Si esto sirve de barómetro de algo, podemos inferir que a Trank le esperan cosas gigantes. Mientras tanto, ya se prepara la secuela de Chronicle (esperemos que sin la camarita) que no ha confirmado la presencia de Trank en los créditos, puede ser que esto se deba a que Hollywood ya le echó el ojo y le están ofreciendo de todo.

Suerte para Trank y más suerte para una secuela que no debería ver la luz del proyector.

PROJECT X o cómo hacer que un loser sea más loser

Esta película es estúpida, te hace sentir estúpido, pero la pasás estúpidamente bien. En el caso de Project X, todo el despelote, caos y demencia que sucede en pantalla queda más que justificado haciéndolo mockumentary.

De todas las que vi este año, es la única en que digo, sí...bueno, sólo pudo ser filmada así.

Tres amigos considerados unos nadies en la escuela, deciden celebrar el cumpleaños de uno de ellos por todo lo alto. La idea es hacer la fiesta que sea la madre de todas las fiestas. Una fiesta que marque un antes y un después en sus vidas sociales y que los convierta en leyenda.

Lo que comienza como una jugarreta termina en un desastre de proporciones épicas que a la luz de la adultez y la madurez que sólo la edad puede brindar te hace exclamar: No se puede ser tan pelotudo! pero que seguramente a los chicos menores de 20 o aquellos adultos cuyo desarrollo cognitivo quedó disminuido en algún festejo carnavalero, les va a parecer lo máximo.

El mensaje final es más o menos que tenés que actuar como un tipo acomplejado, lameculo de tus pares, sexista y sin absultamente nada de personalidad, para triunfar socialmente. No importa el costo real, sino la fama pasajera. Hermoso.

Obviamente que esta jodita ya se les antojó a algunas criaturitas del señor y las réplicas de la película han comenzado a aparecer desde que se estrenó. La última ocurrió la semana pasada en una fiesta en Seattle donde un adolescente murió baleado cuando el descontrol fue el descontrol y no solo la joda pintoresca que Project X promueve.

Más allá de los cuestionamientos (in) morales que se pueden hacer del film, es imposible no partirse de risa con algunas escenas como las del gnomo y el dedo, el perro saltando en slow motion, los desnutridos y freaks guardias de seguridad, y muchas más.

Nina Nourizadeh fue el elegido para dirigirla. Este es un filme de estudio, sacado de una lluvia de ideas, cuyo objetivo era lograr lo que se logró. A Nourizadeh le ofrecieron la dirección porque tiene en su currículum spots de ADIDAS con temática fiestera que gustó entre los productores.

Se filmó en 25 noches con un presupuesto estimado de 12 millones de dólares. Por lo menos no es tan chota como las dos primeras y es imposible aburrirse.

Así termina el hall de la infamia. Ojo, no es que esté en contra del mockumentary o el found footage, de hecho si el filme está bien logrado con esa onda, todo bien, lo de menos es la forma. Pero el 90% de las veces el recurso cansa y aburre.

Habrá quien me diga: DEJA DE VERLAS. Pues no, siempre trataré de ver todas las películas que se me crucen por delante, sean buenas o malas, aburridas o entretenidas, porque nunca se sabe cuándo te podés sorprender.

Es la magia del cine.

2012-03-16T12:54:00.010-04:00

DESPUES DEL NAPALM

Por: Mónica Heinrich

Tres estaciones, es la primera película filmada en Vietnam con capitales americanos después de la guerra. Su director Tony Bui, un debutante que pasó casi la mayor parte de su vida viviendo en USA (desde los 2 años) y nos entrega este film intimista en el que intenta plasmar su mirada como mestizo, como un hombre que pertenece a dos mundos y casualmente ambos mundos son histórica/culturalmente antagónicos.

La empecé a ver muy entusiasmada, porque estaba laureada por el Festival de Sundance de 1999 y también tenía una que otra mención en el de Berlín...entonces me dije: "Ajá, veré algo de altura, de nivel", y era verdad, estaba ante un filme muy muy hermoso visualmente. El único problema es que mientras avanzaba, me aletargaba y empezaba a desvariar imaginando cómo escribirían los vietnamitas, si esas canciones las vendían en un soundtrack, qué tan difícil sería cultivar loto en mi jardín y hace cuánto no veo un episodio del pájaro loco.

Dura casi dos horas plagadas de silencios y de una bellísima (mucho) fotografía. Lisa Rinzler que ha trabajado en Pollock, Love Liza y otros filmes de bajo presupuesto, es quien pone su firma a las imágenes que se convierten casi en protagonista.

Tres estaciones se refiere a las historias paralelas que se dan en torno a un hombre adulto, una campesina y un niño.

El hombre adulto es Hai, un ciclotaxista que en sus correríos se enamora de una prostituta de lujo, que a su vez lo único que anhela es engancharse a un gringo para salir de su miseria.

La campesina es Kien An, se dedica a la recolección de la flor de loto, y trabaja para un viejo poeta a quien la lepra le ha consumido las manos y está acabando con su rostro (lo que hace que no salga nunca de su casa).

El niño, es un vendedor de chicles, cigarrillos, encendedores, etc., a quien le roban su caja en la que vende la mercancía. Fanático del pájaro loco, le dicen Woody porque lleva una raída y patética remera con el dibujo del pajarraco en cuestión.

Además está el personaje interpretado por Harvey Kietel (quien también produce la peli) un tipo que tuvo su affaire con una vietnamita cuando era soldado y que dejó su semilla en Vietnam, por lo que ahora quiere recuperar a la hija que nunca vio.

Todas estas historias se entrecuzan, pero OJO, no es el entrecuce que se suele dar donde las historias se cruzan porque la una afectará a la otra, acá son cosas mínimas, que si le compran una cosa al niño, que si el ciclotaxista tiene de pasajero a alguno, que si a la vendedora de loto le compran una flor...cosas de esas...

Tres estaciones, entonces, ahonda en una crítica, que pretende ser severa pero que resulta ingenua, ante la realidad vietnamita después del conflicto bélico con los gringos. Se hace alusión a la invasión de la cultura occidental mostrando panorámicas de un mural de Coca cola, o las pelis de western, o que la vendedora de loto no puede vender sus flores debido a que las flores de plastico conquistan su mercado, la afluencia de turistas, incluso hay una alusión a Apocalipsis Now. La idea es que el choque entre el Vietnam tradicional, el de antes y la globalización, han puesto a sus habitantes ante la disyuntiva de luchar por mantener sus valores milenarios o dejarse seducir por todas las vacías vanaglorias del mundo moderno.

Posee un guión muy bonito, matizado con algo de poesía y mucha melancolía por la cultura vietanamita, tanto por lo que fue como por lo que es. Se nota también la incertidumbre y la preocupación por la pobreza que azota al país, así como la necesidad de esperanza...en ese sentido creo que a pesar de las carencias que como planteo de historia pueda tener...es pura y hermosa.

Como dije la fotografía es bellísima y vale por sí sola su visionado, y la banda sonora ayuda mucho también. Supuestamente actúan grandes celebridades del cine vietnamita, aunque a mí en algunos casos no me dejaron muy satisfecha.

La dirección de Tony Bui es buena para ser una ópera prima, aunque insisto en que le faltó un planteo de la historia donde exista más ritmo y se tome en cuenta que el espectador es un ser pensante, sensible a los brazos de Morfeo.

Tres estaciones, con esa pausa que puede irritar a algunos, rescata al Vietnam de antes y comprende al Vietnam de ahora. A pesar de su optimismo o de su lirismo que apunta a la esperanza, hay algo profundamente triste en esta película. Es más, veo las fotos y me sigo sintiendo triste.

Después del Napalm, nunca fueron los mismos.

CURIOSIDADES

- Está dirigida por Tony Bui, quien salió del país cuando tenía 2 daños, cuando volvió a Vietnam como adulto quedó tan impresionado que decidió hacer una película.

- Después de esta película no volvió a dirigir, fue debut y despedida.

- Dirigió Tres estaciones cuando contaba con 26 años.

2012-03-15T12:24:00.007-04:00

LA CANCION DE MARCY

Por:Mónica Heinrich

¿Se acuerdan de la serie Full House? Esa en la que salía John Stamos y las gemelas Olsen interpretaban a Michelle Tanner. ¿Se acuerdan? Pues las gemelas Olsen tienen una hermana menor, la que antes de esta película era designada como "la hermanita de las gemelas Olsen" y la que después de esta película es reconocida como Elizabeth Olsen.

Martha Marcy May Marlene supone el debut de un veinteañero Sean Durkin, quien en el pasado hizo dos cortos y ahora se lanza a las grandes ligas con un filme pequeño, cuidado y muy interesante.

Martha (Elizabeth Olsen) es una adolescente que no encaja en su familia rota (padres muertos, hermana en universidad, rebotando entre familiares para que la acojan) Se intuye que a merced de esta sensación de desarraigo, empieza a buscar su lugar en el mundo.

Como el mundo no es un lugar muy adecuado para buscarte solo, la chica cae en medio de una secta.

Cuando digo secta ya todos comprenderán la envergadura del tema. Martha aterriza en una alejada comuna rural habitada por unos cuantos hombres y unas cuantas mujeres. Al principio absolutamente inocente, feliz de encontrar un lugar tan bonito con gente tan buena.

El discurso manejado por el grupo va desde elevar tu experiencia de vida hasta convertirte en maestro-líder purificándote a través de actos que son todo lo contrario a la pureza.

Al no tener nada y al ser recibida en un concepto "familiar", Martha se siente reconfortada.

Los vacíos de la existencia se llenan siempre con ilusiones, pero esas ilusiones al ser sólo ilusiones, tarde o temprano lastiman.

Martha comienza el filme escapando, huyendo, presa del terror después de estar dos años viviendo bajo ciertas reglas y haciendo cosas que la "familia" le dice que están bien, pero que ella sabe que están mal.

Marcy May es el nombre que le da Patrick (gran John Hawkes), el jefe de la familia, para anularla como Martha. Ese bautizo tiene como única finalidad vulnerar su ya frágil personalidad y marcarla como algo perteneciente a ellos. Como Marcy May se verá expuesta a duras experiencias. Como Marcy May terminará buscando refugio en casa de su hermana Lucy, tratando de volver a ser Martha.

Marlene es el nombre que adopta cuando alguien de afuera llama por teléfono, Marlene es como el símbolo de ser parte absoluta de ese oscuro sistema, de tener el alma corrupta y de ser una de ellos.

Narrada de manera muy poética y sobria, Martha Marcy May Marlene intercala el pasado y el presente en elipsis temporales muy bien conseguidas.

Vemos a Martha en el presente, y es a través de la Martha dañada, jodida, y rota que conocemos a Marcy May y a Marlene. Los flashback nos muestran lo que nuestro morbo imagina o aguardar ver. ¿Qué pasa en la secta?¿Cómo vivía?¿Qué cosas hizo o la obligaron a hacer?

A ratos me imaginaba a la familia de Charles Manson, y pensaba que el director se pondría más cojudo mientras el filme avanzara, pero Durkin la tiene clara.

Al escribir él mismo su guión, decide no irse por lo exagerado ni lo evidente, sino por lo ambiguo, por la insinuación, por la provocación. Sí vemos cosas jodidas, pero no están subrayadas, lo más perturbador se encuentra en la Martha de hoy, en ese abismo en el que se encuentra hundida.

El daño ya está hecho y parece irreparable.

La perfecta vida de Lucy y su esposo, es otro lugar donde ella no encaja, Martha Marcy May Marlene no tiene dónde ir.

Hay mucha gente que objeta el final. Sí te deja con la sensación de "Y?", pero esa ambiguedad también funciona y acompaña al tenor del filme. Creo, por ahí, que la historia se desinfla en su última media hora, puede ser, eso no quita que esta ópera prima tenga momentos intensos, bellos y muy bien filmados.

Elizabeth Olsen está sencillamente genial. Graduada en Arte y Teatro en Nueva York, seguro dará sorpresas como actriz. Además de hermosa, es talentosa y este año podremos verla en Luces Rojas de Rodrigo Cortés, entre otras.

A ella la acompaña un elenco muy bien pensado que refleja en gran medida ese perverso mundo. Un perverso mundo que a simple vista puede lucir limpio y puro.

Martha Marcy May Marlene, es un filme para tener en cuenta. En ella su protagonista se resquebraja ante nuestros ojos. Busca su origen, pero la persigue un pasado que poco a poco hace un presente imposible.

LO MEJOR: bien filmada, y un gran debut

LO PEOR: a ratos se desinfla y el final puede ser decepcionante

LO MAS FALSETE: ...

LA ESCENA: cuando Lucy y su marido están en la cama y Martha aparece; cuando finalmente Martha se quiebra luego de la sospecha hacia el chico del bar.

EL MENSAJE MANIFIESTO: buscar a veces es perder

EL MENSAJE LATENTE: sentirte solo en el mundo es jodido

EL CONSEJO: vela, vale la pena

LA PREGUNTA: ¿cuántas personas estarán viviendo como Martha Marcy May Marlene?

CURIOSIDADES

- Se filmó en 20 días

- Elizabeth Olsen audicionó dos veces para el papel, y comenzó a filmar dos semanas después de ser aceptada.

- Los nombres de Marcy y de Marlene son parte de dos canciones de Jackson Frank. Incluso durante el filme Patrick (John Hawkes) interpreta Marcy´s Song, que pertenece a Frank.

- El guión fue escrito desde el 2007.

- El director afirma sentir influencia por La semilla del diablo de Polanski.

- El proyecto fue desarrollado en el Laboratorio de Guionistas y Directores de Sundance en 2010

- Ganó premios en Sundance y en Cannes.

2012-03-14T15:17:00.010-04:00

WE ARE THE WORLD (PARTE 7)

1) EL AMOR (Samuel Aranda, 2011)

33 años pasó Ali Abdullah Saleh a la cabeza de Yemen. 33 años. Era, junto a Gadafi, el político cuya gobierno fue más largo por esos trechos. Las revueltas populares y una incipiente guerra civil producto de su tentativa a quedarse en el poder hicieron que el susodicho salga tostando del país y tenga que renunciar. En ese momento pidió disculpas por cualquier deficiencia que su regimen pudo tener en tanto tiempo. Era el 27 de febrero del 2012.

Esta foto fue tomada por el español Samuel Aranda, durante los desmanes que se sucedieron el año pasado en Saná. Se trata de una madre que acuna a su hijo. El 15 de octubre grupos tribales se manifestaron contra Ali Abdullah Saleh, hubo enfrentamientos y disparos, en medio del caos los heridos se refugiaron en una mezquita que convirtieron en improvisado hospital. Hasta allí llegó la mujer de la foto a buscar a su hijo, y una vez lo encontró herido de bala, lo sostuvo entre sus brazos.

2) LA MASACRE (Ivo Saglietti, 2011)

En julio de 1995 ocurrió uno de los hechos más sangrientos de la Europa moderna, unas 8000 personas fueron asesinadas durante la guerra de Bosnia. Este asesinato se llevó a cabo por unidades del Ejército de la República Serpska y por un grupo paramilitar serbio conocido como Los escorpiones.

La masacre ocurrió en una zona considerada segura por la ONU, murieron hombres, mujeres y niños.

15 años después, Ivo Saglietti toma esta fotografía.

Familiares lloran en el cementerio del centro memorial de Potocari. Recuerdan el doloroso pasado, un pasado en el que aún no se pueden cerrar heridas.

Los muertos fueron tantos que la identificación de los restos todavía sigue vigente.

El fotógrafo aclaró que su intención no es denunciar, sino remover conciencias sobre un mundo lleno de víctimas, víctimas de la violencia, del poder, de la intolerancia.

3) HACINAMIENTO (Andrew Biraj, 2011)

Un tren atestado de gente llega a la estación de Dhaka, Bangladesh, donde otros pasajeros esperan para subir. Es la víspera a las fiestas del sacrificio (Eid al Adha). Millones de habitantes usan los medios transporte en una ciudad que tiene actualmente más de 13 de millones de personas.

4) PRISIONEROS (Fernando Moleres, 2011)

Hace mucho leí que en Inglaterra se estaban planteando la necesidad de poner escaleras eléctricas en las cárceles, esto para facilitarle la vida a los reos que son mayores y para quienes las escaleras comunes son un suplicio. Así piensan los ingleses, en otros lugares no sólo no se piensa en escaleras eléctricas sino que las cárceles están lejos de ser un elemento o vehículo de punición que luego reintegre socialmente al preso.

En Sierra Leona, por ejemplo, el fotógrafo Fernando Moreles narró su experiencia en fotografías. Allá hay cárceles como la de Pademba Road, atestadas de jóvenes en muchos casos menores de edad que pueden pasarse años presos sin condena esperando su juicio.

Sierra Leona es uno de los lugares más pobres del mundo, donde habitan los pobres entre los pobres y cuya esperanza de vida es apenas entre 45 a 48 años.

Y es paradójico que de un lugar tan pobre con presos tan desgraciados se extraigan diamantes, caros y luminosos diamantes. Los diamantes de sangre que son vendidos fuera del país y que no contribuyen a paliar la pobreza.

