Because the light

O capitano! Mio capitano...

noreply@blogger.com (Sandro) — Thu, 19 Jan 2012 09:30:00 +0000

O rosse gocce sanguinanti sul ponte / Dove è disteso il mio Capitano / Caduto morto, freddato.
Così scriveva Walt Whitman.
Quante parole questi giorni, si sprecano le metafore, si cercano simboli di un dramma collettivo. E il pubblico ne parla, ne discute, in fondo poco sapendo ma nessun avarizia nei giudizi, spesso frettolosi, sempre comodi.
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O capitano! Mio capitano! il nostro viaggio tremendo è finito,
La nave ha superato ogni tempesta, l'ambito premio è vinto,
Il porto è vicino, odo le campane, il popolo è esultante,
Gli occhi seguono la solida chiglia, l'audace e altero vascello;
Ma o cuore! cuore! cuore!
O rosse gocce sanguinanti sul ponte
Dove è disteso il mio Capitano
Caduto morto, freddato.

O capitano! Mio capitano! àlzati e ascolta le campane; àlzati,
Svetta per te la bandiera, trilla per te la tromba, per te
I mazzi di fiori, le ghirlande coi nastri, le rive nere di folla,
Chiamano te, le masse ondeggianti, i volti fissi impazienti,
Qua capitano! padre amato!
Questo braccio sotto il tuo capo!
È un puro sogno che sul ponte
Cadesti morto, freddato.

Ma non risponde il mio capitano, immobili e bianche le sue labbra,
Mio padre non sente il mio braccio, non ha più polso e volere;
La nave è ancorata sana e salva, il viaggio è finito,
Torna dal viaggio tremendo col premio vinto la nave;
Rive esultate, e voi squillate, campane!
Io con passo angosciato cammino sul ponte
Dove è disteso il mio capitano
Caduto morto, freddato.

("O capitano! Mio capitano!" - Walt Whitman)

La poesia che Walt Whitman scrisse sull'assassinio del presidente Abraham Lincoln è una metafora della battaglia, la nave è il paese, il viaggio tremendo ricorda le difficoltà della guerra e le sfide di un'intera nazione. Il capitano è il defunto Lincoln.

Ognuno ha la sua nave, ognuno il proprio capitano, ognuno ricorda il proprio naufragio.

Quante parole questi giorni, l'informazione come un'ossessione, i protagonisti si tramutano in attori; in un commedia è più facile assegnare i ruoli del "buono" e del "cattivo". Si sprecano le metafore, si cercano simboli di un dramma collettivo. E il pubblico ne parla, ne discute, in fondo poco sapendo ma nessun avarizia nei giudizi, spesso frettolosi, sempre comodi.
E' la morte, più se ne parla e più si esorcizza. Per dimenticarla in fretta, almeno fino alla prossima inevitabile occasione.
"O capitano, mio capitano..."

i baci scandalosi di UnHate

noreply@blogger.com (Sandro) — Wed, 11 Jan 2012 08:15:00 +0000

La nuova campagna pubblicitaria di Benetton, dal titolo UNHATE, raffigura capi di stato e leader religiosi, solitamente in antipatia tra loro, che si baciano.
Provocazione a scopi pubblicitari o c'è qualcosa di più?
Ci leggo un'imprevista dolcezza, artificiosa sì, ma sono solo io a vederla?

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La nuova campagna pubblicitaria di Benetton, dal titolo UNHATE, raffigura capi di stato e leader religiosi, solitamente in antipatia tra loro, che si baciano.
Si tratta della solita provocazione a fini pubblicitari oppure sullo stile di Oliviero Toscani c'è anche qualcos'altro?
Ci leggo un'imprevista dolcezza, artificiosa sì, ma sono solo io a vederla?
Provo a rifletterci un po' sù.

Benedetto XVI bacia Al-Azhar - UnHate by Benetton

Si tratta ovviamente di fotomontaggi, come quello più "scandaloso" qui sopra, tra il papa Benedetto XVI e l'imam del Cairo Al-Azhar.
Tralasciando per un momento il carattere fortemente provocatorio, sul quale ci sarebbe molto da dire sebbene molto sia già stato detto, trovo che queste immagini siano forti, efficaci ma anche "leggere". I gesti e il modo in cui sono sovrapposti i vari personaggi non rivelano a mio avviso tanto un desiderio polemico o accusatorio, quanto piuttosto dolcezza, una imprevista e inaspettata dolcezza.
Forse sono solo io a vederci questo, ma facendo lo sforzo di pulirmi lo sguardo da una lettura omologata e prevedibile, dagli schemi di interpretazione usuali, provo a rapportami con le persone piuttosto che con i personaggi.

La provocazione è ormai un marchio del nostro tempo, fin dal primo novecento ne è stato svelato il potere, diventata strumento per la comunicazione di massa, ora detta "globale". Non è una cosa nuova ma continua a funzionare e funziona perché molti ragionano a schemi fissi e facilmente prevedibili e perché la società contemporanea ci porta a indignarci spesso per cose che in fondo poco ci interessano, per dettagli, per forme di comunicazioni pubblicitarie sovente volgari e compiaciute, altre volte furbette e strumentali.

Se però guardiamo con minore superficialità, cercando di mettere i tasselli nel giusto ordine, forse scopriamo qualcosa. Facciamo uno sforzo di indipendenza di pensiero.
Dovrebbe urtare qualcuno che la cancelliera Merkel bacia col sorriso sulle labbra il premier francese Sarkozy, dall'aria quasi stupita? Ben sapendo che si tratta di un fotomontaggio, quindi non di uno scoop?
Dovrebbe infastidire che l'americano statunitense Obama baci sulla bocca l'americano venezuelano Chàvez?
Forse qualcuno potrà anche sentirsi ferito, ma suppongo che la natura della sua sofferenza derivi da ben altri problemi, da ricercare in una mancanza di autocritica o accettazione personale.

Qui vorremmo parlare di fotografia e dunque parliamone.
Leader ritratti in perenne contrasto tra loro, per opinioni politiche o religiose, diventano, come un'installazione di arte contemporanea, protagonisti di un racconto corale parossistico, di alterazione digitale della realtà che sfruttando lo strumento dei social network, della rete e dei telegiornali diventa un messaggio virale di manipolazione positiva.
Mi fa riflettere sul potere di questi strumenti, che se fossero davvero ben usati, avrebbero una risonanza immensa. Diciamo che nell'appena concluso 2011 una buona parte del Mediterraneo ha ben compreso la potenza dei nuovi mezzi, cambiando definitivamente la propria storia e tirando un bello scossone ai vari dittatorelli, inducendo a una riflessione storica di grossa portata e progresso che da tanto attendono (e chissà poi quando arriverà).

Il papa della chiesa d'occidente che bacia l'imam musulmano. Forse è questa l'immagine più emblematica e da trattare con maggior cura, perché si carica di più significati e livelli di lettura.
Entrambe figure religiose ben poco aperte alle questioni omosessuali, anzi sempre pronte a scagliarsi contro (un bel punto in comune questo), si ritrovano a loro insaputa visti da milioni di persone in atteggiamenti intimi. Una piccola vendetta, inoffensiva. Meno blasfema e più divertente delle vignette su Maometto, ma forse solo perché non siamo fondamentalisti e quindi più abituati a dare alle cose il giusto peso e contesto o riderci un po' sù.
Qui in più ci sono le differenze religiose, le distanze, i dissidi, le piccole grandi crociate, che tutto ad un tratto si dissolvono in un bacio.

Tutto ad un tratto i personaggi diventano persone, si abbracciano dolcemente, lasciando da parte la diffidenza. Non si tratta del bacio della morte tra capetti mafiosi o del famoso bacio tra Brezhnev e Honecker. Niente di tutto questo, questo è un vero (finto) bacio, in cui due persone molto semplicemente si baciano, solo il reciproco odio li può offendere.

Piccolo riferimento storico, ma questo è reale.
Era il 1979 e durante i festeggiamenti del trentesimo anniversario della DDR, Régis Bossu catturava in questo iconico scatto il bacio tra il segretario generale del partito comunista russo Brezhnev e il presidente della Germania dell'Est Erich Honecker, un segno di rispetto reciproco scambiato tra compagni socialisti.
Immagine riproposta come graffito su quel che rimane del muro di Berlino e poi divenuta un simbolo.

il bacio tra Brezhnev e Honecker, 1979 di Régis Bossu

Uno è vero, l'altro è artificiale, ma vedete quanto sono diversi?

Angela Merkel bacia Nicolas Sarkozy - UnHate by Benetton

UnHate by Benetton

Barack Obama bacia Hugo Chàvez - UnHate by Benetton

Poi è successo che dopo nemmeno ventiquattro ore dall’inizio della campagna, è stato deciso di ritirare l’immagine del papa da ogni pubblicazione. Un portavoce del gruppo ha dichiarato all’Ansa: « Ribadiamo che il senso di questa campagna UNHATE è esclusivamente combattere la cultura dell’odio in ogni sua forma. Siamo perciò dispiaciuti che l’utilizzo dell’immagine del Papa e dell’Imam abbia urtato la sensibilità dei fedeli. A conferma del nostro sentimento abbiamo deciso con effetto immediato di ritirare quest’immagine da ogni pubblicazione ».

Non credo alla buona fede, ma è stata comunque un'iniziativa divertente e ben congegnata, che almeno ha stimolato un interessante dibattito e scalfito qualche tabù.

Da leggere con attenzione le riflessioni sempre argute di Michele Smargiassi in Non ti farai idolo né immagine.
Suggerisco anche la lettura dell'articolo su Il Post.

Il breve ed emozionante cortometraggio per UnHate Campaign.

Tiziano Terzani e il mondo che non esiste più

noreply@blogger.com (Sandro) — Mon, 02 Jan 2012 10:10:00 +0000

E' difficile parlare di una figura importante del giornalismo italiano come Tiziano Terzani. Mi ha molto emozionato il suo ultimo libro "La fine è il mio inizio" e il legame col volume fotografico "Un mondo che non esiste più", ho così deciso di dedicargli un articolo, guardando con voi alcune sue foto.
Spero vi piaccia.
Non era solo un giornalista, ma un acuto fotografo.
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E' difficile parlare di una figura importante del giornalismo italiano come Tiziano Terzani. Mi ha molto emozionato il suo ultimo libro "La fine è il mio inizio" e il legame col volume fotografico "Un mondo che non esiste più", ho così deciso di dedicargli un articolo, guardando con voi alcune sue foto.
Non era solo un giornalista, ma un acuto fotografo.

"L’immagine è un’esigenza, là dove le parole da sole non bastano."

Tiziano Terzani aveva grandi doti di scrittura giornalistica, analisi dei fatti e capacità di raccontare in prima persona. Voglio lasciare però da parte la mitizzazione che la sua figura sta subendo e che oggi rischia di esser trasformata in un guru che dispensa perle di saggezza. Un brutto vizio dei nostri tempi, col quale la rete e il citazionismo finisce per sminuire la complessità di certi personaggi e ridurre a poche frasi, seppur ben dette, il loro lavoro.
Conoscete sicuramente i suoi libri, qui invece voglio parlarvi del volume che raccoglie le fotografie di una vita, dei suoi viaggi ed esperienze in giro per il mondo e del legame con l'ultimo libro.
"Un mondo che non esiste più" è una bella raccolta di fotografie, con una ricca selezione, appassionata e coinvolgente della sua lunga vita, i drammi della guerra e della Storia e quell'oriente misterioso che ha sempre rappresentato per lui un'enigma da risolvere.

Tiziano Terzani

Nato nella popolare via Pisana di Firenze, nel quartiere di San Frediano, uno dei pochi che ancora mantiene intatto il carattere originale della città, Terzani rivela fin dall'inizio un'animo creativo e irrequieto. Impiegato della Olivetti, coltiva il sogno di immergersi più in profondità nel mondo, scoprirlo e raccontarlo. Diventa corrispondente dall'Asia per Der Spiegel e vive per molti anni nella sua amata e odiata Cina. Subisce il fascino di quel grande laboratorio politico del comunismo che è la Cina degli anni '60 e finisce per mettere in discussione le sue idee e aspettative testimoniando il declino di una grande nazione che abbraccerà la repressione e un'assurda forma di regime comunista/capitalista.

