Aullidos de la calle

2012-02-06T19:22:00.005-04:00

"LAS VÍCTIMAS VENDEN"

Por: Mónica Heinrich V.

Si pensamos/pienso en Serbia, imagino un lugar devastado por la guerra, jodido por los bombardeos, por la limpieza étnica y por los despojos que dejó el horror de años de enfrentamientos.

Lo que no se puede imaginar es cuán profundas son esas heridas. Por ejemplo, hace un par de semanas veía un documental sobre la Irak post Hussein y cómo se ha convertido en tierra de nadie, los americanos y los organismos internacionales eliminaron cualquier forma de gobierno para instalarse a sus anchas, y anularon de manera bochornosa cualquier posibilidad de reorganizar ese despelote.

Se sabe que en Irak tanto americanos como locales están cagados. El mes pasado un veterano (si se le puede llamar veterano a un joven de 24 años) de Irak asesinaba a un guardia en USA, luego de pasar el último año sumido en pesadillas, depresión y ataques de violencia sin explicación. Más tarde, el atormentado joven moriría en medio del bosque, de frío, al huir con el torso desnudo.

Por eso es que cuando sabés que existe una película que se llama A Serbian Film, y leés de boca de su director que la idea básica de su propuesta es retratar lo que quedó escondido en el patio trasero de Serbia y echándole barro, de paso, a la industria cinematográfica, sólo podés esperar que sea tan buena como dicho discurso plantea.

Mientras la bajaba (soy mi propio dealer de películas) leía comentarios de otros usuarios que decían que ni bien la vieron la borraron del disco duro porque se sentían raros guardándola. Que era desagradable y extrema. Que aconsejaban NO verla, porque mejor no tener ciertas imágenes en la cabeza. Algunos decían que era la peor basura que habían visto en sus vidas.

Averiguando sobre las repercusiones festivaleras, en su paso por el Sitges de España, en el mismo país en que un dictador murió tranquilo en su cama luego de 40 años al poder apalancando la censura, gente ligada a un gobierno socialista y supuestamente "open mind" demandaba al director de dicho festival, Angel Sala, por exhibir pornografía infantil al permitir que A Serbian film se proyecte.

Dicha demanda surgió por presiones de nada más y nada menos que organizaciones católicas escandalizadas con la idea de que la gente vea eso. Para variar, estas censuras las hacen sin ver la película, y lo paradójico es que la huevada viene de grupos cuya Iglesia socapa centenares de miles de casos de pederastia.

Es que en el mundo, mis queridos, la hipocresía se campea obscenamente desnuda por las calles.

A Serbian Film fue selección oficial de varios festivales importantes del circuito cinematográfico y recibió uno que otro premio.

Como muchas veces dije, eso no es garantía de nada. En este caso, este es un filme que por ahí quienes lo hicieron tenían una idea mil veces más interesante de lo que se ha logrado en pantalla.

En la idea, es lo que menciono antes. En la práctica queda como un filme grotesco, cuyas virtudes artísticas son bastante pobres, y donde el discurso/mensaje, que es paradójicamente moralista, llega envuelto por un acabado mediocre, chapucero, sin profundidad, efectista y manipulador.

Milos es un legendario actor porno que vive retirado de la industria. Está casado con una linda mujer y tiene un lindo hijo de 6 años. Hasta ahí el retrato familiar. Sorpresivamente, intentan reclutarlo para un nuevo proyecto cinematográfico, algo así como la "ultimate porn movie", supuestamente con airecitos experimentales y pretensiones artísticas de vanguardia.

Un enigmático director le hace una oferta tentadora, hay mucha plata de por medio y Milos (que también extraña el trabajo) decide que puede asegurar el futuro de su familia con ese dinero. El problemita? Que no tendrá acceso al guión, ni siquiera a una sinopsis del proyecto. El objetivo es que el tipo simplemente llegue al set y que se "deje llevar" por las situaciones.

Durante la primera hora, A Serbian Film es simple provocación. El set de filmación es un viejo orfanato, suceden las primeras imágenes que insinúan pedofilia, sadomasoquismo y necrofilia. En algunos momentos, hay un aire teatral en la puesta, que sí se puede rescatar.

Después de ese largo preámbulo, la película pisa acelerador y se desbanda como si director y guionistas hayan dicho en su mente: "Vamos a joder a todos los que miren esta pinche película". Las acciones empiezan a ser exageradas y se pone en evidencia las ganas de despertar morbo y polémica, apartándose completamente de un discurso coherente que justifique esa agresión al espectador.

Llegamos a los 30 minutos finales en los que YA sabes lo que sucederá, se lo huele en el aire, te han preparado para que ESO suceda, y SUCEDE. Se despachan tres escenas que fácilmente pueden inscribirse como las más desagradables/incómodas que se pueden ver. No desagradables por sorpresivas o raras, sino por la acción en sí misma y por lo que significan.

Películas sobre incesto, violación, pedofilia, he visto un montón, una de las mejores: "El arte de llorar en coro", que ya desde su título te indica que el tratamiento será de otro nivel. En A Serbian Film, sólo hay espacio para la sordidez.

El cierre confirma la impresión inicial, se trata de una película hecha para el morbo, con un discurso errático y superficial.

En una parte, el director de la película que contrata a Milos, le dice que están haciendo lo que están haciendo porque "las víctimas venden". "La víctima es la venta más preciada del mundo. La víctima siente más y sufre mejor. Nosotros somos víctimas, Milos. Tú, yo, el país entero es una víctima". Esto en boca de un Serbio puede tener un gran peso, puede justificar lo visto, pero no alcanza dada las precarias herramientas tanto de dirección como de guión con que se lo envuelve.

Si hago una evaluación global, ni siquiera alcanza para darse los golpes de pecho que se han dado alrededor del mundo. Sí tiene escenas jodidas, y perturbadoras, pero me parece que al carecer de un contenido real y ser simple efectismo, hay que tomarlo como tal. De hecho, yo me vi esa misma noche la película We need to talk about Kevin (de la que hablaré en breve) que me jodió más.

El director de A serbian film, en algunas entrevistas ha dicho que su apuesta abiertamente gráfica en torno a lo sórdido de su historia apunta a desenmascarar la hipocresía de la industria cinematográfica. Él como serbio, cuenta, sólo conseguirá fondos si presenta un guión basado en una historia real, en la que existan víctimas de violencia que salen convertidas en heroínas, contándolo de manera lacrimógena y políticamente correcta que busque la simpatía del espectador.

En eso, afirma, se ha convertido el cine, y por eso su película busca el efecto contrario.

El desparramo indiscriminado de violencia en su propuesta convierte su trabajo en algo más de lo que critica. La banalidad por la banalidad. Lo grotesco por lo grotesco. Sï, señores, vivimos en un mundo donde pasan cosas malas, si querés retratar la inmundicia que nos rodea, que valga la pena pringarte si lo hacés con talento.

De lo contrario, veremos cosas como A Serbian film, un producto (sólo producto) hecho para hinchar los ovarios/huevos de los conservadores, adoptar poses de irreverencias y vender mierda.

LO MEJOR: con todos sus defectos se presta al debate

LO PEOR: al pedo

LO MAS FALSETE: casi todo te huele a pataleta amateur

LA ESCENA: el final, cuando los tres protagonistas SPOILER no pueden soportar el horror de lo vivido SPOILER

EL MENSAJE MANIFIESTO: la polémica vende

EL MENSAJE LATENTE: la polémica no es sinónimo de irreverencia y/o talento

EL CONSEJO: vela si querés y sabés que la podés soportar

LA PREGUNTA: ¿qué viene después para este realizador?

CURIOSIDADES

- Se filmó en 61 días en Belgrado, Serbia

- Censurada en Noriega. Una de las pocas películas que ha sido censurada en ese país en los últimos años.

- Srdan Spasojevic (director) co-escribió el guión junto a Aleksandar Radivojevic conocido como un crítico de cine de terror.

- La película se filmó en RED ONE y se le hizo un transfer a 35mm. El laboratorio Arri en Munich terminó el transfer, pero a través de abogados y policías alemanes informaron que no iban a entregar las impresiones porque violaban leyes del país. Llevaron la película a Hungría, en donde el Magyar Filmlab de Budapest estaba dispuesto a hacer el transfer. Para no correr riesgos, los cineastas mostraron la película a la gerencia del laboratorio, que dijeron no tener ninguna objeción. Cuando fue hora de recoger el filme, les informaron que tampoco se las iban a dar porque el material rompía leyes civiles y de familia húngaras.

2012-02-06T19:07:00.003-04:00

"QUEREMOS TANTO A FINCHER"

Por: Mónica Heinrich V.

Podríamos coincidir en que David Fincher es en líneas generales un gran director, podríamos decir que si echamos un vistazo a su filmografía encontraremos de todo, pero nada que nos haga elaborar cartas bombas a su persona, a excepción quizás de su debut ALIEN 3 que según él mismo casi le quita las ganas de dirigir para siempre.

De esto, se puede concluir que La chica del dragón tatuado no será una mala película, pase lo que pase, pensemos lo que pensemos. “No puede ser mala, no puede ser mala, no puede ser mala.” (insertar mi imagen en una mecedora, abrazando una muñeca)

Ahora, podríamos decir que soy seguidora de Fincher y que me han gustado casi todos sus trabajos, podríamos decir que leí la saga Millenium y que vi la versión cinematográfica sueca, diremos, también, que fui la más emocionada al saber que Finchersito estaría involucrado en esta nueva apuesta.

Se puede concluir, también, que tendríamos cartón lleno. Felicidad y satisfacción, con orgasmo y fumada de pucho al final.

(Espacio reflexivo, donde se mezclan recuerdos de cines que ya no están y directores que ya murieron)

Y no. No. No. No. No. No.

Esto va a ser largo y similar a un perro que persigue su propia cola, así que lo voy a hacer fácil para el lector promedio. Empezaremos hablando sobre la sinopsis, y ya al final entraremos en ese laberinto que es mi mente pajera.

En Suecia, un reconocido periodista (Mikael Blomkvist/Daniel Craig) queda con su reputación por los suelos al escribir un reportaje sobre un empresario corrupto que luego, juicio de por medio, lo deja como un crispín sin backup y credibilidad.

Sin un peso en el bolsillo, es contratado por un patriarca millonario (Henrik Vanger/Christopher Plummer) que le presenta un misterio. Su sobrina fue asesinada, y cada año desde algún lugar del mundo le llegan flores disecadas (regalo que acostumbraba darle Harriet) atormentándolo. Quiere saber qué pasó y para eso contrata a Blomkvist. Antes de darle el trabajo, lo investiga, y dicha investigación cae en manos de Lisbeth Salander. Lisbeth es una tipa peculiar, con su propia ética, habilidades de hacker y otros. Por x o z, los caminos de ambos se cruzan y empiezan a investigar un turbio pasado.

Esto es lo que conocemos desde que Stieg Larsson plasmó la trama en su celebrada trilogía Millenium. Ni más, ni menos.

Ya se había realizado una versión sueca y claro, los gringos quisieron sacar algo de rédito del talento ajeno y encargaron una versión americana.

La chica de dragón tatuado, tiene el sello Fincher en su estética y sobriedad, vistas en otros trabajos de temática cercana como Seven o Zodiac.

Teóricamente, tiene todas las papeletas para ser un peliculón: el guión lo escribe Steven Zaillian, que es conocido por ser el guionista de La Lista de Schindler, Despertares, Gangs of New York, Hannibal y otras más. La dirección de foto corrió a cargo de Jeff Cronenweth, que ya trabajó con Fincher en El Club de la Pelea y en Red Social. En la música participa Trent Reznor y Atticus Ross. No suena tan mal. Así que escapa a mi comprensión cómo ha salido tan insulsa.

Las comparaciones entre la Lisbeth Salander de Noomi Rapace y la de Rooney Mara pueden llenar foros, para mi gusto la sueca lo hizo muy bien aunque el personaje en la versión literaria mostraba cierta fragilidad que Rapace no le puso. Mara se acerca más a esa visión, de una Lisbeth algo infantil, que algunos piensan sufre leve retraso mental, una fragilidad por la que otros se atreven a abusarla. Así te la pintan en el libro, como alguien a quien le ponen menos edad porque parece adolescente, arisca como una urina asustada, y todas las genialidades que ya se le conocen. Sobre Rooney Mara no tengo ningún pero, sí lo tengo sobre Daniel Craig que me parece un actor insípido donde los haya, sin presencia, con menos profundidad que una tapa de Coca Cola.

El resto del casting americano, me parece en algunos casos muy bueno, en otros aceptable.

El tono que Fincher elige es un tono más condescendiente con la platea, trató de hacer más entendible la trama y hace un poco más de esfuerzo que la apuesta sueca en ser comercial. Al ser una versión bastante fiel a la literaria, las flaquezas del libro son igualmente retratadas en la película. Para un espectador común y corriente, hay cosas muy estúpidas, pero lo dicho, son igual de estúpidas en el papel. O sea que la culpa no es de Fincher, sino de Larsson.

Aún así, Fincher se toma algunas licencias como con el final cuando encuentran a quien sabemos, que en el libro es en otros parajes y a caballo; o cómo se descubre el significado de las iniciales, pero que no tiene una importancia real sobre la trama. En general, el enfoque de Fincher pasa muy por encima asuntos de contexto que eran más ricos en la novela y que le daban el peso a una historia que como ya dije, puede ser muy estúpida.

Mi sensación final es que La chica del dragón tatuado es una película correcta, cumplidora, decente, bien actuada, sin sorpresas, ni sobresaltos. Es una película de Fincher, pero que definitivamente se inscribe entre los trabajos “menores” de este cineasta.

Para mí, como espectadora, el problema de ambas versiones tanto la sueca como la americana, es lo aburrida que llega a ser la historia por momentos. Estamos hablando de una trama que en el libro te mantenía pegada a sus hojas adictivamente, y que en la pantalla gigante tiene partes bastante soporíferas.

Aún así lo más triste de la versión americana es Fincher. Es como si Pollock estuviera pintando un cuadro (salvando las distancias) y en lugar de entregarte su obra de arte, te entregue unos garabatos baratos. Apreciación personal y subjetiva, pero eso es lo que pienso.

Otro detalle, me parece que el timing para lanzar esta película no fue el adecuado. Estamos hablando de una saga que ha causado furor, que tiene una base de fans nada desdeñable y que se vio la versión sueca con igual entusiasmo. Lanzar una versión americana, cuando la sueca todavía no despega del inconciente colectivo, no es muy inteligente. Eso, obviamente, tomando en cuenta sólo a los que son fans.

Con respecto a los que no son fans o no tienen ni puta idea de la trama, lanzan la huevada a finales de año y la ponen a competir con Mission Imposible 4, Sherlock Holmes 2, entre otras. Resultado? La película queda en cuarto lugar, detrás incluso de Alvin y las ardillas. Para un presupuesto estimado de 90 millones de dólares, recauda en su primera semana apenas 13.

Beso mortal de la taquilla.

Si esta fuera otra película, las dos secuelas quedarían anuladas ante el bochorno. El estudio tuvo que “tranquilizar” a los que sí la vieron y gustaron de ella, y asegurar que las otras dos secuelas siguen en pie con actores confirmados, aunque Fincher está aún indeciso. Eso habla también del apego del director al proyecto. Cuando amás algo, no estás indeciso, se hace…así como Peter Jackson vivió quichicientos meses filmando El Señor de los Anillos.

Si se conoce la filmografía de Fincher, lo que se espera de esta versión es algo un poco más jugado, donde veás la pasión, las ganas de hacer algo diferente. Donde sintás que el director dijo: “Hay otro cojudo en Suecia que filmó la misma historia, MI versión se la va a revolcar”.

Sus créditos iniciales son muchísimos más propositivos que el resto del metraje que está narrado de manera súper mega clásica, en la que no existe ningún aporte real a esta saga. Eso le gritaba a uno de los compañeros de butaca que me decía que la había disfrutado (A VOS TE HABLO JC): “CUAL ES SU APORTE A LA SAGA, CUAL?” Si no viéramos los créditos sería muy difícil adivinar quién filmó esto.

No se trata de un filme netamente comercial, ni tampoco es un filme que aspira a ser de autor. Es un híbrido, que como ya dije no le aporta nada a lo ya leído y a lo ya visto en la versión sueca. Ese es su mayor pecado.

Para los tiempos que corren, para las películas que podés ver, toparte con una obra de Fincher que se puede catalogar como “discreta” y que no entra en tu top 5 de sus mejores películas, sólo será triste.

LO MEJOR: estética Fincher, bien filmada

LO PEOR: cero sorpresas, cero propuesta, cero

LO MAS FALSETE: la escena donde Salander le pide a Mikael que le ponga la mano en su espalda. O cuando Salander que tiene memoria eidética (fotográfica) y no necesita leer dos veces lo mismo para recordarlo, se pone a comparar las notas sobre las iniciales con un mapa.

LA ESCENA: la del robo de la mochila en el subte, la venganza,

EL MENSAJE MANIFIESTO: las repeticiones aburren

EL MENSAJE LATENTE: las repeticiones aburren

EL CONSEJO: las repeticiones aburren

LA PREGUNTA: ¿la segunda será tan repetidamente aburrida?

CURIOSIDADES

Kristen Stewart, Ellen Page, Mia Wasikowska, Natalie Portman, Keira Knighley, Eva Green, Emma Watson, fueron algunos de los nombres considerados para el papel. Algunas rechazaron el papel, otras audicionaron y no lo consiguieron.

Jhonny Deep, Vigo Mortensen, Brad Pitt y George Clooney fueron considerados para interpretar a Mikael Blomkvist. Yo me quedaba con Vigo. Vigo 100%.

Daniel Craig rechazó el papel inicialmente porque tenía que filmar la nueva James Bond, lamentablemente se cambiaron las fechas de filmación de Fincher y cosito pudo filmar.

Fue filmada en Suecia durante el invierno más duro que ha tenido el país en los últimos 20 años.

Rooney Mara se hizo los piercings con los que aparece, no son simulados.

En una parte del filme, Lisbeth Salander le compra un libro de Bobby Fischer a su tutor, antes de descubrir que ha sufrido una embolia. Esto en realidad es un chiste interno, ya que el guionista escribió el guión de la peli Searching for Bobby Fischer.

La secuencia inicial de la película es según David Fincher un vistazo al subconsciente, a la pesadilla de Lisbeth.

El actor Yorick Van Vageningen que interpreta al violador de Lisbeth, quedó muy afectado luego de la escena, tanto que pasó todo el día siguiente encerrado en su habitación.

Y aquí algo que me preguntaba: Por qué eligieron la pinche canción de Enya para la escena de Daniel Craig capturado y a punto de…? Pues la culpa (cuando no) es de Daniel Craig, resulta que le dijeron que ponga la primera canción que pille en su Ipod, y esito salió.

Somos los únicos que vimos algo parecido a un boom en la escena donde Cristopher Plummer conversa con Daniel Craig??? voy a tener que esperar el DVD pa confirmar.

2012-01-28T18:08:00.008-04:00

“Tu pesadilla, sólo se pondrá peor”
Por: Mónica Heinrich V.

Nadie se conoce realmente a sí mismo hasta que suceden cosas malas. Una desgracia, una tragedia, una situación límite te puede poner cara a cara con tu verdadero yo. A veces, ese verdadero yo es mejor de lo que pensás, otras es un monstruo que se camufló durante toda la vida.

