Pintando Música

a history of the blues

2012-09-12T06:25:00.001-03:00

O blues tem suas raízes mais profundas nas canções de trabalho dos escravos africanos. E nos campos de plantações do sul dos EUA, os escravos negros desenvolveram uma maneira de cantar para dar ritmo ao trabalho penoso. Este grito do campo serviu como base para toda a música que viria a seguir. Após o fim da guerra civil, os negros tinham poucas opções além do extenuante trabalho manual do campo ou tornar-se um menestrel itinerante. Muitos escolheram a ocupação de menestréis. Estes músicos contaram com a resistência física e mental do repertório das muitas canções de blues. Embora as letras fossem melancólicas, a música como um todo era poderosa, emotiva e rítmica celebrando a vida dos negros norteamericanos. As letras das canções refletiam temas do cotidiano de suas vidas que incluiam bebidas, sexo, ferrovias, prisão, morte, pobreza, trabalho duro e amor perdido. Embora seja difícil de definir, a primeira música documentada foi ‘Memphis Blues’, escrita por WC Handy em 1909. E a popularidade do blues cresceu entre os negros do sul com o advento do fonógrafo RPM 78, alguns dos artistas mais populares de blues do país foram registrados pela ‘Paramount’, ‘Aristocrat’ e outras gravadoras. Durante 1941-1943 o famoso folclorista Alan Lomax fez gravações de bluesmen, e este trabalho serviu para expor o blues para os brancos, bem como expor artistas inexperiente. Durante a Grande Depressão, os negros migraram para o norte ao longo da rota da Estrada de Ferro de Illinois para Chicago. Trouxeram com eles o blues, e logo o som encheu as turbulentas discotecas urbanas. Para serem ouvidos entre multidões barulhentas e em locais maiores, alguns dos artistas mais inventivos, como Muddy Waters e Howlin 'Wolf, fizeram a mudança para guitarras elétricas e acrescentaram a bateria em suas bandas. Este novo blues elétrico de Chicago era mais poderoso do que o seu antecessor. O blues cada vez mais se fundiu com o rock’n’rol para formar as bandas de blues rock dos anos 60 e 70. Os Rolling Stones, John Mayall, Led Zeppelin e outros continuaram a tradição nobre de seus antepassados, os menestréis do blues.

‘A History of The Blues’ contém uma grande coleção de músicas dos pioneiros do blues. É uma grande compilação, para quem quer ouvir uma amostra de algumas das verdadeiras lendas.

Parte 1: CD 1
01. Robert Johnson - Cross Road Blues
02. Muddy Waters - (I'm Your) Hoochie Coochie Man
03. John Lee Hooker - Good Morning, Lil' School Girl
04. Bo Diddley - I'm A Man
05. Howlin' Wolf - Smokestack Lightning
06. Little Walter - My Babe
07. Muddy Waters - I Can't Be Satisfied
08. Sonny Terry & Brownie McGhee - Midnight Special
09. Memphis Slim - Sittin' And Cryin' The Blues
10. Muddy Waters - Rollin' Stone
11. John Lee Hooker - Tupelo Blues
12. Big Bill Broonzy - Get Back
13. Lowell Fulson - Tollin Bells
14. Muddy Waters - Forty Days And Forty Nights
15. B.B.King - City of New Orleans
16. Memphis Slim - Youth To You
17. Howlin' Wolf - Louise
18. Sonny Terry - My Baby Done Gone
19. Little Walter - Juke
20. Big Bill Broonzy - John Henry
21. Screamin' Jay Hawkins - I Put A Spell On You
22. Howlin' Wolf - Poor Boy
23. Muddy Waters - I'm Ready
24. Memphis Slim - Don't You Tell Nobody
25. Muddy Waters - I Just Want To Make Love With You
26. Robert Johnson - Sweet Home Chicago

Parte 1: CD 1
01. John Lee Hooker - Boom Boom
02. Muddy Waters - I'm Your Hoochie Coochie Man
03. Slim Harpo - I'm A King Bee
04. Albert King - Kanzas City
05. B.B.King - Someday Baby
06. Otis Rush - So Many Roads, So Many Trains
07. Muddy Waters - Good Morning, Little School Girl
08. Elmore James - Dust My Broom
09. Sonny Boy Williamson' - Don't Start Me To Talkin'
10. Muddy Waters - Big Leg Woman
11. Memphis Slim - Not So Stuck On Me
12. B.B.King - Watch Yourself
13. Champion Jack Dupree - When Things Go Wrong
14. Albert King - Crosscut Saw
15. Buddy Guy - Night Flight
16. Howlin' Wolf - Spoonful
17. Muddy Waters - My Captain
18. Memphis Slim - I Feel Like Ballin' The Jack
19. Champion Jack Dupree - Caldonia
20. Aretha Franklin - (You Make me Feel Like) A Natural Woman
21. Koko Taylor - Wang Dang Doodle
22. Wilson Pickett - Mustang Sally
23. Etta James - I'd Rather Go Blind
24. Aretha Franklin - I Say A Little Prayer
25. Wilson Pickett - Sunny

A History of The Blues
parte 1
CD 1 CD 2

Parte 2: CD 1
01. Muddy Waters - Mannish Boy
02. John Lee Hooker - Sittin' In My Dark Room
03. Jimi Hendrix - Red House
04. B.B.King - You're Still My Woman
05. Albert King - Born Under A Bad Sign
06. Aretha Franklin - The Thrill Is Gone
07. Sonny Terry & Brownie McGhee - Bring It On Home To Me
08. B.B.King - Chains and Things
09. Champion Jack Dupree - One Scotch, One Bourbon, One Beer
10. Sunnyland Slim - Bessie Mae
11. Pinetop Perkins - Sweet Black Angel
12. Sonny Terry & Brownie McGhee - The Battle Is Over
13. B.B.King - Hummingbird
14. Aretha Franklin - Son Of Preacher Man
15. Sonny Terry & Brownie McGhee - People Get Ready
16. Sunniland Slim - I Had It Hard
17. Champion Jack Dupree - Rolling And Thumbling
18. Pinetop Perkins - Pinetop Boogie Woogie

Parte 2: CD 1
01. John Lee Hooker - Chill Out (Things Gonna Change)
(feat. Carlos Santana)
02. Magic Slim - Crazy Woman
03. B.B.King - Let The Good Times Roll
04. Gary Moore - Pretty Woman
(feat. Albert King)
05. Cassandra Wilson - Vietnam Blues
06. Keb' Mo' - Am I Wrong
07. John Lee Hooker - Bottle Up And Go
08. Stevie Ray Vaughan & Double Troble - The Sky Is Crying
09. The Jeff Haley Band - Stop Breakin' Down
10. Luther Allison - Cherry Red Wine
11. Gary Moore - Since I Met You Baby
(feat. B.B.King)
12. Robben Ford - Up The Line
13. Buddy Guy - Are You Losing Your Mind
14. Johnny Winter - Dallas
15. Albert Collins - Frosty
16. Smokin' Joe Kubek & Bnois King - I Saw it Coming
17. John Mayall's Bluesbreakers - All Your Love
18. The Jeff Beck Group - Ain't Superstitious
19. Stephen Stills - Sweet Home Chicago

A History of The Blues
parte 2
CD 1 CD 2

the nighthawks

2012-09-08T18:39:00.001-03:00

Em Washington, DC, no ano de 1972, a banda ‘The Nighthawks’ foi formada, pelo gaitista e vocalista Mark Wenner e pelo guitarrista Jimmy Thackery. Após inúmeras mudanças de pessoal, o line-up se consolidou em 1974, com o baixista Jan Zukowski e o baterista Pete Ragusa. O som era o clássico blues de Chicago das lendas como Muddy Waters e Howlin’ Wolf, e a banda rapidamente encontrou um público ávido que incluía talentos como os guitarristas Roy Buchanan e Danny Gatton. Com o tempo, a banda incluiu elementos do soul e rockabilly, uma mistura de rock e música country, e se tornou uma das bandas que mais se apresentava ao vivo, regularmente 300 shows por ano. A química da banda no palco era incendiária, e normalmente nas aberturas eles se apresentavam com artistas como Muddy Waters, James Cotton e John Hammond.

Com arranjos fortes, mas simples, abrangendo uma variedade de influências e estilos musicais, principalmente clássicos do blues, juntamente com duas canções contemporâneas, a banda lançou seu primeiro álbum, ‘Rock 'n’ Roll’, em 1975, quando Billy Hancock tentou ressuscitar o selo 'Aladdin'. O álbum incluía covers dos Rolling Stones e Sonny Boy Williamson e o primeiro single foi a famosa música de Elmore James, ‘Red Hot Mama’. Foi uma estréia muito boa, mas infelizmente a gravadora não tinha recursos para promover o disco. ‘Rock 'n’ Roll’ mal tinha atingido as ruas e a banda voltou ao estúdio de outra gravadora para gravar ‘Open All Nite’, uma coleção de músicas clássicas do blues. Não satisfeitos com os resultados iniciais, voltaram ao estúdio e regravaram o álbum que foi lançado em 1976. Uma ousadia, já que na época a disco music reinava suprema e o blues estava em baixa. E eles enfrentaram o desafio sendo uma banda de blues de brancos. O álbum recebeu críticas muito favoráveis e foi importante para a banda, expandindo os horizontes, levando à apresentações fora dos círcuitos de clubes e com turnês regulares em Boston, Nova York e Atlanta.

E na cena músical, 'The Nighthawks' lançou as bases para outros artistas similares que iriam acompanhá-los no início dos anos 80, incluindo ‘Fabulous Thunderbirds’, Stevie Ray Vaughan e George Thorogood de quem se tornariam amigos e tocariam juntos com ‘George Thorogood & the Destroyers’. Antes do lançamento de ‘Open All Nite’, realizaram uma transmissão de rádio ao vivo, no clube 'Delly Psique', em Bethesda, Maryland, um espetáculo que seria lançado no final de 1976. A banda continuaria liberando uma sequência de álbuns até o final da década, com canções originais, entre os habituais covers, além de uma série memorável de turnês. Em 1979, foram convidados para gravar com o bluesman John Hammond. Devido ao sucesso de seus shows ao vivo e álbuns aclamados, a banda assinou com a gravadora ‘Mercury Records’ e lançou um álbum auto-intitulado em 1980 e em seguida ‘Ten Years Live’ em 1982. E aconteceu a primeira viagem da banda à costa oeste, abrindo vários shows de Muddy Waters. E na década de 80 para a Europa e Japão criando um público fiel no exterior.

O período entre 1984 e 1994 viria a ser um período tumultuado, mas ainda satisfatório. Em 1984 a banda adicionou o tecladista Gregg Wetzel, mas em 1986 perderia o guitarrista e fundador Jimmy Thackery que seguiria carreira solo. Antes de sair, porém, a banda deu início à longa turnê ‘Farewell For Now’ com John Lee Hooker, Charlie Musselwhite e Robert Cray. As gravações foram esporádicas ao longo dos anos 80, com lançamento de apenas dois álbuns, mas as turnês continuaram fortemente ao longo dos anos. Durante este período o gaitista e vocalista, e também fundador da banda, Mark Wenner, gravou sozinho acompanhado da banda ‘Bel Airs’. Em meados da década de 90, o estilo da banda de rock blues de raiz voltaria após uma década de hair metal, grunge e rock alternativo. Em 1995, um novo membro juntou-se a banda, Pete Kaneras, e voltaram a contar novamente com os talentos de produção de Steuart Smith. O resultado foi ‘Pain & Paradise’. Com sonoridade suave, mas um poderoso blues, o álbum está entre as melhores gravações de estúdio. Nos anos seguintes, Mark Wenner, Jan Zukowski e Pete Ragusa se juntaram a uma série de guitarristas, incluindo Jimmy Nalls, Warren Haynes, e Solberg Jim. E a banda lançou uma série de álbuns durante esta década. No novo milênio sofreram outra mudança de pessoal com a aposentadoria de Jan Zukowski substituído pelo baixista e vocalista Johnny Castle e na guitarrista Paul Bell. Foi com esse line-up que gravaram dois discos ao vivo: ‘Blue Moon In Your Eye’ e ‘American Landscape’. Em 2010, a banda lançou o acústico ‘Last Train From Bluesville’. Seguiu-se a saída de Pete Ragusa sendo substituído pelo veterano Mark Stutso.

the nighthawks - I told you so

Rock ’n’ Roll (1974) | Open All Nite (1976)

Rock ’n’ Roll
01. Red Hot Mama (Fine Little Mama) 02. Can't Get Next To You 03. Keep Cool 04. Bring It On Home 05. Tell The Truth 06. Stop Breakin' Down 07. Shake And Finger Pop 08. Bright Lights 09. Little Sister 10. Heat Wave 11. Memo From Turner 12. Teenage Nervous Breakdown

Open All Nite
01. Nine Below Zero 02. Help Me 03. Shake Your Money Maker 04. Big Boss Man 05. Little By Little 06. Madison Blues 07. Next Time You See Me 08. That’s Alright 09. Long Distance Call 10. Red Hot Mama

Ten Years Live (1982) | Pain & Paradise (1995)

Ten Years Live
01. Introduction/Metropolitan Avenue 02. Guard Your Heart 03. Push and Shove 04. Jenny Lou 05. Moving up in Class 06. If You Go 07. Back Stabbing Woman 08. Destination 09. No Secrets/Exit

Pain & Paradise
01. Trouble Comin’ Every Day 02. Shade Tree Mechanic 03. Same Thing 04. The Soul of a Man 05. High Temperature 06. Pain & Paradise 07. Is Love Enough 08. Trouble on the Way 09. I Told You So 10. Snap It

Jacks & Kings Vol. I & II (1978) | Backtrack (1988)

Jacks & Kings Vol. I & II
01. For You, My Love 02. Come Baby 03. Love Me or Leave Me 04. Dust My Broom 05. (Thank You) Sugar Mama 06. The Sky Is Crying 07. Pinetop’s Boogie Woogie 08. Floyd’s Guitar Blues 09. Walkin’ by Myself 10. Little Queenie 11. Born in Chigago 12. Anna Lee 13. Two Bugs & a Roach 14. Lickin’ Gravy 15. Sea Cruise 16. Nervous Breakdown 17. Rockin’ the Boogie 18. After Hours 19. Mother-in-Law Blues 20. Gotta Get My Baby Back

Backtrack
01. Backtrack 02. Pretty Girls And Cadillacs 03. Screamin' And Cryin' 04. Pinetop's Boogie Woogie 05. On My Job 06. Sugar Mama 07. Hip Shake Mama 08. Sad And Lonesome 09. Nine Below Zero

American Landscape (2009)

Tracklist
01. Big Boy 02. Down in the Hole 03. She Belongs to Me 04. Matchbox 05. Where Do You Go 06. Try It Baby 07. Jana Lea 08. Made Up My Mind 09. Don't Turn Your Heater Down 10. Most Likely You Go Your Way and I'll Go Mine 11. Standing in the Way 12. Fishin' Hole Theme

(link corrigido)

2012-09-07T20:10:00.000-03:00

Johnny Winter | Elmore James

memphis blues: important postwar blues

2012-09-05T06:19:00.003-03:00

O ‘Memphis Blues’ é um estilo de blues criado em 1920 e 1930 por músicos como Frank Stokes, Sleep John Estes, Furry Lewis e Memphis Minnie. O estilo era popular e foi associado à principal área de entretenimento de Memphis, ‘Beale Street’, uma rua no centro de Memphis. É um lugar significativo na história da cidade, bem como na história do blues. No início de 1900, ‘Beale Street’ estava cheia de clubes, restaurantes e lojas, muitas delas de propriedade de afro-americanos. Hoje, os clubes de blues e restaurantes que se alinham em ‘Beale Street’ são as principais atrações em Memphis. Periódicos festivais e concertos ao ar livre trazem grandes multidões para a rua e seus arredores. Em 1909, W.C. Handy escreveu: ‘Mr. Crump’ uma música para a campanha de política do líder E.H. Crump, um empresário bem-sucedido ligado na época a dois grupos minoritários e fracos politicamente: os negros e os republicanos. Ao contrário da maioria democrata, Crump não se opunha à votação dos negros. E assim desenvolveu-se a simbiótica relação na qual os negros ajudaram Crump e Crump ajudou-os. A canção, mais tarde, foi renomeada como ‘The Blues Memphis’. De 1920 a 1940; Louis Armstrong, Muddy Waters, Albert King, Memphis Minnie, BB King, Rufus Thomas, Rosco Gordon e outros artistas do blues e do jazz se apresentaram em ‘Beale Street’ o que ajudou a desenvolver o estilo conhecido como ‘Memphis Blues’. Quando jovem BB King foi anunciado como o ‘Beale Street Blues Boy’. Em 1977, ‘Beale Street’ foi declarada oficialmente a ‘Casa do Blues’ por um ato do Congresso.

O ‘Memphis Blues’ era desenvolvido principalmente pelas ‘jug bands’, bandas que empregavam uma mistura de instrumentos de fabricação caseira feitos de objetos comuns como tábua de lavar roupa, colheres, pentes, papel adaptados ou modificados e tocados com os instrumentos tradicionais. A mais popular banda era a de Gus Cannon, o mais conhecido de todos os músicos de ‘jug band’ e uma figura seminal na cena blues de Memphis. O estilo da ‘jug band’ era dançante e os ritmos sincopados como do início do jazz e do folk arcaico. Após a Segunda Guerra Mundial, Memphis foi a área do delta em que todos os músicos de blues pararam quando deixaram as áreas pobres do sul e se dirigiram para as luzes brilhantes de Chicago. Muitos deles gravitaram na cena musical de Memphis, e assim mudaram o clássico som do blues de Memphis. Felizmente, muitos ficaram e uma quantidade impressionante de talentosos músicos gravou durante um período de três anos a partir de 1927. Músicos como Howlin’ Wolf, Willie Nix, Ike Turner e BB King que se apresentaram na ‘Beale Street’ e gravaram, antes de irem para Chicago, o clássico blues elétrico e os primeiros registros do rock’n’roll no rótulo ‘Sun Records’ fundado em Memphis por Sam Phillips que pavimentou o caminho desses talentosos artistas negros antes de mudar o rumo ao conhecer Elvis, Jerry Lee Lewis e Jonny Cash. ‘Memphis Blues’ é um fascinante e especial tipo de blues que revelou uma legião de inabaláveis talentos.

King's Palace Café | Beale St. Tap Room | Blues Hall Handy
(Beale Street)

Sun Records

Este conjunto de 4 discos recolhe mais de 100 músicas do blues pós-guerra que foram gravadas por Sam Phillips no seu estúdio ‘Memphis Recording Services’ entre 1951 e 1954. O charme rústico dessas gravações é que começaram influenciar a vinda do rock’n’roll. Muitos dos títulos, no entanto, não foram liberados até anos depois que foram registrados, devido a problemas de qualidade de gravação ou devido à relutância de Phillips para comercializá-los. Uma fascinante viagem pelo blues de Memphis que oferece uma grande variedade de estilos, com grandes artistas. Alguns títulos são raros, do início da carreira dos artistas mais conhecidos como Earl Hooker, James Cotton, Little Parker Jr., Little Milton, Howlin’ Wolf, Rufus Thomas, Walter Big Horton, Ike Turner, Bobby Bland, Johnny Ace. Todos estes artistas passaram a gravar para outros rótulos e tiveram mais sucesso após o fim do ‘Memphis Recording Services’. Os tesouros reais, porém, são os registros gravados por artistas e que em seguida, deixaram a música e desapareceram. E são os artistas menos conhecidos, como Woodrow Adams, Coy 'Hot Shot' Love, Raymond Hill, Pat Hare e LB Lawson que fornecem as surpresas e destaques.

L.B. Lawson - flypaper boogie

Memphis Blues: Important Postwar Blues (2006)
CD A CD B

Tracklist: CD A
01. Joe Hill Louis - Gotta Let You Go
02. Joe Hill Louis - Boogie In The Park
03. Henry Hill - That Ain't Right, Take 1
04. Doctor Ross - Little Soldier Boy (take 2)
05. Doctor Ross - Country Clown (take 1)
06. William Stewart - County Farm Blues
07. William Stewart - They Call Me Talkin' Boy
08. Jimmy & Walter - Easy
09. Jimmy & Walter - Before Long
10. D.A. Hunt - Lonesome Ol' Jail
11. D.A. Hunt - Greyhound Blues
12. Sleepy John Estes - Registration Day Blues
13. Sleepy John Estes - Rats In My Kitchen
14. Willam Stewart - Rattlesnake Mama
15. Willam Stewart - Forty Four Blues
16. Joe Hill Louis - I Feel Like A Million
17. Joe Hill Louis - Heartache Baby
18. Charlie Burse - Shorty The Barber
19. Woodrow Adams - The Last Time
20. Woodrow Adams - Train Is Comin'
21. Pinetop Perkins - Pinetop's Boogie Woogie
22. Sleepy Joe Estes - Policy Man Blues Take 1
23. Coy ''Hot Shot'' Love - Wolf Call Boogie
24. Coy ''Hot Shot'' Love - Harmonica Jam
25. Jimmy DeBerry - Take A Little Chance
26. Doctor Ross - Tailor Made
27. Doctor Ross - The Boogie Disease

Tracklist: CD B
01. Howling Wolf - Moanin' At Midnight
02. Howling Wolf - Bluebird
03. Earl Hooker - Move On Down The Line
04. Earl Hooker - The Kucklebuck
05. Walter Horton - Walter's Instrumental
06. Walter Horton - Grandmother Got Grandfather Told
07. Willie Nix - Midnight Showers Of Rain
08. Willie Nix - Prison Bound Blues
09. Rufus Thomas - Bear Cat
10. Rufus Thomas - Married Woman
11. Rosco Gordon - Roscoe's Boogie
12. Rosco Gordon - City Women
13. Earl Forest - Baby, Baby
14. Earl Forest - Rock The Bottle
15. Bad Women, Bad Whiskey
16. Little Jr. Parker - You're My Angel
17. Bobby Bland - Good Lovin' Bobby Bland 2:23 $0.99
18. Bobby Bland - Drifting From Town To Town
19. James Cotton - My Baby
20. James Cotton - Straighten Up Baby
21. Shy Guy Douglas - Work With Her Boy
22. Shy Guy Douglas - Detroit Arrow Blues
23. Houston Boines - Carry My Business On, Take 1
24. Houston Boines - Crying In The Courthouse, Take 1
25. Charlie Booker - Walked All Night
26. Charlie Booker - Baby I'm Coming Home
27. Pat Hare - I'm Gonna Murder My Baby
28. Pat Hare - Bonus Pay

Memphis Blues: Important Postwar Blues (2006)
CD C CD D

Tracklist: CD C
01. Rosco Gordon - T-Model Boogie
02. Rosco Gordon - Saddled The Cow (And Milked The Horse)
03. Willie Nix - Seems Like A Millon Years (Take 1)
04. Willie Nix - Riding In The Moonlight
05. L.B. Lawson - Can't Love Me And My Money Too
06. L.B. Lawson - Flypaper Boogie
07. Little Milton - Somebody Told Me
08. Little Milton - If You Love Me
09. Little Milton - Feelin' Good
10. Little Milton - Fussin' And Fightin' Blues
11. Billy 'Red' Love - Hart's Bread Boogie
12. Billy 'Red' Love - Blues Leave Me Alone
13. Joe Hill Louis - She Comes To See Me Sometime (take 1)
14. Joe Hill Louis - We All Gotta Go Sometime
15. Honeyboy Edwards - Sweet Home Chicago (take 1)
16. Mose Vinson - Mistreating Boogie
17. Mose Vinson - Worry You Off My Mind
18. L.C. Hubert - Lucy Done Moved - 2:30
19. Eddie Snow - Don't Dog Me Around
20. Eddie Snow - Skin And Bone (Take 1)
21. Johnny O'Neal - Dead Letter Blues (take 1)
22. Johnny O'Neal - Ugly Woman (take 3)
23. Houston Stokes - You'll Be Sorry
24. Houston Stokes - Blue And Lonsome
25. Raymond Hill - Long Gone Raymond
26. Raymond Hill - I'm Back Pretty Baby
27. Kenneth Banks - Blue Man (take 1)
28. Kenneth Banks - High (take 1)

Tracklist: CD D
01. Rufus Thomas - Tiger Man
02. Rufus Thomas - Save That Money
03. Little Milton - Lookin' For My Baby
04. Little Milton - Homesick for My Baby
05. Sammy Lewis & Wille Johnson - Feel So Worried
06. Sammy Lewis & Willie Johnson - So Long Baby, Goodbye
07. James Cotton - Cotton Crop Blues (Take 1)
08. James Cotton - Hold Me In Your Arms
09. Howling Wolf - Come Back Home (Take 1)
10. Howling Wolf - Chocolate Drop
11. Earl Hooker - Blue Guitar
12. Boyd Gilmore - Believe I'll Settle Down
13. Walter Horton - We All Gotta Go Sometime
14. Walter Horton - Off The Wall
15. Little Junior - Love My Baby
16. Little Junior - Mystery Train
17. Bobby Bland - Dry Up Baby
18. Bobby Bland - Crying All Night Long
19. Billy 'Red' Love - Way After Midnight (Take 1)
20. Billy 'Red' Love - Hey Now (Take 1)
21. Earl Forest - I Wronged A Woman
22. Earl Forest - I Can't Forgive You
23. Johnny Ace - Midnight Hours Journey
24. Raymond Hill - My Baby Left Me
25. Ike Turner - You're Driving Me Insane
26. Ike Turner - Trouble And Heartache
27. Billy 'The Kid' Emerson - When It Rains It Pours
28. Billy "The Kid" Emerson - Move Baby Move

(link corrigido)

2012-09-02T20:28:00.003-03:00

Little Walter | Magic Sam | Stevie Ray Vaughan

johnny copeland

2012-09-02T15:04:00.004-03:00

Johnny ‘Clyde’ Copeland é um dos mais imponentes cantores e guitarristas de blues do Texas, desde a década de 50. Mas, só atingiu um público considerável na década de 80, quando se mudou para New York e conseguiu um contrato com a gravadora Rounder Records. Mas, a sua ascensão no mundo do blues deu-se somente no início dos anos 90. Não que o talento de Copeland tenha mudado tanto assim, mas foi quando as grandes gravadoras começaram a visualizar o seu potencial como cantor de blues. Infelizmente, Copeland foi forçado a diminuir as suas atividades a partir de 1995 por complicações relacionadas ao coração, mas continuou a fazer shows até sua morte em 1997. Copeland gravou sete álbuns pela ‘Rounder Records’, e recebeu um Grammy em 1986 pelo álbum ‘Showdown!’ gravado com seu colega guitarrista texano Albert Collins e o estreante Robert de Cray. O grupo criou uma das melhores colaborações de guitarra da história do blues. Embora Copeland fosse um excepcional cantor e poderoso guitarrista o que a maioria das pessoas não percebia era o quão ele era notável como compositor. Ele se orgulhava em criar sua própria mistura de blues, seja misturado com os sons do jazz ou com o de outra cultura. Em 1984, ele foi incluído em uma excursão por 10 países da África Ocidental, patrocinado pelo Departamento de Estado. Johnny foi um sucesso com o público que tinha a idéia equivocada de que o blues era uma música triste, baseado em canções que ouviam de músicos do Delta. Mas a música de Johnny era alegre, e o público muitas vezes subia ao palco para dançar ao lado dele enquanto tocava. Em contra partida, Johnny estava tão fascinado com os artistas africanos que ele conheceu durante a sua visita que voltou para a Costa do Marfim dois anos depois e gravou o álbum ‘Bringing It All Back Home’, uma esplêndida mistura de ritmos africanos e blues norte-americano.

