MAR DE CINE

"Moonwalker" (1988) de Jerry Kramer y Jim Blashfield

2012-05-04T21:54:00.001-03:00

Es innegable que el mundo del videoclip tuvo un antes y un después de Michael Jackson.

Mientras que a comienzos de los años 80 la mayoría de los cantantes y grupos de habla inglesa promocionaban sus temas con videos de calidad casi hogareña, de dudosa imaginativa o hechos en base a imágenes tomadas de conciertos en vivo, Jackson se propuso revolucionar la industria del videoclip contando breves y bien guionadas historias que respaldaran sus canciones. Eso hizo que cada estreno de sus videos se convirtiera casi en un evento de masas, que agolpaba a millones frente a las pantallas de televisión el día y hora que se anunciaban.

Probablemente el más recordado de esos acontecimientos haya sido el arrollador éxito del tema "Thriller" en 1983, que llevó a la realización de uno de los videoclips más cinematográficos de la historia. Dirigido por John Landis -realizador popular en aquel entonces gracias al éxito de su estupenda "El hombre lobo americano en Londres" (1981)- y narrado ni más ni menos que por el inmortal Vincent Price, el video musical de "Thriller" sigue siendo un hito pionero que marcó a fuego el mundo del videoclip cambiándolo por completo.
Luego vendrían cosas como"Captain EO", corto producido por George Lucas y Francis Coppola para una atracción de Disneyland, y el no menos exitoso "Bad", que aunque inferiores en calidad y nivel de impacto a "Thriller" mantenían claramente el sello distintivo del cantante.

Fue ese éxito en el mundillo de la realización de videos musicales lo que impulsó a Michael por esa misma época, a realizar una de las extravagancias cinematográficas más llamativas de los 80. El título de esa extravagancia fue "Moonwalker".

El mítico "Paso antigravedad"

Dirigida por Jerry Kramer y Jim Blashfield, habituales colaboradores del cantante en muchos de sus proyectos y producida por el mismo Jackson, "Moonwalker" es una restrospectiva dividida en varios segmentos independientes, algunos hecho en base a imágenes de giras y videos musicales del cantante, con mucho de homenaje a su propio pasado en los Jackson Five y a sus comienzos como solista a fines de los años 70, mezclado todo con otros pasajes de pura e imaginativa ficción.
No falta en esa mezcla su descarga crítica hacia el poco pudor con el que los medios informativos trataron su vida personal a lo largo de los años, presentándolo muchas veces como una especie de atracción circense en pos de vender noticias, algo que las imágenes que acompañan al segmento de su canción "Leave me alone" deja bastante en claro.

El segmento final de la película es el más emparentado con el cine tradicional y nos narra una miniaventura en la que el cantante debe salvar a un grupo de niños de una siniestra organización de narcotraficantes liderada por un tal Mr. Big -Joe Pesci luciéndose como villano- que planea convertir en adictos a todos los niños del planeta. Para detenerlo y salvar a sus amigos, la estrella de la música se transformará mágicamente en diversos artilugios -un auto supermoderno, un enorme robot y una nave espacial-. Es en este segmento donde toda la imaginería visual típica de las producciones videocliperas de Michael Jackson hace alarde, combinando efectos de animación asombrosos para su época -la transformación del cantante en una especie de robot "transformer" sigue siendo impresionante hoy día- con secuencias de acción real por montones, que terminan brindando un clímax que, a fuerza de espectacularidad, pretende quedar grabado en las retinas del espectador. La secuencia destinada a su tema "Smooth Criminal", incluida en este segmento y muy popular por su famoso paso antigravedad, es probablemente la más recordada por el público en general ya que se utilizaría luego de forma independiente para promocionar la canción.

No, no es un avión; es MICHAEL!

"Moonwalker" es algo atípico y curioso, por momentos casi bizarro, que no puede calificarse propiamente como cine. Es un vehículo de lucimiento exlcusivo para su creador, cuya presencia en él es lo único que justifica su existencia. Un producto que solo podía haberse realizado en una década tan abocada a excesos fílmicos como aquella en la que se realizó y de una factura general que no la hace apta para cualquier paladar.
Aunque debo admitir que disfruté verla en su momento, así como recientemente en su impecable edición en dvd, también debo admitir que no me atrevería a recomendarla a cualquiera. Como todo producto de culto, es algo relegado casi exclusivamente para los acérrimos fanáticos del malogrado ídolo de la canción. Serán ellos los que con mayor beneplácito asimilen y hasta agradezcan el aluvión de imágenes y sonidos que durante casi hora y media el "Rey del Pop" proponía en él.

Puntuación: 7/10

"Noche de Miedo" (Fright Night, 2011) de Craig Guillespie

2012-04-09T02:08:00.003-03:00

La versión original de "Fright Night" dirigida por Tom Holland en 1985, se convirtió inesperadamente en un éxito de taquilla en su época y un verdadero film de culto más tarde. Su mezcla de terror vampírico con dosis de comedia juvenil funcionó muy bien y terminó generando escuela dentro del género.

Como no podía ser de otra manera y como viene siendo la costumbre desde hace años con todo film ochentero que haya tenido un mínimo de éxito, el pasado año 2011 vio el estreno de su remake; "Noche de miedo" dirigida en esta ocasión por el recién llegado al género Craig Gillespie.

Aunque el film original siempre me ha gustado, jamás lo consideré algo tan excelso como para ponerlo a la altura de un clásico referente en su tipo. Quizás ese es el motivo por el cual esta nueva versión me ha gustado tanto, a tal punto que en varios aspectos me parece que supera a su antecesora. Aunque la premisa base es la misma (chico de barrio descubre que su vecino es un vampiro que está asesinando a sus otros vecinos e intenta detenerlo por sus propios medios) su desarrollo toma carriles bastante diferentes. Esto quizás desencante a quienes esperen una versión más fiel al original en ese aspecto, pues si bien las dosis de terror y sangre son muy superiores, el factor comedia no lo es tanto, quedando reducido a ocasiones muy puntuales, la mayoría de ellas relegadas a las apariciones de David Tennant como el cazador de vampiros Peter Vincent, papel que en 1985 interpretara Roddy McDowell y cuya timorata presencia en pantalla por sí sola ya era graciosa. En el caso del Vincent interpretado por Tennant, el personaje resulta mucho mas oscuro y su humor se basa más que nada en el extravagante modo de vida que lleva como famoso ilusionista de Las Vegas y en sus casi constantes arrebatos de egolatría. De todas formas, eso le basta para tener en determinados momentos más protagonismo que el resto del elenco.

El otro personaje mutado de una versión a otra es el del vampiro. No queda nada del elegante, seductor y clásico chupasangre que genialmente interpretara en 1985 Chris Sarandon (que a propósito, tiene un cameo en este film). El vampiro compuesto por Colin Farrell es más bien un reflejo de estos tiempos; gusta de la televisión chatarra, utiliza una camioneta negra pick-up mal cuidada y pondera la comodidad al vestir por encima de la elegancia. Sus víctimas ya no son exclusivamente prostitutas o chicas jóvenes, prefiriendo familias enteras de su barrio como presas para sus cenas.

El resto del reparto, incluido el protagónico de Anton Yelchin -recién salido de "Star Trek: El futuro comienza"- sencillamente cumple con las expectativas, con destaque quizás en la madre del protagonista, una muy prolija Toni Collette, cuya participación luce tal vez un poco desaprovechada.

Otros cambios del guión incluyen persecuciones varias -destacable la de la carretera en medio de la noche-, algunos giros argumentales interesantes inexistentes en la primera versión y un clímax final que, sin ser nada que no se haya visto antes, es bastante más espectacular y sangriento que el del film original.

Los efectos especiales están bastante bien, aunque como ya es costumbre en producciones de este tipo, casi todos sean enteramente generados por computadora lo que hace que uno eche un poco de menos aquellos entrañables efectos de maquillaje que tan bien lucían en los años 80.

"Noche de miedo" año 2011 es un aceptable film de terror pasatista.

No tiene demasiado humor ni comedia, o al menos no tanto como la versión de 1985, haciendo más hincapié en la truculencia bien filmada y las secuencias de acción por sobre cualquier otra cosa.
Su tibia recepción en salas norteamericanas en el momento de su estreno le bastó para recaudar lo suficiente y superar sus costos de producción.
No sería nada raro que en poco tiempo más se estuviera produciendo una continuación la cual, esperemos, sea mejor que la espantosa secuela que tuvo el film original en 1988.

Puntaje: 6/10

"G.I. Joe: Resolute" (2009) de Joaquim Dos Santos

2012-03-03T03:11:00.015-02:00

La serie televisiva animada "G.I. Joe" apareció en 1982 en pantallas norteamericanas como resultado del éxito obtenido por la línea de juguetes del mismo nombre que la empresa juguetera Hasbro había relanzado a comienzos de esa misma década. G.I Joe es un comando militar ficticio al mando del gobierno estadounidense, cuyos miembros son especialistas en todas las artes del combate y que está destinado a enfrentar y detener a la organización terrorista Cobra, la cual pretende el dominio total del mundo.
Tras la cancelación de la serie televisiva original en 1994, hubieron variados intentos por resucitarla en los años siguientes -"Sigma 6", "G.I. Joe: Extreme" entre otros- pero todos los proyectos duraron muy poco o directamente fracasaron antes de comenzar.

Paralelamente a la producción de "G.I. Joe: The Rise of Cobra", dirigida por Stephen Sommers en el 2009, Hasbro, en asociación con la editorial IDW, intentaron preparar el terreno para su estreno con una nueva serie animada basada en sus personajes. El resultado fue "G.I. Joe: Resolute", una serie de 10 espisodios de 5 minutos de duración cada uno, más uno final de 10, pensada para ser emitida semanalmente vía internet, aunque posteriormente fue televisada en horario nocturno por Cartoon Network y editada en formato dvd compendiando todos los episodios en una película de una hora."Resolute" se apega más los lineamientos del film de Sommers en lo que a acción y violencia se refiere.
Es una serie mucho más adulta que cualquiera de las emitidas desde 1982 hasta la fecha. A diferencia de la serie ochentera, donde a pesar de los centenares de disparos y explosiones no se veía cadáver alguno ni tampoco una gota de sangre -una limitación derivada del hecho que el producto estaba mayoritariamente destinado a los niños- en "Resolute" los muertos se suman por montones y hasta por millares.El momento en que los villanos demuestran a los gobiernos del mundo su poder, usando un arma espacial para arrasar en forma despiadada y completa una ciudad de millones de habitantes, deja claro desde el vamos que lo que estamos viendo tiene poco que ver con las infantiladas de los años 80.

El plan de Cobra para doblegar al mundo, si bien tiene su cuota de fantasía, resulta mucho más lógico que los vistos en la vieja serie en donde los guionistas, a falta total de ideas, terminaban mezclando desde extraterrestres, pasando por rayos lava-cerebros y gadgets similares, hasta contactos con seres del más allá, todo lo que pudiera servir como nuevas amenazas que combatir por los héroes.

