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"Sangue de Bárbaros" seria um filme "maldito"? Todos do elenco morreu de

2011-11-18T06:54:00.000-08:00

Meme: 10 Coisas que Sinto Saudades!

2011-11-17T14:09:00.000-08:00

Saudações prezados leitores do FILMES ANTIGOS CLUB ARTIGOS.

Recebi um Meme de duas amigas blogueiras do Dihitt. Da Katherynne Michelynne Cruz Rodrigues, do Blog Alma Ruiva (Visitem por favor, merecem vossa atenção http://almaruiva.blogspot.com/) e também da amiga e cinéfila Dadylla Nascimento Oliveira, cujo blog é FANTÁSTICO e já esta listado em nosso espaço, que é http://leituraecinema.blogspot.com.

Estas lindas amigas me pedem que eu liste 10 coisas das quais sinto saudade. Achei a proposta bastante interessante, afinal, sempre é bom relembramos bons momentos de nossa vida e compartilharmos com quem gostamos, não é verdade? E como nós cinéfilos temos mania de nostalgia também, a proposta é ainda mais pertinente.
Repasso para os seguintes amigos ou colegas blogueiros, lembrando que não é obrigatório, responda se achar interessante. Se vocês já tiverem feito, não tem problema. Fica a lembrança.

Estes são meus contemplados

Elisabete Bete – Blog Refletir, sentir, criar, viver
Lúcia Rijo – Blog Lucy in movieland
Gilberto Carlos – Blog Gilberto Cinema
Antonio Nahud Jr – Blog O Falcão Maltês
Leonardo Alexander – Blog Clube do Filme
Darci Fonseca – Blog Cinewestermania
Edezio Sanchez- Blog Bang Bang à Italiana

Minha Lista. Sinto saudades:

1-Dos antigos gibis, Ebal, Rio Gráfica e Editora, Abril (entre outras editoras), e as bancas cheias destas revistas que enchiam os nossos olhos. Hoje, que prazer em se visitar uma bela banca de jornal se os saudosos heróis dos quadrinhos não mais existem???

2- Da programação antiga da TV, onde passavam constantemente as séries de TV. Minhas prediletas eram TÚNEL DO TEMPO, BATMAN, PERDIDOS NO ESPAÇO, BONANZA, PALADINO DO OESTE, VIAGEM AO FUNDO DO MAR, JAMES WEST, O HOMEM DE 6 MILHÕES DE DÓLARES....MEUS DEUSES!!! São tantas e tantas, que se não fossem os colecionadores como nós, não haveria meios de resgatar tamanha preciosidade, graças a infelicidade dos atuais programadores que preferem investir em baixarias como os reality shows.

3-A SESSÃO WESTERN de todos os sábados na Globo, antes do programa do Chacrinha (in memorian)

4-A ANTIGA SESSÃO DA TARDE, no tempo que passavam os musicais, os filmes de aventura...foi através disso que fui me apaixonando pelo cinema (infelizmente como não vivi o prestígio de ver o lançamento de muitos destas antiguidades nas salas de cinema, só pude mesmo me contentar com a telinha), muito embora só pudesse ter este prazer nas férias escolares.

5-Brinquedos ESTRELA e GULLIVER

6-MEUS TEMPOS DE COLÉGIO MILITAR, sobretudo os períodos entre 1983 a 1985.

7-AS NOVELAS DE JANETE CLAIR. Ela faz uma grande falta!!! Novelas com EMOÇÃO E INTELIGÊNCIA.

8-OS CINEMAS DA CINELÂNDIA. HOJE SÓ FICOU O NOME. E OUTROS CINEMAS EM MINHA CIDADE QUE NÃO MAIS EXISTEM, COMO O CINE METRO TIJUCA (HOJE C&A)

9-REDE TUPI DE TELEVISÃO (CANAL 6, Rio de janeiro, ficava no bairro da URCA), O PROGRAMA DO CAPITÃO ASA (Wilson Viana, in Memorian, na foto, entrevistando GLENN FORD, quando esteve no Brasil), e a sessão de cinema intitulada SUPER- AÇÃO, sempre aos Domingos, quando se exibiam os filmes épicos ao estilo Hércules e Maciste. Também tinha a sessão JOHN WAYNE.

10-Da reunião das quintas na Rua São José (centro do Rj) transferidas depois para Erasmo Braga, com colecionadores de filmes antigos (ainda na época do VHS), onde estavam Marco Arthur, Ademir Barão, Jorge Luiz, Jorge Baixinho, entre outros. Sempre uma troca de idéias e um ótimo bate-papo entre cinéfilos.

Esta é minha lista

Abraços a todos, e as duas belas que me deram esta lembrança, obrigado e um beijo em vossos corações.

Paulo Néry

FITAS & FATOS: Wyatt Earp - Ficção e Realidade.

2011-11-11T01:10:00.000-08:00

Há poucos dias, comentei um artigo no site “Histórias de Cinema”, do respeitado jornalista e escritor sobre cinema, Professor A. C Gomes de Mattos, em um de seus posts intitulado” Western: Fantasia e Realidade”, onde expressei as linhas diferenciais que existem entre os filmes que Hollywood, durante muito tempo, promoveu em relação ao mitos do Velho Oeste Americano.

Antes mesmo do surgimento do cinema, tais personagens já eram laureados da legenda romântica de seus feitos por escritores bem parecidos com os nossos, que aqui chamamos de cordéis. Verdade que eles tinham capacidade de aumentar feitos (ou mesmo de inventar), e talvez alguns, deturpar os acontecimentos.

Quem nunca ouviu falar destes personagens reais do Velho Oeste, que se não fosse Hollywood ao longo de seus anos, não fez do que cultivá-los perante as plateias do mundo inteiro? Jesse James, Bat Masterson, Jane Calamity (Jane Calamidade), Wild Bill Hickcok, Buffalo Bill, e tantos outros, cujos os registros de seus feitos verdadeiros somente os historiadores conhecem, distante de toda legenda áurea que o cinema ilusionou. Contudo, sempre por traz dos mitos, há verdades bem distanciadas, e algumas vezes, nada heroicas.

Isto me fez refletir em postar alguns artigos que ao longo do tempo, farei. A partir deste momento, estou inaugurando FITAS & FATOS, onde além de comentar determinado filme ou evento histórico, traçarei também algumas comparações com a realidade segundo historiadores.

E nesta primeira sessão de artigos, o primeiro personagem que analisaremos será Wyatt Earp, um dos grandes mitos do Western, levado as telas do cinema inúmeras vezes, e que já foi encarnado por Randolph Scott, Henry Fonda, Burt Lancaster, James Garner, Kurt Russell, e Kevin Costner, e isto sem contar outros coadjuvantes que o interpretaram, como Will Geer em “Winchester 73”, de Anthony Mann.

O VERDADEIRO WYATT EARP

O Nome de Wyatt Earp (1848-1929) tornou-se popular da noite para o dia, no ano de 1931, quando o escritor Stuart Lake (1889-1964) publicou o livro “Wyatt Earp, Frontier Marshall” (Wyatt Earp, o Delegado da Fronteira), narrando as façanhas do então desconhecido Earp, que havia apenas dois anos, morrera de velhice. Diferente de outros mitos do oeste americano, cuja fama já havia alcançado ainda em vida, com Earp não assim se sucedeu.

O livro por ser quase inteiramente escrito na 1ª pessoa, fez crer a todos que se tratava de uma verdadeira autobiografia. Stuart Lake assegurava aos seus leitores ter transcrito para o papel as palavras que ouvira do próprio Wyatt. Sobre si mesmo e sobre os acontecimentos. Mas anos depois, enquanto o livro atingira seu sucesso editorial, Lake declarou que tudo que havia escrito era de sua autoria e de sua inteira responsabilidade. Desmentia sua afirmação anterior, revelando que Wyatt não lhe havia fornecido dado algum e que o livro divulgava apenas boatos. Wyatt Earp morreu em 1929, e obviamente, não pôde se defender.

Mas o que teria provocado tamanha atitude por parte de Stuart Lake? Simples. Alguém lhe havia informado que era falsa aquela narrativa de façanhas, que Wyatt Earp não havia sido o defensor da lei que fulminava os criminosos, implacável com os “Bad Man”, que fulminava os criminosos, e nem o cavaleiro sem mácula isento dos mínimos defeitos humanos, como o livro levava a crer. E esta pessoa nada mais era que a própria cunhada do biografado, Allie Earp, mulher do irmão de Wyatt, Virgil, Xerife de Tombstone à época do famoso tiroteio (famoso graças aos filmes que Hollywood tanto produziu ao longo dos anos).

Allie Earp confiara a Frank Waters, um escritor que desencadeava velhas histórias do Oeste no início dos anos 30 - a versão fiel da vida dos Earp, de como eles eram em família, longe das luzes do mito. Da sua narrativa, crível como um livro de pequenos contos domésticos, vinha à tona não apenas que Wyatt não era o defensor implacável do livro de Stuart Lake, mas que devia ser o gênio mal da família, a ruína de seus irmãos, meros instrumentos de suas ambições. Muito mais de vilão do que de mocinho.

No entanto, muito poucos acreditaram nessa desmitificação. Na época, o cinema ainda estava a procura de heróis, não de personagens freudianos ( o que viria acontecer tempos depois), e já havia levado à glória a legenda de Wyatt Earp.

O Memorial de Allie Earp, desenterrado após mais de vinte anos dos arquivos do Arizona State Historical Association, estimulou a pesquisa de outros historiadores, dentre os quais deve ser destacado o nome do escritor Ed Bartholomew, que condensou em dois volumes os resultados dos vários anos destinados a essa pesquisa: “Wyatt Earp, The Untold Story” (A História de Wyatt Earp não contada), e Wyatt Earp, the Mann and the Myth (Wyatt Earp, o Homem e o Mito).

Surge então, a esquálida figura de um jogador inveterado, privado de escrúpulos, megalomaníaco, sedento de glória e poder, que tomava para si qualquer sombra de mérito que coubesse a seus irmãos.

Wyatt Earp não seria assim o legendário herói de filmes como Frontier Marshal (estrelado por Randolph Scott), ou Paixão dos fortes, de John Ford (protagonizado por Henry Fonda), ou ainda “Sem Lei e Sem Alma” (talvez aqui a personificação mais romântica de Earp feita por Burt Lancaster), mas o homem derrotado, envenenado pela frustração, capaz de matar quem se metesse em seu caminho, sob a máscara da lei, ou para se livrar de testemunhas perigosas, e quem sabe, para mostrar ao mundo que era alguém.

WYATT EARP E O MITO NO CINEMA

Do Earp mítico baseado na legenda romântica de Stuart Lake a um estudo aprofundado e freudiano que veríamos anos depois, eis alguns dos mais importantes filmes sobre o Marshall, e que o tem tanto como protagonista.

A Lei da Fronteira/ Frontier Marshall / 1939 (Randolph Scott), Horas de Perigo / Tombstone, The Town Too Tough to Die / 1942 (Richard Dix), Paixão dos Fortes / My Darling Clementine / 1946 (Henry Fonda), Winchester 73 / Winchester 73 / 1950 (Will Geer), Duelo de Morte / Law and Order / 1953 (Ronald Reagan), De Homem Para Homem / Gun Belt / 1953 (James Millican), Ases do Gatilho / Masterson of Kansas / 1954 (Bruce Cowling), Sem Lei e Sem Alma / Gunfight at O.K. Corral / 1957 (Burt Lancaster), A Morte a Cada Passo / Badman’s Country / 1958 (Buster Crabbe), Valentão é Apelido / Alias Jesse James / 1959 (Hugh O’Brian), Crepúsculo de uma Raça / Cheyenne Autumn / 1964 (James Stewart), Os Reis do Faroeste / The Outlaw is Coming / 1964 (Bill Canfield), A Hora da Pistola / Hour of the Gun / 1967 (James Garner), Tombstone, A Justiça Está Chegando / Tombstone / 1993 (Kurt Russell), Wyatt Earp / Wyatt Earp / 1994 (Kevin Costner), sem que a verdade completa sobre sua vida fosse abordada, ainda assim, mantendo a áurea romântica do personagem promovida desde o início de suas produções cinematográficas. Listarei aqui os seis principais em que Earp tem o papel definitivo principal.

1- A LEI DA FRONTEIRA (Frontier Marshall) -1939

Na realidade, existem duas versões deste filme realizadas num curto espaço de tempo de cinco anos. A primeira versão data de 1934, e estrelado por George O’ Brien (1899-1985), interpretando Michael Wyatt, e Alan Edwards (1892-1954) como Doc Warren (em vez de Doc Holliday).

Foi em realidade a primeira película a registrar as “façanhas” da dupla Earp/Hollyday, contudo sem fazer menções de seus verdadeiros nomes. Em 1939, usufruindo de seus verdadeiros nomes, Wyatt Earp foi interpretado pelo querido Randolph Scott (1898-1987) e Doc Holliday por Cesar Romero (1908-1994), que anos depois seria o "Coringa" da série de TV Batman (1966-1968).

Realizada justamente no décimo ano de aniversário da morte de Wyatt, o filme celebrou como um dos primeiros westerns a romancear de modos bem exagerados as aventuras dos “heróis” de Tombstone. O filme foi dirigido por Allan Dwan.

2- PAIXÃO DOS FORTES (My Darling Clementine)- 1946.

Obra prima do Mestre John Ford (1895-1973), que segue ipisis literis a sua própria afirmação: Publique-se a lenda, pois é ela mais forte que os fatos.

Aqui, vemos Henry Fonda (1905-1982) personificando Earp como um homem rude, porém dentro da lei e sonhando pela justiça dentro de uma comunidade onde impera a violência e o jogo. Novamente, as figuras centrais se concentram em Doc e Wyatt. O cinema foi propagando a “amizade” entre estes dois ícones, quando na realidade ambos só tinham o gosto pelo jogo, mas eram bem diferentes. Contudo, se tornou um dos grandes westerns do Mestre Ford, devido a sua simplicidade, poesia, e grandes interpretações, com destaque maior para Fonda.

Doc Holliday foi interpretado por Victor Mature (1913-1999), que aqui, em vez de ser um dentista (como era de fato), é um médico. Outra coisa a fugir dos eventos realísticos é o fato de Holliday nesta obra de Ford morrer no confronto de Tombstone, quando na realidade, o verdadeiro Holliday sobreviveu e só veio a falecer seis anos depois, em um sanatório, a 8 de novembro de 1887, de tuberculose.

3-SEM LEI E SEM ALMA (Gunfight the Ok Corral) 1956

Talvez a personificação mais santificável de Wyatt Earp esteja nesta obra de John Sturges (1910-1992), com um desempenho de primeira grandeza por parte de Burt Lancaster (1913-1994) e onde Kirk Douglas interpreta com estilo Doc Holliday. Ao contrário do verdadeiro Wyatt Earp, o Wyatt de Burt odeia jogo e é o “cara mais certinho do mundo”, o típico “Senhor Virtude”, como ironiza Kate Fischer (Jo Van Fleet, 1914–1996) ao seu companheiro Doc Holliday (Douglas). Outra "fantasia" a fugir da verdade sobre Wyatt é o fato dele ser um tremendo solteirão neste filme, para justificar sua relação amorosa com uma jogadora profissional, Laura Denbow, personagem fictícia interpretada pela bela Rhonda Fleming. Wyatt Earp é, aqui, um homem correto da lei, sensível e romântico, sem as rudezas da personificação de Henry Fonda em My Darling Clementine. Um cavaleiro romântico e do bem, que quer as coisas dentro da lei e da ordem do primitivo oeste, o oposto do verdadeiro personagem.

Destaque para a trilha sonora de Dimitri Tiomkin (1894-1979) e a canção “Gunfight of The Ok Corral” cantada pelo fenomenal Frankie Laine (1913-2007), famoso cantor de boas baladas ao estilo do Velho Oeste. Certamente, Sem Lei e Sem Alma é um dos grandes westerns Classe A de todos os tempos.

4-A HORA DA PISTOLA (Hour of Gun) – 1966

Dez anos depois, o cineasta John Sturges resolveu dirigir uma nova versão do célebre tiroteio e da vida de Holliday e Earp, intitulado “A Hora da Pistola”. Dessa vez, Wyatt é interpretado por James Garner (fisicamente o que se aproximou da aparência física real do personagem).

Sturges, diferentemente com que havia feito dez anos antes em sua obra Sem lei e Sem alma, optou em substituir a legenda romântica pelo realismo dos eventos. Wyatt ainda era o correto homem da lei, contudo mais rude e amargo do que Burt Lancaster. Sua amizade com Doc Holliday (Jason Robards, 1922-2000) é evidentemente contrastante neste filme. Doc que na realidade incentiva Wyatt a matar Ike Clanton (Robert Ryan, 1909-1973) e seus asseclas. Ryan desempenha Clanton de maneira refinada e cínica, ao contrário de Walter Brennan de Paixão dos Fortes, rústico selvagem e traiçoeiro.

Wyatt Earp e seu amigo Doc estão dispostos a realizarem a vingança após os conflitos que acabaram com O. K. Corral, já que os familiares de Earp foram assassinados pelos perigosos irmãos Clanton. Porém, seu principal alvo (que é Ike) ainda está vivo e pronto para atacar. Talvez tenha sido a primeira vez no cinema que ousou a apresentar a vida de Wyatt e o célebre tiroteio um pouco mais fidedigno aos fatos. A magnífica Trilha Sonora de Jerry Goldsmith (1929-2004) garantiu também a popularidade deste western.

Há críticos que afirmam que A Hora da Pistola é uma continuação de Sem Lei e Sem Alma por se tratar do mesmo cineasta que realizou ambos os westerns, entretanto isto não é verdade já que as duas versões diferenciam bastante, bem com o as interpretações e as situações dos roteiros, uma vez que na versão estrelada por Burt Lancaster e Kirk Douglas, ao fim, tudo indicava que tinham resolvido a parada de vez, já que Ike e seus homens foram mortos no duelo (e ambos se despedem, para talvez não mais se verem), enquanto que a versão de Garner e Robards parte do ponto inicial do duelo, e ao longo da obra vão atrás de Clanton e seus capangas a todo custo, sedentos de vingança.

Em 1987, 21 anos depois, Garner voltaria a interpretar Earp, no fictício Assassinato em Hollywood, contracenando com Bruce Willis que desempenha o famoso ator de westerns mudos Tom Mix (1880-1940), onde os dois se unem numa história detetivesca de ação e mistério, dirigido por Blake Edwards (1922-2010), que resultou um dos poucos fracassos de bilheteria do renomado diretor.

5- TOMBSTONE, A JUSTIÇA ESTA CHEGANDO (Tombstone) – 1994

Após o lançamento de Os Imperdoáveis de Clint Eastwood, em 1992 que se tornou um grande sucesso de crítica e público (além de ter ganhado o Oscar de melhor filme), houve em Hollywood uma empolgação de se produzir mais westerns, já que o gênero estava praticamente extinto havia alguns anos, desencadeando uma volta triunfal ao velho estilo cinematográfico. Só em 1994, houve duas tremendas superproduções a contar só a vida de Wyatt Earp, e uma delas foi Tombstone, a Justiça esta chegando.

O cinema, em realidade, não tem pretensão de desmistificar, pois antes de tudo é uma máquina de sonhos. Esta regra se seguiu quando mesmo os avanços da História e das informações confirmaram que os míticos eventos não eram, em absoluto, acontecimentos reais. No entanto, a personificação de Earp aqui se seguiu aos mesmos moldes de Fonda em Paixão dos Fortes e de James Garner em Hora da Pistola.

Kurt Russel faz aqui uma interpretação bastante sóbria (ainda que um pouco infidedigna) de Earp, mas o destaque principal esta em Val Kilmer como Doc Holiday, numa narrativa ágil e uma trilha sonora empolgante, além a belíssima narração em off de Robert Mitchum (1917-1997), e com a participação do bom e velho Charlton Heston, como um rancheiro que recebe os irmãos Earp em sua casa. A Direção a cargo de George Pan Cosmatos.

6-WYATT EARP (Idem) – 1994

Um verdadeiro épico em superprodução contando a saga do marshal com quase 4 horas de duração (talvez o western mais longo do cinema), desde sua adolescência do Missouri, até suas atividades como delegado federal no Arizona. Produção de 50 milhões de dólares, fracassou na bilheteria nos EUA, e foi o início da bancarrota para Kevin Costner, que no ano seguinte declinaria de vez com o absurdo Waterworld - O segredo das águas.

Costner, além de desempenhar o próprio Earp, também produziu o filme. Na época do lançamento, ouviu-se dizer que ele empenhou-se muito em pesquisas em várias bibliotecas do Oeste e em outros registros históricos sobre Wyatt. Imaginamos, então, que ele tenha também tido acesso aos documentos da cunhada de Wyatt, Allie Earp.

O que aconteceu que Costner, amante de filmes clássicos e admirador de outras versões sobre a vida do famoso delegado, tentou unir a característica quase imaculada de Earp das antigas produções hollywoodianas com os eventos reais conforme sua real biografia. Infelizmente, resultou um filme pesado, lento, e cansativo, e se tornou bem inferior a Tombstone, a Justiça esta chegando, lançado no mesmo ano de 1994. No destaque, Dennis Quaid no papel de Doc Holliday. Direção de Lawrence Kasdan (de Silverado, outro faroeste com Costner, bem melhor sucedido).

WYATT EARP: A SÉRIE DE TV COM HUGH O’ BRIAN

Estreando em 6 de setembro de 1955, The Life and Legend of Wyatt Earp (no Brasil, Wyatt Earp) foi a primeira série de western adulta na história da televisão americana (lembremos anteriormente das infantis, como Rin Tin Tin, The Lone Ranger, e Cisco Kid, devidamente destinado para o público infantil). Chegou a bater na audiência de Gunsmoke, estrelado por James Arness (1923-2011) por quatro dias.

A série, como não podia deixar de mostrar, tinha o célebre delegado de Dodge City e de Tombstone que foi aqui vivido por Hugh O’ Brian (ainda vivo, hoje com 86 anos), domando os desordeiros e implantando a lei e a ordem. A produção esforçou-se para recriar vestuários e cenários iguais aos autênticos, chegando a minúcias como a de fabricar uma arma idêntica à que Wyatt usava: a Buntiline Special. A série durou seis temporadas (1955 a 1961) num total de 226 episódios, todos em preto & branco.

Hugh O`Brian, nasceu em 19 de abril de 1925, em Rochester, Nova York. Foi descoberto para a televisão pela atriz e diretora Ida Lupino (1918-1995), que lhe abriu as portas para um contrato com a Universal Studios, mas ficando restrito a papéis secundários em filmes como Red Ball Express”, Son of Ali Baba e “Seminole. Ao término do contrato com a Universal, em 1955, estabeleceu um grande sucesso na televisão com a série de TV Wyatt Earp por um período de seis anos. Direcionou seus talentos como cantor e atuou em espetáculos da Broadway. Permaneceu como astro nas décadas de 1960 a 1970, com muitos trabalhos no teatro e na televisão. Um solteiro convicto, casou-se em 2006, aos 81 anos, com Virginia Barber, companheira de um relacionamento de 18 anos.

Mas em 1994 (mesmo ano das duas produções mais recentes do personagem lançados no cinema, com Kurt Russell e Kevin Costner), O’ Brian retornou ao papel na Tv que o tanto afamou num longa especial chamado Wyatt Earp, retorno a Tombstone, onde já velho e aposentado retorna para enfrentar um antigo inimigo, e recorda fatos do passado, em flashbacks dos episódios antigos da série.

OUTROS FATOS REAIS E A “AMIZADE” ENTRE DOC E WYATT.

Wyatt Earp não foi o destemido Henry Fonda, e tampouco o galante e correto Burt Lancaster nos filmes como já foi aqui falado. Ate mesmo “amizade” entre Wyatt Earp e Doc Holliday é discutida, pois ambos eram muito diferentes, em diversos aspectos, sobretudo de berço que cada um teve: Wyatt era filho de rudes camponeses pioneiros e John Holliday provinha de uma conhecida família de elite da Georgia.

Dentista diplomado, mas tuberculoso, Doc partiu para Dallas, em 1872, para mudar de ares. Todavia as pessoas temiam ser tratadas por mãos de quem tossia e cuspia sangue e, assim, John perdeu seus clientes e acabou entregando-se no jogo.

Naquele mundo de violência, onde a troca de tiros era a regra e quem fossem o mais rápido no gatilho imperava, Doc, débil como uma criança e atormentado pelo medo mórbido de ser espancado, pôde contar somente, com o seu revólver para se defender.

Considerando-se já um homem morto, agia friamente diante do perigo. Não respeitava a própria vida e bebia muito. Estranhamente, embora o destruindo mais depressa, o álcool lhe infundia energia e confiança, e isso era a mais absoluta verdade.

Wyatt o conheceu em Fort Griffin, talvez numa mesa de jogo, não se sabe ao certo. Depois disso, Doc foi preso por homicídio. Wyatt o reencontrou em Dodge e se uniram graças à paixão que ambos sentiam pelo jogo.

Na única vez em que tentaram conversar, em 1882, descobriram tantas divergências entre si, que preferiram não se falar mais. Logo, o que os dois tinham, de fato em comum, era o amor ao jogo e a bebida.

OS ÚLTIMOS ANOS DE WYATT, SEUS IRMÃOS & FAMÍLIA

A realidade dos fatos, é que não houve, sem dúvida, nenhum evento heroico quanto ao tiroteio/massacre do “duelo” de OK Corral, ocorrido em 26 de outubro de 1881. Wyatt Earp e Doc Holliday foram presos, e os irmãos de Wyatt, Virgil e Morgan foram feridos, e ficaram sob os cuidados de Allie Earp, esposa de Virgil.

De Tombstone, Wyatt e sua família terminaram a suas aventuras no Arizona. Solto, Wyatt atravessou a fronteira do colorado. A vida de Wyatt se reduziu a vagabundagem dos jogadores profissionais. Certa vez, um homem chamado Bob Paul chegou de Denver com o pedido de extradição de Wyatt, Warren (irmão de Wyatt) e Doc Holliday, que foram acusados de triplo homicídio. Entretanto, o Governador Pitkin, talvez influenciado por altos expoentes da maçonaria que protegiam Wyatt (que aliás, Wyatt fazia parte), não quis aceita-lo.

Em novembro de 1887, Doc Holliday morreu de tuberculose num sanatório de Glenwood Spiring, no Colorado. E os Earp prosseguiram longe de Wyatt. Virgil reconstruiu uma vida respeitável ao lado de Allie, vindo a falecer de pneumonia em 1905, em Goldfield (Nevada). A pequena e fiel Allie ainda lhe sobreviveu até o ano de 1947.

Jim Earp, o irmão mais velho de Wyatt, morreu em Los Angeles, em 1926. Warren, por sua vez, voltou para o Arizona e entregou-se à bebida, vindo a morrer em 1900, assassinado por um cowboy chamado Johnny Boyet, que costumava procura-lo sempre que estava bêbado.

E WYATT?

Em 1882, ao chegar em São Francisco, se casou com sua ex-amante de Tombstone, Sadie, cujo verdadeiro nome era Josephine Sarah Marcus. Após três anos de vagabundagem, publicou a sua fantasiosa autobiografia no jornal Weekly Examiner, de São Francisco, que lhe proporcionou, por algum tempo, aquela popularidade que sempre buscou em vida. Detalhe: Wyatt se casou com Sadie sem obter o divórcio de sua primeira esposa.

Em 2 de dezembro de 1896, em São Francisco, deu-se o famoso encontro entre os boxeadores Tom Sharkey e Bob Fitzsimmons. O árbitro foi Wyatt Earp, que foi multado em 50 dólares por ter conduzido a luta com sua Buntline especial no coldre. Os dois lutadores trocaram golpes irregulares, sem que Wyatt intervisse.

No oitavo round, quando Sharkey foi derrubado, Wyatt interrompeu a luta, desqualificando Fitzsimmons por desfechar um suposto golpe baixo. Obviamente, foi o fim-do-mundo. Dizem que Wyatt apostara uma boa soma em Sharkey e fizera com que seus amigos também apostassem nele. A verdade é que os 10.000 dólares do prêmio não foram entregues ao vencedor, e o caso foi parar no Tribunal.

Dizia a notícia do jornal Chronicler de 9 de dezembro do corrente ano: “Crescem as dificuldades do Terror de Tombstone”. As dificuldades em questão eram duas denúncias por dívidas não pagas. Wyatt sempre se declarava assim em sua defesa: “Possuo apenas a roupa que estou usando”.

No ano seguinte, em 1897, Wyatt e sua segunda mulher, Sadie, se transferiram para Nome, no Alaska, onde abriram o Dexter Saloon. Certa noite, depois de ter bebido além da conta, Wyatt resolveu mostrar aos clientes por que ficara famoso no Arizona, com sua Buntline Especial. O Marshal Federal Albert Lowe arrancou-lhe a arma e o esbofeteou. O “Terror de Tombstone” não reagiu.

Em 1900, o jornal Arizona Daily Citizen noticiou o fato de que Wyatt, no hipódromo de San Francisco, chegou às vias de fato com um famoso dono de cavalos, Tom Mulqueen, e como foi logo derrubado, voltando Wyatt, assim, para casa com os dois olhos roxos.

Em 26 de julho de 1911, o Arizona Star noticiou de Los Angeles que, Wyatt Earp, o famoso pistoleiro, e outros dois, Walter Scott e Edward Dean, haviam sido presoso por uma tentativa de fraude de 25.000 dólares contra J. W. Patterson. Contra ele pesava ainda acusação de vagabundagem. Não se sabe como terminou o caso.

E QUANTO A MATTIE EARP, A PRIMEIRA ESPOSA???

Mattie, a primeira e abandonada esposa de Wyatt (cujo verdadeiro nome era Celia Ann "Mattie" Earp), nunca mais tornou a vê-lo. De Colton, para onde Wyatt a “despachou” sem meios, após a morte de Morgan, Mattie voltou para o Arizona mais precisamente para Globe, onde Kate “nariguda”, a “viúva” de Doc Holliday, dirigia uma pensão.

Mattie parecia um fantasma...Wyatt a havia destruído.

Depois disso, Kate fechou a pensão e se mudou para o pequeno centro de minério de Pinal, onde começou a descer, um por um, todos os degraus da degradação humana.
Atingindo o auge do desespero, Mattie se suicidou em 7 de julho de 1888, ingerindo uma dose forte de láudano. Talvez de todos os crimes cometidos por Wyatt Earp, este seja, sem dúvida, o mais cruel.

Wyatt Earp morreu de morte natural em 1929, pouco antes que Stuart Lake, o escritor, publicasse a falsa biografia que o celebrizaria e que faria de Wyatt o protótipo do herói do Oeste, que o cinema promoveu através de inúmeros westerns. Tanto a Sétima Arte quanto a televisão lhe ergueram um monumento que o mundo admira. Mas, lamentavelmente, a História registrou no seu pedestal as palavras que um certo juiz escreveu ao fim do inquérito sobre a morte de Mattie Earp aos pais desta, ao lhes informar do ocorrido: WYATT EARP...BÍGAMO, TRAPACEIRO E VELHACO.

