Für einen 10-Tage Urlaub in Tunesien habe ich den perfekten Begleiter gesucht. Analog, um zu entschleunigen und insbesondere im Urlaub den Prozess der Fotografie intensiver erleben zu können. Ich habe mich dabei vorwiegend aus Kostengründen gegen eine Mittelformatkamera entschieden und mich auf 35mm Film konzentriert. Meinen lang gehegten Traum von einer Leica M6 muss ich nach wie vor Träumen, aber es gibt im 35mm Format eine breite Auswahl an tollen Kameras.

Canon TopShot | SureShot Supreme | Autoboy 3

Als erstes habe ich mir eine Alternative zur Yashica T4 gesucht. Diese ist eine hervorragende Point and Shoot Kamera, welche aber preislich jenseits von Gut und Böse etwa bei 400€ gehandelt wird, je nach Zustand. Auf Youtube habe ich dabei die Canon SureShot Supreme gesehen. Diese wurde in Europa als TopShot und in Asien als Autoboy 3 vertrieben und erzielt ähnlich der T4 hervorragende Bildergebnisse mit einer Vollautomatik und Autofokus. Gekauft und Ausprobiert. Hier ein paar Frames:

Insgesamt ist die TopShot eine hervorragende Kamera, mit ordentlicher Optik und soliden Ergebnissen, aber am Ende des Tages war sie mir einfach qualitativ nicht genug. Ich habe mir also noch ein Gerät angeschaut.

Minolta X-700

Die X-700 mit 28mm Prime Lens und Motorwinder ist eine HAMMER-Kombination. Bilder aus dem Geschoss kann ich euch leider nicht zeigen, da es alles Familienbilder waren, aber die Kiste liefert richtig stark ab. Mein einziges Problem damit war, dass sie mir für den Urlaub zu groß und zu schwer gewesen ist. Also habe ich nochmal den Markt sondiert und habe nicht nur „nochmal zugegriffen“, sondern mich richtiggehend verliebt. Ich präsentiere euch also hier nun meine neue analoge Begleiterin für alle Lagen.

Olympus 35 SP

Die Olympus 35SP hat quasi alles was man von einer analogen „Immerdabeikamera“ braucht. Das G.Zuiko 42mm f1.7 Objektiv ist absolut grossartig, das ganze Look & Feel der Kamera, also von der Optik bis zur Haptik ist einfach nur wunderbar und sie liefert absolut überzeugende Ergebnisse ab. Doch dazu später mehr.

Natürlich hat dieses edle Stück aus den 70ern nicht nur Vorteile, wie zum Beispiel die Vollautomatik, mit welcher quasi jeder Schuss eine korrekte Belichtung bekommt. Der größte Nachteil dieses Gerätes ist die Stromversorgung für den Belichtungsmesser und somit für die Vollautomatik. Für die Automatik und den Belichtungsmesser benötigte man früher die alten 1,35V Mercury-Zellen, welche heute halt einfach nicht mehr hergestellt werden. Es gibt zwar mit den „Wein Cells“ einen brauchbaren Ersatz, aber da der Belichtungsmesser neben dem Sucher sitzt und sich somit nicht z.b. mit einem Objektivdeckel abdecken lässt, ist die Kamera quasi immer am Messen und saugt die 10 €uro teuren Zellen relativ schnell leer.

Viel mehr stört mich aber an diesem kleinen Schmuckstück nicht und wenn einem dann doch mal die Zelle leer geht, wird halt einfach via Sunny 16 belichtet und man braucht keinen Strom. Der größte und unschlagbarste Vorteil dieser Kamera ist nämlich, dass sie vollständig mechanisch funktioniert.

Doch lange Rede kurzer Sinn, ihr wollt sicher ein paar Bilder sehen und so gibt es in diesem Beitrag nicht nur die Bilder aus Tunesien, sondern auch ein paar Frames aus einem Outdoor-Boudoir Shoot mit der lieben Kyra.

Urlaub, Lifeguard und Kyra

Letzte Worte

Für mich steht fest, die Olympus 35 SP begleitet mich ab sofort ÜBERALL hin. Hochzeit, private Feier, im Garten planschen mit den Kids – sie wird dabei sein, auch wenn es sich ob der aktuellen Preise für Filme eher anfühlt, als würde man pures Gold einspannen. Womit fotografiert ihr analog?

Denn der heutige Blogpost ist aus einem kurzen Gespräch mit dem lieben Alex aka. Photosaarfarie entstanden. Von ihm habe ich mein heiß geliebtes 24mm Objektiv gekauft und war damit zum ersten Mal seit beginn meiner Leidenschaft zur Fotografie im Sonnenaufgang fotografieren.

Über die Fachsimpelei

Bevor wir ins Detail zum heutigen Beitrag gehen, möchte ich mit euch noch kurz über das Fachsimpeln, den Hardwaretalk oder auch das viel beschworene Networken reden. Das letzteres gut, richtig und in vielen Fällen auch wichtig sein kann, wenn man voran kommen möchte, weiß ich wohl. Ich bin jedoch einfach nicht der Typ dafür, Hans Dampf in allen Gassen zu sein (*Phrasenschwein fütter*) und mich bei jeder sich bietenden Gelegenheit mit den Kollegen zu treffen, zu tratschen und zu connecten. Schon allein weil mir dafür schlichtweg die Zeit fehlt.

Eine richtige Aversion dagegen habe ich gegen die Fachsimpelei und den Hardwaretalk, wie er an jedem Fotostammtisch, auf nahezu jeder Fotografenseite bei Neuerscheinung eines Kameramodelles von Hersteller XYZ und so weiter getrieben wird. Das liegt vor allem daran, dass ich mich erfolgreich vom so genannten GAS lösen konnte und mit meiner Ausstattung sehr zufrieden bin und zum anderen liegt es daran, dass ich keinen Mehrwert darin erkennen kann, meine spärliche Zeit damit zu verbringen mit Kollege Meier und Foto-Müller über diese oder jene Linse zu fachsimpeln oder die Vorzüge und Nachteile von Kamera A oder B zu erörtern. Denn in den Meisten Fällen hat jeder seine Meinung und auch wenn man sich austauscht, diese bleiben bestehen. Deswegen verblogge ich oft meine Ansichten zur Hardware, so ich sie denn für teilenswert erachte. Außerdem bin ich nicht zuletzt in meiner Ansicht zur Foto-Hardware im Portraitbereich ein kleiner Hardliner oder Extremist, wenn man so will. Genau diese doch recht extremen Ansichten sind Ursache für meinen oben erwähnten Plausch mit dem Alex und der Grund für diesen Blogpost gewesen.

Diese Linse kann weg

Welche Linse kann also weg? Nunja, ich hole etwas weiter aus. Denn mit Alex bin ich ( mal wieder )zu dem Schluss gekommen, das 24mm eine richtig fantastische Brennweite ist. Gerade für die Portraitfotografie ist sie einfach so fantastisch anders, immersiv und herausfordernd, dass das Fotografieren einfach nur Spaß damit macht. Oder wie Alex gesagt hat:

„Muss man halt können und klappt nicht immer, macht aber es macht einfach super viel Spaß“

Recht hat er. Aber welche Schlüsse ziehe ich daraus? Für mich persönlich ist das recht einfach. Ich besitze zwar eine 85mm Brennweite (Für die Fachsimpler: das Sigma 85mm 1.4 ART),aber ich benutze es nur für ganz ganz ganz bestimmte Zwecke. Ich finde mittlerweile nach über zwei Jahren ausschließlich auf 24mm Brennweiten jenseits der 35mm recht langweilig. Das gilt insbesondere für eine einstmals von mir sehr oft empfohlene. Die Rede ist von 50mm Objektiven. Wenn man Portraits fotografiert, gibt es in meinen (recht extremen) Augen fast keine Berechtigung mehr für diese Brennweite. Die Bilder damit haben meist einen langweiligen Look und die Linsen die wirklich was taugen kommen preislich so hoch daher, dass es kaum lohnt eine zu kaufen. Ich habe das auch in diesem Artikel schon mal näher ausgeführt.

Für mich haben Brennweiten jenseits der 35mm nur noch eine einzige Berechtigung. Im Fall von 50mm ist diese, dass man Einsteigerobjektive mit guter Anfangsblende schon für sehr schmales Geld gibt, so dass Anfänger der Fotografie relativ günstig ein eine Festbrennweite mit guter Blende kommen. Aber das wars dann auch. Jenseits der 85mm gibt es für mich quasi nur noch einen Grund dafür, Linsen in diesen Brennweitenbereichen zu kaufen. Nämlich der, dass ihr einfach nicht näher an euer fotografisches Sujet heran könnt. Tiere die schreckhaft reagieren bei Tier- und Wildlifefotografie und Hochzeiten, bei denen es einem untersagt ist nah an das Brautpaar heranzugehen, bei der eigentlichen Trauung zum Beispiel. Für wirklich alles andere außerhalb dieser Ausnahmen stehen 35mm und 24mm jeden Vergleich und machen, zumindest für mich jedes Bild spannender und lebendiger, das Können des Fotografen dafür vorausgesetzt.

Viel Text – und nun?

www.blendstufe.de

Diese, meine doch recht extremen Ansichten zur Portraitfotografie und der Wahl der richtigen Brennweite dafür wollte ich euch einfach einmal mitteilen, da am heutigen Morgen die Gespräche mit Alex und auch meinem guten Freund Ivan einfach dazu angeregt haben. Ich sage auch nicht, dass es keine geilen Bilder mit langen Brennweiten gibt. Aber in aller letzter Konsequenz bedeuten meine Gedanken hier, einfach nur, dass ich in meinem Bestand sogar auch das (Sigma ART 1.4) 35mm aussondern und verkaufen werde. Ich bin mit 24mm furchtbar glücklich und habe für oben erwähnte Ausnahmen ja noch das 85er dabei. Ich besitze sonst an sich überhaupt keine anderen Linsen und man mag mir unterstellen, dass bei diesem Tunnelblick natürlich auch die Variabilität meiner Bilder und somit auch die Vielfalt leidet. Den Punkt kriegt ihr, aber damit kann ich gut leben. Ich bleibe dabei. Haut euer 50er weg ! Das braucht kein Mensch. Probiert ein 24er aus. Lang und intensiv. Und wenn es denn der Zufall so will, werden wir bei gegebener Zeit doch einmal ins Fachsimpeln kommen und unsere Ansichten miteinander tauschen. Ob du mir dann zustimmst wird sich zeigen

Doch wie immer, bevor wir uns an das Thema des Tages machen, ein paar Vorgedanken, damit dass, was ich euch heute berichte nicht ohne Einordnung und Kontext gelesen wird. Als erstes ist es wichtig, dass ich vor diesem Tag noch nie eine Leica in der Hand gehabt habe. Ich kenne also weder die Menüs, noch den Aufbau der Kamera noch sonst irgendetwas von diesen Kameras. Außerdem gehört zum Kontext, das Leica nicht nur einfach eine Kamera-Marke ist. Leica hat die moderne Fotografie in ihrer Wiege begründet und ist eine Marke, die wie kaum eine andere Tradition mit brillianter Technik verbindet. Doch dazu später mehr. Ich habe die Leica Q2 für ziemlich genau 45 Minuten ausgeführt, ohne Plan, ohne wirkliches Motiv und aus reinem Spaß an der Freude. Bist du, lieber Leser, einer der diese Marke mit seinem fotografischen Leben noch mehr verbindet als das, was du damit produzierst, behalte diesen Kontext im Hinterkopf. Denn das was ich hier schreibe ist kein Testbericht, kein Review, ja noch nicht ein mal ein wirkliches „Hands-On“. Viel mehr gebe ich hier ein paar Eindrücke wieder. Eindrücke aus 45-Minuten mit einer Leica Q2

Das Leica-Gefühl

„Fotografieren wie vor 100 Jahren“ – das könnte mehr oder weniger der Werbeslogan der Firma Leica Camera aus Wetzlar sein. Viele Firmen haben sich daran versucht eine moderne Marke mit tiefer Verbindung zur Geschichte und Tradition des Unternehmens und insbesondere der eigenen Produkte zu schaffen, doch keinem ist das so gelungen wie Leica.

Das bestätigte sich für mich beim allerersten Anfassen der Leica Q2. Sie ist angenehm schwer in der Hand, wirkt robust genug um damit einen Nagel in die Wand hauen zu können und rangiert in der Kategorie „Sexiness“ für mich irgendwo zwischen Megan Fox und Angelina Jolie (mir ist kein besserer Vergleich eingefallen, ich pack nen 10er in die Chauvie-Kasse). Auch mit dieser angenehmen Schwere in der Hand, ist die Q2 dennoch klein, leicht, mobil, subtil und auf den ersten Blick wohl ein brillianter Begleiter für die Street-Fotografie.

Das erste Auslösen und der erste Blick aufs Display der Q2 verschafft dem Fotograf, in diesem Falle mir, einen echten Ekstase-Moment. Die Farben wirken wie nicht von dieser Welt. Silbern, fast schon wie polierter Chrom, kontrastreich und nicht zu satt zur gleichen Zeit erzeugt diese kleine Kamera phänomenale Bildtonungen. Sofort hat man seine Leica-Fotografenkollegen und ihr Schwärmen in Ohr und Kopf. Man hat ad-hoc ein „WOW“-Gefühl in der Hand und hat Lust auf mehr. Ich drücke Ivan also kurzerhand meine Sony in die Hand und wir beide ziehen durch die Straßen.

Zwei Stühle, eine Geräuschkulisse

Während Ivan und ich also so durch die Straßen tingeln, geben wir etwa die gleichen Töne von uns. „Wow“, „Oh“ und „Ah“ sagend liefen wir des Weges entlang. Doch dann kam bei mir zumindest die Ernüchterung. Ich bin von meiner Sony einen furchtbar schnellen, 99%-treffsicheren und sehr anpassbaren Autofokus gewohnt. Mit der Leica habe ich die ersten 10 Schüsse auf bewegte Objekte wie Fahrzeuge in den Sand gesetzt. Auch bei etwas langsameren Zielen, wie Menschen, Hunde und Fahrradfahrer habe ich nicht wirklich scharfe Bilder produzieren können. Das kann natürlich am falschen Autofocus-Modus gelegen haben, aber ich habe es schlichtweg versäumt danach zu gucken. Auch im Single-AF sitzt da bei meiner Sony eigentlich alles und Kollege Ivan nebenan, mit seiner Begeisterung für die Geschwindigkeit meiner Sony hat das noch einmal bestätigt.

Puh. Da stehst du dann da, hast eine ~ 5.000 €uro teure Kamera in der Hand, die quasi jeder feiert und bist erst einmal schrecklich ernüchtert. Das Summilux macht dabei an der Q2 eine fantastische Figur. Knackscharf bis in den Rand bei 1.7er Blende, das kann sich sehen lassen und dazu kommen keine CAs oder spürbares Barelling.

Zwischen Jubel und Ernüchterung

Was mich beim Auslösen der Leica IMMER und IMMER wieder begeistert hat, waren die Farben. Ich kann mich da nur nochmal wiederholen, die Farben sind nicht von dieser Welt, der ISO ballert ohne Rauschen richtig hoch und der Dynamikumfang geht sauber in Ordnung. Ich glaube alleine dafür und natürlich auch für die Abbildungsleistung des 28er Summilux wären viele Fotografen locker bereit, das Geld in die Hand zu nehmen, das Leica für diese Kamera aufruft. Hätte ich es übrig, würde ich das wahrscheinlich auch machen.

Was mich eher abgeschreckt hat, war das Tempo und der Autofokus dieser Kamera. Es war wie ein alternierender Gefühlszustand zwischen Jubel und Ernüchterung. Ich habe mir die A7iii hauptsächlich wegen des Tempos und des Real-Time Augen-AF gekauft und genau das ist es dann auch, was ich an der Q2 schmerzlich vermisst habe.

Fotografieren wie vor 100 Jahren

Wieder daheim angekommen, ist mir die Leica nicht aus dem Kopf gegangen und einige Gespräche mit Kollegen später (Hallo Dennis ), wurde mir die Sache auch deutlich klarer. Tradition gibt bei Leica die Marschrichtung vor und mit „fotografieren wie vor 100 Jahren“ setzt der Hersteller die Pace. Ich meine das wie folgt. Mit deiner Leica fotografierst du langsamer und dadurch deutlich überlegter. Du komponierst mehr und denkst deutlich mehr nach bevor du auslöst. Klar wenn man sie richtig einstellt, kann die Q2 sicherlich auch Tempo, aber es ist eine ganz andere Herangehensweise an diese Kamera.

Sprechen wir also über den Kosten-Nutzen Faktor aus meiner Sicht. Ich bevorzuge in erster Linie Tempo. Ich erschaffe meine Bilder im Endprodukt gerne stark entsättigt und kontrastreich, das macht die Leica schon von Haus aus richtig gut, aber in Sachen Tempo ist sie einfach nicht so ein Arbeitstier wie meine Sony. Würde ich Stichtag heute vor der Wahl stehen, welche Kamera ich kaufe, weil ich nur alte Maulesel oder eben gar kein Arbeitstier habe, würde ich die Leica Q2 deutlich länger evaluieren und ich möchte nicht ausschließen, dass ich sie aufgrund der Farben und des ganzen Look and Feel des Gerätes kaufen wollen würde.

Was für mich perfekt wäre, wäre aber ein Hybrid. Das Serientempo der A7iii, die Auflösung und Bildqualität der Leica, mit der Anpassbarkeit und Genauigkeit der Sony. Das wäre ein Sofortkauf, glaube ich. Stellt es euch vor. Eine 50MP spiegellose Kamera, mit den Farben und dem Image-Processing aus Wetzlar und dem Tempo und Real-Time Eye-AF der Sonys.

Wow. Das wäre ein Geschoss. Aber das Leben ist kein Wunschkonzert und so fällt mir aktuell nur wenig ein, dass mich dazu Bewegen könnte das Geld in die Hand zu nehmen und eine Leica zu kaufen. Mein Geldbeutel ist für diese Erkenntnis übrigens fast so erleichtert, wie meine Finanzministerin

Over and Out.

Modell: Marcus Heibl

Ich möchte ein wenig ausholen und euch erzählen, wie ich überhaupt zu einer 24mm Brennweite gekommen bin, wo doch an und für sich eher 35mm mein Zuhause und meine absolute Wohlfühlzone ist. Wer das Überspringen möchte, der springt einfach zum Abschnitt „Doch dann kam Tobias Löhr“

Eine Scherbe für die Analoge

Angefangen hat alles mit einem Urlaub in Südtirol, bei dem ich unbedingt eine Kamera mitnehmen wollte, aber eben nicht meine Arbeitstiere. Einfach aus der Angst heraus das was passiert, habe ich mich für meine analoge Canon EOS 30 entschieden und bin mit dem Yongnuo 35mm 2.0 gestartet.

Canon EOS 30 | Yongnuo 35mm | Agfa 100 APX | ASA 100, 1/200 , f2

Das Yongnuo ist dabei, wenn man es etwa abblendet ein guter Partner, aber qualitativ am Ende für meine Ansprüche ungenügend, weswegen ich es wieder verkauft habe. Nun hatte ich gar keine Linse mehr für meine Analoge, denn alle anderen Objektive die ich besitze sind auf Sony FE-Anschluss gebaut. Es stand also die Suche nach einem neuen Immerdrauf für meine „Urlaubskamera“ an. Dabei hatte ich folgende Anforderungen. Ich wollte eine flexible Brennweite, mit der ich Landscape, Architecture und Portrait abdecken kann ohne dabei wechseln zu müssen. Brennweiten länger als 50mm schieden also aus. Dazu wollte ich keine Brennweite doppelt haben, also schied auch 35mm aus. Ich habe nämlich noch einen Sigma MC-11 Adapter mit dem ich die Canon Linse auch an meiner Sony benutzen könnte.

Ich selbst habe noch nie mit kürzeren Brennweiten als 35mm fotografiert und so kam ich am Ende auf den Trichter, mir ein gebrauchtes Sigma 50mm 1.4 ART für die EOS zu kaufen. Gesagt getan. Und da lag die Kombi dann erstmal und ich hatte keinen Bedarf an dem 50mm auf meiner Sony und wenig Zeit und Motiv um analog zu fotografieren. Lediglich bei einer Hochzeit kam das 50er zum Einsatz. Für genau ein Frame. Diesen:

Canon EOS 30 | Sigma 50mm 1.4 ART | Kodak Portra 160 | 1/250s f 1.4

Lange Rede, kurzer Sinn (*Phrasenschwein fütter*), 50mm sind für mich einfach nicht die richtige Brennweite. Objektiv verkauft, weiter gesucht.

Warum 35mm großartig sind

Um nun endlich dazu zu kommen, warum ich mich so schrecklich sehr in 24mm Brennweite verliebt habe, muss ich ein wenig erklären, warum ich bisher fast ausschließlich auf 35mm gearbeitet habe.

35mm

Die 35mm Brennweite fasziniert mich aus mehreren Gründen, der Hauptgrund dürfte wohl aber folgender sein. Durch den, für Portraits doch sehr weiten Bildausschnitt muss man beim fotografieren mit dieser Brennweite relativ nah an das Modell heran und bekommt so den Betrachter des Bildes in die persönliche Komfort-Zone des Modells. Das macht Bilder mit dieser Brennweite sehr „intim“ und persönlich und zeitgleich kann man aber mit der Szenerie die trotz der Nähe zum Modell sehr gut abgebildet wird richtig großartige Szenen komponieren. Man zieht den Betrachter der Bilder förmlich in die Situation hinein und das ohne die Komfort-Zone des Modells tatsächlich zu betreten. Genau dieses Spiel zwischen Nähe zum Modell und Abbildung der Szenerie als Ganzkomposition macht für mich den Reiz dieser Brennweite aus. Dazu liefert das Sigma 35mm 1.4 ART einen Hammer-Look und absolute Schärfe.

Doch dann kam Tobias Löhr

Und wie ich also dann weiter nach Linsen gestöbert habe, die mir eventuell auf die analoge und die Sony passen, ist mir auf Gate 7 ein Interview mit Tobias Löhr begegnet und mit ihm auch seine Bilder. Beim betrachten seines Portfolios und insbesondere seiner Reisefotos ist mir aufgefallen, dass seine Bilder einen unfassbar starken „Sog-Effekt“ haben und einen MITTEN in die Geschehnisse katapultieren und einen einfach nur mit offenem Mund staunen lassen.

Foto: Tobias Löhr
(danke für die Erlaubnis)

Natürlich ist dieses Foto deutlich mehr als nur Brennweite. Es ist Motiv, Szene, Farbe, Blickwinkel, Nachbearbeitung und so viel mehr. Doch ich will dahin. DAS sind Reportage-Fotos, wie ich sie abliefern will. So muss ein Foto aussehen und ich bin einfach gerne Reportage-Fotograf und feiere diesen Stil so sehr. Also hab ich den Tobi mal gefragt, welche Brennweite er da genutzt hat. Siehe da, Tobi macht den meisten Kram und insbesondere Reisekram mit 24mm. Ich hab also ein gebrauchtes Sigma 24m 1.4 ART gekauft (ja. ich bin Sigma-Fan. Steinigt mich.) und ich hatte so viel Bock auf diese Brennweite, dass ich direkt ein Male-Model zum Shoot geholt und losgelegt habe.

the good, the bad, the ugly

Die 24mm Brennweite ist insbesondere für Portraitfotografie eine Art Wildpferd, das man eben erstmal kennen, verstehen und nutzen lernen muss. Das bringt mich erstmal zu den Downsides. Man tendiert bei dem 24mm sehr schnell dazu, sehr nah an das Modell heranzugehen. Zum einen weil einfach noch viel mehr Szene im Bildausschnitt ist und das Modell noch kleiner wird, zum anderen weil man es ja von 35mm so gewohnt ist. Doch da steckt der Teufel in der Optik. Diese Brennweite verlangt  bei der Komposition immer ein wenig Headspace, sprich „leerer“ Raum zwischen Modell und oberer Bildkante. Außerdem ist es etwas schwierig, den richtigen Blickwinkel zu finden. Mit 35, 50 und 85mm bin ich immer etwa auf Höhe der Nase meines Modells. Bei 24mm bin ich meistens deutlich darunter. Zum einen für den Headspace und zum anderen eben für den richtigen „Sog-Effekt“.

Außerdem muss man sich in der Nachbearbeitung darüber im Klaren sein, dass Portraits mit so einer Brennweite natürlich einen deutlichen „Barrel-Effekt“ aufweisen. Den muss man nicht zwingend in Post korrigieren, aber immer im Auge haben um störende Verzerrungen ausgleichen zu können. CaptureOne Pro und Lightroom haben das aber richtig gut drauf.

Wenn man diese Dinge bei der Komposition im Hinterkopf hat, zeigt das 24mm seine Stärken.

24mm

Es ist bei 1.4 absolut scharf, bis in den Rand. Es hat einen richtig tollen Look (hier kann ich natürlich nur für das Sigma sprechen) und eröffnet dem Kopf so viele neue Räume und ebenen, dass ich damit in sehr naher Zukunft auch den Einstieg in die Streetfotografie wagen werde.

Alles in allem macht das Ding einen so großen Spaß, dass es mein 35mm als Immerdrauf abgelöst hat und ich kann euch diese Linse wirklich nur wärmstens empfehlen. Besonders genial ist für mich nun auch die Situation, dass ich diese Brennweite auf allen meinen Systemen nutzen kann. Fun ahead!

Selbsterkenntnis

Bevor ich euch nun mit meinen Tipps überschütte, ist es wichtig selbst festzustellen, dass einen die Fotografie nicht mehr beflügelt oder bereichert, wie sie das sollte. Sich des Faktes bewusst zu werden, dass die Fotografie einen eher belastet und man so ganz und gar keine Lust mehr darauf hat, ist nämlich das schwierigste an der Motivation für dieses Hobby oder diesen Beruf. Du verspürst Beklemmung bei dem Gedanken an deine Kamera oder die Bilderstapel die du noch verarbeiten willst oder musst? Du bekommst Schuldgefühle, weil du das teure Equipment liegen lässt und nix damit machst? Dann ist es Zeit etwas zu tun, damit du in der Fotografie nicht ausbrennst oder verbrennst. Hier sind meine Tipps dafür.

Bearbeitung als Killer

Viele Menschen die ich kenne haben hobbymäßig richtig viel Spaß am fotografieren, aber es kommt im Gespräch relativ schnell immer ein Satz: „Ich finde Fotos machen total geil, aber auf Nachbearbeitung hab ich überhaupt keinen Bock!“ – Die Retusche oder Nachbearbeitung fungiert hier also nicht als Werkzeug um das beste aus einem Foto herauszuholen, sondern als Dogma, welches den Spaß am Hobby nimmt. Was tut man dagegen? Das sollte auf der Hand liegen. Man fotografiert entweder direkt so, dass man sich Nachbearbeitungen spart, oder man verzichtet bewusst darauf.

Beide dieser Wege haben einen gemeinsamen Vorteil – die Nachbearbeitung wird obsolet und man hat mehr Luft. Diesen Status zu erreichen ist nicht immer ganz einfach, kann aber durch Fortbildung und Coachings erzielt werden. Man wird freier dadurch, man nimmt auch deutlich gezielter Frames mit und ist am Ende glücklicher.

raus aus der Komfortzone

Wenn man bei einer Sache die Motivation verliert, liegt das nicht zuletzt oft auch daran, dass es in dem Bereich nichts neues gibt. Viele Fallen in dieses „Innovationsloch“, weil sie ihre Komfortzone kaum verlassen und  zumeist nur das tun, was sie wirklich gut können. Damit nimmt man sich selbst unbemerkt die Spannung und die Lust an einem Sujet. Der beste Tipp den ich also gegen fotografische Unlust habe ist, etwas neues zu tun. Du machst die ganze Zeit Granaten-Portraits? Gut, dann geh los und mach geile Makros oder Landschaftsfotos. Standbilder haben keinen Reiz mehr auf dich? Ok, dann versuch dich im Bewegtbild.

Das eröffnet jeweils immer eine neue Lernkurve, neue Ergebnisse und damit auch fast instant neue Erfolgserlebnisse und eben jene sind der Motor für Motivation. Das geht auf mehreren Ebenen. Man kann sich neue Gebiete selbst erarbeiten, man kann sich mittels Coaching, Workshop oder Fotowalks einen Kickstart in die neuen Gefilde verpassen und allein schon das so genannte Networking Palaver mit Gleichgesinnten bringt vielen Fotografen die Lust auf ihre Leidenschaft zurück.

Man kann das Ganze sogar soweit betreiben, dass man sein bisheriges System einfach auch mal wechselt um sich neue Blickwinkel zu erschließen. Man kann in die Analogfotografie reinschnuppern, denn sie entschleunigt stark und macht Nachbearbeitung fast obsolet. Hier musst du für dich die passende „neue Komfortzone“ suchen um dein Feuer neu zu entfachen.

Lust aufs Endergebnis schaffen

Ein ganz ganz ganz wichtiger Tipp folgt hier nun auch noch aus persönlicher Erfahrung. Bilder zu erschaffen die bleiben, die etwas bedeuten, die man selbst nicht mehr weglegen oder die andere nicht mehr weglegen möchten ist nicht einfach. Es ist quasi das Ende der „Fahnenstange Fotografie“ und wer sie wirklich erreicht hat hat dann ganz andere Probleme als Motivation – nichts desto trotz ist der Hunger nach dem Endprodukt auch ein entscheidendes Element der Eigenmotivation. Dafür kenne ich ein sehr gutes Mittel.

Druckt euren Scheiß!

Das eigene Foto auf zwo mal drei Meter Leinwand oder Alu-Dibond zu sehen ist der WAHNSINN. Man bekommt ein Gespür für Details, man bekommt Lust auf mehr, man erkennt Fehler und hat Bock sie zu beheben und am Ende will man dieses zwei mal drei Meter Machwerk nur noch toppen. Es macht Hunger. Hunger und Lust aufs Endprodukt – in den meisten Fällen jedenfalls. Dafür empfehle ich die Foto-Aktionen der bekannten Online-Druckhäuser zu nutzen, die kurz vor bestimmten Feiertagen deutlich rabattierte Produkte anbieten. So wird es sehr günstig, sich die eigenen Bilder in groß nach Hause zu holen und davon zu profitieren. Gegen die eigene Unlust

hör einfach auf

Dieser Tipp ist so wertvoll wie jeder andere und dennoch einer den man auch einfach mal beherzigen können muss, denn nichts ist so schwer wie das Beenden einer Leidenschaft oder das Kontern einer Sucht. Es gehört sehr viel dazu, die Kamera einfach mal für einen Tag, einen Monat oder mehrere Jahre an den Nagel zu hängen, weil es einem einfach nicht gut tut dran zu bleiben. Wenn du das Gefühl hast, dass dieser Zeitpunkt gekommen ist, dann hör auf deinen Bauch und leg das Werkzeug weg. Es wird wieder zu dir in deine Hände gelangen, wenn der Zeitpunkt dafür gekommen ist. Von ganz allein.

Fotografie als Meditation

Meditation ist fester Bestandteil meines Lebens geworden und das eben als Ausgleich zu Familie, Job und der Fotografie. Ich nehme mir täglich mindestens zwanzig Minuten um zu Meditieren und die komplette restliche Welt zu lassen wie sie ist und mich auf meine mentale Gesundheit zu konzentrieren. Aber das geht sogar noch einen Schritt weiter. Man kann die Fotografie gezielt als Element der Meditation und somit nicht nur als Werkzeug für tolle Bilder sondern auch als Werkzeug für die gesunde Beziehung zu sich selbst und die Fotografie zu nutzen. Damit vereint man mehrere meiner Tipps in einem. Raus aus der Komfortzone, denn ich wette du hast Fotografie noch nie zur Meditation benutzt, du eliminierst störende Faktoren wie zum Beispiel die Nachbearbeitung und schaffst dir völlig neue Räume und Denkweisen zur Fotografie. Für alle die das interessiert, gibt es ein richtig tolles Buch dazu.

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Fazit

Sobald du die Fotografie nicht mehr als Bereicherung erlebst, ist es an der Zeit etwas zu tun. Eine Auswahl an Optionen habe ich euch an die Hand gegeben, was für euch passt und ihr tut, müsst ihr selbst herausfinden. Ich wünsche euch bei diesem Prozess viel Erfolg und eine Kamera am Nagel ist kein Weltuntergang.

Was ist Street-Photography

Googelt man den Begriff allein stehen rund 250.000 Ergebnisse mit teilweise recht unterschiedlichen Definitionen auf dem Zettel. Die für mich passendste habe ich dennoch bei Wikipedia gefunden und dort heißt es:

Straßenfotografie ist eine Genrebezeichnung der Fotografie, die zahlreiche Fotografen und Stile umfasst. Allgemein ist damit eine Fotografie gemeint, die im öffentlichen Raum entsteht[…]

Nun gut, denkt sich da sicher der Eine oder der Andere, wenn du Outdoor fotografierst, entstehen die Bilder ja im öffentlichen Raum, ist da nicht alles Street ? Jaein. Man kann es natürlich so definieren aber die Könner dieses Genre wie Cartier-Bresson oder Winogrand würden sich wohl ein wenig verraten fühlen mit dieser Definition. So würde ich für mich persönlich definieren, dass Street-Fotografie nicht nur im öffentlichen Raum stattfindet sondern selbigen explizit zum Kern dieser Kunst erhebt. Street-Fotografie bricht mit allen stilisierten und inszenierten Foto-Genres und zeigt eine Momentaufnahme, einen Querschnitt der Gesellschaft jener Öffentlichkeit in der sich der Fotograf bewegt.

Gewappnet mit dieser Definition, möchte ich nun versuchen mit euch zu ergründen, worauf es mir persönlich bei dieser Spielart geht und warum ich bisher einfach keinen Zugang zu ihr finde. Bevor wir aber zu diesem Kapitel des heutigen Blogposts kommen, sei hier vorab noch ein Dankeschön eingeschoben.

DANKE IVAN

Die Bilder hier im Beitrag sind eine Leihgabe, denn wer aufmerksam gelesen hat, der wird sich zusammengereimt haben, dass ich selbst keine Beispielbilder zur Street-Fotografie besitze. Die Leihgabe kommt von einem richtig talentierten Fotografen, welcher mir nicht nur Freund und Mentor ist sondern welcher mich immer wieder mit dem Thema anstachelt. Einfach nur durch seine Fotos. Die Rede ist vom frankfurter Jung Ivan Slunjski. Er fotografiert analog, er entwickelt selbst und ich liebe seine Straßenbilder. Simple as that. Danke Ivan – geht und liked ihn durch, bis sein Handy Burnout hat

Wer mehr rund um Ivan und die Street-Fotografie haben will, dem empfehle ich seine deutsche Fotografengemeinde „Collateral Eyes“.

Wann ist ein Streetfoto wirklich gut?

Ich für meinen Teil möchte in den allermeisten Fällen Fotos erschaffen, die es Wert sind zu bleiben. Ich hasse „Ausschuss“ und ich bin gerne Herr über alle Dinge am Set. Licht, Wetter, Modell, Makeup, Haare, Linse, Emotion, Gesten, Pose – das und vieles mehr definiere ich so gut ich kann an meinem Set selbst. Doch das Ziel ist immer gleich: ein Foto dass nie wieder weggelegt wird und immer wieder begeistert. Ich glaube dass man dieser Idealisierung eines Fotos nur nahe kommen kann, denn wenn man sie erreicht, ist man am Ende der Fotografie angelangt, aber das ist einen weiteren Artikel wert.

Zurück zur Straßenfotografie. Dort stellt sich mir, bevor ich überhaupt losgegangen bin die Frage, wie kann ich in einer zu 100% unkontrollierten Umgebung Bilder erschaffen, die bleiben, die bewegen, die nicht nur „likes“ bringen, sondern die Menschen beschäftigen. Nachhaltig. Nun, wie so Bilder am Ende aussehen müssen, zeigen die ganz Großen. Ich glaube jeder der mal eine Bildstrecke von Fan Ho gesehen hat, der weiß hinterher ein gutes Stück mehr darüber, wie das perfekte Streetfoto auszusehen hat.

Ich für mich würde es wie folgt definieren. Ein perfektes Streetfoto bringt die Menschen on Location in Einklang mit der Szenerie und doch sollten sie auf den Bildern herausstehen. Am Besten unbewusst. Ein perfektes Streetfoto erzeugt beim Betrachter instant eine Geschichte im Kopf, zumeist mit wenigen Mitteln. Ein perfektes Streetfoto bedient sich an jedem Gestaltungselement, dass die Fotografie zu bieten hat, wie etwa Farben, Schatten, Kontraste, Bewegung, Stillstand, Linien, Bildaufbau, Tiefe usw. Diese Dinge fließen in einen einzigen Moment. In einen perfekten, nie wiederkehrenden Moment, dem der Betrachter des davon gemachten Bildes im Kopf noch sehr lange nachhängt. Und genau hier, an dieser Stelle, beginnen meine Probleme mit diesem Genre.

Der Mount Everest

Das erste größere Problem, welches ich für mich und meine Beziehung mit der Straßenfotografie sehe, ist das sehen an sich. Einen solchen, weiter oben beschriebenen Moment nicht nur zu erleben, sondern ihn zu erkennen und bevor er verstreicht zu bannen, das ist für mich die größte Herausforderung dieses Genres. Das „fotografische Sehen“ ist hier gefragt und das ist ein Gebiet in dem ich mich immer und immer und immer wieder versuche zu schulen und fortzubilden und zu entwickeln und dennoch geht es mir ab. Ich habe ein schlechtes Auge für Dinge, die herausgestellt einfach toll aussehen. Das ist der Grund, warum ich das Gestalten von Fotobüchern lieber Anderen überlasse und das ist der Grund, warum ich keine ordentlichen Food-Fotos für Rezepte hinbekomme. Mir fehlt schlichtweg der Blick für berührende Gestaltung.

Und selbst wenn ich besagten Blick durch permanentes Schulen und durch Erfahrung entwickeln kann, kann ich dann auch noch rechtzeitig eine Kamera in Anschlag bringen und diesen Moment genau so bannen ohne mich am Ende darüber zu ärgern etwas verpasst zu haben? Wie erkennt man, wann so ein Moment gekommen ist und wie macht man daraus etwas das bleibt und ergreift? Ich weiß es nicht und das ist einer der Hauptgründe warum ich mich einfach noch nicht in die Streetfotografie gewagt habe. Der zweite Grund ist wesentlich trivialer. Aktuell fehlt mir schlichtweg die Zeit für Spaziergänge durch die Großstädte wo ich wahrscheinlich aus 3000 Bildern nicht eines für gut befinden würde.

Wie ihr lest und merkt fasziniert mich das Thema total, aber ich scheue mich völlig davor es anzugehen. Dieses Gebiet ist mein ganz persönlicher Mount Everest. Und jedes mal,wenn ich mir Bilder aus dem Sujet ansehe, werde ich neidisch auf alle, die es können und es scheinbar noch mit einer unfassbaren Leichtigkeit tun.

Doch auch ein weiteres Problem gesellt sich insbesondere in Deutschland zu den Streetfotografen. Das Thema Konsens. In der Streetfotografie werden Menschen oft ohne ihre Einwilligung fotografiert. Manchmal als Teil einer Szene, manchmal als Szene selbst und genau da beginnt ein moralisches Dilemma. Das Video hier von Jamie Windsor gibt dazu viele Denkanstöße:

Quo Vadis

Ich verspüre absolute Lust auf die Streetfotografie, denn ich glaube dass es genau das „fotografische Sehen“ dieses Bereiches ist, der für alle anderen Bereiche der inszenierten Fotografie einen Obolus birgt. Den würde ich mir gerne sichern. Ich glaube durch die Straßenfotografie wird man flexibler, unperfektionistischer (was manchmal echt wichtig ist). Ich glaube man wird feinfühliger für Farbkompositionen, lockerer und ich glaube es macht einen Heidenspass.

Aber wie genau kommt man in das Thema rein? Muss man wirklich erst jahrelang durch die Straßen laufen um tatsächlich etwas bleibendes zu schaffen? Geht man am Besten zu ein oder zwei Workshops bei den Könnern um einen Zugang zu diesem Bereich zu bekommen? Ich bin für jeden Rat dankbar. Ich bin mir sicher am Ende ist es, wie so oft in der Fotografie, das einfach mal anfangen und machen, welches zumindest eine Entscheidungskompetenz für oder gegen Streetfotos bringt. Und am ganz zum Schluss ist auch die rechtliche Frage gerade in Europa mit der DSGVO und allen anderen datenschutzrechtlich Relevanten Themen noch nicht völlig überschaubar für mich und auch das ist relevant, oder?

Ich bin hier sehr gespannt auf euren Input, denn ich weiß, dass hier auch sehr viele Street-Fotografen mitlesen. Wie seid ihr reingekommen? Wieso macht ihr Street-Fotografie? Wieviele Bilder habt ihr, die ihr wirklich immer wieder ansehen und herzeigen wollt?

Mobilität & Vielseitigkeit

Die meisten 35mm Objektive sind relativ klein, relativ leicht und aufgrund ihrer Brennweite sowohl für Landschaftsaufnahmen als auch für Portraits geeignet. Wenn man sich einmal dazu durchgerungen hat, diese Brennweite auch für Menschenbilder mal verstärkt einzusetzen, merkt man, dass es ein anderes Universum ist. Zumindest im Vergleich zu den „normalen Portraitbrennweiten“. Aber dazu später mehr. Das 35er kann man immer in der Tasche haben, frisst kein Brot und ist relativ günstig zu bekommen.

Abbildungsleistung & Preis

Festbrennweiten haben für meinen Geschmack den Zoom-Linsen einen entscheidenden Punkt voraus – die Abbildungsleistung und somit die Qualität des Endproduktes. Selbst die „schlechtesten“ 35mm Objektive haben mit etwas abblenden eine richtig ordentliche Qualität und das zu vergleichsweise kleinen Preisen. Das zeigt zum Beispiel das Yongnuo 35mm F2, welches ihr für knapp 80 €uro kaufen könnt.

Wer etwas mehr möchte, der ist bei Samyang gut aufgehoben, deren neues 35mm 1.4 mit Autofocus kostet rund 500 €uro und liefert richtig gute Bilder ab! Ich für meinen Teil habe eine gebrauchte Ausgabe des Sigma 35mm 1.4 ART gekauft, da mir der Look der ART-Linsen von Sigma einfach nur richtig gut taugt. Für das, was ihr mit dieser Linse bekommt ist der aktuelle Preis mit rund 700 €uro absolut gerechtfertigt und so gibt es im Segment dieser Brennweite für jeden Geldbeutel das passende Schätzchen.

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Mehrere Personen

Die Flexibilität einer 35mm Optik macht jedoch nicht bei Landschaftsfotografie oder Portraitfotografie mit einer Person halt. Diese Linse ist ein Monster wenn es darum geht mehrere Personen und Szenerie auf ein Bild zu bringen. Das kommt insbesondere zum Tragen wenn man Jungesellenabschiede oder ähnliches Fotografiert. Blende leicht zu, Verschluss schön kurz, nah ran und dennoch ein Bild mit dem großen Ganzen aufgenommen – das macht 35mm aus. Womit wir auch direkt beim wichtigsten Punkt für mich sind.

ein anderes Universum

Mit 35mm fotografieren setzt für die Meisten und so auch für mich ein Umdenken voraus. Wer vorher zum Beispiel auf 85mm fotografiert hat, der stand immer ein wenig weiter weg vom Motiv und selbiges war auf den Bildern immer recht bildfüllend und eng abgebildet.

Fotografiert man dagegen mit 35mm muss man, obwohl man wahnsinnig viel Kulisse mit auf das Bild bekommt, richtig nah ran an die Menschen. Das ist am Anfang extrem ungewohnt und da man ein wenig in die Komfort-Zone der Modelle eindringt, bedarf es auch einer guten Kommunikation, Modellführung und etwas Mut.

Foto mit 35mm

Der Lohn ist klar erkennbar. Der Betrachter wird, so ist zumindest mein Empfinden, bei Portraits mit 35mm nicht nur in die ganze Szenerie, sondern auch richtig „in die abgebildete Person hineingezogen“, denn auch der Betrachter kommt durch die Brennweite in die Komfort-Zone des Modells ohne selbiger jemals nah gewesen zu sein.

Das macht für mich die Besonderheit dieser Brennweite aus.

Kurze Brennweite – längerer Verschluss

Der letzte Grund ist eigentlich kein Kaufgrund, aber zumindest ein netter Side-Effekt für Menschen, die sich mit zitterigen Händen an der Kamera plagen. Teilnehmern meiner Workshops und Einzelcoachings gebe ich folgende Faustformel für verwacklungsfreie Aufnahmen mit. Die längste Verschlusszeit die du mit deinem Setup fahren kannst berechnet sich aus der Brennweite. Hierbei gilt grob, dass die Verschlusszeit gleich 1/(Brennweite)s das Limit setzt. Also wenn ihr mit 85mm fotografiert ist die längstmögliche Verwacklungsfreie Verschlusszeit etwa bei 1/80s. Nimmt man das als Grundsatz, so kann man bei 35mm eben auf 1/35s erhöhen und hat so ein wenig mehr Spielraum beim Licht und dennoch verwacklungsfreie Aufnahmen.

Du brauchst ein 35mm Objektiv

Das Fazit meiner Ausführungen sollte klar sein und wer sich bisher vor Portraits mit dieser Brennweite gescheut hat, sollte einfach mal das supergünstige Yongnuo bestellen und gucken, ob die Brennweite in Frage kommt. Meine Antwort auf diese Frage kennt ihr nun und ich bin dieser Brennweite und insbesondere meiner Linse schwer verfallen.

Die Konkurrenz

Der Duden definiert „Konkurrenz“ als „auf einem bestimmten Gebiet […] stattfindender Wettkampf oder Wettbewerb“. Das bedeutet also einen stetigen Wettkampf oder Wettbewerb um, in unserem Fall innerhalb der Fotografie, zahlungskräftige Kunden oder Aufträge. Das hat für den Kunden auf der Hand liegende Vorteile. Der Kunde hat mehr Auswahl sowohl bei der künstlerischen Signatur der Fotografen, als auch bei ihrer Preisspanne. Das führt letztendlich dazu, dass es wohl für jeden Geldbeutel, jeden künstlerischen Anspruch und jeden Geschmack ein passender Anbieter am Markt zu finden ist. Meistens findet man in der gesuchten Kategorie sogar mehrere Anbieter, teilweise keine zehn Meter von einander entfernt. Die Technik hinter der Fotografie ist günstig wie nie zu vor und das Wissen diese auch richtig bedienen zu können gibt es an jeder Ecke und oft ohne Kosten.

Konkurrenzdenken

Aus vielen Gesprächen mit Kunden und Kollegen zeichnet sich mir innerhalb der Fotografenszene oft ein eindeutiges Bild. Viele Anbieter werden entweder immer günstiger um mehr Aufträge zu generieren oder aber es werden recht offensive und aggressive Maßnahmen der Werbung von Kunden genutzt und zum Beispiel mit der Herabsetzung der Konkurrenten oder sogar noch fragwürdigeren Methoden gearbeitet. Natürlich ist man nicht mit jedem Menschen gleich nach dem ersten Kennenlernen super befreundet und natürlich gibt es auch Kollegen, zu denen man sich deutlich abgrenzen möchte, aus den verschiedensten Gründen. Warum aber Konkurrenzdenken unter Fotografen (und auch in vielen anderen Branchen eine Sackgasse ist und welche Möglichkeiten sich bieten, wenn man diese Art zu denken überwinden kann, darum soll es mir hier hauptsächlich gehen.

Umdenken

Nicht ganz umsonst zeigt das von mir gewählte Foto hier die Kollegen Weißmantel und Ludolph. Diese beiden gehören neben Benjamin Peter und Timo Raab  zu den Menschen, die mir eine wichtige Lektion der Fotografie erteilt haben. Um euch zu verdeutlichen wie viel euch Kameradschaft, gegenseitiges Verständnis und Hilfe sowie enge, positive Vernetzung in der Fotografie bringen, muss ich ein wenig ausholen.

Als ich angefangen habe zu fotografieren, habe ich keine Menschen fotografiert und meine Bilder sahen in etwa so aus:

Als ich anfing Menschen zu fotografieren, wollte mir dies anfänglich nicht recht gelingen. Ich habe also den einen oder anderen Workshop besucht und mir gewisse Dinge beibringen lassen und habe dafür bezahlt. Was ich dabei nicht lernen konnte, war, was mir die Kollegen beigebracht habe. Ich durfte damals kostenlos dabei sein, als Ben Peter in seinem Studio aufwändige Kreativshoots gehabt hat. Ich durfte erfahren, wie so etwas abläuft, worauf Ben wert gelegt hat und wie seine Fotos entstanden sind. Unter einer Bedingung. Ich musste meinen Kollegen das gleiche ermöglichen. Unter Einhaltung dieser Bedingung durfte ich sogar selbst ein paar Mal den Auslöser meiner eigenen Kamera am Set drücken.

