El lema `48 noches de cultura abierta en la UNIA’ denomina este año el ciclo de citas cuturales programadas por la Universidad Internacional de Andalucía, que tienen lugar de forma paralela a la celebración de los cursos de verano en las distintas sedes que la UNIA tiene en Andalucía y Marruecos.

En una apuesta por la cultura abierta, donde la entrada es libre hasta completar aforo, la programación se rige por los criterios de “calidad, diversidad y vanguardia”, según explica la vicerrectora de Extensión Universitaria y Participación de la UNIA, María del Rosario García-Doncel. A pesar de la coyuntura actual de crisis económica, la UNIA ha querido mantener intacta la extensión de este ciclo, para ofrecer un año más una amplia programación de calidad, “porque entendemos que la cultura es también una vía más de acceso al conocimiento y una fuente inagotable de creatividad e innovación, tan necesarias hoy día”, afirman los programadores de las actividades culturales de la UNIA.

Jazz, performances teatrales y danza contemporánea en Sevilla

Las actividades culturales de la UNIA llegan a Sevilla entre el 6 y el 23 de septiembre. La primera semana del ciclo `48 noches´ (del 6 al 9 de septiembre), se centra en el jazz, con figuras de prestigio internacional. Para la inauguración se sube a escena el espectáculo Apparitions/Disparitions de la Compañía Les Souffleurs, una performance de comandos poéticos con diez personas vestidas de negro y con paraguas que se pasean entre el público y susurran en sus oídos. La velada inaugural se completa con un concierto de jazz del grupo ATOMIC con el saxofonista Ken Vandermark, de gira por España. Esta semana continúa con el concierto de Joe Magnarelli Quartet, uno de los grandes trompetistas de la actual escena neoyorquina; la “pelea de tenores” de Scott Hamilton y Toni Solà Quartet; y la actuación de Charmín Michelle, con una voz cargada del swing más clásico.

La segunda semana, entre el 14 y el 16 de septiembre, gira en torno a las propuestas escénicas y la performance, cargadas de innovaciones teatrales. El martes 14 de septiembre, la Cía. Sonia Gómez trae el espectáculo Experiencias con un desconocido show, puesta en escena de un programa piloto para televisión realizado desde distintos teatros; el miércoles 15, la Cía. Cuarta Pared escenificará su delirante teatro con Siempre fiesta, para terminar la semana el jueves 16 con el “work in progress” de Sinónimo Flamenco, El síndrome de Stendhal. Andamiaje, en clave de performance.

Para la última semana, a partir del 21 de septiembre, la UNIA trae a La Cartuja las propuestas más contemporáneas de este ciclo de 48 noches de cultura abierta. La Cía. Teatro en el aire, con su espectáculo La Cama, invita a sumergirse entre las sábanas de un gran tatami, para vivir toda la experiencia que este juego escénico plantea. La programación para el miércoles 21 ofrece una mirada al 12 Festival Internacional Zemos98, con Código Fuente Audiovisual. El ciclo concluye con un doble programa de danza contemporánea a cargo de la Cía. Guillermo Weickert/María Martínez Cabeza de Vaca con el espectáculo Contra ruidos y vibraciones y la Cía. Elías Aguirre/Álvaro Esteban con el espectáculo Entomo.

Fuente: http://www.unia.es/unia-informa/index.php?option=com_content&task=view&id=571&Itemid=83&ed=48

Con objeto de realizar el evento_muestra_artístico_activista, sin subvenciones, sin patrocinios y bajo el estado continuo de acoso a las iniciativas político-culturales no neoliberales patente en nuestra ciudad, convocamos a todxs aquellxs individuos y colectivos que quieran participar con sus propuestas, para la exhibición de las mismas y por el establecimiento de redes libres entre creadores, herramientas y espacios liberados y usuarios.

La naturaleza artística de las propuestas sólo debe ajustarse a los parámetros de compatibilidad entre las mismas, es decir, duración reducida ( 7 minutos como máximo para garantizar el dinamismo y la apertura real de la muestra a una colectividad plural), perspectiva experimental y constructivista (preferimos el amateurismo participativo al utilitarismo comercial) y conciencia de decrecimiento, o lo que es lo mismo, se valorará el reciclaje de medios, las iniciativas pro_colectivización de herramientas y lenguajes, así como la denuncia social propositiva.

La arista performativa del evento pretende incluir interacciones musicales en vivo, dancísticas etcétera, entre lo audiovisual, siempre dentro de los niveles de decibelios que el Círculo Cultural Juan23 de Córdoba considere apropiados para garantizar la continuidad del evento. Las propuestas combinables en este sentido se tratarán de aglutinar poniendo en contacto desde la organización de esta jornada a lxs participantes de distintas disciplinas. En este punto, y de nuevo en función del espacio, se incluyen las propuestas de exposiciones estáticas y estructuras construibles. De forma que quedan convocadas aquí todas aquellas personas que quieran proyectar y necesiten una batucada, por ejemplo, o todas aquellas que bailen y necesiten una proyección

El objetivo generador de redes libres que nos proponemos tendrá su espacio concreto dentro del evento, a través de una mesa redonda-debate sobre “el espacio audiovisual liberado” con el objetivo de que lxs creadorxs representativxs y los colectivos afines que acudan puedan intercambiar información, presentar proyectos u otras convocatorias relacionadas etcétera. Si consideras que tu proyecto, o alguno que conoces de cerca, tiene una experiencia, forma de funcionar o trabajo desarrollado ya a sus espaldas en el sentido antes comentado, quedas convocadx a la mesa redonda: para colaborar sólo tienes que contactar:

yosoyaudiovisuallibre@gmail.com
ccjuan23@gmail.com

+info:

http://yosoyaudiovisuallibre.tumblr.com/

http://www.myspace.com/534307183

http://twitter.com/audiovisualibre

http://vimeo.com/forums/topic:25776

http://www.facebook.com/yosoyaudiovisuallibre

La percepción que tenemos del sonido y de la imagen han sido objeto, en la etapa escolar, de una limitada formación crítica. los esquemas mentales del espectador están acostumbrados ya a asociar la percepción de la imagen y del sonido a una emoción ¿Somos capaces de tener una mirada crítica sobre los medios audiovisuales y filtrar el impacto emocional que producen sin perder –o más bien ganando –el interés y el placer de la proyección?