CONCLUSÃO: Apesar de todas estas desmistificações, é imperativo dizer que o cinema, antes de tudo, é uma máquina de sonhos. Os westerns foram avançando, evoluindo de acordo com o tempo e com o grau de desenvolvimento do público, que vinha exigindo mais realismo no Gênero. Mas ainda assim, os faroestes a moda de John Wayne, Randolph Scott, Audie Murphy, Joel McCrea, entre tantos outros, continuam a ser os mais badalados por todos os fãs do Western.

Fontes de Referência e Pesquisa- Bibliografia
“O Homem do O.K Corral”, de Rino Albertarelli- Editora Ebal (1974)

Ainda sobre Anthony Mann. Um vídeo interessante!

2011-11-07T20:17:00.000-08:00

Prezados amigos! Como fiz recentemente um estudo acurado sobre o grande Diretor Anthony Mann (1906-1967), achei pertinente colocar um trailer que resumi um pouco sobre seus westerns estrelados pelo querido James Stewart (1908-1997), em seus 5 grandes filmes. E com direito a uma entrevista rara, inicial, feita com o cineasta. Para quem não conhece, uma oportunidade ímpar em conhecer o trabalho deste grande cineasta. A Não perder, pois os cinco grandes westerns estrelados pelo diretor e um de seus grandes astros, vale a pena.

Estudo Acurado Sobre os Westerns de Anthony Mann.

2011-11-04T12:42:00.000-07:00

Difícil comentar quem seria o maior de todos os diretores do gênero Western: John Ford ou Anthony Mann? Contudo, como estamos a falar na categoria genuinamente norte-americana, nos concentramos em fazer uma breve comparação entre os cineastas.

John Ford (1895-1973) era um artesão, um mestre contador de histórias, que iniciou sua carreira ainda na fase muda do cinema, e todas suas obras contém uma mensagem de heroísmo, honra, coleguismo, amizade, e patriotismo, que futuramente seria representado ninguém mais e ninguém menos do que Marion Michael Morrison, o “The Duke” John Wayne.

Através de Ford, Wayne personificou o herói americano por excelência. Entretanto, os heróis de Ford tendem a ser em alguns filmes personagens firmes e decididos, intocáveis e indestrutíveis, nada parece abalá-los, o que vem a diferenciar dos mocinhos apresentados nos westerns de Anthony Mann (1906-1967). É dele e de seus westerns que faremos uma análise acurada. Críticos atribuem a Mann o papel de renovador do gênero, por construir personagens mais realistas do que os compostos por John Ford e Howard Hawks, dois cineastas que servem de referência para o que há de melhor do gênero.

Anthony Mann, cujo nome verdadeiro era Emil Anton Bundmann, nasceu em 30 de junho de 1906. Após terminar o colegial em 1925, juntou-se uma trupe Off-Broadway como gerente de palco e ator, direcionando para o estágio no início dos anos de 1930. Em 1938 ele deixou Broadway para trabalhar para David O. Selznicks como diretor de elenco e supervisor dos testes de tela, depois de se mudar para a Paramount como diretor assistente. A partir de 1942, agora conhecido como Anthony Mann, começou a dirigir filmes de baixo orçamento para a RKO e República.Faleceu em Berlim, em 29 de abril de 1967, de um ataque do coração fulminante, enquanto dirigia “O Espião de Dois Mundos”, que foi terminado por seu astro principal, Laurence Harvey (1928-1973).

É sabido que, além de faroestes, Mann também dirigiu outras obras, inclusive grandes espetáculos épicos, como “El-Cid” e “A Queda do Império Romano” (também chegou a dirigir algumas cenas de “Quo Vadis” em 1951, mas sem créditos, que ficou a cargo de Mervyn Le Roy). Estava escalado para dirigir “Spartacus” e chegou a iniciar os trabalhos, mas se desentendeu com o astro Kirk Douglas (que era o produtor), que colocou no lugar o jovem Stanley Kubrick (1928-1999).

Sua segunda esposa foi a atriz e cantora espanhola Sara Montiel (também conhecida como Sarita Montiel), com quem ficou casado entre 1957-1963 e que a dirigiu no drama musical “Serenata” estrelado por Mario Lanza (1921-1959).

Se de uma maneira John Wayne (1907-1979) representou através de John Ford o estereotipo do herói americano em suas produções, James Stewart (1908-1997) representou para Anthony Mann o herói de natureza simples, com uma fortaleza que poderia ser abalável, e mesmo desajustado sob as regras da sociedade ou vítimas de preconceito, como no caso do índio interpretado por Robert Taylor em “O Caminho do Diabo”. Certa vez, ouvi de um estagiário de direito em meus tempos de funcionário público, que não apreciava os faroestes, porque todos eles faziam apologias ao massacre contra os índios americanos. Se ele soubesse quantos filmes americanos vieram a defender a causa indígena desde que esta película foi lançada (sendo que “Flechas de Fogo”, de Delmer Daves, iniciou esta fase do western) ele não falaria tal bobagem.

Mann declarava ser fã de John Ford : “O diretor que mais tenho estudado – meu diretor favorito – é John Ford. Em um só plano ele apresenta, mais rápido do que qualquer outro, o ambiente, o conteúdo, o personagem; Ford tem a maior concepção visual das coisas e eu acredito nisso. O choque de um só pequeno plano que possa fazer-nos entrever toda uma vida, todo um mundo, é muito mais importante do que o mais brilhante dos diálogos”. Podemos entender não somente a admiração de um diretor para com outro, mas como Mann, além de entender Ford como seu modelo, acrescentou algo inexistente nas obras fordianas: o teor psicológico dos personagens, motivando o espectador a estuda-lo e analisa-lo. Mann, com isso, veio a renovar o gênero, ao construir seus protagonistas menos heroicos do que os fordianos.

Os heróis de Mann foram bem desempenhados e cada um dos atores mereceu sem sombra de dúvida méritos por suas atuações. James Stewart, Gary Cooper, Henry Fonda, e Victor Mature destacaram-se pelo empenho que deram em suas dignas performances.

A SÉRIE DE CINCO FILMES ESTRELADOS POR JAMES STEWART

Só com James Stewart, Mann realizou cinco westerns, todos excelentes e obras CLASSE A no gênero:: Winchester 73 / Winchester 73 / 1950, E o Sangue Semeou a Terra / Bend of the River / 1952, O Preço de um Homem / The Naked Spur / 1953, Região do Ódio / The Far Country / 1954, Um Certo Capitão Lockhart / The Man from Laramie / 1955. Todos eles tinham em Stewart o herói simples e sofrido, justo, mas ao mesmo tempo, com sede de vingança e vontade implacável de mudar todo o sistema.

1)WINCHESTER 73- Idem (1950)
Raramente é lembrado pelos fãs de faroestes como um grande clássico do estilo. Talvez esse desprezo aconteça porque Mann jamais logrou alcançar a fama de um John Ford, e na verdade nem tinha tais pretensões, uma vez que era admirador do grande mestre. Mas os verdadeiros especialistas têm consciência da importância crucial da produção de filme e na renovação de um gênero que, após a II Guerra Mundial (1939-1945), já estava entrando em franca decadência. Esta obra de Mann flerta com a mitologia do Velho Oeste sem romper com ela, mas delineia um novo tipo de personagem que se tornaria fundamental nos faroestes dos vinte anos seguintes.

Lin McAdams (James Stewart, 1908-1997), um caubói sem casa, acostumado a viajar sem parar pelas grandes pradarias, junto com o parceiro Spade Frankie Wilson (Millard Micthell, 1900-1953)). Lin é um homem remoído pelo ódio e pelo desejo de vingança. Ele aporta em Dodge City, em 1876, à procura de um inimigo, que reconhece na figura de Dutch Henry Brown (Stephen McNally, 1913-1994). O nome do vilão é falso, mas o resto é conhecido; os dois quase se esmurram ao ver-se pela primeira vez, em um bar. Logo ambos estão disputando o lendário e caríssimo rifle do título, em um concurso de tiro ao alvo.

Lin vence a disputa, após uma contagiante briga com o inimigo, mas não fica com a arma durante muito tempo. Ele é emboscado no hotel por Dutch, que foge da cidade carregando o rifle que onze entre dez pistoleiros dariam um braço para ter. Passa, então, a ser perseguido por Lin, muito mais por um motivo que permanece um enigma para o espectador, e pertence ao passado em comum de ambos, do que pela arma. O filme não acompanha exatamente a trajetória de Lin, mas sim a do rifle, que troca de mãos várias vezes durante uma jornada imprevisível e excitante.

ESTUDO ACURADO: Um ponto que chama a atenção de imediato no filme é a maneira como Anthony Mann trata a mitologia do Velho Oeste. A mítica Dodge City, por exemplo, não é uma cidade segura tal como reza a lenda – senão, como um bandido como Dutch teria conseguido roubar Lin e fugir ileso? Da mesma forma, o xerife da cidade, o lendário Wyatt Earp (Will Geer, 1902-1978), é retratado pelo filme como um homem distraído, que se apóia mais na aura mítica de que desfruta para se impor aos pistoleiros do que pela habilidade no gatilho, uma fama que jamais tem a oportunidade de comprovar (se bem verdade, o Earp verdadeiro esta muito longe de ser um herói laureado de virtudes, como que retratado nos filmes como “Paixão dos Fortes” de John Ford, e “Sem Lei e Sem Alma”, de John Sturges, mas isto é uma outra história).

Em outras palavras, Anthony Mann foi o primeiro cineasta a questionar, ainda que de forma sutil, os mitos do Velho Oeste. Além disso, foi o primeiro western na história a introduzir o chamado western psicológico, filão do gênero caracterizado pela composição de personagens mais densos e profundos do que o comum. Reparem na fisionomia de James Stewart acima, é de assustar o mais temível dos facínoras.

2)O PREÇO DE UM HOMEM (The Naked Spur) - 1953
É um clássico tido por muitos críticos (e venho a concordar) como o melhor western de Mann da série de cinco estrelados por James Stewart. Com apenas cinco atores no elenco (Stewart, Janet Leigh, Robert Ryan, Millard Mitchell e Ralph Merker), e engendrando a trama na geografia dramática do Colorado, o relato do filme é inexorável tenacidade.

Stewart é Howard Kemp, um homem que perdeu tudo na Guerra Civil Americana (1861-1865) e que vai atrás do fugitivo da lei Ben Vandergroat (Robert Ryan, 1909-1973) como meio de receber recompensa por sua captura (cujo prêmio é de 5 mil dólares) e assim recuperar suas perdas e reaver seu rancho. Ben escapa em companhia da filha de um pistoleiro, Lina Patch (Janet Leigh, 1927-2004).

Consegue encurralar Ben nas montanhas, mas Howard se vê na contigência de aceitar dois novos caçadores de prêmio: Jesse Tate (Millard Mitchell, 1900-1953) e Roy Anderson (Ralph Merker, 1920-1988). Logo, desentendimentos e ambições desenfreadas não faltam nesta trama, que somente o toque de Midas de Mann saberia conduzir com maestria.

Durante a viagem até a cidade, semeada de incidentes, o malfeitor incita uma guerra de nervos entre seus guardiães, servindo-se de Lina para distrair a atenção de Kemp. Após uma tentativa frustrada de fuga, Ben convence Tate a soltá-lo, com a promessa de indicar-lhe o local de uma mina de ouro, mas, assim que se vê livre, mata-o sem piedade.

Em seguida, Ben arma uma cilada para Kemp e Roy; porém, graças a Lina, que por fim compreende o verdadeiro mau caráter de Ben, o plano fracassa. Abatido por Kemp, o corpo de Ben cai nas correntezas de um rio e, pensando na recompensa, Roy tenta resgatar o cadáver, sendo tragado pelas águas turbulentas. Kemp resgata o corpo, mas, diante das súplicas de Lina, o abandona. Com o apoio e o amor da jovem, constituirá uma nova vida, sem recorrer àquele dinheiro, causa de tantos crimes.

ESTUDO ACURADO: É notada a fragilidade do protagonista, Howard Kemp. No decorrer de toda fita percebe-se que ele não esta atrás do vilão (por sinal, bem interpretado pelo sempre competente Robert Ryan) objetivando justiça, mas um resgate de tudo que ele perdeu durante os anos de guerra civil. Para ele, é uma questão de honra, já que o futuro é incerto para ele. Ele não pensa de início em dividir com ninguém a recompensa pela captura de Ben, e suas intenções são escusas. Mas se vê necessitado, e reflete que não poderia capturar o bandido sozinho se são fosse a ajuda de Tate e Roy, e estes vem a saber do verdadeiro motivo de Kemp, que se apresenta a eles como um homem da lei.

Kemp carregava um cartaz de Wanted com o rosto impresso de Ben, entretanto ele havia rasgado parte do material, que mencionava o valor da recompensa, e para seu azar, o próprio Ben tinha uma cópia fidedigna com a recompensa exposta, sob os olhares espantados de Roy e Tate. Kemp de início se recusa a dividir a recompensa e quer agir por conta própria, mas não vê solução. Nosso herói foi, inicialmente, um mau caráter? Só o ponto de vista do espectador para fazer ele mesmo uma análise bem aprofundada, já que a interpretação é pessoal. Contudo, podemos ver que houve a redenção do protagonista. O tempo todo, apesar de toda esta fortaleza que aparentava ter, Kemp é frágil. Em um momento que é ferido e contraí febre, ele tem delírios e sonhos com a esposa que morrera. Lina, que tinha tudo para não entender a fragilidade do personagem de Stewart, aos poucos vem a entendê-lo, como também vai perceber quem é, de fato, até então seu companheiro Ben Vandergroat.

É verdade, Kemp tem sua redenção, graças a ajuda de sua amada Lina, e ele vem a perceber que não seria o dinheiro da recompensa que traria novamente sua felicidade, mas a paz consigo mesmo e uma nova vida ao lado da mulher que, por fim, lhe abriu os olhos.

Talvez o mais pungente de todas as obras de Mann nesta fase seja “O Preço de um Homem”, que prova ser um acurado estudo sobre a ambição humana, que repete o tema já levado por John Huston no seu clássico “O Tesouro de Sierra Madre”, de 1948, contudo com a mitologia e os símbolos dramatúrgicos sempre presentes em seus westerns.

Robert Ryan foi, possivelmente, gente da pior espécie possível que “o diabo colocou sobre a terra” nas obras de Mann, ou se não, empata com o igualmente talentoso Arthur Kennedy (1914-1990). Se Ryan foi o desprezível Ben Vandergroat em “O Preço de um Homem”, Kennedy foi vilão em dose dupla em duas películas do diretor, e antagonizando em ambas com James Stewart: “E O Sangue Semeou a Terra” e “Um Certo Capitão Lockhart”, ambas obras de primeira grandeza do cineasta.

3)E O SANGUE SEMEOU A TERRA (Bend of the River) 1952
Glynn McLintock (James Stewart), guia de uma caravana de pioneiros, salva Emerson Cole (Arthur Kennedy) de ser enforcado como ladrão de cavalos, estabelecendo-se entre os dois uma estima recíproca. Glynn, que já havia sido um fora da lei, já havia passado por situação parecida e, apesar de suas suspeitas, espera que Cole, como ele próprio, se regenere. Contudo, Cole cede à tentação do dinheiro.

ESTUDO ACURADO: Esta obra incita um questionamento: a de que se um homem pode ou não realmente se regenerar. O personagem de Jay C. Flippen questiona ao próprio Glynn sobre a improvável transformação no ser humano, comparando homens maus e sem caráter a “maçãs podres” que colocando junto com as maçãs boas, colocam risco de contaminar as demais, tal como a sociedade que muitas vezes se deixa enganar por homens corruptos.

Mas segundo o ponto de vista de Glynn, existe uma brutal diferença entre as maçãs e os homens, e quem acaba se convencendo disso é o próprio personagem de Flippen, que até então ignorava o passado do amigo quando este lhe salva a vida. Sem dúvida, um dos melhores westerns de Anthony Mann.

A trama teria, basicamente, um remake num dos episódios da série de Tv DANIEL BOONE, estrelada por Fess Parker, em 1964, intitulado “Caravana para Camberland”, em duas partes, onde coloca Boone na mesma situação de James Stewart, ou melhor dizendo, de Glynn.

4) UM CERTO CAPITÃO LOCKHART (The Man From Laramie) 1955
Outra obra, talvez com a tenacidade bem mais dramática do que os demais westerns de Mann com Stewart, que aqui interpreta Will Lockhart, que vai de Laramie, Wyoming, até Coronado, Novo México, em busca daqueles que venderam armas aos apaches que mataram seu irmão, um militar.

Novamente, Arthur Kennedy é o vilão, dessa vez mais acovardado do que Emerson Cole de “O Sangue Semeou a Terra”, que era mau caráter, porém ousado. Kennedy interpreta Vic Hansbro, capataz da fazenda e filho adotivo do poderoso dono da região, Alec Waggoman (Donald Crisp, 1880-1974), tio de Bárbara (Cathy O’ Donnell, a linda e eterna Tirzah de Ben-Hur, com Charlton Heston, prematuramente falecida aos 47 anos de câncer em 1970), noiva de Vic mas que acaba sendo o interesse romântico de Will – e pai biológico de Dave (Alex Nicol, 1916-2001), um mimado desordeiro que ataca o acampamento de Will. Este lhe dá uma bela surra.

ESTUDO ACURADO: Como menciona o Professor A.C.Gomes de Mattos em seu artigo sobre o grande cineasta numa das edições da saudosa revista Cinemin, sobre esta obra, a figura trágica do velho é de inspiração shakespereana, pois a analogia com o Rei Lear é evidente. Alec, cego, pensando em repartir o império, não percebe que é o filho adotivo quem mais o ama e pratica atos insensatos, provocando sua própria queda – dá enorme dramaticidade ao filme, que apresenta, sob o plano formal, uma inteligente utilização do CinemaScope.

O grande segredo deste western está em não ter aqueles momentos magníficos e nem um grande herói como costumeiramente esperaríamos ver nos westerns de Ford e Howard Hawks. Apenas homens comuns em busca de alguma coisa, seja por vingança, por conquista ou reconhecimento.

Aproveitando a simplicidade e o natural talento de Stewart em fazer homens comuns e do bem, Mann investe na vida dos personagens no presente, sem dar muita ênfase ao passado deles, que apesar de importante, não precisa ser um grande mistério. O que importa é ali, aquele momento e suas decisões sobre as armadilhas que a vida emprega.

5)REGIÃO DO ÓDIO (The Far Country) 1954
O vaqueiro Jeff Webster (Stewart) e o amigo Ben Tatum (Walter Brennan, 1894-1974). Eles chegam com seu gado a Skagway, no Alasca, onde enfrentam a ira do “juiz” Gannon (John McIntire, 1907-1991), que os manda prender e lhes confisca o rebanho. Pela intervenção de uma dona de saloon, Ronda Castle (Ruth Roman, 1922-1999), os dois são libertados e, sem dinheiro, aceitam servir como guia no comboio de Ronda até Dawson, onde ela pretende abrir um novo estabelecimento. No meio do percurso, Jeff e Ben voltam a Skagway, recuperam o gado e, já em Dawson, resolvem explorar uma concessão aurífera para, com o lucro, adquirirem uma fazenda no Utah. Porém Gannon e seus capangas vão atrapalhar os planos dos dois amigos.

ESTUDO ACURADO: Mann expõe nesta obra a dinâmica interação dos conceitos de individualismo e responsabilidade social. Obediente apenas as suas próprias convicções, Jeff a princípio não quer se envolver com os problemas dos outros e só saca do revólver quando se vê ameaçado; porém, no fim, ele vem a compreender valor da amizade sincera e, para o bem de todos e pelo bem da comunidade, elimina Gannon num lance de grande astúcia.

VICTOR MATURE - O HERÓI PRIMITIVO DE ANTHONY MANN

Esta obra registra uma das raras boas atuações do eterno (porém querido) canastrão Victor Mature (1913-1999). Como Mann conseguiu arrancar dele uma excelente interpretação, talvez jamais saibamos. O que sabemos é que Mann tinha o poder de arrancar boas interpretações em atores limitados, mas é fato que Mature conseguiu um desempenho primoroso na pele do caçador Jed Cooper, que junto com seus dois outros amigos também caçadores, Gus (James Whitmore, 1921-2009), e o índio Mungo (Paul Hogan), chegam a um forte avançado de cavalaria comandado pelo Capitão Riordan (Guy Madison, 1922-1996), que os contrata como batedores.

Jed fica interessado na esposa de um arrogante e racista coronel, Frank Marton (Robert Preston, 1918-1987). A esposa, Corina, é interpretada pela eficiente Anne Bancroft (1931-2005), que neste western esta de cabelos louros. O Coronel Marton usurpa o comando de Riodan e prepara seus soldados para um sanguinário embate contra os peles vermelhas.

ESTUDO ACURADO: Jed é simples e ignorante, e é visível nele inexperiência de vida, desprovido de conhecimento das armadilhas que a civilização pode impor, em suma, um selvagem que age por instintos e não por regras, sem contudo, perder uma certa inocência. Tem como orientador seu amigo Gus, bem mais velho e um pouco mais experiente, que o aconselha sempre e desaprova o interesse de Jed por Corina. O que é interessante na temática deste excelente western é a critica da civilização, muitas vezes hipócrita, feita por um selvagem e inocente.Outro ponto que podemos destacar é a desmistificação do General Custer (1839-1876), aliás é a primeira vez que o cinema viria por um fim no mito, quando o coronel Marton passa a sublinhar sua obstinação de combater os índios. Jed percebe que Marton não é bem quisto por seus comandados, e quando o deixa para morrer em um bosque, inocentemente ele retorna ao Fort com o que ele poderia achar estar dando boas notícias, mas logo percebe que foi reprovado por tal conduta, e claro que o lado primitivo de Jed não consegue compreender isto.

Vale ainda registrar o excelente roteiro de Philip Yordan (1914-2003), que foi colaborador de outros cineastas além de Mann (escreveu o roteiro de Os que Sabem Morrer, outra obra de Mann no gênero Guerra, estrelado por Robert Ryan), como Nicholas Ray (Johnny Guitar) e Edward Dmytryk (A Lança Partida).

UMA HEROÍNA DE MANN: MISS BARBARA STANWYCK.

Barbara Stanwyck (1908-1990) é considerada a Rainha dos Westerns, título este bem recebido. Ousada, versátil, e dinâmica, Stanwyck conquistou fãs por tais gabaritos. Sabia cavalgar muito bem, atirar, e em algumas ocasiões, dispensava até dublês nas cenas mais perigosas. Na década de 1960, já madura, mas ainda uma mulher atraente esbanjando todo charme, foi estrela da série de Tv “The Big Valley”, onde interpretava Victoria Barkley, matriarca e dona de um grande rancho, viúva, e que vivia com seus filhos. Entre inúmeros westerns em que ela atuou, Barbara foi a heroína de “Almas em Fúria”.

ALMAS EM FÚRIA (The Furies)- 1950
É um western freudiano sobre as relações entre a heroína, Vance Jeffords (Stanwyck) e seu pai, T.C. Jeffords (Walter Huston, 1884-1950), latifundiário do Novo México. Ela é expulsa de casa, após ter desfigurado com uma tesoura o rosto da madrasta (Judith Anderson, 1897-1992), que viera usurpar o lugar de Vance na imensa propriedade. Logo, o desejo de vingança impera em sua alma contra a madrasta.

Vance procura refúgio junto a um amigo de infância mexicano, Juan Herrera, (Gilbert Roland, 1905-1994); porém o pai cerca o reduto onde ele vive com a mãe e os irmãos e manda enforcar o rapaz. A filha jura então tomar a fazenda do velho, o que consegue, com a ajuda de um antigo pretendente, Rip Darrow (Wendell Corey, 1914-1968), também interessado na vingança, por outros motivos. Reconhecendo a derrota, o pai faz as pazes com a filha, mas vem a ser morto pela mãe (Blanche Yurka, 1887-1974), cuja morte havia ordenado.

ESTUDO ACURADO: Mann mantém a atmosfera dramática durante todo o desenrolar da narrativa. A tensão é realçada nos momentos de agressão à madrasta e do tiroteio no cerco à família dos mexicanos no alto do morro, fotografada com perfeitos contrastes de claro-escuro e efeitos de silhueta. O cineasta teve um grande apoio do elenco, todo ele irrepreensível, destacando-se naturalmente Walter Huston (pai de John Huston) e Bárbara Stanwyck . Produção de Hal Wallis para a Paramount Pictures, com roteiro de Charles Schnee do livro de Niven Busch. Foi o último filme de Walter Huston. O título em inglês se refere ao mito grego das Fúrias e é o nome da fazenda onde se passa a história. Na citada mitologia as Fúrias eram a personificação da vingança, o principal tema do filme.

O HERÓI INDÍGENA E TRÁGICO DE MANN COM ROBERT TAYLOR

O CAMINHO DO DIABO (Devil's Doorway)- 1950
Considerado um dos filmes que iniciou a fase de defesa dos índios no cinema americano. Aqui Mann, com sua sensibilidade inteligente, conduziu de maneira solene a trajetória de Lance Poole (Robert Taylor, 1911-1969), pele-vermelha da tribo soshone, condecorado por bravura durante a Guerra Civil, retorna à terra natal no Wyoming, onde enfrenta o ódio e a discriminação. Instigados por um oportunista, Verne Coolan (Louis Calhern, 1895-1956), criadores de ovelhas pretendem desalojá-lo do seu rancho de criação de gado, travando-se uma luta feroz, ao fim da qual o índio, mortalmente ferido, se entrega às forças da cavalaria, convocadas para impor a ordem.

ESTUDO ACURADO: Além da denúncia à injustiça social e ao preconceito, evidente inclusive no relacionamento do protagonista com uma advogada, Orrie Masters (Paula Raymond, 1924-2003), há o conflito de identidade refletido nos trajes híbridos que ele usa. A possibilidade da união entre as duas raças também é apresentada ao fim do filme, quando Lance, que de certa forma se interessa romanticamente por Orrie, diz a ela quando esta se declara: “Para nós, é impossível. Quem sabe daria certo entre nós daqui a cem anos, quando todos pudessem nos entender".

Tudo que há para ser dito sobre esta obra de Mann é dito pela câmera, que como indicado inicialmente, atravessa a superfície de cada situação e penetra a um nível de onisciência, compartilhando com o espectador a sensação pura e genuína de ler mentes. É assim que Mann vai construindo o ódio e preconceito, através daquela velha habilidade sobre-humana pra compor planos. Trazendo o público para a ótica do índio em oposição ao homem branco (o que por si só já é um verdadeiro evento no gênero), Mann capta todos os sinais de atrito racial e falhas de caráter (possivelmente invisíveis aos olhos de um branco) como manifestações físicas em cena.

Robert Taylor consegue aqui uma interpretação sóbria. Uma das características de Anthony Mann para com atores era arrancar deles, o máximo de potencialidade em suas interpretações, e ele poderia conseguir isso mesmo com atores limitados, como o próprio Taylor e Victor Mature.

HERÓIS EM DOSE DUPLA: HENRY FONDA & ANTHONY PERKINS

O HOMEM DOS OLHOS FRIOS (The Tin Star) 1957
Morg Hickmann (Henry Fonda, 1905-1982), ex-homem da lei que, ressentido contra a sociedade por causa de um acontecimento no passado, se torna caçador de recompensas, trazendo para o xerife Ben Owens (Anthony Perkins, 1932-1992) o corpo de um bandido e cobrando a recompensa. Ben é novato e um tanto inexperiente no ofício e, depois que Hickmann o tira de encrencas, os dois ficam amigos. O homem mais velho e experiente passa então a atuar como professor e conselheiro do jovem xerife, até que este adquire a confiança necessária para exercitar seu trabalho, dominando sozinho Bart Bogardus (Neville Brand, 1920-1992- na vida real herói americano condecorado na II Guerra e também uma cara conhecida como vilão em westerns), o maior desordeiro da cidade. Ao orientar o Xerife principiante, Hickmann se reeduca e a sua lassidão se transforma em ardor.

ESTUDO ACURADO: Novamente aqui temos um herói idealista (todos os cowboys-heróis de Mann são, e todos eles tem um passado comprometedor). Mas ao contrário dos demais personagens, que precisavam provar sua regeneração, este apenas se preocupa em passar sua experiência de vida a um jovem homem da lei, que exerce sua função bem timidamente. O que incomoda em Hickmann é o fato de não ser correspondido pela sociedade, afinal como homem da lei que fora, o mínimo que poderia receber é o reconhecimento pelo seu trabalho.
Achou mais fácil ser um Caçador de Recompensas. Estes, não eram necessariamente bandidos, mas era um meio de sobrevivência no Velho Oeste. Se o herói protagonizado por Fonda fosse um individualista por completo, não se incomodaria em ensinar a Ben (Perkins) os segredos do ofício (e muitas vezes, ingrato) de Homem da Lei. Ao menos, Ben não se demonstra ingrato.

GARY COOPER, O HERÓI AMARGURADO DE MANN

Anthony Mann já havia retratado a questão da regeneração humana em O Sangue Semeou a Terra. Dessa vez, o cineasta optou por colocar o herói não como alguém que confia na regeneração do ser humano seguido de sua própria experiência, mas também era preciso o protagonista tentar viver em paz e esquecer a qualquer custo o seu passado. No entanto, seus fantasmas voltam, e isto faz que ele não se sinta redimido por inteiro. Precisa, de alguma maneira, se redimir.

O HOMEM DO OESTE (Man of The West) - 1958
Link Jones (Gary Cooper, 1901-1961) abandonou seu passado criminoso para ter uma vida mais cômoda e honesta com sua esposa; anos depois, por uma fatalidade de destino, reencontra seu antigo tutor (que o tratava como filho) com outra gangue, mais jovem, contudo, menos interessante; dadas às circunstâncias, Link Jones é forçado a acompanhar a gangue em um crime mais ambicioso – terá que encarar de maneira mais intensa do que nunca, porque agora ele tem consciência de quem realmente era em seu passado sujo e violento e, talvez, expugná-lo de uma vez por todas em sua última missão.

Nos westerns anteriores, Mann já vinha se dedicando a desconstruir os mitos do Velho Oeste, como o xerife Wyatt Earp (em “Winchester 73”). Aqui, ele vai além e ataca a mitologia da época. Os bandidos são os mais reais que se aproximam dos westerns contemporâneos desde “Os Imperdoáveis” de Clint Eastwood, em 1992.

O perfil da gangue de malfeitores é construído como um triste comentário: Eles são homens proscritos, que vivem à margem da civilização, isolados em um rancho a 150 quilômetros de distância da cidade mais próxima.

Largado por engano na vastidão do deserto junto a uma cantora de cabaré, Billie Ellis (Julie London, 1926-2000) e um trapaceiro, Sam Beasley (Arthur O’Connell, 1908-1981), Link é obrigado a reviver um passado nada agradável de assaltante de bancos e se reunir à antiga quadrilha do tio.