Seit diesem Tag ist es so, dass bei meinen geplanten freien Shoots jederzeit ein Fotograf dabei sein kann und so entsprechend gucken wie es bei mir zu geht und natürlich darf dieser Kollege auch den Auslöser seiner Kamera an meinem Set betätigen. Aber warum genau machen solche großen Fotografen so etwas? In manchen Fällen natürlich ganz klar aus Freundschaft. Aber es steckt mehr dahinter.

In einer Welt in der Kunden immer mehr Geld für Dinge ausgeben, die bleiben, Wert haben und nicht flüchtig sind, wie etwa Häuser, Grundstücke oder Erinnerungen, gibt es für unser Dafürhalten genug Geld am Markt, dass man verdienen kann. Ein Streit unter Kollegen ist dabei nicht mal dann nötig, wenn man bildlich gesprochen mit dem direkten Nachbarn den gleichen Acker bestellt. Jeder Fotograf hat eine ganz eigene Handschrift. Einen ganz eigenen Fingerabdruck wenn man so will, resultierend aus der eigenen Art Dinge zu sehen. Es gibt also letztendlich kein Konkurrenzprodukt. Kein Fotograf stellt exakt das Gleiche Material her wie der andere und somit gibt es keinen direkten Wettbewerb. Der Kunde wählt meist nach zwei Kriterien aus. Zum einen schauen viele Kunden einfach nach dem Stil des Fotografen und dann auf die Preise. Wenn es gut läuft sogar genau in dieser Reihenfolge.

Was die Fotografenszene aus dieser Situation also machen kann, ist für alle ein Gewinn. Man schließt sich zusammen, man entwickelt eine berufliche Basis auf der man miteinander umgehen kann. Man kann sich gegenseitig beim Equipment aushelfen, man kann kreativ voneinander lernen und profitieren und egal wie eng man am Ende zusammen arbeitet, am Ende des Tages hat jeder Fotograf sein ganz eigenes Produkt in der Hand, dass es so nicht noch einmal gibt. Dazu bekommt man, sozusagen als Dreingabe Hilfe im Notfall, Hilfe bei der Entwicklung und immer wieder neue Denkansätze und neuen Input.

Natürlich wird es, dem Naturell des Menschen geschuldet, immer wieder mal so genannte Stutenbissigkeit geben. Missgunst und Neid sind so alt wie die Menschheit selbst. Aber wir sind in einer Zeit angekommen in welcher wir in der Lage sind, solche Denke abzuschaffen und sie zum Wohle unserer selbst und zum Wohl unserer Kunden zu überwinden. Ich selbst empfehle immer wieder gerne Kollegen wie meinen Nachbarn Hoffi oder Hage, denn zum einen sind die Jungs wirklich gut und zum anderen möchte ich in aller erster Linie dass meine Kunden zufrieden sind. Wenn ich also in Vorgesprächen merke, dass ich nicht wirklich das bieten kann, was der Kunde sucht, keine Zeit an dem gewünschten Termin habe oder ähnliches, empfehle ich Kollegen. Bisher hat das immer dazu geführt, dass diese Empfehlungen auch wieder in die andere Richtung gelaufen sind. Fische sind Freunde, kein Futter!

Denkt mal darüber nach.

Damit ich wirklich verständlich machen kann, worum es mir geht, bedarf es einiger Vorworte. Ich möchte, dass sich niemand auf den Schlips getreten, zu unrecht kritisiert oder brüskiert fühlt. Ich möchte mit diesem Beitrag erreichen, dass DU lieber Leser, JA GENAU DU, immer mal wieder deine Freunde und Bekannte auf das Thema Sternenkinder und die Arbeit von Dein-Sternenkind aufmerksam machst. Denn in dem Moment, wo ein Sternenkindfotograf gebraucht wird, sollten wir von Dein-Sternenkind so präsent in den Köpfen aller Beteiligten sein, dass sich Begebenheiten wie jene die ich euch heute berichte nicht erneut ereignen.

Liebe Hebammen!

Liebe Hebammen im Krankenhaus, oder auch zu Hause, in der Vorsorge und in der Nachsorge. Ihr macht einen HAMMER-Job! Ihr seid unbezahlbar und was die Politik und unser Gesundheitssystem mit euch machen ist eine himmelschreiende Ungerechtigkeit und ein tiefer Schnitt ins eigene Fleisch. Ohne euch wären viele Mütter und auch viele Väter einfach hoffnungslos überfordert, verloren und wenn es blöd läuft, nicht in der Lage ihre Kinder zur Welt zu bringen. DANKE dafür! Euer Job ist hart, schlecht bezahlt, selten ordentlich gedankt und ihr müsst immer mehr übernehmen. Ihr seid oft überarbeitet, überstrapaziert und bekommt unverdiente Nackenschläge. Euer Job ist einer, für den ihr eine Ausbildung durchlauft, viele Qualifikationen braucht und in dem ihr unschlagbar gut seid.

Selbst in der Sternenkindfotografie an sich wäre ich ohne eure Hilfe beim Einkleiden oder Betten der Würmchen schon oft verloren und nicht in der Lage gewesen gute Bilder abzuliefern. Ich würde mir niemals zumuten Euren Job zu machen oder auch nur zu versuchen, denn ihr seid darin die unbestrittenen Profis. Damit kommen wir nun mal zum Thema.

Wie es nicht sein soll

Als ich das oben gezeigte Bild veröffentlichte, erhielt ich auf Instagram eine Nachricht. Eine junge Frau erzählte mir von der Geburt ihres Sternenkindes. Sie und ihr Partner wussten vor der Geburt, dass es dem Kind nicht gut ergehen wird. In jedem Vorgespräch wurde ihr im Grosstadt-Krankenhaus versichert, dass das Krankenhaus sich um Bilder des Sternenkindes nach der Geburt kümmert. Sie hat diesen Punkt also gedanklich abgehakt und sich in ihr schlimmes Schicksal gefügt.

Was dann vom Krankenhaus nach der Geburt kam, war ein einziges Bild vom Sternenkind, lieblos neben einem Zollstock drappiert und in aller Schrecklichkeit dieses kurzen Lebens abgelichtet. Wow.

Nach diesen Zeilen war ich zunächst sprachlos. Fast noch schlimmer war die Information, dass sie sogar vorher auf unserer Website geschaut hat, aber alles ad acta gelegt hat, nach dem was man ihr im Krankenhaus angeboten hat. Die besagte junge Frau ist eine Freundin und ehemaliges Modell von mir. Schlimmer kann es fast nicht mehr laufen.

Warum ihr reden sollt

Das besagte Krankenhaus werden wir natürlich kontaktieren und versuchen dort den Mitarbeitern nochmal nahe zu bringen, was wir tun, dass wir die beste Wahl für diese Aufgabe sind und unseren Auftrag mit Hingabe, Demut, Liebe und Erfahrung besser erledigen können als jeder andere. Auf diesem Gebiet sind wir die Profis. Aber so wie in besagtem Krankenhaus läuft es leider noch zu oft. Wie will man so ein Ereignis denn als Mutter oder Vater verarbeiten, wenn die einzige Erinnerung die man hat aus einem verstörenden Foto besteht? Gar nicht. Darum müssen wir alle darüber reden. Auch wenn es den Einen oder Anderen nervt. Auch wenn ihr es nicht mehr hören könnt.

Das Ziel für uns ist es, quasi in den Krankenhäusern in den Dienstanweisungen zu stehen. „Sternenkind? Alles klar, DSK anrufen!“ – so weit haben wir es schon in vielen Kliniken aber eben bei weitem noch nicht überall. Ich brauche dafür eure Mithilfe.

Was kann außer PR-Arbeit noch getan werden?

Reden hilft. Über uns reden, mit uns reden, andere immer mal wieder aufs Thema aufmerksam machen, das hilft so immens viel. Wer aber noch mehr tun möchte, der kann uns entweder als Fotograf unterstützen oder in der Organisation. Wer in entsprechenden Einrichtungen arbeitet und das Thema unterräpresentiert findet, der bekommt bei uns natürlich auch Informationen fürs Fachpersonal und kann dieses entsprechend platzieren.

Bitte helft uns, das so eine Sache sich nicht wiederholt. Bitte redet darüber!

Zahlemann und Löhne

Für dieses schlechte Wortspiel fütter ich gern mal das Wortspiel-Schwein, aber in der Tat ist es die einfachste Methode überhaupt um gerade als Anfänger an gute Modelle zu kommen. Man bucht sie. Entweder über bekannte Model-Portale oder bekannte Agenturen. Das Ganze hat für den Anfänger zwei Vorteile.

Bild aus meinem ersten eigenen Portraitshoot (2011)

Zu allererst ist ein gestandenes Modell in der Lage zu Posen und sich halbwegs zu drehen, stellen und bewegen, ohne dass der Fotograf Anweisungen gibt. Für einen Anfänger bedeutet das, er kann sich zunächst in aller Ruhe auf seine Technik und das blanke Handwerk konzentrieren. Viele Beginner tun sich nämlich sehr schwer damit, Modellführung und Technik gleichzeitig unter einen Hut zu bringen.

Der zweite Vorteil ist die Erwartungshaltung. Bucht man als Hobbyfotograf ein Modell, macht von Anfang an klar, dass man gerade erst begonnen hat und das ganze eine Übung für das eigene Können ist, stehen einem weniger Erwartungen entgegen und man nimmt sich selbst den Druck. Modelle kann man in allen Preisklassen buchen. Vom Hobbymodell bis zum erfahrenen Agenturmodell sind da Preise von 20€ bis 150€ die Stunde fällig, ganz nach Geschmack und Geldbeutel.

Nachbarschaftshilfe

Methode zwei ist ebenso einfach, birgt allerdings einige Gefahren, auf die ich später noch eingehe. Die klassische „Nachbarschaftshilfe“ meint, man fragt Bekannte, Freunde und Verwandte ob sie einem nicht, zur Entwicklung der Fähigkeiten, Modell stehen können. Oft gibt es den einen, der neue Fotos für eine Datingwebsite braucht, eine werdende Mama, die gerne ihr Bäuchlein abgelichtet haben möchte oder die junge Liebe, welche sich auf Bildern verewigt sehen möchte. Für euch als Einsteiger natürlich dankbare „Versuchsobjekte“ und da am Anfang wohl keiner von den Anfängern wirklich Bares für das Modellstehen verlangen oder bezahlen möchte, ist das für beide Seiten eine Win-Win-Situation. Dabei kommen wir auch gleich zu den Risiken einer solchen Geschichte.

Foto aus einer meiner ersten Nachbarschaftshilfe (2011)

Die meisten Menschen die sich zu solch einer Nachbarschaftshilfe bereit erklären haben eine Erwartungshaltung an euch. Dieser soll von Seiten des Anfängerfotograf entsprochen werden und ihr müsst euch entweder sehr genau darüber im Klaren sein, ob ihr das packt oder nicht, oder aber ihr müsst vorab sehr gut umreißen und erklären, auf welchem Stand ihr euch gerade befindet. Sonst ist eine Seite vielleicht enttäuscht und das wollt ihr auf keinen Fall. Mein bester Tipp für Nachbarschaftshilfe lautet also: viel gemeinsam Sprechen, Bilder zeigen, gemeinsam Inspirationen suchen und wirklich alles geben (letzteres solltet ihr sowieso IMMER ).

Die Welt ist ein Dorf

Die Nachbarschaftshilfe empfehle ich recht oft und im Zuge dieser Empfehlung erhalte ich aber oft auch folgende Antwort: „Die Menschen im Bekannten- und Verwandtenkreis gefallen mir aber nicht so sehr„.

Ob das nun undankbar oder nicht ist bleibt zu diskutieren. Ob es den Fähigkeiten des Fotografen nicht gerade in die Hände spielt auch mit Modellen zurecht zu kommen, die er persönlich optisch nicht so ansprechend findet ebenfalls. Aber für die Absender dieser Message habe ich natürlich auch einen Rat. Die „erweiterte Nachbarschaftshilfe“. Gemeint ist damit das Internet und noch genauer gesagt lokale Facebook-Gruppen wie „Suche – Biete [Wohnort einsetzen]“. In solchen Gruppen kann man sein Ansinnen anbieten und oft genug finden sich da auch genug Menschen die Lust haben mit einem Anfänger zu Arbeiten und dessen Geschmack auch noch entsprechen. Ganz wichtig aber auch hierbei wieder: vorab klar kommunizieren und in sein Gesuch alle wichtige Eckdaten einbringen, wie Ort, Zeit, Begleitpersonen und so weiter.

Foto aus einer erweiterten Nachbarschaftshilfe (2013)

Damit habt ihr nun die besten Methoden an der Hand, um euch am Anfang eures fotografischen Schaffens mit entsprechenden Menschen zu versorgen. Seid offen, kommunikativ und arbeitet nicht nur für euch sondern auch für die Menschen vor der Kamera und ihr dürftet euch stetig weiter verbessern und damit auch immer wieder Zugang zu einem neuen Modellkreis erhalten.

Bootcamp

Einen Geheimtipp gebe ich gratis noch mit dazu. Wer sich selbst und seine Fähigkeiten in wenigen Schritten und kurzer Zeit verbessern möchte, kann die „Bootcamp“-Variante ausprobieren. Bereitet dafür ein paar Visitenkarten vor, oder Blättchen mit euren Kontaktinformationen. Damit geht ihr in die Fußgängerzone der nächsten Klein- oder Großstadt. Dort sucht ihr euch immer wieder gezielt Menschen aus, die ihr interessant findet, sprecht sie vor Ort vom Fleck weg an und bietet eure fotografischen Dienste an und dazu eure Kontaktinformationen. Hierfür ist es natürlich hilfreich, wenn man schon ein oder zwei Bilder dabei hat, die das eigenen Können zeigen. Wenn nicht, ist es aber auch nicht schlimm.

Bootcamp-Foto (2017)

Wer das ganze noch steigern möchte, nimmt direkt seine Kamera mit in die Einkaufsmeile und bietet seinen auserkorenen Gesprächspartnern direkt vor Ort ein fünf bis fünfzehn Minuten Mini-Shoot an. Dabei müsst ihr nämlich zunächst eure eigene Unsicherheit überwinden, direkt euren Umgang mit Menschen ausbauen und auch noch ad-hoc gute Ergebnisse abliefern. Eine meiner Lieblingsübungen für Workshop-Teilnehmer am Ende einer Tageseinheit.Wer diese Situation meistern kann, hat für sich schon unfassbar viel erreicht und in den Bereichen Kommunikation, Modelführung, Fotografie, Portraitfotografie, Marketing und mehr wichtige Erfahrungen sammeln können.

In diesem Sinne – shoot happy!

Vor der Kamera

Eine Begleitperson ist in meinen Augen ein „Grundrecht“ eines Modells, egal ob es sich um ein Auftragsshoot, ein Pay-Shoot oder ein TFP-Shoot handelt. In jedem Fall sollte der Mensch vor der Kamera immer die Möglichkeit haben, jemanden mitzubringen, bei dem er sich sicher und beschützt fühlt. Leider gibt es nämlich in dieser Szene auch richtig schwarze Schafe, welche unter Versprechungen von Geld, Ruhm oder Ähnlichem sich nicht nur sehr intime Aufnahmen der Modelle verschaffen, sondern auch bei einigen Gelegenheiten übergriffig werden. Diese Verhalten gehört so oder so nicht an den Set, aber eine Begleitperson mindert das Risiko, dass solche Situationen entstehen schon mal erheblich.

Wenn ihr ein Foto-Shoot gebucht oder geplant habt und der Fotograf schließt eine Begleitperson aus, könnt ihr euch zu 99,9% sicher sein,dass an der Nummer was faul ist. Eine Begleitperson ist euer Recht – besteht darauf. Es ist schade und schlimm genug, dass so etwas immer wieder passiert und ich schiebe mit Nichten die Schuld auf die Opfer in solchen Geschichten, aber eine zusätzliche Person am Set ist für keinen halbwegs versierten Fotografen auch nur ansatzweise ein Problem. Packt also die Mama ein, die beste Freundin, den Liebsten oder wen auch immer und bringt sie mit. Für euren Fotografen hat das Ganze nämlich ausschließlich positive Auswirkungen.

Hinter der Kamera

Die meisten Fotografen schleppen einen Haufen Ausrüstung mit sich herum. Das reicht von mehreren Objektiven samt Filtern über Stative bis hin zur Lichttechnik. Selbst ich, der für ein Outdoor-Shoot aktuell nicht mehr dabei hat als die Kamera-Tasche und einen Reflektor, ist es von Vorteil wenn man einen Assistenten am Set hat. Ein Assistent der eurem Modell dabei unbekannt ist, kann schnell dazu führen, dass sich das Modell oder eure Kunden unwohl und gehemmt fühlen. Ergebnis: schlechtere Bilder.

Eine Begleitperson des Modells hingegen braucht nichts weiter als deine genauen Anweisungen um zum einen mit in den Shoot eingebunden zu sein, helfen zu können wie etwa beim Halten eines Reflektors und kann hier und da beim Tragen von Klamotten oder Reflektoren oder anderen Ausrüstungsgegenständen helfen. Bonus dabei ist eben, dass sie und euer Modell einander kennen und so weniger Hemmnisse für euer Modell auftreten. Doch es kommt noch besser.

Begleitpersonen als Schlüssel zu guten Bildern

Die Kommunikation zwischen Modell und Fotograf ist nicht nur so ziemlich das Schwierigste am Set überhaupt sondern entscheidet am Ende darüber, ob euer Bild Top oder Flop ist. Nicht zuletzt deswegen gebe ich selbst Coachings in Sachen Kommunikation und Modell- Kundenführung am Set. Nun versetzt euch in die Lage des Menschen vor der Kamera. Vielleicht ist dies dein erster Shoot? Vielleicht hattest du Stress auf Arbeit oder standest auf dem Weg zum Shoot im Stau? Vielleicht war dein Partner nicht so begeistert vom Shoot und ihr hattet deswegen oder aus anderen Gründen Streit? Vielleicht geht es einem Familienmitglied nicht besonders gut und das drückt die Stimmung?

In solchen Fällen hat man es als Fotograf recht schwer, das Modell von diesem Mindset wegzubringen und entspannt und gelöst auch im Kopf in den Shoot zu holen. Es gibt dafür einige Tipps und Tricks, aber das einfachste, günstigste und unschlagbar zuverlässigste Mittel an der Hand des Fotografen ist und bleibt die Begleitperson. Denn in der Regel ist das jemand, mit dem euer Klient oder Modell ein sehr gutes Verhältnis pflegt. Lachen, gut zureden und Aufbauen sind da nicht nur selbstverständlich sondern laufen am Set schon fast automatisch ab. Doch nicht nur das. Seid ihr am Anfang eures Shoots und wollt euer Modell abholen, ein wenig hypen und für sich selbst begeistern müsst ihr in der Lage sein, direkt Erfolge auf der Mini-Mattscheibe vorweisen zu können. Auch hier hilft ein „Oh wie schön das aussieht!“ oder ein „Wow da siehst du so toll aus!“ von der Begleitperson richtig gut. Auch das geschieht zumeist automatisch.

Einen Bonus gibt es oft auch gratis obendrauf. Getreu dem Motto „mehr Augen, mehr Ideen“ gibt es von Begleitpersonen oft auch guten Input für den Fotografen, wie etwa Hinweise auf Klamotten in Unordnung oder Ideen für Posen und Körperstellungen. Denn die Begleitpersonen kennen das Modell natürlich besser als der Fotograf. Nehmt das hinter der Linse an, baut es ein und ihr habt zwei glückliche und zufriedene Kunden mehr.

Lohn

Was am Ende dabei rauskommt sind Bilder mit der Höchstleistung des Modells. Es befand sich die ganze Zeit in Sicherheit, in der eigenen Komfort-Zone bekam Zuspruch und gute Ideen für mehr Variation. Ihr als Fotograf habt also am Ende das Beste aus dem Shoot herausgeholt und könnt dies natürlich auch entlohnen. Nehmt entweder am Ende des Shoots oder ab und an mittendrin, wenn euer Modell eine Verschnaufpause einlegt, die Begleitperson vor die Kamera. Lacht und scherzt ein wenig mit ihr und fertigt ein oder zwei Bilder für sie an, als kleine Entlohnung. Es wird euer Schaden nicht sein. Versprochen.

Das Meisterwerk von T.C.Boyle „Wassermusik“ ist solch ein Buch. Oder auch das weniger bekannte Werk vom „Game of Thrones“-Autor Martin „Planetenwanderer“ hat es mir da angetan. Ein solches Buch möchte ich auch heute wieder Empfehlen!

Gute Viren, böse Viren und religiöse Spinnen

Besonders gern habe ich diese Art von Geschichten, wenn sie mit einer klugen Story und einem angenehmen Sprachstil daher kommen. Alle diese Aspekte, welche für mich ein gutes Hörbuch ausmachen, vereint mein aktueller Ohrenschmaus in sich. In Adrian Tchaikovskys preisgekrönten Sci-Fi „Die Kinder der Zeit“ geht es um die Erhaltung der menschlichen Spezies, welche sich selbst vom Planeten Erde geblasen hat. In Erwartung dieses Umstandes haben die Menschen diverse Planeten terraformt und für eine Besiedlung durch den Menschen vorbereitet. Damit die Art langfristig erhalten werden kann, hat man die letzten Menschen von der Erde auf große Archen gepackt, in Stasis gelegt und die vorbereiteten Planeten mit Affen besiedelt. Diese sollten sich dank eines Mutations-Virus so weit entwickeln, dass der Mensch sich mit ihnen Mischen kann, wenn genügend Zeit vergangen ist.

Ob dieser Plan aufgeht und wie metergroße Spinnen damit zusammenhängen und warum eben jene Spinnen einen Gott anbeten, das alles und mehr möchte ich euch natürlich nicht Spoilern. Aber dieses Buch ist eines der ersten, wenn nicht das Einzige, welches den Leser Hörer in die Gedankenwelt einer alchemistisch begabten Spinne versetzt.

Langt Story short – unbedingt anhören! Das Ganze gibt es bei Audible und ist jeden Cent wert. Knapp 20 Stunden pure Unterhaltung .

Zutaten (für ca. 500g veganeLeberwurst)

1 rote Zwiebel

1 Zehe Knoblauch

2 TL Rauchpaprike

3TL Räuchersalz

3-4 EL Hefeflocken

1 Dose Kidneybohnen

1 Dose Chili-Kidneybohnen

50ml rote Beete Saft

2 EL Majoran frisch oder getrocknet

Grundstock

Als erstes lasst ihr die zwei Dosen Kidneys gut abtropfen. Wer mag kann sie auch vorab noch gut durchspülen. Währenddessen die Zwiebel schälen, sehr fein würfeln und mit den Knoblauch, ebenfalls geschält und fein gewürfelt in einer Pfanner mit einem Schluck Erdnussöl oder Wasser anschwitzen. Anschließend geht es zusammen mit den Bohnen in den Mixer so das ein sehr fester, zäher Brei entsteht.

Würzen

Jetzt kommen alle übrigen Zutaten dazu. Den rote Beete-Saft müsst ihr so dosieren, dass ihr die gewünschte Konsistenz der veganen Leberwurst erhaltet. Manche mögen sie etwas streichzarter, andere wiederum fester. Um nun der Leberwurst die richtige Geschmacksnote zu verpassen ist der Majoran entscheidend. Fang mit zwei Esslöffeln an und schmeckt am Ende ab, ob ihr noch mehr braucht.

Feiner gehts mit diesem Tipp

Wer den Geschmack noch ein wenig aromatischer und intensiver mag, der kann die Zwiebeln und den Knoblauch direkt im Rauchpaprika und Räuchersalz anschwitzen. Dabei entfalten beide nochmal eine ganz andere Note.

Guten Hunger!

TL;DR

Die Top Tricks für einen gelungen Umstieg sind schnell gegeben. Als erstes stellt ihr im Menü „Fenster“ > „Arbeitsfläche“ den Schalter auf „Migration“. Als nächstes passt ihr eure Werkzeugleiste an und dann schaut ihr für den Rest noch dieses Video. Dann importiert man Testweise mal einen Lightroom-Katalog (bitte keine „wichtigen“ Kataloge !). Danach schaut man sich an, dass CaptureOne Ebenen kann.

Zack seid ihr quasi erstmal fit und werdet euch wundern, wie ihr Photoshop als Workflownachfolger immer weniger zum Einsatz kommt. Wer noch mehr Hilfestellungen braucht, der guckt in diesen Artikel, wo ich auch den wichtigsten Tipp für Lightroom-Umsteiger gefunden habe.

Bring back the HSL

Genug gesülzt. In Lightroom ist das HSL das Tool, welches über alle Farben Herrscht. Sie definieren Farbton, Sättigung und Luminanz der Farben. Ich habe es früher dazu genutzt Farben gedeckter aber dafür lebhafter zu gestalten, langweilige Farben zu ersetzen und ähnliches. Bei CaptureOne ist der Herrscher der Farben der Farbeditor. Doch sein Job ist ein anderer. C1 kommt aus der professionellen Studioarbeit und daher eher ein spezialist für Hauttöne und ähnliches. Klar, kann man auch über den Editor Farben modulieren, aber Lightroom ist da eher beim Klientel der Einsteiger, welcher eben gerne mal grüne Blätter herbstgold machen möchte. Das ist nicht abwertend gemeind, sondern einfach ein anderer Denkansatz und auch dahinter andere Mechaniken. Und ehrlich? Diese Geschichte finde ich bei Lightroom ziemlich cool.

Fängt man also mit CaptureOne neu an, dann fehlt einem dieses Modul sehr und man scheut sich ein wenig davor, mit dem Farbeditor richtig zu arbeiten. Was der alles drauf hat zeigen die Kollegen beim Hersteller:

Wie also bekommt der Umsteiger sein HSL zurück? Easy. Es gibt ein Preset (die heißen bei CaptrureOne übrigens „Style“) mit welchem ihr euch den HSL direkt in den Farbeditor einbauen könnt. Den Download findet ihr hier. Entpackt das ZIP (kommt auch direkt vom Hersteller), importiert in CaptureOne Pro das Preset über „Anpassungen“ > „Stile“ > „Stile importieren“. Danach öffnet ihr den Farbeditor, klickt in seinem Menü die drei Balken an und wählt „HSL“. Fertig

( Unter C1 Version 12 muss man die entpackte Datei in HSL.costyle umbenennen. Sonst kann man sie nicht importieren. Außerdem muss man den HSL-Stil erst aktivieren (über die Stile), um dann den Zugang zu den HSL-Werten im Farbeditor zu haben – Danke Blandyna)

Viel Spaß!

www.blendstufe.de

Warum?

Die Frage nach dem Warum für meine ehrenamtliche Tätigkeit bei Dein-Sternenkind habe ich mir schon sehr lange überlegt  und auch reiflich. Fotografieren ist etwas, dass ich gut kann und so kann ich in einer der schlimmsten Situationen in die Eltern kommen können, nämlich im Tod des eigenen Kindes, eine Kleinigkeit für sie tun. Nicht viel. Aber ein wenig. Ich fahre also ins Krankenhaus, betrete das Zimmer der Familie und mache dort Bilder von einem viel zu früh verstorbenen Menschlein, damit die Eltern eine ordentliche, pietätvolle und liebevolle Erinnerung an ihren kleinen Schatz bekommen. Denn die Alternative zu meiner Arbeit möchte ich ihnen ersparen. Handy- oder Kompaktkamerabilder in schlechtem Licht, oft aus Zeitnot wenig liebevoll hergerichtet (erlebte Details möchte ich euch hier wirklich ersparen), können noch Jahre später beim Betrachten einen emotionalen Schock auslösen und tragen nicht gerade dazu bei, dass die Eltern das Erlebte gut verarbeiten können, so es denn überhaupt möglich ist. Mein allererster Fall, der kleine Eric  hat mir gezeigt, dass ich diese Aufgabe bewältigen kann und vor allem, dass ich damit wirklich ein wenig Linderung bringen kann. Genau deswegen ist mir diese Arbeit und die Verbreitung dieser tollen Organisation Dein Sternenkind so wichtig. Auch der heutige Artikel ist aus dem Wunsch heraus entstanden uns und unsere Fotografen, Organisatioren, Forumsbetreuer und alle anderen die dort mit starker Hand mitarbeiten bekannt zu machen, so dass kein kleines Sternchen mehr ohne ordentliche Bilder seine Eltern verlassen muss.

Wie?

Ich werde verdammt oft gefragt wie ich das mache. Nicht technisch, denn das sollte jeder Fotograf auf die Reihe bekommen. Nachts um 3, im kalten Mischlicht eines Krankenhauses ohne tollen Studiohintergrund oder ähnliches Bilder zu machen ist nichts leichtes, das ist mir klar. Aber mit der aktuellen Technik und ein wenig Wissen darum, könnte das meiner Meinung nach jeder Hobbyfotograf. Problematisch ist eher die mentale und emotionale Seite dieser Arbeit. Ich wurde bei meinem ersten Fall ins „kalte Wasser“ geworfen und musste so mehr oder weniger die Eltern als Versuchskaninchen hernehmen um zu wissen ob ich der Lage emotional und technisch gewachsen war. Gott sei Dank hat das alles geklappt. Mittlerweile biete ich bei jedem Fall den ich betreue neuen Sternenkindfotografen die Möglichkeit mit mir mit zu kommen und so diese ganz spezielle Situation nicht als Druck mit dem Rücken zur Wand zu erleben, sondern ihnen klar zu machen, dass sie nicht alleine sind, sie den Ansprüchen gewachsen sind und den Eltern einen wichtigen Dienst erweisen.

www.blendstufe.de

Wie also stemmt man diese Situation? Nun ich kann hier nur für mich sprechen und euch kurz schildern wie es für mich bei einem Sternenkind läuft. Bereits auf dem Weg zum Krankenhaus versuche ich mich mit Musik von der Schwere der ganzen Sache zu befreien oder zu mindest abzulenken. An die unermesslichen Qualen und Schmerzen der Eltern kann ich erst nach Ende der Aufnahmen denken. Ich versuche mit den Eltern im Zimmer auch so wenig wie möglich über Formalitäten zu sprechen, die es leider immer gibt und versuche sie weder zu stützen noch Trost zu spenden, denn das ist etwas was ich mir nicht zutraue. Viel eher versuche ich einfach quasi als „Element des Raumes“ zu erscheinen und sie in ihrer Trauer nur ein kurzes Stück des harten Weges den sie gehen müssen zu begleiten. Dabei musst du funktionieren. Du musst denen Fokus sicher treffen, du musst deiner Gestaltungskreativität ihren lauf lassen können, du darfst dich in dem Moment selbst emotional nicht auf die Situation einlassen. Sonst hast du als Fotograf verloren. Zumindest ich. Daher versuche ich das ganze eher ein wenig wie ein Neugeborenen-Shoot zu behandeln in welchem das kleine Herzlein nur schläft. Das allein ist eine große Aufgabe.

Ab und an kommt man mit den Eltern auch ins Gespräch, manche sind durchaus zumindest äußerlich sehr gefasst und klar. So habe ich mit einem Vater mal über die generelleSicherheit von Kraftwerken geplaudert, bevor ich die Bilder gemacht habe. Skurrilere Situationen habe ich noch nicht erlebt, aber auch in so einem Moment behandle ich die Eltern wie normale Menschen und Abseits ihrer Situation. Also mit Freundlichkeit, Respekt und ohne die große Mitleidsnummer.

Auf diese Art und weise habe ich nun mehr fast Zehn dieser Einsätze hinter mich gebracht, in denen weiß Gott nicht immer alles nach Plan lief. Sind die Bilder im Kasten, lasse ich die Eltern mit ihrer Trauer und dem Abschied alleine – für mich beginnt das Ganze dann erst. Ich gehe zu meinem Auto, setze mich hinters Steuer und lasse dann gezielt alle Emotionen und Gedanken zu, welche ich im Zimmer der Eltern nicht nur unterdrücke sondern regelrecht bekämpfe. Danach ist für mich das wichtigste nach Hause zu fahren und meine Familie in den Arm zu nehmen und mich von ihnen auffangen und lieben zu lassen.

Das Umfeld

Damit komme ich auch zu einer weiteren Frage die mich oft zum Thema erreicht. „Was sagt dein Umfeld dazu?“ – nun da gibt es genau zwei Reaktionen. Die meisten Menschen meines Umfelds fragten mich erstmal warum ich das überhaupt tue und welchen Nutzen die Eltern davon haben. Ist das geklärt, wird das Thema oft schnell vermieden und selten weiter diskutiert. Die zweite Reaktion ist simples Schulterklopfen. Egal ob digital oder in echt. Das tut sehr gut und motiviert weiter zu machen denn oft sind es Eltern die das Gleiche erlebt haben, die mir beim Schulterklopfen mit auf den Weg geben: „Ich wünsche euch hätte es damals schon gegeben“. Wenn man so etwas hört stellt sich die Frage nach dem Warum nicht mehr. Zumindest für mich nicht.

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Das wichtigste im Umfeld ist nach wie vor meine Familie. Meine Frau stützt mich in dieser Sache wo ich stehe und gehe, steckt zurück wenn ich so einen Fall übernehmen kann und tut was sie kann um mir dafür den Rücken frei zu halten. Danke dafür <3 Genauso wichtig sind meine Kinder, die mich nach jedem Einsatz ausfragen. Sie wollen wissen was passiert ist, was das Sternchen hatte, wie es mir geht und ob ich gut für die Eltern gearbeitet habe. Sie interessieren sich sehr dafür und ich bewundere, wie locker und leicht sie mit diesen Informationen umgehen und klar kommen. Der Tod ist für die Kleinsten unter uns wohl eine völlig andere Sache als für uns Erwachsene. Ich bewundere jedes Mal ihre Empathie und bin den Tränen nahe wenn sie dann flüstern: „Das Sternchen ist jetzt beim Opa, der passt drauf auf!“. Last but not least ist auch meine Mutter ein großer Stützpfeiler. Sie nähte zum Beispiel eine Sonnenblume bei der einige Blätter als Decke fungieren und ich so das kleine Wesen darauf betten und schöne Fotos machen kann.

Einen besonderen Dank möchte ich den Ärzten, Schwestern und Pflegepersonal der Krankenhäuser aussprechen. Egal ob Frankfurt oder Aschaffenburg oder wo auch immer ich war, diese Damen und Herren haben mir sehr geholfen, durch ihre Zeit, ihren Einsatz und ihre Mühen. Ohne euch wäre dieser Job fast unmöglich! Danke!

Die Fotos

Die Frage nach den Bildern dieser Arbeit bekomme ich sehr oft gestellt und natürlich kann ich nur etwas zeigen, wenn die Eltern mir ihre Zustimmung dazu geben. Das passiert natürlich erst Wochen nach dem Tag an dem ich die Bilder gemacht habe und oft genug wird mir die Zustimmung verweigert. Die Bilder die ich euch heute Zeigen darf, sind die eines kleinen Engels und seiner Eltern. Auch die Eltern möchten, dass wir mit diesen Bilder Aufmerksamkeit für unsere Arbeit erzeugen können um so noch mehr Krankenhäuser und noch mehr Menschen darauf aufmerksam zu machen dass es auch in so schweren Stunden die Möglichkeit auf ein wenig Trost oder Linderung gibt.

Ich danke euch beiden für euren Mut und euch gehört mein Mitgefühl. Ich hoffe wir begegnen uns irgendwann unter besseren Umständen wieder.

Bevor ich euch jetzt diesen Bildern überlasse, möchte ich euch noch sagen, dass ihr mir jederzeit Fragen zu dieser Arbeit stellen könnt, gerne auch per Mail. Ich versuche alle Fragen zu beantworten. Und wenn ihr jemanden kennt, oder selbst euch das ganze zutraut, dann bitte ich euch inständig die Reihen unserer Fotografen zu verstärken. Man kann uns übrigens auch abseits der Fotografie unterstützen. Ihr könnt in der Organisation mithelfen, Kleidung für Sternchen nähen oder Geschenkkartons für die Bilder herstellen etc. etc. – wenn ihr gewollt seid zu helfen, finden wir sicher etwas für euch!

[ACHTUNG -EXPLIZITES BILDMATERIAL]

Bild 1

Bild 2

Bild 3

Bild 4

Um eine entsprechende Entscheidung zu fällen, gehen die Meisten wohl wie folgt vor. Das Foto wird in Farbe retuschiert, anschließend wird eine Schwarz-Weiss-Konvertierung vollzogen, in deren Anwendung sowohl die die einzelnen Farbkanäle verstärkt oder abgeschwächt werden und eine Kontrastanhebung erfolgt. Dazu gibt es zumeist ein wenig Dodge and Burn extra oben drauf. Anschließend werden die Bilder verglichen und das gewählt, welches dem Schaffer oder seinem Publikum am besten gefällt. Dazu nun ein paar Denkanstöße von mir.

Der Fotograf macht das Bild

Die Entscheidung über Schwarz-Weiss oder farbige Darstellung einer Aufnahme obliegt für meinen Geschmack zu 100% dem Fotografen. Klar, kann man sich vom eigenen Publikum eine Meinung oder einen Rat einholen, denn schließlich ist das ja meistens auch die Zielgruppe welche man erreichen möchte. Dennoch sollte die Entscheidung am Ende vom Fotografen getroffen werden, denn der hat im besten Fall das Bild von Anfang an visualisiert und stellt die Gretechenfrage eigentlich nur um Konversationen loszutreten und seine Zielgruppe einzubinden um die Bindung zu erhöhen. Wer die Entscheidung tatsächlich anderen überlässt kann das natürlich tun, aber er sollte sich Gedanken um seinen gesamten Schaffungsprozess machen und sich vor allem Fragen: „Wofür fotografiere ich?„.

Rolleicord VB auf TX 400

Fotografiert man für Kunden, so sollte man erst recht die Entscheidung über farbig oder farblos selbst übernehmen, denn der Kunde bucht und bezahlt den Fotografen für mein Dafürhalten in erster Linie für seinen eigenen Stil und seine eigene Handschrift. Klar, wenn der Kunde am Ende lieber eine andere Variante des Fotos möchte, sollte man das Ohr offen halten, denn er ist derjenige der die Arbeit bezahlt.

Fotografiert man um seine Arbeiten zu zeigen, damit eine breite Menge anzusprechen oder seine Kanäle zu befüllen würde ich ebenfalls die Entscheidung um die Bildwirkung, die sich mit der Entscheidung für oder gegen Farbe erheblich ändert nicht der Zielgruppe überlassen. Schließlich möchte man für seinen Stil werben, also für das Endprodukt was man am Ende verkaufen möchte.

Denkanstoß

Mein Ansatz an dieses „Problem“ ist vielleicht auch für euch interessant. Zunächst die gestalterische Seite. Ich versuche vorab eine bewusste Entscheidung für oder gegen Farbaufnahmen zu treffen um mich eben auch bewusst für oder gegen ein gewisses Medium zu Entscheiden, einen künstlerischen Transportweg, eine komplett andere Bildwirkung. Damit man das kann sollte man nicht einfach ins Blaue fotografieren sondern von Anfang an eine Idee eines fertigen Endproduktes im Kopf haben, das Endergebnis also vorab zu visualisieren und so schon vor dem Drücken des Auslösers zu wissen, ob ein Bild farbig oder schwarz-weiss besser kommt.

Technisch ist diese Nummer nämlich auch noch mal etwas anderes, wie der Tweet des Kollegen @mosphare verdeutlicht. Gute Bilder sind für mich jene, die (meistens jedenfalls) von einem Aufbau aus Kontrasten lebt. Natürlich gestalterische Kontraste wie z.b. zwischen harten Kanten und weichen Flächen, Licht und Schatten oder eben auch in Farben. Letzteres ist aber bei einem Schwarz-Weiss-Foto nicht vorhanden und so reicht mir zumindest nicht, ein farbiges Foto einfach umzuwandeln. Versteht mich nicht falsch, das kann schon in einigen Situationen und je nach Talent des Fotografen schon super klappen, aber meistens bedarf es eben der vorherigen Entscheidung.

Die technische Seite sieht bei mir so aus. Ich visualisiere wann immer ich kann (es gibt natürlich auch Shoots, bei denen das nicht so gut klappt). Habe ich mich vorab für die farblose Variante ob der Bildwirkung entschieden, dann stelle ich mir beim Fotografieren die Kamera so ein, dass mir auch wenn ich ja RAW fotografiere, das Ergebnis am Kamera-Display zumindest Schwarz-Weiss angezeigt wird, also mit entsprechendem Picturestyle. Denn wie oben im Tweet zu lesen bedarf es eines deutlich feineren Herausarbeiten der Kontraste und Licht- bzw. Schattenspiele. Diese gilt es dann in der Nacharbeit ebenso herauszuholen. Eine schlichte Konversion des RAW ist bei mir auch hier nicht genug und sie passiert bei einer anfänglichen Entscheidung für farblose Bilder so ziemlich am Anfang des Retuscheprozesses.

Am Ende macht es jeder anders

Mein Weg dieses Gestaltungsspiel anzugehen mag nicht immer funktionieren und viele machen es auch einfach anders. Ich kenne auch genug Retuscheure die sagen, dass der Umwandlungsprozess immer am Ende der Retusche stehen sollte. Für mich funktioniert dieser Weg aber einfach nicht so gut. Jeder ist da wohl ein wenig anders, weswegen dieser Artikel keines Falles dogmatisch sondern eher als Versuchsobjekt zu sehen ist. Egal wie ihr euer Bild inszeniert, egal wie und wann ihr euch zwischen farbigen und farblosen Aufnahmen entscheidet, es liegt ein gravierender Unterschied zwischen diesen Varianten und diesem solltet ihr auf jeden Fall Tribut zollen.

Bevor wir einsteigen bedarf es aber einer kleinen Analyse. Welche Bilder sind denn „Ausschuss“, welche Bilder sind „Überschuss“ im Gegensatz zu den Bildern, die man am liebsten sofort gedruckt auf 2x3m an der Wand haben möchte, aber bitte Aludibond Direktdruck?

Ausschuss

Als Ausschuss würde ich Bilder mit technischen oder gestalterischen Mängeln bezeichnen. Verwackelt, schlecht komponiert oder Unscharf, diese Fotos möchte man weder zeigen noch Aufheben. Eine kleine Besonderheit gilt natürlich immer: wenn das Foto einen besonderen Moment transportiert und dennoch unscharf ist, wäre mir persönlich das völlig egal. Als Beispiel hier ein Foto aus einer Taufe. Der kleine Täufling weiß nicht recht was los ist und fixiert seinen großen Bruder voll Angst, welcher ihm wiederum ein unbesorgtes Lächeln zurück gibt. Ein Situationsbild das vor Unschärfe nur so strotzt und dennoch gehört es mit zu den besten Fotos die ich in 2018 gemacht habe, also definitiv kein Ausschuss.

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Halten wir also fest, abgesehen von transportierten Emotionen und Momenten sind technische Fehler die Ursache für „fotografische Ausschussware“.

Überschuss

Als Überschuss bezeichne ich viele Bilder mit fast gleichem Inhalt, also die Fotos, die man zumeist in Serie geschossen hat. Das tut man häufiger wenn zum Beispiel das Motiv in Bewegung ist oder man versucht den richtigen Moment innerhalb eines Shootings einzufangen. Außerdem legt man Überschuss sehr schnell an, wenn man ein wenig mit dem Licht und der Drehung des Subjekts zum Licht oder zur Kamera experimentiert.

5 Dinge um Ausschuss zu vermeiden

Ausschuss reduzieren ist im Prinzip eine einfache Sache und geht einher mit deiner Beherrschung der absoluten Basics der Fotografie. Wie immer spreche ich hier Hauptsächlich von der People-Fotografie.

Das magische Dreieck verinnerlichen

ISO, Blende und Verschlusszeit sind die elementarsten Bausteine deiner Fotografie. Sie ins richtige Verhältnis zu bringen und genau zu wissen wann man an welchem Wert drehen muss und wie sich damit die Bildwirkung verändert entscheidet als aller Erstes über ein gutes oder schlechtes Foto. Dieses Dreieck muss sitzen wie die Unterhosengröße. Wenn dich einer Nachts mit einer Fanfare ins Ohr weckt, solltest du alle Aspekte dieses Dreiecks noch mit geschlossenen Augen aufsagen können ohne einen einzigen Fehler dabei zu machen. Ist dem nicht so solltest du dich dringend damit auseinandersetzen. Manchen hilft ein gutes Tutorial, andere lernen das besser im Coaching, welches ihr natürlich auch bei mir bekommt. Schickt mir einfach eine Nachricht, wenn euch das interessiert.

Reduktion auf das Maximum

So simple dieser Tipp auch klingen mag, für mich ist er der Zweite und mit der Wichtigste um Ausschuss zu vermeiden. Wer die Tasche voller Gear und die Hände voller Zubehör hat, weil er in einem Tutorial gesehen hat, dass zum Beispiel Gegenlichtfotos nur mit Outdoor HSS-Porty funktionieren, der schliddert oft genug an guten Bildern vorbei, weil er sich auf alles andere konzentriert, als auf das was wirklich wichtig ist: eine Kamera, eine Linse, das Licht und das Modell. Um also Ausschuss zu vermeiden, versuch doch mal wirklich alles daheim zu lassen, außer die genannten Dinge und erlebe Fotografie ganz neu.

Stimmung und Übertragung

Ob ihr es glaubt oder nicht, mittlerweile gebe ich die meisten Seminare und Coachings auf einem Gebiet, welches völlig Abseits der Fotografie liegt, aber einfach zu 80% über die Tauglichkeit eines Fotos entscheidet. Die Rede ist von Stimmung, Übertragung und in Verbindung damit Modellführung und Kommunikation.

Ein gutes Foto, ein Bild welches also nie und nimmer auf dem „Kann weg“-Stapel landet ist eines, welches den Betrachter immer und immer wieder veranlasst, es zu betrachten und dabei zu verweilen. Das erreicht man in der Peoplefotografie einzig, allein und ausschließlich über die Stimmung des Modells. Diese wiederum kommt für mich zu 75% von dir – dem Fotograf. Alles was du vom Aufstehen an bis zum eigentlichen Shoot tust beeinflusst deine Stimmung und durch nonverbale und verbale Kommunikation und Übertragung auch die deines Modells. Wer also in diesen beiden Punkten ganz weit vorne liegt braucht sich über Modellführung fast keine Gedanken mehr machen und produziert einfach weniger Ausschuss. Wer es nicht glaubt sollte sich unbedingt bei mir ein Seminar holen und sich fit machen lassen!

Licht, Licht und nochmals Licht

Licht bestimmt über dein Foto. Ist es spannend gesetzt? Ist es interessant geführt? Ist es richtig gelesen und richtig interpretiert? Wenn du viele unscharfe, verwackelte oder fehlbelichtete Bilder in deiner Ausschussware findest, könnte die Ursache eine mangelnde Auseinandersetzung mit dem Licht sein. Dabei ist es egal, ob es künstliches oder natürliches Licht ist. Folgende Fragestellungen an dich helfen dir, das Licht richtig zu verstehen und deine Bilder entsprechend anders zu gestalten.

Habe ich ein ausgewogenenes Histogramm? Das Histogramm ist ein nützliches Tool an jeder Kamera und ihr solltet es immer im Auge haben. Das hilft euch beim korrekten Belichten eurer Bilder, egal was ihr als korrekte Belichtung erachtet.

Woher kommt das Licht, wie verläuft es und wo fällt es ab? Diese drei Fragen in Kombination sorgen für Spannung und ein durchdachtes Licht von links oben nach rechts unten. Habt diese drei Fragen bei der Bildkomposition immer im Kopf.

Bildkomposition

Last but not least sind auch Fehler in der Bildkomposition dafür verantwortlich, dass man fotografischen Ausschuss produziert. Es gibt Regeln für den Aufbau eines Bildes, mit denen man gestalterisch ganz vorne liegt und was gestalterisch Spannend gemacht ist bringt den Betrachter zu verweilen und sorgt dafür, dass man eben ein Bild nicht wegwirft sondern so komponiert das es beeindruckt. Dabei wird für meinen Geschmack das wichtigste Element am Meisten vernachlässigt: Erzählung einer Geschichte. Wenn der Betrachter eines Bildes Elemente einer kleinen Story im Bild erblickt und diese gut in Szene gesetzt worden sind, so wird er das Bild nach weiteren Hinweisen und Elementen absuchen. Wenn die im Bild verpackte Geschichte dann Betrachter dann auch noch mitnimmt, ist das Foto mit an Sicherheit grenzender Wahrscheinlichkeit ein absoluter Gewinner. Wie man so etwas macht kann man zwar lernen, aber besser ist es, sich inspirieren zu lassen. Dazu Empfehle ich euch die Kollegen Mario Sorrenti, Patrick Ludolph und Jamari Lior. Letztere ist eine Meisterin dieses Fachs und ihre Kompositionen sind unerreicht, nichts desto trotz war auch ich in den Anfängen meiner Fotografie bei ihr zum Coaching und es wird nicht der Letzte gewesen sein!

Überschuss reduzieren

Nun haben wir den Ausschuss mit meinen Tipps schon drastisch reduziert, dann nehmen wir uns nun noch dem Überschuss an. Auch Dafür habe ich Tipps auf Lager, wenngleich es hier keiner Fünf sondern lediglich genau Zwei bedarf.