Por ejemplo, cuando vemos un reportaje o un documental ¿somos capaces de ser conscientes a cada momento de la presencia de una cámara que define el encuadre adecuado en función de un cierto mensaje, un equipo técnico, una voz en off que transmite un cierto texto, una música o unos sonidos que corresponden o no a la realidad del evento? ¿Nos preguntamos si existen otras fuentes de información u otros mensajes sobre el mismo evento que permitan aclarar nuestra percepción crítica?

Necesidad de una crítica de los medios de comunicación

Estos medios han desarrollado el mito de que los informativos y los documentales así como los artículos e informes de prensa son objetivos y fácticos, y que expresan la verdad. Utilizan también criterios tales como la exactitud y la equidad, la ponderación. Estas nociones son contradictorias porque no toman nunca en cuenta el papel de la forma lingüística utilizada por los medios de comunicación, ni el proceso no-democrático con respecto al público.

Criticar a los medias ¿no corresponde a un ejercicio del derecho democrático de informar: informar sobre la información?

Podemos preguntarnos ante todo ¿qué poder ejercen los mass medias en el espacio público? Con el pretexto de tener el monopolio de la información sobre el evento que enfocan, eliminando otros según sus propios criterios –desconocidos por el público–, ¿por qué deben tener también el monopolio de la investigación sobre el evento? ¿es posible romper el monopolio de la producción de la información , apostando por unos medios de expresión específicos e independientes?

Eso nos lleva a buscar las condiciones necesarias para una contestación racional, con el objetivo de un cambio democráticamente elegido por el público. Un ejemplo: ¿podemos plantear que el público participe en la definición y la organización de los programas de los canales de los mass medias audiovisuales? En este caso, ¿cuáles serían los elementos y herramientas necesarios para que los ciudadanos dispuestos a participar pudieran estudiar y comprender tanto los eventos elegidos en la programación, como las técnicas de representación de las imágenes, en vez de quejarse o denunciar?

Algunas características problemáticas de los medios de comunicación
Falso pluralismo y falsa independencia

La pluralidad de los medias, tanto escritos como audiovisuales o en red, se encuentra profundamente debilitada por la concentración de los grandes grupos de información y telecomunicación, para quienes el verdadero cliente no es el espectador-consumidor sino el accionario y el publicitario. A esta situación se añaden la presión de la competitividad, la estandarización de los formatos de los programas, el chantaje al periodista sobre su empleo. Un conjunto de factores que tienden a “tirar hacia abajo” la calidad de los productos informativos y más ampliamente de los medios de comunicación.

Embotamiento del público

Según el cineasta Peter Watkins:
«los mass medias audiovisuales se las ingenian para reducir cualquier sentido crítico, para llevarnos a la facilidad intelectual, sin proponer alternativas válidas y creíbles»
El formato utilizado tanto en los informativos como en numerosos documentales, y que encontramos también en los largometrajes comerciales usa y abusa de un montaje de las imágenes y sonidos con un ritmo entrecortado. Peter Watkins lo llama la “Monoforma”:
«no esta mal en sí, fuera de la uniformización resultante». Sin embargo, sigue Watkins, estos procesos no son neutros, ya que sirven a una ideología política liberal y «una verdadera empresa de embotamiento», creando un «clima psicológico que ha sido una palanca para la ideología del consumismo.Este clima, cuidadosamente inculcado, inyectado en lo más profundo de nuestra psique ha provocado en nosotros una disminución de nuestra capacidad de concentración, una falta de tolerancia por cualquiera forma de comunicación que exigiera dedicarle más de 10 segundos, una amnesia cada vez más generalizada de cara a nuestra historia (sobre todo en las nuevas generaciones), una necesidad perpetua y creciente de cambio»
La Monoforma se ha convertido en «el único lenguaje utilizado para editar y estructurar las películas, las emisiones de TV, telediarios, series, soap-operas, comedias, reality-show…así como la mayor parte de los documentales, ….Una forma de lenguaje caracterizado por: un espacio fragmentado, ritmo repetitivo, una cámara en movimiento perpetuo, montaje rápido y entrecortado, un bombardeo de sonidos densos y agresivos, y una falta de silencio o espacio de reflexión».

Lenguaje concertado

Cada año, miles de profesionales de los mass medias se encuentran en Festivales o Congresos y toman decisiones sobre sus nuevos productos. Es ahí donde la ideología de los medios de comunicación, basada en el consumismo, es cocinada y preparada a escala mundial, donde se deciden su formato y su contenido, y donde se definen los programas prioritarios y sus estructuras narrativas.
Georges Orwell decía que si no se puede controlar nuestra manera de hablar, no podemos controlar nuestra manera de pensar. Dice Watkins:
«Perdemos rápidamente esta capacidad porque perdemos la esencia misma del lenguaje que utilizamos. la corrupción de los mass medias audiovisuales es más grave en tanto que describimos el mundo a través del lenguaje».