Le sue interviste sulla Rai hanno poi mostrato il suo conversare pirotecnico, il suo bel volto da cui spiccavano due folti baffi neri e due occhi scuri che dardeggiavano sguardi in cui carisma, passione, intelligenza giocavano a rimpiattino con quel suo elegante accento fiorentino che non lo abbandonava mai. (Piero Verni)

Tiziano Terzani

Tiziano Terzani - Tibet

Guardando il suo libro mi accorgo che il suo occhio attento a raccontare la realtà come giornalista, lo ha aiutato anche come fotografo. Numerosi scatti, potenti, semplici ma precisi a dipingere i particolari e le relazioni di un mondo per il quale si percepisce l'amore e il dolore di una persona che non si è limitata a guardare e cogliere con distacco, ma che si è sporcata le mani, che ha vissuto, che la passione e lo studio hanno condotto a entrare in vero contatto con la gente riuscendo però sempre a mantenere uno sguardo critico, da grande osservatore. Quello che un fotografo dovrebbe sempre possedere, la capacità di avvicinarsi al soggetto e mantenersi al contempo distante, per descrivere le passioni e le storie ma farne tesoro per una sintesi e un'opinione dei fatti.
Una grande dote.

"Per un vero fotografo una storia non è un indirizzo a cui recarsi con delle macchine sofisticate e i filtri giusti. Una storia vuol dire leggere, studiare, prepararsi Fotografare vuol dire cercare nelle cose quel che uno ha capito con la testa. La grande foto è l’immagine di un’idea. Bisogna capire cosa c’è dietro i fatti per poterli rappresentare. La fotografia - clic! – quella la sanno fare tutti."

da "Un mondo che non esiste più" di Tiziano Terzani.

Tiziano Terzani

Nelle sue foto respiro il sapore del ricordo, i momenti cardine di una vita, gli incontri con personaggi famosi, le speranze ma anche le delusioni, perché era un uomo che credeva e amava e quindi esposto alle delusioni, un'intensità non comune, un modo onesto di rapportarsi alle cose del mondo, un approccio rispettoso e mai superficiale.
Sfogliando e ri-sfogliando in questi giorni quel suo mondo che non esiste più, sento che piano piano, abituandomi al suo modo di raccontare e vedere, viene fuori un carattere mistico, la volontà di cogliere l'essenziale e quella voglia che non trova pausa o stanchezza di spingersi a capire, a studiare, leggere, approfondire, cercare con l'empatia... cercare.

Il titolo del libro è una dichiarazione di amore e testimonianza, quel Vietnam, Cina, Cambogia, India, Giappone, non esistono più. E' sconfitto dal progresso e dalla globalizzazione, le popolazioni e la vita cedono il passo al cambiamento, a rivoluzioni nuove. Il libro è un'audace percorso di conoscenza che dall'osservazione di fatti per giornalismo lo condurrà alla ricerca intellettuale e spirituale. Il testamento di un uomo che ha dedicato l'intera esistenza al piacere e alla sfida della scoperta del mondo e di sè stesso.

Tiziano Terzani - India

Consiglio dunque il libro fotografico che ho citato in questo articolo, Un mondo che non esiste più, ma anche la lettura dell'ultimo suo commovente libro pubblicato postumo, con le interviste curate dal figlio Fosco, La fine è il mio inizio.
Folco intervista il padre sugli aspetti, i momenti, le impressioni, i dubbi, le idee e le certezze raccolte nei suoi sessantasette anni. Finalmente può fare le domande che ha sempre voluto fargli, ma che non gli ha mai posto. Tiziano risponde ad ogni domanda dipingendo il quadro della sua esistenza, dando ordine e sintesi alla sua esperienza di vita.
Consiglio la lettura del testo di Piero Verni.
Dal libro, nel 2011, è stato tratto un bel film con Elio Germano e Bruno Ganz del regista tedesco Jo Baier.

Come è arrivato a vivere da eremita per anni in una caverna, questo ve lo lascio scoprire leggendo.
Solo alla fine della sua vita, indebolito dalla grave malattia ma mai sconfitto nell'animo, torna in Italia e con la moglie si ritira in un casolare all'Orsigna, sulla montagna pistoiese, dove ritrova la sua adorata Himalaya e respira con serenità l'arrivo di un nuovo e ultimo viaggio, quello della morte.

Tiziano Terzani in Himalaya

“Ai giovani che mi chiedono “Ma io, che faccio?” rispondo “Guarda! Il mondo è pieno di cose da esplorare. Il mondo che mi sono trovato davanti io in Vietnam, in Cambogia, in Cina non c’è più. Ma c’è un altro mondo lì, aperto per chi lo vuole scoprire. Quello che ho fatto io non è unico. Io non sono un’eccezione. Io questa vita me la sono inventata, e mica cento anni fa, ieri l’altro. Ognuno ce la può fare, ci vuole solo coraggio, determinazione e un senso di sé che non sia solo quello piccino della carriera e dei soldi; che sia il senso che sei parte di questa cosa meravigliosa che è tutta qui attorno a noi. Allora, capito? E’ fattibile, fattibile per tutti. Fare una vita, una vita. Una vera vita, una vita in cui sei tu. Una vita in cui ti riconosci.”

Tiziano Terzani

Isaac Cordal e i tristi pupazzi del cemento

noreply@blogger.com (Sandro) — Mon, 28 Nov 2011 08:15:00 +0000

Isaac Cordal è uno scultore e fotografo spagnolo. Il suo ultimo progetto Cement Eclipses si pone l'obiettivo di sensibilizzare gli abitanti delle grandi città sui rischi della cementificazione selvaggia e indiscriminata.

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Isaac Cordal è uno scultore e fotografo spagnolo. Il suo ultimo progetto Cement Eclipses si pone l'obiettivo di sensibilizzare gli abitanti delle grandi città sui rischi della cementificazione selvaggia e indiscriminata.

Isaac Cordal - Cement Eclipses

Chi è Isaac Cordal?
Cement Eclipses è il suo ultimo progetto che mescola fotografia e scultura. Nato nel 2006, mira a scuotere le coscienze sul problema del degrado ambientale in cui versano le nostre città.

Osservando con attenzione le sue immagini si percepisce dunque l'importanza del paesaggio, dello spazio urbano, di cui indaga il rapporto con l'uomo e cittadino, qui sotto forma di pupazzo. La trasformazione della città si ripercuote sui suoi abitanti, in un rapporto di continua metamorfosi, con i suoi rischi e conseguenze.

Isaac Cordal - Cement Eclipses

Il problema delle moderne metropoli è il concetto di arredo urbano, in cui si disperde il senso stesso di città, con le sue piazze, fontane, piccoli quartieri. E con lei si disperde il ruolo del cittadino, che lentamente scompare diventando parte dell’arredo.

Tristi pupazzetti fatti di cemento alti circa 25 centimetri si mimetizzano nelle strade, con lo scopo di denunciare il mutamento dei ruoli e il nuovo modo di usufruire della città.

Una pozzanghera si trasforma in piscina, una grata in prigione, una buca in burrone, simboli di un disorientamento sociale con cui ci scontriamo ogni giorno, afflitti da logiche di sfrenato consumismo, dove il cemento rappresenta la nostra "fiera" impronta sulla Natura.

Isaac Cordal - Cement Eclipses

Una riflessione sulla condizione umana nel mondo, usando la scultura come mezzo per la realizzazione e la fotografia come fine per testimoniarla, è quello che caratterizza questo progetto di piccole installazioni urbane.

Isaac Cordal - Cement Eclipses

Per approfondire il lavoro di Isaac Cordal suggerisco di visitare il suo sito personale e di leggere l'articolo a lui dedicato su Brooklyn Street Art.

In questo interessante video la preparazione delle installazioni di Cement Eclipses.

Andreas Gursky, perché la sua foto è la più costosa della storia

noreply@blogger.com (Sandro) — Wed, 16 Nov 2011 08:10:00 +0000

L'asta di Christie's ha battuto la gigantesca fotografia di Andreas Gursky "Rhein II" per la cifra di 4.3 milioni di dollari.
E' diventata dunque la foto più costosa della storia.
Il cosiddetto popolo della rete si sta già facendo sentire, col suo solito ronzìo qualunquista, ma secondo me questa immagine è un capolavoro, vi spiego perché e la sua storia.
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Martedì 8 novembre è stata battuta all'asta di Christie's la gigantesca fotografia di Andreas Gursky "Rhein II" per la cifra di 4.3 milioni di dollari.
E' diventata quindi la foto più costosa della storia, battendo il precedente record detenuto da Cindy Sherman con la sua "Untitled #96".
Il cosiddetto popolo della rete si sta già facendo sentire, col suo solito ronzio qualunquista, in questo articolo cerco di capire perché invece è un capolavoro, senza soffermarci troppo sulle logiche del mercato dell'arte, ma sulla storia artistica del suo autore.

Rompiamo gli indugi, ecco di cosa stiamo parlando.

Andreas Gursky - Rhein II

Si tratta di una monumentale fotografia del fiume Reno, stampata nel 1999 e che misura la notevole dimensione di tre metri di lunghezza. Gursky ha cominciato prima di altri a adottare grandi formati, la sua ricerca estetica propone in modo interessante i temi della globalizzazione. L'architettura è il pilastro portante delle sue fotografie, declinato nell'analisi del paesaggio urbanizzato, delle brutture e alienanti costruzioni del nuovo millennio, tuttavia senza un giudizio sociale o politico, ma con un'accurata posizione distante. Le sue immagini sono dense e profondamente costruite, abbracciano un mondo dagli orizzonti amplissimi e oscillanti tra il minimalismo e l'affollamento caotico della società contemporanea.

L'approccio è dunque neutro e scostante, quasi a seguire la lezione di Bernd e Hilla Becher e la sobria documentazione "archivistica" del paesaggio.

Ma chi è Andreas Gursky?
Nota a Lipsia nel 1955, figlio e nipote di fotografi, è il primo del gruppo di fotografi della scuola di Dusseldorf a potersi permettere una vita da artista. Cominciò gli studi a Essen nel 1977, entra poi nella classe di Dusseldorf nel 1980 e termina gli studi nel 1987.
La critica ha spesso ritenuto poco significativo il suo rapporto con la posizione dei Becher. In un'intervista dichiara invece, dimostrandosi in questo modo vicino agli insegnamenti dei suoi maestri, di voler creare una sorta di "enciclopedia della vita", da non esplicarsi necessariamente in una molteplicità di immagini e tipologie.
Dai primi anni con formati di medie dimensioni, le sue immagini raggiungono dimensioni monumentali, realizzate in esiguo numero, prima con strumenti analogici. Sebbene evidentemente "costruite", non perdono mai di enigmaticità, anzi inducono alla riflessione e alla ricerca delle domande giuste.

Andreas Gursky

Ampi spazi, vuoti o riempiti della folta presenza umana, mai con uno sguardo ravvicinato sulle persone ma distante e distaccato. Lo spazio diventa architettura, segnato da elementi geometrici e fortemente strutturato in tutte le sue opere.
Le sue fotografie richiedono un'osservazione lunga e prolungata, rappresentazioni iconografiche che però si sostanziano nella ricerca e lettura di tutti i dettagli. Un esempio dell'estremizzazione del particolare è proprio 99 cent.

Andreas Gursky - 99 cent

Fotografie di concerti, arene, città, con l'artificio della sovrapposizione di prospettive, microscopiche e macroscopiche. Le foto finiscono per assumere un'aura atemporale, da natura morta.

Eccoci dunque a Rhein II.
Un non luogo, che privato dei connotati che caratterizzano il paesaggio, simboleggia una metafora.
Lo stesso Gursky lo descrive come il posto dove spesso andava a correre, vicino casa e che dunque conosceva bene. Un giorno scopre che la corrente del fiume, con un'inclinazione particolare della luce, produceva dei riflessi particolari, la massa di acqua formava un tessuto agitato e complesso che fluiva come un corpo all'unisono.
In un bellissimo documentario a lui dedicato, ricordo l'analisi critica di Hilla Becher su questa fotografia, facendo notare la rimozione di alcuni dettagli sull'orizzonte; c'era una centrale sullo sfondo rimossa digitalmente e qualche "sporcatura" dovuta a piccoli oggetti. La stessa Hilla apprezzava il gioco di luce che si formava sull'acqua, accendendo la componente enigmatica e iconica del soggetto.

