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Catalpa, de Marc Bruimaud

noreply@blogger.com (cyprien rose) — Tue, 13 Mar 2018 17:50:00 +0000

Le Cycle de Catalpa, de Marc Bruimaud, couverture illustrée par Pascal Leroux

Catalpa, de Marc Bruimaud !

Lire le Cycle de Catalpa, c'est plonger dans une aventure romanesque où le feuilleton ne se fait pas seulement à chaque livre, mais à chaque chapitre. Afin de mieux saisir cette fiction qui colle à la réalité, nous avons posé quelques questions à l'auteur, Marc Bruimaud.

Écrivain, critique d'art et vidéaste, Marc Bruimaud présente Catalpa, le second tome du Cycle de Catalpa, une saga romanesque en sept volumes dont les sorties s’étalent jusqu’en 2022 aux éditions blackout, sous la forme de coffrets regroupant un livre et des

cartes postales illustrées par Pascal Leroux (alias Xuorel) également musicien (Médikao,
La Veuve Électro, Diamants Éternels), photographe (tendance polaroïd) et plasticien, ses univers
noirs et romantiques, hyper référencés, le prédestinait à illustrer avec cœur le Cycle de Catalpa.

“Dès qu’un amour s’évapore, il se met en quête du suivant, inlassablement.”

L'action se situe entre les côtes américano-mexicaines occidentales et l'île (imaginaire) de Catalpa où vit Guy Misty. Le narrateur, enchaîne des aventures amoureuses géographiquement éloigné de sa femme Corinne, cet amour inconditionnel dont il est
séparé. Il raconte à tout le monde qu’elle est morte alors quelle est belle est bien en vie et qu’ils se
parlent régulièrement au téléphone... Il préserve ce qu’il reste cet amour en une sorte de privilège
assez unique, mais Corinne n’est pas complètement isolée du monde... De temps en temps on a
presque l’impression d’entendre Misty dire, façon tatouage mental :
"l'amour parfait s’est fait la malle à cause de mes doutes”.

Misty s’affranchit des frontières géographiques et narratives comme Marc Bruimaud s’amuse de la fiction et de la réalité.

L’auteur puise autant dans sa vie privée que dans les oeuvres filmographiques. Rien de surprenant à
ce que l’univers cinématographique soit hyper présent, Marc Bruimaud est également critique. De la
Belgique aux USA (notamment à New York où sévit le funeste « Fils de Sam », tueur en série), ou
encore en Roumanie, le lecteur croise de nombreuses personnalités à travers un trombinoscope de
choix, Misty croise la route de Richard Sarafian, de Kate Jackson, de Farrah Fawcett, de Joan Collins,
mais aussi de Veronika et Carmilla et de la tendre stipteaseuse Linda. Et puis, il y a aussi une enquête
en cours, menée par Jonathan Fastero et Iris…

Marc Bruimaud & Pascal Leroux

Interview.

Il y a du torride dans Catalpa : de l’alcool, des femmes et des descriptions aussi fétichistes que

ce qui fait le sel de La Vie Coule, et si le roman de tes récits sentimentaux évoque des passages
réels de ta vie amoureuse, Catalpa s’installe comme une fiction. Pourtant, ce livre semble
également emprunter un peu de la réalité, c’est une réalité parallèle à La vie coule ?

C’est tout à fait ça. D’ailleurs, une des personnes qui me connaît le mieux depuis des décennies
(mon ami et ex beau-frère Serge Don Marino), lorsqu’il a entamé la lecture du « Cycle de Catalpa »
avec le tome 1, Tijuana, s’est exclamé : « Mais enfin, tu as écrit la même chose que La vie coule… en
fiction ! ».

Ceci étant et sans plaisanter, il existe effectivement un jeu de miroirs permanent entre mes récits
personnels (dont je termine actuellement le tome 2, La belle vie) et cette espèce de « fantaisie
romanesque » que je suis censé dévoiler petit à petit jusqu’en 2022, année de parution du tome 7,
Retour à Catalpa.

Non seulement les personnages se répondent, mais aussi les situations, certains lieux, des bribes de
dialogues et, bien entendu, les références innervant la matérialité scripturale, constituant véritablement
sa chair et son sang… Une autre fidèle lectrice (la plasticienne Valérie Pillon avec laquelle je travaille
actuellement sur un recueil de nouvelles noires, Ici, à paraître fin 2018 aux Éditions Black-out) qui
explore tranquillement mes livres les uns après les autres, m’a récemment confié : « Je commence à
saisir les liens tissés entre chaque histoire ». De fait, mon œuvre se conçoit comme un gigantesque
puzzle dont il faut emboîter les différentes pièces pour en percevoir la globalité, en même temps que les
variations signifiantes.

Concernant ce que tu appelles le « fétichisme », je crois énormément à la caractérisation des êtres
humains par la description méticuleuse de leur environnement et de l’ensemble des éléments quotidiens
qu’ils mettent en réseau : objets, vêtements, parfums, goûts esthétiques et idéologiques, attitudes
récurrentes, que sais-je encore ? C’est mon côté perecquien et surtout « anti-psychologisant ».

Les personnages féminins de Catalpa sont traités avec tendresse, même lors de situations
parfois inconfortables. Une tendresse qui semble autant destinée à un moment, une scène,
qu’aux personnages eux-mêmes. C’est le tempérament d’un personnage qui crée le contexte ?
Ou bien le contexte qui révèle un personnage ?

Eh bien, les deux, justement, et ton interrogation me paraît spécialement pertinente. En tant qu’individu
et ensuite écrivain, je suis perclus de remembrances nostalgiques, pour ne pas dire « magiques »,
qui emplissent mon cœur et renvoient à la fois à des personnes perdues ou égarées et à des moments
ineffables dont je tente de restituer fictivement l’ambiance plus ou moins fantasmée. Dans Catalpa, le
tome 2 du cycle, l’exemple parfait de cette recomposition « tendre », c’est l’histoire récurrente de Linda,
la fille du peep-show, chez qui Misty échoue régulièrement, seul ou accompagné.

À la fin des années 90, chaque fois que j’allais à Paris pour mon travail, des réunions insipides
uniquement destinées à me faire gagner ma croûte, je m’arrêtais systématiquement rue Saint-Denis
dans un peep-show bleu, toujours le même (que j’évoque d’ailleurs dans un paragraphe de La vie coule),
et là, il y avait cette fille très jeune, une étudiante latino d’une beauté stupéfiante, qui s’offrait à toi avec
une spontanéité si généreuse ; je me souviens avoir passé avec elle des moments d’absolu bonheur
que le souvenir a progressivement transformés en radieuses parenthèses romantiques.

Pour parler cinéma, mon dada comme tu sais, un de mes films préférés que je serais capable de
regarder en boucle et qui me fait pleurer de joie et de tristesse conjuguées à chaque vision, c’est
Amarcord de Federico Fellini, une illustration sublime (ô combien bouleversante) de ce dont nous
sommes en train de parler. Lors de sa première diffusion au Cinéma de Minuit de France 3, il y a bien
longtemps, Patrick Brion avait lu cet extrait d’une interview de Fellini à propos des mécanismes de
création : « Je ne sais plus distinguer ce qui a eu lieu pour de bon et ce que j'ai inventé. Aux souvenirs
vrais se superpose le souvenir des toiles de fond, de la mer en plastique, et les personnages de mon
adolescence à Rimini sont comme repoussés à grands coups de coude par les comédiens et les
figurants qui les ont représentés dans la reconstruction scénographique de mes films ».
Que dire de plus !

Le « poly-amour » permet à de nombreuses personnes de s’affranchir des relations normées
pour assumer leurs amours, qu’ils soient romantiques ou sexuels. Est-ce une pratique évidente
pour Guy Misty ? Ou est-il un cœur d’artichaut, ou encore un épicurien des sentiments ?

Misty illustre parfaitement l’épigraphe de La vie coule, cette citation de John Hugues, le réalisateur
(entre autres) de Breakfast Club : « Mes personnages ne sont pas obsédés par les filles, mais par la
romance ». Il ne peut vivre que dans cet état irrationnel de confusion mentale qu’autorise la passion
amoureuse. La « réalité » ne l’intéresse guère. Dès qu’un amour s’évapore, il se met en quête du suivant,
inlassablement. Le contact affectif, sentimental, lui est nécessaire, il s’attache inconsidérément aux gens,
se met en péril perpétuel. Les scènes dans la chambre d’hôtel avec Veronika Hess au début de Catalpa le
montrent bien, sans parler de l’« aventure Carmilla ».

L’autre aspect, c’est qu’à force de pratiquer sans cesse cette espèce de gymnastique émotionnelle, il
génère sa propre fiction à l’intérieur de la mienne. Dans le chapitre 24 de la partie 2 de Loin de Catalpa,
le tome 4 qui ne paraîtra qu’en 2019, il y a un dialogue entre lui et sa femme Corinne, qui va dans ce
sens. Pour une énième fois, il lui téléphone, afin qu’elle le guide dans les ténèbres sensibles, et ça
donne ce dialogue édifiant :

« - Tu veux quoi, cette fois-ci ?

- Pas d’argent, Corinne, juste un conseil.

Elle soupira avec ostentation.

- Par pitié, sois charitable. Tu m’aimes encore un peu, non ?

- Mais oui… (un temps). Bon, alors ?

- Qu’est-ce que tu penses de Farrah Fawcett ?

Je l’entendis ricaner. Une pause plus longue, puis :

- Mon pauvre Mind, tu vis vraiment en plein téléfilm…

Je dus admettre qu’elle n’avait pas tort. Depuis notre départ de Broadway et la faillite du club,
j’avais sérieusement décroché du réel, à un degré qu’elle n’imaginait pas. J’attendis son verdict.

- Après tout, vas-y franco… C’est pas ce que tu voulais entendre ?

- Sans doute.

- Fais attention à toi, quand même. Tu me sembles de plus en plus perdu. »

Enfin, histoire d’être complet dans ma réponse : non, avec Misty, il n’est nullement question d’épicurisme.
Le personnage est bien trop anxieux pour être épicurien.

La frontière entre fiction et réalité est un jeu intéressant, notamment dans l’emprunt de noms, de
lieux et de titres d’œuvres… Ta passion pour le cinéma et les séries TV inclut des références,
comme Sarafian et ses films par exemple. C’est une manière de rendre hommage, d’inciter le
lecteur à voir ces œuvres ? Faire lire Catalpa aux personnages existants, ou du moins leur parler
de leur rôle dans l’histoire, l’idée t’es déjà venue ?

Vers la fin des années 70, qui correspond à l’époque où j’ai commencé à réfléchir au Cycle de Catalpa,
j’ai été frappé par plusieurs auteurs, en premier lieu Nicholas Meyer dont j’ai d’abord lu La Solution à 7% où Sherlock Holmes, à la demande de Watson, partait pour Vienne faire soigner ses addictions par
Sigmund Freud. Dans la suite écrite deux ans plus tard (je m’en souviens un peu moins), Holmes rencontrait
Oscar Wilde et Bram Stoker. Ensuite, Meyer a réalisé un film merveilleux, C’était demain (en anglais Time after time) partant du postulat que H.G.Wells avait réellement inventé la machine à remonter le temps,
qu’il la cachait dans sa cave, et qu’un soir où il avait invité des amis à souper, Jack l’Éventreur
l’empruntait pour rejoindre le XXème siècle…

J’étais fasciné par ces histoires extravagantes, d’autant que Meyer, lors d’une interview, avait parlé de
« fantasy » pour caractériser cette méthode narrative originale, rocambolesque, où personnages
inventés côtoient impunément des figures célèbres, historiques, littéraires, artistiques, etc. Au même
moment, Stuart Kaminsky entamait son cycle de polars mettant en scène le privé Toby Peters, un
détective « hard-boiled » dans la pure tradition Philip Marlowe-Sam Spade, dont les enquêtes se
déroulaient à Hollywood pendant les années trente-quarante.

Ainsi, le premier tome (Judy et ses nabots) le propulsait sur le tournage du Magicien d’Oz, car un nain
avait été assassiné sur la fameuse « yellow brick road ». Il y croisait Judy Garland, tandis que dans les
tomes suivants, il allait rencontrer Erroll Flynn, Humphrey Bogart, John Wayne, les Marx Brothers…
Enfin bref, j’avais à peine vingt ans et je dévorais ces volumes en me disant : « Si j‘arrive à écrire, je ferai un truc dans ce genre-là »… Je pourrais aussi parler de Doctorow avec Ragtime, de Barry Malzberg avec Crève l’écran et La destruction du temple, et, bien entendu, de Vermilion Sands de Ballard.

Quand il s’est agi d’écrire le Cycle de Catalpa pour de bon (après de multiples années de réflexion,
de notes, de tableaux synoptiques faisant se répondre les personnages, les situations, les lieux, etc.),
j’ai décidé de généraliser ce principe de « fantasy » si cher à mon cœur. C’est pourquoi on trouve dans
le cycle non seulement des personnes réelles plus ou moins masquées, mais aussi des entités fictives
empruntées à d’autres créateurs, par exemple une grande partie des personnages de Southland Tales
de Richard Kelly (un de mes films récents préférés), ainsi que des icônes de l’univers Chris Carter,
spécialement MillenniuM. Cela donne une sorte de « smorgasbord » actantiel dans lequel j’ai mélangé
une infinité de références issues à la fois de mon imagination et de ma culture personnelle, le tout au
sein d’un monde complètement disloqué. Je dirais, pour conclure, qu’on se trouve donc face à une
œuvre plutôt maniériste qu’on pourrait qualifier de « post-moderne », et d’inspiration néo-borgesienne,
« à la Raymond Roussel ».

Je trouve le passage du coup de fil à Corinne très touchant. J’ai l’impression non pas d’une
dualité mais d’un complément, comme si cette parenthèse dans le récit pouvait aussi être une
ellipse dans la vie réelle de l’auteur, même si ce qui est écrit ne correspond pas à la réalité.
La faire mourir aux yeux des personnages de fiction, dans une sorte de consentement mutuel,
et se faire tout de même prêter de l’argent, c’est comme un adoubement de situation, autant
dans un travail que dans une relation... C’est également assez amusant que ce soit Corinne
qui annonce la mort d’un autre personnage à Guy Misty… Corinne est-elle un hommage, une
muse, un phare ?

Je suis très touché que tu aies remarqué l’importance capitale de ces passages disséminés dans tout le
cycle. Corinne est plus qu’une « âme-sœur » pour Misty, c’est une sorte d’extension de lui-même, de
double bienveillant (son doppelgänger positif) capable de faire à sa place la synthèse nécessaire à sa
survie. Misty est par essence un être morcelé, fragmenté, et les rares contacts qu’il entretient avec sa
femme (jusqu’à ce qu’elle meure, apparemment suicidée) le recadrent pour un temps, jusqu’à la fois
suivante.

L’autre aspect fondamental, c’est que Corinne ne porte aucun jugement moral sur Misty, elle se contente
d’être là pour lui quand il en a besoin, tout en s’en étant éloignée, par préservation personnelle. D’une
certaine manière, elle symbolise l’« amour inconditionnel » dont tout être humain rêve. Si tu veux
vraiment que je te dévoile l’origine de ce personnage et des relations qu’elle persiste à préserver avec
le narrateur, eh bien, ça ne fait aucun doute qu’il s’agit d’une fictivation directe de ma propre femme,
Nelly Defaye (à ceci près qu’elle est encore vivante !).

Une publication partagée par Cyprien Rose (@cyprienrose) le 6 Oct. 2017 à 2 :05 PDT

Enfin, évoquons le “karmique”. Page 142, Misty se retrouve seul avec une Farrah Fawcett un brin
déprimée, et il ya ce délicieux passage où Misty propose de s’occuper d’elle parce que son
gourou lui a recommandé de multiplier les bonnes actions, “Une nécessité Karmique, paraît-il.”
Le karmique, avec ou sans gourou. Est-ce une nécessité ?

D’une certaine façon, oui… Nous vivons dans un monde totalement dépourvu de sens, d’une absurdité
(et d’une abjection) terrifiante. Alors, le recours à une tentative de connaissance de soi à travers ses
actions et ses aspirations permet de ne pas devenir complètement fou. C’est également le rôle de
l’écriture, comme l’a dit Anaïs Nin que je cite sur la quatrième de couverture de Catalpa : « Je crois que
l’on écrit parce que l’on doit se créer un monde dans lequel on puisse vivre ».

Maintenant, pour ce qui est d’expliquer vraiment où l’on veut en venir en construisant un univers fictif
personnel, je renverrai plutôt à cette citation réaliste de David Lynch : « Je ne vois pas pourquoi les
gens attendent d’une œuvre d’art qu’elle veuille dire quelque chose, alors qu’ils acceptent tout à fait que
leur vie à eux ne rime à rien ».

Catalpa est disponible chez Bookwitty !

Les bons voeux de Radio Slave

noreply@blogger.com (cyprien rose) — Sat, 06 Jan 2018 14:39:00 +0000

DR Radio Slave

Radio Slave présente ses voeux aux DJs

Le 3 janvier dernier Radio Slave présente ses voeux via son compte Facebook ! Il donne quelques conseils pour devenir DJ professionnel, avec ses “encouragements” drôles et sarcastiques, l’artiste dénonce les fréquentes dérives dans l'industrie musicale. Voici la traduction de son post, on s'est quand même permis d'y ajouter des liens et du gras !

Guide pour devenir DJ professionnel en 2018

1.

D'abord, assurez-vous que vous êtes un très bon menteur c'est impératif,
cela ne sert à rien de continuer si vous ne savez pas mentir.

Déménagez à Berlin ou dans n'importe quelle autre grande ville d'Europe du Nord.

Liez-vous avec un DJ, un promoteur de club ou un propriétaire de magasin de disques. Ce n'est pas tant ce que vous connaissez mais qui vous connaissez !

Demandez-vous quelles sont les grandes tendances de la dance music.

Trouvez un producteur underground à travers vos nouveaux amis (un inconnu c’est mieux)
payez-le pour vous créer un EP qui correspond aux tendances actuelles.

Assurez-vous de le payer suffisamment pour qu’il garde le silence ou faites lui signer une entente de non-divulgation.

Par l'intermédiaire de votre ami DJ / Promoteur / propriétaire d'un magasin de disques, approchez-vous d'une maison de disque cool et réputée, qui produit toujours du vinyle (les disques ronds noirs que vos parents avaient).

S'il vous plaît, veuillez noter qu'à ce stade il n'est pas nécessaire d’être DJ. Ce n'est pas important.

2.

Étudier les médias sociaux. C’est la clé de votre succès, canalisez 100% de votre énergie sur Instagram et Facebook.

Vous avez votre producteur fantôme qui fait vos morceaux
vous pouvez accéder à toutes les informations musicales dont vous avez besoin
pour impressionner les gens via Youtube, Discogs et Beatport.
Souvenez-vous qu'il n'est pas nécessaire de perdre du temps à apprendre le métier de DJ
pour gravir les échelons.

C'est une illusion que vous créerez plus tard avec des photos bien placées de vous en dehors
d'un magasin de disques, ou lors d'un selfie sympa devant un équipement modulaire
(dans un magasin de musique ou un studio). Exploitez les médias sociaux au maximum, faites-en votre meilleur ami et votre plus grande arme.

3.

Faites des recherches sur tous les sites actuels d'actualité musicale, de préférence les plus importants.
Vérifiez quels nouveaux artistes y ont été défendus au cours des dernières années, et voyez si vous correspondez aux genres. Évidemment, cela dépendra aussi de ce qu’ils ont fait, ou pas. Cela ne sert à rien de copier un perdant.
Trouvez votre look : Serez-vous ringard ? Aurez-vous besoin d'un nom étrange et provocateur ?
Vérifiez tous les meilleurs blogs mode / streetwear pour voir les tendances. C’est l'image qui fait tout !

4.

Vous avez réussi à convaincre un label pour sortir votre musique (cela nécessitera une bonne quantité de mensonges). À ce stade, vous allez devoir dépenser de l'argent (pas sur la musique), trouvez une agence de relations publiques, ou un agent, qui vous représentera. Regardez les petites agences, elles pourraient vous prendre parce que vous êtes jeune, motivé et à la mode, et pour un taux encore bas.

Une fois que vous commencerez à vous faire un nom, vous pouvez les virer pour rejoindre une grande agence qui représente des DJ / artistes célèbres et plus commerciaux, ce qui vous permettra d'obtenir un plus grand profil.

5.

Le label a masterisé votre EP et commence à faire la promo de votre sortie.

Les magazines sont intéressés car vous êtes frais, nouveau et vous êtes à la mode.
Sécurisez cet aspect, c’est la clé pour obtenir des concerts et aller de l'avant.
Demandez à votre label ,ou à votre nouveau réseau d'amis, de vous obtenir une date.

REMARQUE : ne vous approchez pas du premier groupe d'amis.

Vous les laisserez au fur et à mesure que vous progresserez dans l'échelle sociale.

6.

Préparation de votre première date.

Rejoindre ce groupe sur Facebook: The Identification of Music Group
Demandez-leur de vous montrer comment utiliser Rekordbox.
Achetez deux clés USB 32G et chargez-les avec les morceaux.

Vérifiez les playlists de vos DJ préférés, et notez les morceaux qu’ils jouent

Vous pouvez également vérifier les musiques sur Youtube, Discogs etc,
mais il est préférable d'utiliser votre temps à faire de la promo sur Facebook et Instagram.

Demandez des morceaux à vos amis DJ / label / PR / les gars de la musique…

À ce stade tout le monde est à fond derrière vous, prêt à tout faire pour votre réussite.

Ils veulent votre succès, cela leur donne une bonne image,
et ça fait généralement du bien aux gens lorsqu’ils voient que ça marche pour les autres.

Profitez au maximum de toutes les personnes impliquées, puis trouvez quelqu'un pour vous donner des cours de DJ.

N'oubliez pas d'utiliser uniquement la fonction SYNC sur les CDJ,
ou une autre option plus sournoise (que j'ai vu) est d'enregistrer toutes les pistes
au même tempo sur CD et les utiliser pour donner l'illusion que vous êtes un vrai DJ.
Mais cela nécessite plus de temps loin des médias sociaux...

7.

Vous y êtes presque.
Les magazines parlent de vous, vous obtenez quelques dates grâce à ce label indépendant assez cool, et les statistiques de vos médias sociaux sont en croissance.Quoi de neuf?Vous quittez le premier label pour un plus gros.
Vous lâchez la première agence de relations publiques car à ce stade
Vous enregistrez les moments “confettis” lors de vos concerts en vidéo,
Si tout va bien les agences de management d’artistes tournent autour de vous comme des vautours.
vous avez probablement déjà votre deuxième agent DJ.

et tout le monde pense que vous êtes cool.

Ils y voient l’opportunité de gagner de l'argent en vous emmenant au prochain niveau…
En un an, vous passerez du niveau zéro à celui de jouer dans tous les meilleurs clubs et festivals
du monde entier.

Bonne année et bonne chance !

Source.

DILLON - KIND

noreply@blogger.com (cyprien rose) — Tue, 21 Nov 2017 13:50:00 +0000

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Sortie chez [PIAS] Recordings le 11 novembre dernier, KIND est le 4e album de Dillon

Dillon était récemment à Paris pour la promotion de KIND. Quelques jours avant son concert du 29 novembre au Carreau du Temple, lors d’un entretien fait de sincérité et d’humilité, Dillon évoque son processus créatif et un peu de sa vision de la vie…

En 2011 Dillon présente The Silence Kills, un premier album apprécié par la presse et par le public. Avec ses chansons sensibles, dans un registre pop et électronique, l'artiste confirme son univers avec The Unknown ; vient ensuite Live At Haus Der Berliner Festspiele, tiré de l’enregistrement d’une performance unique à l’Haus der Berliner Festspiele.

KIND, son quatrième disque, est son troisième album studio et sa première sortie sur [PIAS] Recordings. Cette nouvelle aventure se veut plus lumineuse que les précédentes, Dillon y retrouve Tamer Fahri Özgönenc, avec qui elle travaille depuis ses débuts, mais aussi le producteur new-yorkais Nicholas Arthur Weiss et le suisse Samuel Savenberg. Vértable ode à l’amour et à la liberté, la pop énigmatique de Dillon, fait de vocalises éraillées parfois enfantines, réussit le pari de méler intensité et raffinement.

“Je pense que c'est l'album avec lequel je me sens le plus en confort.”

Confort et légèreté...

C’est dans l’un des salons de l’hôtel Alba Opéra que Dillon présente ce travail à huit mains, selon elle une expérience inédite et confortable. L’artiste fait preuve d’humilité, notamment à propos du travail avec les producteurs : “tout d’abord je n'ai pas fait ce disque toute seule…”. Lorsque l’on aborde l’écriture du disque elle évoque un processus naturel : “c’était comme regarder une fleur grandir, ou germer des pousses de soja. Tu vois ces choses grandir un peu plus chaque jour. Comparé à “The Unknown”, je n'ai jamais eu à beaucoup me forcer. Lorsqu’on a terminé le disque je n'étais pas fatiguée, c'est une sensation très agréable.”