Ejemplos

Unos cuantos conceptos manipulados se repiten tanto en la prensa como en los mass medias, particularmente en los telediarios y ciertos documentales relacionados con la actualidad política o social. Como muestra, los siguientes:
Los periodistas pretenden investigar sobre el malestar de los enseñantes: ¿sufre un malestar un enseñante que reivindica?.
Los activistas se han vuelto más vulnerables…los activistas son, en este caso, unos defensores de derechos humanos…
o: los activistas islamistas…terroristas…
Sin comentarios. Sólo recordar, a propósito del concepto “activismo”, lo que nos dice Hannah Arendt en “Los orígenes del totalitarismo“, a saber: que los “ismos” de las ideas (en este caso la acción) son unos «”logos” que no corresponden a un cuerpo de declaraciones científicas». La idea es «un movimiento que es la consecuencia de la idea misma». Por ejemplo, el racismo es la creencia de que existe un movimiento inherente a la idea misma de raza y se actuará según la lógica de esta idea. de raza.
Así que, ¿por qué hablar de “activismo”? ¿Con respecto a qué “principio de acción”? ¿Conviene oponerlo al “principio pasivo” del pacifismo que haría del activista-defensor de los derechos humanos un anti-pacifista? Y ¿qué del “ismo” del Islam asociado a “activista” o “terrorista”?
Hannah Arendt precisa que:
«en las condiciones del terror total, ya no es necesario tener un principio de acción separado de su esencia, que es el terror».
Algunas preguntas más…
Se trata de situar en el centro del debate público las cuestiones relativas a la información, el ocio, la cultura. Particularmente la información, que tendría que ser tratada como bien común esencial.
Peter Watkins plantea en su carta abierta una serie de preguntas de las cuales ofrecemos una traducción, y a continuación un resumen de las que nos parecen más destacadas:
Con respecto a la función de los medios de comunicación en la sociedad
¿Tienen el papel que deberían tener en su función de informar, divertir?
¿Dan realmente lo que espera el público?
¿Uno sabe lo que espera de esta función?
¿Se pueden aceptar los criterios de objetividad, imparcialidad, neutralidad que defienden a menudo los mass medias?
Con respecto a la forma y el contenido
¿Dan cuenta los medios de comunicación de los problemas que enfrenta el planeta y las distintas sociedades, de manera correcta? ¿Ofrecen un espacio suficiente a las alternativas al consumismo y a los efectos del materialismo mundializado sobre los individuos y el planeta?
En cuanto a la forma ¿tomamos bastante en cuenta el encuadre de la cámara, el ritmo de las imágenes y cómo están asociadas, la narración y los sonidos…?

Con respecto a la participación del público

¿Podemos decir que la forma y los contenidos de los productos de los mass medias alimentan un sentimiento de impotencia en el público? ¿Puede ser una relación de poder?
Los medios de comunicación son considerados como uno de los “pilares” de la democracia. ¿Quién está investido de este poder? ¿Con qué voto democrático?
¿Se puede imaginar que el público participe en el proceso de creación de los productos, y que los profesionales no sean los únicos habilitados como está ampliamente admitido en su gremio?

Nessim Sitbon
12-Marzo-2010

Fuentes consultadas:
Acrimed: página (en francés) sobre la crítica de los medias
Peter Watkins_home: página (en inglés) del cineasta

Mahiro Maeda, Kazuto Nakazawa, Shinya Ohira, Tatsuyuki Tanaka, Koji Morimoto, 2008 – Japón

De nuevo, cinco puntos de vista de la animación, cinco formas de comprenderla, cinco cortos girando alrededor de una sola idea: la fantasía.

En este caso, todos los cortos tienen una fuerte carga experimental y surrealista, y todos -exceptuando Moondrive, el segundo- son una auténtica maravilla, un portento de imaginación y animación.

Gala

Este es quizás el que tenga una animación, digamos, más tradicional, y no sea tan experimental y surreal en su conjunto.
Es más una suerte de operístico y desmedido despliegue de fantasía, desbordada, completamente barroca -ese barroquismo multicolor tan propio de la cultura japonesa y china, en el mal sentido, porque a mí siempre me ha irritado no poco-; una orgía visual y musical fantástica pero que queda ensombrecida -en perspectiva- por los demás cortos, más contenidos y equilibrados, quizás.

Moondrive

Sin duda, el que menos me gustó; básicamente por su carga de estúpido y vacío nihilismo.
Gratuitamente violento, machista… pero de toda esta provocación no se saca nada, un mensaje vacío con ansías de controversia, pero sin la complejidad necesaria para sacar nada en claro, ni siquiera confusión, ya que es llano y tonto.
Estéticamente sí merece la pena, porque posee una más que interesante animación entre lo rompedor y lo estridente.

Wanwa the doggy

Una maravilla de animación e historia.
Rigurosamente visual, rigurosamente emocional, impele directa y frontalmente al estado del sueño, a todos los castillos de aire que elevamos y derrumbamos cuando estamos dormidos.
Impotencia, inocencia, crueldad, ilusión, miedo, soledad, todos estos sentimientos se entremezclan en un carrusel de color experimental donde la emoción cuelga de las bellas imágenes y texturas de un mundo onírico, rayano en la locura más que en cualquier otro estado mental, donde existe un combate entre inocencia y realidad.

