My very first review for DanceTabs, Bruce Marriott’s new online magazine!

Marguerite and Armand / Concerto DSCH
Choreography: Frederick Ashton, Alexei Ratmansky
La Scala Ballet
Teatro alla Scala, Milan
May 3, 2012

La Scala Ballet is often dismissed as a company without depth, a haven for international guest artists living on a steady regime of full-length ballets. And yet Makhar Vaziev, who left the Mariinsky to take the helm in Milan in 2008, has been taking on more ambitious projects, one baby step at a time. Last October, Sergei Vikharev’s Raymonda reconstruction brought the company together with admirable results, and this month, Vaziev is introducing another Russian luminary to Milan: Alexei Ratmansky, who set his Concerto DSCH on the company. Paired with Frederick Ashton’s Marguerite and Armand, it made a much-needed case for one-act ballets on a stage where, sadly, no other mixed bill is scheduled through the end of the 2012-13 season.

Ashton’s Marguerite and Armand was last seen in Milan in 2004, with Sylvie Guillem and Massimo Murru as the famous lovers, and La Scala revived it this season chiefly for its most popular “étoiles,” the Bolshoi’s Svetlana Zakharova and Roberto Bolle. In them they certainly have two of the most gorgeous bodies in the ballet world. The performance could have been an ad for one of Milan’s fashion houses: Italian model falls in love with Russian model moonlighting as a courtesan. Add to that Cecil Beaton’s period costumes and spare set, and the ballet was a vision of surface elegance on opening night.

Emotion, however, proved to be the poor cousin. The days when Marguerite and Armand belonged solely to Fonteyn and Nureyev, then to Guillem, are certainly gone (3 other casts are scheduled in Milan), but there is something to be said for cherry-picking interpreters when the ballet distils Dumas’ novel to such an extent. It takes consummate dance actors to tell the story through pas de deux, from Marguerite and Armand’s first encounter to her death, in less than 40 minutes, and both Zakharova and Bolle would need partners who can force them out of their natural reserve. (…)

» Read the full review on DanceTabs

Svetlana Zakharova & Roberto Bolle in Marguerite and Armand © Rudy Amisano

Related posts:

• A Year in Ballet: 2011
• Courtly love on a lavish scale – Sergei Vikharev’s Raymonda in Milan

Maurice Béjart evening: Grand Rythme, Eden, Symphonie pour un homme seul, Gaîté Parisienne suite
Choreography: Maurice Béjart, Micha van Hoecke, Maguy Marin
Rome Opera Ballet
Teatro dell’Opera di Roma, Italy
May 4, 2012

Ballet is in a difficult place in Italy. Hit by recent funding cuts to opera houses, marginalised on the world stage, Italian companies seem unsure where to go from here. The Rome Opera Ballet is one of them: former ballerina Carla Fracci, who had breathed some life into the classics, was ousted as artistic director amid relative indifference in 2010. No artistic vision has emerged since, and last weekend the company paid a welcome but unfocused tribute to French choreographer Maurice Béjart, who passed away five years ago.

Symphonie pour un homme seul is a very early example of his choreographic gifts. Created in 1955, this one-act work is a new generation’s answer to Roland Petit’s 1946 Le Jeune homme et la Mort. In lieu of an elaborate set, ropes prefigure the hero’s ultimate suicide; his existential angst is fuelled by an increasingly alienated, mechanical world moving to Pierre Schaeffer and Pierre Henry’s absurdist musique concrète.

The sharp, strangely musical choreography deserves another look, and two guests from the Paris Opera Ballet, Nicolas Le Riche and Clairemarie Osta, performed the lead roles with gusto. The diminutive Osta is due to retire at the end of the season, and her wit and cool musicality in neoclassical choreography will be much missed – as the Woman who drives Le Riche to his death, she was an enigmatic presence, alluring, cruel and fully in control of the difficult score. (…)

» Read the full review in the Financial Times

Nicolas Le Riche & Clairemarie Osta in Béjart's Symphonie pour un homme seul © Teatro dell'Opera di Roma

Related posts:

• Review: Mats Ek returns to Garnier
• Review: The Spirit and Myths of Post-War France
• Review: Degas’ Little Dancer, Back at the Palais Garnier