5) LA MUSICA (Andrew McConnell)

Y para cerrar de manera optimista, esta foto me sacudió el corazón. Se trata de Josephine Nsimba, una mujer de 37 años que vive en Kinshasha, Congo. Josephine es parte de la Orquesta Filarmónica Kimbanguiste, la única Filarmónica de Africa Central. En el día vende huevos, por la noche ensaya.

La foto es hermosa, por un lado Josephine con su chelo y su partitura, practica feliz y por otro vemos la pobreza, la suciedad, el caos de su entorno.

2012-03-13T13:22:00.005-04:00

VIVO EN MEDIO DE LOS MUERTOS

Por: Mónica Heinrich V.

¿Quién no se ha levantado un día y se ha sentido absolutamente emputado de sólo ver el yogurt en la mesa del desayuno?

¿Quién no ha visto “crecer” a amigos a su lado, y ahora los observa y no reconoce a los niños que fueron?

¿Quién en su adolescencia no soñó con hacer “grandes cosas” y acabó cumpliendo un horario de oficina, sumido entre grises paredes?

¿Quién no desafió al sistema y ahora le besa el culo a gente que detesta, y cumple con normas sociales que antes aborrecía?

El Inadaptado refleja eso y más. Este filme noruego me llegó de manera casi providencial. Lo había pescado en Cinemax el año pasado, pero tras ver una sola escena me di cuenta que se trataba de una gran película y no estaba dispuesta a echarla a perder viéndola por partes.

Finalmente el sábado pude verla completa, y quedé encantada. Una fábula urbana que retrata con corrosivo humor una sociedad que ha cambiado lo afectivo por lo material, y cuyo concepto de la felicidad se traduce en una vida rutinaria, cómoda, sin sobresaltos, sin dolor, pero sin grandes alegrías tampoco.

Andreas es un tipo cualquiera que llega a una ciudad cualquiera de una manera cualquiera. En medio del desierto está la pequeña estación donde un viejo cuelga en ese mismo instante un letrero que dice: “Bienvenido”. A lo lejos llega el bus que trae a Andreas como único pasajero aparte del conductor. Andreas será el Inadaptado.

Ni bien Andreas baja del autobús, el viejo procede a descolgar con igual rapidez el letrero de “Bienvenido”, lo saluda y lo traslada a una moderna ciudad. Andreas es contador, lo reciben sin grandes ceremonias, le dan una oficina, un trabajo relativamente fácil y técnicamente todo marcha sobre ruedas. Al tiempo se integra a sus colegas, se involucra con una mujer bonita, inteligente, y la vida sigue su curso.

Pero algo no anda bien. Es raro. No hay niños por las calles. Las parejas se besan con los ojos abiertos. No existen muestras de euforia o de excesivo dolor. Las personas se mueven sin emociones, ajenas a cualquier sensación afectiva.

El tenor de la película se resume en una escena en que Andreas va a una discoteca y descubre consternado que después de tomar muchos tragos, el alcohol no le hace efecto. Va al baño y otro hombre le dice detrás de una puerta, desde el inodoro…”Nada tiene sabor. Solía gustarme el chocolate caliente, y ahora no siento el sabor. Nada tiene sabor a nada. Y se supone que el chocolate caliente es rico. Oscuro y sabroso. Sólo imagine el olor. No es sólo el chocolate caliente. Es un ejemplo. No es rico. Y es lo mismo con todo. Chocolate caliente, mujeres hamburguesas. Nada tiene sabor”.

Andreas va descubriendo poco a poco que esta nueva ciudad le va chupando la sensibilidad. Está todo “bien”, es todo “normal”, pero EL no es feliz. No se adapta a esas frías situaciones, no consigue conectarse con sus “amigos” a los que sólo les interesa comprar objetos, empieza a mirar extrañado a la mujer con la que convive, a la que sólo le interesa redecorar la casa , indiferente a sus emociones, a lo que Andreas siente o quiere de la vida.

Andreas está desconectado de todos y de todo. Y esa desconexión es plasmada en la película de manera simbólica en increíbles situaciones, que nacen de la nada y cuando menos uno lo espera. Los demás ven a este obtuso reaccionario como a un ser marginal, para ellos es un idiota, o en todo caso un peligro hacia el buen ambiente que han cosechado ¿No les parece sencillamente fascinante?

Yo observaba embobada la pantalla, no podía creer que una película de esta naturaleza haya pasado casi inadvertida en muchos lados. Una obrita de arte con la que no es difícil, para nada, identificarse…salvando las distancias.

Lo que hace Jens Liens (el director) es tejer una historia donde con maestría ataca todos los tumores de las sociedades modernas, el consumismo como búsqueda de satisfacción, el guardar las formas como elemento necesario para formar parte de un grupo de amigos, el fingir dicha en una relación de pareja en la que uno no se siente ni lleno, ni conforme…el postergar o relegar partes de tu personalidad, para tratar de encajar en lo que LOS DEMAS consideran como “felicidad” y lo más tétrico: las absurdas relaciones que uno a veces alimenta como parte de ese gran “todo” al que supuestamente hay que pertenecer, pero que ni teniendo la más encantadora sonrisa de empleado de McDonald, realmente se pertenece.

Mientras la película transcurre uno siente muchas cosas, se replantea otras (quién lo diría) y consigue despertar al freak que se ha dormido a pierna suelta en tu interior, al rebelde que colgó la bandera de paz o de “arriba las armas”, al idealista que se transformó en cínico, al romántico que se conformó con un haz de luz pudiendo buscar el sol…y al aventurero que odia llegar a su empresa transnacional todas las mañanas.

Andreas, el Inadaptado cuarentón, no se resigna a esa vida fría, gris, sin sabor…Andreas, el Inadaptado, tratará de “sentir” por todos los medios, perseguirá las emociones, la adrenalina…buscará una salida.

Narrada de forma algo pausada para algunos amantes de la acción hollywoodense, el ritmo de El Inadaptado condice con esa monotonía que aflige al personaje principal. Un ambiente opresivo, roto con delicadeza por estrafalarias situaciones.

Actuada de una manera perfecta por su elenco, donde destaca Trond Fausa Aurvaag (Andreas), este filme noruego puede llegar a enamorar a más de uno. Es dueño de una exquisita y elegante fotografía donde se nota un trabajo de arte importante. Cuenta también con una muy linda banda sonora donde incluso se pueden escuchar (sorpresa, sorpresa) temas de Los Panchos…totalmente en español! No han leído mal, temas de los panchos ambientando una película noruega.

El guión es sencillamente una joyita. Enriquecido sobremanera por una dirección de un tipo dotado detrás de la cámara. Un director que con la imagen justa en el momento justo, consigue transmitir la profundidad y el ingenio de una historia de estas características.

Por demás es recalcar lo original y creativo del argumento.

El inadaptado atrapa, seduce y claro, lo dicho…cuestiona. Lo hace en forma de risas, tristeza, miedo, y cualquier otra agridulce emoción que pueda despertar el retrato del hombre moderno.

Lo mejor: Una experiencia atípica, muy bien contada.

Lo peor: algunos dicen que el ritmo y el final abierto, pero a mí me gustó.

La escena: cuando cavan el túnel y consigue meter la mano por el huequito que los traspasará al otro lado. También la escena del baño.

Lo más falsete: Nada…

El mensaje manifiesto: El mundo se está enfriando

El mensaje latente: No te dejés enfriar

El consejo: Mirala, no te vas a arrepentir

La pregunta: ¿Por dónde escapo de este mundo de mierda?

2012-03-12T14:04:00.006-04:00

ABOUT PAYNE

Por: Mónica Heinrich V.

Me encanta Alexander Payne. Me gusta desde su película Citizen Ruth, donde una yonqui y perfecta Laura Dern quería abortar. Sí. Nada como el humor negro para alegrar la vida.

También me gustó en Election, donde Reese Witherspoon interpretaba a la odiosa Tracy Flick. ¿Se acuerdan? Daban ganas de pasarle una motosierra muta por encima.

No podemos olvidar a About Schmidt, en esa gigante escena de un Jack Nicholson que habla sobre lo emputante que es levantarse todos los fucking días de su vida y ver la misma cara (su esposa).

Ya más recientemente, Payne se consagró ante mis ojitos con Sideways, la película en la que salía Paul Giamatti de perdedor fanático del vino y la película por la que me obsesioné con el Pinot.

Payne. Payne. Payne.

Por eso es que si escuchamos el nombre de Alexander Payne, intuiremos que el cojudo hará una película con una ácida crítica hacia el tema de turno (sociedad, matrimonio, exitismo, etc.) y que nos regalará un gran guión.

Eso es lo que esperamos. Eso es lo que queremos. Eso es lo que nos ha prometido a lo larga de su breve carrera.

Y entonces se le ocurre contratar a George Clooney (actor que ocupa el puesto número 2 de actores a detestar sin motivo aparente) y hace Los descendientes.

Los descendientes nos habla sobre Matt King (Clooney) y su vida en Hawai.

Ni bien empezado el filme una voz en off (Matt) nos dice que existe otro lado de Hawai, el que no es turístico, el que no es paradisiaco, el que no es bonito y claro, que los hawainos también sufren. PARE DE SUFRIR!

Pudo hacerlo sin la voz en off como cuando David Lynch nos muestra en Blue Velvet un acercamiento progresivo hacia la vida de un elegante, tranquilo y publicitario suburbio americano y toda la mierda que se esconde debajo de esa idílica postal se va descubriendo conforme va avanzando la historia. Pudo, pero Payne elige decirlo palabra por palabra.

Elizabeth King (esposa de Matt), sufre un accidente y queda en estado vegetativo. Es ahí cuando lo terrible o las duras verdades del existir aparecen para poner a prueba a todos los hawaianos que viven y que también sufren en la no tan perfecta Hawai.

Un ni tan oscuro/ni tan perturbador secreto es revelado por lo que Matt tiene que exhibir en pantalla esa batalla de emociones que sólo disparadores de stress y angustia (inminente muerte de su esposa/sucio secreto/hijas que quedan a su cuidado/decisiones cruciales) pueden provocar. Seh. Por eso le querían dar el Oscar a George Clooney.

Pues NO! Un poco de seriedad…si se lo daban hubiera sido como cuando le dieron el Oscar a Julia Roberts por Erin Brokovich. Ya está, lo dije.

El guión es bonito, pero bonito a secas. Payne deja botado como una chancleta maloliente lo que nos dio en sus trabajos anteriores (el retorcido e hiriente humor negro), y salva a todos sus personajes de la inmolación moral.

Ajá, en Hawai también se sufre, pero la gente tarde o temprano acaba siendo buena, pura, y se comporta a la altura de las circunstancias. Ajá, la vida continua y todos somos lo suficientemente maduros para que eso suceda.

Los descendientes también habla de los descendientes, de esas familias enormes, con cargas del pasado que se transmiten de hijos a hijos, de esas historias que afectan presentes y futuros. Matt es la cabeza de una icónica familia hawaiana, Matt tiene en sus manos el futuro de lo que legaron los que ya se fueron y lo que definirá como descendientes a ellos, los que quedan. Este conflicto seduce más que el otro, el del sucio secreto. Pero Payne se inclina por el colorido absurdo que le brinda el segundo.

Aún así, Los Descendientes es una película que supera al promedio y que entrega una historia humana, simpática, sobre las relaciones de pareja, sobre la vida misma (insertar mi imagen en una ventana mirando hacia el infinito).

Actuada decentemente por el casi siempre simplón George Clooney, por Shailene Woodley como la rebelde Alexandra y por Amara Miller como Scottie, Los descendientes maneja un ritmo pausado como el oleaje del mar.

El griego Phedon Papamichael, que también trabajó con Payne en Sideways, e hizo cosas como Ides for March (Secretos de Estado) y Walk the line entre otras, es el encargado de la fotografía.

Siendo las locaciones en Hawai, el compromiso es alto y nuestro ateniense amigo cumple.

Alexander Payne, Nat Faxon (debutante) y Jim Rash (debutante) ganaron el Oscar a Mejor Guión Adaptado. No sé. Tendría que leer la novela para saber qué tan buena es, y qué tan bien adaptaron ese libro a la pantalla. Además, todavía me falta ver El Topo para decidirme, pero no sé. Las dudas sacuden como un terremoto mi escéptico corazón.

Lo que sí puedo decir, es que ya llegando al final de Los Descendientes sentía que no terminaba nunca. Los últimos quince o 20 minutos aparecían escenas que bien podrían ser cierres…una y otra vez, una y otra vez. Y nada. Ya cuando el mensajito a la conciencia llega y todo acaba, me dejó una sensación como de “al fin la acabaste”.

Payne hace una película “bonita”, pero sin esa acidez corrosiva que le hemos visto en anteriores trabajos. Sí hay escenas o personajes que nos remiten a las glorias pasadas, pero es como cuando recordás que eras joven y hermoso, porque ya no sos joven y hermoso.

Me gustó y no me gustó, y es difícil explicarlo.

Quizás se resuma en que Los descendientes trata una temática muy jodida y lo hace de una manera amable que adopta la pose de no serlo.

LO MEJOR: está bien.

LO PEOR: no termina de cuajar, y el cierre se alarga demasiado

LO MAS FALSETE: el personaje del chico, amigo de la hija. Parecía arrancado de un sitcom con la única finalidad de ponerle el supuesto humor.

LA ESCENA: hacen que verla valga la pena DOS: la de la piscina *muy bonita, y la de la puerta entreabierta cuando el viejo se despide de su hija.

EL MENSAJE MANIFIESTO: en hawai sufren, sip.

EL MENSAJE LATENTE: todo sufrimiento construye

EL CONSEJO: vela sin esperar el peliculón

LA PREGUNTA: ¿de cuándo acá esa amabilidad de Payne?

CURIOSIDADES

Presupuesto de 20.000.000

George Clooney quiso el papel de Jack en Sideways y fue rechazado por Payne. (gracias, muchas gracias)

En la novela hay una escena en que se describe a Scooter vistiendo una camiseta con las palabras: “Mrs. Clooney”

Kaui Hart Hemmings, autora de la novela, aparece en la película como la asistente de Brian, Noe.

2012-03-12T13:30:00.007-04:00

AUSSIEBUM

Por: Mónica Heinrich V.

En la otra esquina, de lo que puede ser, pero no es…está Perfidia.

El tercer largometraje de Rodrigo Bellot era esperadísimo desde aquellas declaraciones suyas a El Deber, cuando dijo “no es una película de masas, es más bien para un público intelectual; es por eso que apostaré a distribuir esta película de manera diferente. Traeré un proyector digital desde EEUU y organizaremos un evento para su exhibición, en el que únicamente 2 mil personas puedan ver la cinta. Quiero devolverle al arte del cine la importancia que se merece, por eso el estreno será todo un acontecimiento, pues el público tendrá que asistir con traje de gala a la presentación”.

No supe si hizo la presentación o no, si cobró los 20 $us. que se planeaba cobrar, o si la gente se vistió como muñequito de torta, sólo supe de un evento pequeño creo que en el Simón Patiño donde se podía asistir con invitación.

Igual, da lo mismo cómo piensa promocionar o no su película, da lo mismo cuánto pretenda cobrar de entrada, o si él realmente cree que sólo la "intelectualidad" boliviana la entenderá y/o valorará, da lo mismo. Cada director de cine puede tener las pajas mentales que quiera sobre su obra, por algo es SU obra.

Y de la misma manera, el público puede opinar como receptáculo de dicha obra. Así que después de dos años de su estreno oficial, PERFIDIA fue presentada a público abierto en Santa Cruz.

Dicho acontecimiento se llevó a cabo en la Casa de la Cultura, a sala llena, gracias al FENAVID, festival que sin duda se ha convertido en EL festival audiovisual del país. Y meses después, ahora se presenta en las salas del Cine Center y en los MegaCenter de Cochabamba y La Paz.

Weno, cuando yo la vi, Perfidia fue exhibida como parte de las actividades especiales del FENAVID, y Bellot estuvo presentándola. La sala estaba a reventar. A mi derecha, un señor mayor que reemplazaba a compañero de butaca me preguntó: "Muestra el mundo gay, no?", sonreí encogiéndome de hombros, sin saber a ciencia cierta la veracidad de la suposición. Luces OFF.

Los grises, nevados y solitarios paisajes de Ithaca nos dan la bienvenida, mientras la voz de Andrés Barba entona una linda versión del conocido tema musical Perfidia…

Hasta ahí la película parecía derramar intimismo, y mi mente asentía aprobando el trayecto por las calles frías, en las que la soledad era LA soledad.

Vemos al personaje de Gonzalo Valenzuela, a quien algo le pasa, algo le sucede. El tono del filme nos indica que existe despecho, decepción, abandono, traición…hmmm…perfidia pues. Seh, todo promete.

Valenzuela anota una dirección, se va a un hotel, y luego vivimos escenas de la vida cotidiana, donde el espectador simplemente contempla…acompañado de planos prolijos, bonitos, cuidados.

Poco diálogo, no es cierto eso de que el único diálogo sucede al final, hay poquísimo diálogo pero ahí está. Tampoco es cierto que es una sola locación, hay varias más, sólo que la acción principal sucede en una locación.

La película avanzaba, aunque no lo parezca. La contemplación comienza a perder su efecto de bella nostalgia y se transforma en estridencia. A esas alturas, otro señor a mi izquierda decía muy fuerte: "Pesadita, no?". Reí (reímos), empática.