Lass dich auf die Szene ein

Überschuss produziert man meist wenn man Serien von Bildern schießt um das richtige zu treffen, sei es bei Experimenten mit dem Sonnenstand im Gegenlicht oder diversen Mimiken und Posen des Modells. Das lässt sich sehr gut vermeiden in dem man sich einfach viel mehr auf eine Szene einlässt, genau durch den Sucher schaut und anstatt 10 Bilder in Serie zu knippsen vielleicht nur zwei mitnimmt und eben nur genau dann auslöst, wenn das Bild perfekt ist in Komposition, Licht, Pose und Handwerk. Less is more.

Erfahrung sammeln um voraus zu ahnen

Wirklich wichtig in der Fotografie ist das tun. Immer wieder raus gehen und fotografieren, immer wieder auch sich selbst mit neuen Situationen aus der eigenen Komfortzone rausholen um Dinge zu erfahren, die noch nicht da waren. Schlichtweg Erfahrung sammeln, darauf kommt es an. Denn dann kann man in vielen Situationen wie Hochzeiten, Taufen oder bei Modellen die man im Laufen fotografiert schon gut voraus ahnen, welche Bildsituationen sich ergeben werden und man ist mitten drin, wenn sie geschehen. Genau das sorgt für weniger Serienbilder und somit für weniger Überschuss

Over and Out

Ich hoffe ich konnte eure Fragen damit umfassend beantworten und wie ihr gelesen habt ist es eben nicht allein die technisch-handwerkliche Seite der Fotografie, welche dafür sorgt, dass man ein schlechtes Verhältnis von Topfotos zu Ausschussware produziert. Mir ist klar, dass manche der Tipps recht abstrakt sind, aber die Fotografie lebt vom „einfach machen“ und „lass es dir beibringen“, zumindest am Anfang. Wer weitere Fragen zu diesem Thema hat, kann sie gerne durchstecken und ich versuche mich der Sache anzunehmen. over and Out!

Vollformat im Kleinformat

Für mich hat eine lange und teuere Lernkurve von diversen APS-C Spiegelreflex über Vollformatspiegelreflexkameras hin zu Vollformat eine eindeutige Sicht auf den „richtigen“ Body gebracht. Der „richtige“ Body ist leicht, Vollformat und ohne Spiegel. Warum? Easy. Ich brauche einen ultraportablen Body, der mich nicht schon allein mit Größe und Gewicht davon abschreckt ihn einfach zu vielen Gelegenheiten einzupacken. Denn „schleppen“ und „wuchten“ will keiner und die beste Kamera ist nach wie vor die, welche man immer dabei hat (*Phrasenschwein fütter*).

Meine Sichtweisen und Blickwinkel sowie Bildkompositionen haben sich durch den Wechsel von APS-C zu Vollformat dramatisch zum besseren verändert und ich würde auf keinen Fall wieder zurück wechseln. Mittelformat hingegen ist spannend, aber selten bezahlbar. Warum mein Traumbody nun spiegellos sein soll dürfte klar sein. Kein Spiegel bedeutet weniger Fehlerquellen, geringere Störanfälligkeit usw. usw. Ich für meinen Teil greife daher aktuell zum Sony A7 Lineup weil diese Bodys den oben genannten Kriterien entsprechen und dazu mit ihrer Ausstattung fast konkurrenzlos günstig sind.

Optiken

Nach der Suche nach dem richtigen Body kommt bei vielen die Suche nach den richtigen Optiken. Zündet die Fackeln an, buddelt die Mistgabeln aus, ich sage es frei von der Leber weg: Zoomlinsen sind Mist, greift wann immer ihr könnt zu Festbrennweiten. Die Abbildungsleistung wird mir recht geben. Klar, man kann sicher auch gute Fotos mit Zooms machen, aber im direkten Vergleich gewinnt für mich bisher immer der Festbrenner. Damit sind wir dann auch direkt bei der Brennweite.

Ich behaupte, wenn du ein Weitwinkel und eine Portraitbrennweite in deiner Tasche hast, bist du für die Peoplefotografie gut ausgestattet. Beim Weitwinkel schwöre ich auf das Sigma 35mm ART und bei der Portraitbrennweite bin ich relativ variabel. Die Referenzbrennweite sind wohl 85mm, wer aber nebenbei auch noch ein bisschen variabler sein möchte, der ist auch mit einem lichtstarken 50mm gut unterwegs. Apropos Lichtstärke. Ich greife selten zu anderen Linsen als zu denen mit einer Anfangsblende f1.4 oder f1.8 – der Grund dafür ist schnell erklärt. Je weiter die Blende am Anfang aufgeht, desto mehr Spielraum hat man beim Abblenden auch in schwierigen Lichtsituationen. Dazu kommt das enorme Freistellungspotential der 1.4er Linsen. Das sieht einfach GRANATE aus. Beispiel:

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Zubehör

Nach Body und Linse widmen wir uns nun dem Rest. Ich spreche hierbei aber aus meiner Sicht auf die Dinge, die mein Credo „Minimalize to the Max“ wiederspiegelt. Je weniger ich rumschleppe desto besser ist es, so wohl für den Geldbeutel als auch für die Kreativität. Jeder der gern Stativ, Porty und Akku mit in die Wildnis schleppt kann das tun, für mich ist es nichts. Essentiell sind für mich genau 4 Dinge im Zubehör-Bereich. Zum einen ein Satz schneller SD-Karten (hier bevorzuge ich die schnellen 300 mb/s Karten).

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Weiterhin brauche ich meistens einen Reflektor und da tut es zwar auch der Billigste der Billigen, aber ich habe mir des Komforts wegen einen California Sunbounce gegönnt. Außerdem habe ich immer einen Satz Extra-Akkus dabei und last but not least muss man das ganze Zeug ja noch transportieren. Also brauche ich noch eine gute Tasche und DAS WARS. Alles andere ist entweder nur ein Nice to have oder total überflüssig. Es kommt dann nämlich eher auf euer Know How in Sachen Licht, Komposition und Bedienung euerer Technik an.

Ihr braucht es nicht

Der Markt für Fotografen aller Art ist völlig zugedonnert mit Zubehörprodukten, von der Softbox für Aufsteckblitze über Gurte und Halterungen hin zu komplexen Stativen und allerhand Leucht-Equipment. Mitunter spannende Dinge, jedoch am Anfang braucht ihr das alles nicht. Konzentriert euch auf den Menschen vor der Kamera denn er ist essentiell für die Story, welche ihr am Ende auf dem Bild erzählt und konzentriert euch dann auf das Licht, denn es ist euer Hauptgestaltungsmittel.

Diskussionen über Technik sind der Tot eurer Kreativität

Ein Punkt der mir extrem am Herzen liegt. Jedes Forum, jedes soziale Netzwerk und jeder Fotostammtisch ist voll von Diskussionen über Technik. Ich rede dabei nicht von Diskussionen die aufgrund von akuten Problemen losgetreten werden sondern von den wahren Glaubenskriegen die es innerhalb der Technik gibt. Ein Beispiel. Da fragt einer mit einem Beispielfoto in einem Forum, warum seine Bilder total verrauscht sind. Diskussionen um solche Probleme sind zumeist gut und hilfreich wenn man es versteht die lösungsorientierten Antworten vom Rest zu filtern. Dann schreibt ein anderer in einem weiteren Beispiel, dass die neue Nikon Systemkamera keine zwei SD-Kartenslots hat und wie blöde das wohl ist. SOLCHE Diskussionen kann man bedienen und befeuern wie man mag, aber die Zeit die dort investiert wird ist meistens vergebens. Erstens werdet ihr in diesen Grundsatzdiskussionen niemanden von eurer Meinung überzeugen und zum anderen könntet ihr mit der Zeit ein tolles Tutorial schauen oder noch besser: ihr könnten rausgehen und euer Können mit Erfahrung erweitern. Was ist nun besser? Genau!

Nuff said!

Disclaimer

Dieser Artikel erhebt keinen Anspruch auf Allgemeingültigkeit und absolute Wahrheit. Ich schreibe hier subjektiv und aus meiner Art zu fotografieren heraus. Stimmt ihr diesem Artikel nicht zu? Kein Problem. Es steht euch frei.

Wer diesen Blog hier schon eine Weile verfolgt, der hat in der Vergangenheit immer mal wieder mitbekommen, dass ich den Kollegen Patrick Ludolph nicht nur sehr schätze, sondern ihn auch immer wieder Empfehle. Das liegt natürlich ausschließlich daran, dass die Trainings von Paddy einfach große Klasse, unaufgeregt, nordisch nüchtern und von A bis Z informativ sind.

Manche Bücher muss man selber kaufen

Bisher hatte ich dabei aber immer das Glück, dass mir der geschätzte Kollege diese Trainings immer gratis zur Verfügung gestellt hatte. Doch als Paddy vor wenigen Wochen sein neues Buch samt Hörbuch mit oben zu sehendem Cover für die Vorbestellung frei gegeben hat, habe ich zugeschlagen. Blind. Ich habe weder eine Hörprobe aus dem Hörbuch genossen, noch recherchiert worum es eigentlich geht. Warum?

Schlicht und einfach gesagt ist Paddy einer, bei dem man noch nie etwas falsch gemacht hat. Noch nie habe ich auch nur irgendeine Empfehlung für seine Produkte bereut und hätte ich sie nicht so bekommen, ich hätte sie gekauft. So wie eben sein neustes Werk „Manche Fehler muss man selber machen“.

Was erwartet den Käufer

Paddy selbst beschreibt sein Buch mit einem einzigen Untertitel: „Wie ich Menschen fotografiere“ – doch in diesem Buch steckt so unendlich viel mehr. Jede Seite, die ich aufgeschlagen habe ließ mich spätestens nach dem ersten Absatz heftig mit dem Kopf nicken und leise murmeln „Genau so ist es, verdammt noch mal!“ Denn neben ausführlichen Beschreibungen der Entstehung seiner Foto oder Entstehungsgeschichten seiner besten Fotos gibt euch Patrick Ludolph eine Art Sammelsurium der fotografischen Weisheiten mit auf den Weg, die man sich eigentlich selbst erarbeiten muss. Und er empfiehlt selbiges auch mit Nachdruck!

Kopfnicken, Lachen, Kopfnicken

„Der Fotograf macht das Foto, aber eben nicht alleine“ – Wie oft habe ich Diskussionen unter Fotografen und Stammtischbesuchern erlebt. Die einen schwärmen von Technik, die andere von Kunst und Poesie im Foto und eine dritte Partei schwärmt nur vom Licht. Paddy geht mit mir konform: die richtige Mischung macht es. Eine geile Kamera macht kein gutes Foto, ein guter Fotograf beherrscht auch die Technik und um tolles Licht zu sehen und einfangen zu können braucht es Skill, Tech und Poesie.

„Regeln muss man erst lernen bevor man sie bricht“ – Auch bei diesem Zitat fühlte ich mich auf unzählige Fotografen-Podiumsdiskussionen zurückversetzt. Wieder drei Parteien. Fotografen die Streng nach den ungeschriebenen und geschriebenen Regeln der Fotografie arbeiten und eben keine Hände abschneiden oder unscharfe Bilder akzeptieren. Dann die, denen alles egal ist, Schnitt, Bildaufteilung, Schärfe und vieles mehr und die so sämtliche Regeln brechen um einfach einen Moment einzufangen und zu transportieren. Die dritte Partei waren die, welchen alles egal ist und die einfach nur Spaß am Fotografieren haben. Wie auch ich kommt Paddy im Buch zu dem Schluß, dass man erst besagte Regeln kennen und beherrschen sollte, bevor man sie mit Erfolg brechen kann. Klar geht das auch anders, aber ob das Ergebnis dann jemand sehen möchte ist ungewiss.

Wie ihr also merkt ist dieses Buch nicht nur Bebildert mit tollen Fotos und den genauen Einstellungen, sondern auch mit den Do’s und Dont’s versehen, welche diese Fotos so einzigartig und gut machen. Eine Art „Foto-Rezeptbuch mit Philosophie“ dazu. Und ich bin restlos begeistert von der ersten bis zur letzten Seite!

Auf die Ohren

„Im Idealfall stelle ich mir vor, dass ihr euch mit Kopfhörern auf den Ohren und meinem Buch auf dem Schoß vor ein prasselndes Kaminfeuer setzt und dabei einen guten Whiskey genießt“ – Wer im Shop von Paddy 3 €uro mehr als für die Standard-Ausgabe des Buches ausgibt, bekommt eine Hörbuch-Ausgabe obendrauf. Ich hatte mich wirklich gefragt wie das funktionieren soll, aber Paddy hat wie auch in seinen Tutorials einfach genau die richtige, ruhige, angenehm warme und eingehende Stimme um einen sogar ein Fotobuch aufs Ohr zu geben. Ich würde mir sogar wünschen, man würde Paddy bei audible.de einen Sprecher-Job geben, denn diese Stimme kann ich mir sehr gut auch bei einem Krimi oder einem Fantasy-Epos vorstellen. Doch genug von meinem Fanboy-Gesabbel kommen wir zum Fazit.

Dieses Buch ist kein Fehler

Ich habe schon viele Fotobücher gekauft. Darunter Ripke, Sorrenti oder Jana Mänz. Ich finde die zwar alle ganz gut, in Sorrentis Fall natürlich sogar außergewöhnlich, aber müsste ich mich für eines entscheidenm so wäre es „Manche Fehler muss man selber machen“. Nicht zuletzt deswegen weil ich die beschriebenen Fehler schon selbst gemacht habe. Daraus ist auch meine „5 Dinge…“ Serie hervorgegangen.

Wenn ihr euch bei einem Fotografen bedanken wollt oder wenn ihr ein Fotobuch besitzen wollt dass ihr immer und immer wieder zur Hand nehmen werdet und das zu gleichen Teilen für Entertainment und als Leitfaden, so sollte es genau dieses Buch sein.

Danke Paddy!

Wie bei Lightroom auch, muss man bei CaptureOne Pro die Presets natürlich immer ein wenig auf sein Bild anpassen und je nach dem wie man fotografiert, also wie man das Ausgangsmaterial hat, passen manche Styles besser und andere wiederum gar nicht. Bei PhaseOne selbst gibt es ein dickes Styles-Paket für den nicht ganz so schmalen Geldbeutel. Dafür bieten sie aber auch ein paar dieser Presets gratis an.

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Ohne Styles

PhaseOne Stylepack

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Ein weiteres schönes Paket kommt von Digitaltransitions, die zu ihrem Kaufpaket für ca. $129 mit 137 Presets auch ein „Probierpaket“ mit 32 Looks für umme anbieten. Da sind schicke Styles dabei.

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Die Kollegen von HDR-Photographer bieten ebenfalls ein schickes Presetpaket zum Nulltarif, welches zwar eher für Landschaft und Architektur gedacht ist, aber auch auf Menschbildern gar nicht mal so schlecht aussieht.

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Ein richtig schickes Film-Look-Paket, welches wohl dem allseits bekannten VSCSO-Filterpaket nachempfunden ist, gibt es bei 1styles. Dort verkauft man wirklich klasse aussehende Styles für relativ wenig Geld und bietet potentiellen Käufern die Möglichkeit, auch ein Probierhäppchen zu bekommen.

Extended Version:

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Ohne Styles

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Original Version:

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Ohne Styles

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Prinzipiell wird der Markt für diese Presets in den nächsten Jahren extrem anschwellen und wie bei Lightroom auch bekommt man dann halt auch sowohl tolle als auch eher unsinnige Pakete. Ich habe die oben gezeigten Styles jetzt mal bewusst nicht ans Bild angepasst, damit ihr seht wie ein Beispiel des Pakets wirklich aussieht. Die richtig guten Pakete unterstützen sogar die Ebenenfähigkeit in CaptureOne Pro so dass eine Anpassung noch besser und sicherer gelingt. Wer noch mehr Pakete sucht, der findet entweder in dieser Sammlung sicher noch etwas oder wird bei Google fündig

Wie ihr dem Titel entnehmen könnt, hat der gute Harry August, der Hauptdarsteller der Geschichte viele Leben zur Verfügung. Diese Leben führen ihn durch die Zeit und die zentrale Frage der ganzen Zeitreise-Filmen rund um das Paradoxon dieser Zeitreisen wird auch in diesem Buch immer wieder gestellt. Das Buch dreht sich mit einer richtig intelligent gebauten und niveauvoll formulierten Geschichte immer wieder um zentrale Fragen der Moral, der Wissenschaft und der Ethik. Ihr bezahlt bei Audible.de für 14 Stunden geschmeidigste Unterhaltung rund 14 €uro oder 9,99€ im Abo. Ich kann dieses Buch gar nicht oft genug empfehlen und es hat mich, anders als mein bisheriges Lieblingsbuch auf einer eher ernsteren und tiefgründigeren Eben mitgenommen und berührt.

On Top gibt es den guten Stefan Kaminski als Sprecher oben drauf, der in diesem Hörbuch ein richtig gutes Fingerspitzengefühl für Stimmen, Tempi und die Story beweist. Lange Rede kurzer Sinn > Zuschlagen!

[bewertung]

Goodbye 500px

Bisher war 500px für mich das Optimum der Präsentation fotografischer Arbeit im Netz und zugleich auch die „GoTo“-Fotocommunity schlechthin. Das lag für mich zum einen an der Qualität der dort veröffentlichten Arbeiten, dem Bewertungssystem und dem redaktionell betreuten Teil der Seite. Einziger Nachteil für mich bisher war, dass die Anbieter für den kostenlosen Account ein Uploadlimit von sieben Bildern pro Woche angelegt haben. Somit brauchte ich für mich und auch um die Seite werbefrei nutzen zu können einen „Awesome“ Account für  $ 2,95 pro Monat. Das ist nicht viel, aber läppert sich auch.

Meine Sorgen mit 500px begannen vor etwas mehr als einem Jahr, als man dort begann Fotos an Fotolia zu verkaufen, ohne die Urheber zu beteiligen. Dazu kommt das ich das Gefühl (!) habe, dass man Bilder nur gut gevotet und geliked bekommt, wenn man einen Bezahlaccount bei 500px hat. Der Hauptnachteil aber für mich ist die Art und Weise wie das Portfolio dort präsentiert wird. Irgendwie lieblos, ungeordnet und nicht besonders schön. Klar kann man Sammlungen und so weiter anlegen, aber es wirkt nicht professionell. Außerdem legt 500px bei der Verwendung bestimmter Hashtags mein Foto in der Übersicht hinter ein NSFW-Banner und diese muss vom Betrachter extra bestätigt werden, egal wie SFW mein Foto eigentlich ist.

Mit diesem letzten Punkt begann für mich die Suche nach einem Ersatz zum Präsentieren meiner Bilder bei potentiellen Kunden.

Flickr, Adobe Portfolio, selber hosten

Auf Twitter kamen von euch viele Fragen zu den Plattformen die man als Alternative so in Betracht ziehen kann. Beginnen wir mal beim eigentlich sinnvollsten Punkt, dem selbst gehosteten Portfolio. Dagegen sprechen für mich persönlich drei Gründe. Zum ersten müsste man, damit das richtig schick aussieht ein wenig was von Webdevelopement oder WordPress verstehen, was ich absolut nicht tue. Ich bin da auch nicht bereit groß Geld oder Zeit in die Hand zu nehmen, solange es brauchbare Alternativen gibt. Das Zweite ist immer so ein wenig die Platzfrage. Selbst hosten bedeutet Speicherbedarf der im Zweifelsfall beim Hoster mehr Geld kostet. Zu guter Letzt die Verfügbarkeit. Ist mein Blog down, warum auch immer, ist damit auch das Portfolio weg. Ich müsste mich also selbst um die Verfügbarkeit kümmern. Alles zusammengenommen sind das nicht besonders weltbewegende Gründe und für euch mag das sicher anders aussehen, aber für mich ist selbst hosten nicht die optimale Lösung bislang.

Zu Flickr habe und hatte ich noch nie einen Draht. Ich finde es sieht altbacken aus und war bisher auch zum strukturierten Präsentieren meiner Arbeit nicht so mein Fall. Ich weiß, das viele von euch auf diese Plattform schwören und ich könnte jetzt auch nicht sagen, dass ich einen triftigen Grund hätte sie zu meiden, aber subjektiv ist sie einfach nicht meins.

Adobe Portfolio habe ich im Zuge der Recherche auch ausprobiert und so schnell wie ich es geöffnet und angeguckt habe, hatte ich es wieder zu. Die Bedienung ist mir zu umständlich, die Personalisierung der Seite irgendwie auch wenig professionell und die Vanity-Url xxxx.myportfolio.com klingt irgendwie nach nem Homepagebaukasten der Telekom. Schied für mich also sehr schnell wieder aus. Es blieben Adobe Spark, welches mir für meinen Geschmack ein zu mächtiges Tool für den von mir geplanten Einsatz ist und eben Behance.

Das Tool meiner Wahl

Gleich nach dem ersten Einloggen bei Behance fallen dem geneigten Anwender mindestens drei coole Sachen auf. Zum Einen ist Behance mit einer Adobe-ID nutzbar die ich ohnehin schon für das Fotografen-Abo habe. Weiters ist Behance sehr sauber, lässt sich prima strukturieren und bietet am Ende genau das, was ich mir erwartet habe. Eine sauber gegliederte Präsentation meiner Arbeiten für potentielle Kunden zum schmökern. Last but not least (*Phrasenschwein fütter*) lässt sich Behance aus vielen Ecken betanken. Man kann seine Bilder vom PC hochladen, oder aber schlauerweise direkt aus Lightroom oder der Creative Cloud und somit letztendlich von überall aus einpflegen. Mit wenigen Clicks hat man ein schickes Layout, ein wenig Text und fertig ist das Ding.

Außerdem hat Behance eine schicke Smartphone-App, einen eigenen „Auftragsmarkt“ über den ihr Jobs einstellen oder suchen könnt und es gibt natürlich hintendran noch eine Community.  Genau so habe ich mir die Sache vorgestellt, das Ganze ist kostenlos und bis auf weiteres werdet ihr mein noch im Aufbau befindliches Portfolio dort finden.

Bildauswahl und wie es mal war

Die Rede ist von der Bildauswahl. Ihr habt ein tolles Outdoor Shooting gehabt, mega Gegenlichtfotos gemacht und eure Bilder schon auf dem Display der Kamera zusammen mit dem Model kräftig abgefeiert? Prima! Doch wie geht ihr nun weiter vor?

In unzähligen Coachings und Videotutorials bekommt man bis heute noch folgenden Rat:

Beschäftigt euch nicht am selben Tag des Fotoshoots mit der Bildauswahl, denn die Euphorie über die Bilder und das Shoot an sich trübt eure Sicht auf die tatsächliche Qualität der Bilder

Der Hintergrund zu diesem Ratschlag ist eigentlich selbsterklärend, aber da ich bis vor wenigen Monaten noch genau die selbe Ansicht vertreten und Sie in meinen Coachings auch verkauft habe, möchte ich dennoch ein paar Worte dazu verlieren. Fotografieren ist für die meisten Hobby- und Semiprofotografen mehr als ein blanker technischer Akt voller KnowHow und digitalem Workflow. Im besten Fall ist es ebenso für den Profi einfach eine Leidenschaft, die einen tief im inneren befriedigt (hö hö ) und einem sehr viel zurück gibt.

Deswegen ist man zumeist nach einem Fotoshoot euphorisiert, begeistert, gut gelaunt und heiß auf die Endergebnisse. Setzt man sich mit dieser Euphorie direkt an die Bildauswahl, so kann es leicht passieren, dass man Bilder für gut befindet, die aber eigentlich eher zweite Wahl währen. So zumindest die Theorie.

Times have changed!

Diese Ansicht hat sich mir, ohne dass ich es anfänglich groß gemerkt hätte, ins Gegenteil verkehrt. Ich bin mir selbst erst dieser Tage darüber bewusst geworden und möchte damit eine Empfehlung aussprechen. Nutzt diese Euphorie! Geht an die Bildauswahl, habt weiter Spaß, feiert euch und eure Ergebnisse dabei und lasst euch nichts anderes Erzählen. Der Grund dafür ist einfach.

Selbst wenn bei dem Shoot auch Bilder zweiter Wahl entstanden sind – und da rede ich nicht von handfesten technischen Mängeln wie Unschärfe an der falschen Stelle sondern eher von Nuancenabweichungen zum Beispiel bei der Positionierung der Sonne hinter dem Modell – werdet ihr diese Bilder aufgrund eures Glücksgefühls, aufgrund der guten Laune und der Euphorie aus dem Shoot in etwas wunderbares verwandeln. Ihr legt vielleicht weniger Wert auf die blanke Perfektion des Fotos und mehr auf den eingefangenen Moment und das ist zumindest in meinen Augen der deutlich wichtigere Teil des ganzen Prozesses.

Dazu kommt auch, dass einem die positiven Emotionen sogar in der Nachbearbeitung so beeinflussen, dass man eventuell noch den Einen oder Anderen Kniff mehr versucht um das Maximum aus einem Foto heraus zu holen und das ist definitiv nichts schlechtes, oder?

Natürlich gibt es von mir auch ein paar Tipps, wie ich mit der Bildauswahl dann am Ende umgehe um die Shootingeuphorie eben nur als Mittel zum Zweck und nicht als dominanten Workflowprozess zu verwenden.

Nutzt eure Euphorie

Mein Workflow sieht wie folgt aus. Ich mache drei Auswahl-Runs auf meine Bilder. Im ersten Run schmeiße ich alle Bilder aus der Galerie, die technisch Grobe Mängel aufweisen, wie etwa komplette Unschärfe wo sie nix zu suchen hat, Fehlfokussierungen oder ähnliches. Das sind bei mir meistens sehr wenige Bilder. Im zweiten Run suche ich mir direkt die Bilder aus, die mich sofort noch am Display begeistern und mir quasi das Endergebnis des Bildes schon direkt im Kopf präsent ist.

Diese beiden Runs mache ich noch am gleichen Tag des Shoots und lasse mich dafür ruhig mal von den Emotionen begeistern und von der Euphorie leiten.Meistens mache ich die Bilder aus Run 2 auch direkt fix und fertig zum Endprodukt, noch am selben Tag.

Der dritte Run erfolgt am nächsten Tag oder eine Weile später. In diesem suche ich mir Bilder aus der gleichen Bildserie aus, die in Run 2 entstanden sind und vergleiche sie noch einmal miteinander. Direkt nebeneinander im RAW-Konverter sieht man dann relativ gut, ob es sich lohnt noch das eine oder andere Bild der Serie mitzunehmen und fertig zu bearbeiten.

Wie ich Eingangs schon schrieb gibt es hier bei diesem Thema kein richtiges Vorgehen. Jeder muss da für sich seinen eigenen Weg entdecken und auch Dinge die man in Coachings lernt nicht dogmatisch behandeln sondern viel mehr adaptieren. Last but not Least interessiert mich natürlich auch eure Meinung. Wie macht ihr das?

Lasst ihr die Emotionen erstmal verfliegen und geht eher nüchtern heran oder steigert ihr euch direkt nach der Fotosession schon in die Galerie und lasst euch von den positiven Gefühlen mitreißen?

Ich beglückwünsche dich sehr zum Kauf deines neuen Seat Cupra mit kräftig Pferdchen unter der Haube! Im Rückspiegel konnte ich sogar sehen, dass der TÜV niegelnagel neu sein Etikett auf dein Nummernschild gepappt hat. Auch deine neuen Xenon Scheinwerfer funktionieren 1A. So wild funkelnd kamen sie mir ein wenig vor, wie das feurige Zucken tiefschwarzer Augenbrauen einer heißblütigen Spanierin die mit mir flirtet. Deine Lenkung wirkte spritzig, die schnellen und gefühlvoll akzentuierten Ausbrecher nach rechts und links direkt hinter meinem Kofferraum haben mich vollends in deinen Bann geschlagen.

Klartext

Ich weiß du hast es sicher eilig gehabt heute morgen. Jeder ist mal spät dran, hat wichtige Termine oder muss überpünktlich zur Projektpräsentation kommen. Aber du hast gedrängelt, mich genötigt schneller zu Fahren als erlaubt, hast mich im Überholverbot überholt und bist dann noch, natürlich ebenfalls im Überholverbot, an drei weiteren PKW und einem LKW vor dir vorbeigezogen. Beim Einscheren musstest du in die Eisen steigen, denn vor dem LKW war noch ein Fahrzeug und dass du dem Gegenverkehr entkommen bist grenzte für mich heute an ein Wunder. Junge! Ich habe Angst gehabt und ich war bei diesem brenzligen Manöver schon einige Meter weg. Was du vielleicht mal bedenken solltest – nahezu alle Verkehrsteilnehmer haben Familie, sind Söhne, Mütter, Tanten oder Brüder. Aber was viel wichtiger ist – ich bin mir sicher auch du hast Familie. Eine Mama die dich liebt, Kinder die den Boden verehren auf dem du gehst und Freunde die alles für dich tun würden. Du gefährdest mit dieser Fahrweise dein Leben und das aller anderen und weisst du was das schlimmste dabei ist? Nach deinen idiotischen und lebensgefährlichen Überholmanövern standest du an der Ampel direkt vor mir. Hat sich nicht gelohnt oder?

Zügig fahren ist eine Sache, ich bin da weiß Gott kein Engel, aber um dich, mein unbekannter Freund, habe ich von heute an Angst.

Da ich aber werktäglich mehr als zwei Stunden im Auto sitze habe ich mich ein wenig auf Hörbücher verlagert um auch während der Fahrzeit ein wenig Literatur genießen zu können. Warum mir aber bis heute die Werke von T.C. Boyle verborgen geblieben sind, ist mir ein Rätsel. Dank eines Tipps vom lieben Steffen bin ich auf meine heutige Hörbuchempfehlung gestoßen, welche, wenn ich mich nicht bitter täusche, mein Hörbuch-Tipp des Jahres wird.

Boyles Meisterwerk „Wassermusik“ erzählt mit unfassbar intelligentem Humor, sprühendem Witz und tief berührender Dramatik die wahre Geschichte des Entdeckers Mungo Park und die erfundene Geschichte des englischen Lebemanns Ned Rise im England zum Ende des 18. Jahrhunderts. Beide Geschichten sind in gleichem Maße faszinierend, wirklich spannend und unterhaltsam, so dass man sich wünscht sie würden nicht enden und man könnte noch ewig mit den beiden Akteuren ihre Abenteuer erleben.

Wer also Bock auf richtig tolle Wortakrobatik, einen smarten Sinn für Humor und bewegende Geschichten hat, der sollte sich dieses Hörbuch nicht entgehen lassen! Bei Audible.de kostet es aktuell ein Guthaben oder alternativ 29,95€ für 21 Stunden Spielzeit. Ein Wort sei noch zum Sprecher Stefan Kaminski gesagt – einen Besseren hätte man für dieses Buch nicht finden können. Er meistert sich durch die gutturalen arabischen Laute genau so gut wie durch jeden Charakter im Buch, sei es eine dicke arabische Prinzessin oder ein alter englischer Säufer.

Damit ihr auch in den Genuss dieser Köstlichkeit kommt, mit der ihr auch meiner Meinung nach als Gastgeber richtig auftrumpfen könnt, teile ich mit euch meine Erfindung. Für eine Portion von etwa 12 Ringen benötigt ihr folgende Zutaten:

• 4 große (!) Kräutersaitlinge
• Fish Rub (oder selbst gemachtes Fischgewürz, ich nahm dieses hier, gibts auch bei Rewe)
• 3 Pack Eiersatzpulver
• 150ml Sprudelwasser
• 1 Wasserglas Mandelmilch
• 1 TL Backpulver
• 1 1/2 Wasserglas Mehl (Weizen / Dinkel 630)
• Pfeffer, Salz, Paprikapulver/Chili

Als erstes schneidet ihr die Stiele eurer Pilze in zirka 1-2cm dicke Scheiben, danach schneidet ihr ein Loch hinein.

Danch nehmt ihr euch einen Gefrierbeutel oder ähnliches, legt eure Ringe hinein und gebt eine ordentliche Ladung eures Fischgewürzes dazu. Bei mir war es ein Weihnachtsgeschenk, „Fish Rub“ von Just Spices. Gut durchschütteln und das Pulver etwas an die Ringe andrücken, denn mit der Intensität dieser Marinade steht und fällt der „Fischgeschmack“ eurer Ringe.

Jetzt brauchen wir den Teig zum frittieren. Dazu braucht ihr als erstes das Eiersatzpulver, welches es quasi in jedem gut sortierten Edeka gibt. Vermengt es mit den 150ml Sprudelwasser, gebt dann das Backpulver, das Mehl und die Mandelmilch hinzu. Ebenfalls kräftig mit Pfeffer, Salz und Paprika oder Chili würzen. Wer mag kann auch weniger vom Weizenmehl nehmen und die fehlende Menge mit etwas Maismehl ersetzen.

Vermischt das alles sehr gut, bis ein glatter zähflüssiger Teig entsteht.

Nun braucht ihr einen kleinen oder mittelgroßen Topf, etwa 1L Öl (ich hab Rapsöl genommen), erhitzt es und tunkt eure Pilzringe erst kräftig in den Teig und schmeißt die dann zum frittieren in das heiße Öl. Die Ringe brauchen etwa 8-10 Minuten je nach Dicke des Teiges um durchzubacken.

Nach der Hälfte der Frittierzeit solltet ihr die Ringe einmal im Öl wenden und dann abschöpfen und auf etwas Küchenkrepp abtropfen lassen. Fertig und guten Apetit!

Paddys Videotutorials, dass wisst ihr ja nun schon soweit von mir, konnte ich bisher uneingeschränkt empfehlen. Zum einen sucht er sich meistens Themen heraus, die einen Anfänger oder Semi-Pro Fotografen besonders interessieren und weiter bringen wie zum Beispiel das Posing. Zum anderen waren sie bisher alle fundiert, interessant und für kleines Geld wirklich reichhaltig. Nichts desto trotz habe ich mir natürlich jede Minute des neuen Trainings „Headshot Portraits“ angesehen. Das hat genau genommen drei Gründe.

Zum einen zeigt mein guter Freund und Fotografenkollege Dennis Weissmantel was er in Sachen Headshots drauf hat, zum anderen bewege ich mich selbst auf diesem fotografischen Gebiet. Last but not Least sieht man im Training meine gute alte Rolleicord und ich vermisse sie schon ein wenig. Aber beginnen wir am Anfang mal bei den harten Fakten.

Rolleicord VB auf TX 400 (Modell Frau Pfau Model)

Inhalt

Auf knappen 200 Minuten Spielzeit erklären euch Paddy und Dennis, was ein Headshot überhaupt ist, wo dieser Trend herkommt, wie man ihn technisch umsetzt und vor allem wie er sich zu anderen Fotos in der Portraitfotografie abgrenzt. Dazu erfahrt ihr, wie Dennis für seine Headshots das Licht baut, mit welchen Brennweiten er arbeitet und wie sein Workflow bis zum Endprodukt aussieht.

Für mich aber der wichtigste Teil in diesem Training ist die psychologische Komponente hinter dem Headshot. Wie kommuniziere ich mit meinem Modell so, dass am Ende ein überzeugender, funktionierender und einzigartiger Headshot heraus kommt. Wie gehe ich als Fotograf mit dem Menschen vor der Kamera um, so dass er überzeugt von sich selbst abgebildet werden kann? Dieses Thema beherrscht Dennis einfach richtig gut und er spart im Training keinen Tipp, keinen Trick und keinen Kniff aus um euch das ebenfalls in euer Skillset zu pressen.

Folgende Themen behandeln die beiden Fotografen:

1. Einleitung
2. Was sind Headshots
3. Headshot vs. Portrait
4. Kamera, Brennweite, Tethering
5. Lichtsetup: natürliches Licht
6. Lichtsetup: Blitz
7. Lichtsetup: Dauerlicht
8. Die Kinnlinie
9. Augen
10. Brillenreflexe & Scheitel
11. Schultern
12. Shooting I
13. Bonus Shooting II
14. Unterschiede bei Frauen
15. Shooting III
16. Bildbearbeitung
17. Kommunikation
18. Headshot Business
19. Bonus Outdoor Headshots I
20. Bonus Outdoor Headshots II

Ihr seht, es gibt mal wieder eine prall gefüllte Tüte beim Marktschreier aus Hamburg Paddy und seinem Gesprächspartner Dennis. Da ich persönlich die psychologische Seite schon sehr gut kenne waren für mich zwei andere Kapitel besonders interessant.

Die Kapitel „Lichtsetup: natürliches Licht“ und „Brillenreflexe & Scheitel“ fand ich für mich persönlich am interessantesten. Was ein Scheitel, der zur falschen Seite gekämmt ist mit einem Bild anstellen kann hatte ich so noch gar nicht vor Augen. Da denkt man normalerweise nicht mal darüber nach.

Ebenfalls gut für das Verständnis der Headshotfotografie waren die Kapitel zu den Outdoor-Varianten des Headshots. Wer sich die in Ruhe anschaut ist hinterher in der Lage Headshots ganz ohne große Studioausrüstung mit Blitzen oder Dauerlicht aufzunehmen. Das ist perfekt für jeden Sparfuchs und Bildermacher der mit wenig Mitteleinsatz arbeitet. Mehr kann man von einem Training nicht erwarten.

Punktabzug

Wie immer habe ich natürlich auch versucht, etwas negatives am Training zu finden. Bei diesem ist es mir allerdings schwer gefallen. Ab und zu hört man während der Couch-Gespräche im Hintergrund etwas scheppern (klang verdächtig nach Bierflaschen ) und es ist mir nicht ganz verständlich warum die Tutoren zum tethern am Anfang noch Lightroom nehmen, was einfach ab und an streikt, anstatt dass direkt gleich CaptureOne Pro genommen wird, von dem man im Tutorial noch sagt dass es einfach funktioniert. Aber zugegeben, DAS WARS. Fassen wir also Zusammen.

Fazit

„Headshot Portraits“ von Dennis und Patrick ist ein klasse Videotraining für alle, die sich von klassischen Bewerbungsfotos hin zu dem neuen heißen Shice entwickeln wollen, wie man so schön sagt. Ihr bekommt aber ebenfalls gut erklärt warum der Headshot als solches eben mehr ist als nur ein schlichtes Buzzword um die Preise anzuheben.

Besonderes Augenmerk wird hierbei auf die Kommunikation zwischen Fotograf und Modell vor der Kamera gelegt und das ist eine Sache die man als Fotograf für jede Art von Foto brauchen kann. Außer vielleicht bei Stilleben, denn einen alten Apfel kann man schlecht Coachen

mein erster Headshotversuch aus 2016

Aktuell kostet der Video-Workshop (wohl bis Weihnachten) noch 39 €uro, danach gibts das Ding für 45 €uro im Shop vom Paddy zu kaufen. Das dieses Training eher ein Nischenprodukt als ein Gassenhauer ist, dürfte klar sein. Klar ist aber auch, was ihr in diesem Training vom Dennis lernt sind Dinge die ihr für nahezu alle Menschenfotos brauchen könnt. Die Kaufempfehlung kann ich daher ohne Bedenken aussprechen.

[bewertung]

Für Foto-Nerds

Beginnen wir mal mit den Herren der Schöpfung und zwar jenen mit Kamera in der Hand. Just gestern hat der von mir sehr hoch geschätzte Kollege Dennis Weissmantel ein Videotraining zu einer besonderen Art Foto veröffentlicht. Der Headshot ist ein Trend aus den USA, der auch hierzulande immer stärker im Kommen ist. Was diese Art von Foto so besonders macht und warum es sich zu klassischen Bewerbungsfotos unterscheidet, das erklärt der liebe Dennis in seinem 195 Minuten Video. Für einen Einführungspreis von 39 € könnt ihr quasi NICHTS verkehrt machen. Das gute Teil gibt es hier. Mein Weihnachtsmann weiß bescheid

Für Bildschirmarbeiter

Machen wir weiter bei den Bildschirmarbeitern. Ich empfehle gerne Produkte, die ich selbst in Benutzung habe und von denen ich 100% überzeugt bin. Zu diesen Produkten gehört eine kleine, günstige aber ausgesprochen komfortable und tolle mechanische Tastatur. Die Cherry MX Board 3.0 erfüllt für mich alle Anforderungen. Sie ist minimalistisch gehalten, verfügt neben dem Num-Pad auch über Multimediatasten und kommt in verschiedenen Druckstärken (so genannte Switches sorgen für unterschiedliche Andruckstärken) daher und ist richtig angenehm zu schreiben.

Da für jeden Bediener der Anpressdruck ein etwas anderes Schreibgefühl erzeugt, empfehle ich entweder im Laden mal alle Switches zu probieren oder sich direkt eine kleine Auswahl zu bestellen und zurückzuschicken was nicht passt. Die weichesten Switches und wohl die mit Allround-Charackter sind die Cherry BROWN, in der Mitte liegen die blauen BLUE und am härtesten sind die BLACK.

Ich habe sowohl zum zocken als auch zum Bloggen und Bildbearbeiten alle durchgetestet und bin durchaus ein Fan von sehr hartem Anpressdruck. Auf die Dauer wurde mir BLACK allerdings zu anstrengend für die Finger und so bin ich bei den blauen gelandet. Diese sind leider etwas arg laut, aber well, thats life das gute Stück kriegt ihr zwischen 60 und 80 €uro je nach Shop, für ne Mecha sehr günstig wie ich finde.

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Für Jedermann

Ein universell einsetzbares Geschenk für wirklich quasi jeden ist ein Produkt auf dass ich erst kürzlich durch meinen Blog-Kollegen René gekommen bin (jaja, ich huldige dir später noch ). Ich bin sehr viel Unterwegs und verzichte im Sommer ungern auf ein Kaltgetränk und bei miesem Wetter nicht weniger ungern auf ein Heißgetränk. Erste und wichtigste Voraussetzung für den Transportbehälter war daher die Dichte und an zweiter Stelle die Kühlung / Wärmebeständigkeit. Bisher habe ich einen Tupper-Becher gehabt.

Der war superdicht, hielt aber leider nicht lang warm. Nun habe ich die Offenbarung kennengelernt. Den EMSA Travel-Mug. Die wirklich tolle Konstruktion erlaubt euch euren Kaffee 6-8 Stunden heiß und eure Cola 8-12h kalt zu halten. Dabei ist alles super dicht, mit einer Hand bedienbar und jedes Teil ist spülmaschinentauglich. Die Bedienung ist Kinderleicht, wie nachfolgender Beweis zeigt:

Das geniale an dem Teil, mit seinem Preis der zwischen 16 und 25 €uro rangiert (ist öfters mal bei Amazon im Blitzangebot) mein absoluter Top-Tipp für Jedermann. Ob Papa, der morgens Kaffee im Auto möchte oder Mama, die den ganzen Tag heißes Wasser für die Milch vom Junior braucht.

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Es gibt das Teil in diversen Größen und somit unterschiedlich langen Kühl- und Hitzezeiten. Dazu gibt es natürlich stylische Farben und das Teil sollte in jeden genormten Auto-Trinkbehälter passen. Prost!

Für die Damenwelt

Auch in Nicht-Fotografenhaushalten werden Bilder gemacht und das nicht zu knapp. Ich persönlich kenne keine Dame, die folgendes Geschenk bekommen hat und sich nicht richtig Dicke darüber gefreut hat. Die Instax Mini 8 bringt euch das Oldschool-Polaroidfoto Erlebnis zurück, macht sogar in schlechten Lichtverhältnissen gute Bilder und produziert so einen Schnappschuss nach dem anderen für eine ganz persönliche Fotodekoration.

Die Dame meines Hauses verballert in guten Zeiten gerne mal zwei bis drei Filme pro Monat und macht personalisierte Geschenke mit dem Ding. Eure holde wird es euch Danken und es gibt sie in schicken Farben.

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Der Vorteil, wenn ihr einmal so eine kleine Instax verschenkt habt ist, dass ihr immer wieder eine passende Kleinigkeit dazu verschenken könnt – die Filme. Mein Tipp: nehmt Farbfilme. Warum? Darum!

Für Romantiker

Wer dieses Jahr mal etwas besonderes Verschenken will, dem sei folgendes ans Herz gelegt. Der romantische Weihnachtsmarkt von Thurn und Taxis in Regensburg ist einer der wenigen Weihnachtsmärkte überhaupt, bei dem man Eintritt bezahlen muss und je nach dem wo ihr herkommt, auch eine Übernachtung erforderlich macht. Aber ich bin von der Athmosphäre, der Ausprägung und der ganzen Idee dieses Weihnachtsmarktes so begeistert, dass wir dieses Jahr mal für einen Kurztripp in die Tasche gegriffen und ihn erlebt haben.

Das tolle an diesem Weihnachtsmarkt ist das zusammenspiel aus einem künstlerische erleuchtetem Schlosspark, Live-Musik von Chören und Blaskapellen, und einem Schlossinnenhof auf dem es Feuerzangenbowle aus dem Kupferkessel und über offenem Feuer gibt. Überall sind kleine Holzfeuerstellen mit Bänken zum Aufwärmen so dass man durchaus ein paar Stunden genießen kann. Schenkt eurer Liebsten oder eurem Liebsten einen Gutschein für diesen Trip, besorgt nen Babysitter und bucht ein Hotel. Wir residierten im  Atrium im Park, welches aufgrund seiner Lage im Gewerbegebiet recht günstig, dafür aber überaus komfortabel und luxuriös eingerichtet ist. Für 15 €uro einfache Fahrt kommt man mit dem Taxi zum Weihnachtsmarkt und hat keinen Stress.

Ich klinke mich damit zunächst für dieses Jahr aus und wünsche euch ein gesegnetes Fest und einen guten Jahreswechsel. 2018 wird EUER Jahr!

Euer Ben!

Festbrennweiten vs. Zoomobjektive

Dieser Krieg schwelt schon viele Dekaden und ein Ende ist nicht in Sicht. Zur Problemstellung als solches gibt es dabei nicht viel zu sagen. Die Festbrennweitenfanatiker schwören auf die pervers geile gute Abbildungsleistung und Zoomobjektivliebhaber behaupten, ihre Linsen stehen den Festbrennern leistungsseitig in nichts nach, sind aber vielseitiger einsetzbar. Doch was genau stimmt denn nun?

Nunja, Glaubenskriege heißen ja so, weil man glaubt. Oder eben nicht. Versuchen wir es mal Objektiv (Anm. d. Autors: Wortwitz, der). Der Vorteil eines Zoomobjektivs liegt auf der Hand. Es ist vielseitig da es sich zwischen mehreren Brennweiten bewegen kann und einem somit im Zweifel sogar das mitschleppen von mehreren Festbrennweiten erspart. Lichtstark sind sie auch, denn es gibt genügend Zooms die zum Beispiel auch bei ner Offenblende von 2.8 anfangen.

Festbrenner haben andere Vorzüge. Sie sind spezialisiert auf eine Brennweite und wie das mit den Spezialisten so ist, die meisten sind Fachidioten auf ihrem Einsatzgebiet ungeschlagene Profis. Schaut man sich sie Objektivvergleiche zum Beispiel auf Canon-Seite mal an, dann sieht man das die ersten Plätze allesamt von Festbrennern beherrscht werden. Sie liefern einfach eine unbestritten gute Abbildungsleistung.

Ich persönlich bin 100% von Festbrennern und ihren Vorzügen überzeugt und nehme die Nachteile dafür in Kauf. Klar können moderne Zoomlinsen ebenso ordentliche Bildqualität abliefern, aber ich habe einige ausprobiert und bleibe bei meinen drei Festbrennern in 35mm, 55mm und 100mm. Den Rest erledigen die Füße und wo das eben nicht geht, bietet meine Kamera genug Auflösung für einen Nachträglichen Beschnitt. Preislich steht je nach Qualität ja das eine Stück Technik dem anderen in nichts nach. Wer mehr dazu wissen möchte kann sich auch gerne mal die erste Folge des FotoundFilmblog Podcasts anhören. Dort war ich zu Gast und habe genau dazu ein paar Dinge erzählt.

RAW vs. JPG

So alt wie die digitale Fotografie ist wohl dieser Streit unter Fotografen. Damals war JPG der heiße Scheiss, denn Speicherplatz war dereinst ne teuere Geschichte und JPG ist nun mal ein komprimiertes Format. Heutzutage schwören alle auf RAW, weil man eben keine Informationen durch Kompression verliert und Speicher fast nix mehr kostet. In der letzten Woche erst hat ein sehr medienpräsenter Profi-Fotograf gesagt, dass die modernen Entwickler in der Kamera so gut geworden sind, dass man in vielen Fällen auf RAW verzichten kann.

Ich persönlich kenne die Vorzüge beider Formate und da Speicher billig ist, macht meine Kamera grundsätzlich RAW+JPG. Fertig.

Lightroom vs. CaptureOne Pro

Ein recht junger Kampf unter Fotografen ist nicht etwa der zwischen Photoshop und Gimp (?) sondern der Konkurrenzkampf der RAW Entwickler. Lightroom ist ein fantastisches Tool und wenn man es beherrscht braucht man wirklich nicht viel mehr.