En "Resolute" todo es más lineal, quizás hasta menos imaginativo -lo de los satélites equipados con rayos de la muerte ya era viejo en las películas de James Bond con Sean Connery- pero en contraposición es bastante más creíble. Hay en todo momento una verdadera sensación de que cualquiera en ambos bandos puede morir, cosa que en algunos casos realmente sucede. Mención especial en este apartado merece el enfrentamiento entre los miembros ninjas de cada bando, Snake Eyes y Storm Shadow, una pelea que llega hasta sus últimas consecuencias y que reafirma aún más el caracter adulto del producto.

El guión del especialista Warren Ellis, guionista destacado de la editorial Marvel, impone en todo momento una cuota de realismo al asunto que evita que, como sucedió con la serie original, todo termine convirtiendose en una mera ridiculización.

"G.I. Joe: Resolute" es un film más que recomendable para cualquiera que guste del cine de acción animado. Evidentemente, no es un producto para niños y quizás tampoco para muchos de aquellos que aún conserven un recuerdo nostálgico por la serie de los años 80.
Le juega en contra un final algo apresurado producto de sus escasos 58 minutos de duración, pero que igual se las apaña para dejar unos puntos suspensivos que prometen una continuación que, desde ya, esperamos ansiosos.

Puntaje: 7/10

Ver para creer: TERMINATOR 5 y 6... con Arnoldo Schwarzenegger?

2012-02-24T18:23:00.016-02:00

La adquisición de los derechos de la saga "Terminator" por parte de Pacificor, un grupo inversor de riesgo, ha generado muchos rumores sobre cual podría ser el destino de la exitosa grifa de ciencia ficción. Lo cierto es que en 2018, los derechos de la misma volverán a manos de su creador, James Cameron, por lo que cualquier intento por tratar de sacar algún centavo de ella deberá ser rápido y sin demoras.

Quizás sea por ello que Pacificor ha anunciado su interés en hacer no una, sino dos películas nuevas de la saga que serían continuaciones directas de la última entrega, "Terminator 4: Salvation". Lo irónico del caso es que al no tener idea de como hacerlo -Pacificor no es una empresa dedicada a hacer cine, solo a prestar dinero y recuperarlo- han recurrido a Sony Pictures y a Lionsgate, los dos estudios involucrados en la creación de los títulos anteriores de la saga pero también competidores directos en la carrera por obtener los derechos de la misma.

La cuestión es que a más tardar en el 2013 debería iniciarse la filmación de la quinta entrega para su estreno entre los años 2014 o 2015. Pero si todo esto no fuera ya bastante sorpresivo, persiste el rumor -que comienza por estos días a dejar de serlo- que el mismísimo ex-governator de California, Arnoldo Schwarzenegger, ya habría aceptado tener participación directa en ambas secuelas con un papel que se catolaga actualmente como "de sorpresa". También se incluirían los personajes de el cabo Reese y la mismísima Sarah Connor, aunque no se sabe cual sería el nivel de protagonismo que tendrían.

En fin, como que está claro que Schwarzenegger quiere sí o sí revivir sus viejas glorias, aunque sus 70 pirulos de edad se le noten bastante, por más que el milagro del maquillaje y los efectos especiales puedan ayudarlo a parecer más joven. Veremos como queda.
También resulta claro que desde que Cameron terminó su participación en la saga lo que hemos visto, aunque no sea nada tan malo, no está a la altura de las primeras entregas.
No sé. Quizás lo mejor sería que pasara el tiempo y que Cameron recuperase el poder sobre su obra para ver si, merced a su genio creativo, tenemos la suerte de revivir la magia de las películas originales.

Por ahora solo queda esperar. Como Arnoldo en esta amenazante imagen:

"Los amigos de Peter" (Peter´s friends, 1992) de Kenneth Branagh

2012-02-24T02:46:00.014-02:00

Peter (Stepehen Fry) invita a pasar la Noche Vieja en su enorme mansión inglesa a sus antiguos amigos de escuela a los que no ve desde hace más de una década. Con ellos compartió de todo; desde organizar pequeñas obras de teatro musicales bizarras a borracheras inolvidables. El reencuentro de todos, con sus particulares personalidades, conflictos y cambios generados a lo largo de los años, los hará reflexionar sobre sus vidas y sobre el valor imperecedero de la amistad.

Kenneth Branagh se arriesgó a volver a la dirección tras su exitosa "Enrique V" (1990) -considerada la mejor traslación de la obra de Shakespeare al cine- y el olvidable thriller "Dead Again" (1991), con un film bastante menor en pretensiones y presupuesto. "Los amigos de Peter" es una comedia dramática que pasó casi sin pena ni gloria en el momento de su estreno, y que en Uruguay y en la mayoría de paises de la región, fue editado directamente al video hogareño.

Sin embargo, detrás de ese injusto destino se esconde una de las mejores comedias británicas de los años 90 y una demostración de que Branagh, cuando evade su ego protagónico, es capaz de llevar adelante una historia sin golpes bajos ni sorpresas (bueno, salvo una muy cerca del final relacionada con una enfermedad lamentablemente muy popular en la época) apoyado exclusivamente en la calidad del estupendo reparto con el que comparte cartel. Cabe destacar en ese elenco a una estupenda Emma Thompson, por ese entonces sentimentalmente unida a Branagh en la vida real, a un correctísimo Stephen Fry como el Peter del título, y a un sorprendente Hugh Laurie siglos antes de llegar a la cúspide del éxito con la serie "Dr. House".La historia arranca como una comedia pura, con una batería de chistes y situaciones graciosas pensadas para enganchar y hacer cómplice al espectador de sus protagonistas y se va haciendo gradualmente más seria a lo largo de su casi hora y media de duración. Pero el humor no se pierde del todo jamás, ya que en el fondo lo que la historia viene a decirnos, es que los tragos amargos de la vida son más pasajeros si hay amigos en ella que nos alienten a seguir.
El sentimiento de nostalgia por el reencuetro lo invade todo, en especial cuando empiezan a sonar canciones como "You´re my best friend" de Queen o "Every wants to rule the world" de Tears for Fears, junto a una colección de temas clásicos de los 80 y comienzos de los 90 que forman parte del soundtrack del film y que es otro de los grandes aciertos del mismo.

El cine de comedia británico alcanzaría sus cotas más altas de popularidad y éxito gracias a las también estupendas "Cuatro bodas y un funeral" (1994) y "Full Monty: A todo o nada" (1996), pero fueron películas como la de Branagh las que cimentaron el camino para que las posteriores tuvieran éxito.
"Los amigos de Peter" debió haber tenido un destino comercial mejor que el corrió en su época. Sin embargo, nunca es tarde para redescubrirla si se tiene la posibilidad de hacerlo, ya sea si la ven perdida en alguna góndola de videoclub o en algún canal de televisión.
Créanme, que si no esperan ver la típica peliculita de humor absurdo hollywoodense, pasaran un rato de lo más ameno.

Puntaje: 7/10

La música pierde a una de sus mejores voces: Whitney Huston nos ha dejado.

2012-02-13T02:35:00.012-02:00

Dueña de una belleza y sonrisa angelicales y de una voz dotada como pocas, la turbulenta vida de la cantante encontró un inesperado final el pasado día 12 de febrero a los 48 años, en una habitación del hotel Beverly Hilton de Los Ángeles donde esperaba una reunión previa con los nominados a los Premios Grammy de este año.

Aunque su paso por la industria cinematográfica fue más bien breve, su participación en el film " El guardaespaldas" de 1992 junto a Kevin Costner, la convirtió definitivamente en una de las cantantes más populares de su momento. Ayudó muchísmo en ello la inclusión en su banda sonora de "I will always love you", maravilloso tema originalmente compuesto e interpretado por Dolly Parton en 1974, pero que solo en la voz de Whitney Huston alcanzó un nivel de popularidad masivo convirtiendose en uno de los singles más vendidos de la historia de la música pop al igual que el soundtrack de la película.

En 1995 comparte cartel junto a Angela Bassett y Wesley Snipes en "Esperando un respiro" de Forest Withaker, comedia romántica que marcó el regreso de Whitney al cine siendo éste uno de sus principales atractivos, pero que pasó sin pena ni gloria por cines en su país y que en la mayoría fue lanzado directamente al mercado del video hogareño.

En 1996 volvió al cine en el film "La mujer del predicador" de Penny Marshall, remake de un film de mismo título de 1947, drama romántico con ribetes sobrenaturales con una Huston discreta en un protagónico que a ratos le queda algo grande, pero que resalta por su banda sonora compuesta en buena medida por temas musicales interpretados por ella misma, entre ellos "Joy" y el estupendo "My heart is calling".

Una serie de interpretaciones en televisión y papeles secundarios en varias producciones menores, así como su participación como productora en algunas de ellas, complementan su carrera en pantallas.

A fines de los años 90, admite públicamente su abuso en el consumo de drogas y alcohol, adicciones contra las que siguió luchando hasta los últimos días de su vida con numerosas reacaídas que la obligaban a internaciones en clínicas especializadas en forma periódica.
Hasta el momento en que escribo estas líneas no están muy claras las causas de su fallecimiento y aunque se especula que no tuvo que ver directamente con su adicción, sigue siendo motivo de fuerte controversia.

A pesar de que sus participaciones cinematográficas no han sido demasiado numerosas, creo que se merecía una mención en este sitio.
Aunque sin dudas su talento para la música y la belleza de su voz serán las cualidades por las que será recordada por siempre, ganándose un merecido lugar en el Olimpo de los artistas.

Hasta siempre Whitney.

Secuela de "Blade Runner" ¿sin Harrison Ford?

2012-02-11T18:17:00.007-02:00

Todos hemos oído desde hace años el rumor sobre una posible secuela del que sin dudas es uno de los más grandes films de ciencia ficción de la historia del cine de todos los tiempos, "Blade Runner". El rumor surgió a fines de los años 80 pero cobró especial fuerza en 1993 tras el estreno del director´s cut con la versión que su director, Ridley Scott, había deseado estrenar diez años antes.

Ahora, en plena década del 2010, nuevos rumores aseguran que Scott tiene en marcha un guión que funcionaría como secuela. Según el site web especializado Deadline New York, en estos primeros meses de 2012 se está trabajando en una historia en la que -y aquí es donde me surgen las dudas- Harrison Ford no aparecería ni tampoco su personaje, Rick Deckard.
Aunque no se desmiente del todo que han habido conversaciones entre los productores y el actor, tampoco se ha descartado una reinvención total de la obra original, por lo que estaríamos hablando de algo muy parecido a una remake pero con un staff de actores y personajes completamente nuevos.

En fin. Que son demasiados rumores y que estoy seguro que tanto yo como la mayoría preferiríamos una secuela a una "reinvención" como le llaman ahora, aunque no aparezcan todos los protagonistas originales. Claro que si aparece el viejo y querido Harrison, mucho mejor. ¿O no?