La coreana I saw the devil nos sume en la oscuridad que supone cruzar el borde, la orilla desde la que mirabas ese abismo.

Kim Soo-Hyeon es un agente de seguridad, felizmente casado y a punto de ser padre. Una fría noche de invierno, su esposa lo llama por celular para avisarle que se le pinchó una llanta en el camino y que está esperando que llegue la grúa.

Kyng-Chul es un asesino serial que ante el mundo se hace pasar por un simple conductor de bus escolar. Ha violado y asesinado salvajemente a muchas mujeres, siendo imposible para la policía encontrarlo y ponerle fin a su estela de terror. Una fría noche de invierno se topa en la carretera con un auto cuya llanta se ha pinchado. Adentro se encuentra una joven mujer, recién casada y en sus primeros meses de embarazo.

La tragedia está servida. Como dice el trailer: “En una sola noche... todo lo que amó, le fue arrebatado”

Kim Soo-Hyeon queda devastado, destruido, al igual que la familia de su esposa. El cuerpo ha sido recuperado en pedacitos, y la saña con la que la asesinaron salta a la vista.

Su suegro es el jefe de la policía coreana, y con su beneplácito iniciará una cacería cuyo fin es la venganza, sí, pero una venganza que necesita descender hacia lo más profundo del horror.

El director Jee-Woon Kim, conocido por filmes como Un cuento de dos hermanas y por Una vida agridulce, nos presenta esta historia llena de violencia con una extraña y tétrica elegancia. Imágenes espectaculares, peleas coreográficas, estética oscura, un hermoso diseño de arte y una banda sonora para el recuerdo.

Jee-Woon Kim se la juega desde la escena uno, se la juega en escenas terribles como la del taxi, se la juega en cada ocasión que el gato y el ratón se encuentran, y eso es lo que más me gusta de una película, sentir la pasión de quien la dirigió, independientemente de baches, o excesos, esa pasión compensa cualquier falla.

El guionista Hoon-jung Park que debuta con este título no escatima nada, y plantea un argumento con el que cualquiera se podría sentir identificado. La identificación no quita que también te asqueés o pensés que el protagonista se fue al chancho y una parte tuya desee tener su número de celular para llamarlo y decirle: “PARÁ!”.

El director de fotografía es un jodido artista, Lee Mogae ya ha trabajado con otros grandes del cine asiático y con este mismo director tiene dos películas previas. Excelente fotografía, da gusto verla y estudiar cada plano.

Las reminiscencias con Old Boy son evidentes, incluso desde el casting en el que encontramos al gran GRAN actor Min Sik Choi que interpreta al serial killer y que en la recordada película de Park Chan Wook era el que buscaba venganza por su encierro. En I Saw the Devil, casi no lo reconocés, un personaje sin moral, histriónico, desagradable, grotesco, un animal sin sentimientos. Quizás sus orígenes en el teatro hacen que su presencia actoral crezca tanto en pantalla. Una magistral interpretación.

Otra película con la que la comparan es Seven, y puede ser…sólo puede ser que algo en su estética te una este filme coreano a la película de David Fincher.

Mientras avanza y la trama se profundiza/desarrolla, va escapando de las comparaciones, Seven y OldBoy quedan como un punto lejano de referencia y te quedás al filo del asiento incapaz de apartar tus ojos de lo que sucede.

Es muy angustiante, sobre todo cuando se va acercando al final. Intuís lo que va a pasar, pero no querés que pase. Hay personas que la encuentran imposible de mirar porque sí tiene elementos un poco gore, o excesivamente gráficos. Dada la versión que hace el director de esta trama, esos elementos son necesarios.

I saw the devil no te intenta vender otra cosa que lo que el título promete (Vi al diablo), y es eso lo que finalmente tenés. Lo desgarrador es el mensaje final, cuando queda claro que en esta cochina vida las desgracias suceden en un segundo, y la mayor parte de las veces no hay manera de recuperar o de compensar lo que perdiste.

En esa escena final donde nuestro protagonista y los créditos se funden, sabés que es verdad…viste al diablo, y él esbozo una sonrisa.

LO MEJOR: excelente fotografía, gran dirección, excelentes actuaciones.

LO PEOR: brutal. El argumento puede desinflarse por momentos.

LO MAS FALSETE: …

LA ESCENA: la del taxi, la del invernadero, el final

EL MENSAJE MANIFIESTO: la venganza mata el alma y la envenena

EL MENSAJE LATENTE: lo perdido no se recupera

EL CONSEJO: No apta para públicos muy sensibles

LA PREGUNTA: ¿El debut hollywoodense de este director será tan lamentable como parece?

CURIOSIDADES

Se estrenó en agosto del 2010

Tanto la película como el trailer fueron censurados por su excesiva violencia.

Dura 141 minutos que no se sienten pasar.

Ha ganado varios premios en distintos festivales .

El director está preparando su debut en USA, con el filme The last stand, que se encuentra en postproducción y que se estrenará en el 2013. Desgraciadamente (MUY DESGRACIADAMENTE), los actores de este debut no prometen mucho: Génesis Rodríguez (la hija del Puma!!), Arnold Schwarzenegger, Jhonny Knoxville (¡!!!!!!) y otritos más. Maldito Hollywood.

Es la primera película que protagoniza Min Sik Choi luego de que se autoexiliara de Corea en protesta por la reducción de cuotas de pantalla de películas nacionales en los cines.

2012-01-26T13:16:00.004-04:00

"WALK OFF THE EARTH..."

Hace unos días, unos amigos me mostraron este video:

Se trata de la banda canadiense Walk off the earth. Estos chicos suben sus videos a youtube y hacen covers. Hasta aquí nada interesante, no? Pues resulta que hicieron el cover de Somebody That I used to know, tema que pertenece al cantante australiano Gotye.

Lo que hace su cover hermoso, mirable e inolvidable es el hecho que los 5 integrantes de la banda tocan UNA guitarra y hacen diferentes sonidos con ella. Según ellos mismos, la idea surgió porque no tenían más guitarras, todos querían participar y tocó apañárselas así.

El mismísimo Gotye al ver el video twiteó:

gotye

@gotye

I know who to ask for help with acoustic versions of Somebody: Walk Off The Earth bit.ly/wIOleaHilarious and brilliant

El clinudo del medio se llama Gianni, y también hizo su divertida versión de Yesterday, mítico tema de Los Beatles, donde demuestra su talento y versatilidad al tocar todos los instrumentos y hacer todas las voces, gracias a las maravillas y trucos de la edición.

La banda se ha convertido en hit viral, e incluso celebridades como Russel Crowe, Alyssa Milana y otros, ya los detectaron, linkearon y recomendaron.

A disfrutar!

2012-01-19T14:47:00.002-04:00

"Dos porciones de mierda”

Por: Mónica Heinrich V.

Hace ya varios años, alquilé una película llamada Pretty Ugly People que venía avalada por algunos premios festivaleros (laureles en la carátula del DVD). Uno es bruto e ingenuo y supone que esos pinches laureles son garantía de algo. La experiencia me ha enseñado que a veces esa garantía es cheque sin fondo.

En el caso de Pretty Ugly People fue estafa total. El argumento nos contaba la historia de Lucy cuya vida había sido muy desgraciada porque fue gorda, repito: GORDA y que reúne a sus amigos incondicionales a los que no ve hace mucho dizque para darles una noticia. Todos asumen que la fulana se está muriendo o algo así, y cuando llegan al lugar resulta que la GRAN noticia es que enflaqueció y que OH! bendita sea la vida, se ve espectacular, atractiva, HOT y ahora su existencia puede ser “más mejor” y feliz. Todo esto para que luego de juntar a sus amiguetes y situaciones MUY aburridas de por medio, se de cuenta que la belleza está en el interior (d-i-v-i-n-o). Los laureles seguro fueron por el mensajito a la conciencia políticamente correcto.

Me pregunté quién sería el ñoño que había filmado algo así, y ese algodón de azúcar no es otro que Tate Tylor, que nos demuestra y estruja en la cara que podés tener una ópera prima bastante asquerosa y aún así hacer un segundo largo decente.

Mis esperanzas en el cine nacional renacen como flores en primavera.

(espacio para cachetazo mental)

Este mismito Tate Tylor es el que ahora anda todo nominado globeado y seguramente oscarizado por el filme The Help, traducido al español de manera muy fea como Historias cruzadas. En correcto boliviano esto debería llamarse “La empleada”.

Pues nos vamos a Missisipi en los años 60s. Una vivaracha joven de familia acomodada, Skeeter (la siempre simpática Emma Stone), quiere ser periodista. Criada por una mujer de color, bajo normas estúpidas de segregación racial, decide escribir un libro sobre las sirvientas negras, sus experiencias, sus condiciones de trabajo, el tipo de familia a las que sirven, y en sus propias palabras “el lado de la historia que no se ha contado”.

Rodeada por un grupito de estiradas amigas, que ya cumplieron su rol social al casarse, ser amas de casa y organizar eventos de caridad mientras maltratan a su servidumbre, Skeeter la tendrá difícil. Las empleadas no quieren hablar por temor a las represalias, pero eventos en cadena harán que quieran contar sus vivencias.

Quizás el mayor acierto de la película está en su casting. Empezando por la carismática Emma Stone como Skeeter, pasando por una genial Viola Davis (se acuerdan de ella en La Duda??) y una entrañable Olivia Spencer (Minny) que se roba la película. A ellas, agreguémosle Jessica Chastain (El árbol de la vida), Bryce Dallas Howard (La Aldea, La chica en el agua) y hasta Sissi Spacek.

Narrada de una manera muy condescendiente y políticamente correcta, la película muestra con humor los abusos y la segregación racial de la época. Cumple a pleno su objetivo de ser accesible para todos los públicos y escarbar (sin incomodar) en ese oscuro pasaje de la historia americana.

El guión lo escribe el mismo Tate Tylor quien se basa en el libro homónimo escrito por su amiga de infancia Kathryn Stockett. Tylor construye un filme liviano, que a pesar de tener toda la pinta de ser un producto hollywoodense hecho para el consumo de un público que no quiere sentirse “demasiado culpable”, conmueve por momentos y al finalizar su visionado, salís sintiéndote bien, pensando que existe gente buena, decente y que lo malo pasa.

Sí.

Por otro lado, no es una película perfecta, ni mucho menos. Quizás su blanda mirada se comprenda, pero los gratuitos y poco creíbles cambios de actitud de algunos personajes sólo acrecientan la sensación de estar ante un filme “bonito” en su envoltura con pocas aspiraciones reales de cuestionar su contexto.

Así como algunos pasajes hechos para que digás “qué mezquinos y cojudos eran en esa época”, sin siquiera detenerte a reflexionar sobre todas las historias de empleadas que se viven en nuestra linda, tolerante y plurinacional Bolivia.

No obstante, el filme se deja ver, pero lo dicho, una mirada más cínica podría identificar a las luces a este producto que lava conciencias pero no agita del todo un pasado en el que seguramente habían anécdotas mucho más humillantes que la del baño hecho especialmente para los criados negros.

“The Help” es a pesar de sus flaquezas, entretenida y excelentemente actuada. Cuenta con una gran fotografía y una linda banda sonora. Te engancha y por momentos, su ñoñez hiperglucémica llega a conmover. Razones suficientes para verla y constatar que el Jackson, Missisipi de los 60s no es un cuento para nada lejano a la Bolivia del 2012.

LO MEJOR: bonita, bien filmada

LO PEOR: lava conciencias pero no las agita

LO MAS FALSETE: lo de Constantine.

LA ESCENA: la del pastel

EL MENSAJE MANIFIESTO: hay historias que merecen ser contadas

EL MENSAJE LATENTE: hay historias que merecen ser contadas, que siguen sin contarse

EL CONSEJO: Mirá la viga en tu ojo después de verla.

LA PREGUNTA: ¿las cosas realmente han cambiado?

CURIOSIDADES

- El director y guionista Tate Taylor y Kathryn Stockett, la autora de la novela sobre la cual se basa la película, fueron amigos desde la infancia y crecieron juntos en Jackson, Mississippi, en la década del 70.

- El director Tate Taylor, también es actor y trabajó en Winter´s Bone, que fue nominada a cuatro premios de la Academia en el 2011, así como en varias series de TV como Six Feet Under y Charmed.

- Los realizadores eligieron al icónico compositor Thomas Newman como el responsable de la música de The Help. Con diez nominaciones a los premios Oscar® y dos premios Grammy en su haber, Newman es uno de los compositores más respetados en la actualidad en la industria del cine.

- Costó 25.000.000 $us. y ya lleva recaudado más de 200.000.000 en todo el mundo.

- El estante de libros de Skeeter contiene libros como El hombre invisible, Matar a un ruiseñor y Lo que el viento se llevó, que en la versión literaria (novela) eran incluso discutidos en varios pasajes.

2012-01-19T14:40:00.002-04:00

“IRON HOLMES”

Por: Mónica Heinrich V.

Como ávida lectora de nuestro amigo Arthur Conan Doyle, como seguidora y admiradora de su personaje Sherlock Holmes, como ser humano común y corriente deseo que el universo conspire para que Guy Ritchie cese de asesinar una y otra vez a Sherlock. PARA RITCHIE, PARA!!! (se acepta cualquier método que nos provea dicho deseo)

Digamos que en Sherlock Holmes 1 se lo pasé. Abracé la resignación, me dejé llevar por Robert Downey Jr., y me entretuve a lo bruto. Puteé en la oscuridad un montón de veces diciendo: “Ese no es Sherlock. Ese no es Sherlock” y bla bla bla, para luego asumir que a la gente no le importa si es Sherlock o Pedro García, sino que haya acción, entretenimiento, y nada más.

Ya. Ni modo. Esa nada se aceptaba. Esa nada se comprendía. Esa nada se toleraba…hasta que llegó Sherlock Holmes: A Game of shadows, donde la nada ya no es nada, sino estupidez y aburrimiento.

Para empezar, si algo caracterizaba al Sherlock Holmes literario era que se trataba de un tipo muy inteligente, brillante, en situaciones que requerían dicha inteligencia. Lo que tenemos en A Game of shadows, es todo lo contrario.

Pareciera que Ritchie pensó que tenía que sacarle el jugo a la relación entre Holmes y Watson, lo que hace que casi todo el filme sea una referencia constante a lo muuuuucho que se adoran y se complementan. Esto ya es irritante de entrada, pero le suman una historia sin pies ni cabeza donde las supuestas dotes deductivas de nuestro Sherlock, son reemplazadas por una bellaquería sin fin, y efectos especiales ene veces vistos en la filmografía del ex marido de Madonna.

La inexperiencia de los guionistas Michelle Mulroney, con tres desconocidos títulos en su currículum y Kieran Mulroney, escritor de capítulos aislados de series de TV como ER, Nash Bridges, etc..quizás tengan algo que ver con que esto no funcione.

Holmes se enfrenta a su archienemigo el Dr. Moriarty, interpretado dignamente por Jared Harris. En una pulseta de supuesta lucha intelectual, ambos personajes serán los protagonistas de este despelote.

El Dr. Moriarty tiene intereses diversos que van desde el contrabando de armas hasta semifilosóficas posturas sobre la guerra y el caos que se puede desatar moviendo unas cuantas fichas. Otro desperdicio, reducir a un personaje tan brillante en la literatura a un paupérrimo aspirante a terrorista.

Caprichosamente, una gitana (Noomi Rapace =Chica Millenium) forma parte de la trama. El ornamento femenino, típica fórmula hollywoodense, esta vez pasa sin pena ni gloria, Rapace hace lo que puede, el papel es lo que no ayuda para nada.

Sin absolutamente ninguna lógica, A game of shadows abusa de su metraje y nos tiene pegados a la butaca viendo un montón de slow motions y coreográficas escenas de acción que sólo entretienen a un nivel muy primario dejándote la inquietud de: “cuándo acabará esta huevada” mientras mirás tu reloj con desespero.

Sí hay gente que la pasa chancho, que sale diciendo “QUE PELICULANGA!”, a los que envidio sanamente por su capacidad de aceptar y disfrutar una película tan irregular y, por momentos, irritante.

Aún así hay espacio para destacar algunas cosas o momentos, que sacan a Ritchie de mi TOP 5 de elementos a eliminar en caso de que me sobrevenga un brote psicótico: una espectacular ambientación, un trabajo de arte muy logrado; un vestuario inobjetable; una música correcta (sin superar a la primera entrega); actuaciones aceptables, a pesar de que Robert Downey repita su Iron Man en estilo victoriano; unas cuantas escenas que no importa lo pelotudas que sean te hacen decir “qué bonito”, como la del bosque que es “bonita” pero eterna y pegada con moco.

Y a esto sumémosle sus hmmm 20 minutos finales, donde podemos ver a un Robert Downey Jr. mucho más cercano a lo que en realidad es NUESTRO Sherlock Holmes. Hablo de todo lo que acontece en el juego de ajedrez mental. Esa secuencia recupera el verdadero aire a lo escrito por Conan Doyle.

Desgraciadamente, es eso: una leve brisa matinal.

Terminado el visionado, llegás a tu casa con el ansia de releer El problema final, sólo por reencontrarte con ese que ha sido tan vilmente mancillado.

Cuando el cine falla, siempre quedará la literatura.

LO MEJOR: arte y vestuario

LO PEOR: larga, aburrida y nada que ver con Holmes.

LO MAS FALSETE: casi todo

LA ESCENA: la del bosque, pero a nivel estético nada más

EL MENSAJE MANIFIESTO: podés engañar al respetable diciendo Sherlock Holmes y mostrando cualquier cosa.

EL MENSAJE LATENTE: Siempre habrá quienes se den cuenta del engaño

EL CONSEJO: Vela sin pensar en Conan Doyle.

LA PREGUNTA: ¿habrá manera de hacer que la tercera parte la filme otro crispín?

CURIOSIDADES

- Brad Pitt, Gary Oldman, Sean Penn fueron considerados para el papel de Moriarty.

- Robert Downy (Holmes) y Jared Harris (Moriarty) ya trabajaron juntos en el filme Natural Born Killer.

- Audrey Tatou, Virgini Ledoyen, Penélope Cruz, Juliette Binoche, Marion Cotillard eran las posibles actrices para interpretar a la gitana.

- Esta secuela tenía que hacerse rápidamente por lo que Guy Ritchie tuvo que abandonar el filme Lobo y Robert Downey no participó en Cowboys Vs Aliens.

- La película nutre su argumento de “El problema final”, “Valle de miedo”, “El detective moribundo”, y otros tres relatos de Arthur Conan Doyle.

- En “El problema final” es cuando Doyle mata a Sherlock Holmes y la horda de atribulados y emputados fans, hace que lo reviva.

2012-01-19T14:34:00.002-04:00

SHERLOCK WHAT?

Por: Mónica Heinrich

Una de las películas que más esperaba era la que le daría vida al agudo Sherlock Holmes. La elección de Guy Ritchie como director no me desanimó, ya que imaginé que el muchacho podría con la tarea.

Aprovechando su presencia en cartelera y el haber sido premiada con un Globo de Oro a Mejor actor, hago una reseña del filme y para contextualizar una reseña de los relatos en los que se basa esta historia. Empezamos con lo hecho por Guy Ritchie.