Andreas Gursky - Rhein II

Il bellissimo volume La Scuola di Dusseldorf (uscito nel 2010 ed edito da Johan & Levi) descrive con acutezza quel brillante periodo creativo che ha contraddistinto la città dei coniugi Becher (dei quali ho parlato nell'articolo Bernd & Hilla Becher) e dei loro talentuosi allievi, tra cui appunto Gursky, Candida Hofer (Candida Hofer e il concetto dello spazio sociale) e Elger Esser (il paesaggio rarefatto di Elger Esser).

Altre considerazioni su BBC: http://www.bbc.co.uk/news/entertainment-arts-15689652

Mona Kuhn e la luce dolce della giovinezza

noreply@blogger.com (Sandro) — Mon, 10 Oct 2011 09:15:00 +0000

Mona Kuhn è una fotografa che adoro, un'artista talentuosa che riesce a intrappolare nei suoi fotogrammi quella luce dolce dei ricordi d'estate, quelle estate che erano ancora stagioni spensierate e tumultuose come l'adolescenza eppure sembrano immagini di ricordi, malinconiche immagini dei ricordi.

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Mona Kuhn è una fotografa che adoro, un'artista talentuosa che riesce a intrappolare nei suoi fotogrammi quella luce dolce dei ricordi d'estate, quelle estate che erano ancora stagioni spensierate e tumultuose come l'adolescenza eppure sembrano immagini di ricordi, malinconiche immagini dei ricordi.

Mona Kuhn

È un racconto fatto di luci calde, corpi nudi, sguardi dolci e colti in momenti di riposo, sotto il sole, nelle stanze illuminate dai bagliori che attraversano le tende, sui letti disfatti, sull'erba.
È quasi incredibile come la fotografa riesca a raggiungere un tale rapporto empatico con i propri modelli, c'è intesa, complicità, come se fosse una di loro che d'un tratto si ritrova con estrema naturalezza e senza pudore ad annotare per immagini gli istanti delle vite che trascorrono.
Domani saremo vecchi, adesso guardiamo orgogliosi l'obiettivo della macchina fotografica.

I suoi modelli sono spogliati ma non nudi e danno l'impressione che niente possa coprirli meglio della loro pelle. Mona Kuhn ha colto molte delle sue celebri fotografie nei campi naturisti della Francia.

Mona Kuhn

Le serie fotografiche di Mona Kuhn sono tutte intense, mai banali o volgari. L'ultima uscita in ordine di tempo è Bordeaux Series 2011, ma ricordiamo l'affascinante serie su Venezia (2010) o i miei preferiti Native (2009) ambientata in Brasile e France (2002-2008), i cui compagni di giochi, nella nudità delle loro pose non svelano mai un erotismo morboso, ma naturalezza e tenerezza.

Mona Kuhn

Immergersi nelle sue fotografie è un'esperienza profondamente personale e intima. In cui l'ambiente risulta autentico, tracce di quadri staccati dalle parete, tende sfilacciate, i corpi nudi di due innamorati che si riposano sul letto, che trascorrono quei silenziosi momenti densi di pensieri, in cui si guarda l'amato.
L'erotismo è forte e presente ma il sesso è quasi neutralizzato, la nudità diventa un modo naturale, onesto e diretto per raccontare loro e dunque noi, il confronto col passato, le gioie di un istante, la natura e la vita.

"Native" - Mona Kuhn

Black and White - Mona Kuhn

Mona Kuhn

Consiglio di dare un'occhiata al suo sito personale, in cui è possibile sfogliare le sue numerose e splendide fotografie.
Una video intervista sulla serie "Native" ci aiuta a capire ancora meglio l'approccio fotografico e la poetica di Mona Kuhn.

le fotografie in movimento di Jamie Beck

noreply@blogger.com (Sandro) — Mon, 03 Oct 2011 07:10:00 +0000

Jamie Beck è una fotografa di moda newyorkese che in collaborazione con il designer Kevin Burg ha realizzato la serie fotografica "Cinemagraphs", un interessante esperimento di animazione fotografica.
Sono sequenze costruite con le note gif animate, ma il modo originale di proporle crea qualcosa che sa di magico, a metà strada tra video e foto.

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"C'è qualcosa di magico in una fotografia - un momento strappato al tempo - che può esistere simultaneamente fuori dalla frazione di secondo che il pulsante di scatto cattura."

Jamie Beck

Jamie Beck è una fotografa di moda newyorkese che in collaborazione con il designer Kevin Burg ha realizzato la serie fotografica "Cinemagraphs", un interessante esperimento di animazione fotografica.
Sono sequenze costruite con le note gif animate, ma il modo originale di proporle crea qualcosa che sa di magico, a metà strada tra video e foto.
Immagini statiche che si sciolgono in attimi vivi.

"Cinemagraphs" - Jamie Beck

E' durante la Settimana della Moda di Milano del febbraio 2010 che i due artisti iniziano il loro progetto.
La prima fase è stata quella di produrre una sequenza di immagini in rapida successione, fotografie a raffica. Poi son passati a individuare un momento preciso, anzi un movimento, isolandolo dal resto della scena. Da lì nasce il racconto.

Colpiscono queste fotografie in movimento, suscitano uno stupore quasi infantile. Siamo convinti di guardare una fotografia statica che poi d'improvviso prende vita. Mi ricorda quei vecchi cartoni animati in cui solo piccole porzioni del fotogramma venivano spostate, ruotate, modificate per ricreare movimenti e animazioni.

"Cinemagraphs" - Jamie Beck

In fondo si tratta di una cosa che esiste dagli albori di internet, le gif animate. Ma così non le abbiamo mai viste.

Il risultato finale è unico. Mentre ogni cosa rimane immobile, ogni gesto è fissato nel tempo, piccoli dettagli sfuggono all'immobilità dello scatto. Un soffio di vento sfiora i capelli della modella, gli occhi ci guardano ammiccanti, il riflesso di un taxi fuori dalla vetrina di un negozio.

"Cinemagraphs" - Jamie Beck

Suggerisco di visitare il sito personale, ricco di fotografie.

la controversa fotografia dell'11 settembre

noreply@blogger.com (Sandro) — Mon, 26 Sep 2011 07:15:00 +0000

Come si può raccontare una tragedia come l'11 settembre 2001?
A dieci anni esatti di distanza andiamo a scoprire qual'è la foto più controversa di quel nefasto giorno per gli Stati Uniti e per il mondo intero.
In molti sono accorsi a fotografare quello che stava succedendo...

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Come si può raccontare una tragedia come l'11 settembre 2001?
A dieci anni esatti di distanza andiamo a scoprire qual'è la foto più controversa di quel nefasto giorno per gli Stati Uniti e per il mondo intero.

In molti sono accorsi a fotografare quello che stava succedendo. Gli occhi più attenti e brillanti sono stati quelli di Joel Meyerowitz che ha dedicato il volume Aftermath. Un documento monumentale sulla distruzione delle torri gemelle, nel quale fanno grande impressione le immagini in notturna caratterizzate da un'attenzione maniacale per i dettagli.

Aftermath - Joel Meyerowitz

Nelle fotografie di Meyerowitz con lo sguardo scandagliamo il quadro affamati di particolari per poi terminare 'affascinati' e turbati, con gli occhi coperti dalla polvere come quelli degli stessi pompieri e operai tra le macerie. Il suo è un grande affresco, con uno stile quasi ottocentesco da cronaca di guerra.

Meritevoli di menzione sono anche le sconvolgenti fotografie di James Nachtwey, che ultimamente ha portato in mostra i suoi scatti qui in Italia. Lo stile di Nachtwey è scarno, diretto, senza fronzoli. Occorre sempre una certa preparazione prima di avvicinarsi ad una sua foto perché so che non risparmia niente all'osservatore.

James Nachtwey

Ma c'è una foto sulla quale voglio soffermarmi, forse la più controversa di quel giorno.
E' un'immagine di Thomas Hoepker e ritrae dei giovani che assistono apparentemente sereni e sorridenti di fronte alla distruzione del World Trade Center sull'altra sponda dell'East River.
Lo stesso fotografo non se l'è sentita di renderla pubblica ed ha atteso cinque anni prima di pubblicarla in un catalogo e poi in una mostra collettiva in occasione del decimo anniversario.

E' così successo che a distanza di anni è diventata una delle immagini più famose ma anche controverse. Non ci racconta in maniera didascalica la distruzione o la descrizione del crollo, la polvere, i detriti, le persone che fuggono, i simboli del potere economico che si sgretolano, la paura e l'improvviso salto nel baratro di una nazione.
Si apre come un palcoscenico, dove la quinta delimitata dagli alberi presenta sul primo piano gli "spettatori", una proiezione di noi che guardiamo, mentre sul fondale lo "spettacolo" proiettato come su uno schermo. Ed è proprio questo il punto focale e la particolarità della foto: il gioco della distanza. La scelta di mostrarci qualcosa che avviene includendo gli stessi spettatori, la loro presenza allarga (o riduce?) i limiti del dramma, immergendolo nella realtà, ponendo la domanda su come viene percepito, come "appare".

Questa fotografia ci racconta con un sistema simbolico molto forte la rappresentazione corale di una tragedia come viene comunicata al mondo, con una gigantesca lente di ingrandimento sulle persone.
Semmai si può criticare di aver usato una lente fin troppo grossa, che si avvicina così tanto da fraintendere le smorfie e la tensione rischiando di farli passare per sorrisi e indifferenza. D'altronde lo ha raccontato uno dei protagonisti, accusando il fotografo di non aver avuto premura di parlare con loro perché avrebbe scoperto che si trattava di persone uscite dalle proprie auto perché bloccate dal traffico e si sono ritrovate con perfetti sconosciuti a discutere su quello cui stavano assistendo, con le stesse paure di tutti gli altri.
Ma un momento può essere trasformato in tutt'altro. Anche questa è finzione fotografica, l'occhio che si concentra su quello che vuole cercare e che può ribaltare la verità. Un documento dell'apparire ma non per questo inefficace.
Nonostante questo, la fotografia di Thomas Hoepker rimane un capolavoro.

Thomas Hoepker

"Oggi, il significato di questa foto non ha niente a che fare con il giudizio sugli individui. È diventata un’immagine che parla della storia e della memoria. Come immagine di uno sconvolgente momento storico, cattura qualcosa di vero per tutti quei momenti: la vita non si arresta a causa di una battaglia, o di un atto di terrorismo che sta succedendo a poca distanza."
Jonathan Jones dalle colonne del Guardian affronta così la questione dell’interpretazione ponendo l'attenzione sul suo valore artistico e sul significato più profondo, piuttosto che concentrarsi sul reale stato d’animo dei soggetti.

Alcuni link per approfondire su il Post, su The Guardian, sul sito stesso della Magnum Photos.
Da leggere anche la dichiarazione di uno dei "protagonisti" della scena che si è riconosciuto e spiega come sono andate veramente le cose.

Jim Kazanjian e i castelli manipolati

noreply@blogger.com (Sandro) — Mon, 19 Sep 2011 07:10:00 +0000

Le composizioni digitali di Jim Kazanjian sono un condensato di letteratura fantasy e surrealismo.
Sono il collage di un mondo fantastico e decadente, fatto di relitti, catapecchie di legno marcio, castelli su cascate impossibili, borghi costruiti su instabili palafitte.
Tutto un immaginario avvincente dipinto con un artigianato digitale di non comune perizia.

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Jim Kazanjian

"Sono interessato a una sorta di immagine 'entropica', un'immagine che ha la capacità di de-familiarizzarsi. Il mio lavoro attuale è un tentativo di svelare la fotografia e giocare con nozioni stabilite di tempo e spazio, nonostante la nostra comprensione di ciò che dà alle cose un contesto. Attraverso la frammentazione e la ricomposizione dello spazio fotografico, la natura non lineare della lettura dell'immagine si ripiega su sé stessa. La struttura della fotografia si 'srotola' e rimescolate. Questa revisione è un processo iterativo che spinge una generazione verso qualcosa di completamente diverso, qualcosa di ineffabile."