ESTUDO ACURADO: Anthony Mann recicla mais uma vez seu herói predileto do gênero, o homem amargurado que tenta fugir de um passado condenável, em uma trama que enfoca mais uma vez os embates entre ex-amigos que agora se encontram em lados distintos da lei. Vale para registro a presença de outros talentos que muito contribuíram em outros filmes do gênero e que são caras conhecidas de muitos bons cinéfilos apreciadores dos westerns, como John Dehner (1915-1992), Royal Dano (1922-1994), e Robert J. Wilke (1922-1989), notáveis vilões que mereceram todo crédito pelo grande desempenho que cada um exerceu em suas performances. E na companhia desses “famigerados” esta Jack Lord (1920-1998) que seria mais conhecido como o Detetive Steve McGarrett na famosa série de TV HAVAI 5-0 (1968-1980).

O papel de Lord é de extrema importância no filme, onde interpreta Coaley, um dos bandidos de Dock Tobin, também criado como filho por ele. Podemos também analisar a cena em que Coaley humilha Billie (Julie London), forçando-a a tirar a roupa, sob o olhar de Link (Cooper), que impotente e sem defesa naquele momento, tem uma faca encostada na sua garganta por Coaley

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Mas Link não deixa barato, e é ai que entra o senso de justiça (e vingança) muitas vezes retratado nos westerns de Mann, quando o protagonista resolve dar o troco durante uma briga com Coaley. Além de sair vencedor, Link resolve humilhar Coaley da maneira igual com quem ele havia feito com Billie, tirando-o toda sua roupa perante Dock e seus comparsas, que acham graça.

Link esta disposto a matar Coaley, estrangulando-o (e já alquebrado pela surra que levou de Link), mas depois, Link percebe o quanto havia se transformado, deixando se igualar a Dock e seus capangas. Apesar desta momentânea mudança, Link mantém seus ideais. Coaley, humilhado por Link perante os demais, resolve mata-lo, mas é impedido por Dock, que o liquida.

MANN E O HERÓI IDEALISTA DE EDNA FERBER

CIMARRON (idem) - 1960

Mais para uma saga épica do que um western, Cimarron na verdade é um remake de um clássico dirigido em 1931 por Wesley Ruggles (1889-1972), baseada no famoso Best-Seller escrito por Edna Ferber (1885-1968) e publicado em 1929, autora de outra obra literária também já levada às telas, Giant (Assim Caminha a Humanidade), em 1956, com Rock Hudson, Elizabeth Taylor, e James Dean.

Anthony Mann utilizou-se de muitas mudanças, tanto em relação ao livro quanto da primeira versão cinematográfica, que foi estrelado por Richard Dix (1883-1949) no papel de Yancey. Com o "Movimento dos Direitos Civis" ganhando corpo na década de 1960, o roteiro de Arnold Schulman introduziu na história o tema da luta pelo reconhecimento dos direitos dos nativos americanos, e não deixando de esquecer também da emancipação feminina em voga e que também estava no seu auge, através da personagem de Sabra Cravat, esposa do protagonista da obra.

Em 1889, o advogado, jornalista, e aventureiro Yancey "Cimarron" Cravat (Glenn Ford, 1916-2006) se casa com uma dama do Sul, Sabra Cravat (Maria Schell, 1926-2005) e resolve retornar ao Oeste, tentando conseguir as terras com as quais sonhara construir um rancho e criar gado, aproveitando a "Corrida pela terra" iniciada com a concessão do governo americano de vários hectares de Oklahoma para a colonização, adquiridos dos índios.

Dentre os vários competidores pelas terras, Yancey reencontra antigos amigos, como o dono de jornal Sam Pegler (Robert Keith, 1898-1966 – pai de Brian Keith, também já falecido), a prostituta Dixie Kee (Anne Baxter, 1923-1985), que outrora foi interesse romântico de Yancey, e o filho de um falecido conhecido, que agora se tornara o jovem arruaceiro "Cherokee Kid" (Russ Tamblyn).

E também faz alguns amigos novos, como a família pobre de Tom Wyatt (Arthur O’ Connell, 1908-1981) e o judeu Sol Levy (David Opatoshu, 1918-1996). Dixie, que sabia do desejo de Yancey, o engana e fica com as terras que ele queria, com isso tentando fazer com que o aventureiro abandone a esposa e fique com ela. Yancey desiste da terra, mas permanece com a esposa no território, fundando um jornal no nascente povoado de Osage.

Idealista, Yancey se envolve em várias disputas e tiroteios inclusive por se revoltar contra as injustiças cometidas com os índios. Sua esposa teme pela sua segurança e Yancey acaba deixando-a sob o pretexto de uma nova "corrida de terras", a da "Faixa Cherokee" em 1893.

Depois vai para o Alasca e para Cuba, na guerra contra os espanhóis. Sabra aguarda seu retorno junto do filho do casal e cuida do jornal, com a ajuda de Jessie Rickey e do agora financista judeu Sol Levy. Depois das corridas pelas terras, a descoberta de petróleo traz novas mudanças à sociedade de Osage.

ESTUDO ACURADO: Um painel épico da história de Oklahoma a partir de 1889, quando o governo abriu à colonização aquele território em lotes de 160 acres, provocando uma desesperada corrida de pioneiros.

Como foi dito aqui, todos os personagens principais nos westerns de Mann são idealistas. Esperam um mundo perfeito e sem corrupções; as atitudes de um ser humano tem que ser incondicionais. Nada escapa para Yancey Cravat. Apesar de não ser fidedigno ao texto original de Ednar Ferber, o espírito do romance é bem caraterizado nesta última obra de Mann no Gênero, ao longo de seus 147 minutos de projeção.

Existe uma transformação considerada na esposa de Yancey, Sabra. Ela vem de uma família refinada e da elite social, e se casa com Yancey a contragosto de seus pais. Apaixonada pelo marido, ignora os riscos de explorar uma terra selvagem ao seu lado. Ela aprende tudo sobre a rudeza dos pioneiros, que a princípio fica chocada, mas ao longo do tempo, as próprias divergências entre ela e o marido a fazem crescer. Com a ausência do marido, ela se torna uma mulher independente e, praticamente, cria o filho só enquanto Yancey esta em busca de aventuras. Esta independência faz com que ela anos mais tarde se torne uma conceituada empresária bem sucedida. Da mulher outrora sonhadora com a nova “Terra Prometida” que o marido idealizou, ela se tornou realista e com os pés no chão.

Quanto a Yancey, não houve nenhuma mudança ou regeneração. O idealismo de Yancey chega a ser utópico (e por que não dizer egocêntrica as vezes?). Nem o futuro do filho e no bem estar familiar ele poupa quando recebe uma recompensa de agradecimento por ter liquidado o malfeitor da região – um cheque que ele acaba rasgando deixando Sabra enfurecida. Também se recusa a se candidatar a governador. Nesta fase, Yancey e Sabra já estavam bem posicionados e ricos, mas ao contrário de Sabra que é mais ambiciosa e se importa com status, Yancey é mais radical com suas convicções, odeia hipocrisias, e vê na política uma máquina de corrupção moral, onde os ricos também se banqueteavam em suas próprias ilusões.Não chega, evidentemente, ser um western ao velho e bom estilo que se espera à moda de Mann, pois o decorrer da história, tal como a própria obra original de Edna Ferber, sofreu mudanças ao longo do seu enredo.

Anthony Mann nos deixou um legado de obras inteiramente inesquecíveis em todos os gêneros cinematográficos, mas seus westerns são obras obrigatórias para todo bom cinéfilo que se preze ou amantes da Sétima Arte.

Fonte de Pesquisa: Revista Cinemin- nº 85- Ano: 1993- Autor: A. C. Gomes de Mattos.

100 Anos de Western - Autor: Primaggio Mantovi.

Os "Últimos Durões" no Cinema: Burt Lancaster & Kirk Douglas.

2011-10-29T16:15:00.000-07:00

Hoje, sabe-se que a relação entre estes dois titãs da cinematografia mundial, Burt Lancaster (1913-1994) e Kirk Douglas fora das telas não era das melhores. Poderiam parecer grandes bons amigos por atuarem juntos em sete filmes - Vitória em Entebbe (1976) (TV), Os Últimos Durões (1986), Sete Dias de maio (1964), A Lista de Adrian Messenger (1963), I Walk Alone (1948), Sem Lei e Sem Alma (1957), e O Discípulo do Diabo (1959) - devido em grande parte ao carisma que os dois grandes astros emanavam para as plateias. Contudo, o elo entre os dois não passava apenas de uma grande fachada de publicidade promovida pelo agente de Kirk Douglas, pois Lancaster tinha na realidade uma índole arrogante. Muitas vezes, Burt tratava Kirk com ironia, crueldade, e indiferença.

Burt Lancaster em 1991 sofreria um grave acidente vascular cerebral enquanto visitava seu amigo Dana Andrews, que iria falecer poucos meses depois e já estava sofrendo de doença de Alzheimer. Lancaster permaneceu internado até fevereiro de 1991, e incapacitado de se mover e de falar até sua morte em 28 de outubro de 1994. Kirk, apesar de uma série de problemas de saúde e até mesmo de um grave acidente aéreo em fevereiro de 1991 (mesma época em que Burt obteve alta do hospital), e que matou dois dos ocupantes do helicóptero, e sendo ele o único sobrevivente (acidente este que lhe provocou uma lesão nas costas debilitante), ainda vive (graças!!!) conseguindo esbanjar charme e simpatia com seus 94 anos (fará 95 no próximo dia 9 de dezembro).

OS ÚLTIMOS DURÕES (Tough Guys, 1986) marcou o último encontro destas duas lendas, registrando o retorno às telas de Lancaster e Douglas, numa intriga de muita ação e comicidade, dirigida por Jeff Kanew, que três anos antes (1983) havia dirigido Kirk Douglas no excelente policial Caçada Impiedosa/Eddie Macon's Run.

Dois veteranos assaltantes de trens, Harry Doyle (Lancaster) e Archie Long (Douglas), ganham a liberdade condicional após passarem exatos 30 anos na cadeia, e se deparam com uma Los Angeles completamente diferente da que conheceram. Harry vai para uma casa de repouso para idosos e lá encontra Belle (Alexis Smith, 1921- 1993), sua ex-namorada.

Archie, após experimentar diversos empregos e ser discriminado pela sociedade por sua condição de ex-presidiário, vai trabalhar numa academia de ginástica e conhece a administradora, Syke Foster (Darlanne Fluegel), com quem inicia uma relação amorosa, e para surpresa de Archie, com muito sexo.Depois de alguns incidentes, os dois amigos se reencontram de novo, e se aliam a Leon B.Litle (Eli Wallach, outra legenda viva do cinema), um pistoleiro aposentado que recebera a incumbência de mata-los. Assim como 30 anos antes, Archie e Harry resolvem numa última empreitada, assaltar o mesmo trem, para mostrar a sociedade e as autoridades que são tão bons como antigamente.

Como atração extra, o filme conta com a presença da falecida Alexis Smith, que foi par romântico de Errol Flynn em Montana-Terra Proibída; Cidade Sem Lei/San Antonio; e O Ídolo do Público/Gentleman Jim, de Raoul Walsh – do já mencionado Eli Wallach (quase centenário como Douglas, e ainda ativo), que atuou em vários clássicos do cinema, como Três Homens em Conflito/The Good, the Bad and the Ugly; e Sete Homens e Um Destino/The Magnificent Seven, de John Sturges, além de enumerar em seu currículo diversos outros trabalhos para o cinema e para a TV – e também de Charles Durning, hoje com 85 anos e que fez diversos trabalhos no cinema nos anos de 1970/80 e hoje vem se dedicando mais a TV.

A película ainda conta com um punhado de clássicos da música popular americana, que despontam Glenn Miller, Bing Crosby, Kenny Rogers e Janet Jackson. Pode não ser um dos melhores filmes de Burt e Kirk, mas na certa se tornou uma referência para filmes que combinam ação e humor, e nada mal para um último filme reunindo estas duas grandes lendas do Cinema Internacional.

FICHA TÉCNICA: OS ÚLTIMOS DURÕES

Título Original: Tough Guys
País: Estados Unidos
Ano: 1986.
Direção: Jeff Kanew
Elenco: Burt LanCaster, Kirk Douglas, Charles Durning, Eli Wallach, Jake Steinfeld, Dana Carvey, Alexis Smith, Darlanne Fluegel, Billy Barty, Monty Ash.

Tamanho não é Documento. Quem foi Charles Barton?

2011-09-20T07:20:00.000-07:00

Possivelmente, o profissional de menor estatura do cinema excluíndo os anões, of course...foi Charles Barton (1902-1981), com seus 1m57 de altura (mesma altura de Max Linder, famoso comediante francês do cinema mudo). Iniciou-se como ator no palco, em comédias montadas por copanhias ambulantes e shows de Vaudeville, indo depois para comédias de dois rolos.

Na Paramount, tornou-se prop boy (contra-regra) de James Cruze e depois de William Wellman, para quem em 1927, trabalhou em ASAS/Wings, chegando a ocupar o posto de assistente, passando a diretor em 1934, quando lhe confiaram o faroeste RICHA ANTIGA/Wagon Wells, estrelado por Randolph Scott e Buster Crabbe (o famoso Flash Gordon dos seriados das matinês).

Depois de fazer outros pequenos Westerns- o último foi TRIUNFOS NA MESA/Born to the West, com John Wayne, na Paramount, em 1938- abandonou o gênero e se dedicou a filmes de classe "B", de gêneros variados até encontrar nas comédias aquele em que se deu melhor, tendo dirigido oito filmes da série "Abbott & Costelo" para Universal.

Em 1939, foi lembrado por William Wellman (1896-1975) quando apareceu como ator em Beau Geste, clássico filme de aventuras estrelado por Gary Cooper, Ray Milland e Robert Preston, em que Barton interpreta um dos americanos que se alistam na legião estrangeira, instituição militar que, pelo visto (e segundo o ponto de vista do saudoso jornalista de Cinemim, João Lepiane, a que se baseia este artigo) não era muito exgiente em questão de altura.

Até 1962, dirigiu cerca de 60 filmes para a Paramount, Colúmbia e Universal, e também para produtores independentes, entre eles Wall Disney. Nas décadas de 1960 até 1971, também realizou vários trabalhos como diretor de TV, e dirigiu várias séries, entre as quais se destacam Denis, o Pimentinha, Zorro (Guy Williams), e Pattty Duke Show. Faleceu em 5 de dezembro de 1981, aos 79 anos.

ACIMA, uma fotografia não muito nítida, onde vemos Barton em intervalo de filmagem de TRIUNFOS A MESA, ao lado de John Wayne, de quem tinha 3/4 do tamanho. Diz-se que a legenda original da fotografia diz que "o baixinho é o patrão" e o qualifica como diretor "meio garrafa".

Bibliografia: Revista Cinemim, nº 76. Pg 6 - Sessão Isto não é fita...é fato, de autoria de João Lepiane (in memorian).

O Lado Místico e Controverso de Elvis

2011-08-16T08:24:00.000-07:00

Fazem hoje 34 anos que Elvis Presley morreu. O Mundo lamentou , pois foi um ícone de primeira grandeza não somente para os americanos, como também para grande parte de seus inumeros fãs espalhados pelos quatro cantos da Terra.

Tudo se falou a respeito de Elvis, seja pelas suas canções, seus filmes, e sua personalidade conflitante. Mas uma das coisas que também chamam a atenção é a admiração do cantor por assuntos que dizem respeito sobre religião, numerologia e astrologia.

Que Elvis era muito religioso, quase todo mundo deve saber, pois teve seus primeiros passos na música em uma Igreja Batista, e mais tarde, com a carreira já sólida e consagrada, gravou inúmeras canções e vários discos Gospel, além de suas famosas baladas, rock, e músicas românticas tão bem notórias.

Um aspecto muito importante da carreira de Elvis Aaron Presley era o seu profundo amor à música Gospel. Nascido e criado numa pequena cidade do sul dos Estados Unidos (Tupelo), Elvis teve desde o começo de sua vida uma aproximação muito grande com a canção religiosa. Foi ouvindo estes hinos sacros que o jovem Presley aprendeu a cantar e expressar seus sentimentos através da música. Todos os domingos Elvis, sua mãe Gladys e seu pai Vernon iam aos cultos protestantes da Igreja Primeira Assembléia de Deus. Lá o pequeno garoto do Mississipi ficava deslumbrado com o magnetismo e a vibração dos pastores. Pode-se dizer, sem medo de errar, que foi com estes pregadores que Elvis aprendeu que a música deveria ser acompanhada de uma performance que prendesse a atenção do público.

Gospel significa evangelho, credo, evangelizar. Elvis queria, além de cantar, tentar evangelizar através de sua música. Um cantor versátil, pois muito embora conhecido como o “Rei do Rock”, cantava também blues, baladas românticas, country, e naturalmente, a música que tanto o influenciou na carreira quanto na religiosidade do canto, o Gospel. Esta também é a música religiosa, seja ela de que movimento ou tendência cristã for, mas a Gospel music é muito mais identificada com a música evangélica americana. Nasceu nas pequenas comunidades religiosas espalhadas pelas cidades do interior dos Estados Unidos.

Os primeiro imigrantes ingleses que desembarcaram na América estavam fugindo da perseguição religiosa na Europa e foi para o novo mundo com a convicção de construir um novo lar, um novo país. Quando se instalavam em um novo local para construir ali as bases desta nova comunidade, a primeira coisa que construíam era um local para se realizar seus cultos religiosos.

Estes cultos despertaram um sentimento tão forte em Elvis que, aos nove anos, num gesto de caridade após o culto deu tudo o que possuía (um monte de gibis velhos) às crianças carentes da região. Já adulto e famoso Elvis sempre ia aos cultos das igrejas de negros para ouvir e cantar canções religiosas. Isto era um ato muito corajoso por parte do cantor, pois o sul dos Estados Unidos vivia uma separação racial muito forte entre brancos e negros. Para Elvis isto tinha pouca importância, para ele esta divisão não existia: tudo era música, tudo era mágica.
Era um conhecido “mão aberta”. Motivado talvez por um sentimento de caridade cristã além de exagerada, conforme interpretava ele o Novo testamento, Elvis era capaz de dar presentes caros até mesmo para desconhecidos. Em alguns dos seus shows nos anos 70, Elvis jogava jóias em direção ao público que os assistia em suas apresentações, algo que irritava seu pai Vernon.

SEGUNDO PERITOS que entendem de astrologia, Elvis tinha a Lua em Peixes. A Lua neste signo revela certa vulnerabilidade emocional. Também indica algum tipo de ligação especial com a mãe, com tendência a idealização. Tudo isso é característico marcante no traço de Elvis. A Afinidade com sua mãe era tanta que Elvis dormia na Cama dela até seus 15 anos de idade. Seu pai Vernon chegou a ser preso por contrabando de bebida alcoólica durante a lei seca.

As restrições por que Elvis passou na infância podem aparecer na conjunção de Saturno em Aquário com a Lua em Peixes. Saturno pode simbolizar algum tipo restrição, que no caso de Elvis era material, tendo ele uma forte ligação com a mãe, mas um distanciamento em relação ao pai. Com o Sol em Capricórnio, o pai fazia o papel de autoridade para Elvis, mas era a mãe quem coordenava e administrava tudo. Ela era o Sol em Capricórnio. Além disso, Saturno em signos do Ar pode expressar uma dificuldade em entendimento com um dos pais.

Como Elvis tinha Saturno conjunto a Lua, esta dificuldade com o pai era também emocional. Isto é fato verídico, pois Elvis e Vernon constantemente brigavam. A relação dos dois piorou muito quando a mãe Gladys morreu, pois não demorou muito, seu pai arranjou uma namorada e pouco tempo depois se casaram. Elvis sempre admitiu que não gostasse da madrasta, mas por estranho que seja se relacionava bem com os filhos dela, e um deles, Stanley, se tornou um membro da conhecida “máfia de Memphis”.

Certa vez, Vernon falou a Elvis que ele jamais seria a metade do homem que era só pelo fato de ter feito uma cirurgia de fimose durante o tempo que namorava sua segunda esposa. Isto irritou ainda mais o cantor.

Externamente, a imagem de Elvis era máscula. Ele tinha Marte no Meio-do-Céu, casa de sua imagem pública, e este Marte estava em quadratura com o Sol. Elvis tinha muita energia. Marte está em Libra, que é o signo do agradar. Marte em Libra pode simbolizar o galanteador, e Elvis certamente tinha esta faceta.

Apesar disso, em seu mapa a energia 'feminina' ou 'Yin' predominava, através de signos da Terra e Água. Isto não quer dizer, porém, que Elvis fosse "gay", e sim, que sua natureza psíquica tinha componentes da Água e da Terra. Elvis tinha necessidade de preenchimento emocional, o que não parece ter conseguido obter plenamente isto, depois da morte da mãe, enquanto ele ainda estava no Exército, além de segurança, materialização, concretização.

Elvis jamais se sentia satisfeito.

Esta característica 'Yin' de Elvis fez com que ele tivesse muito mais facilidade em se aproximar das mulheres do que dos homens. Por isto não é mero acaso que uma professora primária seja a primeira "descobridora" de Elvis, e que a mãe também tenha sido tão importante para ele. Com a Lua em Peixes, possivelmente ele achava abnegada, generosa, e também, de algum modo, sofredora. Com a Lua conjunta a Saturno, suponha que a mãe tinha um 'fardo pesado' (que o incluía principalmente), e se sentia 'devedor' disso. Mesmo que a mãe 'não exigisse nada'. É freqüente que a Lua em Peixes implique em um 'diálogo mudo', cheio de cumplicidade e entrelaçamentos. A mãe era, portanto, uma mártir (Peixes), mas era também sua base e esteio (Lua conjunta a Saturno). Não era raro Elvis sempre dizer que tudo que ele conseguiu através de seu sucesso ele devia a mãe e era dedicada a mãe. No enterro de Gladys, Elvis chegou a se atirar ao caixão em plena hora em que baixava ao túmulo, chorando e falando repetidas vezes que tudo que ele obteve foi por ela.

Tanto a profissão inicial, que era eletricista da General Eletric, Elvis escolheu como o fato de ele ter se interessado por uma cultura diferente da sua tem a ver com Urano. Urano rege eletricidade, e Urano participa da Cruz Cardinal de Elvis, que envolve Marte, Plutão, Sol, Mercúrio e Vênus. Com Plutão em meio a tudo isto, de alguma forma Elvis se sentia excluído e rejeitado pela sua cultura branca e anglo-saxônica. Então, buscou o contato com outra cultura (Urano), na qual conseguiu acomodar melhor sua identidade.

A Cruz Cardinal em seu mapa indica que Elvis esteve sempre tensionado em busca do seu eu (Sol, como planeta mais pessoal da Cruz), e que ele ativamente (Cardinal) buscava, através de uma agitação incessante (Marte), uma intensidade (Plutão) e desafio (Urano) constantes. Mesmo que os orbes não sejam exatos, podemos dizer que também nos seus relacionamentos ele vivia isto, já que Vênus também participa da Cruz.

Elvis era uma pessoa exagerada. Tinha uma rotina de trabalho puxada e gostava muito de comer (o que se refletiu em seu físico nos últimos anos de sua vida). Uma característica de Elvis era que, quando gostava de alguma coisa, queria muito daquilo. E tinha tanto que depois perdia o interesse. Era assim com tudo. Ele também carregava as pessoas em suas manias. Foi daí que nasceu a “Máfia de Memphis”, que era composto por 12 homens (em alusão aos 12 discípulos de Cristo) que foram colegas de colégio ou colegas de seu serviço militar na Alemanha, amigos de longa data que Elvis sempre quis compartilhar não somente suas amizades, como também as felicidades, tristezas, e grandes confidências, inclusive o seu uso excessivo de barbitúricos. Um desses doze era Red West, que também fazia com ele inúmeras cenas de luta nos filme do cantor. Para quem não sabe, Elvis era faixa preta Dan 7 em Karate.

Também eram esses doze que “cassavam” mulheres para as notórias orgias que faziam, quando o grupo se dirigia com Sua Majestade para uma casa exclusivamente direcionada para este objetivo, em Palm Springs, Califórnia.

Tempos depois, cerca de um ano antes de sua morte, Elvis dispensou a “máfia”. Quatro anos antes, tanto Elvis e seus “assessores” haviam recebido do Presidente Richard Nixon distintivos policiais, e Elvis foi nomeado “Agente anti-narcótico”, com toda patente de policial, uma ironia para quem consumiu entre 1960 a 1977 uma quantidade incalculável de barbitúricos.

Os integrantes da “Máfia” não gostaram nada dessa dispensa e escreveram um livro sobre Elvis contando de suas orgias e de seu consumo de drogas. Elvis chegou a pensar em mandar matar, mas um dos ex-integrantes, Joe Espósito, e um dos poucos que ainda eram homens de confiança do cantor, felizmente o fez ver que sua filha Lisa, então com oito anos, se decepcionaria com um pai assassino. Frank Sinatra, que leu o livro escrito pelo pessoal da "Máfia de Memphis" chegou a ligar para o cantor, e ofereceu ajuda a Elvis para dar cabo de Red West e os outros, com sua "influência" (Sinatra era um mafioso notório), mas o "Rei do Rock" recusou por dois motivos: Um porque tinha mudado de idéia graças aos conselhos de Espósito, e depois, porque no fundo jamais gostou de Sinatra.

Na realidade, Elvis gostava de armas de fogo, emblemas policiais, Cadillacs e cavalos. Isto vem, novamente, da quadratura entre o Sol e Marte. Elvis tinha uma agressividade e energia inatas, as quais tinham de dar vazão. Com exceção dos cavalos, uma possível preferência de seu Ascendente em Sagitário, todos os outros símbolos são 'marcianos' e masculinos. Em suas apresentações, Elvis também era o próprio Marte (que está na casa dez, à casa pública), fazendo apresentações vigorosas e movimentos como socos no ar.

Certa vez, Elvis tinha um "guru", que na realidade era seu cabeleireiro. Ensinava a Elvis certas noções de espiritualidade, inclusive sobre reencarnação. Entretanto, um homem que sempre conseguiu controlar não só a carreira de Elvis, mas praticamente a alma do cantor era seu famigerado empresário Tom Parker, intitulado “Coronel” (não se sabe por que, pois na realidade ele não tinha esta patente, e nunca foi militar) não gostava dos discursos que às vezes escutava por trás da porta entre o “guru” e Elvis, tanto que conseguiu dispensá-lo da vida do cantor, achando que poderia ser uma péssima influência para a vida do cantor.

Entretanto, mesmo depois de uma terapia promovida pelo guru e de sessões de doutrinação espiritual, Elvis era capaz de cometer atos de violência. Certa vez, saindo de uma sessão, Elvis pegou sua limusine e pediu a Red West, um de seus guarda costas e amigo da “máfia” para ele percorrer a estrada. Nisso, Elvis pede para Red parar o carro num posto de gasolina, onde estavam a ver dois frentistas brincando de brigar. Nisso, Elvis desceu da limusine, e falou aos caras: Vocês não devem fazer isso. Procurem se amar, pois a violência não leva a lugar algum.

Quando Elvis estava pronto para entrar no carro novamente, ele percebeu que um deles estava levantando o dedo maior em sua direção, o popularmente conhecido “vai se @#%”.

Imediatamente, Elvis se vira e chuta o estômago do indivíduo que cai longe. O outro resolve partir para a direção do cantor, mas este saca de um revólver. A sorte que Red tomou a sua arma e o fez entrar na limusine, partindo em seguida.
Outro caso de agressão e defesa pessoal envolvendo Elvis aconteceu num show, em Dallas, em 1974. Três homens invadiram o palco e começaram a mexer com o cantor. Elvis conseguiu atingir os três a golpes de Karatê, e os agressores foram encaminhados a polícia local.

Pode-se perceber em inúmeros de seus filmes nas cenas de luta que Elvis, sem dublês, utiliza desta arte marcial milenar. Também o fez em inúmeras coreografias nos seus shows dos anos 70 (com exceção de 1975 a 1977, onde mais gordo e já sentindo a saúde abalada, só fazia um cumprimento, em substituição ao antigo rebolado que o notabilizou no início de sua carreira nos anos 50).
Então Elvis era conhecido um traço místico e religioso. Porém, isto não impedia de ser agressivo, maníaco, temperamental, inseguro emocionalmente, e de sentir depressões, além também de ter a sensação de se sentir perdido. Segundo astrólogos, a depressão está refletida na sensível Lua em Peixes conjunta a Saturno. Estes dois planetas na casa três podem indicar que Elvis podia sentir falta de com quem dialogar realmente.

Saturno também expressa limites, e, após a morte da mãe, ninguém mais fez este papel. Elvis sentia faltar em sua vida algo especial (Lua em Peixes) e também um esteio, uma base (Saturno). Por isto possivelmente se deprimia e também expressava um misticismo exacerbado, que, aliás, pode ter sido responsável pelo mito coletivo de que ele não teria morrido (a Lua rege a casa oito de Elvis, que simboliza a morte e o pós-morte).

O fervor místico de Elvis também se expressa em Júpiter e em Escorpião (havia intensidade nas crenças de Elvis) e no próprio Netuno na casa nove, casa das crenças. Netuno rege a Lua pisciana de Elvis. Visões místicas e astrológicas.

Netuno está, porém, no signo oposto ao que rege. Em uma posição de complexidade, portanto. Netuno em Virgem pode funcionar como o 'divino' (Netuno) transposto para o cotidiano (Virgem), mas também o lado negativo de Virgem pode predominar sobre Netuno, inclinando a pessoa ao ceticismo, a visão de que tudo gira em torno de interesses e a decepção com as mesquinharias do mundo. É uma posição desafiante. Elvis viveu muito esta polaridade Peixes/Virgem, porque, conquanto fosse muito místico, via a sua vida fragmentada e sem sentido, e não conseguia viver este ideal no seu dia-a-dia. O abuso por medicamentos, que sobrecarregou o seu corpo, pode ser uma faceta de tudo isto, pois indica a busca do entorpecimento contra as desilusões, a depressão e a falta de sentido.

Quando morreu, em 16 de agosto de 1977, aos 42 anos, estava com um princípio de câncer nos ossos, graves problemas no cólon e no aparelho digestivo e ainda sofria de glaucoma no olho esquerdo, decorrente de hipertensão e estresse. Por conta disso, tomava grandes doses de medicamentos. Havia chegado ao peso de 120 kgs de seus 1m84 de altura (quando começou a carreira, pesava 78 kgs, e era apelidado de "The Pelvis"). A família de sua mãe também tinha um histórico de problemas cardíacos. Elvis morreu de um ataque no coração fulminante.

Elvis tinha muitos planetas em Capricórnio. Quando se tem muitos planetas em um signo, é preciso fazer um bom uso das características daquele signo, pois, de outro modo, a pessoa poderá ter problemas nas partes do corpo regidas por ele. Capricórnio rege os ossos. Elvis tinha o lado capricorniano do profissionalismo e da dedicação a carreira. Mas também tinha o lado capricorniano do perfeccionismo, da absorção excessiva de pressões e também da tendência a estafa e a exigir muito de si mesmo.