En mi temprana adolescencia (hubo un tiempo que fui hermosa y fui libre de verdad) fui una voraz lectora de Arthur Conan Doyle así que verme en la sala de cine, en la premier de la primera película de Sherlock (porque he visto otras) en que se había usado un gran presupuesto y que estaba dirigida por un peso pesado del cine, era emocionante.

Mis acompañantes estaban igual de expectantes. Aunque a primera vista la elección de Robert Downey Jr. como Holmes parecía caprichosa ya que no coincidía para nada en la descripción física que se hace en el libro, no me importó…Robert es un gran actor, y podría dar sorpresas. Jude Law como Watson me generaba más dudas, aunque también es buen actor.

La escena que da inicio al filme, nos dice lo que todos sospechábamos desde un principio, que nuestro querido Ritchie se había decantado por una versión libre de los textos de Conan Doyle. Muere, Ritchie! Muere!

Es así que en líneas generales lo que se puede decir del filme es que cualquier parecido con la versión literaria es PURA COINCIDENCIA.

La acción comienza en una especie de ritual satánico donde Lord Blackwood estaba por sacrificar a una damisela. Holmes que llega justo para el rescate, protagoniza una escena donde los efectos onda matrix y las secuencias típicas de la cinematografía de Guy Ritchie son los grandes protagonistas.

Lord Blackwood es arrestado, y nos venden la imagen de poderes paranormales con los que Holmes tendrá que lidiar. Paralelo a eso, se presenta a Irene Adler, quien además sí aparece en los relatos de Conan Doyle y que en la versión literaria resulta ser el único personaje femenino que le despierta admiración a Holmes. Aquí, además de mostrarla como una dama ingeniosa que siempre se sale con la suya, es presentada como el interés romántico-erótico de Holmes.

Watson, contrario a lo que estamos acostumbrados, despliega humor e ingenio, acompañando a un Holmes bohemio, irreverente, enérgico y curioso. Watson está por contraer nupcias, por lo que habrá escenas que nos muestren el conflicto (celos) que esto representa para Holmes.

El entuerto o misterio está claro desde el principio, y es bastante predecible, lo único que le queda al espectador es esperar pacientemente las explicaciones científicas. Holmes tiene que descubrir qué trama Blackwood y cómo piensa lograr su planes. Irene Adler ha sido contratada por el némesis de némesis, el profesor Moriarty…y nada más.

Se deja ver…es entretenida, liviana, pero mustia para una historia y personajes tan ricos. Te deja con la sensación de poco, y con la impresión de que has visto cualquier cosa. Nada memorable, ni para pensar en ir a verla al cine una segunda ocasión.

Fotografía excelente, música muy muy linda, con cierto tufo a las cosas que hace Goran Bregovic para Kusturica. Vestuario y ambientación muy buenos, actuaciones buenas, pero lo dicho, pudo llamarse Las Aventuras de Arnaldo Chávez, que hubiera sido lo mismo…porque a Sherlock Holmes como tal, no se lo ve nunca.

Averiguada la cosa, hay infinidad de detalles en que han hecho guiños a los escritos de Conan Doyle, pero son tan chapuceros que no vale la pena ni nombrarlos, además que me parece es para que no podamos decir que la historia no tiene ABSOLUTAMENTE nada que ver con lo escrito.

El pendejo de Ritchie (comprenderán el enojo) dice que era un fanático de Holmes y que se ha leído todito todito, cosa que puede ser cierta, pero lo que ha hecho él con NUESTRO Holmes es inaudito. El tan recordado ¨Elemental, mi querido Watson¨, según Ritchie no existe y fue invento del cine, yo lo invito a releer El Jorobado, incluido en Las Memorias de Sherlock Holmes, donde la famosa frase aparece por única vez, pero aparece.

Supuestamente el temido y esperado Profesor Moriarty que en esta primera parte sólo es visto como una masa amorfa, sin rostro, en la secuela tendrá protagonismo y será encarnado por nada más y nada menos que Brad Pitt.

Esta secuela comenzará a darse forma a partir de marzo de este año, esperemos que Ritchie le ponga más empeño, porque sinceramente para los que hemos visto su filmografía, escenas y estilo se repiten en Sherlock Holmes, y no estoy en contra del estilo, pero creo que Holmes se merece algo más memorable.

¿Me atreveré a recomendarla? Es entretenida, pero muy insípida. Desangelada y con poco o nada que ver de lo escrito por Conan Doyle.

¿Esperamos la secuela? Elemental, mis queridos lectores. Quizás con la aparición de Moriarty, la cosa mejore.

2012-01-19T14:03:00.007-04:00

"Holmes"

Por: Mónica Heinrich V.

De Arthur Conan Doyle se ha dicho mucho, que si era misógino, que si era increíblemente antipático, que si tenía cualidades o inclinaciones violentas, y lo más perturbador de todo era el rumor que lo ligaba con los asesinatos de Jack, el destripador. Supuestamente Sherlock Holmes investiga en la ficción un caso de naturaleza demasiado similar a los truculentos hechos que asolaron Inglaterra en esas épocas. Se dice, además, que la desaparición de Jack coincidió con la salida de Doyle de Inglaterra.

Cositas, y cositas. También se habló del supuesto plagio que Doyle hizo del personaje a otro individuo que nunca pudo comprobar que el plagio realmente existió, pero que fue lo suficientemente fuerte como para que nosotros, años y años después, conozcamos la situación.

A diferencia de Agatha Christie, Sir Doyle creó un personaje únicamente masculino, su obra se centra en las aventuras y singularidades de Sherlock Holmes. En cambio Agatha, mucho más viva, y más respetuosa con su público femenino, introdujo en el escenario además de Poirot, a Ms. Marple.

Holmes está muy bien construído, sin que eso signifique que despierte algún tipo de atracción, porque repasemos su perfil: hombre soltero, constantemente obsesionado con la lógica y los procesos inductivos, así como cualquier cosa relacionada con el crimen o el delito. De naturaleza más bien reflexiva y distante, Holmes pocas veces demostrará una emoción más fuerte que la curiosidad o el interés que un caso le pueda causar.

Watson por su parte, será el médico amigo que…bueno aquí la verdad no sé si poner “ayude”, o “soporte”…bueno, que esté ahí, creo yo más como recurso literario para que nosotros no quedemos de mensos que como indispensable, pero que contrariamente a lo dicho en líneas anteriores, se tornó indispensable.

Prueba de ello es que en general las películas de suspenso que tienen policías o detectives, se valen de uno brillante que es el principal, y otro atontadito que es el secundario.

Doyle en la vida real fue médico y es obvio que el personaje que lo representa es Watson, para las deducciones lógicas de Holmes tuvo la ayuda de un profesor universitario, faltaba más, porque Doyle no era muy dado a esas cuestiones inductivas, en lugar de profesar la racionalización de Holmes en sus últimos años de vida se le dio por lo paranormal, dizque fantasmas y cosas de esas inexplicables, y que Holmes, el personaje, nunca abordaba por no ser cuestiones que puedan ser tangibles y explicables.

Ahora, la labor de Doyle no nació de la nada, ni mucho menos tiene la originalidad que creemos, porque si recordamos bien, Poe ya nos había regalado a Dupin en Los crímenes de la calle Morgue. Y Watson como agregado también ya habia sido precedido por personajes de Poe y Gaboriau, sin que esto quite que al ser Sherlock Holmes una saga de casi 100 relatos, sean los que han marcado época dentro del género.

El libro que voy a reseñar o resumir, es una edición donde se juntan tres de sus más conocidos compendios de relatos. Tiene 377 páginas y es muy sencillo y ameno de leer.

CONOCIENDO A HOLMITO

La primera parte es Estudio en escarlata, acá asistimos al encuentro inicial entre Watson y Holmes, Holmes anda buscando departamento y Watson, un poco malherido y pobretón, acaba de llegar Afganistán cuando se libraba una guerra contra los ingleses. Por una tercera persona logran ponerse de acuerdo para compartir hogar, todo muy bonito.

Fue amor a primera vista, Holmito pensó: “este Watson no mata ni una mosca” y Watson pensó “Holmito se las trae” a ambos los atrajo lo que les faltaba personalmente.

Holmes, que era un jovenzuelo de universidad, ya andaba husmeando por ahí, sabía sobre las huellas que dejaba cada tipo de barro, cómo detectar el tipo de ruedas de un carruaje, cómo determinar en qué lugar de la ciudad había estado una persona de acuerdo a algunos elementos, es decir, ya andaba medio zafadito, y fumador a morir.

Watson, desde el principio muestra una ingenuidad muy mal disimulada, y una devoción casi instantánea a Holmes, al parecer Watson no tiene vida, ya que vive echándole flores a lo que Holmito dice, hace, piensa o sueña.

Él, como médico, debería tener casos interesantes también, pero ni mencionarlos, a menos que esté inmiscuído Holmito. Eso es amor y lo demás son cuentos.

Entonces que Holmito y Watson viven en alegre concubinato, y antes de que el alelado de Watson se dé cuenta se halla inmerso en un caso criminal que en su vida soñó participar, aunque acá entre nos, todo eso medio retorcido lo atraía profundamente.

En este primer acercamiento, el caso que surge es largo, un hombre fue asesinado en una casa abandonada, en las paredes se escribió con sangre “Rache” (venganza en alemán), el muerto no presenta ningún signo de violencia,ni alguna causa probable de muerte, por lo que la sangre del escrito no es suya.

Acá ya surgieron algunos problemas con Holmito (problemas míos aclaro), porque Holmito utiliza como métodos inductivos o deductivos cosas a veces muy subjetivas y muy estereotipadas, ejemplos? Bueno, conocerán la teoría de los humores de Hipócrates no? aquella que hacía una tipología de la personalidad de acuerdo a los tipos de humores (líquidos del cuerpo humano) que según cuál segregaba más el cuerpo humano, una persona podría tener x temperamento (melancólico, colérico, flemático, etc..).

De ahí surgieron otras teorías, hasta que se manejó la teoría de que una x característica del rostro o contextura corporal podrían determinar si tenías o no inclinaciones criminales, cosa que ahora no tiene validez alguna.

Holmito se queda más atrás, muy cerca de Hipócrates. Es decir, en el caso de la palabra Rache, se determina que fue escrita con la sangre del asesino y que lo más probable es que el asesino haya sangrado por la nariz, por lo cual Holmes deduce que si sangró por la nariz es porque es un tipo emocional, y que si es de temperamento emocional, su cara tiene que ser rubicunda. Ergo una tontería. Que se comprende por la época.

No contento con eso Holmito deduce que si hay huellas de pisadas donde las zancadas son amplias, quiere decir que la persona es joven, porque un viejo no pueda dar zancadas grandes. Y si el joven estaba con dolor de estómago? o si tenía ganas de hacer pis? qué se yo, que pura verba si se fijan bien, pero se comprende porque obedece al contexto de su época.

En fin, que de todas formas el caso logra cerrarse dignamente y como se hace costumbre en todos los relatos de Doyle, quedamos contentos.

HOLMITO NO ESTABA MUERTO ANDABA DE PARRANDA

La segunda parte es un compendio de relatos intitulado Sherlock Holmes sigue en pie, qué tal, un prefacio edulcorado de Doyle donde habla sobre la vida propia que tomó el personaje Holmito.

Sabido es por todos que Doyle lo intentó matar cruelmente pero que las hordas descontroladas de lectores lo obligaron a resucitarlo al mejor estilo de Misery. El prefacio enmarca 6 relatos, que resumiré lo más brevemente posible.

Aclaro, también, que una vez pescás el hilo de pensamiento de Holmito ya más o menos adivinás quién es el asesino o cuál es el misterio, aunque Doyle siempre tiene un elemento sorpresa bajo la manga.

- “La aventura del cliente ilustre” .- El relato empieza con una sesión erótica en un baño turco entre Watson y Holmito (no les miento), Watson, para variar, es nuestro narrador. Un señor de esos de las grandes esferas (no por nada cliente ilustre) solicita los servicios de Holmito, un individuo de muy buena facha (cosa que es enfatizada por Doyle con términos como hermoso, precioso, bellas facciones, seductor y cosas en ese tono) quiere ligarse a una señorita de muy buena familia pero bastante bruta, el tipejo tiene fama de asesino, de vividor y de mujeriego, pero la individua a toda costa quiere casarse con él, bueno que el viejo (el ilustre) quiere que Holmito se encargue de que el matrimonio no se lleve a cabo.

Holmito hará gala de todos sus dones, aunque desde ya se le sale lo misógino cuando dice que esa es tarea por demás difícil debido a lo incoherente del comportamiento femenino. No por nada anda con Watson, y no por nada su mayor pasión fue su némesis, Moriarty.

-”La aventura del soldado de la piel decolorada”.- Acá si sos vivo y tenés un conocimiento apriori y deductivo podés imaginarte desde el título hacia dónde se dirige Holmito con esta aventura. En esta ocasión, un hombre solicita los servicios de Holmito para que le ayude a obtener información sobre un ex compañero de batalla a quien no ve hace mucho y de quien dejó de recibir correspondencia, siendo los hechos de su desaparición muy misteriosos. El narrador en este caso es Holmito, será por eso que fue un poco más cantada la solución del caso.

- “La aventura de la piedra preciosa de Mazarino”.- Uno de los relatos más flojos, dizque Holmito está encargado de encontrar una piedra que tiene valor nacional, tan tarado es el asunto que los criminales van directamente a buscar a Holmito y en una de las escenas más bobas que he leído en mucho tiempo todo se resuelve de una manera muy jocosa.

- “La aventura de los tres Gabletes”.- El relato empieza con la irrupción de un negro de dimensiones descomunales a la habitación donde estaban sentados (para variar) Holmito y Watson, podría decir una teoría acerca de la simbología del negro en el relato pero mejor me callo, bueno que Watson relata muy consternado este caso, se dicen unas cuantas cosas, algunos comentarios un poco racistas de mi amigo Holmes (aludiendo al olor del negro y cosas así), pero bueno, todo eso era porque a una vieja x le estaban queriendo comprar su casa, pero la casa con todo dentro, y resulta que ahí (obviamente hay gato, o mejor dicho GATA, encerrada). Regularín, a Holmito no se le mueve una pestaña cuando se enfrenta a la Gata, sospecho que con Moriarty habían más emociones.

- “La aventura del vampiro de Sussex” .- Este me gustó, Holmito se interesó en seguida como ocurre con el lector promedio, los vampiros siempre son atractivos, el asunto era que un viejo x (olvido los nombres) solicita los servicios de Holmito para que resuelva un caso bastante extravagante. El individuo en cuestión, se había casado con una sudamericana, y tuvo un hijo con ella, todo fue rosas y miel, hasta que hace poco supuestamente, la madre fue descubierta hincándole el diente al hijo de dos años, tal cual lo leen y aparentemente presa de locura. La resolución del caso fue bastante obvia, para un observador aplicado, pero no dejó de ser interesante.

- “La aventura de los tres Garrideb”.- En modus operandis era un poco similar al de la vieja de los Tres gabletes, un individuo x (otra vez) solicita los servicios de Holmis (otra vez) para encontrar un tercer Garrideb (por el apellido) por una cuestión bastante boluda acerca de una herencia, cosa que sin necesidad de ser Holmito nadie se podría haber tragado. Como se puede suponer detrás de ese hecho se escondía algo más intrincado.

HOLMITO Y SUS MEMORIAS

Finalmente la tercera parte se llama El archivo de Sherlock Holmes y abarca 6 relatos más un poco más complejos que los anteriores pero con algunos errores mínimos.

- “El problema del puente de Thor”.- Ah, acá se trata de las más bajas pasiones. Sí, Doyle finalmente relata algo más o menos pasional aparte de las charlas íntimas de Holmito y Watson. Un viejo x le traía ganas a su empleada, y al estar casado eso le impedía estar con la mujer, bueno, que la esposa es asesinada y la empleada acusada del asesinato, el viejo, sin que el cuerpo de la tipa se haya enfriado le pide a Holmito que averigue quién fue el verdadero asesino de su esposa para que esa divina mujer (la empleada) no pague injustamente con su vida un crimen que no cometió.

- “La aventura del hombre que reptaba” .- Este me causó algo de gracia, aunque como pueden imaginar la situación era más bien dramática. Holmito es informado y solicitado (vaya que tenía clientes) acerca del cambio de temperamento de un viejo que era profesor, que de ser un pan de Dios se convierte en el terror de la familia siendo impredecible su comportamiento e incluso visto, tal cual, lo dice el título reptando. Holmito, que pese a lo que en algunos relatos pensé, no es ningún estúpido caza al vuelo, qué acontecía por esos lares.

- “La aventura de la melena de león”.- Holmito, como nunca, estaba vacacionando sin Watson, y le llega un caso por casualidad, una persona conocida suya, cae a sus pies mientras estaban en la playa con signos de haber sido torturado, lo último que alcanza a decir el tipo es algo como “melena de león” y luego estira la pata, nunca vi a Holmito tan ineficiente, debo confesar, pero termina resolviendo el caso de forma interesante.

-”La aventura de la inquilina del velo”.- Ah, acá sí me dio cosita. Yo pensé que no podía haber nada más perturbador que Holmito y Watson en el baño turco hasta este relato. Una mujer que trabajaba en un circo, junto a su marido, fueron atacados por un león que por lo general estaba bien alimentado, y que nunca tenía comportamientos agresivos. El esposo de la mujer muere, y la mujer queda desfigurada debido a que el león le carcome la cara. El caso, que no es tal, simplemente es el relato de la mujer que quiere contar su verdad.

-”La aventura de Shoscombe old place”.- Bueno, acá todo lo que parece ser no es. Resulta que a Holmito le llega una caso extraño, un tipejo que es conocido en el farandulete como alguien de cuidado, ha empezado a mostrar un comportamiento extraño, su hermana del alma ha adquirido costumbres extrañas, tan es así que no sale ya de su casa y se corre el rumor que bebe más que un camionero. Holmito y Watson hacen de las suyas y el caso resulta ser más simple de lo que se pensaba.

- “La aventura del fabricante de colores retirado”.- Ah, Holmito no se vio venir ésto. Un viejo x, le pide a Holmito que lo ayude a encontrar a su esposa que se fugó con el vecino. Todo parece ser una cosa con tintes pasionales, y la verdad se confirma al final, fue una cosa de naturaleza excisavemente pasional.

Hasta aquí las aventuras de Holmito, debo decir además algo con respecto a la excelente conducta de Holmis. Ya que jamás, ante el escape de un asesino, o ante la infructuosidad de sus deducciones dirá: “Mierda, me cagó en la $%/”()(!”, lo máximo que dirá será “Se nos ha escapado Watson”. Tampoco, en un momento de alegría o lucidez dirá: “Lo hice pelota, lero lero candelero” nononono, él dirá algo así: “Estupendo Watson!”.

Entonces, que Holmito es interesante y podés entretenerte con sus casos es indiscutibe, pero que como ya mencioné alguna de sus deducciones “lógicas” no son tan lógicas, y los tiempos modernos hacen que mirés con relativo desdén algunas de sus deducciones, que cualquier capítulo de CSI revuelca, también.

Desde el punto de vista personal debo decir que Holmito tiene la personalidad de una piedra, cero picardía, bien mustio, pero ESA es su gracia. Watson alcanza niveles insospechados en este último apartado, juntos forman, sin duda, una de las parejas literarias más inolvidables. Recomendar a Holmito? Faltaba más, les aseguro que quedarán satisfechos.