Così Jim Kazanjian descrive il suo lavoro, la creazione di un mondo sovrannaturale in cui le regole diventano uno strumento per giocare con l'osservazione, ribaltarle, renderle meno certe e quindi il gioco meno scontato.
Attingendo dall'immaginario fantasy, le sue elaborazioni toccano il surrealismo e si percepiscono anche influenze letterarie dai racconti di H.P. Lovecraft.

'untitled_house' (2006) - Jim Kazanjian

'untitled_implosion' (2008) - Jim Kazanjian

Ci troviamo affascinati da questo mondo pittorico e realistico, stranamente in un bianco e nero che drammatizza e allontana la sensazione di favola. Ci ritroviamo a vagare con lo sguardo, a scoprire tutti i pezzetti affastellati in questi cumuli di strutture impossibili. Ci scopriamo persi, nel cercare un senso logico a questi agglomerati di oggetti e marchingegni, coinvolti in un universo parallelo in avanzato stato di distruzione o auto-distruzione, pericolosamente in bilico sopra paesaggi inquietanti e in disfacimento.

'untitled_folly' (2010) - Jim Kazanjian

'untitled_outpost' (2008) - Jim Kazanjian

Consiglio di dare un'occhiata a tutte le immagini sul suo sito personale. E perché no, acquistare qualche bella stampa d'autore.

Le presenze di Floriane de Lassée

noreply@blogger.com (Sandro) — Mon, 12 Sep 2011 07:15:00 +0000

Ho scoperto con piacere il lavoro della fotografa francese Floriane de Lassée.
La sua ultima fatica si intitola "Présences", guardiamola nel dettaglio e non stupiamoci di scoprire che ha un talento artistico anche nella narrazione del paesaggio architettonico notturno.

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Présences - Floriane de Lassée

Nata nel 1977 a Parigi, ha esposto a Pechino, Bruxelles, Mosca, Madrid e ovviamente a Parigi.

Con la serie fotografica "Présences" nasconde le sue modelle con un velo, ritratte dietro ad un pannello opaco e bianco. Donne dai corpi magri e sinuosi che giocano a svelarsi di fronte alla macchina fotografica. Figure femminili senza volto che si raccontano lasciando intravedere piccole zone a fuoco solamente tramite la silhouette dei loro corpi.
Sono dunque presenze, soggetti che perdono le connotazioni, anonimi, entità indefinite che parlano attraverso i gesti e i movimenti. Schiacciati, appoggiati, appena accennati, diafani profili. I suoi scatti ridefiniscono i confini tra realtà e finzione, essere e apparire.
Sono un invito a farsi delle domande, a scoprire cosa si nasconde dietro il velo.

Présences - Floriane de Lassée

Oltre alle figure umane, Floriane de Lassée ha realizzato una serie di notevole successo, Night Views, con la quale si è fatta conoscere al mondo. In "visioni notturne" mostra le grandi metropoli in un misto tra indagine architettonica alla Peter Bialobrzeski o Axel Hütte e lo stimolo voyeristico del guardare dalla "finestra sul cortile".

Night Views - Floriane de Lassée

Interessante il suo intervento attivo nella fotografia. Una lunga ricerca notturna dei luoghi adatti, palazzi, tetti, prospettive. Un'estrema cura e attenzione al dettaglio. Poi nasce il desiderio di raccontare una storia, lasciando la macchina fotografica nel palazzo di fronte per darsi il tempo di posizionarsi all'interno dell'inquadratura, in un appartamento di fronte ad una finestra. Ecco la scena che si anima.

La Galerie Philippe Chaume ha esposto a Parigi il suo ultimo lavoro "Présences".
Segnalo anche il sito personale.

Philippe Halsman, la sconfitta della gravità

noreply@blogger.com (Sandro) — Wed, 07 Sep 2011 07:10:00 +0000

Un artista geniale, un personaggio originale e un po' strano.
Chi è Philippe Halsman?

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Un artista geniale, un personaggio originale e un po' strano.
Chi è Philippe Halsman?

"Dalì atomicus" by Phlippe Halsman

Nato a Riga nel 1906, si conquistò però la fama a Parigi, dove iniziò come fotografo di moda. Si fece notare subito per il suo stile, immagini scure e definite, ben lontane dal "morbido" effetto sfocato tipico dei pittorialisti e delle correnti pre-raffaellite.
Sono i ritratti che gli permettono di scrivere il suo nome nella storia dei grandi maestri della fotografia. Tra questi il volto di una bellezza senza tempo ormai un'icona come Marylin o la follia surrealista dei ritratti/dipinti di Salvador Dalì (col quale reallizzò anche un lavoro tutto concentrato sui suoi baffi, ne fatti perfino 36) oppure il genio impenetrabile e un po' burlone di Hitchcock e le mani di Jean Cocteau.

i baffi di Dalì by Phlippe Halsman

Ogni ritratto è studiato e contestualizzato. Si nota sopratutto nelle complicate costruzioni sceniche con protagonista Dalì, del quale fu stretto amico.
Analizziamo più nel dettaglio questa immagine di Marylin Monroe. L'inquadratura frontale, la statuaritá e lo sguardo che da languido si fa atemporale. È la rappresentazione di un simbolo, icona, perfetta, distante quasi ultraterrena. Le labbra semi-aperte come se stesse per pronunciare qualche parola dolce, gli occhi stretti e ammalianti, la luce che bagna il volto accarezzandolo e definendo il movimento dei capelli. Un'immagine che scolpisce nella storia il mito di Marylin.

Marylin Monroe by Phlippe Halsman

La sua creatività si affianca alla ricerca di situazioni divertenti ed originali. Halsman s'inventò la tecnica del “jumping style” ovvero l’arte di ritrarre una persona saltando. In questo modo poteva riuscire a cogliere l'espressione del viso del modello, senza che questo fosse in grado di controllarla.

Alfred Hitchcock during the filming of the birds (1962) by Philippe Halsman

le mani di Jean Cocteau by Philippe Halsman

Philippe Halsman

Le immagini di Dalì sono il riflesso dell'immaginario del pittore surrealista, la sua trasposizione fotografica. Oggetti che volano, gatti, scrosci d'acqua, composizioni di corpi a creare teschi. Ironia e un stile sottile e brillante.

Dalì - Philippe Halsman

Genialità e libertà allo stato puro.
Molto curiosa la sua biografia, riassunta in parte su Wikipedia.

i cani in movimento di Carli Davidson

noreply@blogger.com (Sandro) — Thu, 04 Aug 2011 07:10:00 +0000

Vi propongo oggi il lavoro della fotografa Carli Davidson, che ritrae con scatti rapidi dei buffi cani che scuotono il muso per togliersi l'acqua di dosso.
Un portfolio meno serioso rispetto a quello cui vi ho abituati nel blog, ma leggero come il periodo estivo.

Immagini molto divertenti realizzate in studio con un coinvolgente bianco e nero, composte dai volti contratti di cani in posizioni goffe.

photo by Carli Davidson

Chi è Carli Davidson?
E' una fotografa riconosciuta a livello internazionale per le sue immagini fine art di animali.
Il suo studio, a Portland in Oregon, è il punto di arrivo di un percorso di crescita di sette anni nel campo della fotografia commerciale e documentaristica.
La sua passione per gli animali, anche come addestratrice e volontaria dello zoo dell'Oregon, l'ha portata a sviluppare questo particolare interesse anche in fotografia e regalarci un lavoro fresco e insolito sui cani.

photo by Carli Davidson

Le sue immagini sono state pubblicate su Portland Monthly, The Atlantic, The Village Voice, The Oregonian, The Portland Tribune.

Il sito dell'autrice, dove potete scoprire altre immagini: carlidavidson.photoshelter.com

la polvere di Man Ray

noreply@blogger.com (Sandro) — Mon, 25 Jul 2011 07:15:00 +0000

A New York, Duchamp lavora ad una delle sue produzioni più importanti ed enigmatiche. Nel 1920, prima che il lavoro sia terminato, Man Ray scatta una fotografia dell’oggetto che ne diviene, a sua volta, una provocazione artistica.

"Proposi a Duchamp di andare a prendere l’apparecchio fotografico, che non avevo mai portato fuori dallo studio, per fotografare il suo vetro, come gli avevo offerto fin dalla prima visita.
Avevo già notato che il pannello di Duchamp era illuminato da un’unica, nuda lampadina, ma sapevo per esperienza che la cosa non aveva importanza quando si trattava di fotografare un oggetto immobile. Fissando stabilmente la macchina sul suo cavalletto, con un tempo di esposizione sufficientemente lungo, il risultato sarebbe stato soddisfacente.
Mentre fissavo l’obiettivo, il pannello, visto dall’alto, sembrava uno strano paesaggio. Era polveroso e qua e là i residui sfilacciati di stoffa e bambagia usate per pulire le parti ultimate gli davano un sapore di più profondo mistero. Il mistero, pensai, ecco il vero regno di Duchamp.
L’esposizione doveva essere molto lunga; aprii dunque l’otturatore e uscimmo a mangiare qualcosa. Dopo un’ora circa tornai a chiuderlo e mi precipitai nel mio scantinato per sviluppare subito la lastra. Era un lavoro che facevo sempre di notte, non avendo una camera oscura. Il negativo era perfetto. Potevo confidare nella riuscita di qualsiasi futura commissione.”

Intitolò la fotografia Elévage de Poussière (Allevamento di polvere).

Elévage de Poussière (Allevamento di polvere) - Man Ray

Una delle fotografie che ammiro di più di quel genio provocatore che è Emmanuel Rudnitzky, uno dei più originali artisti del dadaismo. Presto affronterà anche Man Ray in questo spazio, sebbene sia difficile sintetizzare in poche parole la sua immensa ricerca artistica.

l'erotismo intoccabile di Herb Ritts

noreply@blogger.com (Sandro) — Mon, 18 Jul 2011 07:15:00 +0000

Sensualità ed erotismo mai volgari, ritratti e nudi studiati con eleganza e che mirano all'essenzialità attraverso un uso sapiente e ricercato del bianco e nero, mai banale, mai accessorio.
Questo è Herb Ritts...

Madonna - photo by Herb Ritts

Chi è Herb Ritts?
Un fotografo e regista americano (1952-2002) divenuto celebre per le sue rigorose e perfette composizioni in bianco e nero. Ha ritratto personaggi famosi regalandoci fotografie divenute ormai dei classici, è uno dei massimi maestri di una fotografia che difficilmente si può ridurre nella definizione di "glamour" e che illumina ed eccelle per sensualità e fascino.

Nella foto di sopra di Madonna possiamo apprezzarne tutta l'abilità, l'arte di tracciare linee decise su superfici nettamente bianche e nere, che poi vedremo qui sotto in fotografie ancora più "estreme", in cui si evidenza questa sua ricerca di una bellezza raffinatissima e minimalista.
Herb Ritts riesce ad astrarre e modificare spesso il suo stile, tanto da rendersi a volte irriconoscibile per la varietà dei lavori che ha fatto, sopratutto nel campo della moda.

Djimon with Octopus, Hollywood - photo by Herb Ritts

Perché un erotismo "intoccabile"?
Perché le sue immagini sono cariche di un sottile erotismo, di un fascino che attrae, costruito in modo così equilibrato che è impossibile "spostarle". Non si tratta della ricerca di una bellezza classicheggiante cui aspirava Robert Mapplethorpe, le cui serie di nudi erano tutte mirate al contenimento di un erotismo pregno di una carica esplosiva.
Semmai si possono trovare simmetrie con l'opera ritrattistica di Richard Avedon, sebbene Ritts risulti a volte più leggero, forse più ironico e come per Avedon vicino ad un modo di fare "moda" che smitizza e che invece di idolatrare il personaggio nella sua austera autorevolezza lo rivela nella dimensione più intima di persona "normale".
La sua abilità sta nel riuscire a rendere interessanti personaggi che abbiamo visti fotografati in tutte le maniere e situazioni.

