Rafael Roa, fotografía y más cosas

EL Valor De Los Obstáculos

2012-02-13T00:01:00.000+01:00

Fotograma de Pina, un film de Win Wenders

El otro día viendo la coreografía de Pina Bauch “Café Muller” en la película que ha hecho sobre
esta famosa coreógrafa Win Wenders, empecé a pensar sobre el valor de aquellos obstáculos que
no vemos.
En una estancia salpicada de mesas y sillas que entorpecen el paso, dos mujeres bailan a ciegas, mientras un tercer bailarín las va apartando en un acto de generosidad, para evitar que tropiecen.
Es importante trazar nuestro camino, así como reconocer las trampas y la lealtad de quienes
nos ayudan para evitar nuestra caida.
En fotografía, la mejor ayuda que se nos puede brindar es que personas de nuestra confianza y de quienes valoremos su capacidad y criterio, nos ofrezcan su opinión sincera sobre nuestro trabajo.Muchas veces generamos una carga emocional sobre un determinado trabajo que nos impide
juzgarlo con objetividad, tendiendo a una sobrevaloración del mismo. Es en esos casos cuando necesitamos una mano amiga, que nos evite caer en la trampa de la autocomplacencia.
En muchos casos no somos los mejores editores de nuestro trabajo por esa vinculación emocional
que establecemos con nuestro trabajo.
Esta tarde he estado fotografiando el ensayo general de la versión de Bodas de Sangre
que ha hecho Jorge Eines de la obra de García Lorca.
Los instantes intensos de emotividad durante el trabajo, me pueden llevar al error de una mala
edición del mismo. Entonces mi mejor aliado es el tiempo, descargar las imágenes al ordenador
y dejar pasar un par de días que me permitan poner distancia sobre las emociones vividas, es la
mejor manera de no cometer errores.
Eso a mi me funciona, el tiempo enfría las emociones y me devuelve a la frialdad del criterio objetivo.

Lynn Davis

2012-02-12T00:01:00.000+01:00

Lynn Davis © Iceberg IV Disko Bay

Lynn Davis, Minneapolis, USA (1944), es una fotógrafa que centra su obra en el paisaje, el cual presenta en copias de gran formato y un cuidado blanco y negro.
En el año 2007 participó en la edición de PhotoEspaña donde expuso sus series Ice y Africa en el Museo Thyssen.
Heredera de la escuela de paisaje norteamericano, su obra tiene ese poso de gran calidad,
influenciada por Ansel Adams y la escuela de California.
La búsqueda de las formas es la característica mas importante de su obra, independientemente del tema al que se acerque, siempre la calidad y esta manera de encuadrar el paisaje, produce en el espectador una sensación de placidez en la contemplación de la belleza, que presenta de una
forma equilibrada y sutil.

Lynn Davis © Notre Dame du Haut . Ronchamp

Quizás este tipo de estéticas se consideren como clásicas hoy en día, pero lo que es indudable es que son imágenes de gran belleza estética.
Hablando de la búsqueda de los autores, lo que está claro es que el trabajo de Lynn Davis tiene esa personalidad, y sello propio de esos fotógrafos que poseen una mirada personal, y hacen que su trabajo sea reconocible por el espectador.

Lynn Davis © Fata Morgana 2006

Lynn Davis expone su trabajo en la Edwynn Houk Gallery de Zurich hasta el 19 de Mayo próximo.

En Busca De Un Autor - Aprender Fotografía

2012-02-11T00:01:00.000+01:00

Todas las obras de arte pueden ser reproducidas, Esto se viene haciendo desde que el mundo es mundo. Podemos reproducir todo, pero como dice Walter Benjamin “en la reproducción más
perfecta falla una cosa, el aquí y el ahora de la obra de arte, su existencia irrepetible en el lugar
en que se encuentra”.
En fotografía es el momento mágico en el cual tomamos la decisión de apretar el disparador y obtenemos aquello que deseamos.
Ese momento es irrepetible, las sensaciones del fotógrafo son únicas. Es igual que cuando amas, puedes repetirlo muchas veces pero cada una de ellas es diferente, especial.
Todos hemos aprendido similares procedimientos técnicos en el manejo de las herramientas necesarias para convertirnos en fotógrafos o cineastas. Cada uno ha profundizado de manera diferente, se ha ido puliendo y ha ido regando sus capacidades intelectuales.
Después está esa chispa de genialidad que hace a unos diferentes de otros, que no es fruto de la casualidad, si no del trabajo y del estudio y por supuesto, del don individual.
Para enseñar una disciplina creativa, hay que hacerlo desde la honestidad, no se pueden vender falsas expectativas o burras por pura sangre.
Se puede enseñar, la técnica, las diferentes estéticas, las narrativas visuales, como afrontar un proyecto o como promocionarlo y venderlo, eso que se llaman los trucos del mercado.
Lo que no podemos ofrecer y mentimos si lo hacemos es decir: “te voy a enseñar a ser un autor”.
Eso es mentira, es la invención de una expectativa falsa, en definitiva algo inexacto.
Los autores se forjan mediante el trabajo individual continuo, una capacidad de creación diferente
a la del resto. Esto se produce después de muchos años de trabajo, de búsqueda, de pulir su propio discurso narrativo, de crear una perspectiva diferente a todas, para sintentizar el pensamiento y
las estéticas en sus obras.
Ofrecer a los jovenes, masters o cursos de como ser un artista es mentir descaradamente.
Hay que diferenciar el trigo de la paja, entre aquellos que te ofrecen el estudio de las herramientas necesarias para que uno haga su propio camino, y los otros que venden la ilusión de convertirte
en un autor.
Hay escuelas serias que ponen al alumno en ese camino, toda la información a su alcance, técnica, estéticas, narrativas... Es el alumno el que debe de saber procesar esa información y lanzarse a esa búsqueda intensa de si mismo y de la expresión de su propio trabajo.
Algún día podrá valorar si se ha convertido o no en un autor con mirada propia.

