Due piani sequenza ai limiti dell’immaginabile ci catapultano subito nel mondo di Hugo Cabret (Asa Butterfield, già visto ne Il bambino con il piagiama a righe), un ragazzino orfano che vive solo e in incognito in una gare parigina degli anni Trenta. Appassionato di ingranaggi (suo padre era un orologiaio) ha il compito di controllare che gli orologi della stazione funzionino al meglio, il tutto cercando di sfuggire agli occhi dell’ispettore ferroviario (Sacha Baron Cohen) che lo vuole portare in orfanotrofio.

La sorte del piccolo Hugo però cambia quando si imbatte in uno strano macchinario da ricostruire, in una ragazza un po’ stravagante e nel padrino di lei, papà Georges, lo scontroso gestore di un negozio di giocattoli con un passato misterioso.

Sicuramente con Hugo Cabret ci troviamo davanti al film più personale di Martin Scorsese, quello più magico e iperreale. Con centosettanta milioni di dollari di budget, i suoi fidati collaboratori (da Dante Ferretti per le sorprendenti scenografie a Francesca Lo Schiavo per i costumi, fino alla sua storica montatrice Thelma Schoonmaker), e un produttore d’eccezione (Johnny Depp, che appare anche in un cameo), il regista newyorchese ci accompagna nei meandri più profondi dei propri sogni più reconditi, nel meraviglioso mondo di uno dei pionieri del cinema, il regista e illusionista francese Georges Méliès, il primo a mostrare i mondi fantastici fino a quel momento descritti solo in letteratura e nei teatri, attraverso la tecnica delle immagini in movimento.

Il film di Scorsese diventa così un omaggio incondizionato al cinema nella sua essenza più meravigliosa e trasgressiva, nel senso di fuori dall’ordinario, e immaginifica. E riesce a stupire lo spettatore smaliziato di oggi, proprio come il suo predecessore Méliès aveva fatto con il suo pubblico, che si alzava in piedi impaurito alla visione del treno che arriva nella stazione di La Ciotat. Lo fa con un 3D strabiliante (ulteriore omaggio al padre degli effetti speciali), funzionale alla narrazione e che diventa strumento evocativo nel finale.

Georges Méliès, proprio come Scorsese, aveva intuito il potenziale immaginifico del cinema, e da artigiano sopraffino quale era, si era messo a fabbricare i sogni, quelli che non esistevano e che, grazie alle sue trovate, finalmente la gente poteva guardare in faccia mentre era seduta in una sala buia. In questo Hugo Cabret è imbattibile, nella potenza di sussurrare emozioni di celluloide, nel potere che nel film viene dispensato alla settima arte di far dimenticare le brutture della vita e di catturare i sogni, e nel citazionismo selvaggio di cui è intriso che sfocia spesso in omaggi più o meno espliciti a cinema e letteratura (si va da Harold Lloyd e Douglas Fairbanks a David Copperfield e Jean Valjean).

Clicca qui per vedere il video incorporato.

Hugo Cabret però, nonostante risulti stilisticamente impeccabile, rimane un film imperfetto, narrativamente meno forte rispetto ad altri lavori del regista americano, con una trama che si gioca tutto nella seconda parte, lasciando al resto dei cambi di ritmo eccessivi e ridondanti. Ma l’essenza del messaggio che Scorsese ci lascia in quello che ha tutta l’aria di essere il suo testamento cinematografico, arriva dritto al cuore. Il consiglio, anzi la necessità, è quella di tornare a una visione innocente del cinema, recuperandone il passato e la sua storia. Liberi dai pregiudizi e con gli occhi innocenti di un bambino che scopre il mondo. E alla fine, sembra quasi di vederlo, Martin Scorsese, con gli occhi lucidi e consapevoli, che a settant’anni riesce a trovare ancora una storia in grado di emozionarlo.

Thanks to Movielicious!

Dopo un’assenza di più di dieci anni, sono finalmente tornati I Muppet, scelta coraggiosa da parte della Walt Disney Pictures, e questo tema lo si avverte durante tutto il film.

Preceduto da un delizioso corto originale di Toy Story, perfetto nei suoi dettagli come sempre, il film dei Muppet susciterà reazioni diverse in base all’età dello spettatore; coloro, infatti, che ci sono cresciuti insieme, si troveranno a ripercorrere nuovamente la propria infanzia, attraverso una serie di spezzoni dei vari episodi trasmessi in tv, con i loro incredibili ospiti, facendo comprendere allo spettatore di oggi l’importanza che quella serie ha avuto nei cuori degli adulti di adesso.

Siamo cresciuti con le storie di Kermit e Piggy, gli scherzi un po’ farlocchi di Fozzie l’orso, Animal, Gonzo ed i due simpaticissimi Statler e Waldorf che hanno sempre contornato gli episodi con battute sarcastiche.

Clicca qui per vedere il video incorporato.

Il film, mantiene la sua tradizione musicale e di grandi ospiti, di cui, per rispetto alle richieste di Kermit, diamo solo un paio di nomi come Jack Black e Whoopi Goldberg. La storia parla di Walter, suo fratello Gary (Jason Segel) e la ragazza di Gary, Mary (Amy Adams) che lasciano il tranquillo paesino di Smalltown per andare a visitare Hollywood e i Muppets Studios, dove Walter scopre che il nuovo proprietario degli Studios Tex Richman (Chris Cooper) ha deciso di abbattere gli Studios ormai ridotti ad un cumulo di memorabilia abbandonate ed impolverate, per scavare il terreno ed estrarne il petrolio.

Sarà compito di Walter, Gary e Mary riuscire a riunire i Muppet di nuovo per salvare i ricordi d’infanzia di ognuno di noi ed i sogni di Walter; Mary sperava di riuscire a sposarsi con Gary durante le vacanze, ma mette da parte i suoi sogni per salvare gli Studios, Gary e Walter invece dovranno decidere chi o cosa sono, se uomini o Muppet.

Dopo un’inizio un po’ lento alla ricerca dei componenti dei Muppet, la storia prende velocità e si ritorna ai ritmi ed alle battute tipiche a cui ci hanno abituato Kermit, Peggy, Statler e Waldorf. La musica ha sempre un posto importante in tutte le storie dei Muppet e questa non fa eccezione tant’è che la personalissima “Uomo o Muppet” è candidata agli Oscar 2012.