2011-12-30T01:44:00.008-04:00

"Mi nombre es Cruise, Tom Cruise"

Por: Mónica Heinrich V.

Cuando me andaba preguntando debajo de qué tutuma estaría viviendo Tom Cruise, zas!! estrenan por todo lo alto Misión Imposible 4: Protocolo Fantasma.

Desde el 2006 que no teníamos noticias de esta saga, en esa época J.J. Abrams metió su cuchara como director y nos entregó una Misión Imposible bastante desangelada e intrascendente. Ethan Hunt, el personaje que interpreta Tom Cruise, no dejó huella en este cinéfilo corazón y las expectativas de verlo renovado, refrescado, o cualquier ado, no eran altas. No. Podríamos ponerle un optimista 0.05% de esperanzas.

Además, tendríamos que irnos muchos años más atrás para encontrar un filme donde Tom Cruise no salga con cara de estreñimiento, haciendo una película aburrida/estúpida y/o intrascendente. Diría que hasta la época de Magnolia. Así de lejos, cuando quien escribe era joven y el mundo parecía un mejor lugar.

El caso es que contrario a todas las suposiciones, a los elementos divinos que parecían conspirar para que esta cuarta parte sea igual o peor que las anteriores, Protocolo Fantasma es todo lo que se desea de una película de este tipo. Sí, con algunas cosillas de más o de menos, pero teniendo en cuenta que la vi el 25 de diciembre y el espíritu navideño me azotaba el alma, pues se lo perdono.

Habéis leído bien, mis pequeños suspiritos azules, Misión Imposible 4 es para verla, y mejor si la ves en pantalla gigante para que vivás el momento Dolby Digital Surround a pleno.

Quizás la entretenida experiencia se la debamos a la dirección de Brad Bird, que antes se dedicaba a los dibujos animados, y cuyo currículum está avalado por Los Increíbles o Ratatouille (esta última me representa conflictos que es mejor no revelar) y que en este debut con actores de carne y hueso, demuestra que LO TIENE. Algo así como cuando a Woody Allen le preguntaron por qué no daba clases en alguna universidad, y Woody dijo que no había muchas cosas que enseñar: “Lo tienes o no lo tienes”. Bird LO TIENE, o parece tenerlo, el tiempo dirá cuán bien lo tiene.

Josh Applebaum guionista de series como Alias, Fastlane, Happy Town,etc. y André Nemec con idénticos créditos, escribieron el guión de manera efectiva, con algunos bachecillos argumentales que escapan a toda lógica, pero en general, muy superior a las anteriores entregas.

En esta ocasión nos hemos ido por lo “simple”. Ethan Hunt es rescatado o, mejor dicho, sustraído de una cárcel húngara. Dizque mató a unos cuantos serbios y dizque su agencia hizo la gran Poncio Pilatos. Pero oh! sorpresa, lo necesitan y van a sacarlo del agujero para darle una misión. Dicha misión involucra al Kremlin, terroristas, armas nucleares, códigos secretos y contraespionaje. Yes!!!Los rusos ar in da jaus!!

Obviamente, no estamos hablando de un filme de Michael Haneke sino de Misión Imposible y, como tal, la misión de Ethan Hunt debe ser en apariencia imposible y de estúpida resolución. Que se la realice y vos digás: SON HUEVADAS! es otro tema, Bird nos muestra el disparate sin aburrirnos y sin despeinarse, convirtiéndonos en seres momentáneamente felices.

A diferencia de las otras entregas donde se focalizaban en escenas de acción eternas y sin sentido (flashback: Tom Cruise. John Woo. Moto. Cine René Moreno. 20 minutos después: Tom Cruise. John Woo. Moto. Cine René Moreno) aquí las escenas de acción suceden casi en cadena y con el argumento relativamente engranado a eso.

Este “show” de efectos especiales y secuencias que pretenden quitar el aliento, se realiza durante dos horas en las que llegás a decir: “Eso no lo vi venir”, porque no, no lo viste venir.

Existen cosas básicas que si yo fuera agente encubierto pensaría concienzuda y paranoicamente, pero supongo que 1) les dio flojera, 2) es Misión Imposible, 3) es la cuarta parte, así que no jodamos con verosimilitudes.

Y es que la fastuosa fotografía del señor Robert Elswit permite el olvido u/o distracción de ese detalle y deja con el ojo embelesado en escenas como la del edificio más alto del mundo o la tormenta de arena, escenas que por sí solas aunque el filme apeste, hacen que ir al cine valga la pena. Elwist es otro que LO TIENE y lo ha demostrado infinidad de veces en películas como There will be blood, Magnolia, Punch Drunk Love y hasta la nefasta Gigli (todos tenemos nuestros resbalones).

Ajá.

Pero y Tom Cruise? Tom está por cumplir 50 años y NO se le nota. Corre de aquí para allá en excelente estado físico (maldito!!) y su interpretación es…hmmm…digna de un filme como este.A él lo acompaña Paula Patton, cuya elección como elemento ornamental (chica sexy hot de película de espionaje) es más acertada que la escuálida Tandhie Newton o la individua que sale de su esposa.

Otro que le pone su toque es Jeremy Renner quien interpreta al agente Brandt. De hecho, se rumoreaba que a él se le pasará la tea encendida dejada por el personaje de Cruise, porque algún día Ethan tiene que dejar de correr de aquí para allá en excelente estado físico (MALDITO!!!) así que vayan acostumbrándose.

Llegando a los minutos finales, Bird y compañía sucumben ante Hollywood de manera bochornosa alargando la trama unos 15 minutos. Suficiente para que podamos atisbar que no, que definitivamente el mundo no es un lugar tan malo y que sí, (SPOILER) que existen finales bonitos, cursis, donde los personajes principales no sufren y todo termina de tal manera que te vas a tu casa pensando en qué lindo es ser agente encubierto y sacrificarte por la gran Norte América (FIN DEL SPOILER).

Mientras tanto, me doy por satisfecha. Protocolo Fantasma rescata esta franquicia del foso al que varios ya habíamos echado tierrita, recupera ese aire original de la serie de TV y, con sus fallas (que las tiene), nos regala momentos de trepidante acción.

Entretenimiento necesario para una masa que SUFRE las fiestas de fin de año y desesperadamente busca evadirse de nostalgias, regalos, llamadas, cenas, festejos, y cohetes de forzada alegría.

Gracias, Bird.

Lo mejor: entretenida

Lo peor: sus 15 minutos finales

La escena: hay tres excelentes escenas: La del Kremlin, la del edificio más alto del mundo y la de la tormenta de arena.

Lo más falsete: bue…no nos vamos a poner exquisitos

El mensaje manifiesto: Una buena película de acción no es una quimera

El mensaje latente: Se requiere talento

El consejo: Vela en el cine y CON SUBTITULOS

El agradecimiento: entretenida

La pregunta: ¿la que le seguirá mantendrá la vara alta?

CURIOSIDADES

Se filmó en Dubai, Praga, Moscú, Bombay, Vancouver y Bengaluru.
Bird trabajó en Pixar, dicen que la escena del misil que sale hacia los uniteds, apunta directamente a la zona en que se encuentran los estudios de Pixar. Poético.
El edificio Burj Khalifa considerado el más alto del mundo sirvió para filmar algunas secuencias, tiene un altura de 828 metros, 160 pisos y 58 ascensores. En ESTE LINK pueden ver cómo se filmó la escena! Sí, nunca le había encontrado su sex appeal a Tomsito, hasta que vi este clip. Miren las cámaras, el helicóptero! (suspiro)
La iba a dirigir J.J. Abrams, pero no pudo por estar dirigiendo Super 8, así que el trabajo cayó en manos de Bird. Gracias, J.J.!
La escena de la tormenta de arena se filmó con la IMAX. La peli está filmada casi en su totalidad en 35mm, pero esa escena se filmó en 65mm. Cuándo llegará el día que en esta aldea del señor, tengamos una salita IMAX?
Su presupuesto alcanzó los 145.000.000 y ya lleva recaudado 218.645.000

2011-11-09T13:22:00.003-04:00

"Aviso a la comunidad"

Por: Mónica Heinrich V.

Resulta que tenía entradas para la premier de ESTO. Aún sabiendo que mis otros tres compañeros de butaca no gustan de los filmes de terror, me hice la opa, dije que no sabía de qué trataba y nos metimos a la sala 1. Mea Culpa!

Así como de refilón vi el nombre de SAW en la cartelera e ingenuamente pensé que se trataba de un producto del director o guionista de SAW 1. ERROR. 11:11:11 está dirigida por Darren Lynn Bousman, director de Saw II y otritas más, que en el Rotten Tomatoes está aplazado en casi todas sus películas. Y con razón, el tipo tiene menos talento que una larva de mariposa intentando convertirse en pavo real. Que me perdonen los que en el pasado se rasgaban las vestiduras por descubrir cuál de los directores Saw era mejor.

El pobrecito Darren nos entrega una historia que bebe de muchas buenas películas, y que transforma todos esos clichés/homenajes en una de las peores películas que pasaron por la cartelera este año. Muere Darren, Muere!!!

El escritor Joseph Crone perdió a su mujer e hijo trágicamente, desde entonces sufre de pesadillas y no puede superar la pérdida. El filme comienza la mañana del 7 de noviembre y la idea básicamente es que el 11:11:11 pasará algo JODIDO, y que el sujeto en cuestión está rodeado por el 11:11 (su hijo muere a las 11:11, se despierta de pesadillas a las 11:11, lo atropellan a las 11:11, a las 11:11 le sale un uñero, etc) .

Al tipo le empiezan a suceder desgracias tras desgracias, y una de las principales es cuando recibe la noticia de que su padre está agonizando en Barcelona. Hacia allá se dirige el protagonista. Sí, sí, sí. La idea es centrarse en el temita de la mística, premoniciones, asociaciones que hay en torno al número 11 y que supuestamente ha marcado importantes momentos de la historia y de grandes personajes, a eso se suma la teoría de los ángeles guardianes y el famoso portal que se abriría el 11:11:11 en el que oscuros demonios se nos meterían al rancho sembrando caos y destrucción (BOSTEZO)

No sé ustedes, pero el mundo así tal cual está parece muy cagado, dudo que unos cuantos demonios le agreguen mucho a este despelote.

Volviendo al filme, tomando en cuenta la supuesta "base real" y que todo parte de una idea que tiene bastantes seguidores en el mundo (eleveners) puede que la historia parezca "interesante", pero, oh! sorpresa, NO lo es. Es aburrida, lenta, boba, el protagonista no cree en Dios ni en lo religioso, y tiene a su alrededor gente que le recita frases hechas sobre la fe, supongo que con el afán de que saque roncha, pero está planteado de manera tan liviana y cursi que es imposible tomársela en serio.

Muy monótona, mal actuada, mal dirigida, en general una película poco inspirada.

Es muy triste descubrir que el director dice en entrevistas que su filme sigue la línea de El Bebé de Rosemary y que su referente fue Polanski. MATENME!

Para darles una idea del fiasco, el tipo llega a Barcelona y se sube a un taxi, en el taxi supuestamente hay un taxista español, pero NO! el taxista es un actor gringo que finge ser español. Luego en la casa está una tipa que es española, pero que es MUY mala actriz. El maquillaje y los efectos especiales están de pena, y lo acompañan con una musiquita coral que intenta ponerle ambiente a algo sin sentido.

Digamos que 11 minutos después de los 11 minutos que siguieron a los 11 minutos iniciales, miré 11 centímetros a mi izquierda y dije: "Nos vamos?", compañero de butaca 1 dijo: "Esto es una huevada", compañero de butaca 2 dijo: "vamos a comer algo", compañero de butaca 3: "En serio les indigna tanto?". Le dimos 11 minutos más, y luego salimos en fila india hacia el EXIT.

Había leído por ahí que tiene un final "diferente", desgraciadamente sus bichos, apariciones y recursos son iguales a los aplicados en malas películas de los 80s y nosotros ya no estamos para esos trotes.

Avisados están.

Lo mejor: cuando el 11 te golpea tanto que querés irte.
Lo peor: mal dirigida y mal actuada
La escena: todos los horribles flashbacks
Lo más falsete: las apariciones y los "sustos"
El mensaje manifiesto: hay plata en hollywood para seguirla gastando en cosas como ESTA
El mensaje latente: no es fácil hacer buen terror psicólogico
El consejo: No gastés un peso en esta película, si AUN tenés ganas de verla...que alguien te invite al cine , que alguien te preste el DVD o bajátela de internet.
El agradecimiento: la posibilidad de abandonarla
La pregunta: ¿Por qué pagar 45 pesos para ver algo así?

2011-11-08T11:39:00.007-04:00

CELLO, MI CELLO, CELLO!

Por esas casualidades de la vida, llegué a este cover tocado a dos cellos por el dúo 2Cellos (redundancia ON). Se trata de Sulic nacido en Eslovenia y Hauser en Croacia. Ambos se conocieron en Croacia cuando eran adolescentes y ya estudiaban el bello instrumento.

El destino llevaría a Sulic a la Royal Academy of Music de Londres y a Hauser a la Royal Northern College of music de Manchester.

Cuando vieron que faltaban los quintos subieron a youtube una versión de Smooth Criminal, el famoso temita de Michael Jackson, y fue todo un éxito. Así, los contrataron, grabaron un disco de covers en mayo y helos aquí. Hermosos.

Y aquí la versión de Smells Like a Teen Spirit. A disfrutar.

2011-11-08T11:35:00.002-04:00

FALSO CONEJO

Por: Mónica Heinrich V.

Abrí yahoo y me topé con la siguiente nota destacada: “El país en que las empanadas tumbaron a McDonald´s” y grande fue mi sorpresa, shock, estupor cuando descubro que se trata de un título apoyado en el estreno del documental boliviano “Por qué quebró McDonald´s” y que dicho país era nuestra querida Bolivia donde supuestamente amamos las salteñas, el majadito y etcéteras más que cualquier otra comida del mundo y donde dormimos liados a la bandera nacional susurrando el himno.

A la nota la acompañaban los admirados comentarios, felicitaciones, alabanzas de hermanos latinoamericanos que se creyeron lo ahí escrito. David derrotaba a Goliat.

Señores, señoritas y señoritos, todavía no se ha gestado en mí ese gusano malévolo llamado “nacionalismo” como para dejar pasar por alto el tema de fondo sólo porque se escucha “bien bonito” decir que la McDonald´s quebró porque valoramos tradiciones ancestrales y porque nuestro sentido de identidad está tan arraigado que aquí no puede campearse cualquier transnacional y vendernos Big Macs y Combos como si fueran sacos de quinua.

Empezaremos diciendo que el título de dicho documental falta a la verdad de entrada, en Bolivia la McDonald´s no quebró, sino cerró, gran diferencia. Uno de los quichicientos entrevistados, el señor Udler (titular de la franquicia mcdonaldiana en Bolivia) lo dice, y queda claro que fueron obligados a cerrar y que ellos la estaban pasando mejor que cumpleaños con piñata.

Hablaré de Santa Cruz, porque yo viví el momento McDonald´s y encima a cuadras de una de sus sucursales. Pues resulta que desde que la McDonald´s llegó al pueblo fue como si hubieran llegado los gitanos a Macondo. La cola de autos y de gente era ridículamente absurda. DESCOMUNALMENTE absurda, algo nunca visto por un plato de picante de gallina (si queremos seguir la línea del documental). Y el tiempo que estuvo funcionando, en horarios de almuerzo y cena era un suplicio ir a comprar Fast Food porque lo último que obtenías era comida de manera rápida, siempre colas y colas y colas. DUDO que en algún lugar de USA se hagan las colas que he visto hacer por una McDonalds en Santa Cruz. Este escabroso fenómeno es digno de estudiarse, pero ahora lo que nos atañe es otra cosa…

Vamos por partes decía Jack el Destripador. A nivel argumental, el documental hace una breve introducción sobre la llegada de la McDonald´s al país, un bosquejo sobre el efecto 9/11 (caída del World Trade Center) y luego se SALE del tema principal y pasa a explicarnos o a mostrarnos con singular dispersión la culinaria boliviana.

Este recuento gastronómico que involucra distintas partes del territorio patrio es condimentado con anécdotas personales de gente como Pepito de los Palotes que cocina arepas a las 3 de la tarde en el mercado (ejemplo), testimonios que parecían ser direccionados hacia la premisa de: “Qué bien se come en Bolivia, qué rica la comida, qué apegados somos a nuestra cultura”. La tesis principal del documental es que la McDonald´s “quebró” porque, como ya dije, en Bolivia preferimos nuestra propia comida y que los precios no hacían muy accesible el producto.

Si esa es tu tesis, PROBALA. Decime por qué cuando se viaja a los pueblitos alejados siempre encontrás hamburguesas y pollos, y por qué otras empresas con platos de igual precio que un McCombo siguen funcionando. El problema es que dicha tesis jamás es probada y ni siquiera existe un análisis real con números, estadísticas, o lo que sea para validar dicha tesis. No hay una investigación, sólo un compendio de entrevistas de gente ligada a la comida nacional, historiadores, hijos de vecino y otros. Algunos de esos entrevistados, emiten opiniones personalísimas (al final) de porqué la Mcdonald´s “quebró” en Bolivia, muy al estilo: “El cielo es azul porque Dios lo hizo así para que al mirar arriba tengamos algo bonito que ver”

Nadie explica el fenómeno real que supone la McDonalds como símbolo de globalización ni de sus políticas de expansión y crecimiento económico. Eric Schlosser en su libro “Fast Food Nation, el lado oscuro de la comida rápida” analizaba todos los pasos que llevó a la McDonald´s a ser una marca reconocida hasta por encima de la Coca Cola.

La McDonald´s basa su estrategia comercial y expansiva en números y Bolivia no fue el único país en el que se cerraron locales, ese “ajuste” en el que Bolivia es un dato marginal se llevó a cabo en 10 países más y se cerraron alrededor de 175 sucursales.

Según datos arrojados en esa época y fácilmente leíbles en Internet, la McDonald´s que como cualquier transnacional que se precie vive en competencia descarnada con sus rivales de Fast food, tuvo una crisis. Dicha crisis fue producto de varios factores: economía global y americana por los pisos, mejores ofertas de las empresas Némesis, una necesidad de reestructuración como organización, etc…entonces ante la disyuntiva de qué hacer, se decide cerrar los locales que a nivel general les represente menos ganancia.

“Hace tres semanas, la compañía fundada en 1948 por los hermanos Richard y Maurice McDonald, comunicó a la bolsa que planeaba cerrar cerca de 175 restaurantes y abandonar una decena de países como consecuencia de ajustes por los ganancias cada vez a la baja, tanto que en EEUU, sede de sus operaciones, sus ventas cayeron en 2,8 por ciento. Y si no le va bien en sus ventas, sus acciones de McDonald’s (MCD) en la Bolsa de Nueva York van por mal camino. Ayer cada acción de la cadena de fast food más grande del mundo cerró con una cotización de 18,05 dólares lejos de los 30,7 dólares de fines de mayo y peor aún de la banda de 50 que se había mostrado a fines de 2001. Razones más que suficientes para ir a una reestructuración que implique abandonar los mercados poco redituables como el boliviano, al que llegaron en 1997”, se leía en el Nuevo Día del 21 de octubre de 2002.

