B contro le Forze dell'Ale

CHOOSE OR DIE | Una maledizione retrò per un survival horror a 8 bit

2022-04-18T09:00:00.010-07:00

Tra le mille cianfrusaglie del suo “special friend” Isaac (Asa Butterfield), un programmatore in fissa con gli anni Ottanta, Kayla (Iola Evans) trova una cassetta di Curs>r, un misterioso videogioco a tema horror di quell’epoca. La sfortunata ragazza, a sua volta versata nell’informatica ma impossibilitata a realizzarsi da una vita a dir poco schifosa, decide di giocarlo nella (assai bizzarra) speranza di ottenerne il mai reclamato premio finale. Ma Curs>r risulterà essere un autentico gioco maledetto che influenza la realtà, obbligando essenzialmente Kayla a cagionare dolore e morte ad altri, invece che a sé stessa. Riuscirà la nostra protagonista a uscire viva da questa spirale di violenza e orrore?

Piacevole teen horror dalle tinte fosche, sebbene più nel descrivere la disagiatissima vita della protagonista (eccellente prova della Evans, by the way) che nello spaventare. Choose or Die (noto appunto anche come Curs>r, UK 2022, di Toby Meakins) rielabora attraverso l’imperante citazionismo Eighties gli sfaccettati filoni della tecnologia capace di influenzare malignamente la realtà & quello dei survival (qui video)game: ponendosi un po’ come il versante 8 bit fra suggestioni che spaziano da The Ring a Stay Alive, da Saw ad Unfriended, culminando in un interessante finale “controverso”.

Piuttosto ben realizzato in tutti i comparti, con lodi particolari per la fotografia e il sonoro, il film intrattiene e si difende assai bene sul piano dello splatter e delle kills. C’è pure Robert Englund nel ruolo di sé stesso, ma per così dire in effigie: presente cioè solo in forma di registrazione audio che presenta il gioco.

In conclusione un buon prodotto di genere, che merita senz’altro una visione. Adesso su Netflix.

Originariamente pubblicato su Instagram.

Choose or Die su Imdb.

HANSEL & GRETEL (2006) | Uno dei primi cortometraggi horror di Robert Eggers ('The VVitch', 'The Lighthouse')

2022-04-06T02:00:00.009-07:00

Hansel & Gretel (USA 2006, forse primi 2007) è uno dei primi cortometraggi di Robert Eggers, del quale a breve uscirà l’attesissimo The Northman.

Girato nello stile del cinema degli albori (muto), è una rappresentazione piuttosto fedele e orrorifica del celebre racconto popolare tedesco, immortalato nella fiaba dei fratelli Grimm, e presenta in nuce stile e temi che ritroveremo nei suoi lungometraggi The VVitch (2015) e The Lighthouse (2019). Nel ruolo della strega la madre di Eggers, Kelly, resa davvero spaventosa dal trucco, e ovviamente dall’arte cinematografica del figlio.

Hansel & Gretel è ora disponibile gratuitamente online, e potete gustarvelo qui:

APOLLO 10 E MEZZO | La Space Age e l'American Dream nell'immaginifico flusso spaziotemporale della Memoria

2022-04-05T08:00:00.005-07:00

Primavera del 1969. In un sobborgo di Houston, Texas, Stanley un ragazzino delle elementari viene arruolato dalla NASA come astronauta. Nella corsa alla conquista della Luna, infatti, hanno commesso un errore, costruendo una navicella spaziale troppo piccola per un adulto...

Ma questo è solo la premessa di un film poetico, intorno agli anni Sessanta e alla Space Age, riletti attraverso l’immaginazione e i ricordi di un (ex) bambino americano cresciuto a fianco delle missioni Apollo, in mezzo a una “famiglia Brady” (cit.) assai sfaccettata e vivace. Dove la voce narrante di lui, ormai adulto, è prestata in originale da un ironico e intimista Jack Black.

Con Apollo 10 e mezzo (USA 2022) Richard Linklater torna all’animazione in rotoscopio e performance-capture di Waking Life e A Scanner Darkly, offrendo un suggestivo tableau vivant perennemente sospeso tra realtà e sogno, tra fatti e finzione, tra storia e mito. Un flusso psichico di usi e cultura pop dell’epoca trascinante, commovente e a tratti abbagliante. Un viaggio totale da fermi (come seduti nella cabina di una navicella immaginaria) che dalla quotidianità alle televisione, dal cinema (grandissima citazione del film evento 2001: Odissea nello Spazio: non a caso “Stanley” si chiama il nostro protagonista…) alla musica all’arte tutta, trasforma l’allunaggio nel fulcro di un Big Bang culturale irripetibile.

Il Sogno americano come volo pindarico, e dietro l’angolo sempre l’insicurezza e la paura che derivano dalla Guerra fredda; ma anche più banalmente – si fa per dire – dalla povertà e le contraddizioni dietro lo schermo fragilissimo del benessere e del progresso. Il pericolo della violenza e della morte che fa sadicamente capolino ovunque: dai notiziari sul Vietnam al bere mentre si guida, sino a giochi di bambini decisamente pericolosi nella loro quasi dionisiaca, ingenua libertà.

Ora su Netflix, Apollo 10 e mezzo è il viaggio nello spaziotempo Sixties che non potete assolutamente perdere.

Originariamente pubblicato su Instagram.

Apollo 10 e mezzo su IMDB.

TRAGEDY GIRLS | Amicizia e omicidi seriali nell'epoca dei social

2022-02-16T01:00:00.001-08:00

Ah la gioventù! L’amicizia, le speranze, i primi amori… e ovviamente, uccidere malissimo tutti!

Sadie Cunningham (Brianna Hildebrand) e McKayla Hooper (Alexandra Shipp) sono due liceali & migliori amiche con un segreto: stanno studiando da serial killer, mettendo assai bene la pratica prima della teoria, mentre attraverso il loro canale YouTube Tragedy Girls sensibilizzano contro il presunto colpevole dei loro delitti. Ovvero Lowell Orson Lehmann (Kevin Durand), il precedente assassino seriale della ridente Rosendale, la classica cittadina della provincia americana dove non dovrebbe succedere mai nulla ma poi succede di tutto; un maniaco “rip-off di Michael Myers” (cit. McKayla) nonché modello delle due fanciulle, che per sicurezza le due ragazze rapiscono e tengono segregato, mentre perpetrano alla sua faccia la loro copiosa fetta di massacri.

In questa horror comedy (Tragedy Girls, USA 2017, di Tyler MacIntyre) ricca di trovate, effettacci e citazioni (a cominciare dai nomi delle protagoniste…) assisteremo a una tagliente decostruzione del più tagliente dei sottogeneri horror – lo slasher, of course! – in perfetto clima post Scream (citato direttamente dalla presenza di Jack Quaid nel cast), in una stravagante, disturbante e distorta versione dei racconti di crescita & amicizia tipici dei teen movies. Con una nettissima e irriverente critica al mondo dei social.

Un riuscitissimo horror indipendente che amerete/odierete come le sue letali e spietate protagoniste. Perché tutto può accadere con le folli Tragedy Girls, tranne restarne indifferenti!

Originariamente pubblicato su Instagram.

Tragedy Girls su IMDb.

ARCHIVE 81 - UNIVERSI PARALLELI st. 1 | Occultismo, altre dimensioni e metafilmico

2022-01-24T06:30:00.007-08:00

Dan Turner (Mamoudou Athie) è un autentico videoarcheologo: un restauratore di enorme talento in grado di riportare alla luce qualsiasi vecchio filmato, anche quando il supporto (rigorosamente analogico) che lo contiene sembra irrimediabilmente compromesso. Per questa ragione, il capo di una misteriosa azienda lo ingaggia per restaurare in gran segreto i video di Melody Pendras (Dina Shihabi), una ricercatrice e filmmaker scomparsa nel 1994, durante l’incendio che ha distrutto il condominio newyorkese presso cui stava realizzando un documentario. Messosi all’opera, Dan si ritroverà sempre più invischiato, e ben più personalmente di quanto avrebbe mai immaginato, in una inquietante vicenda a base di oscuri culti iniziatici. Questo perché tutto ciò si ricollega anche al suo traumatico passato; ma soprattutto perché Melody, la coraggiosa ragazza dei video scomparsa da anni, sembra sempre più chiaramente implorare proprio il suo aiuto...

