Una de las preguntas que más nos hacen los fotógrafos que crean su página con Bluekea es: ¿qué tamaño tienen que tener mis fotos para web? La respuesta depende de cómo se van a mostrar: no es lo mismo una foto de portada a toda pantalla que una miniatura en una galería. En esta guía te damos todas las medidas, con una tabla de referencia rápida y los factores adicionales que afectan a la calidad y velocidad de carga.

Medidas de referencia rápida

Si necesitas una respuesta inmediata, aquí tienes las dimensiones recomendadas para los tipos de imagen más habituales:

* La imagen hero es esa foto en tamaño grande que ocupa toda la pantalla de extremo a extremo, normalmente al entrar a una web, e incluye el nombre del fotógrafo o título de la web y un breve texto o eslógan superpuesto.

A continuación te explicamos cada caso con más detalle.

1. Fotos de portada y hero a toda pantalla

Son las imágenes que ocupan todo el área del navegador: la portada de tu web o las fotos de cabecera con texto superpuesto a modo de banner o hero. Para que se vean nítidas en pantallas de ordenador y tablet —incluidas las pantallas de alta densidad (Retina)—, recomendamos un ancho de 2.100 píxeles.

Para móvil, lo ideal es tener una versión vertical de la misma foto u otra imagen diferente. En Bluekea puedes subir una foto específica para móvil en las portadas. Para esa versión vertical, apunta a un alto de unos 1.050 píxeles.

En cuanto al peso, intenta no superar los 500 KB con una compresión JPG del 70–75%. Una foto de portada demasiado pesada penaliza directamente el LCP (Largest Contentful Paint), uno de los indicadores de Google para posicionamiento.

2. Fotos en galería flotante (lightbox)

Llamamos galería flotante a aquella cuyas fotos se abren por encima del contenido, como una ventana emergente, cuando el visitante hace clic en una imagen. Es el modo de presentación más habitual en portfolios de fotografía porque muestra las fotos a gran tamaño sin salir de la página y aprovecha todo el tamaño de la web.

Para este tipo de galerías recomendamos un ancho máximo de 1.900 píxeles y un alto máximo de 1.050 píxeles. Esto garantiza buena calidad en pantallas Full HD y Retina sin disparar el tiempo de carga.

3. Fotos insertadas en el contenido y galerías en página

Son las fotos que conviven con texto u otros elementos dentro de la página: galerías que muestran las fotos abiertas dentro de la estructura de la web (no flotantes), módulos de contenido con foto y texto combinados, etc.

En estos casos, como la foto solo ocupa una parte de la pantalla, no hace falta tanto tamaño. Recomendamos entre 800 y 1.200 píxeles en el lado mayor (ancho para fotos horizontales o cuadradas, alto para verticales). Estos tamaños son válidos para ordenador, móvil y tablet si tu web está bien adaptada.

4. Imágenes de blog y artículos

Este tipo de fotos ocupan todo el ancho de la web, pero dentro de la columna principal de la misma. En el caso de un blog, por lo general en un lateral suele haber un menú que hace que el ancho de la imagen sea algo menor.

Para las imágenes de cabecera o de contenido en artículos de blog, un ancho de 1.200 píxeles suele ser suficiente, si bien lo puedes aumentar un poco cuando la calidad de las imágenes sea importante para el tema que estás tratando. Mantén la proporción original de la foto.

5. Miniaturas y thumbnails

Las miniaturas son las versiones pequeñas que aparecen formando muchos tipos de galerías, y que dan acceso a las fotos grandes al hacer clic. En muchos casos tu web las genera automáticamente a partir de la imagen original que subiste. Esto es lo que hacemos en todas las webs de Bluekea.

Si necesitas generarlas tú, 400–600 píxeles en el lado mayor es lo adecuado salvo que se trate de una galería con miniaturas muy grandes, en cuyo caso verás que es necesario un tamaño algo mayor para mantener la nitidez.

6. Fotos para su venta

Si vendes fotografías a través de tu web, las imágenes tienen que transmitir calidad sin revelar demasiado detalle (para proteger tu trabajo). Un ancho de 1.200–1.500 píxeles da suficiente detalle para convencer al posible comprador. Añade una marca de agua si es necesario y recuerda que la versión descargable que vendes es un archivo diferente, de mayor resolución.

Con Bluekea solo tienes que subir la foto al tamaño máximo al que la quieras vender, y esa versión quedará guardada de forma segura. En tu web se mostrará una versión al tamaño adecuado. La foto original solo se usará para crear la copia al tamaño escogido por el comprador.

Otros factores que afectan a la calidad

Formato de archivo

El formato más usado y compatible hoy en día es JPG. Dicho esto, Bluekea sirve las imágenes en miniatura y en sus módulos siempre en formato WebP de forma automática cuando el navegador lo admite, lo que reduce el peso entre un 25 y un 35% sin pérdida visual apreciable. No tienes que hacer nada: sube tus fotos en JPG y Bluekea gestiona la conversión.

Compresión

Para los archivos JPG recomendamos una compresión de entre 70% y 75% (o «calidad 70–75» en Lightroom y Photoshop). Este rango conserva prácticamente toda la calidad visual reduciendo significativamente el peso de la imagen. Si usas Adobe Lightroom para preparar tus fotos para la web, aquí te explicamos cómo exportarlas de forma óptima.

Espacio de color

Exporta siempre en sRGB. Si usas Adobe RGB o ProPhoto RGB, los colores pueden verse apagados o desaturados en los navegadores. Es uno de los errores más habituales y uno de los más fáciles de evitar. Puedes leer más en nuestro artículo sobre espacios de color para web.

Resolución (ppp / dpi)

La resolución en puntos por pulgada no afecta en absoluto a la calidad o nitidez en pantalla. Puedes exportar a 72, 150 o 300 ppp: el resultado visual será idéntico. La resolución solo importa al imprimir. Lo que sí importa son las dimensiones en píxeles, que es lo que hemos visto en esta guía. Si tienes dudas sobre este tema, te lo explicamos en profundidad en ¿cuál es la resolución correcta para fotografía en web?

Sube tus fotos al tamaño que se van a mostrar, no más

Subir fotos más grandes de lo necesario no mejora la calidad (tu web las reducirá de todas formas), pero sí ralentiza la carga y hace que pierdas el control sobre la imagen final que se muestra. Ajusta las dimensiones antes de subir siguiendo los valores de esta guía.

Preguntas frecuentes sobre el tamaño de fotos para web

Este artículo fue publicado originalmente en 2012, y ha sido completamente revisado y actualizado en varias ocasiones, la más reciente en marzo de 2026.

Por Koldo Badillo. ExpoPhoto.org

Hasta el 24 de mayo de 2026 en Foto Colectania (Barcelona)

Sergio Larrain (Santiago de Chile, 1931-Tulahuén, Chile, 2012)

Magnífica oportunidad esta exposición para acercarse a uno de los fotógrafos documentalistas más singulares del siglo XX. A través de 80 fotografías vintage de sus comienzos como fotógrafo al que su compatriota, el poeta Pablo Neruda, bautizó como El vagabundo de Valparaíso.

