Bloc de Moda / Cultura del Vestir

El diablo viste a la moda 2: Anna Wintour se apropia del guion de Lauren Weisberger

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Mon, 27 Apr 2026 14:33:00 +0000

El despliegue mediático es una performance. Hubo premieres, filtraciones a la medida y una portada de Vogue donde Meryl Streep y Anna Wintour rompen la frontera entre el mito y la realidad. Este jueves 30 de abril, El diablo viste a la moda 2, dirigida por David Frankel, llega a las salas de cine, pero el verdadero espectáculo sucedió durante la promoción.

La producción de la película buscará reactivar el mecanismo de 2006, cuando la primera entrega convirtió un presupuesto de 41 millones de dólares en una recaudación de 327 millones.

La secuela retoma el rastro de las tres protagonistas (Andy Sachs, Emily Charlton y Miranda Priestly) en una industria periodística que compite por atención, donde la historia se convirtió en contenido y la repercusión en viralización.

Entre la publicación de la novela original en 2003 y su continuación en La venganza viste de Prada, en 2013, la escritora Lauren Weisberger capitalizó su experiencia como exasistente de Wintour para transformar el hermetismo de su jefa en un producto de consumo masivo. Pero ese ecosistema analógico quedó lejano.

El diablo viste a la moda 2 se basa en los personajes creados por Lauren Weisberger

La secuela sitúa a Priestly ante el declive de las revistas impresas, forzándola a negociar con sus exsubordinadas, Emily y Andy. Pero, el movimiento más relevante sucede fuera de campo, pues Wintour decidió apropiarse de su propia caricatura. Si en 2003 el personaje de Miranda Priestly era un enigma sustentado en el rumor, hoy la editora asume el rol. La exdirectora de Vogue Estados Unidos se adueñó del mito al subir al escenario de los Oscar junto a Anne Hathaway para presentar el premio a Mejor diseño de vestuario. Meses después, consolidó la maniobra posando, junto a Mery Streep, para Annie Leibovitz en la portada de mayo de Vogue titulada Seeing Double: When Miranda met Anna.

La jefa devoró la ficción. La realidad se impone con la ironía que antes pertenecía a la pluma de Lauren Weisberger. Al vivir voluntariamente el disfraz que su exasistente le diseñó, Anna Wintour anuló la autoridad de la escritora. La venganza ya no pertenece a la novela. La supuesta villana secuestró el relato mediático para escribir su propia versión.

Adrián Appiolaza en Buenos Aires: El retorno del diseñador que tradujo la argentinidad al lujo global

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Sun, 26 Apr 2026 23:02:00 +0000

La presencia de Adrián Appiolaza esta noche en los Martín Fierro de la Moda 2026 antecede a su distinción como Personalidad Destacada de la Cultura por la Legislatura porteña, el próximo martes. El reconocimiento llega tras su nombramiento, en enero de 2024, como director creativo de Moschino. Su llegada a la firma es el resultado de un recorrido de tres décadas por los talleres de mayor peso en Europa.

En 1994, dejó San Telmo para estudiar en Central Saint Martins, en Londres. Su ingreso al circuito profesional fue rápido: el mismo año de su graduación, donde obtuvo el premio a la mejor colección, se incorporó al equipo de Alexander McQueen. Desde entonces, Appiolaza ocupó puestos de responsabilidad en las estructuras que definieron la moda de los últimos veinte años. Trabajó junto a Phoebe Philo en Chloé y con Clare Waight Keller en Celine. El diseñador formó parte del equipo de Prada y se desempeñó en Louis Vuitton bajo la dirección de Marc Jacobs. En 2014, con el grupo LVMH se trasladó a París para acompañar al director creativo Jonathan Anderson en el diseño de la línea femenina de Loewe.

En Tierra, la colección otoño invierno 2026 para Moschino, Appiolaza llevó a las pasarelas de Milán a Mafalda, Evita y el fileteado porteño, entre algunos de los temas de tradición argentina donde el diseñador mostró su capacidad para procesar la identidad nacional sin caer en el cliché.

Su metodología se apoya en una biblioteca visual muy propia. Adrián Appiolaza creó un archivo con piezas de Yohji Yamamoto, Comme des Garçons y Vivienne Westwood que utiliza como base de estudio para sus diseños y también alquila para diferentes producciones.

Hoy, su tarea en Moschino consiste en extraer el legado de Franco Moschino para situarlo en el presente, transformando la ironía histórica en una propuesta de lujo con sustancia y peso cultural.

La colección 08 de Moschino donde Appiolaza toma la cultura argentina como referencia

Crisis del lujo 2026: ¿Por qué LVMH cae mientras The Row, Coach y Ralph Lauren crecen?

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Sun, 19 Apr 2026 13:42:00 +0000

El panorama actual del consumo es el resultado de una apuesta arriesgada. Durante el boom de compras post-pandemia del covid-19, las marcas de lujo dispararon sus precios aprovechando la euforia del consumidor. Pero las compras fueron en caída libre. Como postal sirve LVMH, que en los primeros tres meses de 2026 sus ventas cayeron un 2%, encadenando su séptimo trimestre consecutivo de pérdidas, según publica The Economist. Mientras tanto, The Row, Coach y Ralph Lauren quebraron la tendencia y registraron ganancias. La moda de Estados Unidos está lejos de manejar el mercado de lujo, pero da cuenta de una estrategia que prioriza la identidad, el control del canal de venta y la experiencia real del cliente.

The Row, que hoy ocupa el puesto 7 en el ranking de popularidad de The Lyst, sustenta su éxito en ir en sentido contrario al exhibicionismo que domina esta sociedad. La estrategia de Mary-Kate y Ashley Olsen es el minimalismo discreto como única opción. Desde 2006 ofrecen diseños sin logos que funcionan como código de pertenencia silencioso. Las gemelas Olsen parecen domar la psicología del consumo. Son herederas de la mística de exclusividad de la Birkin bag de Hermès, pero también la capacidad de generar el deseo masivo de Zara. Consiguen que la clienta perciba que el producto es un diseño de culto difícil de conseguir. Con este gesto, ellas arman un estándar de lujo propio que funciona como una autorreferencia constante y protegen a la marca frente a la crisis.

Coach logró aumentar sus ventas un 25% tras una reestructuración que indagó en su archivo histórico. La marca recuperó la visión de Bonnie Cashin, la directora creativa que en los años 60 introdujo la identidad de diseño funcional y minimalista que hoy vuelve a ser tendencia. La marca, fundada en 1941, decidió irse de los shoppings y grandes almacenes. Este movimiento logra que el 90% de sus productos se vendan de forma directa al cliente, lo que les permite manejarse sin intermediarios.

Además de eliminar su fama de marca de descuentos, Coach supo capturar al público joven con las bag charms personalizables. Lo que para un sector parecería un detalle menor y hasta vulgar, para la nueva generación es el motor de compra que volvió a poner a la marca en el centro de la escena.

La clave de Ralph Lauren fue la diversificación del espacio físico. La marca fundada en 1967 entendió que la tienda es un destino social a través de Ralph's Coffee. Con presencia global, logró que el público busque pasar tiempo en sus tiendas. fusionaron el consumo con el ocio. A esto se suma una inversión del 7% de sus ventas en marketing y la modernización total de su logística. Mientras otras marcas gastan recursos en alianzas que sirven de fachada, Ralph Lauren utiliza la innovación para adaptar el producto y la distribución a la necesidad real de cada mercado.

La lectura que invita estos tres casos sugiere que, en contextos de incertidumbre, el crecimiento puede venir de la capacidad de adoptar una estrategia propia, adaptarla a los nuevos hábitos y tener la espalda para sostenerla en el tiempo.

Compre Nacional: ¿La ropa es cara en Argentina?

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Fri, 17 Apr 2026 01:12:00 +0000

El informe presentado por la conductora Dominique Metzger abre el juego en Telenoche con una premisa repetida sobre "lo caro que está la ropa y vestirse". Sigue el relato de Martín Ciccioli exaltando la dinámica de los fardos de ropa usada norteamericana que descienden por Latinoamérica. Hay algo cínico en presentar este desfile de desechos textiles por el continente como una "nueva tendencia". El cronista confunde la circularidad con acumulación y el remate: "no es compre chino, es compre americano", dice. Meses atrás, la performance de Rolando Graña en América Noticias fue en la misma sintonía, incluso llevó un fardo al estudio de TV para evidenciar qué se puede comprar. Ninguno de los dos noticieros mencionan los riesgos sanitarios que implica consumir prendas en esas condiciones de descarte.