Basata su un celebre podcast e prodotta tra gli altri da James Wan, Archive 81 (USA 2022-, creato da Rebecca Sonnenshine), con questo sottotitolo italiano giusto un filino spoiler, è un’appassionante e raffinata miniserie tra horror soprannaturale, fantascienza e thriller cospirazionista, che stupisce per tante ragioni. A cominciare dal livello dei riferimenti: che vanno dal cinema (Shining, Rosemary’s Baby, Solaris, The Blair Witch Project) alla televisione (Ai confini della realtà), dalla letteratura (Lovecraft – ovviamente – su tutti) a nuovi popolari media quali appunto il podcast (apertamente citato dal personaggio di Mark Higgins, interpretato da Matt McGorry); sino a quelli più propriamente documentari utilizzati per costruire la fisionomia di questa verosimile setta e le sue espressioni cultu(r)ali. Come le diramazioni dell’occultismo nella musica e nella pittura, aspetti che non vengono così comunemente toccati in una serie TV.

Per esempio, nell’episodio 4 viene non a caso fatto riferimento a certa pittura dell’Est Europa. Ed è storicamente accertato come persino autori e teorici fondamentali quali Vassilij Kandinskij e Pietr Mondrian avessero avuto relazioni con circoli esoterici (per lo più innocui eh: è qui che Archive 81 rientra più sui binari dell’ovvio romanzesco). In generale stupisce la notevole minuzia con cui questi aspetti sono resi materialmente ed esteticamente nelle scenografie, negli abbigliamenti, persino nel linguaggio, il tutto davvero molto appagante da esperire.

Tutta questa ricchezza contenutistica va di pari passo con quella tecnico-formale. Archive 81 è davvero molto ben scritta e girata, con switch stilistici e trovate in genere sempre funzionali e interessanti, una fotografia eccellente e discreti effetti speciali. Nonostante l’enorme mole di informazioni che presenta, sembra tutto coerentemente inserito in un racconto di grande atmosfera, dal ritmo lento (sconsigliata ai deboli d’attenzione) ma incalzante nel suo crescere per accumulazione di stimoli e indizi, in una situazione che per i due ottimi protagonisti si fa sempre più complicata e oppressiva. Insomma, una serie horror d’atmosfera e non impestata da facili jumpscare, che culmina in un finale che ho trovato perlomeno congruo. (Finale che potrebbe essere definitivo oppure no, a seconda che propongano o meno una seconda stagione che sia anche un seguito diretto – ma anche l’opzione antologica sarebbe bene accetta.)

Insomma, già a gennaio mi ritrovo piacevolmente colpito da una seria candidata a miglior serie TV dell’anno. Archive 81 è un prodotto elegante e sofisticato, che sulla scia delle gotiche The Haunting of di Mike Flanagan e della deliziosamente perversa Al nuovo gusto di ciliegia con Rosa Salazar guarda a un pubblico Netflix decisamente diverso, per target e sensibilità, da quello delle pur pregevoli Stranger Things e Fear Street (che sì, è una trilogia di film, ma in verità poco cambia). Un “esperimento” per me del tutto riuscito, che sostengo pienamente.

Originariamente pubblicato su Instagram.

Archive 81 su IMDb.

TOP e FLOP CINEMA 2021

2022-01-20T10:00:00.001-08:00

TOP 5, in ordine non rigoroso:

1. THE SUICIDE SQUAD – MISSIONE SUICIDA. Il 2021 ha visto confermato il dominio dei superhero movie, che in barba alle critiche e al rischio saturazione dominano ovunque, funzionando persino nelle sale travolte dalla pandemia e conseguenti misure sanitarie. Diversi i titoli interessanti usciti quest’anno, capaci di mostrare nuove opportunità per i “cinecomic”: per esempio il monumentalismo epico in odore di decadenza della Justice League nella versione Snyder’s Cut, l’autorialità visionaria di Eternals, e il vertiginoso metacinema/postcinema di Spider-Man: No Way Home.

Ma per quanto riguarda i superhero movie la mia scelta per il 2021 cade su The Suicide Squad di James Gunn. Autore che ha saputo passare dall’underground di Troma al mainstream Marvel/Disney (i due Guardiani della Galassia) senza perdere in qualità e stile, Gunn per la Distinta Concorrenza e Warner rilancia alla grande quest’adorabile squadra di psicopatici assassini sfruttati da una divisione governativa a dir poco spregevole, dopo una prima prova non proprio riuscitissima – Suicide Squad senza il “The” – a firma di David Ayer nel 2016 (ma lui dà la colpa alla produzione). E Gunn realizza forse il suo capolavoro, sintesi perfetta fra le sue due anime (appunto, underground “chez Tromà” e mainstream spettacolare), e sicuramente uno dei migliori e più divertenti superhero movie di sempre. Invenzioni su invenzioni, azione senza freni, violenza e scorrettezze che mai ti aspetteresti in un blockbuster, e il tutto inquadrato in una narrazione mirabilmente chiara e coerente nell’esaltare, decostruendole, tutta la retorica e l’epica del (macro)genere supereroistico. LA Suicide Squad per davvero. Inoltre ci sono un “kaiju”, una donnola infanticida, un John Cena sorprendentemente bravissimo, e l’Harley Quinn di Margot Robbie che non è mai stata così tosta e sexy. Serve altro? […]

Questo è solamente un estratto dell'articolo, che potete leggere integralmente in esclusiva su Malastrana VHS.

RESIDENT EVIL: WELCOME TO RACCOON CITY | (Ancora) un pessimo film per un grande videogioco

2022-01-14T09:00:00.006-08:00

La triste storia di Raccoon City, cittadina statunitense vittima degli esperimenti della casa farmaceutica Umbrella Corporation, narrata attraverso il punto di vista di un manipolo di eroici sopravvissuti al suo disastro.

Facciamola breve: questo reboot cinematografico di Resident Evil è un disastro.

E non tanto per il discusso casting, che se anche gli attori fossero stati copie carbone dei character poco cambiava. Semmai per la scrittura raffazzonata, che oltre a caratterizzare personaggi iconici in maniera a dir poco superficiale quando non apertamente odiosa (Leon Kennedy su tutti, ridotto a un mentecatto), mescola alla rinfusa i primi due capitoli (e non solo) della celebre saga videoludica: comprimendo, e malissimo, davvero troppa roba, con un’assenza generale di ritmo e tensione che tolgono ogni possibilità di appassionarsi al film.

E non bastano certo ambienti, dettagli e quant’altro presi di peso dal videogame a salvare il tutto. Anzi, in qualche modo i limiti di Resident Evil: Welcome to Raccoon City (Canada/Germania 2021, di Johannes Roberts) emergono proprio in questi frangenti, con la sensazione di vedere cartoline del gioco incollate sul nulla.

Persino gli effetti sono piuttosto mediocri. Funzionano abbastanza Lisa Trevor e il Licker in CGI, che tuttavia si vede pochissimo… ma gli “zombie”, che spesso sono più che altro infetti allucinati, il più delle volte sono realizzati in modo davvero imbarazzante.

Evitabilissimo. Realizzare un buon film tratto da un videogioco è tutt’altro che facile, e purtroppo Resident Evil ce lo dimostra per l’ennesima volta.

Originariamente pubblicato su Instagram.

Resident Evil: Welcome to Raccoon City su IMDb.