Warum zum Teufel macht der Herr Blendstufe dann dick einen auf CaptureOne Pro? Das war für mich kein leichter Schritt, aber in der ersten Versuchsstunde bei C1 war mir klar, dass der Schwenk unausweichlich ist. C1 ist schlau, schnell, netzwerkfähig (!) und hat so unfassbar mächtige Algorithmen für Farbe und Schärfe, dass für meinen Geschmack im direkten Vergleich Lightroom chancenlos ist. Ihr habt Lust auf mehr? Hier werden sie geholfen!

D&B vs. Frequenztrennung

In der Retusche tobt seit einigen Jahren der erbittertste aller Kriege. Die beiden Photoshop Techniken Frequenztrennung und Dode & Burn dienen hauptsächlich der Hautretusche und beide werden hauptsächlich von vielen dazu genutzt, Haut weich und rein zu bekommen. Das ist ja erstmal nichts schlimmes, denn wenn man ein Studioportrait auf Blende 11 mit entsprechendem Beautylicht eingeschossen hat, ist selbiges den Hautunreinheiten gnadenlos ehrlich gegenüber. Heisst, man sieht einfach jede Pore. Die will man zwar sehen, aber auf jeden Fall die Hautunreinheiten nicht. Wie kommt man also nun von Pontius zu Pilatus?

Irgendwann hat Calvin Hollywood den Menschen mal die Frequenztrennung näher gebracht, bei der einfach gesprochen das Bild in eine Farbebene und eine Strukturebene geteilt wird. Je nachdem welches Problem man da nun mit der Haut hat, kann man auf der entsprechenden Eben eingreifen ohne die andere dabei zu verändern.

Bei Dodge & Burn hingegen betrachtet man Hautunreinheiten als ein Helligkeitsunterschied eines Bereiches zu seinen umgebenden Pixeln. So ist der Pickel einfach gesprochen quasi ein Fleck, der dunkler oder heller ist als die Hautbereiche drumherum und man kann ihn mittels D&B aufhellen oder abdunkeln um das Problem zu beheben.

Ich persönlich habe schmerzhaft am eigenen Bild gemerkt dass man bei der Frequenztrennung manchmal höllisch aufpassen muss, dass man Hautstrukturen bei der Bearbeitung erhält. Für mich ist daher D&B das Werkzeug meiner Wahl geworden. Am besten in relativ hoher Zoomstufe, bedächtig und sorgfältig eingesetzt hat es bei mir die Frequenztrenung für diesen Anwendungsbereich deutlich geschlagen. Viele Wege führen zwar nach Rom, aber ich glaube, dass man bei der Frequenztrennung zu leicht Struktur zerstört und damit die Haut unnatürlich glatt bügelt. Dazu bietet D&B auch in sich selbst mehrere Herangehensweisen von der einfachen Grauebene bis hin zu D&B mittels Gradationskurve.

+1 vs. -1

Für mich ist dieser Fight einer der wichtigsten und gleichzeitig einer der bedeutendsten. In nahezu jeder Fotoschule bekommt man „Expose to the right“ als Faustregel für ordentliche Bildbelichttung beigebracht. Wer alle Informationen im Bild leicht überbelichtet, dem säuft nichts ab und der kann dann die etwas zu hellen bereiche nötigenfalls noch abdunkeln. Hintendran wird immernoch ominös mit dem Histogramm gewedelt und gesäuselt „Wer das Lesen kann hat fast gewonnen“. Da stimme ich zwar zu, aber lesen und interpretieren sind bekanntlich zwei Paar Schuhe.

Ich belichte meine Bilder lieber etwas zu dunkel als zu hell und befinde mich bei -1, manchmal sogar bei -2 Blenden. Das schafft bei mir die beste Bildstimmung, lässt sich gut retuschieren und sieht auch farblich entsättigt immer noch sehr gut aus. Beim Fotografieren muss ich dabei darauf achten, dass zum Beispiel das Gesicht des Modells mit einem Reflektor richtig ausgeluchtet ist und natürlich kommr es auch immer ein wenig auf die Lichtsituation insgesamt an und auch auf den Geschmack von Fotograf und Modell. Wichtig ist: probiert beides aus !

Leider verloren

Wer sich auf diese Glaubenskriege einlässt und aktiv an ihnen beteiligt ist, der ist entweder Markenbotschafter oder aber hat zu viel Zeit. Denn worauf es nach wie vor ankommt ist das Fotografieren. Geht raus und macht so viel verschiedenes wie ihr nur könnt. Lasst Technik- und Softwareglaubenskriege hinter euch und benutzt genau das, was für euch am Besten passt oder was euch das beste Ergebnis bringt. Den Rest überlasst ihr bitte den „alten Männern mit Teleobjektiven“ (Anm. d.Autors: Sinnhaftig wiedergegebenes Zitat von Steffen Stilpirat Böttcher über das Klientel der Photokina).

Kennt ihr noch mehr dieser „Glaubenskriege“? Auf welcher Seite steht ihr und warum? Lasst mal hören!

Aufgaben, Tools, Workflow

Am Anfang steht natürlich die Überlegung, welche Aufgaben man denn genau eigentlich so erledigt und wo die Technik eingreift. An erster Stelle steht die Kommunikation mit meinen Kunden. Via Facebook, Mail und Skype wickele ich diese Kommunikation zu meist ab und hier sehe ich keine Probleme für mein iPad Pro. Das zweite ist das Organisieren von Shootings mittels Pinterest und Producteev und auch hier sehe ich das iPad absolut als würdiges Mittel der Wahl.

Der schwierigere Teil nach dem Fotografieren ist die Bildauswahl für den Kunden, die Retusche am iPad und die Auslieferung Bilder. Für den ersten Teil muss ich noch geeignete Tools suchen und gucken, wie sich mein Kundentoool der Wahl, nämlich PicDrop, am iPad schlägt. Für die Retusche habe ich AffinityPhoto für das iPad und das fantastische Procreate zur Verfügung und die Auslieferung übernimmt dann Microsofts Onedrive.

Last but not least verdiene ich mit meinen Fotos Geld und so muss ich auch alles am iPad erledigen, was mit Angeboten, Rechnungen und Bestellungen zu tun hat. Dafür habe ich mit Lexoffice schon lange einen zuverlässigen Partner, mit dem das mobile Arbeiten recht entspannt von statten geht.

In Sachen Hardware nutze ich also für diese Nummer ein iPad Pro erster Generation (die etwas kleinere Variante), den Apple Pencil, welcher wirklich ein ausgezeichnetes Stück Technik ist und entsprechende Adapter für Kamera und SD-Karte.

Was soll schon schief gehen?

Genau genommen erwarte ich drei große Problemstellungen. Das erste wird die Bildverwaltung und die Aufbereitung meiner Fotos für eine Kundenauswahl sein. Mein hochgeschätzter Kollege Sascha Erni hat da schon mal vorgefühlt, aber ich werde mich da selbst nochmal auf die Suche nach guten Tools machen.

Das zweite und für mich größte Sorgenkind ist die Retusche. Dodge & Burn auf dem iPad? Ich weiss nicht ob das gut wird, aber ich werde es probieren. Meine Kunden und Modelle werden definitv immer 100% Qualität bekommen. Wenn diese auf dem iPad nicht herstellbar ist, muss entweder vorher ordentlich fotografiert oder die Nummer für gescheitert erklärt werden.

Die dritte Geschichte die mich etwas, wenngleich auch nur leicht umtreibt ist die Auslieferung der fertigen Galerie an meine Kunden. Doch sollte sich PicDrop da als zu unflexibel zeigen, wird halt umgesattelt. Ich bin sicher da gibt es Tools die was taugen.

Warum eigentlich der Schmarrn?

Über den Sinn und Unsinn von Bildbearbeitung mobilen Endgeräten brauchen wir glaube ich nicht streiten. Ich bin der Überzeugung dass es 100 % Qualität nur am Rechner gibt. Doch lasse ich mich gerne eines besseren belehren. Eigentlich suche ich eine gut funktionierende Fallback-Lösung für meinen Standardworkflow wenn ich tatsächlich ohne Rechner irgendwo klar kommen muss. Das passiert etwa fünf mal im Jahr. Ich bin einfach gespannt, wie weit sie Technik im Jahr 2017 gereift ist und wie weit sie unterstützt oder eben limitiert

Ihr habt Tipps oder Fragen, denen ich im Selbstversuch auf den Grund gehen soll! Haut sie unter den Beitrag!

P.s.: Bloggen mach ich natürlich dann auch komplett am iPad ?

Kommunikation in der Fotografie

Sobald es an die People-Fotografie, also das Ablichten von Menschen in irgendeiner Form geht, ist für mich das allerwichtigste Element das Verhältnis von Modell zu Fotograf. Insbesondere bei Auftragsarbeiten ist das für mich das entscheidendste Kriterium überhaupt, denn nur wenn deine Kunden sich bei dir wohl fühlen, sich einbringen können und die Stimmung entsprechend passt, wird das Bild ein verkaufter Erfolg. Doch wie kommt man nun als Fotograf mit seinem Modell, das man wahrscheinlich vorher noch nicht Live gesehen hat, ad hoc zu dieser „passenden Chemie“? Dafür gibt es Tipps und Tricks, von denen ich 5 gerne früher gekannt hätte. Hier sind sie also nun, Film ab.

Alles überträgt sich

Wie du morgens aus dem Bett aufstehst, mit deinen Kindern oder liebsten den Tag beginnst, wie du morgens ins Auto steigst und die Laune, die bestimmte Musik im Autoradio in dir weckt, das alles Überträgt sich schon vor dem ersten Händedruck auf deine Modelle. War der Morgen also eher der klassische „Fressedick-Montag“ mit dazu gehörigen Problemstellungen und Launen, dann solltest du UNBEDINGT dafür sorgen, dass du auf dem Weg zum Shoot deinen Kopf in die von mir so genannte „Creative Zone“ beförderst. Lege dir zum Beispiel eine Musikplaylist an, die du IMMER hören kannst und deren Titel dich eher pushen als herunterziehen. Wenn es dir nicht gut geht, sag das Shoot ab oder umgib dich mit Menschen die dir gut tun. Bereits vor dem ersten Händedruck weiß dein Modell unterbewusst, ob es sich wohlfühlt bei dir oder eben nicht und damit stehen und fallen alle Bilder.

Modell: Alisa H. Model

Ein Vorgespräch ist keine Zeitverschwendung

Gerade bei Auftragsarbeiten aber auch bei freien Arbeiten ist, wie im oberen Abschnitt beschrieben die Chemie sehr wichtig. Das ist der Grund warum ich meinen potentiellen Klienten immer ein kostenloses Vorgespräch anbiete. Dabei erkennt man sehr schnell, wie das Gegenüber tickt, ob man sich versteh oder die Situation eher frostig ist und kann dann entsprechend dagegen Arbeiten. Nutzt diese Chance und ihr habt auf einen Schlag bessere Bilder. Wer mehr über die essentiellen Punkte des ersten Kennenlernens mit Modellen oder Auftraggebern wissen möchte sollte sich hier unbedingt die „Mindkeys“ von Kollege Dennis Weißmantel ansehen! Ich wünschte ich hätte diese Mindkeys früher gelernt und nicht erst beim Dennis im Workshop

Aufgaben als willkommener Eisbrecher

Habt ihr ein Vorgespräch mit eurem künftigen Modell geführt und seid kopfmässig gut drauf, kann es natürlich immer noch pasieren, dass euer Modell am Shootingtag einen „Montag“ hatte. Stau, familiäre Unstimmigkeiten oder Sorgen könnten euer Modell belasten und damit dafür sorgen, dass der Kopf nicht beim Foto ist, sondern ganz weit weg. Auch das wird sich in euren Bildern niederschlagen. Dagegen gibt es Mittel und Wege. Zum Einen solltet ihr unbedingt mit Musik arbeiten. Fragt eure Modelle, was sie mögen, zückt den mobilen Lautsprecher und arbeitet mit Musik. Wählt ihr dann noch dem Geschmack eures Modelles entsprechend auch noch Lieder die zum Shootingthema passen, habt ihr also fast schon gewonnen.
Bei besonders hartnäckigen Fällen, zumeist die Männer bei Pärchenshoots, gibt es noch einen weiteren kleinen Karrtenspielertrick. Kleine Aufgaben für eure Pärchen brechen nicht nur das Eis der beiden Untereinander sondern auch das Eis zu euch, denn natürlich wählt ihr kleine Gemeinheiten oder sehr romantische Dinge. Ich lasse meine Paare zum Beispiel gern etwas Konfetti ins Gesicht pusten, oder sie sollen sich festhalten und sich abwechselnd mit geschlossenen Augen die lustigsten und die romantischsten Eckpfeiler ihrer Liebe rekapitulieren. Das führte bisher immer zum Erfolg, das verkrampfte löste sich sofort und man hatte lachende, verliebte Menschen um sich. Das gleiche gilt auch für Kinder, bei denen zum Beispiel Seifenblasen oder Balancieraufgaben zum Erfolg führen.

Je nach Situation muss man natürlich ein wenig schauen, was es so für kleine Spielchen gibt, aber da sind der Fantasie ja Gott sei Dank keine Grenzen gesetzt. Einziges Augenmerk sollte dem Fakt gelten, dass diese kleinen Aufgaben und Spiele immer eure Modelle in Beschäftigung mit sich selbst bringen sollten und weg von dem eigentlichen Fotografieren.

Passt euch der Kommunikation eures Modells an

Wenn ihr oft mit Kunden oder Modellen für freie Arbeiten kommuniziert, dann tut ihr das wahrscheinlich auf sehr unterschiedlichen Kanälen. Instagram, Facebook, Mail, Telefon, Kontaktformular oder sogar Snapchat und andere Apps wie Romey stehen den menschen zur Verfügung und jeder nutzt was ihm am einfachsten kommt. Schon im Vorfeld kann man durch diesen kleinen Trick verhindern, dass die unendlich wichtige Kommunikation zum notwendigen übel oder gar zum Graus mutiert. Euer Modell ist sehr aktiv auf Instagram? Kommuniziert dort. Euer Modell ist online fast nicht in Erscheinung, dann ruft an. Sorgt dafür, dass eure Modelle Kommunikation mit euch als angenehm und erstrebenswert empfindet und Kommuniziert so locker und offen miteinander.

Kommuniziert offen

Das entscheidende Element innerhalb der Kommunikation mit Kunden und Modellen für freie Arbeiten ist das offene und klare kommunizieren. Passt euch etwas nicht? Sagt es. Haltet ihr eine Idee des Auftraggebers nicht für gut? Sagt es! Wollt ihr eine bestimmte Sache innerhalb eines Auftrags nicht ausführen? Sagt es. Außerdem räumt ihr bitte euren Modellen das gleiche Recht ein und ihr werdet sehen, dass es immer besser ist, wenn man von Anfang an Klarheit über alle Aspekte des Auftrages habt. Diese Lektion beherrsche auch ich noch lange nicht perfekt und sie ist für mich die schwierigste Form des Kontakts zu Kunden, will man es doch seinen Modellen stets recht machen. Es gilt dennoch folgender Grundsatz: man sollte nicht nur über alles reden können, sondern es sogar müssen.

Modell: Male-Efficient by Rames

Geheimtipp für Fotos von mehreren Personen

Ich erlebe es unendlich oft bei Pärchen- oder Familienfotos. Ein Teil der Modelle hat immer richtig Bock, das ist in den meisten Fällen auch der Auftraggeber. Der andere Teil haut auf die komplette Fotonummer so viel Bock wie auf ne Wurzelbehandlung bei nem blinden Zahnarzt ohne Betäubung. es ist zwar mitunter sehr schwer der Sache mit Kommunikation alleine bei zu kommen, aber auch hier habe ich etwas für euch. Haltet euch an den Auftraggeber. Er ist derjenige, der am Ende bezahlt und am Ende auch zufrieden mit deinen Bildern sein muss. Wenn man es dann noch schafft, durch die Tipps hier im Artikel auch den „anderen Part“ ein wenig mit zu reißen wirkt sich das EXTREM Positiv auf den Auftraggeber aus. Dieses Glücksgefühl überträgt sich meiner Erfahrung nach dann auch immer 100% zurück auf die Grummelbacken der Fototruppe.

Wer Markus Heitz noch nicht kennt, hat in Sachen Belletristik und Unterhaltung jenseits des Konventionellen definitiv etwas verpasst. Bekannt wurde er unter anderem durch die Fantasy-Saga „Die Zwerge“, welche ich euch definitiv ganz heiss empfehlen möchte.

Sein neustes Werk heisst „Des Teufels Gebetbuch“ und ist meiner Meinung nach abseits der Fantasy Saga um Tungdil Goldhand das beste Buch von Markus bisher.

Dreschen, Bluffen, Sterben…

Um spoilerfrei durch das spannende Abenteuer des Hauptcharakters Tadeus Boch zu lotsen und euch dennoch Lust zu machen sei des Pudels Kern kurz erklärt. Das Buch dreht sich um einen Satz historischer Spielkarten und ein paar derbe Zocker, die es versuchen in die Finger zu bekommen. Was das Ganze nun noch mit dem Teufel, Deutschlands Liebling Johann Wolfgang von Goethe, einem russischen Mafiaboss, einer koreanischen Schamanin und ihrem afrikanischen Vodoo-Pendant zu tun hat, müsst ihr selbst heraus finden. Fakt ist aber, dass Heitz diese Geschichte liebevoll und mit Weitblick aufgebaut hat.

Was mir dabei sehr gut gefallen hat, sind die immer wieder kehrenden Abstecher ins Mittelalter zur Entstehungsgeschichte des Kartenspiels. Den armen Goethe hätte ich zwar in die Sache nicht mit hinein gezogen, aber es gibt der ganzen Geschichte noch ein gewisses Kuriosum. Ich hätte mir eventuell noch dein einen oder anderen unvorhergesehenen Plot-Twist gewünscht, denn da ist Markus Heitz dieses mal ein wenig vorhersehbar geblieben.

Die Wahl des Sprechers bei Audible.de hat sich mit Uve Teschner wieder einmal als absoluter Volltreffer herausgestellt. Wie auch schon im stilähnlichen „Aera“ verleiht er den Charakteren Tiefe, Charme und Witz und bringt die Geschichte so wundervoll in Gang. Man sympathisiert sehr schnell mit Tadeus, wenngleich man dessen Handlungen mitunter nicht immer gut heisst. So muss dass sein.

Wer also noch Abo-Guthaben bei Audible hat, oder abseits dessen sich dieses Buch zulegen möchte, der kann bei „Des Teufels Gebetbuch“ richtig locker zugreifen. Ihr werdet es lieben. Wenngleich mir von den Hauptdarstellern her „Aera – Rückkehr der Götter“ sympathischer war, so ist „Des Teufels Gebetbuch“ für mich der Beste Markus.

[bewertung]

Disclaimer

ZOR.com hat mir einen 120cm x 80cm Alu-Dibond exklusive Versand gesponsort, um ihr Produkt vorzustellen. Davon hängt allerdings meine Meinung und mein Fazit vom Produkt in keinster Weise ab. Aber das ist hier im Blog Standard und wer immernoch glaubt dass es hier anders zu geht, der darf auch gern woanders Lesen.

Website und Bestellvorgang

Die Website von ZOR.com ist übersichtlich, die Bestellung so einfach und schnell aufgegeben, wie überall anders auch. Außer Zuschnitt und Rotation bietet ZOR keine weiteren speziellen Optionen zum Strecken, Drehen oder einer irgendwie gearteten Nachbearbeitung von Bildern. Das muss Vorher geschehen. In meinem Fall natürlich kein Problem

Was mir definitiv auch aufgefallen ist, sind die Preise insbesondere wenn es etwas größer sein Darf. Mein 120cm x 80cm Alu-Dibond (Direkt-)Druck hätte mich rund 85€ gekostet. Da werden beim deutschen Marktkonkurrenten in Sachen Print mit Standard-Aufhängung mal schnell rund 150€ ohne Versandkosten fällig. Der Preis ist also meiner Meinung nach unschlagbar gut, bei den belgischen Newcomern. Die Transportkosten liegen bei den Belgiern bei meiner Bildgröße etwa bei 15€, günstiger bekommt man es auch bei anderen selten. Für 3€ Aufpreis gibt es ein Aufhängesystem zu dem ich später noch Worte verliere. Der Bestellvorgang mit Upload und allem weiteren ist unkompliziert und geht leicht von der Hand. Keine Kritik hier.

Versanddrama in zwei Akten

Nachdem die Bestellung erledigt war, kam mein Print binnen 7 Werktagen zu mir, Das ist etwas länger als ich es hier zu Lande gewohnt bin, aber die Lieferung kommt ja nun nicht von hier. Als ich den Transportunternehmer DPD auf dem Versandschein las, schwante mir schon nichts gutes, mit dem Verein habe ich bisher nicht eine einzige positive Erfahrung machen dürfen. Und so kam es dann auch wie befürchtet, die erste Lieferung kam verbogen und stark beschädigt an. Ich rechne den größten Teil des Schadens hierbei dem Transportunternehmer an, just aufgrund meiner Erfahrungen.

Für mich sieht es aber nach Rücksprache mit ein paar Kollegen aber auch danach aus, als habe der Versender auch für die Größe des Prints zu wenig verpackt. Ein Verbiegen des ganzen Prints in der Versandverpackung war, wie man ja auf den Bildern sieht relativ leicht möglich. Das gilt ebenso für die zweite Lieferung. Diese hat wenigstens keine Schläge in den langen Kanten oder umgeknickte Seiten, aber eine leichte Wölbung nach Außen ist erneut sichtbar. Sie ist allerdings so geringfügig dass ich nicht vermochte dies zu fotografieren und kann damit sehr gut leben, an der Wand fällt es nicht auf.

ZOR steht auch mit DPD schon in Kontakt um die Qualität der Warenlieferungen auszubauen, so hat man es mir zumindest versichert.

An die Wand

Bisher habe ich meine großen Prints mit einem Schienen-Klebesystem auf der Rückseite und ein paar Löchern in der Wand befestigt. Diese Art Aufhängung bietet ZOR.com noch (!) nicht an. Befestigt wird das Bild mit 3M-Klebestreifen, die rückhstandsloses Entfernen und einen starken Halt garantieren. Bei mir daheim gibt es aber nur Raufasertapete, auf der diese Klebestreifen eben nicht richtig halten. Ich werde mir also noch für ein paar Groschen ein Schienensystem bestellen. Das gibt es je nach Hersteller zwischen Zwanzig und Fünzig €uro. Mein Gesamtpreis läge somit etwa bei 100€ – immer noch ein spitzen Wert.

Nichts desto Trotz habe ich Testweise das gute Stück mal beim Kollegen an die Wand gepappt und kann bestätigen, dass die 3M Streifen auch das Gewicht des Aludibond-Prints gut tragen. Vertrauen habe ich persönlich in diese Form der Aufhängung allerdings nicht. Die Zeit müsste ein entsprechendes Resultat aufzeigen.

Fazit

Wenn der Umtausch einer defekten Lieferung bei jedem Kunden so reibungslos von Statten geht wie bei mir, kann man bei ZOR.com getrost bestellen. Nach Meldung der defekten Ware wurde ohne Weiteres eine Ersatzlieferung veranlasst. Die Preise sind wirklich fantastisch und ist das Problem von Verpackung und Transport erst einmal gelöst habe ich keine Bedenken, dass man mit dem eingesetzten Geld etwas falsch machen könnte. Die Qualität der Prints geht für einen Direktdruck absolut in Ordnung, das Schwarz ist sogar richtig toll!

Für Prints die ich Ausstellen möchte, mit denen ich mein Studio ausstaffieren und somit Kunden meine Arbeit präsentieren kann würde ich nach wie vor jedoch zu meinem Profi des Vertrauens gehen. Da kommt es mir auf jeden Farbton, jede Nuance und absolute Zuverlässigkeit bei Produktion, Lieferung und Service an. Wer hingegen seine Wohnung mit seinen tollen Bildern dekorieren möchte, dem kann ich bei den Preisen die Kollegen von ZOR.com durchaus empfehlen. Wer nun noch Lust auf einen eigenen Test hat, bekommt bis zum 24.09.2017 mit folgendem Gutscheincode nochmal 10% auf seine Order:

ZorAndBlendstufe

Anm. d. Autors: Mit Belgien und insbesondere der Stadt Charleroi, unweit von Brüssel gelegen, verbinde ich eine innige Beziehung. Dort lebte ein Mann, den ich schon mein ganzes Leben lang kenne, ein wundervoller Mensch und langer Brieffreund der Familie. Daher hat mich diese Anfrage sehr gefreut

Bevor wir starten ein kleiner Crashkurs in Sachen RAW und RAW-Konverter. Viele Kameras selbst Smartphonekameras beherrschen heut zu Tage das RAW Format. Bei diesem Format werden schlichtweg ALLE (!) Informationen die der Bildsensor rausgibt gespeichert und das in dem Herstellertypischen RAW-Format. Bei Nikon ist das zum Beispiel eine *.NEF – Datei. Wer nicht in RAW fotografiert sondern in JPG macht per se erstmal nichts falsch.

Jedoch vertraut er auf den Kamera-Eingebauten RAW Entwickler, der aus den Rohdaten des Bildsensors ein komprimiertes und somit verlustbehaftetes JPG. Der Vorteil davon ist Speicherplatzersparnis und wenig Aufwand. Das bedeutet aber auch gleichzeitig keinerlei oder wenig Einflussmöglichkeit aufs Endergebnis. Die Kamera konvertiert wie sie „denkt“.

Wer seine Bilder in RAW fotografiert hat vielfältige Möglichkeiten ein Bild im RAW-Konverter seiner Wahl wie etwa CaptureOne Pro oder Lightroom zu manipulieren. Damit ihr dort nicht die gleichen Blödsinnigkeiten tut wie ich, steigen wir mal in die Toplist ein.

Erschaffe dir einen Workflow

Für mich hat es sich als unabdingbar herausgestellt, einen Workflow für den RAW-Konverter zu entwickeln. In CaptureOne Pro könnt ihr alle Oberflächenelemente so anordnen wie ihr arbeitet. Ihr Benutzt den HDR-Slider nicht? Weg mit dem Werkzeug. Ihr wollt die Belichtung vor dem Weißabgleich korrigieren? Bitteschön, zieht das Werkzeug ganz nach oben. Wenn ihr die Werkzeuge in eurem Konverter nicht anordnen oder verändern könnt, dann trainiert euch eine immerzu ähnliche Vorgehensweise an. Ich zum Beispiel beginne IMMER mit dem Weißabgleich und kümmere mich anschließend um die Belichtung und die Hauttöne. Ein strukturierter, guter Workflow, der euch im effizientesten Style durch den RAW-Konverter bringt, spart Zeit und bringt zumeist einen Grundsatz an Ähnlichkeit eurer Werke untereinander und trägt somit zu einem einheitlichen Bildstil bei. Das ist der Grund, warum ein ordentlicher Workflow so wichtig ist und warum es nicht wenige Tutorials dazu gibt.

Achte bei jedem Schritt auf die Farben

Bei jedem Bearbeitungsschritt im RAW-Converter solltet ihr immer auf eure Farben achten. Nicht nur beim verändern des Weißabgleichs verschieben sich Farben. Das gilt ganz besonders für Hauttöne. Haut hat in den meisten Fällen (je nach Typ) einen ganz bestimmten Ton und Abweichungen davon fallen sehr schnell und in den meisten Fällen auch sehr extrem auf. Um das zu vermeiden solltet ihr bei jeder Manipulation nicht nur auf die generellen Farben im Bild auf Verschiebungen oder Farbsäume achten sondern auch besonderes Augenmerk auf die Hauttöne legen. Das kann man am besten mit der Vorher/Nachher-Funktion die es in den meisten RAW-Konvertern gibt.

Extrem übertriebenes GIF

Experiment und Vorsicht an den Reglern

Da wir es gerade von den Reglern haben. Ich weiss nicht wie oft man diesesn Tipp geben muss, aber wühlt man sich durch diverse Foto-Communities, dann merkt man: NICHT OFT GENUG! Hier also noch mal das aller Wichtigste beim Arbeiten mit eurem RAW-Konverter: MIT VORSICHT AN DIE REGLER!

Euer Konverter kann was!

Nun haben wir uns die Bildmanipulation als solches im Konverter angesehen, doch euer Konverter kann gefühlte 80% mehr. Das fängt bei meinem Lieblingstool an, der Fotobewertung, mit der ich meine Bilder aussortiere und die Kundenvorauswahl erstelle, reicht über Farbmarkierungen für Kundenwünsche oder andere Flags hin zu einer vollständigen Bildverwaltung aller eurer Bilder. Das wusstet ihr? Klar! Mein Tipp: lernt diese Zusatzfunktionen so schnell es geht kennen und erspart euch damit unendlich viel Arbeit. Holt euch im Zweifelsfall ein Basic-Tutorial gekauft oder kostenlos bei Youtube und eröffnet euch so richtig deftiges Potential.

Ich hätte gern früher gewusst, wie toll die Exportfunktionen bei CaptureOne Pro gestrickt sind und hätte mir damit oft viel Blödsinn in Form von völlig unnötigen Arbeitsschritten gespart. Wissen ist da, nutzt es. Schnelles Suchen und Finden, ordentliches Drucken sogar in fertigen Büchern, GEO-Informationen, Metadaten, Bildverwaltung, Kundenvoransicht und vieles vieles vieles mehr können die modernen Konverter. Ein Narr wer es nicht nutzt.

Euer Konverter kann Standalone existieren!

Für mich waren der RAW-Konverter und Photoshop immer eine Einheit, schließlich verkauft sogar Adobe die beiden zusammen im Paket. Je nachdem welchen Anspruch man an seine Fotografie hat, kann man aber mit seinem RAW-Konverter der Wahl sogar vollständige Beautyretuschen durchführen, von Hautunreinheiten über den Schnitt bis hin zu Dodge and Burn.

CaptureOne Pro ist da für meinen Geschmack sogar noch unabhängiger, denn es ist Ebenenfähig. Seit ich C1 benutze wechsele ich eher selten in Photoshop, für meinen Farblook und eventuell noch etwas Verflüssigung.

Wagt ein Experiment und versucht die nächsten 3 freien Arbeiten mal rein im Konverter zu finalisieren, denn es könnte Geld und Zeit sparen.

Bonus: Presets mit Geschmäckle

Was ich gern unbedingt früher gewusst hätte ist ein Konglomerat an Tipps für die Presets. Presets sind nichts weiter als gespeicherte Entwicklungseinstellungen. Ihr macht ein Bild fertig, es gefällt euch so und ihr wollt alle Bilder der Serie genauso aussehen lassen, dann speichert ihr euch die Settings des ersten Bildes in ein Preset und wendet es dann auf alle anderen an. Was deutlich mehr von euch tun ist, Presets gratis aus dem Netz zu laden, gibt a genug, auf ihre Bilder zu dübeln und laut FERTIG! zu rufen. Falsch gedacht. Presets kann man anpassen und das ist mein wichtigster Rat an euch. Holt euch Presets, wo auch immer ihr sie findet und für gut erachtet, aber passt sie hergottnochmal auf eure eigenen Fotos an. Preset-Händler machen andere Bilder als ihr und damit ein Preset so auf eurem Bild aussieht wie auf dem des Anbieters müsst ihr eben auch das Foto lichtähnlich und farbähnlich anlegen. Oder aber ihr passt das Preset an. Zum Abschluss noch ein Geheimtipp für Lightroom-Faule, mit dem Fader bekommt ihr so etwas wie eine Art Deckkraftregler für Lightroom. Preset drauf, Fader 50% runter und das Bild sieht gleich viel mehr nach euch aus

die größten Fehler passieren im RAW-Converter

Die meisten Fotografen die ich kenne, mich eingeschlossen, beginnen ihren Post-Workflow im RAW-Converter ihrer Wahl. In meinem Fall ist dies CaptureOne Pro in den meisten Fällen dürfte es aber noch Lightroom sein. Wer dort mit dem Kontrast zu Hoch geht, den Weissabgleich nicht beherrscht oder seinen finalen Bildlook noch nicht vorab visualisiert hat, kann hier grobe Schnitzer begehen. Diese fallen einem zumeist aber erst später in Photoshop aus, wenn man nämlich seinen „Standard-Farblook“ auf das Bild anwendet und zum Beispiel die Haut grün wird.

Checkt also eure Werte, schaut dass das Bild in den richtigen Farben in Photoshop kommt. Bei CaptureOne Pro würde ich dank der Ebenenfähigkeit diesen Tipp noch um einen weiteren Ergänzen. Checkt ob eure Bildmanipulationen auf der richtigen Ebene passiert sind und wählt sie beim Betrachten des Fotos ab und an um zu sehen wo was passiert.

manchmal tuts ne Tonwertkorrektur

Ich selbst habe noch vor einem Jahr noch nicht wirklich darauf geachtet Bilder so zu fotografieren, dass die Nachbearbeitung Minimalaufwand darstellt. Du kennst deinen Look und weisst, dass du deine Bilder daher immer eine Blende unterbelichtet brauchst? Dann fotografier es dir direkt so und spar dir eine weitere Ebene in Photoshop oder einen Regler in Lightroom als Fehlerquelle. Wenn es dann zur Retusche kommt, sieht dein Foto nämlich hoffentlich schon fast genau so aus, wie es als Endprodukt aussehen soll. Bei meinen Fotos langt in den meisten Fällen schon eine Tonwertkorrektur in Photoshop und ein Farblook und ich bin mit der Nummer durch.

Somit fasse ich dieses kleine Kapitel in folgendem Tipp zusammen, den ich gerne schon viel früher bekommen hätte. Reduzier dich auf das Maximum. So wenig wie möglich und nur zur Verbesserung des Bildes retuschieren. Ich frage mich das mittlerweile vor und nach jedem Bearbeitungsschritt ob er tatsächlich mein Bild besser gemacht hat. Dazu kann man die Ebenen in Photoshop und CaptureOne Pro prima ein- und ausblenden.

Dodge and Burn. Wirklich jetzt. DODGE AND BURN!

Wenn es um Hautretusche geht habe ich gelernt, dass es viele Methoden gibt um einem Hautproblem beizukommen. Vom Reparaturpinsel, den ich im Übrigen dem Bereichsreparaturpinsel deutlich vorziehe, über das Patch-Tool bis hin zur kruden Stempelei gibt es viele Wege nach Rom. Für mich ist der effektivste Weg eine Kombination aus (sehr wenig) Reparaturpinsel und (sehr viel) Dodge and Burn. Pflanzenfett bei die Blumen, Dodge and Burn ist ne lästige Drecksarbeit und wer an sowas Spass hat….naja lassen wir das – aber ich kenne nichts dass SO effektiv gegen Hautretuscheprobleme ist wie Dodge and Burn und es ist DIE Technik, die ich persönlich jedem Einsteiger empfehlen würde bis zur Erschöpfung und alle Wissensquellen anzapfend zu lernen.

Arbeitet euch zu erst in globales Dodge und Burn ein, also versucht eurer Location mehr Tiefe zu geben und dunkelt zum Beispiel Holzbalken ab, hellt Bettwäsche auf und versucht Licht und Schatten nach zu empfinden. Dann macht weiter mit lokalem Dodge and Burn und gebt Kleidung mehr Tiefe in dem ihr Falten abdunkelt und Lichtkanten aufhellt. Das gleiche Prinzip, so ihr es dann verinnerlicht habt, passiert dann auch auf der Haut dunkle Stellen hellt ihr auf, helle dunkelt ihr ab, bis die Haut schön glatt ist. Kackarbeit, zugegeben. Aber eure Bilder sollten es euch wert sein

nutzt das Schwarmwissen

Dieser Tipp ist nicht direkt nur auf die Retusche gemünzt, greift aber für mich auch genau an dieser Stelle. Es gibt in unserer Zeit Unmengen an kostenlosem Wissen auf allen möglichen Kanälen. Die Profis geben auf ihren Social-Media Plattformen gern Antwort auf eure Fragen, Youtube zeigt euch wie ihr es praktisch umsetzt und die Foren sagen euch hinterher was man noch besser machen könnte. So weit so gut. Aber man muss es nutzen. Schaut euch regelmässig auf euren Lieblingsplattformen nach neuen Lernvideos ab, holt euch ein Video2Brain Abo oder bildet euch anderweitig konsequent und permanent weiter. Ein Retusche-Workshop bei einem Profi eurer Wahl oder gar ein Einzelcoaching im Thema katapultieren euch je nach Tutor sehr weit nach vorn in eurer Retusche. Nutzt es. Zeigt einem Profi auch mal ein Bild privat oder nutzt Kanäle wie Twitter um Tipps zur Verbesserung eurer Bilder zu bekommen.

Nehmt euch ebenso die „Raw für dich“-Aktionen der diversen Szenefotografen vor und schaut, ob ihr ein Bild genau so bearbeiten könnt wie der Künstler selbst, und wie eure eigene Bearbeitung in der direkten Gegenüberstellung aussieht. Reicht eure Bilder bei Wettbewerben ein und nehmt euch auch dort Kritik zumindest zu Gehör.

Never. NEVER. REALLY NEVER touch the Augenweiss

Wer regelmässige Bildanalyse von Kollegen betreibt um zum einen festzustellen was man selber mag und was nicht und zum anderen um Trends zu erkennen oder sich schlichtweg inspireren zu lassen, der streunt durch diverse Foto-Plattformen. Ob 500px, Model-Kartei oder STRKNG, bei allen sieht man genau zwei Dinge. Erstens: bei Bildern die du richtig geil findest, ist NIE das Augenweiß bearbeitet. Zweitens: bei allen anderen bekommst du selber direkt grauen Star. Ja ich weiss, im letzten Beitrag hab ich euch noch vorgebetet regeln zu brechen und JA – wenn ihr das entsprechend toll könnt, dann braucht ihr euch an diesen Tipp nicht zu halten.

[schlechtes Beispielbild]

Anm.d.Autors: gibts da eigentlich noch keinen Tumblr der „schreckliche Augenweißbilder sammelt ?

Du brauchst nur eine Kamera

Die Foto-Foren sind voll von Kamera Gesuchen und Geboten sowohl von privat als auch von Resellern und co. Nebenan, nur fünf Beiträge weiter wird dann über Linse X, Kamera Y und portables Blitzgerät Z gefachsimpelt, mit einer Inbrunst und Leidenschaft, die die meisten der Diskutierenden wohl in keinem anderen Bereich gleichartig aufbringen. Was ich gerne früher gewusst hätte? Den ganze Scheiß brauch ich gar nicht!

Was habe ich Blitze gekauft, mobil, Stative, Linsen ohne Ende, teuere wie billige. Gebracht hat das meinen Bildern rein gar nichts außer die Erkenntnis dass es mit einer Kamera, einer Linse und maximal noch einem Reflektor deutlich besser läuft als vorher. Man konzentriert sich deutlich mehr aufs Licht, lernt es in Ermangelung von „Ach das blitz ich weg“-Kunstlicht besser „Licht lesen und interpretieren“ und vermag sich voll und ganz auf den Aufbau und die Stimmung des Bildes zu konzentrieren. Probiert es doch mal zwei Wochen aus. Nehmt den Lieblingsbody und die Lieblingslinse und sonst nichts. Viel Spaß

Machen ist besser als Planen

Ja, für den Anfang ist es mitunter sehr wichtig ein Shooting bis ins Detail hinein zu planen. Klamotte, Makeup, Location, Details und vielleicht sogar schon Posen die man interpretieren will, machen einem oft das leben leichter. Aber was noch viel wichtiger ist als gute Planung ist, viel auszuprobieren. Ja klar, Modelle sind nicht begeistert wenn man mit ihnen arbeitet und hinterher sagen muss: „Sorry, das hat nicht so geklappt wie ich es mir vorstellte“. Aber man hat eine wichtige Erkenntnis mitgenommen: die Idee war mist.

Dennis Weissmantel @Work

Und so lernt man Stück für Stück und mit jedem weiteren fotografischen Ausflug ein bisschen mehr über sich, und was man mag bzw. was einem liegt und was nicht. Do it

Wechsele das Terrain

Viele von euch fotografieren Menschen, weil es einfach ungeheuer spannend ist. Man lernt viele neue Typen kennen, hat nie das selbe Sujet, wenn man nicht will und man kann unendlich viel experimentieren. Schön und gut. Aber es gibt einen Haken. Wer sich weiterentwickeln möchte, der sollte nicht stehenbleiben und so kann es für jeden von euch gut sein, auch das fotografische Terrain immer mal wieder zu wechseln und wenn es nur Ausflugweise ist.

Jedes Feld der Fotografie hat seine eigenen Spielregeln, Ästhetiken, Herangehensweisen und Workflows. Für mich war es richtig toll mal aus der People-Fotografie raus zu kommen und für ein paar Tage auch mal Architekturfotografie zu machen. Was ich dort über die Linienführung gelernt habe, hat mir auf anderen Feldern sehr weiter geholfen.

Druckt euer Zeug, so oft ihr könnt

Welche „Fehler“ man bei Bildaufbau, Inszenierung, Farben oder ähnlichem gemacht hat sieht man am deutlichsten auf einem großen Ausdruck des Bildes, das man gemacht hat. Doch das ist nicht alles. Ein Druck wirkt. Ihr solltet wirklich ein mal im Monat hergehen und euere besten Fotos drucken lassen.

Das beste Bild des Jahres bestelle ich mir sogar über 1m Größe um auch meine Entwicklung besser zu sehen. Ein A4 in ordentlicher Qualität tut es natürlich auch. Investiert das Geld und last euch die Augen über eure Bildwirkung öffnen. Obendrein ist auch ein Print für einen Fotografen keine 0815-Nummer, denn man muss viel lernen Über Farbräume und Druckprofile. Also los, drucken

ES.GIBT.KEINE.REGELN.

Hand abgeschnitten? Unscharf wie Sau? Farben komisch? Schnitt schief? Es gibt gewisse ungeschriebene Gesetze in der Fotografie, wie etwa „Das Gesicht muss immer scharf“. Wer seine Fotos nach diesem, na sagen wir mal „Fotoforenregelwerk“ hält, kriegt zumindest in den Herkunftsgebieten keine Schelte für seine Bilder. Ich glaube aber fest daran, dass die erfolgreichen Fotografen (bitte definiert für euch selbst was für euch „erfolgreich“ ist) jene sind, die mit diesen Naturgesetzen brechen. Die Götter unserer Zunft (auch diese erwählt ihr euch bitte selbst) sind für mich meist die, die nicht nur diese Regeln brechen, sondern sie einfach komplett verwerfen und sich außerhalb dieser Gesetze neu erfinden.

Last euch nix vormachen. Ein Foto funktioniert dann, wenn der Betrachter verweilt. Habt ihr das mit einem tollen Moment realisiert, dann interessiert es NIEMANDEN, ob das Auge scharf ist oder nicht. Das Gefühl, was es beim Betrachter erzeugt, darauf kommt es an. Auf nix anderes. Hand abgeschnitten – na und?

Eigentlich sollte ich bei einem Tutorial vom Paddy für grad mal (aktuell noch) 30€ nix mehr schreiben müssen. Das ist quasi ein No-Brainer. Aber jedem sitzt das Geld anders und damit ihr wisst, ob sich der Kauf für euren Umstieg lohnt, habe ich mir die Scheibe dank der freundlichen Unterstützung vom Paddy mal ansehen dürfen und gebe euch hier alle wichtigen Eckdaten.

In 29 Kapiteln bringt euch Paddy seinen eigenen Captureone Pro Workflow nahe, der sich auch von meinem relativ deutlich unterscheidet. Das liegt hauptsächlich daran, das Captureone Pro (weiter C1) einfach vom Konzept her ganz anders ausgelegt ist, als zum Beispiel Lightroom. Daher lassen sich bisherige Workflows nur schwer übertragen und jeder setzt da eben wo anders an. Vollumfänglich verstanden habe ich C1 nun natürlich immer noch nicht, aber folgende Inhalte hat Patrick in seinem Angebot:

1. Import und Ordnerstruktur
2. Oberfläche und Orientierung
3. Katalog vs. Session
4. Aussortieren und Organisieren
5. Mehrfachbearbeitung und Varianten
6. Auswahl einer Kundendateiliste
7. Basisbearbeitung
8. Colorgrading
9. Hauttöne angleichen
10. Look I
11. Crop, Drehen und Trapezkorrektur
12. Export
12. Schärfen
14. Details
15. Lokale Anpassungen
16. Look II
17. Color Grading Grundlagen: Farblehre
18. Einstellungen Synchronisieren
19. Look III
20. Schwarzweiss
21. Arbeiten mit Styles und Presets
22 Look IV (Schwarzweiss)
23. Objektivkorrekturen
24. Metadaten
25. tethered Shooting
26. Drucken
27. Dateien Umbenennen
28. Voreinstellungen
29. Mehr Looks

Runtergerechnet zum Einstiegspreis von 30€ ist das also n guter €uro pro Kapitel. Was man da falsch macht? Per se gar nix. Wer Patricks Tutorials kennt weiss, dass diese durchdacht, fundiert, prall gefüllt und immer mit nem kleinen Gimmick versehen sind. Diesmal packt Paddy euch seine C1 Presets mit ins Paket und allein dafür bezahlt man bei anderen Schon mal gern gutes Geld.

Inhalt

Kommen wir mal zum Inhaltlichen. Bis auf das Backup von euren Katalogdateien, Einstellungen zum Foto und dem original RAW, welches man wirklich bei Captureone Pro sogar bis zur Paranoia betreiben kann, ist das einzige Thema welches mir aufgefallen ist, da es nicht explizit behandelt wurde. Zwar erwähnt unser Tutor am Anfang bei den Kapiteln zur „Denkweise“ von C1 immer mal wieder, was so alles machbar ist, aber eine grundlegende Strategie fehlt. Auch habe ich mir noch mal ein eigenes Kapitel darüber gewünscht, wo Paddy nochmal wirklich gefiltert aufzeigt, wo Captureone Pro seiner Konkurrenz voraus ist und wo nicht, ebenso wie seine Einschätzung zu seinem eigenen Umstieg. Es fließt zwar immer mal wieder mit ein, aber ich hätte es mir extra herausgestellt gewünscht. Mehr Negatives? Gibt es nicht und ich habe wirklich gesucht.

Positives gibt es dafür mehr als genug. Zum einen erklärt der Paddy wirklich für Anfänger. Bei vielen „echten Fotografen“ die ihren Umstieg auf Captureone Pro zum Beispiel auf Youtube mit Tutorials zelebrieren wird mir zu oft viel zu viel voraus gesetzt. Das Arbeiten mit dem Captureone Pro Farbeditor ist verzwickt, nicht ganz einfach zu meistern und bedarf eines grundlegenden Verständnisses der Mechanismen dahinter. Paddy packt euch das als bisher Einziger in die Video-Tüte. Die Netzwerkfähigkeit, die Ebenenfähigkeit und das Fehlen des HSL- Moduls sind so ziemlich die größten Stolpersteine für Neu-Einsteiger, mal ganz abgesehen von der Oberfläche und eher banalen Modulen wie dem Bibliotheksmodul, welches einem auch fiese Fallstricke bauen kann. Und weil Paddy halt ne ehrliche Haut ist, gibts das, meiner Meinung nach wichtigste Kapitel seines Trainings gratis. Schaut mal in Ruhe (!) rein:

Fazit

Können wir uns sparen. Tragt ihr euch mit dem Umstiegsgedanken oder seid vielleicht gerade erst umgestiegen und steigt nicht so recht durch? Kaufen. Alter Hase und auf der Suche nach Tipps und Kniffen? Unbedingt zum Einstiegspreis kaufen
Ich weiss, das klingt hier grad alles nach bezahlter Werbung, ist es aber nicht. Ich habe damals bei dem Talk mit Tom C1-Blut geleckt und bin seit dem nicht mehr davon los. Würde ich die Sachlage aber objektiv einschätzen, würde ich sagen dass ich gerade mal 15% der Software nutze. Insbesondere der fehlende HSL von Lightroom hat mir in Capturone Pro große Probleme bereitet. Sicher seid ihr nach dem Tutorial von Paddy auch keine Profis. Aber ihr versteht was dieser unfassbar mächtige RAW-Entwickler kann, wie ihr damit umgehen könnt und wie ihr euch in die Lage versetzt einen eigenen Workflow zu entwickeln.

[bewertung]

Mit der „Red Rising“ Trilogie von Pierce Brown holt ihr euch ein Stück seichte Unterhaltung auf die Ohren, soviel sei vorab gesagt. Es erwartet euch der klassische Kampf von Gut gegen Böse, von Untertdrücktem gegen Unterdrücker, von Krieg, Liebe und verlorenen Freunden. Das ganze Spielt in der Zukunft und in einer Klassengesellschaft, mit einer herrschenden, geradezu übermächtig erscheinenden Kaste der „Goldene“ und vielen weiteren „Farben“, die sich in der Rangfolge darunter beginnen. Darrow, ein junger Bergarbeiter der niedrigsten Farbe schickt sich an, seinen Planeten und die gesamte interstellare Gesellschaft von ihrem innersten heraus auf Links zu ziehen und sich zu ihrem Titan zu machen und zu unterwerfen.