Talking to Ivan Vasiliev, you’d never believe the goofy, humorous young man standing in front of you is the most spectacular Spartacus of his generation. It’s been quite a season for him: He and Natalia Osipova left the Bolshoi Ballet last November for St. Petersburg’s Mikhailovsky Ballet, where they are now working with Nacho Duato. We chatted about their move and much more, and my Reverence interview with him is in Pointe Magazine’s April/May issue:

Cover of the April/May 2012 issue © Pointe Magazine

Why did you leave the Bolshoi for the Mikhailovsky?
It’s one of the only companies led by a major choreographer today. I worked with Nacho Duato for Kings of the Dance, and had been dreaming of collaborating with him again. I also value the freedom I have now to expand my repertoire and perform with other companies.

What inspires you?
What’s helped me lately is that I got a pair of Nureyev’s shoes as a present. I visited his grave while we were on tour in Paris, and I thanked him for his contribution to ballet.

What quality do you admire the most in other dancers?
Sincerity. I’ve seen a lot of phenomenal technicians, but what I really like is when someone brings true emotion to the stage.

How nervous do you get before performing?
Incredibly nervous. But I think it should be that way—otherwise you can become robotic. It’s the best drug in the world, and it creates magic onstage. (…)

» Read the full interview in Pointe Magazine: “Brilliant Bravura,” April/May 2012

Ivan Vasiliev in Spartacus © Damir Yusupov

Related posts:

• A Noble Radiance: Johan Kobborg Interview (Pointe Magazine)
• Interview : Maverick Marie-Agnès Gillot in Pointe Magazine (April/May 2010)
• Now online: Brigitte Lefèvre Interview for Pointe Magazine (April/May 2009)

Das Fräulein von S.
Choreography: Christian Spuck
Stuttgart Ballet
Opernhaus, Stuttgart
March 31, 2012

You don’t see murder mysteries too often at the ballet. Enter Christian Spuck, one of Stuttgart Ballet’s resident choreographers, who helps plug the gap with Das Fräulein von S., his latest creation for the company. Like The Nutcracker and Coppélia, it is based on a short story by E.T.A. Hoffmann, in this case an early example of crime fiction set in Versailles. But unlike his 19th-century predecessors, however, Spuck doesn’t just follow the story. His parting gift – he is leaving at the end of the season to head Switzerland’s Zurich Ballet – is that rare beast: a three-act ballet for the post-Forsythe ballet world, deconstructed, puzzling and inventive in equal measure.

The merits of Act I are theatrical rather than choreographic, but Spuck’s stage direction is masterly. Louis XIV’s Versailles is shown in black and white, the setting for an eerie ballet noir in which Mademoiselle de Scudéri, the narrator, sets out to solve a series of murders. The culprit, we learn, is a goldsmith, Cardillac, so in love with his jewellery that he kills the owners to get it back. Blindfolded women in glistening tutus play his jewels, and in a strangely beautiful scene, we see Cardillac take them out of their glass cases and manipulate them like dangerous yet empty objects of desire. (…)

» Read the full review in the Financial Times

Daniela Lanzetti (Marquise de Maintenon), Daniel Camargo (Louis XIV) and Mireille Mossé in Das Fräulein von S. © Stuttgart Ballet

Related posts:

• Review: Baryshnikov In Paris
• Review: Don Quixote in Eifman’s madhouse
• Review: An early Kylián tale

De retour à Lyon pour un nouveau compte-rendu publié dans le Huffington Post…

Demo-n/Crazy, Folia, Mambo 3XXI
Chorégraphie : Rafael Bonachela, Jan Linkens, George Céspedes
Danza Contemporánea de Cuba
Maison de la Danse, Lyon
13 février 2012

On connaît le Ballet National de Cuba, dirigé par Alicia Alonso depuis 1948 et véritable étendard culturel de l’île, mais la danse a également un autre visage à La Havane : celui de Danza Contemporánea de Cuba, la compagnie de danse moderne créée en 1959, en pleine euphorie de la Révolution. Comme sa cousine classique, la troupe, de passage à la Maison de la Danse de Lyon pour quelques représentations, a tout du paradoxe. Produits d’une école d’une vitalité incroyable, ses danseurs subissent pourtant l’isolement culturel de Cuba ; la modernité chorégraphique s’y est donc construite pratiquement sans références, entre naïveté et originalité, avec une ferveur unique.