LAMB | Sull'oscuro e instabile confine tra umanità e natura

2021-12-22T10:00:00.006-08:00

Maria (Noomi Rapace) e Ingvar (Hilmir Snær Guðnason) sono una coppia di agricoltori e allevatori, che vivono lontano da ogni civiltà occupandosi delle loro pecore. Tutto scorre tranquillamente, a parte una misteriosa visita alla fattoria nei primi minuti del film, e un certo gelo nella coppia: i due si amano, ma non sono mai riusciti ad avere un figlio; e questo, soprattutto per Maria, è motivo di grande sofferenza. La Natura sembra portare un inaspettato conforto, tra il miracoloso e l’inquietante, allorché un giorno una pecora partorisce uno strano agnello antropomorfo. Maria e Ingvar faranno dell’ibrido la propria figlia (è una lei), chiamandola Ada e crescendola amorevolmente proprio come la bimba che non sono mai riusciti ad avere. Ma qualcosa di oscuro incombe su quest’ormai insperata felicità…

Opera prima autenticamente weird e geniale, nella sua misurata sintesi tra sogno e incubo a occhi aperti che trova in Ada un personaggio/entità indimenticabile, Lamb (Islanda/Svezia/Polonia 2021, di Valdimar Jóhannsson). è un’invocazione/riflessione dolorosa del nostro legame, insieme necessario e impossibile, con la Natura e la Vita. Facendo leva sul folklore norreno, qui particolarmente (e ironicamente) connesso alla Natalità per eccellenza, il film di Jóhannsson, di straordinaria atmosfera, dice l’essenza e l’assurdo di un amore che, nonostante le buone intenzioni, si svela presto e smaccatamente quale violenza e appropriazione. Lo si vede chiaramente nel fato della madre – quella vera – di Ada; ma soprattutto nell’educazione della stessa Ada, la cui alterità viene negata non certo per virtù di accettazione.

Enorme performance di Noomi Rapace, che in quell’ultima inquadratura ha la potenza raggelata di un dipinto di Bacon, da brividi davvero. E se il buongiorno si vede dal mattino, datemi subito il prossimo film di Jóhannsson vi prego! Lamb, anzi Dýrið anche se non lo sappiamo leggere (ma proviamo a pensarlo), è un diamante che apre un nuovo, seducente, e possibilmente irripetibile spiraglio nel pulsante tessuto del folk horror contemporaneo.

Originariamente pubblicato su Instagram.

Lamb su IMDb.

LA STORIA DEI MASTERS. IL GIOCO PIÙ FORTE DELL’UNIVERSO! | Un libro appassionante ed esaustivo ci porta nel mondo di He-Man e Skeletor!

2021-12-17T10:00:00.009-08:00

È buffo come la storia dei Masters of the Universe, tra le serie di giocattoli di maggior successo degli sfavillanti anni Ottanta, nasca da un vero e proprio disastro di marketing. Infatti Mattel, l’azienda californiana che, già celebre per franchise come Hot Wheels, Barbie e Big Jim, avrebbe creato e prodotto i MotU tra il 1982 e il 1987, sul finire degli anni Settanta aveva rifiutato la licenza di uno strano film di fantascienza ricco di effetti speciali. Un film, forse considerato pretenzioso, la cui linea di giocattoli avrebbe richiesto sforzi che, per varie ragioni, lì per lì non sembrarono valere la proverbiale candela.

Lo "strano film" in questione era Star Wars di George Lucas, i cui giocattoli vennero poi sviluppati dalla rivale Kenner in quello che fu il franchise più redditizio di sempre – anche – nelle action figure per ragazzi. Un successo che prosegue tutt’oggi, la cui fine è verosimilmente assai lontana lontana (quasi cit.).

La concorrenza era con le spalle al muro. Compresa la Mattel, dove i muri degli uffici dirigenziali dovevano essere distrutti e insanguinati a suon di testate. Si cercò forsennatamente di correre ai ripari, mettendo mano su varie altre licenze: nacquero così linee ispirate a Battlestar Galactica, Scontro di titani, Flash Gordon (la serie animata Filmation… vi dice nulla Filmation?), e si andò vicino a realizzarne una da Conan il barbaro, il film di John Milius che nel 1982 avrebbe lanciato la stella di Arnold Schwarzenegger… ma non se ne fece nulla, perché Mattel scoprì poi che non era esattamente un film adatto ai bambini.

L'intera prima wave dei Masters, 1982.

Nel frattempo un agguerrito gruppo di designer e artisti lavorava in una direzione differente. Se non si riusciva più a trovare una licenza di grande successo, perché non creare una linea tutta nuova, con un mondo di finzione inedito che gli appartenesse esclusivamente? Così, unendo elementi sword & sorcery e sci-fi, all’insegna del “perché scegliere tra magia e tecnologia, quando puoi averli entrambi?”, nacquero He-Man, Skeletor e tutti i pittoreschi e iconici figuri del pianeta Eternia, ripartiti tra Forze del Bene e Forze del Male, impegnate in una lotta senza esclusioni di colpi intorno al mistico Castello di Grayskull.

E questo fu solo l’inizio. Perché mentre il progetto delle action figure prendeva piede, e in un formato che avrebbe innovato il mercato, si pensò di collegare il nuovo franchise a vari media: i fumetti, certo, ma soprattutto un cartoon realizzato da Filmation (eccola!) parallelamente ai toy. Un cartoon che, sebbene fosse un’ulteriore e piuttosto libera (leggi edulcorata) rivisitazione di quello che era comunque un progetto in costante evoluzione, avrebbe collegato per sempre il nome di Lou Scheimer e dalla Filmation a quelli di He-Man e i Dominatori dell’universo, in una sinergia che fornì una spinta decisiva alle vendite dei giocattoli. I MotU furono, di fatto, la prima serie di giocattoli a ispirare fiction collegate che ebbero grande influenza sull’immaginario popolare.

Poster del film Il segreto della spada (1985), che segna il passaggio
dal cartoon Filmation di He-Man a quello di She-Ra.

E tutto questo è solo un piccolo barbaglio di un’avventura creativa che, zitta zitta quatta quatta, prosegue tutt’oggi con nuove linee di giocattoli e magnifici cartoon su Netflix. Un vero e proprio fenomeno culturale, che tra le tante cose ci ha saputo dare un rivoluzionario spin-off al femminile come She-Ra e un film live action, I dominatori dell’universo (1987, Gary Goddard) che nonostante abbia affossato la carriera del suo protagonista Dolph Lundgren, è oggi rivalutato come un vero e proprio cult d’epoca: ispirando tra l’altro autori visionari come Steve Kostanski (qui il mio articolo sul suo folle PG: Psycho Goreman, che rilegge in chiave psicotica e ultrasplatter un villain in perfetto stile Skeletor!).

Se volete saperne di più, La storia dei Masters. Il gioco più forte dell'universo! è il libro che fa per voi! Scritto da due esperti eccezionali come Emiliano Santalucia, artista da sempre legato al mondo di He-Man, nonché uno dei fondatori della The Power e The Honor Foundation, l’istituzione che ha ricostruito la storia e l’arte dei MotU recuperando fior di materiale praticamente sconosciuto e destinato all’oblio; e Alessandro “Doc Manhattan” Apreda, che con il suo celebre blog L’antro atomico del Dr. Manhattan ha saputo divulgare la cultura pop anni Ottanta – e non solo – meglio di chiunque altro, La storia dei Masters è un saggio/catalogo illuminante che stupisce per il livello di completezza, chiarezza e passione, relativamente sia ai toy che a tutta la fiction collegata.

Poster per Masters of the Universe (1987), il film dal vivo.

