Belleza sin palabras

Man On The Rocks

2014-02-28T12:31:00.003+01:00

Intréprete: Mike Oldfield
Título: Man On The Rocks
Género: Rock
Año: 2014

“Man On The Rocks”, el primer disco de Mike Oldfield con material nuevo desde 2008. Para grabarlo ha contado con la ayuda de músicos como el bajista Leland Sklar (Phil Collins, Crosby, Stills & Nash, James Taylor) y el baterista John Robinson (Michael Jackson, Eric Clapton, Daft Punk). Disponible en CD estándar; CD doble “Deluxe” con las versiones instrumentales de los temas del disco; triple CD “SuperDeluxe” con el añadido de once maquetas y mezclas alternativas de cuatro temas.

“Lo más lógico hubiese sido hacer otro álbum del estilo de ‘Tubular Bells’ para intentar colocarlo lo mejor posible, pero no soy así y el álbum nuevo, ‘Man On The Rocks’, está totalmente vivo, representa un regreso al rock básico”, explica Oldfield.

En cada una de las reseñas destaco en cursiva un pequeño comentario que el propio Mike Oldfield nos deja de cada una de las canciones de “Man On The Rocks”:

Sailing

“¡Cuando estás en mar abierto, y te invade esa sensación maravillosa de libertad!. Tenía el ritmo y la letra de un tema rockero, y pensé para el coro en: ‘sailing’, no, no puedo usar únicamente la palabra ‘sailing’ para el estribillo. No puede haber otro ‘Sailing’ y ese es el de Rod Stewart. Pero luego pensé: ¿por qué no?. Y me lancé a por ello”.

Cuando lo escuché por primera vez pensé (inevitablemente) en Moonlight Shadow y en Man In The Rain. En este tema Spiller y Oldfield nos dan una cálida bienvenida para abrir tan esperadísimo álbum, buenas guitarras ¡y un solo de guitarra de los de antaño!, además de una voz que a veces (sin exagerar) me recuerda a la de Freddie Mercury (un comentario quizá un tanto osado, pero... mejor escúchenlo...).

Moonshine

“Tenía ideas y partes sueltas desde hace años, como el tema ‘Moonshine’, llevaba 25 años trabajándolo. En un principio se iba a llamar ‘Whiskey In the Wind’. Era una historia real: estábamos por un paseo de la costa oeste de Irlanda, en la bahía de Galway y había una botella de Whiskey, estaba realmente fría”.

Escuché un fragmento de 40 segundos con una guitarra galopante y me recordó inicialmente a Marillion (supongo por esa sutileza en el uso de la reverb y el delay...) pero esuchando la versión al completo ese sentimiento se disipó, y me vino otro... llegando a la mitad del tema nos encontramos con un sonido muy celta... que mezclado con el delay (tipo U2, Marillion o Pink Floyd...) hacen de éste, un tema muy especial y con carácter. Este sonido con raices celtas... tiene un aire muy escocés y me recuerda (si, otra vez...^^ ) a Mark Knopfler... pero siempre manteniendo la identidad, recordándonos en todo momento esas guitarras (y la voz de Spiller) que escuchamos a Oldfield. Conclusión: estamos ante la primera joya del disco.

Man on the Rocks

“Casi de forma accidental terminó convirtiéndose en un tema sobre adicciones, que puede tratar desde las drogas al alcohol, o determinadas situaciones, incluso la adicción al fracaso. El mayor problema del tema fue averiguar quién lo canta, la persona adicta u otra persona mirando a la persona adicta. Entonces me chocó, quien verdaderamente está cantando es la adicción en sí”.

Segundo tema que se nos desveló vía YouTube. Un tema PRECIOSO, quizá el mejor tema de la carrera de Oldfield. Así de claro. Comienza tímidamente con unos rasgueos de guitarra acústica y Spiller mientras nos va sumergiendo cuando somos conscientes nos vemos desbordados por semejante maravilla, un tema lleno de matices, una voz impecable y de nuevo unas guitarras que suenan fabulosas... COMO NUNCA. El clímax que se origina al final alcanza tal cota que no la recordaba en años... y aquí podemos afirmar que a Oldfield el retiro de 5 años le ha sentado fenomenal. ¡GRACIAS MIKE!

Castaway

“Estaba recordando mi miedo al abandono de cuando era niño. Ahora estoy psicológicamente en paz, tras años de psicoterapia. Pero lo recuerdo como solía ser y los traumas infantiles aún están dentro de mí, aunque soy capaz de mirarlos directamente y no pueden controlar mi vida. Los niños necesitan seguridad, por eso dediqué mi álbum a mis maravillosos hijos y a todos los niños.”

El comienzo a mí no me dice mucho, se me hace un poco lento pero Spiller nos sigue llevando (de la oreja), mientras recita el estribillo 'Castaway...' escuchamos ese sonido puntual y rítmico de teclado... (PA, PA-PAM) entran bajo y batería, aquí es donde paso del sentimiento indiferente a pensar, no me recuerda a nada de lo escuchado anteriormente y sigue estando a la altura de Moonshine y Man On The Rocks... TREMENDO el momento en el que Spiller grita: ¡CAAAASTAWAY! y Mike nos ruge con su guitarra... aquí uno empieza a sacar conclusiones (no precipitadas), pero que rezas para que no se tuerza la escucha... y es que de momento el pabellón está muy alto... ¿bajará la calidad?

Minutes

“Un tema que trata de dejar situaciones en el pasado y cómo se siente uno cuando echa de menos a alguien. Tiene un pequeño gancho instrumental, intenté recuperar el sonido que los temas tenían en los 60, Buddy Holly, los primeros The Shadows, Adam Faith y Joe Meek, temas que mi hermana escuchaba en su Dansette.”

Bueno, bajamos un poquito el nivel, ahora viene un tema más suave, ¿soft-rock?, un tema fácil y agradable al oído, que en el conjunto podría pasar desapercibido... pero que mantiene el tipo. Un tema sencillo y bonito, con menos gancho que Sailing pero en esa línea.

Dreaming in the wind

“Trata sobre la vida después de la muerte, la muerte en sí. Sobre la visita a un conjunto de islas cerca de aquí, las Exumas, prácticamente inhabitadas. Es como un planeta diferente, aguas cristalinas, prácticamente nadie… hay veces que la música habla por sí sola.”

¡¡WOW!! tremendo comienzo... este tema tiene un poco de canciones de discos anteriores: ese sonido country de Four Winds y ese aire misterioso de los ochenta como en Foreign Affair, el punteo me ha recordado a los temas de Knopfler que más destacan en sus discos. ELEGANTE Y PRECIOSA guitarra. Seguimos con la racha.

Nuclear

“Mi abuelo, Michael Liston, murió cuando yo era muy pequeño. Era irlandés y fue arrastrado a la armada británica en la primera guerra mundial. Una de las experiencias más poderosas que he vivo fue cuando visité Ypres y Passchandaele y vi cuántos hombres de su regimiento, Munster Fusiliers, fueron enterrados. Estoy muy conectado a las atmósferas residuales y ahí aún puedes sentir la desolación. Es una canción sobre la frustración, la ira, la desesperación. Quería una palabra poderosa y la palabra ‘nuclear’ me vino a la cabeza.”

No sé pero el nombre ya me dice que este tema va a tener algo de especial, suena lejano y rudo... y la melodía me es familiar... la entonación de la voz me recuerda al tema 'Our Father'... pero al llegar el estribillo no puedo evitar pensar en el precioso: Epitaph/March for No Reason/Tomorrow and Tomorrow de In The Court Of Crimson King alucinado con ese recuerdo que me ha venido (que no es tan evidente...) pero al que lo haya escuchado se le vendrá en mente haber oído algo parecido. Superada la mitad y llegado el clímax nos encontramos ante la explosión (nuclear) de emociones y sentimientos... una palabra: ÉPICA. Sorprendente y diferente. ¡BRAVO MIKE!

Chariots

“‘Chariots’ es parecida a ‘Shadow On The Wall’”, un llanto de desesperación para cualquiera persona o cualquier grupo o cultura que se sienta oprimido. A veces tienes que luchar por conquistar o superar un obstáculo o una situación, en la cual nada va a cambiar a no ser que te levantes y te vuelvas en contra de ello. Es uno de mis temas favoritos.”

Hmmm (no se parece a 'Shadow On The Wall', ya le gustaría a 'Shadow On The Wall' parecerse a 'Chariots' jajaja xD admito esa opinión porque la dice su propio creador). Llevo 28 escuchas de esta canción (en menos de 4 horas)... y no más porque las circunstancias no me lo han permitido, es lo que tiene ser un ser sociable, atender a la familia e intenta ser políticamente correcto, en esos momentos mientras me hablan mi mente dice: ¡¡CHAAARIOOOTS CHARIOOOOTS....!!. Vamos, que todavía no he hablado de la canción y lo he dicho todo. ^^

Aunque a estas alturas creo que no es necesario... voy a escribirlo: ES MI CANCIÓN (vocal) FAVORITA DE MIKE OLDFIELD (¡¡GRACIAS OTRA VEZ MIKE!!) "ESUNA*T*PASADA" ES UN HIT DE PRIMERA. (Ya me he despachado un poquito...)

En fin, ¡no sabría decir a que me suena! pero suena fresco... ¡¡ME CHIFLA!! está (por decir algo) a la altura de temas como 'I Want It All' (Queen), 'Layla' (Eric Clapton), 'Money For Nothing' (Dire Straits)... por citar algunos conocidos y además suena a clásico pero con un sonido actual. El tema en cuestión comienza con unos efectos de guitarra, órgano tipo Hammond y un ritmo que marca muy buenas vibraciones =) Spiller nos canta en tono chulesco hasta que en el estribillo nos hace saltar, poner puños al aire e incita a gritarlo con él... a mí personalmente me emociona encontrar una canción de este calibre tocada por mi músico favorito... llevo escuchando a Oldfield desde los 7 años y siendo "fan number one" desde los 14... pero estos últimos cinco años en los que he sido fan de un músico retirado, al escuchar discos de otros músicos (FM, Foreigner, Journey, Springsteen...) en los que hay temas que me estimulan y emocionan (en el sentido de sentir un subidón) y alguno de Oldfield a modo de escucha tranquila y analítica... pero nunca pensando, "voy a poner este TEMAZO (vocal) que me voy a correr un rato..." no podía poner un tema de Oldfield para salir a hacer deporte y me motivase como el 'Gonna Fly Now' (Bill Conti) o el 'Eye Of The Tiger' (Survivor) ¡NO lo tenía! (sin embargo, tiene obras instrumentales perfectas) y ha sido escuchar Chariots por primera vez... y ¡¡DIOS MÍO!! (MIKE)

Following the Angels

"Desde mi perspectiva sobre el escenario, todo en la apertura de los Juegos Olímpicos de 2012 venía desde arriba. Había cascadas de pirotecnia, ‘su majestad’ descendió de un helicóptero, después todas las Mary Poppins aparecieron. Aquella noche fue espectacular, me acuerdo de llegar al estadio y pensar lo encantador que Londres puede ser.”

La reseña de Mike al respecto es ideal (releerla)... cerrar los ojos y relax (a escuchar y a disfrutar). Después de la tralla de Chariots esto es una pausa muy agradable. Es un tema más intimista y aunque a priori parece aburrido no debemos dejarnos llevar por tan enérgico disco... es más, algo muy a favor de este tema... NO es una balada (esto se lo dejamos a los maestros de las baladas... Scorpions) un disco de rock no tiene porque tener baladas, y menos con esa preciosa voz, gospel. A mi entender esto es un broche de muy buen gusto; un respiro en el camino.

Irene

“El huracán Irene de 2011 era de categoría tres. La categoría más alta es cinco, lo cual es devastador. El ojo del huracán estaba justo sobre la casa, fue aterrador pero también excepcional. Tenía tanta energía que pensé, tengo que escribir un tema sobre esto, para buscar inspiración me puse temas antiguos de los Rolling Stones. Me encanta la rudeza de su sonido. Toqué el blues en clave de Sol, tal y como Keith Richards solía hacer.”

Dije un respiro porque ahora viene el huracán Irene y sus amigos los Rolling... menos mal que aquí no tengo que decir a qué me recuerda... porque su amo ya nos lo recuerda. Bueno AL TURRÓN. Este es un tema "delicado" y no por su sonido que es 100% Rolling (y no Oldfield), más bien parece un tributo a los Rolling que un tema del propio Oldfield... ¿sobra? sí en el concepto del disco, creo que en cierto modo rompe el final mágico y espiritual, ¡pero está genial! es cañero y nos vale a modo de bis (como diciendo: ¡aquí no termina el disco!). Me gusta, PERO...

I Give Myself Away

“La escuché por casualidad y pensé que era una de las canciones más hermosas que había escuchado. Descubrí que se trataba de un tema religioso de Willian McDowell. Hice un par de cambios en la letra para que se pudiera aplicar al día a día de la vida. No iba a incluirlo, pero el co-productor Steve Lipson pensó que era genial, y para culminar el álbum encaja perfectamente.”

PRECIOSA. No la estropearé con mi opinión. Una forma elegante de despedirse Oldfield... ¿hasta pronto?... ¡ojalá!

CONCLUSIÓN

No creo que esto sea una vuelta en activo de Oldfield (aunque tengo la esperanza). Se nota que ha disfrutado mucho con este disco y así demuestra regalándonos esas demos que son un tanto arriesgadas, pero que dicen mucho de lo que confía en este trabajo. GRAN REGRESO DEL MAESTRO (si alguna vez se fue...). Voy a soltar otra arriesgada opinión: si este disco se hubiera compuesto en los ochenta, seguro que hubiera sido un superventas, es más yo creo que podría ganar algún Grammy (yo pienso que está a la altura). Al escucharlo por primera vez entero tengo la certeza de encontrarme ante el DISCO DEL AÑO y no dudaría en decir que High Hopes de Springsteen me gusta más (si así fuera... de hecho puedo opinar eso desde 1998), pero esta vez es el turno de Oldfield.

The Rising

2008-07-04T11:59:00.004+02:00

Intréprete: Bruce Springsteen
Título: The Rising
Género: Rock
Año: 2002

Justo después de aquel terrible atentado, en Septiembre de 2001, Bruce Springsteen salía de un aparcamiento de la playa de Sea Bright, cerca de su casa, y un hombre que pasaba por allí con el coche, bajó la ventanilla y le gritó:

¡Te necesitamos ahora!

Se me ponen los pelos de punta al pensar en la situación, resulta verdaderamente emocionante observar como todo un pueblo, todo un conjunto de estados, ver como un país... se vuelca y confía tanto en este hombre que han hecho de él un icono del rock. Muchos americanos se ven fielmente representados por la figura de Bruce Springsteen, un artista que se involucra con la sociedad, con su nación, con su gente...

Realmente me parece una escena de película, y además, la forma más idónea de dar comienzo a este artículo. Pero antes de nada, una cuestión: ¿Se hubiera grabado esta maravilla de disco y todo lo que ello conlleva, en el caso de que no se hubiese dado esta circunstancia?

En este nuevo trabajo a diferencia de los anteriores, Bruce, escribió sobre algo que no sólo experimentó él, sino que todo el mundo había sido testigo de forma directa o indirecta, e hizo especial hincapié en la experiencia de algunas de las víctimas a través de entrevistas con familiares, entre ellas la esposa de uno de los bomberos que quedó atrapado en una de las torres que era un fanático del rockero. Extraigo un párrafo de la biografía "Nacido para el Rock" (Eric Alterman):

"En declaraciones a un periodista de The New York Times, Springsteen expuso sus objetivos en referencia a The Rising, de una forma coherente con su trayectoria completa. Bruce explicó: Tienes que luchar a brazo partido con los horrores auténticos que están ahí. y siguió diciendo: Y entonces todo lo que la gente tiene es esperanza. Eso es lo que trae el nuevo día, sea lo que sea. Tú no puedes ser acrítico, sino sólo una esperanza que crezca en el mundo auténtico de la vida, la amistad, la familia, la noche del sábado. Y es ahí donde reside. Es ahí donde encuentro siempre la fe y el espíritu. Los encuentro en esas cosas, no en algún lugar intangible o abstracto. Y sobre esta idea básica es sobre la que realmente he intentado escribir toda mi vida.

En el exterior, Springsteen es reconocido ampliamente como representante de lo mejor de Estados Unidos. Alessandro Portelli, un profesor de literatura estadounidense de la Universidad de Roma, me dijo que, en la estela del 11-S muchos europeos suspiraban porque los estadounidenses desarrollaran una cierta empatía por el sufrimiento del resto del mundo, como resultado de su propia experiencia trágica. Lo puedes oír en The Rising, cuando Bruce mira más allá de las fronteras de los Estados Unidos con inteligencia y valor moral -explica Portelli."

...Y así, comenzó la recta final, hasta el lanzamiento del que fue su siguiente álbum, tras siete años de aquel solitario, hiriente y nostálgico The Ghost Of Tom Joad y dieciocho años de aquel mítico Born In The U.S.A. (que narraba la desilusión de un soldado recién llegado del Vietnam). Este retorno lo hizo por los más alto, acompañado de la E-Street Band, grabando el álbum en tan sólo siete semanas de la mano del productor Brendan O'Brien. The Rising fue considerado como la primera manifestación artística inspirada por el 11 de Septiembre (primer trabajo artístico importante en cualquier disciplina), fue un retorno ansiado por todos sus fans y anunciado así:

Se confirma el rumor: Springsteen está grabando su nuevo disco, acompañado de la E Street Band, en los estudios Southern Tracks de Atlanta. Durante los dos últimos meses Springsteen y la banda han estado en diversas ocasiones en el estudio de Atlanta, la última de ellas el pasado fin de semana. Según alguien cercano al estudio, las sesiones "sacan chispas", quizá debido a que el productor del disco no es otro que el afamado Brendan O'Brien (productor, entre otros, de discos de Pearl Jam y Soundgarden), lo cual podría indicar un sonido más contundente para esta nueva obra de Springsteen.

La mayor parte de las canciones fueron compuestas a raíz de los ataques del 11 de Septiembre, aunque algunas ya habían sido interpretadas anteriormente (pero no estaban lo suficientemente asentadas como para aparecer en un álbum, algunos de los títulos que ya existían y fueron reescritos son: Waitin' On A Sunny Day fue escrita en 1990, e interpretada en al menos un ensayo durante la gira de reunión con la E Street Band. Nothing Man fue completada en 1994 pero regrabada para The Risnig, Further On (Up The Road) interpretada en el Madison Square Garden durante la gira veraniega de 2000 y My City Of Ruins fue escrita en un comienzo sobre Asbury Park (New Jersey), a raíz de su intervención en el concierto America: A Tribute To Heroes la canción tomó un significado distinto.

Me levanté una mañana y me encontré con un disco hecho, bromeó Springsteen sobre su nuevo disco. Algunas canciones, tratan más directamente que otras (sobre el efecto de los atentados), pero las historias ocurren todas en un contexto posterior al 11 de septiembre. Si te pones a escribir en ese momento, eso tiene que influirte en cierto modo.

Little Steven (Steven Van Zandt) dijo: Hay un tema muy muy coherente a lo largo de todo el disco. Trata de nuestro estado de ánimo actual como cultura posterior al 11 de Septiembre. Mientras lo escuchaba me di cuenta de que el arte juega un papel muy importante en nuestra cultura. Somos la única cultura en el mundo que ignora el arte y lo trata como un lujo. (...) Tras escuchar el disco... creo que el arte puede realmente expresar lo inexplicable.

The Rising consiguió ser número 1 en su primera semana a la venta en Estados Unidos (525.000 copias vendidas), UK, Finlandia, UK, Noruega e Italia, número 3 en Francia y 4 en Australia. Además, The Rising tiene el honor de ser número 1 en España y ser el álbum que, ¡por fin!, desbanca al coñazo de David Bisbal y compañía del primer puesto en las listas (esto lo añadido como anécdota que me resultó muy graciosa al rebuscar en los archivos del blog sobre Bruce springsteen, Point Blank). También destacar que, en la ceremonia celebrada en el Madison Square Garden, Bruce Springsteen consiguió 3 de los 5 premios Grammy a los que estaba nominado:

Mejor Álbum de Rock por The Rising
Mejor Canción de Rock por The Rising
Mejor Interpretación Vocal Masculina por The Rising

Y ahora después de contextualizar previamente la obra, comenzaré a desglosaros el contenido (algunas de las notas en cursiva hacen referencia a párrafos de la biografía "Más duro que los demás" (June Skinner Sawyers) ):

1. Lonesome Day [04:07]

El disco abre con una intro de cello y guitarra, evocando un amanecer... un comienzo que rápidamente se vuelve contundente, enérgico y lleno de rabia.

La canción parece hablar de una ruptura en la que, al principio, se culpa él mismo, por dar ciertas cosas por sentadas y trata de expresar el dolor y la impotencia que siente frente a lo ocurrido, pero aún así, si le damos una vuelta de tuerca, quizá esté tratando de hablarnos de la actual situación de América y la dirección política que ha tomado en esos últimos años, las consecuencias que tiene seguir ese tipo de política, la impotencia que se siente de vivir en un lugar gobernado por alguien con quien no compartes ningún tipo de ideología y además sufrir los efectos de sus defectos. Una clara crítica a la guerra de Iraq y a la administración del gobierno de Bush.

Aún así, Bruce se lo intenta tomar con resignación y nos dice que todo va bien, intentando afrontarlo de forma optimista:

It's alright, it's alright, it's alright

Respecto a lo musical decir que nos encontramos ante una gran hit, una canción muy pegadiza y probablemente el mejor comienzo que puede tener este disco, es la canción que me enganchó definitivamente.

2. Into The Fire [05:04]

Into The Fire es una canción con un toque de country-blues, tiene un aire elegante y solemne, con toda la E-Street Band dándole una mayor densidad y apoyando ese sonido folk que le da una dimensión mayor y si nos adentramos en su significado resulta ser un tema impresionante, es una canción para poner los pelos de punta...

(...) No podía sacarse la imagen de los bomberos y los servicios de emergencias subiendo cada vez más arriba por las escaleras del tambaleante World Trade Center mientras la gente aterrorizada bajaba por las escaleras para llegar sana y salva a suelo firme. Le impresionó el sentido del deber de los trabajadores. Muchos de ellos, por supuesto harían su último sacrificio en su misión de ayudar a los demás. La noción religiosa de la ascensión también entra en juego. (...) Cruzar la línea de este mundo al otro es un tema crucial de la canción.

Into The Fire no sólo es una canción, resulta ser un himno, un homenaje a todos aquellos valerosos trabajadores que dieron su vida por salvar la de otros.

(...) En la mañana del primer aniversario de los ataques del 11 de Septiembre, el historiador de la ciudad de Freehold, Kevin Coyne, asistió a un servicio funerario de personas de distintas religiones en una de las iglesias. (...) Los nombres de los habitantes del condado que murieron ese día terrible fueron pronunciados en alto. Y luego el coro empezó a cantar, sin ningún comentario o introducción, unas cuantas frases de una canción: May your strength give us strength May your faith give us faith May your hope give us hope May your love give us love Después de la lectura del Salmo 46, cantaron las mismas frases ' como sí ', recuerda Coyne, ' fueran un salmo en si mismo, un estribillo que todo el mundo en todas partes dice hoy en día, una oración que se remonta a siglos atrás en vez de un estribillo de una canción que salió editada hace un mes. (...) Nunca se menciona el nombre de Springsteen; sus palabras, sencillamente son absorbidas por el tejido mismo de la sociedad actual. '

Es impresionante escuchar al final de la canción esa estrofa, con ese sonido a gospel y todo la E-Street Band en acción, mientras suena la eléctrica de fondo como desvaneciéndose y con ella toda la canción...

May your strength give us strenght
May your faith give us faith
May your hope give us hope
May your love bring us love...

3. Waitin' On A Sunny Day [04:19]

Fue tercer single de The Rising, después de Lonesome Day (que fue segundo single) y The Rising (que fue el primero). Es una canción intrínsecamente optimista, desde la letra hasta la música, una canción de superación, muy bonita, con buen ritmo... e ideal para escuchar en estas fechas, con el veranito por delante, al final tiene un sólo de saxo de Clarence Clemons que le da un colorido, si cabe, más brillante y cálido a esta canción llena de vitalidad.

La canción habla sobre los tiempos difíciles... a pesar de las dificultades intenta ver el lado positivo...

It's rainin' but there ain't a cloud in the sky
Must of been a tear from your eye
Everything'll be okay
Funny, thought
I felt a sweet summer breeze
Must of been you sighin' so deep
Don't worry we're gonna find a way

I'm waitin', waitin' on a sunny day
Gonna chase the clouds away
Waitin' on a sunny day

4. Nothing Man [04:22]

Nothing Man es una balada-country con un trasfondo bastante oscuro, en está canción alberga un continuo sentimiento de pena y tristeza. Como he dicho anteriormente este tema fue compuesto e interpretado ya en 1994, y regrabado para esta ocasión, así que posiblemente la letra tenga varias interpretaciones (y seguramente todas ellas igual de validas), a priori, el significado que parece más coherente en conexión con la temática del álbum es el siguiente:

Al contrario que ocurre con Into The Fire, en este tema se habla de aquellos policías y bomberos que salieron con vida, que están realizando continuamente acciones heroicas y casi nunca han sido recompensados porque salvar vidas es su trabajo, nadie sabe valorar su trabajo. También va por aquellos hombres que mueren en la guerra o en un edificio en llamas, al final son olvidados y se transforman en Nothing Man.

I don't remember how
I felt I never thought
I'd live To read about myself
In my hometown paper
How my brave young life
Was forever changed
I a misty cloud of pink vapor

Pero existe una versión menos evidente sobre el significado de Nothing Man:

Está canción quizá pueda tratar sobre algún "fantasma" recordando su suicidio. Él cuenta cómo su vida cambió para siempre:

How my brave young life
Was forever changed

Quizá este sea el momento en él que fue atravesado por la bala, que él sea esa nube de vapor rosa...

I a misty cloud of pink vapor

Su "querida" en esta canción quizá no sea una mujer, es su pistola... porque cuando le esta pidiendo que le de un beso, él le está pidiendo que lo saque de la miseria, porque es un Nothing Man.

Después de esto la vida continua... como si nada hubiera pasado... con esto demuestra que él era el Nothing Man y que su muerte no ha significado nada para nadie...