Sua vida começou em Haynesville, Louisiana, um viveiro de blues nos anos 20 e 30. Filho de meeiros, seus pais se separaram quando ele tinha seis meses de idade e então se mudou com sua mãe para Magnolia, Arkansas. Com 12 anos, seu pai morreu e ele herdou o seu violão. Em um ano, a família estava novamente em movimento, se deslocando para a cidade que Johnny iria considerar a sua casa para sempre: Houston, Texas. Na adolescência foi exposto a uma vasta gama dos melhores guitarristas de blues e seu interesse pessoal era destinado a Clarence ‘Gatemouth’ Brown, Lowell Fulson, Johnny ‘Guitar’ Watson e, especialmente, a T-Bone Walker. Fascinado por estes músicos excepcionais, Johnny decidiu tomar nota dos estilos individuais de cada um deles, mas a música que tocaria seria de sua própria criação. Quando Johnny chegou pela primeira vez em Houston, conheceu aquele que seria seu parceiro nos primeiros anos e um amigo para a vida toda, Joe ‘Guitar’ Hughes. Juntos, eles formaram o grupo ‘The Dukes of Rhythm’. Hughes era o guitarrista da banda, Herbert Henderson assumiu a segunda guitarra e Johnny sentou-se atrás da bateria. Não demorou muito, no entanto, para que Joe Hughes ensinasse Johny a tocar o violão. Johnny era um aprendiz dedicado. E logo os dois estavam desafiando um ao outro no palco, o que levou o grupo à popularidade em Houston e passaram a tocar em clubes de elite da cidade. Em Houston, Copeland se interessou também pelo boxe, principalmente como um hobby, e é a partir de seus dias como um boxer que ele ganhou o apelido de ‘Clyde’.

Na década de 50 fez parte das turnês de Albert Collins, um devoto seguidor de T-Bone Walker, por quem Copeland nutria grande admiração. Depois subiu nos palcos com Sonny Boy Williamson II, Big Mama Thornton, e Freddie King. E em 1958 conseguiu sua chance de fama. Juntamente com o pianista de blues Teddy Reynolds gravou seu primeiro single ‘Rock And Roll Lily’ pelo rótulo Mercury, e foi um sucesso regional, mas não conseguiu muita atenção fora de Houston. Durante a década de 60, Johnny gravou para uma série de pequenas gravadoras e foi em uma delas que encontrou o sucesso com o single ‘Down On Bended Knees’. Gravada em 1962, é considerada um dos verdadeiros clássicos do blues do Texas. No entanto, a cena musical do Texas foi se afastando do blues e Johnny apenas encontrou trabalho tocando R&B e soul com Otis Redding e Eddie Floyd. Em Houston o blues não ganhava qualquer aumento de popularidade e Johnny decidiu mudar-se para New York City em 1975, estabelecendo-se no Harlem, por sugestão de seu amigo Robert Turner. E foi uma grande jogada, pois, ele tinha acesso fácil aos clubes, em Washington, DC, Nova York, Filadélfia, New Jersey e Boston, onde ainda tinha um lugar para músicos de blues como ele, encontrando audiências receptivas nos clubes do Harlem e Greenwich Village.

Copeland nunca percebeu, mas ele não só tinha herdado o violão de seu pai, mas também as doenças cardíacas. Ele descobriu isso no meio de uma turnê no final de 1994. Ao logo dos anos seguintes, teve vários ataques cardíacos. O prognóstico para a sobrevivência era desagradável. No início de 1997, ele estava esperando por um transplante de coração. Fiel à sua natureza, Johnny se recusou a ficar longe do palco e começou a se apresentar novamente. Depois de viver 20 meses com um dispositivo para pacientes que sofrem de cardiopatias congênitas, ele recebeu um transplante e durante alguns meses, o coração funcionou bem. Complicações surgiram e Johnny Copeland morreu com 60 anos. Sua marca registrada, a guitarra com o nome ‘Texas’ escrito com orgulho, foi colocada sobre o seu peito. Johnny Copeland foi o som do Texas que manteve o blues vivo durante os anos 80 e 90, ao lado de Albert Collins, Johnny Winter e Stevie Ray Vaughan.

johnny copeland - st.louis blues

‘Catch Up With The Blues’, para mim, é o melhor trabalho de Johnny. Todo ele até a última faixa. O álbum também contém contribuições dos magníficos artistas como Clarence "Gatemouth" Brown (o seu violino na música 'The Grammy Song' é sensacional), Joe "Guitar" Hughes e Sonny Terry entre outros. ‘Catch Up With The Blues’ demonstra a paixão e dedicação de Johnny Copeland ao blues. Para quem gosta do blues do Texas, vai adorar este álbum. Recomendadíssimo.

Catch Up With The Blues (1994)

Personnel:
Johnny Copeland Guitar - Vocals, Guitar (Rhythm)
Floyd Phillips - Piano
Jacquelyn Reddick - Vocals (Background)
Richard Ford - Guitar (Steel)
Clarence "Gatemouth" Brown Guitar, Guitar (Rhythm), Violin Robert Hall Tambourine
Barry Harrison - Drums
Mabon "Teenie" Hodges - Guitar (Rhythm)
Wayne Jackson - Trombone, Trumpet
Jacqueline Johnson - Vocals (Background)
Bobby Kyle - Guitar, Guitar (Rhythm)
Randy Lee Lippincott - Bass
Andrew Love - Sax (Tenor)
Lonnie Brooks - Guitar, Guitar (Rhythm)
Joe "Guitar" Hughes - Guitar, Vocals
Sonny Terry - Harmonica

Tracklist
01. Catch Up With The Blues 02. Rolling With The Punches 03. Every Dog's Got His Day 04. Cold, Cold Winter 05. Making A Fool Of Myself 06. Rain 07. The Grammy Song 08. Bye, Bye Baby 09. Another Man's Wife 10. I'm Creepin' 11. Pedal To The Metal 12. Life's Rainbow (Nature Song)

Lançado em 1985, ‘Showdown!’ foi imediatamente aclamado pela crítica e pelos fãs, tendo vencido o Grammy de melhor disco de blues tradicional do ano. Obra-prima de todos os tempos é um best-seller histórico do selo ‘Alligator’. Longe de se envolverem em um duelo de guitarrista, Albert Collins, Robert Cray e Johnny Copeland conseguiram uma incrível sinergia musical que é raramente ouvida. Copeland e Cray lidar estão na maioria dos vocais, a suave voz de Cray complementa perfeitamente o rosnado de Copeland. Collins não consegue cantar tanto, mas ele mais do que compensa isso com sua gaita no blues lento ‘Bring Your Fine Self Home’. Albert Collins e Johnny Copeland, infelizmente, não estão mais conosco, mas Robert Cray continua a gravar e fazer turnês, e é um dos artistas do blues mais vendidos.

Showdown! (1985)
(Albert Collins, Robert Cray & Johnny Copeland)

Tracklist
01. T-Bone Shuffle 02. The Moon Is Full 03. Lion's Den 04. She's into Something 05. Bring Your Fine Self Home 06. Black Cat Bone 07. The Dream 08. Albert's Alley 09. Blackjack

‘Texas Twister’, ‘Crazy Cajun Recordings’ e ‘Ghetto Child’ são seus álbuns mais representativos. ‘Texas Twister’ é uma excelente introdução à obra do guitarrista. O que há de mais especial, porém, são as três últimas faixas de ritmos africanos destacando a semelhança familiar com o blues. ‘Ghetto Child’ aqui postado é o álbum remasterizado digitalmente, lançado em 2008 e inclui faixas gravadas em Houston, Texas, nos anos 60, 70 e 90.

When the rain starts falin’ (1988) | Blues Power (1989) | Texas Twister (1990)

When the rain starts falin’
01. Midnight Fantasy 02. Make My Home Where I Hang My Hat 03. Down on Bended Knee 04. Jessanne 05. Bozalimalamu 06. Devil's Hand 07. Third Party 08. Conakry 09. Old Man Blues 10. When the Rain Starts Fallin' 11. Same Thing 12. I Wish I Was Single 13. Rock 'N' Roll Lilly 14. North Carolina 15. Big Time 16. St. Louis Blues

Blues Power
01. Down on Bending Knees (1963) 02. Just One More Time (1963) 03. Heebie Jeebies (1963) 04. Night Time Is the Right Time (1967) 05. That's All Right Mama (1964) 06. Let Me Cry (1963)? 07. Late Hours (1960) 08. Rock Me Baby (1960) 09. Wella, Wella Baby (1963) 10. Ghetto Child (1971) 11. Mama Told Me (1963) 12. Ain't Nobody's Business (1963) 13. Baby Please Don't Go (1960) 14. All These Things (1964) 15. Working Man's Blues (1963) 16. You Got Me Singing a Love Song (1987, Live) 17. Travelling Blues (1987, Live) 18. Drinking New York City Dry (1987, Live) 19. Texas Party (1987, Live) 20. Working Man's Blues (1963)

Texas Twister
01. Everybody Wants A Piece Of Me 02. Copeland Special 03. It's My Own Tears That's Being Wasted 04. Claim Jumper 05. Natural Born Believer 06. Cold Outside 07. Honky Tonkin' 08. Love Utopia 09. Don't Stop By The Creek, Son 10. Houston 11. I De Go Now 12. Excuses 13. Ngote 14. Kasavubu 15. Abidjan

The Crazy Cajun Recordings (1999) | Gheto Child (2008)

The Crazy Cajun Recordings
01. Gonna Make My Home Where I Hang My Hat 02. Stealing 03. Working Man's Blues 04. Ain't Nobody's Business 05. I've Gotta Go Home 06. Hurt Hurt Hurt 07. Somethin' You Got 08. Slow Walk You Down 09. Johnny Ace Medley 10. Tribute to Sam Cooke 11. Little Coquette 12. Don't Tell Me 13. Four Dried Beans 14. Wake Up Little Susie 15. The Hip Hop 16. Stealing (alt. take) 17. Hurt Hurt Hurt (alt. take) 18. Johnny Ace Medley (alt. take) 19. Tribute to Sam Cooke (alt. take) 20. Four Dried Beans (alt. take) 21. Ain't Nobody's Business (alt. take)

Gheto Child
01. Rock Me Baby 02. Let Me Cry 03. Something's Up Your Sleeve 04. Ghetto Child 05. Daily Bread 06. Heebie Jeebies 07. Mama Told Me 08. May The Best Man Win 09. Proving Time 10. You've Got Me Singing A Love Song 11. Please Let Me Know 12. Coming To See About You 13. House Of So Many Tears 14. Soul Power

ABC of the blues 04: clarence gatemouth brown & blue lu barke

2012-09-01T03:07:00.004-03:00

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Clarence ‘Gatemouth’ Brown (1924 - 2005) foi um músico de Louisiana e Texas. Eclético cujos interesses abrangeram praticamente todos os gêneros imagináveis desde jazz, cajun music e R&B é mais conhecido por seu trabalho no blues. Brown aprendeu o valor da versatilidade enquanto crescia em Orange, Texas. Seu pai era um músico popular especializado em cajun e bluegrass, mas não blues. Mais tarde, Brown foi hipnotizado pelas big bands de Count Basie, Lionel Hampton e Duke Ellington. Clarence foi um aclamado multi-instrumentista, que tocou uma série de instrumentos musicais, como violão, violino, bandolim, viola, bem como gaita e bateria. E é considerado como um dos mais importantes expoentes da rabeca e violino no blues. Suas duas maiores influências musicais foram Louis Jordan e T-Bone Walker. Nascido em Vinton, Louisiana, Brown foi criado em Orange, Texas. Sua carreira musical profissional começou em 1945, tocando bateria em San Antonio, Texas. Sua carreira foi impulsionada enquanto assistia a um concerto em 1947 de T-Bone Walker no clube de Don Robey. Quando Walker ficou doente, Brown o substituiu na guitarra e rapidamente compôs e tocou ‘Gatemouth Boogie’, para o deleite do público. Em 1949, Don Robey fundou a ‘Peacock Records’ a fim de mostrar o trabalho de Brown e sua virtuosa guitarra. ‘Mary Is Fine’ e ‘My Time Is Expensive’ foram um sucesso para a gravadora, mas uma seqüência de lançamentos em 1950 foram menos sucedidos comercialmente, mas ainda assim pioneiras musicalmente. Particularmente ‘Okie Dokie Stomp’ de 1951 com notáveis solos de Brown.

Na década de 60, Brown se mudou para Nashville, Tennessee, para participar de um programa de televisão, e enquanto ele estava lá gravou diversos singles. No início dos anos 70, vários países da Europa tinham desenvolvido admiração pela música de raiz norte-americana, especialmente pelo blues, e Brown era um artista popular e bem respeitado por lá. Ele excursionou várias vezes ao longo da década de 70 e também se tornou embaixador oficial para a divulgação da música norte-americana, e participou de várias turnês patrocinadas pelo Departamento de Estado dos EUA, incluindo uma extensa turnê na África Oriental. Em 1973 participou do Festival de Jazz de Montreux, onde tocou com a banda de rock blues 'Canned Heat'. Em 1974, gravou como sideman com o pianista de New Orleans, Professor Longhair, em seu álbum, ‘Rock 'N' Roll Gumbo’. No final da década de 70, Clarence 'Gatemouth' Brown se mudou para Nova Orleans. Na década de 80, uma série de lançamentos pelas ‘Rounder Records’ e ‘Alligator Records’ revitalizaram sua carreira nos EUA, e ele fez várias turnês internacionais. Em 1982 foi premiado com um Grammy com o álbum ‘Alright Again!’ e foi nomeado para mais cinco. E também foi premiado com oito prêmios ‘W. C. Handy Awards’. Em 1997, ele foi homenageado pela ‘Rhythm and Blues Foundation’, e em 1999 foi introduzido no ‘Blues Hall of Fame’. Em seus últimos anos, manteve uma agenda de shows cheia. Seu registro final ‘Timeless’, foi lançado em 2004, ano em que foi diagnosticado com câncer de pulmão. Já sofrendo de enfisema e doenças do coração, ele e seus médicos decidiram abandonar o tratamento. Mais tarde, sua casa foi destruída pelo furacão Katrina em 2005, e ele foi levado para a sua cidade natal, Orange, Texas, onde morreu com 81 anos. A inundação causada pelo furacão Ike, em 2008, danificou sua sepultura.

Blue Lu Barker (1913 - 1998) nasceu, cresceu e foi enterrada em Nova Orleans; seu funeral seguiu as tradições da cidade: as ‘brass bands’, um grupo musical em geral, constituído exclusivamente por instrumentos de metal, para o conforto das famílias, tocaram durante o funeral. O ‘jazz funeral’ começa sombrio. Em seu caminho para o cemitério, a banda de metais executa tristes hinos fúnebres chamados ‘lamúrias’. ‘Nearer My God to Thee’ é a escolha mais popular, mas pode ser qualquer outra música que lembre aos enlutados os altos e baixos da vida. Este tom sombrio dura até que a procissão resolve mandar o carro fúnebre para o destino final, o cemitério. É neste ponto que a banda de repente passa a tocar ‘When the Saints Go Marching In’ ou ‘Didn’t He Ramble,’ ou talvez ‘Lil Liza Jane’. E os próprios enlutados, parentes e carpideiras, dançam com abandono selvagem. Eles vão freqüentemente enfeitados com guarda-chuvas, e os transeuntes são convidados, com sorrisos e alegria, a participarem da comemoração. Este funeral remonta a antigas tradições africanas dos iorubás da África Ocidental. Uma crença de que a vida acabou neste mundo, mas um espírito corre livre e solto e aqueles que vivem em luto podem deleitar-se com o conhecimento de que seu parente ou velho amigo estará dançando do outro lado com o coração cheio de alegria.

Para Billie Holiday, Blue Lu Barker foi a sua maior influência. Nos anos 30 e 40, ela foi uma das artistas de blues mais populares, muitas vezes aparecendo ao lado de artistas como Cab Calloway e Jelly Roll Morton. Às vezes era com o seu marido, o músico Danny Barker. As gravações mais famosas de Barker foram feitas em 1938, ‘Don't You Feel My Leg’ foi uma música que parecia encorajar a promiscuidade, sempre um bom negócio para a indústria da música. A composição foi popular mais uma vez na década de 80 com Maria Muldaur. Blue Lu Barker nasceu como Louisa Dupont Barker e seu pai tinha um supermercado e salão de bilhar, lucrando durante a lei seca com um estoque de licor. Aos 13 anos, ela deixou a escola e se casou com Danny Barker. Em 1930, o casal se mudou para Nova York, e viveu uma variedade de situações. O casal foi contratado pela ‘Decca’ nos anos 30 e pela ‘Apollo’ na década seguinte. Uma das sessões do casal por essa gravadora contou com o poderoso Charlie Parker. Blue Lu Barker foi introduzida no ‘Louisiana Blues Hall of Fame’ em 1997, um ano antes de morrer.

Tracklist
01. Clarence "Gatemouth" Brown - Midnight Hour
02. Clarence "Gatemouth" Brown - Ain't That Dandy
03. Clarence "Gatemouth" Brown - Dirty Work at the Crossroads
04. Clarence "Gatemouth" Brown - Hurry Back Good News
05. Clarence "Gatemouth" Brown - Okie Dokie Stomp
06. Clarence "Gatemouth" Brown - Sad Hour
07. Clarence "Gatemouth" Brown - Gate's Salty Blues
08. Clarence "Gatemouth" Brown - Just Before Dawn
09. Clarence "Gatemouth" Brown - Depression Blues
10. Clarence "Gatemouth" Brown - For Now So Long
11. Blue Lu Barker - Trombone Man Blues
12. Blue Lu Barker - Here's a Little Girl
13. Blue Lu Barker - A Little Bird Told Me
14. Blue Lu Barker - What Did You Do to Me?
15. Blue Lu Barker - Leave My Man Alone
16. Blue Lu Barker - Now You're Down in the Alley
17. Blue Lu Barker - When the Wagon Comes
18. Blue Lu Barker - Loan Me Your Husband
19. Blue Lu Barker - Bow Legged Daddy
20. Blue Lu Barker - Love That Man

volume 04

the ultimate jazz archive: swing to bebop, modern jazz 19

2012-08-26T16:23:00.005-03:00

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Ben Webster (1909-1973), é considerado um dos três grandes saxofonistas do swing, os outros sendo Lester Young e Coleman Hawkins. Nascido em Kansas City, começou tocando violino, depois piano, e acabou adotando o saxofone por volta de 1930 por sugestão de Budd Johnson. Fez sua estréia discográfica acompanhando a cantora Blanche Calloway. Nos anos 30 tocou em diversas orquestras, incluindo as de Bennie Moten, Andy Kirk, Fletcher Henderson, Benny Carter, Willie Bryant, Cab Calloway. Em 1940, entrou em caráter permanente para a orquestra de Duke Ellington, na qual já havia feito participações ocasionais em 1935 e 1936. Foi o primeiro grande solista de sax tenor de Ellington, e participou de gravações famosas, como ‘Cottontail’ e ‘All too soon’. Embora tenha permanecido na orquestra apenas por três anos, tornou-se muito popular e passou a ser um paradigma para a maioria dos jovens saxofonistas, que procuravam imitá-lo. Depois de deixar a orquestra de Ellington, tocou com grupos pequenos, tanto na função de líder como acompanhando músicos como Stuff Smith, Red Allen, Raymond Scott, John Kirby e Sidney Catlett. Voltou a se juntar a Ellington por um breve período, em 1948-1949, e fez parte do projeto ‘Jazz At The Philarmonic’ em diversas temporadas ao longo da década de 50. Gravou com Art Tatum em 1956. Fez diversas turnês à Europa, e acabou se estabelecendo na Dinamarca em 1964. Ali, desfrutando de grande popularidade, tocou e gravou à vontade, seja com músicos locais, seja com músicos norte-americanos. As principais características que chamam a atenção no som de Webster ao sax tenor são o seu vibrato e a grande quantidade de ‘ar’ na emissão sonora, especialmente nos finais das notas. Mas isso não desgrada seus fãs, que apreciam tanto a agressividade exibida nos blues rápidos quanto o romantismo demonstrado nas baladas. Essas duas faces de sua música correspondiam, segundo os que lhe eram próximos, aos dois pólos que coexistiam em sua personalidade, ora cordial, ora irascível. As baladas lentas, executadas de forma lânguida e expressiva, foram o gênero que Ben passou a privilegiar com o passar dos anos, e pelo qual ficaria famoso. leia +...

Django Reinhardt (1910-1953), nascido como Jean Reinhardt, em um acampamento cigano, na Bélgica, até os dez anos viajava pela Bélgica, França, Itália e norte da África com sua família e a caravana de ciganos à qual pertenciam. Seu pai era violinista, e desde criança Django demonstrava grande habilidade com o instrumento, por vezes fazendo pequenas apresentações junto com a banda liderada por seu pai. Aos quinze já era a estrela do espetáculo cigano. Alguns anos mais tarde, quando tinha dezoito anos, a caravana onde dormia pegou fogo e Django sofreu queimaduras graves. Parece que naquele dia sua mulher havia enchido a caravana com flores secas e, ao se levantar à noite, Django chutou uma lamparina, pondo fogo nas plantas secas. Sua perna direita ficou tão queimada que os médicos chegaram a considerar a amputação - que foi enfaticamente descartada pelo paciente. A sua mão esquerda também ficou bastante queimada, deixando os dedos anular e médio praticamente sem movimentos. Django ficou bastante deprimido, e seu médico recomendou que tocasse violão, por exigir da mão esquerda menos que o violino, e também como forma de terapia física e mental. A medida teve grande efeito, e dois anos depois Django já havia desenvolvido uma incrível técnica própria adaptada a sua deficiência.

Por volta de 1930 Django ouviu pela primeira vez os discos de Duke Ellington e Louis Armstrong. Ficou tão encantado com o swing do jazz que decidiu formar, em 1934, junto com o violinista Stéphane Grapelli, o ‘Quintette du Hot Club de France’. Participavam do quinteto, além de Grapelli e Django, seu irmão Joseph e Roger Chaput no violão, mais Louis Vola no contrabaixo. A fama do quinteto começou a se espalhar, inclusive além-mar, e músicos americanos como Benny Carter e Coleman Hawkins não perdiam a oportunidade de tocar com ele em suas visitas a Paris. Quando começou a segunda guerra mundial o quinteto estava excursionando pela Inglaterra e voltou imediatamente para a França, com exceção de Grapelli, que ficou por lá. De volta a Paris, o violino foi substituído pelo clarinete de Hubert Rostaing. Em 1943, Django casou-se com Sophie Ziegler. Consta que Django era um grande gastador, geralmente em algum tipo de aposta ou na mesa de bilhar, onde também demonstrava muita habilidade. Com o fim da guerra, Grapelli voltou a integrar o quinteto, que agora se preparava para partir em uma excursão pelos EUA organizada por Duke Ellington. A visita culminou com a apresentação do quinteto no Carnegie Hall ao lado do bandleader. Na segunda metade da década de 40, Django fez inúmeras gravações, tanto nos EUA como na França, que lançaram seu estilo definitivamente para o resto do mundo e para sempre na história da música. Era uma das figuras mais respeitadas de Paris. Porém em 1951, aparentemente cansado dos aborrecimentos que cercavam a comercialização de sua música, pôs seu violão de lado e aposentou-se na pequena cidade francesa de Samois-sur-Seine, onde passou o resto de seus dias a pintar e pescar. Só voltou a gravar um mês antes de sua morte causada por um derrame fulminante. (Fernando Jardim)

Benny Goodman (1909 – 1986), nascido Benjamin David Goodman, era filho de um alfaiate e sua família tinha poucos recursos. Começou seus estudos musicais na sinagoga que freqüentava e na ‘Hull House’. Menino prodígio, fez sua primeira apresentação aos 12 anos, no Teatro Central de Chicago, e logo passou a tocar com músicos adultos. Goodman estudou clarineta desde cedo, tendo formação musical clássica na época em que Chicago entrava na era do jazz, vindo de New Orleans. Em 1926, aos 16 anos, juntou-se à banda do baterista Ben Pollack, fundada dois anos antes, e com ela fez seu primeiro disco. No início dos anos 30, passou a participar de gravações com diversos grupos de jazz, entre os quais os de Red Nichols, Joe Venuti-Eddie Lang e Jack Teagarden, até poder formar a sua própria orquestra, em 1934. Um programa de rádio divulgou a orquestra, que se tornou muito popular, sobretudo depois do sucesso obtido na apresentação no Palomar Ballroom de Los Angeles, em 1935, e no Congress Hotel de Chicago, entre 1935 e 1936. Goodman, com estilo, precisão e inventividade, foi reconhecido como ‘O Rei do Swing’ e o mais genial clarinetista de todos os tempos. Sua fama não demorou a correr o mundo, iniciando a era do swing, que se estenderia por dez anos. Sua orquestra foi o primeiro grupo de jazz a se apresentar em público integrando músicos brancos e negros com Teddy Wilson, Lionel Hampton, Cootie Williams e Charlie Christian. No dia 16 de janeiro de 1938, Benny Goodman e sua orquestra foram consagrados no histórico concerto realizado e gravado no Carnegie Hall de Nova York. Nos anos 30 e 40, Goodman ajudou a projetar, além dos já citados, solistas como Harry James (trompete), Georgie Auld (sax tenor) e Jess Stacy (piano). Sua orquestra tornou-se, em 1962, a primeira ‘jazz band’ norte-americana a visitar a União Soviética. Como não poderia deixar de acontecer, sua clarineta e sua orquestra seriam requisitadas pelo cinema, em vários filmes. A história de sua vida foi contada no filme ‘The Benny Goodman Story’, e o clarinetista atuando na trilha sonora. Após 1945, Goodman limitou-se a tocar em grupos pequenos, além de ter atuado em orquestras clássicas como solista. Por motivo de doença, de 1970 a 1985 fez um intervalo em sua atividade artística. Sua volta se deu no ‘Kool Jazz Festival’ de Nova York, vindo a falecer pouco depois. leia +...

Roy Eldridge (1911 – 1989), nasceu em Pittsburgh, Pennsylvania, e faleceu em Valley Stream, New York. Começou a se interessar pelo jazz desde muito jovem, dedicando-se primeiro à bateria, durante seis anos, e depois ao trompete. Em 1930 foi para New York e trabalhou com as orquestras de Elmer Snowden, Charlie Johnson e Teddy Hill. Três anos depois voltou a Pittsburgh, onde formou com seu irmão a ‘Eldridge Brothers Orchestra’, com Kenny Clarke na bateria. Em 1935 reintegrou-se na orquestra de Teddy Hill para tocar no ‘Savoy Ballroom’, fazendo um duo de solistas com Chu Berry. Ambos voltaram a se encontrar na orquestra de Fletcher Henderson, onde depois formaram um grupo em Chicago para tocar no ‘Three Deuces’. A fama só veio nos anos quarenta ao ser contratado por Gene Krupa como trompetista entre 1941-43 e seus duos com Anita ODay chamaram a atenção de todo o país. Em 1945 começou sua longa colaboração com o ‘Jazz at the Philarmonic’ e com a qual excursionou pela Europa e Estados Unidos. Em 1949 voltou a trabalhar com Gene Krupa e em seguida entrou para a orquestra de Benny Goodman para uma excursão pela Europa. Passou a morar na Europa onde tocou em muitos conjuntos, dentre eles os de Charlie Parker e Sidney Bechet. Voltou a trabalhar com Norman Granz, atuando tanto no ‘Jazz at the Philharmonic’ ou ‘JATP’ quanto nos combos de Oscar Peterson e de Ella Fitzgerald. Também tocou em grupos próprios, sempre com Coleman Hawkins. A partir da década de 50 decidiu trabalhar só em colaborações com grupos para festivais e excursões ao lado de jazzmen como Gillespie, Earl Hines, Bob Freeman e Illinois Jacquet. Gravou com Art Tatum, Dizzy Gillespie, Chu Berry, Teddy Wilson, Fletcher Henderson, Gene Krupa, Artie Shaw, Sonny Stitt, Ella Fitzgerald, Benny Goodman, Count Basie e naturalmente, com seu próprio grupo. Eldridge tem sua importância por ser o instrumentista que recebeu a herança de Armstrong e a passou para Gillespie e Miles Davis. Eldridge se antecipou ao seu tempo, como Lester Young, Charlie Chnistian e Jimmy Blanton. Com o nascimento do bop é fácil ver que, juntamente com Christian e Blanton, Eldridge foi um dos precursores do jazz moderno, o trompetista que inspirou a Gillespie e a todos os trompetistas modernos, direta ou indiretamente.