En el medio de este clima, Esteban Mirol protagoniza un stand up sobre el precio elevado de “un calzón”, una teoría que se cae al entrar en la histórica mercería Casa Josecito, fundada en 1942. Allí, el precio de la ropa interior en cuestión cuesta lo mismo que la supuesta "ganga" que el periodista cree haber descubierto en plataformas extranjeras, desarmando la ficción del ahorro importado.

Pero el punto ciego del debate es la invisibilización de la ropa barata en Argentina. Existe una idea instalada de que no hay opciones accesibles, pero no es así. El análisis de la ropa cara se limita a los shoppings, donde el 70% de la oferta es importada. El precio que se paga ahí no es por la costura nacional, es por el alquiler del local, el marketing y la logística de un canal que ya no representa al consumo masivo. La ropa es el termómetro más sensible de la economía. Hoy los precios se frenan por el golpe seco de un mercado interno que ya no tiene con qué comprar. La fe ciega en que abrir las importaciones va a bajar los precios no tiene pruebas reales. Según advierte la Fundación ProTejer, estamos ante una desregulación que borró de un plumazo los controles de calidad y aduana, bajando impuestos a la importación en plena recesión. Es una competencia desleal. Mientras potencias como Francia o México le ponen reglas a las plataformas digitales —exigiendo que paguen impuestos y se hagan responsables de lo que venden—, Argentina va al revés, dejando al productor local en la nada.

Encima, el debate ignora el costo humano y ambiental del fast fashion. Este sistema, que acá se celebra como sinónimo de precios bajos, es en realidad un modelo de usar y tirar basado en el trabajo precario. El dato es contundente: un aumento del 19.000% en la importación de basura textil. Al importar estos fardos, Argentina está aceptando la contaminación y los problemas de salud que los países desarrollados ya no quieren ver. Es, básicamente, aceptar los desechos del mundo disfrazados de oportunidad.

Composición del precio de una remera comercializada en el shopping

Ay Not Dead en la FADU: La moda no es un lujo, la educación pública tampoco

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Wed, 15 Apr 2026 22:40:00 +0000

La Industria Textil en Argentina atraviesa una emergencia que se está simplificando en notas de color sobre el precio de las prendas o un debate de opinión sobre si la ropa local es cara, como si la existencia de una industria nacional fuera un detalle opcional frente a la conveniencia de comprar fardos o en China. Pero cuando ese debate parece perder gravedad, Ay Not Dead traslada su campaña Otoño Invierno 2026 a los pasillos de la FADU.

Es un movimiento que corre la discusión del consumo para situarla en otra urgencia: la defensa de la educación pública. Cuando el primer cuatrimestre debería iniciar con normalidad, la Universidad de Buenos Aires ratifica la emergencia presupuestaria y salarial, exigiendo el cumplimiento de la Ley de Financiamiento de la Educación Universitaria.

En este contexto, AY NOT DEAD pone su campaña bajo el lente de Sebastián Faena y la Facultad de Arquitectura y Urbanismo como escenario para “The Many Faces of Ecstasy”. La colección utiliza el Pabellón 3 para que la moda, el arte y la cultura compongan un relato visual que busque un “diálogo directo con el pensamiento creativo local, despertando conversación y repercusión en redes”, según detalla el comunicado oficial. La narrativa absorbe el entorno para validar la relevancia del diseño en un momento de fragilidad institucional.

La impronta rockera de Ay Not Dead se cruza con referencias al cine de autor y la música para construir una intensidad emocional. El resultado es un repertorio de siluetas modernas donde los tejidos fluidos conviven con prendas estructuradas, un contraste que sucede dentro de las aulas para recordar que la educación pública no es un gasto, es una de las inversiones más importantes de nuestro país.

imágenes: Gentileza Ay Not Dead / PH Sebastián Faena | vía Grupo Mass

Reporte Buenos Aires: El diseño slow fashion y crochet artesanal de Laura Carrioli

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Fri, 10 Apr 2026 12:55:00 +0000

La marca de Laura Carrioli nació durante el parate de la pandemia. Lo que empezó como una inquietud doméstica terminó en el aprendizaje del crochet, una técnica que le dio forma a sus primeros bolsos y le permitió entrar al mundo de la moda.

En el taller, el trabajo para los bolsos y las carteras artesanales se mide en horas de mano de obra: cada pieza requiere diez horas. Siete se destinan al tejido y tres al armado y la forrería. La producción funciona como un sistema familiar. Mientras dos colaboradoras tejen, la madre de Laura confecciona los interiores que luego se cosen a mano a la estructura exterior. n este artesanado, lo que se garantiza es que no existan dos modelos iguales. Laura utiliza hilo y rafia de algodón al 100%, junto con cuero y telas orgánicas para los forros.

Sus diseños siguen una agenda propia. A excepción de una línea de rafia pensada para el verano, los bolsos son atemporales. El uso de colores neutros y la estructura simple buscan la versatilidad: son piezas que funcionan tanto para un café en la ciudad como para un viaje de fin de semana. Las referencias de Carrioli surgen de la observación. Se vale de lo que ve en las pasarelas, la naturaleza y lo que usan las mujeres en la calle. Los diseños de Laura Carrioli se comercializan en su tienda online y en el showroom que abre una vez al mes en el barrio de Belgrano.

Haeder: Sastrería Regenerativa y Trazabilidad Digital con Certificación Blockchain

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Sun, 05 Apr 2026 01:51:00 +0000

El próximo jueves, Designers BA recibe a Luján Haeder con una propuesta que exige permanencia. Tras un debut en Bafweek en 2024 que fijó los pilares de su identidad, la diseñadora vuelve a la pasarela de Buenos Aires para la edición Otoño Invierno 2026 con una premisa clara: la responsabilidad es el corazón del diseño.

Imágenes del desfile de Haeder de 2024, realizado en el estudio de María Fux

Su trabajo se sostiene en el rescate de descartes y la revalorización de piezas olvidadas, convirtiendo materiales recuperados en sastrería de autor a través de un oficio que funciona como puro activismo. En Haeder, la prenda es un documento de transparencia bajo un sistema de diseño regenerativo. La marca utiliza la innovación digital para asegurar la integridad de cada pieza con herramientas de trazabilidad de alto nivel. Es la misma lógica que emplea la plataforma Aura Blockchain Consortium para que firmas como Prada, Maison Margiela y Louis Vuitton garanticen la autenticidad y el recorrido de sus productos. Haeder traslada esa infraestructura al diseño independiente para validar el proceso. Las prendas llevan cosido un botón NFC que actúa como un pasaporte digital. Al acercar un teléfono, el sello despliega el Certificado de Origen y Trazabilidad (COT), exponiendo los materiales e intervenciones que componen el objeto. Este recurso tecnológico garantiza la circularidad y le da al usuario la certeza sobre la cadena de valor que viste. Con la próxima apertura de su estudio en Chacarita, Haeder expande esta filosofía hacia un diálogo con las artes contemporáneas, consolidando un espacio donde la mano del artesano y el dato digital dialogan con la misma autoridad.

Agendá: La edición 28 - Otoño Invierno 2026 de Designers BA tiene en su grilla los desfiles de JT, que inaugura la semana con "Knock-out, nunca" desde una fábrica textil. Sigue Raimondi con una presentación virtual y el miércoles es el turno de Kostüme en MOA, el "hospital de las estatuas". El jueves, Haeder. El viernes finaliza con las Revelaciones 2025: La Aldi Vega, State of Chaos, la joyería de Inés Bonadeo y las diseñadoras industriales Catalina Guzmán, de Black Ñandú, y Malena Nazareth Varela, de Naz x Naz. Más tarde, ese día, cierra La esquina 1936, conocida como Esquina, de Josefina Roveta.

