Fotografía para Principiantes

Que debo saber sobre las lentes? (Guía definitiva)

2015-01-09T16:04:00.000-08:00

Para todo aquel aficionado que empieza en el mundo de las cámaras con lentes intercambiables, es de gran importancia comprender todos esos detalles relacionados a estas piezas de óptica. Desde conocer las partes que la conforman, hasta saber cual deben usar y porque hay tantas y tan variadas lentes.

Créditos: Nikon.

El mundo de las DSLR y las lentes puede resultar intimidante para quienes empiezan; la falta de conocimiento por lo general nos limita y nos desvía por el camino que queremos seguir; muchas veces terminamos comprando lentes que no nos servirán. Hoy vamos a descubrir este mundo.

Partes.

Sin importar la marca, las lentes suelen tener los mismos elementos a conocer:

Parasol: Para evitar que la luz entre indebidamente a la lente.
Rosca para el filtro.
Anillo de enfoque: Para realizar el enfoque manual. Deben evitar moverlo cuando este en autofoco.
Anillo de zoom: Para ajustar a longitud focal en las lentes que no son fijas.
Escalas: Según el modelo y/o la marca encontraran diferentes tipos de escalas. La que todas las lentes que no son fijas tienen, es la de longitud focal.
Montura: Es la parte que sirve para unir la lente a la cámara. Deben tener cuidado con esta zona de la lente.
Interruptores: El cuerpo de algunas lentes ofrecen funcionalidades como la estabilización de imagen.

Cuando tengan una lente en sus manos, podrán identificar cada uno de estos elementos; este conocimiento les ayudar a sentir confianza. La lente es una pieza muy delicada, de alta tecnología, que deben cuidar, para prevenir algunos problemas que se presentan cuando no tenemos cuidado.

Si son curiosos podrán ver que en el cuerpo de la lente, hay letras sueltas, se trata de siglas para poder identificar la tecnología que contiene la lente, cada compañía ofrece descripción para esas siglas.

Categorías.

Para simplificar la clasificación de las lentes, las agruparemos en tres categorías incluyendo formato DX y FX:

Angulares: Entre 8mm y 40mm.
Standard: entre 40mm y 60mm.
Telefoto: entre 60mm y300mm o más.
Macro: Este tipo de lentes, es una sub división dentro de las anteriores, es una funcionalidad que se ofrece adicional al tipo de lente que estemos usando.

Dentro de estas longitudes focales, debemos hacer una división adicional, me refiero a los luminosos y los no luminosos:

No Luminosos: Apertura máxima de f3.5
Luminosos: Pueden abrirse más allá de f3.5, por ejemplo f2.8 o f1.8.

Por último los agruparemos en dos sub grupos fijos (primarias) y con zoom :

Fijos: Son lentes que no ofrecen zoom, tienen muchas ventajas con respecto a la luminosidad y la velocidad de disparo, pero solo ofrecen una longitud focal.
Con zoom: Son las lentes que nos permiten ajustar diferentes longitudes focales, a lo largo del rango de la lente.

Pero esto no es todo, además podemos pensar en estas lentes desde una perspectiva de uso que pretendemos darles , o sea si lo queremos usar para retratos, para deportes o para eventos sociales, etc.

Angulo de visión y longitud focal

Una de las principales razones por la cual nos aventuramos a comprar nuestra primera DSLR, es por las lentes. Este sistema nos ofrece una gran variedad de lentes, algunas con una sola longitud focal y otras con un rango que podemos ajustar.

Pero que es Longitud focal? Es una unidad de medida que podemos ver en el cuerpo de la lente, es un valor expresado en milímetros; cada una de estas longitudes nos ofrece un ángulo de visión, una ventana determinada por medio de la cual podemos ver el mundo.

Comprendamos la Apertura.

La apertura también es una unidad de medida, que representa el tamaño del agujero por medio del cual la lente permitirá la entrada de luz que llegara hasta el sensor, cuando realicemos el disparo y las cortinillas del obturador se abran el tiempo determinado.

Para los que empiezan en la fotografía, estos números no tiene mucho sentido, ya que van aparentemente de forma arbitraria, por ejemplo: f2.8, f3.5, f5.6, f8, etc.
Aspectos importantes:

Mientras más chico sea el numero mayor será la apertura, o sea el agujero será más grande y permitirá mas entrada de luz.
Cada uno de estos números se denomina stops (parada) un salto entre dos de estos números, por ejemplo f2.8 y f3.5 es un full-stop, cada salto aumenta al doble o disminuye por la mitad la cantidad de luz, según sea el sentido en que avancemos.
Si entra mas luz, podremos dispara mas rápido.

Como obtener una imagen más nítida.

Conforme aprendemos mas y mas vamos descubriendo aquellos aspectos que nos gustaría mejorar, para aumentar la calidad de nuestras imágenes; uno de los más deseados es mejorar la nitidez; como se han de imaginar, las lentes soy una parte muy importante en el flujo de trabajo de la nitidez.

Pero sobre todo es muy importante conocer los puntos en los cuales una determinada lente nos ofrece su mejor desempeño en cuanto a la nitidez de la imagen, a estos puntos se les conoce como Puntos dulces.

Que lentes necesito?

Tal vez este sea el párrafo que estaban esperando desde que comenzaron a leer, sobre todo si son principiantes; el secreto para saber que lentes necesitas está en saber para qué tipo de fotografía sirve cada lente o sea saber que lente usar para ese tipo de fotografía.

Si están pensando: entonces no es posible hacer todo tipo de fotografías con una lente?...entonces por fin han comprendido, porque hay tantas lentes en el mercado y por que los costos varían de una lente a otra.

Sin embargo y a pesar de lo que les he mencionado previamente, les ofreceré un kit de lentes que podrían ir mejorando conforme van aprendiendo:

Al principio: o sea cuando empiezas o acabas de comprar tu primera DSLR; aprovechar el 18-55mm que trae la cámara y adquirir uno que complete el rango de longitudes para aprender, o sea un 55-300mm o algo similar.
Quiero más: o sea ya has experimentado con las lentes que tienes y vas por el siguiente nivel; en este punto puedes incluir lentes para ampliar tus posibilidades, como por ejemplo un gran angular 8mm o 10mm; también puedes adquirir tu primer lente fija, por ejemplo 35mm f1.8, 50mm f1.8, 60mm f2.8, así como incluir tu primera lente con funcionalidad macro.
Estoy pensando en ser profesional: en este punto debes pensar seriamente lo que deseas, por que las lentes que se necesitan para cubrir eventos sociales deben ser luminosas y estas suelen ser mas caras que todas las que has comparado, me refiero a la 17-55mm f2.8 para DX o la 24-70mm para FX y la inseparable compañera de cada formato 50-150mm f2.8 para DX y 70-200mm para FX.

Comentario final.

Cuando alguien dice: No es la cámara es el fotógrafo!, yo siempre pregunto: En serio? esta afirmación casi establece que el equipo no importa, pero el equipo SI IMPORTA y mucho.
Pero no me mal interpreten, tampoco estoy diciendo que si compran el más fino y caro equipo podrán crear imágenes increíbles; para lograrlo, además del equipo necesitan otras muchas habilidades y conocimientos, necesitan saber cuales son las cualidades de una buena fotografía, necesitan saber revelar o editar, necesitan saber la diferencia entre una fotografía SOOC y una revelado y editada apropiadamente, necesitan saber lo que significa ser purista ... en fin, la cámara es solo el primer paso.

Suerte.

Si les gusto, compartan!.

Como miramos el mundo (para fotógrafos).

2015-01-09T15:54:00.000-08:00

Para quienes amamos la fotografía, la vista es el sentido más importante; comprender como funciona puede ser un valioso recurso para entender la complejidad que hay detrás de crear una buena imagen.

Se trata de un fascinante hecho del cual pocos tomamos conciencia; hoy vamos a hablar del sentido de la vista, desde el patrón visual que seguimos al ver una fotografía, hasta la forma en que el cerebro es capaz de crear una imagen y de qué manera esto tiene relación con la fotografía digital.

El sentido de la vista y la fotografía.

La cámara es un intento muy pobre por crear algo similar a la vista del ser humano; desde luego si hacen comparaciones entre la estructura de una lente y la estructura del ojos, podrán encontrar algunas similitudes y muchos aspectos que podrían mejorarse en las cámaras.

Por ejemplo:

El ojo humano es capaz de ver en tres dimensiones y formar una imagen dinámicamente, mientras que la cámara solo es capaz de capturar una sola imagen en dos dimensiones.
El ojo humano es capaz de compensar conforme enfocamos la vista controlando el brillo y el contraste en las diversas zonas.
El ojo humano es capaz de ajustar la visión a diversos ángulos.

Estos son algunos ejemplos de lo poderoso que resulta ser el sistema visual humano. Aun que para ser sincero el sistema también tiene sus detalles.

El ojo como una lente.

Haciendo a un lado los detalles fisiológicos y las medidas del ojo, la retina, el iris, etc; podemos decir que el ojo tiene una longitud focal en reposo de uno 17mm, aun que muchos aseguran que es entre 22 y 24mm. Desde luego el ojo es capaz de ajustarse a longitudes focales mas largas y más cortas también, por ejemplo 8mm.

Imagen capturada con una lente de 8mm.

Si partimos de esto, podemos incluir en este análisis la apertura del ojo (variable) siendo f2.1 en 8mm y f3.5 en 24mm, aproximadamente. Entonces, porque todo el mundo dice que es entre 35mm y 50mm?. El punto es el ángulo de atención visión.

Si prestan atención a su visión podrán identificar una zona donde la nitidez y el detalle sobresalen, según estudios es de aproximadamente 55 grados de ancho; la lente que nos ofrece ese mismo ángulo es 43mm, que se encuentra entre 35mm y 50mm; por eso el debate…sobre el resto es al vista periférica, no es tan nitida.

Cómo funciona sistema visual (sin tecnicismos médicos).

El cerebro recibe millones de señales que son capturadas por la retina y llevadas a el por medio del nervio óptico, el cual está formado de un complejo entramado neuronal que contiene (por decir un número aproximado) un millón de fibras, cada una de estas correspondería a un pixel en comparación con una cámara digital.

Toda esta información llega al cerebro, el cual se “crea” una “imagen” mental; esto ocasiona que a veces seamos presas de ilusiones ópticas, por ejemplo: un arcoíris. En realidad el arcoíris no es un objeto que se encuentre flotando en el cielo, sin embargo nosotros lo percibimos como algo que podría ser tangible, aun que sabemos que no lo es.

Imagen mental.

Cuando miramos el ojo realiza una serie de movimiento involuntarios que recorren todo el campo visual, estos movimientos se denominan movimientos Sacádicos; al principio son atraídos hacia las zonas más iluminadas y con mayor grado de enfoque. Después siguen instintivamente las líneas que aparecen en la imagen y por ultimo remiten el rastreo rápidamente.

Este concepto es muy interesante; el cerebro interpreta la información que llega de la retina para crear una imagen, esto activa ciertas zonas del cerebro para poder realizar la interpretación de lo que “vemos”.