Lo Esencial y Lo Accesorio

2012-02-10T00:01:00.000+01:00

Erwin Olaf © Paradise Portraits, 2001

Estaba leyendo un ensayo de Walter Benjamin sobre “La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica” y los cambios que advertía Paul Valéry en su texto “La conquista
de la ubicuidad, Piéces Sur L’art”.
La tecnología nos provee de nuevas herramientas para la creación artística, para la producción de nuestros restos del naufragio que alimentaran esos cementerios a los que llamamos museos.
Las máscaras que nos muestra Erwin Olaf en su trabajo Paradise Portraits, nos sirven para usarlas como metáforas de nuestras miserables conductas sociales.
Desde la traición, la codicia, la burla o la muerte, todo se puede interpretar en el trabajo
de Olaf. Expresar los sentimientos a través de las máscaras nos protege de igual manera que cuando empuñamos la cámara para aislarnos de la realidad que tenemos enfrente.
¿Es el arte digno? ¿A estas alturas el genero humano hace algo con dignidad?
Erwin Olaf nos muestra en su obra todo tipo de registros de nuestras propias conductas y
fantasmas, y por eso me interesa mucho su trabajo. Me produce esas sensaciones básicas que un hombre necesita, esa dualidad de sensaciones que siempre nos persiguen.
¿Es necesario una gran capacidad de medios avanzados tecnológicamente para que se nos remuevan nuestras emociones?
Los que trabajamos con fotografía o vídeo estamos muchas veces obsesionados por los avances que las nuevas tecnologías producen a un ritmo vertiginoso, y nos ofrecen como la nueva panacea cada año.
Los aburridos debates que se producen en los foros de la red sobre estos temas, apartan a un lado, el que debería de ser el principal debate y que no se produce, el de las ideas y el desarrollo de las expresiones y nuevas narrativas en nuestros trabajos de creación.
La cacharrería ha ganado la partida a las búsquedas de nuevos lenguajes.

Erwin Olaf © Paradise Portraits, 2001

La capacidad de generar emociones en el espectador siempre se produce por el desarrollos de ideas brillantes que salen de lo más profundo del individuo, y esa es la parte más importante de todo el proceso.
Las herramientas nos ayudan a construir la expresión de nuestro lenguaje visual, pero son sólo herramientas, y debatir intensamente sobre que aparato nos produce un mayor grado de resolución
es a estas alturas un debate estéril y caduco.
Informarse a través de expertos de cual es la herramienta necesaria es útil sólo en procesos iniciales, posteriormente debemos buscar otros debates que enriquezcan el desarrollo de nuevas ideas para nuestros trabajos.

El Brillo De Doug Aitken

2012-02-09T00:01:00.000+01:00

Doug Aitken © Black Mirror

Doug Aitken (1968) nacido en California, es un artista multimedia, de gran talento que se expresa mediante el vídeo, la instalación y la performance. Tiene una trayectoria espectacular y ha
expuesto en las galerías y museos más importantes del mundo.
Sus productos están hechos después de una larga reflexión, ejecutados magistralmente con unos
medios técnicos de gran super producción, seducen al espectador, al que arrincona como a un boxeador que va a perder un combate.
Las principales características de sus obras, según mi opinión son: la invasión de los espacios
cotidianos de las ciudades, a los que transforma, la cuidada selección de imágenes, sonidos,
y la dirección de los actores que participan en sus proyectos.
Un ejemplo de estos trabajos, son la instalación SleepWalkers, 2007, construida para el MOMA,
y Frontier, 2009 realizada en Roma.
Las estructuras o las formas de presentación de sus trabajos, son en muchas ocasiones más
importantes que el contenido o las estructuras narrativas que presenta. Da la sensación de que te encuentras delante de algo incontestable, y que la presentación de sus productos evita que te cuestiones por el contenido o el aspecto formal de su discurso.

2007 Sleepwalkers Walkthrough from Doug Aitken Workshop on Vimeo.

Doug Aitken © The Moment - Matadero Madrid 2011

Ahora presenta en Madrid en la Galería Helga de Alvear, Black Mirror, una película de la cual hizo una performance en Hydra, Grecia a bordo de un barco el pasado año.

Chlöe Sevigny participa en el proyecto. 

Sus obras siempre tienen varias lecturas, la de la propia obra, la de la performance que el espectador ve en directo, y por último el vídeo de la propia performance o instalación.  Es un autor que no deja indiferente a nadie, seduce incondicionalmente por el brillo en la realización de sus productos, uno tiene la sensación de encontrarse en un palacio con un suelo de marmol tan brillante, que no nos deja apreciar el resto del mobiliario.

Ha pasado mucho tiempo desde que Nam June Paik hiciese sus primeras obras con la intención de una crítica al medio televisivo, o desde que Marina Abramovic presentase en 1970 con Ulay su performance “Relation in Time”, quizás hoy tengamos artistas como Aitken que presentan trabajos
de una calidad y exuberancia técnica abrumadoras.
Yo prefiero la contundencia narrativa de otro tipo de obras y unos medios más artesanales que me produzcan esas emociones básicas que todos tenemos.

Si tengo que elegir entre dos estilos de viajes, quizás me apetezca más visitar San Gimigniano que
Hong Kong, por poner un ejemplo.

2009 the handle comes up the hammer comes down from

Doug Aitken Workshop on Vimeo.

Los Falsos Héroes

2012-02-08T00:01:00.000+01:00

La fotografía lo ha registrado todo, héroes, verdugos, víctimas, lo noble, lo perverso…. todo
tipo de personajes y situaciones han sido el objetivo de los fotógrafos, en definitiva, la vida
misma.
Sigo con Donald Kuspit como lectura de sobremesa mientras el viento del invierno golpea
en las ventanas, y me encuentro con su capítulo sobre Nan Goldin.
Siempre me han gustado sus fotografías, tienen un estilo personal y directo, de lo que estoy
hastiado en estos momentos, es de sus personajes, esos falsos héroes que escogen el camino de
la autodestrucción a base de drogas y alcohol.
Eso me parece más pequeño burgués que otra cosa, fabricarse un falso paraíso aislados de la
mierda de las calles o de los problemas sociales.
Muchos movimientos culturetas considerados de vanguardia han estado llenos de pequeños burgueses, niños mimados que jugaban a la transgresión con el paracaídas de la pasta de papá.
Eso ha ocurrido aquí y en cualquier parte del mundo, los más listos han conseguido, dinero,
fama y las portadas del papel couché.
Me interesa la calidad en el arte, aunque Dokoupil defina el arte como la basura de la vida, o los restos del naufragio como lo defino yo.
Nuestra sociedad es como un puzzle en el cual las piezas han saltado por los aires, y ven venir la aspiradora a toda velocidad por el pasillo, no hay salvación para nadie.
¿Que vigencia tienen hoy en día los desparrames de unas gentes en una casa del Soho?
¿A quien interesan hoy esas historias de falsa transgresión pequeño burguesa?
Si tengo que tomar partido por una huida de la realidad, lo mío no serán ni las drogas, ni el alcohol, prefiero como Dokoupil, el sexo salvaje e interminable.
Esa sería mi opción si quiero ser un pequeño burgués que huya de la realidad, de las injusticias que nos golpean día a día, del juego macabro de la especulación, que esclaviza a las sociedades con la cobardía y la complicidad de quienes nos gobiernan.
Pero lo que creo, es que hoy a las gentes no les interesan las historias de noches de vino y rosas.

Me interesan las historias como las de Aki Kaurismäki en su última película "El Havre", en la que

narra las injusticias de la marginación, de unos seres humanos que buscan un mundo mejor, en

el falso paraíso que es Europa.