Frutto di gusto e cultura estetica sono anche le eleganti forme dei famosi nudi maschili. Uomini dai corpi scolpiti, delineati da profonde sfumature di grigio e ripresi con inquadrature ironiche che non cadono mai nel volgare. Le composizioni con figure intere, inquadrature ravvicinate del volto, particolari del corpo vanno duunque oltre la semplice lettura del corpo, c'è un intento di astrazione.
Lontano dai nudi mitologici di Wilhelm von Gloeden, risulta più immerso invece nel gusto glamour del suo tempo.

photo by Herb Ritts

L'immagine del 1978 che ritrae Richard Gere, compagno di una gita nel deserto, intento a cambiare una gomma in una stazione di servizio, segna il primo passo verso una carriera professionale ricca d'incontri con personaggi famosi. Herb Ritts è noto infatti per essere il fotografo dei personaggi del cinema e della moda. Il suo interesse però non si rivolge solo al mondo dello spettacolo, ma anche ai personaggi della cultura, come Charles Bukowski, o della vita politica e sociale, come Monica Levinski. Da buon ritrattista Herb Ritts interpreta il suo soggetto, sa cogliere e rappresentare il personaggio pubblico, ma anche il suo carattere, che descrive con grande sensibilità.

Richard Gere - photo by Herb Ritts

David Bowie - photo by Herb Ritts

Herb Ritts ci fa riflettere sui personaggi pubblici, sui loro trionfi e sfortune; fissa con intuito corpi bellissimi di veneri nere, pugili dagli atteggiamenti di sfida e dallo spirito arrogante, atleti edonisti scesi dall'Olimpo, fino ad arrivare al corpo immobilizzato di Christopher Reeve, bardato di una protesi emblema di una vita bloccata in una poltrona androide. Si va dalle guance gonfie di Dizzy Gillespie senza tromba, al polipo sulla testa di Djimon, un'interpretazione che, invece di metterlo in ridicolo, lo incorona, facendo risaltare il suo fiero profilo Masai.

Dizzy Gillespie - photo by Herb Ritts

Michael Jackson - photo by Herb Ritts

Tutto questo è Herb Ritts, non rimane a questo punto che scoprire la sua vasta produzione fotografica, sui libri e in rete.

Per approfondire, wikipedia.

il bacio nella sommossa

noreply@blogger.com (Sandro) — Sat, 09 Jul 2011 07:10:00 +0000

il bacio nella sommossa - photo by Richard Lam

La versione moderna del bacio parigino di Robert Doisneau.
Le Baiser de l’Hôtel de Ville, un bacio romantico e sfuggente tra due innamorati sulla strada, circondati da passanti distratti in una Parigi impressionista. La delicatezza del momento e l'eleganza della costruzione hanno reso questa immagine un'icona.
Da una parte un'immagine classica, condita da tutti gli ingredienti del sogno. Dall'altra parte, un'immagine crudamente moderna, un racconto del nostro tempo, in cui gli scontri si scatenano sempre più frequenti, con pretesti giusti o superflui, simboli di una rabbia sommersa, incapace di esprimersi se non con la violenza e con le grida di una generazione che non sa controllarla, indirizzarla, perché privata del lavoro, depauperata di miti, disillusa.

Robert Doisneau - il bacio all'Hotel de Ville

Il bacio finisce sulla strada, ma stavolta per terra, come spinto al suolo, ai margini, in uno scenario di scontro con la polizia, tra manifestanti (o tifosi) e uomini in tenuta anti-sommossa.
Mentre la potenza dello scatto di Doisneau è nell'aver intrappolato un attimo fuggente, un istante eterno. La potenza del bacio nella sommossa è proprio il contrasto tra la dolcezza imperturbata dei due ragazzi e la durezza della guerriglia urbana. Come un mito moderno in cui per un attimo ci si dimentica dei conflitti, riducendoli e mostrandoli nella loro giusta dimensione.
Il bacio è purtroppo brevissimo perché sarà strangolato dal consumo dell'occhio globale che senza volerlo e senza una colpa individuale, lo prosciugherà.

Richard Lam è il fotografo che l’ha scattata mentre stava lavorando a un servizio sugli scontri. In fuga da un assalto della polizia “mi trovavo a circa 20-30 metri di distanza. C’erano queste due persone a terra, nella strada vuota. Per prima cosa ho pensato che una delle due fosse ferita”. È riuscito a scattare la foto, poi è stato travolto dagli scontri.

il bacio nella sommossa - photo by Richard Lam

Un po' di storia, così da inquadrare meglio la scena.
Il 16 giugno circolano molte immagini degli scontri di Vancouver, in Canada, tra i poliziotti e i tifosi della squadra di hockey della città. La Canucks era stata appena battuta nella finale della Stanley Cup, il campionato nordamericano di hockey sul ghiaccio. Al termine dell’incontro vengono incendiate auto, distrutte vetrine e negozi da parte dei tifosi arrabbiati per la sconfitta. L'inevitabile intervento della polizia per reprimere la sommossa e i successivi scontri hanno trasformato le strade della città in un campo di battaglia, lasciando sul terreno gas lacrimogeni e detriti di ogni tipo.

La notizia si è diffusa in tempi rapidi sulla rete e nel giro di poche ore, con utenti che in maniera virale hanno cominciato a condividerla sui social network, tanto che si è riusciti a capire se la foto fosse vera e chi erano i due ragazzi.
Una donna ha contattato il canale televisivo che ha trasmesso l'immagine dicendo di essere la sorella del ragazzo, poi il padre ha dichiarato: “Si sono ritrovati in mezzo ai vandali e alla polizia che li stava caricando. Alex è stata colpita dallo scudo di un poliziotto ed è caduta a terra. Scott ha cercato di tranquillizzarla, le ha dato un bacio e le ha detto “Andrà tutto bene”; il fotografo ha scattato la foto proprio in quel momento”.

E' la velocità della scoperta, della condivisione, la curiosità globale, amplificata dal voyerismo dei social network che rende ancor più moderna la storia di questo bacio. Un'ansia corale di sviscerare, svelarne tutti i misteri e le stranezze.
Svelare e dunque distruggere. E' un segno del tempo anche questo. L'opera d'arte è divenuta sociale, un lavoro collettivo di ideazione e distruzione. Dai 15 minuti di Warhol ai 15 secondi della rete.

Fonte della notizia, Il Post.

Michael Schlegel e la potenza del paesaggio d'Islanda

noreply@blogger.com (Sandro) — Wed, 29 Jun 2011 07:10:00 +0000

Ci sono paesaggi che trasudano potenza e insinuano emozioni anche nell'osservatore meno sensibile. L'Islanda è uno di questi.
Orde di fotografi l'hanno aggredita strappandole la bellezza selvaggia delle sue distese desolate, documentando l'assurdità di un luogo dove la Natura si esprime in forme e materie in continua trasformazione, con un'arte irrequieta, contemporanea.

photo by Michael Schlegel

Il lavoro fotografico di Michael Schlegel non si limita a dipingere la natura ma la interpreta, ne fa un quadro astratto, elegantissimo, rarefatto.
Stiamo assistendo ad uno spettacolo dove il tempo ha smesso di scorrere e dove il robusto bianco e nero delinea un paesaggio interiore, nebbioso, che non riusciamo a possedere fino a fondo.

Ci sfuggono le sue fotografie, scavano dentro la nostra memoria e dipingono una natura primordiale, potentissima, struggente.

Anche nei lavori ambientati in Turchia o in Australia utilizza la medesima cifra stilistica, anche se a parer mio, è in Islanda che si rafforza e trova la sua magnificenza.

photo by Michael Schlegel

Potete vedere i suoi portfolio Iceland I e Iceland II sul network Behance o sul suo sito personale www.michaelschlegel.com.

la Camera Oscura

noreply@blogger.com (Sandro) — Mon, 20 Jun 2011 07:15:00 +0000

testo di Rosa Perilli

La scoperta della fotografia, figlia di una mentalità scientifica, di una serie di ricerche in campo artistico e di una situazione sociale matura, è stato uno dei fattori determinanti nella trasformazione dell’arte. La sua nascita si deve agli sforzi di quei ricercatori che, nel perdurare dei secoli, hanno continuato a studiare e ad inventare strumenti in grado di fornire un’immagine perfettamente fedele al reale.

La creazione artistica, il ruolo che l’artista riveste o le disposizioni che fanno nascere il suo talento sono mutevoli in ogni società e ogni epoca storica. E’ solo in quelle civiltà in cui si conferisce all’opera d’arte un valore autonomo, che si verificano le prerogative che permettono la valorizzazione del prodotto artistico e del suo creatore. Obiettivo dell’arte sin dall’antica Grecia è stato la ricerca della perfetta imitazione. La valutazione dell’opera è sempre dipesa dal suo confronto con la natura e le biografie degli artisti di tutte le epoche sono ricche di aneddoti che fanno notare la loro bravura nel riprodurre la realtà in forma riconoscibile [1].

Camera obscura

Da Duride, biografo greco del IV secolo a.C., ci giunge il racconto sul pittore Zeusi intento a mostrare a Parrasio, suo collega, un quadro appena terminato rappresentante un grappolo d’uva, la perfezione dell’esecuzione trae in inganno dei passeri lì vicino che tentano di beccarne gli acini. La nostra letteratura è ricca di racconti simili, tutti derivanti da topoi greci, dall’agnello di San Giovanni Battista dipinto da Tiziano che suscita i belati di una pecora, alla mosca disegnata da Giotto sulla tela del maestro che gabbato tenta di scacciarla [2].

La base della continuità stilistica tra pittura e fotografia sta nella capacità di quest’ultima di soddisfare al meglio la richiesta di realismo che la cultura figurativa dell’epoca esigeva, utilizzando per di più uno strumento, simbolo del progresso scientifico.
La fotografia nasce nell’ambito artistico quale naturale sviluppo della camera oscura.

I primi ad avvicinarsi a quest’arte furono pittori e operatori che, vantando di una cultura accademica, si servivano delle regole della composizione, della posa, della luce e del taglio dei grandi maestri di pittura del passato.
Il principio della camera oscura era conosciuto fin dall’antichità; nella cultura cinese se ne cominciò a parlare già nel IV sec a.C. e Aristotele ne aveva analizzato il principio fisico nei Problemata [3] osservando che, i raggi del sole, passando attraverso un foro, formano sul piano un’immagine.

Inizialmente la camera oscura veniva utilizzata soprattutto per l’osservazione delle eclissi, ma, nel Quattrocento, l’invenzione della prospettiva aveva aperto nuovi campi d’indagine, trasformandola in uno strumento per il disegnatore. Nel trattato De Pittura del 1435, Leon Battista Alberti, descrivendo il sistema prospettico inventato da Brunelleschi, aveva accennato ad immagini, “miracoli di pittura”, che, con molta probabilità, erano state ottenute da una camera oscura.

Leonardo da Vinci nel Codice Atlantico [4] fece una dettagliata descrizione della camera oscura mettendola in relazione diretta con il funzionamento dell’occhio umano, ma fu grazie allo scritto di Giovan Battista Della Porta, Magiae naturalis; sive, De miraculis rerum naturalium del 1553 che divenne nota ad un vasto pubblico. Il testo di Della Porta è fondamentale perché considera, per la prima volta, la camera oscura come uno strumento per i pittori e suggerisce di usarla per tracciare facilmente e con maggior precisione le linee e le forme alle quali aggiungere in seguito i colori. Le successive migliorie tecniche come l’utilizzo di uno specchio concavo, l’uso di lenti e del diaframma, così come l’invenzione di modelli trasportabili, determinarono il definitivo successo della camera oscura che divenne a tutti gli effetti uno strumento dell’artista [5].

Diego Velazquez - Las meninas

Giulio Mancini nelle Considerazioni sulla pittura del 1617-1620 descriveva lo studio di Michelangelo Merisi come una stanza nera, senza luce esterna; Roberto Longhi, nella biografia sul Caravaggio [6] del 1952, partendo dalle fonti fornite da Giulio Mancini, suggerì una certa somiglianza tra la stanza da lavoro dell’artista e il principio della camera oscura. La passione del Merisi per i fenomeni ottici era testimoniata inoltre dalla presenza nel suo laboratorio di lenti, specchi e di un foro sul soffitto, che serviva a diffondere la luce dall’alto. Questo suo interesse venne certamente stimolato durante il soggiorno presso l’abitazione del Cardinal Del Monte, ma anche dai suoi legami con l’ambiente fiorentino e galileiano e dagli studi di Leonardo da Vinci sulle sorgenti luminose e sui fenomeni ottici, che sicuramente aveva avuto modo di conoscere nel corso della sua formazione lombarda [7].

