FUSION FREAK

98 Edición de Los Oscar: Palmarés y Conclusiones Finales.

2026-03-16T04:47:00.001+01:00

La 98 edición de Los Premios de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood, acaba de echar el telón en el Dolby Theatre de Los Ángeles, un evento que a grandes rasgos, marca el fin del curso cinematográfico del año 2025, al menos a lo que cosecha de premios de grandes festivales se refiere.

El televisivo Conan O'Brien ha cumplido nuevamente, al igual que en la anterior edición, como maestro de ceremonias en una gala marcada por una reconstrucción delirante y estupenda de Weapons en inicio, con O'Brien travestido de Tía Gladys, recorriendo todas las películas nominadas, perseguido por la horda de niños, algo que ha dado paso a un discurso más convencional, con algunos destellos reivindicativos, pero sin querer esforzar el énfasis sobre la situación global actual, tan inestable y preocupante.

Precisamente, el Oscar más emotivo de la noche se lo ha llevado, nada más comenzar la gala, la veterana Amy Madigan, la cual acompañada por su marido Ed Harris, ha recogido el premio a mejor actriz de reparto con su contagiosa espontaneidad, en una carrera de premiación humilde con la que, sin grandes aspavientos, se ha acabado metiendo el cariño del público el bolsillo.

Pero la gran noticia de la noche es el triunfo con seis estatuillas de Una Batalla tras otra. Treinta años después, y con multitud de nominaciones a sus espaldas, Hollywood ha coronado por fin al maestro Paul Thomas Anderson, el mejor realizador norteamericano de nuestro tiempo, que se ha alzado con los premios a mejor película, mejor director, y mejor guión adaptado, haciendo justicia a esos dos grandes autores del pasado en los que más se refleja, Orson Welles y Stanley Kubrick, los cuales incomprensiblemente, nunca ganaron el Oscar como director, y con los que indudablemente, comparte el máximo compromiso creativo por alcanzar la excelencia cinematográfica.

El premio a mejor secundario para Sean Penn, también por Una Batalla tras Otra, supone la tercera estatuilla para el actor, y le sitúa en ese selecto y esclusivo club, en el que desde esta noche comparte el privilegio de codearse con Walter Brennan, Jack Nicholson, y Daniel Day Lewis, los únicos intérpretes masculinos que lo habían logrado hasta la fecha.

El récord de 16 nominaciones de Los Pecadores, ha encontrado la recompensa final en cuatro premios, muy bien seleccionados entre el de mejor actor para Michael B. Jordan, (que de nuevo deja a Timothee Chalamet con la miel en los labios), mejor fotografía, mejor banda sonora (tercer Oscar para Ludwig Göransson), y mejor guión original para Ryan Coogler, productor y director de un trabajo de género, que siempre ha sido vilmente menospreciado por La Academia, aunque quizá desde este noche, (y mirando también de reojo a Weapons), haya un día ya no tan lejano, donde el Cine de Terror pueda levantar por fin un Oscar a mejor película de año.

Otras triunfadoras de la noche han sido Frankenstein, de Guillermo del Toro, con tres premios técnicos, y Las Guerreras del Kpop, que se ha llevado los dos galardones a los que optaba, mejor canción y mejor película de animación, escenificando el gran éxito de lo que ya es todo un incontrolado fenómeno de masas.

En el apartado de Película de habla no inglesa, la noruega Valor Sentimental se ha impuesto a la brasileña El Agente Secreto, que se ha ido de vacío, ambas contaban además con la nominación en el apartado de mejor película, entre otras categorías, igual que la baza española, la estupenda Sirat, con la opción tanto a película extranjera, como a sonido, el cual ha ido a parar a manos de F1, dejando finalmente a nuestra pica en Flandes sin opciones.

Del lado más emotivo, el clásico 'In Memoriam', recogió sentidos homenajes a ilustres personalidades del planeta cine, fallecidos en el último año, con especial significación para el director Rob Reiner y su esposa, presentado por Billy Crystal, el cual dio paso a nombres tan icónicos como Robert Redford, Diane Keaton, Val Kilmer, o el mítico Robert Duvall, así como directores de la talla de Béla Tarr o Robert Benton, o grandes compositores como el argentino Lalo Schifrin, entre otros.

Finalmente, ahí os dejamos el palmarés, como cada año aquí estamos para contarlo al minuto, también desde La Guarida del Sith podcast, con mis queridos Asier Huarte, Javier Carrillo, Frikilandias, Javi Echoes, y Sauron, con los que como siempre, y van ya unos cuantos años, lo hemos pasado genial. Os recomiendo escuchar el programa si no habéis podido disfrutarlo en directo.

PALMARÉS:

● MEJOR PELÍCULA:

- Una batalla tras otra

● MEJOR DIRECTOR

- Paul Thomas Anderson por 'Una Batalla tras Otra'

● MEJOR ACTOR

- Michael B. Jordan

● MEJOR ACTRIZ

- Jessie Buckley

● MEJOR ACTOR DE REPARTO

- Sean Penn

● MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

- Amy Madigan

● MEJOR GUIÓN ORIGINAL

- Los Pecadores

● MEJOR GUIÓN ADAPTADO

- Una Batalla tras Otra

● MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA

- Sentimental Value (Noruega)

● MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

- Kpop Demon Hunters

● MEJOR DOCUMENTAL

- Mr. Nobody Against Putin

● MEJOR MONTAJE

- Una Batalla tras Otra 40%

● MEJOR FOTOGRAFÍA

- Los Pecadores

● MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA

- Frankenstein

● MEJOR CANCIÓN

- Golden de Kpop Demon Hunters

● MEJOR BSO

- Los Pecadores

● MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO

- Frankenstein

● MEJOR SONIDO

- F1

● MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN

- Frankenstein

● MEJORES EFECTOS VISUALES

- Avatar: Fire And Ash

● MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN

- The Girl Who Cried Pearls

● MEJOR CORTOMETRAJE DE IMAGEN REAL

- Two People Exchanging Saliva

- The Singers

● MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL

- All The Empty Rooms

● MEJOR CASTING

- Una Batalla tras Otra

Critica a 'El Último Vikingo': Anders Thomas Jensen y Mads Mikkelsen, estilosos portadores de la mejor comedia negra.

2026-03-07T19:09:00.001+01:00

La notable carrera del director y guionista danés Anders Thomas Jensen, va irremediablemente ligada al actor Mads Mikkelsen, en una colaboración que se extiende alrededor de media docena de títulos, algunos tan destacados como Las manzanas de Adán, o De Pollos y Hombres, pero incluso en recientes trabajos como La tierra Prometida, donde Jensen ponía su talento como guionista al servicio de Nikolaj Arcel, y al de Mikkelsen, para el que nuevamente construía un papel protagónico a su medida.

Al salir de prisión, tras cumplir varios años de condena por un atraco, Anker va en busca de su hermano Manfred, el cual se ocupó entonces de enterrar el botín, pese a tener un trastorno disociativo de la personalidad, por el que parece no recordar exactamente dónde se encuentra el tesoro. Juntos emprenderán un viaje para buscarlo y quien sabe, si encontrase a si mismos.

Película con grandes dósis de humor negro marca se la casa, añadiendo gotas de tinte criminal, e incluso mostrándose como una especie de buddy movie fraternal, éste Último vikingo es nueva muestra de la enorme capacidad creativa de su realizador, el cual se mueve como pez en el agua entre la mezcolanza de géneros, cohabitándolos de manera acompasada, e incluso convirtiendo algunos de sus evidentes defectos en virtudes, principalmente cuando la historia corre el riesgo de decaer, por recurrir a algún escenario o idea algo más reiterativa, aspectos donde Jensen aplica al rescate, su particular oficio tras la cámara.

Del resto se ocupa el tándem formado por Nikolaj Lie Kaas y el propio Mikkelsen, dos intérpretes que llevan años trabajando y compartiendo química juntos, en películas del propio Jensen como Jinetes de la justicia, lo que eleva el nivel de complicidad entre los actores y el director, a esos niveles de máxima implicación, el que pueden encontrar nuevas formas para la mejor improvisación en equipo, algo que le da al film un punto de frescura y originalidad impagables.

En su mayor parte, la cinta se traslada a un entorno rural danés, en el que se concentran una serie de personajes pintorescos, cada uno con su espacio y su profundidad, muy bien dibujados desde el guión, e incluso una inquietante amenaza del pasado, en forma de contundente perseguidor, que añade notas de tensión a un relato, que pese a portar generalmente un tono más cómico, no se pone trabas al mostrar cierta dureza formal, en forma de traumas reprimidos, los cuales añade para intentar arrojar respuestas sobre la complicada relación de sus dos hermanos protagonistas.

Finalmente, The Last Viking es uno de esos títulos que cabe recomendar sin reservas, como nuevo capítulo ganador en la colaboración de sus principales implicados, un trabajo original, sorprendente, cuidado en los detalles, tanto en los aspectos narrativos como en los apartados técnicos, donde brilla especialmente la banda sonora a cargo de Jeppe Kaas, colaborador habitual del realizador, ideal para acompañar ese punto emotivo, que no lacrimógeno, que en última instancia consigue alzanzar el film de manera acompasada, sin artificios de ningún tipo.

[Películas del 35 Fancine: Festival de Cine Fantástico Universidad de Málaga]

Quiniela de la 98 Edición de Los Oscar.

2026-03-01T12:58:00.001+01:00

La 98 edición de Los Premios de la Academia de Hollywood, más conocidos como Los Oscar, fechados para la madrugada del domingo día 15 al lunes 16 de marzo en nuestro país, pondrá fin a la temporada cinematográfica anual, cosecha del 2025, una carrera menos incierta que la de la pasada edición, una vez contempladas casi en su totalidad, las ceremonias de premiación previas, que incluyen los galardones de los diferentes sindicatos y gremios.

El récord histórico de nominaciones, nada menos que 16 candidaturas, que Los Pecadores ha logrado acaparar, no sin la habitual polémica que suele acompañar a estos registros dignos del Libro Guinness, no debería empañar la noche mágica que le espera al maestro Paul Thomas Anderson, el Orson Welles/Stanley Kubrick de éste siglo, y que vendrá a hacer justicia al autor norteamericano más relevante de los últimos 30 años, en una ceremonia en la que parte como favorito para obtener las estatuillas a mejor película, director, y guión adaptado, por Una Batalla tras Otra, lo que emularia en parte la foto finish de la edición anterior, cuando Sean Baker alcanzó un récord personal con cuatro premios, (obtuvo montaje además de los mencionados) factor que también se cumple en P.T. Anderson, productor, y guionista responsable de adaptar el texto de Thomas Pynchon, en un nuevo ejemplo de creatividad extrema, que contempla básicamente todos los factores de la producción.

Señalar que mismo tiempo, el gran nivel de las películas nominadas a película de habla no inglesa, entre las que destaca la brasileña El Agente Secreto, o la noruega Valor Sentimental, dos títulos que optan además al premio a la mejor película, dentro de las diez nominadas, pudiendo optar a ese ansiado doblete que hasta ahora, sólo ha conseguido la coreana Parásitos. Mientras tanto, y sin abandonar dicho apartado internacional, nuestro orgullo patrio descansa en la candidatura de Sirat, un trabajo extremo y contundente, muy poco habitual en nuestra cinematografía, que además, (y pese a no tener apenas opciones en ninguna de las dos categorías) compite en el apartado de mejor sonido.

La inserción de una nueva categoría, el premio al mejor Casting, ha dislocado en parte las candidaturas a mejores intérpretes del año, si bien Timothée Chalamet por Marty Supreme, y sobre todo Jessie Buckley, con su emotiva caracterización en Hamnet, parecen tener garantizada la estatuilla, a mejor actor y mejor actriz respectivamente, en el terreno de los intérpretes de reparto, se plantea una batalla más incierta, sobre todo si se tienen en cuenta las galas de premiaciones previas a la gran noche. Mientras en el apartado a mejor actor de reparto, Benicio del Toro mira de reojo a Sean Penn (reciente ganador del Bafta), y a un Stellan Skarsgård que hasta hace poco parecía el único favorito posible, en el terreno de la mejor actriz de reparto, Teyana Taylor, Wunmi Mosaku y Amy Madigan, llegan extremadamente igualadas a la cita, habiéndose repartido los premios en los diferentes circuitos.

Centrados finalmente en lo que importa, y para no acabar con la tradición, aquí tenéis como cada año nuestra particular quiniela de porcentajes, tan odiada por muchos, y apreciada por casi nadie, recordando que solo debe prevalecer la primera opción, deseando como siempre que la esperanza en el espectro de la incertidumbre, nos deje el máximo número de sorpresas en el reparto de estatuillas, algo que mejora siempre el tránsito por horas tan intempestivas, y espabila bastante más que cualquier café bien cargado.

Por último, animaros cómo siempre, y esto es ya otra tradición, a seguir la ceremonia en La Guarida del Sith, a partir de la medianoche, otro año más, y en riguroso directo, prometemos hacer la gala lo más amena posible, mientras debatimos con el resto de parroquianos sobre las nominadas, y añadimos ese sinfín de anécdotas históricas de los premios, todo con buen humor y profesionalidad, como está mandado en tan incomparable espacio, capitaneado por Asier Huarte Esteban, amigo y hermano de esta casa.

● MEJOR PELÍCULA:

- Una batalla tras otra 30%

- Los Pecadores 15%

- Hamnet 15%

- Train Dreams 10%

- Marty Supreme 10%

- Frankenstein 5%

- El Agente Secreto 5%

- Valor Sentimental 5%

- Bugonia 3%

- F1 2%

● MEJOR DIRECTOR

- Paul Thomas Anderson por 'Una Batalla tras Otra' 70%

- Ryan Coogler por 'Los Pecadores' 15%

- Chloe Zao por 'Hamnet' 10%

- Joshua Safdie por 'Marty Supreme' 3%

- Joachim Trier por 'Valor Sentimental' 2%

● MEJOR ACTOR

- Timothee Chalamet 40%

- Wagner Moura 30%

- Leonardo DiCaprio 15%

- Michael B. Jordan 10%

- Ethan Hawke 5%

● MEJOR ACTRIZ

- Jessie Buckley 90%

- Rose Byrne 5%

- Kate Hudson 2%

- Renate Reinsve 2%

- Emma Stone 1%

● MEJOR ACTOR DE REPARTO

- Sean Penn 35%

- Stellan Skarsgård 30%

- Benicio del Toro 20%

- Delroy Lindo 10%

- Jacob Elordi 5%

● MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

- Teyana Taylor 35%

- Amy Madigan 30%

- Wunmi Mosaku 30%

- Inga Ibsdotter Lilleaas 3%

- Elle Fanning 2%

● MEJOR GUIÓN ORIGINAL

- Los Pecadores 50%

- Marty Supreme 25%

- Valor Sentimental 10%

- Un Simple Accidente 10%

- Blue Moon 5%

● MEJOR GUIÓN ADAPTADO

- Una Batalla tras Otra 75%

- Hamnet 10%

- Bugonia 5%

- Frankenstein 5%

- Train Dreams 5%

● MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA

- Sentimental Value (Noruega) 40%

- The Secret Agent (Brasil) 35%

- It Was Just An Accident (Francia) 15%

- Sirat (España) 5%

- The Voice of Hind Rajab (Túnez) 5%

● MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

- Kpop Demon Hunters 70%

- Zootopia 2 15%

- Arco 10%

- Little Amelie or the Character of Rain 3%

- Elio 2%

● MEJOR DOCUMENTAL

- The Perfect Neighbor 35%

- Mr. Nobody Against Putin 30%

- Come See Me In The Good Light 20%

- The Alabama Solution 10%

- Cutting Through Rocks 5%

● MEJOR MONTAJE

- Una Batalla tras Otra 40%

- F1 20%

- Marty Supreme 20%

- Los Pecadores 15%

- Valor Sentimental 5%

● MEJOR FOTOGRAFÍA

- Una Batalla tras Otra 30%

- Los Pecadores 25%

- Sueño de Trenes 25%

- Frankenstein 10%

- Marty Supreme 10%

● MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA

- Frankenstein 70%

- Kokuho 10%

- Sinners 10%

- The Smashing Machine 5%

- The Ugly Stepsister 5%

● MEJOR CANCIÓN

- Golden de Kpop Demon Hunters 60%

- I Lied To You de Los Pecadores 30%

- Train Dreams de Train Dreams 5%

- Dear Me de Diane Warren: Relentless 3%

- Sweet Dreams of Joy de Viva Verdi! 2%

● MEJOR BSO

- Los Pecadores 40%

- Una Batalla tras Otra 30%

- Hamnet 10%

- Bugonia 10%

- Frankenstein 10%

● MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO

- Frankenstein 40%

- Hamnet 20%

- Los Pecadores 20%

- Avatar: Fire And Ash 15%

- Marty Supreme 5%

● MEJOR SONIDO

- F1 40%

- Una Batalla tras Otra 25%

- Los Pecadores 15%

- Sirat 10%

- Frankenstein 10%

● MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN

- Frankenstein 50%

- Hamnet 20%

- Marty Supreme 10%

- One Battle After Another 10%

- Sinners 10%

● MEJORES EFECTOS VISUALES

- Avatar: Fire And Ash 80%

- F1 5%

- Jurassic World Rebirth 5%

- The Lost Bus 5%

- Sinners 5%

● MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN

- Butterfly 30%

- The Girl Who Cried Pearls 25%

- Forevergreen 20%

- Retirement Plan 20%

- The Three Sisters 5%

● MEJOR CORTOMETRAJE DE IMAGEN REAL

- Two People Exchanging Saliva 30%

- The Singers 25%

- A Friend Of Dorothy 25%

- Butcher Stain 10%

- Jane Austen Period Drama 10%

● MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL

- All The Empty Rooms 40%

- Armed Only With A Camera 20%

- Perfectly A Strangeness 15%

- The Devil Is Busy 15%

- Children No More 10%

● MEJOR CASTING

- Los Pecadores 35%

- Una Batalla tras Otra 30%

- El Agente Secreto 15%

- Hamnet 10%

- Marty Supreme 10%

Crítica a 'El Agente Secreto': Un ejercicio de gran altura cinematográfica.

2026-02-20T10:40:00.007+01:00

Entre los diferentes períodos de dictadura militar que afrontó Brasil durante el siglo pasado, el comprendido entre finales de 1960 y mediados de 1970, fue sin duda el más cruento y sanguinario, conocido como los 'Años de Plomo', estuvo caracterizado por una represión extrema, tras la suspensión de los derechos constitucionales, la libertad, y la consecuente persecución salvaje a todo opositor y disidente del régimen imperante.

A pesar del escenario adverso, existió una resistencia formada por grupos guerrilleros de izquierda, ciudadanos y activistas, como Marcelo, el protagonista de Agente Secreto, un profesor que regresa a la ciudad de Recife, buscando a su hijo pequeño tras la muerte de su esposa, pero cuyo pasado turbulento, le situará pronto en el radar de poderes fácticos a las que se enfrentó junto a su mujer, algo que va a poner en serio peligro su vida.

El realizador Kleber Mendoça Filho, aplica su habitual estilo costumbrista, al servicio de una historia impecablemente ambientada en ese Brasil de mediados de los setenta, y que ya desde el primer instante, con esa brillante escena de la gasolinera aislada por lo rural, muestra la preocupante deshumanización de un país tristemente acostumbrado a la violencia, y la corrupción imperante de los supuestos defensores de la ley y el órden.

En cualquier caso, el realizador no pretende estigmatizar el legado de su tierra, y esto se nota en el especial cariño que pone, tanto a las situaciones de pura cotidianeidad, como el que vuelca en la mayoría de los personajes, algunos de ellos entrañables y muy cercanos, en contraposición a los perfiles más duros, parte indivisible del relato criminal, que acompaña los pasos presentes y pasados de su protagonista.

En el apartado de denuncia política, más que hablar de un gobierno concreto, el film se centra en la división social entre ricos y pobres, o como el poder económico puede devorar la acción de lo público, atacando a la propia zona de investigación de una universidad, por mucho que su trabajo parezca contrastado y legítimo, algo que desgraciadamente siempre se encuentra de actualidad, y aunque parezca increíble, sin solución aparente debido a la dichosa polarización.

