Aullidos de la calle

2009-09-03T11:24:00.006-04:00

EL GLOBO BLANCO

Por: Mónica Heinrich V.

El cine iraní se caracteriza por una simpleza exquisita acorde con la represión en que viven. Debido a los requisitos que una película iraní debe cumplir para que se le permita ver la "luz", es que los directores se han dado sus "mañas" para emitir un mensaje de crítica al sistema. Dicho mensaje viene tan encubierto que suele ser difícil catalogarlo como tal.

El Globo blanco en su sencillez sobrecogedora aporta desde su título una profunda reflexión avalada por hora y media de ternura y entretenimiento. Leyeron bien, mis estimados, entretenimiento. Aunque parezca insólito, esta película no es la típica película iraní que tiende al aletargamiento para probar un punto.

Amé El sabor de las cerezas pero era dennnnnsaaaa, amé El Silencio pero, también, era deeeeennnnsaaa, amé La Manzana pero amé más los últimos 40 minutos de la película donde agarró algo de ritmo. En este sentido creo que Los niños del cielo tuvo un ritmo más dinámico también.

El globo blanco antecede a todas estas películas. Lanzada en 1995, es extraordinaria la manera en que desde el primer momento conseguís introducirte en la historia de Razieh. Razieh es una niña de 7 años, que aparece en la primera escena de la película agarrada de la mano de su madre, caminando por las calles.

Una voz en off anuncia a través de la radio la llegada de año nuevo en un par de horas. Razieh está desde el principio pidiendo un pez de colores. En Irán se acostumbra recibir el año nuevo con una pecera que contenga un pez de colores.

Razieh dice que ha visto uno en el mercado que era bonito y que por favor la dejen comprarlo. Su mamá alega que en su casa tienen un estanque con peces de colores y que no vale la pena gastar el dinero en uno del mercado. La discusión continúa hasta que llegan a su casa, mientras el papá se ducha, Razieh hace un pacto con su hermano (como 11 años) para que convenza a su madre de darle el dinero.

La madre termina entregándole un billeta de 500 tomans de los cuales sólo puede gastar 100, el vuelto tiene que traerlo de regreso. La niña emocionada va corriendo a buscar su pez de colores con pecera y billete en mano. Ni bien Razieh deja la casa para ir a comprar el pez, sabemos que la criatura se encontrará con N situaciones. A partir de ahí la nena hace gala de simpatía, viveza criolla, un poco de boludez, ternura, y bueno, espíritu aventurero, además de una perseverancia envidiable

Sólo tienen que imaginarse qué pasaría cuando un niño tiene en su poder un billete grande. Habrá de todo, llantos, explicaciones, miedo, enojo, todo un mosaico de expresiones. La única escena a la que le pongo un pero es a la del soldado, la sentí un poco artificial, ya ustedes verán si se animan a verla, cosa que les recomiendo ampliamente.

La historia es tan simple como parece, pero como ya dije tiene en pequeñas cosas un simbolismo impresionante. El globo blanco se llama, pero el globo no aparece hasta el final, y es la excusa para que nos quedemos con un bonito contraste.

Me gustó mucho, desde el guión que a veces te embargaba de ternura, otras de simpatía y al final te deja la sensación de que no contó solamente algo divertido, sino algo con un carácter social.

La fotografía muy bonita, cuidada, pulcra, sencilla, podría decirse austera. La cámara nos cuenta la historia de manera prolija, planos fijos, algunos planos secuencia, habrá de todo, pero la característica de las películas iraníes es que son de una simplicidad exquisita incluso a nivel técnico.

Las actuaciones? Qué les puedo decir! la niña es un encantito. Y es la misma actriz que Panahi utilizó en su otra película llamada El Espejo. Obviamente que no todos lo hacen excelente pero en general las interpretaciones están muy bien. La dirección merece mención aparte. Panahi era asistente de Abbas Kiarostami (El Sabor de las cerezas) su ópera prima es ésta, el Globo Blanco, y el guión lo escribió Kiarostami basándose en una idea de Panahi. Panahi sabe envolver al espectador en su historia, pasa en el Globo blanco, pasa en El Espejo y pasa en El Círculo. El hombre sabe contar las cosas.

Desde el principio sentís la inquietud por la nena, sabés que puede pasar cualquier cosa, sin embargo todo transcurre tranquilamente con pequeños sobresaltos, con pequeños matices, la película redondea todo en el final, y es el final donde Panahi acierta definitivamente, es el final en que nos damos cuenta de que no fue solamente "entretenimiento", que la niña y su historia de los peces estaban para algo más y que el bendito globo blanco era realmente el eje y contenido de la película.

A Panahi le ha sucedido de todo, además de ser constantemente censurado en su país por la exposición que hace del sistema en sus films, USA le ha jugado dos malas pasadas, la primera cuando haciendo escala en NY para llegar a un festival latinoamericano de cine creo que en Uruguay, lo rebotaron sin miramientos sólo por ser iraní y tener rasgos que pueden desatar la paranoia nacional. La segunda cuando yendo ya a un festival de cine en USA, estando en el festival de toronto, mandaron a pedir sus huellas dactilares para que pueda ingresar al país. Panahi sabe que tanto en la cultura iraní como en las otras culturas del mundo existe una represión manifiesta o latente.

Ahora, para los que ya han visto este tipo de cine, o incluso sean un poco más escépticos a estas cuestiones, quizás encuentren insufrible a Razieh, quizás tengan ganas de sacudir a esa pendeja para que deje de pensar en el bendito pez de colores, quizás les irrite las lágrimas que derramará ante los imprevistos, quizás tengan ganas de cachetear al director por presentar una situación tan manoseada, pero, NO OLVIDEN, fue filmada en 1995. Y desde esa perspectiva a mí me parece sencillamente una joyita. EL Globo Blanco, una película que te prometo vas a disfrutar, y que valdrá la pena verla otra vez. No te quedés sólo con la historia de Razieh, quedate mejor con el solitario globo blanco que ilustra la escena final, si es así acabarás comprendiendo y con esa comprensión vendrá esa sensación conmovedora que te embargará mientras salen los créditos.

Escrita el 5 de septiembre de 2003

2009-06-22T22:54:00.009-04:00

VAL-CAR-CEL

Por: Fred Núñez

Nace en La Paz, Bolivia (1951). Reside en Santa Cruz de la Sierra. Sus áreas de trabajo son las Artes Conceptuales ( Banco de ideas, sistemas creátivos, creatividad aplicada, ideas y textos ), las Artes Visuales y las Artes de la Docencia ( Profesor universitario, conferencista y entrenador creático...) Valcarcél a fundado la sociedad Interplanetaría de Artistas (Galería EMUSA, La Paz 1984) El movimiento Erótico (Bienal de Sao Paulo 1983) y el Banco Nacional de Ideas ( Santa Cruz 1992 )

Mientras escribo intento introducir a Roberto en el tablao. Una pregunta me jode el otro lado: el diseño de esta página. Claro, ese drama es de Omar, pero el hombre está a 2000 por hora con material de último momento para esta publicación. Otra vez soy el último en entregar y Aullidos está a escasas horas de entrar al horno ‘e cocina.

Valcárcel no es sólo un arquitecto y artista plástico inmenso, el tipo es uno de los docentes de Diseño Gráfico más respetado y admirado. Eso, mezclado con el tiempo que no tenemos, me raya la onda. Decido no preocuparme por la cuestión y ocuparme del texto. Además, he visto a Roberto Valcárcel hacer eso reemplazar la imagen por la palabra.

Sí. Hay esa idea resumida en un dicho de que “una imagen vale más que mil palabras”, yo estoy dudando de ese dicho porque en la actual cultura en que vivimos estamos saturados de imágenes. Las imágenes han perdido su capacidad de impacto por la saturación. Me imagino que para un ciudadano común en la época del Renacimiento, entrar a una Iglesia y ver un cuadro pintado, era una experiencia asombrosa porque él en su vida cotidiana no tenía acceso a esas imágenes. Hoy estamos saturados de ellas, las seguimos viendo más como un somnífero que como un detonador de emociones.

CAMBIOS
Sí…efectivamente. A partir de la experiencia con la realidad que se da en la calle, en la TV y también por el contacto con movimientos artísticos que a partir de los años 70 ya se ponen escépticos, críticos, cuestionan la capacidad de la imagen y se inclinan más por un discurso artístico, estético…a través de otros recursos como la palabra, el texto. Cuando vos ves a alguien frente al televisor viendo la intimidad, las poderosísimas imágenes de MTV, u observando películas de acción o terror. Te das cuenta que no causan ningún impacto porque la gente esta insensibilizada por sobresaturación, como que las imágenes a través de su profusión se han desgastado, desemantizados y se convierten en estímulos somáticos pero no de percepción o de cognitivización. Sin la capacidad evocativa o de reflexión que poseían antes. Por otra parte, la palabra como texto escrito no deja de ser forma, no deja de ser imagen. A pesar de prescindir de la imagen descriptiva, referencial mis obras tienen imagen, en el sentido de que están representando los signos del alfabeto.

Es como otra comprensión de la imagen. En las obras en las que tengo exclusivamente texto, cuido el tipo de letra, la composición, la parquedad de la forma y todas esas son decisiones formales a pesar de que estoy manejando texto. Uno de los halagos más interesantes que he recibido en mi carrera de artista, es una invitación de incluirme en grupos de poetas, de manera que se expande el campo de acción de las artes plásticas y trasciende a otras ramas como la poesía, o el teatro…en ese sentido visto en términos generales, se trata de una expansión del concepto del arte y de una tangencia con otras disciplinas.

EL CONCEPTO

“El rasgo principal del arte conceptual es que no tiene una tipología predeterminada, de manera que es un arte tan amplio y tan diverso que no tiene rasgos formales que lo determinen. Arte conceptual es cualquier trabajo en el que predomine la idea sobre la forma. El valor estético de la obra conceptual no radica en su belleza física sino en su belleza de concepto”.

LA RUTINA
“Mis días dependen de mis actividades docentes que tienen horario fijo y varían día a día de acuerdo al horario que me toca. En ese sentido no tengo un día típico, hay medios días en los que estoy libre para mis actividades personales y hay otros que son en la universidad y otros en mi taller. Mi semana es una mezcla entre esas tres actividades. Eso varía cuando hay vacaciones y de semestre en semestre”.

SIGLO XX
“Recuerdo hace muchos años cuando estaba concluyendo mis estudios en la universidad. Me tocó dar un examen de historia del arte…era oral ante un jurado de profesores y expertos, y me hicieron una sola pregunta. Me dijeron: “¿Qué es en su criterio lo fundamental del arte del siglo XX?” y mi respuesta fue un poco descriptiva y dije que primero el artista copiaba la manzana perfectamente, luego la copiaba expresando sus emociones, luego dejó de copiarla y comenzó a interpretarla, y por último comenzó a generar una realidad que ya no tenía nada que ver con la manzana y esa realidad poco a poco, fue convirtiéndose en resumen, síntesis, concepto e idea, hasta que la forma del arte deja de ser forma y se convierte en pensamiento. En resumen, el principal proceso estético del siglo XX ha sido la desmaterialización del arte. Los expertos que me estaban tomando el examen me pusieron la mas alta calificación porque dijeron que había entendido la cosa, como era el asunto”.

KOMESUTRA
“Muchas…Pizza, comida japonesa, majadito…comida cochala, de todo”.

LA MUSIQUE
“Esta mañana en la ducha escuchaba Celia Cruz, ayer escuche música disco techno de los 90s…chill out, rock de los 70s…pero tengo una predilección por música que se escucha poco. No me agrada la música que suena demasiado, me canso rápidamente, no escucho radio porque todo lo que suena en la radio me aburre…busco nuevas sensaciones auditivas. Me gusta mucho Philippe Glass, por ejemplo”.

EL CINE
“Últimamente me gustó mucho Mas extraño que la ficción y si hablamos de mi película favorita de todos los tiempos seria El fantasma de la libertad de Luis Buñuel.

LA LEY DEL DESCARTE
“No sé porque mi decisión de ser artista plástico o arquitecto fue por eliminación, fui pensando que no quería ser medico, no querida ser lo uno ni lo otro, hasta que por desgaste acabe en esto”.

EXPOSICIONES
“No decido, en mi actual situación profesional…la cosa adquiere paradójicamente una especie de rutina, va terminando el ano y recibo invitaciones de galerías para incluirme en el programa del ano que viene. Entonces yo decido con antelación si me voy a comprometer o no en una muestra. Una vez respondida la invitación, se convierte en compromiso”.

PROCESO CREATIVO
“Hay el cuento ese de un emperador chino que llama a un artista para que le pinte un caballo y el artista le dice: muy bien, ya vuelvo. Pasaron 20 años y el artista nunca volvió. El emperador se acuerda y lo manda a llamar, le reclama. El artista saca un pincel y pinta el caballo en un segundo. El emperador le dice: Para que me hiciste esperar 20 años por un cuadro que podías pintar en un segundo. El artista respondió: he tardado 20 años en pintarlo.Entonces el momento de realización de la obra misma pueden ser 20 días antes de la exposición, donde yo reúno trabajo, tiempo y ganas para la gestación de la muestra…Se pueden tener ideas, visualizaciones de una obra concreta pero todo queda como repertorio ya sea registrado en papel o mentalmente, aunque la concreción es breve. Por ejemplo, para mi última exposición del año pasado..en La Paz , me levanté un domingo dentro de mi casa tomé 30 fotos y esas las imprimí, las enmarqué…y las expuse. Esa exposición fue hecha en media hora de toma fotográfica, otra de revelado y otra de enmarcado, pero esa exposición fue pensada en unos 4 meses”.

EL BESO DE LA PITONISA
“La inspiración es una palabra antigua, del siglo XIX, hoy en términos psicológicos se llama asociación…cuando me inspiro asocio ideas de otros lados con las mías o mezclo todo. Entonces en el sentido de esperar que me bese la musa, no…pero que todo el tiempo estoy relacionando cosas, unir cosas que no tenía unidas eso es permanente, constante. Todo el tiempo estoy creando links, ideas que normalmente no están unificadas”.

YO-YO
“El artista no está integrado, no es social, no está encomparsado, metido en clubs…lo cual le confiere una característica de solitario, que puede ser interpretado como egolatría…porque no está centrado en la socialización, sino alejado de la misma para aportar a ella. En ese sentido me considero diferente, al margen, pero ególatra en el sentido de adorarme a mí mismo (que es la etimología de la palabra) diría que no”.

PUPPIES
“Tengo dos perros…los saco a pasear a veces, últimamente no tanto porque el más jovencito se ha dado de hacer pis en el auto. Antes lo llevaba a pasear al parque urbano pero ahora después de que se agarró esa manía…ya no tanto”.

PAJARITO NUEVO
“Es difícil tipicar esa nueva generación, hay personas que destacan porque prometen, hay otras que asumen la forma o el estilo de un arte contemporáneo, pero mucho no tienen que decir. Veo en algunos artistas obras bastante huecas, bastante impactantes a nivel formal en cuanto a su presencia contemporánea pero en el fondo una ausencia de metáfora, de discurso, de análisis y de emoción también. Entonces si hay algún par de artistas que me interesan, pero en general hay muchos artistas que se suben al tren del arte contemporáneo, logran objetos con esa estética, pero en el fondo hay liviandad que no acaba de convencer. Narda Alvarado, me parece una persona interesante. En cada una de sus obras tiene algo que decir y lo dice de manera metafórica y artística”.

ARTE
(Risas) “Me acuerdo de una definición muy bonita, el arte sirve para hacer las habitaciones más agradables…El arte sirve para darnos cuenta de cosas que no nos dábamos cuenta, eso por lo menos en intención. Es un posibilitador cognitivo”.

EL ESPEJO
“Por una parte me percibo como una persona muy sencilla, con una muy fácil reacción a los estímulos y eso es sensibilidad. Tal vez el arte es un canal a través del cual eso puede salir, filtrado a través del intelecto”.

Fuente de fotos: http://www.valcarcel.artspan.com/

2009-06-22T22:49:00.004-04:00

"Nunca más hablemos de esto"

Por: Mónica Heinrich V.

De Rumania tenía una imagen romántica gracias a Bram Stoker, Nadia Comaneci y Hagi (el recordado 10 de la selección rumana de fútbol) Con el correr de los años esa imagen cambió drásticamente.

En su momento vi el documental Children Underground (Niños bajo tierra) que relataba de forma descarnada la vida de los niños rumanos sin hogar, refugiados en las estaciones de metro. Un equivalente de lo que son los canales del segundo anillo en Santa Cruz de la Sierra. Children Underground cosechó un montón de merecidos premios.

En otra ocasión, un guía turístico español respondió a mi pregunta sobre “¿Y Rumania qué tal es?” con un “Es el país más pobre y sucio de Europa”. No obstante es recién AHORA cuando me queda claro el panorama de la compleja situación política y económica de ese país.

Todo esto gracias a un diligente y entrañable (diría Julio Iglesias) amigo, que tuvo la delicadeza de regalarme la película 4 meses, 3 semanas, 2 días, del director rumano Cristian Mungiu (gracias M. A.) El tema puede parecer trillado, una chica veinteañera decide abortar y su amiga, compañera de piso, la ayuda.

Hasta ahí puede tratarse de cualquier historia vista ya. Lo que la hace especial es que se sitúa en ese periodo histórico del régimen comunista de Nicolae Ceaucescu. Y su cadencia y estética transmite un aire opresivo.

Para contextualizar: Ceaucescu subió al poder en 1965, siendo Rumania un país que hasta ese momento ofrecía la posibilidad del aborto como una alternativa y apoyaba los métodos anticonceptivos. Con el señor Ceaucescu llegó para los rumanos un periodo de transición marcado por políticas económicas y sociales que en discurso pretendían equilibrar la distancia entre pobres y ricos, pero que en la práctica sumió a Rumania en una pobreza escandalosa.

Ceaucescu lanzó como una de sus principales premisas la prohibición del aborto so pena de muerte incluso, de acuerdo al número de meses que el embarazo lleve, y negó la posibilidad de acceder a métodos anticonceptivos. Más que por una cuestión moral, la idea de este dictador era aumentar la mano de obra rumana, según sus delirios: para crear una nación más fuerte.

En los hechos la estrategia funcionó, los partos se duplicaron, pero la pobreza que reinaba era tal que la mortandad infantil aumentó, los crudos inviernos, y el mal estado de los hospitales hicieron precarias las condiciones para atender a recién nacidos, por si fuera poco las mujeres que murieron en prácticas de abortos ilegales llegaron a medio millón. A eso se sumó que como la situación económica era tan desesperada, los padres decidían abandonar a los hijos a su suerte, por no tener la capacidad para mantenerlos. Estos son los niños de los que habla el documental que mencioné al principio.

Por otro lado, creciendo en la pobreza que un régimen de casi 30 años instauró, esta generación tuvo poco acceso a la educación y, según estudios estadísticos, fue la más propensa al suicidio y a la delincuencia. Los que consiguieron acceder a la educación eran tratados como manadas en aulas saturadas de alumnos que al salir profesionales tenían que pelear un mismo puesto, para que luego lo gane un hijo de algún funcionario estatal.

En este marco se encuadra 4 meses, 3 semanas, 2 días. Ganadora de la Palma de Oro en Cannes del 2007, se trata de un filme duro, seco, que pone la situación ante los ojos del espectador sin ningún tipo de maquillaje, pero sin intenciones de buscar la lágrima fácil. Aquí no veremos golpes bajos gratuitos, ni efectismos…esta una historia que sabe a verdad.

En 1987, periodo donde el régimen estaba en su máximo esplendor y las prácticas represivas y de control ya estaban arraigadas en el pueblo rumano, Gabitza Dragut está embarazada, en ningún momento de la película se habla del padre, o del por qué toma la decisión de interrumpir el embarazo. Sólo se sabe que está embarazada, que este embarazo no fue ni planificado ni deseado y que para llevar a cabo su decisión cuenta con el apoyo de su mejor amiga, Otilia.

Como se trata de un delito, y no de un delito cualquiera, sino uno de los máximos delitos que se podían cometer durante el régimen, estas chicas sufren mil peripecias para conseguir el objetivo: abortar.

Yendo de recomendación en recomendación, finalmente eligen a un señor, al que irónicamente sus clientes llaman Sr. Bebé (Bebé en español). Gabitza es un poco inepta, tan inepta que ha dejado que su embarazo avance hasta casi los 5 meses (por eso 4 meses, 3 semanas, 2 días), tiempo en que muy pocos abortistas estarán dispuestos a llevar a cabo el trabajo.

No obstante, el Sr. Bebé les da detalladas instrucciones para que el aborto se realice. En este personaje recaen todas las cuestionantes implícitas sobre la dictadura rumana, se trata de un personaje sádico, cruel, un carnicero, que no duda en sacarle provecho a la situación y cuyo trato con ambas chicas será traumático para ellas.

Durante la primera hora de la película no vemos nada más que pequeñas situaciones de la vida de ambas mujeres, las primeras en el cuarto que comparten dentro de las residencias universitarias, luego los pasos que sigue Otilia para hacer la “negociación” con el Sr. Bebé. Y recién cuando ya estamos entrando a la hora de película, nos golpea el acto en sí.

Para eso, Mungiu apostó por el naturalismo más férreo, colocando la cámara como un tercer ojo dentro de la historia, donde el contraplano es casi inexistente y donde no hay musicalización alguna. Esta no es una historia que pueda tener banda sonora. No. Lo que termina haciéndola más opresiva, claustrofóbica y oscura.

4 meses, 3 semanas, 2 días no defiende el aborto, de hecho se sirve de esta situación desesperada para mostrar la fractura de una sociedad estancada y privada de sus libertades más básicas. Esta crítica a la dictadura de Ceaucescu se ve en pequeñas escenas, en el miedo que ambas jóvenes sienten ante la posibilidad de que la milicia o la securité (el similar más salvaje de la Stassi) descubran el delito. En la resignación ante el dolor y el sufrimiento. En el cruce de líneas morales que hasta ese momento jamás imaginaron cruzar, pero que casi sin poder evitarlo terminan cruzando.

Actuada por grandes actores entre los que se encuentra AnaMaria Marinca, Laura Vasiliu y Vlad Ivanov, debe sus grandes virtudes a un trabajo de dirección excepcional por parte de Cristian Mungiu, quien además escribió el guión.

Esta es una película que se sustenta en la historia y en la manera de contarla. Llena de silencios y de tensión ante la posibilidad de que descubran a las protagonistas o la cosa termine en desgracia, el espectador huirá de juicios de valor sobre las acciones de los personajes, íntimamente conmovido por esos seres grises, que deambulan por edificios descascarados, calles oscuras donde no encuentran taxis y rituales que controlan sus vidas.

Lo anecdótico sobre Ceaucescu, fue que este dictador que dejó tantas heridas en el pueblo rumano, es el único dictador de Europa Oriental que acabó fusilado, tumbado por un pueblo harto de sus ataques de megalomanía. Despreciado por los jóvenes que gracias a su política antiabortos nacieron y crecieron resentidos con la pobreza en la que estaban inmersos, mientras él construía un monumental edificio que llamó la Casa del Pueblo, que hoy es el Palacio del Parlamento y que cuesta 8 millones de euros al mes mantener.

Como dato aparte, la familia Ceaucescu prohibió el aborto por ley, pero cuando uno de sus hijos embarazó a una mujer a la que ellos no aprobaban, la hicieron abortar para no “manchar” el linaje de la familia.

4 meses, 3 semanas, 2 días, no puede pasar desapercibida. Es una película necesaria por la historia y el contexto que muestra, encima la forma en que fue filmada, la estética y el manejo narrativo bien valen la pena.

Muy buena película, su final es uno de los mejores finales que he visto en mucho tiempo…me dejó pensando y con la piel erizada un buen rato. Así da gusto ver cine.

Lo mejor: Sencilla y perturbadora

Lo peor: Duele

La escena: El final, la mirada…

Lo más falsete: nada.

El mensaje manifiesto: La vida a veces no es vida

El mensaje latente: Hay cosas que duelen tanto, que es preferible fingir que no existieron

El consejo: Vela cuando no estés depre.

La pregunta: ¿Qué habrá pensado Ceacescu cuando estaba frente a los soldados que lo fusilaron?

CURIOSIDADES
- Esta obra es la primera entrega de un proyecto más amplio titulado ‘Tales of the Golden Age (Relatos de la edad de oro’, una historia subjetiva del comunismo en Rumanía contada mediante su leyenda urbana, sin hacer referencias directas pero contando diferentes historias que enfoquen opciones personales en una era de infortunio. “Las personas que leían mi historia también tenían una historia personal de ese tipo que compartir. De pronto, todos tenían algo que contar acerca del tema. Me quedé asombrado al descubrir que era una historia muy común que siempre se había escondido entre las sombras. No usé ninguna para la película, preferí ceñirme a la que conocía bien, pero me ayudaron a entender la amplitud del fenómeno”, explica Mungiu.
- El director afirma que no utilizaron ni trípode, ni grúas, ni travellings, ni steadicam ni ningún otro elemento de apoyo de la cámara para eliminar cualquier artificio destinado a embellecer el plano, con la intención de “captar la emoción y la verdad”.
- Costó aproximadamente 600.000 euros.
- El director sólo tenía claro a un actor cuando redactó el guión, a Vlad Ivanov, que hace el papel del Sr. Bebe.

2009-06-21T00:24:00.008-04:00

"Ñoña Querida"

Por: Mónica Heinrich V.

A las 23:30 de la noche, Moniq H. se seca un par de lágrimas y sonríe. Mientras tanto, en el blog Aullidos de la calle, a la misma hora llega algún visitante.

A su vez, Amelie se pasea en la memoria de los que la conocieron y vieron en ella la luminosidad que sólo otorga lo simple de la vida. Quizás vos que me leés sentís lo que siente cualquier ser humano, apatía, soledad, tristeza y cualquier epíteto pseudopatethique, sin embargo... no te preocupés, no te desesperés porque quizás un saltamontes azulado te visite, o en el mejor de los casos adoptés la figura de Robin Hood, La mujer maravilla o algún similar para abrazar las causas perdidas y pensés heroícamente que el mundo se puede cambiar, que podés conseguir el desarme mundial o una Bolivia unida.

A las 23:32 de la noche, Moniq H. piensa que es una linda noche. Mientras tanto, vos lector anónimo (pero muy único) podés atreverte a descubrir a Amelie, no porque lo diga la ahora, ridículamente optimista Moniq, no...sino por salud espiritual.

Lo que a Moniq le gusta de Amélie es que por encima de todo es una caricia al espíritu, un soplo de frescura, una oleada de ternura, una experiencia visual casi perfecta, una mágica pincelada de optimismo, una inyección de belleza.

Lo que a Moniq no le gusta de Amélie, es que termine, es que uno no sabe qué hacer con el recién adquirido optimismo, es que te sentís torpe ante el descubrimiento de su mundo y te sentís demasiado ingenuo e inexperto por no haber imaginado siquiera que existía.

Amélie, te diría pelotuda acá en confianza, pero respetando tu misión me lo callo. Amélie te diría con el cinismo o el escepticismo que siempre me ha caracterizado: "bajá de la nube de pedos en que vivís", pero no, también me lo callo, porque acá entre nos creo que yo soy más pelotuda que vos...

Pero, si vos te estás preguntando, por qué carajos Amélie es tan especial, ya te lo digo: Imaginate un cuento, un cuento como los que te contaban cuando eras niño, imaginate tu protagonista Amélie, una individua pura, sencilla y más simple que un frejol, imaginate París, y dentro de París y alrededor de Amelie, personajes peculiares pero divertidos, imaginate a Amelie encontrando una pequeña caja que perteneció a un niño que vivió 50 años atrás en su departamento, imaginate que Amélie decide buscarlo para darle la felicidad de devolverle su infancia.

Y entonces Amelie obtiene tan buenos resultados que decide hacer por más personas algo que les de felicidad, tan sencillo como eso. Y la felicidad que muchas veces hemos creído inexistente, efímera o difícil de lograr, parece existir en pequeñas grandes cosas, y aunque parezca mentira Amélie tiene razón. Vos que estás leyendo, quizás tenés algún recuerdo o alguna sensación que de repetirse te traería un sentimiento de felicidad o te movería a sentirlo. Entonces eso es Amélie, dos horas de calidez y, por qué no, de felicidad.

Si a las 23:37 de la noche dejamos de lado la historia de Amélie y al mismo tiempo nos adentramos en la calidad fílmica de la misma, podemos decir que es una obra de arte.

Amélie cautiva en su manejo de cámara, en su trabajo de guión, en su exquisita fabulesca fotografía, en su acordeonada banda sonora, en su amorosa dirección, porque a las claras se ve que el director de la película se ha enamorado de Amélie. Y las actuaciones nos hacen pensar que los actores se han enamorado de sus respectivos personajes, porque más que representarlos los viven. Jean-Pierre Jeunet, el autor de "Delicatessen", "La ciudad de los niños perdidos" y "Alien: Resurrección", es el creador de Amélie, y desde ya se ganó mi simpatía al decir que le gustó Erin Brockovich pero no la filmaría.

Señor Jeunet le seguiré los pasos muy de cerca. A las 23:40 de la noche, Moniq piensa que hace mucho no veía una película tan bonita. Mientras tanto en el blog de Aullidos de la calle, alguien lee esta opinión y piensa: ¿Qué tal será Amélie?...Mañana, quizás, lo descubra. Al mismo tiempo, alguien que en el pasado conoció a Amélie, la recuerda y nostálgico la evoca.

En el futuro, Moniq sentirá lo mismo ...

Escrita el 23 de agosto del 2002

2009-06-19T09:51:00.008-04:00

Bueno, en vista que realmente colgamos los tenis con nuestra versión impresa, vamos a ir subiendo las notas que teníamos listas desde hace 2 años. Una de ellas es la entrevista que le hicimos al director de cine Matías Bize.