McDonald´s tiene como premisa estratégica: cerrar "los restaurantes en los cuales su nueva estrategia no es aplicable, aquellos que deterioran la imagen de su marca y/o aquellos en los cuales no se espera ningún efecto positivo de inversión". Esta vaina la hace hasta hoy día, por qué? Porque es una empresa gigante, que todo el tiempo hace recortes, abre y cierra locales con el único fin de que sus ganancias se multipliquen. Y esto tiene que ver con lo que supone operativamente para la McDonald´s mantener una sucursal en un país alejado de su base y con características como las que posee el nuestro.

Lo de Bolivia, entonces, es resultado de muchos más factores que la afirmación simplista de que la salteña tumbó a la Big Mac. Costo/Beneficio, le dicen.

Si fuera cierto que quebró ¿por qué el empresario boliviano Humberto Roca gestionaba su retorno en el 2008? Roca declaraba: “La inestabilidad de Bolivia no es muy favorable para las compañías que tienen nombre internacional. Nosotros estamos intentando, hemos hablado con la gente que tiene las franquicias (de McDonald’s) para Bolivia y otros países de Sudamérica para empezar a trabajar ya. Queríamos tenerlo aquí el 2010, pero todavía nos puede dar tiempo. Esperemos que el país no muestre señales equivocadas, porque ahí, está más lejos”.

Entonces, podría asumirse que Bolivia no le ganó a la McDonald´s sino que a la McDonald´s no le dio la gana de quedarse en Bolivia y esperar que estemos a la altura de sus requerimientos corporativos. Obviamente, dicha tesis tendría que ser confirmada con un análisis profundo, cuadros sinópticos e hipnóticos, entrevistas a voces autorizadas y grafiquitos 3D, digo.

¿POR QUÉ QUEBRO LA MCDONALDS?, por otro lado, no arroja luz sobre nada, y basa su tiempo de duración en mostrarnos comidas típicas y declaraciones sobre el porqué la papa es milenaria, hace cuánto hago trancapechos, quién me compra mi pique macho, etc.

Para los que quieren ver un documental sobre la McDonald´s saldrán muy decepcionados, NO existe nada interesante o revelador sobre el paso de la McDonalds en Bolivia.

Desgraciadamente y hablando sólo de aspectos técnicos el documental sufre de problemas de sonido, montaje, y hasta de ortografía (acentos) o identificación de los entrevistados. Paula Peña, historiadora cruceña es presentada o rotulada como Paola. Ese fue otro detalle molesto, que los entrevistados no eran presentados con el apellido y especificando su área, algo muy importante si se trata de un documental.

Además, algunas veces hasta usan imágenes de apoyo que parecen bajadas por youtube o un servidor similar en baja resolución.

Y bueno, lo peor es el sancocho en que se convierte y la cacofonía de malinformación que se va regando por el resto del mundo. Desde aquí informo que las calles bolivianas también están llenas de pollerías, hamburgueserías y panchitos (hot dogs). Que el Subway y la Burger King siguen cebándonos y que tienen escuela en las compañías locales Toby, Pollos Chuy, Pollos Criss y otros.

El documental ¿Por qué quebró la McDonald´s? es un producto que seguramente tuvo las buenas intenciones y el cariño del que siempre se nutre cualquier trabajo, hay espacio para el premio al esfuerzo y lo que quieran, pero en su resultado nos confirma el mal momento por el que atraviesa (desde hace unos años) el audiovisual nacional.

Lo mejor: cuando podés salir a la calle

Lo peor: es como un árbol cuyas ramas crecen para todos lados

La escena: …

Lo más falsete: …

El mensaje manifiesto: viva Bolivia

El mensaje latente: se puede vender lo nacional usando una transnacional

El consejo: Vela sin mayores expectativas

El agradecimiento: que sólo dure 70 y pico minutos

La pregunta: ¿Volverán las oscuras golondrinas?

2011-08-24T14:46:00.016-04:00

RAUL LARA (1940-2011)

En el 2004, trabajando para ESCENAS de EL DEBER, tuve la oportunidad de entrevistar a Raúl Lara. En ese momento no conocía la obra del señor, recuerdo que llegué sin mayores expectativas y conforme fui viendo los cuadros me entusiasmaba, él al notar el entusiasmo me preguntaba qué me parecían los cuadros. Yo respondía: "qué hermoso", "bello", y era sincera, nunca he dicho algo que no sienta realmente.

Esta nota salió publicada el 9 de octubre del 2004, siempre me dije: Tengo que hacerle otra entrevista más larga. Desgraciadamente, nunca podré cumplir ese deseo. Lara murió hace un par de meses luego de batallar contra el cáncer, sin embargo dejó algo más importante que entrevistas o reportajes postmortem, un trabajo vibrante, colorido, hermoso, que cualquiera puede apreciar y amar.

PINCEL ONIRICO

El pintor crea un puente entre la realidad y la fantasía. Derrama sobre el lienzo un mundo mágico. Por primera vez expone en Santa Cruz de la Sierra y deja que el público cruceño comparta su viaje a través del óleo, la témpera y la acuarela

Mónica Heinrich V.

Los cuadros todavía no estaban colgados. Un pintor (de brocha gorda) revestía las paredes con un color grisáceo para que éstas sean el respaldo tácito de los personajes levitantes de Raúl Lara. El orureño, de baja estatura y mirada despierta, mostraba con sencillez los frutos de su trazo en la galería Oxígeno.Un despliegue de colores, donde predominaba el magenta abría ante los ojos de un franco espectador un mundo mágico. “Es como las parejas, se puede tener una con la que se conviva bien y quizás con otra no tan bien. En los colores ocurre lo mismo, se busca la afinidad. Por eso, en mi obra verán que los azules siempre están cerca de los naranjas y los violetas con los amarillos. Busco el complemento, la convivencia”,explicó Lara.

Su lienzo diego@pablo.com se encontraba recostado sobre la pared exhibiendo con descaro las piernas de la protagonista de Diego Velázquez en Las meninas. La derecha superior del mismo cuadro estaba ocupada por El Guernica de Pablo Picasso, en colores oscuros.

Así, como en su momento, Lara se sintió tan fascinado por Vincent van Gogh que terminó creando una muestra de 40 cuadros; ahora, esta obra marca el inicio de un proyecto a futuro.Para el pintor, el proceso creativo es subjetivo y muy cambiante. “Por ahí uno ve la tela en blanco y piensa en qué va a hacer. Es como meterse a la piscina y no saber qué va a pasar si podremos cruzar al otro lado. El resultado es siempre impredecible”. El pintor afirma que cuando empieza un cuadro no sabe cómo va a terminarlo. “Muchas cosas suceden por accidente”, reflexionó.

Su trabajo ya es reconocido internacionalmente. No es un hecho fortuito tomando en cuenta que Raúl Lara es el único pintor boliviano que ha sido acreedor del primer premio en el Concurso Internacional de Pintura del Bicentenario del Libertador Simón Bolívar. “Mi obra tuvo más trascendencia internacional porque ese concurso fue convocado en varios países, y de cada país lo más representativo de los pintores; ese galardón realmente fue un trampolín al área internacional. Es un hito dentro de la pintura boliviana”.

No le gusta ser limitado por un rótulo que defina su estilo. “Son los críticos de arte y el público en general los que buscan definir el estilo del artista. Yo no estoy de acuerdo con los esquemas. Mi propuesta es unir la realidad con la magia”.

Se detiene ante El malabarista, una de sus obras más llamativa. “¿Qué le parece?”, pregunta expectante. Una mujer gorda con cabeza pequeña y ataviada con ligueros es la figura central. En la parte inferior, otra mujer de cabellera morada y fumando un cigarrillo se adueña del toque moderno del cuadro. Por si fuera poco, una figura que levita cerca de una ventana pequeña termina de configurar el triángulo. “Aquí había una mano que tocaba la ventana, pero era muy hermosa y rompía con el protagonismo de ella (señala a la mujer gorda)”.

La entrevista es interrumpida por dos colombianas que se acercan a saludar a Lara. “Tenía que pasar a ver su obra. Usted sabe que debo ser su mayor admiradora”, exclamó una de ellas emocionada. “No me puedo ir de Bolivia sin comprar uno de sus cuadros”, agregó. Saludos y comentarios de por medio, Lara vuelve hacia la grabadora.

Sus cuadros se venden a muy buen precio. “El asunto es que yo vivo para la pintura no de la pintura. Cuando hago un cuadro no estoy pensando en cuánto lo voy a vender. Gracias a Dios a la gente le gusta y compra”, comentó.

Hay otro cuadro cubierto en plástico donde los personajes tienen caras especiales. Saca la envoltura y pregunta: “¿Le gusta?”. Se trata de una obra trabajada en témpera. “Tiene una cualidad que es un poco el óleo y la acuarela a la vez. Ofrece la ductilidad de ambos y la posibilidad de que con el pincel se pueda restregar, acentuar o volver a dibujar encima. A mí eso me encanta”, indicó.

Se nota que ama lo que hace y no tiene reparos en expresarlo. “Hay que tener una filosofía clara. Lo que quiero es pintar siempre con amor, con ganas, con pasión, si no existen esos elementos se hace una pintura de concesión al público, al gusto, a veces al mal gusto. No se puede promocionar una obra como si fuera Coca-Cola, eso no es arte”, enfatizó.

Lara estudió en Buenos Aires y su especialidad son los frescos. Le gustaría pintar alguno en Santa Cruz de la Sierra, siempre y cuando haya el lugar adecuado y se le pague lo justo. “El fresco es un material tan noble que la Capilla Sixtina de Miguel Ángel hasta ahora existe. Es un trabajo moroso como ser un pintor albañil”, comentó.

Sobre el futuro de la pintura en Bolivia es optimista. Piensa que el arte necesita del apoyo de la empresa privada y del Gobierno. “Sé que el presidente Mesa es un hombre con mucha cultura, que tiene el propósito de apoyar el arte. En el resto de los países los artistas tienen museos y auspiciadores que los respalden. En Bolivia no hay museos especializados en mostrar a los nuevos artistas, no se incentiva a los pintores, no se los promociona. Ocurre que estamos olvidados”, admitió con tristeza.

2011-07-07T14:31:00.005-04:00

“One of us”

Por: Monica Heinrich V.

Freaks es una de esas películas que casi siempre encontrás en las famosas listitas de “20, 30, 50, 80, 100 películas que tenés que ver antes de morir”.

Abrazando esa idea apocalíptica, y con la esperanza de no entrar al cajón sin la tarea cumplida (grítenme ñoña) es que en 1999 me conseguí este pequeño gran filme.

Una tarde gris como los días que preceden a las guerras, fue la oportunidad perfecta para verla por primera vez.

Digo por primera vez porque siempre hay películas a las que se vuelve tarde o temprano, yo he vuelto a ésta, he vuelto a Benji, a los Los tomates asesinos, a Un muchacho como todos, y muchas más, sin que prime calidad, director, ni envergadura intelectual (que parece estar tan de moda), sino más bien por ser una película que llega. Concepto prosaico, pero sincero.

Quizás la primera impresión que te deja Freaks, es tal cual el título: una sensación FREAK. De nada sirve la detallada información que se puede obtener del filme como joyita de contracultura o como elemento sobreviviente a la censura. Mientras salen los breves créditos, el trabajo de Tod Browning ya te voló el cerebro y te dejó pensando en TODO. “Todo” puede involucrar desde el planteo fílmico, pasar por las “actuaciones”, el argumento, el subtexto, llegar hasta pajeos sobre la vida, el ser humano, los conceptos de fealdad, belleza, tus propias historias de discriminación positiva o inconsciente, etc.…

Filmada en 1932, en un estricto blanco y negro, saliendo al aire dentro de la primera década del cine sonoro, Freaks basaba su argumento en un cuento intitulado Spurs. Y era Tod Browning, un prolífico director, el que se obsesionaba con este “atípico” proyecto.

Cuenta la leyenda que nuestro amigo Browning tendía a lo raro y lo escabrosito, pero es en su historia personal que podemos ver a la mente detrás de Freaks. Amante de los circos, a sus 16 se casa con la bailarina de uno de ellos, y se marcha de su casa a recorrer el país trabajando como payaso, cadáver viviente, mago y otros.

Se introduce en el mundo del cine de a poco, siendo actor del gran D W Griffith, hasta que tiene un accidente de auto que le deja destrozada la pierna y decide detenerse para dedicarse a ser guionista.

Hasta aquí, ¿no parece una historia de película? Browning, entonces, debuta como director y es conocido por Drácula, siendo el responsable de llevar a la fama al gran Bela Lugosi (suspiro) con quien ya había trabajado antes.

En 1932, de la mano de MGM llega la película que lo llevaría al ocaso de su carrera.

¿La trama? Contextualizada en el ambiente que vio convertirse a Browning en adulto, Freaks se sitúa en un circo. En dicho circo hay atracciones, estas atracciones son los denominados “freaks” o la traducción: Fenómenos. Seres que tienen deformidades o malformaciones como quieran llamarlo, y que son objeto de burla, entretenimiento o temor.

Ajena a esa unida troupe de Freaks, está Cleopatra, una hermosa trapecista que tiene un amorío con Hércules, el forzudo galán del circo. Eso no sería nada, porque Así es el amor, dirían Chino y Nacho, el problema surge cuando esa desgraciada arribista ve en Hans (el enano del circo) a alguien que le puede servir de banco personal. En otras palabras: lo seduce para hacer uso de su dinero.

MALDITA. Así se lo escupen a Cleopatra en una parte de la película. “Sucios, asquerosos…monstruos”, grita ella, transfigurada cuando la vitorean para ser “una de nosotros”.

Freaks se transforma en la historia de un triángulo amoroso, regido por la crueldad y la venganza más supurante.

Porque recordemos lo que sabemos al principio, sabemos que los freaks tienen un código inalterable, y es que para protegerse si alguien ofende a uno de ellos, los ofende a todos. Una versión grotesca y extrema del dicho propagado por Dumas en Los Tres Mosqueteros: Uno para todos, y todos para uno.

Filmada en 36 días, estuvo solamente dos semanas en cartelera, luego de críticas devastadoras y reclamos de espectadores que veían el filme demasiado obsceno, (incluso hubo quien acusó al director de provocar un aborto con el filme) Freaks pasó a un circuito cerrado de exhibición.

Aunque significó la ruina de la carrera de Browning, este filme supone su mejor legado. Un filme irreverente para su época, que echa una mirada cruel, tierna, humana, e inhumana a sus personajes, que despertó profundas pasiones y que sobre todo, demuestra una vez más que la censura no consigue acallar del todo lo que tiene una voz suficientemente fuerte.

Inspiradora para gente como Diane Arbus, Tim Burton, Enrique Bunbury, Los Ramones, Lynch, Jodorowsky hasta Los Simpsons, entre muchos otros, Freaks fue protagonizada por actores cuyas “deformidades” eran reales, no se usó efectos especiales, y el casting abarcó todo el territorio americano para finalmente encontrar a los entrañables Pinheads, a las hermosas siamesas, al guapo joven que no tenía piernas ni caderas, y todo el collage que desfila en el filme, arrancando una que otra lágrima, y despertando emociones encontradas.

Titulado en español como La Parada de los Monstruos, el trabajo de Tod Browning es precursor a su época porque en un mundo bipolar acostumbrado a víctimas y villanos, a abusados y abusadores, una película de 1932 mostraba que tanto la fealdad, la mezquindad y la maldad pueden habitar hasta en los más puros corazones.

Y este pequeño haz de luz es echado sobre nosotros de igual manera con una cruel poesía, digna de cualquier filme de culto. Su escena final recoge esa pureza que hemos perdido de vista en medio de tanta cochina venganza y con eso nos quedamos.

Nunca sabremos si Tod Browning tenía ese final como meta, pero aunque no lo sepamos, nos basta.

Freaks, definitivamente, una de las películas que hay que ver antes de morir.

Lo mejor: diferente

Lo peor: no poder disfrutar del Director´s Cut

La escena: el banquete de bodas y el final

Lo más falsete: …

El mensaje manifiesto: Las víctimas pueden ser verdugos

El mensaje latente: Los verdugos pueden ser víctimas

El consejo: Vela. Vela

La pregunta: ¿Cómo sería el primer corte?

Podés verla en: Centro Cultural Santa Cruz, este sábado a las 20:00. Ingreso Gratuito.

CURIOSIDADES

- El equipo eléctrico en set era tan lamentable, que durante la filmación varios de los miembros del equipo sufrieron pequeñas descargas.

- El final original del filme era una escena donde Hércules cantaba como soprano siendo parte del nuevo show, porque los “freaks” lo habían castrado. La escena recibió tanto rechazo en audiencias previas al estreno, que fue eliminada.

- El hombre sin piernas ni brazos, estuvo casado y procreó cinco hijos, antes de morir de causas naturales tres años después de estrenada la película

- En Gran Bretaña, el filme fue censurado durante 30 años.

- El romance entre los enanos Hans y Frieda, fue llevado a la pantalla gigante de manera muy sutil, ya que en la vida real ambos eran hermanos.

- La mujer barbuda, denunció al filme y se arrepintió de haber sido parte de él.

- Un miembro del departamento de escritura de MGM que estaba en la producción, nunca se sintió cómodo con los actores, así que evitaba su compañía a la hora de las comidas, y prefería comer solo. Otro grupo emitió una queja formal contra los actores, para que no usaran el mismo comedor. Al final se hizo otro comedor.

- El productor ejecutivo le dio la orden a Willis Goldbeck la tarea de escribir un primer borrador del guión, la única guía que le dio fue que tenía que ser horrible.

- Los actores comenzaron a comportarse de forma muy competitiva entre ellos y a adoptar actitudes de divos, cosa que hizo que algunas personas de producción hicieran comentarios punzantes sobre lo “freak” que era todo.

2011-07-07T14:23:00.004-04:00

EL PASADO

Por: Mónica Heinrich V.

Para quienes han perdido la fe en eso del arte que supone “adaptar comics” y para aquellos cuya vida en la sala de cine se ha convertido en un “otra vez la misma huevada”, hay buenas noticias.

X-Men Primera generación, toma la tea encendida dejada por las otras entregas de la saga, y…NO APAGA ESA TEA.

A excepción del spin off X Men Origins: Wolverine (flojita, chafa, decepcionante) todas las demás X mens, han sido relatos dignos, bien filmaditos, y donde se trata al espectador como un ser medianamente pensante. ALBRICIAS.

Y es así que siguiendo las peripecias de este grupo de élite, llegamos al principio, cosa no singular ya que cuando una saga empieza por el final es normal que volvamos al principio para ver cómo llegamos a ese final.

Quedó clarito como Sprite, ¿no?

En el pasado vimos a Xavier en silla de ruedas, a Magneto malo maloso, a Mystique azul de envidia, y a los “normales” frikeados por los “mutantes” en una analogía de las diferencias en este mundo lleno de diferentes, la discriminación y el rechazo hacia lo “desconocido”. Vimos todito eso, nos preguntábamos por qué, POR QUE Magneto era tan hijo de Pooh, POR QUE Xavier tan hijo de Gandhi, POR QUE no fundirse en un apretado abrazo entre ambos, POR QUE siempre el mundo tan triste como cuando Wall E juntaba basura en soledad. Tantos POR QUES.