Around here, everybody acts the same
Around here, everybody acts like nothing's changed
Friday night, the club meets at Al's Barbecue
The sky's still, the same unbelievable blue

Cuando dice que le pueden llamar Joe, lo que quizá está diciendo sin hacerlo de forma obvia, es acortar el nombre John Doe, haciéndolo de una forma sutil... John Doe es el nombre que se les da a las personas que no sabemos sus nombres (esta denominación es común en Estados Unidos y Canadá), en este caso encaja perfectamente ya que él es el Nothing Man y no tiene nombre.

You can call me Joe

Evidentemente, él, no ha estado orgulloso de algo de lo que ha hecho, y le faltan fuerzas para continuar... le falta coraje y nos quiere mostrar... qué es para él el coraje... se supone que todo lo ocurrido ya es demasiado duro como para seguir aguantando y al final cometer el suicidio, es la opción que él considera más "valiente".

Buy me a drink and shake my hand
You want courage
I'll show you courage you can understand

Al final después de ese "beso" entregado por su "amada" podemos escuchar como su vida se va desvaneciendo mientras nos repite que es el Nothing Man.

Darlin, with this kiss
Say you understand
I am, the nothing man
I am, the nothing man

Aparentemente no es una canción aplicable a los atentados del 11-S, pero quizá podría servir como caso particular de alguien que intentó salvar a una persona y no reunió el valor necesario para hacerlo... para hacer aquello que sus compañeros sí estaban haciendo y eso fue quizá lo que no le hizo sentirse orgulloso... le lo que le persiguió durante todo el tiempo...

Nothing Man se ha convertido a través de las escuchas en mi canción preferida, personalmente me parece una verdadera joya y una canción que quizá necesite más de una escucha, dadle la oportunidad que merece.

5. Countin' On A Miracle [03:36]

Un punteo melancólico de guitarra acústica da comienzo a lo que parece otra canción más de superación, una canción que nos habla desde la perspectiva de alguien que perdió a un ser querido, de una persona que no cree en los milagros, pero que conserva esa esperanza de recuperar a quien más quiere... aunque sabe que se está engañando a sí mismo...

It's a fairytale so tragic
There's no prince to break the spell
I don't believe in the magic
But for you I will, for you I will
If I'm a fool, I'll be a fool
Darlin' for you

Hasta que se encuentra con el cuerpo de su querida y lo único que le quedan son sus besos... esos que tomó prestados...

Sleeping beauty awakes from her dream
With her lover's kiss on her lips
Your kiss was taken from me
Now all I have is this...

Your kiss, your kiss, your touch, your touch
Your heart, your heart, your strength, your strength
Your hope, your hope, your faith, your faith
Your face, your face, your love, your love
Your dream, your dream, your life, your life

El final es un lamento de lo que supone la pérdida para él... todos sus recuerdo, de que ahora "el cuento de hadas" esta incompleto sin ella... y que se completará cuando él muera y estén los dos bajo las manos de Dios... mientras intentará levantar su animo y continuar con su vida por ella...

I'm runnin' through the forest
With the wolf at my heels
My King is lost at midnight
When the tower bells peal
We' ve got no faiytale ending
In God's hands our fate is complete
Your heaven's here in my heart
Our love's this dist beneath my feet
Just this dust beneath my feet
If I'm goona live
I'll lift my life

6. Empty Sky [03:36]

La última canción que Bruce escribió para The Rising, gracias a una fotografía de un cielo despejado que su director artístico le había enviado, y de esa sencilla imagen, compuso en cuestión de días una de las mejores canciones del álbum...

La canción hace un paralelismo entre lo que todos perdieron el 11 de Septiembre y la pérdida personal de un individuo. Todos, a la mañana siguiente, despertaron con un cielo vacío, allí dónde las Dos Torres marcaban el Sur de la Isla de Manhattan... pero también muchos despertaron al día siguiente sin aquella persona a la que amaban a su lado... despertó con una "sensación de vacío" en la cama dónde él/ella solían despertar.

I woke up this morning,
I could barely breathe
Just an empty impression
In the bed where you used to be
I want a kiss from your lips
I want an eye for an eye
I woke up this morning to an empty sky

Empty sky, empty sky
I woke up this morning to an empty sky
Empty sky, empty sky
I woke up this morning to an empty sky

Empty Sky es tan grácil como emocionante. (...) contiene una de las mejores letras de Springsteen ("En la llanura de Jordania, tallé mi arco con la madera / De este árbol del mal, de éste árbol del bien."), palabras que evocan el misticismo de un himno religioso, así como el sentido común de pérdida que surge tras haber perdido a alguien próximo a ti.

On the plains of Jordan
I cut my bow from the wood
Of this tree of evil
Of this tree of good

En la gira de 2003 hubo una serie de mal interpretaciones respecto a la letra, que Bruce aclaró tras interpretarla (debido a que en el momento de pronunciar "I want an eye for an eye" la gente aplaudió), y él quiso aclarar que no era una llamada a la venganza ciega o a la sed de sangre, sino que escribió la canción, como ' una expresión de ira, la confusión y el dolor del personaje '.

Como anécdota, comentar, que un importante monumento conmemorativo por los ataques del 11 de Septiembre, lleva el nombre de esta canción... el "Empty Sky" de Frederic Schwartz, son dos muros de acero inoxidable con los nombres de cada una de las víctimas grabadas en ellos. Cada muro será de nueve metros de largo. En las bases de cada muro habrá un espacio para que los visitantes dejen recuerdos personales en memoria de los muertos.

7. Worlds Apart [06:05]

Primera palabra que me viene a la cabeza al escuchar esta preciosidad... EXÓTICO, algo realmente innovador dentro del marco de composición de Bruce Springsteen, Worlds Apart no suena parecida a nada de lo compuesto por Springsteen anteriormente...

' Quería otras voces, otras situaciones que no fueran sólo las norteamericanas. El 11 de Septiembre fue en última instancia una tragedia internacional. Quería voces del Este, la presencia de Alá ' (...) ' Creo, que la canción empezó cuando vi la imágen de unas mujeres en Afganistán sin velo unos días después de haber expulsado a los Talibanes de Kabul, y sus caras eran muy bonitas. ' El estribillo tan espiritual fue cantado por el cantante paquistaní Asif Ali Khan.

La canción habla sobre dos amantes, uno americano, la otra musulmana, están separados por algo más que una división cultural, una división geográfica y una guerra brutal... Springsteen, el optimista prudente, sigue anhelando, quizá más que nunca, establecer una conexión humana. La canción es un deseo sincero y de corazón de dejar "dejar que la sangre construya un puente"...

We'll let blood build a bridge, over mountains draped in stars
I'll meet you on the ridge, between these worlds apart

...porque qué hemos de perder está preguntando. La única otra opción que tenemos es más derramamiento de sangre. En última instancia, Worlds Apart es un homenaje a los vivos, una llamada a las (pacíficas) armas (...). En su vos se puede apreciar un sentimiento de urgencia, como si el tiempo se acabara no sólo para sus amantes, sino también para el resto de nosotros.

Al fin y al cabo, dice Springsteen, lo único que tenemos es el momento presente "luego todo es tan sólo oscuridad y polvo". Lo mejor es aprovechar ese momento al máximo.

We've got this moment now to live, then it's all just dust and dark
Let love give what it gives
Let's let love give what it gives

Al margen de la letra y el significado de Worlds Apart, nos encontramos ante un tema de sonido bastante contundente, en el que predomina lo puramente exótico esos coros qawwali y ese sonido del banjo o mandolina tocada a modo de sitar, frente al sonido totalmente americano y guitarrero con esa armónica distorsionada, acompañada de un potentísimo ritmo de batería. Es una canción ante todo... ESPECTACULAR.

8. Let's Be Friend (Skin To Skin) [04:23]

Realmente esta es la canción (a mi parecer) más floja de todo el álbum... la conexión con los atentados del 11 de Septiembre no es tan evidente (aunque quizá podría tener cabida), la letra aparentemente habla del amor que surge entre dos amigos y la necesidad de llegar a algo más... Skin To Skin. Y respecto a la música resulta algo más "fiestera", realmente me parece muy poco destacable, se dice que Let's Be Friends adopta la forma musical de Cherry Bomb de John Mellencamp.

9.Further On (Up The Road) [03:52]

Further On es el tema más contundente de todo el disco, el que suena más directo y más rockero, en la línea de Worlds Apart y The Rising. Es un tema que comienza con un marcado ritmo de batería seguido de unas fantásticas guitarras (100% rockeras), y como no la voz de Bruce presente desde el principio, algo más rasgada que en otros temas y al final nos encontramos con un maravillosa interludio de armónica, también distorsionada, dándole ese toque de Rock-Country (totalmente americano). Un tema con mucho gancho y que dan ganas de lanzarte a una de esas "carreteras infinitas" y conducir al ritmo de Further On.

Este fue otro de esos temas que incorporó en el álbum sin tener que ver con la temática, fue compuesto anteriormente y presentado en directo en la gira de reunión de 2000 con la E-Street Band junto a otros temas que no se incluyeron como fue el caso de Code Of Silence (que posteriormente se presentó en el tercer CD del recopilatorio The Essential).

Further On habla de la obsesión por el dinero, la búsqueda de riquezas, en definitiva la Fiebre del Oro... la búsqueda en el desierto, el personaje en cuestión no sabe si hallará la felicidad en un futuro, lo que le preocupa es el presente... el oro es su ambición y lo que le mueve a seguir adelante.

10. The Fuse [05:39]

En esta canción aparecen escenas de los Estados Unidos inmediatamente después del 11 de Septiembre, ' una bajada de bandera en un palacio de justicia, una larga fila de coches negros atravesando la ciudad en una marcha fúnebre, una casa vacía en una tarde tranquila ', con un fondo musical sensual y un hipnótico ritmo techno. En la película de "Spike Lee 25th Hour" (La Última Noche), el compositor Terence Blanchard hizo una nueva mezcla de la canción, añadiendo un arreglo orquestal a la versión original.

Down at the court house they're ringin' the flag down
Long black line of cars snakin' slow through town

Al margen de lo citado por June Skinner Sawyers en su libro, destacar en The Fuse la originalidad respecto a otras canciones compuestas por Bruce, el ritmo sincopado, la atmósfera, la sensualidad, la elegancia... muy en la línea de temas como Streets Of Philapelphia o Missing (usadas también en el mundo cinematográfico y consiguiendo efectos similares).

En The Fuse podemos encontrar a lo largo de todo el tema cierto contenido erótico, pero al final de la canción lo que podía ser sugerente se hace explicito, las interpretaciones pueden ser variopintas pero todas llevan a la misma conclusión, una de ellas, la que más me ha impactado, nos relata el regreso del fantasma de una de las víctimas del 11 de Septiembre a su habitación para hacer el amor por última vez con su mujer... la versión más verosímil podría ser la siguiente: el reencuentro de una pareja... la primera noche que pasan juntos tras los atentados, después de estar uno de ellos en la lista de desaparecidos...

A quiet afternoon, an empty house
On the edge of your bed you slip off your blouse
The room is burning with the noon sun
Your bittersweet taste on my tongue
The fuse is burning
(Shut out the lights)
The fuse is burning
(Come on let me do you right)

The Fuse, es de esos temas que a la primera escucha pueden parecer mediocres, pero que tienen un pequeño destello que los diferencia del resto, prestándole su debida atención lo hace mucho más interesante... quizá no llegue a la altura de ser una gran joya, pero seguramente puede convertirse en una canción muy personal... una canción única, porque es una canción tiene carácter propio.

11. Mary's Place [06:00]

En Mary's Place volvemos al optimismo de canciones como Waitin' On A Sunny Day o Let's Be Friends, el sonido de la E-Street Band vuelve a sonar más clásico que en el resto del disco, en este tema cobran más importancia los teclados, instrumentos de viento-metal y los coros, el tema en si mismo parece ser una celebración de los buenos momentos vividos con la persona fallecida en lugar de permanecer en luto por su muerte.

Meet me at Mary's place, we're gonna have a party
Meet me at Mary's place, we're gonna have a party
Tell me how do we get this thing started
Meet me at Mary's place...

12. You're Missing [05:12]

Una de las palabras más terroríficas en la lengua inglesa es "desaparición". ¿Qué hacer cuando alguien desaparece sin poder despedirte? (...) En los días posteriores a los ataques del 11 de Septiembre, los neoyorquinos colgaron carteles de las personas desaparecidas por toda la ciudad. (...) Las fotografías enganchadas en las paredes de la ciudad actuaron como homenajes, como postales laicas sagradas, en memoria de las vidas que no deberían ser olvidadas. (...)

A la noche le sigue el día. La vida seguramente continúa para la mayoría de nosotros, pero para muchas personas, la vida nunca será lo mismo y ninguna cantidad de consuelos o los mejores deseos pueden aliviar un corazón roto o consolar lo inconsolable.

Evocando la amenaza de ántrax de finales del año 2001, Springsteen termina la canción con una nota escalofriante ' Dios deambula por el Cielo, el Diablo en los buzones '. La Angustia, la incertidumbre, continúa.

God's drifting in heaven, devil's in the mailbox

You're Missing es una canción realmente hermosa, comienzo con un chelo fúnebre que acompaña a la voz de lamento de Bruce, es una canción verdaderamente emotiva y triste, va citando elementos cotidianos a lo largo de toda la canción... aquellas pequeñas que no echamos de menos hasta que no las tenemos... todas ellas relacionadas con aquel ser desaparecido...

Shirts in the closet, shoes in the hall
Mama's in the kitchen, baby and all
(...)
Coffee cups on the counter, jackets on the chair
Papers on the doorstep, but you're not there
(...)
Pictures on the nightstand, TV's on in the den

Después de citar cada uno de estos elementos va repitiéndose que está desaparecido... todo lo que le rodea le recuerda a esa persona. ' La pérdida tiene que ver con lo que echas de menos ' explicó Springsteen, ' Echas de menos la presencia física de una persona: su piel, su cabello, cómo huele, cómo te hace sentir. Echas de menos su cuerpo. ' Everything is everything Everything is everything But you're missing You're missing, when I close my eyes You're missing, when I see the sun rise

13. The Rising [04:50]

Un buen número de las víctimas eran fans de Bruce Springsteen; de hecho sus familias pusieron canciones de Springsteen durante las pompas fúnebres.

The Rising, está basado en la experiencia de uno de los bomberos supervivientes de la ciudad de Nueva York, nos narra esos momentos tan terribles que vivió al entra en una de las Torres Gemelas, pasto de las llamas... mientras el bombero asciende por una escalera llena de humo, se desorienta, perdiendo la noción del tiempo...

Cant see nothing in front of me
Cant see nothing comin up behind
Makin way through this darkness
Cant feel nothing but this chain that binds me
Lost track of how far I've gone
How far I've gone and how far I've climbed
On my back's a sixty pound stone
On the shoulder half mile outta line

Finalmente la canción se vuelve profundamente espiritual mientras la imágen religiosa de ascensión y esperanza de una vida más allá de la muerte se convierteen una afirmación festiva de la propia vida. De hecho, el puente de la canción es una meditación musical sobre la inmortalidad.

Come on up for the rising
Come on up, lay your hands in mine
Come on up for the rising
Come on up for the rising tonight

Después nos encontramos con uno de esos momentos en los que Bruce nos hace meditar y nos deja la puerta abierta para interpretar lo que libremente queramos...

En estos momentos no sé sabe si el bombero está hablando directamente con Dios previendo su inminente destino... o ¿está hablando con su mujer desde el más allá?...

¿Es "La Ascensión" del título, otra palabra para designar la resurrección?. Sea cual sea el origen, el bombero lleva la imagen con él antes de su propia muerte prematura. Anhela mantener cualquier tipo de intimidad física mientras sea humanamente posible, al menos en su mente.

I seen Mary at the garden
In the garden of a thousand sighs
She's holdin pictures of our children
Dancin in the sky, filled with light May
I feel your arms around me May
I feel your blood mix with mine
The dream of life comes to me
Like a catfish dancin on the end of my line

Springsteen convierte la canción que trata básicamente sobre la destrucción, en una declaración triunfante de renovación. (...) El bombero es consciente de lo que se ha perdido (la muerte de casi 3.000 personas) y lo que está a punto de perder (su propia vida). Y sin embargo sigue habiendo esperanza. Springsteen considera "The Rising" su versión, aunque secular, del vía crucis de Jesús, con el bombeo como una especie de Jesús en nuestros días.

The Rising se ha transformado en estos años en todo un himno, una canción que recuerda la valentía de aquellos que entregaron sus almas a cambio de intentar salvar otras... Digna de escuchar y vivir en directo. The Rising asoma tímidamente y va cogiendo carrerilla a ritmo de bombo y platillo, se va avalanzando sobre el oyente y llegado el momento desprende como un soplido de energía positiva que te prepara para el clímax, que entre guitarras, coros y la E-Street Band a tope...y todos a ritmo de la-la-lala-lalala-la-lala cierran un tema totalmente redondo e interactivo.

14. Paradise [05:37]

Posiblemente Paradise sea la canción más preciosa que haya compuesto Bruce en toda su carrera, es una canción que consta de su voz y su guitarra, ambas, arropadas por una frágil y triste atmósfera, que da la sensación de paralizar el tiempo, da la impresión de estar ocurriendo todo a cámara lenta, aprovechando al máximo cada uno de los sentidos en cada instante, lo más bonito es de esta canción y lo que más me gusta de ella, es sentir como aumenta de intensidad paulatinamente, de forma que prácticamente es inapreciable y que sólo la percibes cuando sientes que realmente estas emocionado, es una canción simplemente perfecta.

En la primera estrofa, un joven suicida palestino con una bomba medita sobre sus últimos momentos en la tierra.

Where the river runs to black
I take the schoolbooks from your pack
Plastics, wire, and your kiss
The breath of eternity on your lips

In the crowded marketplace
I drift from face to face
I hold my breath and close my eyes
I hold my breath and close my eyes
And i wait for paradise
And i wait for paradise

Esta estrofa la escribió tras leer un artículo de periódico sobre una chica adolescente que se inmoló en Jerusalén en el año 2002, llevándose consigo la vida de muchas personas. ' Estaba buscando algo tranquilo ', dice Springsteen sobre la escritura de Paradise, ' y creo que fue la semana en que la chica se suicidó con una bomba. Fue algo devastador, así que la primera estrofa surgió a raíz de pensar en eso, la pérdida de la vida y el falso paraíso. '

En la segunda estrofa, el personaje la mujer de un marine echa de menos a su marido que murió en el ataque al Pentágono durante los ataques terroristas del 11-S.

The Virginia hills have gone to brown
Another day, another sun goin' down
I visit you in another dream
I visit you in another dream

I reach and feel your hair
Your smell lingers in the air
I brush your cheek with my fingertips
I taste the void upon your lips
And i wait for paradise
And i wait for paradise

La viuda de Virginia también estaba indirecatamente inspirada en un personaje real. ' Entonces conocí a una mujer que había perdido a su marido en el Pentágono. ' dice Springsteen, ' y una noche vino a Asbury, y resulta que ambos hacía tiempo que eran fans, supongo. Creo que estaba pensando en la mujer cuando escribí la canción... Pensé, "¿qué echas de menos? Echas de menos lo físico y la posibilidad de a tocar a alguien." '

En la última estrofa, el personaje se debate entre dos mundos, enfrentándose al amor perdido, pero incluso en el Más Allá, hay poco consuelo. La mujer no puede apreciar paz en sus ojos. Y sin embargo, en el mundo real, la vida continua.

I search for you on the other side
Where the river runs clean and wide
Up to my heart the waters rise
Up to my heart the waters rise

I sink 'neath the water cool and clear
Drifting down, i disappear
I see you on the other side
I search for the peace in your eyes
But they're as empty as paradise
They're as empty as paradise

I break upon the waves
I feel the sun upon my face

La última estrofa es como ' una estrofa de una persona superviviente '.' Me imaginaba a alguien que había sobrevivido ', explicó Springsteen. ' La persona va hasta el río y se mete dentro y luego vuelve a salir. Es como decir, "Aún estamos aquí, y ésta es la única vida que tenemos" '.

15. My City Of Ruins [05:04]

My City Of Ruins es una bonita pieza de góspel blanco, tiene mucho en común con el himno de Curtis Mayfield sobre los derechos civiles "People Get Ready", tanto en su majestuoso ritmo y melodía, como en su elegante arreglo.

Su letra transmite la desesperación de un lugar donde hay poca esperanza. Un lugar donde no para de llover, las iglesias permanecen abiertas, las casa tienen sus ventanas cerradas con tablones y sus calles están vacías. Un lugar que ha quedado destrozado por la pobreza y el abandono... Bruce interpreta el papel de pregonero público de la nación y exhorta a la multitud con un poderoso estribillo "Come on, rise up!" transmitido con todo el fervor de un predicador. (Un estribillo de rock 'n' roll secular). Springsteen es realista y no promete hacer desaparecer el dolor, pero sí que nos recuerda que no estamos solos en nuestro sufrimiento.

El estribillo de My City Of Ruins sirve a modo de oración, y acompañado del cálido órgano de Danny Federici, Springsteen canta con un creciente sentimiento de urgencia, rezando para seguir teniendo fuerzas, para tener fe y volver a creer, para tener un amor que lo motive. En última instancia My City Of Ruins trata de aprender a empezar de cero otra vez, tanto en un lugar físico como con una relación.

My city's in ruins
My city's in ruins

Now with these hands
I pray Lord
with these hands
for the strength
Lord with these hands
for the faith Lord
with these hands
I pray Lord
with these hands
for the strength Lord
with these hands
for the faith Lord
with these hands

Come on rise up!
Come on rise up!
Rise up

Red

2008-05-21T23:00:00.021+02:00

Intréprete: King Crimson
Título: Red
Género: Rock Progresivo
Año: 1974

Hablar de un disco de King Crimson no es fácil y menos decidirte por uno, si que es cierto que en la carrera de King Crimson existen unos álbumes en concreto que suponen un giro, un punto de inflexión, Red fue uno de esos, un disco muy importante, incluso para el propio Fripp, a pesar de eso “la tercera reencarnación del Rey Carmesí” , el denominado Mark III (formado por Robert Fripp, Bill Bruford, John Wetton, David Cross & Jaime Muir), se disolvió dos meses antes de salir a la luz el disco, tras este álbum King Crimson permaneció inactivo desde 1974 hasta la aparición de la siguiente “reencarnación” en 1981 con un rompedor Discipline.

Red es uno de los trabajos más compactos de la banda, abarca todos los conocimientos y experiencia adquiridos hasta la fecha y además está evolucionado, va más allá del fabuloso y rompedor Lark’s Tongue In Aspic, nos podemos encontrar desde rock hasta jazz pasando por una balada de los más delicada a otra de lo más agónica, siempre con el sello que caracteriza al grupo y con esa forma de trabajo impecable.

En este disco de despedida, Fripp y compañía cuentan con colaboradores de las anteriores formaciones en determinados fragmentos:

David Cross: Violin
Mel Collins: Soprano Saxophone
Ian Mc Donald: Alto Saxophone
Robin Miller: Oboe
Marg Charing: Cornet

1. Red [06:20]

El tema que abre el disco destila un aire (inevitablemente evidente) a su predecesor Lark’s Tongue In Aspic, pero con un sonido renovado, utilizando una fórmula nueva… que permite escuchar ese estilo “Crimsoniano” nota a nota manteniendo esa tensión característica, esos matices “Frippianos” cada instante, en los que parece fundir la matemática con la locura minuto tras minuto.

La estructura también es muy sencilla, consiste en un riff de guitarra intenso y sencillo… pero pesado, agónico y a la vez demoledor, una serie de variaciones se van sucediendo sobre el mismo, marcando ese ritmo que parece ir más lento de lo que es en realidad, da la sensación de estar alargando el sufrimiento de aquel que intenta escapar de una pesadilla, hasta llegar a un interludio, que aunque parece un refugio para el oyente, no deja de ser otra trampa más con la que Fripp lo atrapa y lo hipnotiza... hasta dejarlo otra vez presa del “riff persecutorio”.

2. Fallen Angel [06:00]

Fallen Angel abre de forma majestuosa con Fripp al melotrón dando paso a lo que va a ser una balada (en este disco será lo que más nos recuerde a las anteriores formaciones de King Crimson, en cuanto a instrumentación y sonido), la canción se va desarrollando al principio de forma pacífica con la voz tranquilizadora de John Wetton hasta llegar el riff de guitarra de sonido malévolo y endemoniado, y la voz dulce de Wetton se transforma en un lamento, al que se suma la corneta, el saxo y una guitarra que suena como una cuchilla… creando un ambiente hostil y trágico que acompañan al desgraciado estribillo que grita … Faaalleeen Aaaangeeeel!!!

Este tema surgió de una improvisación durante la gira de su anterior album, como podremos observar las únicas aportaciones totalmente novedosas a este album son Red y One More Red Nightmare, además este disco fue producido y salió a la venta unos meses después de haberse disuelto el grupo.

3. One More Red Nightmare [07:07]

Otro tema cuyo inicio es impresionante, comienza con un riff siniestro que parece el resurgimiento y la evolución de Red, a este riff le sigue un Bruford a la batería que deja atónito a todo aquel que intente llevar el ritmo, una maravilla la batería en este corte, Bruford da una clase magistral de lo que es llevar el ritmo y “jugar al despiste” con él, en el momento que entra la voz de Wetton la canción empieza a cobrar un tono más tranquilizador y dinámico para luego retomar ese ritmo que entrecorta la respiración de todas sus “víctimas” (los que lo escuchamos), en el ecuador nos encontramos con una sección más improvisada en la que toman protagonismo los saxos que le dan un toque jazzero y toda una serie de frases a la guitarra acompañadas de una percusión que a veces suena como si estuvieran atizando a algo/alguien con una correa, el riff principal y la melodía principal se retoman posteriormente y las saxos vuelven de forma magistral haciendo toda una serie de malabarismo haciendo de este tema algo más que simple rock progresivo, aportan una gran riqueza en cuanto a lo musical y un grado de elegancia superior.

Como anécdota comentar que Bruford en este tema hace uso de un plato roto (que tomó “prestado” del grupo que había ensayado anteriormente y lo habían desechado, Bruford que tenía una política de ahorro estricta (ya que él era el que llevaba las cuentas del grupo) lo usó… y la verdad es que el sonido resultó peculiar.

