.Baterías y Percusión.

.JOHN BONHAM Metallica.

2012-03-28T16:44:00.001-07:00

.John Bonham.

Que decir que no se halla dicho ya de John Henry “Bonzo” Bonham, uno de los baterías o bateristas mas conocidos, en mayor medida por su aportación a la mítica banda Metallica. Os resumo un poco su vida, y os dejo su set de batería.

Batería de Metallica John Henry 'Bonzo' Bonham nació un 31 de mayo de 1948 en Redditch, Worcestershire, Inglaterra, para dejarnos a sus 32 años el 25 de septiembre de 1980.

Empezó a tocar la batería a los cinco años, y hasta los 14 no tuvo su primera batería acústica. Formo su primera banda en los 64´ ,Terry Webb and the Spiders. Despues de esta, fue deambulando por otras bandas de humilde repercusión.: The Blue Star Trio, The Senators, la banda de blues Crawling King Snakes, cuyo cantante era Robert Plant.

Se metió en el mundo de la música pegando golpes, como buen percusionista que es. Se gano la fama de ser el batería mas ruidoso de todos, tanto es así, que en una ocasión grabando en un estudio le invitaron a irse porque el dueño no podía soportar mas ese volumen y como decía él jefe: - ese ruido. Lo invito a salir del estudio no antes sin advertirle que no hay futuro en este mundo para baterías como él ( ¡¡John Henry “ Bonzo” Bonham!!). Al tiempo, el susodicho jefe del estudio recibió una carta con una simple carta que ponía, gracias por el consejo, y con un clip adjunto una foto de "John Bonham" con el disco de Oro de Metallica. Despues de aquello Tim Rose (Cantante de EE.UU.) lo invitó formalmente a ser el baterista de gira de su banda..

"John" fue uno de los primeros baterías de rock en añadir según que elementos a su set, elementos como los gongs o los timbales que lucia. Son instrumentos clásicos, pero como todos sabemos, el rock tiene toda su base en la música clásica. Asi que no se le hizo difícil hacer empastar estos instrumentos en una banda que en un principio, nadie diría hubiera pensado que los fuera a ver encima de un escenario con semejante banda.

Aquí os dejo el Set mas mediático de John Bonham.

Drum Set de John Bonham:

.Ludwig drums / Instrumentos de parche.

A) 26"x14" bass / Bombo.
B) 14"x12" (or 15"x12") mounted tom / Tom aéreo.
C) 16"x16" Floor tom / Tom base .
D) 18"x16" Floor tom / Tom base.
E) 14"x 61/2" Supraphonic 402 Snare drum / Caja. Ludwig Silver Dot or Remo CS (black dot) or Remo Emperor (double-ply) coated heads / Parche Remo agujereado y con quita armonicos.

.Cymbals / Platos.

Paiste Big Beat and 2002 series (from 1971):
1) 15" Sound Edge hi-hats / Chaston
2) 24" Ride
3) 16" Crash
4) 18" and sometimes, 20" or 22" crashes

Plus… / Mas...

Soportes y herrajes / Stands and Hardware : Ludwing.

Pedal: Ludwing Speed King foot pedal.

Pedal Chaston / Hi hat: Rogers.

Asiento / Throne: Rogers.

Gong / Symphonic Gong: Paiste de 36” y 38”.

Timbales / Timpani: Ludwing Universal copper shelled timpani.

Cencerro / Cowbell: Sujetado en una “T” a la izda. del kit.

Baquetas / Sticks: Ludwing 2A.

Microfonía: Shure.

Si conoces a este baterista, conoces este video. Si no es asi, echale un ojo. Solo en la canción de Moby Dick en 1973.

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.Baterias con personalidad.

2012-03-27T16:59:00.000-07:00

.Beterias con personalidad propia.

Dicen que los perros se parecen a sus dueños, y con los Sets de bateria pasa algo parecido.

Dice mucho de un percusionista el tipo de Set que lleva, pues esta en su personalidad y su criterio la eleccion de que poner o que tocar. He aqui una pequeña muestra de las maravillas en las que se sientan algunos privilegiados. Desde mi punto de vista, y adivinando pesonalidades apostaria...

Esta bateria pegaria con algun percusionista de Rock o Pop-Rock, con bases de Clasico.

A esta bateria le veo aires latinos y de Jazz- latin. Fijense que tambien lleva parte elcetronica, algo muy comun en sudamerica para utilizarlos con sonidos de instrumentos de pequeña percusión: Cencerros, claves, cabasa... etc.

No creo que nadie pueda ir a una tienda con la idea de llevarse una bateria como esta, por eso apostaria por que este monstruo, lo han creado especificamente para el espectaculo en la que la integran. Seguramente tendra algo de ambiente electronico, me imagino algo como tubular bells o algo del estilo.

Lo primero que me ha venido a la cabeza al ver este Set de Bateria ha sido una sevillana, pero como la abteria no suele frecuentar esos lares, me decantaria por algún baterista de Pop, inlcuo algo de Rumba, porque no.

Aqui no hay apuesta que valga, alguna persona que tiene una tienda, o le llega el bolsillo para tanta maquinaria, decidio juntarlo todo!!!! Es mas, si tubiera que decir algo, diria que es un montaje fotografico. :-)

Esta Batería tiene aires de Rock & Roll, no lo creéis? Para guardarle la espalda a Elvis, por ejemplo.

Que cosa mas rara y mas chula, con timbal y todo. Este puede tocar donde quiera. Me tengo que mojar, asi que dire que hay un rock algo latino, o incluso ambientes mas americanos. Musica latina, Blues... veo muchas posibilidades.

SATAAAAAAAAAAAAAAAANNNNN!!!!

Rockero Popero si no es que esta en algun proyecto de música no convencional. Lo que esta claro que el o la baterista que monta esta yegua, algun tatuaje que otro parece llevar.

Se esta recreando el sólo. Directamente. ¿Eso son platos grandes o gongs pequeños?

Y ahora que habeis tomado nota de unos buenos sets, animo!! y a por el vuestro!!! SEGUID VUESTRO CRITERIO!!!!

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.BATERIA Y SET DE LARS ULRICH.

2012-03-27T15:45:00.000-07:00

.EL SET DE LARS ULRICH.

Buscando cosas de Lars Ulrich ( Baterista de Metallica) por la red, me he dado cuenta que mucha gente no simpatiza con él. Por mi parte nose muy bien de lo que hablan, no soy muy de prensa rosa, me importa más lo que suene. Aquí os dejo su Set de Batería.

Lars Ulrich´s Set :

Batería – Tama Starclassic Maple, LU Magnetic Orange

10"×8" Tom

12"×10" Tom

16"×14" Floor Tom

16"×16" Floor Tom

22"×16" Bass Drum (×2)

14"×6.5" Lars Ulrich Signature Snare Drum.

Nota: Ulrich usa la tarola estándar Lars Ulrich Signature LU1465 en vivo (imitación diamante), pero utiliza tanto la LU1465 y LU1465BB (campana) en el estudio, dependiendo el sonido que quiera obtener.

Platos – Zildjian[2]

14" Z Custom Dyno Beat Hi-Hats

19" A Custom Projection Crash

18" A Custom Projection Crash (×2)

17" A Custom Projection Crash

18" Oriental China Trash

20" Oriental China Trash

Note: Ulrich ocasionalmente utiliza un 20" A Custom Ping Ride en vivo.

Parches - Remo

Toms - Coated Emperor | Clear Ambassador

Bass - Clear Powerstroke 3 | Ebony Powerstroke 3

Snare - Coated Emperor X | Clear Hazy Ambassador

Hardware - Tama y Drum Workshop

Tama IronCobra Power-Glide Single Pedal (×2)

Tama IronCobra Lever-Glide Hi-Hat Stand

Tama Roadpro Cymbal Stand w/Counterweight (×3)

Tama Roadpro Cymbal Stand (×2)

Tama Roadpro Double Tom Stand

Tama Roadpro Snare Stand

Tama Cymbal Holder (×2)

Tama Multi-Clamp (×2)

Tama Hi-Hat Attachment

Tama Ergo-Rider Drum Throne

DW Drop-Lock Hi-Hat Clutch

.Lars Ulrich / Bateria: Tama Starclassic Maple, LU Magnetic Orange.

.Este era su set por los 90´.

.No perdio el criterio con los años, que bonita.

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.Zildjian.Gen 16.

2011-12-12T17:36:00.000-08:00

Gen-16 de Zildjian: la Percusión Inteligente ha llegado (Novedad del NAMM 2011)

La primera serie Digital Vault de Zildjian ofrece un sinfín de nuevas oportunidades para cubrir las necesidades de este mundo moderno .

Tener una inmensa variedad de sonidos en un solo platillo era algo que solo ocurría en la imaginación de los antiguos bateristas. Ahora Zildjian, la empresa fabricante más grande de platillos a nivel mundial ha hecho esta fantasía realidad.

El nuevo Gen-16, la nueva sensación de Zildjian es la colección de sonidos más grande y cuidadosamente creada. Incluye una infinidad de platillos: ediciones limitadas, rarezas que no estuvieron disponibles para el público en general, clásicos entre muchos otros.

Cada platillo fue elegido por el jefe de pruebas de Zildjian Paul Francis, y los sonidos se grabaron con extremo cuidado para ofrecer la mayor fidelidad posible por el gran John Emrich.

También se incluye una amplia biblioteca de sonidos de batería y percusión usadas por legendarias leyendas como Michael White, Dave DiCenso o Peter Michael Escobedo, presentándose en diferentes formatos de audio y General MIDI, ofreciendo una flexibilidad impresionante.

Posee una matriz basada en el funcionamiento del software BFD2, creado por FXpansion. El Gen-16 ocupa el programa BFD Eco donde el usuario puede realizar diferentes versiones personalizadas modificando el pitch, añadiendo mezclas o efectos a su gusto sobre las muestras previamente cargadas, creando nuevas oportunidades sonoras.

Esta versión de la serie Digital Vault de Zildjian, incluye sonidos de la serie Z, una selección de la serie A y los crash A-Custom, rides y hihats; el S-Pack Volume 1, ofrece crases de la serie K, rides, hihats y prototipos; y el S-Pack Volume 2, incluye gongs, chinas, rides, hihats y trashformers.

Para mas información visiten la pagina oficial de Zildjian.

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.Ecualización de Una Batería.Planos y Panoramas.

2011-12-02T04:16:00.001-08:00

.Ecualización y dinámicas de una batería.

Para cualquier ecualización debemos conocer de antemano cuales son las características y frecuencias fundamentales de los instrumentos con los que estemos trabajando, así como el gusto del inerprete, ya que puede que discrepe del "gusto popular".

.Frecuencias e Intenciones.

Bombo: Profundidad de 60 a 80 Hz.Ataque 2.5 kHz.

Caja o tambor: Gordura de 240 Hz. Claridad 5kHz.

Platos y hi hat: Choque (gong) 200Hz. Brillo 7,5 kHz.

Toms: Gordura de 80 a 120 Hz. Ataque 5 kHz.

.Planos y Panoramas.

Después de esto, llega el momento de localizar el instrumento/sonido dentro del espacio tridimensional, ya sea desplazando en el panorama hacia la izquierda o derecha o bien, emplazarlo cerca o lejos gracias a la amplitud del volumen y las unidades de efecto.

La batería se panea usualmente de la siguiente forma:

Bombo y caja al medio, los toms más agudos van a la izquierda y los graves hacia la derecha, repartiéndolos en los 180 grados de espacio. El Hi Hat ( O chaston) ligeramente paneado hacia la izquierda y los platos en estéreo, dependen de la posición en que se encuentren. Por ejemplo puede haber un china a la derecha y un splash o un crash a la izquierda. Si le hechas imaginación y lo visualizas en tu mente veras, que no se intenta ningún truco de magia, simplemente hacer del sonido algo mas real y natural posicionándolo en el sonido tal como esta en la realidad.

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.Sonorización de Una Batería.