Diego Velázquez in Las Meninas [8] utilizza la camera oscura; ne sono indizi la volumetria con cui analizza lo spazio e il “circolo di confusione” che i punti di luce formano sul vestito dell’Infanta. Il circolo di confusione è il più piccolo cerchio che l'occhio umano riesce a distinguere ad una determinata distanza. Tutti i fasci luminosi proiettati da una sorgente che attraversano una lente, vengono rifratti per ricongiungersi in un punto sull'asse ottico chiamato punto focale. Perpendicolare a questo si trova il piano focale. Su questo piano l'immagine appare nitida perché ricostruita come punti, mentre spostamenti lungo l'asse ottico a destra o sinistra provocano l'espansione del punto in un piccolo cerchio o circolo di confusione [9]. Questo fenomeno non è facilmente percepibile a occhio nudo, ma si ottiene guardando attraverso il sistema ottico della camera oscura. Analogamente Jan Vermeer utilizzò questo strumento per la Ragazza col cappello rosso [10] della National Gallery di Washington, dipingendo lo sfocato e i circoli di confusione formati dalle luci alte.

Jan Vermeer - Ragazza con cappello rosso

Nel Settecento e nell'Ottocento l’uso della camera oscura è ormai sistematico, al punto da venir ostentata negli autoritratti e nelle scene di studio come indizio di gusto e scelta stilistica.

Il paesaggio fu il genere che ne fece maggiormente utilizzo, basti pensare alle tele del Canaletto, di Bernardo Bellotto, Francesco Guardi, Joshua Reynolds e tanti altri. La diffusione della camera oscura però, non risolveva la difficoltà di fissare con la matita ciò che l’occhio vedeva, per questo fiorirono studi tesi a ridurre al minimo l’intervento manuale, studi che si avvalevano delle più recenti scoperte chimiche e fisiche e che portarono alla nascita della fotografia, ossia alla capacità di produrre e fissare fedelmente un’immagine ottenuta attraverso l’azione della luce [11].

Canaletto - Piazza San Marco

Andrè Bazin fa risalire l’origine delle arti al “complesso della mummia”, ovvero, a quell’esigenza di fissare artificialmente le sembianze umane per sottrarle alla morte e l’oblio [12]:

« Se la storia delle arti plastiche non è soltanto quella della loro estetica ma innanzi tutto della loro psicologia, allora essa è essenzialmente quella della rassomiglianza e, se si vuole, del realismo. La fotografia e il cinema situati in queste prospettive sociologiche spiegherebbero in modo del tutto naturale la grande crisi spirituale e tecnica della pittura moderna che ha inizio verso la metà del secolo scorso » [13].

« Assumendosi il compito della rappresentazione realistica, sino allora monopolio della pittura, la fotografia lasciò libera quest’arte di seguire la sua grande vocazione modernista cioè l’astrazione » [14].

[1] Cfr. Rudolf e Margot Wittkower, Nati sotto Saturno, Einaudi, Torino 1968, pp. 10-12
[2] Cfr. Ernst Kris e Otto Kurz, La leggenda dell’artista, Bollati Boringhieri editore, Torino 1980, pp. 61-63
[3] Il problemata xxx in cui è analizzato il fenomeno ottico sopra descritto è un piccolo opuscolo medico-scientifico dall’attribuzione incerta, inscrivibile comunque nella cerchia aristotelica
[4] Cfr. Leonardo da Vinci, Codice Atlantico. Vol. D, fol.8, Biblioteca Nazionale di Parigi
[5] Cfr. Sebastiano Porretta, L’occhio e l’obiettivo: chi influenza chi? In Silvia Bordini (a cura di) L’occhio, la mano e la macchina, Lithos, Roma 1999, pp. 111-114
[6] Roberto Longhi, Caravaggio, Editori Riuniti, Roma, 2006
[7] Cfr. Roberta Lapucci, Caravaggio e L’ottica: aggiornamenti e riflessioni, in L. Spezzaferro (a cura di) Atti del convegno: Caravaggio e l’Europa, l’artista, la storia, la tecnica e la sua eredità, Cinisello Balsamo, Silvana, 2009, pp.59-68
[8] Diego Velasquez, Las Meninas, 1656/57, Olio su tela, Madrid, Museo del Prado
[9] Cfr. Giulio Forti, Fotografia,. Teoria e pratica della reflex, Editrice Reflex, Roma, 2003, p. 118
[10] Jan Vermeer, Ragazza col cappello rosso, 1666/67, Olio su tavola, Washington, National Gallery of Art, Andrew W. Mellon Collection
[11] Cfr. Sebastiano Porretta, L’occhio e l’obiettivo: chi influenza chi? In Silvia Bordini (a cura di) L’occhio, la mano e la macchina, Lithos, Roma 1999,pp. 115-117
[12] Cfr. Andrè Bazin, Che cosa è il cinema?, Garzanti Editore, Milano 1973, p.3
[13] Cit. Andrè Bazin, Che cosa è il cinema?, Garzanti Editore, Milano 1973, p.4
[14] Cit. Susan Sontang, Sulla fotografia, Einaudi, Torino 2004, p.82

Storia della Fotografia, la linea temporale

noreply@blogger.com (Sandro) — Wed, 08 Jun 2011 07:10:00 +0000

"il cammino dietro la luce", 2010, Sandro Rafanelli

E' così interessante e completo questo resoconto temporale sulla storia della fotografia che ho trovato che mi sono prodigato a tradurlo in italiano dall'originale di Philip Greenspun e con qualche aggiunta di utili link di riferimento.

tempi antichi: camera oscura utilizzata per formare immagini su pareti in stanze buie; le immagini attraverso un foro stenopeico.
16° secolo: la luminosità e la nitidezza della camera oscura è migliorata allargando il foro di inserimento di una lente di cannocchiale.
17° secolo: uso frequente della camera oscura da parte di artisti e resa portatile con l'utilizzo di portantine
1727: il professor J. Schulze miscela gesso, acido nitrico e argento in un pallone e nota lo scurimento sui lati del fiaschetto esposto alla luce solare. Creazione accidentale del primo composto foto-sensibile.
1800: Thomas Wedgwood crea "immagini solari", ponendo gli oggetti opachi su pelle trattata con nitrato d'argento, risultano immagini deteriorate rapidamente, tuttavia, se mostrate sotto una luce più forte di quella delle candele.
1816: Nicéphore Niépce combina la camera oscura con la carta fotosensibile.
1826: Niépce crea un'immagine permanente.
1834: William Fox Henry Talbot crea immagini permanenti (in negativo) utilizzando carta imbevuta di cloruro d'argento e fissata con un pizzico di sale. Talbot crea immagini positive con stampa unendo la carta con altri fogli di carta.
1837: Louis Daguerre crea immagini in rame placcato d'argento rivestito con ioduro d'argento e "sviluppate" con il mercurio riscaldato; A Daguerre è corrisposta una pensione statale da parte del governo francese in cambio della pubblicazione dei metodi e cedendo i diritti ai cittadini francesi dell'uso del processo Dagherrotipo.
1841: Talbot brevetta il suo processo con il nome "Calotipia".
1851: Frederick Scott Archer, scultore londinese, migliora la risoluzione fotografica, diffondendo una miscela di collodio (nitrati cotone sciolto in etere e alcoohol) e prodotti chimici su lastre di vetro. Le fotografie su lastre imbevute di collodio erano molto più convenienti dei dagherrotipi, il processo negativo / positivo consentiva una riproduzione illimitata. Il processo fu reso pubblico ma non brevettato.
1853: Nadar (Felix Toumachon) apre il suo studio per ritratti a Parigi.
1854: Adolphe Disdéri sviluppa la carta da visita fotografica a Parigi, con conseguente boom in tutto il mondo del ritratto in studio, che dura per tutto il seguente decennio.
1855: inizio dell'era stereoscopica.
1855-1857: immagini positive direttamente su vetro (ambrotipi) e metallo (ferrotipi o ferrotipi) diventano popolari negli Stati Uniti.
1861: il fisico scozzese James Clerk Maxwell illustra un sistema con una fotografia a colori che coinvolge tre fotografie in bianco e nero, ognuna catturata attraverso un filtro rosso, verde o blu. Le foto vengono trasformate in diapositive e proiettate con i filtri dello stesso colore. Questo è il metodo della "separazione dei colori".
1861-1865: Mathew Brady e il suo assistente realizza un reportage sulla Guerra Civile Americana, esponendo 7.000 negativi.
1868: Ducas de Hauron pubblica un libro che propone una varietà di metodi per la fotografia a colori.
1870: Periodo in cui il Congresso americano invia i fotografi verso l'Occidente. Le immagini più famose sono state scattate da William Jackson e Tim O'Sullivan.
1871: Richard Leach Maddox, un medico inglese, propone l'utilizzo di un'emulsione di gelatina e bromuro d'argento su una lastra di vetro, il processo del "piatto a secco".
1877: Eadweard Muybridge, nato in Inghilterra col nome di Edward Muggridge, fa una scommessa con il ricco uomo d'affari Leland Stanford di San Francisco, "durante il galoppo esiste un momento in cui tutte le zampe del cavallo sono sollevate da terra". Diviene celebre la sequenza fotografica "il cavallo in movimento".
1878: le piastre a secco cominciano a venir prodotte a livello commerciale.
1880: George Eastman, 24 anni, crea la Eastman Dry Plate Company a Rochester, New York. La prima fotografia half-tone compare in un quotidiano, il New York Graphic.
1888: la prima fotocamera Kodak, contenente un rullo di 20 metri di carta, abbastanza per realizzare 100 immagini circolari da 2.5 pollici di diametro.
1889: esce una fotocamera migliorata della Kodak, con un rullino di pellicola al posto della carta
1890: Jacob Riis pubblica come "How the Other Half Lives", immagini della vita a New York City
1900: la Kodak introduce la macchina Brownie che utilizza pellicole fotografiche.
1902: Alfred Stieglitz organizza l'esposizione della "Photo Secession" a New York City.
1906: Disponibilità della pellicola pancromatica in bianco e nero, e conseguente alta qualità della fotografia con separazione dei colori. JP Morgan finanzia Edward Curtis per documentare la cultura tradizionale degli indiani del Nord America.
1907: Prima pellicola commerciale a colori, le lamine Autochrome, prodotto dai fratelli Lumière in Francia
1909: Lewis Hine è ingaggiato dalla National Child Labor Committee degli Stati Uniti per fotografare i bambini che lavorano nei mulini.
1914: Oscar Barnack, impiegato dell'azienda tedesca Leitz produttrice di microscopi, sviluppa una fotocamera utilizzando un moderno fotogramma 24x36mm e una pellicola da 35 millimetri.
1917: Nippon Kogaku KK, che poi diverrà Nikon, stabilisce la sua sede a Tokyo.
1921: Man Ray inizia a fare fotogrammi ("rayographs"), posizionando gli oggetti sulla carta fotografica ed esponendo l'ombra proiettata da una lampadina; Eugene Atget, all'età di 64 anni, inizia a fotografare i bordelli di Parigi.
1924: Leitz introduce nel mercato un derivato della fotocamera di Barnack col nome "Leica", la prima fotocamera 35 mm di alta qualità.
1925: André Kertész si trasferisce dalla natia Ungheria a Parigi, dove inizia un progetto che durerà undici anni, fotografando la vita di strada.
1928: Albert Renger-Patzsch pubblica "The World is Beautiful", che contiene immagini ravvicinate con lo scopo di sottolineare le forme di oggetti naturali o artificiali; Rollei introduce la Rolleiflex, una reflex twin-lens in grado di produrre immagini 6x6 su rollfilm. Karl Blossfeldt pubblica "Urformen der Kunst".
1931: sviluppo della fotografia stroboscopica di Harold ("Doc") Edgerton al MIT
1932: introduzione del Technicolor per i film, dove tre negativi in bianco e nero sono realizzati dalla stessa fotocamera con filtri diversi, Ansel Adams, Imogen Cunningham, Willard Van Dyke, Edward Weston, e il cosiddetto "gruppo f/64" si dedicano alla "straight photography thought and production";. Henri Cartier-Bresson compra una Leica e comincia la sua lunga carriera, ben 60 anni a fotografare persone; il 14 marzo, George Eastman, 77 anni, scrive lettera d'addio: "Il mio lavoro è finito. Perché attendere?" e si spara.
1933: Brassaï pubblica "Paris de nuit".
1934: viene fondato il Fuji Photo Film. Nel 1938 la Fuji comincia a produrre macchine fotografiche e lenti oltre alle pellicole.
1935: la Farm Security Administration assume Roy Stryker per eseguire una sezione storica. Stryker ingaggia Walker Evans, Dorothea Lange, Arthur Rothstein per fotografare le difficoltà nelle zone rurali americane.
1936: sviluppo di Kodachrome, la prima pellicola a strati di colore; sviluppo di Exakta, pionieristica reflex (SLR) da 35 millimetri.
Seconda guerra mondiale.

