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ABC of the blues 13: john lee hooker & wynonie harris

2012-01-22T13:13:00.003-02:00

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John Lee Hooker (1917 - 2001) foi um influente cantor e guitarrista nascido no Mississipi. Foi considerado o 35º melhor guitarrista de todos os tempos pela revista ‘Rolling Stone’. A carreira de Hooker começou em 1948 quando ele alcançou sucesso com o single ‘Boogie Chillen’, apresentando um estilo falado que tornaria-se sua marca registrada. Ritmicamente, sua música era bastante livre, característica entre os primeiros músicos do delta blues. Seu estilo casual e falado errado seria diminuído com o blues elétrico das bandas de Chicago mas, mesmo assim Hooker mantinha as características primordiais de seu som levando adiante uma carreira solo, ainda mais popular devido ao surgimento de aficcionados por blues e música folk no começo dos anos 60. John Lee Hooker passou a ser então mais conhecido entre o público branco, e deu uma oportunidade ao iniciante Bob Dylan. Outro destaque de sua carreira aconteceu em 1989, quando se juntou à diversos astros convidados, incluindo Keith Richards, Bonnie Raitt, Charlie Musselwhite, Los Lobos e Carlos Santana, para a gravação do álbum ‘The Healer’, que acabaria ganhando um Grammy. Em 1994 Hooker passou por uma cirurgia para a retirada de uma hérnia, o que acabou o afastando dos palcos por um tempo. Depois das gravações de ‘Chill Out’ em 1995 parou de fazer shows regulares continuando apenas com aparições ocasionais. Hooker gravou mais de 500 músicas e aproximadamente 100 álbuns. Era dono de um clube noturno em São Francisco chamado ‘Boom Boom Room’, nome este inspirado em um de seus sucessos. John Lee Hooker morreu de causas naturais enquanto dormia em sua casa na California. Leia +...

Wynonie Harris (1915 - 1969) era conhecido como ‘Mr. Blues’, e era um ‘blues shouter’, cantor de blues, frequentemente masculino, que projetava sua voz claramente acima da banda que o acompanhava. O ‘blues shouter’ foi um caminho seguido também no jazz e no rock’n’roll e era popular mesmo depois do advento do microfone. Mas a sua maior influência foi sobre a evolução do rock and roll. O jovem Elvis Presley era um fã que o assistiu, ouviu e conscientemente copiou o estilo e os movimentos de Harris. O impacto que Wynonie Harris teve sobre a música do seu tempo é a prova de seu talento, em uma época em que a América era dividida entres brancos e negros. Nascido em Omaha, Nebraska, a família mudou-se várias vezes e a cada vez havia uma transferência de escola. E a indiferença de Wynonie pelo aprendizado se transformou em absentismo crônico. Enquanto a formação acadêmica não era prioridade para Harris, a música era. E ele era também um excelente dançarino de salão e em parceria com seu amigo Velda Shannon se exibiam em vários salões de proprietários negros em torno da cidade. Em várias vezes Wynonie cantou e dançou. E aprendeu sozinho a tocar bateria. Bonito, atraiu várias fãs, uma em particular: Olive E. Goodlow, com quem se casou. Em 1940, Harris decidiu se mudar para Los Angeles, onde ele sentiu que havia mais oportunidades. Profissionalmente a mudança foi boa. Harris se apresentava regularmente no 'Alabam Club', no coração da zona de entretenimento. E foi onde Harris se tornou conhecido como ‘Mr. Blues’. No 'Alabam Club' e em outros clubes, muitas vezes ele participou de uma ‘batalha de blues’, com outros cantores que desafiavam uns aos outros com improvisação cada vez mais complexas e movimentos do corpo. Em finais de 1943, Harris se apresentou no 'Rhumboogie Club' em Chicago. Naquela época, a grande estréia foi liderada por Millinder Lucky. Impressionado com Harris, Millinder pediu-lhe para se juntar turnê da banda que foi para New York. No 'Apollo Theatre', no Harlem, Harris recebeu críticas favoráveis e uma legião de fãs. E, juntamente com a banda, assinou contrato com a ‘Decca Records’ onde gravou duas músicas, incluindo ‘Who Threw The Whiskey In The Well?’, mas a data de lançamento foi adiada. Quando ‘Who Threw The Whiskey In The Well?’ foi finalmente lançada em 1945, Harris não só liderou as paradas do público negro, e manteve-se por quase cinco meses como também se tornou popular entre o público branco, um feito invulgar para um músico negro. Em 1947, conseguiu um contrato de gravação com uma nova gravadora. Quando ‘Good Rockin, Tonight’ foi lançada, em 1948, ele liderou as paradas de música negra. Esta canção foi uma precursora genuína do rock’n’roll. Foi regravada por Elvis Presley em 1954 com versões posteriores gravadas por Jerry Lee Lewis, Ricky Nelson, Buddy Holly, Pat Boone, e Paul McCartney, entre outros.

A cena musical estava evoluindo. Em 1949, a ‘black music’, que, até então, tinha sido chamado de ‘race records’, foi designada ‘rhythm and blues’ em publicações profissionais. E o gênero ganhou audiência assim como Wynonie Harris que tocava em clubes locais e continuava em turnês. Harris finalmente era uma estrela e queria viver como tal. Comprou um carro grande e caro, e planejava comprar uma casa em Nova York. Durante o início dos anos 50, grandes bandas estavam desaparecendo, mas Harris continou suas sessões de gravação. Ele tentou alguns estilos musicais alternativos incluindo o country, mas seu coração permaneceu com o blues. Em 1954 os músicos brancos foram adotando cada vez mais o ritmo e o estilo blues. Um aficionado era um recém descoberto cantor, Elvis Presley. E as gravações de Wynonie foram ganhando a atenção internacional. Como muitas vezes acontece, o público em geral, gostava mais dele do que os críticos. Em 1955 o trabalho tornou-se escasso e a fortuna entrou em reversão. Há muita especulação sobre a mudança repentina. Alguns dizem que Harris com 41 anos não acompanhou os tempos e não apelou para um público mais jovem. Outros dizem que ele sempre foi arrogante e era difícil de trabalhar com ele. Outros ainda, dizem que seu estilo de vida pessoal contribuíu, Harris havia sido fumante e bebia muito e isso afetou a sua voz. Estes podem ter sido os fatores, mas a grande certeza é que Harris era financeiramente irresponsável, gastando seu dinheiro assim que ele entrava. Harris encontrou trabalho ocasional, mas teve que desenvolver outras fontes de renda. Ainda assim, em 1964, ele gravou pela ‘Chess Records’ em Chicago, com pouco sucesso. Desenvolveu câncer no esôfago e em 1969 Wynonie Harri morreu aos 54 anos. No início do século XXI, houve um ressurgimento do interesse em sua música. Apesar das falhas pessoais de Harris, não há dúvida sobre seu papel na evolução da música popular. Algumas de suas gravações foram reeditadas e ele recebeu o reconhecimento póstumo.

Tracklist
01. John Lee Hooker - Dimples
02. John Lee Hooker - I'm in the Mood
03. John Lee Hooker - Boogie Chillen'
04. John Lee Hooker - Let Your Daddy Ride
05. John Lee Hooker - John L's House Rent Boogie
06. John Lee Hooker - Weeping Willow Boogie
07. John Lee Hooker - Huckle Up Baby
08. John Lee Hooker - Hobo Blues
09. John Lee Hooker - Crawlin' King Snake
10. John Lee Hooker - Sally Mae
11. Wynonie Harris - Around the Clock Pt. 1 & 2
12. Wynonie Harris - Yonder Goes My Baby
13. Wynonie Harris - Don't Take My Whiskey Away from Me
14. Wynonie Harris - Cock-A-Doodle-Doo
15. Wynonie Harris - Time to Change Your Town
16. Wynonie Harris - You Got to Get Yourself a Job, Girl
17. Wynonie Harris - Oh Babe!
18. Wynonie Harris - Luscious Woman
19. Wynonie Harris - Stormy Night Blues
20. Wynonie Harris - Git to Gittin' Baby

don't take my whiskey away from me
(wynonie harris)

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parte I parte II

the ultimate jazz archive: swing to bebop, modern jazz 28

2012-01-18T19:08:00.002-02:00

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Jay Jay Johnson (1924 - 2001) foi um dos pilares do bebop dos anos 40 e 50 e trouxe uma nova forma de expressão ao trombone com sua técnica de execução, muito acima da harmonia e andamento convencionais. Ele acabou com aquela idéia de que o trombone era arcaico e deveria ficar restrito ao jazz do velho swing ou do estilo de New Orleans. Johnson mostrou, na realidade, que o trombone não era menos presente ou articulado como o saxofone. O álbum ‘The Eminent Jay Jay Johnson, Vol. 1’, de 1953 que contava com o jovem trompetista Clifford Brown e outros notáveis, é considerado até hoje como um marco do jazz moderno. James Louis Johnson nasceu em Indianápolis e bem cedo já estava atuando com Count Basie e Benny Carter. Estabelecido em New York, tocou em clubes de bebop e gravou com Sonny Rollins, Bud Powell, Hank Jones e Max Roach. Participou dos combos liderados por Dizzy Gillespie e Illinois Jacquet até o final da década de 40. A parceria com o também trombonista Kai Winding perdurou de 1954 a 1956. Depois que cada um tomou o seu caminho, Johnson formou quintetos durante os anos 50, mas também participou de notáveis sessões musicais com Tommy Flanagan, Elvin Jones, Stan Getz e Oscar Peterson. Excursionou com Miles Davis e Sonny Stitt no início da década de 60, mas ao alcançar renome como compositor e arranjador decidiu se instalar em Los Angeles depois de 1970. Jay Jay permaneceu ocupado com filmes e shows de televisão por anos, mas não se esquecia de seu papel como músico de jazz, gravando um álbum de vez em quando. Em 1983, Jay Jay Johnson voltou ao cenário internacional do jazz com a realização do álbum ‘Things Are Getting Better All The Time’, uma obra prima da execução do trombone, trabalho que ele divide com Al Grey. Várias de suas composições, incluindo ‘Wee Dot’, ‘Lament’ e ‘Enigma’ tornaram-se standards de jazz. Com diagnóstico de câncer de próstata, ele manteve uma perspectiva positiva e foi submetido a tratamento. Em 2001, ele cometeu suicídio e em seu funeral compareceram músicos de jazz de todo o país.

Gerry Mulligan (1927-1996), saxofonista, é um dos principais expoentes do cool jazz. Nascido Gerald Joseph Mulligan em New York, cresceu em Filadélfia e desde cedo demonstrou aptidão para diferentes instrumentos e talento como arranjador. Mulligan aprendeu piano e instrumentos de sopro e aos 17 anos escrevia arranjos para a banda de rádio de Johnny Warrington. Especializou-se no sax barítono, instrumento no qual tornou-se a maior referência mundial, com um som suave e nítido, um timbre riquíssimo e grande agilidade, com improvisações extremamente melódicas, dando preferência por atmosferas mais intimistas. Em 1945 voltou a New York, entrando para a orquestra de Gene Krupa. Em 1947 passou para a orquestra de Claude Thornhill. Depois de conhecer o arranjador Gil Evans, participou do histórico noneto de Miles Davis no disco ‘Birth of the Cool’, em 1949. Em 1952 foi para a Califórnia e conheceu Chet Baker e junto com ele, Bob Whitlock no contrabaixo e Chico Hamilton na bateria, formou um quarteto sem piano que se tornou célebre. Em 1954 formou outro quarteto com a participação do trombonista Bob Brookmeyer, e em 1958 ainda outro com o trompetista Art Farmer. Nos anos 60 formou a sua ‘Concert Jazz Band’ e nas décadas seguintes outros inúmeros grupos com antigos parceiros. Tocou com Dave Brubeck entre 1968 e 1972. Sua música é a prova cabal de que o cool jazz não precisa ser distante ou frio. Assim como Dave Brubeck, Gerry Mulligan conseguiu a proeza de criar uma música ao mesmo tempo complexa e agradável. Gerry Mulligan faleceu em 1996 devido às complicações causadas por uma cirurgia de joelho.

Sonny Rollins (1930) começou tocando sax-alto, mas logo depois trocou pelo tenor e iniciou sua carreira em 1947. Theodore Walter ‘Sonny’ Rollins nascido em New York, entre o final dos anos 40 e começo dos anos 50 trabalhou com o que havia de melhor no bebop, entre eles, Art Blakey, Thelonious Monk, Bud Powell, Miles Davis e Tadd Dameron. Suas primeiras gravações como líder ocorreram em 1951. Rollins se juntou ao quinteto do trompetista Clifford Brown e do baterista Max Roach de 1955 a 57 e a partir da morte de Brown passou a liderar e gravar com seus próprios grupos. A obra realizada por Rollins no período de 1957 a 59 é fantástica, pois nela foram criados momentos inesquecíveis do jazz moderno. Dessa obra, se destacam ‘Saxophone Colossus’, ‘Way Out West’ e ‘Freedom Suite’. Em 1959 ele se ausentou do mundo do jazz, retornando só em 1962 com o álbum ‘The Bridge’ tocando com o guitarrista Jim Hall, o baixista Bob Cranshaw e o baterista Ben Riley. O nome do disco se deve ao fato de que durante sua ausência ele praticava seu sax na Williamsburg Bridge em New York. Depois de gravar numerosos álbuns na década de 60 ele viajou para a India em 1968. Um ano depois deixou o jazz novamente, só retornando às gravações em 1971 com muitos álbuns e também várias excursões internacionais bem como intensa participação em festivias de jazz nos Estados Unidos e na Europa. Leia +...

Paul Quinichette (1916 - 1983) foi um saxofonista tenor e ficou conhecido como ‘Vice President’ ou ‘Vice Prez’ por seu estilo semelhante a Lester Young. Muitos tentaram, mas ele foi o mais bem sucedido em seguir o estilo de Young. Paul Quinichette trabalhou com muitos grandes músicos, e tocou em alguns dos álbuns mais notórios. Se ele está um pouco esquecido hoje, é porque o estilo tenor que ele seguiu está atualmente em desuso. E esse fato não diminui a sua música. Paul Quinichette se mudou para Nova York em 1946 e tocou com Jay McShann, Louis Jordan e Henry Red Allen antes de ser contratado em 1952 por Count Basie para substituir e tocar solos de Lester Young. Ele desempenhou esse papel, excepcionalmente, ao ponto de copiar os maneirismos de Young. Tocou com Benny Goodman em 1955; gravou com Billie Holiday e participou de sessões com John Coltrane. Paul Quinichette deixou o jazz em finais dos anos 50, trabalhando em Nova York como engenheiro. Em 1977 voltou e gravou alguns álbuns e passou algum tempo tocando com o pianista Jay McShann, mas problemas de saúde o forçaram a aposentar-se novamente, e ele morreu em 1983.

green's blues
paul quinichette

28-1: Jay Jay Johnson (1949-1953)
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parte I parte II
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parte I parte II

Tracklist
01. Teapot 02. Afternoon in Paris 03. Elora 04. Blue mode (1) 05. Blue mode (2) 06. Capri 07. Lover man 08. Turnpike 09. Sketch 10. It could happen to you 11. Get happy 12. Capri (2) 13. Turnpike (2) 14. Get Happy (2)

28-2: Gerry Mulligan (1950-1953)
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parte I parte II

Tracklist
01. It may be wrong 02. So what 03. Westwood walk 04. Flash 05. A ballad 06. Ontet 07. Half Nelson 08. Walkin' shoes 09. Simbah 10. Speak low 11. Taking a chance on love 12. Varsity drag 13. Lady Bird 14. Love me or leave me 15. Swing house 16. Rocker

28-3: Sonny Rollins (1951-1953)
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parte I parte II

Tracklist
01. Scoops 02. With A Song In My Heart 03. Newk's Fadeaway 04. Time On My Hands 05. This Love Of Mine 06. Shadrack 07. On A Slow Boat To China 08. Mambo Bounce 09. I Know 10. Dig 11. It's Only A Papermoon 12. Denial 13. Out Of The Blue 14. Almost Like Being In Love 15. In A Sentimental Mood 16. No Moe 17. The Stopper 18. Friday The 13th

28-4: Paul Quinichette (1951-1953)
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parte I parte II

Tracklist
01. Cross Fire 02. Sandstone 03. Prevue 04. No Time 05. Shad Roe 06. Paul's Bunion 07. Crew Cut 08. The Hook 09. Samie 10. I'll Always Be In Love With You 11. Sequel 12. Bustin' Suds 13. Let's Make It 14. P.Q. Blues 15. Bot Bot 16. Green's Blues 17. You Belong To Me 18. Birdland Jump 19. Seepy Time Gal 20. Galoshes And Rubbers 21. People Will Say We're In Love 22. Rose Of Bidland 23. No Parking

the beach boys

2012-01-14T19:22:00.005-02:00

‘The Beach Boys’ foi uma banda pop de destaque no início dos anos sessenta. As origens do grupo estão em Hawthorne, Califórnia, um subúrbio a sul de Los Angeles situado perto da costa do Pacífico. Os irmãos Brian, Dennis e Carl Wilson cresceram perto do oceano, mas apenas Dennis tinha qualquer interesse em surfar. Os três eram estimulados pelo fascínio de Brian pela música dos anos 50 e o primo Mike Love, muitas vezes unia-se às sessões de improviso musical, assim como o companheiro de equipe de futebol Al Jardine. Seus pais ajudaram na compra dos instrumentos, com Brian no baixo, Carl na guitarra e Dennis na bateria. Posteriormente foram incluídos o compositor Bruce Johnston, e os sul-africanos Blondie Chaplin e Ricky Fataar. ‘The Beach Boys’ é frequentemente considerado como a resposta americana aos 'Beatles', apesar de lançarem o seu álbum de estréia dois anos antes. Ao contrário do que se poderia esperar, ‘The Beach Boys’ tem uma das histórias mais longas e mais fascinantes na história recente, com muito sol, surfe e esquizofrenia. Antes mesmo de começarem profissionalmente, eles tinham cantado juntos durante anos, tocando na escola sob vários nomes tais como ‘Carl and the Passions’ e ‘Kenny and the Cadets’. O início efetivo se deu na garagem da casa, em 1961, quando os pais dos irmãos Wilson foram para o México em um viagem de negócios, e eles gravaram ‘Surfin’ escrita por Brian e Mike. Depois de descobertos pela rádio local assinaram com a ‘Capitol Records’. Antes do lançamento de qualquer material para a gravadora, no entanto, Jardine deixou a banda para cursar a faculdade. Um amigo o substituiu e rapidamente estavam nas paradas como a primeira banda ‘surf rock’ da nação e popularizaram a cultura da Califórnia em todo o país. No início de 1963, Jardine retornou e retomou o seu lugar no grupo. Até o final do ano, os ‘Beach Boys’ tinham gravado três LPs e excursionavam incessantemente. O grupo também realizou turnês promocionais na Europa. Além disso, Brian começou a crescer como produtor.

(da esquerda para a direita)
Carl Wilson, Dennis Wilson, Mike Love, Al Jardine, Brian Wilson

No entanto, as pressões foram demais para Brian. O estresse das várias turnês, o uso de drogas e o desejo obsessivo de superar os ‘Beatles’ levou Brian a um colapso nervoso que o afastou das viagens. Os demais continuaram a excursionar com Glen Campbell a substituí-lo primeiramente, e Bruce Johnston depois, enquanto ele ficava em casa escrevendo e fazendo uso do talento de ‘The Wrecking Crew’, banda de estúdio de Los Angeles liderada pelo baterista Hal Blaine, um dos mais bem sucedidos grupos de músicos de estúdio na história da música. Com o apoio de ‘The Wrecking Crew’, Brian Wilson compôs clássicos como ‘California Girls’, ‘Help Me Rhonda’ e ‘Please Let Me Wonder’. No final de 1965, os ‘Beatles’ lançaram ‘Rubber Soul’. Espantado com a qualidade musical do álbum, Brian começou a escrever canções com a ajuda do letrista Tony Asher. O resultado, lançado em maio de 1966 como ‘Pet Sounds’, é um dos álbuns mais influentes, é o que a maioria dos críticos chama de o maior álbum pop de todos os tempos. Mas, não conseguiu impressionar o público americano. Por outro lado, a reação de todo o mundo não foi apenas positiva, mas exultante. Na Inglaterra, o álbum atingiu o número dois e a banda foi nomeada o melhor grupo acima até mesmo dos 'Beatles'. ‘Pet Sounds’ trouxe uma profundidade totalmente nova para a música, com técnicas avançadas de produção e letras poderosas sobre temas como solidão, saudade, auto-isolamento, e o poder da comunicação não verbal. Paul McCartney revelou que ‘Pet Sounds’ foi uma grande influência no álbum ‘Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band’.

'The Beach Boys' a primeira banda ‘surf rock’

A partir daí, no entanto, a história se torna longa e trágica. Depois de ‘Pet Sounds’ lançado, Brian Wilson pretendia ofuscá-lo com um álbum novo e revolucionário chamado ‘Smile’. Contudo, a falta de apoio da gravadora combinado com sua psique doente e o abuso de drogas levou ao cancelamento do álbum em 1967. A banda lançou então ‘Smiley Smile’, supostamente mais comercial, em oposição ao ‘estranho’ ‘Smile’. O álbum foi um fracasso, e ‘The Beach Boys’ lutava para continuar nas paradas até o início dos anos 70. Como os ‘Beatles’ estavam inaugurando a era psicodélica, a multidão de adolescentes rapidamente começou a ver os ‘Beach Boys’ como um grupo conservador. Um ano depois, assinaram contrato com a ‘Reprise Records’. O primeiro álbum foi ‘Sunflower’, um álbum surpreendentemente forte com canções escritas por diferentes membros da banda. Durante este tempo, Brian permaneceu escondido em seu quarto; Dennis Wilson se tornou amigo de Charles Manson, líder do grupo que cometeu vários assassinatos, entre eles o da atriz Sharon Tate, esposa do diretor de cinema Roman Polanski; e os irmãos Wilson dominados pelo pai Murry Wilson venderam o catálogo de suas canções por uma soma irrisória de 750 mil dólares, um catálogo que é estimado hoje em 75 milhões de dólares. O grupo seguiu em frente na década de 70 e 80, com Brian apenas um participante inconsistente e cada membro revelou talentos individuais nunca totalmente desenvolvidos durante os anos 60.

Alemanha (1966)

As coisas começaram a melhorar em 1974, quando a ‘Capitol Records’ lançou o álbum de grandes hits, ‘Endless Summer’, que não só ganhou disco de platina triplo e restaurou a vida financeira da banda, mas também impulsionou-os de volta à relevância cultural. Eles decidiram iniciar a gravação de um novo álbum e tentaram atrair Brian Wilson de volta ao estúdio. Durante este tempo, Brian estava sendo submetido à uma terapia não convencional, que foi capaz de mantê-lo ligeiramente mais saudável e disposto a trabalhar com o grupo novamente. Ele produziu dois álbuns, ‘15 Big Ones’ e ‘Love You’ e também reapareceu no palco com a banda. Mas, é claro que Brian não estava bem o suficiente e ele começou a escorregar de volta para seus antigos hábitos. Mike Love assumiu a liderança da banda neste momento, e Carl e Dennis Wilson compunham canções em seu lugar. Ambos criaram memoráveis músicas, com Dennis Wilson compondo para seu próprio álbum solo, ‘Pacific Ocean Blue’, que é agora considerado como sendo tão incrível quanto o que Brian fez. No entanto, Dennis também estava propenso ao alcoolismo e comportamento auto-destrutivo, e morreu afogado em 1983. Alcoolizado, bateu a cabeça em outro barco quando mergulhou para reaver bens pessoais que ele tinha jogado fora de seu amado iate, ‘Harmony’. A pedido do presidente Reagan, ele se tornou um dos poucos civis a ser enterrado no mar.

1967: época em que Brian Wilson saiu da banda

‘The Beach Boys’, basicamente capengou na década de 80 e 90, sendo apenas ‘Kokomo’ um hit de sucesso em 1988. Com Brian Wilson regredindo, nos dez anos seguintes, ele foi novamente submetido às terapias não convencionais do Dr. Eugene Landy. Landy não só tratava a doença de Brian de maneiras extremas e questionáveis, mas também se intrometia em seus assuntos musicais e isolava Brian de seus amigos e familiares, enquanto milhares de dólares iam para as suas contas. Em 1991, um processo judicial bem sucedido separou Landy de Brian. Ele se recuperou de forma magnífica, e em 1996, foi persuadido a voltar novamente como produtor da banda. No entanto, tudo o que veio foi ‘Stars and Stripes Vol. 1’, um álbum fraco interpretado por artistas de segunda categoria. Qualquer chance de uma reunião que realmente valesse alguma coisa foi interrompida pela morte de Carl Wilson, de câncer, em 1998. Os 'Beach Boys' sobreviventes eram Mike Love, Bruce Johnston, e uma variedade de músicos; Brian Wilson continuou a gravar com eles e Al Jardine, que deixou o grupo original após a morte de Carl agora excursionava com seu filho e outros músicos conhecidos como ‘Al Jardine's Endless Summer Band’. Vários artistas têm citado ‘The Beach Boys’ como uma grande influência, basicamente o gênero rock indie todo.

the beach boys - surf's up

‘The Beach Boys Today!’ é o oitavo álbum de estúdio da banda e o primeiro de três lançados em 1965. ‘The Beach Boys Today!’ marcou o começo de grandes mudanças na banda, em particular, na vida pessoal do líder Brian Wilson. Aqui começa a revolução, o surf music fica de lado, e o experimentalismo, embora discretíssimo, começa a fazer parte das composições da banda. Músicas mais maduras, baladas lindas e grandes clássicos. Após ‘Pet Sounds’, o álbum é provavelmente o mais aclamado da carreira dos ‘Beach Boys’. O álbum inclui a versão original do sucesso clássico, ‘Help Me, Rhonda’.