Sorprendentemente, y esto suele pasar en las buenas películas, este Agente Secreto lleva consigo un curioso homenaje cinéfilo, a títulos emblemáticos de mediados de los 70, tan reconocibles como Tiburón, o La Profecía, en ese momento único, en el que el cine de Hollywood ofreció al espectador el cambio del clásico al moderno, y el especial impacto que esto tuvo sobre la audiencia, y en general en la imaginación colectiva, aspecto muy bien capturado por Mendoça Filho desde casi los primeros compases, y extendido por las arterias del film como parte de su destacado carácter emotivo.

Finalmente, la penúltima reflexión es para un Wagner Moura superlativo, reciente ganador de la Palma de Oro al mejor actor por su papel de Marcelo, al que acompañan el de mejor director, y el prestigioso premio Fipresci, que entrega la prensa internacional en el marco del Festival galo. En la mirada del actor, entre la esperanza a veces, la tensión, o la propia pesadumbre, se encuentran muchas de las claves de un trabajo, que hay que reconocer que requiere de un esfuerzo por parte del espectador, para conectar todos los detalles de una historia aparentemente sencilla, pero con un fondo muy complejo, algo que precisamente, y gracias al equilibrio entre sus partes, unida a la minuciosidad del relato, acaban por manifestar a este Agente Secreto, como un ejercicio de gran altura cinematográfica.

[Películas del 35 Fancine: Festival de Cine Fantástico Universidad de Málaga]

Crítica a 'No hay otra opción': Un Park Chan-wook más reivindicativo, sigue explorando con maestría las profundidades del corazón humano.

2026-02-13T11:52:00.002+01:00

Hace ya un tiempo que los realizadores surcoreanos, vienen denunciando la más que evidente desaparición del estado del bienestar, en su peculiar territorio dividido, una preocupación quizá extensible a cualquier rincón del planeta, pero que en el país asiático, se hace más pronunciado, por ese momento de próspero auge tecnológico, que experimento a principios del nuevo milenio , y que de algún modo, una vez explotada la burbuja, ha hecho aún más grande la brecha entre ricos y muy pobres.

Como director relevante dentro del cine contemporáneo, Park Chan-wook es sin duda uno de esos nombres tan referenciados, como justamente reverenciados, por su capacidad para exportar su discurso fílmico, entre lo exótico y lo vanguardista, al resto del mundo, desde la celebrada trilogía de la venganza, hasta la más reciente Decision to Leave, donde reinventaba con maestría los códigos de todo un género cinematográfico, ejecutando un auténtico neo-noir, cuyas formas novedosas pertenecen sin duda al siglo en curso, mientras no descuidada su principal meta como autor, consistente, como decía el mítico Roger Ebert, en dejar al descubierto las profundidades del corazón humano.

Nueva adaptación de la novela 'The Ax', que ya fue llevada al cine por Costa-Gavras (al que está dedicado el film) en 2005, bajo el título de Arcadia, y de cuyo guión se ha ocupado el propio realizador, básicamente para llevar la historia a su terreno, y explorar las posibilidades estéticas de los personajes perfilados en su origen por Donald E. Westlake, y donde su protagonista, ve como su universo de comodidad entra en peligro, cuando le despiden de la empresa papelera en la que ha trabajado durante veinticinco años, será entonces cuando empiece a contemplar desesperado, la posibilidad de ejecutar un macabro plan que le permita ser readmitido.

Comedia negra ambientada entre el otoño y el invierno, en la que el realizador coreano ejecuta su notable y estilosa habilidad, para retorcer los escenarios del film, y sumirlos gradualmente en la oscuridad de su peculiar relato criminal, con un envidiable equilibrio para la puesta en escena, el cual le permite afrontar con decisión los diferentes temas que componen un argumento, inicialmente a caballo entre el relato familiar, algo disfuncional, y el excéntrico mercado laboral, globalizado y extremadamente competitivo.

Del reparto, destaca el reencuentro entre el realizador y Lee Byung-hun, con el que no trabajaba desde Joint Security Área (2000), y al que entrega el personaje protagonista en un alarde cómplice, tras un cuarto de siglo en el que ambos, han convertido sus carreras en exitosos ejemplos de proyección internacional, dentro de un reparto que brilla a nivel general en todos sus perfiles, demostrando nuevamente la capacidad del realizador, en su minucioso trabajo con los actores.

Finalmente, la decimocuarta película de Park Chan-wook tras la cámara, vuelve a dejar constancia de su incuestionable talento creativo, y de ese compromiso por tratar temas de actualidad que representa No Other Choice, algo que hace sin renunciar nunca a su particular visión como autor, cuidando ese gusto por los detalles, y las formas narrativas sofisticadas, mientras sigue explorando las profundidades del corazón humano, factores todos ellos, que le han llevado a posicionarse como uno de los realizadores más valiosos de su generación.

<Películas del 35 Fancine: Festival de Cine Fantástico Universidad de Málaga>

Crítica a 'Marty Supreme': Timothée Chalamet en estado de gracia, coloca a Joshua Safdie a la vanguardia del cine independiente norteamericano.

2026-01-31T11:33:00.003+01:00

Surgidos de la inagotable cantera cultural neoyorquina, los hermanos Safdie, Ben y Joshua, llamaron la atención en los albores de la pandemia con 'Diamantes en Bruto' (2019), un trabajo enérgico y elaborado, que además mostraba a un Adam Sandler inédito, por convincente, el cual no portaba un traje tan a medida, desde que al maestro Paul Thomas Anderson le regalara 'Embriagado de Amor' a principios de siglo.

Tras anunciar su separación tras la cámara en 2023, por diferencias creativas irreconciliables, ambos realizadores se han lanzado curiosamente al mismo terreno, el del biopic, con una diferencia mínima de unos meses, siendo Ben en primero en estrenar 'The Smashing Machine', un muy estimable retrato de los orígenes de la UFC, centrado en la figura de Mark Kerr, interpretado con gran solvencia por Dwayne Johnson, y que le ha valido el León de Oro al mejor director, en el prestigioso Festival de Cine de Venecia, entre otros reconocimientos.

Protegido por el mismo esprecto independiente, Joshua Safdie ha elegido para su debut en solitario, y a partir de su propio guión original, la historia de Marty Reisman, aquí apedillado Mauser para la causa de un film, que presenta su propia visión del personaje, como una especie de excéntrico vividor siempre al límite, que busca convertirse en campeón mundial de ping pong a toda costa.

Ambientada en los años 50, Marty Supreme no es una biografía al uso del personaje, se basa libremente en sus hazañas y derrotas, para construir un melodrama dinámico, que se apoya en aspectos técnicos muy inspirados, entre los que destacan especialmente el montaje, a cargo del propio realizador y su coguionista Ronald Bronstein, o el diseño de producción del veterano Jack Fish, (marido de la actriz Sissy Spacek, el cual ha trabajado varias veces con directores de la talla de David Lynch, Martin Scorsese, y el antes mencionado P.T. Anderson), factores de consistencia para que Safdie se muestre seguro y determinante desde la silla de mando.

A caballo entre Nueva York y Tokio, entre otros escenarios, que contemplan el recorrido de su protagonista por diversos países, y oscilando lo deportivo y lo emocional, el film hace uso de una narrativa frenética, en la que el espectador se ve forzado a acompañar a Marty Mauser en sus desventuras, toda suerte de antihéroe egocéntrico, hedonista, arrogante, a veces perdedor patético, siempre buscavidas, pero también de esa clase de individuos insultantemente seguros de si mismos, y de su éxito, mientras por su entorno orbitan una serie de personajes, expuestos a la vorágine que genera tan particular carácter autodestructivo.

Dejando a un lado los hallazgos técnicos, donde también habría que apuntar el adecuado trabajo de fotografía de Darius Khondji, o el buen gusto para los temas escogidos para el apartado musical, el film destaca ante todo por el trabajo de sus actores, porque si se trata de ambición, en el centro de la pista de juego se encuentra un Timothée Chalamet en estado de gracia, el cual, y dejando a un lado que se haya hecho daño en la vista, llevando las gafas originales de Reisman, sujeta todo el peso dramático y cínico de su personaje con enorme solvencia, convertido ya desde hace algun tiempo, en estrella indiscutible por derecho propio.

Del resto del reparto, Chalamet se encuentra muy bien acompañado desde el plano secundario por el descubrimiento de Odessa A'Zion, y por el regreso de Gwyneth Paltrow, bastante más convincente en su etapa de madurez interpretativa, dos perfiles femeninos en principio antagónicos por su condicion social, presumiblemente vulnerables, pero que acaban destacando por su singular carácter persuasivo, dando la réplica al protagonista con perseverancia. Completa el elenco la sorpresa de tener al veterano realizador Abel Ferrara, dando vida a un personaje muy a su medida, como si de algún modo pasara el testigo a Safdie en la forma de entender el cine, en su aspecto más primitivo y visceral.

Finalmente, Marty Supreme también coloca (al igual que su hermano Ben) a Joshua Safdie, a la vanguardia del cine independiente norteamericano, no es un biopic al uso, persigue en todo momento trazar su propio camino, tan individual como lo es su peculiar protagonista, y cabe señalar, que un punto menos de obsesión en el desarrollo, le habría dado aún más consistencia, así como mostrar menos vulnerable al personaje en sus conclusiones, lo que resta algo de personalidad a un comienzo bastante más deslumbrante, algo que por otra parte, tampoco estropea los muchos aciertos de un trabajo realizado con personalidad y riesgo, en ese bendito espacio que contempla al cine de perdedores camino del éxito, género normalmente asociado a los deportes y al juego, que tantos títulos de calidad ha aportado al Séptimo Arte a lo largo de los años.

35 Fancine: Festival de Cine Fantástico Universidad de Málaga. Gala de Clausura, Palmarés, y Películas: 'No Other Choice', 'Soy Frankelda', y 'ChaO'.

2025-11-19T10:32:00.002+01:00

18/11/25

El telón del 34 Fancine ha caído, en un año de Power On! o electricidad en vena, volvemos a expresar la satisfacción por el deber cumplido, tras cubrir algo más de una docena de películas, que incluyen la mayoría de seleccionadas a concurso, así como la habitual e irrenunciable veintena de cortometrajes, sin descuidar la deseada Horror Zone, el espacio Ánima Zone, la apuesta al negro del Fanzriller, o el Fantástico Iberoamericano, así como La Sección Informativa, donde como siempre, hemos repasado los títulos más recomendables.

En ese punto, señalar que nos resta contar los días, hasta el próximo noviembre de 2026, deseando que esa 36 edición futura, tenga la misma capacidad en la elección de los títulos. Recordad que Fancine es un evento único en su especie, al ser el único de sus características patrocinado por una Universidad Pública.

Tenemos que reconocer, y ya se ha convertido en una tradición, el enorme trabajo de la organización, este año como siempre, con especial atención a Tamara Harillo, el corazón del Fancine, y Rocío Moreno Egea, el cerebro, las cuales no han parado como siempre de preocuparse de todos los detalles, y la comodidad de los que allí asistimos, tanto aficionados como medios acreditados.

Vuestra entrega y esfuerzo no se puede medir con simples palabras, pero igualmente, ahora y siempre, os lo agradecemos de corazón.

También dar las gracias a los parroquianos habituales, como Bernabé Naharro, Curro Burgos, Diego Kouga, o Adri Medina, y a figuras de la talla de Jon Rivero, además de compañeros como mi querido Daniel, (conocido como @uncinefago en Twitter), hacer tan digerible los momentos en los aledaños del Cine Albéniz, y también por supuesto a mis amigos de toda la vida, Samuel, José Francisco, Antonio, Andrés, Ana, y especialmente Siom (que me lo aguanta todo), el haber estado presentes en otra edición, después de tantos años, ya más de tres décadas, en los que hemos pasado de la adolescencia a la madurez, con todo lo que ello significa.

Precisamente, tenemos de nuevo que agradecer a Samuel Béjar, que se haya ocupado in extremis de dos nuevos títulos animados, los cuales añadimos a nuestra crónica, como una especies de bonus final, en un espacio siempre más cercano a su capacidad y sensibilidad ante este tipo de producciones.

Centrados en la Gala de Clausura, regresamos a la zona cero del apagón de la inaugural, vuelve a convertir el majestuoso Cine Albéniz en el epicentro de un relato sobre la supervivencia, plagada de diálogos delirantes, videos con ese ya clásico e ingenioso doblaje, este año de temática hindú, y mucho sentido del humor por parte de sus presentadores, con irrupciones inesperadas y un número musical, conducida en su totalidad por los alumnos de la Escuela Superior de Arte Dramático de Málaga, los cuales han dado paso a la surcoreana No Other Choice, del maestro Park Chan-wook, la encargada de bajar el telón de estos siete días de pasión fancinera.

Del palmarés, celebrar el reparto equitativo de los premios, donde era de esperar el triunfo de 'O Agente Secreto', (nuestra elección) como mejor película, algo que convierte a su realizador, Kleber Mendoça Filho, en dos veces ganador de Fancine, tras lograr el mismo premio en 2019 con la distópica 'Bacurau', un trabajo muy original, donde volvía a incidir en ese gusto constumbrista, plagado de personajes muy interesantes.

Del resto de premios, destacar el triunfo de la china 'Resurrection', con tres premios entre los que se incluye el de mejor director para Bi Gan, trabajo que también ha obtenido el Gato Rabioso, que recoge el reconocimiento de la prensa acreditada. Señalar igualmente, el galardón a mejor actor para Tahar Rahim, por la película 'Alpha', donde compone un personaje físico muy complejo, en una interpretación de la que ya nos hicimos eco en la reseña del film, dirigido por Julia Ducournau, sacerdotisa de la nueva carne.

En el apartado de cortometrajes, hemos estado más en sintonía con el público, que con el jurado joven, aunque entendemos sus decisiones, al encontrarse sus elegidos entre los mejores entre los proyectados. Algo similar ocurre en el mencionado premio Gato Rabioso de la prensa, para el que preferimos mirar hacia el público, y refugiarnos en la danesa 'The Last Viking', nuevo éxito del tándem formado por los daneses Anders Thomas Jensen, (director y guionista) y Mads Mikkelsen (actor), en otra comedia negra de personales disfuncionales, marca de la casa.

Esperamos que hayáis seguido nuestra línea editorial en estos últimos siete días, si habéis estado atentos a nuestras publicaciones, tenéis el análisis detallado de prácticamente todos los títulos incluidos en el palmarés, os dejamos como siempre las vías de contacto, para que no os falte ni un solo detalle o información referente al festival.

Power On! Somos Fusion Freak, con F de Fancine.

CONTACTO: @fancine.org

TWITTER/FACEBOOK/INSTAGRAM: @fancinemalaga

PALMARÉS:

Mejor Película: O Agente Secreto

Mejor Director: Bi Gan por 'Resurrection'

Mejor Actor: Tahar Rahim por 'Alpha'

Mejor Actriz: Patricia López Arnaiz por 'Singular'

Mejor Guión: Our Hero, Balthazar

Mejor Fotografía: Resurrection

Mejor Montaje: Reflection in a Dead Diamond

Mejor Banda de Sonido: Resurrection

Mejores F/X: Reflection in a Dead Diamond

Premio del Público: The Last Viking

Premio Gato Rabioso (Prensa): Resurrection

Cortometraje de Imagen Real (Jurado Joven): Future is Panorama

Cortometraje de Animación (Jurado Joven): Double or Nothing

Premio Méliès de Plata: (Cortometraje de Animación): Double or Nothing

Premio del Público al Mejor Cortometraje de Imagen Real: La Sangre

Premio del Público al Mejor Cortometraje de Animación: Free the Chickens

- Película de Clausura:

NO OTHER CHOICE

Nueva adaptación de la novela 'The Ax', que ya fue llevada al cine por Costa-Gavras (al que está dedicado el film) en 2005, bajo el título de Arcadia, y de cuyo guión se ha ocupado el propio realizador, básicamente para llevar la historia a su terreno, y explorar las posibilidades estéticas de los personajes perfilados en su origen por Donald E. Westlake, y donde su protagonista, ve como su universo de comodidad entra en peligro, cuando le despiden de la empresa papelera en la que ha trabajado durante veinticinco años, será entonces cuando empiece a contemplar desesperado, la posibilidad de ejecutar un macabro plan que le permita ser readmitido.

Comedia negra ambientada entre el otoño y el invierno, en la que el realizador coreano ejecuta su notable y estilosa habilidad, para retorcer los escenarios del film, y sumirlos gradualmente en la oscuridad de su peculiar relato criminal, con un envidiable equilibrio para la puesta en escena, el cual le permite afrontar con decisión los diferentes temas que componen un argumento, inicialmente a caballo entre el relato familiar, algo disfuncional, y el excéntrico mercado laboral, globalizado y extremadamente competitivo.

Del reparto, destaca el reencuentro entre el realizador y Lee Byung-hun, con el que no trabajaba desde Joint Security Área (2000), y al que entrega el personaje protagonista en un alarde cómplice, tras un cuarto de siglo en el que ambos, han convertido sus carreras en exitosos ejemplos de proyección internacional, dentro de un reparto que brilla a nivel general en todos sus perfiles, demostrando nuevamente la capacidad del realizador, en su minucioso trabajo con los actores.

Finalmente, la decimocuarta película de Park Chan-wook tras la cámara, vuelve a dejar constancia de su incuestionable talento creativo, y de ese compromiso por tratar temas de actualidad que representa No Other Choice, algo que hace sin renunciar nunca a su particular visión como autor, cuidando ese gusto por los detalles, y las formas narrativas sofisticadas, mientras sigue explorando las profundidades del corazón humano, factores todos ellos, que le han llevado a posicionarse como uno de los realizadores más valiosos de su generación.

- Ánima Zone:

SOY FRANKELDA

Escrita y dirigida por los hermanos Ambriz, productores y creadores del estudio de animación mejicano Cinema Fantasma, Soy Frankelda se trata de su ópera prima largometraje. Estrenada este mismo año, es precuela de la serie infantil los Sustos ocultos de Frankelda, con una temática y estética a caballo entre la Historia Interminable y Pesadilla antes de Navidad, realizada mediante animación stop-motion. Aunque inicialmente iba a tratarse de un especial de 30 minutos, el proyecto fue creciendo hasta alcanzar su metraje final (de casi dos horas).

El mundo de los Sustos y el de los humanos existen a ambos lados de un mismo velo, influyéndose mutuamente. Mientras que los Sustos pueblan las peores pesadillas y miedos de los hombres, son éstos quienes crean y dan forma a los Sustos mediante los temores de su subcosnciente. Francisca Imelda, una joven de enorme imaginación, escribe grandes historias de terror que sin embargo no consigue ver publicadas. Por su lado, Herneval, príncipe del mundo de los Sustos, ve como su mundo muere lentamente ya que el encargado de diseñar las pesadillas humanas, Procustes, ha caído en un bloqueo creativo que les está costando la vida. Herneval invita a Francisca (que cambia su nombre por Frankelda) a traspasar ese velo para ser quien escriba las nuevas pesadillas que agiten a la humanidad, pero por su parte Procustes tiene sus propios planes de invasión al mundo real, aunque para ello tenga que urdir una maraña de traiciones y engaños contra la Familia Real de los Sustos, con el fin de encabezar una rebelión que los deponga.

Si bien está llena de buenas ideas y el diseño de producción es original e imaginativo, Soy Frankelda es una película de altibajos que no acaba de ser redonda. Su animación es en ocasiones sobresaliente hasta el punto de que puede parecer incluso animada por ordenador, pasando luego a ser tosca y confusa en los momentos de mayor acción. Por otro lado, su parte musical no acaba de encajar bien (y pese a tener varios temas, ninguno convence en su melodía) y su historia parece inconclusa, dejando varios cabos sueltos y la sensación en el espectador de que falta algo. Tal vez, expandir un argumento que iba a durar 30 minutos a una duración cuatro veces mayor ha acabado por diluir el sentido de su historia, y de apoyarse en su serie original para resolver sus flecos, esto queda fuera del conocimiento del espectador casual y encontrarse perdido.

Escrito por Samuel Béjar Ramirez.