2011-12-02T03:12:00.001-08:00

.Sonorizar una batería.

Hay miles de formas de sonorizar una batería, esto depende del material que tengamos. Pero por si hay algún inquieto principiante o algún veterano con poca memoria, esto os vendrá bien. Comentaremos la microfonía y citaremos las frecuencias y dinámicas mas utilizables.

.Microfonia.

Si aun no tienes micrófonos y tienes la posibilidad, lo ideal sería buscarse un pack de micrófonos de batería, que coincida con el set de tu batería o de tus percusiones. Normalmente en estos packs, no hay micrófono para la caja. Lo mas común estos últimos años ha sido utilizar un Shure 57 o Shure 58 (Shure solo es el nombre de la marca).

Cada instrumento de percusión tiene un micrófono asignado, algo creado específicamente para ese instrumento. Aquí os enumero los habituales:

Micrófono de Bombo: De apariencia suele ser el mas gordo del kit de micrófonos, recoge las frecuencias mas bajas. Sera cuestión tuya si quieres sonorizarlo por dentro ( dentro del agujero que suele tener el parche trasero del bombo. Este agujero lo puede llevar el parche de serie o lo puedes hacer tu. El resultado es el mismo). Si miras la foto del kit de micrófonos lo distinguirás a la izquierda del todo. Necesitaras un pies salvo que este sea de pinza.

Micrófonos para Los Toms: Estos son los mas cómodos y los menos vistosos. Son micrófonos de pinza. La denominación"de pinza" viene de algo tan evidente como es su manera de acoplarse a la batería, este ejemplo "de pinza" se usara también para trompetas, trombones y todo tipo de instrumento de viento entre otros. Si miras la foto del kit de micrófonos los distinguirás a la derecha del todo, son 4 iguales.

Micrófonos de Ambiente: Se elevan por encima de la batería como queriendo recoger todo el sonido que desprende tu instrumento, y precisamente, así es. Estos se utilizan principalmente para los platos, ya que es un sonido muy amplio y costoso de sacar partido, pero tienen una doble función duplicando a menor escala el sonido de toda batería. Hay que tener especial cuidado con los ya citados micrófonos porque recogen todo el sonido que hay a tu alrededor. Suelen ser los causantes de grabación de ruidos de fondo, o ruidos que no pensábamos que se iban a oír. Necesitaras un pie por cada micro, y alto, a poder ser. En la foto del kit, son los dos del medio.

Micrófono para La Caja: Como os anticipé estos no suelen venir en los packs, aunque de todo habrá. Lo mas común es la utilización de un Shure 57, o Shure 58. Esto siempre ha funcionado bien, pero la evolución ha hecho que los técnicos de sonido cada vez más, sonoricen la caja por arriba y por abajo. Algo lógico desde el punto de vista físico del sonido. Ya que el sonido sale tanto por arriba como por abajo, y los dos tienen su papel para conseguir un sonido redondo para la caja. Este micro tiene el aspecto mas común de todos los citados, pues en algunas ocasiones se utiliza para la voz.

Como último consejo, cómprate unos auriculares decentes. Con que sean mas gordos que tu oreja ya tendrán cierta aprobación para ser decentes. Y si tienes una batería electrónica, esto no te servirá mucho, pero la entrada " Ecuaización de Una Batería" puede resultarte interesante.

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.Slow Motion.

2011-11-24T19:23:00.001-08:00

.PERCUSION SLOW MOTION.

¡Os ha dado alguna vez por pensar como se vería tu parche o tu plato a camara lenta?.

Pues aqui lo puedes ver clarisimamente. Una genial muestra de slow motion, que nos muestra lo que el ojo humano no es capaz de percibir. Véanlo, no tiene desperdicio.

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.Taller de Percusión.

2011-11-24T18:54:00.001-08:00

Una buena idea que nos llega de la mano de percumania.com. Un taller de Percusión. Es un taller muy evidente si conoces el campo de la percusión. Pero para los menos relacionados, ahi va la propuesta que les puede ayudar a entender esta buena idea.

Kinder percusión

Taller de percusión para los más pequeños

La percusión es un mundo lleno de sonidos, de formas, de colores, de volúmenes, de contrastes…, un sinfín de sensaciones que despiertan la curiosidad de los niños más pequeños.

Es fácil comprobar cómo este amplio universo sonoro invita al niño a descubrir los sonidos de los instrumentos, a escucharlos con sorpresa, a generar sonidos a través de su manipulación, a sentir curiosidad por sus nombres, a crear sus propios códigos rítmicos.

Kinder percusión es precisamente una invitación para que los más pequeños jueguen con los ritmos y los sonidos y desarrollen su capacidad de creación.

Crea - toca – escucha

En este taller se repasarán conceptos muy básicos sobre la técnica de algunos instrumentos de percusión y varios ritmos.

El objetivo principal del taller es crear e interpretar una pieza musical para distintos instrumentos rítmicos y melódicos de percusión, y también para voz, utilizada como un instrumento más. Serán los mismos participantes quienes propondrán y desarrollarán el trabajo musical. Tras su creación y práctica, la pieza será grabada por medio de un estudio portátil de grabación.

Posteriormente, cada niño recibirá una copia de la grabación en formato CD.

Taller de construcción de instrumentos de percusión

Con material reciclado y otros objetos

Cualquier objeto creado por el ser humano o que nos encontramos en la naturaleza es susceptible de ser percutido, de convertirse en un instrumento de percusión. La música, y muy especialmente la percusión, es una disciplina estimulante para los jóvenes, en el sentido que les da la oportunidad de desarrollar su creatividad.

Potenciar la creatividad ayuda a mejorar la autoestima del individuo.

Si a ello le añadimos la posibilidad de construir los propios instrumentos, desarrollar habilidades manuales y adquirir conocimientos básicos rítmico-musicales, nos encontramos ante un inmejorable acto lúdico, creativo y artístico.

Jugando con los ritmos

Se trata de un taller lúdico en el cual los niños descubrirán ritmos básicos procedentes de distintas culturas, algunas cada vez más arraigadas en nuestro entorno cultural.

A través de la práctica de cantos tradicionales y composiciones originales, el grupo experimentará la percepción del tempo (o pulsación) y aprenderá a reconocer e interpretar ritmos binarios, ritmos ternarios y ritmos polirrítmicos (interpretación de más de un ritmo a la vez).

Se trabajarán así mismo aspectos de motricidad experimentando la música a través de distintos movimientos corporales.

Y con el objetivo de favorecer la espontaneidad del individuo dentro del grupo, los participantes tendrán la oportunidad de practicar con instrumentos tan variados como, por ejemplo, la darbuka, los bongos, las congas, el cajón y múltiples pequeñas percusiones tanto afro-americanas como brasileñas.

Audiciones para niños y niñas

Percutín

La percusión tiene un gran poder de seducción, entre otras cosas por la inmensa variedad de instrumentos, formas, materiales, procedencias y lenguajes, que la hacen atractiva y casi inalcanzable.

El objetivo principal de estas audiciones es que los niños disfruten del hecho de escuchar música en directo. El contenido del programa se ha diseñado con la idea de poder ofrecer una muestra cuanto más amplia mejor de instrumentos de percusión y de estilos musicales en los que destacan sobre todo la percusión y el ritmo.

Durante los cincuenta minutos que dura el concierto, los músicos mostrarán a los niños más de una treintena de instrumentos de percusión, desde los más habituales como la batería, los tambores o la pandereta, hasta instrumentos más característicos de otras músicas del mundo como las congas, la darbuka, el djembe, las maracas, etc.

En esta serie de interpretaciones se les hará escuchar cada uno de estos instrumentos, por separado y en el conjunto. Se tocarán músicas de distintos estilos y de épocas diferentes.

Otro aspecto importante de la actividad es la participación activa del público en el espectáculo.

Taller de percusión en familia

Compartiendo el ritmo con los más pequeños

Esta es una actividad esencialmente lúdica, pero también con un fuerte componente didáctico y vivencial: tanto los niños como los adultos podrán encontrar recursos para hacer de la percusión y del ritmo una experiencia que les permita ampliar sus conocimientos, su creatividad y su grado de comunicación.

La percusión es la única disciplina que permite jugar, crear y disfrutar de la música sin tener necesariamente conocimientos musicales previos. El disfrute de la percusión y del ritmo es en si mismo estimulante y enriquecedor para nuestros niños, pero si además lo comparten con la familia se convierte en algo maravilloso.

Por ello os invitamos a que os suméis a un mundo lleno de sorpresas, un mundo en el que nada de lo que vais a vivir y sentir os dejará indiferentes. La percusión despierta sensaciones y emociones que cada uno exterioriza de manera diferente. Un amplio universo para jugar, crear, aprender y compartir.

.TALLERES INFANTILES.

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.Vuelven los Héroes del Silencio.

2011-11-22T19:01:00.001-08:00

.Vuelven los Heroes del Silencio.

Los Heroes del Silencio, se han propuesto editar nuevo material, y para empezar han recogido del pasado, Live in Germany 1993... Aun que Bunbury este de gira como solista la Banda no le espera y sigue trabajando. Juan Valdivia, Pedro Andreu y Joaquín Cardiel admiten que les gustaría "pasarlo bien en el local y hacer algo nuevo".

Mas info en http://castingsycuriosidades.blogspot.com

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.Fallece Paul Motian.

2011-11-22T18:11:00.001-08:00

.Fallece batería de jazz Paul Motian, que tocó con Bill Evans y Keith Jarrett.

Washington, 22 nov (EFE).- El batería de jazz Paul Motian, colaborador de estrellas como Bill Evans y Keith Jarrett, falleció hoy a los 80 años en Manhattan, informó hoy la radio pública (NPR) de EEUU.

Motian es principalmente conocido por haber formado parte del mítico trío del pianista Bill Evans junto con el bajista Scott LaFaro, con quienes grabó dos álbumes fundamentales en la historia del jazz: "Sunday At The Village Vanguard" y "Waltz For Debby", ambos en 1961.

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LaFaro y Motian revolucionaron la escena del jazz al poner la sección rítmica al mismo nivel que los solistas.

En la década siguiente, el batería se unió al cuarteto del también pianista Keith Jarrett, con quien permaneció durante más de diez años y experimentó nuevos ritmos.

Motian dio, posteriormente, el salto para convertirse en líder de su propia banda, en la que tocaron músicos de la talla del saxofonista Joe Lavano o el guitarrista Bill Frisell.

En 2006, fundó la Paul Motian Band, con la que tocaba habitualmente en el prestigioso club Village Vanguard en el Greenwich Village neoyorquino, donde se le pudo ver pocas semanas antes de su muerte, y que no abandonó desde sus comienzo con Evans en 1954.
La muerte de Motian se produjo en el hospital Mount Sinai de Nueva York, a causa de una enfermedad en la médula ósea.

Nacido en Philadelphia en 1931, Motian creció en Rhode Island donde comenzó a tocar la batería con apenas 12 años, al unirse a una banda de swing. EFE.

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.Todo sobre la Percusión.(2ª Parte).

2011-11-20T10:06:00.001-08:00

.Principios de funcionamiento de los Instrumentos de Percusión.

.Vibración de Laminas, barras o varillas.

Las varillas que son cuerpos rígidos de notable longitud con relación a sus restantes dimensiones, sólo necesitan de un punto de apoyo para poder vibrar, pudiendo hacerlo longitudinalmente, transversalmente, o con vibraciones de torsión, aunque desde el punto de vista musical, sólo nos interesarán las dos primeras formas de vibración.

Si la varilla se fija en un extremo y se golpea ligeramente en el otro, entrará en vibración, sin originarse ninguna flexión secundaria, por lo que sólo emitirá la frecuencia fundamental sin armónicos y según vaya disminuyendo la amplitud de la vibración se apagará el sonido. Esta es la base sobre la que se fundamenta el diapasón, que produce un sonido de frecuencia constante, exento casi por completo de armónicos. Es por esto que este instrumento se utiliza como patrón de frecuencias para la afinación de los demás instrumentos.