Après un album live avec un choeur Dillon veut évoluer. Elle ne souhaite plus être seule avec des éléments électro et n’a pas non plus le désir de travailler avec d’autres voix que la sienne. Lorsqu’on évoque l’arrivée des cuivres dans son travail, elle nous glisse que sa voix ressemble parfois à des cuivres et, pour nous le prouver, commence à jouer avec l’un de ses timbres les plus rocailleux : “je me suis dit que ça pouvait marcher sur le disque…”.

Une publication partagée par Dillon (@dillonzky) le 10 Nov. 2017 à 2h27 PST

Luminosité…

Dillon crée ainsi son propre système de symboles, naît alors un travail de studio, de plus en plus utilisé ces dernières années, qui consiste à enregistrer une voix et de convertir son format AUDIO en fichier MIDI afin d’obtenir une partition, et à partir d’une voix le travail des harmoniques n’est pas toujours si simple (Ndlr, le logiciel Ableton Live permet de convertir de l’audio en midi). Cela permet d’attribuer d’autres instruments, virtuels ou non, notamment les cuivres du disque. Tamer et Dillon rassemblent alors une collection de notes et répètent ce processus sur quatre ou cinq chansons.

Dillon, qui ne tarit pas d’éloges envers ses collaborateurs, demande à son producteur d’étudier la façon dont les éléments peuvent être interprétés : “c'est lui qui en fait a vraiment su en faire quelque chose, et cela a tout changé, il est si bon dans son domaine !”. L’opération concerne huit pistes, soit huit différents instruments, un gain de temps et de budget considérable dans le processus créatif : “l'un des moments les plus magiques c'est quand les cuivres enregistrent la partition, quand les notes midi disparaissent progressivement sous celles des instruments, j'étais là, bluffée, du genre wouah…”

Interview...

KIND contient “Te procuro” et “The Present”, deux titres qui tranchent avec l’ensemble du disque. Ces deux chansons ne sont pas arrangées, il s’agit de prises voix, ou piano voix. C’est une manière de te dénuder, musicalement ?

DILLON : non, si je veux me montrer nue je fais une photo. J’en fais parfois, mais pas pour un disque. Pour ce qui est des chansons plus épurées, pendant longtemps, avant même de commencer ce dernier disque, je pensai à la direction musicale que je voulais prendre, et j'ai pensé qu’il était peut-être temps de sortir un album piano voix seulement, parce que je n'ai besoin de personnes pour cela, je pourrai le faire toute seule. J'ai ensuite réalisé que je ne me sentais pas encore prête pour ce type d’album. Chaque fois que je m'assieds au piano, et que je joue, c'est exactement ce que j'entends, mais même si j'aime cela je m'intéresse également à la partie studio, et au travail avec des producteurs, où je poursuis finalement ce dialogue musical.

Et ces deux chansons se sont finalement imposées...

D : Oui, je ne voulais pas faire l'impasse sur ce genre de moments. Depuis le début je savais qu'il y aurait aussi une partie plus intime, en piano voix. J'étais un peu choquée que ce ne soit que des voix, dont une en Portugais, et je me suis dit : “mais pourquoi ?”. seulement c'est sorti de moi comme cela, tel quel. C'est arrivé et je ne voulais pas me retrouver dans la situation où j'aurai eu à choisir une plus qu'une autre...

La méditation fait partie de ta vie ?

D : la médiation, mmmh, ce serait bien si cela pouvait l'être davantage. Je ne pratique pas assidûment, et probablement pas d’une bonne façon, seulement quand cela ne va pas, ce serait bien de l'adopter comme une partie du quotidien.

Cela pourrait être lié à la musique ?

D : non, pas comme ça. Ma musique peut-être votre médiation mais ce n’est pas la mienne, c'est plutôt mon cauchemar...

Vraiment ?

D: en fait il ne s'agit que de moi qui cherche à faire les choses de manière la plus honnête qui soit. Alors maintenant ça va car j'ai des trucs sympas à dire, mais sur The Unknown je n'avais rien de vraiment agréable à dire, et cela a été l'une des créations les plus douloureuses qu'il m'a été permis d'expérimenter, et finalement je médite assez peu...

Une publication partagée par Dillon (@dillonzky) le 18 Nov. 2017 à 10h40 PST

Tu étais très jeune lorsque tu as quitté le Brésil pour venir en Europe. Penses-tu que cela impacte ton travail ?

D : tout le monde me pose des questions liées au passé et pour moi c'est assez dur d'y trouver un équilibre. J'en ai parlé à ma mère et elle m'a conseillé de ne pas le prendre mal car les gens pensent pas à mal, mais je me sens parfois offensée avec ce type de question, car j'ai l'impression d'être réduite à quelque chose de totalement impersonnel. On me demande parfois : “quelle vision avez-vous du Brésil” où je suis supposée avoir une attache, et : “quelle vision avez-vous de l'Allemagne” où je vis ! Franchement je n'en ai aucune idée. Certains disent que je suis brésilienne et d'autres que je suis allemande, je n'en sais rien... je n'ai jamais cherché à en savoir davantage avant que quelqu'un ne commence à me poser ce genre de question, et ces questions ne sont arrivées que lorsque j'ai commencé à faire de la musique, et que les journalistes se sont intéressé à mon travail. Je n'avais jamais eu l'occasion d'y penser, j'étais toujours l'étrangère, mais c'était bien comme ça...

Ma question faisait aussi référence à une réflexion liée au nomadisme. Peut-être qu'un siècle auparavant on pouvait dire : "je suis ceci ou cela, parce que je viens de là ou bien de la bas", aujourd’hui c'est évidemment obsolète.

D : oui, ce n'est plus possible de se le dire et c'est plutôt une bonne chose qu’on ne le puisse pas, et que l’on n'ait pas à le faire. Parfois, mon expérience c'était du genre ce n'est pas un problème pour moi, et les gens ont pensé que j'étais ignorante, mais je ne le suis pas ! C'est juste que j'y ai beaucoup été confronté, je suis une étrangère, et en Allemagne la majorité de mes amis le sont également. Ils n'ont pas grandi là, certains ne parlent même pas allemand, ils sont là depuis cinq ou six ans et ne m'ont pas demandé d'où je venais, et pour eux ce n'est pas important non plus, alors on en parle même pas. Quand je dis que cela n'a pas d'importance des gens me disent que si, qu'il faut en parler. On est également, plus ou moins, dans une situation où l'on ne vient pas d'endroit touchés par la guerre, où la misère, alors c'est plutôt un luxe de pouvoir se demander si je suis brésilienne ou allemande... Par exemple, je ne souhaite pas avoir de passeport allemand parce que je ne pense pas faire partie de l'histoire Allemande, en revanche j'en demanderai un si un jour j'ai un enfant en Allemagne, car c'est le pays où je vis, et où il serait élevé. Il y a encore des gens qui me disent "pourquoi tu n'en demande pas un, cela changerait ta vie", et je leur répond si cela doit améliorer ma vie je le ferai, mais si ma situation ne change pas je préfère encore expliquer que depuis plus de vingt ans je n'ai pas d'accent quand je parle allemand.

Une publication partagée par Dillon (@dillonzky) le 13 Nov. 2017 à 7h00 PST

C’est difficile de vivre une vie d’artiste en 2017 ?

D : Je n'ai pas vraiment d'éléments de comparaison car je ne fais rien d'autre à côté, alors dans mon cas je dirai que c'est bien (rires), c'est toujours ce que je me dis, je suis bien comme ça...

Je suis bien, je vais survivre…

D : (sourire) je veux dire, j'essaie... Je ne suis peut-être pas la meilleure pour rester en vie, mais j'essaie. Je ne sais pas, c'est une question difficile ! Je travaille dur pour poursuivre mes activités, pour me demander, et confirmer à moi-même, si ce que je fais est vraiment ce je veux toujours faire. Ce que je veux c’est faire de l’art et du bon, et ce n'est pas nécessairement si simple, notamment en musique. Les choses ont changé et elles évoluent si rapidement que cela touche tout le monde, des labels aux artistes. Tu ne peux même pas imaginer qui est le plus affecté car tout le monde souffre, c'est très dur ! Je ne suis pas juste une chanteuse qui va enregistrer en studio. Je suis chez moi, j’écris des chansons, des poèmes, et je me dis : “oh, un jour, quand tout ceci sera du passé, j'aimerais juste être une poétesse, et j'en serai ravi, ça me va bien”. Je pense qu'il y a tout de même une différence, si tu me demandes en tant qu'artiste je te réponds : “je vais bien”, si tu me poses la question en tant que musiciene, là, je n’en sais rien car il y a un peu de frustration de ce côté la...

Quelles sont tes plus grandes peurs à venir ?

D : que cela ne devienne encore plus difficile... L'an dernier avec le brexit, et avec trump, je me disais “rien de tout cela n’arrivera”. Si tu avais voulu en faire un film il y a dix ans, je serai venue te voir et je t'aurai dit : “ c'est tellement n'importe quoi, c’est irréaliste, cela n'arrivera jamais !”. Maintenant que c'est là je me dis : “c'est quoi la suite...?”. C'est déjà très flippant en fait, et je n'ai pas très envie d'essayer d'imaginer ce qui pourrait être pire. Ceci dit, ce qui me fait peur c'est tout ces gens d'extrême droite ! Ces politiciens n’ont heureusement pas assez de pouvoir pour nous diriger, mais ils en ont tout de même suffisamment pour donner à l’ensemble de leur supporters une confiance qu'ils ne méritent pas, et c'est déjà énorme comme peur pour moi...

Où trouves-tu de l’optimisme ?

D : ici (elle frappe son coeur à plusieurs reprises). C'est plus simple à l'intérieur qu'à l'extérieur. C'est simple à l'extérieur sans les gens, à part la nature. C'est l'option la plus sûre. Si je pars en vrille, j'attends que le soleil se lève, et tout s'arrange au bout d’un moment...

On n'en revient à l'éclosion et l’épanouissement de la fleur

D : (sourires)

Une publication partagée par Dillon (@dillonzky) le 12 Nov. 2017 à 2h25 PST

La presse se permet régulièrement des comparatifs, c'est aussi le cas pour toi. Tu es souvent comparée à Björk ou encore Feis et Joanna Newsom. Il faut certainement y voir une forme de compliment, mais n'a tu pas l'impression qu'il y a une frontière dans ce catalogage, est-ce difficile de s'affranchir d'une comparaison...?

D : Je crois qu'à partir du moment où tu es une femme, et artiste, tu seras toujours comparée à une autre femme artiste.

C'est aussi le cas pour les hommes non ?

D : j'ai le sentiment que c'est moins souvent le cas pour les hommes, et quand bien même, comment puis-je être assimilée à quatre ou cinq autres artistes avec qui je n'ai franchement rien en commun, c'est comme confondre Pâques, Noël et Anouka, juste parce que ce sont des vacances communes... J'aimerais qu'ils me lâche avec ça !

C’est offensant ?

D : Je ne suis pas offensée du tout, car on aurait pu me comparer à des artistes merdiques et c'est tout de même loin d'être le cas. J'en ai aussi parlé avec certains de mes amis, comme SOAP&SKIN, et l’on est consciente que artistiquement ce que chacune fait n'a rien à voir avec l'autre. Pourquoi nous comparent-on ? Parce qu'on est en Allemagne ? Tu devrais voir comment on parle de nous lorsqu'on est ensemble, tout devient tout de suite très clair !

Quel don aimerait tu posséder en plus de la créativité… ?

D : le pardon

ah oui ?

D : oui...

Tu n'y arrive pas ?

D : je suis très mauvaise pour ça, cela m'est très difficile à faire, alors oui, j'aimerai bien avoir ce don.

Quelle est la chose que tu détestes le plus ?

D : je n'aime pas, mais alors pas du tout, les comportements grossiers, et sincèrement je m'inclus dedans. Oh, il y a un autre truc que je déteste, c'est le bois non traité, ou peint. Le bois naturel, je ne peux pas le toucher, je n'aime pas du tout cette sensation… (elle frissonne). La semaine dernière j'étais dans une pièce où ils avaient ces gros tableaux en bois, où l'on peut écrire dessus. Quand je l'ai vu j'étais mal, mais qui à encore besoin de cela ? (rires)

Une publication partagée par Dillon (@dillonzky) le 19 Août 2017 à 4h09 PDT

Oublions les choses qui fâchent… Ton peintre préféré ?

D : Basquiat !

Un musicien ?

D : Jeff Buckley !

Un écrivain ?

D : je ne lis pas...

L’influence de Basquiat et Buckley se traduit dans ton travail ?

D : je ne crois pas qu'ils influencent mon travail, mais c’est certain qu’ils m'accompagnent à l'intérieur. J'ai toujours eu la sensation, en observant leur travail, de ressentir et de comprendre ce qu'ils disent. J'ai alors pensé que je pouvais également exprimer ce que je ressens, c'est plutôt ce genre de connexion pour moi, pas du style cela me rend triste et j'ai envie d'écrire à ce sujet, mais davantage lié à la façon dont ils se sont révélés, ce qu'ils ont fait. J’ai d'ailleurs fait des recherches sur eux, d'où ils viennent et ce qu'ils disent. Ils n'ont jamais arrêté de dire des choses et de travailler avant de disparaître. Je pense que c'est là d'où je tire ma motivation.

Il y a une raison particulière au fait que tu ne lises pas ?

D : j'ai des problèmes d’attention, je n'arrive pas à rester concentrée... Ce matin j'ai quand même réussi à lire dans l'avion, ce n'était que time magazine, et je me suis même dit : “oh je peux lire aujourd'hui !”, alors que la plupart du temps je n'y arrive pas. Je voudrais bien pouvoir lire, mais à chaque fois mon esprit fait autre chose, c'est extrêmement frustrant, alors je fais vite autre chose avant que je ne me frappe...

C’est un problème de concentration dans tous les domaines ?

D : non, juste avec la lecture. en revanche, et heureusement, je peux écrire. En fait j'ai ce problème depuis cinq ou six ans.

oh...

D: oui, je pense que cela vient du stress, mais je vais m'en sortir... Ça ira mieux plus tard, je pourrai alors lire, et dans ce cas je te dirai qui j’aime lire le plus, mais donnes moi dix ans que j’ai le temps de digérer toutes ses oeuvres !

Avec plaisir !

D : (sourires)

Parlons des prochains concerts, tu as déjà une idée de la mise en scène ?

D : cet album est plus lumineux et j'aimerai décliner cela sur scène, avec plus de flexibilité. Avant c'était juste Tamer et moi, lui à tel endroit et moi au piano ; la lumière à tel endroit ; tout était très réglé, et je n'en ai plus envie. J'ai besoin d'alternative. Tout dépend de la salle en fait, j’aimerais à la fois pouvoir dire que je vais jouer seule avec des bandes musicales en playback, ou encore une autre formule, comme accompagnée de cuivres avec un autre chanteur... Je veux vraiment obtenir cette flexibilité, c’est-à-dire choisir la configuration scénique selon les lieux, et puis je veux des fleurs... Donc de la lumière, mais pas constante, je ne peux pas rester une heure d'affilée sous les projecteurs, je deviens folle, il nous faut donc encore travailler sur la mise en espace, sans que cela soit trop mathématique. J’ai besoin de me sentir en sécurité, et aujourd'hui je pense que je peux arrêter d'être dans ce genre de cage

Une publication partagée par Dillon (@dillonzky) le 16 Juin 2017 à 15h21 PDT

certains artistes n'arrêtent pas de créer, d'autres ont besoin d'espace entre deux oeuvres ?

D : dès que le premier album est sorti je me suis dit que j'allais attaquer le second deux semaine après… Ça m'a pris trois ans ! Ensuite il y a les autres, et entre-temps l'album live. J'aurai pu sortir ce disque avant si j'avais eu le label plus tôt, ainsi qu’un plan de sortie établi, en fait j'aurais pu le sortir il y a déjà six ou sept mois, mais cela aurait sûrement fuité sur le net, et cela n'aurait pas eu l'impact que l’on souhaite. Les gens n’auraient pas été intéressés, alors c'est beaucoup d'organisation. Tu vois, je ne sais pas trop encore, mais j'ai quand même cette impression que le prochain ne prendra pas trop de temps, parce que je ne suis pas fatiguée, mais on verra...

hâte de d'écouter tout cela !

D : (sourire) oui, je ne veux pas attendre 2020 ! Ce serait trop tard, c'est quand même dans bientôt deux ans...

Oui, on n’a jamais été si proche de 2018… (et encore moins à l’heure où nous publions)

D : oui, alors peut-être 2019, ça me parait bien, non ?

Oui, ok pour 2019… Et en attendant son prochain concert au Carreau du Temple le 29 novembre prochain, vous reprendrez bien un peu du Live At Haus Der Berliner Festspiele !

BERLIN : OST, NOUVEAU TEMPLE TECHNO ?

noreply@blogger.com (cyprien rose) — Mon, 16 Oct 2017 12:32:00 +0000

Berlin accueille OST, un nouveau club Techno qui ouvre prochainement à la place du Magdalena.

À Berlin, les clubs techno poussent pratiquement comme des champignons, chaque saison accouche de bien belles choses... Rappelons tout de même que lorsqu’il s’agit de clubs personne n’hésites à donner une adresse, pour les champignons c’est autre chose.

Ce nouveau club, "OST", se situe donc dans une zone déjà connue des clubbers, près de la gare d'Ostkreuz sur Friedrichshain. Certains reconnaîtront le bâtiment comme étant celui du Magdalena, installé dans une ancienne centrale électrique construite en 1903. L'enseigne a malheureusement succombée à quelques problèmes (insolvabilité, conflit immobilier…).

L’ensemble du système son resterait le même, Pioneer Pro audio (semble-t-il unique à Berlin) conçu par le légendaire guitariste New-Yorkais Gary Stewart. Le club dispose de plusieurs pistes de danse, d'un traitement acoustique et d'un judicieux mélange de sons et d'artistes, soit à peu près tout ce dont on peut attendre d'un club berlinois digne de ce nom.

Bonus

Ne manquez pas la soirée d'ouverture le 4 novembre avec Vakula, John Osborn...

source.

DIY : platine Spinbox

noreply@blogger.com (cyprien rose) — Fri, 21 Jul 2017 13:38:00 +0000

Spinbox, une platine vinyle en kit

DIY : Spinbox est une platine vinyle portable qui ne nécessite pas d’être un expert en bricolage. Les créateurs de ce concept, déjà adopté par plusieurs milliers de mélomanes, DJs et autres amateurs de vinyles, ont rapidement dépassé leurs objectifs sur Kickstarter.

En octobre 2015 nous vous avons présenté le 7" Portable Scratcher, une platine portable entièrement dédiée au scratch. L'objet que l'on vous présente aujourd'hui s'adresse aux fans de musique, d’artisanat et de design, mais aussi à tous ceux qui aiment le disque vinyle et qui n'ont pas encore de lecteur. Si certains craignent de devoir dépenser une bonne partie de leurs économies pour financer la platine, l’ampli et les hauts-parleurs. Sachez qu’une demi-heure suffit pour obtenir une platine portable, à la fois robuste et légère, au look customisable, et que l’on peut connecter à n'importe quel chargeur usb, secteur ou externe ! Le coffret Spinbox fournit tout ce dont vous avez besoin pour créer votre propre platine vinyle tout-en-un !

Plus connu sous le pseudonyme QuestionMark, Stephen est un DJ réputé pour ses productions et ses scratches. Il est ce que l’on appelle plus communément un turntablist (équivalent de platiniste), notamment vainqueur 2011 de la finale Taïwanaise du DMC. Ce collectionneur de vinyles, également auteur de deux albums, est l’un des inventeurs de la Spinbox. Comment lui est venue l’idée ? Tout simplement lorsqu'il remarque que la plupart des amis qui le soutiennent se servent de ses disques comme objets de décoration ! Quand il leur demande pourquoi ils ne les écoutent pas, ses amis répondent qu’une configuration platine, câbles, amplificateur et haut-parleurs, représente un gros budget, sans compter la place que tout cela occupe dans une pièce. Stephen décide alors de créer une platine tout en un facile à utiliser, avec un look amusant, le tout pour un prix abordable.

En 2015 il fonde Spinbox avec quelques amis, et le développement dure plus d'un an. Une dizaine de générations de prototypes plus tard, les innombrables ajustements de conception assurent la qualité du son et des circuits imprimés. En 2016, leur première campagne de crowdfunding à Taïwan expédie plus de 4 000 Spinbox en l’espace de trois mois. Cela leur permet notamment de finaliser le protocole des normes de fabrication et de qualité, afin d’être efficace et compétitif dans la gamme des platines portable sur le marché mondial. Un objet parfait pour les petits budgets, les cadeaux, et les DJ qui souhaitent avoir une platine portable dédiée au digging.

Une platine tout en un ?

Oubliez les dépenses folles sur les haut-parleurs et l’amplification, oubliez aussi le désordre dans vos câbles. La platine Spinbox comprend tout de A à Z, du plateau vinyl aux circuits imprimé pour le son et l’alimentation, en passant par l'amplificateur et les haut-parleurs. Tout ce que vous avez à faire c’est de la construire selon le manuel fournit, puis de la brancher et de jouer vos disques préférés, là où vous le voulez ! Le manuel permet de comprendre rapidement les rouages du fonctionnement, et rien ne se perd puisque la boîte contenant le kit de bricolage devient le corps de votre platine, tout est simple et amusant à construire.

Robuste, super légère et transportable !

La boîte externe, assez robuste pour que les DJ puissent scratcher, protège la platine d'hypothétiques dégâts dans les transports. Sa surface totale équivaut à la taille d’une feuille A4, cette patine est donc hyper facile à emporter où bon nous semble, notamment pour digger rapidement d’un lieu à un autre ! La fonction Line in/Line out permet également d’utiliser le haut-parleur de la platine avec votre smartphone ou de numériser un vinyl… Comme la boîte, le capot supérieur est hydrofuge. Très légère, elle se porte dans un sac à dos, ou dans une valise, afin de pouvoir également écouter ses disques en voyage où lors de fêtes chez des amis !

Pimp it up !

Spinbox a particulièrement attiré l'attention de nombreux DJ, des champions du monde DMC, des gagnants Red Bull Thre3style et des pionniers des platines portables, car ce produit est customisable selon leur envie, ils peuvent ajouter un crossfader, cela leur permet aussi de jouer n’importe où ! Vous pouvez la customiser selon votre style car l'extérieur est totalement personnalisable (avec une impression haute qualité). Dans un premier temps le fabricant fournit des platines aux couleurs noires, marbrées ou cartonnées, il suffit simplement de choisir le look en fin de campagne.

Dimensions emballage : 327mm x 270mm x 95mm
Poids: environ 1200g.
RPM: 33, 45, 78 tours
Line in/Line out signal level: Line
Cartridge: ceramic

Pour les contacter : Facebook & Email

Une publication partagée par Spinbox (@spinbox.hq) le 12 Juil. 2017 à 13h03 PDT

DVD : ZANOV LIVE

noreply@blogger.com (cyprien rose) — Mon, 17 Jul 2017 15:47:00 +0000

Zanov live @ SynthFest France, 3 juin 2017 / DR ZANOV

ZANOV va sortir un DVD de son dernier live !

Dans les années 70 les musiciens électroniques français qui sortent des disques sont peu nombreux... Parmi ces pionniers il y a ZANOV, qui après une longue pause a présenté un nouvel album en 2016. Le voici également de retour sur scène, et très bientôt en DVD.

Son précédent concert datait de juin 1978…

Il y a tout juste un an nous vous présentions le retour discographique de Zanov, l’une des figures historiques de la musique électronique hexagonale. Après Open Worlds, son nouvel album sorti en 2016, Zanov a de nouveau foulé la scène à l’occasion du SynthFest France 2017, qui s’est tenu au début en juin dernier à Nantes.

Ce concert, qui reprend des titres de son dernier album, et intègre des nouveaux thèmes musicaux inédits, a été filmé par huit caméras ! Afin de présenter au public son univers créatif dans sa globalité, Zanov a également réalisé la création vidéo qui accompagne sa musique.

PWM et Zanov Music ont mis en place un projet coopératif afin de réaliser un DVD de ce concert, édition limitée à une centaine d’exemplaires. Ce live en date du 3 juin dernier est réalisé sans ordinateur, et sans pistes audio de support, comprenez pas de backing tracks.

Extraits...

Le prix du DVD est fixé à 20 Euros, et les paiements seront remboursés si le produit n’est pas finalisé avant le 31 mai 2018. Vous pouvez d’ores et déjà réserver le vôtre sur le site de Patch Woirk Music.

Pour plus d’informations n’hésitez pas à contacter Zanov :

zanov.music@gmail.com

LP : Krautwerk

noreply@blogger.com (cyprien rose) — Thu, 06 Jul 2017 17:06:00 +0000

Eberhard Kranemann et Harald Grosskopf ‎présentent leur premier album : Krautwerk !