No es de extrañar que el fundador de la agencia Magnum, Henry Cartier-Bresson, quedara impresionado por este trabajo inicial de Larrain y le fichara para su agencia. ¿Qué pudo ver en estas primeras imágenes que tanto le impactaron? Lo mismo que podemos descubrir nosotros en esta exposición y que a pesar de que son fotografías de los años 50 y aunque hoy el mundo y la fotografía han evolucionado, si que podemos ponernos en su contexto histórico y quedar impresionados por la mirada única de Sergio Larrain.

A través de sus series de los Niños de la calle (1956-1957) en Santiago y Valparaíso (finales de los 50-mediados de los 60), nos encontramos con una temática de preocupación social que ya iniciara el norteamericano Lewis Hine no muchas décadas atrás. Un acercamiento a los niños abandonados en las calles a los que se aproxima Larrain con una visión empática, próxima y comprometida con su sufrimiento.

Aunque lo que llamó la atención de Cartier-Bresson fue su forma de mirar, heredera de la Nueva Visión europea de entreguerras y su posterior Nueva Bauhaus americana, caracterizada por ángulos nuevos, experimentaciones con desenfoques y movimiento que añaden poesía, recortes atrevidos, etc.

Una forma de fotografiar muy novedosa para la época, a la que habría que sumar un deseo de organizar la composición al estilo de las geometrías del Instante decisivo de Cartier-Bresson. Sin duda, Larrain tuvo todas estas influencias a través de su padre, que era un gran arquitecto, y su familia acomodada le permitió un acercamiento al arte y a la historia de la fotografía.

Son muchos los que han descrito la fotografía de Sergio Larrain, sobre todo sus compañeros de Magnum, entre los que destacaría la admiración que sintió su compañero Guy Le Querrec: “Larrain, apostado a cierta distancia de la evidencia que desfila ante él, echa una efímera y furtiva mirada que contempla la realidad a través de inusuales y secretos umbrales. Sus fotografías, como una oda a lo incierto, revelan secretos y ritmos a menudo sincopados. No observa ninguna regla formal ni obedece a ninguna idea preconcebida”.

Pasó dos años en Londres (1958-59) en los que estuvo influenciado por su admirado Bill Brandt cuando realizó fotografías en Londres y que se publicarían mucho después, en 1998, en el libro London por Agnès Sire, que también es la comisaria de esta exposición. Este libro está a la venta en la librería de Foto Colectania.

Aunque tuvo unos fructíferos años en Magnum con reportajes por muchos países, su carrera fotográfica se suspendió bruscamente, tras apenas 10 años en Magnum y 20 años de un total de fotógrafo. 

Se despidió de Magnum con esta carta a Cartier-Bresson donde explicaba: “Hacer buena fotografía es difícil, lleva mucho tiempo. Intenté adaptarme en cuanto me incorporé al grupo de ustedes [Magnum] para aprender y conseguir que me publicaran. Pero me gustaría volver a hacer algo más serio. […] …me gustaría encontrar una vía que me permitiese actuar a un nivel que para mí sea más vital. No puedo seguir adaptándome”.

Enseguida sus inquietudes espirituales hacia el budismo le hicieron retirarse, aunque siguió pintando, escribiendo y preocupado por la práctica ecologista.

Entre sus escritos hay que reseñar la carta que escribió a su sobrino, una de las mejores lecciones sobre fotografía, en la que dice cosas como esta: “Sigue lo que es tu gusto y nada más. No le creas más que a tu gusto, tú eres la vida y la vida es la que se escoge. Lo que no te guste a ti, no lo veas, no sirve. Tú eres el único criterio, pero vete de todos los demás”. (Carta)

A pesar de su temprana retirada, dejó un gran legado que podremos seguir apreciando en una nueva exposición este mismo año en la Bienal Xavier Miserachs en Palafrugell (Girona) este verano de 2026.

Agradecemos a Foto Colectania la oportunidad de acercarnos a este gran fotógrafo. Más info: https://fotocolectania.org/es/exhibition

Una de las formas más efectivas de generar confianza al ofrecer productos o servicios online es mostrar testimonios de clientes satisfechos con nuestro trabajo.

Si lo pensamos, es muy habitual cuando buscamos un producto leer las reseñas y opiniones que han dejado otros compradores. Si esas reseñas son positivas es mucho más probable que acabemos comprando. Lo mismo ocurre con los servicios profesionales y, más concretamente, con la fotografía profesional.

Por tanto, debemos intentar que cuando nuestros potenciales clientes busquen opiniones sobre nuestros servicios las encuentren y que -idealmente- éstas sean positivas.

1. Dónde deben aparecer las opiniones

Existen multitud de directorios de servicios profesionales (bodas.net) y portales web de opiniones (Trustpilot, Yelp) donde se listan profesionales dedicados a una profesión o nicho de mercado, como los directorios de servicios especializados en bodas. Además de estos, por sencillez, popularidad y control sobre el contenido, te proponemos los siguientes.

1.1. Perfil de Empresa de Google

Si estamos dados de alta en Google Perfil de Empresa cualquiera podrá poner opiniones y valoraciones sobre nuestros servicios. Se trata de una de las fuentes de información más consultadas por los consumidores. Estas opiniones son las que aparecen junto a la ficha de tu empresa en los resultados de Google y de Google Maps.

Para conseguir estas opiniones, si no tienes muchas todavía, puedes animar a tus clientes a dejarlas usando la app de Google Maps. Hazlo una vez concluya el trabajo y los clientes estén contentos con él.

1.2. Facebook

Aquí puedes tener algo más de control, ya que los visitantes de tu página de Facebook son habitualmente tus seguidores. Al igual que en el caso anterior, cuando tengas un cliente satisfecho/a, puedes pedirle que entre a tu perfil de Facebook y te deje una reseña.

1.3. Tu página web

Aquí es donde tienes más control, ya que las opiniones las puedes filtrar o introducirlas tú mismo/a, siempre sin inventárselas. A esto dedicamos el resto del artículo.

2. Qué formato deben tener los testimonios en tu web

Es importante que los testimonios sean variados, cortos y concisos. Nadie va a leer una carta de recomendación de 1000 palabras. Basta con unas frases, el nombre del autor y, si es posible, una foto de esa persona, una foto del reportaje que le hiciste, una imagen del logo de su empresa o cualquier otra imagen que le pueda representar. Por supuesto para publicar todo esto primero hemos de solicitar permiso a nuestro cliente.

También es recomendable que el testimonio se acompañe de una valoración al estilo de Google Maps o Facebook, con una puntuación de 1 a 5 estrellas. Esto es un elemento muy familiar que genera confianza.

3. Cómo conseguir los testimonios

Si un profesional se esfuerza en dar un buen servicio a sus clientes, los testimonios y muestras de agradecimiento llegan por sí solos. Basta pedir entonces al cliente que nos deje usar una frase de este email o de aquel mensaje instantáneo. Por lo general estarán encantados de darnos su permiso.

Si no tenemos todavía testimonios o no tenemos los suficientes, podemos pedirlos a clientes con los que tengamos buena relación. Es importante ser claro y que el cliente sea sincero, porque eso se notará en el propio testimonio y en la confianza que éste inspire.