Toujin kit

Otra muestra increíble de animación y temática; otra obra delicada, asombrosa, con un claro componente de ciencia-ficción negra, que deja un regusto exquisito, regusto a Philip K. Dick y a William S. Burroughs.
Un portento de contención; una fantasía gris y excitante, extraña, cuasi-detectivesca, rotunda.

Dimension bomb

Surrealismo y experimentalismo puros y duros, con excelentes resultados.
Otra obra precisa, exacta en su invocación de la fantasía trascendental, puramente sensorial, visual y auditivamente.
Un corto donde el epíteto hipnótico adquiere verdadera entidad; una pieza que arrebata por su concepción de la imaginación como un músculo, y como todo músulo, necesario de ejercitar.
Me recordó mucho al Rock Bottom de Robert Wyatt.

Alexis Castro

El molino de las mujeres de piedra se presenta como una mezcolanza extraña de nacionalidades, muy común en aquellos años y más aún en los que estaban por venir: se trata de una co-producción italo-francesa dirigida por un italiano e interpretada por actores franceses, italianos y alemanes, cuya versión original es en francés -aunque lo más seguro es que se rodara otra versión en inglés, técnica comercial muy usada también en aquella época (ya lo había hecho Dreyer con Vampyr en los años 30‘)-; se desarrolla en Holanda y está basada en el relato homónimo de Pieter Van Weigen, incluido en el libro de relatos Cuentos flamencos (Flemish tales).

Tras el aparente exotismo e interés de este crisol nos encontramos con un típico producto de terror gótico de la época, aunque temprano, muy en los albores de la eclosión europea del terror: Bava muy a finales de los 50′ estaba ya abriendo el género, aunque no fue hasta bien entrada la década de los 60′, y más aún en los 70′, cuando el terror europeo alcanzó su mayor apogeo creativo y también su pico de densidad de producciones.

Precisamente es una obra del también “auspiciador” Riccardo Freda -director de la temprana y fascinante joya I vampiri (56′), cuya fotografía dirigió precisamente Bava-, L’orribile segreto del Dr. Hichcock (62′), la que me hizo sentir el mismo desesperante tedio que me ha hecho sentir la película de Ferroni.
Es simplemente una producción del montón, mediocre, con una iluminación grisácea y tosca (el cromatismo fotográfico no pasa de una serie de desafortunados fallos de raccord en la iluminación o en el etalonaje), que ni aporta nada, ni deja de restar nada al género.

Pero bueno, ahí queda la preciosa Scilla Gabel, con la sensualidad de una Barbara Steele y la belleza de una Angie Dickinson, pero sin el partido que se les sacó a uno y otro atributo de aquellas, por incompatibilidad o limitación del talento, supongo.

A parte de a El horrible secreto del Doctor Hichcock, El molino de las mujeres de piedra también me recordó poderosamente a Los ojos sin rostro de Franju y, muy en menor medida, a la ya mencionada Vampyr de Dreyer.
A El horrible secreto del Doctor Hichcock por su ambiente gótico (algo menos malsano), su unidad de escenario y su tedio narrativo; a Los ojos sin rostro por su tramo final de historia; y a Vampyr por su interesante fragmento onírico.

No siempre se puede ver y valorar una película entendiéndola dentro de su contexto, aunque a veces sea necesario para hacer justicia a la misma; pero aún así, creo que las películas que no superan sus contextos tienden a valorarse de forma negativa -o mejor dicho, sus cualidades se ven mermadas o desgastadas por el paso del tiempo-, por la evidente razón de que han envejecido mal y no se entienden en la actualidad.

Claro, sólo unas pocas, inmortales, se entienden y se ven de la misma forma hace 50 años y ahora. Como ejemplo pongo Touch of evil, de Welles, la cual creo posee la misma grandeza, la misma maestría, la misma fuerza visual el día de su estreno que ahora si la ves en tu casa en DVD, aunque evidentemente nunca será lo mismo.

Otras obras, como por ejemplo Arrebato, necesitan de su “circunstancia” para entenderse cabalmente.

En cualquiera de los casos no creo que nada de lo mencionado sea óbice para dejar de criticar/valorar una película (o cualquier cosa).
Igualmente la valoro de forma positiva como una película precursora (ignoro a qué escala) de toda una eclosión en forma de “movimiento” que vendría después y cuyo embrión ya se estaba gestando.

Alexis Castro

Le papier ne peut pas envelopper la braise (Rithy Panh, 2007 – Francia)

La película se sitúa lo más cerca de la vida y por lo tanto muy cerca de la muerte espiritual de una prostituta. Este último escalón social se paga por la irreparable injusticia de un proceso que no tiene vuelta atrás: la destrucción de un cuerpo. Es para mí un compromiso, una tentativa de reparación: regresar sobre mi incapacidad de reaccionar frente a lo intolerable. Este proyecto de película viene de ahí. En mí la impotencia se mezcla con la rabia, la rabia contra aquellos que van a ver a estas “putas” desde la indiferencia, la miseria o la buena conciencia. Esta película se parece por lo tanto a esa rabia, entrecortada, despedazada, como los fragmetos de un sueño.

-Rithy Panh-

Dura, tierna, incómoda, vertiginosa, desoladora. Las palabras resultan vanas e inocentes para hablar de una realidad tan monstruosa como la que nos detalla el director.

Extraño documental -documento, mejor dicho-, esgrime las mismas peripecias y adolece de las mismas ausencias que S21, esto es: nos relata hechos de una cotidianidad horrorosa, pero se queda ahí.