Fuente: Deadline New York

"COWBOYS & ALIENS" (2011) de Jon Favreau

2012-02-10T22:53:00.023-02:00

La idea original de "Cowboys & Aliens" surgió del comic del mismo título publicado en el año 2006 por la editora independiente Platinum Studios. Según su autor, Scott Rosenberg, comenzó a desarrollar la idea de combinar extraterrestres con elementos del viejo oeste a mediados de los años 90, pero no tuvo una historia hasta varios años después cuando a petición de los estudios Universal el guionista Steve Oedekerk la escribió para el cine con el objetivo de posteriormente dirigirla.
Por motivos varios el film no se realizó en aquel entonces y tras una reescritura de su guión a cargo de Roberto Orci y Alex Kurtzman, la idea tomó forma cinematográfica en el año 2011 cuando Jon Favreau -director de las dos "Ironman"- fue elegido por la Universal para dirigirla.

Hace más o menos año y medio, al enterarme que se ponía en marcha la filmación de la película, logré hacerme con un ejemplar en inglés del comic impreso. No es que me desesperara por saber de que iba el asunto -el título lo dice casi todo- pero me causó curiosidad saber que podría ser tan interesante en él como para que el mismísimo Steven Spielberg auspiciara de productor. Y la verdad es que aunque no me aburrió a pesar de su centenar y pico de páginas, la historia tampoco me resultó demasiado extraordinaria.

Admito que es muy colorida, que tiene bastante acción, alienigenas y naves espaciales ya en su primera página y hasta una reflexión con tintes históricos sobre las actitudes de sometimiento colonialistas de los pueblos más fuertes sobre los más débiles. Pero aún así es un material que no tiene nada de memorable ni original, y que se digiere y olvida casi tan rápidamente como se lee.

En realidad, Rosenberg nunca negó sus intenciones de que su obra terminara tarde o temprano siendo llevada a la pantalla, siendo el comic casi una excusa para lograrlo.
Al menos hay que reconocer que el resultado en general es bastante aceptable, en buena medida porque el guión del film prefiere seguir sus propios caminos ajenos a los del relato impreso.
Mientras que en la historieta los aliens tienen un rol bastante protagónico y llegan a la Tierra por mero accidente, en el film aparecen recién a la mitad del relato y vienen decididos a buscar algo que necesitan.
El protagonista, encarnado por Daniel Craig, un pistolero amnésico portador de un arma de rayos en su muñeca izquierda la cual no tiene idea como llegó ahí, es bastante más interesante que el protagonista del comic, y el misterio de su amnesia y su andar matonero es lo que mantiene vivo el interés en la película durante su primer cuarto de hora. O al menos hasta que aparece Harrison Ford, interpretando a un viejo y duro ex-militar -personaje inexistente en la historieta- dueño del pueblo en el que termina cayendo el pistolero de Craig, y que será uno de los artífices de la ofensiva tras ser su hijo secuestrado por los alienigenas junto a la mayoría de los pobladores.
Olivia "Dr. House" Wilde es la cara bonita de la historia, en un personaje totalmente apático, que si bien tiene su símil en la obra impresa su existencia en la película solo se justifica en la media hora final, cuando revela su verdadera naturaleza y objetivos.Dejando de lado diferencias y similitudes, desde el comienzo queda claro que no hay intenciones de que haya mucha fidelidad con el tebeo en el que se basa, cosa que en muchos aspectos no es un perjuicio demasiado grande y hasta resulta lógico; colocar todas las tramas y subtramas del comic que envuelven tanto a los múltiples personajes extraterrestres y sus planes de conquista con las de los humanos y sus alianzas para enfrentarlos, hubiese necesitado una película de tres horas de duración o más, algo demasiado épico y lejano a los intereses de sus realizadores.

De todas formas, la combinación de western con invasión del espacio no sabe a un pastiche forzado de ideas y tampoco llega a ser aburrida pese a que los más fanáticos de la ciencia ficción seguramente critiquen negativamente la demora en la aparición de los elementos propios de ese género.
Y aunque algunos cabos queden sueltos -¿cual es la utilidad real que le van a dar los aliens a "eso" que vienen a buscar? ¿combustible?; ¿Por qué motivo el personaje de Wilde demora tanto en revelarse y por qué razón conoce tan bien a los invasores?- en general tanto el contenido como el final son lo bastante coherentes y resultones como para satisfacer las expectativas del público más palomitero.

De todas formas y teniendo en cuenta que Spielberg está detrás de todo, no hubiese estado de más darle una pulida al guión, mejorar algunas ideas y acortar algunos diálogos. Pero bueno, el "Rey Midas" de Hollywood percibió el aroma a rentabilidad típica de producto veraniego que llena salas y con eso quedó conforme.

En resumen, "Cowboys & Aliens" cumple bien con su función de entretener un rato, pero pudo haber sido mucho mejor de no ser porque el conformismo de sus creadores lo convirtieron en un producto limitado tanto en ideas como en desarrollo.

Puntaje: 6/10

"Muerte en el Nilo" (Death in the Nile, 1978) de John Guillermin

2012-01-17T11:45:00.001-02:00

A bordo de un lujoso barco fluvial, el Karnak, se dan cita diez personas que se ven implicadas en el misterioso asesinato de una rica heredera norteamericana. Mientras remontan las tranquilas aguas del Nilo van apareciendo pistas que indican que todos los pasajeros tenían un buen motivo para matar, aunque todos tienen una buena coartada. Haciendo gala de su particular talento, Hércules Poirot (Ustinov) un magistral investigador belga y también pasajero del barco, se propone descubrir al asesino.

Cuatro años después de la exitosa "Asesinato en el Orient Express", para muchos la mejor adaptación de una novela de Agatha Christie al cine, los estudios Paramount pretendieron aprovechar ese éxito adaptando otra novela de la famosa maestra del suspenso. La elegida fue "Muerte en el Nilo" una nueva aventura del investigador Hércules Poirot, personaje icónico y recurrente de la literatura de Christie.

Albert Finney, que ya había interpretado a Poirot en "Asesinato en el Orient Express", no aceptó la propuesta de volver a interpretar al mismo personaje lo que hizo que los productores tuvieran que buscar a otro intérprete. El elegido fue el británico Peter Ustinov, actor cuya imagen quedaría definitivamente asociada al personaje tras representarlo en numerosas adaptaciones posteriores. Aunque su efigie no coincidiera en lo físico demasiado con la descrita por Christie en sus obras, lo cierto es que la aceptación de Ustinov por parte del público fue tan buena que se convirtió rápidamente en uno de los mayores aciertos de la película.

En lo personal nunca fui demasiado seguidor de los libros de Christie.

Leí algunas de sus novelas en mi adolescencia a raíz de haber visto muchas de las películas basadas en su obra, pero en general nunca me ha parecido una autora tan genial como la pretenden posicionar sus más acérrimos seguidores. De todas formas tengo que admitir que hay cierto nivel de ingenio en la resolución de sus misterios que hace que se justifique la lectura de sus libros por más que algunos se hagan demasiado extensos al límite de lo pesado.

No estoy seguro de que tanta sea la fidelidad de "Muerte en el Nilo" con la novela en la que se basa -nunca la leí- pero no tengo duda alguna que es una de las mejores películas que he visto basada en sus libros.
Ustinov compone a un maravilloso Poirot, muy lejos de la perfomance de Finney en el 74 a la que siempre consideré algo densa y muy sobrevalorada. Me atrevo a afirmar que la labor protagónica de Ustinov es casi el 50% del valor del film, repartiéndose el resto entre el buen trabajo de dirección de John Guillermin y un puñado de actuaciones correctas.

Y hablando de las actuaciones; el cúmulo de estrellas y/o caras conocidas era algo ya habitual en las adaptaciones de obras de Christie, y aunque no todas están a la altura de su nombre -David Niven hace de sí mismo como casi siempre, Bette Davis repite el papel de vieja insoportable en el que reincidió demasiadas veces en los años finales de su carrera- en general sirvieron para darle un toque de mayor calidad aparente y vender mejor la película en su momento.

Por su parte, Guillermin como director hace una labor de ambientación bastante buena apoyado por el marco natural en el que filmó -el verdadero Egipto y su rio Nilo- y logra una atmósfera de misterio atractiva hasta su resolución, en una trama que sigue la mecánica de casi todas las obras de Agatha Christie; detallada descripción de los personajes, enigmático asesinato, investigación del mismo y revelación del asesino y sus motivaciones frente a todos los sobrevivientes del reparto.

"Muerte en el Nilo" es un film de misterio súmamente interesante y muy bien llevado. Para muchos -y me incluyo- es uno de los últimos grandes filmes de investigación detectivesca, que aunque le debe muchísimo al impecable trabajo protagónico de Ustinov igualmente posee valores propios que lo han mantenido en el tiempo como el gran clásico del género que es y seguirá siendo.

Puntaje: 7/10

"El Fantasma" (The Phantom, 1996) de Simon Wincer

2012-01-16T12:43:00.023-02:00

Xander Drax, un multimillonario que pretende dominar al mundo, envía una expedición a la selva de Bengala en busca de las míticas calaveras de Tugando posedoras de unos extraños poderes sobrnaturales. Sin embargo, esa jungla es el hogar de un legendario luchador de la justicia conocido como "El fantasma que camina" quien se interpondrá en los nefastos planes de Drax.

Creado por Lee Falk en 1936, "El Fantasma" ha sido uno de los héroes de historieta más populares durante varias décadas. Sus aventuras han sido publicadas una y otra vez en numerosas revistas y periódicos de todo el mundo hasta nuestros días.

Dada su popularidad era cuestión de tiempo hasta que alguien decidiese llevarlo a la pantalla, cosa que terminó sucediendo por primera vez en 1943 como un seriado cinematográfico y luego en 1961 como un film piloto titulado sencillamente "The Phantom" ideado para que funcionase como puntapié inicial para una serie televisiva. Lamentablemente, un presupuesto exiguo y un pésimo guión ayudaron bastante a que el proyecto fracasara y no pasara de ese primer y único episodio.

No es extraño que con la corriente noventera de traslaciones de héroes del comic al cine iniciada en 1989 por el "Batman" de Tim Burton, a algún estudio se le ocurriese volver intentarlo con el personaje de Falk. Y así ocurrió.

En 1996 los estudios Paramount lo llevan a la pantalla grande en una nueva versión dirigida por Simon Wincer y apoyada en un gran presupuesto.

El actor elegido para encarnarlo fue Billy Zane, un joven actor surgido del mundo del modelaje masculino. Contra todo pronóstico, la performance de Zane como el héroe enmascarado resultó ser todo un acierto, encajando perfectamente tanto en la personalidad como en las vestiduras del mismo.

Sin embargo, los motivos por los cuales "El Fantasma" de 1996 terminó por ser una de las mas grandes decepciones cinematográficas de aquel año no vinieron por el lado del protagónico de Zane, ni por las interpretaciones en general, ni siquiera por el trabajo de Wincer tras las cámaras.Donde el film falla rotundamente es en el planteamiento de la historia que nos propone el guión del desaparecido Jeffrey Boam -autor tambien del guión de las dos primeras "Arma Mortal" y de "Indiana Jones y la última cruzada"-. La aventura y los villanos que debe enfrentar el enmascarado lucen algo descafeinados y demasiado vistos. Por ahí aparece un correcto Treat Williams personificando al malvado de turno, con un plan de dominación mundial que incluye unas calaveras mágicas que juntas son capaces de generar una especie de rayo de la muerte. La búsqueda de las mismas en plena jungla lo llevará a entrar en el territorio de el Fantasma, quien tras descubrir sus planes intentará detenerlo.
Y eso es todo.