Lo interesante es que cuando nos imaginamos algo, es casi como si lo estuviéramos “viendo”, el cerebro activa las mismas zonas, pero en vez de usar información proveniente de la retina, emplea información proveniente de la memoria.

Si se preguntan qué tiene de asombroso, les diré: un grupo de científicos de EU, se encuentra trabajando en un scanner mental, que les permitirá en algún momento “ver” lo que esta persona esta “viendo” en su mente. Imaginen que se pueda ver algo, almacenarlo en nuestro cerebro y después descargarlo en LR, para hacer ajustes o llevarlo a Photoshop para editarlo, sobre todo por que como ya hemos dicho el sistema visual es mucho más poderoso que cualquier cámara.

Diferencias entre la vista y las lentes.

Como ya todos sabemos las lentes no son capaces de igual al ojo humano; sin embargo no basta con saber este hecho, debemos saber cuáles son los puntos que debemos cuidar al crear una fotografía.

El ángulo de visión: Las lentes tienen un menor ángulo visual; mientras más larga sea la lente, menor será el ángulo.
Resolución y detalle: Para obtener algo similar a una vista sana 20/20, necesitaríamos una cámara capaz de crear imágenes de unos 52 megapixeles. Esto quiere decir que mientras menor sea el numero de pixeles, menos detalles obtendremos, aun que no siempre es mejor mas megas.
Sensibilidad a la luz y rango dinámico: El ojo humano es capaz de “capturar” en una sola “vista” mas de 24 f-stops, mientras que las cámaras en promedio nos ofrecen entre 5 y 11 f-stops, dependiendo si es compacta o DSLR.

A pesar de todo esto, una buen equipo fotográfico, un buen revelado, un buen fotógrafo es capaz de crear imágenes muy reales.

Que tiene que ver todo esto con la fotografía?

Es muy sencillo, conforme vamos aprendiendo sobre fotografía, descubrimos que para lograr una buena imagen, para crear algo que realmente valga la pena, no basta con apuntar y disparar; el fotógrafo “observa”, mira la escena frente a él, para crearse una “imagen mental” de lo que desea obtener cuando dispare la cámara.

Si no tenemos conciencia de estos aspectos, podríamos “encuadrar” algo que nuestros ojos son capaces de ver, pero que ninguna cámara será capaz de capturar; una vez que hemos identificado lo que vamos a incluir en nuestro cuadro, entonces podremos saber con qué lente seremos capaces de capturarlo.

Visión fotográfica.

Han escuchado el término: VISION FOTOGRAFICA?, se trata de una visión especial que los fotógrafos debemos desarrollar, esa visión se obtiene mediante el conocimiento del equipo y la practica constante; esto quiere decir que no se trata de “disparar”, debemos analizar lo que obtuvimos.

En la medida que logremos capturar lo que nos crearnos como imagen mental, mejoraremos nuestra visón fotográfica; nuestras fotografías empezaran a coincidir con la imagen mental que nos creamos al observar la escena y eso contribuirá a que nuestras imágenes sean mejores.

Comentario final.

En lo personal, descubrir esto me ha servido para ver el mundo desde una diferente óptica, en cada oportunidad que tengo que crear algo, me concentro en el aspecto visual de la escena y trato de hacer la mejor conversión posible entre lo que mi cerebro fue capaz de imaginar y lo que mi cámara será capaz de captar…desde luego las diferencias que comentamos previamente, se pueden superar con LR y/o PS.

Suerte.

Si te gusto compártelo.

Esta es la mejor de mis fotos!.

2015-01-09T15:51:00.002-08:00

El pasado mes de noviembre publique un artículo que me hizo recordar los inicios del blog: así es una breve publicación del 2010, donde me preguntaba cual sería el elemento más importante de una fotografía?

Al volver a leerlo me puedo dar cuenta de lo mucho que he aprendido a lo largo de estos años; hoy que empezamos un nuevo año en el blog, quiero retomar el tema para explicarlo con mas detalle…

La luz.

Desde luego la luz sería el más importante de todos, sin luz no hay fotografía. Pero mi pregunta va mas allá de lo obvio, si solo fuese la luz, cualquiera podría crear imágenes asombrosas que nos transporten a ese lugar con solo mirarlas, que nos hagan sentir algo al observarla.

Cuando me hice esa pregunta hace ya varios años, estaba abriendo mis ojos a la fotografía, no me conformaba con lo que podía hacer hasta ese momento, quería mas, quería saber cómo lograrlo, quería tener las bases para responder mis dudas…creo que esa pregunta me trajo a donde estoy el día de hoy.

Voyeur y Exhibicionistas.

Te gusta crear imágenes?, disfrutas el proceso de captura?, te gusta mirara a través de la mirilla y encuadrar?, disfrutas al ver un evento desde un lugar privilegiado?, Te gusta que admiren tu trabajo?, sientes placer cuando le dan like a tu foto? Te llenas de orgullo cuando te preguntan cómo lo hiciste?.

Entonces vas por buen camino!...para ser un buen fotógrafo es necesario ser Voyeur y exhibicionista; para ser buen fotógrafo debes salir de las sombras, debes compartir tu trabajo y disfrutar todo el proceso, a tal grado que te gustaría dejar todo y dedicarte a esto todo el tiempo.

Como sabias que les iba a gustar?

Como fotógrafos debemos desarrollar una visión especial, diferente a la de los demás, única, personal, que nos ayude a ver el mundo desde una perspectiva especial. Me refiero a esa sensación que se remueve dentro de nosotros al ver una imagen que hemos capturado.

Que nos motiva a decir: Esta es la mejor de la sesión!...y una vez que la has compartido y que a todos les ha cautivado, sabes que la próxima tiene que ser mejor. Pero dime: Como sabias que les iba a gustar? Que viste en la imagen?

La conexión.

Todo lo anterior nos lleva a pensar de qué manera se conectan los puntos? La luz, el voyerismo, el exhibicionismo y la sensación de saber qué es lo mejor que hemos creado hasta este momento?

En todos los párrafos anteriores está presente la clave, el secreto para identificar nuestro mejor trabajo: LA EMOCION. Pero no cualquier emoción, sino esa emoción que crea una conexión emocional con los que admiran nuestro trabajo.

Permítanme que les explique.

Se han preguntado por qué ciertas imágenes resultan muy populares que otras?...por ejemplo: una imagen de cachorritos o de bebes o una hermosa mujer. Las personas que se conmueven con esta imagen no lo hacen porque son capaces de ver la técnica en la imagen, o la calidad de la misma, estas personas se conectan con el contendió.

Pero no me mal interpreten, esto no quiere decir que todos debemos hacer fotos de bebes o de mascotas o de modas; les he compartido estos ejemplos para que comprendan que es lo que mueve a las personas. Debemos aprender a crear una conexión emocional con nuestras imágenes.

Como crear esa conexión?

Bien, estamos en el momento clave de este articulo, si lo han leído con cuidado lo más lógico es preguntarnos como lograrlo. Que debemos cuidar? Que debemos hacer? Que debemos saber?.

Debe incluir al menos los siguientes elementos:

Luz: Este elemento es fundamental en cualquier imagen, ya sea natural o artificial o de sus cualidades; si logran crear un ambiente con la luz disponible y logran que esa luz resalte lo más importante de la composición, estarán en la dirección correcta.
Color: A muchos nos gustan las imágenes en B&N, sin embargo no podemos negar que la presencia del color en la imagen, la lleva a otro nivel de comunicación; el color es un elemento muy importante y es muy importante que aprendamos a capturarlo de tal forma que transmita lo que sentimos.
Momento: En un evento o actividad humana, siempre hay momentos que son más poderosos que otros, momentos que transmiten una historia en una imagen; por lo general se trata de situaciones que se desarrollan fuera de nuestro control, momentos en los cuales no hemos intervenido, pero que hemos anticipado lo que ocurriría y supimos cuando disparar para conservarlos en el tiempo.
Composición: Dicho de una manera sencilla, la composición es la acción de poner todo lo anterior en un pequeño cuadro de dos dimensiones y capturar la grandeza que hay ante nuestra lente. En algún momento me resistí y me revele a someterme a esas reglas, pero créanme para romperlas hay que conocerlas.

Cada vez que revisen su trabajo, traten de identificar esos 4 elementos. Sean sus más exigentes críticos, yo sé que es difícil ser juez y parte, pero es importante aprender a juzgar nuestro trabajo y aprender a ver las cualidades de cada imagen que creamos.

Comentario final.

Hoy que publico el primer artículo de este año que comienza, creo que es una buena oportunidad para invitarlos a revisar sus fotografías, para empezar descubrir esa conexión emotiva que debe haber en cada imagen; si no la ven entonces pueden incluir entre sus metas de este año, aprender a crear esa conexión entre su trabajo y todo aquel que lo admire, que los likes y comentarios vayan mas allá, que la conexión sea más poderosa que un “me gusta” porque en la foto hay un hermoso bebe o un curioso cachorro.

Feliz año a todos mis lectores.

Suerte.

Si les gusto compartan. Gracias.

Uso creativo de Lightroom

2015-01-09T15:48:00.001-08:00

Lightroom se ha convertido en la herramienta preferida de los fotógrafos principiantes y poco a poco los veteranos la van descubriendo; creo que a estas alturas el debate sobre si LR es mejor que PS o si fue creado para sustituir a PS ha quedado en el pasado, todos sabemos que LR y PS son complementos.

Algunas personas que empezaron con PS y de repente descubren LR, sienten que la herramienta es muy básica…esto sucede porque no han descubierto la forma de trabajar con sus herramientas mas allá del revelado básico; hoy vamos a abrir sus mentes al uso creativo de LR, mas allá del revelado…

Bases.

Para poder descubrir ese poder, es necesario que nuestra visión como fotógrafos sea lo suficientemente capaz de ayudarnos a lograr nuestras metas y para esto es necesario que conozcamos las bases de la composición, que son las que nos permitirán crear nuestra propia interpretación.

Deben estar consientes que la cámara no ve el mundo de la forma que nosotros lo vemos, que nuestros ojos y nuestro cerebro son mucho más poderosos que las lentes y que el sensor juntos; es por este motivo que cualquier fotografía necesita ajustes básicos y que no existe ese concepto que algunos tratan de presumir: DIRECTO DE LA CAMARA!. Lo que comparten en el visor es un JPG revelado por la cámara.

Mejoras necesarias.

Cuando capturamos una escena con nuestra cámara, la tecnología de nuestro equipo logra captar una imagen con un menor rango dinámico que el que nosotros vimos, con diferentes grados según las lentes y el sensor, pero el contraste será limitado, tendremos zonas muy oscuras y zonas muy claras, todo esto es normal.

Así que lo mejor es empezar por corregir estas carencias, ese es el secreto del revelado, antes de hacer cualquier otro ajuste o de aplicar cualquier preset o efecto, lo primero es hacer los ajustes básicos para mejorar el rango dinámico, el contraste, las transición entre las sombras y la luz, etc.

Comienza la diversión!.

Una vez que hemos realizado los ajustes básicos y tenemos una imagen más cercana a lo que vimos

Es momento de recurrir a los demás paneles:

Con respecto a los paneles.