‘Pet Sounds’ é o décimo primeiro álbum de estúdio da banda lançado pela ‘Capitol Records’. É considerado um dos discos mais influentes da música pop, e classificado como número # 1 em várias listas de maiores álbuns de todos os tempos em revistas especializadas. Brian Wilson parou de excursionar com a banda e concentrou a sua atenção nas composições e gravações. Nesse trabalho, ele teceu camadas elaboradas de harmonias vocais, juntamente com efeitos de som e instrumentos não-convencionais, como sinos de bicicleta, órgãos, cravos, flautas, teremim, e apitos para cães, junto com instrumentos mais usuais como teclados e guitarras. ‘Pet Sounds’ está na lista dos 200 álbuns definitivos no Rock and Roll Hall of Fame. É um dos primeiros álbuns do ‘art rock’, ou seja, rock em forma de arte. Os principais alicerces para este álbum são encontrados nos álbuns anteriores de 1965, ‘The Beach Boys Today!’ e ‘Summer Days’ (and Summer Nights!).

‘Wild Honey’ é o décimo terceiro álbum de estúdio da banda e o primeiro dos ‘Beach Boys’ desde ‘Surfin' USA’ a não ser produzido unicamente por Brian Wilson, que vinha abdicando gradualmente da liderança musical da banda desde as difíceis sessões do abortado ‘Smile’. ‘Wild Honey’ é um disco recheado de tendências funk, dançante, e com instrumentos exóticos.

The Beach Boys Today! (1965)
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Tracklist
01. Do you wanna dance? 02. Good to my baby 03. Don't hurt my little sister 04. When I grow up (to be a man) 05. Help me, Ronda 06. Dance, dance, dance 07. Please let me wonder 08. I'm so young 09. Kiss me, baby 10. She knows me too well 11. In the back of my mind 12. Bull sessions with Big Daddy

Pet Sounds (1966)
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Tracklist Side One: 01. Wouldn't It Be Nice 02. You Still Believe in Me 03. That's Not Me 04. Don't Talk (Put Your Head on My Shoulder) 05. I'm Waiting for the Day 06. Let's Go Away for Awhile 07. Sloop John B

Tracklist Side Two: 01. God Only Knows 02. I Know There's an Answer 03. Here Today 04. I Just Wasn't Made for These Times 05. Pet Sounds 06. Caroline No

Wild Honey (1967)
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Tracklist
01. Wild Honey 02. Aren't You Glad 03. I Was Made To Love Her 04. Country Air 05. A Thing Or Two 06. Darlin' 07. I'd Love Just Once To See You 08. Here Comes The Night 09. Let The Wind Blow 10. How She Boogalooed It 11. Mama Says

‘Friends’ é o décimo quarto álbum de estúdio da banda e o primeiro a ser lançado somente em estéreo. ‘Friends’ só atingiu #126 nas paradas americanas, indicando que a banda já não era tão popular em seu país. No Reino Unido, mais tarde, foi bem mais popular, alcançando #13. Apesar de pouco respaldo na mídia e ser mal compreendido, ‘Friends’ define a maturidade artística dos ‘Beach Boys’ como um todo, e é considerado como uma das maiores obras primas da banda pela sua diversidade melódica, harmônica, rítmica e instrumental. Vocalmente, é considerado perfeito.

‘Sunflower’ é o décimo sexto álbum de estúdio do grupo e o primeiro pela ‘Reprise Records’. Rock’n’roll melódico, alegre, totalmente no espírito paz e amor, desde a capa.

‘Surf´s Up’ é o décimo sétimo álbum com base em uma canção de mesmo título escrita por Brian Wilson e Van Dyke Parks para o abandonado álbum ‘Smile’. ‘Surf's Up’ é um dos mais maduros discos dos ‘Beach Boys’, mantendo o tom experimental dos discos anteriores. Toques de rock progressivo são encontrados, como na faixa ‘Feel Flows’. A faixa título foi elogiada na época de sua composição nas sessões de ‘Smile’ por músicos ligados à música erudita como Leonard Bernstein, dizendo ser um acontecimento novo da música popular na época.

Friends (1968)
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Tracklist Side One: 01. Meant For You 02. Friends 03. Wake The World 04. Be Here In The Mornin’ 05. When A Man Needs A Woman 06. Passing By

Tracklist Side Two: 01. Anna Lee, The Healer 02. Little Bird 03. Be Still 04. Busy Doin’ Nothin’ 05. Diamond Head
06. Transcendental Meditation

Sunflower (1970)
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Tracklist Side One: 01. Cottonfields 02. Slip on Through 03. This Whole World 04. Add Some Music to Your Day 05. Deidre 06. Got to Know the Woman 07. It’s About Time

Tracklist Side Two: 01. Tears in the Morning 02. All I Wanna Do 03. Forever 04. Our Sweet Love 05. At My Window 06. Cool, Cool Water

Surf´s Up (1971)
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Tracklist
01. Don't Go Near The Water 02. Long Promised Road 03. Take A Load Off Your Feet 04. Disney Girls (1957) 05. Student Demonstration Time 06. Feel Flows 07. Lookin' At Tomorrow (A Welfare Song) 08. A Day In The Life Of A Tree 09. 'Til I Die 10. Surf's Up

‘Carl and the Passions - So Tough’ é o décimo oitavo álbum de estúdio da banda. É tratado com indiferença por boa parte dos fãs por ser o trabalho mais diferente do grupo e por ser em parceria com os sul africanos Blondie Chaplin e Ricky Fataar, da banda ‘The Flames’. Não sendo considerado como um puro ‘Beach Boys’, o disco é a penúltima obra prima do grupo, sendo a última o ‘Holland’, também com a parceria deles. Muitos consideram falta de coesão, outros consideram como um disco versátil. Foi Carl Wilson que teve a idéia de chamar esta parceria e de mudar bastante o som da banda. Desde o ‘Wild Honey’ o grupo não tinha mais se enveredado tanto para o soul, blues e R&B, exceto algumas do ‘Sunflower’. ‘Carl and the Passions - So Tough’ mostra elementos fortes do gospel em ‘He Come Down’, blues-country em ‘Hold On Dear Brother’, e as outras bastante voltadas ao R&B e soul clássicos, além do rock ‘Marcella’. As baladas fortes e melancólicas de Dennis Wilson em parceria com Daryl Dragon marcam a mudança no disco em ‘Make It Good’ e ‘Cuddle Up’. O disco é cuidadosamente executado e é musicalmente respeitado, sendo como a preparação do vanguardista ‘Holland’ no ano seguinte, considerado por críticos com a última pérola dos ‘Beach Boys’, mesmo seguindo com bons álbuns após ele. ‘Carl and the Passions - So Tough’ é o álbum predileto de Elton John.

Carl and the Passions - ‘So Tough’ (1972)
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Tracklist
01. You Need a Mess of Help to Stand Alone 02. Here She Comes 03. He Come Down04. Marcella 05. Hold On Dear Brother 06. Make It Good 07. All This Is That 08. Cuddle Up

The Very Best of The Beach Boys (2001)
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parte I parte II
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parte I parte II

Tracklist
01. Good Vibrations 02. California Girls 03. I Get Around 04. Wouldn't It Be Nice 05. Surfin' Safari 06. Fun, Fun, Fun 07. Surfin' USA08. Help Me Rhonda 09. Don't Worry Baby 10. When I Grow Up (To Be a Man) 11. Little Deuce Coupe 12. Dance, Dance, Dance 13. Little Honda 14. Do You Wanna Dance? 15. Surfer Girl (song) 16. Then I Kissed Her 17. God Only Knows 18. Caroline, No 19. Sloop John B 20. Barbara Ann 21. Heroes and Villains 22. Do It Again 23. Darlin' 24. Wild Honey 25. Break Away 26. Rock and Roll Music 27. I Can Hear Music28. Cotton Fields (The Cotton Song) 29. Lady Lynda
30. Kokomo

ABC of the blues 14: earl hooker & screamin' jay hawkins

2012-01-12T12:31:00.003-02:00

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Earl Hooker (1929 - 1970) foi guitarrista de Chicago que se apresentou com Sonny Boy Williamson II, Junior Wells e seu primo John Lee Hooker, bem como a frente de suas próprias bandas. Um guitarrista no início da guitarra elétrica influenciado pelo estilo urbano de T-Bone Walker e Robert Nighthawk. T-Bone Walker era popular nesta época e teve um impacto considerável sobre Hooker. Nighthawk ensinou a Hooker as técnicas do slide. Além de gravar com artistas conhecidos, gravou vários singles e álbuns como líder de bandas. No final dos anos 60, Hooker começou a se apresentar em faculdade e circuitos de concertos e tinha vários contratos de gravação. Hooker tocava nas esquinas das ruas de Chicago com amigos de infância, incluindo Bo Diddley. Junior Wells, outra figura importante na carreira de Hooker, entrou em sua vida também neste momento. Os dois foram artistas de rua e às vezes em tempos de chuva eles tocavam em bondes. Um dos singles de maior sucesso de Hooker foi ‘Frog Hop’. A sua ‘Blue Guitar’, com letra de Willie Dixon e JB Lenoir, e tocada com slide, mais tarde foi sobreposta com vocais por Muddy Waters e se tornou a popular ‘You Shook Me’. ‘You Need Love’, novamente com letra de Willie Dixon também foi sucesso. Mais tarde, bandas de rock como Led Zeppelin gravaram ‘You Shook Me’ e ‘You Need Love’. Com 41 anos, Earl Hooker morreu de complicações devido à tuberculose. Embora ele tenha sido um bluesman no coração, foi adepto de diversos estilos musicais, que ele incorporou como lhe convinha. Dependendo do seu humor e reação do público, Hooker incluía em suas apresentações o blues, boogie-woogie, R&B, soul, bebop, e até mesmo o pop. Earl Hooker foi um showman no estilo de T-Bone Walker, Guitar Slim e Johnny ‘Guitar’ Watson. Usava roupas espalhafatosas e tocava a guitarra com os dentes ou com os pés ou jogava-a atrás do pescoço ou entre as pernas. Embora não tenha recebido o reconhecimento do público, Hooker era altamente considerado por seus colegas músicos. Muitos o consideram como um dos maiores guitarristas do blues moderno.

Screamin' Jay Hawkins (1929 - 2000), foi músico, cantor e ator. Famoso principalmente por sua poderosa voz e apresentações teatrais de canções como em ‘I Put a Spell on You’, por vezes, utilizando adereços macabros, fazendo dele o primeiro ‘shock rock’, termo genérico para os artistas que combinam rock com elementos teatrais ao vivo. Excêntrico, com uma voz poderosa, Screamin 'Jay Hawkins é talvez o mais folclórico bluesman de todos os tempos. Não só pela aparência, mas pelas apresentações inusitadas. Seus shows eram bizarros, com caixões, aranhas falsas e fogos de artifício. Alucinado e macabro, subia ao palco com um cajado e uma caveira na ponta e vestido como um líder voodoo africano. O sucesso veio em 1956 quando gravou seu maior sucesso: ‘I Put a Spell On You’ uma das melhores músicas de todos os tempos e regravada por 'Creedence Clearwater Revival', 'Them', a ex-banda de Van Morrison, 'The Animals', Joe Cocker, Nick Cave, Ray Charles, Bryan Ferry, Buddy Guy e Nina Simone e até por Marilyn Manson. Screamin' Jay Hawkins faleceu após cirurgia para tratar de um aneurisma. Sua vida é cercada de vários mistérios, dizem que deixou 55 filhos com várias mulheres, após investigação, esse número subiu para 75 filhos. O certo é que Screaming Jay Hawkins escreveu o seu nome na história do blues. Leia +...

Tracklist
01. Earl Hooker - Sweet Black Angel
02. Earl Hooker - Earl's Boogie Woogie
03. Earl Hooker - Goin' Down the Line
04. Earl Hooker - Guitar Rag
05. Screamin' Jay Hawkins - I Put a Spell on You
06. Screamin' Jay Hawkins - Yellow Coat
07. Screamin' Jay Hawkins - If You Are But a Dream
08. Screamin' Jay Hawkins - You Made Me Love
09. Screamin' Jay Hawkins - Orange Colored Sky
10. Screamin' Jay Hawkins - Hong Kong
11. Screamin' Jay Hawkins - Baptize Me in Wine
12. Screamin' Jay Hawkins - Not Anymore
13. Screamin' Jay Hawkins - I Hear Voices
14. Screamin' Jay Hawkins - The Whammy
15. Screamin' Jay Hawkins - Little Demon
16. Screamin' Jay Hawkins - Poor Folks
17. Screamin' Jay Hawkins - Your Kind of Love
18. Screamin' Jay Hawkins - Ashes
19. Screamin' Jay Hawkins - Swing Low, Sweet Chariot
20. Screamin' Jay Hawkins - Ol' Man River

screamin' jay hawkins - little demon

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parte I parte II
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parte I parte II

the ultimate jazz archive: swing to bebop, modern jazz 29

2012-01-08T17:31:00.002-02:00

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Art Pepper (1925 - 1982) foi clarinetista e saxofonista de cool jazz, estilo surgido no final da década de 40 em New York. O estilo caracteriza-se por ser, na maioria das vezes, uma música mais lenta e mais melancólica e um de seus maiores representantes foi Miles Davis. Arthur Edward Pepper Jr. nasceu na Califórnia, mas viveu vários anos em Los Angeles. Iniciou a sua carreira musical nos anos 40, tocando nas orquestras de Benny Carter e de Stan Kenton. Entre 1944 e 1946, cumpriu o serviço militar e na década seguinte, tornou-se um dos principais músicos do jazz da costa oeste dos EUA, juntamente com Chet Baker e Gerry Mulligan, entre outros. Ao mesmo tempo que cumpria o serviço militar, Pepper consumia heroína, o que levou a várias interrupções na carreira, e alguns períodos na prisão, nos anos 50 e 60. Estes períodos influenciaram o seu trabalho, levando-o a adotar um som mais pesado, característico de John Coltrane. Na década de 50, Art Pepper foi um dos poucos, juntamente com os também saxofonista Lee Konitz e Paul Desmond, capaz de desenvolver seu próprio som, apesar da influência dominante de Charlie Parker. Entre 1969 e 1971, passou algum tempo em uma clínica de reabilitação para dependentes. Voltou às gravações, editando diversos álbuns, após iniciar tratamento com metadona, narcótico idêntico nas suas propriedades à morfina, utilizado principalmente no tratamento dos dependentes de heroína, agindo nos mesmos receptores e com os mesmos efeitos. Em 1980, Art Peeper escreve a sua autobiografia, ‘Straight Life’, que descreve o mundo do jazz, das drogas e o sub-mundo do crime, na Califórnia. Quando Art Pepper morreu aos 56 anos de idade, de um derrame, ele tinha alcançado a sua meta de se tornar um dos grandes do jazz.

Shorty Rogers (1924 - 1994), nascido em Massachusetts como Milton Rajonsky foi um dos principais criadores do west coast jazz, estilo que se desenvolveu em torno de Los Angeles e San Francisco na década de 50 e é muitas vezes visto como um sub-gênero do cool jazz. Shorty Rogers tocou tanto o trompete quanto o flugelhorn. Trabalhou primeiro como músico profissional, com o trombonista e bandleader Will Bradley e o vibrafonista Red Norvo. De 1947 a 1949, com Woody Herman e em 1950 e 1951 com Stan Kenton. De 1953 até 1962 Rogers gravou uma série de álbuns com seu próprio grupo, ‘Shorty Rogers and His Giants’. Em 1954 gravou o álbum ‘The Three and the Two’ com o baterista Shelly Manne e o clarinetista e saxofonista Jimmy Giuffre. Grande parte da música que ele gravou com Giuffre mostrou o seu lado experimental, resultando em uma forma primitiva de avant-garde jazz, também conhecido como avant-jazz, estilo que muitas vezes soa muito semelhante ao free jazz. Shorty Rogers também fez gravações notáveis com Art Pepper e Andre Previn, entre outros, e incorporou também o estilo de Count Basie, sua grande inspiração. Rogers se tornou mais conhecido por suas habilidades como compositor e arranjador do que como trompetista. No início dos anos 60, deixou de tocar o trompete e abandonou a cena do jazz durante muitos anos. Entre as atividades de compor e arranjar, ele organizou uma série de registros para ‘The Monkees’, grupo de pop rock dos anos 60, e na década de 70 escreveu a trilha para as séries de TV ‘The Partridge Family’ e ‘Starsky & Hutch’. Finalmente, em 1982, foi convencido a voltar para o jazz, pela primeira vez com uma orquestra na Inglaterra e depois com o flautista e saxofonista Bud Shank. Na década 90 formou o ‘Lighthouse All Stars’, um grupo com Shank, e os saxofonistas Bill Perkins e Bob Cooper.

Horace Silver (1928), um dos mentores do hard bop tocou com Stan Getz, Coleman Hawkins, Lester Young e Miles Davis, e teve uma associação marcante com Art Blakey e o seu grupo ‘Jazz Messengers’. Horace Ward Martin Tavares Silva foi influenciado por vários estilos musicais, o gospel, a música africana, e a latino-americana e se aventurou no gênero soul jazz. Compositor de vários temas que ficaram bastante conhecidos, Horace Silver ficou associado ao estilo de piano conhecido como ‘funky’, inspirado no soul e no gospel e que se caracteriza por uma repetição obstinada de figuras rítmicas sincopadas e com improvisos mais longos do que no bebop. Silver é um pianista de toque duro, entrecortado e percussivo. Sua música é vigorosa e fortemente rítmica. É um excelente intérprete de blues. As suas primeiras influências foram os estilos de boogie-woogie e o blues. Em 1956 formou seu próprio quinteto e desde então trabalha bastante com esse tipo de formação, sendo um dos principais líderes de pequenos conjuntos. Com as convulsões sociais e culturais que sacudiram os EUA durante o final dos anos 60 e início de 70, Horace Silver respondeu a essas mudanças através da música. Passou quase trinta anos associado ao selo Blue Note e os seus descendentes musicais e de seu jazz funky são Herbie Hancock e Wayne Shorter. A música de Silver tem sido uma força importante no jazz moderno e o seu talento não passou despercebido entre os músicos de rock com influências do jazz.

Chet Baker (1929 - 1988), é figura mitológica do jazz, em grande parte por fatores extramusicais, o que não significa que sua música não seja extraordinária. Chesney Henry Baker Jr. nasceu em Oklahoma e foi criado em Los Angeles. De seu pai, guitarrista amador de bandas de country, além de herdar o nome herdou também o amor pela música; foi ele quem lhe deu um trompete quando fez treze anos, para que pudesse entrar para a banda do colégio. No entanto, Chet não gostava de estudar música. Aos dezessete anos saiu da escola e entrou para o exército. Transferido para Berlim tocou na banda militar e nesse período, na Europa, ouviu jazz pela primeira vez transmitido pela rádio do exército. Ao sair do exército vagou por Los Angeles ouvindo Miles Davis, Fats Navarro e participando de 'jam sessions' durante a noite. Estava se apresentando em Los Angeles quando ficou sabendo que Charlie Parker estava à procura de um trompetista para acompanhá-lo em sua turnê. A sessão de audição de Charlie Parker para a escolha de um candidato terminou quando ele ouviu o trompete de Chet Baker, então com 22 anos. Baker tinha grande afeição por Charlie Parker, por sua gentileza, honestidade e pela maneira como protegia os músicos da banda, tentando mantê-los longe da heroína que tanto lhe corroia. Em 1952, quando Gerry Mulligan começou a formar seu famoso quarteto sem piano, escolheu Baker, com quem já havia tocado em 'jam sessions'. A formação foi um sucesso incrível e durou cerca de um ano, até Mulligan ser preso por posse de heroína. Com a saída de Mulligan, Baker convidou o pianista Russ Freeman para substituí-lo. Após discussões envolvendo dinheiro o quarteto se desfez e Baker seguiu para a Europa. A turnê ia bem até a morte por overdose do pianista de 24 anos, Dick Twardzik. Sozinho, Baker permaneceu na Europa tocando com vários músicos. De volta aos EUA, começou a consumir heroína e foi preso. Resolveu voltar para a Europa onde viveu por quatro anos na Itália, foi preso, casou e teve um filho. Em 1964 voltou novamente aos EUA, agora dominados pelo rock dos Beatles. Restando pouco espaço para o jazz gravou discos comerciais de baixíssimo valor artístico. Época em que perdeu vários dentes em uma briga por heroína o que o levou a abandonar o instrumento de 1970 a 1973. Em viagem pelo Colorado ouviu Dizzy Gillespie tocar em um clube. Foi o início do seu retorno quando Gillespie ficou sabendo do seu esforço para voltar à cena musical e lhe arrumou uma temporada em New York. Chet Baker foi o músico cool por excelência, sendo um dos pais deste estilo, não apenas musicalmente, mas também na atitude de calculada indolência, que se tornou famosa. Um jeito que escondia a dura realidade: a devastadora dependência de drogas que fez com que durante décadas Chet Baker se visse em um labirinto infernal de crises pessoais, contratos interrompidos, brigas, internações e prisões. Sua aparência sofreu ao longo da vida uma transformação impressionante, devido ao uso de heroína e suas conseqüências. O outrora belo e jovem trompetista aos quarenta anos parecia estar com sessenta. Mas mesmo com tudo isso, milagrosamente, o gênio musical de Chet mantinha-se intacto como atesta a sua vasta discografia. Baker morreu em Amsterdã, de forma trágica e misteriosa, quando despencou da janela do hotel. Até hoje resistem muitas controvérsias sobre a causa de sua partida: suicídio ou acidente? Leia +...

I remember you
horace silver

29-1: Art Pepper (1950-1954)
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parte I parte II
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parte I parte II

Tracklist
01. The Count On Rush Street 02. Pooch Mcgooch 03. Brown Gold 04. Holiday Flight 05. Surf Ride 06. Tickle Toe 07. Chili Pepper 08. Suzy The Poodle 09. Straight Life 10. Cinnamon 11. Thyme Time 12. The Way You Look Tonight 13. Nutmeg 14. Art's Oregano 15. Over The Rainbow 16. Popo 17. Didi 18. Sam And The Lady 19. Apropos 20. Art Pepper

29-2: Shorty Rogers (1951-1956)
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parte I parte II
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parte I parte II

Tracklist
01. Moton Swing 02. Isn't It Romantic 03. Four Mothers 04. Dickie's Dream 05. Over The Rainbow 06. The Lady In Red 07. Just A Few 08. My Heart Stood Still 09. Blues Way Up There 10. Blues Way Down There 11. Easy 12. Not Really The Blues 13. Baklava Bridge 14. Clickin' With Clax 15. Twelfth Street Rag

29-3: Horace Silver (1952)
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parte I parte II
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parte I parte II

Tracklist
01. Quicksilver 02. Horoscope 03. Thou swell 04. Safari 05. Ecaroh 06. Prelude to a kiss 07. Yeah 08. I remember you 09. Knowledge box 10. Day in, day out 11. Opus de funk 12. How about you 13. Buhaina 14. Silverware

29-4: Chet Baker (1952-1954)
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parte I parte II

Tracklist
01. Freeway 02. My Old Flame 03. Five Brothers 04. My Funny Valentine 05. Come Out Wherever You are 06. What's New 07. Half Nelson 08. All The Things You Are 09. Bea's Flat 10. Moon Love 11. Happy Little Sunbeam 12. Pro Defunctus 13. Moonlight Becomes You 14. Bockhanal

the sonics

2012-01-05T21:52:00.001-02:00

‘The Sonics’ cujo nome foi inspirado nas fábricas da indústria aeroespacial 'Boeing', em Seattle, foi uma banda de garagem com sucesso após sucesso nas paradas locais e, inexplicavelmente, nunca foi capaz de romper as fronteiras nacionais. A banda tocou clássicos de Little Richard e Chuck Berry, mas também compôs canções próprias e com essas atingiram o status de lenda. As letras inspiradas em conjunto com a guitarra distorcida e os vocais gritados histericamente fizeram das canções ‘(She's a)Witch’, ‘Boss Hoss’, ‘Cinderella’, ‘Psycho’ e ‘Strychnine’ verdadeiros clássicos. ‘The Sonics’ foi formado em 1963, em Tacoma, Washington, particularmente influenciado pela banda de rock britânica ‘The Kinks’ e na esteira do sucesso das bandas dos anos 60, ‘The Kingsmen’, outra banda de garagem de Portland, Oregon; e ‘The Wailers’, uma das primeiras, se não a primeira banda de garagem, também de Tacoma, não confundir com o grupo jamaicano ‘The Wailers’, que teve Bob Marley.

Os membros originais foram Gerry Roslie (vocalista, piano e órgão), Andy Parypa (baixo), Larry Parypa (guitarra), Bob Bennett (bateria) e Rob Lind (saxofone). ‘The Sonics’ começou a tocar nas paróquias e em seguida em clubes de dança. Foi o baixista Buck Ormsby do ‘The Wailers’ que descobriu a banda e a levou para gravar no seu selo ‘Etiquette Records’. Buck ficou admirado com a guitarra suja de Larry e com os berros de Gerry ao microfone. Gerry Roslie era nada menos que um Little Richard branco, cujos angustiantes gritos foram surpreendentes até mesmo para o público adolescente da região, que gostava da sua música poderosa e com pouca consideração para sutilezas comerciais. Ao contrário do que era costume naqueles dias a banda tocava o mais alto possível. Uma das histórias diz que os integrantes da banda só ficavam satisfeitos quando todos os medidores do estúdio de gravação ficassem continuamente no vermelho, levando os técnicos à loucura.