Kermit per tutta la durata del film ci arricchisce con le sue piccole perle di saggezza, facendoci arrivare attraverso musiche e sceneggiatura il valore profondo dell’amicizia, della famiglia e della forza dei sogni.

Non vi sveliamo il finale perchè dovete andare a vedere questo meraviglioso film al cinema, vi farà sorridere facendovi tornare bambini, vi commuoverà, vi farà ridere ricordandovi le cose importanti della vita, perchè alla fine non si cresce mai veramente.

Potete visitare la pagina facebook ufficiale italiana dei Muppet qui.

]]> http://www.binarioloco.it/2012/02/08/i-muppet/feed/ 0 http://www.binarioloco.it/2012/02/08/i-muppet/ http://feedproxy.google.com/~r/binarioloco/posts/~3/8ocDyjB3N0U/ http://www.binarioloco.it/2012/02/07/polisse/#comments Tue, 07 Feb 2012 01:47:01 +0000 Roberto Dati http://www.binarioloco.it/?p=8125

Il tema dei bambini maltrattati, abusati o anche ‘semplicemente’ trascurati non è certo nuovo, eppure una scossa di adrenalina corre lungo le schiene degli spettatori mentre guardano, sentono e ascoltano Polisse, un’esperienza sensoriale oltre che un film, che impone una partecipazione dei cinque sensi sia per la velocità degli eventi narrati, sia per l’intensità dei personaggi.

Premio della Giuria al Festival di Cannes 2011, il film della giovane ed attraente regista e attrice franco-algerina Maïwenn Le Besco, racconta, con ritmo concitato e in presa diretta, le vicende di un gruppo di agenti di Polizia della Sezione Protezione Minori: violenze, pedofilia, maltrattamenti, incesti, case-famiglia ed ospedali, ragazze-madri, rapimenti e adolescenti difficili. Tutto questo lascia tracce indelebili sulla psiche, sentimenti e vita privata degli stessi agenti e, per ogni bambino salvato, sembra dire il film, si paga un prezzo.

Il complesso lavoro di preparazione svolto da Maïwenn con i suoi attori, sottoposti ad un lungo training con un poliziotto della Sezione Minori ha prodotto ottimi frutti: il film è autentico, crudo, brillante, usa un gergo pesante ma assolutamente credibile: sembra di essere lì, anche noi con il fiato sospeso, a cercare di salvare l’ennesimo ragazzino in difficoltà, ad interrogare l’ennesimo padre sospettato di violenza. Contemporaneamente scorrono le vite dei poliziotti, fra nuovi amori, separazioni, depressioni, amicizie, litigi e momenti di allegria.

Clicca qui per vedere il video incorporato.

Qualcuno ha bollato l’opera di propaganda; certamente il punto di vista scelto è quello dei tutori della legge, ma ciò passa in secondo piano nel forte e credibile affresco in movimento che Maïwenn fa di un aspetto inquietante della nostra società – il rapporto tra adulti e minori, tanto vezzeggiati a parole quanto bistrattati nei fatti.

Forse tutt’e due

Oggi, il mio regista preferito in assoluto, il geniale François Truffaut, avrebbe compiuto 80 anni.

Voglio ricordarlo così.

Logout

Clicca qui per vedere il video incorporato.

Il film “sportivo” con Brad Pitt che si è portato a casa sei nomination all’Oscar. Le virgolette sono d’obbligo, visto che L’arte di vincere usa il baseball come metafora della società, più precisamente dell’America, e partendo da qui ci regala una visione dello sport – pardon, della politica – basata su ideali etici e reale passione. Billy Bean (Pitt) è un uomo che ha ricevuto solamente delusioni come giocatore, e ora che è general manager di una squadra scalcinata ma che riesce comunque a cavarsela, gli Oakland Athletics, tutto quello che desidera è cambiare il sistema dall’interno.

L’occasione gli viene offerta dal provvidenziale incontro con Peter Brand (Jonah Hill), fresco di laurea in economia. Peter è convinto che una grande squadra di baseball si possa mettere su anche basandosi solamente sulle statistiche e sulle capacità dei singoli, senza ricorrere necessariamente alle leggi del mercato e a nomi costosissimi.

Fuori i tre giocatori più blasonati degli Oakland, Billy e Peter costruiscono una squadra fatta di scarti, che getta nel panico i dirigenti e l’allenatore Howe (Philip Seymour Hoffman), che però piano piano saranno costretti a dare ragione al folle piano dei due.

Clicca qui per vedere il video incorporato.

Non serve essere appassionati di baseball per apprezzare la carica emotiva di un film ottimamente costruito, incentrato su una splendida figura di perdente (anche nella vittoria) magistralmente interpretata da Pitt. Un uomo che non ha minimamente fiducia nei propri mezzi, quasi sempre sorpreso piuttosto che compiaciuto dal successo, attanagliato da piccole nevrosi e grandi conflitti, che lentamente riesce a comprendere le dinamiche della vittoria e a capire che più ci si lavora, meno le si vive come se fossero soltanto colpi di fortuna.

Dietro a L’arte di vincere, più semplicemente, c’è la realizzazione estrema del vecchio adagio “l’unione fa la forza”. E’ il fatto che riesca a convincerci che possa essere vero, in un’epoca in cui la disillusione è la regola, a renderlo un grande film.

Thanks to Movielicious!

Così se il ruolo del Colonnello Von Stauffenberg in Operazione Valchiria, pellicola diretta da Bryan Singer su un complotto contro Hitler in cui era alle prese con un personaggio non facile (ricordate che aveva un occhio solo, oltre a un braccio ed una mano finti?), non è riuscito a guadagnarsi i favori del pubblico, non gli è andata meglio nemmeno con quello della spia Roy Miller nel più recente action a tinte rosa Innocenti bugie, accanto a Cameron Diaz.

Se a questo uniamo le copertine dei giornali di gossip dedicati a sua figlia Suri che a cinque anni se ne va in giro per Ocean Drive con tanto di rossetto a comprare scarpe col tacco griffate da indossare alla scuola di Scientology, non è difficile capire che anche uno come Cruise può perdere consensi.