MINIMALISMO BIZE

Por: Mónica Heinrich V.

Acostumbrada ya a los desaires (Almodóvar aceptame!!) o a las burocracias impuestas por productoras o el mismo artista, quedé sorprendida de recibir una respuesta del propio Matías Bize, dándome todas las facilidades para realizar mi entrevista.

Es hasta raro, considerando que hay directores “criollos” que se hacen de rogar para dar entrevistas como si lo que vayan a decir fuera a revelar el sepulcro de Cristo.

Matías es otro tipo de cineasta, quizás porque todavía no ha tenido tiempo de corromperse, a pesar de los flashes y de cargar sobre sus espaldas casi medio centenar de premios en diferentes festivales. Lo cierto es que el “ego” subido de algunas personalidades todavía no es algo que se pueda apreciar en él. Lo llamé a las 4 de la tarde de un viernes, con los nervios que siempre me producen las entrevistas (por aquello de mi nunca diagnosticada fobia social) y como siempre, también, con la esperanza de que la conversa sea variada y digna de publicarse.

Matías se ve y se escucha tímido, o más que tímido no es el chico que uno se imagina en las fiestas dándole vuelo a la hilacha, pero nunca se sabe ¿no?...el caso es que a pesar de ser joven, tiene muy claro lo que quiere y hacia dónde va. Después de dar las típicas referencias autopublicitarias de Aullidos de la calle, me jui directo al grano

¿Como fue que supiste que lo tuyo era el cine?
Sabía que quería estudiar una carrera entretenida, en la cual la pasara bien. Mis padres son arquitectos, así que tuve una formación súper ligada al arte…a la música.

¿Es verdad que cuando eras niño el cine no te interesaba?
De hecho veía mucho más teatro, me gustaba bastante ver teatro...jugar fútbol. Pero sí sabía que cuando salga del colegio quería estudiar algo que me gustara. Entré a la Escuela de Cine de Chile como por probar qué estudiar. Se filmaban muchos cortometrajes, se trabajaba en grupo, se entregaba un corto cada dos semanas…y lo disfruté mucho. Uno en la escuela va pasando varias especialidades: dirección, fotografía, guión, cámaras…entonces me fueron gustando todas las áreas del cine y ahí fue que empecé a ver películas. Poco a poco vi la necesidad de ver cine.

¿En la escuela de cine eras de los mejores alumnos o ahora hay compañeros tuyos que se sorprenden de tus logros?
Siempre fui como súper estudioso y trabajador…sí.

¿Pensás que para hacer cine hay que estudiar cine? Porque hay directores como Kim Kim Duk que son intuitivos…
Creo que cada uno encuentra su camino. A mí me sirvió la escuela porque aprendí bastante, pero siento que con cada película que hago aprendo más…No creo que haya una receta, cada uno tiene que encontrar en el fondo lo que le sirve. Algo que me parece muy bien de la escuela de cine, es que uno sale con, aparte de una formación, una red de amigos. Compañeros de trabajo con los que sigo trabajando y eso te lo puede dar solamente una escuela.

La revista “Cahiers du cinéma”, una de las más influyentes del mundo sobre el cine, te catalogó como la figura prometedora del cine en tu país….cómo te cayó el halago?
Muy bien, siempre es bonito que reconozcan el trabajo que uno ha hecho…creo que En la cama fue un trabajo bastante colectivo…claro que yo soy la cara visible, pero hay dos grandes actores, el director de fotografía, el guionista, hay un equipo súper bueno…pero es un halago y es bonito que se reconozca lo que uno está haciendo…

¿Pero vos pensás que de tu generación sos el mejor o el más prometedor?
No, no, no…me siento parte de una generación con bastantes directores chilenos, jóvenes, pero más que chileno soy parte de una gran generación de directores latinoamericanos. O sea, estamos haciendo películas independientes y con independientes me refiero a personales. Más que de autor, son películas que a cada director le interesa, cada película tiene un detrás….sus gustos son reflejados en la película.

Hiciste tu primer filme a los 23 años, cómo te animaste, habiendo tantos directores que desean esperar…probar con cortos, documentales y retrasar su debut en largometrajes?
Me di cuenta que para ser director de cine había que tener una película, hacer una película, más que haber estudiado, tener un cartón…y entonces supe que lo mejor que podía hacer era filmar una película.

Casi todos tus trabajos los has filmado en condiciones muy peculiares… ¿cómo nace la idea de filmar una película de una determinada manera o es una cuestión de ajustarse a presupuestos?
Tiene que ver con varias cosas, porque por ejemplo me interesa que en las películas que hago, lo más importante sea el guión, la historia, las actuaciones y no una gran producción. Siento que me gusta que la energía esté puesta en esos elementos. Creo que por ejemplo, al no contar qué sucede antes o qué pasa después, puedo profundizar los personajes, que es lo más importante. Esto de simplificar tiene que ver con sacar los elementos accesorios y concentrarse en lo que a mí parecer es el momento más importante de la historia.

Pero alguna vez ¿te gustaría hacer una superproducción?
Depende…más allá del presupuesto que tenga…lo importante es que yo me sienta cómodo contando esa historia. Que esa historia me represente. Me gusta hablar con bastante verdad, con cosas que sean cercanas a mí, a mis amigos…historias que podrían pasar. Me siento más cómodo haciendo películas de historias sencillas de gente de mi generación, de relaciones, de cosas con las que cualquiera se puede identificar…más que una superproducción histórica, por ejemplo.

Sábado tu primer filme la hiciste con una cámara, una sola cinta y alrededor de 55.000 $us., todo un desafío…
No, no….Sábado costó 50 $us…

Pero en Internet daban esa cifra (Maldito Internet)
Lo que pasa es que la película es un plano secuencia, filmado en digital, no tiene proceso de edición…es una cinta grabada en video de una toma y nada más. Entonces es una película que costó nada…El video y un par de tarjetas de teléfono y nada más. Sí hay un proceso muy largo de trabajo. Como 6 meses de ensayo con los actores…pero así como costo real del filme, nada. Eso nos sorprendió a todos, porque no tuvo ningún costo y a mí me abrió las puertas a muchos festivales, y además tuvo el circuito completo de una película normal. Estuvo en salas de cine, salió en DVD, en televisión…cumplió el ciclo de cualquier película.

Por la arriesgada propuesta ¿tuviste miedo al fracaso?
No, porque en el fondo no había nada que perder. Y siento que en las películas que hago no tengo nada que perder, porque estoy aprendiendo mucho. Más allá de lo que pase con la película, disfruto el proceso. Todo lo que aprendí del rodaje de Sábado, lo he puesto en En la cama… no hay ninguna manera de fracasar porque estoy aprendiendo mucho. Lo que me preocupa más es que la película me guste a mí. Siento que si me gusta a mí, finalmente va a conectar con mucha gente.

Cuando volvés a ver tus películas, no te entrar el bichito de desear cambiar algo?
No, no…para nada. Cuando termino una película la quiero mucho. Como que ya la acepto y me fascina. Hasta el momento en que cierro el montaje lo pongo todo en duda y estoy como preocupado de cómo está quedando. Pero el momento en que está cerrada no le cambiaría nada. Las disfruto cada vez que las veo…

¿Cuántas veces las has visto?
Ufff…millones de veces, porque en los festivales la he visto con distintos públicos. Ha sido una de las cosas más bonitas que me ha pasado. Presentar En la cama en diferentes países, con diferentes culturas…Creo que la película funciona porque finalmente es un filme que termina siendo muy universal…La gente se entretiene, la pasa bien, pero lo más importante es que se emociona. A mí como director eso es lo mejor que me pueden decir, que alguien se me acerque después de una función y me diga que le conmovió o que lo emocionó.

Es una coproducción Alemana…¿de cómo se dio esa alianza?
Esto nació con Adrián Solar que es mi productor. Nosotros tuvimos la suerte de estar en el Festival de Mannheim en Alemania con Sábado, y de ahí surgió esa posibilidad. Lo que pasa es que Sábado ganó el premio Rainer Werner Fassbinder y paralelo al festival estaban los mercados. Entonces era un escenario ideal, porque estábamos en el festival compitiendo con Sábado y además teníamos En la cama como proyecto, como guión. Hubieron varios interesados, finalmente trabajamos con los alemanes que nos ofrecieron lo que más nos interesaba…

Que era filmar en Chile ¿no?
Que era filmar en Chile y hacer toda la postproducción de imagen en Alemania.

Has ganado muchos premios en diversos festivales,¿llevás la cuenta??
Sí…En la cama ya lleva como 35 premios más o menos. Sábado habrá ganado un poco menos. Me siento contento porque ha superado nuestras expectativas totalmente. El hecho de que En la cama haya sido vendida en casi todo el mundo es algo que nos sorprende.

¿Qué hacés con los premios?…tenés un mueble especial para colocarlos o sos de los que los guardas en cualquier lado?
Están repartidos entre la productora y la casa de mi madre.

Con respecto a En La cama…las escenas sexuales son bien intensas… ¿qué tan problemático fue filmarlas?
Fue un desafío…y las trabajamos muy seriamente. Las escenas las ensayamos con mucho tiempo de anticipación. En la cama tiene un proceso como de 6 meses de ensayo y las escenas de sexo se ensayaron bastante. Las rodé con una handycam , después las montaba en el computador, las veía, se las mostraba a los actores, las conversábamos…entonces todo el pudor se fue perdiendo en esos ensayos. Llegado el momento del rodaje se hizo muy natural. Además En la cama la rodamos en orden cronológico, ayudó mucho para los actores, a mí como director y al equipo. Empezar el día 1 con la primera página del guión y terminar el día final en la última página, hizo que viviéramos un proceso como el de los personajes…

¿Alguna anécdota entretenida de la filmacion?
Fue una filmación muy cómoda. No tuvimos ninguna anécdota, porque trabajamos de una manera muy cómoda. Estábamos en un motel de verdad, entonces nos dejaron una habitación que pudimos decorar y transformar a nuestro gusto. Fue un rodaje en el que no había muchos tiempos de espera, muy enfocado a estar todo el tiempo filmando.

¿Cuánto duró la filmación?
Duró 14 días…y grabamos cerca de 60 horas de material. Entonces el proceso de montaje fue muy bueno, porque tenía muchas tomas para elegir.

El año pasado hiciste otra película Lo Bueno de llorar que filmaste sólo en 11 días, ¿qué tal fue esa experiencia?
Esa la filmé en Barcelona, en estos momentos estoy en la plena postproducción del sonido de la película. La filmé en el mes de mayo del año pasado. Es una producción española, con actores españoles. La idea es que esté lista de aquí a dos meses más y queremos que al igual que En la cama tenga su recorrido en festivales de cine…ojala algún premio importante y luego ya los estrenos comerciales de la película.

Pero ya habías hecho un estreno del primer corte…
Más que un primer corte se mostró una especie de working progress, como un primer montaje de la película y fue súper bien. La vio la gente del equipo, era como parte del proceso.

Cómo andan tus próximos proyectos?...Prefiero Caminar y Después de fiesta?
Están ahí, sí…pero ahora estoy súper dedicado a terminar esta película…tengo varios proyectos parados…

Con relación al ambiente audiovisual… ¿existe envidia de parte de tus colegas chilenos?
A mí lo que me ha tocado vivir, es que tengo muy buena relación con los cineastas chilenos. Como de estar en festivales de cine afuera juntos, estar acá juntos…como que a mí no me ha tocado vivir eso.

¿Sos de los que muestran su guión a los amigos o conocidos del medio antes de filmarlo?
Tampoco me gusta mucho mostrar tanto, pero suelo tener dos o tres personas de confianza que me puedan aportar en relación a esa historia. No soy muy amigo de mostrarlo haciendo un focus group o enseñárselo a mucha gente, pero es como un mecanismo de trabajo mío. Al igual que el montaje final de la película, se lo muestro a dos o tres personas que siento que conocen mi trabajo y que pueden aportar.

¿Qué tan difícil ha sido conseguir presupuesto para tus películas?
He tenido bastante suerte. Trabajé películas sencillas con bajo presupuesto, no ha sido un trabajo fácil pero hemos ido súper rápido. No nos hemos querido frenar, tuvimos una coproducción con Alemania, ahora con España. A mí se me ha dado súper rápido el tema de los presupuestos.

¿Has recuperado la inversión?
Sí, porque son películas muy sencillas que funcionan no sólo en el país sino en el exterior…

Con respecto a la temática de tus filmes, se puede decir que abordás la relación de pareja de una manera muy realista…
Es lo que me interesa, me gusta hablar de temas cercanos…

¿Entonces ves el amor como un desengaño o como algo que tiene tiempo de caducidad?
No, no…para nada. Son fantasías, son guiones como que uno mezcla de todo. Tiene que haber un drama en una película. Pero no es que sea mi visión del amor…Más que dejar un mensaje, me gusta que quede una reflexión…Se cuenta una historia muy realista y uno se queda pensando en sus propias relaciones…

En En la cama hay una escena en que Gonzalo habla sobre la memoria colectiva que une a las personas por mirar un determinado tipo de cine…¿vos de qué grupo sos?
Creo que soy del grupo que está mal…porque miro todo tipo de cine. Mezclo todo, en el fondo todos somos así…bueno, también es un chiste lo que dice Gonzalo…Intento ver las películas que creo que me puedan gustar, quizás más de autor o lo que están haciendo jóvenes latinoamericanos, cine independiente europeo, americano…más que ver grandes superproducciones hollywoodenses. Me interesan las películas sencillas…

¿De los directores latinos jóvenes…quiénes te parecen prometedores…?
A ver me gusta mucho en Bolivia Rodrigo Bellot y Martín Boulocq. Creo que están haciendo cosas notables, tengo la suerte de conocerlos y ser amigo de los dos. En Perú está el Josué Méndez, está Made in Usa de la Claudia Llosa. En Argentina hay millones de directores que me parecen interesantes. En Uruguay Whisky…en México Batalla en el cielo, Temporada de patos, Japón…hay súper nuevas propuestas con directores jóvenes haciendo películas geniales…Más allá de qué estética usan, me gusta que un director sea coherente con cómo son ellos con respecto al cine que hacen. Por ejemplo, Quién mató a la llamita blanca sigue la línea de Dependencia Sexual…y estoy seguro que Martín Boulocq seguirá la línea de Lo más bonito y mis mejores años.

Hasta ahora la prensa y la critica te han tratado muy bien, ¿te tomarías a mal una crítica muy negativa?
Creo que la idea es no tomar muy a bien las críticas positivas, ni muy mal las negativas. A mí lo que me deja tranquilo, es que me gustan las películas que hago. He tenido la suerte y estoy muy agradecido por las críticas que he tenido hasta ahora, pero siento que más allá de lo que opina la gente, al que más le tiene que gustar es a mí.

Del cine comercial, qué directores o qué película te ha gustado?
Veo muy poco, por ejemplo no he visto El Señor de los Anillos…me encantaría verla, pero no me ha dado tiempo de hacerlo. No por un prejuicio, sino porque a veces cuando tengo tiempo de ver una película, entre ver una de autor que creo que va a ser más interesante para mí, la prefiero antes que a una comercial.

Recomendanos 3 películas que te hayan gustado y que hayas visto últimamente…
Chuta, qué difícil…Grizzly Man de Werner Herzog, por ejemplo…No sé si salió en Bolivia, si va a salir…

(Ahí le informo sobre nuestra triste realidad nacional) Nop, no ha salido…aquí el cine de autor brilla por su ausencia…
Es un documental de Herzog, sobre un hombre que vive un montón de tiempo con los osos. Me pareció genial. Después…recomendar Whisky…Batalla en el cielo, que me parece genial…Me gusta mucho Magnolia, me gustó Flores Rotas de Jim Jarmusch…Perdidos en Tokyo…

Y para finalizar…que le decís a aquellos jóvenes que como vos sueñan con hacer cine pero no se animan porque lo ven muy difícil…
Primero sí, es súper difícil…no es un trabajo fácil. Hay que saber que no es un trabajo de llegar, tener una cámara y hacer una película. Creo que no hay que pensar que el presupuesto es el gran problema. Creo que la gran dificultad es tener un buen guión, que los actores actúen bien, que uno filme la película de una manera buena…eso es lo que tiene que ser motivo de preocupación. Y ojala, hacer una película que uno sabe que puede hacer desde el punto de vista de presupuesto, que sea factible hacerla. Si tienes un amigo que hace cámara, si tu hermano es actor, entonces haz una película para tu amigo y tu hermano. Tener claro qué es lo que uno puede hacer, partir de eso y trabajar mucho. Finalmente preocuparse de ser uno el más contento con la película…

Y así terminó la charla, no sin antes prometerle enviarle un par de ejemplares a Chile, seguimos con la descarada estrategia auto-publicitaria de la revista. Lo importante es que Matías es un director que ya no es una promesa, sino una realidad.

FILMOGRAFIA
Sábado (2003)
Dirección: Matías Bize
Guión: Julio Rojas y Paula del Fierro
Cámara y fotografía: Gabriel Díaz
Elenco: Blanca Lewin, Víctor Montero, Antonia Zegers, Diego Muñoz, Gabriel Díaz
Película en tiempo real de 60 minutos de duración en la que, con un solo plano secuencia, narra la historia de una novia que, a una hora de su enlace, descubre que su prometido le es infiel.

En la cama (2005)
Dirección: Matías Bize
Guión: Julio Rojas
Fotografía: Gabriel Díaz, Cristian Castro
Elenco: Blanca Lewin, Gonzalo Valenzuela.
Dos jóvenes desconocidos (Bruno y Daniela) tienen un intenso encuentro sexual en la cama de un motel. Jamás se volverán a ver. Poco a poco abrirán su pasado y su intimidad. Terminarán por conocerse.

Lo bueno de llorar (2006)
Dirección: Matías Bize
Guión: Matías Bize y Matías Cornejo
Fotografía: Gabriel Díaz
Elenco: Paul Berrondo, Alex Brendemühl, Biel Durán, Vicenta N’Dongo, Eloi Yebra
Es una crónica minimalista sobre el término de una relación de pareja a lo largo de toda una noche en Barcelona. La historia se resuelve con un guión abierto a la improvisación y la creación conjunta con los actores.

FUENTE FOTOS: Internet

2009-06-15T09:02:00.004-04:00

EL MUNDO EN 4 IDEAS
Por: Irma Velasco P.

30 de septiembre de 2005. El profeta Mahoma fue retratado con una bomba sobre la cabeza, en lugar de su habitual turbante. Se trataba de una serie de 12 caricaturas, que el diario danés Jyllands Postem se permitió hacer del fundador del Islam. Pero si la intención era la de realizar una sátira humorística, la reacción del mundo árabe estuvo lejos de la risa, y muy por el contrario, las respuestas alcanzaron el sinsentido: las embajadas de Dinamarca y Noruega en Siria fueron incendiadas, el gobierno danés cerró sus sedes diplomáticas en Pakistán, Indonesia e Irán, y seis meses después, medio centenar de personas perdió la vida- en nombre de Alá- durante las insistentes protestas en contra de las viñetas.

Febrero de 2007. Un informe sobre el cambio climático es presentado por las Naciones Unidas. ¿Su contenido? Un termómetro global que marcará 6,4 grados de más a finales de siglo, con la anunciada consecuencia de la subida de temperaturas, el aumento del nivel de los mares, de las sequías e inundaciones, además de fuertes catástrofes naturales.

19 de marzo de 2007. Estados Unidos conmemoró el cuarto aniversario del inicio de la guerra en Irak, en medio de una presión creciente para finalizar un conflicto, que se ha cobrado la vida de unos 3.200 soldados estadounidenses y decenas de miles de iraquíes.

21 de marzo de 2007. Britney Spears salió del centro de rehabilitación Promises de Malibú, tras concluir un tratamiento de un mes. La princesa del pop espera reactivar su carrera, que se encuentra en pausa desde el lanzamiento de su disco In the Zone en 2003.

Esta lista de hechos no parece más que eso, una simple enumeración de sucesos que pueden estar conectados o no guardar ninguna relación entre sí. ¿Qué tienen en común las mañuderias de una celebridad, que ha dejado una exitosa carrera en suspenso, con los inusuales efectos causados por las caricaturas de Mahoma? Para un grupo de filósofos y sociólogos, que se ha propuesto la tarea de comprender qué sucede en la vida contemporánea, se trata de una serie de indicios que permiten ver al mundo de cierta manera o más bien, a través de cuatro distintas miradas.

Para el sociólogo británico Zygmunt Bauman, la inestabilidad en la profesión de la cantante americana, se ilustra con una metáfora que él llama: La vida líquida. “Hoy nos enfrentamos a una vida precaria y de continuas incertidumbres, en la que las mayores preocupaciones nacen por el temor al fracaso, por el miedo a quedarse atrás y no seguir velozmente el ritmo de los sucesos”, escribe el autor en su libro homónimo.

En la vida actual, insiste el británico de 81 años, nada tiene contornos nítidos, fijados con solidez previamente para todos. A su parecer, esto influye en las relaciones humanas, precarias también, en cuanto las personas no quieren sentirse ‘enjauladas’.

Además del retrato de una sociedad estresada por la necesidad de renovación y cambio, en la que el amor también es líquido, Bauman se refiere a un mundo efímero que ha sustituido a los héroes por las celebridades. “Mientras hace 30 años, el ámbito de la cultura, se caracterizaba por ser repetitivo e idéntico en el tiempo, hoy se ha convertido en algo líquido, difícil de gestionar y rebelde, bajo la lógica del consumo excesivo como los otros aspectos de la vida cuotidiana”.

Finalmente, el investigador propone una distinción interesante, una especie de nueva separación de clases: Por un lado, existe una clase culta, voluntariamente híbrida, con expectativas extraterritoriales, que se traslada constantemente de un lugar a otro y cambia continuamente estilos de vida y de consumo más allá de las fronteras nacionales, lingüísticas y culturales. Por otra parte, está el pueblo que pertenece a una unidad política territorialmente circunscrita, a un estado y a una comunidad jerárquica, fiel a sus valores y tradiciones. Entre las dos partes, escribe el autor, se desarrolla un diálogo entre sordos.

Muy cercano a este concepto de incertidumbre, es el postulado defendido por el alemán Ulrich Beck en su texto de referencia, La Sociedad del Riesgo.

Según Beck, el terrorismo, las epidemias, las crisis económicas y energéticas o los problemas climatológicos, confirman esta interpretación de la modernidad.

“El mundo moderno, con su ritmo vertiginoso crea profundas diferencias entre el lenguaje del riesgo controlable en el cuál pensamos y actuamos y las formas de la inseguridad no controlable, también creadas por nosotros”, escribe el autor.

En pocas palabras, el desarrollo tecnológico crece a tal ritmo, que ciertas innovaciones difícilmente pueden ser incorporadas a nuestras medidas de seguridad, de la misma manera que no pueden ser designadas por el lenguaje. Beck piensa por ejemplo, en los dispositivos de las reservas radioactivas. Es una cuestión de tiempo, pero también de fe.
Mientras una vez, la filosofía de la seguridad se basaba en una especie de confianza existencial, que permitía que el tomar una avión no requiera más tramite que el llenar un formulario en el que respondíamos negativamente a la pregunta ¿es usted terrorista?, hoy, indica el autor, se ha institucionalizado una cierta desconfianza existencial traducida en el los rigurosos controles de los aeropuertos.

Sin embargo y a pesar del pánico colectivo que, obliga por ejemplo a que sedientos turistas en la Unión Europea, no puedan entrar a ciertos museos con botellas de agua, por el peligro de posibles bombas líquidas, esta cultura de la inseguridad es, según el estudioso alemán, conciente de que conservar permanentemente la seguridad es altamente riesgoso, pues amenaza la libertad y la capacidad de innovación.

Desde Estados Unidos llega la visión del pensador político Samuel Huntington, con la obra El Choque de Civilizaciones, uno de los libros que más polémicas ha causado en los últimos tiempos, puesto que propone una configuración geopolítica del mundo, muy criticable.

Durante las décadas de la guerra fría, expone Huntington, los conflictos mundiales tenían raíces de orden ideológico y económico; inicialmente el planeta estaba configurado en dos bloques, el occidental o capitalista y el bloque comunista. La caída del comunismo, ayudó a reforzar un resurgimiento o una reafirmación de viejas civilizaciones. Resurgimiento que ha comportado un rechazo, de todo aquello que proviene de Occidente, que han supuesto un retorno a los más autóctonos orígenes culturales: unos orígenes que son fundamentalmente religiosos. Así, pues, emergen unas viejas civilizaciones, que tienen en la religión su más profunda identidad Pero el autor va más allá y apuesta por la siguiente predicción: “El occidente será amenazado por una serie de enemigos, de los cuales, el mundo árabe será el más duradero y peligroso”.

Mientras que para algunos, los atentados del 11 de septiembre de 2001 dieron a esta frase, escrita en 1997, un poder visionario, para otros significó reavivar un doloroso debate sobre una teoría, que no ve distinciones entre el mundo musulmán y sus seguidores fundamentalistas.

Lejos de la polémica y aplaudido por la comunidad internacional, el economista indio Amartya Sen nos regala un nueva visión sobre la economía y los conceptos de desarrollo.

Su trabajo, cuestiona los parámetros actuales para determinar los niveles de progreso. Para Sen, éste no puede medirse con los usuales productos brutos per cápita. Es necesario avanzar hacia una visión más amplia y real que no sólo se relaciona con satisfacer las necesidades básicas de nutrición, salud y vivienda, sino que incluye las de cultura, participación y productividad.

En ese sentido, es importante para una persona el poder tener opciones de trabajo, es decir el poder elegir, así como es fundamental cultivarse a través de la cultura; tener acceso al conocimiento, a las artes y a la tecnología. En el fondo, asegura el premio Nóbel de economía, se trata de promover la libertad.

Bajo ese mismo concepto, influye también el tener una vida estimulante y un autoestima elevado. Todo ello debe medirse porque hay progreso, cuando hay avance en esas capacidades. Es así que el economista pone de ejemplo a Costa Rica, como una sociedad modesta, pero humanamente exitosa.

Aunque no tengan la última palabra, cuatro de los pensadores más importantes de la actualidad, contribuyen con sus ideas a la radiografía de la sociedad contemporánea, a ver bajo sus ojos lo que quizás este sucediendo...

Los pensadores y sus obras

Zygmunt Bauman – Vida Líquida

Ulrick Beck- Sociedad del Riesgo

Samuel Huntington – El Choque de Civilizaciones

Amartya Sen – Etica y Economía.

2009-06-11T08:02:00.007-04:00

“STOP”
Por: Mónica Heinrich

"A cada uno su vida, a cada uno su moral, si tuviera que resumir mi vida es muy simple, es la de un pobre tipo" nos cuenta nuestro protagonista al principio del filme.

Es casi imposible no sentir simpatía por los seres marginados. Quizás porque de alguna forma uno también se siente bicho, un Juan Pablo Castel atrapado en un jodido túnel, un Holden Caulfield del nuevo siglo. Es más fácil pensarse o creerse “diferente”, adoptar alegremente la etiqueta de “incomprendido”, ajeno a tu generación, particular dentro del sistema, cuando en realidad se termina siendo parte de esa masa de Yos automarginados.

“Debería mostrarte mi moral? No te vas a arrepentir? Te vas a asustar. Aquí está mi moral. La moral es esto.” (Saca un revólver)
"El film más perturbador de la década", "Sólo para público con criterio formado" "Advertimos que esta película contiene escenas que pueden afectar la sensibilidad del espectador", son algunas de las cosas que dicen en la caratula de Seul contre tous (Solo contra todos), y claro está, el botón de que fue ganadora del primer premio en la semana de la crítica de Cannes en 1998.

Todo esto parece ser motivo suficiente para tomar dos caminos en este mundo cruel: 1) Preservar tu salud emocional y psicológica y huir de este filme como si fuera Satanás en una Hummer y 2)Verla, sabiendo que te va a hacer trapo y te va a dejar imágenes pendejas en la cabeza.

En una fase de exploración decidí seguir la ruta número 2, muy convencida que en esta vida ya lo había visto todo y que nada podría ser tan grave para tanta alharaca.

“Nacer pese a uno mismo. Comer. Clavar la pija. Dar vida. Morir. La vida es un gran vacío”
Solo contra todos es tal cual su título el manifiesto de un ser marginado, llevado a la orilla de lo socialmente correcto, un ser que rebasa todos los límites de tipo moral, ético o sentimental. Una piedra que corre a través del mundo movida solamente por un odio irracional hacia el prójimo y un desprecio arraigado hacia lo que cualquier ser humano considera esencial para seguir viviendo: la familia, el amor, la amistad, la justicia, etc..

Es la historia de “un pobre tipo”, que nos mete con un zoom al alma de un carnicero, un hombre totalmente alejado de lo positivo de la vida, de relaciones sanas, de pensamientos buenos. El carnicero circula en la pantalla cargado de odio, y es paradójico que sea de profesión carnicero, ya que parece, él mismo, haber sido víctima de una carnicería emocional, donde no quedó nada dentro del pellejo que lo sostiene en vida.

“Pero sentirse solo no significa nada. Puedes vivir con un tipo o con una mujer, inclusive con tus hijos y sentirte solo. Vivimos, nacemos, morimos solos. Solos, siempre solos. Y hasta cuando cogemos estamos solos”
Para no desentonar, la vi SOLA una gloriosa tarde de 1999, hace ya 10 años y aún hay escenas que me persiguen, me acosan y me invitan a la más profunda depresión. Quizás se deba a que es la película más violenta (psicológicamente hablando) que he visto no sólo en la década, sino en la vida. No tiene matices, ni rayos de esperanza, mucho menos maquilla las escenas con poesía, o tintes de ternura, no, para Gaspar Noé la Ternura (así con mayúscula) parece ser una dimensión desconocida.