Las Pasiones de Jiri Georg Dokoupil

2012-02-07T00:01:00.000+01:00

Me encontré con Jiri Dokoupil en 1989. Fui a su estudio en Madrid en una tarde de primavera
a hacerle un retrato para EPS. Me encontré con un tipo serio, educado, poco hablador y con
sus pinturas de humo hechas con velas sobre el lienzo.
Siguió mis instrucciones e hicimos una sesión breve pero intensa de retratos.
Su trabajo me pareció muy interesante, nada de farsas, sincero, real, que le fluía desde dentro.
La segunda vez sólo vi su trabajo en sus exposiciones en Madrid en el año 2000.
Releo el capítulo que le dedica Donald Kuspit en su libro Emociones Extremas y que éste
titula: “Alucinaciones Reales y Absolutos Anales” y que comienza con una cita del propio
Dokoupil que dice: “El sexo latino y caribeño… es más natural que el acto sexual
pequeño- burgués centroeuropeo… Allí el sexo está mucho más orientado hacia el ano, y la
lengua desempeña una función más ilustre que en nuestras latitudes.
Kuspit nos muestra un retrato de Dokoupil que le presenta como un sujeto sexualmente voraz
y polígamo, que combate la sexualidad pequeño burguesa con fines solamente reproductivos.
A veces los planteamientos de Kuspit sobre la forma en que Dokoupil expresa su sexualidad y la relación con su obra, no me interesan demasiado. Me atrae más la estructura visual y narrativa del trabajo de Dokoupil, su búsqueda de nuevas herramientas para expresar su pintura.
De todas formas el ensayo de Kuspit es altamente recomendable.
El hecho de la posesión sistemática para el goce sexual entre las personas que así lo desean sin
detenerse a pensar en compromisos sociales, es objeto de recriminación por parte de aquellos
que intentan recortar todo lo que se salga de los límites que pretenden imponer socialmente.
Que a este artista checo, las pasiones, la posesión sexual y la transgresión lo ayuden a expresar
en su obra sus vivencias e ideas sin tapujos, así como que sus experiencias lo hagan cabalgar
hacia una creatividad más desbordante, me parece altamente positivo, ya que las formas de
expresión sexual de cada sujeto configuran y describen su forma de ser.
Creo que valorar como lo hace Kuspit, el mito de las mujeres del sur, como más fáciles
sexualmente, (recalcando la búsqueda del paraíso de Gaugain en Tahiti), es algo trasnochado.
Que la realización de todas las fantasías sexuales le sirva a unos individuos para ser más felices,
y a otros les incentive en su proceso de creación artística, no sólo no es reprobable, sino un plus
positivo.
El sexo es la sal de vida, es como he dicho siempre ese caballo salvaje que hay que cabalgar para sentirnos vivos. Gozar de todas las posibilidades de disfrute sexual, a cualquier hora y con quien
esté dispuesto a compartir con nosotros esas pasiones no debe de ser ni un arma arrojadiza ni una etiqueta negativa que colgar a nadie.
Que a Dokoupil el mundo le pueda parecer una gran comuna donde disfrutar de su sexualidad es
una opción tan valida y libre como cualquier otra, lo importante para el espectador es que se sienta atraído por sus obras.
¿Es perverso el arte de Dokoupil, plantea el triunfo de su universo anal en su trabajo o simplemente
trata de mostrar una realidad que no es lo que parece?.
Todas estás preguntas las plantea y contesta Donald Kuspit en su ensayo sobre este pintor checo.
Yo me planteo discursos más simples cuando veo su obra o cuando pienso en mis propias historias,
el deseo y la muerte, la posesión y el abandono inmediato a la consecución del placer, la búsqueda
del refugio perfecto donde perpetrar todas las fantasías que te asaltan en cualquier instante.
Encontrar ese paraíso personal sin necesidad de debates entre el sexo burgués centro europeo o la
vía anal caribeña tal como plantea Dokoupil, para mi es sólo una cuestión de posibilidades para
sentir el placer.

Vídeo - Diálogo Con Ángel Colina - Segunda Parte

2012-02-06T00:01:00.000+01:00

Os dejo esta segunda entrega del diálogo con Ángel Colina. Me quedo con su última frase, resume
la filosofía, y la forma de vivir la profesión, de un fotoperiodista serio y profesional.
Afortunadamente hay una nueva generación que viene pisando fuerte como Guillem Valle, Manu Bravo, Edu León y muchos otros. Gente joven, con valor y talento, que ama la profesión, la
fotografía y que quieren comunicar su visión de la realidad a los otros.
Los que fotografían con dos dedos, como dice Colina, son profesionales de otro campo, ven la fotografía como algo accesorio a lo que hacen, y lo ejecutan sin respeto e interés.
Muchas empresas están criando en las granjas de la estupidez, a estos tipos de los dos deditos,
para que registren de una forma completamente plana, todo aquello que ven, y lo manden a
cualquier web de esos medios importantes.
Estos grupos editoriales son las que ofrecen masters de periodismo para alimentar sus camadas
de becarios a bajo coste, y además se permiten el lujo de pedir fotos gratis a los lectores.
No es un lamento de cementerio de elefantes. Es una realidad y el auténtico interés por salvar
el ejercicio digno de nuestra profesión, que es algo que sólo podemos hacer entre todos.
Escuchar a Colina, es aprender de su experiencia y ver cual es su punto de vista sobre el
significado de ser fotógrafo.

Eikoh Hosoe

2012-02-05T00:01:00.000+01:00

La primera vez que vi este retrato de Mishima fue cuando descubrí el trabajo de Eikoh Hosoe.
Era un manual de laboratorio de blanco y negro editado en Estados Unidos, donde grandes
fotógrafos nos contaban su forma de trabajar en el cuarto oscuro.
Yo estaba empezando en aquellos años a perfeccionar mis deficientes revelados de negativos, y comenzando a tener mejores resultados con D-76 y abandonando Rodinal.
Esa fotografía me causo un gran impacto, tenia mucha fuerza, la mirada de Mishima era penetrante,
en una fotografía muy contrastada, con muy pocos grises, y hasta las luces con una perdida de textura.
Años más tarde me interesé más por el trabajo de Hosoe y vi en sus desnudos ciertas similitudes
con los trabajos que Mappelthope hiciera posteriormente.

Eikoh Hosoe ©

En algunos de los trabajos de Eikoh Hosoe se ve la la influencia de Akira Kurosawa, el trabajo
de este cineasta ha tenido mucho peso en la cultura japonesa, sobre todo después de la segunda
guerra mundial.
Eikoh Hosoe a veces nos muestra esa faceta directa y minimalista, sobre todo en sus fotografías
de desnudos, donde juega con las formas y los contrastes, queriendo transformar su visión de los cuerpos, en objetos diferentes.
Este fotógrafo fue un referente de la nueva mirada de la fotografía japonesa durante la década de
los años ’60. Para mi uno de sus trabajos más importantes fue el libro Barakei que publicó en 1963, que fue fruto de la colaboración con Yukio Mishima.
Posteriormente a la muerte de Mishima fundó la Photo Workshop School en Tokio con otros fotógrafos como Araki, Moriyama o Tomatsu entre otros.