Ma per l’ex Top Gun nessuna Mission risulta davvero Impossible. E Protocollo fantasma ne è la prova. A fronte dei centoquaranta milioni di dollari di budget, il film fino ad ora ne ha incassati centonovantotto solo negli Stati Uniti, superando il mezzo miliardo nel resto del mondo. Accanto allo stesso Cruise, nelle vesti di Produttore Esecutivo, troviamo J.J. Abrams,(regista del terzo M. I.) il Re Mida del piccolo schermo, l’uomo dei miracoli, mentre al timone troviamo il veterano della Pixar Brad Bird, che ha firmato gioiellini come Gli Incredibili e Ratatouille e che si è cimentato per la prima volta con una pellicola live action.

Clicca qui per vedere il video incorporato.

La trama di Protocollo fantasma è tutt’altro che complessa: l’agente operativo dell’IMF Ethan Hunt viene messo al bando dal governo americano insieme ai suoi collaboratori. E’ accusato di aver ideato e messo a segno un grave attentato al Cremlino. Il Presidente avvia il Protocollo Fantasma: Hunt, senza più risorse e sostegno, dovrà trovare il modo per riscattare il nome della propria agenzia ed evitare in tempo una guerra nucleare. Non è da solo in questa folle avventura, con lui ci sono il misterioso William Brandt (Jeremy Renner), l’imbranato Benji Dunn (Simon Pegg), e la sexy Jane Carter (Paula Patton), mentre il ruolo del villain è stato affidato a Michael Nyqvist (il Mikael Blomkvist della trilogia svedese  Millennium).

Tenetevi pronti a due ore abbondanti di pura adrenalina, supportati da una trama che riesce a trovare la giusta armonia tra la star assoluta e i suoi comprimari, in questo capitolo della saga più torniti e umanizzati rispetto ai precedenti. Certo la sceneggiatura è pressoché inesistente, fatta di tante missioni impossibili che il nostro eroe ovviamente supererà con ogni mezzo, ma in un film del genere è una carenza tutto sommato sopportabile. Lo spettacolo, però, è assicurato.

Thanks to Movielicious! ;-D

The Iron Lady, presentato agli inizi di gennaio in prima assoluta a Londra ed ora in Italia è già in lizza per le nomination  ai prossimi Oscar, dimostrando ancora una volta la grandezza, l’eleganza e l’accuratezza dei film made in England.

Film controverso e non ben accettato sul suolo inglese nella sua totalità per la modalità con cui la regista, Philippa Lloyd ha deciso di trattare una delle tematiche più tabù in Inghilterra, quale la politica. La Lloyd ha deciso, in realtà di soffermarsi sull’evoluzione della figura umana all’interno di un contesto politico piuttosto che fare un’analisi sociopolitica. Richiami alla realtà storico politica sono presenti e si percepiscono soprattutto dalle scene di massa per strada in cui si ricreano i vari scioperi o attentati dell’epoca.

La pellicola mostra un cast degno della tradizione attoriale british con una guest star di primo ordine, Meryl Streep che ancora una volta mette in scena una signorilità, un’eleganza ed una precisione nella costruzione del suo personaggio non da poco.

La regista, Philippa Lloyd ha  impostato questo biopic partendo da un flashback, ripercorrendo durante 3 giorni la vita della Tatcher attraverso ricordi ed allucinazioni. E’ molto ricorrente l’uso di filmini domestici o documentari televisivi come espediente per suggerire il ricordo o evocare rispettivamente avvenimenti privati o storici.

Margareth Tatcher viene presentata in tre fasi della sua vita: si parte dal presente e sullo schermo compare una Meryl Streep invecchiata incarnare il Primo Ministro ormai affetto da una senilità galoppante in cui sono frequenti allucinazioni, insomma l’aspetto debole e fragile di quella che un giorno era la Iron Lady. Man mano che i ricordi affiorano alla mente, si alternano sullo schermo una giovanissima Tatcher (Alexandra Roach) ed ancora la Streep nel ruolo della Tatcher  in fase adulta all’apice della sua carriera Nell’interpretare due diverse fasi della Tatcher, l’attrice dimostra la sua versatilità all’ennesima potenza, da un lato la donna di ferro e battagliera, dall’altro la donna impaurita dalle sue visioni e dai vari sensi di colpa.

Personaggio creato non solo grazie ad una rigorosità nel ridisegnare la Tatcher nei suoi piccoli atteggiamenti o nelle sue espressioni ma proprio nell’estetica.  La Streep sfoggia in effetti svariati tailleur colorati ma sobri  ed è evidente il divertimento della regia nell’arricchire la pellicola di svariate scene di massa in cui la fotografia mette astutamente in rilievo ciò che ad un primo sguardo fa la differenza in un contesto maschile; più volte di fatti la presenza del Primo Ministro durante le varie sedute politiche viene annunciata dai primissimi piani della macchina da presa a dettagli dell’abbigliamento della Tatcher: i tailleur, le scarpe, o i cappelli. Similmente la regia sceglie di introdurre lo stato d’animo o la situazione in cui si trova il personaggio partendo dall’‘inquadratura ad un dettaglio fisico: le mani tremanti, lo sguardo annebbiato o perso nel vuoto, o il passo deciso. Dettagli dell’abbigliamento ed elementi fisici che ricorrono all’interno della storia come parte narrante e non come elemento di secondo piano.

Clicca qui per vedere il video incorporato.

La Streep fa un lavoro strepitoso sulla voce in quanto non solo riesce a riprodurre dei timbri vocali diversi, una voce più stridula  agli inizi della carriera ed un’altra più roca e affannata da anziana.produrre l’accento British per cercare di eliminare le sporcature dell’American English.La struttura filmica è organizzata su due livelli narrativi alternati: l’anziana Tatcher ripercorre con la mente le tappe più importanti della sua carriera politica ed è interessante notare come la regista sia riuscita a coordinare l’alternarsi dei ricordi di gloria con gli improvvisi ritorni al presente , in cui incombono le allucinazioni senza soluzione di continuità con immagini offuscate che riecheggiano la sua vita di madre e moglie.

La regia ha scelto di alternare quindi scene di forza permeate dalla grintosa Tatcher dal passo sicuro con scene in cui compare tutta la fragilità dell’incertezza.Da un punto di vista tecnico questa dualità di sensazioni viene ugualmente percepita dall’alternarsi di immagini e  riprese caratterizzate da una luce ben chiara e da contorni nitidi , nel caso delle scene relative all’ascesa politica e da riprese spesso prive di messa a fuoco ed al buio mentre si racconta la fase senile della donna.

