Because the light

La grande onda di Ray Collins

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 31 Mar 2015 07:00:00 +0000

Quando le onde non sono le solite montagne d'acqua sulle quali incoscienti ragazzoni abbronzati con una tavola si divertono a far surf. Quelle fotografate da Ray Collins sono vere montagne di roccia, con neve e ghiaccio, venature e formazioni che la luce colora, definisce e attraversa.

Le fotografie delle onde di Ray Collins sono cime innevate, sembrano montagne di roccia scura, sprigionano potenza e incutono timore ma ciò che le rende così affascinanti è la sensazione di una forza impetuosa che per un istante rimane intrappolata e che si dilata per merito del potere della fotografia. Un'energia potenziale e tumultuosa nell'atto dell'esplosione che diventa una scultura meravigliosa della natura. Iconica e mostruosamente bella e delicata.

Ray Collins è un fotografo australiano, lavorava in una miniera e trascorreva la maggior parte del tuo tempo coperto di polvere nera. La sua passione per il surf è dunque una catarsi, una liberazione da quel mondo grigio e claustrofobico per riconquistare lo spazio luminoso e umido dell'oceano.
Le sue fotografie sono apparse e continuano ad apparire su numerose riviste di sport e naturalistiche, mentre le sue immagini vengono esposte in gallerie oltre i confini australiani, dagli Stati Uniti all'Europa.

Come la grande onda di Hokusai, dietro i picchi iridescenti illuminati da temerari raggi di sole che interrompono lo spaventoso paesaggio marino in tempesta, si cela tutto il timore e il rispetto per la natura, le sue leggi e la sua bellezza sconvolgente.

La grande onda di Kanagawa, 1830 circa, di Katsushika Hokusai

Non sono solo surfisti che scivolano sulle onde, Ray Collins fotografa con grande maestria e tecnica (non ci possiamo nemmeno immaginare quante sessioni per realizzare ottimi scatti come questi).
Per guardare bene occorre conoscere bene e conoscere è amare.
Osserviamo il mare e ci perdiamo nel ritmo cadenzato delle onde, a contarne i rintocchi, a sorprenderci delle sue intemperanze, a lasciarsi cullare dalla melodia dei movimenti, ad arrabbiarci per la loro imprevedibile anima ribelle. C'è però chi ne ha costruito delle montagne, con grazia e eleganza, con l'attenzione a non fingere e la dedizione alla perfezione, con quella pazienza che solo un surfista riesce a coltivare.

un ritratto di Ray Collins come si mostra sul suo sito personale

la lettura: Robert Adams e la bellezza in fotografia

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 25 Mar 2014 08:00:00 +0000

Un libro apparentemente difficile e pretenzioso ma che conquista con la sua delicata attenzione ai temi fondamentali della fotografia, La bellezza in fotografia, saggi in difesa dei valori tradizionali.
Robert Adams ci conduce come un padre attraverso il sentiero appassionante della scoperta della bellezza, puntando l'occhio sulla questione ambientale e discutendo del metodo con cui cercare, catturare e far sprigionare la bellezza da uno scatto.

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Il mio scopo è di far intravedere il potere dei nostri occhi, non le potenzialità di un'apparecchiatura fotografica. Robert Adams

Prosegue l'appuntamento con la rubrica dei consigli di lettura di approfondimento fotografico. Quello di cui voglio parlare può sembrare un libro difficile e pretenzioso e invece conquista con la sua accessibilità e delicata attenzione ai temi fondamentali della fotografia, La bellezza in fotografia, saggi in difesa dei valori tradizionali.
Inoltre Robert Adams non ci guida con la freddezza di un professore ma ci accompagna per mano attraverso il sentiero appassionante della scoperta della bellezza puntando l'occhio sulla questione ambientale e discutendo del metodo con cui cercare, catturare e far sprigionare la bellezza da uno scatto.

La raccolta di saggi del fotografo e docente Robert Adams costituisce uno strumento fondamentale per tutti gli appassionati, i critici ma sopratutto per gli stessi fotografi.
Coglie con precisione il senso della questione della bellezza e dell'urgenza ambientale senza intellettualistiche e contorte (e a volte confuse) evasioni. E lo fa in modo convincente, semplice ma non semplicistico, con le giuste cautele e senza eludere i punti chiave, anche i più insidiosi con coraggio.

Oltre alla qualità delle argomentazioni e la passione con la quale sono esposte, ho percepito una sensazione scorrere sulle pagine, era come ascoltare un padre (della fotografia) che offre consigli affettuosi al proprio figlio (l'allievo e lettore). Ed è raro che un saggio riesca a coinvolgere fino a tal punto e instaurare un rapporto così diretto, sincero e onesto.
Nel testo è inclusa anche una selezione fotografica di valore, sopratutto e prevedibilmente paesaggisti americani, che aiuta il lettore a contestualizzare le argomentazioni esposte.

Il libro è stato ristampato nel 2012, lo trovate su Amazon.

La bellezza in fotografia, saggi in difesa dei valori tradizionali.
Robert Adams
edito da Bollati Boringhieri
12,75€

L'editore lo descrive così: "Questi scritti costituiscono una singolare eccezione nel panorama della letteratura fotografica. Robert Adams è tra i pochi fotografi di oggi a volersi confrontare direttamente con problemi e termini 'inattuali' come bellezza, verità, forma, composizione, novità, rappresentazione del male. Difficile trovare simili questioni affrontate con maggiore eloquenza e passione. Dalle fotografie di alcuni dei maggiori esponenti della storia della fotografia - da Weston a Strand, da Minor White alla Arbus - Adams ricava indicazioni, stupori, rivelazioni; dalla loro lettura affiora una nuova consapevolezza circa le possibilità e il ruolo della fotografia nel nostro mondo."

Una riflessione sulla percezione del paesaggio cui sono particolarmente legato e che mi commuove perché riflette il mio stesso modo di concepire la fotografia.
"Se consideriamo la differenza tra William Henry Jackson che caricava i suoi apparecchi sopra un mulo e una persona che salta giù dalla propria automobile per scattare una fotografia con una Instamatic, diviene chiaro come parte del nostro spazio sia scomparso. Se il tempo necessario per attraversare lo spazio è un modo per definirlo, pensare a una visione dello spazio “in tempo zero” significa negare la realtà (esistono infatti poche buone istantanee dello spazio)."

E dobbiamo davvero riconfigurare il nostro approccio alla fotografia di paesaggio, condividendo con Adams le tre verità delle immagini di paesaggio: la verità geografica, quella autobiografica e quella metaforica.

Chi è Robert Adams?
E' un fotografo e docente di fotografia (1937) che si è dedicato per tutta la vita a documentare l'ovest americano e le trasformazioni del paesaggio. Dopo un lungo periodo di assenza dalle sue terre di origini, è tornato a visitarle e ha dovuto confrontarsi con la trasfigurazione rapidissima di un paesaggio prima selvaggio, la cosiddetta wilderness e adesso soggiogato ad un imponente consumo di territorio.

Consiglio la lettura della recensione del libro su Nadir.
La pagina dedicata a Robert Adams su Wikipedia per scoprire di più su vita, opere e biografia.

Robert Adams

Robert Adams - The New West

Robert Adams

Hiroshi Sugimoto, il minimalimo e il mare

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 13 Mar 2014 08:00:00 +0000

Hiroshi Sugimoto interpreta il paesaggio in modo del tutto personale, rimuovendo ogni frammento di distrazione dai suoi scatti e riducendo i soggetti a pura forma e sfumatura.
Scopriamo meglio le sue immagini silenziose e concettuali, le serie dei paesaggi marini, teatri e diorama.

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Hiroshi Sugimoto, classe 1948, è un fotografo giapponese noto per i suoi diorama sugli animali e per le scene di minimalismo assoluto.
Il suo lavoro negli anni si è distinto per numerose serie fotografiche con caratteristiche e tematiche diverse ma accomunate dal solito personalissimo stile.

Con un approccio minimalista e lento che odora di cultura giapponese, Sugimoto interpreta il paesaggio in modo del tutto personale, rimuovendo ogni frammento di distrazione dai suoi scatti, riducendo i soggetti a pura forma e sfumatura.
Le sue visioni del mare in bianco e nero ne sono un esempio.
Sono così prive di appigli da divenire concetto, le sue fotografie si trasformano in capsule del tempo, trappole in cui collezionare eventi e momenti. Da qui emerge il suo interesse per i concetti di vita e morte, sicuramente evidenti nelle serie dei diorama di animali imbalsamati catturati dalle collezioni di musei di storia naturale.

E' del 1980 la serie Seascapes, realizzata con una vecchia e ingombrante macchina fotografica e tempi di posa che si allungano fino a tre ore. Ne risultano immagini eleganti e raffinate, che nell'amore per il vuoto suggeriscono un'iniziale sensazione di equilibrio che muta in aspettativa per qualcosa in procinto di accadere o timore per le conseguenze di qualcosa che è già accaduto. Si innescano meccanismi psicologia fluidi in cui la mente dell'osservatore trova spazio di interrogarsi.

E' difficile interpretare il vuoto, lo interpretiamo riempiendolo di noi stessi.

Hiroshi Sugimoto
Catalogue designed by Takaaki Matsumoto di Kerry Brougher, Pia Muller-Tamm, Takaaki Matsumoto e Hiroshi Sugimoto
397 pagine, copertina rigida
edito Hatje Cantz (2010)
72€

Seascapes - Hiroshi Sugimoto

La serie Diorama è de l976. La sequenza dei teatri invece si ricollega a quella dei paesaggi marini, notturni e vuoti.

Diorama - Hiroshi Sugimoto

Hiroshi Sugimoto

Theaters - Hiroshi Sugimoto

Interessante anche il lavoro di architetture fuori fuoco, in cui edifici più o meno noti diventano pura astrazione con un trattamento preciso del bianco e nero e una luce ammorbidita dalla mancanza di definizione dell'immagine. Le immagini assumono così significati metafisici, ritornando ad un'idea di architettura pura, costruita su linee e masse.

Hiroshi Sugimoto

Wikipedia ci fornisce un aiuto a comprendere meglio la figura di questo grande fotografo.

L'enigma della bellezza e la computer grafica

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 18 Feb 2014 08:10:00 +0000

Un bellissimo video di Rino Stefano Tagliaferro ci accompagna in un viaggio nella storia dell'arte tramite un'elaborato e affascinante intervento digitale che anima i dipinti.

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Un bellissimo video di Rino Stefano Tagliaferro ci accompagna in un viaggio nella storia dell'arte.

La realizzazione è piuttosto complessa ma l'effetto finale è coinvolgente e emotivo. Tramite l'elaborazione digitale l'autore modifica, muove, distorce e anima i dipinti costruendo dei piccoli istanti di vita.

La selezione delle opere è particolare, si distinguono i numerosi richiami al rinascimento rivisto nell'ottocento da William Adolphe Bouguereau, un vitale antagonista del nascente impressionismo, fino a giungere alle celebri e drammatiche tavole di Caravaggio, passando da Correggio, Tiziano, Guido Reni con qualche innesto di Vermeer, Rubens, Bocklin, Claesz, l'Ofelia di Millais, terminando con la crepuscolare Abbazia nel querceto di Caspar David Friedrich, uno dei miei quadri preferiti.

Un invito ad approfondire tramite il sito personale dell'autore questo accurato lavoro grafico.

Purtroppo a causa della partecipazione ad alcuni festival il video è stato proposto nella versione ridotta, l'originale di circa 10'' è al momento non disponibile. Ho avuto la fortuna di vedere l'originale non tagliato ed è impressionante, spero che sia possibile goderne presto.

L'avventura di un fotografo di Italo Calvino

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 13 Jan 2014 08:05:00 +0000

"L'avventura di un fotografo" è un racconto di Italo Calvino che tutti dovremmo leggere e comprendere fino alla più profonda delle sue implicazioni.
Riportiamo il testo in forma integrale, estratto dalla raccolta Amori difficili.

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Italo Calvino negli anni '50 raccoglie in Amori difficili una serie di racconti, tra cui "L'avventura di un fotografo". Si tratta di un testo che tutti dovremmo leggere e comprendere fino alla più profonda delle sue implicazioni.
Per questo ho deciso di riportarlo nel blog in forma integrale. Merita una lettura attenta e concentrata, è piacevole e rivelatore e impressiona sopratutto il momento storico in cui è stato scritto perché pone questioni ancora attuali e tuttora irrisolte.

Le avventure presenti nella raccolta riguardano il rapporto con gli altri. Un'impresa silenziosa che assume sfumate declinazioni nei vari racconti e che sopratutto in quello che ci riguarda più direttamente, il racconto fotografico, sfiora aspetti di grande profondità, scritti con la consueta ironia di Calvino.
Con arguzia anticonformista scava, indaga e si accompagna ad un'impercettibile timore di addentrarsi in un mondo sconosciuto e pericoloso.

Italo Calvino

Rosa Maria Puglisi descrive così il protagonista del racconto:
Le idee di Antonino Paraggi, personaggio dal nome emblematico, non-fotografo, ma piuttosto uomo qualunque e filosofo per atteggiamento mentale, sono incomprensibili a “l’uomo fotografico”, che si riversa per monti e per mari e, macchina a tracolla, fotografa la propria giornata con moglie e figli; per gli individui di tale specie, come scrive Susan Sontag, “far fotografie, che è un modo di attestare un’esperienza, è anche un modo di rifiutarla, riducendola a una ricerca del fotogenico, trasformandola in un souvenir”.

Sempre più spesso mi pongo la stessa domanda di Antonio Paraggi, sebbene non con la stessa affilata lucidità. “Prelevare dalla mobile continuità della giornata queste fette temporali dello spessore di un secondo. Il gusto della fotografia spontanea naturale colta dal vivo uccide la spontaneità, allontana il presente”.

Ecco dunque che la ricerca fotografica si trasforma in un'ossessione. Il ritratto diventa il fulcro centrale di un'indagine volta a coglierne l'essenza, dispersa in un flusso di istantanee, rappresentazioni, maschere e superfici da scalfire.
Non vi svelo il finale perché è interessante seguire il processo filosofico del personaggio, e quindi dell'autore, entrambi figli di un'epoca, la loro e più che mai la nostra, in cui tutto sembra già stato fatto e già fotografato.

Gli amori difficili.
Italo Calvino
edito da Oscar Mondadori
8,08€

Ecco dunque che inizia l'avventura.