4. Providence [08:08]

Providence, se trata de una improvisación de poco más de ocho minutos, el sonido esta tomado del recital que dieron el 30 de Junio de 1974, Providence, Rhode Island, el último minuto no sfue incluido en el album además que su sonido fue depurado en el estudio. En este tema podemos escuchar a David Cross (antes de ser expulsado de esta formación...) introduciendo una especie de melodía a la que se van sumando el resto de componentes, cada uno de ellos intentando tomar un "protagonismo" y rompiendo el esquema del resto hasta ganar el más fuerte, en este caso es Bruford que consigue unificar el caos (casi a mitad de tema) y hacer de esta improvisación un algo, una unidad... me resulta muy interesante este tema porque se va desarrollando y va tomando forma desde la nada, desde el silencio absoluto y esto es lo que lo hace especial, aunque por supuesto rodeado de cuatro joyas que lo único que le hacen es sombra y le quitan el valor que tiene. Para escuchar este tema sugiero ponerse en la piel de uno cualquiera de los músicos y pensar qué es lo que harías en su lugar, cuál sería el siguiente paso, intentar anticiparte a lo que vas a escuchar, cómo te adentrarías en esa maraña de sonidos y darle sentido a lo que haces, cómo lo harías delante del público espectante y cómo justificas esto que la gente está escuchando ya que te lo estas sacando de la manga... y la gente esta pagando por un producto... sin embargo ese producto no lo tienes preparado... ahí está el valor de la improvisación, el sacarla nota a nota adelante y el sorprender tanto al resto como a tí mismo.

Respecto al sonido tiene ciertos toques vanguardistas (me recuerda a la música de algunos compositores contemporáneos que juegan más con “ruiditos”, sensaciones, atonalidades, minimalismo…) también destaca el papel de Wetton al bajo sobre el resto, Fripp se limita a crear una atmósfera tensa que nos saca de quicio, mientras que Bruford nos desconcierta con su espectacular sentido del ritmo. Quizá el tema menos destacable de este álbum tan redondo o quizá debería decir el tema más “duro de escuchar”. En todo caso no tiene desperdicio.

5. Starless [12:18]

Y llegamos al tema estrella, un tema épico dentro de este género y dentro de la discografía de King Crimson, un tema que ya venían tocando en la gira anterior antes de editar el disco. Starless, comienza con una atmósfera creado por el melotrón y Fripp a la guitarra asomando tímidamente con una melodía preciosa, sutil y delicada exquisita para el oído a esta le sigue Wetton entonando pura poesía que resulta deliciosa al oído y sobre todo por el acompañamiento de saxo que le da un toque de intimidad a la par que un tono de pesadumbre y tristeza como muestra la letra:

Sundown dazzling day
Gold through my eyes
But my eyes turned within
Only see
Starless and bible black

Ice blue silver sky
Fades into grey
To a grey hope that oh years to be
Starless and bible black

Old friend charity
Cruel twisted smile
And the smile signals emptiness
For me
Starless and bible black.

Al terminar la sección vocal empezamos a escuchar una especie de “tintineo” por parte de Fripp, el bajo nos va guiando por esa oscuridad bíblica, entonces empezamos a escuchar sonidos metálicos que se van acercando y chirriando como si del frenazo de un tren tratase, a éste, se le añade el sonido de una especie de campanillas, dan una sensación de espera, una espera incómoda y que poco a poco se va haciendo más larga, más tensa, por momentos da una sensación de agobio e incluso inquietud y la mantienen a tope hasta explotar en una especie de clímax histérico... esto desemboca en una especie de jam jazzera, que conecta directamente con la melodía principal de Starless de forma muy sutil, para dar otro bandazo e impresionarnos con otra improvisación alocada y esta vez sí… centrarse en el colofón, el climax final, el INCREIBLE final, IMPRESIONANTE final… final conmovedor, se trata de un final EMOCIONANTE… un final de película, un final dramático… un final para poner los pelos de punta.

Impresiones:

Que decir de esta maravilla, de esta joya, de este clásico…lo único negativo quizá sea la portada, es lo que menos gracia me hace, única portada de King Crimson en la que salen retratados, un artwork simple salvo en detalle en la contraportada que merece ser resaltado, ese cuentakilómetros que está en “Red” señalando el 7 como indicando que van pasados de revoluciones y que estaban a tope de creatividad y no podían dar más porque este era el fin... es un detalle muy curioso ya que este era su séptimo album.

Music Of The Spheres

2008-05-08T17:41:00.014+02:00

Intréprete: Mike Oldfield
Título: Music Of The Spheres
Género: Clásica
Año: 2008

Historia de la música de las esferas

Pitágoras consideraba que la esencia última de la realidad se expresaba a través de números. Los números eran el medio para percibir lo que de otra forma podría permanecer inalcanzable tanto para el intelecto como para los sentidos… las distancias entre los planetas (las esferas) tenían las mismas proporciones que existían entre los sonidos de la escala musical que eran considerados entonces como "armónicos" o consonantes. Cada esfera producía el sonido que un proyectil hace al cortar el aire. Las esferas más cercanas daban tonos graves, mientras que las más alejadas daban tonos agudos. Todos estos sonidos se combinaban en una hermosa armonía: la música de las esferas.
Kepler se apoyó en los mitos de Platón y en el sistema de Copérnico que planteaba que el Sol era el centro en torno al cual giraban los planetas. Kepler postulaba que el modelo del universo estaba basado en la geometría: entre las órbitas de los seis planetas conocidos (Saturno, Júpiter, Marte, Tierra, Venus y Mercurio) estaban inscritos los cinco sólidos perfectos mencionados por Platón (cubo, tetraedro, dodecaedro, icosaedro y octaedro)
Kepler estudió cuidadosamente las órbitas de los planetas para establecer una relación entre el movimiento de estos cuerpos celestes con la teoría musical a la que se refirió como de Tolomeo, pero que había sido planteada por Gioseffo Zarlino. Finalmente, en su libro Harmonices Mundi, postuló que las velocidades angulares de cada planeta producían sonidos consonantes. Asumida esta creencia, escribió seis melodías: cada una correspondía a un planeta diferente. Al combinarse, estas melodías podían producir cuatro acordes distintos, siendo uno de ellos el acorde producido en el momento de la creación y otro el que marcaría el momento del fin del universo.

Melodías de los planetas

Actualmente.

Un satélite de la Nasa ha confirmado la ancestral tradición de la música de las esferas, según la cual los cuerpos celestes emiten sonidos armónicos. Aunque la música de las esferas ha derivado primero en la noción de armonía universal y después en simetría, ahora se ha descubierto que la atmósfera del Sol emite realmente sonidos ultrasónicos y que interpreta una partitura formada por ondas que son aproximadamente 300 veces más graves que los tonos que pueda captar el oído humano. Por Eduardo Martínez.

Part 1

1. Harbinger [04:04]

La intro aporta poca novedad, sencillamente la intro archiconocida de su obra más popular con un nuevo y refinado lavado de cara. La orquestación le da un aire solemne y grandioso frente al sonido de la guitarra clásica humilde y escas, pero eso sí, muy acertado y con muy buen gusto, la percusión aunque escasa, me parece totalmente efectiva. La melodía final, minuto 3:28 quizá se hace demasiado corta es una melodía bellísima digna de una buena banda sonora, esta hace de interludio con lo que será el siguiente corte…

2. Animus [03:09]

...las primeras notas que suenan ya son familiares (Out Of Mind del disco Guitars)…sutileza a la guitarra acompañada de unos coros creando una atmósfera que desata la magia con el piano de Lang Lang (colaborador a distancia en este trabajo de Oldfield) utilizando una serie de escalas que serán uno de los motivos principales de la obra, posteriormente Oldfield se reengancha a la lluvia de notas creada por Lang Lang añadiéndole aún mayor intensidad y emotividad…es uno de esos momentos que no escuchábamos desde su ya lejano y magnífico Mont St. Michel de Voyager.

3. Silhouette [03:19]

Un tema de transición precioso, con una melodía a la guitarrra increíblemente emotiva, acompañada de un piano exquisito interpretado por Lang Lang, conforme va transcurriendo el tema se hace más intenso el punteo de Oldfield hasta que llega el cambio orquestal que da paso a la introducción del “goteo de notas” esta vez realizado por el arpa.

4. Shabda [03:56]

Majestuosa, impresionante, épica. La demo que Oldfield entregó a Karl Jenkins antes de realizar esta obra era una mezcla de Harbinger y Shabda…tema puramente Oldfield se distingue perfectamente ese punteo característico…sonando a él 100%. El acompañamiento digno de una superproducción y los coros con puro sabor africano (al igual que en Amarok…o similares a los de Pacha Mama en The Millenium Bell ) provocando en mí el típico erizamiento de piel debido a la emoción que provocan esos sonidos Oldfianos en mí, ya sea en notas de guitarra, coros o lo que sea…se sabe que él ha metido mano…y eso es inconfundible…es lo que lo diferencia de muchos…para mí un disco merece la pena, cuando nos regalan estos instantes mágicos y será mejor cuanto más se repitan esos momentos únicos e intensos.

Terra autem erat inanes
Super faciem abyssi
Lux aeterna dona nobis
Terra autem erat in caeli

Entre los pasajes más hermosos de la obra encontramos Shabda, un tema en el que Oldfield interpreta el sonido de la creación. Esas ondas de compresión y de expansión de gases de los primeros momentos del Big Bang. En los primeros momentos de la expansión del universo se producían ondas de sonido que resonaban en él. Algo parecido a lo que ocurre con las famosas campanas tubulares de Mike, al golpearlas, una onda de sonido hace vibrar toda la campana tubular. La onda del sonido primigenio que originó el Big Bang, conocida como Shabda, aun hoy hace vibrar el Universo.

¿Queréis escuchar a Shabda?, solo tenéis que poner vuestra radio o mejor aún vuestro televisor de señal analógica, en un canal en el que no se sintonice ninguna señal de televisión y apreciaremos en la pantalla miles de puntos y un chisporroteo amplificado, parte de lo que vemos y escuchamos es la radiación de microondas que nos llega a la tierra procedente de Shabda, y de cuando el universo tan solo tenía 300.000 años de edad.
Los grandes maestros de la meditación dicen que Shabda, ese sonido primordial, guía al hombre a sus profundidades, al encuentro con su Ser. Una vez alcanzado ese nivel de profundidad, automáticamente se adquieren los atributos necesarios para alcanzar una vida plena. Aquí os dejo a Shabda para que os ayude en alcanzar vuestra vida plena.

Extraído de www.espacioblog.com

5. The Tempest [05.48]

Comienzo semi-tubular orquestado y secundado por la guitarra de Oldfield con climax al final…no me aporta nada destacable

6. Harbinger (reprise) [01.30]

Pues lo evidente...más de lo mismo…pienso que innecesario (aunque no queda mal).

7. On My Heart [02.27] feat: Hayley Westenra

Tema protagonizado por la joven Hayley Westenra (21 añitos) y de voz impresionante, toda una promesa…voz preciosa, tema ligero y corto en el que la instrumentación tiene poco que decir frente a esa voz…felicitar a Oldfield por incluir una voz así…un regalo al oído.

On my heart
The nights are drawing in
Above, the stars are spiralling
And Heaven, Earth are roaming in a spin

Memories of light and laughter
Hope and peace from far here after
Oh inheaven, wings of angels from a dream

On my heart
The nights are drawing in
Above, the stars are spiralling
And Heaven, Earth are roaming in a spin

Y así finaliza la primera parte de esta obra.

Part 2

8. Aurora [03.42]

Un comienzo enérgico y muy peliculero...acompañado de unos coros que desprenden alegría y optimismo…y un punteo a la guitarra secundando esos coros para poco después fundirse con la orquesta…y así finalizar en una melodía muy dulce interpretada con el arpa que nos va introduciendo en el siguiente tema… Realmente este tema con las escuchas se ha ido haciendo caminito y se ha convertido en uno de mis favoritos.

9. Prophecy [02.54]

...comienzo con aire nostálgico (me quiere recordar a algún fragmento de Howard Shore en El Señor de los Anillos)…pero vamos que la “chicha” nos la encontramos pasado el ecuador del tema frente al increíble “goteo” de notas de la mano de Lang Lang…

10. On My Heart (reprise) [01.16]

Retomamos el tema vocal principal unos instantes para dar paso a...

11. Harmonia Mudi [03.46]

Escuchamos unas variaciones orquestales de la melodía de Shabda y unas notas de lo más delicadas de la mano de Oldfield, volvemos a escuchar esos coros que antes nos habían emocionado…pero esta vez en un tono más melancólico y seguido de otro punteo de Oldfield en el cual retoma la bella melodía de Silhouette.

12. The Other Side [01.28]

Este tema de transición con toque arábigo nos va introduciendo al siguiente tema…

13. Empyrean [01.37]

Otro tema que te envuelve y te atrapa…me recuerda a los mejores momentos de Mont St. Michel de Voyager. Un tema peliculero 100%. Acompañado de fanfarrias percusión y ese arpa que le aporta un toque de elegancia y sutileza a la par que el resto de instrumentos se encargan de envolver el tema en un ambiente de majestuosidad y epicidad…digna de una superproducción de castillos, caballeros y batallitas.

14. Musica Universalis [06.24]

Que decir…que suena muy bien y esta muy bien arreglada…que chapeau por las melodías que lo adornan…pero un cero en originalidad.

Impresiones:

La temática daba para mucho más…para hacer algo más sorprendente…jugar realmente con las notas producidas por los planetas…sin abusar de lo ya establecido.

Que Oldfield ha currado muy poco físicamente, en mi opinión, ha sido más una composición interpretada y arreglada por Karl Jenkins que un disco completamente de Oldfield, se nota la mano de Oldfield en casi todos los pasajes, pero Jenkins ha metido bastante baza… la ausencia de la guitarra la echo en falta, en una entrevista, Oldfield, comentó que había probado a meter la eléctrica y no funcionó bien y que se limitó a tocar en los momentos realmente necesarios (algo bastante evidente), si nos fijamos, melodías nuevas tenemos…Silhouette, Shabda, On My Herat, Aurora, el piano de Lang Lang y poco más, el resto son arreglos y relleno de lujo…pero relleno…¡ah! y la "reinvención" del Tubular Bells (notesé la ironía).

Es una obra muy bonita y muy pretenciosa pero a la que le sobran cosas…la obra se podía sustentar sobre sí misma, no era necesario escuchar de nuevo una nueva versión de lo mismo. Creo que ha estado cerca de hacer algo más grande de lo que se podía imaginar y me parece que se ha quedado a mitad de camino...

Pero en cuanto a disco quizá sea uno de los mejores compuestos desde el ya lejano y distante The Songs Of Distant Earth [1994].

Somewhere Else

2007-04-04T01:23:00.000+02:00

Intérprete: Marillion
Título: Somewhere Else
Género: Pop-Rock Progresivo
Año: 2007

Bueno lo primero pediros disculpas por mi tardanza en actualizar el blog, he estado buscando maneras de mejorarlo (todo llegará), además he andado liadísimo, ha sido una época de exámenes, viajes y además estoy empezando a formar un grupo de música, sepáis que tarde o temprano este blog seguiré actualizándolo, hay veces que resulta difícil o por falta de información o de inspiración...así que no me demoro más en explicaciones y de verdad mis más sinceras disculpas...

Uno de los motivos por el cual he tardado un poco más en actualizar el blog ha sido precisamente mi repentina devoción a este grupo...todo empezó en Noviembre cuando después de hacer la crítica sobre 'Marbles' conocí a la maravillosa gente de 'The Web Spain' y me hice socio del club de fans de Marillion, por un módico precio adquieres 2 fanzines al año, 2 e-noise (folleto con novedades) y 1 XMAS CD totalmente inédito y exclusivo para los fans grabado por el grupo, un detalle perfecto y redondo para los fans. Además me enteré que cada año (dependiendo de la actividad del grupo pueden ser cada dos años...) se celebra el 'weekend' un fin de semana en el que fans y miembros de Marillion conviven en un mismo recinto dando tres conciertos...uno de ellos temático en el que tocan un disco completo y algunos éxitos...otro día de versiones y temas que no suelen tocar de sus discos y el último una especie de grandes éxitos...si esto no es mimar a los fans...

Pues al grano, yo recibí el e-noise en Navidad y participé en un concursillo para ir a la Listening Party del nuevo disco 'Somewhere Else' en Madrid, esto consiste en una pre-audición con algunos de los miembros del grupo y con la prensa...una oportunidad de escuchar el nuevo disco dos meses antes que el resto de los mortales (se publica oficialmente el 9 de Abril), así que participé y como podéis intuir no me perdí esa audición.

Listening Party [22-02-2007]

El lugar en el que se celebró el evento fue el 'Hotel Tryp Atocha', allí llegamos mi amigo David y yo y nos recibió Diana ("la jefa" de 'The Web Spain'). Allí nos sentamos y tras una espera de más de media hora salieron a recibirnos: Steve Hogarth (Voz), Mark Kelly (Teclados) e Ian Mosley (Batería). Hay que destacar la actitud de 'Hogarth', el tío estuvo totalmente relajado y suelto, incluso bromeó en varias ocasiones...tras darnos la bienvenida nos dejaron escuchando el disco...que posteriormente en el 'foro TWS' hemos ido comentando...tras cada vez que nos lo volvíamos a "imaginar" (es una gracia que surgió...ya que el disco sin estar todavía a la venta ya hemos podido escucharlo a través de una copia promocional que se nos distribuyó...pero como no parece que esté bien visto eso de que ya lo hayamos escuchado antes de que esté a la venta...decimos que no lo volvemos a "imaginar").

Tras la audición recuerdo que mi impresión inicial fue la siguiente, palabras textuales que plasmé en el foro el día 24 cuando regresé a Zaragoza:

"Va por número de pista...

1- Pasó sin pena ni gloria...entre probatinas de volumen la emoción de estar ahí y todo no...no...pues eso...que esperaremos a volver a escucharla.

2- Single que me recuerda un tanto al estilo 'You 're gone'...pero con capas (si como las cebollas, y las tartas... ) además que decir que no hayáis escuchado...es majo...pero tampoco me emociona.

3- Aquí empecé a ver la luz...me recordó algo en la linea de 'Fantastic Place'...(en otro rollo) pero vamos...suavecita y muy agradable

4- Tema que desentona un poquillo por la energía que desprende...me pareció repetitivo pero muy resultón

5- Tema que creo que me acabará cautivando y que recuerdo que iba en progresión...

6- Creo que fue uno de los que más me gustó...en la linea del anterior pero recuerdo que me llamó más la atención...(pero vamos sólo fue una primera impresión)

7- Si no recuerdo mal...la linea de guitarra no cambiaba y las capas tomaban protagonismo...además me resultó super-agradable

los tres últimos no los recuerdo apenas...el 8 me parece que fue también algo cañero...(creo además me gustó bastante) y el 9 y el 10 no me sorprendieron demasiado...PERO....tan sólo son 'residuos musicales' en mi cabeza...que después de esa nocheee....como para recordar... "

Podéis observar la primera impresión que tuve del disco...lo cierto es que me dejó muy frío, esperaba algún tema que en un principio me sorprendiera mucho más...alguno que me pusiera los pelos de punta...pero este disco es duro de roer...es un disco con un sonido aparentemente muy sencillo, pero que tras esa sencillez alberga una gran cantidad de efectos, ritmos, melodías, capas que lo van haciendo para oídos más exigentes...al terminar la audición recuerdo que pensé...el tercer tema me acabará encantando...tiene "ese algo" del Marbles que lo hace genial.

Y después de la audición llegó la "rueda de prensa", en la que el 90% de las preguntas vinieron por parte de los fans ya que los periodistas no parecían muy entusiasmados (por lo menos los que tenía yo delante que no paraban de hablar y reir...me pareció una falta de respeto hacia todos...tan al grupo como a los fans) aquí os dejo la entrevista transcrita por: Carmen Curtido “Karma Rocks!”

De todas formas os transcribo algunas de las preguntas que me parecieron más interesantes:

pregunta Jai: ¿Qué queréis expresar con la portada de este nuevo álbum?

Hogarth: La imagen es de una especie de telescopio apuntando al cielo azul, que apunta la posibilidad de irse a otro lugar, de conocer nuevos mundos… No apunta a ninguna cosa en particular, sino al cielo azul, así que quiere expresar la posibilidad de encontrar algo nuevo. Creo que este álbum en general expresa eso, una nueva visión, no como “Marbles” que miraba más hacia atrás, hacia cosas que nos habían ocurrido en la vida, en mi niñez, de cosas que me habían influenciado, y demás. Este álbum es todo lo contrario, apunta hacia lo que puede venir en el futuro. Lo que tú quieras mirar es realmente lo que tú quieras ver. Se puede tratar de un sitio, lugar o momento diferente… Se trata de que veas el futuro que quieras ver, pero siempre desde un punto de vista muy positivo.

Para mí, aunque el álbum suena más positivo y más mirando al “futuro”, también hay algunos sentimientos tristes convergen con lo positivo. ¿Por qué?

Steve Hogarth: Sí se puede apreciar esa atmósfera y es porque todos los componentes de la banda estábamos en un momento muy especial… Al principio del disco se acabaron mis veinticinco años de matrimonio, así que podéis imaginar que no fue el más feliz de mis momentos, cuando tuve que mudarme y vivir en casa de vecinos y amigos (Ian levanta la mano, como diciendo “en mi casa también”), no podía ver a mis hijos, ellos no sabían dónde estaba… Pero al mismo tiempo, después de veinticinco años de matrimonio, asumiendo lo que fue la etapa final del mismo, casi me encontraba agradecido de que todo por fin hubiese acabado. No había sentimiento de tragedia, sino simplemente de poder ver con claridad la posibilidad de dar un paso siguiente, estaba confiado de poder mirar de cara al futuro y enfrentarme a ello.

Por otro lado, en algunas canciones como "Voice From The Past" hago referencia a algo en lo que estoy muy involucrado, el saber que cada día mueren 50.000 personas de pobreza en el mundo, es algo de lo que deberíamos sentirnos avergonzados y sobre lo que deberíamos pensar. Cuando antes preguntabais quién escucharía la música de Marillion dentro de cien años, hay que tener claro que, si seguimos actuando como lo hacemos, dentro de cien años no quedará nadie y desde luego no podremos escuchar nada dentro de muchos menos años, no hace falta llegar a cien.

y me guardo la pregunta estrella para dentro de unas lineas...

Imaginándome el 'Somewhere Else'

The Other Half: El primer corte realmente es uno de los que más me ha costado asimilar...comienza con fuerza pero se queda "a medio gas"...para mi gusto en un principio le faltaba algo...pero con el paso de las escuchas "me he ido haciendo" , digamos que me he acostumbrado...en realidad no esperaba eso de el tema de apertura...pero vamos aunque no es en mi opinión lo mejor del disco, creo que tiene sus momentos.

Comienza de la nada con un subidón (haciéndome creer que va a ir a más...pero en vez de "subir" se mantiene), en ese momento entra la voz de Hogarth y junto con los efectos de kelly al teclado empiezan a hacer delicias para los oídos de aquellos que están escuchando...al final desemboca en el estribillo que para mi gusto es lo más "flojo" hasta que entra la guitarra de Rothery que entonces es cuando empieza a ganar intensidad y emotividad...

See It Like A Baby: he aquí el single del disco, un tema directo...no muy intenso y repleto de efectos atmosféricos con un estribillo muy dulce y aunque no llega a tener mucho "gancho" es muy pegadizo, realmente es el tema que destaca por su "sonido a single" aunque realmente no me parece el más destacable.

Thankyou Whoever You Are: recuerdo todavía la impresión al escuchar el día de la "Listening Party" este tema...lo primero que pensaba <<¡¡Hombre!! una balada al estilo de "Fantastic Place"...espero que tenga algún momento de epicismo emotivo...que realmente me emocione...>> y vaya si lo tenía...

La canción asoma tímidamente de la mano de Kelly, enseguida Hogarth entra en acción con esa preciosa voz aniñada que le caracteriza en estos temas...y cuando llega el estribillo la "explosión emotiva" comienza...<<Thankyou Whoever You Are...Thankyou Whoever You Are...>>...después del estribillo, la intensidad baja para retomar fuerzas, vuelve a la melodía inicial pero esta vez la actitud de Hogarth es menos reservada, de vuelta al estribillo nos sorprenden con un gran clímax creado por la guitarra de Rothery y los teclados de Kelly...para mi uno delos grandes momentos del disco y de la "Listening Party". Personalmente me parece el mejor corte del disco (aunque no es el mejor ejemplo de Marillion en "estado progresivo")...pero todavía quedan muchas sorpresas por descubrir...

(Pregunta Diana, socia del Club de fans español de Marillion, a la que Steve observa con atención mientras sonríe con placidez). A mí me gusta mucho el tema "Thank You, Whoever you are", ¿qué puedes decirnos acerca de esa canción?

Steve Hogarth: ¿Qué quieres saber, Diana? (Se emociona al contestar esta pregunta y hablar de sus hijos. Sus ojos enrojecen según va hablando).

¿Sobre las letras? Las letras en esta canción quieren agradecer tantas bendiciones, parte de las letras se empezaron a gestar hace quince años cuando nació mi hijo Neil, y en ese momento pretendía ser una forma de agradecer las cosas tan buenas con las que nos puede bendecir la vida, pero en general está dedicada a todas las personas que me han aportado cosas buenas: a mi ex mujer por el amor que me dio, a mi nueva novia, por el amor que me está dando, a toda la gente que está en todos los conciertos y que cada vez nos hacen ver que cada concierto de Marillion puede ser una experiencia diferente, por su apoyo, por su amor, es increíble que dos mil personas vengan por ejemplo a vernos como en el Weekend, de todas partes.

Eso hace que nuestros conciertos sean para nosotros algo muy distinto de simplemente salir a tocar: salimos a compartir experiencias de nuestras vidas, para nosotros es mucho más importante esa experiencia conjunta, quiero daros a todos las gracias, es… (No termina la frase, se le ve muy emocionado y se queda sin voz).

Most Toys: primera sorpresa...un "comienzo de sopetón"...un comienzo un tanto violento, un comienzo de los que pilla por sorpresa...es un tema muy directo un gran ejemplo de pop-progresivizado...no se anda con rodeos comienza al 100% con el estribillo a plena potencia...repitiéndolo...y repitiéndolo...y repitiéndolo...hasta llegar a una especie de nudo que vuelve a desembocar en el estribillo...lo cierto es que tanta repetición no se me hace pesada (algo extraño en mí), y la forma de desenlazar el tema se resuelve de una forma también bastante brusca. La verdad es que desentona con el concepto de sonido del disco...pero me parece una canción interesante...ante todo para interpretarla en directo.