Aunque de a ratos evidencia que hubo bastante dinero apostado en ella -la fotografía es excelente, la reconstrucción de la década del 30 está bastante cuidada y los efectos digitales, aunque pocos, son en general prolijos- la película se deriva por los derroteros más trillados del género de aventuras. No hay muchas secuencias de acción y las que hay no son demasiado elaboradas y están muy espaciadas entre sí a lo largo del relato. Quizás la mejor sea una de las finales, en la que hacen su aparición los piratas de la Hermandad Sheng, eternos rivales del héroe en la historieta, pero que aquí son prácticamente relegados a ser villanos de segundo plano con muy poco peso en la historia.

Ni siquiera la aparición de una hermosa Catherine Zeta Jones, en uno de sus primeros papeles, flirteando románticamente con el héroe enmascarado ayudan a darle algo más de química al asunto. Zane es simpático y cae bien como el personaje, pero en el comic The Phantom estaba planteado como un ser misterioso y casi místico, experto conocedor de los secretos de la jungla. Pero en esta versión, el misticismo y el aura de misterio que el personaje debería irradiar brillan por su ausencia y es poco lo que el porte físico de Zane puede hacer para darle algo más sustancia al mismo.

"El Fantasma" es otra adaptación fallida de un héroe del comic al cine. Le faltaron más y mejores secuencias de acción y un desarrollo más elaborado del personaje que expandiera su aura de oscuro misterio. También hubiese ayudado un poco enfrentarlo a villanos más interesantes y no a unos tan rutinarios.
A pesar de su generoso presupuesto de 42 millones de dólares, perfectamente se podría decir que su calidad promedio no pasa de ser la de un telefilm dominguero potable.
No es una película tremendamente mala, pero tampoco una memorable.

Puntaje: 5/10

"Sucker Punch" (2010) de Zack Snyder

2011-10-03T02:04:00.015-02:00

Tras la muerte de su madre, Baby Doll (Emily Browning) y su pequeña hermana quedan bajo la tutela de su siniestro padrastro, que solo desea apoderarse de la herencia que su difunta esposa ha dejado a sus hijas. Para obtenerla, envía Baby a un hospital psiquiátrico con la intención de que sea lobotomizada por sus doctores y así dejarla incapacitada legalmente para recibir la herencia de su madre. Para defenderse y mantener la cordura en la crueldad de su encierro, Baby crea mundos de fantasía donde ella y sus compañeras de prisión son heroínas dotadas de espectaculares habilidades, las cuales usarán para obtener los elementos que necesitan para escapar.

Zack Snyder adquirió popularidad como director hace pocos años gracias al estreno de sus muy buenas adaptaciones a la pantalla grande de las novelas gráficas "300" y "Watchmen". En ambos films dejaba constancia de un estilo muy propio para filmar las secuencias de acción mediante el uso de ralentis y aceleraciones de movimiento repentinas además de una aplicación bastante artística de los efectos digitales en función de la historia.

Snyder deseaba desde hacía años tener la oportunidad de plasmar en imágenes una idea propia y alejarse así de las adaptaciones de obras escritas por otros. La oportunidad se le presentó tras el éxito de "Watchmen" que hizo que los estudios Warner aceptaran financiar el guión de "Sucker Punch", escrito por el propio Snyder. Uno podía suponer que al tener libertad total en el proyecto y por los notables antecedentes de sus obras anteriores, el producto resultante sería soberbio. Lamentablemente no fue así.

"Sucker Punch" es notoriamente hija de la mente creativa de Snyder en lo que se refiere a lo visual y a lo estético, pero salvando eso lo demás solo puede calificarse como decepcionante.
La historia que nos propone es una mezcla de estilos y géneros hilvanados por una trama que combina lo real con lo imaginario de una forma demasiado ruidosa, que abusa bastante tanto de la paciencia como de la credulidad del espectador.
Por lo general no tengo problemas para asimilar tramas fantásticas por más rebuscadas que las planteen, siempre y cuando la historia se mantenga dentro de un cuadro de coherencia interna capaz de sostener el interés. El tema es que el drama vivido por Baby Doll y sus esfuerzos por evadirlo imaginando mundos de fantasía repletos de soldados mutantes, dragones y robots asesinos, huele por todos lados a pura excusa para que Snyder demuestre -otra vez- lo que sabemos desde hace rato que mejor sabe hacer; filmar cine de acción.El principal problema radica en el hecho de que una vez que empiezan las explosiones, los tiros y el aluvión de efectos especiales todo el drama real inicial queda reducido a casi nada, resintiendo el interés de la película que pasa a ser un muestrario de chicas sexys peleando con atuendos propios de una fantasía masculina contra enemigos imposibles en mundos imaginarios, en secuencias de acción muy bonitas pero tremendamente rutinarias, con mucho ritmo pero sin mucha coherencia. Y casi todo sigue en ese tren hasta los cinco minutos finales, donde una vuelta de tuerca del guión intenta compensar de forma fallida todos los excesos anteriores del mismo.

Lamentablemente para Snyder, su creación personal demuestra que sus capacidades como guionista y creador de universos propios están muy por debajo de sus habilidades para plasmar en imágenes la acción.
El sabor de boca que deja "Sucker Punch" al terminar no es mejor que el que dejaría una partida a cualquier videojuego de acción aunque, en este caso, seguramente la sensación de insatisfacción por haber perdido el tiempo con algo tan vacuo no sea tan molesta.

Puntaje: 4/10

"Destino Final" (Final destination) 2000 de James Wong

2011-09-04T06:01:00.021-03:00

Alex Browning (Devon Sawa) es un estudiante de secundaria que a punto de volar hacia París con sus compañeros de clase, tiene una espantosa premonición. En ella, ve a su avión explotar a los pocos segundos de despegar. En su desesperación, logra bajar antes del despegue junto con un puñado de compañeros, solo para ser testigos de como la enorme aeronave estalla en pedazos unos segundos despues de elevarse. Sin embargo, el haber sobrevivido al desastre fue solo el comienzo de la pesadilla, ya que uno por uno los sobrevivientes empiezan a morir de formas extrañas. Sucede que la muerte no perdona y a venido a reclamar las vidas de quienes no murieron en el fatal accidente aéreo.

A mediados de la década de los 90, Glen Morgan, guionista habitual de la popular serie "Expedientes X", escribió un guión que originalmente iba a estar destinado a ser un capítulo regular de la misma. Por temas presupuestales el episodio jamás se filmó, pero Morgan continuó desarrollando la idea base del mismo con la pretensión de convertirlo en un largometraje. El resultado fue "Destino final", largo dirigido por su compañero y también colaborador de la serie James Wong.

A fines de la década de los 90, el cine de terror adolescente aún vivía una feliz resurrección gracias al éxito de films como "Scream" (1996) o "Sé lo que hicieron el verano pasado" (1998). Sin embargo, y al igual que ocurriese a fines de los 80, este subgénero empezó a sufrir la misma sobreexplotación de ideas; los jóvenes o adolescentes de siempre, perseguidos y masacrados por algún enmascarado de rutina con las mismas cualidades de omnipresencia e indestructibilidad de siempre.

En ese panorama "Destino final" marcó cierta diferencia con respecto a la mayoría de los slashers de su época, diferencia basada en la sustitución del asesino de turno por la presencia invisible de la mismísima Parca que mediante accidentes de toda clase, va recolectando las vidas de quienes antes lograron evadirla.El resultado es comparable a un cruce entre "La profecía" y "Martes 13" que en líneas generales funciona bastante bien durante casi todo su desarrollo, siendo para mi gusto excepcional la media hora inicial, plagada de detalles que le van augurando al protagonista la catástrofe que se avecina, que es realmente prodigiosa y de lo mejor que el cine de terror ha dado en la última década. Una vez que las muertes comienzan a producirse, todo se centra en intentar adivinar de que forma morirá el próximo personaje. Y aunque en este punto hay bastante de la rutina habitual del género, algunos segmentos están realmente logrados al punto de bordear lo antológico -toda la secuencia de hechos que llevan a la muerte de la maestra del protagonista en su propia casa es un buen ejemplo- por lo que el nivel del film se mantiene bastante en alto hasta el final.

"Destino final" es una de las mejores ideas que ha tenido Morgan como guionista en toda su carrera, si no la mejor. Curiosamente, a pesar de haber recaudado más del doble de su costo tras su estreno, no logró convertirse en un producto icónico dentro del género opacado por títulos mucho mas rutinarios como las secuelas de la saga "Scream" y similares. Aún así tuvo el suficiente éxito como para engendrar cuatro secuelas -la última de las cuales se está estrenando este año 2011- pero que apelan demasiado a la truculencia y poco a mejorar la idea base o, cuando menos, a agregarle algún condimento que la renueve aunque sea un poco.

Puntaje: 7/10

"El caníbal de Rotemburgo" (2006) de Martin Weisz

2011-08-29T01:25:00.016-03:00

Como reza el título en castellano, "El caníbal de Rotemburgo" se basa en una historia real acaecida en la ciudad de Rotemburgo, Alemania, a comienzos del año 2001, cuya crudeza e increíbles vericuetos de truculencia la convirtieron en una noticia de primera plana en diarios y noticieros de todo el mundo.
La historia de un tipo que avisa via web que desea terminar su vida siendo devorado por otro, cosa que termina sucediendo, es a priori una noticia que solo por su morbo cualquiera podría pensar que sería material atractivo desde el punto de vista fílmico.

Lamentablemente, el resultado es un producto absolutamente menor, un fallido estudio psicológico sobre la vida y destino de los dos involucrados en el aberrante crimen, que termina aburriendo por la lentitud de su desarrollo embutido en una sumatoria de flashbacks e imagenes pseudo-oníricas que por momentos confunden más de lo que despejan.

El papel de la psicóloga interpetada por Keri Russell, investigando las vidas del asesino y de su víctima en busca de los posibles motivos que los llevó a su bizarro destino, no logra funcionar como el nexo entre el espectador con los hechos reales, ni con las situaciones que tanto el director como el guionista pergeñaron para rellenar los huecos donde las dudas sobre el macabro caso imperan.
Cuesta entender el motivo por el cual el estreno de "El caníbal de Rotemburgo" estuvo prohibido en Alemania y otros países europeos. La truculencia sugerida recién aparece en los 10 minutos finales del relato, pero es muy tibia y no llega a resultar ni tan impactante como el hecho real debió ser ni tampoco logran salvar al film del más profundo de los aburrimientos.
En definitiva, una idea con enorme potencial para ser llevada al cine con verdadero nivel de impacto pero totalmente arruinada por un desarrollo cansino y un climax final que no funciona como debería.

Puntaje: 2/10

"SCREAM 4" (2011) de Wes Craven

2011-08-25T18:54:00.030-03:00

La primera entrega de la saga "Scream" estrenada en 1996, revitalizó el subgénero del terror slasher que muchos creían ya fallecido a fines de los años 80. Fue también el resurgir de Wes Craven como director, que no había tenido un éxito de tal magnitud desde "Pesadilla: En lo profundo de la noche" en 1984.