Analogamente si può fare lo stesso discorso per quanto riguarda il commento musicale ricco e variegato: l’intera pellicola è di fatti pervasa da una colonna sonora che non ha solo funzione decorativa e di secondo piano al film ma contribuisce in maniera insistente ad accentuare le svariate sensazioni ed emozioni che pervadono l’opera.

Da un lato atmosfere anni ’40 che riprendono lo stile di Cole Porter e dei suoi music hall (molto tenera la scena in cui la Tatcher ricorda i momenti di ballo col marito ), dall’altro stacchi musicali in cui implodono violini a sottolineare l’incalzare dei momenti di sfida e di lotta ed infine i ritmi lenti e pacati di una semplice sonata di piano o niente di meno che della Casta Diva. Sempre in riferimento al commento musicale, tuttavia  c’è da dire che la Lloyd ha scelto talvolta dei commenti musicali a volte eccessivamente trionfanti, battaglieri e frastornanti quasi a voler rimandare lo spettatore ai fasti e trionfi rinascimentali del film Elisabeth.

Sulla falsariga di Il discorso del Re anche qui vediamo l’eroina di turno sottoporsi ad allenamenti ed esercizi vocali per rieducare la voce mentre un’ altra scena cliché introdotta forse per allentare la tensione è la scena della trasformazione da brutto anatrocollo ad Iron lady. Divertenti ma un po’ troppo forzate, di fatto le immagini degli assistenti della Tatcher sotto i caschi da parrucchiera tremanti per il risultato finale della messimpiega del Primo Ministro.

Lisbeth è rinata dalle sue ceneri di celluloide ed è pronta a ricondurci nelle tenebre dipinte dal talentoso Stieg Larsson, al grido di: “Combattere le ingiustizie. Sempre!”. La trasposizione americana del capolavoro scandinavo Uomini che odiano le donne uscirà nelle sale italiane il prossimo 3 febbraio e si preannuncia appassionante. D’altra parte, con un golden cast come questo, è pressocché impossibile non andare a segno!

Il ruolo del protagonista maschile, il giornalista investigatore Mikael Blomkvist, è stato, infatti, affidato a Daniel 007 Craig e la regia al venerato ed acclamato David Fincher (Seven, Fight Club, Zodiac). Il film è stato doverosamente girato in Svezia ed è piaciuto talmente all’Academy da attribuirgli ben cinque nomination, tra cui quella per Miglior Attrice a Rooney Mara (era Erica Albright in The Social Network) che ha indossato coraggiosamente le scomode vesti di Lisbeth Salander.

Un altro aspetto che rende il film decisamente interessante è la fedeltà al testo originale che l’autore (scomparso prematuramente nel 2004) avrebbe sicuramente apprezzato. Uno su tutti, l’accurato lavoro sul personaggio che ha consentito a Rooney Mara di regalarci una Lisbeth silente ed a tratti autistica ma capace, in un istante, di mutarsi nella macchina da guerra che ben conosciamo.

Tre ore meno due minuti di tensione da manuale.

Una visione da non perdere.
—-
Sponsorizzato da Sony Pictures

E’ da poco iniziata la stagione televisiva invernale e, come ogni anno, il piccolo schermo è stato invaso dai prodotti più disparati.

Il genere storico sembra andare per la maggiore, con “La figlia del capitano” seguito a ruota da “Anita”.
Lo stesso dicasi per “Che Dio ci aiuti” che vede Elena Sofia Ricci trasformarsi con successo e per la gioia del pubblico in simpatica suora detective sull’onda del successo di Don Matteo. La novità più gustosa è data dal fatto che, forse ispirati dalle leggende riguardanti l’anno appena iniziato (leggere alla voce “Profezie Maya”) gli sceneggiatori di RAI e Mediaset si siano buttati a capofitto in un genere molto in voga oltreoceano ma sinora poco esploratorato dalle produzioni nostrane: il paranormale.

Sia “mamma Rai” che Mediaset hanno scelto di approfondire il filone in modi totalmente differenti, proponendo due fiction dai toni noir con ampie incursioni nel mondo dell’ignoto.

Rai Uno propone Il Restauratore che vede come protagonista Basilio, un ex carcerato dotato di poteri paranormali. Uscito dal carcere dopo diversi anni, l’uomo scopre di poter vivere la storia futura delle persone proprietarie degli oggetti che tocca nella sua attività di restauratore. Ne risultano una serie di indagini durante le quali l’uomo rispolvera i suoi trascorsi da poliziotto con l’obiettivo di scongiurare gli esiti, per lo più tragici, previsti. La fiction, coproduzione Albatross Entertainment e Rai Fiction, prevede dodici puntate articolate in sei prime serate.

Clicca qui per vedere il video incorporato.

Personalmente, ho trovato gli spunti molto interessanti ma gli sforzi di sceneggiatura sono stati resi vani da una regia poco convincente, indecisa tra la volontà di osare e quella di rassicurare lo spettatore.Ne risulta una narrazione scoordinata e decisamente poco credibile. Nulla può l’interpretazione di Lando Buzzanca che prova ad essere convincente ma., quando si ritrova catapultato in improbabili flashback con tanto di parrucca, rinuncia a combattere. L’ambientazione, uno studio di restauratore, potrebbe essere piacevole se non fosse antistante una piazzetta italiana così di clichè che ci aspetterebbe il suonatore di mandolino. Di paranormale c’è il fatto che il proprietario del bar fa credito a tutti.

Di contro, ho trovato particolarmente interessante la fiction proposta da Canale 5, “Il Tredicesimo Apostolo – il Prescelto”. Anche in questo caso ritroviamo una media serialità, sei serate e dodici puntate, targata Taodue e Pietro Valsecchi.

Claudia Pandolfi interpreta una psicologa (Claudia, per omonimia) che per puro caso si trova a collaborare con Gabriel, giovane teologo Gesuita con la passione per le moto (Claudio Gioè). L’uomo è incaricato da una fantomantica Congregazione della Verità di indagare su una serie di vicende che per tipo e modalità di manifestazione potrebbero richiedere l’attenzione della chiesa.