El público empezó a salirse. Como a la media hora, 21 personas se salieron de la sala al mismo tiempo.

Eso no es referencia de nada, lo único que quedaba claro era que la "advertencia" de que NO era un filme de características masivas, era cierto.

Los prometedores minutos iniciales se iban desinflando, la música comentaba el drama que vive el personaje, lo subrayaba con marcador fosforescente, y Valenzuela se la pasaba casi todo el filme semi "chuto", en calzoncillos, para más señas: AUSSIEBUM, marca que no conocía, pero que luego de estar casi una hora y media viendo sus diseños, ahora (macabramente) forma parte de mi inconsciente.

La película se desarrolla, y conforme se acerca el final, ya tenés conclusiones intensas. Perfidia es una película efectivamente "pesadita", dirigida a un público muy específico, con aires de cine experimental contemplativo, que está bien filmada.

Eso no hay cómo negarlo. Y a Bellot, lo que es de Bellot. Técnicamente no hay nada que objetar.

Otra cosa a destacar es la actuación de Valenzuela, que le pone dignidad a ese, por ratos, cansador paseo de la cámara sobre su cuerpo y los Aussebium, claro.

La búsqueda de presentar algo diferente podría ser parte de lo positivo, no sé donde terminan las vísceras y comienza la impostura, pero definitivamente estamos ante un producto que propone. Lo triste es que de los trabajos bolivianos decentones a nivel técnico vistos este año, esa sería la palmadita en la espalda: la propuesta.

Según el mismo Bellot, escribió este guión después de ver En la cama, del chileno Matías Bize, que también protagoniza Valenzuela. Sin embargo, En la cama, tenía cierto…hmmm…llamémosle factor, que la hacía interesante y simpática, mucho más redonda en su contenido. Digamos que En la cama, tenía su brújula bien definida sobre hacia dónde iba y qué quería como filme. Perfidia, en cambio, no termina de asentarse por ningún lado y mientras más dilata su metraje, yo como espectadora me desconectaba más.

El guión, por otro lado, crea un argumento que llega a rozar lo infantil, y la resolución es torpe y carente de emoción.

Estamos ante un conflicto que anuncia desde el principio que acabará en tragedia, encima es alargado y condimentado al final con una escena ñoña, tipo telenovela, que pretende explicar al que se lo perdió o al que no captó, la esencia de la trama.

Intelectuales del mundo, uníos.

Esto último se supone que es lo "fuerte" de la propuesta, lo "emotivo, perturbador" o lo que sea que le llamen algunos. En esto es en lo que se intenta camuflar lo vacuo. Y eso es lo que yo no podía creer. Hubo un momento que hasta dije: "Nooooooooo", mientras intentaba imaginar cómo se llegó a ese final. Es el momento en que te golpea la certeza que estás ante una película, en líneas generales, fallida.

Entonces, tenemos un filme bien actuado por Valenzuela (los secundarios están de pena), bien filmado, pero cuyo guión no consigue sostenerse y no parece pasar del experimento novel.

No obstante, he sabido de compatriotas que la encontraron fabulosa, espectacular, con incontables lecturas psico-sociales, valiente, arriesgada, irreverente y otros floridos adjetivos… sus buenos motivos tendrán. Cada película es un mundo, cada espectador es un mundo.

Por mi parte, nada…ni irreverencia, ni valentía, ni fuerte, por ahí no la entendí (insertar guiñito) o es que el mundo real depara tanta brutalidad, que ese cheesecake me supo algo rancio.

LO MEJOR: valenzuela en los famosos aussiebums

LO PEOR: redundante y el final es tan cursi como telenovela de thalía

LO MAS FALSETE: el final

LA ESCENA: la de Luis Miguel

EL MENSAJE MANIFIESTO: no siempre menos es más

EL MENSAJE LATENTE: el cine nacional necesita desesperadamente una revolución

EL CONSEJO: Vela, por ahí sos parte del TEAM "hermosa, profunda, irreverente"

LA PREGUNTA: ¿dónde estás gran película boliviana?

2012-03-12T13:21:00.006-04:00

PUREZA

Por: Mónica Heinrich V.

¿Qué es un monstruo? ¿Cómo nacen los monstruos?

En un pequeño pueblo alemán, empiezan a suceder hechos extraños. Extraños y perversos. Un médico sufre un accidente provocado por las argucias de un anónimo personaje, un niño es secuestrado y salvajemente flagelado por desconocidos, una familia sobrevive al luto y al incesto, Personas desaparecen, animales son torturados, y todo eso sucede en los albores de la primera Guerra Mundial.

Los niños protagonistas son los niños del futuro nazi. Aquellos que crecerán y vivirán para ser testigos o cómplices del holocausto.

Esa es la teoría, la versión, la mirada que Haneke echa sobre ese oscuro periodo de la historia.

El cineasta no le hace ascos a nada, y se sumerge hasta el fondo en ese pantano.Así que Michael Haneke es un tipo con huevos. No un huevón, sino un tipo con los huevos bien puestos.

Desde El séptimo continente, su película debut, nos mostraba que lo suyo no era dorarle la píldora al sistema, ni contar historias de maripositas preñadas o jugar a una irreverencia que sólo fuera pose.

Lo de Haneke va más allá, quizás por su formación en filosofía y en psicología, quizás simplemente porque tiene el talento innato para revelar en su obra lo peor del ser humano.

En el universo Haneke, el negro y el blanco conviven en dramática armonía. La violencia y la maldad pueden ser reflejadas sin aspavientos, con un increscendo que hace la trama más jodida, más pendeja.

Haneke es uno de mis directores favoritos de cine. La primera película suya que vi fue Funny Games (versión alemana), cuando tenía 19 años. El descubrimiento de su cine me llevó a buscar con esmero su filmografía, así pude ver TODO, la ya mencionada obra debut, pasando por la extrañísima Video de Benny, la puesta en pantalla gigante de La Pianista (escabroso libro de Jelinek), El tiempo de lobos, su incursión americana con un remake de Funny Games y claro, La Cinta Blanca.

La Cinta Blanca compitió con la francesa El Profeta y con la argentina El secreto de sus ojos por los Oscar 2010, en ese momento me pareció increíble que un filme como el de Campanella haya recibido el premio y no La Cinta Blanca, que puede no ser del todo accesible, pero en líneas generales a nivel de fotografía, de música, de montaje, de actuaciones, de guión, le daba diez mil vueltas a la propuesta argentina. Pero bueno, si los Oscar le dieron la estatuilla a Julia Roberts por Erin Brokovich, en lugar de dárselo a Ellen Burstyn por Requiem por un sueño, la verdad que mucho no se puede esperar.

La cinta blanca es un filme tan enigmático como perturbador. Haneke tiene la madurez, el espíritu y repito, el talento, para darse el lujo de hacer un filme largo (dos horas y algo), en blanco y negro, con pausada fotografía, escuetas explicaciones de lo que vemos, y volarte la cabeza.

Haneke construye como un maestro artesano un guión perfecto. En su aparentemente ambiguo relato de los extraños sucesos, damos un vistazo a los cimientos de una sociedad severamente reprimida y dogmática. Una sociedad donde rige la hipocresia y el culto a las apariencias, entendiéndose por apariencias a un modelo de “conducta social” que contrasta enormemente con los castigos, reprimendas y humillaciones en las que se sustenta.

A Haneke se le criticó que su vision es demasiado desoladora, que no hace concesiones y que todos los personajes son corruptos. También se le criticó su mensaje sobre la estricta educación católica en la que descansa la crianza de la europa contemporánea. Se le criticó que es lenta y por ratos “aburrida”. Se dijo que usó su película para pintar al pueblo alemán de una manera poco favorecedora.

Críticas siempre habrán muchas, desde mi punto de vista el filme tiene el tono desolador que requiere, y los personajes son bastante realistas. Además, están interpretados por grandiosos, espectaculares actores. Y esa es una marca Haneke, jamás he visto películas suyas que estén mal actuadas. Es un tipo que se preocupa sobremanera por la dirección de actores. En este caso, tenemos a Sussanne Lothar, Ulrich Tukur, Burgart Klaussner, y otros, que ya hasta habían trabajado con él antes.

No existe violencia explícita, si te la toparas haciendo zapping un segundo… hasta podría confundirse con una de esas películas en blanco y negro de la época dorada de Hollywood, pero luego, la composición de la imagen, y todo aquello que queda suspendido en el aire, te golpean como una ráfaga de gas y eso es lo que perturba y shockea.

No es Funny Games, ni La Pianista, pero salís del cine profundamente jodido. Como si hubieras ido a un entierro o asistido a una autopsia en la morgue.

Me atrevería a decir que este filme se sitúa entre lo mejor que he visto en los ultimos años. Una película envolvente, que nos recuerda a la mano de los grandes maestros del cine, potente y singular obra que llega a las pantallas gigantes de Bolivia, gracias a Londra Films.

La cinta blanca habla de la pureza, así como la escena en que un grupo de niños son castigados y sus padres les amarran una cinta blanca en el brazo para recordarles que tienen que ser puros de corazón y portarse bien.

Ajá, pureza, pero es una ironía, porque la pureza a veces no existe, por muchas cintas blancas que se usen.

Entonces, la Cinta Blanca es sólo el símbolo de una pureza perdida.

Lo mejor: Fascinante e hipnótica

Lo peor: puede ser densa para algunos

La escena: cuando el doctor humilla a la niñera, lo del pájaro, el final…

 Lo más falsete: …

 El mensaje manifiesto: Toda sociedad engendra sus propios males

 El mensaje latente: El mal es fruto del mal

 El consejo: Vela en cine!!!!

 El agradecimiento: la posibilidad de verla en pantalla gigante

La pregunta: ¿El ser humano es malo por naturaleza y la sociedad lo corrompe o viceversa?

CURIOSIDADES

- Haneke planeaba filmar La Cinta Blanca como una miniserie para TV dividida en tres partes.
- Se filmó a colores, y en post producción se pasó a blanco y negro.
- Más de 7000 niños hicieron casting en un periodo de 6 meses…
- Aunque el pueblo es ficticio muchos de los incidentes en el filme fueron tomados de la vida real sobre incidentes sucedidos en Alemania y Austria entre los años 20s y 40s.

2012-02-27T15:12:00.005-04:00

LA MUJER QUE CANTA

Por: Mónica Heinrich V.

Incendies compitió el año pasado por el Oscar a Mejor Película Extranjera. La Academia, como siempre, eligió algo menos “incómodo” y más políticamente correcto: la danesa Heaven (Por un mundo mejor) .

Ojo, a mí me gustó Heaven. La vi en el cine Palace. Era la primera película que veía ahí desde que lo abrieron de nuevo, así que estaba más emocionada que perro con dos colas.

Recuerdo que se me escapó alguna lágrima ante la obra de Susanne Bier. Recuerdo, también, que le dije a compañero de butaca: “Bier es de las que hace cosas bonitas y suaves”. Recuerdo que igual, a pesar de lo bonito y lo suave, fue jodido. Porque la vida es jodida. Porque la gente muere, mata y se mata.

Y un año después, aquí estamos.

Ya no en el cine Palace, porque en ningún cine de este maldito pueblo exhibirán Incendies. Sino en mi habitación, usando una Imac como DVD/TV, en una curiosa y perturbadora prueba de que la manzanita sirve para todo.

Le di play con el mouse y ni bien comenzó supe a ciencia cierta que estaba ante una buena película. Y fue raro, raro porque la canción en inglés me emputó, y pensé “no debió poner esa canción”, y raro porque aunque la canción en inglés me emputó y pensé que no debió ponerla, me enganché a la historia. O, mejor dicho, la historia me enganchó…me agarró las tripas y no las soltó.

En USA, una mujer muere. Una mujer deja un testamento. Una mujer tiene dos hijos que reciben ese testamento. En ese testamento, la mujer pide a sus dos hijos que encuentren a su padre (de ellos) y a su hermano (de ellos). Los hijos (de ella) se miran estupefactos: para ellos papá murió tiempo atrás y hermano nunca tuvieron.

Esa mujer no tendrá lápida, ni descansará en paz hasta que ambos (padre supuestamente muerto, hijo supuestamente inexistente) sean encontrados y reciban una carta cada uno. Además, sólo con ese deseo cumplido, los hijos recibirán, a su vez, otra carta.

Entonces, los hijos (hombre/mujer/gemelos/hermanos) tienen que desentrañar ese misterio, y la mujer muerta, la del testamento, la de las cartas, tendrá que encontrar paz en su tumba. Así tiene que ser.

El director canadiense Denis Villeneuve fragmenta Incendies en lugares y personajes para que conozcamos la desgarradora historia de la mujer, de los hijos, del padre supuestamente muerto, del hijo supuestamente inexistente, de las cartas, de aquello que se incendió y se perdió entre la violencia de la guerra.

Alternando tiempos y momentos históricos, esta película “política pero apolítica” tiene una atmósfera dura y seca. Así llegaremos tarde o temprano a la mujer que canta. Esa mujer que presa en una cárcel del medio oriente, cantará cada vez que sus verdugos la torturen o escuche las torturas a las que son sometidas sus compañeras de encierro.

El guión escrito por el mismo director golpea anímicamente en varios momentos. Se abstiene de situar la búsqueda y el encuentro en algún lugar específico para no echar culpas. O quizás, porque las culpas en esos trechos no se pueden repartir equitativamente.

En una escena se hablará del hilo de odio y terror que no se rompe y que pasa de generación en generación. Como intentando explicar el porqué las cosas que pasan, pasan. Por qué los personajes que el filme evoca existen, y por qué la vida puede ser tan dura.

Villeneuve se pasa en el giro final. Yo lo intuí a medio camino, pero me dije: “No, es demasiado”, porque sí, porque es demasiado, porque uno se imagina que esas cosas no ocurren y que si ocurren mejor no usarlas en una película para justificar una historia.

Incendies, se pasa o, tal vez, se queda corta. No sé. Lo que sé es que cuando la ves, pensás en la película y en el talón con los tres puntitos y en el talón de los tres puntitos que fue niño y que mata niños. O por lo menos yo pensé. Y sigo pensando. Porque lo dije: la vida es jodida. La gente muere, mata y se mata.

En Incendies nos muestran cómo una mujer que canta deja de cantar. El silencio es atronador.

LO MEJOR: Bien filmada, toca.

LO PEOR: algunos excesos, la musiquita en inglés, las cartas finales

LO MAS FALSETE: lo “armado” de algunas escenas

LA ESCENA: la del bus, la de los niños

EL MENSAJE MANIFIESTO: el odio se pasa de generación en generación

EL MENSAJE LATENTE: el odio, todo lo destruye

EL CONSEJO: vela

LA PREGUNTA: ¿hay reconstrucción posible?

CURIOSIDADES
Se filmó en Canadá y Jordania
Está hablada en francés, árabe e inglés
La canción en inglés de la que hablo es You and whose Army, de Radiohead.
Está basada en una prestigiosa obra teatral del mismo nombre escrita por Wajdi Mouawad

2012-02-27T15:01:00.004-04:00

NIAUX

Por: Mónica Heinrich

Parece que se pusieron de acuerdo para rendir homenajes al cine. Lo hizo Spielberg, lo hizo Hazanavicius y también Scorsese. De la flojera de Spielberg opino en la reseña que sigue. De Hazanavicius opinaré más adelante y de Scorsese sólo puedo decir que volví a dibujar corazones con M & M.

“Es una película hermosa” dije, cuando recién iban 5 minutos de proyección de HUGO. Era imposible decir lo contrario. La fotografía exquisita, una bella música y esa cosita mágica indefinible que traspasaba la pantalla, lo confirmaba.

En las salas de cine, la primera elección que tenemos que hacer es si verla subtitulada o en español con 3D. Señores, seriamente, elijan TODA LA VIDA subtitulada. HUGO está hecha para disfrutar un gran 3D (tiene travellings que lo valen y el perfeccionismo de Scorsese), pero prefiero no sacrificar la verosimilitud que sólo se puede obtener de la versión original subtitulada. La otra opción sería verla dos veces, una con 3D y otra con subtítulos.

Hechas esas recomendaciones, les diré que Hugo comienza con Hugo.

Un pequeño niño interpretado por Asa Butterfield pierde a su padre en un incendio. Al quedar huérfano, su borracho tío lo toma bajo su cuidado. De esta manera llega a la estación de trenes, donde el tío trabaja dándole cuerda a los relojes del lugar.

Lo único que le quedó a Hugo de su padre (interpretado por Jude Law) es un curioso objeto. Como es un niño, y los niños siempre piensan cosas más interesantes que los adultos, él creerá que tal objeto contiene la clave para recibir un mensaje de su difunto progenitor.

SPOILER Parece que Stephen Daldry y Scorsese se espiaron mutuamente, porque el planteo y la resolución de dicho mensaje paternal, también se encuentra en Tan Fuerte y Tan Cerca FIN DEL SPOILER

Por otra parte, en la misma estación de trenes trabaja el señor Georges Méliès, interpretado por el siempre solvente Ben Kingsley. Georges o Papa Georges, como lo llama la amiga de Hugo, es dueño de una juguetería y por esos azares de la vida, su camino se cruzará con el del pequeño Hugo.

La obra de Scorsese rescata del olvido a un gran maestro como Georges Méliès.