- Ánima Zone:

ChaO

Fundado en 1986, Studio 4ºC es un veterano estudio de animación japonés que cuenta en su haber con obras como Memories (Katsuhiro Otomo, 1995), Spriggan (H. Kawasaki, 1998) o varios capítulos de The Animatrix (2003), sin contar con extensísimo catálogo de producciones entre cortometrajes, largometrajes y videojuegos. De su mano llega Chao (Yasuhiro Aoki, 2025), una comedia romántica ligera de tono fantástico con un estilo visual dinámico y rico, basado en una estética feísta y caricaturesca en los personajes (alejada de los cánones habituales en el manga), en oposición a su preciosismo estático en los entornos.

El mundo vive una era de coexistencia entre los hombres y las criaturas marinas. Sin embargo, sique permaneciendo un último obstáculo, ya que las hélices de las embarcaciones humanas dañan a los seres del mar. Un joven ingeniero llamado Stephan propone un nuevo medio de propulsión, y aunque inicialmente es ignorado por sus jefes, su repentino acuerdo de matrimonio con Chao, la princesa del reino marino, le da la notoriedad suficiente para conseguir luz verde a su proyecto. Sin embargo, su nueva situación le enfrenta al problema de tener que sobrellevar una relación con una criatura de la que apenas sabe nada, ni ella del mundo de los hombres.

Ágil y divertida, Chao está dotada con un sentido del humor que se mueve entre la crítica sutil y lo más absurdo del slapstick, presentando una historia sencilla que intercala momentos entrañables, de comedia y unas pocas gotas de drama. Su duración es perfecta, y resulta entretenida incluso en sus tramos más introspectivos, logrando en todo momento proyectar un aura de buen rollo y encanto.

Escrito por Samuel Béjar Ramirez.

35 Fancine: Festival de Cine Fantástico Universidad de Málaga. Día 6, 'Our Hero, Balthazar', 'Reflection in a Dead Diamond', y 'Singular'.

2025-11-18T10:52:00.003+01:00

17/11/25

Camino de la despedida, tocaba completar algunos de los títulos que nos faltaban a concurso, de cara a la elección del premio 'Gato Rabioso', justo el momento en el que anunciamos la que creemos debería será la ganadora de esta 35 edición de Fancine, y la elegida por la redacción de Fusion Freak es 'O Agente Secreto', de Kleber Mendoça Filho, que reconstruye con notable capacidad, los ultimos estertores de la dictadura militar en en Brasil de finales de los setenta, con un gran Wagner Moura como protagonista.

Para hoy martes, tenéis la oportunidad de ver el primer y único pase de la tailandesa 'A Useful Ghost', junto a al segunda, y también última posibilidad de asistir a producciones como la animada 'ChaO', el terror de 'Bamboo Revenge', o la perturbadora 'Touch Me', así como 'Self-Help', un conjunto de títulos que pondrán punto y final, junto a la clausura, de nuestro querido Fancine.

En colaboración con la Facultad de Filosofía y Letras de la UMA, se ha procedido a la lectura del fallo del X Certamen de Microrrelatos Fantásticos y de Terror, en una sesión conducida por el vicedecano de estudiantes Miguel Ángel González. Este año, el jurado ha valorado especialmente la capacidad de los textos para recrear atmósferas inquietantes relacionadas con el eje temático de Fancine, la energía. El primer premio ha sido para ‘Mala energía’, de Ainara Quesada Retamero, un relato que combina supersticiones, hechizos y nuevas tecnologías; el segundo para ‘Carga contactless’, de María del Pilar Cortázar Gutiérrez, acerca de una batería con la capacidad de dar energía hasta el infinito; y el tercero para ‘Descuidos’, de Alba Quintero Atel, que en apenas unas líneas resuelve una historia siniestra sobre una tumba.

Tiempo habrá mañana para conclusiones y agradecimientos, con la publicación del palmarés y la gala de clausura, para una nuevo Fancine con tendencia a lo memorable en contenidos, (aunque esto ha dejado por fortuna de ser noticia en los últimos años) y que además promete con su última película, la coreana 'No Other Choice', del maestro Park Chan-wook, poner el broche de oro a un Fancine en constante lucha por superarse cada año.

Os dejamos como siempre las vías de contacto, para que resolváis cualquier duda, detalle, o información referente al festival.

Power On! Somos Fusion Freak, con F de Fancine.

CONTACTO: @fancine.org

TWITTER/FACEBOOK/INSTAGRAM: @fancinemalaga

- Películas a Concurso:

OUR HERO, BALTHAZAR

Un adolescente, el Balthazar del título, cuya madre pertenece a la clase alta neoyorquina, tiene como afición grabar vídeos con los que intenta impresionar, con su habilidad para mentir a cámara de manera emotiva, a una audiencia entre las que se encuentra una compañera de clase. Cuando entra en contacto con Solomon, un tipo siniestro que parece ser un lobo solitario, y que presumiblemente pretende atentar contra un centro escolar en Texas, decide viajar allí para enfrentarlo.

Ópera prima de Oscar Boyson, a partir de su propio guión original, Our Hero, Balthazar es de esas cintas de corte independiente norteamericano, que se adscribe a los conflictos sociales de actualidad, tales como la inseguridad, el control de las armas, o los peligros de un mal uso de las redes sociales por parte de los adolescentes, (y los no tan adolescentes) mientra se proyecta libremente por géneros afines, como el drama de personajes, o una extraña buddy movie de perdedores, empeñados en sobrevivir a toda costa, mientras curiosamente, no se plantean renunciar a lo erróneo de su comportamiento, algo que podría enderezar el cauce de sus problemas.

Pese a que el planteamiento de Boyson está lleno de buenas ideas, como es mostrar la diferencia de clases entre sus protagonistas, en ese contraste entre el norte más sofisticado al que pertenece el Balthazar, y la america profunda y rural situada al sur, en la que se encuentra Solomon, a la hora de plasmarlas sobre el terreno comete algunos errores propios de un debutante, principalmente porque el encuentro entre ambos personajes no resulta del todo creíble, entre las idas y venidas propias de dos cretinos irrecuperables, se echa en falta algo más de conflicto entre ellos, que aporte una mayor credibilidad y consistencia a su recién nacida relación.

Sorprendentemente, y obviando a los adultos, son las mujeres de esta película, también entre adolescentes y jóvenes adultas, las únicas que parecen mostrar un aspecto juicioso ante los conflictos, y los individuos que les ha tocado soportar, lo que arroja cierta filoginia por parte de su principal responsable, pero no deja igualmente de ser uno de los mejores enfoques del film, por generar una serie de escenas más genuinas a su causa.

Del reparto, destacar el estuerzo de Jaeden Martell como Balthazar, y de Asa Butterfield en el papel de Solomon, pese a los desajustes, ambos se muestran implicados con el material, dentro de un casting que incluye algún perfil interesante, como el que interpreta el veterano Cris Bauer, un gurú de la estafa, padre del personaje de Butterfield, que clava su personaje sinvergüenza de turbio pasado.

Finalmente, el primer trabajo tras la cámara de Oscar Boyson, equilibra sus virtudes con sus defectos, alejado de cualquier entusiasmo, pero protegido por el espectro indie, un formato deseado a nivel cinefilo, que siempre ofrece productos más comprometidos, pese a que Our Hero, Balthazar desaproveche muchos de los temas que expone, los cuales adolecen de una mayor profundidad y contundencia.

- Películas a Concurso:

REFLECTION IN A DEAD DIAMOND

En 1968, el mítico Mario Bava estrenaba 'Danger:Diabolik', quizá uno de sus trabajos menos conocidos, por eso de que casi siempre se suele referenciar más su obra en el género de terror, pero que igualmente, constituye un valioso documento kitch, de aquellos psicoldélicos años 60, como versión demencial de 007, el cual reinaba por entonces en las taquillas de todo el planeta, como icono soberano del cine de máximo entretenimiento.

El regreso del tándem formado por Hélène Cattet y Bruno Forzani, a partir de su propio guión original, y tras la insufrible 'Let the Corpses Tan' (2017), es un homenaje en toda regla al Diabolik de Bava, respetando su estilo original, pero potenciado bajo el particular filtro estético de sus peculiares realizadores, cuyo planteamiento inicial, muestra dos historias en paralelo, donde un veterano agente secreto regresa al lugar de su misión más importante, en el idílico entorno de la Costa Azul, torturado por los recuerdos y las incógnitas de un pasado lleno de glamour y peligro.

Si bien en el film de Bava no había lugar para la nostalgia, en este Reflejos en un Diamante muerto, la vejez y sus efectos si tienen un papel importante, por mucho que el film se muestre más cómodo en el pasado, entre mortales carreras de coches muy veloces, camas redondas y de todo tipo, codiciados diamantes con los que darte la vida soñada, hermosas mujeres, tan bellas como su protagonista, villanos extremadamente crueles a lo Goldfinger, sólo que cambiando el oro por petróleo, y sobre todo, una misteriosa Serpentik, cuyo juego de palabras conforma en último extremo el homenaje de aquella.

La fina línea entre la ficción y la realidad, es el punto en el que los realizadores galos deforman su propio planteamiento, complicando una trama en la que se puede aceptar su visión a dos bandas entre pasado y presente, pero que se hace más cuesta arriba, con el nivel de confusión que aporta en su trato final, unido al peaje que supone aguantar una estética tan potente como agotadora, factores que acaban por borrar parte de ese arranque tan enérgico y prometedor que porta la cinta.

En la parte técnica, es evidente que un ejercicio de estilo tan fetichista, vestido con un traje visual de tales características, requería de un montaje entregado a su particular puesta en escena, y de una cuidada fotografía, a cargo de Manuel Dacosse, acorde a las necesidades estéticas de un trabajo, por el que irremediablemente transitan los ecos del no menos mítico Ennio Morricone, encargado de la música en aquel Danger:Diabolik, y que obviamente, también ocupa su espacio en el film.

Finalmente, hay que reconocer a Cattet y Forzani, haber mejorado el registro de su anterior trabajo, los defectos inherentes a la forma siguen ahí, asi como las interpretaciones forzadas de sus actores, pero la temática escogida es mucho más seductora e interesante, y el homenaje resulta mucho más certero, haciendo rememorar al espectador ese universo de fantasía pop, en el que todos soñamos alguna una vez con ser misteriosos agentes secretos, en peligrosas misiones internacionales, mientras sensuales formas femeninas, deslizaban su silueta por el cañón de nuestro arma, la clase de producto que Reflection in a Dead Diamond se esfuerza por rescatar del olvido, destilando su esencia en la forma más genuina posible.

- Películas a Concurso:

SINGULAR

Diana y Martín, ambos investigadores en inteligencia artificial, se reencuentran tras doce años separados, el tiempo que hace que perdieron a su hijo, (justo el día en el que hubiera cumplido la mayoría de edad), en la casa del lago donde veraneaban, y donde su produjo tan trágico suceso.

Segundo largometraje de Alberto Gastesi, a partir de su propio guión original, escrito junto a Alex Merino, Singular es un film que trata sobre la pérdida y sus consecuencias, pero que también plantea si resultará lícito ese dilema moral en un futuro próximo, ese en el que tendremos que enfrentarnos a un prototipo quizá más perfecto, al menos en el aspecto formal, algo que podría poner en peligro la propia condición humana, si se cometen errores en el enfoque y la calibración de las máquinas.

Hablando de maquinas, ese escenario casi único, de casa aislada en el bosque, y entorno natural anexo de carácter idílico, recuerda mucho al planteamiento de Ex Machina, la cinta de Alex Garland, más aún con el tema de la inteligencia artificial en juego en ambos trabajos, con una más que evidente diferencia de presupuesto a favor de la británica, y una gran distancia en el componente emocional, espacio en el que Singular intenta construir un relato de tono más familiar.

Entre los puntos a favor de la cinta, el principal es ofrecer al espectador una serie de presumibles certezas, para luego girarlo todo y explorar nuevas perspectivas a sus incógnitas, lo que podría haber sido un factor determinante para su causa, de no ser por un exceso de reiteración, que acaba por estirar en exceso una idea, a la que tampoco ayuda en ese sentido un ritmo excesivamente pausado, algo que por lo general, acaba por desconectar al espectador de la trama en algunos momentos clave.

En el centro del escenario, una fantástica Patricia López Arnaiz, que debería dar clases de interpretación y vocalización a muchos de sus compañeros de profesión, bien secundado por Javier Rey y Miguel Iriarte, esforzados ambos por seguir la estela de su compañera de reparto, en ese drama planteado casi exclusivamente a tres bandas, en un único escenario.

Finalmente, Singular es un trabajo de casi una década, que ha sufrido la espera por su financiación, mientras la propia IA crecía en paralelo de las propias necesidades científicas del film, según palabras de su propio realizador, un Alberto Gastesi al que hay que reconocer su entusiasmo por el material, por mucho que el resultado final sea algo inconstante, lo que tampoco elimina todas las virtudes de un trabajo, que técnicamente aprovecha todos los recursos a su alcance, y plantea ideas muy interesantes para un futuro en el que sin duda, tendremos que hacer frente a conflictos de similares características.

35 Fancine: Festival de Cine Fantástico Universidad de Málaga. Día 5, 'The Only Child in the Butchery', 'Fuck my Son!', 'O Agente Secreto', y 'Decorado'.

2025-11-17T11:14:00.001+01:00

16/11/25

Encaramos el domingo centrados aún en las películas a concurso, cada vez queda menos para elegir la que pensamos, debería ser la ganadora del premio 'Gato Rabioso' que otorga la prensa, mientras no dejamos tampoco de votar como público, en esa búsqueda por intentar hacer pleno. En lo personal, tantas películas comienzan a pasar algo de factura, es un cansancio asumible, las prisas, las carreras, el dormir poco, todo forma parte de esos benditos siete días de pasión fancinera, en los que no debemos levantar mucho la voz, porque solo con imaginarnos el enorme trabajo que tienen los miembros de la organización, a los que les faltan horas al día para estar pendientes de todos los detalles, los invitados, y las mil cosas que surgen cada jornada, solo podemos decir gracias, y animarles a echar el resto para terminar mostrando el mismo nivel de entrega.

La magia de Fancine se muestra en situaciones cinéfilas tales, como es terminar la noche del sábado viendo la infame, pero muy divertida, Fuck my Son!, clasificada X, un título que uno debe obligarse a ver siempre en estos eventos con el publico adecuado, por su carácter provocador, y amanecer el domingo con la estupenda O Agente Secreto, multipremiada cinta brasileña, centrada en los estertores de la dictadura militar que sacudió al país, entre finales de los 60 y mediados de los 70 del siglo pasado.

En el espacio Ánima Zone, hemos disfrutado de la nueva obra de Alberto Vázquez, que al igual que con Unicorn Wars, ha transformado su otro cortometraje de éxito, Decorado, es un largometraje. Como ya es tradición en los ultimos años de Fancine, de esta reseña se ocupa nuestro querido colaborador y amigo Samuel Béjar Ramirez, con bastante más capacidad y criterio para estos asuntos animados, del que sólo añadiré haberla disfrutado en lo personal, aunque como ocurriera con su anterior trabajo, sigo prefiriendo estas historias en el formato del cortometraje.

Antes, desde primera hora de la mañana, han tenido lugar en el Contenedor Cultural de la UMA los habituales talleres infantiles, organizados junto a la asociación Misul, que han llenado de color y creatividad el espacio escénico del Campus de Teatinos. Los más pequeños han participado en el taller “Monta y decora tu cometa”, donde han personalizado con pintura acrílica sus creaciones antes de hacerlas volar. En paralelo, la actividad “Crea tu bombilla de las estaciones” les ha permitido a los niños a partir de 10 años construir una lámpara artesanal ilustrando primavera, verano, otoño e invierno en pequeñas piezas recortadas y ensambladas alrededor de un cilindro transparente con luz interior. Entre mesas, pinceles y tijeras, las familias han convertido el escenario en un pequeño laboratorio artístico dentro del festival, que, un año más, da cabida a los niños con el objetivo de crear cantera.

Para hoy lunes de resaca, toca completar algunos de los títulos a concurso que aún nos faltan, y finalmente desvelar nuestra elección para el antes mencionado premio Gato Rabioso de la prensa, mientras miramos de reojo la gala de clausura del martes, con la película surcoreana No Other Choice, del maestro Park Chan-wook, el colofón perfecto para ésta 35 edición de Fancine.

Os dejamos como siempre las vías de contacto, para que resolváis cualquier duda, detalle, o información referente al festival.

Power On! Somos Fusion Freak, con F de Fancine.

CONTACTO: @fancine.org

TWITTER/FACEBOOK/INSTAGRAM: @fancinemalaga

- Fanzriller:

THE ONLY CHILD IN THE BUTCHERY

Si algo hay evidente en el cine surcoreano, es la existencia de toda una industria consolidada, que permite a sus debutantes acceder con mayor facilidad, al menos en comparación con el resto de cinematografías, a sus primeros trabajos como realizadores.

Opera prima de Yoo Hyoung-joon, a partir de su propio guión original, The Only Child in the Butchery es un drama familiar, de tintes criminales, que presenta a un huérfano acogido por sus tíos, el cual trabaja en la carnicería de estos sin cobrar sueldo alguno, algo que va a cambiar cuando agobiado por su novia, se vea forzado a reunir el dinero suficiente para que puedan casarse, al tiempo que descubre un secreto doméstico que podría poner fin a dichos problemas financieros.

Un trabajo pausado, apoyado en el buen hacer de sus actores, que en el caso de los intérpretes coreanos, no suele ser ninguna sorpresa, por los niveles de implicación que suelen aportar, y entre los que destaca su joven protagonista, un Kwo Ji-woo gélido, a veces casi inexpresivo, ideal para componer a un Tae-seob expuesto a un universo personal bastante adverso.

Precisamente, lo mejor que se puede decir del film, es que sus personajes actúan como lo haría cualquiera en la vida real, de forma mezquina e interesada, o lo que es lo mismo, los típicos comportamientos inherentes a la propia condición humana, donde la mentira o la propia codicia, pueden llevar a cualquiera a una situación extrema, poniendo en peligro incluso su propia integridad física.

Por contra, esa mencionada gelidez que porta su protagonista, se adscribe a las formas narrativas, dejando un espacio nulo para el humor, algo que transmite cierta antipatía hacia el film, que si bien hace un buen alarde técnico, en su más que evidente limitación presupuestaria, se toma demasiado en serio a si misma, para contar una historia muchas veces vista en el cine negro o policíaco, géneros de los que huye igualmente, en favor de un tono familiar instalado entre los reproches, y las tensiones de sus integrantes.

Por último, el debut tras la cámara de Yoo Hyoung-joon, muestra detalles muy interesantes, y buena capacidad para la puesta en escena, tanto de interiores, como en la carnicería que da nombre al título, donde juega bien con las texturas y los colores, como en los escenarios naturales, donde provoca algún efecto de tensión genuina, pero igualmente, debe hacer frente a un estilo excesivamente rígido, que acaba por generar cierta aversión por el conjunto de la obra, y sus consideraciones finales.

- Horror Zone:

FUCK MY SON!

Tras engañar a una madre y su hija pequeña, con el viejo truco de la caída, una anciana (o diga mejor un señor disfrazado de vieja) secuestra a ambas con la macabra intención de entregar a la mujer a su hijo, un engendro que como bien apunta el título, necesita sexo debido a su imposibilidad para conseguirlo por los métodos tradicionales.

Basada en un cómic de Johnny Ryan, de trazo básico y muy grueso, el cual se muestra en los títulos de crédito finales, Fuck my Son! llegaba acompañada de la polémica, tras ser catalogada como película X, y despertar al mismo tiempo, el máximo rechazo de los que habían tenido ya la suerte o la desgracia de soportarla, aunque siendo honestos, este es el tipo de producción que podría haber firmado la Troma, o un Frank Henenlotter de turno, en ese planteamiento fílmico consistente en rodar un cine de terror de bajo presupuesto, casi ínfimo, mostrando escenas de sexo y violencia, embadurnándolo con grandes cantidades de sangre.

A partir de propio guión original, el norteamericano Todd Rohal busca desde el primer instante, donde avisa con esa innecesaria y estúpida introducción sobre lo que es un contenido calificado X, la simple y mera provocación del respetable, mientras busca introducir, de manera tan torpe como consciente, una serie de desvaríos propios de una película de Serie Z, como son esos diseños grotescos de animación cárnica, que acompañan como verdaderos anormales, a la más joven de sus protagonistas.