Eikoh Hosoe ©

Para mi supuso en mi periodo inicial de formación, mi primer contacto con la fotografía japonesa, y su obra me animo al estudio de su historia y a la búsqueda de nuevos autores.
Pero Hosoe es mucho más que sus trabajos de desnudos, ha fotografiado su país, sus gentes, aunque el no se consideraba muy bueno haciendo ese tipo de imágenes, y prefería construir sus propias historias.

Eikoh Hosoe © Man and woman, 1960

Eva Besnyö

2012-02-04T00:01:00.000+01:00

Eva Besnyö © Starnberger Strasse, Berlin 1931

Eva Besnyö fue una fotógrafa húngara que nació en el seno de una familia judía de Budapest en 1910. Amiga de la infancia de Robert Capa (Endre Ernö Friedmann), le enseñó a éste la técnica
de la fotografía.
Ella estuvo influenciada por el trabajo del fotógrafo Albert Renger-Patzsch perteneciente a la corriente de la “Nueva Objetividad” y sobre todo por su libro El Mundo Hermoso publicado en
1928. Fue alumna de éste en la Folkwangschule de Essen.

Eva Besnyö © Niño con cello, Lago Balaton, 1931

Se instaló en Berlin en 1931, con otros fotógrafos como Moholy-Nagy, aunque posteriormente
en 1932, tuvo que huir a Holanda a causa del ascenso de los nazis.
Ahora tiene una exposición antológica en la Berlisnische Galerie hasta el 27 de Febrerode este
mes.
Eva Besnyö forma parte de esa generación de grandes fotógrafos húngaros, que aportaron su
visión del momento con imágenes cotidianas, influenciados por los movimientos de la época.
La Gran Guerra provocada por Hitler, arrasó con todo este talento que se ubicaba en Berlin como
uno de los centros de mayor efervescencia artística y cultural.
Todo esto originó la gran diáspora, muchos murieron y otros consiguieron salir con vida de ese
horror que se llevó por delante millones de vidas y generaciones llenas de creatividad.
Besnyö tiene esa frescura de la experimentación de una nueva herramienta que empezaba a crecer con planteamientos estéticos basados en la “Nueva Objetividad”, y que antes lo fueron con la influencia del Constructivismo ruso o del Surrealismo.

Vivió el resto de su vida en Holanda, trabajando como fotógrafa y militando en movimientos
feministas. Murió en Diciembre de 2003.
Conocer a estos autores, estudiar sus influencias estéticas nos ayuda a reconstruir toda la historia
de la fotografía europea y sus aportaciones a su posterior desarrollo.

Miwa Yanagi

2012-02-03T00:01:00.000+01:00

Miwa Yanagi © Gretel 2004

Hará más o menos unos 8 años descubrí el trabajo de Miwa Yanagi en un stand de una galería
española en Arco. Me interesó su trabajo, concretamente esta serie llamada Fairy Tale, que me recordaba al mundo de los sueños de Jerry Ueslmann o Arthur Tress.
Esta japonesa nacida en Kobe tiene una dilatada trayectoria de exposiciones en importantes
galerías e instituciones de todo el mundo.
Para mi, su obra fue un sopló de aire fresco en aquella aburrida edición de Arco, donde los
imitadores de la escuela alemana abundaban, con sus tediosas e intranscendentes imágenes de viviendas sociales en Shangai, por poner un ejemplo.
Yanagi cuenta historias, te puede gustar en mayor o menor medida la estética con la que nos
ofrece sus trabajos pero a mi esas narrativas visuales que propone me producen la curiosidad
y el interés de ver más allá de la propia imagen.

Miwa Yanagi © The Little Match Girl 2005

Lo onírico siempre nos invita a viajar a un mundo donde las propuestas pueden ser ilimitadas,
nada es preciso ni previsible.
Me interesa el surrealismo porque fue un movimiento que trataba de proyectar lo imposible e
irreal en sus propuestas, nada tenia relación con los discursos de tiempos pasados que planteaban
las eternas confrontaciones entre formas y colores.
Muchos artistas del siglo XX han sido influenciados por las estéticas surrealistas, y todavía
estas siguen pesando en muchos autores, que han adquirido sin darse cuenta estos planteamientos
estéticos, y que son parte de su forma de ver y de crear.

Miwa Yanagi © Untitled Ⅳ　2005

Delimitar El Espacio

2012-02-02T00:01:00.000+01:00

Un folio en blanco nos limita el espacio de la escritura o del dibujo, la cámara nos ofrece una herramienta para capturar aquello que deseamos.
Una habitación vacía, un cuerpo desnudo, una mirada, todo esto lo vamos a delimitar con nuestro encuadre selectivo, todo se convierte en un cruce de caminos.
La palabra, el silencio, siempre hay algo antagónico que busca un equilibrio, quizás inestable. Opinamos sobre cualquier cosa, emitimos juicios y nuestras afirmaciones suenan como sentencias absurdas de muerte, muchas veces erróneas.
La historia se teje poco a poco en nuestro interior, va madurando e incluso cuando empezamos a producir nuestras primeras fotografías, las dudas nos atormentan, y cada paso nos cuesta un
esfuerzo supremo. Al final, vamos delimitando aquello que se va a convertir en esa narración
visual que queremos transmitir.
Janine Chasseguet Smirgel planteaba la hipótesis de que la perversión representa una …
reconstitución del caos….
Decidir que tipo de caos vamos a plantear, en ese punto se encuentra la más importante decisión
de nuestro propio proceso creativo, el punto de partida, establecer un orden de prioridades de lo
que queremos transmitir, por medio de una herramienta de creación artística.
Es un error definir el caos como un elemento negativo del proceso, en muchas ocasiones nos
ofrece salidas brillantes a proyectos estancados en una vía muerta.
La ausencia de ideas para seguir con nuestras historias nos convierte en rehenes de nuestros planteamientos iniciales, ese es el punto en el cual muchas veces un desorden nos ayudará a establecer las salidas necesarias para encauzar y delimitar ese espacio narrativo que habíamos perdido.