1965

O single com a clássica ‘The Witch’, se tornou um hit quando Pat O'Day o DJ da rádio KJR a colocou no ar. No lado B gravaram ‘Keep A Knockin’, de Little Richard. O primeiro álbum da banda, ‘Here Are the Sonics’ é uma obra-prima: áspero, agressivo, distorcido, e com um rock’n’roll frenético. As canções ‘(She's a) Witch’, ‘Psycho’ e ‘Strychnine’ escritas por Gerry Roslie são excepcionais. O segundo álbum, ‘Boom’ não é tão frenético, mas ainda fantasticamente bom. A canção de rhythm and blues composta por Richard Berry em 1956, ‘Louie Louie’, um dos maiores clássicos da história do rock, é realmente a melhor versão já gravada. Em 1966, ‘The Sonics’ era a banda de abertura para várias outras bandas como os ‘Beach Boys’, ‘The Kinks’, ‘Mamas & Papas’ e os ‘Byrds’. Eles também tocaram juntos com outra banda de garagem, o ‘Liverpool 5’, grupo que fez parte da invasão britânica dos anos 60, e com o trio feminino ‘The Shangri-Las’, um grupo pop norte-americano. O terceiro álbum, produzido por Jerry Dennon da ‘Jerden Records’, foi chamado ‘Introducing The Sonics’, porque foi a estréia em uma grande gravadora. Um álbum comportado, que não agradou aos integrantes. Com pouca liberdade dentro do estúdio, a banda considerou o disco um grande lixo.

2008

‘Any Way The Wind Blows’ foi o último single gravado pela formação original. Alguns dos integrantes partiram para a faculdade e outros para outras bandas, sendo o saxofonista Rob Lind o último membro original a sair em 1968. ‘The Sonics’ continua hoje a ser reverenciada por colecionadores no mundo inteiro. Gerry Roslie reformulou a banda em 1979 com um novo line-up para gravar ‘Cinderella for Bomp’. Rob Lind vivendo em Los Angeles, se envolveu na indústria cinematográfica. Gerry Roslie continuou a gravar e compor. Andy Parypa tornou-se professor. A banda voltou para alguns shows em 2007 e gravaram o álbum '8' em 2011, com os eternos clássicos e músicas novas. ‘The Sonics’ foi uma das mais importantes e influentes bandas de garagem, referência para muitos grupos modernos, sendo Iggy Pop, ‘New York Dolls’ e ‘Nirvana’ alguns de seus fãs.

the sonics - strychnine

Here Are the Sonics (1965)
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Tracklist
01. The Witch 02. Do You Love Me 03. Roll Over Beethoven 04. Boss Hoss 05. Dirty Robber 06. Have Love Will Travel 07. Psycho 08. Money (That’s What I Want) 09. Walkin’ the Dog 10. Night Time is the Right Time 11. Strychnine 12. Good Golly Miss Molly 13. Keep A Knockin’ 14. Don’t Believe in Christmas 15. Santa Claus 16. The Village Idiot

Boom (1966)
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Tracklist
01. Cinderella 02. Don't Be Afraid of the Dark 03. Skinny Minnie 04. Let the Good Times Roll 05. Don't You Just Know It 06. Jenny, Jenny 07. He's Waitin' 08. Louie, Louie 09. Since I Fell for You 10. Hitch Hike 11. It's All Right 12. Shot Down 13. Hustle 14. Witch (Alternate Take) 15. Psycho (Live) 16. Witch (Live)

Introducing The Sonics (1967)
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Tracklist
01. The Witch 02. You Got Your Head On Backwards 03. I’m A Man 04. On The Road Again 05. Psycho / Love Lights 06. I’m Going Home 07. High Time 08. I’m A Rolling Stone 09. Like No Other Man 10. Maintaining My Cool 11. Bama Lama Bama Loo 12. Leave My Kitten Alone 13. Dirty Old Man 14. Diddy Wah Diddy

The Jerden Years 1966-1969
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Tracklist
01. The Witch 02. You've Got Your Head On Backwards 03. I'm A Man 04. On The Road Again 05. Psycho 06. Dirty Old Man 07. I'm Going Home 08. High Time 09. I'm A Rolling Stone 10. Like No Other Man 11. Maintaining My Cool 12. Bama Lama Lu 13. Leaving My Kitten Alone 14. Hanky Panky 15. Diddy Wah Diddy 16. Anyway The Wind Blows (Pt. 1) 17. Anyway The Wind Blows (Pt. 2) 18. Loveitis 19. Always Love Her 20. Lost Love 21. Good Hard Rock 22. Once Again 23. I'll Stay With You 24. I'm Right 25. Only She Would Do 26. Love Lights 27. Goodbye 28. Near My Soul 29. Wake Me, Shake Me 30. You're In Love

8 (2011)
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Tracklist
01. Cheap Shades 02. Bad Attitude 03. Dont Back Down 04. Vampire Kiss 05. Cinderella (Live) 06. Strychnine (Live) 07. Dont Be Afraid Of The Dark (Live) 08. Psycho (Live)

links corrigidos

2012-01-03T05:24:00.004-02:00

Stacey Kent | Dianne Reeves | The Rolling Stones

Baden Powell | Seasick Steve | Badlands

ABC of the blues 15: lightnin' hopkins

2011-12-31T06:42:00.002-02:00

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Lightnin' Hopkins (1912 - 1982), nascido Sam John Hopkins foi um influente guitarrista, cantor e compositor texano de country blues. Na lista dos 100 melhores guitarristas de todos os tempos da revista 'Rolling Stone' está na 71º posição. Hopkins foi uma figura chave na transição do blues rural para o blues urbano. Hopkins era um bluesman cuja carreira começou na década de 20 e até a década de 40, viajou através do Texas tocando em piqueniques e festas. Ao longo do caminho, Hopkins viu mudanças no gênero, mas nunca alterou seu som triste que se traduzia na guitarra acústica e elétrica. Seus irmãos John Henry e Joel também foram talentosos bluesmen, mas foi Sam, que se tornou uma estrela. Em 1920, ele conheceu o lendário bluesman cego Blind Lemon Jefferson e teve a chance de tocar com ele. Depois serviu como seu guia. Na adolescência, Hopkins começou a trabalhar com outro grande bluesman do pré-guerra, o cantor Texas Alexander, que era seu primo. Nos anos 30, esta parceria foi interrompida por um tempo com a prisão de Hopkins. Ele foi condenado por ter cometido adultério com uma mulher branca e cumpriu pena na prisão de Houston. Depois disso, ele gravou para uma série de etiquetas e foi redescoberto por folcloristas, em 1959, levando a um ressurgimento da sua popularidade e o lançando para a fama mundial. Até os anos 60 e 70, Hopkins continuou a gravar. Ele excursionou pelos Estados Unidos e pela Europa, mas enquanto sua fama crescia, sua música permanecia a mesma de quando perambulava pelo Texas, manteve-se fiel às raízes. Hopkins morreu vítima de câncer no esôfago aos 69 anos em Houston, Texas. Leia +...

Tracklist
01. Lightnin' Hopkins - Katie Mae Blues
02. Lightnin' Hopkins - Play with Your Poodle
03. Lightnin' Hopkins - Automobile
04. Lightnin' Hopkins - "T" Model Blues
05. Lightnin' Hopkins - Baby Please Don't Go
06. Lightnin' Hopkins - Needed Time
07. Lightnin' Hopkins - Short Haired Woman
08. Lightnin' Hopkins - Mad with You
09. Lightnin' Hopkins - Lightnin' Boogie
10. Lightnin' Hopkins - Give Me Central 209
11. Lightnin' Hopkins - Coffee Blues
12. Lightnin' Hopkins - What's the Matter Now
13. Lightnin' Hopkins - I'm Wild About You Baby
14. Lightnin' Hopkins - Movin' On Out Boogie
15. Lightnin' Hopkins - Policy Game
16. Lightnin' Hopkins - Lightnin' Jump
17. Lightnin' Hopkins - Late in the Evening
18. Lightnin' Hopkins - They Wonder Who I Am
19. Lightnin' Hopkins - Had a Gal Called Sal
20. Lightnin' Hopkins - Blues for My Cookie

lightnin' hopkins - coffee blues

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parte I parte II
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parte I parte II

the ultimate jazz archive: swing to bebop, modern jazz 30

2011-12-29T20:44:00.003-02:00

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Bud Shank (1926 - 2009) foi saxofonista e flautista e chegou à fama no início dos anos 50 na orquestra de Stan Kenton como flautista, e ao longo da década se apresentou com vários grupos de jazz de pequeno porte. Passou a década seguinte como músico de estúdio em Hollywood. Na década de 70 se apresentou regularmente com o ‘The L.A. Four’, grupo de jazz que tinha como membros o guitarrista brasileiro Laurindo Almeida, o baixista Ray Brown e o baterista Shelly Manne. Finalmente, na década de 80, Bud Shank abandonou a flauta para se concentrar exclusivamente em tocar saxofone. Clifford Everett Shank, Jr. nasceu em Ohio e começou a tocar clarinete, mas mudou para saxofone antes de cursar a universidade. Em 1946, ele trabalhou com Charlie Barnet antes de Stan Kenton. Ele também teve um forte interesse pela bossa nova no início dos anos 50 e em 1962 pelo jazz fusion com tradições indianas em colaboração com o compositor e citarista indiano Ravi Shankar. Shank foi um dos primeiros músicos do jazz a explorar a música brasileira, e gravou vários álbuns para a ‘World Pacific’, uma gravadora de world music dos anos 50. Durante sua carreira, Shank trabalhou com Sergio Mendes e ‘The Mamas and The Papas’, seu trabalho de flauta é ouvido na famosa música ‘California Dreamin'’ do grupo. Shank atingiu as paradas de sucesso em 1966, com seu álbum ‘Michelle’, uma coleção de covers de hits pop. Em 2005 ele formou a ‘Bud Shank Big Band’ em Los Angeles para comemorar o 40º aniversário da ‘Neophonic Orchestra’ de Stan Kenton. Bud Shank morreu de uma embolia pulmonar um dia depois de voltar de San Diego, Califórnia, onde estava gravando um novo álbum.

Clifford Brown (1930 - 1956), também conhecido como ‘Brownie’, foi um influente e altamente cotado trompetista. Ele morreu aos 25 anos, deixando para trás apenas quatro anos de gravações. No entanto, ele teve uma influência considerável nos trompetistas de jazz. Clifford Brown ganhou o seu primeiro trompete do pai em 1945 e entrou na banda da escola pouco tempo depois. Um ano mais tarde, o misterioso mundo dos acordes e improvisações do jazz começou a ser notado em Clifford especialmente pelo músico e entusiasta de jazz Robert Lowery. O trompetista adolescente começou a participar de festivais na Filadélfia, quando se graduou, em 1948. No mesmo ano, entrou para a 'Maryland State College' com uma bolsa de estudo, mas houve um pequeno senão: a faculdade estava momentaneamente sem um departamento de música. Brownie permaneceu por um ano na faculdade, a estudar matemática, e no seu pouco tempo livre tocava ao lado de figuras importantes do bop como Kenny Dorham, Max Roach, J.J. Johnson e Fats Navarro. Este último, bastante impressionado com as suas potencialidades, inspirou e encorajou-o. Teve então a oportunidade de entrar em outra faculdade com um bom departamento de música e uma boa banda de 16 elementos. Aí, pôde aprender arranjos musicais, até uma certa noite de 1950, em que depois de um concerto, no caminho de casa, se envolveu no primeiro de três acidentes automobilísticos, o último dos quais fatal. Durante sua hospitalização de um ano, Dizzy Gillespie visitou o jovem trompetista. Após palavras de encorajamento de Dizzy Gillespie, decidiu continuar a sua carreira musical. Teve o seu próprio grupo na Filadélfia por uns tempos, e posteriormente juntou-se ao combo de Chris Powell e depois ao de Tadd Dameron em Atlantic City. Seguiu em turnê pela Europa em 1953 ao lado de Lionel Hampton. Em 1954, ganhou o prêmio da ‘Down Beat’ como a nova estrela do ano. Mudando-se para a Califórnia, formou uma aliança com Max Roach, a qual durou até à sua morte prematura, em 1956. Em suas mãos o bebop atingiu o pico de criatividade. A sua vida limpa tem sido citada como a quebra da influência da heroína no mundo do jazz, um modelo estabelecido por Charlie Parker. Clifford ficou longe das drogas e não gostava de álcool. O saxofonista tenor, compositor e arranjador de bebop e hard bop, Benny Golson, que tinha feito uma temporada na banda de Lionel Hampton, com Brown, escreveu ‘I Remember Clifford’ para honrar a sua memória. A peça tornou-se um clássico do jazz, e vários outros músicos prestaram homenagem ao gravarem suas próprias interpretações.

Charlie Parker (1920 – 1955) é juntamente com Dizzy Gillespie, o criador e a principal voz instrumental do bebop. Tocou entre 1937 e 1941 na orquestra de Jay McShann, porém com muitas interrupções e períodos de profundas dificuldades financeiras e pessoais. Tocou ainda nas orquestras de Earl Hines em 1943 e de Billy Eckstine em 1944. De repente rompeu com as orquestras e passou a tocar com pequenos conjuntos, principalmente com o grupo de músicos geniais que se reuniam no ‘Minton´s’ e que viriam a formar o núcleo criativo do bebop. Os improvisos de Parker possuíam uma intensidade, liberdade e virtuosismo até então desconhecidos no jazz. No entanto, seguiam uma lógica impecável. Parker teve uma vida pessoal extremamente conturbada, o que o levou à morte prematura, em 1955, aos 35 anos. Leia +...

Barney Kessel (1923 - 2004) foi guitarrista que influenciado pelo estilo de Charlie Christian, seu grande ídolo, começou a tocar aos dezesseis anos em turnê com bandas de baile antes de passar para bandas como a liderada por Chico Marx. Aos dezenove anos mudou-se para Los Angeles onde rapidamente se estabeleceu entre os grandes músicos da cidade. Em 1944 ele participou do filme ‘Jammin 'the Blues’, que contou com Lester Young, e em 1947 ele gravou com Charlie Parker. Na década de 50, fez uma série de álbuns com Ray Brown no baixo e Shelly Manne na bateria. Também foi membro do Oscar Peterson Trio, com Ray Brown por um ano. Era considerado um dos principais membros do grupo de músicos conhecido como 'The Wrecking Crew'. Nesta função, ele tocou em centenas de famosas gravações pop, incluindo álbuns e singles de Phil Spector, 'The Beach Boys', 'The Monkees' e muitos outros. Em 1973 formou com os guitarristas Herb Ellis e Charlie Byrd o grupo ‘Great Guitars’. Ele rapidamente se estabeleceu como um grande guitarrista de jazz pós-Charlie Christian. Em 1983 fez seu debut em Nova Iorque como líder. Barney Kessel ficou conhecido com seu estilo despojado, incrível swing e sua maestria ao improvisar harmonicamente, somado a sua capacidade de tirar profunda emoção de belas baladas. Infelizmente este músico extraordinário passou por maus momentos. Em 1992 sofreu um infarto que o forçou a dedicar-se somente a dar aulas o que afetou bastante seu orçamento. No início de 2001 foi diagnosticado com câncer no cérebro, que causou sua morte em 2004. Barney Kessel influenciou diversos músicos da Bossa Nova, dentre os quais Eumir Deodato e João Gilberto. Barney Kessel é conhecido por seu trabalho inovador e em especial pelo seu vasto conhecimento de acordes e inversões.

scuse these blues
clifford brown

30-1: Bud Shank (1953)
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parte I parte II
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parte I parte II

Tracklist
01. Speak Low 02. Atabaque 03. Acertate mas 04. Amor flamenco 05. Terra seca 06. Baa-too-kee 07. Inquitacao 08. Tocata 09. Cariсosa 10. Noctambulism 11. Non'o 12. Hazardous 13. Blue baião 14. Stairway to the stars

30-2: Clifford Brown (1953)
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parte I parte II
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parte I parte II

Tracklist
01. Carvin' the rock 02. Bellarosa 03. Cookin' 04. Brownie speaks 05. De-Dah 06. You go to my head 07. Wail bait 08. Hymn of the orient 09. Brownie eyes 10. Cherokee 11. Easy living 12. Minor mood 13. Philly JJ 14. Choose now 15. Stockholm sweetni' 16. Scuse these blues 17. Lover come back to me

30-3: Charlie Parker (1949-1954)
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parte I parte II
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parte I parte II

Tracklist
01. Au Privave 02. K.C. Blues 03. She Rote 04. Swedish Schnapps 05. Laird Bird 06. The Song is You 07. Kim 08. Why Do I Love You? 09. My Little Suede Shoes 10. Fiesta 11. Lover Man 12. Blues for Alice 13. Begin the Beguine 14. I Can't Get Started 15. What is This Thing Called Love? 16. Almost Like Being in Love 17. I Remember You 18. Confirmation 19. Chi Chi 20. Now's the Time 21. I Love Paris 22. Love For Sale

30-4: Barney Kessel (1952-1954)
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parte I parte II
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parte I parte II

Tracklist
01. Seven Come Eleven 02. Night And Day 03. Long Ago And Far Away 04. Somebody Loves Me 05. Strike Up The Band 06. 'S Wonderful 07. I Got Rhythm 08. Love Walked In 09. Tenderly 10. Bernardo 11. Vicky's Dream 12. Just Squeeze Me 13. What Is There To Say? 14. Salute To Charlie Christian 15. I Let A Song Go Out Of My Heart 16. Lullaby Of Birdland 17. Barney's Blues

michael bloomfield

2011-12-22T10:49:00.003-02:00

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• The Paul Butterfield Blues Band

Michael Bloomfield foi um dos primeiros grandes guitarristas de blues da América branca, ganhando reputação na banda de Paul Butterfield. Agraciado por uma técnica prodigiosa ele também seguiu carreira solo, com resultados variáveis. Desconfortável com o tratamento dado de herói da guitarra, Bloomfield tendia a ficar longe dos holofotes. Depois de passar apenas alguns anos sob as suas luzes, ele manteve uma carreira de menor visibilidade durante os anos 70 devido à sua aversão à fama e o vício acentuou essa aversão. Michael Bloomfield Bernard e seu irmão Allen nasceram e cresceram em Chicago em uma abastada família judia. Filhos de um rico industrial que fez fortuna na fabricação e venda de equipamentos para restaurantes. Bloomfield e seu pai nunca tiveram uma estreita relação. Solitário, tímido e desajeitado ele se interessou pela música através das estações de rádio do Sul, que ouvia à noite, o que lhe deu uma fonte regular de rockabilly, R&B e blues. Ele recebeu sua primeira guitarra em seu ‘b'nai mitzvá’, nome dado à cerimônia que insere o jovem judeu como um membro maduro na comunidade judaica.

Quando adolescente Bloomfield saia furtivamente da casa de seus pais, com a ajuda das empregadas domésticas, para visitar os clubes de blues no lado sul de Chicago. Foi lá que ele e seus amigos de escola conheceram Muddy Waters, o vocalista e guitarrista Big Joe Williams, o gaitista Little Walter, bem como o futuro gaitista Charlie Musselwhite, o vocalista e produtor Nick Gravenites, e o gaitista e bandleader Paul Butterfield. Bloomfield, por vezes, pulava no palco para uma jam com os músicos o que o tornou conhecido. Consternado com a volta a uma escola privada na Costa Leste em 1958 ele finalmente se formou em uma escola para jovens problemáticos de Chicago. Por esta época, ele abraçou a subcultura beatnik, freqüentando lugares perto da Universidade de Chicago e conseguiu emprego como gestor de um clube popular e frequentemente tocava guitarra com os veteranos do blues e com várias bandas diferentes. Seu estilo de tocar recebeu influências dos mestres da guitarra elétrica de Chicago: Muddy Waters, Rush Otis e Buddy Guy. E logo se tornou um guitarrista experiente, e começou a tocar em bandas de bailes na Universidade de Chicago.

‘The Group’ (Columbia Recording Studio, Chicago - 1964)

Em 1964, Bloomfield foi descoberto pelo lendário produtor musical John Hammond, que o contratou para a CBS, e gravou algumas sessões com sua banda chamada ‘The Group’ que incluia Charlie Musselwhite. No entanto, depois de várias gravações inéditas a gravadora não sabia como comercializar um guitarrista de blues americano branco. No começo de 1965, Bloomfield juntou-se à banda de Paul Butterfield, uma banda racialmente integrada. Individualmente, o trabalho de Bloomfield foi aclamado como uma ponte entre o Chicago blues e o rock contemporâneo. Mais tarde, em 1965, chegou à fama como guitarrista convidado por Bob Dylan com o single, ‘Like a Rolling Stone’, no inovador álbum, ‘Highway 61 Revisited’, de 1965, o primeiro álbum de Dylan a ser gravado inteiramente com uma banda de rock. E também foi destaque no ‘Newport Folk Festival’. Nesse meio tempo, Bloomfield estava desenvolvendo interesse pela música oriental, especialmente a indiana, que influenciou no álbum ‘East-West’, o segundo do ‘The Butterfield Blues Band’, um álbum que fundiu blues, jazz, world music, rock psicodélico e de uma forma sem precedentes. A banda se tornou a favorita na emergente cena musical de San Francisco e, em 1967, Bloomfield deixou o grupo permanentemente e foi buscar novos projetos.

'The Butterfield Blues Band’| Bob Dylan e Michael Bloomfield

Bloomfield rapidamente formou uma nova banda chamada ‘Electric Flag’ com Nick Gravenites nos vocais, o organista Barry Goldberg, o baixista Harvey Brooks e o baterista Buddy Miles; e com uma seção de metais, o que permitiu ao grupo adicionar música soul à sua longa lista de influências. O ‘Electric Flag’ estreou no ‘Monterey Pop Festival’ em 1967 e lançou o primeiro álbum ‘A Long Time Comin'’ em 1968. Os críticos elogiaram o som do grupo qualificando-o como intrigante. Infelizmente, a banda já estava se desintegrando devido a rivalidade entre os membros e a péssima gestão, para não mencionar o abuso de heroína. Bloomfield deixou a banda que ele formou antes do álbum ser lançado. Em seguida ligou-se ao organista Al Kooper, com quem havia tocado na banda de Dylan, e lançaram o álbum ‘Super Session’ que destacou suas habilidades e as de Stephen Stills do outro lado. Emitido em 1968, o álbum recebeu excelentes críticas e, além disso se tornou o álbum mais vendido na carreira de Bloomfield. O sucesso de ‘Super Session’ levou ao ‘The Live Adventures of Mike Bloomfield and Al Kooper’, gravado ao longo de três shows e com estréia de Bloomfield cantando.

'Electric Flag'
da esquerda para a direita: Nick Gravenites, Marcus Doubleday, Mike Bloomfield (com a bandeira americana na mão), Harvey Brooks, Buddy Miles, Barry Goldberg e Peter Strazza

Bloomfield, no entanto, foi cauteloso com o sucesso comercial e o crescente desencanto com a fama já era evidente. Ele também estava cansado das turnês e depois da gravação do segundo álbum com Kooper, ele se aposentou por um tempo. No entanto, continuou como guitarrista de sessão e produtor, e também começou a compor para trilhas sonoras de filmes, incluindo alguns filmes pornográficos, e ocasionalmente, excursionou com ‘Bloomfield and Friends’, que incluia Nick Gravenites e Mark Naftalin. Além disso, retornou ao estúdio em 1973 para uma sessão com John Hammond e o pianista de New Orleans, Dr. John; o resultado, ‘Triumvirate’, foi lançado pela Columbia, mas não fez muito sucesso. Durante o final dos anos 70, continuou a gravar álbuns solo de desigual qualidade para vários rótulos menores, geralmente em ambientes predominantemente acústicos. Destes, ‘If You Love These Blues, Play ‘Em as You Please’ lançado em 1976, é considerado o melhor. Produzido pela revista ‘Guitar Player’ como um álbum de instrução sobre os vários estilos de tocar guitarra blues foi indicado ao prêmio Grammy.

Infelizmente, Bloomfield também estava atormentado pelo alcoolismo e pelo vício em heroína durante a maior parte dos anos 70, o que fez dele uma figura pouco confiável e, que lentamente, custou-lhe algumas de suas associações musicais de longa data, assim como seu casamento. Em 1980, aparentemente, ele tinha se recuperado o suficiente para uma turnê na Europa; no final deste mesmo ano, ele também apareceu no palco em San Francisco com Bob Dylan para uma interpretação de ‘Like a Rolling Stone’. No entanto, em 1981, Bloomfield foi encontrado morto em seu carro de uma overdose de drogas, com apenas 37 anos. Em 2003, foi classificado em 22º pela revista ‘Rolling Stone’ entre os 100 maiores guitarristas de todos os tempos.