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Apuntes: De las pistas de baile de la década de 1920 a las calles de 2026

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Thu, 02 Apr 2026 23:21:00 +0000

La moda contemporánea se obsesiona con la recontextualización. Las T-Strap son el caso de estudio del día. Este calzado definió el ritmo de las pistas de baile en la década de 1920 y vemos cómo regresa un siglo después cargada de una funcionalidad que la década pasada desconocía.

Emme Parsons encontró su propia respuesta a este legado con el modelo Aya, una pieza que traslada su formación en diseño gráfico a una silueta austera. Con base en Los Angeles, ella reedita modelos clásicos bajo un filtro neto y gráfico.

Las Aya están armadas sobre el diseño californiano y confeccionadas en las curtiembres de la Toscana italiana. Aunque a simple vista su anatomía recuerda a la funcionalidad democrática de una Gizeh de Birkenstock -popularizadas por Ashley Olsen en su street style-, la propuesta de Emme Parsons maneja otro nivel. Hechas a mano, la clave está en la tensión de las tiras y la solidez de la suela pensada para resistir los pasos en el tiempo. Su estética mínima tiene la fuerza suficiente para romper la neutralidad de unos jeans básicos o hacer equipo con el blazer.

Vestirse para la luna: Artemis II y La evolución del traje espacial OCSS

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Wed, 01 Apr 2026 05:04:00 +0000

La moda espacial es una cuestión de supervivencia. Cuando Ed White hizo la caminata espacial en 1965, estaba vestido con la ingeniería de David Clark, una firma pionera que transformó la urgencia de la Segunda Guerra Mundial —creando trajes antigravedad que evitaban los desmayos de los pilotos durante las maniobras— en el estándar técnico de la exploración aérea y orbital.

El traje Orion Crew Survival System (OCSS) es el heredero de ese legado. Como un manifiesto de diseño adaptativo, la tecnología implementada en el traje espacial de la misión Artemis II que viajó a la luna protege el cuerpo y potencia sus capacidades.

Resulta que los ingenieros de la NASA reutilizaron y reciclaron setenta y cinco trajes que quedaron como excedente del programa de transbordadores. El diseño demandó alrededor de cinco años y fue un trabajo en conjunto con la compañía Clark. En el podcast de la NASA "Houston, we have a podcast", el gerente del proyecto Dustin Gohmert describe esta evolución como un proceso orgánico de co-creación. “Bien, ¿cómo podemos convertir esto en realidad?, le decíamos a David Clark Company. Fue una colaboración constante, entre la lluvia de ideas, el concepto y la producción. Con el tiempo, estos aspectos se fusionaron para convertirse en lo que es el traje OCSS”.

En el espacio, la vestimenta se mide por la eficiencia del movimiento. La ergonomía en gravedad cero trastoca nuestras nociones terrenales. Así que eso fue incorporado al modelo, de ahí que el diseño no se focaliza en las piernas sino en los hombros. La movilidad se concentra en el torso, con codos y muñecas de torsión nula que permiten un desplazamiento fluido porque, en la microgravedad, se camina con las manos.

El traje del Sistema de Supervivencia de la Tripulación Orión funciona como una micro-biósfera que recicla cada molécula de gas, una proclamación sobre la conservación de recursos que evita la expulsión de oxígeno al entorno. La elección del color también tiene su explicación. El uso del Naranja Internacional es una decisión de vida. Se trata de un tono sintético con matices de rosa fluorescente inexistente en el mundo natural. Su propósito es la visibilidad. Que sea un faro cromático diseñado para resaltar contra el azul profundo del océano, si hubiera un rescate, dice Gohmert y cruza los dedos.

Mientras David Clark domina la producción de tallas estándar, los ingenieros de la NASA elevaron este sistema a la confección a medida para los astronautas Christina Koch, Reid Wiseman, Victor Glover y Jeremy Hansen, la primera misión tripulada en más de 50 años en sobrevolar la luna.

En este diseño, la forma y la función se fusionan para demostrar que el estilo es la herramienta segura para garantizar el regreso a casa.

Imágenes y fuente vía NASA/Aubrey Gemignani

Nuestros años locos tienen a John Galliano diseñando para Zara

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Tue, 17 Mar 2026 13:06:00 +0000

La historia de la moda cuenta que a mitad de cada década los experimentos previos se asientan para definir los códigos de los años por venir. No es un momento de ruptura, más bien cuando las piezas del sistema terminan de encajar bajo la lógica del mercado. Tras un periodo de dos años de movimientos frenéticos en las direcciones creativas de las maisons, la jerarquía tradicional comparte su lugar con una estructura donde la relevancia no depende del precio de la etiqueta, sino de quién controla la conversación global.

En este escenario de transición, las marcas de consumo masivo dejaron su condición de replicadoras de tendencias para liderar las dinámicas de atención, reclutando a los nombres que antes estaban bajo el dominio de los talleres de lujo. Esta caminata hacia el mercado global se consolida con trayectorias claras: Clare Waight Keller, quien definió el código deportivo sastrero en Chloé, lidera hoy la dirección creativa de Uniqlo. El hermoso y cool Stefano Pilati, ex director creativo de Yves Saint Laurent, colaboró con Zara en una colección cápsula al igual que Kate Moss. Zac Posen ya había anticipado este rumbo al asumir el mando en Brooks Brothers y en 2024 como presidente ejecutivo y director creativo en Gap y Old Navy. Nos ponemos memoriosos. El inicio de este siglo estuvo marcado por la alianza entre Karl Lagerfeld y H&M en 2004. Este hecho dio lugar al inicio de un vínculo que durante diez años alimentó el interés por las colaboraciones entre el fast fashion y el lujo. Hasta que la fórmula dejó de resultar novedosa para integrarse como norma.

La noticia que termina de validar este cambio es el desembarco de John Galliano en Zara. Según reporta Vogue, se trata de una colaboración creativa de dos años para reinterpretar "los archivos" del retail, marcando el regreso del modisto tras su salida de Maison Margiela en 2024. Se espera que la primera entrega de Galliano para Zara llegue en septiembre (apostemos que será durante la semana de la moda de Nueva York).

Este movimiento responde a la gestión de Marta Ortega, quien asumió la presidencia de Inditex en 2022. Bajo su mando, el grupo —valorado en 150.000 millones de euros y dueño de las firmas Pull & Bear, Massimo Dutti, Bershka, Stradivarius, Oysho y Zara Home— dió un giro hacia una sofisticación operativa que la distingue de la gestión de Amancio, su padre. "No se trata de vender más, sino de vender bien", declaró Marta al diario El País.

La presencia de Anna Wintour en la sede de Arteixo y el vestuario de Bad Bunny para el Super Bowl son señales de una ambición mayor: contratar al último gran modisto del siglo XXI para validar la identidad de la compañía.

Imágenes: John Galliano Instagram / Collage BdM

Un Oscar para el muchacho de nuestra vida

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Mon, 16 Mar 2026 13:23:00 +0000

Este domingo, en la 98.ª edición de los Oscar, se define si Ethan Hawke alza la estatuilla como Mejor Actor por su papel de Lorenz Hart en Blue Moon, la película de Richard Linklater.

Escuchar su nombre es como entrar en una caminata mañanera por el West Village. Que en la cabeza empiece a sonar Big Mountain con la sonrisa de Winona Ryder en Reality Bites, mientras el cuerpo registra el crecimiento del compañero de ruta que aparece en la trilogía Before.

Hawke es el muchacho que se hizo grande a la par de la generación que nacimos con el desayuno con olor a papel de diario y terminanos resolviendo la vida con aplicaciones. Ethan nos mantiene entre esos dos mundos. Es el bohemio que se sacó de encima el traje de estrella para seguir siendo alguien interesante.

En el catálogo del star system de Hollywood, Ethan Hawke es el rebelde que no necesitó imitar a James Dean para contar la pose. El padre de Maya se viste con prendas clasicas que en él se ven como maravillas eternas. Su bohemia sigue el método de desarmar la sastrería, se arranca la corbata y se planta unas zapatillas que solo a él y a Robert Downey Jr. le quedan bien.

Es la evolución del chic cuando se lo confunde con elegancia. Ethan tiene la capacidad de rescatar el desaliño de los noventa para elevarlo a una categoría intelectual, como quien sabe que la apariencia es el rastro del pensamiento cuando se viste.