Susanna Majuri ©

Vídeo - Diálogo Con Ángel Colina - Primera Parte

2012-02-01T00:01:00.000+01:00

Ángel Colina es un fotógrafo especializado en el fotoperiodismo y en la fotografía de viajes.
Premio Ortega y Gasset, tiene una larga trayectoria que le ha llenado de experiencias y vivencias personales. Siempre ha tenido la curiosidad de estar donde sucedían los acontecimientos que nos sobrecogían.
Es de esos profesionales que enfrentan cada trabajo con la honestidad de informar, de contarnos lo
que esta pasando en las zonas de conflicto.
Después de muchos años, nos encontramos en La Puerta del Sol, reflejando con nuestras cámaras
las protestas del movimiento 15M.
Os recomiendo que le escuchéis y exploréis su trabajo con interés.

Larry Fink, La Mirada Indiscreta

2012-01-31T00:01:00.000+01:00

Larry Fink ©

Larry Fink (1941), es un fotógrafo norteamericano con una larga trayectoria de más de 45 años. Entre sus trabajos más conocidos se encuentra Social Graces, una serie realizada durante los años ’70 que refleja la vida social de Manhattan, fiestas, eventos, clubes.

Fink en este trabajo se convierte en un testigo casi invisible del comportamiento humano es los actos sociales. Con una mirada certera nos muestra lo que el asistente a un evento de este tipo es capaz de observar.

En el fondo sus imágenes se convierten en un bestiario de tipologías y situaciones tratadas desde una mirada crítica con todo aquello que sucede.

Refleja, soledades, frustraciones o momentos de clandestina intimidad llenos a veces del hastío de lo cotidiano o de miradas tristes y agotadas.

No hay mejor forma de vernos a nosotros mismos que a través del ojo del fotógrafo que ejerce de testigo en nuestras relaciones sociales.

Fink lo consigue a la perfección. A lo largo de los años vengo observando en los diferentes álbumes

de bodas las mismas miradas de los protagonistas que se repiten en el mismo evento. La novia, el

novio las familias…. gestos y miradas, son los mismos y da igual cuales sean las clases sociales a las que pertenezcan.

Larry Fink ©

August Sander retrató a un país, echó por tierra el mito de la raza aria, de los perfectos alemanes, Robert Frank en su libro “Los Americanos” ofrece una visión real de Estados Unidos que no gusta

ni al poder ni a los “wasp” de turno.

La fotografía se convierte a través de la mirada de cada fotógrafo en un testigo de la sociedad en que vivimos, dependiendo de la mirada crítica o complaciente de cada uno podremos obtener diferentes versiones de un hecho similar. Esto depende de donde pongamos los acentos en nuestra narración visual.

Larry Fink ©

Me interesan aquellos que con sus trabajos nos hacen reflexionar sobre lo que vemos y

somos, no me atraen para nada las miradas satisfechas y complacientes con su pesebre diario.

A veces lo banal nos muestra matices de nosotros mismos que nos son tan ajenos, que no nos reconocemos en las fotografías cuando los observamos..., y nos sorprendemos a nosotros mismos

como personajes lejanos y distantes.

Fink muestra ese lado oscuro que todos ocultamos, y lo muestra de una forma estéticamente

atractiva, y eso hace más interesante esa crítica social soterrada, de ese mundo de las relaciones

sociales, de una burguesía que pretende aparentar mucho más de lo que es.

El Gran Ojo

2012-01-30T00:01:00.000+01:00

Rafael Roa © Agnes Kiraly, actriz

La fotografía siempre ha estado vinculada a la vida. Se integró rápidamente en lo cotidiano.
Primero como un fenómeno de representación social, las populares tarjetas de visita que criticó
Walter Benjamin, desde la perspectiva que le otorgó la aparición de otros autores que usaban la herramienta desde un punto de vista más creativo a comienzos del siglo XX.
Esta mañana he pensado que 1984 de Orwell está de plena actualidad. Las redes sociales se han convertido en un poderoso medio de comunicación, donde se comparte todo tipo de información
en segundos, pero también en un importante fichero policial creado por nosotros mismos.
Exponemos nuestros datos, fotografías, opiniones, intereses personales o de consumo....
Lo saben prácticamente todo, estamos fichados y muchas personas comparten hasta sus más
mínimos movimientos y opiniones.
David Bailey comentaba en una entrevista que ya no le interesa fotografiar a las celebridades del momento. Su entorno banal, modifica la relación de confianza que anteriormente se creaba entre
el fotógrafo y el personaje.
Estamos perennemente bajo control, cada vez es más complicado buscar esos instantes
espontáneos en nuestras sesiones de retrato, porque estamos sujetos a las limitaciones que impone
el equipo que controla la imagen del famoso.
Y sin embargo vivimos la contradicción de que nuestros datos personales se venden al mejor
postor entre grandes compañías, y los ciudadanos estamos siendo acosados en nuestras casas por vendedores de servicios.
Por una parte, se ha limitado nuestra capacidad de fotografiar en libertad, y la relación con nuestros derechos de explotación de nuestro trabajo, y por otra el gran hermano nos tiene fichados, nos
observa y manipula.
Ejemplos como Wikileaks o el juez Garzón nos demuestran los grandes tentáculos del poder real.
En el arte ocurre igual, es más fácil eliminar a los sujetos molestos y crear una programación de
gentes tolerables por el sistema y el mercado. Es muy sencillo observar esto en la programación de muchas galerías privadas, que dan saltos de caballo, como si de una partida descontrolada de
ajedrez se tratase.
Tenemos un problema si pensamos como debemos abordar el acto de fotografiar desde un punto
de vista de la relación de contenidos y la salida de nuestro producto final al mercado.
Mi opinión es que uno debe de ser fiel a sus ideas, independientemente de la situación social y
política que nos rodee. Para eso uno tiene que estar dispuesto a renunciar a otras cosas. La vida,
como la fotografía es una toma de decisiones continua, y ahí esta la clave de saber qué queremos obtener al final.

Director - Michael Radford, Orwell, 1984

David Bailey

2012-01-29T00:01:00.000+01:00

David Bailey ©

David Bailey es uno de los grandes fotógrafos europeos, coetáneo de Sieff, Newton, Bourdin,
entre otros. Una generación que puso patas arribas la fotografía de moda y de retrato editorial
en Europa, y que en los años ’60 produjeron el gran cambio en la estética fotográfica.
Como reconoce Bailey, el tuvo influencias de los más grandes, anteriores a él y de su propia generación, pero el artista que más le impresionó fue Picasso.
Si analizamos sus retratos veremos claramente influencias de Irving Penn y Richard Avedon.
Bailey fue el modelo en que se basó Antonioni para su película “Blow Up”.
Bailey fue testigo de toda la vorágine creativa de los años ’60, y reflejó muy bien la personalidad
de aquellos que eran protagonistas entonces.
En sus retratos trata de captar la personalidad del sujeto, su lenguaje gestual, y en sus retratos
refleja claramente sin tapujos quienes son aquellos que fotografía y cual es su punto de vista.