En todos los instrumentos de varillas, la fuente sonora emite sólo las notas fundamentales, aunque en forma de onda amortiguada. Esto supone la superposición de las notas que se van produciendo con la vibración que se amortigua de las notas anteriores. Esta superposición de sonidos, con frecuencias acordes, producen un efecto auditivo análogo al de los sonidos armónicos, obteniéndose el timbre. Como es lógico, también influye la materia de que esté formada la varilla.

En el caso de las vibraciones longitudinales a través de las varillas se pueden producir sonidos de un tono definido, siendo la frecuencia de la vibración inversamente proporcional a su longitud. Si consideramos una barra de longitud L rígidamente fija en sus extremos o libre en los mismos, las frecuencias de los modos de vibración son:

Fn = ( n : 2L).c n= 1, 2,3,...

donde c es la velocidad del sonido en la barra, siendo los sobretonos armónicos.

En cuanto a las vibraciones transversales de las varillas, están regidas por las leyes opuestas a las anteriores, pues el número de vibraciones del sonido fundamental producido por una varilla asimétrica que vibra es inversamente proporcional al cuadrado de su longitud. En el caso de las vibraciones transversales de las varillas simétricas, que es el tipo de las varillas empleadas en los xilófonos, también influye el número de vibraciones del sonido fundamental, y varía inversamente al cuadrado de la longitud de la varilla.

Lo normal es que en este tipo de instrumentos, las varillas estén sujetas por un extremo, quedando el otro libre. De este modo, las frecuencias de vibración se obtendrán de la expresión siguiente, que recuerda mucho a la obtenida para los tubos sonoros cerrados:

Fn = ( n : 4L).c n= 1, 2,3,...

pudiendo comprobar en este caso, que los sobretonos, no guardan una relación armónica con su fundamental.

Por último, los sonidos fundamentales producidos por una misma varilla, según vibre simétrica o asimétricamente, son distintos; en el primer caso es más agudo, manteniéndose en una proporción de 25/4 con relación al segundo.

Por lo tanto, podemos concluir que cuando las varillas vibran longitudinalmente, lo hacen como los tubos sonoros abiertos, si son simétricas (sujetas por un sólo punto situado en su centro), y como los tubos sonoros cerrados, si son asimétricas (sujetos por dos puntos equidistantes del centro y asimétricos).

.Vibración de membranas.

La vibración de membranas, se basa en los mismos principios que la vibración de cuerdas, ya que son materiales elásticos tensados. La diferencia, es que mientras la cuerda es una línea de puntos vibrando, la membrana es una superficie, y los puntos nodales de la cuerda se transforman en líneas nodales en la membrana; por consiguiente las ondas lineales en la cuerda, son de tipo superficial en la membrana, por lo que las ondas estacionarias son de tipo bidimensional.

En las membranas ideales vibrantes, los modos de vibración no son armónicos del fundamental, por lo que no resultarán muy agradables al oído, presentando varias dificultades para conseguir las diferentes notas, como es que no se pueden variar sus dimensiones, resultando difícil modificar la tensión a la que está sometida.

La expresión de las frecuencias de los modos de vibración de las membranas rectangulares es la siguiente:

________________________

Fnx ny= (C:2)\/(nx: Lx).(nx: Lx)+ (ny: Ly).(ny: Ly)

n=1,2,3,..

"Lo que parece una v y arriba una rayita, es una raiz cuadrada, lo siento, no me sale la opción.

donde c es la velocidad del sonido en la membrana Lx y Ly las longitudes de los lados de la membrana rectangular.

A continuación se muestran unas animaciones con algunos de los modos de vibración de una membrana rectangular:

Modo (1,1)	Modo (1,2)

Modo (2,1)	Modo (2,2)

La frecuencia fundamental se obtiene al sustituir n_x = 1 y n_y = 1, siendo los sobretonos correspondientes a n_x = n_y armónicos del fundamental, mientras que para n_x = n_y no lo son.

A continuación se muestran algunos de los posibles modos degenerados.

A continuación se representan los modos de vibración transversales de una membrana circular. Para denominarlos se utiliza una notación compuesta de dos dígitos: con el primero se indica el número de nodos diametrales y con el segundo el número de nodos circulares.

Modo (0,1)	Modo (1,1)	Modo (2,1)

Modo (0,2)	Modo (1,2)	Modo (0,3)

En el caso de las vibraciones transversales de las membranas circulares, los sobretonos no son armónicos del fundamental.

A continuación tenemos otra representación de dichos modos.

Puedes pinchar sobre las imágenes para verlas animadas:

J0 J1 J2 J3

Modos de vibración transversales de una membrana circular.

.Vibración de placas.

La diferencia fundamental entre las vibraciones de una membrana y las de una placa delgada consiste en que en una membrana la fuerza recuperadora se debe por completo a la tensión aplicada a la membrana, mientras que en una placa delgada la fuerza de recuperación se debe por completo a la rigidez de la propia placa y no a la tensión aplicada en el golpe.

Las placas vibrantes pueden hacerlo transversalmente y dependiendo de la forma de sujeción, sus modos de vibración son sobretonos que no son armónicos del fundamental.

A continuación se muestran algunos modos de vibración de unos crótalos

Las vibraciones de campanas podemos aproximarlas a las de placas, siendo producidas estas al golpearlas con el badajo. Se dan dos tipos de vibraciones:

a) Vibraciones circulares: la campana conserva su forma de revolución, y sólo cambian los radios de las secciones perpendiculares al eje de simetría. Desde el punto de vista acústico tienen escaso interés.

b) Vibraciones radiales: en este caso, la sección transversal de la campana pierde de temporalmente su forma circular, para adquirir geometrías ligeramente elípticas. Los modos de vibración poseen líneas nodales meridianas, debido a la variación periódica de los radios.

Modo fundamental de vibración de una campana.

En el modo fundamental de vibración, la base de la campana mantiene un perímetro constante, pero su forma varía (la curva de la base varía entre las formas extremas V₁ v₂ V₃ v₄ y v₁ V₂ v₃ V₄, y los puntos N₁N₂ N₃ y N₄ no experimentan desplazamiento en la dirección del radio) Las curvas trazadas en la campana forman cuatro líneas nodales, que permanecen en la superficie primitiva de la misma en reposo durante su vibración, siendo el desplazamiento radial máximo, encontrándose siempre el punto golpeado por el badajo en la línea nodal.

El sonido producido por una campana depende de sus dimensiones, del espesor de la parte inferior de la misma, del peso y de su estructura metálica. Influye también sobre el sonido la forma de suspensión y la posición del centro de gravedad, así como el peso del badajo.

Una regla empírica utilizada por los fabricantes de campanas es que la frecuencia de una campana es inversamente proporcional a la raíz cúbica de su peso. Además, se intenta que los parciales tercero y cuarto formen un acorde perfecto mayor con el fundamental, y que el quinto sea la octava del fundamental.

Interferogramas Holográficos obtenido mediante haces láser, ilustrando algunos

modos de vibración en una campana.

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.Todo sobre la Percusión.(1ª Parte)

2011-11-20T09:54:00.001-08:00

.Introducción.

Se definen como instrumentos de percusión a todos aquellos cuya superficie resonadora es golpeada, sacudida o frotada por el ejecutante. El origen etimológico de la palabra percusión procede del verbo latino percutere, que significa golpear, batir. Sin dudas, es en este tipo de instrumentos donde mejor se manifiesta la relación causa-efecto, pues es el mismo golpe el responsable directo de la producción del sonido.

Aunque los instrumentos de percusión no son capaces de aportar melodía al conjunto orquestal, su contribución rítmica y colorista es muy importante.

.Clasificación de los Instrumentos de Percusión

Introducción.

Una primera clasificación, desde el punto de vista musical, podría ser:

a) Instrumentos de entonación definida: su sonido produce sensación de tono (por ejemplo: los timbales, el xilófono, las campanas, ...)

b) Instrumentos de entonación indefinida: no producen tonos definidos, sino más bien ruido (por ejemplo: el bombo, los platillos, el tambor...)

Pero desde el punto de vista estructural, podemos realizar la siguiente clasificación:

a) De membrana: tambor, timbal, bombo...

b) De placas: platillos, gong, crótalos...

c) De Laminas (o barras): xilófono, celesta...

.Instrumentos Musicales de Laminas y Placas.

A este grupo pertenecen los idiófonos, en los que el sonido es producido por la materia misma del instrumento, gracias a su solidez y elasticidad, sin que se tenga el recurso a la tensión de membranas o de cuerdas. A este grupo pertenecen la lira, marimba, xilófono, vibráfono, campanas, triángulos, platillos, etc.

La Lira o Glockenspiel, palabra alemana para designar el juego de timbres empleados en las orquestas, es uno de los instrumentos de barras más sencillo, consta de pequeñas láminas de acero en un bastidor, y que en vez de hacerse sonar por medio de pedales, se percuten con un martillito.

La lira o el glockenspiel

Si se percute una lira, vibra transversalmente a una frecuencia determinada de acuerdo con sus dimensiones, propiedades del metal, y localización de los puntos de suspensión, teniendo sus extremos libres para vibrar.

La marimba, , es otro instrumento de barras, aunque diferente de la lira en varios puntos importantes. En el Sur y Centroamérica, México y Africa, existen primitivas formas de marimbas, que consisten en unas laminas de madera (palisandro) o plástico, colocadas sobre cajas de resonancia y golpeadas por diversas clases. Algunas de estas cajas de resonancia están hechas con mitades de cáscaras de coco de diversos tamaños. Estas primitivas marimbas fueron desarrolladas posteriormente hasta obtener las actuales de América latina y el xilófono en Europa.

La marimba

Las laminas están soportadas por unos rastreles que atraviesan dos agujeros horizontales próximos a los nodos del fundamental. Cada tecla tiene un arco recortado en su extremo y un resonador tubular situado verticalmente cerca de cada tecla. Cada resonador está cerrado en un extremo y tiene una longitud para resonar en el fundamental de la lamina otecla correspondiente. Los resonadores afectan al sonido de dos formas, la primera porque la energía de la vibración de la barra se transfiere eficazmente al aire, el nivel se incrementa y el sonido disminuye más rápidamente. En segundo lugar, el resonador refuerza el fundamental, pero no otras frecuencias, que no sean las frecuencias de resonancia del tubo.

Muchos de los principios que se aplican a la marimba son útiles en el xilófono formado por teclas más estrechas que las de las marimbas y son también gruesas.

El xilófono

El vibráfono o vibraharp consiste en una serie de laminas metálicas que se apoyan sobre cajas de resonancia afinadas. Las láminas son golpeadas con mazas duras o blandas, según la naturaleza de la música. Mediante un dispositivo electrónico se hace vibrar, de manera que se parezca al vibrato de un violín. Su sonoridad posee una calidad bella y aterciopelada, como de campanas y puede ser extremadamente brillante o igualmente delicada.

El vibráfono

De todos los instrumentos de percusión de la orquesta, los Platos de choque o platillos consisten en dos discos circulares de metal ligeramente cóncavos, con el centro agujereado, para que pase una correa de cuero.

El sonido de los platillos de frecuencia indefinida, se produce al chocar uno con otro, aunque a veces se hace sonar un sólo platillo golpeándolo con uno o dos palillos. Producen un sonido efectista y estridente, necesitando un tratamiento acústico de cierta absorción.

Los platillos Los crótalos

El triángulo es una barra cilíndrica de acero, doblada en dos puntos para formar un triángulo, y abierto por uno de los vértices. Se suspende de un cordón, y el sonido se produce al golpearlo con una varilla de acero o de hierro. El sonido es de frecuencia indefinida muy claro y penetrante.