Denominado el “mago del cine”, este muchachón fue un vanguardista, un apasionado, un artista y al venir del mundo de la magia (era ilusionista) fue el primero en experimentar e intentar usar sus trucos para crear efectos especiales.

Mientras los Lumiére presentaban paisajes y escenas más bien documentales, Méliès innovó en la continuidad narrativa dirigiendo ficciones que contaran historias más allá de la simple contemplación.

Todo eso, que tiene una base real, se presenta ante nosotros con un hermoso envoltorio. Personajes como el policía minusválido que interpreta Sacha Baron Cohen, la vendedora de flores, la doña del perro, el gran Christopher Lee como librero, las escenas bellísimas de los filmes rescatados, en fin…Scorsese dirige con mimo y amor hasta el último detalle (vean las curiosidades, por favor)

John Logan guionista de Gladiator, Rango, El aviador, El último Samurai se encargó de adaptar para la pantalla gigante el libro de Brian Selznick, La Invención de Hugo Cabret, que salió a la luz el año 2007.

Quizás la mayor falencia que le veo a Hugo es el guión. No es que sea malo, es un guión correcto al que le sobran algunos instantes o situaciones que si no se tratara de un filme que tiene tan grandiosos elementos, me haría putear de lo lindo.

Soy conciente de que la historia por almibararse y forzar el homenaje a veces flaquea, soy conciente. Soy conciente, también, que estamos ante un filme absolutamente atípico a lo que solemos ver de Scorsese. Atípico en la forma, atípico en el contenido, pero muy típico en la manera preciosista de llevar dicho relato a la pantalla gigante.

Tanto HUGO, como El Artista, como la estupidez de War Horse, cojean de la misma pierna. Y es que en su afán de homenajear al cine (a su estilo), los argumentos se llevaron la peor parte. Los tres directores se fueron por la forma, perdiendo el contenido.

En algunos casos con más o menos suerte. En el caso de Hugo, esta falencia se nota, pero no incomoda, por lo menos a esta espectadora. Seguramente, al finalizar el filme, puede asaltarnos el pensamiento de que esta historia SIN Hugo y sólo con Georges Méliès, funcionaría genial. PUEDE SER, no digo que no. Nunca lo sabremos, porque lo que tenemos es a Hugo Cabret contándonos cómo se cruza con Georges Méliès, .

Robert Richardson, habitué de Oliver Stone (Natural Born Killer, Nacido el 4 de Julio, JFK, y otras), también de Tarantino (Kill Bill 1 y 2, Malditos Bastardos) y del mismo Scorsese (Shine a Light, Aviador, Shutter Island, Casino) es quien pone la firma para la espectacular fotografía. Para mí, sin lugar a dudas, el Oscar a Mejor Fotografía si no se lo lleva Lubezki, debe ser para este tipo.

Las actuaciones son como el guión lo requiere. Sorprende Sacha Baron Cohen (Borat, Bruno) a quien finalmente vemos en un papel en el que no sale de bellaco. El niño, Hugo (Asa Butterfield), es carismático y dulce, y cumple su rol de elemento disparador del entuerto. El resto de los personajes conforman un casting muy bien elegido.

Y así, tal cual está, con sus redundancias que alargan la trama, con su sabor artificial a película hollywoodense navideña que cuesta millones de dólares, HUGO es hermosa, innegable e incuestionablemente hermosa. Es honesta en su amor por el cine, en el tributo, que es palpable.

Los detalles, la atmósfera, la música, el vestuario, hacen que le perdone todo…todo lo que no me gustó.

Sí, Hugo no es perfecta, pero los momentos que alcanza de grandiosidad (que los tiene) son puros e inolvidables. Suficiente para verla y dejarse empapar de la magia que desprende descubrir el trabajo de Méliès y verlo a través de los ojos de un devoto Scorsese.

LO MEJOR: Alcanza visos mágicos

LO PEOR: algunas redundancias y problemas de guión

LO MAS FALSETE: la historia de Hugo

LA ESCENA: todas las que se refieren al trabajo de Méliès

EL MENSAJE MANIFIESTO: la magia es posible

EL MENSAJE LATENTE: qué mágico es el pasado…

EL CONSEJO: SUBTITULOS, SUBTITULOOOOOS

LA PREGUNTA: ¿qué Oscar se llevará a casa?

- El presupuesto fue 170 millones de dólares

- Asa Butterfield es conocido por ser el protagonista de El niño del pijama a rayas.

- Chloe Moretz, la niña, fue la protagonista de la versión americana de Let me in (la peli de vampiros sueca), también ha participado en Kick Ass, 500 days of Summer y otras.

- Scorsese APARECE EN LA PELICULA. Es el fotógrafo que toma la foto de Méliès cuando construyen su estudio. Se escucha su voz diciendo: “Good, thats good. Yes”

- Es el primer film de Scorsese en 12 años que no protagoniza Leonardo DiCaprio.

- Hugo fue filmada en Londres y en Paris.

- Después de verla, James Cameron le dijo a Scorsese que era una obra maestra y que era el mejor uso del 3D que había visto hasta el momento, incluyendo sus películas. Si lo dice el director de Avatar…

- El autómata se inspiró en el fabricado por el relojero suizo Henri Maillardet, que fue visto por Selznick en el Instituto Franklin de Philadelphia, así como el Jaquet-Droz automata, "el escritor"

- Emil Lager, Ben Addis, y Robert Gill realizan diversos cameos representando a Django Reinhardt, guitarrista padre del gypsy jazz, Salvador Dalí, pintor español, y James Joyce, el escritor irlandés, respectivamente. Todos los nombres de estos personajes aparecen al finalizar los créditos del reparto de la película.

- En 1928 Leon Druhot descubrió, casualmente, a George Méliès vendiendo juguetes y caramelos en un puesto callejero de la Gare Montparnasse. Luego fue recuperado y homenajeado por la sociedad francesa, siendo reconocido su aporte al mundo del cine.

2012-02-27T14:53:00.004-04:00

SE MURIÓ MI AMIGO BRONCO

Por: Mónica Heinrich V.

Esta es una historia sobre un caballo y…la relación preocupanteXXX con su dueño.

Habrá quien vea la película con ojos bienintencionados, quien crea que un chico en edad de tener las hormonas alborotadas como un bolillo de bingo puede vivir obsesionado sólo por su caballo.

Habrá quien sienta que es normal que ese mismo chico que va a la I Guerra Mundial, al calor del fragor de la batalla no mirará con nostalgia la foto de sus padres, ni pensará sumido en la nostalgia en su hogar allá por las campiñas inglesas o tendrá sueños húmedos con la hija del carnicero, no, él mirará los dibujos hechos a mano de…adivinen…sí…su caballo.

Puedo empatizar en algún nivel con el argumento. Tengo tres perros, (momento freak) que gozan de nombres/apodos/ropa/peluquero/veterinario/cumples/juguetes/rutinas, los ADORO, mi vida no sería lo mismo sin ellos y eso hace que quiera abrazar a cualquier perro que se me cruce en el camino.

Pero no sé, como que War Horse llega a un nivel de desquicie más profundo, como que cruza la delgada línea roja que me separa de las pastillas antipsicóticas y las terapias grupales.

Para ser más claros: la trama del último filme de Steven Spielberg es vecina directa de la historia verídica de la tipa que pagó 50.000 $us. para clonar a su perro.

Ajá.

No es mi intención romper el encanto (sí, sí es), pero creo que War Horse es la prueba fehaciente de dos cosas:

- Estamos ante el peor trabajo de Spierbelg desde Indiana Jones y la escena estúpida de la heladera. Y por ahí es peor que esa, porque War Horse se toma en serio.

- El lobby reina en Hollywood, nominar esta bosta a tantos premios sólo es síntoma de que la mano que mece la cuna por esos trechos es parte del brazo de…adivinen…Spielberg.

En la Inglaterra de 1914, nace Joey (pobre, Joey) Escena 1. Spielberg en su casa piensa cómo hacer para que entendamos que se trata de un caballo con garra y personalidad desde que es parido. Escena 2 Spielberg filma a Joey en la apertura que ustedes verán. Escena 3 Ahí es cuando muchos usamos el WIFI del celular para averiguar cuánto durará y descubrimos aterrados que serán más de dos horas y media!!

El caballo crece, revoltoso, brioso y pendejo. En una subasta pública es comprado por Narracott, un granjero que piensa que el equino es especial (como todo ser viviente que se cruzará con él) y, contrario a sus necesidades económicas, lo compra.

Al llegar a su casa, su hijo Albert queda prendado de Joey (insertar música de Benny G)

Albert es interpretado por el barbieoso actor (parece un muñeco del mundo Barbie) Jeremy Irvin, que en la película se la pasa con actitud positiva, estridentemente emocionado por todo evento que sucede, además de ”in loooove” con el caballo.

Una gran actriz como Emily Watson es desperdiciada como la esposa del tal Narracott, y claro…los problemas llegan. La guerra llega. La guerra al estilo Disney.

Entiendo que Spielberg rinde un evidente homenaje a las grandes epopeyas del cine clásico onda Lo que el viento se llevó. De hecho, hay un par de escenas que son casi calcos descarados de la mítica película protagonizada por Clark Gable y Vivian Leight.

¿El problema? Está desangelada, desproporcionadamente cursi y con un guión que sólo puedo calificar de horrible. La tan cacareada fotografía de Janusz Kaminski no es ni tan espectacular, ni tan inolvidable como quieren hacernos creer. Hugo y El Árbol de la vida se la revuelcan en fotografía.

Son casi tres horas que se pasan lentísimas, deseando que el Barbie Boy muera al pisar una mina, o que se le explote una granada de mano para que agonice desfigurado durante media hora ante nuestros ojos mientras los bichos le carcomen las heridas. Muere, Albie, muere!!!

Los guionistas Lee Hall y Richard Curtis tienen en su pasado cosas como Billy Elliot y Cuatro Bodas y un funeral, lo que me pone a dudar si la culpa es realmente del guión o es Steven “dulce de leche” Spielberg el que hace que la historia se sienta tan “RARA” y a cada momento le susurrés malévolamente a tu compañero de butaca: “¿Y si mejor Albie se muere?.

Reconoceré que hay momentos que sí están bien construidos y donde podemos decir: “AHHHH, este es nuestro Stevie (tal cual) el de La Lista de Schindler, el de Salvando al soldado Ryan”, pero son momentos…como cuando te quedaste despierto toda la noche y ves que amanece, o cuando pisaste puchi de vaca durante el día y recién te das cuenta al llegar a tu casa. Algo así.

La película está musicalizada grandilocuentemente a la vieja usanza. Sí, seguimos con el homenaje. John Williams, que ha trabajado con Spielberg montón de veces, y cuyo currículum es tan kilométrico como su edad, compone una banda sonora cuyo objetivo es subrayar el meloserío. Más azúcar para el mundo.

En el apartado actoral, el francés Niels Arestrup que interpreta al abuelo de la chica enferma (la que parece arrancada de un musical de Broadway), es el único personaje digno aparte del caballo. Es como un lunar, como un pequeño espacio puro y blanco en una pared llena de dibujos infantiles, huevos estrellados y chocolate derretido.

Hay dos momentos específicos en los que le perdí el respeto a Steven. SPOILER (El que no la haya visto, salte a la siguiente parte) 1) Cuando cosito queda cegatón y empieza a hacer el pinche sonido. Por qué no te moriste Albie, POR QUE???! y 2) la charla ridícula entre el alemán y el inglés cuando el caballo está herido. Sí. O SEA! Nunca la guerra se vio tan humillada. Entiendo el “mensajito antibelicista”, pero…todo tiene su límite…FIN DEL SPOILER.

Quizás mi cinismo hizo que corrieran negros, turbios y apestosos pensamientos acerca de Joey y Albie, quizás. Quizás, yéndonos a una mirada diáfana, complaciente, AMABLE, podríamos decir que War Horse es bonita, humana, y dulce. Quizás.

Pero la certeza es que desde esta esquina, desde este humilde hogar en Santa Cruz de la Sierra, Bolivia, War Horse sólo me huele a azúcar quemada.

Una lástima por Joey (aka Bronco), que si esta película merece un Oscar se lo debería llevar él.

LO MEJOR: Tiene uno que otro momento

LO PEOR: no apta para diabéticos

LO MAS FALSETE: el encendido amor de Albie, los años que pasan, y la escena del reencuentro.

LA ESCENA: estuvieron muy bien: la del molino, la del ataque a caballo al campamento y la del gas.

EL MENSAJE MANIFIESTO: Si es el amor de tu vida, volverá (muajajaja)

EL MENSAJE LATENTE: es triste cuando la nostalgia no innova

EL CONSEJO: no hay consejo posible. Estás por tu cuenta.

LA PREGUNTA: ¿Recuperaremos algún día a Steven?

CURIOSIDADES

- 14 caballos hicieron de Joey en la película

- Finder, el caballo principal, también apareció en Seabiscuit

- El escritor del libro en que se basa la peli, Morpurgo, hace un cameo en la escena inicial del filme.

2012-02-23T13:13:00.010-04:00

NICOLETTA

Por: Mónica Heinrich

El otro día empezaba a leer Jardines de Kensington, de Rodrigo Fresán y me encontré con una frase que me hizo sonreír con nostalgia: página 2: Cita de J.M. Barrie, autor de Peter Pan: Lo mejor de todo es ser niño. Lo segundo mejor de todo es escribir sobre ser niño.

Lo dice Barrie que murió cuando ya no era niño, a los 77 años. Lo sabía Peter Llewelyn, quien fue una vez niño e inspiró a Barrie para crear Peter Pan. Llewelyn que cuando ya no fue niño se arrojó a las vías del tren a los 63 años.

Peter Pan creció y se suicidó.

Y en un mundo donde todos crecemos tarde o temprano, nos quedan las ilustraciones...

Por eso me gustan...Huelen a infancia.

Ese olor dulce y fresco que también tienen todos los bebés del mundo.

Nicoletta Ceccoli vive en San Marino, un lugar que no tiene más de 30.000 habitantes. Desde ahí, supongo, no debe ser tan difícil seguir siendo niño.

Su técnica parte del dibujo a mano, luego lo scanea, lo combina con fotos y lo retoca en Photoshop. Lo que tenemos son imágenes nostálgicas suspendidas entre el sueño y la pesadilla. Frágiles y, sobre todo, infantiles.

Nicoletta ha ganado varios premios internacionales por su trabajo.

Hace tiempito que le sigo los pasos. Me quedo mirando sus peces globo, sus muñecas rotas, sus chanchitos mascota, sus muchachas mitad algo/mitad persona, e irremediablemente pienso en mi infancia.

Y citando a Jardines de Kensington por última vez, mi infancia:..."empieza con un niño que nunca fue adulto y termina con un adulto que nunca fue niño"

2012-02-06T19:22:00.005-04:00

"LAS VÍCTIMAS VENDEN"

Por: Mónica Heinrich V.

Si pensamos/pienso en Serbia, imagino un lugar devastado por la guerra, jodido por los bombardeos, por la limpieza étnica y por los despojos que dejó el horror de años de enfrentamientos.

Lo que no se puede imaginar es cuán profundas son esas heridas. Por ejemplo, hace un par de semanas veía un documental sobre la Irak post Hussein y cómo se ha convertido en tierra de nadie, los americanos y los organismos internacionales eliminaron cualquier forma de gobierno para instalarse a sus anchas, y anularon de manera bochornosa cualquier posibilidad de reorganizar ese despelote.

Se sabe que en Irak tanto americanos como locales están cagados. El mes pasado un veterano (si se le puede llamar veterano a un joven de 24 años) de Irak asesinaba a un guardia en USA, luego de pasar el último año sumido en pesadillas, depresión y ataques de violencia sin explicación. Más tarde, el atormentado joven moriría en medio del bosque, de frío, al huir con el torso desnudo.

Por eso es que cuando sabés que existe una película que se llama A Serbian Film, y leés de boca de su director que la idea básica de su propuesta es retratar lo que quedó escondido en el patio trasero de Serbia y echándole barro, de paso, a la industria cinematográfica, sólo podés esperar que sea tan buena como dicho discurso plantea.

Mientras la bajaba (soy mi propio dealer de películas) leía comentarios de otros usuarios que decían que ni bien la vieron la borraron del disco duro porque se sentían raros guardándola. Que era desagradable y extrema. Que aconsejaban NO verla, porque mejor no tener ciertas imágenes en la cabeza. Algunos decían que era la peor basura que habían visto en sus vidas.

Averiguando sobre las repercusiones festivaleras, en su paso por el Sitges de España, en el mismo país en que un dictador murió tranquilo en su cama luego de 40 años al poder apalancando la censura, gente ligada a un gobierno socialista y supuestamente "open mind" demandaba al director de dicho festival, Angel Sala, por exhibir pornografía infantil al permitir que A Serbian film se proyecte.

Dicha demanda surgió por presiones de nada más y nada menos que organizaciones católicas escandalizadas con la idea de que la gente vea eso. Para variar, estas censuras las hacen sin ver la película, y lo paradójico es que la huevada viene de grupos cuya Iglesia socapa centenares de miles de casos de pederastia.

Es que en el mundo, mis queridos, la hipocresía se campea obscenamente desnuda por las calles.