Además de solicitar las reseñas de forma activa, puedes añadir un formulario para que tus clientes las dejen directamente en tu web. Basta un campo de nombre, otro de texto y un desplegable entre 1 y 5 con la valoración. En Bluekea es muy fácil crear este tipo de formularios a medida, bien con una página de contacto o como un módulo de formulario que puedes añadir en cualquier sección de la web, a menudo junto a los mismos testimonios pero sin restarles protagonismo.

4. Credibilidad y gestión de opiniones negativas

Para aumentar la credibilidad de los testimonios en tu web, considera incluir enlaces a perfiles públicos de los clientes (con su permiso) o mostrar capturas de pantalla de mensajes. También es útil complementar los testimonios de tu web con enlaces las reseñas en plataformas de terceros, como Google o Trustpilot, donde los usuarios pueden verificar su autenticidad.

Por otro lado, las reseñas negativas son una oportunidad para demostrar tu profesionalidad. Responde siempre de manera educada, reconoce el problema (si lo hay) y ofrece una solución, como un reembolso parcial o un nuevo servicio. Por ejemplo: ‘Lamentamos que tu experiencia no fuera la esperada. Nos encantaría compensarte con una nueva sesión fotográfica‘. Esto muestra a otros clientes que te preocupas por la satisfacción de tus clientes. Si el cliente no tiene la razón, argumenta por qué, explica tu versión de un modo sosegado. De todos es sabido que existen clientes un poco más difíciles que otros, y si expones bien tu caso puedes anular completamente el efecto negativo.

5. Dónde colocar los testimonios en tu web

Si tienes tu web con Bluekea es muy fácil incluir testimonios en cualquier sección de la misma. Basta crear un módulo de este tipo, e ir introduciento las reseñas acompañadas de una imagen y un nombre. Tienes la opción de añadir una valoración de 1 a 5 estrellas en cada testimonio.

Es importante que los testimonios estén bien visibles. Podemos crear una sección dedicada en exclusiva a ellos, y/o añadirlos a aquellas páginas que consideramos importantes para animar y generar confianza en el cliente: un formulario de contacto, galerías de muestra de nuestro mejor trabajo, la sección donde mostramos precios, vendemos u ofrecemos servicios, etc.

6. Testimonios y valoraciones en los resultados de Google

Cuando los testimonios cumplen una serie de requisitos, aumentan mucho las posibilidades de que aparezcan junto al enlace a nuestra web en los resultados de Google. Estos son principalmente:

• Los testimonios son reales y en un lenguaje natural.
• Van acompañados de una imagen y un nombre.
• Van acompañados de una valoración de 1 a 5.

Es necesario que las reseñas estén correctamente incorporadas en la web. No basta teclearlas dentro de un texto cualquiera, sino que la web debe estar preparada para presentarlos a los buscadores de forma ordenada, en lo que se conoce como framentos enriquecidos. En Bluekea ya lo hacemos así; si usas otro sistema puedes consultar con tu proveedor.

7. ¿Y si solo me buscan a través de ChatGPT?

Al momento de publicar este artículo, cada vez más personas optan por preguntar a chats de IA como ChatGPT, Claude o Mistral, en lugar de usar buscadores como Google. Es un cambio gradual; todavía hay un gran porcentaje de usuarios que confían en los buscadores de toda la vida.

Cabe preguntarse pues de qué sirve tanto esfuerzo por mostrar las opiniones en Google si mucha gente no las va a ver. Esto no es exactamente así, ya que estos chats se nutren, igual que lo hace Google, de la información que existe ya en Internet. Si alguien pregunta a ChatGPT «dime qué opinan los clientes de los servicios fotográficos de …», esa información va a salir de las reseñas que tengas publicadas en Google Perfil de Empresa, en redes sociales, y también por supuesto en tu web. El chat no hace otra cosa que buscar lo que ya existe y presentarlo de un modo más ordenado y legible.

Recientemente un fotógrafo que tiene su web con Bluekea nos comentaba que uno de sus últimos clientes llegó recomendado por ChatGPT, unas semanas después de que introdujera en su web una página de testimonios. El cliente había pedido al chat una recomendación de un fotógrafo de boda en su área, y la IA encontró la web y «leyó» las reseñas.

Este artículo fue originalmente publicado en 2016 y ha sido completamente remodelado y actualizado en diciempre de 2025.

Por Koldo Badillo. ExpoPhoto.org

Del 24 septiembre 2025 al 1 febrero 2026

Helen Levitt. Nacida y criada en Brooklyn, Nueva York (1913-2009)

He recordado la canción de Cat Stevens de 1970 Where Do the Children Play? (¿Dónde juegan los niños?) cuando vi las fotografías de Helen Levitt del Nueva York de la época de Roosevelt, años 30-40, con las calles plagadas de niños jugando. ¿Dónde quedaron esos niños que casi desaparecieron en los años 80 de Reagan, cuando Levitt volvió a esas mismas calles para refotografiarlas en color? Ella lo simplificó aludiendo a la televisión y al aire acondicionado. Hace ya mucho tiempo que ese tipo de fotografías de Levitt serían imposibles de repetir.

Qué experiencia más maravillosa visitar esta retrospectiva de una de las fotógrafas más visionarias de la historia. Nos permite discernir la bifurcación de los dos caminos de la fotografía documental del periodo modernista: el de Cartier-Bresson y su «instante decisivo», con el que la instantaneidad iluminaba la forma y lo lírico, frente al estilo documental de Walker Evans, en el que prima su preocupación social y política. Helen Levitt tuvo el acierto de trabajar con ambos, aprendiendo de los mejores, y todo esto se aprecia entre las 220 fotografías que conforman esta exposición.

Además de invitarnos a analizar el contexto histórico de la fotografía documental de calle —eso que en 1994 rebautizó Joel Meyerowitz como street photography—, esta exposición nos invita a descubrir las imágenes más icónicas de Levitt: aquellas que mayor singularidad y éxito han aportado al corpus de su obra. Fue el gran escritor James Agee quien mejor descubrió el valor diferencial de estas fotografías de Levitt, cuando la ayudó a seleccionar en 1938 las imágenes para su primer libro, A Way of Seeing (Una manera de mirar). En su prólogo, Agee hablaba de fotografías enigmáticas, concepto que el comisario de la exposición, Joshua Chuang, redefine así: «Las imágenes de Helen Levitt poseen una cualidad misteriosa que las convierte en auténticos enigmas visuales. Su mirada única y certera transforma escenas cotidianas en composiciones difíciles de definir, lo que provoca una conexión inmediata con el espectador, incluso cuando no hay una narrativa clara que las explique».

A lo largo de toda la exposición —y, por tanto, de la carrera de Levitt— encontramos este tipo de imágenes que, como diría otra fotógrafa de calle estadounidense, Diane Arbus: «La fotografía es un secreto de un secreto. Cuanto más te dice, menos sabes». Podremos descubrir in situ estas fotografías tan características de Levitt y qué buscó durante toda su carrera, incentivada por James Agee. Comprobaremos que son las que más interés despiertan entre los visitantes y, probablemente, en nosotros mismos. De ahí su poder icónico y su reconocimiento en la historia de la fotografía.