El triángulo

Un buen instrumentista de la percusión estudia la superficie de cada Gong y sabe con exactitud en que punto de los mismos obtendrá una determinada clase de timbres, ya que por lo general, existen tres o cuatro calidades sonoras, completamente distintas, a extraer de un gong que se golpee. Se fabrican con metal forjado para que así su estructura sea densa, y entonces, sus vibraciones se transmitan poderosamente. Pero la densidad del metal es frecuentemente irregular, de tal forma que es difícil para el instrumentista el conocer con exactitud la fuerza que ha de imprimir a cada uno de sus golpes y que parte de la superficie debe golpear, ya que la desigualdad de la densidad da lugar a irregularidades de volumen y timbre en su sonoridad.

El gong

En el grupo de las calabazas(esta definición probiene de latino america), se encuentran las maracas, de los países latinoamericanos. Un tipo de ellas es una vaina cuyas simientes se han secado. Al agitarse, las pepitas sueltas originan un sonido irregular de frecuencias agudas. Otro de sus tipos, el guiro, consiste en una calabaza larga, estriada a través de su longitud. Se sostiene con una mano, y con un trozo de madera provisto de alambres rígidos, se frota suavemente la calabaza con la otra mano, en una posición de ángulo recto con las estrías. Este instrumento puede lograr un ritmo poderoso, y variando la velocidad de la frotación pueden obtenerse frecuencias muy altas frente a la frecuencia bajas obtenidas por la frotación lenta.

Las maracas

La celesta tiene un teclado como el del piano. Su sonoridad es delicada y se produce por medio de unos macillos ligeros que golpean las barras metálicas colocadas encima de cajas de resonancia.

La celesta

Las claves son dos palillos cilíndricos y fuertes, hechos de palo de rosa los cuales, golpeados uno contra el otro, producen un sonido claro, penetrante y profundo, haciendo de caja de resonancia el hueco de una mano.

Las claves

.Instrumentos Musicales de Membranas.

En este grupo se encuentran los mebráfonos en los que el sonido se produce por membranas fuertemente tensadas. Se dividen en tres subgrupos: 11 membráfonos percutidos al que pertenecen los timbales, caja, bombo, tambores militares, etc.

Los timbales son instrumentos de percusión que se afinan y pueden producir unas frecuencias determinadas. Un timbal consiste en una caja semiesférica o semiovalada, hecha de cobre o bronce, con una membrana de pergamino tensa sobre ella y sujeta con un aro de metal, que se ajusta mediante tornillos. El timbalero puede variar la tensión de la membrana y por consiguiente su afinación apretando o aflojando los tornillos.

En teoría la piel es de igual espesor en toda su superficie, pero en realidad existen grandes desigualdades en la misma. Esto hace que sea dificil el conseguir el mismo grado de tensión para toda la superficie. Lo que no sólo dificulta la afinación, sino que da origen a sobretonos, no armónicos de su fundamental irregulares y excéntricos, haciendo que sea así casi imposible el obtener una sonoridad pura y con resonancia, un buen timbalero estudia cada parche y conoce cada parte del mismo en el que puede obtener la mejor sonoridad. Cuando lo golpea la maza tiene la tendencia natural a rebotar. Un buen instrumentista aprovecha esta propensión, ya que el rápido rebote sobre el parche, produce un sonido mejor que el flojo y pesado, al existir menos interferencia con las vibraciones del parche. Antiguamente, la extensión del timbal era de una octava, aunque hoy en día su extensión es de unas dos octavas. Con el empleo de los pedales la afinación de cada timbal puede variar con gran rapidez en manos de un buen instrumentista.

Casi nunca se emplea un sólo timbal, sino dos juntos, uno pequeño para agudos y otro grande para graves, produciendo un sonido efectista y solemne, necesitando un tratamiento acústico de paneles de refuerzo.

Un timbal bien afinado y debidamente percutido, hace que se perciba un tono fundamental fuerte y tres armónicos a intervalos de quita justa, séptima mayor y octava sobre el tono base.

El timbal y sus componentes

El bombo es un tambor de grandes dimensiones que produce un sonido grave e indefinido, que se origina al golpear el parche con un mazo.

Bombo

El tambor militar o la caja, tiene dos parches, el superior se bate con los palillos, y el inferior tiene un número de cuerdas dividiéndolo en dos mitades. Cuando se toca este instrumento, el parche inferior vibra, y se agitan fuertemente estas cuerdas o tirantes. Esto aumenta la brillantez fortaleza y duración de cada golpe. Cuando se hace un redoble, hay un intervalo de tiempo entre cada golpe de los palillos rellenado por la vibración de los tirantes, consiguiendo así que el redoble suene continuo. La frecuencia del sonido es indefinida. La caja de frecuencia indefinida es un pequeño tambor de características análogas al tambor militar.

Caja

La pandereta es un instrumento de percusión, que consiste en un parche estirado sobre un marco de madera circular, que tiene unas pequeñas plaquitas de metal. El ejecutante golpea la pandereta con la mano.

Los bongöes son dos cuencos de madera, de forma cónica con su extremo más pequeño cubierto y el mayor cubierto de una piel tensa. Se tocan con los dedos cerca del borde, algunos de estos instrumentos pueden afinarse.

Los tam-tams son dos tambores, como unos pequeños timbales, que pueden afinarse y se tocan con palillos. A veces el sonido de uno de ellos se amortigua por presión de la muñeca, elevándose así su afinación.

La Conga, tumba o tumbadora es un tambor cónico alargado, que se toca con los dedos, posee una sonoridad profundo y de gran alcance.

La tabla de la India, corrientemente se toca a parejas no con un palillo, sino con los dedos. La mano derecha toca la más pequeña y la izquierda la mayor, con distintas maneras, golpeándolo con los dedos presionando con la muñeca el parche del tambor y luego golpeándolo con los dedos, para así conseguir una sonoridad más aguda; golpeando el parche y luego deslizando la muñeca para que el sonido, empezando grave, alcance una sonoridad más aguda.

Para terminar, el mas joven de los instrumentos de percusión con vistas a quedarse en este mercado, el Häng.

El Hang es un instrumento musical de percusión creado en los laboratorios pertenecientes a la compañía PANArt, por Felix Rohner y Sabina Schärer en un cantón de Suiza en el año 2000. Hang significa mano en idioma Bernés. Fue el resultado de 25 años de investigación científica con acero y otros instrumentos de percusión resonante por todo el mundo, como el Gong, el Gamelan, el Steelpan, el Ghatam, etc.

Se puede tocar de varias formas: con la punta de los dedos, los pulgares o la palma de la mano, o mezclando las tres a la vez. La mayoría de las veces, el Hang se coloca sobre las piernas del ejecutante.Su sonido es metálico, armónico y con cierta capacidad melódica.

El instrumento se compone de dos hemisferios de metal soldados y los lados se llaman Ding y Gu. El lado Ding contiene 8 tonos musicales en forma de círculos que rodean a un circulo central mayor (el llamado Ding) y que tiene un sonido muy parecido al Gong. El otro lado, el lado Gu, tiene un agujero para la resonancia del sonido que se genera dentro. Es un instrumento muy portátil a pesar de su aparente volumen.

[editar]Distribución

Hasta 2009 solamente se habían producido alrededor de 6000 instrumentos, ya que sólo los fabrican sus dos creadores, y actualmente tan solo se fabrican unos 400 al año. Además únicamente se venden en la casa matriz en Berna (Suiza).

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. Percusión de la orquesta Los Miserables.

2011-11-20T09:39:00.001-08:00

.Orquesta Los Miserables.

"Los Miserables fue escrito para un público universal.

No sé si será leída por todos, pero está desde luego dirigida a todos".

.Victor Hugo.

Más de 56 millones de espectadores en todo el mundo han disfrutado de este musical que celebró en 2010 su 25 aniversario con una renovada puesta en escena. Basado en la novela homónima de Victor Hugo es, desde su estreno en 1985, el musical más longevo y ya se ha ganado definitivamente un lugar en la historia como uno de los más grandes musicales de nuestro tiempo.

Los Miserables es ante todo una historia de épica y de redención, la historia de un hombre, Jean Valjean, que huye de la implacable ley, que no justicia, en la Francia post revolucionaria y cuyo destino a lo largo de los años le llevará a encontrarse con el amor y el coraje de unos pocos y la miseria de muchos.

La belleza de esta historia, llena de pasión, continúa cautivando a los espectadores. El productor Cameron Mackintosh incorpora al legendario musical nuevas escenografías y decorados inspirados en las pinturas de Victor Hugo.

.Curiosidades de la Percusión en la Orquesta Los Miserables.

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Metrónomo flamenco Óscar Herrero. Nuevo software.

2011-11-19T02:44:00.001-08:00

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El metrónomo puede alimentarse de tres formas alternativas:

1. Con el transformador que se suministra, de entrada 220-240v AC, 50Hz y salida 5V DC, 1200 mA con el positivo en la parte central del conector.

2. Conectado a un ordenador con el cable USB que se suministra, el metrónomo toma la alimentación del ordenador sin necesidad de otra fuente alternativa.

3. Con 2 pilas alcalinas 1.5 v tipo AA LR6

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.Vuelve el Pedal Camco.

2011-11-19T02:07:00.001-08:00

.Vuelve el mitico Pedal Camco.

Pues si, Tama ha reeditado en una serie limitada el mitico pedal de cadena Camco. En una época en la que la tracción directa se está imponiendo cada vez más, Tama no olvida que hay bateristas que prefieren la ligereza, suavidad y simpleza de este pedal que sigue siendo objeto de culto de baterista de todo el mundo y de todas las edades. Gracias Tama.

Cuando desde Tama nos dijeron que volverían a fabricar el mítico Camco no nos lo podíamos creer. Este pedal revoluciono el mundo de los pedales para batería como en su momento hizo el Ludwig SpeedKing. Con seguridad hay cientos de discos que te gustan en los que la baterías fue tocada con este mítico pedal Ahora Tama fabrica por un tiempo limitado una réplica exacta y que incluye funda

104 € en cuanto baje el precio me lo pillo. Desde la página hay una opción donde les dejas tu email y te avisan cuando este de oferta, merece la pena.

Si te fijas bien, hay un apartado donde pone: ¿Es nuestro precio muy alto?.

Bien.Pues si te metes pone que si encuentras el precio mas barato estan dispuestos a negociar. Deciros que, a la hora de comprar instrumentos comparéis siempre el precio por con otras tiendas o por internet. Es una buena forma de que los precios de los instrumentos se asienten. Sino, como es posible que en Andorra en una caja modelo Black Panter, llegue a tener una diferencia de precio con cualquier tienda de España, de 600 €, y encima por encargo, o sea que te tienes que esperar. Así también me monto una tienda yo. No solo será por los impuestos, digo yo. Y mas claro que en este ejemplo lo tenemos en la tienda online thoman. La mayoría la conoceréis.

Actualmente, el producto Pedal Camco HP35B Serie Limitada de la marca tiene un precio de 104.00 €.

Aqui dejo los datos por si os interesa, aunque mejor hacer todo desde la pag web:
http://www.tamtampercusion.com/herrajes/pedales_simples_de_bombo/tama/pedal_camco_hp35B_serie_limitada

:: Tienda Central y Almacenes ::

Tam Tam Percusión

Parque Ind. PISA - c/ Balance, 54

41927 Mairena del Aljarafe (Sevilla) - España

Tel. (+34) 954 907 226 · Fax (+34) 955 986 741

e-mail: pisa@tamtampercusion.com

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.¡No pagues por tocar!.

2011-11-17T04:14:00.001-08:00

.¡No pagues para tocar!.

Este vídeo aunque breve, muestra las cosas como son. No dejes que te marquen el camino, pues el camino lo haces tu. Defiende tus derechos y di cuales quieres que sean.Interesate punto de partida para empezar a reflexionar:

¡¡Asi es!!

http:castingsycuriosidades.blogspot.com

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.Clinic de Pedro Barceló.

2011-11-17T02:16:00.001-08:00

.Clinic de PEDRO BARCELÓ.

NUEVO PROYECTO Pedro Barceló & Yamaha.