A Serbian Film fue selección oficial de varios festivales importantes del circuito cinematográfico y recibió uno que otro premio.

Como muchas veces dije, eso no es garantía de nada. En este caso, este es un filme que por ahí quienes lo hicieron tenían una idea mil veces más interesante de lo que se ha logrado en pantalla.

En la idea, es lo que menciono antes. En la práctica queda como un filme grotesco, cuyas virtudes artísticas son bastante pobres, y donde el discurso/mensaje, que es paradójicamente moralista, llega envuelto por un acabado mediocre, chapucero, sin profundidad, efectista y manipulador.

Milos es un legendario actor porno que vive retirado de la industria. Está casado con una linda mujer y tiene un lindo hijo de 6 años. Hasta ahí el retrato familiar. Sorpresivamente, intentan reclutarlo para un nuevo proyecto cinematográfico, algo así como la "ultimate porn movie", supuestamente con airecitos experimentales y pretensiones artísticas de vanguardia.

Un enigmático director le hace una oferta tentadora, hay mucha plata de por medio y Milos (que también extraña el trabajo) decide que puede asegurar el futuro de su familia con ese dinero. El problemita? Que no tendrá acceso al guión, ni siquiera a una sinopsis del proyecto. El objetivo es que el tipo simplemente llegue al set y que se "deje llevar" por las situaciones.

Durante la primera hora, A Serbian Film es simple provocación. El set de filmación es un viejo orfanato, suceden las primeras imágenes que insinúan pedofilia, sadomasoquismo y necrofilia. En algunos momentos, hay un aire teatral en la puesta, que sí se puede rescatar.

Después de ese largo preámbulo, la película pisa acelerador y se desbanda como si director y guionistas hayan dicho en su mente: "Vamos a joder a todos los que miren esta pinche película". Las acciones empiezan a ser exageradas y se pone en evidencia las ganas de despertar morbo y polémica, apartándose completamente de un discurso coherente que justifique esa agresión al espectador.

Llegamos a los 30 minutos finales en los que YA sabes lo que sucederá, se lo huele en el aire, te han preparado para que ESO suceda, y SUCEDE. Se despachan tres escenas que fácilmente pueden inscribirse como las más desagradables/incómodas que se pueden ver. No desagradables por sorpresivas o raras, sino por la acción en sí misma y por lo que significan.

Películas sobre incesto, violación, pedofilia, he visto un montón, una de las mejores: "El arte de llorar en coro", que ya desde su título te indica que el tratamiento será de otro nivel. En A Serbian Film, sólo hay espacio para la sordidez.

El cierre confirma la impresión inicial, se trata de una película hecha para el morbo, con un discurso errático y superficial.

En una parte, el director de la película que contrata a Milos, le dice que están haciendo lo que están haciendo porque "las víctimas venden". "La víctima es la venta más preciada del mundo. La víctima siente más y sufre mejor. Nosotros somos víctimas, Milos. Tú, yo, el país entero es una víctima". Esto en boca de un Serbio puede tener un gran peso, puede justificar lo visto, pero no alcanza dada las precarias herramientas tanto de dirección como de guión con que se lo envuelve.

Si hago una evaluación global, ni siquiera alcanza para darse los golpes de pecho que se han dado alrededor del mundo. Sí tiene escenas jodidas, y perturbadoras, pero me parece que al carecer de un contenido real y ser simple efectismo, hay que tomarlo como tal. De hecho, yo me vi esa misma noche la película We need to talk about Kevin (de la que hablaré en breve) que me jodió más.

El director de A serbian film, en algunas entrevistas ha dicho que su apuesta abiertamente gráfica en torno a lo sórdido de su historia apunta a desenmascarar la hipocresía de la industria cinematográfica. Él como serbio, cuenta, sólo conseguirá fondos si presenta un guión basado en una historia real, en la que existan víctimas de violencia que salen convertidas en heroínas, contándolo de manera lacrimógena y políticamente correcta que busque la simpatía del espectador.

En eso, afirma, se ha convertido el cine, y por eso su película busca el efecto contrario.

El desparramo indiscriminado de violencia en su propuesta convierte su trabajo en algo más de lo que critica. La banalidad por la banalidad. Lo grotesco por lo grotesco. Sï, señores, vivimos en un mundo donde pasan cosas malas, si querés retratar la inmundicia que nos rodea, que valga la pena pringarte si lo hacés con talento.

De lo contrario, veremos cosas como A Serbian film, un producto (sólo producto) hecho para hinchar los ovarios/huevos de los conservadores, adoptar poses de irreverencias y vender mierda.

LO MEJOR: con todos sus defectos se presta al debate

LO PEOR: al pedo

LO MAS FALSETE: casi todo te huele a pataleta amateur

LA ESCENA: el final, cuando los tres protagonistas SPOILER no pueden soportar el horror de lo vivido SPOILER

EL MENSAJE MANIFIESTO: la polémica vende

EL MENSAJE LATENTE: la polémica no es sinónimo de irreverencia y/o talento

EL CONSEJO: vela si querés y sabés que la podés soportar

LA PREGUNTA: ¿qué viene después para este realizador?

CURIOSIDADES

- Se filmó en 61 días en Belgrado, Serbia

- Censurada en Noriega. Una de las pocas películas que ha sido censurada en ese país en los últimos años.

- Srdan Spasojevic (director) co-escribió el guión junto a Aleksandar Radivojevic conocido como un crítico de cine de terror.

- La película se filmó en RED ONE y se le hizo un transfer a 35mm. El laboratorio Arri en Munich terminó el transfer, pero a través de abogados y policías alemanes informaron que no iban a entregar las impresiones porque violaban leyes del país. Llevaron la película a Hungría, en donde el Magyar Filmlab de Budapest estaba dispuesto a hacer el transfer. Para no correr riesgos, los cineastas mostraron la película a la gerencia del laboratorio, que dijeron no tener ninguna objeción. Cuando fue hora de recoger el filme, les informaron que tampoco se las iban a dar porque el material rompía leyes civiles y de familia húngaras.

2012-02-06T19:07:00.003-04:00

"QUEREMOS TANTO A FINCHER"

Por: Mónica Heinrich V.

Podríamos coincidir en que David Fincher es en líneas generales un gran director, podríamos decir que si echamos un vistazo a su filmografía encontraremos de todo, pero nada que nos haga elaborar cartas bombas a su persona, a excepción quizás de su debut ALIEN 3 que según él mismo casi le quita las ganas de dirigir para siempre.

De esto, se puede concluir que La chica del dragón tatuado no será una mala película, pase lo que pase, pensemos lo que pensemos. “No puede ser mala, no puede ser mala, no puede ser mala.” (insertar mi imagen en una mecedora, abrazando una muñeca)

Ahora, podríamos decir que soy seguidora de Fincher y que me han gustado casi todos sus trabajos, podríamos decir que leí la saga Millenium y que vi la versión cinematográfica sueca, diremos, también, que fui la más emocionada al saber que Finchersito estaría involucrado en esta nueva apuesta.

Se puede concluir, también, que tendríamos cartón lleno. Felicidad y satisfacción, con orgasmo y fumada de pucho al final.

(Espacio reflexivo, donde se mezclan recuerdos de cines que ya no están y directores que ya murieron)

Y no. No. No. No. No. No.

Esto va a ser largo y similar a un perro que persigue su propia cola, así que lo voy a hacer fácil para el lector promedio. Empezaremos hablando sobre la sinopsis, y ya al final entraremos en ese laberinto que es mi mente pajera.

En Suecia, un reconocido periodista (Mikael Blomkvist/Daniel Craig) queda con su reputación por los suelos al escribir un reportaje sobre un empresario corrupto que luego, juicio de por medio, lo deja como un crispín sin backup y credibilidad.

Sin un peso en el bolsillo, es contratado por un patriarca millonario (Henrik Vanger/Christopher Plummer) que le presenta un misterio. Su sobrina fue asesinada, y cada año desde algún lugar del mundo le llegan flores disecadas (regalo que acostumbraba darle Harriet) atormentándolo. Quiere saber qué pasó y para eso contrata a Blomkvist. Antes de darle el trabajo, lo investiga, y dicha investigación cae en manos de Lisbeth Salander. Lisbeth es una tipa peculiar, con su propia ética, habilidades de hacker y otros. Por x o z, los caminos de ambos se cruzan y empiezan a investigar un turbio pasado.

Esto es lo que conocemos desde que Stieg Larsson plasmó la trama en su celebrada trilogía Millenium. Ni más, ni menos.

Ya se había realizado una versión sueca y claro, los gringos quisieron sacar algo de rédito del talento ajeno y encargaron una versión americana.

La chica de dragón tatuado, tiene el sello Fincher en su estética y sobriedad, vistas en otros trabajos de temática cercana como Seven o Zodiac.

Teóricamente, tiene todas las papeletas para ser un peliculón: el guión lo escribe Steven Zaillian, que es conocido por ser el guionista de La Lista de Schindler, Despertares, Gangs of New York, Hannibal y otras más. La dirección de foto corrió a cargo de Jeff Cronenweth, que ya trabajó con Fincher en El Club de la Pelea y en Red Social. En la música participa Trent Reznor y Atticus Ross. No suena tan mal. Así que escapa a mi comprensión cómo ha salido tan insulsa.

Las comparaciones entre la Lisbeth Salander de Noomi Rapace y la de Rooney Mara pueden llenar foros, para mi gusto la sueca lo hizo muy bien aunque el personaje en la versión literaria mostraba cierta fragilidad que Rapace no le puso. Mara se acerca más a esa visión, de una Lisbeth algo infantil, que algunos piensan sufre leve retraso mental, una fragilidad por la que otros se atreven a abusarla. Así te la pintan en el libro, como alguien a quien le ponen menos edad porque parece adolescente, arisca como una urina asustada, y todas las genialidades que ya se le conocen. Sobre Rooney Mara no tengo ningún pero, sí lo tengo sobre Daniel Craig que me parece un actor insípido donde los haya, sin presencia, con menos profundidad que una tapa de Coca Cola.

El resto del casting americano, me parece en algunos casos muy bueno, en otros aceptable.

El tono que Fincher elige es un tono más condescendiente con la platea, trató de hacer más entendible la trama y hace un poco más de esfuerzo que la apuesta sueca en ser comercial. Al ser una versión bastante fiel a la literaria, las flaquezas del libro son igualmente retratadas en la película. Para un espectador común y corriente, hay cosas muy estúpidas, pero lo dicho, son igual de estúpidas en el papel. O sea que la culpa no es de Fincher, sino de Larsson.

Aún así, Fincher se toma algunas licencias como con el final cuando encuentran a quien sabemos, que en el libro es en otros parajes y a caballo; o cómo se descubre el significado de las iniciales, pero que no tiene una importancia real sobre la trama. En general, el enfoque de Fincher pasa muy por encima asuntos de contexto que eran más ricos en la novela y que le daban el peso a una historia que como ya dije, puede ser muy estúpida.

Mi sensación final es que La chica del dragón tatuado es una película correcta, cumplidora, decente, bien actuada, sin sorpresas, ni sobresaltos. Es una película de Fincher, pero que definitivamente se inscribe entre los trabajos “menores” de este cineasta.

Para mí, como espectadora, el problema de ambas versiones tanto la sueca como la americana, es lo aburrida que llega a ser la historia por momentos. Estamos hablando de una trama que en el libro te mantenía pegada a sus hojas adictivamente, y que en la pantalla gigante tiene partes bastante soporíferas.

Aún así lo más triste de la versión americana es Fincher. Es como si Pollock estuviera pintando un cuadro (salvando las distancias) y en lugar de entregarte su obra de arte, te entregue unos garabatos baratos. Apreciación personal y subjetiva, pero eso es lo que pienso.

Otro detalle, me parece que el timing para lanzar esta película no fue el adecuado. Estamos hablando de una saga que ha causado furor, que tiene una base de fans nada desdeñable y que se vio la versión sueca con igual entusiasmo. Lanzar una versión americana, cuando la sueca todavía no despega del inconciente colectivo, no es muy inteligente. Eso, obviamente, tomando en cuenta sólo a los que son fans.

Con respecto a los que no son fans o no tienen ni puta idea de la trama, lanzan la huevada a finales de año y la ponen a competir con Mission Imposible 4, Sherlock Holmes 2, entre otras. Resultado? La película queda en cuarto lugar, detrás incluso de Alvin y las ardillas. Para un presupuesto estimado de 90 millones de dólares, recauda en su primera semana apenas 13.

Beso mortal de la taquilla.

Si esta fuera otra película, las dos secuelas quedarían anuladas ante el bochorno. El estudio tuvo que “tranquilizar” a los que sí la vieron y gustaron de ella, y asegurar que las otras dos secuelas siguen en pie con actores confirmados, aunque Fincher está aún indeciso. Eso habla también del apego del director al proyecto. Cuando amás algo, no estás indeciso, se hace…así como Peter Jackson vivió quichicientos meses filmando El Señor de los Anillos.

Si se conoce la filmografía de Fincher, lo que se espera de esta versión es algo un poco más jugado, donde veás la pasión, las ganas de hacer algo diferente. Donde sintás que el director dijo: “Hay otro cojudo en Suecia que filmó la misma historia, MI versión se la va a revolcar”.

Sus créditos iniciales son muchísimos más propositivos que el resto del metraje que está narrado de manera súper mega clásica, en la que no existe ningún aporte real a esta saga. Eso le gritaba a uno de los compañeros de butaca que me decía que la había disfrutado (A VOS TE HABLO JC): “CUAL ES SU APORTE A LA SAGA, CUAL?” Si no viéramos los créditos sería muy difícil adivinar quién filmó esto.

No se trata de un filme netamente comercial, ni tampoco es un filme que aspira a ser de autor. Es un híbrido, que como ya dije no le aporta nada a lo ya leído y a lo ya visto en la versión sueca. Ese es su mayor pecado.

Para los tiempos que corren, para las películas que podés ver, toparte con una obra de Fincher que se puede catalogar como “discreta” y que no entra en tu top 5 de sus mejores películas, sólo será triste.

LO MEJOR: estética Fincher, bien filmada

LO PEOR: cero sorpresas, cero propuesta, cero

LO MAS FALSETE: la escena donde Salander le pide a Mikael que le ponga la mano en su espalda. O cuando Salander que tiene memoria eidética (fotográfica) y no necesita leer dos veces lo mismo para recordarlo, se pone a comparar las notas sobre las iniciales con un mapa.

LA ESCENA: la del robo de la mochila en el subte, la venganza,

EL MENSAJE MANIFIESTO: las repeticiones aburren

EL MENSAJE LATENTE: las repeticiones aburren

EL CONSEJO: las repeticiones aburren

LA PREGUNTA: ¿la segunda será tan repetidamente aburrida?

CURIOSIDADES

Kristen Stewart, Ellen Page, Mia Wasikowska, Natalie Portman, Keira Knighley, Eva Green, Emma Watson, fueron algunos de los nombres considerados para el papel. Algunas rechazaron el papel, otras audicionaron y no lo consiguieron.

Jhonny Deep, Vigo Mortensen, Brad Pitt y George Clooney fueron considerados para interpretar a Mikael Blomkvist. Yo me quedaba con Vigo. Vigo 100%.

Daniel Craig rechazó el papel inicialmente porque tenía que filmar la nueva James Bond, lamentablemente se cambiaron las fechas de filmación de Fincher y cosito pudo filmar.

Fue filmada en Suecia durante el invierno más duro que ha tenido el país en los últimos 20 años.

Rooney Mara se hizo los piercings con los que aparece, no son simulados.

En una parte del filme, Lisbeth Salander le compra un libro de Bobby Fischer a su tutor, antes de descubrir que ha sufrido una embolia. Esto en realidad es un chiste interno, ya que el guionista escribió el guión de la peli Searching for Bobby Fischer.

La secuencia inicial de la película es según David Fincher un vistazo al subconsciente, a la pesadilla de Lisbeth.

El actor Yorick Van Vageningen que interpreta al violador de Lisbeth, quedó muy afectado luego de la escena, tanto que pasó todo el día siguiente encerrado en su habitación.

Y aquí algo que me preguntaba: Por qué eligieron la pinche canción de Enya para la escena de Daniel Craig capturado y a punto de…? Pues la culpa (cuando no) es de Daniel Craig, resulta que le dijeron que ponga la primera canción que pille en su Ipod, y esito salió.

Somos los únicos que vimos algo parecido a un boom en la escena donde Cristopher Plummer conversa con Daniel Craig??? voy a tener que esperar el DVD pa confirmar.

2012-01-28T18:08:00.008-04:00

“Tu pesadilla, sólo se pondrá peor”
Por: Mónica Heinrich V.

Nadie se conoce realmente a sí mismo hasta que suceden cosas malas. Una desgracia, una tragedia, una situación límite te puede poner cara a cara con tu verdadero yo. A veces, ese verdadero yo es mejor de lo que pensás, otras es un monstruo que se camufló durante toda la vida.

La coreana I saw the devil nos sume en la oscuridad que supone cruzar el borde, la orilla desde la que mirabas ese abismo.

Kim Soo-Hyeon es un agente de seguridad, felizmente casado y a punto de ser padre. Una fría noche de invierno, su esposa lo llama por celular para avisarle que se le pinchó una llanta en el camino y que está esperando que llegue la grúa.