Sviluppo di pellicole multi-strano a colori
Margaret Bourke-White, Robert Capa, Carl Mydans e W. Eugene Smith raccontano la guerra per la rivista LIFE

1947: Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, David Seymour cominciano l'avventura dell'agenzia fotografica Magnum.
1948: Hasselblad in Svezia offre la sua prima reflex di medio formato a livello commerciale; Pentax in Giappone introduce il diaframma automatico; inizia la vendita della pellicola Polaroid istantanea in bianco e nero.
1949: la Zeiss della Germania dell'Est sviluppa la Contax S, la prima reflex con un'immagine non invertita in un mirino a pentaprisma.
1955: Edward Steichen cura l'esposizione "Family of Man" al Museum of Modern Art di New York.
1959: esce la Nikon F.
1960: Garry Winogrand inizia a fotografare le donne per le strade di New York City.
1963: prima pellicola film a colori istantanea sviluppata da Polaroid; rilasciata la Instamatic di Kodak; prima macchina appositamente costruita per le foto subacquee, la Nikonos
1972: introdotte da Kodak le fotocamere con formato 110 e fotogramma 13x17mm
1973: introdotto il processo a colori negativi C-41, che sostituisce il C-22
1975: Nicholas Nixon scatta la prima foto dell'anno ritraendo sua moglie e sorelle, è la prima di una lunga serie di immagini scattate ogni anno per venticinque anni: "The Brown Sisters"; Steve Sasson di Kodak realizza il primo lavoro basato su fotocamera digitale con sensore CCD.
1976: "William Eggleston's Guide" mostra personale di fotografie a colori presso il Museum of Modern
1977: Cindy Sherman inizia a lavorare su Untitled Film Stills, completato nel 1980, Jan Groover inizia ad esplorare gli utensili da cucina
1978: Hiroshi Sugimoto inizia a lavorare sui paesaggi marini.
1980: Elsa Dorfman inizia a scattare ritratti con la Polaroid 20x24''.
1982: Sony presenta gli still video della macchina Mavica.
1983: Kodak presenta disk camera che utilizza un fotogramma 8x11mm (lo stesso della Minox spy camera)
1985: Minolta introduce nel mercato il primo sistema SLR autofocus (chiamato "Maxxum" negli Stati Uniti)
1988: Sally Mann inizia la pubblicazione delle foto di nudo dei suoi figli.
1987: viene introdotto il popolare sistema EOS di Canon, che monta la nuova elettronica per il corpo lenti.
1990: viene rilasciata la prima versione di Adobe Photoshop.
1991: Kodak DCS-100, reflex digitale in primo luogo, una versione modificata Nikon F3
1992: Kodak presenta il PhotoCD.
1993: Sebastiao Salgado pubblica i suoi lavori; Mary Ellen Mark pubblica un libro che documenta la vita in un circo indiano.
1997: Rob Silvers pubblica i foto-mosaici.
1999: Nikon D1 reflex, 2,74 megapixel a $6000, prima su DSLR design da un fornitore principale.
2000: cellulare con fotocamera introdotto in Giappone da Sharp / J-Phone.
2001: la Polaroid va in bancarotta.
2003: il formato quattro/terzi (4:3) diviene lo standard per le reflex digitali compatte, introdotto con la Olympus E-1; Canon Digital Rebel viene distribuita a di $1000.
2004: Kodak cessa la produzione di fotocamere a pellicola.
2005: esce la Canon EOS 5D, la prima reflex digitale full-frame per il grande pubblico, con un sensore CMOS 24x36mm per $3000.

La fonte dell'articolo.

Susan Burnstine e quel sottile precipizio tra sogno e realtà

noreply@blogger.com (Sandro) — Mon, 30 May 2011 07:10:00 +0000

Il sogno e la realtà si confondono nello stile ricercato e fluido di questa interessantissima fotografa americana.
Andiamo a scoprire quanto è sottile la linea di confine che li separa.

photo by Susan Burnstine

Chi è Susan Burnstine?
Un fotografa fine-art con base a Los Angeles ma originaria di Chicago, rappresentata in varie gallerie nel mondo, nominata per il Santa Fe Prize for Photography 2009 e vincitrice del B&W Magazine’s 2008 Portfolio Spotlight Award.
Nella biennale dell'arte di Venezia di quest'anno (2011) presenterà anche un atteso libro monografico intitolato Within Shadows pubblicato da Charta.

photo by Susan Burnstine

La Burstine dipinge i suoi scenari da sogno interamente con la macchina fotografica piuttosto che ricorrere ad effetti di post-produzione con PhotoShop.
Per far questo si è "costruita" un proprio parco macchine molto particolare, ha poi creato pellicole fotografiche fatte a mano e lenti dagli effetti spesso imprevedibili e tecnicamente molto impegnative da controllare. Le macchine fotografiche sono principalmente fatte in plastica, col recupero di vecchi apparecchi, anche pezzi d'epoca o elementi di giocattoli e oggetti di uso domestico mentre i singoli corpi delle lenti sono modellati in plastica e gomma.

photo by Susan Burnstine

Imparare a superare i propri limiti ha accentuato la sua fiducia sull'istinto e l'intuizione. Come lei stessa scrive sul suo sito: "sono gli stessi strumenti a divenire fondamentali quando ci si affida all'invisibile".

In bilico tra una visione sognata del mondo e realtà rarefatta, è un condensato di fotogrammi di un film onirico che sono il frutto di paure e desideri.
Diorami suggestivi e confusi come la memoria che diventa evanescente, opaca, fumosa, a volte distorta nei dettagli, a volte concentrata su singoli elementi di interesse, mentre il resto dell'immagine ruota, fluisce come sospinta dal vento, si attorciglia e accartoccia su sé stessa.

Scenari che spesso suscitano inquietudine, come se ci si avvicinasse lentamente ad un portale per accedere ad un altro mondo. Ci spinge a guardare attraverso questo varco con costruzioni prospettiche spaziose, strade che procedono verso l'orizzonte, diritte o tortuose e ponti sospesi nel nulla, senza riuscire mai a mettere perfettamente a fuoco, con la sensazione che da un momento e l'altro tutto si dissolverà.

photo by Susan Burnstine

Consiglio di dare un'occhiata al suo sito personale dove sono presenti altre bellissime fotografie: www.susanburnstine.com
Suggerisco anche di vedere questo video con l'intervista.

i nudi di Yasuzo Nojima tra pittorialismo e modernità

noreply@blogger.com (Sandro) — Mon, 23 May 2011 07:10:00 +0000

"Se un artista non riesce ad intrecciare intenti e sentimenti nella sua arte, resterà un artista morto." (Yasuzo Nojima)

Come spesso succede, sono le scoperte casuali quelle che portano maggiori soddisfazioni. E' così che son felice di parlare di un maestro della fotografia pittorica giapponese.

Chi è Yasuzo Nojima?
Nojima inizia a fotografare nel 1906, due anni dopo comincia gli studi presso la Gijiku Keio University di Tokyo. Del 1920 la sua prima esposizione, mentre nel 1928 diventa membro della Società Fotografica Giapponese, uno dei principali club artistici, sebbene ancor piuttosto conservatore.

Yasuzo Nojima

La maggior parte delle sue opere più celebri è realizzata tra il 1910 e il 1953.
Non ha mai lasciato il Giappone, eppure la sua sensibilità orientale si miscela magicamente con l'estetica occidentale fin a realizzare ritratti struggenti e raffinati che ci attraggono senza poter porre resistenza.

La sua fotografia si aggira tra il pittorialismo ricercato, di moda in quel tempo, e un modernismo che ancor oggi non si esaurisce. I suoi ritratti, dai toni densi e malinconici, i paesaggi, le composizioni di natura morta ma sopratutto i nudi femminili sono un itinerario di contemplazione della bellezza.

photo by Yasuzo Nojima

"Quello che loro chiamano la fotografia d'arte non è altro che un catalogo del distratto, vago e del falsamente significante o profondo, del diluito e del debole. Queste non sono dunque le caratteristiche che il tempo ci domanda".
Così Nojima comincia a rendere più chiara la sua arte. Nel 1920 infatti il suo lavoro inizia a mutare e da un pittorialismo di maniera progressivamente trasforma i suoi soggetti, ora semplici e seducenti ritratti, lievemente illuminati e poi una serie di nudi che rappresentano alcune delle immagini più enigmatiche viste nel periodo che anticipa la seconda guerra mondiale in Giappone.

photo by Yasuzo Nojima

La parola giapponese per la fotografia è shanshin, significa esattamente "riprodurre la realtà".
Le immagini di Nojima trascendono la riproduzione meccanica della realtà e rivelano verità non viste o comprese dai precedenti fotografi giapponesi. Contro la convenzione prevalente di usare come modelle donne occidentali o celebrità, Nojima sceglie per i suoi ritratti donne molto giapponesi, lontane dal glamour.
Le immagini semplici ma attentamente composte respingono le lusinghe esasperate dei pittorialisti e tentano di svelare l'anima profonda del soggetto.

Una folta galleria delle fotografie di Nojima.
Una delle fonti bibliografiche è il WSBS.

Candida Hofer e il concetto dello spazio sociale

noreply@blogger.com (Sandro) — Mon, 16 May 2011 07:05:00 +0000

Nata nel 1944 a Eberswalde, in Germania, Candida Hofer indaga il "paesaggio interno", gli ampi spazi pubblici di biblioteche, musei, teatri, banche, uffici, barocchi e maestosi palazzi sparsi per l'Europa.

Una delle allieve più mature della scuola di Dusseldorf dei coniugi Bernd e Hilla Becher, presso i quali studiò a partire dalla metà degli anni '70, insieme a Andreas Gursky, Thomas Struff e Elger Esser (al quale ho dedicato un articolo) fa parte di quell'importante corrente tedesca attratta dalla fotografia concettuale.
I suoi lavori sono noti per la ricerca della perfezione dei dettagli, per i grandi formati, una non comune dimestichezza e tecnica nella gestione e controllo della luce e per l'approccio concettuale.

photo by Candida Hofer

Senza ricorrere al ritocco digitale, la Hofer realizza immagini di grandissimo formato, fino a 200x250 cm, sebbene le prime realizzazioni non fossero di dimensioni gigantesche. Forse seguendo le scelte di Gursky, anche la Hofer ha deciso che solo col grande formato si potesse apprezzare la magnificenza e la potenza dei suoi interni vuoti, tasselli di un ritratto da alcuni definito di "psicologia dell’architettura sociale".

photo by Candida Hofer

Sempre utilizzando la luce naturale, Candida Hofer costruisce un affresco ricchissimo e intricato, che ci obbliga a indagare ogni dettaglio dell'immagine. E' singolare anche scoprirsi i nostri occhi che si spostano da un punto all'altro dell'immagine, avvicinarsi e immergersi per poi alla fine, dissetati dalla voglia di possedere ogni pezzo del quadro, tornare alla visione complessiva.
E' in questo tornare, nel confronto tra le varie immagini, solitamente in prospettiva centrale, che si coglie l'insegnamento del concetto di serialità dei soggetti tipico dei Becher. Ci troviamo così a seguire un filo, una documentazione dello spazio sociale e collegare gli elementi nella completa rimozione della presenza umana, una fonte di distrazione volutamente eliminata. Il messaggio della fotografa si ritrova nella scrittura di un'enciclopedia di spazi dove l'uomo ha raggiunto (o aggiunto) la grandezza: biblioteche, teatri, musei.
Un gioco raffinato tra concetto e uso pratico dei luoghi, che si assomigliano tutti senza mai essere uguali.

photo by Candida Hofer

Interessante scoprire anche il suo "Zoological Gardens", in cui applica gli stessi schemi di costruzione dell'immagine ma con soggetti in esterno. Le fotografie di questa serie mi risultano davvero strane, come se ci fosse qualcosa di incompleto e artefatto, forse la luce, la nitidezza e la definizione dell'immagine che rende iperleggibile ogni particolare, come se tutte queste informazioni condensate nel fotogramma non riuscissero a completare il quadro ma lasciassero uno spazio vuoto verso cui l'osservatore si sente attratto a guardare e dunque riempire.