I due, che incarnano l’opposizione di scienza e spiritualità, si ritrovano successivamente e loro malgrado invischiati in una serie di intrighi, lotte e rivalità per il controllo di chi, si ipotizza, sia dotato di poteri paranormali. Gabriel stesso scoprirà di essere dotato di particolari facoltà e dovrà fare un lungo viaggio nel proprio passato per scoprirne l’origine, arrivando a trovarsi in pericolo proprio a causa di tali abilità.

Al contrario del prodotto Rai, Mediaset mette in campo una regia ed una sceneggiatura di buona qualità, nel tentativo di introdurre lo spettatore italiano a tematiche nuove per le produzioni italiane.
Vengono sperimentate tecniche registiche innovative per il piccolo schermo italiano; viene per esempio fatto ampio ed oculato utilizzo del green screen per spettacolarizzare il tutto senza cadere nel caricaturale.

Le tematiche affrontate, la colonna sonora ed i titoli di testa strizzano palesemente l’occhio al genere lanciato con successo da “Il Codice da Vinci”, l’occhio e l’orecchio ormai abituati si lasciano corteggiare. (Una curiosità: su youtube qualcuno fa prontamente notare le smaccate similitudini con i titoli di testa di un recente successo cinematografico… elementare Watson!).

Ottime le interpretazioni di Pandolfi e Gioè – grandi interpreti della scuderia Mediaset – che, contrariamente a quella di Buzzanca, risultano credibili e piacevoli da seguire pur essendo inserite in un contesto fantastico.

Clicca qui per vedere il video incorporato.

Peccato l’inciampo di una sceneggiatura che crede sia sufficiente la storia d’amore tormentata tra laici e consacrati per fare di una fiction un successo di lunga data. In questo caso basta soprassedere ben sapendo che di finzione si tratta e incrociare le dita. Valsecchi si fa con successo paladino di un genere che in Italia aveva conosciuto ampio successo in tempi non sospetti con sceneggiati quali “Il Segno del Comando”, la Rai rimane per il momento a guardare.

Insomma questo Gennaio all’insegna del paranormale è ricco di nuovi spunti che, se colti, messi in vaso ed annaffiati con regolarità, potrebbero originare prodotti sempre più convincenti e magari – perché no – esportabili. Restate sintonizzati!

Undici candidature per Martin Scorsese e il suo Hugo Cabret, vero mattatore della prossima edizione degli Oscar.

Rivelate oggi le nomination, che vedono contendersi la statuetta con War Horse di Steven Spielberg, L’arte di vincere con Brad Pitt (entrambi a sei nomination), George Clooney e il suo Descendants, Woody Allen e (finalmente considerato dalla Academy) Midnight In Paris e molto, molto altro.

Dante Ferretti e Francesca Lo Schiavo tengono alta la bandiera italiana a Hollywood, nominati per la scenografia di Hugo Cabret. Appuntamento al 26 febbraio per scoprire chi vincerà.

Miglior film
The Artist
The Descendants
Extremely Loud & Incredibly Close
Hugo
Midnight in Paris
The Help
Moneyball
War Horse
The Tree of Life

Miglior attore
Demian Bichir, A Better Life
George Clooney, The Descendants
Jean Dujardin, The Artist
Gary Oldman, Tinker Tailor Soldier Spy
Brad Pitt, Moneyball

Miglior attrice
Glenn Close, Albert Nobbs
Viola Davis, The Help
Rooney Mara, The Girl With the Dragon Tattoo
Meryl Streep, The Iron Lady
Michelle Williams, My Week With Marilyn

Miglior attore non protagonista
Kenneth Branagh, My Week With Marilyn
Jonah Hill, Moneyball
Nick Nolte, Warrior
Christopher Plummer, Beginners
Max Von Sydow, Extremely Loud & Incredibly Close

Miglior attrice non protagonista
Berenice Bejo, The Artist
Jessica Chastain, The Help
Melissa McCarthy, Bridesmaids
Janet McTeer, Albert Nobbs
Octavia Spencer, The Help

Miglior regia
Woody Allen, Midnight in Paris
Michel Hazanavicius, The Artist
Terrence Malick, The Tree of Life
Alexander Payne, The Descendants
Martin Scorsese, Hugo
Steven Spielberg, War Horse

Miglior sceneggiatura originale
Woody Allen, Midnight in Paris
JC Chandor, Margin Call
Asghar Farhadi, A Separation
Michel Hazanavicius, The Artist
Kristen Wiig and Annie Mumolo, Bridesmaids

Miglior sceneggiatura non originale
Alexander Payne, Nat Faxton, Jim Rash, The Descendants
John Logan, Hugo
George Clooney, Grant Heslov, Beau Willimon, The Ides of March
Aaron Sorkin, Steven Zaillian, Moneyball
Bridget O’Connor, Peter Straughn, Tinker, Tailor, Soldier, Spy

Miglior film di animazione
A Cat In Paris
Chico & Rita
Kung Fu Panda 2
Puss in Boots
Rango

Miglior film in lingua straniera
Bullhead (Belgio)
Footnote (Israele)
In Darkness (Polonia)
Monsieur Lazhar (Canada)
A Separation (Iran)

Miglior colonna sonora
The Adventures of Tintin, John Williams
The Artist, Ludovic Bource
Hugo, Howard Shore
Tinker Tailor Soldier Spy, Alberto Iglesias
War Horse, John Williams

Miglior canzone originale
Man or Muppet, The Muppets; Music and Lyric by Bret McKenzie
Real in Rio, Rio; Music by Sergio Mendes and Carlinhos Brown, Lyric by Siedah Garrett

Miglior direzione artistica
The Artist
Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2
Hugo
Midnight in Paris
War Horse

Miglior fotografia
The Artist
The Girl With the Dragon Tattoo
Hugo
The Tree of Life
War Horse

Migliori costumi
Anonymous
The Artist
Hugo
Jane Eyre
W.E.