L'avventura di un fotografo - di Italo Calvino

Con la primavera, a centinaia di migliaia, i cittadini escono la domenica con l'astuccio a tracolla. E si fotografano. Tornano contenti come cacciatori dal carniere ricolmo, passano i giorni aspettando con dolce ansia di vedere le foto sviluppate (ansia a cui alcuni aggiungono il sottile piacere delle manipolazioni alchimistiche nella stanza oscura, vietata alle intrusioni dei familiari e acre d'acidi all'olfatto), e solo quando hanno le foto sotto gli occhi sembrano prendere tangibile possesso della giornata trascorsa, solo allora quel torrente alpino, quella mossa del bambino col secchiello, quel riflesso di sole sulle gambe della moglie acquistano l'irrevocabilità di ciò che è stato e non può esser più messo in dubbio. Il resto anneghi pure nell'ombra insicura del ricordo.
Frequentando gli amici e i colleghi, Antonino Paraggi, non-fotografo, avvertiva un crescente isolamento. Ogni settimana scopriva che alle conversazioni di coloro che magnificano la sensibilità d'un diaframma o discettano sul numero dei din s'univa la voce di qualcuno cui fino a ieri egli aveva confidato, sicuro che li condividesse, i suoi sarcasmi verso un'attività per lui così poco eccitante e così priva d'imprevisti.
Come professione, Antonino Paraggi esplicava mansioni esecutive nei servizi distributivi d'un'impresa produttiva, ma la sua vera passione era quella di commentare con gli amici gli avvenimenti piccoli e grandi sdipanando il filo delle ragioni generali dai garbugli particolari; egli era insomma, per atteggiamento mentale, un filosofo, e nel riuscire a spiegarsi anche i fatti più lontani dalla sua esperienza metteva tutto il suo puntiglio. Ora sentiva che qualcosa nell'essenza dell'uomo fotografico gli sfuggiva, il segreto appello per cui nuovi adepti continuavano ad arruolarsi sotto le bandiere dei dilettanti dell'obiettivo, alcuni vantando i progressi delle loro abilità tecniche e artistiche, altri al contrario attribuendo tutto il merito alla bontà dell'apparecchio che avevano acquistato, capace (a sentir loro) di produrre capolavori anche se affidato a mani inette (quali venivano dichiarate le loro, perché là dove l'orgoglio era puntato a esaltare le virtù dei congegni meccanici, il talento soggettivo accettava di venire in proporzione umiliato). Antonino Paraggi capiva che né l'uno né l'altro motivo di compiacimento era decisivo: il segreto stava altrove.
Bisogna dire che questo cercare nella fotografia le ragioni d'un suo malcontento - come di chi si sente escluso da qualcosa - era in parte anche un trucco di Antonino con se stesso, per evitare di prendere in considerazione un altro, e più vistoso, processo che lo andava separando dagli amici. Ciò che stava avvenendo era che i suoi coetanei a uno a uno si sposavano, mettevano famiglia, mentre Antonino rimaneva scapolo. Pure tra i due fenomeni intercorreva un indubbio legame, in quanto spesso la passione dell'obiettivo nasce in modo naturale e quasi fisiologico come effetto secondario della paternità. Uno dei primi istinti dei genitori, dopo aver messo al mondo un figlio, è quello di fotografarlo; e data la rapidità della crescita si rende necessario fotografarlo spesso, perché nulla è più labile e irricordabile d'un infante di sei mesi, presto cancellato e sostituito da quello di otto mesi e poi d'un anno; e tutta la perfezione che agli occhi dei genitori può aver raggiunto un figlio di tre anni non basta ad impedire che subentri a distruggerla la nuova perfezione dei quattro, solo restando l'album fotografico come luogo dove tutte queste fugaci perfezioni si salvino e giustappongano, ciascuna aspirando a una propria incomparabile assolutezza. Nella smania dei genitori novelli d'inquadrare la prole nel mirino per ridurla all'immobilità del bianco-e-nero o della diapositiva- fotocolor, il non-fotografo e non-procreato-re Antonino vedeva soprattutto una fase della corsa verso la follia che covava in quel nero strumento. Ma le sue riflessioni sul nesso iconoteca-famiglia-follia erano sbrigative e reticenti: altrimenti avrebbe compreso che in realtà chi correva il pericolo maggiore era lui, lo scapolo.
Nella cerchia d'amicizie d'Antonino s'usava passare la fine settimana fuori città in comitiva, secondo una consuetudine che per molti di loro durava dagli anni studenteschi, e che s'era estesa alle fidanzate e poi alle spose e alle figliolanze, nonché alle balie e governanti, e in alcuni casi ai parenti acquistati e a nuove conoscenze d'ambo i sessi. Ma poiché la continuità delle frequentazioni e abitudini non era mai venuta meno, Antonino poteva far finta che nulla fosse cambiato col passare degli anni e che quella fosse ancora la comitiva di giovanotti e di ragazze d'una volta, anziché un conglomerato di famiglie in cui egli restava il solo scapolo superstite.
Sempre più spesso, in queste gite montane o marine, al momento della foto di gruppo familiare o interfamiliare, era richiesto l'intervento d'un operatore estraneo, magari d'un passante che si prestasse a premere lo scatto dell'apparecchio già messo a fuoco e puntato nella direzione voluta. In questi casi Antonino non poteva rifiutare i suoi servigi: raccoglieva la macchina dalle mani d'un genitore o d'una genitrice che correvano a piazzarsi in seconda fila sporgendo il collo tra due teste o ad accoccolarsi tra i più piccoli; e concentrando tutte le sue forze nel dito preposto all'uso schiacciava il grilletto. Le prime volte un inconsulto irrigidirsi delle braccia deviava la mira a catturare alberature d'imbarcazioni o guglie di campanili, o a decapitare nonni e zii. Fu accusato di farlo apposta, biasimato per un cattivo genere di scherzi. Non era vero: la sua intenzione era di concedere il dito come docile strumento della volontà collettiva, ma intanto di servirsi della momentanea posizione di privilegio per ammonire fotografi e fotografati sul significato dei loro atti. Appena il polpastrello raggiunse la voluta condizione di distacco dal resto della sua persona e individualità, egli fu libero di comunicare le sue teorie in argomentate allocuzioni, inquadrando nel contempo riuscite scenette d'insieme. (Alcuni casuali successi erano bastati a dargli disinvoltura e confidenza con i mirini e gli esposimetri.)
-... Perché una volta che avete cominciato, - predicava - non c'è nessuna ragione che vi fermiate. Il passo tra la realtà che viene fotografata in quanto ci appare bella e la realtà che ci appare bella in quanto è stata fotografata, è brevissimo. Se fotografate Pierluca mentre fa il castello di sabbia, non c'è ragione di non fotografarlo mentre piange perché il castello è crollato, e poi mentre la bambinaia lo consola facendogli trovare in mezzo alla sabbia un guscio di conchiglia. Basta che cominciate a dire di qualcosa: "Ah che bello, bisognerebbe proprio fotografarlo!" e già siete sul terreno di chi pensa che tutto ciò che non è fotografato è perduto, che è come se non fosse esistito, e che quindi per vivere veramente bisogna fotografare quanto più si può, e per fotografare quanto più si può bisogna: o vivere in modo quanto più fotografarle possibile, oppure considerare fotografarle ogni momento della propria vita. La prima via porta alla stupidità, la seconda alla pazzia.
- Pazzo e stupido sarai tu, - gli dicevano gli amici, - e per di più rompiscatole.
- Per chi vuole recuperare tutto ciò che passa sotto i suoi occhi, - spiegava Antonino anche se nessuno lo stava più a sentire, - l'unico modo d'agire con coerenza è di scattare almeno una foto al minuto, da quando apre gli occhi al mattino a quando va a dormire. Solo così i rotoli di pellicola impressionata costituiranno un fedele diario delle nostre giornate, senza che nulla resti escluso. Se mi mettessi a fotografare io, andrei fino in fondo su questa strada, a costo di perderci la ragione. Voi invece pretendete ancora di esercitare una scelta. Ma quale? Una scelta in senso idillico, apologetico, di consolazione, di pace con la natura la nazione i parenti. Non è soltanto una scelta fotografica, la vostra; è una scelta di vita, che vi porta a escludere i contrasti drammatici, i nodi delle contraddizioni, le grandi tensioni della volontà, della passione, dell'avversione. Così credete di salvarvi dalla follia, ma cadete nella mediocrità, nell'ebetudine.
Certa Bice, ex cognata di qualcuno, e certa Lydia, ex segretaria di qualche altro, gli chiesero se per favore scattava loro un'istantanea mentre giocavano al pallone tra le onde. Accondiscese, ma siccome intanto aveva elaborato una teoria contro le istantanee, si premurò di comunicarla alle due amiche:
- Cosa vi spinge, ragazze, a prelevare dalla mobile continuità della vostra giornata queste fette temporali dello spessore d'un secondo? Lanciandovi il pallone vivete nel presente, ma appena la scansione dei fotogrammi si insinua tra i vostri gesti non è più il piacere del gioco a muovervi ma quello di rivedervi nel futuro, di ritrovarvi tra vent'anni su di un cartoncino ingiallito (sentimentalmente ingiallito, anche se i procedimenti di fissaggio moderni lo preserveranno inalterato). Il gusto della foto spontanea naturale colta dal vivo uccide la spontaneità, allontana il presente. La realtà fotografata assume subito un carattere nostalgico, di gioia fuggita sull'ala del tempo, un carattere commemorativo, anche se è una foto dell'altro ieri. E la vita che vivete per fotografarla è già in partenza commemorazione di se stessa. Credere più vera l'istantanea che il ritratto in posa è un pregiudizio...
Così dicendo Antonino saltellava in mare attorno alle due amiche per mettere a fuoco i movimenti del gioco ed escludere dall'inquadratura gli abbaglianti riflessi del sole sull'acqua. In una zuffa per il pallone Bice che si slanciava sull'altra già sommersa fu colta col sedere in primo piano volante sulle onde. Antonino per non perdere questo scorcio s'era buttato riverso nell'acqua tenendo sollevata la macchina e mancò poco annegasse.
- Sono venute tutte benissimo, e questa poi è stupenda, - commentarono qualche giorno dopo, strappandosi di mano i provini. Gli avevano dato appuntamento nel negozio del fotografo. - Sei bravo, devi farcene delle altre. Antonino era giunto alla conclusione che occorreva ritornare ai personaggi in posa, in atteggiamenti rappresentativi della loro situazione sociale e del loro carattere, come nell'Ottocento. La sua polemica antifotografica poteva essere condotta solo dall'interno della scatola nera, contrapponendo fotografia a fotografia.
- Mi piacerebbe avere una di quelle vecchie macchine a soffietto, - disse alle amiche, - montate su un trepiede. Credete che se ne trovino ancora?
- Mah, forse da qualche rigattiere...
- Andiamo a cercare.
Le amiche trovarono divertente la caccia all'oggetto curioso; insieme perlustrarono mercati di cianfrusaglie, interpellarono vecchi fotografi ambulanti, li seguirono nei loro stambugi. In quei cimiteri di materiale fuori uso giacevano colonnine, paraventi, fondali dipinti con sfumati paesaggi; tutto ciò che evocava un vecchio studio di fotografo, Antonino lo comprava. Alla fine riuscì a mettere le mani su una macchina a cassetta, con lo scatto a pera. Sembrava funzionasse perfettamente. Antonino la comprò con un assortimento di lastre. Aiutato dalle amiche, in una stanza del suo alloggio installò lo studio, tutto d'oggetti antiquati, tranne due moderni riflettori.
Adesso era soddisfatto. - Bisogna ripartire di qua, - spiegò alle amiche. - Nel modo in cui i nostri nonni si mettevano in posa, nella convenzione secondo la quale venivano disposti i gruppi, c'era un significato sociale, un costume, un gusto, una cultura. Una fotografia ufficiale o matrimoniale o familiare o scolastica dava il senso di quanto ogni ruolo o istituzione aveva in sé di serio e d'importante ma anche di falso e di forzato, d'autoritario, di gerarchico. Questo è il punto: rendere espliciti i rapporti col mondo che ognuno di noi porta con sé, e che oggi si tendono a nascondere, a far diventare inconsci, credendo che in questo modo spariscano, mentre invece...
- Ma chi è che vuoi far posare?
- Venite domani e comincerò a farvi delle foto come dico io.
- Ma di', dove vuoi arrivare? - fece Lydia, presa da un'improvvisa diffidenza. Solo adesso, nello studio installato, vedeva che in esso tutto aveva un'aria sinistra, minacciosa. - Te lo sogni che veniamo a farti da modelle!
Bice ridacchiò con lei, ma l'indomani tornò a casa d'Antonino, sola.
Era vestita di lino bianco, con ricami colorati sui bordi delle maniche e delle tasche. Aveva i capelli divisi da una scriminatura e raccolti sulle tempie. Rideva un po' di sottecchi, inclinando il capo da una parte. Antonino facendola passare studiava, in quei suoi modi un po' vezzosi un po' ironici, quali erano i tratti che definivano il suo carattere vero.
La fece sedere in una grande poltrona, e infilò la testa sotto il drappo nero che guarniva l'apparecchio. Era una di quelle cassette dalla parete posteriore di vetro, dove l'immagine si specchia già quasi come su una lastra, spettrale, un po' lattiginosa, separata da ogni contingenza nello spazio e nel tempo. Ad Antonino parve di vedere Bice per la prima volta. Aveva un'arrendevolezza, nel calare un po' pesante delle palpebre, nel protendere avanti il collo, che prometteva qualcosa di nascosto, così come il suo sorriso pareva nascondersi dietro lo stesso atto del sorridere.
- Ecco, così, no, la testa più in là, alza gli occhi, no abbassa, - Antonino stava rincorrendo dentro quella scatola qualcosa di Bice che improvvisamente gli pareva preziosissimo, assoluto.
- Ora ti fai ombra, vieni più in luce, no, era meglio prima.
C'erano molte fotografie di Bice possibili e molte Bice impossibili a fotografare, ma quello che lui cercava era la fotografia unica che contenesse le une e le altre.
- Non ti prendo, - la sua voce usciva soffocata e lamentosa da sotto alla cappa nera, - non ti prendo più, non riesco a prenderti.
Si liberò dal drappo e si rialzò. Stava sbagliando tutto da principio. Quell'espressione quell'accento quel segreto che gli sembrava d'esser lì lì per cogliere sul viso di lei era qualcosa che lo trascinava nelle sabbie mobili degli stati d'animo, degli umori, della psicologia: era anche lui uno di quelli che inseguono la vita che sfugge, un cacciatore dell'inafferrabile, come gli scattatori d'istantanee.
Doveva seguire la via opposta: puntare su un ritratto tutto in superficie, palese, univoco, che non rifuggisse dall'apparenza convenzionale, stereotipa, dalla maschera. La maschera, essendo innanzi tutto un prodotto sociale, storico, contiene più verità d'ogni immagine che si pretenda "vera"; porta con sé una quantità di significati che si riveleranno a poco a poco. Non era proprio con questo intento che Antonino aveva messo su quel baraccone d'uno studio? Osservò Bice. Doveva partire dagli elementi esteriori del suo aspetto. Nel modo di vestirsi e acconciarsi di Bice, - pensò, - era riconoscibile l'intenzione un po' nostalgica un po' ironica, diffusa nel gusto di quegli anni, di richiamarsi alla moda di trent'anni prima. La fotografia avrebbe dovuto accentuare quest'intenzione: come mai non ci aveva pensato?
Antonino andò a cercare una racchetta da tennis; Bice doveva stare in piedi, di tre quarti, con la racchetta sotto il braccio, atteggiando il viso a un'espressione da cartolina sentimentale. Ad Antonino, da sotto la mantella nera, l'immagine di Bice - in ciò che aveva di snello e adatto a quella posa e in ciò che aveva d'inadatto e quasi incongruo e che la posa accentuava, - parve molto interessante. La fece cambiare più volte di posizione, studiando la geometria delle gambe e delle braccia in rapporto alla racchetta e a un elemento di sfondo. (Nella cartolina ideale che egli aveva in mente ci doveva essere la rete del campo di tennis, ma non si poteva pretendere troppo e Antonino si contentò d'un tavolo da ping-pong).
Però ancora non si sentiva su terreno sicuro: non stava per caso cercando di fotografare dei ricordi, anzi, dei vaghi echi di ricordo affioranti dalla memoria? Il suo rifiuto di vivere il presente come ricordo futuro, al modo dei fotografi della domenica, non lo portava a tentare un'operazione altrettanto irreale, cioè a dare un corpo al ricordo per sostituirlo al presente davanti ai suoi occhi?
- Muoviti, cosa stai lì impalata, alza quella racchetta, accidenti! Fa' come se giocassi a tennis! -s'infuriò tutt'a un tratto. Aveva capito che solo esasperando le pose si poteva raggiungere un'estraneità oggettiva; solo fìngendo un movimento arrestato a metà si poteva dare l'impressione del fermo, del non vivente.
Bice si prestava docilmente a eseguire i suoi ordini anche quando si facevano imprecisi e contraddit-tori, con una passività che era anche un dichiararsi fuori del gioco, eppure in qualche modo insinuando, in questo gioco non suo, le imprevedibili mosse d'una sua misteriosa partita. Quello che ora Antonino attendeva da Bice dicendole di mettere le gambe e le braccia così e così, non era tanto la semplice esecuzione d'un programma, quanto la risposta di lei alla violenza che egli le andava facendo con le sue richieste, una imprevedibile aggressiva risposta a questa violenza che egli era sempre di più portato a esercitare su di lei.
Era come nei sogni, pensò Antonino, contemplando seppellito nel buio quell'improbabile tennista filtrata nel rettangolo di vetro: come nei sogni quando una presenza venuta dalla profondità della memoria s'avanza, si fa riconoscere, e poi subito si trasforma in qualcosa d'inaspettato, in qualcosa che prima ancora della trasformazione già spaventa perché non si sa in che cosa potrà trasformarsi.
Voleva fare la foto ai sogni? Questo sospetto lo ammutolì, nascosto in quel rifugio da struzzo, la peretta dello scatto in mano, come un idiota; e intanto Bice, lasciata a se stessa, continuava una specie di danza grottesca, immobilizzandosi in esagerati gesti tennistici, rovescio, drive, levando alta la racchetta o abbassandola al suolo come se lo sguardo che usciva da quell'occhio di vetro fosse la palla che lei continuava a respingere.
- Basta, cos'è questa commedia, non è così che intendevo, - e Antonino coperse la macchina col drappo, prese a passeggiare per la stanza.
Era quel vestito la colpa di tutto, con le sue evocazioni tennistiche e prebelliche... Bisognava ammettere che in vestito da passeggio una foto come diceva lui non si poteva fare. Ci voleva una certa solennità, una certa pompa, come le foto ufficiali delle regine. Solo in abito da sera Bice sarebbe diventata un soggetto fotografico, con la scollatura che segna un confine netto tra il bianco della pelle e lo scuro della stoffa sottolineato dal luccichio dei gioielli, un confine tra un'essenza di donna atemporale e quasi impersonale nella sua nudità e l'altra astrazione, sociale questa, dell'abito, simbolo d'un ruolo altrettanto impersonale, come il drappeggio d'una statua allegorica.
S'avvicinò a Bice, si mise a sbottonarla sul collo, sul petto, a far scorrere il vestito sulle spalle. Gli erano venute in mente certe fotografie di donna ottocentesche, in cui dal bianco del cartoncino emerge il viso il collo la linea delle spalle scoperte, e tutto il resto svanisce nel bianco.
Quello era il ritratto fuori dal tempo e dallo spazio che ora lui voleva: non sapeva bene come si faceva ma era deciso a riuscirci. Piazzò il riflettore addosso a Bice, avvicinò la macchina, armeggiò sotto il drappo per regolare l'apertura dell'obiettivo. Guardò. Bice era nuda.
Aveva fatto scivolare il vestito fino ai piedi; sotto non aveva niente; aveva fatto un passo avanti; no, un passo indietro che era come un avanzare tutta intera nel quadro; stava dritta, alta davanti alla macchina, tranquilla, guardando davanti a sé, come se fosse sola.
Antonino sentì la vista di lei entrargli negli occhi i occupare tutto il campo visivo, sottrarlo al flusso delle immagini casuali e frammentarie, concentrare tempo e spazio in una forma finita. E come se questa sorpresa della vista e l'impressionarsi della lastra fossero due riflessi collegati tra loro, subito premette lo scatto, ricaricò la macchina, scattò, mise un'altra lastra, scattò, continuò a cambiare lastra e scattare, farfugliando, soffocato dal drappo: - Ecco, ora sì, così va bene, ecco, ancora, così ti prendo bene, ancora.
Non aveva più lastre. Uscì dal drappo. Era contento. Bice era davanti a lui, nuda, come aspettando.
- Adesso puoi coprirti, - disse lui, euforico, ma già con fretta, - usciamo. Lei lo guardò smarrita.
- Ormai ti ho presa, - disse lui. Bice scoppiò a piangere.
Antonino scoprì d'essere innamorato di lei il giorno stesso. Si misero a vivere insieme, e lui comprò apparecchi dei più moderni, teleobiettivi, attrezzature perfezionate, installò un laboratorio. Aveva anche dei dispositivi per poterla fotografare la notte mentre dormiva. Bice si svegliava sotto il flash, contrariata; Antonino continuava a scattare istantanee di lei che si districava dal sonno, di lei che si adirava con lui, di lei che cercava inutilmente di ritrovare il sonno affondando il viso nel cuscino, di lei che si riconciliava, di lei che riconosceva come atti d'amore queste violenze fotografiche.
Nel laboratorio d'Antonino pavesato di pellicole e provini Bice s'affacciava da tutti i fotogrammi, come nel reticolo d'un alveare s'affacciano migliaia d'api che sono sempre la medesima ape: Bice in tutti gli atteggiamenti gli scorci le
fogge, Bice messa in posa o colta a sua insaputa, un'identità frantumata in un pulviscolo d'immagini.
- Ma cos'è quest'ossessione di Bice? Non puoi fotografare altro? - era la domanda che sentiva continuamente dagli amici, e anche da lei.
- Non si tratta semplicemente di Bice, - rispondeva. - È una questione di. metodo. Qualsiasi persona tu decida di fotografare, o qualsiasi cosa, devi continuare a fotografarla sempre, solo quella, a tutte le ore del giorno e della notte. La fotografia ha un senso solo se esaurisce tutte le immagini possibili. Ma non diceva quello che soprattutto gli stava a cuore: cogliere Bice per la strada quando non sapeva d'essere vista da lui, tenerla sotto il tiro d'obiettivi nascosti, fotografarla non solo senza farsi vedere ma senza vederla,
sorprenderla com'era in assenza del suo sguardo, di qualsiasi sguardo. Non che volesse scoprire qualcosa in particolare; non era un geloso nel senso corrente della parola. Era una Bice invisibile che voleva possedere, una Bice assolutamente sola, una Bice la cui presenza presupponesse l'assenza di lui e di tutti gli altri.
Si potesse definire o no gelosia, era insomma una passione difficile da sopportare. Presto Bice lo piantò.
Antonino cadde in una crisi depressiva. Cominciò a tenere un diario: fotografico, s'intende. Con la macchina appesa al collo, chiuso in casa, sprofondato in una poltrona, scattava compulsivamente con lo sguardo nel vuoto. Fotografava l'assenza di Bice.
Raccoglieva le foto in un album: vi si vedevano portaceneri pieni di mozziconi, un letto sfatto, una macchia d'umidità sul muro. Gli venne l'idea di comporre un catalogo di tutto ciò che nel mondo esiste di refrattario alla fotografia, di lasciato fuori sistematicamente dal campo visivo non solo delle macchine ma degli uomini. Su ogni soggetto passava giornate, esaurendo rotoli interi, a intervalli di ore, in modo da seguire i mutamenti della luce e delle ombre. Un giorno si fissò su un angolo della stanza completamente vuoto, con un tubo del termosifone e nient'altro: ebbe la tentazione di continuare a fotografare quel punto e solo quello fino alla fine dei suoi giorni.
L'appartamento era lasciato nell'abbandono, fogli e vecchi giornali giacevano spiegazzati al suolo, e lui li fotografava. Le foto sui giornali venivano fotografate anch'esse, e un legame indiretto si stabiliva tra il suo obiettivo e quello di lontani fotoreporter. Per produrre quelle macchie nere la lente d'altri obiettivi s'era puntata su cariche della polizia, auto carbonizzate, atleti in corsa, ministri, imputati.
Antonino ora provava un particolare piacere a ritrarre gli oggetti domestici inquadrati da un mosaico di telefoto, violente macchie d'inchiostro sui fogli bianchi. Dalla sua immobilità si sorprese a invidiare la vita del fotoreporter che si muove seguendo i moti delle folle, il sangue versato, le lacrime, le feste, il delitto, le convenzioni della moda, la falsità delle cerimonie ufficiali; il fotoreporter che documenta sugli estremi della società, sui più ricchi e sui più poveri, sui momenti eccezionali che pure si producono a ogni momento in ogni luogo.
"Vuoi dire che solo lo stato d'eccezione ha un senso? - si domandava Antonino.
- È il fotoreporter il vero antagonista del fotografo domenicale? I loro mondi si escludono? Oppure l'uno da un senso all'altro?" e così riflettendo prese a fare a pezzi le foto con Bice o senza Bice accumulate nei mesi della sua passione, a strappare le filze di provini appese ai muri, a tagliuzzare la celluloide delle negative, a sfondare le diapositive, e ammucchiava i residui di questa metodica distruzione su giornali distesi per terra.
"Forse la vera fotografia totale, - pensò, - è un mucchio di frammenti d'immagini private, sullo sfondo sgualcito delle stragi e delle incoronazioni". Piegò i lembi dei giornali in un enorme involto per buttarlo nella spazzatura, ma prima volle fotografarlo. Dispose i lembi in modo che si vedessero bene due metà di foto di giornali diversi che nell'involto si trovavano per caso a combaciare. Anzi, riaprì un po' il pacco perché sporgesse un pezzo di cartoncino lucido d'un ingrandimento lacerato. Accese un riflettore; voleva che nella sua foto si potessero riconoscere le immagini mezzo appallottolate e stracciate e nello stesso tempo si sentisse la loro irrealtà d'ombre di inchiostro casuali, e nello stesso tempo ancora la loro concretezza d'oggetti carichi di significato, la forza con cui s'aggrappavano all'attenzione che cercava di scacciarle.
Per far entrare tutto questo in una fotografia occorreva conquistare un'abilità tecnica straordinaria, ma solo allora Antonino avrebbe potuto smettere di fotografare. Esaurite tutte le possibilità, nel momento in cui il cerchio si chiudeva su se stesso, Antonino capì che fotografare fotografie era la sola via che gli restava, anzi la vera via che lui aveva oscuramente cercato fino allora.