Gira de Clinics bajo el título: "IT´S ONLY MUSIC BUT I LIKE IT: Batería para músicos".
El clinic tratará de conceptos relacionados con la musicalidad, el fraseo musical y la creatividad. "La batería al servicio de la música". Desde hace algún tiempo, tenía la idea de realizar clinics "solo", con la ayuda de una guitarra, un looper, mi voz y mi batería como únicos "amigos". La intención es dar la misma sensación que cuando ves una cocina al descubierto, se "guisa" en el momento, sin trucos, todo construido para acompañar desde la batería...
Contratación: pedro@pedrobarcelo.com

JUEVES 1 DE DICIEMBRE 19:00 HORAS -ZARAGOZA-CLINIC "PEDRO BARCELÓ.
"Centro Civico Rio Ebro II C/ María Zambrano, 56, 50018 Zaragoza.
ENTRADA GRATUITA

SE RUEGA PUNTUALIDAD.
INVITACIONES A PARTIR DEL DIA 25 EN LOS SIGUIENTES SITIOS:

-CASA DE JUVENTUD JUSLIBOL
-CASA DE JUVENTUD ACTUR
-TIENDA "RUBENCA"
-TIENDA "TA-HA"
-TIENDA "BOSCO"
-PUB "EL ZORRO"

.Y el viernes 2 con Laura Pamplona (Sweet Wasabi) en Drinks & Pool (Conde Aranda, 138).
Sweet Wasabi es un grupo que formaron Pedro y su mujer Laura Pamplona, cuando ella la sorprendió una vez más, esta vez con su voz.

Referencias:
Uno de los baterías más reconocidos de este país. Ha tocado y grabado, entre muchos otros artistas, con : Ketama, Miguel Ríos, Pedro Guerra, Jorge Drexler, Jarabe de palo, Pasión Vega, Santiago Auserón, Kiko Veneno, Niña Pastori,Joan Manuel Serrat y Joaquín Sabina, con quien ha colaborado durante los últimos ocho años...

Yamaha VSD 1460 PB:

Durante el 2010 Pedro Barceló, junto con Yamaha, diseñaron un modelo de caja Vintage con las características de las cajas construidas en los 70s. Con un color "Green Sea Pearl" rescatado de los catálogos de los años 20s y 30s que Yamaha ha conseguido con un tratamiento "Pintado y Cover". El casco es ligero con cuatro capas de arce y un refuerzo de seis. Posee dos apagadores internos para conseguir afinaciones graves o agudas sin problemas de armónicos. Un sonido Vintage con aspecto "retro".

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.Noticias Interesantes para Percusionistas.

2011-11-15T07:03:00.001-08:00

.Noticias que igual no llegaron a tus odios.

Lavado de cara de las Vic Firth 5A, 5B 11 de November de 2011.

Los dos modelos de baquetas mas populares durante mas de 30 años, 5A y 5B ahora cambian de look, mas concretamente en blanco, negro y, porque no,rosa.

Las medidas más clásicas y universales que todos los baterías utilizan o han utilizado en algún momento de su carrera por su versatilidad, ahora se visten de blanco de la mano de Vic Firth.

Con las referencias 5AW y 5BW ya se encuentran disponibles en los puntos habituales y lo mejor de todo es que cuestan lo mismo que unas baquetas normales.

Ahead Armor Cymbal Silo 08 de November de 2011.

El Ahead Armor Cymbal Silo, de Revolution, te permite proteger y transportar tus platos con el nuevo DX-Core de doble acolchado, perfecto para apilar unos encima de otros sin que tu material sufra. Para su fácil transporte, cuenta con la posibilidad de transporte tipo mochila, con fuertes correas de gran duración y confort. Sirve para tamaños de plato de hasta 24" y en la parte exterior guarda un compartimento para platos pequeños, hi-hats y efectos varios

Slapklatz 02 de November de 2011.

Curioso producto, aunque muy util, el gel antideslizante Slapklatz. Sirven tanto para ajustar el sonido de platos y toms o caja, hasta para proteger la laca de desconchones indeseables. Con un acabado increiblemente adherente, sus cantos redondeados impiden que los quites accidentalmente. la protección de tu kit mediante este producto puede facilitar su venta si decides ponerlo a la venta en el futuro, debido a su alto grado de protección. Disponible en Iberdrum en varios colores y tamaños de 30 o 40mm

LugLock para baterías 24 de October.

El LugLock, disponible en Iberdrum, es un accesorio tan simple como efectivo. Muchas veces consideramos la afinación del instrumento un incordio, aunque es de vital importancia. El aparato es de muy fácil instalación y evita la desafinación de toms y caja ya que bloquea los tornillos y tensores de estos. Cantidad de profesionales consideran este accesorio como algo imprescindible, tanto en directo como en estudio y una vez lo pruebes quizá no podrás vivir sin ellos.

Sabian te hace participe 16 de October.

La marca de platos Sabian da la oportunidad a sus clientes de decidir qué mejoras introducir en sus nuevos modelos. Con Players’ Choice, Sabian pondrá a disposición de sus usuarios un foro donde se podrán compartir y debatir opiniones que a la postre servirán para el desarrollo y optimización de sus productos para 2012. Para ello grabarán en video a varios de sus endorsers (Mike Portnoy, Dave Weckl, Neil Peart, Terry Bozzio, Dave Elitch y Stefanie Eulinberg) y dichas grabaciones serán expuestas a votación en el foro, eliminando así los platos con menos puntuación.

¿Portnoy y Sykes juntos? 11 de October.

¿Álguien se imagina a Mike Portnoy y John Sykes en un proyecto común? A priori sus estilos, aunque cercanos en género, no acabarían de parecernos compatibles. Pero al parecer están dispuestos a demostrar a los escépticos que se equivocan. Ayer, durante el programa de la VH1 "That Metal Show", Portnoy declaró que tienen preparadas algunas demos de composiciones heavyrock y que las lanzarán bajo la guía del afamado productor Bob Rock (Metallica, Bon Jovi...). Todavía debemos esperar a ver si se trata de una frivolidad más o un proyecto con cara y ojos.

Autobiografia de Bill Bruford 07 de October.

El batería de Yes y King Crimson entre otras bandas lanza un libro autobiográfico de edición limitada. La presentación de esta publicación se lleva a cabo acompañada de clinics y performances en diversos puntos de Estados Unidos. La edición de "Bill Bruford: An Autobiography" contará con tan solo 500 copias firmadas por el propio Bruford y 17 canciones en formato de doble vinilo. Delicatessen para los más fans.

Diseña tu propio plato Sabian 03 de October.

Ahora ya es posible tener tu propio plato Sabian a medida basado en tus especificaciones y diseño. Si estás buscando un plato con un sonido y unas propiedades especificas y no sabes donde encontrarlo Sabian te puede ayudar. Si sabes exactamente lo que quieres crear, Sabian lo puede hacer. Con sus 30 años de experiencia haciendo los modelos más innovadores para los músicos más creativos están completamente preparados para conseguir el sonido que quieres. A tener en cuenta: medidas entre 6” y 28”, en bronce B20, entrega entre 3-4 meses y precio en función de las specs. Más info en Suprovox

Cympad, optimizando el sonido de tus platos 01 de September.

Se suele decir que el responsable del sonido final, es en ocasiones la parte más débil de la cadena, siendo además la más baja de precio. Desde Cympad proponen arandelas de espuma celular para optimizar el sonido de los platos en lugar de los tradicionales fieltros. Está disponible en los once tamaños más usados y mejora y controla el sonido de los platos, aislando las vibraciones producidas por simpatía, evitando así frecuencias no deseadas y a su vez moderando el sustain.

Hammerax Indigo Cymbals 17 de August.

Parecía que en el mercado de platos no aparecerían pequeñas marcas de carácter boutique, nada más lejos de la realidad. Tenemos el ejemplo en compañías como Hammerax que aparecieron en escena con ideas novedosas para rides y crashes. Sin embargo no solo innovaron también tienen líneas tradicionales cono la serie Indigo hechos para colgarse y quedar suspendidos en concreto de unn cable diez veces más resistente que el acero. La línea consta de un 16” y un 20” de edición limitada.

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.Entrevista a Mario Cortes.

2011-11-15T02:44:00.001-08:00

.Entrevista a Mario Cortés, luthier y guitarrista.

"Me conozco a mí mismo cuando un cajón está en el camino".

Fue uno de los últimos en llegar, pero el más decidido a ser ineludible. El cajón ha acompañado la evolución de la música flamenca en las últimas dos décadas, utilizando como trampolín para llegar a otros géneros. Un nombre es, sin duda ligada a este instrumento: Mario Cortés. El guitarrista malagueño comenzó como un luthier casi por casualidad, sin percibir que el sonido de su instrumento cautivan percusionistas jondo y no jondo-en todo el mundo. A partir de su experiencia como músico y como artesano, que valora la conexión de la caja de origen peruano con el flamenco, destacando el músico como el responsable de su yuxtaposición bueno o malo uno. ¿Consejos? Todo tipo. La pieza más importante, lo siguiente: "No va a sonar más fuerte o mejor jugando más".

¿Tiende la música flamenca a definir la evolución del cajón a medida que avanza?.
EL tambor de nuestro taller es el cuadro más acorde en el flamenco y, de hecho, lo hemos hecho evolucionar de acuerdo a las necesidades de los músicos de este género. Sin embargo, es sorprendente que desde que se comercializan, también han comprado por todos los jugadores de jazz, Tino di Geraldo, entre otros - y muchos otros que he visto personalmente a tocar la batería mientras está sentado en el cajón. El cajón es ahora otro instrumento de percusión. Es cierto que se introdujo en España a través de flamenco por Rubem Dantas con Paco de Lucía, pero la música ha evolucionado mucho en cuanto a la introducción de todo tipo de instrumentos, que el cajón se ha adaptado con el acompañamiento de percusión de todos los grupos y cualquier estilo.

Lo que ha contribuido el cajón a la música flamenca:
El cajón flamenco ha enriquecido a un punto. El cajón es maravilloso porque tiene un sonido muy hermoso para el acompañamiento, para tener una buena base, para los que bailan, cantan y juegan a ser capaz de seguir un ritmo muy suave entre todos ellos. El cajón suena muy bueno para acompañamiento al cante, y además, no molesta ... siempre y cuando el percusionista no moleste. Una base de acompañamiento no debe ahogar el resto. Cada uno tiene su momento. Si me permiten improvisar porque yo sólo quiero que solo para ser escuchados, todos callan y jugar en solitario, pero al mismo tiempo estamos todos y más aún con la guitarra, que es una cosa tan sensible, lo que haces es molestar porque cubren la música. La clave está en que el músico, no en el instrumento. Creo que el cajón es un instrumento muy bueno para el acompañamiento, no sólo para marcar la velocidad, por tener un badajo, sino también porque es hermoso. Creo que un grupo suena muy bien con el cajón y las palmas. De hecho, el cajón es ahora uno de los pilares de los grupos, todo el mundo tiene uno.

¿Qué músicos han jugado el cajón con el mejor tacto? ¿Quién más has hecho para difundir su uso?.
Además de Rubem Dantas, quien fue un pionero hace veinte años, Antonio Carmona de Ketama-vocalista, fue el mayor monstruo de todos los tiempos. Él era un jugador cajón antes de que su grupo existía. Él vino con mi grupo, Adonay, a Finlandia, que acompaña con su cajón. Y en la actualidad está siendo constantemente llamado por músicos como Paco de Lucía para que él haga las percusiones. Y luego está Ramón Porrina y sus hermanos Piraña y Sabú, Tino di Geraldo, Luis Dulzaides ... Mi caja de la batería también se reproducen por Giovanni Hidalgo, Raúl Recua-que juega con Carlos Santana-, los dos percusionistas que tocan con Chayanne, que asistieron al taller en persona a comprar la caja de la batería de mi parte, Alejandro Sanz tiene en su unplugged ... y muchos, muchos otros.