Setting

Die ganze Red Rising Trilogiespielt zwar in der weit entfernten Zukunft, jedoch hat sich der Autor die Geschichten um die einflussreichen Familien der vorgestellten Gesellschaft nicht nur aus den Fingern gesogen. Pierce Brown hat sich großzügig bei den alten Griechen und Römern nicht nur bei der Namensgebung seiner Protagonisten sondern auch an ihren Sagen und Mythen. Berühmte Familien wie die von Nero, Augustus oder der Caesarenfamilie Julii haben in den Büchern ihren Platz. Sie herrschen über die bekannten Planeten mit eiserner Faust, Gewalt, Intrigen und Bündnissen, mit Macht und Ränke. Alle Riten und Traditionen scheinen aus der Antike entwendet worden zu sein, ja sogar die alten Sagen selbst stellen einen Teil der Ausbildung der jungen Weltengötter dar. Man ist also in bekannten Gefilden, transferiert in eine moderne Zeit.

Protagonisten

Ich möchte jetzt hier nicht zu viel vornweg nehmen und mich ohne Spoiler bewegen. Daher gibt es hier keine Analyse der Charaktere sondern lediglich meine Einschätzung ihrer Umsetzung in der Geschichte. Zunächst die Stände der Gesellschaft. Leider hat der Autor hier sehr oft Inkonsequenzen in der Beschreibung. Mal ist ein Stand zum Beispiel ängstlich, würde niemals aufbegehren und wurden jahrzehntelang indoktriniert dazu, ihre Unterdrückung zu zelebrieren. Im nächsten Moment aber reicht ein Wort unseres Helden Darrow und sie beginnen eine bewaffnete Revolte. Nicht im Bereich des Unmöglichen, jedoch inkonsequent. Ebenso verhält es sich mit den Hauptdarstellern. Darrow zum Beispiel wechselt in wenigen Szenen vom unerschrockenen Weltenträger Atlas zu einem Häufchen Elend in einer Gefängniszelle und wieder zurück. Wer diese Wechsel der Menschlichkeit der Hauptdarsteller zuschreiben und somit galant darüber hinweg sehen kann, der wird mit dieser Buchserie sehr glücklich.

Fazit

Die „seichte Kost“ Red Rising liest/hört sich Eins A herunter und macht wirklich einen heiden Spaß. Nicht zuletzt wegen im Detail sehr liebevoll angelegten Charakteren und ihren relativ stimmigen Vorgeschichten ist diese Trilogie ein Muss in eurem Belletristikschrank. Über etwaige Unzulänglichkeiten in der Geschichte selbst hilft auch der Sprecher Marco Sven Reinbold, welcher gefühlt unheimlich viel Persönlichkeit in die Personen der Geschichte bringt, sie liebenswert, lustig und klever macht und der es schafft, dass man eben um seine Lieblingsfiguren weint, lacht und zittert.

Red Rising ist kein Meilenstein der Literatur und wird mit Sicherheit eher auf dem „könnte ihnen auch Gefallen“-Stapel als auf der Bestsellerliste landen. Aber wer sich in eine Story reinversetzen und einfach genießen kann, schmeisst bei dieser Serie, bei der im Übrigen alle Teile nahezu gleich gut sind, garantiert kein Geld ins Wasser.

[bewertung]

Der Call

Zunächst erlaubt mir einen kleinen Einblick in den Ablauf eines Fotografen-Einsatzes für Dein-Sternenkind zu geben. Der Bedarf an einem Fotografen wird von der zuständigen Hebamme oder den Eltern/Bekannten an uns gemeldet. Wir haben eine App, in der nach Einsatzkreisen sortiert die Fotografen benachrichtigt werden, die in Frage kommen einen Einsatz zu übernehmen. Schlägt dort ein Einsatz ein, muss man entweder zusagen oder absagen. Mit allen Konsequenzen die daraus folgen. Danach meldet der Fotograf der übernimmt sich im Forum an und dort gibt es weitere Details.
Man ruft danach die Eltern oder die Hebamme an und bespricht den Einsatz. Am Freitag war es so weit. Call in meinen Eisatzkreisen. Ein Sternenkind in der zwanzigsten Schwangerschaftswoche braucht mich. Für mich war das eigentlich immer so ein ungeschriebenes Gesetz, dass ich keine Frühchen für DSK fotografiere, denn ich besitze kein Macro-Objektiv. Aber wie so oft reagiert der Finger schneller als der Kopf. Die Fototasche hatte ich ja dabei, darin mein 35mm Objektiv, meine Kamera und ein Reflektor. Aber sonst hatte ich nichts. Ich klickte also auf „Einsatz annehmen“. Warum? Keine Ahnung. Es sollte wohl einfach so sein.

Die Lage

Viel mehr Details als den Einsatzort, die Schwangerschaftswoche und den Familiennamen der Eltern hatte ich nicht und so rief ich im Kreissaal an. Dort gab mir eine Hebamme die Information, dass die Geburt bereits mehrere Stunden zu vor eingeleitete worden ist und man quasi nur darauf warte, dass das Kind zur Welt kommt. Uff. Die arme Mama. Das war der erste Gedanke und meine erste Antwort war: „Ich kümmere mich darum. Ruft mich an, wenn es los geht.“ Von da an ging der Trouble etwas los.
Ich Arbeite in Darmstadt und hatte dort wie erwähnt kein Macro und keinerlei Utensilien für ein Newborn-Shooting. Die sind 64km weiter daheim. Genau wie mein Dauerlicht. Ich habe also via Facebook um Hilfe gebeten und die Fotografen-Community hat sich einmal mehr als schlagkräftig erwiesen. Der unfassbar gute Mark hat mir ohne zu zögern sein 100mm 2.8L Macro geliehen. Wahnsinn. Unendliche Dankbarkeit. Und aus etlichen Ecken kamen Angebote für Newborn-Klamotten und Nestchen. Letztendlich jedoch, kam es anders.

Aufbruch

Der Tag verstrich ohne einen Anruf aus der Klinik und meine Sorge um die Mama wuchs. Ich fuhr also nach Hause, denn mit jeder Stunde die verging wurde es dunkler und man weiß ja, wie grauenhaft die Lichtverhältnisse in Krankenhäusern sind. Daheim hab ich mein Dauerlicht eingepackt, ein Nestchen, etwas Spielzeug, und alles was ich noch so brauche.
Ich zündete für mein Sternchen eine Kerze an und legte mich schlafen, in Erwartung dessen was da kommen sollte. Um 22 Uhr dann ein Anruf einer in Tränen ausgebrochenen Hebamme. Uff. Beruhigende Worte meinerseits, dann den Schlüssel geschnappt und losgedüst. Eineinhalb Stunden Später stand ich vor dem Kreissaal der Klinik. Die Hebamme sagte mir, dass der Papa sehr gefasst sei und die Mama noch im OP. Ich gesellte mich also zunächst zum Papa.
Wir sprachen sehr vertraulich und er war erstaunlich ruhig und gefasst. Ich habe unendlich viel Respekt vor ihm. Er trägt es wie eine Leichtigkeit und ist stark für sein Kind. Ich bekomme Gänsehaut und dennoch war es seine Ruhe, die mir half selbst ruhig und gefasst zu halten. Das nur gute 20cm große Sternchen lag in seinen Armen. Ganz friedlich und wunderschön. Wir haben dann die Bilder grob besprochen und auf die Mama gewartet.

Ich kann es

Da das Krankenhauslicht aus kaltem, ekelig diesigem Licht aus 3 verschiedenen Quellen spärlich leuchtete, baute ich mein Dauerlicht auf ein Stativ um es als Fensterlicht-Simulation zu verwenden. Nach einem Testfoto war mir das Licht noch zu hart. Und da war sie schon, die Situation vor der ich Angst hatte. Technisch ungenügend zu sein, davor fürchtete ich mich sehr. Doch es passierte das, was mein Kumpel Dennis Weissmantel mal gesagt hat. (Anm. d. Autors: OTON!) Wenn du dich mit einem Thema aus Leidenschaft beschäftigst, saugst du einfach alles in dich auf. Gutes und Schlechtes. Aber irgendwann stecks du in einer Situation in der Klemme und es schiesst dir aus genau diesem Zeug eine Lösung in den Kopf.

Ich bat also, weil ich es irgendwann mal in einem schlechten Youtube-Video gesehen habe, um ein Druckerpapier und Tesa und baute mir so einen Diffusior. Perfektes Licht! Strike. Geistesblitz und schlagartig war ich mir meiner Sache sicher. Kamera erneut eingestellt, Testfoto gemacht. Passt. Was als nächstes kommt? Na klar, der nächste Knaller. Der (zugegebener Maßen recht groß gekaufte) Akku reißt und klatscht scheppernd zu Boden. Oh nein. Das darf nicht wahr sein. Ich habe den Akku angesehen und Gott sei Dank war nur das Chassis gerissen. Ich hab es also wieder zusammenklippsen können und da ich nie, NIE, NIEMALS ohne Panzertape shooten gehe, hab ich damit die Nummer gerettet.

Was bleibt…

Ich konnte emotional stabil bleiben und das war die wichtigste Erkenntnis für diesen Einsatz. Ich kann also weiterhin kleinen Sternchen-Eltern ein wenig Linderung verschaffen. Weiter habe ich den Eltern des kleinen, wunderschönen Eric soweit ich das bisher im RAW-Converter sehen kann ansehnliche und schöne Fotos ihres Sternchens verschaffen können. Jetzt suche ich noch eine schöne Box, drucke ein paar Bilder beim DSK-Sponsor Saal-Digital und sende das zusammen mit einem USB Stick und einem Brief an die Eltern. Ich habe Eric betrauert, aber ich bin Eric auch sehr dankbar. Er und seine wundervollen Eltern haben mir die Angst genommen und die Initialzündung für mein weiteres Engagement gesetzt. Dafür bin ich ihnen einfach nur unendlich dankbar

Eric

Lieber Eric! Ich hoffe du verzeihst mir, dass ich dich hier so offen im Blog vorzeige. Aber ich finde es wichtig, die Menschen auf Ereignisse wie das in deiner Familie aufmerksam zu machen, damit immer mehr Sternchen-Eltern wichtiger Erinnerungen erhalten. DANKE, Eric, dass du so Geduldig mit mir warst. Verzeih meine Unsicherheit. Ich wünsche dir Frieden, deiner Familie viel Kraft und ich werde dich mein ganzes Leben nicht mehr vergessen.

Die Entscheidung fiel mir keineswegs leicht, doch wenn ich bedenke, dass wir bei der Geburt unserer beiden Söhne so unendliches Glück erfahren durften und wie viel schlimmer es da anderen geht, kann ich mit dem einzigen Talent welches ich besitze nicht länger untätig zusehen.

Ich entschied mich dafür, den Eltern in ihrer bittersten Stunde beizustehen und zu helfen so gut es mir möglich ist. Ob das gelingt? Das weiß man wohl erst, wenn man einen Einsatz gehabt hat. Jener steht mir erst noch bevor und erst im Anschluss werde ich sagen können, ob ich stark genug für diese Aufgabe bin. Doch eines steht fest. Das Team, die Mitarbeiter und die Fotografen von Dein-Sternenkind sind hilfsbereit und wir als Fotografen bekommen Unterstützung in jeder nötigen Form.

Freuen kann ich mich auf den ersten Einsatz eingedenk des verbundenen Schicksales natürlich nicht, aber ich möchte mich beweisen und möchte sehen, ob ich den Sternchen uneingeschränkt helfen kann. Denn das ist das Ziel. Linderung. Hilfe. Wenngleich man davon nur wenig anbieten kann, so ist jeder Tropfen sicher willkommen.

Heldentum

Als ich auf Facebook schrieb, dass ich nun Mitglied des Dein-Sternenkind Teams bin, bekam ich viel Zuspruch und digitales Rückenklopfen, dass ich mitunter immer ganz gerne habe um mich zu motivieren. Ein Fan schrieb sogar ich wäre ein Held. Dem habe ich widersprochen. Wir haben in unserer Gesellschaft Helden, denen man huldigen sollte. Feuerwehrleute, Polizisten, Hebammen, Pflegekräfte, Kindererzieherinnen, Bewährungshelferinnen und Lehrer. Sie alle verrichten Jobs, die ich niemals ausüben könnte. Selbst wenn euch demnach also meine Ablehnung diesem Lob gegenüber „in eurer Ehre kränkt“ (Originalzitat einer Nachricht auf FB), ich werde es nicht annehmen. Ich bin kein Held. Ich mache Bilder und habe das Glück, das sie in diesem Fall einen emotionalen Wert bekommen, der etwas Gutes ist. Dafür nehme ich gern mal ein Rückenklopfen. Helden aber sind andere.

So bleibt mir am Ende dieser kleinen Meldung nur zu sagen, dass ich nach wie vor abwarte, wann mich das Schicksal zur Pflicht ruft und Gebete spreche um diese Lage zu meistern.

Lange habe ich aus Furcht vor Esoterik-Klangschalen-Zippen Dinge wie Yoga, Meditation oder andere Dinge gemieden wie die Pest. Yoga gefällt mir zum Beispiel bis heute noch nicht. Aber ein Teilgebiet des Yoga hat es mir sehr angetan, die Meditation. Meditation ist für mich das Ausblenden der Umwelt und die völlige Einkehr in mich. Dabei kann man die Meditation gezielt nicht nur zum Wohlbefinden einsetzen, sondern auch um ungewollte Gedanken loszuwerden, Herzschmerz zu überwinden, sich selbst zu stärken und zu schützen und vieles mehr.

Happy, holy & confident

Es gibt viele gratis Apps, mit denen man geführte Meditationen, also Meditationen mit Anleitung durchführen kann. Es gibt aber auch kostenlose Podcasts, die sich mit eurem Wohlbefinden und mit geführten Meditiationen beschäftigen. Einer davon ist „Happy, holy & confident“. Laura führt euch durch Meditationen, bietet euch Diskurse über Glück und das eigene Bewusstsein. Hört UNBEDINGT mal rein. Und wenn es euch so geht wie mir, dann passiert es euch dass ihr während einer Meditation zur Heilung und Stärkung des Herzens hemmungslos zu flennen anfangt und euch danach unendlich besser fühlt. Laura vermag das mit ihrer Einfühlsamkeit und ihrer Stimme herbei zu führen. Besagte Meditation findet ihr hier: Click mich!

Ich wünsche viel Entspannung mit der Hilfe von Laura und sage zum Schluss – Hört sehr gut darauf, was euch gut tut und nutzt das so oft ihr könnt. Ihr stärkt damit nicht nur euch selbst sondern auch jeden in eurer Nähe. Happy Sunday

Das passiert in den meisten Fällen eher wie „Liebe auf den zweiten Scroll“. In ganz seltenen Fällen aber erfasst mein Auge im schnellen Scrollen ein Foto und nagelt es mir direkt vor die Iris. Solche Bilder halten mich, begeistern mich und bewirken dass ich sie mehrmals hintereinander ansehe. Oft über Tage hinweg.

Genau solch ein Foto hat mich auf Instagram erwischt. Fotograf Mike Demuth hat in Berlin das Denkmal für die ermordeten Juden Europas fotografiert. Seht selbst:

Instagram-Direktlink

Warum wirkt dieses Bild so auf mich?

Nachdem unter anderem auch meine Frau mir diese Frage stellte, fand ich es an der Zeit, sie anhand eines solchen Beispiels subjektiv zu beantworten.

Den Anfang macht der Bildschnitt. Mike hat hier für mich die Abstraktion an den äußerst möglichen Punkt gelegt und das einfachste in den Bildausschnitt gelegt, was das Bild hergab. Der Entzug des Restes zwingt den Betrachter dazu genau hinzusehen und zunächst zu identifizieren, was das Bild überhaupt zeigt. Punkt für Mike, denn schon hier wird die Sache spannend. Auch die Positionierung der Gedenkmauer ist nahezu perfekt um Spannung zu erzeugen und gleichzeitig das Auge zwischen Himmel und Denkmal wechseln zu lassen.

Ein weiterer spannender Punkt ist die Führung der Helligkeit und das gleichzeitige Spiel mit dem Blickwinkel. Damit das Auge nicht wahllos zwischen Himmel und Monument umherwandert,hat Mike durch die Wahl des Blickwinkels und den Helligkeitsverlauf den Blick des Betrachters auf des elementare Teil des Bildes gelenkt, das imposante Memorial.

Das gestalterisch schönste Mittel aber ist die Linienführung durch schärfe für mich. Auch hier punktet Mike auf ganzer Linie. Die Schärfe ist im unteren drittel des Bauwerks angesetzt und breitet sich radial aus. Da die Schärfe nach außen abflacht, wird der Blick des Betrachtes auf die Tropfen gelenkt. Und damit es auch dann immer noch nicht langweilig wird, sorgt die Unruhe der Tropfenbahnen für genügend Anschaumaterial für das Auge. Einfach grandios. Dazu kommt, dass die Strukturen des Monolithischen Kunstwerkes sogar durch ihre Bearbeitung zum grübeln einlädt. Denn fehlt einem der Kontext, könnte man glauben es handele sich hier um einen Ledergürtel oder sonst etwas,.

Was dieses Foto dann noch zu einem Spitzenbild und für mich schon zum Architekturfoto des Jahres macht, ist eben jener Kontext. Wer sich beim Betrachten dieses Bildes nicht an die beklemmende Tragweite des Holocausts erinnert fühlt, sollte noch einmal hinsehen. Mike hat die Dramatik dieses Verbrechens in einem Bild gebannt und so auch dessen Mahnmal zu einer Botschaft im Bild verholfen.

Ich hoffe ich konnte euch so einen kleinen Einblick in meinen fotografischen Kopfteil geben und ihr fandet es da nicht zu schnöde. An dich lieber Mike sei gesagt: gut gemacht! Reich dieses Foto bitte zu so vielen Wettbewerben ein, wie du nur kannst, denn das sind so Bilder, da wünscht man sich, mann hätt sie selbst geschossen.

Wie ist das bei euch, was macht denn für euch ein Bild so richtig fesselnd und interessant?

Ich möchte dazu jetzt nicht viel sagen, aber wer sich fragt, wie ein Abend in meinem Studio aussieht, der findet hier die Antwort. Mit am Start die wundervolle und pinselfertige Isabelle Martens als Makeup-Artist und die hübsche AlisaH. Model, mit der meine fotografische Reise eigentlich erst so richtig ihren Anfang fand. Ich danke EUCH, meinem Team ganz besonders für diesen schönen Abend und das gigantische Ergebnis in Form dieses tollen Videos. Und ja, es geht immer so zu bei mir. Und ja, das ist ALKOHOLFREIER SEKT – wer mag bekommt aber auch einen richtigen.

Nun genug der Worte und viel Spass beim anschauen von Martins Meisterwerk. Zurücklehnen, Ton laut, Film ab

Direktlink

#1 Camera Cave

Martin von Camera Cave bewegt sich mit seinen Videos hauptsächlich im Bereich der Videografie-Tutorials, gestaltet diese aber mega spannend, immer abwechslungsreich, hat einen klasse Look für seine Filme und gibt euch richtig gutes Wissen an die Hand, welches auch für Fotografen interessant ist. Das war mit der ausschlaggebende Faktor dafür, dass Martin und ich schon ein Video zusammen aufgenommen haben und das zweite in den nächsten Tagen dazu kommt. Ein Blick bei Martin lohnt auch wegen der Konstanz, er bringt sehr regelmäßig Updates.

#2 PHLEARN

Aaron Nace und PHLEARN sind wohl vielen schon bekannt, aber eben noch nicht allen. Das muss sich ändern, denn er und seine Tutorials haben für mich die größte Schnittmenge der Faktoren Einfachheit, Nachvollziehbarkeit, Anwendbarkeit und dem „Bleibt im Gedächtnis“. Dazu kommt, das es von Aaron für nahezu jedes Photoshop Problem bereits ein gutes Tutorial gibt und wer seine kostenlosen Tutorials kennt, wird schwer versucht sein sich auch das Große zu kaufen.

#3 WeeklyImogen

Imogen ist ein englisches Model, welches sich aber in ihrer Laufbahn auch in der Fotografie gebildet hat und somit aus beiden Welten ein fundiertes Wissen hat. Dieses gibt sie in ihrem wöchentlichen Video-Podcast an ihre Zuseher weiter. Dabei sind neben handwerklichen Tipps immer auch eine Schule für euer kreatives Auge. Wenngleich ich auch nicht alle ihre Fotos durch die Bank weg toll finde, mag ich die Themen die sie anspricht und ihre Meinung und Hilfestellungen dazu sehr.

https://www.youtube.com/watch?v=8qwVT0P7BNI

#4 Timo Raab

Auch mein bester Freund Timo darf hier mit seiner Serie „Photoshop für Anfänger“ kurz PSFA nicht fehlen. Wie der Name vermuten lässt bringt Timo euch die Basics dieser Software näher und schult dabei diverse Techniken. Der Clou – Timo stellt nahezu alle Techniken vor um ein Problem zu beheben, geht dann aber mit seiner bevorzugten Variante ins Detail und behandelt diese erschöpfend. Unbedingt einschalten und abonnieren!

#5 Kelvin Designs

Kelvin ist Fotograf und Bildbearbeiter und deswegen bei mir in den Top 5, weil er seine Videos sehr minimalistisch hält und aber dennoch zumeist ein begeisterndes Ergebnis abliefert. Zwar bietet sein Micro leider nicht immer den optimalen Ton, aber wer einmal ein Tutorial von ihm nachgeklickt hat, wird diesen Kanal so schnell nicht mehr verwaisen lassen.

Underdog: Roman Hammer

Während ich Roman  primär dafür schätze, dass wir den gleichen Humor haben, solltet ihr insbesondere wenn ihr CaptureOne Nutzer seid oder werden wollt, seine Videos anschauen. Roman zeigt euch, wie ihr mit einem kleinen Reglerdreh aus eurem Foto deutlich mehr herausholen könnt. Das insbesondere dann, wenn man der Meinung ist man könne an seinem Foto nicht mehr viel weiter „schrauben“. Den Ösi-Akzent müsst ihr halt überhören

https://www.youtube.com/watch?v=mSJmElNpHEQ&vl=de

Schauen wir also als erstes mal auf Denny und seine Werte. Begonnen hat er mit 102kg Gewicht und folgenden Maßen:

• Arm 33cm /33cm
• Brust 114cm
• Taille 114cm
• Bauch 117cm
• Po 113cm
• Oberschenkel 71cm / 71cm

Nach 4 Wochen sieht es nun mit einem Gewicht von 99,2kg wie folgt bei ihm aus:

• Arm 33,5cm/33cm
• 113,5cm
• Taille 114,5cm
• Bauch 115,4cm
• Po 112cm
• Oberschenkel 70,5cm/70,5cm

Am meisten hat Denny also am Bauch und am Po verloren und auch beim Gewicht hat sich was getan. Mühsam ernährt sich das Eichhörnchen und ich weiss, dass Denny angefangen hat, den Sport mehr in sein Leben zu integrieren und sich gesünder zu ernähren. Das ist der Schlüssel zum Erfolg.

Ich selbst startete ebenfalls mit 101kg Gewicht und folgenden Maßen in die Challenge:

• Arm 34cm / 35cm
• Brust 108cm
• Taille 101cm
• Bauch 120cm
• Po 118cm
• Oberschenkel 61cm/61cm

Nach vier Wochen stehe ich nun mit einem Gewicht von rund 93kg und folgenden Maßen auf meiner heimischen Waage:

• Arme 36cm/37cm
• Brust 103cm
• Taille 92cm
• Bauch 114,5cm
• Po 114cm
• Oberschenkel 66cm /66cm

Bei mir hat sich an den Umfängen Gott sei Dank einiges getan. Bauch, Brust und Taille sind spürbar schmaler geworden und es sind knapp 2 Kleidergrößen weniger dabei raus gekommen. So leid es mir tut hat der liebe Denny damit diese kleine Neujahrschallenge verloren und bereits seinen Tribut in Form einer 50€ Spende für den Verein Kinder in Zwickau gespendet. Schon allein dafür hat es sich ja gelohnt.

Wie geht es nun weiter? Da ich für meinen Teil während dieser Diät völlig auf Fleisch verzichtet habe und mir das wirklich gut getan hat, werde ich versuchen nun auch künftig fleischlos zu leben. Ich lasse die Diät noch ein wenig weiter laufen, denn ich möchte wieder zurück auf das Gewicht, bei dem ich schicke Hemden tragen konnte ohne auszusehen wie eine Presswurst. Danach folgt wie gewohnt die Stabilisierungsphase in der ich auch den Sport wieder fest in Form von Biken und Rudern in mein Leben integrieren werde. Ich bin mir sicher, auch Denny bleibt bei seinem neuen Kurs.

Beginnen wir diesmal mit Denny:

Gewicht: 101,2kg
Arme: 33,5cm / 33cm
Brust: 114,9cm
Taille: 113,9cm
Bauch: 114,9
Po: 112,5
Oberschenkel: 70,6cm/70,5cm

Damit hat Denny sowohl an Gewicht als auch hier und da an Umfang verloren und das ist ein schöner Fortschritt. Meine Maße folgen auf dem Fuße:

Gewicht: 96,5
Arme: 38,5cm/39cm
Brust: 106cm
Taille: 97,5cm
Bauch: 117,5cm
Po: 114,5cm
Oberschenkel: 61cm / 61cm

Vergleicht man die Werte mit den Startwerten, so sind Denny und ich auf einem guten Weg, wobei ich meine Nase leicht vorne habe. Der Fuffi für den guten Zweck dürfte also aktuell aus Dennys Tasche kommen und ich bin gespannt, wie in zwei Wochen unsere Endergebnisse aussehen!

Aus diesem Grund habe ich meinen Blog-Kollegen Denny Fischer herausgefordert zur #fitorfat Challenge. Wir versuchen in den Kategorien Gewicht und Körpermaßen (Bauch, Taille, Po, Arme, Oberschenkel) abzuspecken. Das ganze geht (zunächst) 4 Wochen ab sofort.

Damit sich das Ganze auch lohnt, haben wir jeweils 50€ in den virtuellen Topf geschmissen, der Verlierer spendet seinen Anteil an eine gemeinnützige Sache. Folgendes sind die Start-Werte.

Myself:

• Gewicht: 101 kg
• Arm 34cm / 35cm
• Brust 108cm
• Taille 101cm
• Bauch 120cm
• Po 118cm
• Oberschenkel 61cm/61cm

Denny:

• Gewicht: 102kg
• Arm 33cm /33cm
• Brust 114cm
• Taille 114cm
• Bauch 117cm
• Po 113cm
• Oberschenkel 71cm / 71cm

Thats it. Ich werde wöchentlich berichten und bin gespannt, wer von uns beiden Gewinnen wird. Denny – the game is on. Die Regeln sind denkbar einfach. Manipulation und Betrug sowie Operationen sind untersagt

Mit Version 10 des ebenenfähigen RAW-Entwicklers CaptureOne Pro hat PhaseOne ein unglaublich tolles Stück Software hingelegt. Nach wie vor ist es zwar immer noch sehr unintuitiv, aber dennoch solltet ihr die Software unbedingt mal ausprobieren. Damit ihr das könnt, möchte ich euch heute eine kleine Starthilfe verpassen. Doch zunächst solltet ihr euch ansehen, warum ihr euren Workflow umstellen solltet:

[youtube EDZCkAsqL-c]

Woher nehmen?

An CaptureOne Pro heranzukommen ist relativ easy. Zunächst einmal steht euch eine 30-Tage-Testversion in vollem Umfang zum Download zur Verfügung. Diese könnt ihr herunterladen und als Testversion aktivieren und vollumfänglich nutzen. Soweit so gut, nicht war? Doch wie fängt man denn nun an sich in die Software einzuarbeiten? Nichts leichter als das.

Als allererstes solltet ihr euren Arbeitsplatz, den ihr bei CaptureOne übrigens KOMPLETT und in allen Formen an eure Bedürfnisse anpassen könnt, auf „Migration“ einstellen. Das geht unter „Fenster“ > „Arbeitsfläche“ > „Migration“. Damit nimmt CaptureOne an, ihr kommt zum Beispiel von Lightroom und seid umsteigwillig. Es legt sich just dafür ein wohl bekanntes „Kleidchen“ an und stellt euch eine ähnliche Oberfläche zur Verfügung. Damit sollten sich die ersten Leute schon zurecht finden. Wer dann weiter Bedarf an tieferen Informationen hat, der sollte die „Getting Started Playlist“ von PhaseOne auf Youtube schauen. Hier ein kleiner Einblick:

[youtube 3wkHlcsdQkI]

Tiefer in die Materie

Wer nun bei der ersten Benutzung mal am Schärfewerkzeug die Regler verstellt, oder nach Anleitung auf Youtube einen Hautton angleicht, wird schnell feststellen, dass CaptureOne ein mächtiger, wenn nicht sogar der perfekte RAW-Converter auf dem Markt ist. Dazu ist er Netzwerkfähig und seit Version 10 pfeilschnell. Wenn es euch geht wie mir, werdet ihr umsteigen wollen und braucht nun etwas mehr Material. Dafür gebe ich euch zwei Tipps.

Zum einen solltet ihr euch bei den Kollegen vom Rheinwerk-Verlag das passende Video-Tutorial gönnen. Dies ist zwar noch auf Version 9 gemünzt, passt aber für das Verständnis auch gut auf Version 10. Zudem wird es sicher einen Nachfolger dazu geben und ihr erhaltet bald auch noch meine ausführliche Rezension zu der Scheibe, welche ich schon jetzt jedem empfehlen kann.

[youtube Je8UERBp-0A]

Als zweites und insbesondere ein absoluter Tipp für Umsteiger sollten Interessierte sich das Buch von Sascha Erni zulegen, welches auch gerade bei mir zur Rezension vorliegt. Sascha kennt die Sorgen der Umsteiger bei der sehr unintuitiven Oberfläche von CaptureOne und macht euch spielend fit für dieses hoffentlich nicht einmalige Abenteuer.

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Einkaufen und Sparen

Wenn ihr alles durchhabt, was ich euch in diesem Artikel empfohlen habe, dann seid ihr wahrscheinlich am Ende eurer Testphase angelangt und wollt euch CaptureOne Pro kaufen. Dafür gibt es diverse Modelle. Zum einen kann die Software im Abo bezogen werden. Dafür gibt es diverse Laufzeitmodelle und unterschiedliche Benutzermengen. Preislich liegt man so um die 12€ im Monat. Natürlich gibts die Software auch als Standalone-Version für ca. 230€. Sony-User wie ich können sich glücklich wähnen, denn für sie gibt es bei der Software einen Special-Deal. Sie bekommen die Pro-Version mit zwei Nutzerplätzen für gerade einmal 50€ zum Kauf.

Da Weihnachten vor der Tür steht und der geneigte digital native zu dieser Zeit immer etwas klamm ist, habe ich auch noch einen Bonus für euch. Mein Freund Maurice gibt euch mit seinem persönlichen Gutschein nochmal 10% auf euren Einkauf bei PhaseOne. Dazu gebt ihr bei eurer Bestellung einfach folgenden Gutscheincode an:

AMBJAGER

Ich hoffe ich habe euch hier den Einstieg in eine fantastische Software bereiten können, die einige starke Vorteile gegenüber anderen RAW-Entwicklern bietet und mein absolutes Go-To-Tool geworden ist, welches ich nie mehr missen möchte. Auch wenn der Einstieg mit viel Lernen und Arbeit verbunden ist, zahlt sich jeder Wissenssprung innerhalb der Software am Ende bei euren Bildern richtig aus.

Beginnen wir wie immer ganz vorn. Ich habe bei Kollege Paddy und seinem Talk mit Tomaso Baldesarini (Genau: im Teil drei) zum ersten Mal Capture One im Gebrauch gesehen. Davor kannte ich die Software zwar, habe mir aber immer gedacht: Brauch ich nicht, hab ja Lightroom.

Doch bei Tomaso habe ich gesehen, wie unglaublich viel Tiefe er in wenigen Handgriffen aus einem zugegeben ohnehinschon großartigen Portrait geholt hat. Das und die schon im Video erkennbar guten Algorithmen haben in mir zumindest den Reiz zum Testen ausgelöst. Doch seht einmal selbst:

[youtube Ygsc587vjWg]

Das große Chaos

Software runterladen, installieren, mal ne SD-Karte einlesen, das alles ist schnell gemacht. Doch dann stand ich erstmal vor einem Chaos. In Lightroom kenne ich mich gut aus, habe schon ein paar Presets für mich gebaut und bin darin relativ schnell. Capture One ist für mich jedoch eine der unintuitivsten Produkte die ich je gesehen hab. Hochanpassbar, aber für den Einsteiger schnell überfordernd. Gott sei Dank bietet PhaseOne auf Youtube eine eigene Masterclass mit guten Tipps und Tricks an.

Hat man erstmal seinen Arbeitsplatz eingerichtet und ansatzweise so etwas wie einen Workflow entwickelt, läuft die Liebe zu Capture One schon gut auf Touren. Für Sony Nutzer gibt es die Pro Version schon recht günstig und so kommt man damit sogar in den Genuss des Tethered Shoot. Geschossen, bearbeitet, gestaunt. Capture One ist eine Intelligenzbestie und besitzt besonders beim Schärfen, Hauttönen und generell in den Farben eindeutige Vorteile gegenüber Lightroom. Um das zu verdeutlichen zeige ich euch einen direkten Vergleich.

Beide Bilder wurden, so weit es mir irgendwie möglich war im RAW-Konverter entwickelt. In Photoshop wurde bei beiden in etwa das gleiche gemacht. Bis auf einen wichtigen Punkt. Bei der Lightroom-Entwicklung musste ich mittels Frequenztrennung die Hauttöne angleichen, bei Capture One kann ich das direkt.

Zeit investieren und Gewinnen

Nach einiger „Spielzeit“ stand ich dann vor folgender Rechnung. Mit Lightroom war ich schnell und effektiv, jedoch sind die Ergebnisse im Vergleich zu Capture One unterlegen. Capture One kostet mich effektiv deutlich mehr Zeit, eine deutlich größere Lernkurve und viel „ausprobieren“. Auch meine bereits fertigen Looks habe ich noch nicht zu Capture One rüber bekommen und ich werde sie wohl erneut nachbauen müssen.

Andererseits sind die Capture One Ergebnisse um so überzeugender. Was alleine der Homogenitäts-Regler im Farbeditor mit Hauttönen anstellen kann ohne das ganze Bild kaputt zu machen ist schlichtweg beeindruckend.

[youtube NdIMRgHgRj8]

Good bye Lightroom

Alles in allem hat mich Capture One Pro soweit überzeugt, dass ich ab sofort auf Lightroom verzichten werde. Lediglich für Events mit vielen Bildern, wie Taufen oder Hochzeiten oder ähnlichem werde ich eventuell noch darauf zurückgreifen. Um mir den weiteren Weg dafür zu ebnen habe ich mir das Praxis-Training vom Rheinwerk-Verlag und den Guide mit „Zielgruppe Umsteiger“ von Sascha Erni zukommen lassen. Beides werde ich natürlich für euch rezensieren und es werden sicher noch weitere Artikel zum Umstieg folgen. Das selbiger auf jeden Fall ein guter Weg für mich ist, zeigt auch die Tatsache, dass schon mein erstes Bild daraus unter den VIEW Bildern des Tages landete.

Schönheit entsteht nur durch Licht.

Diese Widmung steht in meinem persönlichen Rezensionsexemplar des Taschenbuches von Achim Dunker und treffender könnte man meinen eigenen Stil der Fotografie nicht zusammenfassen. Jedoch ist das für mich in erster Linie und fast ausschließlich für meine Outdoor Fotografie. Indoor, im Studio macht das Zusammenspiel aus Licht und Schatten sowie die Pose des Models ein Foto spannend. Dafür nutze ich aktuell fertige Rezepte. Sprich ich stöbere ein bisschen im Internet und finde eindrucksvolle Portraits. Dann schaue ich, ob der Fotograf etwas zur Lichtsetzung dazu veröffentlicht hat und versuche das für mich zu adaptieren, interpretieren und schaue ob ich mit diesem Rezept zu einem vergleichbaren Ergebnis gelange.

So habe ich auch das obige Foto erstellt. Nach einem Lichtrezept von Calvin Hollywood. Ihr seht also, „Rezeptkochen“ bringt auch was leckeres auf den Tisch und wer sich in die geführte Lichtsetzung im Studio erst einarbeitet, der ist froh über diese Rezepte.

Inhalt

[vimeo 177884435]

Achim Dunkers „Portrait Lighting“ ist genau so ein „Kochbuch“. Es zeigt euch, wie ihr Licht setzen, formen und gestalten könnt, mit Hilfsmitteln in nahezu jedem Budget. Folgende Kapitel beleuchtet Achim in seinem Wegweiser:

• Das Bilderbuch für Profis
• das 10€ Studio
• Variationen mit einer Leuchtstoffröhre
• Variationen mit 1-3 Lampen
• Aufbau einer komplexen Ausleuchtung
• Scrims und Schatten
• Augenlicht
• 4 oder mehr Lampen
• Augenreflexionen
• Guerilla Licht
• Licht mit zwei Leuchtstoffröhren
• Folie, Filme und Diffusion
• Bluebox, Greenscreen und Whitecube
• Ausrüstung
• Posing

Diese Kapitel werden natürlich hauptsächlich mittels bildlich dargestellten Lichtrezepten und ein paar Zeilen Text umgesetzt. Die bebilderten Lichtrezepte sind dabei zumeist mit Nummern versehen und diese stellen die Folgenden „Zutaten“ für eure „Gerichte“ dar:

• Grundlicht
• Führungslicht
• Charackterlicht
• Spitzlicht
• Hintergrundlicht
• Aufhellung
• Hintergrund/Projektion
• Haarlicht
• Augenlicht
• Augenreflex
• Gloriole
• Gegenlicht
• Seitenlicht
• Kleiderlicht
• Kicker

Nicht in jedem Rezept ist natürlich auch jede Zutat vorhanden, denn sonst würden ja alle Gerichte gleich schmecken

Fazit

Dunkers Buch ist ein fantastisches Werk für die Hosentasche. Viele Rezepte zum nachkochen, viele wichtige Tipps auch für die eigene Fotografie im Allgemeinen und das ganze Ding noch in Deutsch, Englisch, Spanisch, Französisch, Italienisch, Russisch und sogar Chinesisch. Zu jedem Rezept gibt es ein Foto des fertigen Gerichtes und so kann man sich sogar einfach ein fertiges Gericht heraussuchen und ohne viel Probleme nachkochen. Soweit so gut aber dennoch gibt es auch an diesem Werk etwas auszusetzen. Zumindest für mich. Einige Rezepte sind zwar toll erklärt, aber wenn ich mir das Ergebnis anschaue, so hab ich hier und da schon mal den Kopf geschüttelt, weil ich es für mich selbst nicht als schön empfunden habe. Außerdem hätte ich statt der Kapitel über Licht beim Filmen lieber ein paar mehr Studiofotografielichtrezepte (was ein geiles Wort ) gehabt. Aber das ist persönlicher Geschmack. Besonders gelungen empfand ich dagegen die Rezepte zu Rembrandt- und Raphael-Licht. Zwei wunderschöne Rezepte deren Ergebnisse über jeden Zweifel erhaben sind.

Wer das Buch durchgelesen hat stellt im Rückblick fest, das Dunkers „Portrait Lighting“ eher ein „Grundkochbuch“ ist, dessen Rezepte man unbedingt weiterentwickeln und für sich final ausführen muss um wirklich davon zu profitieren. Im nächsten Ansatz wünsche ich mir daher von Achim auch mal eine „fortgeschrittenen Version“, die mit moderneren Mitteln, Bildschnitten und Bildgestaltungselementen arbeitet. Aber alles in Allem ist dieses kleine Taschenbuch zum Sparbrötchenpreis von 11,99€ ein muss für jede Fototasche.

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Gewinnspiel

Achim war so frei und hat mir zwei Exemplare für euch mit in die Tasche gepackt. Diese werde ich nach alt bekannter Manier verlosen. Um eines der beiden Bücher zu gewinnen, kommentiert unter diesem Beitrag im Blog und beantwortet mir folgende Frage – Freie Auswahl ohne Budget – welches wäre das nächste Kamera-Gadget, System, Licht o.ä. das ihr euch zulegen würdet? Falsche Antworten gibt es wie immer nicht, aber eine Antwort möchte ich haben. Der Rechtsweg ist ausgeschlossen, das Gewinnspiel endet am 25.09.2016 um 20 Uhr, der Gewinner wird via Random.org gezogen. Viel Glück!

Umstieg

Einige haben es ja auf Twitter eventuell schon mitbekommen. Ich arbeite momentan an meinem Wechsel von Lightroom zu Capture One, welcher sich als schwieriger gestaltet als gedacht. Ich möchte eigentlich wechseln, weil die Algorithmen von Capture One deutlich besser sind. Hauttöne angleichen, Schärfen und vieles mehr sieht in C1 einfach besser aus und produziert im Endergebnis eine deutliche Steigerung in meiner RAW-Entwicklung. Problematisch ist dabei allerdings die Software selbst. Sie ist zwar hochgradig anpassbar, dafür aber mindestens ebenso unintuitiv. Daher steht vorm Umstieg erstmal eine steile Lernkurve an, welche ich mit Hilfe von Rheinwerk-Tutorials (Anm. d. Autors: Rezension folgt!) und der Hauseigenen „Masterclass“ des Herstellers versuche zu meistern. Dazu kommt, dass mich C1 momentan da ich es noch nicht beherrsche in meinem Arbeitstempo eher beschränkt. Daher arbeite ich aktuell noch mit einer Kombination aus beiden Systemen. Lightroom nutze ich für Auftragsarbeiten und Outdoor-Fotos, Capture One hingegen für freie Arbeiten und Studioaufnahmen. Allein schon wegen dem Tethered Shoot.

Bilder

Damit ihr hier nicht nur trockenen Text zu sehen bekommt, habe ich hier für diesen Artikel eine kleine Auswahl meiner letzten Arbeiten erstellt. Ich zeige euch hier also sowohl veröffentlichte als auch ungezeigte Werke ohne viele Worte.

Wechsel

Ein weiteres Problem das ich aktuell versuche zu lösen hängt schlichtweg an der von mir eingesetzten Technik. Meine Sony A7R ist ein mega geiles Teil, keine Frage. Aber ich vermisse genau zwei Dinge. Zum einen fehlt mir Serienbildgeschwindigkeit. Die A7R ist im „Dauerfeuer“ unendlich langsam. Genau den Speed bräuchte ich aber bei Taufen oder ähnlichen Veranstaltungen und auch in den freien Arbeiten, wo ich zumeist aus meiner eigenen Bewegung heraus in die Bewegung des Modelles fotografiere. Genau in diesem Fall stößt auch das zweite Problem an, der sehr schlechte Continuous Autofokus. Der baut in der Bewegung ins besondere im Gegenlicht mächtig viel Blödsinn.

Aus diesem Grunde evaluiere ich gerade eine Nikon D750 und werde mir im Anschluss daran auch noch die A7RII anschauen und mich in aller Ruhe unter Abwägung der Vor- und Nachteile entscheiden wie es für mich da weiter geht. Wenn ihr Tipps habt – ich bin über jeden Beitrag dankbar!

dunkle Schokolade

Abseits von Bildern und den damit verbundenen, hier beschriebenen Problemen die ich aktuell habe, tue ich natürlich auch noch andere Dinge. Ich bin ein Genussmensch und kann gutem Essen, speziellen Küchen und kulinarischen Genüssen in flüssiger Form sehr viel Abgewinnen. Ich koche leidenschaftlich gerne und probiere viele Dinge aus. Ein Trend ist mir dank des lieben Frank Feils untergekommen. Coldbrew heisst der neue heiße Scheiss in kalter Form, dem ich hoffnungslos verfallen bin.

Bei Coldbrew handelt es sich um kalt gebrauten Kaffee. Im Gegensatz zur heiß gebrühten Variante erreicht man die Extraktion durch extrem langes ziehen lassen. Kurz zusammen gefasst läuft die Zubereitung wie folgt. Ihr nehmt einen hochwertigen Kaffee, und gebt 100 Gramm in ein großes (!) Einmachglas. Gießt das Ganze dann mit 500ml kaltem Wasser auf und verschließt die Nummer. Danach lasst ihr das Gebräu mindestens 20 Stunden ziehen. Filtert das Extrakt durch einen Papierfilter oder ähnliches und ihr seid fertig. Das damit entstandene schwarze Gold hält sich etwa zwei bis drei Wochen im Kühlschrank.

Für den allerersten Genuss nehmt ihr ein kleines Glas, drei bis fünf Eiswürfel und gießt drei Finger breit Extrakt auf. Lasst die Eiswürfel etwas einschmelzen und genießt dann diese Köstlichkeit. Wer den richtigen Kaffee hat, der schmeckt, anders als bei der heißgebrühten Variation unheimlich intensive Aromen wie Früchte, Waldboden und unendlich zarte dunkle Schokolade. Ich trinke Kaffee nicht mehr anders. Einen Tipp für guten Kaffee habe ich natürlich auch. Probiert diesen hier:

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Wer sich die Matscherei mit dem Einmachglas und den Filtern sparen möchte, der kann direkt zum Hario Coldbrew Fläschlein greifen. Gut investierte 25€ für ein tolles Getränk, welches man dann nach dem ersten pur-Genuss später dann mit etwas Wasser, mehr Eis oder weniger Kaffee beim extrahieren zubereiten kann, ganz nach Geschmack.

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Wohl bekomms!

Backup sollte im besten Fall in unterschiedlichen Sicherungsarten, unterschiedlichen Speichermedien und unterschiedlichen Örtlichkeiten angelegt werden. Ob man nun genau diese Redundanz haben muss bleibt jedem selbst überlassen, aber in Zeiten in denen der Terrabyte Speicherpreis bei rund 40 €uro liegt (und da reden wir schon von z.b. Western Digital Reds), sollte man gründlich Kosten gegen Nutzen abwägen.

Was wäre wenn

Damit man grob berechnen kann, was einem seine Sicherungslösung kosten soll und darf, betrachtet man drei Faktoren. Zum einen die Speicher-Menge der aktuell angehäuften Daten, dazu den grob abgeschätzten Datenzuwachs pro Jahr und zu guter letzt den „Was wäre Wenn“-Faktor (WWWF). Stell dir vor, von heute auf morgen rauchen in deinem RAID, oder NAS mehrere Platten ab. Oder du hast dir einen Virus gefangen, der es dir unmöglich macht mit den Daten weiter zu arbeiten. Sei es wegen einer Randsomware-Verschlüsselung oder aus Vorsicht um andere nicht zu infizieren. Was passiert? Kannst du alle Kunden die du hast noch beliefern? Könntest du an einem anderen System zur Not weiter arbeiten? Könnten Kunden die du vor 3 Jahren bedient hast noch zu dir kommen und dich um Bilder bitten?

Den WWWF noch eins weiter gedacht. Stell dir vor du kommst gerade vom Hochzeits-Shooting, und deine Kamera fällt dir in den Gartenteich, die SD Karte ist irgendwie defekt oder ähnliches. Was tun? Kannst du dem Brautpaar ihre Bilder dennoch liefern? Rechne also 1+1+1 zusammen und du weisst, was dir deine Sicherung wert sein sollte. Ich habe für mich selbst die Faustformel gefunden, dass meine Sicherung immer so ca. ein drittel mehr kosten darf, als das zu Grunde liegende System. Damit habe ich aber für mich auch gewährleistet, dass ich selbst bei nem Asteroiden-Einschlag arbeitsfähig bin (Anm. d. Autors: Übertreibung, die – Stilmittel).

Die erste Stufe des Sicherungskonzeptes

Lege ich oben beschriebene Sicherungsredundanzen für mich zu Grunde ergeben sich für mich drei Pflichten. Erstens, eine Sicherung direkt vor Ort. Zweitens eine Komplettsicherung daheim und drittens inkrementelle Delta-Sicherungen. Die Sicherung vor Ort macht heute also den Anfang. Das kann entweder eine modernere Kamera sein welche mit zwei Speicherkarten und somit redundanten Bildern arbeitet, oder eine Art Sicherung die direkt vor Ort erstellt wird. Genau diese möchte ich euch heute vorstellen.

Direkt nach dem Fotografieren, oder nach einem jeweiligen Wechsel der SD-Karte landet selbige bei mir als aller erstes in der WD MYPASSPORT WIRELESS. Diese kleine mobile Festplatte besitzt einen SD-Kartenslot und kann, wenn entsprechend konfiguriert den Inhalt selbiger auf ihren Speicher verschieben oder kopieren. Sie besitzt einen internen Akku der bis zu sechs Stunden Dauerfeuer aushält. Zusätzlich hat der kleine Kasten sein eigenes WLAN an Bord und so könnt ihr nicht nur vom PC sondern auch von allen mobilen Geräten darauf zugreifen. Western Digital bringt dafür seine eigenen Applikationen mit.

