Bloc de Moda / Cultura del Vestir

ARCHIVO RAMÍREZ ¿Qué guardan los diseñadores?

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Sat, 23 May 2026 12:15:13 +0000

¿Los creadores tienen una certeza intuitiva sobre la trascendencia de su propia obra? Es la pregunta que surge al profanar el santuario de un archivo personal. También si los grandes nombres de la moda alcanzan esa condición porque, al conservar cada detalle de su pasado, logran construir el relato completo de su propia leyenda. El archivo se convierte así en la prueba material de una historia que nunca se interrumpe. Hoy, en plena era de la veneración por el documento, el acto de conservar se afirma como un testamento.

Las trayectorias de Yves Saint Laurent y Martin Margiela ilustran esta obsesión por la posteridad y permite dividir sus legados más allá del aplauso de la pasarela. Yves Saint Laurent orquestó su propio mausoleo al transformar su taller de Alta Costura en un museo vivo. Mientras tanto, su fundación custodia su relevancia con exhibiciones y libros sobre los hits del modisto —una hazaña idílica fundamentada en la preservación meticulosa de su hacer desde la adolescencia—.

El caso de Margiela arrastra esa mirada desde la infancia. El diseñador belga se guardó cada fragmento de su existencia creativa, incluido el papel picado esparcido en sus desfiles. La temprana retirada de Martin en 2008, después de 20 años de trabajo en la moda, derivó en un tomo editorial y curatorial: la hermosa exposición en el Palais Galliera en 2018, con una atmósfera de antro under, revivió la estética analógica esencial para descifrar las complejidades de la moda de la década que él anticipó. Este trayecto culminó con un documental que develó la voz y las manos del enigma más célebre de la industria. Ahora, este guardián del anonimato ofrece su archivo personal en una subasta parisina orquestada por Maurice Auction en colaboración con Kerry Taylor Auctions, el próximo mes de julio.

La memoria de Pablo

“No es mi libro, sino un libro sobre mí”, aclara Pablo Ramírez durante la presentación de ARCHIVO RAMÍREZ, un volumen que oficia como ensayo teórico y legado visual de su universo íntimo.

Si la identidad de Ramírez se define a través de la severidad del corte, el planchado impecable, la pureza de la moldería y la nobleza textil, esta publicación traslada esa misma exquisitez hacia los bordes de su memoria material. Bajo la coordinación de una investigación liderada por Daniela Lucena, con Sebastián Rodríguez al frente del archivo y la co-edición visual junto a Lorena Tenuta, sumado a la gestión patrimonial de Agustina Fernández, este proyecto editado por Fundación Medifé explora al modisto desde la perspectiva del documento histórico.

ARCHIVO RAMÍREZ reúne más de 700 imágenes inéditas que abarcan figurines, cuadernos de notas, bocetos, fotografías y bitácoras de pasarela. Es una antología donde cada hoja aspira a la categoría de hallazgo. En sus 255 páginas conviven los primeros dibujos de Pablo sobre cartones de boletas del taller mecánico de su padre en 1980, a las reliquias de su madurez, como la factura emitida en 2001 para la legendaria Isabella Blow, junto al registro fotográfico de la editora probándose sus diseños tras bambalinas en la edición inaugural de BAFWEEK.

En este libro se despliega el peso de un creador fundamental. Un tesoro impreso destinado a perdurar con la misma sofisticación eterna que sus diseños.

De sastre y cerúleo: El look de Andy Sachs para sobrevivir la crisis de los medios

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Sat, 23 May 2026 00:52:00 +0000

Revisitar a los personajes creados por la escritora Lauren Weisberger veinte años después genera sensaciones. La idea de encajar la vieja aristocracia de la moda en una cultura, donde todo el contenido se consume y se olvida en un parpadeo. Pero El diablo viste de Prada 2, dirigida por David Frankel a partir de una historia original, le da un caderazo a la parodia autocomplaciente para registrar una crónica sobre la transformación y crisis de la escena mediática actual.

Hay que decir que el verdadero melodrama sucedió fuera de la pantalla. No creimos estar vivos para asistir a cómo el fenómeno devoró a sus propias musas: ver a Anna Wintour adueñarse del mito y ubicándose en portada junto a Mery Streep en Vogue, mientras la Emily de la vida real —la estilista Leslie Fremar— se sentaba con Chloe Malle para una entrevista. La sucesora de Wintour, con el estilo incisivo que ametralla preguntas sin dejar respiro, logró extraer expresiones y pocas palabras - pero las necesarias - para ponerse en el lugar de la mujer devenida en un arquetipo. Sin embargo, en el ejercicio del scroll infinito, este trasfondo se diluyó pronto. Quedó atrapado en la dinámica del contenido efímero de las redes.

El diablo viste de Prada 2 tuvo un presupuesto estimado en USD 100 millones de dólares y al día de hoy, a una semana de cumplirse un mes de su estreno, lleva recaudado a nivel mundial USD 553,825,726. Este éxito taquillero invita a revisar el look de Andy Sachs. La diseñadora de vestuario Molly Rogers entendió que el guardarropa del personaje de Anne Hathaway no se iba a construir con tendencias pasajeras: “Tuve que dejar de lado piezas que sabía que no resistirían el paso del tiempo en los próximos veinte años, por más que me doliera devolver algunos artículos. El vestuario tenía que ser perdurable”, dice en las notas de producción.

La propuesta de Rogers para Andy es una reconfiguración de la sastrería masculina tradicional.

La ex co-equiper de Patricia Field hizo un híbrido entre el encanto desaliñado de Annie Hall y la soberbia estructural de Katharine Hepburn. La pasarela que emite la pantalla grande va con blazers impecables de Dolce & Gabbana y Louis Vuitton, blusas - de seda con etiqueta de Tom Ford-, pantalones de tiro alto y chalecos, entre los que sobresale un diseño tejido en azul cerúleo que funciona como un abrazo al pasado.

La evolución de Andy Sachs en El diablo viste de Prada 2 se narra con un vestido de Gabriela Hearst con zapatos Chloé para su estancia en los Hamptons. Un conjunto de bouclé con cartera acolchada a tono firmado enteramente por Chanel para sus días en Milán. El tándem de chaleco y pantalón de Jean-Paul Gaultier y un bolso Coach.

El panorama de los medios se desmorona, pero un buen corte de sastrería resiste.

Beauty Report: Las fragancias Cher Dieciocho

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Thu, 21 May 2026 19:28:00 +0000

En la rutina de belleza, las fragancias de la línea Dieciocho de Cher proponen dos caminos aromáticos definidos. Mientras Glossy es dulce y se destaca por notas de almendra, coco y vainilla, Rocket es más intenso y de un perfil olfativo sensual, con una base de ámbar. Los dos perfumes comparten una base contemporánea, pensada para el uso diario de la mujer urbana y sofisticada a la que se dirige Maria Cher.

Dieciocho Rocket

Esta versión se apoya en una estructura ámbar floral. La apertura se percibe frutal, guiada por notas limpias de frambuesa y fresa salvaje. A los pocos minutos, la evolución en la piel da paso a un corazón de jazmín y violeta. El cierre del perfume se asienta en una combinación de almizcle y un fondo ambar, elementos que fijan la mezcla y aportan calidez.