Os problemas cardíacos parecem estar expressos em dois pontos do mapa de Elvis. Em primeiro lugar, na quadratura que Urano envia ao Sol e a Mercúrio. O Sol rege o coração e Mercúrio a mente. Urano agita e pode trazer tendência à hipertensão, se a pessoa não aprender a controlar sua impaciência. Elvis, aliás, já tinha o Sol também em quadratura com Marte, outro planeta que ajuda a 'esquentar'. Tudo isto funcionava muito bem no palco, mas talvez não funcionasse tão bem assim na sua vida pessoal.

O segundo ponto que poderia explicar os problemas cardiocirculatórios é Saturno em Aquário. Aquário é o signo da circulação, e Saturno é restrito. Este planeta está conjunto a Lua, que rege o sistema digestivo. Isto indica que Elvis deveria ser cuidadoso (Saturno) na alimentação (Lua), e nós sabemos que não era o caso, em especial nos seus últimos anos de vida.

Ginger Alden, sua namorada com 20 anos, o encontrou caído na banheira. Os paramédicos foram chamados, mas não conseguirem reanimar Elvis e ele foram levado ao Baptist Memorial Hospital, onde novas tentativas de ressuscitação falharam. Ele foi declarado morto por seu médico, Dr. George Nichopolous, que listou a causa oficial da morte como arritmia cardíaca.

Embora Elvis nunca tenha se apresentado fora dos EUA (exceto uma vez no Canadá), países de todo o mundo enviou repórteres para Memphis. A cobertura da imprensa em jornais estrangeiros e na televisão européia foi quase tão extensa quando as reportagens nos Estados Unidos. Em todos os lugares do mundo, as pessoas lamentaram a perda de um artista insubstituível.
Uma hora após a morte de Elvis, fãs começaram a se reunir em frente à Graceland. No dia seguinte, quando os portões foram abertos para as pessoas verem o corpo de Elvis, a multidão foi estimada em 20 mil. Quando os portões foram fechados às seis e meia da tarde, cerca de 80 mil fãs haviam passado pelo caixão de Elvis. Muitos tinham vindo de diferentes partes do país; muitos de diferentes partes do mundo.

Posteriormente, tantas pessoas chegaram que foi impossível todas entrarem em Graceland, mesmo com a prorrogação do horário. Policiais temeram que pudesse haver problemas com o controle da multidão, mas não houve nenhum. Porém, ocorreu um trágico acidente que não tinha a ver com a morte de Elvis: um motorista alcoolizado atropelou três adolescentes na multidão, matando dois deles.

Os fãs de Elvis enviaram uma imensa coroa de flores, que foi colocada ao longo do banco em frente a casa. Todas as flores em Memphis foram vendidas até a noite de 17 de agosto e flores adicionais foram enviadas de outras partes do país. Esse foi o melhor dia na história do FTD, um serviço de entrega de cerimônia. Os funcionários da FTD alegam que mais de 2.150 arranjos foram entregues. Os arranjos foram ornados com raios brilhantes, violões, cães de caça e estrelas, como também na forma de coroas e buquês mais tradicionais. Muitos dos arranjos foram enviados imediatamente para o Cemitério Forest Hill, o local de seu enterro. Após o funeral, Vernon Presley permitiu que os fãs levassem as flores como recordações.

Várias celebridades compareceram ao funeral de Elvis, incluindo Caroline Kennedy, a cantora de música country Chet Atkins, os atores Lee Majors, Ann-Margret, George Hamilton, John Wayne, e Burt Reynolds, e o pastor evangélico da TV Rex Humbard, que foi um dos oradores durante a cerimônia. O comediante Jackie Kahane, que havia aberto muitos shows de Elvis, fez seus elogios e um ministro local também falou.

Artistas evangélicos cantaram, incluindo Jake Hess, J.D. Sumner, James Blackwood, e seus grupos vocais, como também a cantora Kathy Westmoreland. O caixão foi transportado para o Cemitério Forest Hill em um longo cortejo composto somente por automóveis brancos.

Mais tarde, quando alguém ameaçou roubar os restos mortais de Elvis, seu caixão foi levado para o Jardim da Meditação, atrás de Graceland. O corpo de Gladys também foi levado para o Jardim da Meditação, em 1977; Vernon Presley morreu e foi enterrado lá em 1979; e Minnie Mae Presley foi colocada ao lado do restante de sua família em 1980.

Abaixo o vídeo do youtube do JORNAL NACIONAL anunciando a morte do cantor, em 16 de agosto de 1977.

Capitão América- Dos Gibis para o Cinema e TV

2011-08-12T06:48:00.000-07:00

Um dos heróis mais populares dos gibis está de volta às telas do cinema, dessa vez sob a direção de Joe Johnston – Capitão América – O Primeiro Vingador resgata de modo fidedigna às origens deste super-herói criado em criado por Joe Simon e Jack Kirby em 1941, ou seja, há exatos 70 anos. Mas de lá pra cá, houve muitas interpretações deste personagem que vem encantando gerações (para aqueles entre 55 a 40 anos, as reminiscências ficam por conta dos desenhos do herói que eram exibidos na TV nos anos de 1960 e 70 no saudoso Clube do Capitão Asa, apresentado por Wilson Viana (1928-2003), onde também eram exibidos Homem De Ferro, Hulk, Namor, Thor e o Homem Aranha).

Não é a primeira vez que o “Sentinela da Liberdade” é levado às telas do cinema, pois o herói já emplacou em outras versões cinematográficas, bem como também na TV, e aproveitando o embalo do sucesso desta nova produção que vem arrecadando sucesso de crítica e público, vamos falar brevemente da origem de sua criação nos quadrinhos e sua transposição para a Telinha e para a Sétima Arte.

O Capitão América surgiu em 1941, durante a Segunda Guerra Mundial, na revista Captain America Comics, da Timely Comics (hoje Marvel), criado por Joe Simon (ainda vivo quase centenário) e Jack Kirby (1917-1994). Seu primeiro número vendeu rapidamente mais de 1 milhão de exemplares e fez de Simon e Kirby notórios da noite para o dia.

Segundo Simon, O Capitão América foi criado para divertir, não era propaganda, embora isso não tenha impedido que os simpatizantes nazistas nos Estados Unidos nos criticassem. Simon ainda lembra aquela idade de ouro na qual os Estados Unidos, em um período de alguns anos, dotou-se através da história em quadrinhos de todos os super-heróis possíveis e imagináveis, inclusive até em excesso.

A indústria das histórias em quadrinhos começou com o Superman e, quando os super-heróis começaram a ter sucesso, todas as editoras quiseram subir nesse trem, disse Simon. Mas, segundo ele, depois da Segunda Guerra Mundial muitos dos novos personagens não conseguiram mercado porque havia uma saturação de super-heróis nas bancas.
Capitão América, ou Steven Grant Rogers (mais conhecido como Steve Rogers), era um garoto americano franzino, nascido no Lower East Side, em Manhattan, Nova York, que queria participar do esforço de guerra contra os nazistas.

Mesmo recusado pelo exército, Steve se inscreveu em um programa de pesquisas militares. Por seu caráter perseverante foi escolhido entre muitos para ser cobaia do “Soro do Super-soldado” desenvolvido pelo Dr. Reinstein no experimento especial, "Operação: Renascer".

Logo após a aplicação do soro, o corpo de Steve se desenvolveu de maneira assustadora, criando músculos e resistência sobre-humana. Por obra do destino, Reinstein foi assassinado por um espião logo após o sucesso do teste de Steve, e a fórmula morreu com ele. Assim Steve foi o único super-soldado criado no projeto.

O Governo lhe deu um uniforme, um escudo e o nome de Capitão América. Bucky,um pré-adolescente, tornou-se seu parceiro e juntos lutaram na Europa durante a guerra.

Na Alemanha encontrou o Caveira Vermelha, braço direito de Hitler, que se tornou seu pior inimigo. O fim da Guerra foi também o fim do sonho. Bucky morreu, e o Capitão, ao cair de um avião nas águas geladas do Canal da Mancha, foi dado como morto e ficou congelado por décadas no Ártico.

Mas não demora, três anos depois, em 1944, a fabulosa Republic Pictures, responsável por inúmeros seriados das matinês de sábados e domingos nas décadas de 40 (e precursoras até mesmo das séries de TV) lança pela primeira vez um seriado para o cinema de 15 capítulos sobre o herói recentemente criado. Entretanto, nada fiel ao personagem e aos eventos que o cercam.

Com um clima mais detetivesco , o seriado Capitão América tem cenas de lutas espetaculares e uma narrativa que consegue prender o espectador a cada episódio, com finais que sempre colocam o herói em uma cilada, instigando os espectadores sobre o que viria no próximo capítulo, pois assim eram os seriados de cinema, para ver a sequência de um capítulo e saber se o herói conseguiu escapar da armadilha teria que comprar entrada na semana seguinte para saber como tudo aconteceu.

Steve Rogers na verdade era o promotor público Grant Gardner, o seriado não se passa na guerra, nem tem nazistas como vilões, o herói usa os punhos e as vezes revólveres ao invés do famoso escudo, e a própria identidade do Capitão América, como já foi dito, é outra, sem contar é claro que sua máscara não tem as asinhas que tão bem o caracterizam.

DICK PURCELL (1905-1944) foi o primeiro ator a viver o personagem no cinema. Embora para os padrões atuais, ser mediano na estatura e meio gordinho, convenceu a criançada da época que não ligava muito para detalhes. Mas poucos meses depois de concluir a série, Purcell morreu de um ataque cardíaco fulminante com apenas 38 anos após um jogo de golfe e seu corpo foi encontrado no vestiário do clube em cima de um sofá.

Outro detalhe importantíssimo sobre o seriado é a presença de George Lewis (1904-1995) que é um dos vilões e fez outros mais em vários seriados da Republic e da Colúmbia, e que mais tarde seria Don Alejandro de La Vega na série de TV do Zorro com Guy Williams, da Disney, em 1957.

Mas o vilão principal, o escaravelho (equivalente ao caveira vermelha nos quadrinhos, de tão sádico eram seus métodos) foi interpretado por Lionel Atwill (1885-1946), que trabalhou em grandes clássicos do cinema, como Capitão Blood, com Errol Flynn, e Mulher Satânica com Marlene Dietrich.
NOS GIBIS A revista Captain America Comics teve 75 edições publicadas entre 1941 e 1950, sendo que nos dois últimos números a revista já havia mudado o nome para Captain America's Weird Tales (os super-heróis haviam saído de moda e o horror era o material que mais vendia).

O personagem voltou em mais três edições, em 1954 (Captain America 76-78), seguindo a numeração anterior, mas teve seu título cancelado.

O Capitão América ressurgiria em The Avengers #4, de 1964. O personagem dividiu por alguns anos a revista Tales of Suspense com o Homem de Ferro (Tales of Suspense 59-99), e só voltou a ter seu próprio título em Captain América #100, publicado em 1968.

O personagem veio à televisão pela primeira vez em uma série animada semanal assinada por uma produtora canadense e criada a partir das páginas originais das revistas em quadrinhos. Logo no primeiro episódio, o desenho conta a origem do herói exatamente como esta nos gibis: Steve Rogers, um jovem franzino que não conseguia se alistar no exército se oferece como cobaia em um experimento militar que o transforma em um super-soldado a serviço do país (alguém Falou de Audie Leon Murphy, também franzino que se tornou o soldado americano mais condecorado da II Guerra mundial que também foi rejeitado pelos fuzileiros e acabou também persistindo e aceito pelo exército americano??? – bom, isto é uma outra história para breve em nossos artigos, já em pauta).

Também como nas HQs, o personagem tem como principal vilão o nazista Caveira Vermelha e, como aliado, o intrépido recruta James "Bucky" Barnes. Logo no quarto episódio da série, após se envolver em um acidente que coloca sua vida em suspensão, o herói é resgatado do mar pelos Vingadores, grupo integrado por Thor e Homem de Ferro ao qual a partir de então ele irá se juntar.
AQUI NO BRASIL, o desenho do Capitão estreou em 1967 juntamente com as revistas em quadrinhos da Editora EBAL, como estratégia de uma grande campanha publicitária dos postos Shell, que distribuía exemplares das revistas gratuitamente nos postos de gasolina (logo, os heróis Marvel também ficaram conhecidos aqui como Heróis Shell). A abertura do desenho do Capitão América no Brasil era exclusiva. Os desenhos, por aqui tiveram 3 dublagens, sendo a primeira a mais cultuada, pois tinha as músicas de abertura dubladas pelo grupo MPB4.

Afinal quem não se lembra desta musiquinha nas aberturas dos desenhos animados do Capitão?

O Capitão América lança seu escudo
Contra os que servem o mal acima de tudo
Avante, gigante, galante, vibrante
Que a brasa queima
E o mal não teima quando
O Capitão América lança seu escudo

O ORIGINAL:

When Captain America throws his mighty shield,
All those who chose oppose his shield must yield.
If he's lead to a fight and a duel is due,
Then the red and white and the blue'll come through.
When Captain America throws his mighty shie

AINDA NA TV, Mais ou menos na mesma época em que a CBS produzia a popular série de TV O Incrível Hulk, com Bill Bixby e Lou Ferrigno, a emissora resolveu tentar fazer uma nova versão em carne e osso para o herói e lançou dois filmes-piloto de um seriado.

Novamente, o roteiro preferiu se distanciar quase que completamente do super-herói dos quadrinhos. Em Capitão América, exibido pela primeira vez na CBS no início de 1979, o personagem é um desenhista que é tratado com "superesteroides" após se ferir gravemente em um acidente. Com a ajuda de um cientista, ele cria um arsenal de guerra que o ajudará no combate ao crime. Mais do que a tradicional motoca,o Capitão América desta geração também pilota uma van e até uma asa delta com as cores da bandeira americana.

Em ambos os filmes para a TV, o personagem é interpretado pelo ator Reb Brown, que veste uma fantasia não muito fidedigna ao personagem e usa um capacete enorme de motoqueiro, com direito a visor de acrílico. O escudo, com listras transparentes em lugar das brancas, serve não só como bumerangue para o herói mas também como parabrisas da supermoto pilotada por Rogers. A série não decolou.

Dez anos depois, a produtora Century Film Corporation tentou levar pela primeira vez o Capitão para a tela grande após o seriado da Republic dos anos de 1940. Ambicioso a princípio, o projeto tinha como um dos produtores ninguém menos que Stan Lee, o criador do Homem-Aranha e de diversos outros personagens da Marvel, e como ator principal Matt Salinger (foto), filho do lendário escritor J.D. Salinger. Assim surge o filme Capitão América, em 1990, realizado com baixíssimo orçamento, baseado nos super-heróis da Marvel Comics. Foi dirigido por Albert Pyun, produzido por Menahem Golan e Stan Lee, escrito por Stephen Tolkin, baseado numa história dele e de Lawrence Block. Algumas das tomadas foram realizadas nos Estados Unidos e também na Iugoslávia.

Apesar de algumas alterações nos personagens - o Caveira Vermelha, por exemplo, aparece como uma criação dos fascistas de Mussolini, não dos nazistas de Hitler como nos quadrinhos. A história era razoavelmente fiel à tradição do herói. O resultado final, porém, ficou bem abaixo da expectativa, e o filme acabou sendo lançado apenas em VHS só em 1992 (o saudoso Video Home System, quem poderia imaginar uma década depois o aparecimento dos DVDS?).

Agora o público, seja amante ou não de quadrinhos, ou mesmo fãs ou não do personagem, terão a chance de conhecer a versão definitiva do Herói dos Gibis Marvel, agora vivido por Chris Evans (foto, que já havia interpretado outro herói Marvel, o Tocha-Humana de Quarteto Fantástico), e em 3D. Assisti eu mesmo e gostei da superprodução e indico a todos a assistirem. Vamos ver os vídeos do Youtube sobre as várias fases do personagem, incluindo o trailer de CAPITÃO AMÉRICA – O PRIMEIRO VINGADOR.

CAPITÃO AMÉRICA - SERIADO DE 1944: DICK PURCELL

CAPITÃO AMÉRICA - DESENHO ANIMADO 1966- DUBLADO

CAPITÃO AMÉRICA - FILME PARA A TV 1979- REB BROWN

CAPITÃO AMÉRICA - 1990- MATT SALINGER

CAPITÃO AMÉRICA, O PRIMEIRO VINGADOR- 2011- CHRIS EVANS

Centenário de Nicholas Ray

2011-08-06T17:11:00.000-07:00

Nicholas Ray tornou-se um cineasta de grande repercussão quando tratou da rebeldia dos adolescentes da década de 1950. Afinal, o rock and roll estava no auge, e grandes mitos dos jovens estavam começando a surgir, como Marlon Brando, James Dean, e Elvis Presley, que eram os referênciais de rebeldia, e num tempo em que isso era considerado um tabu no cinema norte-americano. Se por um lado não era tão admirado pela crítica hollywoodiana, pelo outro os europeus, sobretudo os franceses, o admiravam. Transparente e polêmico, seus trabalhos são reconhecidos graças a sua temática sobre os desajustados e os incompreendidos da Sociedade.

Contudo, Raymond Nicholas Kienzle, seu verdadeiro nome, nasceu a 7 de agosto de 1911, em Galesville, Wisconsin, e de início seu interessou em arquitetura e seu mestre foi o renomado Frank Lloyd Wright (1867 - 1959). Mas logo foi se interessar pelo teatro, atuando como ator em várias peças dirigidas por futuros cineastas que fariam história, como Elia Kazan (1909-2003) e John Houseman(1902-1988).

Começou a fazer cinema depois do término da Segunda Grande Guerra e seu primeiro filme data de 1948. Tornou-se rapidanmente um diretor com marcas distintivas fortes: heróis frágeis, palpáveis, que tentam sobreviver num mundo cuja chave de decifração eles não detêm. Nesse mundo, a onipresente violência física e mental convive com a possibilidade de uma paixão arrebatadora e irrestrita.

Seus primeiros filmes frequëntemente focalizavam tipos marginalizados como heróis. Em seu primeiro filme como diretor, o lírico Amarga Esperança, de 1948, Farley Granger (1925-2011) fazia o papel de uma asaltante de bancos indeciso em sua fuga com a namorada. Em No Silêncio da Noite, de 1950, Humphrey Bogart (1899-1957- foto) era um roterista auto-destrutivo acusado de assassinato. Em Cinzas que Queimam, de 1951, Robert Ryan (1909-1973) era um policial amargo, e Johnny Guitar, de 1954, trazia Joan Crawford (1905-1977) como uma conivente dona de saloon.

Em Cinzas que Queimam, a estrutura básica de Juventude Transviada estava montada: um policial (Robert Ryan), nitidamente afetado pelo desencanto e pelo ambiente em que vive, passa a agredir violentamente os criminosos que persegue. Depois do enésimo caso de violência acima do aceitável, ele é conduzido a uma investigação no campo onde encontrará uma mulher cega (Ida Lupino), por quem se apaixonará, mesmo que isso implique reconsiderar sua relação com a violência e seu poder auto-destrutivo. O talento e a fluência de Nicholas Ray para filmar essas cenas extremas, tanto os arroubos de violência quanto os delicados momentos da paixão nascente, não fascinou de primeira a crítica norte-americana, mas encantou os então jovens críticos da revista Cahiers du Cinéma, que trataram de classificá-lo como o mais importante cineasta do pós-guerra (Éric Rohmer, em sua crítica sobre Juventude Transviada, que em Portugal se chamou Fúria de Viver, Cahiers nº59). Jean-Luc Godard acreditava ser Ray a expressão pura do cinema.

Johnny Guittar foi outro ápice do grande cineasta. Não tendo boa receptividade nos EUA na época do lançamento (e foi lançado por um estúdio classe B em Hollywood, a Republic, responsável por muitos seriados de Cinema e pelos primeiros filmes B estrelados por John Wayne), mas aplaudido na França, o conflito central é em cima de duas mulheres fortes, que se odeiam. Joan Crawford e Mercedes McCambridge (1916-2004, premiada com o Oscar de Coadjuvante por "A Grande Ilusão", em 1949).

Ray sempre declarou que o sub-texto era lésbico, que elas haviam sido amantes e agora se enfrentam como inimigas. Somente o espectador poderá conferir e tirar suas próprias conclusões para julgar esta declaração.

Nicholas Ray vivia dentro de uma aparente contradição. Sob as poderosas e milionárias asas de Howard Hugues (1905-1976), ele passava ileso pela perseguição do Senado Americano aos comunistas (muito embora todos em Hollywood soubessem de suas tendências esquerdistas). Em contrapartida, o preço da liberdade era alto: Ray era obrigado a realizar trabalhos sob encomenda, de temáticas que pouco ou nada lhe diziam. Pertencem a essa fase filmes como Alma Sem Pudor (1950), estrelado por Joan Fontaine, amante da vez de Howard Hugues, e Horizonte de Glória (1951), veículo para John Wayne e cuja abordagem de extrema direita era diametralmente oposta às convicções políticas de Ray e de Robert Ryan, também astro do filme. Como uma espécie de funcionário de confiança da chefia, Ray também dirigiu vários trabalhos sem crédito para cineastas como Irving Reis, Chester Erskine, John Cromwell e Josef Von Stenberg.

Em Juventude Transviada, Nicholas Ray encontrou um ator perfeito para designar todos os estados de espírito com os quais mais gostava de trabalhar; James Dean (1931-1955) é ao mesmo tempo um rosto de criança abandonado pela vida e, inversamente, a possibilidade de uma explosão de violência quando menos se espera. Mal ou bem, os protagonistas mais importantes de Nicholas Ray, de 1949 a 1955, são adultos abandonados, como Sterling Hayden, Humphrey Bogart ou Robert Ryan, aliás, estes dois últimos eram os atores prediletos do diretor.

Ray era um dos poucos cineastas que se dava bem em trabalhar com jovens e adolescentes, e tão poucos eram os diretores que tentaram conpreendê-los. Desde seu primeiro filme, Amarga Esperança" /They Live by Night, com Farley Granger e Cathy O’Donnell (1923-1970), não exatamente adolescentes, mas já se defrontando com a inadequação em um mundo adulto. E veio Juventude Transviada, em que Nicholas Ray tentou tão inteiramente compreender os jovens que até manteve um tórrido relacionamento amoroso com Natalie Wood, não respeitando nem a berrante diferença de 27 anos entre suas idades. Ele tinha 43 e ela 16. Dennis Hopper (1936-2010) queria matá-lo pois Natalie era, então, sua namorada, e ela tinha um temperamento volúvel.

O mais curioso e estranho nesse affair, é que Ray não procurou compreender o jovem e já incompreendido e violento Dennis Hopper, mas se entendeu bastante bem com James Dean e com Sal Mineo (1939-1976), dos quais se tornou grande amigo e mentor e Juventude Transviada/Rebel Without a Cause, deu o que falar e praticamente abriu as portas do cinema para analisar o comportamento dos jovens.
Por falar em análises, um ponto curioso é que o renomado cineasta quis fazer um close-up em cima de uma lenda do Velho Oeste, nada mais e nada menos do que Jesse James (1847-1882), tema que já havia levado às telas por Henry King em Jesse James, tempos de uma era sem Lei”, de 1939, estrelado por Tyrone Power e Henry Fonda.

Quem foi Jesse James?/The True Story of Jesse James, filmado em 1956 e lançado em 1957. Ray pretendia que James Dean interpretasse Jesse James, uma vez que o diretor queria dar um tom de rebeldia à vida do lendário fora-da-lei. Contudo, Dean morreu tragicamente em 30 de setembro de 1955 com apenas 24 anos de idade num acidente automobilístico fatal, logo, Robert Wagner, sem o carisma de Dean acabou protagonizando Jesse James, enquanto seu irmão Frank foi vivido por Jeffrey Hunter (1925-1969).

Na versão de Jesse James de 1939, estrelada por Tyrone Power (Jesse) e Henry Fonda (Frank), os irmãos James tornaram-se malfeitores devido aos acontecimentos sócio-econômicos que ocorriam nos estados do Sul derrotados pelas forças nortistas americanas na Guerra Civil. Em Quem foi Jesse James?, Ray tentou mostrar que os irmãos foram atraídos para a criminalidade por não conseguirem se enquadrar num mundo em que os jovens não tinham vez, restando a eles apenas obedecer. Portanto Ray descobriu uma causa para os irmãos sulistas jovens e rebeldes.

A 20th Century-Fox, que produzira a versão de 1939 dirigida por Henry King, também produziu esta nova versão da vida do bandoleiro apresentada por Ray, que antes de Juventude Transviada já havia chamado bastante a atenção da crítica, especialmente com western Johnny Guitar. Mas a Fox não ficou satisfeita com o trabalho de Nicholas Ray nesta nova releitura sobre Jesse James, e drasticamente editou o filme, tirando do mesmo a interpretação psicológica que Ray havia dado ao filme sobre os personagens interpretados por Wagner e Hunter. A Fox reduziu esse western de 105 minutos originais para 92, o que fez com que o diretor nunca aceitasse The True of Story Jesse James como um filme seu e o relegasse a um plano inferior na sua cinematografia. Uma pena.

Insatisfeito, Ray se sentia cada vez mais boicotado pelo cinema norte-americano, e possivelmente, como muito de seus heróis jovens ou maduros incompreendidos. Após rodar Jornada Tétrica (1957, com Christopher Plummer, foto) e A Bela dos Bas-Fond (1958), resolver fazer empreendimentos na Europa, e seus dois últimos filmes foram duas superproduções rodadas na Espanha, dos quais não teve o controle total da direção:

Rei dos Reis/King of Kings, de 1961, é um belo filme sobre a vida de Cristo, cujo ponto culminante é a cena do Sermão da Montanha, e que Ray dirigiu com muita competência, locomovendo, além dos atores, sete mil figurantes. O diretor posicionou uma postura cênica hierática e comovedora cuja projeção é de 168 minutos e tendo Jeffrey Hunter (com quem trabalhou em Quem foi Jesse James) no papel de Jesus, e curiosamente Robert Ryan, um de seus atores favoritos, como João Batista. Com um roteiro político (escrito pelo politizado Philip Yordan, amigo de Ray), colocando Jesus e outros personagens bíblicos do Novo Testamento em seu verdadeiro cenário , dando enfâse à dominação romana na Judéia nos tempos de Jesus Cristo. Na película bíblica de Ray, a figura de Cristo é posto de forma solene e até reverêncial, tendo como objetivo exaltar a figura do Filho de Deus. Mas Nicholas Ray, já um veterano na arte da direção e da análise de seus personagens, fazia questão de que estes tivessem uma força rebelde, buscando seu próprio destino. Então poderíamos esperar o Cristo de Ray um rebelde com causa (opostamente ao personagem de James Dean em Juventude Transviada) pela busca do amor ao próximo e pela Redenção, ou digamos, um Jesus com sangue, suor e lágrimas.

Contudo, apesar do cineasta fazer algumas pesquisas em bibliotecas e catedrais de Madrid e Espanha para compor o seu “Cristo”, se deixou levar pelos trâmites do produtor Samuel Bronston (1908-1994), que mais tarde iria falir seus estúdios em terras espanholas, e pelo amigo e roteirista Philip Yordan (1914-2003- que foi seu colaborador em outras obras), com quem se desentendeu durante as filmagens, rompendo definitivamente a amizade. O resultado acabou convencional, e muito embora o público tenha gostado (a trilha sonora de Miklos Rozsa garantiu a popularidade do filme) e algumas entidades católicas também, a crítica americana malhou cruelmente o filme apelidando como eu fui um Jesus adolescente.

55 Dias em Pequim/55 Days at Peking, de 1963, sobre a ocupação dos ingleses e norte-americanos na China, na época dos boxers. A narrativa constrói-se em torno nos três personagens centrais, interpretados por Charlton Heston, David Niven, e Ava Gardner. O soldado (Heston) é, homem de ação; o diplomata (David Niven, 1909-1983), um negociador; e a condessa russa (Ava Gardner, 1922-1990), uma condessa decadente. A condessa se sacrifica e Heston se humaniza ao estender a mão para receber uma menina chinesa. Em suma, esta última película dirigida pelo diretor foi mais uma produção conturbada (também por Samuel Bronston) filmada na Espanha com capital bloqueado pela lei de Remessas de Lucro. Houve problemas com falta de dinheiro, dificuldades para recrutar centenas de figurantes asiáticos por toda a Europa, e pela total falta de afinidade do elenco (causada em especial pelas bebedeiras de Ava Gardner, em papel para o qual Charlton Heston queria Jeanne Moureau).

Cansado das pressões do excêntrico Bronston, Ray abandonou a direção da fita após sofrer um ataque cardíaco durante as filmagens, deixando a finalização para os não-creditados Andrew Morton, o diretor de segunda unidade, e o fotógrafo Guy Green. O Resultado foi pior do que com o Rei dos Reis, não agradando nem crítica e nem público, e não demoraria muito tempo o excêntrico e dispendioso Samuel Bronston fecharia seus estúdios em Madrid (mesmo com sucessos como El-Cid e A Queda do Império Romano, que apesar de boas arrecadações nas bilheterias, não fez Bronston recuperar a perda com 55 dias em Pequim) e voltaria para o Estados Unidos, onde viveu em seus últimos anos de vida em Sacramento, na Califórnia, e sem as excentricidades de outrora, onde faleceu em 12 de janeiro de 1994, aos 86 anos.

NA VIDA PESSOAL, Nicholas Ray se casou 4 vezes. A primeira com Jean Evans, entre 1930 a 1940, de quem se divorciou.jovem escritora com quem já vivia desde o início da década. No ano seguinte, nasceu Anthony, o primeiro filho do casal. Ray, no entanto, não conseguia ser o protótipo do marido fiel. Durante o casamento, Evans se habituou a ver seu marido envolvido em inúmeros casos amorosos (e nem sempre com o sexo feminino). O casamento durou até 1940.
Segundo Casamento foi com a atriz Gloria Grahame (1923-1981, na foto), sua estrela de O Silêncio da Noite, entre 1948 a 1952, de quem também se divorciou.

Vale a pena contar para registro a relação entre Ray e Grahame.Tanto e tão imensamente Ray entendia os adolescentes que, quando encontrou seu filho do primeiro casamento, Anthony Ray (que se tornaria produtor), então com 13 anos, na cama com Gloria Grahame, Nicholas Ray não tomou nenhuma atitude passional, como teria tomado o personagem de Lee Marvin em Os Corruptos/The Big Heat que jogou café fervendo no rosto de Glória e deteriorou todo seu rosto.

Ray separou-se da inquieta atriz, e por felicidade ninguém saiu mortalmente ferido do escândalo. Contudo, podemos imaginar o quanto foi difícil para Ray ser trocado pelo filho já que Anthony Ray casou-se com Gloria Grahame em 1960 e com ela viveu por 14 anos, enquanto Gloria e Nick Ray ficaram casados apenas quatro anos. Gloria era uma madura mulher de 37 anos e o filho de Nicholas Ray mal tinha completado 20 anos quando se casaram. A única atitude de Nicholas foi pedir a guarda do filho Timothy que ele tivera com Gloria, para garantir sua segurança.