Las secuelas de 1998 y 2001 respectivamente, repitieron los mismos mecanismos de la primera entrega así como los personajes principales y aunque no tuvieron el mismo nivel de impacto de la primera, al menos resultaron bastante dignas. Lo cierto es que para "Scream 3" la idea base ya se notaba algo desgastada por lo que antes de hacerla sucumbir en forma definitiva con media docena de secuelas más, Craven decidió meterla en el refrigerador y esperar un tiempo prudencial para hacerla volver. Ese tiempo duró algo más de una década, hasta que en este año 2011 la cuarta entrega de la saga dirigida por Craven y escrita por Kevin Williamson -autor del guión de las anteriores- llegó a nuestras pantallas.
En lo personal siempre me consideré un buen seguidor de la trilogía "Scream" por lo que el saber de una cuarta entrega en preparación me generó ciertas expectativas. La cuestión es que, aunque reconozco que hay ciertos chispazos de ingenio propios de las primeras entregas en esta nueva secuela, no es menos cierto que no cumple con todo lo que desde su publicidad previa se prometía.

Para empezar; no hay realmente "nuevas reglas", al no ser que se consideren reglas nuevas el reemplazo de los llamados telefónicos del asesino por mensajes a celulares o posteados en redes sociales o que el asesino enmascarado filme sus asesinatos con la idea de publicarlos en la web, cosa que como motivación para cometer asesinatos me parece de las más pobres de toda la saga. O sea, que dejando de lado el tema de las innovaciones tecnológicas, el guión de "Scream 4" no proporciona algo realmente diferente a lo que ya conocemos.

Volvemos a ver a los protagonistas de siempre -una Neve Campbell ahora adulta y más linda que nunca, una Courtney Cox atractiva pero demasiado colagenada y un David Arquette convertido en comisario y mucho más serio que de costumbre- perseguidos por el Ghostface de siempre en las locaciones de Woodsboro de siempre.
También está el humor autorreferencial al cine de terror del que siempre se ha caracterizado la saga, muy típicos de los guiones de Williamson, al igual que algunos juegos de cine-dentro-del-cine que sirven para despistar al espectador por un rato.

Pero aún con todo "Scream 4" es rutina típica de saga de terror, con casi nulas innovaciones para los seguidores de la serie en lo que respecta a su desarrollo. Una rutina muy bien llevada y totalmente acorde con los parámetros planteados por las entregas anteriores sin dudas, pero que está muy lejos de establecer "reglas nuevas" como promete el póster de la película.

Es un producto que si se es un fan acérrimo de la saga y si no se exige algo realmente novedoso, seguramente no decepcionará. A mí en lo personal me gustó y se me hizo bastante llevadera, lo que no significa que no hubiese preferido alguna variante argumental más jugada y no un climax que, salvando la secuencia de los cinco minutos finales en el hospital, es casi un clónico de los films anteriores.
A pesar de todo y frente a una cartelera anémica de títulos de género potables, "Scream 4" me parece una opción recomendable que merece ser vista sea uno seguidor o no de la serie.

Puntaje: 6/10

"Star 80" (1983) de Bob Fosse

2011-05-28T06:17:00.008-03:00

"Star 80" fue el film despedida del talentoso Bob Fosse, quien dirigiera la mítica "All That Jazz" años antes. La crítica en su momento no trató nada bien su película, teniendole más consideración y respeto por ser el adiós de un talento reconocido que por sus valores cinematográficos en sí.

Sin embargo, el tiempo la ha revalorizado y aunque es probable que si mencionan el nombre de la película a alguien no muy ducho en el tema o el de la mujer en cuya vida se basa -la bella Dorothy Stratten- posiblemente se les quede mirando sin saber de qué rayos le hablan, "Star 80" en un film muy bien llevado y entretenido, más allá de que se conozcan o no los pormenores de la trágica historia real que nos cuenta.

Stratten -interpretada por una Mariel Hemingway prometedora en aquellos días- fue una chica Playboy que tuvo una relativa fama en los EE.UU. de comienzos de los años 80, fama que comenzó con fotos en la mítica revista para hombres pero que luego se extendió a la televisión gracias a apariciones estelares en series populares de la época como "La isla de la Fantasia" o "Buck Rogers" y en algunos productos cinematográficos absolutamente menores como "Galaxina" (1980) que solo pretendían explotar la belleza de su fisonomía. Su carrera al estrellato duró poco: su novio, desequilibrado y victima de unos celos enfermizos -interpretado en el film de forma impresionante por un jovensísimo Eric Roberts que sería nominado al Globo de Oro por su trabajo- acabaría con aquel sueño de fama y fortuna de una forma trágica.

Saber el final de la historia no le quita absolutamente nada al film de Fosse -de hecho, es algo que prácticamente se sabe al poco rato comenzar- ya que la verdadera fuerza del relato está en sus interpretaciones -especialmente y con diferencia en la de Roberts- y en el trabajo de cámara y fotografía de su director.
Dudo que "Star 80" alcance el aura mítica de "All that Jazz" o "Cabaret", los dos films más recordados de la carrera de Fosse, pero sin dudas que fue una despedida más que digna para un grande del cine.

Puntaje: 6/10

"El color de la noche" (Color of night, 1994) de Richard Rush

2011-05-25T22:09:00.014-03:00

Bill Capa (Bruce Willis) es un afamado psiquiatra que cae en una gran depresión tras presenciar el suicidio de uno de sus pacientes en su propio consultorio. Para intentar recuperarse, acepta la invitación de un viejo colega suyo a su casa en Los Ángeles. Una vez allí, su colega le confiesa que sospecha que uno de sus pacientes está intentando asesinarlo, cosa que finalmente sucede. Bill comenzará a tratar a cada uno de los pacientes de su amigo intentando averiguar quien es el asesino y, al mismo tiempo, iniciará una intensa relación con Rose (Jane March) una misteriosa mujer que parece saber mucho más de lo que aparenta.

Si hay un buen motivo por el cual recordar a un film como "El color de la noche" es por el engañoso modo con el cual intentó ofrecerse al público previo a su estreno allá por el lejano año de 1994. Vendido desde su publicidad como un thriller erótico de alto voltaje en la línea de "Bajos instintos"(1992) lo cierto es que lo único que tenía de similar al film de Verhoeven eran sus aspiraciones de calidad, a las cuales jamás llega siquiera a asomarse.

La promesa de ver a un Bruce Willis en cueros íntimos, incluido un desnudo frontal, manteniendo fogosos escarceos sexuales con Jane March, generó unas expectativas que el desarrollo del film en ningún momento colma.

Un guión con más agujeros que un queso Gruyere -los intentos de asesinato a Capa no tienen demasiado sentido y algunos, como el del estacionamiento, resultan exageradamente aparatosos-, una trama tramposa que casi nunca llega a sorprender -sobre todo el final, que si se es medianamente atento se adivina media hora antes- y todo un elenco de talentos totalmente desperdiciados -desde Leslie Ann Warren a Lance Henrikesen- conspiran bastante para que el proyecto, a pesar de tener unos prometedores minutos iniciales, se vaya desbarrancando durante sus larguísimas dos horas y pico de duración hasta su final.

Es probable que Bruce Willis pretendiera con este protagónico apartarse un poco de los habituales papeles de policía heroico en los cuales estaba encasillado desde la exitosa "Duro de matar" (1988). Evidentemente no lo logró -menos de un año después estaría protagonizando la tercera entrega de "Die Hard" y media docena de películas similares- pero como ya contaba con una aceptación pública bastante fuerte, tampoco representó un fallo demasiado grande en su carrera.
Todo lo contrario le ocurrió a su contraparte femenina, la británica Jane March, una joven actriz en alza en su momento gracias a su papel de lolita fatal en "El amante" (1992) de Jean-Jacques Annaud, y cuya participación en este film la terminaría relegando casi exclusivamente a papeles muy similares en los años siguientes.

"El color de la noche" es un producto que promete en lo previo mucho más de lo que termina dando y con el que no es demasiado difícil sentirse aburrido y hasta decepcionado a la mitad del mismo. Su nivel de erotismo es pobre -las escenas de sexo entre Willis y March son más sugeridas que sugerentes y salvando secuencias como la de la piscina, ninguna vale realmente la pena- y el desarrollo de su trama de misterio deja bastante que desear.

Puntaje: 4/10

Rincón de videoclub: "Rabia" (Rabid, 1977) de David Cronenberg

2011-05-19T04:06:00.037-03:00

A mediados de la década de 1980, el nombre de David Cronenberg como director especializado en el género terror comenzó a ser bastante popular gracias al éxito de "La mosca" (The fly, 1986) remake del clásico del mismo nombre de los años 50.
Pero lo cierto era que para ese entonces Cronenberg ya tenía una vasta filmografía de género que se remontaba a mediados de los años 70. "La mosca" fue su trabajo de mayor presupuesto hasta ese entonces y su éxito en cines hizo que muchas editoras aprovecharan el buen tirón comercial del mismo redescubriendo algunos de sus primeros trabajos y lanzándolos al mercado del video hogareño. Uno de ellos fue "Rabia", producción de terror de bajo presupuesto filmada por Cronenberg en su Canadá natal en 1977.

En "Rabid" la desaparecida Marilyn Chambers -por aquel entonces una famosa actriz porno que entraba en el mundo del cine comercial con este título- interpretaba a la blonda Rose, una joven que tras sufrir junto con su novio (Frank Moore) un accidente de carretera es sometida a un nuevo tratamiento experimental que incluye el transplante de piel humana. Todo parece ir bien al comienzo, hasta que por algún motivo, dicho tratamiento comienza generar en ella una incontrolable sed de sangre que la obliga a utilizar una especie de punzón orgánico debajo de su axila con el que aguijonea a sus víctimas, absorbiendo su sangre y transformándolas en criaturas asesinas capaces de transmitir el mal a otros con solo una mordida.

Cualquiera percibe que hay bastante de "La noche de los muertos vivientes" (1968) el clásico de terror zombie de George Romero en todo el asunto, una carga que Cronenberg parece que no estaba demasiado interesado en disimular en ningún momento más allá que el contenido sexual de algunos pasajes de su propuesta -la idea de que una mujer "penetre" a los hombres que pretenden intimar con ella convirtiéndose a sí misma en una especie de mal de transmisión sexual- intenta plantar cierta diferencia.

El problema es que si obviamos su componente sexual, "Rabia" no tiene mucho mayor interés que cualquier otra película de zombis o muertos vivientes que se hayan hecho antes o después. Muchos de sus problemas parten de su guión, que intenta abarcar demasiadas cosas en muy poco tiempo disparándose en cantidad de direcciones y proponiendo cantidad de ideas la mayoría de las cuales no siempre llegan a cuajar. Por ejemplo; en ningún momento queda claro por qué motivo un tratamiento que era básicamente estético produce esa sed de sangre, ni como fue capaz de generar ese aguijón debajo de la axila de la protagonista o si el mismo tiene algún tipo de control sobre su mente. Además, la sensación apocalíptica que debería generar la idea de un contagio masivo capaz de obligar a las autoridades a sitiar completamente una ciudad está muy mal desarrollada y deja la sensación de que todo se reduce a unas pocas situaciones de contagio aisladas.