Dieciocho Glossy

Su perfil se inclina hacia lo floral gourmand. La salida combina mandarina y miel, una mezcla dulce que se equilibra con la aparición de la leche de coco y jazmín. En la piel, el aroma evoluciona hacia notas de vainilla de Madagascar, que dejan una sensación suave y azucarada.

El perfume es un ejercicio de intimidad. Como una novela, los aromas permiten construir una historia y sugerir una intención, pero sin que medie palabra. Sirve para anunciar una salida o transformando la escena con una llegada. Acá dos opciones al estilo Elige tu propia aventura: para quien busque perfumar un estilo rockero o más ingenuo, la línea Cher Dieciocho se completa.

Sexy, desaliñada y casual: Kristen Stewart en el Festival de Cannes

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Wed, 20 May 2026 20:18:00 +0000

La idea de reinterpretar los clásicos siempre funcionó en Chanel. La Blazymanía alcanzó un estatus superior. Se repite como mantra que el nuevo director creativo de Chanel aplica los códigos históricos de Coco Chanel y Karl Lagerfeld. ¿Qué significa tal cosa? El bolso Maxi Flap define el significado de esa afirmación, consagrado como la cartera del año según Lyst. También la clásica chaqueta de tweed, confeccionada en una proporción más corta y moderna, transforma el tono señorial original, un efecto idéntico al de los zapatos bitono.

El desafío está en lucir una estética audaz, relajada y casual con un diseño nacido hace setenta años y relanzado en una pasarela de alta costura. Con su actitud, la actriz Kristen Stewart comparte la fórmula al estrenar el diseño de Matthieu Blazy para Chanel, junto a las zapatillas vintage Saddle Nike de 1986.

"Primero transparencia", se lee en la web de Chanel, donde presentan este traje Couture Spring 2026 como una segunda piel "que revela la vida interior de quien lo lleva".

En el Festival de Cannes, la actriz trasladó esta propuesta al photocall de Full Phil, la película que protagoniza bajo la dirección de Quentin Dupieux.

Compre Nacional: ¿La ropa es cara en Argentina?

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Wed, 20 May 2026 01:12:00 +0000

El informe presentado por la conductora Dominique Metzger abre el juego en Telenoche con una premisa repetida sobre "lo caro que está la ropa y vestirse". Sigue el relato de Martín Ciccioli exaltando la dinámica de los fardos de ropa usada norteamericana que descienden por Latinoamérica. Hay algo cínico en presentar este desfile de desechos textiles por el continente como una "nueva tendencia". El cronista confunde la circularidad con acumulación y el remate: "no es compre chino, es compre americano", dice. Meses atrás, la performance de Rolando Graña en América Noticias fue en la misma sintonía, incluso llevó un fardo al estudio de TV para evidenciar qué se puede comprar. Ninguno de los dos noticieros mencionan los riesgos sanitarios que implica consumir prendas en esas condiciones de descarte.

En el medio de este clima, Esteban Mirol protagoniza un stand up sobre el precio elevado de “un calzón”, una teoría que se cae al entrar en la histórica mercería Casa Josecito, fundada en 1942. Allí, el precio de la ropa interior en cuestión cuesta lo mismo que la supuesta "ganga" que el periodista cree haber descubierto en plataformas extranjeras, desarmando la ficción del ahorro importado.

Pero el punto ciego del debate es la invisibilización de la ropa barata en Argentina. Existe una idea instalada de que no hay opciones accesibles, pero no es así. El análisis de la ropa cara se limita a los shoppings, donde el 70% de la oferta es importada. El precio que se paga ahí no es por la costura nacional, es por el alquiler del local, el marketing y la logística de un canal que ya no representa al consumo masivo. La ropa es el termómetro más sensible de la economía. Hoy los precios se frenan por el golpe seco de un mercado interno que ya no tiene con qué comprar. La fe ciega en que abrir las importaciones va a bajar los precios no tiene pruebas reales. Según advierte la Fundación ProTejer, estamos ante una desregulación que borró de un plumazo los controles de calidad y aduana, bajando impuestos a la importación en plena recesión. Es una competencia desleal. Mientras potencias como Francia o México le ponen reglas a las plataformas digitales —exigiendo que paguen impuestos y se hagan responsables de lo que venden—, Argentina va al revés, dejando al productor local en la nada.

Encima, el debate ignora el costo humano y ambiental del fast fashion. Este sistema, que acá se celebra como sinónimo de precios bajos, es en realidad un modelo de usar y tirar basado en el trabajo precario. El dato es contundente: un aumento del 19.000% en la importación de basura textil. Al importar estos fardos, Argentina está aceptando la contaminación y los problemas de salud que los países desarrollados ya no quieren ver. Es, básicamente, aceptar los desechos del mundo disfrazados de oportunidad.

Composición del precio de una remera comercializada en el shopping

Esenciales de belleza: Hace frío y la piel se pone sensible

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Sun, 10 May 2026 13:56:00 +0000

El termómetro marca el estado de la piel. Pasamos de 30 grados a apenas 8 en cuestión de días. Esta transición monumental suele dejar a la barrera cutánea en shock. Así sea por genética, estrés, cambios hormonales o la polución urbana, el resultado es el mismo: la piel se siente vulnerable. Ardor, enrojecimiento repentino, tirantez y sensación de calor son algunas de las señales de que la barrera protectora está debilitada. El tema es que la hidratación se evapora con mayor rapidez y los pasos habituales de la rutina de cuidados de la piel se vuelven insuficientes. Pero en estos momentos reaparecen ciertos productos que reclaman un rol distinto al que tenían asignado. Tal el caso del aliado para estos días de mucho frío: Acqua Blu, el agua micelar de The Glow Factor.

La firma cosmética argentina, fundada por las doctoras Valentina Sielecki y María Mingo junto a la licenciada Candelaria Nottebohm, se especializa en entender la fragilidad de la piel y tiene como misión de marca proteger y restaurar la salud de la barrera cutánea. Acqua Blu es parte de un tratamiento de preparación y la eficacia en los días de frío está en cómo sostiene la hidratación mientras limpia sin irritar. Su fórmula es un equipo de calma y recuperación. Tiene Niacinamida (un ingrediente multifunción que calma la inflamación), la Vitamina B5, esencial para la reparación, y Aloe Vera, una planta medicinal excelente para una hidratación profunda.

Al usar Aqua blu, la textura sobre el rostro recuerda a la de un sérum. La piel queda luminosa, fresca y profundamente hidratada. Conocí la firma entre el lanzamiento de Sunkissed, el protector solar Sun drops glow, y su rutina completa con la presentación de la crema Vitalité. Desde entonces, el tónico Rosé y este limpiador ocupan posición protagonista de mi Top Shelf.

En días donde la piel se siente tirante, Acqua Blu de The Glow Factor es un respiro.