David Bailey ©

En mi primer viaje a Londres, en los lejanos ’70, me encontré con una exposición suya, una mezcla de retratos y fotografías de moda. La contemplé con la curiosidad de alguien que quería ser fotógrafo, y quedé totalmente impresionado. De él aprendí cual debía ser el camino a seguir.
Son muy interesantes sus opiniones acerca del estilo propio del fotógrafo, o del retrato editorial de celebridades en la actualidad. Sobre la primera cuestión, afirma que un fotógrafo no puede estar toda la vida metido en un sólo traje. Le interesa la evolución creativa. pero no puede escapar aunque lo intente de su estilo poderoso a la hora de fotografiar. Puede cambiar de temas, pero nos deja siempre su especial forma de mirar.
Sobre el retrato de celebridades, es mejor que no os perdáis la entrevista del vídeo que os enlazo a continuación. Siempre son interesantes las opiniones de fotógrafos como él.

Jean Loup Sieff

2012-01-28T00:01:00.000+01:00

Jean Loup Sieff ©

Jean Loup Sieff (1933-2000) es uno de los fotógrafos que han sido una referencia para la gente
de mi generación. Hemos aprendido y disfrutado de sus fotografías de moda, retratos, reportaje,
de sus desnudos, con ese uso tan particular de la perspectiva del gran angular y de su cuidado,
blanco y negro.
Sieff no necesitaba más, sólo un fondo neutro, el personaje, la modelo y él con su cámara,
dispuesto a atrapar una imagen directa que ofrecer al espectador.
Trabajó para Magnum, antes de trabajar como fotógrafo independiente en el campo de la moda,
editorial, y desarrollar una obra personal muy interesante a lo largo de sus años de ejercicio profesional.
Fue un habitual de las grandes revistas de moda, como Vogue, Elle, Harper's Bazaar.
Su vida profesional transcurre entre París y Nueva York.
Él es un autor, su estilo lo define como uno de esos fotógrafos que poseen una forma propia de encuadrar la realidad, y que ha dejado huella dentro de la historia de la fotografía.

Esa es la fuerza de muchos de los fotógrafos de su generación, eran fotógrafos versátiles que dominaban casi todos los campos de la fotografía y las fotografías que realizaban, eran imágenes
muy poderosas que mantenían todas un alto grado de calidad.
Para fotografiar así sólo se necesitan dos cosas, talento y trabajo, nada de esto se consigue por casualidad.
Conocer la obra de Sieff es adentrarse en unas narrativas visuales comunes a los fotógrafos
europeos de su época, pero diferenciadas en sus diferentes estilos, y su capacidad de crear unas fotografías que son imposible de que las olvidemos.


Jean Loup Sieff ©


Jean Loup Sieff ©

El Que Se Esfuerza Por Escuchar, No Ve

2012-01-27T00:01:00.000+01:00

Buscar un significado más profundo desde el punto de vista de la creación audio visual a esta
frase de Walter Benjamin con la que tituló el post de hoy, es llegar a situarse en la justa medida
entre las ideas y la intensidad.
Estar en ese plano donde se equilibran la pasión y la razón dentro de un proceso de creación,
es el punto donde comienza la gran pelea sobre hacia donde vamos a tirar en nuestras narraciones visuales. Si trasplantamos este debate al mundo de la fotografía es como sin un hipotético combate
situásemos en una esquina a Chema Madoz y en la otra a Jan Saudek.
Cada uno de nosotros nos situamos en un plano acorde a nuestra capacidad para afrontar esa creación de historias a través de la fotografía. Unos escogen un camino en el cual van a utilizar la metáfora como arma arrojadiza contra el espectador y otros utilizarán la transgresión como un directo golpe visual.
Hay muchas más alternativas, tantas como individuos dispuestos a coger una cámara como herramienta de expresión personal, cada uno destilará su propio aguardiente y lo ofrecerá a los demás.
Se trata de eso, es así de simple de destilar ideas, sensaciones, momentos y meterlos en una imagen.
La reflexión y la pasión no tienen porque ser antagónicos, podemos tratar de dar las dosis necesarias
a nuestro trabajo y conseguir así que remen en la misma dirección.
Pero todo dependerá de nosotros, no hay formulas que se adapten a la medida de cada uno, todos debemos buscar ese camino que queramos recorrer, aún a sabiendas de poder cambiar de dirección
en cualquier momento.
Si vemos la trayectoria muchos fotógrafos observaremos que algunos puntos en común en todos ellos, generalmente las obras más directas, transgresoras o atrevidas se encuentran en etapas de juventud y las más reflexivas en las etapas de maduración donde se alcanza lo máximo, antes de empezar la decadencia o el estancamiento.
Saber detenerse a tiempo, es siempre un acierto igual al cambio de rumbo, sólo tenemos que saber
ver cual es el instante preciso para tomar esas decisiones, mientras tanto debemos mezclar y destilar ese aguardiente para que sea cada vez mejor.
Hoy he vuelto a ver una imagen de Diane Arbus enseñando en el Hampshire College en Junio de 1971, un mes antes de morir, se la ve cansada, sus ojos no brillan y un mes más tarde se bajó en marcha de esto. El tiempo nos da la capacidad para analizar nuestro trabajo y ver las cosas que consideramos más importantes en nuestro día a día, aprovechar estos instantes de lucidez es vital
para encontrar el encuadre preciso.

Perder La Inocencia

2012-01-26T00:03:00.000+01:00

Cuando empezamos a fotografiar, nos acercamos al uso de la herramienta como un niño con
sus juguetes nuevos. Tratamos a nuestra primera cámara como un objeto único y precioso,
que cuidamos con esmero.
Miramos una y otra vez por el visor, lo cotidiano nos parece mágico, cuando por primera vez empezamos a fotografiar y a seleccionar nuestras primeras escenas.
Poco a poco, la cámara se convierte en un instrumento habitual, pero quizás ya ha perdido esa
mística inicial que tenía.
Estamos en el buen camino, empezamos a comprender que la herramienta es sólo eso, un aparato
que nos permite capturar imágenes, y que lo más importante son las ideas que seamos capaces de desarrollar.
Todos los fotógrafos hemos ido seleccionando con el tiempo, ese tipo de historias que queremos
contar, éstas evolucionan de manera natural, según vamos cambiando y creciendo, en lo personal
e intelectual.
Siempre he dicho que nuestro trabajo es una síntesis de los que somos, podemos tener épocas de sequía de ideas en las cuales nada fluye, y nos entren las dudas, el desanimo.
Estos tiempos siempre se acaban, si no abandonamos y seguimos trabajando.
Lo importante es estar dispuesto a construir algo de una manera sólida y coherente.
Ninguno de los grandes fotógrafos y artistas que admiramos son fruto de la casualidad, nadie que tenga una obra de peso basa su éxito en la suerte, todos se apoyan en el trabajo y el método.
Todos comunican sus historias, con la coherencia del estilo narrativo y estético que han ido
destilando en constante evolución durante el paso de los años.
Así podemos ver la trayectoria de aquellos que nos interesan y veremos los puntos de inflexión
donde su obra ha ido tomando otros derroteros, pero al final veremos una coherencia que nunca
será fruto de la casualidad o el azar.
Aprendizaje continuo, evolución y trabajo, ese es el único camino para que lo sólido que seamos
capaces de construir, no se desvanezca en el aire.