Demasiado relleno para un film que podría resumirse en menos de una hora, el tiempo en el que Fuck my Son!, se aisla en un escenario único, y da rienda suelta a su festival de depravación, presentando a su grotesca criatura entrañable, en una especie de mezcla entre Monster Movie, cine basura, o relato Pulp de corte bizarro, y en definitiva, la razón final que indica su título, y por la que cualquiera ha llegado a este punto del metraje sin abandonar la sala, o apagar el televisor en casa.

Añadiendo alguna sorpresa de pura crueldad, y sobre todo mucho humor, hay que señalar que la cinta no representa para nada esa corriente extrema, que básicamente se resume en dar un enorme realismo, para golpear al espectador de forma genuina. Alejados de ese concepto, estamos ante una fantasía orgullosa de ser repulsiva, aspecto que se evidencia en el uso de un maquillaje irreal en sus diseños más destacados, mientras el uso de un lenguaje soez y repugnante en lo sexual, así como alguna escena concreta, hacen el resto para completar la gran broma de mal gusto que supone el film, y del que como aviso, conviene no tomarse nada en serio.

Del reparto, seria injusto no destacar el esfuerzo de Robert Longstreet como Vermina, esa entrañable anciana que sólo busca la felicidad de su hijo, y de Steve Little, la criatura, aunque solo sea para este último, por tener que soportar los kilos de maquillaje que asisten a su personaje, mientras en la lejanía suena algún eco, de ese manual de verdadera provocación trash que era Pink Flamingos, de John Waters, con la que comparte los efectos de tan obsesa relación entre madre e hijo, y sus nefastas consecuencias.

Finalmente, estamos ante un subproducto de carácter infame, que no solo es consciente de ello, además se regodea en su propio vómito, perpetrando esa clase de ejercicio provocador, que por muy fácil que sea definir como producto infecto, también se le reconoce esa capacidad de ser perfecta para ver con amigos, en alguna sesión golfa, o reunión nocturna sobrada de comida basura y muchas cervezas, justo el espacio donde los prejuicios, suelen convertirse en sonoras carcajadas etílicas de relativo entusiasmo.

- Películas a Concurso:

O AGENTE SECRETO

- Ánima Zone:

DECORADO

Siguiendo la estela de sus trabajos anteriores, Alberto Vázquez presenta este mismo año su largometraje “Decorado”. Responsable tanto de su guión (junto a colaboradores) como de llevar la batuta en su dirección, es ésta su octava producción, en la que mantiene su particular línea temática y estética. Vázquez repite aquí la fórmula de presentar una primera idea en forma de corto (Decorado, 2016) que posteriormente expande con mayor riqueza en forma de largometraje, como ya ocurriera con Sangre de Unicornio (2013) y Unicorn Wars (2022).

En una ciudad dominada bajo la omnipresente presencia de la Multinacional ALMA, Arnold, un ratoncito de mediana edad desempleado y al borde de la crisis existencial, malgasta sus días buscando un sentido a su vida, mientras su pobre esposa María sufre su propio proceso de deprimente desconsuelo, al ver que sus vidas no son lo que le prometieron días más felices. Rodeándolos, se despliega todo un reparto de secundarios que de un modo u otro, son víctimas o cómplices (activos o pasivos) del mismo sistema de consumismo y despersonalización que la todopoderosa empresa ha establecido como orden social, que les proporciona una forma de vida en apariencia confortable pero que de manera cada vez más evidente los deja vacíos por dentro (residiendo ahí el juego de palabras del nombre de la villana de esta historia).

Las obras de Alberto Vázquez se caracterizan ser protagonizadas por tiernos animalitos de aspecto adorable que sin embargo se ven asolados por inquietudes opresivas, y Decorado mantiene esa misma línea, moviéndose entre el drama psicológico y la crítica social. Consigue así crear un efecto bastante turbador entre la aparente dulzura de su animación y la oscuridad de la trama que plantea, logrando crear mediante este contraste una narración inquietante que no deja indiferente.

De esta manera, Decorado presenta casi un reparto coral en el que cada secundario afronta una realidad en apariencia es perfecta pero que no funciona como debería, siendo Arnold quien manifiesta esa extraña sensación de alienación y pérdida de identidad en un mundo que debería hacerlo sentir realizado y no desear huir de él, pero mostrando las reacciones de otros (los parias que intentan mantenerse aparte de esa forma de vida, los empobrecidos por herencia, los directivos deshumanizados o los juguetes rotos y apartados por el mismo sistema que los creó), como parte complementaria a una crítica social ácida y multifacética, que apunta directamente hacia las grandes empresas que de una forma u otra, interfieren en la vida de sus consumidores y pugnan por su control, a veces de forma más que descarada.

Escrito por Samuel Béjar Ramirez.

35 Fancine: Festival de Cine Fantástico Universidad de Málaga. Día 4, 'The Last Viking', 'Redux Redux', y 'Dead Mail'.

2025-11-16T10:15:00.003+01:00

15/11/25

Llegamos al Sábado, la etapa reina del Fancine, con permiso del jueves de cortometrajes, día de máxima afluencia para las diferentes sesiones ofertadas, así como de un mayor número de posibilidades, que no se limitan a la gran pantalla, y que incluyen actividades paralelas, y sesiones matinales, algo deslucidas este año (otra vez, pero por suerte, con bastante menos intensidad) por la dichosa climatología adversa.

En el Contenedor Cultural de la UMA, tuvo lugar por la mañana una de las citas más esperadas de Fancine, con la celebración del concurso de Kpop, todo un clásico ya del evento, el cual volvió a congregar a un gran número de jóvenes, los cuales acompañaron a los concursantes cantando y reproduciendo las coreografías de sus artistas coreanos favoritos.

Sumidos en la misma vorágine de ayer, avanzamos por las películas a concurso, dosificando los títulos que como ya sabéis, se repiten en los días posteriores, mientras intentamos no descuidar el resto de secciones, completando así la oferta, al menos hasta el momento, de la mayoría de contenidos de esta 35 edición, en una jornada maratoniana, que nos ha llevado a visionar cuatro cintas seguidas, las cuales iremos desgranando en las próximas publicaciones.

En colaboración con el Centro Cultural Coreano, hemos asistido en primicia, al estreno mundial de 'The only child in te butchery', un drama familiar de tono criminal, que no ha tenido presentación por parte de sus responsables, al contrario que la también surcoreana 'Boy', que será presentada hoy domingo por gran parte del equipo responsable, con su realizador a la cabeza.

Rescatamos del cajón de sastre, la película Dead Mail, integrada en el espacio de Noche Shadowz, y presentada por el gran Curro Burgos, junto a la escritora Fátima Romero, un trabajo muy interesante, que pese a su modesto presupuesto, se las ingenia para resultar original y convincente, más allá de su clásica historia de secuestros.

Para hoy domingo, destacar tambien el encuentro con los responsables de 'La Frecuencia Kirilian', en el espacio del Fantástico Iberoamericano, mientras en el Contenedor Cultural (Teatinos), tenéis una Sesión de Cortometrajes Méliès con entrada gratuita hasta completar el aforo, todo un regalo para los amantes de un formato ganador, que poco o nada tiene que envidiar a sus hermanos mayores del largometraje.

Os dejamos como siempre las vías de contacto, para que resolváis cualquier duda, detalle, o información referente al festival.

Power On! Somos Fusion Freak, con F de Fancine.

CONTACTO: @fancine.org

TWITTER/FACEBOOK/INSTAGRAM: @fancinemalaga

- Películas a Concurso:

THE LAST VIKING

Película con grandes dósis de humor negro marca se la casa, añadiendo gotas de tinte criminal, e incluso mostrándose como una especie de buddy movie fraternal, éste Último vikingo es nueva muestra de la enorme capacidad creativa de su realizador, el cual se mueve como pez en el agua entre la mezcolanza de géneros, cohabitándolos de manera acompasada, e incluso convirtiendo algunos de sus evidentes defectos en virtudes, principalmente cuando la historia corre el riesgo de decaer, por recurrir a algún escenario o idea algo más reiterativa, aspectos donde Jensen aplica al rescate, su particular oficio tras la cámara.

Del resto se ocupa el tándem formado por Nikolaj Lie Kaas y el propio Mikkelsen, dos intérpretes que llevan años trabajando y compartiendo química juntos, en películas del propio Jensen como Jinetes de la justicia, lo que eleva el nivel de complicidad entre los actores y el director, a esos niveles de máxima implicación, el que pueden encontrar nuevas formas para la mejor improvisación en equipo, algo que le da al film un punto de frescura y originalidad impagables.

En su mayor parte, la cinta se traslada a un entorno rural danés, en el que se concentran una serie de personajes pintorescos, cada uno con su espacio y su profundidad, muy bien dibujados desde el guión, e incluso una inquietante amenaza del pasado, en forma de contundente perseguidor, que añade notas de tensión a un relato, que pese a portar generalmente un tono más cómico, no se pone trabas al mostrar cierta dureza formal, en forma de traumas reprimidos, los cuales añade para intentar arrojar respuestas sobre la complicada relación de sus dos hermanos protagonistas.

Finalmente, The Last Viking es uno de esos títulos que cabe recomendar sin reservas, como nuevo capítulo ganador en la colaboración de sus principales implicados, un trabajo original, sorprendente, cuidado en los detalles, tanto en los aspectos narrativos como en los apartados técnicos, donde brilla especialmente la banda sonora a cargo de Jeppe Kaas, colaborador habitual del realizador, ideal para acompañar ese punto emotivo, que no lacrimógeno, que en última instancia consigue alzanzar el film de manera acompasada, sin artificios de ningún tipo.

- Sección Informativa:

REDUX REDUX

El cine independiente norteamericano suele encontrar a veces atajos, en los que sin alejarse del casi obligado concepto dramático que le contempla, puede añadir otros géneros a su espacio de mayor libertad creativa, algo que cuando sale bien, permite a veces posicionar la producción, incluso con mayor intensidad que muchos de los trabajos protegidos por el espectro de lo comercial.

Convertida en un asunto familiar, los realizadores Kevin y Matthew McManus, entregan desde su propio guión original, el protagonismo a Michaela McManus, una madre coraje que persigue al asesino de su hija a través de diferentes realidades, con la esperanza de cambiar el curso de tan trágico suceso.

Con un arranque potente y rompedor, apoyado en un trabajo musical muy adecuado, Redux Redux combina esa reconocible ciencia ficción de viajes temporales, incluyendo su convincente sarcófago retro futurista para desplazarse entre universos paralelos, con un cine criminal muy contundente, al menos de inicio, donde se muestra especialmente inspirado en su planteamiento, mientras combina vibrantes escenas de persecución, y la sensación de peligro se hace tangible.

Lástima que la aparición en el nudo de un personaje más estereotipado, haga descender en intensidad ese carácter inicial más colérico, aproximando el film a un concepto más emocional y previsible, que sin alejarse del todo de la acción, si hace desear que el personaje interpretado por una implicada Angela Mcmanus, continúe su particular cruzada en solitario, como despiadado ángel caído de la venganza.

En cualquier caso, el concepto moral que plantea a cinta, donde la protagonista se convierte en asesina en serie, del asesino en serie que acabó con la vida de su hija, queda intacto y resulta del todo interesante durante todo el recorrido, mientras los realizadores buscan ese tono fronterizo de road movie, muy adecuado para introducir ese escenario final, en el que se desatan buenas dósis de tensión e inquietud genuina, pese a no estar resuelto de la manera más óptima.

Para terminar, es bastante seguro que Redux Redux acabará llamando la atención por su particular temática, el componente nostálgico de ese tipo de cine de estilo ochentero, pensado para el público de una generación que ya empieza a peinar cañas, aún tiene suficiente cuota en pantalla, y ese aspecto es justo el que han sabido explotar los McManus, con más acierto que defectos, y calibrado que su reiteración no afecte demasiado al resultado final de un trabajo interesante, y finalmente recomendable incluso para aquellos, que tienen especial alergia a la etiqueta de lo independiente.

- Noche Shadowz:

DEAD MAIL

Es un hecho bastante contrastado en casi todos los periodos fílmicos, que el planeta cine suele girar en torno a un espectro poblacional concreto, algo que activa el factor nostalgia, y condiciona muchas de las producciones que se suelen llevar a término.

Antes de que los 90 se conviertan definitivamente en los nuevos 80, todavía quedan estertores de aquella década prodigiosa del siglo pasado, lo justo para contar historias como la que ofrece Dead Mail, un relato que posee una estructura inicial algo compleja, y cuya primera escena presenta a una víctima que intenta huir de su secuestrador sin éxito, no sin antes arrojar una misiva al buzón, como última esperanza para dar a conocer su crítica situación.

Segundo trabajo del tándem formado por Joe DeBoer y Kyle McConaghy, a partir de su propio guión original, Dead Mail es un trabajo independiente cuya mayor virtud es mostrarse libre, y en ese espacio más propicio y espontáneo, los realizadores presentan con cuidado a los personajes, incluso a los más secundarios, dándoles credibilidad y cierta profundidad, al tiempo que se permiten jugar con una estética muy cercana a una especie de pesadilla onírica, sin esquivar el que estemos ante una obra de ficción, pero no escatimado tampoco en agresividad, en parte por tener que hacer frente a un presupuesto más bien limitado, que les obliga a capturar la atención de los aspectos más tensionados de la historia.

Una vez superados los primeros compases, con las cartas sobre la mesa, y los personajes más o menos en su sitio, se reproduce, y nunca mejor dicho, el mayor hallazgo de un film, que puede presumir de poseer un objeto capaz de robar el protagonismo, y capturar la atención del espectador, mientras se manifiesta como particular Caja de Pandora, que desata todas las acciones y consecuencias de los implicados, mientras propicia igualmente, que se desmadejen los motivos de tan particular encierro.

El magnetismo que provoca el uso del sonido galvanizado del que Dead Mail hace gala, el cual se extiende a la música, termina por completar el valor de dicho hallazgo, y ofrece un destacado añadido técnico a un film, que también presume de una interpretación principal esforzada, a cargo de John Fleck, un actor más bien desconocido, de trayectoria longeva en cine y televisión, pero en su mayoría irrestreable o poco atractiva, que aquí compone con sobrada habilidad y experiencia, a un personaje con muchas capas, al que resulta injusto juzgar como mero secuestrador, alcanzando incluso cierta complicidad con el respetable en algunos momentos.

Finalmente, la segunda película de McConaghy y DeBoer, es un trabajo que aún haciendo gala de una modesta economía de medios, la cual les obliga a moverse por escenarios minimos, y a recurrir a un elenco de segunda categoría, se manifiesta genuino en la forma, con un particular cuidado por los detalles, y sin mostrarse nada condescendiente con un espectador, al que exige cierta implicación desde los primeros compases, y por mucho que su argumento no resulte para nada novedoso, se las arregla en general, para acabar configurándose como un título diferente y recomendable.

35 Fancine: Festival de Cine Fantástico Universidad de Málaga. Día 3, 'La larga marcha', 'Alpha', y 'Gaua'.

2025-11-15T10:11:00.005+01:00

14/11/25

Viernes de pasión fancinera a las puertas del fin de semana, el epicentro de los agobios, los contenidos que se amontonan, la falta de sueño, de tiempo físico para poder contarlo todo, ¡bendita sea la sensación de estar vivo!, para entenderlo hay que disfrutar el Fancine a todos los niveles, y no son pocas las ofertas y actividades paralelas que ofrece, algo deslucidas en esta ocasión por el clima adverso, pero hasta para eso hay solución y refugio, en una parrilla de títulos que intensifican las sesiones añadiendo matinales a su causa, lo que permite estar desde primera hora del día, hasta altas horas del sábado y el domingo, a todo aquel ansioso que no permita dejar escapar, en la medida de lo posible, el mayor número de películas ofertadas.

Con la vista puesta en las películas a concurso, no en vano pronto habrá que elegir, como es habitual cada edición, el premio 'Gato Rabioso' que otorgamos como parte de la prensa acreditada, al tiempo que también votamos cada una como público, nos sumergimos en la vorágine de acudir a una media de tres proyecciones diarias, intentando recuperar el tiempo perdido que dejaron la resaca de los cortometrajes, e intentando como siempre abarcar todas las ofertas de éste 35 Fancine, sobrado de títulos de interés y contenidos de calidad.

En el campus de Teatinos, la música ha tomado el relevo al caer la noche con el concierto Paisajes Sonoros del Futuro, un recital a cargo de la Orquesta Sinfónica Provincial que, dirigida por José Luis López Antón, se ha realizado con la colaboración de la Diputación de Málaga y el apoyo técnico del Centro de Tecnología de la Imagen (CTI UMA). El público ha llenado el auditorio de la ETSI de Informática y la ETSI de Telecomunicaciones para disfrutar de un programa que ha recorrido algunos de los universos más emblemáticos de la ciencia ficción reciente.

Añadimos algún título del cajón de sastre, que se quedaron una jornada atrás por la falta de tiempo, ya que por desgracia el día solo tiene 24 horas, y en el caso concreto de hoy, recuperamos Gaua, la nueva película de Paul Urkijo, un habitual del Fancine, premiado tanto en cortometrajes como en largos, el cual nos envió un video para contarnos un poco lo que estábamos a punto de ver, y explicarnos porqué en ésta ocasión no pudo venir en persona, inmerso en la promoción de la cinta, que está a punto de estrenarse en salas comerciales.

Para hoy sábado, llegan con fuerza películas tan deseadas como 'The Last Viking', del danés Anders Thomas Jensen, con Mads Mikkelsen de protagonista, tándem que ya dejó en Fancine una joya del calibre de Mænd og høns (2015), también la fruta prohibida que parece ser 'Fuck my son!', calificada X, o la brasileña 'El Agente Secreto', que ya trae consigo algún galardón importante bajo el brazo, en lo que pronto parece, será una triunfal carrera por los principales circuitos de premiación a nivel internacional.

Os dejamos como siempre las vías de contacto, para que resolváis cualquier duda, detalle, o información referente al festival.

Power On! Somos Fusion Freak, con F de Fancine.

CONTACTO: @fancine.org

TWITTER/FACEBOOK/INSTAGRAM: @fancinemalaga

- Fanzriller

LA LARGA MARCHA

A punto de cumplirse medio siglo, de la primera adaptación al cine de una novela de Stephen King, conviene echar la vista atrás, y reflexionar sobre el prolífico impacto que el escritor de Maine ha tenido, desde que maestro Brian De Palma se hiciera cargo de Carrie, en los diferentes géneros, casi siempre terroríficos, que definen su particular estilo como autor.

Precisamente, esta larga marcha no puede definirse como un film de terror, por mucho que pueda provocar una serie de inquietudes similares, planteando a partir de una historia de corte distópico, a modo de macabro juego de supervivencia, en el que un grupo de cien jóvenes se apuntan a un concurso de moda, que consiste en recorrer sin descanso, una serie de carreteras rurales de los Estados Unidos, hasta que el último de los participantes se mantenga en pie, y obtenga fama y gloria, además de un suculento premio, en forma de deseo personal.

Encargados de la adaptación, se encuentran el propio Stephen King, y J.T. Mollner, responsable de la estupenda Strange Darling (2024), en un guión puesto al servicio del austríaco Francis Lawrence, un realizador con más suerte que oficio, responsable de títulos tan celebrados por la taquilla, como dudosos en calidad, dónde se encuentran varias entregas de esa insoportable horterada que son Los juegos del hambre, un estigma que le define más como un prisionero de la estética, que como un verdadero autor comprometido en dar una mayor profundidad a sus trabajos.

En ese punto, si de algo adolece esta larga marcha, es de esa sensación de frialdad expositiva, un aspecto que podría haberse justificado si habláramos de una distopía más lejana, de aspecto más estéril, quizá industrial en el diseño, algo de lo que el tono del film se encuentra muy alejado, mostrando una road movie que pasa perfectamente por actual, con escenarios y paisajes de una América profunda bastante reconocibles, y un punto de tiranía militar de los que vigilan, que tampoco permite augurar apenas, ningún cambio concreto en el plano social o político, factores de ausencia que la cinta tampoco se preocupa de explicar de manera concreta.