En el blog podrán localizar artículos donde se habla de cada uno de estos paneles, en ellos podrán encontrar lo necesario para usarlos apropiadamente; sin embargo el enfoque es mas didáctico que artístico.

HSL

Sobre la parte artística he publicado algunos artículos en los cuales he tratado de imitar algún estilo, efecto o preset, en estos artículos si hay un poco más del uso creativo de estas herramientas.

Espero que en estos artículos encuentren eso que es hace falta para sentir que LR es y puede ser la herramienta ideal para la mayoría de nuestro trabajo fotográfico y que solo recurriremos a PS en casos más extremos.

Comentario Final.

Antes creía que la creatividad era algo que no se podía aprender sin embargo con el paso del tiempo he cambiado de parecer y hoy creo firmemente que todos podemos ser creativos, lo único que necesitamos es conocimiento y voluntad; aprendan a usar las herramientas de LR y después estoy seguro que empezaran a ver todo lo que pueden hacer con estas.

Suerte y feliz navidad.

Si les gusto compartan.

Clave alta y clave baja.

2014-12-19T09:24:00.000-08:00

A veces descubrimos que hay algún tema sobre el cual hemos leído y que incluso nos gusta, pero no le hemos dedicado mucho tiempo a practicarlo; en mi caso tampoco he publicado algún artículo sobre el tema.

Y eso que se trata de un estilo muy popular entre los fotógrafos; hoy vamos a aprender que es cada uno y cómo podríamos obtenerlo nosotros en casa…

Que es la calve alta o la clave baja?

Primero hablaremos sobre la clave alta, es un tipo de iluminación que crea un brillo que no luce natural, con la simple intensión de eliminar lo más posible las sombras; con el tiempo se convirtió en un estilo por sí mismo y es la opción de muchos fotógrafos.

La clave baja por el contrario es un estilo donde los tonos oscuros predominan la imagen; este estilo suele crear un efecto más dramático en la imagen final.

Cada uno de estos estilos tiene sus requerimientos para poder obtener una imagen que clasifique en el.

Como podemos obtener una clave alta?

Uno de los motivos por los cuales podríamos desear recurrir a este estilo al hacer un retrato es para evitar distracciones, un fondo blanco logra resaltar los colores en primer plano. (En la foto el fondo se ve blanco al subirla al blog cambio).

Pero no solo se trata de tener una tela o un papel blanco al fondo, también se necesitara luz de lo contrario terminaremos con un fondo gris.

No deben confundirse la sobre exposición es al fondo, nuestro sujeto puede resultar con tonalidades muy claras, pero debe tener detalles, por ejemplo textura en la piel.

El secreto es lograr una completa sobre exposición del fondo sin que nuestro modelo resulte sobre expuesto, para lograrlo necesitaremos más luz al fondo que en primer plano, pero también necesitaremos luz en primer plano, de lo contrario resultara una silueta.

Si se encuentran en el exterior pueden aprovechar la potente luz solar para lograr que el fondo resulte sobre expuesto, si están en el interior necesitaran un flash.

En ambos caos deben tener cuidado con la cantidad de luz que rebotara en el fondo blanco, si es demasiado la imagen se contaminara con una especie de bruma resultando en una imagen opaca.

Configuración flash y cámara.

Si no lo han intentado previamente, la mejor forma es con el flash, porque podrán controlar la potencia y empezar con el valor más bajo y poco a poco ir subiendo la potencia hasta obtener la sobre exposición deseada.

Desde luego la mejor forma de lograrlo es teniendo el control, así que modo manual será la opción, usando grandes aperturas (aun que no es un requisito); un ISO de 400 o de 800 podría ser de ayuda para obtener fondos sobre expuestos.

No les daré los valores porque esos dependerán de cada situación de luz. Ah y no se olviden…DISPAREN EN RAW!.

Usando flashes hay muchas formas de lograrlo, tal vez la más simple sea usando un par de flashes con sombrillas; una al frente para iluminar a nuestras modelos y otra en la parte de atrás de nuestro modelo para iluminar el fondo.

Como podemos obtener una clave baja.

Este estilo es todo lo contrario que el anterior, en este se busca obtener mas sombras, mas contraste; desde luego hay presencia de luz si no, no habría fotografía, pero en esta ocasión la cantidad de luz es menor.

La idea es usar la luz para resaltar los elementos más importantes y lo demás dejarlo en las penumbras. Las sombras serán protagonistas, predominaran los tonos oscuros.

Un ejemplo de este estilo de iluminación lo podemos obtener en las fotografías de ventana, de esta manera podemos emplear la luz que penetra por la ventana para iluminar a nuestro modelo; incluso podría ser el integrado con algún difusor.

Por el contrario si desean usar el flash, solo necesitaran uno, para obtener el máximo de contraste entre la zona iluminada y las penumbras al fondo; por este motivo un fondo negro es de gran ayuda en estos casos solo deben asegurarse que la luz no llegue a él para evitar cualquier detalle o destello.

Para obtener mejores resultados, asegúrense que sus modelos usen ropa de colores oscuros, para evitar rebotes de luz no deseados.

A diferencia de la anterior, en este estilo se trata de permitir que entre únicamente la luz necesaria; si no lo han hecho previamente les aconsejo empezar con una apertura cerrada por ejemplo f5.6 y cerrarla poco a poco para ver el resultado.

En este caso el ISO debe ser lo más bajo posible, porque si estamos usando Flash el ISO elevado permite que entre más luz ambiental, así que 100 seria el valor indicado. Además cuando tenemos la presencia de tantos tonos oscuros, la fotografía tiene a resultar muy ruidosa y a nadie le gusta ese resultado.

Este tipo de fotografías podría llevarnos a velocidades bajas, sobre todo si estamos usando la luz disponible y no un flash; así que un Tripie podría ser nuestro mejor aliado.

Se puede crear con edición o revelado?

Desde luego que sí. Si tienes una imagen correctamente expuesta y tienes las habilidades y las herramientas apropiadas, es posible crear una imagen final en clave alta o en clave baja. En lo personal lo he hecho de esta manera.

Sin embargo creo que como fotógrafos, debemos aprender a hacer este tipo de fotografías desde la cámara, para que en revelado el trabajo sea mínimo y menos evidente que si lo editáramos.

Comentario Final.

Para aprender fotografía se necesitan dos cosas: saber lo que estamos haciendo (tener las bases teóricas) y tiempo; para que se convierta en habilidad tenemos que practicarlo, experimentar, probarlo, vivirlo, no basta con “saber” o “conocer” el concepto.

Anímense a probarlo…

Suerte.

Tipos de archivo de imágenes para fotógrafos.

2014-12-19T09:17:00.000-08:00

Cuando empecé este Blog me fije como meta evitar los temas muy técnicos, o al menos tratar de que sean más accesibles para que cualquier persona que leyera los artículos pudiera comprender y aclarar sus dudas.

Esta premisa ha ocasionado que algunos temas los haya dejado en la lista de temas pendientes; hoy voy a abordar un tema que creo todos los fotógrafos digitales debemos conocer, me refiero a los tipos de archivo; sobre todo si les preocupa la calidad de sus imágenes, ya sea en línea, impresas o en el monitor de la computadora o la televisión…

Que tipos de archivo de imagen hay?

La mayoría de las personas conocen el JPG o JPEG…si, me refiero a la extensión del nombre del archivo, la que esta después del punto. Tal vez no hayan prestado atención a este detalle, pero esa extensión es la que nos indica que tipo de archivo estamos usando.

Además del JPG, podemos encontrar .bmp , .gif, .png, .tiff, entre otros, cada uno con sus detalles técnicos y prestaciones, que les han permitido existir al mismo tiempo, incluso muchas veces se convierten unos en otros para poder obtener algo que el formato que usamos no nos permite.

Y el RAW?

El RAW en realidad es un término genérico, ya que cada fabricante tiene su propio formato, con una extensión diferente, por ejemplo: Nikon usa .nef y Canon .cr2 y así las demás marcas. Para evitar estas diferencias ADOBE (la fabricante de Lightroom y Photoshop), propuso un formato similar al RAW, denominado DNG en el cual podemos convertir cualquier formato propietario y así tener evitar esas diferencias.

Para no confundirnos con los archivos que si son imágenes, podemos pensar en los diferentes archivos RAW y en el DNG como si fueran los negativos de las películas; para crear una imagen es necesario REVELAR el negativo. El RAW contiene toda la información que el sensor de la cámara pudo capturar y no es posible verlo directamente en nuestro sistema operativo, a menos que tengamos instalado el Driver para que esto sea posible.

Entonces…

Cuando nos enteramos de los diferentes formatos, podríamos empezar a preguntarnos: cuál será el mejor para mi trabajo?, con cual obtendré la imagen más pequeña?, cuál será el mejor para internet o para Facebook?

Las respuestas pueden ser muy sencillas o bastante técnicas, por que las diferencias entre los formatos nos llevaran a considerar los espacios de color, los perfiles de color, los modos, la compresión, la transparencia, la posibilidad de tener más de una imagen en el mismo archivo, el tamaño máximo, la posibilidad de incluir Metadatas, etc. Como pueden ver son demasiados temas para abordarlos todos en un solo artículo, además creo que resultarían muy técnicos y se aburrirían .

Cuando usar cada uno?

Así que voy a tratar de explicárselos de la manera más sencilla, para que todos podamos comprenderlo; por lo que hablaremos de los más comunes, sobre las ventajas y desventajas:

JPG: Es el más popular en internet, porque genera archivos pequeños, lo malo es que mucha de la información original es descartada; sobre la perdida de información, debemos saber que también se pierde cierta calidad de la imagen, dependiendo de la comprensión que usemos.

Es común usar este formato por que nos ofrece una amplia gama de 16 millones de colores en 24 bits de profundidad, además es compatible con Windows, Mac y Linux; además podemos añadirle meta datas.

GIF: Este formato es mucho más pequeño que el JPG, SU paleta de colores se limita a 256 por que solo permite 8 bits de profundidad; su algoritmo almacena un solo color para los patrones, por ejemplo si tienen un cielo con varios tonos de naranja, al final solo se almacenara uno.

Si están pensando en crear un diagrama o un logo con pocos colores, este formato sería muy útil. También pueden almacenar varias imágenes en el archivo, con lo que podrán crear breves animaciones. El formato soporta transparencias y permite almacenar algunos comentarios.

BMP: Se trata de un formato propietario de Microsoft. Son grandes porque no se comprimen; sobre la calidad podemos decir que es rico en colores y en calidad. El formato no es muy popular entre los fotógrafos, no son compatibles con todos los sistemas operativos, no sirven para internet y no soporta metadata.

Algunas personas afirman que no hay ninguna razón para seguir usando este formato de imagen

TIFF: Fue creado oficialmente en 2009 (aun que hay registros previos) y actualmente es propiedad de ADOBE. Es muy popular sobre todo entre los diseñadores gráficos, los publicistas y has en fotografía. Se trata de un formato muy flexible y rico en colores y en calidad.