Kyng-Chul es un asesino serial que ante el mundo se hace pasar por un simple conductor de bus escolar. Ha violado y asesinado salvajemente a muchas mujeres, siendo imposible para la policía encontrarlo y ponerle fin a su estela de terror. Una fría noche de invierno se topa en la carretera con un auto cuya llanta se ha pinchado. Adentro se encuentra una joven mujer, recién casada y en sus primeros meses de embarazo.

La tragedia está servida. Como dice el trailer: “En una sola noche... todo lo que amó, le fue arrebatado”

Kim Soo-Hyeon queda devastado, destruido, al igual que la familia de su esposa. El cuerpo ha sido recuperado en pedacitos, y la saña con la que la asesinaron salta a la vista.

Su suegro es el jefe de la policía coreana, y con su beneplácito iniciará una cacería cuyo fin es la venganza, sí, pero una venganza que necesita descender hacia lo más profundo del horror.

El director Jee-Woon Kim, conocido por filmes como Un cuento de dos hermanas y por Una vida agridulce, nos presenta esta historia llena de violencia con una extraña y tétrica elegancia. Imágenes espectaculares, peleas coreográficas, estética oscura, un hermoso diseño de arte y una banda sonora para el recuerdo.

Jee-Woon Kim se la juega desde la escena uno, se la juega en escenas terribles como la del taxi, se la juega en cada ocasión que el gato y el ratón se encuentran, y eso es lo que más me gusta de una película, sentir la pasión de quien la dirigió, independientemente de baches, o excesos, esa pasión compensa cualquier falla.

El guionista Hoon-jung Park que debuta con este título no escatima nada, y plantea un argumento con el que cualquiera se podría sentir identificado. La identificación no quita que también te asqueés o pensés que el protagonista se fue al chancho y una parte tuya desee tener su número de celular para llamarlo y decirle: “PARÁ!”.

El director de fotografía es un jodido artista, Lee Mogae ya ha trabajado con otros grandes del cine asiático y con este mismo director tiene dos películas previas. Excelente fotografía, da gusto verla y estudiar cada plano.

Las reminiscencias con Old Boy son evidentes, incluso desde el casting en el que encontramos al gran GRAN actor Min Sik Choi que interpreta al serial killer y que en la recordada película de Park Chan Wook era el que buscaba venganza por su encierro. En I Saw the Devil, casi no lo reconocés, un personaje sin moral, histriónico, desagradable, grotesco, un animal sin sentimientos. Quizás sus orígenes en el teatro hacen que su presencia actoral crezca tanto en pantalla. Una magistral interpretación.

Otra película con la que la comparan es Seven, y puede ser…sólo puede ser que algo en su estética te una este filme coreano a la película de David Fincher.

Mientras avanza y la trama se profundiza/desarrolla, va escapando de las comparaciones, Seven y OldBoy quedan como un punto lejano de referencia y te quedás al filo del asiento incapaz de apartar tus ojos de lo que sucede.

Es muy angustiante, sobre todo cuando se va acercando al final. Intuís lo que va a pasar, pero no querés que pase. Hay personas que la encuentran imposible de mirar porque sí tiene elementos un poco gore, o excesivamente gráficos. Dada la versión que hace el director de esta trama, esos elementos son necesarios.

I saw the devil no te intenta vender otra cosa que lo que el título promete (Vi al diablo), y es eso lo que finalmente tenés. Lo desgarrador es el mensaje final, cuando queda claro que en esta cochina vida las desgracias suceden en un segundo, y la mayor parte de las veces no hay manera de recuperar o de compensar lo que perdiste.

En esa escena final donde nuestro protagonista y los créditos se funden, sabés que es verdad…viste al diablo, y él esbozo una sonrisa.

LO MEJOR: excelente fotografía, gran dirección, excelentes actuaciones.

LO PEOR: brutal. El argumento puede desinflarse por momentos.

LO MAS FALSETE: …

LA ESCENA: la del taxi, la del invernadero, el final

EL MENSAJE MANIFIESTO: la venganza mata el alma y la envenena

EL MENSAJE LATENTE: lo perdido no se recupera

EL CONSEJO: No apta para públicos muy sensibles

LA PREGUNTA: ¿El debut hollywoodense de este director será tan lamentable como parece?

CURIOSIDADES

Se estrenó en agosto del 2010

Tanto la película como el trailer fueron censurados por su excesiva violencia.

Dura 141 minutos que no se sienten pasar.

Ha ganado varios premios en distintos festivales .

El director está preparando su debut en USA, con el filme The last stand, que se encuentra en postproducción y que se estrenará en el 2013. Desgraciadamente (MUY DESGRACIADAMENTE), los actores de este debut no prometen mucho: Génesis Rodríguez (la hija del Puma!!), Arnold Schwarzenegger, Jhonny Knoxville (¡!!!!!!) y otritos más. Maldito Hollywood.

Es la primera película que protagoniza Min Sik Choi luego de que se autoexiliara de Corea en protesta por la reducción de cuotas de pantalla de películas nacionales en los cines.

2012-01-26T13:16:00.004-04:00

"WALK OFF THE EARTH..."

Hace unos días, unos amigos me mostraron este video:

Se trata de la banda canadiense Walk off the earth. Estos chicos suben sus videos a youtube y hacen covers. Hasta aquí nada interesante, no? Pues resulta que hicieron el cover de Somebody That I used to know, tema que pertenece al cantante australiano Gotye.

Lo que hace su cover hermoso, mirable e inolvidable es el hecho que los 5 integrantes de la banda tocan UNA guitarra y hacen diferentes sonidos con ella. Según ellos mismos, la idea surgió porque no tenían más guitarras, todos querían participar y tocó apañárselas así.

El mismísimo Gotye al ver el video twiteó:

gotye

@gotye

I know who to ask for help with acoustic versions of Somebody: Walk Off The Earth bit.ly/wIOleaHilarious and brilliant

El clinudo del medio se llama Gianni, y también hizo su divertida versión de Yesterday, mítico tema de Los Beatles, donde demuestra su talento y versatilidad al tocar todos los instrumentos y hacer todas las voces, gracias a las maravillas y trucos de la edición.

La banda se ha convertido en hit viral, e incluso celebridades como Russel Crowe, Alyssa Milana y otros, ya los detectaron, linkearon y recomendaron.

A disfrutar!

2012-01-19T14:47:00.002-04:00

"Dos porciones de mierda”

Por: Mónica Heinrich V.

Hace ya varios años, alquilé una película llamada Pretty Ugly People que venía avalada por algunos premios festivaleros (laureles en la carátula del DVD). Uno es bruto e ingenuo y supone que esos pinches laureles son garantía de algo. La experiencia me ha enseñado que a veces esa garantía es cheque sin fondo.

En el caso de Pretty Ugly People fue estafa total. El argumento nos contaba la historia de Lucy cuya vida había sido muy desgraciada porque fue gorda, repito: GORDA y que reúne a sus amigos incondicionales a los que no ve hace mucho dizque para darles una noticia. Todos asumen que la fulana se está muriendo o algo así, y cuando llegan al lugar resulta que la GRAN noticia es que enflaqueció y que OH! bendita sea la vida, se ve espectacular, atractiva, HOT y ahora su existencia puede ser “más mejor” y feliz. Todo esto para que luego de juntar a sus amiguetes y situaciones MUY aburridas de por medio, se de cuenta que la belleza está en el interior (d-i-v-i-n-o). Los laureles seguro fueron por el mensajito a la conciencia políticamente correcto.

Me pregunté quién sería el ñoño que había filmado algo así, y ese algodón de azúcar no es otro que Tate Tylor, que nos demuestra y estruja en la cara que podés tener una ópera prima bastante asquerosa y aún así hacer un segundo largo decente.

Mis esperanzas en el cine nacional renacen como flores en primavera.

(espacio para cachetazo mental)

Este mismito Tate Tylor es el que ahora anda todo nominado globeado y seguramente oscarizado por el filme The Help, traducido al español de manera muy fea como Historias cruzadas. En correcto boliviano esto debería llamarse “La empleada”.

Pues nos vamos a Missisipi en los años 60s. Una vivaracha joven de familia acomodada, Skeeter (la siempre simpática Emma Stone), quiere ser periodista. Criada por una mujer de color, bajo normas estúpidas de segregación racial, decide escribir un libro sobre las sirvientas negras, sus experiencias, sus condiciones de trabajo, el tipo de familia a las que sirven, y en sus propias palabras “el lado de la historia que no se ha contado”.

Rodeada por un grupito de estiradas amigas, que ya cumplieron su rol social al casarse, ser amas de casa y organizar eventos de caridad mientras maltratan a su servidumbre, Skeeter la tendrá difícil. Las empleadas no quieren hablar por temor a las represalias, pero eventos en cadena harán que quieran contar sus vivencias.

Quizás el mayor acierto de la película está en su casting. Empezando por la carismática Emma Stone como Skeeter, pasando por una genial Viola Davis (se acuerdan de ella en La Duda??) y una entrañable Olivia Spencer (Minny) que se roba la película. A ellas, agreguémosle Jessica Chastain (El árbol de la vida), Bryce Dallas Howard (La Aldea, La chica en el agua) y hasta Sissi Spacek.

Narrada de una manera muy condescendiente y políticamente correcta, la película muestra con humor los abusos y la segregación racial de la época. Cumple a pleno su objetivo de ser accesible para todos los públicos y escarbar (sin incomodar) en ese oscuro pasaje de la historia americana.

El guión lo escribe el mismo Tate Tylor quien se basa en el libro homónimo escrito por su amiga de infancia Kathryn Stockett. Tylor construye un filme liviano, que a pesar de tener toda la pinta de ser un producto hollywoodense hecho para el consumo de un público que no quiere sentirse “demasiado culpable”, conmueve por momentos y al finalizar su visionado, salís sintiéndote bien, pensando que existe gente buena, decente y que lo malo pasa.

Sí.

Por otro lado, no es una película perfecta, ni mucho menos. Quizás su blanda mirada se comprenda, pero los gratuitos y poco creíbles cambios de actitud de algunos personajes sólo acrecientan la sensación de estar ante un filme “bonito” en su envoltura con pocas aspiraciones reales de cuestionar su contexto.

Así como algunos pasajes hechos para que digás “qué mezquinos y cojudos eran en esa época”, sin siquiera detenerte a reflexionar sobre todas las historias de empleadas que se viven en nuestra linda, tolerante y plurinacional Bolivia.

No obstante, el filme se deja ver, pero lo dicho, una mirada más cínica podría identificar a las luces a este producto que lava conciencias pero no agita del todo un pasado en el que seguramente habían anécdotas mucho más humillantes que la del baño hecho especialmente para los criados negros.

“The Help” es a pesar de sus flaquezas, entretenida y excelentemente actuada. Cuenta con una gran fotografía y una linda banda sonora. Te engancha y por momentos, su ñoñez hiperglucémica llega a conmover. Razones suficientes para verla y constatar que el Jackson, Missisipi de los 60s no es un cuento para nada lejano a la Bolivia del 2012.

LO MEJOR: bonita, bien filmada

LO PEOR: lava conciencias pero no las agita

LO MAS FALSETE: lo de Constantine.

LA ESCENA: la del pastel

EL MENSAJE MANIFIESTO: hay historias que merecen ser contadas

EL MENSAJE LATENTE: hay historias que merecen ser contadas, que siguen sin contarse

EL CONSEJO: Mirá la viga en tu ojo después de verla.

LA PREGUNTA: ¿las cosas realmente han cambiado?

CURIOSIDADES

- El director y guionista Tate Taylor y Kathryn Stockett, la autora de la novela sobre la cual se basa la película, fueron amigos desde la infancia y crecieron juntos en Jackson, Mississippi, en la década del 70.

- El director Tate Taylor, también es actor y trabajó en Winter´s Bone, que fue nominada a cuatro premios de la Academia en el 2011, así como en varias series de TV como Six Feet Under y Charmed.

- Los realizadores eligieron al icónico compositor Thomas Newman como el responsable de la música de The Help. Con diez nominaciones a los premios Oscar® y dos premios Grammy en su haber, Newman es uno de los compositores más respetados en la actualidad en la industria del cine.

- Costó 25.000.000 $us. y ya lleva recaudado más de 200.000.000 en todo el mundo.

- El estante de libros de Skeeter contiene libros como El hombre invisible, Matar a un ruiseñor y Lo que el viento se llevó, que en la versión literaria (novela) eran incluso discutidos en varios pasajes.

2012-01-19T14:40:00.002-04:00

“IRON HOLMES”

Por: Mónica Heinrich V.

Como ávida lectora de nuestro amigo Arthur Conan Doyle, como seguidora y admiradora de su personaje Sherlock Holmes, como ser humano común y corriente deseo que el universo conspire para que Guy Ritchie cese de asesinar una y otra vez a Sherlock. PARA RITCHIE, PARA!!! (se acepta cualquier método que nos provea dicho deseo)

Digamos que en Sherlock Holmes 1 se lo pasé. Abracé la resignación, me dejé llevar por Robert Downey Jr., y me entretuve a lo bruto. Puteé en la oscuridad un montón de veces diciendo: “Ese no es Sherlock. Ese no es Sherlock” y bla bla bla, para luego asumir que a la gente no le importa si es Sherlock o Pedro García, sino que haya acción, entretenimiento, y nada más.

Ya. Ni modo. Esa nada se aceptaba. Esa nada se comprendía. Esa nada se toleraba…hasta que llegó Sherlock Holmes: A Game of shadows, donde la nada ya no es nada, sino estupidez y aburrimiento.

Para empezar, si algo caracterizaba al Sherlock Holmes literario era que se trataba de un tipo muy inteligente, brillante, en situaciones que requerían dicha inteligencia. Lo que tenemos en A Game of shadows, es todo lo contrario.

Pareciera que Ritchie pensó que tenía que sacarle el jugo a la relación entre Holmes y Watson, lo que hace que casi todo el filme sea una referencia constante a lo muuuuucho que se adoran y se complementan. Esto ya es irritante de entrada, pero le suman una historia sin pies ni cabeza donde las supuestas dotes deductivas de nuestro Sherlock, son reemplazadas por una bellaquería sin fin, y efectos especiales ene veces vistos en la filmografía del ex marido de Madonna.

La inexperiencia de los guionistas Michelle Mulroney, con tres desconocidos títulos en su currículum y Kieran Mulroney, escritor de capítulos aislados de series de TV como ER, Nash Bridges, etc..quizás tengan algo que ver con que esto no funcione.

Holmes se enfrenta a su archienemigo el Dr. Moriarty, interpretado dignamente por Jared Harris. En una pulseta de supuesta lucha intelectual, ambos personajes serán los protagonistas de este despelote.

El Dr. Moriarty tiene intereses diversos que van desde el contrabando de armas hasta semifilosóficas posturas sobre la guerra y el caos que se puede desatar moviendo unas cuantas fichas. Otro desperdicio, reducir a un personaje tan brillante en la literatura a un paupérrimo aspirante a terrorista.

Caprichosamente, una gitana (Noomi Rapace =Chica Millenium) forma parte de la trama. El ornamento femenino, típica fórmula hollywoodense, esta vez pasa sin pena ni gloria, Rapace hace lo que puede, el papel es lo que no ayuda para nada.

Sin absolutamente ninguna lógica, A game of shadows abusa de su metraje y nos tiene pegados a la butaca viendo un montón de slow motions y coreográficas escenas de acción que sólo entretienen a un nivel muy primario dejándote la inquietud de: “cuándo acabará esta huevada” mientras mirás tu reloj con desespero.

Sí hay gente que la pasa chancho, que sale diciendo “QUE PELICULANGA!”, a los que envidio sanamente por su capacidad de aceptar y disfrutar una película tan irregular y, por momentos, irritante.

Aún así hay espacio para destacar algunas cosas o momentos, que sacan a Ritchie de mi TOP 5 de elementos a eliminar en caso de que me sobrevenga un brote psicótico: una espectacular ambientación, un trabajo de arte muy logrado; un vestuario inobjetable; una música correcta (sin superar a la primera entrega); actuaciones aceptables, a pesar de que Robert Downey repita su Iron Man en estilo victoriano; unas cuantas escenas que no importa lo pelotudas que sean te hacen decir “qué bonito”, como la del bosque que es “bonita” pero eterna y pegada con moco.

Y a esto sumémosle sus hmmm 20 minutos finales, donde podemos ver a un Robert Downey Jr. mucho más cercano a lo que en realidad es NUESTRO Sherlock Holmes. Hablo de todo lo que acontece en el juego de ajedrez mental. Esa secuencia recupera el verdadero aire a lo escrito por Conan Doyle.

Desgraciadamente, es eso: una leve brisa matinal.

Terminado el visionado, llegás a tu casa con el ansia de releer El problema final, sólo por reencontrarte con ese que ha sido tan vilmente mancillado.

Cuando el cine falla, siempre quedará la literatura.

LO MEJOR: arte y vestuario

LO PEOR: larga, aburrida y nada que ver con Holmes.

LO MAS FALSETE: casi todo

LA ESCENA: la del bosque, pero a nivel estético nada más

EL MENSAJE MANIFIESTO: podés engañar al respetable diciendo Sherlock Holmes y mostrando cualquier cosa.