Walter Benjamin, Reflexiones, Percepción, Fotografía

2012-01-25T00:01:00.000+01:00

Diane Arbus, autorretrato embarazada, 1945

Releyendo a Walter Benjamin siempre te vuelves a encontrar con citas interesantes, que aunque las conocías, te provocan volver a reflexionar sobre ellas.
Moholy-Nagy en su artículo sobre la fotografía de 1928, afirmó que: “Los ignorantes del futuro no serán aquellos que ignoren la escritura, sino el que ignore la fotografía”.
Y Walter Benjamin pregunta: ¿Pero es que no es menos analfabeto un fotógrafo que no sabe leer
sus propias imágenes?
Estas dos cuestiones se hacían a 90 años de la invención del daguerrotipo, cuando ya se habían abierto nuevas formas de expresión fotográfica alejadas de los retratos comerciales del siglo XIX, como las tarjetas de visita.
Atget, August Sander y Karl Blossfeldt, habían hecho nuevos planteamientos narrativos en sus trabajos fotográficos alejados de esa tradición.
Alejarse de lo viejo, buscar nuevos caminos que nos ayuden a completar diferentes puntos de vista
a la hora de abordar una narración con imágenes. ¿Es ese el camino?
Creo que cada uno se puede posicionar desde su perspectiva personal, cultural y psicológica para abordar como contar sus historias.
¿Que nos interesa contar, y sobre todo como nos interesa mostrarlo y con quienes queremos
compartir esa realidad?
Para mi estas son las preguntas que todos nos debemos contestar antes de coger una cámara con la intención de fotografiar algo.
Esta tarde he visto el book de una joven fotógrafa, muy bella, tenia unos autorretratos en los cuales mostraba su cuerpo desnudo. No eran más que unas fotografías en color de una mujer bella, no
tenían ningún interés, ni siquiera su belleza servía para pararse a ver ese trabajo.
La sensualidad y belleza de los cuerpos no sirve para que nos detengamos a ver unas fotografías,
si estas no nos ofrecen algo más.
Transmitir sensaciones que inviten a los demás a detenerse a analizar nuestras fotografías, o que
estas provoquen la curiosidad del espectador por su fuerza narrativa o planteamientos estéticos.
Creo que aquí están muchas de las respuestas a las búsquedas de los fotógrafos.
¿Y aquellos que están locos, encerrados en hospitales, cuales podrían ser sus miradas, sus
selecciones de la realidad en la cual viven?
¿Nos pueden atrapar las miradas de aquellos que encerramos porque han perdido la razón?
Por supuesto que sí, sería interesante ver que les interesa de su mundo, como lo perciben.
Sobre la percepción, ¿como nos vemos en las fotografías?
El otro día un amigo me enseño un vídeo que se había hecho haciendo el amor con su novia.
Era una escena a contraluz, estéticamente bella, en la penumbra de una habitación.
Cuando lo vimos durante el tiempo necesario para poder valorarlo me pregunto mi opinión.
Le dije que me gustaba la escena pero prefería que me trasmitiese sus sensaciones de como se ve como personaje principal. Él me contesto, me veo torpe, nada atractivo, pero he sido inmensamente feliz, cuando amas, el goce sexual se convierte en algo secundario, son mucho mas importantes las sensaciones interiores que siento en ese momento.
Esta anécdota me recuerda a este autorretrato de Diane Arbus, embarazada y semi desnuda frente
a un espejo en 1945. ¿Como se vería ella, quizás tan bella como la veo yo, con esa mirada dulce
que se pierde en el espejo, que le devuelve su propia imagen?

Jason Langer

2012-01-24T00:01:00.000+01:00

Jason Langer ©

Ver el trabajo de Jason Langer (Tucson, AZ 1967) es sumergirse en una novela negra llena de misterio, a través de unas imágenes sugerentes que empujan al espectador hacia la curiosidad de llegar al final de una historia interminable, pues cada nueva imagen es una nueva sugerencia de búsqueda.
Langer esta exponiendo su trabajo en Paris, su serie “Secret City” en la Galería Esther Woerdehoff.
Esta es una galería importante, asidua de las ferias internacionales de arte contemporáneo y especializada en fotografía.
Jason Langer trabajó como fotógrafo free lance desde 1990 hasta 2003, siendo retocador oficial de grandes nombres de la fotografía como Arthur Tress.
Su obra en un cuidado blanco y negro, nos produce ese dramatismo que provoca su forma de
trabajarlo, en tonos bajos, donde en muchas de las imágenes, sus personajes parecen ocultarse
entre las sombras.

Jason Langer ©

Una vez, una fotógrafa californiana me comentó que le gustaban aquellos fotógrafos que
son contadores de historias, estoy de acuerdo con ella. Este tipo de autores, si hacen bien
su trabajo nos provocan insatisfacción, nos hacen entrar en una especie de loop infinito
que nunca se repite.
Es la misma sensación que tuve cuando vi los primeros minutos de "Melancolía" de Lars
Von Triers, me hubiese gustado alargar esa secuencia de imágenes bellas y misteriosas
durante mucho más tiempo.

Jason Langer ©

Explorar el trabajo de Langer es descubrir una nueva mirada, el misterio de lo cotidiano,
que a veces pasa desapercibido para nosotros.

Notas A La Iluminación En Estudio - Aprende Fotografía

2012-01-23T00:01:00.000+01:00

Cuando doy talleres de iluminación, enseño a mis alumnos los efectos que se consiguen con los diferentes accesorios que están disponibles en el mercado.
Yo trato de inculcar a mis alumnos dos cosas: la primera un control absoluto de la luz, y la segunda que busquen su propia estética.
Una cosa que me gusta enseñar es la construcción de pequeños accesorios de iluminación que nos

son los estándares nidos de abeja o conos, por poner un ejemplo.
Podemos cortar la luz con una metalizada cartulina negra, producir efectos propios en determinadas situaciones, no todo se resuelve a base de una inversión en material.
Este retrato del actor Pablo de la Chica está hecho de esta forma, con este material y un poco de cinta fabriqué un pequeño cono con varias salidas irregulares.
De esta forma conseguimos el efecto de iluminación que veis en la imagen.
El único problema que tienen estos accesorios, es que salvo que los guardemos con mucho cuidado, cualquier pequeña modificación en el artilugio que hemos fabricado, producirá una variación en el resultado final. De esta manera es muy difícil que otro día podamos repetir el exacto efecto de luz.
Para mi tiene el encanto de lo efímero, del usar y tirar de un solo día y el desafío de explorar algo diferente en la siguiente sesión.