Somewhere Else: ahora llega el turno de una del tema que da nombre al título...comienza con una melodía preciosa al piano y la guitarra de Rothery rayando la atmósfera creada por kelly, con sus efectos, el estribillo es precioso, la característica voz de Hogarth vuelve a "aniñarse" dándole mayor emotividad...y mientras podemos escuchar de fondo las notas características que posteriormente tomarán mayor protagonismo y que serán las que definan a Somewhere Else tocadas por Kelly, todo esto secundado por un solo de Rothery el cual no llega a concluir, y de nuevo Hogarth toma el mando...parece que ninguno toma el verdadero protagonismo, hasta que volvemos a oir esas misteriosas notas con puro sonido "Somewhere Else" (que puede recordar al "Afraid Of Sunlight"), la voz de Hogarth (con un efecto que simula estar escuchándole hablar por la radio) asomando de la nada y poco a poco aumentando la intensidad...y esas notas misteriosas que se van escuchando de forma más intensa hasta desembocar en una furiosa tormenta acústica...ALUCINANTE

A Voice From The Past: otro tema que comienza de forma lenta...con una melodía lenta, en cierto modo también misteriosa...pero elegante y más dinámica...sugerente...se nota el gran trabajo de Kelly en este disco, las atmósferas creadas por Kelly y Rothery se van tornando cada vez más violentas conforme la voz de Hogarth va aumentando de intensidad...al poco se crea un pequeño intervalo de paz , que no durará mucho tiempo ya que enseguida desembocará en el estribillo y otro solo de guitarra.

No Such Thing: esta vez la melodía inicial viene de la mano de Rohthery, es una linea de guitarra con un sonido limpio y sencillo pero a la que acompaña la voz de Hogarth cargada de efectos emulando una voz ahogada...a este pequeño dueto enseguida se le van sumando el resto de instrumentos...efectos varias de teclado y un ritmo por parte de Mosley que me encanta, me parece realmente destacable, nada descomunal pero va como a contratiempo creando cierta tensión y cierto toque exótico junto al repetitivo estribillo de guitarra y esas atmósferas tan cristalinas creadas por Kelly, esta canción también desemboca en un momento de clímax aunque no dura mucho...

Es un tema un tanto experimental que realmente me gusta mucho...pero creo que se podía haber explotado mucho más al igual que "A Voice From The Past"

The Wound: digamos que se trata del segundo tema del disco que se sale de la linea en cuanto a sonido...el comienzo es muy dinámico y desprende más energía que el resto ( a excepción de "Most Toys")...quizá este sea un tema que tiene elementos más progresivos y a su vez mantiene ese sonido inconfundible a Marillion...es un tema con un sonido bastante directo y con bastantes cambios en su estructura, tiene dos partes muy diferenciadas: el comienzo que es muy melódico y rockero, el interludio y desenlace de toque más misterioso y tranquilo, protagonizado por los teclados de Kelly a los que se le suma Mosley y Trewavas con un ritmo bastante relajante y Rothery se va encargando de adornar con efectos varios y va desapareciendo todo poco a poco en un fade out...por otro lado, destacar el trabajo por parte de Mosley a la batería.

...Hablando un poco del nuevo álbum, especialmente me gusta “The Wound”, ¿Qué puedes contarnos acerca de esa canción?

Steve Hogarth: Se trata sobre todo de la idea de la herida que nunca puede curar. Hay heridas de cualquier tipo, metafóricamente hablando, que se pueden curar con tiritas o puntos… Pero hay otras que, por mucho que lo intentes siempre vuelven a abrirse, incluso cuando parece que llevan tiempo cerradas. Entonces, simplemente, la canción trata de esa idea.

The Last Century For Man: es un tema más emotivo y calmado que le resto, en el que realmente lo más destacable es la voz de Hogarth (el acompañamiento es muy correcto...pero no me parece algo imprescindible ya que perfectamente podría ser perfecto candidato para su gira en acústico de 'Hogarth Natural' al piano).

Faith: es un tema de sonido similar al anterior bastante acústico pero que a mitad de tema podemos encontrarnos un estribillo más animado con algo de percusión y sobre todo con una atmósfera algo más positiva y alegre...lo cierto es que no me parece el tema más ideal para cerrar el disco ya que está a falta de energía, pero supongo que no estará puesto así en vano, alguna intención tendrán colocándolo al final del álbum...es un cierre muy frío aunque quizá a base de imaginármelo...me acostumbre.

En cuanto a sonido "The Last Century For Man" y "Faith" son las que menos me han "saciado", reconozco de todas formas que yo soy muy amigo de los efectos y para gustos los colores, aquí tan sólo muestro mi opinión, realmente mi impresión inicial iba alterándose conforme las "imaginaba" para escribir el artículo...y creo que realmente aún necesitan algo más de mi parte...a ver cuando sale a la venta y lo aprecio con todos mis sentidos...

La impresión final (de momento) es la de que estamos ante un disco de cierta calidad pero que no es excesivamente destacable...tiene temas como "Thankyou Whoever You Are" que me apasiona...otros como "Somwhere Else" y "A Voice From The Past" que llegan a momentos realmente a emocionantes y temas como "Most Toys", "No Such Thing" y "The Wound" que son según mi criterio los más fáciles de "imaginar" y que por unas cosas o por otras les falta algo más de desarrollo (para mi gusto)...así están bien, pero creo que podían estar mejor y que Marillion era capaz de hacer más, aunque claro por otra parte uno de los objetivos en este disco era el de tener un sonido más compacto y directo. "The Last Century For Man" y "Faith" son dos joyitas que todavía no he llegado a comprender bien pero que sé que se merecen más oportunidades.

01. The Other Half []

02. See It Like A Baby []

03. Thankyou Whoever You Are []

04. Most Toys []

05. Somewhere Else []

06. A Voice From The Past []

07. No Such Thing []

08. The Wound []

09. The Last Century For Man []

10. Faith []

Otros discos de Marillion comentados en este blog:

Marbles [2004]

Shangri-La

2006-12-27T21:30:00.000+01:00

Intérprete: Mark Knopfler
Título: Shangri-La
Género: Blues, Folk, Country, Skiffle ...
Año: 2004

Bien...he aquí un disco de mi "yayo preferido", un disco totalmente íntimo en el cual a pesar de sus grandes dotes guitarrísticas prefiere deleitarnos con melodías mucho más tranquilas pero repletas de matices y con su voz susurrante.
Una de las cosas que más me gusta de Mark Knopfler es que la guitarra parece otro integrante del grupo, tiene personalidad propia...Mark habla y la guitarra responde, es un dueto...es como si la tuviera amaestrada pero el misterio de todo esto está en su maestría. Shangri-La es probablemente uno de sus discos más personales, se aleja del virtusismo guitarrero que le caracteriza y se centra más en el aspecto vocal, aún así me parece un disco redondo, porque como ya he dicho antes la guitarra sigue teniendo espíritu propio.

Mi primer contacto con Knopfler fue con el lanzamiento del single "What it is", sinceramente he de decir que me encantó, fue el trampolín que llevó a Knopfler a estar entre mis guitarristas más apreciados (todavía no era de mis favoritos).

"Boom, like that" fue el single que marcó mi devoción por Knopfler y realmente fue el que asentó definitivamente su posición en mi top 10, fue extraño pero lo escuché por primera vez a través de los cascos en una tienda de música, en general el disco no llamó mi atención pero el single si lo hizo...¡¡pero de que manera!!, intenté que no fuera una compra compulsiva y me fui sin el preciado disco, durante esa semana tuve que hacer un par de recados y dio la casualidad de que en ambos establecimientos sonaba "boom, like that" en el momento que entraba, ¿era una señal?, no lo sé pero confíe en ello y desde luego nunca me arrepentí.

La edición especial del disco contenía un DVD extra en el que había un documental de unos 30 min. en el que knopfler habla de cada uno de los temas en su estudio, mientras vemos imágenes de la grabación.

Poco después de adquirir el disco Knopfler anunció que su único destino en España, durante la gira de "Shangri-La" sería Barcelona, hecho que al final no se cumplió y se amplió la lista de ciudades a Madrid y Zaragoza. Una de las peores cosas que pudo hacer era no dar su voto de confianza al disco, -menos mal que estaba orgulloso de él, cierto es que no es un disco "muy de directo..."- pero es una cosa que no entenderé de Knopfler, sus directos se estancaron en el pasado y quiere intentar agradar a sus fans del pasado...-¿entonces para que cambias de estilo?-. En el setlist incluyó aproximadamente un tema o dos de sus álbumes en solitario y el resto (un 50% aproximadamente) de su época con Dire Straits. Lo más destacable en cuanto a interpretación en directo fue el magnífico "Speedway at Nazareth", tan magnífico que os incluyo un video...sé que no corresponde con el disco pero merece la pena, utilizaré como argumento que fue la pieza estrella de los directos de la gira de "Shangri-La".

Speedway at Nazareth: este tema se incluye en el disco "Sailing To Philadelphia", fue maravilloso poder presenciarlo en directo el juego de luces a ritmo de percusión me dejó alucinando, creo que nunca abrí tanto la boca en un concierto y el descomunal solo de guitarra me dejó sin argumentos, espero que disfrutéis de él tanto como yo:

Ahora os añadiré los comentarios que Knopfler hizo sobre sus propias canciones, estos se incluyeron en el folleto de la gira, según parece esto no es muy normal en él porque prefiere que cada uno las interprete a su manera:

5.15 a.m. : "Puedo llegar a ser muy lento al escribir mis canciones. 5.15 a.m. trata de un asesinato en Tyneside que ha estado en mi cabeza desde que era un adolescente. Fue en el territorio de Get Carter. Empezaron a poner máquinas tragaperras en todos los bares de hombres y en los pubs, y surgieron los night clubs como el Dolce Vita y el Club 69 -cosas que eran muy novedosas para los Geordies. Uno de los comerciantes de las tragaperras fue encontrado muerto en su Mark 10 Jag -un coche enorme-. Lo encontró un minero que regresaba a casa en su bicicleta en una fría mañana. Fue este contraste en los estilos de vida lo que me atrajo.
La americanización de nuestra cultura llega tarde o temprano. Nuestro primer asesinato en las tragaperras fue a principios de los 60, y hace poco en Nothing Hill tuvimos el primer tiroteo callejero."

Posiblemente la joya oculta del disco, la apertura que a la primera escucha pasa sin pena ni gloria y que a base de escuchar el disco te vas encariñando hasta cogerle verdadero aprecio. Va tomando algo de fuerza gracias a esa guitarra tan característica que habla por sí misma...es un tema precioso, ideal para acompañarte un día de lluvia, un día en el que la soledad sea tu mejor compañía...un día para reflexionar.

Boom, like that: "Ray Kroc fue un visionario, el hombre que convirtió Mc Donald's en lo que es hoy. Leí su libro y luego empecé a leer más sobre él. Hay oposición directa entre lo que él cree que hacía y lo que nosotros creemos que hacía. Algunos piensan que estableció el modelo de empresario americano y que hizo toda clase de maravillas, incluyendo el hecho de acercar la comida asequible a las masas, además de inventar un modelo de negocio que han recogido todas esas empresas que ahora nos venden café. Luego están los grupos antiglobalización que lo ven como a Satán."

El single de Knopfler por excelencia, ciertamente se trata de una canción con bastante "gancho", acompañada de un "ritmo vacilón" con mucho feeling y de la susurrante voz del "Yayo" (lo digo con todo el cariño del mundo), la causa de mi devoción a Knopfler repetitiva hasta la saciedad y que no me ha aburrido nunca, esto si que es MÚSICA para mis oídos...me embriaga ese dulzor en el sonido de su guitarra, me hipnotiza ese ritmillo...alucino con esa disposición de acordes en el estribillo y la chulería que desprende la canción en si misma...
Un disco de Knopfler sin canciones del tipo "Imelda", "What it is" o "Why Aye Man" se me haría cuesta arriba (son el reclamo).

Sucker Row: "Hace años yo iba conduciendo en Nashville con Chet Atkins y pasamos por una chabacana zona de tiendas donde vendían camisetas para los turistas y había bares donde los jóvenes de Nashville se sentaban a beber y charlar. Él dijo que la llamaban "Sucker Row". Yo tomé esa inspiración para una calle de bares de gogó donde las chicas bailaban en jaulas soñando con Las Vegas."

Un tema con un toque muy blusero y muy pacífico, otra joya, otro tema que incita a la reflexión, al relax, a la tranquilidad y al disfrute de esta vida...al menos mientras dure la canción. Quizá uno de los temas que individualmente pasa bastante desapercibido pero que me resulta imprescindible en un disco de Knopfler y además sea causante de echar la balanza a favor...

The trawlerman's song: "Ví a un pescador sentado en un muelle y la idea surgió de ahí. Hay también un elemento como de canción de amor en la que el pescador espera que su novia esté todavía ahí, cuando regrese a puerto."

Segundo single y otra joyita a añadir en la lista...apareció un EP de nombre homónimo que contenía "Back To Tupelo", "Song For Sonny Liston", "Boom, Like That", "Donegan's Gone" y "Stand Up Guy" interpretadas en directo más la versión del LP de "The Trawlerman's Song".

Back to Tupelo: "En la época de Elvis, ser el rey del rock and roll era algo secundario. Hollywood era mucho más importante que hacer cualquier clase de disco. Elvis no tardó mucho en dejarse tentar por Hollywood. Me quedé asombrado al saber que hay muchos mánagers en el negocio de la música de hoy que todavía admiran a Colonel Parker ("the lying Dutchman"), quien no era más que un feriante buscavidas que arruinó la carrera de Elvis.
Nada ha cambiado, hoy es igual. Muchos jóvenes de hoy en día sólo quieren ser famosos; ser una estrella del rock o de la televisión no es suficiente. ¿No sería fantástico si además pudiéramos ser una estrella de cine?."

Otra joya...¿puede ser que haya tantas seguidas...? en un disco de Knopfler ¡¡sí!!...este tema de sonido blusero crea una atmósfera entrañable y acogedora...es impresionante la sutileza con la que es capaz de transmitir sentimientos esa guitarra, ¿hacen falta grandes solos de guitarra para poder saborear con cuidado la calidad de Knopfler?

Our Shangri-La: "Grabé el álbum en California en los estudios Shangri-La, pero la canción no habla necesariamente de surfistas. Para mí, Shangri-La es cualquier cosa que pueda significar para cualquiera. Tenemos que intentar crear nuestro propio cielo, nadie lo va a hacer por nosotros. Si puedes crearlo, aunque sea por poco tiempo, entonces has ganado el juego. Tenemos que aprender a disfrutar del momento más de lo que solemos hacerlo, porque estamos muy condicionados a hacer planes a largo plazo y luego arrepentirnos con nostalgia."

Puede que alguno escuchando esta canción descubra ese cielo del que habla Knopfler, nos hallamos casi en el ecuador del disco y por ahora a mi entender, resulta perfecto, lástima que a partir de este tema las vibraciones (para mí ya no sean las mismas, ojo, no digo que el resto no merezca la pena, digo que hasta aquí el listón estaba bastante más alto).

Otro tema entrañable con un sonido totalmente Knopfleriano, ya no sólo por la guitarra sino por los arreglos y de nuevo ese atmósfera pacífica que lo envuelve...y me parece que no lo había dicho...he aquí otra joya, lástima que la última del disco.

Everybody pays: "Trata del precio que se paga si te dedicas a hacer música. Tendrás que pagar un precio. Me puse con esta canción hace unos diez años porque sentía algo muy negativo sobre la industria, lo cual no se correspondía con mis sueños de niño."

No entiendo el porqué digo que no es una joya...porque no será por no tener calidad, ni por no transmitir...siento que he subestimado esta canción por ir detrás de la gran "Our Shangri-La"...
así que...escúchenla con atención que se merece más de lo que he sido capaz de transmitir aquí.

Song for Sonny Liston: "Cuando yo estaba en la escuela, Sonny Liston era una figura oscura, imbatible, la montaña que Muhammad Ali tenía que derribar, el dragón que tenía que vencer. Liston vencía a todos sus oponentes con absoluta facilidad, podía perfectamente tomarse el almuerzo del domingo y luego subir al cuadrilátero y derribar a Floy Patterson, dejarlo K.O. y después irse a casa a celebrarlo. Era un rey que nunca sonreía.
Cuando encontraron su cuerpo en su apartamento e Las Vegas, había heroína en su cuerpo y marcas en sus brazos , a pesar que odiaba las agujas.
Leí "Night Train", un libro fascinante de Nick Tosches (En América se titula "The Devil in Sonny Liston"). "Night Train" era una canción que Liston utilizaba para practicar porque le encantaba su música. Una de las cosas que más me sorprendió es que nadie está seguro del día en que nación Sonny, y nadie está seguro del día en que murió. Había una simetría que me atraía. "

Lo más atractivo de esta canción es que resulta un tema de sonido algo más...¿duro?, tiene un ritmo bastante atractivo y vivo...una canción que realmente refleja el tema de la canción... supongo que por el "gancho" que tiene el riff principal de guitarra fue uno de los temas elegidos para la gira, no es de mis favoritos, pero me parece resultón.

A partir de aquí exceptuando algún tema, me resulta el disco más monótono, que no malo, me resulta menos destacable:

Whoop de doo: El punto inicial era la frase "whoop de doo". La contradicción es una parte muy interesante de la naturaleza humana. Esta canción trata de la contradicción del protagonista. Es mi visión de "I'm not in love", pero no tiene nada que ver con mi vida."

Postcard from Paraguay: "Dediqué esta canción a Ronnie, mi contable. Es la historia de alguien -un abogado, un estafador, cualquiera que te apetezca- que te ha robado dinero y ha salido huyendo."

All that matters: "Es un vals country que recuerda la música americana que me gustaba en mi adolescencia. Grabamos una versión para banda pero la basamos en un dueto de guitarra entre Richard Bennett y yo. Comparte algunos sentimientos con "Our Shangri-La" ya que el énfasis aquí y allá es muy importante."

Stand up guy: "En esencia el cantante no ha cambiado en absoluto, sigue siendo el que habla. "Stand up guy" habla de la historia de la publicidad cuando la radio estaba empezando a causar impacto. Esa gente de los negocios curiosean alrededor de un vendedor de pociones milagrosas, porque quieren meterlo en la radio.
Está visto desde la perspectiva del hombre que toca la canción, tocándola a la guitarra y el banjo. Hace años los músicos negros del sur recibían sus ingresos de varias fuentes, de modo que tenían que ser bastante versátiles, tenían que ir a tocar a fiestas y otros eventos, y a veces incluso tenían que poner la música al vendedor de pociones milagrosas. No era consciente de lo que ocurría porque en cuanto tenía tiempo libre, se gastaba lo que había ganado en divertirse."

Donegan's gone: "Lonnie Donegan y Hank and the Shads fueron dos cosas que me iluminaron cuando era niño. Estudié guitarra 'bottleneck' en mis años de adolescente cuando estaba en mí periodo de country blues. Toqué la guitarra 'bottleneck' en "Water of Love" en el primer album de Dire Straits y no me había vuelto a preocupar por ello hasta "Donegan's gone". En Junio toqué un tributo a Lonnie Donegan's en el Albert Hall. Toqué Donegan's Gone con Joe Brown cantando y fue muy divertido poder escirbir algo y hacer que funcionara. Me encanta cuando mi música se usa con el propósito para el que fue grabada."

Este tema digamos que resucita un poco el disco, le da un mejor "sabor final", resulta bastante animado y destaca en el álbum al igual que "Song for Sonny Liston", lo que pasa es que en lugar de tener ese toque tan blusero...es más country, un tema bastante acertado y además uno de los que eligió para tocar en directo durante la gira.

Don't crash the ambulance: "Surgió con la frase 'no te choques contra la ambulancia'. Me imaginé un traspaso de poderes. Podría ser un empleado de la limpieza diciéndoselo a su sucesor o un puñado de generales del Pentágono sentados en una mesa preguntando '¿Pero dónde demonios está Iraq?'."

Me gusta el final, resulta algo más melancólico en cuanto a transmisión de sentimientos, aunque también tiene un cierto tono irónico...desde luego no está a la altura de los primeros temas...pero en absoluto desmerece.

En general creo que se trata del disco más personal de MarkKnopfler en cuanto a sonido es bastante homogéneo y si no se le ha cogido el gustillo puede resultar muy cansado, mi impresión es que la primera mitad del disco (las ocho primeras canciones) son de una calidad excelente, frente la otra mitad que no es tan buena y resulta más aburrida, creo que no es el MEJOR de su discografía pero es el que más me gusta.

"Golden Heart" fue su primer disco en solitario y quizá tenga todavía cierto aire a "Dire Straits".
"Sailing to Philadelphia" posiblemente sea el mejor de su discografía, aunque también el más comercial...y por tanto el menos personal...me recuerda al "Supernatural" de Santana, muchas colaboraciones de lujo, con muchos temas buenos y con el toque personal de la casa.
"The Ragpicker's Dream" quizá el que pasa más desapercibido y uno de los mejores, suena muy country, contiene verdaderos temazos como "Hill Farmer's Blues"...y resulta verdaderamente íntimo y personal.

Tracklist:

01. 5.15 a.m. [05:54]
02. Boom, like that [05:49]
03. Sucker Row [04:56]
04. The trawlerman's song [05:02]
05. Back to Tupelo [04:31]
06. Our Shangri-La [05:41]
07. Everybody pays [05:24]
08. Song for Sonny Lison [05:06]
09. Whoop De Doo [03:53]
10. Postcards from Paraguay [04:07]
11. All that matters [04:07]
12. Stand up guy [04:32]
13. Donegan's gone [03:05]
14. Don't crash the ambulance [05:06]

Marbles

2006-12-07T22:27:00.001+01:00

[Actualizado] Publicado Originalmente [09/11/2006]

Intréprete: Marillion
Título: Marbles
Género: Pop-Progresivo
Año: 2004

"Lástima no haberlos descubierto antes", eso es lo que pensé después de haber escuchado este maravilloso disco, recuerdo haberlo visto en la tienda el año que se publicó y no hacerle ni caso...y dos años después gracias a la recomendación de un amigo, fue ver un CD promo de Marbles en un stand de una feria del disco y comprarlo compulsívamente (otra de esas compras que no sólo nunca me arrepentiré, sino que estaré eternamente agradecido). Lo único malo de esto fue que la edición promocional contenía lo que en la web oficial llaman retail edition, es decir, una versión con menos canciones, o mejor dicho, solamente se puede obtener la edición doble (con más canciones) haciendo el pedido a la web oficial :

http://www.marillion.com/music/albums/marbles.htm

Lo curioso del asunto ya no sólo es que solamente en la web oficial se puede obtener el ejemplar completo sino que existe una versión más lujosa del CD que contenía entrevistas y comentarios sobre la realización del CD y un libreto con el nombre de aquellos fans que habían contribuido a la realización del CD (venta), antes de haberse grabado, es una buena forma de asegurar ventas y una buena forma de demostrar que Marillion tiene una legión de fans muy fieles a su música.

De todas formas esto ya se remonta alrededor de 1997, cuando...Marillion se dio cuenta de que Internet proporcionaba la oportunidad ideal para cultivar un contacto más directo con sus fans. Ocurrió que un fan en su lista de correo reunió dinero suficiente para que la banda pudiera viajar a los Estados Unidos. La aparición del álbum "Marillion.com" en 1999 abanderó su recién estrenada página web y su también recién estrenado sello discográfico, pero fue el concepto revolucionario de pedir a los fans que encargaran y pagaran por adelantado los costes de grabación de un álbum, más o menos 12 meses antes de su publicación, lo que fue noticia en el 2001. Increíblemente, más de 12000 fans pidieron el álbum con anticipación y se cerró un acuerdo adicional con EMI para lanzar al mercado "Anoraknophobia", el álbum resultante. Se utilizó una campaña similar para conseguir dinero para el último álbum de la banda, "Marbles", pero esta vez el dinero conseguido fue destinado a una campaña para promocionar el álbum. En lo que respecta a la lealtad de sus fans, se puede decir que Marillion tiene una sólida base internacional de seguidores con la que competir con el público mayoritario.

http://www.thewebspain.com

Aquí os dejo un pequeño fragmento de una interesante entrevista a Steve Howarth (vocalista y letrista del grupo), en la que se hace patente el aprecio y la importancia de los fans para Marillion:

Pregunta-“Marbles” es el primer doble álbum de la banda (si exceptuamos el realizado en vivo con Fish a modo de despedida del enigmático vocalista). Han sido editadas una edición comercial sencilla y otra doble para los fans que compraron el álbum antes de que estuviera grabado. Una vez más demostráis, desde la auto-edición en vuestro sello y a través de vuestra web, que se le puede trabajar al margen de la industria con el apoyo directo de quien te sigue. Vuestra web es el punto máximo y más directo de información y de contacto con el grupo. Tras experiencias de todos los colores en sellos independientes y multinacionales volvéis a repetir el método de trabajo que articulasteis para editar “Anoraknphobia”, cuando más de 12.000 personas hicieron su pre-pedido un año antes de que el disco estuviera grabado.

Steve H.Hogarth- “Por una parte sigo pensando que lo bueno de las multinacionales es que tiene poder pero realmente tienen demasiadas prioridades. En las independientes eres el artista más importante pero puede llegar a ser muy inestable financieramente, con lo cual si dos personas del sello se van de vacaciones afecta a todo el trabajo del sello.

A la hora de empezar a mirar con los dos últimos discos el tema de los contratos, después de haber estado en multinacional, nos encontramos con mucha gente que nos puso contratos sobre la mesa, pero pedían demasiados avances, ideaban campañas, daban las mismas vueltas... la misma mierda que no nos convenía, de tal forma llegamos a la idea de empezar a hacer la campaña que hicimos... el resultado: vendimos 13.000 discos de los que sacamos mucho más dinero y beneficios que las 90.000 copias que llegó a vender Emi, con la que finalmente firmamos para distribuir el disco. ¿Cuál es la situación ahora?, hemos vendido 15.000 unidades de la edición doble especial para fans de Marbles, se ha prevendido con bastante antelación y ahora tenemos medio millón de libras en el banco. ¿Qué mejor forma que estar fuera de lo que es el negocio musical?. No queremos nunca volver a estar dentro del engranaje de la industria discográfica.