Link di approfondimento:

L’avventura di un fotografo. Un racconto di Italo Calvino, di Rosa Maria Puglisi
La verità nell'immagine di Martino Negri

Laura Pannack e i giovani naturisti inglesi

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 05 Dec 2013 08:00:00 +0000

La nudità è di solito riservata ad un contesto privato.
Laura Pannack fotografa giovani naturisti di un club inglese, in un misto di complicità e serena accettazione del proprio corpo. Ne risulta un lavoro solido e ricco di significati.
Eppure c'è qualcosa di più di un semplice strato di pelle.

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Riserviamo la nudità solitamente ad un contesto privato. Ci assicuriamo che le tende siano tirate prima di spogliarci. Sulla spiaggia facciamo equilibrismi dietro agli asciugamani per preservare il nostro pudore e un angolo che scende inavvertitamente può esser causa di improvvisi arrossimenti.
Manteniamo le nostri parti intimi nascoste dalla vista, conosciute solo da noi stessi o offerte in dono ai nostri partner.
In fondo è qualcosa di più di un semplice strato di pelle.

Laura Pannack fotografa giovani naturisti di un club inglese in un misto di complicità e serena accettazione del proprio corpo. Ne risulta un lavoro solido, mai banale e ricco di significati.

La nudità è un concetto e un modo di essere, ma sempre accompagnato da un paradosso. Ad essa sono collegate le nozioni di privacy, possesso, si può connotare con l'innocenza o la sessualità, purezza o depravazione. Può assumere significati di potenza e vulnerabilità, può essere usata per liberarsi o umiliare.
Così si esprime Laura Pannack a proposito del suo lavoro.

Laura Pannack - Young British Naturists
Lunch at Manchester Sun Air Club

Laura Pannack ci racconta che per capire veramente i soggetti ritratti e guadagnare la loro fiducia e rispetto, ha sentito necessario passare dalla loro parte e spogliarsi. Mettendo se stessa in una posizione così vulnerabile, il legame con i suoi soggetti ha assunto connotazioni di reciproca comprensione e uguaglianza.
Il progetto consiste di fotografie di giovani naturisti inglesi tra i 17 e i 30 anni. Lo scopo era di catturarli come individui, non solo naturisti. E direi che ci è riuscita.

Mi colpisce la tranquillità di questi ragazzi, la naturalezza del convivere col proprio corpo in modo armonioso, senza sentire l'urgenza di nasconderlo e dedicare troppa attenzione al pudore.

E mentre la loro nudità condivisa senza complessi tra uomini e donne li spoglia delle loro protezioni superficiali, la fotografa scava ancora più in profondità, intessendo una trama di storie personali costruita su capitoli di solitudine, malinconia e vita comunitaria. Dai ritratti emergono i segni distintivi di un carattere, dallo spaccone al timido, dallo sportivo al sognatore. Persone che diventano personaggi, simbolici, rimanendo reali.

Un senso di libertà invidiabile scorre come un filo invisibile che lega tutte le storie, una dichiarazione di esistenza in grado di privarsi di quelle coperture della consuetudine che finiscono per assumere troppa importanza. La loro assenza ci fa forse riflettere su ciò che c'è dietro? Ci aiuta a concentrare l'attenzione sul meno superfluo, e cosa rimane a quel punto da guardare?

Una luce invisibile scintilla da dentro le persone, perché prima la si poteva scorgere fioca attraverso tutti gli strati.
Forse rimane la persona, nudamente, la persona.

Laura Pannack - Young British Naturists

Un membro degli Young British Naturists si racconta così:

"Ero attratto dal grande senso di uguaglianza del naturismo. E' interessante la domanda di come persone lontane manterrebbero il loro rispettivo rango se fossero private dei loro vestiti. Quando tutte le altre cose si mantengono uguali, quando una persona ricca, e nuda, non appare diversa da una povera, o una persona molto alla moda non sembra diversa da qualcuno che usa solo i pochi vestiti che possiede. Così, queste classificazioni scompaiono e il campo di gioco è livellato. In un ambiente naturista, mi sento come se fossi uguale a loro - non sono migliore di loro, né loro sono migliori di me, siamo solo esseri umani. Rimuovendo l'abbigliamento sento che la barriera tra le persone si infrange e sento di incontrare e parlare con gli altri con maggiore facilità e finalmente spoglio della sensazione che io o gli altri abbiano qualcosa da nascondere."

Laura Pannack - Young British Naturists

Consiglio vivamente di dare un'occhiata, e anche più di un'occhiata, alla pagina del portfolio sul sito dell'autrice.

Le isole invisibili di Sandro Rafanelli

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 20 Nov 2013 11:00:00 +0000

Un racconto tra simbolismo e romanticismo in pittura e la storia rocambolesca di una mostra nonostante tutto.

Nel momento in cui il giorno si dissolve nella notte, la realtà si intreccia con l'immaginazione.
Le isole invisibili sono un inno al mondo che emerge dagli occhi dei sognatori.

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Nel momento in cui il giorno si dissolve nella notte, la realtà si intreccia con l'immaginazione.
Le isole sono sconosciute ai più, invisibili ai naviganti ma ben note ai sognatori che qui sono soliti sostare.

Quando penso alla fotografia penso ad un rito da alchimista, alla camera oscura, alle imperscrutabili reazioni e relazioni tra i materiali.

Penso ad una pratica antica e sempre uguale a sé stessa. E anche se i miei riferimenti e ispirazioni sono di una fotografia lontana, non dimentico di vivere il mio tempo, un momento che espande e a volte fraintende l'artificialità, che esalta il finto più della finzione, che modella e modifica ogni cosa per togliere difetti ed aderire ad un'immagine di perfezione dalla quale, per ironia della sorte, finisce per allontanarsi spaventosamente.

Mi interessa e affascina il potere della fotografia di modificare la realtà, di comprimerla in un'inquadratura e di isolarla. Mi piace il gioco del ritagliare per proporre una visione differente. E più si allontana da ciò che ritrae, se confida nell'onestà e nella poesia, più coglie un carattere profondo del suo essere.

"Un'immagine onirica: essa deve produrre un tale silenzio che il bussare alla porta dovrebbe fare paura", questo è l'unico commento che Arnold Böcklin ha espresso sul suo dipinto "l'isola dei morti".

Il mare in fondo è un grande lago nero, calmo e lievemente sfiorato dalle onde.
Raggiungere l'isola è come un rito di passaggio, tramite un'imbarcazione metafisica trasportata dall'immaginazione.
Le isole sono costellate di finestre luminose, indicatori di una vita che si accende oltre le pareti delle scogliere, degli anfratti e delle cortecce. Un'espressione vitale che si manifesta dietro la superficie sensibile. Come un paradosso le finestre, invece di figurare come aperture sull'esterno per chi vive dentro, diventano fessure verso un altro mondo (il nostro?) per chi sta di qua.
Le isole invisibili espandono la distanza tra reale e irreale e in un'atmosfera di magica rivelazione si materializzano quando si innesca il misterioso processo dell'immaginazione.

L'isola dei morti
Le isole invisibili, Sandro Rafanelli

Il tempio
Le isole invisibili, Sandro Rafanelli

La storia di una mostra nonostante tutto
La notte prima dell'allestimento della mostra al PhotoLux Festival di Lucca, una banda di ladri ha assaltato il paese dei miei genitori e, tra le altre cose, ha rotto i vetri della mia macchina e rubato lo scatolone con le fotografie, appena ritirate dalla precedente esposizione nella galleria Spazio23 di Genova.

L'incredulità e la disperazione mi hanno ferito nel profondo, accentuate dal pensiero dei mesi di lavoro spesi per la preparazione, per le stampe e i montaggi fatti a mano, oltre al grosso danno economico. E non ha scosso solo me. Mia madre, dopo la denuncia alla polizia, ha seguito con intuito una traccia nel bosco e individuato le tavole, distrutte e con le fotografie ormai perdute, strappate dai supporti. Nel tentativo di recuperarle è caduta rovinosamente da una scarpata, ha battuto la testa e il naso e perso molto sangue. La giornata è termina al pronto soccorso e per fortuna con qualche escoriazione non grave.

Se dunque potete vedere le opere in mostra è perché ci ho creduto fino in fondo. Ringrazio mia madre "Sherlock Holmes" e tutte quelle persone che mi sono state vicine e hanno creduto in me in un momento di profonda amarezza.

La mostra inizia sabato 23 novembre, fino al 15 dicembre 2013.
Presso la galleria della bottega MammaRò, in piazza Anfiteatro 4, Lucca. Rientra nel Circuito Off di PhotoLux Festival.

Il camposanto
Le isole invisibili, Sandro Rafanelli

Il relitto
Le isole invisibili, Sandro Rafanelli

L'albero
Le isole invisibili, Sandro Rafanelli

La mostra alla Galleria Spazio23 di Genova è curata da Piera Cavalieri.

Biografia
Sandro Rafanelli (Pistoia, 1975) ha studiato alla facoltà di ingegneria di Firenze e svolge l'attività di sviluppatore software e fotografo fine art, è presidente dell'associazione culturale PhotoCompetition (www.photocompetition.it), cura e scrive per il blog di approfondimento fotografico BecauseTheLight (becausethelight.blogspot.it) con segnalazioni e riflessioni sulla comunicazione e lettura della fotografia.
Le sue fotografie hanno ricevuto premi e riconoscimenti a livello nazionale: vincitore di Confini 09 nel 2011, Self Portrait di Obiettivo Reporters 2012, Fofu 2012, Rosso Piccante 2013, premio Galleria Spazio23 di Genova e Circuito Off di PhotoLux Festival 2013 di Lucca.
I suoi lavori sono stati esposti a Roma, Milano, Genova, Torino, Firenze, Arezzo, Lucca, Cosenza, Venezia e Londra. Vive e lavora a Firenze.
Tutti i lavori di Sandro Rafanelli sul sito personale, www.sandrorafanelli.com

Maika Elan e il tabù dell'omosessualità

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 29 Oct 2013 08:00:00 +0000

Anche se molte persone si dichiarano aperte sull'omosessualità, si rivela non essere vero quando gli vengono mostrate fotografie di coppie gay ritratte nei momenti privati.
The pink choice di Maika Elan è un bellissimo reportage sulle coppie omosessuali in Vietnam. Scatti densi di fascino che aprono le porte delle loro stanze, accompagnandoci nell'intimità del loro quotidiano e della tenerezza che accomuna tutti gli innamorati.
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Questo articolo appare privo delle immagini perché l'autore non ha concesso di pubblicarle. E' la prima volta che succede. Questo è un piccolo blog, che non ha pubblicità e riporta sempre i nomi degli autori, i rispettivi siti personali e le fonti, che vuole diffondere la cultura fotografica, incuriosire e far conoscere i fotografi, sopratutto gli emergenti come in questo caso, senza scopi di lucro o altri fini.
Scelta singolare ma legittima. Invito tutti i lettori ad affiancare la lettura alle immagini che escono da una banale ricerca su Google.