Terceira núpcias com a dançarina e coreógrafa Betty Utey, com quem se casou em 1958 e foi sua colaboradora também para alguns trabalhos do diretor que requeriam a dança, como A Bela do Bas Fond, de 1958, em que também atuou como atriz, e Rei dos Reis (1961) que coreografou a dança de Salomé, interpretada por Brigid Bazlen (1944-1989). Mais um casamento que acabou em divórcio. Sua última esposa foi Susan Ray, com quem se casou em 1969 e com quem viveu até o seu falecimento.

Abandonando a direção e Hollywood, Ray dedicou-se ao ensino universitário, lecionando Cinema e Direção até meados dos anos 70, quando descobriu que tinha câncer.

O antigo desafeto Dennis Hopper foi quem ajudou Nicholas Ray conseguindo que ele passasse a ministrar aulas na Universidade de Nova York. O homem que deu espaço para os jovens e seus problemas nas telas, era agora professor de cinema de alunos como Jim Jarmusch (diretor do controvertido western Dead Man, com Robert Mitchum). Como professor, Ray pedia aos seus alunos que fumassem maconha durante as aulas para melhor interpretar suas teorias. Aliás, drogas e cigarros foram minando cada vez mais a sua saúde ao longo do tempo.

Wim Wenders, que o admirava, o colocou em seu filme O Amigo Americano, de 1977, como ator, e co-dirigiu com ele o documentário Lightning Over Water, editado em 1980, e que reflete os últimos momentos de Nicholas Ray e sua luta contra o câncer, que finalmente o sucumbiu, em 16 de junho de 1979, aos 67 anos.Foi sepultado perto de sua mãe, em Wisconsin, Estados Unidos.

FRASES DO DIRETOR

• Acredito que isso vem do sentimento segundo o qual nenhum ser humano, homem ou mulher, é sempre bom ou mal. O essencial em toda representação da vida é que o espectador, quando assiste, tenha o sentimento de que, nas mesmas circunstâncias, faria a mesma coisa que o personagem faz se estivesse na pele dele, sejam esses atos bons ou maus. As fraquezas do personagem devem ser humanas, pois se elas o são, os espectadores podem reconhecer nelas suas próprias fraquezas.

- sobre o mal existir em cada ser humano, em entrevista concedida a Charles Bitsch, Cahiers du Cinéma 89, novembro de 1958.

• Existe violência em todos os meus personagens. Em todos nós, ela existe em potência. É por isso que eu prefiro os não-conformistas: o não-conformista é muito mais sadio do que aquele que por toda sua vida regula seu cotidiano, pois é aquele mais apto, no momento menos previsível, a explodir e matar o primeiro que aparecer.

- falando sobre a violência de seus personagens, em entrevista concedida a Charles Bitsch, Cahiers du Cinéma 89, novembro de 1958.

"O cinema é a melodia do olhar".
Nicholas Ray

FILMOGRAFIA
Segundo Wikipedia

1948 - They Live by Night (br: "Amarga esperança" / pt: "Filhos da noite")
1948 - A Woman’s Secret (br: "A vida íntima de uma mulher" / pt: "O íntimo segredo de uma mulher")
1949 - Knock on Any Door (br / pt: "O crime não compensa")
1950 - In a Lonely Place (br: "No silêncio da noite" / pt: "Matar ou não matar")
1950 - Born to Be Bad (br: "Alma sem pudor / pt: "A deusa do mal")
1951 - Flying Leathernecks (br: "Horizonte de Glórias" / pt: "Inferno nas alturas")
1951 - On Dangerous Ground (br: "Cinzas que queimam" / pt: "Cega paixão")
1952 - The Lusty Men (br: "Paixão de bravo" / pt: "Idílio selvagem")
1954 - Johnny Guitar (br / pt: "Johnny Guitar")
1955 - Run for Cover (br: "Fora das grades" / pt: "O fugitivo")
1955 - Rebel Without a Cause (br: "Juventude transviada" / pt: "Fúria de viver")
1955 - Hot Blood (br: "Sangue ardente" / pt: "Sangue cigano")
1956 - Bigger Than Life (br: "Delírio de loucura" / pt: "Atrás do espelho")
1956 - The True Story of Jesse James (br: "Quem foi Jesse James?" / pt: "A justiça de Jesse James")
1956 - Amère victoire (br: "Amargo triunfo" / pt: "Cruel vitória")
1958 - Wind Across the Everglades (br: "Jornada tétrica" / pt: "A floresta interdita")
1958 - Party Girl (br: "A bela do bas-fond" / pt: "A rapariga daquela noite")
1960 - The Savage Innocents (br: "Sangue sobre a neve" / pt: "Sombras brancas")
1961 - King of Kings (br: "O rei dos reis")
1963 - 55 Days at Peking (br / pt: "55 dias em Pequim)

Bibliografia: Revistas sobre cinema, site Cineplayers, Cinema de Hoje na TV com Paulo Perdigão, Site Wikipédia

Centenário de Robert Taylor

2011-08-03T14:42:00.000-07:00

A nossa saudosa escritora imortal, segunda mulher a ocupar uma cadeira na Acadêmia Brasileira de letras, Diná Silveira de Queiroz (1911-1982), escreveu certa vez um artigo em sua coluna no "Jornal do Commércio" intitulada "Jornalzinho pobre" sobre Robert Taylor. A crônica foi publicada em 29 de junho de 1969, poucas semanas depois da morte do grande astro do Cinema, e o título do artigo foi "Saudades de Robert Taylor". Assim dizia:

"Faz tanto tempo, meu Deus...nós vinhamos do Cine-Metro com aquela impressão de beleza de A Dama das Camélias, em que a grande Garbo esplendia com seu mistério jamais igualado ao lado de Robert Taylor. Então, uma amiga. depois de um silêncinho, deu uma gostosa risada e disse:

-Quando vejo Robert Taylor, nem gosto de voltar para casa
-Por que? - Perguntei-lhe sem atinar aquele riso
-Porque depois de ver um homem como Robert Taylor, acho meu marido muito feio.

E ainda nas palavras da Acadêmica escritora em seu artigo:

Robert Taylor era o o homem mais bonito do mundo, e além do mais personificava talvez o último galã e amoroso perfeito e bem amado de todas as mulheres, num tipo que o cinema moderno não produz mais hoje em dia.

ROBERT TAYLOR na verdade nasceu SPANGLER ARLINGTON BRUGH, a 5 de agosto de 1911, em Filley, Nebraska, EUA, filho único do Dr. Spangler Andrew Brugh, um médico, e de sua esposa, Ruth Stanhope Brugh. Quando jovem, Spangler Arlinghton era tímido e muito estudioso, e estudava violoncelo. Muitas vezes, acompanhava o pai nas visitas domésticas que fazia como médico e assistia todo o seu trabalho - desde partos até amputações - monstrando-se muito interessado na profissão de Hipócrates. As amigas da mãe faziam comentários sobre sua beleza, e ela lhes dizia que estava determinado a manter o jovem Arlinghton "puro" e "melhor do que os outros meninos", e sempre repetia: Mostre-me o que um menino de doze anos é, e eu lhe mostrarei o que ele será pelo resto de sua vida.

No tempo em que cursava a universidade, Arlinghton já atingira a 1m80 de altura, sendo dotado de esplendorosos olhos azuis e belos cabelos castanhos escuros. Sua bela aparência e habilidade no tênis, além de outros esportes, lhe valeram grande popularidade. Esforçou-se por superar seus problemas de fala, e acabou por se dar muito bem como orador, com uma voz muito boa e bem articulada.

Graduando-se em 1929, decidiu tornar-se médico como seu pai, matriculando-se no Colégio Doane, a contragosto da mãe, que o queria nas lições de violoncelo. Vencido pela determinação da mãe, Arlinghton estudou música, e logo foi transferido para o Colégio de Pamona, em Claremond, na Califórnia. Sua mãe o acompanhou durante a trajetória, determinada que o jovem Arlinghtom se tornasse um artista, fosse como fosse.

Mas quando chegou a Pamona, foi levado a estudos de arte dramática. Popular entre as garotas, sua boa aparência atingira o ápice, e todas queriam namorá-lo. Fez parte integrante de um grupo de teatro do colégio, participando de numerosa peças, entre as quais Camille(profético!) e Journey's End. Logo, um tal de Ben Piazza, um caçador de talentos da Metro-Goldwyn-Mayer(MGM), lhe fez uma proposta de teste ao vê-lo numa atuação teatral, mas de início o jovem Arlinghton não se empolgou, pois queria terminar seus estudos e pegar o seu diploma em 1933. Piazza pediu-lhe então que o procurasse mais tarde.

Formado, o jovem Arlighnton ambicionava ser ator profissional, para isso, matriculou-se na Escola Dramática Neely Dixon, que preparava atores para Hollywood. Porém, o pai ficou doente, vindo a falecer em outubro de 1933, sem chegar a conhecer as glórias do filho na meca do cinema. Logo, a mãe e o filho se mudaram para a Califórnia.

Continuando os estudos em Neely Dixon, conseguiu um teste cinematográfico nos estúdios de Samuel Goldwyn, que não resultou em nada. Acidentalmente, despertou a atenção de Oliver Tinsdell, um instrutor dramático da MGM. Trabalhou arduamente com Tinsdell e, em fevereiro de 1934, foi premiado com um contrato de sete anos com a MGM, começando com 35 dólares por semana, com escala prevista para aumentos periódicos.

Logo, surgiu a necessidade de um nome artístico para o novo ator. Ida Kiverman, secretária particular e braço direito de Louis B. Mayer, sugeriu Robert Taylor. A mãe - muito vaidosa - queria que fosse Robert Stanhope. Porém, prevaleceu a vontade de Mayer, e Robert Taylor foi o nome escolhido e mantido.

Nos estúdios, ninguém ignorava as pequenas possibilidades e o limitado talento do novo contratado, que tinha a seu favor um fato muito importante - fotografava excepcionalmente bem. Antes de arriscar um empréstimo à velha Fox, que necessitava de um ator jovem para fazer o namorado de Mary Carlisle, em Receita para a Felicidade/Handy Andy, em 1934, com o excelente Will Rogers, de quem Bob (apelido de Robert) Taylor diria mais tarde, que ele foi, em sua típica maneira americana, muito bondoso para com ele, e bastante encorajador.

Na MGM, logo vieram O Tesouro Enterrado/Buried Loot, em 1935; Especialistas em Amor/Society Doctor, 1935; Cadetes do Ar/West Point of The Air, 1935; O Cruzador Misterioso/Murder in the Fleet, também de 1935, onde se firmou em definitivo como o ídolo de todas as moças, recebendo um volume de cartas de fãs que já ultrapassavam Clark Gable, o que provava que ele estava agradando. Na ocasião, Robert Taylor já ganhava 450 dólares por semana. Veio então Melodia da Broadway de 1936/Broadway Melody of 1936, em 1936.

Nesta altura, a Universal Pictures estava a procura de um jovem e atraente ator, que pudesse com profundidade dar convicção ao papel de um médico em Sublime Devoção/Magnificent Obsession, versão cinematográfica do romance de Lloyd C. Douglas (o mesmo autor de O Manto Sagrado, levado às telas em 1953 com Richard Burton e Victor Mature). A grande Irene Dunne (1898-1990), estrela do filme, concordou em tê-lo como galã, e passou a ser considerada como sua madrinha no cinema. Isto provocou uma avalanche de cartas para Bob, que aumentaram tanto que os executivos de Culver City, onde ficavam os estúdios da Metro, perceberam que tinham um importante novo astro nas mãos.

Entre 1936 e 1939, Robert Taylor atuou ao lado de algumas das maiores estrelas de Hollywood: Janet Gaynor em Garotas do Interior/Small Town Girl (1936); Loretta Young em O Amor É Assim/Private Number (1936); Barbara Stanwyck em A Mulher que Eu Amo/His Brother's Wife (1936) e A Força do Coração/This Is My Affair (1936); Joan Crawford em Mulher Sublime/The Gorgeous Hussy (1937); Greta Garbo em A Dama das Camélias/Camillie (1937); Jean Harlow em Seu Criado, Obrigado/Personal Property (1937); Myrna Loy em Noite Feliz/Lucky Night (1939); e Hedy Lamarr em Flor dos Pântanos/Lady of the Tropics (1939).

Em razão dos trajes de época lhe caíram muito bem em Mulher Sublime, Louis B. Mayer e Irving Thalberg, chefes de produção da MGM, acharam que já era chegado a hora dele contracenar com a divina Greta Garbo (1905-1990). E isso aconteceu em A Dama das Camélias, filme dirigido por George Cukor (1899-1983). Taylor esteve impecável como Armand Duvall, o ardente apaixonado de Marguerite Gautier.

Dizem que foi Greta Garbo que o escolhera como galã, mas não foi bem isso. O que Mayer e Thalberg queriam mesmo era que o filme desse dinheiro e, para isso, nada melhor que reunir sua maior estrela, e o novo ator, cujo nome crescia a cada dia como uma das mais fortes rendas de bilheteria, e acertaram em cheio. Camille foi um dos campeões de bilheteria da década de 1930, e o segundo grande sucesso da carreira de Robert Taylor, valendo à Garbo a sua segunda indicação para o prêmio da Academia, na categoria de melhor atriz.

Virginia Bruce (1910-1982), então em processo de divórcio com John Gilbert, foi a primeira sophisticated lady a ensinar Robert Taylor como se livrar da ascendência da mãe. Depois de alguns meses, o romance com a loura atriz terminou, pois a MGM insistia para que não houvesse casamento, uma vez que o público feminino preferia ver o novo ídolo com a imagem de "disponível".

Bob contracenou com Barbara Stanwyck durante as filmagens de A mulher do meu irmão, mas eles já se conheciam pessoalmente, apresentados por Zeppo Marx, sócio de Stanwyck numa fazenda de criação de cavalos.

Ele, estava completamente desimpedido, e ela, em processo de divórcio com Frank Fay. Barbara havia passado por grandes dificuldades e era, em muitas coisas básicas, o oposto de Bob. Faltava-lhe uma sólida educação, havia perdido os pais muito cedo, e viera para Hollywood via Broadway. A Metro continuava a desaprovar qualquer idéia de casamento, e assim o namoro entre Barbara e Bob se estendeu por três anos, resultando em casamento somente em maio de 1939.

A sinceridade de suas cenas românticas em A Mulher do Meu Irmão e A Força do Coração era inequívoca, e emocionou os fãs. Quando indagada pelos repórteres, Barbara foi positiva na resposta: "O rapaz tem muito que aprender, e eu tenho muita coisa a ensinar". Dela, Bob disse: "Jamais encontrei em Nebraska uma mulher como Barbara".

Em 1940, Robert Taylor alcançou um dos seus maiores sucessos, num filme que ele havia considerado o melhor que havia feito, e no qual teve o seu desempenho preferido, A Ponte de Waterloo, sob a direção de Mervyn LeRoy (1900-1987). Vivien Leigh (1913-1967), que dois anos antes tivera um papel menor em um outro filme de Bob, Um Ianque em Oxford/A Yank at Oxford, de Jack Conway (1887-1952), tivera seu nome creditado antes do dele, devido ao resultado recente do magnífico triunfo de ... E o Vento Levou/Gone With the Wind, em 1939.

Foi neste filme em que Robert Taylor apareceu com os caprichados bigodinhos que tão bem o identificaram em outros filmes posteriores, embora vez ou outra, os raspasse caso o papel exigisse, como Gentil Tirano/Billy The Kid, em 1941, seu primeiro western, aliás, seria um dos grandes Man of the West da década de 1950 e 60.

Em 1942, Bob contracenou com Lana Turner (1921-1995), em Estrada Proibida/Johnny Eager, e onde teve uma de suas melhores interpretações, além de um de seus grandes sucessos comerciais, claro, com o apoio natural da atração que lana representava na época, como o maior símbolo sexual do cinema. Mas quem levou a melhor neste filme de Mervyn Le Roy foi Van Heflin (1910-1971), talentoso ator que abiscoitou o Oscar de melhor ator coadjuvante, por seu desempenho no filme.

Para horror de sua mãe e da esposa Barbara, Bob resolveu se alistar como piloto civil durante a II Guerra Mundial, interesse despertado durante as filmagens de Supremo Comando/Flight Command, em 1940. Em pouco tempo, estava pilotando seu próprio avião.

Em 1943 fez dois filmes sobre operações bélicas: As Pontes do Inferno/Stand By Action e A Patrulha de Bataan/Bataan. No mesmo ano, como piloto civil, alistou-se no corpo aéreo da marinha e, comissionado a tenente, solicitou que o escalassem para serviços de combate. Todavia, pelos seus 32 anos, foi considerado muito velho e foi recusado. O aproveitaram, porém, como instrutor de vôo, e por ter experiência em Hollywood, orientou o trabalho de diversos filmes sobre treinamentos, desligando-se do serviço.

Retornou a Hollywood em 1946, atuando ao lado de Katharine Hepburn (1907-2003) em Correntes Ocultas/Undercurrent, filme considerado razoável, quando ele precisaria de algo melhor para se recuperar dos três anos passados longe dos estúdios e do público.

O casamento de Bob e Barbara já não ia bem também, e raramente passavam o tempo juntos, pois ele ficava tanto tempo com os amigos como uma fuga pelo desgosto de seu último filme, caçando, pescando, e dirigindo motocicleta, o que abateu tanto a esposa quanto a mãe, que ainda tentava interferir em sua vida. A propósito, Barbara Stanwyck e Ruth Stanhoope jamais se gostaram.

Outros filmes foram feitos com Robert Taylor entre 1946 e 1950, porém nenhum que tivesse o grande impacto que servisse para a recuperação de seu prestígio anterior.
Lábios que Escravizam/The Bribe (1949), com Ava Gardner (1922-1990), com quem teve um romance fora das telas (e segundo a autobiografia da atriz, lançada na década de 1980, ela teria tirado a impotência de Bob devido ao consumo de cigarros), e ainda no auge da beleza, foi um razoável exemplar mediano de clássico noir. Sua co-estrela seguinte foi a jovem Elizabeth Taylor, então com 17 anos de idade. Uma história divertida revelou que ela o excitava tanto durante suas cenas de amor de Traidor/Conspirator, em 1950, que ele ordenou ao cameraman que o fotografasse da cintura para cima.

Em 1950, enquanto estava na Itália estrelando o épico religioso Quo Vadis, cujas as filmagens duraram sete meses, sob a direção de Mervyn LeRoy, em Hollywood os rumores sobre o seu divórcio enchiam as colunas de fofocas e jornais. Realmente, algo estava no ar, quando estourou de vez a notícia da "outra" com quem Bob Taylor se envolvera em Roma, a estrelinha italiana Lia de Leo, com uma diminuta participação no filme (identificada como a pedicure chutada por Nero/Peter Ustinov)

Barbara largou tudo e tomou o primeiro avião para Roma. Encontrou tudo bem, uma vez que a ninfeta já havia sido descartada por Bob. Todavia, foi confirmada in loco a infidelidade do marido, e Barbara entrou com uma ação de divórcio tão logo regressassem aos Estados Unidos e, no início de 1951, estavam legalmente separados. Após o divórcio, Bob teve rumorosos casos com mulheres, mas esse aspecto era mantido sob estrita privacidade, e sua vida sempre foi livre de escândalos. Seu cavalherismo e sua afabilidade para com o belo sexo, o fruto da vida anterior e da inflluência materna, mantinham-no fora das manchetes picantes.

Um dos casos de Bob foi com a atriz Eleanor Parker, então uma bela jovem de 31 anos, que se apaixonou por Bob Taylor. Contracenaram em três filmes como par romântico: Seu Nome e Sua Honra/Above the Beyound (1953); Vale dos Reis/Valley of the Kings (1954); e Sangue Aventureiro/Many Rivers to Cross (1955). Foi durante as filmagens desta última película que Robert Taylor, em 1955, se casou com Ursula Thiess. Eleanor Parker recebeu a noticia com tristesa e decepção, uma vez que ainda nutria esperanças de casar com ele. Mas Bob a via como uma "outra Barbara Stanwyck".

Com Ursula Thiess (falecida em 2010), que era divorciada do diretor alemão George Thiess, e mãe de dois filhos, Bob a tinha como o tipo ideal de mulher para casar. Depois de uma carreira como modelo fotográfico, ela virou atriz. Foi uma união feliz, e que deixou Bob sossegado e responsável. Com ela, Bob Taylor adorava viver em seu rancho, em Mandeville Canyon, e ainda tinha uma bela mansão, e alegre e feliz, criava galinhas, cuidava da plantação, e cavalgava ao lado da esposa. Sentia-se um rei em companhia de Ursula, de seus filhos, e dos filhos que ela lhe dera - Tery (1955) e Tessa (1959) - levando uma vida muito sadia.

Na década de 1950, Taylor se especializou também em faroestes, onde se destacaram A Bela e o Renegado/Ride Vaquero (1953); A Última Caçada/The Last Hunt (1956); Irmão contra Irmão/Saddle in the Wind (1958); Duelo na Cidade Fantasma/The Law and the Jake Wade (1958); O Mensageiro da Morte/The Hangman (1959); e Pistolas do Sertão/Cattle King (1963).

E foi o protagonista de filmes épicos além de Quo Vadis (1951); Ivanhoé, o Vingador do Rei/Ivanhoe (1952); Os Cavaleiros da Távola Redonda/Kinights of the Round Table (1954); e 'A Coroa e a Espada/Quentin Durward (1954).

Robert Taylor foi contratado da Metro-Goldwyn-Mayer por 25 anos ininterruptos (derrubando os 24 anos de Clark Gable). Ao expirar o prazo de seu último contrato com a MGM, fez nos estúdios de Culver City um thriller criminal razoavelmente bom, A Bela do Bas-fond/Party Girl, em 1958, sob direção de Nicholas Ray (1911-1979).

Em 1959, Taylor decidiu corajosamente ingresar na televisão, onde atuou como protagonista na série The Detectives, na ABC, interpretando o Capitão Matt Holbrook, que foi um sucesso imediato e total. Tranferiu-se para o canal NBC para fazer Robert Taylor's Detectives, variação do tema anterior.
Em 1964 voltaria a contracenar com Barbara Stanwick (1908-1990) no filme de horror The Night Walker. De 1966 a 1969, atuou ainda na televisão como anfitrião e astro ocasional em Death Valley Days, função que ele recebeu do amigo Ronald Reagan (1911-2004), que deixou a televisão para ingresar na política, onde se elegeria governador do estado da Califórnia, em 1966. Participou em filmes de televisão como astro convidado, na série Hondo, e também no western A Volta do Pistoleiro/Return of the Gunfighter (1966), para a MGM-TV, que marcou sua volta a Culver City, para uma despedida deifinitiva.
Entre 1964 e 1968, fez seus últimos filmes nos Estados Unidos e na Europa, nenhum porém com boa representividade para a carreira em declínio, consciente de que seus bons tempos já haviam passado.

Fumante inveterado, Bob consumia três maços de cigarros por dia, e a isso foi atribuído o câncer que o atacou nos pulmões. Diagnosticado o mal, teve extirpado o pulmão direito, em outubro de 1968. Abandonou o fumo, deixou de beber e passou a dormir mais cedo. Mas aí já era tarde demais. A doença continou a progredir e o consumia rapidamente. Na primavera americana de 1969, a deterioração era generalizada, e em 8 de junho do mesmo ano, Robert Taylor, um dos mais carismáticos galãs do cinema, morria no St. John's Hospital de Santa Monica, na Califórnia, aos 57 anos de idade.

Não obstante os estragos que o câncer havia lhe causado aos pulmões, ocasionando indescritíveis agonias durante seu último ano de vida, ele enfrentou o fim com resignação e coragem.

No necrológio feito durante os funerais, disse Ronald Reagan: Talvez cada um de nós tenha sobre ele lembranças próprias e diferentes, porém, de alguma forma, todas elas nos levam a um homem fino, delicado, e gentil.

FRASES DO ATOR

Tenho mais de 50 anos de idade. Meus cabelos ainda não estão grisalhos, mas as rugas já começam a aparecer. Cirurgia Plástica, nunca farei. Como gosto de trabalhar, aceito todo papel que venham a me oferecer, seja importante ou não, mas Galã, nunca mais. Detestaria me passar por ridículo.
- 1966.

Trabalhar com ela foi uma experiência mágica. Eu era apenas um jovem e inexperiente rapaz de 25 anos, e ela estava com seus 31, e em plena florescência, e já uma lenda do cinema. Algumas pessoas disseram que minha atuação em "Camillie"(A Dama das Camélias)é a melhor de todas, e se for verdade mesmo, devo agradecer a ela e a George Cukor. Não se pode trabalhar com uma mulher como aquela sem captar um lampejo dela, e Cukor é um mestre em extrair o melhor de um ator.

- sobre sua colega Greta Garbo e o diretor George Cukor, sobre o filme "A Dama das Camélias".

Ela era ardente, talvez um pouco assanhada, mas profundamente gentil, longe de ser aquele monstro que alguns jornalistas fizeram dela.

- sobre sua colega, a atriz Jean Harlow (a 1ª loura platinada de Hollywood), em entrevista concedida em 1957.

JORNALISTA BRASILEIRO ENTREVISTOU ROBERT TAYLOR

SEU NOME: GILBERTO SOUTO

Sempre lembrado homem de cinema correspondente brasileiro em Hollywood da revista Cinearte, por muitos anos, Gilberto Souto (já falecido) contou em um de seus magníficos artigos publicados no Jornal O GLOBO em sua seção "Cinema, ontem e Hoje", ter almoçado com Robert Taylor, em 1936, quando seu namoro com Barbara Stanwyck era assunto em todas as rodas.

Logo, o Bob foi perguntando:
- De que vamos falar?
- Nada receie - respondeu Souto - Não vou lhe pedir para que fale de Barbara.
Rindo muito, exclamou o ator:
- Meu Deus! até que enfim! Apareceu um que não quer se meter em minha vida privada.

FILMOGRAFIA
1934 - Handy Andy (br: Receita para Felicidade)
1935 - Buried Loot (br: Tesouro Enterrado)
1935 - Society Doctor (br: Especialistas de Amor)
1935 - West Point of the Air (br: Cadetes do Ar)
1935 - Magnificent Obsession (br: Sublime Obsessão)
1935 - Broadway Melody of 1936 (br: Melodia da Broadway de 1936)
1936 - His Brother's Wife (br: A Mulher de Meu Irmão)
1936 - Private Number (br: O Amor É Assim)
1936 - A Small Town Girl (br: Garotas do Interior)
1936 - The Gorgeous Hussy (br: Mulher Sublíme)
1937 - Camille (br: A Dama das Camélias)
1937 - This Is My Afair (br: A Força do Coração)
1937 - Broadway Melody 1938 (br: Melodia da Broadway 1938)
1938 - Three Comrades (br: )
1938 - A Yank at Oxford (br: Um Ianque em Oxford)
1938 - The Cross Roars (br: Fibra de Campeão)
1939 - Stand up the Fight (br: Amor de Espião)
1939 - Lucky Night (br: Noite Feliz)
1939 - Lady of the Tropics (br: Flor dos Trópicos)
1939 - Remember?
1940 - Flight Command (br: Supremo Comando)
1940 - Waterloo Bridge (br: A Ponte de Warteloo)
1941 - Billy The Kid (br: Gentil Tirano)
1942 - Johnny Eager (br: Estrada Proibida)
1943 - Bataan (br: A Patrulha de Bataan)
1944 - Song of Russia(br: A Canção da Rússia)
1946 - Undercurrent (br: Correntes Ocultas)
1949 - The Bribe (br: Lábios que Escravizam)
1950 - Conspirator (br: Traidor)
1950 - The Devil's Doorway (br: O Caminho do Diabo)
1951 - Quo Vadis (br: Quo Vadis?)
1952 - Ivanhoe (br: Ivanhoé, o Vingador do Rei)
1953 - Above and the Beyound (br: Seu nome e Sua Honra)
1953 - Ride, Vaquero! (br: A Bela e o Renegado)- 1953
1953 - All the Brothers Were Valliants (br: Todos os Irmãos Eram Valentes)
1954 - Knights of the Round Table (br: Os Cavaleiros da Távola Redonda)
1954 - Valley of the Kings (br: O Vale dos Reis)
1954 - Rogue Cop (br: Pecado e Redenção)
1955 - Many Rivers to Cross (br: Sangue Aventureiro)
1955 - Quentin Durward (br: A Coroa e a Espada)
1956 - The Last Hunt (br: A última caçada)
1956 - D-Day the Sixth of June (br: O Dia D)
1958 - Saddle the Wind (br: Irmão contra Irmão)
1958 - The Law of the Jake Wade (br: Duelo na Cidade Fantasma)
1958 - Party Girl (br: A Bela dos Bas-Fond)
1959 - The Hangman (br: O Mensageiro da Morte)
1959 - The House of the Seven Hawks (br: A Casa dos 7 Gaviões)
1960 - Killers of the Kilimanjaro (br: A Morte Vem do Kilimanjaro)
1963 - Castle King (br: Pistolas do Sertão)
1964 - The Night Walker (br: Quando Descem as Sombras)
1966 - Return of the Gunfighter (br: A Volta do Pistoleiro) (televisão)
1967 - Savage Pampas (br: O Selvagem dos Pampas)
1968 - The Glass Sphinx (br: A Esfinge de Cristal

BIBLIOGRAFIA: Robert Taylor, Galeria de Estrelas - Revista Cinemin, nº 54 em base em artigo escrito por João Lepiane.

O Dia em que Carole Lombard deu Banho Duplo.

2011-07-07T07:42:00.000-07:00

No início de sua carreira no cinema, Carole Lombard (1908-1942) fez dois filmes com o Astro-Cowboy Buck Jones (1891-1942), ambos na velha Fox Films. O primeiro deles foi Coração e esporas/ Hearts and Spurs, de 1925, sob a direção do lendário W. S Van Dyke (1899-1943), que dirigiu o primeiro filme de Tarzan estrelado por Johnny Weissmuller, e que nos anos trinta se tornaria um dos mais importantes cineastas da Metro-Goldwyn-Mayer.

Certo dia, durante um intervalo nas filmagens, a Senhorita Lombard foi informada de que Van Dyke (foto) não tolerava atrasos e ficava uma fera quando os participantes dos seus filmes não chegavam pontualmente ao trabalho.
No dia Seguinte, ela tomou particularmente cuidado com o horário e foi a primeira a chegar as locações. O tempo foi passando, chegou um, chegou outro, tudo estava preparado para o reinício das filmagens e nada de Buck Jones aparecer. Afinal, onde estaria ele? o que teria acontecido?

Eis que o Sr. Jones apareceu, e Carole observou nervosíssima o confronto entre o diretor e o ator atrasado. Van Dike não pensou duas vezes e puxou o revólver e disparou em direção ao Astro-Cowboy, que tombou ferido. A jovem atriz olhou com horror o sangue que fluía do ferimento, e foi quando lhe pediram que corresse até o riacho que passava pr perto para apanhar água.