Un consejo para cualquier grupo joven que este escuchando ahí fuera: recupera las direcciones de e-mail de todos tus fans porque esa base que te puedes crear, al final puede ser muy buena de cara a tu futuro sobre todo por si tienes que recurrir a ellos si consideran que eres un grupo importante. Los fans son fundamentales en la vida e historia de Marillion.”

La idea de Marbles tiene que ver directamente con Steve Hogarth, su padre le quitó un día las canicas porque al salir del colegio, él y unos amigos tiraron sus cánicas al aire utilizando raquetas de tenis...lo cual significo el posterior enfado de su padre tras haber roto algunos cristales de un invernadero cercano, el enfado supuso tirar aquellos pequeños y preciados tesoros (aquellas pequeñas cosas que a un niño le causan momentos de felicidad). Hogarth no perdonó a su padre hasta pasado MUCHO tiempo, tanto que casi no le perdona...porque su padre murió poco después.

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Marbles se encarga de transmitirnos mediante canciones la esencia de la infancia, la inocencia en la mirada de un niño, cosas pequeñas que para un niño son un mundo (las canicas...por ejemplo)y cosas que gracias a esa pequeña ignorancia tienen fácil solución (¿para qué conflictos bélicos si podrías disfrutar con una partida a las canicas?), la mentalidad de un niño es sencilla y positiva, lástima que "maduremos" tanto a veces...

Pasando a lo intrínsecamente musical, Marbles es un disco muy atmosférico en el cual se funden sensibilidad y emotividad de letras y música captando al oyente de forma que la escucha se hace continuada y agradable, llegando a momentos cumbre en los que una escucha muy atenta puede provocar momentos de verdadera emoción...momentos en los que uno dice... ¡¡Joder!!...¡¡impresionante!! (no hay lugar para las palabras...para definir esa sensación hay que escuchar el disco).

De momento comentaré la "retail version" que es la que he escuchado...en un futuro si escucho la doble (que esperaré a tenerla original) ampliaré el artículo:

The Invisible Man: una intro un tanto misteriosa nos introduce en el papel de hombre invisible, ese papel del que nos habla Hogarth que siente ante la situación de la sociedad, andamos por la vida como hombres invisibles, somos tan sólo espectadores de las desgracias que ocurren en todo nuestro alrededor.

The Invisible Man es el corte más largo del disco y tiene un aire progresivo...aunque más bien diría yo mágico... atmosférico... místico... entorno al minuto [08:29] va engrandeciéndose el tema de forma bestial, va subiendo de tono y creando un clímax potente a la vez que épico...para volver a la calma poco después y ofrecernos un precioso solo de guitarra-piano y acabar otra vez por lo más alto al estilo "Afraid Of Sunlight"...pero esto sólo es el comienzo.

Marbles I: enigmática melodía de piano...con un ritmo muy pausado y acompañado de sonidos atmosféricos que dan una sensación de estar rodeados por miles de gotitas que van cayendo a nuestro alrededor, ¿o serán las canicas?...¿os imaginaís un cielo en el que hay cientos...miles de ellas y cayendo como gotas de agua?. La letra de la canción dice lo siguiente:

¿Alguien ha visto mi última canica... mientras rodaba y se alejaba por el suelo?/Se cayó en un agujero en la esquina/De una habitación de una ciudad durante una gira.
Te sientes sólo sin tu última canica/Echo de menos verla correr a mi alrededor/Mientras estoy tumbado en la cama/Hay un vacío en mi cabeza/Donde solía haber colores y sonido...

You're Gone: bueno yo al principio no tenía mucho que opinar sobre este primer single, simplemente que a la primera escucha no me entró muy bien (aunque su escucha es muy agradable, no me decía nada)...pero...como a todo en esta vida, hay que darle una segunda oportunidad y ciertamente no me arrepiento, el single desprende un aire a U2 (es como un guiño), y cada vez se me hace más pegadizo ese estribillo, pero si en vez de conformarnos tan sólo con la música nos adentramos en el significado...las interpretaciones pueden ser múltiples pero está claro el mensaje, y es que siempre existe en nuestras vidas personas a las que queremos, tan importantes...que cuando marchan la sombra que dejan todavía nos cubre, haciéndo que el único instante de la vida...el único encuentro posible con ellas, sea en nuestros propios sueños o recuerdos...¡Ahora sí que tiene sentido!, preciosa...

Angelina: un tema tranquilo, sutil y exquisito. Si comenzara directamente en el minuto 1:50 sería perfecto...un poco más directo, pero sin perder esa delicadeza que le caracteriza, es un tema con un toque blusero a la guitarra hay momentos en los que la delicadeza de Rothery a la guitarra es comparable con la de Gilmour.

Marbles II: continuamos con la segunda parte de la canción de las canicas, esta vez el tema se torna un poco más acústico...parece ser que este tema es de doble filo, por un lado tenemos la historia de Hogarth y su pasión de cuando era pequeño, las canicas; por otro lado la parte más metafórica de la letra...esas canicas que reflejan la inocencia del niño que hay dentro de Hogarth.

Cuando era un niño tenía canicas/Despertaban admiración y fama/Era bonito mirarlas y las canicas eran siempre mi juego favorito.
Jugábamos todos los días del verano/En los pedregosos callejones/En el patio después de clase/Cambiábamos los cristales de colores/Más valiosos que los diamantes/Más mágicos que los diamantes/¿Alguien ha visto...?/¿Alguien ha visto...?/¿Alguien ve?

Don't Hurt Yourself: una pequeña introducción acústica intenta despistarnos con lo que segundos más tardes vamos a escuchar...esos acordes se van transformando hasta llegar el sonido eléctrico de Rothery, nos encontramos ante un single con mayúsculas, tras esa intro la fuerza que adquiere el tema es bastante importante...resulta muy popero...pero es magnífico Hogarth se sale, y que decir del estribillo...es un ESTRIBILLO con mucho feeling de esos que te provocan un "residuo musical" (el run-run ese que te queda todo el día en la cabeza y que no te deja parar de tararearlo). Otro tema que contiene un mensaje para aquellos que no están pasando su mejor momento:

“El pasado sólo te atormentará Vive el presente, cada día es una puerta abierta”
No te hagas daño (Don't Hurt Yourself...).

Fantastic Place: canción sutil, relajante, delicada, preciosa, intensa y sugerente, canción fabulosa, canción que enamora, canción embriagadora, canción de canciones, canción que despierta la semilla del amor que está en el interior de nuestro corazón, semilla que en segundos florece...y si no lo hace en forma de lágrima lo hará en forma nudo en la boca del estómago, cosquilleo o alguna sensación similar:

Siempre es una lucha/Dejar marchar a alguien/Es un deseo natural/Querer poseer a tu amante, lo sé. (...) Llévame a un lugar fantástico/Mantén alejado el resto de mi vida .

Este es el SENTIMIENTO de los sentimientos…y que mejor expresado que con esta canción.

Es curioso pero con el paso del tiempo y de las escuchas, se ha convertido (además del"pelotazo" Neverland ) en una de mis canciones preferidas...no sólo de Marillion sino de la música en general.

Marbles III: tercera parte de la historia del pequeño Rothery, historia que le marcó, le marcó tanto como para grabar un disco (no completamente conceptual, pero sí temático) que se inspira en él sentimiento infantil y la pérdida del mismo, de ahí lo extrapola a la cruel realidad. El comienzo del tema es más misterioso que el primero y al final queda la historia suspendida para retomarla posteriormente en el definitivo Marbles IV.

Había casi cuatrocientas hasta el día negro/En que descubrí lo alto que podían volar hacia el cielo/Si las usabas para el tenis en lugar de una pelota...
Satélites de cristal zumbantes más crueles que el destino/Golpeados fuertemente con una raqueta hacia el azul/Había roto todos los invernaderos de alrededor/Y una multitud formó una cola en la puerta...

Drilling Holes: es el tema más experimental disco, tiene un toque bastante progresivo, y la atmósfera estresante en algunos momentos y en otros totalmente pacífica crea cierta inquietud. Un tema muy bien trabajado y diferente.

Steve H.Hogarth- "...Lo que resulta más curioso aun es que muchas de las partes, por ejemplo en Marbles II, provienen de la demo, están sacadas de ahí. Lo grabé en casa, lo metí en el portátil y fue lo que le di a Dave y el utilizo después. En la canción Drilling Holes son las grabaciones que hice en la cocina de mi casa las que finalmente, en la parte principal de las voces, han ido en el disco. La cante de nuevo en el estudio pero a Dave le gusto mucho más la de la cocina... jejejejeje...”

Marbles IV: cada vez que escucho los fragmentos de Marbles me parecen más interesantes... me ha acabado por cautivar el contenido lírico, la importancia que Hogarth dió a sus preciadas canicas...y el revés que le da al sentido de la canción...¿qué perdió al final, las canicas o la cordura?.

Ese fue casi el final de mis canicas/Confiscadas, no pude contener las lágrimas/Me aferré a un puñado de mis favoritas que desaparecieron con el paso de los años
¿Alguien ha visto mi última canica?/Juro que la tenía antes/A veces pienso que debería ir a ver a un psiquiatra/Por si él pudiera encontrarme algunas más
¿Alguien ha visto mi última canica?/La había guardado para regalarla/Desde que era joven Ahora no tengo ninguna prueba/Tan sólo palabras...

Neverland: llegamos al final de esta maravillosa obra musical repleta de sentimiento, atmósferas e interpretaciones, Neverland es un tema que no hace más que crecer...cuanto más lo escucho más me gusta y más veces quiero oírlo...posiblemente el mejor tema de Marillion. El nivel de interpretación de Hogarth llega a niveles insospechados, el clímax no se alcanza en un momento en concreto...el clímax es la canción al completo...todo lo que se diga de Neverland es poco, la temática...de nuevo el amor, esta vez parece que tiene que ver con Peter Pan... es una canción que habla del amor más puro...de un amor de película del amor llevado a la máxima expresión:

(...) Quédate junto a mí Susúrrame: “Aquí estoy” Y la soledad.... desaparece. (...)

(...) Tú me proporcionas el alma, la chispa que me hace seguir adelante. (...)

[Estribillo]: En momentos como estos, cualquier tonto puede ver tu amor dentro de mí

Impresionante y emotivo es el pasaje en el que Hogarth hace eco de lo que dice con su propia voz...minuto [05:21] mientras Rothery va respondiendo con poderosos fraseos a la guitarra totlamente inspiradores y cargados de sentimientos.

(...) Cuando estás conmigo/Puedo aguantarlo/Puedo aguantar
Pero cuando te has ido/Nunca aterrizo......en el país de Nunca Jamás

MARAVILLOSO

Aquí os dejo con un video de la gira de "Marbles", espero que disfruteis con el espectáculo.

[At times like these/Any fool can see/Any fool can see/Your love inside me]

01. Invisible Man [13:37]
02. Marbles I [01:46]
03. You're Gone [06:28]
04. Angelina [07:41]
05. Marbles II [01:55]
06. Don't Hurt Yourself [05:48]
07. Fantastic Place [06:12]
08. Marbles III [01:51]
09. Drilling Holes [05:11]
10. Marbles IV [01:25]
11. Neverland [12:09]
12. You're Gone (Single Mix) [04:00]

Si os gusta Marillion os recomiendo que os paseis por el foro http://www.thewebspain.com son gente super-agradable y no tienen ningún problema en resolver vuestras dudas.

Actualización [07/12/2006]

Bueno tras un mes de intensa escucha del Marbles sin acabar agotado, ni exahusto y cada vez con más ganas de seguir escuchándolo, he llegado a la conclusión de que este se ha convertido en uno de los GRANDES en mi colección. Hace unos quince días pedí por internet la versión extendida de este álbum y me llegó hace muy poquitos días, ¡¡qué ganas tenía!!...después de haberla saboreado (no lo suficiente...nunca será suficiente, ya que es un disco que entra muy bien), he decidido ampliar este artículo.

Lo primero que me encontré al tomar la edición doble fue que la portada era ligeramente diferente si nos fijamos en la foto veremos que es un montaje y que en parte izquierda pertenece a la cara de una niña y la derecha a la de un niño (fijaos en las manos...una más sucia que la otra) y en la edición doble se pueden observar por separado...lo cierto es que el artwork de este disco me ha encantado, sólo hay que ver las imágenes del folleto interior...magníficas. De entrada la presentación es todo un lujo, pero es que luego podemos observar que hay una ligera variación en la disposición de los temas:

CD1

01. Invisible Man [13:37]
02. Marbles I [01:46]
03. Genie [04:54]
04. Fantastic Place [06:12]
05. The Only Unforgivable Thing [07:13]
06. Marbles II [01:55]
07. Ocean Cloud [17:58]

CD2

01. Marbles III [01:51]
02. The Damage [04:35]
03. Don't Hurt Yourself [05:48]
04. You're Gone [06:28]
05. Angelina [07:41]
06. Drilling Holes [05:11]
07. Marbles IV [01:25]
08. Neverland [12:09]

los temas marcados en negrita son los temas extras que vienen en la versión doble

Ahora la primera escucha se hace extraña por la disposición de los temas, pero me gusta la estructura, sobre todo la del primer disco es casi capicúa...The Invisible Man (que abre el disco) y Ocean Cloud (que lo cierra) aportan una gran solidez, ya que son dos piezas extensas y totalmente progresivas, en mi opinión las piezas de mayor calidad del CD1 (no por ello desmerecen las demás, pero sin que son más intensas. La segunda pieza y la penúltima son Marbles I y II (respectivamente...y sigue conservando el carácter capicúa), para terminar tenemos en el ecuador tres magníficas baladas Genie, Fantastic Place y The Unforgivable Thing (a cual mejor...). De momento ninguno de los tres temas no incluidos en la retail edition tienen desperdicio.

Respecto al segundo CD2 tenemos menos novedades, tan sólo un tema, The Damage, y que personalmente es el que menos me ha convencido a estas alturas, en conjunto el CD2 es más fácil de escuchar contiene un par de buenos singles (ya comentados arriba) y la pieza estrella del esta gran obra que sirve de colofón...Neverland, dándole todavía ese aspecto homogeneo a la obra y aportándole la última chispa de calidad, dejándonos con "un magnífico sabor de boca" (o run-run de oído).

Y después de esta re-introducción os desglosaré un poquillo el contenido de esta nueva edición:

Genie: una canción preciosa, otra de esas que ganan con las escuchas, sobretodo en intensidad emotiva, el comienzo bajo ese punteo de guitarra tan relajante me encanta...momento en el que Hogarth dice: I let the genie out of the box que viene del dicho "I let the genie out of the bottle"
y quiere decir algo así como que ha revelado todos sus secretos, todos sus problemas, lo más íntimo de su ser (el genio) y una vez hecho no hay vuelta atrás...en el foro de The Web Spain encontré un pequeño resumen de la historia que esconde Genie:

...en una ocasión a Hogarth se le acercó una mujer que aseguraba que le había conocido en otra vida, y que habían estado muy unidos. Le citó en un lugar, donde él encontraría la respuesta a algo que desconocía. Nunca fue a ese sitio, pero nunca se le pudo quitar de la cabeza. ¿Qué hubiera pasado si hubiera ido? ¿Quién soy, quién fui? La creencia en la magia, en la inocencia, en la curiosidad típica de los niños, que no hubiesen dudado en mirar dentro de la caja.

La canción en si tiene un contenido mágico, misterioso e intrigante...pero es que la música también lo transmite y eso es lo bueno de Marillion...cuando Hogarth pronuncia el siguiente fragmento con una voz aniñada...

Dice que tiene tanto que decir/Pero que no lo va a decir hoy/Dijo: “Vuelve cuando estés solo”
Pero no estoy seguro de querer saber más/Porque quizá su camino
Es una calle de una sola dirección/Quizá su camino...

Tengo miedo de todo lo que soy/Tengo miedo de abrir la lata
Tengo miedo de perder lo que soy/Creo que quizás ya he cogido todo lo que podía
Dejé salir el genio de la caja/Dejé salir el genio de la caja

...resulta de lo más emotivo, entonces es donde se descubre el temor (ese miedo que todos tenemos y que él no ha ocultado)...ese miedo que a pesar de ser (físicamente) mayor parece tan sólo infantil...

The Only Unforgivable Thing: esta canción en apariencia sencillita al estilo de Genie y de Fanastic Place con una guitarra por parte de Rothery preciosa, en el foro de The Web Spain Marcos infiere lo siguiente:

...el sentimiento de culpa. Ese sentimiento de culpabilidad nos corroe y nos impide seguir avanzando. Vive con nosotros día tras día. La pregunta que me hago yo es ¿Qué es lo único imperdonable?... Yo no lo sé, habría que preguntárselo a Hogarth (...). Hogarth no perdonó a su padre hasta poco tiempo antes de morirse por culpa de unas malditas canicas.... ¿perdió la infancia Hogarth el mismo día que perdió sus canicas al nacer en él su sentimiento de culpa hacia su padre? No sé...

...una deducción bastante lógica del contenido lírico. Y otra gran canción que se ha sumado a esta doble edición sin ningún remordimiento...sin temor a ser excluida y ante todo a la altura del disco en general...

Ocean Cloud: en mi opinión este tema es la escusa perfecta para justificar el desembolso de la edición doble...no es que las otras canciones no me llenaran lo suficiente...pero es que no esperaba esta "salvajada" de casi 18 minutos...es un tema BRUTAL, muy atmosférico por una parte y muy épico por otra...es una de las cumbres de esta gran obra que aumenta de intensidad cada vez que la escucho...en fin no tengo mucho más que aportar porque aquí os transcribo, tal cual, el análisis de otro forero...¡¡no tiene desperdicio!! (gracias a Manu).

LA CALMA DESPUÉS DE LA TORMENTA

Ocean Cloud es un viaje, supone relajarnos con las atmósferas de teclado creadas por Mark Kelly, emocionarnos con los solos de guitarra de Steve Rothery o sentir la intensidad de una tormenta en mar abierto a través de la voz de Hogarth y la base rítmica Mosley/Trewavas. Pero sobre todo Ocean Cloud es una historia de superación. La historia de un hombre y del mar.

Ocean Cloud vuelve a mostrarnos la obsesión de H por el mar y sus historias. La canción está dedicada a Don Allum y el Ocean Rowers. Don Allun fue la primera persona en cruzar sólo el Océano Atlántico a remo. La letra de la canción habla de su vida, de su pasión por el mar y de las adversidades que tuvo que soportar Allum para llegar a conseguir su objetivo. Lo más destacable de la canción es lo bien que están integradas letra y música apoyándose mutuamente para contar la historia.

H describía como se inspiró en una entrevista:

“Fue un documental de la televisión de hace algunos años sobre un hombre mayor que intentó ir remando por el Pacífico. Le sorprendió una tormenta, su bote volcó y quedó atrapado en una pequeña burbuja de aire. Finalmente fue salvado y lo sacaron con vida. Es simplemente una canción sobre la perseverancia y un viaje en un punto de la vida de un hombre. Es desde luego un poco de ficción basada en un par de hechos.”

Comienza el viaje...

La canción comienza con la voz de H diciendo: “...he visto demasiado en la vida y ya no hay vuelta atrás...” y sigue con una melodía pausada acompañada por unos acortes de guitarra de Rothery que dan la sensación de estar dentro del mar, escuchando las olas. También aparecen los teclados de Mark creando una atmósfera de calma total. En esta primera parte Hogarth nos describe la pasión de Allum por el mar, que tiene una locura en mente a pesar de su edad. De repente entra el primer sólo de guitarra de la canción haciendo la melodía principal del tema que se repetirá varias veces. Se nos muestra el estribillo dejando claras las ideas que le rondan por la cabeza “...puedes coger todos los chicos y chicas del mundo y los cambiaré esta mañana por mi dulce Ocean Cloud, he visto demasiado en la vida así que el mar es mi mujer y una dulce Ocean Cloud la amante que me puedo permitir por ahora...”. Posteriormente la música va creciendo en intensidad mientras H grita “...solos yo y el mar haremos lo que nos parezca...”. La música vuelve a la calma total. Unos sencillos acordes de guitarra dan paso a la parte más ambiental del tema formada prácticamente por sintetizadores y efectos. De repente, por encima de los sonidos de Mark Kelly se escucha la radio:

“...es la primera persona en cruzar solo el Atlántico a remo en las dos direcciones. Mr Don Allum se puso en camino desde las Canarias el año pasado y arribó tierra en Nevis en las Antillas 114 días después. En el viaje de vuelta salió desde Newfoundland (Canadá) y remo hasta tierra la pasada noche en la isla Achill en el condado de Mayo (noroeste de Irlanda)...”

Siguen los sintetizadores y el ambiente de calma. Ahora es el propio Allum el que habla:

“...lo último de agua, no tenía agua, me estaba alimentando de agua de mar, un poco de agua de mar por día y sangre de pez...volqué tres veces y dos de ellas fueron por la noche o al amanecer, y no es muy divertido, negro como la boca de un lobo, el barco al revés, no puedo encontrar una linterna...en el quincuagésimo día hubo una tormenta y había viento y lluvia. De repente paró el viento y la lluvia y me medio giré y vi esa pared completamente negra de agua...”

Justo en este instante el bajo de Pete da paso a otra sección. Toda la banda entra tocando de forma muy agresiva con un riff de guitarra muy potente y batería y bajo haciendo un ritmo muy marcado. Hogarth empieza a cantar con esa profunda solemnidad a la que nos tiene acostumbrados, nos cuenta como un viejo profesor de Allum se reía de él por no tener músculos ni agallas. “...en toda la clase hubo risas y silenciosamente agradecieron a Dios que no fueran ellos...” la banda sube un poco más en intensidad y de repente volvemos a la calma.

Una guitarra acústica nos hace avanzar en el tiempo “...el tiempo se venga...”, Allum reflexiona sobre su próximo destino “...estaré en Barbados dentro de un par de semanas... con ron sobre la mesa e historias junto al astillero...” y se vuelve a repetir el estribillo. Mosley crea un ritmo de batería jugando con los timbales que empieza poco a poco a ser inquietante... el bajo y la guitarra hacen lo propio empezando a crear tensión a lo largo del tema “...el viento cambió...”, Allum ya se encuentra navegando sobre el mar y sobre sus propios pensamientos “...como seda trazada a lo largo de mi cuello...un sueño de tus piernas...” “...la ola mediana trajo señales... tu tierna voz montada sobre la espuma del mar...” la música sigue lentamente subiendo de intensidad “...algo en el aire...para aquellos que conocen las señales...” la música sugiere que algo malo está pasando, algo que se acerca “...algo en el aire...Una tormenta”.

En ese mismo instante damos otro salto musical y la banda crea un ambiente totalmente agobiante y macabro“...cuando estaba vivo...”. Otro nuevo cambio: ahora es la potente voz de hogarth la protagonista acompañada de un ritmo envenenado de batería. La tormenta está muy cerca. La ola negra se aproxima “...Mírame, Mírame... pinta este dibujo...desplegándose...hiriendo” hogarth empieza cada vez a gritar más y a subir y bajar tonos mientras grita la letra – algo que produce un efecto de desesperación y desasosiego absoluto –“...maldiciendo...mírame...aceptándolo...mírame...mírame...Dios en lo alto...”.

Volvemos a la calma absoluta. El bajo de Pete nuevamente sirve para cambiar a otro paisaje. La calma después de la tormenta. No sabemos que ha pasado con Allen. Vuelven los sintetizadores haciendo efectos. “...entre dos planetas...entre dos puntos de luz...entre dos distantes orillas...aquí estoy...” parece que nuestro protagonista ha volcado “...en la negra luz del día del espacio...el hombre invisible...” la música se para por completo y la voz de hogarth susurra “...reventando la radio...quiero estar solo...”. La canción estalla con un emotivo sólo de Rothery apoyado por toda la banda y desemboca de nuevo en el estribillo y tema principal ésta vez con más fuerza e intensidad. Finalmente con la frase “...Así que el mar es mi mujer... y las dulces nubes del océano mirarán hacía abajo mis huesos ésta noche...” termina el viaje de Don Allen y su barco. Vuelven los sintetizadores y con unos sonidos de gaviotas llegamos al final del tema.

Esta canción realmente no se puede describir con palabras dada su envergadura y densidad. Es una canción muy cinematográfica en la que siempre que la escuchas te vienen multitud de imágenes a la cabeza. Una canción que siempre te muestra nuevos elementos con cada escucha. Una canción con la que Marillion volvieron a demostrar que son el secreto mejor guardado de la música actual.

Ningún melómano que se precie debería morir sin escucharla.

Ahí queda eso...pero no os dejaré marchar sin recalcar que el estribillo que encierra este temazo es ¡¡sublime!!...¡¡exquisito!!...¡¡grandioso!!...¡¡épico!!. Haced caso de las sabias palabras de Manu (sobretodo de la última frase).

The Damage: bueno ahora llega el que para mi es la oveja negra...es diferente, tiene un aire a glam-rock, otro a progresivo, y el resultado es un tanto extravagante, a excepción del estribillo que resulta muy rockerillo...es un tema muy coqueto pero este sería el único que yo personalmente hubiera dejado como una cara B en algún single...al final resulta pegadizo...todo hay que decirlo. Y en cuanto a la temática es como una segunda parte de Genie que en cierta manera la da un toque más atractivo.

Otros discos de Marillion comentados en este blog:

Somewhere Else [2007]

The Power To Believe

2006-11-03T09:23:00.000+01:00

Intérprete: King Crimson
Adrian Belew (Guitar & Vocal)
Robert Fripp(Guitar)
Trey Gunn (Warr Guitar, Fretless Warr Guitar)
Pat Mastelotto (Traps And Buttons)
Título: The Power To Believe
Género: Rock Progresivo
Año: 2003

¿Quiénes son King Crimson?, ¿qué tipo de música hacen?, ¿es ético y está permitido tocar como ellos lo hacen?, estas y otras muchas preguntas te asaltan después de escuchar cualquier disco de esta gran banda de música ó institución como denomina el autor de una web que leí no hace mucho: http://drmusicstudio.cmact.com/Grupos/king_crimson.htm

Y encontré la definición perfecta para describir a King Crimson:

"King Crimson no es exactamente una banda de rock. Es una institución. Diríase también una escuela de pensamiento musical. A lo largo de sus treinta años de existencia, el Rey Carmesí no ha sido tan sólo una banda más del rock progresivo, sino que ha logrado crear y sostener un paradigma musical extraordinario y único, una filosofía íntegra y distintiva en el modo de utilizar los instrumentos y componer piezas que ningún otro grupo soñaría jamás con imitar.
(....)
El ideólogo principal de esta institución se llama Robert Fripp, sin lugar a dudas uno de los guitarristas más virtuosos y orginales que me ha tocado escuchar. Olviden los devaneos pseudofilosóficos que hay que tragarse cuando da entrevistas (quizá no sean devaneos pseudofilosóficos, pero hasta ahora no entendí ni jota de lo que trata de explicar); cuando este tipo tiene una guitarra en la mano sí que puede ser un verdadero filósofo. Un filósofo de la música, capaz de alcanzar con sus exploraciones aquellas regiones oscuras, aquellas zonas extremas, y hasta peligrosas, que el rock revela solo a ciertos iluminados. (....).El oyente se sentirá excitado cerebralmente, anonadado frente a la desafiante música del Rey.