Supongo que el exiguo presupuesto con el que contó Cronenberg debió tener mucho que ver con todas sus carencias, pero eso no lo exime de no haber pulido mejor muchas de sus ideas, empezando por no querer abarcar tanto en tan poco tiempo -toda el tema de contagio masivo perfectamente pudo haber sido sustituido por un relato sobre la destrucción de la vida de la protagonista tras haber adquirido el mal, por ejemplo-. Además, si la falta de medios fuera una excusa válida, no se explicaría como George Romero una década antes y con muchos menos recursos logró realizar un film similar pero mucho mas convincente.

El otro punto flaco es la elección de los protagónicos. Curiosamente, la primera opción para interpretar a Rose fue Sissy Spacek, actriz en esa época famosa gracias al éxito de otro film de terror; la adaptación de la novela de Stephen King "Carrie", dirigida por Brian De Palma. Sin embargo, los productores no estaban de acuerdo en contratar a una estadounidense para ese papel -supuestamente su "acento" netamente texano no haría creíble a su personaje- por lo que la elección final recayó en Chambers . Chambers era una mujer sensual por naturaleza propia y no hay dudas que desde ese aspecto era la elección ideal para el papel. Pero fuera de los momentos en los que debe seducir a sus víctimas para saciar su sed de sangre, su actuación desde lo dramático resulta realmente floja y nunca convence. Lo mismo se puede decir de su novio, interpretado de muy mala gana por Frank Moore, que parece en todo momento ajeno y poco interesado en todo lo que le sucede a su pareja hasta el momento del desenlace.

"Rabia" es un film muy irregular, al que hay que perdonarle demasiadas cosas para no dejarlo a la mitad de su visionado. Puede tener valor para aquellos interesados en conocer los primeros trabajos de su director dentro del género que le dio fama, pero es un producto intrascedente y completamente defasado aún para su época.

Puntaje: 4/10

"127 horas" (127 hours, 2010) de Danny Boyle

2011-05-05T03:11:00.010-03:00

Aron Raslton, un joven apasionado por el montañismo y las excursiones solitarias a lugares recónditos, decide investigar los desolados parajes del desierto de Utah. Todo va bien hasta que en un mal movimiento cae en una zanja rocosa junto con una enorme roca que termina aprisionando su brazo derecho y que lo mantiene atrapado en ese lugar. Sin posibilidad de liberarse, Aron intenta sobrevivir a la espera de que alguien lo encuentre. Pero los días pasan, su agua y sus alimentos se acaban y ante la desesperación su mente comienza a jugarle trampas que lo irán llevando lentamente al borde de la locura.

Danny Boyle es un director que ha demostrando no tener problemas incursionando en géneros tan diferentes entre sí como el terror con la impactante "Exterminio " (28 days, 2003), con la ciencia ficción en la inmerecidamente denostada "Alerta solar" (Sunshine, 2007) o con el drama en la sobrevalorada "¿Quien quiere ser millonario?" (Slumdog millionaire, 2009).

No quiero decir que la variedad temática de su cine por sí sola convierta a Boyle en algo fuera de lo común, pero si uno ve todo -o al menos la mayoría- de lo que ha hecho, es fácil notar que es un artesano personalísimo en su forma de plantear historias. Y si "127 horas" es un producto que sobresale en comparación con otros dramas de supervivencia es en buena medida por el talento narrativo de Boyle tras la cámara. Solo así es concebible que un film donde James Franco -de muy buena faena- está solo durante casi el 90% de su metraje, sea llevadero y mantenga al público atento a lo que sucede más allá de que bastante de la historia -extraída del libro autobiográfico del propio Ralston, "Between a Rock and a Hard Place"- incluido su final, se sepa a priori.

Hay quienes acusan a la filmografía de Boyle de ser excesivamente videoclipera en su puesta en escena recayendo en una poesía visual -para muchos fallida- basada en el bombardeo de imágenes. Bueno, a quienes piensen eso del trabajo de Boyle y les moleste por ello les recomiendo no ver "127 horas", porque se encontrarán con ese mismo estilo por el que el director británico hace años ha apostado a la hora de narrar historias.

A mi modo de ver, en el caso de "127 horas" esa aplicación de estilo funciona de maravilla por el hecho de que todo el peso de su desarrollo recae en los hombros de un solo actor interpretando un personaje en una situación límite, que totalmente aislado y en la más completa soledad busca mantener desesperadamente la cordura recurriendo a sus recuerdos más íntimos y a su profunda imaginación en aras de sostener la esperanza.
Este tour de force de supervivencia tendrá su clímax de salida en la secuencia más comentada de la película debido a su truculencia -que a mi modo de ver tampoco es tanta- pero que la mala prensa ha hecho sopesar más a la hora de vender el film que el interés intrínseco por su trama.

Sin intenciones de caer en el tema estéril sobre los merecimientos o no a los premios a los cuales estuvo nominada, creo que el trabajo de Boyle es estupendo, mucho mejor que el de la sobrevalorada "Slumdog millonaire" film que sin ser malo, lo considero de lo más flojito de su carrera.

"127 horas" no es un film perfecto y posiblemente sea de los trabajos menos ambiciosos de su director. Aún así lo que narra está bien contado, su fotografía y su música son excelentes, y aunque de a ratos pueda divagarse un poco intentando trasladar la sensación de aislamiento de su protagonista al espectador de una forma que por momentos puede resultar pretensiosa, estamos ante un producto muy valorable y bien llevado por lo que me parece netamente recomendable.

Puntaje: 7/10

"Stargate: Puerta a las estrellas" (1994) de Roland Emmerich

2011-04-16T02:09:00.032-03:00

El arqueólogo Samuel Jackson (James Spader) es reclutado por el ejército estadounidense para descifrar unos misteriosos símbolos inscriptos en un extraño artefacto de miles de años de antigüedad. Al descifrarlos activa el artefacto, que resulta ser un portal diseñado por extraterrestres que permite el viaje instantáneo a lugares distantes del universo. Para investigar su procedencia, Jackson se une a un grupo de comandos liderados por el coronel Jack O´Neil (Kurt Russell) y juntos son enviados a un planeta distante fuera de nuestra galaxia, un mundo regido por un cruel ser alienigena y su séquito de guerreros que mantienen esclava a su población.

"Stargate" fue el segundo film del alemán Roland Emmerich en Hollywood tras la exitosa "Soldado universal" (1992). Originalmente pensada para ser la primera entrega de una nueva saga de ciencia ficción -una tendencia que cobraría fuerza particularmente en este género en los años siguientes- "Stargate" fue la confirmación de Emmerich como un nuevo valor dentro del cine fantástico, algo de lo que ya había dado señas en su país de origen con títulos como "Joey" (1988) o "Moon 44" (1991). Aunque tanto Emmerich como su habitual socio, el productor Dean Devlin, abandonaron el proyecto original de crear una trilogía, la buena aceptación por parte del público del film hizo que la idea base sirviera para la realización de una serie de televisión unos años más tarde.
La historia de "Stargate" en sí misma no pasa de ser una aventura típica de matineé que combina elementos de varias fuentes; las teorías de Von Daniken sobre la visita de alienigenas al antiguo Egipto con algo de aventuras en la onda de producciones como "Las minas del rey Salomón" o similares. El producto resultante es digno y funciona bien durante la mayor parte de su metraje, lo que no significa que algunas cosas pudieron y debieron mejorarse. Para empezar, la desacertada elección de casting que representa Jaye Davidson interpretando al villano extraterrestre de la historia. Davidson había tenido cierta repercusión mediática en su momento al interpretar el papel de la travesti Sil en la muy valorable "El juego de las lágrimas" (1992). Aunque cabe suponer que esa repercusión fue la motivante para que Emmerich lo eligiera para ese papel, lo cierto es que uno al verlo no puede dejar de pensar que había mucho mejores opciones para interpretarlo. Davidson jamás está a la altura de la amenaza que su papel debería representar. Sencillamente luce demasiado amanerado, falto de fuerza y poco creíble. Tampoco la forma e ideas de la historia son algo brillante o novedoso, mucho menos para el aficionado promedio a la ciencia ficción. Emmerich nunca ha sido un director demasiado interesado en realizar cine innovador más allá de las cuestiones meramente técnicas, sino que más bien se ha especializado en modernizar ideas antiguas reciclándolas, como hizo con las invasiones espaciales de los años 50 en "Dia de la Independencia" (1996) o con el cine catástrofe de los años 70 en "El día después de mañana" y "2012". Se puede decir que "Stargate" es su forma de actualizar el tema de los viajes espaciales y los encuentros con culturas galácticas, algo así como su Star Trek particular por decirlo de alguna manera.

Aún así deja la sensación de que toda la historia daba para mucho más, que las secuencias de acción debieron ser más numerosas y más trabajadas, que los enemigos a enfrentar -un puñado de tipos disfrazados de deides egipcias armados con pistolas de rayos- debieron tener mayor porte como tales y que, de paso, se pudo haber disminuido un poco el tufillo patriotero de algunos segmentos -cosas como la admiración de los niños alienigenas hacia el soldado interpretado por Russell y a toda la parafernalia militar, incluida una veña en el final, por ejemplo-.

Como puntos fuertes hay que mencionar la buena factura de sus efectos especiales, algo que no resulta nada raro viniendo de un producto de Roland Emmerich, y la excelente partitura compuesta por David Arnold que le da mucho mayor contundencia a la historia de la que realmente tiene.

"Stargate" no es un film aburrido pero si rutinario. Su buena factura técnica general y algunos pasajes puntuales, en especial toda la parte inicial dedicada al descubrimiento de la puerta así como las secuencias de acción finales, la convierten en un entretenimiento cuando menos llevadero. La serie televisiva a la que daría origen en 1997 (Stargate: SG1) tomaría muchas de las ideas originalmente pensadas para las secuelas cinematográficas y mejoraría exponencialmente la idea madre del film de Emmerich convirtiéndose en un producto notoriamente superior.

Puntaje: 6/10

Falleció Elizabeth Taylor, icono de una era del cine.

2011-03-24T13:05:00.023-03:00

El pasado día 23 de marzo nos dejó Liz Taylor, una de las mujeres más bellas de la historia del cine mundial. Nacida en Londres en 1932, viajó apenas iniciada la Segunda Guerra Mundial a los Estados Unidos junto con sus padres, lugar donde desde muy joven quedaron claras sus aptitudes para la actuación. El idilio de sus ojos violáceos con las cámaras no se hizo esperar convirtiéndose en una niña prodigio del cine en muy corto tiempo. De protagonizar junto a la perra Lassie un par de sus aventuras ("La cadena invisible" y "El coraje de Lassie" de 1944 y 1946 respectivamente) junto a algunos títulos menores como la adaptación de "Mujercitas" de 1949, saltó a papeles de mucha mayor exigencia y compromiso, esfuerzo que la llevaron a obtener sendos premios Oscar por sus interpretaciones en los dramas "Una mujer marcada" (1960) y muy especialmente por "¿Quien le teme a Virginia Wolf?" (1966) considerado el mejor trabajo de su carrera. Inolvidable también fue su protagónico en la malograda "Cleopatra" (1963), film que resultó un desastre financiero para los estudios Fox y que hoy es más recordado por la esplendorosa belleza de Taylor en su interpretación de la reina del Nilo que por la majestuosidad de su multimillonaria reconstrucción de época. En este film compartió cartel con el no menos legendario Richard Burton, actor británico del que se enamoraría durante su rodaje y con quien iniciaría uno de los mas largos y tórridos romances de la historia del cine que terminaría en dos frustrados matrimonios.