Los archivos suelen ser muy grandes y a pesar que podemos comprimirlos, el mecanismo de compresión no es soportado universalmente. Así que la mayoría de las veces se usa sin compresión, lo que ocasiona que la carga sea lenta.

PNG: Se trata de un formato especialmente diseñado para ser usado en Internet. Se puede decir que se trata de una versión mejorada del GIF. A pesar de tener la misma limitación de la gama de colores, este almacena los colores de una manera más eficiente.

Cuando se almacena se aplica un algoritmo de compresión que es reversible, o sea que al abrirlo, podemos recuperar la misma imagen. Soporta RGB, pero no puede soportar CYMK, o sea que no es muy útil en la impresión de gráficos.

Cuál es el mejor en todos los escenarios?

No existe tal cosa, como hemos visto cada uno tiene sus ventajas y desventajas:

Impresión -> TIFF y JPG
Diseño Grafico -> TIFF, PNG, JPG y GIF.
Logotipos -> TIFF, PNG y GIF.
Internet -> PNG, JPG y GIF.
Fotografía -> TIFF y JPG.
Facebook -> JPG y PNG (sin transparencia).

A veces creamos una imagen en un formato, pero los requerimientos nos obligan a convertirlos en otro formato que pueda cumplir con los requerimientos, como podría ser una Fotografías que fue capturada en RAW, se revela en Lightroom y exporta en JPG; aun que si la trabajamos en Photoshop la secuencia podría incluir TIFF cuando se envié a Edición.

Y que sucede si quiero subir mi fotografía a internet?

Todos queremos que nuestras imágenes luzcan en todos los medios tal y como las hemos revelado o editado; si la envía a un servicio de publicación de fotografías, deben tener en cuenta el espacio de color y tal vez el tamaño máximo, en esos casos las imágenes lucirán muy parecidas a lo que vimos.

Pero que sucede si queremos enviarla a Facebook? Facebook la comprime o la convierte o ambas, para que la imagen cumpla con sus estándares. Este proceso no afecta a la mayoría de los usuarios que solo desea compartir las fotos de su viaje, pero a los que queremos compartir un trabajo de mayor calidad, esto nos complica la existencia.

Para este problema hay un artículo donde les doy los pasos a seguir usando Lightroom, según la versión 2014 de Facebook el máximo tamaño sin que afecte la calidad es de 2048 px por el lado más largo, puede ser JPG o PNG.

Comentario Final.

Espero que este artículo les haya respondido las preguntas, por si alguna vez se habían preguntado cuál es el formato de archivo más apropiado para sus fotografía y por que existían otros además del JPG, pero sobre todo creo que esto podría darnos un poco de luz sobre la duda más grande de todos los que publicamos en Facebook.

Suerte.

Marcos navideños con photoshop.

2014-12-19T09:13:00.001-08:00

En esta época del año muchas personas quisieran crear tarjetas o postales personalizadas usando sus propias fotografías, Lightroom nos permite añadir marcos de una manera muy básica, lo más avanzado podría ser usando archivos PNG transparentes.

Si tienen Photoshop pueden usarlo ya que el nos ofrece mayor control, pero ese poder viene acompañado de cierta intimidación para quienes no lo saben usar; así que en esta ocasión vamos a compartir con ustedes un tutorial sobre como añadir marcos personalizados…

Que necesito?

Para poder seguir este tutorial no necesitan saber nada en particular, solo deben seguir los pasos; sin embargo para trabajar usaremos las capas y los pinceles. Tampoco es necesario tener pinceles extra, pero es posible descargar de internet algunos gratuitos.

Sobre el marco, les mostrare como crear uno básico y como usar uno descargado de internet; ambos son procesos muy básicos y no tendrán problemas si los siguen paso a paso.

Crear un marco personalizado.

Les recomiendo usar una imagen que ya hayan revelado usando LR y al enviarla seleccionen una copia con los ajustes de LR.

1.- Desde LR seleccionamos la imagen que enviaremos a edición a PS.

2.- Con botón derecho la enviamos a editar:

3.- Una vez que la tenemos en PS, lo primero que debemos hacer es crear una copia de la capa, pulsando CTRL + J en Windows o CMD + J en Mac.

4.- Podemos añadirle un marco uniforme cambiando el tamaño del lienzo, por ejemplo con 5 cm; el color del marco será el que tengamos al fondo (pueden intercambiarlos pulsando la letra X):

5.- Si quieren personalizarlo puede, (1) seleccionar la herramienta de pincel y después (2) seleccionar uno personalizado:

Observación: Es posible que mis pinceles o brochas no sean iguales a las de ustedes.

6.- Si es un pincel con un dibujo, como en el ejemplo solo deben hacer clic:

7.- Si se trata de un pincel con una forma deslícenlo sobre el borde:

8.- Si se trata de un marco en formato PNG con el centro transparente, entonces hagan clic en añadir capa:

9.- Seleccionen la capa nueva y desde el Explorador o finder arrastren el archivo a la parte central (área de trabajo):

10.- El grafico, aparecer con unas líneas cruzándolo, en ese momento esta en modo de modificación; para ajustarlo al tamaño de su imagen localicen los nodos (puntos en las esquinas y en los lados) y arrastren:

11.- Al terminar pulsen la tecla ENTER.

12.- Ahora deben fusionar todas las capas; hagan clic en la capa superior, pulsen la tecla SHIFT y sin soltarla hagan clic en la capa inferior:

13.- Pulsen las teclas CTRL+E

14.- Para regresar a LR, seleccionen Guardar del Menu Archivo

15.- Pueden incluso tener varias capas con diferentes marcos, y usando el icono de visibilidad, hacer visible el que desean:

20.- Listo.

Comentario final.

Siempre es bueno tener alternativas, algunas herramientas como LR nos ofrecen mecanismo básicos, muy fáciles de usar y otras, como PS nos ofrecen más poder de edición, pero también resultan ser más complicadas de usar; espero que el tutorial sea lo suficientemente claro para que puedan ponerlo en práctica.

Suerte.

Flujo de trabajo para principiantes.

2014-12-09T09:57:00.001-08:00

Cuando descubrimos que nos gusta la fotografía empezamos a fotografiar todo!...generamos una gran cantidad de imágenes al día y sin darnos cuenta empezamos a crear carpetas en nuestra computadora de manera desordenada, para cuando tomamos conciencia de lo que está sucediendo hemos creado un caos.

Nuestras adoradas fotografías están en quién sabe dónde y nosotros tenemos miedo de perder nuestro tesoro…a todos nos ha pasado; cómo podemos solucionar esto? Muy sencillo con un flujo de trabajo, hoy les voy a dar uno para aquellos que empiezan…

Temas relacionados.

Este no es el primer artículo sobre el tema que he publicado; desde 2011 empecé con un flujo de trabajo que ha evolucionado hasta uno que publique en 2014, a continuación les dejo los artículos por si les interesa leerlos:

Sin embargo no tengo ninguno básico que pueda servir de guía, el del 2011 tiene las bases pero no proporciona pasos a seguir, enumera y explica las etapas mezclando temas básicos con intermedios.

Que es un flujo de trabajo en fotografía.

En general un flujo de trabajo es una secuencia de pasos que podemos repetir, para crear un patrón o un proceso, aplica en cualquier actividad de la vida. Para nosotros en fotografía digital en un sistema de principio a fin, que empieza cuando nos preparamos para capturar la imagen y termina cuando la entregamos a nuestro cliente (familia o amigos también cuenta).

Cada paso o etapa está relacionada con la anterior, de tal manera que el proceso sea sencillo y estándar; el secreto de un buen flujo de trabajo consiste en que sea una auxiliar para que nuestro trabajo sea eficiente.

Etapas o Pasos.

Estos varían según cada fotógrafo, según su experiencia, su tipo de fotografía, su equipo; sin importar lo anterior, una buena lista al menos debería incluir los siguientes pasos o etapas:

Encontrar la locación.
Preparar el equipo.
Capturar las imágenes.
Descargar las imágenes a nuestra computadora. (Usando el Explorador de archivos en Windows o el Finder de Mac)
Importarlas en un administrador de imágenes. (Lightroom)
Clasificación, Organización y selección del material útil. (Lightroom)
Revelado (ajustes básicos Lightroom).
Edición (si es necesario en Photoshop).
Exportar (Crear la imagen final).
Entregar imagen final: Impresa o en original. (Lightroom)

Solo falta un paso que la mayoría de los fotógrafos olvida: RESPALDO. Nuestro trabajo debe ser copiado a un disco externo para protegerlo de cualquier problema que pudiera presentarse.

Como se han podido dar cuenta, los primeros 4 pasos son los que cualquier fotógrafo aficionado lleva a cabo, es a partir del paso 5 que empieza la organización y el control. Si ustedes llegaban hasta el paso 4 es hora de empezar con un flujo de trabajo completo y avanzar al siguiente nivel.

Descarga.

Si se fijaron, todos los pasos excepto el número 4, tiene un link hacia un articulo donde se explica a detalle lo que se indica; solo el paso 4 no lo tiene; así que para no dejar incompleto el tema, a continuación les hablare de la descarga:

Memorias.

Las cámaras digitales contienen un medio de almacenamiento que podemos retirar, se trata de una tarjeta de memoria; hay diferentes tipos de memoria. Para poder descargar las imágenes directo desde la memoria, pueden usar un lector de tarjetas de memoria o si su computadora cuenta con el lector también podrán usarlo para realizar la descarga.

Este método suele ser el más rápido, sobre todo si descargamos las imágenes o archivos RAW usando el sistema operativo; el único detalle con este método, es que las memorias son hasta cierto punto delicadas y pueden dañarse si no tenemos cuidado cuando las extraemos o las introducimos en el lector o de nuevo en la ranura de la cámara.

Cable USB.

Por lo general los fabricantes incluyen un cable USB que puede ser conectado a la computadora y a la cámara; de esta manera podremos descargar las imágenes sin tener que remover la memoria.

Es un método seguro, pero suele ser lento y además al usarlo consumimos batería de nuestra cámara.

Carpeta de almacenamiento.

Sin importar cual sea el método que decidan emplear, deben tomar ciertas decisiones sumamente importantes para el futuro de sus fotografías:

Donde las almacenaran? :

No importa si las van a copiar a su disco duro o a una unidad de disco externo, lo mejor es crear una carpeta que agrupe todo nuestro trabajo, podemos llamarle FOTOGRAFIAS. Si tienen fotografías familiares y de trabajo, pueden crear dos sub carpetas: FAMILIA y TRABAJO, y así sucesivamente. Estas carpetas son estructura de organización, no deben contener fotografías dentro de ellas, sino solo carpetas.

Como se llamaran las carpetas?.

En este caso me refiero al nombre de la careta que contiene las fotografías, (las que crearan dentro de las carpetas que mencionamos previamente), por ejemplo tienes fotografías de un viaje a Las Vegas que realizaste la semana pasada, como llamarías la carpeta?
Recuerda que el nombre debe ayudarte a identificar el contenido, pero también debe ayudarte a organizar las carpetas. Una forma muy eficiente consiste en usar la fecha y texto, pero colocando el año, después el mes y por último el día, después un guion bajo y un texto; en este caso el nombre de la carpeta seria: 20141201_LasVegas. De esta forma se agruparan por año, mes y día, pero además tendremos una idea del contenido.