Sirva de ejemplo de lo que hablamos esta fotografía: ¿Qué pasa aquí? ¿Por qué esa mujer esconde así su cabeza? ¿Por qué esa carcajada del niño? Los humanos somos seres imaginativos, y queremos interpretar las imágenes; enseguida aceptamos el reto de lo desconocido, por eso estas imágenes nos enganchan. Y más si les añadimos el componente de humor que encontramos a menudo en las fotografías de Levitt.

Levitt intentó siempre capturar estos enigmas en lo cotidiano, que se transforman en algo extraordinario. Estas imágenes, al volverse universales y atemporales, siguen interesándonos siempre.

Por otro lado, aunque ella eludía hablar de un compromiso social en su trabajo —a pesar de que comenzó en la época de la Gran Depresión—, lo dijo muchas veces de manera similar: «Se ve lo que se ve», evitando así referirse a compromisos sociales. Sin embargo, muchos creemos que las fotografías documentales, las basadas en la realidad, siempre reflejan la ideología del autor. El hecho de centrar su enfoque en las clases bajas de Nueva York, en barrios como Harlem y el Bronx —donde vivían afroamericanos, gitanos, hispanos…—, permite intuir sus ideas de izquierdas, que la llevaron a militar en la Photo League, de ideología comunista. Allí, por cierto, conoció a Cartier-Bresson.

Otro de los valores que podemos encontrar en muchas imágenes de Levitt son las posturas estéticamente extrañas de sus modelos, fruto de la detención del movimiento. Como resultado, parecen parejas de baile cuando juegan al baloncesto o niños contorsionistas con aspecto zoomórfico.

Aprendió de Cartier-Bresson a ser invisible, a pasar desapercibida y a afinar el disparo en el instante en que el movimiento se reordena en el tiempo y el espacio.

Quizá la fotografía más icónica del instante decisivo —del que hablamos— sea la de la portada del catálogo de la exposición. Veinte seres humanos, en el teatro callejero de la vida, se detienen en un instante mágico: los niños, en primer plano, miran hacia algo que ocurre y que desconocemos. El enigma de esta ordenación y composición magistral nos lo desvela la audioguía de la exposición, que os recomiendo escuchar.

En definitiva, una exposición para disfrutar resolviendo jeroglíficos atemporales, para descubrir las formas extrañas que surgen de la instantaneidad —posible gracias a la invención de la Leica— y para estudiar composiciones únicas de instantes decisivos.

En la fundación MAPFRE, hasta el 18 de enero de 2026

Por Koldo Badillo – https://www.expophoto.org

Fundación MAPFRE presenta en Madrid, después de pasar por Barcelona, la exposición “Edward Weston. La materia de las formas”, dedicada a las más de cinco décadas de trabajo de este fotógrafo estadounidense, una de las figuras más relevantes de la fotografía moderna.

¿Es posible glosar el corpus de la obra de una vida tan prolífica como la de Weston en una exposición antológica? Aunque pueda parecer un poco injusto resumir tanto trabajo en una sola muestra, si se hace bien, como es el caso, se consigue ponderar y disfrutar la obra de un autor, y, si no lo hacías antes, admirarlo para siempre.

Con un comisariado excelente de Sérgio Mah, que ordena las casi 200 fotografías de la muestra en 8 capítulos temáticos, la exposición permite descubrir todos los temas que interesaron a Weston: retratos, desnudos, bodegones, desiertos, etc.

Weston fue uno de los apologetas de la straight photography (fotografía directa), que constituyó la fotografía modernista en las primeras décadas del siglo XX y que emancipó a la fotografía de las Bellas Artes. Y lo consiguió todo fotografiando lo cotidiano, transformándolo en extraordinario a través de la técnica en blanco y negro más exquisita de la historia.

Su estilo se fundamentó en los encuadres, aislando partes cercanas de los objetos y alcanzando composiciones cercanas a la abstracción. Como ejemplo, podemos citar sus fotografías de dunas del desierto y partes del cuerpo femenino, imágenes que tenían similitudes formales.

El comisario de la muestra resume así el estilo de Weston: “Esta forma de ver —intuitiva, intensa e inmediata— busca aislar el tema, eliminando lo accesorio, lo innecesario, lo que puede desviar o atenuar la intensidad de la visión fotográfica”. El propio Weston decía: “La cámara debe utilizarse para registrar la vida y representar la sustancia y la quintaesencia de la cosa en sí”.

Una de sus fotografías más icónicas, Pimiento nº 30 (1930), representa el máximo realismo y naturalismo —detalle, gradación tonal, contraste, etc.— jamás alcanzado en una fotografía. Su imagen supera la realidad y transforma en bello un objeto cotidiano. En esta exposición, podemos ver copias de época realizadas por el propio Weston, y esa experiencia supera con creces el visionado de cualquier reproducción, por muy buena que sea, como lo es el catálogo que acompaña a esta muestra.

A mi juicio, esta exposición de Edward Weston en MAPFRE es la mejor de cuantas he podido ver en esta institución. Imprescindible.

Publicar tus fotos en internet siempre conlleva un riesgo: cualquiera podría descargarlas y utilizarlas sin tu autorización. Sin embargo, eso no debería ser motivo para dejar de compartir tu trabajo. En este artículo te damos algunos consejos prácticos para proteger tus fotos en internet y evitar el robo de imágenes.

Como siempre decimos al hablar de este tema, es importante asumir que ninguna medida es infalible. Se trata, más bien, de ponerle las cosas difíciles a los ladrones de contenido, o al menos más difíciles que en otras webs. Si hay dos coches similares aparcados en la calle y uno tiene alarma y el otro no, probablemente robarán primero el que no la tiene.

1. Utiliza marcas de agua

Una de las formas más directas de proteger tus fotos en internet es añadir una marca de agua visible sobre la imagen. Consiste en una imagen semitransparente, en forma de logo o texto de copyright, que se superpone a la fotografía original. Esto tiene dos efectos principales:

• Permite colocar nuestra «firma» en la imagen, estableciendo claramente la autoría, incluso si la foto se usa sin autorización.
• Resta utilidad a la imagen, ya que una fotografía con un logo superpuesto resulta poco atractiva en cualquier contexto.

Como veremos a continuación, la marca de agua es más efectiva cuanto mayor es su tamaño y más centrada está respecto a la imagen original. Evidentemente, no podemos colocar una marca tan grande que impida apreciar el motivo y la calidad de la fotografía; hay que buscar un equilibrio.

1.1. Cómo hacer más efectiva la marca de agua

Nuestra marca de agua será más efectiva cuanto más difícil sea de borrar sin afectar significativamente a la imagen original. Para lograrlo, podemos seguir algunas pautas:

• Colocar la marca sobre zonas con más detalle y relevantes de la imagen. Siempre es más fácil eliminar una marca de un cielo despejado o una pared blanca que de un rostro o un árbol.
• Evitar situar la marca muy cerca de los bordes. Así impediremos que se pueda eliminar simplemente recortando la foto.
• Aumentar el tamaño de la marca. Evidentemente, cuanto mayor sea en relación con el tamaño de la foto, más complicado será eliminarla.