Entra a bocajarro: las prostitutas hablan entre ellas, cuentan su vida, cómo llegaron a su situación, etc… pero no se nos explica nada más. Igual que en S21, sólo vemos a las víctimas, lo más bajo de lo más bajo en la escala de la supervivencia, pero nunca vemos a los que organizan estas redes, igual que no veíamos a quienes organizaban y daban las órdenes dentro de los Jemeres Rojos. Quizás a Panh no le interese, quizás sólo quiera denunciar de una manera un tanto manipuladora: tan sólo se nos otorga una visión del tema, y ciertas secuencias rebasan el límite del documental y se quedan en ese empantanado territorio entre la realidad y la ficción.

Prostitución, maltratos, drogas, enfermedades, pobreza, miseria del alma, maldad (?)… el visionado de esta obra deja, irremisiblemente, un poso de reflexiones amargas difíciles de disuadir en un largo espacio de tiempo.

Pese a todo, un film de una fuerza y una contundencia asombrosas; tan encomiable como necesario. Arriesgado, sincero y urgente alegato.

Alexis Castro

05 de Marzo a las 18:00 h.

QUERELLE de Rainer W. Fassbinder
RFA. 1982. 120 min. V.O.S.

Título original: Querelle. Director: Rainer W. Fassbinder. Guión: Rainer W. Fassbinder. Fotografía: Xaver Schwarzenberger. Música: Peer Raben. Productores: Dieter Schidor. Formato: DVD, Color. Género: Drama. Reparto: Brad Davis, Franco Nero, Jeanne Moreau, Günther Kaufmann, Laurent Malet, Hanno Pöschl

La película cuenta la historia del marinero Querelle. De su poder de fascinación y de seducción sobre las personas con las que se cruza. Una belleza y una personalidad a las que nadie puede resistirse.

INVITADO:

ANDRÉS CID FERNÁNDEZ
Conferencia: “Each man kills the thing he loves” Oscar Wilde.

Estudia en la ETSA de Sevilla obteniendo el título en 1975 con sobresaliente en el PFC y nº 1 de promoción. Profesor de Proyectos desde Octubre de 1975 hasta hoy, con una interrupción de tres años (1989-1992). Obras en Jaén y más tarde en Sevilla, donde fijará su residencia tras un ir y venir agotador de 5 años. Primeras obras en Jaén de influencia racionalista recogidas en publicaciones de la época y, por desgracia, en la actualidad algunas bastante mutiladas (casa en c/Teodoro Calvache y laboratorio Andalucía Farmacéutica). Posterior etapa sevillana, aunque sin perder todavía los lazos con Jaén, con obras de tendencia postmoderna en viviendas y centros de salud de la provincia que también, por desgracia, influyeron en exceso, por ser los primeros, en algunos compañeros más jóvenes e incautos. Tras el episodio postmoderno, con una obra a destacar de transición junto a J.L. Trillo (80 viviendas sociales en Úbeda), retoma el hilo de un racionalismo más personal y depurado alternando obras de rehabilitación como la casa palacio en c/ Conde de Torrejón (1º accésit de los premios del COA de Andalucía Occidental), la antigua Cilla de El Coronil, casa patio en c/ Crédito (1º premio de rehabilitación del COA de Andalucía Occidental y seleccionada en la Guía de Arquitectura de Andalucía Occidental del Consejo Superior de Arquitectos), con obras de nueva planta como 50 viviendas de VPO en Rinconada junto a O. Gil, Biblioteca Municipal en Arahal, 32 viviendas en El Coronil (todas ellas recogidas en diversas publicaciones y exposiciones). Entre las obras últimas destacan las 19 viviendas de VPO en Santiponce y, sobre todo, la rehabilitación de su propia casa en c/ Duque Cornejo incluida, junto con algunas obras citadas, en el catálogo de la exposición “Sevilla 1995-2005. Arquitectura de una década” (editado por el COAS) y de claro ascendente minimalista.
Cantautor frustrado, aficionado al cine y a la lectura, ocasionalmente practica la escritura crítica (por encargo) sobre temas de arquitectura. En la actualidad, comparte la docencia con el paro. Es amigo de Juan Caso y por supuesto lo sigue siendo de Maripi.