Comentario final.

Espero que este articulo haya llegado a sus vidas a tiempo para que no caigan en el caos…si ya se encuentran inmersos en el desorden, no se desesperen aun pueden reorganizar sus carpetas, será un trabajo largo y tedioso, pero créanme cuando lo tengan organizado se sentirán mas seguros.

Suerte.

Soy profesional si cobro por mi trabajo?

2014-12-05T09:00:00.000-08:00

Buscando en el Blog la palabra PROFESIONAL me di cuenta que al menos una vez al año, he publicado algo en relación con ser o no ser Profesional; en 2011 me cuestione: Profesional o Aficionado? , en 2012: Secreto Profesional o Celos profesionales? Y en 2013: De aprendiz a profesional en 5 pasos.

Ya estaba terminando el año y de nuevo surge el tema, esta vez en el grupo de Facebook surgió la pregunta: ¿puedo llamarme profesional cuando cobro por mi trabajo?...ustedes que creen?

Que es ser profesional?

Todo comienza por la definición:

Un profesional es quien ejerce una profesión (un empleo o trabajo que requiere de conocimientos formales y especializados). Para convertirse en profesional, una persona debe cursar estudios (por lo general, terciarios o universitarios) y contar con un diploma o título que avale los conocimientos adquiridos y la idoneidad para el ejercicio de la profesión.

A pesar de esto la calificación de profesional no sólo está vinculada a los conocimientos o al título, sino que también puede hacer referencia al compromiso, la ética y la excelencia en el desarrollo de las actividades ya sea laborales o de cualquier otro tipo. Se trata de un uso relativo y carente de precisión, ya que no requiere de un conocimiento específico de la profesión a la cual se hace alusión.

Puedo ser fotógrafo profesional si no he cursado estudios formales?

Hoy en día es posible de manera autodidacta romper ese estándar establecido por la sociedad y lograr los requisitos para ser considerado un profesional.

El problema para quienes estudian por su cuenta valiéndose de Internet, es que aun hoy en día sigue existiendo prejuicios sobre personas que ejercen cierta labor sin tener los papeles que avalen esa habilidad. Creo que hay ciertas actividades que requieren esa formación y reconocimiento institucional, como podría ser el caso de un Medico.

En fotografía si es posible destacar y ser reconocido sin tener estudios universitarios, porque nuestro trabajo, comportamiento y actitud son nuestra carta de presentación.

Entonces si me pagan puedo ser profesional?

La palabra profesional, como adjetivo se emplea para referirnos a alguien que desarrolla una actividad mediante una retribución económica, (viva o no de esta); cuando se cobra claramente deja de ser una afición o pasatiempo.

Muchos de nosotros hemos ido aprendiendo por nuestra cuenta, empezamos como un pasatiempo y sobre la marcha empezamos a hacerlo como negocio, a pesar que algunos tenemos otra profesión o actividad laboral con la que nos ganamos la vida.

A veces ese dinero que cobramos por nuestros trabajos de fotografía, son para invertir en equipo, accesorios, cursos y desde luego para quienes estamos casados, de esta manera podemos evitar un divorcio

Entonces qué es ser profesional?

Ser profesional es cuestión de actitud, no de papeles o de estudios; en fotografía para destacar como fotógrafo profesional se necesitan muchas habilidades (tecnológicas, interpersonales, artísticas, etc.), desde luego contactos, dinero para invertir, motivación ante la competencia, visión, facilidad de palabra, etc….como ven, no se trata únicamente de PASION.

Los estudios te dan una profesión, pero esto no quiere decir que seamos profesionales, para eso se necesitan algunas cualidades personales congruencia, ética, humildad, deseos de superación, crecimiento constante, etc. Nuestra actitud ante cada reto es lo que nos hace destacar como profesionales en lo que hacemos y eso no lo decidimos nosotros, ni el titulo, eso lo deciden nuestros clientes con su aprobación y reconocimiento.

Yo creo que poner FOTÓGRAFO PROFESIONAL en la tarjeta, en la página web o en la oficina, no nos hace profesionales...hay que ganarse ese reconocimiento de las demás personas. Esto quiere decir que una persona sin preparación, sin habilidades destacadas puede ser considerada PROFESIONAL únicamente por su empeño, dedicación y resultados.

Si recibo muchos likes y cumplidos puedo ser Profesional?

Es muy fácil caer en el engaño cuando nuestros amigos, familiares y conocidos le dan miles de likes y nos abruman con cumplidos, lo que sucede en estos casos es simplemente que todos ellos están asombrados por que tus fotografías son mejores que las suyas o simplemente porque te estiman mucho.

Cuando alguien te contrata (te paga) para que les hagas una sesión o les cubras un evento, la cosa es muy diferente, esa persona es un cliente, esa persona no va a comparar sus instantáneas con tu trabajo, esa persona va a comparar tus fotografías con las de otros fotógrafos reconocidos.

No basta con cobrar, no basta con tener mucha pasión, no basta con tener un buen equipo, no basta con tener muchos amigos y familiares dispuestos a pagarnos…si quieren saber si ya están listos para dar el salto y empezar a cobrar por sus fotografías, publiquen sus fotos en grupos de fotografía, dejen que los extraños, los que no los conocen, los que saben de fotografía les den consejos y los ayuden a saber si ya están listos para cobrar y empezar con el pie derecho su vida de fotógrafo profesional.

Comentario final.

Si quieres que las personas te vean como profesional, debes actuar como tal, debes proyectar esa imagen, tu comportamiento y actitud, debe ser la que corresponde, tu equipo y accesorios debe ser de buena calidad, tus habilidades para capturar imágenes, revelarlas y si es necesario editarlas deben ser las apropiadas; y no lo olvides es necesario tener un contrato legal, este detalle termina de convencer a quienes decidan que tu serás el fotógrafo para ellos.

Todos somos perfectamente capaces de ser reconocidos como profesionales en lo que hagamos, solo debemos ser congruentes.

Suerte.

Mi experiencia con el YN560-TX.

2014-12-03T09:57:00.001-08:00

Hace unos días un amigo compartió conmigo un link sobre un nuevo equipo (no tan nuevo salió hace algunos meses, pero era nuevo para mí), me refiero al control remoto YN560-TX; se trata de un dispositivo de radio que había estado esperando desde que empecé con los flashes.

Resulta que había visto algo similar como parte de las funcionalidades que ofrece Nikon de manera incorporada en sus cámaras a quienes usan sus Flashes y que se denomina Modo Comandante; en Canon me parece que no es una funcionalidad integrada, y que se trata de un radio similar al de Youngnuo. Hoy vamos a aprender algunas cosas sobre el dispositivo YN 560-TX…

Cuál es la novedad?

Los pondré en antecedentes: Antes de tener este equipo usaba un emisor de radio para enviar la señal a mis unidades de forma remota, tal y como lo explico en un artículo previo; sin embargo cada vez que necesitaba hacer algún ajuste con respecto a la potencia de la salida, era necesario ir hasta la unidad, bajar su pedestal, hacer el ajuste y volverlo a subir.

Si toman en cuenta que a veces en los setups (configuraciones) trabajo con 3 unidades de luz, se imaginaran que este ajuste resultaba en pérdida de tiempo y a veces (como cuando fotografías niños) no puedes perder el tiempo con este tipo de ajustes técnicos, porque pierdes la atención de tus modelos.

Como funciona?

Con este equipo (en lo sucesivo lo llamare comando para simplificar), puedo controlar de manera remota 6 grupos de flashes en 16 canales diferentes para evitar problemas con otros fotógrafos que tengan el mismo equipo en la misma zona (el radio anterior solo me ofrece 2 canales), este nuevo comando es suficiente para cubrir las necesidades de cualquier fotógrafo.

Envía una señal de prueba a las unidades.
Cuando presionamos a medias el disparador para medir la luz.
El comando envía instrucciones a las unidades.
Cuando presionamos el disparador se envía la instrucción de disparar.
Podemos usar Flashes YN 560III.
Si colocamos algún otro flash sobre una receptor RF603II también podremos usarlo con este comando.

Observación: Aun no he probado lo del Radio receptor del punto 6.

Que son los grupos?

El grupo nos permite separar nuestros flashes, para poder tener más de uno remotamente, de tal forma que pudiéramos establecer diferentes valores para cada uno de estos flashes en el grupo; la única limitante es que todos se deben encontrar en el mismo canal.

Por ejemplo podemos colocar nuestra luz principal en el Grupo A y nuestra luz de relleno en el grupo B y si sentimos que se requiere algún apoyo mas podemos configurar un tercer grupo con un par de flashes para iluminar el fondo de la escena.

En un grupo podemos asignar más de un flash, por ejemplo Canon y Nikon permiten hasta 4 en modo manual o hasta 3 en modo TTL. A veces un solo flash no es suficiente. no creen?

Para qué sirven los botones?

En la parte trasera de nuestro comando, encontraremos botones, luces y una pantalla LCD. Estos son los mismos sin importar si la unidad es para Canon o para Nikon. Al parecer en ninguno de los modelos soporta la funcionalidad de despertar un Flash que se puso en modo de reposo, tampoco ofrece control de funcionalidades TTL, por lo que solo sirve para el YN560 III.

Indicador de status: verde al cargar, rojo cuando dispara.
Pantalla con la información de los grupos.
Modo.
Para seleccionar el grupo; como pueden notar solo encontraran visibles tres grupos, para ver los otros tres, deben sostener brevemente este botón. Para regresar vuelven a sostener el botón.
Botón de prueba.
Nos permite ajustar el zoom de las unidades. Si lo sostenemos presionado, nos permite cambiar el canal.
Controlar la frecuencia de del flash multi. Si lo sostienen podrán cambiar la compatibilidad del radio.
Apagado y encendido.
Es el botón que fija los valores.

Como se configura?

Para poder usar este radio deben adquirirlo según la marca de su cámara. Para que las unidades de luz se sincronicen con nuestro comando es necesario presionar al mismo tiempo dos botones: Zoom/CH y Hz/Fn (1). Aparecer la palabra ACT.

Al hacerlo la unidad de luz lo detecta, podemos saber que lo ha detectado por que se enciende una luz azul en el flash (2), de inmediato y sin soltar los botones de nuestro comando debemos presionar el botón OK del flash (3 Es el botón en el centro).

Esto activa la función de grupo del flash. Para asignar el grupo al flash solo deben presionar los botones que activan el grupo y después podrán asignarle el grupo al cual pertenece.

Configuraciones de flashes.

Para este tema les recomiendo leer la terminología de este otro artículo. Una vez que hemos dado el gran paso de adquirí nuestra primera unidad de luz externa o flash o speedlight, estamos entrando en un nuevo mundo: El mundo de las configuraciones.

Con dos luces en su pedestal y con sus cajas suavizadoras (softboxes) o con sombrillas, estamos empezando a pensar en un estudio y en las posibilidades de iluminación que esto puede ofrecernos. Y si además poseemos un control Comando como el que aquí les he presentado, les aseguro que crear configuraciones para lograr iluminación tipo estudio será una actividad muy gratificante.