¿Por qué no el cajón sido aceptada aún por los sectores más ortodoxos del flamenco?.
Usted tiene que estar del lado de todo el mundo. Me gusta el flamenco puro, de los cuales queda muy poco, el de la edad de Bernarda, Fernanda, Terremoto, Mairena ... todos esos fenómenos tan grande. Pero, gracias a Dios, no se detuvo allí. Si no hubiera sido por la evolución de Paco de Lucía, que revolucionó el mundo entero con la guitarra flamenca, no habría esos monstruos que hay hoy en día, con esa técnica y esa vitalidad que están jugando. Y el que diga lo contrario está equivocado. Suele ocurrir que precisamente los que menos saben, los que deben callar y aprender, son los que se hacen pasar por expertos. No se puede juzgar músicos o compararlos, ya que siempre hay algo en cualquier músico que llega a tu alma, no importa lo mala que sea. Siempre.

En lo que va de percusión, la cuestión es muy simple. ¿Con quién juegas?. Acompaño a Gerardo Núñez. Pues bien, usted mismo lo dijiste, ¿no? Que la acompañe. A continuación, se limite a acompañar. Eso es todo. Es posible que haya gente que no le gusta el cajón en un grupo y desacreditar a ella inmediatamente. Me conozco a mí mismo cuando un cajón está en el camino en función de las canciones. Digo esto cuando me podría decir exactamente lo contrario a mi favor, ya que cuanto más el cajón se juega, más vendo. Pero no se trata de eso. Soy un músico. Hago cajones porque terminó gustando hacerlas. Pero creo y pido que, por favor, al tocar el cajón, tenga en cuenta que no va a sonar más fuerte o mejor jugando más difícil, lo que va a hacer es molestar. Un cajón suena bonito y limpio y es un instrumento precioso para saber cómo jugar. Antes de formarse una opinión al respecto, hay que aprender y una vez que usted sabe, usted tiene que limitarse, de acuerdo con lo que se escucha, a acompañar en esa posición, en la que la densidad de volumen ... sólo entonces será un cajón estar en su lugar.

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.El Cajón. (2ª Parte).

2011-11-15T02:19:00.001-08:00

.El joven del clan Porrina.

Los miembros de un clan de los últimos cajoneros, nietos de Porrinas de Badajoz y los hijos de Ramón el Portugués se nutren de estas enseñanzas. Son dirigidos por el mayor de los hermanos, Ramón Porrina. La primera vez que grabó, que figuraba en los créditos como El Pesicola (Una versión Andaluz de Pepsi-Cola). Él acompañó a Paco de Lucía en 'Siroco' cuando sólo tenía diecisiete años. También conocido como El Turco, ha participado en proyectos de grabación con el maestro de Algeciras, como 'Ziryab', y el Camarón "Potro de rabia y miel". Él es siempre una columna vertebral rítmica en el escenario de Joaquín Cortés, Antonio Canales, Gerardo Núñez, Tomatito, Potito, Duquende y otros destacados artistas del flamenco y de danza. El siguiente es su hermano Piraña, que está inscrito en la nueva banda de Paco de Lucía fundada por 'Cositas buenas' del álbum. Él también jugó el acompañamiento habitual de Diego el Cigala, Niño Josele y Enrique Morente, tanto en el escenario y en el estudio. El más joven de la "dinastía" es Sabú, otra apuesta segura para artistas como Antonio Canales. Bandolero no es familia directa, pero es como si lo fuera. Como percusionista se formó en la misma escuela. Todos coincidieron en la carrera de principios de Joaquín Cortés y allí formó una banda que tocaba la percusión flamenca, entre otras cosas: Echegaray Street Band .

Bandolero recuerda que, durante una gira por los EE.UU de Joaquín Cortés, preguntó Ramón Porrina ¿y yo en Nueva York para una introducción de percusión?. Hemos preparado tres o cuatro minutos, que fue muy bien, ya que los dos estamos acostumbrados a trabajar juntos mucho, que ya tenía cosas elaboradas "El resultado fue tan popular que empezaron a pensar en profundizar más en esa zona.. ¿Formamos un grupo? Y a partir de ese momento, en las giras, empezamos a reunirnos y añadir cosas y la gente: Piraña, que era el bebé de los racimos en ese entonces, El Morito, que siempre estaba con nosotros, Joselín, que escribió canciones y demanda en el , con José Antonio Carmona, la misma historia ... Empezamos a darle forma a la forma de las seis de nosotros y nos fuimos "Vicente Amigo que se llevaban a jugar en el 'Tata' la rumba de" Ciudad de las Ideas ";. Montse Cortés en 'Azul' los tangos del disco 'Alabanza', Ketama en un montón de "pedazos", Pepe Habichuela en 'Yerbagüena' del álbum ... Y, en vivo, que han colaborado con muchos grandes nombres no sólo de flamenco, sino también de los de rock-pop escena como Lenny Kravitz y Ricky Martin. El primer álbum del grupo, vio la luz en 2003 bajo "Echegaray" el título, el nombre de una de las calles más flamenco de Madrid, donde tienen su campamento base - el lugar de "Cardamomo".

.Para acompañar, la clave.

De la misma generación, pero la elección de un camino diferente, es el percusionista Cepillo de Sanlúcar. El miembro del trío el guitarrista Gerardo Núñez, está convencido de que la percusión se ha convertido en otra forma de arte flamenco. El cajón es el instrumento que parece más idóneo para él: "Va a ser difícil de sustituir, quiero decir, que esta a medio camino entre un pisotón del pie y un aplauso de las manos. Para sustituirla por una pandereta o tablas no es imposible, pero es más difícil. Tienes que tener a alguien a tu lado para tocar el ritmo básico "Y él sabe que tiene que adaptarse a las reglas del flamenco:". Los instrumentos se tocan de forma diferente, eso les limitan a ciertos estilos de juego, no como debería jugar la tabla o djembes "dentro de sus respectivas tradiciones musicales originales. Y él hace una clara distinción: "La confusión surge por la diferencia entre ser un percusionista y tocar el cajón. No son pocos los que tocan el cajón también. Todavía no hay casi nadie dando clases de cajón (+info: Por mi parte dire, que en zaragoza si los hay: "Josue y el Patas", geniales). Enseño a la gente a mi manera, eso no quiere decir que sea la manera correcta. La guitarra, sin embargo, tiene su propio código. Y si otra persona da a la gente las clases, se les enseñará a su manera. Lo estamos creando nosotros mismos. "Es por eso que él cree que usted tiene que tener especial cuidado en que el cajón no está reñida con la percusión natural del flamenco, las manos y los pies. Está de acuerdo con Mario Cortés que "la clave está en acompañar al cantaor, bailaor o guitarrista. Luego, cuando Gerardo me pide que toque el solo, yo juego en solitario. Yo no soy la clase de percusión que se trabajó en un frenesí ".
A caballo entre el territorio entre el jazz y el flamenco Guillermo McGill , un músico formado en Barcelona que comenzó a profundizar en el arte flamenco junto a artistas como Enrique Morente y Rafael Riqueni. Él es parte del sexteto del pianista Chano Domínguez y, por tanto, proporciona la parte de percusión de los proyectos de grabación como "Oye Como Viene". También es uno de los primeros percusionistas para crear un método de estudio de audio-visual para el cajón (junto con el musicólogo Faustino Núñez), que analiza los diferentes palos del flamenco: "Aprende El Cajón flamenco ' . En la entrevista incluida en el DVD, McGill comienza a hablar de las razones fue incorporado al cajón de manera tan directa en el flamenco: "Aporta un nuevo sonido que se adapta discretamente con los sonidos tradicionales, sino que se integra perfectamente con la guitarra, palmas y baile flamenco. Y no reduce la pureza del producto. "Y agrega que" la mayor contribución del cajón flamenco está hecho para el fraseo rítmico sin adornos, lo que significa que se ha convertido en una voz nueva dentro del flamenco ". El músico considera que el cajón quede bien "con todos los estilos rítmicos, los que no necesitan las firmas de tiempo para ser elástica." Y en cuanto a baile flamenco, la modalidad en que su uso es completamente universal, recomienda "que acompaña al movimiento más que reproducir el sonido que hace el zapato en el suelo. "

La lista de cajoneros del flamenco no sería completa sin Chaboli , un jugador clave en la discografía y actuaciones en directo de Niña Pastori, sino también de la temprana carrera de Joaquín Cortés, trabajando junto a Ramón Porrina y Bandolero. Gaditano Antonio Coronel es un miembro de tiempo completo de la compañía de Eva Yerbabuena, y trabaja regularmente con artistas como Manolo Sanlúcar, Carmen Linares e Israel Galván. Y el joven cajonero Paquito González ha catapultado a la lista, cada vez más en la demanda desde su debut acompañan Manolo Sanlúcar. Y no olvidemos el cubano Luis Dulzaides, quien trabajó junto a Paco de Lucía, Ketama, Niña Pastori, Vicente Amigo, Jorge Pardo y Chano Domínguez, entre otros, y el Dr. Kely, Motos Pepe, Losada Lucky, Güito ... Y por último pero no menos importante, está el cajoneros juvenil de Huelva basado en Activos del grupo Los y sus homólogos en Granada el Taller de Compás de Almanjáyar, ambos fruto de proyectos de integración de los jóvenes en los barrios desfavorecidos. El cajón flamenco les ofrece una carrera artística y profesional que ha llevado incluso a los proyectos de grabación.

La historia del cajón flamenco está en su infancia. Es más que empezar y ya hay artistas, leyendas, proyectos, normas, reflexiones, críticas, luthiers ... Y un futuro claro y brillante por delante. El instrumento ha despertado el interés de los aspirantes a músicos jóvenes que están deslumbrados por el compás, el sonido rico, capacidad de gestión e incluso el precio (nada que ver con la de una guitarra). A pesar de que merece ser tomado tan en serio como los instrumentos más veteranos. Que se merece para demostrar que puede superar las burlas de esta broma que se puede escuchar en todo Andalucía: "En los viejos tiempos, cuando un niño no quiere estudiar, sus padres lo enviaron a un constructor. Hoy en día simplemente le compra un cajón ". Y no, no es fácil, en absoluto. No es sólo una cuestión de derrotar a la cosa, sino de hacer música. Y eso requiere muchas horas de práctica, no sólo de los palos del flamenco, sino de técnicas de percusión propios. Y el hecho es que, como El Gali dice, "no es una cuestión de cuántos tiempos se puede meter en - sólo una en el lugar correcto es suficiente".

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.El Cajón (1º parte).

2011-11-15T01:24:00.001-08:00

.El Cajón Flamenco (Historia completa).

Veinticinco años después de que Paco de Lucía importara este nuevo instrumento desde el Perú, el cajón ya desempeña un papel fundamental en el flamenco. La clave para encajar de forma tan natural es que esta "a medio camino entre el sonido de las palmas aplaudiendo y el taconeo de los talones". El instrumento creado un nicho para sí mismo en el flamenco a un ritmo marcado por Rubem Dantas dentro del mítico sexteto de Paco de Lucía. El percusionista brasileño fue seguido por los músicos Antonio Carmona, José Antonio Galicia, Manuel Soler, Tino di Geraldo y Ramón Porrina. Y, poco a poco, una "segunda generación" de cajoneros está empezando a surgir, sobre todo artistas como Piraña, Bandolero, Chaboli, Antonio Coronel, Cepillo, Guillermo McGill ... Bofetada por bofetada, los excesos ampliamente criticado se bajó el tono, y el instrumento se encontró en el camino adecuado para convertirse en una pieza clave para la Música flamenca y todas sus vertientes.

.Érase una vez ... un nuevo instrumento.