1.2. Cuándo añadir la marca de agua

En general, hay dos alternativas:

• Preparar las fotos con la marca de agua antes de subirlas a la web. Para ello, puedes usar software especializado como Adobe Lightroom. Este método te ofrece total libertad, pero implica un trabajo adicional, ya que añade un paso extra cada vez que quieras subir o actualizar las fotos en tu página. Además, te impide vender las imágenes sin marca de agua, puesto que esta queda integrada de forma permanente en la foto original.
• Usar un sistema web que permita subir la imagen y aplicar la marca de agua de forma independiente. Esta opción es mucho más práctica: proteges las fotos públicas en la web con la marca, mientras los originales se mantienen sin modificar para generar miniaturas o archivos de descarga en caso de ventas.

En Bluekea usamos este segundo método. Nuestro sistema te permite usar tu propia marca o una generada en la propia web, con diferentes posiciones y marcas independientes en cada galería.

Si quieres leer más sobre las marcas de agua, tenemos un artículo completo dedicado al tema.

2. Controla el tamaño máximo

Otra medida útil para evitar el robo de imágenes es limitar el tamaño y la calidad de las fotos que subes a tu web. Así, el tipo de uso que puedan dar a tus fotos en caso de robo depende, en parte, de sus dimensiones: a mayor tamaño, más posibilidades de uso, incluso para impresión. Si en tu web las fotos se muestran a tamaño completo, puedes limitar este tamaño a unas dimensiones máximas de unos 1200 píxeles en el lado más largo. Esto es una recomendación general, el tamaño puede variar según el uso específico de las fotos. La idea es que las imágenes tengan el tamaño mínimo necesario sin perder calidad. Puedes probar con varios tamaños, reduciéndolos progresivamente hasta encontrar un equilibrio adecuado.

Es importante destacar que, cuando hablamos de tamaño, nos referimos siempre a las dimensiones en píxeles de la imagen (ancho por alto). Si estás pensando en reducir la resolución en puntos por pulgada (ppp), no pierdas el tiempo, porque no sirve de nada: como explicamos en este artículo, la resolución no es un parámetro relevante en imágenes para web.

Por último, también puedes limitar la calidad de la foto —y, por tanto, su utilidad en usos no autorizados— aumentando la compresión del archivo en formato JPEG. Aquí el margen es más limitado, ya que, si excedes la compresión, las fotos pierden nitidez. Una vez más, se trata de encontrar el equilibrio entre protección y calidad.

3. Evita la descarga directa

Los navegadores se lo ponen muy fácil a los ladrones de contenido. Nada hay más sencillo que seleccionar y copiar un texto en una web. Con las fotos, el proceso es casi igual de fácil: en el ordenador, basta un clic con el botón derecho del ratón para acceder a la opción de descarga; en el móvil, se puede hacer arrastrando la imagen o manteniendo pulsada sobre ella.

Afortunadamente, existen mecanismos que muchas webs implementan para evitar estas acciones: impiden que se abra el menú contextual al pulsar el botón derecho del ratón y, en su lugar, muestran una nota de copyright; además, en el móvil, utilizan una especie de velo o escudo para que no se pueda tocar ni arrastrar la imagen.

Estos dos métodos los usamos en las webs para fotógrafos de Bluekea. Si tienes tu web en otro sistema, consulta a tu proveedor o administrador sobre esto.

4. Establece un copyright o licencia de forma clara

Primero, hay que aclarar que en España las fotos pertenecen legalmente a su autor desde el momento de su creación, aunque no se explicite la autoría en la web que las contiene. Esto está protegido por la Ley de Propiedad Intelectual (LPI). Si vives en otro país seguramente exista una legislación similar.

Dicho esto, siempre es recomendable incluir, a modo de disuasión, un aviso de copyright para tus fotos. Puedes colocarlo como parte del aviso legal de tu web o, incluso, añadirlo bajo cada una de tus galerías. Un ejemplo de nota breve podría ser: «Todas las imágenes son propiedad de [tu nombre]. Queda estrictamente prohibida su reproducción sin el permiso expreso del autor.»

Si prefieres permitir el uso de tus fotos bajo ciertas condiciones (por ejemplo, que se comparta pero sin fines comerciales), puedes optar por una licencia Creative Commons. Puedes saber más sobre esto en creativecommons.org

5. Protégete de capturas de pantalla si es necesario

De todos los métodos para robar una foto, la captura de pantalla es el más complicado de evitar, ya que desde el navegador donde se muestra la web no es posible bloquear funciones que son propias del dispositivo. Por tanto ninguna web puede bloquear una captura de pantalla.

Si a pesar de todas las medidas anteriores, te siguen robando las fotos mediante capturas, la solución puede pasar por establecer algún tipo de máscara encima de la imagen. Es una solución un tanto extrema, pero puede ser adecuada, por ejemplo, en galerías de clientes que intentan llevarse las fotos sin pasar por caja.

Esta máscara muestra solo una pequeña parte de la foto, dejando el resto semioculto tras una capa con opacidad elevada. La parte visible puede moverse con el ratón o el dedo para que el visitante pueda moverse por toda la imagen, pero siempre sin verla al completo.

Esto hace casi imposible que la foto pueda robarse mediante una captura de pantalla. Como cualquier otro método, no es infalible, pero añade un elemento muy importante en la protección de tus imágenes. Este sistema está disponible para las galerías de cliente en las webs de Bluekea.

Conclusión

En definitiva, aunque no existe un método infalible para proteger tus fotos en internet, aplicar varias de estas medidas puede ayudarte a evitar el robo de imágenes y mantener tu trabajo más seguro sin dejar de mostrarlo al mundo.

Por Koldo Badillo – https://www.expophoto.org

Tras cinco intensos días por Madrid, me atrevo a compartir mi opinión sobre las que, para mí, son las diez mejores exposiciones de este PHE25. Aunque queda por inaugurar una segunda fase, creo que el núcleo duro del festival ya está abierto a principios de junio. Ahí van mis preferidas.

1. DUANE MICHALS. “El fotógrafo de lo invisible”

En la Fundación Canal. Hasta el 24 de agosto.

Se trata de una muy buena retrospectiva de este autor americano, que, a sus 93 años, es capaz de explicar su obra e intenciones de una forma brillante e incluso divertida, como se puede ver en unos videos grabados para la ocasión y que se muestran al final de la exposición.

Es famoso por sus narrativas en series de unas pocas imágenes de carácter conceptual, que derrochan imaginación y excelente factura técnica, ya que muchas se hicieron en la época analógica. En cada serie se producen sorpresivos saltos de interpretación para el espectador; algunos son engaños visuales, otros son giros de guion. A mí me interesan especialmente las que reflexionan sobre la percepción de las imágenes, que en esta exposición van en un capítulo denominado «Visualizaciones», y que a mí me parecen las mejores: «El espejo de Alicia» (1974) y «Las cosas son raras» (1973).

El título de la exposición hace referencia a lo invisible como contrapartida de «lo real», como sinónimo de «lo escenificado», contrapuesto a «lo encontrado». El comisariado y el montaje expositivo son de calidad y originales, y también han editado un catálogo por 30 €.