EL MENSAJE LATENTE: Siempre habrá quienes se den cuenta del engaño

EL CONSEJO: Vela sin pensar en Conan Doyle.

LA PREGUNTA: ¿habrá manera de hacer que la tercera parte la filme otro crispín?

CURIOSIDADES

- Brad Pitt, Gary Oldman, Sean Penn fueron considerados para el papel de Moriarty.

- Robert Downy (Holmes) y Jared Harris (Moriarty) ya trabajaron juntos en el filme Natural Born Killer.

- Audrey Tatou, Virgini Ledoyen, Penélope Cruz, Juliette Binoche, Marion Cotillard eran las posibles actrices para interpretar a la gitana.

- Esta secuela tenía que hacerse rápidamente por lo que Guy Ritchie tuvo que abandonar el filme Lobo y Robert Downey no participó en Cowboys Vs Aliens.

- La película nutre su argumento de “El problema final”, “Valle de miedo”, “El detective moribundo”, y otros tres relatos de Arthur Conan Doyle.

- En “El problema final” es cuando Doyle mata a Sherlock Holmes y la horda de atribulados y emputados fans, hace que lo reviva.

2012-01-19T14:34:00.002-04:00

SHERLOCK WHAT?

Por: Mónica Heinrich

Una de las películas que más esperaba era la que le daría vida al agudo Sherlock Holmes. La elección de Guy Ritchie como director no me desanimó, ya que imaginé que el muchacho podría con la tarea.

Aprovechando su presencia en cartelera y el haber sido premiada con un Globo de Oro a Mejor actor, hago una reseña del filme y para contextualizar una reseña de los relatos en los que se basa esta historia. Empezamos con lo hecho por Guy Ritchie.

En mi temprana adolescencia (hubo un tiempo que fui hermosa y fui libre de verdad) fui una voraz lectora de Arthur Conan Doyle así que verme en la sala de cine, en la premier de la primera película de Sherlock (porque he visto otras) en que se había usado un gran presupuesto y que estaba dirigida por un peso pesado del cine, era emocionante.

Mis acompañantes estaban igual de expectantes. Aunque a primera vista la elección de Robert Downey Jr. como Holmes parecía caprichosa ya que no coincidía para nada en la descripción física que se hace en el libro, no me importó…Robert es un gran actor, y podría dar sorpresas. Jude Law como Watson me generaba más dudas, aunque también es buen actor.

La escena que da inicio al filme, nos dice lo que todos sospechábamos desde un principio, que nuestro querido Ritchie se había decantado por una versión libre de los textos de Conan Doyle. Muere, Ritchie! Muere!

Es así que en líneas generales lo que se puede decir del filme es que cualquier parecido con la versión literaria es PURA COINCIDENCIA.

La acción comienza en una especie de ritual satánico donde Lord Blackwood estaba por sacrificar a una damisela. Holmes que llega justo para el rescate, protagoniza una escena donde los efectos onda matrix y las secuencias típicas de la cinematografía de Guy Ritchie son los grandes protagonistas.

Lord Blackwood es arrestado, y nos venden la imagen de poderes paranormales con los que Holmes tendrá que lidiar. Paralelo a eso, se presenta a Irene Adler, quien además sí aparece en los relatos de Conan Doyle y que en la versión literaria resulta ser el único personaje femenino que le despierta admiración a Holmes. Aquí, además de mostrarla como una dama ingeniosa que siempre se sale con la suya, es presentada como el interés romántico-erótico de Holmes.

Watson, contrario a lo que estamos acostumbrados, despliega humor e ingenio, acompañando a un Holmes bohemio, irreverente, enérgico y curioso. Watson está por contraer nupcias, por lo que habrá escenas que nos muestren el conflicto (celos) que esto representa para Holmes.

El entuerto o misterio está claro desde el principio, y es bastante predecible, lo único que le queda al espectador es esperar pacientemente las explicaciones científicas. Holmes tiene que descubrir qué trama Blackwood y cómo piensa lograr su planes. Irene Adler ha sido contratada por el némesis de némesis, el profesor Moriarty…y nada más.

Se deja ver…es entretenida, liviana, pero mustia para una historia y personajes tan ricos. Te deja con la sensación de poco, y con la impresión de que has visto cualquier cosa. Nada memorable, ni para pensar en ir a verla al cine una segunda ocasión.

Fotografía excelente, música muy muy linda, con cierto tufo a las cosas que hace Goran Bregovic para Kusturica. Vestuario y ambientación muy buenos, actuaciones buenas, pero lo dicho, pudo llamarse Las Aventuras de Arnaldo Chávez, que hubiera sido lo mismo…porque a Sherlock Holmes como tal, no se lo ve nunca.

Averiguada la cosa, hay infinidad de detalles en que han hecho guiños a los escritos de Conan Doyle, pero son tan chapuceros que no vale la pena ni nombrarlos, además que me parece es para que no podamos decir que la historia no tiene ABSOLUTAMENTE nada que ver con lo escrito.

El pendejo de Ritchie (comprenderán el enojo) dice que era un fanático de Holmes y que se ha leído todito todito, cosa que puede ser cierta, pero lo que ha hecho él con NUESTRO Holmes es inaudito. El tan recordado ¨Elemental, mi querido Watson¨, según Ritchie no existe y fue invento del cine, yo lo invito a releer El Jorobado, incluido en Las Memorias de Sherlock Holmes, donde la famosa frase aparece por única vez, pero aparece.

Supuestamente el temido y esperado Profesor Moriarty que en esta primera parte sólo es visto como una masa amorfa, sin rostro, en la secuela tendrá protagonismo y será encarnado por nada más y nada menos que Brad Pitt.

Esta secuela comenzará a darse forma a partir de marzo de este año, esperemos que Ritchie le ponga más empeño, porque sinceramente para los que hemos visto su filmografía, escenas y estilo se repiten en Sherlock Holmes, y no estoy en contra del estilo, pero creo que Holmes se merece algo más memorable.

¿Me atreveré a recomendarla? Es entretenida, pero muy insípida. Desangelada y con poco o nada que ver de lo escrito por Conan Doyle.

¿Esperamos la secuela? Elemental, mis queridos lectores. Quizás con la aparición de Moriarty, la cosa mejore.

2012-01-19T14:03:00.007-04:00

"Holmes"

Por: Mónica Heinrich V.

De Arthur Conan Doyle se ha dicho mucho, que si era misógino, que si era increíblemente antipático, que si tenía cualidades o inclinaciones violentas, y lo más perturbador de todo era el rumor que lo ligaba con los asesinatos de Jack, el destripador. Supuestamente Sherlock Holmes investiga en la ficción un caso de naturaleza demasiado similar a los truculentos hechos que asolaron Inglaterra en esas épocas. Se dice, además, que la desaparición de Jack coincidió con la salida de Doyle de Inglaterra.

Cositas, y cositas. También se habló del supuesto plagio que Doyle hizo del personaje a otro individuo que nunca pudo comprobar que el plagio realmente existió, pero que fue lo suficientemente fuerte como para que nosotros, años y años después, conozcamos la situación.

A diferencia de Agatha Christie, Sir Doyle creó un personaje únicamente masculino, su obra se centra en las aventuras y singularidades de Sherlock Holmes. En cambio Agatha, mucho más viva, y más respetuosa con su público femenino, introdujo en el escenario además de Poirot, a Ms. Marple.

Holmes está muy bien construído, sin que eso signifique que despierte algún tipo de atracción, porque repasemos su perfil: hombre soltero, constantemente obsesionado con la lógica y los procesos inductivos, así como cualquier cosa relacionada con el crimen o el delito. De naturaleza más bien reflexiva y distante, Holmes pocas veces demostrará una emoción más fuerte que la curiosidad o el interés que un caso le pueda causar.

Watson por su parte, será el médico amigo que…bueno aquí la verdad no sé si poner “ayude”, o “soporte”…bueno, que esté ahí, creo yo más como recurso literario para que nosotros no quedemos de mensos que como indispensable, pero que contrariamente a lo dicho en líneas anteriores, se tornó indispensable.

Prueba de ello es que en general las películas de suspenso que tienen policías o detectives, se valen de uno brillante que es el principal, y otro atontadito que es el secundario.

Doyle en la vida real fue médico y es obvio que el personaje que lo representa es Watson, para las deducciones lógicas de Holmes tuvo la ayuda de un profesor universitario, faltaba más, porque Doyle no era muy dado a esas cuestiones inductivas, en lugar de profesar la racionalización de Holmes en sus últimos años de vida se le dio por lo paranormal, dizque fantasmas y cosas de esas inexplicables, y que Holmes, el personaje, nunca abordaba por no ser cuestiones que puedan ser tangibles y explicables.

Ahora, la labor de Doyle no nació de la nada, ni mucho menos tiene la originalidad que creemos, porque si recordamos bien, Poe ya nos había regalado a Dupin en Los crímenes de la calle Morgue. Y Watson como agregado también ya habia sido precedido por personajes de Poe y Gaboriau, sin que esto quite que al ser Sherlock Holmes una saga de casi 100 relatos, sean los que han marcado época dentro del género.

El libro que voy a reseñar o resumir, es una edición donde se juntan tres de sus más conocidos compendios de relatos. Tiene 377 páginas y es muy sencillo y ameno de leer.

CONOCIENDO A HOLMITO

La primera parte es Estudio en escarlata, acá asistimos al encuentro inicial entre Watson y Holmes, Holmes anda buscando departamento y Watson, un poco malherido y pobretón, acaba de llegar Afganistán cuando se libraba una guerra contra los ingleses. Por una tercera persona logran ponerse de acuerdo para compartir hogar, todo muy bonito.

Fue amor a primera vista, Holmito pensó: “este Watson no mata ni una mosca” y Watson pensó “Holmito se las trae” a ambos los atrajo lo que les faltaba personalmente.

Holmes, que era un jovenzuelo de universidad, ya andaba husmeando por ahí, sabía sobre las huellas que dejaba cada tipo de barro, cómo detectar el tipo de ruedas de un carruaje, cómo determinar en qué lugar de la ciudad había estado una persona de acuerdo a algunos elementos, es decir, ya andaba medio zafadito, y fumador a morir.

Watson, desde el principio muestra una ingenuidad muy mal disimulada, y una devoción casi instantánea a Holmes, al parecer Watson no tiene vida, ya que vive echándole flores a lo que Holmito dice, hace, piensa o sueña.

Él, como médico, debería tener casos interesantes también, pero ni mencionarlos, a menos que esté inmiscuído Holmito. Eso es amor y lo demás son cuentos.

Entonces que Holmito y Watson viven en alegre concubinato, y antes de que el alelado de Watson se dé cuenta se halla inmerso en un caso criminal que en su vida soñó participar, aunque acá entre nos, todo eso medio retorcido lo atraía profundamente.

En este primer acercamiento, el caso que surge es largo, un hombre fue asesinado en una casa abandonada, en las paredes se escribió con sangre “Rache” (venganza en alemán), el muerto no presenta ningún signo de violencia,ni alguna causa probable de muerte, por lo que la sangre del escrito no es suya.

Acá ya surgieron algunos problemas con Holmito (problemas míos aclaro), porque Holmito utiliza como métodos inductivos o deductivos cosas a veces muy subjetivas y muy estereotipadas, ejemplos? Bueno, conocerán la teoría de los humores de Hipócrates no? aquella que hacía una tipología de la personalidad de acuerdo a los tipos de humores (líquidos del cuerpo humano) que según cuál segregaba más el cuerpo humano, una persona podría tener x temperamento (melancólico, colérico, flemático, etc..).

De ahí surgieron otras teorías, hasta que se manejó la teoría de que una x característica del rostro o contextura corporal podrían determinar si tenías o no inclinaciones criminales, cosa que ahora no tiene validez alguna.

Holmito se queda más atrás, muy cerca de Hipócrates. Es decir, en el caso de la palabra Rache, se determina que fue escrita con la sangre del asesino y que lo más probable es que el asesino haya sangrado por la nariz, por lo cual Holmes deduce que si sangró por la nariz es porque es un tipo emocional, y que si es de temperamento emocional, su cara tiene que ser rubicunda. Ergo una tontería. Que se comprende por la época.

No contento con eso Holmito deduce que si hay huellas de pisadas donde las zancadas son amplias, quiere decir que la persona es joven, porque un viejo no pueda dar zancadas grandes. Y si el joven estaba con dolor de estómago? o si tenía ganas de hacer pis? qué se yo, que pura verba si se fijan bien, pero se comprende porque obedece al contexto de su época.

En fin, que de todas formas el caso logra cerrarse dignamente y como se hace costumbre en todos los relatos de Doyle, quedamos contentos.

HOLMITO NO ESTABA MUERTO ANDABA DE PARRANDA

La segunda parte es un compendio de relatos intitulado Sherlock Holmes sigue en pie, qué tal, un prefacio edulcorado de Doyle donde habla sobre la vida propia que tomó el personaje Holmito.

Sabido es por todos que Doyle lo intentó matar cruelmente pero que las hordas descontroladas de lectores lo obligaron a resucitarlo al mejor estilo de Misery. El prefacio enmarca 6 relatos, que resumiré lo más brevemente posible.

Aclaro, también, que una vez pescás el hilo de pensamiento de Holmito ya más o menos adivinás quién es el asesino o cuál es el misterio, aunque Doyle siempre tiene un elemento sorpresa bajo la manga.

- “La aventura del cliente ilustre” .- El relato empieza con una sesión erótica en un baño turco entre Watson y Holmito (no les miento), Watson, para variar, es nuestro narrador. Un señor de esos de las grandes esferas (no por nada cliente ilustre) solicita los servicios de Holmito, un individuo de muy buena facha (cosa que es enfatizada por Doyle con términos como hermoso, precioso, bellas facciones, seductor y cosas en ese tono) quiere ligarse a una señorita de muy buena familia pero bastante bruta, el tipejo tiene fama de asesino, de vividor y de mujeriego, pero la individua a toda costa quiere casarse con él, bueno que el viejo (el ilustre) quiere que Holmito se encargue de que el matrimonio no se lleve a cabo.

Holmito hará gala de todos sus dones, aunque desde ya se le sale lo misógino cuando dice que esa es tarea por demás difícil debido a lo incoherente del comportamiento femenino. No por nada anda con Watson, y no por nada su mayor pasión fue su némesis, Moriarty.

-”La aventura del soldado de la piel decolorada”.- Acá si sos vivo y tenés un conocimiento apriori y deductivo podés imaginarte desde el título hacia dónde se dirige Holmito con esta aventura. En esta ocasión, un hombre solicita los servicios de Holmito para que le ayude a obtener información sobre un ex compañero de batalla a quien no ve hace mucho y de quien dejó de recibir correspondencia, siendo los hechos de su desaparición muy misteriosos. El narrador en este caso es Holmito, será por eso que fue un poco más cantada la solución del caso.

- “La aventura de la piedra preciosa de Mazarino”.- Uno de los relatos más flojos, dizque Holmito está encargado de encontrar una piedra que tiene valor nacional, tan tarado es el asunto que los criminales van directamente a buscar a Holmito y en una de las escenas más bobas que he leído en mucho tiempo todo se resuelve de una manera muy jocosa.

- “La aventura de los tres Gabletes”.- El relato empieza con la irrupción de un negro de dimensiones descomunales a la habitación donde estaban sentados (para variar) Holmito y Watson, podría decir una teoría acerca de la simbología del negro en el relato pero mejor me callo, bueno que Watson relata muy consternado este caso, se dicen unas cuantas cosas, algunos comentarios un poco racistas de mi amigo Holmes (aludiendo al olor del negro y cosas así), pero bueno, todo eso era porque a una vieja x le estaban queriendo comprar su casa, pero la casa con todo dentro, y resulta que ahí (obviamente hay gato, o mejor dicho GATA, encerrada). Regularín, a Holmito no se le mueve una pestaña cuando se enfrenta a la Gata, sospecho que con Moriarty habían más emociones.

- “La aventura del vampiro de Sussex” .- Este me gustó, Holmito se interesó en seguida como ocurre con el lector promedio, los vampiros siempre son atractivos, el asunto era que un viejo x (olvido los nombres) solicita los servicios de Holmito para que resuelva un caso bastante extravagante. El individuo en cuestión, se había casado con una sudamericana, y tuvo un hijo con ella, todo fue rosas y miel, hasta que hace poco supuestamente, la madre fue descubierta hincándole el diente al hijo de dos años, tal cual lo leen y aparentemente presa de locura. La resolución del caso fue bastante obvia, para un observador aplicado, pero no dejó de ser interesante.

- “La aventura de los tres Garrideb”.- En modus operandis era un poco similar al de la vieja de los Tres gabletes, un individuo x (otra vez) solicita los servicios de Holmis (otra vez) para encontrar un tercer Garrideb (por el apellido) por una cuestión bastante boluda acerca de una herencia, cosa que sin necesidad de ser Holmito nadie se podría haber tragado. Como se puede suponer detrás de ese hecho se escondía algo más intrincado.

HOLMITO Y SUS MEMORIAS

Finalmente la tercera parte se llama El archivo de Sherlock Holmes y abarca 6 relatos más un poco más complejos que los anteriores pero con algunos errores mínimos.