MET Gala 2026: La solvencia estratégica detrás de la exhibición Costume Art

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Mon, 04 May 2026 13:17:00 +0000

Una vez, Jorge Luis Borges le planteó a Antonio Carrizo, en una entrevista, cierta verdad que la moda convirtió en su propio motor: “Qué raro que más importantes que los hechos sean las vísperas”. La atención y tensión que genera la antesala a la gala del MET hace que el primer lunes de mayo acapare todas las miradas.

La Gala del MET funciona como el prólogo de la exhibición de primavera de The Costume Institute, que este año se titula Costume Art y solicita Fashion is Art como dress code si fuiste invitado (a pagar 100.000 dólares la entrada).

La MET Gala comenzó como un acontecimiento para recaudar fondos que garantizaba la preservación y conservación de la historia de la moda, en principio la de Estados Unidos. Además de financiar al Metropolitan Museum al destinar el 10 por ciento de lo recolectado en la gala. En la última década, este hito del calendario recaudó 166,5 millones de dólares. En 2025, la gala de Superfine: Tailoring Black Style obtuvo 31 millones de dólares.

Desde 2016, el Instituto consolidó un fondo de dotación (endowment) —un vehículo de inversión diseñado para garantizar ingresos sostenibles y autonomía a largo plazo— que hoy capitaliza 106 millones de dólares, según informa Vanessa Friedman en The New York Times. Esto invitó al debate: hacia 2028/2030 The Costume Institute sería autosuficiente para mantener sus operaciones sin depender del museo y la gala en sí.

¿Qué es la MET GALA?

Eleanor Lambert es el nombre fundamental en la historia de la moda norteamericana, del mismo peso que Anna Wintour pero sin películas, documentales y portadas propias en Vogue. Lambert es la creadora de la Semana de la moda de New York, de la Lista internacional de los mejores vestidos, de los premios Coty y luego del CFDA. Eleanor realizó en 1948 un evento benéfico en el MET y lo llamó La fiesta del año. El vínculo entre la moda y el museo en Estados Unidos inició en 1937 con la apertura del Museum of Costume Art que más tarde, en 1946, se fusionó con el Museo Metropolitano de Arte como The Costume Institute. La deriva siguió con la editora Diana Vreeland como impulsora de este acontecimiento anual. Luego de ser despedida de Vogue, donde ocupaba el cargo de directora durante la década de 1960, Vreeland se concentró en que la moda ingresara en el museo. Con la inauguración de The World of Balenciaga en 1973, un año después de la muerte del modisto. Desde allí su evolución a lo que conocemos hoy como la muestra que inaugura el primer lunes de mayo con una gala.

La exhibición Costume Art abrirá sus puertas el 10 de mayo y permanecerá en sala y galerías hasta el 10 de enero de 2027. Andrew Bolton, Curator in Charge del Costume Institute, define el guión de esta exposición como una reivindicación de la presencia física: “Mi intención es situar la centralidad del cuerpo vestido dentro del Museo, vinculando las representaciones artísticas con la moda como una forma de arte encarnada. El arte del vestuario privilegia la materialidad y esa conexión indivisible entre la figura humana y la prenda, evitando la tendencia de priorizar lo visual a expensas de lo corporal”.

imágenes vía The MET

¿Por qué son tan geniales? Los vínculos de la moda, el diseño y las artes en un libro

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Sat, 02 May 2026 01:40:00 +0000

La historia del diseño argentino se escribe en una trama de cruces continuos. Las artes plásticas, el diseño textil y la moda atraviesa este territorio para construir una identidad visual propia. El libro ¿Por qué son tan geniales? de la socióloga e investigadora Daniela Lucena recupera esa genealogía a través de un recorte temporal que va desde 1940 hasta los años 2000. Es un arco cronológico donde los creadores expandieron los límites de sus disciplinas y generaron piezas al transformar los modos de hacer y de vestir en Buenos Aires.

Daniela Lucena titula su investigación retomando una pregunta emblema de la vanguardia porteña: ¿Por qué son tan geniales? Esa frase quedó plasmada en el cartel publicitario - en la esquina de Florida y Viamonte - con el que Dalila Puzzovio, Edgardo Giménez y Charlie Squirru irrumpieron en la escena pública de los años sesenta. Aquello funcionó como una apropiación directa del lenguaje de la comunicación y el espectáculo para interpelar los circuitos de legitimación del arte. Siguiendo esa premisa, el libro analiza los vínculos entre el diseño, la performance, el pop y el arte conceptual. La autora reconstruye esta historia valiéndose de archivos y testimonios de referentes de la indumentaria y arte local. El recorrido conecta las propuestas estéticas de Delia Cancela, Fridl Loos, las texturas autóctonas de Mary Tapia, la impronta escénica de Renata Schussheim, el desarrollo textil de Jessica Trosman, la identidad de A.Y. not dead hasta las narrativas bordadas de Chiachio & Giannone.

Con un tono amoroso, esta lectura es fundamental para abrazar la moda como un hecho cultural. ¿Por qué son tan geniales? de Daniela Lucena se integra a la colección Estudios de Moda, dirigida por Marcelo Marino, de Editorial Ampersand.

El diablo viste a la moda 2: Anna Wintour se apropia del guion de Lauren Weisberger

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Mon, 27 Apr 2026 14:33:00 +0000

El despliegue mediático es una performance. Hubo premieres, filtraciones a la medida y una portada de Vogue donde Meryl Streep y Anna Wintour rompen la frontera entre el mito y la realidad. Este jueves 30 de abril, El diablo viste a la moda 2, dirigida por David Frankel, llega a las salas de cine, pero el verdadero espectáculo sucedió durante la promoción.

La producción de la película buscará reactivar el mecanismo de 2006, cuando la primera entrega convirtió un presupuesto de 41 millones de dólares en una recaudación de 327 millones.

La secuela retoma el rastro de las tres protagonistas (Andy Sachs, Emily Charlton y Miranda Priestly) en una industria periodística que compite por atención, donde la historia se convirtió en contenido y la repercusión en viralización.

Entre la publicación de la novela original en 2003 y su continuación en La venganza viste de Prada, en 2013, la escritora Lauren Weisberger capitalizó su experiencia como exasistente de Wintour para transformar el hermetismo de su jefa en un producto de consumo masivo. Pero ese ecosistema analógico quedó lejano.

El diablo viste a la moda 2 se basa en los personajes creados por Lauren Weisberger

La secuela sitúa a Priestly ante el declive de las revistas impresas, forzándola a negociar con sus exsubordinadas, Emily y Andy. Pero, el movimiento más relevante sucede fuera de campo, pues Wintour decidió apropiarse de su propia caricatura. Si en 2003 el personaje de Miranda Priestly era un enigma sustentado en el rumor, hoy la editora asume el rol. La exdirectora de Vogue Estados Unidos se adueñó del mito al subir al escenario de los Oscar junto a Anne Hathaway para presentar el premio a Mejor diseño de vestuario. Meses después, consolidó la maniobra posando, junto a Mery Streep, para Annie Leibovitz en la portada de mayo de Vogue titulada Seeing Double: When Miranda met Anna.