Diese Festplatte liegt immer bei mir in der Fototasche. Wenn alle Stricke reißen, das Haus abbrennt, mein Rechner vom Blitz getroffen oder die Bytezwerge ihren Inhalt gefressen haben, dann habe ich auf dieser kleinen Festplatte meine absolute Notfallinstanz an Daten. Es werden dabei sowohl JPGs als auch RAWs gesichert und die Datenstruktur der SD-Karte erhalten. Wahlweise gibt es die Platte in 500GB, 1TB und 2TB – ich besitze die 2TB Variante, damit komme ich in etwa ein Jahr hin.

Der Kopiervorgang geht richtig schnell von der Hand und die Platte ist autark. Das bedeutet Karte raus aus der Kamera, neue Karte rein und die benutzte Karte in die Festplatte stecken. Danach wandert sie in die Fototasche und verrichtet dort von allein ihre Arbeit.

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Fortsetzung folgt

Nachdem ich nun diesen Notfall-Datenbestand extra weggesichert habe, kommen wir dann mit dem nächsten Teil der Serie auf die eigentliche Sicherung der fertigen Daten zu sprechen. Wie sichere ich, wohin sichere ich, wie oft sichere ich und was sichere ich – diese und andere Fragen werde ich dann beantworten. Wenn ihr vorab Fragen habt, haut sie mir in die Kommentare, ich versuche sie dann in Teil 2 zu beantworten.

In meinem Fall begann die Idee für ein Foto-Shoot mit einem bestimmten Thema beim stöbern in der Model-Kartei mit diesem Foto. Für mich ist es eines der Besten Bilder die ich bisher in der Model-Kartei überhaupt sah. Für mich (!) zeigt das Bild neben seiner handwerklich eher schlicht gehaltenen Anlage unheimlich viel Emotion. Eine Mischung aus Sehnsucht, Unschuld, Verlangen, Hingabe und Schüchternheit, das alles bringt das Modell im Bild zu mir herüber. Ich habe mir dieses Foto schon öfter angeschaut, als einige meiner eigenen Fotos.

Das Thema

Die dominante Emotion für dieses Foto war für mich Unschuld. Das Modell wirkt unverdorben, unbeschwert und ohne Schuld. Genau das hat mich am Foto so fasziniert, dass ich es interpretieren wollte. Ich wollte es nicht kopieren, sondern mit einem eigenen Modell, mit meiner Art von Licht versehen und mit meiner eigenen Vorstellung der transportierten Emotionen versehen interpretieren und bannen. Also ging ich dafür auf die Suche nach einem geeigneten Modell und am Ende gab es für mich einen klaren Favoriten. Die Jeannie hat zwar auf ihrer Seite fast nur Bilder mit ernsterem Blick, oder Emotionen weit weg von dem, was ich da geplant hatte, aber ich hatte das Gefühl das sie genau die Richtige ist. Ich sollte recht behalten.

Weiter ging es mit der Suche nach einer Makeup-Artist oder Visagistin, die ohne großes Gerede versteht, wie das Modell am Ende wirken soll und die in der Lage ist das auch umzusetzen. Für mich kam hier sofort ohne große Suche nur eine in Frage, mit der ich bisher auch zusammen gearbeitet habe. Janina versteht ihr Handwerk, versteht mich, wie ihr in diesem Beitrag noch sehen werdet, wohl blind und ruft für ihre Arbeit faire Preise auf. Das sie mich Blind versteht zeigt sich am Endergebnis und dem Fakt, dass wir das Projekt ausschließlich online geplant haben.

Um das Paket abzurunden hatte ich mit Daniel spontan einen richtig guten Assistenten gefunden, der meine Idee ebenfalls sofort assozieren und in seiner Hilf beim Shoot umsetzen konnte. Dazu brachte er auch die nötige gute Laune mit um unser Modell Jeannie zu entspannen und zu unterhalten, wenn ich es nicht konnte.

Wenn einfach alles passt

Diese drei Zutaten ergaben am Shoot-Tag trotz erheblicher Zeitverzögerungen durch den Straßenverkehr, großangelegten Mücken-Frontalangriffen und schwer kontrollierbaren Lichtverhältnissen zu genau dem Ergebnis, auf das ich aus war. Die Wahl der Beteiligten, die Wahl der Location und die Fotos an sich haben gezeigt, dass bei dieser freien Arbeit einfach alles gestimmt hat und so lasse ich euch nun hier mit einem Auszug der Ergebnisse alleine. Findet ihr auch, dass wir das beabsichtigte Ergebnis realisieren konnten?

Das Ergebnis der Recherche war schnell gefunden. Es gibt einen Hype bei den Tageslicht-Leuchten und der heisst „Westcott Icelight“ – der neue heiße Shizzle für die besser betuchten Fotografen. Ein solcher „Leuchtstab“ kostet mal eben Neupreis rund 700€ und meistens braucht man ja zwei oder mehr, wie in diesem Video:

https://www.youtube.com/watch?v=0n8zCOdatA4

Zugegeben, wenn man diverse Videos zum Icelight schaut, merkt man schon, dass diese Teile absolut tolles Licht machen und ein nice-to-have sind.

https://www.youtube.com/watch?v=ZmcuDNf1ri8

So hat also Yongnuo, bekannt für qualitativ gute aber günstige Nachbauten von teuren Originalprodukten sich dieser Sache angenommen und ihr eigenes „Laserschwert“ auf den Markt gebracht. Mit durchschlagendem Erfolg wohl, denn die Dinger gehen in Deutschland und anderen Ländern weg wie warme Semmeln (*Phrasenschwein fütter*). Für mich ist die Nummer aber auch sehr interessant, denn mir fehlt nach wie vor eine gute Tageslichtleuchte. Also habe ich mir kurzum das YN360 zum Test bestellt.

Wie auch im Video gezeigt leistet das günstig-Icelight eine hervorragende Arbeit und ich Maße mir an zu sagen, dass es dem Original in nichts nach steht. Ihr könnt also mit diesem Stab und einem Stativ euer Modell perfekt ausleuchten oder für die entsprechende Lichtstimmung sorgen, wie ich es bei diesem Bild getan habe:

Der Eindruck eines „hellen Sonnenlichtes“ von hinter dem Fenster kommt hier eben nicht nur durch das Tageslicht sondern auch vom YN360. Alles was ich dann noch tun musste, war etwas Licht zum Modell reflektieren. Ich habe aber auch mit dem YN360 als Hauptlichtquelle belichtet – auch ne geile Nummer, wie ich finde.

Fazit

Das Icelight beziehungsweise der YN360 ist für mich das neue GoTo-Toy wenn es um den Einsatz von Tageslicht geht. Die LED ist vielfältig regelbar, sowohl am Gerät direkt als auch via App, es gibt einen Stativanschluss und auch bei der Wahl des Akkus könnt ihr aus mehreren Modellen aussuchen. Bei einem Preis von 150€ – inklusive Akku und Ladegerät kommt man auch mit Blitzkopf-ähnlichen Varianten kaum günstiger und vor allem nicht vielseitiger. Ich werde demnächst hier noch zwei dieser Geräte anschaffen. Der einzige Mangel – Lichtformer und Diffusoren sind aktuell noch Eigenbau. Da hat das Icelight mit vorgefertigten Produkten die Nase vorne. Schau ich mir allerdings den preis an, würd ich auch da eher selber bauen

Mit dem lieben Kollegen Alexander Heinrichs verbindet mich etwas persönliches. Wäre ich nicht vor drei Jahren der Gewinner eines Einzelcoachings bei ihm gewesen und hätte damit nicht meinen Einstieg in die People-Fotografie gemacht, wer weiss ob ich heute noch fotografieren würde. Jetzt geht es für mich fotografisch einen Schritt weiter. Das eigene Studio. Endlich. Und wieder einmal steht Alex mit seinem neuen Video-Tutorial beim Rheinwerk-Verlag beratend zur Seite. Ich habe mir die Scheibe für euch angesehen und möchte euch hier meine Erfahrungen wiedergeben.

Inhalt

Folgende Inhalte finden sich auf der DVD:

• Das braucht ein gutes Fotostudio
• Die Kamera im Einsatz am Fotoset
• Mit Studiolicht inszenieren
• Lichtsetzung in der Praxis
• Portrait- und Peoplefotos im Studio
• Produktfotografie und Stilllife im Studio
• Troubleshoot für Fotografen – Häufige Fehlerquellen
• So holen sie das Beste aus Studioaufnahmen heraus

In diesen Hauptkapiteln mit einigen Unterkapiteln geht der Tutor auf die Räumlichkeiten ein, die blanke Technik für Licht, Hintergrund und das Fotografieren an sich, sowie auf das aller wichtigste – das Licht. Dabei – und das find ich wirklich klasse – zeigt Alexander Heinrichs zwar sein tolles Studio und sein Profi-Equipment, aber zeigt auch immer wieder kostengünstige Alternativen auf und rechnet euch auch immer wieder die Gesamtkosten fürs eigene Studio vor.

Besonders bei der Lichttechnik und den Lichtformen, wo man als Anfänger ja gerne auch mal tausende von €uros in Blödsinn versenkt, reißt Alex die Zügel an und zeigt seinen Zuschauern den richtigen weg. Ein weiterer Pluspunkt dieser Scheibe ist das Konzept für die Zielgruppe. Egal ob ihr Anfänger in der Fotografie seid und ein kleines Heimstudio aufbauen wollt, oder ob ihr ein Fortgeschrittener Bildermacher seid, der mit seinem Studio Asche machen will, ihr seid bei dieser DVD richtig. Am Anfang stehen die Basics, wie Hintergrundsysteme, ein exkurs in die Lichtformer, Stative und vieles mehr. Kennt man sich da aus, kann man einfach den zweiten Teil des Trainings beginnen, denn dort erläutert Alex einige Lichtsetsungs-Basics und nimmt den Zuschauer dann mit in rund Zehn seiner Fotosets. Diese erklärt er dann zum Nachmachen von A bis Z. Ihr seht also, mit dieser Scheibe gibt es geballtes Wissen – nicht nur zur People-Fotografie.

Umsetzung

Ich schwöre ja auf die Rheinwerk-Verlag DVDs, denn sie haben Hand und Fuss, sind immer gut aufbereitet und ihre Inhalte an nahezu allen möglichen Geräten abspielbar. Wer nicht auf den Versand warten möchte kann auch das Tutorial mit 2,6GB als Download kaufen. Dazu gibt es wie immer alles Bildmaterial und Photoshop-Dateien zum nachgucken und mitklicken. Im Falle von „Fotografieren im Studio“ habt ihr mit Alexander Heinrichs einen Tutor der sein Handwerk beherrscht, sein Wissen ungeschminkt weitergibt und der einiges an Erfahrung in Sachen „Lehrvideo“ vorweisen kann.

Ein Manko an dieser Scheibe zu finden ist daher entsprechend schwer und das einzige was mir etwas zu kurz kam, war die Witzigkeit eines Pavel Kaplun beim Vortrag. Aber das ist Geschmackssache und die eher nüchternen Erklärungen von Alex sind mir genauso lieb. Besonders gefreut hat mich, dass auch mein guter Freund Rames Teil dieser DVD war und genau wie alle anderen Beteiligten einen Klasse Job gemacht hat!

Fazit

Egal ob Einsteiger oder Profi, „Fotografieren im Studio“ holt euch weg vom wetterabhängigen „Draußen-Fotografieren“ rein in gut durchdachte und gut vorbereitete vier Wände. Wer auch nur mit dem Gedanken liebäugelt sich ein Studio einzurichten, der sollte sich diese Scheibe auf jeden Fall vorher ansehen, denn selbst als Entscheidungshilfe sind die rund acht Stunden Spieldauer einfach genau richtig.

Wer wie ich den Schritt schon gemacht hat, der bekommt halt beim Anschauen seine Fehler aufgezeigt und genießt dann einfach ein paar tolle Setups zum nachmachen. Kurzum, die Scheibe gehört in euren Schrank für Standard-Werke.

[bewertung]

Symptome

Das etwas nicht ganz richtig läuft sehen wir alltäglich und überall. Im großen bei Politikern, die anstatt Milliardenbeträge für Bildung und Rettung derer auszugeben, die zu Hunderten im Meer versaufen selbiges in die Rettung von Großkonzernen und Banken stecken. Man sieht es in der Gesellschaft, wo Notunterkünfte angezündet werden, wo den Menschen das Bienensterben scheißegal ist, Hauptsache es gibt Tomaten für 3 Cent das Stück (Anm. d. Autor: Übertreibung, die – Stilmittel) oder den Liter Milch für 30 Cent wobei die Tiere krank sind, stehend mehr sterben als leben. Man sieht es im kleinen, wo Kinder andere Kinder schlagen, das filmen und sich damit brüsten. Wo übergewichtige Mädchen aus Angst vor Mobbing und Repressalien nicht ins Freibad wollen und wo der „Ich klag euch den Hintern weg“-Wutbürger lieber auf Facebook bei Firmen-Gewinnspielen bei Rechtschreibfehlern einen Shitstorm aus der Taufe hebt anstatt zum Beispiel der alten Nachbarin beim Einkaufen mal etwas mitzubringen.

Wir verrohen. Wir versinken in Sexualisierung, Wortklaubereidebatten und Untätigkeit gegenüber derer Dinge, die wirklich richtig schief laufen. Wir feiern Steuerhinterzieher als Vereinsbosse, weil sie viel für den Fussball getan haben und verachten im gleichen Atemzug einen Fussballer für seine Arroganz obwohl dieser in seinen jungen Jahren schon zwanzig mal so viel für Charity ausgegeben hat als Neureiche-Prolofamilien die bei uns Werbung für Stromanbieter machen. Wir feiern und teilen Texte von Künstlern die „wissen wer der Babo“ ist anstatt darüber nachzudenken, warum wir statt dessen unseren Kindern nicht beibringen zu singen zu tanzen und zu lachen.

Das alles und noch so unendlich viel mehr läuft schief. Ihr seht es. Jeden Tag.

Das Geschwür

Die Krankheit die uns Umgibt, Einhüllt und Vernebelt heisst nicht Armut.Sie heisst auch nicht Verbrechen oder Hass. Das Geschwür dass uns in seinem abartigen Griff hat heisst Empathielosigkeit. Wir haben das Mitleid verloren und die Fähigkeit sich in andere hineinzuversetzen und zu erkennen, was unsere Taten für die anderen bedeuten und welche Konsequenzen sie haben. Das fängt bei den Kleinsten an, die achtlos Insekten quälen (im besten Fall, denn aktuell quälen sie lieber ihre Artgenossen), Pflanzen ausreißen und anderer Leute Eigentum zerstören. Mutwillig. Niemand hat ihnen beigebracht, dass jedes noch so kleine Leben kostbar, wertvoll und wichtig ist und so zünden sie Tierbabys lieber an, als sie gesund zu pflegen und zu peppeln. Eine Stufe größer, in der Schulzeit in der sich alle Weichen für die Zukunft stellen, prügeln sie sich, unterdrücken einander in alltäglichen kleinen Gesten und Verhaltensweisen vom Mobbing bis zu Gewaltakten. Noch eine Etage höher fehlt ebenfalls die Empathie und so wird weggesehen und in Einzelfällen dieses Verhalten nicht nur vorgelebt sondern aktiv gefördert und verstärkt. Das einzig gute daran? Es gibt Hoffnung!

Heilung

Die einzige Aussicht auf eine Gesundung bietet euer Verstand und die Chance, Empathie zu erlernen. Ja, richtig. Empathie ist erlernbar. Schmerzhaft und am eigenen Leib aber erlernbar. Ihr könnt euch in Gedanken in einen Menschen hineinversetzen, den ihr gerade noch verlacht habt, weil er stürzte. Ihr könnt sehen, dass er vielleicht verletzt ist und helfen. Damit tut ihr euch nicht nur selbst einen Gefallen sondern lebt anderen auch noch vor, wie es sein sollte. IHR ALLEIN habt die Macht euren Kindern zu lehren, dass es absolut katastrophal ist, wenn tausende Menschen aus ihrem Leid flüchten und wenn sie nicht dabei ertrunken sind, vor brennenden Notunterkünften stehen. Das es nicht nur eine Tragödie für die Einzelnen ist, sondern das Totalversagen der kompletten Menschheit und Menschlichkeit. Seid Menschen. Lernt Mitleid. Lebt es. Lebt es vor und wir alle haben eine Zukunft.

Möglichst viele Leiden kraftvoll in Freuden zu verwandeln, das ist das rechte Mitleid. (Friedrich Lienhard)

Wer ist eigentlich Ralph?

Von Ralph Man selbst habe ich noch nie etwas gehört, aber ich habe mir schon gedacht, das Paddy einen triftigen Grund hat, mit ihm so eine Masterclass aufzuziehen. Diese Vorahnung hat sich im Nachgang zum Tutorial auch bestätigt. Ralph ist ein Perfektionist, wenn nicht sogar Pedant, wenn es um Lichtsetzung, Lichtformung und Schattenbildung im Studio geht. Er betreibt sein Business nun schon seit knapp Zwanzig Jahren. In der Masterclass stellen er und Paddy diverse Lichtformer vor, bewerten Vor- und Nachteile und zeigen zu jedem Lichtformer auch einen kurzen Foto-Shoot und die daraus entstandenen Ergebnisse. Das gilt aber nicht nur für Blitze, sondern auch für diverse Dauerleuchten. Das Tutorial richtet sich somit an Menschen die schon Erfahrung im Umgang mit Blitz und Dauerlicht haben und nun ihre Fähigkeiten deutlich verfeinern und mit Kreativität versehen ausbauen wollen.

[youtube 0h3oSayx25Y]

Inhaltsstoffe

In folgenden Kapiteln mit etwas mehr als 6 Stunden Spielzeit und einem Download-Umfang von knapp 5GB bekommt ihr die Fokussierung aufs Licht vermittelt:

• Intro
• Sonnenlicht mit der Hardbox
• Hardbox Lite
• Normalreflektor
• Magnumreflektor
• Mola Beamm
• Umbrella Depp Silver M
• Giant Silver 210
• RingblitzSoftbox / Striplight
• Faltbarer Beauty Dish
• Beauty Setup
• Beauty Setup – Variationen
• Kino Flo Diva LITE
• CINE Reflektor mit Fresnellinse
• Dedolight Spot DLH650
• Filmlicht mit kleinen Dedolights
• Creative Shooting – Komplementärfarben
• Creative Shooting – Flares
• Creative Shooting – Unschärfe
• Capture One
• Epilog
• Bonus – Profoto Air Remote TTL

Wie ihr seht bekommt ihr also eine ganze Menge geboten und wenngleich sich das Inhaltsverzeichnis liest wie ein Lampenkatalog, kann ich euch schon im Voraus meiner Rezension versprechen, dass euch viele von Ralphs und Paddys Setups begeistern werden. Ich habe erst kürzlich wieder ein Setup aus einem von Paddys Tutorials nachgestellt und das Ergebnis kann sich sehen lassen:

Kann Spuren von „banal“ enthalten

Direkt nach dem Intro, welches wie die ganze Masterclass locker aber on Point gehalten ist, geht es in die Vollen und Ralph zeigt, wie unglaublich viel er von Licht, Schatten, Model-Bewegung und Workflow versteht. Dabei bedient er sich, wie er selbst sagt, an ganz „banalen Mitteln“ um zu einem tollen Ergebnis zu kommen. Mit dem wunderschönen Modell Akvile (und weiteren) und der laxen Art von Paddy vermittelt euch Ralph sein Wissen und es gibt gefühlt aller zwei Minuten neben diversen Do’s und Dont’s richtig geile kleine Kniffe und Tricks. Ich sag nur „Auspuff-Lack“! Dabei ist es natürlich dem Gusto des Zuschauers überlassen, ob er eher hartes oder weiches Licht bevorzugt. Aber das Ergebnis stimmt.

Was ich aus der Masterclass mitgenommen habe ist auf jeden Fall die Lust auf mehr Sorgfalt bei der Lichtsetzung und den Schatten, sowie eine neu entflammte Leidenschaft für den Standard-Reflektor, welchen ich wohl bis dato total unterschätzt habe. Ralph und Paddy haben mich eines besseren belehrt und zeigen in der Masterclass wie vielseitig selbst diese 08-15 Dinger sein können.

Fazit

Was die Charakteristiken von Licht und Schatten ausmacht, worauf man achten muss und wie sich das Licht schon durch kleine Veränderungen, Fehlerchen und Modifizierungen massiv ändern kann, das verklickern euch zwei Profis so, dass ihr es versteht. Insbesondere was das Zusammenspiel von Lichtrichtung, Posingrichtung und Positionierung des Fotografen angeht, habe ich festgestellt, dass ich bisher im eigenen Studio noch einiges falsch mache. Ralph und Paddy öffnen euch hier die Augen und machen euch fit. Obendrauf gibt es einen Boost für eure Kreativität und einen Einblick in Capture One, welches ich selbst nun auch schon seit einigen Wochen als bestes Tethertool für mich entdeckt habe. Letztendlich bleibt euch meiner Meinung nach dennoch bei vielen Lichtformern nur, sie zu leihen, auszuprobieren und für euch zu evaluieren. Am besten gefallen haben mir persönlich die Kapitel um den Normalreflektor, den Deep Silver und die Kreativ-Titel.

Kritik gibt es natürlich auch. Mir fehlt in diesem Tutorial ein wenig der Low-Budget Ansatz. Wenn ich schon einen Lichtverrückten wie den Man im Tutorial sehe, hätte ich mir ein eigenes Kapitel darüber gewünscht, wie man mit den günstigsten Mitteln zu vielseitigem und eindrucksvollen Licht kommt. Zwar streut Ralph so etwas immer mal wieder ein, aber wie gesagt, ich hätte es mir als eigenes Kapitel gewünscht. Außerdem gibt es immer mal wieder Momente, wo Paddy und Ralph vor dem Tether-Rechner stehen und um ein gerade aufgenommenes Bild murmeln, ohne dass man als Zuschauer wirklich weiss, worum es geht, bzw. was gerade das Problem ist, welches das „gemurmel“ verursacht. Diese Situationen gibt es aber relativ selten und so ist die „Light Masterclass“ nicht nur ein würdiger Nachfolger von „Wie ich blitze“ sondern ein richtig schönes Wissens-Komplettpaket mit allem was zur Arbeit mit Licht, Schatten, Modell und Lichtformern im Studio gehört. Ergo: 45 sehr gut investierte €uro!

[bewertung]

Wer Foto-Shoots mit tollen Kleidern oder schicker Wäsche machen möchte hat in der Regel nur drei Optionen. Zum einen kann man Glück haben und das Modell hat was tolles im Schrank. Meistens ist dem aber nicht so, oder das Kleidungsstück passt nicht recht zur Idee oder wurde schon oft fotografiert. Zweite Möglichkeit: man geht schön einkaufen. Aber auch hier setzt das meist knappe Budget das Limit. Last but not least und zumeist noch teurer – die Maßanfertigung. Es gibt viele Menschen die sehr talentiert Kostüme oder Kleider order spezielle Unterwäsche fertigen. Die kosten aber eben auch ihr gutes Geld. Bei wishrent habt ihr nun noch eine weitere und sehr clevere Option. Wishrent ist eine Plattform ähnlich wie eBay, nur dass es dort um Accessoirs, Kostüme, Kleider und so weiter geht und die guten Stücke eben nicht verkauft sondern für eine gewisse Zeit vermietet werden.

Die in Englisch und Deutsch verfügbare Seite bietet neben LARP-Kostümen auch Requsiten, „normale“ Kleidungsstücken und Bastelzubehör auch Requisiten und Kulissen-Elemente. Den Hauptteil machen aber eher die Headpieces aus, bei denen es durchaus beeindruckende Teile zu mieten gibt. Und das ganze für etwa 10-30€ pro Woche, je nach dem, was man halt nimmt. Das ist kein Preis wie ich finde. Diese Seite ist noch relativ klein, hat aber unheimliches Potential etwas ganz großes zu werden. Dafür ist es nicht nur wichtig, dass ihr, so ihr denn tolle Kleidungsstücke besitzt, an der Plattform teilnehmt oder kräftig die Werbetrommel rührt um als Mieter auch von einem üppigen Angebot zu profitieren. Die Seite selbst bietet neben der Sortierung der Kategorien, der üppigen Filter und sogar der Budget-angepassten Suche auch noch ein weiteres tolles Feature, die Kartenansicht, mit welcher ihr Versand sparen könnt und direkt in der Umgebung nach Outfits schauen könnt.

Herz was willst du mehr. Bei den Anbietern sind auch einige bekannte Leute, wie zum Beispiel Jamari Lior, die für ihre extrem tollen Kostüm-Fotos bekannt ist. Ich empfehle also, sich schleunigst anzumelden und mitzumachen, die Mitgliedschaft ist kostenlos und es lohnt sich für alle!

Die #1und1HWL fand diesmal in Köln statt und wie auch beim letzten Mal stand nicht nur Futtern und Feiern auf dem Plan, sondern auch ein paar schicke Stücke Hardware. Die anwesenden (vorwiegend Tech-)Blogger durften sich diesmal das Huawei P9 Lite und das Huawei Band (Bo) ansehen und natürlich bei den Kollegen von 1und1 und Huawei Fragen stellen, die auf der Seele brannten.

Foto: Salomé Weber (1und1)

Natürlich begann das Ganze auch hier in einem freundschaftlichen, lockeren Rahmen, mit Haribo-Schnucktüten, Käffchen und Gebäck. Wenngleich ich Marcel D’Avis etwas vermisst habe und auch der Huawei Spezialist für das P9 Lite am Eventtag verschütt gegangen ist, war die Präsentation interessant und ich werde mir das Gerät jeden Fall näher ansehen. Natürlich mit Hauptaugenmerk auf die Kamera. Die Präsentation endete im Tauschgeschäft („Ich hab weiss, hat jemand Gold?“ – „Nö! Gold is best!“) und in richtig guten Gesprächen mit Menschen, die man eigentlich viel öfter Face to Face sehen wollte.

Foto: Salomé Weber (1und1)

Futtern und Feiern

Zu eben jenen Menschen gehören unter anderem Gilly,Frank und Charles , welcher erst später zur Truppe dazu gestoßen ist, aber für mich ein richtig guter Freund ist. Vom Konferenzraum im wirklich schönen, gemütlichen und sauberen Hotel „et cetera“ ging es dann direkt mit der ganzen Meute zum Burger futtern ins „the bird“ – ein Burgerladen den ich noch aus Berlin in gutem Gedächtnis hatte. Auch in Köln hat dieses Lokal nicht enttäuscht. Biersorten für jeden Geschmack, leckere Weine und, wie sollte es anders sein, fantastisch gute Burger und Steaks garniert mit freundlichem Service und netter Bedienung.

Apropos Bier. Ich habe mich bisher immer vor Kölsch gedrückt und natürlich auch den üblichen Scherzen gefröhnt. Kölsch – oder wie wir in Bayern sagen, Luftbefeuchter, wurde mir immer als eher wässrige und eher geschmacklose Brühe beschrieben, außer von den Kölnern. Ob sich das bewahrheitet hat oder nicht, berichte ich zu einem späteren Zeitpunkt noch. Doch so viel sei gesagt, es war an diesem Abend nicht mein letztes Kölsch.

Lange verweilt wurde nach dem Essen im „the bird“ nicht, denn, wie es Tradition auf der #1und1HWL ist, es wartete eine Band mit einem Exklusiv-Konzert auf uns. Der Hauptact der heurigen Veranstaltung war die Alex Mofa Gang. Die Jungs aus Berlin wurden extra für uns eingeflogen und lieferten eine richtig geile Live-Show im King Georg Club ab!

Der Club, an sich mehr Bar als Tanzfläche, war die perfekte Kulisse für die Gang. In geselliger Athmosphäre mit ein paar schönen Zoten der Musiker ging es so in die Nacht und wenngleich der Musikstil der Gang, eine Art gewollter Punk, welcher aber als Pop im Ohr ankommt, nicht so meins war, gerockt haben die fünf Jungs auf jeden Fall.

gefühlte 74 Kölsch

Nach dem Konzert ging es für die Meisten zurück ins Hotel, jedoch nicht für mich und ein paar weitere Nachtschwärmer, denen es offensichtlich wohl behagte, mal wieder eine Feiernacht durchzubringen in die „Scheinbar„. In diesen kleinen Laden habe ich mich auf Anhieb verliebt. Nicht wegen der ziemlich puffrot gefärbten Athmosphäre oder der wirklich bequemen Lounge-Bestuhlung.
Sondern wegen dem Personal. Zwei Jungs hinter dem Tresen, einer gibt Getränke aus, der andere legt auf zwei Plattentellern auf engstem Raum geschmeidig Vinyl unter die Nadel und hatte an diesem Abend (und so läuft das da sicher jeden Abend) ein unheimlich geiles Gespür für Musik, Abmische und den Musikgeschmack seiner Gäste. Ein geiler Sound jagte den nächsten und es ging über den original „The Professional„- OST von 1981 zurück in die siebziger,sechziger und Retoure zu AnnenMayKantereit. Ein Auf und Ab der musikalischen Gefühle an diesem Abend, nicht zuletzt verursacht vom tollen Feingespür dieses Plattenjongleurs.

Chapeau!

Nebenbei habe ich gefühlte 74 Kölsch konsumiert, war natürlich auch ein wenig angeheitert, aber von einem echten Rausch weit entfernt. Kölsch schmeckt, aber Leicht und Locker, wie eben jene Nacht. Ich kann verstehen, dass dieses Getränk bei den eingeborenen hohes Ansehen genießt, denn es schmeckt durchaus wie ein Auszug aus Kölns Nachtleben. Leicht, unverfänglich und gut im Gefühl. Für mich jedoch darfs zum einen deutlich mehr Schlagkraft sein und eben auch deutlich kräftiger im Geschmack.

Was bleibt ist eine tolle Erinnerung, ein glorreicher Abend, ein „Ich will zurück“-Gefühl und ein Hype um die #1und1HWL der einfach nur berechtigt ist. Ich freue mich jetzt schon auf das nächste Mal und sage hiermit auch DANKE an alle Organisatoren und gute Event-Feen!

Foto: James Allen Stewart

Beim Einstieg in die Fotografie wird vielen Jungfotografen immer wieder die Wichtigkeit des Bildaufbaus eingetrichtert. Oftmals verstehen diese nicht mal den Grund dafür und oftmals fehlen ihnen auch die Mittel zur richtigen Bildgestaltung. Der goldene Schnitt, die Drittel-Regel, Linienführung und goldene Spirale sind harte Basics, die aus alten Tagen der Fotografie stammten und bis heute auch als harte Basics an die technischen Nachkommen weiter gegeben werden. Sieht man mal von den „Anarchie-Fotografen“ ab, denen jede Regel von Grund auf egal ist, gibt es aber noch einen anderen Weg. Einen Mittelweg, ein Kompromiss zwischen Chaos und altem Dogma. James Allen Stewart ist einer der Reformer, die seinen Jüngern diesen Mittelweg aufzeigen und den alten Gesetzmäßigkeiten der Bildgestaltung einen neuen und in meinen Augen auch nötigen Anstrich verpassen. Denn Geschmack ändert sich, Empfinden für Ästhetik ändert sich und so ist es nur richtig dass man auch in der Fotografie neue Gesetzmäßigkeiten einbringt. Was James euch zu sagen hat? Das:

[youtube zkxLh4op_oo]

Für mich ist das genau richtig. Ich pfeiffe mitunter auch auf Regeln wie „man schneidet keine Hände an“ oder „niemals durch die Stirn croppen“ oder ähnliches. Aber ich bin ein Spießer und für mich funktionieren Dinge meist nur dann, wenn sie klaren Gesetzen folgen. In diesem Fall empfinde ich die neueren Herangehensweisen an den Bildaufbau und die Bildgestaltung als richtig und gut und schaut man sich James Bilder an, dann merkt man, dass sie einfach funktionieren. Sie bannen und laden zum verweilen ein. Genau das will man. Wie seht ihr das?

Last but not least: gönnt euch einen Blick auf seine Website mit vielen Artikeln die lesenswert sind!

Ich habe in Lightroom schon einen gewissen Informationsstand erreicht gehabt, bevor ich mir diese beiden Trainings angesehen habe. Zwar nutze ich wirklich einen unbedeutenden Teil der Software, aber der Teil, die RAW-Entwicklung nämlich, sitzt bei mir. Ich kenne aber viele, die Lightroom zwar besitzen, aber den Umgang mit dieser durchaus umfassenden und mächtigen Software scheuen. Daher bietet es sich für diese Kollegen durchaus an, ein umfassendes Einsteigertraining anzusehen, wie „Lightroom 6 und CC – das umfassende Training“ von Maike Jarsetz und den lieben Kollegen im Rheinwerk-Verlag!

[youtube eBZf9BQbhWw]

Maike Jarsetz, die mir persönlich als Tutorin nicht ganz so gut taugt, ist dennoch eine der besten auf dem Gebiet der Arbeit mit Lightroom. In dreizehn Kapiteln mit etwa zehn Stunden Spielzeit klopft die Tutorin die Basics von Lightroom durch. Von A wie „Anfangseinstellungen“ bis Z wie „zum Druck freigeben“ paukt euch Frau Jarsetz alles ein, was ihr über Lightroom wissen müsst. Folgender Stoff wird behandelt:

• 1. Lightroom-Wissen für Einsteiger
• 2. Die ersten Schritte in Lightroom
• 3. Fotos in den Katalog importieren
• 4. Von der Bilderflut zur Bildorganisation
• 5. Wichtige Korrekturen für alle Bilder
• 6. Entwicklung auf das Motiv abstimmen
• 7. Höchste Kontrolle bei der Entwicklung
• 8. Karte-Modul und GPS-Daten
• 9. Diashows und Webgalerien
• 10. Eigene Fotobücher produzieren
• 11. Fotoabzüge selbst ausdrucken
• 12. Bilder exportieren und veröffentlichen
• 13. Das Katalogprinzip von Lightroom

Die besten Kapitel sind hierbei jene, die sich um die Organisation der Bilder und den Lightroom-Katalog drehen. Diese beiden Grundsätze von Lightroom machen die Software nicht nur aus, es sind die wohl am wenigsten genutzten und durchdrungenen Themen bei Einsteigern. Ich nutze bisher Adobe Lightroom eigentlich nur zum Import meiner Speicherkarten aus Foto-Shoots und um danach eine schlichte kleine RAW-Entwicklung durchzuführen. Alles weitere passierte bei mir bisher in Photoshop. Besonders in das „Buch mit sieben Siegeln“, den Lightroom Katalog bringt die Tutorin Licht. Wie baut man schnelle Kataloge, wie verwaltet man Katalogdateien und was muss man rund herum noch wissen – das alles wird ausführlich und verständlich behandelt. Es hat mich immer ein wenig gestört, dass ich ein so mächtiges Programm wie Lightroom nicht mal zu einem Prozent nutze und somit eben viel Potential für schnelle, stimmige und sinnvolle Arbeits-Workflows für meine Bilder verschenke. Genau an dieser Stelle setzt das „umfassende Training“ von Altmeisterin Maike Jarsetz an.

Wer dieses Training gesehen und nachgeklickt hat, der hat nicht nur für kleines Geld viel Wissen erworben sondern kennt sich anschließend deutlich besser mit Lightroom aus – zumindest war das bei mir so.

[bewertung]

Mit Mike Jarsetz zeigt im Tutorial „Lightroom 6 und CC – das Profi-Training“ eine Könnerin ihres Faches, was die Software alles drauf hat. Das bedeutet nicht nur, dass ihr mit Lightroom von der RAW-Entwicklung weg bis hin zur Retusche arbeiten könnt, sondern eure Fähigkeiten und euren Workflow in Sachen Lightroom Katalog, Bildverwaltung, Suche, Druckaufbereitung und vielem mehr erweitern könnt.

[youtube w3MitrJ7WyQ]

Dabei geht es in diesem Training aber nicht mehr um die Basics von Lightroom sondern eher um die fortgeschrittenen Kniffe, Tricks und Workflow-Beispiele die euch eine Menge Zeit sparen können. In insgesamt 11 Kapiteln mit einer gesamten Spieldauer von etwa neun Stunden werden dem bereits versierten Lightroom-Anwender vielseitige Tipps und Workflow-Vorschläge an die Hand gegeben, die das fotografische Leben leichter machen sollen. Folgende Inhalte werden vermittelt:

• 1. Zehn Lightroom-Tipps, die das Leben leichter machen
• 2. Der effektive Workflow für die Entwicklung
• 3. Der Lightroom-Workflow im Studio
• 4. Mit dem Lightroom-Katalog unterwegs
• 5. Lightroom mobile im produktiven Einsatz
• 6. Der Weg zum eigenen Bildstil: Vorgaben und Looks
• 7. Porträtfotos auf den Punkt entwickeln
• 8. Natur und Landschaften inszenieren
• 9. Architektur- und Streetfotos entwickeln
• 10. Lightroom und Photoshop im Zusammenspiel
• 11. Intelligente Bildarchive und Backup-Strategien

Besonders wichtig und interessant waren die Kapitel rund um das mobile Lightroom, die Entwicklung eigener Presets und die Zusammenarbeit von Photoshop und Lightroom, denn das ist der Hauptanwendungsfall bei mir. Die Tutorin zeigt in den Kapiteln genau, wie man seinen bisherigen Lightroom Workflow optimiert und auf seine eigenen Arbeitsweisen unterstützend anpasst. Insbesondere war für mich das Kapitel „Lightroom mobile im Produktiven Einsatz das beste Kapitel, denn ich verbringe unheimlich viel Zeit unproduktiv in Bus und Bahn und genau da bringt Maike Jarsetz viel Zeit und somit Geldersparnis an den Mann und die Frau. Spannend auch sind die vielen kleinen Tipps, die die Tutorin unter der Hand mal fallen lässt. Beispielsweise dass man die ALT-Taste gedrückt halten sollte, während man beim Detailschärfen maskiert um genau zu sehen was geschärft wird.

Fazit

Abseits des Fakts, dass ich Maike Jarsetz stimmlich als Trainerin eher nicht so gerne höre, muss ich sagen dass dieses Training mit Abstand das Beste ist, was es für Anwender gibt, die mit Lightroom schon fit sind. Wer also Lightroom zwar nutzt, aber sich immer schon gefragt hat, wozu man denn Lightroom und Photoshop zusammen braucht, der hat, wie auch ich, Schwächen im Workflow. Diese werden durch das tolle Rheinwerk-Tutorial hier eleminiert und es wird ein solider Workflow für ein tolles Programm vermittelt.

[bewertung]

Damit ich in meiner neuen Bilderschmiede auch richtig kreativ werden kann, steht aktuell in jeder freien Minute Weiterbildung in Sachen „Blitzen im Studio“ auf dem Plan, denn meine bisherige Erfahrung mit Blitzlicht ist gleich Null. Als erstes habe ich mir daher ein Tutorial für die blanken Basics angesehen. Wie gut Patrick Ludolphs „Wie ich blitze“ wirklich ist und was ich aus dem Video mitgenommen habe, möchte ich euch in dieser Rezension vermitteln.

Foto by http://neunzehn72.de/

Paddy erklärt euch in ca 3,5h und 31 Kapiteln alles was ihr rund um das Thema zum Einstieg wissen müsst. Er erklärt den Unterschied zwischen Aufsteckblitzen, Studioblitzen und diversen Lichtformern ebenso humorvoll und technisch versiert, wie die Mathematik hinter dem Licht. Das Quadratgesetz des Lichtes war mir nie so geläufig. Obwohl ich ein Mathe-Abi mit 5- habe, hat Paddy es geschafft mir diesen arithmetischen Bullshitganz easy mit guten Beispielen zu erklären – also keine Angst davor
Insbesondere gut gefallen hat mir bei diesem Tutorial, das der Lehrmeister auf alle Eventualitäten des künstlichen Lichtes eingeht und euch eine Lösung für diverse und vielseitige Problemstellungen zeigt.

Foto by http://neunzehn72.de/

Obendrauf, sozusagen als Goodie gibt es noch ein paar Tricks an die Hand. Wie bekommt man Reflexionen auf Brillengläsern weg, wie man einen Porty-Look erzeugt oder wie man Bewegung einfriert, das und mehr behandelt Paddy ebenso in seiner Blitzstrecke, wie die verschiedenen bekannten Licht-Setups wie etwa das Rembrandt-Licht.

Fazit

Jede Menge Know-How, eine ordentliche Hand voll Tricks und nen Stapel Set-Ups zum hier-essen – das bekommen Käufer dieses Tutorials und das macht es auch gleichzeitig aus. Das ganze wird mit Witzpräsentiert, nicht mit zu viel Tech-Blabla überladen und mit tollen „Belegfotos“ ausgestaltet vorgetragen. Ihr könnt also bedenkenlos zuschlagen! Für alle denen das Geld nicht ganz so locker sitzt, Paddy hat hier etwas für euch Ich werde in den nächsten Regentagen auf jeden Fall das eine oder andere Setup aufbauen und nachstellen und versuchen, das Know-How zu replizieren, dass ich aus dieser Videostrecke mitgenommen habe.

Gesagt getan und so war ich letzten Freitag mit Fredster Fotografie, dem tollen Male Model Marcel Kötter und dem Female Model Ananda aka. Aysa auf Foto-Tour in Frankfurt. Die Ergebnisse von Marcel präsentiere ich euch später, hier kommt erst mal Aysa! Film ab – apropos Film, für die analogen Rollen, die bei der Tour entstanden sind, wird es auch noch mal einen extra Post geben :>

Das Shooting mit Saskia war nämlich nicht der einzige Anlass, zu dem wir miteinander die Natur unsicher gemacht haben. Ich habe mich zum ersten mal bei einem Shooting professionell filmisch begleiten lassen um euch einen richtigen Eindruck davon zu vermitteln, wie es bei mir im Fotoshooting zugeht. Wer mit mir fotografisch arbeitet, kann sich quasi auf einen lockeren, lustigen Spaziergang mit vielen Bildern einstellen und besonders der Spaß kommt nicht zu kurz. Aber bevor ich hier weiter stümperhaft anmoderiere, übergebe ich euch in Martins Profi-Hände und kann euch nur empfehlen, den Kerl hier zu abonnieren! Film ab:

[youtube KDDPU3IuKPA]

Wir hatten dabei nicht nur verdammt viel Spaß, sondern wurden noch von einem charmanten jungen Herren begleitet. Doch dazu gibt es heute noch einen weiteren Artikel. Hier kommen also nun unsere Ergebnisse. Viel Spaß beim anschauen!

Wenn man umzieht, dann kann man was erleben – es beginnt im Vorfeld beim Ausmisten! Was da vor einem Jahr alles an jahrzehntelang gehorteten, aber vergessenen Schätzen zum Vorschein kam, waren unter anderem diese Kameras:

Vorstellungsrunde

Oben liegt eine Canon, Prima Super 115. Sie war eine unserer Vorgängerinnen der heutigen Nikon D 5000. Sie war mein Liebling, bis eine neue Liebe sie verstauben liess – mitsamt dem angefangenen Film in ihrem Inneren. Im Grunde genommen war ich schon gespannt, was ich denn da vor weiss nicht wie vielen Jahren auf Film gebannt hatte – aber die Batterie war leer. Und so blieb sie auch am neuen Wohnort zuerst mal liegen – immerhin schön ausgestellt zusammen mit ihren noch älteren Verwandten.

Auf dem Bild liegt rechts von ihr meine allererste Kamera. Mein Vater schenkte sie mir, als ich ungefähr 10 Jahre alt war. Es ist eine Stafetta und da steht noch dabei „Made in West-Germany“. Gehört wohl zur Familie der Vredeborch-Kameras. Das Alter schätze ich demzufolge auf etwa 50 Jahre.

Unten liegt die braune Kamera, welche meinem (leider vor einem halben Jahr verstorbenen) Vater gehörte. Jetzt kommt der Clou: sie ist meine Namensvetterin! Ein in Deutschland meist unbekannter, in der Schweiz umso geläufiger Vorname: Regula! <3 Lustig ist, dass ich über Google erfuhr, dass sie (Zitat) „mit knapp 5 Mio. gebauten Kameras zu den erfolgreichsten deutschen Kameraproduzenten der Nachkriegszeit gehören“. Eine in Deutschland produzierte Kamera mit einem typisch Schweizer Vornamen und dazu war der Start dieser Regula-Serien dasselbe Jahr, wie mein Geburtsjahr. Dieses wüsstet ihr nun gern, was? Selber nachlesen!

Dann folgt oben links eine ganz spezielle Kamera, genannt Swissbox! Sie gehörte meinem Grossvater. Sie entspricht, ausser der Farbe genau diesem Modell. Ich vermutete, sie sei etwa 100 Jahre alt, aber das Internet teilt mir mit, dass die Baujahre so um 1940 liegen.

Ich präsentierte diese besonderen Kameras in unserem neuen Zuhause und fragte mich insgeheim, ob sie wohl noch funktionstüchtig wären. Hier in unserem Bürozimmer liegen sie im Hintergrund auf dem Eckmöbel, zusammen mit anderen historischen Gegenständen.

Da würden sie heute noch unbenutzt liegen, hätte da der Ben auf blendstufe.de nicht eine Frage geteilt und zwar die, ob hier Leute wären, welche das analoge Fotografieren für sich entdeckt hätten. Mir fielen meine Kameras ins Auge – und ich fasste den Entschluss, mich in mein persönliches „Analog-Abenteuer“ zu wagen. Ich wollte die Kameras zu neuem Leben erwecken.

Das analoge Abenteuer kann beginnen!

Das Abenteuer begann, indem ich alle 4 Kameras einpackte und sie zwei Mitarbeitern in einem Luzerner Fotogeschäft präsentierte. Das sei ein Abenteuer, meint ihr? Also ich begann da schon ein bisschen zu schwitzen, weil ich nicht wusste, ob die mich auslachen würden, wenn ich ihnen derart alte Kameras mit der Bitte vorlegen würde, sie mit Filmen zu bestücken. Wie würden sie reagieren? Ich war eigentlich leicht enttäuscht darüber, dass sie nicht in laute Bewunderungsrufe ausbrachen, sondern die Kameras nüchtern betrachteten, so als ob ihnen jeden Tag 80-jährige Nostalgiestücke vorgelegt würden.

Das Abenteuer würde mich viel Geld kosten, das erahnte ich in diesem Geschäft. Die Canon, Prima Super 115 erhielt neue Power durch Batterien und die Stafetta und meine Namensvetterin Regula Filme. Dies kostete mich insgesamt ca. Fr. 50.—

Leider konnten die Mitarbeiter keinen Film für die Swissbox auftreiben – auch nicht online. Ich gab mich diesbezüglich nicht geschlagen, sondern fragte per Facebook und Twitter, ob mir jemand einen Tipp hätte, wo ich einen 127er Film kaufen könnte, denn ein solcher würde die Swissbox benötigen. Ich erhielt einen YouTube link, zum Zuschneiden eines Films, aber das traute ich mir dann doch nicht zu – und zudem hätte ich extra einen Zigarrenschneider kaufen müssen.

Ich erhielt dann schlussendlich einen Linktipp für eine Firma, welche ich hier nicht namentlich nennen will, denn ich war unzufrieden mit ihnen und möchte keinen Rechtsstreit riskieren. Für einen 127 Film haben wir rund 15 Euro auf ein deutsches Konto einbezahlt. Von der Schweiz aus. Den Film haben wir extra an eine deutsche Lieferadresse bestellt, damit nicht noch teurere Versandkosten anfallen würden. Der eigentliche Warenwert betrug rund 8 Euro.

So stand es in der Rechnung:
Nettosumme Warenwert: 7,98
Die Versandkosten betragen: 4,19 EUR
Die Mehrwertsteuer beträgt: 2,32 EUR
Die Rechnungssumme beträgt somit: 14,49 EUR.
Dies Rechnungssumme von Euro 14,49 haben wir bezahlt.

Doch dann forderten die plötzlich noch 5 Euro dazu, weil ihre Bank ihnen dies abgezogen hätte. Doch es ist ja nicht unsere Schuld, wenn eine deutsche Bank für eine Einzahlung aus der Schweiz 5 Euro belastet. Würde dies öfters vorkommen, so riet ich diesem Händler, sollen sie doch diese 5 Euro bereits auf der Rechnung für Schweizer Kunden aufführen. Aber ich hätte dann ganz bestimmt nicht bestellt. 20 Euro für einen Warenwert von 8 Euro – ohne mich. Ich stornierte den Auftrag und schaute mir erst dann die Kamera gründlicher an. Wie würde man den Film einlegen, wie weitertransportieren nach einer Aufnahme? Hm? Klemmt da nicht was? Ich suchte mit der Swissbox nochmals das Fotofachgeschäft auf und bat sie, die Kamera gründlicher zu untersuchen.