Aceptemos por tanto que los reponsables planteen, pese al mencionado enfoque erróneo, un futuro cercano casi a la vuelta de la esquina, algo que a la vista de la deriva autoritaria que nos asiste en la actualidad, parece ahora menos descabellado que pueda hacerse realidad, que cuando la novela fue publicada en 1979, en esa corriente distópica en la que Stephen King publicaba bajo el seudónimo de Richard Bachman, y que le llevo a otros títulos de corte similar como The Running Man, igualmente adaptada bajo la magia del cine de los 80, como vehículo de esparcimiento de un Arnold Schwarzenegger en plena cresta de la ola.

Igualmente, la poca o mucha emoción del film, no viene curiosamente de sus hallazgos estéticos, la crueldad que expone no sorprende en exceso, falta profundidad para mayor convicción, y que la violencia no resulte artificiosa, en todo caso, la implicación de sus actores, es la mejor baza con la que cuenta un trabajo, que por encima de todo tiene a Mark Hamill en el plano secundario, demostrando su enorme capacidad interpretativa, con especial atención a como modula la voz para su personaje, un villano que crece en contundencia gracias a su aportación. De los protagonistas, destaca Cooper Hoffman, que sigue mejorando como actor, aún estando todavía a la sombra de su padre, el legendario Philip Seymour Hoffman, y un David Jonsson más inspirado, dando vida al perfil más noble y auténtico de la marcha, en contraposición de los típicos personajes indeseables tan propios de las novelas de King, aquí algo desdibujados, pero igualmente reconocibles.

Finalmente, la principal conclusión es que quizá J.T. Mollner debería haber ejecutado su propia adaptación, basicamente, porque al realizador Francis Lawrence le puede más la forma que el contenido, un defecto habitual en su cine, que acaba por convertir en inerte, la esencia propia de un subgénero distópico que normalmente, suele aportar brillantes visiones de aquellos horrores que aún estar por venir, algo que La larga marcha esquiva en favor del puro entretenimiento, dando al público un juguete tan vistoso como estéril, que se define más como un producto de consumo, de esos que tanto gusta a Hollywood producir, pero que tan desafortunadamente alejados quedan, de la misma esencia de lo memorable.

- Largometrajes a Concurso:

ALPHA

La prometedora nueva ola del cine francés, en el que un selecto grupo de realizadores ha decidido añadir el concepto más extremo al catálogo fílmico del país vecino, hasta convertirlo en una marca de estilo reconocible en este nuevo siglo, y de entre todos ellos, y con permiso de Coralie Fargeat, es sin duda Julia Ducournau una de las más prominentes embajadoras, de lo que ahora se ha venido a denominar como Body Horror, pero que siempre fue también un asunto Kafkiano, o de la nueva carne, donde el maestro canadiense David Cronenberg es el indudable sumo pontífice.

Como es habitual, y a partir de su propio guión original, la realizadora gala presenta en su tercera película tras la cámara, a una joven de trece años llamada Alpha, una chica con ciertos problemas de adaptación y sociabilidad, que vive con su madre soltera. Tras volver un día a casa con un tatuaje en el brazo, todo comenzará a ir aún más cuesta abajo, a lo que tampoco ayuda la presencia de un extraño virus mortal, el cual arrastra en la sociedad un elevado nivel de paranoia.

Ducournau mantiene el tono obsesivo de sus anteriores trabajos, y ese espectro adolescente tan propicio, para mostrar los particulares descensos a los infiernos de su joven protagonistas, sin duda, expuesta a la etapa más confusa y difícil a la que cualquiera se suele enfrentar en la vida, esa donde la presión social y familiar resultan más apabullantes, y justo donde la realizadora juega con el exceso, y se muestra más obsesiva que nunca en la forma, con infinidad de primeros planos, que buscan con éxito transmitir esa atmósfera asfixiante la que el film hace gala.

Otros temas como la exclusión, la marginalidad, o los peligros de la deshumanización ante la catástrofe pandémica, son expuestos por Alpha de manera evidente, trazando un claro paralelismo con el Covid, mientras el drama familiar crece fragmentado, tomando forma a través de una serie de flashbaks, que intentan arrojar luz a muchas de las incógnitas, provocadas por una narrativa un tanto neurótica, que en último extremo, se atora desmedida en esas metáforas, a caballo entre lo corporal y lo emocional, dejando una sensación final de extrema frialdad.

En los apartados técnicos, destaca el excelente trabajo de maquillaje, para mostrar el carácter tan original de la infección, que muta de manera muy peculiar y kafkiana a los que la contraen, sin duda lo más sorprendente de un film, que también contiene una adecuada banda sonora de Jim Williams, mientras la fotografía de Ruben Impens, hace el resto para dar el tono visual perseguido por la realizadora. Ambos son colaboradores habituales de Ducournau desde Crudo, su primer trabajo tras la cámara.

Del reparto, tanto Mélissa Boros, la Alpha que da nombre a la cinta, como la iraní Golshiften Farahani, que interpreta a la madre de la protagonista, están convincentes e implicadas con sus respectivos personajes, pero si alguien destaca por encima del reparto, ese es Tahar Rahim, que sale airoso de un perfil muy complejo, el cual le exige un enorme esfuerzo físico.

Finalmente, es evidente que Alpha presenta un tipo de película para la que hay que estar mínimamente prevenido, serán más los que desprecien la oferta, que aquellos que verdaderamente disfruten con el exceso de forma y contenido, un viaje por la metamorfosis física y mental, en la que Julia Ducournau se mueve con soltura, segura de sí misma y de su visión, algo que resulta realmente contagioso, por mucho que en ésta ocasión, haya querido estirar en exceso su aliento obsesivo sobre un trabajo, que si bien resulta más imperfecto que los anteriores de la realizadora gala, sigue mostrando sobrados motivos de interés, gracias a su destacado carácter singular.

- Fantástico Iberoamericano:

GAUA

Tercera película de Paul Urkijo Alejo, excelente cortometrajista de títulos tan potentes y premiados como 'Dar-Dar', y ya toda una realidad del largometraje gracias a 'Errementari' e 'Irati', trabajos todos ellos con denominación de origen, como asunto vasco, rodado integramente en su idioma, y cuyo objetivo principal es mantener vivas las leyendas de su tierra, universalizándolas mientras bullen en su cabeza, mientras trae consigo un sinfín de monstruos y folklore autóctono, a los que da rienda suelta en pantalla.

Rodada nuevamente en escenarios naturales, Gaua es un film nocturno, y profundamente oscuro, que se aleja consciente de cualquier luminosidad, para sumergirse en las sombras y contar su particular historia de brujas, maldiciones, y amores imposibles, ambientada en el Siglo XVII, en plena montaña vasca, está narrada de forma episódica, y muestra un exquisito gusto por los detalles, y un enorme respeto por el material heredado.

Los cuatro elementos, fuego, aire, tierra y agua, también juegan un papel determinante en la arquitectura de un film, que va desmadejando las interacciones entre los personajes y la propia historia, de forma no lineal, recurriendo a esos diseños monstruosos tan convincentes, como lo es en general su vistoso fondo estético y visual.

Entre los temas más destacados, se encuentra una poderosa crítica a la inquisición, siempre tan preocupada por destruir lo que no entiende, poniendo cerco a la cultura mágica transmitida por generaciones, y a cualquier manifestación romántica que se salga de la norma, y que como ocurría entonces, intentaba colocar a la mujer por debajo del hombre, sometiéndola plenamente a su voluntad.

Precisamente, Gaua es un trabajo protagonizado por mujeres, y realizado principalmente por un equipo de mujeres en su parte técnica, sin duda, las que mejor pueden descifrar la parte más íntima y emocional del film, mientras ejecuta su particular grito de guerra, y de plena libertad, escenificado desde casi el primer momento, por ese trío de mujeres sabías, convincentemente interpretadas por Elena Irureta, Ana Gabaraín, e Iñake Irastorza, los tres perfiles más convincentes del reparto.

Completa como protagonista una correcta y sufrida Yune Nogueiras, cuyas mejores escenas surgen de la química con Erika Olaizola, componente de un plano secundario, donde los perfiles masculinos son bastante más reprochable, y donde tanto Manex Fuchs como Xabi López, resultan poco inspirados en sus respectivos roles, restando intensidad a algunas partes del film donde toman protagonismo.

Finalmente, esta cuidada pieza de Folk Horror, podría haber limitado un poco su carácter reivindicativo, y optar por mantener el imperante tono trágico en sus conclusiones, algo que tampoco resta sus valores, y la más que evidente capacidad de Paul Urkijo, para transportar al espectador a su mundo de fantasía, un espacio bastante huérfano en nuestra cinematografía, que el realizador vasco intenta completar con decisión, garra, y buenas dósis de contagioso entusiasmo.

35 Fancine: Festival de Cine Fantástico Universidad de Málaga. Día 2, Cortometrajes de Imagen Real, y de Animación, a Concurso.

2025-11-14T11:01:00.008+01:00

13/11/25

Dejamos atrás la Gala Inaugural, y casi sin tiempo para abrir los ojos, despertamos en la etapa reina del Festival, esa para la que teníamos que esperar al séptimo día, y que ahora encontramos de inicio, y como sarna con gusto no pica, y pese a tener que obviar el resto de secciones, no podemos ignorar que para muchos, entre los que se encuentra un servidor, el Fancine es sinónimo de cortometrajes, y por lo general, de la mejor calidad, tal fue la selección escogida para la anterior edición, que pese a lo dantesco del clima, nos dejó una cosecha realmente memorable.

Para esta 35 ocasión, hay que señalar un nivel inferior respecto a la pasada edición, algo lógico por otra parte, pues el nivel de aquellos cortometrajes fue extraordinariamente alto y equilibrado entre real y animado, lo que no quita que como siempre, encontremos pequeñas joyas en tan deseado formato, el cual permite disfrutar de 20 historias en menos de cinco horas. Otra noticia es la también lógica pérdida del mencionado equilibrio, entre los cortometrajes de imagen real y los de animación, siendo estos últimos, por lo general, bastante más agraciados en cuanto a riqueza visual y libertad narrativa, factor que este año se cumple con diferencia contrastada.

Destacar también, la proliferación de títulos nacionales, especialmente en los cortometrajes de imagen real, con un nivel más alto de lo esperado en algún caso, que ha llevado incluso a decantarnos por uno de ellos en nuestra elección final. Queda claro que hay futuro para el Fantástico y el Terror en nuestro país, con una cantera de realizadores a priori tan inspirada.

Como viene siendo tradición, os dejamos el análisis de los 20 cortometrajes, usando la calificación de una a cinco estrellas, que solo empleamos para ésta ocasión especial, al tiempo que destacamos nuestro favorito de cada sección, el cual esperamos, se acerque a cierta unanimidad en los criterios entre la prensa y el jurado, alcanzando un lugar en el codiciado palmares final del próximo martes.

Estos son los elegidos de Fusion Freak:

- La Sangre, en Imagen Real

- Free the Chickens, en Animación

Le deseamos la mayor de las suertes, mientras encaramos la jornada del viernes con títulos tan atractivos como la francesa 'Alpha', de Julia Ducournau, tercer trabajo de la realizadora tras las celebradas y premiadas 'Crudo' y 'Titane', en lo que parece un nuevo ejercicio sobre la nueva carne, o 'Decorado' de Alberto Vázquez, que al igual que ocurriera con 'Unicorn Wars', ha convertido su también multipremiado cortometraje animado en largometraje, el cual esperamos tenga los mismos niveles de calidad que los mencionados.

Os dejamos como siempre las vías de contacto, para que resolváis cualquier duda, detalle, o información referente al festival.

Power On! Somos Fusion Freak, con F de Fancine.

CONTACTO: @fancine.org

TWITTER/FACEBOOK/INSTAGRAM: @fancinemalaga

CORTOMETRAJES DE IMAGEN REAL

- Amira 15 min. (España) **

Buen diseño de producción y atmósfera opresiva, para presentar la historia de una estricta escuela de música, en la que tanto sus alumnos como sus profesores, parecen jugarse algo más que el prestigio. Con algún giro sorprendente, unas actuaciones correctas, y un final que pese a estar anunciado, hay que intentar encajar lo mejor posible, Amira muestra un potencial interesante, aunque algo desaprovechado en sus conclusiones.

- Beauty Sleep 13 min. (Reino Unido) *

Distopía ntre cuatro paredes y estética chillona, de tono amable, y sujetado por la interpretación de Emma James, se hace demasiado largo y repetitivo, afeando su prometedor comienzo, juega a ser más una historia personal, que una verdadera denuncia sobre la moda adolescente de la perfección llevada al extremo.

- Cherubs 13 min. (Suiza) *

Dos ángeles desterrados, están a la vez condenados a documentar todos los suicidios humanos, mientras discuten sobre la propia existencia. Comedia negra situada en un escenario único, bajo el puente de una autopista, resulta tan bien planteada en principio, como insustancial en su resultado final, desperdicia la convincente interpretación de Richard Sammel.

- Depredador 10 min. (España) **

Simpática y contundente road movie criminal de Javier Fesser, en el que dos amigas viajan por una a carretera secundaria, justo antes de sufrir una avería. Su calidad está más en los diálogos que en lo previsible de la trama, aunque hay que reconocerle que no resulta nada tramposo. Se disfruta y tiene oficio.

- Erreka Zoko Hortan 15 min. (España) *

Hay leyendas vascas para dar y tomar, la realizadora Ekaitz Bertiz presenta una historia de contrabando en la frontera con Francia, en la que esquivar a la guardia civil, va a ser menos problema que hacer frente a los horrores que esconde el bosque y sus recovecos. Tan interesante como torpe en su ejecución.

- Future is Panorama 15 min. (Siria) **

Tenso relato sobre el odio contra la inmigración, visto a través de los ojos de una madre, que asiste impotente al atentado que sufre su hija, con la que puede comunicarse únicamente a través del teléfono móvil. Un punto menos de redundancia le habría sentado muy bien, la actriz Amal Omran está sumamente convincente, pero el realizador la arrastra en exceso por el fango, tanto que ella como a la historia.

- Killjote 11 min. (España) **

Costumbrismo criminal al servicio de dos mujeres enamoradas, atrapadas en sus respectivos matrimonios con los gañanes de turno. Un solo escenario, un crimen que debe llevar a otro, un lenguaje cercano, y una Consuelo Trujillo entregada en cuerpo y alma a la causa. Entretiene y se hace querer por su cercanía.

- La Sangre 14 min. (España) ***

Más costumbrismo pero a un nivel superior, un adolescente descubre que su sangre puede tener cualidades milagrosas. Con un estilo parecido a la magnífica 'Espíritu Sagrado', el realizador Joaquín León monta su particular historia de actores noveles, alcanzando ese deseado tono de frescura tan sumamente divertido, que convierte muchos de sus aparentes defectos en virtudes. Es el elegido por ésta redacción en el apartado de Imagen Real.

- My Hairy Shadow and I 10 min.(Países Bajos) **

Bajo el formato de falso documental, cuenta la historia de Karel, un tipo corriente que tras ver que cada vez se estaba quedando más calvo, recurre a un hada del cabello, con forma de sensual bigardo persa llamado Kourosh (el cual se interpreta a si mismo), que a modo de maldición, le castiga sin vida social por no haber cumplido las reglas.Un trabajo divertido y ágil, de esos que se disfrutan en formato reducido.

- The Things We Keep 15 min. (Estados Unidos) *

Lo que podría haber sido un poderoso y aterrador drama sobre el síndrome de Diógenes, en el que una madre y su hija disputan el valor de los objetos, en su mayoría basura, acumulada por la primera durante años en su domicilio. Acaba torpemente por naufragar, una vez se añade un absurdo componente sobrenatural a la ecuación.

CORTOMETRAJES DE ANIMACIÓN

- Återsådd 14 min. (Suecia) **

Rodado en glorioso Stop Motion, Återsädd se adscribe a esa variante de horror corporal, muy habituales en este tipo de animación, con unos diseños de tono más bien grotesco, en el que un astronauta busca crear vida en un planeta desolado, en el que solo parecen vivir unos gusanos del polvo. Resulta hipnótico pero no aprovecha bien la historia, pese a su potente estética, para hacerla más memorable.

- Iris de cristal 12 min. (Colombia) *

A Diego Gaviria debe haberle gustado mucho Flow, hasta el punto de aproximar la animación a aquella, y buscar un misticismo similar, que aquí por desgracia suena a chufa, a la par que resulta excesivamente lacrimojeno.

- Dormilón 9 min. (Estados Unidos) **

Otro trabajo rodado en glorioso Stop Motion, sobre un sujeto peculiar, que graba sus sueños cada noche, en el que se presenta como estrella del teatro abandonado donde reside. Destacar el cuidado en los diseños y los detalles propios de una técnica de animación ganadora, lástima que a la forma le acompañe un contenido previsible, y poco inspirado en originalidad.

- Double or Nothing 9 min. (Suiza) ***

Ambientado en el desenfrenado Tokio de los años 80, y basado en una historia real, Doble o Nada es de esas historias criminales dotadas de un contagioso dinamismo, además mezcla diferentes técnicas de animación, donde predominantemente se encuentra el glorioso Stop Motion, factor decisivo para perderse de manera cómplice, en su estiloso y vanguardista relato.

- Dreamwalker 15 min. (Reino Unido) **

Las estructuras de la realidad sujetas a un viaje por el espacio tiempo, en el que un chamán se conecta a una científica del futuro para salvar a su pueblo de la extinción. Diseños preciosistas generados por ordenador, tecnología contra tradición, alguna escena inspirada, pero finalmente, Dreamwalker resulta algo tedioso y reiterativo.

- El aspirante 14 min. (España) ***

Los horrores de la burocracia, en un formato distópico cuyo planteamiento recuerda lejanamente a Brazil, de Terry Gilliam, rodado en glorioso Stop Motion, los personajes portan ese tono grotesco tan deseado, el argumento se mueve ágil y desenvuelto en el escenario único, sufres con cada formulario rechazado, y finalmente, es todo un orgullo que trabajos así porten sello nacional. Enhorabuena a Sam Orti y su equipo.

- Free the Chickens **** (Eslovaquia)

Cuatro activistas se proponen liberar una granja de pollos, pero la cruzada no sale bien del todo, y se ven obligados a escapar a un bosque cercano. Con un sentido del humor contagioso y desenfadado, alimentado por geniales y continuas ocurrencias, Free the Chickens es de esos trabajos que potencian su animación sencilla y tradicional, con toneladas de slapstick y una historia que pone todos los dilemas morales y éticos del revés, dejando a sus personajes desnudos y al límite de sus convicciones. Es el elegido por ésta redacción en el apartado de Animación.

- Luz Diabla 11 min. (Argentina / Canadá) *

Tras un accidente, en mitad de la Pampa, un raver urbano se verá atrapado en un bar de carretera, y en su propia paranoia inducida por las drogas. Un trabajo bien realizado, con diseños alargados y energía en los movimientos, su temática eso si, es más reprochable, por simplista, y el constante abuso de luces intermitentes sorprende tanto como incomoda.

- Radix 4 min (Alemania) *

Dos criaturas se citan en un árbol, y el tedio gafapasta, tanto en la historia como en los diseños, hacen acto de presencia, consiguiendo lo que algunos creerán imposible, que apenas unos minutos se hagan eternos.

- Underground Invaders ** (Francia)

De animación sencilla, un estilo muy habitual en la animación francesa, ésta pesadilla bajo tierra de huida imposible, gana enteros cuando sus abominaciones supuran horror, y se crecen retorciendose ante los desdichados protagonistas, a caballo entre un survival horror de videojuego japones, que evoca irremediablemente el Manga en los diseños más contundentes, Underground Invaders resulta demasiado directo, y no arroja demasiadas respuestas sobre su planteamiento, pero funciona.

35 Fancine: Festival de Cine Fantástico Universidad de Málaga. Gala Inaugural y película 'Dracula: A Love Tale'

2025-11-13T10:16:00.002+01:00

12/11/25

Power On!

Recuperamos la inauguración del Fancine, tras cumplirse un año de aquellos episodios meteorológicos tan nefastos, (que por desgracia suspendieron la gala inaugural número 34) y por suerte justo a tiempo, para celebrar una edición que cumple, en números redondos, unos 35 años envidiables, tras haber superado toda serie de obstáculos, derivados principalmente de ese carácter quijotesco que lo define, como el único festival de renombre que está financiado por una universidad pública.