La jefa devoró la ficción. La realidad se impone con la ironía que antes pertenecía a la pluma de Lauren Weisberger. Al vivir voluntariamente el disfraz que su exasistente le diseñó, Anna Wintour anuló la autoridad de la escritora. La venganza ya no pertenece a la novela. La supuesta villana secuestró el relato mediático para escribir su propia versión.

Adrián Appiolaza en Buenos Aires: El retorno del diseñador que tradujo la argentinidad al lujo global

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Sun, 26 Apr 2026 23:02:00 +0000

La presencia de Adrián Appiolaza esta noche en los Martín Fierro de la Moda 2026 antecede a su distinción como Personalidad Destacada de la Cultura por la Legislatura porteña, el próximo martes. El reconocimiento llega tras su nombramiento, en enero de 2024, como director creativo de Moschino. Su llegada a la firma es el resultado de un recorrido de tres décadas por los talleres de mayor peso en Europa.

En 1994, dejó San Telmo para estudiar en Central Saint Martins, en Londres. Su ingreso al circuito profesional fue rápido: el mismo año de su graduación, donde obtuvo el premio a la mejor colección, se incorporó al equipo de Alexander McQueen. Desde entonces, Appiolaza ocupó puestos de responsabilidad en las estructuras que definieron la moda de los últimos veinte años. Trabajó junto a Phoebe Philo en Chloé y con Clare Waight Keller en Celine. El diseñador formó parte del equipo de Prada y se desempeñó en Louis Vuitton bajo la dirección de Marc Jacobs. En 2014, con el grupo LVMH se trasladó a París para acompañar al director creativo Jonathan Anderson en el diseño de la línea femenina de Loewe.

En Tierra, la colección otoño invierno 2026 para Moschino, Appiolaza llevó a las pasarelas de Milán a Mafalda, Evita y el fileteado porteño, entre algunos de los temas de tradición argentina donde el diseñador mostró su capacidad para procesar la identidad nacional sin caer en el cliché.

Su metodología se apoya en una biblioteca visual muy propia. Adrián Appiolaza creó un archivo con piezas de Yohji Yamamoto, Comme des Garçons y Vivienne Westwood que utiliza como base de estudio para sus diseños y también alquila para diferentes producciones.

Hoy, su tarea en Moschino consiste en extraer el legado de Franco Moschino para situarlo en el presente, transformando la ironía histórica en una propuesta de lujo con sustancia y peso cultural.

La colección 08 de Moschino donde Appiolaza toma la cultura argentina como referencia

Crisis del lujo 2026: ¿Por qué LVMH cae mientras The Row, Coach y Ralph Lauren crecen?

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Sun, 19 Apr 2026 13:42:00 +0000

El panorama actual del consumo es el resultado de una apuesta arriesgada. Durante el boom de compras post-pandemia del covid-19, las marcas de lujo dispararon sus precios aprovechando la euforia del consumidor. Pero las compras fueron en caída libre. Como postal sirve LVMH, que en los primeros tres meses de 2026 sus ventas cayeron un 2%, encadenando su séptimo trimestre consecutivo de pérdidas, según publica The Economist. Mientras tanto, The Row, Coach y Ralph Lauren quebraron la tendencia y registraron ganancias. La moda de Estados Unidos está lejos de manejar el mercado de lujo, pero da cuenta de una estrategia que prioriza la identidad, el control del canal de venta y la experiencia real del cliente.

The Row, que hoy ocupa el puesto 7 en el ranking de popularidad de The Lyst, sustenta su éxito en ir en sentido contrario al exhibicionismo que domina esta sociedad. La estrategia de Mary-Kate y Ashley Olsen es el minimalismo discreto como única opción. Desde 2006 ofrecen diseños sin logos que funcionan como código de pertenencia silencioso. Las gemelas Olsen parecen domar la psicología del consumo. Son herederas de la mística de exclusividad de la Birkin bag de Hermès, pero también la capacidad de generar el deseo masivo de Zara. Consiguen que la clienta perciba que el producto es un diseño de culto difícil de conseguir. Con este gesto, ellas arman un estándar de lujo propio que funciona como una autorreferencia constante y protegen a la marca frente a la crisis.

Coach logró aumentar sus ventas un 25% tras una reestructuración que indagó en su archivo histórico. La marca recuperó la visión de Bonnie Cashin, la directora creativa que en los años 60 introdujo la identidad de diseño funcional y minimalista que hoy vuelve a ser tendencia. La marca, fundada en 1941, decidió irse de los shoppings y grandes almacenes. Este movimiento logra que el 90% de sus productos se vendan de forma directa al cliente, lo que les permite manejarse sin intermediarios.

Además de eliminar su fama de marca de descuentos, Coach supo capturar al público joven con las bag charms personalizables. Lo que para un sector parecería un detalle menor y hasta vulgar, para la nueva generación es el motor de compra que volvió a poner a la marca en el centro de la escena.

La clave de Ralph Lauren fue la diversificación del espacio físico. La marca fundada en 1967 entendió que la tienda es un destino social a través de Ralph's Coffee. Con presencia global, logró que el público busque pasar tiempo en sus tiendas. fusionaron el consumo con el ocio. A esto se suma una inversión del 7% de sus ventas en marketing y la modernización total de su logística. Mientras otras marcas gastan recursos en alianzas que sirven de fachada, Ralph Lauren utiliza la innovación para adaptar el producto y la distribución a la necesidad real de cada mercado.

La lectura que invita estos tres casos sugiere que, en contextos de incertidumbre, el crecimiento puede venir de la capacidad de adoptar una estrategia propia, adaptarla a los nuevos hábitos y tener la espalda para sostenerla en el tiempo.

Ay Not Dead en la FADU: La moda no es un lujo, la educación pública tampoco

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Wed, 15 Apr 2026 22:40:00 +0000

La Industria Textil en Argentina atraviesa una emergencia que se está simplificando en notas de color sobre el precio de las prendas o un debate de opinión sobre si la ropa local es cara, como si la existencia de una industria nacional fuera un detalle opcional frente a la conveniencia de comprar fardos o en China. Pero cuando ese debate parece perder gravedad, Ay Not Dead traslada su campaña Otoño Invierno 2026 a los pasillos de la FADU.

Es un movimiento que corre la discusión del consumo para situarla en otra urgencia: la defensa de la educación pública. Cuando el primer cuatrimestre debería iniciar con normalidad, la Universidad de Buenos Aires ratifica la emergencia presupuestaria y salarial, exigiendo el cumplimiento de la Ley de Financiamiento de la Educación Universitaria.

En este contexto, AY NOT DEAD pone su campaña bajo el lente de Sebastián Faena y la Facultad de Arquitectura y Urbanismo como escenario para “The Many Faces of Ecstasy”. La colección utiliza el Pabellón 3 para que la moda, el arte y la cultura compongan un relato visual que busque un “diálogo directo con el pensamiento creativo local, despertando conversación y repercusión en redes”, según detalla el comunicado oficial. La narrativa absorbe el entorno para validar la relevancia del diseño en un momento de fragilidad institucional.