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Reseña de Rafa Morata

Poco después de ganar el Oso de Oro en el Festival de Berlin con La ansiedad de Veronika Voss, Fassbinder rueda Querelle, su obra póstuma y la tercera adaptación literaria que hizo de forma muy libre para la gran pantalla. Querelle de Brest era la cuarta novela de Jean Genet, escrita inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial. En contra de la ética tradicional y con gran fuerza linguística e imaginativa, el autor creó un mundo mágico de maldad que obedecía a sus propias leyes. Homosexualidad, asesinato, traición y nostalgia de la muerte son sus temas principales. Esta obra, definida como “un punto crítico del análisis existencial del hombre moderno”, fue considerada durante mucho tiempo no apta para filmar. El productor Dieter Schidor se la ofreció a directores como Bernardo Bertolucci -que la rechazó por escabrosa-, Sam Peckinpah -que también dio un no por respuesta- y finalmente a Werner Schroeter, el cual había comenzado los preparativos en el año 1981. Sin embargo, debido a los numerosos problemas económicos que estaba planteando y los continuos aplazamientos, la producción fue encomendada a Fassbinder, quien sin dudarlo aceptó rodarla y la llevó a su terreno personal: “En mi opinión, no se trata de asesinato y homosexualidad, sino de una persona que con todos los medios posibles en esta sociedad intenta encontrar su identidad. Tal es, a mi juicio, el tema de la novela. Y a fin de ser fiel a sí mismo, Querelle tiene que ver todo lo que hace desde dos ángulos: desde el que la sociedad califica de criminal -es decir, desde la miseria- no saca nada en limpio, así que tiene que engañar desde el otro. Sólo de este modo puede dar un paso hacia delante”.
El rodaje de Querelle planteó no pocos problemas: en primer lugar, algunos de los actores de talla internacional que figuraban en el reparto se mostraban reacios a rodar algunas de las escenas más comprometidas. Así, Brad Davis, que daba vida al marinero protagonista, hizo saber a Fassbinder en alguna ocasión que no era partidario de la crudeza de algunas secuencias que iba a protagonizar, aunque como dice Harry Baer “en privado no parecía disgustarle el trato con el sexo masculino”. Del mismo modo, Franco Nero se negó en un principio a pronunciar la frase referida a que “sus manos formaban senos en su pecho”, aunque finalmente la dijo sin problemas ante la monumental bronca gratuita que el director echó a un pobre electricista. También hubo dificultades con el guión y su co-autor Burkhard Driest, que daba vida al policía corrupto del Feria. Éste quería introducir numerosos primeros planos de penes erectos a lo largo de la película, pero Fassbinder le dijo que la visión de la homosexualidad que planteaba era demasiada barata para su gusto.
Pese a estos y otros avatares, Fassbinder logró crear una obra radical, innovadora e inclasificable donde se daban cita la grandiosidad de los sentidos, la representación pura, una religiosidad mítica, una sensualidad colorífica que rayó el kitsch, unos gestos, unas miradas que siempre significaban algo más. Por todas estas razones, el Querelle de Fassbinder no admitía ni admite términos medios a la hora de ser valorado: o se le ama o se le odia. Íntegramente rodada en los estudios CCC de Berlin, en Scope y en inglés, el director dio lugar a una fantasía de estilo altamente expresionista sostenida por la teatralidad de las actuaciones de los actores; por un erotismo ante todo conceptual y nada explícito subrayado por la extrema dureza de los diálogos y por símbolos tales como afiladas navajas, pistolas y joyas en forma de anillos; por la inclusión continuada y aleatoria de intertítulos referidos directa o indirectamente a la película, los cuales funden al blanco (igual que en Effi Briest); por una fotografía casi pictórica de tonos ocres, anaranjados, pardos, que baña con su sensación crepuscular a todo el film; por la abigarrada y espléndida partitura de Peer Raben; y por unos decorados de Rolf Zehetbauer que, caracterizados por una exagerada artificialidad, reproducen el encanto pecaminoso de un imaginario e irreal puerto de Brest flanqueado por torres en forma de falos.
La obra póstuma de Fassbinder es ante todo una gozosa expresión de libertad creativa que contiene frases casi premonitorias de la muerte de su autor. Viéndola, se tiene la sensación de que el personaje de Querelle o el omnipresente narrador hablan por boca de Fassbinder. Así, en un determinado momento el narrador dice: “Querelle no se acostumbraba a la idea de ser un monstruo. A pesar de su juventud, conocía el horror de estar solo, atrapado en un mundo de seres vivos”. Aunque Rainer tuvo en los últimos años de su vida a su montadora Juliane Lorenz como pareja y continuó contando con una gran parte de su equipo, le aterraba la idea de verse sin nadie. De hecho, aun hallándose rodeado de tanta gente, tenía la sensación de estar solo, experimentaba la soledad del jefe o del guía que tiene que administrar la vida de muchos pero al que le resulta imposible -dada su responsabilidad- disfrutar de las vivencias, las circunstancias o la simple “normalidad” de aquéllos. Del mismo modo, hacia el final de la película, Querelle dice a Seblon que “tengo una sensación de otoño, de heridas mortales, y he sido vencido, totalmente vencido, y mis pensamientos son tristes”. A esas alturas, Fassbinder llevaba un tiempo padeciendo los efectos de los excesos cometidos durante años y, ante la imposibilidad de desprenderse de ellos, de dar marcha atrás, sabía que no podría continuar durante mucho tiempo viviendo de esa forma, que su organismo estaba prácticamente destruido por dentro y por fuera. El escrito sobre el acta de nacimiento de Querelle con que finaliza la película es realmente significativo: “…En los libros no se dice nada más de él: solamente que la fecha de su muerte se supone próxima”.
Cuando fue estrenada en la Bienal de Venecia, fallecido ya su autor (el cual se vio obligado a cortar -a pesar de una feroz resistencia inicial- tres minutos de los veinte que exigía la Gaumont, que la co-producía), provocó un enorme escándalo ante la dureza que desprendía la trama, y solo fue defendida por el director francés Marcel Carné, quien afirmó que algún día sería considerada y respetada como la auténtica obra de arte que es.

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Los viernes, proyecciones en el Salón de Actos Manuel Trillo de la Escuela Técnica de Arquitectura de Sevilla.

DIRECCIÓN: Avda. Reina Mercedes, 2. Para llegar en autobús: TUSSAM líneas 6 y 34.
HORARIO: 18h: Espacio del invitado: conferencia. 19h: comienzo de la proyección. Debate posterior entre los asistentes.

ENTRADA GRATUITA

Esta actividad tiene reconocidos 2 créditos de libre configuración por la Universidad de Sevilla para los alumnos que asistan, al menos, a un 80% de las proyecciones

Organiza: Asociación Audiovisual Cónica
Patrocina: Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla
Colabora: Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Sevilla, Aula de Cultura de la ETSAS y el Aula de Cine – CinETSAS.

Cinecoar pretende aportar un espacio de reflexión acerca de las distintas formas de posicionarnos frente a la realidad.