Esto puede ser malo desde un punto de vista puramente estético y pacato, pero también puede ser una revelación, porque desde que el cine es cine, el común denominador de las películas tratan de matizar la violencia manifiesta o contenida, aunque este matiz se logre a través de la belleza en lo grotesco o la poesía en lo dramático, incluso filmes como Asesinos por naturaleza, no llevan la carga de absoluta desazón que nos deja Noé. En otras películas, ese bicho, ese ser marginado, ese suicida que busca liberarse del terrible desasosiego que es la vida, ese crispín que la pantalla te muestra… está muy lejano a vos. Es un asesino, un psicópata o un delirante, no tiene que ver con VOS. Y aunque el carnicero de Solo contra todos, no esté en su sano juicio, algo en su discurso te asusta, te perturba. Aunque el carnicero de Solo contra todos sea un extremista, un radical, algo de lo que dice tiene sentido…podés entenderlo, podés sentir empatía.

“Tengo que demostrar que soy diferente de ellos, que estoy muy por encima de su mediocridad. Pero será difícil, porque yo sólo soy uno, mientras que ellos son todos”.
Solo contra todos se siente como un ataque al espectador que no está acostumbrado a ver tanta ponzoña junta y sin concesiones de contenido. Y la película parte cuando este hombre, rompe su última relación estable y cegado por el odio y el rencor, toma algunas decisiones acompañado solamente por un revólver que contiene 3 balas. Toda la película escuchás la voz en off que recita los pensamientos del carnicero, pensamientos tóxicos, un monólogo inhumano. Y escuchás estos pensamientos, sabiendo que en su bolsillo carga un arma con 3 balas. Y sabiendo que tarde o temprano la va a usar.

El final que parece desembocar finalmente en algo bueno, es un engaño, un truco más del director para hacernos reaccionar y decirnos: "Nada señoritos, el mundo es una mierda".

El guión es doloroso, es agresivo, es hiriente, como ya dije, no suaviza ningún aspecto, todo viene acompañado de un discurso acerca de lo pestilente que es el mundo y la estructura o sistema en el que estamos inmersos. Una visión caótica, desproporcionadamente negativa que alcanza puntos culminantes en algunas escenas donde si pensabas que viste lo peor, te equivocaste.

Llega un momento en que querés ponerle STOP, PARAR, querés detener la proyección, irte a tu cama, poner incienso con olor a vainilla, leer algo bonito y desprenderte de esa oscuridad que amenaza con tragarte vivo.

Protagonizada por Philippe Nahon, interpretando de manera soberbia a este outsider contemporáneo, no podés más que ver al carnicero y el desfile de sus conocidos, como algo real, cercano y que te afecta.

Gaspar Noé es un director argentino, radicado en Francia, cuyo primer trabajo fue un cortometraje llamado Carné, un preámbulo para la filmación de Solo contra todos, en este corto veíamos por primera vez al personaje interpretado por Nahon. Luego hilaría esta historia con otra de sus películas culto: “Irreversible”

LE TEMPS DETRUIT TOUT (El tiempo lo destruye todo)
La vida es efímera, vana, vacía, silenciosa, solitaria, gloriosa, azarosa, buena, mala, bonita, fea, pero por encima de todo, una verdad ineludible, irreductible, IRREVERSIBLE, es que la vida es frágil y la felicidad, sobre todo, más frágil aún.

"El tiempo lo destruye todo" nos dice Gaspar Noé con cinismo o tal vez con resignación, al comienzo y al final de su película. Y en éste, su segundo ejercicio cinematográfico, no sólo nos lo demuestra en su más de hora y media de duración, sino que hace del cine una nueva experiencia, una experiencia en que vos vas a sentir como pocas veces lo que siente el protagonista, lo peor, lo que te hace querer desfallecer es sentirte un mirón, un mirón impotente que ve, que vivencia todo casi en tiempo real y que no puede hacer nada.

La herida que deja irreversible, es de naturaleza imperecedera. En Solo contra todos, Noé ya nos había mostrado lo más marginal, la orilla a la que puede llegar el ser humano dentro de la sociedad, en Solo contra todos el odio era visceral, acá el odio nace del amor, el odio se transforma en venganza, pero la venganza también nace del amor, como premisa primordial está el amor que vuelve al hombre un animal. Qué nos queda a nosotros entonces, sino pensar que el hombre a pesar de amar u odiar, en ambos casos puede llegar a olvidar su humanidad?

En la primera escena nos reencontramos con el carnicero de Solo contra todos, si a alguien le quedó alguna duda del camino que iba a seguir este señor, la duda queda despejada. Si alguien guardo en su alma la más leve esperanza de redención, la esperanza se apaga definitivamente. Si alguien gozó de la dichosa ignorancia, sintió la comodidad del no saber qué haría en definitiva este señor, la ignorancia queda en el pasado y la comodidad también. Gaspar Noé desde el inicio de Irreversible nos muestra que no hará concesiones de ningún tipo, desde el inicio nos da a entender que no tendrá piedad. La ternura, que mencioné en Solo contra todos, parece ser una dimensión desconocida para Noé, seguirá ausente en Irreversible, por lo menos durante la mayor parte de la película.

La escena del carnicero se enlaza inmediatamente con la historia de Irreversible. El bar gay Rectum aparece, un hombre en camilla en medio del caos de policías, mirones, ambulancias, etc.. La cámara se vuelve caótica, y la historia comienza a contarse desde el final, y comienza a retroceder por escenas. Mientras enfoca el momento de la venganza de Marcus, mientras la cámara sigue la búsqueda frenética del “Tenia”, todo es caótico, la iluminación, el sonido, el movimiento de cámara, los diálogos, irradian ese momento de ofuscación, de sed de venganza, Marcus ha entrado a un mundo sórdido del que sabemos que no saldrá bien librado.

Marcus busca afanosamente al Tenia, individuo que ha violado y dejado en estado de coma a Alex (Mónica Belucci). Acompañado por un exnovio de Alex, Marcus te hará pasar un muy mal momento desde el final hasta el principio. La historia se resume en estas pocas líneas, un novio a quien le han violado y golpeado a su amada novia, busca venganza. La cosa no parece muy original, sin embargo, lo que hace Gaspar Noé con el espectador es chocante. Vos sos parte de la venganza de Marcus, vos sos parte de la violación de Alex y vos también sos parte del final, del final que empieza por el principio. Sos parte de ese pasado que sabés ya se escapó irreversiblemente.

Como les decía durante los momentos de venganza la cámara estará descontrolada, caótica, desesperante, y sólo detendrá su ritmo totalmente en un ATROZ plano fijo que se da en la famosa escena del túnel rojo. La escena del túnel rojo divide la película en bueno-malo; pasado-futuro; armonía-caos; felicidad-dolor; la escena del túnel rojo será con seguridad, una de las escenas más incómodas de tu vida. Una escena que sentís eterna, y que si sos mujer, puedo decir que llegarás a sentirte ultrajada y violada en algún nivel. Noé apuesta por mostrar primero lo feo, luego lo bonito. Primero lo amargo, luego lo dulce. Pero hace de lo bonito y de lo dulce, algo triste, algo doloroso, y Noé lo sabe, porque eso es lo que quiere Noé, quiere que sufrás, que veas que no importa qué bonito se vea, no importa nada, todo se fue a la mierda ya.

El guión no pretende filosofar ni dar un mensaje, se muestra cotidiano, realista, sin rebusques o posturas. Algunos críticos han achacado vacuidad a esta propuesta precisamente por esos detalles, que la historia en realidad no dice nada, aparte de presentar el hecho de una manera tortuoso. La cámara es manejada con maestría, los escenarios escogidos ilustran cada una de las situaciones, la música te golpea los oídos sin que podás hacer nada para huir, para escapar, para no mirar. Confieso que en algunas partes tuve la misma claustrofobia que en Solo contra todos, las ganas de salir corriendo, de dejar de ver tanta miseria, tanta cosa fea.

Mucho se dijo de esta película, yo antes de verla me la había imaginado porque leí todo lo que pude sobre ella, dicen que en el Festival de Cannes hubo gente que vomitó y se desmayó al verla. No sé si habrá sido por la historia, pero el movimiento descontrolado de la cámara en la primera parte sí te llega a marear, así que los que sean sensibles a ese tipo de cosas, y tengan problemas de laberintitis (mareos) tomen en cuenta este detalle si la quieren ver.

Por otra parte, las críticas que ha recibido han sido algunas buenas, otras muy malas. A Noé lo han abucheado e incluso insultado a través de las reseñas que hicieron de Irreversible donde lo menos que le dijo algún periodista fue Nazi. Noé se sacude como si nada de toda la controversia, pareciera que no le importa. La escena de la violación, que ha sido una de las que puso los ánimos más caldeados, por su duración y por lo agresivo de la escena, particularmente me parece de las mejores logradas de la película. No estoy de acuerdo con los “puristas” que dicen que Noé se pasó poniendo una violación casi en tiempo real. Excelente lección de cine, a aquellos que les gusta disfrazar para que la estética o el respeto por el espectador se hagan presentes, seguro que les ha molestado, pero a mí me pareció excelente, la violación fue una violación con todas sus letras y vos como espectador lo sentís casi en carne propia.

Ahora, podemos ponerle un pero. Si bien Noé no ha encubierto nunca sus ganas de armar polémica con lo que hace, también es cierto que a la larga eso puede desvirtuar su trabajo. Yo veo en Noé un tipo que la tiene clara, que además de tenerla clara, tiene un talento totalmente INNATO para el cine, una mente privilegiada para contar las cosas, para armar una escena, para enfocar un plano, para decir un diálogo, Noé puede dar al cine cosas insospechadas, sin embargo no sé hasta qué punto podría ser novedad una tercera, cuarta o quinta película donde el objetivo sea violentar al espectador de tal manera que no pueda dormir por las noches. Me atrevo a decir que Solo contra todos me gustó más que Irreversible. Irreversible, no obstante, es una película digna de ver.

Las actuaciones de Mónica Bellucci (Alex) y Vincent Cassiel (Marcus) son excelentes, además del hecho providencial que ambos eran pareja en la vida real cuando hicieron la película, está el factor de que definitivamente lograron ponerse en la piel de los personajes.

Podría decir muchas cosas más acerca de la película, su escaso tiempo de filmación, la improvisación de algunas escenas, la aparición de Noé masturbándose en una escena del principio de la película, Bellucci que dice haber quedado tocada por las escenas del túnel rojo hasta el punto que realmente le daba aversión entrar. En fin…cada película es un mundo.

Ambas (Irreversible y Seul contre tous), pueden ser recomendadas para verlas, teniendo a su favor una propuesta arriesgada, que muchos encuentran pajera y violenta al pedo, pero que no deja de tener (en su forzada irreverencia) una veta de talento real. Si tuviera que elegir, me quedo de lejos con Solo contra todos, un filme que a pesar de su absoluta desesperanza, hace que el mundo parezca menos frío.

En la entrega de Cannes de este año, Noé ha presentado su más reciente filme Enter the void, un filme que ya ha cosechado crítica y rechazo al ser descrito como “primitivo” y “delirante”, lo que nos demuestra que el cineasta argentino seguirá apostando por ese estilo que le ha valido escupitajos y abucheos. Un estilo que se resume en la frase “prestada” de Rainer Werner Fassbinder: "Toda buena película debe tener esperma, sangre y lágrimas".

SOLO CONTRA TODOS
Lo mejor: Todo. Una propuesta innovadora y jugada.

Lo peor: DUELE y MUCHO

La escena: El final

Lo más falsete: nada

El mensaje manifiesto: estamos solos (qué pluralidad hay en esta frase no?)

El mensaje latente: estamos solos y JODIDOS

El consejo: Mirala, es una experiencia de otro tipo

La pregunta: ¿Qué más nos dará Gaspar Noé en el futuro?

IRREVERSIBLE
Lo mejor: No te deja indiferente

Lo peor: No te deja indiferente y la huevada del embarazo

La escena: El Túnel

Lo más falsete: Algunos clichés como lo del embarazo.

El mensaje manifiesto: El tiempo lo destruye todo

El mensaje latente: Todo tiempo pasado fue mejor

El consejo: Mirala bajo advertencia.

pregunta: ¿Qué más nos dará Gaspar Noé en el futuro?

2009-06-11T07:36:00.007-04:00

APASIONANTES

Por: Mónica Heinrich V.

No hace mucho, en una barata de mala muerte, conseguí una edición más humilde separada en dos tomos, ni siquiera me fijé de qué trataba pues al ver el nombre de Ernesto pensé que era algún libro suyo que yo había pasado por alto. Casos he tenido. Con tal motivo, resulta que era una recopilación de cuentos, que por esas maravillosas coincidencias mi padre me regaló a los pocos días en la edición Planeta. Ambas ediciones no tienen nada que envidiarse, sólo quizás el glamour de Planeta y la humildad de mi anónima primera adquisición.

Como no discrimino a nada ni a nadie, decidí leerlas las dos, ¿han visto tamaña obsesión? y ya me veían, leyéndolos como si fueran distintos y como si al leerla por segunda vez fuera por primera vez...(enredadito no?) pero en definitiva, me enamoré del (los) libro (s)...

Para variar Ernesto recopila los cuentos que lo apasionaron y todos son increíblemente conmovedores, en la carta-prólogo Sábato nos dice que el objetivo de esta recopilación es incitarnos a la buena literatura y que tengamos en él a una especie de buen y cálido bibliotecario ( Casi, casi un Santa Claus literario!)

Esta recopilación (arbitraria como todas las recopilaciones)...abarca las formas más asombrosas, distintas, conocidas y desconocidas de la literatura... Además de regalarnos los cuentos nos dota de una pequeña biografía del autor del cuento respectivo, dándonos así el privilegio de conocer a tan ilustres personajes, que aunque conocía a la mayoría, alguno por ahí me fue recien presentado y ahora nos tratamos de "usted".

Como no puede ser de otra manera, imagínense quién abre las ventanas de este castillo hecho de historias? Nada menos que Kafka!!!!! DELEITE TOTAL!... Bueno de Kafka no hace falta decir mucho, ya que es uno de los autores más conocidos.

Su cuento ANTE LA LEY, es cortito, cortito, dos hojas suficientes para decir bastante. Trata de un campesino que llega hasta las puertas de la ley y al encontrarse con un guardián, le pide a éste que lo deje pasar...típico de Kafka hace una maravillosa alusión a lo burocrático, a lo premeditado, al destino, a lo espiritual, excelente.

Luego aparece Gogol, el escritor ucraniano que fue figura del siglo XIX, su cuento EL CAPOTE, como casi todas las historias rusas, es duro, asfixiante y demoledor. Al leerlo no pude menos que soltar algunas lágrimas furtivas, ya que la historia retrata la vida de Akakiy un funcionario común y silvestre (el retrato de un obrero, de un trabajador anónimo de esos que trabajan como hormiguitas), que juntaba sus pesitos para comprarse un capote (abrigo) porque su capote ya estaba tan gastado y raído que apenas lo cubría. Leer este cuento es desgarrarte el alma en cada hoja...es angustiante, da ganas de meterte dentro del libro y regalarle no uno sino veinte abrigos...y para variar, la cosa sólo empeorará..todo escrito a la manera rusa, una historia cargada de tristeza, de melancolía, bien descrita y por lo tanto, que te desarma.

No conocía a Alfhonse Daudet hasta que lo descubrí en esta antología de cuentos, es un escritor francés cuya obra más conocida es Tartarín de Tarascón. Aparece con el cuento LA MUERTE DEL DELFIN, un cuento super enternecedor que a la primera te da pistas de que el que lo escribió debe haber tenido un corazón tan grande como el cañón del colorado...una vez más, algunas gotas de sudor nublaron mis ojos... El cuento no nos habla de la muerte de un animal marino, sino de la inminente muerte del Delfín, el pequeño hijo del Rey. Todo el reino anda conmocionado porque se sabe que el Delfín morirá, un niño pequeño, que piensa que por ser el hijo del rey estará libre de cualquier daño o dolor...el cuento fue extraído de Cartas desde mi molino...

Si hay un escritor que ha tenido una vida perra y desgraciada ese ha sido Horacio Quiroga, caramba que ha tenido mala suerte..hasta pena ajena daba... Seguro que la mayoría ya conoce su triste historia así que no ahondaré en detalles que traigan una nota de amargura a mi opinión. Horacio hace su aparición de la mano de EL POTRO SALVAJE...y como casi todos sus cuentos, son tristes y amargos...creo que no he leído muchos cuentos suyos donde la cosa termine bien, eso no quita que sea un excelente escritor... Les decía, el potro salvaje nos habla de la vida de un caballo, quien en su juventud fue el más veloz, el más saludable, el más magnífico corredor...pero al que sólo recompensaron con paja seca y dura... cuando lo que él deseaba era además del reconocimiento saciar su apetito y recibir lo que merecían sus dotes...Alegórico en muchos sentidos...

El famoso escritor Robert Louis Stevenson conocido por La isla del tesoro o por Dr Jeckyll y Mr Hyde, se presenta con EL DIABLILLO DE LA BOTELLA, cuento un poco extenso en que, como es su característica, ahonda en la ambivalencia y la dualidad del ser humano, así como su eterna ambición e insatisfacción... Narra la historia de Keawe, un individuo que vivía feliz de la pelota, hasta que se topo con una casita que le encantó, el propietario al ver su interés le propuso que le vendería la fuente de su buena ventura y que Keawe podría tener una casa igual o mejor, según lo deseara. Le explicó que todo era gracias a una botellita, que había sido hecha en los mismísimos infiernos, por lo que el diablo le podía conceder cualquier cosa menos alargar su vida. Si él moría y no conseguía vender la botella a otra persona antes de hacerlo, su alma se iría al infierno...además quedaba el detalle de que sólo podía venderla a un precio menor al que había pagado. Con todos estos detalles adivinen que decisión toma Keawe??? bueno, que la cosa se pone interesantísima...y por demás está decirles que te mantiene en vilo un buen rato.

De Jack London sólo había leído en mi adolescencia "Jerry el de las islas", y ya se notaba que su estilacho se inclinaba más por aventuras o cosas que tengan que ver con viajes o exploraciones. En su biografía dice: "Murió en 1916 por decisión propia"...qué forma más elegante para decir que se suicidó no?. El asunto es que su cuento ENCENDER UN FUEGO es espeluznante, si lo filmarán se me pararían todos los vellos, es macabro...no sólo por lo simple del argumento que incluso se deja ver en su título sino porque te llega a desesperar...a contrariar...yo abría y cerraba el libro porque me angustiaba imaginarme lo que estaba narrando London. La cosa es simple, un individuo en el más crudo invierno, está tratando de encontrar su campamento acompañado tan sólo de un perro...El tiempo apremia, hay una tormenta de nieve, y su vida pende tan sólo del poder de un fósforo...

A Katherine Mansfield no la había escuchado nombrar ni en pelea de perros, es una escritora neozelandesa a la altura de la Bronte o la Woolf. Otra que murió de tuberculosis, y que dotó a la literatura de unos escritos llenos de sensibilidad y belleza. LA CASA DE MUÑECAS, es el relato acerca de un par de hermanitas POOOOOBRESSSS (con Mayúscula) las Kelvey...hijas de una humilde lavandera...que eran compañeras de clase de unas individuas mimadas y malcriadas a quienes les habían regalado una hermosa casa de muñecas, que ufanamente farseaban entre sus amiguitas. Las niñas Kelvey, al ser pobres, además de la discriminación, las burlas y el rechazo al que eran expuestas...soñaban tan sólo con algún día ver la casita de muñecas...ya ven que la pobreza tiene sueños más bonitos que los que poseen un par de pesos extras... La historia gira en torno a ese hecho...y el desenlace es simplemente conmovedor.

Dejando de lado los antagonismos, Sábato incluye a Borges en su recopilación...con el cuento EL MILAGRO SECRETO extraído de Artificios...como ya es costumbre, el cuento de Borges es de una riqueza tanto narrativa como de contenido, y en este cuento particularmente, me conmueve. El milagro secreto narra la historia de Jaromir Hladík, judío escritor, que será arrestado por los nazis y condenado a morir fusilado... Lo que sigue y en lo que se sustenta el relato, es en la maravillosa alegoría y metáfora que Borges teje alrededor de la muerte, uno de los mejores cuentos de este libro. Qué hay más representativo de los cuentos de Wilde que no sea EL PRINCIPE FELIZ o la historia del enano aquel cuyo corazón se rompe en pedazos? todas las veces que he leído a Wilde tanto desde su faceta cínica y ácida, como desde su faceta de absoluta poesía como en los cuentos ya mencionados, me quedo deslumbrada. El príncipe feliz es la historia de la estatua de un príncipe que en vida era tan feliz, y vivía tan contento que se lo apodó "el príncipe feliz"...ahora como estatua y desde su elevada altura, sus ojos alcanzan a ver cosas que en vida no pudo apreciar, cosas como la miseria, la pobreza y la desesperación de su pueblo, por lo que abatido lloraba...una golondrina percatándose de su llanto traba una hermosa y poética relación...que contiene en la historia uno de los cuentos más humanos que he leído...

El cuento de Heinrich Boll (reconocido escritor alemán ganador del Nóbel) titula LA BALANZA DE LOS BALEK, y narra la historia de un pueblito en el que los campesinos vendían sus productos a la familia Balek, quienes tenían su balanza en la que basaban su precio de acuerdo a lo que el café, los granos o las verduras pesaran. El cuento tiene su eje en el descubrimiento de que la balanza de los Balek había sido alterada y mientras éstos se hacían cada vez más ricos a costa del trabajo y el sacrificio de los campesinos, los campesinos pasaban necesidades y eran estafados... Un excelente relato que pregona la justicia y hace una alegoría a cualquier forma de poder que bajo el lema de "estar siendo justos" le roban al pueblo en sus propias narices y encima uno les da las gracias.

Robert Artl escritor argentino, aparece con HUSSEIN EL COJO Y AXUXA LA HERMOSA, una pintoresca narración acerca de un mercader quien basándose en las predicciones, sabía que iba a toparse con la mujer de su vida, Axuxa. La historia transcurre como una divertida y a la vez descriptiva narración de una historia en la que se mezclan la confianza, la venganza y las costumbres árabes, cargada de una buena dosis de comicidad.

Margarithe Yourcenar era una desconocida para mí, hasta que Ernesto me la presentó, se trata de una escritora Belga reconocidísima, quien ha escrito libros como Memorias de Adriano, que había escuchado nombrar pero que ni la más peregrina idea de quién era el autor. Como sea, su cuento NUESTRA SEÑORA DE LAS GOLONDRINAS, narra la historia de un monje hermitaño, terco y obstinado como una mula, que a pesar de ser respetuoso de la vida silvestre estaba furibundamente enojado con unas Ninfas que según él eran fuente de pecado y molestaban a sus feligreses...el hecho llega a tanto que decide que ya es hora de deshacerse de ellas...la historia cierra de una manera muy bonita y además da una versión bastante poética del origen de las golondrinas...

Hugo Mujica es un escritor argentino que tuvo una infancia difícil, y una juventud disipada, para luego alcanzar la paz en la fe, se volvio monje e incluso hizo un voto de silencio de 7 años!!! como para no creerlo...su cuento EL DISCIPULADO habla sobre la extraña relación entre un adolescente y un linyera, el linyera le conversaba siempre de lo mismo, reflexiones cargadas de existencialismo donde decía no ver nada, que todo se le transparentaba...un excelente relato cortito pero bien tratado...no puedo decir más para no cortarles el final.

Finalmente como para ponerle la cereza al pastel, llega Fedor Dostoievsky con su cuento NOCHES BLANCAS...sencillamente hermoso, poético, divino, el cuento que cualquiera sueña con haber escrito... a la vez es el más largo de todo el libro, alrededor de 70 páginas ni más ni menos, narrándonos la historia de un individuo sencillo y simple en San Petersburgo que siente un amor puro e inocente por una tal Nastenka, lo triste del relato es que la tal Nastenka está enamorada de un tercero...y la historia transcurre alrededor de ese triángulo mostrándonos (Muy al estilo Dostoievsty) el entusiasmo casi infantil del pobre viejo (porque ya tenía sus añitos encima), la pureza de lo que debe ser el verdadero amor, el egoísmo humano y también el desprendimiento...

Así concluye este compendio de pequeñas luces, si ya lo tenés te felicito y si no lo tenés, espero que mi opinión te despierte la curiosidad o la necesidad de conocerlo y tenerlo...es una adquisición excelente y una buena inversión de tiempo, dinero, mente y corazón...

Escrito el 19 de abril del 2002

2009-06-10T08:47:00.016-04:00

"What a wonderful world"
Por: Mónica Heinrich V.

"Los monstruos de la puerta de al lado” tituló el Time en su portada sobre la tragedia de Columbine. La portada venía ilustrada por fotos de Dylan Klebold y Eric Harris cubriéndola completamente, además, como un marco aterrador, las fotos pequeñas de las víctimas alrededor de los “monstruos”. No sería la primera, ni la última vez que Dylan y Eric serían portada del Time, quizás, la revista más poderosa y representativa del país del “sueño americano”.

El primer tiroteo en escuelas lo protagonizó una muchacha (leen bien). Brenda Spencer, de 16 años, recibió un rifle de regalo de navidad, un mes más tarde se cobijaría entre los arbustos que cruzaban la calle del colegio y daría rienda suelta a su balacera, morirían dos personas (el director entre ellas) y heriría a una docena de niños.

Brenda iría a su casa, llamaría a la prensa y contaría lo ocurrido, al ser cuestionada del por qué lo hizo? diría simplemente: “No me gustan los Lunes”, frase que recorrería el país y daría pie a que una banda de rock compusiera la balada de Brenda Spencer “I dont like Mondays”.

Todo esto ocurriría en los 70. A partir de ese momento las balaceras y violencia en escuelas seguirían una escala desproporcionada para llegar finalmente al 20 de Abril de 1999, cuando Dylan Klebold y Eric Harris, después de un año de planear el ataque y con lista negra de víctimas ya elaborada, irrumpieran en la secundaria Columbine sembrando el caos y el pánico. Las víctimas reportadas son 13, sin contar el suicidio posterior de los dos adolescentes atacantes.

Michael Moore parte de este evento para ilustrar su punto de vista al respecto, y esta frase es literal. Si bien Bowling for Columbine es un documental técnicamente muy bien logrado, donde incluso se puede percibir “ritmo”, “dinamismo”, y donde Moore ha aportado un documental que se siente, de alguna manera, informal…el documental se va al carajo en los últimos, hmm, 40 minutos.

Moore comienza con contrastes, se burla de los estatutos, se burla del sistema, se burla del miedo o la paranoia americana, se burla de la hipocresía, y muestra el absurdo en que se sustentan algunas frases o ideas del vivir americano.

Moore (ciudadano preocupado) ilustra su peregrinaje (algo que quiso ser “investigación”) en busca de la verdad, la pregunta es simple: Qué hace que en estados unidos, los niños se estén matando entre sí, y la violencia parezca ser la única manera de limar asperezas entre los americanos? Bajo esta premisa veremos a Moore mostrándole al público lo fácil que es conseguir un arma en Estados Unidos, lo fácil que es conseguir municiones, y sobre todo, la paranoia en la que vive el americano promedio. Una paranoia que es incentivada por los medios de comunicación, el gobierno y el pueblo mismo, donde el “defiéndete o muere” parece ser la consigna. Aparentemente, en USA, todos son posibles atacantes, todos quieren robarse algo, todos tienen la intención de matar a alguien, por esa razón la necesidad de portar armas no es sólo una necesidad, es, más bien, un derecho.

Moore entrevistará a un extremista que fue acusado de haber colaborado con Timothy McVeight para poner la bomba de Oklahoma. Además, entrevistará a uno de los creadores de South Park, a sobrevivientes de la tragedia de Columbine, a Marilyn Manson, a Charlton Heston, a jóvenes que tienen una opinión al respecto, a la maestra de la niña de 6 años que fue baleada por otro niño de la misma edad, en fin, Moore hará de todo en busca de la verdad.

Habrá un segmento animado por la gente de South Park donde se hará una parodia de la historia americana desde los peregrinos hasta nuestros días, llevando las cosas al otro extremo. De las cosas que me gustaron, rescato el no sopor del documental, te mantiene atento, te mantiene, en algún momento, fascinado, te hace reflexionar.

La investigación que hace Moore es interesante, y rescato también, su absoluto desparpajo para hacer y decir lo que se le cante, creo que desde el punto de vista de edición está muy bien hecho, está editado de tal manera que cada parte tiene la carga emocional necesaria para dar pie a la otra parte.

Me gustó Marilyn Manson mostrando que detrás del DISFRAZ (sip, disfraz) hay un ser pensante. Me gustó la escena de “What a wonderful world” donde hacen un repaso a la participación de USA en la muerte de civiles alrededor del mundo. Me gustó la osadía de Moore, la visión de hacer algo que pudo haber funcionado del todo, pero que, aunque es un documental bien hecho y digno de admirar, pierde todo su valor de investigación al final. Hubo dos cosas que me molestaron sobremanera.

1. Que la cámara filmara impúdica el quiebre de las personas que estaban brindando su testimonio, hay dos personas que al ser vencidas por el llanto le dan la espalda a la cámara para no mostrar su vulnerabilidad y la cámara no se apaga nunca.

2. Lo de Charlton Heston me pareció una barbaridad, no sólo por lo efectista de la cuestión, sino porque Moore hizo gala de una intolerancia chocante. Además, creo que el documental muestra que el problema de USA no es la posesión de armas, ya que el propio Moore visita Canadá y descubre que la gente también porta armas a granel.