Que font deux légendes du Krautrock quand elles se rencontrent ? Du Krautwerk ! Cela peut paraître un peu surréaliste mais Harald Grosskopf (Synthesist, Ash Ra Tempel, Klaus Schulze) et Eberhard Kranemann (ex-Kraftwerk, Neu!, Fritz Müller) ne s’étaient jamais rencontré avant 2016 ! Le courant est apparemment bien passé entre eux puisqu’un album célébrera l’avènement du Krautwerk dès le 28 juillet prochain.

Immense, l’influence du Krautrock s'étend du rock à la techno. Originaire de Berlin et Düsseldorf, ce mouvement domine le paysage musical de 1969 à 1975, représenté par des artistes tels que Klaus Schulze, Can, Floh de Cologne, Neu!, Kraftwerk... Grosskopf et Kranemann mènent leur parcours musical sans se croiser. Si l'on se doute bien que l'un sait qui est l'autre, et inversement, il faut attendre l'éclair de génie d'un festival pour les programmer avec leur projet solo, et laisser opérer la magie...

DR Eberhard Kranemann & Harald Grosskopf

La suite est toute simple, ces fils prodiges du Krautrock se croisent pour la première fois, ils s'apprécient et décident de mélanger les sons des écoles de Düsseldorf et de Berlin afin de créer un album contemporain : Krautwerk !

Harald Grosskopf et Eberhard Kranemann transmettent leurs visions sonores cosmiques d'aujourd'hui, de demain et au-delà, sous la forme d’un album annoncé le 28 juillet prochain, via le label Bureau B, pré-commandes accessibles sur ce lien.

L’oeuvre se teinte de plages ambient, de séquences analogiques, d’ambiances cinématique, de pop onirique, de rock psychédélique et d’IDM, voici quelques extraits bien appétissant...

Tracklisting :

01. Midnight in Düsseldorf Berlin

02. Ou Tchi Gah

03. Texas Paris

04. Happy Blue

05. Buddhatal

BONUS

Krautwerk est également le nom d'un projet de Nico Steel.

Batteur sur les albums de Klaus Schulze, Harald Grosskopf a enregistré treize albums avec Ash Ra Tempel, et ses oeuvres solo, Synthesist et Oceanheart, sont considérés comme des classiques de la musique électronique allemande. Eberhard Kranemann a étudié la musique au conservatoire de Dortmund, et l'art à la Kunstakademie de Düsseldorf. Il est cofondateur des groupes Kraftwerk, NEU!, Pissoff et a publié plusieurs albums sous le pseudonyme de Fritz Müller.

Autant vous dire que les papis du Krautrock ont encore la pêche !

Making Of : Drop The Deal de Code 61

noreply@blogger.com (cyprien rose) — Tue, 04 Jul 2017 12:44:00 +0000

#NewBeat : un “making of” de “Drop The Deal” circule sur Youtube.

Souvent réalisé à titre promotionnel dans l'univers du cinéma, le “making of” est l’instant bonus. Dans le jargon des producteurs c’est du “programme feelgood”. Le concept, évidemment décliné à d’autres supports, est également utilisé en musique, notamment pour les clips vidéo ou pour raconter la création d’une chanson, et parfois révéler l’origine de certains samples.

Les producteurs de musiques électroniques brouillent parfois les pistes, que ce soit à propos de leur identité ou de l’origine des sons qu’ils utilisent…. Ces “making of” permettent d’en savoir davantage sur les éléments sonores d’un morceau, et donc d’identifier les “samples” utilisés.

Youtube regorge de surprises, c’est au cours d’une navigation à vue, de lien en lien, que l’on a découvert le “making of d’un projet discographique Belge, au début de la vague “New Beat”. Le titre Drop the deal sort en 1987, il est créé par Code 61, un groupe de producteurs Belge dont deux de ses membres, Renaat Vandepapeliere et Sabine Maes, sont les fondateurs du légendaire label R & S.

Le “making of”

Celui-ci n’a pas de présentateur, ni de voix off. Le montage, relativement sobre, dévoile donc le morceau avec les sons qui le compose. Si le sampling emprunte souvent aux décennies passées, il est très intéressant de constater qu’à l’exception des samples de Calypso from Jamaica d’Harry Belafonte, la majorité des échantillons proviennent essentiellement de films et de musiques des années 80, époque dans laquelle les musiciens puisent encore beaucoup aujourd’hui !

Documentaire : Hearing Madge

noreply@blogger.com (cyprien rose) — Fri, 16 Jun 2017 14:16:00 +0000

DR Andrea Lewis

Hearing Madge, le doc sur la mort en vinyle.

L’an dernier nous avons consacré un article à And Vinyly ! L’entreprise propose de créer quelques disques pour vos proches, des vinyles dans lesquels vos cendres, ou celles d’un proche, sont insérées…

Fondée par Jason Leach, And Vinyly propose une déclinaison de l’urne funéraire sur disque vinyle, il suffit d’envoyer les cendres à l’usine londonienne qui presse les disques, ces cendres sont ensuite ajoutées au vinyle qui peut également contenir un message en enregistrant la voix du défunt, ses musiques préférées ou d’autres sons, les habituels petits craquements sont ceux du défunt…

En 2010 Jason Leach fait les gros titres des journaux : son idée n’est pas toujours bien reçue, on lui reproche notamment de créer une entreprise macabre… Le film d’Andrea Lewis explore l'aventure de Leach au moment où il est approché par un homme qui cherche à conserver les souvenirs de sa mère qu'il avait enregistré peu de temps avant sa mort.

A propos du film

Ce documentaire, qui présente le travail de Jason Leach, propose une réflexion profonde sur les façons dont nous souhaitons nous souvenir de nos morts, mais aussi sur les façons dont nous souhaitons être présent auprès de ceux qui nous survivent. Une réflexion également abordée lors de notre interview avec le groupe Brandt Brauer Frick. Au-delà des contextes purement familiaux et amicaux liés aux décès de nos proches, le désir d’immortalité questionne éternellement, et survivre à sa propre existence par ce biais peut-être une option pour croire que l’on s’en approche, geek ou pas.

TELE MUSIC – COMPILATION 1

noreply@blogger.com (cyprien rose) — Mon, 12 Jun 2017 12:25:00 +0000

Teleband © Valentin Pinel

TELE MUSIC présente sa première compilation.

Afin de célébrer le 50e anniversaire de Tele Music, le producteur français Alexis Le Tan a invité quelques amis à travailler sur les remixes exclusifs de quelques pépites du catalogue. L’ensemble est masterisé par Chab, déjà vainqueur d'un Grammy Award, Tele Music - Compilation 1 sort le 23 juin prochain.

Confectionnée par les fans, et pour les fans, Tele Music - Compilation 1 est un recueil audio de réinterprétations modernes de grands classiques, les remixes inédits sont signés par : Joakim - Soulwax - Pilooski - Zombie Zombie - Nico Motte - Syracuse - Tolouse Low Trax - Joakim - Gilb'r + Vidal Benjamin - Velvet Season & The Hearts Of Gold - I-Cube Remix - Ron Morelli - D.K Remix... Une collection de remixes de Tele Music à destination des DJ, des diggers et des amateurs de musique.

L'histoire.

Fondé à Paris en 1966 par Roger Tokarz, Tele Music est la principale librairie musicale de France. Sa collection TMLP est considérée comme un trésor pour tous les diggers. En 2016, tous les titres de cette collection ont été numérisés et remastérisés. Découvrez le royaume méconnu de la musique d'illustration avec ce formidable livre anthologie, et ne manquez pas la discussion en Gonzaï et Rémi Agostini, le nouveau patron aux commandes de cette machine invisible qu'on nomme la Library Music.

DJ HELL - Zukunftsmusik

noreply@blogger.com (cyprien rose) — Fri, 09 Jun 2017 21:17:00 +0000

Cover of the CD, design: K. Zweibrücken © DJ Hell

Zukunftsmusik, c’est la musique du futur par DJ Hell.

Publiée en avril dernier sur International Deejay Gigolo Records, Zukunftsmusik est une œuvre moderne, riche et saisissante. Avec ce cinquième album DJ Hell dresse un constat aiguisé de notre société. D’ailleurs, en Allemand “Hell” ne signifie pas “enfer” mais “brillant”, ou “ce qui éclaire”, pas étonnant donc qu’avec plus de trente ans d’expérience cette figure historique de la scène techno soit l’un des curateurs du prochain musée des musiques électroniques de Francfort.

Le personnage ne vous dit rien ? C’est bien dommage, mais tout n’est peut-être pas définitivement perdu… Dès son adolescence Helmut Josef Geier se passionne pour les musiques électroniques au sens large : la techno, l'électro, la house et le hip-hop ont peu de secrets pour lui. La carrière de DJ Hell est éclectique, il a travaillé avec Puff Daddy, Grace Jones ou encore Bryan Ferry et a aussi été le premier à produire les producteurs français Miss Kittin & The Hacker à l’époque de l'électroclash au début des années 2000.

DJ Hell invite ses semblables à dépasser leur peur de l'inconnu : “d’où venons-nous, où allons-nous ? Chaque époque connaît des mouvements artistiques qui, comme nous en ce moment, essayent de donner du sens à ce monde incertain, le présent chaotique et le futur effrayant. Tous ces moments nous ont façonnés, notre musique et notre culture”.

Ce cinquième album studio, qui fusionne les nombreuses influences de DJ Hell, surprendra fort probablement les fans de tracks élaborés pour les dancefloors. Le producteur a en effet choisi de sortir des sentiers battus de la dance music afin de présenter une oeuvre plus propice à l’introspection. Avec finesse et intelligence, l’artiste rend hommage à la musique de ses maîtres (Kraftwerk, Moroder et Bowie) sans oublier d’y inclure les technologies de notre époque, mais aussi Internet, dont Google et Youtube, les cavernes d’Ali Baba pour tout créatif.

Véritable baie vitrée ouverte sur l’horizon, la fraîcheur de Zukunftsmusik (la musique du futur) se savoure sans lassitude. Au moment où de nombreux artistes et labels célèbrent 30 ans de musique techno à coup de rééditions, DJ Hell livre l’une des meilleurs oeuvres de l’année 2017, et probablement son plus bel album. Après la sortie remarquée du premier single "I Want U", en coopération avec la fondation “Tom of Finland” pour le clip vidéo, DJ Hell, a dévoilé un second single "Car, Car, Car", et nous a accordé une interview dans l’un des salons de l’hôtel Alba Opéra, juste avant le second tour de notre élection présidentielle.

Interview

HM : Comment l'homme peut-il trouver sa place, entre ses peurs et ses zones de confort ?

DJ Hell : Un homme, comme moi ?

HM : Comme toi, comme elle, comme moi...

DJ Hell : C'est une bonne définition, parce que c'est la question primordiale pour tout. Nous nous devons de trouver un équilibre et j'essaie de le faire tout au long de ma vie, comme tout un chacun. Bien évidemment j'essaie de le faire avec ce nouveau disque, et j'espère être très près de la réalité ! Ce n'est pas sûr, je verrai bien si l'album remporte beaucoup de succès, je ne sais pas car il sera peut-être incompris, ou mal compris, ou que les gens ne vont simplement pas l'aimer. S'il a davantage de succès que les travaux que j'ai pu effectuer auparavant, cela voudra dire que j'ai réussi à cristalliser la vérité et que les gens comprennent, et si tel est le cas ce serait parfait. J'aimerais pouvoir dire cela dans un an.

HM : Il y a des disques qui fonctionnent très bien sur le moment, et d'autres qui se révèlent des années plus tard, 10, 15 ou 20 ans, cela peut également arriver...

DJ Hell : Oui cela peut arriver, bien sur, mais ce serait trop tard. Je crois que je ne l'aimerai plus dans 20 ans. Je veux des réactions maintenant.

HM : Quelles sont tes plus grosses peurs, et où se situe ta zone de confort ?

DJ Hell : Une de mes plus grosses peurs, c'est lorsque j'abats une quantité énorme de travail - entre la musique, la promotion et le deejaying - et que la distribution ou les disquaires ne positionnent pas mon disque au bon endroit, au bon moment, je passerai donc à côté des bonnes opportunités. Je vais sortir six singles extraits de l'album. Parfois le dernier est celui qui fait la différence. Je ne cherche pas particulièrement à tout vendre, mais j'ai créé un concept pour chaque chanson. La musique, les formats, les visuels, les remixes… Il y a tellement de choses dans ce nouvel album, bien entendu je souhaite que le public l'apprécie, l'écoute et ressente des émotions, c'est pour cela que je compose, que je crée... Ce n'est pas que j'ai besoin de vendre énormément pour faire de l'argent, et acheter une maison, et une Porsche, euh non pas une Porsche, je préférerais avoir une Lamborghini... En fait non, je ne serai pas heureux avec la Lamborghini, j'achèterai plutôt une Tesla ! Je serai vraiment bien plus heureux avec une Tesla !

CAR CAR CAR

A CAR IS A CAR

IT DRIVES YOU NEAR OR FAR

IT TRANSPORTS YOU TO ALL KIND OF PLACES

THEY EVEN WIN RACES

A CAR IS NOT JUST A CAR

IT IS A HOME

AFTER A NIGHTLY ROAM

OF BEING ALL ALONE

YOUR CAR KNOWS THE WAY

DISPLAYED ON THE ASPHALT

CATWALK LOST IN THE OUTSIDE LANE

ADRENALINE PURE DRIVING MACHINE

A CAR IS A CAR

SHINY MEGASTAR

UNIVIDE SAVE SPACES

DEADLY METAL CASES

A CAR IS NOT JUST A CAR

HAPPINES CAN ALSO SCARE

CAR CAR CAR

IT IS WHO YOU ARE

HM : Et ça va dans le sens de tes inspirations en matière d'écologie, notamment pour nous permettre de mieux respirer sur notre planète.

DJ Hell : C'est pourquoi j'ai écrit Cars Cars Cars, cette chanson sur les voitures électroniques. Depuis de nombreuses années, il est facilement possible de ne plus utiliser de moteurs à combustion en ville, dans les taxis, les camions, les bus et les deux roues, en fait tout pourrait déjà être électronique. Ce n'est pas si compliqué avec l'appui des énergies renouvelables et des batteries électriques. Le pouvoir et le lobbying de l'industrie automobile sont encore très puissants, et je pense que c'est un scandale que l'électrique ne soit pas davantage utilisé. Tout cela affecte les situations politiques, les lois... Ce n'est pas le seul truc mais c'est ce que je peux dire à propos des voitures, et à propos du futur des voitures, c'est vraiment pour cela que j'ai écrit cette chanson.

HM : La vidéo qui l'accompagne est également très bien.

DJ Hell : C'est un copain qui l'a réalisée, c’est un artiste Suisse. Il a customisé ces voitures un peu spéciales, sans roues, un peu comme des objets volants...

HM : Oui, il joue beaucoup avec l'imagerie science-fiction des décennies passées, c’est une sorte de mashup des véhicules du futur.

DJ Hell : Oui c'est vrai.

HM : Lilium aviation, une entreprise allemande, avance plutôt vite sur son projet de véhicule électrique volant.

DJ Hell : Oui ils s'en sont encore au stade des essais de prototypes. Je pense que d'ici cinq ans on devrait en voir de plus en plus, mais pas dans toutes les villes.

HM : DUBAÏ vient de signer un contrat avec un constructeur chinois orienté sur la technologie drone.

DJ Hell : Peut-être que dans des villes comme celles-ci ça peut fonctionner, il y a davantage d'espace, mais je doute que cela puisse bien fonctionner à Paris...

HM: Exact, Paris est très réglementé, à moins d'avoir une dérogation spécifique, aucun véhicule volant grand public n'a le droit de survoler la ville.

DJ Hell : Je pense que cela peut radicalement changer dans les cinq à dix ans à venir. Bien sur c'est encore un peu difficile à imaginer, mais rien que ce que l'on voit avec tous ces drones, ces caméras, ces jouets… Ils transporteront bientôt des objets plus lourds, et puis des personnes.

HM : J’y vois un réel intérêt pour des zones géographiques isolées, et certaines ruralités, se rendre à l’hôpital d’une grande ville peut alors prendre trop de temps.

DJ Hell : C'est le futur très proche, et je suis très intéressé par ces avancées car c'est plus sûr, et plus rapide, on va gagner beaucoup de temps.

HM : Cars Cars Cars évoque donc la mobilité écologique du futur, mais c'est également un bel hommage à Kraftwerk ?

DJ Hell : C'est un très gros hommage à Kraftwerk !! Le son est totalement inspiré de leur musique, mais il ne s’agit pas d’une vulgaire copie car on ne peut pas les copier, c'est impossible ! C'est une très grande influence, et en plus ils n'ont jamais écrit de chanson sur les voitures.

HM : La plus proche serait probablement Autobahn, mais...

DJ Hell : Mais ce n'est pas une voiture... Ils ont aussi fait Tour de France et Trans Europa Express, mais ils ont laissé une ouverture... En fait je cherchai quelque chose que Kraftwerk n'avait pas abordé en leur temps, et qui convient à l'époque actuelle, avec les scandales des constructeurs sur la réglementation de la pollution, et avec l'émergence des voitures électriques, et tout cela arrive maintenant. Je pense que cette une chanson très forte, elle aurait pu être écrite par Kraftwerk et je suis très heureux de l'avoir faite.

HM : Tu partages un autre point commun avec eux, la bicyclette !

DJ Hell : Oui c’est vrai, je fais du vélo et eux aussi. Une fois j'ai invité Ralf à venir chez moi, parce qu'il a une famille et qu'il y a pas mal de balades chouettes à faire, et... Je le connais, c'est quelqu'un d'extraordinaire, c'est un super-musicien et j'étais très heureux de le rencontrer, de parler avec lui, mais aussi de gagner son respect car il apprécie ce que je fais. Parfois je le mets sur la Guest-List, mais il ne souhaite pas que les gens le reconnaissent alors on fait les choses un peu plus secrètement. Il vient parfois à mes soirées, et c'est vraiment un des plus beaux respects que l'on puisse imaginer.

HM : Il y a aussi cet outil audio pour la voix que tu utilises dans la chanson.

DJ Hell : "text to speech” c'est une application, mais moi je l'utilise avec Google. Je me suis d’ailleurs demandé si je n'aurai pas dû créditer un featuring avec Google... (rires)

HM : Tu n'y es pas obligé vu qu'il y a déjà un plugin.

DJ Hell : C'est vrai, mais cela aurait été plutôt drôle d'utiliser Google en featuring, dans les remerciements, parce qu'au final ils ont rendu ce truc possible. Il y a un petit côté futuriste, même si cela se passe aujourd'hui. Quand j'ai écrit la chanson je voulais que cela sonne différemment, j'ai essayé avec deux voix parlées, un anglais et un Allemand, en ajoutant des effets et du pitch... J'en suis très content cela sonne vraiment comme une machine.

HM : C'est réussi, cela fonctionne très bien !

DJ Hell : Et c'est seulement un programme (rires), ce n'est pas comme un humain, pas comme quelqu'un.

HM : C'est en ce sens que c'est très intéressant ! Dans les domaines de la robotique et de la synthèse vocale, les nouvelles technologies ont pour habitude d’imiter l'humain. Il y a alors tout un jeu sur la temporalité, cela évoque à la fois le passé, le présent et l'avenir. On pense à la dictée magique de Texas Instruments, à intelligence artificielle... Cette voix, typiquement synthétique, n'a de commun avec l'humain que son langage, et cette relative distance impose une émotion puissante. C’est très réussi.

DJ Hell : Et c'est pour cela que je le fais ! Ce serait super que le public soit également touché. J'espère que cela va leur plaire, ou qu'ils y verront quelque chose de spécial.

DR DJ Hell

HM : Le concept de l’album peut aider à prendre davantage conscience de l'époque dans laquelle on vit, c’est une piqûre de rappel artistique, efficace et sans douleur. Les deux segments "inferno" sont-ils inspirés de l'oeuvre de Dante ?

DJ Hell : Je pourrai bricoler toute une histoire autour de cela, mais la vérité est que je n'avais aucun nom pour ces pistes... Il y a évidemment une influence Morricone, mais aussi de beaucoup d'oeuvres, des films, de la musique classique, ou encore du Boards Of Canada, et il y en a beaucoup d’autres, j'aime tellement de choses... En fait c'est comme poser différentes couches sur chacun de tes travaux, en essayant de trouver le meilleur équilibre dans l'harmonie et la mélodie, mais aussi dans le romantisme ou bien des côtés un peu plus sombres. Ce sont seulement des émotions, tu joues avec tout cela, tout dépend de quelle dominante tu choisis parmi toutes ces couches, mais tout doit s'assembler parfaitement. C'est finalement la partie la plus importante. Lorsque tu mixes ces six ou sept couches ensemble, elles deviennent quelque chose de très beau. Si un tout petit bout est mauvais, le résultat ne sera pas plus beau, je crois que c'est très intéressant de travailler sur "l'inferno" de cette manière, et si tu écoutes bien tu te rend comptes qu'il n'y a rien d'"inferno" ou d’infernal dans tout cela, c'est davantage dans...

HM : Dans le processus de création.

DJ Hell : Oui, le processus ! Ce n'est pas l'enfer, c'est même exactement tout le contraire, mais j'ai pensé que le titre en contre-pied collait bien au concept de l'album.

HM : Les processus de création évoluent aussi avec l'arrivée de nouvelles technologies. Depuis tes débuts tu as vécu une partie de cette évolution, notamment avec les synthés, puis l'arrivée du midi et de l'informatique musicale... Quelle est ta vision sur l'évolution de ces technologies, comment tu te sens au sein de tout cela ?

DJ Hell : C'est de plus en plus facile ! Tout est disponible, et immédiatement ! Si tu oublies quelque chose, tu ouvres Youtube ou Google... (rires). Je crois que ces deux-là ont désormais un impact énorme sur la création actuelle, on les sollicite très souvent, dès qu'il y a un blocage on ouvre Google... Cela apporte pas mal de liberté, et parfois même de l'inspiration.

HM : Oui, et toi aussi tu utilises Google.

DJ Hell : Oui, dans ma chanson Guède par exemple, dans laquelle un homme qui arrive à un carrefour à la fin de sa vie doit prendre une décision. J'ai dû prendre une décision, et je l'ai trouvé sur Youtube. Je me suis dit : "wow, c'est fascinant", et cela arrive à chaque humain... C'est à chaque carrefour que nous décidons de la fin de notre vie, puis Dieu et la vie ne font plus qu'un... Guède est une divinité à laquelle croient beaucoup de gens (ndlr : les Guédé sont les esprits de la mort dans le vaudou, ils ont pour rôle de mener les personnes décédées vers l'autre vie), j'ai pensé que le message était suffisamment important pour vouloir travailler sur le sujet. Pour les paroles, j'ai utilisé des voix que j'ai samplé puis incorporé à la musique, j'ai joué avec le pitch, d'abord up puis down à la fin du morceau, pour finalement en faire une pièce d'environ neuf minutes.

HM : Notre corps est un médium. Il est le lien entre la terre et les esprits, le spirituel, et on le sent très bien avec cette musique.

DJ Hell : Ce serait vraiment super que tu ne sois pas le seul à l'avoir ressentie.

HM : Je ne dois pas être le seul... En revanche si pour nous c'est un fait, il y a des différences de “conscience” d'un pays à un autre, d'une culture à une autre…

DJ Hell : exact !

HM : Je te sais proche des Femen, pour qui l'engagement du corps est important. C'est un long combat, tu soutiens encore leurs activités ?

DJ Hell : Le fait est qu'elles connaissent une période réellement compliquée, le mouvement n'est plus aussi fort qu'il a pu l’être. La vérité est qu'elles ont été viré de leur bureau à Kiev ! Toutes leurs opérations internationales étaient planifiées la bas. Depuis elles ont voyagé vers d'autres lieux... Mais qui est ce politique français qui a attaqué et violé une femme de ménage déjà ? Il allait peut-être devenir président il y a quelques années... ?

HM : Dominique Strauss Kahn.

DJ Hell : Un homme hautement dangereux, comme le diable, impliqué dans de sales affaires, mafia, prostitution... Un des mecs les plus dangereux, on pouvait le voir rien qu'à regarder son visage. Fort heureusement il n'est pas au pouvoir, je ne sais pas où il est mais il est dangereux...

HM : Il n'est peut-être pas si loin...

DJ Hell : Oui mais il n'est pas aux affaires, ou alors peut-être en coulisses ?

HM : Tu sais que nous avons des élections en ce moment et Macron, l'un des deux candidats, aurait rencontré DSK plusieurs fois...

DJ Hell : Vraiment ?

HM : Oui, il y a quelques mois, Paris Match a révélé qu'ils se consultent régulièrement.

DJ Hell : Pour ?

HM : Peut-être pour avoir des conseils en matière d'économie… ?

DJ Hell : Et pour revenir au pouvoir ?