The Michael Bloomfield Story

Em comemoração ao 67º aniversário de Michael Bloomfield foi lançada a sua biografia em vídeo, detalhando a sua notável carreira com imagens, clipes e muita música. Criada pelos cineastas Nick Lerman e Alex Wernquest, e pelo site-manager David Dann, esta narrativa em três partes começa com Bloomfield como um jovem guitarrista de gravação para John Hammond, depois tocando com Bob Dylan e juntando-se a ‘Paul Butterfield Blues Band’. Segue-se com a criação de ‘Electric Flag’ e os registros de ‘Super Session’ em Monterey com Al Kooper e depois prosseguindo em sua carreira solo. Estão incluídos os trechos de gravações inéditas, bem como fotos raras do guitarrista. O filme inclui entrevistas e filmagens com BB King, Al Kooper, Elvin Bishop, Carlos Santana, Bill Graham, Nick Gravenites e muitos outros. A parte 1 cobre os primeiros dias de Bloomfield, em Chicago e Nova York, suas sessões de gravação com Bob Dylan e sua crucial aparição no ‘Newport Folk Festival’ em 1965. A parte 2 mostra a ascendência de Bloomfield como o mais importante na guitarra elétrica no cenário da música popular norte-americana de 1965-1967. Segue com a sua carreira como membro da banda de Paul Butterfield, e suas excursões nos EUA e Inglaterra. O vídeo também traça os primeiros dias do ‘Electric Flag’ e sua estréia no ‘Monterey Pop Festival’ com a música ‘The Trip’. A parte 3 conclui a carreira notável de Mike Bloomfield, o seu envolvimento com a banda inovadora ‘Electric Flag’, e seu sucesso inesperado com Al Kooper seguido por um epílogo, que cobre o seu trabalho nos anos 70 que levaram à sua indicação para o Grammy por seu álbum, ‘If You Love Estes Blues’.

parte 1 | parte 2 | parte 3 | epílogo

michael bloomfield - goin down slow

Don't Say That I Ain't Your Man! (1994)
(Essential Blues 1964-1969)
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Tracklist
01. I've Got You In The Palm Of My Hand 02. Last Night 03. Feel So Good 04. Goin Down Slow 05. I Got My Mojo Working 06. Born In Chicago 07. Work Song 08. Killing Floor 09. Alberts Shuffle 10. Stop 11. Mary Ann 12. Dont Throw Your Love On Me So Strong 13. Dont Think About It Baby 14. It Takes Time 15. Carmelita Skiffle

I'm Cutting Out (2001)
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Personnel: Michael Bloomfield (guitar and vocals); Charlie Musselwhite (harmonica); Mike Johnson (guitar); Sid Warner (bass); Norman Mayell (drums); Brian Friedman (piano)
Tracklist: 01. I Got My Mojo Working 02. I Feel So Good 03. Goin’ Down Slow 04. I’ve Got You In The Palm Of My Hand 05. The First Year I Was Married 06. I’m Cutting Out 07. Lonesome Blues 08. I Got My Mojo Working 09. Last Night 10. I Feel So Good

If you love these blues Play 'Em As You Please (2004)
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Tracklist:
01. If You Love These Blues 02. Hey, Foreman 03. Narrative #1 04. WDIA 05. Narrative #2 06. Death Cell Rounder Blues 07. Narrative #3 08. City Girl 09. Narrative #4 10. Kansas City Blues 11. Narrative #5 12. Mama Lion 13. Narrative #6 14. Thrift Shop Rag 15. Narrative #7 16. Death in My Family 17. East Colorado Blues 18. Blue Ghost Blues 19. Narrative #8 20. The Train Is Gone 21. Narrative #9 22. The Alter Song 23. I'll Overcome 24. I Must See Jesus 25. Great Dreams from Heaven 26. Gonna Need Somebody on My Bond 27. I Am a Pilgrim 28. Just a Closer Walk With Thee 29. Have Thine Own Way 30. Farther Along 31. Peace in the Valley

‘Super Session’ é um álbum imaginado por Al Kooper com Mike Bloomfield e Stephen Stills, que não tocam juntos no álbum, Bloomfield toca da primeira a quinta faixa, e Stills da sexta a nona, as três últimas são faixas bônus. O disco foi habilmente enriquecido com a seção rítmica poderosa de Harvey Brooks (baixo) e Hoh Eddie (bateria), bem como Barry Goldberg (piano elétrico) em ‘Shuffle Albert’ e ‘Stop’.

‘The Live Adventures Of Mike Bloomfield & Al Kooper’ foi gravado em setembro de 1968 no ‘Fillmore East ‘, uma casa de shows mantida pelo empresário de rock Bill Graham durante o final dos anos 60 e começo dos 70 na Second Avenue, New York. Funcionou de 1968 a 1971, sendo palco para os concertos dos maiores astros de rock da época. Era casa-irmã do Fillmore Auditorium (posteriormente renomeado para Fillmore West), que Graham mantinha em sua base de operações, São Francisco, Califórnia. O álbum contém várias releituras de clássicos do rock e do blues, e algumas músicas de autoria da dupla. Carlos Santana acompanhou a dupla nesse disco.

‘Fillmore East: The Lost Concert Tapes 13-12-68’, também gravado no ‘Fillmore East’ só foi lançado em 2003 e teve a participação especial de Johnny Winter em ‘It's My Own Fault’.

Super Session (1968)
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Personnel: Mike Bloomfield (guitarra); Al Kooper (vocal, piano, orgão); Stephen Stills (guitarra); Barry Goldberg (piano em ‘Albert's Shuffle’ e ‘Stop’); Harvey Brooks (baixo); Eddie Hoh (bateria)
Tracklist: 01. Albert's Shuffle 02. Stop 03. Man's Temptation 04. His Holy Modal Majesty 05. Really 06. It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry 07. Season of the Witch 08. You Don't Love Me 09. Harvey's Tune 10. Albert's Shuffle 11. Season of the Witch 12. Blues for Nothing 13. Fat Grey Cloud [live]

The Live Adventures of Michael Bloomfield & Al Kooper (1968)
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CD 1 CD 2
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CD 1 CD 2

Personnel: Mike Bloomfield (guitarra); Al Kooper (orgão, piano); John Kahn (baixo); Skip Prokop (bateria); Carlos Santana (guitarra); Elvin Bishop (guitarra)
Tracklist CD 1: 01. Opening Speech 02. The 59th Street Bridge Song (Feelin' Groovy) 03. I Wonder who 04. Her Holy Modal Highness 05. The Weight 06. Mary Ann 07. Together 'til the End of Time 08. That's All Right 09. Green Onions
Tracklist CD 2: 01. Opening Speech 02. Sonny Boy Williamson 03. No more Lonely Nights 04. Dear Mr. Fantasy 05. Don't Throw your Love on Me so Strong 06. Finale-Refugee

Fillmore East: The Lost Concert Tapes 12-13-68 (2003)
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parte I parte II
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parte I parte II

Personnel: Michael Bloomfield (vocal, guitarra); Al Kooper (vocal, piano, orgão); Johnny Winter (vocal, guitarra); Paul Harris (piano); Johnny Cresci (bateria)
Tracklist
01. Introductions 02. One Way Out 03. Mike Bloomfield's Introduction of Johnny Winter 04. It's My Own Fault 05. 59th Street Bridge Song (Feelin' Groovy) 06. (Please) Tell Me Partner 07. That's All Right Mama 08. Together Till the End of Time 09. Don't Throw Your Love on Me So Strong 10. Season of the Witch

ABC of the blues 16: howlin' wolf

2011-12-18T07:22:00.003-02:00

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Howlin' Wolf (1910 - 1976), nascido Chester Arthur Burnett foi um influente cantor, guitarrista e gaitista. Com voz potente e uma ameaçadora presença física, Howlin' Wolf é comumente classificado entre os principais músicos do blues elétrico. Uma série de canções escritas ou popularizadas por ele tornaram-se clássicos do blues. Com o seu enorme físico, ele era uma presença imponente, com uma das vozes mais memoráveis de todos os cantores clássicos do Chicago blues da década de 50. Seu estilo era frequentemente contrastado com a apresentação menos temível, mas também poderosa de seu contemporâneo e profissionalmente rival Muddy Waters. Howlin’ Wolf, Sonny Boy Williamson, Little Walter e Muddy Waters são os maiores artistas de blues que gravaram para a ‘Chess Records’, em Chicago. Em 2004, a ‘Rolling Stone Magazine’ classificou Howlin' Wolf em 51º em sua lista dos 100 maiores artistas de todos os tempos. Nascido em Mississippi, quando ainda criança, Howlin foi expulso de casa pela mãe e o padrasto por se recusar a trabalhar na fazenda, e foi morar com seu tio, Will Young, que o maltratava. Com 13 anos, fugiu para se juntar a seu pai, onde ele finalmente encontrou um lar feliz. Durante o auge de seu sucesso, ele retornou para sua cidade natal para ver sua mãe, mas foi levado às lágrimas quando ela o rejeitou e se recusou a aceitar qualquer dinheiro que ele lhe oferecesse, dizendo que se tratava de dinheiro do diabo, vindo de onde viera, do blues, música do diabo. Em 1930, Howlin’ Wolf encontrou Charley Patton, que o ensinou a tocar guitarra. Com Patton, Wolf também aprendeu sobre carisma.

Em 1941, com trinta anos, ele foi recrutado pelo Exército dos EUA. Encontrando dificuldades para se adaptar à vida militar voltou para a sua família e ajudou na agricultura. Em 1948, ele formou uma banda e rapidamente se tornou uma celebridade local. Suas primeiras gravações foram feitas em 1951. Na década de 60 excursionou pela Europa com o ‘American Folk Blues Festival’ organizado pelos produtores alemães Horst Lippmann e Fritz Rau. Na década de 70, com o seu guitarrista de longa data, Hubert Sumlin, viajou para Londres junto com o produtor da ‘Chess Records’ para gravar o álbum ‘Howlin' Wolf London Sessions’ acompanhado pelas estrelas do blues britânico, tais como Eric Clapton. Ao contrário de muitos outros músicos de blues, depois que ele deixou a sua infância pobre para começar uma carreira musical, Howlin' Wolf sempre foi bem sucedido financeiramente, uma distinção rara para um homem negro e cantor de blues da época. Em seu início de carreira, este foi o resultado de sua popularidade musical e sua habilidade de evitar as armadilhas do álcool e drogas em que tantos caíram. Apesar de analfabeto, com 40 anos finalmente voltou para a escola, e mais tarde para estudar contabilidade e outros cursos destinados a ajudar na sua carreira. No final dos anos 60, ele sofreu vários ataques cardíacos e, em 1970, seus rins foram severamente danificados em um acidente automobilístico. Ele morreu em 1976 de complicações de doença renal. O ‘Howlin’ Wolf Memorial Blues Festival’ é realizado anualmente em West Point, Mississippi. Leia +...

Tracklist
01. Howlin' Wolf - Look-A-Here Baby
02. Howlin' Wolf - Smile at Me
03. Howlin' Wolf - California Boogie
04. Howlin' Wolf - My Baby Walked Off
05. Howlin' Wolf - Chocolate Drop
06. Howlin' Wolf - Mr. Highway Man
07. Howlin' Wolf - Color and Kind
08. Howlin' Wolf - Everybody's in the Mood
09. Howlin' Wolf - (Well) That's Alright
10. Howlin' Wolf - Baby Ride with Me
11. Howlin' Wolf - Decoration Day Blues
12. Howlin' Wolf - Moanin' at Midnight
13. Howlin' Wolf - The Wolf Is at Your Door
14. Howlin' Wolf - Getting Old and Grey
15. Howlin' Wolf - Oh, Red!
16. Howlin' Wolf - My Last Affair
17. Howlin' Wolf - Dorothy Mae
18. Howlin' Wolf - I Got a Woman (Sweet Woman)
19. Howlin' Wolf - Bluebird Blues
20. Howlin' Wolf - Howlin' Wolf Boogie

howlin' wolf - baby ride with me

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parte I parte II
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parte I parte II

ABC of the blues 17: alberta hunter & ivory joe hunter

2011-12-16T05:18:00.009-02:00

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Alberta Hunter (1895 - 1984) foi cantora de jazz e blues, compositora e enfermeira. Iniciou a carreira musical por volta de 1920, e desde então, tornou-se cantora de sucesso, aclamada pela crítica na mesma linha que Ethel Wathers e Bessie Smith, com ‘voz negra’ indiscutível e humor irreverente em suas apresentações. Em 1950, ela se retirou dos palcos, tornando-se enfermeira em New York. Retornou ao meio artístico apenas em 1977, com apresentações públicas e gravações até a sua morte, em 1984, aos 89 anos. Alberta Hunter nasceu em Memphis, Tennessee, fugiu de casa aos doze anos e foi para Chicago para tentar a carreira de cantora e atriz de variedades. Por volta de 1920, mudou-se para New York onde, desde 1921 gravou para a quase totalidade das gravadoras da cidade, sendo acompanhada por excelentes músicos, como Louis Armstrong, Sidney Bechet, as bandas de FIetcher Henderson e Fats Waller. Nos anos 20 começou também sua atividade teatral, atuando na revista ‘How Come’. Em 1934 foi para Londres, atuar no musical ‘Show Boat’ que realizou junto ao barítono Paul Robenson. Ainda em Londres gravou com a orquestra de Jack Jackson. De volta definitivamente a New York em 1937, iniciou uma longa carreira no rádio. Em 1952 voltou à Inglaterra como cantora na orquestra de Snub Mosley. Depois de algumas atividades teatrais na revista da Broadway ‘Mrs. Patterson’, decidiu deixar a música para se tornar enfermeira e cuidar de sua mãe enferma. Retornou em grande estilo em 1977 aos 81 anos, cumprindo um longo contrato no ‘Cookery’ em Greenwich Village, New York, emplacando um grande sucesso, ‘Amtrak Blues’ e recebendo o prêmio ‘Handy’ de melhor cantora viva de blues. Quando veio a falecer já era reverenciada como uma das maiores lendas do jazz e do blues. Leia +...

Ivory Joe Hunter (1914 - 1974) foi cantor de rhythm and blues, compositor e pianista. Depois de uma série de hits nas paradas dos EUA a partir de meados dos anos 40, tornou-se amplamente conhecido com ‘Since I Met You Baby’ em 1956. O que lhe valeu o apelido de ‘The Baron of the Boogie’ e também como ‘The Happiest Man Alive’. Sua produção musical ia de R&B ao blues, boogie-woogie, e country, e Hunter teve sucesso em todos os gêneros. Excepcionalmente, ele foi homenageado no ‘Monterey Jazz Festival’ e no ‘Grand Ole Opry’, que apresenta concertos semanais de música country em Nashville, Tennessee, das maiores estrelas do gênero desde 1925. Hunter nasceu em Kirbyville, Texas, e desde cedo desenvolveu interesse pela música. Seu pai, tocava guitarra e sua mãe cantava gospel. Aos 13 anos já era um pianista de talento e quando adolescente fez sua primeira gravação para Alan Lomax, da Biblioteca do Congresso dos EUA, em 1933. No início dos anos 40, Hunter teve seu próprio programa de rádio no Texas, e em 1942 ele se mudou para Los Angeles, juntando-se ao ‘Three Blazers’ de Johnny Moore quando compôs e gravou sua primeira canção, ‘Blues At Sunrise’. No final de 1940, Hunter fundou a 'Pacific Records'. Em 1954, ele havia gravado mais de 100 músicas e se mudou para a ‘Atlantic Records’. Ao visitar Memphis, Tennessee, na primavera de 1957, Hunter foi convidado por Elvis Presley para visitar Graceland. Os dois passaram o dia juntos, cantando. Presley gravou várias de suas canções. Em 1959, pouco antes de sua popularidade começar a declinar gravou música country fazendo aparições regulares no ‘Grand Ole Opry’. Em 1974, o câncer de pulmão o levou à morte.

Tracklist
01. Alberta Hunter - Down Hearted Blues
02. Alberta Hunter - Why Did You Pick Me Up
03. Alberta Hunter - Don't Pan Me
04. Alberta Hunter - Jazzin' Baby Blues
05. Alberta Hunter - You Can't Have It All
06. Alberta Hunter - You Shall Reap Just What You Sow
07. Alberta Hunter - Taint Nobody's Business
08. Alberta Hunter - If You Want to Keep your Daddy
09. Alberta Hunter - Chirping the Blues
10. Alberta Hunter - Some Day Sweetheart
11. Ivory Joe Hunter - Heaven Came Down to Earth
12. Ivory Joe Hunter - It May Sound Silly
13. Ivory Joe Hunter - I Need You
14. Ivory Joe Hunter - You Mean Everything to Me
15. Ivory Joe Hunter - Shooty Booty
16. Ivory Joe Hunter - Yes, I Want You
17. Ivory Joe Hunter - I Just Want to Love You
18. Ivory Joe Hunter - I'll Never Leave You, Baby
19. Ivory Joe Hunter - All About the Blues
20. Ivory Joe Hunter - She's Gone

I just want to love you
(ivory joe hunter)

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parte I parte II

the ultimate jazz archive: swing to bebop, modern jazz 31

2011-12-14T18:23:00.002-02:00

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Lou Donaldson (1926) é saxofonista e é mais conhecido por sua abordagem soulful e bluesy de tocar o saxofone alto, embora em seus anos de formação ele tenha sido fortemente, como muitos do bebop o foram, influenciado por Charlie Parker. Lou Donaldson foi um dos primeiros discípulos do lendário Charlie Parker. Suas primeiras gravações foram com emissários do bop, o vibrafonista Milt Jackson e o pianista Thelonious Monk em 1952, e participou de vários pequenos grupos com outros luminares do jazz como o trompetista Blue Mitchell, o pianista Horace Silver, e o baterista Art Blakey. Ele era membro do quinteto de Art Blakey e apareceu em alguns dos seus melhores álbuns como o ‘A Night At Birdland’, Vols. I & II, gravação ao vivo com Clifford Brown, Horace Silver, Art Blakey e Tommy Potter. Em 1953, ele também gravou sessões com o trompetista Clifford Brown, e o baterista Philly Joe Jones. Lou Donaldson gravou nos gêneros bop, hard bop e jazz soul. Hoje, com 79 anos de idade ainda toca com o mesmo estilo que o estabeleceu como um dos saxofonistas mais populares de sempre e continua em turnê pela Europa, Japão e EUA.

Art Farmer (1928 – 1999) nascido Arthur Stewart Farmer foi trompetista e tocou flugelhorn, instrumento de bronze semelhante a uma trombeta. Tocou também o flumpet, uma combinação de trompete e flugelhorn projetado para ele por David Monette, artesão que desenha e constrói instrumentos de bronze e bocais para músicos. Seu irmão gêmeo idêntico, Addison Farmer foi baixista. Filho de um metalúrgico Art Farmer trabalhou como músico dos anos 40 em diante. Morando em Los Angeles, ele tocou nas bandas do saxofonista Benny Carter e do pianista Jay McShann entre outros. Juntou-se à orquestra de Lionel Hampton por volta de 1953, quando os trompetistas Clifford Brown e Quincy Jones estavam também com Hampton na época. Tendo se mudado para New York, trabalhou mais tarde com o saxofonista Gigi Gryce, o pianista Horace Silver e o saxofonista e clarinetista Gerry Mulligan, entre outros. Na mesma década se apresentou em gravações de arranjadores mais importantes da época e formou o ‘The Jazztet’ com o compositor e saxofonista tenor Benny Golson, o grupo não teve compromissos suficientes para durar além de 1962, mas ajudou na carreira do pianista McCoy Tyner e do trombonista Grachan Moncur III. No início de 1960, Art Farmer formou um trio com o guitarrista Jim Hall e o baixista Steve Swallow, mais tarde com o baterista Pete La Roca e o pianista Steve Kuhn. Em seguida mudou-se para a Europa, para Viena, onde tocou com ‘Kenny Clarke-Francy Boland Big Band’, uma das bandas de jazz mais notáveis formadas fora dos Estados Unidos. Com o saxofonista Benny Golson reviveu a ‘The Jazztet’ na década de 80 para uma série de compromissos com Curtis Fuller no trombone.

Tal Farlow (1921 - 1998) nascido Talmage Farlow Holt foi guitarrista. Farlow nasceu em Greensboro, North Carolina, e era quase tão famoso por sua relutância em tocar publicamente como por suas incríveis habilidades. Seu pai lhe deu um bandolim e ensinou alguns acordes, a partir daí Tal Farlow foi autodidata. Ele trocou o bandolim por uma guitarra quando adolescente, na mesma época em que trabalhava como pintor. Após vários anos de trabalho como músico começou a tocar profissionalmente em 1948 com a banda do famoso vibrafonista e pianista Marjorie Hyams. Com ‘Red Norvo Trio’ do vibrafonista Red Norvo, que originalmente incluía Charles Mingus, entre 1049-1953, Tal Farlow se tornou famoso no mundo do jazz. Suas mãos enormes e a capacidade de espalhá-las sobre o braço da guitarra lhe valeu o apelido de ‘Octopus’, e fez dele um dos melhores guitarristas da época. Depois de seis meses com ‘Artie Shaw's Gramercy Five’ em 1953, Farlow montou seu próprio grupo, que por um tempo incluiu o pianista Eddie Costa. Em 1958, aposentou-se em tempo integral e se estabeleceu em New Jersey, retornando para a carreira de pintor de sinais. No entanto, continuou a tocar em datas ocasionais em clubes locais. Em 1962, a ‘Gibson Guitar Corporation’, com a participação de Farlow, produziu a guitarra ‘Tal Farlow’. Tal Farlow morreu de câncer com 77 anos.

Charles Mingus (1922-1979) é o mais influente contrabaixista do jazz moderno. Nascido numa base militar em Nogale, Arizona, cresceu em Los Angeles. Tendo começado a estudar música ainda criança, depois de tentativas sem muito sucesso com o trombone e o violoncelo, acabou por se decidir pelo contrabaixo na época do colégio. Seu talento logo foi percebido, e Mingus tocou nos anos 40 nos grupos de Barney Bigard, Louis Armstrong e Lionel Hampton. Participou do trio do vibrafonista Red Norvo com o guitarrista Tal Farlow em 1950-1951. Nos anos 50 tocou com grandes músicos: Stan Getz, Art Tatum, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Bud Powell, Max Roach e Duke Ellington, a quem admirava muito. Em 1956 Mingus gravou o disco ‘Pithecanthropus Erectus’, reconhecido como uma obra-prima, que estabeleceu definitivamente seu nome como um dos líderes do jazz moderno. Nos dez anos seguintes, ele compôs e gravou discos antológicos. Durante a década de 60, porém, problemas psicológicos e dificuldades financeiras fizeram a carreira de Mingus entrar em colapso, não sem antes gravar mais uma de suas obras-primas, ‘The Black Saint and The Sinner Lady’, e também o disco solo como pianista, ‘Mingus Plays Piano’. A vida profissional e pessoal melhorou apenas em 1971, com o recebimento de uma bolsa de composição da fundação Guggenheim; a venda das matrizes do selo ‘Debut’, que fora fundado por Mingus e Max Roach, para a ‘Fantasy’; e a publicação da surpreendente autobiografia ‘Beneath the Underdog’. A partir daí, começou a haver um reconhecimento maior por parte do público, mas o fogo criador havia atenuado. Em 1977, Mingus foi diagnosticado com esclerose lateral amiotrófica. Em 1978, realizou-se um concerto em sua homenagem na Casa Branca, ao qual Mingus compareceu já numa cadeira de rodas. O fim viria em 1979, depois de uma série desesperada de tentativas de cura usando diversos tipos de medicina não-convencional. Depois de sua morte, seu prestígio cresceu ainda mais, e os grupos ‘Mingus Dinasty’ e ‘Mingus Big Band’ levaram seu legado adiante. Mingus possuía uma personalidade complexa e mesmo agressiva, não são poucas as histórias de Mingus tendo agredido outros músicos. Foram diversas interrupções na produção musical por conta de sua instabilidade emocional. Sentia com intensidade o drama do preconceito racial, usando diversas vezes a música como veículo de protesto. Nos anos 50 e 60, Mingus abriu novos caminhos para o jazz e para o contrabaixo. Seu toque ao contrabaixo é nervoso, veloz e irregular, e seus solos são longos e intensos. Ele fez com o contrabaixo o que Max Roach e Art Blakey fizeram com a bateria, trouxe-o para o primeiro plano. As composições de Mingus revelam um pensamento musical sofisticado. Em certo sentido, ele pode ser considerado um precursor do free jazz. No entanto, nunca deixou de cultivar, mesmo em peças mais profundamente radicais, as raízes do jazz. Ora vanguardista, ora tradicionalista, ora lírico, ora feroz, porém sempre inovador e profundamente musical, Mingus criou, ao longo de seus 56 anos, uma obra profunda, que tem servido de inspiração para gerações de músicos. Leia +...

evening in paris
art farmer

31-1: Lou Donaldson (1952-1954)
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Tracklist
01. Roccus 02. Lou's blues 03. Cheek to cheek 04. The things we did last summer 05. Sweet juice 06. Down home 07. The best things in life are free 08. If I Love again 09. Caracas 10. The stroller 11. Moe's bluff 12. After you've gone 13. Blues 14. Split kick

31-2: Art Farmer (1953-1956)
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Tracklist
01. Mau Mau 02. Work of Art 03. The Little Bandmaster 04. Up in Quincy's Room 05. Wildwood 06. Evening in Paris 07. Elephant Walk 08. Tiajuana 09. When Your Lover Has Gone

31-3: Tal Farlow (1952-1955)
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parte I parte II

Tracklist
01. Strike up the band 02. Skylark 03. Have you met miss jones? 04. Tenderly 05. And she remembers me 06. My old flame 07. Cherokee 08. Autumn in New York 09. Tal's blues 10. I like to recognize the tune 11. There will never be another you 12. Just one of those things 13. Tenderly 14. It's you or no one

31-4: Charles Mingus (1954)
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Tracklist
01. What Is This Thing Called Love 02. Spur of the Moment 03. Thrice Upon A Theme 04. Four Hands 05. Minor Intrusions

the ultimate jazz archive: swing to bebop, modern jazz 32

2011-12-11T08:41:00.005-02:00

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Dizzy Gillespie (1917 – 1993) foi um dos mentores do bebop, um dos criadores da linguagem do trompete jazzístico moderno, e um verdadeiro embaixador da música. Os únicos trompetistas que se equiparam a Dizzy, em termos de importância musical e histórica, são Louis Armstrong e Miles Davis. Nascido em Cheraw, Carolina do Sul, John Birks Gillespie experimentou o trombone antes de se decidir aos 12 anos pelo trompete, instrumento com o qual se iniciou profissionalmente aos 14 anos. Tocou em diversas orquestras, na segunda metade dos anos 30 e no início dos anos 40, como as de Frankie Fairfax, Cab Calloway, Benny Carter, Lionel Hampton, Duke Ellington, Teddy Hill e outros. Dizzy teve como grande modelo o trompetista Roy Eldrige, a quem inclusive substituiu na ‘Teddy Hill Band’, em 1937. O jeito irreverente e as brincadeiras que fazia com colegas e mesmo com os próprios regentes lhe valeram muitas reprimendas e até demissões. Entre 1942 e 1945, Dizzy tocou nas orquestras de Earl Hines e de Billy Eckstine, que constituíram verdadeiros celeiros de talentos do nascente estilo bebop. Em 1941 Dizzy encontrou Charlie Parker pela primeira vez, quando este tocava na orquestra de Jay McShann. A partir daí, os dois tocaram juntos diversas vezes, com diferentes grupos. Eram sem dúvida os maiores astros da cena e dando contornos definitivos ao bebop. Somente em 1945, porém, Dizzy e Bird finalmente gravariam juntos.Em 1945 Dizzy opta pelo formato big band. Sua orquestra do período 1946-1950 contou com músicos de peso, como Milt Jackson, John Lewis, Ray Brown e Kenny Clarke - que, juntos, constituiriam a primeira formação do Modern Jazz Quartet-, além de Jay Jay Johnson, Yusef Lateef e até John Coltrane. Essa orquestra teve que ser desfeita em 1950 devido a dificuldades econômicas. Mas Dizzy continuou muito ativo, e participou de turnês do ‘Jazz at the Philarmonic’. Em 1956 formou novamente uma orquestra, que até 1958 fez turnês patrocinadas pelo Departamento de Estado norte-americano. Nos anos 60, 70 e 80, alternou as big bands com as pequenas formações. Fez várias turnês por todo o mundo, tocando com músicos locais sempre que podia. Durante toda a carreira, Dizzy esteve sempre aberto a influências étnicas, como a música cubana, brasileira, africana e do Oriente Médio. Dizzy Gillespie é um dos maiores virtuoses do trompete, talvez o maior, e trata de explorar essa qualidade em suas apresentações. Seu fraseado é cheio de elementos surpreendentes e saltos vertiginosos, explorando as notas superagudas do instrumento. Sua capacidade criativa como improvisador parece inesgotável. O arrojo, a agressividade e o humor da música de Dizzy podem ser vistas como uma extensão de sua personalidade de showman e entertainer nato. Dizzy também canta e nunca deixou totalmente de lado o seu lado clown, para deleite das platéias de todo o mundo.