Miglior documentario
Hell and Back Again
If a Tree Falls: A Story of the Earth Liberation Front
Paradise Lost 3: Purgatory
Pina
Undefeated

Miglior documentario breve
The Barber of Birmingham: Foot Soldier of the Civil Rights Movement?
God Is the Bigger Elvis
Incident in New Baghdad
Saving Face
The Tsunami and the Cherry Blossom

Miglior montaggio
The Artist
The Descendants
The Girl With the Dragon Tattoo
Hugo
Moneyball

Miglior trucco
Albert Nobbs
Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2
The Iron Lady

Miglior corto animato
Dimanche/Sunday
The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore
La Luna
A Morning Stroll
Wild Life

Miglior corto
Pentecost
Raju
The Shore
Time Freak
Tuba Atlantic

Miglior montaggio sonoro
Drive
The Girl With the Dragon Tattoo
Hugo
Transformers: Dark of the Moon
War Horse

Miglior missaggio
The Girl With the Dragon Tattoo
Hugo
Moneyball
Transformers: Dark of the Moon
War Horse

Migliori effetti speciali
Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2
Hugo
Real Steel
Rise of the Planet of the Apes
Transformers: Dark of the Moon

——–

Thanks to Movielicious! 

A.C.A.B., prodotto da Cattleya e Rai Cinema e in uscita nelle sale italiane venerdì 27 Gennaio, è il primo lungometraggio di Stefano Sollima, conosciuto a molti come regista delle due stagioni televisive di Romanzo criminale. La pellicola riprende il racconto tratto dal libro di Carlo Bonini, appunto A.C.A.B.(All Cops Are Bastards), grido sposato dagli hooligans ed attualmente utilizzato per rappresentare l’odio dei civili nei confronti dei poliziotti, in particolare dei celerini.

Una Roma attuale, cambiata nel corpo e nello spirito, dove piccoli criminali, usurpatori, exracomunitari e  frange estreme regnano perenni, accompagna le giornate di tre poliziotti violenti, parte della squadra celere, interpretati da Pierfrancesco Favino (Cobra), Marco Giallini (Mazinga), Filippo Nigro (Negro).

I tre uomini, accomunati da un ideale sociale e politico che negli anni li ha resi inseparabili come fratelli, impongono il rispetto dei propri valori attraverso una giustizia privata e violenta. Ma la rabbia che monta ogni giorno di più nei loro animi è figlia della disillusione di coloro che vedono la loro quotidianeità sbriciolarsi sotto il peso di una società stanca, malandata e scontenta.

La pellicola non si schiera, non accusa ne difende, ma riporta attraverso una sceneggiatura tutt’altro che esaltante uno spaccato importante della nostra società: il sentimento di odio, rabbia ed intolleranza nel quale siamo immersi, e di cui noi stessi siamo i principali fautori. Non a caso sia il libro che il film, anche se in maniera più blanda, riportano fatti di attualità che hanno scosso la nostra nazione negli ultimi anni: dagli scontri del G8 a Genova, all’uccisione di Gabriele Sandri, dallo stupro di Giovanna Reggiani a Tor di Quinto da parte di un cittadino romeno alla morte dell’Ispettore Raciti durante gli scontri avvenuti fuori dallo stadio.

Clicca qui per vedere il video incorporato.

I personaggi del film sono tutto quello che noi non vorremmo essere ma una parte di noi è, invece. Prima di essere violenti, subiamo noi stessi una violenza da parte di una nazione che non sentiamo nostra, da parte di uno Stato che non ci difende e non ha cura di noi, da parte di una società che ci rende sempre più diffidenti ed egoisti, più tristi e disperati; e quindi violenti e rabbiosi, almeno nello spirito.

La pellicola nel complesso è discreta. Destinata sicuramente ad un pubblico maschile, probabilmente fatto di giovani che avranno difficoltà a scindere l’aspetto più goliardico e virile da un tema socialmente importante, che può e deve portarci a riflettere.

L’interpretazione dei protagonisti (ormai onnipresenti) è buona, dura e cattiva come copione vuole. Interpreti nuovi e meno conosciuti avrebbero dato un tocco più noir e autoriale alla pellicola che risulta a tratti debole nella struttura dei dialoghi e nel susseguirsi delle vicende.

L’incredibile storia di Winter il delfino è un film emozionante sia per le scene che per i legami che si instaurano tra i delfini e le persone. Si tratta della trasposizione cinematografica di un evento realmente accaduto ed il susseguirsi delle immagini mostra il nascere ed il crescere di un profondo legame tra il delfino Winter ed il bambino Sawyer, portandoci a riflettere su come oggi si stia perdendo lo spirito d’iniziativa e la convinzione che tutti gli obiettivi possano essere raggiunti grazie alla fiducia in se stessi.

I delfini, poi, animali formidabili e intelligenti, si cimentano, in questo caso, in vere e proprie lezioni di vita, mettendo in evidenza la debolezza di un preconcetto tipicamente “umano”, quello secondo cui una menomazione fisica può mettere fine all’esistenza della persona ed alla sua vita sociale.

Niente di più falso perché la storia ci fa capire che i veri nemici, dopo un’eventuale simile tragedia, siamo noi stessi, il nostro orgoglio e non chi ci guarda. Poi ci sono altri eroi, bambini con una sensibilità spiccata, con tanta voglia di fare delle cose per questo delfino rimasto ferito, purtroppo, per opera dell’uomo. Riusciranno a smuovere quell’insana logica adulta, per far avverare un miracolo.

Non possiamo che essere lieti di rivedere sul grande schermo il valente Morgan Freeman, ripresosi perfettamente dal brutto incidente d’auto che lo ha visto protagonista nel 2008.

Clicca qui per vedere il video incorporato.

Questo film ci insegna, attraverso l’appassionante, avvincente, entusiasmante e, soprattutto, vera storia di un delfino, che nulla è impossibile, basta volerlo. Detto questo, consiglio di vederlo perché è veramente bello.

Andrea

Mi è piaciuto tanto. La mia parte preferita è quando il bambino ha trovato Winter sulla spiaggia e lo ha liberato.
Mi piacerebbe rivedere questo film perché è bellissimo.

Dana

Il film e’ stato bellissimo. Lo consiglio a bambini e adulti di tutte le età. La mia parte preferita è quando Hasel  e Sayer si incontrano. Il film narra di un delfino che resta impigliato in una trappola per granchi, rimane gravemente ferita alla coda. Sayer la salva. Winter è ricoverata presso l’ospedale per animali acquatici, subisce un intervento riuscirà a sopravvivere????

E ora dove andiamo? (Et maintenant, on va où?)

Diciotto confessioni religiose in uno Stato grande come l’Abruzzo non sono poche. È dal multiforme contesto del Libano che trae forza e ispirazione il cinema di Nadine Labaki, cineasta e attrice di grande talento attesa alla sua seconda prova dopo l’incantevole Caramel.