Robert Fripp, por si no lo conocen, es el anti-rock por excelencia. Lo último que uno se imaginaría de un guitarrista de rock. Toca la guitarra sentado, lejos de las luces, con sus lentes y su barbita, sin traspirar, sin hacer morisquetas demagógicas ni acrobacias decorativas en escena. Todo lo que hace está en sus dedos. Allí sí que se saca y se saca mal. Mientras él es un bloque de hielo alejado de las luces sus dedos poseídos son puro fuego. Un personaje raro, atípico y extraordinario. "

Aquí os dejo un video de Robert Fripp y sus sounscapes, no hace uso y abuso de su virtuosismo, sino que se trata de una muestra de delicadeza y buen gusto...va tocando diversas frases que se van sumando a las siguientes, va creando bucles uno sobre otro y creando una capa de efectos realmente bella. Aviso: este video no es apto para impacientes.

"The ConstruKction of Light" junto con "The Power To Believe" me introdujeron en el mundillo Crimsoniano, fue un día de esos que iba a estudiar a la biblioteca y quise probar a escuchar algo diferente...y para mi sorpresa fue tan diferente que no pude con ellos (y como ocurrió con Dream Theater, los aparqué durante una temporada....pero ahí quedó la semilla....), al tiempo los volví a retomar, pero muy por encima, en esos momentos quedé fascinado por tres temas: Level Five, Facts Of Life y Happy with what you have to be happy with.

No pasó mucho tiempo y sentí curiosidad por profundizar más en la carrera de esta gran institución, y para comenzar desde un punto interesante de su carrera escuché la triada de los ochenta: Discipline, Beat y ThreeOf A Perfect Pair. En seguida retomé The Power To Believe, entonces empezó a despertar esa semilla que había quedado hacía un tiempo, redescubriendo temas que habían pasado completamente desapercibidos y que en estos momentos considero que es un disco que no tiene desperdicio alguno.

Level Five: creo que sin duda alguna es mi tema favorito, representa fielmente el patrón a seguir de Fripp, esta repleto de polirritmias, disonancias, momentos de gran tensión, atmósferas oscuras e inquietantes, riffs abrasivos, una batería deshumanizada y brutal. Es otro nivel de entender la música. Level Five parece ser que es un vestigio de la saga Larks' Tongues In Aspic esta vez vamos por la quinta parte. Puede que en el video os llame la atención el pedazo de bajo que lleva Trey Gunn (un híbrido entre bajo y stick da lugar a lo que el denomina Warr Guitar).

Eyes Wide Open: este sería el tema más suave, aunque de tono inquietante, es bastante calmado, con un acompañamiento a veces un tanto psicodélico y al final en el estribillo un tanto popero. Recuerda bastante a la época de Three Of A Perfect Pair.Una delicia para el oído.

Elektrik: el comienzo parece sacado de una película antigüa de ficción, es como si Fripp y Lovecraft fueran almas gemelas, el uno escribió relatos de terror psicológico y el otro compone de forma terrorificamente extraña y particular, es como si las pesadillas de Lovecraft cobrasen vida con las notas de Fripp. Es maravillosa la atmósfera que después de la intro van creando las guitarras de Fripp y Belew, a lo largo del tema podemos escuchar como esas guitarras nos sumergen en un mundo de confusión y misterio es como si me hallara en el punto intermedio entre la cordura y la locura que acababa terminando con los personajes de Lovecraft.

Facts Of Life: este tema es algo así como un blues psicótico-paranoico, resulta bastante agresivo tanto vocal como instrumentalmente, alucino escuchando la brutal y contundente batería de Pat Mastelotto y el cambio de registro en la voz de Adrian Belew. Facts Of Life parece la continuación del Prozack Blues del anterior album "The ConstruKction of Light".

The Power To Believe II: esta es la parte más desarrollada de las cuatro incluidas en el album. Curiosamente este tema tiene cierto parecido con el EP Level Five que apareció a la venta el año anterior durante la gira del grupo, este contenía material inédito, en concreto tres temas, dos de ellos eran Level Five y Dangerous Curves, el tercero se asemaja en cuanto a estrcutura a The Power To Believe II. Tiene un toque oriental en cuanto a percusiones y ambientación (creada a base de soundscapes).

Dangerous Curves: es un tema bastante progresivo, en el cual la batería de Pat Mastelotto junto a la Warr guitar de Trey Gunn cobran bastante protagonismo. Tiene un aire de rock electrónico al estilo B.S.O. Matrix, el tema va tomando fuerza de forma progresiva, le cuesta arrancar, pero una vez lo hace se va acelerando hasta terminar de forma brusca con una magnífica percusión.

Happy with what you have to be happy with: es un tema con un toque nu-metalero, la voz de Belew suena desgarrada y agresiva hasta llegar al estribillo, en el cual juega con la extensión del estribillo desordenando sus palabras y alterando el sentido de la oración:

"Happy with what you have to be happy with you have to be happy with what you have to be happy with what you have happy with what you have to be happy with you have to be happy with what you have to be happy with what you have you have to be happy with what you have to be happy with."

Anteriormente al lanzamiento de The Power To Believe se publicó otro EP con el nombre de... Happy with what you have to be happy with (cortito) e incluía una versión distinta del tema y también incluía Eyes Wide Open entre otros temas de no mucha relevancia.

El tracklist es el siguiente

01. Power to Believe I: A Cappella [00:44]
02. Level Five [07:17]
03. Eyes Wide Open [04:08]
04. Elektrik [07:59]
05. Facts of Life (Intro) [01:38]
06. Facts of Life [05:05]
07. Power to Believe II [07:34]
08. Dangerous Curves [06:42]
09. Happy With What You Have to Be Happy With [03:17]
10. Power to Believe III [04:09]
11. Power to Believe IV: Coda [02:29]

Tag und Nacht

2006-10-31T01:10:00.000+01:00

Intérprete: Schiller
Título: Tag und Nacht
Género: Electrónica
Año: 2005

Chill Out, Trance, Ambient o Pop son algunos de los estilos que vamos a escuchar en este gran trabajo llevado de la mano de Christopher von Deylen, Schiller, es un grupo de bastante renombre en alemania, yo no les conocí hasta ver en el año 2005 un remix firmado por ellos de uno de los singles de Rammstein (Ohne Dich), lo cierto es que curiosamente aquel mix me pareció de lo más curioso, estaba mezclado con muy buen gusto, lo impregnaba de una atmósfera un tanto mágica, me resultaba muy agradable de escuchar, incluso pasé un tiempo de escuchar la versión original (que por cierto es muy buena) y llevar en mi mp3 esta versión...además recuerdo que era invierno y nevó (fue digamos "la banda sonora" que marcó aquel momento), en ese mismo año colaboró en uno de los temas que iban a pertenecer al nuevo album, Mike Oldfield, de título Light and Shade (concepto que guarda similitud con el de Schiller "Day and Night", además de que ambos dicos se publicaron casi a la par) y la canción se llamaba Nightshade, a su vez Mike Oldfield colaboró en el disco de Schiller en el tema de nombre Morgentau.

Schiller es un compositor de bastante renombre en alemania, desde luego para mi no sólo destaca por su música sino también por el buen gusto que tiene a la hora de escoger las colaboraciones...voces exquisitas que hacen de sus obras imprescindibles de escuchar como por ejemplo: Sarah Brightman, Tarja Turunen, Kim Sanders, Peter Heppner, Jette von Roth o Moya Brennan entre otras.

"Tag und Nacht" es el disco perfecto para cuando uno vuelve de marcha un sábado por la noche, "sería el chill-out que escuchan los maquineros cuando les da el bajón" (eso si escuchan música, era una coña prefabricada). Este disco tipo de música para cuando vas conduciendo por la noche va de lujo (yo no lo practico, pero si he hecho de copiloto y lo cierto es que es una experiencia relajante). Otra aplicación es escucharlo en verano...cuando las suelas de las zapatillas y el asfalto son uno, en esos momentos es cuando digo que "el calor es psicológico", Schiller es capaz de amortiguar algunos grados , sin embargo escucharlo en invierno provoca una sensación diferente, es como si repirara Schiller del ambiente, forma parte del entorno, me abstrae, me transporta a su mundo mágico y electrónico repleto de efectos y ritmos agradables al oído.

Nachtflug: el tema que considero como central, el single de apertura, el gran comienzo ó como se le quiera llamar, pero Christopher von Deylen nada más empezar consiguió crear en mí cierta simpatía hacía su música, música sencilla pero repleta de buen gusto y muy bien producida.

El tema comienza con un teclado distante y al poco se le une como una voz lejana de una mujer, al poco entran unas notas escogidas de forma exquisita para formar lo que va a ser el tema principal de la canción, ese ambiente gélido creado por el conjunto voz-teclado resulta fantástico, al final cuando parece que todo va a seguir cierta monotonía la percusión se encarga de añadirle mayor profundidad.

Sonnenaufgang: preciosa melodía en la que toma mayor protagonismo el efecto creado por la percusión, es un tema bastante lineal pero que me parece resultón, muy agradable de escuchar.

Miles and Miles: es el claro ejemplo de "canción post-marcha" la voz la pone en este tema Moya Brennan, creo (porque no estoy muy puesto en esto de la música electrónica) que tiene un aire techno-pop, lo cierto es que es muy pegadiza la melodía de la intro que se va repitiendo a lo largo del tema, la voz resulta eterea, distante tiene cierta similitud con la de Enya. Este tema me parece uno de los mejores trabajos vocales del disco.

I Know: otro singelazo vocal esta vez interpretado por Kim Sanders, no hay muchos más que decir, simplemente que la voz tiene una melodía más pop, en vez de tan new age y que el estribillo es más pegadizo que la anterior aun así, ambas están a la misma altura.

Morgentau: creo que Mike Olfield no sólo ha hecho una gran aportación a este gran disco, sino que le ha regalado una de las mejores interpretaciones a la guitarra de todas las que ha hecho en los últimos tiempos, si hubiera sido un tema de Light & Shade sin ningún tipo de dudas se estaría codeando con los dos que considero mejores (Tears Of An Angel y Resolution).

La atmósfera creada por los teclados propicia esa magnífica interpretación que al principio asoma con una guitarra limpia y tímida, para poco después, conforme el tema va tomando mayor cuerpo y la percusión va cobrando mayor fuerza, la guitarra con una distorsión desgarradora va haciéndo delicias junto a los efectos de teclado, creando un ambiente totalmente fresco...grande...y único, es uno de esos grandes momentos en los que yo envidio esa forma de tocar (no por la técnica del propio Oldfield, sino por la sutileza y emotividad que crean cada una de sus notas, ninguna está de más y a ninguna se la hecha de menos). IMPRESIONANTE.

Berlin Bombay: bueno después del magnífico Morgentau, no esperaba otro tema de tan buena calidad, este tema tiene un caracter bastante festivo (festivo...pero siempre con ese toque de elegancia característica que aporta Christopher von Deylen a todas sus composiciones). Es un tema muy pegadizo con un aire techno en el ecuador del tema para volver posteriormente con más fuerza al tema principal de la intro. Diría que después de Morgentau y Nachtflug es mi favorito.

Der Tag...Du bist erwacht: tema vocal interpretado en alemán por Jette von Roth, posiblemente la aportación femenina en este disco que más agrada a mis oídos. El estribillo me parece de una belleza inigualable, aunque resulta un pelín empalagoso a aquellos que les gusta la "música dulce" (voces femeninas con un registro muy...¿dulce?, ¿comercial?, ¿cómo denominarlo correctamente?....) les encantará.

Falling: otro tema interpretado por Moya Brennan y que gana con las escuchas, es muy en la linea pop-chill-out, también muy etereo, muy Enya, muy relajante y muy bueno...al principio le daba más de lado porque al tratarse de un disco con un considerable numero de temas se le suele prestar una mayor atención a los primeros, estas son de las canciones que suelen colocarsen de mitad en adelante y que con el paso del tiempo y las escuchas se van conviertiéndo en temas con mucha más personalidad, con más mensaje musical, quizá mucho más que los propios singles.

Jahresringe: es un tema ambient que puede pasar desapercibido al igual que Sonneaufgang, Schritt der Zeit ó Lichtwerk pero que considero que merecen como poco ser mencionados, son muy lineales pero también muy agradables y no los podría considerar como de relleno.

Sleepy Storm: y para finalizar otro tema interpretado por Jette von Roth (la de la voz dulce, me recuerda un poco a Sarah Brightman), este tema recrea perfectamente esos ambientes de soledad e intimidad que a lo largo del disco vienen siendo ya comunes y se acentúa de tal forma el efecto post-escuchas que se ha transforamado en mi tema vocal favorito del disco.

El tracklist de la edición normal es el siguiente:

01. Willkommen [01:09]
02. Nachtflug [05:56]
03. Die Nacht... Du bist nicht allein Mit Thomas D [04:26]
04. What's Coming Mit Jette von Roth [0:4:26]
05. Sonnenaufgang [03:14]
06. Miles And Miles Mit Moya Brennan [04:41]
07. Schritt der Zeit [02:56]
08. I Know Mit Kim Sanders [05:01]
09. Morgentau Mit Mike Oldfield [04:09]
10. Berlin Bombay [05:19]
11. Der Tag... Du bist erwacht Mit Jette von Roth [04:00]
12. Lichtwerk [03:30]
13. Falling Mit Moya Brennan [05:13]
14. Jahresringe [03:41]
15. I Saved You Mit Kim Sanders [04:39]
16. Irrlicht [03:18]
17. Feuerwerk [05:03]
18. Sleepy Storm Mit Jette von Roth [05:09]
19. Eine Stunde [01:37]

Metropolis Part 2: Scenes From A Memory

2006-10-18T15:19:00.000+02:00

Intérprete: Dream Theater
Título: Scenes From A Memory
Género: Heavy Rock Progresivo
Año: 1999

Nos encontramos ante uno de esos discos que marcaron un punto de inflexión en lo que a mi forma de entender la música tengo, es decir "Brave New World" de Iron Maiden marcó mi acercamiento a sonidos más duros, pero no teniendo suficiente con eso, un gran amigo me presentó uno de esos discos que me marcarían de por vida..."recuerdo todavía la noche de verano en Jaca, que Marcos (el individuo en cuestión), nos presentó a Nuria y a mí el disco, de una forma extraña...nunca había escuchado un disco de tal manera, si a todo esto le añadimos que nunca antes había estado en Jaca y era mi primer viaje junto a mis amigos...marca todavía más, pues bien Marcos nos introdujo en su cuarto e intrudujo el CD a las 12h de la noche pasadas con la minicadena a un volumen considerable nos sentamos los tres en su cama apoyando nuestras espaldas sobre la pared y nos dispusimos a escuchar durante más de 70 min aquella "orgía musical"...¡¡sí orgía musical!!, no podía entender como entre cuatro tios pueden hacer todo eso ¿cuantos dedos y brazos poseen cada uno de los componentes?...lo cierto es que mi impresión nada más escucharlos fue renegar de ellos (mis oídos no estaban preparados para la música progresiva), yo y mi Mike Oldfield eramos muy felices, lo que si recuerdo en favor del disco fue que el cantante me sorprendió gratamente , no esperaba una voz tan "popera" en un estilo de tocar a veces tan duro y desde luego reconocí que había grandes momentos por parte del guitarrista que me marcaron para posteriormente retomar semejante disco...el riff inicial de "Beyond This Life" y el de "Home" tuvieron la culpa".

Este disco merecía una crítica extensa y exahustiva, se merecía una explicación del porqué es no solamente tan bueno musicalmente, sino que posee un contenido lírico con una trama muy interesante y bien elaborada, yo solo no me sentía capacitado para extraer conclusiones propias a cerca de las letras y hace pocos días encontré una Web que cumplió mi objetivo..incluía la traducción del análisis del disco, de un fan y miembro de Dream Theater.net llamado Mystery, aporta una interpretación de la historia muy interesante pero si quereis contrastar opiniones o leer algunas de las puntualizaciones realizadas más abajo os adjunto el link (versión original).

Aquí os presento una copía de lo que encontre en su Web (os recomiendo visitarla):

http://www.ferhiga.com/progre/notas/notas-dtheater-scenes-memory.htm

***** Análisis de SFAM por MYSTERY *****

- Nick: Nicholas (Nicolás)

- Hypnotherapist (Hipnotizador)

- Ed: Senador Edward Baynes (Miracle) (El Milagroso)

- Julián: Julian Baynes (Sleeper) (El Durmiente)

"Empezamos con Nicolás relajándose con los sonidos de la voz del Hipnotizador y entrando al estado hipnótico en la terapia de regresión. No se conoce dónde se encuentran, ni porqué es necesaria la terapia. El Hipnotizador nos dice: "Si en cualquier momento, necesitas regresar sólo debes abrir tus ojos".

Ahora Nick está en un trance hipnótico y experimentando una paz y una comodidad surreal. Mientras se acomoda en su trance, empieza a enfocarse en lo que necesita aprender, el motivo de esta terapia de regresión, una chica llamada Victoria y una vida que se siente extrañamente similar a la suya.

En Strange Déja vu (Extraño Déja vu), escuchamos algo sobre sus sueños pasados que han conducido a Nick a esta terapia, y entramos más profundamente en el trance. Vemos que cada vez que cierra sus ojos, es transportado a este sueño recurrente bastante vívido en otra vida (pero sin tener un entendimiento consciente). Nos dan detalles acerca de este sueño, el cual es recurrente; por lo tanto esto es sobre lo que ha estado soñando anteriormente y lo que lo ha conducido a esta terapia.

Hay un camino a una casa. Dentro de la casa y arriba de las escaleras hay una habitación donde una chica aparece en un espejo. Todos esto le parece muy familiar, pero lógicamente no debería serlo. En este sueño, probablemente debido a que es un trance hipnótico y no es un sueño normal, algunas cosas parecen ser más claras que antes. Puede ver el rostro de una jovencita a quien le pregunta: "Jovencita, ¿Me podrías decir porqué estoy aquí?". Puede ver que ella tiene algo que compartir con él, la cual es la razón por la que ella lo conduce allí, hay una historia para ser contada, y esta historia de algo terrible que está "destrozando su alma".

Victoria le expresa el primer indicio de lo que está atormentado a Nick. Ella busca la manera de revelar la verdad acerca de su muerte. Creo que ella apenas tiene conciencia de Nick, de la y viceversa. En este punto, ninguno de ellos, saben que ellos comparten la misma alma. Ella también expresa una gran lamento, "parte su corazón en dos". Esto junto con la siguiente línea, "No soy como El Durmiente creía que era", es su culpa que Julián nunca supiera de su relación con su hermano, al cual conoceremos más adelante. Julián pensó que iba a encontrar al amor de su vida y en vez de ello, continuó donde ellos lo habían dejado, en vez... bueno, ya sabremos lo que sucede luego. Y éste es su lamento en este punto de la historia. El pobre Julián no vio lo que estaba por sucederle, y ella se siente responsable.

Ahora Nick sale de su terapia y regresa a la vida real. Aunque está despierto, los pensamientos y eventos de esta otra vida están empezando a permear cada segundo de su día, y este es el inicio de su obsesión por resolver todo este enredo. Desesperadamente quiere conocer porque todo está sucediendo y si supiera cómo cruzaría concientemente a ese otro mundo. Nada en su día normal le importa, sólo saber más acerca de su nueva obsesión. Es aquí que piensa por primera vez que él ha vivido realmente en el mundo con el que sueña. Sabe que este mundo de ensueño tiene la clave de su paz, y no descansará hasta abrir esa puerta.

En Through My Words (A Través de mis Palabras), Nick se da plena cuenta del lazo entre Victoria y él. Ahora sabe porqué se siente tan atraído a ella y a su mundo, y es porque comparten la misma alma.

Fatal Tragedy (Tragedia Fatal) empieza con Nick 'solo en la noche'. Me lo imagino descansando en la cama reflexionando en todo lo que ha aprendido recientemente. Ahora sabe quién es Victoria pero no porqué parece tan atormentada o cómo él está involucrado. Así que lo veo como una transición a la siguiente escena que empieza la siguiente mañana y Nick sale de su casa. Va a visitar a un anciano, sobre quien la historia nos hace hincapié que está 'solo'. De quién es la casa y quien es tal anciano, son cosas que no quedan claras en la historia. Hay varias posibilidades, pero ninguna es segura y no estoy seguro que importe en el contexto de la historia. La importancia del anciano es que él conoce un poco acerca de un asesinato que ha sucedido en esta casa hace bastante tiempo y comparte lo que sabe con Nick. Sabemos que una chica fue asesinada, y que era joven. Nick se sienta y escucha la historia del anciano y descubre que esto aún es un misterio. Parece que el anciano sabe más de lo que le cuenta, tanto del asesinato como de Nick. Esto me hace pensar que es alguien de importancia, pero no hay una evidencia concluyente acerca de esto.

La repetición de las líneas "Without...etc" deben tener relevancia. Creo que son dos frases separadas. "Without Love and Truth, there can be no turning back" (Sin amor o Verdad, no se puede regresar) es Nick dándose cuenta que hasta que revela la verdad de lo que le ha sucedido a Victoria, no puede continuar su vida actual. Está atorado en esta obsesión y no puede regresar. "Without Faith and Hope, there can be no peace of mind" (Sin Fe ni Esperanza, no puede haber paz interior) es Nick motivándose a ser fuerte y tener fe que hallará la verdad, porque sin esa vedad, nunca podrá descansar. Esta canción acaba con el Hipnotizador hablando. Me imagino a Nick de vuelta en su oficina, o donde sea que se haga la terapia y él le cuenta al Hipnotizador lo que ha sucedido desde la última sesión. Así que el Hipnotizador empieza la siguiente sesión regresando a Nick hasta el momento del asesinato de Victoria/él.

Ahora sabemos lo que el periódico cuenta de lo sucedido en 1928. La historia tiene un testigo, Edward Baynes escuchó un 'terrible sonido' y luego de llegar a la escena del sonido, descubre que han disparado a una mujer hasta dejarla muerta, y a quien disparó parado junto a ella. El testigo trata de ayudar y el que disparó se suicida y cae sobre la mujer muerta. El periódico cuenta de 'un triste final para una infructuosa aventura amorosa'. Esto indica que la víctima y el asesino han sido identificados como amantes en ese momento o en el pasado. La repetición de 'Our deeds have traveled far'…etc, no creo que sea parte del artículo del periódico. Aunque esto se muestra en la portada interior del CD, no veo como esto puede ser parte del artículo.

El periódico explica que Victoria y Julián se habían separado recientemente debido al estilo de vida decadente de Julián. Hay muchas posibilidades con respecto a la 'forma maligna' en la que ha caído, siendo las más probables las apuestas y/o la adicción a las drogas, pero lo que sea, es irrelevante. También se indica que ella lo perdonaría si éste enderezara su vida. Entonces queda la última pregunta... '¿Porqué tuvieron este fatal encuentro premeditado?'. Todo en Tragedia Fatal se toma del recuento del periódico. La pregunta del asesinato premeditado es probablemente una discusión de si éste fue un asesinato premeditado o si es sólo un argumento que ha escalado de la tragedia. Explicaré un poco más sobre esto en la siguiente sección.

Ahora leemos un recuento de la evidencia física en la escena del asesinato. Hay evidencia de una 'pelea violenta' y se halló una navaja automática. Esta navaja causa algo de confusión ya que la víctima es una joven y no esperarías encontrar que una jovencita en 1928 lleve una navaja, a menos que ella anticipara la necesidad de defenderse... '¿no sospecharía la víctima?'. También se halló en el bolsillo del asesino, una nota escrita. Se especula que es una carta suicida, pero no una carta de suicidarse luego de matarte. Claramente, se entiende que Julián preferiría matarse que vivir sin Victoria, pero no dice nada acerca de hacerle daño a ella.

Mencioné antes que explicaré la interrogante de la premeditación. Noté que la nota aún estaba '¡¡en el bolsillo del asesino!!'. Dado que la nota está dirigida a Victoria, 'que vivir antes que PERDERTE', él debió tratar de entregárselo. Pienso que el recuento del periódico quiere que creamos en esto: Julián se encuentra con Victoria para decirle adiós y para darle la nota. Le resulta más difícil de lo que imaginaba y empieza una discusión acalorada que lleva a una pelea física. Victoria saca la navaja que llevaba para la ocasión y Julián dispara la pistola, la cual llevaba porque deseaba suicidarse luego de darle a Victoria la nota. Julián le dispara y luego a sí mismo. Todo esto sucede y no le llega a mostrar la nota que ha escrito. Ten en cuenta que el recuento del periódico dirige al lector, y por lo tanto Nick en su trance hipnótico, lo cree.

Por último hay una repetición al final de Beyond This Life (Más Allá de Esta Vida). Estas líneas profundizan en la creencia de Nick que él y Victoria comparten la misma alma. También indican que no sólo se reencarnan las almas, sino que llevan la misma personalidad con ellos. 'What we have been is what we are' (Lo que hemos sido es lo que somos). En términos simples, la gente mala reencarna en gente mala, y la gente buena en buenas personas. Y tus actos te seguirán por la eternidad. Así que si lo estropeas en esta vida, la culpa o la paranoia o lo que sea que sientas, trascenderá en cualquier vida futura que tendrás.

Ahora Nick está despierto de nuevo. Ahora sabe que Victoria/él ha sido brutalmente asesinada en 1928. Se siente obligado a visitar la tumba de Victoria y de básicamente, enfrentar su propia muerte. Él expresa el dolor que siente por ella, y cuán impotente e inocente era. No sólo eso, sino que está aprendiendo acerca de su vida al mirar a través de los ojos de ella, dándose cuenta que esto le sucedió a ÉL y la injusticia de todo esto le empieza a fastidiar.