Anche se molte persone si dichiarano aperte sull'omosessualità, si rivela non essere vero quando gli vengono mostrate fotografie di coppie gay ritratte nei momenti privati. La maggior parte di loro trova le immagini disgustose o inaccettabili. Questa reazione è stata una fonte di ispirazione per Maika Elan. Il suo obiettivo era di coinvolgere i sentimenti e trasformare gli scatti in un invito ad accettare un amore romantico che appaia naturale e bello. La scelta di catturare normali attività quotidiane che possono risultare familiari a chiunque è la speranza di rendere il pubblico interessato e quindi trovare un grado crescente di empatia con la coppia omosessuale.

The pink choice di Maika Elan è un bellissimo reportage sulle coppie omosessuali in Vietnam. La scelta rosa non è più un tabù ma una condizione vissuta con apparente normalità e un crescente grado di accettazione. Sono scatti di un incredibile fascino e suggestione che aprono le porte delle stanze delle coppie omosessuali vietnamite, accompagnandoci nell'intimità delle loro vite, ospiti dell'amore vissuto tra le mura familiari, partecipi di quei momenti di tenerezza che accomunano tutti gli innamorati.

Maika Elan - the pink choice
Doan Huu Dieu (25 anni, a sinistra) e Nguyen Trong Hieu (49 anni), che stanno inseme da tre anni, al risveglio nella loro casa

Molti progetti sull'omosessualità in Vietnam si focalizzano sulle devianze (specialmente nei film, con immagini di gay ritratti con vestiti e trucco ridicoli) e su un immaginario simbolico. Nella fotografia, gli omosessuali non sono presentati come loro stessi e quelle rare volte in cui accade, capita che siano ripresi di spalle o con delle maschere. Un modo di raccontare che segue tale impostazione non fa che alimentare il senso di "diversità" piuttosto che proporre maggiori prospettive di comprensione. In questo modo gli omosessuali diventano ancora più intimiditi e isolati.

Tutto questo succede in Vietnam, ma chi di noi potrebbe dire che in Italia sia tanto diverso?
Forse una maggiore consapevolezza e accettazione si sta sviluppando negli ultimi anni, ma il senso di rappresentazione come una comunità, quella omosessuale, spesso appiattita sull'eccessiva insistenza degli aspetti femminili esasperati per uomini e maschili per le donne (macchiette stereotipate, trucchi, vestiti che emulano un mondo femminile fin troppo appariscente, il pensiero che il cambio di sesso sia un univoco traguardo per ogni gay) è tipica anche da noi. Raramente si vedono ritratti o racconti di persone normali che conducono un'esistenza anche banale ma sono omosessuali.

The Pink Choice ha il dono di usare un approccio diverso perché cerca di tirare fuori le storie personali con un linguaggio diretto: fotografia documentaria finalizzata al catturare momenti reali e persone reali.

Maika Elan - the pink choice

Le storie sull'omosessualità in Vietnam, ma anche in Italia, solitamente finiscono in tragedia, specialmente nei film. Da un lato, lo stile tragico permette un maggiore coinvolgimento dello spettatore sulle esperienze delle persone, ma dall'altro lato il dramma degli omosessuali può fuorviare alimentando la convinzione che le loro vite siano vulnerabili e desolate e che il "coming out" sia uno sforzo incredibile contro lo stile di vita della comunità. Il punto è che nella vita reale ci sono molti omosessuali che vivono serenamente la loro identità, ci sono coppie che si amano e che costruiscono una vita familiare insieme in modo semplice e naturale.

Chi è Maika Elan?
Il suo vero nome è Nguyen Thanh Hai, è nata in Vietnam, vive e lavora a Hanoi. Dopo aver conseguito una laura in sociologia all'università delle Scienze Sociali e Umane nel 2006, inizia ad usare la macchina fotografica per documentare la sua vita quotidiana e privata. Presto diventa professionista, lavorando nell'editoria e per le firme della moda. Nel 2010 comincia ad occuparsi di fotografia documentaristica.

Foglie rosse dipinte su velo lasciano trasparire la vicinanza dei corpi di due uomini, la luce dello schermo di un computer illumina una stanza e due volti, un programma televisivo guardato da sopra il letto, il momento di un bagno insieme, affacciarsi alla finestra nella calda notte di Hanoi mentre le luci della città non fanno distinzione se sono due uomini abbracciati che si scaldano con il loro affetto.

Questa è la scelta rosa, il racconto intimo e appassionato, rispettoso e delicato di Maika Elan sull'amore delle coppie gay negli spazi personali e il ritmo sincronizzato dei loro tocchi nella condivisione della vita quotidiana. Più che rivolgersi alla personalità dei singoli soggetti, l'osservatore è in grado di cogliere il calore del loro amore. Tramite la finestra che apre la fotografa non solo vediamo le persone omosessuali ma anche come loro si vedono.

E' un dolce sognare con questi interni vietnamiti, dal caos delle stanze in cui si accatastano oggetti alla modernità di appartamenti su grandi palazzi delle coppie di ceti sociali più alti.
Colpisce il senso di oppressione degli oggetti, la complessità delle vite piene di "cose", sopratutto tecnologiche, ma la perizia dell'autrice riesce a scavare nelle miniere della perversione di accumulazione che protegge dal mondo e illuminare i volti, i gesti, le tenerezze delle persone.
Un ambiente intimo e avvolgente sposta quasi in secondo piano la denuncia di una normalità conclamata e ricercata.

E' una fotografa vietnamita che ci insegna e aiuta a guardare le vite di queste coppie che stanno insieme e si amano.
Una normalità soffice.

Maika Elan - the pink choice

Il Vietnam non ha una normativa per le coppie dello stesso sesso eppure nel 2012 il governo vietnamita ha annunciato di valutare la proposta di una legge sul matrimonio omosessuale, una mossa che lo renderebbe il primo paese asiatico a muoversi in tal direzione. A dispetto di un passato recente fatto di battaglie per i diritti e di contro una perdurante stigmatizzazione contro i gay, il dibattito parlamentare sul matrimonio omosessuale è stato programmato per il 2013.
I sondaggi mostrano che la maggioranza della popolazione ancora si oppone all'idea. Nell'agosto 2012 si è tenuto il primo Gay Pride nella capitale, Hanoi.

Maika Elan - the pink choice

Uno sguardo approfondito merito il sito personale della fotografa, contenente anche molti altri lavori http://www.maikaelan.com/Alcune parti del testo sono una traduzione e adattamento dell'articolo.

Pictures - come si sceglie una fotografia

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 19 Sep 2013 07:00:00 +0000

Come si scelgono le fotografie?
Come si fa a capire che un'immagine è più potente e significativa di un'altra?
La risposta non è ovviamente semplice.

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Come si scelgono le fotografie?
Come si fa a capire che un'immagine è più potente e significativa di un'altra?
La risposta non è ovviamente semplice. Aiutiamoci con un video, Pictures.

Gli archivi dei fotografi sono sempre pieni di foto e spesso caotici, raramente organizzati e capita che nascondano alcune perle che non vedranno mai la luce. L'arte della fotografia consiste anche nell'operare una buona selezione di ciò che si riporta a casa. Forse è un aspetto meno romantico del processo fotografico ma rimane un passaggio ineludibile in cui spesso si percepisce la perizia e la cultura di chi lo deve fare.

Il filmato che vi propongo è costruito con migliaia di fotografie in scorrimento veloce, interrotto saltuariamente da un fotogramma più significativo, esso stesso una fotografia estratta dal mucchio, ma che secondo l'autore isola un momento, ne sintetizza l'essenza e raccoglie in sé il racconto nel suo complesso.

Colpisce come la maggiore e migliore parte delle scelte di questi scatti topici non ricada su fotografie che descrivono didascalicamente l'evento quanto la sua interpretazione. Le gocce di pioggia che formano cerchi concentrici su una pozzanghera sono la più semplice ma anche la più chiara esplicazione di questo concetto, un dettaglio semplice e non artificioso introduce l'osservatore allo spirito e le sensazioni di una giornata di pioggia.

Il filmato è realizzato da Gioacchino Petronicce che ce lo descrive così: "Pictures" parla della fotografia e del fotografo. Qui il fotografo vagabonda nello spazio alla scoperta di un evento particolare. Quando lo trova, gli basta premere il pulsante e ... click. Ho fatto questo esperimento per descrivere la mia visione su "come posso realizzare una fotografia". Questo è una sorta di gioco con il tempo, fatto di accelerazioni, interruzioni e ripartenze.

Il video è composto da 80 000 immagini scattate negli ultimi tre anni in varie città del mondo (Parigi, Barcellona, Hossegor, Venezia, Tolosa, Martinica, New York, Montpellier, ...).

Il link alla pagina su Vimeo.

la lettura: Walter Benjamin e L'opera d'arte nell'epoca della sua riproducibilità tecnica

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 22 Feb 2013 08:00:00 +0000

Ho terminato di leggere L'opera d'arte nell'epoca della sua riproducibilità tecnica di Walter Benjamin e ammetto che la sua mancanza nella mia libreria personale rappresentava una lacuna da colmare al più presto.
Un testo ineludibile per ogni fotografo, critico e appassionato di cultura, arte e filosofia. La densità di concetti illuminanti e la lettura della realtà sfiora la rivelazione.

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Ho terminato di leggere il saggio L'opera d'arte nell'epoca della sua riproducibilità tecnica del filosofo tedesco Walter Benjamin e ammetto che la sua mancanza nella mia libreria personale rappresentava una lacuna da colmare al più presto.
Un testo ineludibile per ogni fotografo, critico e appassionato di cultura, arte e filosofia. La densità di concetti illuminanti e la lettura della realtà sfiora la rivelazione.

Benjamin ha la straordinaria capacità di leggere e interpretare il proprio tempo, che è anche il nostro, quando gli eventi si stanno ancora verificando (il suo saggio è del 1936), le mode stanno nascendo, gli stili formandosi, le correnti artistiche delineandosi e la tecnologia in continua e inarrestabile mutazione. Riesce a catturare gli elementi che descrivono e spiegano ma che solitamente riusciamo a cogliere solo quando le cose si sono assestate, quando la polvere si è sedimentata e il superfluo che confonde si è dissolto.
Questo saggio sulle nuove tecniche, sulle nuove arti, fotografia e cinema prima di tutte, mi ha permesso di ampliare la visione, cogliere con maggiore consapevolezza tutto lo sviluppo di queste arti fin dall'inizio e intravedere la visione del futuro che è il nostro presente.
E' incredibile come un uomo nel 1936 spieghi così bene la storia che verrà.

Gli scritti di Walter Benjamin sono sempre una rivelazione e ci regala un testo intenso e ricco di spunti, da leggere più volte e da tenere in conto per le proprie riflessioni sul mezzo e il carattere filosofico dei progetti personali fotografici, o artistici in senso lato,.
Consiglio il libro anche per il saggio di Massimo Cacciari, che ammetto essere decisamente complesso e di ardua interpretazione (a differenza di quello di Benjamin, molto più accessibile). Diciamo che ho compreso un sessante percento di ciò che ha scritto Cacciari, richiede una forte preparazione filosofica e un livello di cultura che non possiedo. E' tuttavia interessante e utile.

Con un lungo saggio introduttivo di Cacciari e una ricchissima appendice di note aggiuntive e revisioni successive dello stesso autore, l'edizione pubblicata da Einaudi risulta la migliore e più completa.

L'opera d'arte nell'epoca della sua riproducibilità tecnica.
Walter Benjamin
edito da Einaudi
6,80€

Alcuni punti sono di particolare importanza e merita porli all'attenzione.

L'aura.
"La Gioconda" su un foulard o l'incisione di un concerto di Ravel diretto dall'autore stesso e ogni giorno riascoltatole sono due esemplificazioni di quel fenomeno che Benjamin definisce la "perdita dell'aura" nell'epoca della riproducibilità tecnica dell'opera d'arte, ossia la perdita del "qui e ora" magico e unico che si fonde con la creazione artistica e la contraddistingue. Nel chiuso di un'automobile, ad esempio, mediante un mangianastri si può ascoltare quel concerto di Ravel al di fuori della sua unicità spazio-temporale, oggettivandolo e spersonificandolo. Nondimeno, la perdita del carisma insito nell'opera d'arte, "unica" eppure riprodotta, non è deplorata da Benjamin con quell'atteggiamento aristocratico che contraddistingue alcuni esponenti della Scuola di Francoforte. Egli collega infatti la "perdita dell'aura" nella società contemporanea all'irruzione delle masse sulla scena e alla loro richiesta di beni culturali che è giocoforza diventino merce. La riproduzione dell'opera d'arte in "sede impropria" non ne comporta una perdita di qualità, ma piuttosto una desacralizzazione, il che favorisce un'esperienza laica della cultura e ne sostituisce il valore rituale con un valore espositivo anti-estetizzante.

La moda come espressione assoluta del capitalismo, che ha bisogno non tanto dell'oggetto da produrre quanto del consumo, ha bisogno di produrre il consumo, rinnovarsi, modificarsi continuamente e ciclicamente. Il tema del consumo delle risorse e il loro progressivo impoverimento era solamente intravisto mentre oggi è il tema centrale e di totale attualità.

L'angelus novus.
Così ne parla Alessandro Baricco ne I barbari. Saggio sulla mutazione:

L'Angelus Novus ispirò nel 1939 il filosofo tedesco Walter Benjamin e la sua filosofia della storia.
«C'è un quadro di Klee che si intitola Angelus Novus. Vi si trova un angelo che sembra in atto di allontanarsi da qualcosa su cui fissa lo sguardo. Ha gli occhi spalancati, la bocca aperta, le ali distese. L'angelo della storia deve avere questo aspetto. Ha il viso rivolto al passato. Dove ci appare una catena di eventi, egli vede una sola catastrofe, che accumula senza tregua rovine su rovine e le rovescia ai suoi piedi».

Paul Klee - Angelus Novus

Walter Benjamin

Un approfondimento nello studio di Walter Benjamin su Wikipedia.

L'uomo che cammina sulla Luna

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 16 Jan 2013 08:00:00 +0000

Un uomo cammina sulla Luna, un post diverso dal solito, breve ma poetico.
Dean Potter cammina su una corda sospesa al Cathedral Peak in California, mentre il sole sta tramontando e la luna crescendo.

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Un piccolo capolavoro, che si svolge lentamente e altrettanto lentamente coinvolge.
Da assaporare lasciando da parte la frenesia tipica della visione dei contenuti su internet, per un momento è bene recuperare quella lentezza della lettura caratteristica dei libri in carta (ricordate i libri, oh voi internauti?).

Dean Potter cammina su una corda sospesa sul Cathedral Peak in California, mentre il sole sta tramontando e la luna crescendo. Le riprese sono effettuate ad oltre un miglio di distanza con un obiettivo Canon di focale 800mm e un moltiplicato 2X.
Il video, diretto da Mikey Schaefer, fa parte di un progetto per National Geographic intitolato "The Man Who Can Fly" (channel.nationalgeographic.com/videos/the-man-who-can-fly/)

Per rendersi conto dove si trova questo luogo suggestivo basta dare un'occhiata alla fotografia di Stephen Oachs, il crinale è proprio quello là in fondo.

Cathedral Peak (California) by Stephen Oachs

Il link alla pagina su Vimeo e un approfondimento su Cathedral Peak su Wikipedia.

Irene Kung e il teatro notturno della città

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 19 Dec 2012 08:30:00 +0000

"Amo l'oscurità che mi permette di illuminare quello che mi piace". Così la fotografa svizzera Irene Kung ci introduce la serie fotografica di edifici immersi in un'oscurità in cui la luce è il pennello con cui dipinge le scenografie di una scena teatrale.

"Oltre il reale" è la mostra che lo Spazio Forma di Milano le ha dedicato.

Dalle recensioni e commenti che ho letto sul lavoro di Irene Kung risulta centrale, ed è innegabile ammetterlo, l'argomento della qualità estetica.
Mai come in queste immagini vale la definizione di fotografia, ovvero scrittura di luce. La penna che scrive con la luce diventa lo strumento principale per tracciare, graffiare, evidenziare, definire i profili degli edifici, le sfaccettature dei particolari decorativi dei monumenti, la maestosità e anche il fascino misterioso delle costruzioni nella notte.