Les années 2000 ont tout de même vu Danza Contemporánea de Cuba s’ouvrir à quelques artistes venus d’autres horizons, et deux chorégraphes européens étaient au programme de la compagnie à Lyon. L’Espagnol Rafael Bonachela a travaillé au Royaume-Uni avant de prendre la direction de la Sydney Dance Company, et son Demo-n/Crazy, créé à La Havane en 2007, se place dans la droite lignée de la scène contemporaine anglaise. Des sous-vêtements blancs minimalistes servent de costumes, à la Wayne McGregor ; la scène est nue, l’humeur sombre, la musique principalement électronique. De pas de deux en mouvement d’ensemble, les danseurs semblent se croiser sur un champ de bataille où les gestes sont autant d’extensions violentes, rapides, anxieuses, où l’autre est manipulé, secoué, repoussé. (…)

» L’article complet dans le Huffington Post

Danza Contemporánea de Cuba in Mambo 3XXI © DR

Related posts:

• 20 ans de variations sur le hip-hop à Suresnes (HuffPost)
• Live Festival – Biennale de la Danse de Lyon
• Saison 2009-2010 à Lyon : quelques prévisions météorologiques

La Bayadère
Paris Opera Ballet
Opéra Bastille, Paris
March 7, 2012

Stars are born in the best way imaginable at the Paris Opera: on stage. Here a full house witnessed one of those moving occasions at the Opéra Bastille, as Josua Hoffalt was promoted to the rank of étoile (Principal) at the end of La Bayadère. On cue, the director made a speech, colleagues hugged the chosen one, the audience stood and screamed, and an ocean of phones and cameras recorded every second for posterity.

Hoffalt is 27, and while nerves got to him towards the end of the ballet, as the warrior Solor he showed that he is a very welcome addition to the company’s patchy male line-up. With his light jump, boyish looks and elegant technique, he has the potential to be that rare jewel, a genuine, versatile prince. The road is long, however, and in recent years some étoiles have struggled to maintain momentum after their solemn appointments.

The performance itself was a worthy Bayadère, but strangely devoid of the emotion the announcement eventually triggered. Guiding Hoffalt through his debut was Aurélie Dupont, a cool, slightly stiff Nikiya who offered only glimpses of her usual musicality and sense of phrasing. For six years now, her rival of choice as Gamzatti has been Dorothée Gilbert, the most delightfully arrogant princess on the ballet stage. The fierce drive that made Gilbert’s dancing so exciting when she danced the role as a young soloist isn’t quite there any more, but she breezes through every difficulty with the confidence of a predator who knows the outcome. (…)

» Read the full review in the Financial Times

Josua Hoffalt in La Bayadère © Agathe Poupeney

Related posts:

• Review: Last-Minute Fire in Onegin
• Review: Jazzy Distortions (Wayne McGregor in Paris)
• Review: An early Kylián tale

Present/s 1 and 2
Chapters, Variations for two couples, Consequence, Duet, Raï / The nature of difference, Souvenir d’un lieu cher, Short time together, Day4
Choreography: Krzysztof Pastor, Hans Van Manen, Juanjo Arqués, Christopher Wheeldon, Ted Brandsen / Ton Simons, Alexei Ratmansky, Lightfoot León, David Dawson
Dutch National Ballet
Het Muziektheater, Amsterdam
February 18 & 19, 2012

New creations are the exception in the life of most ballet companies, not the norm, and Dutch National Ballet deserves an avalanche of bouquets for going against the grain, especially in the current context. For its 50th anniversary season, the Amsterdam-based company has chosen to present a festival of no fewer than nine premieres, and this almost unparalleled undertaking has paid off handsomely, with two varied and accomplished programmes.

Present/s was conceived as an examination of the current state of ballet, and on the basis of the first programme, the trend for hyperextensions and existential angst isn’t going anywhere. Two works deployed both with wild energy: Krzysztof Pastor’s Chapters, otherwise let down by a rather obscure love entanglement, and Juanjo Arqués’s Consequence. Arqués, a company member, brought Wayne McGregor to mind with his writhing, highly articulate style and minimalist design choices, but his work feels more human and, for such a young choreographer – he is 34 – is quite promising.