Si algo trajeron aquellas lluvias, fue la reducción obligada por las circunstancias, de las jornadas programadas, y que pasó de los habituales nueve días, a los siete finales, un recorte que se mantiene para ésta edición, y que obliga nuevamente a escoger con minuciosidad y extremo cuidado los títulos ofertados, sobre todo teniendo en cuenta que muchos de ellos solamente tendrán una sesión, y en muchos casos, bloquean o dificultan las películas a concurso, siempre prioritarias para esta redacción, acreditada para votar finalmente el premio Gato Rabioso, que otorga la prensa en dicho apartado.

No por decirlo cada año deja de ser verdad, volver al Fancine es reencontrarse cada año con los amigos de toda la vida, esos que llevan poco más de tres décadas compartiendo carreras, nervios, y sobre todo, pasión por el mejor cine fantástico y de terror, sumado a los parroquianos habituales, almas afines que se han ido asociando con el paso de las diferentes ediciones, y que completan ese estado de felicidad, que solo los más habituales pueden compartir y entender de forma plena.

En ese punto, no se puede pasar por alto, el agradecer como siempre a la organización, representados en las figuras de Tamara y Rocío, la entrega y dedicación con los medios y aficionados, portadores de la buena onda y la conexión con el respetable, que hace sentir a cualquiera como en casa, y convierten al Fancine en una gran familia, de la que se puede estar muy orgulloso de forma parte.

Tras colgar el habitual cartel de no hay billetes, se encendió la corriente al máximo de ésta 35 edición de un Fancine, que hace tiempo ya que dejó de ser adolescente, camino de una madurez consolidada a golpe de talento, lo que convertido al festival en un referente cultural de Málaga, con un alcance internacional constatado desde hace ya algunos años, y que le sitúan sin exagerar, a la altura de los mejores eventos de similares características. Nuevamente, ese majestuoso testigo histórico que es el Cine Albéniz, localizado en pleno corazón de la capital, se prepara para seis días más de vorágine, como epicentro de un festival que mantiene sus sedes habituales, como el Rectorado de la UMA, con sus pases gratuitos hasta completar aforo, o el Contenedor Cultural, donde podréis rematar la habitual oferta masiva expuesta.

No faltarán a la cita, como viene siendo habitual, los cortometrajes de imagen real y animados a concurso, piedra angular de todo festival de estas características que se precie, y que en Fancine son siempre un referente de máxima calidad, junto a la implacable Horror Zone, el Fantástico Iberoamericano, la Ánima Zone, el Fantástico en Familia, la Sección Informativa, el Fanzriller, y como no, los Largometrajes a Concurso, con más de un título muy deseado, que seguro, harán las delicias de los mejores aficionados a los diferentes géneros y estilos, en tan particular encuentro cinéfilo con el mejor terror y la fantasía.

De la Gala Inaugural, destacar el trabajo de la Escuela Superior de Arte Dramático de Málaga, que ha creado e interpretado una apertura cercana a un chascarrazo eléctrico, lleno de ciencia, humor, y algún que otro susto en forma de apagón, tan acorde con la temática de esta edición, y en general con el propio espíritu que distingue al Fancine.

Para hoy jueves, destacar la presencia de títulos tan deseados como 'La larga marcha', adaptación de la distópica novela de Stephen King, o 'Gaua', de Paul Urkijo, el cual ya triunfó con 'Irati' en la pasada edición, y que mantiene ese gusto por seguir contando leyendas mágicas de su tierra vasca, así como la china 'Resurrection' de Bi Gan, un trabajo que ha despertado muchas pasiones entre los amantes de lo diferente y extremadamente original. Para nuestra redacción, y porque el corazón manda, la seccción de cortometrajes de imagen real, y de animación a concurso, copará como es habitual nuestra máxima atención, una manera magnífica de empezar ésta 35 edición, y para la que solíamos esperar varios días, manifestado este año de inicio, como un inesperado y eléctrico chute de adrenalina en vena.

Para terminar, la promesa acostumbrada, la de iros informando a lo largo de estos siete días de pasión fancinera, en los que como siempre, intentaremos abarcar, en la medida de los posible, las ofertas que consideramos de mayor interés, mientras os recomendamos que estéis atentos a la enorme oferta de actividades paralelas, y encuentros especiales que se irán sucediendo en estos próximos días.

Power On!, somos Fusion-Freak, con F de Fancine.

Más información en @Fancine.org y en las redes sociales del festival (@fancinemalaga en Twitter, Facebook, e Instagram)

Película: Dracula, A Love Tale

Hubo un tiempo, entre mediados de los 90 y principios del nuevo milenio, en el que el francés Luc Besson se había postulado como una especie de James Cameron a la europea, tal era su ambición como realizador, que le llevó a poner en marcha alguna gran superproducción al amparo del cine norteamericano, convenciendo incluso a estrellas del Hollywood del momento, situados en la primera linea de lo comercial, lo cual aproximaba los dos continentes en un reparto internacional, aunque el resultado final mostrara, todo sea dicho, más entusiasmo que capacidad.

De vuelta a la realidad, las últimas dos décadas ha sido más un manual de resistencia para Besson, que cualquier cosa parecida a su momento más álgido, situado seguramente en 'León, el profesional', sin duda su mejor película, pero al menos, hay que reconocerle el haberse mantenido fiel a su estilo, por mucho que esto lo haya llevado a cierto ostracismo, algo que quizá le haya lanzado a tumba abierta, a la hora de realizar el enésimo o centésimo acercamiento a la figura se Drácula, inmortal novela de Bram Stoker, para la que el realizador galo no ha escatimado medios.

A partir de su propia adaptación, Besson introduce algunos cambios, como trasladar la historia del Londres victoriano, al París de finales de 1800, buscando quizás un mayor vanguardismo estético para su visión del celebérrimo conde, desde los orígenes como Príncipe Vlad, hasta ese salto sobrenatural que experimenta el personaje, desde el Siglo XV al Siglo XIX, en un ejercicio que tanto en la forma como en el contenido, recuerdan excesivamente al magnífico 'Drácula' (1993) del maestro Francis Ford Coppola, hasta el punto que alguien puede llegar a preguntarse en algún momento, si estamos ante una especie de parodia de aquella, algo que por otra parte, ya hizo Mel Brooks de forma más directa, con Leslie Nielsen de protagonista.

Principalmente, Besson equivoca el tono, parece perdido entre la épica inicial, el exagerado romance entre Vlad y Mina, y sobre todo, en el uso de un humor cercano a lo estrafalario, factores que no le ayudan a construir un discurso convincente, básicamente porque se atropellan entre ellos sin piedad, dejando un efecto de comicidad nerviosa, que aleja mucho al espectador de las sensaciones que Drácula debería aportar, y que básicamente consisten en generar terror, o al menos, algún rastro mínimo de legítima inquietud.

Sorprendente resulta también, esa imagen de un Conde viajero, que conecta acto seguido al film, con películas tan dispares como 'El Perfume', o 'El Baile de los Vampiros', en una mezcolanza de tendencias que tampoco ayudan a Besson a encontrar un discurso genuino, por mucho que haya sospechado que al intentar homenajear a aquellas, pueda arrojar un punto de originalidad, a una historia tan conocida y trillada como la de Drácula, algo que no consigue por falta de capacidad, abrazando además un punto de excentricidad poco deseado.

Para dar vida al personaje, el realizador ha vuelto a contar con Caleb Landry Jones, al que ya entregó el protagonismo de su anterior trabajo, la no menos pintoresca, aunque interesante, 'Dogman' (2023), donde el actor tenía bastante margen, para mostrar sus incuestionables cualidades como intérprete de corte más bien independiente, un factor que aquí se vuelve totalmente en contra desde el primer momento, en el que se descubre que no encaja de ningún modo en el perfil ni las maneras del Conde. Acompañan desde el plano secundario, el alemán Cristoph Waltz, bastante más contenido de lo que cabría esperar, teniendo en cuenta el tono desfasado del que el film hace gala, y las actrices Zoë Bleu Sidel y Matilda de Angelis, bastante más inspiradas, en especial ésta última, que sus partenaires masculinos.

Finalmente, este nuevo acercamiento al personaje de Bram Stoker, resulta tan ridículo como innecesario, no contiene apenas algún buen momento dentro de su vorágine, dejando incomprensiblemente demasiado espacio al humor en momentos clave, algo que resulta suficiente para que se acabe por no tomarla en serio. Por otra parte, no se entiende la necesidad del realizador galo, de llevar a cabo una nueva adaptación del personaje, salvo quizá por el capricho de recordar cierta grandilocuencia de tiempos pasados, en una producción que realmente, y siendo justos, no resulta nada despreciable en los apartados técnicos, por mucho que la banda sonora de Danny Elfman sea deudora, en algunos momentos, de aquella que compuso Wojciech Kilar de forma magistral para el film de Coppola, pero incluso en esa concesión, el compositor acaba igualmente por encontrar su espacio para entonarse, dentro de un diseño de producción, una fotografía, o un vestuario convincentes, todos ellos desperdiciados al servicio de un Luc Besson, devorado a si mismo, y devorando igualmente el relato original de Bram Stoker, con un desmedido exceso de extravagancia.

La 35 edición de Fancine: Festival de Cine Fantástico Universidad de Málaga, comienza mañana, Power On!

2025-11-11T11:41:00.002+01:00

Power On!

Despertad de vuestro letargo de ultratumba, mañana comienza la 35 edición de nuestro incomparable Fancine, de todo lo que suceda en esos siete días de pasión fancinera, tendréis crónica detallada como viene siendo habitual en los últimos años, estamos con los nervios de siempre previos a la Gala Inaugural, bendita sensación, ya contamos los minutos para arrancar motores, somos Fusion Freak, con F de Fancine.

Tenéis toda la información de contenidos, actividades paralelas, y sesiones especiales, así como entradas a le venta, en los canales habituales:

CONTACTO: @fancine.org

TWITTER: @fancineMalaga

FACEBOOK: @fancinemalaga

INSTAGRAM: @fancinemalaga

Nos vemos por aquí en unas horas.

Fancine: Programación del 35 Festival de Cine Fantástico Universidad de Málaga

2025-10-29T13:39:00.007+01:00

POWER ON!

Ya podéis hacer todas las cábalas para la inminente 35 edición de Fancine, que se celebrará entre el 12 y el 18 de noviembre próximo, en breve podréis pasar por la taquilla del Cine Albéniz a por vuestras entradas, la expectación es máxima, ante títulos de tan aparente calidad como la brasileña 'El Agente Secreto', la coreana 'No Other Choice', del maestro Park Chan-wook, en contraposición a otras propuestas controvertidas, como puede ser 'Fuck my son', clasificada X, coged boli y papel y empezad a mover ficha, nos vemos a la vuelta de la esquina.

Somos Fusion Freak, con F de Fancine.

LA PELÍCULA ‘DRÁCULA: A LOVE TALE’, DE LUC BESSON, INAUGURARÁ LA 35 EDICIÓN DE FANCINE

2025-10-08T19:33:00.004+02:00

Después de presentar la imagen de su 35 edición y desvelar las piezas que conforman la Sección Oficial de Cortometrajes, el Festival de Cine Fantástico de la Universidad de Málaga (Fancine) ha publicado este miércoles su primer avance de programación, un bloque de siete títulos entre los que se encuentran las películas de inauguración y clausura.

En esta ocasión, la cinta elegida para encender la semana fantástica de cine en el Albéniz y otros espacios de la capital, este año en alianza con el Festival de Málaga y el apoyo de otras entidades públicas y privadas, será ‘Drácula: A Love Tale’, del inconfundible Luc Besson. De esta manera, la próxima cita del certamen universitario arrancará con una relectura romántica y melancólica de uno de los mitos más icónicos del género. Tras haber firmado filmes de referencia, como ‘Nikita’, ‘Lucy’ o la revulsiva ‘El quinto elemento’, Besson nos trae en su vuelta a la silla de director una versión profundamente humana del legendario vampiro, tomando como punto de partida la novela de Bram Stoker, aunque con variaciones en la narrativa y la ambientación.

Esta superproducción de estética impecable y factura sobresaliente se distancia de adaptaciones anteriores situando la trama en el París de la Belle Époque, donde el príncipe Vlad II, conde de Drācul, renuncia a Dios tras la pérdida de su amada y queda condenado a vagar por los siglos en busca de redención. Este cuento con ecos épicos y góticos entre lo emocional y el horror clásico está protagonizado por Caleb Landry Jones, con el que el aclamado cineasta francés ya trabajó recientemente en ‘Dogman’. Lo acompañan delante de cámara Christoph Waltz (‘Malditos bastardos’), Matilda De Angelis (‘The Undoing’) y Zoë Bleu (‘Signs of Love’), entre otros.

Fancine y Centro Cultural Coreano en España, una asociación de película

Siete días después, otro tótem del audiovisual internacional se encargará de apagar el proyector de Fancine en la gala de clausura del 18 de noviembre. Será el maestro surcoreano Park Chan-wook con su nuevo trabajo ‘No Other Choice’. La proyección se llevará a cabo dentro del marco de una colaboración especial con el Centro Cultural Coreano en España (CCCE), que acercará al certamen seis títulos recientes del cine de aquel país.

El cine coreano ha sido tradicionalmente uno de los pilares de la programación de Fancine, un territorio fértil para las propuestas más audaces del género. A lo largo de su trayectoria, la cita cinematográfica de la UMA ha exhibido en sus pantallas fantasmas y criaturas sobrenaturales, venganzas imposibles y futuros distópicos firmados por autores coreanos que hoy son leyenda, reflejando la vitalidad creativa de una industria que ha convertido a Corea del Sur en un referente mundial y uno de los principales focos de producción de género por potencial e influencia. Esa complicidad entre el festival y una de las cinematografías más imaginativas del planeta se renueva este año gracias a la colaboración con el Centro Cultural Coreano en España, que permitirá descubrir nuevas voces y géneros, y amplía el diálogo entre las visiones fantásticas de Oriente y Occidente.

Por ello, se ha reservado para el acto de cierre uno de los platos fuertes de la cartelera, el regreso a Fancine de Park Chan-wook, realizador de culto reconocido internacionalmente por títulos como ‘Oldboy’ o ‘The Handmaiden’, que vuelve tras competir en 2022 con ‘Decision to Leave’, alzándose con la estatuilla a mejor director. ‘No Other Choice’ es una adaptación libre de la novela ‘The Ax’ de Donald E. Westlake, que narra cómo Man-soo, un trabajador despedido tras 25 años de dedicación, decide reinsertarse en un mercado laboral despiadado recurriendo a un plan extremo: eliminar literalmente a sus competidores. Lo que comienza como una comedia negra con aroma satírico se transforma en un thriller visceral sobre la precariedad, la humillación laboral y la erosión del individuo en un mundo impersonal que abandona a las piezas reemplazables del sistema. La cinta llegará a Málaga después de su paso por la Mostra de Venecia, siendo el primer filme coreano en participar en la competición en trece años.

Cinco obras más completarán esta selección de cine coreano. Entre ellas habrá dos estrenos mundiales, que serán los thrillers ‘The Only Child in the Butchery’, donde un hombre atrapado en el entorno familiar de una carnicería investiga turbios secretos que lo arrastran hacia una red de mentiras; y ‘Boy’, un retrato urbano donde dos hermanos se encuentran enredados en una trama de violencia, explotación y desesperación. A ese lado más humano del cine coreano se suma la propuesta sobrenatural ‘Hi-Five’, donde unos receptores de trasplantes desarrollan poderes inexplicables; y la cinta de animación ‘The Square’, que plantea conspiraciones diplomáticas, suspenso político e intrigas ocultas entre naciones.

Además, como actividad paralela al calendario central de proyecciones en el Albéniz, el 17 de noviembre la Facultad de Ciencias acogerá el pase dentro de Fanzriller de ‘Harbin’, un filme histórico ambientado en los primeros años del siglo XX que relata un intrépido ataque de activistas independentistas coreanos contra la ocupación japonesa en Harbin (China). Todas ellas prometen en suma hacer de la 35 edición de Fancine una celebración del género en sus múltiples caras, con acento coreano y espíritu fancinero.

CONTACTO: prensa@fancine.org

TWITTER: @fancineMalaga

FACEBOOK: @fancinemalaga

INSTAGRAM: @fancinemalaga

Crítica a 'Una Batalla tras otra': El maestro Paul Thomas Anderson llama a la insurrección.

2025-09-26T22:43:00.003+02:00

Suele pasar, con los realizadores adelantados a su tiempo, esos que portan un grado superior de capacidad creativa, que tanto el público, como parte de la crítica especializada, tarden un poco en calcular el efecto de su obra, y el alcance perdurable que ésta acabará por contener en la historia del Séptimo Arte.

Al norteamericano Paul Thomas Anderson le sobran credenciales estas alturas, para ser justamente comparado con Stanley Kubrick, posiblemente el mejor realizador de todos los tiempos, y no lo dice cualquiera, el entusiasmo de otro maestro, Steven Spielberg, confirma que su último trabajo, Una Batalla tras otra, ha llegado en el momento justo, para coronar definitivamente a su responsable en el olimpo de los autores cinematográficos más destacados de su era.

En números redondos, y para su décima película tras la cámara, Anderson elige el compromiso con lo que su protagonista, un más que implicado Leonardo Dicaprio, ha definido como la peligrosa deriva actual hacia el extremismo más radical, un concepto desarrollado a partir de la novela de Thomas Pynchon, ese inclasificable rara avis de la literatura norteamericana, con el que el realizador se muestra reincidente.

Seguramente porque a los grandes, no les preocupa tropezar dos veces con la misma piedra, o llamémoslo reto, Anderson ya había adaptado al autor en Puro Vicio, un título menor si lo comparamos con el resto de su filmografía, pero que ya apuntaba mucho de los excesos frenéticos, y del humor absurdo, que Una batalla tras otra consigue explotar con bastante más acierto y determinación, como sátira política y social oportuna, para los tiempos que nos han tocado vivir.

Un trabajo narrativamente colérico, que se desarrolla a partir de un vertiginoso comienzo, que apenas da respiro al espectador, como extravagante y enérgico manual de resistencia revolucionario, que más tarde gira a desenfrenada road movie, configurando una mezcla de géneros que no resultan nunca ajenos entre sí, en parte por saber elegir muy bien el tono de lo visual, y cuidar con mucho esmero a los personajes, para que el espectador pueda seguir el ritmo de sus 170 minutos de duración, sin apenas sufrir ningún desajuste.

Del reparto, y señalando de nuevo a un Leonardo Dicaprio, del que también se puede destacar en lo positivo, que ejerza como estrella en todo momento, cabe señalar por encima de todos a un brillante Sean Penn, que ya trabajó con el realizador en su anterior película, Licorice Pizza, y que recoge los galones de un villano extremadamente contundente, de manera más que satisfactoria.

Completan desde el plano secundario, rostros conocidos como Benicio del Toro , que ejerce quizá como el más Pynchoniano de los perfiles, muy bien acompañado por el talento emergente de Chase Infinity, o la fuerza interpretativa desbocada de Teyana Taylor, especialmente inspirada en un rol muy difícil de ejecutar.

En la técnica, el complejo trabajo de montaje, ensamblado a la altura de lo que el film requiere, y que se refleja en otros apartados, como la fotografía, contemplan el tono básicamente experimental de la partitura de Jonny Greenwood, integrante del grupo Radiohead, que vuelve a estar al servicio del maestro Anderson, en esta ocasión, y entre las diferentes capas sónicas, con una pieza central realmente emocionante.

Finalmente, más allá de la insultante capacidad técnica o creativa de su realizador, Una batalla tras otra eleva su tono relevante llamando a la insurrección, en un momento en el que toca mojarse en contra de cualquier tipo de extremismo totalitario, y su aún más preocupante normalización, un compromiso que unido al tono solemne, aún dentro de la vorágine, que porta el film, la convierte en uno de los títulos más recomendables del año, aunque posiblemente esto se quede corto, porque como suele ocurrir con el cine de Paul Thomas Anderson, pronto será posiblemente señalada, como una de las obras más celebradas y significativas de este primer cuarto de siglo.