Dunque oscurità e luce, gli ingredienti essenziali con i quali Irene Kung edifica un mondo semi-nascosto, che si svela in progressione lenta, elegante e controllata. La maggior parte dei suoi soggetti è conosciuta, anzi molto conosciuta.
Tutti i fotografi, ma anche chi è alle prime, son ben consci della sfida che i monumenti sono il centro di attrazione di migliaia, se non milioni, di scatti. Mi capita spesso nelle miei recensioni di imbattermi e sbattere su questo spinoso aspetto, ripeto infinite volte i consigli ai fotoamatori di interpretare in chiave personale gli edifici celebri, non limitarsi a ritrarli come qualunque altro osservatore. Non rendersi intercambiabili.
E' una sfida dura che sovente si esaurisce nel manierismo, nell'originalità forzata o solitamente in qualcosa di già visto e consumato.
I notturni di Irene Kung riescono dove i più falliscono. Non esaspera la rappresentazione del monumento, lo protegge dalla violenza dello sguardo di un osservatore vorace, lo preserva e ce lo presenta per quello che effettivamente è, senza artifici seppur non limitandosi a questo. Le sue fotografie fluttuano in un vuoto scurissimo, il notturno è la tavolozza scura sulla quale l'emulsione raggruma la materia sensibile per disegnare con la luce.
C'è qualcosa di incompiuto e misterioso. Lo sguardo è costretto a soffermarsi, a rivalutare una memoria dell'edificio, che riteneva già completa e categorizzata.
La bellezza di queste immagini consiste in questo conturbante desiderio di possederle, farci comprendere come un monumento celebre e conosciutissimo conservi una qualità di purezza e di inconsueto. Perché tutto si astrae.

La mia preferita, forse perché anche la più coraggiosa, è la Torre Velasca di Milano, un palazzo ingiustamente bistrattato e che invece la Kung recupera con tutto il suo carico di magia. Sembra uscita dalla matita di un disegnatore di favole, come un fungo su un prato scuro sulla cui cupola si accendono tante piccole lamelle.

Torre Velasca, Milano - Irene Kung

Stranamente collego riferimenti fotograficamente lontani, le peregrinazioni notturne dei maestri della fotografia di inizio novecento, da Brassai in poi. La notte cittadina è qui lontanissima, spogliata dai tratti sociali e umani di quel naturalismo francese così attento a raccontare la vita nelle strade, nei locali affollati. La città con i suoi rumori è assente, ripulita, esteriorizzata in uno scenario surreale. Apparentemente non vissuta, se non come espressione del genio e della capacità architettonica umana.

Perché il teatro notturno della città?
Perché il palcoscenico è sul tempo che rimane immobile, la luce che lo definisce, la scena teatrale che rimane vuota e che solo al termine della rappresentazione comprendiamo che è proprio essa stessa la protagonista.
Perché gli attori qui son ammassi di pietre, levigate, decorate, acciaio e finestre illuminate. Una notte che sogna, che si interroga sulla presenza dell'uomo e sull'impronta che lascia nella città, ma che prima di tutto usa i raggi luminosi per tracciare i profili di un mondo da assaporare, conosciutissimo eppur inedito.

Consiglio il bellissimo volume appena uscito (novembre 2012) che raccoglie tutte le fotografie delle serie che ho qui discusso.

Irene Kung - La città invisibile
edito da Contrasto
33,15€

Duomo di Milano - Irene Kung

Galleria Vittorio Emanuele II, Milano - Irene Kung

Colosseo, Roma - Irene Kung

Chrysler Building, New York - Irene Kung

Irene Kung

Tour Eiffel - Irene Kung

Cibeles, Madrid - Irene Kung

Nel seguente video l'artista si racconta e mostra le sue fotografie esposte nella galleria Forma di Milano.

i desideri son già ricordi con le fotografie di Claude Nori

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 02 Nov 2012 08:00:00 +0000

"Fotografare la felicità è davvero difficile forse più complicato che fotografare la miseria o le tragedie..."
Claude Nori ci accompagna per mano in un viaggio tra i ricordi di un'assolata estate italiana, tra i desideri e la vitalità dell'adolescenza.

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"Fotografare la felicità è davvero difficile..." Claude Nori ci accompagna per mano in un viaggio tra i ricordi di un'assolata estate italiana, tra i desideri e la vitalità dell'adolescenza.
Conosciuto per i suoi libri e l'amore per l'Italia. La sua ricerca fotografica indaga i temi dell'adolescenza, la nostalgia, la felicità.

Rimasi affascinato dalle sue immagini che vidi al Lucca PhotoFestival di qualche anno fa, erano come fotogrammi di pellicole in bianco e nero. Struggenti, misteriose e inafferrabili storie d'amore raccontate sullo sfondo di paesaggi italiani, con estati dalle luci dolci e in quei momenti prima dell'imbrunire quando le colline diventano cupe e grondanti di vita.

"Isamore" - Claude Nori

“Fotografare la felicità è davvero difficile forse più complicato che fotografare la miseria o le tragedie. È qualcosa d’impalpabile, una bolla di sapone che scivola tra le mani, che si fa fatica ad acchiappare perché dentro ci siamo noi e un gesto maldestro potrebbe farla scoppiare. Quando si è felici non si ha davvero voglia di fotografare, ma semmai di lasciarsi andare all'ebbrezza del momento, di bere, mangiare, baciare, sollevare corpi nel vortice di tutti i sensi. Non è come in letteratura, dove si può descrivere il profumo della pelle di una donna, il colore dei suoi occhi anche se si è da soli in una stanza d’albergo. Con la fotografia, bisogna astrarsi un attimo per pensare alla luce, all'inquadratura, alla composizione, agli oggetti ingombranti e fastidiosi per comunicare quella felicità. E talvolta, se non funziona e l’armonia intorno a noi sfuma e scompare, allora, bisogna dirsi che è necessario rispettare questa legge di natura, non combatterla: non serve a niente imbrogliare in fotografia.” (Claude Nori)

Chi è Claude Nori?
E' un fotografo e scrittore, nato a Tolosa nel 1949 da genitori italiani. Fonda nel 1974 le Edizioni Contrejour a Parigi, la rivista Caméra International, i Cahiers de la Photographie e numerosi eventi culturali come il Festival Terre d’Images a Biarritz, città in cui vive.
Ha lavorato per Vogue e Daily Télégraph Magazine. Nel 1976 esce il libro Lunettes, seguito da un romanzo, due film e svariati altri libri. Nel 1982 partecipa al progetto “Napoli città sul mare” con Lee Friedlander, Charles Traub, Gabriele Basilico, Paul den Hollander.
Nel 1984 realizza la mostra e l'omonimo volume Viaggio in Italia a cura di Luigi Ghirri. Ha esposto a Parigi, Arles, Tolosa, Huston, Madrid, Valencia, Ginevra, Rio de Janeiro e Tokyo.

Qualche istantanea...

Amore mio
L’estate del 1982 a Rimini, Claude Nori decide di tagliarsi i baffi in una stanza d’albergo, come segno di rinnovamento dopo la morte del padre. Con una piccola cinepresa 8mm, l’artista riprende starlette in erba, coppie di innamorati e inventa storie romantiche al ritmo di un jukebox che suona i tormentoni dell’estate.

Ritratto filmato
Una serie che ritrae momenti di seduzione (circa 5 minuti) tra il fotografo Claude Nori e alcuni adolescenti sulla spiaggia di Rimini nel 1982, scanditi dal ritmo dei tormentoni dell’estate creando una sorta di flirt cinematografico…All'ombra delle cabine, degli ombrelloni o attorno a un jukebox Claude Nori riprende i momenti di felicità e i giochi amorosi, ai quali si prestano modelle improvvisate e giovani donnaioli.

Consiglio l'acquisto del suo ultimo libro, appena pubblicato.

Les désirs sont dejà des souvenirs di Claude Nori
Contrasto Due
176 pagine, 2012
30€

Dedicate qualche momento a guardare le fotografie che ho selezionato qui sotto. Per chi ha vissuto quegli anni, si respira tutto il profumo e la vitalità di un'Italia spensierata, che ha voglia di vivere e godere del suo sole.
Uno sguardo attento merita anche il suo divertente sito personale.

"La fille à la Vespa, Sicila" - Claude Nori

Claude Nori

"Nizza" - Claude Nori

Claude Nori

"Paesaggio italiano" - Claude Nori

Paolo Ventura e le storie invernali

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 25 Oct 2012 07:00:00 +0000

Paolo Ventura costruisce degli splendidi scenari per poi fotografarli. Winter stories, l'Automa insieme al più recente Behind the walls raccontano storie malinconiche con immagini dense di fascino.
Una realtà sospesa nel tempo, a tratti magica, che profuma di antico.

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Paolo Ventura costruisce degli splendidi scenari per poi fotografarli. Winter stories, l'Automa insieme al più recente Behind the walls raccontano storie malinconiche con immagini dense di fascino.
Una realtà sospesa nel tempo, a tratti magica, che profuma di antico.

Non ero riuscito a comprendere e dunque ad apprezzare le potenzialità del lavoro fotografico di Paolo Ventura, quando vidi ormai diversi anni fa a Roma la sua serie sulla guerra per la prima volta. Ammetto oggi di essermi innamorato dalle sue immagini.
Mi scopro a passeggiare nei vicoli che ricostruisce, a fantasticare sulle storie dei personaggi e perdermi nei suoi diorama.

Paolo Ventura - Behind the walls

E' riduttivo definirlo "fotografo", Paolo Ventura elabora complesse e sofisticate scenografie, curate nei minimi dettagli e funzionali a coinvolgere con l'ambientazione, un paesaggio che è morbido rifugio, in cui i personaggi vengono bloccati fotograficamente nei loro pellegrinaggi solitari.
I paesaggi sono rarefatti, inquieti, quasi surreali ma sempre realistici.
Venezia compare in l'Automa ed è una Venezia con calli fumose per la nebbia, luci diafane e pareti in cui si addensa l'umidità. Tutto perfettamente ricostruito, nei dettagli dei piccoli mattoni rossi sbiaditi, nell'intonaco che si stacca. Altre città non ben identificabili compaiono in Behind the walls (si intravede la facciata con gli "occhielli" della chiesa di Santo Spirito di Firenze), i muri gialli e rossi di Roma e la foschia come l'eco di una Milano immaginata.

L'Automa, il mio preferito, è la storia di un vecchio del ghetto ebraico. Si costruisce un'automa per trovare compagnia. Il racconto è semplice come una favola, ma prezioso. Breve frasi accompagnano le immagini, ci lasciamo avvolgere dalle nebbie di Venezia, dalla solitudine contrapposta alla spregiudicata e insensata violenza degli anni dei rastrellamenti del ghetto.
L'automa è la storia dell'ingegno e dell'immaginazione in grado di salvare l'uomo e renderlo meno solo. E' la storia tenera della ricerca di una vita in uno scenario desolato, che costringe a riflettere e confrontarsi con se stessi, in cui le persone scappano e quelle che rimangono rischiano di morire. L'automa è la morte a Venezia che trova una via di fuga per quella caratteristica tutta umana di inventarsi un mondo, un pupazzo che non respira ma a cui si aggrappa instillandogli vita.

Un mondo sognante, romantico, oserei definire "antico", con rimandi ad un'estetica dei primi del novecento, curata e rigorosa, la cui ispirazione deriva dai dipinti di Antonio Donghi, nei quali si ritrovano molti elementi dei diorama di Ventura, come le casette dalle tinte ocra e i personaggi con i costumi di inizio secolo.
E come nel movimento del Realismo magico, la sua realtà è documentata con realismo ma costellata di elementi o atmosfere misteriose che trasmettono un senso di irrealtà, che si declina in surrealtà o metafisica nei vari esponenti della corrente pittorica ma che in Ventura rimane su un piano di delicata contemplazione di un fenomeno magico che coinvolge il tempo e di cui si documenta il passaggio e le ferite lasciandolo scorrere, senza tentare di fermarlo.

Chi è Paolo Ventura?
E' un fotografo italiano, nato nel 1968 a Milano, vive tra New York e la cittadina toscana di Anghiari.
Basta fermarsi a guardare le sue bellissime e delicate immagini per comprendere il suo talento, non solo fotografico, anche artigianale e pittorico.

Consiglio l'acquisto del volume edito da Contrasto Due
Paolo Ventura - Winter stories
Contrasto Due
120 pagine, 2009
51€

Questo invece è il bellissimo libretto dell'Automa. Assolutamente consigliato.
Paolo Ventura - L'automa
Peliti Associati
52 pagine, 2012
21€

Sul sito personale si trovano tutti i suoi lavori.
Consiglio la lettura dell'intervista del 2009 su FotoNote.

Paolo Ventura - Winter Stories

Paolo Ventura - Behind the walls

Paolo Ventura - Winter Stories

Antonio Donghi - Il giocoliere

Paolo Ventura - Winter Stories

Paolo Ventura - studio per la città di Verona

Paolo Ventura - l'Automa

Paolo Ventura - Winter Stories

Paolo Ventura - l'Automa

la guerra riprodotta da Giorgio Di Noto

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 18 Oct 2012 07:00:00 +0000

Le numerose e noiose polemiche sul premio Pesaresi vinto dal giovane fotografo Giorgio Di Noto, hanno distratto dalla bellezza del suo lavoro di riproduzione delle immagini di guerra.
Scopriamolo senza cadere nella trappola del "falso reportage".

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Le numerose e noiose polemiche sul premio Pesaresi vinto dal giovane fotografo Giorgio Di Noto, hanno distratto dalla bellezza del suo lavoro di riproduzione delle immagini di guerra.
Scopriamolo senza cadere nella trappola del "falso reportage".

Spieghiamo prima di tutto di cosa stiamo parlando.
Il Si Fest di Savignano sul Rubicone ha scelto "The Arab Revolt" di Giorgio Di Noto come portfolio vincitore del Premio Pesaresi 2012. Il premio è dedicato al fotografo riminese Marco Pesaresi, scomparso nel 2001. Forse molti hanno dato per scontato che Pesaresi fosse un fotoreporter di guerra (il video con una sua intervista), così non è. Ha affrontato in modo molto personale i problemi dell’immigrazione, dell’emarginazione e della prostituzione, ha sondato gli effetti del consumismo nelle metropoli e nelle abitudini delle persone. Ritratti intimi delle pieghe oscure della società, come il delicatissimo e struggente dipinto della sua Rimini.
La rivolta araba di Di Noto ha lo stesso sguardo attento diretto agli effetti sulle persone dei fatti del mondo. La particolarità (molto contestata) è che non ci presenta foto "scattate sul campo", piuttosto realizzate con una polaroid di fronte ad uno schermo, durante i frequenti resoconti visivi dai teatri di guerra.

Giorgio Di Noto - The Arab Revolt

Sinceramente quando lo vidi per la prima volta, mi sorse spontaneo uno sbuffante "ma così non vale!".
E' comodo fotografare la guerra dallo schermo di un televisore, come è altrettanto comodo guardarla e commentarla come fanno politologi e giornalisti tramite i giri di agenzia e il circuito delle notizie. Tutti questi gradi di separazione dalla contingenza dell'evento aiuta sì a mantenere un livello di analisi più freddo ma al contempo impedisce di cogliere gli effetti umani della vicenda.
La "vicenda", quella spaventosamente drammatica è invece la materia che raccontano i reporter di guerra, giornalisti e fotografi. La cosa che ha fatto infuriare i più è il pretesto di considerarlo come un'opera reportagistica. La scelta è stata dunque vista come un insulto verso il loro lavoro di chi si sporca le mani (e le lenti) e si insanguina negli scenari di guerra.

Un processo alle intenzioni diventato fuorviante e ingiusto, ma in rete si sa, le voci corrono spesso animose e il tam tam si alimenta come un animale che scalcia inferocito e incapace di cogliere le sfumature dei fili d'erba che calpesta.

Il lavoro di Di Noto non si fonda sulla pretesa di essere un reportage, è stupido assegnargli questa colpa (era stupido anche il mio sbuffo) e continuarne a parlare rischia di avvitarci in quel giro di discorsi autoreferenziali e intellettualistici dove spesso i critici rimangono impantanati e si parlano addosso, finendo per lamentarsi sempre di qualcosa che non c'entra niente.

The Arab Revolt è un lavoro di riproduzione che si interroga sulla comunicazione e su come viene raccontata la guerra. La fotografia E', per sua natura, riproduzione e qui esalta la riproduzione di una riproduzione.
La guerra esiste solo se la si racconta e dunque la si riproduce. Più sono i passaggi di riproduzione, maggiore il numero degli strati che si sovrappongono, maggiormente opachi risulteranno i fatti.
Perciò si tratta di un lavoro sulla comunicazione, offuscando i soggetti, i fatti, si evidenzia il linguaggio.

Giorgio Di Noto - The Arab Revolt

Di Noto esegue il suo lavoro con intelligenza, sfruttando immagini simboliche, che definirei quasi prevedibili. Ma la loro prevedibilità diventa funzionale al messaggio che vuole far passare. Tutto quell'immaginario di guerra che già tristemente conosciamo o che ci aspettiamo già di vedere e che piano piano ogni giorno si consuma e diviene meno efficace.
La guerra per immagini è esattamente come l'ha ritratta, anzi riprodotta, Giorgio Di Noto.
Anche da un punto di vista estetico si tratta di un lavoro curato e pensato, ammorbidito dalle leggere sfocature delle polaroid, distaccato, con tutti i livelli che frappone, in fondo l'autore è lontanissimo dal luogo dove si svolge l'azione e non finge di esserci.
Risulta paradossalmente bello da vedere. Questo dovrebbe farci riflettere ancora di più sul senso delle immagini.