No sólo eso, Moore es conciente de que en el pueblo donde Heston y él se criaron, el concepto de cargar un arma es algo arraigado. Heston es víctima de todo lo que Moore muestra en el documental, y es algo que se nota, porque Heston no tiene el poder argumental para responderle a Moore de ninguna manera. Moore se introduce en la casa de Heston con engaños, haciéndole creer a éste que se trata de un compañero de organización, cosa que no es cierta y que me parece una falta de ética. Heston estaba enfermo de Alhzaimer (no creo que Moore no lo haya sabido) y es patética la forma en que Moore lo acorrala sin darle ni siquiera chance a decir esta boca es mía. Lo de la foto ya me hizo lanzar unos cuantos improperios a la pantalla, porque Moore se transforma en uno más de los dedos acusadores que salen a lo largo del documental, lo de Heston fue tan absurdo como los que apuntan a Marilyn Manson, fue un extremo en el que se cobijó Moore, víctima también de su afán de probar su punto. A muchos les pareció jocoso, a otros les parece que Heston se lo merece ser el tipo de persona que fue, pero olvidamos que Heston era una persona mayor enferma de Alzhaimer, que no tenía por qué servir de chivo expiatorio a un exacerbado Moore. Acaso Moore habría invadido su casa de no ser Charlton Heston? Moore se sirve de la celebridad de Heston.

Por otra parte, el documental OMITE, quiero pensar que no a propósito, el detallito de que Eric Harris tenía una prescripción psiquiátrica que lo obligaba a consumir anti-depresivos y que además acaba de pasar por situaciones frustrantes como el de no ser admitido en una escuela militar por su cuadro psiquiátrico (ahí se fueron al tacho todas sus expectativas de “éxito” en la vida), por su parte Dylan Klebold tiene su expediente médico cerrado al público, lo que me hace suponer que debe haber algo más, porque si no hubiera nada no estaría cerrado al público, también se levanta la sospecha de que consumía anti-depresivos recetados por una clase de manejo de la ira que estaban tomando los dos.

La muchacha que nombré al principio tenía también un cuadro epiléptico y depresivo. Y si me pongo a enumerar cuántos de los atacantes en las escuelas estuvieron bajo tratamiento psiquiátrico antes de cometer sus ataques, no acabo nunca. El documental también OMITE, quiero pensar que tampoco fue a propósito, el detallito de que muchos de estos chicos han querido obtener la “fama” y el reconocimiento que obtienen los criminales en USA por hechos atroces.

Brenda Spencer, semanas antes de que tomara su rifle y disparara, había dicho que ella iba a ser famosa, que ella iba a hacer algo “grande”, que todos sabrían quién era ella. Dylan y Eric, tenían la misma sed de fama, tan es así, que el crimen no fue algo que nació de un momento de ofuscación, sino que fue planeado durante un año, la lista negra de personas a las que iban a matar fue colocada en internet mucho antes del ataque, llegando algunos padres de los mencionados en la lista a denunciar a Dylan y Eric, las autoridades se quedaron de brazos cruzados.

Estamos hablando de una sociedad que se regodea en los crímenes, que hace de los crímenes bastiones de lucha, el Unabomber fue una de las personas más célebres en el top 100 de la revista Times donde se hizo un recuento de las “personalidades” del siglo. Ciertamente Moore no toca ninguno de estos puntos, los omite elocuentemente y se centra en el aspecto menor (o mayor) de que una persona pueda tener un arma y de lo que la sociedad ha instituido como defensa personal y derecho a la vida. Con esto no quiero decir que Moore no tenga razón, pero ese no es el único problema.

Si Moore se hubiera detenido en el caso de Andy Williams habría descubierto que Andy se inspiró en Columbine y que quiso emular o colaborar al legado de Eric y Dylan. Estos nos dice algo importante, además de los factores que menciona Moore y que menciono yo, existe una predisposición de los adolescentes a identificarse con los modelos que los medios de comunicación promueven.

Para un adolescente que piensa que la vida no vale nada, cuya imagen de sí mismo es de "loser" (perdedor) o alguien desechable, que ya no tiene ninguna oportunidad de éxito, ver a Dylan y a Eric convertidos en noticia durante años, sirve para sembrar en su mente la idea de que haciendo lo que ellos hicieron consiguen ser tapa del Time, consiguen que un director de cine haga un documental que será visto alrededor del mundo, consiguen que una banda haga una canción sobre ellos, consiguen que se escriban libros, que se abran sitios de internet, que una individua en un país remoto esté hablando sobre ellos sin siquiera haberlos conocido, consiguen la trascendencia.

Comprendo la necesidad de Moore de mostrar que incluso niños pequeños han cometido estos actos, pero esos casos son los menos, y en esos casos si podemos hablar de irresponsabilidad de los padres por dejar las armas al alcance de los niños, un niño de 6 años cuyo esquema mental ni siquiera puede manejar conceptos abstractos, podrá discernir entre lo que es asesinato y no lo es? Siendo su niñera una tv o un playstation?, no lo creo.

Entonces, me gustó el documental de Moore desde un punto de vista estético, y casi hasta la mitad del mismo. Me da pena que una de las causas de invalidación para cualquier investigación haya afectado a Moore: Las expectativas del investigador. Moore se dejó gobernar por sus ideas y no pudo ver más allá, ampliar su investigación de tal manera de no probar su hipótesis sino elaborar una más completa.

Independientemente de Moore, Dylan y Eric vieron probada una vez más su hipótesis propia, entrar a una escuela y matar a 13 personas sí te hace portada del Time, sí te hace protagonista de un documental dirigido por Moore, sí te hace protagonista de una película dirigida por Gus Van Sant, sí te hace “célebre”.

Dylan y Eric, no los monstruos de la puerta de al lado, las víctimas número 14 y 15 de la tragedia de Columbine.

2009-06-10T08:29:00.006-04:00

EL ARTE DEL TACTO

Por: Mónica Heinrich V.

Blind Beast es una película rara. Precursora de El imperio de los sentidos, este filme japonés consiguió llamar mi atención hace un par de semanas. El título (en español: Bestia Ciega) ya era lo suficientemente estimulante como para me siente a verla una calurosa noche de noviembre. Es realmente fascinante encontrarte sorpresas como esta.

Dirigida por un desconocido (para mí) Yasuzo Masumura, Blind Beast narra la historia de un escultor ciego que se obsesiona con una famosa modelo. Perfeccionista y algo delirante, este tipo ideará un plan para secuestrarla y gracias a ella conseguir hacer su “obra maestra”.

La película se abre con una voz en off de Aki (la modelo) que cuenta un poco su experiencia como modelo antes del secuestro y el tipo de trabajo al que ella se dedicaba, en otras palabras, era una modelo para trabajos artísticos. Ahí se intercalan fotos muy bonitas y vanguardistas donde Aki es la protagonista.

Michio el escultor, rompe su cotidianidad: primero, en una galería de arte, donde el ciego acaricia una escultura que otro artista hizo de ella, Aki se sentirá extrañamente turbada ante las manos del ciego sobre su “otro” cuerpo. Luego, Michio se presentará en su departamento como un masajista. Y claro, ahí la cosa se deschaveta hasta que Aki termina formolizada y raptada.

La primera hora de película se podría encuadrar dentro del género thriller, aunque una versión mucho más sofisticada. Aki despierta en un extraño galpón donde la rodean narices gigantes, bocas gigantes, orejas gigantes, manos y piernas gigantes, todo parte del trabajo que Michio ha llevado a cabo durante su vida buscando la perfección.

El ciego cuenta con la ayuda de su madre, por lo que una escapada es casi imposible. De ahí se comienza a desarrollar una parte más perversa de la trama, en la que Aki usa sus artimañas femeninas ante un hombre virgen y sin experiencia, para intentar escapar. Estamos hablando de una película japonesa de 1969. En esa época debe haber causado su buen revuelo, y el tiempo ha sido benigno con la trama, ya que a pesar de algunas “ingenuidades”, consigue convencer de principio a fin.

Luego, el filme da un vuelco tremendamente oscuro, donde el japuco (director) se va con todo hacia un lado poco frecuentado por otros cineastas de la época, un lado sórdido y macabro, donde lo sexual, lo erótico, lo perverso y lo insano se mezclan en una sinfonía que pretende contar una gran conexión amorosa, pero que sin duda es un triste caso de Síndrome de Estocolmo. No obstante, esa terminología poco cuenta ante lo poderoso de las imágenes y lo desgarrador de tal unión. Una unión donde se explora la obsesión, el sadismo, lo absurdo y lo claustrofóbico.

A Yasuzo Masumura se le agradece que sepa contarlo de una manera elegante y por momentos muy poética. De tal manera que cuando llega el final, no podés dejar de tener ganas de ver alguna otra de sus películas.

Actuada muy profesionalmente, con un ciego (Eiji Funakoshi) que a pesar de su papel de villano, consigue convertirse en víctima en muchas partes, y en el que la actriz (Mako Midori) es la modelo ideal que transmite erotismo y al mismo tiempo inocencia, la película se sostiene casi enteramente por este par de actores. A ellos se suma la actriz (Noriko Sengoku) que interpreta a la madre del ciego. Convirtiendo este filme en una pequeña obrita de arte, donde casi todo el metraje se lleva a cabo en una sola locación.

Una muy muy buena fotografía, con escenas poéticas, artísticas, digna de alguna postal. Una clase magistral para esos directores de arte, que andan perdidos por la vida. Una excelente banda sonora y un lindo guión, terminan de hacer una experiencia digna de ser vista, una o más veces.
La película se basa en el libro Moju escrito por el japonés Edogawa Ranpo, nombre con el que Hirai Taro se hizo conocido en el mundo literario. Edogawa Ranpo no es otra cosa que la pronunciación japonesa de Edgar Allan Poe, escritor al que Hirai admiraba y en quien había basado su estilo y obra.

Nada gente, esta película fue una linda sorpresa de media semana. Ideal para acercarse al cine japonés. Y además de acercarse, amarlo.

Lo mejor: Una película artística, con una propuesta innovadora para su época y que continua siendo llamativa en el 2008.
Lo peor: no me molestó nada.

La escena: El pedido final de la modelo

Lo más falsete: nada.

El mensaje manifiesto: Existe una conexión profunda entre artista y obra

El mensaje latente: El arte todo lo consume

El consejo: Hay que verla

La pregunta: ¿El arte puede llevar a la locura?

CURIOSIDADES
- Yasuzo Masumura, el director, empezó estudiando leyes. Luego abandonó sus estudios para trabajar como asistente de dirección y finalmente se graduó en Filosofía.
- Se gano una beca para estudiar cine en la escuela italiana que tenían Antonioni, Visconti y Fellini.
- Dirigió casi 60 filmes de distintos géneros
- Eiji Funakoshi (el actor que sale de ciego) murió el 2007 víctima de un derrame cerebral.

2009-06-10T07:55:00.007-04:00

"Pedro y yo"
Por: Mónica Heinrich V.

“A esos mariconeríos yo no voy”, escuché decir a un amigo. Pero, ustedes realmente creen que yo, Moniq H S.A., se iba a perder el gran grito libertario de Gael García? No, no, no. Entonces, abro el periódico y veo que La mala educación se estrenaba.

Me digo: Qué tan maleducada será?. Será verdad que Gaelito se parece a Julia Roberts? Y a los curas, qué tan duro les dará? (en el sentido figurativo y en el literal). Bueno, había llegado el momento. Miro a mi ´susodicho´y le digo: “Vamos al cine?”. Me pregunta: “Qué están dando?”. Le digo: “Lo último de pedrito”. Me dice: “Weno, vamos a ver qué pasa”.

Camino al cine recordaba la primera vez que vi a Gaelito. Nada parecía presagiar que de esa aparición infantil en una telenovela mexicana llamada El abuelo y yo, saldría semejante…hmmm…dejémoslo en puntos suspensivos.

Y?, dirán ustedes. Pues nada, diría un español. Llegué ´flipando´ al cine. Vamos, que me había reconZiliado con Almodóvar después de Hable con ella. Joder, no era cosa de todos los días que se produZcan semeJantes acuerdos. Mi ´susodicho´ compra las entradas y yo me quedo embobada enfrente del póster de Alexander, próximo estreno y dirigido por Oliver Stone. Ahí me olvidé de Pedrito y me puse a imaginar el momento MAGNO de la premier.

Vuelta a la realidad corrimos a la sala 9. Y llegamos justito. Las luces ya se habían apagado y un público en el que se mezclaba el morbo, los fans de pedrito, la curiosidad y los ´identificados´ con los personajes principales, ya estaban acomodados. Música Almodovariana fue lo primero que se escuchó. Pequeños collages de varias imágenes nos presentaban los créditos. Yo comiéndome las uñas. Pensando en la frágiles relaciones diplomáticas que teníamos Pedro y yo. La cosa comenzó relativamente bien. Fele Martínez (interpretando a Enrique Godet) aparece primero. Como buen director de cine está recortando noticias morbosas del periódico para ver si así se inspira. Ustedes saben, la realidad siempre supera a la ficción. “Pucha que se ve trolazo”, le susurro a mi ´susodicho´.

Rememoremos. Martínez actúo en Tesis de Alejandro Amenábar donde me dejó marcada con su relato del cuento de Oscar Wilde El enano y la princesa. Además, recordémoslo como el insípido y atarantado admirador de Penélope Cruz en Abre los ojos. Luego llega el otro, Gaelito. Ya con la aparición de Gaelito (otrora el pecadorísimo Amaro, el ´experimentador´ en Y tu mamá también y el roba mujeres en Amores perros) la historia se nos despatarra desde el principio. Gaelito (Ignacio, Juan, Angel y Zahara) va a buscar trabajo. Es un actor que fue compañero de colegio (de manoseos y otras cositas) de Enrique (Martínez). Gracias a esas relacioneXXX, Gaelito (dizque Ignacio que se hace llamar Angel), se inspiró y escribió una historia intitulada La Visita. Quiere que Enrique, en nombre de la amistad y las sábanas que compartieron juntos, la lea y si puede, la lleve al cine. En ese punto, la película se desdobla y nos cuenta lo que dice el relato de La visita. Pedofilia por aquí, puteríos por allá, y la aparición estelar de Zahara (Gaelito convertido en una versión mexicoespañola de Sarah Montiel).

Para hacérselas corta. Nos muestran cómo a Ignacio y a Enrique ya se les quemaba el arroz desde su más tierna infancia. Ésto enmarcado dentro de un colegio Salesiano regido por macabros y tétricos hombres que por una extraña razón, que hasta el día de hoy no comprendo, visten preocupantes vestidos largos, siempre de color negro, que llaman sotana. Y además, si pueden, se adornan con otros colgandijos que, luego, los infantes tienen que retirar.

En medio de ese jardín de flores, estaba uno de estos personajes oscuros llamado el padre Manolo. Manolo cuasi cuasi temblaba de la emoción al ver a Ignacio (alrededor de unos 10 años). Ese pedazo sólo se puede definir como asqueroso, muy bien logrado pero un horror. Además, Pedrito va a ser responsable de mi trauma: cada vez que escuche Moon River y Torna a Sorrento lo asociaré con pedofilia. (en la foto el momento traumático)Bueno, que ahí no termina la cosa. Volvemos a la realidad, y Enriquito emocionado con tan valeroso y conmovedor relato. Cita a Gael, y le dice: “Me ha encantado”. Ignacio-Angel se reBVela (las dos, se amotina y además se ve realmente quién es) e insiste en hacer el papel de Zahara. Enrique dice no, Gaelito dice que sí. Todo esto en la escena de la piscina y obviamente condimentado por escenas de tensión sexual.

A estas alturas yo me venía preguntando a dónde iba todo esto, cuál era la finalidad. Antes de ver la luz, la cosa se va enredando más y más. Chantajes, asesinatos, drogas y más (sí, MAS) puteríos sazonan lo que sigue a continuación. Cosa que prefiero no comentar porque si lo hago me va a dar rabia y no voy a poder terminar esta opinión de una manera glamorosa (como ya es mi estilo).

Llegó un instante en que sólo quería que el alharaquerío termine. Y, creánlo o no, terminó. “Gordo, chinche, hijo de %(/&)•”=!” era lo que se me ocurría decir, e imaginaba que entraba a www.eldeseo.com para hacer mi justo reclamo. Nuevamente, Pedrito y yo acabamos muy mal. “pero cuál es tu problema Moniq?”, dirán. Mi gran problema es que me senté como una estúpida a ver…hmmm, no sé cuánto dura, pero bueno, me sometí a una historia grotesca y circense para que Pedrito termine todo de la manera más vulgar y pobre del mundo. Los personajes quedan volando por ahí, no hay profundidad.

El final es absolutamente risible, fue como si después de tanto enredo y supuesta vuelta de tuera, Pedrito haya dicho “Bah…Ahí tienen”. Nada por aquí, nada por allá. El gordo es más eficaz que Mandraque o que el mismo David Copperfield. Creó una historia dura, pero cuyos ingredientes ´ganchos´ (denuncia contra la Iglesia, Gael imitando a Sarah Montiel, Guerra Civil española, etc) quedan tan sólo en anécdota para contar una historia de puteríos. Además, queda el tufillo de que se trata de una autobiografía, pero el gordo lo niega.

“y hay algo rescatable?”. Para que no digan que soy criticona, sí. Pedrito será todo lo que quieran, pero tiene un gusto exquisito para elegir sus bandas sonoras y para hacer de la fotografía de sus películas una obra de arte. En general no es aburrida, pero luego se transforma en una historia dentro de otra historia, dentro de otra historia, dentro de otra historia que dan vueltas una alrededor de la otra. Es un carrusel que nunca se detiene. Algo más? Nada, que ya no quiero hablar con Almodóvar.

Escrita el 14 de noviembre de 2004

2009-04-22T16:45:00.044-04:00

CASO HOTEL LAS AMÉRICAS (Más sobre Revesz Tibor! Mario Tadic y la foto de ABI...las actualizaciones serán agregadas en azul)

Lo sucedido en el Hotel Las Américas, es sin duda una de las situaciones que va a marcar un antes y un después en Bolivia. ¿Por qué? Porque hasta ese momento la lucha interna que vive el país, no se había visto reflejada tan macabramente en un misterio que hace que las acusaciones vayan de un lado al otro, teniendo protagonistas dignos de un elaborado thriller hollywoodense y provocando tantas dudas, que la población ya no sabe si el vecino puede estar involucrado.

El 16 de abril, un comando Delta enviado por el gobierno ingresó de madrugada al Hotel Las Américas, dejando como saldo 3 muertos y 2 detenidos. La noticia era impactante, ¿dos bolivianos que no vivían en Bolivia y 3 extranjeros complotados para asesinar a Evo Morales? ¿Un operativo de inteligencia sin fiscal presente, sin policías locales presentes, donde aparentemente no hubo respuesta ofensiva de los muertos y donde si el objetivo era “ejecutar”, dejan vivos a dos de los involucrados?

Todo olía muy mal. El nombre de Eduardo Rózsa salió a la palestra y recordé vagamente charlas entre amigos en las que el tipo fue nombrado por ser un personaje curioso, por haber llevado una vida agitada, y de quien aparte de la “anécdota” yo no sabía absolutamente nada. Mientras más información iban mostrando los medios, más me obsesionaba con el caso. El perfil psicológico de Rózsa era llamativo…un militante de muchas causas, un hombre que siendo periodista en los Balcanes, dejó el oficio para integrar la milicia croata. Producto de esa decisión, se alejaría de su padre quien vería su lucha, como un acto de traición hacia él, que era judío.

Pero en este enredo de proporciones épicas hay muchos puntos a analizar, primero: ¿quiénes son realmente los protagonistas de esta historia?

MICHAEL DWYER
Mike, para los amigos, era un joven común y corriente de 25 años. Procedente de Co Tipperary, Irlanda, al entrar en su perfil de facebook se observaba que pasaba prácticamente todo el día jugando videojuegos como Maffia, u otros relacionados a soldados. En sus intereses ponía: Disparar. En sus actividades: Disparando. Nada se decía acerca de su ocupación actual.

Se creó el facebook cuando vino a Bolivia, en octubre del año pasado. En ese mes se puede leer una actualización de estado que decía: “En un café internet en Bolivia!!!!” Un dato curioso es que una familiar suya, señora mayor, puso un mensaje en su muro que decía enigmáticamente: “No te preocupés, tu secreto está a salvo conmigo. Tengo amigos en Control de Riesgos, ten cuidado”…el mensaje incluía menciones a Belize, pero desgraciadamente esta información la pude recabar el sábado pasado y para el domingo cuando quise conectarme de nuevo a su facebook, ya había sido dado de baja…

Todo indica que Michael conoció a Rózsa a través de los espacios donde jugaba virtualmente a que era un aguerrido soldado. Una vez agregado Rózsa a sus contactos, este le entregó una medalla virtual acerca de un juego en que ambos participaban.

APORTE ULTIMO: me acaba de llegar un mensaje que alude al modo en cómo pudo ser reclutado Mike. Desde Hungría nos escriben: "Aquí está el link de Revesz el comandante de la Szekler Legion ( http://www.szekely.tk/) él trabajó en Irlanda como guardia de seguridad, probablemente fue colega del irlandés. A él le gustaba reclutar miembros para su organización que no tuvieran entrenamiento militar". Si entran a la página web citada hay un mensaje In memoriam sobre Fiuka y sobre Michael. La misma fuente comenta que se mandaron cartas de reclutamiento a través del sitio http://www.cahil.tk/, hoy desaparecido de la red.

SEGUNDO APORTE: Nos llegó la copia de la carta original que la página desaparecida había mandado: En húngaro decía así:

Légiósok! admin, cs,

Üdv mindenkinek aki feliratkozott a légió hírlevelére. Nem szoktam sokszor zavarni a tagokat de ezúttal mégis kivételt teszek.Egy ismerősünk úgy döntött hogy aktívan is részt kíván venni szülőföldjének, Santa Cruz dela Sierra védelmében/felszabadításában/ki hogy nevezi.Aki úgy érzi hogy -úgy szakmailag mint fizikailag- felkészült a segítségnyújtásra az küldjön egy szakmai önéletrajzot az info@cahil.tk e-mail címre.Gyűjtsetek sok hasznos információt, tapasztalatot.Sok sikert:Admin

TRADUCCIÓN:

Legionarios!!:

Saludos a todos los que están suscritos a esta cadena. No suelo molestarlos con frecuencia, pero es tiempo de hacer una excepción. Un conocido ha decidido participar activamente en su tierra Santa Cruz de la Sierra en una operación defensa-liberación. Quien sienta que está preparado física y psicológicamente para dar una mano, envíe su Curriculm Vitae a info@cahil.tk Recogemos información útil y experiencia. Buena suerte, admin.

El perfil del joven irlandés muestra a alguien cuya red social no era muy movida, al llegar al país tuvo una novia boliviana. Su hermana menor le diría: “La vas a traer a casa?”

Los meses transcurrirían para Mike sin mucho más contacto virtual con su lista de amigos. En febrero, su hermana menor, en una curiosa paradoja del destino le escribiría: “Estás vivo? Hace rato que no sé de vos”. Mike a su vez visitaría el perfil de su hermana el 3 de marzo y respondería: “Sí, sigo vivo. No tengo mucho acceso a internet en estos momentos. Cómo has estado? Alguna noticia para mí?”

Mike, sin embargo, aporta datos interesantes en su álbum de fotos. Fotos que ahora ya no existen online, pero que pude guardar buscando el historial de direcciones web que visité el sábado. En esta fotos se ve a Eduardo con Mike, entrando al hotel Buganvillas.

En esta foto se ve a Eduardo, y a Elod con dos personas más en el Bowling.

Durante meses Mike colgó fotos donde se lo veía viajando fuera de la ciudad por carretera. En esta foto se ve el auto donde él iba, siguiendo a una camioneta blanca con más gente.
Existen fotos de lugares alejados de la ciudad, donde hay cabañas, que no son precisamente turísticas, espacios que a primera vista lucen paupérrimos pero que seguramente pertenecen a alguien. También hay un par de fotos en casas de lujo fuera de la ciudad, fotos que no vale la pena publicar porque seguramente el gobierno ya las tiene y puede entorpecer las investigaciones. Y claro, están las imágenes de dos extranjeros más que supongo, son los que rotulan como “prófugos”. Aquí una foto con ellos que hemos alterado por temas de no exponer mediáticamente a gente que no sabemos qué papel juega en este entuerto.

Aquí está Mike en un auto negro, con la llanta pinchada y su tatuaje recién creado en el brazo.
Por lo que pude apreciar se movilizaban en unos tres autos, las fotos son más de 100. Siempre seguían a otros autos…por lo que los traslados eran de un gran grupo de gente.

Mike estuvo presente en la marcha por el NO, su presencia está atestiguada en las casi 10 fotos que tomó del evento. En ninguna se lo ve a él, pero las subió a su facebook sin ninguna explicación de donde estaba, ni por qué. A continuación algunas de las fotos tomadas por el irlandés en esta marcha.

Mike se relacionó frecuentemente con un gran grupo de amigos bolivianos, con los que se lo puede ver en boliches, en el estadio, y en distintos lugares. Hay fotos, también, que atestiguan una vida relajada, donde está comiendo tatu…o asoleándose en la piscina.

Sobre Mike cabe preguntarse, qué tanto tenía conocimiento de lo que hacía en Bolivia? En Irlanda ayudaba a su padre alguna vez, que era electricista, y también fue guardia de seguridad de un pub. Aparte de eso, no tiene antecedentes criminales, y se caracterizaba por gustarle viajar, conocer nuevas culturas. Según declaraciones de su familia hechas a un diario irlandés, Mike había trabajado a tiempo completo en una empresa dedicada a la Seguridad. Vino a Bolivia supuestamente por 3 meses para entrenarse en actividades relacionadas a su trabajo. Lo que su familia, amigos, y hasta gente que mira de afuera el asunto, no entiende...es ¿cómo alguien de su perfil, un tipo de buena familia, adicto a los videojuegos, sin ningún antecedente violento, se vio involucrado en un asunto tan feo?

MAGYAROSI ARPAD
Magyarosi tenía 28 años. Era un cantante rumano. A lo largo de su vida y a través de fotos colgadas en internet por sus conocidos, se ve que Magyarosi era una persona inquieta, le gustaba viajar, su cabello cambió de estilo muchas veces, incluso llevó rastas alguna vez. Cantaba rock, pero tenía baladas también, él mismo componía sus canciones. Participaba en eventos públicos como cantante, era entrevistado por la televisión, incluso hay fotos donde se lo puede ver cantando en el marco de las Olimpiadas Especiales de su país.

Por casualidades de la vida, entré en contacto con M, una chica cruceña que lo conoció y con quien mantuvo una relación. M cuenta que conoció a Magyarosi a través de Tagged, una red social para buscar amistades y parejas. El rumano la agregó el año pasado y desde entonces comenzaron una relación virtual. Cuenta que unos meses después: “Me dijo que había escuchado hablar de Santa Cruz, que tenía un amigo acá, que le habían dicho que el carnaval era bonito, y que pensaba venir”. En febrero Magyarosi llegó a Santa Cruz, según lo que le dijo a M. “Se alojó en el Buganvillas, llegó con el que está preso. En ese momento me dio miedo conocerlo, así que no nos conocimos. Luego nos encontramos en la plaza”. M nunca vio a Eduardo con Magyarosi, la única mención que el rumano hizo de él fue al preguntarle si ella sabía quién era Eduardo Rózsa. El resto del tiempo siempre estaba con Elod. “No salía solo. Me dijo que era porque como eran extranjeros y no hablaban bien español, les daba miedo que la policía les cree problemas. Pero eso lo molestaba, tener que salir siempre acompañado”

Cuando me topé con M ya había visto las fotos que Mike colgó en su facebook así que quise preguntarle sobre los viajes fuera de la ciudad, si ella sabía que salían al campo, me dijo que sí, que Magyarosi viajaba bastante. “Fue a San Ramón, a Chiquitos, y a otros lugares, pero no recuerdo. Hablábamos mucho” En ese momento me manda algunas fotos de él en Santa Cruz.

Le pregunto que si conoció a los otros involucrados: “Sólo a Elod y una vez vi al irlandés. Me saludó, me preguntó el nombre y nada más. Buena gente”. Cuestionada sobre el manejo de dinero, teniendo en cuenta que Magyarosi no tenía trabajo conocido y vivía en hoteles 4 estrellas expresó: “La verdad que manejaba dinero. Dólares. Una vez tuve un problema en mi casa, y él me dijo que si necesitaba dinero, que le pida, que él me podía dar”. El rumano le había expresado su deseo de quedarse a vivir en Bolivia, “Yo quiero ser cruceño, este lugar es increíble, hay mucha gente buena”.