HM : Aucune idée, mais cela m’étonnerait qu'il soit inclus…

DJ Hell : oui, probablement en coulisses. On ne voit plus ces personnes mais elles sont encore là ! Merde, merde... Je ne savais pas... Bref, donc les Femen se sont fait virer, au prétexte qu'elles n'auraient pas payé leurs impôts et que le gouvernement Ukrainien aurait trouvé des armes... Comme ça, soudainement, des dizaines et des dizaines de milliers d'euro à payer tu vois... On leur a laissé 48h pour quitter le pays. Elles sont toutes partie, quelques-unes se sont installées à Paris, d'autres en Suisse... Elles ont dû fuir, la situation était vraiment dangereuse pour elles. Elles ont malheureusement perdu de la puissance depuis cette époque. C'est dommage car elles ont des connexions à travers le monde, et de bonnes idées. Selon moi, le plus important est qu'elles avaient de bonnes réponses à de nombreuses questions, notamment concernant leur condition en Ukraine. J'espère qu’elles auront de nouveau du pouvoir, même en politique. Anna, la fondatrice originale, sera probablement sur le devant de la scène, suivie par des jeunes et des moins jeunes. En Ukraine cela deviendra un mouvement très important, pour changer le pays en mieux. Nous sommes arrivé à un haut niveau, j'y ai contribué car même si je ne suis pas une femme je me sens très concerné. J'y ai vu l'énorme chance de participer à cette évolution, j'avais besoin d'être à kiev pour prendre part aux manifestations et en parler à la télévision officielle. L'univers du digital n'était pas nouveau pour elles, mais j'ai souhaité utiliser mon nom et le pouvoir qui va avec pour les aider, et on a eu pas mal de succès. Puis quand je suis parti de Kiev il a y environ deux ans il y a eu un film depuis diffusé au festival de Venise, mais que je n'ai pas encore vu, avec d'étranges reportages, venant je pense des opposants. Il y a aussi eu d'étranges articles mensongers dans la presse Allemande. J'étais sur place, et j'ai pris part aux actions, je peux donc en témoigner, et tout d'un coup je lis ces merdes…

HM : La tendance malheureuse des Fake News, ou des informations approximatives ?

DJ Hell : Oui, faux, complètement faux ! Ils fantasment des histoires folles. Comme le fait qu'elles auraient été contrôlé par un homme... Un homme que l'on a d'ailleurs jamais vu. Tout cela juste pour leur nuire, et cela a malheureusement fonctionné. J'espère sincèrement qu'elles vont pouvoir retrouver leur force, leur pouvoir, et relancer l'aventure.

HM : Et étendre les actions, notamment en faveur des droits LGBT, en Tchétchénie comme dans d'autres pays du monde.

DJ Hell : l'époque actuelle voit une sorte de retour au Moyen Âge...

HM : Parce que les gens sont en colère… ?

DJ Hell : Parce qu'ils sont perdus, ils sont confus. Ils ne savent pas quoi faire alors il sont prêts à suivent des gens comme Le Pen. J'espère que non car elle promet des changements et des promesses en forme de désastre. Les gens veulent quelque chose de différent, et même s'ils ne l'aiment pas certains la suivent juste pour avoir un changement. C'est arrivé avec le Brexit et avec ce fou de Trump.

HM : Et tu crois que cela pourrait arriver en France ?

DJ Hell : Je n'en étais pas convaincu jusqu'à hier, mais j'ai croisé à beaucoup de gens, depuis mon arrivée hier, la crainte existe aussi en Allemagne, la situation est dangereuse et je commence à douter.

HM : L'autre danger c'est aussi ceux qui sont certains qu'elle ne passera pas, qui minimisent le danger.

DJ Hell : Oui en Allemagne aussi on a cette impression.

HM : Tu es toujours impliqué dans le projet de musée des musiques électroniques à Francfort ?

DJ Hell : Oui, je suis l'un des curateurs et le musée ouvre l'an prochain, et je crois qu'il est temps que l'on montre au monde un musée sur l'histoire de ces musiques, et il ne s'agit pas uniquement de musique, car beaucoup de choses y sont liées, des films notamment, et pas seulement des documents de soirées. Il y aura aussi des instruments et la véritable histoire de ces équipements. Ce sera très utile car il y a tellement d'incompréhension, ou d'informations contradictoires sur l'histoire des musiques électroniques, particulièrement avec la version Européenne de la house et de la techno. Selon moi il y a une mauvaise interprétation à propos des origines et de ce que cela veut dire... Je suis heureux de faire partie de l'aventure de ce musée aux côtés d'autres curateurs comme Dita Mayer de Yellow, et d'autres personnalités de Francfort. On essaie de faire quelque chose de bien ! Et ce serait bien de voir ce musée également grandir à Berlin, ce serait l'un de mes premiers choix d’ailleurs car c'est une ville importante pour la techno, voire la ville de la techno ! D'autres villes suivront probablement dans l'ouest de l'Allemagne, et j'espère Berlin. C'est beaucoup de travail mais je suis très heureux de partager tout ce que je sais depuis mes débuts, je me devais de participer à cette aventure avec une belle proposition artistique.

DJ HELL - Zukunftsmusik

International Deejay Gigolo records

La culture du Digging chez TEDx Talks

noreply@blogger.com (cyprien rose) — Wed, 17 May 2017 16:46:00 +0000

La culture du Digging s'invite en conférence TEDx Talks

Les conférences TED, créés en 1984 en Californie, font désormais partie du paysage sympathique des Internets. Les TEDx en ligne sont rapidement devenus, sur un format proche du “stand up”, un passage obligé pour de nombreux créateurs. Les conférences, qui abordent avec passion des sujets variés des plus légers aux plus spirituelles, se sont notamment intéressées au Crate Digging.

Le Crate Digging est pratiqué par les collectionneurs de disques, dans le but d’approfondir leurs connaissances musicales ou de produire leur musique en peaufinant leur technique du sampling. C’est Alexis Charpentier qui s’y colle, avec son site Music Is My Sanctuary, ce spécialiste de l’archéologie musicale met en lumière des disques méconnus, et défend la culture du digging au nom de la mémoire collective, et plus particulièrement celle de la musique enregistrée.

Bonus

De nombreux labels aux amours musicales variées oeuvrent d’ailleurs en ce sens, à l'image de Hot Casa qui publie régulièrement de nombreux trésors.

Ryuichi Sakamoto : Async

noreply@blogger.com (cyprien rose) — Fri, 28 Apr 2017 10:17:00 +0000

Ryuichi Sakamoto présente l’album “Async”

“Async” est le tout nouvel album studio de Ryuichi Sakamoto, son dernier travail solo remonte à “Playing the piano - Out of Noise”, il y a déjà huit ans. Disponible dès aujourd’hui, le disque se décline en digital, en CD et en double vinyle, sur le label Milanrecords.

Diagnostiqué d’un cancer de la gorge en 2014, Sakamoto met sa sa carrière de côté pour se soigner, puis signe son retour en 2015 avec - est-ce un signe ? - la musique du film "The Revenant" d’Alejandro González Iñárritu. Avec ce nouvel album dans le sillage de la maladie, l’une des figures les plus passionnantes de la musique japonaise contemporaine livre une oeuvre majeure et très singulière.

Le disque joue et se joue du synchronisme, des nombres premiers, du chaos, de la physique quantique, des lignes de vie floues, de l'artifice, du bruit et de la musique. Cette plongée profonde dans l’espace intérieur fait d’Async l'un de ses albums les plus personnels, une fois encore Sakamoto touche en plein coeur.

Async

L’histoire d’amour entre le cinéma et le musicien n’est pas nouvelle. Async n’est pas une commande de cinéaste, mais Sakamoto a inclus un paramètre supplémentaire au processus de production, en conceptualisant la création de la bande-son d’un film qui n'existe pas, inspiré par Andrei Tarkovsky, l'un de ses cinéastes préférés.

Principalement enregistré et conçu à New York, l'album contient divers éléments tirés d’enregistrements de nombreux lieux à travers le monde, des Musées notamment. En plus du piano et de l’orchestration, le compositeur s’est créé une palette approfondie d'éléments acoustiques et électriques uniques, programmés et organiques.

S'inspirant des objets, de la sculpture et de la nature du quotidien, Sakamoto a composé et arrangé la musique, en prêtant une attention particulière à l'essence de chaque son, afin de les équilibrer soigneusement dans la perspective du “less is more”, un concept cher aux amateurs d’ambient. Async sort aujourd’hui, l’album est magnifique, courez l’acheter !

Pour en savoir davantage sur le travail et la vision de Ryuichi Sakamoto, découvrez l'interview de nos confrères d' ID Vice.

www.sitesakamoto.com

S36 - SAN¨TROP PEZ

noreply@blogger.com (cyprien rose) — Tue, 18 Apr 2017 14:56:00 +0000

Screener 36 présente trois titres Chill

En avril 2016 on vous présentait son travail via un EP et deux albums, dont celui pour le label Recycled Plastic. Dans l’attente d’une K7, prévue cette année chez AASC (Abstrait Amateur Sport Club), Screener 36 propose d’enflammer nos siestes (crapuleuses ou non) avec “SAN¨TROP PEZ”, une jolie pause electro-bucolique en trois titres solaires et vaporeux.

Synthés en suspension, rythmiques à l'ancienne, Screener 36 nage avec volupté dans les sonorités des années 90. Inspiré par certaines de ses influences (Carl Craig, Drexciya, Aphex Twin, Squarepusher...), il nous embarque dans une micro sieste réparatrice d'environ onze minutes…

SAN¨TROP PEZ

“2002” ouvre le bal et illustre ces instants, et ces sensations, qui restent après avoir appuyé sur pause. C’est le rayon de soleil accompagnée d’une légère brise au bord d’un lac, c’est le pack de bière qui se vide, c’est l’after chaleureuse entre potes, c’est la douceur d’une caresse soutenue d’un regard complice : pause validée en mode méditation, mode stone en stand-by… “SUPERETTE CITY”, l’instant smoothie du EP, c’est le plan-séquence en slow motion et bulles de savon. Scènes de cache cache entre rythmiques joueuses et bleeps sonores sur roulettes, ça pétille de saccades en finesse, on se laisse porter, on plane littéralement… “F03NK” débarque avec sa dose de malice, dans la continuité des ambiances aériennes il invite à la danse, encouragé par un breakbeat enlacé d’une ligne de basse chaude et vintage, puissante et funky. Le titre clôture l’ensemble avec un joli goût de “reviens-y”... Difficile de sortir de cette sieste avec une envie autre que celle de connaître la suite des aventures de Screener 36 !

K7 audio classées X

noreply@blogger.com (cyprien rose) — Tue, 11 Apr 2017 14:51:00 +0000

La chasse aux cassettes pornophoniques !

Exhumé des oubliettes par des passionnés aux quatre coins du monde, le porno vintage bande encore en analogique. ARCHEOTRON-XXX présente sa collection de K7 audio classées X ; moins de dix-huit ans s’abstenir (?)

Le disque vinyle est un objet culte vénéré par des aficionados aux quatre coins du monde, plus de 13 millions d’unités vendues en 2016. Les jeunes qui n’ont connu que le digital l’adorent, les anciens qui ont vendu leur collection à l’arrivée du CD chinent les oeuvres de leur épiphanie, le disquaire day et le marché de la platine d’occasion ont encore de beaux jours devant eux.

Un autre format n’est pas près de disparaître, la K7. Bienheureux sont les propriétaires d’un magnéto ou un véhicule équipé d’un lecteur car si l’on en trouve de temps en temps sur des étals de marchés et de supérettes, la cassette audio se refait une place remarquée dans les bacs des disquaires. Le marché n’est pas comparable à celui du vinyle mais il est en nette progression, environ 130K exemplaires vendues en 2016, soit 55K de plus qu’en 2015, dont 43% par le biais d'Internet ! On peut donc trouver des inédits et des rééditions, par exemple environ 3000 copies de Purple Rain (Prince) ont ainsi été écoulés.

Les nouvelles vies de la cassette audio

Les amoureux de la K7 sont nombreux mais ils ne font pas tous dans le neuf ou dans la réédition de grands standards. À l'image de l’artiste Alexis Malbert (Tapetronic), certains spécialistes font bande à part, et l’émission Tracks d’Arte lui avait d’ailleurs consacré une partie de son sujet sur les K7eurs. La K7 est une jolie petite niche de passionnés, et si vous êtes en possession de cassettes audio dont vous ne savez quoi faire, ou si vous connaissez des personnes susceptibles d’en cacher quelque part, n'hésitez pas à le contacter. Alexis collecte beaucoup de sons, il affectionne les curiosités en tous genres, et sur différents supports. Il en distille une bonne partie sur son magazine Discuts.

En parlant de miche, pardon, de niche… de nombreuses cassettes audio classées X ont été éditées dans les années 70/80, et distribuées sous le manteau, dans les stations-services et les sex-shops. Grâce à la curiosité et à la ténacité de collectionneurs comme Alexis, de nombreux trésors refont surface. Ces objets rares, il les dégote dans les vides greniers ou dans les poubelles, parfois il les achète dans la plus grosse décharge connue sur Terre et dans le cloud : Internet. Il raffole tellement de ces déchets audio qu’il a le projet de faire une édition spéciale : “Les MP3 poubelles d'Internet”. Au cours de ses nombreuses collectes, Alexis découvre quelques oeuvres X éditées dans les années 70-80 sur K7 audio. Au fil des années sa petite collection augmente, il décide alors d’archiver ses trouvailles sonores sur Archéotron-XXX, son blog dédié à ces fumeuses “K7 pornophoniques”. Difficile d’obtenir beaucoup d’infos sur ces oeuvres, car elles n’accompagnent pas nécessairement une K7 vidéo ou un magazine...

“il y a eu pas mal de boîtes de production et de distribution, mais vu le sujet c'est plutôt obscur, en fait il y a assez peu de traces laissées.”

ARCHEOTRON-XXX by ARCHETRON-XXX

Un patrimoine exceptionnel

Tout ce catalogue X audio représente une matière première non négligeable pour ses expériences, Alexis souhaite cultiver ce “côté un peu obscur”, avec l’idée de créer un label éphémère afin de rééditer ces oeuvres en série limitée. Sa première rencontre avec une K7 X ? Il ne s’en souvient pas très bien mais il en prend soin : “c'est quand même un ovni dans le genre !” Puis il en trouve dans le sud, à une époque où il visite régulièrement un dépôt-vente du style Secours Populaire, “un truc un peu caché, un gros foutoir incroyable”. Il y déniche des trucs pas cher, des K7, des vinyles et des CD. Un jour il apprend qu’ils vont se débarrasser des K7 car elles ne se vendent pas, “visiblement j'étais le seul à en acheter”.

“c'est de la pornophonie.”

Chagriner à l’idée que de potentielles pépites partent à la benne, Alexis leur propose d’acheter le stock pour 100 Euro. Environ 4000 K7 sont ainsi entassées dans sa voiture qui déborde de cartons et de caisses en plastique : “Je récupère souvent des cartons de K7 comme ça, chez moi j'en ai beaucoup, il y a de tout. Après il faut trier, et dedans j'ai trouvé des perles, dont quelques K7 X”. Certaines productions, comme celles de K7 Eagles, étaient vendues par correspondance, il en existait également sur vinyles 30cm. Un reportage d'Arte Radio sur les Disco Cassex en extrait des moments forts, “c'est de la pornophonie.”

“il y en quand même beaucoup plus de titres qui sont sorti en K7, c'est moins cher à produire que le vinyle (...) J'en avais trouvé deux vraiment obscures, j'en avais jamais entendu parler, les papiers sont mal imprimés et les K7 n'ont même pas de stickers. C'est édité dans le sud de la France, à Perpignan je crois, en fait il y a juste un numéro de Siret avec marqué Perpignan (rires), c'est génial quoi ! Il y a tout un catalogue indiqué derrière, donc il y en a plein, au moins une cinquantaine…”

Interview

Houz-Motik : Les sociétés de production de films X ont donc varié leurs activités, quelle description ferais-tu de ces fameux contenus ?

AM : les K7 X ont un contenu atypique pour de l'audio, mais le contenant est tout aussi intéressant car il a bénéficié d’un réseau de distribution différent de ceux pour la musique, il y a donc plein de choses à dire là-dessus. A priori c'était surtout vendu dans des sex shops et des clubs échangistes, mais aussi des stations-service, la cible était probablement les routiers (rires).

Ce n'était pas vendu avec des magazines ?

AM : en France je n'ai jamais trouvé de magazine qui allait avec, à priori c'était vendu seul. Cela s'est fait un peu avec des disques, aux États-Unis par exemple, il y en a eu pas mal de Magazines X vendus avec des Flexi Disc. J'ai aussi récupéré deux K7 X en Espagnol, celles-ci étaient vendues avec des magazines mais je ne les ai pas, ce sont des K7 produites par une société de téléphone rose, ils en ont sorti quelques-unes avec des histoires racontées par leurs hôtesses. Je les publierais prochainement sur le blog, elles ne sont pas mal ! En Espagne ils ont sorti quelques trucs, l'autre jour j'en ai loupé sur Internet, quelqu'un en vendait tout un lot, j'ai enchéri, mais j'ai perdu l'enchère… Ce qui fait le charme de toutes ces K7 c’est le verbe, il n'est pas négligé contrairement au porno d'aujourd'hui, qui est plus grossier et joue davantage sur le visuel. Avant il y avait quand même de sacrés dialogues, même si c'était écrit à l'arrache avec une patte lourde, il y a des textes avec vachement d'humour, c'est tout le charme de l'époque, ça fait presque partie de la littérature (rires). On trouve cela aussi dans des films mais je ne suis pas un expert dans ce domaine, je vous conseille d’en apprendre davantage avec le Dictionnaire des films français pornographiques et érotiques, de Christophe Bier.

C'est bon pour la paix des ménages de rentrer à la maison avec 4000 K7 audio ?

AM : ce stock-là est caché dans une cave chez des copains dans le sud (rires), j'ai trié et j'ai ramené chez moi l'essentiel, mais oui, j'en ai plein qui traîne encore ailleurs. Après j'ai mon atelier, et je mets tout dedans, ça traine pas ailleurs comme ça. C'est vrai que ce qui m'intéresse c'est plutôt des trucs un peu trash qui tombent aux oubliettes. Mais bon j'aime aussi la bonne musique, et c'est nécessaire dans mon domaine, car pour trouver les mauvais trucs faut connaître les bons, sinon tu te fais vite avoir. Mais je ne m'aventure pas trop dans la collection de vinyle même si c'est très tentant. J'en ai, mais pas trop, sinon c'est vite chronophage et c'est un gouffre financier, j’y mettrai tout mon fric. Je préfère me spécialiser dans la recherche de trucs plus obscurs…

Tu vis de tes travaux et de tes ateliers auprès de différents publics, tu donnes des concerts et tu peaufine tes créations que tu valorises avec le magazine que tu fabriques… Parle nous de ce travail pour Discuts.

AM : c'est un magazine trimestriel, autour du son et de l'objet sonore. Au départ j'ai fait un blog en tâtonnant, et avec mes recherches sur les différentes sortes de support de reproduction sonore, les formats habituels, CD, K7, vinyle mais aussi ceux passés aux oubliettes, je me suis rendu compte qu'il existait vraiment beaucoup de choses. Par exemple des choses sorties par des marques particulières qui ont voulu faire leur propre format et expériences. Je m'intéresse à cela plutôt dans une dimension art populaire et industrielle, l'artistique également, mais c'est autre chose et il y a plus d'experts. Je suis focalisé sur l'aspect populaire, l'idée est d'en faire une source un peu sortie des détritus, une matière première d'inspiration et de création. J'avais envie de partager ces matières avec ceux que ça intéresse, que ce soit des artistes, des curieux, des chercheurs ou des passionnés... Comme ma femme tient une imprimerie, on s'est dit que ce serait bien d'en faire une édition imprimée, du coup on travaille pas mal ensemble là-dessus, je produis tout le contenu et elle le contenant, avec le choix des papiers et la mise en page, ce qui est possible ou pas dans la création. J'avais aussi envie d’ajouter un gadget pour le petit plus, car aujourd'hui on trouve déjà beaucoup d’infos gratuitement sur le net. On est dans la création, le livre d'artiste est au format magazine. L'idée c'est d'aller au-delà du papier, comme ça parle beaucoup d'objets sonores, cela permet de réfléchir à l'objet mag que l'on a entre les mains, comment on le manipule, comment on lit l'information... Il y a bien sûr plein de paramètres qui se greffent dessus, comme les contraintes de budget. Si je fais un mag un peu en pop-up avec de l'intégration, il faut que cela reste pratique, que cela ne revienne pas trop cher, parce que c'est vendu pas trop cher. Il faut que ça rentre dans l'enveloppe et que cela ne pèse pas trop lourd. Il faut aussi trouver les bonnes idées… Chaque numéro a son propre thème, au début il y en avait deux ou trois par numéro, mais je préfère me concentrer sur un sujet. Du coup j'accumule plein d'info dans mes carnets, et quand j'ai assez de matière je traite le sujet.

Cela te permet de diriger tes recherches sur des choses précises ?

AM : au départ je cherchais des trucs dans le monde entier et il y a un tri de fou à faire, aujourd’hui je me cantonne finalement à tout ce qui est francophone. Je trouve ça très intéressant de développer un "répertoire francophone", ça met un peu un cadre à tous mes travaux. Pour tout ce qui est anglophone, aux USA par ex, dans les registres archéologie sonore et des médias, recherche d'objets un peu obscurs au niveau du son et de la musique, ils ont déjà tous les réseaux, ils sont nombreux et ils ont bien avancé ! Même si ça m'intéresse beaucoup je leur laisse leur matière, et puis avec la francophonie on peut voyager dans le monde entier, ce n'est pas limité à la France, j'ai par exemple pas mal de trucs québécois, j'y ai vécu un petit peu. J'ai aussi des trucs belges, il y a également des choses en Afrique…

Qu’a tu rapporté du Québec ?

AM : j’ai ramené toute une collection de K7, j'en avais d’ailleurs fait une édition spéciale sur un montage d'une heure. À l'époque les gens se débarrassaient de leurs répondeurs téléphoniques à K7, j'ai récupéré plein de matière à l'armée du salut, c’est l'équivalent des Emmaüs mais à dimension américaine, soit un sacré foutoir... C'est un peu là où j'ai commencé mes recherches, j’ai trouvé plein de choses, je me suis vite rendu compte qu'il y avait moyen de trouver des matières premières sonores dans les rebus. J'ai donc récupéré plein de K7 audio de répondeur toutes remplies de messages, j'étais comme un fou, je rentrais chez moi les écouter. Ce sont forcément des enregistrements uniques, j'ai des trucs de dingues ! Il y a parfois même quelques K7 avec des trucs un peu salaces...

C’est de l'archéologie sonore sociale en fait...

AM : oui c'est vraiment intéressant, les gens ont enregistré plein de trucs avec les K7, ils se sont fait leurs propres mixtapes, et il y en a sur Johnny Hallyday par exemple. Ce n'est pas toujours hip-hop ou de la musique branchée, c'est juste un outil qui est utilisé comme ça. Ils se sont aussi beaucoup enregistrés, les gamins notamment. Tu as également des corps de métier comme les médecins qui pratiquaient l’enregistrement, et ça, moi je récupère tout ! Sur la dernière que j'ai récupéré, c'est un gars qui parle à sa mère qui est hospitalisée, c’est une petite conversation qui dure une heure dans la chambre d'hôpital, ils parlent une espèce de patois assez difficile à comprendre, et à la fin de la deuxième face, il y a juste un passage de deux minutes où le gars a dû s'enregistrer tout seul, il raconte des trucs de cul, mais genre en chuchotant. Tu as le souffle de la K7 et quand tu tends l'oreille tu entends le gars en mode : "ah ouais ah ouais, je...". Peut-être qu'il se branle derrière, je ne sais pas... (rires). Il y a plein de surprises comme cela, parfois ce sont des K7 musicales où par erreur ils ont enregistré, tu tombes alors sur des bribes de la vie de tous les jours, et c'est beaucoup plus fréquent que ce que l'on peut croire en fait.

Cela doit te prendre un temps fou pour tout écouter, et pour archiver les sons…

AM : je récupère plein de cartons de K7, je les écoute toutes en accéléré sinon j'y passerai trop de temps, et dès que je commence à sentir un changement au niveau du son quand il y a un truc un peu bizarre j'écoute tout de suite, et c'est comme cela que je trouve plein de trucs. J'avais fait une édition Discuts là-dessus, avec tout le catalogue des pires trucs que j'avais trouvé et mis en ligne, tous les sons sont d'ailleurs en ligne sur le site Internet Archives.

Tu utilises également ces matières lors de tes concerts ?