¡Habemus Cartel del 35 Fancine! < Festival de Cine Fantástico Universidad de Málaga >

2025-09-12T12:36:00.001+02:00

FANCINE ACTIVA EL MODO ENERGÍA Y SE ALÍA CON EL FESTIVAL DE MÁLAGA PARA ENCENDER SU 35ª EDICIÓN

Una cita de alto voltaje. La energía, en todas sus manifestaciones —física, emocional y narrativa— será la protagonista del próximo FANCINE, el Festival de Cine Fantástico de la Universidad de Málaga, que ha publicado este viernes el cartel de su 35ª edición. El evento se celebrará este año del 12 al 18 de noviembre en alianza con el Festival de Málaga, generando un circuito común que busca intensificar la oferta cultural de la ca-pital y atraer más público hacia la gran pantalla del cine Albéniz. Además de esta unión inédita, que llega tras la colaboración entre ambos certámenes en ediciones anteriores, FANCINE refuerza su potencial con el apoyo de otras entidades, como la Fundación Uni-caja, el Ayuntamiento de Málaga, la Diputación de Málaga, ProMálaga, la ESAD (Es-cuela Superior de Arte Dramático), Cervezas Victoria, el Centro Cultural Coreano en Es-paña, Clínicas Rincón Dental, Famadesa, Nics Lab y la Fundación General de la UMA.

POWER ON! es el lema de esta nueva cita, que sigue la línea de las últimas convocatorias del certamen universitario, siempre atento a los asuntos y temáticas que atraviesan la actualidad. Así, el concepto de energía se aborda no solo desde lo simbólico o lo narra-tivo, sino también en diálogo con debates de nuestro tiempo: desde los precios de la electricidad hasta la transición hacia modelos sostenibles, pasando por la convivencia entre energías fósiles y renovables, el consumo masivo de recursos de los centros de datos que alimentan las inteligencias artificiales o la dependencia energética global.

Y, de nuevo, fiel a su estilo mordaz pero sensible a las inquietudes y preocupaciones sociales, FANCINE aprovecha acontecimientos recientes de relevancia para abastecer de contenido su propuesta anual, haciéndola suya y traduciéndola a su lenguaje propio. Por ello, y a modo de premonición, el apagón del pasado 28 de abril que afectó a toda la península da cuerpo a este aniversario. Una interrupción masiva del suministro que puso en evidencia la fragilidad de nuestras redes y nuestra vulnerabilidad frente a la tecnolo-gía, y que, en clave fantástica, se convierte en una excusa oportuna y necesaria por donde se cuelan el caos, la incertidumbre, y, cómo no en FANCINE, nuevas posibilidades creativas.

Frankenstein y la torre de alta tensión

Como es tradición, el cartel del nuevo FANCINE lleva la firma del profesor de la Facultad de Bellas Artes de la UMA Agustín Linares Pedrero. Inspirado en el mito de Frankenstein, en especial en la versión cinematográfica de 1931 dirigida por James Whale con Boris Karloff, el diseño sitúa al icónico monstruo en un presente franqueado por cables y to-rres eléctricas. Si en la película, basada en la novela de Mary Shelley, y en sus primeras adaptaciones el rayo simbolizaba una fuerza natural divina e incontrolable, el cartel ac-tualiza esa imagen y la traslada a un contexto donde la electricidad ha sido domesticada, distribuida y omnipresente.

La composición propone de esta manera una doble lectura: un homenaje a la ciencia ficción fundacional y una metáfora sobre la sociedad contemporánea, igualmente de-pendiente de la energía y modelada por ella. En términos creativos, la obra recurre a un contraluz que remite tanto a un relámpago nocturno como a un atardecer eléctrico, con la figura de Frankenstein enmarcada bajo la silueta imponente de una torre de alta ten-sión, que atrae al mítico personaje como peregrino para engancharse a la vida. El estilo minimalista del cartel dialoga con referencias que van del constructivismo ruso a las se-rigrafías de Sillas eléctricas de Andy Warhol, pasando por la estética oscura de cómics de autores como Eduardo Risso o Sean Phillips.

FANCINE es un festival de cine organizado por la Universidad de Málaga a través de su Vicerrectorado de Cultura. A lo largo de sus 34 ediciones previas, y dentro de su ámbito temático, se ha convertido en un referente en el circuito de festivales internacionales gracias a su firme apuesta por el cine fantástico, de terror, ciencia ficción y otras varian-tes afines. Con una programación que equilibra grandes títulos internacionales con pro-puestas innovadoras del cine independiente y de autor, FANCINE continuará en su inmi-nente 35º edición ofreciendo una mirada actual y abierta al género, con películas de estreno proyectadas en el cine Albéniz y diversas actividades paralelas en otros espacios de la capital.

CONTACTO: prensa@fancine.org

TWITTER: @fancineMalaga

FACEBOOK: @fancinemalaga

INSTAGRAM: @fancinemalaga

Crítica a '28 Años Después': Danny Boyle regresa a uno de sus mejores relatos, con la genuina energia visceral de antaño.

2025-06-20T21:50:00.007+02:00

'No somos un imperio, somos una isla de mierda'

Al británico Danny Boyle le ha costado volver, no 28 años pero casi, a uno de sus mayores éxitos como cineasta, y según sus propias palabras, resulta que tanto el Brexit como La Pandemia, han impulsado mucha de la rabia homicida que necesitaba la producción, nacida en origen a principios de siglo para revitalizar y universalizar el Género Z, respetando sus códigos, pero a la vez impulsando a sus caminantes, antaño muertos retornados de la tumba, aquí infectados de laboratorio, factor que permitía dotar de velocidad a los coléricos portadores de tan particular virus, cuya epidemia sólo requiere de 28 días, para extenderse de forma devastadora por toda Gran Bretaña.

Casi tres décadas después, Boyle recupera al guionista original, el también británico Alex Garland, para volver al lugar de los hechos, tras una secuela tan entretenida como olvidable, dirigida por el español Juan Carlos Fresnadillo en el no menos lejano 2007, la cual cambiaba los días por semanas, pero sin la misma capacidad de inventiva, algo que ha permitido a sus creadores originales enlazar 28 años después como una continuación más legítima, pensada como vértice de una nueva trilogía, que promete en 2026 traer la segunda entrega, 'The Bone Temple', la cual parece que contará con Cillian Murphy como protagonista.

En la búsqueda de una continua innovación visual, Boyle recurre para estos 28 años después, a unos cuantos iPhones de última generación (aplicando sus lógicos trucos ópticos), y algunos drones, con la clara intención de capturar esa genuina sensación de peligro, tan plena de intensidad como rotundamente visceral, alcanzando en sus escenas más destacadas, esa ansiada inquietud que solo consiguen los productos de horror con verdadera denominación de origen.

En ese punto, lo mejor que se puede decir del film, es que no es solo un contundente relato de supervivencia, contiene también un destacado discurso postapocalíptico, que se atreve con acierto, a describir una interesante evolución en los propios infectados, mientras contempla a los supervivientes desde un marcado tono familiar, perfilando bien a los protagonistas para hacer comprensibles sus motivaciones y desdichas, sin mostrar apenas un mínimo rastro de condescendencia, que pueda alterar de algún modo el particular y deseado tono agresivo que porta la cinta.

Como asunto genuinamente británico, el reparto está copado por un grupo de buenos actores, como Aaron Taylor-Johnson, o Jodie Comer, padres en la ficción del joven protagonista, un muy convincente Alfie Williams, especialmente inspirado en los momentos más emotivos del film, los cuales coinciden con la presencia del veterano Ralph Fiennes, que se hace de rogar, pero que cuando aparece, vuelve a demostrar su enorme capacidad interpretativa.

En los apartados técnicos, y seguramente por esa idea de Boyle por recuperar al grupo original, repite Anthony Dod Mantle en la fotografía, un trabajo que requiere no solo plasmar los momentos más vibrantes del film, el cual, recrea, como ha definido el propio realizador, una especie de 'tiempo bala de Matrix para pobres', sino también un tono ancestral muy cuidado en la mayoria de sus escenarios, bien ensamblados en los bellísimos espacios naturales de los que la cinta hace gala.

Finalmente, Danny Boyle y Alex Garland hace tiempo consagraron sus nombres como referentes del cine británico, lo que no quita que necesiten continuar innovando con la forma y el contenido, la única manera de seguir activos en el negocio y no caer en el terreno de las viejas glorias, no todas las decisiones de 28 años después son acertadas, de hecho hay mucho que reprochar a sus conclusiones, que seguro hubieran encajado mejoral principio de la próxima entrega, pero tampoco hay que olvidar, que los responsables de que los zombies entraran arrasando a la carrera en este nuevo siglo, globalizando un subgénero que siempre permaneció oculto al amparo de la Serie B más barata, tienen derecho a seguir arriesgando con las ideas y conceptos que les venga en gana, sobre todo cuando la mayoría de ellas, suelen abrazar con facilidad ese difícil espacio para el entusiasmo.

¡Habemus fecha para el 35 Fancine!: Festival de Cine Fantástico Universidad de Málaga.

2025-05-15T12:22:00.005+02:00

¡Habemus #35Fancine! 💨 Y después del largo apagón, por fin se hizo la luz 😻 Fancineros, anotad esta semana en rojo en vuestras agendas y calendarios 📅 porque quedan seis meses justicos para una nueva edición de #Fancine

Que así sea. O que nos parta un rayo si no ⚡ Pero mejor no decirlo muy alto, que conocemos cómo se las gasta #noviembre, ¿no? 🤫

🌐 Bases ya publicadas en nuestra web ▶️ fancine.org/bases

Crítica a 'Los Pecadores': Potente sinfonía de horror, a ritmo de blues.

2025-04-17T07:27:00.002+02:00

Pese a quien pese, y no serán muchos a estas alturas, es indudable la importancia capital que el cineasta norteamericano Quentin Tarantino, ha supuesto para el cine contemporáneo desde su irrupción a principios de los años 90 en el cine criminal. Tras consolidar, con apenas un par de títulos, el estilo Pulp en dicho género, los tentáculos creativos de tan inquieto autor, pronto derivaron en la resurrección del fenómeno Grindhouse, aquellos olvidados filmes de explotación característicos de los 70, que presentaban en sus particulares sesiones dobles, producciones de carácter más bien bizarro, donde la violencia, el terror, o el sexo, se encontraban amparados bajo el paraguas de una Serie B, cuyo presupuesto ínfimo mostraba un producto tan reconocible como generalmente demencial.

Si hay un cineasta actual, que haya traducido la influencia en éxito para diversas franquicias, ese es Ryan Coogler, con una carrera como cineasta, que transita en paralelo y de forma indivisible con la del actor Michael B. Jordan, un tándem reunido de nuevo en Los Pecadores, cuya acción se traslada al Mississippi de principios de los años 30, para contar la historia de dos hermanos gemelos, que vuelven a casa tras haber hecho fortuna en el Chicago de Al Capone, con la intención de comprar un aserradero, y convertirlo en un local nocturno para la gente de color.

A partir del propio guión original de Coogler, los ecos de El Corazón del Ángel (1987), aquella obra maestra de culto de Alan Parker, también resuena por las costuras, sobre todo musicales, y por la genuina inquietud de su exposición gradual, que abraza ese carácter húmedo y lascivo, tan propio del sur profundo, aunque si en algo difiere de aquella, es en poner las cartas sobre la mesa desde el principio, apostando a que será capaz de alejar cualquier suspicacia del espectador, con su posterior desarrollo argumental.

La buena noticia, es que Coogler se preocupa tanto por dibujar el tono de sus personajes, y hacerlos sumamente convincentes en sus motivaciones y sus relaciones emocionales, que mientras se abre la esperada caja de los truenos, y desata su particular infierno de una noche, el público está dentro, y se deja morder por su incisiva crónica vampírica, bien expuesta a través de apuntes ancestrales en lo sobrenatural, que recoge desde el vudú, hasta la presencia autóctona de los nativos americanos.

Aunque si en algo destaca Los Pecadores, es en el uso de la música como auténtico motor narrativo de un film, que transita a ritmo de blues por muchas de sus escenas más destacadas, lo que merece una mención de honor para el compositor sueco Ludwig Göransson, cuyo trabajo es una auténtica barbaridad, por la cantidad de temas, algunos escogidos, otros genuinos, que indudablemente componen el alma de un trabajo, sobrado de matices en el terreno de lo musical.

Del resto de apartados técnicos, señalar que la calidad de la mencionada banda sonora, descansa bien apoyada en un trabajo de sonido impactante, que se hace fuerte en sus momentos más enérgicos, en los que la cuidada puesta en escena, o el tenue, pero adecuado trabajo de fotografía, hacen el resto para consumar un ejercicio de estilo, que requiere de lo estético y lo visual para exponer de forma más relevante su singular propuesta.

Del reparto, Michael B. Jordan cumple como estrella por partida doble, se nota la entrega y la complicidad con el realizador, mientras la atención la ocupan buenos actores de reparto, como el veterano Delroy Lindo, o el inquietante Jack O'Conell, que junto a la siempre persuasiva y sensual Hailee Stanfield, son de los pocos actores blancos en un reparto predominantemente de color, en el que brillan nombres algo más desconocidos, como es el caso del joven debutante Miles Canton, o Wunmi Mosaku, extremadamente convincentes e implicados con sus respectivos personajes.

Finalmente, Ryan Coogler ha fabricado su particular relato de supervivencia hasta el amanecer, influenciado claramente por diferentes tendencias, las cuales retuerce de forma visceral y enérgica, homenajeando con presupuesto aquella Serie B que también recoge como no, el Blaxploitation entre sus atribuciones, con la inusual confianza de quien se enorgullece incluso de sus excesos, y también de sus errores, derivados de dicha desmesura, mientras pone orden en lo racial con el mismo vigor y determinación previamente expuestos, reservando un par de escenas post créditos, la primera realmente significativa, que finalmente, acaban por configurar un título llamado seguramente, a ocupar esa codiciosa etiqueta de culto, mientras convence a propios y profanos de un tipo de cine, que cuando sale bien, suele contagiar al respetable con su legítimo entusiasmo.

97 Edición de Los Oscar: Conclusiones Finales y Palmarés.

2025-03-03T05:01:00.005+01:00

La 97 edición de Los Premios de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood, acaba de echar el telón en el Dolby Theatre de Los Ángeles, un evento que a grandes rasgos, marca el fin del curso cinematográfico del año 2024, al menos a lo que cosecha de premios de grandes festivales se refiere.

El televisivo Conan O'Brien, ha cumplido como maestro de ceremonias, en una gala que abrió fuego con el inevitable homenaje a los terroríficos incendios que asolaron la región hace un mes, y dieron demasiado protagonismo al dúo formado por Ariana Grande y Cynthia Erivo para Wicked, previo a que el pelirrojo anfitrión convirtiera, con personalidad y algún número musical socarrón, bien insertado e interpretado por O'Brien, para convertir la gala de los Oscar en su particular night show, pero a lo grande.

Pocas sorpresas y reparto esperado entre las ganadoras, con especial mención para Sean Baker, que hace historia con los premios iniciales a mejor guión original y montaje, para sumar luego las estatuillas a director y película por Anora, tras haber logrado el PGA, y el DGA previamente, galardones del sindicato de productores y directores, mientras Letonia celebrará durante los años venideros, el Oscar a mejor película animada por Flow, en un año de grandes títulos en dicho apartado.

La brasileña I,m Still Here, hizo historia para su país, por encima de la francesa Emilia Pérez, para dar el primer Oscar de su historia a mejor película de habla no inglesa, ya que Orfeo Negro, en 1959, lo obtuvo curiosamente bajo bandera francesa, lo que parece de algún modo haber consumado algún tipo de justicia poética, algo más de siete décadas después.

Finalmente, Anora también rompió esa barrera para el cine norteamericano, que desde Marty, de Delbert Mann, en 1955, no permitía a la misma producción obtener La Palma de Oro y El Oscar a mejor película, salvo la excepción de Parásitos en 2019, aunque la cinta de Bong Joon-ho portaba bandera surcoreana, de ahí que el éxito de Sean Baker sea aún más relevante, que el mero hecho de premiar a un tipo de cine de corte tan independiente. Justo el punto donde The Brutalist, con apenas 9'6 millones de dólares de presupuesto, la mejor de las nominadas, debería haber triunfado más allá de sus galardones a mejor actor (merecido segundo Oscar para Adrien Brody), mejor banda sonora, y mejor fotografía.

El clásico 'In Memoriam', recogió sentidos homenajes a ilustres personalidades del planeta cine, fallecidos en el último año, con especial significación para el mítico Gene Hackman, presentado con emotividad por Morgan Freeman, el cual dio paso a otros como Roger Corman, el maestro David Lynch, James Earl Jones, Maggie Smith, Robert Towne, Gena Rowlands, o el mítico Donald Sutherland, entre otros.

Finalmente, ahí os dejamos el palmarés, como cada año aquí estamos para contarlo al minuto, también desde La Guarida del Sith podcast, con mis queridos Asier Huarte, Javier Carrillo, Frikilandias, y Javi Echoes, con los que como siempre, y van ya varios años, lo hemos pasado genial. Os recomiendo escuchar el programa si no habéis podido disfrutarlo en directo.

Mejor Película

'Anora'

Mejor Director

Sean Baker, por 'Anora'

Mejor Actriz

Mikey Madison por 'Anora'

Mejor Actor

Adrian Brody, por 'The Brutalist'

Mejor Actriz de Reparto

Zoe Saldaña, por 'Emilia Pérez'

Mejor Actor de Reparto

Kieran Culkin, por 'A Real Pain'

Mejor Guión Adaptado

'Cónclave'

Mejor Guión Original

'Anora'

Mejor Película De Habla No Inglesa

‘I’m Still Here’, Brasil

Mejor Película de Animación

'Flow'

Mejor Documental

'No Other Land'

Mejor Montaje

'Anora'

Mejor Fotografía

'The Brutalist'

Mejor Sonido

‘Dune: Parte dos’

Mejor Banda Sonora

'The Brutalist'

Mejor Canción Original

'El mal", de 'Emilia Pérez'

Mejor Diseño de Producción

'Wicked'

Mejor Diseño de Vestuario

'Wicked'

Mejor Maquillaje y Peluquería

'La sustancia'

Mejores Efectos Visuales

'Dune: Parte dos'

Mejor Corto Ficción

'I,m not a Robot'

Mejor Corto de Animación

'In The Shadow of the Cypress'

Mejor Corto Documental

'The Only Girl in the Orchestra'

Crítica de 'A Complete Unknown': Like a Complete Unknown, Like a Rolling Stone.

2025-02-28T11:48:00.004+01:00

En lo personal, la música de Bob Dylan me acompaño desde la infancia, gracias a su relación con el maestro Sam Peckimpah, juntos rodaron en 1973 esa pieza solemne del Western, llamada Pat Garret & Billy The Kid, un trabajo en el que el realizador encargó, al por entonces ya archiconocido cantautor, que además interpretaba a un personaje en el plano secundario, la banda sonora de un film, que más allá de sus incuestionables valores cinematográficos, quedaba mágicamente impregnado por los temas escogidos, aportando carácter y una extrema sobriedad, al prominente tono crepuscular que albergaba la cinta.

Con 'A Complete Unknown', y bajo los parámetros básicos del biopic musical, el realizador James Mangold ejecuta, a partir de su propio guión adaptado, una temprana reconstrucción del personaje de Dylan, a lo largo de la década de los 60, desde su anonimato como aspirante a cantante folk, mientras intenta ordenar su compleja personalidad, y su esquivo carácter emocional, hasta su estrellado final sin etiquetas, donde básicamente alcanzó ese raro olimpo de genuina autenticidad, como uno de los músicos más relevantes de todos los tiempos.

Es más que indudable, que el mayor acierto de Mangold y su equipo, es haber escogido un casting algo improbable, que funciona a la perfección, con un Timothée Chalamet que más allá de un relativo parecido con Dylan, y una buena caracterización, se deja la vida para mimetizarse con el personaje, llegando a interpretar las canciones con su propia voz, imitando tonos, gestos, y formas, con un compromiso y un esfuerzo más que destacados.

La ambientación del Nueva York de la década de los 60, centra su visión en los clubes nocturnos y los pequeños apartamentos bohemios, en los que Dylan va escalando hacia la fama, arañando los convulsos momentos políticos y sociales de una época de cambio, pero siempre al servicio de la indudable inspiración que supuso para las letras de sus mejores canciones, mientras divide los fragmentos narrativos entre los distintos festivales de Newport, donde aparecen otras destacadas figuras musicales del momento, como Johnny Cash, con el que mantiene originalmente una curiosa relación de amistad por correspondencia.