Imagen vía Getty

Carolyn Bessette-Kennedy y el minimalismo: El ciclo que la moda se niega a cerrar

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Sat, 14 Mar 2026 23:43:00 +0000

Hoy se parece mucho a los años 90. No es solo una coincidencia visual. Se trata también de un trasfondo político donde una parte de la sociedad, la nuestra, valida el ajuste mientras otra intenta sobrevivir a la frialdad de las medidas libertarias. La moda de la década de 1990 siempre parece estar regresando. En su momento nadie logró definirla. Fue un período marcado por la incertidumbre de un siglo que terminaba y la ansiedad por el esperado año 2000. Es una época donde la belleza se deshizo del artificio. Se impuso una silueta delgada que convivía con el estallido del grunge de Kurt Cobain. Pero el minimalismo no estaba solo. Thierry Mugler y Gianni Versace seguían dando figuras monumentales, mientras John Galliano y Alexander McQueen llevaban su rebeldía a las casas históricas de París.

Tras temporadas dominadas por el lujo silencioso, este estilo parece haber agotado su capacidad de asombro. Al ser absorbido por el mercado masivo y replicado en las perchas del fast fashion, perdió su aura de exclusividad. Los informes financieros decían que el consumidor actual, golpeado por la inflación, ya no gasta en básicos de lujo porque puede encontrar lo mismo en una tienda de segunda mano: el minimalismo extremo terminó por igualar a todas las marcas. Fue cuando los expertos de la industria sentenciaron que estas prendas fallaron en generar un vínculo emocional, según el reporte 2025/2026 de BoF.

Pero vemos que un factor externo cambió el rumbo.

En febrero de 2026, el estreno de la serie de Ryan Murphy sobre Carolyn Bessette-Kennedy volvió a inundar las pantallas. El algoritmo de Instagram se obsesionó con su imagen, repitiendo las fotos de una mujer que vivió bajo el asedio de los paparazzi.

En su versión cruda, el minimalismo ahora mismo es una estética que se consume como una estampita. Mientras el público analiza cada detalle, incluso hay videos de los días de Carolyn Bessette en su trabajo como publicista para Calvin Klein (marca que a la vez aumentó su interés en búsquedas en un 347% en estas dos semanas), surgen eventos como la feria Eyecon Show, donde Selima Salaun exhibirá el prototipo original de las gafas "The Aldo" que Bessette inmortalizó y la serie Love Story: John F. Kennedy Jr. & Carolyn Bessette replicó para Sarah Pidgeon. Hasta apareció una subasta con prendas de Carolyn, aunque la casa no puede asegurar su autenticidad.

La reaparición de la silueta lánguida de Carolyn Bessette-Kennedy es el motor que necesitaba el minimalismo para no aburrir. También puede ser la despedida triunfal como tendencia de marketing. Su presencia está desafiando la obsolescencia que los analistas le diagnosticaron.

Mientras las redes sociales viralizan su figura, el mercado se divide en los que persiguen la imagen de moda y los que entienden que un buen diseño siempre es relevante.

imágenes vía Getty

Chava Studio: El lenguaje contemporáneo en las telas del pasado

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Sat, 14 Mar 2026 00:09:00 +0000

El mapa textil que traza Olivia Villanti se apoya en la relevancia de lo que otros consideran descarte. Desde la fundación de Chava Studio en 2020 en la Ciudad de México, la marca tiene un método que dialoga con los proyectos de rescate como los de las hermanas Dacal o Perlitas de Buenos Aires, de Vicki Otero. Su modelo de negocio se consolida en el made-to-order, una decisión de diseño que prioriza la intención sobre el volumen.

El motor de Chava Studio es la alianza con Gilly e Hijos, un estudio de camisería tradicional de donde Villanti recupera linos, lanas y algodones que la empresa original fue descartando.

En este inventario de materiales de otras épocas, Olivia Villanti construye un vestuario que varía entre la intimidad de los boxers y la sofisticación de la sastrería, elevando la camisa oversized a la categoría de pieza de culto. Con un volumen que impone presencia y una caída que saben dar las fibras nobles del pasado, estas prendas se presentan como soluciones al vestir contemporáneo.

imágenes: Chava Studio

Valentina Schuchner en Bafweek Otoño Invierno 2026

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Fri, 13 Mar 2026 11:04:00 +0000

En su paso por la edición aniversario Bafweek otoño invierno 2026, Valentina Schuchner presentó "Lo siento mucho", una colección que utiliza el blanco para revisar las estructuras de poder. La propuesta se aleja de la estética pura y se concentra en el blanco como una herramienta histórica de distinción social, vinculada directamente a las transiciones del cuerpo femenino. El análisis de la diseñadora identifica el momento preciso en que es tono se transforma en una regla. Al establecerse como un código visual, el blanco dictamina jerarquías y valida pertenencias.

Valentina Schuchner basa su narrativa en las siluetas del siglo XIX, años que definieron el estándar de una feminidad bajo control. Junto a Vanesa Brites, su madre, diseñan en el cruce del couture y el prêt-à-porter. La técnica reinterpreta la artesanía con una mirada contemporánea, integrando la tradición latinoamericana y la cultura de diseño en Argentina en un sistema que equilibra el minimalismo con la sensualidad. Sus colecciones sostienen la fuerza y la delicadeza con solidez técnica.

Aquí los apuntes de Valentina Schuchner en "Lo siento mucho", la colección otoño invierno 2026:

"El punto de partida fue pensar en el ideal de estabilidad que se consolidó durante la época victoriana, particularmente en torno a la figura de la Reina Victoria y la construcción de un ideal burgués de orden, moralidad y permanencia. En ese contexto, el vestido de novia blanco se instala como símbolo de pureza, control y estabilidad dentro de la institución del matrimonio. A partir de ahí, la colección propone tensionar ese ideal. En lugar de la estabilidad rígida que ese imaginario propone, aparece la idea de la emocionalidad como algo cambiante, cíclico y en movimiento. El cuerpo se adapta a ciclos: al vaivén de la marea, a las fases de la luna. Las emociones oscilan como un trazo que va y viene para dibujar una línea, una línea que encuentra sentido al construir una forma. Desde ese lugar, la colección explora la transición, la inestabilidad y el movimiento como parte constitutiva de la experiencia emocional, proponiendo una narrativa que se despliega a lo largo del desfile."

Valentina Schuchner en Bafweek - edición Aniversario

Valentina Schuchner "Lo siento mucho" - Otoño Invierno 2026

Imagenes pasarela: Gentileza Bafwek / Bang!

Boceto Valentina Schuchner para Bloc de Moda

Moda Otoño Invierno 2026: El lenguaje de Kosiuko

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Wed, 04 Mar 2026 20:40:00 +0000

El don para intervenir el denim y los brillos justos definen los percheros de Kosiuko. En el marco de BAFWEEK, la marca presentó "Retrofreaks", la colección otoño invierno 2026 que toma a Copenhague como referencia. Mientras el fenómeno del Copencore se construye sobre el minimalismo escandinavo, extravagancia y la mezcla de estampas, la propuesta de Cynthia Kern sostiene su propio manifiesto: una impronta sexy y rockera muy pensada. Es una actualidad confeccionada con pinceladas retro que logran capturar el interés visual con capas de cuero, encajes y denim.

La clave de esta colección está en la autonomía de sus piezas. Se trata de prendas que demuestran su mejor versión cuando funcionan por separado. En este escenario, Luciana Geuna es quien mejor proyecta la intención de la marca en la actualidad. A través de su vestuario en el canal de noticias TN, la periodista materializa la imagen de la mujer moderna y decidida que el repertorio de Kosiuko propone. Geuna utiliza estas ideas para quebrar la norma estética de la televisión argentina, donde el resto de las conductoras están amarradas a una vestimenta tradicional y carente de huella personal. Al elegir estas ropas, con la asesoría del estilista Jorge León, ella logra una distinción que la ubica por encima de la uniformidad visual del medio. Así consolida una actitud que nutre con lo que viste y encuentra su origen en el carácter de Kosiuko.

Imágenes: Gentileza Bang!