La impronta rockera de Ay Not Dead se cruza con referencias al cine de autor y la música para construir una intensidad emocional. El resultado es un repertorio de siluetas modernas donde los tejidos fluidos conviven con prendas estructuradas, un contraste que sucede dentro de las aulas para recordar que la educación pública no es un gasto, es una de las inversiones más importantes de nuestro país.

imágenes: Gentileza Ay Not Dead / PH Sebastián Faena | vía Grupo Mass

Reporte Buenos Aires: El diseño slow fashion y crochet artesanal de Laura Carrioli

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Fri, 10 Apr 2026 12:55:00 +0000

La marca de Laura Carrioli nació durante el parate de la pandemia. Lo que empezó como una inquietud doméstica terminó en el aprendizaje del crochet, una técnica que le dio forma a sus primeros bolsos y le permitió entrar al mundo de la moda.

En el taller, el trabajo para los bolsos y las carteras artesanales se mide en horas de mano de obra: cada pieza requiere diez horas. Siete se destinan al tejido y tres al armado y la forrería. La producción funciona como un sistema familiar. Mientras dos colaboradoras tejen, la madre de Laura confecciona los interiores que luego se cosen a mano a la estructura exterior. n este artesanado, lo que se garantiza es que no existan dos modelos iguales. Laura utiliza hilo y rafia de algodón al 100%, junto con cuero y telas orgánicas para los forros.

Sus diseños siguen una agenda propia. A excepción de una línea de rafia pensada para el verano, los bolsos son atemporales. El uso de colores neutros y la estructura simple buscan la versatilidad: son piezas que funcionan tanto para un café en la ciudad como para un viaje de fin de semana. Las referencias de Carrioli surgen de la observación. Se vale de lo que ve en las pasarelas, la naturaleza y lo que usan las mujeres en la calle. Los diseños de Laura Carrioli se comercializan en su tienda online y en el showroom que abre una vez al mes en el barrio de Belgrano.

Haeder: Sastrería Regenerativa y Trazabilidad Digital con Certificación Blockchain

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Sun, 05 Apr 2026 01:51:00 +0000

El próximo jueves, Designers BA recibe a Luján Haeder con una propuesta que exige permanencia. Tras un debut en Bafweek en 2024 que fijó los pilares de su identidad, la diseñadora vuelve a la pasarela de Buenos Aires para la edición Otoño Invierno 2026 con una premisa clara: la responsabilidad es el corazón del diseño.

Imágenes del desfile de Haeder de 2024, realizado en el estudio de María Fux

Su trabajo se sostiene en el rescate de descartes y la revalorización de piezas olvidadas, convirtiendo materiales recuperados en sastrería de autor a través de un oficio que funciona como puro activismo. En Haeder, la prenda es un documento de transparencia bajo un sistema de diseño regenerativo. La marca utiliza la innovación digital para asegurar la integridad de cada pieza con herramientas de trazabilidad de alto nivel. Es la misma lógica que emplea la plataforma Aura Blockchain Consortium para que firmas como Prada, Maison Margiela y Louis Vuitton garanticen la autenticidad y el recorrido de sus productos. Haeder traslada esa infraestructura al diseño independiente para validar el proceso. Las prendas llevan cosido un botón NFC que actúa como un pasaporte digital. Al acercar un teléfono, el sello despliega el Certificado de Origen y Trazabilidad (COT), exponiendo los materiales e intervenciones que componen el objeto. Este recurso tecnológico garantiza la circularidad y le da al usuario la certeza sobre la cadena de valor que viste. Con la próxima apertura de su estudio en Chacarita, Haeder expande esta filosofía hacia un diálogo con las artes contemporáneas, consolidando un espacio donde la mano del artesano y el dato digital dialogan con la misma autoridad.

Agendá: La edición 28 - Otoño Invierno 2026 de Designers BA tiene en su grilla los desfiles de JT, que inaugura la semana con "Knock-out, nunca" desde una fábrica textil. Sigue Raimondi con una presentación virtual y el miércoles es el turno de Kostüme en MOA, el "hospital de las estatuas". El jueves, Haeder. El viernes finaliza con las Revelaciones 2025: La Aldi Vega, State of Chaos, la joyería de Inés Bonadeo y las diseñadoras industriales Catalina Guzmán, de Black Ñandú, y Malena Nazareth Varela, de Naz x Naz. Más tarde, ese día, cierra La esquina 1936, conocida como Esquina, de Josefina Roveta.

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Apuntes: De las pistas de baile de la década de 1920 a las calles de 2026

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Thu, 02 Apr 2026 23:21:00 +0000

La moda contemporánea se obsesiona con la recontextualización. Las T-Strap son el caso de estudio del día. Este calzado definió el ritmo de las pistas de baile en la década de 1920 y vemos cómo regresa un siglo después cargada de una funcionalidad que la década pasada desconocía.

Emme Parsons encontró su propia respuesta a este legado con el modelo Aya, una pieza que traslada su formación en diseño gráfico a una silueta austera. Con base en Los Angeles, ella reedita modelos clásicos bajo un filtro neto y gráfico.

Las Aya están armadas sobre el diseño californiano y confeccionadas en las curtiembres de la Toscana italiana. Aunque a simple vista su anatomía recuerda a la funcionalidad democrática de una Gizeh de Birkenstock -popularizadas por Ashley Olsen en su street style-, la propuesta de Emme Parsons maneja otro nivel. Hechas a mano, la clave está en la tensión de las tiras y la solidez de la suela pensada para resistir los pasos en el tiempo. Su estética mínima tiene la fuerza suficiente para romper la neutralidad de unos jeans básicos o hacer equipo con el blazer.

Vestirse para la luna: Artemis II y La evolución del traje espacial OCSS

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Wed, 01 Apr 2026 05:04:00 +0000

La moda espacial es una cuestión de supervivencia. Cuando Ed White hizo la caminata espacial en 1965, estaba vestido con la ingeniería de David Clark, una firma pionera que transformó la urgencia de la Segunda Guerra Mundial —creando trajes antigravedad que evitaban los desmayos de los pilotos durante las maniobras— en el estándar técnico de la exploración aérea y orbital.

El traje Orion Crew Survival System (OCSS) es el heredero de ese legado. Como un manifiesto de diseño adaptativo, la tecnología implementada en el traje espacial de la misión Artemis II que viajó a la luna protege el cuerpo y potencia sus capacidades.

Resulta que los ingenieros de la NASA reutilizaron y reciclaron setenta y cinco trajes que quedaron como excedente del programa de transbordadores. El diseño demandó alrededor de cinco años y fue un trabajo en conjunto con la compañía Clark. En el podcast de la NASA "Houston, we have a podcast", el gerente del proyecto Dustin Gohmert describe esta evolución como un proceso orgánico de co-creación. “Bien, ¿cómo podemos convertir esto en realidad?, le decíamos a David Clark Company. Fue una colaboración constante, entre la lluvia de ideas, el concepto y la producción. Con el tiempo, estos aspectos se fusionaron para convertirse en lo que es el traje OCSS”.