AM : pas tellement, mais je me pose souvent la question sur comment utiliser telle ou telle matière pour mes lives. J'utilise des samples de trucs trouvés mais plus par rapport au sens des live, comme des effets gags, donc pas forcément ces matières-là. Pour les concerts je suis davantage axé sur une recherche sonore, et une méthode de manipulation, je fabrique mes instruments et je compose mes morceaux. Pour certains je crée même tous les sons. J'intègre parfois quelques samples entre les morceaux il y a des extraits de paroles qui sont tirées de trucs un peu obscurs, mais il faut que cela fasse sens pour le concert. Ensuite j'ai un boulot plus axé sur l’archéologie sonore et l’archivage, je me demande encore souvent comment archiver tout cela, car je n'ai pas un esprit universitaire, j'en suis conscient et je ne souhaite d’ailleurs pas entrer dans un système d'archives froides et classées. Ce qui me plaît c'est de les faire vivre, de les diffuser de manière créative, cela fait partie de ma démarche, je tente des trucs.

J'aime beaucoup ton projet Enregistr’Or.

AM : oui ça m'éclate bien, et comme j'aime bien tous ces sons récupérés à droite et à gauche, parfois j'ai envie de forcer la main, j'ai de plus en plus envie de cacher des enregistreurs, façon espionnage (rires). J'ai toute une collection d'enregistreurs à K7, de petits dictaphones à déclencheur de voix. Du coup je n'arrête pas d'y penser et j'ai commencé à faire une liste de lieux potentiels pour les installer de façon anonyme, sans évidemment dévoiler l'identité des gens, pour que cela reste neutre...

À la sortie des bars c'est pas mal !

AM : ah les bars c'est sur !

Ce serait intéressant d'utiliser un enregistreur de manière anonyme et consciente. C'est-à-dire que les gens connaissent son emplacement, par le principe du bouche-à-oreille et d’Internet. S’ils passent dans telle rue et s’arrêtent devant telle gouttière, il suffit qu’ils parlent pour être enregistrés, la seule règle pourrait seulement être de préciser le jour et l'heure, puis ce que tu as envie de dire.

AM : un peu le même principe j'en ai confié deux à des gens, dont un qui est dans une expo itinérante, dans les salles des fêtes de petits patelins en France, et j'en ai fait un autre qui a une autre forme que j'ai confié à une prof d'un lycée viticole du sud de la France. Le projet avance et ça se développe pas mal. Au départ je l'avais fait pour les mariages et puis je trouvais l'idée super, plein de gens m'ont encouragé à continuer. Comme tout projet ça met parfois longtemps à germer et à se mettre en place, donc là je commence à avoir quelques commandes spécifiques sur ce projet. Ça donne envie d'en proposer dans différents contextes, sous des formes différentes, car selon le lieu et l'utilisation il faut réfléchir à la forme. j'adorerai en mettre dans la rue, mais après il faut adopter une autre démarche...

En soirée ça doit être cocasse...

AM : oui, les conneries que les gens peuvent raconter à ce genre d'appareils quand ils sont bourrés, c'est génial ! D'ailleurs à mon mariage j'en avais installé un, façon livre d'or sonore. Tu t'attends à avoir des mots gentils mais à la fin, quand tout le monde est bourré au champagne, ça donne des trucs super ! Dans les bars, où dans une boîte j'y ai pensé, mais je n'ai pas encore pris le temps de démarcher.

Pour adopter un Enregistr’Or, ou inviter Tapetronic en live ☞ Alexis Malbert !

Kelly Lee Owens

noreply@blogger.com (cyprien rose) — Fri, 24 Mar 2017 17:12:00 +0000

Découvrez le premier album de Kelly Lee Owens !

Après le EP “Oleic” chez Smalltown Supersound, Kelly Lee Owens présente son premier album éponyme. La jeune Anglaise de 28 ans, qui a travaillé avec Daniel Avery et une partie du label Phantasy Sound, livre une oeuvre electro pop puissante, où l’intime se pare de boucles vocales et de rythmes envoûtants. L'album est disponible dès aujourd'hui.

Kelly Lee Owens vit à à Londres mais elle est originaire du nord du Pays de Galles, d’une petite ville éloignée de la scène club, là où la musique célèbre le mysticisme et la poésie...

Le pays Galles c’est “The Land of Song”

Si Kelly Lee Owens découvre tardivement les musiques électroniques, elle est obsédée par le format chanson. Gamine elle utilise les post-it de l’école pour écrire ses textes. “Le pays Galles c’est “The Land of Song”, un truc basé sur les voix et le storytelling”. À l'écoute de son disque, dans ce registre pop electro, certaines influences refont surface, on pense notamment à Massive Attack, Björk, ou encore à Kate Bush dont son oncle était amoureux... "Mais qui est cette créature mystique ? se demande-t-elle lorsqu’elle découvre une photo de l’artiste sur le mur de la vieille chambre de son oncle, chez sa grand-mère au pays de galles.

Manchester, qui n’est qu’à quarante-cinq minutes, lui tends les bras, à dix-neuf ans elle s'y installe et travaille pour un hôpital spécialisé dans le traitement du cancer. La jeune infirmière encore en formation croise le regard des patients en phase terminale, tous lui suggèrent de poursuivre ses rêves. Owens s’installe alors à Londres et travaille pour XL Recordings, Pure Groove, ou encore Rough Trade East. Elle y rencontre des producteurs, dont Daniel Avery, Gold Panda, Ghost Culture, mais elle est encore loin d’imaginer faire de la musique électronique.

Kelly Lee Owens by Kelly Lee Owens

Quand un jour Björk entre chez Rough Trade et demande le rayon techno, Kelly Lee Owens lui indique et se demande : “mais pourquoi écoute-t-elle la techno ?". Elle découvre l'album Vespertine et réalise qu’elle l'a enregistré en trois ans, en collectant des sons dans sa maison… “j'ai trouvé ça tellement dingue, j'ai adoré ! Je me suis dit que je pouvais aussi enregistrer des sons avec mon smartphone, en tapant sur des objets et en y ajoutant de la reverb pour arranger un peu, en cherchant il y a toujours moyen d'en faire un truc intéressant.”

Kelly Lee Owens, qui ne trouve pas son bonheur au sein d'autres groupes, s'intéresse alors aux musiques électroniques, aux logiciels, aux synthés, et parce qu’ils sentent que le feeling passe, Andrew Weatherall et Erol Alkan soufflent à Daniel Avery l’idée de travailler avec elle. Ce dernier lui propose alors de chanter pour un projet sur lequel il travaille et leur fructueuse collaboration donne naissance à Drone Logic !

Avery lui propose de revenir travailler au studio, afin d’enregistrer "Keep Walking", une ébauche de ses musiques élaborée durant le travail sur Drone Logic. “On s'est tous dit qu'il fallait le mettre de côté pour un autre projet et Dan m’a laissé utiliser le studio et tous ses synthés, j'ai eu beaucoup de chance”. Kelly Lee Owens gagne rapidement la confiance des producteurs, elle enregistre son album, petit à petit, “j'aime prendre mon temps, je ne suis pas si pressée”.

Son travail attire l'oreille attentive de Joakim Haugland, fondateur du label norvégien Smalltown Supersound, qui sort Oleic en octobre dernier, puis son premier album. Si le tracklisting de son EP est plutôt orienté dance music, Kelly Lee Owens ne se pose aucune limite pour son album. Sa musique parfois mystique navigue entre ballades lancinantes et méditations rythmiques.

Le titre “S.0” introduit délicatement le disque, tel un doux réveil en conscience il ouvre la porte à “Arthur”, en hommage à̀ Arthur Russell, l’un de ses héros. Ce titre a par ailleurs illustré le défilé de la collection automne/hiver 2016 d'Alexander McQueen. L’album inclut ensuite un beau moment de partage, en featuring avec Jenny Hval pour le single “Anxi”.

"Lucid”, dont on apprécie sa nouvelle version, est un bel hommage à l’influence de Bjork. On retrouve également l'excellent CBM déjà présent sur le EP. “Keep Walking”, le premier morceau terminé pour cet album, encourage chacun à prendre son temps, à savourer son parcours sur terre. Le disque se termine avec "8", environ 10 minutes d’ondulations vocales avec des drones en crescendo. On y croise ses influences mystiques et célestes qui ont servi d'échafaudage à son travail. Kelly Lee Owens recommande d'écouter "8" dans l'obscurité. Qui sait ? Peut-être que, comme elle et comme nous, vous y verrez votre place dans l'univers…

Une publication partagée par Kelly Lee Owens (@kellyleeowens) le 23 Mars 2017 à 4h39 PDT

Interview

Houz-Motik : cela s'enchaîne plutôt bien ces derniers temps ?

Kelly Lee Owens : oui c'est allé très vite, mais d'un autre côté c'est un processus assez lent d'un point de vue personnel, environ deux ans entre le début et aujourd'hui. C'est un peu étrange ce décalage entre le moment ou l'on termine un disque et celui où il est exposé à la lumière et au public, mais c'est super, je suis ravie que l’on puisse enfin découvrir mon travail.

Hier, NPR a mis ton album en stream, ça génère une petite émotion ?

KLO : Oh c'est un peu dingue comme émotion (rires), tu te dis que finalement un paquet de monde va pouvoir l'écouter, c'est à la fois un peu terrifiant et très agréable. C'est mon travail, c’est mon bébé, et il ne m'appartient déjà plus, c'est comme ça la musique...

Cela doit en effet paraître étrange de devoir partager son enfant avec un paquet d’anonymes...

KLO : (rires) oui carrément !

C'est un peu comme faire un enfant qui atteint l'âge de la majorité très rapidement, il est donc prêt à s'envoler du nid familial...

KLO : (rires) oui exact, il est déjà parti, tu l'aimes tellement et tu ne sais pas comment les gens vont réagir... J'imagine que c’est aussi le cas pour d’autres personnes, mais expérience je l'ai toujours souhaitée, mais sans trop savoir comment m’y prendre. En fait j'ai toujours été dans la musique, sans en jouer, je ne joue pas d'un instrument en particulier et je ne sais ni lire ni écrire une partition. Toutefois je crois que cela m'a donné une certaine liberté dans la façon de l'aborder, avec l’angle le plus organique qu'il m'est possible de donner, en restant très sincère. Je n'avais pas non plus la moindre idée de ce qu'était la production, mais j'ai tellement appris auprès de Daniel Avery et Ghost Culture, en travaillant au studio, en les interrompant, en leur posant sans cesse des questions, et Dan est quelqu'un de très ouvert aux suggestions. Cela s'est donc fait petit à petit, et puis j'aime prendre mon temps, je ne suis pas si pressée.

Une publication partagée par Kelly Lee Owens (@kellyleeowens) le 22 Mars 2017 à 3h41 PDT

L’album s’est fait en combien de temps ?

KLO : si je réunis tout le temps passé dessus je dirai environ deux mois... mais en fait tout s'est étalé sur une bien plus longue période. Au départ j'ai fait un morceau que j’ai posté sur soundcloud, les gens l'ont rapidement apprécié, j'ai été agréablement surprise, alors j'ai fait un deuxième morceau et j’ai pressé un vinyle pour que ça existe au-delà des Internets. De plus en plus de personnes sont venu alors vers moi, j'ai reçu beaucoup d'encouragements. J'ai adoré le processus, et j'ai mis les bouchées doubles sur mes créations. Ensuite j'ai cherché des gens pour m'aider à aller encore plus loin, j'ai pris mon temps pour sélectionner les personnes de mon équipe, dont pas mal de femmes en fait, il y a ma manageuse, ma bookeuse, mon attachée de presse, je crois que 90% du staff est féminin ! Bon ok, il y a aussi Joakim Haugland qui dirige le label "small twown super sound", mais c’est un féministe (rires). Le plus important est que sont tous des gens impliqués, je ne souhaite pas que mes collaborateurs soient seulement là pour l'argent, c'est évidemment important qu'ils soient rémunérés pour leur travail, mais honnêtement je voulais des personnes excitées par le projet, parce que ça me pousse à donner davantage, à aller plus loin.

En fait tu viens de créer une corporation internationale…

KLO : (rires) doucement, mais surement... C'est pour cela que je ne suis pas pressée, parce que l'on peut parfois se mettre trop de pression. Par exemple, l'adolescence est une période stressante et pas si simple, il y a beaucoup d'anxiété, mais en fait cela continue quand on a la vingtaine (rires). Souvent les gens ont besoin d'être reconnu quand ils ont vingt ans, en tout cas ils croient qu’ils en ont besoin, et peut-être particulièrement plus dans des villes comme Londres et Paris, mais en fait cette période sert à se découvrir soi-même, à faire des choix, savoir ce que l'on veut mais aussi ce que l'on ne veut pas, être qui l'on veut et non pas ce que les autres souhaitent. Je viens du pays de Galles, où ce n'est pas toujours facile, on est vite coincé, et a part s'assoir sur son cul il y a assez peu d'options tu vois, c’est du genre : "travail, gagne de l'argent, impliques-toi, essaye cela...". Je pense que l'on a toute sa vie pour explorer, rien ne sert de se mettre la pression pour que tout arrive tout de suite, il faut savoir savourer pleinement le voyage, et le processus. C'est ça la vie, tout se déroule comme il se doit, il faut évidemment travailler dur, mais surtout il faut se faire confiance.

Kelly Lew Owens © Daniele Fummo

Pourquoi avoir choisi la musique électronique ?

KLO : comme je ne sais pas jouer d'un instrument, je ne savais pas du tout ce que j'allais faire, et ce genre de processus me permet de faire...

Des sons ?

KLO : de la "musique"... ne soit pas injurieux (rires). Comment fait-on de la musique lorsque l’on ne joue pas d'un instrument ? Avec l'aide de la technologie bien sur ! Logic Pro c'est super, la musique c'est mon quotidien, c'est aussi mon travail depuis huit ou neuf ans en tant que disquaire. La musique c'est ma passion, je croise des gens intéressants, ça aide. Ensuite j'ai essayé plusieurs formules, j'ai fait des voix pour quelques projets mais je ne m'y suis pas toujours senti bien. J'ai joué dans un groupe pendant deux ans, je n'ai rien écrit, j'essayai juste de jouer de la basse mais ce n'était pas trop mon truc. Plus tard j'ai eu la chance de travailler avec Daniel. En fait, un jour il me téléphone : "Kelly, je suis en bas de la rue, tu m'accordes cinq minutes pour faire des voix ?" et je réponds simplement : "yeah, ok cool", et tout cela mène à Drone Logic !

Andrew Weatherall et Erol Alkan lui on dit : “toi et Kelly devriez travailler ensemble”, ils ont senti qu’il y avait une bonne énergie entre nous. C'est difficile à décrire, mais quand James*, Dan* et moi étions au studio les différents éléments de nos différentes personnalités se sont très bien entendu. C'est une belle expérience (*ndlr : James : James Greenwood de Ghost Culture ; Dan : Daniel Avery).

Comment étaient les début en studio ?

KLO : en fait on bossait encore sur Drone Logic quand j’ai présenté l’ébauche d’un morceau et on s'est tous dit qu'il fallait le mettre de côté pour un autre projet, et Dan m’a laissé utiliser le studio et tous ses synthés, j'ai eu beaucoup de chance, et le premier morceau de l’album terminé c’est “Keep Walking” ! James est aussi très important, c'est un ingénieur brillant. Il a rapidement compris que je savais ce que je voulais faire, il m'a fait confiance, j'ai alors réalisé que j'étais productrice. Finalement j'ai trouvé des personnes qui savent qu'une femme peut produire, parce que les femmes savent toujours ce qu'elles veulent, soyons réalistes (rires)

Oui (rires), on peut en discuter...

KLO : (rires) oui ok, ça dans quel domaine... mais elles savent être concentrées et dévouées à un projet. Je ne me suis jamais sentie limitée, car les personnes qui m'entourent affichent leur soutien, c'est très important de pouvoir s'entourer de ce genre de personne. Parfois il peut s'agir d'une seule personne mais ça compte tellement.

Une publication partagée par Kelly Lee Owens (@kellyleeowens) le 2 Mars 2017 à 4h06 PST

Comment a tu découvert la musique électronique ?

KLO : elle est venue à moi naturellement, organiquement, je n'y étais pas vraiment connectée, je n'y connaissais pas grand-chose, et je n'aimais pas particulièrement cela.

Tu n’en écoutais pas ?

KLO : oui un peu dans les années 90s, je me souviens des riffs de piano house un peu cheesy, mais j'ai toujours été davantage attirée par le format des chansons plus que par les instrumentaux. J'aime les textes et les émotions. Le pays Galles est souvent surnommé “Land of Song”, un truc basé sur les voix et sur le storytelling. Cela m'a pris un peu de temps pour me connecter avec les sons qui me semblent les plus organiques, mais maintenant ça y est, il n'y a plus de doute et j'adore cela. Capturer les sons, les fréquences... Tout ce qui nous entoure est en état de vibration constante, tout a donc une fréquence et certaines peuvent aussi débloquer des choses en vous, cela fait sens pour moi !

Petit à petit donc...

KLO : oui comme je te le disais au départ, cela ne sers à rien de se presser, tu ne peux pas toujours tout aimer en une fois. Quand j'ai commencé à bosser chez Rough Trade East, je me suis mis la pression du style : “il faut que j'apprenne tout par coeur”, mais en fait non, ce qui est parfait c'est qu'une personne est calée en punk, une autre en jazz… Moi j’étais au rayon “nouvelles musiques indie kid”, je savais tout sur les groupes émergents, j'avais les connexions parce que j'aime ça. Et puis on grandit, on découvre, on apprend. Je ne connaissais pas le back catalogue de chaque album de John Coltrane, maintenant oui, et aussi Alice Coltrane et tous ces artistes fabuleux. Ce n'est donc pas grave de ne pas tout connaître et de découvrir encore des choses, c’est ce que nous faisons tous, et même quand j'aurai 60 ans je veux encore être en recherche et découvrir des choses, pourquoi cela devrait s'arrêter, pourquoi devrait on tout faire et tout savoir d'un coup ?

Vous ne faites pas la même musique mais j’ai parfois pensé à Kate Bush lorsque j’ai écouté ton album, il y a une influence ?

KLO: oui, grâce à mon oncle, il en était obsédé... (rires). Quand je vais chez ma grand-mère au pays de galles, je séjourne dans la vieille chambre de mon oncle, toute décorée façon pop jusqu'aux étagères de bouquins. Les livres n'y sont plus mais les murs ont gardé la couleur qu'il y avait derrière dans les années 80. Je me souviens qu’un jour je choisis un livre et je découvre cette femme coincée contre le mur avec du blue tack (Patafix). J’ai dit : "mais qui est cette créature mystique ?", ma grand-mère m'a répondu : "oh mais c'est Kate Bush, c’est le coup de coeur de ton oncle tu sais". Je ne l'ai écouté que plus tard en fait, car j'ai découvert la musique non commerciale un peu plus âgée. J'ai grandi dans les années 90, ma mère n'était pas trop dans la musique, je n'ai pas d'histoire du genre mes parents collectionnaient des disques que j'écoutais... Je n’ai pas cette culture, j'ai tout découvert un peu par moi-même, ce qui n'est pas si mal dans un sens.

Et même si l'on aime écouter leurs disques quand on grandit, on aime aussi écouter ceux des oncles et des tantes, cela permet de s’affranchir des parents, car à l'adolescence il y a aussi besoin de s'en éloigner...

KLO : oui, c'est vrai ! Je me souviens, je trouvais mon oncle trop cool, notamment quand on m’a dit qu’il avait monté un groupe à l'âge de seize ans.

Une publication partagée par Kelly Lee Owens (@kellyleeowens) le 6 Oct. 2016 à 5h19 PDT

Je pose la question car tu en parles parfois, quel est ton sentiment sur la place des femmes dans la musique électronique ?

KLO : je ne me sens jamais limitée, dans mon boulot de disquaire je suis entourée d'hommes mais cela ne me semble pas étrange d'être la seule ou l’une des rares filles. Je suis juste là parce que j'aime la musique, j'ai peut-être des seins mais je suis là ! Il y a tellement de choses que nous avons en commun, parfois je trouve cela un peu absurde que l'on ait encore à en parler mais en même temps c'est important, car je crois que nous en avons encore besoin, les choses évoluent doucement...

sur les line-up également...

KLO : mais oui, parce que les gens en parlent désormais. Les organisateurs de festival sont plus impliqués, ils savent que s'il n'y a pas de femmes dans leur programmation ils vont avoir de mauvais retours et les femmes n’iront pas, car les femmes sortent aussi en festival... Je suis ravie que de nombreuses artistes émergentes intègrent les structures qu'elles ont toujours méritées. Un jour quelqu'un m'a tagué sur instagram, c’était un Japonais fan de techno, il a écrit : "mon artiste techno féminin préféré", j’ai juste répondu : “non il n'y a ni masculin ni féminin en techno, il y a seulement de la techno", il s'est excusé et il a remplacé sa phrase par “artiste techno préféré”. De plus, je ne me considère pas comme artiste techno, c'est juste de la musique, et peu importe qui tu es et d'où tu viens, ça existe et tu savoures pour ce que c'est.

Les étiquettes peuvent être polluantes, mais elles peuvent aussi orienter l’acheteur

KLO : c'est clair ! Mais c’est limiter ses possibilités, on a plus affaire à des oranges et à des pommes que l'on vend à tel ou tel prix. il s’agit davantage d’une tranche de vie...

Et plus particulièrement quand on écoute ton disque !

KLO : (rires) oui... mais je refuse d'être enfermée dans une boîte !

Toi non, mais le disque oui.

KLO : oui, le disque doit être dans sa boîte (rires). En fait je suis juste énervée par les sempiternels arguments des gens qui cherchent à catégoriser, je me met en dehors des catégories. Pourquoi veut-on que des gens aillent dans telle section pour trouver tel artiste ? Alors c'est humain de mettre les choses qui se ressemble entre elles, pour les comprendre, les catégoriser, mais je n'aime pas ça.

Oui c'est comme ton morceau “Lucid”, il y a combien de version maintenant ?

KLO : au moins trois sorties... (rires). J'aimerais que quelqu'un le remixe, et je l'ai d'ailleurs déjà fait moi-même, avec une version dance tirée d'un live, j'ai trouvé que cela fonctionnait bien. À l'époque j'étais très inspirée par l'album Vespertine de Björk, quand tu penses qu’elle l'a enregistré en trois ans, en collectant des sons dans sa maison, j'ai trouvé ça tellement dingue, j'ai adoré ! Je me suis dit que je pouvais aussi enregistrer des sons avec mon smartphone, en tapant sur des objets et en y ajoutant de la reverb pour arranger un peu, en cherchant il y a toujours moyen d'en faire un truc intéressant. Ça peut être n'importe quel son, j'aime juste l'idée, après il faut tout de même construire un truc qui a de l'âme, et basiquement j'ai besoin qu'il y ait de la vie et des émotions, j'ai besoin de sentir une connexion sinon je ne serai pas heureuse, et si je ne le suis pas moi-même comment te rendre heureux, comment toucher le public ? Cela sonnerait faux. Je me souviens d'une fois ou je samplais des clochettes, puis j'ai rangé mon smartphone dans ma poche et oublié de fermer le micro, j'ai descendu les marches à environ 120 bpm (rires), et quand j'ai écouté je me suis dit : “ok, on va s'en servir”, j'ai construit un morceau autour de cela et c'est devenu CBM, après avoir bien entendu transformé les sons et ajouter des choses.

Une publication partagée par Kelly Lee Owens (@kellyleeowens) le 28 Févr. 2017 à 3h29 PST

Dans quel état te sens tu lorsque tu composes ?

KLO : c'est comme une bénédiction en fait... C'est un peu étrange à décrire car je suis extrêmement concentrée. Le seul moment où je peux me concentrer sur une seule chose à la fois c'est quand je compose, et il faut avouer que c'est plutôt difficile de se concentrer sur un seul truc en 2017, et de batailler avec. Composer c'est comme une méditation, ça peut parfois être un petit peu stressant, comme pas mal d'autres choses, mais quand ça va bien et que je suis mon instinct, mes intuitions, j'entends les choses qui doivent venir et le les pose. Parfois je booste James pour enregistrer tout de suite, je suis un peu direct et pas toujours une personne facile dans le travail, mais ce n'est pas grave, je fonctionne comme cela.

Tu ne serais pas un peu perfectionniste ?

KLO : oui, je crois bien... mais ça me va. Parfois c’est difficile et je trouve mes limites dans certains détails, mais c'est aussi ce qui fait mon style.

Ils sont comment tes live ?

KLO : il y a d’abord eu une version du groupe avec boîte à rythme, synthé, Ableton Live, un violoncelliste et moi, mais je m'en suis lassée. Quand il y a un mec dans le groupe les gens pensent souvent que tu es seulement la chanteuse... Fort heureusement pas tout le monde, mais j'ai changé de formule, je suis seule car j'en ai vraiment besoin pour partager directement ce que je ressens, avec la musique que je fais.

Bientôt une tournée ?

KLO : oui dès la semaine prochaine, avec quelques dates chez les disquaires, puis Paris en avril… J'adorerai tellement avoir le temps de faire des recherches sur chaque lieu où je vais jouer, afin d'en savoir plus sur l'acoustique, mais c'est difficile...