19-1: Ben Webster (1932-19440)

Tracklist
01. The Blue Room 02. New Orleans 03. Milenberg Joys 04. Lafayette 05. Rug Cutter's Swing 06. Dream Lullaby 07. Tea For Two 08. Early Session Hop 09. Cotton Tail 10. Linger Awhile 11. Raincheck 12. Perdido 13. Woke Up Clipped 14. After You've Gone 15. Sleep 16. Memories Of You 17. Just A Riff 18. Blues Skies 19. Kat's Fur 20. I Surrender Dear

19-2: Django Reinhardt (1936-1937)

Tracklist
01. After You've Gone 02. I Can't Give You Anything But Love 03. Limehouse Blues 04. Oriental Shuffle 05. Nagasaki 06. Swing Guitars 07. Georgia On My Mind 08. Shine 09. Sweet Chorus 10. Exactly Like You 11. Charleston 12. You're Driving Me Crazy 13. Ain't Misbehavin' 14. Rose Room 15. When Day Is Done 16. Runnin' Wild 17. Chicago 18. Minor Swing

19-3: Benny Goodman (1935-1936)

Tracklist
01. After You've Gone 02. Body And Soul (Take 1) 03. Body And Soul (Take 2) 04. Who? 05. Someday, Sweetheart 06. China Boy 07. More Than You Know 08. All My Life 09. Oh, Lady Be Good 10. Nobody's Sweetheart 11. Too Good To Be True 12. Moonglow 13. Dinah 14. Exactly Like You 15. Vibraphone Blues 16. Sweet Sue - Just You 17. My Melancholy Babe 18. Tiger Rag Take 1) 19. Stompin' At The Savoy (Take 1) 20. Stompin' At The Savoy (Take 2)

19-4: Roy Eldridge (1935-1941)

Tracklist
01. When I Grow To Old To Dream 02. (Lookie, Lookie, Lookie) Here Comes Cookie 03. Big Chief De Sota (Grand Terrace Swing) 04. Stealin' Apples 05. Blue Lou 06. Warmin' Up 07. Blues In C Sharp Minor 08. Mary Had A Little Lamb 09. Heckler's Shop 10. Florida Stomp 11. Wabash Stomp 12. After You've Gone (2nd) 13. Where The Lazy River Goes By 14. That Thing 15. Wham! 16. Fallin' In Love Again 17. I'm Nobody's Baby 18. Let Me Off Up Town

diana ross

2012-08-24T17:25:00.006-03:00

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• lady sings the blues
• motown records

Em 1959, Diane Ross (com ‘e’), formou junto com Mary Wilson, Florence Ballard e Barbara Martin um grupo chamado ‘The Primettes’. Em 1961, Barbara Martin saiu do grupo para se casar e as demais assinaram contrato com a gravadora 'Motown'. Em 1963, o nome do grupo foi mudado para ‘The Supremes’. Em 1967, tornaram-se ‘Diana Ross and the Supremes’. Em 1986, Mary Wilson uma das três divas, em seu livro ‘Dreamgirl: My Life As a Supreme’ resolveu publicar suas memórias e mágoas em páginas recheadas com brigas e desavenças. Numa delas faz menção à Florence Ballard fundadora das ‘The Supremes’ que perdeu espaço para Diana Ross quando essa passou de contratada a namorada de Berry Gordy, dono da gravadora. Florence Ballard passou a beber e inchada não conseguia mais entrar nas roupas das supremas. Sem demora foi substituída. Nunca mais conseguiu se reerguer. Pobre, deprimida e alcoólatra faleceu em 1976, de um ataque cardíaco, com 32 anos. Mark Ribowsky conta em seu livro ‘The Supremes: A Saga of Motown Dreams, Success and Betrayal’ que Diana Ross foi a única que sobreviveu no grupo, e ter sido amante do todo poderoso da gravadora Motown foi o de menos. A diva não poupava nada e ninguém. Escalava a cama de quem lhe servisse e puxava o tapete de quem fosse obstáculo. Mas a dupla Mary Wilson, membro original do grupo, e Cindy Birdsong, que substituiu a falecida Florence Ballard, conseguiu sua vingança quando Diana Ross traçou uma turnê de reencontro das ‘The Supremes’ em 2000 e ofereceu-lhes uma fração dos US$ 15 milhões que iria render o show. De acordo com o livro, as duas se recusaram a dividir os holofotes e Diana tentou substituí-las por duas supremas dos anos 70, mas os fãs estavam interessados apenas na configuração original do grupo e a turnê foi cancelada.

Em outro livro, ‘The Rough Guide to Soul and R&B’, Peter Shapiro diz o seguinte sobre Diana: ‘Você pode amá-la ou odiá-la, mas você não pode negar o seu poder de estrela’. Verdade. Apesar do fracasso da turnê para o reencontro das supremas, de suas atitudes negativas, dos shows decadentes em Las Vegas, dos escândalos e histerismos em aeroportos, por ter sido presa em 2004, ao ser flagrada dirigindo embriagada na contramão, embora tenha sido internada em 2003 numa clínica para dependentes de álcool e drogas, ela é, sem sombra de qualquer dúvida, uma das maiores inspirações para todas as cantoras da soul music e do pop. Ela influenciou mulheres afro-americanas durante várias gerações. Influenciou até o seu pupilo transformista Michael Jackson, que obcecado por sua imagem recorreu a inúmeras cirurgias plásticas no intuito de ficar igual à diva do soul.

Filha de um operário e de uma professora, Diane Ernestine Ross, nasceu em Detroit, Michigan. De 1959 a 1967, período que esteve com as ‘The Supremes’, o grupo atingiu por 12 vezes o primeiro lugar nas paradas de sucesso norte-americanas. Em 1970, sob as asas do amante Berry Gordy Jr., Diana deixou o grupo e a carreira solo iniciou-se com uma mentira orquestrada pela Motown: de que ela teria descoberto os ‘Jackson 5’. Essa farsa magoou a muitos, principalmente Gladys Knight que teria indicado o grupo e o cantor e compositor Bobby Taylor que teria insistido para que Berry Gordy ouvisse os meninos de Indiana. O fato é que Diana Ross transformou-se no maior produto da gravadora abrindo as portas para o mercado internacional. O arranjador da Motown Gil Askey descreveu-a como: ‘ideal do ponto de vista comercial, o instrumento perfeito para as ondas sonoras dos rádios transistorizados do mundo’. Encantado com a mina de ouro a ser explorada, Berry Gordy afroxou o controle férreo exercido sobre os demais contratados como Stevie Wonder e Marvin Gaye que só assim realizaram gravações mais ousadas surgindo assim obras-primas da música popular.

'The Supremes' durante sessão de gravação no estúdio da 'Motown Records' em 1965
Berry Gordy, Mary Wilson, Florence Ballard e Diana Ross

Diana Ross não compunha, não tocava, apenas cantava e, portanto, era mais fácil transformá-la em produto. E foi ensaiada de como apresentar-se em público, incluindo os gestos, roupas, declarações para a imprensa, e também o repertório musical. O seu primeiro grande êxito, ‘Reach Out And Touch (Somebody's hand)’, antecedeu um conjunto de canções que consolidaram o sucesso obtido anteriormente com as ‘The Supremes’. A carreira de atriz foi meticulosamente planejada por ela e Berry Gordy. Ainda que efêmera, a carreira cinematográfica teve início em 1972, no papel da cantora Billie Holiday, em ‘Lady Sings The Blues’ que lhe valeu a nomeação para o Oscar de melhor atriz. Em 1975, participou do filme 'Mahogany' dirigido pelo próprio Berry Gordy e em 1978 do ‘The Wiz’ ao lado de Michael Jackson, que nem mesmo o diretor Sidney Lumet conseguiu salvar do fracasso comercial que afundou também a carreira de Diana Ross. Ela só voltaria nos anos 90 em duas produções para TV. Na carreira musical, Diana continuou a fazer sucesso apesar dos discos solo não serem bem vistos pelos críticos. O primeiro disco ‘Diana Ross’ é excelente, assim como o ‘Diana!’, de 1971. ‘Diana & Marvin’, gravado com Marvin Gaye em 1973 teve como destaque a música ‘My Mistake’. Com as mudanças na gravadora 'Motown', o desgaste de sua relação com Berry Gordy e a vontade de dirigir a sua própria carreira, fizeram com que Diana fosse para a RCA em 1981. Seu último sucesso foi ‘Chain Reaction’ em 1986. E Diana Ross deixou de ser uma força na indústria da música apesar do público fiel constituído majoritariamente por mulheres e de ser a eterna musa dos gays.

the supremes - baby love

The Complete Collection (2009)
CD 1 CD 2

Tracklist CD 1
01. Where Did Our Love Go (feat. The Supremes) 02. Baby Love (feat. The Supremes) 03. Come See About Me (feat. The Supremes) 04. Stop! In The Name Of Love (feat. The Supremes) 05. Back In My Arms Again (feat. The Supremes) 06. Nothing But Heartaches (feat. The Supremes) 07. I Hear A Symphony (feat. The Supremes) 08. My World Is Empty Without You (feat. The Supremes) 09. You Can't Hurry Love (feat. The Supremes) 10. You Keep Me Hangin' On (feat. The Supremes) 11. Love Is Here And Now You're Gone (feat. The Supremes) 12. The Happening (feat. The Supremes) 13. Reflections (feat. The Supremes) 14. In And Out Of Love (feat. The Supremes) 15. Forever Came Today (feat. The Supremes) 16. Love Child (feat. The Supremes) 17. I'm Gonna Make You Love Me (feat. The Supremes and The Temptations) 18. I'm Livin' In Shame (feat. The Supremes) 19. The Composer (feat. The Supremes) 20. Someday We'll Be Together (feat. The Supremes) 21. Reach Out And Touch 22. Ain't No Mountain High Enough 23. I'm Still Waiting 24. Touch Me In The Morning 25. You Are Everything (feat. Marvin Gaye)

Tracklist CD 2
01. Theme From Mahogany (Do You Know Where You're Going To) 02. Love Hangover 03. The Boss 04. Upside Down 05. My Old Piano 06. I'm Coming Out 07. It's My Turn 08. Endless Love (feat. Lionel Richie) 09. Why Do Fools Fall In Love 10. Mirror Mirror 11. Work That Body 12. Muscles 13. Touch By Touch 14. Swept Away 15. Eaten Alive 16. Chain Reaction 17. Missing You 18. When You Tell Me That You Love Me

(link corrigido)

2012-08-20T20:37:00.011-03:00

Acoustic Alchemy | Guitar Fingerstyle | Paco de Lucia

bobby womack

2012-08-18T14:03:00.006-03:00

Bobby Womack é um dos artistas mais respeitados da ‘black music’, com uma longa carreira no rhythm & blues e soul. Como muitos outros cantores negros, Womack começou na música gospel, cantando nos coros das igrejas e, em seguida, se firmou como compositor, guitarrista e cantor. Womack é imensamente popular entre os afro-americanos e um verdadeiro superstar na Europa, onde seus álbuns frequentemente vendem na casa dos milhões. E segundo alguns críticos, está entre os melhores da música pop moderna. Mas, nem sempre foi assim. Bobby Womack é um veterano que pagou suas dívidas por mais de uma década antes de ter a chance do estrelato próprio. Bobby Womack perseverou através da tragédia e da dependência e emergiu como um dos grandes sobreviventes da soul music. Capaz de brilhar sob os holofotes como cantor ou nos bastidores como instrumentista e compositor, Bobby Womack nunca teve o seu devido lugar, mas durante os anos 60 e boa parte dos anos 70, ele foi consistente nas paradas de R&B, com um alto padrão de qualidade. Suas gravações tinham emoção que aprendeu com Sam Cooke, Wilson Pickett e Sly Stone, que trabalharam com ele em um momento ou outro. Um guitarrista subestimado, Bobby Womack ajudou a criar uma abordagem minimalista semelhante ao de Curtis Mayfield, e foi uma influência precoce sobre o jovem Jimi Hendrix. Além disso, suas canções foram gravadas por vários artistas.

Bobby Womack Dwayne nasceu em Cleveland, Ohio. Sua educação foi rígida e religiosa. No início dos anos 50, ainda criança, Bobby juntou-se aos seus irmãos Cecil, Curtis, Harry e Friendly Jr. para formar o quinteto gospel ‘The Womack Brothers’. Eles foram escolhidos para abrir um show local para os ‘The Soul Stirrers’ em 1953, ocasião em que Bobby fez amizade com o vocalista Sam Cooke; e depois o grupo percorreu o país como banda de abertura para diversos grupos gospel, cantando e pregando o evangelho. Cantar qualquer coisa além de gospel era o caminho para o inferno. Apesar de sua profunda fé, Womack sentiu algo diferente em meados do final da década de 50 com o movimento da soul music que lhe forneceu dinheiro e fama muito além dos limites do gospel.

Quando Sam Cooke formou seu próprio selo, SAR, ele recrutou os irmãos Womack para transformá-los em um grupo de R&B. Ao saber que seus filhos estavam se movendo para a música secular, - música destituída da temática religiosa, música que as igrejas evangélicas ainda adotam, cultura de que qualquer tipo de música que não seja evangélica, é secular, e portanto, considerada inadequada para seus seguidores -, seu pai esbravejou que eles iriam enfrentar a danação eterna e os expulsou de casa. Sam Cooke emprestou-lhes dinheiro para comprar um carro e dirigir até seus escritórios de Los Angeles. Os irmãos Womack fizeram várias gravações para a SAR e logo Sam Cooke convenceu-os a mudar o nome do grupo para ‘The Valentinos’. Em dois anos, o grupo estava lotando as salas no circuito de R&B, liderado pelo vocal suave de Bobby e suas composições. E Bobby Womack eventualmente se juntava à banda de apoio de Cooke como guitarrista.

O maior sucesso veio em 1964, com ‘It’s All Over Now’, composição de Bobby que vendeu quatro mil exemplares. A canção também foi gravada pelos ‘Rolling Stones’ que tiveram seu hit número um pela primeira vez com esta canção em 1964. Mais tarde, outra canção de Womack, ‘Looking for a Love’ foi o maior hit de ‘The J. Geils Band’, banda muito popular na década de 70. Womack nunca se importou com o fato de que artistas brancos eram capazes de fazer mais sucesso com suas músicas do que ele próprio. Ele tinha consciência de que havia um bloqueio por ele ser negro. Mas, depois de 30 anos teve que se perguntar: Por que não eu? E se fazia essa pergunta o tempo todo.

Bobby Womack & Ronnie Wood (1975)

A morte trágica de Sam Cooke em dezembro de 1964 deixou Womack muito abalado e a carreira do seu grupo com os irmãos no limbo. Apenas três meses depois, Womack casou com Barbara Campbell, viúva de Cooke, que lhe rendeu má fama na comunidade R&B e muitos o viram como um oportunista já que Barbara era significativamente mais velha que ele. E na sequência do escândalo, ele foi incapaz de dar continuidade a sua carreira solo, suas composições foram evitadas como a peste apesar de sua qualidade. Para sobreviver, Womack se tornou um guitarrista de apoio, primeiro com Ray Charles, depois para artistas tão variados como Aretha Franklin, Janis Joplin e o guitarrista húngaro Gabor Szabo. Ele também manteve laços estreitos com os ‘Rolling Stones’, contribuindo com a sua guitarra e até mesmo nos vocais para mais de um álbum dos Stones.

Bobby Womack com o guitarrista dos ‘Rolling Stones’, Ron Wood, na cerimônia em 2009
quando foi introduzido ao ‘Rock and Roll Hall of Fame’

A carreira solo de Womack teve picos e decaídas. No final dos anos 70 um elenco de novas estrelas praticamente o sepultaram. Sua carreira foi perdida na enchente de lançamentos de novos artistas negros. E o uso de drogas começou a tomar um rumo mais sério quando seu irmão Harry foi assassinado por uma namorada ciumenta em 1974, no próprio apartamento de Bobby. Depois de um hiato doloroso causado pela morte repentina de seu filho recém-nascido em 1979, recuperou-se rapidamente na década de 80 com a produção de um dos seus mais conhecidos álbuns, ‘The Poet’. O lançamento de ‘The Poet II’ foi adiado até 1984, e contou com vários duetos. No início de 90, Bobby Womack garantiu uma audiência dedicada tanto na América quanto no exterior. Seu dueto de 1986 com Mick Jagger, na versão da música ‘Harlem Shuffle’, o apresentou para os telespectadores da MTV, enquanto seus álbuns ‘Womagic’ e ‘The Last Soul Man’ o tornaram querido para seus muitos fãs afro-americanos. ‘So Many Rivers’ (1985) e ‘Save the Children’ (1990) são obras com temática social e problemas do cantor com o abuso de drogas. Nos anos que se seguiram, Womack retornou ao mundo da música apenas esporadicamente. Lançado em 1994, ‘Resurrection’ foi gravado com uma série de astros convidados incluindo Ron Wood, Keith Richards, Rod Stewart e Stevie Wonder. Em 1999, ele cumpriu uma promessa de longa data feita a seu pai que faleceu em 1981, gravou um álbum gospel primeira vez, ‘Back to My Roots’. Bobby Womack, o veterano cantor de soul que deu aos ‘Rolling Stones’ o primeiro hit, foi diagnosticado com câncer de cólon. Womack, então com 68 anos, estava no hospital se recuperando de uma pneumonia quando recebeu o diagnóstico.

bobby womack - across 110th street.mp3

The Poet (1981) | The Best Of (2008)

The Poet
01. So Many Sides Of You 02. Lay Your Lovin’ On Me 03. Secrets 04. Just My Imagination 05. Stand Up 06. Games 07. If You Think You’re Lonely Now 08. Where Do We Go From Here

The Best Of
01. Across 110th Street 02. Woman's Gotta Have It 03. I'm A Midnight Mover 04. That's The Way I Feel About 'Cha 05. You're Welcome, Stop On By 06. Lookin' For A Love 07. I'm In Love 08. I Left My Heart In San Francisco 09. Communication (Single Version) 10. Fact Of Life/He'll Be There When The Sun Goes Down (Medley) 11. Fly Me To The Moon (In Other Words) 12. Harry Hippie 13. I Can Understand It 14. The Preacher/More Than I Can Stand (Medley) (Live) 15. I'm Through Trying To Prove My Love To You 16. It's All Over Now 17. California Dreamin' 18. How I Miss You Baby 19. Nobody Wants You When You're Down And Out 20. Daylight 21. Check It Out (Single Edit) 22. Fire And Rain

elvis presley

2012-08-15T12:55:00.003-03:00

Final dos anos 40. Para os mais conservadores membros da promissora sociedade norte-americana, nada poderia ser considerado pior do que o surgimento do rock´n´roll, música com 'alto potencial para perverter os jovens'. E foi com horror que essa sociedade teve que engolir em seco quando viram o cenário das rádios recheado de negros talentosos que subiam ao topo das paradas: Chuck Berry, Fats Domino e Bo Diddley. Mais assustador para esses conservadores, foi Little Richard, que além de negro, era homossexual assumido, usava maquiagem e um penteado exótico, e cravou nas paradas o hit 'Tutti Frutti', que se tornaria um hino do rock. Maquinou-se então, toda uma movimentação por parte das gravadoras na busca de figuras que reduzissem essa polêmica em torno do novo estilo musical, que pelo menos os jovens brancos de classe média tivessem heróis brancos, e preferivelmente com um 'comportamento mais razoável'. E assim, as gravações feitas por músicos negros foram relançadas, mas com intérpretes brancos, usurpando dos negros a sua gigantesca contribuição para o desenvolvimento do rock.

Esse desejo de encontrar algum rapaz branco capaz de cantar como um negro foi realizado pelo produtor e dono de um pequeno selo, Sam Phillips, que contratou o jovem Elvis Presley que só cantava baladas countries. Sam lançou o primeiro sucesso de Elvis, o hit, 'That´s All Right'. Em 1955, Elvis rompeu com Sam e assinou novo contrato com uma grande gravadora. Este foi o momento que marcou a real reviravolta na carreira de Elvis, com a gravação 'Heartbreak Hotel', lançada em 1956. A partir daí, Elvis gravou um sucesso atrás do outro, inclusive ‘Tutti Frutti’ de Little Richard, e ingressou no cinema. Em 1958, era o artista mais popular, arrastava multidões de jovens em seus shows. Suas atitudes se tornaram símbolo da rebeldia e a sensualidade de sua dança era objeto de culto desses jovens. Estava na hora de transformar Elvis em um 'artista mais respeitável', aos olhos da sociedade branca americana, o astro branco também tornou-se uma influência venenosa para os seus jovens. Neste mesmo ano, Elvis alistou-se 'voluntariamente' no exército americano para cumprir seu dever de cidadão; atitude que foi aplaudida por toda a classe média e imprensa norte-americana.

Presley recebeu sua convocação em 20 de dezembro de 1957...

...e voltou para os EUA em 2 de março de 1960

Não demorou muito para o rock´n´roll entrar em rota de colisão com o moralismo político, sexual e religioso então vigente. O macarthismo estava no ápice de sua histeria, e certamente não daria ao rock um tratamento diferente do que era dado aos demais setores culturais, como a imprensa, a literatura, os quadrinhos e o cinema. Era preciso então promover uma 'higienização' do rock´n´roll, sem afetar, porém, os lucros dentro do grande mercado que o estilo movimentava até então. Uma imensa pressão vinda de diversos setores políticos e religiosos da direita se abateu então sobre os músicos. No final da década de 50, os poucos que não haviam sucumbido à pressão desses setores acabaram vítimas de episódios trágicos. Os músicos mais progressistas terminaram então renegados, marginalizados, presos ou mortos. O primeiro a pagar seu preço foi o próprio Elvis Presley, domesticado e submetido às gravadoras. Ao voltar do exército, Elvis nunca mais foi o mesmo, trocando a agressividade de seus primeiros anos pelas baladas românticas que caracterizaram todo o resto de sua carreira, que culminou com o astro apoiando a guerra e os programas governamentais do governo Nixon. No início dos anos 60, o rock encontrava-se domado e surgiram uma série de músicos 'limpos', como Neil Sekada, Paul Anka e diversos outros. E Elvis Presley, frustrado e decadente, tocando nos cassinos de Las Vegas.

Elvis Aaron Presley nasceu na cidade de East Tupelo, no Estado do Mississippi, um centro do racismo americano. Possuia ascendência escocesa por parte do pai Vernon Elvis Presley, e sua mãe Gladys Love Smith, que posteriormente ficou conhecida como Gladys Presley. Vernon Presley foi um meeiro e motorista de caminhão e Gladys era costureira. Nos seus primeiros anos de vida, Elvis cresceu em meio aos destroços de um furacão que devastou sua cidade e privado da figura do pai, preso por estelionato. Com dez anos, Elvis participou de um concurso de novos talentos onde conquistou o segundo lugar. Na ocasião, cantou ‘Old Shep’, canção que retrata o desespero de um menino pela perda de seu cão. Elvis morou por bastante tempo em condições precárias, com 13 anos já trabalhava em várias atividades, foi lanterninha de cinema e motorista de caminhão. Nas horas vagas, cantava e tocava o violão que ganhou do pai. Reza a lenda que apreciava cantar na penumbra e até em breu total. Cantou no coro da igreja e recebeu a influência do blues.

Tornou-se o ‘Rei do Rock'n'Roll’ e ponto de partida do rock e do pop atuais. Rebelde, agressivo e ruidoso, embora pudesse também parecer nostálgico e sonhador; mas, acima de tudo, era sexy. Por essas características, a juventude identificava-se com ele, embora fosse simultaneamente desprezado pelas gerações adultas. Sua carreira foi extraordinária em todos os sentidos. Os grandes sucessos sucediam-se sem parar, ora baladas melancólicas, ora músicas para dançar. Os seus mais de 30 filmes têm raízes nesta fama de cantor e ídolo de adolescentes. Com seu carisma e sensualidade, o cantor provocava reações histéricas nas platéias. O sinuoso movimento que executava com os quadris ao dançar valeu-lhe o apelido de ‘Elvis the Pelvis’. Em poucos anos transformou-se numa lenda, embora tivesse revelado perturbações de personalidade bem cedo. A partir do início da década de 70, entrou em franca decadência artística e pessoal. Sua morte em 1977, foi lamentada profundamente por seus fãs, oito milhões de cópias de seus discos esgotaram-se em apenas cinco dias. Graceland, a suntuosa mansão do cantor transformou-se em museu e ainda hoje é local de peregrinação de seus admiradores. Elvis Presley fascinou e inspirou imitadores que perambulam, com sucesso, pelo mundo. Elvis foi sem dúvida, um dos maiores fenômenos da música mundial. Não é exagero dizer que Elvis não morreu, sua figura carismática e sensual continua viva em suas músicas e nos corações dos fãs.

elvis presley - heartbreak hotel

The Essential Elvis Presley (2007)
CD 1 CD 2

Tracklist CD 1
01. Suspicious Minds 02. Blue Suede Shoes 03. Jailhouse Rock 04. Love Me Tender 05. Don't Be Cruel 06. King Creole 07. Hard Headed Woman 08. All Shook Up 09. Hound Dog 10. Too Much 11. Heartbreak Hotel 12. (Let Me Be Your) Teddy Bear 13. (Let's Have A) Party 14. That's All Right 15. One Night 16. (Now And Then There's) A Fool Such As I 17. A Big Hunk O' Love 18. Wear My Ring Around Your Neck 19. Crying In The Chapel 20. Stuck On You 21. Wooden Heart 22. Viva Las Vegas 23. (You're The) Devil In Disguise 24. Guitar Man 25. A Little Less Conversation 26. Welcome To My World

Tracklist CD 2
01. In The Ghetto 02. Burning Love 03. Always On My Mind 04. The Wonder Of You 05. I Just Can't Help Believin 06. There Goes My Everything 07. You Don't Have To Say You Love Me 08. An American Trilogy 09. Are You Lonely Tonight? 10. My Boy 11. Green Green Grass Of Home 12. Can't Help Falling In Love 13. Rock A Hula Baby 14. Return To Sender 15. Don't 16. (Marie's The Name) His Latest Flame 17. Good Luck Charm 18. Surrender 19. She's Not You 20. A Mess Of Blues 21. It's Now Or Never 22. Fever 23. Moody Blue 24. Way Down 25. My Way 26. If I Can Dream

pink floyd

2012-08-12T18:13:00.001-03:00

Magnífica, insuperável, 'Pink Floyd', é banda inglesa de rock progressivo, uma das mais importantes bandas de rock de todos os tempos, além de uma das mais bem sucedidas. Famosa pelo seu estilo progressivo e pelos espetáculos ao vivo extremamente elaborados, o ‘Pink Floyd’ evoluiu de uma banda de rock formada em 1964 que fazia um folk-rock e que teve vários nomes: ‘Sigma 6’, ‘The Meggadeaths’, ‘The Abdabs’, ‘The Screaming Abdabs’, ‘The Architectural Abdabs’. Quando a banda se separou, os guitarristas Rado ‘Bob’ Klose e Roger Waters, o baterista Nick Mason e o instrumentista de sopro, Rick Wright formaram uma nova banda, chamada ‘Tea Set’. Depois de um pequeno período com o vocalista Chris Dennis, o guitarrista e vocalista Syd Barrett se juntou a banda, com Waters mudando para o baixo. Quando o ‘Tea Set’ descobriu que outra banda tinha esse mesmo nome, Barrett deu a idéia de um nome alternativo, ‘Pink Floyd Sound’, devido a sua admiração pela arte dos músicos de blues Pink Anderson e Floyd Council. Por um tempo a banda oscilou entre os dois nomes, até se decidirem pelo segundo. O ‘Sound’ foi deixado de lado rapidamente, mas o ‘The’ continuou sendo usado regularmente até 1968.