Present/s 1 also ran the gamut of gender representation, from traditional roles to cheeky subversion – the latter a welcome alternative for the art form. Company director Ted Brandsen epitomised it in Raï, with bright-coloured short dresses for men and women alike and upbeat ensemble scenes in which their differences seemed to blur as they danced side by side. Christopher Wheeldon’s Duet, on the other hand, is the modern pas de deux at its most sentimental: swooning girl meets strong man, he manipulates her into new positions, and both lovely images and awkward partnering moments ensue. (…)

» Read the full review in the Financial Times

Sasha Mukhamedov in David Dawson's Day4 © Angela Sterling

Related posts:

• Returning To Its Roots: Dutch National Ballet (Pointe Magazine)
• Review: Russo-American treasures in Amsterdam
• Review: A cathartic Rite at the Paris Opera Ballet

Un autre article pour le Huffington Post version française – cette fois sur un excellent programme présenté au festival Suresnes cités danse la semaine dernière…

Bye Bye Vénus/Passage/Elles/Quelque part par là/Standards
Chorégraphie : Jérémie Bélingard, Abou Lagraa, Sylvain Groud, Laura Scozzi, Pierre Rigal
Festival Suresnes cités danse
Théâtre Jean Vilar de Suresnes
Février 2012

Qu’on est loin, avec Suresnes cités danse, de la morosité sur fond de guerre des cultures qui berce en ce moment le discours politique. Ambiance bon enfant, salle jeune et enthousiaste : ce festival qui fêtait ses vingt ans avec l’édition 2012 vaut le déplacement, ne serait-ce que pour entrevoir la vitalité du hip-hop d’aujourd’hui en action. Le programme “Cités danse variations” célébrait pour l’occasion les collaborations entre danse contemporaine et hip-hop qui ont fait date au théâtre Jean Vilar, et sur cinq œuvres au programme, quatre au moins justifiaient largement de ne réintégrer la navette Suresnes-Paris que passé minuit.

Les festivités commençaient avec la reprise d’une création présentée au dernier festival, Bye Bye Vénus. Plusieurs étoiles en activité de l’Opéra de Paris se sont essayées ces dernières années à la chorégraphie avec des résultats globalement passables, et on n’attendait donc pas le dernier en date, Jérémie Bélingard, à pareille fête. Sa collaboration avec cinq danseurs de hip-hop a un air de joyeuse liberté : le métissage des techniques s’y fait sans tension, sans coup de force, avec des références glissées l’air de rien, au service de personnages qui ressemblent à une bande de copains. Trois hommes en costumes retombent ainsi en enfance le temps d’un morceau ; ailleurs, les duos évitent les principaux clichés du genre, tandis qu’une simple série de tours acquiert une luminosité rare. Les interprètes sont remarquables, et parmi eux se profile une déesse moderne digne du titre de l’œuvre : Lara Carvalho, débordante de vitalité avec ses épaulettes et ses longs cheveux lâchés.

La connexion avec l’Opéra de Paris ne s’arrêtait pas là : deux des autres chorégraphes programmés, Abou Lagraa et Laura Scozzi, avaient en leur temps été invités au Palais Garnier pour d’éphémères collaborations avec la compagnie. C’est pourtant à Suresnes qu’on les retrouve uniques et incisifs. Passage, créé il y a déjà douze ans au festival, nous montre Abou Lagraa en pleine expérimentation : trois danseurs entament tour à tour, dans leurs carrés de lumière bleu, rouge ou vert, un dialogue physique avec la musique électronique qui sert de bande-son. L’un tourne avec une facilité unique, l’autre joue au stop-start, comme éclairé par des néons clignotants de boîte de nuit. Le trio qui se forme peu à peu explore d’autres références, du music-hall aux danses de salon en passant par un bouddha aux mains liées, le tout avec un éventail technique et une fraîcheur qui tient facilement en haleine. (…)

» Lire l’article complet dans le Huffington Post

Related posts:

• Critique : Akram Khan en concert

Serenade/Sleeping Beauty Act III/La Bayadère Act III
Perm Ballet
Maison de la Danse, Lyon
February 8, 2012

Dance has its brands, and “Russian ballet” may be the most ubiquitous of them all. Pick-up troupes performing dumbed-down versions of the classics under that banner have become a familiar sight in medium-sized European cities, with dubious effects on the reputation of the genre. The Perm Ballet, which was at Lyon’s Maison de la Danse last week, is nothing of the sort: this top-tier Russian company has its own illustrious history and school, and yet for a few years now it has been touring France in much the same way as its less renowned counterparts, cringe-inducing sets and taped music included. Suspend disbelief, however, and the dancing can redeem everything.