Si son como yo es probable que les gusten los diagramas de estas configuraciones y tal vez les gustaría crear los de ustedes y así poder repetir el resultado que obtuvieron la última vez que la usaron. Aquí les dejo una herramienta para poder hacerlo en línea.

Para aprovechar al máximo estas posibilidades deben adquirir más herramientas para controlar y modificar la luz en su configuración; cada una de estas herramientas ofrece un beneficio sobre la imagen que obtendremos, porque con cada nueva adquisición sus posibilidades aumentaran.

Comentario Final.

Lo cierto es que este tipo de dispositivos tiene sentido si poseemos mas de un flash, con tres unidades o mas podemos crear asombrosas configuraciones de luz que podremos ajustar fácilmente desde un solo control.

Yo estoy muy satisfecho con la inversión y creo el costo beneficio es mas que a mi favor.

Suerte.

Fotografías en el interior en navidad.

2014-12-02T08:29:00.000-08:00

Hace tres años compartí con ustedes un artículo sobre la navidad, es un articulo general con muchas ideas; hoy con más experiencia usando Flashes quiero retomar el tema y ofrecerles más información para que sus fotografías en el interior sean un éxito.

Tal vez el tema podría considerarse intermedio, ya que para aprovechar los consejos van a necesitar equipo de iluminación o al menos saber controlar el Flash integrado...

Cuál es el reto?

En primera instancia parece muy sencillo hacer fotografías en el interior de la casa, sobre todo porque en estas épocas hay mucha luz en el interior, el árbol navideño, la decoración, etc. no creen?

Además todos quieren posar junto al árbol navideño…las luces de colores, los regalos; si nunca han intentado hacer una fotografía usando el árbol navideño como fondo, entonces podrán pasar un momento incomodo. a menos que deseen siluetas.

Es como tratar de fotografiar a alguien al atardecer con el sol a sus espaldas, o sale el cielo o salen las personas. El reto es capturar la escena correctamente expuesta de tal forma que sea posible ver la luz del ambiente y la de la decoración con o sin personas en la imagen.

Cuál es el problema si usamos el flash?

No se dejen engañar, también resultara complicado fotografiar la decoración sin que haya personas al frente; que harían si no tienen una lente lo suficientemente luminosa? Usar el flash?

El único problema cuando usamos el flash, es que el disparo resulte demasiado potente y obtengamos demasiada luz y que esto aniquile la iluminación del ambiente. El flash puede ser tan poderoso que las luces de la decoración sean imperceptibles y terminemos con una imagen muy bien iluminada pero sin ambiente.

Estilo de la fotografía.

Para estar en la misma sintonía, quiero dividir estas fotografías en dos grandes grupos: Estudio o Lifestyle.

El primero es aquel donde resulta evidente que la imagen es posada e iluminada en un montaje o set.

La segunda es aquella que no tiene poses, ni configuraciones de luz que resulten evidentes, es aquella donde permitiremos mas la participación de la luz ambiental. A algunos les gusta más la tipo estudio a otros las del tipo Lifestyle, creo que hay para todos los gustos, aun que en ambos casos vamos a usar Flash la participación de este resultara diferente.

Reforcemos algunos puntos técnicos.

Para estas fotografías con flash debemos tener muy presente cierta información que nos simplificara todo el trabajo, se trata de teoría básica con respecto al flash y en este caso en particular, todas estas afirmaciones se han hecho para el flash en modo manual.

Distancia: No importa la distancia entre la cámara y la persona, solo importa la distancia entre la persona y el flash.
Potencia y Distancia: Si la persona se aproxima al flash lucirá mas iluminada y si se aleja menos iluminada.
Intensidad: Cuando usamos Flash la apertura es la que controla la intensidad del flash.
Velocidad del disparo: Sin el flash, la velocidad del disparo lenta permitirá que penetre más luz.
Velocidad del disparo: Si usamos el flash la velocidad del disparo se encuentra limitada por la velocidad de sincronización.
Velocidad del disparo: La velocidad del disparo no afecta para nada la potencia del flash.
Velocidad del disparo: La velocidad del disparo afectara la iluminación que podemos captar del ambiente.
ISO: El ISO controla la luz del ambiente en combinación con la velocidad del disparo.
Recuerden: que cada vez que aumentamos el valor del ISO en un paso, podemos aumentar la velocidad del disparo en un paso también.
Cuidado: A pesar del flash, si usamos velocidades muy bajas de disparo, podríamos terminar con una imagen borrosa o movida.
Ruido: El uso del flash en cierta forma disminuye la presencia del ruido digital en nuestra imagen, pero el margen es muy pequeño, así que si tu cámara genera mucho ruido a partir de cierto valor de ISO, debes hacer pruebas.

En resumen:

Cuando incluimos el flash en la ecuación de la exposición, nos encontraremos con algunas variantes:

Apertura: la apertura además de profundidad del campo y mayor entrada de luz, ahora controlara la intensidad del flash en la exposición.
Potencia e Intensidad: Así como al acercarnos a un sujeto la profundidad del campo disminuye, con el flash también ocurre un fenómeno cuando acercamos la fuente luminosa, la intensidad o de la luz aumentara y si alejamos la unidad de luz la intensidad disminuirá. Otra forma de controlar la intensidad, es regulando la potencia de la descarga en el flash.
Luz del ambiente: El ISO y la velocidad del disparo permiten que la luz ambiental sea capturada; pero el ruido podría hacerse presente su usamos un ISO muy elevado, así mismo la velocidad del disparo se encuentra limitada por la velocidad de sincronización, no podremos disparar más rápido de este límite.

En nuestros escenarios buscamos dos diferentes resultados usando el flash:

En las de estudio, la luz artificial (controlada por nosotros) resultara muy evidente.
En las de Lifestyle, la participación de esta iluminación artificial (controlada por nosotros), debe ser menos evidente, permitiendo que mas luz del ambiente termine en la imagen final.

Entonces cual es la solución?

Como ya hemos comentado nuestros escenarios son diferentes, sin embargo resultara más delicado lograr que la luz del ambiente participe en nuestras fotografías Lifestyle, el secreto lo he mencionado ya varias veces, cuando queremos combinar la luz del ambiente y del flash, debemos disminuir la velocidad.

Créditos: Trey Ratcliff

Sin embargo si queremos permitir más luz ambiental en la imagen y ya hemos bajado mucho la velocidad, entonces aumentaremos el valor del ISO, aun que debemos cuidar el Ruido.

Si queremos disminuir la potencia de la luz del flash tenemos 3 opciones:

Disminuir la entrada de luz cerrando la apertura.
Alejar la fuente de luz de lo que fotografiamos.
Disminuir la potencia de salida de la unidad de luz.

Observación: La velocidad no entra en relación con la potencia del flash.

Sobre la configuración de la cámara.

Exposición: Creo que se imaginaran que el modo que les recomiendo es el manual. Sobre los valores de la exposición, podemos empezar con 1/125 de velocidad y un valor de ISO 100, (asegúrense que no está en auto), la apertura puede ser f5.6 y desde ahí hagan su prueba de iluminación para ajustar según sea necesario.
Formato: Si están usando RAW no será determinante calibrar el balance de blancos, pero si están pensando usar JPG, entonces les recomiendo tener especial cuidado en las escenas lifestyle, por que la luz del ambiente podría afectar las tonalidades de la piel.
Sistemas: Desde luego el sistema de medición de la luz y el sistema de enfoque también forman parte de lo que deben tener en cuenta, sobre todo la luz se obtiene diferente para cada tipo de medición, así que podrían hacer algunas pruebas con cada uno a ver cual les gusta más. Sobre el enfoque revisen si su cámara tiene luz auxiliar, en condiciones de poca luz podrían tener problemas para lograr un buen enfoque.

Comentario final.

Al menos lo que aquí les he explicado funciona para mí, creo que si se toman unos minutos leer con cuidado, asimilar la teoría y para hacer algunas pruebas,jugar con las luces, los ajustes y todas las variantes, estoy seguro que rápidamente comprenderán el tema y podrán aplicarlo con toda seguridad cuando llegue la familia y amigos.

Suerte.

La desnudez y la fotografía.

2014-12-02T08:19:00.001-08:00

La desnudez está presente en la fotografía casi desde el mismo momento en que se desarrollo de la fotografía. La razón es muy simple, la desnudez en la fotografía está relacionada con el erotismo por ser un medio visual que logra capturar la realidad, lo que resulto ser más provocador que una pintura.

A pesar que la desnudez está presente en la pintura, la escultura y diversos tipos de arte; la fotografía creó una nueva percepción donde los términos, desnudez, erotismo y pornografía se manejan casi como sinónimos. Hoy vamos a analizar esta relación….

Porque es diferente?

Sin importar si se trata de desnudez, imágenes provocadoras (erotismo) o pornografía (actividades sexuales explicitas o sugeridas) la desnudez en una imagen fotográfica suele provocar una respuesta erótica y un interés más allá del arte en quienes admiran la imagen.

A pesar que una sola imagen fotográfica no contiene narrativa, es muy fácil crear fantasías recurriendo a las poses, los accesorios o la presencia de algunos fetiches. La desnudez en una imagen fotográfica despierta nuestro voyeur y por si no lo sabían los fotógrafos somos voyeristas, sino me creen lean la definición del término:

Eliminando la connotación sexual, podemos decir que el voyerista es aquel que mira sin ningún tipo de interacción con el sujeto.

Esto les recuerda algo?

Que dicen los expertos?

Los expertos y críticos coinciden que es muy difícil lograr una clasificación clara, que establezca los límites entre desnudez, erotismo y pornografía. Por lo que resultara imposible encontrar alguna publicación que establezca algún tipo de clasificación.

Para ser justos y sinceros, debemos decir que incluso la fotografía que expone el cuerpo de una mujer hermosa y voluptuosa, completamente vestida puede despertar el deseo provocando reacciones emocionales incontrolables.

Que dicen las leyes del pasado?

Si nos remontamos a los inicios de la fotografía, encontraremos referencias al arte erótico desde 1845 cuando el Daguerrotipo (cámara fotográfica) se hizo popular en Francia entre quienes tenían los medios para adquirir este mecanismo. Las imágenes Eróticas (desnudos de mujeres en su mayoría) resultaron ser un éxito comercial que pronto se extendió a Inglaterra.

En esa misma época, los artistas plásticos (pintores y escultores) empleaban mujeres como modelos (muchas veces vestidas) para recrear las formas femeninas, con el simple objetivo de admirar la belleza de la forma humana; hasta ese momento no se empleaba el desnudo femenino como una forma de voyerismo, ni el cuerpo femenino había sido tratado como “objeto” comercial.

En 1852 y 1853 se crearon leyes en contra de la desnudez en las fotografías, eran leyes mal elaboradas y muy pobres en contenido, que se basaron en las antiguas leyes de la época Napoleónica sobre imágenes obscenas, impresiones o dibujos.

Que dicen las leyes en la actualidad?