Phil Woods (1931) começou a ter lições de saxofone com a idade de 12 anos, com Harvey LaRose. Depois de se formar no colégio, foi para New York onde passou um verão na ‘Manhattan School of Music’ e quatro anos na ‘Juilliard’. Suas primeiras influências foram Benny Carter, Johnny Hodges e Charlie Parker. Durante os anos 50 e 60, Philip Wells Woods se apresentou e gravou discos com bandas próprias e às vezes acompanhado pelo saxofonista Gene Quill. Em meados de 1950, Quincy Jones contratou Phil para tocar sax-alto na big band de Dizzy Gillespie para excursionar no Oriente Médio financiado pelo ‘U.S. State Department’. Em 1959, Quincy o contratou para tocar em sua banda no show musical, ‘Free and Easy’, que ficou em cartaz durante um ano. A lista de músicos e cantores com os quais Phil Woods se apresentou ou gravou é uma lista de super estrelas: Billy Holiday, Benny Goodman, Bill Evans, Michel Legrand, Oliver Nelson, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, Charlie Barnett e Bob Brookmeyer são algumas delas. Em 1968, Phil foi morar na Europa onde formou a ‘European Rhythm Machine’. Em 1973 retornou para os Estados Unidos. Depois de uma breve estada em Los Angeles, Phil se mudou novamente para New York e lá fundou o ‘Phil Woods Quartet’. Nos últimos discos a música de Woods tem se tornado mais delicada e emocional, mas sem apelo pop ou comercial. Uma das personalidades mais marcantes do jazz, Phil Woods sempre oferece aos seus fiéis ouvintes uma lição de vitalidade do jazz contemporâneo.

Jackie McLean (1931 - 2006) foi saxofonista, compositor, bandleader e educador. Considerado como a quintessência do saxofone hard bop, Jackie McLean foi um dos poucos veteranos a navegar pelas ondas das novas idéias do movimento do free-jazz. Como instrumentista e educador, John Lenwood McLean é uma das grandes lendas do jazz. Nascido em New York começou a tocar o saxofone quando tinha 15 anos, e muito cedo já estava tocando com Sonny Rollins entre 1948 e 49. Durante os 10 anos seguintes, ele trabalhou com Miles Davis, Paul Bley e Charles Mingus; foi um dos membros do combo de Art Blakey, o ‘The Jazz Messengers’ antes de formar seu próprio quinteto em 1958. Em gravações como ‘4,5 and 6’ e ‘Swing Swang Swingin’, McLean improvisou sob a pesada influência de Charlie Parker, mas manteve seu estilo próprio quanto ao ritmo e o sentimento do blues. Mclean escreveu sucessos como ‘Dig’ e ‘Hip Strut’ e atuou na peça ‘The Connection’ de 1959 até 1961. Enquanto recebia inspiração dos inovadores do final dos anos 50 e começo dos anos 60, McLean gravou ‘New Soil’, ‘One Step Beyond’, ‘Destination...Out!’ e ‘New And Old Gospel’ que incluiu Ornette Coleman no trompete. Em 1968, McLean começou a lecionar na ‘University of Hartford’ em Connecticut. Em 1970, ele e sua esposa, Dollie McLean, fundaram o ‘Artists Collective, Inc.’ de Hartford, uma organização dedicada a preservar a arte e a cultura da diáspora africana. E forneceu programas de educação e instrução em dança, teatro, música e artes visuais. E Jackie McLean continuou lecionando e se apresentando no mundo todo, sempre liderando formações com seus alunos de Hartford, incluindo o seu filho René McLean, que é saxofonista e flautista, bem como educador de jazz. Jackie McLean recebeu vários prêmios nacionais e internacionais e foi o único músico de jazz americano que fundou um departamento de estudos em uma universidade e uma organização. Depois de uma longa doença, McLean morreu em 2006.

Donald Byrd (1932), nascido Donaldson Toussaint L'Ouverture Byrd II é trompetista e considerado um dos principais do estilo hard bop da geração pós-Clifford Brown. Donald Byrd nasceu em Detroit, Michigan e enquanto frequentava a escola secundária tocou com Lionel Hampton. Tocou também na banda da força aérea, licenciou-se em música na Universidade de Wayne State e o mestrado fez na Escola de Música de Manhattan. Durante este período, em Manhattan, juntou-se ao grupo ‘The Jazz Messengers’, de Art Blakey, onde substitui Clifford Brown. Em 1955, gravou com Jackie McLean e Mal Waldron. No ano seguinte deixou os ‘The Jazz Messengers’, e iniciou um período que tocou com diversos músicos de jazz, como John Coltrane, Sonny Rollins, Herbie Hancock e Thelonious Monk. Em 1964, tocou com Eric Dolphy em Paris, antes da morte deste, duas semanas depois. Nos anos 70, afastou-se do hard-bop e se aproximou do jazz fusion e do rhythm and blues. Juntamente com ‘Mizell Brothers’, produziu o álbum ‘Black Byrd’, que se tornou o álbum mais vendido, até a data, da ‘Blue Note Records’. Os álbuns seguintes, também com ‘Mizell Brothers’, atingiram vendas igualmente significativas. Donald Byrd também lecionou música no Instituto Hampton, Universidade de Nova Iorque, Universidade Howard e na Escola Oberlin. Em 1974, criou os ‘Blackbyrds’, um grupo com seus melhores alunos.

The Jazz Messengers, grupo fundado por Art Blakey, baterista e bandleader que junto com Kenny Clarke e Max Roach, foi um dos inventores do moderno bebop, uma das correntes mais influentes do jazz que privilegia os pequenos conjuntos, como os trios, os quartetos e os solistas de grande virtuosismo. Art Blakey sempre deu apoio aos solistas, e mais tarde, como líder do ‘The Jazz Messengers’, incluiu muitos jovens músicos que se tornaram nomes de destaque no jazz. O legado da banda não é conhecido apenas pela sofisticada música que produziu, mas como um campo de provas para várias gerações de músicos de jazz. ‘The Jazz Messengers’ foi inicialmente liderado por Blakey e o pianista Horace Silver. Embora o nome não tivesse sido usado na primeira das suas gravações, Blakey e Silver gravaram juntos em várias ocasiões, mas o nome foi usado pela primeira vez em uma gravação de 1954, nominalmente liderada por Horace Silver, com Blakey na bateria, o saxofonista Hank Mobley, trompetista Kenny Dorham e o baixista Doug Watkins. O trompetista Donald Byrd substituiu Kenny Dorham, e o grupo gravou um álbum chamado simplesmente de ‘The Jazz Messengers’ em 1956. A banda ficou conhecida como ‘Art Blakey and the Jazz Messengers’ com Blakey assumindo o grupo como único líder quando Horace Silver com Mobley, Byrd e Watkins formaram um novo quinteto com uma variedade de bateristas. Durante um período que abrange mais de quarenta anos ‘Art Blakey and The Jazz Messengers’ produziu centenas de registros e prosperou em meio a inúmeras mudanças de formação, sempre recebendo os melhores músicos do jazz incluindo os trompetistas Lee Morgan, Freddie Hubbard e Wynton Marsalis, bem como o saxofonista Wayne Shorter e os pianistas Keith Jarrett e Joanne Brackeen. Leia +...

the way you look tonight
donald byrd

32-1: Dizzy Gillespie (1953-1954)
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parte I parte II

Tracklist
01. Impromptu 02. It s the talk of the town 03. I let a song go out of my heart 04. Girl of my dream 05. Exactly like you 06. Siboney 07. It dont mean a thing 08. One alone 09. Sometimes i m happy 10. Pretty eyed baby

32-2: Phil Woods (1954-1955)
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parte I parte II

Tracklist
01. Stella By Starlight 02. Five 03. Joanne 04. Back And Blow 05. Woodlore 06. Falling In Love All Over Again 07. Be My Love 08. On A Slow Boat To China 09. Get Happy 10. Strollin' With Pam

32-3: Jackie McLean & Donald Byrd (1955)
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Tracklist
01. It's You Or No One 02. Blue Doll 03. Little Melonae 04. The Way You Look Tonight 05. Mood Malody 06. Lover Man

32-4: The Jazz Messengers (1955)
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parte I parte II
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parte I parte II

Tracklist
01. Yesterdays 02. Prince Albert 03. I Waited For You 04. Lady Bird 05. Deciphering The Message 06. Just One Of Those Things 07. Hank's Symphony 08. Gone With The Wind

the ultimate jazz archive: swing to bebop, modern jazz

2011-12-10T05:03:00.005-02:00

The Ultimate Jazz Archive:
Swing to Bebop, Modern Jazz

• 29-1: Art Pepper (1950-1954)
• 29-2: Shorty Rogers (1951-1956)
• 29-3: Horace Silver (1952)
• 29-4: Chet Baker (1952-1954)

• 30-1: Bud Shank (1953)
• 30-2: Clifford Brown (1953)
• 30-3: Charlie Parker (1949-1954)
• 30-4: Barney Kessel (1952-1954)

• 31-1: Lou Donaldson (1952-1954)
• 31-2: Art Farmer (1953-1956)
• 31-3: Tal Farlow (1952-1955)
• 31-4: Charles Mingus (1954)

• 32-1: Dizzy Gillespie (1953-1954)
• 32-2: Phil Woods (1954-1955)
• 32-3: Jackie McLean & Donald Byrd (1955)
• 32-4: The Jazz Messengers (1955)

Fontes Biografias: Wikipédia | E-Jazz | Clube do Jazz

the clash

2011-12-06T18:45:00.003-02:00

Com contundentes canções como ‘London Calling’ e ‘Should I Stay Or Should I Go’, ‘The Clash’ foi uma das bandas punk mais famosas da década de 70 e se tornou um pilar do rock moderno. As letras politizadas do ‘Clash’, sua experimentação musical e atitude rebelde tiveram uma influência profunda no rock, em especial no rock alternativo. Os membros da banda eram: na guitarra e vocais, Joe Strummer, nascido John Mellors em Ankara, Turquia; no baixo, Paul Simonon nascido em Londres; na guitarra e vocal, Mick Jones, também londrino; e na bateria, Nicky ‘Topper’ Headon de Dover, Inglaterra. A música da banda era frequentemente carregada de ideologia política de esquerda. Joe Strummer, em particular, foi um militante comprometido com as causas de esquerda. Assim como a maioria das primeiras bandas de punk, o ‘Clash’ protestava contra a monarquia e a aristocracia. Mas, ao contrário destas, o Clash rejeitou o niilismo (desprezo pelos valores contra-culturais, ausência de finalidade e de resposta ao ‘porquê’). Ao ‘Clash’ é creditado como a banda pioneira na defesa da política radical no punk rock, sendo seus membros conhecidos como os ‘bagunçeiros pensantes’.

A visão política da banda era expressada em letras de canções como ‘White Riot’, que encorajava os jovens brancos a entrarem para organizações que defendessem os direitos dos negros; ‘Career Opportunities’, que tratava da alienação dos mal-pagos, dos trabalhos rotineiros e o descontentamento com a falta de alternativas no mercado de trabalho; e ‘London's Burning’, que falava da desolação e do tédio no interior da capital britânica. Por um tempo, eles realmente fizeram parecer ser a única banda que importava. ‘Sex Pistols’ pode ter sido a primeira banda de rock punk britânica, mas o ‘The Clash’ foi definitivamente a banda de verdadeiros roqueiros punks. Onde ‘Sex Pistols’ foi niilista, ‘The Clash’ foi ardente na defesa de causas sociais. Além disso, eles tinham dois compositores excepcionais, Joe Strummer e Mick Jones, cada um com estilo e voz marcantes. ‘The Clash’ posicionou-se, apaixonadamente, como rebelde com causa e como resultado, ganhou fãs e críticos ardorosos em ambos os lados do Atlântico. Enquanto eles se tornaram os heróis do rock’n’roll no Reino Unido, e quando finalmente entraram no mercado norte-americano em 1982, a banda infelizmente implodiu vários meses mais tarde.

Joe Strummer | Paul Simonon | Mick Jones | Nicky ‘Topper’ Headon

A banda foi formada em 1976, na época com o baterista Terry Chimes, e o álbum de estréia auto-intitulado foi lançado em 1977. Com canções como ‘White Riot’, que combinava a energia do hard rock com consciência social, o álbum se tornou um dos favoritos dos críticos. Com um seguimento robusto de fãs no Reino Unido, a banda excursionou pelos Estados Unidos no final dos anos 70 e lançou seu álbum ‘London Calling’ em 1979, hoje considerado, por muitos, como o melhor. O álbum triplo ‘Sandinista’ de 1980 com temas como a corrupção e a injustiça, celebrava os rebeldes de esquerda que haviam derrubado o déspota nicaragüense Anastasio Somoza. O álbum revelou uma grande variedade de influências musicais que incluíam o reggae; o ‘ska’, um gênero musical que teve sua origem na Jamaica no final da década de 50; o ‘dub’ que também surgiu na Jamaica no final da década de 60 e que inicialmente era apenas uma forma de remix de músicas reggae. Em meio a rumores de que Joe Strummer e Mick Jones não estavam se dando bem, eles lançaram em 1982, com grande sucesso, o álbum ‘Combat Rock’. Em 1983 Mick Jones deixou a banda e formou o grupo ‘Big Audio Dynamite’. Com uma nova formação, Joe Strummer e Paul Simonon lançaram ‘Cut the Crap’ em 1984, mas a banda foi oficialmente extinta em 1986.

Para uma banda que sempre cantou sobre a revolução da classe operária, ‘The Clash’ tinha raízes surpreendentemente tradicionais. Joe Strummer, nascido John Graham Mellor, passou a maior parte de sua infância em colégio interno. Com seus vinte anos formou a banda de rock ‘The 101'ers’. Na mesma época, Mick Jones estava liderando um grupo de hard rock chamado ‘London SS’. Ao contrário de Strummer, Jones veio da classe trabalhadora de Brixton. Na adolescência, ele era fascinado por rock’n’roll, e tinha formado o ‘London SS’ com a intenção de replicar o som de ‘Mott the Hoople’ e ‘Faces’. Paul Simonon, amigo de Jones, se juntou ao grupo como baixista em 1976. Na época, a banda também contou com o baterista Tory Crimes, nascido Terry Chimes, que substituiu Topper Headon (Nicky Headon). Depois de ouvir ‘Sex Pistols’ em concerto, Joe Strummer decidiu acabar com o ‘The 101'ers’ no início de 1976, a fim de buscar uma nova direção musical. Junto com o colega guitarrista Keith Levene, se juntou ao ‘London SS’ agora rebatizado de ‘The Clash’.

‘The Clash’ realizou seu primeiro concerto em 1976, apoiando os ‘Sex Pistols’ em Londres. Keith Levene deixou a banda logo depois. E ‘The Clash’ partiu em excursão no notório ‘Anarchy Tour’. Embora tenham realizado apenas três concertos no circuito, a banda conseguiu um contrato discográfico em 1977 e gravou seu álbum de estréia. Terry Chimes deixou o grupo, e Topper Headon o substituiu na bateria. Ao longo de 1977, Joe Strummer e Mick Jones, estavam entrando e saindo da cadeia por uma série de infrações, que iam desde o roubo de uma fronha do hotel até depredações, enquanto Paul Simonon e Nicky Headon foram presos por atirarem em pombos-correio com uma pistola de ar. A imagem de desordeiros foi reforçada consideravelmente por tais eventos, mas a banda também partiu para o ativismo social, começando como atração principal no concerto ‘Rock Against Racism’. Pouco depois começaram a trabalhar em seu segundo álbum ‘Give 'Em Enough Rope’ com um som limpo, mas poderoso, projetado para quebrar o mercado norte-americano.

'The Clash' (1979)

No início de 1979, ‘The Clash’ começou sua primeira turnê norte-americana, intitulada ‘Pearl Harbor '79’. Após a segunda turnê, a banda contratou o tecladista Mickey Gallagher. Em ambas as turnês tiveram o apoio de Bo Diddley, Sam & Dave, Lee Dorsey, e Screamin' Jay Hawkins, bem como da banda punk ‘The Cramps’. A escolha desses nomes indicava que os integrantes eram fascinados por essas lendas. Este fascinio se tornou a força motriz por trás do álbum ‘London Calling’ que ostentava uma variedade de estilos, que vão desde rockabilly e rhythm and blues de New Orleans, a hard rock e reggae. ‘The Clash’ excursionou com sucesso pelos EUA, Reino Unido e Europa no início de 1980, período em que o pseudo-documentário ‘Rude Boy’ foi lançado na Inglaterra. No mesmo ano, foi lançado ‘Sandinista!’ que vendeu mais nos EUA do que no Reino Unido. Além disso, o público da banda no Reino Unido foi encolhendo ligeiramente.

Depois de passar 1981 excursionando, Nicky Headon deixou a banda e comunicou à imprensa que saiu devido a diferenças políticas, mas mais tarde foi revelado que a separação foi devido ao uso de drogas pesadas. A banda substituiu Headon por Terry Chimes, e lançou em 1982, ‘Combat Rock’. O álbum foi bem graças ao hit ‘Rock the Casbah’. No mesmo ano, a banda abriu o show do ‘The Who’ em sua turnê de despedida. Embora estivessem no auge em 1983, a banda estava começando a desmoronar. Terry Chimes foi demitido e substituído por Pete Howard. Joe Strummer e Paul Simonon também demitiram Mick Jones porque ele se distanciou da idéia original do ‘Clash’ e contrataram os guitarristas Vince White e Nick Sheppard. Com a banda renovada lançaram ‘Cut the Crap’ que foi recebido com opiniões e vendagem extremamente pobres. No início de 1986, Joe Strummer e Paul Simonon decidiram dissolver a banda. Vários anos depois, Paul Simonon formou a banda ‘Havana 3 A.M.’ e se concentrou em pintura, atualmente, faz parte da banda virtual ‘Gorillaz’. Joe Strummer dividiu-se entre a carreira musical e a cinematográfica, atuou em alguns filmes, gravou trilhas sonoras. Em 1991, ele se afastou discretamente dos holofotes. Em 2002, depois de trabalhar na compilação ‘The Clash Essential’, morreu subitamente, vitima de um ataque cardíaco, poucos meses antes da introdução da banda no ‘Rock and Roll Hall of Fame’. Mick Jones estava ocupado com a sua banda, ‘Big Audio Dynamite’, atualmente, também faz parte da banda virtual ‘Gorillaz’ como guitarra base. Depois de ser despedido do ‘Clash’, Nick ‘Topper’ Headon seguiu sem rumo com seu vício em heroína. Fã de jazz formou uma banda que durou pouco tempo. Atualmente ele está limpo e continua a tocar. Foi em um de seus shows que ele ficou sabendo da morte de Joe e, em 2003, anunciou que tocaria em tributo ao antigo companheiro de banda. De acordo com o ‘The Times’, o álbum de estreia do ‘Clash’ é, ao lado de ‘Never Mind The Bollocks, Here's The Sex Pistols’, é a declaração definitiva do punk e ‘London Calling’ continua sendo um dos álbuns de rock mais influentes.

the clash - london calling

The Clash (1977)
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Give 'Em Enough Rope (1978)
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London Calling (1979)
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Cut the Crap (1985)
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The Clash
01. Clash City Rockers 02. I'm So Bored With The U.S.A. 03. Remote Control 04. Complete Control 05. White Riot 06. White Man In Hammersmith Palais 07. London's Burning 08. I Fought The Law 09. Janie Jones 10. Career Opportunities 11. What's My Name 12. Hate And War 13. Police And Thieves 14. Jail Guitar Doors 15. Garageland

Give 'Em Enough Rope
01. Safe European Home 02. English Civil War 03. Tommy Gun Listen 04. Julie's Been Working for the Drug Squad 05. Last Gang in Town 06. Guns on the Roof 07. Drug-Stabbing Time 08. Stay Free 09. Cheapskates 10. All the Young Punks (New Boots and Contracts)

London Calling
01. London Calling 02. Brand New Cadillac 03. Jimmy Jazz 04. Hateful 05. Rudie Can't Fail 06. Spanish Bombs 07. The Right Profile 08. Lost in the Supermarket 09. Clampdown 10. The Guns of Brixton 11. Wrong 'Em Boyo 12. Death or Glory 13. Koka Kola 14. The Card Cheat 15. Lover's Rock 16. Four Horsemen 17. I'm Not Down 18. Revolution Rock 19. Train in Vain

Cut the Crap
01. Dictator 02. Dirty Punk 03. We Are The Clash 04. Are You Red..Y 05. Cool Under Heat 06. Movers And Shakers 07. This Is England 08. Three Card Trick 09. Play To Win 10. Fingerpoppin' 11. North And South 12. Life Is Wild

Sandinista! (1980)
CD 1: parte I parte II
CD 2: parte I parte II

Combat Rock (1982)
parte I parte II

The essential Clash (2003)
CD 1 CD 2

Sandinista! CD 1
01. The Magnificent Seven 02. Hitsville U.K. 03. Junco Partner 04. Ivan Meets G.I. Joe 05. The Leader 06. Something About England 07. Rebel Waltz 08. Look Here 09. The Crooked Beat 10. Somebody Got Murdered 11. One More Time 12. One More Dub 13. Lightning Strikes (Not Once But Twice) 14. Up In Heaven (Not Only Here) 15. Corner Soul 16. Lets Go Crazy 17. If Music Could Talk 18. The Sound Of Sinners

Sandinista! CD 2
01. Police On My Back 02. Midnight Log 03. The Equaliser 04. The Call Up 05. Washington Bullets 06. Broadway 07. Lose This Skin 08. Charlie Don't Surf 09. Mensforth Hill 10. Junkie Slip 11. Kingston Advice 12. The Street Parade 13. Version City 14. Living In Fame 15. Silicone On Sapphire 16. Version Pardner 17. Career Opportunities 18. Shepherds Delight

Combat Rock
01. Know Your Rights 02. Car Jamming 03. Should I Stay Or Should I Go 04. Rock The Casbah 05. Red Angel Dragnet 06. Straight To Hell 07. Overpowered By Funk 08. Atom Tan 09. Sean Flynn 10. Ghetto Defendant 11. Inoculated City 12. Death Is A Star

The essential Clash CD 1
01. White Riot 02. 1977 03. London's Burning 04. Complete Control 05. Clash City Rockers (Original Version) 06. I'm So Bored With The U.S.A. 07. Career Opportunities 08. Hate & War 09. Cheat 10. Police & Thieves 11. Janie Jones 12. Garageland 13. Capital Radio One 14. (White Man) In Hammersmith Palais 15. English Civil War 16. Tommy Gun 17. Safe European Home 18. Julie's Been Working For The Drug Squad 19. Stay Free 20. Groovy Times 21. I Fought The Law

The essential Clash CD 2
01. London Calling 02. The Guns Of Brixton 03. Clampdown 04. Rudie Can't Fail 05. Lost In The Supermarket 06. Jimmy Jazz 07. Train In Vain (Stand By Me) 08. Bankrobber 09. The Magnificent Seven 10. Ivan Meets G.I. Joe 11. Police On My Back 12. Stop The World 13. Somebody Got Murdered 14. The Street Parade 15. This Is Radio Clash 16. Ghetto Defendant 17. Rock The Casbah 18. Straight To Hell 19. Should I Stay Or Should I Go 20. This Is England

Rude Boy | Westway to the World
filmes documentários aqui

ABC of the blues 18: robert johnson

2011-12-03T15:59:00.012-02:00

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Robert Johnson (1911 - 1938) foi cantor e guitarrista, um dos músicos mais influentes do Mississippi Delta Blues e é considerado uma importante referência para a padronização do consagrado formato de doze compassos para o blues. É freqüentemente citado como o maior cantor de blues de todos os tempos, ou mesmo como o mais importante músico do século XX, mas muitos ouvintes se desapontam ao conhecer o seu trabalho, pois o estilo peculiar do Delta Blues e o padrão técnico das gravações de sua época estão muito distantes dos padrões estéticos e técnicos atuais. Suas principais influências foram Son House, Leroy Carr, Kokomo Arnold, Charley Patton, e Peetie Wheatstraw e influenciou grandes artistas durante anos como Muddy Waters, Led Zeppelin, Bob Dylan, The Rolling Stones, Johnny Winter, Jeff Beck, e Eric Clapton. Robert Leroy Johnson nasceu em Hazlehurst, Mississippi e sua data de nascimento oficialmente aceita, 1911, provavelmente está errada. Em 1938 durante uma apresentação no bar ‘Tree Forks’ Johnson bebeu whisky envenenado com estricnina, supostamente preparado pelo dono do bar, enciumado por Jonhson ter flertado com sua mulher. Sonny Boy Williamson, que estava tocando junto o alertou sobre o whisky. Johnson se recuperou do envenenamento, mas contraiu pneumonia e morreu 3 dias depois. Está é uma das várias versões populares para sua morte, outras dizem que morreu de sífilis ou que foi assassinado com arma de fogo. De todos os grandes músicos de blues, Robert Johnson foi provavelmente o mais obscuro. Foi um solitário enigmático, obcecado com a sua música. A transformação abrupta de um cantor e guitarrista desajeitado em um cantor e guitarrista de grande intensidade alimentaram rumores de um pacto com o diabo, quando vendeu a sua alma na encruzilhada das rodovias 61 e 49 no Mississippi. Do inferno, Robert Johnson conheceu apenas o alcoolismo. E tudo o que é conhecido dele com certeza é que ele gravou apenas 29 músicas, em duas sessões de gravação em 1936 e em 1937, no Texas; que morreu jovem, com 27 anos; foi um dos grandes bluesmen do Delta do Mississippi; sua música tem proporcionado um protótipo para várias gerações de músicos de blues e rock; e suas canções permanecem atuais em inúmeras novas versões. Tudo o mais sobre a sua vida é uma tentativa de reconstrução. Tudo o que sabemos sobre Robert Johnson é que ele foi pura lenda. E ainda permanece entre as figuras mais evasivas na arte do século 20, e se os detalhes de sua vida são sombrios, sua música é brilhante.