Ovviamente alcune cose sono approfondite più di altre, in primis – giustamente – la linea di giocattoli originale che viene trattata anno per anno, pezzo per pezzo. Ma in generale La storia dei Masters è un’opera davvero esaustiva e ordinata: un volume di grande formato ricco di illustrazioni significative (e qualcuna anche piuttosto rara), che si legge con grande piacere come un articolo del Doc, infuso dall’ulteriore e impressionante competenza di Santalucia; inoltre, un’opera che potrete poi conservare in libreria per future e stimolanti consultazioni.

Anche se possedete già libri sul tema, come per esempio il catalogo della già citata The Power and the Honor Foundation, o il magnifico The Art of He-Man and the Masters of the Universe di Tim e Steve Seeley, questo volume si segnala per la sua sorprendente sintesi, la sua piacevolezza, alcune interessanti interviste esclusive agli autori protagonisti dell’universo (multiverso? Va di moda del resto…), e una particolare attenzione (un bel capitolo dedicato) al “caso italiano”: come sono arrivati i MotU in Italia, e cosa abbiamo prodotto di nostrano intorno a questo fenomeno globale. E non è semplice campanilismo, perché in Italia avevamo uno stabilmento Mattel, dunque una produzione MotU propria! Pensate anzi che le ultime, rarissime figure della serie (i giganti e le versioni Laser di He-Man e Skeletor), sono state prodotte esclusivamente nel nostro Paese!

Masters of the Universe: Revelation (2021),
dettaglio di un poster per il cartoon Netflix.

Concludendo, straconsiglio questo bel librone. Che ha un’unica pecca: una brossura normale (no copertina rigida) che lo rende un po’ fragilino in caso di trasporto. Le immagini a colori (tante davvero) costano, possibilmente a qualcosa dovevano rinunciare per non alzare troppo il prezzo di copertina... tuttavia, incrociate le dita in caso ve lo faceste spedire! Che il potere di Grayskull sia con voi (e con il vostro pacco), e buona lettura!

LA STORIA DEI MASTERS. IL GIOCO PIÙ FORTE DELL’UNIVERSO!
di Emiliano Santalucia e Alessandro Apreda,
Dynit Manga, 2021.

In copertina: illustrazione di Axel Gimenez per il box del Castello di Grayskull nella recente linea di action figures Masters of the Universe Origins.

VENOM: LA FURIA DI CARNAGE | Crisi di coppia e altri problemi simbiotici

2021-12-13T09:00:00.080-08:00

Eddie Brock (Tom Hardy) e Venom sono in piena crisi coniugale. Come se non bastasse, il folle serial killer Cletus Casady (Woody Harrelson) ha ereditato il figlio del simbionte alieno, il caotico Carnage, divenendo l’avversario più temibile possibile per i nostri due riluttanti eroi.

A suo tempo si perculò il primo Venom (2018) di Ruben Fleischer definendolo una scheggia impazzita degli anni Novanta. Pare che gli autori del sequel abbiano preso la cosa molto seriamente, ma nel verso sbagliato: e battendo i pugni sul tavolo delle riunioni, si siano detti fieri “NOI possiamo fare ancora meglio”. Anche qui, intendendo “meglio” nel verso sbagliato.

Perché questo Venom: La furia di Carnage (USA 2021, di Andy Serkis) sembra davvero uno z movie della Full Moon con un budget enorme. E neppure uno di quelli in cui Charles Band & co. si siano impegnati, visto le incongruenze macroscopiche della sceneggiatura. Tipo Venom viveur da nightclub, lui che non sopporta giusto fuoco e suono… ma anche lì si saranno detti ma chissene, piazzacelo lo stesso che è assurdo e va bene così.

Sempre a proposito di anni Novanta c’è pure Shriek (Naomie Harris), ed è subito Maximum Carnage!... no per niente, scherzavo, scordatevelo pure. Persino Carnage fa ridere, figurati Shriek, e pure loro hanno beghe coniugali non da poco. Tipo che mettersi con l’unica che incorporato il potere di distruggerti non va proprio benissimo.

Un film che è puro delirio, da vedersi accompagnato con un buon barbera: vuoi per sopravvivere, vuoi perché in fondo è tanto assurdo da fare il giro e diventarti in fondo un po’ simpatico. Per restare in tema, tipo il beone che incontri una volta in giro, che spara cazzate a nastro e ti fa ridere, e per una sera va bene così. Una.

Sono proprio curioso di vedere cosa se ne faranno ora nel MCU (vedi scena post crediti).

Originariamente pubblicato su Instagram.

Venom: La furia di Carnage su IMDb.

[NEWS] COWBOY BEBOP il live action di NETFLIX cancellato dopo una sola stagione!

2021-12-09T16:00:00.001-08:00

La serie live action Cowboy Bebop di Netflix è stata cancellata dopo una sola stagione: a darne la notizia è la prestigiosa rivista Variety.

La prima stagione della serie, adattamento live del celebre e omonimo anime di fantascienza prodotta da Sunrise e diretto da Shin'ichirō Watanabe, non ha soddisfatto né pubblico né critica, finendo rapidamente nel dimenticatoio nonostante una campagna marketing molto vivace.

Sviluppata da Christopher Yost, il cast di Cowboy Bebop comprende John Cho (Spike Spiegel), Mustafa Shakir (Jet Black), Daniella Pineda (Faye Valentine), Elena Satine (Julia), e Alex Hassell (Vicious).

PARANORMAL ACTIVITY: NEXT OF KIN | Il riuscito reboot della leggendaria saga horror found footage

2021-12-05T10:00:00.016-08:00

Dopo lunghe ricerche, la giovane Margot (Emily Bader) è risalita alle proprie origini. Da neonata è stata infatti abbandonata davanti a un ospedale dalla madre, membro di un’isolatissima comunità Amish. Assieme ad alcuni amici, Margot si sta ora dirigendo nella foresta dove vive la comunità, per poter apprendere di più sul suo retaggio, girando nel frattempo un documentario etnografico a memoria dell’esperienza. Tuttavia, presto i nostri protagonisti scopriranno come la comunità Amish non sia esattamente tale; e che il retaggio della ragazza è ben più oscuro di quanto immaginassero.

Con un occhio al recente folk horror (Midsommar su tutti), e strutturandosi quasi come un omaggio a tutto il filone found footage, con rimandi che vanno da The Blair Witch Project a Rec, sino a un gran finale che richiama il magnifico Safe Haven di Timo Tjahjanto (il segmento sulla setta di V/H/S 2), il rilancio del franchise di Paranormal Activity è un’operazione riuscita, che appassiona e diverte per tutti i suoi 98’.

Abbandonate le originarie ambientazioni domestiche, e con la presenza tra i personaggi di un operatore esperto che giustifica riprese professionali e chiare (pure troppo, ma vabbè), Paranormal Activity: Next of Kin (USA 2021, di William Eubank) inizia come un’indagine che si fa sempre più tesa; culminando poi in un godibile survival in questa pericolosa comunità con dipendenze varie – una fattoria e persino una chiesa – che offre così una location gradevolmente varia e labirintica a quanto accadrà. Lo script di Christopher Landon, parimenti variegato e ben sviluppato, con i suoi bei colpi di scena e jumpscare, è portato sullo schermo con efficacia da William Eubank (Underwater, The Signal) e un cast all’altezza.

Ricapitolando, un piacevole film che rilancia bene un franchise horror di grande successo. Nulla di rivoluzionario, certo, ma ben vengano visioni così divertenti.

Il finale apre prevedibilmente a un seguito, che attenderò con interesse.

Originariamente pubblicato su Instagram.

Paranormal Activity: Next of Kin su IMDb.

[NEWS] Primo TRAILER per SPIDER-MAN: ACROSS THE SPIDER-VERSE (PART ONE), il sequel di UN NUOVO UNIVERSO!