Por todo ello, para mí esta es la exposición de este PHE25.

2. JOEL MEYEROVICH. “Europa 1966-1967”

En el Centro Fernán Gómez. Hasta el 13 de julio.

Otro veterano fotógrafo americano de 87 años que representa la antítesis del anterior, Michals, puesto que se trata de un documentalista que trabaja con lo real. Se le considera el típico fotógrafo callejero y uno de los pioneros del color.

Esta exposición nos presenta su viaje iniciático de dos años por la Europa de 1966 y 1967, ordenado por los países que fueron recorriendo él y su mujer.

La exposición comienza con una referencia a su trabajo «My European Trip», que se expuso en el MoMA de Nueva York en 1968, y podemos leer el texto de su comisario, John Szarkowski, en el que describe una selección de fotos de este viaje que fueron realizadas desde su automóvil.

El otro punto fuerte de lo que podemos ver en Madrid es su escala en Málaga, donde residieron durante seis meses con una familia del flamenco, los Escalona, y donde confiesa Meyerovich que se hizo fotógrafo.

3. Colectiva. “Four chapters“

En la Galería Tamara KREISLER. Hasta el 19 de julio.

Sin duda, una de las grandes sorpresas de este PHE25 y mi reconciliación con el Festival OFF, en el que este año he encontrado casi más interés que en la sección oficial.

Esta galería nos muestra a cuatro artistas internacionales que exponen por primera vez en España y que nos los descubre el prestigioso fotógrafo Nick Brandt, que hace las veces de comisario, y la galerista Tamara, que se fía de su criterio. A mi entender, muy acertadamente, porque los cuatro, aunque muy diferentes, son muy buenos fotógrafos.

Podemos ver una pequeña representación de cada uno de ellos, entre los que yo destacaría a la australiana Morganna Magee, con obras en blanco y negro con las que busca la relación de su propia vida con la naturaleza, y en las que sus bosques están cargados de una belleza misteriosa y de una poética sobrecogedora.

Por otro lado, la libanesa Rania Matar «explora la interconexión entre los seres humanos y la naturaleza», en palabras de la galerista. Yo tuve la suerte de dialogar con esta autora, ver el libro del que salen las obras expuestas y enseguida reconoces su valía.

El peruano Alessandro Cinque nos sorprende con un documentalismo muy actual, y Saidou Dicko, de Burkina Faso, trabaja una fotografía plástica con gran colorido etnográfico.

4. ROBERTO HUARCAYA. “Ver por contacto”

En la Galería Ponce+Robles. Hasta el 18 de julio.

Este fotógrafo peruano ya nos sorprendió en Arles 2023 con sus enormes fotogramas de 10 metros de largo, que, como él nos cuenta, están hechos con luz de luna en plena selva amazónica, con largas exposiciones de al menos dos horas, con papel fotosensible químico. El resultado son imágenes semiabstractas que recogen las sombras de las plantas en contacto con el papel. Es la idea del fotograma, la fotografía sin cámara, donde el objeto deja su huella por la luz. La idea de llevar esto a gran escala es formidable por las implicaciones simbólicas de que la naturaleza habla, e incluso los insectos dejan sus huellas sobre la obra.

Estas enormes obras, colgadas del techo, simulan la forma sinuosa que ocupó el papel fotográfico en el bosque.

Además, nos presenta en primicia otro trabajo en color de una plástica bellísima y realizado, esta vez, con plantas en miniatura sobre el sensor de una cámara inutilizada. El resultado de su experimentación es de una gran originalidad, basado en la misma idea de la técnica de los fotogramas, aquellos que Man Ray puso tan de moda y que rebautizó como rayogramas.

5. JOSÉ GUERRERO. “A propósito del Paisaje”

En Fundación MAPFRE. Hasta el 27 de julio.

Aunque se trata de una excelente exposición, le ha restado interés el hecho de que ya había sido vista en el KBr de Barcelona. En su día ya opiné sobre ella y sobre este paisajista granadino al que admiro mucho. Lo podéis leer en mi blog aquí.

Junto a esta exposición podéis ver otras dos: Felipe Romero Beltrán expone «Bravo» y Nicholas Nixon expone la serie completa de «Las hermanas Brown (1975-2022)».

6. FOTOGRAFÍAS EN LA COLECCIÓN HELGA ALVEAR. “Después de todo”

En la Serrería Belga. Hasta el 27 de julio.

Esta exposición, que da título a todo el festival PHE25, ha sido una decepción para mí. Esperaba más obras y un comisariado más trabajado. Aún pudiendo admirar foto-cuadros de autores muy admirados por mí de la Escuela de Dusseldorf y el aura de unas obras magníficas de Gursky, Hofer, Struth, Hutte, Ruff y sus maestros Bernd & Hilla Becher, la exposición carece de estructura.

Por ejemplo, el texto habla del después de la Primera Guerra Mundial y de la Nueva Objetividad, y no hay ninguna foto de ese movimiento. Se habla de los antecedentes de Atget y solo hay una foto. La exposición termina con una obra gran formato en una caja de luz, que no tiene luz y solo se ven reflejos, un problema, el de los reflejos, que tiene esta sala en general.

La recomiendo porque admirar una copia como «Hong Kong, Island, 1994» de Andreas Gursky es una experiencia memorable. Pero insisto, colgar buenas obras sueltas no es crear una buena exposición.

7. Colectiva. “Sugestiones de Italia“

En el Instituto Italiano de Cultura. Hasta el 13 de septiembre.

Otra de las agradables sorpresas de este PHE25, en un espacio poco habitual de este festival, con tres salas en un palacio un tanto decadente pero que funcionan muy bien.

Aunque la idea comisarial es muy sencilla, la visión de Italia de fotógrafos italianos de la segunda mitad del siglo XX, la calidad de estos autores tan míticos, hacen que la exposición cobre interés. Mis admirados Mario Giacomelli, Luigi Ghirri, Ferdinando Scianna, Gabriele Basilico… y, muy especialmente, Franco Fontana, con copias de época, convierten esta exposición en una auténtica lección de fotografía italiana.

8. ALBARRÁN CABRERA. “Ventanas a lo insólito“

En la Galería Elvira González. Hasta el 30 de julio.

La plasticidad, belleza y poesía que tienen las imágenes de Albarrán Cabrera no dejan de sorprendernos. En esta ocasión, el tema de partida es el mundo vegetal, pero sus valores son de tipo formal, especialmente en los materiales sobre los que imprimen sus copias: generalmente pan de oro. Estos cuadros podrían cabalgar entre los iconos ortodoxos europeos y el arte oriental japonés. Sus obras tienen algo de joyas, y el mercado del arte hace tiempo que reconoce a estos artistas.

La galería muestra muchos de sus libros publicados, donde se puede ver su trayectoria. Quizá sea la hora de esperar de estos autores algo más novedoso.

9. CLAUDIA ANDÚJAR. “A Sonia”

En la Galería Elba Benitez. Hasta el 31 de julio.

En esta simpática galería, instalada en un típico patio interior madrileño, podemos reencontrarnos con un mítico trabajo de una artista visual, que en 1971 presentó estas fotografías vanguardistas. De carácter experimental, hay que tratar de ponerse en aquella época analógica para contextualizar los méritos plásticos de este trabajo. Un placer visual.