En el espacio, la vestimenta se mide por la eficiencia del movimiento. La ergonomía en gravedad cero trastoca nuestras nociones terrenales. Así que eso fue incorporado al modelo, de ahí que el diseño no se focaliza en las piernas sino en los hombros. La movilidad se concentra en el torso, con codos y muñecas de torsión nula que permiten un desplazamiento fluido porque, en la microgravedad, se camina con las manos.

El traje del Sistema de Supervivencia de la Tripulación Orión funciona como una micro-biósfera que recicla cada molécula de gas, una proclamación sobre la conservación de recursos que evita la expulsión de oxígeno al entorno. La elección del color también tiene su explicación. El uso del Naranja Internacional es una decisión de vida. Se trata de un tono sintético con matices de rosa fluorescente inexistente en el mundo natural. Su propósito es la visibilidad. Que sea un faro cromático diseñado para resaltar contra el azul profundo del océano, si hubiera un rescate, dice Gohmert y cruza los dedos.

Mientras David Clark domina la producción de tallas estándar, los ingenieros de la NASA elevaron este sistema a la confección a medida para los astronautas Christina Koch, Reid Wiseman, Victor Glover y Jeremy Hansen, la primera misión tripulada en más de 50 años en sobrevolar la luna.

En este diseño, la forma y la función se fusionan para demostrar que el estilo es la herramienta segura para garantizar el regreso a casa.

Imágenes y fuente vía NASA/Aubrey Gemignani

Nuestros años locos tienen a John Galliano diseñando para Zara

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Tue, 17 Mar 2026 13:06:00 +0000

La historia de la moda cuenta que a mitad de cada década los experimentos previos se asientan para definir los códigos de los años por venir. No es un momento de ruptura, más bien cuando las piezas del sistema terminan de encajar bajo la lógica del mercado. Tras un periodo de dos años de movimientos frenéticos en las direcciones creativas de las maisons, la jerarquía tradicional comparte su lugar con una estructura donde la relevancia no depende del precio de la etiqueta, sino de quién controla la conversación global.

En este escenario de transición, las marcas de consumo masivo dejaron su condición de replicadoras de tendencias para liderar las dinámicas de atención, reclutando a los nombres que antes estaban bajo el dominio de los talleres de lujo. Esta caminata hacia el mercado global se consolida con trayectorias claras: Clare Waight Keller, quien definió el código deportivo sastrero en Chloé, lidera hoy la dirección creativa de Uniqlo. El hermoso y cool Stefano Pilati, ex director creativo de Yves Saint Laurent, colaboró con Zara en una colección cápsula al igual que Kate Moss. Zac Posen ya había anticipado este rumbo al asumir el mando en Brooks Brothers y en 2024 como presidente ejecutivo y director creativo en Gap y Old Navy. Nos ponemos memoriosos. El inicio de este siglo estuvo marcado por la alianza entre Karl Lagerfeld y H&M en 2004. Este hecho dio lugar al inicio de un vínculo que durante diez años alimentó el interés por las colaboraciones entre el fast fashion y el lujo. Hasta que la fórmula dejó de resultar novedosa para integrarse como norma.

La noticia que termina de validar este cambio es el desembarco de John Galliano en Zara. Según reporta Vogue, se trata de una colaboración creativa de dos años para reinterpretar "los archivos" del retail, marcando el regreso del modisto tras su salida de Maison Margiela en 2024. Se espera que la primera entrega de Galliano para Zara llegue en septiembre (apostemos que será durante la semana de la moda de Nueva York).

Este movimiento responde a la gestión de Marta Ortega, quien asumió la presidencia de Inditex en 2022. Bajo su mando, el grupo —valorado en 150.000 millones de euros y dueño de las firmas Pull & Bear, Massimo Dutti, Bershka, Stradivarius, Oysho y Zara Home— dió un giro hacia una sofisticación operativa que la distingue de la gestión de Amancio, su padre. "No se trata de vender más, sino de vender bien", declaró Marta al diario El País.

La presencia de Anna Wintour en la sede de Arteixo y el vestuario de Bad Bunny para el Super Bowl son señales de una ambición mayor: contratar al último gran modisto del siglo XXI para validar la identidad de la compañía.

Imágenes: John Galliano Instagram / Collage BdM

Un Oscar para el muchacho de nuestra vida

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Mon, 16 Mar 2026 13:23:00 +0000

Este domingo, en la 98.ª edición de los Oscar, se define si Ethan Hawke alza la estatuilla como Mejor Actor por su papel de Lorenz Hart en Blue Moon, la película de Richard Linklater.

Escuchar su nombre es como entrar en una caminata mañanera por el West Village. Que en la cabeza empiece a sonar Big Mountain con la sonrisa de Winona Ryder en Reality Bites, mientras el cuerpo registra el crecimiento del compañero de ruta que aparece en la trilogía Before.

Hawke es el muchacho que se hizo grande a la par de la generación que nacimos con el desayuno con olor a papel de diario y terminanos resolviendo la vida con aplicaciones. Ethan nos mantiene entre esos dos mundos. Es el bohemio que se sacó de encima el traje de estrella para seguir siendo alguien interesante.

En el catálogo del star system de Hollywood, Ethan Hawke es el rebelde que no necesitó imitar a James Dean para contar la pose. El padre de Maya se viste con prendas clasicas que en él se ven como maravillas eternas. Su bohemia sigue el método de desarmar la sastrería, se arranca la corbata y se planta unas zapatillas que solo a él y a Robert Downey Jr. le quedan bien.

Es la evolución del chic cuando se lo confunde con elegancia. Ethan tiene la capacidad de rescatar el desaliño de los noventa para elevarlo a una categoría intelectual, como quien sabe que la apariencia es el rastro del pensamiento cuando se viste.

Imagen vía Getty

Carolyn Bessette-Kennedy y el minimalismo: El ciclo que la moda se niega a cerrar

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Sat, 14 Mar 2026 23:43:00 +0000

Hoy se parece mucho a los años 90. No es solo una coincidencia visual. Se trata también de un trasfondo político donde una parte de la sociedad, la nuestra, valida el ajuste mientras otra intenta sobrevivir a la frialdad de las medidas libertarias. La moda de la década de 1990 siempre parece estar regresando. En su momento nadie logró definirla. Fue un período marcado por la incertidumbre de un siglo que terminaba y la ansiedad por el esperado año 2000. Es una época donde la belleza se deshizo del artificio. Se impuso una silueta delgada que convivía con el estallido del grunge de Kurt Cobain. Pero el minimalismo no estaba solo. Thierry Mugler y Gianni Versace seguían dando figuras monumentales, mientras John Galliano y Alexander McQueen llevaban su rebeldía a las casas históricas de París.

Tras temporadas dominadas por el lujo silencioso, este estilo parece haber agotado su capacidad de asombro. Al ser absorbido por el mercado masivo y replicado en las perchas del fast fashion, perdió su aura de exclusividad. Los informes financieros decían que el consumidor actual, golpeado por la inflación, ya no gasta en básicos de lujo porque puede encontrar lo mismo en una tienda de segunda mano: el minimalismo extremo terminó por igualar a todas las marcas. Fue cuando los expertos de la industria sentenciaron que estas prendas fallaron en generar un vínculo emocional, según el reporte 2025/2026 de BoF.