Non stiamo guardando un resoconto di guerra ma un'analisi su come quel resoconto si insinua dentro di noi e va a costruire quel castello di luoghi comuni, strutture e conoscenze che ci fanno categorizzare quella come LA guerra. Una sorta di "piacevole" e "comodo" incasellamento per renderci le cose più facili, che mobilita quell'alibi che ogni volta ci fa leggere velocemente la realtà e dunque re-introdurla nella casella con sù scritto "guerra", utile a non far più riflettere su cosa si tratti veramente. Una strategia psicologica inconsapevole per faticare di meno e che la televisione e i giornali alimentano costantemente.

Se per un momento si superano le noiose polemiche alimentate da blogger e social network sulle ragioni del premio, si scopre che si tratta di un bellissimo lavoro, esteticamente elegante e sofisticato. Le polemiche, poi si sa, son così capaci di attirare l'attenzione e contemporaneamente di distrarla lontano dalla verità.

Merita dare un'occhiata anche agli altri portfolio di Giorgio Di Noto sul suo sito personale.

Suggerisco la lettura della lucida analisi di Renata Ferri su Il Post e di Michele Smargiassi su Fotocrazia, che discutono attorno alla polemica.

Giorgio Di Noto - The Arab Revolt

Phantasmagoria, i sogni persi nel tempo di Sandro Rafanelli

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 11 Oct 2012 07:00:00 +0000

Prima o poi doveva succedere. E succede oggi. Il blog oggi non parla di grandi maestri o fotografi emergenti, parla del mio ultimo lavoro fotografico Phantasmagoria, approfittando dell'occasione di un'esposizione al festival Fofu 2012, dal 13 ottobre al 4 novembre 2012.

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Prima o poi doveva succedere. E succede oggi. Il blog oggi non parla di grandi maestri o fotografi emergenti, parla del mio ultimo lavoro fotografico Phantasmagoria, approfittando dell'occasione di un'esposizione al festival Fofu 2012, dal 13 ottobre al 4 novembre 2012 a Fucecchio (Firenze).

Non potevo scrivere io questo articolo, cedo quindi la tastiera al bravissimo Alessandro Garda che raccoglie in una piccola intervista quell'interessante conversazione che è emersa parlando della ricerca che mi ha condotto a Phantasmagoria.

"il sogno spaventoso", da Phantasmagoria, Sandro Rafanelli

Fantasmi, rimpianti e pietre di lapidi

gli attori sono di pietra ma il loro cuore spinge sangue.

Da cosa nasce la tua serie fotografica?
Dalla fotografia pittorialista del periodo a cavallo tra Ottocento e Novecento, che ha esercitato su di me una profonda influenza e fascinazione, portandomi a creare immagini d'altri tempi.
La Fantasmagoria era una forma di spettacolo teatrale che utilizzava una lanterna magica per proiettare, su pareti scure o su nuvole di fumo, paurose immagini di scheletri, demoni e fantasmi, suscitando grande meraviglia e spavento tra il pubblico.
Ho voluto ricreare un simile gioco di illusioni, sovrapponendo magicamente la realtà al sogno, con storie senza tempo racchiuse in un attimo imperituro. Tuttavia queste immagini non rincorrono la ricerca dello stupore immediato ma si rivelano lentamente a chi si sofferma ad osservarle.

Che cos'è Phantasmagoria?
E' un gioco di contrapposizioni, sul tempo e la realtà, un allineamento tra sogno, immaginazione lucida e cuore. L'intimo di un sogno spaventoso che si apre su un paesaggio aperto e inquietante. L'imprevedibile si sovrappone alla facciata austera di una basilica sormontata da un cielo di volte in pietra. Il palazzo come centro di potere e inganno è perforato dal copricapo di un monaco che svela e al contempo nasconde un interno vuoto e insondabile, l'impossibilità del vedere. Dentro un volto è il tempo complice come il ricordo di un'estate di gesti amorosi. Le radici di un albero che si fondono col corpo esanime mentre le lacrime vengono versate. Il filo sottilissimo della vita percorso da un'instabile omino in bicicletta sorvolando la breve fanciullezza.

La piccola nicchia con la statua nascosta da un velo diventa un paradosso in cui occhi di volti di pietra si sovrappongono a imporlo come centro di attenzione, nelle crepe del tempo. La storia della vergogna e della fortuna, un racconto frammentario di passioni, malinconia, rimpianti e morte. La luce nella "tua" stanza penetra da una finestra ad illuminare le forme sensuali di un momento, in una tensione tra interno ed esterno, intimo e monumentale. Oppure l'amante che fugge con le ali ma decapitato, il figlio caduto dal tempio, la nostalgia nel dittico dell'addio al mare, il sonno che si apre sulla porte dell'inferno.
Il viaggio si conclude al termine della notte, un fantasma dagli occhi socchiusi, finestre ancora accese e arabeschi dipingono già le trame del sogno.

Dove possiamo vedere le tue tavole?
Dal 13 ottobre (inaugurazione alle ore 17) fino al 4 novembre 2012 sono esposte al festival di fotografia di Fucecchio (Firenze), conosciuto come Fofu, essendo uno dei vincitori del bando di concorso di quest'anno.
Tengo a dire che le stampe sono realizzate su una carta cotone molto setosa, che assorbe e intrappola la luce e che contribuisce a quella sensazione di antico che avvolge tutta la serie.

Lo scorso anno il portfolio è risultato vincitore della rassegna Confini09 ed è stato esposto in varie gallerie in giro per l'Italia, a Trieste (Sala Fenice), Genova (VisionQuest Gallery), Milano (Polifemo Fotografia), Roma (MassenzioArte) e Torino (FusionArt Gallery).

Il portfolio completo e gli altri lavori sul sito personale www.sandrorafanelli.com
Il libro di Phantasmagoria.

"il palazzo", da Phantasmagoria, Sandro Rafanelli

"andrà tutto bene", da Phantasmagoria, Sandro Rafanelli

"vergogna e fortuna", da Phantasmagoria, Sandro Rafanelli

"il tempo complice", da Phantasmagoria, Sandro Rafanelli

"la tua stanza", da Phantasmagoria, Sandro Rafanelli

"la notte", da Phantasmagoria, Sandro Rafanelli

"Il lavoro di Sandro Rafanelli mi ha riportato alla mente il principio di Sigmund Freud, secondo il quale il funzionamento generale della psiche è basato su due concetti: “il principio della realtà” preposto all'adattamento all'ambiente circostante ed “il principio del piacere” che tende a sostituirsi a quello della realtà. Realtà e sogno, verità ed illusione. E su tutto... il tempo, che tutto crea e tutto distrugge. Fotografia e Tempo, connubio indissolubile. Ci sarebbe da discutere un bel po'. Per uno come me, amante della Fotografia contemporanea tanto quanto di quella d'epoca, le sue immagini sono un vero e proprio appagamento dell'occhio e del cuore."

(Fulvio Merlak, presidente FIAF, Federazione Italiana Associazioni Fotografiche)

"Sandro Rafanelli col suo Phantasmagoria cita la fotografia storica dello scorcio fra Ottocento e Novecento, utilizzando gli stilemi del Pittorialismo caro a quell'epoca, per creare immagini senza tempo – da sogno e da cinema d’altri tempi – dove presente e passato si intrecciano in un'ode alla periturità dell’attimo trasformata dal mezzo fotografico in fragile e fantasmatica effigie d’eterno."

(Rosa Maria Puglisi, Lo specchio incerto)

Foto for Fake, quando la fotografia è finzione

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 02 Oct 2012 07:00:00 +0000

Il Foto for Fake si presenta con una frase significativa "Esistono mille modi di dire una bugia. La fotografia questa cosa l’ha sempre saputa."

Si tratta di un magazine che accompagna una mostra fotografica a Siena, dal 22 settembre e il 14 ottobre all'interno dell'orto botanico dell'università.

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Il Foto for Fake si presenta con una frase significativa "Esistono mille modi di dire una bugia. La fotografia questa cosa l’ha sempre saputa."

Si tratta di un magazine che accompagna una mostra fotografica a Siena, dal 22 settembre e il 14 ottobre all'interno dell'orto botanico dell'università.

Alessandro Pagni - Sussidiario Egoista

La fotografia è finzione e questo sembra il luogo adatto per accogliere tutti coloro che hanno due tratti distintivi: amano la fotografica e amano mentire per raccontare la verità delle cose.

In mostra ci sono i bellissimi, e quanto mai diversi tra loro, lavori di Alessandro Pagni "Sussidiario Egoista", già premiato a Confini09, e "Today / Tomorrow" di Francesco Minucci.

Alessandro Pagni utilizza la fotografia come mezzo autobiografico. Sussidiario Egoista – scrive l’autore - è quel senso che tanto cercavo per tutti quei giorni passati fragili e biodegradabili col tempo. Un archivio egoista per una memoria storica personale, in cui il mondo ruota intorno al proprio sguardo e conta solo ciò che ha avuto un sapore.

"Sussidiario" perché è uno strumento di supporto per la comprensione retroattiva della propria vita, e anche perché fa pensare ai libri adottati dai bambini alle scuole elementari per comprendere materie e imparare nozioni che si porteranno dietro per anni.

Francesco Minucci ci spiega invece che quando si parla di fotografia, ci troviamo sempre davanti alla questione che il suo compito debba essere quello di raccontare il vero, illustrare il mondo contemporaneo o uno spaccato di vita. A me piace interpretare. Dietro a ogni mia creazione, c’è sempre una lettura del nostro tempo.

Propongo qui sotto qualche immagine dei lavori dei due autori.

Alessandro Pagni - Sussidiario Egoista

Francesco Minucci - Today / Tomorrow

Francesco Minucci - Play

Alessandro Pagni - Sussidiario Egoista

Francesco Minucci - Play

Rimando alla lettura del blog dedicato alla manifestazione e all'intervista a Francesco Minucci, in cui spiega il suo approccio alla fotografia.

Il magazine online fotoforfake.wordpress.com.

Li Wei e la lotta contro la gravità

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 03 Aug 2012 07:30:00 +0000

Un altro talento si aggiunge alla già folta schiera di fotografi cinesi che stanno invadendo lo scenario internazionale. Si tratta di Li Wei, un originale artista di Pechino che si diverte a proporre performance con fantasiosi voli per sconfiggere la gravità.
Tutto da scoprire.

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Un altro talento si aggiunge alla già folta schiera di fotografi cinesi che stanno invadendo lo scenario internazionale. Si tratta di Li Wei, un originale artista di Pechino che si diverte a proporre performance con fantasiosi voli per sconfiggere la gravità.
Andiamo a scoprire chi è.

"Il mio linguaggio artistico è universale e si occupa di temi di politica contemporanea e della società utilizzando simboli comprensibili da tutti in ogni parte del mondo. Sono affascinato dal lato instabile e pericoloso dell'arte..." (Li Wei)

Li Wei

I suoi primi lavori sfruttavano i giochi dei riflessi (Mirroring). Immagini che al primo sguardo incuriosiscono perché si fa fatica a capire il trucco. Con la testa che esce da un foro circolare al centro di uno specchio, il corpo veniva nascosto dal riflesso dello spazio circostante. Una semplice trovata per creare immagini davvero inconsuete.

Segue la più conosciuta Falls, in cui Li Wei sconfigge la gravità con la testa e il corpo incastrato nel terreno, sopra macchine, nell'acqua o nel ghiaccio. Una componente consistente del suo lavoro è la parte performativa. Tramite l'ausilio di gru e cavi, e una notevole fantasia, si fotografa in carrambolesche e surreali esibizioni. Un miscuglio tra performance e fotografia per creare illusioni e realizzare sogni visivi.

Li Wei è nato a Hubei in Cina, nel 1970 e lavora principalmente a Pechino. Le sue opere sono state esposte in gallerie e festival di tutto il mondo. Ho avuto la fortuna di vederlo a Lucca, nel 2011, in occasione del LuccaPhotoFest e mi ha molto divertito.

"Ma sono immagini costruite in fotoritocco e pesantemente elaborate!"
Invece NO, tutti questi scenari e situazioni sono reali. Tutte le immagini sono scattate in loco, utilizzando cavi metallici, corde, impalcature, specchi e molte acrobazie. Non si tratta dunque di montaggi al computer, sebbene alla post-produzione sia lasciato il compito di piccole rimozioni, come i cavi per le sospensioni e altri elementi di supporto. Basti vedere il video (poco più sotto) per rendersi conto della cura, del coraggio e anche della difficoltà tecnica nel realizzare questi scatti.

La gravità è una condizione di instabilità, pericolo e sfida con noi stessi. Questo è ciò che vuol comunicarci Li Wei e lo fa sognando ad occhi aperti, stimolando l'immaginazione del suo pubblico.

Li Wei - Mirroring

Li Wei

Li Wei - Falls

Li Wei

Basta guardare questo video e l'intervista per comprendere la creatività e l'entusiasmo di questo ragazzo pechinese.

Uno sguardo al sito personale e un approfondimento su Wikipedia.

la lettura: Luigi Ghirri, Lezioni di fotografia

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 13 Jul 2012 07:00:00 +0000

Consiglio per la lettura: Lezioni di fotografia, la raccolta delle lezioni di Luigi Ghirri all'Università del Progetto di Reggio Emilia.
Una chiave per capire uno dei più grandi fotografi italiani e al tempo stesso un insegnamento per affrontare l'arte fotografica con consapevolezza, semplicità e pulizia dello sguardo.

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Prosegue la rubrica del blog con i consigli per la lettura. E prosegue oggi con un libro di recente pubblicazione, che ha raccolto molto successo. Testo importante perché è una chiave per capire uno dei più grandi fotografi italiani e al tempo stesso un insegnamento per affrontare l'arte fotografica con consapevolezza, semplicità e pulizia dello sguardo.

Sto parlando di Lezioni di fotografia, contenente le lezioni di Luigi Ghirri. Consigliato a tutti, anche ai non fotografi, perché insegna a leggere non solo la fotografia, ma ad avere un approccio critico alla lettura delle immagini del mondo, oltre a introdurre la storia della fotografia nei suoi passaggi significativi.

"La fotografia non si ferma, non si esaurisce all’oggetto di partenza, nel soggetto ripreso."

Lezioni di fotografia è stato curato da Giulio Bizzarri e Paolo Barbaro, con uno scritto biografico di Gianni Celati. E' una raccolta delle lezioni che Ghirri ha tenuto tra il 1989 e il 1990 all'Università del Progetto di Reggio Emilia. Lezioni che sono state trascritte e in questo libro pubblicate; ognuna corredata dalle fotografie e dalle immagini che mostrava agli studenti e di cui parlava.
Luigi Ghirri ha rinnovato con le sue fotografie il nostro modo di guardare il mondo e c'è un'intera generazione di fotografi che non potrebbe esistere senza la sua opera. Il libro è una risorsa ineludibile per avviarsi all'arte della fotografia, conoscere Ghirri, e, come dice lui, per pulirsi un po' lo sguardo.

Il volume contiene anche 180 riproduzioni a colori, molte delle quali di sue fotografie e che devo dire sono bellissime, sopratutto abbinate al testo (ne ho messa qualcuna più sotto).

Più che un saggio sembra quasi un'autobiografia. Leggendolo si ha l'impressione di essere accompagnati lungo l'amata via Emilia che percorreva instancabile con la sua macchina scassata alla ricerca di nuovi punti di vista, profili di nuvole ("il profilo delle nuvole" è un suo bellissimo lavoro con fotografie del cielo), atmosfere rarefatte ma dense di significati.
Già quarant’anni fa Ghirri diceva “La realtà è diventata un colossale fotomontaggio”. Alcune delle sue fotografie stuzzicano lo sguardo dell'osservatore inducendo interrogativi sulla realtà apparente e su ciò che siamo portati a giudicare vero o sovrapposto.

Chi è Luigi Ghirri?

E' un fotografo e docente di fotografia (Scandiano 1943-Roncocesi di Reggio Emilia 1992), considerato uno dei grandi maestri italiani, insieme a Ferdinando Scianna, Mimmo Jodice, Gabriele Basilico, Gianni Berengo Gardin, Franco Fontana.
Avevo parlato di lui, citando un suo scritto ne la sequenza strana di Ghirri.
Il suo approccio è inteso a dare valore e restituire significato alle piccole cose, con l'obiettivo sempre puntato non tanto sullo straordinario ma sulla normalità.

"E’ difficile dire perchè una stanza, le pietre di una strada, un angolo di giardino mai visto, un muro, un colore, uno spazio, una casa diventino improvvisamente familiari, nostri. Sentiamo che abbiamo abitato questi luoghi, una sintonia totale ci fa dimenticare che tutto questo esisteva e continuerà ad esistere al di là dei nostri sguardi."