Los fotógrafos, son considerados artistas, a los artistas no les gusta que su trabajo se catalogue o clasifique; sin embargo la libertad del artista puede llegar a ser clasificada dependiendo de algunos factores, entre ellos el medio de difusión, por ejemplo:

Las películas, los juegos de computadora y las publicaciones impresas son clasificados organismos reconocidos internacionalmente.
La televisión, la radio e inclusive el internet son sujetos de regulaciones de contenido.
Los medios de audio, como CDs de música son clasificados también, por un sistema de etiquetado “voluntario”.

Sin embargo no existe un sistema de clasificación formal aplicable a las artes visuales y escénicas; a menos que sean parte de un contenido que podamos clasificar entre lo que hemos mencionado previamente.

A pesar de esto, si la obra es obscena, indecente e incluso blasfema siempre habrá limitaciones de los lugares donde pueden ser presentadas. Sobre todo si serán vendidas o exhibidas en algún medio o lugar público, ya sea impreso o digital.

Independientemente que en la actualidad la censura es menor y se ha permitido un mayor número de publicaciones con imágenes de desnudo, erótico o sexual y hasta pornográfico, aun hoy en día la desnudez crea reacciones polarizadas, debates y hasta conflictos.

Quien será el juez?

Lo mas difícil sobre el asunto es determinar que podemos considerar arte apropiado, Quien lo decide?. Históricamente los artistas (entre ellos los fotógrafos) viven entre la libertad de expresión y el libertinaje. Ya que los artistas constantemente empujan los limites para que se incluyan sus propias formas de expresión.

En 1988 Andres Seranno y Robert Mapplethorpe llevaron el arte visual mas allá de todos los limites con sus fotografías; en 1989 la opinión pública alzo la voz al creer que ambos habían llevado los limites demasiado lejos, debido a esto el congreso de los estados unidos creo leyes al respeto.

Como se imaginaran esto fue rechazado por la sociedad de artistas y fotógrafos, que creen que estas leyes no son imparciales y que son más una cuestión ideológica y hasta política.

Y que opinan los padres de familia?

En 2003 la revista Art magazine publico a una niña de 6 años desnuda en la portada, en su momento la publicación fue clasificada como M, lo que significa que puede ser publicada, con restricción de contenido para lectores menores a 15 años. En la escena, la niña se encuentra en una pose recatada, en la cual no expone los genitales, aun que es evidente la desnudez.

Esto ocasiono un debate sobre la diferenciación entre arte y pornografía e incluso sobre la ecualización de una imagen de la desnudez de una niña que requería una perspectiva más madura. Este es un claro ejemplo de la paranoia que se crea cuando se habla de desnudez. En este caso los padres estaban de acuerdo con la imagen. Pero la sociedad y las autoridades estigmatizaron el caso. Hoy en día la imagen fue reclasificada como adecuada.

Entonces?

En resumen yo creo que ver la desnudez como algo malo, es el resultado de las normas de la sociedad, la religión, la raza, la preparación académica y hasta los tabús; esto ocasiona que si alguien se atreve a violar las estos estándares, será señalado por su comportamiento indebido.

A pesar de todo lo que se diga al respecto, sobre la belleza del cuerpo humano y sobre el arte, existe una intrincada conexión entre la percepción sensorial y los sistemas autónomos del ser humano.

Se ha demostrado en un experimento realizado en 2010, mediante un escaneo cerebral, que una vez que se observa algo que hemos “sexualizado” se activa una región del cerebro de manera automática, la cual está relacionada con desordenes mentales.

Los Psicólogos y científicos aseguran que una vez que se expone la piel, los humanos reaccionamos diferente a como lo haríamos si estuviéramos cubiertos por ropa.

El tema es muy extenso y muy complicado, no existe un consenso general, ni leyes que establezcan los limites adecuados, esto ocasiona que la imagen o fotografía en cuestión sea racionalizada según las experiencias personales de cada quien, ya sea de manera individual o si pertenecen a un selecto grupo de artistas que defienden la desnudez como una forma de expresión artística.

Que dicen las redes sociales?

Facebook ha sido duramente criticado por aplicar censura a las imágenes que sus usuarios publican, por que dicha censura parece tener una doble moral; permiten imágenes hasta que alguien se queja, incluso han expulsado temporalmente a usuarios por publicar imágenes sin connotación sexual; tal es el caso de un fotógrafo que publico una fotografía de su hija emulando la famosa imagen de Coppertone.

Previamente Facebook ha modificado sus reglas, en relación a las imágenes de madres amamantando o de personas que han sido operadas de cáncer de Seno. Aun hoy siguen lidiando con sus regulaciones para tratar de conservar esta red social libre de pornografía, lo cual no es un trabajo sencillo.

Comentario final.

He estado investigando y leyendo todo lo que encontré sobre el tema y no pude encontrar alguna referencia que nos ayude a clasificar adecuadamente lo que podríamos considerar Arte, erotismo o pornografía. No existe tal cosa, nadie se atreve a hacerlo, esto crea un vacío que se deslinda en el criterio de cada quien, según su formación académica, su religión, su raza, sus tabús, etc.

Lo más cercano a una clasificación que encontré fue: Desnudez completa, desnudez parcial; donde el primero se sub divide en Desnudez frontal donde se exponen los genitales, desnudez parcial frontal, donde se exponen los senos y desnudez no frontal, o sea desde atrás o lateralmente sin que se exponga explícitamente la parte frontal del cuerpo. Y No creo que esto pueda servirnos para poder discernir si es apropiada o no una imagen.

Cada quien tiene su verdad y yo no estoy diciendo que este bien o este mal…simplemente presento una investigación desde diversos enfoques.

Suerte.

El significado del color en fotografía.

2014-11-24T10:34:00.001-08:00

Antes del color en las imágenes, solo teníamos tonalidades entre el blanco y el negro, todas ellas en gris; los primero intentos por añadirle color resultaron en tonos Sepia, azulosos, verdosos, etc., el color trajo una nueva dimensión.

Hoy en día el B&N es un recurso muy especial que evoca otra época, el color en lo que hemos fotografía se ha convertido en un nuevo recurso artístico. La gran mayoría de los fotógrafos no repara en el color como un recurso y solo lo ve como una consecuencia de la fotografía moderna; hoy vamos a hablar del color desde una perspectiva más profunda…

Porque es tan importante el color?

Si aprendemos a usarlo como un recurso artístico, podemos crear estados de ánimo, emociones, calidez, frialdad, etc. el color es parte de la vida diaria, por ese motivo solemos ignorar como interactúa con nuestro cerebro.

Cuando observamos una imagen donde existe una mezcla de colores, así como de sombras y luces, nuestro subconsciente identifica y localiza en primer lugar los colores primarios (Rojo, Verde, Azul), que captan nuestra atención en primera instancia, tal vez el dominio de estos colores en la fotografía sea la razón del éxito de una u otra imagen.

El significado secreto del color.

Es un concepto muy utilizado hoy en día por los decoradores de interiores, diseñadores y artistas; incluso en ambientes de trabajo, el hogar o en lugares públicos el color inspira ciertas respuestas, claramente identificadas y que están relacionadas con el color.

Reacciones según el color:

Los tonos fríos (azulosos) calman la mente: se emplean en lugares donde se desea paz y tranquilidad, el azul disminuye el ritmo del corazón y disminuye el apetito; es por este motivo que se emplea en oficinas y lugares de trabajo.
Los tonos cálidos (anaranjados) avivan emociones: Los colores de la gama que va del amarillo, pasando por el naranja hasta llegar al rojo, pueden convertir la felicidad en ira y suelen despertar el apetito; por eso son usados en lugares de comida rápida. El rojo acelera el corazón y atrae la mirada.

Lo interesante de estas teorías es que incluso colores como los que hemos mencionado, pueden cambiar su mensaje, según el país o la época del año.

Combinaciones con significado

Es muy curioso, pero se han puesto a pensar si sueñan a color? Según los estudios la gente sueña a todo color, sin embargo podemos soñar a en blanco y negro o en sepia. Las combinaciones de colores especiales pueden despertar en nosotros sentimientos, de acuerdo a la cultura, religión de cada quien, por ejemplo: el Blanco en occidente es pureza mientras que en Oriente es Luto.

Si a un norteamericano le muestras el rojo, el azul y el blanco se sentirá patriota; su vemos arboles con tonos naranja sentimos nostalgia, sabemos que el otoño esta cerca y el invierno esta cerca; por el contrario si vemos el color verde, sentimos alegría, la primavera esta aquí.

La combinación de colores del arcoíris, nos hace sentir con esperanza de un nuevo principio, sin importar la religión…por lo general salen después de las tormentas, no?

El color y la fotografía.

El color en el arte grafico es un recurso que se emplea a criterio del pintor…sin embargo en la fotografía se nos ha limitado siguiendo un falso concepto de purismo que impide a los fotógrafos modernos siquiera pensar en alterar el color del cielo, porque estaría alterando la realidad.

Es una limitación hipócrita que surgió en la época de la fotografía en Blanco y negro…ahora díganme, no es la fotografía en B&N la mayor falsedad de todas? El mundo es a color!. Aprender a usar el color como un recurso artístico en fotografía digital, podría ser criticado, limitando la creatividad.

Como usar el color en fotografía digital?

Para poder crecer dentro de la fotografía aprovechando el color, debemos tener presente que el color se añadirá a lo que ya sabemos sobre fotografía, no podemos creer que una imagen resultara atractiva únicamente por el color, recuerden las cualidades de las buenas fotografías.

Autor: Mahesh Balasubramanian

El secreto está en ver cuál es el potencial del color en una escena, identificar cual es el color más poderoso y capturarlo aportando su significado secreto como un mensaje al subconsciente de quien admira la imagen.

Elementos que suman o restan.

Los objetos reflejan las ondas de luz que no pueden absorber. Si partimos de esta base, el color llega a nuestra visión por medio de la luz que ha rebotado en un objeto; como ya deben saber la luz que llega al objeto tiene diferentes ondas de color en un espectro que va desde el ultra violeta hasta el infrarrojo, pasando por toda la gama de colores que nuestro cerebro puede identificar.

Estos colores a su vez pueden ser divididos en tres componentes:

Tonalidad: Es el color propiamente dicho; por ejemplo azul, rojo, naranja etc.
Saturación: Se refiere a la pureza del color; este puede ser alterado añadiendo gris, negro o blanco.
Luminosidad: Se refiere a la brillantez del color, lo que nos indica la cantidad de luz que refleja.

Lo más curioso de todo esto es que las cámaras no pueden ver el color propiamente dicho y tal vez se sorprendan de saber que nuestros ojos tampoco pueden ver el color; es nuestro cerebro el que interpreta el color. En la cámara pasa algo similar, el color es una interpretación de tres imágenes separadas, cada imagen en uno de los colores del RGB y que se combinan para que veamos el color.

Como usar el color en la composición.

En fotografía existen muchas reglas o leyes, que solemos aprender para mejorar nuestras fotografías; el color es un de los recursos de la composición también. Al emplear un color más poderoso en contraste con uno menos atractivo, podemos guiar la vista hacia nuestro sujeto.