Com a entrada de Syd Barret, que era compositor, pintor, artista performático e consumidor inveterado de drogas, o grupo tinha um modesto sucesso na segunda metade da década de 1960 produzindo rock psicodélico. Um ano depois de lançarem o seu primeiro álbum, a banda teria que se conformar com uma terrível baixa: a falta de condições mentais de Syd. A linha que limitava a genialidade e a loucura de Syd Barrett se tornava mais tênue a cada momento. Problemas mentais provenientes de uma infância conturbada se agravaram em virtude do uso excessivo de alucinógenos e Syd Barrett começou a apresentar um comportamento algumas vezes esquizofrênico e algumas vezes alienado. A situação se agravou até o ponto em que ele não conseguia mais tocar ou compor e no palco limitava-se a um único acorde e a olhar para um ponto perdido no espaço. O comportamento de Barrett forçou seus colegas de banda a afastá-lo e substituí-lo pelo guitarrista e cantor David Gilmour. Com a saída de cena de Barrett, o baixista e vocalista Roger Waters tornou-se o líder e com David Gilmour assumiu as composições, tornando a banda mais próxima do pop. Esta fase foi marcada pela produção de álbuns conceituais como ‘The Dark Side of the Moon’ (1973), ‘Wish You Were Here’ (1975), ‘Animals’ (1977) e ‘The Wall’ (1979). Mas após o álbum, ‘The Final Cut’ (1983). O grupo separou-se e em 1985, Waters declarou que o ‘Pink Floyd’ estava extinto, mas os demais membros, agora liderados por Gilmour, mais o tecladista Rick Wright e o baterista Nick Mason, após briga judicial, retomaram a banda com o nome oficial e seguiram gravando e se apresentando. Em 2005 e pela primeira vez em 24 anos, a formação mais clássica do ‘Pink Floyd’ voltou a tocar no concerto ‘Live 8’, em Londres. Em 2008, o tecladista Richard Wright morreu, pondo um fim no sonho de um possível retorno do ‘Pink Floyd’.

Waters, Mason, Wright e Gilmour
(formação clássica do Pink Floyd nos anos 1970)

Era Syd Barrett (1964–1968)

Os primeiros lançamentos no Reino Unido da banda, durante a era do Syd Barrett, vinham creditados como ‘The Pink Floyd’. Rado ‘Bob’ Klose que era bastante influenciado pelo jazz, saiu depois de ter gravado somente uma demo, deixando uma formação diferente com Syd Barrett na guitarra e vocais principais, Roger Waters no baixo e vocais de apoio, Nick Mason na bateria e percussão, e Rick Wright revezando nos teclados e vocais de apoio. Barrett logo começou a escrever suas próprias composições, influenciado pelo rock psicodélico norte-americano e britânico, com extravagância e humor. O ‘Pink Floyd’ se tornou favorito no movimento underground. Lançado em 1967, o primeiro álbum da banda, ‘The Piper at the Gates of Dawn’, é atualmente considerado um ótimo exemplo da música psicodélica britânica e é visto como o melhor primeiro álbum por muitos críticos. As faixas, predominantemente escritas por Barrett, mostram letras poéticas e surreais, às vezes fazendo referência ao folclore. O álbum foi um hit no Reino Unido, mas não foi muito bem na América do Norte. O disco foi gravado simultaneamente ao aclamado ‘Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band’ dos Beatles, no estúdio da Abbey Road, e os integrantes das bandas frequentemente se encontravam no corredor e conversavam sobre influências musicais. Ambos os álbuns são citados como o início do rock progressivo.

Era Roger Waters (1976-1985)

Durante essa era, Roger Waters tomou cada vez mais controle do trabalho do ‘Pink Floyd’. Demitiu Rick Wright depois que o ‘The Wall’ foi terminado, argumentando que Wright não estava contribuindo muito, em parte por causa do vicio de cocaína. David Gilmour e Nick Mason foram contra a demissão. Nas músicas desse período, Waters explora os sentimentos sobre a morte de seu pai na Segunda Guerra Mundial, e sua crescente atitude de cinismo, contra figuras políticas como Margaret Thatcher. A música é orientada pela guitarra com teclados e saxofones. Uma orquestra completa faz um papel significante em ‘The Wall’ e especialmente ‘The Final Cut’.

‘Animals’, no entanto, é mais orientado pela guitarra do que os álbuns anteriores, e pela influência do movimento punk rock. Foi o primeiro a não ter uma composição feita por Wright. Contém canções longas ligadas por um tema, tirado do livro ‘Animal Farm’ de George Orwell, em que usou ‘Pigs’, ‘Sheeps’ e ‘Dogs’ como metáforas dos membros da sociedade contemporânea. Apesar da relevante guitarra, sintetizadores ainda fazem uma importante parte de ‘Animals’, mas é carente de saxofone e vocais femininos. Muitos críticos não receberam muito bem o álbum, considerando-o tedioso. O porco no entanto se tornou um dos mais memoráveis símbolos do ‘Pink Floyd’ e porcos infláveis são utilizados em concertos do desde então.

A ópera rock de 1979, ‘The Wall’, concebida por Roger Waters, lida com temas como solidão, falha de comunicação, que foram expressos pela metáfora de um muro construído entre um artista de rock e sua audiência. Um filme intitulado ‘Pink Floyd: The Wall’ foi lançado em 1982, incorporando toda a música do álbum. O filme, escrito por Waters e dirigido por Alan Parker. É considerado o maior video de rock do mundo, e certamente o mais depressivo. O álbum ‘The Final Cut’ de 1983 foi dedicado ao pai de Waters, Eric Fletcher Waters. Ainda mais sombrio em sonoridade que o ‘The Wall’, incluindo a raiva de Waters da participação da Inglaterra na Guerra das Malvinas, a culpa que ele colocou nos líderes políticos.

Era David Gilmour (1987-1995)

No final de 1985, Waters anunciou que estava saindo do Pink Floyd e descreveu a banda como ‘uma força criativa desgastada’. Uma disputa legal foi inciada por Waters, reivindicando que o nome ‘Pink Floyd’ deveria ser colocado de lado, mas Gilmour e Mason seguraram sua convicção que eles tinham direitos legais para continuar com o nome. O processo acabou se acertando por um acordo fora dos tribunais. Sem Waters, que foi o letrista da banda por uma década, a banda recebeu ajuda de escritores de fora. Como o ‘Pink Floyd’ nunca havia feito isso antes e essa atitude recebeu muitas críticas. Por causa das poucas contribuições de Mason e Wright, alguns críticos dizem que ‘A Momentary Lapse of Reason’ deveria ser considerado como um trabalho solo de Gilmour, do mesmo jeito que ‘The Final Cut’ seria um trabalho solo de Waters. Um ano depois, a banda lançou o álbum ao vivo ‘Delicate Sound of Thunder’ (1988). Em 1995, a banda recebeu seu primeiro e único prêmio Grammy para Melhor Performance de Instrumental de Rock com ‘Marooned’.

pink floyd - us and them

‘The Piper at the Gates of Dawn’ (1967) foi o único álbum da banda que foi feito sob a liderança de Syd Barrett. O álbum tem letras caprichosas sobre espantalhos, gnomos, bicicletas e contos de fadas, juntamente com passagens instrumentais de rock psicodélico. O título é baseado no conto infantil ‘O vento nos salgueiros’, de Kenneth Grahame, onde o rato e a toupeira, enquanto procuram um animal perdido, têm uma experiência religiosa: ‘Este é o local do meu sonho, onde eu ouvi a música,’ segredou o rato, como se estivesse em transe. ‘Aqui é o meu local sagrado, se O pudermos encontrar nalgum lado, é aqui’. O flautista (piper) é identificado com o deus grego Pan.

The Piper at the Gates of Dawn (1967)

Tracklist
01. Astronomy Domine 02. Lucifer Sam 03. Matilda Mother 04. Flaming 05. Pow R. Toc H. 06. Take Up Thy Stethoscope And Walk 07. Interstellar Overdrive 08. The Gnome 09. Chapter 24 10. Scarecrow 11. Bike

Antes do novo disco de estúdio, a EMI resolveu lançar no mercado uma coletânea, contendo músicas dos tempos de Syd Barrett e coisas inéditas. ‘Relics’ (1971) é notável, pois pela primeira vez, um LP trazia os clássicos ‘See Emily Play’ e ‘Arnold Layne’, além de outras preciosidades, tais como ‘Paintbox’, ‘Julia Dream’, ‘Careful with That Axe, Eugene’ e a inédita ‘Biding My Time’. ‘Relics’ teve duas capas, a norte-americana (da esquerda) e a inglesa que é um desenho feito pelo baterista Nick Mason, nos anos em que estudou arquitetura na ‘Regent Street Polytechnic’.

Relics (1971)

Tracklist
01. Arnold Layne (Syd Barrett) 02. Interstellar Overdrive (Syd Barrett/Roger Waters/Rick Wright/Nick Mason) 03. See Emily Play (Syd Barrett) 04. Remember a Day (Rick Wright) 05. Paintbox (Rick Wright) 06. Julia Dream (Roger Waters) 07. Careful with That Axe, Eugene (David Gilmour/Roger Waters/Rick Wright/Nick Mason) 08. Cirrus Minor (Roger Waters) 09. The Nile Song (Roger Waters) 10. Biding My Time (Roger Waters) 11. Bike (Syd Barrett)

‘Meddle é um dos meus discos favoritos. Para mim, é o começo de tudo o que o Pink Floyd faria’. Palavras ditas por David Gilmour, que, finalmente, parecia feliz com um álbum de estúdio de sua banda. Gravado aos pedaços em vários estúdios, o disco traz uma das músicas mais emblemáticas da banda, a belíssima ‘Echoes’. A banda começava a encontrar o que tanto buscava. ‘Meddle’ (1971) trazia uma capa diferente, um ouvido embaixo d'água, que foi usado como base para o desenho final, feito por Storm Thorgerson.

Meddle (1971)

Tracklist
01. One of These Days 02. A Pillow of Winds 03. Fearless 04. San Tropez 05. Seamus 06. Echoes

‘Dark Side of the Moon’ (1973) é um álbum baseado em concepções de astronomia sobre a face oculta, ou escura da lua, o disco propôs analogias deste fenômeno com teorias psicanalíticas, onde temas mundanos como dinheiro, loucura, ética, vida, morte e outros são tratados de modo reflexivo. A capa do disco consiste em um prisma dispersivo usado para transformar um feixe de luz em vários espectros de cores, uma brincadeira alusiva ao ato de esclarecer aquilo que está obscuro. É considerado por muitos críticos e fãs como sendo a obra prima da banda. O álbum é uma ponte entre o blues rock clássico e a música electrônica. No entanto são os tons mais suaves e as nuances líricas e musicais que fazem com que este álbum seja uma obra à parte. ‘Dark Side of the Moon’ é o nono álbum mais vendido de todos os tempos no mundo inteiro. Foi considerado uma inovação em termos de engenharia e mixagem, contém alguns dos mais complicados usos dos instrumentos e efeitos sonoros existentes à época e até hoje é uma referência para os audiófilos que o usam para testar a fidelidade dos equipamentos de áudio.

Relação com o filme 'The Wizard of Oz' (O mágico de Oz)
Quando o álbum é tocado simultaneamente com o filme de 1939 ocorrem algumas correspondências entre o filme e o álbum.
- Quando Dorothy está na fazenda e ela olha para o alto, no audio surge barulho de avião.
- O som da caixa registradora no princípio de 'Money' aparece exatamente quando Dorothy pisa pela primeira vez a estrada dos tijolos amarelos; que é também o momento em que o filme passa de preto e branco para cores. Outra referência é a aparição da fada dourada;
- No momento em que a bruxa do Oeste aparece, é tocada a palavra 'black';
- A cena em que Dorothy encontra o espantalho (personagem que alegava não ter cérebro) é acompanhada pela música 'Brain Damage' (dano cerebral), e quando a letra da música começa a tocar: 'the lunatic is in my head...' (o lunático está na minha cabeça), o espantalho começa a dançar freneticamente como um lunático;
- O bater de coração no fim do álbum ocorre quando Dorothy tenta ouvir o coração do homem de lata;
- No momento em que a bruxa do oeste lança uma bola de fogo contra Dorothy e seus companheiros, a música grita 'run!' (corra);
- No momento que Dorothy encontra Oz, entra a música 'Us and Them', soando 'Us' como 'Oz' bem quando aparece a primeira imagem de Oz;
- Várias frases das letras contidas nas músicas coincidem com os mesmos atos sendo executados pelos atores no mesmo momento;
- A duração da maioria das músicas coincide precisamente com a duração das cenas no filme.

A banda insiste que isso são puras coincidências. Quando este fato começou a vir a público em 1997, iniciou-se um enorme interesse pelo fenômeno. Quer as correspondências sejam verdadeiras ou imaginadas, alguns fãs do álbum gostam de ver 'Dark side of the rainbow', como é chamada muitas vezes esta combinação.

Dark Side Of The Moon (1973)

Tracklist
01. Speak to Me 02. Breathe in the Air 03. On the Run 04. Time 05. The Great Gig in the Sky 06. Money 07. Us and Them 08. Any Coulour You Like 09. Brain Damage 10. Eclipse

‘Wish You Were Here’ (1975) fala sobre a ausência e em duas das suas faixas, ‘Welcome to the Machine’ e ‘Have a Cigar’ sobre os aspectos negativos da indústria musical. O álbum é melancólico. Diz-se que a faixa que dá título ao álbum ‘Wish You Were Here’ fala sobre o que eles pensavam ser o desmoronamento da banda, e é também um tributo a Syd Barrett. ‘Shine On You Crazy Diamond’ é uma peça dividida em nove partes e uma homenagem a ele. A qualidade musical do álbum é tão grande que alguns dos fãs da banda o consideram superior aos álbuns ‘The Dark Side of the Moon’ e ‘The Wall’.

Wish You Were Here (1975)

Tracklist
01. Shine on You Crazy Diamond, Pts. 1-5 02. Welcome to the Machine 03. Have a Cigar 04. Wish You Were Here 05. Shine on You Crazy Diamond, Pts. 6-9

‘Animals’ (1977) é o 12º álbum de estúdio. É um disco conceitual, isto é, todas as músicas abordam um mesmo assunto. O conteúdo é inspirado na obra ‘Animal Farm’ (A Revolução dos Bichos), do britânico George Orwell. O livro narra a história metafórica de uma fazenda em que os animais se libertam dos humanos para retratar as condições injustas da sociedade capitalista. Todas as músicas recebem nomes de animais. ‘Dogs’, por exemplo, fala dos capitalistas selvagens, e ‘Sheep’ refere-se ao povo oprimido. ‘Animals’ marca o início do monopólio de Roger Waters sobre a banda: das cinco canções, quatro são composições do músico.

Animals (1977)

Tracklist
01. Pigs on the Wing (part 1) 02. Dogs 03. Pigs (Three Different Ones) 04. Sheep 05. Pigs on the Wing (part 2)

A inspiração de Roger Waters para a criação do álbum ‘The Wall’ (1979) aconteceu em Montreal, Quebec, durante um concerto para a divulgação do álbum ‘Animals’ em 1977. Waters cuspiu no rosto de um fã que o estava perturbando. De imediato, repugnado com o seu ato , surgiu-lhe a ideia de construir um muro entre ele e o público, idéia essa desenvolvida mais tarde para a produção de ‘The Wall’. O conceito do álbum, tal como a maioria das músicas, pertence a Roger Waters. A história retrata a vida de um anti-herói, ‘Pink’ que é martelado e espancado pela sociedade desde os primeiros dias da sua vida: sufocado pela mãe, oprimido na escola, ele constrói um muro em sua consciência para isolá-lo da sociedade, e refugia-se num mundo de fantasia que criou para si. Durante uma alucinação provocada pela droga, Pink transforma-se num ditador fascista apenas para que a sua consciência rebelde o ponha em tribunal, onde seu juiz interior ordena-lhe que mande abaixo o seu próprio muro e se abra para o mundo exterior.

The Wall (1979)
CD 1 CD 2

Tracklist CD 1
01. When the Tigers Broke Free 02. In the Flesh? 03. The Thin Ice 04. Another Brick in the Wall (part 1) 05. The Happiest Days of Our Lives 06. Another Brick in the Wall (part 2) 07. Mother 08. Goodbye Blue Sky 09. Empty Spaces 10. What Shall We Do Now 11. Young Lust 12. One of My Turns 13. Don't Leave Me Now 14. Another Brick in the Wall (part 3) 15 .Goodbye Cruel World

Tracklist CD 2
01. Hey You 02. Is There Anybody Out There? 03. Nobody Home 04. Vera 05. Bring the Boys Back Home 06. Comfortably Numb 07. The Show Must Go On 08. In the Flesh 09. Run Like Hell 10. Waiting for the Worms 11. Stop 12. The Trial 13. Outside the Wall

'Echoes: The Best of Pink Floyd' é uma compilação da banda britânica que atingiu o ouro, platina e dupla platina em 2001 nos EUA, onde foi recentemente listado como tripla platina (3 milhões de cópias vendidas). 'Echoes inclui boa parte do trabalho da banda, desde 'Arnold Layne', de 1967, até 'The Division Bell', de 1994. Possui músicas de todos os álbuns, exceto do 'Atom Heart Mother', 'Ummagumma', 'Obscured by Clouds' e do 'Music from the Film More'. Considerando que os dois últimos são trilhas sonoras, nota-se certo descontentamento da banda quanto ao conteúdo dos outros dois discos, apesar de o produtor James Guthrie ter cogitado a inclusão de 'If' e 'Fat Old Sun', do 'Atom Heart Mother', e de 'Grantchester Meadows' do 'Ummagumma'. As músicas do álbum são seqüências umas das outras (não há espaço entre uma música e outra) e todas foram remasterizadas para a compilação. A capa traz diversas referências a outros álbuns da banda.

Echoes (2001)
CD 1 CD 2

Tracklist CD 1
01. Astronomy Domine 02. See Emily Play 03. The Happiest Day of Our Lives 04. Another Brick in the Wall (Parte 2) 05. Echoes 06. Hey You 07. Marooned 08. The Great Gig in the Sky 09. Set the Controls for the Heart of the Sun 10. Money 11. Keep Talking 12. Sheep 13. Sorrow

Tracklist CD 2
01. Shine On You Crazy Diamond (Partes 1-7) 02. Time 03. The Fletcher Memorial Home 04. Comfortably Numb 05. When the Tigers Broke Free 06. One of These Days 07. Us and Them 08. Learning to Fly 09. Arnold Layne 10. Wish You Were Here 11. Jugband Blues 12. High Hopes 13. Bike

ABC of the blues 05: big bill broonzy, scrapper blackwell & blind blake

2012-08-10T06:30:00.005-03:00

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Big Bill Broonzy (1898 - 1958) foi cantor, compositor e guitarrista. Nascido William Lee Conley Broonzy na pequena cidade de Scott, Mississippi, do outro lado do rio Arkansas, em uma família de meeiros itinerantes e descendentes de ex-escravos aprendeu a tocar violino em uma caixa de charutos de seu tio, e quando adolescente tocou em igrejas locais, em bailes da comunidade, e em uma banda de cordas. Durante a I Guerra Mundial, Broonzy se alistou no Exército dos EUA, e em 1920 ele se mudou para Chicago onde trabalhou nas fábricas. Em 1924 ele conheceu Papa Charlie Jackson, um nativo de New Orleans e bluesman pioneiro a gravar para a Paramount. Jackson tomou Broonzy sob suas asas, e lhe ensinou tocar violão, e usou-o como acompanhante. Em 1926, Broonzy foi rejeitado pela gravadora, mas retornou no ano seguinte e conseguiu seu primeiro disco, ‘House Rent Stomp’. Como o disco saiu com o apelido ilegível de Big Bill Broomsley, ele decidiu encurtar o seu nome para Big Bill, até depois da Segunda Guerra Mundial. Outros nomes utilizados para Big Bill em seus primeiros lançamentos foram Big Bill Johnson, Sammy Sampson e Slim Hunter. Em 1930, quando ‘The Hokum Boys’ se separou, ‘Georgia’ Tom Dorsey decidiu trazer Big Bill e o guitarrista Frank Brasswell para substituir Tampa Red. Através de Geórgia Tom e Tampa Red, Big Bill conheceu Memphis Minnie e excursionou como seu segundo guitarrista no início dos anos 30, mas não gravou com ela. Quando retomou as gravações em 1934 foi para o estúdio da recém-criada gravadora de Chicago, ‘Bluebird’, sob a direção de Lester Melrose. Com Lester, Big Bill fez exatamente o que Willie Dixon fazia na ‘Chess Records’ nos anos 50. Big Bill tocou em centenas de registros para 'Bluebird' no final dos anos 30 e nos anos 40, incluindo as feitas para Memphis Slim e Sonny Boy Williamson. Quando o blues elétrico começou a aparecer, Big Bill Broonzy decidiu, por algum tempo, ficar fora da música, e conseguiu um emprego como zelador na 'Iowa State University of Science & Technology' em Ames. Em 1951 foi procurado pelo DJ e escritor Studs Terkel e apareceu na série de concertos ‘I Come for to Sing’, chamando a atenção da imprensa, e no mesmo ano, ele estava em Paris para gravar na ‘French Vogue’. Nesta ocasião Broonzy foi finalmente capaz de gravar ‘Black, Brown and White’, uma canção sobre as relações raciais que há anos as gravadoras tinham rejeitado. Na Europa, Broonzy era incrivelmente popular, mais do que em qualquer momento nos Estados Unidos. E dois documentários foram feitos sobre sua vida, um na França e outro na Bélgica, até que finalmente despediu-se da música em 1957 quando soube que tinha câncer na garganta. Bill Broonzy Big morreu aos 65 anos, e deixou um legado gravado que, em tamanho e profundidade, é superior ao de qualquer artista de blues nascido no ano de 1900.

Scrapper Blackwell (1903 - 1962) foi guitarrista e cantor, e é mais conhecido por seu trabalho com o pianista Leroy Carr durante os anos 30. Scrapper foi um guitarrista excepcional do estilo ‘piedmont’, um dos mais importantes dos anos 20 e 30, com uma técnica que antecipou o tipo de blues que surgiria em Chicago, o blues elétrico nos anos 40 e 50, nas pessoas de Robert Nighthawk e Muddy Waters. Francis Hillman ‘Scrapper’ Blackwell era de descendência Cherokee, nascido em Siracusa, na Carolina do Norte. Seu pai tocava violino, e Blackwell foi um guitarrista autodidata, tendo construído o seu próprio instrumento com caixas de charutos. Ele também tocou piano profissionalmente. Quando adolescente já trabalhava como músico em tempo parcial, e viajou tão longe quanto para Chicago. Pela maioria dos relatos, Blackwell tinha uma personalidade forte, e de difícil trato, embora ele tivesse um relacionamento excepcionalmente bom com o pianista Leroy Carr, que ele conheceu em Indianápolis, em meados dos anos 20. Carr e Blackwell viajaram por todo o Centro-Oeste e partes do Sul, e eram notavelmente bem sucedidos. Com Blackwell, Leroy Carr tornou-se uma das estrelas do blues no início dos anos 30, e os dois gravaram mais de 100 discos juntos entre 1928 e 1935. Blackwell também gravou sem Carr, tanto como guitarrista solo e também, ocasionalmente, com outros parceiros e bandas de blues. Quando Leroy morreu, Blackwell abandonou a música por mais de 20 anos, mas com o renascimento do blues, ressurgiu no final dos anos 50. ‘Redescoberto’ vivendo em Indianapolis retomou sua carreira novamente e certamente teria sido um excelente candidato para o estrelato diante do público jovem branco de estudantes universitários e entusiastas populares que abraçaram o blues se sua vida não tivesse sido tirada em uma aparente tentativa de assalto. O crime nunca foi resolvido. leia +... (Scrapper Blackwell & Leroy Carr)

Blind Blake (1896 – 1934) é uma figura de enorme importância na música norte-americana. Ele não só foi um dos maiores guitarristas de blues de todos os tempos, como parece ter sido o principal precursor do ‘fingerstyle’, técnica que consiste em ‘puxar’ as cordas com as pontas dos dedos ou unha. Blake dominou esta forma como poucos, e os guitarristas que aprenderam este estilo foram incapazes de se igualarem a ele. Blind Blake foi o guitarrista de blues que mais gravou para a ‘Paramount’ em seu próprio nome e em acompanhamentos para vários outros artistas como Ma Rainey e Ida Cox. Depois de mais de cinco décadas de buscas sobre Blake, realizadas por peritos e críticos, praticamente tudo o que é ‘conhecido’ sobre ele é uma combinação de conjecturas, boatos, difamações e absurdos. Especulou-se que o seu nome verdadeiro era Arthur Phelps, informação facilmente negada por ele mesmo em 1929 afirmando que o seu nome era Arthur Blake. No entanto, é de conhecimento que sua família era da região de Jacksonville, Florida, e que provavelmente tenha nascido aí e crescido na Geórgia. Sua data de nascimento é considerada entre 1895-1897. Foi visto pela primeira vez em Chicago em meados de 1920 e a única foto existente dele foi tirada em sua primeira sessão de gravação na Paramount em 1926. Em entrevistas com alguns dos músicos familiarizados com Blake revelaram que ele tinha um apetite aparentemente inesgotável para o licor. E não existe qualquer relato confiável do que aconteceu com ele depois de sua última sessão na Paramount em 1932. A história de que tinha sido assassinado em Chicago pouco depois dessa última gravação não se sustentou após uma intensa busca nos arquivos da polícia local. A teoria mais razoável sobre o que poderia ter acontecido depois de 1932 é de que ele voltara para Jacksonville e viveu mais alguns anos, sendo sugerido o ano de 1937 como uma possível data de sua morte. Muitas das gravações feitas por Blind Blake são consideradas clássicos do blues antigo.

Tracklist
01. Big Bill Broonzy - Mississippi River Blues
02. Big Bill Broonzy - Long Tall Mama
03. Big Bill Broonzy - Worrying You Off My Mind (Part 1)
04. Big Bill Broonzy - Rising Sun Shine On
05. Big Bill Broonzy - Come Home Early
06. Big Bill Broonzy - Good Jelly
07. Big Bill Broonzy - Bull Cow Blues
08. Big Bill Broonzy - I Can't Make You Satisfied
09. Big Bill Broonzy - How You Want It Done
10. Big Bill Broonzy - Hattie Blues
11. Scrapper Blackwell - Kokomo Blues
12. Blind Blake - Come On Boys, Let's Do That Messin' Around
13. Blind Blake - Hard Pushin' Papa
14. Blind Blake - Skeedle Loo Doo Blues
15. Blind Blake - Georgia Bound
16. Blind Blake - Too Tight Blues, No. 2
17. Blind Blake - Diddie Wah Diddie
18. Blind Blake - Southern Rag
19. Blind Blake - C.C. Pill Blues
20. Blind Blake - Rope Stretching Blues, Pt. 1

volume 05

the ultimate jazz archive: swing to bebop, modern jazz 20

2012-08-07T19:33:00.003-03:00

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Earl ‘Fatha’ Hines (1903 - 1983), nascido Earl Kenneth Hines em Pittsburgh, Pensilvânia, foi compositor, líder de bandas e um dos mais importantes pianistas da história do jazz. O seu pai era cornetista, e chefe da banda ‘Pittsburgh's Eureka Brass Band’; sua mãe faleceu quando ele tinha três anos e então foi criado pela sua madrasta, que era organista numa igreja. Sua irmã Nancy e seu irmão Boots também tocavam órgão e piano, respectivamente. Inicialmente, Hines tentou seguir a carreira do pai, tocando trompete mas logo cedo o trocou pelo piano, que aprendeu a tocar com sua mãe. Teve aulas de piano, onde aprendeu os clássicos, mas sua paixão eram as músicas populares que ele ouvia nos teatros. Com quinze anos, Hines teve a sua primeira banda, um trio que incluía um violinista e um baterista. Para tocar várias vezes até tarde nos clubes noturnos, Hines deixou de estudar. Em 1922, saiu de casa para tocar com 'Lois Deppe & His Serenaders', em clube noturno. Recebia 15 dólares por semana, e duas refeições por dia. As primeiras gravações de Hines foram com esta banda, em 1923. Das quatro composições que gravou, uma era de sua autoria, ‘Congaine’, ao estilo do 'foxtrot'.