Rafael Roa © 2012 - Pablo de La Chica, actor

Hay grandes colegas expertos en la construcción de todo tipo de artilugios de este tipo, y que afortunadamente enseñan este tipo de sistema de trabajo a sus alumnos.
El cineasta y creador José Val del Omar (1904-1982) fue uno de los grandes artistas audiovisuales de este país que trabajaba experimentado en la construcción de muchas herramientas para la realización de sus ideas.
La filosofía a transmitir a los alumnos es la del propio Val del Omar, búsqueda, experimentación y
trabajo.

Heinrich Heidersberger

2012-01-22T00:01:00.000+01:00

Heinrich Heidersberger (1906 - 2006) es uno de los grandes fotógrafos alemanes de arquitectura del periodo de la posguerra. Fue alumno de pintura en Paris de Fernand Léger y se inició en la fotografía industrial y de arquitectura en 1937. Su trabajo en esta especialidad se caracteriza por la precisión técnica y la racionalidad compositiva de sus imágenes.
Hablar de su obra, es adentrarse en muchos campos, desde la abstracción y el surrealismo a la fotografía de viajes, como el trabajo que realizó en 1954 “MS Atlantic”, un reportaje de un crucero desde Nueva York a Cuba en el que refleja en color y blanco y negro, su visión de turista, y de la Cuba pre-revolucionaria, ahora se está exponiendo en la Galería Petra Reitz.

Heindesberger perteneció a esa generación de fotógrafos que aunque tenían una especialidad en la cual destacaban eran considerados como fotógrafos totales, capaces de afrontar cualquier proyecto, dentro de los diferentes campos de la fotografía.
A mi me interesan este tipo de fotógrafos, quizás porque yo he crecido y me he desarrollado profesionalmente con esa cultura de manejar la herramienta de una forma total. Esa ha sido la tradición que mi generación ha heredado de las generaciones anteriores, sobre las cuales se ha
basado todo nuestro aprendizaje técnico y estético.

Conocer la obra de fotógrafos europeos que han estado alejados de nuestro ámbito, por la colonización cultural que Europa sufrió después de la Segunda Guerra Mundial, donde todas las referencias venían de Estados Unidos, es necesario para poder tener una perspectiva más global y analizar en profundidad los movimientos estéticos y sus influencias de la fotografía y el arte contemporáneo.

Andre De Dienes

2012-01-21T00:01:00.000+01:00

Andre de Dienes fue un fotógrafo que es conocido por su relación con Marilyn Monroe cuando
esta era una joven modelo que se llamaba Norma Jean.
Pero no voy a hablar ni de su relación con la estrella, ni de las fotografías que Andre hizo de ella,
si no del resto de su trayectoria profesional.
De Dienes llegó a París en 1933, y colaboró con el periódico L’ Humanité y con la agencia Associated Press hasta 1936, año en el cual comenzó a fotografiar moda de alta costura, gracias al apoyo del diseñador Captain Molyneux.
Llego a USA en 1938 colaborando en la revista Esquire, pero se enamoró del país recorriéndolo de
Este a Oeste. En 1944 llega a California donde comienza a fotografiar sus series de desnudos en espacios naturales y a retratar a todas las estrellas del momento.

Más que enumerar unos datos biográficos sobre la trayectoria de Andre de Dienes, prefiero
centrarme en dar mi opinión personal sobre su trabajo de desnudos en esos años de su etapa californiana.
En su trabajo trata de equilibrar la fuerza del paisaje, con la belleza de los cuerpos desnudos
que fotografía, intentando que las modelos se integren, como un elemento más de los espacios naturales, aunque son el motivo principal de sus imágenes.


Andre de Dienes

Fotografiar un desnudo es algo más que una modelo desnuda ante la cámara, ya sea en estudio, o como en estos trabajos de Andre, en exteriores.
El interés del fotógrafo puede ser simplemente estético como en este caso, que refleja la belleza
del desnudo y su entorno, y al final él consigue perfectamente su objetivo.
En otros autores como Witkin, Saudek o Araki su lectura es totalmente diferente.
Mi amigo Steve Anchell es uno de esos que sigue esa tradición estética del desnudo en exteriores,
os recomiendo su libro “The Nude at Big Sur”.
Andre de Dienes es más que el fotógrafo de Norma Jean, su amigo y compañero, conocer su trabajo en profundidad es descubrir a un fotógrafo completo con una mirada personal.

Andre de Dienes, Marilyn Monroe, Breakfast in Bed 1953.

La Soledad De Lo Cotidiano

2012-01-20T00:01:00.000+01:00

Lo cotidiano se nos convierte en monótono, aburrido, actuamos sin emoción casi como autómatas
que ejecutan ordenes sin pensar. La ducha, el desayuno, abrir la ventana, tirar de la cadena,
apagar el despertador, el ascensor, la búsqueda diaria del salario. Todo esto tiene la belleza de lo inapreciable por nosotros, lo hacemos más efímero de lo que incluso es.
Imaginar la imaginación de la cual carecemos, es volver a darle vueltas a intentar escribir sobre un
papel en blanco.
La cámara, otro instrumento de contar historias, ¿para que descargar las imágenes que están dentro?, son pasado como decía Abbott.. ¿Me interesa ese pasado o puedo prescindir de él?
Hoy me ha llamado un amigo para preguntarme que le sugiriese un momento feliz para
fotografiarse él mismo. Le he dado cuatro ideas tipo que pueden funcionar en una web
comercial. Para mi un momento feliz es un momento intimo de entrega, o un amanecer con viento
frío y como diría Bukowski, sin idiotas alrededor.

La semana que viene tenemos la exposición de una gran vídeo artista en una galería de
Madrid, Eija-Liisa Ahtila nos visita con sus trabajos, veremos como está montada en ese espacio

tan pequeño, pero ver su trabajo siempre merece la pena.
Ella nos cuenta historias, ideas hechas imágenes y a mi eso siempre me interesa.
El día se acaba, como dice aquella vieja canción folk “The day is done”, siempre tengo la
sensación de que el tiempo se me escapa de las manos y no alcanzo a hacer todo lo que deseo,
es una carrera en la cual siempre llego el último.

Estamos solos cuando realizamos los actos más cotidianos, igual que el fotógrafo que capta la

muerte o la amargura, de las atrocidades que producimos.

La soledad invade lo cotidiano hasta el final, y desde esa perspectiva muchos nos apostamos con nuestras cámaras para registrar lo banal usando metáforas visuales que a veces lo convierten el
algo sublime o transcendente.

Levedad from Rafael Roa on Vimeo.