Luego de llegar a su tumba, se siente sobrecogido por la tristeza. Ni siquiera las palabras en su placa indican que ella era un dulce e inocente chica cuya vida fue brutalmente terminada a una edad tan temprana. Se sorprende de cómo su muerte se siente como la suya. Lo compara a perder a alguien a quien has amado, ya que esto es lo más cercano que tiene para describir lo que siente morir. Todos sabemos cómo duele perder a un ser amado, ¡imaginen llorar la pérdida de su propia alma!. Él continúa que las imágenes de ella deambulen en su cabeza, así como él se regodea en la autocompasión por un tiempo. Piensa en cuánto más ha vivido y nuevamente es afligido por la injusticia de su muerte tan joven. Luego cuando la canción está por acabar Nick empieza a recobrar la compostura y se conforta al entender que encarando esta tragedia y llorando por su pérdida, puede seguir adelante. Este momento de dolor era necesario para aceptar su muerte en una vida anterior y comprender plenamente porqué esta otra vida se ha contactado con él.

Home (Hogar) está llena de información...., para nosotros. Nick no se sabe lo que nosotros, en esta canción. Escuchamos a Julián hablar de su obsesión por la decadencia y de cómo está viviendo una charada. Al final, así como supimos antes, Victoria lo deja debido a su adicción, cualquiera que sea. Ahora escuchamos a Ed, (me lo imagino como un tipo psicótico y maníaco que habla consigo mismo cuando está solo, frotándose las manos ¡y casi echando espuma de su boca!). Él nos cuenta cómo Victoria llora en su hombro luego de romper con Julián. Llega a enamorarse de ella, y por primera vez se siente culpable de traicionar a su propia sangre. Pero su obsesión con ella se vuelve más fuerte y la seduce en su estado vulnerable. Finalmente sabemos de Nick de nuevo, ahora en el presente, y despierto. Hasta ahora él solo sabe lo que el anciano le ha dicho, y lo que leyó del artículo del periódico en su última sesión de terapia. Él sabe que debe haber más en esta historia y él está obsesionado con resolver el misterio. Anhela la regresión, no puede esperar por su siguiente sesión de terapia para poder regresar y resolver el misterio.

'One Last Time' (Una Última Vez) empieza con Nick repasándolo todo en su cabeza. No está convencido, con la evidencia existente, que lo que cuenta el periódico sea la verdad. Parece que ha oído algunos rumores. Creo que fueron rumores de su relación amorosa con Ed. ¿Acaso Victoria hirió el alma de Ed y lo despidió? Luego vemos a Victoria, en el pasado de nuevo, diciendo 'One last time, we'll lay down today' (Una última vez, nos echaremos hoy). Pienso que Nick escuchó esto mientras Victoria se despide de Ed, que esta será su último encuentro.

Nick visita la casa de Ed, donde él y Victoria tuvieron esa relación amorosa. La casa parece contener muchos indicios y él siente que finalmente le muestra alguna confirmación de lo que estaba pensando. Aunque ahora está despierto, al entrar a la habitación, experimenta una revelación, como si se hubiese deslizado desde la conciencia, el frío regresa, como lo sintió antes en sus sueños recurrentes, y de repente se encuentra afuera y escucha a una mujer gritando y a un hombre pidiéndole perdón. Pienso que Nick, en este momento ha sospechado que Ed y Victoria tuvieron una aventura amorosa. Esa sospecha tiene varias pistas. En su estado actual de conciencia dual, ve los recuerdos de Victoria del encuentro fatal, pero no consigue suficiente información y la escena se desvanece a negro.

En The Spirit Carries On (El Espíritu Pervive), Nick está de nuevo y por última vez bajo hipnosis y reiterando su creencia que su alma trascenderá y que no necesita temerle a la muerte. Ahora cree que Ed estaba involucrado en el asesinato. Se da cuenta que no podrá convencer a nadie de esto, pero debe intentarlo de todas maneras. Planea exponer la verdad detrás de un crimen que ha sucedido hace unos 70 años. Victoria eleva la voz en el presente esta vez, y le dice a Nick que debe moverse ahora, ella le ha revelado la verdad a él, pero que él no debe olvidarla. En este momento él se regodea de la paz que siempre luego de aplacar la insistencia de Victoria y a su propia obsesión. Ahora Nick que tiene la razón de todo lo que ha sucedido, el último mensaje, es que la muerte no es el fin, sino sólo una transición, tal y como el Hipnotizador lo ha indicado.

De nuevo, creo que Finally Free (Libre al Fin), es sólo para nuestra información. Nick no tiene conocimiento de lo que ha sido revelado en esta canción, porque el Hipnotizador lo saca del trance hipnótico y lo escuchamos entrar en su carro e irse. Ahora sabemos que Victoria y Julián se encuentran por casualidad y deciden encontrarse más tarde en secreto para que puedan hablar. Ella obviamente está emocionada porque ama a Julián y va a acabar su relación con Ed. Ya no está indecisa entre Ed y Julián, a quiere estar con Julián. Pero sabe que Julián mataría a Ed si supiera de su relación con él.

Así que se encuentran, sin que nadie lo sepa, o al menos eso piensan. Ed aparece, empieza a pelear con Julián quien deja caer una botella de licor del bolsillo de su abrigo, saca la navaja, Ed le dispara a Julián, Victoria grita, Ed le dice "abre tus ojos Victoria" y le dispara a ella también. Julián se arrastra sobre ella, colapsando encima de ella y dice sus últimas palabras, "one last time.... etc".

Ahora, al inicio de la canción Ed le ha disparado a ambos y está parado diciendo algo como que les enseñaré a romper mi corazón, muy indignado, como si hubieran recibido lo que se merecen. Él planta la carta en Julián y luego pide ayuda y se hace pasar como el testigo.Ahora regresamos con Nick. Está conduciendo a casa y piensa cómo librarse de este tormento. También ha aprendido acerca de su vida, que lo llevará hasta su muerte, a través de la persistencia de Victoria. La última línea 'Nos encontraremos de nuevo mi amigo muy pronto' este debe ser Nick hablando de Victoria, aunque está es una de las cosas que no puedo explicar. No se porqué él dice esto, pero no creo que tenga un gran impacto en la historia, A MENOS que se relacione con el final.

El final.... Nick llega a casa y entra y empieza a relajarse. Otro carro se detiene, el Hipnotizador entra a la habitación y dice, "Abre tus ojos Nicolás", el fonógrafo es detenido bruscamente mientras Nick es sorprendido por el Hipnotizador .. estática... cambiar a negro. El Hipnotizador, quien es el alma reencarnada de Ed, ha matado a Nicolás."

Versión original: http://www.dtfaq.com/question/1032

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Dado el carácter conceptual del album me parece mal decir los mejores momentos (los peores sería algo imposible porque es un disco tremendo), pero me veo forzado por mi forma crítica de ver las cosas (y "porque me gusta puntuar/clasificar todo" como diría Marcos) a indicar mis momentos favoritos, no los mejores, ya que el album lo considero como una canción con 12 cortes.

Advertencia: la primera escucha debe ser especial, sino se tienen ganas mejor dejarlo para otro momento hay que prestarle los cinco sentidos (y más si se tienen), es un disco para sentirlo:

Scene Two: "Overture 1928" impresionante intro a la historia, diríamos que podría pertenecer perfectamente a la introducción de una película, donde tienen lugar los créditos principales y el título de la misma, me imagino a nuestro protagonista sumiéndose en una especie de tunel y comenzando un viaje a través de un "tunel del tiempo" hasta llegar 1928 donde va a tener lugar la regresión. La interpretación por parte del grupo IMPECABLE. Al llegar al final ésta engancha con el siguiente tema "Strange Deja Vu" que continúa con la misma linea melódica a la cual se une el brillante James La Brie con su voz delicada e impecable.

Through Her Eyes: es posiblemente mi canción preferida, me encanta. Empieza con la voz de Theresa Thomason con un fondo de teclados de Jordan Rudess creando un ambiente de pura intimidad, al que la guitarra de Petrucci ,de forma totalmente tímida va respondiendo a la voz de Theresa (impresionante el sentimiento que transmite tan sólo entonando), se hace un silencio y arranca una preciosa melodía a piano que será la que nos vaya acompañando a lo largo de la canción. La letra es preciosa, habla de la impotencia que siente el protagonista tras haber sido Victoria "víctima de las circunstancias", de lo que se siente al perder a alguien al que amas. La interpreteción por parte de James La Brie es sublime, insuperable...y los "gritos" de dolor y agonía del final me ponen los pelos de punta.

Home: la intro tiene un toque arábigo hasta entrar el riff de guitarra que es demoledor y aplastante, impresionante y contundente, me encanta, respecto al resto de la canción no tengo mucho que decir solamente que estamos ante un tema cañero y repleto de efectos y progresión y respecto a la historia, la letra de "Home" parece basatante reveladora.

The Dance Of Eternity: este es un tema puramente progresivo quizá un poco paranoico, es un brindis a la técnica y a la confusión (si confusión, no hay por donde cogerlo si nunca antes has escuchado algo así), tiene una impresionante aportación técnica por parte de todos los miembros pero cabe destacar a mitad de tema ¡¡un "solazo" de bajo!! (SÍ bajo, no es una guitarra eso que va a mil por hora, ES UN BAJO), al principio renegué de escucharlo más veces pudo conmigo, hasta que un día abrí los ojos (mal dicho...repito) hasta que un día abrí mis oídos y me digne a escuchar y apreciar todo lo que conlleva tocar ESO. Cierto es que luego verlo en directo parece todavía más impresionante de tocar (por si no fuera poco con lo que escuchabamos, lo malo del directo, que de malo tiene poco, es lo poco que se inmutan los músicos a excepción de Mike Portnoy aunque no me extraña, con un solo tropezón "a cascarla" medio solo....porque con la velocidad que pillan..."si parpadeaís os lo vais a perder" como en la F1).

One Last Time: preciosa balada, aunque musicalmente tiene un pulso emotivo más pronunciado no me parece tan buena como "Through Her Eyes", lo mejor es el estribillo que resulta muy pegadizo.

Finally Free: este es el desenlace y un "remake" (o refrito) de melodías contenidas a lo largo del disco, captura la esencia de todo lo interpretado y la plasma en este último tema enlazando con el tema "One Last Time" (de nuevo) y con una serie de efectos sonoros que nos permiten interpretar que es lo que ocurre al final de la historia. (si vieramos el DVD...éste nos ayudaría en cuanto a comprensión, ya que aparece una pantalla con una especie de "interpretación barata" de lo que es la historia en cuestión, mientras el grupo se encarga de la parte musical...lo cierto es que una adaptación a película no estaría nada mal).

El tracklist es el siguiente:

ACT I

Scene One

1. Regression [02:06]
Scene Two

2. Overture 1928 [03:37]
3. Strange Deja Vu [05:12]

Scene Three
4. Through My Words [01:02]
5. Fatal Tragedy [06:49]

Scene Four
6. Beyond This Life [11:22]

Scene Five
7. Through Her Eyes [05:29]

ACT II

Scene Six
8. Home [12:53]

Scene Seven
9. The Dance Of Eternity [06:13]
10. One Last Time [03:46]
Scene Eight

11. The Spirit Carries On [06:38]
Scene Nine

12. Finally Free [11:59]

Las letras de las canciones podeis encontrarlas traducidas enla siguiente dirección: http://usuarios.lycos.es/portalesquizofrenia/letras/LETscenes.html

Jeff Beck´s Guitar Shop

2006-10-04T23:37:00.000+02:00

Intérpretes: Jeff Beck (Guitarras)
Terry Bozzio (Batería y Percusión)
Tony Hymas (Teclados y Sintetizadores)
Título: Jeff Beck's Guitar Shop
Género: Rock Instrumental
Año: 1989

Es una obra imprescindible para cualquiera que le guste la música instrumental y obviamente la guitarra, la portada ya nos dice como va a ser la música que nos encontremos en el CD, va a ser una obra totalmente artesanal y no sólo eso sino que va incluso a sonar un tanto mecánica, yo diría que Beck ha creado la B.S.O. perfecta para todo aquel que trabaje en un taller, ya sea haciéndo bricolaje por hobby, como si se trata de un mecánico profesional.

Yo no soy seguidor de Jeff Beck pero quedé maravillado después de escucharlo, lo cierto es que más que parecerme un derroche de técnica (que de eso hay bastante) me parece una experimentación completa con el sonido tanto de la guitarra como del teclado, temas como "Guitar Shop", "Savoy", "Big Block", "Stand On It", "Day In The House" y Sling Shot verifican lo que digo:

Guitar Shop: "esta es la entrada en el taller de Beck", podremos escuchar como su guitarra distorsionada hace las veces de herramienta de trabajo, mientras que la batería y el teclado se encargan de crear la atmófera ideal para creernos lo que estoy contando.

Savoy: "continuamos la mañana con Beck en su taller, se ve que hay currillo porque el ambiente está movidillo" (buenas guitarras y graciosos efectos guitarra-teclado hacen posible esa sensación de que en el taller hay pleno movimiento, incluso podemos escuchar a un público enardecido apludiendo tras escuchar uno de sus solos "dándole más vidilla al taller").

Behind The Veil: es un tema con un estilo New Age-Reagge, es precioso, inspira tranquilidad y relax. "Es uno de los momentos del día en el que no vas agobiado y disfrutas de lo que estás haciendo". Preciosa melodía a la guitarra, es uno de los temas que más me gusta del disco por su sencillez y su feeling.

Big Block: con la entada de bajo batería ya se nota que el tema va a ser más durillo, el sonido de la guitarra es mucho más metalizado, la gracia de este album es que en ningún momento tengo la sensación de identificar el sonido de la guitarra con una distorsión, sino que la misma forma que tiene Beck de jugar con los efectos, me causa la sensación de estar utilizando el mismo sonido del ambiente para crear esas melodías en aquel "taller musical".

Where Were You: otro tema al estilo de "Behind The Veil" pero este todavía denota un ambiente más pacífico..."Sería digamos como la hora de la siesta, el momento de menor trabajo, me imagino a ese mecánico de la portada del disco recostado en mientras hace la digestión."

Brian May (guitarrista de Queen) asegura que este es uno de los temas de guitarra más preciosos que ha escuchado y a buen seguro que el mejor...aún encima de cualquiera de Jimi Hendrix (su "referente guitarrero").

Stand On It: una intro a guitarra retomama el sonido rockero, podemos escuchar un riff de ritmo cuasi-mecánico aderezado con una capa de sintetizadores y guitarras dándole una mayor consistencia al conjunto. "Podemos observar que tras esa siesta empieza la jornada de tarde con cierto movimiento." Pedazo de solo se marca Beck en la parte intermedia de este tema.

Day In The House: lo cierto es que este corte es muy original, tiene una base rítmica muy movidilla y con varias voces parloteando durante la canción (lo cierto es que no me he molestado en escuchar lo que dicen) y ante todo se escucha, ese ya típico, sonido a "taller musical", esa guitarra que suena a taladro y demás chismes...me resulta un tema muy divertido de escuchar. "Este es el momento de mayor afluencia de gente en el taller, el mecánico anda está bastante liadillo en estos momentos...horas de bastante curro."

Two Rivers: con este tema entramos ya en la recta final, se trata de otro temilla al estilo de "Behind The Veil" ó "Where Were You". Una intro suavecita al sintetizador nos introduce otra melodía preciossa y relajante a la guitarra. "La jornada acaba tranquila...ya ha transcurrido un día más...y va tocando cerrar el taller...hasta mañana. ¡Buenas noches a todos!", es decir, terminamos con un temilla tranquilo...ya acaba el disco...y toca ir quitándonos los cascos, ¡hasta mañana!...que seguro que volverás a escuchar el disco.

Sling Shot: todavía no terminamos...todavía quedaban los crédito ¡¡Sí!! es que es clavado, parece una musical ideal para despedirse, son los créditos del disco. Un tema cañerillo y muy dinámico, Beck nos hace una exhibición de lo que es capaz de hacer con su guitarra. ¡¡Impresionante!!

El tracklist es el siguiente:

01. Guitar Shop [05:00]
02. Savoy [03:52]
03. Behind The Veil [04:53]
04. Big Block [04:06]
05. Where Were You [03:15]
06. Stand On It [04:57]
07. Day In The House [05:03]
08. Two Rivers [05:23]
09. Sling Shot [03:06]

Este es un disco que recomiendo a todos los amantes de la música, a todos aquellos que quieran escuchar algo diferente, es un disco ameno que irradia virtuosismo, calidad y a la vez sensibilidad. DISFUTAD CON ÉL.

Senderos de Traición & Senda '91

2006-09-22T01:30:00.000+02:00

Intérprete: Héroes del Silencio
Título: Senderos de Traición
Género: Pop-Rock
Año: 1990

Impresionante trabajo que nos dejaron los maños HDS, lo nunca oído en España, desde mi punto de vista, el mejor de sus discos y además el que tiene un "sonido 100% Héroes". En conmemoración del décimo aniversario de su disolución, EMI nos intenta sacar los cuartos de nuevo a los fans con la aparición de unas lujosas ediciones dobles de sus 4 discos de estudio con "rarezas" (EMI denomina rarezas a material existente pero ya descatalogado, no a temas inéditos, ni demos, etc...) .

En una página dedicada a Héroes del Silencio, encontré una serie de entrevistas de la época, algunas muy interesantes, pero en concreto hubo una que verdaderamente llamó mi atención:

¿Cuánto tiempo lleváis aquí metidos grabando el disco?

Solamente quince días, pero durmiendo dos horas diarias... nos hemos pasado un mínimo de doce horas diarias metidos en el estudio.

Sentimos curiosidad por saber qué pudo ver Phil Manzanera en un grupo zaragozano como héroes del silencio para que decidiera venir a producirnos.

Los vi un día tocar y después de asistir a su directo, de escuchar su primer disco. Y de ver la portada, me di cuenta que había tres cosas que no estaban unidas. Había una forma de tocar en directo, otra faceta que era su sonido en estudio y por otro lado estaba la imagen que daban. Eran tres cosas diferentes. Me gustó mucho el directo que tenían, con un sonido muy compacto. Lo que yo he intentado es que en el estudio se vieran esas cualidades y se unieran las tres cosas. Para conseguirlo hemos formado un equipo muy unido e integrado al trabajo.

(...) esto se debe en gran medida al trabajo de Phil, un tipo que ha sido capaz de hacer que salvo por los altavoces ese sentimiento y esa energía y ese carácter.

Y ¿Cómo se consigue eso? ¿Qué os ha dado en especial?

Han sido fundamentales los métodos utilizados para la grabación. Yo, por ejemplo, el trabajador la voz de forma totalmente diferente a la vez anterior. He grabado la voz en bloques enteros, sin hacerlo pedazo a pedazo, línea a línea. Phil Manzanera no busca la perfección en cada línea para no perder un feeling.

En estas lineas podemos resumir el magnífico trabajo por parte , tanto del grupo como del productor y sobre todo de su calidad, sólamente con productos de calidad podemos obtener platos tan exquisitos.

En esta dirección podreis leer la transcripción completa:

http://www.universoheroes.com/index.php?pag=entrevistasenderos.htm

"Senderos de Traición" no sólo me parece el disco más representativo de la discografía de héroes, ya que con él alcanzan un sonido único y un estilo totalmente personal, en el "Mar No Cesa" había un par de temas que me recordaban a U2 (No más lágrimas y Olvidado) pero en este disco no ocurre lo mismo, si que se puede decir que serían como los U2 españoles pero manteniendo ante todo su sello personal. Este disco incluye un éxito tras otro, hit tras hit, single tras single, es un disco repleto de canciones memorables sin descperdicio alguno (a mí solamente Despertar me parece más pobre en comparación al resto).

Entre Dos Tierras: que decir de este temazo, memorable introducción por parte de Valdivia creando un muro de guitarras con su delay ( me encanta la frescura que aporta ese sonido de guitarra a los temas de Héroes) que cada vez que lo escucho me pongo a cien y que decir del estribillo... cada vez que ponen esta canción en algún bar me pongo eufórico, tiene tanta garra y tanta fuerza que dan ganas de acompañar a Bunbury a"grito pelao".

Es un tema que esta a la altura de aquellos grandes y míticos himnos del rock internacional:

["Smoke On The Water" -Deep Purple-] , ["Heartbreaker" -Led Zeppelin-], ["Highway To Hell" -AC/DC-], ["Satisfaction" -Rolling Stones-], ["Man On The Silver Mountain" -Rainbow-], ["Layla" -Eric Clapton-], ["Money For Nothing" -Dire Straits-], ["Living On A Prayer" -Bon Jovi-], ["The Final Countdown" -Europe-], ["Urgent" -Foreigner-], ["Owner Of A Lonely Heart" -Yes-], ["Turn It On Again" -Genesis-], ["Out In The Fields" -Gary Moore-], ["Another Brick In The Wall" -Pink Floyd-], ["Ain't Talkin' 'Bout Love" -Van Halen-], ["Run To You" -Bryan Adams-], ["New Years Day" -U2-], ["Pull Me Under" -Dream Theater-] ... y otros tantos.

Con estos ejemplos no quiero comparar el tema al completo en cuanto a estilo, sino en cuanto a importancia, a composición y calidad, "es un gran hit español" y probablemente uno de los hits españoles más internacionales en el mundo del rock.

Maldito Duende: otro tema mítico de la banda, junto a "Entre Dos Tierras" la versión en estudio me parece insuperable, es un single con personalidad propia, con carisma, no es un hit como "Entre Dos Tierras", pero es como su segunda parte (ese hilo musical que las une parece hecho a proposito).

El comienzo del tema tiene un aire mágico y misterioso, conforme avanza se va haciéndo más y más dinámico pero conteniendo algo esa furia,que posteriormente se desatará con unos grandes redobles a la batería y un increible y épico coro de la mano de Bunbury.

La Carta: uno de mis temas favoritos, el comienzo es precioso, con ese sonido inconfundible que aporta Valdivia, me encanta escucharla paseando de noche por la ciudad cuando vuelvo a casa después de haber salido de marcha, da un sentimiento de soledad, de ser el único que vaga por la calle, de ser el único que está emocionado en esos momentos...y la letra...es de las primeras que compuso Bunbury habla de sus, poco estables, relaciones amorosas.

Malas Intenciones: otro gran tema cuya introducción es "sonido 100% Héroes", en el cual se puede observar que las mujeres vuelven a ser un quebradero de cabeza para Bunbury, musicalmente tiene un estribillo muy brillante y pegadizo, quizá el más pegadizo del disco.

Senda: ¡¡me encanta!! (no entiendo porqué no lo incluyeron en el recopilatorio "canciones '84-'96" , tampoco lo he escuchado en directo, no comprendo porqué no funcionó tan bien como otros) . Quizá después de "Entre Dos Tierras" sea mi favorito. Tiene un estribillo muy pegadizo y además la introducción a la guitarra mantiene ese velo de misterio que ya tenía en "Maldito Duende" y "La Carta"

El tracklist es el siguiente:

01. Entre Dos Tierras [06:05]
02. Maldito Duende [04:14]
03. La Carta [03:05]
04. Malas Intenciones [03:47]
05. Sal [00:18]
06. Senda [03:52]
07. Hechizo [04:36]
08. Oracion [04:06]
09. Despertar [02:50]
10. Decadencia [04:16]
11. Con Nombre De Guerra [04:16]
12. El Cuadro II [04:06]

Intérprete: Héroes del Silencio
Título: Senderos de Traición
Género: Pop-Rock
Año: 1991
Otros Detalles: Directo

Senda '91 es el segundo CD en vivo de Héroes del Silencio. Contiene parte de la grabación del concierto celebrado en Las Rozas (Madrid), el 26 de Septiembre de 1991. La canción Decadencia incluye, el tema "El Cuervo" y al final del disco (de vinilo) se puede escuchar de la voz de Enrique Bunbury un mensaje oculto (es decir debemos coger el vinilo poner la aguja justoa al final y darle vueltas al vinilo al en sentido inverso de giro para poder descifrar el mensaje... ¡¡cuanto menos curioso!!). Pues bien, aparte de ser un buen directo de Héroes, donde podemos oir a Bunbury (en la intro de "Con nombre de guerra" ), como dice él "A ver vamos a ver vamos a ver, vamos a empezar otra vez...¡¡esto es un desastre!!" y también en pleno éxtasis musical, improvisando, o mejor dicho, añadiendo una nueva letra al tema "Decadencia".

Un ejemplo del porqué Héroes eran buenos en directo está en estos tres temas que expongo a continuación, los tres están mejoradísimos respecto a sus versiones en estudio:

Hace Tiempo: Un comienzo sincopado bestial con un sonido de batería limpio y contundente al cual en pocos instantes se le suma una preciosa melodía de guitarra que supera con creces la versión de estudio, también se nota la cierta madurez en la voz de Bunbury y en general la dureza de sonido que tenían en directo en comparación con sus versiones en estudio. Es mi tema favorito en directo.

Oración: Otra versión superadísima respecto a la grabación original, transmite mucha fuerza, el estribillo es apoteósico con un sonido mucho más duro y con más gancho.

El Mar No Cesa: Increible. Un TEMAZO me extraña su no inclusión en "El mar no cesa" aunque si que es cierto que esta es la versión definitiva...de veras que no tengo palabras. Increible.

El mensaje oculto de Senda ´91: "Entre cada palabra y sílaba pronunciada como surco aspero al recorrer, encontraras mensajes sin descifrar que escondan mentiras aprendidas".

Anécdota: este mismo año (2006) compré en eBay el CD "senda '91" (supuestamente lo vendían como original y sin quitar el precinto, hecho que me mosquea ya que estaba descatalogado hace tiempo y vendían varios en las mismas condiciones, pero yo aunque soy coleccionista tengo la costumbre de utilizar lo que compro así que le quité el precinto, y consigo, el supuesto valor de estar precintado, pero lo curioso es que justo en la parte central del CD (la zona de plástico transparente donde no hay pegatina, hay un código de barras y pone en letras diminutas "Mastered by Sony Mexico Music" y al abrirlo con el Windows Media Player me aparecen todos los títulos de los temas el nombre del grupo, disco, etc...(eso es síntoma de que es original y no se trata de una estafa, pero..."sigo con la mosca detrás de la oreja", porque yo pensaba que esto se edito de forma limitada en España...¿Alguien puede explicarme que es lo que tengo entre manos?).