Tracklist
01. Robert Johnson - They're Red Hot
02. Robert Johnson - 32-20 Blues
03. Robert Johnson - Preachin' Blues (Up Jumped the Devil)
04. Robert Johnson - Stop Breakin' Down Blues
05. Robert Johnson - I Believe I'll Dust My Broom
06. Robert Johnson - Sweet Home Chicago
07. Robert Johnson - Kindhearted Woman Blues
08. Robert Johnson - Ramblin' on My Mind
09. Robert Johnson - Crossroad Blues
10. Robert Johnson - Malted Milk
11. Robert Johnson - Love in Vain Blues
12. Robert Johnson - Honeymoon Blues
13. Robert Johnson - When You Got a Good Friend
14. Robert Johnson - Travelling Riverside Blues
15. Robert Johnson - Terraplane Blues
16. Robert Johnson - Dead Shrimp Blues
17. Robert Johnson - Walkin' Blues
18. Robert Johnson - From Four Till Late
19. Robert Johnson - Last Fair Deal Goin' Down
20. Robert Johnson - Me and the Devil Blues

robert johnson - sweet home chicago

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parte I parte II
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parte I parte II

ABC of the blues 19: elmore james & lonnie johnson

2011-12-01T22:54:00.003-02:00

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Elmore James (1918 - 1963) foi um influente guitarrista, cantor e compositor. Tinha um estilo único, rude e apaixonado se distinguia pelo som característico do slide, por isso, ficou conhecido como ‘o rei da guitarra slide’. Celebrizou-se também pelo uso de amplificação em volumes elevados e por sua voz comovente. Começou a carreira no Mississipi junto com o gaitista Rice Miller, mais conhecido como Sonny Boy Williamson, e ficaram juntos por vários anos até que Elmore James conseguiu seu primeiro contrato para gravação em 1951. Nesta época se mudou para Chicago onde iniciou carreira solo acompanhado pelo grupo ‘The Broomdusters’. O estilo de Elmore James influênciou vários músicos de blues e rock’n’roll como Jeremy Spencer do 'Fleetwood Mac', Brian Jones dos 'Rolling Stones', Alan Wilson do 'Canned Heat', Stevie Ray Vaughan, Michael Bloomfield, Duane Allman e John Mayall. É lembrado pelos Beatles na música ‘For You Blue’ do disco ‘Let It Be’. É autor de uma enorme quantidade de músicas que receberam versões de astros famosos: ‘Dust my broom’ foi gravada por 'Fleetwood Mac', ‘Bleeding Heart’ por Jimi Hendrix, ‘Rollin´n´tumblin’ por 'Canned Heat' e Eric Clapton entre outros. Elmore James faleceu aos 45 anos vítima de um ataque cardíaco, mas deixou um legado musical consíderável. Elmore James gravou em uma época em que poucos artistas de blues gravavam. O único disco que lançou em vida, ‘Blues After Hours’ em 1961, foi uma compilação de antigos singles gravados pelos ‘Bihari Brothers’, juntamente com Howlin' Wolf e B.B. King, relançada diversas vezes depois de sua morte. Leia +...

Lonnie Johnson (1899 - 1970) foi cantor, compositor e guitarrista de blues, e pioneiro no papel de guitarrista no jazz. Reconhecido como o primeiro a solar na guitarra, Johnson não foi apenas um dos poucos músicos negros de blues convidado especial de uma série de sessões de gravação de jazz, ele era também um dos únicos artistas clássicos do blues de 1920 que reviveu a carreira após a Segunda Guerra Mundial. Nascido Alonzo Johnson em New Orleans, cresceu em uma família de músicos. Ele estudou violino, piano e guitarra quando criança e aprendeu a tocar vários outros instrumentos, incluindo o bandolim, mas concentrou-se na guitarra durante sua carreira profissional. Quando adolescente tocava guitarra e violino na banda de seu pai ao lado de seu irmão James ‘Steady Roll’ Johnson. Ele também trabalhou com o trompetista de jazz Punch Miller. Em 1917, Johnson visitou a Inglaterra, voltando para casa em 1919 descobriu que toda a sua família, exceto seu irmão James, morreu na epidemia de gripe de 1918. Lonnie Johnson e seu irmão então se estabeleceram em St. Louis em 1921 e se apresentavam em duo, e Lonnie também trabalhava em barcos, nas orquestras de Charlie Creath e Fate Marable. Em 1925, Lonnie casou-se com Mary que também ingressou na carreira de cantora de blues atuando como Mary Johnson e gravando no período1929-1936. O interesse de Mary em compor e cantar o blues começou quando ela ajudava Lonnie a escrever canções. Curiosamente, Lonnie e Mary nunca gravaram juntos até 1932 quando se divorciaram.

Em 1925, Johnson ganhou um concurso de blues em St. Louis, com o prêmio sendo um contrato de gravação com a ‘Okeh Records’. Para seu pesar, ele foi então marcado como artista de blues, encontrando dificuldades mais tarde para ser considerado como cantor de qualquer outra coisa. Entre 1925 e 1932 ele gravou cerca de 130 canções para a etiqueta e foi chamado para New York para gravar com os cantores de blues mais importantes da época, incluindo Victoria Spivey e Alger ‘Texas’ Alexander. Ele também excursionou com Bessie Smith. Em 1927, Johnson gravou em Chicago como artista convidado de ‘Louis Armstrong and his Hot Five’ fazendo um duelo com o tocador de banjo Johnny St. Cyr. Em 1928 ele gravou com Duke Ellington. Ele foi pioneiro no solo de guitarra e muitas das suas primeiras gravações foram com solos na guitarra de 12 cordas em um estilo que influenciou os futuros guitarristas de jazz Charlie Christian e Django Reinhardt. Grande parte das músicas que Johnson apresentou foram improvisações experimentais que hoje seriam classificadas como jazz, em vez de blues. Johnson foi inegavelmente o criador do solo de guitarra tocada nota por nota que se tornou padrão em jazz, blues, country e rock. Em suas letras ele capturou as nuances das relações entre homem e mulher, o amor de uma forma que foi além do puro sentimentalismo. Suas canções demonstravam habilidade para entender as mágoas dos outros que Johnson usou como essência em suas músicas.

Em 1929, com a Grande Depressão, em que a indústria fonográfica se viu em apuros, Johnson foi obrigado a trabalhar em uma usina siderúrgica. Ao final dos anos 30, porém, estava gravando pela ‘Decca Records’ e se apresentando em Chicago com Roosevelt Sykes e Blind John Davis. Em 1939, durante uma sessão para a etiqueta ‘Bluebird’ com o pianista Joshua Altheimer, Johnson usou uma guitarra elétrica pela primeira vez. Após a Segunda Guerra Mundial, Johnson fez a transição para o rhythm and blues. Em 1952 Johnson visitou a Inglaterra e Tony Donegan, um músico britânico prestou um tributo a ele mudando o seu nome para Lonnie Donegan. Ele gradualmente abandonou a música novamente na década de 50. Depois de voltar para os EUA, Johnson se mudou para a Filadélfia. Sua carreira havia sido uma montanha-russa que às vezes o levou para longe da música. Entre grandes realizações musicais, ele achou necessário fazer trabalhos braçais que variaram de trabalhar em uma fundição de aço a esfregar o chão como zelador em um hotel quando em 1959 o disc jockey Chris Albertson produziu um álbum de retorno, ‘Blues by Lonnie Johnson’. Seguiram-se outros álbuns e uma sucessão de eventos colocou-o de volta à cena musical em um momento fortuito: o público jovem estava abraçando a música popular e artistas veteranos foram saindo da obscuridade. Em pouco tempo, Lonnie Johnson encontrou-se reunido com Duke Ellington e sua orquestra e aparecendo como convidado especial em vários concertos. Em 1969, ele foi atropelado por um carro enquanto andava em uma calçada em Toronto e ficou gravemente ferido, sofrendo uma fratura no quadril e lesões renais. Johnson nunca se recuperou completamente de seus ferimentos e sofreu um derrame. Ele foi capaz de voltar ao palco em 1970, andando com o auxílio de uma bengala para cantar algumas músicas com Buddy Guy e recebendo uma ovação de pé. Ele morreu neste mesmo ano.

Tracklist
01. Elmore James - Dust My Broom
02. Elmore James - Sho' Nuff I Do
03. Elmore James - Please Find My Baby
04. Elmore James - Cry for Me Baby
05. Elmore James - Sunny Land
06. Elmore James - The 12 Year Old Boy
07. Elmore James - It Hurts Me, Too
08. Elmore James - Hawaiian Boogie
09. Elmore James - T.V. Mama
10. Lonnie Johnson - Have to Change Keys (To Play These Blues)
11. Lonnie Johnson - Mr. Johnson's Blues
12. Lonnie Johnson - Mean Old Bedbug Blues
13. Lonnie Johnson - Toothache Blues Pt. 1
14. Lonnie Johnson - Toothache Blues Pt. 2
15. Lonnie Johnson - Sweet Potato Blues
16. Lonnie Johnson - Guitar Blues
17. Lonnie Johnson - She's Making Whoopee in Hell Tonight
18. Lonnie Johnson - Got the Blues for Murder Only
19. Lonnie Johnson - I'm Nuts About That Gal
20. Lonnie Johnson - Deep Blue Sea Blues

lonnie johnson - have to change keys

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parte I parte II
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parte I parte II

the ultimate jazz archive: big band 33

2011-11-30T07:35:00.002-02:00

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Bennie Moten (1894 - 1935), pianista e bandleader ajudou a estabelecer o que é chamado o estilo de Kansas City. Como também ajudou a desenvolver o riff que viria a definir muitas das big bands dos anos 30. Bennie Moten aprendeu a tocar piano com a sua mãe. E tornou-se um pianista talentoso que se apresentava nos pequenos clubes que pontilham a 18th Street. Em 1922, Bennie Moten formou o ‘B.B. & D. Trio’ (Beenie, Bailey e Dude), popularmente conhecidos como ‘Big, Black and Dirty’ e fez sua estréia musical em 1923, quando sua banda acompanhou a cantora de blues Ada Brown na música ‘Evil Mama Blues’. Suas primeiras gravações foram feitas em 1923 para a ‘OKeh Records’, e foram interpretações bem típicas do estilo de New Orleans de King Oliver e outros. E também mostraram a influência do ragtime que ainda era popular na área. Essas gravações são algumas das mais valiosas da época e continuam a ser preciosos registros em muitas coleções de jazz. Em 1926, as gravações de ‘Bennie Moten's Kansas City Orchestra’ foram para a ‘Victor Records’ e influenciadas pelo estilo mais sofisticado de Fletcher Henderson. Em 1928 o piano de Moten foi mostrando algumas influências do boogie woogie, mas a verdadeira revolução veio em 1929 quando ele recrutou Count Basie, Walter Page e Oran 'Hot Lips' Page. Outro boom da banda foi a adição de James Rushing como vocalista principal. ‘The Blue Devils’ foi a primeira banda de Kansas City, em 1928, Jimmy Rushing e Count Basie se juntaram à banda, e tocaram com eles até o ano seguinte, quando Bennie Moten atraiu Count Basie para a sua banda. Com Basie foram Jimmy Rushing, Hot Lips Page, Eddie Durham e Ben Webster, formando assim o núcleo da futura ‘Count Basie Orchestra’. ‘The Blue Devils’ se reagrupou e contratou Lester Young, mas depois de uma série de desventuras Bennie Moten acabou de absorver os outros integrantes, incluindo Lester Young e o fundador da banda Walter Page. Depois da morte de Bennie Moten em 1935, Count Basie assumiu o ‘Kansas City Orchestra’. Sob sua liderança, a banda surgiu como uma das maiores bandas de jazz de todos os tempos.

Jimmie Lunceford (1902 - 1947) nascido James Melvin Lunceford foi saxofonista e líder de banda na era do swing. Jimmie nasceu no Mississippi, mas estudou em Denver onde gradou-se como bacharel em artes. Em 1927, enquanto lecionava em Memphis, organizou uma banda de estudantes, a ‘Chickasaw Syncopators’, que depois teve seu nome alterado para ‘Jimmie Lunceford Orchestra’ quando entrou em turnê. A orquestra fez sua primeira gravação em 1930 e aceitou um convite para tocar no prestigioso nightclub do Harlem, ‘The Cotton Club’, em 1933. O Cotton Club já apresentava Duke Ellington e Cab Calloway, que começavam a conquistar a fama graças aos shows para os fãs brancos do Cotton Club. A orquestra de Lunceford, com fina musicalidade e humor em sua música e letras, tornou-se a banda do clube, e a reputação de Lunceford começou a crescer rapidamente. A comédia e o vaudeville faziam parte das apresentações de Lunceford. As músicas no estilo swing tinham arranjos de Sy Oliver e as letras eram um tanto bizarras. Os shows incluiam fantasias, pequenas peças humorísticas, e desafios às bandas brancas de jazz como as orquestras de Paul Whiteman e Guy Lombardo. Apesar da veia cômica da banda, Lunceford sempre manteve o profissionalismo apropriado a um professor durante o ápice do swing, nos anos 30, e sua orquestra foi considerada igual à de Duke Ellington, Earl Hines ou à de Count Basie. A precisão dos músicos e o arranjador e trompetista Sy Oliver deram à orquestra sua marca registrada. A notável seção de saxofones era liderada pelo saxofonista Willie Smith. A orquestra de Lunceford excursionou extensivamente pela Europa em 1937, mas tiveram de cancelar uma segunda turnê em 1939, por conta da eclosão da Segunda Guerra Mundial. A ‘Columbia Records’ quebrou o contrato em 1940 devido às poucas vendagens. Sy Oliver abandonou a orquestra para se juntar a Tommy Dorsey como arranjador. Em 1947, Lunceford entrou em choque e morreu de parada cardiorrespiratória durante uma sessão de autógrafos. Alegações e rumores circularam dizendo que Jimmie foi envenenado por um dono de restaurante de peixes que ficou infeliz de ter servido a um negro em seu estabelecimento. Eddie Wilcox e Joe Tomas mantiveram a banda por um tempo, mas a ‘Jimmie Lunceford Orchestra’ parou de tocar em 1949. Em 1999, o saxofonista holandês e líder da ‘Aces of Syncopation’, Robert Veen, e um time de músicos dedicados conseguiram permissão para usar os arranjos e músicas originais da orquestra de Jimmie Lunceford. Eles reconstituíram a banda e asseguraram os direitos autorais do uso do nome de Lunceford. A estréia oficial da ‘The Jimmie Lunceford Legacy Orchestra’ aconteceu em 2005, no ‘North Sea Jazz Festival’.

Fletcher Henderson (1897 - 1952), nascido James Fletcher Henderson Hamilton Jr. foi pianista, bandleader, arranjador e compositor, e liderou um das bandas de maior sucesso comercial de 1920. E o som suave de sua orquestra deu à luz ao estilo swing da próxima década. Henderson era de uma família de classe média e freqüentou a Universidade de Atlanta. Após a formatura mudou-se para New York na intenção de fazer a pós-graduação em química. Enquanto trabalhava como químico, no entanto, ele descobriu que as perspectivas eram muito restritas devido à sua raça, e buscou a música para viver. Ele deixou a empresa para se tornar gerente da ‘Black Swan Recording Company’ e organizou uma banda de suporte para a cantora de blues Ethel Waters e foi pianista para muitos cantores de blues. Em 1922, Fletcher liderou a sua própria banda no ‘Club Alabam’ em seguida, no ‘Roseland Ballroom’ e rapidamente se tornou conhecida como a melhor da banda de afro-americanos em New York. Em 1923, Coleman Hawkins tocou saxofone na banda e é geralmente considerado o primeiro grande saxofonista de jazz. Em 1924, ele contratou Louis Armstrong importando-o de Chicago, onde ele tocava com a ‘King Oliver's Creole Jazz Band’. Por um tempo suas idéias de arranjo foram fortemente influenciadas por Paul Whiteman, mas quando Louis Armstrong se juntou a sua orquestra percebeu que poderia ter um potencial muito mais rico para a orquestração da banda. No início em 1930, o seu irmão mais novo, Horace Henderson contribuiu para a banda. Em momentos diferentes ele foi pianista de Billie Holiday e Lena Horne. A orquestra continuou a fazer turnês e gravar até 1939 quando se desfez, e Fletcher Henderson se juntou à orquestra de Benny Goodman, primeiro como pianista e arranjador. Esta foi a primeira vez que uma banda de brancos contratou um músico negro para se apresentar no palco com uma orquestra. E a banda se tornou uma das mais populares bandas de swing. Muitos dos sucessos de Goodman foram tocados por Fletcher Henderson. Em 1943, Henderson deixou Goodman e voltou apenas como arranjador pessoal em 1947. E viajou como pianista para Ethel Waters em 1948 e 1949. Em 1950 ele sofreu um derrame e nunca mais foi capaz de tocar novamente. Ele morreu em Nova York dois anos depois.

Chick Webb (1905 - 1939), nascido William Henry Webb foi baterista, bem como bandleader. Webb nasceu em Baltimore, e desde a infância, ele sofria de tuberculose que afetou a sua coluna vertebral, deixando-o com baixa estatura e a coluna deformada. Ele vendia jornal quando menino para economizar dinheiro suficiente para comprar uma bateria, e aos 11 anos tocou profissionalmente pela primeira vez. Com 17 anos, mudou-se para New York e em 1926, ele já estava conduzindo sua própria banda no Harlem. O baterista de jazz Tommy Benford dava aulas a Webb quando ele chegou a New York. Em 1931, a banda tornou-se a banda da casa no ‘Savoy Ballroom’. No clube, a banda de Chick Webb sempre competia com outras bandas de topo como a orquestra de Benny Goodman ou a de Count Basie. Ao final das batalhas da noite os que lá iam para dançar votavam sempre na banda de Chick como a melhor. Como resultado Webb foi considerado o destinatário mais digno de ser coroado o primeiro ‘rei do swing’. Título que perdeu para Duke Ellington em 1937, e para Count Basie, em 1938. Em 1935, a adolescente Ella Fitzgerald começou como vocalista em sua banda. Apesar dos rumores em contrário, Ella não foi adotada por Webb, nem foi morar com ele e a sua esposa, Martha Loretta Ferguson também conhecida como Sallye. Em 1938, a saúde de Webb começou a declinar, embora por um tempo, ele continuasse a tocar, recusando-se a desistir das turnês, desconsiderando seu próprio desconforto e fadiga, que muitas vezes o levaram a exaustão física, de modo que a sua banda continuou empregada durante a grande depressão. Finalmente, em 1939, ele teve que ser submetido a uma grande cirurgia. Chick Webb morreu no mesmo ano, com apenas 34 anos de idade e consta que suas últimas palavras foram: ‘Eu sinto muito, eu tenho que ir’. A sua morte foi muito difícil para a comunidade do jazz e Ella Fitzgerald assumiu a banda e a deixou em 1942, para se concentrar em sua carreira solo. Gene Krupa creditou a Chick Webb a pavimentação do caminho para que bateristas conduzissem suas próprias bandas.

imagination
bennie moten

33-1: Bennie Moten (1930-1932)
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parte I parte II
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parte I parte II

Tracklist
01. New Moten Stomp 02. As Long As I Love You 03. When I'm Alone 04. Professor Hot Stuff 05. Get Goin' (Get Ready To Love) 06. The Count 07. Liza Lee 08. Somebody Stole My Gal 09. Now That I Need You 10. Bouncin' Round 11. I Wanna Be Around My Baby All The Time 12. Ya Got Love 13. Toby 14. Moten Swing 15. The Blue Room 16. Imagination 17. New Orleans 18. The Only Girl I Ever Loved 19. Milenberg Joys 20. Lafayette 21. Prince Of Wails 22. Two Times

33-2: Jimmie Lunceford (1930-1934)
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parte I parte II
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parte I parte II

Tracklist
01. In Dat Mornin' 02. Sweet Rhythm 03. Flaming Reeds And Screaming Brass 04. While Love Lasts 05. White Heat 06. Jazznocrazy 07. Chillun Get Up 08. Leavin' Me 09. Swingin' Uptown 10. Breakfast Ball 11. Here Goes (A Fool) 12. Remember When 13. Sophisticated Lady 14. Mood Indigo 15. Rose Room 16. Black And Tan Fantasy 17. Stratosphere 18. Nana 19. Miss Otis Regrets 20. Stomp It Off

33-3: Fletcher Henderson (1934-1936)
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parte I parte II
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parte I parte II

Tracklist
01. Wild Party 02. Rug Cutter's Swing 03. Hotter Than 'Ell 04. Liza 05. Christopher Columbus 06. Big Chief De Sota 07. Blue Lou 08. Stealin' Apples 09. I'm A Fool For Loving You 10. Moonrise On The Lowlands 11. I'll Always Be In Love With You 12. Jangled Nerves 13. Grand Terrace Rhythm 14. Riffin' 15. Mary Had A Little Lamb 16. Shoe Shine Boy 17. Sing, Sing, Sing 18. Until Today 19. Knock, Knock Who's There? 20. Jim Town Blues

33-4: Chick Webb (1934-1937)
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parte I parte II

Tracklist
01. Stompin' At The Savoy 02. Don't Be That Way 03. Blue Lou 04. Down Home Rag 05. Love And Kisses 06. I May Be Wrong 07. Facts And Figures 08. Go Harlem 09. Love Marches On 10. There's Frost On The Moon 11. Gee But You're Swell 12. Rusty Hinge 13. Wake Up And Live 14. It's Swell Of You 15. Clap Hands! Here Comes Charly 16. That Naughty Waltz 17. In A Little Spanish Town 18. I Got Rhythm 19. I Ain't Got Nobody 20. Strictly Jive

the ultimate jazz archive: big band 34

2011-11-26T10:56:00.002-02:00

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Benny Goodman (1909 - 1986) ), nascido Benjamin David Goodman, clarinetista e bandleader ficou conhecido como ‘O Rei do Swing’, ‘Patriarca da Clarineta’, ‘O Professor’ e ‘Mestre do Swing’. Benny começou seus estudos musicais na sinagoga, filho de um alfaiate e sua família tinha poucos recursos. Menino prodígio, fez sua primeira apresentação aos 12 anos, e logo passou a tocar com músicos profissionais. Goodman estudou clarineta desde cedo, tendo formação musical clássica na época em que Chicago entrava na era do jazz. Vindo de New Orleans em 1926, aos 16 anos, juntou-se à banda do baterista Ben Pollack, fundada dois anos antes, e com ela fez seu primeiro disco. No início dos anos 30, gravou com diversos grupos de jazz até formar a sua própria orquestra, em 1934, que se tornou famosa depois de ser divulgada em um programa de rádio. Sua fama correu o mundo, iniciando a era do swing, que se estenderia por dez anos e foi reconhecido como ‘o rei do swing’ e o mais genial clarinetista de todos os tempos. Sua orquestra foi o primeiro grupo de jazz a se apresentar em público integrando músicos brancos e negros. Em 1938, Benny Goodman e sua orquestra foram consagrados no histórico concerto realizado e gravado no Carnegie Hall de Nova York. Nos anos 30 e 40, Goodman ajudou a projetar grandes solistas. Após 1945, Goodman limitou-se a tocar em grupos pequenos, além de ter atuado em orquestras clássicas como solista. Em 1962, a sua orquestra foi a primeira jazz band norte-americana a visitar a União Soviética. E sua clarineta e sua orquestra foram requisitadas pelo cinema em vários filmes. Por motivo de doença, de 1970 a 1985 fez um intervalo em sua atividade artística. Sua volta se deu no Kool Jazz Festival de Nova York, vindo a falecer pouco depois. Leia +...