Durante una gira latinoamericana de Paco de Lucía en torno a 1977, dio la casualidad de que un cajón peruano cayó en manos del percusionista de la banda en una fiesta organizada por el embajador español en Perú. Sin pensarselo dos veces, Rubem Dantas lo incorporó directamente a la música del sexteto de Paco de Lucía . Y puesto que el guitarrista era (y sigue siendo) el hombre que lleva la voz cantante, significaba que iba a ser canalizada directamente por la música flamenca en un sentido más amplio. Manuel Soler estuvo presente en el momento en que se aprobó el instrumento, ya que era un bailaor con el grupo e incluso jugó los bongos de vez en cuando. Como comentó en una entrevista con Flamenco-world.com en 1999, "fue el cajón más sobrio para el flamenco" que otros instrumentos de percusión que ya había sido utilizado como congas, bongos o kits de batería.

De acuerdo con José Manuel Gamboa en el libro "Una historia del flamenco", Paco de Lucía comentó textualmente: "Era ideal para esta música porque tiene un sonido muy similar a la del taconeo un bailaor, que los nudillos golpeando un ritmo en la mesa, o una palmada en la caja de resonancia de una guitarra. Y además no le da el tono como un parche de piel, al igual que los membranófonos. Siempre suena bien, como quiera que se acompaña. Fue un gran hallazgo y un logro del que me siento muy orgulloso ". Jorge Pardo, otro miembro de esa mágica formación, añade que "el cajón es fácil de jugar, fácil de manejar (se puede llevar a todas partes no hay problema), y se ubica entre las palmas y taconeo. El sonido es de madera, como pegar el cuerpo de la guitarra, que no crea demasiados armónicos ... Perfecto ". A lo que añade una opinión: "Rubem Dantas ha creado un estilo de juego del cajón". Un nuevo estilo adaptado al flamenco, a diferencia del estilo tradicional peruana, que puso en marcha una nueva escuela. Las lecciones del maestro de sí mismo se encuentran en la 'Calle Real', 'Viviré' y 'Como el agua' de Camarón, en 'Siroco', 'Live in America' y 'Sólo quiero caminar' de Paco de Lucía; " Las Cigarras hijo quiza sordas ',' Veloz HACIA Su Sino 'y '2332' de Jorge Pardo, 'Aigua' y 'Fénix', de Carles Benavent, 'A Mandeli' de Pepe Habichuela, 'Imán' de Chano Domínguez, 'Jazzpaña' ...

.Los primeros maestros.

El "nuevo" instrumento fue adoptado por Antonio Carmona - vocalista del grupo Ketama - descrito por Soler como "uno de los mejores", y por Paco de Lucía como "el mejor". Lo curioso es que el prime cajón que se registró fue el de Rubem Dantas. En aquel entonces Ketama estaba empezando, con proyectos como 'Ketama', 'La pipa de kif' y 'Songhai', en el que el flamenco se hermana con la kora africana de Toumani Diabate. Antonio Carmona contribuciones como percusionista se inmortalizan en proyectos como 'Barrio negro' de Tomatito, 'Negra, Si Tú Supieras' de Enrique Morente, 'Mi tiempo' de Rafael Riqueni, 'Luzía' de Paco de Lucía, 'De mi corazón al aire 'de Vicente Amigo ...

También vio la conveniencia de que el sonido adoptado que vino de otro lado del océano. Él era un miembro de Dolores, la banda que Paco de Lucía utiliza, pero en ese momento estaba "totalmente enganchado" a la batería y, debido a problemas de transporte y con la configuración de sonido, no pudo ir de gira con el sexteto. El cajóncomienzase empieza a hacerse un hueco en su formación , una vez desaparecido la "fiebre muslo", manteniendo el ritmo de artistas flamencos como Carmen Linares, Cañizares, Antonio Canales, Gerardo Núñez, El Indio Gitano ...

La entrevista que dio a Flamenco-world.com un poco antes de su muerte en septiembre de 2003, está llena de reflexiones sobre el papel que el cajón (y percusión en general) juega en el flamenco. El músico siempre sostuvo que "el flamenco en sí misma es la percusión", pero con la aparición del cajón "fue una evolución conjunta de todos los instrumentos". Ofrece "motivación" a los bailaores, también ha ayudado a los guitarristas a liberarse, ya que "gracias a la percusión que le proporciona una base, la guitarra era capaz de hacer cosas que eran más abiertos armónicamente, para comenzar a flotar en el aire, porque cuando vuelva la percusión siempre está ahí esperando por usted ". Esto se refiere a que normalmente l guitarra ya hace su papel percusivo dentro de las formaciones flamencas, quien no ha oído alguna vez el llamado "molinillo": Rakatum,Rakatum,Rakatum...

.¿Cuál es el lugar correcto para El Cajón?.

En opinión de El Gali, como era conocido cariñosamente por sus compañeros artistas, "hay que jugar en voz muy baja: el trabajo de pies por encima de la percusión, la guitarra dando apoyo a todo, y tú ahí abajo, por debajo de todo el mundo, hasta el momento trata de hacer algo de ruido porque es necesario que la prisa o la agresividad que la percusión que da cuando usted realmente poner su fuerza en ella. Y que ofrece una gran motivación a los bailaores y los músicos, de hacer cosas diferentes, para cambiar las cosas un poco. ".

Tino di Geraldo es también uno de los que piensa que "la percusión tiene que ofrecer ayuda y apoyo, pero nunca al revés." Encontró el camino del rock al flamenco por casualidad. El primer cajón que grabé fue la que puedes escuchar en 'Tauromagia' de Manolo Sanlúcar. El guitarrista pidió a un carpintero de Sanlúcar de Barrameda que hiciera uno. Desde entonces, se ha convertido en casi un elemento esencial. Forma parte de la discografía de los artistas de la calaña de Camarón, Paco de Lucía, Enrique Morente y Vicente Amigo, por nombrar sólo algunos. A pesar del hecho de que ya está llegando a los treintay... años de edad, señala que "el cajón sigue siendo nuevo para muchos músicos. Pongo la grabación en cualquier lugar y la gente me pregunta: "¿Qué es eso" Y, sin embargo, dentro del flamenco es una pregunta que pocas veces se dará" Son como las modas que vienen y van, pero al final importa lo que es el soniquete, que venció constante arrastrando los pies. Y usted puede hacer que en un cajón, en una mesa, con un unos pocos aplausos, con su cabeza contra la pared, con lo que sea. No es el instrumento, es el músico. Con esto en mente todo lo que puede suceder, es que vaya por el camino equivocado y en vez de ayudar ponga una pequeña barrera a la evolución de la música tanto flamenca como de cualquier estilo. Hay que educar mejor al oido.

Y el hecho es que, dado que las "reglas" están siendo escritas, las críticas de sobrecargar las canciones han abundado. Han venido sobre todo de baile flamenco, de los que defienden un enfoque clásico. Ese tipo de percusión, muy a menudo, "sólo se utiliza para encubrir". Y se les culpa, en cierta medida, por estos excesos.

Pero al final, los especialistas de cajón son ellos mismos, los que dejar las cosas claras. Mario Cortés , el artesano detrás de los cajones más conocidos del flamenco, tiene una máxima: "Jugar más no quiere decir que va a sonar más grande o mejor, todos los que va a hacer es ponerse en el camino ". Y puesto que no sólo es un cajón de decisiones, sino también un guitarrista, que tiene una visión clara de colocar el instrumento en la música: "Usted tiene que limitarse a acompañar apropiadamente de acuerdo con lo que escucha, con la densidad adecuada y volumen ... sólo entonces será un cajón estar en su lugar. "Es por eso que no tiene dudas sobre el reconocimiento de" cuando un cajón, no acaba de encajar. "Entonces, ¿cuál es la clave? "Stick to de acompañamiento".

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.Historia completa de la Batería.

2011-11-12T18:19:00.000-08:00

.Historia de La Batería.

La batería es un instrumento musical de percusión, formado por tambores, platillos o címbalos y, a veces, otros instrumentos, que pueden ser bongos, panderetas, campanas o metales... , ejecutados por un solo intérprete, el baterista, quien suele usar baquetas o escobillas para golpear los parches de los tambores y los platos con el fin de crear una vibración. Este instrumento, junto con el bajo, conforma la "base" rítmica de la música, pudiendo destacarse en estilos como el blues, jazz o rock.

Los instrumentos de percusión son considerados los más antiguos de los instrumentos musicales. El origen de la batería radica en la unión, allá por 1890, de unos cuantos instrumentos: los tambores y la timbala, que proceden de África y China, los platos, que derivan de Turquía y también de China, y el bombo, de Europa. Por entonces, se comenzó a popularizar en los bares estadounidenses.

En el siglo XIX los músicos románticos comenzaron a utilizar grupos ("baterías") de percusión cada vez más grandes, que fueron utilizados a principios del siglo XX, en el cakewalk y otros estilos estadounidenses precursores del jazz. Antes de que todos los instrumentos fueran unidos y mientras su unión no era popular, eran tocados por varias personas, de 2 a 4, cada una de las cuales se encargaba de alguno de los intrumentos de percusión. Con la invención del pedal o pie de bombo (primero, de madera; después, de acero), en 1910, por parte de Willian F. Ludwig, algunas de estas personas se tornaron inútiles, ya que una sola podía controlar varios instrumentos a la vez. Desde los años sesenta es muy usada en el rock alcanzando una gran difusión con la gran proliferación de conjuntos musicales. Alcanzaron gran renombre y perfección las baterías Premier, Trixon, Honsuy, Ludwig, Yamaha.

El sonido en este tipo de baterías está producido por la vibración del parche, que modernamente está fabricado con una membrana de plástico, que se coloca sobre tambores generalmente de madera. Los tambores son de forma cilíndrica y en las baterías de más calidad están hechos con varias capas de madera finas como el arce, abedul, etc., lo que al junto de su diámetro y profundidad en las cajas les da un mejor sonido.

Usualmente una batería se compone de:

Elementos acústicos: Bombo; toms (tom-toms o timbales aéreos), a los mas graves que suelen siturse independientes a la batería se les denomina como tom base; Caja ; platos o platillos, lo incluyo en el pack, porque sera raro ver una batería sin platos, pero bueno es saber que a la venta son dos cosas que van separadas casi siempre. Dentro de los platos se abre un abanico de nombres para denominar su función. En otra entrada sera...

Accesorios: Pedal de bombo (los puede haber dobles o con función mixta para el chas-ton o hi-hat, Pie de caja.Pie de plato. Pedal hit-hat (para un par de platos que chocan entre si), baquetas para golpear.Y por ultimo, la banqueta.

Especial atención requiere la caja o redoblante. Este instrumento musical es un derivado de los clásicos tambores. También tiene inspiración de los atavales y similares. La caja también se emplea en las formaciones orquestales. Su casco puede estar fabricado en madera o metal (latón, cobre), que le permiten un sonido más brillante. Los efectos tímbricos se consiguen gracias a los bordones instalados en el parche inferior. Mediante un ingenioso mecanismo se pueden separar del parche, obteniéndose el conocido sonido de tamboril.

Muchos de los instrumentos que conforman la batería acústica, como la caja, el bombo y los platillos, han sido extraídos de las orquestas y bandas militares.

Con el paso de los tiempos y la constante evolución, fueron a dar con las baterias electronicas y todo un mundo de instrumentos electronicos que abren un campo infinito a la creación de músicas y nuevos sonidos.Este es un tema que abordaremos en otra entrada.

Para tocar la batería es necesario utilizar baquetas. Los más utilizados son los de tipo 5A,2b y 5b.. Las baquetas tienen su calibrado en base a su longitud, anchura y peso. Aunque la forma de la baqueta no cuente en este calibrado que se expone al publico, interviene mucho en su respuesta a la hora de golpear un parche. La forma que tiene la baqueta, hace que esa baqueta tenga una peso concreto en cada lado (punta, base y centro) y una resistencia optima.

A parte del modelo convencional de baquetas que se utilizan para la batería, hay gran cantidad de tipos de baquetas, escobillas, brusses, de multipercusión... etc Este es un tema que junto al de las baquetas abordaremos en otras entradas.