El tracklist es el siguiente:

01. Hace Tiempo [05:18]

02. Maldito Duende [05:25]

03. Decadencia [08:31]

04. Con Nombre de Guerra [04:57]

05. Oración [04:27]

06. El Mar No Cesa [03:18]

07. El Cuadrado III [02:44]

08. Hologramas [03:06]

Reedición de "Senderos de Traición" [2006], el CD1 contiene el disco en estudio remasterizado y en el CD2 podemos encontrar entre otras versiones en directo (no inéditos) el "Senda'91", a excepción del tema "El mar no cesa" que aparecerá en el CD2 de la reedición de dicho album.

Brave New World

2006-08-15T19:22:00.000+02:00

Intérprete: Iron Maiden

Título: Brave New World

Género: Heavy Rock Melódico (tal cual lo denomina Dave Murray, uno de los guitarristas de los Maiden).

Año: 2000

Quizá en un principio este disco desentone un poco dentro del marco musical que he dejado con los tres albumes anteriores, pero es un disco que marco un punto de inflexión muy importante en cuanto a mi gusto musical. La historia comenzó el verano del año 2000, yo "fan number one" de Mike Oldfield buscaba algún grupo distinto de música (para variar un poquillo, porque hasta entonces SÓLO tenía oídos para Oldfield), quería algo cañero que se pareciese al tema del Tubular Bells III [ "Outcast"] . Una de esas tardes "vagaba" por Fnac y me llamó la atención una portada (la del disco en cuestión) y pensé: << ¡¡Anda una portada de los Maiden que no me resulta repelente!! >> (en aquellos momentos era muy "light" y "tiquismiquis" con el tema de la presencia de un grupo, y como estaba el disco en audición...), me "entró el gusanillo" y me encasqueté los cascos... ¡¡Oohh, maravilla!! era justo lo que buscaba, cañero y con gusto, sonaba en ese instante el primer tema "The Wicker Man" que pasará a la historia como "EL SINGLE que me convirtió en un personajillo metalero", instintivamente cogí el single y me lo compré (todavía no me atrevía a comprar el disco, uno; por el presupuesto ajustado que tenía en esa etapa de mi vida; y dos, porque no me atrevía con un disco de "heavy metal". ¡¡Esa noche, creo que escuché el single entre 30 y 40 veces, era bestial!!

"Brave New World" es un disco con el que los Maiden han alcanzado la cumbre en cuanto a sonido, no suena al heavy de los 80 sino que aporta un toque más progresivo gracias a su nuevo productor Kevin Shirley (productor de tres de los discos más progresivos y "duros" de Dream Theater), Shirley a logrado sacar el mayor partido a este grupo, que decir de los arreglos orquestales...IMPRESIONANTES.

Pero no sólo es el sonido lo más importante, sino que en este disco se reunen de nuevo dos de los miembros que ya se habían separado anteriormente, Adrian Smith (guitarra) se fue tras la grabación de "7 th son of a 7th son " (1988) y Bruce Dickinson (vocalista) tras la grabación de "Fear Of The Dark" (1992); lo que quiere decir que Brave New World supone la reunión de dos de los miembros más carismáticos (aunque muchos tacharon de traidor a Smith). Actualmente la formación es la siguiente:

Bruce Dickinson (vocalista); Steve Harris (bajista); Dave Murray, Janick Gers y Adrian Smith (guitarristas); Nicko Mc Brain (batería).

Durante el tiempo que Dickinson estuvo fuera de los Maiden llevó a cabo su proyecto en solitario que aunque no ha tenido ni mucho menos la misma trascendencia que Iron Maiden es digno de mención, en él colaboraron Janick Gers y Adrian Smith. Durante esos años Bruce compuso un tema llamado "Wicker Man" (1997) que musicalmente no es muy parecido al que interpreta con Iron Maiden en este disco, pero que también suena tremendo.

Sin más preámbulos paso a comentar aquellos temas que considero más destacables:

The Wicker Man: el disco no podía empezar mejor, un riff cañero y la voz de Dickinson que nos arrastran al ESTRIBILLO, arrollador, pegadizo, simple y perfecto "Your Time Will Come, Your Time Will Come" (en este caso fue el riff de guitarra el que se me quedó como "residuo musical", denomínese residuo musical al efecto post-escucha de una canción, el cual se produce repetidamente provocando tarareos involuntarios, palmeos varios, golpecillos diversos, etc...) y que decir de los solos de guitarra... "The Wicker Man", El Single Perfecto.

Brave New World: un comienzo esquisito, muy melódico y tranquilo, unas guitarras puramente cristalinas van introduciéndonos en ese "Nuevo Mundo" (en este tema se nota la interacción entre los tres guitarristas, cada uno de ellos se ocupa de tocar pequeñas partes que en conjunto forman este gran tema). Una de las cosas que más me fascina de este grupo y de esta canción es que tras haberle metido caña progresivamente hasta llegar al estribillo, son los detallitos y las florituras que van haciéndo mientras las guitarras, esas cosas para mí son las que marcan la diferencia, tres guitarristas no son para dar más caña sino para aportar más musicalidad.

Blood Brothers: la balada por excelencia, con unos arreglos orquestales muy apropiados y sobre todo con ese bajo de Harris totalmente rítmico a la par que melódico (buenísimo). El estribillo es totalmente épico, a mí me suena a tema principal de una película de superhéores. Qué decir de la sección instrumental repleta de solos (melódicos, no solos sin sentimiento), repleta de más sentimientos (otra vez) y una magnífica (ahora sí) orquestación, un deleite para el oído. Una balada redonda y perfecta donde las haya.

Dream Of Mirrors: un comienzo muy contundente, que mejor que no te pille de sorpresa, tras este rotundo comienzo tenemos un tramo acústico que nos desvela uno de los primeros estribillos que escucharemos a lo largo del tema, tras ese primer estribillo aparecen la eléctrica con un sonido limpio acompañando a la acústica dándole algo más de cuerpo y dinamismo (es como si se fuera acelerando algo más) para desembocar en una "tormenta eléctrica" y otro de los estribillos, tras esto retoma la calma aunque no por mucho tiempo porque ahora si que van en serio llegan a un estribillo de dimensiones épicas (sí, este también es épico) y coreables.

The Nomad: ¿la intro me recuerda a un anuncio de Trident? (mejor dicho la música del anuncio me recordaba a ésta). La introducción es muy directa y además tiene un toque arábigo (¡¡Tremendo!!) este tema es de los que más me gustó en su día, cuando lo escuchaba en la tienda de discos alucinaba, quizá me atrapó porque estaba acostumbadoa música más light e instrumental y en este disco me encontre "esa música light (la parte melódica) junto con la garra y la fuerza (que es lo que buscaba)", en el min [04:35] hay un pasaje instrumental IMPRESIONANTE, de lo mejorcito, este pasaje también parece de B.S.O., "The Nomad" es junto con "Blood Brothers" y "Brave New World" los temas que más se aproximaban a mi nuevo estilo.

The Thin Line Between Love And Hate: este tema es precisamente uno de aquellos que pasa totalmente desapercibido (en un principio) y que conforme más lo escucho más me gusta quedando al final por encima del resto, desde el comienzo es bastante cañero pero este tiene un sonido algo diferente, partiendo de la voz de Dickinson que parece como más distorsionada y el sonido de las guitarras más rockero, apartir de la segunda parte de la canción esta se torna más instrumental y "detallista" me encanta como en el min [06:05], después de gritar Dickinson "The Thiiiiin Liiiine Betweeeeen Love And Haaaateee" la batería parece recobrar la fuerza como en un último intento de contentar al oyente y las guitarras hacen el mejor fraseo del album, otro momento épico. IMPRESIONANTE.

El Tracklist es el siguiente:

01. The Wicker Man [04:35]
02. Ghost Of The Navigator [06:50]
03. Brave New World [06:18]
04. Blood Brothers [07:14]
05. The Mercenary [04:42]
06. Dream Of Mirrors [09:21]
07. The Fallen Angel [04:00]
08. The Nomad [09:06]
09. Out Of The Silent Planet [06:25]
10. The Thin Line Between Love And Hate [08:26]

The Song Of Distant Earth

2006-06-19T22:31:00.004+02:00

Intérprete: Mike Oldfield
Título: The Song Of Distant Earth
Género: New Age
Año: 1994 (1ª portada); re-edición: 1995 (2ª portada)

"The Song Of Distant Earth" es quizá, el mejor disco de Mike Oldfield tras su exitoso "Tubular Bells" (1973), es un disco muy agradable al oído a la vez que elaborado, todavía recuerdo el spot publicitario que quedará grabado de por vida en mi retina y ese casette que le grabaron a mi padre que nos acompañaba en todos los viajes que hacía de pequeño, recuerdo haberlo escuchado simpre de principio a fin sin cansarme y sin saber que canciones tenía (simplemente me bastaba saber que era ese disco) recuerdo que esperaba ansiosamente el momento en el que comenzaba "Let There Be Light", me parecía un momento mágico, no se me ocurrió pensar nunca que ese sonido tan cristalino y tan 100% Oldfield provenía de una guitarra...¡¡ Impresionante !! (por aquel entonces tenía 9 añitos).

Años despúes de un concierto televisado me interesé un poco más por la vida de este gran compositor y descubrí una biografía en castellano sobre Mike Oldfield escrita por José Cantos un (ahora) amigo (por aquel entonces completo desconocido). José también edita (todavía) desde 1994 un fanzine llamado Orabidoo y acaba de estrenar su propio blog en el cual habla de nuevas músicas, Solsticio de Invierno. (¿Por qué digo todo esto, pensareis muchos?, pues bien precisamente porque este disco es el causante de mi gran devoción a Mike Oldfield y el causante de haber conocido a tan magnífica gente desde los 14 años).

En este disco Mike Oldfield tomó una de las novelas de Arthur C. Clarke como inspiración <<lo que me atrajo de la novela es que ya desde el título es intrínsecamente musical>>.

El argumento del libro es el siguiente; los cieníficos han descubierto que nuestro sol va a estallar hacia el año 3600 y con la intención de evitar la destrucción de la raza humana comienzan a enviar naves sembradores en busca de nuevos planetas habitables con el objetivo de reestablecer una civilización. Magallanes es el nombre de la última nave sembradora, su objetivo es Sagan-Dos, aunque antes ésta se detendrá en Thalassa, planeta en el que construirán un escudo a base de placas de hielo para proteger la nave, antes de continuar su largo viaje hasta Sagan-Dos.

In The Beginning : a pesar de su nula relación con el libro nos encontramos ante una introducción original que nos presenta de una forma musical ese aire semi-orgánico de las naves sembradoras mediante los sonidos de ballenas, además se citan las primeras palabras del génesis que por contra en la novela indica que no se transportaron Biblias para no corromper la mentalidad de futuras generaciones.

Let There Be Light: aunque tampoco tiene relación directa con la historia este es un tema de sonido 100% Oldfield, es una canción con un toque de guitarra puramente cristalino, presenta un ritmo bastante dinámico y expresa de manera sobrecogedora lo que podría ser un viaje en una de esas naves, es la melodía de un viaje espacial de ensueño.

Magellan: el comienzo de este tema es una "explosión sónica", es el despegue de la última nave sembradora, la "Magellan", melodía principal interpretada con unas gaitas, instrumento poco usual en este tipo de música, pero que Mike Oldfield se encarga de encajarlo perfectamente dándole así más fuerza y un toque más terrenal, es el despegue de la nave, es el momento en el que todavía no ha salido de la atmósfera, es el espectáculo...el estar viéndo la última nave que despega de la Tierra para colonizar otros lugares.

Creo recordar que este tema se utilizó en un anuncio de televisión, era de un coche y la "explosión gaitera" aparecía cuando este hacía una serie de giros por una carretera que rodeaba una montaña.

Oceania: otro de mis grandes y esperados momentos, después de finalizar "First Landing" aterrizamos en Thalassa un planeta formado por un 90% de agua, así que Oceania y Thalassa viene a ser lo mismo. Es un tema muy tranquilo, tiene un sonido pacífico y relajante durante la canción se pueden escuchar gaviotas y el sonido de las olas al deshacerse en la arena de las playas. Es la continuación melódica de "Let There Be Light" pero con otro desarrollo.

En "Thalassa" (planeta del libro) no había gaviotas, su sonido era echado de menos por uno de los protagonistas del libro sin embargo en Oceania si podemos escucharlas. Algunas de estas referencias las he sacado de un magnífico artículo que hizo Iker Manzano para el fanzine Orabidoo, son detalles muy curiosos, ver como la música transmite sonidos y sentimientos que en el libro no se transmiten con tanta fuerza, ciertamente se complementan.

Only Time Will Tell: precisosa frase que viene a decir que todo puede cambiar en el momento menos esperado (Sólo el tiempo lo dirá). Mike Oldfield va pronunciando dicha frase a lo largo del tema sobre un fondo puntual (creo que de guitarra) y que se va repitiendo hasta la saciedad...(lo bueno es que no se hace repetitivo) y va creando una atmósfera de esperanza, hasta desembocar en unos coros que vienen a representar a toda la raza humana, se pueden escuchar registros femeninos, masculinos (el de Mike Oldfield) e incluso neutros (como si de niños se tratase) en un tono suplicante...como si todos esperaran que algo ocurriera.

Este es uno de mis temas favoritos (por lo que me transmite) y quizá uno de los más sencillos.

Hibernaculum: otro gran tema, nos encontramos ante un canto gregoriano un poco más peculiar, con un toque electrónico y todo ello aderezado con el mejor sonido Oldfield a cargo de su guitarra, este tema representa la sala de hibernación en la que "descansan" en torno a un millón de personas:

<<...A su alrededor todo eran relucientes panales que podían haber sido hechos de hielo, con una formación de miles de celdas hexagonales...>>

<<...¿Qué estarían soñando, se preguntó a menos de la mitad de su sueño de quinientos años?

¿Acaso la mente soñaba algo en aquella sorda tierra de nadie entre la vida y la muerte?>>

Tubular World: nos encontramos ante un tema que no tiene nada que ver con la novela pero que va acorde con el disco, en este Mike Oldfield crea su propio mundo inspirado en un videojuego, retoma su popular "estribillo tubular" y lo modifica para la ocasión haciéndo uso de todo su arsenal de grabación y edición. Uno de los temas más currados en cuanto a sonido y efectos.

Crystal Clear: último gran tema de esta gran obra, sobre un fondo muy relajante podemos oir la voz de Mike Oldfield y otras voces sampleadas a ritmo "relax", una preciosa melodía a la guitarra nos va introduciéndo una cuenta atrás citada por el propio Oldfield, esto viene a representar el último despegue de la "Magellan" desde "Thalassa" a "Sagan-Dos", desembocando en otra explosión con un sonido muchísimo más Oldfiled que en "Magellan", es el momento cumbre del "final" del disco.

El tracklist es el siguiente:

01. In The Beginning [01:24]
02. Let There Be Light [04:52]
03. Supernova [02:16]
04. Magellan [04:41]
05. First Landing [01:16]
06. Oceania [03:27]
07. Only Time Will Tell [04:19]
08. Prayer For The Earth [02:10]
09. Lament For Atlantis [02:44]
10. The Chamber [01:49]
11. Hibernaculum [03:32]
12. Tubular World [03:23]
13. The Shining Ones [02:59]
14. Crystal Clear [05:42]
15. The Sunken Forest [02:39]
16. Ascension [05:48]
17. A New Beginning [01:33]

Este recorte de prensa pertenece a una colección de artículos de un amigo, Jesús Louzán, y han sido extraídos de una de las mejores páginas en castellano sobre Mike Oldfield, creada por otro gran amigo David Llorente

The War Of The Worlds (Jeff Wayne's Musical Version)

2006-06-17T11:50:00.000+02:00

Compositor: Jeff Wayne
Título: The War of the Worlds
Género: Rock Sinfónico Progresivo
Año: 1978; re-edición: 2005

Quizá este sea uno de los discos que más me sorprendió en los últimos tiempos en cuanto a composición, lo escuché porque un amigo lo cogió en la biblioteca y me llamó la atención esa portada, esa ilustración tan colorida y tan retro una vez me dispuse a escucharlo me sorprendió ver que no me encontraba ante un disco normal, sino que se trataba de una especie de "narración musical" (¡¡era una historia acompañada de música!!) algo que nunca había escuchado y además la música con ese aire tan setentero y tan perfectamente producido, ese sonido tan impecable y retro me produjo la sensación de estar ante otro de aquellos inolvidables y grandes descubrimientos, todavía recuerdo como trataba de hacerme con un ejemplar de aquel disco que

me cautivó durante tanto tiempo (en todas las tiendas de discos lo tenían descatalogado y casi al borde de las desesperación pensando que nunca podría tener un ejemplar se me ocurrió preguntar en una tienda que a partir de ese mismo mes pasaría a ser una de las tiendas de música que más ha aportado a expandir mi colección de CD's no por lo que tienen, sino por su valiosa base de datos, ese gran catálogo de importaciones), el caso es que conseguí que me trajeran un ejemplar similar (tan sólo la versión remasterizada de las canciones en su versión instrumental), lo cierto es que sirvió para contentarme, incluso en su momento me pareció una mejor compra.
Un año después apareció en la gran pantalla la versión de Steven Spielberg, una de esas superproducciones que mueven montañas y como no la compañía Sony BMG aprovechó para sacar de nuevo no sólo la versión inglesa, sino también la española y la alemana en un formato de 'SACD' (super audio CD).
Y sin más preámbulos comentaré un poquillo mis impresiones a cerca del contenido musical.

CD 1: La LLegada de los Marcianos:
Ciertamente el primer CD es impresionante de cabo a rabo, pero simplemente comentaré dos de los temas que a mi parecer brillan con luz propia:

- The Eve Of The War: es un comienzo por lo más alto (tras la voz introductoria del narrador) un impresionante comienzo orquestado acompañado de unos sintetizadores, percusión y efectos varios. Digamos que esta introducción es el tema principal que a lo largo de la obra se repetirá tomando diferentes matices. Durante el desarrollo de la canción la música pasa a un segundo plano tomando protagonismo la voz del narrador, éste nos cuenta cómo llegaron los marcianos a la Tierra y se va alternando con algún estribillo cantado y la música que va ambientándonos, en muchos de los momentos podemos identificar cómo algunos de los instrumentos toman el papel de algunos de los elementos que nos va narrando el protagonista, como por ejemplo en la siguiente pista, la guitarra eléctrica con una serie de efectos se identifica como "el rayo de calor" con el que los marcianos atacan a los humanos.

Aquí os dejo un video promocional del 2005 producido por Jeff Wayne, se trata de un mix del tema pero resulta muy curioso...

- Forever Autum: es un tema precioso aunque bastante melancólico, conforme avanza va tomando más fuerza hasta llegar a momentos ciertamente emotivos, la letra nos cuenta los pensamientos del protagonista cuando vuelve a casa a recoger a su mujer y comprueba que ya no queda nadie, expresa ese sentimiento tristeza, de soledad y de impotencia, al ver que es la única persona viva en muchos kilómetros y que unos seres de otro planeta han tomado la Tierra de la noche a la mañana sin poder hacer nada para evitarlo. Esta interpretado por Justin Hayward y lo cierto es que hace un papel impresionante.

CD 2: La Tierra en Poder de los Marcianos
La segunda parte se hace más dura de escuchar, en este caso la narración ayuda bastante a que sea más amena, de todas formas es lo que ocurre con libro original, que al principio la acción es mayor y cuando llega al ecuador de la historia se va haciendo ésta más y más pesada.

- The Red Weed: este es un tema digamos más ambiental, lo que pretende es mostrarnos de una forma musical la impresión que tiene el protagonista al ver todo el paisaje de la Tierra cubierto por una especie de musgo rojo...dando la impresión de que los marcianos no sólo han conquistado la Tierra, sino que la están transformando y haciendo habitable para ellos.Tiene un aire de misterio a la vez que de pesadez, da la sensación de que incluso el respirar se hace más difícil. Es una canción que con las escuchas ha ganado bastante.

- The Spirit Of Man: Este es un tema interpretado por Julie Covington & Phil Lynott, me parece bastante épico la temática de la canción es el debate entre la destrucción de la humanidad por sus pecados mientras que Beth todavía piensa que se puede restaurar esa paz con el amor.Este tema es uno de los pocos que no se corresponde fielmente a lo que ocurre en la historia real, el párroco se vuelve loco y se inventan el personaje de Beth para después acabar muriendo.Una de las cosas que más gracia me hace, es que a pesar de que la cantante tiene una voz tremenda..."cecea.
El tracklist completo es el siguiente:

CD 1: La LLegada de los Marcianos [45:09]

01.Eve of the War [09:06]
02.orsell Common and the Heat Ray [11:36]
03.Artilleryman and the Fighting Machine [10:36]
04.Forever Autumn [07:43]
05.Thunder Child [06:07]

CD 2: La Tierra en Poder de los Marcianos [49:34]

01.Red Weed, Pt. 1 [05:53]
02.Spirit of Man [11:38]
03.Red Weed, Pt. 2 [05:26]
04.The Artilleryman Returns [01:27]
05.Brave New World [12:13]
06.Dead London [08:37]
07.Epilogue, Pt. 1 [02:31]
08.Epilogue, Pt. 2 [01:50]

Aquí os dejo el trailer del espectáculo en directo...

Si alguien desea escuchar algo del disco ó tener algo más de información acerca de esta gran obra puede echar un vistazo en esta dirección http://www.thewaroftheworlds.com/

Si alguien está muy interesado en el "cómo se grabó?" esta obra maestra puede consultar dentro de la página oficial el siguiente link http://www.thewaroftheworlds.com/thestory/default.aspx

An Evening With John Petrucci & Jordan Rudess

2006-06-11T00:42:00.000+02:00

Artista: John Petrucci & Jordan Rudess
Título: An Evening With John Petrucci & Jordan Rudess
Género: Instrumental Progressive-Rock & Classical
Año: 2000
re-edición: 2004 (Favored Nations)
Otros detalles: Directo

Discos de este calibre se descubren muy pocos a lo largo del tiempo, llevo seis años escuchando mucha música y pocos discos me han sorprendido tan gratamente como este, en un principio cuando me encontraba cara a cara con el cd, la única información que tenía a favor era que John Petrucci era el guitarrista de "Dream Theater" y que por aquel entonces aunque no era un gran seguidor sentía cierta admiración por su técnica (no es que entienda mucho de música, pero considero que su estilo no es apto para gente con un oído"impaciente", me refiero con esto a gente que le gusta oir un estilo de música más directo ó convencional), a mí me costó un tiempo pillarle el tranquillo pero después de escuchar este pedazo de directo mi visión cambió radicalmente y actualmente me considero un gran admirador de John Petrucci (hablo de John Petrucci porque me gusta la guitarra y aunque no tengo una base musical, y por tanto carezco de cierto criterio, sé lo que es tocar ese instrumento y por tanto el esfuerzo que lleva consigo llegar a tener una técnica tan depurada, de todas formas Jordan Rudess no es mucho menos y todo aquel que le guste el piano no quedará defraudado).

"An Evening With John Petrucci & Jordan Rudess" es uno de los pocos discos que antes de comprarlo intuyes que va a ser uno de esos grandes descubrimientos y que conforme lo vas escuchando sientes la satisfacción de haber hecho una gran compra.

El disco comienza con Furia Taurina una pista de corte Latino, un tanto flamencoide, nada más empezar el cd me sorprendió el "derroche de técnica" (parecía mentira que fueran tan sólo dos músicos...¡¡y además en directo!! impresionante la habilidad de estos dos maestros) y otra de las cosas que me llamo la atención fue la sutileza con la que Petrucci y Rudess se intercambian a lo largo de todo el espectáculo, el papel de instrumento solista a instrumento de acompañamiento

La siguiente pista se llama Truth y comienza con una tímida y preciosa melodía de piano que se va desarrollando de forma magistral a lo largo de algo más de tres minutos hasta desembocar en uno de los solos más inspirados de todo el concierto a la eléctrica, solo que nos lleva hasta otro de los momentos más emotivos, un rasgueo de Petrucci a la acústica mientras Rudess va complementando y adornando esos instántes mágicos con sus notas y el público corea con palmadas, y como colofón a semejante demostración una continuación del solo que da fin a esta maravillosa pieza.

Otra maravilla es la pista cinco, Hang 11, comienza con unos arpegios de la mano de Petrucci y una lluvia de notas maravillosamente dispuestas que nos van sumergiendo en un ambiente íntimo y nocturno, hasta que la eléctrica (con un sonido muy acústico) toma el protagonismo para después entrar con un sonido totalmente distorsionado y hacer un prodigioso solo de guitarra que servirá de relevo para que entre Rudess a la acción y nos recuerde que él no es menos, otra magnífica demostración de lo que es tocar un piano. Esta canción me parece sensacional tiene un sonido de lo más agaradable y pulcro

Y por último, In the Moment, la pieza con mayúsculas, un descomunal solo de guitarra acompañado de un sonido muy ambiental por parte de Rudess en este caso su interpretación pasa más desapercibida hasta que llegamos a la recta final que se funde la fuerza del solo con unos acordes muy marcados para acabar en un apoteósico final.

Una forma de resumir el contenido de este disco sería decir que se trata de una exhibición musical de dos grandes maestros, y lo más importante...es que es un directo. No tiene nada que ver con su principal proyecto ("Dream Theater") lo qu quiere decir que son unos músicos muy versátiles y que son capaces de hacer aquello que se les proponga.

Este es el track list

01.Furia Taurina [10:10]
02.Truth [9:48]
03.Fife and Drum [09:30]
04.State of Grace [05:44]
05.Hang 11 [11:38]
06.From Within [05:21]
07.The Rena Song [07:03]
08.In the Moment [06:27]
09.Black Ice [10:54]
10.Bite of the Mosquito [Studio Version] [01:53]

Belleza sin palabras

2006-06-09T10:34:00.000+02:00

Bueno el funcionamiento de este blog va a ser sencillo yo iré escribiendo una "crítica" de aquellos discos que considero verdaderas joyas y en la misma entrada la gente puede postear y contarme sus opiniones, más adelante me gustaría que los propios lectores pudieran escribir sus propias críticas ó experiencias y que me las enviaran y yo mismo las publicaría en otra sección diferente, de momento estoy "tanteando el terreno" y cuando controle mejor el tema del blog intentaré hacerlo más interactivo.

Muchas gracias y un saludo a todos.