“No salía mucho del hotel. Decía que por sus papeles. Porque ya había expirado su permiso de turista. Sólo poseía una fotocopia de su pasaporte. Tenía miedo. Se cambiaron de hotel un montón de veces, me explicó que era por la conexión a internet…que no les gustaba la conexión. Vivía pegado al internet, por internet me mostraba fotos de los lugares que le gustaría visitar, le encantaba la música cuando veía algo en la tele que le llamaba la atención, me decía: “Poné este canal rápido””…

M no conocía las actividades de Magyarosi fuera del pequeño mundo que habían creado entre los dos, pero sobre el atentado al cardenal dijo: “Él estuvo chateando conmigo hasta las 2:30 de la madrugada ese día. Es imposible que haya participado”…

La chica describe a Magyarosi como un ser sensible, de sentimientos profundos, noble, incapaz de hacerle daño a nadie, que se comportaba con mucha ternura: “Pienso que tal vez Eduardo lo utilizó, porque Árpád en una conversación me contó que tenía un amigo que trabajaba en Cotas. Árpád era hijo de un sacerdote, pastor, o algo así. Él creía muchísimo en Dios. Según lo que me decía él pensaba antes de actuar, no era un animal. Algo que puedo agregar es que si eras astuto sabías cómo aprovecharte de él, recuerdo que dijo que Eduardo les iba a ayudar a todos a conseguir un trabajo y a vivir bien sin que nada les falte”

Ese fue el testimonio de M. Desde Hungría me llegó un mail con el testimonio de D.S. la novia que Magyarosi dejó en su país: “El fue de viaje a Bolivia, me dijo que para conocer…fue invitado por Eduardo. Estuvo en carnaval, fue a la jungla, me dijo que se nutrió de muchas experiencias. A él le encantaba conocer ciudades, países diferentes. Se suponía que iba a quedarse un mes, pero luego su permiso de turista expiró y alguien le pidió su pasaporte supuestamente para tramitarle más permisos. Árpád se quedó sin pasaporte. Habíamos planeado nuestro futuro. Era un hombre honesto, amable e inteligente. Todos lo amaban y tenía un montón de amigos. En contraste con los rumores aparecidos en la prensa, jamás hubiera tomado parte de acciones como las que se le acusan. Desgraciadamente, estuvo en un mal lugar, en el momento equivocado y fue víctima de eso. Deja un enorme espacio detrás suyo. Nuestros sueños han desaparecido con sus propias palabras: “Ill love you forever, baby”…y yo siento lo mismo. Eso es todo lo que puedo decir”

Al leer el mail, tuve algunas incógnitas que le expresé a través del mismo medio, al día siguiente D.S. volvió a escribir:
“Árpád y Előd eran amigos de infancia, su relación era como de hermanos. No sé cómo conoció a Eduardo. Él tenía visa por un mes, pero cuando acabó alguien le pidió el pasaporte para realizar trámites que lo legalizarían de nuevo. No sé quién lo tomó, Árpád no sabía quién lo tenía y tampoco cómo manejar la situación. Le habían dicho que se tranquilice, que ellos se ocuparían. El me decía que quería volver a casa, pero que a ratos no entendía qué pasaba. Yo sentí que estaba asustado. Por favor, no pongas mi nombre en el artículo”.

Árpád en su página web tiene una especie de diario virtual, donde iba colgando algunos mensajes cada cierto tiempo. Sus palabras están en húngaro…pero traduciendo el último que colgó en su sitio web el 3 de marzo dice:

“Amé ser como un niño en el riachuelo, admiré tanto el mundo que era como si estuviera deslizándome constantemente en él. Todo era mágico, particularmente el brillo del agua, su chapoteo. En los anocheceres, poso mi oreja en la melodía del riachuelo, y despierto con él por la mañana…”

Luego habla sobre su añoranza de Hungría, que extraña su hogar, a las mujeres húngaras que son “las más hermosas del mundo”.

“Creo eso, nuestro ambiente define directamente la belleza en la que vivimos... y esto lo entiendo - lo pienso - porque lo más hermoso en el mundo es nuestra patria ¡Tal vez, soy parcial... un poquito ... tal vez muchísimo, pero me gusta el hogar más que todo esto con un par de grados! Necesito mi casa porque nada es más hermoso en el mundo para mí. ¡Aquellos ojos brillan tanto, que el arroyo, y los cuerpos como ellos que se mueven coquetamente, como el pequeño pez simpático ... si cierro mis ojos, tu imagen, tu foto - la belleza se queda en mí después de todo! Me he abandonado en el futuro honesto. Ruego que no haya sido por nada”

ELOD TOASO

Nos llegó la información de que se ha subido una página sobre Elod, una fuente informa que se trata de una página creada por una estudiante suya (Elod era profesor en su país) La página abre con:

"Queridos hermanos, y caritativos amigos...El hermano Elod, se encuentra en Bolivia debilitado, golpeado, humillado y acusado de terrorismo. Cada minuto que pasa su vida corre peligro.

Hemos contratado a la mejor oficina de abogados que encontramos. Lo que costará alrededor de 15.000 $us. que tenemos que transferir urgentemente. Por favor ayúdennos a reunir este dinero y que su vida no dependa de ello. Gracias. Dios los Bendiga!"

Luego el número de cuenta en el que se puede depositar el donativo en euros, en dólares y en otras divisas. Hasta el momento de esta actualización llevan 517 $us. reunidos. Las tres fotos a continuación han sido subidas a su sitio web y son del dominio público. La tercera parece ser de Santa Cruz, por las palmeras y el estilo de la casa, pero no se puede asegurar.

Elod forma parte de ese aislado grupo de húngaros denominado szeklers. Se consideran a sí mismos descendientes directos de los magiares o húngaros puros del siglo IX d.c. que invadieron lo que ahora se conoce como Hungría. Sus orígenes étnicos son motivo de debate hasta hoy en día. La palabra significa “guardia fronterizo” y algunas versiones indicaban que eran descendientes directos de Atila el Huno. Elod pertenece a los szeklers afincados en Rumania. Nagy M., amigo de Elod y Magyarosi me comentaba: “Los Szeklers son gente que habla húngaro pero que está viviendo en Rumania. Como en Bolivia, tenemos tribus que hablan diferentes lenguas en un mismo país. La mayor parte de los Szeklers quieren autonomía, un gobierno propio. Hay una legión Szekler que quiere pelear. Su líder es una persona llamada R….Elod oscilaba entre el lado pacífico y el otro”.

Con 28 años, en internet todavía se puede ver un mensaje de Elod poniendo su curriculum vitae en una página americana, donde destacaba que tenía habilidades con las computadoras y de ingeniería. En sus antecedentes de trabajo aduce experiencia en construcción, limpieza, industria alimentaria, turismo y hospitalidad. Al igual que su compañero de infancia, le gustaba viajar y conocer el mundo. Y al igual que el irlandés, vivía pegado al internet.

Nagy M. me confirmaba: “Elod tiene habilidades con las computadoras, pero no sé en qué nivel. Digan lo que digan, Elod no tenía entrenamiento militar, alguna vez hizo cursos de supervivencia, pero nada más. Magyarosi no tenía ni siquiera cursos de supervivencia. Pienso que Eduardo les habló para unirse a esta pelea diciendo que era una noble causa. Cuando estuvieron allá, ya no tenían mucha opción para regresar a casa, estando en un país extranjero sin conocer a nadie”

La familia de Elod sólo sabía que había conseguido un trabajo en Bolivia, lo mismo que la familia de Magyarosi. “Me parece que Eduardo los manipuló, ellos tenían una vida confortable aquí. No pasaban necesidades, creo que buscaban emociones fuertes, aventuras. No habían encontrado su lugar en el mundo. Magyarosi acababa de graduarse de la universidad. Elod antes de irse a Bolivia renunció a su trabajo. En pocos meses tuvo dos trabajos distintos, pero bien pagados. Eduardo según algunas fuentes, quería crear confusión. Hay opiniones que me llegan de que su papel era de agente provocador, cuya tarea sería reclutar gente que no estaba satisfecha con el poder, con la situación política. En Hungría la situación política, económica y étnica es muy compleja. Y Eduardo toma a gente inexperta, idealista, que quiere hacer algo por su gente y los lleva a morir a Bolivia. Así que ya puedes tener una idea de los motivos que los llevaron allá”

En el momento que hablé con Nagy, que fue el 20 de abril, la familia de Elod aún no había tomado contacto con los abogados, de hecho ni siquiera sabían cómo hacerlo. Les conseguí el nombre de la abogada de Elod, su teléfono y su dirección. Estaban preocupados por los cargos, si había posibilidades de que acabe asesinado en la cárcel, y cuántos años de prisión podría tener en caso de que sea hallado culpable.

Nagy además acota: “A mí personalmente no me gustan los políticos, en mi opinión la lucha política no tiene nada que ver con los intereses de los pueblos. ¿Sabes? En los tiempos antiguos, nosotros los Szeklers, como los Incas, teníamos una grandiosa y justa sociedad. Una verdadera meritocracia y cada villa tenía sus propias reglas. Quisiera construir pacíficamente un tipo de comunidad similar. Una eco-comunidad, una eco-villa. Por eso no deseo envolverme en luchas políticas. Si Magyarosi y Toaso hubieran elegido mi camino y no el de Eduardo, las cosas hubieran sido muy diferentes para ellos”

Un comentarista nos deja esta foto que publica ABI, con Elod empuñando un arma en el Hotel Buganvillas. La nota es correcta, aunque comete un par de errores, el cofundador de la Legión Szekler era Magyarosi, así que quien pudo haberlo influido es él, no Mike Dwyer. De todas formas, ambos eran amigos desde la infancia, así que lo más seguro es que hayan compartido ideologías, ya que formaban parte del mismo grup. Y es junto con Magyarosi que seguramente hicieron algunos entrenamientos que la legión llevaba a cabo periódicamente. En la foto el que esta sentado en la silla con la polera a rayas es Mike, nosotros tenemos otra foto donde aparece el irlandés con la misma ropa.

MARIO TADIC
Mario es un boliviano nacido en Cochabamba, con nacionalidad Croata. Mario y Eduardo se conocían de larga data. Algunos medios dicen que tiene 60 años, un compañero de armas francés que brindó su testimonio nos dijo que Mario tiene 58 años y que padece diabetes. “la última vez que vi a Mario, fue en una conmemoración de la batalla de Vukovar 18/11/2008, donde nos encontramos con nuestros antiguos compañeros voluntarios extranjeros en la presencia del Gobierno croata, hicimos la larga caminata desde el hospital de Vukovar en memoria de los muertos hasta que veo que Mario estaba dolorido y en la noche no podía participar con nosotros en nuestra cena de honor”. Un hombre enfermo como él, no participaría de una lucha armada, piensa.

Amigos de Mario Tadic también se han manifestado y han creado un sitio web en apoyo y soporte a Tadic y su familia. En el sitio ofrecen una breve biografía que dice:

"Mario Astorga nació Francisco Tadic nació en 1954 en Karlovac y Croacia. A continuación, se trasladó a Chile a una edad temprana, y se crió allí.
En el estallido de la guerra en la ex Yugoslavia en 1991, Mario volvió a la tierra de su nacimiento y se unió al recién creado Ejército Croata, pasando a través de las filas para convertirse en capitán y servir con distinción durante la guerra con la 1 ª Brigada de la Guardia.
Se retiró del ejército croata en 1996 y se estableció en Osijek, Croacia. Está casado y tiene 3 hijos pequeños"

EDUARDO ROZSA
Los medios ya han hablado infinidad de veces sobre el perfil de Eduardo, además existen libros, páginas webs, películas, declaraciones en la televisión, etc…que arrojan un cuadro general de este hombre. Su compañero de armas francés indicaba que “Si una persona hubiera querido matar al presidente ¿cree usted que sería lo suficientemente estúpido para contratar a un militar retirado de 58 años "enfermo", a un periodista y poeta que no ha tocado un arma de fuego durante 16 años, y a tres hombres jóvenes sin experiencia militar?. Hay gente mucho más capaz para hacer eso, gente cuyo oficio es ese”

Elías , otro compañero de Eduardo, nos contó: “Con Eduardo éramos amigos hace más de 20 años, lo conocí muy bien. Era cualquier cosa menos estúpido o terrorista. Me había comentado hace un tiempo que no podía encontrar su lugar, que no se sentía en paz y que extrañaba Sudamérica, Bolivia. Lo conocí en la guerra de los Balcanes, no era un mercenario. Él, como yo, nunca hubiera hecho eso por plata. Peleamos juntos por la libertad de otras personas, después ni Eduardo, ni yo formamos parte de ningún otro conflicto armado. Él era un idealista, pienso que si hubiera salido vivo, se habría convertido en un líder para alguna de las facciones opositoras. Ahora era más un político, era muy mayor para tomar armas de nuevo. No un fanático, no un terrorista, un hombre inteligente y amigable. Sé que nunca hubiera escogido una muerte tan estúpida. Que no hubiera querido morir como un terrorista. El hubiera querido ser recordado como un héroe o algo parecido. Los otros tipos ni siquiera tenían entrenamiento militar. Si hubiera querido asesinar al presidente, se hubiera organizado de otra manera y hubiera estado rodeado de otro tipo de gente, profesionales de verdad. No esperando en un cuarto de hotel que comandos venidos de kilómetros fuera de la ciudad lo sorprendan”.

También conseguimos el testimonio de Muhammad Abdallah, quien le hizo la última entrevista escrita en vida.

1.- Cómo conoció a Rózsa?
Bismiallah arahman arahim. Assalamu Alaykum. Rózsa contactó conmigo hace un par de años. Él había tenido relación con el Comandante Ilich Ramírez, llamado por la propaganda imperialista “Carlos el Chacal” hace muchos años, en Hungría. Una relación que ambos recordaban con cariño y que incluso está plasmada en la película “Chico”. Yo impulse la creación del Comité por la Repatriación de Ilich Ramírez en Venezuela hace 3 o 4 años, y después en España, Suecia, etc, y soy el responsable de la página web http://www.ilichramirez.blogspot.com/ donde se publican los escritos y noticias sobre el Comandante Carlos. Eduardo quería volver a contactar con el Comandante Carlos, ya que tras su secuestro en Sudán, hace 15 años, no había podido comunicarse, y lo hizo a través de mí.

2.- Qué tipo de hombre era?
Yo te confieso que desde el primer momento sentí una gran simpatía por el Comandante Rozsa. Era un hombre de acción, capaz de empuñar un fusil, pero a la vez sensible, poeta, como su papá y su hermana. Siempre tuvo inquietudes espirituales, como demuestra su ascendencia judía y su paso por el Opus Dei, y a pesar de su trayectoria revolucionaria, había terminado su búsqueda de Dios en el Islám, igual que el Comandante Ilich Ramírez “Carlos”. Además había dedicado todo su esfuerzo a luchar por las causas justas; primero como periodista, denunciando las injusticias con su cámara. Después como cooperante, transportando ayudas humanitarias a Sudán, Irak, etc, y cuando lo consideró imprescindible, empuñando un fúsil. El unico idioma que entienden los que no comprenden las palabras ni los gestos humanitarios. Supongo que a pesar de nuestra diferencia de edad, yo me sentí muy identificado con él, y de ahí la simpatía y el afecto.

3.- Se ha hablado mucho de su tendencia política o de su ideología...usted que lo entrevistó, cómo ve su perfil ideológico?
Yo creo que el Comandante Rozsa ha sido muy claro en sus ideas, pero para conocer el pensamiento de cualquier intelectual lo que hay que hacer, lógicamente, es leer su obra. Y ahí están los libros del Comandante Rozsa. Más de media docena de obras publicadas sobre historia, poesía, autobiografía, política... Es una pena que la mayoría de sus libros estén publicados solo en húngaro. Pero hay alguno, como su recopilación de cuentos sufíes, que está publicado también en español y fue muy bien criticado por la comunidad islámica en España y América Latina. En el momento de su ejecución discutía con él la posibilidad de traducir alguno de sus libros al español, como estamos haciendo con “El Islam Revolucionario” del Comandante Ilich Ramírez, que hasta ahora solo se puede leer en francés.

4.- Algunas informaciones hablan de Rózsa como un fanático, un tipo que usaba las armas para defender posturas...sin embargo en una entrevista hecha por usted Rózsa expresaba.: "Estoy absolutamente convencido que el „terrorismo a la larga siempre será contraproducente para quienes utilizan sus métodos"...
Es muy triste para nosotros que esa entrevista, que reúne diferentes conversaciones que tuvimos durante varios meses, la subí a mi página personal, http://www.muhammadabdallah.blogspot.com/ solo un día antes de su ejecución. Ese mismo día envié un paquete a su familia en Santa Cruz, siguiendo las indicaciones de Eduardo, con docenas de ejemplares de la circular donde se publicó dicha entrevista, para que fuera distribuida entre la comunidad islámica boliviana. Y creo que en esa entrevista, en la que intenté que Eduardo pudiese hablar de todos los aspectos importantes de su intensa vida, se puede encontrar perfectamente la esencia de su pensamiento. Rózsa no era un fanático. Abominaba de lo que nosotros, y no la propaganda imperialista, llamamos terrorismo. Pero también era consciente de que hay ocasiones en las que el único lenguaje que entienden los tiranos es el del fusil.

5.- Tuvo usted información sobre la venida de Rózsa a Bolivia...? Alguna vez expresó su preocupación por la situación política del país?
Me remito a su página web personal: http://www.eduardorozsaflores.blogspot.com/ donde él mismo, en varias ocasiones, habló de Bolivia y especialmente de Santa Cruz, su tierra natal. Rózsa sabía explotar mucho mejor que yo los recursos que ofrece la internet, y de hecho me enseñó muchas cosas en ese sentido. Creo que él mejor que nadie puede explicar, a través de lo que ha escrito en su blog, lo que pensaba y sentía sobre Bolivia y sobre toda América Latina.

6.- Le parece posible que Rózsa haya estado en el país, no para asesinar al presidente, pero sí para colaborar en el entrenamiento de jóvenes contrarios al gobierno?
Es redundante. Por supuesto ni yo, ni el Comandante Ilich Ramírez ni nadie que haya tenido la menor relación con Rózsa puede creer que un musulmán practicante, y además con un puesto de responsabilidad importante en la UMMA de Hungría pudiese querer asesinar al segundo líder latinoamericano más querido en el mundo árabe. Solo hay que ver la acogida que tuvo el presidente Evo Morales en la II Cumbre de ALPA hace unas semanas en Qatar. A mí me tocó ocuparme de subir a internet varias de las intervenciones, tanto de Evo Morales como de Hugo Chavez en Al Jazeera y puedo asegurarte que es impensable que un buen musulmán quisiese atentar contra Morales. En cuanto a los campos de entrenamiento, creo que no voy a descubrir ningún secreto si te digo que yo, y miles de combatientes árabes, europeos, africanos, etc, hemos recibido entrenamiento en América Latina. En todo el continente, desde Venezuela a El Salvador, pasando por Colombia, Cuba, Peru, etc, existen lugares para el adiestramiento armado, como han existido siempre. La tradición guerrillera de América Latina es la que en la actualidad forma a nuestra generación preparándonos para diferentes frentes, sean Colombia, Chiapas, Palestina, Chechenia, Iraq, Afganistan... Bolivia no es una excepción. En cuanto a la calificación “contrarios al gobierno”, es muy simplista. Como hablar de “izquierdas” y “derechas”. Es más complicado. En los conflictos del siglo XXI, como en Los Balcanes, en Palestina, en Iraq, en Chechenia... ya no sirven esas etiquetas. En una misma trinchera pueden coincidir luchadores que provienen de una trayectoria muy diferente, incluso antagónica, pero unidos contra un enemigo común... La lucha de Hizbullah contra el sionismo israelí, o la experiencia del Comandante Rozsa con los brigadistas internacionales en Los Balcanes son buenos ejemplos. Yo comprendo que lo más cómodo es utilizar etiquetas fáciles, pero en el mundo real no es tan simple.

7- Qué opinión le merece el grupo con el que Rózsa llegó al país?
Creo que hay que esperar a que los diplomáticos croatas, húngaros e irlandeses que están llegando estos días al país hagan su trabajo y exijan al gobierno boliviano explicaciones sobre las ejecuciones de Rózsa y sus camaradas, y los cargos que pesen sobre los dos detenidos, antes de que nosotros nos pronunciemos. Sería absurdo dan información a los ejecutores de Rózsa que puedan perjudicar a los camaradas detenidos.

8.- Seguramente tiene información de cómo se dio el incidente del Hotel Las Américas, cómo ha vivenciado usted y el entorno de amigos de Rózsa lo que parece ser una ejecución?
Como ya he explicado a otros medios bolivianos, esperamos con mucho interés el informe de la autopsia, y las declaraciones de los policías implicados. Cuando se demuestre que Rózsa y sus hombres estaban desarmados, que no existen restos de pólvora en sus manos, ni impactos de bala de otros calibres en las paredes, cuando se demuestre que los orificios de entrada de las balas evidencian trayectorias perfectas, y no deformadas por los movimientos bruscos que implicaría un tiroteo. En definitiva, cuando se demuestre que se anularon las cámaras del hotel para que no quedase registro de la ejecución despiadada que se iba a realizar, y que a Eduardo Rózsa y a sus camaradas se les asesinó sin darles ni una oportunidad de defenderse, nos gustará ver las explicaciones que ofrece la fiscalía y el gobierno de La Paz. Entonces nosotros ofreceremos también nuestra información.

9.- Hay gente que piensa que Rózsa fue engañado o traicionado en este triste incidente, usted cree que un hombre con su experiencia pudo caer en una trampa?
Por supuesto nadie es perfecto. Tras esquivar a todos los servicios secretos del mundo durante más de veinte años también el Comandante Ilich Ramírez Sánchez “Carlos” fue capturado en Jartún, víctima de una trampa de los servicios secretos franceses junto con los sudaneses. Y en la actualidad existen más intereses que nunca antes en la historia para rentabilizar políticamente la etiqueta de “terrorista”. Ya hemos visto lo que los gobiernos de Estados Unidos, Inglaterra y España hicieron en Iraq y Afganistán con la excusa de las “armas de destrucción masiva” que nunca aparecieron... ¿y alguien ha procesado por los asesinatos en masa cometidos a Bush, Blair o Aznar?

10.- En caso que el gobierno consiga probar que Rózsa y su grupo estaban involucrados en actividades ilegales, eso justificaría el accionar del gobierno de Evo Morales?
¿Qué actividades ilegales? ¿Acaso en las leyes bolivianas se considera lícita la pena de muerte, sin juício previo para cualquier tipo de delito? En el caso de existir evidencias sobre un presunto delito, el proceso legal consiste en detener al sospechoso y ponerlo a disposición judicial, y no en acribillarlo a balazos mientras duerme casi desnudo y desarmado. Pero no olvidemos que esta masacre se ha cometido “casualmente” dos días antes de la cumbre de las Américas y del histórico encuentro entre Morales y Obama. Y resulta sospechoso que algo tan oportunamente mediático como un supuesto comando terrorista internacional que teóricamente iba a atentar contra el presidente, sea detectado y neutralizado, justo entre la huelga de hambre de Morales y la cumbre de las Américas...

11.- Se habla de que el operativo fue gestionado con ayuda de inteligencia cubana y venezolana...
Evidentemente,y lo sé por experiencia personal, la seguridad venezolana y la cubana son dos de los cuerpos más efectivos del mundo. Pero en el caso de Venezuela, que me toca más de cerca, quiero pensar que la DISIP y los cuerpos policiales de la V república se alejan mucho de los delincuentes y corruptos servicios policiales de la IV república y de tiempos anteriores. Por eso prefiero pensar que los servicios venezolanos, y también cubanos, no tuvieron nada que ver. Otra cosa es que hubiesen podido facilitar información, y no apoyo operativo, a la policía boliviana en relación a la presencia de Rózsa o sus camaradas en el país.

12.- Sabe usted si Rózsa tenía algún plan a futuro, ya sea viajando a otro país o con la película que dicen estaba por filmar?
Muchos. De hecho estábamos discutiendo la posibilidad de traducir su obra completa al español, y en prepararle algunas conferencias en Venezuela, España,etc. El pasado noviembre, de hecho, yo le invité a una reunión en Suecia, y este enero a otra en Líbano, a las que finalmente no pudo asistir por los muchos proyectos profesionales en los que él estaba embarcado. Y la realización de una nueva película, continuación de la conocida “Chico”, aunque en la que no participaría como actor sino como asesor del guion, era sólo uno de ellos. Además acababa de terminar un nuevo libro de poemas.

13.- Qué es lo que más recordará de Rózsa?
Yo me quedo con el Eduardo musulmán y poeta. El Eduardo solidario y audaz. No con esa imagen manipulada y difamatoria que algunos medios bolivianos intentan presentar. Incluso sin dudar en utilizar fotografías manipuladas y tendenciosas, como la que publica hoy mismo la Opinión, en un intento patético de avalar la versión oficial.

14.- Se habla de este grupo como mercenarios, pero ni Rózsa ni los jóvenes involucrados parecen ser personas que se moverían por intereses económicos...usted qué opina...
Es evidente que el idealismo es la característica fundamental de todos los internacionalistas que como Rózsa, o como Ilich Ramírez, Ibn Khatabb, Patrick Arguello, o el Che Guevara viajaron a tierras lejanas a la suya para luchar por una causa que, en teoría, no les afectaba. Pero también es cierto que con el paso de los años algunos de esos luchadores idealistas terminan profesionalizándose, como lo pueden hacer los policías, militares o políticos de todo el mundo, que con la edad terminan haciendo su trabajo sólo por dinero. No creo que sea el caso de Rózsa, pero posible que sí lo fuese el de alguno de sus hombres.

15.- Hay alguna declaración oficial del comandante Ilich al respecto? Gracias a los camaradas bolivianos estamos recibiendo todo lo que se publica en todos los medios bolivianos e internacionales estos días y se lo estamos haciendo llegar a Francia al Comandante Carlos. Y espero que muy pronto él mismo pueda emitir algún comunicado al respecto a través de su página web http://www.ilichramirez.blogspot.com/ o a través de algún otro medio. Por lo pronto nos ha pedido que trasmitamos a la familia de Eduardo Rózsa su más profundo pésame. No hace mucho yo le envié a Eduardo a Hungría una emotiva postal que el comandante Carlos le enviaba desde Francia. Y creo que fueron las últimas letras de su viejo camarada que pudo leer antes de ser ejecutado.

¿LA CAUSA?

El gobierno adujo que el motivo de que este grupo se encuentre en Santa Cruz era planear el asesinato de Evo Morales. Sin embargo, el martes salió una entrevista que Rózsa hizo a la televisión húngara antes de venir a Bolivia, en la que expresó: "Estamos preparados para declarar en pocos meses la independencia y crear un nuevo país".

¿Cómo pensaban declarar dicha independencia? "con métodos pacíficos, pero mostrando fuerza", aseveró en la entrevista. Una contradicción en sí misma, igual que muchas de sus posturas ideológicas.

Rózsa también asegura que "se teme que el gobierno ataque la provincia" de Santa Cruz. ¿Quién lo había convencido de eso? ¿Con qué tipo de gente se relacionaba, para creer que su ciudad estaba a punto de ser atacada y que necesitaban entrenar una milicia para la "defensa"?

"He sido llamado para organizar la defensa de la ciudad y la provincia de Santa Cruz" y luego añade "esto no se trata de que iré a la selva boliviana a ser el Che Guevara". Lamentablemente Rózsa cometió el mismo error que en épocas pasadas le costara la vida al Che. Llegó a un ambiente que hacía mucho no era el suyo, inconciente de lo que realmente pasa en el país, creyendo ingenuamente que iba a poder entrenar hombres como un súperhéroe moderno sin que el gobierno moviera un dedo o se percatara de sus actividades. Se rodeó de gente incapaz, y encima estaba empujado por sentimientos radicales, cuya génesis nubla cualquier buen juicio o sentido común.

En su blog, en la parte izquierda se puede leer una pequeña etiqueta que Rózsa colgó con una frase de Voltaire: "Esos que te hacen creer cosas absurdas, te pueden hacer cometer atrocidades"

Elias recuerda: "Me comentó que estaba en Bolivia cerca de Año Nuevo. No me dijo las razones. Lo topé varias veces por MSN, chateábamos horas y horas, pero nunca hablábamos de eso. Una vez me dijo que prefería no hablar porque sentía que "ellos lo estaban vigilando". Todavía me extraña que haya llevado a cabo algo así con esos jóvenes. Ni siquiera nos preguntó. Estoy seguro que muchos de los camaradas le hubieran dicho que sí"

En caso que la derecha cruceña esté involucrada como todas las pruebas apuntan y como resulta ser una verdad evidente, ¿se trata de su ala más radical? ¿Quiénes sabían y colaboraron con la formación de estos grupos armados?¿Hay infiltrados entre los empresarios y logios que están participando en hechos de este tipo? ¿Por qué, si es que hay gente de peso involucrada, no hubo alguien que frenara este suicidio? ¿Por qué la famosa milicia, no tomó los resguardos que cualquier otro grupo subversivo habría tomado, resguardos como no alojarse en hoteles, no andar juntos llamando la atención, etc..? ¿Se sentían tan protegidos? ¿Después de seis meses, simplemente la rutina hizo que se descuidaran? ¿Quién los financiaba? Sólo en los pasajes deben haber gastado casi 10 mil dólares, no hablemos de lo que gastaban en hoteles y movilizaciones desde hace seis meses.

Y también hay preguntas más importantes ¿Qué le queda ahora a esa ala radical? ¿Después de este fiasco, los intentos de llevar a cabo empresas como esta, morirán?

EL OPERATIVO
Ahora hay que ver qué papel juega el gobierno. Cualquiera sabe que por ley, todos los hoteles pasan la lista de las personas que se registran en sus instalaciones a la Interpol, cada noche. O sea, a esos lugares no entra nadie sin que Interpol sepa. Ellos se encontraban en Bolivia desde octubre del año pasado, saltando de hotel en hotel, y trasladándose en grupo a las afueras de la ciudad…un conjunto de personas llamativo, croatas, húngaros, el irlandés y claro…Eduardo Rózsa…¿el gobierno recién se entera de todo esto el día que toma por asalto el Hotel Las Américas? ¿Por qué no se procede a una detención civilizada si hasta ese momento los seguían (con seguridad) y había momentos en que cada uno andaba por su cuenta, aunque sea de a dos?

Elias, compañero de Rózsa, dice que no hay lugar a dudas sobre la ejecución del grupo, aportando datos interesantes: “Soy un ex soldado profesional y puedo decirte, he visto la guerra, y peleado también…es imposible dispararle a un hombre en movimiento, y volverle a disparar de la manera en que el comando alega que lo hizo, en un enfrentamiento. Los disparos según las fotos, están localizados en una pequeña área de los cuerpos, en el caso de Eduardo más de cinco balazos, y todos están a pocos centímetros uno del otro…demasiado buen resultado en un cuerpo en movimiento. Nadie puede hacer eso en un cuerpo en movimiento, yo he sido entrenado para disparar…y nunca he visto a alguien que pueda hacer algo así. Mi opinión es: Ellos fueron capturados o no se movieron cuando los comandos los sorprendieron y les han disparado estando a poca distancia del blanco. Estoy seguro”…

Las fotos de los muertos que andan corriendo por internet, fueron filtradas por alguien ajeno a la policía, alguien del hotel…ese fue un hecho que ni el comando ni el gobierno esperaban, porque las fotos muestran que alrededor de los cuerpos no hay armas. En todo caso, ¿por qué dejan vivos a dos?