Quando ela retornou, encontrou Van Dyke e Jones rindo histericamente. Atônita, Lombard esvaziou o balde, jogando o conteúdo sobre os dois brincalhões. Tudo não passou de um trote que Van Dyke e Buck Jones haviam combinado previamente como "gozação" à inexperiente atriz, então uma bela morena (mais tarde loura) que se chamava Carol Lombard (o "Carole" viria depois, conselhos de uma numeróloga.).

Bibliografia: Revista Cinemin- nº 54, pg 28. Artigo ISTO NÃO É FITA, É FATO, de João Lepiane.

Cecil B. DeMille: O perfil de um Diretor.

2011-01-22T11:09:00.000-08:00

CECIL BLOUNT DeMILLE nasceu a 12 de agosto de 1881, em Ashfield, Massachussett,EUA, filho de um sacerdote dramaturgo (que poderia lhe ter influenciado futuramente em suas produções bíblicas) e de uma atriz de companhia itinerante. Ainda jovem, estudo na Academia de Artes dramáticas de Nova York, e com 19 anos, estreou na Broadway como ator, ofício que exerceu por muitos anos, enquanto gerenciava a companhia teatral da mãe.

Também colaborou com o irmão mais velho, William, escrevendo inúmeras peças, e trabalhava com Jesse Lasky (1880-1958), em vários espetáculos musicais. Em 1913, o mesmo Lasky lhe ofereceu sociedade com ele e com Samuel Goldfich, um outrora vendedor de luvas (conhecido, mais tarde, como Samuel Goldwyn), numa nova companhia cinematográfica.

DeMille logo aceitou, porque estava casado, com uma filha pequena, não tinha dinheiro, e os sócios é que iriam financiar o empreendimento. Assim, se formou a Jesse L. Lasky Feature Play Company, cujo primeiro filme foi enorme sucesso - O Amor que Sofre/The Squaw Man/1913, western adaptado de uma peça teatral de Dustin Farnum, dirigida por DeMille e Oscar Apfel.

No fim de 1914, a companhia tinha como empregados, trabalhando, cinco diretores e cinco cameramen. Mesmo assim, Cecil DeMille fazia questão de manter-se como diretor principal e produtor supervisor dos filmes que não dirigia. Para os próprios filmes, chamou uma ótima equipe de colaboradores -o irmão William (que passaria a ser roteirista e diretor), Alvin Wyckoff (câmera), Claire West (figurinos) e Wilfred Buckland (desenho de produção).

Um bom exemplo de produto dessa associação de colaboradores é A Ferreteada/The Cheat/1915, refilmado em 1923 e 1931. Outros filmes de época são: Maria Rosa/Amor Vingado/Maria Rosa/1915, Carmen/Carmen/1915, Joana D'Arc/Joan The Woman/1916 (o primeiro filme histórico do Diretor), A Mulher que Deus esqueceu/The Woman God Forgot/1919.

Nesse tempo, a empresa de Lasky se juntou à de Adolph Zuckor(1883-1976), formando a Paramount. Após o fim da Primeira Guerra Mundial, DeMille passou a selecionar mais o que fazia, lançando apenas duas ou três produções por ano. Na década de 20, dirigiu comédias levemente sociais em que satirizava os "novos-ricos" e as classes mais altas. Desse período é Macho e Fêmea/Male and Female/1919 (adaptada de uma peça de J.M. Barrie), com Glória Swanson (atriz principal desta e de praticamente de todas as comédias do diretor).

Em 1923, fez o primeiro filme de um tipo de espetáculo a que seu nome ficaria para sempre associado, como sinônimo de Superprodução - Os Dez Mandamentos/The Ten Commandments. Logo depois, em 1925, largou a Paramount,por causa de mais uma briga com Adolph Zukor, e então, ele comprou os velhos Ince Stúdios e organizou o PDC- Producers' Distributing Corp. O empreendimento teve prejuízo com alguns filmes, mas que acabou culminando, em 1926, com outro projeto bíblico ambicioso, longamente acalentado- O Rei dos Reis-The King of Kings, cujo produto final foi monótano e convencional, acarretando mais prejuízos.

Entre fatos e lendas, DeMille também era conhecido por seu domínio (as vezes meio opressor) sobre seus atores e equipe. Nesta produção religiosa, por exemplo, ele obrigava os atores e toda a equipe técnica a participarem de cultos religiosos antes das filmagens, e filmou a crucificação de Cristo em plena noite de Natal. Apresentava contratos para que seus atores não fumassem ou bebessem em público, ou dirigissem carros caríssimos, para que não comprometessem com suas "sagradas imagens" no filme. Um fato é que o intérprete de Jesus, H.B.Warner (1876-1959) durante a produção do filme, se envolveu em escândalos com uma mulher que ameaçou arruinar sua carreira e a própria reputação do trabalho de DeMille caso Warner não a assumisse. Acredita-se que para evitar maiores problemas, DeMille teria pago a esta mulher para que ela deixasse Warner em paz e saísse dos Estados Unidos.

Em 1928, com o advento do som, DeMille foi contratado pela Metro Goldwyn Mayer para dirigir três filmes - Bonecas de Lama/Dynamite/1928 (seu primeiro filme sonoro), Madame Satã/Madame Satan/1931 (primeiro e único musical de sua filmografia)e a refilmagem de The Squaw Man/1931, que no Brasil teve o nome de O Exilado - três grandes fracassos atribuídos, na época, ao fato de serem sonoros.

Em 1932, a Paramount chamou-o novamente, para dirigir outra superprodução religiosa, o épico O Sinal da Cruz/The Sign of the Cross, que ao contrário de O Rei dos Reis, se tornou um grande sucesso, estrelado por Claudette Colbert (1903-1996), Fredric March (1899-1975), Elissa Landi (1904-1948) e Charles Laughton (1899-1962).

A partir em diante, DeMille se fixou de vez na Paramount até o fim de sua vida.

EM 1934, dirigiu Cléopatra/Cleopatra, com Claudete Colbert, que foi sua primeira indicação ao Oscar de Melhor filme. Nos anos seguintes, dirigiu westerns ou aventuras sobre a colonização dos Estados Unidos, como Os Inconquistáveis/Uncomquered/1947, com Gary Cooper (1901-1961) e Paulette Goddard (uma das atrizes prediletas do cineasta, na década de 1940), e tendo como vilões, Howard da Silva (1909-1986) e Boris Karloff (1887-1969).

Desse período, podemos também destacar Jornadas Heróicas/The Plainsman/1936 com Jean Arthur (1900-1991) e Gary Cooper, e Aliança de Aço/Union Pacific/1939, com Barbara Stanwyck (1908-1990) e Joel McCrea (1905-1990).

Em 1949, outro espetáculo grandioso baseado na Bíblia - Sansão e Dalila/Samson and Delilah, com Victor Mature (1913-1999) e Hedy Lamarr (1914-2000), filme reprisado por muito anos nos antigos cineminhas "poeiras" e na televisão. Conta-se que DeMille pediu ao próprio Victor Mature, o intérprete de Sansão, que lutasse com o leão vez de um dublê. Mature prontamente recusou, mas DeMille insistiu que o fizesse, pois o leão estava "drogado e sem dentes". Não restou senão a Mature replicar, dizendo: "Cecil, o que você espera? que eu seja mascado até morrer?"

Antes de Mature ser escalado para o papel do juíz e guerreiro do Antigo Testamento, DeMille pensou em Burt Lancaster (1913-1994), que recusou, e no jovem e estreante Steve Reeves (1926-2000, foto), o fisiculturista norte-americano ganhador de vários troféus da modalidade, mas a Paramount o achou jovem demais para o papel. Mais tarde, Reeves faria sucesso em filmes épicos produzidos na Europa, o estilo "Sandálias & Espadas", sendo que o mais famoso deles é interpretando outro herói de força física, e mitológico, Hércules, em 1958.

Em 1952, O Maior Espetáculo da Terra/The greatest Show on Earth, a única produção sua a ganhar o Oscar de melhor filme e a ser indicada para o de Melhor Diretor, com excelente bilheteria, estrelado por Charlton Heston, Cornel Wilde (1915-1999), Betty Hutton (1922-2007), e James Stewart (1908-1997).

Em 1956, a refilmagem de Os Dez Mandamentos/The Ten Commandments, também de ótima bilheteria. Foi o filme mais caro do diretor e o mais longo (220 minutos), custando 13,5 milhões de dólares, mobilizando 25 mil extras, tornando-se o maior êxito comercial de sua carreira e da história da Paramount (43 milhões de dólares só arrecadados no mercado norte-americano).

Foi indicado para o Oscar de Melhor Filme, e DeMille cercou-se de tudo que o cinema moderno de então poderia lhe oferecer, com a elaboração dos efeitos especiais, fimagens em locação (no Egito) e também em estúdios de Paris e Hollywood, em Techinicolor e em Vista-Vision (processo criado pela Paramount para exibição em tela larga), além de astros consagrados, como Charlton Heston, Yul Brynner (1915-1985), Anne Baxter (1923-1985), Edward G. Robinson (1892-1972), Vincent Price (1911-1993), Yvonne De Carlo, John Derek (1925-1998), e Debra Paget.

DEMILLE jamais ganhou um Oscar de melhor diretor, mas em 1949, recebeu o Oscar especial pelos 37 anos de dedicação ao Cinema, e em 1952, o prêmio Irving Thalberg.

Cecil B. DeMille morreu em 21 de janeiro de 1959, aos 77 anos.

BIBLIOGRAFIA: Revista Os Dez Mandamentos- Cinemin Nistalgia.Sinopses de Paulo Perdigão- Jornal o Globo- 1988.

Filme "Paixão Eterna": Romance e espiritualismo

2011-01-03T14:15:00.000-08:00

PAIXÃO ETERNA (Made in Heaven, ano: 1987) é, sem dúvida, um destes filmes românticos bem produzidos que conseguem cativar o espectador, principalmente aos casais. Também tem um tema espiritualista, como veríamos também em outras películas românticas como “Ghost” e “Amor Além da Vida”. Contudo, independendo de crenças e doutrinas, é um filme bonito, mágico, e inesquecível, que certamente agradarão não somente aos namorados, mas também a Família.

Em 1952, enquanto dirigia para a Califórnia para começar uma vida nova, o jovem Mike Shea (Timothy Hutton, filho do falecido ator Jim Hutton, que morreu de câncer em 1979 e contracenou com John Wayne em Heróis do Fogo/ Hellfighters, em 1968- e atualmente Timothy faz a série televisiva Lavarege) acidentalmente morre ao fazer um ato heróico. Apesar de chafurdar em sua vida, tendo problemas para manter um emprego estável, e como se não bastasse estas complicações, sua suposta namorada esta prestes a casar com outra pessoa, Mike não estava pronto para deixar a vida.

No céu, ele descobre que apesar de ser um mundo fantástico, ele ainda tem as emoções humanas. Depois de encontrar algumas pessoas conhecidas da sua vida na Terra, inclusive sua Tia Lisa (Maureen Stapleton, 1925-2006), Mike se encontra com uma bela mulher, Annie Packert (Kelly McGillis, estrela de Top Gun-Ases Indomáveis), uma nova alma que nunca reencarnara antes, e os dois se apaixonam.

Mike também descobre que do outro lado da vida as pessoas podem voltar à Terra através da reencarnação. Assim, quando Annie é enviada primeiro, Mike implora ao homem responsável para esta missão, Emmett (a atriz Debra Winger, irreconhecível), uma espécie de anjo, para voltar à Terra. Mas sob uma condição: Mike terá 30 anos para encontrar Annie, caso contrário, cada um terá uma vida infeliz com outras pessoas.

Annie e Mike reencarnam como Allison Chandler e Elmo Barnett respectivamente. Cada um carrega um pouco da sua experiência com o outro no céu para o seu subconsciente no novo corpo, com Allyson manifestando-se em um amigo de infância imaginário chamado Mike, enquanto Elmo cresce para ser um vagabundo. Este passa a receber uma pequena ajuda do Céu e de algumas pessoas de sua vida passada.

Annie/Allyson torna-se uma designer de brinquedos de sucesso, casada com um cineasta. Enquanto isso, Mike/Elmo é um garoto muito desorientado, que tenta de tudo, como ser um pintor, um soldado, e posteriormente um cantor que não dá certo, ele consegue se tornar um compositor bem sucedido. Muitos anos se passam, mas parece que Mike e Annie estão tendo algumas dificuldades para se encontrar outra vez, mas dificuldades que por fim são superadas quando definitivamente se encontram.

Esta película foi lançada nos cinemas em 1987, e lançada em vídeo VHS no fim dos anos 80. Infelizmente ainda não foi lançado em DVD no Brasil, tornando esta obra do cinema romântico uma raridade de se ver ou adquirir, mas que tive o prazer de conhecer nestes últimos dias graças ao empenho de uma grande mulher que tive o prazer imenso de conhecê-la em 2010. Certamente, ela lerá este artigo e saberá que é dela que falo.

O filme não esta aqui defendendo a crendice da reencarnação (que pessoalmente eu não acredito), mas apenas oferecendo uma sugestão que poderia até explicar a afinidade que temos pelas pessoas, e por pessoas que mal conhecemos, mas que ao decorrer de nossas vidas se tornam pessoas super especiais. Tanto que no prólogo do filme diz: A história que você verá poderia ser verdadeira. Você pode até conhecer alguns dos personagens. Quem sabe, não possamos nos identificar com tais personagens no decorrer de toda projeção do filme? Isto é perfeitamente possível.

No elenco, além de Timothy Hutton e Kelly McGillis, ainda despontam Ann Wedgeworth, James Gammon (falecido em 2010), o veterano Don Murray (de Nunca fui Santa/Bus Stop, com Marilyn Monroe) como o pai de Allyson, David Rasche (da série de TV Na Mira do Tira/Sledeg Hammer) e Amanda Plummer. A Direção é de Alan Rudolph.

Indicado para todos os casais que verdadeiramente se amam, e que acreditam que foram feitos um para o outro, conforme dita o título original, no Céu.

A eles, dedicado este artigo, bem como a mulher que me apresentou este filme, e que já faz parte vital de minha vida.

ASSISTA O VÍDEO - CENAS FINAIS.

Casablanca: Emoção e Solidariedade

2010-12-28T12:08:00.000-08:00

Em matéria de Cinema, um assunto não se esgota: Casablanca/Idem, 1942, sucesso internacional lançado pela Warner, e que desde seu lançamento nos Estados Unidos, ocorrido a 26 de novembro de 1942, tornou-se através dos tempos um clássico da Sétima Arte, o cult-movie por excelência, devido principalmente a magistral direção do lendário e competente Michael Curtiz (1886-1962), cineasta de As Aventuras de Robin Hood e Capitão Blood (ambos estrelados por Errol Flynn), e entre inúmeras grandes obras - e também graças às magníficas interpretações de Humphrey Bogart (1899-1957), Ingrid Bergman (1915-1982), Paul Henreid (1908-1992), Claude Rains (1889-1967), e o vilânesco Conrad Veidt (1893-1943), além de um perfeito elenco de apoio muito comum nos filmes produzidos pela antiga Warner, nos anos de 1930/40.

Aqui no Rio de janeiro, seu lançamento foi feito nos Cinemas São Luiz e Vitória (em Copacabana, Tijuca, e outros bairros, entraria depois), em 2 de setembro de 1943. Na época, o São Luiz- que era a "menina dos olhos" do exibidor e empresário cearense Luiz Severiano Ribeiro (1886-1974, foto) - era o cinema preferido dos cariocas.

E repetiu-se aqui o sucesso de Nova York, Los Angeles, Chicago, Londres, Paris, e outras grandes cidades do Mundo, com exceção natural daqueles países do Eixo e seus simpatizantes.

Falou-se muito que na cena em que A Marselhesa era executada no Rick's muita gente chorava na platéia. Entretanto, a história não é bem essa...

Eis a verídica informação: quando a pedido de Victor Lazlo (Paul Henreid) e com total apoio e consentimento de Rick Blaine (Humphrey Bogart), o proprietário do estabelecimento, eis que a orquestra ataca La Marseillaise para abafar o som de uma canção alemã de guerra entoada pelo Major Strasseir (Conrad Veidt) e seus oficiais. Lazlo e Yvonne (interpretada pela francesa Madeleine LeBeau- foto- ainda viva e talvez a única sobrevivente do Cast), que era uma namoradinha "passa-tempo" de Rick, acabou chorando DE VERDADE na cena, pois o script não pedia isso, o que acabou contagiando o público ali presente, que fez coro com os dois e mais a cantora-guitarrista Andreya (Corrina Mura, 1909-1965), que cantava os versos de Rouget de Lisle. Este mesmo contágio acabou também acontecendo na platéia do São Luiz aqui no Rio de Janeiro, que aplaude entusiásticamente a cena, ouvindo-se emocionados "Vive La France!" por todos os lados, manifestação espontânea que se repetia a cada sessão do clássico de Curtiz, e que seria exibida todos os dias, o que levou Severiano Ribeiro a manter o filme em cartaz por uma segunda semana no São Luiz.

Jamais havia acontecido tal coisa antes, quebrando um tabu que o grande exibidor vinha mantendo desde a inauguração da casa em 22 de setembro de 1937.

Palmas de emoção e solidariedade, afinal eram períodos conturbados aqueles, a II Guerra Mundial.

ASSISTA AO VÍDEO:

BIBLIOGRAFIA: Revista Cinemin, nº 55, pag 32, Sessão ISTO NÃO É FITA, É FATO,com base em artigo escrito pelo saudoso e competente João Lepiane.
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Artigo dedicado a Senhora YVONNE De MARCO FONSECA, esta carismática mulher cheia de Luz e Amor, que recebe meus aplausos e toda minha admiração.
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AOS AMIGOS E SEGUIDORES...

FELIZ 2011!!! SAÚDE E PAZ! !!!

Cinco Filmes para se assistir no Natal

2010-12-22T03:43:00.000-08:00

Eis que o Natal vem chegando. Faltando apenas dois dias para as comemorações natalinas, em que o Ocidente e uma parte do oriente celebram o nascimento de Cristo- mas cujas práticas e costumes destas comemorações em verdade remontam do antigo paganismo romano que apenas adaptaram aos costumes cristãos- nada como relembrar alguns filmes que assisti e ainda hoje os assisto quando posso, que tem como o tema não somente o natal, crianças e presentes, mas também os valores do ser humano, o idealismo, e a conquista pela felicidade.

Aqui vai uma lista de cinco filmes que costumavam passar em épocas de Natal na TV, que estão entre meus prediletos. Dois deles não são exatamente filmes natalinos, mas cujas temáticas são religiosas, e por acaso, ambos dirigidos por William Wyler (1902-1981), mas no deocrrer das sinopses explicarei a importância de inclur em minha pequena listagem.

1-DE ILUSÃO TAMBÉM SE VIVE (Miracle on 34th Street, 1947) de GEORGE SEATON.

De Ilusão Também se Vive é um trabalho belo, baseado no romance de Valentine Davies. A história do homem que é levado a julgamento por acreditar ser o próprio Papai Noel sensibilizou a Academia de artes cinematográficas, que concedeu três Oscars ao filme: Melhor Roteiro Original, Melhor Roteiro e Melhor Ator Coadjuvante (para Edmund Gwenn), além da indicação para a categoria de Melhor Filme.

Andando pelas luxuosas ruas de Nova York, o doce senhor Kriss Kringle (Edmund Gwenn, 1877-1959) é visto confirmando a uma criança que é realmente o verdadeiro Papai Noel. Pode parecer reconfortante, mas o velhinho também tem um incrível orgulho medieval: ao ver o Papai Noel da loja de departamentos Macy’s bebendo uísque em um desfile de rua, tira-lhe as renas e toma seu posto no trenó, de forma tão impressionante que a executiva da loja, Doris Walker (Maureen O'Hara), o contrata. A fila para vê-lo aumenta impressionantemente, até que ele é processado por ser um impostor e é defendido por Fred Gailey (John Payne, 1912-1989) que acredita na identidade do bom velhinho. Esse não é seu único julgamento, pois também tem de convencer a precoce Susan Walker (Natalie Wood, 1938-1981- com 9 anos de idade), uma menina de seis anos, filha de Doris, de que ele é o verdadeiro Papai Noel, tendo de entregar-lhe um pai, uma casa e um irmão de presente de natal. Kris Kringle pode ou não ser o genuíno Papai Noel, mas acaba convencendo Susan de que as coisas nem sempre são aquilo que parecem ser. A história teve algumas outras versões para tevê em 1955, 1959 e 1973 e mais uma para o cinema em 1994, que aqui no Brasil recebeu o título de O Milagre Rua 34, com nomes como Richard Attenborough e Elizabeth Perkins no elenco, além da graciosa Mara Wilson (do filme Matilda) no papel da menina Susan.

2-A FELICIDADE NÃO SE COMPRA (It's a Wonderful Life, 1947) de FRANK CAPRA

O pai de família George Bailey (James Stewart, 1908-1997) sempre abriu mão de seus sonhos para ajudar sua cidade, Bedford Falls. Mas agora, na véspera de Natal, sente-se fracassado, tem uma grande dívida e pode ser preso. Desesperado, decide se suicidar, mas seu anjo da guarda vem à Terra para fazer com que ele mude de idéia. Para isso, o anjo mostra a George sua família, seus amigos, sua cidade, e como tudo seria diferente se ele não tivesse nascido. George, então, percebe o quanto foi e é importante na vida de muitas pessoas. Um clássico de Frank Capra, indicado a cinco Oscars em 1947 e ganhador do Globo de Ouro como Melhor Diretor, no mesmo ano.

A Felicidade Não Se Compra é o tipo de filme que conseguiu sobreviver com o passar dos anos, admirado por muitos críticos atuais, e o filme favorito do cineasta Frank Capra (1897-1991), que costumava exibí-lo para sua família e amigos no Natal em seu projetor. Aliás, os personagens de Capra eram heróis individualistas, que mesmo em seus momentos vacilantes, conseguiam sobrepujar os poderosos e corruptos. Um tipo de clássico que ficou ainda melhor com a idade, pelo seu visionário conteúdo que o tornou um dos mais belos filmes já feitos. Não que ele seja de fortes conflitos, tensão dramática constante ou recheado de cenas para fazer chorar. É o tipo que acerta nos conceitos mais básicos que todo ser humano deveria ter: compaixão, solidariedade, amor verdadeiro, e honestidade. Pode ter seus momentos "melosos"" por alguns, mas é impressionante o fato de um filme de 1946 falar sobre a ganância do ser humano e valores da vida e ver que isso se mantém até hoje, e numa escala ainda pior.

No elenco, destacam Donna Reed (1923-1985) como a esposa de George, Lionel Barrymore (1878-1954) como o vilão, o ganhador do Oscar Thomas Mitchell (1892-1962), a também ganhadora do Oscar Gloria Grahame (1923-1981), e Ward Bond (1903-1981).

3-SUBLÍME TENTAÇÃO (Friendly Persuasion, 1956) de WILLIAM WYLER

Não é um filme natalino, mas é um filme que diria ser "gostoso" de se ver no Natal. Recebeu a Palma de Ouro do Festival de Cannes de 1957, e mesmo não sendo um conto de Natal, sem dúvida é um belo canto pastoral, que conquistou as simpatias dos críticos americanos, e se impôs como a obra mais inspirada e menos teatral de William Wyler. Saída de livro publicado em 1945 pela escritora Jessamyn West (1902-1984), adaptado para o cinema por Michael Wilson, a história é suave e singela, se passa nos campos de Vernom, sul de Indiana, em 1862, e descreve o conflito entre o pacifismo de um casal Quaker, Jess Birdwell (Gary Cooper, 1901-1961) e Eliza (Dorothy McGuire, 1916-2001), e a decisão do filho mais velho, Josh (Anthony Perkins, 1932-1992) de pegar em armas para defender sua comunidade contra as forças sulistas, em pleno raiar da Guerra Cívil Americana (1861-1865).

Sublíme Tentação é definitivamente um espetáculo de emoções sutis e harmonizadas- drama e poesia, sentimentalismo e humor feérico, cujo destaque também vai para o comovente score musical de Dimitri Tiomkin (1899-1979), e a canção "Three I Love" cantada por Pat Boone. Certamente, merece ser incluso na minha listagem de filmes de natal por este motivo.

4-RUDOLPH- A RENA DO NARIZ VERMELHO (Rudolph - the Red-Nosed Reindeer, 1964) de Larry Roemer

Quem não lembra deste filme tradicional de Natal, muito exibido nas tvs brasileiras nesta época de festas, em sessão da tarde? Feito em 1964 através de Stop-Motion, o filme conta a história de Rudolph, a rena de nariz vermelho que sentia-se discriminada e excluída. A pequena rena não desistiu, lutou e acabou conseguindo seu lugar de destaque no trenó do Papai Noel.

Filme feito com animações, traz no elenco (apenas as vozes, no original), de Red Buttons (1919-2006), Shelley Winters (1920-2006).

5- BEN-HUR (Idem- 1959) de WILLIAM WYLER.

Há alguns que também preferem assistir os tão pedidos e exibidos épicos bíblicos nestas ocasiões natalinas. Devemos lembrar que há alguns anos eram poucos os filmes com temas sobre o Natal que se produziam, e antigamente, as nossas salas de cinema levavam nestas ocasiões grandes películas com temas bíblicos. Não poderia deixar então de indicar o que considero um épico de proporções completas.

BEN-HUR já foi assunto de um dos artigos deste blog e é desnecessário falar mais. O personagem-título, interpretado por Charlton Heston, é um contemporâneo de Jesus Cristo, e tem a mesma idade. Ben-Hur é um rico mercador judeu, mas com o retorno de Messala (Stephen Boyd, 1928-1977), um amigo da juventude que agora é o chefe das legiões romanas na cidade, um desentendimento devido a visões políticas divergentes faz com que Messala condene Ben-Hur a viver como escravo em uma galera romana, mesmo sabendo da inocência do ex-amigo. Mas Ben-Hur terá uma oportunidade de vingança. A partir daí se vê os ingredientes necessários para a trama, que abre com o nascimento de Jesus Cristo, o encontro deste com Ben-Hur no deserto a caminho das galés, o questionamento da vingança e do perdão, onde o personagem Balhazar, o mago, interpretado por Finlay Currie (1878-1968) diz a Ben-Hur que estaria errado em se vingar do ex-amigo, pois este já sofreria sua penalidade e que a "vida era um milagre", onde o ser humano através de suas ações, pode receber a sua recompensa. O Herói só se convence disso quando testemunha a Paixão de Cristo, que morre pela Redenção dos Homens. Daí também a importância de colocar esta obra em minha lista de filmes de Natal.

Ganhador de 11 Oscars, e campeão absoluto até 1998 (quando Titanic empatou), foi dirigida por William Wyler e produzida por Sam Zimbalist (1904-1958), que morreu durante as filmagens, sem conhecer o estrondoso sucesso de seu projeto.

O (a) caro amigo (a) deve ter sua preferência e a sua pode não coincidir com a minha, mas convenhamos, uma preferência de filmes para se ver nesta época com a família decerto que todos devem ter, não é?

Por isto, desejo a todos os leitores e seguidores um natal repleto de harmonia e felicidade. São os votos de

Paulo Néry

BIBLIOGRAFIA: Sinopses de Paulo Perdigão,Jornal o Globo (1989); SITE CINE PLAYERS- por Rodrigo Cunha; SITE INFANTV

Prêmio Dardos

2010-12-12T02:30:00.000-08:00

Caros amigos leitores e seguidores.

Me foi concedido o prêmio DARDOS, um selo de destaque, por dois colegas blogueiros que também são admiradores da Sétima Arte. São eles, o Professor Dan, do blog "Falha de Obi-Wan" (http://dan-obi-wan-vadher-dan.blogspot.com/), e da Jenifer Torres, jornalista e professora, do blog "Dicas e listas" (http://dicaselistas.blogspot.com/). Agradeço imensamente aos dois pelo selo, e desejo a vocês êxitos em todos seus projetos.

Entretanto, preciso seguir uma regra...

Devo premiar três outros blogs, e estes devem fazer o mesmo que eu fiz, cujos procedimentos são:

1. Exibir a imagem do selo no seu blog

2. Linkar o blog pelo qual recebeu a indicação.

3. Escolher outros blogs para receber o Selo Dardos

4. Avisar aos escolhidos.

Logo, tenho pleno prazer de avisar que os meus indicados são, pelo conjunto de idéias, originalidade e criatividade:

1- Blog Bang Bang à Italiana no Brasil (http://bangbangitaliana.blogspot.com/- de E. Sanches)

2- Blog Jacaré Doméstico (http://jacaredomestico.blogspot.com/ - de Taís Carvalho)

3- Blog Gilberto Cinema (http://gilbertocarlos-cinema.blogspot.com/ -de Gilberto Carlos

Aos três, parabéns e sucessos.

Paulo Néry

O Manto Sagrado: O Primeiro Sucesso em Cinemascope.

2010-12-05T10:37:00.000-08:00

O Primeiro filme rodado no processo CINEMASCOPE surgiu para botar a televisão para escanteio. Tudo porque este então novo veículo de comunicação ameaçava o cinema, e as salas tornavam-se cada vez mais vazias. Parecia que a Sétima Arte, tanto como arte e como Indústria, estavam com seus dias contados. Os recursos que os grandes produtores encontraram para evitar a extinção do cinema e perder a concorrência com a TV foi expandir o formato de seus filmes. Devemos lembrar que, após o Cinemascope, ainda surgiram os processos Vistavision e Panavision (Câmera de 65mm, como foi rodado Ben-Hur), e ainda o Techinirama 70mm, ambos os formatos visavam transformar grandes produções em Mega-espetáculos, e nada como filmes com temáticas históricas ou grandes épicos a serem produzidos.

Sem essas técnicas, jamais existiria o formato Widescreen, que percorre hoje a grande maioria dos DVDS lançados no Mercado. Com esta vitória da Indústria Cinematográfica, que conseguiu com isto promover a volta do público para as grandes salas, O Manto Sagrado/The Robe ficou na história como o primeiro filme no formato Cinemascope, levando platéias no mundo inteiro aos cinemas, e um dos filmes mais exibidos nos feriados de Semana Santa em muitos cinemas do Brasil (em alguns lugares, ficou em cartaz por quase 10 anos)- e também era filme garantido de toda Sexta-Feira Santa nas antigas "Sessão da Tarde" da TV também. No entanto, é justamente no televisor que o filme perde impacto visual, pois a telinha deforma os filmes em cinemascope, perdendo os enquadramentos originais.

Jay Robinson(ator inglês nascido em 1932) brilha como um tresloucado Imperador Calígula (o filme com teor religioso obviamente não relata as perversões sexuais do monarca), o grande vilão da bíblica película.

Richard Burton (1925-1984), então com 28 anos, jovem e belo, como Herói vigoroso, o Oficial de Roma Marcellus Gállius, que recebe a incumbência de ir a Jerusalém para supervisionar a crucificação de Cristo. Logo, acaba ganhando num jogo de dados o manto de Jesus, que conforme os evangelhos serviu de objeto de aposta entre os soldados romanos enquanto o Redentor agonizava na cruz. A partir daí, sua vida dá uma reviravolta, se arrepende de sua vida anterior, e torna-se cristão, sendo guardião do Manto de Cristo.