La revancha del souvenir

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Sat, 28 Feb 2026 14:53:00 +0000

En 1983, Franco Moschino fundó su casa para burlarse del simbolismo de la alta costura. Su método era la ironía, el italiano utilizaba objetos cotidianos y manipulaba los códigos visuales de Chanel o Louis Vuitton para desarmar las jerarquías del lujo. Lograba siluetas familiares que funcionaban como un chiste a la solemnidad de las maisons. Esa misión terminó con su temprana muerte ocurrida en 1994. Hoy, el argentino Adrián Appiolaza custodia ese legado desde que fue nombrado director creativo de Moschino en 2024.

En la semana de la moda de Milán otoño invierno 2026, el diseñador expandió la identidad de Moschino con los signos de su propia historia para la Collezione 08.

Evita lucida por la modelo Rosa Trosman, hija de Jesica

Hace unos días escribí en el diario sobre la problemática de las artes latinoamericanas en el circuito global. Como si existiera una exigencia de que se queden en su lugar y exhiban un folclore explícito. Se espera algo que funcione como un recordatorio geográfico más que como diseño contemporáneo.

Para el Otoño / Invierno 2026, Appiolaza dictó una clase magistral. El Obelisco, Evita pixelada y el remerón blanco con la viñeta de "¡Basta!" con Mafalda convivieron con el cotidiano. Se vieron tejidos de llama, un look con bollitos de euros acompañado con el chanchito alcancía en modo bolso, otro de un cactus y uno de churros bañados en chocolate.

La pasarela de Milán exhibió carteras de lana con un parche de una guitarra criolla, bolsos con la forma de la vieja expendedora de boletos de colectivo, que aún funciona en las ciudades balnearias, o el teléfono gris de disco de ENTel. Apareció el portarretrato de triple marco con la foto de la pareja feliz cortada de la revista, hermosos vestidos con el fileteado porteño y la frase atribuida a Mafalda "El problema de las mentes cerradas es que siempre tienen la boca abierta" en una camisa. Un jean fue acompañado por zapatos en punta con referencias al colectivo 29, la línea que une Plaza de Mayo con Olivos, el barrio natal del diseñador.

Adrián Appiolaza, que en su adolescencia era habitué de la Bond Street y galería Jardín mientras estudiaba Diseño Gráfico en la UBA, ya había localizado su mirada al mudarse a Londres. Cuando en 2002 se graduó en Central Saint Martin ofreció una colección inspirada en la cultura gauchesca argentina que recibió el premio a "Mejor Colección de Mujer" en el V&A Museum. En esos días trabajaba a la par de Alexander McQueen en su estudio.

Sin exotismo y con la fuerza de un souvenir, la colección de Moschino rompe la regla. El argentino suele ignorar su propia cultura para aplaudir lo que pasa afuera. Esta vez, lo nuestro obligó al mundo a mirarnos.

imágenes: Moschino

Indio Solari en Arthaus: el píxel como pincel

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Tue, 24 Feb 2026 14:49:00 +0000

“En esta deriva digital, lo bruto no es solo una estética aparente, sino también una manera de narrar una visión del mundo; significados que emergen tanto de la experiencia onírica como del universo artificial”. Con esta premisa se presenta Brutto, la exhibición de arte digital de Indio Solari. Tras su paso por el Museo MAR, la muestra aterriza ahora en Arthaus (Bartolomé Mitre 434, CABA) y podrá visitarse con entrada libre y gratuita hasta el 22 de febrero.

Solari siempre supo que la verdad es una construcción difusa, un relato que se arma con fragmentos de memoria y deseo. Publicó su biografía bajo un título que oficia de descargo, "Recuerdos que mienten un poco", que remite a la canción "Perdiendo el tiempo" (incluída en el álbum Cordero atado de Los Redondos, en 1993), y confirmó esa búsqueda en sus libros en colaboración con el artista Serafín: "Escenas del delito americano" (2017) y "La vida es una misión secreta" (2019).

Para Carlos Alberto Solari, abordar lo inexistente es una misión poética. Con los años, las redes sociales se convirtieron en su nuevo escenario, permitiéndole compartir sus obras y amplificar un espectro artístico que siempre estuvo allí, aunque por décadas permaneciera hipnotizado por la magnitud del fenómeno musical; el mayor de la cultura popular.

En la cosmogonía del rock argentino, los varones suelen ser escrutados por cómo suenan y no por cómo se ven. Para la patria rockera, detenerse en el vestuario suele confundirse con frivolidad. Pero en su paso por la Biblioteca Nacional en 2015 con la muestra "Indio en la Biblioteca: El tesoro de los inocentes" fue una declaración de principios: allí, su estilo se expuso como parte de su universo intelectual.

Mirar a Solari a través de una lente esteta permite analizar su apariencia no como un dictado de la moda, sino como la cartografía de una identidad desarrollada durante décadas. El uso persistente de los lentes de sol y el gorrito negro dejaron de ser simples accesorios para transformarse en su marca personal. A ellos se sumó un repertorio de camisas y camperas que el Indio estrenó en cada misa sobre el escenario, trazando una evolución hacia su aspecto actual: moderno, refinado y deliberado. Algunos elementos del vestir dejan de ser tela para convertirse en símbolos; son una expresión y representación que vibran en el inconsciente colectivo.

Vidas pasadas, telas presentes: La filosofía de BODE

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Wed, 18 Feb 2026 19:45:00 +0000

Vestido de saten de seda con volados de cinta vintage de la década de 1950

En el universo de Emily Adams Bode Aujla, la ropa es un espacio de historias negadas a ser olvidadas. Su línea one-of-a-kind funciona como un archivo textil donde cada pieza murmura de donde vino. Los últimos ingresos de BODE ensalzan este ejercicio de memoria al rescatar las cintas de Staron, una textilera francesa fundada en el siglo XIX.

Se trata de cintas de jacquard anchas, rescatadas de los años 50 y 60, que poseen una rigidez y brillo que el tiempo mejora, aplicadas como volantes en un vestido de satén de seda y un moño.

Fundada en Saint-Étienne, Staron operó entre 1867 y 1986. Durante un siglo, la familia Staron gestionó un negocio entre la herencia técnica y la audacia moderna. Sus motivos florales y geométricos maquillaron los drapeados esculturales en los vestidos de Madame Grès y las faldas del New Look de Dior. En la posguerra, Staron le ofreció sus materiales a Cristóbal Balenciaga, Hubert de Givenchy, Yves Saint Laurent y al norteamericano Norman Norell.

Hoy, cuatro décadas después de que Staron bajara sus persianas, su espíritu vuelve a las calles gracias a BODE. Emily, que fundó su marca en 2016 con la mirada puesta en el armario masculino para terminar conquistando el femenino, sustenta su esencia en la preservación.

BODE tiene su tienda insignia en Nueva York y espacios en Los Ángeles y París, también una sastrería en Hester Street, en el Lower East Side neoyorkino. Su misión no es el vintage y tampoco ofrecer prendas de segunda mano, ella busca que perviva la técnica y la circularidad de los textiles. De ahí que BODE cuente con un departamento de archivo donde especialistas catalogan minuciosamente hallazgos de diversas épocas.

Moño realizado por BODE con cinta de Staron

"Mi teoría es que si vos tenés una conexión emocional con algo, otras personas también la tendrán", explica la diseñadora. Es una frase que suena a declaración de principios, una que resuena curiosamente con la labor artesanal y consciente de las hermanas Dacal en Buenos Aires. Ambas entienden que la moda es un diálogo pendiente con el pasado.

imágenes: Gentileza Bode

Entre el dogma de la Alta Costura y la estética grunge: El legado Dior en manos de Mouna Ayoub y Courtney Love

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Tue, 17 Feb 2026 13:28:00 +0000

La noticia es que una de las mayores devotas compradoras de la alta costura vuelve a someter al martillo parte de una biografía textil tejida durante 45 años. Mouna Ayoub, la socialité que ya ofertó su archivo vendiendo primero los Chanel de la era Lagerfeld de los años '90 y luego sus tesoros de Jean Paul Gaultier, vuelve ahora la mirada hacia Dior.