¿Teoría? Dejaron vivos a los que mediáticamente les supondrían menos problemas, y que además podrían corroborar lo que es un hecho, que se estaba armando un grupo de gente contraria al gobierno, que se estaban haciendo entrenamientos y estos dos detenidos, podrán apuntar a los involucrados. Entre Magyarosi (un conocido y amado cantante en su país), Mike (un joven de familia, que de haber estado preso, ya tendría un enorme respaldo no sólo de su ciudad sino de su gobierno y seguramente sus familiares ya habrían llegado al país) y Elod (un tipo de bajo perfil, que hasta el 20 de abril su familia ni siquiera había podido averiguar el nombre de su abogado), está vivo el que es menos mediático y que tiene menos recursos para buscar apoyo.

Pero recordemos que los jóvenes sabían muy poco de en qué se metieron, y recordemos que los que estaban bien enterados de lo que se cocinaba eran Eduardo y Mario, aquí no hay que preguntarse siquiera por qué eligen dejar vivo a Mario. No obstante se trata de especulaciones.

LOS RESULTADOS

Queda claro que el ala radical de Santa Cruz se metió en un berenjenal donde hasta ahora hay 3 muertos y 2 detenidos. El gobierno tiene pruebas de todo, las va largando de a poco y tarde o temprano empezarán las detenciones. Aprovecharán esta triste historia, para comenzar una caza de brujas, que definitivamente dará una estocada a cualquier intento de subversión.

Lo más preocupante es que ambos lados, tanto el oficialismo como la oposición con sus respectivas acciones, unos por intentar crear un ejército local que desconociera al gobierno y el gobierno por aprovechar una situación tan delicada, inescrupulosamente para haber ejecutado a 3 personas, acaban de borrar del todo esa línea ya difusa hace tiempo, que dividía el bien del mal.

RÉVÉSZ TIBOR

El equipo había recibido información sobre Révész Tibor como otra de las piezas involucradas en este misterioso caso. Ahora, el Irish Times confirma lo declarado hace unos días en este blog, que el nexo entre Mike Dwyer y Eduardo Rózsa fue el ya mencionado Révész Tibor. De acuerdo a últimas publicaciones, el Irish Times habría confirmado que Tibor conoció a Dwyer cuando ambos trabajaban como encargados de seguridad de la I-RMS de Irlanda (compañía de seguridad que brinda protección a la SHELL), y que fue Tibor quien acompañó al irlandés primero hasta España y luego hasta Bolivia.

¿Quién es Révész?

De acuerdo a su página personal (http://photosniper.freedom.hu/) nació en Sepsiszentgyörgy, el 25 de junio de 1976. El currículum que él mismo colgó indica:

Escuela, cursos y formación en entrenamientos:
Curso especial de guardaespaldas - UK (2009)

Curso Táctico de Aviones de Combate - Hungría (2009)

Close Quarter Combat Course - Hungría (2009)

PADI Scuba Diver - Egipto (2009)

VIPAgente de Protección by IPSA Londres (2008)

VIP Agente de Protección- Guardaespaldas by IBSSA (2008)

Emergency First Responder - Inglaterra (2008)

Physical Intervention for Security, Irlanda (2008)

Gestión de Conflictos, Irlanda (2008)

Pase seguro, Irlanda (2008)

Static Security Officer FETAC level 4, Irlanda (2008)

Periodista (2006)

Licencia Militar de Primeros Auxilios (2000)

Licencia Buscador de Bombas (1998)

Judge of the APBT race (1998)

n.c. officer School (1997)

Curso de manejo canino (1996)

Instructor-líder de escuela canina (1996)

Bodyguard and property-keeper (1994)

Car-mechanic Highschool (3 years, but not finished)

Elementary school (finished at 1990)

Habla inglés, francés y rumano.

Como ya lo habíamos adelantado Révész forma parte de la Legion Szekler...Legio Siculis. Un periódico rumano publicaba hoy día más datos inquietantes: Según este periódico rumano con fuertes conexiones con el Servicio Secreto Rumano, se trata de una organización paramilitar fundada en el 2002, y de la que Eduardo Rozsa era miembro honorario.

La organización está amparada en la constitución húngara en el artículo 63 del derecho a la libre asociación. De acuerdo a sus estatutos la idea es defender a la causa Szekler y está conformada por jóvenes intelectuales. Según los datos que arroja este periódico tiene 5.000 miembros, que periódicamente se entrenan en deportes extremos, alpinismo, sobrevivencia, etc.. Está creada con fondos privados. Su comandante supremo es Révész Tibor. Este sujeto también fue campeón y vicecampeón de Judo en Hungría. Entrenado en escuelas de supervivencia en Escocia, oficial húngaro con entrenamiento en Serbia y Bosnia-Herzegovina. El último entrenamiento de la Legión, de acuerdo a la prensa rumana, fue a principios del 2007 en las montañas Ciuc. Magyarosi Arpad era parte de la Legión. En Rumania se les concede una ideología de ultra-derecha.

El nexo con Rózsa se puede ver en uno de los tantos blogs de Chico. En un post escrito en marzo del 2007 llamado: No soy ni James Bond, ni tampoco Superman...

Se trata de una entrevista en húngaro donde se le cuestiona a Rózsa sobre sus conexiones con la Legión Szekler, a lo que le preguntan...quién es de hecho Eduardo Rózsa? él responde: "siento decepcionar pero no soy la reencarnación de James Bond, ni de Súper Man...Rambo está muy distante de mí..." y enumera sus actividades de periodista, escritor, etc...

La segunda pregunta es sobre Révész donde se le cuestiona el hecho de que la agrupación comandada por Tibor, esté acusada por la prensa rumana de ir contra el estado rumano, y qué opinión tiene Rózsa sobre eso...Eduardo dice que lo mismo decía la prensa Serbia sobre su persona, y que considera tales alegatos como ridículos. Además dice que habría que ver qué se entiende como ala derecha radical, y que él, en todo caso forma parte de este grupo..."Quiero expresar mi solidaridad con ellos, y desde ahora enviaré mis artículos, mis poemas al portal construido por ellos...www.szekely.tk"...

P.D. Nosotros no le hemos proporcionado fotos a la RED UNO, repudiamos la falta de cuidado de este canal en Notivisión, al exhibir imágenes donde se involucra a otras personas en un caso tan delicado y no cubrir sus rostros. Les recordamos que hay 3 personas muertas y 2 detenidas, seriedad para el tratamiento de la noticia. Encima se equivocan al dar la información, diciendo en una foto (la del Buganvillas) que Mike es Mario Tadic.

2009-03-31T14:49:00.009-04:00

DOGVILLE
Por: Mónica Heinrich V.

PROLOGO

Un reconocido cantautor (del que obviaremos el nombre) desgranaba contra el universo aquella letra que decía “En estos días no hay absolución posible para el hombre. Para el feroz, la fiera que ruge y canta ciega. Ese animal remoto que devora y devora primaveras.” Moniq H. escuchaba azorada e incrédula, sin embargo la constancia de que, como dice la misma canción, éstos, son días terribles, con el paso de los años y el curso de los acontecimientos, se hace cada vez más certera. Hace dos semanas Moniq tomó la decisión de acercarse a deslizar la mirada en la pantalla que muchas veces brinda alegrías, satisfacciones y embelesos. La noche, no era un prefacio de lo que sucedería en breve. Dogville comenzaba su historia con un Prólogo y continuaba con… CAPITULO UNO: Lars Von Trier y la destrucción de esperanzas

Hace muchos años que Lars Von Trier no deja títere con cabeza, hace muchos años que los que vemos sus películas, nos sometemos voluntariamente y sobre todo, fascinados, a sus ejercicios cinematográficos. Sus películas, amén de la polémica del Dogma o del no Dogma, tienen una misma característica, relatan situaciones llevadas al extremo de lo soportable, donde aflora la fauna del corazón del hombre. Por eso, mis estimados y esperanzados lectores, es que este desgarrador y desesperado metraje se denomina Dogville, saquen ustedes mismos sus conclusiones. Las casi tres horas que dura Dogville son una tortura, un martirio, un suplicio, aguantado solamente por la perenne idea de que estamos viendo arte (lo que es una verdad terrible, pero verdad). Lo que nos lleva al…

CAPITULO DOS: Te cuento un cuento

Dogville arranca como una historia bastante coloquial, aparentemente. Un pueblo tranquilo donde todo tiene su sitio y su lugar, es interrumpido en su cotidianidad por la llegada de una desconocida, Grace (Nicole Kidman). Grace huye de gente que parece querer hacerle daño, por lo que los dogvilleanos (previa consulta comunal) deciden darle cobijo, no sin poner unos cuantos peros. Como Grace cuenta con el apoyo incondicional de Tom (Paul Bethany), el “idealista” del pueblo, la relación Grace-Dogville y Dogville-Grace tiene desde el principio que basarse en ciertos códigos. Códigos que, una vez enmarañada la trama, deben ser (típico de vos Lars) llevados al extremo. Esto quiere decir que…

CAPITULO TRES: La importancia de la escena

El argumento ya comentado previamente, supone algo sencillo desde el punto de vista argumental, pero recuerden que estamos hablando de Lars Von Trier y que este señor no iba a ser tan prosaico de reducir el argumento a eso. Entonces, ya contando con el golpe emocional de la simple historia, Von trier elige una puesta en escena desprovista de escena, es decir, se vale de una especie de fondo teatral donde los escenarios no existen realmente a no ser por ciertos dibujos en el piso hechos con tiza, y otros elementos que representen parte del mobiliario del pueblo. El efecto está tan excelentemente construido que después de vista la película, recordaba escenas “completas” es decir con las flores, árboles y paisajes reales. Se le cuestionó el no haberla filmado en blanco y negro, e inteligentemente aclaró que si ya hay un elemento extravagante que puede ser algo chocante para el espectador, sería un error filmarla en blanco y negro porque lo distanciaría más de la cuenta. Entonces nos vamos al…

CAPITULO CUATRO: De capítulos y otras excentricidades

La película se divide en 9 capítulos y un prólogo. Lo de los capítulos ya lo había usado en Rompiendo las olas, y bueno, tampoco ha descubierto la pólvora, sin embargo tiene un efecto importante. Cada capítulo contiene un título que aviva y acrecienta el efecto de lo relatado y de lo que queda por relatar. Una voz en off es cómplice frío e insensible del relato, de hecho el tono de voz es ligero, como si te contara algo cuasi obvio, tangible, de la cultura popular. Y…

CAPITULO CINCO: Personalizar los personajes

Dogville está muy bien actuada, desde el papel que interpreta la cada vez más solicitada Nicole Kidman, hasta los papeles menores como el del mecánico o el granjero. Paul Bethany que ya ha trabajado en Una mente maravillosa y recientemente en The master comands, hace una representación elocuente y convincente de Tom. El resto de los personajes pululan (sí, PULULAN) alrededor de Kidman de manera macabra y da gusto encontrarse otra vez con la olvidada Cloe Sevigny o con Lauren Bacall, a pesar de no ser tan felices circunstancias.

CAPITULO SEIS: Desfallecer, esa es la consigna

Puedo decir que asistí cada vez más asqueada y, sobra decirlo, desesperada, a la proyección de Dogville. Al principio estás tranquilo, pero si ya conocés a Von Trier, sabés que cualquier rato te da el golpe de gracia. Mientras avanza, cada paso, cada capítulo, cada escena, empieza a provocar un hormigueo y una ansiedad que se acrecienta, alcanzando su clímax más o menos a partir de la mitad de la película. Ya cuando pensás que no hay más que decir, el horror se incrementa, y vos tenés la leve tentación de abandonar la sala. CAPITULO SIETE: Final acreditado

El final llega de una forma brutal, los créditos refuerzan y atestiguan una vez más el significado de la palabra Dogville, los perros muestran los dientes, los perros muestran su falta de humanidad, de raciocinio, los perros pueden atacarte, y a pesar de todas esas verdades, qué pena dan los perros, qué triste es su vida, qué soledad, qué miseria, qué desgracia ser perro!

CAPITULO OCHO: Sutilezas y desbarajustes

Dogville es una oda a la sutileza, o por lo menos así comienza, llena de simbolismos y suaves acusaciones, Lars Von Trier no se equivoca en el ritmo de su película, ni en la coherencia del guión, yo, sin embargo, objeto un poco la parte final, donde los diálogos entre Grace y aquel señor, me sonaron artificiales, me sonaron desprovistos de algo llamado sinceridad.

Después de navegar en las aguas de la indirecta directa, de lo latente más que de lo manifiesto, en esos minutos eternos en que transcurre el final, no hay sutilezas, ni simbolismos, la moraleja, o el mensaje, está demasiado específico, sin que eso indique que no tenga fuerza o no te golpee igual. Te golpea, quedás envuelto en la sordidez de tan desgraciada conclusión, pero aún así, extrañé un final menos discursivo. Además, el personaje de Grace repite la dosis VonTrierana de exacerbado estoicismo ya mostrado en Rompiendo las olas y Bailarina en la oscuridad, donde los personajes femeninos son torturados hasta la saciedad, aguantando con determinación cualquier empujón retorcido y vil de sus respectivos destinos, sin que Von Trier se apiade de ellas, ni del público. Quizás el final de Grace varíe un poco la fórmula, pero sufrí demasiado con su periplo y no hacía más que recordar los periplos de Selma y de Bess.

CAPITULO NUEVE: La luz de una oscura conclusión

Llega la calma, hora de retornar al mundo, Moniq H. mira a su alrededor y ve con extraña tristeza las caras de sus compañeros de embrujo, del embrujo de casi tres horas. Hay poco que decir, o quizás mucho, transitar por el camino por el que vino y ver con desolación que las cosas parecen “diferentes”, ver que las cosas parecen más “feas”, mirar con desconfianza y tristeza a esos canes bípedos que caminan ajenos a su mirada. Choca con alguien que está delante de la puerta de vidrio que lleva a la salida, ese alguien se da la vuelta y con cortesía exquisita dice: “Lo siento, pasa tú primero”…quizás no todo está perdido.

Escrito el 16 de febrero del 2004

2009-03-31T14:12:00.007-04:00

ALEXANDER

By: Mónica Heinrich V.

Esperé con ansias el nuevo trabajo de Oliver Stone. Yo era de las que veían el poster y se quedaba embobada pensando en los maravillosos tiempos venideros. Era de esas que soñaba con depositar mi humanidad en la butaca y ver ante mis ojitos las grandes letras de A L E X A N D E R en la pantalla. Sí, uno siempre se ata al delgadísimo hilo de la ilusión. Luego, llega la calma. A veces la esperanza se cumple, otras salís pensando que el mundo es cruel y malvado.

Primer acto: La ignorancia

¿Quién fue Alejandro Magno? La tenía bastante clara. Uno de los líderes más importantes que ha conocido el hombre y cuyo empuje llevó a su pueblo a muchas victorias. ¿Qué más? Que era un poco afeminado y pansexual. ¿Sabía suficiente? No sé (wow, sí o no que me quedó filosófico?) Bueno, mi pobre persona se detuvo ante la disyuntiva de: Averiguar o no averiguar.

O sea, ¿sería conveniente ir al cine con un bosquejo levemente edificado sobre quién era el susodicho en cuestión y así poder emitir un juicio más objetivo? Decidí que no por aquello del factor sorpresa. No es lo mismo ver El Señor de los Anillos sabiendo que Gollum va a terminar muerto en su último intento de adjudicarse el anillo, que imaginar la feliz idea de que su parte buena triunfa y puede reincorporarse a la sociedad.

Entonces era yo una hoja en blanco, un paño limpio y perfecto sobre el cual se verterían nuevas informaciones. No era Troya donde de historia no podíamos esperar nada, no. Esto era un trabajo de Stone en el cual había invertido muchos años. Valía la pena concederle el beneficio de la duda.

Segundo acto: Asumir la eternidad sin salidas de emergencia visibles

Empezó. Vemos a Hopkins repetirse una vez más, luciendo cansado y viejo. Interpreta a Tolomeo, recurso utilizado para que nos enteremos de las viejas glorias de Alexander. De ahí en más, el relato se intercalará con la figura redonda y blanquecina de Hopkins y los flash backs pertinentes que nos muestren cómo acabó el entuerto. En un inicio veremos la bestialidad del padre de Alexander representado por un irreconocible Val Kilmer, conoceremos a Olimpia interpretada por una sobreactuada Angelina Jolie y claro, mientras, el bebé crece para luego presentar a un teñido Collin Farell dizque de 17 años. Así transcurren tres horas largas con pocos aciertos y mayores desaciertos. Lo llamativo es que la historia en sí daba como para lograr un filme más redondo.

Pero vayamos por partes. Actores: Yo tenía mis dudas con Farrell. En algunos momentos de la película alcanza cierta credibilidad, pero la mayor parte del tiempo lucía forzado, artificial y poco convincente (para mí, obvio). Podemos preguntarnos quién interpretaría mejor a Alexander pero lo cierto es que no lanzaré ningún nombre, sin que esto signifique que con una adecuada producción otro actor no haya conseguido transmitir más eficazmente la fuerza de este personaje. Recordemos que a Colin nadie lo veía adecuado tampoco y, aunque con muchos altibajos, consiguió interpretarlo. El caso de Angelina es más grave, a mi parecer. Aunque Olimpia era de origen austriaco y era evidente que tenía otro acento diferente al de los demás, nadie explica eso al público. En ningún momento hay una alusión al origen de Olimpia que nos eche una luz sobre por qué la Jolie habla tan raro, recordemos que la mayoría del público no conoce bien la historia de Alexander. Independientemente del molesto acento, la actuación de la individua deja mucho que desear, llegando por momentos a la cumbre de la sobreactuación: por ejemplo, cuando le grita a Val Kilmer que en sus entrañas tiene a su vengador. Hefestión es tan anodino que no vale la pena que le dedique ni siquiera un par de líneas. Y el resto de los personajes transcurren sin pena ni gloria por la pantalla mientras los minutos y las horas pasan. Con respecto al manejo de la historia en sí misma, poco importa la exactitud de los hechos. Lo cierto es que a la película parece faltarle alma, te deja la sensación de que viste algo muy bien armado desde el punto de vista estético pero que no llega a trascender más allá de eso.

No es un filme que terminado te impulse a tratar de averiguar la verdadera historia o te anime a querer conocer más al personaje. Es más, ya cerca del final sólo esperás que termine. El aspecto controversial del filme, dizque la homosexualidad de Alexander y sus relaciones con Hefestión me pareció de lo más sosito de la cinta. Durante las tres horas se miran, se hacen ojitos, se traen ganas, se desarrolla un jueguito ambiguo donde a las claras se ve que ese par se adoraba y sin embargo todo queda en amagues. Dizque para mostrar que el amor que se tenían era de otro nivel mucho más profundo que el sexual, cuando todos sabemos que aunque el pansexualismo era visto de esa manera le daban a la matraca que daba gusto…Ni siquiera un beso de lengua que dé tela para cortar entre todos los puritanos norteamericanos jejeje.

En fin, tan es así que llegó un punto en que el público se mataba de risa cada vez que aparecían estos dos en sus escenas románticas… Como ya dije la historia se deja ver, pero nunca alcanza un clímax y deja una leve sensación de sopor.

Acto Final: La vida es un sueño

La crítica americana la destruyó totalmente. Sus actores fueron nominados a los premios Razzie como lo peor del año pasado. A pesar de que no me gustó demasiado, me parece que fue un exceso. Se vieron películas mucho peores y con actores más deficientes que en Alexander como para que sea la película más nominada a esos premios. Sin embargo, algo reconozco. Este ha sido un tropiezo en la carrera de Stone, donde su habitual profundidad para exhibir a personajes históricos quedó a medio camino. Alexander sin duda tiene sus buenos momentos, tanto en escenas como en guión, como en actuaciones. Pero desgraciadamente, en un filme de estas características no es suficiente. Más aún si dura tres horas y se supone que estás exhibiendo a un personaje como Alejandro Magno. Alguien podrá decir: “pucha pero es que mostró su lado humano”. Será verdad aunque a mí lo de Magno no me quedó claro nunca. Ese es mi mayor reclamo, que como ya dije es un filme sin alma. La recomiendo sólo para que puedan debatir sobre ella, y porque, como ya dije, tiene uno que otro buen momento.

Escrita el 18 de febrero del 2005

2009-03-16T13:35:00.007-04:00

...Y LÌBRANOS DEL MAL...

Por: Mónica Heinrich V.

Un documental de la BBC (Abusos sexuales y Vaticano) daba cuenta de Crimen Sollicitationis, un documento promulgado por el actual Papa, Joseph Ratzinger, en el que se brinda protección a los sacerdotes que son acusados de abuso sexual y en el que se impone una política de secreto absoluto, para que los casos de pedofilia perpetrados por el clero, permanezcan en la oscuridad. El texto fue redactado en los años 60s y uno de sus puntos más perturbadores es que el abusado no puede hablar sobre el delito, por considerar que los actos sucedidos ocurren dentro de un contexto similar al secreto de confesión. En el 2001 se hizo un cambio, teniendo el Vaticano única autoridad para juzgar un caso de pedofilia en sus filas.

De esta manera, Ratzinger (en su calidad de Prefecto de Congregación para la Doctrina de la Fe) manejó durante años cientos y cientos de denuncias, que fueron silenciadas y que consiguieron que el prontuario de los sacerdotes abusadores aumentara, gracias a la ausencia de castigo severo y a la NO remoción de tales sujetos enfermos del sacerdocio. Durante el gobierno de Bush…el actual Papa pidió inmunidad en Estados Unidos para no ser sometido a ningún tipo de juicio que manchara su reputación, teniendo un caso abierto en Texas, por encubrimiento. Bush accedió, a pesar de que como Papa, Ratzinger ya tenía inmunidad…pero al parecer, el clero no quería dejar abierta la más mínima posibilidad.

Es así que llega hasta mí, un terrible (por lo duro) documental llamado: Deliver Us from Evil (Líbranos del mal). Lanzado en el 2006 y nominado a los premios Oscar como Mejor Documental, sacude hasta el último rincón del alma gracias al primer testimonio filmado en este tipo de reportaje de un sacerdote pedófilo.

Oliver O´Grady fue hallado culpable de decenas de casos de niños abusados. Desde principios de los 70s hasta principios de los 90s, el padre Oliver O´Grady destruyó familias enteras al violar, molestar o abusar sexualmente a diferentes niños. Como él mismo relata en el documental “Esto no debió ocurrir”, pero ocurrió. Lo chocante es que desde sus primeros incidentes, el obispo de Los Ángeles y su superior inmediato, siempre estuvieron al corriente (se asume entonces, que el Vaticano también lo sabía)…y cuando surgieron las primeras denuncias oficiales, la postura de la iglesia fue asegurarles a las familias que enviarían a O´Grady a un monasterio, donde nunca tendría contacto con otros niños. La realidad era que simplemente lo cambiaban de Parroquia y cuando eso sucedía, O´Grady estaba, otra vez, en posición privilegiada para encontrar nuevas víctimas.

Con tono totalmente carente de emoción, como si estuviera relatando un pasaje cotidiano de su vida, O´Grady cuenta a la cámara el “inmenso amor” que tiene por los niños…La entrevista la hace desde Irlanda, porque luego de ser condenado a 14 años de cárcel, salió en libertad al cumplir la mitad de su condena (7 años) lo deportaron a Irlanda, y hoy en día camina por las calles como cualquier mortal.

Mientras relata su experiencia, a su alrededor pasan ocasionalmente niños…ya que buena parte de la entrevista se hace con un parque infantil de fondo. En ese mismo contexto es que O´Grady dice que si alguien le pregunta: “Te excita ver a una mujer pasar”, él diría: “No”, si le preguntaran: “Y un hombre?”: “No”, si la pregunta fuera: “Qué tal un niño”…La respuesta sería: “Sí, tal vez”…si le agregaran: “Y si ese niño estuviera en bañador?”…Él diría: “Sí”…y “Si estuviera en ropa interior”…no dudaría en contestar: “Claro que sí”. Todo esto lo cuenta con una risa “traviesa” al final.

A este relato propio de un sociópata, donde en ningún momento hay una cabal comprensión de la magnitud de sus actos, se intercalan testimonios de sus víctimas. El más desgarrador es el testimonio de la familia Jyono. Mary y Bob Jyono conocieron a O´Grady casi cuando este recién llegaba a USA desde Irlanda. Mary, la madre de su futura víctima, al ser irlandesa también, automáticamente le abrió las puertas de su casa al abusador, sin sospechar siquiera que su pequeña hija de entonces 5 años sería sistemáticamente violada por el sujeto hasta sus 13 años. “Ollie” como la familia cariñosamente llamaba al pedófilo, no fue descubierto hasta el juicio que se le hizo en los 90s…Cuando la pareja supo de las acusaciones, incluso lo apoyaron…hasta que su hija Ann relató que mientras el sacerdote se quedaba a dormir, se metía a su cuarto y la sometía a continuas violaciones. El padre de la chica (hoy mujer de casi 40 años), llora compungido frente a la cámara, diciendo entre sollozos: “Dios no existe”…y desde el amargo descubrimiento no puede pisar una iglesia.

Además de este duro testimonio, se suman los de otros niños, ahora adultos que no han podido cerrar ese negro capítulo de sus vidas, que no han encontrado justicia…y que cuentan su historia para que “sirva de algo”. Del otro lado de la verdad, muestran declaraciones sacadas durante el proceso civil a O`Grady (La Iglesia Católica se negó a hacer declaraciones para el documental) donde el hoy Cardenal Mahony (obispo que socapó a O´Grady, y que sin embargo fue ascendido) y Monseñor Cain bajo juramento alegaron no conocer, “recordar” o estar al “tanto” de la grave conducta que llevaba arrastrando el padre O`grady durante casi 20 años. Aunque ambos manifiestan haber conocido algunas denuncias de abuso sexual, pensaron que eran “casos aislados”, que no “relacionaron entre sí” (¿?) El actual cardenal de Los Ángeles incluso minimiza el tono confidente y fraternal en que O`Grady le escribe agradeciéndole su apoyo, también niega descaradamente el tenor incriminatorio de otra carta que el mismo cardenal escribe a O`Grady, expresándole su afecto, comprensión y apoyo…

Comprensión y apoyo para O´Grady! que entre sus víctimas tiene a un bebé de apenas 9 meses. El mismo O´Grady que en una de sus declaraciones durante el juicio contó que él a su vez fue abusado por otro sacerdote cuando tenía 10 0 12 años, y que su hermano mayor también lo abusaba sexualmente. Una historia tan oscura, que a veces suena hasta irreal.

Paralelamente, hay testimonios de abogados, teólogos, psicólogos que dan su opinión sobre esa compleja mafia que es la Iglesia Católica, donde en este caso particular…el entonces Obispo Mahony, privilegió sus aspiraciones a convertirse en cardenal (no quería escándalos) antes que la vida de cientos de niños que quedaron marcados para siempre. Si Mahony o Cain no cayeron con O´Grady, fue simplemente porque este no los incriminó y un día antes de su declaración fue visitado por abogados del clero, ofreciéndole una pensión vitalicia de 800$us mensuales si no acusaba directamente a dichos personajes.

Otros datos macabros que el documental arroja, es que en USA hay casi 100.000 denuncias de niños o adultos que en su infancia, fueron abusados por sacerdotes. Teniendo en cuenta que según estudios, sólo el 20% de casos de violaciones termina en una denuncia, eso quiere decir que deben existir 80% abusados que viven su pena en silencio. Más datos: un reportaje del L.A. Times afirmó que el 10% de los sacerdotes egresados del seminario St. John (de donde salen la mayor parte de los sacerdotes que ejercen en la zona oeste del país) eran seguros pedófilos.

Actualmente hay más de 500 sacerdotes en Los Ángeles acusados de abuso sexual. Y eso es lo que se conoce, los archivos de la Iglesia son clasificados y a menos que una denuncia se haga pública, los sacerdotes que tengan problemas de conducta sexual quedan protegidos por su institución. La misma institución que todos los días hace declaraciones públicas dando consejos morales sobre cualquier tema.

El documental es dirigido por Amy Berg, que debuta de manera sorprendente. Este trabajo es el resultado de 4 años de investigación. El contacto con el padre O`Grady y su posterior acuerdo para dar su testimonio en cámara fue un proceso que duró semanas, antes que Berg tuviera que viajar a Irlanda a entrevistarse personalmente con él. Cuestionada sobre si fue difícil hacer un documental de estas características, ella declaró: “Sería difícil no hacerlo”.

Deliver us from evil, se convierte en un documento importante y sin precedentes por su batalla contra una institución que en lugar de proteger a sus ovejas, protege a sus lobos. Causó mucha polémica entre los dogmáticos que se rehúsan a ver la basura que se esconde en el patio de sus propias casas. Vale la pena verlo y abrir una mirada crítica hacia un organismo que se alimenta de la fe de las personas, y que traiciona esa fe…encima gastando millones de dólares en abogados que ocultan los escándalos, en lugar de resarcir a sus víctimas.

Aprovecho esta reseña para ligarla con el estreno de la película La duda, que trata un tema similar, de una manera muy sobria y elegante.

“LA DUDA”
Basada en una obra de teatro, La Duda colmó todas mis expectativas. Con un argumento oscuro, y haciendo gala (paradójicamente) de una simpleza que se agradece, la película aborda el tema del abuso sexual dentro de la Iglesia.