As presenças da bela Jean Simmons (1929-2010) como a nobre Diana, amada de Marcellus, e alvo dos desejos do pervertido Calígula; do canastrão mas carismático e popular Victor Mature (1913-1999) como o grego Demétrius, ex-escravo de Marcellus, que com ele parte para inúmeras aventuras; e do inglês Michael Rennie (1909-1971) como o Apóstolo Pedro, ajudaram a vitalizar o sucesso desta superprodução que ganhou dois Oscars em 1953, de melhor figurino e de melhor direção de arte; além de ser indicado nas categorias de melhor filme, melhor fotografia e melhor ator para Richard Burton.

Para todos lembrarem, Rennie foi o alienígena do filme cult de ficção O Dia em que a Terra Parou, a versão original de Robert Wise, de 1952; e ainda, as participações de Richard Boone (1916-1981), astro da antiga série televisiva Paladino do Oeste e excelente ator em outros inúmeros trabalhos na pele de Pôncio Pilatos; e o igualmente talentoso Cameron Mitchell (1919-1994), que embora não apareça no filme, faz a voz do Cristo na cena da Crucificação.

A Película, dirigida por Henry Koster (1905-1988), foi baseada no romance escrito em 1942 por Lloyd C. Douglas (foto-no Brasil, foi editado com o título de O Manto de Cristo). Os direitos de filmagem foram comprados já naquela época pela RKO, mas esta engavetou o projeto. Logo, no início da década seguinte, resolveu vender os direitos para a 20th Century-Fox, que resolveu colocá-lo como veículo para Tyrone Power (no papel de Marcellus), mas este se achou impossibilitado, e logo entraria em atritos com o estúdio e com Darryl F Zanuck (1905-1979), o chefão da Empresa. Zanuck então contratou o quase desconhecido Richard Burton, que saído de uma boa temporada no cinema inglês ingessou em Hollywood. Burton costumava dizer que O Manto Sagrado era um dos seus filmes menos preferidos: "Só tive 5 ataques de berro", brincava.

O diretor Henry Koster pediu para que seu assistente de direção, Donald C. Klune (1929-2003) fizesse o papel de Jesus. Para isso, o assistente muitas vezes precisava trabalhar atrás das câmeras vestindo seu figurino.

A produção teve uma continuação lançada no ano seguinte, chamada Demétrius e os Gladiadores, que começa do ponto final de "O Manto Sagrado" e mostra Calígula tentando recuperar o manto, e com o ex escravo de Marcellus, Demétrius, tentando defender a todo custo o Manto de Jesus, do qual novamente é preso e contra a vontade se torna gladiador.

O Western Americano e o Western Europeu- Conclusão

2010-11-13T06:21:00.000-08:00

Terminando esta série de artigos sobre as diferenças entre o gênero estritamente feito nos EUA, mas que os europeus (italianos e espanhóis) moldaram que um pouco mais que realisticamente, vou falar sobre como os americanos reagiram ao sucesso dos europeus, o fim dos “faroestes spaghetti”, e a decadência do gênero nos EUA, embora com um “leve retorno” ao gênero no início dos anos de 1990.

Todo aquele sucesso dos westerns europeus acabou de fato provocando uma nova onda de faroestes americanos, pois aparentemente enciumados, Hollywood voltou a dar atenção ao gênero, mas desta vez, todos os clichês e moldes mitológicos do tema, e a legenda áurea de seus cowboys, eram substituídos por assuntos mais sérios e polêmicos dentro do Velho Oeste.

Nos Estados Unidos, a partir de 1964, foi feito faroestes quase que similares aos europeus, pois seus “mocinhos” já não eram os mocinhos dos áureos tempos, mas sim personagens perturbados, sofridos, e muitas vezes traumatizados, ou como outras vezes, pessoas frias que impunham o medo dentro de comunidades, como foi o caso de Yul Brynner (1915-1985) em Convite a um Pistoleiro (Invitation to a Gunfighter), que foi uma produção de Stanley Kramer. Já o diretor Martin Ritt resolveu seguir os passos de Sergio Leone, em Quatro Confissões (The Outrage), um western violento abordando estupro e assassinato, algo nada visto anteriormente nos faroestes americanos. No elenco, Paul Newman, Claire Bloom, Laurence Harvey e Edward G. Robinson.

O outro, dos bons mas ignorado Rio Conchos (idem), dirigido por Gordon Douglas, de estrelado por Stuart Whitman e Richard Boone; e Crepúsculo de uma Raça (Cheyenne Autumm), último western dirigido pelo Mestre John Ford (1895-1973), onde ele defendeu a causa dos índios e procurava se redimir pela matança deles durante toda sua carreira. Como ele mesmo disse: “Matei mais índios no cinema do que o General Custer nos campos de batalha!”. O filme, com locações no Monument Valley – como grande parte dos westerns do diretor que faleceu em 1973- resultou lento e cansativo em seus quase 160 minutos de projeção, e nem o elenco all-star, como Richard Widmark (grande mocinho dos faroestes americanos da década de 1950), Carroll Baker, Ricardo Montalban, Gilbert Roland, Edward G. Robinson, Dolores Del Rio, e numa participação, James Stewart.

Mas nem todos em Hollywood queriam aceitar estas mudanças. Os heróis dos faroestes Classe B americanos (conforme explicado na parte 1), ainda representados por Rory Calhoun, Audie Murphy, e Dale Robertson (este ainda vivo), ainda preferiram ser os mocinhos “limpinhos e barbeados”, muito embora Murphy (que morreu em maio de 1971 num acidente aéreo) foi o mais assíduo e aproveitou o embalo dos westerns spaghetti e protagonizou Bandoleiro Temerário (The Texican), dirigido por Sidney Salkow e rodado na Espanha, onde ainda tinha no elenco (e como vilão) um ator ganhador do Oscar (e com a carreira em declínio) – Broderick Crawford (1911-1986).

Em 1969, Elvis Presley (1935-1977) também estrelou um western americano com moldes “Spaghetti”, Charro (idem). Elvis, cujo seu primeiro filme era um western (Ama-me com Ternura/Love-me Tender, 1956) e em 1960 foi o astro de Estrela de Fogo (Flaming Star), em papel reservado para Marlon Brando, não ficou nada mal como um pistoleiro a lá Django, com barba por fazer e tudo mais.

Ainda na década de 60, e em seus meados, a disputa continuava cada vez mais acirrada entre os americanos e europeus, e por isto, alguns diretores hollywoodianos deixaram o orgulho de lado e passaram a imitar os Spaghetti, como é o caso de A Marca do Vingador (Ride Beyond), estrelado pelo astro da série de TV O Homem do Rifle, Chuck Connors (1921-1992), e contando ainda com Michael Rennie, Bill Bixby (da série O Incrível Hulk), e Claude Akins, com quem tem com Connors uma sensacional cena de luta num saloon, onde é explícito a violência e o tema da vingança, muito comum nos faroestes italianos.

OS PROFISSIONAIS (The Professionals), de Richard Brooks, situou esta obra no México como a maioria dos concorrentes latinos, e estrelado por um elenco de primeira grandeza: Burt Lancaster, Lee Marvin, Robert Ryan, Jack Palance, e não por coincidência, uma atriz italiana, se não mais que a bella Claudia Cardinale.

SANGUE EM SONORA (Appaloosa), em 1966, dirigido por Sidney J. Furie, também utilizou locações mexicanas. Western racista e muito violento, estrelado por Marlon Brando e John Saxon.

E quem diria, o MAIS SPAGHETTI WESTERN AMERICANO DE TODOS: A MARCA DA FORCA (Hang em High), em 1968, produzido e estrelado por Clint Eastwood, já consagrado, que tão logo voltou ao Estados Unidos resolveu projetar uma película aos moldes de seu grande Mestre, Sergio Leone. Para dirigi-lo, Clint chamou Ted Post, um velho conhecido dos tempos em que ele estrelava a série de TV Couro Cru (Rawhide). A boa acolhida da maioria desses filmes deixou claro que o público agora dava preferência a faroestes mais realistas, e que aqueles “cowboys imaculados” portando revólveres reluzentes de coronha de marfim, estavam com seus dias contados.

Apesar daquela nova tendência, John Wayne (1907-1979), com seus faroestes tradicionais, ainda continuava sendo sinônimo de bilheteria. Com o sucesso estrondoso de Meu ódio será sua Herança (The Wild Bunch), em 1969, de Sam Peckimpah (1928-1983), os produtores acharam que era o momento oportuno para o veterano ator de 62 anos voltar ao seu habitat e experimentar o novo estilo. Wayne concordou, mas com uma condição: teria que ser a sua maneira.

O resultado foi Bravura Indômita (True Grit), dirigido por Henry Hathaway, não era propriamente um western desmistificador e nem muito violento, mas certamente, era diferente dos filmes que o velho Duke vinha fazendo por quase 40 anos. Seja como for, Wayne ficou perfeito no papel do delegado gordo, bêbado e falastrão, usando um tapa-olho, tão perfeito que acabou ganhando o Oscar de melhor ator do ano (que mereceria muito mais por Rastros de ódio/The Searchers, 1956 caso fosse indicado). Uma nova versão de Bravura Indômita em breve chegará aos nossos cinemas, com Jeff Bridges no papel que foi de Wayne.

A PARTIR DA DÉCADA DE 1970, Hollywood mergulhou de cabeça no Western violento e desmistificador (algo que não agradava John Wayne, este um tradicional e devoto admirador da legenda áurea do gênero), para competir com os europeus. Um bom exemplo disso é um western dirigido por Michael Winner (o mesmo de “Desejo de Matar”, com Charles Bronson), que escolheu a dedo dois dos maiores atores que o cinema já teve: Burt Lancaster (1913-1994) e Robert Ryan (1909-1973), amigos na vida real e que pela segunda vez voltavam a trabalhar juntos (a primeira foi também no Western “Os Profissionais” (1966), e a terceira e última no drama político “O assassinato de um Presidente” (1973), que foi o último filme de Ryan, que morreu em julho de 1973), em MATO EM NOME DA LEI/Lawman , em 1970. Lancaster ainda participaria em Quando os Bravos se encontram e A Vingança de Ulzana, que abusaram da violência ao extremo, temperando o filme com psicologia e racismo.

E OS FAROESTES ITALIANOS?

Enquanto isso, na Europa, os últimos cineastas a explorarem o estilo “tradicional” (que eles já consideravam violento), davam uma releitura em um estilo cômico (como nas séries de “Trinity”, com Terence Hill e Bud Spencer), mas depois de uma dúzia de filmes como estes, já mostravam sinais de extremo desgaste, e o tradicional Bang Bang à Italiana, apesar de ter durado bem, estava com seus dias contados como o gênero em geral (mesmo os americanos). Mas mesmo assim, os faroestes spaghetti poderiam contar com diretores como Sergio Corbucci, Sergio Leone, Duccio Tessari, entre outros, e mocinhos europeus como Franco Nero (que para quem não sabe, recentemente participou de uma minisérie sobre a vida de Santo Agostinho, interpretando o religioso na fase da velhice), Giuliano Gemma, Tomas Milian, Terence Hill, entre outros.

Entre 1963 a 1978, foram produzidos cerca de 600 westerns europeus. E foi nesse ano de 1978 que veio a acabar definitivamente a munição do Bang Bang à Italiana. Sella D’ Argento (Sela de Prata- 1978), dirigido por Lucio Fulci, e estrelado por Giuliano Gemma e Ettore Manni, é considerado oficialmente o último faroeste europeu do cinema.

Odiado pelos puristas e considerado trash pela crítica, mas queira ou não, os westerns spaghettis foram responsáveis pelo revigoramento dos faroestes de Hollywood, que não saíam dos mitos, e deram uma retomada. Se não fosse pelos europeus, teríamos sido privados de obras como “Meu ódio Será sua Herança”, “Josey Wales”, e “O Pequeno Grande Homem”.

CONTUDO, a retirada dos Westerns europeus não significou a vitória dos americanos. O premiado diretor Michael Cimino (5 Oscars por Franco-Atirador, incluindo melhor diretor) tinha a plena convicção que o western em estilo épico que estava prestes a dirigir para a United Artist seria um dos grandes ápices de sua carreira. O Portal do Paraíso, entretanto, não conseguiu repercussão nos Estados Unidos, embora os franceses tenham gostado. Isto motivou a expulsão de Cimino em Hollywood e o início da falência da United Artist. A maioria dos estúdios evitavam o gênero, e com isto, o Western, gênero americano por excelência, parecia estar com seus dias contados.

Em 1985, Clint Eastwood produziu e dirigiu O Cavaleiro Solitário” (Pale Rider), onde estrelou como um “Pistoleiro sem nome e sobrenatural”, mas um pistoleiro do bem. O roteiro escolhido por Eastwood era uma mistura de Shane e Matar ou Morrer, dois clássicos por excelência do gênero, mas nem por isso, fez tanto sucesso. Eastwood voltaria novamente ao gênero em 1992, dessa vez em um tema psicológico e desmistificador, em Os Imperdoáveis (Unforgiven), onde estrelou e dirigiu. No elenco, Gene Hackman como um bom vilão, Morgan Freeman, e o talentoso Richard Harris.

Aqui, Eastwood fazia o papel de um ex-pistoleiro frio e sanguinário perseguido pelos fantasmas do passado, que embora regenerado, volta a empregar em armas para ajudar uma prostituta que foi estraçalhada. O filme foi um grande sucesso de crítica e público, e possibilitou uma pequena volta ao gênero na década de 1990 aos cinemas (Wyatt Earp, Tombstone- A Justiça esta Chegando, Quatro Mulheres e um Destino, Rápida e Mortal, este estrelado por Sharon Stone), principalmente, graças aos 4 (quatro) Oscars conquistados, onde Clint Eastwood, então com mais de 30 anos em Hollywood, subiu ao palco para receber a estatueta de melhor diretor; Gene Hackman foi o melhor ator coadjuvante; OS IMPERDOÁVEIS ganhou o Oscar de melhor filme de 1992, além de quebra, ter ganho também um Oscar de melhor edição.

ARTIGOS ANTERIORES SOBRE O TEMA, ACESSEM:

1)http://articlesfilmesantigosclub.blogspot.com/2010/06/o-western-americano-e-o-western-europeu.html

2)http://articlesfilmesantigosclub.blogspot.com/2010/08/o-western-americano-e-o-western-europeu.html

BIBLIOGRAFIA: 100 ANOS DE WESTERN- Autor: Primaggio Mantovi- Editora Opera Graphica.

Montgomery Clift- 90 anos

2010-10-17T06:24:00.000-07:00

Se ele fosse vivo, Montgomery Clift (1920-1966) estaria hoje completando 90 anos. Astro cadente no mundo estrelar de Holywood, ator inesquecível: o Cowboy de Rio Vermelho e a represália que se pode justificar, o caça-dote de Tarde Demais, a vítima do segredo da confissão de A Tortura do Silêncio, O Medíocre arrivista de Um Lugar ao Sol, o soldado leal e amigo vítima da perseguição de A Um Passo da Eternidade, o desequilibrado de Os Desajustados...ente tantos. Sempre fazendo heróis vulneráveis e frágeis, ambíguos. Teve um belo rosto (muito parecido com Tom Cruise, ou podemos dizer que Tom Cruise se parece com ele), um belo rosto parcialmente desfigurado por um acidente automobilístico, aparentemente intencional, desfiguração esta que parece ter não atingido apenas seu rosto, mas também a sua alma, pois nunca mais foi o mesmo de antes. Tornou-se desequilibrado, com mania de perseguição, e se tornava chato com freqüência. Assim era Edward Montgomert Clift (seu verdadeiro nome), que apesar de todos os desajustes e problemas que enfrentou, era na realidade um homem sensível, versado em brincadeiras com seus amigos e colegas de profissão (como Elizabeth Taylor e Kevin McCarthy), e sobretudo, um brilhante ator que deixou uma indelével marca na Sétima Arte.

Nascido a 17 de outubro de 1920, em Omaha, Nebraska, EUA, seus pais, William Brooks, um renomado banqueiro, e Ethel “Sunny” Clift, já tinham um filho de 18 meses. Clift era gêmeo de Roberta (depois chamada Ethel), que nascera horas antes dele. Podemos dizer que Montgomery Clift nasceu em berço de ouro e numa família abastada, e seu primeiro nome foi em homenagem ao seu bisavô paterno, que se chamava Montgomery Blair. Em maio de 1928, Monty (como era chamado), com a mãe, os irmãos e a governanta, viajou para a Europa, a bordo do IIe France. Brincando na piscina do navio, outro garoto o manteve por longo tempo sob a água e quase o afogou. Seriamente afetado pela brincadeira de mau gosto, a mãe o levou a um especialista que havia tratado o Kaiser, em Munique. Submetido a demorada e difícil operação, obteve sucesso, mas a cirurgia lhe deixou com enorme cicatriz, bem visível no lado direito do pescoço, nunca percebida nos filmes graças aos recursos dos maquiadores.

Com a queda da Bolsa de Valores do ano seguinte (1929), a situação da família e do seu patriarca, William Brooks, ficou muito abalada, mas a mãe de Monty estava decidida a fazer outra viagem pela Europa, e conseguiu meios de poder realizar, desta vez para a França e Alemanha, onde ficaram de junho a novembro de 1930. Antes de terminar 1931, o pai de Monty estava completamente falido e sem emprego, e foi obrigado a vender até sua casa em Highland Park e a maioria dos móveis que a guarneciam. E a família for morar num quarto mobiliado em Greenwich Village, tendo a mãe que trabalhar em dois empregos para sustento dela e dos filhos. Quando William finalmente encontrou emprego, era tarde: a família estava desagregada, morando na Flórida, onde a vida era mais barata. Moraram em Sarasota até 1933.

O NOVO TUTOR dos meninos, Walter Hayward, lhes ensinara a recitar Shakespeare. Amigo de um produtor teatral local, Hayward soube que ele estava procurando um menino de 12 anos para um papel em As Husbands GO. Pensando que Monty poderia gostar de fazer a parte, falou com Sunny sobre a peça. Ele aprovou a idéia e o adolescente se iniciou como ator profissional. Adorou trabalhar no palco, mas Ethel, a mãe, não estava bem segura acerca de uma carreira profissional para o filho, pois parecia ser pouco digno ser ator. Mas no ano seguinte, ela mudou de opinião. Em outubro de 1935, aos 15 anos, Monty conseguiu ser escalado como o Príncipe Peter, no musical Jubilee, de Cole Porter (1891-1964), que ainda é lembrado principalmente porque o score musical incuía “Begin the Beguine” e “Just One of Those Things”. Entre elogios e reparos, entre sucessos e fracassos, a carreira nos palcos durou até 1945, fazendo com que ele se impusesse como nome respeitável numa nova geração de atores. Muitos poucos sabem, mas Monty Clift também era fascinado pela Medicina. Anos mais tarde, um médico em Hollywood, Rex Kennamer, declarou sobre o ator: “ Tinha enorme conhecimento de Medicina. Com Monty, isso parecia uma extraordinária preocupação, pois tinha maiores conhecimentos de medicações, usos e efeitos do que qualquer pessoa que não fosse médico que jamais conheci”.

HOLLYWOOD estava de olho em Montgomery Clift desde 1941, e o belíssimo filme da Metro Goldwyn Mayer, com Greer Garson, Walter Pidgeon e Teresa Wright, sob inspirada direção do sempre competente William Wyler (1902-1981), Rosa da Esperança (Mrs. Miniver), poderia ter marcado sua estréia cinematográfica. Durante uma excursão de Monty com uma de suas peças teatrais, Louis B. Mayer (1884-1957) lhe ofereceu um papel no filme prestes a entrar em produção. Ele teria aceito, se Mayer não insistisse no então contrato-padrão de sete anos. Receberia, a princípio, 750 dólares por semana, com aumentos progressivos automáticos. O pai de Monty quis se meter na negociação, insistindo que o filho assinasse o contrato, dizendo: “Você nunca mais terá outra oportunidade como esta”. Mas sabiamente, Monty acreditava que tudo era uma simples questão de tempo os estúdios lhe darem o que desejava. E o papel em Mrs. Miniver foi confiado a Richard Ney.

O AGENTE DE CLIFT, Leland Hayward (1902-1971), sempre dizia que Clift era orgulhoso demais para ficar em Hollywood nas condições que ele queria. Hayward lhe pediu que ficassem em Los Angeles por alguns meses a fim de ter encontros com os chefões dos grandes estúdios. Com muita astúcia, lhe conseguiu um contrato de 6 meses com a MGM, apenas para que permanecesse na Califórnia. Os Big Bosses não podiam entender o desejo de Monty em manter sua independência, avisando-o que poderia “cometer enganos” se o fizesse. Monty respondia a eles: “Vocês não entendem. Quero ser livre para fazer isso”.

RIO VERMELHO (RED RIVER, 1947)

Para o público, o début cinematográfico de Montgomery Clift ocorreu com Perdidos na Tormenta, feito em 1948. Em 1947, porém, convidado por Howard Hawks (1896-1977), fez o papel do impetuoso jovem Matthew Garth, filho adotivo de Thomas Dunson (John Wayne, 1907-1979), em Rio Vermelho, seu primeiro filme, e terminado no mesmo ano.

Ao iniciar a produção do filme, Hawks assinara contrato de distribuição com a United Artist. Com o orçamento estourado em mais de um milhão de dólares, o diretor-produtor preocupou-se com as possíveis rendas do filme, e atrasou o lançamento por quase um ano, na esperança de conseguir outro distribuidor que pudesse lhe dar as garantias de rendas compensadoras.
Conseguiu, mas a United recusou-se a liberar o contrato, certa de que poderia trabalhar o filme de maneira satisfatória para Hawks, e lançado somente em 1948, depois de Perdidos na Tormenta- os lucros internos de quatro milhões de dólares provaram que ela estava certa.

RED RIVER foi o único Western na filmografia de Clift, e ele atuou como um veterano no gênero, ao lado de “cobras” como John Wayne, Walter Brennan (1894-1974), John Ireland (1914-1992), e Harry Carey (1878-1947). Clift teve cenas espetaculares com o “Duke”, em especial a cena em que se enfrentam, em uma luta violenta usando braços e pernas. E Poética e romântica a cena de amor do filme, quando ele passa a noite com Tess Miller (Joanne Dru, 1922-1996), ao relento, sob uma árvore, com a chuva caindo impertinente.

PERDIDOS NA TORMENTA (THE SEARCH, 1948)

Fred Zinnemann (1907-1997) falou-lhe sobre The Search- que veríamos com o título de Perdidos na Tormenta- quando ele ainda estava filmando Red River, e prometeu-lhe, desde que pudesse fazê-lo, 75 mil dólares pelo filme todo, trabalho planejado para seis semanas em locações na Alemanha e na Suíça.

Lazar Wechsler (1896-1971), o produtor, lhe deu consentimento verbal para proceder a alteração nos próprios diálogos. Monty preparou-se maravilhosamente para o papel do engenheiro militar Ralph Stevenson, que serve na zona de ocupação americana, na Alemanha do pós-guerra. Ele encontra um menos abandonado, faminto e andrajoso, perambulando por uma Alemanha em ruínas. Karel Malik (Ivan Jandi, 1937-1987), a quem socorre, leva para casa e passa a tratar como filho.

A interpretação que Montgomery Clift deu ao personagem foi extremamente sincera e feliz, valendo-lhe a primeira indicação para o prêmio da Academia, na categoria de melhor ator. E Ivan Jandi (que faleceu em 1987, aos 50 anos, por complicações do diabete) ganhou um Oscar na categoria especial de ator juvenil, pela destacada performance que teve no filme.

TARDE DEMAIS (THE HEIRESS, 1949)

Unanimemente considerado como a mais nova sensação masculina das telas, Monty foi escolhido por William Wyler, em 1949, para a parte de Morris Townsend, o namorado sem escrúpulos da rica herdeira Catharine Sioper (Olivia de Havilland), na adaptação cinematográfica da peça de Ruth e Augustos Goetz The Heiress, baseado no romance Washington Square, de Henry James- que no Brasil se chamou Tarde Demais. E ele foi um convincente caça dotes, um jovem charmoso e irresistível que subjuga a herdeira tímida, recatada e reprimida.

No ano seguinte, Clift quase que repete praticamente o mesmo papel que fizera de Tarde Damais, pois ele foi seriamente indicado para interpretar Joe Gillis em Crepúsculo dos Deuses (Sunset Boulevard), mas acabou indo para William Holden (1918-1981), que declarou: “Não consegui o papel pelo fato de Billy Wilder estar louco de que eu trabalhasse no filme. Consegui porque Montgomery o recusou”.

Billy Wilder (1906-2002) recordou anos depois certos fatos sobre Montgomery Clift e sua recusa de estrelar Sunset Boulevard: “A Parte do roteirista Joe Gillis, que se torna gigolô, foi escrita para Montgomery Clift. Duas semanas antes do início das filmagens, nos chega o agente de Monty, nos informando que não faria o filme, com receio do que poderia pensar suas fãs se ele tivesse um caso com uma mulher com duas vezes a idade dele? Bom, eu esperava isso de um ator de Hollywood, mas não de um ator sério que julguei acreditar. Diante disso, William Holden foi escolhido, e ele teve sua primeira indicação pela Academia como melhor ator”.

UM LUGAR AO SOL (AN AMERICAN TRAGEDY, 1951)

Baseado na obra prima de Theodore Dreiser (1871-1945), An American Tragedy – que já havia sido filmado em 1931 pela mesma Paramount, e dirigido por Josef Von Sternberg (que substituiu Sergei Eisenstein), com Sylvia Sidney, Phillip Holmes e Frances Dee e quando lançado no Brasil recebeu o título literal de Uma Tragédia Americana.

Um Lugar ao Sol foi dirigido pelo grandioso George Stevens (1904-1975), e é um dos dois filmes definitivos de Montgomery Clift, junto com A Um Passo da Eternidade.

George Eastman (Clift) nega-se a oportunidade da escolha. Ele é impelido pela sociedade, pelo materialismo americano, pelas mulheres, e por quaisquer outras razões. Ambicioso e impulsivo, é este impulso que o encoraja, até que sua namorada grávida (Shelley Winters, 1920-2006) morre, e perde para sempre a mulher que verdadeiramente ama (Elizabeth Taylor), acabando penalizado pela lei.

Mas George age por motivos que ele mesmo próprio não compreende. Durante o julgamento, tenta justificar seus atos, mas é tarde demais. Simpático, gentil, enigmático- como se desejável por essas razões, como Ângela Vickers (Elizabeth Taylor) o é por sua beleza e riqueza- chega as raias de incorporar a personalidade cinematográfica de Clift.

UM LUGAR AO SOL ganhou 6 prêmios da Academia, mas Montgomery Clift, na categoria de melhor ator, não ganhou o Oscar, perdendo para Humphrey Bogart (1899-1957) por Uma Aventura na África/The África Queen. Segundo palavras de Charlie Chaplin (1889-1977), Um Lugar ao Sol é "o melhor filme jamais saído de Hollywood".

A TORTURA DO SILÊNCIO (I Confess, 1953)

MONTGOMERY CLIFT foi uma escolha perfeita de Alfred Hitchcock (1899-1980) para o papel do Padre Michael William Logan em I Confess, roteiro de George Tabori e William Archbald, baseado na peça Nos Deux Consciences, escrita em 1902.

Otto Keller (O.E. Hasse, 1903-1978) confessa ao Padre Logan (Clift) que havia cometido um homicídio, na pessoa do advogado corrupto Villete (Ovila Legare, 1901-1978). Para praticar o crime, Keller tinha usado uma batina, obtida na igreja do Padre Logan, em Quebeck, onde ele era sacristão. Logan e uma mulher casada, Ruth Grandfort (Anne Baxter, 1923-1985), tiveram um love affair antes de ele ter se ordenado padre e estavam sendo chantageados pela vítima do crime, que sabia do caso. Por isso, recaíram sobre ele a suspeita e a acusação da autoria do crime.

O segredo da confissão não lhe permitia revelar o nome do verdadeiro assassino, nem mesmo ao seu advogado. Mas tarde, a esposa de Keller, o verdadeiro assassino, acaba denunciando o marido. A Polícia o persegue e Keller é baleado ao tentar fugir. Caído na rua, moribundo e cercado por curiosos, faz a confissão final ao Padre Logan, que lhe dá a extrema unção e ele morre em seus braços.

A UM PASSO DA ETERNIDADE (From Here to Eternity, 1952)

Pelos direitos de filmagem do Best Seller de James Jones (1921-1977), sobre a vida na base militar em Pearl Harbor às vésperas da entrada dos Estados Unidos na II Guerra Mundial, Harry Cohn (1891-1958) pagou 82.000 dólares, sabendo que resultaria num grande filme para a sua Colúmbia Pictures. Mas ele não tinha idéias dos problemas terríveis que enfrentaria para levar adiante seu projeto de levá-lo as Telas. O livro de Jones se estendia pelas 860 páginas, e adaptá-lo sem ferir o espírito da obra não era tarefa nada fácil. Além disso, o romance de Jones guarda elementos quase impossíveis de serem filmados, sem ofender os brios do Exército ou ferir o vigente hiper Código de Produção de Hollywood, o famoso Código Hays, ainda bem vigente em 1952.

Finalmente, quando Daniel Taradash (1913-2003) o presenteou com um roteiro, Cohn sentiu que não era só exeqüível como também fiel ao espírito do romance From Here to Eternity.

Para o papel do soldado Robert Lee Prewitt, um corneteiro que é boxeador, o big shot da Colúmbia queria John Derek ou Aldo Ray, ambos contratados pelo estúdio. Mas Fred Zinnemann queria Montgomery Clift, que foi contratado por 150.000 dólares.

Eli Wallach originalmente foi escolhido para ser o tenaz e sofrido Ângelo Maggio, mas devido a outros compromissos assumidos na Broadway, ele acabou desistindo. Frank Sinatra (1915-1998), com a carreira em declínio, se interessou pelo papel, e embora endividado, ofereceu-se em fazer, trabalhando praticamente de graça. De início, Cohn nem queria saber dele, nem mesmo com uma falada interferência da Cosa Nostra. Somente depois, que Ava Gardner (1922-1990), então mulher de Sinatra, fez uma súplica pessoal por ele que o relutante magnata acabou concordando em testar o ídolo romântico de outros tempos e ex-astro da Metro.O teste impressionou Zinnemann, e a carreira de Sinatra, então em declínio, voltou a espeta, recuperada por menos de 8.000 dólares. E de quebra, ganhou o Oscar de melhor ator coadjuvante pelo seu papel.