C’est aussi chronophage, tu joues quoi dans tes DJ sets ?

KLO : John Talbot, Tiga, Odion, Vladin Yercha... Parfois je débute mes dj set avec Björk “Always is Full Of Love”, en variant la vitesse, j'aime solliciter la curiosité du public. En revanche, de mon côté je suis un peu "out of the loop". je ne sors plus trop, je l'ai déjà pas mal fait, quand je bouge c'est pour jouer, cela me permet de me concentrer sur mes productions.

Pour terminer, retour sur le stream de 'l'album par NPR, c'était hier ?

KLO : oui

Tu as pu mesurer l’impact ? Combien de followers supplémentaires depuis ? (rires)

KLO : je n'en sais rien (rires) ... En fait je follow quelques personnes mais je tweet assez peu, je sais juste que cela augmente dans la bonne direction. Je trouve que l'on y accorde un peu trop d'importance, et j'ai l'impression que Facebook reflète davantage l'engagement du public, il y a plus de monde, mais en fait je n'aime pas trop ça. Ce qui m'importe le plus c'est, les tastemakers, et les personnes connectées par la musique plus que par moi, dès que c'est moins organique cela m'ennuie.

On en revient à l’importance de la connexion

KLO : absolument ! Je suis connecté avec la musique, avec ce qu'elle veut dire pour moi, et avec les gens qui l'apprécie. Cette connexion musicale c'est un sauveteur, c'est un tout. Si quelqu'un peut extraire l'essence de cela, pour donner de l'espoir et de l'optimisme aux gens, pour donner quelque chose à quelqu'un, c'est comme ça que je vois les choses.

Une publication partagée par Kelly Lee Owens (@kellyleeowens) le 15 Mars 2017 à 1h46 PDT

La Chica Belleville : Oasis

noreply@blogger.com (cyprien rose) — Thu, 16 Mar 2017 19:50:00 +0000

La Chica Belleville présente son EP : OASIS

Oasis est le premier EP de La Chica Belleville, c’est aussi un univers parallèle et féerique où elle puise ses inspirations et analyse ses expériences. Nous l'avons rencontré il y a quelques jours, afin de parler du disque le temps d’un café. Elle est arrivé avec un exemplaire d’Harry Potter sous le bras, la magie est au coeur de son travail.

La Chica Belleville tire son nom de sa propre histoire. Musicienne franco-vénézuélienne, elle grandit dans ce quartier de l’Est parisien, ajoutant au métissage culturel de Belleville ses racines caribéennes. Son parcours musical est une route enrichissante, elle travaille avec Zap Mama, Mayra Andrade, Pauline Croze ou encore Yael Naim (en tant que membre des charismatiques 3somesisters). Ces collaborations lui font emprunter des chemins qu’elle n'aurait probablement jamais pris seule. Cet état de “constante découverte” éclaire son propre discours, jusqu’au moment où elle ressent le besoin de s'exprimer seule. Son but ? “être la plus sincère possible”.

OASIS (EP) by LA CHICA

La Chica Belleville est un mélange entre la France et le Venezuela, son héritage traditionnel côtoie ses influences modernes. Ses paroisses musicales hébergent la musique caribéenne, le folklore du Venezuela et la salsa, mais également la pop anglo-saxonne, dont un amour indéfectible pour les Beatles et Radiohead.

“Tout est venu de l'envie de réaliser une musique qui me ressemble”

Au coeur de son Oasis se mêlent pensées abstraites, introspections poétiques, frissons et émotions, et quand elle commence à écrire elle est loin d’imaginer la sortie d’un disque. Férue de collages, La Chica joue avec les textures sonores, elle sample, elle s’auto-sample même, puis ajoute sa voix, en Espagnol. Toute la base de sa recette est élaborée chez elle avant d’aller faire une mise en espace en studio avec un ingénieur du son, et le moins que l'on puisse dire est que cet EP de cinq titres est très beau et très envoutant. La magie y est évidemment pour quelques chose, puisqu'elle s'invite même jusque dans la conception des vidéos, mais les moments les plus magiques sont probablement sur scène, allez l'écouter !

Interview

Houz-Motik : comment s’est déroulée la conception du clip pour Oasis ?

La Chica Belleville : j'avais une idée de départ qui était de réussir à mettre en images ce qui pourrait se passer dans la tête de quelqu'un quand on le regarde. Lorsque l'on est face à une personne avec qui l'on discute, il ne se passe rien d'autre que la discussion...

HM : hum ça dépend, moi je vois plein de choses autour

LCB : (rires) moi aussi, mais pas tout le monde.

HM : évidemment non, pas tout le monde, "the lucky ones" comme pourrait le dire Grace Jones (rires)

LCB : (rires) en fait, pour ceux qui ne voient rien il s'agit d'une petite mise en images de ce à quoi cela pourrait ressembler

HM : et ça traduit assez bien ce que tu imaginais ?

LCB : oui complètement, j'ai beaucoup de chance d'avoir rencontré Marion Castera et Kelzang Ravach, deux personnes très douées dont j'aime beaucoup l'univers, et qui ont très bien su retranscrire tout ce que je pouvais avoir en tête pour mes deux premiers clips. Un ami m'a montré un de leur clips d'animation, en me disant “je pense que cela va te plaire”. Cela faisait un moment que je cherchai des gens inspirant pour mettre des images sur ma musique, et là ça fonctionne !

HM : qu’est-ce qui t’a séduit dans le format du EP ?

LCB : Ce que je trouve pas mal dans le EP ou dans un petit format en général, c'est que c'est moins long à réaliser. C'est plus cohérent dans l'ensemble et ça reste le mood du moment, c'est ça qui me plait.

HM : la question que l’on doit souvent poser à un artiste après son premier EP : une envie d’album ?

LCB : faire un album oui pourquoi pas, car j'ai déjà écrit d'autres chansons et je vais continuer... Mais si sur le moment je trouve que cela a plus de sens de faire un EP ce sera un EP, et si j'ai tout ce qu'il me faut pour en faire un LP pourquoi pas. S'il le faut je sortirai titre par titre, avec des visuels, ou un autre support. L'aspect marketing ne m'intéresse pas trop, j'aimerais juste rester en phase. Evidemment c'est plus facile pour tourner avec un album qu'avec un titre, mais j'aime aussi mon indépendance, et on n’a pas toujours tout le contrôle de l'album avec un label, cela peut être assez frustrant et j'ai moins de patience à ce niveau-là.

HM : tu décline et développe le EP sur scène ?

LCB : oui, avec deux formules. Une en solo avec mes claviers mon micro et un pad, et une en trio avec Elise Blanchard à la basse et au Moog, et Rémi Sana à la batterie et au SPDS. Il y a forcément l’envie d’aller au-delà du disque, curieusement cela marche mieux avec certains morceaux que d'autres, en trio par exemple ça marche bien tel quel. Pour d'autres, j'aimerais des reprises en acoustique, comme pour Oasis dont j’ai fait une vidéo en version piano voix, avec un sample de baguette et un stomp pour le kick.

HM : comment définis tu ton processus de création ?

LCB : en général c'est toujours mental mais on va dire qu'il y a deux méthodes. Un truc très mental qui est comme une envie d'une structure et d'un mood que je vais avoir dans la tête, que j'ai besoin de retranscrire, donc je vais essayer en laissant sortir les premiers mots façon écriture intuitive, ça marche avec les notes, je pars au piano et avec les deux ou trois trucs que j'ai autour de moi pour faire une rythmique. Très vite je vais avoir la forme d'onde générale avant d'entrer dans le détail. Parfois, ça pars juste d'un gimmick ou d'un riff de piano, ou de synthé, sur lequel j'ai envie de poser des mots.

HM : un peu comme en cuisine ou en pâtisserie, tu agrémentes ton appareil, pâte feuilletée ou pâte brisée ?

LCB : feuilletée je dirai... et brisée (rires) hum, plutôt "brilletée" en fait.

HM : on sent bien que tu es une adepte des collages...

LCB : je suis faite de ça, c'est un peu ce qui m'a construit, et puis j'adore utiliser deux choses qui à priori n'aurait rien à foutre ensemble, et qui donne un truc super un fois réunies. J'aime le principe du random, du hasard et puis on a de nos jours des outils, des logiciels qui nous permettent de découper des fichiers, d'en changer l'ordre... On tombe parfois sur des formes superbes, et j'adore l'imprévu.

HM : L'accident sonore, c'est le bon copain du musicien ?

LCB : Oui, je suis fan de ce genre d'accident. Il y a plein de projet qui en foirant donnent vie à de belles choses, parfois dix fois mieux que ce dont à quoi j'avais pensé au départ, donc gardons.

HM : Oasis, c'est un accident au départ ?

LCB : Je crois que c'est parti au piano, que c'est venu de plusieurs expérimentations, j'essayai de mettre des choses ensemble, je ratais à chaque fois, et j'ai décidé de tout garder , c'est ce qui donne les sons, les bruits que l'on entend derrière. Je testais des trucs, et je me suis dit que je ne ferai pas mieux.

HM : tu ne donnes pas dans le perfectionnisme ?

LCB : pour certaines choses oui, mais globalement il faut que je sois satisfaite de l'ensemble. Mais si sur le moment ça me plaît comme c'est, je ne vois pas pourquoi je me prendrai la tête à le refaire. Cela va peut-être sembler horrible... Mais la rythmique, je l'ai enregistré avec mon smartphone. Je me disais que je voulais un truc comme ça, je l'ai enregistré et puis l'ambiance de la pièce me plaisait, alors j'ai décidé de garder ce son.

HM : Il y a différentes "écoles" dans la façon de faire (...) les technologies permettent d'utiliser des matières, comme le MP3, sans que cela soit dégueulasse. Pour son album Samouraï, JOAKIM s’est servi d’un enregistrement de saxophone, qu’il a capturé à la sortie d'un Parc à NYC. Dans son dernier album, Yaron Herman a utilisé des sessions de travail enregistrées avec son smartphone...

LCB : Je suis assez fan de ça... J'enregistre énormément dans le métro, et dans la rue. Il y a des moments qui me plaisent, je les capture, j'ai un bon paquet de mémos avec différentes ambiances.

Une publication partagée par LA CHICA (@lachicabelleville) le 20 Août 2016 à 0h54 PDT

HM : peut-on expliquer de quoi parlent tes chansons, pour les gens qui ne parlent pas espagnol

LCB : il y a beaucoup de métaphores dans Oasis, notamment comment on peut auto saboter une relation parce que l'on n’est pas en phase avec soi-même, que l'on est pas encore OP sur la question, quand il y a trop de choses à régler. Cela raconte la tristesse que l’on ressent dans ce genre de moments où l'on s’est soi-même plongé. Pourtant, on y trouve paradoxalement du confort, pour se réfugier à l'intérieur de soi. On cherche son oasis pour être bien, et on laisse s’échapper l'oiseau qui cherchait à entrer dans ce monde imaginaire.

HM : ce confort n'est pas vraiment un idéal...

LCB : absolument pas un idéal.

HM : comment le trouve-t-on ?

LCB : on bosse sur soi-même, afin de ne pas répéter certains schémas. Il faut aussi prendre des risques, s'ouvrir. Si je traduis le texte, la voix dit : je m'ouvre, je me ferme, je peux être très proche et puis très lointaine... Il y a cet oiseau qui entre et qui commence à se balader dans mon ciel, à force de me chercher en volant si haut, il ne me trouve pas, je ne le laisse pas me trouver, il finit par se perdre dans ce ciel. J'en ressens une immense tristesse et je vais chercher cette oasis, ce point d'eau, cette mini-mer a des paroles réconfortantes et me dit qu'il va falloir apprendre à aimer. Il y a deux mots que je répète deux fois : precio scaro, pour le prix à payer est cher. C'est comme si j'allais chercher tout ce savoir au fond de moi, et que le prix de cette connaissance est la solitude. Cela en vaut la peine mais ça coûte cher, puis il ya des voix qui s'expriment comme si d'autres personnes venaient donner leur avis, en anglais pour marquer la différence de personnes : “ne penses-tu pas qu'il va re essayer, ne pense tu pas qu'il en souffre, qu'il pleure ? Ne le veux-tu pas à tes côtés ?”, et ces questions restent sans réponses...

HM : et pour les autres chansons ?

LCB : El Reso, la seconde, veut dire la prière, le psaume. C'est une chanson sur la difficulté que je peux avoir de me trouver à Paris, de vivre à Paris. Ville que j'adore mais que je peux aussi haïr, comme dans une histoire d'amour finalement, comment j'ai peine à me trouver, je me sens parfois très désorientée et j'essaie de faire cette prière pour me retrouver. Je pense que beaucoup de gens peuvent facilement se sentir désorientée à Paris, même si elle est belle et magique parfois, cette ville n'est pas facile. Elle éteint un peu les gens, elle a pourtant tout pour être géniale... Paris ville lumière, les lumières, je les trouve parfois un peu...

HM : un peu LED ?

LCB : oui, un peu passées aussi. Pourtant il y a plein de gens qui ont des choses à dire, il s'y passe beaucoup de choses. Du coup ce petit psaume me dit de garder la foi, et d'essayer de donner un effet différent à cette vie, de ne pas se laisser bouffer. Ensuite, la troisième, Be able, un genre de mantra que j'aime me chanter à moi-même, c’est : “fait des choses pour qu'il se passe des choses, fait et tu verras bien ce qui se passe.”

HM : je ne suis pas un spécialiste des mantras, on en trouve aussi en Amérique du sud ?

LCB : il y a de la transe, qui passe aussi beaucoup par la musique et les rythmiques, et la répétition de n'importe quel pattern. Cela peut être aussi du psaume, au bout d'un moment on se déconnecte un peu,

HM : comme une méditation...

LCB : oui, d'ailleurs ces deux chansons finissent par une phrase que je répète en boucle à la fin. Sur Be Able je dis : “on ne peut commencer à être soi que lorsque l'on se lève pour faire, ou être.” La quatrième, El Angel, est une chanson d'espoir qui parle d'un avortement. Chacun peut l'interpréter comme il l'entend. Dans la chanson je m'adresse avec de l'espoir à cette entité perdue. Et le dernier morceau, Vale La Pena, c'est une question que je vais poser à l'autre : “ne penses-tu pas que cela vaut la peine en fait?”. C'est de loin la chanson la plus positive que je n'ai jamais écrite... (rires) Il y a ce conflit interne, ces blocages et tout un tas de choses que j'aimerais faire ou dire, mais sans y arriver. Alors je m'invente des stratégies et je dois paraître un peu rigide car en face l'autre ne s'en rend pas compte, alors qu'il y a tant de choses que je souhaite dire. Je le fais en disant ce qui me passe par la tête à ce moment là, en écrivant sur la contradiction entre mon physique mes gestes et mon mental. La question qui est posée c'est : “qu'en penses-tu de ce que tu ne dis pas et qui en vaut la peine ?”. Sauf que je ne le dis pas mais que je le pense très fort, comme si les idées pouvaient sauter directement dans le cerveau de l'autre, et que tout soit réglé.

HM : hmmm, c'est pour bientôt ça !

LCB : (rires)

HM : ce sera pour le deuxième disque, faut encore attendre un peu mais ça va venir...

LCB : (rires) en 2028, elle réalise son 2e EP... Vale La Pena, c'est une jolie chanson d'amour en fait. Cela veut dire que l'on a envie qu'il se passe quelque chose.

HM : donc tu partages aussi ces prières sur scène...

LCB : j'aime le processus, d'aller exprimer à l'autre des choses que je me dis au départ à moi-même. C'est chouette de les libérer, ça peut devenir lourd de tout garder pour soi. Je crois que l'humain a besoin de s'exprimer, quand on voit le nombre de gens qui parlent seuls dans la rue, cette volonté de parler pour parfois rien dès qu'il se passe un truc, tout est prétexte à communiquer, notamment à Paris où il y a tellement de solitude et d'individualisme. C'est compliqué, on sent que les gens ont besoin de parler ici, ils vont se lancer et se prendre un vent monumental car personne n'a envie de les écouter. Personne n'a envie d'écouter ce qu'ils ont à dire, au mieux ils vont faire un sourire gêné. Je dois dégager une écoute ou une oreille malgré moi, car il y a énormément de gens qui viennent me parler dans le métro, ou dans la rue, pour me raconter leur vie. Ils ont raison quelque part car j'ai du mal à ne pas écouter l'histoire jusqu'au bout. C'est une tranche de vie, la personne me propose une histoire de vie, alors j'écoute. Parfois ce n'est pas très intéressant et d'autres fois c'est assez surprenant, et je me dis tiens il a eu envie, ou besoin, de dire cela à ce moment-là, comment c'est arriver là ?

HM : Et toi, tu abordes aussi les gens pour leur raconter un truc ?

LCB : Cela m'est déjà arrivé d'engager la conversation, mais peut-être davantage avec des personnes âgées, et dans d'autres pays. Ici, je trouve que c'est plus difficile à réaliser. Pour avoir pas mal voyagé ailleurs je sais que j'ai moins de mal à engager une conversation dans un autre pays, peut-être que l'on s'autorise plus de choses à l'étranger, on est moins centré, parce que l'on s'est décentré. En plus les vieux dans d'autres pays sont d'une génération ou la communication n'était pas la même. Je me dis que c'est possible, que cela existe, et que c'est moins absurde ce moment où je vais arriver et leur parler, il vont me répondre et on va avoir une conversation. Je l'ai vécu dans plein de pays, surtout des pays où parler à l'autre n'est pas un tabou. Je comprends qu'ici les gens aient du mal.

HM : as-tu déjà imaginé la musique que tu ferais si tu n'étais pas ici ?

LCB : oui, complètement. Et elle serait peut-être plus solaire.

HM : elle l'est déjà, même avec son petit voile de mélancolie.

LCB : comme ce voile qui habille Paris, avec derrière lui cette photocopie du soleil, donc qui ne chauffe pas, il reste là mais ce n'est pas lui, je ne sens rien, donc ce n'est pas lui. Je pense que je suis aussi très inspirée par l'urbain, j'adore la nature et j'en ai souvent besoin, pourtant c'est l'urbain qui reste, il faut réussir à trouver un équilibre.

HM : les gens ne se parlent pas, et il y a comme une sensation de confort, ou rassurante, à vivre une solitude entouré d’anonymes. Finalement l'Oasis c'est aussi un peu ça, se noyer dans cette atmosphère ?

LCB : ça peut complètement être associé à ça, parce que se balader un vendredi soir, ou un samedi soir, dans un quartier où il y a plein de monde, où il n'est pas trop tard, que ce n'est pas encore trop mauvaise vibe, genre à Oberkampf ou quelques coins dans le Marais. Ce sont des endroits super-cool jusqu'à ce que ça vrille et que ça passe du côté obscur. Cela m'est arrivé d'y passer pour me rendre d'un point A un point B et de profiter de cette liesse du weekend, de l'alcool, des potes, tu traverses ce truc-là et tu te prends un peu toutes ces émotions pas trop maîtrisées, lâchées comme ça, c'est rassurant. Ce n'est pas une scène de guerre quoi, c'est plutôt cool ! C'est rassurant de savoir que les gens sont là, même si on est solo. Moi je peux fonctionner comme cela, je peux me greffer dans une ambiance, et en sortir quand je veux, quand je n'en ai plus envie, ça c'est cool. Je ne pense pas être faite pour la solitude physique.

HM : Tu es venue avec Harry Potter sous le bras...

LCB : je crois que je suis très attachée à la magie, j'adore ce principe d'avoir un monde où il y a de la magie. Il faut dire que J. K. Rowling est très douée, elle décrit tout avec tellement de détails, ça donne envie. J'ai l'impression de vivre tout ça, j'adore les livres qui me mettent dans l'ambiance de ce qui est en train de se passer. Si c'est horrible j'en dormirai mal le soir, alors que c'est juste Harry Potter... Il y a tellement de symbolique derrière tout ça, et c'est également tellement drôle, je pense que les films sont un peu passé à côté de cet aspect-là. Les personnages secondaires sont généralissimes et drôles, et c'est à ceux-là que l'on s'attache. On ne s'attache pas forcément à Harry, on le comprend on le voit évoluer avec ses défauts, c'est marrant. Les autres personnages sont extrêmement bien traités, il y en a beaucoup et cela a tellement de sens tout ce qu'elle dit, elle a tellement bien pensé à tout, elle est très très forte. Moi j'ai besoin de magie dans ma vie, j'ai un peu retrouvé ça aussi avec 1Q84 de Murakami. Une très belle description à la japonaise, avec beaucoup de détail, c'est fabuleux, une fois commencé je ne peux pas m'arrêter de lire. Il nous plonge aussi dans une espèce de monde parallèle où l’on ne sera jamais ce qui s'est passé, est-ce que c'est rêvé ? Est-ce vécu ? Est-ce magique ? Voilà, ça me parle beaucoup.

HM : la magie est également présente en Amérique du sud...

LC : Je ne sais pas si cela vient de là, je ne me suis jamais posé la question, mais j'aime beaucoup le principe du rituel, la mise en situation de quelque chose, préparer l'instant. Cela peut parfois s'apparenter à de la magie, je pense que c'est juste se conditionner pour vivre mieux. C'est vrai que l'Amérique latine est pleine de cela, le chamanisme est partout au Venezuela, et le chamanisme c'est juste un éveil, une conscience au-delà de celle que l'on a l'habitude d'avoir, la plupart du temps on est quand même très endormi. J'aime bien les légendes, parce qu'elles entraînent des rituels, et parce qu'elles ont toujours un enseignement qui peut arriver à un moment improbable, et imprévu dans la vie, ça me plaît.

Une publication partagée par LA CHICA (@lachicabelleville) le 10 Oct. 2016 à 4h27 PDT

Joakim, artiste Samuraï contemporain

noreply@blogger.com (cyprien rose) — Thu, 09 Mar 2017 20:03:00 +0000

Joakim présente Samuraï Sortie le 17 mars 2017

Expatrié à New York depuis cinq ans, Joakim trace son sillon loin des sentiers battu. Nous l’avons rencontré afin de taper la causette autour de cet excellent disque ; il sera prochainement à Paris pour fêter la sortie de son sixième album.

En 1999, alors que la French Touch alimente encore toutes les conversations, Joakim Lone Octet sort l’album Tiger Sushi sur Future Talk, une sous-division du label Versatile. Si Joakim fuit les compromis et souhaite s’affranchir des étiquettes, il appartient tout de même à un registre artistique : celui des personnalités qui revendiquent une totale liberté, et qui refusent de sous exploiter l’étendue de leur talent.

Multicartes, “slasheur”, il signe de formidables prescriptions musicales lors de ses DJ sets et sur ses labels, Tigersushi et Crowdspacer, dont il crée la majorité des pochettes et des visuels. Avec sa casquette de producteur il soigne Zombie Zombie, Poni Hoax, !!! Chk Chk Chk, Juvéniles... Il remixe et revisite les oeuvres de Charlotte Gainsbourg, Todd Terje, Antena ; bichonne le design sonore et musical des bandes-son des défilés Chanel, Margiela, Balenciaga ; crée la ligne Tigersushi Furs avec sa cousine et ajoute son nom à la liste des artistes contemporains à suivre lorsqu’il signe ses installations sonores, ou participe à celles de Camille Henrot... Joakim fait ce qu’il sait faire, et surtout, comme il veut le faire !

“Tant que je peux continuer à faire comme que je l'entends, je le fais ! Après, on verra combien de temps cela peut durer.”

Samuraï est probablement son oeuvre la plus introspective, ce sixième album dévoile une création synthpop et electro, à la fois moderne et vintage. Le producteur, qui explore le concept “less is more” sans tomber dans le minimaliste, savoure un processus fait de spontanéité, de collages et d’illustration sonore. Joakim suit ses intuitions, il ouvre parfois le micro de son téléphone et capture des fragments sonores de la ville de New York, où il s’est installé il y a déjà cinq ans.

“je documente souvent ce que j’entends et ces enregistrements se sont retrouvés dans plusieurs passages du disque nous ramenant à cette idée de la déambulation urbaine.”

Joakim © Lena Shkoda

Ce sixième album est un disque métissé, son quotidien urbain est accompagné de sa fascination pour le pays du soleil levant. L’artiste évoque la lecture de l’ouvrage “Le Japon moderne et l’éthique samouraï”, de Mishima, et lorsque l’on cherche parmis les possibles origines des Samuraï, on trouve les Kugutsu, des nomades qui parcouraient le pays avec leurs spectacles de marionnettes et d’acrobaties. Difficile alors de ne pas faire un parallèle avec la vie du producteur expatrié, parcourant le monde avec ses concerts et ses DJ sets.

“Pendant que je travaillais sur cet album j’ai lu le Le Japon Moderne et l'Éthique Samouraï. J’ai été fasciné par la combinaison schizophrénique d’idées iconoclastes, progressistes, ultras lucides et d’autres incroyablement conservatrices. Mishima n’avait visiblement pas peur des contradictions, un personnage complexe, ce qui m’a tout de suite charmé étant irrémédiablement attiré par la non-conformité. Malheureusement la complexité n’est pas très populaire ces temps-ci, elle ne vend pas”.