Ambientada en el Bronx de los años 60s, Philip Seymour Hoffman interpreta al padre Flynn. Este sacerdote goza de una personalidad atrayente, jovial y seductora. Los niños de su parroquia fácilmente lo toman como a un amigo, un confidente, alguien en quien pueden confiar. En el extremo opuesto está la directora del colegio, Meryl Streep (GENIAL) interpretando a la hermana Aloysius. La directora tiene una personalidad opuesta a Flynn, es estricta, poco afectiva, tiende a dar severos castigos y es natural que surja una animadversión instantánea.

En medio de ambos se encuentra la hermana James (Amy Adams), una profesora que por su juventud posee un carácter dulce, inocente y bondadoso. En una época en que se vivía mucha segregación racial, la escuela católica accede a tener como alumno a su primer estudiante negro, Donald Miller. El chico tiene los problemas que podría tener cualquiera estando en su situación, el padre Flynn comienza a dispensarle un trato especial, que resulta sospechoso a la hermana James. Confundida, y sin saber qué hacer, acude a la hermana Aloysius en busca de consejo.

En ese momento la película comienza a caminar por los derroteros que bien señala el título: Dudas. Con un guión sólido, que es casi imposible no identificar a un dramaturgo teatral en el armado, el público se contagia de las sospechas, de las dudas de los personajes que desfilan en la pantalla.

El niño negro parece estar siendo abusado sexualmente, pero realmente el padre Flynn se está aprovechando de su investidura? O son las antipatías personales de la hermana Aloysius las que la hacen ver un monstruo donde no lo hay? Es preferible acusar injustamente al padre Flynn, pero no correr el riesgo de que sea verdad? O es mejor, ante la duda, callar?

Magistralmente actuada, tanto por los principales como por los secundarios, la película a pesar de ser muy sencilla, te atrapa desde la primera toma. John Patrick Shanley es el autor y director de esta pequeña joyita, que supo adaptar de una manera impresionante a la pantalla gigante.

Con diálogos precisos y silencios que dicen mucho, Patrick Shanley maneja una historia que no dejará indiferente a nadie y que está filmada de una manera inmejorable. Es ese tipo de filme austero, pero que está tan bien logrado que crece ante los ojos del público.

Nominada a varios Oscar, La Duda cuenta con una excelente fotografía, una insuperable ambientación y un manejo del ritmo narrativo que podría ser una gran lección para algunos que andan perdidos por la vida gastando un montón de plata en películas prescindibles.

Lo mejor: Buen guión, buen director, buenos actores…

Lo peor: no tiene absolutamente nada malo

La escena: el finalLo más falsete: nada

El mensaje manifiesto: Ante la duda, haz lo que consideres correcto

El mensaje latente: La duda lastima el espíritu

El consejo: Mirala, no te vas a arrepentir

La pregunta: ¿Hasta cuándo se protegerán a los sacerdotes pedófilos?

CURIOSIDADES
- La obra de Shanley, que se estrenó en el off-Broadway en el otoño de 2004, llegó a los teatros de Broadway gracias a la avalancha de buenas críticas. Se estrenó en el Walter Kerr Theater en 2005 y se mantuvo en cartel durante 25 preestrenos y 525 representaciones, a las que siguió una prolongada gira nacional y numerosas producciones internacionales.
- Para estudiar su personaje, Streep trabajó con las monjas de la universidad de Mount St. Vincent, lo que fue un gran placer para ella. "La disciplina, pureza e inteligencia de aquellas mujeres me resultó fascinante y de gran ayuda para mí", cuenta.
- Para preparar el papel, Hoffman pasó algún tiempo en una iglesia católica aprendiendo las tareas de un párroco.
- Durante el rodaje, Adams sintió una gran ansiedad al tener que compartir rodaje con Streep y Hoffman.
- La mayor parte de los interiores se rodaron en el College of Mount St. Vincent en el Bronx, fundado por las Hermanas de la Caridad y que fue el primer instituto femenino de Nueva York. Para el exterior de la escuela se utilizó la escuela de St. Anthony, el colegio de Shanley en el barrio de Parkchester, mientras que para el exterior de la iglesia se utilizó la de St. Augustine, también en el Bronx.

Tanto el documental como la película, ilustran hechos importantes. El primero es que a pesar que la Iglesia Católica presume de un origen divino, está conformada por seres humanos con defectos, virtudes y enfermedades. A la Iglesia no se le critica el hecho de tener en su seno pedófilos (que los hay en cualquier parte) sino que tenga una política tan cerrada en torno a la denuncia pública y al castigo inmediato a los que padezcan de esta enfermedad.

El proteger sus propios intereses ocasiona que los pedófilos sigan actuando con un agravante: al ser pastores, hombres de fe, gente ligada a la moral y a las buenas costumbres, se convierten en doblemente peligrosos y efectivos, porque de esa manera tienen un acceso casi garantizado a la vida de sus víctimas.

En segundo lugar, no todos los sacerdotes son malos o pedófilos, pero es conveniente no tapar el sol con un dedo y ver dónde está la génesis de dicha estela de abusos. La Iglesia como ente que dice hablar por Dios (si es que creen que existe)…además de mantener frente a uno de los barrios pobres de Roma, un pequeño estado llamada el Vaticano, lleno de lujos y high class…debe tener como prioridad que no existan más víctimas. Que los decretos o políticas de secreto absoluto se eliminen y todo aquel que tenga que pagar sus pecados, los pague.

El documento Crimen Sollicitations ya tiene una canción, creada por el grupo madrileño Ska-P…con una letra súper dura, los españoles no se andan con vueltas, y plasman en música el resentimiento que deben albergar en su alma muchas familias. Lo más suave que dicen en esta canción es: “Miembros de la Curia, párrocos del sufrimiento, Crueles violaciones que al final se lleva el viento, Babosos violadores, carecéis de sentimientos, Los llantos de los niños que el pontífice ha encubierto”

Acompañada de un genial video, que seguro sacó roncha, este grupo alza su voz…casi a grito pelado, a través de un medio tan masivo como la música.

Alguien tiene que hacerlo…ya que los “siervos de Dios” guardan un pudoroso y conveniente silencio.

2009-02-26T13:01:00.002-04:00

PITINGO

La polémica está servida. En España Pitingo ha lanzado el disco Soulería en el 2008, disco que lo haría famoso y que vendería más de 100.000 copias.

Su estilo? Pitingo es descendiente de grandes cantaores del flamenco, pero sus primeros pasos como músico profesional los hizo a través de una banda de soul (como lo leen)

No suena descabellado imaginar, que el próximo paso natural sería unir sus dos estilos: Flamenco y soul...y de ahí nació Soulería, un disco que se atreve a esta fusión. Soulería es su segundo disco, el cover que hizo de Killing me softly (el primer single) lo lanzó al estrellato. A continuación el video, para que sepan de qué hablamos y para que vean esta extraña mezcla que incluso llega a manifestarse con un coro de gospel al final del tema.

La versión abrió un debate sobre lo adecuado de que un artista X, tome una canción que ya es un clásico y a decir de los "puristas" la destruya con un estilo tan extremo al original. Y Pitingo no se quedó con sólo esta versión de un tema conocido. Hizo lo propio con el mítico tema de Glorya Gaynor...I will Survive...que además de cantarlo en español, lo hace con el sonido flamenco y esa voz desgarrada tan característica de los cantaores que te hacen dar ganas de cortarte las venas con un palito chino. Aquí I will survive, versión flamenco-soul.

Hace algo similar con Let it be, Yesterday, No woman no cry, Dont worry be happy, New York, New York...y otros temas "intocables" de la cultura popular. Pero lo de Pitingo no es sólo meterle flamenco-soul a temas que originalmente no eran ni lo uno ni lo otro. También agarra canciones flamenco y las salpica de otros estilos. Es por eso que este cantante se ha ganado una gran ola de detractores que lo acusan de hacer que gente como John Lenon o Bob Marley no descansen tranquilos en sus tumbas.

De más está decir que la música es un idioma universal, y que el músico que sepa hacer bien su trabajo logrará convertir un cover en un nuevo clásico. El público es el que siempre tiene la última palabra, así que ustedes juzgarán el aporte de Pitingo a estos temas.

2009-02-06T13:08:00.011-04:00

"ANNE WITH AN E"

Por: Mónica Heinrich V.

En el paso de la infancia a la adolescencia surgen encrucijadas de difícil resolución, lo que suceda en ese breve intervalo definirá gustos, creencias e ideologías. En esos interludios me encontraba yo allá por el año (hmmm ya no estoy en condiciones de dar ese tipo de datos) en fin, hace muchos añitos.

En ese momento Topo Gigio ya había dejado su huella perturbadora en mi vida, el “oh mamá, ella me ha besado” se escuchaba insistentemente, me encontré en medio de una turba enardecida coreando como el nombre de Pablito Ruíz; y para escarnio propio y ajeno, los new kids on the block se convirtieron en mi objeto de estudio (edad, colores favoritos, nombres verdaderos, comida preferida, etc..).

Eran tiempos duros e inciertos, como podrán ver. Un día de aquellos memorables, haciendo zapping descubro la serie canadiense Anne de Green Gables. “Ann with an e” diría Megan Follows en su brillante performance. La serie fue cautivante, encantadora, linda, la seguí capítulo a capítulo teniendo la ilusoria esperanza de que nunca acabaría, pero como la vida sabe darnos y quitarnos, un buen día terminó (bellamente, pero terminó).

Debo decir que mis coqueteos literarios no eran nada hasta que Anne Shirley entró en mi vida. E hice lo único que podía hacer, conocer a la Anne Shirley literaria. Después de muchas desavenencias, acuerdos legales, contratos verbales, histeria, obsesión, frustración, logré conseguir los ocho tomos que forman la vida de la señorita Anne.

Mi encuentro con la Anne literaria fue de antología, esperaba ver a la Anne televisiva plasmada en el libro, pero descubrí que la Anne literaria era la que estaba plasmada en la tele. Tuve uno que otro desencanto pero fue superado por la conciencia de que Megan Follows se había apoderado del concepto que tenía de Anne Shirley, y que el libro desprovisto de Megan Follows no podía tener igual sabor. Entonces comencé a disfrutar de la Anne literaria.

La historia que, básicamente es la misma tanto en libro como en tv., es más o menos la que sigue. El argumento se sitúa en Avonlea un pueblo de la isla Príncipe Eduardo, en Canadá, lugar que la autora (L.M. Montgomery) describe tan bien, que sólo podés pensar en paisajes llenos de belleza. Tejados verdes es propiedad de Matthew y Marilla Cuthber, un par de hermanos solterones ya entrados en años. Marilla es una mujer de buen corazón pero con pensamientos estrictos y carácter fuerte. Matthew es un hombre callado, que puede llegar a parecer taciturno, sin embargo el hombre es el más vivo de Tejados Verdes. En el libro, el primer capítulo se titula “Rachel Lynde se lleva una sorpresa”. Quién es Rachel Lynde? Rachel era la vecina chismosa de los Cuthber, vivía cerca de Tejados verdes y andaba siempre indagando, juzgando y diciendo las cosas “de frente” según ella misma.

Los Cuthber al ser personas mayores, decidieron adoptar a un niño para que ayude a Matthew en las labores del campo. Como los trámites los hacen por correo, el orfanato le envía a Anne Shirley por error. Marilla la rechaza de inmediato y dice que la devolverá al día siguiente, Matthew se enamora de la niña ni bien la ve, y aunque no ejerce presión para que se quede su posición está definida.

Anne Shirley es una nena flacucha, pelirroja, de unos 11 años, cuya vida ha sido tan triste y mísera que ha rodado de casa en casa y de orfanato en orfanato. Víctima de la falta de alegría y belleza en su vida, Anne ha desarrollado una desbocada imaginación y se ha aferrado a los libros como se aferra aquél que no quiere ahogarse en los "abismos de la desesperación". De lengua descontrolada y colorida, estar un segundo al lado de Anne es estar frente a un personaje lleno de matices.

Anne, antes de llegar a Tejados verdes vivía cuidando hijos ajenos en las casas en que la adoptaban para esas funciones, inmersa en la soledad que significaba su orfandad observaba su reflejo en la ventana y llegó a bautizar al reflejo como Katie, siendo Katie su alma gemela y amiga imaginaria en la que se apoyaba en momentos difíciles.

Anne desea dos cosas con todo su corazón, que el color de su pelo rojizo se vuelva castaño o negro, y que encuentre almas gemelas (no respecto al amor de pareja, sino al amor que puede surgir entre dos personas afines). Diana Barry será la mejor amiga de Anne (alma gemela) de hermosos cabellos negros, en la serie se vuelve como su parte contraria, pero en el libro no resulta tan atolondrada. Gilbert Blythe es un muchacho, compañero de Anne en el colegio.

El primer día de clases Gilbert tironea la trenza rojiza de Anne y le susurra la palabra “Zanahoria”, con tremenda afrenta Gilbert queda en la lista negra de Anne, y le hace la ley del hielo, si hay algo malo en Anne Shirley eso es el orgullo, lo tiene más grande que el obelisco. La historia transcurre entre pequeñas anécdotas relatadas en pequeños capítulos, donde abundan las referencias literarias y la visión de la autora de lo que es la superación femenina. Anne Shirley es un personaje que valora sobre todo los conocimientos, el arte, la literatura, y las acciones nobles. Los personajes que se mueven a su alrededor son iguales de virtuosos, a excepción de algunos personajillos envidiosos como Jossie Pye. Incluso se percibe como una pena o una injusticia el hecho de que a Diana Barry no se le permita ir a la universidad por ser mujer. SI bien todo parece color de rosa, no lo es. La vida de Anne Shirley es dramática, incluso estando con los Cuthber (desde mi punto de vista) sólo que la autora, a diferencia de Dickens (por ejemplo) hace de la historia de esta huérfana algo no patético ni trágico, sino se centra en el espíritu valeroso de Anne para enfrentar los obstáculos con optimismo y determinación. Y es ahí donde digo que es un buen ejemplo, independientemente de que la historia a los ojos de la adultez sea un poco complaciente consigo misma y que casi todos sean tan buenos, a los ojos de la adolescencia puede ser un cambio.

A mí me sirvió para tener más amor por la literatura, en su momento quise ser como Anne Shirley, ustedes saben por no vivir en medio de un “cementerio de esperanzas”…

En definitiva es un libro ideal para adolescentes y puede ser que para no tan adolescentes, todo depende de qué tan dispuestos estemos de incursionar en nuestro lado infantil, yo soy muy propensa a hacerlo, ser niño es tan bonito.

La autora L. M. Montgomery se basó en sus propias experiencias para la personalidad de Anne, la amiga imaginaria Katie, también estuvo presente en la infancia de la autora. Montgomery solía ponerle nombres rimbombantes a las cosas que le rodeaban al igual que Anne Shirley. El aspecto físico fue copiado de la foto de una modelo que ilustraba una revista, dicha modelo murió de forma trágica y su historia fue muy triste también, sin embargo, sirvió para inspirar a Montgomery sobre cómo debía lucir nuestra Anne. Como puede notarse en su obra, el género masculino fue siempre secundario en la vida de la autora, no era que despreciara a los hombres, era simplemente que tenía otras cosas en las que pensar, dicen que cuando se casó se arrepintió a las pocas horas, aunque se casó bastante mayorcita, a pesar del matrimonio siguió haciendo de su vida un pañuelo, y si hay algo que puedo criticarle a su obra es la falta de apariciones de mi adorado Gilbert Blythe, personaje masculino que ha sido la ensoñación de varias que vieron la serie y leyeron el libro. Para aquellos que como yo disfrutaron de la serie canadiense les comento que si tienen contactos en Canadá pueden conseguir la serie en español (con los gastos de envío, yo gasté 90 dólares), y además hay una TERCERA parte que se hizo 13 años después de la que vimos hasta el momento en que Anne Shirley se unía a Gilbert Blythe en el puente. Con unos añitos más (bastantes) Megan Follows y Jonathan Crombie vuelven a interpretar sus personajes y sucederá lo impensable, besos franceses entre ambos a montones, una escena de cama (¡¿¿¿¿!!!!!??!!) y nuevas aventuras.

Existe una parafernalia de souvenirs, colecciones, muñecos, música, anime, que rodean al fenómeno Anne Shirley. Cuentan que la isla Príncipe Eduardo es lugar turístico por excelencia para aquellos que leyeron los libros sobre Anne o vieron la serie y sueñan con conocer el lugar de los hechos. Para ser sincera, ese es un viaje que yo misma tengo pendiente.

Este libro termina con Rilla la de Ingleside, que es la historia de la hija de Anne. Acá entre nos, yo hubiese preferido que la historia acabe en los dos o tres primeros tomos, es como descubrir que Wendy la de Peter Pan tuvo hijos, o ver a los actores de las series de los 80 ya viejitos. Sin embargo, NADA supera al shock de saber que existe por ahí una continuación de Heidi (literaria) donde Heidi se casa con Pedro!!!! Espero nunca ver eso en mis manos.

Si querés descargarte los libros...podés hacerlo:

Anne, la de las tejas verdes

Anne, la de Avonlea

Anne, la de la Isla

Anne, la de los Alamos Ventosos

Anne, y la casa de los sueños

Anne, la de Ingleside

Anne, y su pequeño mundo

2008-12-17T15:45:00.009-04:00

RETRATO HABLADO

Antes de tirar la toalla, colgar los tenis, parar la imprenta, detener la digitación, o sea...antes de dejar de producir la revista física de este cataléptico blog...lanzamos a la calle nuestro famoso y experimental número 4! Sí, la revista que venía al revés y que tenía como tapa un cuadro rojo de Ejti Stih.

Como parte de este número "experimental", Alfonso Gumucio muy gentilmente nos cedió la oportunidad de publicar fotos que él ha sacado a lo largo de su vida. La idea era que Gumucio escriba unos párrafos acerca de las imágenes capturadas. Nos mandó un montón, pero terminamos eligiendo tres, con la idea de continuar la cuestión en los siguientes números, de eso ya casi 2 años. En ese momento las publicamos en alta resolución y a página entera. Desde acá, volvemos a agradecerle a Alfonso Gumucio tan bellas fotos y los textos. Siendo las tres elegidas:

Jaime Sáenz
La Paz, julio 1973

Con el Illimani cristalizado y casi invisible a sus espaldas, la imagen de Jaime es tan terrible como su obsesión por el lado oscuro de La Paz. Podemos leer y releer su "Felipe Delgado" -obra que él escribía cuando esta fotografía fue tomada- pero no es fácil penetrar en ese mundo sombrío y mágico del cual él tenía la llave. Era un hombre nocturno pero luminoso, que describía las cosas definibles y "la cosa" indefinible con un "modo azul" que hacía de su poesía un instrumento de precisión, un agudo filo de bisturí. Su pasión por los objetos es lo que ha marcado mi memoria. Me pongo fetichista cuando recuerdo su vitrola, sus cañas con ruido de agua, su dibujo de "calavera desnutrida", el prisma robado en Weimar en la casa de Goethe, su fotografía en uniforme alemán, la muñeca de cera, las 78 revoluciones de "Kantumarqueñita" de Adrián Patiño. Y versos como este: Cueste lo que cueste, antes que morir. Uno tendría que hacer todo lo posible por estar muerto.

Rafael Canogar
Madrid, febrero 1972

Al recorrer la retrospectiva de Canogar en Madrid sentí una extraordinaria identificación con las motivaciones del pintor español. Me rodeaban figuras de tamaño natural, oscuras y violentas, como aquellas que yo acababa de dejar atrás en la Bolivia de 1971. Canogar las había pintado y construido inspirado sin duda en ese torbellino de imágenes que la prensa ofrece todos los días. Sus figuras podían referirse a la España franquista o a la Bolivia banzerista. Sus obras eran una mezcla de protesta, crítica, horror y mensaje solidario. El color estaba ausente, porque la realidad descrita estaba ella misma construida en contrastes y sombras. Las figuras parecían querer liberarse del plano de la tela, para proyectarse en una tercera dimensión más agresiva, como si buscaran establecer un compromiso con el visitante. En ese contexto tomé la foto de Canogar, junto a sus "Encarcelados" que parecen tener más vida que el propio artista.

Luis Espinal
La Paz, enero 1979

Tengo muchas fotografías de Lucho, pero esta es la que mejor lo representa, porque en ella aparece entre la gente de la calle, donde siempre quiso estar como un hombre más, al margen de cualquier protagonismo. Fue el jueves 18 de enero de 1979, durante una manifestación de la COB. Desde el balcón del edificio ahora destruído de la Federación de Mineros, compuse este retrato accidental de Luis Espinal en el pueblo. Quien sabe si en esa concentración masiva maduró la determinación de Luis de fundar el semanario "Aquí" dos meses después. Lejos estábamos todos de suponer las consecuencias de ese hecho: por una parte, la fuerza que tuvo el semanario en su lucha contra el golpismo y la corrupción, pero por otra, la fatalidad que se abatió sobre Luis el 22 de marzo de 1980, cuando fue secuestrado, torturado y asesinado por paramilitares. Esta fotografía ha sido reproducida innumerables veces, las más sin autorización. Incluso la organización de los empresarios privados del país se permitió cierta vez la humorada de utilizar la foto para anunciar un evento empresarial.

2008-11-10T12:33:00.006-04:00

“El único Dios es el sexo”

Por: Mónica Heinrich

“…sacrificando todo a la voluptuosidad es como el desgraciado individuo conocido bajo el nombre de hombre y arrojado a pesar suyo sobre este triste universo, puede lograr sembrar algunas rosas en las espinas de la vida”.

El día viernes, sábado y domingo de hace dos semanas se llevó a cabo una singular presentación teatral. Desde Brasil llegaron Los Sátyros para poner en escena una obra controversial: Filosofía en la alcoba, basada en los textos del irreverente Marqués de Sade.

Debo confesar que la decisión de asistir a tan inusual espectáculo fue tomada al calor del morbo. Claro, la promesa de desnudos, escenas sexuales y la recomendación de no ser apta para menores de 18 años, debe haber seducido a más de uno.

Es así que el domingo 31 a las 20:00 estaba sentadita en mi silla, con muchas expectativas y un poco más pobre (después de pagar 100 Bs. por la entrada). Había leído Filosofía en el tocador (la obra literaria) hace muchos años, antes conocí Justine o los infortunios de la virtud, donde aparece por primera vez Juliette (hermana de Justine) y que será una de las protagonistas de Filosofía en el tocador. El texto relata la iniciación de una noble doncella en el mundo de la perversión. Además de descripciones muy al estilo Sade, el autor se da el lujo de ir contra el estado, las leyes, la religión y la figura materna.

Bajo ese contexto, y tomando en cuenta lo afilada y retorcida que era la pluma del polémico Marqués, es que me moría de curiosidad por ver hasta dónde llegarían los brazucos…hasta dónde retratarían ese mundo oscuro, decadente y perverso.

Si quería sentir la decadencia del mundo sádico, no salí decepcionada. En el escenario se veía una cama, un espejo, y dos sillas…los colores nos remitían al ambiente sórdido de un burdel. Para cuando dieron las 20:30 y la sala estaba nutrida de otros morbosos espectadores, el espectáculo comenzó.

Una pequeña introducción con palabras de Sade que también aparecen en el libro, amparada por la oscuridad y la luz de una linterna, nos dio el primer pantallazo de lo mucho que se habían arriesgado los actores para hacernos entrar en ese mundo. La tenue linterna nos mostró directamente un fellatio, así como masturbaciones varias. Todo matizado con música acorde y el grado necesario de oscuridad para que el público “intentara ver más”.

Se escucharon algunas risas incómodas, mientras yo aguzaba la vista para no perder detalle. Luego se presentaron los personajes. Juliette, su hermano, Dolmancé, El caballero, la señora Mistival, y Eugene. Eugene virginal, y recién salida del convento, pero con la perversión anidando en su casi adolescente espíritu. Juliette la maestra, que junto con Dolmancé (experto en sodomización) se encargarán de instruirla, de manera muy gráfica.

La puesta tuvo aciertos y desaciertos, quizás el texto pudo haber sido una base sólida para mostrar sordidez, pero al mismo tiempo crear escenas más poéticas, aquí la dirección se juega por ponerlo de la manera más crasa posible. Los desnudos están totalmente justificados, aunque hay un par de escenas que debe haber dejado traumado a algún incauto.

Lo “criticable”, viene a ser algo totalmente subjetivo, que entraría dentro del gusto personal, eso tiene que ver con lo grotesco de casi toda la puesta, que es justificada, también, desde la perspectiva (que como ya resalté) tomó el director de esta obra.

Un montaje que no escatima recursos, ni efectos para que el público no lance ni un solo bostezo. Ahí estábamos todos con el ojo pelado. Actuaciones dignas a excepción de un par de actores que a comparación del nivel de los otros, estuvieron un poco bajos, pero en general se trataba de actores experimentados que tuvieron la responsabilidad de interpretar papeles tan jugados como un personaje de Sade.

La obra duró en total hora y media, hora y media donde, para mi sorpresa, nadie salió de la sala. Será que todos sabíamos qué fuimos a ver. Todavía recuerdo la obra Madame de Sade, que trajo el grupo chileno Circo Teatro hace ya sus buenos años, en esa ocasión la sala fue un constante éxodo.

Aquí no, todos sentaditos, expectantes, intentado seguir los textos que eran escupidos mitad en español, mitad en portugués…risas nerviosas de algunos, gente que se miraba sobresaltada, pero todo en cálida armonía. El marqués de Sade hubiera estado orgulloso.

El autor escribió estos textos posterior al Reinado del terror, luego de haber pasado muchos años en la cárcel, conocida ya su reputación de libertino, pervertido y violento. Así como en el texto, la obra teatral tuvo pasajes dedicados a la crítica descarnada que el marqués hizo sobre la justicia, las leyes, el estado, la religión. La puesta incluyó cada pasaje con una postura sexual explícita.

El calor en la sala era casi insoportable, la música encuadraba perfectamente ese ambiente retorcido y perturbador del que uno se empapa cuando lee los escritos del “divino marqués”. En un determinado momento la obra literaria se separa de la puesta que estamos viendo. La obra teatral va más allá y termina poniendo una escena tipo Psicosis (Hitchcock) para rematar todo lo dicho. La madre de la doncella corrompida llega a buscarla, a rescatarla de semejante escarnio. La hija, comedida, le da muerte para complacer a sus maestros perversos.

La obra literaria, más realista, nos muestra a los libertinos sumidos en su placer, dejando ir a la madre de Eugene después de someterla a diversos vejámenes.

La obra teatral, inserta hasta un plato metálico de donde nuestros tres protagonistas aspiran líneas de cocaína.

La obra literaria, termina con una “corrida” generalizada.

Luego el público intentó un tibio aplauso como recompensa a los actores que literalmente, se dejaron la piel en las tablas. Una vez se encendieron las luces, nos miramos confundidos, esperando que otra vez aparezcan a saludar, cosa que no sucedió.

Cada quien se fue por su lado. Y aunque no se trata de una gran obra, ni excepcional, ni siquiera una que provocará una ovación, se podría decir que no deja indiferente a nadie, y eso ya es motivo de gratitud en tiempos que todo parece más de lo mismo, y lo políticamente correcto se presenta bajo la forma de obras con moraleja incluida.

Nada como el marqués de Sade para sacarnos de la monotonía.

Lo mejor: Irreverente.

Lo peor: No es una gran puesta, pero cumple.
La escena: Cuando un actor que durante toda la obra fungió de ornamento, completamente desnudo, quedó en una posición tal…que es hasta indescriptible.

Lo más falsete: Algunas actuaciones y el español que no manejaban bien, aunque se esforzaban.

El mensaje manifiesto: El dolor es placer

El mensaje latente: En el fondo de la más inocente criatura puede anidar un ser perverso.

El consejo: En otra no te perdás estas cositas.

La pregunta: ¿Un día algún artista local se animará a montar algo jugado sobre Sade?

Fotos: www.teatroensantacruz.com

Ficha técnica

Dirección: Rodolfo García
Elenco:Andressa Cabral, Evelyn Ligocki, Marta Baião, Beto Bellini, Diogo Moura, Henrique Mello, Ruy Andrade
Texto: Rodolfo García Vázquez, a partir de la obra homónima del Marqués de Sade
Iluminación: Flávio Duarte Sonido: Poeta Queiroz Filho
Escenografía y vestuario: Marcelo Maffei Producción ejecutiva: Evelyn Ligocki

2008-11-04T13:37:00.003-04:00

LA PIANISTA
Por: Ana M. Cortés

Dicen que cada persona es un mundo y cuando este "mundo" se hace escritor las vivencias que plasma en la hoja en blanco suelen corresponder con su forma de vida, crianza, ambiente, deseos, frustraciones, etc..

Es así que existen escritores como el Gabo, como Borges, como Sartre, o Cortazar. En el mundo femenino no será lo mismo leer a Silvia Plath que a Storni o a Woolf, hmmm...como que me quedé encasillada en escritoras suicidas no?

No tengo idea cómo ha sido la existencia de Elfriede Jelinek, pero seguro no la abrazaron mucho cuando era chica. Las letras de esta escritora austríaca se transforman en una especie de bate con el que constantemente golpea al lector. En su universo no existen concesiones, no existe la ternura, ni la belleza sólo la sordidez, la dureza, lo perturbador. La Pianista es una gran gran gran obra, pero muy difícil de leer, muy complicada de absorver y quizás demasiado dolorosa en algunos momentos.

La prosa de Jelinek es desprovista de humanidad, por lo que no existen diálogos, sólo una narración cortante y fría de lo que sucede. Erika es una profesora de piano frustrada porque no pudo ser una gran concertista. Por esas tragedias de la vida su única relación afectiva es su madre, una mamá autoritaria...hmmm DICTATORIAL. Desde niña esta señora le ha controlado hasta la última milésima de aire que respiraba...siempre destruyendo su autoestima, su sensibilidad y cualquier vestigio de ternura que pudo cobijar en su pecho.