Em 1924, mudou-se para Chicago, época em que era a capital do jazz, onde tocavam Jelly Roll Morton, King Oliver e Benny Goodman. Em Chicago conheceu Louis Armstrong e, juntamente com Zutty Singleton, tocaram no ‘Sunset Café’. Em 1927, esta torna-se a banda de Louis Armstrong, e Hines o seu diretor. Armstrong apercebe-se do estilo 'avant garde' de Hine ao tocar piano como um trompete, recorrendo ao uso de oitavas para que o seu piano pudesse ser mais facilmente ouvido. Nesse mesmo ano, Armstrong renovou contrato com a gravadora, e susbtituiu no piano, a sua esposa Lil Hardin Armstrong por Hines. Em 1928, gravaram ‘Weatherbird’, o que alguns críticos consideram como um dos melhores trabalhos de jazz, um dueto de trompete e piano. A partir desse ano, Hines gravou algumas das suas principais obras. No seu 25º aniversário, Hines lidera a sua própria banda. Foi no clube de Al Capone, o ‘Grand Terrace Ballroom’, que estreou como líder de banda e, durante onze anos, a sua banda foi a principal do clube de Capone. No período que trabalhou no 'Grand Terrace', a sua banda foi a mais ouvida na rádio. E por ela passaram Nat King Cole, que o substituía no piano, Dizzy Gillespie, Sarah Vaughan e Charlie Parker, que seria despedido por chegar, habitualmente, atrasado ao trabalho. Earl Hines liderou a sua banda até 1947, e depois passou temporariamente a liderar a banda de Duke Ellington, enquanto este se encontrava doente. O tempo das grandes bandas e orquestras encontrava-se no fim.

O pós-guerra trouxe tempos difíceis e, em 1948, Earl Hines foi obrigado a terminar a sua banda. Entre 1949 e 1951, Hines e Armstrong se unem novamente na banda deste último, a ‘All Stars’. No entanto, Hines ocupava um lugar secundário, não se mostrando satisfeito. De volta à liderança, desta vez, de pequenos grupos, faz vários concertos pelos EUA e pela Europa. No início dos anos 60, Hines era um músico esquecido. No entanto, em 1964, graças ao seu amigo Stanley Dance, escritor de jazz, Hines é ‘redescoberto’ em New York. Em 1966, ficou em primeiro lugar no ‘Hall of Fame’, da revista ‘Down Beat’, que também o elegeu como o melhor pianista de jazz, em 1966, sendo eleito mais cinco vezes. No mesmo ano, Earl Hines juntou-se ao departamento do Estado dedicado ao jazz, e viajou até à Uniáo Soviética, como Embaixador da Boa-Vontade. Earl Hines morreu em Oakland, uma semana depois do seu último concerto em São Francisco aos 77 anos.

Lester Young (1909-1959) foi um homem tímido, sensível e de poucas palavras e começou sua carreira musical tocando na banda mambembe de sua família, liderada por seu pai Willis Young. Tocava violino, trompete e percussão, passando finalmente para o sax tenor aos 13 anos de idade. Nascido no Mississipi e criado em Nova Orleans, Young e sua família excursionavam pelo sul dos Estados Unidos, tendo de fugir muitas vezes da KKK. Cansado das surras do pai e dos freqüentes embates com grupos racistas, Young abandonou a familia para tocar o sax tenor. Mudou-se para Kansas City, a cidade do momento, e em 1932 juntou-se aos ‘Original Blue Devils’. Tocou na banda de Count Basie, substituindo Coleman Hawkins, e cerca de um ano mais tarde, após a dissolução dos ‘Blue Devils’, entrou definitivamente para a banda, participando de sua primeira formação. Lester Young era excêntrico em todos os aspectos, na maneira de tocar, falar, vestir e andar. Tocava o sax inclinado, quase na horizontal, e pendia a cabeça de modo a ajustar a embocadura. Usava um chapéu de feltro achatado e tinha um vocabulário todo próprio. Uma de suas melhores amigas, por toda vida, foi Billie Holliday, a quem deu o apelido de ‘Lady Day’, sendo chamado por ela ‘The President’. Com o tempo o apelido encurtou e Young era chamado pelos amigos de ‘Pres’. Dessa amizade saiu um dos mais felizes casamentos musicais do jazz: o som de seu sax era o acompanhamento perfeito para a voz de Billie Holliday. Em 1944, foi recrutado pelo exército, onde foi levado à corte marcial e encarcerado por alguns meses por uso de maconha. Quando saiu do exército estava mudado. Voltou a tocar em 1946 e excursionar com o conjunto ‘Jazz at the Philharmonic’. No começo dos anos 50, seu problema com o álcool se agravou, influenciando sua música, por vezes inconsistente, por vezes extremamente sentimental e profunda. Lester Young foi hospitalizado várias vezes por sua dependência antes de morrer em um hotel em Nova York aos 50 anos de idade. leia +...

Teddy Wilson (1912 - 1986) foi um pianista, descrito como ‘o definitivo pianista de swing’. O estilo sofisticado e elegante de Wilson aparece nos registros de muitos dos maiores nomes do jazz incluindo Louis Armstrong, Lena Horne, Benny Goodman, Billie Holiday e Ella Fitzgerald. Com Goodman, ficou conhecido como o primeiro negro a tocar publicamente em um grupo racialmente integrado. Além de sua extensa obra como sideman, Wilson também tinha seus próprios grupos e fez parte de sessões de gravação dos anos 20 aos anos 80. Theodore Shaw Wilson nasceu em Austin, Texas, e estudou piano e violino no Alabama. Depois de fazer parte da banda de Lawrence ‘Speed’ Webb com Louis Armstrong, e também da ‘Hines's Grand Terrace Cafe Orchestra’ de Earl Hines, Wilson entrou para a ‘Chocolate Dandies’ de Benny Carter em 1933. Em 1935, juntou-se a Benny Goodman formando o trio que consistia de Goodman, Wilson e o baterista Gene Krupa, que depois se expandiu para o ‘Benny Goodman Quartet’, com a adição de Lionel Hampton. O trio se apresentava durante os intervalos da big band. O produtor e crítico de jazz John Hammond foi fundamental na obtenção de um contrato de Teddy Wilson com a Brunswick, a partir de 1935, para gravar canções populares da época, tendo em mente o comércio crescente de jukebox. Teddy Wilson gravou cinqüenta discos de sucesso com vários cantores, incluindo muitos dos maiores sucessos de Billie Holiday. Durante esses anos, ele também participou de muitas sessões com um vasto leque de importantes músicos como Lester Young, Roy Eldridge, Charlie Shavers, Red Norvo, Buck Clayton e Ben Webster. Wilson formou a sua própria big band em 1939, e liderou um sexteto no clube ‘Café Society’ de New York. E foi apelidado de ‘Marxist Mozart’ devido ao seu apoio a causas de esquerda; ele tocou em concertos beneficentes para o ‘The New Masses’, uma proeminente publicação marxista norte-americana; fez parte do grupo comunista ‘Russian War Relief’; e presidiu um comitê de artistas para eleger Benjamin J. Davis, um advogado afro-americano comunista, que foi eleito em 1943, para o conselho da cidade de New York, representando o Harlem, que em 1951 foi condenado por violar a Lei Smith e condenado a cinco anos de prisão. Na década de 50, Teddy Wilson lecionou na Juilliard School. E viveu tranquilamente no subúrbio de Hillsdale, Nova Jersey, onde morreu com 73 anos.

Benny Carter (1907 - 2003) foi compositor, tocou saxofone alto, clarinete, trompete, e liderou diversas bandas. Foi uma das figuras principais do mundo do jazz desde os anos 30 até os anos 90. Nascido Bennett Lester Carter a sua juventude foi passada no Harlem, ao lado de Bubber Miley, o trompetista principal de Duke Ellington. Carter foi influenciado por Miley, o que o levou a adquir um trompete, mas logo percebeu que nunca iría tocar como Miley; assim, trocou este instrumento por um saxofone. Carter começou a tocar profissionalmente aos quinze anos. A sua primeira gravação data de 1928 e, no ano seguinte, forma a sua primeira banda. Tocou com Fletcher Henderson em 1930 e 1931, e tornou-se o seu principal arranjador. Passou temporariamente, pelo grupo ‘McKinney's Cotton Pickers’, até voltar a liderar a sua própria banda, em 1932. As poucas gravações entre 1933 e 1934, são consideradas, pelos profissionais do jazz, como marcos nos primórdios do swing. Sofisticadas, e de arranjos complexos, algumas delas tornaram-se standards, por diversas vezes interpretadas por outras bandas, ‘Blue Lou’ é um exemplo. Benny Carter foi também arranjador de Duke Ellington durante estes anos.

No início dos anos 30, Carter e Johnny Hodges, eram considerados os melhores saxofonistas. Carter tornou-se, também, um dos principais trompetistas solo, nesta década, gravando várias composições. Em 1933, fez parte de várias sessões em que participou a banda britânica liderada por Spike Hughes, vindo de New York, especificamente para organizar uma série de gravações, em que também participaram alguns dos melhores músicos negros da época. Dois anos depois, em 1935, Carter viajou para a Europa, onde se tornou o organizador da orquestra de dança da BBC, e onde fez várias gravações. Em 1938 regressou aos EUA e liderou uma big band, e um sexteto, antes de se mudar para Los Angeles, em 1943, para compor para filmes. Sendo um dos primeiros negros a escrever músicas para filmes. Foi mentor, e serviu de inspiração, nos anos 60, a Quincy Jones, quando este começou a compor para televisão e filmes. Miles Davis fez algumas das suas primeiras gravações com Benny Carter, considerando-o um mentor e amigo pessoal. Benny Carter recebeu vários doutoramentos honorários de várias universidades. Em 1987, recebeu o 'Grammy Lifetime Achievement Award', por ter sido reconhecido o seu trabalho em prol da música. Benny Carter morreu de complicações respiratórias com 95 anos.

20-1: Earl ‘Fatha’ Hines (1934-1942)

Tracklist
01. Angry 02. Grand terrace shuffle 03. Piano man 04. G.T. stomp 05. Father steps in 06. Rosetta 07. Boogie woogie on St. Louis Blues 08. Deep forest 09. Number 19 10. Body and soul 11. Child of a disordered brain 12. Tantalizing a Cuban 13. Blues in thirds 14. Up jumped the devil 15. On the sunny side of the street 16. My melancholy baby 17. Windy City Jive 18. The Earl 19. Second balcony jump

20-2: Lester Young (1936-1944)

Tracklist
01. Shoe Shine Boy 02. I Want A Little Girl 03. Countless Blues 04. China Boy 05. Exactly Like You 06. On The Sunny Side Of The Street 07. Upright Organ Blues 08. Who? 09. Jazz Me Blues 10. Dickie's Heaven 11. Lester Leaps In 12. What's Your Number 13. Five O'Clock Whistle 14. Broadway 15. Afternoon On A Basie-Ite 16. Sometimes I'm Happy 17. Just You, Just Me 18. I Never Knew 19. Lester Leaps In 20. I Got Rhythm

20-3: Teddy Wilson (1934-1946)

Tracklist
01. Somebody Loves Me 02. I'm Painting The Town Red 03. All My Life 04. Why Do I Lie To Myself About You? 05. The Way You Look Tonight 06. Sailin' 07. I've Found A New Baby 08. Just A Mode 09. If Dreams Come True 10. I Got Rhythm 11. Jumpin' For Joy 12. Wham (Re-Bop-Boom-Bam) 13. Liza 14. 71 15. China Boy (1941) 16. Indiana 17. I Want To Be Happy 18. Rose Room 19. Just Like A Butterfly

20-4: Benny Carter (1936-1937)

Tracklist
01. Black Bottom 02. Night Fall 03. Swinging The Blues 04. Gloaming 05. Carry Me Back To Old Virginni 06. I've Got Two Lips 07. When Day Is Done 08. Jingle Bells 09. Gin And Jive 10. New Street Swing 11. There'll Be Some Changes Made 12. Nagasaki 13. There's A Small Hotel Rodgers 14. I Gotta Go 15. Bugle Call Rag 16. I'm In The Mood For Swin 17. Swingin' At Maida Vale

interstate blues

2012-08-01T05:46:00.002-03:00

São poucas as informações sobre a banda. Sabe-se que foi formada em Glendale, Califórnia, em 1994, pelo guitarrista e vocalista Jamie Purpora, pelo baterista Jeremy Crowther e pelo baixista Roger Brown com a simples idéia de refazer a trajetória do rock’n’roll, desde as suas raízes no blues até o hard rock, caminho que, segundo seus componentes, foi desvirtuado pelas bandas contemporâneas. Pouco tempo depois, o tecladista Erick Sabo se juntou à banda. Jamie Purpora é membro da ‘Willie Dixon Foundation Blues Heaven’ juntamente com os membros honorários, Eric Clapton, Robert Cray e John Lee Hooker, e participa anualmente do Festival de Blues de Chicago. Com oito álbuns lançados compostos por clássicos de Willie Dixon e Buddy Guy e canções próprias, ‘Interstate Blues’ até 2004 se apresentou em centenas de shows na região de Los Angeles e também em festivais de blues tocando com Koko Taylor e muitos outros. ‘Velvet’, o terceiro álbum combina uma variedade de estilos musicais que criou a marca própria da banda para o blues. O álbum tem uma vasta gama de influências e mostra o quão versátil pode ser o blues. A banda parou com as apresentações em festivais apenas para se concentrar no lançamento do álbum ‘El Diablo’, um completo retorno ao hard rock. Também é um álbum conceitual, para todos aqueles que caíram de amores pela pessoa errada. ‘Redux’ é uma compilação com nove músicas retiradas dos primeiros CDs e mais o clássico de Jimi Hendrix, ‘Voodoo Child (Slight Return)’. ‘Interstate Blues’ tem recebido elogios de nomes como Buddy Guy e Doyle Bramhall, e constantemente recebe indicações por revistas especializadas como a melhor banda de blues de Los Angeles. ‘Interstate Blues’ traz de volta os sons clássicos da guitarra ‘Fender’ e o ‘Hammond B-3’ com Erik Sabo para apresentar a sua versão do blues.

Chicago Blues Festival: Jamie Purpora, Alex Dixon & Chuck Berry

interstate blues - el diablo

Let It Go (1996) | Interstate Blues (1997)

Tracklist: Let It Go
01. Movin' 02. Disguise 03. Let It Go 04. Don't Wanna Fight It 05. Damn Right I Got the Blues 06. You And Only You 07. Miss Me When I'm Gone 08. Love in the Makin' 09. Too Sorry 10. Lovin' You Too Long 11. Snakebite

Tracklist: Interstate Blues
01. Spinning In My Mind 02. I Got My Eyes On You 03. Let Me Fall In Love 04. Keep On Runnin' 05. Rattle Yer Cage 06. Hang On 07. Big Cat 08. Going Down 09. Weak Brain, Narrow Mind 10. The Lost Dream; A Blues Story 11. (I) The Lost Dream 12. (II) A Love Is Gone 13. (III) Razor's Fate 14. (IV) One More Day

Velvet (1998) | White Lightning (2003)

Tracklist: Velvet
01. Velvet 02. Don't Know 03. Bossa Nova Blues 04. Feel This Way 05. Wounds 06. Stranded 07. Thinking Of you 08. Long time comin' 09. I B Leavin'

Tracklist: White Lightning
01. White Lightning (SS Camaro) 02. Got a Fever 03. Do You Love Me 04. Set Me Free 05. In My Head 06. Leave the Rest Behind 07. Tail Dragger 08. Brown Skinned Woman

El Diablo (2005) | Redux (2009)

Tracklist: El Diablo
01. Too Far Gone 02. Deny 03. Soul Vampire 04. El Diablo 05. Succubus 06. Clown 07. I Can Hear the Words Now 08. Goodbye Old Friend

Tracklist: Redux
01. Got a Fever 02. Velvet 03. Southern Lips 04. Set Me Free 05. Movin' 06. Razor's Fate 07. Rattle Yer Cage 08. Let It Go 09. Voodoo Child (Slight Return) 10. Wounds

Southern Lips (2000) | Redemption (2007)

Tracklist: Southern Lips
01. The Getaway 02. Elvis has Left the Building 03. Wishin' Well 04. Nobody Wanna Live 05. Southern Lips 06. Mystery 07. High Life 08. Lazy 09. Straight Down 10. Lifestorm

Tracklist: Redemption
01. Twilight 02. Fate 03. Hear 04. I Know 05. Nineteen Eight Nine 06. Underground 07. Who We Are 08. Redemption

british rock’n’roll

2012-07-29T05:41:00.000-03:00

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Considerado, por muitos, como inferior ao da versão norte-americana, o rock britânico no entanto, foi um fator chave para o desenvolvimento posterior que em 1964, liderada pelos Beatles, levou à ‘British Invasion’, e que teve um impacto considerável em todo o mundo. As tentativas iniciais de imitar o rock’n’roll norte-americano aconteceram na Grã-Bretanha em meados dos anos 50, mas os termos ‘rock music’ e ‘rock’ geralmente se referiam à música derivada do ‘blues-rock’ e outros gêneros que surgiram durante a década de 60. O termo é frequentemente usado em combinação com outros termos para descrever uma variedade de sub-gêneros. E tendeu a ser mais orientado para o mercado de discos, enfatizando o virtuosismo e o desempenho dos artistas. Embora muito diverso o rock britânico já produziu muitos dos mais importantes grupos e artistas e iniciou ou desenvolveu significativamente muitos dos mais influentes sub-gêneros, incluindo beat music, progressive rock, heavy metal, punk, post punk, new romanticism e indie rock.

Na década de 50 a Grã-Bretanha tinha sido exposta à cultura norte-americana através das tropas de soldados que ali estavam e embora não desfrutassem da mesma prosperidade econômica, além da língua em comum tinham semelhantes evoluções sociais e os jovens estavam acostumados aos estilos musicais norte-americanos em especial ao jazz tradicional e alguns precursores do rock’n’roll como o boogie-woogie e o blues. A partir daí surgiu em 1955 a mania ‘skiffle’, uma mistura de jazz, blues, folk e country e tocada com instrumentos pouco convencionais, geralmente caseiros ou usando instrumentos improvisados. Originário dos Estados Unidos na primeira metade do século XX tornou-se popular no Reino Unido em 1950, onde foi associada principalmente à Lonnie Donegan cuja versão do blues folk ‘Rock Island Line’ alcançou as paradas mundiais. Ao mesmo tempo, a juventude britânica estava começando a descobrir o rock’n’roll. Para muitos, foi através do filme ‘Blackboard Jungle’ de 1955, o primeiro a usar o rock’n’roll na trilha sonora e que deu o pontapé inicial para as vendas de ‘Rock Around the Clock’ de Bill Haley & His Comets, que ajudou a desencadear o ‘boom’ do rock.

Ele também desencadeou o pânico moral quando os jovens freqüentadores de cinema rasgavam as poltronas ao dançar sobre elas o que ajudou a identificar o rock’n’roll como música de delinquentes o que levou a serem proibidas por estações de rádio e TV, tornando-se uma espécie de movimento de subsolo e amplamente adotado. No entanto o rock norte-americano tornou-se uma grande força nas paradas inglesas. Elvis Presley alcançou a segunda posição com ‘Heartbreak Hotel’ em 1956 e teve mais nove singles entre as trinta daquele ano. ‘All Shook Up’ foi primeiro lugar em 1957 e não houve mais concorrentes para ele e também para ‘Buddy Holly and the Crickets’ e Jerry Lee Lewis nos dois anos seguintes. A resposta inicial da indústria da música britânica foi a tentativa de produzir cópias exatas de discos norte-americanos. Foram muitas vezes gravados com músicos contratados, mas faltava a energia e espontaneidade que caracterizavam o rock’n’roll norte-americano. Eram jovens contratados na tentativa de penetrar no mercado emergente já que o estilo 'skiffle' estava em declino.

A Wee Willie Harris foi creditado como sendo o primeiro, mas foi Tommy Steele que provou ser o mais bem sucedido a essa vaga, e um dos primeiros a ser rotulado como o ‘Elvis britânico’. Ele chegou ao Top 20 com ‘Rock with the Caveman’ e em primeiro com ‘Singing the Blues’ em 1956. Outra resposta ao rock norte-americano foi com ‘Bloodnok's Rock'n'Roll Call’ gravada por ‘The Goons’ que alcançou o terceiro lugar. Mesmo assim, o produto americano manteve-se dominante. No entanto, este processo foi importante para a orientação da indústria fonográfica britânica investir nas bandas. Mesmo assim, em 1958 a Grã-Bretanha produziu o seu primeiro autêntico rock’n’roll e sua primeira grande estrela, Cliff Richard, a grande resposta para Elvis Presley e um dos mais populares cantores do país até a chegada dos Beatles, e os ‘Drifters’ com a música ‘Move It’ que conseguiu combinar blues com rock’n’roll. Cliff Richard e a banda instrumental de apoio ‘The Shadows’, foram os mais bem sucedidos da época. ‘The Shadows’, e particularmente o guitarrista Hank Marvin, foram muito influentes para a geração seguinte de músicos, ajudando a cimentar o line-up de bateria, baixo, ritmo e guitarras das futuras bandas britânicas. Já, para alguns, o trabalho de Cliff Richard é visto como uma imitação sem graça de Elvis e do rock’n’roll.

Em meio a vitalidade limitada dos anos 50 e início dos anos 60 no rock’n’roll britânico havia alguns artistas mais dinâmicos como Billy Fury, cujos trabalhos acompanhados pela guitarra de Joe Brown são considerados os melhores da época. Assim como Tony Sheridan, Vince Taylor e ‘Screaming Lord Sutch and the Savages’. O único que tem sido descrito como o 'pré-Beatle' é ‘Johnny Kidd & The Pirates’, cuja canção ‘Shakin 'All Over’ conseguiu tornar-se um marco do rock’n’roll. O rock’n’roll britânico declinou acentuadamente depois de 1962. Principalmente Cliff Richard que praticamente desapareceu do mapa, quando grupos de R&B começaram a dominar. Muitos continuaram as suas carreiras, mas o sucesso era raro. Artistas britânicos antes de 1963 eram quase desconhecidos. Mesmo na Grã-Bretanha a sua importância era limitada. Com a chegada das ‘british blues bands’ como ‘The Rolling Stones’, ‘The Yardbirds’, Eric Clapton, ‘Fleetwood Mac’ e ‘Led Zeppelin’ derivadas do blues americano atingiram o auge da popularidade na década de 60 quando desenvolveram um estilo distinto e influente dominado pela guitarra elétrica e como resultado o blues britânico ajudou a formar muitos dos sub-gêneros do rock.

johnny kidd & the pirates - shakin all over

‘British Rock’n’Roll Anthology’ oferece esta excelente visão da era pré-Beatles do rock britânico, iluminando esse tempo a partir de meados dos anos 50. Além da homenagem aos precursores Wee Willie Harris e Tommy Steele, existem algumas raridades que não foram hits na época, mas agora são de importância histórica: Tom Jones com ‘Chills and Fever’, o pré-Who ‘The High Numbers’ em ‘I'm The Face’ e a versão de Rod Stewart para ‘Good Morning Little Schoolgirl’, que tem sido regravada inúmeras vezes ao longo das décadas. Assim como os clássicos do autêntico rock britânico ‘Shakin' All Over’ por ‘Johnny Kidd and the Pirates’ e Vince Taylor com ‘Brand New Cadillac’. Além de alguns exemplares inferiores, tem a versão estranha e intrigante de Marion Ryan para ‘Why Do Fools Fall In Love’, um original norte-americano. E ‘Lord Rockingham's XI’, um grupo de jazzistas que se aventurou na nova moda, o rock’n’roll. A grande omissão é em relação a Cliff Richard, mas no geral o álbum é uma introdução muito boa para os não especialistas.

British Rock’n’ Roll Anthology (2009)
CD 1 CD 2 CD 3 CD 4 CD 5

Tracklist CD 1
01. Tommy Steele & The Steelmen - Rock With The Caveman
02. Lonnie Donegan - Cumberland Gap
03. Jim Dale - Be My Girl
04. Lord Rockingham's XI - Hoots Mon!
05. Marty Wilde - A Teenager In Love
06. Johnny Kidd & The Pirates - Shakin' All Over
07. Adam Faith - Poor Me
08. Joe Brown & The Bruvvers - A Picture Of You
09. The Viscounts - Who Put The Bomp (In The Bomp Bomp Bomp)
10. Jet Harris - Man With The Golden Arm
11. Tommy Bruce & The Bruisers - Ain't Misbehavin'
12. Eden Kane - Well I Ask You
13. Billy Fury - Wondrous Place
14. The Tornados - Telstar
15. Chris Farlowe - Air Travel
16. Tom Jones - Chills And Fever
17. The High Numbers - I'm The Face
18. Joe Cocker - I'll Cry Instead
19. The Beatles - Ain't She Sweet

Tracklist CD 2
01. Lonnie Donegan - Rock Island Line
02. Marion Ryan - Why Do Fools Fall In Love
03. Terry Dene - Start Movin' (In My Direction)
04. Colin Hicks - Wild Eyes And Tender Lips
05. Tommy Steele & the Steelmen - Tallahassee Lassie
06. Marty Wilde - Bad Boy
07. Joe Brown & the Bruvvers - Darktown Strutters Ball
08. Jet Harris - Besame Mucho (Kiss Me)
09. The Brook Brothers - Warpaint
10. Cliff Bennett & The Rebel Rousers - You've Got What I Like
11. Davy Jones - Amapola
12. Helen Shapiro - Don't Treat Me Like A Child
13. The Shadows - Wonderful Land
14. Bern Elliot & The Fenmen - Money
15. Dave Berry - My Baby Left Me
16. Wayne Fontana & The Mindbenders - Hello Josephine
17. The Animals - Baby Let Me Take You Home

Tracklist CD 3
01. Frankie Vaughan - Green Door
02. Lonnie Donegan - Don't You Rock Me Daddy-O
03. Anthony Newley - Idle On Parade
04. Terry Dene - Pretty Little Pearly
05. Marty Wilde - Endless Sleep
06. Craig Douglas - Nothin' Shakin'
07. Billy Fury - Maybe Tomorrow
08. Mort Shuman - Turn Me Loose
09. The Jetstreams - Bongo Rock
10. Eden Kane - Get Lost (In My Arms)
11. Lyn Cornell - I Sold My Heart To The Junkman
12. Nero & The Gladiators - Entry Of The Gladiators
13. Jimmy Powell - Sugar Babe [Part 2]
14. Cyril Davies - Country Line Special
15. Georgie Fame - Do The Dog
16. Jimmy Justice - Bloodshot Eyes
17. The Marauders - That's What I Want
18. The Mojos - Everything's Alright
19. The Spencer Davis Group – Dimples

Tracklist CD 4
01. Tony Crombie & The Rockets - Teach You To Rock
02. Four Jones Boys - Tutti Frutti
03. Frankie Vaughan - These Dangerous Years
04. The Southlanders - The Mole In The Hole
05. Joey Castell - I'm Left, You're Right, She's Gone
06. Wee Willie Harris - Love Bug Crawl
07. Ted Heath & His Music - Tequila
08. Vince Eager & The Vagabonds - Yea Yea
09. Tommy Steele & The Steelmen - Come On, Let's Go
10. Sally Kelly - Little Cutie
11. The Viscounts - Shortnin' Bread
12. Rhet Stoller - Chariot
13. Louise Cordet - I'm Just A Baby
14. Lee Diamond & The Cherokees - I'll Step Down
15. Jet Harris & Tony Meehan - Diamonds
16. Steve Marriott - Give Her My Regards
17. The Dennisons - Walking The Dog
18. The Undertakers - Just A Little Bit
19. Rod Stewart - Good Morning Little Schoolgirl

Tracklist CD 5
01. Tommy Steele & The Steelmen - Singing The Blues
02. Frankie Vaughan - Seventeen
03. The Goons - Bloodnok's Rock 'n' Roll Call
04. Petula Clark - Baby Lover
05. Lord Rockingham's XI - Wee Tom
06. Marty Wilde - Honeycomb
07. Most Brothers - Whole Lotta Woman
08. Wee Willie Harris - Rockin' At The Two I's
09. Terry Dene - Baby She's Gone
10. Vince Taylor & The Playboys - Brand New Cadillac
11. The Viscounts - Rockin' Little Angel
12. Lonnie Donegan - Have A Drink On Me
13. Joe Brown & The Bruvvers - I'm Henry The Eighth I Am
14. Billy Fury & The Four Jays - That's Love (Alt. Take)
15. Peter Jay & The Jaywalkers - Can Can 62
16. Casey Howie & The Seniors - True Fine Mama
17. The Big Three - Some Other Guy
18. Lulu & The Luvvers - Shout

2I's Coffee Bar (1959)

Muitos dos artistas apresentados em ‘British Rock'n'Roll at Decca’ começaram a carreira no lendário ‘2I’s Coffee Bar’, o berço do rock’n'roll britânico. O ‘2I's Coffee Bar’ em Soho, Londres, entre 1956 e 1967 era propriedade do australiano Paul Lincoln. Diz a lenda que o nome refere-se aos proprietários anteriores, dois irmãos chamados Irani. O bar tinha música ao vivo e várias estrelas foram descobertas tocando aí, assim como: Wee Willie Harris, Rory Blackwell, Tommy Steele, ‘The Vipers Skiffle Group’, Cliff Richard, Hank Marvin, Terry Den, Carlo Little, Joe Brown, Eden Kane, Screaming Lord Sutch, Jay Chance, Tony Sheridan, Johnny Kidd, Jet Harris, Paul Gadd, que mais tarde seria conhecido como Paul Raven e Gary Glitter, Dene Lincoln, Ritchie Blackmore, Alex Wharton, Mickie Most, Bill Kent e Big Jim Sullivan. O ‘skiffle’ era novidade no Reino Unido e, em particular no ‘2I's Café Bar’ e no ‘The Cat's Whisker’, um outro bar, também em Soho, fundado por Peter Evans e que também oferecia rock’n’roll cujos músicos eram pagos com café e Coca-Cola.