El 29 de enero, bajo la experta dirección de la especialista londinense Kerry Taylor, el Hôtel Le Bristol de París se convertirá en el epicentro de la casa Maurice Auctions. La subasta, titulada "Dior Masterpieces: The Mouna Ayoub Haute Couture Collection", despliega un inventario que recorre la evolución de la Maison: desde el clasicismo arquitectónico de Marc Bohan y la opulencia escultural de Gianfranco Ferré, hasta la exuberancia de John Galliano, el rigor de Raf Simons y la mirada feminista contemporánea de Maria Grazia Chiuri. Lo que distingue el coleccionismo de Ayoub es una suerte de ascetismo estético: adquiría los originales de pasarela con la disciplina de un archivero, rechazando ajustes a medida o modificaciones caprichosas. Una purista absoluta.

En subasta (15.000/20.000 euros) El look 24 de la colección Clochards realizada en capas de tul marron y organza negro

Sin embargo, el interés de esta venta no se cimenta en la procedencia, sino en sus matices históricos. Entre los lotes emergen piezas de la colección haute couture del año 2000, una propuesta que el tiempo catalogó como controvertida porque hacía referencia a las personas en situación de calle. Para los conocedores, "Homeless" o "Clochards" se ensalza como una de las cumbres creativas de Galliano. Una provocación tan potente que fue parodiada en la película Zoolander y sitiada por protestas en las puertas de la Maison.

En subasta (80.000 / 120.000 euros) El look 39 de tafetán crudo y seda rosa pintado a mano y con varillas

En esta selección conviven seis looks de aquella temporada primavera-verano y aunque la fortuna no quiso que figure el vestido que mucho antes de que yo pudiera articular el nombre de Galliano, habitó en mi memoria como una obsesión: aquel diseño que Courtney Love lució, con su habitual estilo de urgencia, en la alfombra roja de los Golden Globes del 2000.

Como recuperé el testimonio de la propia Courtney Love sobre la procedencia de aquella pieza, lo comparto a continuación. En su acto perfomático de instintiva irreverencia, es fascinante descubrir cómo la compañera de Kurt Cobain tomó un diseño nacido del máximo rigor de la haute couture y lo sometió a su propia gramática estética. Con la soltura de quien ignora o desafía el carácter sagrado del taller, adaptó el vestido a su silueta y a su espíritu grunge-glamour, despojándolo de la rigidez de la pasarela para convertirlo en una extensión de su propia narrativa pública. El testimonio después del look modificado por la cantante y guitarrista.

SS 2000 Couture: Homeless Collecion by Jonh Galliano para Dior. De la pasarela a la silueta de Courtney Love

“Iba a llevar un diseño de Versace a los Globos de Oro del 2000 —ya lo tenía en el armario—, pero terminé usando una pieza de aquella polémica colección de Alta Costura de John Galliano para Dior, esa 'inspirada' en la gente sin hogar que el New York Times calificó como 'chic de mal gusto'. Mis amigos me insistían: '¡Tienes que vestir Couture!' Hasta entonces, yo no entendía realmente lo que eso significaba. Cuando lo vi, me quedé alucinada; pensé: 'Ah, era esto de lo que hablaban'.

El vestido llegó y era ridículo. Era recto de arriba abajo y estaba lleno de cordeles. Sobre el cordel había cajas de cerillas, cristales... toda esa taxidermia textil. Recuerdo haber pensado: 'Ok, tiene un aspecto descabellado, pero lo haré funcionar'. Le hice algunos arreglos que transformaron el diseño por completo. Como el novio de mi asistente era muy delgado y tenía más o menos mi altura, lo convertí en mi modelo de pruebas; le quitaba piezas al vestido y las volvía a coser sobre él. Como me muerdo las uñas, usé unas acrílicas, pero las pinté de turquesa con destellos de purpurina para que combinaran con mi idea original.

Fue un look sumamente complejo y resultó muy polémico. Además, tengo los pechos grandes y era vital que todo se mantuviera en su lugar. No creo que la cinta adhesiva para senos funcione de verdad; de hecho, hoy no sé cómo logré que el vestido no se cayera. Fue un milagro. Creo que, simplemente, lo pegué a mi piel”.

imágenes vía Maurice Auctions

Calendario de desfiles de BAFWEEK otoño invierno 2026

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Mon, 16 Feb 2026 22:12:00 +0000

BAFWEEK emergió en sintonía con la renovación del diseño en Argentina, consolidándose como la plataforma que acompañó el nacimiento del movimiento de autor. Con su próxima edición Otoño/Invierno 2026, el evento celebra 25 años de trayectoria del 2 al 6 de marzo en La Rural, un hito que marca su permanencia en el calendario regional.

Los desfiles otoño invierno 2026 de Bafweek estarán a cargo de: Edu De Crisci, Juliana Garcia Bello, Velasco de Autores, Sadaels, Bullbenny, Bolivia, Las Pepas, Kosiuko, Valentina Schuchner. El inicio lo da Mishka y el cierre por Luz Ballestero.

Iniciada durante la crisis de 2001, la cronología de BAFWEEK funciona como una bitácora de los vaivenes económicos y la metamorfosis en los hábitos de consumo. A través de distintos comandos, el objetivo se mantuvo invariable: posicionar a Buenos Aires como capital de la moda. La edición fundacional, titulada "Sofisticación Latina", presentó 19 desfiles y un dato de archivo: TrosmanChurba lideró la apertura tras una unión de último momento que los dejó fuera de la gráfica oficial.

Aquella grilla inicial que "invitaba a la presentación de colecciones de jóvenes diseñadores argentinos" delineó el mapa del diseño contemporáneo con nombres como Vero Ivaldi, Florencia Fiocca, Pablo Ramírez, Mariano Toledo, Marcelo Senra, Mariana Dappiano, María Marta Facchinelli, Cora Groppo, Araceli Pourcel, Nadine Zlotogora y Lucía Blanco. El bloque comercial, con Jazmín Chebar, Benito Fernández, Rapsodia y UMA, aportó el pulso del mercado bajo el estilismo de Eugenia Rebolini, la asesoría para las colecciones de Vero Alfie, la pluma de Susana Saulquin y la firma de Javier Lúquez en las invitaciones. Fue un debut de alto impacto que contó con las crónicas de Isabella Blow para el Sunday Times, la visión de Stephen Gan para Visionaire y el registro de Michael Roberts para The New Yorker.

Hacia 2006, ante el crecimiento de las marcas de shopping en el evento, los diseñadores presentaron una proclama en forma de camiseta: "Somos un grupo de diseñadores con nombres propios, formados en las aulas y empresas, propulsores del fenómeno denominado de autor". Hoy, esa convivencia es natural. Si bien algunas ediciones resultaron más memorables que otras, BAFWEEK preserva su magnetismo como testigo fiel de las idas y venidas de una industria que, más allá del talento innegable, demanda políticas y estructuras que trasciendan el aplauso.

Mirtha Legrand cumple 99

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Mon, 16 Feb 2026 18:49:00 +0000

Mirtha Legrand fotografiada por Annemarie Heinrich

"Yo soy muy coqueta", dice Mirtha Legrand, lanzando la frase como un talismán ante las cámaras para un público que, según su propio dogma, siempre se renueva. El próximo junio se cumplirán 58 años desde que aquellos almuerzos inaugurados en el Canal 9 de Alejandro Romay alteraron la gramática de la televisión argentina. Fue un formato nacido de la audacia que terminó por convertirse en el ejercicio de resistencia más longevo de la pantalla global, instalando en el ADN local una fascinación por el reciclaje eterno de las formas. Pero mientras figuras como Susana Giménez o Marcelo Tinelli lidian con el desgaste del camino, Legrand ha logrado la proeza inversa: permanecer. Ella ocupa el tiempo, lo moldea. A diferencia de sus pares, supo metabolizar los intereses de la audiencia, transformando sus célebres preguntas incómodas en "inquietudes de la calle".

La génesis de este mito se remonta a 1940, cuando una adolescente Mirtha debutó en Hay que educar a Niní junto a su hermana gemela, Silvia. Pero fue un año después cuando el destino intervino: el director Francisco Mugica la puso al frente de Los martes, orquídeas. El papel era originalmente para Delia Garcés, pero ante un conflicto de agenda, Mugica apostó por una desconocida de 14 años. "No me pregunten por qué la elegí. Creo que fue lo mismo que le pasó al público: me atrapó su ángel", confesaría el director años más tarde.