(Curiosamente, James Mangold ya realizó un biopic musical de Johnny Cash en 2005, titulado 'En la cuerda floja', con Joaquin Phoenix y Reese Witherspoon como protagonistas.)

En la parte técnica, destaca por encima de un montaje equilibrado, que eleva su apuesta para la adecuada puesta en escena del mencionado Festival de Newport, (espacio donde la cinta alcanza sus momentos más vibrantes y emotivos), el brillante trabajo de sonido, elemento fundamental para un film, que expone sus argumentos a través de infinidad de actuaciones musicales, grabadas para la ocasión con varias decenas de micrófonos originales de la época, necesarios para mostrar la evolución de Dylan desde el formato acústico, hacia los más inexplorados territorios de lo eléctrico.

Volviendo al reparto, la presencia de perfiles tan implicados como un sorprendente Edward Norton, que da vida con enorme humanidad al cantante folk Pete Seeger, o Monica Barbaro, que se viste con la piel de Joan Baez, otra leyenda de la escena musical de la época, ambos, al igual que Chalamet, ponen su voz para interpretar las canciones de sus personajes.

Completa la siempre fascinante Elle Fanning como Sylvie, que ya unió su química a la de Chalamet, por la gracia del maestro Woody Allen, en 'Día de Lluvia en Nueva York' (2019), y que vuelve a aportar esa mirada tan expresiva, que sólo portan las divas eternas, un hecho contrastado por Mangold, que establece un magnífico paralelismo con Bette Davis, en un momento temprano del film, la primera cita entre Sylvie y Dylan, la cual transcurre en un cine bajo las imágenes de 'La extraña pasajera', protagonizada en 1942 por La Loba.

Finalmente, puede dar la sensación de que 'A Complete Unknown', pueda sobrevivir por la enorme implicación de sus actores, y el indudable magnetismo que desprende la figura de Bob Dylan, su aspecto biográfico resulta a veces esquivo, e incluso antisocial, pero hasta en eso se podrá disculpar el intentar acercase con relativa justicia a la leyenda, mientras temas tan míticos como The Times They Are A Changin', o Like a Rolling Stone, entre otros, se ensamblan con adecuada creatividad a los mejores momentos de un film, que como mínimo, puede presumir de orientar su discurso de forma relevante, situándose por encima de lo convencional.

Quiniela de la 97 edición de Los Oscar.

2025-02-20T10:32:00.005+01:00

La 97 edición de Los Premios de la Academia de Hollywood, más conocidos como Los Oscar, fechados para la madrugada del domingo día 2 al lunes 3 de marzo en nuestro país, pondrá fin a la temporada cinematográfica anual, cosecha del 2024, una carrera incierta, que conjuga un inusual reparto entre las principales favoritas, una vez celebradas casi en su totalidad, las ceremonias de premiación previas, que incluyen los galardones de los diferentes sindicatos y gremios.

Precisamente, y cuando parecía que The Brutalist se posicionaba como la favorita en las principales categorías, los PGA y DGA, premios del sindicato de productores y directores de la Meca del Cine, iban a parar a la última Palma de Oro del Festival de Cannes, Anora, ajustando al máximo la competición, y difuminando quizá esa maldición legendaria, que la reciente Parásitos mando al carajo, y que durante décadas impidió a la vencedora del certamen francés, coronarse con la dorada estatuilla a mejor película.

Cierto que Parásitos era surcoreana, en eso Anora rompería, como cinta genuinamente americana, una barrera que lleva desde que Marty, de Delbert Mann, consumara en 1955 tan ansiado doblete, (antes lo consiguió el maestro Billy Wilder con Días sin Huella, en 1946) lo que podría colocar a Sean Baker, nuevo gurú del cine independiente norteamericano, como una referencia de tan complejo nuevo triunfo.

Mirando más allá de las principales categorías, hay varias producciones que cuentan con hasta dos y tres posibilidades fuera de su formato, es el caso de la animada Robot Salvaje, que suma tres nominaciones, o la brasileña Aún estoy aquí, doblemente candidata a mejor película y mejor cinta de habla no inglesa, igual que la francesa Emilia Pérez, que suma nada menos que 13 nominaciones, o la también animada Flow, que también opta en habla no inglesa por Letonia, un factor que antes parecía siempre augurar un triunfo, al menos en su categoría matriz, pero que este año, no sirve como brújula que señala a la vencedora, puesto que compiten todas entre sí, complicando aún más la elección de la posible vencedora.

La polémica también se ha hecho sitio para esta 97 edición, entre los comentarios desafortunados de Jaques Audiard y Karla Sofía Gascón, director y actriz de Emilia Pérez, el uso de Inteligencia Artificial en The Brutalist, para mejorar el acento húngaro de sus personajes principales, o completar algunas zonas de diálogo, en un trabajo de 215 minutos de duración, que no deberían en ningún caso, empañar el increíble logro de Brady Corbet y su equipo, para edificar un film monumental, que aún sorprende más cuando uno descubre que apenas ha contado con un presupuesto de 9,6 millones de dólares, tenemos servida una más que presumible incertidumbre, que sin duda hace aún más compleja la decisión en el voto de los diferentes académicos.

Celebrar, y esto no sucede cada año, que la mayoría de candidatas cumplen con el estándar mínimo de calidad exigido, teniendo en cuenta que para la ocasión, concurren el tope de nominadas a mejor película, un top 10 que además, mira de reojo a sus vecinas de habla no inglesa, y sobre todo a las cintas animadas, con algún título realmente memorable, proveniente de las más recónditas zonas de Europa, o incluso de las antípodas del planeta.

Mejor Película

'Anora' 30%

'The Brutalist' 25%

'Cónclave' 20%

'Wicked' 9%

'A Complete Unknown' 6%

'Dune: Parte dos' 3%

'Emilia Pérez' 3%

'La sustancia' 2%

'I'm Still Here' 1%

'Nickel Boys' 1%

Mejor Director

Brady Corbet, 'The Brutalist' 40%

Sean Baker, por 'Anora' 39%

James Mangold, 'A Complete Unknown' 10%

Coralie Fargeat, 'La sustancia' 6%

Jacques Audiard, 'Emilia Pérez' 5%

Mejor Actriz

Demi Moore por 'La sustancia' 35%

Mikey Madison por 'Anora' 30%

Fernanda Torres por 'Aún estoy aquí' 25%

Cynthia Erivo por 'Wicked' 9%

Karla Sofía Gascón por 'Emilia Pérez' 1%

Mejor Actor

Adrian Brody, por 'The Brutalist' 40%

Timothée Chalamet, por 'A Complete Unknown' 30%

Ralph Fiennes, por 'Cónclave' 20%

Colman Domingo, por 'Las vidas de Sing Sing' 5%

Sebastian Stan, por 'El aprendiz' 5%

Mejor Actriz de Reparto

Zoe Saldaña, por 'Emilia Pérez' 60%

Ariana Grande, por 'Wicked' 20%

Felicity Jones, por 'The Brutalist' 15%

Isabella Rossellini, por 'Cónclave' 3%

Monica Barbaro, por 'A complete Unknown' 2%

Mejor Actor de Reparto

Kieran Culkin, por 'A Real Pain' 70%

Guy Pearce, 'The Brutalist' 15%

Edward Norton, 'A Complete Unknown' 10%

Yura Borisov, por 'Anora' 3%

Jeremy Strong, por 'The Apprentice' 2%

Mejor Guión Adaptado

'Cónclave' 45%

'Nickel Boys' 20%

'Emilia Pérez' 15%

'A Complete Unknown' 10%

'Las vidas de Sing Sing' 10%

Mejor Guión Original

'Anora' 30%

'A Real Pain' 25%

'La sustancia' 20%

'The Brutalist' 15%

'September 5' 10%

Mejor Película De Habla No Inglesa

‘Emilia Pérez’, Francia 50%

‘I’m Still Her’, Brasil 35%

‘The Seed of the Sacred Fig’ Alemania 10%

‘The Girl With the Needle’, Dinamarca 3%

‘Flow’, Letonia 2%

Mejor Película de Animación

'Robot Salvaje' 35%

'Flow' 30%

'Wallace y Gromit: La venganza se sirve con plumas' 20%

'Del Revés 2' 10%

'Memorias de un Caracol' 5%

Mejor Documental

'No Other Land' 40%

'Porcelain War' 30%

'Sugarcane' 15%

'Soundtrack to a Coup d’Etat' 10%

'Black Box Diaries' 5%

Mejor Montaje

'Cónclave' 30%

'Anora' 25%

'The Brutalist' 20%

'Emilia Pérez' 20%

'Wicked' 5%

Mejor Fotografía

'The Brutalist' 40%

'Nosferatu' 25%

'Dune: Parte dos' 20%

'Emilia Pérez' 10%

'María Callas' 5%

Mejor Sonido

‘Dune: Parte dos’ 50%

‘A Complete Unknown’ 20%

‘Emilia Pérez’ 15%

‘Wicked’ 10%

‘Robot Salvaje’ 5%

Mejor Banda Sonora

'The Brutalist' 50%

'Emilia Perez' 25%

'Cónclave' 10%

'Wicked' 10%

'The Wild Robot' 5%

Mejor Canción Original

'El mal", de 'Emilia Pérez' 50%

'Mi camino', de 'Emilia Pérez' 20%

'Like a bird', de 'Las vidas de Sing Sing' 15%

'Never Too Late', de 'Elton John: Never Too Late' 10%

'The Journey', de 'Seis triple ocho' 5%

Mejor Diseño de Producción

'Wicked' 40%

'The Brutalist' 25%

'Cónclave' 15%

'Nosferatu' 10%

'Dune: Parte dos' 10%

Mejor Diseño de Vestuario

'Wicked' 40%

'Cónclave' 25%

'Nosferatu' 20%

'A Complete Unknown' 10%

'Gladiator II' 5%

Mejor Maquillaje y Peluquería

'La sustancia' 40%

'Nosferatu' 20%

'Wicked' 20%

'A Different Man' 10%

'Emilia Pérez' 10%

Mejores Efectos Visuales

'Dune: Parte dos' 50%

'Kinddom of the Planet of the Apes' 20%

'Wicked' 15%

'Alien: Romulus' 10%

'Betteer Men' 5%

Mejor Corto Ficción

'El hombre que no pudo permanecer en silencio'

Mejor Corto de Animación

'Wander To Wonder'

Mejor Corto Documental

'I am ready, Warden'

ENTREVISTA A ANDRÉS LOMEÑA: SU ÚLTIMA NOVELA, NARRATOFILIA, YA ESTÁ A LA VENTA.

2025-02-07T12:03:00.003+01:00

Narratofilia (Irrecuperables, 2025) es una novela corta sobre la vida de Alexia Noble, una actriz porno española de origen rumano. La obra tiene una voz narrativa extrañísima e irreverente: el texto está escrito en primera persona del plural porque las narradoras son las tetas de la propia Alexia. Una parte de su cuerpo, el pecho, habla sobre la cosificación de la mujer. Hay demasiadas ideas contenidas en unas pocas páginas, aunque se intuye una cierta provocación para quienes practican la cultura de la cancelación.

Hablar de Andrés Lomeña es básicamente evocar algo más de tres décadas de amistad y complicidad, una relación forjada desde la adolescencia, en la que su más que evidente capacidad intelectual, apreciable desde el momento en que le conocías, le ha llevado a convertirse en un autor literario muy particular, poseedor de ese universo original e intransferible, que para los que le conocemos, supone toda una marca de estilo reconocible, que hace extensible su contagioso entusiasmo.

Precisamente, la idea de entrevistarle no sólo obedece al placer de ejecutar un amistoso tercer grado, sino también el intentar hacer extensible ese mencionado entusiasmo por su última obra. Narratofilia es un sueño perseguido hace tiempo, casi desde que medio en broma, y más en serio, este que os escribe incitó en público al autor, el cual presentaba otra de sus novelas anteriores, a escribir sobre el tema, por lo que considero finalmente su existencia como un pequeño triunfo personal.

Todo relato erótico debería resultar excitante, y no cabe duda que Narratofilia lo es. Os invitamos a descubrir el proceso creativo a través de las palabras de su autor.

- Antonio Alcaide: Tenían que ser pechos, era inevitable conociéndote, cada uno tiene sus propias filias, háblanos un poco de las tuyas y de la inspiración para escribir la historia de Alexia Noble.

• Andrés Lomeña: Mis filias cinéfilas quizás sean un tanto extemporáneas, ya que las películas de Russ Meyer y su obsesión por los bustos generosos no nos pertenecen generacionalmente hablando. Por otra parte, el cine de Tinto Brass siempre me pareció un horror estético y argumental. La verdad es que di con escenas llenas de sensualidad donde menos me lo esperaba (Patricia Arquette en Carretera Perdida o en Amor a quemarropa, por ejemplo), pero me temo que buena parte de mi influencia audiovisual vino de telefilmes softcore que provocaban más risa o vergüenza ajena que excitación. Sonará moralista o exagerado, pero el porno que consumían mis amigos no me parecía muy distinto del gore más amable (el del primer Peter Jackson), es decir, veía aquellos vídeos como algo hipertrofiado y poco excitante, si bien había momentos fugaces de hilaridad (por lo ridículo del guion, básicamente).

Alexia Noble surge de un delirio colectivo, en el sentido de que es el agregado grotesco de las fantasías sexuales de mis amigos en los años de instituto (el que quería poner a quien fuera a cuatro patas, el que se lo iba a afeitar a su novia sin siquiera preguntarle si ella quería, etc). La poeta Louis Glück dijo aquello de: “Miramos el mundo una sola vez, en la infancia. El resto es memoria”. Yo diría justo eso, pero no con la infancia, sino con la adolescencia. Alexia Noble es una creación literaria inspirada en lo más sórdido del onanismo noventero, el del VHS, las pajas en grupo, las pornotecas y el vanagloriarse de las conquistas sexuales cuando en realidad eres virgen.

- La división que divide la estructura en cuatro partes, y recorre desde Softcore a Milf, pasando por Casting y Hardcore, ¿te sirvieron para escribir las diferentes evoluciones del personaje por separado, o tu trabajo ha seguido un curso lineal? A veces me parece que podrían funcionar como algo independiente dentro de la fantasía que expone.

• La verdad es que tardé más de diez años en atreverme a escribir Podio y más de un año en terminarla. Con Narratofilia fue muy diferente: empecé a escribirla justo después de terminar Podio y la había concluido en aproximadamente un mes. Quería que el ritmo narrativo fuera como una gayola: empieza fuerte, va a más, el asunto dura poco y el final es necesariamente un poco decepcionante (¿Ya?). Así que la estructura en cuatro partes fue algo tan veloz que escapaba a cualquier planificación. Por decirlo de la forma cursi y afectada en que suelen hablar los escritores de sus personajes: Alexia tomó la iniciativa e hizo conmigo lo que quiso.

- Personalmente, he disfrutado más con el despertar sexual de Alexia que con su posterior ascenso a la gloria del cine para adultos, dentro de lo que, por otra parte, y por lo general, es un más que excitante recorrido erótico.

• Supongo que tiene ver con una de las preguntas anteriores: su despertar sexual rememora nuestra adolescencia, lo demás ya es una especie de conjetura llevada al límite sobre un mundo que realmente no conozco de primera mano. El ascenso a la gloria de Alexia tiene que ver con el deseo irracional de reconocimiento (el de los escritores o el de los cineastas, lo mismo da), mientras que la primera parte muestra el sexo como un juego social donde hay actores y actrices realmente torpes. Narratofilia es una obra misantrópica y no me importa reconocer que un poco misándrica también… pero es que hay tíos que se lo han ganado a pulso.

- Las referencias musicales o literarias están en la novela, pero personalmente, son las que hacen alusión al séptimo arte, las que me han encantado, transitan por películas tan perversas como Las amistades peligrosas, cita a directores lascivos y provocadores como el holandés Paul Verhoeven, o directamente a grandes películas como Boogie Nights, del maestro Paul Thomas Anderson, que precisamente tiene que ver con la pornografía. Cuando eres cine, no puedes evitar separarlo del proceso creativo, ¿o me equivoco?

• A pesar de mi escasa imaginación visual, el cine desempeña un papel vital en el plano intelectual. Me tomo los (falsos) documentales de Herzog como si fueran manuales de antropología. En este sentido, Boogie Nights es como una etnografía sobre la industria del porno, con un estilo que recordaba mucho al mejor Scorsese (¿acaso hay un Scorsese malo)? De todos modos, hay ecos de muchas otras películas, como la entrañable Beautiful Girls o la refrescante Clerks. ¿Cómo no sentirse identificado cuando el protagonista está entre un grupo de paletos que suspira por una chica guapa, o cuando un tonto a las tres habla del número de mujeres a las que se ha follado? Narratofilia tiene mucho de ajuste de cuentas, de escupitajo y también de autocrítica. Es una sátira, una autoparodia, una biografía bufa.

- Seguimos con el Séptimo Arte, si Billy Wilder era Dios, y en esto hay poca discusión, ¿en el mundo del porno Sasha Grey es una diosa comparable a un nivel tan extremo?

• En realidad, siempre me han interesado los personajes menores o secundarios. Hace poco disfruté muchísimo con la novela James, que es una reescritura de Huckleberry Finn desde la perspectiva del esclavo Jim. Por no evitar tu pregunta: me encantaría saber más de una actriz relativamente poco conocida como Kira Kener y menos de Angela White, que sin embargo es una celebridad al haber sido la primera mujer en ganar tres veces el premio AVN a la mejor actriz del año. No obstante, Jenna Jameson cambió la industria y Christy Canyon fue la que rompió mi himen pornográfico al concederme una entrevista que sirvió de brújula para esta novela.

- Hay grandes citas en Narratofilia, y también algo de denuncia. Estamos en el Siglo de la mujer, aun así, y te cito textualmente, el porno a su modo, plantea un problema para la emancipación femenina. ¿Tanto queda aún por recorrer por la verdadera igualdad?

• Me temo que sí. La novela es una denuncia de la cultura patriarcal contada desde el mismísimo glande de la cultura heteropatriarcal. No basta con que las mujeres puedan aportar una mirada femenina; también conviene que los hombres nos deconstruyamos, o que al menos reconozcamos explícitamente nuestra herencia y educación marchirulas.

- La historia se ambienta en Málaga. ¿Te sentiste cómodo escribiendo sobre nuestra ciudad?

• Ballard quedó fascinado con la sordidez de la Costa del Sol (como podemos observar en su novela Noches de Cocaína), así que nuestra provincia era el lugar perfecto para escribir sobre porno, habida cuenta de la pornografía urbanística y de todo tipo que hemos vivido en las últimas décadas. Afortunadamente, ya nadie recuerda El gran polvo, pero aquel reality show se grababa en Torremolinos.

- La editorial Irrecuperables se ha lanzado al barro con Narratofilia, háblanos un poco de este proyecto, que parece apostar por enfoques y propuestas más atrevidos.

• Irrecuperables es una editorial pequeña que publica auténticas rarezas de filosofía y sociología. Narratofilia no es una lectura fácil, pero el sexo tampoco es fácil. El sexo, además, nunca es solo sexo. La historia de Alexia Noble no tiene cabida en el mercado actual. La editorial Irrecuperables se podría haber llamado Impublicables y su nombre sería una broma fácil aunque muy acertada sobre la pornografía del mercado editorial.

- Antonio Alcaide: Espero ansioso un segundo título orientado hacia la misma temática, aunque para ello tengan que pasar otros veinte años.

Andrés Lomeña Cantos (1982) es licenciado en Periodismo, en Teoría de la Literatura, y en Literatura Comparada, también es doctor en Sociología, así como colaborador habitual del HuffPost y coordinador en la fundación Common Acción Forum. Además, ha publicado artículos en periódicos como El País, El Confidencial, CTXT o Sinpermiso, y es el guionista del multipremiado cortometraje Psicópolis. Actualmente trabaja como profesor de filosofía en el instituto público Ben Gabirol.

Entre sus publicaciones destacan:

● Filosofía para frikis (Libros Indie, 2025)

● Podio (Alianza Editorial, 2022)

● Filosofía en Rebanadas (Arcopress, 2022)

● Python para filósofos (Marcombo, 2022)

● Filosofía a sorbos (Arcopress, 2020)