Palazzo Medici Riccardi, sala della Provincia di Firenze, photo by Candida Hofer

Quest'ultima immagine, tra le più recenti, è tratta dalla serie realizzata specificamente per Firenze, immortalando gli interni rinascimentali e barocchi dei ricchi palazzi fiorentini, da palazzo Medici Riccardi alla biblioteche Riccardiana, Marucelliana e degli Uffizi, il teatro della Pergola, palazzo Pitti e Corsini.
La nuova arte, che incontra sempre difficoltà nel farsi accettare, incontra l'architettura di una città che ha fatto dell'arte e della bellezza il suo stesso motivo di vita. Uno stimolante intreccio e uno splendido incontro.

Per approfondire rimando alla scheda su Wikipedia.

il paesaggio rarefatto di Elger Esser

noreply@blogger.com (Sandro) — Mon, 09 May 2011 07:10:00 +0000

Il paesaggio è una mia fissazione, mi piace scoprire fotografi che "inseguono" i paesaggi e srotolano le loro pieghe sfuggenti, cercando la soluzione e svelando i segreti che nascondono.
In fondo è uno degli obiettivi di questo blog, andiamo dunque alla scoperta di un maestro del genere, il tedesco Elger Esser.

photo by Elger Esser

Chi è Elger Esser?
Nato a Stoccarda nel 1967, ha trascorso l’infanzia a Roma e ha collaborato con un grande maestro italiano della fotografia di paesaggio, Olivo Barbieri.

Studia alla Kunstakademie di Düsseldorf e fu allievo del grande Bernd Becher, che insieme alla moglie Hilla, ha imposto un nuovo modo di fare fotografia del '900 (per approfondire Bernd & Hilla Becher su questo stesso blog). Fece quindi parte di quel movimento rivoluzionario meglio conosciuto come Scuola di Dusseldorf, insieme a Thomas Struth, Candida Hofer (della quale parlo in Candida Hofer e il concetto dello spazio sociale) e Andreas Gursky.

Dalla metà degli anni '90 le sue fotografie cominciano ad apparire in numerose gallerie, musei nazionali e internazionali.

photo by Elger Esser

Un'eleganza sommessa che rende inafferrabili i suoi paesaggi.
Una luce diafana cosparge la campagna francese che è solito ritrarre o le scogliere sul mare, tanto da trasformare tutto in un paesaggio immaginato, pittorico, idealizzato.

Si percepiscono gli insegnamenti dei Becher, che erano soliti invece fotografare i ruderi di un'industrializzazione in decadenza e che applicavano il principio della ripetitività alle costruzioni.
La serialità e l'annullamento del soggetto, che comunque è quasi del tutto assente in Esser, è agli antipodi del momento decisivo bressoniano, porta ad instaurare un rapporto diverso con l'immagine, non c'è l'enfasi dell'impatto, il voler intrappolare un momento sfuggente.
Si ferma invece un momento qualunque dove il soggetto passa quasi in secondo piano, evidenziandosi nel confronto, nelle similitudini e nell'indagine dell'immagine. E' necessaria dunque una visione più meditata, più attenta a valutare i dettagli; i quadri ci invitano a cercare, a tracciare collegamenti. Nelle fotografie di Esser c'è una costruzione ricercata che esalta il paesaggio, senza l'ossessione di renderlo anonimo, semmai pittorico (interessante il lavoro sugli ingrandimenti esasperati che sgranano e sfumano le forme).
E' così che le immagini abbandonano una superficiale freddezza e emergono anche poeticamente, perché secondo me nascondono una silenziosa ma potentissima poesia. C'è una nostalgia romantica, un senso di statica commemorazione del paesaggio con queste costruzioni rigide e allo stesso tempo morbide, con questi toni tenui sul giallo, verde e azzurro, divenuta una cifra stilistica distintiva.

photo by Elger Esser

Lo stesso Esser ci spiega che non cerca una documentazione dei luoghi, a differenza dei presupposti anti-artistici di documentazione dei coniugi Becher, ma un incontro con loro e dunque di farne una fotografia.

Per approfondire e scoprire altre immagini consiglio il sito personale.

le geometrie aeree di Alex Maclean

noreply@blogger.com (Sandro) — Mon, 02 May 2011 07:12:00 +0000

Sono sempre stato attratto dalle immagini di paesaggio e il tipo di veduta di Alex Maclean è sicuramente quella più insolita e dagli spunti più interessanti.

Alex Maclean

Siamo ormai abituati alle visioni dall'alto, delle grandi metropoli cinesi o dei vasti paesaggi americani. Quello che suggerisce Maclean non è certo originale, punta l'occhio a volo d'uccello, spesso perpendicolare al terreno, scoprendo geometrie e composizioni di colore degne di un quadro astratto.

Perché ho scelto di parlare proprio del lavoro di Alex Maclean?

Un pilota e fotografo specializzato in scatti dall’alto. Come ho detto, non si distingue per l'originalità delle sue immagini, ma per una naturale sensibilità e attrazione nel cogliere quello che l'essere umano, consapevole o meno, ha creato nel tempo, nella stratificazione delle strutture che ha costruito, nella modifica a volte profonda del paesaggio.
Il tutto però con un punto di vista non inquisitorio, non si avverte una pesante analisi sociologica delle mutazioni del paesaggio, semmai un'estasi, un sentimento di ammirazione perfino di fronte a terribili esempi di edilizia alienante e irrispettosa del paesaggio.

Alex Maclean

I piccoli surfisti che scivolano su una grande onda, anche il punto di scambio delle motrici dei treni diventa un qualcosa che attrae, che colpisce e appassiona.
Tutta la bellezza (non di rado inquietante) del pianeta visto dall'alto.

Alex Maclean

Le sue fotografie sono fresche e riescono a far riflettere.
Prima di tutto per raccontarci "qualcosa" del mondo, ci fanno sentire minuscoli ma capaci di grandi opere. In alcuni momenti vedo il genere umano come un immenso formicaio, brulicante e bramoso del desiderio di fare e di imporsi sull'elemento naturale ma che a volte, senza saperlo, costruisce bellissime tessiture di parcheggi e luna park, barchette colorate incastrate nei porticcioli, spiagge affollate e campi dipinti.

Alex Maclean

Per vedere tutte le fotografie e gli altri lavori, il sito personale.

Richard Avedon, quando l'eleganza è inimitabile

noreply@blogger.com (Sandro) — Mon, 25 Apr 2011 07:05:00 +0000

«Se passa un giorno in cui non ho fatto qualcosa legato alla fotografia, è come se avessi trascurato qualcosa di essenziale. E' come se mi fossi dimenticato di svegliarmi.»

Chi è Richard Avedon?
Nato a New York nel 1923 e scomparso nel 2004 è stato uno dei più grandi fotografi ritrattisti statunitensi, non si azzarda considerandolo il più grande.

Elizabeth Taylor - photo by Richard Avedon

Nessuno meglio di lui è riuscito a tradurre su carta fotografica il fascino di personaggi che hanno fatto la storia del secolo scorso come Marilyn Monroe, Brigitte Bardot, Sophia Loren, Andy Warhol e tanti altri.

Curioso l'inizio della sua carriera, nella Marina mercantile fu assegnato alle autopsie e alle foto d'identità, ma realizza anche ritratti dei suoi compagni di camerata. Solo nel '44 con la rivista Harper's Bazaar inizia la rivoluzione della foto di moda, non più rigide pose e schemi impostati, ma porta le modelle in esterno, nelle strade e nei locali.
Lavora per Vogue, Life, The New Yorker e Rolling Stone. Espone anche al Moma di New York, portando alcuni ritratti di suo padre colpito da un cancro.

Twiggy - photo by Richard Avedon

Tilda Swinton - photo by Richard Avedon

Non tutti sanno che seguì vari generi fotografici, come il reportage dal Vietnam, sebbene fu nella moda e nel ritratto che trovò la sua massima capacità espressiva.
Esegue ritratti di vagabondi e disadattati nel West e nel 1989 è a Berlino, in occasione della caduta del muro, mostrando ancora una volta la sua sensibilità per i mutamenti politici e gli aspetti più psicologici legati al racconto fotografico.

Avedon è un intellettuale della fotografia e ha sempre sottolineato il ruolo che ha l'atto dell'elaborazione nel guardare, un luogo che non rappresenta mai la "verità".

In questo possiamo individuare uno dei suoi segreti, che è anche la chiave di lettura del suo lavoro, risultato stupefacente di pensiero ed elaborazione che raramente cedono al caso.

Sofia Loren - photo by Richard Avedon

Termino questa lunga carrellata con due famosissimi scatti.
"Dovima con gli elefanti" ritrae una modella che indossa un abito da sera di Dior e che in una posa da diva in mezzo ai due giganti libera la moda fuori dal suo ambiente. Fu scattata a Parigi nel 1955, ha fatto il giro del mondo e finì per rappresentare il massimo dell'arte di Avedon.

"Dovima with Elephants" - photo by Richard Avedon

photo by Richard Avedon

Richard Avedon ci lascia un'eleganza inimitabile, una fotografia raffinata, ricercata, prima dell'avvento del digitale e dell'ossessione della perfezione alienante e falsificata, le sue immagini incarnano la perfezione pura e densa di un fascino che sembra resistere al tempo e alle mode.

Per approfondire, segnalo il sito ufficiale della fondazione Richard Avedon.

le bizzarre storie notturne degli estranei di Benoit Paillé

noreply@blogger.com (Sandro) — Mon, 18 Apr 2011 07:10:00 +0000

Benoit Paillé è un giovane fotografo canadese.
Quando ho scoperto il suo lavoro "Undernight" ho subito pensato che fosse utile farlo conoscere perché oltre che ottimamente realizzato e piacevole da vedere, è anche molto interessante nel tema e nel modo di affrontarlo.

"Undernight" by Benoit Paillé

Nel nostro mondo sovraffollato, costipati nei nostri spazi e pieno di individualità, nei quartieri periferici, nei condomini e nei vicoli delle città si scoprono le persone più diverse, brulicano e vivono situazioni particolari, al limite del grottesco. Benoit Paillé fotografa proprio gli "estranei", i vicini di casa, le persone che ci passano di fianco sul marciapiedi, che scorgiamo in coda in auto o sul sedile di fianco in autobus o nel parco.

Completi sconosciuti ritratti in scene bizzarre che ispirano un iniziale sorriso ma che riescono a rompere quel muro di anonimato, di statico blocco di vite tutte separate.

"Undernight" by Benoit Paillé

Ci fermiamo così a guardare una serie di individui soli e solitari, immersi nel loro mondo. Ad ognuno di essi è riservato uno spazio, un piccolo momento di celebrità nell'inconsueta normalità delle loro vite, estremizzando i loro gesti per renderli finalmente visibili.

Molto interessante, sopratutto nell'approccio che imita lo stile della moda e delle campagne pubblicitarie dei grandi marchi, ma ci ironizza. Rende bizzarra la scena facendo uso di persone che solo apparentemente sembrano ridicole ma che con le loro stranezze finiscono per alimentare un grido collettivo per farsi ascoltare.

"Undernight" by Benoit Paillé

Alla fine è un lavoro sulla curiosità verso chi ci circonda. Per imparare a dare un volto agli sconosciuti che riempiono gli spazi delle nostre giornate.

Potete vedere la serie completa si Behance o su Flickr.