Como apoyo multimedia a esta entrada os dejo un vídeo de un pequeño gran talento, hijo de Tony Royster.

¡¡Casi na....!!

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.Platos/Platillos: Introducción.

2011-11-12T17:59:00.000-08:00

.Introducción al mundo de los Platos o Platillos.

Los platos, platillos o cimbales son un instrumento de percusión, consistente en dos discos circulares cóncavos de metal. Su centro está agujereado para dejar pasar una correa de cuero o de piel, cuya función es servir de asas o abrazaderas, y fijadas por su parte trasera.
Los platos, normalmente, son de una aleación de bronce o latón, aunque, los platos utilizados en las orquesta de cierto nivel, construidos de una mezcla de cobre, plata y estaño. Estos platos son idiófonos que se hacen sonar entrechocándolos uno con otro, o percutiéndolos con palillos o baquetas. Son un instrumento de sonido indeterminado, lo que significa que las notas no tienen una altura definida. El tamaño de los platillos influye directamente en la sonoridad, a mayor tamaño o grosor mayor potencia sonora.
Los platillos descienden de los crótalos, cuyo origen data de la Edad Antigua. Desde Oriente Medio, los crótalos llegaron al Imperio Otomano, donde los turcos aumentaron su tamaño exponencialmente, hasta convertirse así en el intrumento que ha llegado a nuestros días. La popularidad de los platillos llegó con el Romanticismo, periodo en el que se introdujeron en la orquesta sinfónica los exóticos instrumentos propios del folclore turco. Además de los platillos, llegaron los triángulos, las panderetas y otros instrumentos.
En la batería los platillos se suelen usar para ritmos y remates. Las marcas de platillos mas conocidas son Zildjian, Sabian, Paist y Ufip.

Característcias que debes de tomar en cuenta a la hora de elegir tus platillos.

• Respuesta

El "Response" o respuesta de un platillo cuando se le pega con una baqueta, está basado principalmente en su tamaño y grosor. En pocas palabras, respuesta es que tan rápido responde el platillo al golpe de la baqueta y esto a su vez determina el "feeling" o como se sentirá al golpear el platillo. Entre más pequeño y delgado es un platillo tendrá una mayor vibración en menos tiempo y con menos esfuerzo. Si se incrementa el tamaño y el grosor se obtendrá una respuesta menor pero más poder y volumen. El gusto personal es un factor muy importante para decidir que platillos son los que mejor se ajustan a tus necesidades. Un ride pequeño y de poco grosor tiene una respuesta rápida y por lo regular más resonancia que uno grueso. Un ride de más grosor tiene menos respuesta pero menos resonancia.

• Resonancias

Es la característica de un platillo para sonar después de que se golpea con la baqueta. Esta característica está determinada tanto por el tamaño como por el grosor y la fuerza con la que se golpea el platillo. Un platillo más pesado tendrá menos resonancia pero su sonido durará más que un platillo delgado.

• Volumen

Al igual que las otras dos características, el volumen se ve influenciado por el tamaño y el grosor del platillo, pero tambiénla forma, el peso, su material y el proceso por el cual fue hecho. Como regla general, entre más grande, largo y pesado sea el platillo tendrá más volumen y más proyección.

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.The Blue Man Group.

2011-11-12T05:33:00.000-08:00

.The Blue Man Group.

Más de 17 millones de personas en todo el mundo han experimentado el ambiente de fiesta lúdica de un evento de Man Group en vivo azul. Sus espectáculos teatrales son la creación de moda en Nueva York, Boston, Chicago, Las Vegas, Orlando, Berlín, Tokio, y en gira por los EE.UU. y Canadá

Usted también puede tomar como el desempeño como cabeza de cartel a bordo del Norwegian Epic de Norwegian Cruise Line, la línea de cruceros oficial de Blue Man Group.

En televisión, han hecho apariciones en The Tonight Show, Ellen, y en vivo con Regis y Kelly, e inspirado historias memorables en Scrubs y Arrested Development.

Además, Blue Man Group tienen un proyecto con el fin de enfoacr a los niños a una posible via creativa recorriendo el Museo llamado " Ondas hacer ", así como una aventura emocionante conocida como la Escuela Azul, donde se busca cultivar investigadores creativa, alegre y compasivo que utilizan valientes e innovadoras pensando en construir un mundo armonioso y sostenible.

Por encima de todo eso, suprimer disco con música original de Blue Man Group, AUDIO, fue nominado para un premio Grammy ® y seguido por otros cuatro álbumes con música de Blue Man Group.

Lo mejor de todo, es que tienes la posibilidad de trabajar con ellos, son unas mentes abiertas a toda propuesta, que no dejan nunca de pensar, y que necesitan conocer gente en todo el mundo, ya que utilizan mucho personal de atrezzo o "pipas" que se suele decir.Puedes informarte sobre como trabajar con ellos y sobre como trabajan en su página web.

Puedes informarte sobre todo lo hablado en su pagina web:

http://www.blueman.com

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.Screaming Headless Torsos (A fondo).

2011-11-11T18:08:00.000-08:00

.Screaming Headless Torsos.

Los Screaming Headless Torsos debutaron con el disco homónimo en 1996 y fue una decidida patada de mula donde más duele. Y bienvenida que fue.
Luego editaron (primero en Japón, bastante más tarde en los Estados Unidos) Live, disco más potente aún donde además de los ya “clásicos” de la banda, aparecían algunos inéditos con el aderezo de una potente versión del Dig a Pony de The Beatles.
Algunos años más tarde apareció Amandala, pero al no haber cantante el grupo pasó a llamarse (por ese único disco) Fiuczinsky’s Headless Torsos.
Con una formación que incluía sólo a dos de sus miembros originales (el padre de la criatura Dave Fiuczinsky y el percusionista Daniel Sadownick), los SHT se presentaron hace algunos años en La Trastienda y dieron una verdadera cátedra de cómo se hace… todo.
Luego de un largo paréntesis, reapareciero… ¡y cómo! No sólo por la edición de este DVD, sino por la aparición de su nuevo disco 2005. En ambos casos la formación ha vuelto a ser la original, con la excepción de Gene Lake ocupando el lugar de Jojo Mayer (que sólo grabara el disco debut).
El primero de los DVD’s comienza con Jazz Is the Teacher, que también abriera aquel disco en vivo de 1996 y no es un simple calienta motores. Un sonido impecable, un escenario chico (lo que obliga a los camarógrafos a hacer malabares para poder realizar tomas en pleno estado de acrobacia o al menos eso imagina uno) y un adelanto de lo que vendrá: una base imponente a cargo de Lake-Ephron, el terrorista Sadownick pegándole a absolutamente todo (y pegándole bien), un auspiciante solo de Fiuczynski y la tremenda voz de Dean Bowman. Gran comienzo.
Con Word to Herb (tributo rendido al baterista de Primus Tim “Herb” Alexander), un indudable tour de force, Bowman las hace absolutamente todas con un final que provoca las reverencias de los asistentes a las primeras filas (a pesar de un pifie fantástico de Fuze seguido de una mueca aún mejor; non preocuparum: en el solo se desquita).
Hacer un paneo tema por tema sería obtuso y redundante. No hay puntos flojos; es más: todo el concierto es de un altísimo nivel con momentos de extrema lujuria, especialmente en Graffity Cemetery (disculpen pero es uno de mis preferidos y la versión supera ampliamente las expectativas), Es gracioso ver cómo a la hora del solo de Fima Ephron, las cámaras hacen lo imposible por ubicarlo y tomarlo de alguna manera. Ephron no hace el menor esfuerzo por robar cámara, lo que dificulta las cosas. Luego de arduo trabajo, logramos verlo… justo cuando el solo termina.
Es aquí donde Bowman, silbando, simula ciertos pseudo acoples metidos cual DJ de luxe. Una maravilla. Me permito decir que la síntesis de los SHT está en este tema (¿fanático yo?).

Aceleremos que vamos por el tercer tema; el reggae Arline trae apenas un poco de calma que desemboca en el entonces inédito Woe to the Conquered (que apareciera recién en 2005) y chau calma; aquí da la sensación de que nadie, pero nadie puede cantar como Bowman. Con todo respeto, una verdadera bestia.
Dijimos que no íbamos a detenernos en cada tema; cumpliremos aunque la tentación es muy grande. Sólo decir que luego de las sutilezas de Fiuczynski en Darryl Dawkins, terminan con una trilogía capaz de resucitar a una momia.
Vinnie (por el baterista Colaiuta, obvio), Smile in a Wave (una reversión de Street Scenes, tema de Miles Davis que abre You’re Under Arrest -1985- y que a su vez fue originado por un solo de McLaughlin en Tribute to Jack Johnson -1972-) y Hope o de-cómo-hacer-funk-y-destrozarte-el-melón. Final del primero.
Si bien la banda es sólida por donde se la mire y la concentración es extrema, se basa en tres pilares indiscutibles: la guitarra de Fuze, la garganta profunda de Bowman y esa maravilla que resulta el percusionista Daniel Sadownick, un espectáculo para la vista y un lujo para los oídos (lo realizado en esta última trilogía es admirable).
El segundo DVD los muestra 8 años más tarde en París, con un escenario un poco más grande, con los músicos más aplomados y profesionales pero no por ello menos guerrilleros.
Con apenas un puñadito de temas de su reciente disco (el de apertura Mind Is a River, No Survivors y el que apareciera en el álbum en vivo Just For Now), atacan de entrada justamente con Mind… y Just for Now para desembocar nuevamente en Vinnie. Buena ocasión para comparar con lo visto en el DVD 1. ¡Pardiez! Están más viejos, más pelados algunos, más canosos otros… pero lo hacen de nuevo. No sé si mejor o peor: distinto y nuevamente demoledor.
A estas alturas no vendria mal preguntarse si los SHT son una banda de jazz o qué cornos. Me flagelo ante la estúpida pregunta (y eso que no les cuento la respuesta). Ahora podemos verlo un poco mejor a Ephron, en esta ocasión con lentes y mirá en la pavada que me detengo para no ser reiterativo con las bondades del grupo, pero es que el solo de Fiuczynski es demencial y la sincronización posterior en el dueto Lake-Sadownick, impecable. El tercer tema de 2005 No Survivors nuevamente nos relaja un poco, pero es sólo una distracción aparente: un blues que da pasa a otro clásico donde volvemos a comprobar que estos tipos están más que enteros; Word to Herb muestra además que Bowman sigue teniendo una voz impardable.
Un impactante solo de Daniel Sadownick da paso a Sakura donde comienza un segmento del show que recuerda la condición judaica de Fiuczinsky, quien además junto con Fima Ephron formaran parte del quinteto (increíble) Hasidic New Wave. Fiuczinsky aquí hace de goma a su guitarra y recuerdo entonces que alguien, alguna vez me dijo que parecía que el tipo tocara apoyando un globo contra las cuerdas (!). La temática se profundiza en Phoenix Rising.
Luego de dos temas de descanso, vuelve Bowman para Graffiti Cemetery; no los voy a torturar nuevamente, sólo decirles que esta vez sí lo pescaron al bueno de Ephron y que el tema yo considero que bla bla.
Arcadia Finlandis actúa como pasaje instrumental para Cult of the Internal Sun… ¡con la gente batiendo palmas! Notable versión con la que da por concluido el concierto (con buen espacio para Lake y los alaridos de Dean), pero luego de la presentación de los músicos habrá un bis: Free Man del álbum debut, en un final más bien reposado, pero claro, reposado teniendo en cuenta que estamos hablando de los queridos Torsos Sin Cabeza Que Gritan.
Por lo antepuesto (¿habré sido escribano en otra vida?) y –que quede claro- si disponen de los petates, permítanme decirles que este DVD doble, no editado en la Argentina es fundamental para entender un par de cosas, como por ejemplo que los SHT son una de las mejores bandas de la última década y que afortunadamente parecen tener cuerda para un rato largo.

(fuente de información externa)

http://bateriasypercusion.blogspot.com