10. LEYLA CÁRDENAS. «Revés es verse»

En la Galería Max Estrella. Hasta el 18 de julio.

Otro gran descubrimiento del Festival OFF. Esta artista visual colombiana sorprende por sus cuadros e instalaciones. Parecen basarse en fotografías de paisajes que se imprimen en tejidos semitransparentes que se deshilachan. El resultado es bellísimo y muy original, cercano a estéticas orientales.

«Las fotografías se convierten en espectros en constante mutación, inestables y desestabilizadas estructuralmente», dice la galería.

Mi balance final es que, como siempre, PhotoEspaña tiene materia suficiente para acercarse a Madrid y disfrutar de la fotografía, y eso que queda todavía mucho por inaugurarse.

Exposición A propósito del paisaje. José Guerrero
Sala KBr de Barcelona hasta el 18 de mayo

Por Koldo Badillo – https://www.expophoto.org

Un grupo de estudiantes universitarios de arte coincide con mi visita a esta exposición. Los veo corretear por la misma sin apenas detenerse, hasta que los paran las dos obras finales. Se reagrupan en torno a ellas y realizan el baile que describía Vik Muniz: unos pasos hacia delante para ver la obra de cerca y unos pasitos hacia atrás para ver de qué va la cosa. Estuvieron un buen rato debatiendo y creo que, como me pasó a mí, no sabían qué era lo representado; obras abstractas, por tanto. Tampoco sabían cómo estarían realizadas ni con qué técnica estaban impresas. Se preguntan: «¿Pero no estábamos en una exposición de fotografía?»

La sala grande del KBr consta de dos galerías paralelas. Al fondo de la primera, se dobla la esquina y sentí como si cambiara de autor. Me han robado al fotógrafo que venía admirando y me encuentro con un artista plástico, pero ¿qué ha pasado?

El José Guerrero que conocía y tanto admiro, lo reconozco en la primera mitad de la exposición. Un fotógrafo paisajista que maneja los códigos y discursos del género como pocos: lo topográfico, lo palimpséstico, lo enigmático, lo simbólico, lo periférico, lo cultural, lo antropocénico, lo extraño, lo territorial y tantos otros conceptos que José Guerrero ha abordado en su trayectoria.

“… deambula por el espacio elegido y, llevado por el instinto, dispara. Diríamos que la mecánica se parece mucho a un trance poético, pero sin perder de vista el objetivo de someter al paisaje, de apropiarse de él. Es en la edición cuando surge el hilo de sentido que relaciona las imágenes: el discurso que las soporta toma forma en la reflexión.”
(Lola Fernández en la revista La Fundación #6)

El excelente comisariado de Marta Gili organiza esta primera mitad de la exposición en tres capítulos:

HORIZONTES: “.. esa línea imaginaria que no existe en ningún mapa no solo marca la separación entre el cielo y la tierra, sino también entre el silencio y el vacío.” Se presentan obras de las series Efímeros (2003-2006), La Mancha (2009-2012), Sierra Nevada (2015) y After the Rainbow. Es el José Guerrero que sincroniza con el paisajismo fotográfico americano; veo referencias a Robert Adams, Lewis Baltz, Richard Misrach, Joel Sternfeld, Stephen Shore, incluso al español Gerardo Custance.

CARRARA: la segunda sala de la exposición propone una experiencia visual interesante. Paredes oscuras, poca luz, obras en clave baja… uno tarda varios segundos en ajustar el iris de sus ojos a esta propuesta. El trabajo Carrara es rompedor porque muestra el mármol blanco de las canteras de Carrara, casi negro. Un espacio tantas veces representado y con tanto simbolismo de la arquitectura de poder durante siglos se ve ensombrecido y cuestionado por la mirada de Guerrero.

ARQUEOLOGÍAS: en esta tercera sala, la comisaria nos presenta algunos trabajos de Guerrero dedicados a los restos arquitectónicos históricos, como Roma (2017): “En su interés por la estratificación del mundo subterráneo y por la superposición de las capas del tiempo, memoria y cultura…”. También se presenta un video, pero ambas propuestas no me parecen lo más representativo de su carrera.

Al doblar la esquina y pasar a la segunda parte de la exposición, surge un nuevo autor, sin transición; no lo vi venir. En salas sucesivas llegamos a un artista plástico abstracto. ¿Dónde se quedó la fotografía? ¿Por qué no están sus trabajos más fotográficos como Thames (2008), Down Town (2008) o Night Light NY (2011)?

Encontramos, sin embargo, otros trabajos que podríamos clasificar con el término fotografía plástica que implementó Dominique Baqué en su célebre ensayo publicado en 2003.

BRECHAS: El título de esta sala y de esta serie describe el salto que da la exposición de un fotógrafo paisajista a un artista plástico, y curiosamente coincide con el término que se acuñó durante un tiempo para referirse a la separación entre estos dos mundos: los fotógrafos vs. los artistas.

Este trabajo se acerca a la abstracción geométrica y destaca una pieza políptica realizada en Fez por encargo de Mapfre. No podemos evitar recordar obras de David Jiménez.

BRG: es el salto definitivo a la abstracción geométrica, más cerca de lo plástico que de lo que la mayoría entendemos como fotográfico. Sin embargo, he de reconocer que son imágenes muy atractivas, herederas de las arquitecturas coloristas del fotógrafo italiano Franco Fontana, o de fotógrafos más jóvenes como Alberto Selvestrel.

Guerrero explicó así el cambio: “De mi trabajo en Roma vino un deseo importante de forzar un poquito más los límites de lo que se puede alcanzar con el lenguaje fotográfico, que es tan limitado.”

En la web de su galerista sevillano Alarcón Criado se descubre el misterio de su proceso creativo y sus intenciones: “El trabajo sobre modelos arquitectónicos en miniatura, junto con la necesaria pre y posproducción, han servido al artista para profundizar en cuestiones fundamentales presentes en toda su obra precedente. Investigaciones que le llevan a explorar el carácter documental y abstracto del medio fotográfico; a tensionar la extraña frontera entre la realidad y su representación; a abordar aspectos intrínsecos de la pintura desde el campo de la imagen fotográfica.”

GFK: la exposición finaliza con las dos obras ya mencionadas, que son las de más reciente creación y me llevan a recordar las abstracciones cromáticas de Gerhard Richter.

A pesar de que no le resto valor a esta segunda parte de la exposición, mi sensación final como amante de lo fotográfico es que un creador ha abandonado nuestro medio. Este pesimismo me invade de un tiempo a esta parte cuando muchos jóvenes fotógrafos españoles empiezan a hibridar su medio, como mostraba la exposición Perpetuum Mobile de PHE24 comisariada por Alejandro Castellote. Por eso me pregunto una vez más: ¿La fotografía ha muerto?