Em ‘British Rock'n'Roll at Decca’ estão muitos dos melhores sucessos dessa época de ouro e foram retirados dos arquivos da ‘Decca Records’, uma famosa gravadora que negou aos Beatles uma chance de gravar, do que se arrependeu mais tarde. No Volume 1 que abrange o periodo entre 1957-1961 estão sucessos como ‘Riot in Cell Block No.9’ e ‘Love Bug Crawl’ (Wee Willie Harris), ‘Be My Girl’ (Don Fox), ‘Whole Lotta Woman’ (The Most Brothers), ‘Who Could Be Bluer?’ e Plain Jane (Eddie Hickey).

O Volume 2 mostra que os britânicos assumiram com paixão o rock’n’roll dos norte-americanos. Este segundo volume inclui quatro faixas do famoso cantor e ator Anthony Newley. ‘Idle on Parade' de 1959 é também o nome do filme no qual Anthony desempenhou o papel do cantor Jeep Jackson, uma paródia de Elvis Presley. Muitos outros estão neste volume, assim como algumas surpresas: Chris Barber, mais tarde um famoso trombonista de jazz, ‘The Graham Stewart Seven’ e o falecido George Melly com seu estilo vocal inimitável.

O terceiro volume abrange os anos 1957-1963 e contém raros e cobiçados lançamentos da Decca. Particularmente ‘Screaming Lord Sutch’, assim como o guitarrista e compositor Rhet Stoller.

British Rock'n'Roll at Decca (2008)
volume 1 volume 2 volume 3

Tracklist: Volume 1
01. Wee Wille Harris - Rosie Lee
02. Wee Wille Harris - Love Bug Crawl
03. Wee Wille Harris - No Chemise Please
04. Wee Wille Harris - Got A Match
05. Wee Wille Harris - Wild One
06. Wee Wille Harris - Little Bitty Girl
07. Wee Wille Harris - Riot In Cell Block No.9
08. Wee Wille Harris - Rockin' At The Two I's
09. Wee Wille Harris - Back To School Again
10. Wee Wille Harris - Smack Dab In The Middle
11. Little Tony - Hippy Hippy Shake
12. Little Tony - Hey Little Girl
13. Little Tony - Too Good
14. Eddie Hickey - Plain Jane
15. Eddie Hickey - Who Could Be Bluer
16. Lisa Noble - Maggie! - Yes Ma!
17. Lisa Noble - Who's Sorry Now Lisa Noble
18. The Most Bros - Whistle Bait
19. The Most Bros - Whole Lotta Woman
20. The Most Bros - Teen Angel
21. The Three Barry Sisters - Tall Paul
22. The Jetstreams - Bongo Rock
23. Joey Castell - I'm Left You're Right She's Gone
24. I'm A Man
25. Mort Shuman - Be My Girl Don Fox
26. The Lindys - Train Of Love
27. Nero And The Gladiators - In The Hall Of The Mountain King
28. The Worried Men - Fraulein
29. The Worried Men - This Little Light
30. The Worried Men - Nine Hundred Miles From Home

Tracklist: Volume 2
01. Anthony Newley - Saturday Night Rock-A-Boogie
02. Anthony Newley - I've Waited So Long
03. Anthony Newley - Idle On Parade
04. Anthony Newley - Idle Rock-A-Boogie
05. Dickie Bennett - Dungaree Doll
06. Four Jones Boys - Tutti Frutti
07. Four Jones Boys - Priscilla
08. Five Smith Brothers - A-B-C Boogie
09. Southlanders - Alone
10. Betty Smith Group - Hand Jive
11. Vic Chester - Rock-A-Billy
12. Morris & Mitch - Bird Dog
13. Gerry Dorsey - Crazy Bells
14. Bobby Tempest - Love Or Leave
15. Terry White & The Terriers - Blackout
16. Lyn Cornell - Demon Lover
17. Derry Hart & The Heartbeats - Come On Baby
18. Cutters - I've Had It
19. Cutters - Rockaroo
20. Rhet Stoller - Walk Don't Run
21. Beryl Wayne - Gypsy In My Soul
22. Johnny Grant - All Of Me
23. Blue Jeans - Lonesome Traveller
24. Blue Jeans - When I Get To Glory
25. Graham Stewart Seven - Black Bottom Stomp
26. Graham Stewart Seven - Song Of The Swanee
27. George Melly - This Train
28. Chris Barber - I Never Knew What A Girl Could Do
29. Morris & Mitch - I'm Not A Juvenile Delinquent

Tracklist: Volume 3
01. Annette Klooger - Tra La La
02. The Confrey Phillips Trio - Hokey-Kokey Rock'n'roll
03. The Confrey Phillips Trio - Shotgun Rock'n'roll
04. Dickie Bishop & The Sidekicks - No Other Baby
05. The Stargazers - You Won't Be Around
06. The Most Brothers - I'm Comin' Home
07. The Most Brothers - Dottie
08. The Most Brothers - Don't Go Home
09. Jackie Dennis - Linton Addie
10. Joy & David - Rockin' Away The Blues
11. Terry White & The Terriers - Rock Around The Mailbag
12. Eddie Hickey - Lady May
13. Johnny's Boys - Sleep Walk
14. Little Tony & His Brothers - I Can't Help It
15. Stevie Marsh - If You Were The Only Boy In The World
16. Little Tony & His Brothers - Foxy Little Mama
17. Rhet Stoller - Chariot
18. Mike Berry With The Outlaws - Will You Still Love Me Tomorrow
19. Nero & The Gladiators - Entry Of The Gladiators
20. Nero & The Gladiators - The Trek To Rome
21. Garry Mills - Bless You
22. Robb Storme & The Whispers - Earth Angel
23. Don Lang & His Boulder Rollers - Wicked Women
24. Don Lang & His Boulder Rollers - Play Money
25. Billy Boyle - My Baby's Crazy Bout Elvis
26. The Mudlarks - I've Been Everywhere
27. Screaming Lord Sutch - Jack The Ripper
28. Screaming Lord Sutch - Don't You Just Know It
29. Screaming Lord Sutch - I'm A Hog For You
30. Screaming Lord Sutch - Monster In Black Tights

british blues

2012-07-28T03:42:00.000-03:00

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O blues norte-americano tornou-se conhecido na Grã-Bretanha a partir da década de 30 trazido por recrutas afro-americanos na Segunda Guerra Mundial e na época da Guerra Fria por marinheiros mercantes que desembarcavam nos portos de Londres, Liverpool, Newcastle on Tyne e Belfast ouvindo especialmente obras das cantoras Ma Rainey e Bessie Smith. O blues britânico se originou no final dos anos 50 inicialmente em Londres, mas também em outros centros urbanos do Reino Unido, predominantemente por jovens músicos brancos que tentavam imitar o estilo e as gravações dos artistas afro-americanos.

A partir de 1955 grandes gravadoras britânicas como HMV e EMI, esta última em particular através da sua filial 'Decca Records' começou a distribuir o jazz e o blues americano quando o 'skiffle' (uma mistura de jazz, blues, folk e country tocada com instrumentos pouco convencionais, geralmente caseiros ou usando instrumentos improvisados) começou a declinar no final dos anos 50. Influenciado por uma ampla variedade de formas da música norte-americana, especialmente rock’n’roll e rockabilly (um dos primeiros sub-gêneros do rock and roll, uma mistura de rock e hillbilly, este último uma referência à música country) e por outro lado, pelos puristas do blues, particularmente pelo blues elétrico de Chicago, embora tenha havido um cruzamento considerável entre os três estilos, o blues britânico atingiu seu auge de popularidade na década de 60 quando desenvolveu um estilo distinto e influente dominado pela guitarra elétrica.

Entre os pioneiros estão o guitarrista e radialista Alexis Korner e o gaitista Cyril Davies que formaram o ‘Blues Incorporated’ infuenciados pelos heróis urbanos de Chicago do blues elétrico Muddy Waters e Howlin' Wolf, e que por sua vez influenciaram uma geração de jovens músicos, principalmente os ‘Rolling Stones’ e ‘Yardbirds’, que rapidamente encontraram o sucesso nas paradas. Um fator chave no desenvolvimento da popularidade do blues no Reino Unido e em toda a Europa em 1960 foram as turnês do ‘American Folk Blues Festival’ organizadas e patrocinadas pelos alemães Horst Lippmann e Rau Fritz. E o ponto culminante deste primeiro movimento do blues britânico veio com John Mayall, que se mudou para Londres no início dos anos 60, formando o ‘Bluesbreakers’, cujos membros em vários momentos foram: Jack Bruce, memorável vocalista e baixista escocês, respeitado membro da banda de rock psicodélico ‘Cream’; o baterista Aynsley Dunbar que trabalhou com alguns dos maiores nomes do rock e o guitarrista Mick Taylor que também tocou com os ‘Rolling Stones’ entre 1969-1974. Peter Green com ‘Fleetwood Mac’ começou a chamada ‘grande segunda época do blues britânico’. Os dois grupos foram modelados pela influência dos lendários BBKing, Albert King e Freddie King.

Eram poucas as mulheres no blues do Reino Unido. Jo Ann Kelly foi uma das raras cantoras e guitarristas do blues britânico. Kelly nasceu em Streatham, sul de Londres, e com seu irmão, Dave Kelly, tornou-se fã do blues em sua adolescência e tinha uma voz poderosa, mais que o seu corpo franzino sugeria. Depois de uma parceria musical com o músico de blues britânico Tony McPhee, no final da década de 60, Kelly gravou com uma grande gravadora nos EUA moldada pela mesma para ser uma outra Janis Joplin. Tanto Johnny Winter como Canned Heat tentaram recrutá-la para suas bandas, no entanto, sua lealdade era para com o Reino Unido e o clube onde se apresentava, que deixou de apoiá-la financeiramente em 1970 e 1980 o que a levou para o circuito europeu com o guitarrista Pete Emery e em outras bandas. No início de 1980, ela era membro do ‘Terry Smith Blues Band’. Em 1988, Kelly começou a sofrer de dores de cabeça. Em 1989 ela fez uma cirurgia para remover um tumor cerebral. Ela faleceu em outubro de 1990, com 46 anos.

As bandas de maior sucesso no gênero foram os 'Rolling Stones', 'The Yardbirds' - que lançou os três grandes guitarristas Eric Clapton, Jeff Beck e Jimmy Page -, 'The Kinks', Manfred Mann, 'The Animals', 'The Spencer Davis Group', 'The Who'. Muitas dessas bandas foram cultuadas no Reino Unido, mas encontraram dificuldades para penetrar no mercado americano. Só as que conseguiram, depois de alguma dificuldade, tiveram sucesso, principalmente após as suas aparições no ‘Monterey Pop Festival’ em 1967 e em Woodstock em 1969. E com elas o blues britânico formou muitos dos sub-gêneros do rock, e sub-culturas como a ‘mod’ (de modernista). Os elementos significativos do Mod era a moda, com ternos feitos sob medida, a música que incluía o blues norte-americano, o ska jamaicano, a britânica beat music e r&b. Para o transporte muitos ‘mods’ utilizavam as scooters italianas Vespas e Lambrettas. E as anfetaminas eram utilizadas toda a noite em clubes de dança como o ‘Twisted Wheel Club’ em Manchester. Embora os Beatles vestiam-se como ‘mod’ em seus primeiros anos, a sua música não era popular entre os ‘mods’, que tendiam preferir bandas como 'Small Faces', 'The Kinks', 'The Yardbirds' e especialmente 'The Who'. Houve um revival 'mod' na Inglaterra no final de 70 que foi seguido nos EUA no início de 80, particularmente no sul da Califórnia.

Mods em suas scooters italianas Vespas e Lambrettas. Embora os Beatles vestiam-se como ‘mod’ a sua música não era popular entre eles, que prefeririam outras bandas, especialmente ‘The Who’.

A estrutura dos clubes, eventos e festivais que haviam crescido no início dos anos 50 na Grã-Bretanha praticamente desapareceram na década de 70. E o auto-suficiente blues britânico terminou quando Jimi Hendrix chegou dos Estados Unidos para mostrar aos músicos locais a loucura da sua guitarra. No entanto, o seu legado sobreviveu e floresceu dando origem a uma série de sub-gêneros do rock, incluindo, em particular o rock psicodélico e o rock progressivo. E a partir do final de 1970 surgiu uma nova geração de bandas de rock blues como 'Led Zeppelin', 'Deep Purple' e 'Black Sabbath', o que levaria ao desenvolvimento do hard rock e, finalmente ao heavy metal, um estilo construído baseado nos rifs dos guitarristas do blues britânico.

Talvez a mais importante contribuição do blues britânico foi a surpreendente ‘reexportação’ do blues norte-americano para o próprio país de origem, onde na esteira do sucesso de bandas como os 'Rolling Stones' e 'Fleetwood Mac', platéias brancas começaram a redescobrir os músicos negros do blues como Muddy Waters, Howlin’ Wolf e John Lee Hooker, que de repente eram os heróis da classe média branca norte-americana. O resultado foi uma re-avaliação do blues nos Estados Unidos que permitiu que portas fossem abertas para músicos brancos e o desenvolvimento do Texas blues com Stevie Ray Vaughan e Johnny Winter. Desde então o interesse pelo blues na Grã-Bretanha diminuiu, mas tem retornado nos últimos anos e tem havido um interesse renovado no gênero que pode ser visto no sucesso do excepcional anteriormente desconhecido Seasick Steve. E o retorno das grandes figuras do primeiro ‘boom’, incluindo Peter Green, Mick Fleetwood, Chris Rea e Eric Clapton, bem como a chegada de jovens artistas como Matt Schofield e Aynsley Lister.

Alexis Andrew Nicholas Koerner nasceu em Paris de um pai austríaco e mãe grega e passou sua infância na França, Suíça e África do Norte. Ele chegou a Londres em 1940, no início da Segunda Guerra Mundial. Uma lembrança de sua juventude é estar ouvindo um disco do pianita afro-americano Jimmy Yancey durante um ataque aéreo alemão e a partir de então tudo o que queria fazer era tocar o blues. Após a guerra, ele tocou piano e guitarra - a sua primeira guitarra foi dada pelo amigo Sydney Hopkins, autor do livro ‘Mister God, This Is Anna’. Em 1949, Alexis Korner se juntou à banda de jazz do trombonista Chris Barber onde se encontrou com gaitista de blues Cyril Davies. Eles começaram a tocar juntos como um duo, na influente Londres em 1955. Korner trouxe muitos artistas norte-americanos de blues, até então desconhecidos na Inglaterra.

Cyril ‘Squirrel’ Davies foi um dos primeiros britânicos a tocar a gaita de blues. Nascido em St. Mildred, perto de Londres, ele era filho de operários que acredita-se, vieram de Gales. Em 1962, Davies e Korner abriram um clube chamado ‘Ealing Jazz Club’, em Londres, e acrescentaram o baixista Jack Bruce, o saxofonista Dick Heckstall-Smith e o baterista Charlie Watts, para formar a banda ‘Blues Incorporated’ e muitos jovens músicos passaram a visitar o clube. Mas, logo houve um desentendimento entre os componentes da banda, com alguns dos membros querendo tocar Chuck Berry e Bo Diddley, enquanto Cyril Davies como um purista do blues queria o verdadeiro estilo de Chicago o que culminou na sua saída do ‘Blues Incorporated’ em 1962, para formar o ‘Cyril Davies All-Stars’.

‘The Ealing Club’ abaixo da padaria ‘ABC’, em frente à estação de Ealing Broadway

O ‘Ealing Jazz Club’ ou ‘The Ealing Club’ como era mais conhecido, foi um dos espaços historicamente mais importantes da música de Londres durante a década de 60. Situado abaixo da padaria ‘ABC’, em frente à estação de Ealing Broadway, no frondoso bairro de West London Ealing, o clube se tornou famoso como o primeiro local de blues de Londres quando Alexis Korner e Cyril Davies estrearam com a banda ‘Blues Incorporated’ em março de 1962. Apelidado de ‘Moist Hoist’ por causa da umidade nas paredes, o clube recebeu muitos ilustres de Londres, e em abril desse mesmo ano foi cenário para a primeira reunião entre Jagger, Richard e Brian Jones, que formaram o núcleo dos 'Rolling Stones'.

Dave Stevens, pianista de jazz pouco conhecido; Dick Heckstall-Smith, saxofonista de jazz e blues tocou com algumas das mais importantes bandas de rock-blues e jazz fusion; Alexis Korner; Jack Bruce, baixista, vocalista e compositor que tocou com John Mayall e com Manfred Mann antes de iniciar sua contribuição mais célebre, como baixista, no power trio ‘Cream’; o vocalista é o jovem Mick Jagger; Cyril Davies e Charlie Watts, futuro baterista do 'Rolling Stone', que ficou escondido na foto.

Nos três anos seguintes, entusiastas do blues e r&b se apresentaram no minúsculo palco do clube. Além de Jack Bruce, Ginger Baker e Eric Clapton - que seriam famosos como integrantes do ‘Cream’ de 1966 a 1968 -; Graham Bond - cantor, organista e saxofonista, uma importante e subestimada figura do r&b britânico, que tocou com Ginger Baker e Jack Bruce antes deles formarem o ‘Cream’ -; John Mayall - cantor, compositor e multi-instrumentalista de blues e fundador da banda ‘The Bluesbreakers -; Long John Baldry – com seus dois metros de altura, o que lhe rendeu o apelido Long, e com uma voz rica e profunda, ele foi um dos primeiros vocalistas britânicos a cantar blues -; Eric Burdon - vocalista e líder da banda ‘The Animals’ e mais tarde do grupo ‘War’ - e Paul Jones, futuro vocalista e gaitista de sucesso do grupo ‘Manfred Mann's Earth Band’ e que no clube fazia dueto com Elmo Lewis, apelido de Brian Jones, futuro 'Rolling Stone'.

'The Who' e Jimi Hendrix (1960)

‘The Who’ fez seu primeiro show anunciado no clube no final de 1964, e tocou regularmente até o início de 1965. E também a banda de Jeff Beck, ‘The Tridents’ tocava nas quartas e nas sextas-feiras durante o verão de 1964. O futuro 'Rolling Stone', Ron Wood, foi outro famoso músico que freqüentava o clube com sua banda, a inesquecível ‘The Birds', inicialmente chamados de 'Thunderbirds'. Seu irmão, o falecido Art Wood também aparecia por lá, e tocava com o ‘Blues Incorporated’ e à frente de sua própria banda, ‘The Artwoods’. Como um viveiro do r&b, o clube se tornou como um ímã para os músicos de Londres. Muitos deles se apresentaram no clube ou assistiram o r&b emergir dele, e de posse do que haviam aprendido partiram para os mercados estrangeiros, como parte da invasão britânica. Da mesma forma, muitos outros músicos não tão famosos que tocaram no ‘Ealing Club’ passaram a produzir uma fascinante música na crescente cena psicodélica.

t.s. mcphee - you don´t love me

Anthology of British Blues (1991)
volume 1 volume 2

Tracklist: Volume 1
01. John Mayall & The Bluesbreakers - I´m Your Witchdoctor
02. Eric Clapton - Snake Drive
03. T.S. McPhee - Ain´t Gonna Cry No More
04. Savoy Brown Blues Band - I Tried
05. Eric Clapton - Tribute To Elmore
06. Jo Ann Kelly - I Feel So Good
07. John Mayall & The Bluesbreakers - Telephone Blues
08. T.S. McPhee - You Don´t Love Me
09. Eric Clapton - West Coast Idea
10. Jo Ann Kelly - Ain´t Seen No Whisky
11. Stone´s Masonry - Flapjacks
12. Savoy Brown Blues Band - Cold Blooded Woman
13. John Mayall & The Bluesbreakers - On Top Of The World
14. T.S. McPhee - Someone To Love Me
15. Savoy Brown Blues Band - Can´t Quit You Baby
16. Eric Clapton & Jimmy Page - Draggin´ My Tale
17. Dharma Blues Band - Dealing With The Devil
18. Jeremy Spencer - Who´s Knocking
19. Eric Clapton & Jimmy Page - Freight Loader
20. Jeremy Spencer - Look Down At My Woman
21. Dharma Blues Band - Roll 'em Pete
22. Eric Clapton & Jimmy Page - Choker
23. Savoy Brown Blues Band - True Blues
24. T.S. McPhee - When You Got A Good Friend

Tracklist: Volume 2
01. Cyril Davies & The All Stars - Someday Baby
02. The All Stars Featuring Jeff Beck - Steelin'
03. The All Stars Featuring Jimmy Page - L.A. Breakdown
04. The All Stars Featuring Jeff Beck - Chuckles
05. The All Stars Featuring Jimmy Page - Down In The Boots
06. The All Stars Featuring Nicky Hopkins - Piano Shuffle
07. Eric Clapton & Jimmy Page - Miles Road
08. Santa Barbara Machine Head - Porcupine Juice
09. Santa Barbara Machine Head - Albert
10. Santa Barbara Machine Head - Rubber Monkey
11. Smith Stuff - Howlin For My Darling
12. Albert Lee - Next Milestone
13. Earl Vince & The Valiants - Somebodys Gonna Get Their Head
14. Dave Kelly - New Death Matter
15. Jo Ann Kelly - Back Water Blues
16. Rod Stewart - So Much To Say
17. Dave Kelly - Married Woman Blues
18. Albert Lee - Water On My Fire
19. Jo Ann Kelly - Keep Your Hands Out Of My Pockets
20. Dave Kelly - Alabama Woman
21. Albert Lee - Crosstown Link
22. Dave Kelly - All Night Long
23. Simon & Steve - Down And Dirty
24. Rod Stewart & P.P Arnold - Come Home Baby

The British Blues Collection (2006)
volume 1 volume 2

Tracklist: Volume 1
01. The Animals – Boom Boom
02. The Yardbirds – Good Morning Little School Girl
03. Jeremy Spencer – Who’s Knockin’
04. Humble Pie – Wrist Job
05. Davy Graham – When Did Ton Leave Heaven?
06. Chris Farlowe – Moапіп”
07. Eric Clapton & Jimmy Page – Draggin’ My Tail
08. John Mayall & The Bluesbreakers – On Top Of The World
09. Rod Stewart – Bright Lights Big City
10. T.S. McPhee – Yon Don’t Love Me
11. Brian Anger And The Trinity – Tiger
12. Graham Bond Organization – Stormy Monday
13. Les Fleur De Lys – So Come On
14. Eric Clapton – West Coast Idea
15. Jimmy Page & The All Stars – Down In The Boots

Tracklist: Volume 2
01. Fleetwood Mac – Man Of The World
02. The Golden Apples Of The Sun – Chocolate Rolls, Tea And Monopoly
03. Humble Pie – Cold Lady
04. Graham Bond Organization – Wade In The Water
05. John Mayall’s & The Bluesbreakers – I’m Your Witch. Doctor
06. The Yardbirds -1 Wish You Would
07. Davy Graham – Blues Raga
08. Mick Softley – She’s My Girl
09. Rod Stewart – Little Miss Understood
10. Savoy Brown’s Blues Band – Cold Blooded Woman
11. T.S. McPhee – When You Got A Good Friend
12. Eric Clapton & Jimmy Page – Freightloader
13. Chris Farlowe – Handbags And Gladrags
14. Spencer Davis R&B Quartet – Dimples
15. Cyril Davies & His Rhythm & Bines All Stars – Someday Baby

British Blues Invasion (1993)

Tracklist
01. Eric Clapton & The Immediate All Stars - Snake Drive
02. Alexis Korner - I'm Your Hoochie Coochie Man
03. Fleetwood Mac - Green Manalishi (Live)
04. Big Bill Broonzy - Mindin' My Own Business
05. Juicy Lucy - Who Do You Love?
06. Cyrill Davies and His R&B All Stars - Chicago Calling
07. Tony McPhee - Ain't Gonna Cry No More
08. Savoy Brown Blues Band - Cold Blooded Woman
09. Jeremy Spencer - Look Down At My Woman
10. The Immediate All Stars & Jeff Beck - Steelin'
11. Sonny Terry & Brownie McGee - Black Horse Blues
12. Alexis Korner - Get Off Of My Cloud
13. Fleetwood Mac - Black Magic Woman (Live)
14. Big Bill Broonzy - St. Louis Blues
15. Jimmy Page, Eric Clapton & The Immediate All Stars - Freight Loader
16. John Mayall & The Bluesbreakers - Telephone Blues

british jazz

2012-07-27T17:40:00.000-03:00

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O jazz britânico chegou a Grã-Bretanha através de gravações e artistas norte-americanos que visitaram o país enquanto ele era um gênero relativamente novo, logo após o fim da I Guerra Mundial. Ele começou a ser tocado por músicos britânicos nos anos 30 e ganhou popularidade em 1940, tocado nos salões pelas big bands. A partir do final dos anos 40 o moderno jazz britânico, altamente influenciado pelo bebop americano, começou a surgir e foi divulgado pelo compositor de jazz, saxofonista e clarinetista inglês John Dankworth e pelo saxofonista tenor e dono do clube de jazz Ronnie Scott, enquanto os trompetistas Ken Colyer e Humphrey Lyttelton e o pianista George Webb enfatizaram o jazz de New Orleans. A partir dos anos 60 o jazz britânico começou a desenvolver mais as suas características individuais e absorver uma variedade de influências, incluindo o blues britânico, bem como o europeu. Um grande número de músicos britânicos ganhou reputação internacional, embora tivessem uma participação minoritária dentro do próprio Reino Unido.

O livro ‘A History of Jazz In Britain 1919-50’ retrata a chegada do jazz no Reino Unido, a influência de músicos norte-americanos, a era big-band e depois o ‘bop’, o desenvolvimento do jornalismo especializado e os clubes de jazz e, sobretudo, as apresentações de músicos norte-americanos na Grã-Bretanha. De autoria de Jim Godbolt foi a primeira pesquisa verdadeiramente abrangente do fenômeno a partir de uma perspectiva puramente britânica. O livro traça a história do jazz no Reino Unido e não de jazz britânico. Apesar da já existente literatura de jazz antes de ter sido publicado pela primeira vez em 1984, não há nenhum outro livro para rivalizar com ele. O autor, que conviveu com o jazz ao longo da sua vida analisa em detalhes a chegada do jazz com a ‘Original Dixieland Jazz Band’ em 1919, a era das big bands e a extraordinária revolução causada pelo bop. Todos os artistas e as fulgurantes bandas do período são abordadas: Ted Lewis com Jimmy Dorsey e Muggsy Spanier, Louis Armstrong, Duke Ellington, Paul Whiteman, Cab Calloway, Dizzy Gillespie, Fats Waller, Benny Goodman, Sidney Bechet e muitos mais. A influência destes mestres sobre os músicos britânicos é examinada assim como os relatos da imprensa da época, alguns efusivos, outros ofensivos. As revistas especializadas, os clubes, a discografia e as raízes são discutidas. Além disso, o livro narra o duelo que se travou e culminou na apresentação de Sidney Bechet e Coleman Hawkins nos palcos britânicos em desafio à proibição do sindicato dos músicos ‘Musicians' Union’ que resultou em um fiasco judicial. O livro é referência indispensável para os aficionados do jazz e interessante e às vezes surpreendente para o leitor leigo.