Tommy Dorsey (1905 - 1956), nascido Thomas Francis Dorsey Jr. foi trombonista, trompetista, compositor e maestro. Embora fosse classificado em grau de impostância, depois de Benny Goodman, Artie Shaw, Glenn Miller ou James Harry, Tommy Dorsey foi um bandleader popular da era do swing, no período entre 1935 e 1945. Seu modo de tocar trombone notavelmente melódico era o som característico de sua orquestra, doce com uma mistura de baladas e canções suaves. Ele forneceu a base para vocalistas como Frank Sinatra e empregou arranjadores inventivos. Foi também o artista que mais vendeu na história da RCA Victor Records, até a chegada de Elvis Presley. Segundo filho de Thomas Francis Dorsey, professor de música e diretor de banda, Tommy e seu irmão Jimmy receberam instrução musical de seu pai. Tommy tocava trombone, embora ele também tocasse trompete, especialmente no início de sua carreira. Durante a década de 20, os irmãos se apresentavam com uma série de grupos locais, incluindo as orquestras lideradas por Jean Goldkette e Paul Whiteman, antes de formarem sua própria banda, a ‘Dorsey's Novelty Six’, em 1920. Em 1922, tocavam em parques de diversões de Baltimore e fizeram a estréia no rádio como ‘Dorsey's Wild Canaries’. Em 1927, começaram a gravar como ‘The Dorsey Brothers Orchestra’ e chegaram pela primeira vez às paradas com ‘Coquette’, em 1928. Em 1929, foi com ‘Let's Do It (Let's Fall in Love)’ que contou com Bing Crosby nos vocais. E em 1935 contrataram Bob Crosby, irmão mais novo de Bing. A relação dos irmãos Dorsey sempre foi volátil, e com relação ao swing, discordaram, e Tommy deixou a banda. Jimmy continuou a liderar a banda e passou a ter um sucesso considerável. Mas, enquanto os irmãos tropeçavam, Benny Goodman alcançou sucesso nacional e foi apelidado de ‘o Rei do Swing’. Tommy Dorsey assumiu os remanescentes da banda de Joe Haymes assinou com a ‘RCA Victor Records’, e teve sucesso imediato com a vocalista Edythe Wright e foi ainda mais bem sucedido em 1937. Ganhou sua própria série de rádio, que durou quase três anos. Não obstante o seu sucesso comercial fez importantes mudanças em sua banda no final de 1939, particularmente em seus vocalistas. Jack Leonard deixou a banda e Tommy Dorsey contratou Frank Sinatra. A cantora Edythe Wright também partiu, substituída por Connie Haines. E o sucesso continuou. Mas, continuou em segundo lugar, atrás de Glenn Miller, como artista top. E caiu para terceiro, atrás de Miller e de seu irmão Jimmy, em 1941. O ano de 1942 foi desafiador para Tommy Dorsey: os EUA entraram na Segunda Guerra Mundial o que colocou pressão sobre as grandes bandas particularmente em termos de mudança pessoal e dificuldades de viagens; a Federação Americana de Músicos convocou uma greve que impediu a entrada de músicos nos estúdios de gravação; e Frank Sinatra deixou a banda para lançar carreira solo. Enquanto isso, Tommy Dorsey virou-se com papéis no cinema para manter-se ativo, aparecendo em três filmes lançados em 1943. Permaneceu em Hollywood e com o fim da greve dos músicos voltou aos estúdios de gravação. Com o declínio das grandes bandas Tommy Dorsey reorganizou a sua e continuou em filmes e nas paradas. Em 1953, Jimmy Dorsey terminou com a sua banda e se juntou a orquestra de seu irmão como atração principal e foi novamente anunciada como sendo ‘Dorsey Brothers Orchestra’. Sedado por pílulas para dormir após uma refeição pesada, Dorsey acidentalmente sufocou até a morte com a idade de 51 anos. Seu irmão continuou com a banda, mas morreu em 1957. No entanto, a orquestra continuou a gravar e se apresentar, sob a direção de Warren Covington. Apelidado como ‘o cavalheiro sentimental de swing’, Tommy Dorsey liderou com sucesso uma orquestra classificada entre as melhores dos EUA na era do swing.

Harry James (1916 - 1983), nascido Harry Haag James, foi maestro e um dos trompetistas mais populares da era das big bands. Filho de artistas circenses, James aprendeu a tocar trompete aos oito; quando tinha doze anos, passou a reger uma das bandas do circo. Na adolescência, tocou com várias orquestras, incluindo a de Ben Pollack, em1935. Em 1936, tornou-se membro da orquestra de Benny Goodman onde se juntou com os trompetistas Ziggy Elman e Chris Griffin para formar o ‘powerhouse trio’, um das sessões de trompete mais célebres da história do jazz. James era o solista principal e ficou famoso com seus solos em canções como ‘Ridin' High’, ‘Sing, Sing, Sing’ e ‘One o'Clock Jump’. Ele também compôs e fez o arranjo de ‘Life Goes to a Party’, considerada um dos melhores números de swing da orquestra de Goodman. O estilo de James era ousado e intenso. O período em que tocou na orquestra de Goodman e nas bandas de estúdio, com membros da orquestra de Count Basie, que ele regeu durante o fim dos anos 30, são os melhores exemplos de seu primeiro estilo de jazz. James criou a sua própria banda em 1939. E o mais notável da orquestra foi Frank Sinatra que cantou com a banda por seis meses. Sua gravação de ‘All or Nothing at All’ foi um fracasso no lançamento, mas vendeu milhões quando relançada, em 1943. O momento decisivo para James foi em 1941 com a canção-tema de sua banda ‘Music Makers’. No mesmo ano, fez um sucesso ainda maior com uma versão instrumental de ‘You Made Me Love You’, o qual o estabeleceu como um dos maiores maestros da época. Vocalistas populares contribuíram para o sucesso da banda durante esse período. James era tão popular no início da década de 40 que sua gravadora chegou a ser incapaz de prensar seus discos para cobrir a demanda. A fama de James aumentou quando ele casou com a estrela do cinema Betty Grable, em 1943. E também apareceu em vários filmes e em trilhas sonoras. Apesar das baladas e arranjos comerciais ele permaneceu essencialmente como um músico de jazz. Uma vez estabelecido seu sucesso, ele gradualmente retornou às suas raízes jazzísticas no fim dos anos 40. No início dos anos 50, sua banda era como a oquestra de Count Basie, e arranjadores notáveis criavam arranjos para ambas as bandas. Turnês extensas e várias sessões de gravação marcaram as duas décadas. Longos compromissos nos hotéis e cassinos de Las Vegas com várias turnês nacionais e internacionais. Harry James faleceu em decorrência de um linfoma aos 67 anos.

Earl ‘Fatha’ Hines (1903 - 1983), nascido Earl Kenneth Hines, foi compositor, líder de bandas e um dos mais importantes pianistas da história do Jazz. Earl Hines nasceu na Pensilvânia e seu pai era cornetista e chefe da banda ‘Pittsburgh's Eureka Brass Band’; e foi criado por sua madrasta, que era organista da igreja. Sua irmã Nancy e seu irmão Boots também tocavam órgão e piano, respectivamente. Inicialmente, Hines tentou seguir a carreira do pai, tocando trompete mas logo trocou pelo piano. Aprendeu os clássicos, mas sua paixão eram as músicas populares que ele ouvia nos teatros. Com quinze anos, Hines formou a sua primeira banda, um trio que incluía um violinista e um baterista. Em 1922, Hines saiu de casa para tocar com o saxofonista Lois Deppe & His Serenaders, no clube nocturno Liederhaus, de Pittsburgh. Recebia 15 dólares por semana, e duas refeições por dia. As primeiras gravações vieram em 1923. Das quatro que gravou, uma era de sua autoria, ‘Congaine’, ao estilo do foxtrot. Tempo depois gravou novamente, com Deppe, desta vez músicas espirituais e populares. Em 1924, mudou-se para Chicago, a capital do jazz, onde tocavam Jelly Roll Morton, King Oliver e Benny Goodman. Toca piano em várias bandas e conhece Louis Armstrong e, juntamente com Zutty Singleton, tocam no Sunset Café. Em 1927, esta torna-se a banda de Louis Armstrong, e Hines o seu diretor. E Armstrong percebe o estilo avant garde, - um sub-género do jazz, muito em voga nos anos 60, caracterizado pela improvisação - de Hine ao tocar piano como um trompete, recorrendo ao uso de oitavas para que o seu piano pudesse ser mais facilmente ouvido. Nesse ano mesmo ano, Armstrong renova contrato da sua banda ‘Louis Armstrong's Hot Five’, com a gravadora e susbtitui a sua esposa Lil Hardin Armstrong no piano, por Hines. Em 1928, gravam, o que alguns críticos consideram como um dos melhores trabalhos de jazz, ‘Weatherbird’, um dueto de trompete e piano. E Hines gravará algumas das suas principais obras.

Neste mesmo ano, no seu 25º aniversário, Hines lidera a sua própria banda. Foi no clube de Al Capone, o Grand Terrace Ballroom, que se estreou como líder de banda e, durante onze anos, a sua banda foi a principal do clube de Capone. No período que trabalhou no Grand Terrace, a sua ‘The Earl Hines Orchestra’ foi a banda mais ouvida na rádio, nos EUA. Pela sua banda passaram Nat King Cole, que o substituía no piano, Dizzy Gillespie, Sarah Vaughan e Charlie Parker, nas suas primeira aparições e foi logo despedido por chegar habitualmente, atrasado ao trabalho. Na primeira metade da década 40, deu-se a origem do bebop, através das jam sessions, que os membros da banda de Hines efetuavam pela madrugada. Earl Hines liderou a sua banda até 1947, quando passou, temporariamente, a liderar a banda de Duke Ellington, enquanto este se encontrava doente. O tempo das grandes bandas e orquestras, encontrava-se no fim. E o pós-guerra trouxe tempos difíceis e, em 1948, Hines é obrigado a terminar a sua banda. Entre 1949 e 1951, Hines e Armstrong estão juntos novamente na banda deste último, a ‘All Stars’, e fazem vários espetáculos na Europa. No entanto, Hines ocupava um lugar secundário, não se mostrando satisfeito volta à liderança de pequenos grupos e apresenta-se em vários concertos pelos Eua e Europa. No início dos anos 60, Hines é um músico esquecido, mas graças ao seu amigo Stanley Dance, escritor de jazz, é ‘redescoberto’. Após alguns recitais de piano em Nova Iorque fica em primeiro lugar no ‘Hall of Fame’, da revista ‘Down Beat’, sendo premiado pela crítica internacional. A revista também o elegeu o melhor pianista de jazz em 1966, sendo eleito mais cinco vezes. No mesmo ano, Earl Hines junta-se ao departamento do estado dedicado ao jazz, e viaja até à Uniáo Soviética, como Embaixador da Boa-Vonatade. Earl Hines morreu uma semana depois do seu último concerto aos 77 anos, de ataque cardíaco. Na lápide do seu túmulo, está escrito ‘He Enriched The World With His Music’.

one o'clock jump
harry james

34-1: Benny Goodman (1935-1939)
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parte I parte II
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parte I parte II

Tracklist
01. King Porter Stomp 02. Goodbye 03. If I Could Be With You (One Hour Tonight) 04. Goody Moody 05. Stompin' At The Savoy 06. Christopher Columbus 07. Down South Camp Meeting 08. Bugle Call Rag 09. He Ain't Got Rhythm 10. I Want To Be Happy 11. Sing, Sing, Sing 12. Roll 'Em 13. Sugar Foot Stomp 14. St. Louis Blues 15. Don't Be That Way 16. One O'Clock Jump 17. Smoke House Rhythm 18. Topsy 19. The Kingdom Of Swing

34-2: Tommy Dorsey (1935-1938)
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parte I parte II
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parte I parte II

Tracklist
01. Weary Blues 02. Royal Garden Blues 03. Tea On The Terrace 04. I'm In A Dancing Mood 05. Keepin' Out Of Mischief Now 06. Jamboree 07. Mr. Ghost Goes To Town 08. Lookin' Around Corners For You 09. Who'll Buy My Violets? 10. On A Little Bamboo Bridge 11. Melody In F 12. Song Of India 13. Marie 14. In A Little Hula Heaven 15. I'll Dream My Way To Heaven 16. Liebestraum 17. Mendelssohn's Spring Song 18. The Sheik Of Araby 19. Boogie Woogie 20. Hawaiian War Chant

34-3: Harry James (1937-1939)
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parte I parte II

Tracklist
01. Jubilee 02. When We're Alone 03. (I Can Dream) Can't I ? 04. Life Goes To A Party 05. Texas Chatter 06. Song Of The Wanderer (Where Shalli Go?) 07. It's The Dreamer In Me 08. One O'clock Jump 09. Out Of Nowhere 10. Wrap Your Troubles In Dreams (And Dream Your Troubles Away) 11. Lullaby In Rhythm 12. Little White Lies 13. Boo - Woo 14. Woo - Woo 15. Home James 16. Jesse 17. Ciribiribin 18. Sweet Georgia Brown 19. Blame It On My Last Affair 20. Love's A Necessary Thing 21. 'taint What You Do (It's The Way That Cha Do It) 22. Two O'clock Jump

34-4: Earl 'Fatha' Hines (1937-1946)
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parte I parte II
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parte I parte II

Tracklist
01. Rhythm Sundae 02. Pianology 03. Piano Man 04. Tantalizing A Cuban 05. G.T. Stomp 06. Lightly And Politely 07. Boogie Woogie On St. Louis Blues 08. Deep Forest 09. Number 19 10. Call me Happy 11. Easy Rhythm 12. Comin' In Home 13. Up Jumped The Devil 14. Jersey Bounce 15. South Side 16. Windy City Jive 17. Swingin' On C 18. The Father Jumps 19. The Earl 20. Blue Keys

(update) martin scorsese presents the blues

2011-11-24T06:55:00.001-02:00

O Congresso dos Estados Unidos classificando o blues como um tesouro nacional, oficialmente declarou o ano de 2003 como o ‘Ano do Blues’. Além das inúmeras festividades, Martin Scorsese aproveitou para lançar o seu projeto mais ambicioso: sete filmes documentários para contar a história do blues, produzidos por ele e em cada um dos sete episódios, um diretor diferente, como Scorsese, fã incondicional do blues, explora uma etapa no desenvolvimento do gênero.

'Feel Like Going Home' (diretor - Martin Scorsese)
'The Soul of a Man' (diretor - Wim Wenders)
'The Road to Memphis' (diretor - Richard Pearce)
'Warming by the Devil's Fire' (diretor - Charles Burnett)
'Godfathers and Sons' (diretor - Marc Levin)
'Red, White & Blues' (diretor - Mike Figgis)
'Piano Blues' (diretor - Clint Eastwood)

Além dos filmes lançou a trilha sonora de cada filme. Não satisfeito, Scorsese lançou ainda uma série de discos dos maiores artistas da história do blues. E elegeu 12, baseado no seu gosto pessoal, que resumiriam um pouco da história deste estilo.

Os filmes baixe aqui
Trilha sonora dos filmes e os 12 álbuns aqui

(link corrigido | update) faith no more

2011-11-23T05:59:00.000-02:00

The Very best (link corrigido)
The Works (update)

ABC of the blues 20: blind willie johnson & tommy johnson & skip james

2011-11-20T12:30:00.004-02:00

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Blind Willie Johnson (1897 - 1945) cuja música ultrapassou a barreira do blues e do gospel foi vocalista e guitarrista. Entre músicos ele é considerado um dos maiores artistas da guitarra slide que já viveram, como também um dos mais venerados durante a época da depressão nos EUA. A maioria das suas músicas era religiosa E com voz poderosa e fervorosa ele as cantou com um volume feito para serem ouvidas sobre os sons das ruas. Willie Johnson gravou um total de 30 músicas durante um período de três anos e muitas delas se tornaram clássicos do blues-gospel. É aceito que Willie Johnson nasceu em uma pequena cidade do Texas. Sua mãe morreu quando ele ainda era bebê e seu pai casou-se novamente. Quando tinha sete anos, sua madastra jogou soda cáustica em seus olhos, cegando-o. Quando adulto Johnson começou a tocar a sua guitarra nas ruas, a única maneira de um homem cego ganhar dinheiro. Em vez de um gargalo, tocava slide com um canivete. Johnson não queria ser um bluesman, pois ele era um crente apaixonado pela Bíblia. Então, ele começou a cantar o evangelho e se tornou um pregador batista trazendo seus sermões e música para as ruas das cidades circunvizinhas. Durante a sua apresentação em Dallas, ele conheceu uma mulher chamada Angeline e os dois se casaram em 1927. Angeline acrescentou hinos do século 19 ao repertório de Johnson, e os dois se apresentavam em torno de Dallas e Waco. No mesmo ano, a ‘Columbia Records’ trouxe Blind Willie Johnson para o estúdio onde gravou seis canções que se tornaram sucesso: entre elas, uma canção sobre Sansão e Dalila chamada ‘If I Had My Way ‘ e a sua mais famosa, ‘Dark Was the Night - Cold Was the Ground’, sobre a crucificação de Cristo. Voltou aos estúdios em 1928, acompanhado de sua esposa Angeline, como backing vocal. Tempos depois, Willie Johnson e Angeline conheceram Elder Dave Ross e foram com ele para New Orleans, onde gravaram dez músicas para a mesma gravadora. Depois em 1930 e nunca mais. Apesar deste fato, ele continuou a se apresentar nas ruas de Texas durante os anos 30 e 40. Infelizmente, em 1947, sua casa pegou fogo e Willie Johnson morreu pouco tempo depois de pneumonia. Angeline Johnson passou a trabalhar como enfermeira durante a década de 50. Ao longo dos anos, muitos artistas têm gravado as canções gospel que ficaram famosas na voz de Blind Willie Johnson, incluindo Bob Dylan, Eric Clapton e Ry Cooder. Clique aqui para ler a versão em quadrinhos da história de Blind Willie Johnson

Tommy Johnson (1896 - 1956) foi um influente músico do delta blues e era conhecido por sua estranha voz de falsete e intrincados sons de guitarra. Ao lado de Son House e Charley Patton, ninguém era mais importante do que Tommy Johnson para o desenvolvimento do delta blues do pré-Robert Johnson. Dono de uma voz que poderia ir de um grunhido a um falsete Johnson gravou apenas por dois anos, de 1928 a 1930, mas deixou para trás um trabalho que é difícil de ignorar. A lenda de Tommy Johnson é ainda mais difícil de ignorar. As histórias sobre suas apresentações ao vivo são parte dela. Assim como a sua fama de mulherengo e beberrão. O vicio de Johnson era tão acentuado que muitas vezes era visto bebendo álcool puro quando o uísque não era acessível. E há a história da encruzilhada, que contava repetidamente para o público. Sim, os anos a fio de negociatas com o diabo em uma encruzilhada deserta para explicar as suas habilidades, assim como as de Robert Johnson. Depois há a música. A sua ‘Cool Water Blues’ que empolgou, nos anos 50, um dos seus admiradores, Howlin 'Wolf, e tornou-se ‘eu pedi água, ela me trouxe gasolina’. Os acordes de ‘Maggie Campbell Blues’ foram usados para infinitas variações por bluseiros. Duas das suas mais conhecidas músicas tem sobrevivido até os tempos modernos: ‘Big Road Blues’ é provavelmente a mais conhecida a partir de várias adaptações; e ‘Canned Heat Blues’ que conta a sua dependência do álcool. Tommy Johnson, como outros tantos, teve uma vida dura. Ele nasceu em uma plantação de algodão e aos 16 anos fugiu de casa para se tornar um músico ‘profissional’, tocando e cantando nas ruas na companhia de estrelas locais como Charley Patton, Dick Bankston e Willie Brown. Sua obra coletiva foi a semente que mais tarde se tornaria o blues do delta do Mississippi. Ele gravou os seus primeiros discos para a etiqueta Victor, depois RCA Victor, agora BMG, em sessões realizadas em Memphis, em 1928. Em 1930 gravou para o selo ‘Paramount’ em grande parte através da manobra do amigo e companheiro de bebida, Charley Patton. A decadência, devido ao alcoolismo, foi rápida e Tommy Johnson não conseguiu gravar mais. Em 1956 sogreu um ataque cardíaco enquanto se apresentava em um clube, provavelmente como desejava que fosse a sua morte. Howlin' Wolf, Robert Nighthawk, Floyd Jones e Otis Spann são alguns de seus muitos discípulos.

Skip James ( 1902 – 1969) nascido Neemias Curtis James foi cantor, pianista, guitarrista e compositor. Skip aprendeu a tocar violão com Henry Stuckey, outro bluesman da região. Seu modo de tocar é caracterizado pela técnica fingerpicking, que consiste em puxar as cordas com as pontas dos dedos ou unhas. Skip James gravou pela primeira vez para a ‘Paramount Records’ em 1931, mas vendeu muito pouco, devido à Grande Depressão, e ele continou na obscuridade. Depois de uma longa ausência James foi ‘redescoberto’ em 1964 por três entusiastas do blues que ajudaram a reviver o blues e a folk music através de festivais. Durante este período, James apareceu em vários deles e gravou vários álbuns para várias gravadoras. Suas canções influenciaram várias gerações de músicos, sendo adaptadas por Robert Johnson, Cream, Deep Purple entre outros. James nasceu perto Bentonia, Mississippi. Seu pai era um contrabandista de bebidas que depois converteu-se em pastor. James ouvia músicos locais como Henry Stuckey e os irmãos Charlie e Jesse Sims e começou a tocar o órgão na adolescência. Ele trabalhou na construção de estradas e de diques no rio Mississippi e compôs o que talvez seja sua primeira canção, ‘Illinois Blues’, sobre suas experiências como trabalhador. Mais tarde nos anos 20 começou a tocar guitarra e a praticar piano, inspirando-se no pianista Little Brother Montgomery. No início de 1931 foi ouvido pelo caçador de talentos H.C. Speir e gravou para a ‘Paramount Records’. Como era típico de sua época, James gravou uma variedade de material de vários gêneros: blues, spirituals e covers. Essa gravações foram a base da sua reputação como um músico e guitarrista. A opinião de vários críticos, considera o resultado totalmente original, um dos mais extraordinários exemplos de fingerpicking encontrados na música. Poucas cópias originais de James para a Paramount de 78 RPMs sobreviveram. Com a Grande Depressão as vendas foram pobres, e como resultado, James desistiu do blues para se tornar o diretor do coro na igreja de seu pai. Mais tarde foi ordenado ministro em ambas as igrejas, Batista e Metodista, mas a extensão de seu envolvimento em atividades religiosas é desconhecida. James era conhecido por ser uma pessoa antisocial e mal-humorada. Ele raramente era visto com outros bluesmen. Ele tinha uma grande consideração por seu próprio trabalho e era relutante em compartilhar suas idéias musicais com outros artistas. James é por vezes associado a Escola Bentonia, que pode ser um sub-gênero do blues ou um estilo de tocar. Ele era praticamente desconhecido até 1960. Em 1964, os entusiastas do blues John Fahey, Bill Barth e Henry Vestine o encontraram em um hospital do Mississippi. A ‘redescoberta’ de James e de Son House, praticamente no mesmo momento, foi o início do ‘blues revival’ nos EUA. Em 1964 James, juntamente com outros artistas ‘redescobertos’, apareceu no Newport Folk Festival. Durante todo o restante da década, gravou para várias gravadoras até sua morte de câncer em 1969. A banda de rock britânica, Cream, gravou duas versões de ‘I'm So Glad’ fornecendo a Skip James o sucesso inesperado. A banda ‘Deep Purple’ também gravou a canção no seu primeiro álbum.