La storia ha luogo in un villaggio arabo, immerso nella calura e nella polvere di un paesaggio semidesertico. Qui, un gruppo di ragazzi lotta contro l’isolamento provocato da un conflitto strisciante – nello spostarsi, a piedi o su improbabili carrette, gli abitanti devono stare attenti a non finire nei campi minati – cercando il punto esatto dove collocare l’unico televisore del villaggio, in modo da captare il segnale che diffonde la trasmissione di capodanno: siamo infatti nel Duemila, anno in cui tutti auspicano che le magnifiche sorti e progressive della nuova era portino finalmente la pace in quella terra martoriata.

Gli auspici del sindaco sono condivisi dal parroco e dal mullah dell’unica chiesa e dell’unica moschea del villaggio, che sorgono l’una accanto all’altro. I due sacerdoti, entrambi pingui e indolenti, ma in fondo saggi, sanno che basterà poco alle teste calde delle rispettive fedi per dimenticare la comune condizione, l’amicizia, persino i legami di sangue, e combattersi ferocemente in nome di un dio sanguinario.

Ed ecco infatti che, malgrado la lievità con cui vengono tratteggiati i rapporti umani all’interno della piccola comunità, emerge pian piano il demone mai sopito dell’odio e della vendetta. Dai piccoli sfregi si passa ad affronti intollerabili, fino a che l’irreparabile accade: come in una tragedia greca, la vittima sacrificale è un ragazzo il cui fratello è uno dei più accaniti avversari dell’opposta religione. Per evitare il bagno di sangue, nonché la distruzione della propria famiglia, la madre dei due giovani occulta il cadavere del figlio, fingendo che non sia morto.

Da questo snodo del film, che del resto è punteggiato di trovate similmente brillanti, scaturisce in modo paradossale la soluzione – sia pure temporanea – del conflitto: la disperazione di Yvonne, la madre del morto, si converte in una pietas così veemente da indossare i panni del nemico. Ecco quindi che, sul suo esempio, anche le altre donne del villaggio si scambiano i ruoli, le cristiane indossando il velo nero e le musulmane impugnando il crocifisso, tutte insieme reclamando la pace in nome della comune umanità.

Clicca qui per vedere il video incorporato.

Così finalmente ricomposta l’unità degli abitanti, si può dar luogo alla sepoltura del giovane martire, ma anche questa si rivelerà impresa non facile: il finale aperto, espresso dallo stesso titolo dell’opera, è quasi un monito a non illudersi troppo sulla possibilità di superare la guerra una volta per tutte.

Eccellente conferma del talento di Nadine Labaki, E ora dove andiamo? è impreziosito dalla luminosa bellezza della stessa regista, che – insieme alle sue compagne di lotta, giovani e anziane – apre il racconto con una soave danza funebre illuminata dalla luce obliqua di un sole mediorientale, malgrado tutto piena di vita e di speranza.

[Le due splendide immagini della meravigliosa Nadine Labaki che trovate a lato e qui sotto sono del nostro valente fotoredattore Eugenio Boiano ]

]]> http://www.binarioloco.it/2012/01/21/e-ora-dove-andiamo/feed/ 0 http://www.binarioloco.it/2012/01/21/e-ora-dove-andiamo/ http://feedproxy.google.com/~r/binarioloco/posts/~3/ud_2deI6w2k/ http://www.binarioloco.it/2012/01/20/the-help/#comments Fri, 20 Jan 2012 16:59:42 +0000 Claudio Lugi http://www.binarioloco.it/?p=8016 Storie di balie e domestiche a Jackson

“Ogni volta che un uomo combatte per un ideale… emette una minuscola onda di speranza, e queste onde, intersecandosi da un milione di centri differenti di energia e di audacia, producono una corrente in grado di spazzare via i più poderosi muri di oppressione e resistenza.”

Robert F. Kennedy (da un discorso presso l’Università di Città del Capo, 6 giugno 1966)

“Ho cominciato a crescere i bambini dei bianchi già a quattordici anni, nel 1925, perché mia madre era morta di malattia e le bollette non aspettavano…”.

Così esordisce Aibileen Clark (Viola Davis), una domestica nera che espone la propria esperienza personale a Eugenia “Skeeter” Phelan (Emma Stone), una giovane donna bianca della buona società di Jackson, Mississippi, la quale, appena laureata (estate 1962), è ritornata a casa, dove pensa d’intraprendere la carriera di scrittrice. Ottiene, intanto, un impiego presso il Jackson Journal, ed è già un buon inizio.

Dopo il quadriennio di studi, Skeeter riprende a frequentare la sua migliore amica Hilly Holbrooks (Bryce Dallas Howard) e le altre ragazze della comitiva: tutte ora possiedono una famiglia, un marito con un impiego ben remunerato, un’abitazione spaziosa e confortevole, e in alcuni casi, lussuosa, un figlio piccolo, e una tata di colore che si occupa di accudire il pargolo, della pulizia domestica e della cucina. Le giovani donne passano il loro tempo con il bridge e con la raccolta fondi per i bambini africani, in banali riunioni al club e in lunghi aperitivi al bar conditi da conversazioni futili, o da perfidi pettegolezzi. E da consigli all’amica rimasta nubile.

Anche Charlotte Phelan (Allison Janney), madre di Skeeter, non fa che ripetere, come un disco rotto, l’importanza di un buon matrimonio. Ma la ragazza, indipendente e anticonformista, invece, progetta di realizzare un’inchiesta giornalistica sulla vita domestica e familiare nella città natale. Solo la cara Constantine, la governante nera che l’ha cresciuta, l’avrebbe capita e aiutata, ma ormai la donna è sparita. Allora propone ad Aibileen, che accudisce l’affettuosa Mae Mobley da Elisabeth Leefolt (Ahna O’Reilly), di raccontare la propria storia di balia e inserviente interrogandola con domande che scavano nel profondo dell’anima: “Che cosa si prova ad allevare i bambini degli altri quando i propri si trovano altrove?”

Clicca qui per vedere il video incorporato.