Das Ergebnis ist ernüchternd: sie ist zu verklemmt, als dass überhaupt ein Film eingelegt werden könnte und der Transport des Films würde nicht mehr klappen. Zudem sei es nicht sicher, ob die Box wirklich noch lichtdicht wäre. Es würde sich wohl niemand finden lassen, welcher eine solche Kamera zu einem zahlbaren Betrag reparieren könnte. Ich solle sie doch einfach an einem hübschen Ort aufstellen. Ja, das tue ich ja so oder so. Wäre nett gewesen, wenn ich sie hätte ausprobieren können – schade, geht das nun nicht mehr.
Die Canon, Regula und Stafetta hingegen bereiteten keinen Kummer und durften mit unserer Familie in den Skiurlaub nach Österreich mitfahren. Wie früher, als sie jeden Familienausflug begleiteten.

Nur zögerlich und mit Herzklopfen wagte ich es, die ersten Bilder auf die Filme zu bannen. Und schon begannen die ersten konkreten Fragen: wie tätige ich die Einstellungen? Erträgt die Kamera Gegenlicht? Wieviel Licht muss vorhanden sein? Ist dies wirklich ein gutes Sujet? Lohnt es sich, abzudrücken? Gerade bei dieser Frage, hörte ich plötzlich die Stimmen meiner Eltern im Hinterkopf: „Was hast du da wieder geknipst – nur Berge und Seen – hättest dir besser eine Postkarte gekauft, das wäre günstiger gekommen! Den Finger vor der Linse – und dafür bezahlen wir teuer. Knips nicht so gedankenlos in der Gegend herum – die Filme und die Fotoentwicklung sind ein teurer Spass!“ Natürlich hatten meine Eltern damals nicht bloss Kritisches zu sagen zu meinen Fotografien, aber es war mir schon stets präsent, dass Fotografieren ein teures Hobby ist und vor jedem Abdrücken fragte man sich, ob es sich wohl lohne. Diese Zeiten erlebte ich wieder – ein Zeitreisenabenteuer!

Bei meiner Kindheitskamera, der Stafetta, stellte sich die praktische Frage, wie weit ich nach einem Abdrücken vorspulen muss, denn sie besitzt keinen Hebel, sondern ein Rädchen, welches aber nicht nach einer gewissen Umdrehung blockiert.

Ich versuchte es anfänglich nach jedem Bild mit einer ganzen Umdrehung. Irgendwann aber entdeckte ich auf der Rückseite, dass die Kamera ja die Anzahl geknipster Bilder angab und ich weiterdrehen konnte, bis die neue Zahl erschien. Es gab mal eine Zeit vor über 40 Jahren, da war mir die Handhabung dieser Kamera geläufiger und ich fand das damals kinderleicht.

Im Gegensatz zur Nikon 5000, gibt es bei der Regula und Stafetta keine Zoomfunktion und das störte mich teilweise gewaltig. Wie oft wollte ich den Berg vor unserem Fenster fotografieren, wenn er sich in schönstem Sonnenschein schneebedeckt wie in einem Wintermärchen präsentierte, aber das doofe Dach des Nachbarhauses liess sich nicht wegblenden, weil ich den Berg nicht einfach näher „heranfahren“ konnte. Und die Frühlingsblume, welche aus dem Strassenpflaster und dem Schnee ihren Weg ans Tageslicht fand, hätte ich gern mit Makro fotografiert – doch näher als 1.5 Meter liessen mich weder Regula noch Stafetta ans Objekt ran.

Mit einer Digitalkamera kann der Fotograf jederzeit sein Werk begutachten: ist die Einstellung gelungen, sollte was verändert werden? Ich konnte bei meinen 3 Kameras keines der geknipsten Fotos sofort anschauen. Wie ungewohnt, dabei war das früher das Normale – man kannte nichts Anderes! Mache ich es wohl gut? Och – jetzt habe ich mit der Stafetta vergessen, das Rädchen nach einer Aufnahme zu drehen und nun sind wahrscheinlich zwei Bilder übereinander belichtet worden! Dreht der Film mit der Regula wirklich weiter oder meine ich das nur?

Lustig war es auch, mit solch „altmodischen“ Kameras unter vielen Leuten in der Stadt unterwegs zu sein. Bildete ich es mir nur ein, oder war dies ein anerkennender Blick eines älteren Herrn? Und dort der Bursche dort: schaut doch grad sehr interessiert rüber, ob er ein Nostalgiefreak ist? Aber der chinesische Tourist lächelt ein bisschen herablassend über die veraltete Technik der Schweizer.

Die „Babys“ sind da!

Dann das lange Warten auf die entwickelten Bilder – fast wie eine Schwangerschaft! Wann darf ich meine „Babys“ endlich in den Händen halten und sehen? Irgendwie war es ja schon auch schön in meiner Kinder- und Jugendzeit: man erlebte wundervolle, unvergessliche Ferien, hat ein paar wenige Bilder davon geknipst und den Film endlich fertiggekriegt (denn ein ganzer Film innert 14 Tagen zu verknipsen, wäre ungeheuerlich gewesen!), gab das Filmröllchen ab oder schickte es ein und wartete dann auf seine Entwicklung. Trafen dann die Bilder in jenen schönen Umschlägen ein, konnte man es kaum erwarten, sie sich anzuschauen und das Erlebte mit Freunden oder der Familie Revue passieren zu lassen. Es war wie ein Warten auf Weihnachten –aber ohne erwartungsvolle Vorfreude und Spannung fehlt doch Irgendwas heutzutage….

Dann trafen sie endlich ein – die Bilder. Zuerst diejenigen von meiner Kindheitskamera, der Stafetta: „mein Experiment ist gelungen“, sagte ich zum Mitarbeiter des Fotogeschäfts und entlockte ihm doch damit ein Lächeln. Ein paar Fotos waren nicht so aussergewöhnlich, eines unter- das andere überbelichtet, bei einem anderen hielt ich tatsächlich den Finger vor die Linse eine Detailaufnahme unscharf. Doch es hat ein paar darunter, welche als „Fotokunst“ durchgehen könnten. Sie entstanden in einer Kiesgrube im Nachbarort Stans. Das quadratische Kleinformat und die nostalgische Färbung erinnern mich an meine Instagram Bilder. Nicht alle Fotos sind genau gleich gross – sie wurden von Hand im Labor entwickelt und entsprechend stolz ist der Preis dafür: fast Fr. 40.—musste ich dafür hinblättern!

Bei den Fotos aus der Canon Prima Super 115 war ich besonders gespannt, weil der Film, der sich darin befand, unbekannten Datums war und ich nicht wusste, was ich vor Jahren bereits festgehalten hatte. Der Mitarbeiter des Fotogeschäfts warnte mich: wenn sich der Film zu lange in der Kamera befunden hätte, könnte er Schaden genommen haben, vor allem aufgrund der Temperaturschwankungen. Und prompt war ich zuerst enttäuscht und schockiert, als ich den sehr starken Rotstich der entwickelten Fotos sah. Und trotzdem hat sich auch dieses Experiment gelohnt, denn es befanden sich tatsächlich 10 Jahre alte Fotos darauf. Unser jüngster Sohn, damals etwa 3 Jahre alt, in den Spanienferien, beim Rennwettkampf um den schnellsten Beckenriederlauf vor etwa 7 Jahren, ein paar Kindergartenbasteleien von ihm. Die Erinnerung hat ein Lächeln auf meine Lippen gezaubert – und das war es mir die sowieso schon günstigen Fr. 9.—der Fotoentwicklung wert.

Die Fotos der Kamera meines Vaters, der Regula bewiesen mir, dass sich die Kamera an und für sich in gutem Zustand befindet, mir aber der Umgang mit meiner Namensvetterin fehlt. Die Lichtverhältnisse waren nicht immer einfach abzuschätzen und auch mit den Distanzen hatte ich meine Mühe. Ein paar wenige Aufnahmen sind gelungen und ein nächstes Mal wüsste ich besser, auf was ich mich achten sollte. Fr. 40.—kostete die Entwicklung der 26 Bilder.

Stafetta

Regula

Canon Prima

Als wir damals so über die analoge Fotografie geredet haben, sprachen wir über unterschiedliche Kameras, die Unterschiede in der Herangehensweise und über diverse Filme. Ich habe Florian von den hammergeilen Schwarz/Weiss-Filmen von Ilford vorgeschwärmt. Von Florian kam nur ein kurzes, knappes „analog fotografiere ich nicht schwarz/weiss„. Uff. Wie das? Wieso? Warum? Was? – Diese Fragen konnte mir Florian nicht so recht beantworten. Es war einfach sein eigenes Dogma. Nun gut, ich habe das damals nicht verstanden. Schwarz/Weiss sieht doch analog sehr geil aus, insbesondere durch die Körnung.

Bis zum ersten Shooting mit der Texas Leica habe ich nicht verstanden, warum man die monochromen Bilder lassen kann, wenn man analog fotografiert. In diesem Shooting sind Bilder entstanden, deren Farben mich total vom Hocker gerissen haben. Kräftig, lebhaft und dennoch nicht überstrapaziert. Dann bin ich meine Bilder mit der 35mm AE-1 durchgegangen. Siehe da, auch da fand ich die Farbbilder bestechender, attraktiver und einfach besser.

Fazit

Ich habe bei den meisten Shootings noch die Digitalkamera dabei um mir eben alle Freiheiten zu lassen, wenngleich es mich durchaus juckt, diese einzumotten und nur noch Analog unterwegs zu sein. Ich werde auch definitiv noch alle Rollen Schwarz/Weiss-Film verballern, die ich im Kühlschrank habe. Doch ab dann bleibe ich bei Farbe. Schwarz/Weiss-Fotos kann ich mit der digitalen Kamera fast genauso herstellen wie mit der Analogkamera, alleiniger Unterschied ist meiner Meinung nach die Körnung. Bei meiner Lieblingsart der Fotografie, den Available-Light Fotos bei Gegenlicht, macht Monochrom einfach auch nicht so viel her, wie das farbige Sonnenuntergangslicht auf Zelluloid. Daraus ergibt sich für mich: Analog gibts nur noch Farbe und sollte ich tatsächlich mal ein Schwarz/Weiss-Foto von einer Aufnahme brauchen, kann ich immer noch konvertieren. Wie das geht seht ihr auf meinem Youtube-Channel:

[youtube M6nAOV78n9E]

Beginnen wir mal bei der Haptik. Die so genannte „Texas Leica“ ist unheimlich groß. Ein wahres Monster mit mächtig Gewicht und gigantischen Dimensionen, für welches man fast eine eigene Fototasche braucht. Zum Glück habe ich davon einige

https://www.instagram.com/p/BCvLOLmkvqK/

Dazu kommt erschwerend, dass es sich bei dieser Kamera um eine so genannte „Messsucher-Kamera“ handelt, bei welcher das Scharfstellen komplett anders funktioniert, als man das bei SLRs kennt. Wen das etwas näher interessiert, der findet hier ein Video dazu. So viel sei von mir dazu gesagt: es ist sehr gewöhnungsbedürftig und in schwierigen Lichtsituationen eine echte Herausforderung, hat man aber einmal den Dreh raus, funktioniert es fantastisch. Ein echtes Problem dagegen ist das so genannte „Framing“. Schaut man durch den Sucher der „Texas Leica“, sieht man ein paar Linien, etwa wie Foto-Ecken, welche den Bildausschnitt angeben. Leider stimmen diese Linien selten mit der Realität überein und man muss mal ein oder zwei Bilder Darauf verwenden, um herauszufinden, welchen Bildausschnitt man denn nun tatsächlich fotografiert.

Absolut genial dagegen ist das 6×9 Format und die damit verbundenen sehr großen, detailreichen Negative. Diese haben mich einfach total begeistert und liefern eine bombastische Qualität ab. In Kombination mit dem richtigen Film, einem tollen Modell und coolem Licht oder einer schicken Location kann man mit der GW690 richtig geile Ergebnisse erzielen. Gegenüber meinem 35mm System schon etwas ganz anderes. Ich bin absolut begeistert von der Kamera, zufrieden mit dem Kauf und total gespant auf die nächsten Shootings. Doch nun hier ein paar Bilder.

Was sagt ihr? Wenn ich mich beim nächsten Shoot noch mehr auf das Modell und die Pose konzentriere, statt auf das Bedienen der Kamera, werden die Bilder noch mal deutlich geiler, glaube ich. Versteht mich nicht falsch. Die Canon AE-1 und der 35mm Film haben absolut ihren Charme und damit auch ihre Daseinsberechtigung, aber die „Texas Leica“ bietet einfach das geilere Format und die deutlich höhere Qualität. Aber seht selbst, denn dies sind die 35mm Aufnahmen aus dem gleichen Sooting:

Fazit

Die „Texas Leica“ hat einige Nachteile die mich sehr stören. Ein echt ekelhaftes Auslösegeräusch, die fetten und klobigen Dimensionen und das Framing, welches die Wahl eines Bildausschnittes nicht einfach macht. Außerdem bekommt man von jeder 120mm Rolle Film lediglich acht Bilder raus, aufgrund des 6×9 Formates. Dennoch ist die Fuji mit der Bildqualität einfach über jedes Manko erhaben und ich denke man „muss sich lieben lernen“, wie das bei so manchen alten Dingen ist. Die Bilder jedoch, sprechen für sich und eine ganz eigene Sprache. Wie seht ihr das?

P.s.: Vielen vielen dank an die Kollegen von MeinFilmLab, die hervorragende Entwicklungsarbeit bei den Filmen leisten und in Sachen Service unschlagbar gut sind! DANKE JUNGS (und Mädels!).

Ich hoffe ihr seid der englischen Sprache etwas mächtig, wenn nicht, genießt die Bilder

Matthew Lawless
[youtube ZdLh3Ri10GY]

Anastasia Petukhova
[youtube MKbekWrn4qo]

Julian Martin
[youtube 7fq8QVUhTjQ]

Brooks Sterling
[youtube 8iIYOJt-yiE]

Ich schaue diese Videos sehr oft, denn ich finde es interessant, was in den Jungs und Mädels vorgeht, die Film fotografieren. Deckt sich das mit meinen Empfindungen/Erfahrungen? Was machen die Kollegen mit ihren Filmen und wie sehen die Endergebnisse aus? Das und viel mehr erfahrt ihr in diesen tollen Videos und obendrauf gibts richtig cooles Bildmaterial drumherum.

Ich will auch bei dieser Bilderserie nicht allzuviele Worte verlieren. Aber eines habe ich gelernt. Wenn eure Modelle oder Kunden abgespannt und recht steif zum Shoot daher kommen, dann kann es mitunter helfen sie auch erstmal 10 Runden zum spazieren und reden zu schicken. Wenn dann das Licht passt und ihr die Emotionen noch etwas kitzelt, läufts. Alle Bilder die ihr jetzt seht, sind bis auf ein wenig Nachschärfen und Weissabgleich-Korrektur genau so aus der Kamera gekommen. Film ab – es liegt Liebe in der Luft!

Charles ist ein Querkopf, ein ungestümer, ein unbequemer und dennoch einer der besten Menschen die ich kenne. Er steht zu sich selbst, er hat einen exzellenten Musikgeschmack und wenn man ihn etwas besser kennt, ist er ein loyaler und treuer Freund. Ich bin dankbar, solche Menschen meine Freunde nennen zu dürfen und so war dieses Portraitshooting für mich nicht nur ein „wir knippsen mal was“, sondern auch der Auftrag ein wenig von Charles Wesen einzufangen. Ob mir das gelungen ist? Urteilt selbst. Film ab.

Was ich mir mit meinem Eintritt in die Welt der analogen Fotografie erhofft und vorgenommen habe, konnte ich genau so umsetzen, wie gedacht. Beide analogen Kameras, sowohl die mittelformatige Rolleicord als auch die Kleinbildkamera AE-1 sind fester Bestandteil meiner Shootings geworden, wenngleich ich ob des Handlings die Kleinbildkamera stark bevorzuge.

Erst heute morgen las ich in einem der besten Blogposts zur Fotografie, welchen ich seit langer Zeit gelesen hab, von der Unvergleichbarkeit der Analogfotografie zur Digitalfotografie. Viele Fotografen argumentieren rund um beide Formate. Auch ich habe in meinem Initialpost noch davon geschrieben, was ich mir von Analog gegenüber Digital erwarte. Doch es ist anders.

Die Wahl zwischen analoger und digitaler Fotografie ist eine bewusste Entscheidung für ein Medium. Ivan schreibt in seinem Beitrag „Es liegt in der Natur der analogen Fotografie, dass man für ein Bild nur diesen einen Moment zum Fotografieren hat“ – das mag in Teilen stimmen, jedoch nicht für die inszenierte Portraitfotografie wie ich sie betreibe. Ein Frame weiter, das Model erneut gepusht und ich habe auch da die zweite Chance. Wie eben auch im digitalen. Man kann diese beiden Felder der Fotografie ebenso wenig Vergleichen wie Landschafts- und Produktfotografie, bricht man es nicht auf die Basics runter. Blende, ISO und Verschluss sind so ziemlich die einzigen gemeinsamen Nenner. Selbst schon im Bildaufbau sehe ich deutliche Unterschiede, da das Endprodukt aufgrund der unterschiedlichen Medien völlig anders wirkt.

In einem Punkt gebe ich Ivan aber sofort recht. Die analoge Fotografie ist persönlicher, das Foto wird wertiger, allein schon durch die Entschleunigung beim Fotografieren, den dadurch entstehenden neu ausgerichteten Fokus und den größeren Aufwand bis zum fertigen Endprodukt. Versteht mich nicht falsch. Ich bin da nicht „auf Hipsters Leisten“ unterwegs und fange an darüber zu fachsimpeln, wie sich ein „Film anfühlen“ muss, damit er der Richtige ist (Anm.: Zitat von Benjamin Peter). Die Entscheidung für das Medium ist keine Entscheidung für ein Understatement oder ein Statussymbol.

Für mich selbst ist das Endprodukt noch immer das wichtigste an der Fotografie. Bilder, die Momente und Gefühle transportieren oder beim Betrachter wecken und so zum längeren Betrachten einladen, sind für mich das Ziel einer jeden Session. Ich wähle bewusst zwischen den Medien. Der Film ist für mich etwas, dass im Endprodukt mehr Charme bietet, persönlicher ist und der, wenn es blöd läuft am Ende auch nicht jedem gefallen wird. Pixelpeepern und Menschen die Fotos erst als gut anerkennen wenn nichts unscharf oder nichts verwackelt ist, wird man hier schwerer zufrieden stellen können. Die digitale Fotografie bevorzuge ich genau in den Momenten, wo es mir auf knackenscharfe Bilder, Retuscheoptionen und hohe Auflösung ankommt. Für beide Seiten gibt es also bei mir dedizierte Einsatzzwecke und ich bin an einem Punkt angekommen, an dem ich mit beiden Systemen gleichermaßen Bilder produzieren kann, die mich selbst begeistern. Ich sage auch hier bewusst nicht „gleich gute Bilder“. Denn sie sind verschieden.

Fazit

Hört auf zu Fachsimpeln und euch in Vergleichen zu ergießen. Das habe ich auch gemacht und es ist Blödsinn. Nach zwei Monaten schon ist es mir nicht mehr wichtig, welche Vorteile und welche Nachteile ich wo habe. Ich greife aus dem Bauch heraus immer bewusster zu einem System und entscheide mich damit für ein Medium, welches meine Bildaussage oder den Moment den ich für bewahrenswert befinde am Besten an meine Betrachter weitergibt. Erlebt die Fotografie auf beiden Seiten, denn sie ist hier wie da spannend, vielseitig und unglaublich schön. Solltet ihr zu denen gehören, die nicht analog fotografieren, aber mit dem Gedanken spielen, oder wissen wollen, was der ganze Aufstand eigentlich soll: kauft euch ein günstiges Analoges Einsteigerset und verzichtet mal ein paar Wochen auf jedes andere Medium. Die Canon AE-1 kostet mit 50mm 1.4 rund um die 150€ je nach Zustand und zu diesem Preis bekommt man sie auch wieder los. Genießt diesen Exkurs dann bewusst, lernt und entscheidet dann bewusst, ob ihr das Medium Film in eurer Tasche braucht und wollt, oder eben nicht. Ich selbst möchte nicht mehr ohne.

Entstanden ist der Wunsch nach einer neuen Tasche mit der Anschaffung meiner Analogausstattung, bestehend aus der Canon AE-1 mit 50mm 1.4 und der Mittelformat-Rolleicord. Ich habe festgestellt, dass ich manchmal gerne mit Minimalausstattung unterwegs bin, also einer 35mm Knifte, ein paar Rollen Film und dem Belichtungsmesser. Reduce to the max war hier wieder einmal das Credo der Stunde. Meine Compagnonbag Tasche wäre dafür allerdings deutlich zu groß dimensioniert und daher habe ich mich umgesehen. In Sachen Leder hat sich auf dem Markt der Kamerataschen weiterhin nicht besonders viel getan und wenn es eine Optik in hübsch sein darf, bleiben nicht mehr viele Angebote übrig.

Pajass Travel Shooter Cap Verde

Die schweizer Kollegen von Pajass haben aus den verbleibenden Anbietern heraus gestochen und bieten eine schöne Auswahl an schicken Ledertaschen in diversen Größen und Ausführungen im Portfolio. Am besten gefallen hat mir aber definitiv die Cap Verde Tasche, welche ich euch heute hier vorstelle. Die Tasche ist gearbeitet aus einer Kombination von ECO-Leder (Rind) auf der Außenseite und einem wasserabweisenden Stoff auf der Innenseite. Unter der Deckelklappe findet sich eine weitere Verschlussklappe, welche durch einen Reißverschluss gesichert ist und welche den Innenraum, bestehend aus mehreren konfigurierbaren Taschen, vor Nässe und Zugriff schützt. Außerdem finden auf der Hinterseite der Innentasche zwei Tablets Platz und in der extra verschlossenen Fronttasche gibt es Container für Smartphones, Stifte oder was immer ihr unterwegs benötigt.

Das Design ist schlicht, durchdacht und überzeugend umgesetzt. Die Trageriemen können mittels Loxx-Magnetverschluss geöffnet und sehr einfach verstellt werden. Dennoch gibt der gut beim Tragen einen guten Halt. Der Boden und die Seiten der Tasche sind schockabsorbierend und sorgen so für ordentlichen Schutz. Absolut prima sind auch die vier Metall-Standfüße auf der Unterseite der Tasche. Sie sorgen für sicheres Abstellen und Standfestigkeit.

Damit ihr euch aber auch ein genaueres Bild von der Tasche machen könnt, habe ich euch ein kleines Video gedreht. Film ab.

[youtube 9ncbaTDHCSc]

Ich werde euch sicher noch den Einen oder Anderen Einblick in diese Tasche gewähren, aber ich denke ihr habt ganz gut gesehen, was alles hinein passt und wie toll diese Tasche gemacht ist. Für einen Preis von 276,85 €uro findet ihr auf dem Markt aktuell nicht viel Besseres. Wenn ihr Fragen habt, immer rein damit in die Kommentarspalte

Jedes Wort mehr wäre hier an dieser Stelle überflüssig. Schaut euch die Bilder an und bekommt wie ich eine Gänsehaut. Versucht euch in die Zeit zu versetzen, versucht mitzuempfinden, was im Fotograf und seinen „Modellen“ vorging. Film ab

[youtube _I4o_afITKg]

Unsere Welt ist gepflastert von Werbung und somit von Bildern, welche von A bis Z durchinszeniert und retuschiert von Kopf bis Fuß sind. Ich selbst plane meine Shootings auch wann immer es geht mit einer Visagistin und im Anschluss an das Shooting wird nachbearbeitet. Das Projekt #abgeschminktschoen stellt dazu eine essentielle Frage: Warum? Warum müssen wir Bilder retuschieren, wenn darauf so oder so zumeist nur superschlanke Laufstegschönheiten mit High-Tech-Makeup zu sehen sind? Wieso bestehen unsere Werbekonzepte zum Großteil nur aus eben genannten Damen? Es geht auch anders! Natürlichkeit, Unzulänglichkeit, Realität und damit ein sauberes Bild der Menschen und der Menschlichkeit, welches an die heranwachsende nächste Generation vermittelt werden soll, das Kennzeichnet die Bilder, welche im Rahmen des Projektes #abgeschminktschoen entstehen sollen. Vanessa, die Urheberin dieses Projektes erklärt das in einem eigenen Blogpost.

„Keine 90, keine 60 und nochmal definitiv keine 90! Das ist sie. Die kleine und für das Modelbusiness viel zu dicke Vanessa. Nicht nur das, sie hat auch noch viel zu viele weitere Makel. Unbrauchbar. Mit so einer kann ich nichts anfangen. „

Diese Maßvorgaben und Ansichten sind nicht nur in der Modewelt Gang und Gäbe sondern sind auch in den Köpfen vieler Fotografen verankert. Dass das für das eigene Selbstwertgefühl der nachfolgenden Generationen fatal ist, ist lange kein Geheimnis mehr. Es ist bezeichnend, wie viele schöne Menschen einen unglaublichen Selbsthass auf ihre Imperfektion haben. Das führt nicht zu letzt zu solchen Visualisierungen, die das Problem erschreckend genau treffen. Um dieses Problem zu beheben bedarf es zweierlei Dinge. Zum einen sind Eltern in der Pflicht ihren Kindern bei zu bringen, dass sie völlig in Ordnung sind, genau so wie sie sind. Mit allen Unzulänglichkeiten. So wie das Leben es für sie „erdacht“ hat. Zum anderen ist die Gesellschaft samt all ihrer Mitglieder gefordert. Wenn wir Abstand nehmen von Plus Size Modellen, die in Größe 32 als zu dick gewertet werden, wenn wir vermitteln dass jeder Mensch schön ist. So wie er nun mal ist. Dieser Aufgabe und der Verbreitung dieser Idee hat sich Vanessa gewidmet und ich möchte sie unterstützen.

Zu diesem tollen Projekt habe ich mir direkt ein Shooting organisiert. No Make-Up, no Retouch! Ich bin daher richtig stolz, euch die Bilder von Elisa zeigen zu dürfen und ich finde es richtig toll, liebe Elisa, dass du dich sofort dazu bereit erklärt hast und auch all den Models, die sich nach dem Veröffentlichen des ersten Fotos von Elisa auch für die Serie gemeldet haben. Ich werde sie definitiv weiter führen, denn es macht Spaß. Selbstbewusste Frauen, kein Tam-Tam, just Shooting und Spaß dabei! Dahinter eine eindeutige Message: IHR SEID SCHÖN, auch ohne Make-Up und ohne Retusche. Aber genug von mir. Hier sind die teils noch unveröffentlichten Bilder!

Am Ende dieser Zeilen kann ich euch nur um eins Bitten. Erzählt von dieser Aktion oder lebt sie mit. Sie ist es Wert! Für Inspirationen und eure Ergebnisse tretet ihr am Besten auch Vanessas Facebook-Gruppe bei, die Ergebnisse dort sind wirklich fantastisch.

Um ein Shooting optimal vorzubereiten, gibt es diverse Punkte die man so für sich abhaken kann. Ob man das in Form einer Checkliste macht, oder einfach versucht als konstanten Workflow in jedes Shooting mitnimmt, dürfte je nach Geschmack variieren. Es gibt natürlich auch genügend Fotografen, die einfach losziehen, ein Shoot ohne alles abfackeln und fantastische Ergebnisse erzielen. Wenn ihr euch aber gerade bei den ersten Schritten etwas schwer tut, kann euch dieser Artikel helfen.

Das Konzept

„Komm wir gehen einfach mal los und gucken was draus wird“ – ist auch eines meiner Lieblingskonzepte für ein Shooting. Meist bringt diese Art der Herangehensweise ein paar Problemchen mit sich die sich durch ein ordentliches Konzept erschlagen lassen können. Zum einen ist es ohne Planung für euer Modell recht schwer, sich eine entsprechende Klamotte zurecht zu legen. Gerade auch Anfänger-Modelle sind oft unsicher und besonders auf die klare Formulierung von „Vorlieben“ des Fotografen angewiesen. Ich für meinen Teil habe zum Beispiel eine Aversion gegen weite Strickklamotten und Hüte. Wenn man sowas vorher genau eingrenzt, wird es für das Shooting leichter. Damit wären wir direkt beim Kern des Konzeptes. Was genau willst du denn machen? – Diese Frage dürfte so ziemlich die erste sein, die euch Jungfotografen euer Modell stellt, wenn ihr es anfragt.

Am besten Arbeitet man in der Fotografie mit Bildern und so auch beim Shooting-Konzept. Ich arbeite da schon längere Zeit mit so genannten Moodboards. Das ist eine Sammlung von Beispielbildern, die der Fotograf (auch gern in Zusammenarbeit mit dem Modell) aus dem Netz zusammen sucht und welche die grobe Richtung in Sachen Kleidungswahl, Posen und gewünschtes Endergebnis vermitteln. Ein gigantisches Tool dafür ist Pinterest. Auf dieser Seite lassen sich Pinnwände erstellen auf denen man nahezu jedes im Netz gefundene Bild pinnen und somit eine Galerie erstellen kann, die man Teilen und auch gemeinsam befüllen kann. Dabei gilt, dass je konsistenter die Galerie ist, desto einfacher ist die Umsetzung.

Nehmen wir also mal an, du als Neufotograf möchtest Schwarz-Weiß Outdoor Fotos von einem Modell machen. Ich habe euch hier mal mein Moodboard dazu freigegeben. Genau so würde ich das anlegen und basierend auf diesen Bildern mit meinem Modell das Outfit, das Makeup, die Frisur, einige Posen und eventuell auch schon grobe Endresultate planen. Nutzt dieses großartige Planungswerkzeug um eurem Shooting ein griffiges Konzept zu Grunde zu legen. Nicht vergessen, dieses Konzept ist ein Leitfaden, eine Inspiration und kein Dogma.

Location-Scouting

Habt ihr euch nun gemeinsam überlegt, wie euer Shooting grob aussehen soll, beginnt für den Fotografen die Planung der Location. Wo fotografiere ich mein Modell? Welche Hintergründe brauche ich im Bild oder welche dürfen auf keinen Fall drin sein? Darf ich an der Stelle, die ich mir überlegt habe überhaupt fotografieren oder benötige ich Genehmigungen? Diese Fragen sind durchaus wichtig für die Planung einer geeigneten Location.

Die wichtigste, die sich der Fotograf stellen muss ist: Wie fällt an meiner Location zu welcher Uhrzeit das Licht. Ihr solltet also einen Shooting-Ort nicht nur nach den Hintergründen und der Wirkung/Stimmung aussuchen sondern selbigen auch mehrmals zu unterschiedlichen Tageszeiten besuchen um zu sehen, wie das Licht wohin fällt. Das kann euch im Zweifelsfall das Shooting gehörig durcheinander hauen.

Habt ihr zum Beispiel Bilder im Sonnenuntergang geplant und aufgrund der Häuser, Bäume oder Hügel rund um die Location bekommt ihr die Sonne nicht mehr zu sehen, ist es meist Essig mit den Bildern. Location Scouting betreibe ich selbst gerne in Verbindung mit schönen Fahrradtouren zu unterschiedlichen Tageszeiten. Oft findet man tolle versteckte Wiesen, Seen oder Scheunen auf solchen Touren und man hält sich fit dabei.

Einen heißen Tipp zur Location gebe ich euch noch gratis mit. Ich habe mir angewöhnt, in ein kleines Notizbuch eine grobe Zeichnung der Spots zu machen, innerhalb derer ich in einer gewählten Locations shooten will.

Ich zeichne dabei grob mit Strichen, wie da das Licht fällt und notiere am Rand, wie ich das Modell stellen möchte. Die Zeichnung muss kein Meisterwerk sein, ich arbeite in Ermangelung von Zeichenskills sogar mit Strichmännchen und echt groben Linien. Aber das ganze hat zwei entscheidende Vorteile. Zum einen prägt sich euch die Location schon deutlicher ein, ihr erinnert euch daran, an welchen Stellen das Licht besonders weich oder hart zu welcher Uhrzeit kam und zum anderen erweitert ihr so euer Shooting-Konzept schon um deutlich konkretere Shooting-Spots und eventuelle Posen.

Tech

Am Abend vor jedem Shooting gehe ich eine kleine Checkliste durch und überprüfe den Ladezustand der Akkus, die Funktionalität eventueller Blitze, die Sauberkeit von Sensor und Linsen, sowie den allgemeinen Zustand von Filtern, die Funktionalität von Sendern und Empfängern und allem Sonder-Equipment, dass ich brauchen könnte.

Darunter fallen etwa Regenschirme, Decken für das Modell, falls es besonders kalt ist, Unterlagen zum draufhocken falls es schmutzig ist, eine kleine Trittleiter, falls die Dame recht groß ist. Ich notiere mir was ich vorm Losfahren noch alles tun muss oder einpacken sollte und lege das als Checkliste an, die ich dann kurz vor der Abfhart bequem abhaken kann. Wer ein bisschen mehr planen möchte, kann sich auch an dieser Stelle schon überlegen, welchen Look die Bilder haben sollen und wie die Aufnahmebereiche angelegt sind und somit sich auch schon für einen Body oder eine Auswahl an Objektiven entscheiden. Klar ist „lieber dabei haben als brauchen“ ein taugliches Motto, aber wenn man sich das vorher ein wenig überlegt, spart man sich etwas Last.

Human-Resource-Plan

Hast du Moodboard, Make-Up, Kleidung, Location und Equipment in deiner Planung untergebracht, stellst du dir am Ende einer gezielten und guten Vorbereitung folgende Frage. „Wen brauch ich denn eigentlich noch dazu?“ Gemeint ist damit der HRP, der Plan für den Einsatz von Assistenten, Shootingbegleitern, Makeup-Artists und eventuellen Filmern bis hin zum schlichten aber äußerst wichtigen „Gepäckassistenten“.

Der HRP entsteht schon beim Moodboard zum Beispiel an der Stelle, wo sich du und das Modell für eine aufwändige Frisur oder ein skurriles Make-Up entscheiden und ihr entsprechend eine Maskenbilderin, Visagistin oder ähnliche Hilfe benötigt. Fragt euch, ob ihr euer Equipment wirklich stressfrei allein Transportieren könnt, fragt euch (und das Modell), ob euer Modell eine Shooting-Begleitung hat oder benötigt um sich wohl zu fühlen. Überlegt und plant ob ihr Hilfe beim Lichtbauen braucht, oder vor Ort jemanden der auf Details wie Halskettenverschlüsse oder BH-Träger achtet. Diese Kollegen müsst ihr organisieren und natürlich auch in die Planung einbeziehen.

Fünf vor Zwölf

Last but not least passiert bei vielen Fotografen und so auch bei mir eine ganz andere, eine ganz persönliche Art der Shootingvorbereitung. Man hat verschiedene Rituale, diverse Dinge die man nur aus einem Grund tut. Das mentale Einstimmen auf ein Shooting ist gerade am Anfang sehr wichtig. Ich kenne viele Neufotografen, die mit einer gewissen Angst an Shootings gehen. Sie haben Angst vor dem Versagen, Angst vor Spott beim Zeigen von Ergebnissen, Angst, die Technik vor Ort nicht zu beherrschen oder keinen Draht zum Modell zu bekommen. Für diese Probleme gebe ich auch einen guten Tipp mit.

Eure Umwelt reflektiert. Seid ihr entspannt, gut gelaunt und willens das Beste abzuliefern, dass euer handwerkliches Können hergibt, dann merkt das unterbewusst auch euer Modell, eure Helfer und sind um so mehr im kreativen Schaffungsprozess, was wiederrum auf euch als Fotograf reflektiert. So kann man sich gezielt gegenseitig Pushen und zu besten Ergebnissen selbst motivieren. Bei mir passiert der erste Teil dieser Motivation auf dem Weg zum Shooting. Ich steige ins Auto und gönne mir einfach dort einen Moment Ruhe, zücke das Handy und gucke mir das Moodboard erneut an. Dann lege ich meine Lieblingsmusik auf, die teilweise auch beim Shooting gespielt wird und ich bekomme automatisch gute Laune und Vorfreude auf das, was passieren wird. Positiver Stress ist dabei für mich wichtig. Der zweite Teil der Motivation passiert dann beim Shoot selbst, in der Modelführung.

Gebt dem Modell das Gefühl, seinen Job gut zu machen, hört auf ihre Tipps und Anregungen und vertraut ihren Tipps zur eigenen Person. Die meisten Modelle sind am Anfang eines Shoots genau so unsicher wie ihr, aber sie wissen aus dem eigenen Geschmack heraus oftmals noch eine andere, bessere Pose, oder haben selbst noch spontan eine Bildidee im Kopf, die eine absolute Granate werden kann. Pusht euer Modell, zeigt ihm, sofern Gewollt, schon Bilder an der Kamera um euch kreativen Input zu holen. Das gleiche gilt für Assistenten oder Visagisten. Auch die können bei einem Blick auf das Bild an der Kamera oft richtig gute Tipps geben. Ob das ganze Team in eine positive und ergebnisorientierte Stimmung kommt liegt zumeist allein an dir als Fotograf.

Ich rede da bei der Modelführung auch nicht von Sätzen wie „Orrrrja, du bist ja richtig geil!“ oder „Los, Spiel mit der Kamera, sei sexy!“ – das sind abgedroschene Sprüche die einfach für die Füße sind. Aber motiviert euer Model mit Sachen wie: „Das war sehr gut, ich nehm mir die gleiche Pose noch mal von etwas weiter weg mit!“ – das nur als Beispiel. Was ich sagen will ist, gebt dem Model und allen Helfern ein gutes Gefühl. Selbst wenn du Bilder gemacht hast, bei denen schon direkt nach dem Auslösen ein „Daswarnix“-Gefühl bei dir aufkommt, sei nicht destruktiv. Es gibt viele Fotografen, die nach dem Fotografieren in einem Spot die gemachten Bilder durchscrollen und nur mit dem Kopf schütteln. Überlegt euch mal, was für ein Gefühl da beim Modell aufkommt. Tut das nicht. Fragt das Modell nach ihrer Meinung, wenn ein Bild nicht so passt und ihr keine Idee habt, was ihr besser machen könnt und arbeitetet gemeinsam gezielt auf die Verbesserung hin. Eure Umwelt reflektiert euch!

Happy shooting, ich hoffe das hilft euch dabei, eueren nächsten Shoot entspannter und geplanter zu absolvieren. Denkt aber bei allem Planen daran: Spass machen muss es. Allen.

Ich spreche hier von der Analogfotografie, ein Virus der auch mich nun infiziert hat. Besser spät als nie. In diesem Artikel möchte ich euch erklären, warum mich die Faszination dieser Art des Fotografierens gepackt hat und was ich mir davon erhoffe. Ebenfalls zeig ich euch, welche Technik ich einsetze und wie in nächster Zeit die Shootingplanungen aussehen. First things first. Beginnen wir bei der Faszination an sich.

Faszination Analogfotografie

Die Wiege der Fotografie ist nicht nur Technik. Sie ist Licht und Moment. Menschen wollten tolle Momente einfangen und für immer festhalten. Der Mensch untersuchte das Licht, forschte in der Technik nach Methoden und Mitteln diesen Traum zu verwirklichen und nach der Malerei fand der Mensch so irgendwann zur Fotografie. Der Mensch entwickelte sich und die Technologie weiter bis zum heutigen Tag, wo er zumeist über Try and Error Bilder erschafft. Er erschafft sie in solchen Massen, dass darunter mitunter am Bild an sich viel verloren geht. Intention, Komposition, Wirkung und echte Momente, die man bereit ist wieder und wieder anzusehen, wurden obsolet. Das ist natürlich nicht bei allen so, aber die günstige Verfügbarkeit von Speicher und die Bezahlbarkeit eines technisch sehr hohen Niveaus in der Kameratechnik führen dazu, dass tonnenweise Bildmaterial entsteht, welches nie das Licht der Welt erblickt.

Analog sieht das ganze Szenario anders aus. Düsterer. Reizvoller. Analog entschleunigt. Ihr müsst vorher euer Bild machen, im Kopf. So sollte es zwar auch bei der digitalen Fotografie sein, aber es passiert zu selten. Ihr müsst das Licht analysieren um korrekt zu belichten, anstatt dreißig mal den Auslöser zu drücken, bis ihr auf dem 4″ Display das passende Licht seht. Ihr werdet begrenzt in der Anzahl eurer Bilder und müsst euch somit wirklich auf die wesentlichen Momente und Emotionen eures Models konzentrieren. Ihr müsst eure Technik blind beherrschen, denn es gibt pro Frame keinen zweiten Versuch. Jedes Bild kostet. Es kostet Film (ca. 5-10€ je Rolle), es kostet das Entwickeln (ca. 10-20€) es kostet Hingabe und Zeit. Für mich ist die analoge Fotografie das Prozedere, welches maximal auf das Ergebnis orientiert ist und zwar in Perfektion und Effizent. Wie das so lang an mir vorbei gehen konnte? Ich weiss es nicht. Aber nun ist es da. Ich bin angekommen in diesem Virus und suche da mein zweites fotografisches Zuhause, wo andere schon wieder damit aufhören.

Technik

Angesteckt mit dem Virus hat mich eigentlich so richtig mein Freund Ben, welcher zu jeder Gelegenheit von Besuchern, Modellen und Freunden ein analoges Polaroid schiesst, seine eigenen Filmrollen wickelt und der auch selbst seine belichteten Filme entwickelt. So richtig los ging es aber ein wenig anders. Auf einem Stammtisch lernte ich eine Fotografenkollegin und ihre Rolleicord kennen. Ein richtig hübsches Twin-Lens-Reflex Gerät, welches mich in allererster Line als Accessoir begeistert hat. Auf Bildern, in den Händen eines schicken Models, kommen diese Prachtstücke echt richtig geil zur Geltung.

So wurde es mehr. Ich kaufte die ersten Rollen Film ließ sie entwickeln und freute mich an den Ergebnissen. Die Rolleicord ist mir dabei allerdings noch ein wenig zu rudimentär und zu schwer zu handeln. Ich fotografiere gern mit ihr, aber ich suchte auch eine Kamera für das Daily-Life. Kurz gestöbert und auf eine fantastisch erhaltene Canon AE-1 mit 50mm 1.8 FD Linse gestoßen. Keine 80€ kostete das Set aus den späten 80ern und ich habe mich vom Fleck weg in dieses kleine 35mm-Geschoss verliebt. Auch die AE-1 sieht dabei als Shooting-Accessoir einfach nur cool aus und sorgt für eine schöne Retro-Stimmung im Bild.

Meine analoge Zukunft

Ab sofort wird mich die Canon AE-1 nicht nur zu jedem Shooting, sondern auf jedem Ausflug und bei gutem Wetter auch in meinem täglichen Leben begleiten. Ich möchte durch sie die Fotografie mehr erleben, intensiver genießen und lernen. Dinge wie richtige Belichtung auch ohne Belichtungsmesser, das Schulen des Auges und vieles mehr stehen dabei auf dem Lehrplan. Auch wird es ab sofort in jedem Shooting mit einem Modell auch einen Analog-Session-Teil geben, wo ich mit der AE-1 und/oder der Rolleicord fotografieren möchte. Über kurz oder lang möchte ich mich so Ergänzen, dass ich das Bulk Loading erlernen und meine gemachten Bilder auch selbst entwickeln und digitalisieren kann. Es soll mehr werden als ein Hobby, sondern fester Bestandteil meines fotografischen Lebens.

[youtube UBjKhDKx6e0]

Natürlich halte ich euch über den Verlauf dieser Leidenschaft auf dem Laufenden, denn wie wir alle wissen, können manche Leidenschaften schneller vergehen, als sie kamen. Zumindest mein Plan sieht das aber nicht vor und ich freue mich total auf meine Ergebnisse mit den Analogen Kameras – happy shooting! Was für tolle Bilder dabei entstehen können seht ihr auch in einem monatlichen Blog meines Lieblings-Filmlabors. Klickt euch da ruhig mal durch!

Wie sieht das denn bei euch aus? Fotografiert ihr analog? Wenn ja, warum? Und wenn nein – warum nicht? Hört ihr gerade damit auf und wendet euch nur der Digitalfotografie zu? Erzählt es mir gerne hier, das interessiert mich wirklich.

P.S.: Wer noch eine Inspiration zu diesem Thema sucht, der sollte sich die „Abenteuerfilme“ von Stefan Lister ansehen. Er geht mit euch auf Analog-Tour und erklärt in mehreren Videos nicht nur, worauf es ankommt, sondern holt euch ab und nimmt euch mit in die Faszination Analogfotografie.

Mittlerweile bin ich der festen Überzeugung, dass der erste Weg der bessere ist. Geh raus und fotografier. Dann zeig deine Bilder her und hol dir Kritik. Verbessere dich entweder danach, oder nach deiner inneren Stimme, die dir sagt: nicht schlecht, aber das kriegen wir noch besser hin! Du lernst dann aus verschiedenen Foren, Magazinen und aus Kritik-Gruppen, dass man Hände nicht anschneidet, im Bildschnitt, dass man auf jeden Fall immer die Augen eines Modelles scharf haben sollte, dass man das Bild anhand Linien und Schnittmuster ausrichten soll. Das ist für den Anfang auch ganz sicher kein schlechter Rat. Doch mittlerweile hab ich gelernt, dass in der Fotografie, wie auch in anderen Bereichen der Kunst, die Regeln auch gerne mal ganz unkompliziert gebrochen werden dürfen. Beispiele? Gerne doch!

Ich war unlängst auf dem Photowalk 2015 in Wertheim, organisiert vom großartigen Fotografen Yasin Tastan. Die Teilnehmer dort waren zumeist Anfänger und haben die Gelegenheit genutzt, den etwas weiter entwickelten Fotografen über die Schulter zu schauen. Eine Fotografin ist mir dabei nachhaltig im Gedächtnis geblieben. Sie studierte jeden Bildaufbau sehr genau, ließ sich alle Einstellungen genau erklären und brachte nach dem Auslösen ihre Kritik am Bild an. „Da hast du aber eine Hand angeschnitten!“ – „Das ist aber am Auge gar nicht scharf!“ – „Jetzt ist die Gardine vorm Model!“ – solche und andere Sätze fielen dabei zur Genüge. Meine Antwort lautete stets wie folgt: „Gefällt dir das Bild? Ja? Dann hab ich es richtig gemacht!“

Nehmt euch folgendes zu Herzen. Es ist gut und richtig diversen künstlerischen Regeln zu folgen und sie anzuwenden. Insbesondere am Anfang hilft es euch bessere Ergebnisse zu erzielen. Aber tut euch bitte auch ab und an den Gefallen und tut das Gegenteil davon. Fotografiert emotional. Fotografiert aus der Situation heraus, wie es euch gerade passt und fangt ein, was euer Auge in dem Moment fasziniert. Die besten Künstler waren nicht zuletzt jene, die ihre Regeln und „Sitten“ aus dem FF beherrschten, aber sie von Zeit zu Zeit bewusst durchbrachen. Entscheidend für mich ist letztendlich die Gesamtbildwirkung. So ging es mir auch bei diesem Foto. Ja, die Schärfe liegt auf den Haaren des Models. Ja, es interessiert mich nicht, denn das Bild ist aus einer Situation und einer Stimmung heraus entstanden, die zumindest für mich auch durch das Bild transportiert wird. Wie unglaublich großartig dieses Foto trotz seiner Unzulänglichkeiten ist, habe ich nochmal extrem gemerkt, als es gedruckt vor mir lag und nicht zuletzt deswegen gehört es für mich persönlich weit nach vorne, in den Top 10 Fotos aus 2015.

TL;DR – seid mutig.

Ich hatte wieder einmal das Vergnügen den lieben Martin ablichten zu dürfen. Wir wachen in Darmstadt und haben Street-Style und #SOISSES Fotos gemacht. Einfach, ohne viel Schnickschnak und mit Entspannung und Spaß an der Sache. Ich darf euch hiermit unter anderem noch nicht gezeigte Bilder präsentieren. Danke Martin. Film ab.

Ich kann von Martin nicht genug bekommen und das ist auch hier wieder garantiert nicht das letze Mal, das wir zusammen gearbeitet haben. Wie findet ihr die Bilder?

Der Interpol-Detektiv Maleus Boro ist, neben seiner Tätigkeit als Privatdetektiv auch ein sehr begabter Ermittler bei der europäischen Polizei. Seit der Rückkehr von unzähligen Gottheiten und Götter ist es auf der Erde für Maleus, der eine ausgesprochene Leidenschaft für Zigarren und Whiskey hegt, zu eng und zu undurchsichtig geworden. Einfache Morde werden zu religiösen Opfergaben stilisiert, Serien-Morde werden als Rache eines Gottes interpretiert und mitten darin versucht Boro die Wahrheit mit einer gesunden Portion Agnostizismus zu lösen. Dabei verstrickt er sich immer tiefer in eine Welt, die er eigentlich nicht akzeptiert, ja sogar verneint. Doch das ist nicht alles. Ihm folgt ein Schatten. Ihm folgt eine Bestie, die über Leichen geht um das Vorrecht zu genießen dem Ermittler ein jähes Ende zu bereiten.