Jim Godbolt nasceu no sul de Londres em 1922. Após ser dispensado da marinha, tornou-se empresário do pianista auto-didata, bandleader e dixielander (dixieland é um sub-gênero do jazz criado em 1910 em New Orleans) George Webb em 1946. George, assim como Jim, também era amante do jazz desde a adolescência e fundou o clube ‘Bexleyheath Rhythm Club’ onde ele e os adeptos do jazz se reuniam para ouvir música gravada principalmente dos seus ídolos: King Oliver e Louis Armstrong. George Webb em 1941 fundou a sua própria dixielander e foi apelidado de ‘pai do jazz tradicional britânico’. Jim Godbolt por sua vez, dirigia uma agência com Lyn Dutton e Humphrey Lyttelton em 1951, e fundou a sua própria em 1952 representando a ‘Magnolia Jazz Band’ de Mick Mulligan, trompetista e bandleader que tornou-se dono de cavalos de corrida, quando o rock’n’roll amorteceu o entusiasmo pelo jazz. Por mais de 60 anos Jim dedicou-se à música, trabalhando como jornalista, agente e gerente, não apenas para músicos de jazz, mas também para os grupos dos anos 1960. Em 1971, Jim deixou o negócio do entretenimento para se concentrar em sua carreira de escritor.

‘Jazz in Britain 1919-1950’ é um conjunto de 4 CDs gravados pela gravadora britânica ‘Proper Records’ para acompanhar a republicação do livro, publicado pela primeira vez em 1984. O autor do livro, Jim Godbolt, foi quem também reuniu as compilações. Tanto o livro quanto o conjunto de CDs receberam críticas, mas trata-se de uma visão sólida do jazz na Grã-Bretanha nos primeiros 30 anos da história. O conteúdo revela não só o talento britânico, por si só, mas também os demais músicos da Europa, Paris, principalmente, e claro, dos Estados Unidos. Entre as 101 faixas existem surpresas e raridades. No primeiro disco: ‘Fred Elizade & His Cambridge Undergarments’ em ‘Stomp Your Feet’, ‘Allan Selby And His Band’ no clássico ‘Love Me or Leaver Me’ e ‘Ted Lewis And His Band’ em ‘Sobbin' Blues’. Jimmy Dorsey com Spike Hughes fazem uma excelente leitura de ‘St. Louis Blues’. A partir do disco dois é documentado a ‘American Invasion’ com as apresentações de Cab Calloway, Duke Ellington, e Garland Wilson nas ilhas britânicas. Mas são com os praticamente desconhecidos por muitos que esta coleção encontra o seu maior charme com a inclusão de Buck and Bubbles, Duncan Whyte, Ambrose & His Orchestra, Danny Polo, Jack Hylton's Rhythmagicians, Ted Heath, Ala Dean & His Beboppers, Yorkshire Jazz Band, Graeme Bell & His Australian Jazz Band, Freddy Randall e outros.

Sentado no seu apartamento no quarto andar, em Lissenden Gardens, Dartmouth Park onde viveu por 30 anos, Jim Godbolt, com 82 anos, lembra-se das noites em claro em que tentava encontrar, nas milhares gravações, apenas 100 faixas. Bob Glass da loja ‘Ray’s Jazz’ em Shaftesbury Avenue se juntou a ele como colaborador e os dois analisaram CDs, LPs, EPs, 78s e catálogos de livros em uma busca agradável, mas maníaca. Nem o livro nem o conjunto de discos são acerca de jazz britânico em si, mas sobre o jazz na Grã-Bretanha.

Heróis do início do jazz britânico reunidos no clube de jazz do saxofonista tenor Ronnie Scott, no lançamento de ‘Jazz in Britain 1919-1950’. A partir da esquerda: Coleridge Goode, Tommy McQuater, Jim Godbolt e Frank Deniz.

Ronnie Scott, originalmente Ronald Schatt, nasceu em Aldgate, leste de Londres, em uma família de ascendência judaica da Rússia por parte de pai e de portugueses do lado da mãe. Scott começou a tocar em pequenos clubes de jazz com dezesseis anos e foi um dos primeiros músicos britânicos a ser influenciado por Charlie Parker e outros do bebop. Ele é mais lembrado por fundar com o ex-saxofonista tenor Pete King, o ‘Scott Jazz Ronnie Club’.

Coleridge George Emerson Goode, notável baixista que colaborou com o saxofonista Joe Harriott. Goode era jamaicano e veio para a Inglaterra em 1934 para estudar no Royal Technical College em Glasgow e depois engenharia na Universidade de Glasgow. Ele já era um violinista clássico, mas se encantou com o jazz e assumiu o baixo após ouvir Count Basie, Duke Ellington, Billie Holiday e Louis Jordan, abandonando os seus planos de voltar para a Jamaica.

Mossie Thomas ‘Tommy’ McQuater foi trompetista escocês, notável por seu trabalho no Reino Unido com Bert Ambrose em 1930, e também em algumas gravações feitas com George Chisholm e Benny Carter.

Frank Deniz foi um dos primeiros guitarristas da Inglaterra, do movimento swing. Filho mais velho de um violinista de Cabo Verde, Frank estudou violino e banjo antes de se mudar definitivamente para a guitarra. Em 1937 mudou-se para Londres quando o swing norte-americano estava na moda nos círculos sociais da cidade.

HMV public jam session - tea for two

‘His Master's Voice’, abreviado para HMV, por muitos anos foi uma grande gravadora britânica. O nome foi cunhado em 1899 junto com a marca criada por Francis Barraud do cão Nipper da raça Jack Russel Terrier ouvindo um gramofone cilíndrico.

Jazz in Britain 1919-1950 (2005)
CD 1 CD 2 CD 3 CD 4

CD 1: The Twenties
01. Original Dixieland Jazz Band - At The Jazz Band Ball
02. Paul Whiteman & His Orchestra - Way Down Yonder In New Orleans
03. The Georgians - Snake's Hips
04. The Original Capitol Orchestra - Tiger Rag
05. Savoy Orpheans - Eccentric
06. Mound City Blue Blowers - Morning After Blues
07. Jack Hylton's Kit-Kat Band - Riverboat Shuffle
08. The Plantation Orchestra - Arabella's Wedding Day
09. Devonshire Dance Band - Sugar Foot Stomp
10. Fred Elizalde and His Cambridge Undergraduates - Stomp Your Feet
11. Bert Firman's Rhythmic Eight - You Don't Like It, Not Much
12. Bert Firman's Rhythmic Eight - Miss Annabelle Lee
13. Jack Hylton's Rhythmagicians - Grieving For You
14. Fred Elizalde's Savoy Hotel Band - Dixie
15. Jay Whidden & His New Midnight Follies Band - A Dicky Bird Told Me So
16. Eddie South & His Alabamians - Two Guitars
17. Fred Elizalde - Nobody's Sweetheart
18. Noble Sissles and His Orchestra - Miranda
19. Alan Selby and his Band - Love Me Or Leave Me
20. Philip Lewis and his Orchestra - That's A Plenty
21. Jack Hart and His Band - Song Of Dawn
22. Ted Lewis and His Band - Sobbin 'Blues
23. Jimmy Dorsey / Spike Hughes & His Three Blind Mice - St Louis Blues
24. Spike Hughes & His Orchestra - Funny, Dear, What Love Can Do
25. Night Club Kings - Allah's Hollidays
26. Billy Cotton & His Band - Bessie Couldn't Help It

CD 2: Louis and Duke Arrive
01. Spike Hughes & His Orchestra - Buddy's Wednesday Outing
02. Louis Armstrong & His Orchestra - Sunny Side Of The Street - Part 2
03. Duke Ellington & His Orchestra - Ain't Misbehavin '
04. Duke Ellington - Duke Ellington Talking To Percy Mathison Brooks
05. Duke Ellington & His Orchestra - Hyde Park
06. Madame Tussaud's Dance Band - Jazz Cocktail
07. Ray Noble & His Orchestra - Japanese Sandman
08. Jack Hylton & His Orchestra - Ellingtonia
09. Cab Calloway & His Orchestra - Jitter Bug
10. Joe Venuti & His Blue Four - Romantic Joe
11. Lew Stone & His Band - I Ain't Got Nobody
12. Valaida Snow / Billy Mason and his Orchestra - I Wish I Were Twins
13. Nat Gonella and His Georgians - Fascinating Rhythm
14. Gery Moore - Stars Fell On Alabama
15. Washboard Serenaders - Sheik Of Araby
16. Mario "Harp" Lorenzi And His Rhythmics - Some Of These Days
17. Duncan Whyte - Hummin 'To Myself
18. Nat Gonella and His Georgians - Singin 'The Blues
19. Benny Carter & His Orchestra - Nightfall
20. The Swing Rhythm Boys - Is It True What They Say About Dixie?
21. Garland Wilson - Just A Mood
22. Buck & Bubbles - Lady Be Good
23. Benny Carter & His Orchestra - Gin And Jive
24. Teddy Hill and His NBC Orchestra - King Porter Stomp
25. Ambrose and His Orchestra - Cotton Pickers' Congregation
26. Sid Phillips & his Orchestra - Amoresque
27. Danny Polo & His Swing Stars - Blue Murder Buddy's Wednesday Outing

CD 3: Jazz Takes Hold in the UK
01. Art Tatum - Sheik Of Araby
02. Danny Polo & His Swing Stars - If You Were The Only Girl In The World
03. Freddy Gardner & His Swing Orchestra - Have You Got Any Castles, Baby?
04. Una Mae Carlisle And Her Jam Band - I'm Crazy 'Bout My Baby
05. Fats Waller & His Rhythm - Ain't Misbehavin '
06. Le Quintette Du Hot Club De France - Lambeth Walk
07. Ken 'Snakehips' Johnson & His West Indian Dance Band - Snakehips Swing
08. Freddy Gardner & His Swing Orchestra - 10 AM Blues
09. Jack Hylton's Band With Coleman Hawkins - My Melancholy Baby
10. Harry Roy & His Orchestra - Darktown Strutters Ball
11. Blue Mariners with Jack Llewellyn - Stardust
12. Johnny Claes and His Clay Pigeons - I Heard
13. Harry Parry and His Radio Rhythm Club Sextet - The Java Joint
14. HMV Public Jam Session - Tea For Two
15. Cyril Blake and His Jig's Club Band - Blue Skies
16. Melody Maker Competition Band - Red Duster Rag
17. Phil Green & His Basin Street Band - Bugle Call Rag
18. Buddy Featherstonehaugh's RAF HQ Bomber Command Sextet - Buddy's Blues
19. Josephine Bradley and Her Jive Rhythm Orchestra - Rockin 'The Blues
20. Vic Lewis/Jack Parnell Jazzmen - I'm Comin 'Virginia
21. George Shearing Sextet - Five Flat Flurry
22. Leslie "Jiver" Hutchinson And His Coloured Orchestra - Swing Low Sweet Chariot
23. Vic Lewis/Jack Parnell Jazzmen - Dick's Boogie
24. Miff Ferrie and His Ferrymen - In A Little Spanish Town
25. Tony Short Trio With Wally Fawkes - 165 Blues
26. Ted Heath and His Music - Bakerloo Non-Stop
27. The Squadronaires - Hey Ba-Ba-Rebop

CD 4: Stylistic Turmoil
01. Harry Hayes and His Band - Blue Charm
02. Harry Hayes and His Band - Rckin 'In Rhythm
03. George Webb's Dixielanders - When The Saints Go Marching In
04. Melody Maker Columbia Jazz Rally - Blue Moon
05. Melody Maker Columbia Jazz Rally - Thriving On A Riff
06. The Ray Ellington Quartet - Five Guys Named Moe
07. Victor Feldman Quartet - Mop Mop
08. All Star Sextet - I Can't Get Started
09. Graeme Bell & His Australian Jazz Band - Shim-Me-Sha-Wabble
10. Freddy Randall & His Band - Wolverine Blues
11. Mark White Presents Jazz Club - Jazz Club Stomp
12. The Ronnie Scott's Club 11 Boptet - Wee Dot
13. Johnny Dankworth Quartet - Lover Man
14. Alan Dean and his Beboppers - Gone With The Windmill
15. Carlo Krahmer's Chicagoans - Blues In Thirds
16. Benny Goodman - BBC Broadcast Medley
17. Ted Heath & His Orchestra - Lyonia
18. The Yorkshire Jazz Band - Alexander's Ragtime Band
19. Sidney Bechet with Humphrey Lyttelton And His Band - Some Of These Days
20. Coleman Hawkins - It's Only A Paper Moon
21. Humphrey Lyttelton & His Band - Maple Leaf Rag

budgie

2012-07-24T20:47:00.004-03:00

Uma das bandas mais cult de todos os tempos entre o underground do metal pesado continua a ser o trio britânico ‘Budgie’. Mas, para muitos, o grupo continua a ser pouco mais que uma curiosidade embora algumas de suas canções sejam inconscientemente bastante familiares para os fãs do metal de todo o mundo, devido à clássica ‘Breadfan’ gravada pelo ‘Metallica’. Para qualquer pessoa interessada no hard rock e heavy metal dos anos 70, a banda permanece essencial. ‘Budgie’ é um trio formado em 1967, em Cardiff, País de Gales, originalmente com o nome ‘Hills Contemporânea Grass’. A formação consistia de Burke Shelley no vocal e baixo, Tony Bourge na guitarra e vocais, e Ray Phillips na bateria. Depois de realizar vários shows em 1968, a banda mudou seu nome para ‘Budgie’. Embora viessem na época de Pete Townshend do 'The Who', 'The Doors' e Jimi Hendrix, por alguma razão, eles provaram serem inadaptáveis à época da psicodelia. ‘Budgie’ lançou seu primeiro álbum em 1971, um ano após as estréias de ‘Deep Purple’ e o ‘Black Sabbath’. O estilo do ‘Budgie’ é extremamente derivado dessas bandas, principalmente ‘Sabbath’.

Os riffs do guitarrista Tony Bourge eram de fato o principal pilar da banda. Ele não apenas tinha adoração por outro Tony, o Iommi, ele realmente percebeu que um riff de metal pesado não deveria ser apenas uma seqüência de notas repetidas, mas deveriam provocar algum tipo de reação emocional. O baixista Burke Shelley ajudou a redefinir a imagem de um vocalista de heavy metal apesar de não ser poderoso como Ian Gillan, mas ele era tecnicamente melhor que o Ozzy. E, surpreendentemente, com seus longos cabelos lisos e óculos enormes e o timbre peculiar anasalado que vai desde o agudo até o grave com facilidade ele parece ser o irmão mais velho de Geddy Lee, baixista e vocalista da banda canadense ‘Rush’. É por isso que ‘Budgie’ é frequentemente descrito como um cruzamento entre ‘Black Sabbath’ e ‘Rush’. ‘Budgie’ estava na vanguarda dos pioneiros do pós-moderno do metal, já em 1971 eles estavam tentando ficar longe dos clichês. Infelizmente, mas, inevitavelmente, o auge da banda não durou muito. Seus três primeiros álbuns foram inquestionáveis. Seu auto-intitulado álbum de estréia foi lançado em 1971 seguido por ‘Squawk’ em 1972. O próximo, ‘Never Turn Your Back on a Friend’, de 1973, garantiu seu lugar na história do rock gerando o hino, ‘Breadfan’, mais tarde regravada pelo ‘Metallica’, e a excelente faixa ‘Parents’. A década de 70 avançava, com a ascensão do punk e o sucesso de ‘Budgie’ parecia minguar. O baterista Raymond Phillips deixou o grupo antes de seu quarto álbum e foi substituído pelo estreante Pete Boot, que por sua vez, desencadeou uma onda de mudanças na formação da banda ao longo dos anos, o único membro constante desde o início foi Burke Shelley. Curiosamente, Ray mais tarde formou uma banda chamada ‘Six Ton Budgie’.

Os álbuns de 1974 e 1975 trouxeram um leve cheiro azedo de decadência e mudanças de direção duvidosas. O período de 1976 a 1978 foi um período de crise e mediocridade. E finalmente a banda viu o navio afundar, com uma perda total de identidade e de relevância. A mesma situação que as grandes bandas do rock pesado sofriam: ou haviam sucumbido ou eram vítimas de constantes trocas de integrantes. Mas, no final da década, quando tudo parecia perdido e muitos diziam que o heavy metal estava morto, o couro, o jeans e cabelos longos estavam de volta com a força do ‘New Wave of British Heavy Metal’, o famoso ‘N.W.O.B.H.M.’, o ‘boom’ do heavy metal. Movimento do qual fizeram parte bandas clássicas e consagradas como Led Zeppelin, Black Sabbath, Deep Purple, Judas Priest, Iron Maiden, Motörhead e o próprio ‘Budgie’ que foram eclipsadas pelo movimento punk. Não foi um movimento exclusivo da Inglaterra, ele se espalhou pela Europa e pelo mundo e o interesse em ‘Budgie’ foi reavivado mais uma vez na Inglaterra e as gravações de álbuns voltaram. Juntamente com as outras grandes bandas, ‘Budgie’ foi considerado como uma influência, e encabeçou o ‘Reading Festival’ em 1980 e 1982.

E o veterano trio teve um impulso na carreira, graças ao aumento do movimento e, posteriormente, uma valorização repentina e maciça, antes de se separarem em silêncio. Tão logo a banda foi dissolvida, vários grupos começaram a regravar seus clássicos, ‘Metallica’ gravou ‘Crash Course in Brain Surgery’ e ‘Breadfan’; ‘Iron Maiden’ com ‘I Can't See My Feelings’ e ‘Soundgarden’ gravando ‘Homicidal Suicidal’. O melhor de ‘Budgie’ está na compilação ‘An Ecstasy of Fumbling: The Definitive Anthology’ que inclui clássicos no disco 1. No disco dois, por outro lado, revela uma banda a esgotar-se gradualmente de inspiração, lutando para permanecer relevante, incorporando elementos mais comerciais como ‘Superstar’, para finalmente se transformar em um clichê montado. ‘The Best of’ de 1997 contém faixas do terceiro, quarto e quinto álbuns de estúdio que não constam no ‘An Ecstasy of Fumbling’. Com a valorização do heavy metal através do ‘N.W.O.B.H.M.’ o grupo assinou contrato e gravou dois álbuns em 1981 e 1982 e pretendia lançar um terceiro intitulado ‘The Last Stage’, que só foi lançado em 2004 devido à separação. O álbum centra-se exatamente nesta época de 1983-1984, antes da luz se apagar.

budgie - breaking all the house rules

The Definitive Anthology: An Ecstasy of Fumbling (1996)
CD 1 CD 2

The Best of Budgie (1997)

The Last Stage (2004)

The Definitive Anthology: An Ecstasy of Fumbling (1996)
CD 1: 01. Homicidal Suicidal 02. Nude Disintegrating Parachutist Woman [Single Version] 03. Whiskey River 04. Hot as a Docker’s Armpit 05. In the Grip of a Tyrefitter’s Hand 06. Breadfan 07. Parents 08. In for the Kill 09. Crash Course in Brain Surgery 10. Napoleon Bona, Pts. 1 & 2 11. Who Do You Want for Your Love? 12. Breaking All the House Rules 13. Beautiful Lies
CD 2: 01. Anne Neggen 02. If I Were Britannia I’d Wave the Rules 03. Black Velvet Stallion 04. Melt the Ice Away 05. Forearm Smash 06. Time to Remember 07. Wildfire 08. Lies of Jim (The E-Type Lover) 09. I Turned to Stone 10. She Used Me Up 11. Superstar 12. Don’t Cry 13. Truth Drug 14. Hold on to Love 15. Superstar [Live] 16. Panzer Division Destroyed! (Live)

The Best of Budgie (1997)
01. Breadfan 02. In the Grip of a Tyrefitter's Hand 03. I Ain't No Mountain 04. In for the Kill 05. I Can't See My Feelings 06. Napoleon Bona Parts 1 & 2 07. Parents 08. Hammer and Tongs 09. Breaking All the House Rules 10. Zoom Club

The Last Stage (2004)
01. Love Is When You Love 02. House of a Sinner 03. Same Old Sad Affair 04. Signed Your Own Fate 05. Hard Luck 06. Living With Another Man 07. You Ain’t Got Love 08. Renegade 09. Sweet Fast Talker 10. Wait Till Tomorrow 11. Rock Your Blood 12. Nutbush City Limits 13. Can’t Get Up In The Morning 14. Heaven In Your Eyes 15. Picture On A Screen 16. Victim

fats domino

2012-07-22T07:23:00.001-03:00

Carismático, de personalidade agradável e sotaque acentuado, 'Fats Domino' é um importante cantor, compositor e pianista de rock e r&b. Considerado uma lenda do rock, é conhecido por seu estilo boogie-woogie ao piano e por hits como ‘Ain't That a Shame’ e ‘Blueberry Hill’. Foi o afro-americano que mais vendeu na década de 50 e no começo dos anos 60 e seu sucesso foi o impulso para os artistas de Nova Orleans, Louisiana, onde nasceu, chegando a influenciar em lugares tão inesperados como a Jamaica. Antoine Dominique Domino nasceu em uma família grande, com vários músicos. Seu pai era um violinista e seu tio Harry foi trompetista de jazz. Com seis anos aprendeu a tocar piano e mais tarde começou a se apresentar publicamente acompanhado pelo baixista Billy Diamond, alternando com outros trabalhos: foi vendedor de sorvete e trabalhou em uma fábrica de colchões onde sofreu um acidente grave ao cair sobre uma pilha de colchões ferindo tanto as mãos que os médicos disseram que ele não poderia voltar a tocar mais piano. Fats não se resignou e após uma longa luta pela reabilitação, conseguiu voltar ao palco.

Foi descoberto em 1948 tocando em um clube onde cobrava três dólares por semana. Sua carreira começou em 1949 com o single ‘The Fat Man’, que ele escreveu com o produtor e co-roteirista Dave Bartholomew, e é considerado por alguns como a primeira gravação de rock and roll. Após esse êxito, lançou uma nova série de sucessos com Dave Bartholomew, o saxofonista Alvin ‘Red’ Tyler e o baterista Earl Palmer. Outros músicos notáveis fizeram parte da banda como os saxofonistas Reggie Houston, Lee Allen e Fred Kemp. Em 1955, finalmente Fats Domino atingiu o sucesso absoluto com ‘Ain't That a Shame’. Seu primeiro álbum, ‘Carry On Rockin’ foi lançado em 1956 e em seguida uma série de singles sem precedentes, incluindo ‘Whole Lotta Loving’, ‘Blue Monday’ e uma versão funk da velha balada ‘Blueberry Hill’. Embora tenha permanecido ativo por décadas, Domino apenas fez um novo hit em 1968, uma versão de ‘Lady Madonna’, dos Beatles.

Na década de 80, cansado das viagens e tendo uma renda confortável Domino decidiu não deixar mais sua amada Nova Orleans. Como um artista famoso incluído no ‘Rock and Roll Hall of Fame’ em 1986, Domino vivia em um bairro operário e podia ser visto circulando com seu Cadillac rosa. Fazia aparições anuais no ‘New Orleans Jazz & Heritage Festival’ e outros eventos locais, demonstrando em todas as vezes que seu talento não tinha diminuído. Quando o furacão Katrina se aproximava de Nova Orleans em agosto de 2005, Fats Domino, então com 76 anos, decidiu permanecer na cidade com a sua família, devido ao estado precário de saúde de sua esposa. Após uma semana sem notícias, foi considerado desaparecido após a passagem do furacão que devastou a cidade, sua casa ficava localizada em uma área que foi atingida pela enchente. Mais tarde, Domino e esposa, foram resgatados pelos bombeiros e transferidos para o abrigo em Baton Rouge. Sua filha, Karen Domino White, que vive em Nova Jersey, identificou o pai numa foto de resgate tirada por uma agência de notícias. Sua casa foi recuperada depois de saqueada durante a ausência e de seus 21 discos de ouro, apenas três foram deixados.

fats domino - ain't that a shame

Quando o furacão Katrina devastou a costa do Golfo, Nova Orleans não suportou o peso da ira da tempestade e desabou. Músicos como Prince e Dr. John intensificaram os esforços para levantar dinheiro para ajudar na reconstrução da cidade através de concertos beneficentes e especiais de TV. Fats Domino, o ilustre morador, também fez doações para a 'Tipitina's Foundation', que se dedica à preservação da cultura musical da Louisiana. E a Fundação fez um tributo a Fats Domino com a compilação ‘Goin Home - A Tribute To Fats Domino’. A lista de artistas que contribuíram nas gravações para esta coleção é um leque fantástico de rock, blues, jazz e música de raiz. Robert Plant do Led Zeppelin pegou um avião até Nova Orleans para trabalhar neste álbum. Ele se juntou a uma lista de nomes de peso que gravaram ou se comprometeram a gravar músicas de Domino. Há até a gravação de John Lennon da velha ‘Ain't That a Shame’. Falando dos Beatles, Paul McCartney está presente também, com uma gravação de ‘I Wanna Walk You Home’, com Allen Toussaint. Elton John também contribuiu enquanto Herbie Hancock lança um toque de funk jazz em ‘I'm Gonna Be A Wheel Someday'. Mesmo a Jamaica homenageia Fats por meio do 'Skatalites', em ‘Be My Guest’ com Ben Harper. Presentes também Norah Jones, Corinne Bailey Rae, Irma Thomas e Joss Stone acompanhada de Buddy Guy na fantástica 'Every Night About This Time'. A arrecadação do tributo beneficiou a 'Tipitina's Foundation'. Estabelecida em 2004, essa fundação sem fins lucrativos expandiu bastante sua missão desde o furacão Katrina. Mais de 1 milhão de dólares foi arrecadado para auxiliar músicos de Nova Orleans e treinar a nova geração.