Ahora que es una mujer, Erika es un ser amargado, rencoroso, que se pasea por el mundo sin ganas de vivir, respondiendo a su cotidianidad pero sin querer salir de ella. A través de la novela veremos cómo Erika está convencida de que su profesión debe ser frenar el talento de cualquiera de sus alumnos, con esa mala fe propia de algunas personas ya no de la ficción sino de la realidad.

Además, la pianista es conmovida por la admiración de un joven alumno suyo que, a pesar de la excesiva dureza de la profesora, siente una gran atracción hacia ella. Desgraciadamente Erika nunca ha tenido una relación sana y normal con nadie, entonces el flechazo desemboca en situaciones muy dolorosas, en algunos momentos desesperadas.

Jelinek describe con maestría los vaivenes de esta maestra de piano angustiada y atormentada. Sin uno darse cuenta se envuelve poco a poco en lo asfixiante de la trama...por lo que se hace necesario un respiro de vez en cuando. Lo que pudo ser una historia de amor, o un soplo de esperanza en la vida de este ser anónimo al que Jelinek llama Erika es simplemente una prolongación más dramática de la agonía en que se desarrolla su existencia.

Cuando preguntan lo bueno, no sé qué decir...a nivel de relato te deja un sensación muy fea, muy oscura, muy densa...la forma en que la ganadora del nobel escribe tampoco ayuda mucho, su historia es el reflejo de su estructura narrativa...A diferencia de otros escritores en que incluso podés sentir un relato angustiado, doloroso pero apasionado...La Pianista exhibe una narrativa desprovista casi de...hmmm...humanidad, creo que no he leído a alguien que escribiera tan duro, tan ajeno a la artística de lo escrito, tan distanciada de lo "bello"...creo que la palabra que mejor la definiría es acidez y por momentos, crueldad...

Esto no es malo, pero tampoco sé hasta qué punto es bueno... Por eso cuando tengo que decir lo malo, no sé muy bien qué poner...porque el relato y la forma de escritura son duros, pero la vida es dura también...y quizás no sea cierto aquello de que el arte tiene que saber mostrar lo terrible de una forma bella...Entonces, Jelinek le deja al lector una obra tremendamente perturbadora pero muy muy profunda...en ese retrato angustiado de la desolación y la fragilidad de Erika...está su veta humana. No importa que todo parezca decir que hemos pagado unos cuantos $$$$ para que nos aprieten el corazón sin sentido...a veces es mejor ser sacudido que responder con indiferencia.

2008-10-28T23:57:00.006-04:00

TUESDAYS GONE
Por: Mónica Heinrich V.

Corría el año 2000 cuando me senté ante la pantalla de tv. para esperar pacientemente que Hilary Swank ganara el oscar 1999 como mejor actriz por Boys dont cry. Las cosas parecían simples en aquel entonces, lo lógico era que ganara Hilary, no había de otra. “Tenía” que ganar por su brillante y shockeante performance como Teena Brandon / Brandon Teena.

Un vistazo de la cámara hacia la muy embarazada Anette Benning me hizo temer lo peor, me hizo pensar que ya que Warren Beatty recibía el Oscar a la trayectoria, ya que sus nueve meses eran tan notorios y la Academia se pone sentimental con este tipo de cuestiones, ya que ella era la protagonista de una película como “American Beauty”, quizás la Academia haría a un lado (como en muchas otras ocasiones) a Hilary Swank por no ser tan taquillera, ni tan representativa de lo que esa dichosa institución suele premiar.

Cuando volteé la mirada de la pantalla mientras alguien leía el nombre, y yo creía que ese nombre iba a ser el de Anette, se escuchó “And the Oscar goes to…Hilary Swank Boys Dont cry!!”, me sentí como si hubiese ganado el premio mi mamá o un conocido. Lástima que Hilary se haya encasillado desde entonces, pero después de darle al cine a Teena Brandon, , puede morir sabiendo que ha dado una de las actuaciones más maravillosas de la historia (por lo menos para mí).

Boys dont cry, es muchas cosas, una gran película, una gran ópera prima, una gran historia, un gran guión, unas grandes actuaciones, y también una gran banda sonora. A mí no me suele gustar mucho la música cuya procedencia del sur de USA se nota mucho, y como la historia se desarrolla en Falls city, la onda sureña es obligatoria. Sin embargo, lo que escuchamos como banda sonora de Boys dont cry, es una selecta elección de temas muy buenos, que hacen que sea una bonita experiencia escucharlo. 1) The bluest eyes in texas (Nina Persson y Nathan Larson).- Este temita lo canta nada más y nada menos que la sueca Nina Persson, la rubia de The Cardigans, que como solista además de volverse morocha empezó a cantar cosas más personales, prueba de ello su disco A Camp, pero bueno, la canción es un hit escrita por Van Stephenson quien era una de las voces del famoso BlackHawk, esta canción “The bluest eyes….” fue un éxito en el 88 cuando Van pertenecía al grupo Restless Heart. En el soundtrack lo canta Nina Persson y en el bajo la acompaña Nathan Larson (su marido e integrante de Shudder to Think). Un tema bonito, la voz de Persson no es mala, lo único que no me gustaba de su paso por Cardigans era la absoluta nada y frialdad que sentía cuando la oía cantar o mejor dicho, la veía cantar, la mujer era un maniquí, pero quizás era su estilacho. Acá se defiende, y la canción, como ya dije, es bonita. Melódica, con muchos bajos, nostálgica. Buen tema. Por cierto, R.I.P a Van Stephenson que ya murió de cáncer. “The lonesome Texas sun was setting slow In the rear view mirror I watch it glow I can still see the wind and her golden hair I closed my eyes for a moment I'm still there”

2) A new shade of blue (The Bobby Fuller Tour).- El rock tuvo un ángel en Bobby Fuller, un ángel fugaz, cuya carrera se truncó en un misterioso accidente que le quitó la vida a los 23 años, según se dice chocó contra un tanque de gasolina por decisión propia. Lo importante, era que Bobby Fuller con escasos 23 años dejó un legado que hoy en día muy pocos conocen. A new shade of blue fue parte de ese legado, dicen que Bobby era beatle antes de los beatles, sus canciones son muy bonitas, A new shade of blue, “Nothing left that i can see, nothing less but misery” es un tema en que Bobby decía que nunca había estado tan solo, que quizás la muerte no fuera algo tan malo, que no quedaba nada que pudiera ver, nada aparte de la miseria, nice song my friends, a little sad.

3) She´s got a way (The Smithereens) no es mi favorita pero The Smithereens no son cualquier cosa, una canción rítmica, sale un poco de lo trágico o dramático de las dos canciones anteriores. “Yes, you'd understand if you knew her like I do I just do what I can to keep up on her points of view And laugh to myself when it's over my head” esta canción es una de las más conocidas de esta legendaria banda.

4) Who´s that lady (The Isley Brothers).- Una de las mejores canciones, preciosa, una onda más soul o blues, déjenme decirles que estos señores son de lo más renombrado de la música. Quien quiera escuchar algo bueno bajese cualquiera de sus canciones, no se van a arrepentir. The Isley Brothers son palabras mayores, MAYORES! Excelente, bueno desde mi gusto personal =). “Who's that lady (who's that lady) Beautiful lady (who's that lady) Lovely lady (who's that lady) Real fine lady (who's that lady) I would love to take her home But her heart is made of stone I would keep on keepin' on” . Uno de mis temas favoritos de este soundtrack.

5) Codine Blues (The Charlatans).- La banda inglesa The Charlatans ingresa a este soundtrack con Godine Blues. “You forget about life, you forget about time. And its real lord is real, one more time” buen tema, donde la voz de Tim Burgess y los arreglos correspondientes hacen de la canción, una canción ineludible.

6) Silver Wings (The Knitters).- Otra de mis favoritas, “Silver wings shining in the sunlight; Roaring engines headed somewhere in flight. They're taking you away, leaving me lonely; Silver wings, slowly fading out of sight.” Qué más puedo decir?, hermosa y triste canción que vio la luz en el 85 de la mano de la onda country de The Knitters. Les va a gustar.

7) Who do you love? (Quicksilver Messenger service), definida como una banda de acid-rock los Quicksilver messenger services llegan con esta tremenda canción que a las almas roqueras los hará sentirse como en casa. Un tema de calidad de aquellos que ya no se escuchan, “I walked forty-seven miles of barbed wire, I got a cobra snake for a necktie, I got a brand new house by the road side, Made out of rattlesnake hide”. Pucha, qué tiempos aquellos.

8) Tuesday´s gone (Lynyrd Skynyrd).- Mi tema favorito, qué puedo hacer? Me encanta, y por sí solo hace que le ponga cinco estrellas al soundtrack, lo escucho again and again and again, Lynyrd puede ser una banda a la que algunos les pusieron peros por su supuestas tendencias racistas, pero qué música!, Tuesday´s gone es un tema que cuando lo escuché por primera vez me fascinó y cuando lo presentaban en el trailer de Boys dont cry me hizo anhelar ver la película más de lo que las críticas ya lo habían hecho. “And I don't know where I'm going. I just want to be left alone. Well, when this train ends I'll try again, But I'm leaving my woman at home. Tuesday's gone with the wind.” El tema fue grabado en el periodo donde todavía Ronnie estaba vivo, de hecho él lo escribe junto con el baterista Allien Collins. Ambos morirían de forma trágica. Ronnie Van Sant en un accidente aéreo a principios de los 80, y Collins en el 86 quedaría paralítico para morir años más tarde de un paro respiratorio. La canción es bella (suspiro).

9) Haunt (Roky Erickson).- Uno de los temas más hard, dada la onda más melódica de los temas anteriores, un estilo propio de Roky Erickson, excelente tema también. “thats what i never let this happen, so i never let this happen, Oh how can i do the best”

10) Dustless highway (Nathan Larson).- Vuelve el marido de Nina Persson, para demostrarnos en solitario porque tiene su famita de bajista, el tema es totalmente instrumental, donde la guitarra de Larson hace todo el trabajo, debo decir que no estuvo nada mal, el hombre sabe lo que hace.

11) WHats up with that (The dictators).- la banda setentera de Brooklin The Dictators con su estilo punk rock nos presentan este tema tan conocido que quizás muchos identificarán nada más a los primeros acordes, “You stagger home at 3 AM Yeah, you said you're out drinkin with the girls again What's up with that? You treat me like a worn out toy But when I get paid I'm your lover boy”, una banda reconocida y de las que tienen mejor retorno (buen sonido al vivo). El tema es una joyita que está entre mis favoritos también.

12) Why cant we live together (Timmy Thomas).- La segunda canción que más me gusta después de Tuesday s Gone, “No more war, no more war, no more war...Just a little peace. No more war, no more war. All we want is some peace in this world. Everybody wants to live together. Why can't we be together? No matter, no matter what colour. You are still my brother.” Si bien Timmy Thomas alcanzó el éxito con el estilo soul de esta canción, lo cierto es que se conoce poco de él, muy poco, el tema es bueno dicen que lo grabó cuasi improvisando, el resultado es un tema con mensaje social y con una onda soul y setentera interesante.

En definitiva, los soundtracks pueden tener una ventaja y una desventaja; la ventaja que en algunos (no todos) la selección es tan buena que te podés ahorra varios $$$$ comprando un disco con todos esos temas que muchos con los temas en el CD al que pertenecen, por ejemplo ESTE soundtrack. La desventaja es que quizás te guste un tema del soundtrack y que te lo comprés y el resto resulte una cagada. Este no es el caso, como podrán ver.

Boys dont cry, gran película, grandes actuaciones, y GRAN banda sonora.

2008-10-28T14:12:00.003-04:00

LAS MEJORES PIZZAS

La pizza es una de las artes culinarias que seducen a nivel universal. Su origen como tal que mezcla los panes persas, los tomates españoles y la habilidad napolitana, data del siglo XVII.
El termino ‘ pizza ' proviene del la palabra latina ‘ pinsa ', que es el pasado participio del verbo latín ‘ pinsere ' que significa ‘aplastar'.. Para los amantes de esta milenaria tradición, es grato encontrar lugares donde las pizzas resulten ser un bocatto di cardinale.

En Santa Cruz se puede comer buenas pizzas en lugares como El Tomate, o en Sahara`s Pizzas aunque esta última es una pizza más estilo americano. Pero la novedad, la gran novedad llega hoy a través de Netmovie. Como muchos saben Netmovie es el videoclub más grande y nutrido que tiene este pueblo, a ello se suma que han sabido manejar clientela y llenar un nicho hasta ahora inexistente: el alquiler de videos a través de internet.

El año pasado incorporaron a su local la opción Netmovie Games, un lugar donde los adolescentes y gente fanática de los juegos Nintendo WII podían pulir sus destrezas. Hace una semana, lanzaron su más nuevo emprendimiento, a su oferta de películas y de videojuegos, le sumaron la pizza. Los propietarios de Netmovie y de NetPizza, son brasileros, por lo tanto sus pizzas se han basado en muchos de los sabores que son conocidos en pizzerías brasileñas. Es así que tienen en su lista de opciones: 65 sabores para elegir.

Aullidos de la calle, al igual que Banda Ancha, son viejos amigos de los dueños, por eso hemos visto el cariño y el cuidado que le han puesto a todo los emprendimientos que han lanzado al mercado. Con el tema la pizza, por ejemplo, hicieron una investigación de mercado, visitaron a la competencia, probaron maestros pizzeros, e involucraron una serie de pasos para garantizar que su producto final sea de calidad y marque la diferencia.

Siendo clientes ya asiduos de este nuevo sabor, podemos apoyar NetPizza y recomendarla a cualquiera que desee comer algo sabroso y bien servido.

Cuáles son mayores cualidades, con relación al resto de las pizzas que conocemos? Sabores hasta ahora desconocidos en el medio como la Pizza de Banana con leche condensada. Es una pizza que viene con la masa, la salsa tradicional, el queso muzzarela, rodajas de banana, leche condensada y para rematar, canela. Para los fans de la pizza dulce será un gran descubrimiento.

Otra novedad, es la Pizza de charque, en la que además de los ingredientes básicos incorporan charque brasileño y cebolla.

Algo a destacar, también es que algunas de sus pizzas gozan de ingredientes que en otras pizzerías jamás usan: como el tomate deshidratado, el zuchini, la crema de leche, rúcula, jamón de pavo ahumado, caviar rojo, caviar negro, etc…

O rarezas como la pizza Romeo y Julieta: que viene con salsa, queso muzzarella y guayabada. O la Pizza California: Salsa, Muzarella, Piña, Durazno, Higo, Banana, Cereza, Leche Condensada, Canela.

A eso le agregamos el hecho de que además de trabajar con queso muzzarella, trabajan con queso parmesano, cheddar, dietético y queso Catupiry, un queso crema traído directamente desde Brasil, que está incluido en algunas pizzas y que se puede ordenar como opción del borde de cualquier pizza familiar por tan solo 7 Bs. extras.

Vayan directamente al local, que está ubicado en la Av. Santa Barba 307 al lado del cine Bellavista, al frente del Estadio Tahuichi Aguilera. No se van a arrepentir. Muy buenas pizzas. O pueden ordenarlas a través de netmovie.com.bo, se van al sector productos y ven todos los sabores y precios que tienen. Nuestro consejo? Vayan directamente al local, nada como una pizza recién salida del horno.

2008-08-17T01:19:00.006-04:00

SOBRE LAS RAZAS
Por: Ana M. Cortés

En 1939, liderada por Adolf Hitler, Alemania se convirtió en la temida Alemania, declarada la segunda guerra mundial, este periodo se recuerda no por los dos bloques que defendieron a ultranza sus respectivas posiciones, sino por haberse gestado el hecho más vergonzoso de la historia: El Holocausto.

El Holocausto dejó a su paso muerte, dolor, tortura y un traumático despertar hacia una realidad: el ser humano puede convertirse en una bestia. De ahí surgen las memorias de gente que vive con un número tatuado en el brazo, se habla de ghettos, de campos de concetración, de cámaras de gases, de fábricas de armamento, se habla de las millones de personas que fueron castigadas por profesar una religión distinta, por tener un color diferente o por tener una opción sexual "ofensiva", se habla de los Kindertransporte donde los niños judíos eran enviados por sus padres fuera del país en un éxodo masivo; para los padres era una esperanza y para los niños era una experiencia sobrecogedora. Se habla de muchas cosas, se dice y se cuentan tantas otras, pero no hay nada que pueda describir, ni siquiera acercarse a conceptualizar lo que significó para la historia este hecho, y ahora medio siglo después, aún hay por ahí personas que olvidándose de la tragedia o reconociéndola como "necesaria" tienen en su cabeza el concepto nazi del judío, el negro, el latino o el homosexual. Para estas personas va dedicada esta opinión.

El diario de Ana Frank no puede ser juzgado por su contenido literario, ya que al no ser un libro propiamente dicho, no podemos juzgarlo desde esos parámetros. Ana Frank es un diario, realmente es un diario, y al leerlo y ser conciente de que hace muchos años una adolescente escribía su diario con la esperanza de un futuro, de un mañana, aún en las más desesperadas situaciones, es algo que te eriza la piel, o por lo menos, yo lo percibí así.

Leí El diario de Ana Frank hace ya muchos años, siendo adolescente también, teniendo en mi cabeza un montón de cuestionantes, un montón de inquietudes, leí El diario de Ana Frank sabiendo que existía la palabra Holocausto o la palabra Gestapo o las siglas SS, pero sabiéndolo y estando preparada para lo que iba a encontrar, igual me dolió y me quedé con ese peso en el alma muchas noches, muchos días, con la incomprensión que muchos sentimos y que no puede despejarse incluso cuando entramos a un nivel más adulto.

Cuando se es adolescente, muchas cosas se idealizan, deseé ver a Ana en un documental contando su experiencia como sobreviviente, hablando con dolor del pasado pero mirando hacia el futuro. Recuerdo haber preguntado si de verdad el libro terminaba así, si de verdad pasaba eso, me contestaron que sí...y no pregunté más. Ana Frank relata su historia, siendo una adolescente de doce o trece años, tiene que escapar con su familia y esconderse en Amsterdan de las fuerzas anti-judías alemanas, a lo largo de su encierro percibimos cómo se relacionan los seres humanos en situaciones extremas, hay otra familia más que comparte el escondite que es muy pequeño, y aunque reciben una ayuda frecuente del exterior, viven con el temor de ser encontrados en cualquier momento, vemos como Ana pasa de ser una adolescente despreocupada a tener conciencia de la realidad que la rodea y de que el mundo no es color de rosa.

Ana relata sus inquietudes acerca del sexo, del amor, hay un muchacho llamado Peter que aparecerá en sus escritos con frecuencia que despierta en Ana sentimientos ambiguos, el relato está editado, obviamente, y aunque algunas partes suenen un tanto rebuscadas cumplen su cometido a cabalidad. Al ser un diario está divido por fechas, no es muy extenso así que puede ser leído con rapidez...no así con facilidad. Hace poco descubrí una página donde se hablaban de estudios que decían que El Diario de Ana Frank era una falsificación y que en base a las pruebas, no pudo haber sido escrito por Ana, quien hizo la investigación alegaba que era propaganda germanofóbica y que era denigrante el éxito que una falsedad de ese tamaño alcanzó. Al señor éste le puedo decir lo siguiente: Me vale un huevo que realmente lo haya escrito Anna Frank o no, o que haya sido concebido con otros "fines", me parece que sea como sea por lo menos ayuda a educar a los niños sobre lo que pasó en el holocausto y que como ya dije, nada es suficiente para tratar de que esa historia no se repita.

Recomiendo este libro como un acercamiento a la historia no sólo de Ana Frank, sino con la certeza de que mientras escribo estas líneas en USA sigue la caza de brujas que hay contra los árabes. como también el KKK dejó sus togas para vestir ropas militares y formar una milicia, en Argentina el edificio de la AMIA ya ha sido derrumbado, en Kosovo hubo también su depuración racial, en Alemania renace el concepto neonazi con fuerza y en Latinoamerica, se realiza cada año un congreso neonazi internnacional donde jóvenes como vos y como yo, y no tan jóvenes, se reunen a tratar el tema de las "razas". No hablemos de lo que sucede y se gesta en Bolivia todos los días, y de esos oscuros sentimientos despertados en la población por los líderes oportunistas del momento.

Nosotros, los que nos miramos la piel y podemos decir que tiene la misma textura que cualquier otra, la misma fragilidad, la misma humanidad...sólo nos queda esperar que la historia aprenda de sus errores y aquellos que no lo ven como errores encuentran la luz para comprenderlo.

2008-06-12T03:51:00.008-04:00

TEATRO, MÚSICA, REVISTAS Y OTRAS YERBAS

La semana pasada nos enteramos que Kíkinteatro iba a estar presentándose en la AECI, nada más y nada menos que con la obra Feroz. Si Teatro de los Andes ha dejado como una huella indeleble su obra La Ilíada, Feroz es quizás otra de las grandes obras que tiene el teatro nacional, y la más impresionante del grupo cochabambino Kíkinteatro. Escrita y dirigida por Diego Aramburo, narra la historia de 3 hermanas que son obligadas a prostituirse por su propio padre, en medio de sus vivencias como putas, existe entre la familia de ellas (los Fortún) una enemistad shakesperiana con otra familia (los Carrasco). Dotada de un poderoso texto, una hermosa musicalización y unas actuaciones casi brillantes, Feroz enamora, golpea, emociona y te deja con ganas de verla no una, sino varias veces.

Lamentablemente, la escasa promoción que tuvo el espectáculo (al igual que el del Titiritero), hizo que muy poco público se acercara a la calle Arenales y presenciara tan portentosa obra. El hecho de que seamos sólo 5 espectadores no mermó en nada la performance de las 3 actrices y del actor que nos narraron una historia salvaje, con pasajes de ternura y de ese dolor que produce vidas rotas. La Domi, que representa a la puta madre, una puta que tiene una hija y que ante la pérdida de su hija, se embaraza de otro niño, al que llama (junto con sus hermanas) el hijo de la luna. La Maga es la puta práctica, esa que se ofrece como carnada al primo Lupo para conseguir su apoyo en los planes que el trío de hermanas tiene para el futuro, y finalmente Inesita, que es la puta tierna, la que tiene algo de niña, la que soñaba con ser poetisa, y que escribe en pequeños papelitos lo que se le ocurre.

Una obra que si tienen la oportunidad de ver, vale la pena totalmente que lo hagan. Cuando terminó, y los aplausos cesaron, se hizo necesario un momento de silencio, para recomponernos, para salir otra vez al mundanal ruido, después de semejante sacudida.
Kíkinteatro planeaba presentar Happy Days el viernes, pero no se pudo por motivos de fuerza mayor, así que se repitió Feroz. Ojalá, mayor cantidad de público haya tenido la oportunidad de verla. (Foto de Aldea Cultural)

Pasando a otra cosa, para que no se diga que somos camarilleros y envidiosos, pues resulta que hay dos nuevas propuestas a nivel de revistas culturales. Una de ellas es La Ramona, revista cochabambina que tiene su origen en el suplemento del mismo nombre, que salía semanalmente en el periódico La Opinión. La revista está buena, tienen buenas notas, primicias interesantes, temas creativos, etc...Tienen que echarle un ojo si es que hasta ahora no lo han hecho.

En su edición de Junio (la tercera) cuenta con un reportaje especial dedicado al “Che”, biopic que intenta darnos un pantallazo sobre la vida del Che Guevara y en la que participaron artistas bolivianos, colaborando con el director, Steven Soderbergh, y Benicio del Toro, protagonista de la cinta. También hay un cuento inédito del celebrado escritor chileno Bartolomé Leal, una entrevista a Surfin Wagner y mucho más. Pueden adquirir la revista en los puestos de venta de diarios de las ciudades de Cochabamba, La Paz y Santa Cruz. Su precio es de 10 bolivianos.

Otra revista, pero esta vez made in Santa Cruz, es Vamos, una propuesta que es cultural, pero al mismo tiempo sirve como guía sobre turismo, boliches, restaurantes y otros. Es didáctica, amena y con un buen diseño. La revista dirigida por José Andrés Sánchez, estuvo presente en la Feria del Libro y tuvo muy buena acogida. Es de distribución gratuita, así que ya nomás pueden buscar su ejemplar. Estos emprendedores muchachos ya van por el número 6!! Mienchi, ya nos dejaron lejos che jejeje.

Ya para finalizar, les extendemos la invitación (ahora que nos acordamos y tenemos tiempo para postear) para que NO SE PIERDAN (ya se perdieron Feroz y el Titiritero), la presentación de Quimbando mañana en Roots (junto a Ronaldo Vaca Pereira), el viernes en la AECI y el sábado en café 24. Ahí estaremos presentes para variar, porque el sonido del violín mezclado con música urbana-popular-contemporánea de estos cochabambinos, sencillamente nos ha encantado. Repitiendo: NO SE LO PIERDAN.
Qué cosa bonita la música de estos Quimbando.

2008-06-03T16:21:00.005-04:00

"BONITO CAMINO"

Por: Mónica Heinrich V.

El domingo se perdieron un espectaculazo. Para qué!. Hace como 10 años que vi por primera vez al Titiritero de Banfield, un argentino que hace shows para adultos, pero con títeres. La presentación fue dentro del marco del Festival Internacional de Teatro, y en esa época lo vi en el desaparecido “Túnel” (ex Cactus, y ex Capital).

Bello!!!. Guardaba buenos recuerdos del show, y el viernes leí una pequeña viñeta en El Deber que lo anunciaba para el domingo, en el cine-teatro René Moreno. Ah, no!. Claro que tenía que ir!.

Ya nomás me informé bien cómo era la cosa y esperé con ansias el momento. Me sorprendió la poca publicidad que se hizo, y que además la mayor parte de la gente que conocía no tuviera ni idea que el domingo iba a presentarse un artista de tanto nivel.

Igual, me dije que el chiste era que no me lo pierda yo!. Casi me da un síncope cuando me entero que la entrada costaba 100 Bs. Pucha, me pesaban en el alma, aunque después de terminada la función, aplaudía de pie, mientras pensaba que eran los 100 Bs. mejores gastados los últimos dos meses.

Al llegar al René Moreno, me topé con algunos habitué de este tipo de eventos, no pasábamos de 100 crispines (si es que mis cálculos no me fallan), y mi gran temor era que los recuerdos sean sólo eso: un buen recuerdo de algo que en mi versión post-adolescente, resulte aburrido y sin gracia.

La primera sorpresa fue que Sergio Mercurio en mi memoria vivía con cabello largo, y ahora, el hombre estaba con el pelo cortado al ras y con una incipiente calvicie. El escenario era un mesón con una tela negra donde el titiritero apoyaba sus muñecos y nada más.

Con media hora de retraso comenzó un show que me hizo reír a morir. El primer personaje en entrar a escena fue Bobby. Un rubio esponjoso, cuya personalidad es el típico joven con onda, “re-loco”. El titiritero salía de un costado del escenario y se mezclaba entre el público, mientras le contaba a Bobby que iban a irse de viaje. Bobby feliz decía que qué bueno, que ya era hora de que tuvieran vacaciones y que la playa, el sol, el agua, etc… y entonces el titiritero lo cortaba y le aclaraba que una cosa es irse de viaje y otra irse de vacaciones. Así daba inicio una discusión sobre la manipulación del titiritero sobre el muñeco. Muy divertido.

Ni bien lo escuché hablar, mis temores se disiparon y pude disfrutar a pleno un show de primer nivel. Lo único malo (para mí) fue que mi nunca diagnosticada fobia social, me hacía morir del stress cuando Mercurio bajaba del escenario y empezaba a interactuar con el público, porque lo último que deseaba era tener que hablar en público, y menos con un muñeco. Se vivieron momentos de tensión!.

Otro personaje simpatiquísimo fue el de la abuela, una vieja que siempre tenía la frase “Beso a la abuelaaaaa”. Ahí trepó al escenario a una espectadora, casada, a la que la “abuela” intentó emparejar con otro espectador, casado también. El personaje se caracteriza por una ternura maternal, pero al mismo tiempo cuestionadota de lo que el nieto le cuenta.El que se roba el show, y que me hizo pensar seriamente en entrar a su hotel por la noche y robarme al muñeco, es Beto el borracho. Un cague de risa. Sale con su botella de cerveza Paceña con la que entabla una conversación de amor, odio, resignación, acompañados de “SALUUUUUUUUU”, a cada rato y una dinámica, otra vez, con el público. Un público totalmente cautivo, que quería alargar esa experiencia lo máximo posible. Beto representa al borracho amiguero pero solitario, al borracho que hablaba huevadas pero que también puede decir cosas muy profundas, al conquistador que esconde una familia, etc…

Otra faceta de la presentación, incluyó un títere cuyo torso era tamaño natural y se camuflaba con el cuerpo del titiritero. En esta ocasión, el personaje entró a escena acompañado de una música bastante conmovedora, no dijo nada, se paseó entre el público, con supuestas miradas fijas, pero por sí solo, lo dijo todo.

Como parte de algo más conceptual, en un momento Mercurio sacó elementos de distintas formas, con los que creó desde flores hasta una bailarina, bailarina que luego fue acosada por un muñequito dibujado en un guante. Una manera de mostrar la relación entre creador y creación, y la premisa, mencionada durante gran parte de la obra, que los muñecos tienen vida propia.

Así concluyó un espectáculo dotado de esa “magia”, muy difícil de conseguir e imposible de comprar. El mérito de Sergio Mercurio, el titiritero de Banfield es que sabe lo que hace, y su trabajo transita por lugares como el humor, la reflexión, la melancolía y otros vericuetos, que validan del todo su propuesta.

Una propuesta que disfrutamos el domingo, dejándonos una sonrisa, y un maravilloso e imperecedero recuerdo. Gracias al titiritero y a sus amigos por cruzarse en mi nuestro camino.