Seppur inizialmente un po’ diffidente, Aibileen, che per pochi spiccioli ha allevato amorevolmente ben diciassette bambini bianchi, si lascia conquistare dalla sincerità di Skeeter, della quale diventa fedele amica e confidente, liberandosi del fardello che la opprimeva, e rivelando la disgrazia che il destino le ha riservato: il suo unico figlio è tragicamente scomparso in un incidente sul lavoro. Ben presto, però, a questi drammatici racconti faranno eco le vicissitudini di Minny (Octavia Spencer), la migliore amica di Aibi, cuoca impareggiabile (specialista di dolci e pollo fritto), dal carattere fiero, ma che non sa frenare la lingua.

L’intervista alle due “nannies” viene poco a poco a delinearsi come una vera e propria denuncia delle condizioni di vita e degli innumerevoli episodi di ingiustizia perpetrati ai danni delle lavoratrici di colore: le balie e le domestiche nere non potevano usare nemmeno il wc nelle case in cui lavoravano. Tante altre donne si uniranno all’iniziativa fino a formare un coro a più voci, cui non basteranno poche colonne su un giornale del profondo Sud. Così prenderà corpo The Help, un libro assai toccante, che raccoglie tante testimonianze, sovente drammatiche, sulla cieca intolleranza dei bianchi.

Il volume viene stampato in un clima di minacce e intimidazioni. Le vecchie amiche di Skeeter le mostrano disappunto e ostilità. Anche Johnny Foote (Mike Vogel), il fidanzato, si allontana dopo la pubblicazione che mette alla berlina le donne della media e alta borghesia di Jackson (e non solo) come inaffidabili e ciniche, annoiate e civettuole, inadatte ad allevare e a educare i propri figli, incapaci a cucinare, pigre nelle faccende casalinghe, e occupate solo in inutili frivolezze.

Sulla graticola finisce specialmente la perfida Hilly. Licenziata da questa per aver utilizzato il bagno di casa, Minny narra di aver preparato una torta squisita per rappacificarsi con la padrona. Il dolce, molto apprezzato dalla donna, però, contiene una sgradevolissima sorpresa che susciterà lo stupore e la rabbia di Hilly, e al contempo, la divertita ilarità della madre di lei, Missus Walters (Sissy Spacek), affetta da una precoce forma di Alzheimer.

È una delle “scene madri” del lungometraggio, molto divertente per un verso, ma decisamente emblematica dall’altro. Minny troverà ugualmente un lavoro stabile presso Jolene French (Anna Camp), una donna eccentrica, ma mite e disponibile, nuova del posto, che per la sua bellezza vistosa e le origini modeste è stata messa al bando dalle signore della buona società. Un’altra sequenza spassosa riguarda ancora Hilly, dal sorriso smagliante e il pugno di ferro; stavolta viene fatta oggetto di scherno, allorché ritrova sul giardino antistante la sua abitazione una grande quantità di  vasi da toilette in ceramica – presumibilmente di seconda mano – depositati su quel prato da solerti concittadini dopo l’uscita sulla rubrica di Skeeter di una esplicita richiesta “a fini umanitari”.

Il messaggio che si evince dal racconto rimanda alla fratellanza e all’amicizia tra Skeeter, Aibi e Minny, ma anche alla solidarietà tra le tante inservienti che collaboreranno all’iniziativa della denuncia a mezzo stampa. The Help è una storia sulla fatica, sulla forza e sul coraggio di queste donne che hanno educato diverse generazioni di bambini bianchi, spesso anche con l’esempio del loro impegno e della loro dedizione, creando così le premesse per una società nuova e più tollerante. Più malinconico, purtroppo, l’epilogo per Aibileen, che sarà costretta ad allontanarsi mestamente da Jackson per l’ennesima cattiveria di Hilly, la quale, non farà tesoro dei cambiamenti in atto in città e nella nazione intera.

Opera corale al femminile, diretta da Tate Taylor, The Help è il felicissimo adattamento cinematografico del romanzo omonimo di Kathryn Stockett, un melodramma di stampo sudista che fotografa un’epoca di rapidi mutamenti, e sciorina con estrema leggerezza temi contingenti, come quello del segregazionismo razziale, evidenziando i numerosi pregiudizi sociali e la reale disuguaglianza tra bianchi e neri, che si specchia non solo nell’intolleranza e negli atteggiamenti marcatamente arroganti delle persone, ma specialmente nelle condizioni di vita della comunità di colore, ancora oppressa e penalizzata nel diritto al voto, al lavoro, al trasporto pubblico.

Nei primi anni Sessanta i numerosi interventi del presidente John Fitzgerald Kennedy per le pari opportunità, per eliminare la segregazione sugli autobus e per risolvere l’emergenza abitativa combattendo contro la discriminazione nell’acquisto e nell’affitto degli immobili, parallelamente alle crescenti proteste del Movimento dei Diritti Civili e degli attivisti della comunità di colore, guidati da un giovane Martin Luther King, creano negli USA un clima di fermento e di fiducia verso i cambiamenti politici e verso l’evoluzione della società. Ma la strada per l’uguaglianza di fatto era ancora lontana, visto che il 18 gennaio 1963 George Wallace, il nuovo governatore dell’Alabama, nel suo discorso di insediamento reclamava: “Segregation now, segregation tomorrow, segregation forever!”

Estratto da PRIMISSIMA SCUOLA n. 4 – dicembre 2011

Di queste nove pellicole, il prossimo 24 gennaio (giorno in cui verranno rese note le nomination definitive in tutte le categorie), ne rimarranno soltanto cinque.

A Separation, Asghar Farhadi (Iran – Già vincitore come Miglior Film Straniero ai Golden Globe)

Bullhead, Michael R. Roskam (Belgio)

Footnote, Joseph Cedar (Israele)

In Darkness, Agnieszka Holland (Polonia)

Monsieur Lazhar, Philippe Falardeau (Canada)

Omar Killed Me, Roschdy Zem (Marocco)

Pina, Wim Wenders (Germania)

Superclásico, Ole Christian Madsen (Danimarca)

Warriors of the Rainbow: Seediq Bale, Wei Te-sheng (Taiwan)

[Nota del caporedattore: Grazie alla tipica miopia del sistema cinema italiano, soltanto due dei nove candidati (entrambi splendidi film) sono usciti nelle nostre sale: Una separazione, grazie a  Sacher Distribuzione e Pina, grazie alla Bim]

———-

Thanks to Movielicious!