Para fines de la década de 1960 su fama artística sería eclipsada por las noticias referidas a su vida personal, plagada de tormentosos romances y separaciones así como de rumores -luego confirmados por ella misma- de abuso de alcohol y calmantes que comenzaron a minar seriamente su salud. Aunque sus papeles en la pantalla grande fueron escasos en sus últimas décadas de vida, tuvo algunas participaciones importantes en numerosos productos televisivos de las décadas de los 80 y 90. Sin embargo desde mediados de la década pasada su salud se volvió extremadamente frágil debiendo ser asistida numerosas veces en hospitales, al punto de pasar sus últimos cinco años de vida en una silla de ruedas.

Falleció a lo 79 años, rodeada de sus amigos y familia en el hospital Cedar Sinaí de Beverly Hills, donde permanecía internada desde febrero pasado debido a problemas cardíacos severos. Con su partida, muere también un icono representativo de una generación de actores que convirtió a Hollywood en la gran fábrica de sueños que aún es.

"La casa muda" (2010) de Gustavo Hernández

2011-03-13T20:29:00.029-03:00

"La casa muda" está inspirada -no basada- en un hecho de sangre real ocurrido en 1944 en el departamento de Tacuarembó, Uruguay. Según las crónicas policiales de la época, dos cuerpos mutilados fueron encontrados en una vieja casa de campo junto con un puñado de fotografías bastante perturbadoras. El misterio de todo lo concerniente al caso y la falta de resolución del mismo sirvieron de punto de partida para el guión de la película.

Una joven y su padre llegan a una casa en medio de la campiña con la finalidad de reconstruirla y hacerla más habitable para su dueño. Deciden entonces quedarse a pasar la noche para empezar los trabajos al otro día. Sin embargo, el sueño de la chica se ve perturbado por unos extraños sonidos que le hacen sospechar que no están solos en ese lugar.

"La casa muda" es una rareza dentro la filmografía uruguaya por varios motivos. El primero, y quizás el principal, es el género al cual pertenece. El terror no ha sido demasiado transitado por el cine nacional, salvando quizás algunas producciones del ya mítico Ricardo Islas de fines de los años 80 y comienzos de los 90 hechas con mas talento que medios y con una repercusión mediática prácticamente nula. El otro motivo que hace de "La casa muda" algo excepcional es la forma en la que fue filmada; un largo plano secuencia de casi 80 minutos realizado con una cámara fotográfica digital -una Canon 5D para ser más exactos-. Ciertamente no hay muchas películas en el mundo que se hayan realizado con este método -la única que me viene a la mente en este momento es la aburrida "El arca rusa" (2003)- y menos aún de género terrorífico, por lo que es lógico que buena parte de su promoción en el exterior se base en ese aspecto exclusivamente técnico.

El problema del film de Gustavo Hernández es que si obviamos los detalles ya mencionados, "La casa muda" no tiene mucho más que ofrecer de nuevo . La historia y la forma de ser contada resultan, en la mayoría de sus aspectos, bastante rutinarias. Tenemos aquí una casa en medio del bosque con una historia misteriosa de fondo y un personaje central al que la cámara acompaña en todo momento, que recorre el inmueble de arriba a abajo en un sin fin de idas y venidas durante casi toda la película intentando escapar de un asesino cuya identidad nos es ocultada hasta el final. Pero ese final reserva una vuelta de tuerca demasiado tramposa al punto tal que, lejos de sorprender, luce bastante traída de los pelos y no cierra demasiado bien con todo lo planteado hasta ese momento. En el ínterin, hay algunos sustos más resultones que efectivos, casi todos basados en golpes de sonido, pero que resultan demasiado breves y espaciados entre sí para la cantidad de tiempos muertos que hay que soportar entre ellos.

Como dije hace ya unos cuantos meses al saber de la producción de esta película, siempre es grato que el cine uruguayo apueste por temáticas que evadan los temas políticos, sociales o costumbristas a los cuales ha estado atado en los últimos veinte años por otras de pura evasión o fantasía. "La casa muda" intenta llenar a su modo ese espacio vacío en nuestra incipiente filmografía pero apostando a venderse más por sus aspectos técnicos que por su capacidad de sobresalto, una capacidad que está terriblemente limitada por la precariedad de su historia. Como experimento fílmico es indudable que tiene su valor y ojalá sea el punto de partida para producciones de género mejores. Pero su predecibilidad y falta de ritmo la hacen poco recomendable para la mayoría de los aficionados al terror, que verán en su argumento algo demasiado visto y hasta aburrido.

Puntaje: 5/10

"Desconocido" (Unknow, 2010) de Jaume Collet-Serra

2011-03-06T14:50:00.020-02:00

Martin Harris (Liam Neeson) es un afamado científico que llega junto a su esposa a Berlín para asistir a una importante conferencia de ciencias. Pero tras una accidente automovilístico, Harris queda en coma durante varios días. Al despertar, descubre que todo lo que recuerda de su vida parece ser falso; ni su esposa ni sus colegas lo reconocen y otro hombre ha ocupado su lugar. Harris empieza a investigar sobre su pasado, convencido de que todo lo que le sucede es parte de una conspiración contra él a pesar de no tener ninguna prueba de ello y del riesgo de que caer en la más profunda locura.

Liam Neeson vuelve a interpretar a un hombre desesperado en busca de la verdad, como ya lo hiciera hace unos años en la muy entretenida "Búsqueda implacable" (Taken). Evidentemente, su gran rendimiento como héroe de acción en aquel film lo convirtió en la opción más lógica para protagonizar "Desconocido" la última película dirigida por el español Jaume Collet-Serra ("La huérfana", 2007)

La mención de "Búsqueda implacable" resulta inevitable ya que además del mismo actor en el protagónico ambas comparten tramas similares desarrolladas en territorio europeo. La principal diferencia es el elemento de thriller sicológico que Serra combina hábilmente con la acción más desenfrenada en la que no faltan persecusiones automovilísticas, peleas a puño limpio y algún que otro tiroteo.
La otra diferencia, aunque menor, es el personaje que encarna Neeson, que en este caso es menos violento y expeditivo que el ex-agente de la CIA que interpretaba en "Taken".

Aunque no haya nada demasiado original en la historia la misma se desarrolla dinámicamente, manteniendo el interés del espectador casi hasta el final mismo, interés que solo se quiebra un poco cuando el guión mete un giro inesperado muy en el tono de las novelas cienciaficcionescas de Phillip K. Dick -aunque sin vueltas existencialistas- que explica medianamente bien el misterio propuesto aunque sin lograr atar por completo todos los cabos sueltos. Aún así la conclusión tiene su impacto, es aceptable y agradará a la mayoría de los espectadores aficionados a este tipo de tramas.

En el terreno de las actuaciones, la rudeza e impronta de Neeson como protagonista destaca con creces sobre el resto de un reparto integrado en buena medida por actores alemanes conocidos, entre ellos Bruno Ganz, inolvidable por su interpretación de un decadente Adolf Hitler en la excelente "La caída" (2006) y la rubia Diane Kruger, ya completamente amoldada a la idea de ser una hermosa secundaria.

"Desconocido" es un film que no innova mucho con respecto a otros thrillers de acción similares. A mi modo de ver y a pesar de sus muchos puntos en común, no es mejor que "Búsqueda implacable". Con todo, su ejecución está lo suficientemente lograda como para destacar por encima de otros productos del género recientes, convirtiéndose en uno de los mejores estrenos de su tipo en lo que va del año.

Puntaje: 6/10

Piraña 3D (Piranha 3D, 2010) de Alexandre Aja

2011-02-18T02:26:00.024-02:00

Una serie de temblores en el fondo de un lago de Arizona, ha liberado unos monstruosos peces prehistóricos capaces de devorar a un ser humano en cuestión de segundos. Pronto ese lago será visitado por unos 50.000 jóvenes ansiosos por divertirse en sus vacaciones de primavera. Solo un grupo de extraños está al tanto de la mortal amenaza y deberán unir sus fuerzas para sobrevivir a estas criaturas y detenerlas.

La versión original de "Piraña" dirigida por Joe Dante en 1978, fue un efectivo vehículo de terror en su época que explotaba a su manera el filón de los miedos submarinos descubierto por Steven Spielberg unos años antes en su mítica “Tiburón”.

El director francés Alexandre Aja, un consumado especialista en el cine de terror y admirador del film original de Dante, tenía desde hace años la idea de rehacerlo a su modo , o lo que es lo mismo, con la truculencia habitual de su forma de hacer cine de género. Aja entró de buena manera al mercado hollywoodense en el año 2006 gracias a su interesante reversionado de "El despertar del diablo" (The hills have eyes) un clásico del terror que dirigiera Wes Craven en 1977 y con la no tan interesante pero si aceptable "Espejos siniestros" (Mirrors, 2009).

Aunque no siempre un buen pie de entrada augura un buen futuro dentro del competitivo mercado del cine de terror norteamericano, lo cierto es que esta nueva remake de Aja supera con creces no solo a sus trabajos anteriores, sino también al promedio de remakes del género que han pululado en los últimos años.

La versión de 1978, si bien era potable para su momento, adolecía de severos problemas de ritmo así como de una evidente pobreza en el acabado de sus efectos visuales producto del acotado presupuesto con el que Dante contaba en su momento. Era, por tanto, un producto mejorable en muchos sentidos.

Los cambios argumentales con respecto al original están relacionados sobre todo al origen de los bichos asesinos -antes productos de un experimento militar fallido, ahora prehistóricos- y a cierto tono paródico inexistente en la versión del 78, cambios que no afectan demasiado el desarrollo de una trama que en sus primeros cuarenta minutos son solo rutina de presentación típica de este tipo de películas, con un par de muertes repartidas por ahí para ir generando clima y a modo de preámbulo de lo que vendrá. Pasado ese tiempo Aja se despacha de lo lindo con secuencias de su más pura faena, en un festín de terror que tiene de todo; humor negro, desnudos femeninos varios-algunos a cuento, otros no tanto-, muertes de exagerada truculencia y sangre, muchísima sangre. El resultado es un producto de terror sumamente entretenido y muy bien filmado, no apto para estómagos débiles, que desde la mitad hasta su climax final no quita el pie del acelerador en ningún momento.
Sorprende ver en el protagónico a la blonda Elisabeth Shue, nominada a un Oscar a mediados de la década de 1990 y desde hace tiempo metida de lleno en el mundo de producciones de clase B como esta. Cabe mencionar también algún que otro homenaje metido por ahí, como el cameo de Richard Dreyfuss rememorando su papel de Boyd en "Tiburón" y un Christopher Lloyd -algo maltratado por los años pero igual de eficiente- en otro papel de científico investigador, aunque menos frenético que el que le vimos en la inolvidable trilogía de "Volver al futuro".