2021-12-05T01:00:00.007-08:00

Senza se e senza ma, Spider-Man: Un nuovo universo è uno dei più grandi capolavori dell'animazione cinematografica odierna, e uno dei migliori superhero movie mai realizzati. Ebbene, abbiamo finalmente il primo trailer/first look del sequel, che a quanto pare avrà una prima parte nel 2022, e una seconda parte successivamente (spero nel '23, non fateci aspettare troppo!). Riecco Miles Morales, Gwen Stacy/Spider Gwen e l'attesissimo Spider-Man 2099!

ARCHIVE | Sconfiggere la morte a costo della vita

2021-12-03T10:00:00.002-08:00

Visivamente splendido, Archive (UK/Ungheria/USA 2020, di Gavin Rothery) è un film di fantascienza indipendente che s’inscrive nella ricca tradizione della distopia tecnologica & relativi dilemmi morali ed etici che ne derivano. Il filone reso recentemente celebre dal grande e popolare successo della serie Black Mirror di Charlie Brooker, anch’essa guarda caso britannica.

George Almore (Theo James) è un ingegnere esperto in robotica, che vive e lavora isolato in un grande stabilimento in disuso della multinazionale che lo ha finanziato. Contravvenendo agli ordini, per cui dovrebbe soltanto occuparsi di controlli di routine, George sta portando segretamente avanti la creazione di intelligenze artificiali via via sempre più sofisticate. All’inizio del film ne ha già realizzate due, rese anche esteticamente dal fatto di essere modelli di robot più o meno antropomorfi; ma è il terzo modello (l’attrice Stacy Martin rielaborata dagli effetti speciali, che presta la voce anche al secondo modello) a segnare davvero una svolta nelle sue ricerche. Le sue reali intenzioni, che saranno svelate un po’ per volta, si collegano alla – mai accettata – morte prematura e improvvisa della moglie Jules (sempre Stacy Martin), la cui coscienza è in qualche modo conservata in un computer specifico della Archive, altra multinazionale specializzata in inquietanti sistemi per l’elaborazione del lutto…

Archive è un film che si sviluppa progressivamente, attraverso una serie di piccole rivelazioni e improvvisi plot twist, per cui non posso raccontarvi troppo pena rovinarvelo. Nulla di nuovissimo sotto il sole, eppure Archive – film ben scritto, diretto e recitato, che non sfigura affatto di fronte a produzioni ben più ricche – fa il suo dovere sino in fondo, elaborando particolarmente bene il tema complesso della natura dell’amore, nel suo variegato range tra affetto e dipendenza, tra sacrificio e violenza. E – ribadisco – visivamente è un film davvero affascinante.

Originariamente pubblicato su Facebook.

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UN PONTE PER TERABITHIA | Il potere dell'immaginazione, il dolore della realtà

2021-11-30T09:00:00.007-08:00

Jess Aarons (Josh Hutcherson) è un ragazzino molto solo, che vive in aperta campagna, con due passioni nella vita: correre e disegnare, ma soprattutto disegnare. Incompreso dalla sua famiglia, brave persone troppo occupate a sbarcare il lunario per incoraggiarne la vena artistica, e bullizzato a scuola, il suo mondo cambia all’arrivo nella sua classe della vivace Leslie Burke (AnnaSophia Robb). Dopo un primo approccio non proprio positivo – lei lo straccia nella corsa, facendolo risentire non poco – tra i due, che si scoprono anche vicini di casa, nasce un’amicizia che diventerà sempre più profonda. Leslie ha infatti un’immaginazione sorprendente, e con Jess creano nei boschi vicini alle loro case un mondo fantastico chiamato Terabithia, del quale sono sovrani e gli eroi indiscussi di infinite avventure.

Un giorno, tuttavia, una terribile tragedia cambia di nuovo, per sempre, le cose…

“Hey, guarda, un racconto di formazione con aperture fantasy. Chissà, magari è leggero e divertente!”

Che mazzata che ho preso! Il tema della morte e del lutto non è raro nelle opere per ragazzi. Basti pensare all’animazione Disney, da Bambi a Il Re Leone; o nella succursale Pixar a film come Up o Coco. In fondo crescere è un po’ fare i conti con la morte.

Raro, però, è che a mancare sia un personaggio così giovane, collegato in maniera così intima e complessa a un coetaneo protagonista. E ancora raro è vedere una rappresentazione dell’elaborazione del lutto, dei sensi di colpa, così dolorosa e reale.

Un Ponte per Terabithia (USA 2007, di Gabor Csupo), tratto dall'omonimo romanzo del 1976 di Katherine Paterson, film con la caratura di un classico nato, è una sorprendente e non banale riflessione sul trovare la forza e le motivazioni di andare avanti, facendo tesoro della ricchezza che chi non c’è più ha saputo donarci. Cosa tutt’altro che ovvia o semplice, come quest’opera non manca di farci avvertire.

Nondimeno Un Ponte per Terabithia è un film che, al di là del messaggio positivo, presenta degli evidenti e interessanti lati oscuri. Per esempio che non tutti i malvagi (i bulli) si redimeno. O il fatto che un’immaginazione sviluppata – e anche un po’ al limite della schizofrenia – sia comunque una ben debole roccaforte rispetto alla crudeltà di un mondo così tristemente reale.

E c’è poi il triste pensiero dell’ancor più triste morte di quel personaggio. Lasciata fuori campo, forse non a caso.

Originariamente pubblicato su Instagram.

Un ponte per Terabithia su IMDb.

MARTIN (WAMPYR) | Il capolavoro "vampirico" di George A. Romero

2021-11-29T10:00:00.006-08:00

Martin (John Amplas) è un ragazzo che si crede un vampiro di più di ottant’anni. Impossibilitato a nutrirsi di sangue in maniera canonica, poiché sprovvisto di canini adeguati, egli si serve di una siringa di anestetico per addormentare le sue vittime, preferibilmente belle donne, cui poi taglia le vene per bere comodamente… o meglio, così dovrebbe andare. Ma così è solo nella sua fantasia schizofrenica, colma di sequenze in b/n da romantico cinema vampirico di una volta. Nella realtà, ogni aggressione di Martin è brutale e piena d’imprevisti, tutt’altro che elegante e potente a vedersi, violenta e selvaggia. Nei fatti sono stupri mancati, per via della peculiare patologia mentale del ragazzo, che non sa finalizzare altrimenti.

A peggiorare la situazione ci penserà l’anziano cugino Cuda (Lincoln Maazel), un bigotto superstizioso che crede nel vampirismo di Martin quasi più di quanto ci creda il ragazzo stesso. Il quale è dunque costretto a vivere dunque questo doppio, ciclico tormento di credersi vampiro, salvo negarlo quando la condizione gli viene imposta dall’ignoranza della gente comune… forse per questo mutata improvvisamente in qualcosa di viscido e opprimente, ‘sporcata’ dal disgusto ammuffito di quei caproni. Salvo poi tornare a immergervisi subito dopo, proprio per fuggire da essi.

Martin (USA 1976, di George A. Romero) è insieme la storia modernissima di una grave psicopatologia persa, anzi alimentata nel disagio dell’ignoranza e della superstizione; una delle migliori decostruzioni del mito del vampiro di sempre; e una sorta di anti L’esorcista: con una citazione esplicita del film di Willian Friedkin (dalla bocca dello stesso Romero, nel ruolo cameo di un prete!), e con tanto d’intervento di una sorta di pseudo padre Merrin. Intervento ovviamente inutile, che culmina in quella magnifica sequenza del travestimento da vampiro di Martin.

Tutto questo girato ovviamente con due soldi. Ma dietro l’obiettivo c’era Mr. Romero, e tanto bastò a fare un capolavoro di questo “film minore” che minore non è affatto. (E davanti un protagonista a dir poco immenso, oltretutto.)