A propósito de la exposición ‘Escala 1:1’ de Ixone Sádaba en Bilbao

Por Koldo Badillo. ExpoPhoto.org

El Azkuna Zentroa es un centro cultural y de ocio multidisciplinar que ocupa el edificio de la antigua Alhóndiga de Bilbao, inaugurado en 1909 y reinaugurado en 2010 por iniciativa del Ayuntamiento de Bilbao. Entre sus muchas instalaciones (piscinas, cines, restaurantes…) dispone de salas de exposiciones y espacios de creación artística.

Para quienes no conozcan el centro, una buena ocasión para acercarse a él es visitar la magnífica exposición de fotografía de Ixone Sádaba, titulada ESCALA 1:1.

El texto de presentación de la exposición define a la autora como artista e investigadora, aunque creo no errar si en esta ocasión la califico de fotógrafa.

En mi opinión, lo más reseñable de esta exposición está definido en el título Escala 1:1 y es una investigación sobre cómo representar a escala real un lugar. La enorme sala de exposición, de 40 metros de largo por 5 o más metros de alto, representaba tal reto que la autora y el comisario Carles Guerra tuvieron la idea de tratar de representar la inconclusa y abandonada central nuclear de Lemóniz (Bizkaia) a escala real.

Se utilizan seis proyectores que, entre todos, componen una especie de imagen panorámica gigante, aunque no se han unido las seis fotografías porque, intencionadamente, se ha cambiado el punto de vista de cada una. El resultado te abduce: un puzzle caleidoscópico, cubista, y aunque el cerebro del espectador pueda intentar unir las imágenes, algo no cuadra y terminan viéndose como imágenes sueltas.

Decía el artista David Hockney que la percepción visual humana funciona de manera muy diferente a la lente de la cámara oscura. Nosotros tenemos dos lentes-ojos, que se mueven, escanean los objetos y, además, nos desplazamos: “nadie ve un bosque sin andar”. Las proyecciones de series de seis fotografías son un ejercicio de imitación de la percepción visual humana de esos espacios y, a mi juicio, el resultado es tan innovador que es lo más destacable de esta exposición: una nueva representación fotográfica de un espacio.

Ixone me cuenta que la visión humana es siempre a escala 1:1 y que su investigación trata de emularla sin conseguirlo del todo: un plano de cada fotografía tiene escala 1:1 y el resto adopta el tamaño que la perspectiva de la cámara oscura le asigna.

Cabe preguntarse cuánto tiempo transcurre entre cada foto de una serie, aunque uno tiene la sensación de estar paseando realmente por ese lugar, debido a la escala grandiosa y al cambio de perspectiva de cada imagen. En cierto modo, recuerda a un travelling cinematográfico.

Además, las fotografías en blanco y negro remiten a las luces, los hiperdetalles y las texturas de Humberto Rivas y Carlos Cánovas, entre tantos otros autores, en esa estética tan trabajada por los paisajistas españoles.

Por otro lado, se suma el poder indiciario y simbólico de estas imágenes, que nos remiten a un espacio con rastros de un pasado convulso: a una lucha ecologista antinuclear que se opuso a la construcción de esta central y a la posterior intervención violenta de ETA; a referencias a la naturaleza que intenta recuperar su espacio en estos tiempos de Antropoceno y distopía; y a los espacios industriales abandonados y solitarios que nos intimidan.

Quien tenga la suerte de escuchar a Ixone se enterará de las muchas capas de significado que ha desarrollado con este ensayo visual (Echar el pasado al futuro), aunque nosotros, los espectadores, tenemos el privilegio de llevarlo a nuestro terreno.

La sensación sobrecogedora de esta proyección me transportó a un tiempo apocalíptico, donde parece que los humanos se han extinguido y la biodiversidad regresa a recuperar su territorio.

Sin duda, una de las exposiciones más interesantes, evocadoras y emocionantes que he visto últimamente.

Datos prácticos

Web: https://www.azkunazentroa.eus/es/actividad/ixone-sadaba-escala-11/
Horario exposiciones: de martes a domingo: 11:00 – 20:00h
Parking: subterráneo de pago
Teléfono de información: 944 014 014 
Dirección: Plaza Arriquibar, 4 – Bilbao

Hasta el 27/4/2025 en el Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbao

Texto y fotos de Koldo Badillo · https://www.expophoto.org

El Centro Pérez Siquier es un museo dedicado a la figura de este célebre fotógrafo español. Se encuentra en su pueblo natal, Olula del Río (Almería), y se inauguró en 2017, un año después de que cediera a la Fundación de Arte Ibáñez-Cosentino la totalidad de su archivo fotográfico y la gestión integral del mismo.

Se trata del primer museo dedicado a la obra de un fotógrafo en España. Después llegaría un caso similar con Cristina García Rodero en su pueblo, Puertollano (Ciudad Real). Que nosotros sepamos, no hay más museos dedicados exclusivamente a fotógrafos, algo que nos parece muy injusto, al menos si lo comparamos con la infinidad de pequeños museos dedicados a pintores o escultores. Tal es así que este Centro Pérez Siquier está anexo al Museo Ibáñez, creado por el artista Andrés García Ibáñez (Olula del Río, 1971) en 2005, quien también fue el impulsor del museo dedicado a su paisano.

Ambos museos están juntos y se pueden visitar gratuitamente. Se encuentran a las afueras del pueblo, disponen de aparcamiento propio y cafetería, y la visita conjunta se convierte en una experiencia artística completa.

Carlos Pérez Siquier (1930-2021) es considerado uno de los grandes renovadores de la fotografía española del siglo XX. Fundador del Grupo AFAL y de la revista del mismo nombre, fue un gran impulsor de la fotografía, atrayendo la participación de muchos de los grandes fotógrafos de la época: Ramón Masats, Joan Colom, Gabriel Cualladó, Paco Gómez, Alberto Schommer, Oriol Maspons, Ricard Terré y tantos otros. No deja de ser sorprendente que Pérez Siquier lograra reunir a tantos militantes del medio desde una esquina de la península. Además, organizó exposiciones en Almería de los mejores fotógrafos mundiales de la época y los llevó a la provincia para fotografiar su tierra.

Creo que el museo sí hace justicia a Pérez Siquier, tanto como fotógrafo como impulsor del medio. Alberga muchísimas obras suyas en salas diáfanas, ordenadas temáticamente por sus grandes proyectos: La Chanca, La Chanca en color, Retratos, La playa, Color del sur, etc. Personalmente, considero que sus trabajos más innovadores fueron los realizados en color, donde el protagonista es precisamente eso: el color.

El museo se complementa con una sala que alberga una gran colección de la mayor parte de los miembros del Grupo AFAL. También hay salas dedicadas a exposiciones temporales; tuve la suerte de poder ver Kim Manresa: 50 años de fotoperiodismo.

En definitiva, se trata de un museo extraordinario para conocer la obra de esta figura de la fotografía española y la de todos sus amigos.

Información del museo

Plaza Ciudad de la Cultura, 1
Olula del Río (Almería)

https://www.centroperezsiquier.org
centroperezsiquier@gmail.com
Teléfono  +34 950441027

Horario: Martes a sábado 11-14 h. y 17-20h. Domingos 17-20 h.

Entrada gratuita

Recursos:

• Publicación de catálogos
• Librería-tienda
• Parking propio gratuito
• Cafetería
• Visitas guiadas bajo reserva