En cuanto al tema del 3D, solo puedo decir que no tiene mayor incidencia en la calidad de lo que se muestra. Las escenas pensadas para explotar esta tecnología son mas bien pocas y el efecto no está del todo bien conseguido, por lo que me inclino a pensar -una vez más- que sigue utilizándose como un reclamo extra para vender mejor la película. Al menos en este caso el nivel del producto lo hace por si solo potable, sin necesidad de efectos tridimensionales.

En resumidas cuentas, "Piraña 3D" logra todo lo que se propone; mejora con creces al original y funciona de maravilla como un entretenimiento de terror pasajero y sin complicaciones, convirtiéndose es una de las pocas remakes de los últimos tiempos a la que no se le puede acusar de innecesaria.

Puntaje: 6/10

"La reunión del Diablo" (Devil, 2010) de John Erick Dowdle

2011-01-21T02:29:00.034-02:00

En un moderno rascacielos de la ciudad de Filadelfia cinco desconocidos quedan atrapados en uno de sus ascensores. Sin explicación alguna, uno por uno van siendo asesinados. En el exterior, un detective de la policía que investiga un misterioso suicidio cercano al edificio, monitoriza por medio de una cámara de video todo lo que sucede en el elevador tratando de encontrar una explicación racional a lo que está pasando. Pronto descubrirá que una siniestra fuerza sobrenatural está involucrada en todas esas muertes ya que una de esas cinco personas es el mismísimo Satanás.
El nombre de M. Night Shyamalan como autor intelectual de este film de ribetes terroríficos podría ser uno de los principales motivos para evitar verlo teniendo en cuenta los pésimos resultados de sus últimas obras, en especial la aburrida "La dama del agua" y la pretenciosa "El último Maestro del Aire".
De todas formas, es meritoria la persistencia del director indio por tratar de salir del pozo en el que él mismo se metió. Y aunque tengo dudas de que "La reunión del Diablo" lo haga salir definitivamente de ese pozo lo cierto es que funciona bastante mejor que sus películas anteriores.
En este caso Shyamalan pasa la batuta directriz a John Erick Dowdle, director de "Quarantine" la remake hollywoodense de la española "REC", para encargarse exclusivamente de la historia original. En base a dicha historia, el guionista Brian Nelson creó un guión cinematográfico que pretende ser el principio de una nueva trilogía de terror a la que Shaymalan ha titulado "Las crónicas nocturnas".
El resultado es un film de terror sobrenatural visualmente intachable y medianamente resultón, pero que carece de elementos suficientes para producir auténtica sorpresa en el espectador debido a que buena parte de su premisa ya viene enunciada en sus trailers promocionales. También conspira en ese aspecto la persistente voz en off que desde los primeros minutos de proyección revela buena parte del transfondo sobrenatural de lo que veremos en los minutos siguientes. Así, la única verdadera intriga para el espectador se centra en averiguar quien de los cinco ocupantes de ese elevador es la maldad encarnada.
La sensación de claustrofobia, elemento de capital importancia si tenemos en cuenta que el grueso de la trama se desarrolla dentro de un ascensor, tampoco está demasiado conseguida debido a los contínuos saltos que hace el guión a hechos que suceden en el exterior y a la enorme cantidad de personajes que allí aparecen, algunos realmente innecesarios y otros muy pobremente planteados con especial mención al guardia de seguridad latino, un estereotipo que de forma poco creíble se percata casi desde el comienzo de la sobrenaturalidad de lo que allí está sucediendo gracias a su conocimiento de una leyenda* que, muy casualmente, su madre le contaba de niño.

El cierre de la historia pretende funcionar como una moraleja relacionada a la recuperación de la fe humana como forma de vencer al mal, una inquietud bastante frecuentada por Shyamalan en sus historias y que emparenta la resolución de la película con la de episodios de series televisivas como "La Dimensión Desconocida" u otras similares. La efectividad o no de ese mensaje moralizante dependerá en buena medida del nivel de compenetración que haya tenido el espectador con la trama hasta ese momento.

"La reunión del Diablo" es un film de terror que se queda en un mero pasatiempo que pudo haber sido mucho mejor de no hacer tan evidente desde el comienzo el misterio central de su trama y de haber trabajado mejor la atmósfera de suspenso de la misma. Como primer episodio de una trilogía se puede decir que es aceptable, pero si Shyamalan pretende seguir adelante y tener éxito con ella sería aconsejable que piense en mejorar la calidad argumental de sus futuras entregas.

Puntaje: 5/10

(*) Hablando de leyendas; en el dvd de la película se incluye entre sus extras un documental en el que un supuesto experto en mitos sobrenaturales asegura que esa leyenda es muy popular en América Latina. Es una lástima que no aclare en que lugar de nuestro continente es tan "popular" una leyenda sobre personas atrapadas que vienen a ser asesinadas por el Diablo, porque les aseguro que siendo sudamericano jamás escuché de ella en mi vida. Me pareció una generalización ridícula de un mito extraído de alguna que otra región del continente con el único objeto de darle un sustento más real a la historia que narra la película, cosa que a mi modo de ver no le funciona demasiado bien.

"Relámpago Azul" (Blue Thunder,1983) de John Badham

2010-12-27T04:46:00.018-02:00

A comienzos de la década de 1980, el director John Badham vivía una racha de éxito. Sus películas de aquel entonces, sin ser en absoluto obras maestras, tenían un gran atractivo para el público en general por lo que resultaban bastante efectivas en taquillas. Posiblemente parte de esa rentabilidad se debiera a que sus films aunaban con bastante habilidad el concepto de cine-entretenimiento con algún mensaje o contenido referido a las realidades políticas y tecnológicas del momento. Ejemplos de ello fueron "Juegos de guerra" (Wargames, 1983) y "Cortocircuito" (Shortcircuit, 1985) dos películas que reflejaban su interés por los temas referidos a la aplicación de las innovaciones tecnologicas con propósitos militares.

Sin embargo entre esos dos títulos Badham dirigió "Relámpago Azul" film que al igual que los ya mencionados introducía elementos hi-tech de la época pero combinandolos con una trama policial que, si bien no era de lo más original, resultaba lo suficientemente atractiva como para enganchar al espectador.

En "Relámpago Azul" el gran Roy Scheider encarnaba al piloto de helicóptero de la policía Frank Murphy, que investigando la muerte de una conocida personalidad de la justicia de Los Ángeles descubre una conspiración política para obligar al gobierno a utilizar tecnología bélica en el combate contra el crimen en grandes ciudades. La clave de esa conspiración es el Relámpago Azul, un poderoso helicóptero blindado armado con un cañón ametrallador giratorio de alto poder, visión nocturna infrarroja, micrófonos capaces de escuchar conversaciones a kilómetros de distancia y toda una gama de gadgets enormemente avanzados para su época. Cuando Murphy descubre que los conspiradores planean utilizar el helicóptero con fines corruptos, decide robarlo para ganar tiempo y poder llevar ante la justicia las pruebas de su investigación. Pronto se ve perseguido tanto por sus propios compañeros de la policía así como por los mismos conspiradores.
Ni Badham ni el guionista Dan O´Bannon, recordado por su labor en el script original de "Alien: El octavo pasajero"(1979), tuvieron demasiados reparos en anotarse en la corriente de vehículos de alta tecnológica que en aquellos años comenzaban a invadir las pantallas gracias al éxito de películas como "Firefox" (1982) y series televisivas como "El auto fantástico" (Knight rider, 1983). Sin embargo, "Blue Thunder" resultó ser uno de los productos más serios y mejor encarados de su época. No hay excesos ni fantasías tales como computadoras parlanchinas ni armas activadas con la mente, respetando así ciertos márgenes de credibilidad ya establecidos al comienzo del film por un aviso en pantalla que explica que toda la tecnología que se ve a lo largo del relato ya estaba totalmente disponible en la época, cosa que es cierta. Uno de los puntos fuertes de "Relámpago Azul" además de sus estupendas secuencias de acción aérea, radica en que a pesar de ser la máquina bélica del título la verdadera protagonista, la trama no se resiente en los momentos en que el arrasador helicóptero no aparece. De hecho recién hace su aparición a la mitad del relato, pero para ese entonces la trama ya tiene el suficiente gancho para mantener prendido a cualquier aficionado el cine de acción. Todo un mérito para la labor de Badham como director, que supo mantener el ritmo del relato a pesar de que el guión de O´Bannon no sea de los más originales ni inspirados que le haya tocado escribir y al impactante duelo actoral entre Scheider y el villano de la historia, el casi siempre sobrio Malcom McDowell, que sube muchos enteros el valor del film.
Curiosamente, a pesar de que "Blue Thunder" estuvo siempre concebido como un film de acción, originalmente tenía bastante menos de la que se terminó viendo en pantalla. El primer guión escrito por el veterano Don Jakoby dedicaba buena parte de su tiempo a establecer una denuncia política claramente antimilitarista dirigida a la administración del presidente Ronald Reagan, quien por ese entonces sostenía la necesidad de un desarrollo exhaustivo de la tecnología militar que mantuviera a los Estados Unidos punteros en la carrera armamentista con la Unión Soviética. Los productores de la película no estuvieron muy de acuerdo con ese punto de vista al que consideraron demasiado reaccionario, por lo que le encargaron a O´Bannon que reescribiera buena parte de lo hecho por Jakoby. El resultado, sin ser algo exageradamente original, fue un argumento que equilibra cierto enfoque crítico sobre algunas políticas norteamericanas de la época referidas a la seguridad pública con la acción más vertiginosa, acción que ocupa casi totalmente la hora final de película. En éste último aspecto merece una mención especial la batalla final sobre la ciudad de Los Ángeles, una cacería aérea entre helicópteros trepidante e impecablemente filmada. Hoy en día y gracias a los consabidos efectos digitales mediante, escenas de acción de este tipo no serían demasiado difíciles de igualar. Pero estamos hablando de un producto filmado a comienzos de la década de 1980 y cualquier secuencia de ese tipo requería de un enorme trabajo de maquetería así como de filmación de acción real, lo que hace que sea todo un logro para su momento y un verdadero gozo de visionar casi treinta años después de realizada.

"Relámpago Azul" es un film altamente recomendable para cualquiera que disfrute del buen cine de acción. Es uno de esos productos que marcaron época, un claro exponente de ese cine ochentero que fue un patrón a seguir dentro de su género. Su éxito propició la producción de un serie televisiva de muy corta duración -apenas 11 episodios- protagonizada por James Farentino en la que el poderoso helicóptero combatía a algún enemigo aéreo nuevo al final de cada capítulo. Aún así resultó un producto demasiado rutinario, carente del atractivo que el film original tenía.

Puntaje: 7/10