Non conforme, c’est ce que l’on peut probablement dire de Samouraï avec une première écoute en surface. En profondeur sa musique évoque une forme de dualité entre l’idée que l’on se peut se faire du monde et tel qu’il l’est réellement. Joakim joue à cache cache entre zones de confort et mise en danger, et élabore un travail d'équilibriste sonore. Ce disque c’est un peu son armure de Samouraï ; l'artiste y expose ses fascinations nippones (Ryuichi Sakamoto, Haruomi Hosono, Ghost In The Shell, Akira, Mariah, Midori Takada ou encore Hiroshi Sato…), ainsi que son côté “Kraut” et son goût pour l’ambient cluster de Brian Eno. Sa voix exprime parfois cette forme de duplicité, notamment sur les titres Numb, Time is Wrong et Mind Bent. Discrète mais bien ancrée à l’ensemble, parée d’effets, elle brouille les pistes, les codes de genre et de personnalité. Son masque de combat est alors unique, on en aperçoit d’ailleurs une déclinaison façon Kabuki sur la vidéo de Numb, lorsqu’il incarne un “youtubeur” make up en mode confession.

“Il y a une fonction un peu cathartique aussi, la musique sert à exprimer et communiquer les choses que tu ne peux pas faire autrement…”

Joakim envisage un album comme un tout. Comme de nombreux artistes il souhaite que le public prenne le temps d’écouter le disque dans sa longueur, et d’ailleurs, comment ne pas imaginer aller jusqu’au bout d’un moment de détente ? Côté détente Tigersuhsi et Because Music nous ont invité à écouter Samuraï au salon de massage Yuzuka (Paris VII). L’expérience musicale et tactile s’avère surprenante et complémentaire, et surtout bien agréable lorsqu'un “haut du dos” habituellement tendu se relâche enfin. Samuraï se déguste en moins d’une heure, sachez le savourer. Morceaux préférés : In The Beginning, Samouraï, Green Echo Mecha, Through The Prospect Park Arch, Time Is Wrong, Not Because You're Sad, Hope / Patience.

Pour se plonger dans l’univers de Joakim, et de Samouraï, l’artiste propose un week-end release party au club SALÒ les 30, 21 mars et le 1er avril, soit trois nuits en forme d’hommage à l’avant-garde New-Yorkaise, avec une programmation musicale, vidéo et d’art contemporain.

Get ready for something different. A club night where you're invited to sleepover. An underground Disco party where the DJs don't mix. A live show in the dark. And more.

Une publication partagée par Joakim (@joakim_bouaziz) le 8 Mars 2017 à 2h25 PST

Interview

Houz-Motik : si le téléchargement a changé la façon d’acheter et d’écouter de la musique, le streaming facilite-t-il pour autant l’écoute d’un disque dans sa durée, sans pause ?

Joakim : j'ose espérer que cela encourage un tout petit peu plus l'écoute d'albums en entiers, mais je n'en suis pas sûr...

HM : l’introduction est donc assez importante.

Joakim : les premiers et les derniers morceaux sont mégas importants.

HM : l’'ouverture est tout particulièrement réussie ! Dès la première écoute, ta musique illustre des moments de vie, selon des lieux. D’un soleil matinal caressant à la fluidité dans les transports, ou encore une belle soirée d'été... L’équilibre entre urbanité et ruralité est simplement parfait, et cette intro raconte plein de choses !

Joakim : c'est exactement le but recherché quand je fais de la musique, que chacun puisse voir et ressentir des choses, que chacun puisse y voir ce qu'il veut en fait. Le musicien pose seulement ses bases.

HM : eh bien ça marche, alors merci, et à bientôt !

Joakim : (rires)

HM : de la même manière qu'un photographe fige en image un instant de vie, penses-tu que le musicien traduit ce genre d’émotions et de temporalité, en musique ?

Joakim : je ne pense pas que je vois les choses de manière si ambitieuse. C'est plus une approche personnelle, un besoin personnel, évidemment il y a peut-être un peu l'idée de la durée et de l'immortalité, comme chez n'importe quel créateur, mais témoigner de l'humanité, je ne pense pas que je puisse aller jusque-là. Il y a une fonction un peu cathartique aussi, de communiquer les choses que tu ne peux pas faire autrement...

Here's a little teaser i made for the 3 night residency I'm doing at club Saló in Paris at the end of the month to celebrate the release of my new album #samurai. Expect something different from your usual club night :) ...... ☯️ March 30 : tribute to La Monte Young and his Dream House. #lamonteyoung #dreamhouse #ambient ...... ☮️ March 31 : tribute to David Mancuso and The Loft. #davidmancuso #theloft ...... ⚛️ April 1 : official release party. #samurai @thegoldenravedays @claradeshayes @apollonoir_ #fullcircle ...... More info through link in bio. @salo_club

Une publication partagée par Joakim (@joakim_bouaziz) le 7 Mars 2017 à 6h36 PST

HM : musicalement, les années 80s ont été si riches et variées qu’elles influencent encore la majorité des productions, notamment dans les musiques actuelles. Du mainstream des tubes formatés aux oeuvres moins conventionnelles, ou plus pointues. J'ai l'impression que l'on s'intéresse désormais davantage aux influences plus élaborées, est-ce que cela témoigne du fait que l'on aurait fait le tour des années 80, et que l'on se focalise enfin sur une certaine forme de sa quintessence ?

Joakim : pour moi oui c'est sur. Cela a toujours été une intention de préserver, de prolonger, et de faire revivre un pan de la culture musicale qui est souvent oublié. C'est aussi l'idée de créer un accès à cette musique-là, parce que effectivement il n’y a pas un grand intérêt à faire découvrir la musique mainstream de cette époque. En revanche, faire redécouvrir ce genre de disques oui, c'est pour cela qu’au départ j'ai créé Tigersushi, avant de même faire beaucoup de musique, c'était déjà avec cette idée. Bizarrement on pensait que l’accès à Internet allait permettre aux gens de retourner plus facilement vers ça, et en fait ce n'est pas vraiment le cas, c'est presque le contraire. Il y a une omniprésence du mainstream, et il me semble que c'est une des responsabilités du musicien de préserver l’ouverture. J'appelle ça l'hétérogénéité, le fait de lutter contre l'homogénéité.

HM : penses-tu qu'il y a une dimension érotique dans ton travail, y prêtes tu une attention particulière ?

Joakim : ça c'est une bonne question, que l'on ne m'avait jamais posée... hmmm

HM : bien entendu, il y a surement une différence entre faire de la musique seul ou en groupe...

Joakim : Ah, tu veux dire le côté masturbatoire, onanique ?

HM : chacun son truc (rires)

Joakim : (rires)

HM : peut-être davantage le terme sensualité, comme lorsqu'on peaufine une ligne de basse par exemple...

Joakim : je suis assez attaché à l'idée qu'il faut qu'il y ait une sensualité dans la musique, d'autant plus que j'ai une tendance naturelle, ou peut-être une aisance naturelle à la cérébralité. Pour moi c'est donc important de retrouver cette sensualité, cette viscéralité. Oui, j'aimerais qu'il y ait quelque chose de sexuel dans la musique. Après, dans le fait de faire de la musique seul il y a aussi une part de masturbation, c'est évident, il faut épurer mais, hmmm... En tout cas je vais y réfléchir !

Une publication partagée par Joakim (@joakim_bouaziz) le 22 Févr. 2017 à 8h14 PST

HM : l'album comporte aussi cette référence amusante aux youtubeurs, notamment avec Numb

Joakim : oui, c'est un peu une blague, il s’agit de détourner le phénomène viral des tutoriels que l'on trouve dans tous les domaines, et la plus particulièrement sur le maquillage, je trouvais ça rigolo. C'est souvent des femmes, en tout cas c’est majoritairement des femmes, et parfois des transgenres, mais je trouvais amusant de me transformer moi ! De mettre un masque, et en même temps de jouer sur cette imagerie un peu désuète de ces tutoriels.

HM : quel est ton regard sur l'évolution du marché de la musique ? Est-ce difficile de jongler entre toutes tes casquettes, patron de label, musicien, graphiste, DJ...

Joakim : en fait je ne suis pas un très bon patron de label (rires). Ce que je veux dire c'est que je fais uniquement cela par passion. J'ai du mal à avoir une approche très business du truc, un peu malheureusement parfois.

HM : cela participe néanmoins au succès de Tigersushi, ton label.

Joakim : oui, et c'est pour cela qu'il y a des artistes qui viennent vers nous, car ils ne se sentent pas connectés avec d'autres structures. En fait, pour moi passer d'une activité à une autre ne relève pas de la schizophrénie car je suis rarement en train de penser à des stratagèmes. Bien évidemment je suis au courant du fonctionnement, mais je ne bosse pas tout seul, je suis surtout sur la partie artistique. Mais cela m'a vachement aidé en tant que musicien, parce que avec le label j'ai rencontré plein d'autres musiciens avec qui j'ai collaboré, ou joué dans des groupes. C'est de l'émulation, et je trouve qu'il n'y a rien de mieux que l'émulation.

HM : l'avenir de Joakim sera donc concentré sur l'échange, l'émulation, et inaliénable refus des compromis ?

JK : si ce n'est pas le cas je crois que j'arrêterai, cela me dégouterait... Tant que je peux continuer à faire comme que je l'entends, je le fais ! Après, on verra combien de temps cela peut durer.

Une publication partagée par Joakim (@joakim_bouaziz) le 10 Févr. 2017 à 7h33 PST

HM : New York...

Joakim : New York, c'est chouette !

HM : tant que cela ?

Joakim : ça dépend de quel point de vue, mais pour l'inspiration et la création, c'est génial.

HM : est-ce une ville difficile ?

Joakim : oui bien sur, mais ce n’est une ville difficile, c'est une ville dure ! Je trouve que Londres est encore plus dure. Ce truc anguleux, et les sentiments de différences de classes sont bien plus violents à Londres. À New York il y a effectivement des écarts hallucinants, mais il y a tellement de mélanges, et je ne sais combien de nationalités...

HM : c’est Babylone 3.0 ?

Joakim : c'est Babylone et c'est assez fascinant d'y être, d'y vivre. C'est un des seuls endroits où tu as l'impression d'être au centre de la terre.

HM : Le sax qui revient dans l'album sonne très New-yorkais, un peu comme une carte postale sonore…

Joakim : oui, il y a ce morceau, “Through The Prospect Park Arch”, où j'ai incorporé un enregistrement que j'avais fait dans la rue en sortant d'un parc… Je me souviens très bien, c'est le soir, j'entends un sax qui joue super bien, et je me rapproche avec mon téléphone. Je bossais sur ce morceau, et je me suis dit, “tiens, si j'essayai de coller ce truc de sax !”. Et ça a marché, pile poil dans la gamme, c'était magique.

DR Joakim

HM : c'est important de suivre ses intuitions !

Joakim : oui, c'est très inspirant car il y a toujours un truc à voir à NYC, à entendre, juste en étant dans la rue. Et puis pour les musiciens, le niveau est dingue. c'est extrêmement compétitif mais c'est aussi pour cela que le niveau est élevé. Parce qu'il faut être le meilleur pour s'en sortir, et il n'y a aucune sécurité de l'emploi, c'est hardcore. C'est dur, mais pour faire de la musique c'est assez incroyable.

HM : sur ce morceau, “Through The Prospect Park Arch”, j'ai eu l'impression de me retrouver durant quelques secondes dans une chanson de Louis Chedid, "ainsi soit il” plus précisément !

Joakim : Louis Chedid…? hmmm, ah ouais, dans la gamme.

HM : ça vient forcément des synthés de l'époque.

Joakim : carrément ! C'était que du synthé et des boîtes à rythmes. J'adore Louis Chedid à cette époque, je trouve ça génial. D'ailleurs, mon pote Kindness avait fait une reprise d’ “ainsi soit il” et il ne l'a malheureusement jamais sorti, elle était chouette, avec son accent anglais c'était mortel !

HM : il faut la sortir, sur TigerSushi ?

Joakim : ah... Il ne voudra jamais... Non, mais j'aime beaucoup, donc je valide !

Joakim - Samouraï (Tigersushi / Because)

Sortie le 17 mars 2017

“Communication” le nouvel album de Bobmo

noreply@blogger.com (cyprien rose) — Thu, 02 Mar 2017 09:36:00 +0000

Le nouvel album de Bobmo, s'intitule “Communication”, et sort en avril 2017.

Après New Dawn (2014), Bobmo sort son deuxième album le 7 avril prochain, découvrez Mass Control et Infiniti, deux extraits du LP “Communication”.

Originaire de Bordeaux, le producteur Hugues Ray alias Bobmo, signe deux nouveaux singles annonciateurs de "Communication", son nouvel album. Producteur de dance music depuis déjà une bonne dizaine d’années, notamment chez Institubes avec des débuts influencés par le style ghetto-house, l'artiste a mûri et beaucoup oeuvré avec son label Marble. Après New Dawn, son premier album, il signe « Communication », un long format électronique dont les premiers extraits donnent donnent envie d’en entendre davantage...

"C'est un album de club fait par un mec qui ne va pas en club" (Bobmo)

Soirée

Demain, 3 mars 2017, Bobmo sera aux côtés de Guillaume Berg, Arnaud Rebotini et DJ James pour la nouvelle édition du #NovaMixClub au club le Badaboum !

FEWS : un groupe post post-punk

noreply@blogger.com (cyprien rose) — Mon, 27 Feb 2017 22:57:00 +0000

Après l’album Means, FEWS poursuit sa route avec un nouveau titre : LaGuardia.

2016, FEWS savoure la sortie de l’album Means et enchaîne sur une tournée Européenne, en première partie des PIXIES. Janvier 2017, le groupe dévoile le single LaGuardia et poursuit sa tournée en Europe, nous les avons rencontré le 22 février lors de leur escale Parisienne au Supersonic.

FEWS est un quatuor masculin Anglo Américano-Suédois. Quand Fred, l’un des membres, envoie une démo à PIAS, il ne suffit que de quelques jours pour avoir un retour très enthousiaste et la décision de faire un album, produit par Dan Carey (Tame Impala, Lianne La Havas, Bat For Lashes, Franz Ferdinand, The Kills…).

Means, leur premier album, est l'un des albums rock repéré dans l’année 2016, dans un registre post-punk, voire post post-punk… Lorsqu’on y accorde un peu de temps, Internet permet d'en savoir un peu plus sur ces quatre musiciens qui se présentent à nous avec des prénoms, des surnoms. Les membres de FEWS semblent vouloir cultiver un doux mystère, et brouiller les pistes, alors jouons leur jeu...

Si Means déroule dix titres puissants en moins de 40 minutes, Fews se plaît à solliciter la spontanéité de son jeu sur les scènes d’Europe, c’est leur façon de faire le plein d'énergie. Ils emmagasinent aussi des idées de titres, et le groupe bosse sur de nouvelles chansons, mais une tournée prend du temps et ils doivent se poser pour travailler sérieusement.

“On a besoin de s'asseoir et d'en parler, sinon c'est toujours entre deux concerts que quelqu'un lance un truc et on se dit “ah oui, pourquoi pas”, mais en fait et cela ne donne pas grand-chose. Il faut tout le monde dans la même pièce pour bien travailler.” (Fred)

FEWS nous reçoit au Supersonic (Bastille), le groupe s'apprête à jouer une nouvelle fois à Paris : “On adore, avec Londres et Brighton, Paris est l’une de nos villes préférée pour jouer (Lulu). Oui c'est toujours spécial, et intense, quand on joue ici (David)”

Et c’est le cas ! Choisir une place un peu en retrait de l’avant-scène se révèle être une bonne idée pour apprécier le concert, car un pogo endiablé accompagne Fews jusqu’au bout. L’avant salle vibre si fort que le groupe coupe la musique quelques secondes afin de calmer deux énergumènes apparement plus intéressés par la bagarre que par la musique... L’incident est vite oublié, l'énergie du groupe se propage et fédère, on plonge dans le son de FEWS et ses nombreux effets, les mélodies nous transportent, leur musique est un régal authentique partagé. Une seule envie, un nouvel album, une nouvelle tournée.

MEANS by FEWS

Interview

Houz-Motik : Avez-vous déjà imaginé à quoi ressemblerait votre musique sans électricité ?

FEWS : ... ouch

Rusty : ce serait vraiment horrible... (rires)

David : probablement, oui, en fait

Fred : ouais

David : ce ne serait alors peut-être plus que de la batterie (rires)

Rusty : ouais, seulement de la batterie et que des batteurs

David : Je pense que l'on peut tous jouer de nos instruments de façon acoustique, mais bon...

HM : cela vous rendrait triste ?

David : ouais !

Fred : ce serait horrible (rires), cela ne sonnerait vraiment pas bien.

Rusty : ouais, notre musique sans effet, ça craint.

HM : En fait, si cela peut vous rassurer, l'électricité ne devrait pas disparaître, enfin pas maintenant...

Fred : exact.

David : on ne sait jamais... (rires)

Lulu : peut-être que oui, peut-être que non.

tous : (rires)

David : au Royaume-Uni peut-être...

Rusty : oui, le Royaume-Uni pourrait ne plus en avoir.

HM : à cause du brexit ?

FEWS : exact, absolument !

Lulu : je pense que l'on a dépensé à tort un bon paquet de fric dans le nucléaire

HM : les années qui viennent verront une croissance des énergies renouvelables. Il y a d’ailleurs beaucoup plus d’opportunités pour produire sa propre électricité, en production autonome le solaire fonctionne pas trop mal, l’hydraulique aussi...

Lulu : je vis sur un bateau, je devrai y arriver...

Une publication partagée par FEWS (@fewsmusic) le 9 Févr. 2017 à 10h14 PST

HM : votre musique est un bel hommage à la transe, en tout cas par son approche répétitive et hypnotique. C'est quelque chose que vous partagez seulement dans votre musique, ou vous expérimentez également des moments de “laisser aller” dans votre quotidien ?

Fred : oui je pense

HM : tu pratiques donc ?

Fred : ouais... (rires)

Rusty : oui, enfin, c'est juste une question de distance

Fred : ouais... je suis d'accord ! Je vais trouver un exemple d'ici peu de temps...

Tous : (rires)

David : je suis d'accord, on a nos tous moments, c’est comme une sorte d'instinct.

Lulu : hey non, je n'ai pas de transes moi !

Fred : (rires)

David : sérieux ?

Lulu : Au mieux je médite, mais je n'entre pas en transe...

David : je crois que tu es toujours en transe mais que tu ne t'en rend pas compte, en fait c'est ça le truc.

HM : la méditation c'est un peu une forme de transe, non ?

Lulu : oui carrément !

Rusty : tu as déjà médité... ?

Lulu : oui

HM : sur son bateau...

Lulu : exact, le jour où je n'avais plus d'électricité.

Tous : (rires)

Lulu : plus sérieusement, j'essaie de méditer avant de m'endormir, et je trouve ça super.

HM : et tu fais des rêves lucides ?

Lulu : non, mais aujourd'hui lorsque l'on était sur la route dans le van, j'ai rêvé que l'on allait se crasher, et que ce n'était pas beau à voir...

David : merde...

Lulu : oui je ne me souviens que de cela

Fred : (rires)

Lulu : je me suis réveillé du genre : "putain merde ! … Et ouf tout va bien"

David : ouais, tant mieux !

HM : il y a une grosse part d'électro chez fews, notamment avec vos effets...

Fred : oui carrément, on adore le côté répétitif et les montées. On adore la musique électronique, c'est vraiment très inspirant.

David : Bien sur, on joue beaucoup sur les répétitions, mais si nos morceaux sont plus courts que des tracks deep house on adore jouer avec les montées et les breaks. En fait on est autant sensible aux compositions qu'à notre façon de jouer de nos instruments et des effets, et on aime être présent avec nos sons qui se croisent et s'empilent.

HM : il y a des groupes électro que vous écoutez particulièrement ?

FEWS : il y en a un paquet !

Fred : j'essaie de penser à une chanson où l'on est tous d'accord.

Tous : (rires)

Fred : Zonderling avec le titre Zonderling ! Il faut écouter ça, c'est bon. Je trouve que la construction de ce morceau est absolument parfaite, ça part au bon moment, c'est un super morceau.

David : oui, c'est bon !

HM : parmi vos goûts éclectiques entre rock, pop, electro, drone... Brian Eno pourrait être une influence commune ?

Lulu : oh je ne crois pas. Par exemple l'autre jour j'ai passé du Brian Eno dans le van et je n'ai pas ressenti une connexion globale, en fait ce n'est pas une influence directe.

David : oui, et je crois même que l'on est tous les quatre assez différent, notamment lorsque l'on parle de musique.

Fred : oui je suis d'accord.

Rusty : oui, en fait c'est un peu comme si l'on employait les mêmes mots mais prononcé d'une façon différente.

FEWS : oui !

HM : mais comment vous êtes vous rencontré ? en boîte ?

David : sur Internet en fait

Fred : oui Internet, Myspace

HM : sérieux ?

David & Fred : nous deux oui

David : je connais Rusty d’un autre groupe et Lulu nous a été recommandé par notre producteur, il se connaissait d'un autre groupe à Londres, avant on avait un autre bassiste mais c’est lui désormais.

Lulu : tu vois, c'est ça l'effet brexit !

David : oui et maintenant on est tous les quatre, depuis environ un an.

Rusty : hey, on n'aurait pas un anniversaire à fêter d'ici quelques jours ?

Lulu : un anniversaire ?

Rusty : oui, le tien au sein du groupe...

Lulu : oh, mon anniversaire de groupe ! Mais c'était il y a déjà quelques jours

Fred : sérieux ?

David : le 14 février, non ?

Fred : Mais pourquoi ne l'a t on pas encore célébré ?

HM : on fait la fête tout de suite ?

Fred : ouais, et du coup ça va être bien sauvage ce soir, je peux le garantir, j'ai hâte !

HM : quelle est votre grande ambition dans la vie ?

Fred : wouah... lourd !

Tous : (rires)

Rusty : c'est difficile comme question

David : ouais c'est difficile

Lulu : perso, je ne veux pas d'un vrai métier, ni d'emprunt, ni de femme ! Je reste à l'écoute des combines pour ne pas manquer d’argent. Mon ambition est...

David : devenir riche !

Lulu : ouais, être riche, libre de tout... Mais en fait, je suis assez généreux avec les thunes.

Fews : (rires)

Fred : c'est vrai, il est généreux.

Rusty : je me demande bien quelle est mon ambition, je crois que je n'en ai pas vraiment... En tout cas cela ne me tracasse pas trop en fait.

David : je pense que mon unique ambition quotidienne est d'être riche

Fred : (à David) la tienne ? (rires)

HM : ça l'est en fait pour pas mal des gens...

Lulu : je ne sais pas trop pour les autres, mais sincèrement j'aimerai juste faire de la musique, prendre du bon temps avec les potes, et je n'ai pas d'autres ambitions que celle la

David : je suis d'accord avec toi

HM : à défaut de savoir ce que tu désires, le plus important est de savoir ce que tu ne veux pas.

Lulu : carrément ! Du coup ça y est, on a trouvé notre ambition : on ne sait pas.

HM : votre vision du monde actuelle correspond à celle que vous imaginez du futur ?

Rusty : pas vraiment

Fred : le monde d'aujourd'hui, putain non alors

Lulu : c'est assez dur d'y penser.

David : d'une certaine façon le monde est vraiment fichu, alors le truc c'est de réussir à s'en sortir.

HM : ce serait quoi votre option “mise à jour” pour un monde meilleur ?

FEWS : wow...

Fred : réussir à faire en sorte qu'il n'y ai plus de cons ? Et surtout : rester hydraté !

David : oui mais comment fait-on ?

Rusty : ouais, il y a pas mal de gens qui ne vont pas arrêter d'être stupide, on en fait quoi ?

Fred : oui tu as raison

David : il n'y a que des gens négatifs ici (rires)

Tous : (rires)

Fred : oui en fait il n'y a que des guerriers de la fête là...

Rusty : c'est pour ça que c'est difficile d'avoir de l'ambition, car il n'y a en fait pas d'espoir

FEWS : exact !

HM : Michel Houellebecq a dit ou écrit : “n'ayez pas peur du bonheur car il n'existe pas”

David : mmmh intéressant

Lulu : moi je pense que l'on peut être heureux dans ce monde, si l’on sait rester naïf...

David : oui c'est vrai

Lulu : je ne prête pas trop d'attention aux nouvelles lorsque l'on est en tournée, et je me sens plutôt bien avec ça.

David : ouais

Lulu : quand je n'ai rien à faire, je vais lire la presse, et je vois que tout le monde est dirigé par l'argent, les grosses sociétés, et il y a tellement de corruption...

FEWS : (rires)

Lulu : non mais c'est vrai, il n'y a qu'un petit pourcentage de gens qui détient l'ensemble des richesses...