Serenade opened the troupe’s Tchaikovsky/Minkus triple bill on the wrong foot. This 1934 ballet is the first glimpse Balanchine gave New York of the journey he was about to take American ballet on, and while he himself was trained in the St Petersburg tradition, his works stretched technique in directions Russian training still doesn’t prepare dancers for. With the Perm Ballet, it makes for a stiff rendition: the emphasis is so firmly on leg and arm positions that the bigger picture, the boldness and kinetic flow Balanchine favoured, simply fades away. (…)

» Read the full review in the Financial Times

Perm Ballet dancers in La Bayadère © Anton Zavyalov

Related posts:

• Review: Les Enfants du paradis, from screen to stage
• Review: Russo-American treasures in Amsterdam
• Review: Essentially Russian (a Bolshoi triple bill in London)

La toute nouvelle version française du Huffington Post est arrivée, et j’ai le grand plaisir d’avoir l’occasion de parler de danse en français dans leurs pages – merci à eux ! Pour mon premier article, je suis revenue la semaine dernière sur quelques contre-vérités qui ont circulé récemment au sujet du prix des places à l’Opéra de Paris. Balletomanes et lyricomanes le savent bien : oui, les tarifs ont drastiquement augmenté à l’Opéra ces dernières années, et ce grâce quelques tours de passe-passe qui touchent principalement les moins fortunés. Un petit aperçu de la situation :

L’Opéra de Paris, imperméable à l’inflation et à la crise ? C’est en tout cas l’image qu’aimerait donner la vénérable institution parisienne, et celle que les médias ont largement relayée en ce début d’année 2012. Avec une fréquentation en hausse d’1,7% en 2011 (dépêche AFP) et 795 000 spectateurs au total, les dernières statistiques de fréquentation n’ont certainement rien de déshonorant, et l’Opéra est allé jusqu’à trompeter dans les colonnes du Figaro une baisse du prix de ses places – au prix de quelques petits arrangements avec la réalité.

“Sur le plan tarifaire, depuis trois ans, les places n’augmentent pas”, s’exclame ainsi Nicolas Joel, à la tête de l’établissement depuis 2009. Faux, monsieur le directeur : si le prix des places de première catégorie n’a pas subi d’augmentation depuis 2010, les plans de salle ont été complètement remaniés ces deux dernières saisons, des séries entières de sièges ayant été reclassés dans des catégories supérieures. Un exemple : à l’Opéra Bastille, où 8 catégories de prix sont proposées, des rangs situés au fond du premier balcon sont passées d’un coup de baguette magique de la 7e à la 5e catégorie pour la danse, soit une augmentation réelle de +120% pour une vue identique.

L’opération est toujours discrète et calibrée, et la maison a usé de quelques astuces supplémentaires en 2011-2012, de la création de quatrièmes rangs dans des loges du Palais Garnier qui n’en possédaient pas à la suppression des places debout à 5 euros en fond de parterre à l’Opéra Bastille, remplacées par des sièges vendus de 25 à 55 euros. Si les recettes de la billetterie ont augmenté de 6% en 2011, ce sont donc sans doute les habitués des fonds de loge et autres places à visibilité réduite qu’il faut remercier : contrairement à une hausse généralisée des prix, cette politique touche les moins fortunés de manière disproportionnée en utilisant les catégories qu’ils peuvent s’offrir comme variable d’ajustement. (…)

» Le reste de l’article dans le Huffington Post

Related posts:

• The Prix de Lausanne Turns 40 (Dance Magazine)
• Un Lac pour Paris
• Ashley Bouder invitée à l’Opéra Garnier