Auf unheimlich spannende und teilweise tiefschwarz-witzige Weise setzt Markus Heitz in seinem Roman Stück für Stück ein Puzzle zu einem Gesamtbild zusammen und ich habe dieses Hörbuch verschlungen. Ein Grund dafür war der Sprecher Uve Teschner. Dieser versteht es nicht nur, Boro’s Persönlichkeit Leben und Charackter einzusprechen, sondern meistert sehr Geschickt alle Dialekte, spricht hervorragend alle Rollen insbesondere die weiblichen und macht dieses Hörbuch dadurch zu einem echten Erlebnis. Seine Erfahrung und sein Können hört man nahezu in jeder Zeile. Für 30€ im Einzelkauf oder 9€ im Abo (oder kostenlos als Audible.de Neukunde im Probemonat) bekommt der Hörer knapp 22 Stunden geballte Unterhaltung in einer detailreich erzählten Zukunftswelt bevölkert von Göttern und Menschen. Unbedingt anhören!

[bewertung]

Vorbereitung

Mit Facebook Bordmitteln geht das so leider nicht und so muss man sich einer App-Lösung bedienen, die ich euch hier kurz zeigen möchte (danke an Hannes für den Tipp!). Surft rüber zu den Kollegen von Woobox und legt euch dort einen kostenlosen Account an. Dieser kann neben eben jenen Reitern auch noch deutlich mehr, wie Gewinnspielauslosungen, Coupon- und Promocodes und vieles mehr. Loggt euch nach Erstellung des Accounts ein und wählt den Reiter „Static Tabs“ an.

Clickt nun auf „Create a new Tab“ und wählt „HTML Fanpage Tab“ aus um euren eigenen Reiter anzulegen. Im folgenden Fenster müsst ihr nun auf der rechten Seite den Reiter „Redirect“ auswählen, wenn ihr einfach nur eine Simple Weiterleitung wollt. Genau so könnt ihr auch euer Impressum direkt bei Facebook auf der Fanseite als Reiter integrieren. Es gibt nun noch diverse Optionen, die zum Beispiel den Reiter erst nach einem Like für die Seite durch den User sichtbar machen und so weiter und so fort. Konfiguriert das wie es euch beliebt und dann geht es ab rüber nach Facebook auf eure Fanpage.

Die Integration

Woobox integriert den gespeicherten Reiter automatisch zu der von euch gewählten Fanpage. Ihr müsst ihn jetzt nur noch einfügen und gemäß eurem Geschmack zwischen den anderen Reitern positionieren. Geht dazu auf eure Fanpage, klickt am Ende der Reiter auf die drei Punkte und wählt „Reiter verwalten“ aus.

Dort findet ihr euren selbst erstellten Reiter und könnt ihn nun platzieren und so verwenden. Alle Änderungen die ihr nun an den Einstellungen des Reiters vornehmen wollt, erledigt ihr bei Woobox. Euer Reiter wird dann automatisch auf der Fanpage upgedated. Dies kann mitunter mal ein paar Minuten dauern. Ich hoffe ich konnte euch helfen und genau auf die von mir beschriebene Art und Weise könnt ihr noch einige interessante weitere Tabs zu eurer Seite hinzufügen. Spielt ruhig ein wenig.

Wir fotografierten und arbeiteten also zusammen. Das Shooting in Darmstadt am Staatstheater, eine unheimlich vielseitige Location, verlief in der Dämmerung. Ich wollte nämlich meine City-Lights Serie erweitern, welche ich mit Natalia begonnen hatte. Die Bilder sollten den wilden Look von Ina mit der eher gemächlicheren Hektik der Stadt in den Abendstunden vereinen und ebenfalls etwas Weihnachtsstimmung zeigen, wie ich sie empfinde. Kurze Rede, langer Sinn – hier kommen die Bilder mit teilweise noch ungezeigten Werken.

Danke liebe Ina, das war defintiv nicht das letzte mal, dass wir beide ein Stück des Weges gemeinsam gingen. Der Erfolg gibt uns recht und so bin ich Stand heute bereits zwei mal hintereinander mit Ina auf der Startseite der VIEW veröffentlicht worden und mich soll der sprichwörtliche Teufel holen, wenn wir nicht einen Hattrick schaffen. Wer sich übrigens für die Technik interessiert: fotografiert mit der Sony A7R, dem Zeiss Sonnar T* FE55mm 1.8 bei ISO 1600, Blende 1.8 und 1/125s Verschluss. Ohne Blitz.

Ich gebe zu, dass mir der Tutor Tobias Mochel aka. Ohokay bisher relativ unbekannt war. Ich bin erst durch einen Freund und Facebook auf ihn aufmerksam geworden. Dieser teilte nämlich den Teaser zum Video-Training, welches mich direkt interessiert hat. Hauptsächlich wegen einer Geschichte – Männerportraits mit Roundflash Softbox. Natürlich interessiert mich die ganze Blitzsache, aber dieses Kapitel war für mich der Kauftrigger.

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Tobi erklärt euch in knapp zwei Stunden wie ihr ohne Tageslicht City-Portraits machen könnt, mit einem einzigen Aufsteckblitz, Funksender/Empfänger und Lichtformer. Das heisst ihr müsst nicht einen riesen Porty mitschleppen oder gar eine ganze Kanonade an 400 Watt Blitzen. Richtig cool dabei war nicht nur Tobis lockere Art, sondern auch sein Lehransatz Masterplan fürs Training. Er erklärt nämlich, worauf ihr achten müsst und wie ihr zu einem Foto kommt, anstatt euch einfach stur Settings herunter zu beten.
Ebenfalls mit im Petto ist die Nachbearbeitung, für mich ebenso interessant wie die Aufnahme an sich.

Auch in der Retusche zeigt euch Tobi eher warum er was macht, anstelle euch strikt etwas vorzugeben. Denn nicht jeder mag Rot-Blau Verläufe auf einem Männerportrait in der Stadt. Im Training selbst gibt es vier Sets mit den entsprechenden Retuschen und Bildern zu sehen und Tobi ist dabei zwar kein besonders unterhaltsamer Tutor, aber seine Ruhe und seine Stimme sind dennoch sehr angenehm und ich kann ihm deutlich leichter folgen als zum Beispiel einer Maike Jarsetz.

Kritikpunkte? Die gibt es natürlich auch. Zum einen wie gesagt fehlt mir beim Training ein wenig der Entertainment-Faktor. Im Vergleich zum Paradebeispiel, Matthias Schwaighofer, fehlt mir einfach noch neu deutliche Schippe Spaß bei der Sache. Weiterhin hätte ich mir auch noch ein oder zwei Sets mit einer Frau gewünscht, denn bei den Damen der Schöpfung muss man durchaus auf andere Dinge achten und das Licht anders bauen und formen. Aber wie gesagt, das ist eher ein Wunsch als ein Kritikpunkt, ebenso wie meine letzte Anmerkung. Ich kenne von Tobias auch das Video zu seinem Parkhaus-Shooting, wo er die ganze Geschichte mit Available Light anfasst. Ich hätte mir im Training selbst auch noch ein Kapitel gewünscht, wo er das ganze mit Blitz und Lichtformer bewerkstelligt, so wie er es im Parkhaus Video andeutet.

[youtube nMJv8cOTb9o]

Fazit

„Licht ins Dunkel“ ist für den Preis von 20€ ein richtig gutes Training. Tutor Tobias weiss wovon er spricht, erklärt ruhig und sachlich und bringt sein Wissen ordentlich rüber. Mir fehlt persönlich nur etwas Tiefe, zum Beispiel wenn er darüber spricht auf was er den Blitz eingestellt hat. Mit diesem Tutorial macht ihr auf jeden Fall nichts verkehrt, wenn ihr euch für Portraits mit One-Light-Setup im Dunkeln interessiert. Mit an Board beim 3,8GB Download ist auch noch ein 6 Seiten starkes PDF mit Zusatzinformationen für Liebhaber des geschriebenen Wortes.Der Download passt aber auch garantiert unter jeden Weihnachtsbaum

Ich für meinen teil habe mir auf jeden Fall schon mal das passende Zubehör kommen lassen und auch schon das nächste Shooting zu genau diesem Thema geplant. Ich bin sehr gespannt darauf, wie die Bilder werden.

[bewertung]

Wir waren im lauen Sommerabend unterwegs um mit Freunden ein bisschen zu feiern. Da nehme ich normalerweise nichts mit, außer meinen Schlüssel und mein Handy. Schlüssel Links, Handy rechts. So auch an diesem Abend. Eine kurze Stoffhose und Sandalen ohne Socken hab ich an dem Abend getragen und das Handy in besagter Hose in der Tasche getragen. Als ich es eingesteckt habe, war das Display noch völlig in Ordnung. Nach 20 Minuten spazieren in der Sommerbrise, will ich aufs Handy gucken und das Display ist komplett gerissen. Ohne eine mechanische Einwirkung meinerseits. Ja, die Physiker unter euch haben mir auf Twitter schon zugeschrien, das wäre unmöglich, Tatsache aber ist, ich hab keinen Schlag drauf bekommen, mich nicht gebückt oder sonst etwas mit dem Handy gemacht.

Ich war mir keiner Schuld bewusst und hätte ich wirklich irgendwas mit dem iPhone gemacht, dann bin ich reif genug, dazu zu stehen und den Schaden selbst zu tragen. Ich hab mich also zunächst an meinen Provider Congstar gewendet. Die meinten nur „Einschicken und dann gucken wir mal obs ein Garantiefall ist“. Ich fühlte mich ein wenig an Samsung und ihr Display-Desaster erinnert und hoffte, dass das alles als Garantieschaden durchgeht. Weit gefehlt, die kostenlose Reparatur wurde abgelehnt.

Ich twitterte meinen Frust hinaus in die Welt und wurde dank eines Zufalls erhöhrt. Ich bekam eine Mail von den Jungs und Mädels von iCracked. Das System von iCracked ist recht simpel. Deutschlandweit vereint man da viele Handy-Reperaturdienste unter einem Banner, hat so für Kunden einen zentralen Anlaufpunkt und kann somit alle verfügbaren Techniker optimal Planen. Der Clou an dem Dienst ist, dass der Techniker zu euch nach Hause kommt und das Display unter euren Augen repariert. Das gilt dabei nicht nur für iPhones. Bei Lars von allaboutsamsung war es zum Beispiel ein Galaxy S4. Wie dass dann abläuft hat er im Artikel festgehalten. Leider ist Aschaffenburg noch ein kleiner blind-spot auf der Karte von iCracked und so gab es für mich keinen Verfügbaren Techniker. Ich hatte die Wahl zwischen einem DIY-Kit und dem Einschicken meines iPhones. Beides, das möchte ich unbedingt erwähnen, zum Nulltarif für mich als PR-Aktion. Vielen Dank dafür. Ein DIY-Kit habe ich mir nicht zugetraut, wenngleich das recht simple erscheint, glaubt man den Youtube Videos und Tests der Kits.

[youtube l5hplfGVTEo]

Ich habe also mein iPhone 6 eingeschickt und habe es vor kurzem wieder zurück bekommen. Die ganze Aktion hat gerade einmal vier Tage gedauert, inklusive Versand. Nicht nur, dass die Kollegen mein Telefon super wieder in Schuss gebracht haben, nein, sie haben auch direkt noch eine Folie aufgebracht um das Display künftig zu schützen. Ich bin wirklich sehr begeistert von diesem Dienst. Den einzigen Punktabzug muss ich dafür vergeben, dass die Folie von iCracked nicht richtig auf dem Display sitzt und auf der Unterseite des Gerätes deswegen den Homebutton leicht bedeckt. Bei mir sieht es aber IMMER genauso aus, wenn ich eine Displayfolie anbringe. Meine beiden linken Hände erwähnte ich ja bereits Genaue Preise gibt iCracked übrigens nicht an, lediglich Preisempfehlungen. Die liegen bei einem Bildschirmersatz für ein iPhone 6 bei 145 €uro, was meiner Meinung nach mit Folie und Vor-Ort-Service in Ordnung geht.

[youtube A5vf7TYqCrk]

Wer eine Website baut, sich in einem Blog verwirklicht, einen kleinen Nebenerwerb eröffnet, der steht zumeist am Anfang vor einem Problem. So etwas beginnt mit Kosten. Serverkosten, Zeit die man investieren muss, für das Webdesign, sofern man es überhaupt selbst machen kann und vieles mehr schlagen direkt am Anfang auf den Geldbeutel. Viele scheuen schon alleine deswegen den Anfang einer Idee, die sie in die Tat umsetzen wollen. Youtuber wollen ein schickes Video-Intro und eine coole Intro-Musik, Texter brauchen Übersetzungen. Dieses und unendlich viel mehr bekommt man für sehr schmales Geld bei Fiverr.com. Die Aufträge, dort „Gigs“ genannt, bekommt man zumeist ab 5$. Je nach dem in welcher Ausführung man seinen Auftrag letztendlich vergibt, steigt der Preis.

Am Beispiel meines Logos war die Rechnung wie folgt: Logo erstellen + 5$, Logo in den Dateiformaten AI,PNG,PSD,EPS und JPG + 25$, Logo in 3D-Optik + 5$. Insgesamt habe ich also knappe 30€ für einen kompletten Satz Logos hingeblättert. Ich weiss wohl, dass die hiesigen Designer die Hände über dem Kopf zusammenschlagen werden, ob der Dumpingpreise und der Empfehlung. Mir persönlich wäre es auch lieber gewesen, mir das ganze von einem Profi maßschneidern zu lassen. Aber dafür war das Geld schlichtweg nicht da.

Mit dem Ablauf bei Fiverr war ich ganz zufrieden. Sucht nach dem Job den ihr benötigt, sortiert das ganze nach Bewertungen und sucht euch dann den passenden Anbieter heraus. Der Anbieter fragt euch dann ein paar Dinge, wie: Habt ihr schon Vorstellungen? Gibt es Dinge die mit rein MÜSSEN? Was tut ihr eigentlich? Wie lautet eure Website? – Dies und vieles mehr hilft den Jungs und Mädels natürlich das Logo besser auf euch zuzuschneiden. In meinem Fall habe ich keinerlei Vorstellungen gehabt, wie mein Logo werden sollte. Ich wusste nur, dass ich die Blendenlamellen loswerden wollte, die mein altes Logo zierten. Der erste Entwurf war leider auch ein Griff daneben, aber nach kurzer Rücksprache hat der Designer das Ding überarbeitet und damit dann ins Schwarze getroffen. Was immer ihr also sucht, schaut euch auch mal bei Fiverr um. Der Designer den ich damals beauftragt hatte ist mittlerweile auch teurer geworden – but thats life

Es gibt aber auch Modelle, die noch nie oder wenig vor der Kamera standen, aber einen so unendlich tollen Look haben, dass man sie einfach Fotografieren muss. Für den Fotografen bedeutet das, neben einer konkreten Shootingplanung für Location, Fotostyle und Outfit auch, sich einen Plan um die Posen des Modelles zu machen. Ich habe bisher bei solchen vorab Bilder ausgesucht, auf denen die entsprechende Pose zu sehen ist und habe sie dem Modell beim Shoot auf einem Tablet gezeigt. Dass es aber auch anders geht, zeigt sich im neuen Video-Training von Akvile und Paddy. Dieses habe ich mir für euch angesehen und möchte euch hier eine klare Kaufempfehlung an die Hand geben.

[youtube G0OoZYcrjz8]

Über ein Jahr ist es nun her, dass ich ein Tutorial von Mr. Neunzeh72 Patrick „Paddy“ Ludolph rezensiert habe. Paddy’S lockere Art und Akvile’s lockeren Style habe ich damals schon richtig gut gefunden und die beiden wirken von der ersten Minute des Trainings an wie ein richtig gut harmonierendes Shootingpaar. Der Hauptteil des Coachings beschäftigt sich zwar mit dem Posing, aber die beiden zeigen auch, wie man genau zu so einer Beziehung zwischen Fotograf und Modell kommt. Ich finde es MEGA-wichtig,wenn das Shooting für beide weniger Arbeit sondern mehr Spaß ist, denn das spiegelt sich zu 100% auch in den Bildern wieder!

Im Training selbst dreht sich vieles um das Posing und es werden folgende Kapitel behandelt:

• Posing im Stehen
• Posing im Sitzen
• Posing im Liegen
• Problemzonen im Stehen
• Problemzonen im Sitzen
• Perspektive und Blickwinkel
• Hände
• Beauty
• Emotionen
• Dessous & Boudoir provokant
• Dessous & Boudoir leicht sexy
• Dessous & Boudoir Verspielt / Lifestyle
• Dessous & Boudoir romantisch
• Männer
• Lifestyle
• Verdeckter Akt

Was aber dieses Coaching, welches ich in zwei Tagen durchgeguckt und verschlungen habe, so wertvoll macht, ist die Fülle an Tipps drum herum. Wie inspiriere ich und mein Modell? Wie Plane ich Shootingklamotten? Wie hole ich das Model ab und packe sie in die Wohlfühlzone? Diese und weitere Fragen beantworten Aki und Paddy in gewohnt lockerem Stil, mit vielen guten Tipps. Besonders froh bin ich, auch einen Posingteil für Männer gefunden zu haben und vor allem auch für mein Lieblingsgebiet Outdoor-Fotografie Posing-Tipps bekommen zu haben. Dabei ist dieses Training für Fotografen gleichermaßen wertvoll wie auch für Modelle, die semiprofessionell oder professionell arbeiten wollen. Aki spricht aus Erfahrung und das merkt man an jeder ihrer Gesten und Posen. Somit wird dieses Training auch besonders für Jung-Modelle sehr interessant, denn zu nahezu jeder Pose haut Aki wichtige Do’s & Dont’s raus, die Modellen das Leben leichter machen. Für mich ist dieses Training ein absoluter Kauftipp und gehört auch für euren Fotografen oder euer Modell daheim unter den Weihnachtsbaum und ist eine echte Bereicherung!

[bewertung]

Daraus entstanden sind Zehn Sets mit jeweils rund 10 Bildern, von denen ich euch nun heute eine kleine Auswahl zeigen möchte.

Ich hoffe euch gefallen diese Bilder und sie animieren euch dazu auch mal in den Abendstunden zu shooten, die Stadtlichter geben ein tolles Bokeh ;)- mein Dank gilt Natalia Gutsche, für ihre Zeit und ihr tolles Posing!

Ab und an kommt es vor, dass ich von der einen oder anderen Firma zu einem kleinen Event eingeladen werde. Im letzten Jahr war das Microsoft, heuer hat es mich zu den Kollegen von 1&1 verschlagen, für die ich letztes Jahr ja schon eine kleine Serie zur Smartphone-Fotografie schreiben durfte. Grund der Einladung war zwar das neue Logistikzentrum der Kollegen sowie die Vorstellung des Motorola X Play Smartphones in Montabaur. Für mich aber auch eine tolle Gelegenheit, Blogger-Kollegen wie Chris von themetro oder Denny von Smartdroid wieder zu sehen, denn die sind mir über die Bloggerjahre durchaus ans Herz gewachsen. Aber auch neue Bekanntschaften erwarteten mich und mit manchen, wie etwa Jan von gdgts versteht man sich und alles passt wie Arsch auf Eimer. Wie immer beginnen wir aber mal ganz am Anfang.

Bandshirt, Bandshirt im Schrank, für welches bin ich zu dick und für welches zu schlank?

Die Einladung zum Event erfolgte unter dem Twitter-Hashtag #1und1hwl und nannte sich 1&1 Hardware-Lounge. Diese wiederum stand ganz im Zeichen des „Bandshirtfriday“ und so am die Einladung nicht nur für eine Präsentation von ein bisschen Tech sondern mit einem akustischen Highlight, einer Einladung zu einem Privatkonzert der Band „Hi! Spencer„.

Damit ging die Misere los. Denn gefordert war, ein Shirt seiner Lieblingsband zum Event zu tragen. Was hatte ich im Schrank? Klar. Nirvana. Mist. Biste zu fett für geworden. Was noch? The Cure. Cool. Mist. Biste zu schlank für und eigentlich hörste die Band auch gar nicht mehr. Es musste also was neues her und so habe ich mich für etwas Rumpfkluft meiner Dauerbrennerband Schandmaul entschieden, diese kurzerhand geordert und so war ich denn erstmal set and ready. Der Tag kam also und ich ging gut gelaunt auf Tour ins schöne Montabaur und die ersten Kollegen schlossen sich im Zug ab Frankfurt an. Gott sei Dank war ich nicht Teil von Kollege Gilly’s Daily Vlog

„Guck mal, Marcel D’Avis!!! Den gibts ja wirklich!!!“

Angekommen gabs eine liebe Begrüßung durch die 1&1 Kollegen und Kolleginnen, bei Schnittchen und Limo (ehrlich. LIMO. OHNE ALKOHOL). Dann ging es weiter zum obligatorischen Teil, der Vorstellung des Motorola X Play Smartphones, zu dem ich später noch ein paar Takte verliere. Auch hier hat man es uns nicht nur einfach gemacht, sondern uns überrascht. Es gab eine Haribo-Bar, bei der man sich seine eigene Schnucktüte zusammenstellen konnte.

Gesagt getan und auf dem besten Wege auch fürs neue Bandshirt zu fett zu werden, setzten wir uns mit den Schnucktüten und begeisterter Miene und lauschten dem Vortrag zu den aktuellen Zahlen bei 1&1 und dem Motorola X Play. Doch was dann passierte, hatte nun wirklich keiner erwartet. Angekündigt wurde der Leiter des Logistikzentrums, herein kam … MARCEL D’AVIS… wer den Kollegen nicht kennt, hat durchaus was verpasst (Info-Material ). Es gibt ihn also wirklich, dachten wir so bei uns, denn die meisten von uns hielten ihn bislang für eine PR-Erfindung, einen Schauspieler für Werbezwecke. Nichts. Marcel D’Avis, den man nach dem Kennenlernen getrost als coole Socke bezeichnen kann, führte uns höchst persönlich durchs Logistikzentrum. Ein klasse WoW-Effekt

Das Logistikentrum und das Motorola X Play

Fangen wir beim kleineren an, dem Motorola X Play Smartphone. Ich bin aus der Hardware-Testerei mittlerweile ziemlich raus gewachsen und möchte hier an dieser Stelle auch gar nicht zu sehr ins Detail gehen. Ein Smartphone ersetzt bei mir im Alltag die Kompaktkamera und ist ansonsten nur ein Mail-Social-Telefon-Helferlein und muss schlichtweg flüssig seinen Dienst tun. In allen Lebenslagen. Aktuell erledige ich alle Aufgaben mit einem iPhone, aber das Motorola X Play ist für den aufgerufenen Preis von Rund 350€ ein starker Allrounder. Gutes Display, starker Akku, anständige Kamera und das ganze staub- und spritzwasserfest – was will man mehr? Wem das Ökosystem egal ist, oder wer so oder so Android-Geräte bevorzugt, der macht mit dem X Play nichts verkehrt.

Ich für meinen Teil sehe mir lediglich die Kamera genauer an und dazu werde ich in naher Zukunft auch noch Worte verlieren. Wen das Gerät an sich mehr interessiert, der wird hier bei Denny fündig oder kann sich bei Chris mit Informationen eindecken.

Interessanter war dennoch das neue 1&1 Logistikzentrum. Für das Volumen von knapp 20.000 Sendungen am Tag war das Zentrum erstaunlich klein und man hatte irgendwie immer den Eindruck – „Das kanns doch nicht schon gewesen sein,oder?“ doch in der Tat. Im Umkreis von 200km schafft 1&1 künftig sogar Lieferungen am selben Tag, so zumindest der Plan von Marcel D’Avis. Beeindruckende Zahlen auf jeden Fall und man merkte der Führung an, dass nicht nur Stolz mitschwang sondern auch Tatendrang und ne ordentliche Portion Ehrgeiz. Wenn das den Marcel D’Avis mal nicht Auslastet, weiss ich auch nicht mehr – und da Führungen keiner so gut filmt wie der Gilly, lasse ich euch einen Moment mit seinem wirklich gut gelungenen Zusammenschnitt alleine.

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Coole Geschichte soweit und auch für mich richtig interessant gewesen, sowas mal zu sehen. Doch das sollte nicht der letzte „Oha-Faktor“ des Tages werden, denn nach dem obligatorischen Selfie mit Mr. Kundenzufriedenheit D’Avis ging es in ein echtes Schmuckstück. Ein US School Bus umgebaut zur Party-Masschine und die ersten alkoholischen Getränke erwarteten uns vor dem Logistikzentrum.

„Bitte schießt euch im Bus noch nicht komplett ab“

So lautete wohl der Auftrag an Martin Fischer, einen der Organisatioren. Sorry Martin, das ging schief, denn ein „Stößchen“ jagte das andere, gute Musik, gute Gespräche und viele derbe Witze sorgten für eine richtig bombastische Stimmung.

(Die richtig peinlichen Fotos erspare ich euch bewusst an dieser Stelle )

Am Ende der Fahrt, im 25hrs Hotel in Frankfurt hatten wir jeder schon feierlich getankt und waren gut dabei. Aber das war mitnichten das Ende des Abends. Hier ging es erst richtig los. Während die Kollegen, welche über Nacht blieben ihre Zimmer mit ihrem Hab und Gut versahen, ging es für andere schon auf die Dachterrasse zum Sonnenuntergangsgucken und Getränke schlürfen. Holy Moly, war das eine Aussicht.

Vom gemütlichen Beisammensein auf der Dachterasse ging es dann runter ins Lokal zum Essen. Sieben Gänge erlesene Köstlichkeiten und ich trottel hatte vegetarisch bestellt, weil ich an dem Tag als wir das entscheiden mussten Fleisch satt hatte. Gott sei Dank konnte man hier und da einen Gang mit den Kollegen tauschen. Das Essen des Hotels war durch die Bank weg kreativ, sehr lecker und auf den Punkt, für meinen Geschmack. Großes Lob hier an die Belegschaft, auch für den prompten Service und die freundliche Bedienung. Hier ein paar Highlights:

Ich kam, aß und ging zu früh

Zum eigentlichen Hauptteil des Events, dem Konzert von Hi! Spencer ging es anschließend in den Kellergewölben des 25hrs Hotel. Da ich aber familiär verpflichtet war, habe ich dieses leider auslassen müssen und kann mich aber dank des PR-Teams von 1&1, überschwänglicher Dank sei an dieser Stella an Martin, Peter und Salomé ausgerichtet <3, an der Musik der Jungs dennoch erfreuen. Ihr Stil und ihre Musik sind per se nicht mein Geschmack, dennoch habe ich auf ihrer Scheibe mein Lieblingslied „Tel Aviv“ gefunden und höre das auch recht gerne im Auto. Selbst mein Junior rockt schon ab zu den Klängen der Osnabrücker Truppe.

Danke liebe Kollegen von 1&1. Das war saubere Arbeit und ein tolles Erlebnis.

Mein letztes Wort dazu ist nun auch nichts weiter als ein schlichtes, aber herzliches DANKESCHÖN an unsere Visagistin Janina Eckweiler, ohne die das Shooting wohl auch nur halb so ertragreich geworden wäre.

Die Rosenhöhe ist eigentlich fotografisch eine tote Geschichte. Tausendmal abgelichtet, sehr oft die gleichen Locations innerhalb des Parks auf Bildern und mit dem Licht ist das so eine Sache, da oben. Wenn man strukturierte Hintergründe mag, dann ist man auf der Rosenhöhe quasi falsch, denn wenn das Licht geil aussieht steht die Sonne meist zu tief um genau die Spots gut auszuleuchten, die solche Hintergründe bieten. Aber das soll nicht euer Problem sein. Genießt mit mir einfach die schönen Bilder von Anne.

Schöne Bilder, wie ich finde und ein großes Lob an Anne, die ihre Sache wirklich gut gemacht hat. Wenn man dann auch noch das entsprechende Feedback bekommt, hat man wohl alles richtig gemacht…

Ziel dieses Coachings, war das Erlernen von Outdoor Gegenlicht-Shots, Street-Style Portraits, und ein paar Dessous-Portraits auf der Gentlemans Couch. Auch in Richtung Modell-Führung, simple Studiolichtsetups und Nachbearbeitung wollte ich etwas von Dennis lernen, dessen Portraits und dessen Style mir richtig gut gefallen. Das scheint aber nicht nur mir so zu gehen, denn regelmäßig hat der gute Dennis klasse Modelle zu Gast, wie etwa Martin Schenk oder die Frau Pfau. Das ganze fand also in Mainz, vor und in Dennis Studio statt und was ich dort zu lernen bekam, war nicht nur richtig nützlich sondern hat mich manchmal schon ganz schön beeindruckt. Insbesondere in der Modell-Führung ist Dennis eine echt coole Socke. Dennis schafft es aus dem Nichts heraus, ein Modell weg von der stressigen Autofahrt hin zu einem entspannten Gesicht und einem relaxten Feeling zu bringen. Dazu flüstert er. Er spricht mit dem Modell in einer tiefen, sonoren Stimme und schafft es mit dem was er sagt, das Modell geistig weg vom Shooting, hin in ihre innere Wellness-Oase zu schicken. Dann löst er aus. Es hatte was von Berry White, der seine Liebesschwüre in ein Mikrofon säuselt. Ich hoffe ihr verzeiht mir das schlechte Wortspiel in der Headline, aber anders kann ich es nicht ausdrücken. Das traut man dem allzeit scherzenden, manchmal auch recht derbe scherzenden Dennis so gar nicht zu. Zudem, das er sich als Modell-Flüsterer verdingt, bringt er seine Modelle zur Lockerung auch gerne in Bewegung und schafft so natürlich wirkende Posen. Das zu sehen und zu lernen hat mir richtig viel gebracht.

Outdoor Avialable Light ist meine Lieblingsdisziplin in der Portraitfotografie. Nah am Modell, mit richtig schickem Gegenlicht, oder Mitlicht, dazu eine stark strukturierte Location im Hintergrund, das ist die Art Fotos die ich mag. Dennis hat mir hier den Blick für niedrige Brennweiten geöffnet. 35mm (bei mir 28mm) taugen durchaus zum Portrait-Shoot, wenn man einige Dinge beachtet, wie etwa den Abstand zum Modell um Alf-Nasen zu vermeiden.

Weiter ging es dann im Studio, wo wir zum Dessous-Shoot auf die „Gentlemans Couch“ abgebogen sind. Normalerweise ist Dessous, Akt, Teilakt nicht mein Feld. Wenn man aber mit „Ottonormalkunden“ Geld verdienen möchte, dann sollte man wohl auch dieses Feld zumindest mal probiert haben und wissen, worauf es ankommt. Die gute Kyra war dabei (natürlich auch Dank Berry Weissmantel) sehr locker und ich habe sofort gemerkt, wie wenig Ahnung ich davon habe. Die richtigen Blickwinkel finden, die Haltung des Modells sinnlich und spannend zu gleich gestalten und dann noch die richtige Lichtstimmung mitnehmen, dass alles ist für den Fotografen zeitgleich nicht ganz einfach. Ich habe dabei auch festgestellt, dass mir das Fotografieren draußen, mit Sonne und Natur deutlich besser gefällt und wesentlich mehr Spaß macht.

Den Abschluss dieses Tages bildete ein Ausflug in die Studio Fotografie mit Lichttechnik und einem relativ einfach aufzubauenden Licht-Setup. Das so genannte Vogue-Light, welches seinen Namen von der gleichnamigen Zeitung und ihren Cover-Fotos erhalten hat, besteht aus einem einfachen Blitz, knapp über der Objektivachse auf das Modell gerichtet, mit einem relativ harten Lichtformer mit engem Kegel dran. Wichtig hierbei sind dann Posen, die Spannung bieten, Winkel und Linien bilden und so den Betrachter „unterhalten“. Diese Bilder werden nicht nur in Farbe richtig gut, sondern kommen aufgrund der knallharten Schatten auch in Schwarz/Weiss richtig gut! Dieses Setup hat mir richtig Spaß gemacht und das werde ich auch gern wieder Versuchen.

Auch beim Thema Retusche und Nachbearbeitung habe ich von Dennis einige Tricks und Kniffe gelernt, wie zum Beispiel das Abpudern der haut in Photoshop, und ich habe gemerkt, dass besonders bei blitzsauberen, detailreichen Setups wie dem Vogue-Light auch die Retusche sehr präzise sein muss

Abschließend bleibt mir nur noch folgende Worte. Zum einen empfehle ich euch, unbedingt ein Coaching beim Dennis zu buchen. Des weiteren sei hier auch unbedingt die liebe Ute Kynast von Kreativquadrat recht herzlich bedankt, denn sie hat mit tollem Make-Up und Frisur einen maßgeblichen Anteil am Erfolg des Coachings gehabt. Ein weiterer Dank geht natürlich auch an Kyra, für ihre Mitarbeit und Geduld. ich habe echt viel über die Fotografie und über mich selbst gelernt.

Dennis Weissmantel @Work

Als Dozent in so einem Workshop hast du genau drei Probleme oder Aufgabenstellungen. Zum einen muss man einen Draht zu den Teilnehmern aufbauen. Denn wenn man sich von vorne herein unsympathisch ist, wird die weitere Zusammenarbeit nicht leichter. Weiters muss man sich seiner Sache sicher sein, sein Wissen präsent und auch flexibel Anwendbar haben um zum Beispiel auf Fragen eingehen zu können. Natürlich muss auch alles, was man den Workshopteilnehmern an die Hand gibt auch korrekt sein und last but not least muss man in der Lage sein, die Lernenden entsprechend in der Praxis so zu unterstützen, dass sie das zuvor theoretisch erlernte auch praktisch umsetzen können ohne zu verzweifeln. Dafür darf der Basis-Stoff nicht zu theoretisch sein und vor allem muss er lebhaft aufbereitet werden.

Das ist mir und Timo, wie ich finde, am Sonntag alles recht gut gelungen. Wir hatten eine tolle Truppe, viele verschiedene Anwendungsbereiche, welche für die Teilnehmer besonders wichtig waren und somit auch ein weites Feld an Fragen und Problemstellungen. Das Bonbon für unsere Wokrshop-Cracks war dabei meiner Meinung nach, dass es eben auch zwei unterschiedliche Dozenten gab, die unterschiedlich an ihre Herausforderungen herangehen, einen anderen Erfahrungsschatz und einen anderen Umgang mit der Fotografie pflegen. So haben wir also gemeinsam einen tollen Tag verbracht, viel fotografiert und ich freue mich darauf, zu sehen wie sich die Teilnehmer weiter entwickeln!

Auf die zahlreichen Fragen nach Wiederholung und weiteren Workshops waren Timo und ich uns einig: Das machen wir auf jeden Fall wieder! Wem das Lernen in der Gruppe nicht komprimiert genug ist, oder wer gerne gezielter auf die Lösung seiner fotografischen Probleme hinarbeiten möchte, darf sich im Raum Aschaffenburg, Würzburg und Darmstadt für ein Einzelcoaching an mich wenden.

Der Lichtspieler

Normalerweise schreibe ich ja nur über Rollstuhlbasketball oder habe hier und da mal einen Basketballspieler porträtiert. Aber irgendwie hat es mich nach meiner Begegnung mit Harald Peter in den Fingern gekitzelt, das erste Mal über einen Fotografen zu schreiben. Einen „Bildermacher“, mit dem ich drei Stunden zusammen gesessen habe – und das an seinem Geburtstag. Einen Menschen, den ich bis dato nur virtuell über die Sozialen Medien kannte. Ach ja, wir haben auch noch nicht zusammen „geshootet“, so dass ich nur seine Fotos auf Facebook und jene auf seiner Homepage kenne. Das gemeinsame Fotografieren folgt erst noch. Um ehrlich zu sein, kann ich mit Haralds Architekturfotos nicht wirklich was anfangen, fehlt mir hierzu doch das Auge und die Liebe für Gebäude, Häuser und Bauten. Ich bin dann doch eher der Porträt-Typ. Umso besser gefallen mir seine Schwarzweißaufnahmen. Aufnahmen von Menschen – so wie du und ich. Die sind einfach klasse. Simpel und gut. Kein Schnickschnack. Ich vermeide mal den inflationär benutzten „Model-Fotografen-Totschlag-Begriff“ der Ausdrucksstärke. Nachdem ich Harald kennen gelernt habe, weiß ich auch, warum mir seine Aufnahmen gefallen: Sie wurden mit Herz und professionellem Sachverstand geschossen.

Die Fotos spiegeln die Auseinandersetzung mit dem Model, dem Licht und der Umgebung wider. Ein Credo, das der Unterfranke lebt. Er ist der Lichtspieler, der dir erklärt, welche Kraft Fotos besitzen, die im November gemacht werden. Er berichtet dir, wie unterschiedlich das Licht wirkt, fällt und strahlt; welche Energie und Effekte die Sonnenkraft besitzt, wenn sie durch eine Fensterscheibe gebrochen wird. Mit dem Handrücken zeigt er dir Schattenspiele auf, die sich in deinem Gesicht widerspiegeln, wenn du vor der Kamera stehst.

(links Martin Schenk, Rechts Harald Peter)

Der 51-Jährige nimmt sich viel Zeit. So ein großes „Lebenszeit-Investment“ für ein TFP-Shooting? Nein, Harald investiert Zeit und Muße für den Menschen, dessen Charakter, das Innere, die Einzigartigkeit, die Idee und den nahenden Fototermin. Ein Treffen zum Fotografieren, in dem all diese Zutaten mit einem Fingerdruck auf den Auslöser zusammenschmelzen. Das hört sich richtig poetisch an. Aber ist Fotografie nicht auch Poesie? Die Erschaffung. Das Festhalten des Augenblicks für die Ewigkeit? Die Kombination bzw. die Inszenierung aus Licht, Model bzw. Objekt und Umgebung? Harald hat es einfach drauf. Und das, für alle Social-Media-Nerds, mit knapp 1.400 Facebook-Fans. Auch das mag es geben: große Kunst ohne viele Facebook-Daumen und Likes. Dass erst seit knapp drei Monaten ein Handy besitzt, macht ihn in dieser schnelllebigen Zeit noch sympathischer. Der Aschaffenburger ist der Bodenständige, der Liebe, der Nette, das „fleischgewordene Understatement“. Kunden, liebe „Like-Bettel-und Social-Day-Fotografen“, kommen auf Harald zu, um mit ihm zu arbeiten. So etwas mag es auch geben. Ich kann mir Haralds Gesichtsausdruck in diesem Moment gut vorstellen. Es ist so eine Mimik a lá „Mach-mich-doch-nicht-größer-als-ich-bin“. Aber genau an diesen Kleinigkeiten erkennt man die Großen ihrer Zunft. Die, die Werke und Fotos anderer loben, da neben ihnen noch Platz für Dritte ist. So wie bei Harald, der andere Fotografen teilhaben lässt, Aufträge abgibt, sein „Knipser-Netzwerk“ füttert; oder mal, was er normalerweise nie macht, sein Objektiv an den Aschaffenburger Kollegen Raab verleiht. Im Gegenzug darf Harald auch mal in Timos Studio. Und warum? Ich behaupte mal, ohne Timo zu kennen, dass es sich Harald „verdient“ hat, und zwar mit Aufrichtigkeit, Ehrlichkeit und unausgesprochenem Vertrauen.
All das schreibe ich aus dem Gedächtnis, weil es mir haften geblieben ist. Das ist schon selbstredend genug. Haralds höfliche Bestimmtheit, mit der er keine bzw. kaum Shootings in der Weihnachtszeit annimmt, da es in dieser Zeit hoch hergeht im Juwelierladen, in dem der „Hobby-Rennrad-Fahrer“ als Teilzeitkraft tätig ist. „Halbe Kraft“, die daher rührt, dass er vor knapp 15 Jahren in Elternzeit gegangen ist. Einer der ersten „Heim-bleib-Papas“ überhaupt. Eine Zeit, die er nicht missen will, außer die komischen Blicke der ewig gestrigen Mütter, für die es immer noch Usus war und ist, dass das schwache Geschlecht zu Hause bleibt und der „Babba“ die Brötchen ranschafft.
Dass Herr Peter ein phänomenaler Fotograf ist, hat er mit Sicherheit auch seiner Ausbildung zum Fotografen und Foto-Kaufmann zu verdanken. Dort bekam er das Rüstzeug vermittelt, mit dem er heute zwischen Loft-Studio und Outdoor-Location pendelt. Und ein weiterer Aspekt macht ihn zu einem echten Typen und Charakter: die wertschätzende Art, mit der er über seine Kollegen spricht. Neigt der eine oder andere „Knipser“ schon mal dazu, sich über seine Pendants zu echauffieren oder kleine Sticheleien in Nebensätze einzubauen, kommt aus seinem unterfränkischen Mund kein böses Wort. Er beurteilt und wertet die Resultate und Ergebnisse – nicht den Menschen. Das Faszinierende ist, dass ich, noch bevor ich Harald kennen lernte durfte, von ihm wusste. So berichtete mir nicht nur Kollege Ben Peter aus Gelnhausen von Harald, sondern auch Benno von Blendstufe.de. Beide waren voll des Lobes. Ein Lob, das sich Harald mehr als verdient hat. Authentische und ehrliche Worte über den Lichtspieler Harald, die ich mit großer Vorfreude auf unser Shooting unterstreichen kann.

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Danke Martin, für diesen Beitrag. Ich selbst kenne Harald zwar persönlich, jedoch nicht näher und kann deine Erfahrungen genau so unterstreichen.

Das Bigger Picture Set besteht aus zehn Wissenskarten und vierzig Aufgabenkarten. Diese werden getrennt, gemischt und von jeder Art wird eine gezogen. Die beiden gezogenen Karten ergeben in Kombination eine Fotoaufgabe, die der „Spieler“ lösen muss. Dadurch ergeben sich insgesamt schon mal 400 Aufgaben, welche den Blick für Linienführung, Motiv und Technik beim Fotografen bilden, schulen und erweitern sollen.

Was als Crowdfunding-Kampagne begann, hat sich wohl auch jenseits der Erwartungen der Macher gigantisch entwickelt. Das Pack, welches ich besonders geeignet für Fotoclubs, Schulen oder eben auch den klassischen Fotografie-Einsteiger finde, gibt es mittlerweile für knapp 13 €uro im Onlineshop und werden von Leuten wie Scott Kelby oder Ted Forbes promotet. Ein gigantisches Ding und zu gleich eine gute Sache! Doch alleine bei den Karten ist es nicht geblieben, denn zusätzlich zu den Kartensets, welche es in deutsch und englisch gibt, kann man im AppStore von Apple auch noch die passende App für rund 7 €uro bekommen.

[appbox appstore id1005768256]

Gewinnspiel

Ich habe die glorreiche Ehre, euch zwei der Bigger Picture Kartenpacks schenken zu dürfen, mit besten Empfehlungen vom Team rund um den Begründer Kilian. Was ihr dafür tun müsst? Einfach. Schreibt mir in einem Kommentar unter diesem Beitrag im Blog, für wen ihr das Bigger Picture Deck haben wollt. Wenn ihr es für euch selbst möchtet wüsste ich gern, wobei euch das Deck helfen soll. Falsche Antworten gibt es wie immer nicht, aber die Aufgabe möchte erledigt werden. Wer besonders nett ist, schenkt den Entwicklern des Sets ein Like auf Facebook. Das Gewinnspiel läuft bis Sonntag, 20. September 2015 um 20 Uhr, der Gewinner wird via random.org ermittelt und der Rechtsweg ist ausgeschlossen. Viel Glück!

Was man aktuell in den diversen Foto-Foren, auf Facebook und den einschlägigen Fotoseiten zu sehen bekommt, geht oft immer weiter weg von impressionistischer Fotografie, hin zu traumhaften, fantastisch belegten Bildern. Dazu bedarf es, neben der ohnehin eminent wichtigen kreativen Idee und dem richtigen fotografischen Handwerkszeug auch einer schönen Prise Photoshop. Alle diese drei Komponenten beherrscht der Lektor dieses Tutorials richtig gut und ich habe mir seine Scheibe „Kreative Portraitfotografie“ in einem Rutsch angesehen.Inhaltlich geht Lyonel bei seinem Tutorial acht Shootings mit euch durch. Er betont dabei im ersten Teil thematisch eine gewisse Verbundenheit zur Natur und ihren Elementen. Wasser, Wüste, Erde und Wald spielen hier eine Rolle. Das Shooting selbst nimmt dabei meistens einen kleineren Anteil ein, als die Nachbearbeitung. Genau diese ist, zumindest für mich bei solch einer DVD, auch der wichtigere Teil. In der Nachbearbeitung führt euch Lyonel von der RAW-Entwicklung an durch ganz unterschiedliche Gebiete der Retusche. Da ist dann von Hautretusche über Licht- und Schattenmalerei hin zur Finalisierung eines Bildes mit einem Bildlook alles dabei.

Im zweiten Teil seiner DVD widmet sich Mr. Stief dann noch mehr dem Fantasy-Genre und führt uns durch Shootings mit magischem Touch. In acht Stunden Spielzeit behandelt unser Tutor folgende Kapitel:

• Gute Vorbereitung ist alles
• Fotoshooting mit Adam und Eva
• Die Wüstenkönigin
• Beauty-Portraits im Wasserbad
• Wassernixen im Fluss
• Die Druidin im Wald
• Historisches Portrait im Laternenlicht
• Der gefallene Engel
• Stürmischer Tanz im Zeitungskleid

Alle diese Kapitel sind absolut sehenswert, gut und frisch erklärt und durchweg interessant. „Kreative Portraitfotografie“ gibt nicht nur einen Einblick in einen aktuellen Bild-Trend, sondern versetzt euch, nicht zu letzt Dank dem wie immer auf einer zweiten DVD beigepackten Übungsmaterial, in die Lage diese Bilder nachvollziehen zu können.

Was mir ein wenig fehlt, ist der Griff nach den Ideen an sich. Ich hätte mir eine ausführlichere Erklärung gewünscht, woher Lyonel seine Ideen bezieht, wie er sie entwickelt und wie er daraus dann ein fertiges Shooting macht. Schließlich kommt auch nicht jeder mal einfach so auf die Idee, Wölfe und eine Eiskönigin zu shooten.

[youtube BowLuh5_oEs]
(Video von Lyonels Youtube Channel)

Was man dem Tutor dieser DVD aber anmerkt ist, dass er sehr zielstrebig ist und weiss, wovon er spricht. Er erklärt mit Witz und lockerer Art, warum er einen Hintergrund eher scharf oder unscharf Fotografiert, warum er bestimmte Materialien benutzt und wie er aus Photoshop noch das Maximum aus eigentlich schon fertigen Bildern herausholt.

Fazit

„Kreative Portraitfotografie“ ist richtig frisch, modern und macht sowohl Spaß beim ansehen, als auch beim mitklicken und wahrscheinlich auch beim Nachfotografieren. Ich habe mir die DVD eigentlich Hauptsächlich wegen dem Teil mit den Wassershootings kommen lassen, denn das beschäftigt mich aktuell auch in meinen Fotoshoots.

Ich habe auf jeden Fall eine Menge beim Schauen gelernt und werde mich mit dem Thema auch noch weiter beschäftigen, so lange es noch nicht zu kalt ist um im Fluss zu liegen. Auch der Rest dieser Scheibe ist aber definitiv sein Geld wert. Lyonel zeigt diverse Licht-Setups, diverse Posen und gibt immer wieder wertvolle Tipps am Rande der Shootings. Cool fand ich, dass auch eine Make-Up Spezialistin mit zu einem Shooting geholt wurde und sie euch ihre Tipps mit auf den Weg geben konnte. Kritikpunkte gibt es selbstverständlich auch. Zum einen stören mich die Galileo-Mystery-artigen Kamerawechsel in den Kapitel-Einführungen gewaltig und zum anderen fehlt mir wie gesagt ein wenig die Tiefe bei der Ideenfindung. Meine Meinung: für 49,90 €uro macht ihr mit dieser tollen DVD nichts verkehrt. Das besondere an dieser Scheibe ist für mich aber der Charme und Witz des Tutors. Lyonels Sinn für Humor lässt euch nicht nur einmal richtig ablachen.

Ein paar Beispielvideos aus dem Training stellt Rheinwerk übrigens selbst schon auf ihrem Youtube Channel vor. So könnt ihr einen tollen Vorgeschmack bekommen auf das was es im Training zu sehen gibt.

[youtube N5e616MOONY]

Gewinnspiel

Wer am Monatsanfang trotzdem auf leere Kassen schauen muss, für den habe ich etwas Besonderes. Ihr könnt „Kreative Portraitfotografie“ hier gewinnen und euch kostenlos und frei Haus in euren Rechner holen. Alles was ihr dafür tun müsst ist, unter diesem Beitrag folgende Gewinnspielfrage zu beantworten:

Welches fantastische Portrait würdet ihr gerne mal fotografisch Umsetzen?

Das kann eine Idee sein, ein Szenario aus einem Film oder eine Vorlage von einem großen Meister – erzählt mir davon. Falsche Antworten gibt es natürlich nicht, aber die Frage soll beantwortet sein. Wer besonders nett sein möchte, spendiert Lyonel hier ein Like auf seiner Facebook-Seite. Das ist zwar keine Gewinnspiel-Bedingung, wäre aber einfach lieb. Das Gewinnspiel selbst läuft eine Woche bis zum Donnerstag, den 10.09.2015 um 20 Uhr. Der Gewinner wird via Random.org ermittelt und der Rechtsweg ist ausgeschlossen.

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