O resultado de todo o trabalho de produção, o restante do elenco- Burt Lancaster (1913-1994) no papel do complacente Sargento Milton Warden; Ernest Borgnine como o sádico sargento “Fatso” Judson, que fez do pobre Ângelo Maggio como vítima de sua perversidade; Deborah Kerr (1921-2007), na pele da pouco recatada esposa do comandante da base, Karen Holmes (papel que estava destinado para Rita Hayworth, que recusou, seguida de Joan Crawford) cujo aparente frescor e serena delicadeza britânica intensificaram a colisão das ondas que se encresparam pelas telas dos cinemas do mundo, quando ela e Lancaster usam a praia para uma das mais famosas cenas de amor jamais vistas num filme, ousadíssima para época;

E Donna Reed (1921-1985), no papel da prostituta Alma Lorene, interesse amoroso de Prewitt (Clift), que apesar de não ter sido a primeira escolha de Zinnemann (que queria Julie Harris, mas Harry Cohn achou a aparência da atriz muito “Família” para um papel que exigia muita sensualidade) é uma das grandes responsáveis pelo sucesso do filme que vem atravessando décadas, ganhando 8 Oscars - todo elenco, todos os atores desempenhando muito bem seus papéis.

Mas...e Montgomery Clift?

Mais uma vez, como tantas e tantas vezes (e sempre será, afinal, nada é perfeito), a Academia falhou em não premiar Monty como melhor ator, na sua terceira indicação, e talvez, pela melhor performance de sua carreira.

O ACIDENTE

Hoje, sabe-se que Montgomery Clift era homossexual. Talvez para preservar sua imagem de galã, muitos de seus primeiros biógrafos afirmavam que o grande amor de sua vida fosse Elizabeth Taylor. Esta, sempre soube da orientação sexual de Clift, mas as barreiras e empecilhos da época- e fora a Indústria Cinematográfica que não aceitava que seus astros fossem “gays”, algo inaceitável e imperdoável tanto para o público que ia aos cinemas quanto para os padrões e sistema da época- impedia que ele assumisse sua condição.

Monty e Liz ficaram muito amigos, e durante as filmagens de Um Lugar ao Sol, Monty sempre desabafava com Liz. Houve sempre entre os dois uma amizade mútua, baseado sobretudo na confiança.

Na noite de 12 de maio de 1956, Liz, então casada com o ator Michael Wilding (1912-1979), seu segundo marido, ligou para Monty, que morava bem próximo a casa dela, a fim de convidá-lo para jantar. Kevin McCarthy (1914-2010) estaria presente, assim como Rock Hudson (1925-1985- outro homossexual muito amigo de Liz, amizade esta que durou até a morte do ator), e secretária Phyllis Gates.

Monty aceitou o convite. Ele havia tomado decisão de não dirigir mais carro, pois ele ficava amedrontado no volante, e por isto, tinha contratado um motorista particular. Nesta noite, ele estava tão cansado que decidira ficar em casa, dando noite livre para o motorista. Não dirigia a meses, mas, assim mesmo, pegou o carro e tomou o rumo da casa de Liz, aonde chegaria em 4 a 5 minutos.

Durante o jantar, apenas tomou um pouco de vinho e nada mais bebeu durante toda noite. Por volta da meia noite e meia, despediu-se e saiu com McCarthy, deixando a luxuosa mansão, localizada bem do alto de uma colina, com a expressa recomendação de Liz para que seguisse de perto o carro de Kevin, para sua maior segurança. E ele prometeu que assim ele faria, para ela não se preocupar.

“De repente, ouvi um terrível estrondo”, contou Kevin (foto). “Parei meu carro e dei marcha a ré dentro da noite, para encontrar o dele, destruído contra um posto telefônico. Senti cheiro de gasolina e procurei desligar a ignição, mas estava tãoescuro que não podia ver nada, nem mesmo Monty. Aterrorizado, voltei rápido para a casa dos Wildings, batendo forte na porta e gritando para que chamassem uma ambulância, sem saber se Monty estava vivo ou morto”.

Tanto Kevin como Michael tentaram impedir Elizabeth Taylor de descer a colina e ir até o local do acidente em eles, mas, como acrescentou Kevin: “Ela estava desesperada, ela lutou conosco como um tigre e desceu correndo a colina”.

E LIZ TAYLOR diria: “O rosto de Monty escorria sangue e mal podia vê-lo. Mas me arrastei para dentro do carro e coloquei-lhe a cabeça no meu colo. Finalmente, ele voltou a si e começou a tentar puxar um dente solto. E Pediu-me para puxar outro e eu o atendi. Tive que me controlar para não passar mal”.

Chega o Dr. Rex Kennamer, que auxiliado por Rock Hudson, consegue retirá-lo do carro. Liz entrou na ambulância com ele, e chegaram ao Hospital Cedros do Líbano. Quando Clift foi levado para a sala de operações, Liz entou em forte crise de histerismo.

O Dr. Kennamer detalhou os estragos na face e no corpo de Monty: lacerações no lado esquerdo da face, com um nervo cortado, deixando aquele lado entesado e a boca torta; nariz quebrado e esmagamento da cavidade óssea; ambos os lados do maxilar quebrados, três dentes frontais perdidos; grave concussão cerebral; deslocamento do pescoço.

Clift recuperou-se por algum tempo no hospital, onde depois de três semanas, os médicos descobriram que um lado do maxilar havia sido engastado incorretamente. Tiveram de quebrá-lo e reengastá-lo.

Com o rosto sensivelmente desfigurado, evitaram de lhe dar papéis que pediam rostos bonitos e perfeitos, e desde aquele momento ele passou a fazer personagens sofridos, que iam de acordo com seus novos traços faciais, seu novo visual. Montgomery Clift, que já tinha tendências depressivas, nunca mais foi o mesmo. A alma também fora profundamente atingida e ele se transformou num homem amargurado e triste. Um homem torturado.

A ÁRVORE DA VIDA (Raintree County, 1957)

Em abril de 1956, a MGM havia iniciado a produção de A Árvore da Vida, com status de superprodução, tendo como principais destaques do enorme elenco Montgomery Clift, Elizabeth Taylor, e Eva Marie Saint. Preocupado de Clift estar bebendo exageradamente (mesmo antes do acidente), o produtor (e depois chefe da MGM) Dore Schary (1905-1980) fez um seguro do filme, o que nunca havia acontecido antes por 500.000 dólares, para cobrir qualquer problema que pudesse ocorrer durante a produção. Estavam as filmagens em meio quando aconteceu o acidente com o carro do ator, e elas foram interrompidas por nove semanas.

Recebendo alta dos médicos, Clift apresentou-se prontamente aos estúdios para o reinício das filmagens. Em dores constantes e tomando regularmente codeína e um sortimento de pílulas que trazia numa sacola. Clift sentia que devia aos colegas e ao estúdio a imediata volta ao trabalho. Era cedo ainda, mas os sensos de responsabilidade e coleguismo prevaleceram. O rosto ainda estava inflamado. O perfil direito foi menos danificado e, assim, ele foi mais fotografado por este ângulo, com mais freqüência. Os olhos- sempre o melhor de sua imagem- nem sempre estavam claros e limpos. Mesmo com o uso contínuo de colírios, mostravam-se muito irritados e vermelhos, redobrando os cuidados de Robert Surtees (1906-1985), diretor de fotografia (Ben-Hur).

Pela extrema dedicação de Monty e seu amor ao filme, Edward Dmytryk (1908-1999) conseguiu terminá-lo; o lançamento ocorreu a 4 de outubro de 1957, com 165 minutos de projeção condensando o massudo romance de Ross Lockridge Jr (1914-1948), que são de 1.066 páginas. Com o roteiro de Millard Kaufman (1917-2009), seguindo muito perto a obra em que se baseia, acontecimentos históricos e personagens matizados, cujos diálogos dão vida a trama que se inicia em 1859, quando o “Professor” Jerusalém Webster Stilles (Nigel Patrick, 1913-1981) fala aos alunos John Wicklift Shawnessy (Clift) e Nell Gaither (Eva Marie Saint), formandos em curso secundário, em Fairhaven, Indiana, da existência de uma árvore dourada, que representa a verdade e a realização, oculta em algum lugar do condado- e eles logo se põem a procurá-la.

Embora Nell e John sejam namorados, ele se casa com a bela Susanna Drake (Liz Taylor), quando ela lhe revela esperar um filho dele. Susanna mentia para forçá-lo ao casamento. Em visita ao Sul, John fica sabendo do confuso estado mental de Susanna, envolvendo temores de miscigenação e um mistério cercando a morte dos pais num incêndio. Nasce um filho do casal. Irrompe a Guerra Civil Americana (1861-1865), e John fica em casa, dando aulas e cuidando de seu filho Jimmy e de sua esposa cada vez mais perturbada.

Um dia Susanna foge de casa com o menino e John se alista no Exército da União para tentar encontrar vestígios deles. Acaba por descobrir Jimmy abrigado por antigos escravos de Susanna e o leva consigo. Terminada a Guerra, localiza Susanna num hospício e volta para Indiana.

Aparentemente recuperada, mas acreditando que seu comportamento vem impedindo John de buscar a árvore fabulosa, Susanna foge uma noite à procura dela, sendo seguida por Johnny, que dera sua falta. No dia seguinte, é encontrada morta no pântano, e John e Nell, reunidos finalmente, encontram Jimmy (Mickey Maga) ao sopé de uma árvore dourada.

ÚLTIMOS FILMES

Entre 1958 e 1966, fez seus últimos seis filmes. Os Deuses Vencidos, como o insignificante e odiado soldado judeu Noah Ackerman. Em Paris, onde o filme estava prestes a ser rodado, Monty desapareceu, prejudicando toda equipe e atrasando as filmagens. Foi descoberto muitos dias depois, no Sul da Itália, em um bordel imundo.

De 1959, Por um pouco de Amor, fazendo um colunista sentimental, contracenando com Robert Ryan (1909-1973), a veteraníssima Myrna Loy (1905-1993, em 115º filme) e Dolores Hart. De Repente no Último Verão, baseado na peça de Tennessee Williams (1911-1993), roteiro de Gore Vidal e do próprio Williams, pela terceira e última vez contracenando com sua grande amiga Elizabeth Taylor, e pela primeira (e única) vez com a Diva Katharine Hepburn (1907-2003). 1960, um encontro com Elia Kazan (1909-2003) em Rio Violento, que dirigiu Clift em um drama estranhamente perturbador, contracenando com Lee Remick (1935-1991), Albert Salmi (1928-1990), e Jo Van Fleet (1914-1996).

No mesmo ano, John Huston (1906-1987) dirigiu Clift e um elenco all star no que é considerado um de seus piores filmes- Os Desajustados. Só elenco era de primeira, trazendo Clark Gable em seu último filme (ele morreria em novembro de 1960), e Marilyn Monroe (1926-1962), que como Clift, também andava dando problemas durante as filmagens, e como Gable, também se despediu das telas com este filme.

Julgamento em Nuremberg, como o esterilizado deficiente mental Rudolf Petersen, papel de 7 minutos. Stanley Kramer ofereceu 50.000 dólares (pelo filme Os Desajustados, Clift recebeu 200.000), mas os agentes do ator aconselharam a não aceitar, para não abrir um precedente, mas Kramer insistiu pessoalmente com ele e o contrato foi assinado por uma quantia mínima, a título simbólico, mas despesas. Pelos 7 minutos de presença na tela, teve pela quarta e última vez o nome indicado pela Academia para suas premiações anuais, desta vez como melhor ator coadjuvante. Dele disse Stanley Kramer (1913-2001): “Clift é um dos três ou quatro maiores atores que existem".

Voltou a ser dirigido por John Huston em Freud, além da Alma, filme difícil, de cujo elenco também participou Susannah York, Larry Parks (1914-1975), Susan Kohner e David McCalum. Do seu trabalho, Huston se recdordaria: “Ao fim, penso que ele deu uma interpretação extraordinária. Freud era um homem torturado. Ao menos, conseguiu um ator torturado.”

Em outubro de 1965, foi recomendado pelo escritor Salka Viertel ao produtor-diretor Raoul Lévi (1922-1966) para fazer o papel principal de um thriller de espionagem que ele havia escrito com base num romance de Paul Thomas – The Defector. Inteiramente filmado em locações na Alemanha, o filme foi lançado em 1966 e marcou a despedida de Clift das telas.

As condições de saúde de Montgomery Clift se deterioravam ano após ano. Em janeiro de 1962, foi operado de uma hérnia e veias varicosas. Em dezembro do mesmo ano, à primeira de duas operações de catarata. O trabalho no Cinema, cada vez mais escasso, e com problemas de saúde e de bebida, tornou-se um ator pouco confiável. A memória, sempre considerada excelente, já não era a mesma.

Na manhã de 23 de junho de 1966, Montgomery Clift foi encontrado morto, às 6 horas da manha, por um amigo que cuidava dele em seus últimos anos. Levado para o necrotério da cidade, o legista fez a necropsia, e declarou que o ator tinha morrido de explosão da artéria coronariana. O ator esta sepultado em um cemitério Quaker, em Broklyn, Nova York(foto).

O TEATRO E O CINEMA- DECLARAÇÕES DE MONTGOMERY CLIFT

“Não tenho medo de ser estereotipado. O maior perigo é demonstrar segurança, ser digno de confiança. A Mais forte motivação, em um ator é a prova, o experimento. Tudo o que nos desenvolve é digno de ser interpretado, mesmo se for um fracasso.”

“Em muitos aspectos, a tela é um meio mais satisfatório do que o palco. A sinceridade chega melhor ao ator e há mais oportunidade para sutilezas, porque a câmara nos esta em cima o tempo todo”.

E SE CONTRADIZ:
“O desafio de interpretar nos palcos é maior no que nos filmes. Não há policiamento diante de uma personalidade isolada. Se você tem um papel extenso, tem que agüentá-lo, e bem.

Criticado pela escassez do guarda-roupa, disse: “Tenho um terno de que gosto muito e pretendo mantê-lo enquanto as boas traças o pouparem”.

BIBLIOGRAFIA: Montgomery Clift- Revista Cinemim nº 82- março/abril de 1993- com base em matéria de João Lepiane.

Minha Lista: Os Dez Melhores Filmes Infantis

2010-10-11T10:41:00.000-07:00

Amanhã, dia 12, celebraremos o dia das crianças. Sou daqueles que pensam que cada um carrega uma criança dentro de si. Pensando nisso, fiz uma seleção pessoal de uma lista de dez filmes de temática infantil que considero os melhores que já assisti ao longo da minha vida. Não sei sua preferência ou se ela pode coincidir com a minha, mas na minha modesta opinião são filmes que poderíamos rever sempre, e não somente nesta época de celebração em homenagem as crianças, mas em qualquer época do ano.

Assim, aqui apresento os melhores filmes infantis de todos os tempos, de acordo com minha preferência:

1-O MÁGICO DE OZ (The Wizard of Oz- 1939)

Musical da Metro produzido em 1939, e estrelado por Judy Garland (1922-1969), baseado no livro (publicado em 1900) de L. Frank Baum (1856-1919), cujo os direitos autorais da obra a Metro Goldwyn Mayer havia comprado no ano anterior a produção deste filme. O Mágico de Oz narra a história da garotinha Dorothy (Garland) que sonha em conhecer um mundo além do arco-íris, onde fadas e bruxas convivessem como num livro. No meio de um tornado seu sonho se torna realidade, sua casa é levada para a Terra de Oz, mas a única coisa que a amedrontada Dorothy quer agora é voltar para casa e segue o caminho das pedras amarelas em busca do mágico que possa ajudá-la a regressar. No caminho encontra um espantalho que quer um cerébro, um homem de lata que quer um coração e um Leão covarde que almeja ser corajoso, todos descobrem que não precisam de nada daquilo, pois as virtudes que têm é muito mais do que imaginavam.

A produção, muito tumultuada, teve 5 diretores, sendo por fim creditado a Victor Fleming (1889-1949). Mesmo não sendo o primeiro filme produzido em Technicolor (como muitos acreditam), O Mágico de Oz faz um uso notável da técnica; as seqüências no Kansas possuem um preto-e-branco com tons em marrom, enquanto as cenas em Oz recebem as cores doTechnicolor.Ainda no elenco: Frank Morgan, Ray Bolger, Bert Lahr, Jack Haley, Bilie Burke, e Margaret Hamilton.

2-O PEQUENO POLEGAR (Tom Thumb- 1958)

Uma comédia musical produzida em 1958, e adaptada do clássico conto dos irmãos Grimm, onde certo dia um lenhador, o honesto Jonathan (Bernad Miles,1907-1991) poupa uma árvore especial a pedido da "Rainha da Floresta" ( a bela e prematuramente falecida June Thorburn, morta em um acidente aéreo em 1967 aos 36 anos de idade), que em sinal de agradecimento concede-lhe uma preciosa dádiva, um filho, uma vez que o casal de lenhadores há muito ansiavam ter mas sem resultado. Esse filho, porém, era tão pequenino tão pequenino que tinha o tamanho de um polegar! O “Pequeno Polegar” é desempenhado pelo dançarino da Metro Russ Tamblyn. No elenco ainda, Terry-Thomas (1911-1990) e um jovem e gorducho Peter Sellers (1925-1980), estes dois como os vilões engraçados da história, e deponta também Alan Young (da série de TV “Mister Ed”), que é o interesse amoroso da “Rainha da Floresta”. Vencedor do oscar de efeitos especiais.

3-O PÁSSARO AZUL (The Blue Bird- 1940)

O Pássaro Azul, dirigido por Walter Lang (1896-1972), é um clássico em Technicolor para crianças, mas que também emociona os adultos. O típico filme da Sessão da Tarde que costuma reunir a família toda em frente à Tv. O filme narra a história da família Tyl, cujo patriarca (Russell Hicks, 1895-1957) é convocado para combater Napoleão e precisa deixar os filhos em casa sozinhos. A garota Mytyl (Shirley Temple) e seu irmão Tytyl (Johnny Russel) passam a viver algumas aventuras depois que o melhor amigo de Mytyl adoece e a menina empenha-se em capturar o conhecido "pássaro azul da felicidade" para presentear o garoto. Após receber a visita da fada Berylune (Jessie Ralph, 1864-1944), os meninos são enviados, juntamente com o seu gato Tyllete e cachorro Tylo, transformados em humanos, em busca do “pássaro azul” através do passado, do presente e do futuro.

Durante a viagem por muitos reinos com fadas, magias e personagens enigmáticos, as crianças passam pelas mais inusitadas situações, e vão sofrendo transformações — relacionadas às mudanças da infância para a juventude — e transformam os lugares por onde passam, como a emocionante cena em que Mytyl se despede dos avós, já mortos, e que voltam a dormir num banquinho porque só acordavam quando alguém lembrasse deles. A menina ainda consegue ver o irmão caçula que está para nascer em outros dos mundos. Quando voltam para casa, encontram um lugar muito diferente do início da aventura. Ainda no elenco, Nigel Bruce (1895-1953) e a ganhadora do Oscar Gale Sodergaard (1899-1985).

4- AS SETE CARAS DO DR.LAO (Seven Faces of Dr. Lao- 1963)

Doutor Lao (Tony Randall, 1920-2004) é um velho chinês de 7.322 anos que chega a velha e empoeirada Arizona com o seu circo místico, causando um enorme alvoroço em toda a pequena população da cidade além de uma certa xenofobia. Todos ficam ansiosos por ver as maravilhas que o Dr. Lao promete trazer, sem imaginarem que as atrações anunciadas fazem parte da mente de cada uma das pessoas do Arizona, são criaturas formadas a partir dos problemas e sentimentos que os moradores da pequena cidade levam consigo.

O circo chinês oferece uma caravana de atrações mitológicas e semi-mitológicas. O que ninguém sabe é que o Doutor Lao além de dono do circo também atua como todas as atrações dele (Randall interpreta todos eles), mostrando seu talento em seus estranhos números, transformando-se em seis diferentes figuras míticas: o Pan, protetor dos animais e dos bosques; a Medusa, com sua cabeça cheia de serpentes e que só pode ser vista através de um espelho; o mágico Merlin, já um pouco enferrujado mas sempre usando sua mágica para o bem; o Abominável Homem das Neves; uma Serpente Gigante que visa refletir as imperfeições das pessoas e o adivinho Apolônio de Tiania. Dr. Lao acaba usando seus personagens para mudar a vida das pessoas, fazendo com que vejam a verdade e com que enxerguem melhor seus problemas. O Pã e sua flauta mágica hipnotizam Angela Benedict (Barbara Eden, da série de TV Jeannie é um gênio) fazendo com que ela descubra o valor do amor e desperte seus desejos escondidos; a Medusa testa a incredulidade da Senhora Kate Lindquist (Minerva Urecal, 1894-1966) que insiste em não olhá-la pelo espelho e acaba se transformando em pedra; com a Serpente, Doutor Lao toca em verdades salgadas demais para o vilão Clint Stark (Arthur O’ Connel, 1908-1981) que se acha perfeito mas descobre que não é bem assim; o Adivinho toca na parte mais triste da solteirona fútil Howard Cassin (Lee Patrick, 1902-1981)

As Sete Faces do Doutor Lao é recheado de citações memoráveis como: "O mundo todo é um circo. Quando olhamos para um punhado de areia e vemos mais do que areia, vemos um mistério, o circo do Dr. Lao estará lá." A preocupação da historia é mostrar que o ser humano às vezes pode ter suas percepções meio distorcidas, pode estar preparados para acreditar em criaturas bizarras, mas não são capazes de ver o valor de uma comunidade, dos seus costumes e cultura, que moeda nenhuma poderá pagar. Um tipo de filme que bem que mereceria um Remake nos nossos dias. Ainda no elenco: John Doucette (1921-1994), Royal Dano (1922-1994), Noah Berry Jr (1913-1994), John Ericson é o jornalista galã interesse amoroso da personagem de Barbara Eden, e Argentina Brunetti (1907-2005).

5-MEU MELHOR COMPANHEIRO (Old Yeller- 1957)

Nenhum filme melhor que este mostra tanta emoção, esperança, coragem e amizade. Um conto clássico Disney que fala do amor de um garoto pelo seu cão. Meu Melhor Companheiro cativou o coração de milhões de pessoas e continua cativando até hoje, pois ainda é o melhor! Estas são as palavras do renomado crítico de cinema americano Leonard Maltin.

A história se passa por volta de 1860, no Texas. Travis (Tommy Kirk) é um garoto não quer nada com o cão que encontrou, mas Old Yeller prova que é um ótimo amigo, protegendo a sua família e salvando sua vida. Eles se tornam inseparáveis, dividindo momentos de alegria, experiências e lições de vida. O Elenco é composto de grandes conhecidos para os cinéfilos, para começar o eterno Daniel Boone da TV, Fess Parker (1924-2010) no papel do pai de Travis, a excelente Dorothy McGuire (1916-2001), no papel da mãe, e ainda Chuck Connors (1922-1991), que fez “O Homem do Rifle” na TV, e Jeff York (1912-1995). O Filme estreou no Brasil em 6 de janeiro de 1958.

6-AS AVENTURAS DE HUCKLEBERRY FINN (The Adventures of Huckleberry Finn- 1960)

As aventuras de um menino travesso que foge de sua casa e viaja pelo rio Mississippi na companhia de um escravo fugitivo. O jovem aventureiro Huckleberry Finn (Eddie Hodges), fugindo na sua jangada, pelo Rio Mississippi, juntamente com o seu companheiro Jim (o pugilista Archie Moore, falecido em 1998, que foi Campeão Mundial dos Pesos Pesados, entre 1952-1960) um escravo em fuga para não ser vendido, vão viver extraordinárias e arrepiantes aventuras, nesta sensacional viagem que nos levará a todos ao mundo da liberdade e da amizade sem limites.

Esta versão (existem outras, inclusive uma com Mickey Rooney da década de 30) foi produzida pela Metro para comemorar os 75 anos do lançamento do clássico de Mark Twain (1835-1910) e foi um dos últimos filmes sob a direção do lendário Michael Curtiz (1886-1962), de Casablanca e As Aventuras de Robin Hood, que tem um grande elenco composto por Tony Randall, Neville Brand (1920-1992), Pat McComarck, Andy Devine (1905-1977), Sherry Jackson, John Carradine (1906-1988), Royal Dano, e em especial participação, Buster Keaton (1895-1966).

7-ET- O EXTRATERRESTRE (E. T- The Extra Terrestrial- 1982)

É considerado um dos maiores sucessos de bilheteria da história do cinema, sendo o primeiro filme a ultrapassar a marca 700 milhões de dólares. Um alienígena perdido na Terra faz amizade com um garoto de dez anos (Henry Thomas), que o protege de todas as formas para evitar que ele seja capturado e transformado em cobaia pelo serviço secreto americano. O menino ajuda o ET a regressar ao seu planeta. Um filme que até hoje emociona crianças e adultos e vem atravessando gerações. No elenco: Peter Coyote, C. Thomas Howell, Debra Winger, e Drew Barrymore, então com 7 anos, vindo de uma dinastia de atores consagrados do teatro e da TV, os Barrymore (sobrinha neta do consagrado Lionel Barrymore (1878-1954) e neta do grande astro do cinema antigo (que depois decaiu) John Barrymore (1882-1942), este um grande amigo de peito e de copo de Errol Flynn).

8-A FANTÁSTICA FÁBRICA DE CHOCOLATE (Willy Wonka & the Chocolate Factory- 1971)

Baseado no livro "Charlie e a Fábrica de Chocolate", com adaptação para o cinema do próprio autor Roald Dahl (1916-1990), A Fantástica Fábrica de Chocolate é um conto de fadas para crianças e adultos, recheado de piadas, referências e citações. Quando foi lançado originalmente nos cinemas americanos, a responsável pela sua distribuição foi a Paramount Pictures, porém, todas as exibições posteriores, seja ela na TV, em vídeo ou nos próprios cinemas, foram realizadas pela Warner Bros.

A história tem início quando Willy Wonka (Gene Wilder), recluso por anos em sua fábrica de chocolate, anuncia que cinco sortudos terão a chance de fazer um tour pelo local e ver de perto os segredos de seus doces maravilhosos. Melhor do que isso: um dos visitantes ganhará suprimentos do chocolate Wonka para toda a vida. Para selecionar os candidatos, cinco bilhetes foram aleatoriamente colocados dentro das embalagens dos chocolates, transformando Wonka numa verdadeira febre mundial. Os chocólatras começaram a procurar desesperadamente os sonhados bilhetes.

Ninguém gostaria desse prêmio mais do que o jovem Charlie Bucket (Peter Ostrum, em sua única aparição nos cinemas; depois, se tornaria um veterinário), um entregador de jornais que mora com a mãe e os quatro avós num único cômodo. Sua família é tão pobre que até mesmo comprar uma barra é um sacrifício, quanto mais comprar barras suficientes para encontrar um dos cinco cartões dourados que dão direito à visita.

A fábrica parece um sonho em cores psicodélicas: um rio de chocolate com cachoeira, árvores, flores, cogumelos... enfim, tudo comestível. Os ajudantes de Wonka são anões de rosto laranja e cabelo verde chamados de Oompa Loompas. A grande decepção das crianças é que Willy Wonka, ao invés de ser um homem benevolente, é uma espécie de pan moderno: imprevisível, encrenqueiro, uma figura manipuladora. As crianças, ao mesmo tempo em que mergulham de cabeça nos seus desejos, pagam um preço por isso, deixando a fábrica com aparência do Jardim do Éden: encantador, mas território da serpente. É, na verdade, uma espécie de provação onde a criança só sai vitoriosa se não violar nenhuma das regras impostas por Wonka. Claro que nosso pequeno Charlie sairá vencedor, enquanto as outras crianças amargarão um triste destino sendo "expulsas" da fábrica humilhantemente, enquanto os Oompa Loompas limpam a sujeira.

O filme soa como uma lição de moral com sua mensagem que prega os bons comportamentos. "Se você fizer direitinho a lição, ganha um chocolate". Mas o filme emociona, faz rir e possui um raro senso de limites para seu humor negro. Situações fortes são tratadas com uma leveza incomum. Como bom exemplo disso, temos a cena do resgate, onde uma mulher tem seu marido seqüestrado e deve pagar como resgate sua caixa recém adquirida dos famosos chocolates. Quando confrontada sobre a escolha entre o marido e os chocolates pede tempo para pensar. No elenco, ainda, Peter Ostrum, Roy Kinnear.

9-ESQUECERAM DE MIM 1 (Home Alone- 1990)

Foi o filme que revelou Macaulay Culkin. O menino-prodígio que ficou estigmatizado para sempre no papel de Kevin, um garoto de oito anos, esquecido em casa pela família às vésperas de uma viagem para Paris na época do Natal. Kevin passa a administrar a casa do seu jeito. Então, entra em cena uma dupla de meliantes, Harry (Joe Pesci) e Marv (Daniel Stern), que planeja roubar a mansão. Porém, os bandidos não contavam com a esperteza do garoto, que os obriga a cair em várias armadilhas. Ainda no elenco: John Heard, Catharine O’ Hara, e com a participação de John Candy (1950-1994).

10-O JARDIM SECRETO (The Secret Garden- 1993)

No início do século XX, Mary Lennox (Kate Maberly) vivia na Índia com seus pais, que não lhe davam muita atenção. Porém um estouro de elefantes os mata e, seis meses depois, Mary desembarca em Liverpool, na Inglaterra, para viver com Lorde Archibald Craven (John Lynch), seu tio, na mansão Misselthwaite, uma construção feita de pedra, madeira e metal na qual existem segredos e antigas feridas.

Mary estava assustada naquele solar com várias dezenas de quartos e era incrivelmente mimada, pois lhe desagradava a idéia de vestir suas roupas, já que na Índia isto era tarefa de suas aias. A mansão é administrada pela Sra. Medlock (Maggie Smith), uma rigorosa e fria governanta. Lorde Craven perdeu a mulher há dez anos e nunca mais conseguiu superar a tragédia. Para piorar Colin Craven (Heydon Prowse), seu filho, também sobre de extrema apatia, sempre recolhido no seu quarto. Mais uma vez negligenciada, Mary passa a explorar a propriedade e descobre um jardim abandonado. Entusiasmada com a descoberta, Mary decide restaurar o lugar com a ajuda do filho de um dos serviçais da casa, conquistando assim a atenção do primo doente. Juntos eles desafiam as regras da casa e o velho jardim se transforma em um lugar mágico, cheio de flores, surpresas e alegria. O jardim secreto é um lugar fantástico onde não existe tristeza e arrependimento, um lugar onde a força da amizade pode trazer de volta a beleza da vida. Enfim, outro de muitos filmes infantis que leva o espectador a reflexão, pois quem sabe não tenhamos nosso próprio “Jardim Secreto”?

Está aberto uma enquete semanal sobre o tema deste artigo. Caso nenhum destes seja um dos seus preferidos, o espaço de comentários esta a disposição para leitores e seguidores exercerem sua expressão e dar sua indicação. Afinal, já dei a minha, rs.

Feliz dia das crianças!!! Saúde e Paz.

REFERÊNCIAS: SITE INFANT TV

WIKIPEDIA ENCICLOPÉDIA

SITE ADORO CINEMA

GUIA DE VÍDEO ABRIL CULTURAL (livro)- ANO 1990 E 1995