Pero vemos que un factor externo cambió el rumbo.

En febrero de 2026, el estreno de la serie de Ryan Murphy sobre Carolyn Bessette-Kennedy volvió a inundar las pantallas. El algoritmo de Instagram se obsesionó con su imagen, repitiendo las fotos de una mujer que vivió bajo el asedio de los paparazzi.

En su versión cruda, el minimalismo ahora mismo es una estética que se consume como una estampita. Mientras el público analiza cada detalle, incluso hay videos de los días de Carolyn Bessette en su trabajo como publicista para Calvin Klein (marca que a la vez aumentó su interés en búsquedas en un 347% en estas dos semanas), surgen eventos como la feria Eyecon Show, donde Selima Salaun exhibirá el prototipo original de las gafas "The Aldo" que Bessette inmortalizó y la serie Love Story: John F. Kennedy Jr. & Carolyn Bessette replicó para Sarah Pidgeon. Hasta apareció una subasta con prendas de Carolyn, aunque la casa no puede asegurar su autenticidad.

La reaparición de la silueta lánguida de Carolyn Bessette-Kennedy es el motor que necesitaba el minimalismo para no aburrir. También puede ser la despedida triunfal como tendencia de marketing. Su presencia está desafiando la obsolescencia que los analistas le diagnosticaron.

Mientras las redes sociales viralizan su figura, el mercado se divide en los que persiguen la imagen de moda y los que entienden que un buen diseño siempre es relevante.

imágenes vía Getty

Chava Studio: El lenguaje contemporáneo en las telas del pasado

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Sat, 14 Mar 2026 00:09:00 +0000

El mapa textil que traza Olivia Villanti se apoya en la relevancia de lo que otros consideran descarte. Desde la fundación de Chava Studio en 2020 en la Ciudad de México, la marca tiene un método que dialoga con los proyectos de rescate como los de las hermanas Dacal o Perlitas de Buenos Aires, de Vicki Otero. Su modelo de negocio se consolida en el made-to-order, una decisión de diseño que prioriza la intención sobre el volumen.

El motor de Chava Studio es la alianza con Gilly e Hijos, un estudio de camisería tradicional de donde Villanti recupera linos, lanas y algodones que la empresa original fue descartando.

En este inventario de materiales de otras épocas, Olivia Villanti construye un vestuario que varía entre la intimidad de los boxers y la sofisticación de la sastrería, elevando la camisa oversized a la categoría de pieza de culto. Con un volumen que impone presencia y una caída que saben dar las fibras nobles del pasado, estas prendas se presentan como soluciones al vestir contemporáneo.

imágenes: Chava Studio

Valentina Schuchner en Bafweek Otoño Invierno 2026

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Fri, 13 Mar 2026 11:04:00 +0000

En su paso por la edición aniversario Bafweek otoño invierno 2026, Valentina Schuchner presentó "Lo siento mucho", una colección que utiliza el blanco para revisar las estructuras de poder. La propuesta se aleja de la estética pura y se concentra en el blanco como una herramienta histórica de distinción social, vinculada directamente a las transiciones del cuerpo femenino. El análisis de la diseñadora identifica el momento preciso en que es tono se transforma en una regla. Al establecerse como un código visual, el blanco dictamina jerarquías y valida pertenencias.

Valentina Schuchner basa su narrativa en las siluetas del siglo XIX, años que definieron el estándar de una feminidad bajo control. Junto a Vanesa Brites, su madre, diseñan en el cruce del couture y el prêt-à-porter. La técnica reinterpreta la artesanía con una mirada contemporánea, integrando la tradición latinoamericana y la cultura de diseño en Argentina en un sistema que equilibra el minimalismo con la sensualidad. Sus colecciones sostienen la fuerza y la delicadeza con solidez técnica.

Aquí los apuntes de Valentina Schuchner en "Lo siento mucho", la colección otoño invierno 2026:

"El punto de partida fue pensar en el ideal de estabilidad que se consolidó durante la época victoriana, particularmente en torno a la figura de la Reina Victoria y la construcción de un ideal burgués de orden, moralidad y permanencia. En ese contexto, el vestido de novia blanco se instala como símbolo de pureza, control y estabilidad dentro de la institución del matrimonio. A partir de ahí, la colección propone tensionar ese ideal. En lugar de la estabilidad rígida que ese imaginario propone, aparece la idea de la emocionalidad como algo cambiante, cíclico y en movimiento. El cuerpo se adapta a ciclos: al vaivén de la marea, a las fases de la luna. Las emociones oscilan como un trazo que va y viene para dibujar una línea, una línea que encuentra sentido al construir una forma. Desde ese lugar, la colección explora la transición, la inestabilidad y el movimiento como parte constitutiva de la experiencia emocional, proponiendo una narrativa que se despliega a lo largo del desfile."

Valentina Schuchner en Bafweek - edición Aniversario

Valentina Schuchner "Lo siento mucho" - Otoño Invierno 2026

Imagenes pasarela: Gentileza Bafwek / Bang!

Boceto Valentina Schuchner para Bloc de Moda

Moda Otoño Invierno 2026: El lenguaje de Kosiuko

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Wed, 04 Mar 2026 20:40:00 +0000

El don para intervenir el denim y los brillos justos definen los percheros de Kosiuko. En el marco de BAFWEEK, la marca presentó "Retrofreaks", la colección otoño invierno 2026 que toma a Copenhague como referencia. Mientras el fenómeno del Copencore se construye sobre el minimalismo escandinavo, extravagancia y la mezcla de estampas, la propuesta de Cynthia Kern sostiene su propio manifiesto: una impronta sexy y rockera muy pensada. Es una actualidad confeccionada con pinceladas retro que logran capturar el interés visual con capas de cuero, encajes y denim.

La clave de esta colección está en la autonomía de sus piezas. Se trata de prendas que demuestran su mejor versión cuando funcionan por separado. En este escenario, Luciana Geuna es quien mejor proyecta la intención de la marca en la actualidad. A través de su vestuario en el canal de noticias TN, la periodista materializa la imagen de la mujer moderna y decidida que el repertorio de Kosiuko propone. Geuna utiliza estas ideas para quebrar la norma estética de la televisión argentina, donde el resto de las conductoras están amarradas a una vestimenta tradicional y carente de huella personal. Al elegir estas ropas, con la asesoría del estilista Jorge León, ella logra una distinción que la ubica por encima de la uniformidad visual del medio. Así consolida una actitud que nutre con lo que viste y encuentra su origen en el carácter de Kosiuko.

Imágenes: Gentileza Bang!

La revancha del souvenir

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Sat, 28 Feb 2026 14:53:00 +0000

En 1983, Franco Moschino fundó su casa para burlarse del simbolismo de la alta costura. Su método era la ironía, el italiano utilizaba objetos cotidianos y manipulaba los códigos visuales de Chanel o Louis Vuitton para desarmar las jerarquías del lujo. Lograba siluetas familiares que funcionaban como un chiste a la solemnidad de las maisons. Esa misión terminó con su temprana muerte ocurrida en 1994. Hoy, el argentino Adrián Appiolaza custodia ese legado desde que fue nombrado director creativo de Moschino en 2024.