In Italia è stato ribattezzato Wampyr e tagliuzzato e rielaborato dal solito Dario Argento, con invadenti musiche dei Goblin annesse. E pensare che già la versione originale, di 95’, è molto più breve di come doveva essere: si parlava di 2 ore e 45’, ma recentemente – come vi avevo raccontato in una mia precedente news - pare che Michael Gornick, il direttore della fotografia di Martin, abbia rinvenuto la versione originale del film, che durerebbe la bellezza di 3 ore e mezza! Chissà se riusciremo mai a vederla con i nostri occhi.

Originariamente pubblicato su Instagram.

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MY NAME st. 1 | Una vendetta ad ogni costo dove nulla è come sembra

2021-11-26T11:00:00.008-08:00

Jiwoo (Han So-hee) è un’adolescente sola e odiata da tutti per via del padre Song Joon Su (Yoon Kyung-ho), un gangster latitante. Un giorno questi le telefona, e la ragazza gli urla tutta la sua rabbia e la sua disperazione, spingendolo a raggiungerla. Questa decisione segna la fine dell’uomo, che cade in un agguato, finendo ucciso proprio davanti all’uscio di casa. Per Jiwoo, ossessionata dalla colpa, è l’inizio di un lungo e difficile percorso alla ricerca dell’assassino del padre. Che la spingerà prima a entrare nel clan mafioso di Choi Moo-jin (Park Hee-Soon), il boss di suo padre, che considerava Joon Su come un fratello. E in seguito ad infiltrarsi nella polizia sotto falsa identità: poiché l’assassino di suo padre potrebbe nascondersi tra le forze dell’ordine…

Eccellente serie thriller, tra poliziesco, gangster, revenge e action marziale (ottimi i combattimenti). Centrata su una protagonista enorme, è un notevole racconto tra crescita e autodistruzione, tra emancipazione e sfruttamento, perennemente in bilico tra due mondi e le loro opposte menzogne. Non mancano ovviamente i plot twist, gestiti con intelligenza in una scrittura di buon livello, e spesso alla base di cliffhanger efficaci.

Oltre alla protagonista tutto il cast è impeccabile, e in generale tecnicamente siamo di fronte a una di quelle serie coreane di livello medio-alto, che poco o nulla hanno ormai da invidiare al cinema, non lesinando certo in fatto di violenza e splatter. C’è qualche abbassamento di ritmo, per esempio la svolta sentimentale nel finale (che se non sei proprio alle prime armi, capisci subito dove porterà), e forse qualche cliché di troppo. Il finale non è certo inimmaginabile (beccato subito…), ma nel complesso la serie, ottimamente eseguita, funziona alla grande e merita senz'altro la visione.

È già prevista una seconda stagione, ma vi tranquillizzo: la prima è una saga con un finale compiuto, quindi potete gustarvela senza temere di restare in sospeso!

Originariamente pubblicato su Instagram.

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MEANDER | Tra CUBE e SOLARIS un survival movie claustrofobico e profondo

2021-11-25T10:00:00.011-08:00

Sola e lontana da casa, una sera Lisa (Gaia Weiss) accetta un passaggio da un individuo che la rapisce. Rinvenuta, si ritrova reclusa in un’angusta e buia prigiona, indossando una strana tuta con un bracciale-torcia sul quale appare talvolta un timer. Superato il trauma iniziale, decide di entrare in uno stretto passaggio che si apre sul lato della sua bizzarra prigione; ma una volta entrata, dietro di lei una botola si chiude, costringendola a proseguire. Lisa dovrà dare fondo a tutte le sue risorse, nel tentativo di sopravvivere e fuggire da un claustrofobico labirinto irto di trappole letali.

Meander (Francia 2020, di Mathieu Turi) è un interessante fantahorror, che nella prima parte è sostanzialmente Cube (1997, Vincenzo Natali) virato verso Buried (2010, Rodrigo Córtes) e con un pizzico di The Descent (2005, Neil Marshall): con la protagonista sola in questi condotti strettissimi, costretta a difficili e dolorosi contorsionismi per sfuggire rapidamente alle sadiche trappole di cui sono disseminati. In seguito lo scenario evolve verso temi e metafore differenti, tra suggestioni gigeriane e riferimenti a classici come Solaris di Andrej Tarkovskij.

In definitiva una riuscita variazione sul tema, dalle pretese autoriali e profonde che non ne limitano tuttavia la cattiveria, con generose concessioni allo splatter e al gore (inquietante la sequenza del cadavere). Un low budget che compensa con passione e astuzia i pochi mezzi, poggiando quasi interamente su una protagonista piuttosto brava. Consigliato!

Originariamente pubblicato su Instagram.

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GODZILLA VS. HEDORAH (2021) | Un magnifico e inedito CORTO by Toho per festeggiare l'anniversario dello scontro tra i due kaijū! (Link nell'articolo!)

2021-11-04T11:00:00.016-07:00

Ebbene sì, la leggendaria Toho festeggia Godzilla (67esimo anniversario) ma soprattutto il lisergico film Godzilla - Furia di mostri (Godzilla Vs. Hedorah, 1971, di Yoshimitsu Banno) che compie 50 anni esatti, proponendo un nuovo scontro tra il Re dei Mostri e il deforme e venefico Hedorah, il kaijū simbolo dell'inquinamento!

E la grande notizia è che sono 5 bellissimi minuti di gloriosi suitmation e practical effects vecchia scuola! Vale a dire: costumi, modellini e distruzione a gogo!

Nello scenario di una fumosa fabbrica, i due mostroni si sfidano nuovamente. E sembra proprio che i costumi siano originali d'epoca (anni 2000 però).

Regia di Kazuhiro Nakagawa. Buon divertimento!

V/H/S/94 | Un nuovo, riuscito sequel per l'antologia horror found footage V/H/S

2021-10-13T09:00:00.013-07:00

Il quarto capitolo del franchise di V/H/S, antologie di corti horror mocku/found footage, è un ottimo prodotto che, pur arrivando 7 anni dopo l’ultimo capitolo (V/H/S Viral, il più debole della serie), rispetta e conferma lo spirito di tutta l’operazione. E questo con i suoi pregi come con i suoi difetti: per esempio la varietà, qualitativamente discontinua, dei corti che lo compongono.

Al solito abbiamo alcuni corti principali (4+1 “cortissimo” in forma di spot), “collegati” da un segmento che fa da cornice.

Storm Drain di Chloe Okuno vede una giornalista e il suo cameraman indagare, in una fognatura, sulle tracce del fantomatico Rat-Man che anima le leggende urbane della classica piccola cittadina americana di provincia. Pura leggenda, o c’è qualcosa di reale? Magari qualche poveraccio che vive di stenti ai margini della società? Oh, qualcosa di reale c’è eccome, ma va ben oltre quello che i nostri due malcapitati immaginavano… segmento piuttosto claustrofobico e interessante per come combina elementi found footage e mockumentary, con buoni effetti speciali.

Dentro Storm Drain troviamo il finto spot Veggie Smasher di Steven Kostanski (PG: Psycho Goreman), molto ironico nel suo definitivo minimalismo. Unico cruccio, adoro Kostanski e mi sarebbe piaciuto vedere qualcosa di più sostanzioso magari…

Piuttosto sintetico è anche The Empty Wake di Simon Barrett (Tape 69 in V/H/S/2, 2013), intorno alla veglia funebre di una salma che – prevedibilmente – non vorrà starsene morta troppo a lungo. Ottimi gli effetti, ben diretta e creativa la sequenza clou, ma per il resto poca cosa.

Con The Subject dell’indonesiano Timo Tjahjanto raggiungiamo il vertice dell’antologia, con un corto magnifico fra Tetsuo: the Body Hammer e Frankenstein’s Army, divertente, estremo, allucinante (in senso buono), grottesco e gore con meravigliosi effetti vecchia scuola, girato e scritto con grande ispirazione. Tjahjanto è il geniaccio dietro tante opere incredibili, tra cui Safe Haven, l’indimenticabile segmento di V/H/S/2 sulla setta millenarista; L is for Libibo, il segmento di The ABCs of Death (2012) intorno a quell’assurdo contest survival masturbatorio; e quell’action spettacolare e violentissimo che è La notte su di noi (2018) disponibile su Netflix.