Per chi desidera acquistare il libro (su Amazon), ecco il link:
Luigi Ghirri - Lezioni di Fotografia
18.70€, Compagnia Extra

"Tutti i tipi di foto costituivano per Luigi un alfabeto, da Walker Evans (il suo fotografo preferito), al fantastico Eugène Atget, ad Andrè Kertész, ai personaggi di Nadar, agli innovatori Moholy-Nagy e Muybridge. A Reggio Emilia Luigi non insegnava la foto come arte separata dal resto, ma come appartenente a un alfabeto dove si collegano varie abitudini del vedere, e in cui riconosciamo un mondo abitabile". (Gianni Celati)

Luigi Ghirri - Ponte dei Sospiri

Luigi Ghirri

Luigi Ghirri - Lido di Spina

La pagina dedicata a Luigi Ghirri su Wikipedia per scoprire di più su vita, opere e biografia.
La recensione su CultFrame.

la lettura: Susan Sontag, Sulla fotografia

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 04 Jul 2012 07:00:00 +0000

Consiglio per la lettura del saggio Sulla fotografia della scrittrice americana Susan Sontag, un testo che non può e non deve mancare tra le letture di ogni fotografo e appassionato, è una raccolta di riflessioni che oltre a essere ben strutturata, risulta subito appassionante e ricca di spunti.
"Fotografare significa attribuire importanza."

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Ho deciso di aprire una nuova rubrica per il blog, dedicata ai consigli per la lettura.
Comincio con un libro che tutti i fotografi (professionisti, amatori e chi ha ambizioni di migliorare il proprio approccio alla fotografia) dovrebbero leggere.
Si tratta di Sulla fotografia, saggio scritto da Susan Sontag, un testo che non può e non deve mancare tra le vostre letture, è una raccolta di riflessioni che oltre a essere ben strutturata, risulta subito appassionante e ricca di spunti.

Inizialmente decisi di affrontarlo come testo di studio. Mi resi conto fin dalle prime pagine della densità delle riflessioni. Ogni paragrafo conteneva quantità di informazioni e osservazioni sociologiche profonde sulla fotografia che con lo scopo di sottolineare i pezzi importanti avrei finito per lasciare fuori solo le note.

Sulla fotografia. Realtà e immagine nella nostra società è stato scritto nel 1977, rimane tuttavia molto attuale e un cardine per la comprensione ragionata della fotografia, i suoi effetti sulla società e lo spazio importante che si è ricavata nei decenni.
Questo testo fornisce molti strumenti a chi si vuole avvicinare alla fotografia con intelligenza e consapevolezza. Ha il grande merito di fare chiarezza, con un linguaggio pulito, immediato e accessibile a tutti.
Le parti più riuscite sono secondo me quelle storiche e che trattano del reportage, del foto-giornalismo, con i riferimenti alle guerre che hanno segnato la generazione della scrittrice, da quella in Vietnam alle prime immagini che si diffondevano dello sterminio nazista.

Chi è Susan Sontag?
E' una scrittrice americana (New York 1933, Parigi 2004), un'intellettuale antiaccademica spesso in guerra contro l'intellettualismo della critica.
Negli anni '80 iniziò una relazione con la fotografa Annie Leibovitz (della cui fotografia ho trattato in le storie fantastiche di Annie Leibovitz), durata fino alla morte della Sontag, per leucemia. Il sodalizio affettivo delle due donne si inserisce in un vivace contesto culturale, in cui i saggi dell'ebrea-americana di origine polacca Sontag e le fotografie prima delle band rock della Leibovitz e poi dello star system celebrano un punto altissimo della fotografia. Un sodalizio di mente e cuore, critica e genio.

Nei suoi scritti la Sontag propone una lettura immediata, per esaltare la parte erotica dell’arte: “ciò che è importante ora è riscoprire i nostri sensi. Dobbiamo imparare a vedere di più, ad ascoltare di più, a sentire di più”; che si inserisce nel discorso degli anni della rivoluzione sessuale e si può interpretare come un tentativo di appropriazione di quegli ideali per trasformarli in teoria estetica.

Susan Sontag in una fotografia di Robert Mapplethorpe

Ritornando allo specifico di Sulla fotografia, commoventi sono i riferimenti alle opere di Diane Arbus (della quale ho parlato in la mancanza di Diane Arbus), ai maestri della storia della fotografia americana come Walker Evans e Robert Frank.
Una parte corposa del libro affronta il problema dell'ambiguità della fotografia come strumento di conoscenza. Di quello che lei chiama "inventario", ovvero del potere che ha la nuova arte di intrappolare una quantità sempre maggiore di informazioni, oggetti, persone e luoghi del mondo. Sontag non ha fatto in tempo ad assistere all'irruzione del digitale e quell'inventario del mondo di cui lei anticipò l'avvento ora è meno visionario e comincia a formarsi come un inquietante archivio di immagini.

"La nostra è un'epoca nostalgica e i fotografi sono promotori attivi della nostalgia. La fotografia è un'arte elegiaca, un'arte crepuscolare. Quasi tutti i suoi soggetti, per il solo fatto di essere fotografati, sono tinti di pathos."

Fondamentale il discorso sull'etica del fotografo, accuratamente trattato. Secondo Susan Sontag il fotografo vive una condizione simile a quella del turista che s'immerge in una realtà, anche dolorosa, con la consapevolezza di poterne uscire in qualsiasi momento, c'è un confine rassicurante che si può sempre attraversare tra "l'io" che osserva e "loro" che soffrono, una condizione di privilegio esistenziale che dà i brividi, per altri il fotoreporter è poco più di un entomologo che guarda gli esseri umani con distacco, senza una vera empatia con la realtà che sta documentando, la professionalità supera di molto l'umanità del suo sguardo.
Ma la stessa cosa si può dire del lettore e di chi usufruisce dell'informazione.

Susan Sontag in una fotografia di Annie Leibovitz

Vi lascio con qualche estratto dal libro che ritengo molto interessante.

"L'umanità si attarda nella grotta di Platone, continuando a dilettarsi, per abitudine secolare, di semplici immagini della verità ma esser stati educati dalle fotografie non è come esser stati educati da immagini più antiche e più artigianali: oggi sono molto più numerose le immagini che richiedono la nostra attenzione; l’inventario è cominciato nel 1839 e da allora è stato fotografato quasi tutto, o almeno così pare; questa insaziabilità dell’occhio fotografico modifica le condizioni di prigionia in quella grotta che è il nostro mondo; insegnandoci un nuovo codice visivo, le fotografie alterano e ampliano le nostre nozioni di ciò che val la pena guardare e di ciò che abbiamo il diritto di osservare; la conseguenza più grandiosa della fotografia è che ci dà la sensazione di poter avere in testa il mondo intero, come antologia di immagini; nelle fotografie l’immagine è anche un oggetto, leggero, poco costoso, facile da portarsi appresso, da accumulare, da conservare
Le fotografie sono forse i più misteriosi tra gli oggetti che formano, dandogli spessore, quell'ambiente che noi definiamo moderno. Esse sono in realtà esperienza catturata, e la macchina fotografica è l'arma ideale di una consapevolezza di tipo acquisitivo.
Fotografare significa infatti appropriarsi della cosa che si fotografa. Significa stabile con il mondo una relaziona particolare che dà una sensazione di conoscenza, e quindi di potere.”

"Insegnandoci un nuovo codice visivo, le fotografie alterano e ampliano le nostre nozioni di ciò che val la pena guardare e di ciò che abbiamo il diritto di osservare. Sono una grammatica e, cosa ancor più importante, un'etica della visione."

Per chi desidera acquistare il libro (su Amazon), ecco il link:
Susan Sontag - Sulla fotografia. Realtà e immagine nella nostra società
14.45€, Einaudi

Un salto sulla pagina dedicata a Susan Sontag su Wikipedia per scoprire di più della sua vita.

David LaChapelle, i fiori marci del decadentismo

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 18 Jun 2012 07:30:00 +0000

David LaChapelle torna a mostrare le sue colorate fotografie abbandonando le monumentali scenografie barocche, le citazioni artistiche classiche, le ironie sullo star system e le critiche al lusso. Ecco dunque il nuovo Earth Laughs Flowers, composizioni floreali di ispirazione fiamminga con tanto di protesi, sigarette, flebo e carta igienica.
La critica alla società contemporanea stavolta passa attraverso i fiori.

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David LaChapelle torna a mostrare le sue colorate fotografie abbandonando le monumentali scenografie barocche, le citazioni artistiche classiche, le ironie sullo star system e le critiche al lusso. Ecco dunque il nuovo Earth Laughs Flowers, composizioni floreali di ispirazione fiamminga con tanto di protesi, sigarette, flebo e carta igienica. La critica alla società contemporanea stavolta passa attraverso i fiori.

Una "pittura" floreale in linea col kitsch cui ci ha abituato e che riflette sulla caducità delle cose.

David LaChapelle - "Early Fall Flower", Earth Laughs Flowers

"La Terra Ride nei Fiori" questa la traduzione italiana del nuovo lavoro di David LaChapelle.
In linea col suo stile sguaiato e maleducato, intriso degli schemi dell'arte pop e della critica sociale, forse un po' superficiale ma sempre d'impatto. LaChapelle stordisce con colori sgargianti e architetta scenografie dense di dettagli e particolari ironici e scioccanti.

Di cosa parla la fotografia di LaChapelle?
Ho sempre reputato molto divertenti le fotografie costruitissime di questo ragazzo del Connecticut. I celebri ritratti delle star, incastrate in stanze piene di oggetti che le rappresentano e che le prendono in giro. Eppure son sempre lì, tutte in fila, queste star, a farsi fotografare mentre lui condisce questa sgangherata insalata con qualche strizzata d'occhio verso un pubblico smaliziato e diffidente, inserendo la critica all'opulenta società americana e allo star system stesso.
Le sue fotografie, pretenziose nel volersi porre in contrasto con quel mondo, finiscono per celebrarlo, ne definiscono il perimetro dei suoi simboli, lo innalzano a modello, forse un po' perverso e esagerato, ma pur sempre un modello, uno stile di vita che tenta di redimersi con un po' di subdola e facile autocritica, per non farsi troppo male.
E' questo aspetto che mi ha sempre disturbato nelle sue immagini, divertenti ed esteticamente attraenti, barocche e opulente, ma da non prendere mai troppo sul serio o attribuirgli un valore che non posseggono.
La sua fortuna è quella di mettere insieme i pezzi di un giocattolo colorato e di averlo fatto nel momento giusto. Ha interpretato la moda del momento, anche i bersagli del momento, li ha rappresentati in un contesto pop e con l'aiuto di una folta squadra di tecnici (alle pitture, alle luci, al trucco e al ritocco) si è potutto permettere tutti quegli effetti speciali che lo hanno reso famoso. I fondali dipinti, le sovrapposizione in Photoshop e quella miriade di particolari dalla carica simbolica e un po' fini a se stessi che costellano le sue immagini.

Ed eccoci dunque giunti a parlare di Early Fall Flower, connotato con i suoi classici stilemi ma originalmente concentrati su un unico soggetto, la composizione floreale. Nel manierismo delle sue cataste di oggetti che ruotano e si intersecano sui vasi di fiori, scorgo le molte citazione (il citazionismo è un elemento fondante della cultura pop contemporanea) alla pittura fiamminga, nelle luci e nelle inquadrature.

Come vecchi dipinti, nature morte contemporanee affogate nei simboli della società moderna.
Si percepisce la volontà di indicare ogni quadro come il portatore di un qualche significato, non si tratta solamente di estetica decorativa, non sono dunque solo fiori.

Addentrandomi in un terreno pieno di spine, azzardo un confronto pericolosissimo.
Quando stava finendo il medioevo, Hieronymus Bosch lo ritrasse senza più timore, tratteggiandone i miti e le assurdità nei suoi enormi quadri puntellati di piccole figure, mostri con la testa di animali, sfacciate allusioni erotiche e creature spaventose. Ogni cosa cadde vittima della sua sagace ironia e del suo sguardo acuto e beffardo.
Il medioevo non spaventava più, le sue mortifere tenebre stavano lasciando il passo all'avvento di quell'abbagliante e grandiosa luce del Rinascimento.
Come al termine di un fatiscente e buio "medioevo moderno", i fiori di LaChapelle raccolgono tutti gli elementi che lo hanno dominato, i telefoni cellulari, le tette rifatte, le sigarette, il cellophane, le teste di bambole, oggetti mostruosi e futili. E' un'inno alla decadenza, al fetore fatiscente, in cui i fiori e la frutta, unici elementi che mantengono ancora un collegamento con la Natura, resistono al centro della scena.
Mentre la Natura Morta, è destinata a spengersi, a decadere, tutto il resto sembra poter resistere al tempo. Invece qui assistiamo alla manifestazione di un assurdo, la natura sembra ancora sopravvivere, mentre la decadenza del "contorno" decreta la fine di un mondo.
Quella natura rappresentata da fiori, sgargianti nei colori acidi e artificiali, forse mantiene ancora il senso delle cose. Vive e muore, per poi rinascere.
Il falò delle vanità degli oggetti di contorno stuzzica quel decadentismo senza speranza che fa riflettere sulla caducità delle cose, riportando l'attenzione sull'effimero e il superfluo. L'assenza di valore della vita, il riempitivo che chiamiamo Vanità.

La bellezza appassisce.
Ogni fotografia ha il suo obiettivo, non sono solamente quadri di fiori bensì metafore del ciclo della vita.
Teschi, parti anatomiche, insetti, orologi, giocattoli, verdura, maschere, barbie e ken senza testa, carta igienica e palloncini, candele. L'ossessione di LaChapelle si manifesta in un'esplosione di accostamenti.

David LaChapelle - "America Flower", Earth Laughs Flowers

David LaChapelle - Earth Laughs Flowers

Springtime Flower rimanda all'adolescenza, con pezzi di bambole e immagini di divi dei ragazzini ritagliati dai giornali e una maschera di Sailor Moon. Late Summer Flower è carica di cibo, Early Fall Flower richiama l'idea della decadenza, con i mozziconi di sigaretta. Flaccid Passion Flower di opulenza, di donne formose e flaccide, statue classiche e maschere affiancate a bambole nude senza testa.
Risk Flower ha degli insetti che sembrano vivi, con un ragno che troneggia in alto. America Flower è il quadro di buona guarigione con una bandiera americana che brucia. Deathless Winter Flower è la natura morta con le flebo. Infine il sensualissimo e un po' perverso The Lovers Flower, col primo piano di una strana vagina che ricorda una bocca.

David LaChapelle - Earth Laughs Flowers

L'intervista a LaChapelle su VanityFair, quale luogo migliore per rilasciare un'intervista ;-)

il ritratto del poeta

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 12 Jun 2012 07:30:00 +0000

Il prossimo mercoledì 13 giugno, alla galleria Obiettivo Reporter di Milano, si inaugura la mostra collettiva Self Portrait. Insieme ad altri autori espongo Il ritratto del poeta.
"E' l'antidoto, la poesia, al dolore, quella parte essenziale della vita. Parla di qualcosa che non conosciamo ma ci servirà al momento opportuno."

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Di solito non uso il blog per segnalare i miei progetti, non ho mai parlato del tour per le città italiane del mio lavoro più complesso, Phantasmagoria, ma del nuovo piccolissimo lavoro sul poeta faccio un breve accenno.

Il prossimo mercoledì 13 giugno 2012, alla galleria Obiettivo Reporter di Milano (via Natale Battaglia, 34), si inaugura la mostra collettiva Self Portrait.
Insieme ad altri autori espongo Il ritratto del poeta, tre fotografie, tre ritratti come chiedeva il tema del concorso, che poi ho vinto. Sarò presente all'inaugurazione, dalle ore 18. La mostra termina il 30 giugno.

Il trittico del poeta è il ritratto dell'immaginazione (il copricapo arcobaleno), delle passioni (le fiere urlanti) e della conoscenza (la stella bianca).
E' l'antidoto, la poesia, al dolore, quella parte essenziale della vita. Parla di qualcosa che non conosciamo ma ci servirà al momento opportuno.

il copricapo arcobaleno (l'immaginazione) - Sandro Rafanelli

le fiere urlanti (le passioni) - Sandro Rafanelli

la stella bianca (la conoscenza) - Sandro Rafanelli

Il testo di presentazione della curatrice Sara Munari.