El inglés Matthew Vaughn, responsable de la sobresaliente Kick Ass, dirige con pulso y sin despeinarse, esto que supone la quinta entrega de los hombres X.

Estamos en Polonia, 1944, un Magneto adolescente, atrapado en un campo de concentración judío con poderes incontrolables es obligado por Sebastian Shaw (doctor nazi) a sacarle el jugo a dichos poderes. Para motivarlo, introduce a su madre como elemento de presión. Lo que sucede es el preámbulo de esa pestilencia que impregna el alma de Magneto en busca de la venganza.

Pasa un tiempito, y llegamos a los 60s. Olvídense de los árabes y los problemas con medio oriente, volvemos a nuestros amigos&enemigos comunistas, y a la famosa guerra fría. Magneto y Xavier, ya están grandecitos, Sebastian Shaw sigue por ahí con su síndrome de cerebro: Esta noche vamos a conquistar el mundo.

La CIA, al darse cuenta que están lidiando con algo que escapa de sus controles humanos, autoriza que se forme un grupo de mutantes con distintos poderes que pueda hacer frente al séquito de Shaw.

Aquí empieza el reclutamiento, entrenamiento y origen real de los X men. Vos estás en tu butaca, con tu pipoca y tu soda, siendo envuelto con eficiencia en cuanta travesura te imaginés para que el interés no decaiga, y entendamos a pleno cómo se gesto ese bochinche.

El Profesor X, Magneto, Banshee, Havok, Darwin, Mystique, Beast, serán ese grupo base que tratará de frenar la crisis de los misiles (qué bonito!) y salvar a la humanidad de un cruel destino (qué bonito! La secuela).

Como no puede ser de otra manera, y siguiendo la línea que también proclama el tráiler de Capitán América, esto tiene un discurso bastante americano, de valor civil, defensa de la nación, el ser humano, y el desprendimiento de mezquindades en pro del bien común, donde el resto de los mortales que no llevan la banderita azul roja y blanca son brutos, analfabetos, manipulables, y bla bla bla.

No importa. Los soviéticos son presentados bajo prejuicios anclados ya en el cine gringo, pero como dije haré de tripas corazón y teniendo en cuenta que el filme cumple con su cuota de entretenimiento, un argumento decentito, y unas actuaciones acordes, me declaro satisfecha.

Aparte hay que destacar la reivindicación de un actor como Kevin Bacon en el papel de Sebastian Shaw. Un actor que, me parece, no ha sido justamente explotado por la industria, y que aun puede protagonizar muchos grandes filmes.

Michael Fassbender en el papel de Magneto, le aporta una veta humana a un personaje oscuro, atormentado por la tragedia y el peso de la culpa. James McAvoy como Xavier, cumple con darle idealismo y dignidad a Xavier, a prueba de balas (literalmente). Nuestra amiga Jennifer Lawrence, a quien vimos en ese grandioso filme Winter`s Bone, interpreta a la problemática Raven luego devenida en Mystique.

Las manitos de Ashley Miller, de Zack Stenz que paradójicamente han trabajado en cositas como Thor, se unen a las manos de Vaughn y su habitual colaboradora Jane Goldman, para crear un guion sencillito, sin grandes sorpresas, pero cumplidor.

Ojo que para los fans de la versión papel seguramente supondrá un suplicio por todas las licencias que se han tomado, pero lo dicho, como película que apunta a un mercado específico y que tiene elementos específicos para tal mercado, zafa.

Con un estilo muy sesentero, que ha logrado capturar el aire de esa época, y con la fotografía de John Mathieson, X Men First Class lleva a la pantalla una historia que en los comics que han leído millones de lectores contiene, además de las ya consabidas luchas entre el bien y el mal, un trasfondo moral y psicológico que hasta ahora el cine no ha aniquilado. Un agradecimiento que será incluido en nuestras oraciones diarias.

Lo único que le puedo objetar aparte de los estereotipos de la “amenaza roja”, es unos efectos especiales que en ALGUNAS partes se ven un poco…como decirlo…baratos, pero que no deslucen para nada una película entretenida y mucho más digerible que el tipo de películas de este estilo que suele entregar la industria.

Lo mejor: Entretenida y que recupera a Kevin Bacon

Lo peor: Algunos efectos y el discurso ultra republicano

La escena: El cumpleaños de Magneto y el de los misiles a la isla

Lo más falsete: el cambio de lealtades de Mystique

El mensaje manifiesto: Todo monstruo alguna vez fue puro

El mensaje latente: El ser humano es el que crea esos monstruos

El consejo: Mirala, está bonita

La pregunta: ¿vendrán más?

CURIOSIDADES

- Bryan Singer director de Xmen 1 y 2, iba a dirigir esta versión, pero en marzo del 2010 declinó hacerlo por estar comprometido con Jack the giant Killer, aunque se mantuvo como productor.

-Taylor Lautner, el lobito de la saga Crepúsculo, iba a interpretar a Beast, pero por conflictos de horario, fue reemplazado por Nicholas Hoult.

-El filme está basado en los comics Uncanny X men 1963 y X men First Class (2006)

2011-07-07T14:13:00.002-04:00

“MI PUÑO TIENE HAMBRE DE JUSTICIA”

Por: Mónica Heinrich V.

Lo encantador de Po, el panda que protagoniza esta historia, es su perfil de antihéroe. Es gordo, fofo, algo bruto, cero ideología, y más torpe que Promociones Gloria al intentar explicar el temita de Olivia Pinheiro.

No es ese tipo de personaje irritante onda Mate de Cars, o Mr. Bean, Po es un panda al que dan ganas de abrazar y no soltar nunca, esa era la impresión que dejaba la primera parte estrenada en el 2008.

Ahora, el osito que se convirtió en guerrero dragón, y los cinco furiosos (Tigresa, Mono, Mantis, Víbora y Grulla) regresan a seguir dando batalla, a hacernos antojar fideos chinos y a responder algunas interrogantes que desde ese entonces no me permitían dormir, siendo la principal y más inquietante: ¿Cómo es posible que un oso panda sea hijo de una oca?

Jennifer Juh debuta con Kung Fu Panda 2 como directora de largos, su trabajo más conocido es la serie televisiva Spawn, esta transición de tv a pantalla gigante está aceptable, aunque no llega a alcanzar la vitalidad y frescura de la primera entrega.

Lord Shen (en inglés la voz de Gary Oldman, en español Sergio Gutiérrez) es un pavo real que pertenece a una larga dinastía que gobernó Gongmen. Al enterarse que su destino sería interrumpido por un guerrero negro y blanco, decide tomar medidas drásticas en pro de salvaguardar su trono. Eso trae consecuencias jodidas, tanto para su familia como para su reino.

Desaparece de escena durante unos años y regresa grandilocuentemente a apoderarse de todo (en estos dibujos, siempre hay alguien intentando apoderarse de todo) la cosa llega a oídos de Shifu, y llama a Po y a los cinco furiosos para que pongan en vereda a ese figureti.

Para qué les voy a mentir, se arma un zafarrancho de padre y señor mío. Secretos más intensos que los lanzados en la película danesa Celebración, son descubiertos de yapa. Momentos emotivos hacen que detrás de los lentes 3D, si estás in the mood, se te caigan un par de lágrimas.

Y así, hasta que llega el final, salís al frío y pensás en lo lindo que sería comprarte un Po de peluche. Gol marketinero.

Kung Fu Panda 2, es un filme de esos para sentirse bien, entretenido, digerible, nada wow que alcance la magia que nos atropelló con Wall-E (TE AMO WALL E), Toy Story 3 o UP, pero se puede pensar en ella sin resentimientos.

Lo curioso es que siendo mucho mejor apuesta que Cars 2, de los 150 millones invertidos, sólo se haya recuperado a paso de tortuga en silla de ruedas, poco más de100. Una pena.

Se viene la tercera.

2011-07-05T13:42:00.007-04:00

LA CALUCHA DESCANSA

Por: Fred Núñez

"Hoy la táctica se impuso a la técnica" . vieira.-

El término de las primeras escaramuzas le da la razón

Explicaciones:

“estos equipos vienen y se nos cierran atrás y no supimos aprovechar las oportunidades y nos fuimos desesperando”

“el equipo se está ensamblando”,

“falta rodaje”

“En los primeros partidos no estamos pensando en jugar bien, estamos pensando en pasar a la segunda ronda”

Ueno, se escucha de todo. Frases bien fundamentadas, otras bizarras, pero explicaciones al fin, y las explicaciones no se filman, dicen los que filman.

Los más esquilibrados le dan crédito al trabajo, al proceso, a la lectura de los técnicos, etc..

Mientras tanto, nosotros los que siempre perdimos, nos ilusionamos por un empate.

Por lo de Raldes (como uenos losers), por “el gol de mierda”, por edibaldo y hasta soñamos que Martins gambetea más largo. Y cuando hablan de proceso, sólo sonreímos (confundidos)

Veremos qué pasa en lo siguientes bochis, si nosotros a nuestro orden táctico le añadimos cachito de técnica y talento y si Argentina a su técnica y talento le pone algo de orden táctico(Batista pone a Pastore y adelanta a Messi)

En los días que siguen veremos, veremos.

Si se impone la sorpresa, el proceso, o como siempre... se impone la historia

Hoy, nosotros echados en la cornisa de un empate, con un cuchillo en la espalda, sonreímos con los dientes apretados porque se viene el pleito más pendejo.

Hoy, descansa la calucha.

2011-06-16T01:10:00.001-04:00

WE ARE THE WORLD (Parte 6)

1) Desde los tejados (Pietro Masturzo)

Después de las polémicas elecciones presidenciales de Irán, en el 2009 un trío de mujeres gritaban desde los tejados de Teherán su descontento, mientras la noche caía. Era la continuación de una serie de protestas que habían tenido lugar durante el día y que al anochecer se trasladó a los tejados. Masturzo se encontraba preso en el momento que capturó la instantánea.

"Vi al grupo de tres mujeres gritando "Alá es grande" en lo alto del tejado del edificio de enfrente, y tomé dos fotografías. Ésta es la primera de ellas. Tuve la suerte tener una balaustrada estable donde apoyar la cámara para evitar que la fotografía saliera movida.

La imagen tiene una fuerte carga de cotidianidad, ya que ése es el edificio donde estas mujeres viven y las manifestaciones eran una prolongación de su vida diaria.

La experiencia de estar en los tejados fue muy emocionante. Era como volver treinta años atrás, durante la Revolución Islámica"

2) Genocidio (James Natchwey)

James Natchwey es un fotógrafo de guerra americano. Ha recorrido el mundo retratando el horror que deja a su paso el ser humano. En 1994 tomó la foto de este joven que sobrevivió un campo de exterminio hutu, en el que torturaron y asesinaron a miembros de la etnia tutsi. Las marcas, las cicatrices que cruzan su rostro son apenas un vistazo a lo que dejó el terrible genocidio de Ruanda.

"Creo que la gente se debe ofender con el genocidio. Se debe ofender con la limpieza étnica. Se debe ofender con el hambre. Mi trabajo no es hacer que esas cosas sean cómodas o fácilmente digeribles. Mi trabajo no es hacer sentir cómoda a la gente con estas cosas, ni entretenerles. Mi trabajo es concienciar a la gente del hecho de que son crímenes contra la humanidad".

3) Esther (Per Anders Petterson)

Esta foto fue tomada en el 2006, en ella vemos a Esther Yandakwa de 9 años, rodeada de dos amigas de 14 mientras se fuma un cigarrillo. Ella vive en el Congo, no tiene casa, y duerme a la orilla de un río contaminado, se dedica a la prostitución igual que las otras chicas. En la foto la acicalan para comenzar a "trabajar". Fuma marihuana, toma whisky, y alguna vez, dice, consume Valium. Cobra 1 dólar. Ella es tan solo uno de los 15.000 niños que viven en condiciones infrahumanas en esa zona del Congo. El fotógrafo sueco Per Anders Petterson ganó el 3er lugar del World Photo Press, gracias a esta instantánea.

4) Niño leyendo con elefante (Gregory Colbert)

El fotógrafo canadiense Gregory Colbert es uno de los artistas visuales más importantes actualmente, sus fotos han alcanzado un valor de hasta medio millón de dólares. Su inquietud máxima es traducir en el arte fotográfico la relación del hombre con la naturaleza y los animales, dicha relación la suele retratar de forma bella en tonos sepias o en blanco y negro. Durante 10 años viajó por el mundo reuniendo material, que luego fue condensado en el 2002 en su primera exhibición llamada Ashes and Snow, de donde se extrae la foto que mostramos. Ninguna de sus fotos han sido manipuladas digitalmente y son impresas en papel japonés hecho a mano. El tipo también ha incursionado con éxito en el celuloide. Hermosas imágenes.

"Me interesa la interactuación entre hombres y animales, y los pueblos nómadas, porque su relación con los animales es de colaboración, no de explotación. Y porque los nómadas viven con una idea muy revolucionaria para nosotros los occidentales: tomar del entorno sólo lo que necesitas"

2011-06-15T23:56:00.008-04:00

EL ARTE DE CONTEMPLAR

Por: Mónica Heinrich V.
Me toca la ingrata tarea, nuevamente, de ser la voz disidente del coro que alaba y eleva a la gloria a la más reciente película nacional: Los viejos.
Y entiéndase que Boulocq me sigue pareciendo uno de los mejores directores de su generación, y quizás con muchas más credenciales que otros para erigirse como un cineasta de obligada referencia. El problema radica, en que todo esto que creo de Boulocq nació gracias a su ópera prima Lo más bonito y mis mejores años, y se consolidó con su trabajo como director de algunos videoclips.
Después resbaló (dignamente, eso sí) en el fallido experimento Rojo Amarillo Verde, aunque mirando atrás era un prefacio de lo que veríamos ahora. Pasaron los años, y se corrió la voz de que se encontraba trabajando intensamente en su segundo largometraje, cosa para alegrarse considerando la paupérrima producción audiovisual de sus colegas en los últimos años.
Los viejos ¿es una mala película? Al finalizar su visionado, la discusión era sobre si se podría decir que era mala o no. Se gestó un airado debate con mis compañeros de butaca, en el que casi nos agarramos a lapos, debate que finalmente dejó la inquietud igual que al principio. Los argumentos iban desde que si el guión es malo, la película es mala, hasta que si está bien filmada, aunque el guión sea malo, no podemos decir que es mala.
Aún no lo tengo (tenemos) muy claro, pero para mí Los viejos, NO es mala. Si soy cruda, la palabra que se me viene a la mente es "pretenciosa", si la veo con ojos comprensivos, la palabra que me salta es "personal", si me baso en la primera impresión que no requiere racionalización, la definiría como "paja", y si soy buenita podría decir que es "experimental". Y hasta podemos entrar en la relativización de decir que no existen malas películas, sino gustos personales diferentes (momento condescendiente del día) Se pueden decir muchas cosas.
Con un ritmo pausado, nostálgico que apela a la sensibilidad de un espectador MUY paciente (muy), Boulocq nos introduce en el mundo de los resabios, los daños, las heridas que deja el exilio, las relaciones truncadas, los amores inconclusos y el pasado.
Toño, perdió a sus padres durante la dictadura de García Meza, con ese vacío interior fue acogido por la familia de su tío. Sufre un segundo exilio, una segunda pérdida, cuando se descubre que tiene una relación amorosa con su prima, Ana. En una escena, Toño dirá algo parecido a que su tío no lo dejó ser el hijo que pudo tener, su brazo derecho, por la vergüenza, el oprobio de una relación prohibida.
Pasan los años, el tío ya viejo, se encuentra enfermo y en sus últimos días de vida, Toño regresa, se reencuentra con ese pasado, con el amor no concretado, con la familia ahora unida ante la inminente partida de aquel que volvió a fracturarla. La prima, madre soltera (o eso se asume) se pasea atribulada, y sumida en sus propios pensamientos (como todos los personajes) ante nuestros ojos.
No suena mal. De hecho, mi imaginario personal me permite empatizar de lleno con los guiños, y el trasfondo histórico. El tema es que esto es presentado ante el espectador con una cantidad innecesaria de planos eternos, y un rebuscamiento narrativo que no se veía en, por ejemplo, Lo más bonito y mis mejores años, filme que se sentía mucho más honesto.
Ojo, que gente como Tarkovski, Kiarostami, Roy Anderson, Theo Angelopoulous , Sokurov, el tailandés Apichatpong y muchísimos más, son genios del cine contemplativo, poético, con planos largos, casi inexistente diálogo, pero con un producto final que justifica una apuesta tan arriesgada. No es que sea aburrida, o que no tenga diálogos, lo que me aísla del asunto es que no lo siento sincero, no me llega.
En este caso la contemplación se siente artificial, ha sustituido a la historia para pasearnos constantemente entre paisajes y reflejos, que entiendo es la propuesta estética, pero que para mi gusto personal, ni las imágenes son tan grandiosas, ni la propuesta está tan lograda como para que consiga su objetivo.
Mientras la película avanzaba, algunos de mis acompañantes refunfuñaban, la gente se salía de la sala, otros nos quedábamos intentando imaginar cómo podría concluir algo así, y pensaba que el final podría salvarla, que el final podría levantarla y transformar un pajazo en una acertada visión de una historia intimista.
Desgraciadamente el final sólo confirmó la primera impresión, que se trata de un filme irregular, cuya propuesta artística/estética no es desdeñable, pero cuyo resultado global no convence, por lo menos, a esta espectadora.
Aún así, hay varias cosas a rescatar, una notable fotografía lograda por Daniela Cajías, quien se perfila como una de las mejores directoras de foto nacional que existe actualmente, otra cosa es el diseño de sonido que está preciso y sin errores, las locaciones, el trabajo actoral de Roberto Guilhon y algunas escenas entrañables que acarician así como de pasada, el aura que la película pretendía crear.
Se agradece, también, que ante la carencia de propuestas cinematográficas nacionales que lleven una visión artística definida y poco convencional, Los Viejos se arriesgue, intente, busque, y lo haga con un soporte técnico (foto, sonido, edición, etc.) al que no se le puede objetar nada.
Lo triste es que no alcanza, y esas escenas entrañables que logran conectar con el espectador sucumben ante un todo tedioso, muy tedioso y que justifica su existencia en la muletilla de un contexto mancillado por la dictadura, comodín que si no está bien usado, no salvará una película que parece un cortometraje estirado para cumplir con los requisitos de tiempo de un largometraje.
Estamos ante un guión que se pierde en la pantalla gigante y que adolece de una solemnidad sin matices, solemnidad que se rompe de forma abrupta al final, un guión basado en un cuento bastante breve de Rodrigo Hasbún, llamado La Carretera.
Habiendo visto Rojo, donde los mismos vicios argumentales de Los Viejos se repiten, y tomando en cuenta que es Rodrigo Hasbún el responsable de ambas historias, me parecería interesante que Boulocq regrese a trabajar en solitario, para ver qué otros fantasmas surgen de una actividad más personal.
Lo mejor: linda fotografía y que existe una propuesta.

Lo peor: tediosa, y con un tedio que no se justifica en el resultado global.

La escena: el canto con las montañas y las nubes.

Lo más falsete: la escena del niño preguntando a Toño sobre sus padres y el final.

El mensaje manifiesto: No siempre menos es más o viceversa

El mensaje latente: Hay que seguir buscando.