Cuando la memoria la asalta en su mesa televisiva, Legrand suele evocar el estreno de aquel film: una ovación que no celebraba una película, sino el nacimiento de una estrella. El fenómeno fue tal que el guion terminó en Hollywood, adaptado para Fred Astaire y Rita Hayworth bajo el título You Were Never Lovelier (Bailando nace el amor). Mientras tanto, en el sur, Mirtha se levantaría como el rostro oficial de las "comedias blancas" de los años 40, una versión argentina del glamour de estudio que ella personificó con una precisión casi geométrica. Su filmografía es un inventario de la era dorada: 36 películas, 22 protagónicos y 5 colaboraciones con su hermana 'Goldie'. Pasó por el teatro y la radio, pero fue la gran pantalla la que cimentó su estatus de semidiosa, en una época donde la distancia entre la diva y la mujer común era un abismo de tul y luz dirigida. Era un tiempo donde la moda era un lenguaje aspiracional; revistas como Radiolandia, Radiofilm y Antena diseccionaban sus atuendos para que las modistas de barrio los replicaran en sus máquinas de coser.

Archivo Bloc de Moda (en custodia del Museo del Cine)

En ese ecosistema, el maquillaje y el peinado eran arquitectura pura. En 1946, el anuncio de Un beso en la nuca marcó un hito estético: el vestuario de Edward’s y la aparición del rubio platinado que se convertiría en su firma visual. Hoy, ese tono es una referencia industrial: la marca Silkey lo ofrece en su catálogo simplemente como "Mirtha".

Incisiva, informada y rigurosamente estructurada, Legrand entiende que el poder reside en la conversación. "La noche de Mirtha", en la pantalla tibia de El Trece, suele marcar el feed de las redes sociales tanto como la agenda de los medios de comunicación. Legrand acomoda sus gustos y refresca el programa aunque repita invitados: la protagonista es ella. El show comienza con esa exhibición de pie, una liturgia donde la señora se ofrece a la cámara con la fijeza de un monumento. Allí, erguida, estrena diseños a medida que agradece con cortesía de anfitriona. Suena la música —“brillando, siempre brillando”— y aparece la paleta de una vida: desde los pasteles etéreos hasta el negro absoluto. Bordados, transparencias, joyas, tacones y medias (sin importar el termómetro) completan el uniforme de diva, sellado siempre con un nacarado en los labios.

La historia, a veces, rima. En las páginas de la revista Mundo Argentino, el New Look de Christian Dior se presentaba al lado del guardarropa que Paul Benoit diseñó para Legrand en El retrato (1947). Ambas instituciones, la casa francesa y la diva argentina, lograron la proeza de mantenerse vigentes evocando la elegancia en un mundo distinto.

Cuando se casó con Daniel Tinayre, Mirtha desafió las convenciones con un vestido negro y una ceremonia sin marcha nupcial. Los medios de la época, despechados por no haber obtenido la exclusiva de la boda secreta, fueron implacables: "Lo más decepcionante fue que Mirtha marchó hacia el altar sin el clásico atavío nupcial... Mirtha escamoteó a su público amado el espectáculo de su casamiento vestida de negro". Fue, quizás, su primer gran gesto de autoría sobre su propia imagen.

Hoy, mientras continúa visibilizando a nuevos diseñadores y casas de moda, la Legrand sigue dotando a sus vestidos de una connotación social que parece de otra era, una donde la ropa definía el lugar de una mujer en el mundo. Mirtha, con una constancia que bordea lo heroico, siempre se dio a sí misma el lugar de la diva. Felices 99, Mirtha Legrand!

Apuntes de Pasarela: Otoño Invierno 2026 de Garcia Bello en BAFWEEK

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Sun, 15 Feb 2026 09:56:00 +0000

Producida desde su estudio en la isla de Tierra del Fuego, Argentina, la diseñadora Juliana García Bello presentó la colección ‘A través del viento y el agua’ con un desfile en la edición 25 aniversario de Bafweek, La Rural. La colección hace uso de recursos existentes para transformar lo disponible en una herramienta de supervivencia funcional. Camisas superpuestas construyen capas pesadas que protegen el cuerpo, utilizando frunces como anclas para bloquear el viento. Arandelas y sogas articulan cada capa, mientras botones de cerámica remiten a la erosión natural de Tierra del Fuego.

Juliana García Bello llega a un espacio y lo hace propio, mientras el territorio le da ideas para volver sobre su proyecto.

Juliana estableció su firma Garcia Bello en 2019 bajo un esquema que prioriza la unión de materiales recuperados de excedentes industriales. Oriunda en la provincia de Tierra del Fuego, Argentina, la diseñadora implementa protocolos de moldería de residuo cero y técnicas de upcycling de alta precisión. Este sistema permite que objetos que finalizaron su ciclo de vida funcional sean integrados en un nuevo proceso de confección.

El resultado en Garcia Bello es una propuesta de indumentaria artesanal que surge de una metodología de producción circular, definida por la autonomía geográfica y la eficiencia en el uso de los recursos existentes.

imágenes: Gentileza BAFWEEK / Bang!

Lali Espósito en Cosquín Rock 2026: La Armadura del hate

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Sat, 14 Feb 2026 13:51:00 +0000

Para el mundo de la moda, el papel suele ser un material frágil. Pero sobre el escenario del Cosquín Rock 2026, Lali Espósito lo transformó en un escudo de combate. La artista argentina se presentó con una pieza de Guevara Ocampo que, a primera vista, disparó la nostalgia inevitable de los archivos de la moda: el "Newspaper Dress" de John Galliano para Dior.

Para interpretar el gesto de Lali, hay que volver a febrero de 2000. En el marco de la Semana de la Moda de París, Galliano presentó para Dior la colección "Fly Girl", una propuesta que caminaba sobre la línea entre el lujo extremo y la estética de los márgenes. Fue allí donde nació el newspaper print dress, una pieza que rápidamente trascendió la pasarela para convertirse en un artefacto cultural gracias a Carrie Bradshaw en Sex and the City.

El diseño protagonizó el episodio “What Goes Around Comes Around” (un título que, irónicamente, resuena como poesía en Lali Espósito), en la tercera temporada de Sex and the City, además de un cameo años después en la película. En ese momento, el diseñador John Galliano usaba el papel como una provocación visual, una oda al chic urbano que la Bradshaw inmortalizó. Mientras el Dior original buscaba la belleza en lo efímero, Lali Espósito lo hizo bajo una lógica cruda. Y funcionó.

La elección del material es el mensaje. Al optar por el newspaper dress, Lali juega con la cualidad de lo efímero de las noticias y los ataques mediáticos. En el periodismo impreso de la vieja guardia, la tinta del diario tiene la reputación de "manchar" a quien la toca. Aquí, Lali invierte el proceso. Lo que antes era basura destinada a ensuciar su nombre se convierte en una pieza de arte. Es una declaración. El ataque de hoy es el residuo de mañana.

Al igual que el "Vestido del Odio" diseñado por Maria Grazia Chiuri en Dior para Chiara Ferragni para la 73ª edición del Festival de la Canción de San Remo, en 2023, la prenda de Lali funcionó como tela para la toxicidad. Para Ferragni, ese vestido fue una respuesta a años de una crítica feroz que precedió, incluso, al colapso de su reputación por el "Caso Pandoro", una hostilidad cimentada en el resentimiento hacia su paso de bloguera a empresaria exitosa - dos veces estudiada por Harvard - y en las críticas constantes a su maternidad pública, factores que la convirtieron en el foco de una Italia conservadora mucho antes de que sus finanzas fueran auditadas. De manera similar, Lali Espósito fue blanco de una campaña de desprestigio político en Argentina, donde su nombre se convirtió en el centro de un debate sobre el gasto público y la libertad de expresión, enfrentando ataques directos desde la cúspide del poder ejecutivo que buscaron, sin éxito, desmantelar su legitimidad artística.