En momentos donde el presente muestra su cara menos amable, y la consigna del “ sálvese quien pueda” inunda nuestras calles, un nuevo contexto aparece haciendo que debamos desarrollarnos forzosamente de manera individual.

Geografías del cambio, a través de las decisiones que irán tomando los distintos personajes de este ciclo, trazará los mapas que nos permitan acompañarlos por sus realidades, y sobre todo, entender de qué manera podrán producir una reinvención de sus actitudes frente a situaciones tan inestables como las que nos toca vivir…

Cinecoar es una obra en tres tiempos: duda, revelación y confrontación.

Blow-up- la duda Una ciudad, que es la representación del estado de ánimo del personaje y de toda una época, será el ámbito para que un fotógrafo consagrado con una vida cómoda y segura comience un viaje no deseado pero imprescindible hacia el universo de lo indeterminado y de la fantasía.

El apartamento-la revelación. El contrapunto entre el espacio público y el espacio privado nos hará conocer el movimiento parabólico de ascenso y toma de conciencia de un oficinista que trazando el mapa de su escala en el ámbito laboral a cambio de entregar su intimidad  se dará cuenta que mientras más alto llega, menos espacio interior posee.

El Manantial-la confrontación. Una ciudad construida a base de imágenes tópicas de otra época pero vacías de contenido será el campo de batalla donde un arquitecto desarrolle una confrontación de ideas entre un entorno lleno de respuestas pero carente de preguntas y el sueño de una realidad arquitectónica contemporánea.

Geografías del cambio es un momento para el pensamiento acerca de cómo nos posicionamos frente a la realidad en la ciudad y cual es la idea que dibujamos para el futuro.

Reinventarnos es el desafío, y por sobre todas las cosas, encontrar la manera de transformar los problemas en soluciones…

http://www.coar.es/cultura/exposiciones/cine2010/index.html

Iván Zulueta, 1979 – España. Eusebio Poncela, Cecilia Roth, Will More

Ahora es ahora y tú te lo haces muy mal

Arrebato se proyecta el pasado sábado 6 de marzo en la Cinemateca UGT de Sevilla, precedida del cortometraje Leo es pardo, dentro del ciclo-homenaje (recordemos la reciente muerte del autor) El último arrebato, Iván Zulueta.

Recuerdo haber visto hace unos años un DVDRip de esa penosa edición que sacó El País dentro de la colección de cine español, cuya imagen y sonido eran propios de un VHS en muy mal estado, y, sinceramente, no la disfruté y no entendí porque había siempre tanto revuelo a la hora de hablar de ella. Me pareció un desequilibrado y blando intento de algo cercano a la innovación, aunque por lo menos reconocí y valoré de forma positiva el ejercicio de voluntad por hacer algo original y arriesgado, aunque finalmente deslavazado y sin fuelle, meramente anecdótico.

Ahora entiendo lo fundamental que es, para comprender y apreciar cabalmente una obra como Arrebato (algo extensible, si se quiere, a todo el cine), verla en condiciones. Y cuando digo en condiciones me refiero a verla con los medios mínimos para los que fue concebida su proyección(/creación), esto es: sala de cine, pantalla grande, butacas, sonido estéreo y proyector de 35mm. Además, tuve la suerte de poder ver una copia restaurada impecable (recién restaurada, creo, la que se pasó en San Sebastián o en algún festival íbero de renombre hace un año a tenor de su 30 cumpleaños, donde sacaron el DVD del Fnac con la imagen restaurada también).

Todas estas cosas influyen tremendamente, pues ahora me doy cuenta de lo equivocado que estaba, porque, aunque en Arrebato no percibo ese instante oscuro del pesimismo del que hablaba Fdez. Santos, sí veo una obra redonda, sin fisuras, sumamente original, con una trama que viaja en el tiempo -del presente al pasado y viceversa- manteniendo siempre una coherencia conceptual y estética, de subyugante atmósfera, mezcla de lo fantástico y lo real, de lo soñado y lo vigilante, de lo onírico y lo telúrico.

Es, además, un testamento íntimo, desgarrador, donde se ve plasmada una relación con el cine sin precedentes, brutal, que fascina e hipnotiza.

Es una película difícil, que exige del espectador, que lo hace removerse en su cómodo asiento; y es todo personalidad, frustación y rebeldía.

Contiene, por si todo esto fuera poco, uno de los finales más intensos e impactantes que haya visto, de un poso(/peso) abrumador.

Alexis Castro

• Enlace a la noticia de la Dirección de Comunicación de la Universidad de Sevilla
• Enlace a la web de la Filmoteca de Andalucía con la programación de Marzo en Sevilla

PROGRAMACIÓN DE LA FILMOTECA DE ANDALUCÍA EN SEVILLA DURANTE MARZO-ABRIL 2010

Lunes 8 de marzo

Sesión inauguración / Especial día 8 de marzo

LA SAL DE LA TIERRA

Herbert J. Biberman, EEUU 1954, 95 min., v.o.s.e.

Sinopsis

En Nuevo Méjico, un grupo de mineros del zinc sufren la discriminación en las condiciones de vida y de trabajo con respecto a sus compañeros "Angles". Tras un accidente sucedido en la mina, los obreros mexicanos deciden ir a la huelga y exigir igualdad. Esa misma igualdad es la que comienzan a reclamar las mujeres de los huelguistas, que se niegan a quedarse en casa sin tomar parte en la propuesta y a seguir siendo consideradas inferiores.

Martes 9 de marzo

Clásicos rescatados

MADAME DE…

Max Ophüls, Francia 1953, 102 min., v.o.s.e.