Goin Home (2007)
(A Tribute to Fats Domino)
CD 1 CD 2

Tracklist CD 1
01. John Lennon - Ain't That A Shame
02. Tom Petty & the Heartbreakers - I'm Walkin'
03. B.B King with Ivan Neville's Dumpstaphunk - Goin' Home
04. Elton John - Blueberry Hill
05. Taj Mahal and The New Orleans Social Club - My Girl Josephine
06. Joss Stone and Buddy Guy with The Dirty Dozen Brass Band - Every Night About This Time
07. Paul McCartney featuring Allen Toussaint - I Want to Walk You Home
08. Lenny Kravitz with Rebirth Brass Band, Troy 'Trombone Shorty' Andrews, Fred Wesley, Pee Wee Ellis and Maceo Parker - Whole Lotta Loving
09. Dr John - Don't Leave Me This Way
10. Bonnie Raitt and Jon Cleary - I'm In Love Again/All By Myself
11. Art Neville - Please Don't Leave Me
12. Robbie Robertson with Galactic - Going To The River
13. Randy Newman - Blue Monday
14. Robert Plant with Lil Band O' Gold - It Keeps Rainin'
15. Corinne Bailey Rae - One Night Of Sin (Live At Tipitina's)

Tracklist CD 2
01. Neil Young - Walking to New Orleans
02. Robert Plant and The Soweto Gospel Choir - Valley Of Tears
03. Norah Jones - My Blue Heaven
04. Lucinda Williams - Honey Chile
05. Marc Broussard featuring Sam Bush - Rising Sun
06. Olu Dara and The Natchezippi Band with Donald Harrison Jr. - When I See You
07. Ben Harper with The Skatalites - Be My Guest
08. Toots & The Maytals - Let the Four Winds Blow
09. Willie Nelson - I Hear You Knockin'
10. Irma Thomas & Marcia Ball - I Just Can't Get New Orleans Off My Mind
11. Bruce Hornsby - Don't Blame It On Me
12. Herbie Hancock with George Porter, Jr., Zigaboo Modeliste and Renard Poché - I'm Gonna Be A Wheel Someday
13. Los Lobos - The Fat Man
14. Big Chief Monk Boudreaux with Galactic - So Long
15. Preservation Hall Jazz Band with Walter 'Wolfman' Washington and Theresa Andersson - When The Saints Go Marching In

Out of New Orleans (1993)
CD 1 CD 2 CD 3 CD 4 CD 5 CD 6 CD 7 CD 8

Tracklist CD 1
01. Detroit City Blues 02. The Fat Man 03. Hide Away Blues 04. She's My Baby 05. Brand New Baby 06. Little Bee 07. Boogie Woogie Baby 08. Hey! La Bas Boogie 09. Korea Blues 10. Every Night About This Time (version 1) 11. Careless Love 12. Hey! Fat Man 13. Tired Of Crying (Master) 14. Tired Of Crying (Alternate) 15. What's The Matter Baby 16. I've Got Eyes For You 17. Stay Away 18. Don't You Lie To Me 19. My Baby's Gone 20. Rockin' Chair 21. Sometimes I Wonder 22. Right From Wrong 23. You Know I Miss You 24. I'll Be Gone 25. No, No Baby 26. Reeling And Rocking 27. Goin' Home (1. Version) 28. The Fat Man's Hop (Instrumental) 29. How Long (Master) 30. How Long (Alternate)

Tracklist CD 2
01. Long Lonesome Journey (Master) 02. Long Lonesome Journey (Alternate) 03. Poor Poor Me (Master) 04. Poor Poor Me (Alternate) 05. Trust In Me 06. Cheatin' 07. Mardi Gras In New Orleans 08. I Guess I'll Be On My Way 09. No Body Loves Me 10. Dreaming (Instrumental) 11. Going To The River 12. I Love Her 13. Second Line Jump (Instrumental) 14. Goodbye 15. Swanee River Hop (Instrumental) 16. Rose Mary (1. version) 17. Please Don't Leave Me 18. Domino Stomp (Instrumental) 19. You Said You Love Me 20. Rose Mary (2. Version) 21. Fats Domino Blues (Instrumental) 22. Ain't It Good 23. The Girl I Love 24. Don't Leave Me This Way 25. Something's Wrong 26. Fat's Frenzy (Instrumental)

Tracklist CD 3
01. Goin' Back Home 02. You Left Me (Master) 03. You Left Me (Alternate) 04. '44' 05. Barrel House (Instrumental) 06. Little School Girl 07. If You Need Me 08. You Done Me Wrong 09. Thinking Of You 10. Baby Please 11. Where Did You Stay 12. You Can Pack Your Suitcase 13. I Lived My Life 14. Little Mama 15. I Know 16. Love Me 17. Don't You Hear Me Calling You 18. Don't You Know 19. Helping Hand 20. Help Me 21. All By Myself 22. Ain't That a Shame 23. Oh Ba-A-By 24. La-La 25. Blue Monday 26. Troubles Of My Own 27. What's Wrong 28. Poor Me

Tracklist CD 4
01. I Can't Go On 02. I'm In Love Again 03. Bo Weevil (Complete) 04. Don't Blame It On Me 05. Howdy Podner 06. So Long 07. I Can't Go On This Way (Undubbed) 08. My Blue Heaven 09. Don't Know What's Wrong 10. Ida Jane 11. When My Dreamboat Comes Home 12. What's The Reason I'm Not Pleasi... 13. The Twist Set Me Free 14. Blueberry Hill 15. Honey Chile 16. I'm Walkin' 17. What Will I Tell My Heart 18. I'm In The Mood For Love 19. Would You 20. My Happiness 21. Don't Deceive Me 22. The Rooster Song 23. Telling Lies 24. As Time Goes By (Instrumental) 25. Town Talk (Instrumental) 26. Twistin' The Spots (Instrumental) 27. It's You I Love 28. Valley Of Tears (Undubbed) 29. Valley Of Tears (Master) 30. Wait And See 31. True Confession

Tracklist CD 5
01. Sailor Boy 02. It Must Be Love 03. The Big Beat 04. Little Mary 05. Stack & Bill 06. When I See You 07. Oh Whee 08. I Still Love You 09. My Love For Her 10. I Want You To Know 11. Yes, My Darling 12. Don't You Know I Love You 13. Sick And Tired 14. No, No 15. Prisoner's Song 16. One Of These Days 17. I'll Be Glad When Your're Dead, You Rascal You 18. Young School Girl 19. I'm Gonna Be A Wheel Someday 20. How Can I Be Happy 21. Lazy Woman 22. Isle Of Capri 23. Coquette 24. Once In A While 25. The Sheik Of Araby (version 1)

Tracklist CD 6
01. Whole Lotta Loving 02. I Miss You So 03. Margie (version 1) 04. I'll Always Be In Love With You 05. If You Need Me 06. Hands Across The Table 07. So Glad 08. Darktown Strutter's Ball 09. Margie (version 2) 10. The Sheik Of Araby (version 2) 11. My Heart Is Bleeding 12. I Hear You Knocking 13. Lil' Liza Jane 14. Every Night (version 2) 15. When The Saints Go Marching In 16. Country Boy 17. I'm Ready (Undubbed) 18. I'm Ready (Master) 19. I Want To Walk You Home 20. When I Was Young (Undubbed) 21. When I Was Young (Master) 22. Easter Parade 23. I've Been Around

Tracklist CD 7
01. Be My Guest 02. Tell Me That You Love Me 03. Before I Grow To Old 04. Walking To New Orleans (Undubbed) 05. Walking To New Orleans (Master) 06. Don't Come Knockin' (Undubbed) 07. Don't Come Knockin' (Master) 08. La La 09. Put Your Arms Around Me Honey 10. Three Nights A Week 11. Shu Rah 12. Rising Sun 13. My Girl Josephine 14. You Always Hurt The One You Love... 15. Magic Isles 16. Natural Born Lover (Complete) 17. Am I Blue 18. It's The Talk Of The Town 19. It Keeps Rainin' 20. What A Price 21. Ain't That Just Like A Woman 22. Fell In Love On Monday (Undubbed) 23. Fell In Love On Monday (Master) 24. Trouble In MInd 25. Hold Hands 26. Bad Luck And Trouble 27. I've Been Calling 28. I Just Cry 29. Ain't Gonna Do It

Tracklist CD 8
01. Won't You Come On Back 02. I Can't Give You Anything But Love 03. I'm Alone Because I Love You 04. Good Hearted Man 05. In A Shanty In Old Shanty Town 06. Along The Navajo Trail 07. One Night 08. Let The Four Winds Blow (version 1) 09. Trouble Blues 10. You Win Again 11. Your Cheatin' Heart 12. Let The Four Winds Blow (Master) 13. Let The Four Winds Blow (Alternate) 14. What A Party 15. Rockin' Bicycle 16. Did You Ever Seen A Dream Walking 17. Birds And Bees 18. Wishing Ring 19. Jambalaya (On The Bayou) 20. Do You Know What I Means To Miss New Orleans 21. South Of The Border 22. Teen Age Love 23. Stop The Clock 24. Goin' Home (version 2) 25. My Real Name 26. Hum Diddy Doo 27. Those Eyes 28. I Want To Go Home 29. Dance With Mr. Domino 30. Nothing New (Just The Same Old Thing)

joe cocker

2012-07-20T07:57:00.002-03:00

'With a Little Help from My Friends’, uma versão da música dos Beatles gravada por Joe Cocker com o guitarrista Jimmy Page é uma das músicas mais famosas do rock e a sua interpretação em Woodstock em 1969 colocou-o na trilha do sucesso. E o dueto com Jennifer Warnes na canção ‘Up Where We Belong’ lhe deu um Grammy em 1983, além de vários outros prêmios. Conhecido por sua voz rouca e pelos movimentos dos braços durante as apresentações, John Robert Cocker é britânico, de Sheffield. Em 1960, juntamente com três amigos, Cocker formou seu primeiro grupo, ‘The Cavaliers’. Em 1961, sob o nome artístico de Vance Arnold, Cocker continuou sua carreira com um novo grupo, ‘Vance Arnold and the Avengers’. Durante o dia, Cocker trabalhava num posto de gasolina e à noite tocava em pubs de Sheffield, interpretando covers de Chuck Berry e Ray Charles. Em 1963 aconteceu o primeiro show significativo quando apoiaram os ‘Rolling Stones’. Em 1964, Cocker assinou um contrato com uma gravadora e lançou seu primeiro single solo, um cover dos ‘Beatles’, ‘I'll Cry Instead’ com Jimmy Page tocando guitarra. Foi um fracasso apesar da ampla promoção da gravadora que desfez o contrato. Cocker formou então um novo grupo, ‘Big Joe Cocker's Blues’.

Em 1966, Cocker com Chris Stainton, que ele conheceu vários anos antes, formou a ‘The Grease Band’. Tocando em bares locais o grupo chamou a atenção de Denny Cordell, produtor do ‘Procol Harum’ e ‘The Moody Blues’, e Cocker gravou o single ‘Marjorine’. Mudando-se para Londres com Chris Stainton, Cocker dissolveu a banda e uma ‘nova’ ‘Grease Band’ foi formada com o tecladista Tommy Eyre e Chris Stainton. Após o sucesso com ‘Marjorine’ surgiu o grande momento com um rearranjo inovador de ‘With a Little Help from My Friends’. Ao misturar rock e ‘soul music’, Cocker encontrou seu caminho com a releitura da famosa música dos Beatles. Impressionados com a gravação, Paul McCartney e George Harrison permitiram que Cocker usasse suas músicas para os álbuns futuros. Essa seria sua marca dali em diante, gravar canções famosas transformadas no seu estilo inconfundível. Nos shows Cocker exibia uma intensidade física incrível enquanto cantava, e sua presença no palco era frequentemente parodiada por John Belushi. No final de 1969, Cocker dissolveu a ‘Grease Band’.

Apesar da relutância de Cocker para aventurar-se novamente na estrada, ele teve que formar rapidamente um novo grupo a fim de cumprir suas obrigações contratuais com Denny Cordell. O novo grupo foi batizado de ‘Mad Dogs and Englishmen’, e o estilo evoluiu para o rock blues e a banda muitas vezes foi comparada com os ‘Rolling Stones’. Com a nova banda, Cocker percorreu 48 cidades e o ritmo da viagem foi desgastante surgindo problemas pessoais o que levou Cocker a começar a beber e usar drogas excessivamente. Depois de passar vários meses em Los Angeles, Cocker voltou para casa e sua família preocupou-se com a sua deterioração física e mental. No início de 1972, após quase dois anos longe da música, Cocker passou em turnê com um grupo que Chris Stainton tinha formado. Pouco tempo depois, Stainton decidiu parar com a sua carreira musical para criar seu próprio estúdio de gravação. Após a partida de seu amigo e do antigo produtor Denny Cordell, Cocker afundou em depressão e começou a usar heroína. Voltou ao estúdio para gravar um novo álbum, mas apesar das críticas positivas, o problema de Cocker eram as apresentações ao vivo, em grande parte devido ao álcool. Retornou nos anos 80 com grande sucesso até os anos 90 com várias canções, principalmente a ‘You Are So Beatiful’.

joe cocker - first we take manhattan

The Legend (1999)

Tracklist
01. Up Where We Belong 02. With A Little Help From My Friends 03. Delta Lady 04. Letter 05. She Came In Through The Bathroom Window 06. Whiter Shade Of Pale 07. Love The One You're With 08. You Are So Beautiful 09. Let It Be 10. Just Like A Woman 11. Many Rivers To Cross 12. Talking Back To The Night 13. Fun Time 14. I Heard It Through The Grapevine 15. Please Give Peace A Chance 16. Don't Let Me Be Misunderstood 17. Honky Tonk Women 18. Cry Me A River

The Ultimate Collection 1968-2003 (2003)
CD 1 CD 2

Tracklist CD 1
01. Unchain My Heart 02. Feelin' Alright 03. Summer In The City 04. You Can Leave Your Hat On 05. Up Where We Belong (Feat Jennifer) 06. You Are So Beautiful 07. With A Little Help From My Friends 08. Cry Me A River (Live) 09. The Letter (Live) 10. Delta Lady 11. Many Rivers To Cross 12. When The Night Comes 13. Night Calls 14. Don't You Love Me Anymore 15. She Came In Through The Bathro

Tracklist CD 2
01. Could You Be Loved 02. Civilized Man 03. First We Take Manhattan 04. The Simple Things 05. N'oubliez Jamais 06. That's All I Need To Know Dife 07. Have A Little Faith In Me 08. Don't Let The Sun Go Down On M 09. Now That The Magic Has Gone 10. Sweet Lil' Woman 11. (All I Know) Feels Like Foreve 12. My Father's Son 13. Sorry Seems To Be The Hardest 14. Never Tear Us Apart 15. Ruby Lee

chuck berry

2012-07-17T06:42:00.000-03:00

Chuck Berry foi um dos precursores do rock'n'roll e um de seus maiores representantes ao misturar influências do blues e do country nos anos 50. Com narrativas sobre o cotidiano da juventude, o amor e carros velozes, seu grande sucesso foi 'Maybellene’ em 1955. Exerceu influência em importantes nomes do cenário musical como Elvis Presley, ‘The Beatles’, ‘Rolling Stones’ e mais recentemente, Eric Clapton, que declarou que, se não fosse Chuck Berry, ele jamais teria tocado uma guitarra. Cantor, compositor e guitarrista, hoje com quase 80 anos, nos shows é acompanhado pelo seu filho, Chuck Berry Jr., que toca guitarra, e sua filha, Ingrid Berry Clay, no vocal e na gaita.

Charles Edward Berry, nascido no Missouri, em 1931, ainda criança cantava em corais evangélicos, levado pelo pai que era pastor protestante. Aos 14 anos teve seu primeiro contato com uma guitarra, pouco antes de passar uma temporada em um reformatório, por furto. Livre da prisão a música foi esquecida e Chuck trabalhou alguns anos em uma fábrica de automóveis. Por pouco não se tornou cabeleireiro. Apenas em 1946, voltou a tocar. Em 1952 tocava profissionalmente em uma banda de estilo blues-country, ao se destacar como atração principal o nome do grupo foi mudado para ‘Chuck Berry Combo’. Participavam da banda o baterista Eddie Hardy e Johnnie Johnson a quem Berry considerava o melhor pianista e foi homenageado com a música ‘Johnny B. Goode’. Em 1955, Chuck Berry já estava em Chicago com a mulher e seus dois filhos e iniciou sua carreira na ‘Chess Records’. Gravou duas músicas com Willie Dixon no piano: ‘Ida May’, mais tarde regravada como ‘Maybellene’, e ‘Wee Wee Hours’. Um ano depois, Berry já vendia mais discos que todo o staff da gravadora. O toque inconfundível de sua guitarra imortalizou hits como: ‘Johnny B. Goode’ (1958), ‘Roll Over Beethoven’ (l956) e ‘Sweet Little Sixteen’ (1958).

O segredo para conquistar seus ouvintes era prestar atenção na reação de sua audiência e dar a ela o que queria. Tinha uma incrível presença no palco, tocando a guitarra, gesticulando, correndo e fazendo o seu clássico ‘duck-walk’. Sua figura carismática, seu humor irreverente contribuíram para torná-lo um ídolo para a juventude. Por essa razão sua música atravessou gerações, sempre falando diretamente aos jovens. Envolvido com drogas e outros problemas, não era raro o músico estar envolvido em polêmicas. Devido a uma delas, por levar uma prostituta de quinze anos para trabalhar em um de seus bares, foi condenado em 1962 e cumpriu dois anos da sentença. Quando saiu da prisão o rock havia mudado, tanto ‘Beatles’ como os ‘Rolling Stones’ haviam regravado suas canções e a simplicidade de sua música sofreu influências do rhytm & blues, que ele sempre aceitou.

Depois disso, sua carreira nunca foi totalmente recobrada, embora a música ‘My Ding a Ling’ em 1972 tenha sido o maior sucesso de sua carreira. Apesar de sua técnica única como guitarrista, era nos shows ao vivo que sempre fazia mais sucesso e um de seus álbuns, ‘London Sessions’, gravado em Londres em 1972, está até hoje entre os mais vendidos. Em 1979 teve novamente problemas com a justiça e em 1990 foi preso sobre acusação de ter instalado uma micro-câmera no banheiro feminino de seu restaurante. Em 1986 tornou-se um membro inaugural do ‘Hall da Fama’ do rock and roll. Sua autobiografia foi publicada em 1988. Chuck Berry é um ícone que estabeleceu o rock como uma forma musical e uniu o mundo dos negros e brancos na música.

chuck berry - you never can tell

The London Sessions (1972)

Tracklist
01. Let's Boogie 02. Mean Old World 03. I Will Not Let You Go 04. London Berry Blues 05. I Love You 06. Reelin' And Rockin' 07. My Ding-A-Ling 08. Johnny B. Goode

The Anthology (2000)
CD 1 CD 2

Tracklist CD 1
01. Maybellene 02. Wee Wee Hours 03. Thirty Days (To Come Back Home) 04. You Can't Catch Me 05. Down Bound Train 06. No Money Down 07. Brown Eyed Handsome Man 08. Roll Over Beethoven 09. Too Much Monkey Business 10. Havana Moon 11. School Day (Ring Ring Goes The Bell) 12. Rock And Roll Music 13. Oh Baby Doll 14. Sweet Little Sixteen 15. Guitar Boogie 16. Reelin' And Rockin' (Single Version) 17. Johnny B. Goode 18. Around And Around 19. Beautiful Delilah 20. House Of Blue Lights 21. Carol 22. Jo Jo Gunne 23. Memphis, Tennessee 24. Sweet Little Rock 'N' Roller 25. Little Queenie 26. Almost Grown

Tracklist CD 2
01. Back In The U.S.A. 02. Do You Love Me 03. Betty Jean 04. Childhood Sweetheart 05. Let It Rock 06. Too Pooped To Pop 07. I Got To Find My Baby 08. Don't You Lie To Me 09. Bye Bye Johnny 10. Jaguar And Thunderbird 11. Down The Road Apiece 12. Confessin' The Blues 13. I'm Talking About You 14. Come On 15. Nadine (Is It You?) 16. You Never Can Tell 17. Promised Land 18. No Particular Place To Go 19. Dear Dad 20. I Want To Be Your Driver 21. Tulane 22. My Ding-A-Ling 23. Reelin' And Rockin' 24. Bio

The Definitive Collection (2006)

Tracklist
01. Maybellene 02. Thirty Days 03. You Can't Catch Me 04. Too Much Monkey Business 05. Roll Over Beethoven 06. Brown Eyed Handsome Man 07. Havana Moon 08. School Day (Ring Ring Goes The Bell) 09. Rock And Roll Music 10. Oh, Baby Doll 11. Reelin' And Rockin' 12. Sweet Little Sixteen 13. Johnny B. Goode 14. Around And Around 15. Beautiful Delilah 16. Carol 17. Memphis 18. Sweet Little Rock & Roller 19. Little Queenie 20. Almost Grown 21. Back In The U.S.A. 22. Let It Rock 23. I'm Talking About You 24. Come On 25. Nadine 26. You Never Can Tell 27. Promised Land 28. No Particular Place To Go 29. I Want To Be Your Driver 30. My Ding-A-Ling

(link corrigido)

2012-07-14T09:51:00.001-03:00

Maria Muldaur | Anna Maria Jopek | Peggy Lee | Viktoria Tolstoy

art ensemble of chicago

2012-07-10T11:11:00.000-03:00

A cidade de Chicago foi sempre um importante centro de jazz e um pródigo celeiro de músicos. Foi por lá que passaram na década de vinte, ‘King Oliver, Louis Armstrong, Earl Hines, Bix Beiderbecke, Franck Trumbauer e Bud Freeman. Pois foi também em Chicago, na década de 60, que nasceu, cresceu e se formou uma das mais criativas e características escolas do ‘avant-garde’ do jazz. O ‘avant-garde’, também designado por ‘avant-jazz’, é um sub-gênero do jazz, muito em voga nos anos 60, caracterizado pela improvisação e pelos elementos tradicionais do jazz. O ‘avant jazz’ surgiu na segunda metade dos anos 50, através do pianista Cecil Taylor, o saxofonista Ornette Coleman e o tecladista Sun Ra. Um dos expoentes deste gênero foi John Coltrane, nos anos 60.

Em 1965, o educador e multi-instrumentista Muhal Richard Abrams, o baixista Malachi Favors, o pianista Jodie Christian, o baterista Steve McCall e outros jovens jazzmen de Chicago criaram a ‘Association for the Advancement of Creative Musicians’ (AACM), com intuito de educar jovens músicos e criar uma música de nível artístico elevado, enaltecendo sempre a importância da criatividade. Em 1967, o melhor conjunto de jazz que emergiu da associação foi o ‘Art Ensemble of Chicago’. Criado pelos saxofonistas Joseph Jarman e Roscoe Mitchell, o trompetista Lester Bowie, o contrabaixista Malachi Favors e o baterista Famoudou Don Moye que logo se juntou ao grupo, o ‘Art Ensemble of Chicago’ é um dos nomes mais expressivos do ‘avant-garde’ e do ‘free jazz’.

‘Free Jazz’ ou ‘New Thing’, como foi chamado mais tarde, é um estilo de jazz criado por músicos afro-americanos como John Coltrane e Rashied Ali. Originário do bebop, o ‘free jazz’ propunha uma liberdade de improvisação musical total do músico e de uma diferenciação de atitude musical da música produzida pelos anglo-americanos. Vários músicos internacionais seguiram esta tendência durante as décadas de 60 e 70, principalmente aqueles que ideologicamente se identificavam com a questão do Movimento dos Direitos Civis nos EUA àquela época. Incluem-se músicos como o argentino Gato Barbieri, os ingleses John McLaughlin e Tony Oxley, os alemãos Peter Brötzmann e Theo Jörgensmann e o brasileiro Hermeto Pascoal entre os mais representativos no mundo.

Com uma extensa discografia, o ‘Art Ensemble of Chicago’ possui histórico de militância política desde sua origem. O estilo vanguardista do grupo revolucionou a cena do jazz da época, notável pela sua integração de estilos musicais que abrangem toda a história do jazz e para o seu multi-instrumentalismo, especialmente o uso do que chamou de 'pequenos instrumentos' que vão além da linha tradicional do jazz. De acordo com seu posicionamento, faz questão de mencionar que não faz shows ou performances, mas sim projeções. Com profundas raízes africanas sob o lema ‘a grande música negra - da antiguidade ao futuro', outra preocupação é com a herança cultural: o grupo sempre se apresenta com máscaras e roupas africanas. Essas características se combinam para tornar o desempenho do 'Art Ensemble' tanto um espetáculo visual quanto musical. Para eles, tradição e inovação caminham juntas.

Famoudou Don Moye, Roscoe Mitchell, Lester Bowie, Joseph Jarman, Malachi Favors

Com muito humor, lirismo, respeito às ‘brass bands’ de New Orleans, orgulho das contribuições de Charlie Parker e John Coltrane, e das divagações de Miles Davis; o ‘Art Ensemble of Chicago’ provou ser o mais notável dos grupos cooperativos de ‘free jazz’, não só pela qualidade individual de seus membros, mas também pela originalidade e sofisticação de sua proposta, uma proposta contemporânea de investigação arqueológica e antropológica da história do jazz. Com a morte do trompetista Lester Bowie, em 1999, e o afastamento do saxofonista Joseph Jarman, o grupo foi reduzido a um trio. Em 2004, sofreu mais uma perda: a de Malachi Favors, vítima de câncer. Após sua morte, o trompetista Corey Wilkes e o baixista Jaribu Shahid passaram a trabalhar com o ‘Art Ensemble’ como músicos convidados.

art ensemble of chicago - variations sur un theme de monteverdi (II)

A maioria dos álbuns do grupo foi gravada na Europa, dois são considerados os mais representativos, obras-primas sem precedente na história do jazz: ‘Fanfare for The Warriors’ e ‘Nice Guys’. Em ‘Fanfare’, o pianista Muhal Richard Abrams dá ao grupo uma contribuição relevante em termos de clima percussivo e de dissonância.

Fanfare for the Warriors (1973) | Nice Guys (1978)

Fanfare for the Warriors
01. Illistrum 02. Barnyard Scuffel Shuffel 03. Nonaah 04. Fanfare for the Warriors 05. What's to Say 06. Tnoona 07. The Key

Nice Guys
01. Ja 02. Nice Guys 03. Folkus 04. 597-59 05. Cyp 06. Dreaming Of The Master

The Third Decade (1985) | Coming Home Jamaica (1998)

The Third Decade
01. Prayer For Jimbo Kwesi 02. Funky AECO 03. Walking In The Moonlight 04. The Bell Piece 05. Zero 06. Third Decade

The Third Decade
01. Grape Escape 02.Odwalla Theme 03.Jamaica Farewell 04. Mama Wants You 05. Strawberry Mango 06. Villa Tiamo 07. Malachi 08. Lotta Colada

‘The Meeting’ é um tributo ao trompetista Lester Bowie, falecido em novembro de 1999. O álbum foi gravado pelos membros sobreviventes, o saxofonista Roscoe Mitchell, o baixista Malachi Favors e o baterista Don Moye com o compositor e multi-instrumentista Joseph Jarman que havia se afastado do grupo e que se aposentou no início dos anos 90. A ausência de Lester Bowie é sentida e para crédito da banda, eles não fizeram nenhuma tentativa para preencher o vazio em cada gravação. Cada membro tem um período prolongado de solo antes da banda se juntar em um último movimento que reúne todos os temas variados. ‘The Meeting’ é um retrato do ‘Art Ensemble’, como indivíduos que se juntam para formar um vínculo inseparável e com o compromisso de criação da música. O ritmo é lento e proposital. Uma reunião gloriosa.

The Meeting (2003)

Tracklist
01. Hail We Now Sing Joy 02. It's the Sign of the Times 03. Tech Ritter and the Megabytes 04. Wind and Drum 05. The Meeting 06. Amin Bidness 07. The Train To Io

Em 1970, os membros do ‘Art Ensemble of Chicago’ estavam vivendo como expatriados em Paris. O grupo havia recentemente se expandido para um quinteto com a adição do baterista e percussionista Don Moye quando eles foram convidados pelo diretor de cinema israelense Moshe Misrahi para compor a trilha sonora de seu filme, ‘Les Stances um Sophie’. A música nunca foi usada no filme, mas, felizmente, foi gravada. O resultado foi um dos registros marcantes do florescente avant-garde e, simplesmente, considerado um dos melhores álbuns de jazz de sempre. Em duas das faixas, o ‘Art Ensemble’ é acompanhado pela vocalista Fontella Bass, na época, esposa do trompetista Lester Bowie. O disco foi gravado em Paris. As experimentações vanguardistas aparecem em ‘Theme de Celine’ e ‘Theme Libre’. Mas, a música mais marcante é ‘Theme de Yoyo’, que tornou-se um clássico instantâneo, uma peça surpreendente que conseguiu o status legendário da melhor fusão de funk e jazz avant-garde já registrado. O mix é realmente perfeito. As demais peças cobrem uma vasta gama de estilos de jazz com a mesma beleza e imaginação, e mostra a banda absorvendo novas linguagens como nas duas variações feitas para o tema do compositor italiano Claudio Monteverdi. ‘Les Stances a Sophie’ dá continuidade à tradição de filmes franceses que receberam tratamento sonoro por parte de grupos de jazz, a começar por ‘Ascenseur pour L'Echafaud’ de 1957, filme de Louis Malle com trilha sonora de Miles Davis. (leia + sobre 'Ascenseur pour L'Echafaud' e baixa o disco.)

Les Stances a Sophie (1970)

Tracklist
01. Thème De Yoyo 02. Thème De Céline 03. Variations Sur Un Thème De Monteverdi (I) 04. Variations Sur Un Thème De Monteverdi (II) 05. Proverbes (I) 06. Thème Amour Universal 07. Thème Libre 08. Proverbes (II)