Per quanto mi riguarda, The Subject si gioca man bassa il titolo di miglior corto in assoluto del franchise di V/H/S.

È poi il turno del satirico Terror di Ryan Prows (Lowlife), intorno a una milizia di “veri americani” in guerra con “misteriose” creature immortali. Classico tema su “chi è il vero mostro?”, svolto con buona sagacia e ironia. Funziona e intrattiene.

Infine, la cornice è fornita da Hell Fest di Jennifer Reeder (Knives and Skin), storia di una operazione antidroga decisamente sfortunata, che vede gli agenti S.W.A.T. coinvolti perdersi sempre di più nel covo e nelle trame di una pericolosissima setta. Ovviamente, quest’ultima fa un uso copioso di video VHS “perversi” proiettati su moltissimi televisori, sparsi nel labirintico quartiere generale della setta; e, nella finzione, alcuni di questi video sono quelli che vediamo noi nel film. Segmento suggestivo, molto arthouse a partire dalle scenografie curatissime, ma il finale è piuttosto meh.

Uscito in tempo per Halloween su Shudder, V/H/S/94 è proprio l’antologia che ci voleva, e un ghiotto invito al rewatch di tutta la serie!

V/H/S/94 (USA/Indonesia 2021), 103'
AA.VV.

STRAIGHT OUTTA NOWHERE: SCOOBY-DOO! MEETS COURAGE THE COWARDLY DOG | Il crossover animato tra il cagnone di Hanna-Barbera e Leone il cane fifone

2021-10-08T11:00:00.009-07:00

In fondo, Halloween è anche una festa amatissima dai bambini. Così l’altra sera io e il mio bambino interiore (che coincide grossomodo con tutto l’adulto esteriore) ci siamo visti questo atteso crossover tra due autentiche icone degli spooky cartoon: ovvero Scooby-Doo, creato nel 1969 da Hanna-Barbera, e Courage the Cowardly Dog (in Italia Leone il cane fifone) creato nel 1999 da John R. Dilworth per Cartoon Network. 30 anni che separano quello che forse è il maggior successo di sempre, della maggior casa di produzione americana di animazione televisiva del secolo scorso, da quello che potrebbe essere considerato il suo degno successore in quel di Cartoon Network – che, almeno in parte, nacque nel 1992 proprio dalle ceneri di Hanna-Barbera. Il cerchio infine si chiude.

Considerata l’immortalità di fatto di Scooby-Doo, protagonista ormai di infinite avventure, non stupisce che il suo nome appaia nel titolo prima di quello di Courage. Sebbene in effetti questo film direct to video sia ambientato nella inquietante Nowhere del nevrotico cagnetto rosa, risultando più una sua storia con ospite la Scooby Gang che viceversa.

La trama è poco più che una scusa per fare incontrare i due personaggi & relativi compagni umani. Mentre la Scooby Gang sta concludendo una delle sue indagini, togliendo la maschera all’ennesimo furfante travestito da mostro (per l’occasione un clown malvagio), Scooby-Doo inizia a muoversi in modo strano, attirato irresistibilmente in una certa direzione. Shaggy, Velma, Fred e Daphne saltano sulla Mistery Machine (abbandonando il villain, che può stavolta tenersi il bottino!) e, seguendo il segnale di un chip nel collare di Scooby, lo rintracciano appunto a Nowhere, salvando lui e Courage – con il quale l’alano aveva nel frattempo già stretto amicizia – da un attacco di cicale mutanti giganti.

Ospitati nella fattoria di Courage, i quattro ragazzi si affiatano subito con la materna e divertente Muriel (Marilù in Italia), venendo invece prevedibilmente osteggiati dal sempre (irresistibilmente) stronzissimo Eustace (Giustino). Il quale però è ben felice di poter spaventare ora tre gonzi alla volta – cioè Courage, Scooby e Shaggy, che formano un trio di fifoni-eroi-per-forza già naturalmente e perfettamente affiatato.

Sulla scia di strane manifestazioni, tra cui le già citate cicale e la loro più grossa e feroce leader, i nostri arriveranno a conoscere il sindaco di Nowhere, di cui Muriel ed Eustace ignoravano persino l’esistenza. E finiranno così a indagare sulle origini dei misteri di Nowhere…

Straight Outta Nowhere è una divertente avventura dei beniamini dei nostri bambini (interiori, ma anche reali se ne avete), all’insegna ovviamente del mix tra momenti paurosi e umorismo, con qualche momento un po’ cringe (soprattutto il ballo finale…) e qualche gag meno riuscita di altre. Molto buona la sinergia tra i personaggi principali dei due show coinvolti, per quanto sia il team Courage a rubare nettamente la scena. E interessante – per quanto prevedibilmente non sfruttato sino in fondo – il conflitto tra i loro due differenti stili (razionalista vs surrealista): con la Scooby Gang che si trova, credo per la prima volta, in mezzo a fenomeni soprannaturali autentici, e non semplici tizi mascherati.

Insomma un bel prodotto, che ha il grande pregio di riportare in auge Courage e il suo mondo, esplorandolo un altro po’ (Scooby-Doo avrà sicuramente mille altre avventure, Nowhere non la visitavamo da parecchio invece…), con disegni e animazioni di buona qualità. E nel finale c’è pure un Courage versione kaiju! Per me, insomma, un fanciullesco e soddisfatto sì.

STRAIGHT OUTTA NOWHERE: SCOOBY-DOO! MEETS COURAGE THE COWARDLY DOG (USA 2021), 78'
Regia di Cecilia Aranovich
Scritto da Michael Ryan
Basato sui personaggi di William Hanna e Joseph Barbera (Scooby-Doo) e John Dilworth (Courage)

KINGDOM: ASHIN OF THE NORTH | All'origine di KINGDOM una tragica e appassionante storia di vendetta

2021-10-04T09:00:00.003-07:00

[...] Le drammatiche vicende di Ashin of the North si svolgono presso il confine settentrionale dell’antico Regno di Joseon. Qui la giovane Ashin (da bambina interpretata dall’impeccabile Kim Si-ah), vive serena tra l’affetto dei suoi cari e della sua gente. Questo nonostante le terribili condizioni in cui versa il suo villaggio: affamato dalla povertà e dalla carestia; e isolato sia dalla natura ostile e dal clima glaciale, sia politicamente dalle decisioni del governo centrale.

Quello di Ashin è infatti un piccolo insediamento, entro i confini del Joseon, di una etnia, gli Jurchen, largamente presente oltre il confine; e considerati dal governo, a causa di scontri passati e attriti presenti, quali barbari e nemici. Così, nonostante la lealtà che il padre di Ashin (Kim Roe-ha) mostra nei confronti delle autorità del Regno, nella speranza che un giorno riconoscano al suo villaggio maggiori diritti, Ashin e la sua gente si trovano spiacevolmente tra due fuochi: il Joseon che li discrimina, e gli altri Jurchen che li guardano con sospetto, considerandoli traditori della propria stirpe.

La situazione degenera quando qualcuno (o qualcosa…) fa strage di un gruppo di cacciatori Jurchen provenienti dall’esterno. Dopo varie vicissitudini, a fare le spese di quanto accaduto saranno in primo luogo il padre di Ashin (davvero terribile e impressionante la sua sorte), dunque il suo intero villaggio. La piccola Ashin, salvatasi per puro caso, crescerà (ora interpretata dalla strepitosa Jun Ji-hyun) sola e disprezzata in un porcile di un insediamento Joseon, vittima di continui abusi da parte dei soldati. Nonostante tutto ella continuerà ogni giorno a cacciare e addestrarsi, affinando sempre di più le proprie abilità, meditando terribile vendetta per quanto accaduto alla sua famiglia e al popolo che amava. Sinché un giorno, compresa sino in fondo la verità dietro la distruzione del suo villaggio, passerà alle vie di fatto: utilizzando tra l’altro, assieme al suo infallibile arco, una certa piantina di nostra conoscenza, capace di “riportare in vita i morti”… che l’apocalisse abbia inizio! [...]