FEWS : c'est vrai

Lulu : du coup je trouve ça cool de passer du bon temps, et de boire avec des potes... Et puis parfois de manger un bout.

FEWS : (rires)

HM : il faudrait demander aux gens d'oublier les infos pendant au moins une semaine et de se consacrer à leur passion ?

FEWS : mais carrément !

Lulu : oui et d'essayer de garder une part de naïveté face aux infos globales

David : ouais, et en même temps je crois que les gens ont besoin de savoir ce qui se passe dans le monde

HM : et toutes ces infos, ça affecte votre musique lorsque vous composez ensemble ?

Fred : bien sur que cela nous touche !

David : ouais

Rusty : cela ne touche pas directement notre musique, mais individuellement très probablement, du coup cela se ressent sûrement dans notre musique.

David : il y a quelque chose d'intéressant à imaginer que c'est le monde qui nous entoure qui crée notre musique car, d'une certaine manière, il fait de nous ce que nous sommes...

Rusty : oui

David : hmmm intéressant.

Rusty : oui, très intéressant

Fred : ouais ouais... Les étoiles ont envoyé à nos âmes...

Tous : (rires)

Rusty : l'astrologie...

Tous (rires)

HM : bien que votre musique soit répétitive, vous veillez à ne pas trop vous répéter à chaque prestation?

David : non mais le truc est que, personnellement, je joue de la guitare, je chante et je ne suis pas très bon. Du coup je ne peux pas refaire la même chose à chaque concert car j'en suis incapable ! Alors il se passe toujours un truc nouveau, bon ou mauvais...

Lulu : Je pense qu'on essaie tous de faire un meilleur concert, et je crois qu'après plusieurs années à la basse dans des groupes, j'essaie chaque soir d'être meilleur...

David : ouais, je passe aussi par là !

Lulu : en fait je suis peut-être pire qu'avant, mais j'y bosse, et l'on pense toujours aux choses nouvelles que l'on pourrait faire, ou que l’on voudrait faire mais que l'on ne réussit pas

FEWS : (rires)

David : je pense que c'est super-important en tant que groupe qu’il se passe toujours un nouveau truc, de tester de nouvelles choses, on peut garder la même formation, mais il ne fait pas arrêter de se re inventer, sinon on s'ennuie vite.

HM : certains d'entre vous sont dans d'autres groupes en parallèle de celui-ci ?

David : mmmh, non pas vraiment, enfin, un petit peu...

Lulu : hmmm, ça pourrait être l'occasion d'annoncer en avant premiere mondiale du projet DogDogDog, ou ChienChienChien

David : ouais trop cool

Tous : (rires)

Lulu : c'est un projet qui a déjà huit ans

Tous : (rires)

Lulu : il n'y a pas encore eu de sortie, mais ça va venir ! Le Chien arrive bientôt.

Tous : (rires)

David : ouais, faites gaffe !

Lulu : Wouf

Tous (rires)

HM : quel est ton chien préféré ?

Lulu : hmmm, c'est dur, mais j'aime bien les gros chiens en général. Les petits pas trop.

HM : les petits sont trop agressifs ?

Lulu : trop ! Moi j'aime les gros chiens, qui sont un peu fous, avec des trucs d'humains. Il pourrait par exemple venir ici, et se faire une place sur le canapé avec nous, histoire de partager ce bon moment. En mode "chill", ça c'est mon genre de chien !

HM : un truc à ajouter, un dernier mot ?

David : je n'ai rien à ajouter, désolé...

Rusty : le seul truc que je pourrai ajouter, c'est que j'ai faim

David : (rires) cela devrait toujours être nos derniers mots : "j'ai faim"

Tous : (rires)

PRINCE EN STREAMING !

noreply@blogger.com (cyprien rose) — Mon, 13 Feb 2017 17:00:00 +0000

DR PRINCE

LE CATALOGUE WARNER BROS. DE PRINCE EST DISPONIBLE SUR TOUTES LES PLATEFORMES DE STREAMING.

En attendant la sortie, le 9 juin prochain, de la version remasterisée Deluxe de Purple Rain, comprenant deux albums de titres inédits et deux concerts complets filmés issus des coffres de Paisley Park, Warner Bros. Records (WBR) confirme l'arrivée de Prince sur toutes les plateformes de streaming, et c’est opérationnel depuis l'ouverture des Grammy Awards.

Cameron Strang, Président & CEO de Warner Bros. Records a déclaré : "Prince a enregistré les titres les plus importants et les plus populaires de sa carrière durant sa collaboration avec Warner Bros. et nous sommes bien conscients de la responsabilité qui nous incombe en sauvegardant et en faisant vivre son incroyable héritage.

DR PRINCE

Depuis hier Warner Bros. offre donc, via son catalogue, la musique de Prince à ses millions de fans à travers le monde par le biais des plateformes de streaming. Prince avait signé son premier contrat chez Warner Bros, il y a 40 ans. Il y a enregistré ses albums les plus populaires, mais aussi les plus importants pour le label, dont Prince, Dirty Mind, Controversy, 1999, Purple Rain, Around the World in a Day, Parade, Sign O' The Times, Batman et Diamonds and Pearls, sans oublier les plus grands titres de sa carrière : Let's Go Crazy, Kiss, Little Red Corvette, Raspberry Beret, When Doves Cry, Sign O' The Times, Alphabet Street, Batdance, Cream, I Would Die 4 U, Diamonds and Pearls, Pop Life, Delirious, 1999, et Purple Rain.

Il y a fort à parier que nous disparaîtront avant la musique de Prince.

Prince.
Now streaming on #AppleMusic.
💜💜💜https://t.co/szZlYXAGjX pic.twitter.com/iSuwkNgUxD
— Apple Music (@AppleMusic) 12 février 2017

Show some respect. Get freaky. This is: Prince https://t.co/WXcRQPd3zn pic.twitter.com/XiYrNbDMrR
— Spotify (@Spotify) 12 février 2017

Go crazy with #Prince! Stream his greatest albums & songs on Amazon Music 💜 https://t.co/RTLtanrpxm pic.twitter.com/zUBDvTAOWp
— Amazon Music (@amazonmusic) 12 février 2017

The future is Purple. #Prince now streaming on Deezer ▶️ https://t.co/75XRNjpNs0 💜 pic.twitter.com/XfES4GRXYf
— Deezer (@Deezer) 13 février 2017

Bonus

En novembre 2016, NPG et Warner Bros. Records ont publié PRINCE 4Ever, 40 titres iconiques et la chanson inédite “Moonbeam Levels.”

Grammys 2017 : King

noreply@blogger.com (cyprien rose) — Mon, 13 Feb 2017 11:29:00 +0000

Le trio “King” aux Grammy Awards 2017

KING était présent à la 59e cérémonie des Grammy Awards, nominé dans la catégorie “Best Urban Contemporary Album”.

En avril 2016 nous avons publié un portrait du trio féminin KING, rencontré lors de leur passage à Paris. Depuis bientôt un an le groupe poursuit sa route et sa longue tournée, entre rencontres et collaborations (Corinne Bailey Rae ; Robert Glasper…).

Une étape importante illustre ce parcours royal, le trio figurait parmi la liste des meilleurs albums dans la catégorie Urban Contemporary, aux côtés de Gallant, Anderson.Paak, Rihanna et Beyonce. Si cette dernière remporte le Grammy, KING ne repart pas les mains vides.

Rappelons tout de même que le groupe défendait un premier album de manière totalement indépendante (sur les conseils de Prince), il n’est signé chez aucune major, aucun label. Cette nomination aux Grammys, et la visibilité qui l'accompagne, est une énorme récompense qui devrait aider KING à encore étendre son royaume.

Bonus

Entre nous, et si l’album de KING est exceptionnel, le trio aurait pu repartir avec un Grammy rien que pour l’ensemble de ses robes !

Une photo publiée par weareking (@weareking) le 12 Févr. 2017 à 14h12 PST

BirdPen : la tournée "O" Mighty Vision

noreply@blogger.com (cyprien rose) — Fri, 10 Feb 2017 00:32:00 +0000

La tournée de BirdPen fait escale en France

Du 10 au 14 mars 2017 BirdPen défend son quatrième album dans quelques villes françaises (Le havre, Lille, Paris, Feurs, Bron). L’été dernier, nous avons interviewé Dave Pen et Mike Bird afin de discuter du disque “O’ Mighty Vision” (J.A.R records).

Lorsqu’ils ne travaillent pas avec Archive, Dave Pen et Mike Bird se retrouvent pour le projet BirdPen. Les premières sessions de travail de ce quatrième album ont lieu lors des élections au Royaume-Uni, les médias sont alors focalisés sur la politique. Selon le groupe, les promesses, les mensonges, les scandales, l’argent, la guerre et les arrangements secrets font que les gens n'ont pas d'autre choix que de croire que les choses vont changer mais en fait elles ne changent jamais.

“c'est comme essayer de se battre contre Godzilla : on n'a pas la moindre putain de chance !”

Installé dans leur studio du Hampshire, BirdPen saisit l’occasion de réaliser un album optimiste et engagé. Le groupe évoque l’enfumage permanent des cols blancs, des fraudeurs, et pointe du doigt le ridicule des politiques et la manière dont nous semblons toujours croire que nous ne perdrons jamais espoir...

“Tout le monde continue d'espérer que le bien finira par l'emporter. Ce disque est notre manière de l'exprimer.”

Interview Birdpen

Houz-Motik : votre album dresse un constat de l'état du monde en huit titres, on pourrait penser qu’il soit assez pessimiste mais il y a toujours cette étincelle provoquée par le désir que tout aille mieux, un peu comme tout le monde en fait. Enfin, presque comme tout le monde...

Mike Bird : oui presque… car certains passent leur temps à vouloir le détruire le monde.

Dave Pen : ouais

HM : j'aime bien le titre “chairman”, ainsi que la vidéo, c’est du fait maison ?

Dave Pen : C'est moi qui l'ai faite !

HM : Ok, et tout le monde était d'accord avec toi ?

BirdPen : rires.

Dave Pen : Mike comprend bien ce que je veux dire et faire, je lui envoyais des éléments durant le processus de création, et les retours étaient du genre “c'est complètement fou” ! Mais c'est comme faire une thérapie en fait, manipuler tous ces politiciens, et dirigeants célèbres, c'est du boulot. J’ai inclus une image différente à chaque coup de snare drum, ça doit en faire 267, plus l’ajout de la couleur orange sur les images en noir et blanc, et les effets, ça fait pas mal d'informations pour le cerveau. Ce n'est pas simple mais vu que l'on est un groupe indépendant, on fait avec les moyens du bord, et l’on ne se voyait pas dépenser beaucoup d'argent sur une vidéo dont on ne connaît jamais à l’avance le retour sur investissement.

HM : du coup cela prend du temps.

Dave Pen : oui, cela m'a pris environ deux mois

HM : deux mois, ce n’est pas mal pour un mec tout seul

Dave Pen : rires... Oui, mais ce n’est pas deux mois à seulement faire le clip

HM : J'imagine que la disparition d'Alan Vega vous touche, c'est l'une de vos influences non ?

Mike Bird : oui, lorsque l'on a fait le second disque, nous avions un coin du studio équipé d'une platine, pour se retrouver et écouter des vinyles, je me souviens que nous avons écouté un disque d'Alan Vega, en solo, et ça nous a beaucoup marqués.

Dave Pen : oui, c'est une influence majeure, à travers différents registres, électro, rock, trash

HM : mais aussi dans la façon de faire de la musique...

Dave Pen : ouais carrément, c'est sans limite, c'est comme cela que l’on envisage la liberté d'expression.

O' Mighty Vision by BirdPen

HM : "less is more", c'est l'une de vos devises ?

Dave Pen : c'est clair que l'on ne donne pas vraiment dans l’ambient mais l'on s'intéresse également à des musiques plus chill comme celle de Brian Eno par exemple, nous avons bien étudié ces techniques, ça nous a permis de gagner en confiance.

HM : on le sent bien avec la chanson Trust, il y a beaucoup d'introspection, et c'est l'une des mes préférées.

Mike Bird : oui il y a beaucoup d'espace

HM : et un très bel équilibre en fait...

Dave Pen : on adore faire des gros bruits, mais tout est question de dynamique et d'agencement. Rien ne m'énerve plus qu'un groupe qui sonne pas trop mal sur un titre mais dont tous les autres morceaux ne sont que de mauvaises versions de leur hymne. J’ai souvent envie de leur dire "arrête la chanson juste sur la basse, ne t'inquiète pas pour ça, on n'a pas besoin d'entendre tous les instruments tu sais...", c'est mon côté Eno, tout est question d'espace et de la façon dont on se l'approprie. Je ne sais pas si cela vient du fait que j'ai grandi en écoutant de la house music et des choses plus minimales, pour moi c'est devenu naturel.

Mike Bird : je pense qu’il y a désormais beaucoup de possibilités, parfois sous-utilisées d'ailleurs, mais l'on peut ouvrir un séquenceur sur son ordinateur, créer une chanson, en choisir la vitesse et la dynamique, et même faire un orchestre...

Dave Pen : oui on est tous en mesure de pouvoir programmer, et ça ouvre de très belles perspectives.

HM : toi c'est les vidéos, et lui l'ingé son ?

BirdPen : rires

Mike Bird : non, mais on fait tout nous-mêmes.

HM : un bon ingénieur du son, c'est important ?

Mike Bird : il faut surtout avoir de bonnes oreilles ! Bien entendu c'est intéressant d'avoir un bon ingénieur pour déterminer ce qui est correct ou mauvais dans le traitement sonore, mais je pense qu’il ne faut pas fermer la porte à ses propres sensations, ainsi qu’aux expériences, ce n'est pas forcément grave si ça ne semble pas correct, si ça sonne bien comme cela c’est cool.

HM : il y a de nombreuses histoires et anecdotes à propos de groupes dont "l'erreur" a provoqué des succès.

Dave Pen : complètement, parfois des titres "underground" peuvent sonner plat et c'est ce qui fait leur charme.

Mike Bird : il y a tellement de gens qui passent leur temps à vouloir tout corriger, alors que ce n'est pas obligatoire, ou nécessaire. Certains enregistrent une session avec un batteur, puis opèrent une quantification de l’enregistrement, pourquoi faire appel à un batteur ?

HM : en fait la bonne recette c'est de mettre un peu de café dans les machines ?

Dave Pen : oui grave !

HM : "dance to the end", le titre pourrait nous faire penser que ça sent la fin, mais il y est aussi question de danse, donc de fête. Cyril Collard disait “quand on s'arrête de chercher on meurs”, pour vous ce serait plutôt “lorsque l'on arrête de danser on meurs ?”

Dave Pen : oui ! Le titre n'est pas politique à proprement parler, mais davantage en rapport avec la vie en général. Je connais des gens qui ont des emmerdes mais qui ont aussi des moments de joie. Je ne souhaite à personne d'être dans la merde, mais à ceux qui le sont je leur souhaite de pouvoir garder assez d'énergie et de joie en eux pour continuer à danser, il y a quelque chose de très beau dans la danse. C'est une chanson un peu personnelle dans le disque, mais aussi la plus engageante sur le fait qu'il faut toujours garder la tête haute.

HM : comment on peut-on à la fois être père, musicien, vidéaste, philosophe... ?

BirdPen : rires

Dave Pen : on va dire que je suis plutôt bon pour faire les choses rapidement, et dans les temps.

HM : en fait le succès appartient à ceux qui savent s'organiser.

BirdPen : ouais (rires)

HM : vous vous souvenez du premier disque que vous avez acheté ?

Dave Pen : oui, le tout premier, c’était un 45T, JoBoxers avec Boxerbeat et Just Got Lucky

Dave Pen : La pochette représente un mec un peu rockabilly et tatoué, allongé sur son lit, regardant des posters de filles légèrement vêtues, voire à poil... J'avais à peu près sept ans quand je l'ai acheté, je me rappelle que ma mère avait remarqué que je regardais souvent cette pochette.

HM : tu penses que cela définit la musique que tu écoutes ?

Dave Pen : absolument pas, mais c'est toujours une super chanson ! Je me souviens pas trop des autres mais celle-là est super (rires)

Mike Bird : je me souviens que tu me l'as joué une fois (rires)

Dave Pen : oui j'ai fait ça, j'avoue (rires) mais toi c'était quoi ton premier achat ?

Mike Bird : hum... je ne sais plus trop, je me souviens que très jeune j'avais un CD single de UB40.

BirdPen : rires

Mike Bird : oui, mais je ne me souviens pas l'avoir acheté...

HM : quelqu'un de ta famille te l'aurais offert ?

Mike Bird : peut-être, je ne sais plus. En tout cas j'ai la chance d'avoir une maman qui est une grande fan des Beatles, c'est pourquoi j'ai grandi en écoutant tous leurs disques. en vinyle, mais aussi d'autres groupes. Je crois que j'ai eu une bonne éducation musicale.

HM : vous prêtez attention au support ?

Mike Bird : j'aime l’aspect cérémonial de poser un vinyle sur la platine, je trouve cela moins charmant quand tu télécharges et que tu écoutes en fond sonore. J'aime acheter des disques, et j'aime les écouter en lisant la pochette. En revanche j‘avoue que lorsque tu voyages c'est tellement plus confortable de pouvoir stocker sa musique dans la poche.

HM : les nouvelles technologies, ça vous branche ?

Mike Bird : pas à un haut niveau, mais on est tout de même curieux

Dave Pen : oui et plus spécifiquement à propos des armes nucléaires sous-marines

HM : le nucléaire c'est aussi les stocks de bombes US en Turquie...?

Mike Bird : ouais, c'est ce que disent les Américains...

Dave Pen : on est souvent allé en Turquie, il y a des villes magnifiques et des gens brillants, c’est triste de voir les aéroports bloqués.

HM : question récurrente de mes interviews : l'intelligence artificielle, ça vous dit quoi ?

Mike Bird : ah j’ai vu un super film sur le sujet, c'était quoi déjà ce film…

HM : “her” ?

Mike Bird : non... C’est l'histoire d’un mec qui gagne une compétition scientifique pour aller vivre dans une maison, ha oui : Ex-Machina. Ce qui est génial lorsque tu le regardes le film, c'est d’en arriver à te demander de quel côté tu te positionnes...

HM: oui absolument, très bon film !

Dave Pen : je ne l'ai pas encore vu, je dois à tout prix le voir ça a l’air bien flippant. Comme ces machines, les chiens robots !

Mike Bird : ah oui, les chiens…

Dave Pen : c'est fascinant, comment on en est venu à créer ce genre de truc ? La science des robots m'a toujours fasciné, mais là...

Mike Bird : cette période de cent ans, de 1900 à 2000, est fascinante, la vie a tellement changé en si peu de temps. Je me demande souvent comment cela va évoluer entre 2000 et 2100... Tout sera si différent !

BirdPen en concert en France, en mars 2017 :

Le 10/03/2017 @ Tétris au Havre

Le 11/03/2017 @ L'Aéronef à Lille

Le 12/03/2017 @ Supersonic à Paris

Le 13/03 @ Le Chateau du Rozier à Feurs

Le 14/03/2017 @ Jack Jack à Bron

Court-métrage : Haramiste

noreply@blogger.com (cyprien rose) — Wed, 08 Feb 2017 15:51:00 +0000

Haramiste : un film d'Antoine Desrosières

Haramiste (de Haram, « illicite » en arabe) raconte l'histoire de deux sœurs, musulmanes, au dress code “voile - doudoune - basket”. Rim, dix-huit ans, rappelle à Yasmina, dix-sept ans, qu'elle ne doit pas parler au garçon qui lui plaît, mais cette dernière surprend son aînée sur un site de rencontres…

Le sexe avant le mariage, un sujet encore tabou ? Les désirs se nourrissent souvent d‘interdits. Le film évoque la transgression et le désir amoureux via deux adolescentes de banlieue, deux sœurs ennemies et complices, dans leur phase d’émancipation. “Le film ne dit pas que toutes les filles voilées sont comme ça, il raconte juste le cas de filles prises entre deux cultures” raconte le réalisateur dans une interview donnée à Critikat

Avec beaucoup d’humour, et autant de tendresse, le film parle de “la toute première fois” via les conflits culturels entre la religion et le désir. Écrit par le réalisateur et les deux comédiennes, Haramiste s’amuse des clichés en donnant la parole aux jeunes femmes de banlieue.

Infos :

D’une durée de quarante minutes, le film a reçu le prix du public 2015 au Festival Côté Court de Pantin et poursuit sa route en VOD. Haramiste, un film d'Antoine Desrosières. Écrit par Antoine Desrosières, Anne-Sophie Nanki, Inas Chanti et Souad Arsane.

Comment choisir son DJ Bag pour les voyages en avion ?

noreply@blogger.com (cyprien rose) — Sun, 29 Jan 2017 21:03:00 +0000

Une photo publiée par JetPack Bags by Orbit Concepts (@jetpackbags) le 27 Janv. 2017 à 17h28 PST

Comment choisir son DJ Bag pour les voyages en avion ?

Voici un bon plan pour aider les DJs à choisir un sac adapté aux normes des voyages en cabine...

“On the go”, des DJ se déplacent avec un casque audio autour du cou et pour ultime bagage un sac de sport, ou une petite valise, de quoi tenir un week-end ou plusieurs jours lors d’une tournée. La miniaturisation des supports leur permet de transporter la musique sur une clé USB (ou carte SD). Pour ceux-là, fini donc les galères des sacs trop lourds, les "mal de dos", les billets surtaxés, les disques que l’on a peur de perdre ou de se faire voler, ou abimer, puisqu’on ne peut pas toujours les avoir avec soi en cabine.

Il existe cependant des DJ pour qui le “vinyl only” est un choix important, et d’autres qui apprécient le compromis qu’offrent des supports comme Serato ou traktor. Les nouveaux sacs offrent également la possibilité de compartimenter l’intérieur selon ses besoins, et selon l’activité : ordinateurs, vinyls, CD, contrôleurs, cartes son… Les sacs backpacks restent pratiques en mode loisir mais lorsque l’activité est régulière il vaut mieux opter pour un sac à roulettes (trolley). Certes, des personnalités ont à disposition des roadies ou des porteurs, mais c'est une autre histoire...

Une photo publiée par JetPack Bags by Orbit Concepts (@jetpackbags) le 2 Déc. 2016 à 9h27 PST

Une photo publiée par Cyprien Rose (@cyprienrose) le 28 Août 2015 à 1h34 PDT

Avant de prendre l’avion, il faut être vigilant lors de l’acquisition d'un DJ Bag. Les différences de taille varient selon les compagnies aériennes mais aussi selon les classes (éco, première, business). Sur la base d’un voyage en classe éco, de quelle taille doit être votre sac DJ ? Le site “Ma Valise Voyage”, donne de bonnes indications, et surtout les précautions qu’il faut prendre avant d'embarquer sur un vol. Il propose notamment un tableau récapitulatif selon de nombreuses compagnies. Ces données prennent également en compte les poids qui varient de 6 à 22 kg, attention avec les “low cost”… voici un petit extrait.

Après avoir épluché les données recensées dans le tableau complet, la meilleure combinaison est un sac à la taille externe de 50x35x20, mais ce n’est pas si simple à trouver. Lorsque vous allez choisir un modèle de DJ Bag, assurez-vous donc que les dimensions soient raccords avec l'ensemble des compagnies que vous êtes amené à utiliser lors de vos déplacements. Les fabricants affichent parfois les tailles en “Inches”, utilisez alors un convertisseur en ligne.

Il y a de belles initiatives, notamment chez The Brown Buffalo et chez Mono creators, mais le marché des DJ Bag est nettement dominé par UDG et Magma, dont la version Riot LP-Trollley Set 100 est assez séduisante. Le pack, dont les dimensions permettent les voyages aériens, est composé du Riot Trolley 50 accompagné du LP Bag 50, soit un bagage façon valise et son bagage à main, de quoi transporter 100 vinyles sans trop forcer, ou d’avoir un bon équilibre entre vinyles et équipements. Le Magma Digi Trolley II, est aussi un bon investissement.

Quelques conseils de DJ.

Beaucoup l’ont appris à leurs dépens, mais il est fortement recommandé de toujours se déplacer avec un double du contenu musical de son sac sur une clé USB ou un disque dur externe, il suffit de l’avoir en permanence dans l’une de ses poches ou dans un autre petit bagage. Si par malheur le sac est perdu, ou volé, il y a toujours la possibilité de jouer son set (MP3 ; sauvegardes sons et sessions logiciels + codes autorisation de téléchargement logiciel…).

Une bonne nouvelle pour les grands voyageurs dont le DJ Bag accuse une grosse fatigue, allez voir Michal Zietara, il dirige DJ Trolley Pitstop Station, un atelier de réparation dédié au DJ Bag. N’hésitez pas à prendre contact avec lui lors de votre prochain séjour à Berlin.

Enfin, pour les adeptes du “Go-Slow” et des circuits courts, le système D à encore de beaux jours devant lui…