El consejo: Vela. Igual vale la pena verla, por lo atípico de su propuesta.

La pregunta: ¿Loayza y Sanjinés salvarán el año?

2011-06-01T01:19:00.013-04:00

VII CICLO DE PSCINE

A partir de este 4 de junio, todos los sábados a las 20:00, volvemos con el ciclo de PSCINE. En esta ocasión decidí intercalar grandes películas con grandes documentales. Como siempre, la idea es compartir aquellos trabajos que no han tenido gran difusión y que merecen ser vistos.

4 de junio: Ocupattion 101

Documentalazo sobre el conflicto palestino-israelí. Muy bien enfocado, con testimonios e imágenes pocas veces vistas. Para aquellos que todavía no le entienden bien a este tema, Ocupattion 101, es un interesantísimo trabajo, completo y necesario sobre un conflicto que se está llevando muchas vidas y que sienta un nefasto precedente en la historia de la humanidad.

Presenta un análisis sistemático de los hechos y de las verdades escondidas, y devela muchos de los mitos y concepciones erróneas asumidos por largo tiempo. La película también detalla la vida bajo el régimen militar israelí, el papel de EEUU en el conflicto y los principales obstáculos que impiden una paz duradera y viable.Como dice la frase resaltada de Stephen Hawking en el poster: "El más grande enemigo del conocimiento no es la ignorancia, sino la ilusión de conocimiento". Véanlo, no se arrepentirán.

11 de junio: Zoo (Peter Grennaway)

Película rarísima y bizarra (para variar) del gran, genial, y excéntrico Greenaway. Sacha Vierny, el director de fotografía de esta película, asiduo colaborador de Greenaway, es uno de los genios de la luz en el siglo xx. s probablemente la película menos conocida de la primera etapa del pintor metido a cineasta. Dos biólogos gemelos desconcertados por la muerte en un accidente de coche, cisne incluido, de sus mujeres, accidente en el que una tercera mujer perdió una pierna. Mientras se dedican a tragarse los 8 episodios de una serie sobre la evolución de la BBC, intentando encontrar en ella el significado de su situación (“...desde que hace 400 millones de años apareció la vida en la tierra hasta que mi mujer murió intentando esquivar un cisne...”) los gemelos empiezan a cultivar una fijación malsana por la descomposición de los organismos. Un panorama desasosegante y enfermizo, una propuesta tan radical y extraña como el resto de la filmografía de Greenaway, pero también una de sus películas más sorprendentes y divertidas y, por qué no, un buen punto de iniciación para todo aquel curioso por saber de qué va la filmografía de este peculiar galés.

18 de junio: The weather underground

El documental habla de los líderes de los Weathermen y su lucha por llevar a Estados Unidos a aquella revolución que ellos consideraban inevitable e infalible. Uno de los integrantes del movimiento Mark Rudd define en una frase su vocación revolucionaria que fue el sustento de varios jóvenes de la época: "I cherished my hate as a badge of moral superiority". El cambio joven debía poner de su lado al viejo orden, manifestado en la clase media norteamericana blanca que apoyaba a Nixon. Los líderes del movimiento eran héroes de cajón de aquellos tiempos, revolucionarios atractivos que constantemente experimentaban con los excesos de los viajes de ácido y del sexo libre que harían palidecer a los Soñadores de Bernardo Bertolucci.

plasma como documental un momento histórico y mundial visto desde la historia de estos estudiantes guerrilleros. Es una historia sobre los desencuentros, los errores y las contradicciones de un tiempo en el que la rebeldía encontró cabida en la juventud como nunca. Las drogas, el amor libre, la revolución… The Weather Underground es un gran escape para aquellos que quieren recordar aquél “viento de rebeldía” que en 1968 recorrió el mundo.

25 de junio: 12 (Nikita Mikhalkov)

Estuvo nominada al Oscar en la categoría de Mejor Película de Habla No Inglesa, y se alzó con el León de Oro Especial en la pasada edición del Festival de Venecia, con el premio a la Mejor Película y al Mejor Actor, concedido ex aequo a los 12 protagonistas del film en los premios Águila Dorada del cine ruso. Un chico checheno de 18 años es acusado de asesinar a su padrastro, un oficial del ejército ruso. 12 miembros de un jurado son encerrados en el gimnasio de una escuela para decidir su destino. La decisión debe ser unánime pero cuando la vida de alguien está en juego, siempre hay espacio para la duda y las tensiones acaban por explotar.“Comunicativamente, dramáticamente, magníficamente rusa, esta adaptación libre del Doce hombres sin piedad de Nikita Mikhalkov funciona como el jazz clásico de una veterana banda. Orquestando sus 11 co-actores en virtuosos solos, duetos, tríos y combinaciones.” – Variety“Su nueva película confirma la maestría con la que el director explora y nos revela, con gran humanidad y emoción, la complejidad de la existencia.” – Festival de cine de Venecia

2 de julio: Líbranos del mal

Oliver O´Grady fue hallado culpable de decenas de casos de niños abusados. Desde principios de los 70s hasta principios de los 90s, el padre Oliver O´Grady destruyó familias enteras al violar, molestar o abusar sexualmente a diferentes niños. Como él mismo relata en el documental “Esto no debió ocurrir”, pero ocurrió. Lo chocante es que desde sus primeros incidentes, el obispo de Los Ángeles y su superior inmediato, siempre estuvieron al corriente (se asume entonces, que el Vaticano también lo sabía)…y cuando surgieron las primeras denuncias oficiales, la postura de la iglesia fue asegurarles a las familias que enviarían a O´Grady a un monasterio, donde nunca tendría contacto con otros niños. La realidad era que simplemente lo cambiaban de Parroquia y cuando eso sucedía, O´Grady estaba, otra vez, en posición privilegiada para encontrar nuevas víctimas. Con tono totalmente carente de emoción, como si estuviera relatando un pasaje cotidiano de su vida, O´Grady cuenta a la cámara el “inmenso amor” que tiene por los niños...El documental es dirigido por Amy Berg, que debuta de manera sorprendente. Este trabajo es el resultado de 4 años de investigación. El contacto con el padre O`Grady y su posterior acuerdo para dar su testimonio en cámara fue un proceso que duró semanas, antes que Berg tuviera que viajar a Irlanda a entrevistarse personalmente con él.

9 de julio: Freaks (Tod Browning)

El filme maldito de la MGM es quizás el más prohibido de la Historia del Cine ya que luego de su estreno se archivó y permaneció inédito por un cuarto de siglo. Su creador Tod Browning (el artífice de la mayoría de los filmes terroríficos de Lon Chaney en el cine mudo) selló aquí su obra maestra mereciendo figurar en la historia como la única película de terror en la que los "monstruos son reales".El rodaje de La parada de los monstruos transcurrió durante treinta y seis días entre los meses de octubre y diciembre de 1931 en los estudios Culver City. Aunque los actores profesionales se acostumbraron pronto a la presencia de las criaturas del circo, un buen número de técnicos y empleados de la MGM presentó una protesta formal para evitar que los fenómenos utilizaran el comedor del estudio.La película supone ante todo una visión pesimista de la naturaleza humana, pues aunque propugna la belleza de lo monstruoso y la monstruosidad de la belleza o de aquello que consideramos normal, sabe que no podemos hablar en términos absolutos. La escena de la venganza nos muestra que los freaks pueden ser tan crueles como cualquiera. La respuesta de Browning es que son, simplemente, humanos. El cineasta conocía bien a los fenómenos de feria desde su adolescencia, no los idealiza, no los convierte en mártires ni en dechados de virtud maltratados por la gente “normal”.

16 de julio: La gran venta

Para Minda de Manila, Bongani de Soweto y Simon de Brighton, la palabra ‘privatización’ es más que un concepto abstracto. Es la realidad a la que se enfrentan diariamente. En este documental dividido en episodios, Florian Opitz examina las consecuencias de dicha privatización, comúnmente impuesta por instituciones como el Banco Mundial y el Fondo Monetario Internacional. Minda lucha por conseguir dinero para pagar la diálisis de su hijo porque el sistema de salud filipino ha sido en gran parte privatizado. Bongani y su equipo de guerrilleros eléctricos reestablecen ilegalmente la luz en casas de personas que no pueden pagar los recibos de la compañía de electricidad, a punto de ser privatizada. Simon relata sus aventuras como conductor de tren, primero para la compañía British Rail y después para cientos de otras empresas. Por último, los ciudadanos de Cochabamba, Bolivia, reaccionan ante un intento por parte de una compañía estadounidanse de privatizar la oferta de agua.

23 de julio: Criaturas Celestiales (Peter Jackson)

Muy fiel a los hechos, cuenta la historia de Juliet Hulme y Pauline Parker, dos niñas de 14 años que a mediados de los 50 causaron pavor en Nueva Zelanda por haber matado a la madre de Pauline. Las dos niñas se habían creado un universo de fantasía paralelo a la realidad, poblado por los personajes de un mundo fantástico de su propia invención, Borovnia, y, en definitiva, se habían enamorado. En su imaginación, el principal obstáculo para estar juntas era la madre de Pauline y decidieron matarla. Una decisión atolondrada y terrible. La película las sitúa en un contexto que acaba siendo un personaje más: la pequeña ciudad pacata y adocenada en la que viven y en la que sus fantasías y sueños son una rareza, como ellas mismas. La historia se adentra delirantemente en la mente de las dos chicas y cuenta con honestidad y desenfrenado lirismo la historia de dos disidentes del mundo real, dos poetas equivocadas y terribles y adorables. No se puede ver la película sin reir con ellas ni sin llorar con y por ellas. Y por la mujer que asesinaron.

30 de julio: In this world

In this World es el periplo vital que experimentan dos jóvenes de Afganistan que emprenden un viaje desde su pueblo en las montañas hasta Londres. Lo harán por carretera y su trayecto supondrá varios miles de kilómetros, cruzando Afganistan, Irán, Pakistán, Turquía, Francia, para llegar finalmente a su destino. Bien podría ser un documental que ilustrase las visicitudes que sufren las personas que están dispuestos a jugarse la vida (muchos como se verá en la película la pierden) en busca de un destino que mejore su situación.No hay subrayado de ningún tipo. Cámara en mano Michael Winterbottom recoge el transitar de los dos jóvenes, como estos pasan de país en país, escondidos las más de las veces en camiones de frutas, en los bajos de los camiones, incluso en contenedores letales a bordo de un barco. No hay ni discurso ni apenas diálogos. Lo que si queda claro es lo crudo que está moverse entre países, cruzar fronteras, en este mundo aparentemente globalizado.

6 de agosto: El tío Boonmee que recuerda sus vidas pasadas (Apichatpong Weerasethakul)

Ganadora de la Palma de Oro en la última edición del Festival de Cannes y del Premio de la Crítica en el Festival de Sitges, Uncle Boonmee recuerda sus vidas pasadas se encuadra dentro de ese rango de películas de una belleza extraordinaria pero de difícil asimilación.Basada en una novela también tailandesa, la cinta narra los últimos días de Boonmee, que decide rodearse de sus seres queridos antes de abandonar este mundo. Así, sorprendentemente, el fantasma de su esposa fallecida hará actos de presencia para cuidar de él y su hijo, desaparecido hace tiempo, regresará a casa bajo una forma no humana. Considerando las razones de su enfermedad, Boonmee caminará por la jungla con su familia hacia una misteriosa cueva en la cima de una colina, lugar del nacimiento de su primera vida...A medio camino entre lo onírico y el realismo mágico, Uncle Boonmee recuerda sus vidas pasadas es un film de una belleza visual impresionante y un tempo narrativo dilatado hasta lo indecible que requiere del espectador toda su paciencia y atención. Díficil, abrumadora, estilizada, Uncle Boonmee recuerda sus vidas pasadas nos brinda la ocasión de enfrentarnos a una forma distinta de entender el medio cinematográfico y la vida que se aleja vertiginosamente de las concepciones a las que nos tiene habituados el mercado estadounidense.

13 de agosto: Exit Throught the gift shop

El documental estaba basado en la obsesión de un excéntrico francés llamado Terry Guetta que según afirmaciones del representante del artista de Bristol "intentó hacer una película sobre Banksy.Todo en ella es verdad, en especial las escenas en las que todos mentimos" tratando de descubrir la identidad de Banksy, un secreto guardado como oro en paño desde hace mucho tiempo, y que también es un retrato del arte callejero no sólo del artista del stencil.El nombre de la cinta, hace referencia a que las salidas de las exposiciones suelen ser por la tienda de regalos de los museos y está dirigida por el propio Banksy y narrada por el actor galés Rhys Ifans, amigo del artista.

2011-06-01T01:15:00.007-04:00

"Olor a jazmín"

Por: Mónica Heinrich V.

Mientras Cristiano Ronaldo demostraba al mundo que se ve muy bonito en las pancartas y en las publicidades de Armani, pero que en la cancha poco hacía (aparte de verse muy bonito) y encima era un desagradable perdedor, yo me sumergía en una lista pendiente de películas. Una lista variada de 15 títulos, a la que denominé mi “tarea de la semana” y que encabezaba Persépolis, filme que me fue recomendado a través del mail por una lectora de esta columna de opinión.

Me habían dicho que si amé Vals con Bashir, me gustaría a fuerzas Persépolis, y confiada en ese argumento tan tentador puse play. Era la noche de un martes, en Santa Cruz de la Sierra hacía algo de frío. Antes de entrar a mi claustro, había pasado por un surtidor para comprar algunas “gollorías” que sirvan de acompañamiento a un insomnio crónico y a un cerrito de películas que me esperaban como cómplice mudo de la anarquía reinante en este país con respecto al contrabando, piratería y libre albedrío.

Mientras me revolcaba en mi hedonismo, recordaba que hace varios años, Michael Moore a través de su documental Fahreinheit 9/11 dejó muy claro que el país que invadió Irak y Afganistán con la venia de los organismos internacionales, le había echado el ojo a las riquezas de Irán, y que tarde o temprano iban a hacer la gran Bart Simpson: Matanga dijo la changa. No era casualidad que este recuerdo me venga a la mente, el día anterior en Cuba, Fidel Castro afirmaba que USA e Israel estaban planeando atacar Irán en cualquier instante, y además insistía en que si esto sucede se desataría una guerra nuclear. D´Escoto (ex presidente de la Asamblea de las Naciones Unidas) ya había advertido con horas de diferencia, que se avecinaba la tercera guerra mundial por el mismo temita, llamando sátrapas a todas las cabecitas que estaban craneando desatar irresponsablemente una “catástrofe” (decía el mismísimo Sarkozy).

Volviendo al presente, en Sudáfrica los octavos de final concluían y todos nos sentíamos felices porque la jabulani entraba al arco del equipo apoyado. La euforia se desataba en las calles de los países clasificados, el orgullo hacía ondear banderas y Messi era el Messi de todos. En Irán, con Ahmanidejad al poder, se hablaba de guerra psicológica, de reactivar el diálogo nuclear en agosto y de los planes de emergencia para paliar las sanciones internacionales hacia el sufrido país. La actitud asumida por la comunidad internacional en beneficio de Israel y USA, tendría “graves consecuencias”, afirmaban. Más claro el agua.

En Bolivia, mientras Persépolis avanzaba… recordaba a un compañero de universidad, un tipo iraní que en una clase contó cómo lo aterrorizaban los ruidos fuertes. Durante casi toda su vida, la ciudad en la que creció fue constantemente bombardeada, y los ruidos fuertes lo remitían a esa sensación de zozobra, de miedo, por las bombas que caían a su alrededor. No te podías sentir seguro, contó.

En esas épocas de juventud naif, Irán se construía en mi mente como un país extraño, raro, lejano, peligroso, hasta freak. Persépolis me contaba la historia que hacía ver Irán no tan lejano, no tan extraño. Marjane Satrapi, mujer iraní, entre el 2000 y el 2004 lanzaría al mundo una colección de historietas contando en dibujos su vida. La historieta recibiría innumerables premios, y en el año 2007 la adaptarían a la pantalla gigante convirtiéndola en un largometraje animado.

Marjane, en el filme, comienza su historia en un aeropuerto de Francia. El presente se manejará a colores, y el pasado en blanco y negro. Mientras se fuma un cigarrillo y espera el vuelo que la llevará a Teherán, recuerda su vida. Un vistazo a los 70s en Irán, y a cómo ella, entonces una niña, se ve (a pesar de su corta edad) testigo de los cambios políticos y sociales del país. La caída del Sha, la “revolución”, la dictadura. Su parte infantil soñaba con ser una nueva profeta, gustaba de escuchar a Iron Maiden, y al ser criada por una familia progre, veía con estupor la cadena represiva que poco a poco se fue instalando a su alrededor. Será frecuente que escuche que un pariente ha sido liberado de la cárcel, o que otro fue fusilado, o que otro murió preso, o que los casi púberes guardias no les dejan hacer tal o cual cosa. Veremos los supermercados vacíos, la agresión contra la forma de vestir hacia la mujer, los presos políticos, los muertos, los cambios que se prometen y se cumplen pero trayendo sólo desgracia y terror. La familia clase media de la ya adolescente, decide enviarla a Vienna, para que pueda ser “libre” y no se exponga a terminar en prisión por su actitud rebelde.

El traslado, le trae nuevas experiencias. Lejos de sus padres, experimentará el amor, el rechazo, las burlas, el saltar de casa en casa buscando dónde establecerse, y mientras Persépolis avanza, y vos estás en Bolivia, con la opción de salir en ese preciso momento a comprar una botella de vino vistiendo top y minifalda, no podés evitar conectarte con Marjane, pensar en Irán y en el velo con tristeza, imaginar los cientos de miles de fusilados, las familias rotas, los mártires que buscan un paraíso (lleno de alegría y felicidad) que en la tierra, su tierra, no existe.

Hablada en francés, con las voces de Catherine Deneuve y Chiara Mastroianni entre otros, Persépolis condensa en sus 95 minutos la historia de un país, y lo hace a través de un relato emotivo, con dosis de humor, escenas poéticas, y buena música. Dirigido por la misma Sartrapi y el también historietista Vincent Paronnaud, el filme fue ampliamente criticado por el gobierno iraní, que manifestó su repudio al festival de Cannes, al haber premiado una película que mostraba “una cara irreal de la revolución iraní”. En Teherán el largometraje animado fue exhibido, pero cortando varias partes que se consideraron ofensivas y se quitó cualquier referencia sexual.

En el Festival Internacional de Cine de Bangkok, el director de dicho festival dijo que en conversaciones con la embajada iraní llegaron a la conclusión de que sería mejor que la película no se exhiba, aunque reconoció su validez como propuesta artística, pero alegó que había “otros temas” a considerar antes de exhibirlo.

El filme recrea una mirada nostálgica sobre las pérdidas. La pérdida de la libertad, de la inocencia, de la sensación de seguridad, la pérdida de raíces, y evoca con ternura a la abuela de la autora. Matriarca que pasó por un divorcio en un país donde el divorcio era mal visto, y que se metía jazmines en el sostén para cargar siempre un buen olor causando el embeleso de su nieta.

Cuando llega el final, y ves los jazmines animados, imaginás el olor. Ese olor particular e intenso del jazmín, olor que compañero de butaca me dijo una vez que no le gustaba porque le recordaba a los cementerios. Cementerios como las calles de Teherán, que a decir de la protagonista de la historia llevan los nombres de los mártires de la patria.