La genialidad de este vestido en 2026 está en su resignificación. Si el modelo de Ferragni exponía los insultos sexistas, el de Lali utilizó la herencia de la colección Fly Girl para envolverse, literalmente, en las agresiones que intentaron silenciarla. No es una cita a la cultura pop, más bien una recontextualización del poder. Lali usó el newspaper print dress para contar que puede caminar sobre las brasas de su propia reputación mediática y convertirlas en una performance Couture. En la era del algoritmo, la mejor forma de sobrevivir al odio es cortarlo a medida, imprimirlo y usarlo como una armadura.

imágenes Lali vía El Destape

El Manifiesto Benito

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Fri, 13 Feb 2026 11:56:00 +0000

¿Por qué nos obsesiona Bad Bunny? La respuesta no es la repetición del algoritmo, más bien su capacidad para actuar como un espejo cultural. Benito Antonio Martínez Ocasio recorre la música y también redefine la masculinidad y la identidad de una generación entera. Utiliza la moda para asaltar las normas tradicionales.

Se pinta las uñas. Viste colores eléctricos. Observado de forma aislada, el gesto es casi mundano, pero ejercitado por el artista puertorriqueño, se transforma en un gesto de resistencia. Por eso cada uno de sus movimientos, piensen en el Super Bowl del fin de semana pasado, se percibe como un giro de guión en la narrativa del poder latino.

¿Lo más fascinante? Él es dueño consciente de su propio mito.

El conejo malo viste de Zara: el look de Bad Bunny en el Super Bowl es parte de la estrategia de la empresa española para reposicionarse. Ya no quiere seguir las tendencias, parece

Benito entiende que el estilo sin sustancia es efímero. Para su álbum "DeBÍ TiRAR MáS FOToS" (2025), reclutó al historiador Jorell Meléndez-Badillo, profesor de la Universidad de Wisconsin-Madison. ¿El encargo? Documentar el alma de Puerto Rico.

Meléndez-Badillo redactó notas sobre el pasado político y la justicia social de la isla que, al ser compartidas por el artista en enero de 2025, capturaron 20 millones de visualizaciones en un parpadeo. Bad Bunny quería más que su audiencia consumiera ritmos en YouTube, más bien que conocieran el contexto histórico a través de una experiencia. Un texto académico, en español, convertido en tendencia global.

Cada era tiene sus referentes. Bad Bunny no inventó la rebeldía, pero sus actos delinean una nueva autoridad: poner al pueblo por delante y defender lo propio antes que lo extranjero. Es una posta que hereda de otros momentos de quiebre en la isla, como cuando Ricky Martin se puso al frente de las manifestaciones de 2019, agitando la bandera del orgullo gay desde lo alto de un camión, convirtiendo la protesta en una performance de identidad colectiva.

Quizás sea el acto de resistencia que un pueblo como el nuestro, el argentino, no solo comprende sino que celebra con fervor, el mismo fandom que, apenas diez días atrás, se entregó al furor del esnobismo del “Yo no compré nunca en mi vida ropa en Argentina”.

Para Benito, el mensaje y el mercado son lo mismo. Mientras algunos discuten sobre el origen de su guardarropa, él está ocupado ejecutando su estrategia. Llenar tres estadios River este fin de semana es una prueba.

El niño prodigio y el tirano: Las referencias a Poiret de Jonathan Anderson para Dior

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Sat, 24 Jan 2026 14:33:00 +0000

“La moda actual necesita un nuevo amo. Necesita un tirano que la castigue y la libere de sus escrúpulos. Quien le preste este servicio será amado y se hará rico. Tendrá que hacer lo que yo hice entonces, y no mirar atrás, ni pensar en nada más que en las mujeres y lo que les conviene”, escribió en sus memorias el modisto que murió pobre en 1944. Quien se autoproclamó el "Rey de la Moda", Paul Poiret, volvió a los titulares tras la exquisita y creativa segunda colección masculina de Jonathan Anderson para Dior (Otoño-Invierno 2026/2027), presentada en la semana de la moda de París.

Hay algo romántico en la referencia de Anderson por Poiret. El propio Monsieur Christian lo admiraba, aunque sus estéticas se miraran de reojo desde lugares opuestos. En 1947, Dior volvió a la silueta de la Belle Époque, de corsés y nostalgia que Paul Poiret se jactaba de haber derrotado. Poiret floreció en simultáneo a las vanguardias históricas, cuando los vestuarios de los Ballets Rusos, la compañía fundada por Sergei Diaghilev con vestuario de Léon Bakst, impregnaron la moda de un orientalismo que él mismo se adjudicó bajo la idea del abrigo “Confucio”. Dior, por el contrario, prefirió pensar a la silueta de la mujer como una flor.

Dior Homme Otoño Invierno 2026 por Jonathan Anderson

"Mi forma de trabajar consiste en recopilar experiencias a lo largo del proceso y filtrarlas", dice Anderson, planteando la moda como un ejercicio de emociones. Mientras el intento de resucitar la maison Poiret como marca corporativa fracasó en 2018, el director creativo de Dior hace algo mucho más interesante: exhuma la esencia. No nos vende el nombre en una etiqueta, se mete con el aroma de la reliquia. Es un alivio. ¿Acaso no pagaríamos por ver la expresión de Cristóbal Balenciaga si pudiera observar en qué han convertido su templo, en su nombre?

La inventiva de Jonathan Anderson para esta temporada es un diálogo donde los códigos rígidos de la formalidad y los emblemas de Dior conviven con el denim, las parkas utilitarias que buscan asociarse a Poiret. "Empatía e ímpetu", dicen las notas de prensa sobre esta conversación entre dos hombres separados por un siglo.

Exhibido en 2025 en la muestra del Museo de Artes Decorativas de Paris: "Paul Poiret: Fashion is a celebration"

La historia de Poiret (1879-1944) es el guión de una ópera trágica. Comenzó vendiendo bocetos a Jacques Doucet. Luego, los hijos de Worth lo nombraron sucesor de la casa y, en 1903, se instaló en el número 5 de la Rue Auber para conquistar el mundo desde su propia maison. Fue el primero en entender que una casa de moda debía ser un estilo de vida: convivieron allí perfumería, decoración y desfiles presentados como tableaux vivants teatrales.

Hoy, mientras las redes sociales se deshacen en elogios hacia el gesto de Jacquemus por convertir a su abuela en embajadora, conviene recordar que Poiret ya jugaba a eso: su esposa fue su musa y modelo, mientras que sus memorias de 1931 están dedicadas a su madre. Del mismo modo, Dior construyó su New Look como un tributo a las mujeres de su infancia. En este negocio, nada es realmente nuevo. La frescura es solo la ilusión de alguien que cuenta la misma historia con un acento diferente. Por eso Anderson triunfa, pues inyectó su propia cosmovisión en un estilo visiblemente opuesto al de la casa que lo contrata.

De la colección de Azzedine Alaia y exhibida en su fundación: abrigo y vestido de 1919

“Era todavía la época del corsé. Le libré una guerra”, escribió Poiret en su autobiografía (que el V&A Museum tuvo a bien reimprimir). Odiaba el corsé porque convertía a la mujer en una criatura partida en dos, obligándola a "arrastrar un remolque" tras de sí. Proclamó la caída de la armadura en nombre de la libertad, pero el tirano siempre guarda una trampa: “Sí, liberé el busto, pero encadené las piernas”, decía sobre sus faldas trabadas que hacía para sus clientas.

Escuchar las quejas de las mujeres de 1910 que no podían subir a un carruaje es escuchar el eco de nuestras propias contradicciones modernas. Poiret se jactaba de que sus lágrimas eran el anuncio de su innovación: “¿Acaso sus quejas detuvieron alguna vez el movimiento de la moda o, por el contrario, no lo ayudaron anunciándolo?”. Sus palabras parecen resonar desde el más allá, ignorando quizás que la crisis del mercado de lujo de nuestros años 20 no es tan distinta a la que lo llevó a él a la ruina.

"La Perse" (1911) del acervo del Metropolitan Museum. Exhibido en "Poiret: King of fashion", en 2007

Dior Homme Otoño Invierno 2026 por Jonathan Anderson

Imágenes Gentileza DIOR, Fundación Azzedine Alaïa, Met Museum, MAD París