Questo è solamente un estratto dell'articolo, che potete leggere integralmente in esclusiva su Asian Feast.

Qui la recensione di Kingdom la serie.

KINGDOM: ASHIN OF THE NORTH (Corea del Sud 2021), 92'
Scritto da Kim Eun-hee
Regia di Kim Seong-hun

KINGDOM stt. 1 e 2 | Lotte di potere, guerra e zombie nella Corea medievale

2021-10-04T07:00:00.009-07:00

A Netflix va riconosciuto l’indubbio merito di promuovere produzioni da ogni parte del mondo. Le quali, tuttavia, vanno un po’ a perdersi nel mare magnum dei cataloghi nazionali. Con il marketing italiano – per esempio – che dà spesso molta più visibilità alle produzioni occidentali, e segnatamente quelle di grande richiamo.

Così, nonostante la presunta “moda” coreana degli ultimi anni, l’anno scorso anche Kingdom, serie che fonde meravigliosamente il dramma storico con lo zombie horror, è giunta da noi un po’ in sordina. Basti dire che tutt’oggi, dopo due stagioni, la serie è disponibile sulla grande N rossa senza un doppiaggio in italiano. Un elemento che, sicuramente superfluo per gli appassionati più “hard”, avrebbe potuto agevolare un allargamento degli ascolti – o mostrarne perlomeno l’intenzione.

Una strategia piuttosto singolare per una produzione originale Netflix, dal budget molto importante (1,78 milioni di dollari a episodio, secondo Variety) e dall’indubbio valore qualitativo. Scritta da Kim Eun-hee (autore del webcomic da cui la serie è tratta, The Kingdom of Gods), per la regia di Kim Seong-hun (Tunnel) e successivamente (dall’episodio 2.2) di Park In-je (Mo-bi-dik, Teukbyulshimin - The Mayor), Kingdom riesce nel – tutt’altro che semplice – compito di assolvere al meglio le sue premesse.

Riesce, cioè, a combinare due generi lontani come il dramma storico e l’abusato filone dell’apocalisse zombie (qui nella variante “infetti corridori” alla 28 Giorni Dopo o, per restare in zona, alla Train to Busan), in modo semplicemente perfetto. Le due “anime” dell’opera diventano di fatto una: e ci troviamo così immersi in un racconto appassionante, nel quale a realistici intrighi e lotte di potere nella Corea medievale seguono, senza soluzione di continuità, violente battaglie per la sopravvivenza contro mostruosi cannibali da film horror [...]

Questo è solamente un estratto dell'articolo, che potete leggere integralmente in esclusiva su Asian Feast, dove è stato originariamente pubblicato il 27/04/2020.

Qui la recensione del film spin-off/prequel Kingdom: Ashin of the North.

KINGDOM (Corea del Sud 2019-...)
Serie TV, due stagioni da 6 episodi ciascuna, durata episodi variabile
Creata da Kim Eun-hee
Regia di Kim Seong-hun e (dall’episodio 2.2) di Park In-je

PRISONERS OF THE GHOSTLAND | Nicolas Cage e Sion Sono oltre i confini del cinema!

2021-10-01T03:00:00.002-07:00

Sion Sono è un autentico invasato della Settima arte: capolavori estremi ed inqualificabili come Suicide Club, Love Exposure, Cold Fish, Guilty of Romance, e Antiporno tra gli altri, stanno lì a dimostrarlo. E il regista giapponese si conferma pienamente con il suo visionario primo film in lingua inglese, Prisoners of the Ghostland, un’opera che sbriciola con frenesia i confini tra le culture e i generi cinematografici, in un caleidoscopio devastante e destinato a lasciare il segno come l’esplosione nucleare che ricorre, nel film, quale suo simbolo mortifero e di rinascita insieme. Al centro del film – dunque dell’esplosione – l’icona Nicolas Cage, ormai incontenibile leggenda in questa fase calante, che sembra sempre più una fase crescente, protagonista di titoli mirabolanti e anch’essi inqualificabili come i lisergici Mandy (2018, Panos Cosmatos) e Il colore venuto dallo spazio (2019, Richard Stanley), l’imperfetto Willy’s Wonderland (2021, Kevin Lewis) o il devastante Pig (2021, Michael Sarnoski), dove reinventa, distrugge e rigenera continuamente e infaticabilmente la sua immagine di divo e protagonista: quasi un’esperienza Zen in salsa pop, la sua, entrata necessariamente in risonanza con l’avvento e la poetica di Sono. Cineasta e protagonista si sono insomma perfettamente trovati, e nel loro connubio il primo ha potuto girare questa sorta di Libro tibetano dei morti in forma di western chanbara post (o pre?) apocalittico.

Prologo: una rapina in banca andata male…una banca candida come una clinica, ma con clienti dai vestiti coloratissimi come il rosso distributore di coloratissime sorprese che, incomprensibilmente, si trova al suo centro. Il colpo di Hero (Cage) e Psycho (Nick Cassavettes) degenera allorché il secondo fredda, immotivatamente, un ragazzino che si trovava davanti al distributore con dei dolci in mano, e aveva osato offrirglieli. Stacco (sapremo dopo com’è andata), e ritroviamo Hero seminudo, sporco e imprigionato in catene. La città si chiama Samurai Town, un mix programmatico tra un villaggio giapponese e una cittadina del West abitato da geishe, samurai e pistoleri, e il suo Governatore di bianco vestito (Bill Moseley) intende usare Hero, opportunatamente intrappolato dentro una tuta di pelle piena di bombe a tempo, mandandolo a riportare indietro sua “figlia” Bernice (Sofia Boutella), che è stata rapita e condotta nella post apocalittica Ghostland, dove vivono strane persone tra il derelitto, il mutante e lo spettro. Fantasmi propriamente detti? Chissà. Hero “accetta”, gli vengono date le chiavi di una bella automobile ma l’abbandona per rubare una bicicletta, senza ragioni evidenti; interverrà Yasujiro (Tak Sakaguchi), il samurai guardia del corpo del Governatore, a riportargli l’auto. In maniera un po’ rocambolesca, Hero giunge infine a Ghostland [...]

Questo è solamente un estratto dell'articolo, che potete leggere integralmente in esclusiva su Malastrana VHS.

PRISONERS OF THE GHOSTLAND (USA/Giappone 2021), 103'
Regia di Sion Sono
Sceneggiatura di Aaron Hendry e Reza Sixo Safai
CAST: Nicolas Cage (Hero), Sofia Boutella (Bernice), Nick Cassavetes (Psycho), Bil Moseley (il Governatore), Tak Sakaguchi (Yasujiro).

[NEWS] V/H/S/94, tantissime nuove immagini in anteprima! (+ il trailer!)

2021-09-28T08:30:00.003-07:00

Avevamo già parlato (qui!) dell'uscita, oramai imminente, del quarto capitolo di V/H/S, la celeberrima serie di antologie di corti a tema found footage horror. Intitolato V/H/S/94, il nuovo film sarà disponibile in esclusiva su Shudder a partire dal 6 ottobre 2021, giusto in tempo per Halloween ovviamente!

Purtroppo il grande servizio streaming dedicato interamente all'horror, qui in Italia non è ancora arrivato: ergo restiamo in attesa di sapere se & chi eventualmente distribuirà V/H/S/94! Per ora, gustatevi tutte le nuove immagini che Shudder ha rilasciato in anteprima!

Il trailer di V/H/S/94:

Fonte: BD