En la semana de la moda de Milán otoño invierno 2026, el diseñador expandió la identidad de Moschino con los signos de su propia historia para la Collezione 08.

Evita lucida por la modelo Rosa Trosman, hija de Jesica

Hace unos días escribí en el diario sobre la problemática de las artes latinoamericanas en el circuito global. Como si existiera una exigencia de que se queden en su lugar y exhiban un folclore explícito. Se espera algo que funcione como un recordatorio geográfico más que como diseño contemporáneo.

Para el Otoño / Invierno 2026, Appiolaza dictó una clase magistral. El Obelisco, Evita pixelada y el remerón blanco con la viñeta de "¡Basta!" con Mafalda convivieron con el cotidiano. Se vieron tejidos de llama, un look con bollitos de euros acompañado con el chanchito alcancía en modo bolso, otro de un cactus y uno de churros bañados en chocolate.

La pasarela de Milán exhibió carteras de lana con un parche de una guitarra criolla, bolsos con la forma de la vieja expendedora de boletos de colectivo, que aún funciona en las ciudades balnearias, o el teléfono gris de disco de ENTel. Apareció el portarretrato de triple marco con la foto de la pareja feliz cortada de la revista, hermosos vestidos con el fileteado porteño y la frase atribuida a Mafalda "El problema de las mentes cerradas es que siempre tienen la boca abierta" en una camisa. Un jean fue acompañado por zapatos en punta con referencias al colectivo 29, la línea que une Plaza de Mayo con Olivos, el barrio natal del diseñador.

Adrián Appiolaza, que en su adolescencia era habitué de la Bond Street y galería Jardín mientras estudiaba Diseño Gráfico en la UBA, ya había localizado su mirada al mudarse a Londres. Cuando en 2002 se graduó en Central Saint Martin ofreció una colección inspirada en la cultura gauchesca argentina que recibió el premio a "Mejor Colección de Mujer" en el V&A Museum. En esos días trabajaba a la par de Alexander McQueen en su estudio.

Sin exotismo y con la fuerza de un souvenir, la colección de Moschino rompe la regla. El argentino suele ignorar su propia cultura para aplaudir lo que pasa afuera. Esta vez, lo nuestro obligó al mundo a mirarnos.

imágenes: Moschino

Indio Solari en Arthaus: el píxel como pincel

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Tue, 24 Feb 2026 14:49:00 +0000

“En esta deriva digital, lo bruto no es solo una estética aparente, sino también una manera de narrar una visión del mundo; significados que emergen tanto de la experiencia onírica como del universo artificial”. Con esta premisa se presenta Brutto, la exhibición de arte digital de Indio Solari. Tras su paso por el Museo MAR, la muestra aterriza ahora en Arthaus (Bartolomé Mitre 434, CABA) y podrá visitarse con entrada libre y gratuita hasta el 22 de febrero.

Solari siempre supo que la verdad es una construcción difusa, un relato que se arma con fragmentos de memoria y deseo. Publicó su biografía bajo un título que oficia de descargo, "Recuerdos que mienten un poco", que remite a la canción "Perdiendo el tiempo" (incluída en el álbum Cordero atado de Los Redondos, en 1993), y confirmó esa búsqueda en sus libros en colaboración con el artista Serafín: "Escenas del delito americano" (2017) y "La vida es una misión secreta" (2019).

Para Carlos Alberto Solari, abordar lo inexistente es una misión poética. Con los años, las redes sociales se convirtieron en su nuevo escenario, permitiéndole compartir sus obras y amplificar un espectro artístico que siempre estuvo allí, aunque por décadas permaneciera hipnotizado por la magnitud del fenómeno musical; el mayor de la cultura popular.

En la cosmogonía del rock argentino, los varones suelen ser escrutados por cómo suenan y no por cómo se ven. Para la patria rockera, detenerse en el vestuario suele confundirse con frivolidad. Pero en su paso por la Biblioteca Nacional en 2015 con la muestra "Indio en la Biblioteca: El tesoro de los inocentes" fue una declaración de principios: allí, su estilo se expuso como parte de su universo intelectual.

Mirar a Solari a través de una lente esteta permite analizar su apariencia no como un dictado de la moda, sino como la cartografía de una identidad desarrollada durante décadas. El uso persistente de los lentes de sol y el gorrito negro dejaron de ser simples accesorios para transformarse en su marca personal. A ellos se sumó un repertorio de camisas y camperas que el Indio estrenó en cada misa sobre el escenario, trazando una evolución hacia su aspecto actual: moderno, refinado y deliberado. Algunos elementos del vestir dejan de ser tela para convertirse en símbolos; son una expresión y representación que vibran en el inconsciente colectivo.

Vidas pasadas, telas presentes: La filosofía de BODE

noreply@blogger.com (Bloc de Moda) — Wed, 18 Feb 2026 19:45:00 +0000

Vestido de saten de seda con volados de cinta vintage de la década de 1950

En el universo de Emily Adams Bode Aujla, la ropa es un espacio de historias negadas a ser olvidadas. Su línea one-of-a-kind funciona como un archivo textil donde cada pieza murmura de donde vino. Los últimos ingresos de BODE ensalzan este ejercicio de memoria al rescatar las cintas de Staron, una textilera francesa fundada en el siglo XIX.

Se trata de cintas de jacquard anchas, rescatadas de los años 50 y 60, que poseen una rigidez y brillo que el tiempo mejora, aplicadas como volantes en un vestido de satén de seda y un moño.

Fundada en Saint-Étienne, Staron operó entre 1867 y 1986. Durante un siglo, la familia Staron gestionó un negocio entre la herencia técnica y la audacia moderna. Sus motivos florales y geométricos maquillaron los drapeados esculturales en los vestidos de Madame Grès y las faldas del New Look de Dior. En la posguerra, Staron le ofreció sus materiales a Cristóbal Balenciaga, Hubert de Givenchy, Yves Saint Laurent y al norteamericano Norman Norell.

Hoy, cuatro décadas después de que Staron bajara sus persianas, su espíritu vuelve a las calles gracias a BODE. Emily, que fundó su marca en 2016 con la mirada puesta en el armario masculino para terminar conquistando el femenino, sustenta su esencia en la preservación.

BODE tiene su tienda insignia en Nueva York y espacios en Los Ángeles y París, también una sastrería en Hester Street, en el Lower East Side neoyorkino. Su misión no es el vintage y tampoco ofrecer prendas de segunda mano, ella busca que perviva la técnica y la circularidad de los textiles. De ahí que BODE cuente con un departamento de archivo donde especialistas catalogan minuciosamente hallazgos de diversas épocas.

Moño realizado por BODE con cinta de Staron

"Mi teoría es que si vos tenés una conexión emocional con algo, otras personas también la tendrán", explica la diseñadora. Es una frase que suena a declaración de principios, una que resuena curiosamente con la labor artesanal y consciente de las hermanas Dacal en Buenos Aires. Ambas entienden que la moda es un diálogo pendiente con el pasado.

imágenes: Gentileza Bode