L’autoritratto è sicuramente un’indagine della quale il mezzo fotografico si è appropriato, è una sfida interessante che quasi tutti gli artisti hanno colto, da sempre. L’interessamento per l’autoritratto ha inoltre incuriosito molti studiosi che hanno proposto svariate tesi per comprendere individualità, carattere, psicologia umana e culturale.
Gli autori esprimono i propri sentimenti attraverso la “certezza” della fotografia, loro mezzo di verità. L’artista che opera attraverso l’auto-ritratto è autore di pensieri visuali che egli stesso inserisce nell’immagine assumendone la personalità. Autoritrarsi è mostrare la parte più intima, è rivelare la percezione di sé stessi il che è sicuramente un’operazione difficile.
L’autoritratto, va direttamente alla genesi e nel caso della fotografia ci va nel modo più veloce, gelando il momento dell’immagine come di fronte ad uno specchio ed intraprendendo un raffronto tra il sé analizzato ed il sé dei propri pensieri, due distinte entità che coesistono in qualche caso l’una all’insaputa dell’altra.
L’Io raffigurato è probabilmente la liberazione del pensiero di sé come impulso spontaneo, ci si mette a nudo, ci si espone ad altri sguardi. Ma di questi autori vediamo davvero l’animo? Ci si può mostrare attraverso lo scatto fotografico? Sicuramente vediamo quello che gli autori credono di essere o perlomeno vorrebbero essere.
Augusto Pieroni definisce l’autoritratto “pratica obliqua”, riferendosi “al gioco di specchi Rembrandtiano che fa di questo genere uno strumento di autoanalisi e di terapia per riportare ad unità, per quanto aperta e problematica, la molteplicità di identità che l’uomo amministra in sé e per gli altri. La fotografia ha arricchito questo filone grazie al dispositivo lente-otturatore che istiga a mettere in posa l’Ego, a sceneggiarlo, offrendo una ben conscia bugia in pasto al tradizionalmente sincero e trasparente mezzo fotografico...” (Scritti recenti: (Auto)ritratto: fra rimeditazione e rimediazione dell’identità fotografica)
Questa forma di espressione dipende esclusivamente da sé stessi, se il risultato non convince è esclusivamente colpa propria, per questo si può riprovare, fino a descrivere la propria immagine esattamente come la si voleva/vedeva.
Per questo mi hanno colpita gli autoritratti di questi autori, nessuno di loro riguarda minimamente il cogliere l’attimo fotografico, nessuno di loro sembra attratto dall’hic et nunc, forse imperfetto, mosso, mal composto, con la cognizione che non si ripeterà più uguale, nessuna di queste immagini interpreta situazioni fuggenti e labili.
Sono tutti studi sulla propria persona (esteriormente) e personalità. Ognuno degli autori ha letteralmente interpretato sé stesso, con un criterio quasi pittorico, con la possibilità di toccare e ritoccare il risultato.
Se questo ritrarsi sia privo di significati sostanziali o rappresenti effettivamente il raffigurato, non interessa, fattore importante è poter vedere quello che ogni artista ha da dire di sé.

Sara Munari (Curatrice e fotografa)

La pagina ufficiale sul sito di ObiettivoReporter.
www.sandrorafanelli.com

Una volta potrei anche dedicare un post alle sognanti e cupe atmosfere di Phantasmagoria...

Julia Kozerski e la l'altra metà dell'obesità

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 07 Jun 2012 07:30:00 +0000

Il portfolio fotografico di Julia Kozerski mi ha davvero colpito ed emozionato. Osservare i suoi autoritratti e leggere le sue parole, vi assicuro che non vi lascerà indifferenti. La vità a metà di questa ragazzona americana vi commuoverà.

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Ho scovato per caso il portfolio fotografico di Julia Kozerski, le sue immagini mi hanno davvero colpito ed emozionato. Osservare i suoi autoritratti e leggere le sue parole, vi assicuro che non vi lascerà indifferenti. La vità a metà di questa ragazzona americana vi commuoverà.

E' così che oggi voglio parlarne e sebbene il suo portfolio affronti un tema molto dibattuto, numerosi altri fotografi si son cimentati a raccontare i problemi legati al peso, l'approccio di Julia è tremendamente onesto, sincero fino al midollo, tanto da far quasi male.
I suoi autoritratti sono scioccanti nella cruda realtà che mostrano, sono uno isola di verità circondata da un oceano di fotoritocchi, ipocrisie ed estetica dominante imposta sulle donne.

Julia Kozerski - Half

Chi è Julia Kozerski?
Una fotografa americana di Milwaukee, ma prima di tutto una ragazza obesa. All'età di venticinque anni pesava già più di 150 chili. E' così che ha deciso di pianificare una rigida dieta fatta di controllo del cibo e attività fisica. Ha terminato il suo percorso riducendo della metà il suo peso, e documentandolo con la fotografia.
Tuttavia non si tratta di un freddo documento, le sue immagini non descrivono solamente una perdita di grasso, quanto una perdita ben più profonda. Le origini della sua infelicità risiedono nel peso, prima ma anche ora. Il suo corpo è divenuto il libro che racconta la sua storia, le smagliature, le pieghe delle pelle sono le pagine in cui ha scritto le sofferenza della sua ricerca di quell'immagine "perfetta", di un'altra persona che ha sognato per tutta la vita.

La denuncia di Julia non è una denuncia.
E' la storia di una persona, con tutte le sue particolarità, i suoi sogni e aspirazioni e angosce. I suoi autoritratti sono una denuncia della realtà, più che della società. Se si vuole guardarle con un occhio attento e libero da ideologie, si scopre che l'attacco si rivolge verso una società che impone canoni di apparenza e bellezza molto rigidi ed emarginanti per i più, ma giunge altrove. L'autrice e protagonista riflette su se stessa, ripercorre i sensi di colpa, il duro percorso di "rettificazione" e la sua determinata ricerca di omologazione al modello ma finisce per perdersi.
E' bellissimo e al tempo stesso drammatico, il punto in cui giunge il racconto. La perdita del peso termina con la perdita di se stessa, in tutti i sensi. Il suo corpo si è ridotto della metà, da qui il titolo "half".
Una metà che aveva e che adesso non c'è più ma della quale rimane una traccia, cicatrici incancellabili, dentro e fuori.

Gli autoritratti di Julia sfiorano l'esperienza di molti fotografi che l'hanno preceduta, lei lo fa con una ricercata raffinatezza senza mai mettere da parte la bellezza di un racconto pulito e senza fronzoli. Semplicissimo in alcuni momenti, eppure sempre efficace ed emotivo.

L'autoritratto in fotografia è sempre stato un genere diffuso, seppur complesso. L'autore è protagonista dei propri scatti e affronta l'insidiosa linea di demarcazione del narcisismo. Si mette a nudo, anche quando rimane vestito, perché la macchina fotografica è uno strumento che uccide l'intimità, la contamina ed è brutale, bisogna saperlo controllare e contenere. Ricordo la scena di Blow di Michelangelo Antonioni in cui un fotografo "spara" con la sua reflex sulla modella, in un parossismo da atto sessuale.
Ci sono fotografi che giocano con l'autoritratto e come Robert Mapplethorpe sondano il potere di penetrazione psicologica, altri come Nan Goldin usano letteralmente l'autoritratto come una terapia mostrando le ferite, le percosse e il dolore, elaborando un mosaico di immagini mosse o sfocate, graffianti e intense di vita vissuta. Posso citare Cristina Nuñez e la sua similare esperienza di disintossicazione attraverso la fotografia e l'autoritratto terapeutico, Arno Rafael Minkkinen (del quale ho parlato in dentro la natura con Arno Rafael Minkkinen) che affronta il proprio corpo in una fusione elegante col paesaggio, oppure Francesca Woodman che costruisce un universo complesso e simbolico sui propri ritratti di nudo.


Julia Kozerski - Half

Il testo che Julia ha scritto per introdurre il suo lavoro è il miglior modo per far scricchiolare quella corteccia cinica e dura che ci rende distaccati e indifferenti verso tutti coloro che soffrono di questo problema ed entrare così in contatto emotivo con le sue fotografie e la sua storia.

"Tutti noi abbiamo almeno un attributo di noi stessi che ci obbliga ad essere consapevoli; qualcosa che ci fa sentire come se non fossimo "normali". Per me e per moltissime altre persone, il peso è una fonte costante di insicurezza. Quando ho festeggiato i miei 25 anni, la bilancia segnava 153 chili. Con un indice di massa corporea (BMI, body mass index) del 49,9 per cento, metà del mio corpo era letteralmente costituito da grasso, e son stata classificata come "obesa".

Per tutta l'infanzia e l'adolescenza il mio peso mi ha portato ad attraversare periodi di depressione legata alle questioni fisiche ed emotive. Per tanto tempo non ho desiderato niente di più che essere fisicamente qualcuno diverso da me, pensando che questo mi avrebbe reso più felice.

Nel dicembre del 2009 ho deciso di riprendere le redini della mia vita e di partire per un viaggio per vivere sano. Attraverso il conteggio delle calorie, concentrandomi sulla nutrizione, sul controllo delle porzioni e aumentando l'esercizio fisico, i miei sforzi mi hanno permesso di perdere oltre 160 chili. Mentre avevo sinceramente creduto che il mio duro lavoro e dedizione mi avrebbero trasformato in quella persona "perfetta" dei miei sogni, la realtà invece mi ha portato esattamente al contrario. La mia esperienza contraddice ciò che i media tendono a rappresentare. Mentre è facile celebrare e apprezzare i notevoli risultati fisici di una tale impresa, sotto lo strato dei vestiti e dietro "porte chiuse" si nasconde una realtà molto diversa.

Queste fotografie sono degli autoritratti. Servono come riflessi della mia esperienza e indirizzano ed esplorano le mie lotte private, fisiche ed emotivamente dolorosissime, contro il cibo, l'ossessione, l'autocontrollo e l'immagine di sé. Queste immagini così brutalmente oneste gettano luce sulla verità di quello che per me è vivere la vita come metà di me stessa."

Julia Kozerski

Julia Kozerski - Half

In alcuni scatti Julia rivela in modo più esplicito la sua incapacità ad accettarsi, la sua inquietudine è rivelata nascondendosi dietro una tenda, un parapetto, un controluce, forse per dimenticarsi per un momento di quella metà scomparsa del suo corpo o forse per far scomparire quella rimasta.

Julia Kozerski - Half

Consiglio di leggere il testo originale sul suo sito personale, che raccoglie tutte le foto della serie "Half" juliakozerski.com

la cancellazione da Facebook

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 17 May 2012 12:41:00 +0000

Un breve intervento solo per dirvi che oggi mi hanno rimosso l'account di Facebook, senza fornire motivazioni e senza nemmeno avvisarmi.
Sarebbe solo una scocciatura se si trattasse di perdere contatti di amici, fotografi, galleristi, critici, giornalisti, fotografie, link e siti di interesse (!), in verità è ben più di un fastidio, perché Facebook ha cancellato anche la pagina dedicata a questo blog, BecauseTheLight.

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Un breve intervento solo per dirvi che oggi mi hanno rimosso l'account di Facebook, senza fornire motivazioni e senza nemmeno avvisarmi.

Sarebbe solo una scocciatura se si trattasse di perdere contatti di amici, fotografi, galleristi, critici, giornalisti, fotografie, link e siti di interesse (!), in verità è ben più di un fastidio, perché Facebook ha cancellato anche la pagina dedicata a questo blog, BecauseTheLight.

Tutti gli utenti che la seguivano hanno dunque perso un riferimento importante per tenersi aggiornati sugli articoli, le segnalazioni, tutte le immagini e gli sviluppi del blog. Avevo impiegato molti giorni, ricercato materiale per tenerla aggiornata... tutto lavoro perso.

Non avendo mai fatto spam (come al contrario fanno quasi tutti i siti analoghi su Facebook per promuoversi), non avendo mai aggiunto commenti offensivi o lesivi, molto probabilmente è il risultato di qualche segnalazione da parte di utenti o (presunti) amici. Questo mi fa ancora più male.

Non credo che aprirò di nuovo una pagina su Facebook dedicata al blog, d'ora in poi ne farò a meno, vi invito comunque a collegarvi ogni tanto a BecauseTheLight o seguirlo.

Non ho mai voluto inserire pubblicità nella pagine, né scegliere argomenti "facili" o scrivere articoli per compiacere qualcuno, ho sempre pensato che un blog di approfondimento dovesse porsi l'obbligo morale di affrontare quello che ritiene interessante, senza necessariamente ritorni economici. Ogni post è il frutto di ricerche e lungo studio, ho sempre cercato un approccio originale e di approfondire (a volte con fin troppe parole) per capire meglio e imparare assieme a voi ad applicare uno sguardo critico e costruttivo.

Spero che apprezziate lo sforzo e comprendiate lo spirito di questo blog, con e senza Facebook.
Un grazie sentito a tutti quelli che mi leggono.
Sandro

Loretta Lux e i bambini in fuga dal mondo

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 23 Apr 2012 07:10:00 +0000

La prima volta, ormai diversi anni fa, che scoprii il lavoro fotografico di Loretta Lux, rimasi impressionato da quest'arte pulita e ricercata. Adesso mi sento di poter formulare un giudizio più completo e meno adulatorio e inquadrare meglio questo fenomeno di arte ammiccante e figlia di un tempo confuso e alienante. Dunque ho cambiato occhi o la tempesta mi ha reso più duro? O ancora quest'arte non è sopravvissuta alla demolizione del tempo e del gusto?

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Ho deciso di riprendere a guardare il lavoro di Loretta Lux, perché anche se non recentissimo, adesso mi sento di poter formulare un giudizio più completo e meno adulatorio.
La prima volta che la scoprii, ormai diversi anni fa, rimasi impressionato da quest'arte pulita e luminosa. Adesso, a distanza di tempo, quando fotografie e fotografie son fluite strusciando sulle sponde del torrente dalle quali osservo il mondo dell'arte, le cose son cambiate e riesco ad inquadrare meglio questo fenomeno di arte ammiccante e figlia di un tempo confuso e alienato.
Dunque ho cambiato occhi o la tempesta mi ha reso più duro? O ancora, quest'arte non è sopravvissuta alla demolizione del tempo e del gusto?
Provo a scoprirlo riflettendo sulla personale fuga dal mondo di Loretta Lux.

Loretta Lux è nata nel 1969 a Dresda, nella Germania orientale. Vive e lavora a Monaco.
Una vita ordinaria, divisa tra cura dei gatti, il marito e una notevole dose di ore di fotoritocco al computer.

Prima di tutto, come realizza le sue immagini?
Sceglie soggetti somaticamente perfetti, solitamente bambini, li ritrae in pose molto semplici su fondali piatti. Terminata la fase più prettamente fotografica inizia il lunghissimo lavoro di compositing e ritocco. Lo scontorno delle figure e la difficile e meticolosa integrazione coi fondali fittizi, fotografici o pittorici, preparati con cura. Infine la pulizia di tutti gli elementi di disturbo, la regolazione di luci e toni.
Questo processo può durare anche diverse settimane.

photo by Loretta Lux

Il risultato è una serie di ritratti immaginari, simulacri di un'infanzia idealizzata, luogo astratto come un paradiso perduto nel quale è impossibile tornare o fuggire, un regno edificato sulle proiezioni estetiche dei nostri desideri.

Le fotografie di Loretta Lux son composizioni semplici che seguono un'organizzazione tipica della pittura. Geometrie, colori, ogni ingrediente proviene dal campo pittorico seppur cucinato in un contesto digitale, che definire "fotografico" sembra oramai quasi riduttivo o per lo meno improprio.

Tutta questa perfezione formale è una maschera che nasconde imperfezioni estetiche o "imperfezioni" di carattere più profondo. Un atto professato consapevolmente o no?
Oppure la riflessione che dobbiamo fare è che la nostra percezione dell'infanzia è avvolta nell'idea malsana che la perfezione sia annessa al concetto di infanzia, pertanto vale alterare/idealizzare anche la sua estetica?

"Essere un’esteta è una battaglia senza speranza di vittoria."

Trovo quest'affermazione una chiave di lettura del lavoro e al tempo stesso un punto debole.

photo by Loretta Lux

La ricerca di un'estetica perfetta da sovrapporre se non da sostituire alla visione del mondo, è un battaglia romantica e forse anche un po' limitante. L'idea di "pulire" ogni cosa da ogni bruttura è come imbastire un'immensa impresa di pulizia digitale che finisce per cancella anche quei piccoli frammenti che formano il punto di immersione. Mi spiego meglio facendomi aiutare dal concetto di "punctum" introdotto da Roland Barthes.
Se un'immagine risulta spoglia di appigli, anche di piccolissimi elementi di apertura, ovvero un qualche punctum che perfori la sua superficie piatta e permetta di immergersi in una dimensione terza, dunque si tratta di una tavola che assorbe luce e non la riflette, una tavolozza di bei colori e forme, citazioni e auto-riferimenti.
Annientando il punctum si annienta la terza dimensione, si annulla il margine di interazione dell'osservatore con l'oggetto osservato e la fotografia rimane quell'embrione dal quale è partita, un fotogramma bidimensionale, "assassinato a freddo".

La bambina Loretta cresciuta nella Germania comunista, al contatto con una realtà orribile e le soppressioni delle libertà, ci racconta che è in perenne fuga da quel caos, da quell'oppressione. Trova rifugio, come una bambina spaurita, nelle visioni di paesaggi rarefatti dai color pastello, con bambini assenti. Molti definiscono queste costruzioni "surrealiste", per me non hanno niente di surreale, non sorpassano la realtà, la accarezzano in una forma ben studiata e edonista.

Il rifugio dorato dei bambini è una gabbia in cui sopravvivono beati ma che li svuota, spenge la luce nei loro sguardi e li immerge in luminosi e diafani paesaggi in cui fluttuano senza trovare un senso. Li si potrebbe osservare e interrogare per ore perdendosi in un stato di sospensione o rapimento estatico senza catturarli mai nell'anima.
In alcuni percepisco come una sorta di quieto vivere, in altri un senso di attesa che qualcosa cambi, in altri ancora quasi una richiesta di aiuto o un desiderio di fuga.

photo by Loretta Lux

Uno sguardo al sito personale.