- “El problema del puente de Thor”.- Ah, acá se trata de las más bajas pasiones. Sí, Doyle finalmente relata algo más o menos pasional aparte de las charlas íntimas de Holmito y Watson. Un viejo x le traía ganas a su empleada, y al estar casado eso le impedía estar con la mujer, bueno, que la esposa es asesinada y la empleada acusada del asesinato, el viejo, sin que el cuerpo de la tipa se haya enfriado le pide a Holmito que averigue quién fue el verdadero asesino de su esposa para que esa divina mujer (la empleada) no pague injustamente con su vida un crimen que no cometió.

- “La aventura del hombre que reptaba” .- Este me causó algo de gracia, aunque como pueden imaginar la situación era más bien dramática. Holmito es informado y solicitado (vaya que tenía clientes) acerca del cambio de temperamento de un viejo que era profesor, que de ser un pan de Dios se convierte en el terror de la familia siendo impredecible su comportamiento e incluso visto, tal cual, lo dice el título reptando. Holmito, que pese a lo que en algunos relatos pensé, no es ningún estúpido caza al vuelo, qué acontecía por esos lares.

- “La aventura de la melena de león”.- Holmito, como nunca, estaba vacacionando sin Watson, y le llega un caso por casualidad, una persona conocida suya, cae a sus pies mientras estaban en la playa con signos de haber sido torturado, lo último que alcanza a decir el tipo es algo como “melena de león” y luego estira la pata, nunca vi a Holmito tan ineficiente, debo confesar, pero termina resolviendo el caso de forma interesante.

-”La aventura de la inquilina del velo”.- Ah, acá sí me dio cosita. Yo pensé que no podía haber nada más perturbador que Holmito y Watson en el baño turco hasta este relato. Una mujer que trabajaba en un circo, junto a su marido, fueron atacados por un león que por lo general estaba bien alimentado, y que nunca tenía comportamientos agresivos. El esposo de la mujer muere, y la mujer queda desfigurada debido a que el león le carcome la cara. El caso, que no es tal, simplemente es el relato de la mujer que quiere contar su verdad.

-”La aventura de Shoscombe old place”.- Bueno, acá todo lo que parece ser no es. Resulta que a Holmito le llega una caso extraño, un tipejo que es conocido en el farandulete como alguien de cuidado, ha empezado a mostrar un comportamiento extraño, su hermana del alma ha adquirido costumbres extrañas, tan es así que no sale ya de su casa y se corre el rumor que bebe más que un camionero. Holmito y Watson hacen de las suyas y el caso resulta ser más simple de lo que se pensaba.

- “La aventura del fabricante de colores retirado”.- Ah, Holmito no se vio venir ésto. Un viejo x, le pide a Holmito que lo ayude a encontrar a su esposa que se fugó con el vecino. Todo parece ser una cosa con tintes pasionales, y la verdad se confirma al final, fue una cosa de naturaleza excisavemente pasional.

Hasta aquí las aventuras de Holmito, debo decir además algo con respecto a la excelente conducta de Holmis. Ya que jamás, ante el escape de un asesino, o ante la infructuosidad de sus deducciones dirá: “Mierda, me cagó en la $%/”()(!”, lo máximo que dirá será “Se nos ha escapado Watson”. Tampoco, en un momento de alegría o lucidez dirá: “Lo hice pelota, lero lero candelero” nononono, él dirá algo así: “Estupendo Watson!”.

Entonces, que Holmito es interesante y podés entretenerte con sus casos es indiscutibe, pero que como ya mencioné alguna de sus deducciones “lógicas” no son tan lógicas, y los tiempos modernos hacen que mirés con relativo desdén algunas de sus deducciones, que cualquier capítulo de CSI revuelca, también.

Desde el punto de vista personal debo decir que Holmito tiene la personalidad de una piedra, cero picardía, bien mustio, pero ESA es su gracia. Watson alcanza niveles insospechados en este último apartado, juntos forman, sin duda, una de las parejas literarias más inolvidables. Recomendar a Holmito? Faltaba más, les aseguro que quedarán satisfechos.

2011-12-30T01:44:00.008-04:00

"Mi nombre es Cruise, Tom Cruise"

Por: Mónica Heinrich V.

Cuando me andaba preguntando debajo de qué tutuma estaría viviendo Tom Cruise, zas!! estrenan por todo lo alto Misión Imposible 4: Protocolo Fantasma.

Desde el 2006 que no teníamos noticias de esta saga, en esa época J.J. Abrams metió su cuchara como director y nos entregó una Misión Imposible bastante desangelada e intrascendente. Ethan Hunt, el personaje que interpreta Tom Cruise, no dejó huella en este cinéfilo corazón y las expectativas de verlo renovado, refrescado, o cualquier ado, no eran altas. No. Podríamos ponerle un optimista 0.05% de esperanzas.

Además, tendríamos que irnos muchos años más atrás para encontrar un filme donde Tom Cruise no salga con cara de estreñimiento, haciendo una película aburrida/estúpida y/o intrascendente. Diría que hasta la época de Magnolia. Así de lejos, cuando quien escribe era joven y el mundo parecía un mejor lugar.

El caso es que contrario a todas las suposiciones, a los elementos divinos que parecían conspirar para que esta cuarta parte sea igual o peor que las anteriores, Protocolo Fantasma es todo lo que se desea de una película de este tipo. Sí, con algunas cosillas de más o de menos, pero teniendo en cuenta que la vi el 25 de diciembre y el espíritu navideño me azotaba el alma, pues se lo perdono.

Habéis leído bien, mis pequeños suspiritos azules, Misión Imposible 4 es para verla, y mejor si la ves en pantalla gigante para que vivás el momento Dolby Digital Surround a pleno.

Quizás la entretenida experiencia se la debamos a la dirección de Brad Bird, que antes se dedicaba a los dibujos animados, y cuyo currículum está avalado por Los Increíbles o Ratatouille (esta última me representa conflictos que es mejor no revelar) y que en este debut con actores de carne y hueso, demuestra que LO TIENE. Algo así como cuando a Woody Allen le preguntaron por qué no daba clases en alguna universidad, y Woody dijo que no había muchas cosas que enseñar: “Lo tienes o no lo tienes”. Bird LO TIENE, o parece tenerlo, el tiempo dirá cuán bien lo tiene.

Josh Applebaum guionista de series como Alias, Fastlane, Happy Town,etc. y André Nemec con idénticos créditos, escribieron el guión de manera efectiva, con algunos bachecillos argumentales que escapan a toda lógica, pero en general, muy superior a las anteriores entregas.

En esta ocasión nos hemos ido por lo “simple”. Ethan Hunt es rescatado o, mejor dicho, sustraído de una cárcel húngara. Dizque mató a unos cuantos serbios y dizque su agencia hizo la gran Poncio Pilatos. Pero oh! sorpresa, lo necesitan y van a sacarlo del agujero para darle una misión. Dicha misión involucra al Kremlin, terroristas, armas nucleares, códigos secretos y contraespionaje. Yes!!!Los rusos ar in da jaus!!

Obviamente, no estamos hablando de un filme de Michael Haneke sino de Misión Imposible y, como tal, la misión de Ethan Hunt debe ser en apariencia imposible y de estúpida resolución. Que se la realice y vos digás: SON HUEVADAS! es otro tema, Bird nos muestra el disparate sin aburrirnos y sin despeinarse, convirtiéndonos en seres momentáneamente felices.

A diferencia de las otras entregas donde se focalizaban en escenas de acción eternas y sin sentido (flashback: Tom Cruise. John Woo. Moto. Cine René Moreno. 20 minutos después: Tom Cruise. John Woo. Moto. Cine René Moreno) aquí las escenas de acción suceden casi en cadena y con el argumento relativamente engranado a eso.

Este “show” de efectos especiales y secuencias que pretenden quitar el aliento, se realiza durante dos horas en las que llegás a decir: “Eso no lo vi venir”, porque no, no lo viste venir.

Existen cosas básicas que si yo fuera agente encubierto pensaría concienzuda y paranoicamente, pero supongo que 1) les dio flojera, 2) es Misión Imposible, 3) es la cuarta parte, así que no jodamos con verosimilitudes.

Y es que la fastuosa fotografía del señor Robert Elswit permite el olvido u/o distracción de ese detalle y deja con el ojo embelesado en escenas como la del edificio más alto del mundo o la tormenta de arena, escenas que por sí solas aunque el filme apeste, hacen que ir al cine valga la pena. Elwist es otro que LO TIENE y lo ha demostrado infinidad de veces en películas como There will be blood, Magnolia, Punch Drunk Love y hasta la nefasta Gigli (todos tenemos nuestros resbalones).

Ajá.

Pero y Tom Cruise? Tom está por cumplir 50 años y NO se le nota. Corre de aquí para allá en excelente estado físico (maldito!!) y su interpretación es…hmmm…digna de un filme como este.A él lo acompaña Paula Patton, cuya elección como elemento ornamental (chica sexy hot de película de espionaje) es más acertada que la escuálida Tandhie Newton o la individua que sale de su esposa.

Otro que le pone su toque es Jeremy Renner quien interpreta al agente Brandt. De hecho, se rumoreaba que a él se le pasará la tea encendida dejada por el personaje de Cruise, porque algún día Ethan tiene que dejar de correr de aquí para allá en excelente estado físico (MALDITO!!!) así que vayan acostumbrándose.

Llegando a los minutos finales, Bird y compañía sucumben ante Hollywood de manera bochornosa alargando la trama unos 15 minutos. Suficiente para que podamos atisbar que no, que definitivamente el mundo no es un lugar tan malo y que sí, (SPOILER) que existen finales bonitos, cursis, donde los personajes principales no sufren y todo termina de tal manera que te vas a tu casa pensando en qué lindo es ser agente encubierto y sacrificarte por la gran Norte América (FIN DEL SPOILER).

Mientras tanto, me doy por satisfecha. Protocolo Fantasma rescata esta franquicia del foso al que varios ya habíamos echado tierrita, recupera ese aire original de la serie de TV y, con sus fallas (que las tiene), nos regala momentos de trepidante acción.

Entretenimiento necesario para una masa que SUFRE las fiestas de fin de año y desesperadamente busca evadirse de nostalgias, regalos, llamadas, cenas, festejos, y cohetes de forzada alegría.

Gracias, Bird.

Lo mejor: entretenida

Lo peor: sus 15 minutos finales

La escena: hay tres excelentes escenas: La del Kremlin, la del edificio más alto del mundo y la de la tormenta de arena.

Lo más falsete: bue…no nos vamos a poner exquisitos

El mensaje manifiesto: Una buena película de acción no es una quimera

El mensaje latente: Se requiere talento

El consejo: Vela en el cine y CON SUBTITULOS

El agradecimiento: entretenida

La pregunta: ¿la que le seguirá mantendrá la vara alta?

CURIOSIDADES

Se filmó en Dubai, Praga, Moscú, Bombay, Vancouver y Bengaluru.
Bird trabajó en Pixar, dicen que la escena del misil que sale hacia los uniteds, apunta directamente a la zona en que se encuentran los estudios de Pixar. Poético.
El edificio Burj Khalifa considerado el más alto del mundo sirvió para filmar algunas secuencias, tiene un altura de 828 metros, 160 pisos y 58 ascensores. En ESTE LINK pueden ver cómo se filmó la escena! Sí, nunca le había encontrado su sex appeal a Tomsito, hasta que vi este clip. Miren las cámaras, el helicóptero! (suspiro)
La iba a dirigir J.J. Abrams, pero no pudo por estar dirigiendo Super 8, así que el trabajo cayó en manos de Bird. Gracias, J.J.!
La escena de la tormenta de arena se filmó con la IMAX. La peli está filmada casi en su totalidad en 35mm, pero esa escena se filmó en 65mm. Cuándo llegará el día que en esta aldea del señor, tengamos una salita IMAX?
Su presupuesto alcanzó los 145.000.000 y ya lleva recaudado 218.645.000

2011-11-09T13:22:00.003-04:00

"Aviso a la comunidad"

Por: Mónica Heinrich V.

Resulta que tenía entradas para la premier de ESTO. Aún sabiendo que mis otros tres compañeros de butaca no gustan de los filmes de terror, me hice la opa, dije que no sabía de qué trataba y nos metimos a la sala 1. Mea Culpa!

Así como de refilón vi el nombre de SAW en la cartelera e ingenuamente pensé que se trataba de un producto del director o guionista de SAW 1. ERROR. 11:11:11 está dirigida por Darren Lynn Bousman, director de Saw II y otritas más, que en el Rotten Tomatoes está aplazado en casi todas sus películas. Y con razón, el tipo tiene menos talento que una larva de mariposa intentando convertirse en pavo real. Que me perdonen los que en el pasado se rasgaban las vestiduras por descubrir cuál de los directores Saw era mejor.

El pobrecito Darren nos entrega una historia que bebe de muchas buenas películas, y que transforma todos esos clichés/homenajes en una de las peores películas que pasaron por la cartelera este año. Muere Darren, Muere!!!

El escritor Joseph Crone perdió a su mujer e hijo trágicamente, desde entonces sufre de pesadillas y no puede superar la pérdida. El filme comienza la mañana del 7 de noviembre y la idea básicamente es que el 11:11:11 pasará algo JODIDO, y que el sujeto en cuestión está rodeado por el 11:11 (su hijo muere a las 11:11, se despierta de pesadillas a las 11:11, lo atropellan a las 11:11, a las 11:11 le sale un uñero, etc) .

Al tipo le empiezan a suceder desgracias tras desgracias, y una de las principales es cuando recibe la noticia de que su padre está agonizando en Barcelona. Hacia allá se dirige el protagonista. Sí, sí, sí. La idea es centrarse en el temita de la mística, premoniciones, asociaciones que hay en torno al número 11 y que supuestamente ha marcado importantes momentos de la historia y de grandes personajes, a eso se suma la teoría de los ángeles guardianes y el famoso portal que se abriría el 11:11:11 en el que oscuros demonios se nos meterían al rancho sembrando caos y destrucción (BOSTEZO)

No sé ustedes, pero el mundo así tal cual está parece muy cagado, dudo que unos cuantos demonios le agreguen mucho a este despelote.

Volviendo al filme, tomando en cuenta la supuesta "base real" y que todo parte de una idea que tiene bastantes seguidores en el mundo (eleveners) puede que la historia parezca "interesante", pero, oh! sorpresa, NO lo es. Es aburrida, lenta, boba, el protagonista no cree en Dios ni en lo religioso, y tiene a su alrededor gente que le recita frases hechas sobre la fe, supongo que con el afán de que saque roncha, pero está planteado de manera tan liviana y cursi que es imposible tomársela en serio.

Muy monótona, mal actuada, mal dirigida, en general una película poco inspirada.

Es muy triste descubrir que el director dice en entrevistas que su filme sigue la línea de El Bebé de Rosemary y que su referente fue Polanski. MATENME!

Para darles una idea del fiasco, el tipo llega a Barcelona y se sube a un taxi, en el taxi supuestamente hay un taxista español, pero NO! el taxista es un actor gringo que finge ser español. Luego en la casa está una tipa que es española, pero que es MUY mala actriz. El maquillaje y los efectos especiales están de pena, y lo acompañan con una musiquita coral que intenta ponerle ambiente a algo sin sentido.

Digamos que 11 minutos después de los 11 minutos que siguieron a los 11 minutos iniciales, miré 11 centímetros a mi izquierda y dije: "Nos vamos?", compañero de butaca 1 dijo: "Esto es una huevada", compañero de butaca 2 dijo: "vamos a comer algo", compañero de butaca 3: "En serio les indigna tanto?". Le dimos 11 minutos más, y luego salimos en fila india hacia el EXIT.

Había leído por ahí que tiene un final "diferente", desgraciadamente sus bichos, apariciones y recursos son iguales a los aplicados en malas películas de los 80s y nosotros ya no estamos para esos trotes.

Avisados están.

Lo mejor: cuando el 11 te golpea tanto que querés irte.
Lo peor: mal dirigida y mal actuada
La escena: todos los horribles flashbacks
Lo más falsete: las apariciones y los "sustos"
El mensaje manifiesto: hay plata en hollywood para seguirla gastando en cosas como ESTA
El mensaje latente: no es fácil hacer buen terror psicólogico
El consejo: No gastés un peso en esta película, si AUN tenés ganas de verla...que alguien te invite al cine , que alguien te preste el DVD o bajátela de internet.
El agradecimiento: la posibilidad de abandonarla
La pregunta: ¿Por qué pagar 45 pesos para ver algo así?

2011-11-08T11:39:00.007-04:00

CELLO, MI CELLO, CELLO!

Por esas casualidades de la vida, llegué a este cover tocado a dos cellos por el dúo 2Cellos (redundancia ON). Se trata de Sulic nacido en Eslovenia y Hauser en Croacia. Ambos se conocieron en Croacia cuando eran adolescentes y ya estudiaban el bello instrumento.

El destino llevaría a Sulic a la Royal Academy of Music de Londres y a Hauser a la Royal Northern College of music de Manchester.

Cuando vieron que faltaban los quintos subieron a youtube una versión de Smooth Criminal, el famoso temita de Michael Jackson, y fue todo un éxito. Así, los contrataron, grabaron un disco de covers en mayo y helos aquí. Hermosos.

Y aquí la versión de Smells Like a Teen Spirit. A disfrutar.