Sinopsis

Necesitada de fondos para cubrir sus cuantiosos gastos, una condesa vende unos pendientes que le regaló su marido, diciendo a éste que se han extraviado. El joyero, indiscreto, comenta al conde lo sucedido, y le vende las alhajas que, tras distintos avatares, llegarán a manos de un diplomático italiano.

Lunes 15 de marzo

Ernst Lubitsch. Primeros años en Alemania

NO QUIERO SER UN HOMBRE

Ernst Lubitsch, Alemania 1918, 45 min., v.o. muda

Sinopsis:

Una joven malcriada (Ossi Oswalda) se escapa de su tutor y cuidador (Curt Goetz), para lo que se disfraza de hombre y se precipita a la vida nocturna berlinesa. El que ésta vuelva a encontrarse allí con su estricto tutor, que no la reconoce y que bebe y conversa con ella “de hombre a hombre”, acarrea toda clase de complicaciones.

Martes 16 de marzo

Estreno Digital

UN CUENTO DE VERANO

Andrzej Jakimowski, Polonia 2007, 95 min., v.o.s.e.

Sinopsis:

Stefek, de seis años, desafía al destino. Está convencido de que la cadena de eventos puesta en marcha por él lo ayudará a acercarse a su padre que lo ha dejado cuando abandonó a su madre. Su hermana, Elka, de diecisiete años, lo ayuda a aprender a "corromper" el destino a través de pequeñas renuncias.

Lunes 22 de marzo

Ernst Lubitsch. Primeros años en Alemania

LOS OJOS DE LA MOMIA

Ernst Lubitsch, Alemania 1918, 46 min., v.o. muda

Sinopsis:

Durante un viaje de estudios por Egipto, el joven pintor Alfred Wendland salva en un sepulcro a la joven Ma del poder de Radu, vigilante del mausoleo.De vuelta en Europa, Wendland instruye a Ma, a quien ama con cariño.

Martes 23 de marzo

Clásicos rescatados

EL PLACER

Max Ophüls, Francia 1952, 93 min., v.o.s.e.

Sinopsis:

Tres historias sobre el placer. En la primera, un extraño hombre acude a un popular baile de máscaras en París y baila hasta caer extenuado. En la segunda historia, un famoso artista se enamora de Josephine, su bella modelo. En el último de los cuentos, Madame Tellier, que regenta un prostíbulo, es invitada por su hermano Joseph a la primera comunión de la hija de éste.

Lunes 5 de abril

Ernst Lubitsch. Primeros años en Alemania

LA PRINCESA DE LAS OSTRAS

Ernst Lubitsch, Alemania 1919, 60 min., v.o. muda

Sinopsis:

A la princesa de las ostras, una chica histérica y asilvestrada, le gustaría casarse. Entonces aparece el "Príncipe Nucki" – que en realidad sólo es el depravado y enfermizo sirviente del verdadero príncipe – y sin más acaban delante del altar. Él ahoga su desdicha en alcohol. El verdadero príncipe Nucki también se da a la bebida.

Martes 6 de abril

Estreno Digital

LA OSA MAYOR MENOS DOS

David Reznak, España 2006, 98 min., v.o.e.

Sinopsis:

Documental en el que David Renak plasma la vida de unos pacientes del hospital psiquiátrico de Leganés durante más de un año. Al igual que el tren que te acerca de Madrid a Leganés te enseña la trastienda de fábricas y ciudades, la estancia en el psiquiátrico se convierte en una mirada a la sociedad desde bastidores.

Lunes 12 de abril

Ernst Lubitsch. Primeros años en Alemania

ANA BOLENA

Ernst Lubitsch, Alemania 1920, 118 min., v.o. muda

Sinopsis:

Educada en Francia, Ana Bolena (Henny Porten) es llevada a la corte inglesa de Enrique VIII (Emil Jannings) a manos de su tío, el Duque de Norfolk. Una vez allí, el rey se fija en ella, se divorcia de su esposa, rompe con el Papa y le ofrece la corona a Ana. Pero su deseo de tener un heredero al trono no se cumple.

Martes 13 de abril

Clásicos rescatados

EL RAYO, de José Busch. Restaurada por la Filmoteca de Andalucía.

José Buchs, España 1936, 90 min., v.o.e.

Sinopsis:

Adaptación de la obra teatral homónima de Juan López Núñez y Pedro Muñoz Seca, restaurada por la Filmoteca de Andalucía, la Filmoteca española y la Filmoteca de Zaragoza.

Lunes 26 de abril

Ernst Lubitsch. Primeros años en Alemania

SUMURUM

Ernst Lubitsch, Alemania 1920, 103 min., v.o. muda

Sinopsis:

Yeggar, un payaso jorobado, director de un espectáculo ambulante, se enamora de una de las bailarinas. Ella cede a sus deseos, pero también le es infiel. Basada en la pantomima teatral cr
ea
da por Max Reinhardt, es un nuevo acercamiento al ambiente de cuento de hadas en parajes exóticos.

Martes 27 de abril

Clásicos rescatados

MISHIMA: UNA VIDA EN CUATRO CAPÍTULOS

Paul Schrader, EEUU 1985, 120 min., v.o.s.e.

Sinopsis:

"Mishima" es un retrato-mosaico del consagrado autor y dramaturgo japonés Yukio Mishima, una historia sobre los hechos biográficos del mejor escritor japonés de la posguerra. La película investiga la inquietud interior y las contradicciones de un hombre que trató de alcanzar una imposible armonía entre sí mismo, el arte y la sociedad.

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