Tracklist
01. Blind Willie Johnson - Dark Was the Night, Cold Was the Ground
02. Blind Willie Johnson - If I Had My Way I'd Tear the Building Down
03. Blind Willie Johnson - Praise God I'm Satisfied
04. Blind Willie Johnson - Trouble Will Soon Be Over
05. Blind Willie Johnson - I Know His Blood Can Make Me Whole
06. Blind Willie Johnson - Everybody Ought to Treat a Stranger Right
07. Blind Willie Johnson - It's Nobody's Fault but Mine
08. Blind Willie Johnson - I'm Gonna Run to the City of Refuge
09. Blind Willie Johnson - Keep Your Lamp Trimmed and Burning
10. Blind Willie Johnson - Jesus Make Up My Dying Bed
11. Tommy Johnson - Cool Drink of Water Blues
12. Tommy Johnson - Maggie Campbell Blues [See See Rider]
13. Tommy Johnson - Canned Heat Blues
14. Tommy Johnson - Big Road Blues
15. Tommy Johnson - Alcohol and Jake Blues
16. Skip James - If You Haven't Any Hay Get On Down the Road
17. Skip James - 22-20 Blues
18. Skip James - How Long "Buck"
19. Skip James - Cypress Grove Blues
20. Skip James - Devil Got My Woman

tommy johnson - big road blues

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parte I parte II

the ultimate jazz archive: big band 35

2011-11-18T19:43:00.004-02:00

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Count Basie (New Jersey, 21 de Agosto de 1904 – Flórida, 26 de Abril de 1984), nascido William James Basie, foi um pianista, organista, compositor e bandleader que comandou sua orquestra por quase 50 anos. Muitos músicos notáveis ganharam destaque sob sua direção, incluindo o saxofonista Lester Young. Foi autor de temas, como ‘One O'Clock Jump’ e ‘April In Paris’. Foi chamado de ‘Count’ considerando-se a sua importância entre os grandes mestres da era swing. Count Basie é sinônimo de big band, assim como Duke Ellington. Sua mãe, uma pianista, deu-lhe as primeiras lições de piano. Basie não era muito estudioso e sonhava com uma vida de viagens. Nos shows de vaudeville operava os holofotes. Um dia, quando o pianista não conseguiu chegar a tempo para o show, Basie tomou seu lugar. Tocou de ouvido, e rapidamente aprendeu a improvisar a música apropriada para filmes mudos. Assim, começou como pianista em um cinema. Por volta de 1924, ele foi para o Harlem, um viveiro de jazz. Em 1925, Basie conseguiu seu primeiro emprego estável. Em 1928, tocou com os ‘Blue Devils’ do contrabaixista Walter Page, uma das primeiras grandes bandas que contou com Jimmy Rushing nos vocais; e depois com a orquestra de Bennie Moten. A carreira de bandleader começou em 1935, quando recrutou alguns músicos da extinta orquestra de Moten e foi para Nova York. O sucesso foi rápido. A primeira fase da orquestra, que vai de 1936 até 1940, caracterizava-se por arranjos simples; a segunda, de 1940 até 1950, por arranjos mais elaborados. Devido a dificuldades econômicas, a orquestra teve que ser desativada reduzindo-se a um octeto e foi durante esse período que ocorreu a transição da fase clássica para a fase moderna fazendo grande sucesso em turnês nos anos 50. E a orquestra atravessou os anos 60 e 70, apesar de já representar uma música ‘ultrapassada’. Nos anos 80, mesmo com os problemas de saúde de Count Basie, a orquestra era sempre recebida calorosamente e manteve-se em atividade mesmo após a morte do líder. A seção rítmica, com Basie ao piano, era conhecida como ‘All-American Rythm Section’. Basie sempre se cercou de solistas excepcionais como Lester Young que exerceu grande influência sobre os rumos do jazz, e outros que após deixarem a orquestra formaram suas próprias orquestras.

Artie Shaw (New York, 23 de maio de 1910 - Thousand Oaks, 30 de dezembro de 2004) foi um clarinetista famoso por clássicos como ‘Begin the Beguine’ de 1938, que fez dele um rival do clarinetista superstar Benny Goodman, e ‘Oh, Lady Be Good’. Em 1940, Shaw participou do filme 'Second Chorus', estrelado por Fred Astaire e Paulette Goddard, no papel dele mesmo, e recebeu duas indicações ao Oscar pela melhor trilha sonora e melhor canção, ‘Love of My Life’. Artie Shaw desenvolveu tanto a reputação de gênio, quanto de rabugento. Suas big bands eram sucessos, que ele desfazia com freqüência para formar novas bandas meses ou anos depois. Ele também se envolveu com música clássica e liderou uma banda da Marinha dos EUA durante a Segunda Guerra Mundial. Mais tarde, escreveu livros. Famoso entre as mulheres foi casado oito vezes, incluindo com as beldades de Hollywood Lana Turner e Ava Gardner. Sempre imprevisível deixou a música em 1954, apesar da banda que leva seu nome ser retomada em 1983 e continuar em turnê. Arthur Jacob Arshawsky era filho de imigrantes judeus que trabalhavam no ramo de confecções em New York, mas problemas financeiros forçaram a família a se mudar para New Haven onde Artie encontrou o anti-semitismo pela primeira vez ao acompanhar uma oração em classe quando um dos alunos o ameaçou dizendo: ’Nós não queremos nenhum maldito assassino de Cristo orando ao Senhor por aqui’. Adolescente, mudou o nome para Art Shaw, e mais tarde, Artie, uma modificação sugerida por um executivo de uma gravadora. Embora tenha estudado piano, pediu aos pais um saxofone, mas encontrou resistência. Mesmo assim, praticou sete horas por dia parando apenas quando seus lábios adormeciam. Depois de alguns meses substituiu o saxofonista da orquestra de Johnny Cavallaro que o aconselhou a trocar o saxofone por clarinete. Em 1925 foi contratado pelo bandleader Austin Wylie. Em 1928 viajou para ouvir Louis Armstrong e no mesmo ano se juntou à banda liderada por Irving Aaronson. Ele ganhava a vida no início dos anos 1930 tocando em sessões de gravação, muitas vezes com a Orquestra da CBS, aparecendo em inúmeras gravações da época, como da jovem vocalista Billie Holiday, o que o deixava frustrado, pois, considerava uma atividade puramente comercial. Em 1933, Artie Shaw desistiu da música e da vida urbana em geral, e comprou uma fazenda em Pensilvânia, e ganhava a vida com a venda de seus produtos, enquanto tentava escrever um romance sobre o cornetista Bix Beiderbecke, outra grande influência sobre o seu próprio estilo.

Glenn Miller (Iowa, 01 de março de 1904 - morreu no mar, entre Londres e Paris, em 16 de dezembro de 1944), nascido Alton Glenn Miller após ter estudado na Universidade de Colorado, em 1926 transformou-se num trombetista profissional na banda de Ben Pollack. Por volta de 1930, já era um reconhecido músico em New York. Mais tarde transformou-se num organizador de orquestras, sobretudo das dos irmãos Dorsey, iniciada em 1934, e de Ray Noble, organizada em 1935. Depois de ter tentado formar a sua própria orquestra em 1937, acabou por conseguir no ano seguinte e em 1939 já era um famoso diretor de orquestra. Ingressou no exército americano durante a 2.ª Guerra Mundial, como capitão, sendo promovido mais tarde a major e a diretor da banda da força aérea dos Estados Unidos na Europa. Ao voar da Inglaterra para Paris, desapareceu; nem os corpos e nem os destroços do avião jamais foram encontrados. Os triunfos de Miller basearam-se nos salões de dança. O som de Miller, muito simples, como foram todos os seus grandes sucessos, incluindo a mais famosa, ‘Moonlight Serenade ‘, era imediatamente reconhecível, e foi muito copiado. Os seus dois filmes realizados em Hollywood, ‘Sun Valley Serenade’, de 1941, e ‘Orchestra Wives’, no ano seguinte, aumentaram a sua reputação. Alguns críticos afirmam que a contribuição da sua orquestra para o jazz foi insignificante, mas outros consideram que o seu som representa o paradigma da música popular do seu tempo. Após a sua morte, e devido à sua grande popularidade, a orquestra foi mantida durante algum tempo pelo saxofonista, cantor e um dos amigos mais próximos de Miller, Tex Beneke. Anos depois, a família de Miller, tendo seguido caminhos distintos de Beneke, contratou Ray McKinley, baterista da banda da Força Aérea do Exército liderada por Miller, para organizar uma nova orquestra em 1956, que continua a se apresentar até os dias de hoje.

Bunny Berigan (Wisconsin, 02 de novembro de 1908 – New York, 02 junho de 1942), nascido Rowland Bernard Berigan foi trompetista que chegou à fama durante a era do swing, mas cujo virtuosismo e influência foram encurtados por uma batalha perdida contra o alcoolismo, que terminou em sua morte prematura aos 33 anos. Ele compôs ‘Chicken and Waffles’ e ‘Blues’ em 1935, mas ‘I Cant Get Started’ sua gravação clássica de 1937 é que foi introduzida ao ‘Grammy Hall of Fame’ em 1975. Uma criança prodígio, Berigan aprendeu violino e trompete e na adolescência já tocava em orquestras antes do teste na orquestra do saxofonista, clarinetista, maestro, compositor e arranjador Hal Kemp que inicialmente rejeitou o jovem trompetista para depois o contratar em 1930. A partir daí, Berigan foi muito procurado como músico de estúdio para gravações. Em 1933 foi contratado pelo bandleader Paul Whiteman antes de ingressar na banda de Abe Lyman. E continuou nas gravações de estúdio, mais notavelmente com os irmãos Dorsey e Glenn Miller. Ao mesmo tempo se juntou a Benny Goodman. Em 1937, Berigan montou sua própria banda e escolheu para gravar o maior hit de sua carreira e que o imortalizou, ‘I Cant Get Started’, de Ira Gershwin e Vernon Duke. Berigan modelou seu estilo baseando-se no estilo de seu ídolo Louis Armstrong. Era considerado um excelente bandleader apesar de beber cada vez mais devido a problemas financeiros que o levaram a declarar falência em 1940. Por um breve período, tocou com Tommy Dorsey antes de ser hospitalizado com pneumonia, mas os médicos descobriram o pior: estava com o fígado condenado pela cirrose. Berigan não seguiu o conselho dos médicos de parar de beber e tocar trompete vindo a ter uma enorme hemorragia em 1942 e falecendo aos 33 anos.

begin the beguine
artie shaw

35-1: Count Basie (1937-1944)
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Tracklist
01. One O'Clock Jump 02. Topsy 03. Swingin' The Blues 04. Every Tub 05. Jumpin' At The Woodside 06. Texas Shuffle 07. Jive At Five 08. Oh! Lady Be Good 09. Twelfth Street Rag 10. Clap Hands! Here Comes Charley 11. Tickle Toe 12. I Never Knew 13. Super Chief 14. Love Jumped Out 15. Fiesta In Blue 16. Red Bank Boogie 17. Rhythm Man 18. Yeah Man! 19. Dance Of The Gremlins 20. Kansas City Stride 21. Beaver Junction 22. Circus In Rhythm 23. Basie Strides Again

35-2: Artie Shaw (1938-1941)
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Tracklist
01. Begin The Beguine 02. Indian Love Call 03. Yesterdays 04. Nightmare 05. Jungle Drums 06. Rosalie 07. The Man I Love 08. Carioca 09. The Donkey Serenade 10. Deep Purple 11. Serenade To A Savage 12. Lady Be Good 13. I Surrender Dear 14. All The Things You Are 15. I Didn't Know What Time It Was 16. Diga Diga Doo 17. Ferenesi 18. Gloomy Sunday 19. Mister Meadowlark 20. Temptation 21. Blues From "Lenow Avenue Suite" (Part 1) 22. Blues From "Lenow Avenue Suite" (Part 2) 23. Moonglow

35-3: Glenn Miller (1938-1941)
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Tracklist
01. King Porter Stomp 02. Runnin' Wild 03. Slip Horn Jive 04. Sold American 05. Pagan Love Song 06. Glen Island Special 07. Wham (Re-Bop-Boom-Bam) 08. I Want To Be Happy 09. My Isle Of Golden Dreams 10. Rug Cutter's Swing 11. Slow Freight 12. Bugle Call Rag 13. My Blue Heaven 14. What's Your Story Morning Glory 15. I Dream I Dwelt In Harlem 16. When That Man Is Dead And Gone 17. The Spirit Is Willing 18. Take The 'A' Train 19. Swing Low Sweet Chariot 20. Long Tall Mama 21. Chip Off The Black 22. Keep 'Em Flying

35-4: Bunny Berigan (1937-1939)
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parte I parte II

Tracklist
01. Can't Help Lovin' Dat Man 02. Russian Lullaby 03. Trees 04. Livery Stable Blues 05. High Society 06. Sobbin' Blues 07. Jelly Roll Blues 08. In A Mist 09. Flashes 10. Davenport Blues 11. Candlelights 12. Walkin' The Dog 13. In The Dark 14. Little Gate's Special 15. Jazz Me Blues 16. Patty Cake, Patty Cake 17. Peg O' My Heart 18. Night Song 19. Ay - Ay - Ay 20. Ain't She Sweet

the ultimate jazz archive: big band 36

2011-11-15T04:46:00.003-02:00

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Gene Krupa (Chicago, 15 de Janeiro de 1909 - New York, 16 de Outubro de 1973), baterista e bandleader, nascido como Eugene Bertram Krupa começou sua carreira ainda adolescente limpando janelas em uma loja de instrumentos e partituras chamada ‘Brown Music Company’. Com o dinheiro recebido resolveu comprar o instrumento mais barato da lista, uma bateria. Para agradar sua mãe resolve ir para uma escola religiosa onde estudou com um professor de formação clássica. Um ano mais tarde, abandona a escola para dedicar-se à carreira de baterista. Descobriu uma banda de músicos brancos que tocava em um teatro na zona sul de Chicago, da qual fazia parte o baterista Dave Tough, de quem tornou-se amigo e seguidor, e que o levou para ouvir a ‘King Oliver´s Creole Jazz Band’ que estava de passagem por Chicago. E Krupa encantou-se com o estilo do baterista negro Baby Dodds, sendo esse seu novo ídolo. Krupa impressionou-se tanto com o estilo de Dodds que passou a dedicar-se quase que integralmente ao estudo do jazz negro. Em 1927 participou regularmente de jam sessions do clube ‘Three Deuces’ que incluía o trompetista Bix Beiderbecke, o clarinetista Benny Goodman e integrantes da ‘Austin High Gang’, com quem fez sua primeira gravação. Gravaram quatro faixas: ‘China Boy’, ‘Sugar’, ‘Nobody´s Sweetheart’ e ‘Liza’. Essa gravação foi a primeira a registrar uma formação que incluía baixo e bateria e é um marco na definição do jazz de Chicago. Apesar do visual rebelde, cabelos revoltos e mascador de chiclete, Krupa era um músico extremamente disciplinado e estudioso. Tocou por algum tempo na banda do trompetista Red Nichols e participou da banda da produção da Broadway, ‘Strike Up the Band’, dos irmãos Ira e George Gershwin. Em 1934, integrou a orquestra de Benny Goodman, que tinha como arranjador Fletcher Henderson, o que lhe trouxe rápido reconhecimento por seu talento. Após desentendimentos que já vinham da época das jam sessions em Chicago, Goodman achava que Krupa exagerava no virtuosismo, deixou a orquestra para formar a sua própria, que contava com o trompetista Roy Eldridge e a vocalista Anita O´Day. A orquestra foi um sucesso até o ano de 1943, quando Krupa foi preso por posse de maconha e ficou preso por oitenta dias. Voltou por um curto período para a orquestra de Benny Goodman, antes de integrar a de Tommy Dorsey e depois formar sua orquestra novamente. Teve grande êxito até 1951 quando, influenciado pelo bebop, começou a tocar com formações menores, sendo um dos únicos bandleaders da era do swing a se modernizar. Em 1960, sofreu um ataque cardíaco e reduziu drasticamente suas aparições. Morreu em 1973, e apesar de estar sob tratamento para leucemia, sua morte foi atribuída a outro ataque cardíaco.

Charlie Barnet (New York, 26 de outubro de 1913 - Califórnia, 04 de setembro de 1991) foi saxofonista, compositor e bandleader. Embora começasse as gravar em 1933, Charles Daly Barnet apenas conseguiu popularidade entre 1939 e 1941. Período de importantes gravações como o hit ‘Cherokee’. Em 1944, Barnet teve outro grande sucesso com ‘Skyliner’. Em 1947, ele começou a mudar do swing para o bebop. O trompetista Billy May foi o arranjador da orquestra de Charlie Barnet, antes de ingressar na de Glenn Miller em 1940. Charlie Barnet era um admirador declarado de Count Basie e Duke Ellington que gravou a sua composição ‘In a Mizz’. Nas apresentações de sua orquestra beber e vandalismo não eram incomuns. Enquanto Glenn Miller aplicava rigorosas normas de vestimenta e comportamento, Barnet estava mais interessado em se divertir. Em 1949 aposentou-se, aparentemente porque tinha perdido o interesse pela música. Ele era capaz de se aposentar quando quisesse, por ser um dos poucos herdeiros de uma família muito rica. Ocasionalmente ele voltou da aposentadoria para breves apresentações, mas nunca retornou à música em tempo integral. Em 1964, organizou uma festa privada para o seu herói musical, Duke Ellington e orquestra. Charles Barnet não tocou no encontro. Barnet morreu de complicações da doença de Alzheimer e pneumonia.

Erskine Hawkins (Alabama, 26 de julho de 1914 - New Jersey, 11 de novembro de 1993), foi trompetista, compositor e bandleader. No auge de sua popularidade, durante a época dourada do swing, Erskine Ramsay Hawkins ficou conhecido como ‘The 20th Century Gabriel’. Os músicos que compunham a sua orquestra produziram algumas das músicas mais elegantes e influentes da era das big bands. Ironicamente, foi outro artista, Glen Miller, que fez sucesso com a sua composição mais famosa, ‘Tuxedo Junction’. No entanto, enquanto o swing reinava Erskine Hawkins com sua orquestra fazia parte das grandes bandas lideradas por gigantes como Duke Ellington e Count Basie. Cercado pela música desde a infância, inicialmente como baterista, Erskine aprendeu a tocar diversos outros instrumentos, incluindo saxofone e trombone, antes de voltar o seu foco para o trompete aos 13 anos. Enquanto freqüentava a faculdade ele fazia parte da banda. Profundamente influenciado por Louis Armstrong aprendeu a deslumbrar o público com seus floreios. Foi esse carisma, e a sua capacidade de imitar os solos de Armstrong, que fizeram de Hawkins a escolha natural para assumir como líder. A banda fez sua primeira gravação em 1936 sob o nome ‘Erskine Hawkins and His 'Bama State Collegians’ que não vendeu bem. Hawkins começou a atingir um público mais amplo em torno de 1938 como ‘Erskine Hawkins and His Orchestra’. Uma grande parte do sucesso surgiu a partir do virtuosismo de todos os seus solistas, e a cada um era dada a ampla oportunidade de mostrar o seu talento. Durante a segunda metade da década de 40, Hawkins era sucesso em Nova York, apresentando-se com freqüência no Savoy e no Apollo. As gravações de Hawkins também foram recebidas com entusiasmo na Europa. A popularidade diminuiu gradualmente durante a década de 50, devido ao declínio da música das big bands. Com o surgimento do bebop, que era interpretado por grupos menores, os locais tornaram-se menores e Hawkins decidiu encolher a sua orquestra para oito peças, e continuou a encolher para seis membros em 1961. Eventualmente Hawkins liderava um quarteto, às vezes acrescentando uma cantora à programação. Em 1967 assinou contrato por uma semana com o Hotel Concord, um resort no interior de New York. Assumindo o papel de venerável mestre do jazz, ele acabou tocando regularmente por lá ao longo da década de 70 e 80. Durante este período, Erskine Hawkins também se apresentou com pequenos grupos em festivais de jazz e shows ocasionais em navios de cruzeiro onde era encontrado à frente de uma orquestra completa como nos seus anos de glória onde era o líder de uma das melhores bandas de dança no final dos anos 30 e inicio dos anos 50.

Lionel Hampton (Kentucky, 20 de Abril de 1908 - New York, 31 de Agosto de 2002) considerado como o primeiro vibrafonista do jazz, também tocou piano, bateria, percussão e foi líder de bandas. Ao longo da sua vida, Hampton tocou com os grandes nomes do jazz desde Benny Goodman e Buddy Rich, a Charlie Parker e Quincy Jones. Lionel Leo Hampton começou sua carreira, quando ainda era adolescente, tocando bateria na ‘Chicago Defender Newsboys' Band’ liderada pelo Major N. Clark Smith. Quando se mudou para a Califórnia em 1927 tocava bateria para o ‘Dixieland Blues-Blowers’. Ele fez sua estréia nas gravações com o grupo ‘The Quality Serenaders’ liderado por Paul Howard e depois tocou com o bandleader Les Hite no ‘Sebastian's Cotton Club’. Durante este período ele começou a praticar o vibrafone. Em 1930, Louis Armstrong foi para a Califórnia e contratou a banda de Les Hite, pedindo para Hampton tocar vibrafone em duas músicas. Assim começou sua carreira como vibrafonista, popularizando o uso do instrumento desde então. Durante o início dos anos 30, ele estudou música na ‘University of Southern California’. Em 1934 ele conduzia a sua própria orquestra. Em 1936, Benny Goodman veio para Los Angeles e quando John Hammond trouxe Goodman para ver Hampton tocar, Goodman o convidou para integrar o seu trio, que assim se tornou o célebre ‘Benny Goodman Quartet’, com o sofisticado e elegante pianista Teddy Wilson e Gene Krupa completando o lineup. O quarteto foi um dos primeiros grupos de jazz racialmente integrado e uma liderança em uma época em que o jazz era dominado por big bands. Enquanto trabalhou para Goodman em Nova York, também gravou com vários pequenos grupos conhecidos como o ‘Lionel Hampton Orchestra’, assim como em diversos pequenos grupos de Goodman. Em 1940 Hampton deixou Goodman em circunstâncias amigáveis para formar a sua própria big band. A orquestra de Lionel Hampton tornou-se popular durante os anos 40 e início dos anos 50. Sua terceira gravação com a orquestra, em 1942, produziu uma versão clássica de ‘Flying Home’, com um solo de Illinois Jacquet que antecipou o rhythm & blues. Suas gravações para a ‘Decca Records’ incluíram numerosos jovens artistas que mais tarde alcançaram a fama: o baixista Charles Mingus, o saxofonista Johnny Griffin, o guitarrista Wes Montgomery, a vocalista Dinah Washington e o tecladista Milt Buckner. Outros membros da banda foram os notáveis trompetistas Dizzy Gillespie, Cat Anderson, e Kenny Dorham. Durante os anos 60, os grupos de Hampton estavam em declínio. E não se saiu muito melhor na década de 70, embora tenha gravado ativamente. Em 1984, Hampton e sua banda tocaram no festival anual de jazz da Universidade de Idaho, que foi renomeado como Lionel Hampton Jazz Festival no ano seguinte. Hampton permaneceu ativo até um acidente vascular cerebral no palco, em Paris em 1991. Esse incidente, combinado com anos de crônica artrite, o obrigou a cortar drasticamente suas apresentações até a sua morte.

blow top blues
lionel hampton and his septet
with dinah washington

36-1: Gene Krupa (1938-1941)
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parte I parte II
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parte I parte II

Tracklist
01. Bolero At The Savoy 02. I Know That You Know 03. Fare Thee Well, Annie Laurie 04. Wire Brush Stomp 05. Nagasaki 06. Jeepers Creepers 07. Murdy Purdy 08. Ta-Ra-Re-Boom-Der-E 09. Grandfather's Clock 10. Apurksody 11. Never Felt Better, Never Had Less 12. Do You Wanna Jump, Children? 13. The Madame Swings It 14. Dracula 15. Symphony In Riffs 16. Drummin' Man 17. Georgia On My Mind 18. Fool Am I

36-2: Charlie Barnet (1939)
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Tracklist
01. Swing Stret Strut 02. Echoes Of Harlem 03. Scotch And Soda 04. Only A Rose 05. I Never Knew 06. Miss Anabelle Lee 07. Lazy Bug 08. Ebony Rhapsody 09. Lament For A Lost Love 10. Cherokee 11. The All Night Record Man 12. The Last Jump 13. The Duke's Idea 14. The Count's Idea 15. The Right Idea 16. The Wrong Idea 17. Ogoun Badagris (Voodoo War God) 18. Oh What You Said (Are We Burnt Up?) 19. Night Claw 20. Between 18th And 19th On Chestnut Street 21. Clap Hands, Here Comes Charlie

36-3: Erskine Hawkins (1940-1945)
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parte I parte II

Tracklist
01. Soft Winds 02. Nona 03. Riff Time 04. No Use Squawkin' 05. Uncle Bud 06. Blackout 07. Blue Sea 08. Shipyard Ramble 09. Hey Doc! 10. Bicycle Bounce 11. Lucky Seven (Bill's Tune) 12. Country Boy 13. Bear Mash Blues 14. Tippin' In 15. Caldonia 16. Drifting Along 17. Good Dip 18. Holiday For Swing

36-4: Lionel Hampton (1945-1946)
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parte I parte II

Tracklist
01. Vibe Boogie 02. Screamin' Boogie 03. Doublin With Dublin 04. Ribs And Hot Sauce 05. Blow Top Blues 06. Two Finger Boogie 07. Someday 08. Beulah's Boogie 09. Playboy 10. Punch And Judy 11. Pinetop's Boogie Woogie 12. On The Sunny Side Of The Street 13. Rockin' In Rhythm - Part 1 14. Rockin' In Rhythm - Part 2 15. Gay Notes 16. Tempo's Birthday 17. Hamp's Salty Blues 18. Ridin' On The L And N