No dejo de pensar que ahora que la comunidad internacional le ha dado la espalda a un país gobernado por un personaje tan polémico y peligroso como Mahmoud Ahmadinejad, las predicciones de una inminente invasión a Irán parecen cumplirse, y es triste, porque así como en su momento los gobiernos occidentales estuvieron aupando la guerra entre Irak (apoyados por los americanos) e Irán, la posibilidad de que un pueblo que no conoce otra cosa que bombas y muertos sea invadido preocupa, sobresalta y desespera.

Los jazmines se multiplicarán, y seguramente cuando pasen muchos años habrán niños y niñas que hayan sobrevivido al horror, testigos que escribirán o dibujarán más historias como la de Persépolis.

LO MEJOR: Muy linda y poética

LO PEOR: Triste

LO MAS FALSETE: algunos elementos clichés

LA ESCENA: cuando cuenta cómo durante la guerra de Irak e Irán se mataron unos a otros con las armas que les vendieron a ambos bandos los occidentales.

EL MENSAJE MANIFIESTO: Somos de donde venimos

EL MENSAJE LATENTE: Tu cultura te acompaña a todas partes

EL CONSEJO: Todo bien con el Mundial, pero ponele algo de interés a las cosas jodidas que están pasando.

LA PREGUNTA: ¿y ahora, quién podrá defendernos?

2011-06-01T01:08:00.005-04:00

"VOS y YO = ALGUIEN MAS"

Por: Mónica Heinrich V.

El amor punto aparte

El amor puntos suspensivos

¿Quién no se ha enamorado ridícula y estúpidamente? Una cultura cuya base “amorosa” se sustenta en libros, películas, canciones, poemas que ensalzan la relación de a dos como algo sublime, salvaje, comprometido y cuyo final mentiroso dice ser “y vivieron felices para siempre…”, una cultura así, lo único que puede producir son idealizaciones y falsas expectativas.

Pero no señores. No os confundáis, no dejéis que vuestras manos dibujen mecánicamente corazones en los vidrios empañados. Hay una realidad diferente detrás del macabro mercado de peluches y de las Inspiration Cards. Podría escribir los versos más tristes esta noche, escribir por ejemplo sobre Disney, sobre Luis Miguel, sobre Clark Gable y Vivian Leigh, pero lo que nos atañe es Two lovers, traducida al español bajo el sugerente título Los Amantes.

Gracias a Londra Films podemos disfrutar de esta excelente propuesta que ahora se encuentra en las salas del Cine Center.

Quiero hablar un poquito de Joaquín Phoenix que en el filme interpreta a Leonard. Joaquín es puertorriqueño (apuesto que muchos no lo sabían) y su vida bien podría ser material para una interesante y extraña biopic. Como todos saben es hermano del fallecido River Phoenix, y fue él mismo quien marcó al 911 la noche que la prometedora estrella moriría de sobredosis. Hijo de un matrimonio que hasta perteneció a un culto, la carrera de Phoenix se ha caracterizado por consistentes interpretaciones. En lo particular, Joaquín me parece un muy buen actor.

Es por eso que ver su nombre como parte del elenco de Two lovers ya me garantizaba un personaje creíble. No me equivoqué. Leonard es un treintañero maniaco-depresivo (bipolar) que fue marcado por el abandono de un gran amor. Sumido en un mundo de inestabilidad, en parte (nos insinúan) por la difícil enfermedad, en parte por su absoluta incapacidad para superar la pérdida de su prometida, Leonard ha intentado quitarse la vida varias veces.

La primera escena que da inicio a la película, con nuestro protagonista caminando casi poéticamente a través del puente, con su colgador de ropa de tintorería y el slogan cínico, paradójico y emputantemente optimista de su negocio en esa tarde gris, es sencillamente perfecta.

Con un elegante tono narrativo, nos metemos al mundo de este personaje perturbado, solitario, que vive con sus preocupados progenitores en un barrio judío. En estas circunstancias conocerá a dos mujeres: Sandra, interpretada por una querible Vinessa Shaw, es la hija de una pareja amiga de sus padres. Chica buena, ñoña, que ante un pájaro con las alas quebradas (Leonard) siente esa necesidad de cuidarlo, hacerse cargo y estar ahí para él (seguramente condicionada por la cultura “amorosa” de la que hablo al principio) Por otro lado está Michelle, interpretada por Gwyneth Paltrow cuyo talento me parecía sobrevalorado, pero que en esta película nos entrega una más que correcta actuación. Michelle es una bitch, no podemos decirlo de otra manera. ¡¡¡Muere Michelle, Muere!!! Vecina de Leonard, se caracteriza por una personalidad egoísta, manipuladora, plañidera, y voluble. La tipa es la amante de un hombre casado, y utiliza a Leonard como paño de lágrimas, pero al mismo tiempo (me parece) se aprovecha de la calentura emocional y corporal que despierta en nuestro pobre muchacho.

Los triángulos están servidos. Uno entre Michelle, Sandra y Leonard y otro entre Michelle, Leonard y el hombre casado. Es evidente que triángulos y calenturas ya se han visto n veces en el cine desde todos los puntos de vista, y hacer una película cuyo argumento parece básico representa un riesgo si es que no se le pone la magia que la haga diferente. En este caso, James Gray, el director y uno de los guionistas, nos envuelve en esta pequeña historia de tal manera que no podés menos que entregarte a lo que nos cuenta y no podés menos que admirar la sobriedad y el voltaje emotivo que el ambiente del filme consigue transmitir.

Con una atmósfera opresiva, oscura y de evidente autodestrucción, Leonard nos muestra a ese personaje que no encaja. No encaja en su familia, no encaja en su trabajo, no encaja en su adultez. El tiempo pasó, y ahora aparte del frasco de pastillas que lo mantienen conectado a la realidad, no tiene nada. De ahí el poco apego a la vida, de ahí el deseo de terminar esa nada que se extiende al infinito.

Su gusto por sacar fotos, en las que jamás hay personas, el pequeño departamento que comparte con sus padres, la promesa de una vida laboral a la que no aspira, y un futuro que necesita ser definido de alguna manera a merced de los paradigmas sociales imperantes, empujan a este ser dolorido a la obsesión, a fingir que está bien cuando apenas puede sostenerse en pie, a intentar como último acto sublime de rebeldía un “y vivieron felices para siempre”…

Gray nos golpea con su final, nos da un puñete en la cara…los cuentos de hadas sólo existen como evasión de la amarga realidad. Las lágrimas de Phoenix, la mirada final, me hicieron recuerdo a una conversación que tuve hace un par de años con unos amigos, que seguro si leen estas líneas recordarán. Aún convencida que el puto amor (sí, he dicho puto y qué) existía y nos podía cubrir con un oloroso manto que huela a felicidad, fui sacudida por viejos y sabios (todos menores de treinta) compañeros de trabajo que en medio de una conversa filosófica existencial teñida de humor nervioso coincidieron en esta afirmación: “Uno nunca se queda con el amor de su vida”.

Silencio aterrado

Abro signo de interrogación El amor Cierro signo de interrogación

Desesperanza punto

Esta vez final

LO MEJOR: Historia íntima, jodida, muy bien filmada.

LO PEOR: deja una sensación oscura al final

LO MAS FALSETE: hmmmm creo que el personaje funcionaba igual sin ser bipolar

LA ESCENA: El final

EL MENSAJE MANIFIESTO: La vida nos arrastra

EL MENSAJE LATENTE: Somos marionetas voluntarias

EL CONSEJO: Mirala, está buena

LA PREGUNTA: ¿el mundo es un día gris?

CURIOSIDADES

Es la cuarta película de James Gray

Se filmó a finales del 2007

Es la tercera colaboración entre Joaquín Phoenix y James Gray

El guión está inspirado levemente en Noches Blancas de Fédor Dostoievski

Luego de esta película, Phoenix anunció su retiro de la actuación, felizmente lo veremos en un documental titulado I`m still here: The lost years of Joaquin Phoenix.

2011-06-01T00:18:00.006-04:00

"SERE TU PERRA"

Por: Mónica Heinrich

La venganza. ¿Hay algo tan poderoso, oscuro y fétido como la sed de venganza? El director coreano Park Chan Wook sabe que no. Por eso, filmó lo que denominó su Trilogía de la venganza, y para que nos vayamos de ass…nos regaló OldBoy.

Esta es una de esas películas que se puede AMAR, y que entra definitivamente en mi lista de corazones, cupidos y rosas. Filmada en el 2003, tuve la oportunidad de verla por primera vez en el 2004, en ese momento supe que Park Chan Wook y yo tendríamos una relación especial. Casi casi de amantes a la distancia. Èl hace una película, yo hago lo imposible por verla. Una vez la veo, me digo “esto es para siempre”.

Pero, ¿qué tiene de especial OldBoy?

Oldboy es la historia de un hombre al que un día, sin previo aviso, secuestran y encierran. Nada raro hasta ahí. Lo freak viene cuando este encierro dura inexplicablemente 15 años. El tiempo pasa, y el prisionero lo ve pasar a través de la televisión. Escenas memorables como sus intentos de suicidio, o sus reflexiones sobre la vida, sobre la muerte nos vuelan la cabeza y nos dicen que Park Chan Wook sabe lo que hace.

Curtido por la soledad, y orillado a un aislamiento que dobla su espíritu, el personaje sufre, desvaría y pacientemente idea una forma de huir. Cuando menos lo espera, lo liberan. ¿Pero qué puede hacer con esa libertad? ¿Cómo encajar en mundo al que durante 15 años no perteneció? Acusado del asesinato de su esposa, con su pequeña hija que creció en el extranjero, huérfana, creyéndolo un asesino, sin amigos u otros familiares, ¿qué puede hacer una vez sale de su prisión?

Nuestro amigo, Oh Dae Su (nombre que significa: Tomar las cosas como vienen) ha acumulado durante todo ese tiempo un odio y una necesidad asesina de buscar a quien lo encerró y hacerle pagar caro el atrevimiento.

Lo que él no sabe, lo que nosotros no sabemos, es que esa venganza se origina de otra venganza, y los más rastreros sentimientos humanos son los causantes del conflicto. Hermosas imágenes, muy al estilo asiático, que pueden mezclar la poesía, la violencia y el drama en una sola escena se repiten por doquier a lo largo del metraje.

El filme que algunos tachan de sórdido, es impresionante en su argumento y en su estética. Actuado por un reparto de lujo en el que destaca Min Sik Choi como el perturbado y vengativo Oh Dae su, la actriz Kang Hye-jeong interpretando a la frágil y enigmática Mi-Do, y el muy atractivo Yu Ji Tae como el maquiavélico Woo Jin Lee, consiguen introducirnos hasta el fondo de esta historia, donde nada es lo que parece y donde el final dejará a más de uno consternado.

Con un guión escrito por cuatro crispines, uno de ellos el mismo director, el argumento a pesar de rocambolesco y grandilocuente, nunca pierde interés y credibilidad. Nos conectamos rápidamente con la cadena vengativa y esperamos pacientemente la redención. Algunos espectadores critican que al quitarle todo artificio, nos encontraremos con una historia resultona, y que ya se ha visto n veces. Puede ser, pero aún siendo cierto es la FORMA que Park Chan Wook usa para contarla lo que la hace diferente y especial.

Por si fuera poco, además de contar con actuaciones, fotografía, argumento, y dirección de lujo, la música es una experiencia casi religiosa. Amé el soundtrack de OldBoy, lo amé. Algunas imágenes se te quedan grabadas como un tatuaje gracias a la apoteósica banda sonora que la acompaña.

La dirección de arte, un apartado que la mayoría de los gringos se pasan por el traste, brilla por sí sola. Colores, vestuario, objetos, locaciones, sencillamente todo encaja para crear una jodida obra de arte y para convertir al filme en una experiencia digna de repetirse varias veces.

Considerada ya una película de culto, Oldboy fue blanco de críticas por su violencia extrema. Incluso hace un par de años se pensó que el coreano Cho Seung Hui, universitario mass-murder de Virginia Tech, emulaba el poster y supuestamente escenas del filme en un video dejado después de la masacre. Sin embargo, las especulaciones eran tan ridículas como aquellas que ligaban a Marilyn Manson al tiroteo de Columbine.

A su vez, si bien el filme muestra escenas gráficamente violentas, la brutalidad real se esconde en el argumento. Un argumento que no tiene clemencia con el espectador y que tampoco busca salvar a nadie. En este argumento todos son víctimas y verdugos.

La venganza es un sentimiento que anida en el corazón de cada ser humano, opina el director, el odio es natural, afirma. No tiene nada de malo asomarse a este espejo, un espejo que te devolverá la mirada del monstruo que llevas dentro.

Lo mejor: Estéticamente impecable, un guión muy bien manejado dado su enrevesado contenido, y la dirección siempre sobresaliente de Park Chan Wook.

Lo peor: Nunca se verá en pantalla gigante en Bolivia
La escena: El final, la del corredor y la del pulpo
Lo más falsete: hmmmm
El mensaje manifiesto: La venganza mata el alma y la envenena
El mensaje latente: Pero qué rica que es.
El consejo: Tenés que verla YA!
La pregunta: ¿Do you meet your monster ?

FRASES

“La televisión es como un reloj, como un calendario, es nuestra escuela, nuestra iglesia, nuestro hogar, nuestra amiga y nuestra amante, pero la canción de nuestra amante es demasiado corta”

“Dicen que tenemos miedo porque tenemos imaginación. Deja de imaginar y serás valiente”

“La venganza es buena para tu salud, pero el dolor te encontrará de nuevo”

“Necesitas no preocuparte acerca del futuro. Imagina Nada”

"Ya sea una roca o un grano de arena, en el agua se hunden igual"

“Ríe y el mundo reirá contigo. Llora y llorarás solo”

“Aunque sea peor que un monstruo. ¿No tengo derecho a vivir?”

CURIOSIDADES

Park Chan Wook estudió Filosofía en Seúl.

Conoció a su esposa en los 80s en un club de cine universitario.

Decidió convertirse en cineasta después de ver el filme Vértigo de Alfred Hitchcock.

La polémica escena del pulpo que es devorado vivo, tuve que filmarse cuatro veces.

Oldboy tuvo un presupuesto de 4.000.000 $us.

El actor Min Sik Choi es budista por lo que tuvo que rezar antes de comerse los cuatro pulpos.

Min Sik Choi tuvo que entrenarse durante seis semanas y perder 10 kilos para hacer de Oh Dae Su.

El número de teléfono que le entregan a Oh Dae Su donde supuestamente se encuentra su hija, es el número de la Embajada de Corea en Suecia.

La escena del inicio donde Oh Dae Su está borracho y es llevado a la policía, fue la última en filmarse.

La escena final se filmó en Nueva Zelanda.

Ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes 2004.

2011-04-06T02:14:00.004-04:00

Disney + Lynch = WOW

Por: Mónica Heinrich V.

Era imposible imaginar que David Lynch, NUESTRO David Lynch, hiciera una película con Dinsey. Impensable que ya que la hizo, sea buena. Digo, no es que Disney sea una mierda, sino que Lynch ha creado cosas impresionantes que nada tienen que ver con el mundo de Mickey Mouse. Y dada las nefastas experiencias de otros directores (Hola, Tim Burton) con ese almibarado mundillo, tal cocktail no parecía recomendable.

Por eso es que este filme sorprende. Sorprende, conmueve, enamora.

Con una sencillez exquisita, Lynch nos cuenta la historia de Alvin Straight (interpretado por un extraordinario Richard Farnsworth). Alvin es un tipo de 80 años. Se encuentra en la postrimería de su vida, tiene mal las caderas, principio de enfisema, una posible diabetes y la vista ya no le funciona bien. Convive en un pueblito de Iowa con Rose (Sissy Spacek) , su hija cuarentona que sufre de un leve retraso mental y problemas para hablar. Una noche le

avisan que su hermano Lyle ha sufrido un infarto. Lyle vive lejísimos, en Winsconsin.

Nuestro protagonista tiene una rencilla de décadas con su hermano, y por ese motivo no se hablan desde tiempos inmemoriables. Cuando ve que la estantería está comenzando a fallarle(s) en serio, decide ir a visitarlo. El motivo de la disputa jamás es revelado, el motivo por el que emprende el viaje, queda tácitamente comprendido.

Un tipo sin mucho dinero, viejo, al que no le gusta ni volar ni viajar en bus, tiene que recorrer 250 millas a través de la América rural. Sin auto y sin absolutamente nadie que lo apoye en tan encomiable viaje, agarra la podadora de su casa, y montado en el

la le hace honor al lema de: El mundo es de quien se arriesga.

The straight story es un proyecto que en manos de otro director puede fácilmente caer en el ñoñerío gratuito y sensibilero. Gracias a Dios, a Lynch el pulso no le tiembla para mostrar exactamente lo que se necesita mostrar, para decir sin decir, sin remarcar o amplificar pequeñas escenas.

La travesía estará cargada de obstáculos y personajes de muy distintos talantes. Lo mejor es que el guión escrito por John Roache y Mary Sweeney no está exento de humor, drama y hasta tensión. Las seis semanas que el viaje dura son condensadas con precisión en casi dos horas de metraje que se pasan volando, acompañando a una hermosísima fotografía propiedad del señor Freddie Francis, que ya había trabajado con Lynch en aquella gloriosa película llamada El hombre elefante.

Como espectador no queda otra que apegarse a Alvin como si se tratara de un viejo amigo. Pujar porque llegue a destino, porque ese reencuentro entre dos seres que comparten sangre, infancia y un pasado, se concrete. Cuando pensás que no se puede poner mejor, te topás con la escena del bar. GRAN GRAN escena. Esa escena sola, hace que la película no sea sólo buena, sino soberbia.

El final llega tan simple como el inicio, mostrándonos a ese Lynch que sólo se puede amar. Amar como a este pequeño filme.

Lo mejor: Una película muy bien dirigida, muy bien actuada, muy bien guionizada, a la que no se le puede objetar nada.

Lo peor: Nada.

La escena: La del bar y el final.

Lo más falsete: Nada.

El mensaje manifiesto: La sangre jala.

El mensaje latente: La vejez te da la sabiduría necesaria para acortar distancias que una juventud estúpida creó.

El consejo: Vela! Prometo que no te arrepentís.

La pregunta: ¿Lynch será tentado por Disney otra vez?

CURIOSIDADES

- La historia es basada en un hecho verídico ocurrido en 1994. El anciano de 76 años, falleció tres años después de hacer el viaje en el que el filme se inspiró.

- Para los que fuimos tocados por la magia de la serie canadiense: Anne the Green Gables, recordamos a Richard Farnsworth como el actor que interpretaba entrañablemente a Mathew Cuthbert.

- Fue la última película de este extraordinario actor. Richard se suicidarí al año siguiente de un tiro de escopeta, después de padecer una larga enfermedad.

- Richard fue el actor más viejo en ser nominado al Oscar, contaba con 80 años cuando fue nominado como mejor actor por el papel de Alvin. Lastimosamente, no ganó.

- The straight story, fue filmada en orden cronológico.

- El nombre verdadero del hermano de Alvin no era Lyle sino Henry, pero se le cambió el nombre porque éste no quiso que apareciera el verdadero.

- Tuvo un presupuesto de 10 millones de dólares.