El color empleado como un recurso de composición puede ser mucho más importante de lo que en si representaba el color para nosotros hasta este momento. Traten de jugar con el color, sus tonalidades y su participación en sus fotografías les ayudaran a descubrir algo que hasta ahora era cotidiano.

Comentario final.

El color esta en todos lados, no podemos desperdiciar la oportunidad de aprovecharlo como un recurso creativo, que nos ayuda a mejorar la parte artística así como la emotiva de nuestra fotografía. Como fotógrafos debemos aprender a ver el color con más detenimiento.

Suerte.

Usar Flash yo?

2014-11-19T08:26:00.001-08:00

Conocen a algún fotógrafo que no use el flash nunca?, creo que todos conocemos alguien que se resiste, ya sea porque no va con su estilo, no les gusta el resultado, les parece complicado o simplemente o no les han dado la oportunidad.

Créditos Photonut.

Creo que todos estaremos de acuerdo que la luz natural es única, el resultado es muy especial, lo primero que aprendemos es sacarle provecho a la única fuente de luz natural que existe; sin embargo a veces ese amor por la luz natural nos impide crecer, descubrir nuevos horizontes, aprovechar la luz artificial en nuestro trabajo; si aprenden a usarla correctamente es un gran auxiliar y no por usarla seremos menos fotógrafos, al contrario…

Respondamos algunas dudas.

En casi cualquier foto, encontraremos estas dudas:

Es posible hacer todas las fotos de un portafolios sin flash? Claro que si, desde luego cuenta mucho la hora del día, las lentes y el sensor de la cámara.
Es posible tomar todo tipo de fotografías sin flash? Desde luego que no, algunas fotos van a requerir del flash.
Para ser profesional debo hacer mis fotos sin flash? No, es una cuestión de preferencia; algunos prefieren hacer sus fotos sin flash, incluso en la noche, así le gustan sus fotos; otro prefiere usar el Flash o equipo de iluminación en todas sus fotos y otros las usan según sea lo que desean obtener; todos están en lo correcto.

Lo cierto es que muchos fotógrafos con experiencia evitan el flash y no siempre es por preferencia, a veces es porque no le han dado la oportunidad al flash de formar parte de su equipo.

Luz de ambiente con flash.

Al principio yo me resistía pensaba que el flash eliminaba el ambiente, decía que quería hacer todas mis fotos con luz natural, desde luego cuando caía la noche las posibilidades disminuían...así que me di la oportunidad de aprender a usarlo (aun estoy en el proceso) y ahora yo decido cuando lo necesito y saben que? mi resistencia era la falta de conocimiento.

A veces solo es desconocimiento, el flash y los modificadores son herramientas y no eres mejor fotógrafo, ni serás menos profesional por usarlos.

Odio usar el flash!, no luce natural.

Si esta es su forma de pensar, entonces creo que están evitando el uso del flash por los motivos erróneos. La fotografía no es solo para capturar la luz natural rebotando en los objetos, ES PARA CAPTAR LA LUZ (TODO TIPO DE LUZ) REBOTANDO EN LOS OBJETOS.

A veces resultara luz natural y otras veces no, si no les gusta que la presencia del flash sea muy evidente, pueden aprender técnicas para lograr que la luz parezca natural…aun que quisiera decirles que es posible hacer todo tipo de fotografía con el mejor sensor y las mejores lentes, eso no es cierto.

El mundo real no es perfecto y la fotografía tampoco es perfecta, quien afirme que siempre le salen sus fotos perfectas esta mintiendo. El flash es solo una herramienta mas si no te gusta no la odies, aprende a usarlo, después de todo como fotógrafos debemos conocer diferentes técnicas y recursos, no?

Cuando usarlo?

Independientemente de lo que opinemos o de nuestras preferencias en iluminación o de nuestros conocimientos sobre la luz, hay un consenso entre los profesionales que si saben usar la luz artificial. No es la ley pero puede ser una guía para quienes aun no han aprendido a usarla:

Sin Flash.

Así se vería con buena iluminación artificial.

En el interior: A pesar que resulta cierto que un mejor sensor, con una buena lente luminosa es capaz de captar una buena imagen en condiciones de poca luz, también es cierto que un pequeño descuido nos hará terminar con una imagen mal expuesta, borrosa o llena de ruido.

Si se trata de un evento social como una Boda, no puedes darte el lujo de fallar por falta de iluminación y perder la única oportunidad que tenias para captar ese momento especial.

En el Exterior: La gran mayoría de los fotógrafos preferimos la luz natural, aprendemos a ubicar un buen punto donde la luz sea ideal; sin embargo las condiciones de luz pueden variar, ya sea por el clima o por la hora del día.

Si estas en una sesión y la luz ha empezado a perder calidad, a veces ni tus lentes, ni tu sensor son capaces de captar esa leve cantidad de luz, sobre todo si quieres captar un hermoso atardecer con tus clientes en primer plano y que el cielo participe con sus colores.

Seguro vas a necesitar luz artificial.

En días soleados: Han tratado de hacer un retrato al medio día, bajo los rayos del sol?,

bien entonces saben de lo que hablo, algunos prefieren usar un material reflejante, para evitar los ojos de mapache, otros usaran equipo de iluminación con algún modificador, con la potencia necesaria para disminuir las sombras.

En la noche: Imaginen que se encuentran en un lugar donde la ciudad les ofrece un interesante muro que les gustaría usar como fondo de una chica sexy…es de noche, no hay luz natural, se perderán esa oportunidad?

Cuando no usarlo?

Ya hemos hablado de situaciones en las cuales el flash es un recurso valioso si lo sabemos usar apropiadamente, ahora vamos a hablar de algunas ocasiones en las que no tiene sentido usar el flash:

Desde lejos: La descarga de luz que emite un flash, tiene cierto alcance; si están en un evento y desean fotografiar a un artista o un evento deportivo a unos 50 metros de ustedes o mas, el flash no servirá de nada;

A menos que lo hayan colocado cerca del artista en el escenario y hagan el disparo de manera remota.

Fotografía espontanea o estilo paparazzi: Si lo que están buscando es cierto ambiente, el flash podría estropear la escena; por ejemplo una persona frente a su pastel de cumpleaños o una reunión de amigos en torno a una fogata.

Largas exposiciones: Cuando lo que vamos a fotografiar es una escena sin movimiento, podemos ajustar nuestro equipo para hacer un disparo lento, en estos casos el flash no aplica, ya que con una larga exposición podremos capturar la luz disponible sin correr riesgos.

Comentario final.

Creo que no es necesario ser experto para saber cuándo necesitamos luz auxiliar, si el ambiente es muy oscuro, la velocidad requerida es peligrosamente lenta, hay buena luz, pero se crean sombras que afectan la estética, etc. el problema no es darnos cuenta que necesitamos luz auxiliar, el problema es saberla usar, saber aprovechar este valioso recurso y lograr lo que tenemos en mente mediante la inclusión de estas herramientas en nuestro trabajo.

Para poder opinar, primero debemos saber usarla…no basta con decir: no se ve natural, si sabes cómo usar apropiadamente esta luz artificial, podrías lograr que luzca natural.

Suerte.

Paisaje Urbano (Guía definitiva).

2014-11-18T08:33:00.000-08:00

Todos o la gran mayoría de nosotros vivimos, hacemos las compras o trabajamos en una ciudad; la primera vez que la vemos nos asombramos, admiramos su arquitectura, sus bellos monumentos y jardines, disfrutamos de su iluminación y nos molestamos con su bullicio y trafico.

Sin embargo para los fotógrafos, es una oportunidad de crear imágenes realmente bellas, dignas de reconocimiento y admiración; en serio a veces solo lo vemos como nuestra casa o nuestra oficina y nos olvidamos de las posibilidades fotográficas que hay en un paisaje urbano…

La principal cualidad.

Como fotógrafos nos enfocamos mucho en aprender la técnica, en comprender los conceptos, en tener el mejor equipo que podamos costearnos y que sepamos aprovechar; pocos le prestamos atención a las cualidades que se deben desarrollar como ser humano para ser un buen fotógrafo.

Si quieren ser grandes deben empezar por ser humildes, deben ser perseverantes para aprender, deben tener una buena visión para identificar los detalles, deben desarrollar su amor por el arte y aprender a ser creativos, a conocer las reglas de composición para poder romperlas; pero lo más importante es que debemos tener mucha paciencia para lograr lo que imaginamos.

Porque no veo la belleza que dicen aquí?

Simplemente por costumbre, a fuerza de realizar la misma actividad todos los días (ir al trabajo por ejemplo), se crea un proceso automático en nuestra memoria Procedural, este proceso nos permite hacer otra cosa mientras manejamos o caminamos por la calle; pero si no tomamos conciencia de él, entonces este mecanismo nos impide comunicarnos con el entorno.

El entorno cotidiano pierde interés, según nuestro cerebro lo hemos “visto” tantas veces que ya no hay necesidad de prestarle atención, así que lo ignoramos. Para ver lo que les digo, deben romper el habito, bastara con cambiar la ruta para ir al trabajo, caminar en vez de ir en auto, un sencillo cambio rompe con la monotonía y el cerebro vuelve a esta alerta.

Selección del lugar.

Una vez que hemos roto con la rutina, estamos listos para identificar nuestro paisaje urbano. Para esto debemos tener en cuenta varios puntos:

Sujeto: Debemos estar seguros de haber seleccionado un escenario apropiado, atractivo desde el punto de vista fotográfico, con detalles interesantes, tal vez formas, líneas, colores o luces; de tal forma que su presencia llene nuestro cuadro, aun que no sea literal.

Contexto: Cuando digo que no sea literal el llenado del cuadro, en el párrafo anterior, es porque nuestro sujeto, se encontrara en un ambiente o contexto, y este debe aportar algo a nuestro paisaje.

Hora del día: No es lo mismo fotografiar al amanecer, que al medio día, que al atardecer o por la noche; a veces es conveniente visitar el punto a diferentes horas para descubrir cuando sería el mejor momento.

Momento ideal: Una vez que han decidido cuál es el momento ideal, es probable que deban regresar en más de una ocasión a la misma hora, para obtener lo que desean; el clima podría no ayudar y la foto resultar sin atractivo.

Seguridad: No deben olvidar que hoy en día es muy peligroso caminar por ahí con equipo fotográfico; tal vez cuando visiten el lugar para explorar, debería ir sin el equipo, para verificar que es seguro llevarlo.

Permiso: Un aspecto que no deben olvidar es la autorización, algunos lugares tienen reglas al respecto y a pesar de ser un lugar a la vista del público, no se permite usar equipo profesional para sacar fotografías.

Equipo y configuración.

Creo que no hay discusión, un paisaje debe ser con un angular, una lente que nos permita captar la grandeza de lo que nuestro ojos ven; entre 10mm y 18mm para DX y hasta 24mm para FX.

Yo se que en casi todos los artículos les recomiendo usar modo manual, sin embargo en esta ocasión voy a confesarles un oscuro secreto: a veces uso Prioridad de apertura (A) en vez de modo manual (M). Al hacerlo de esta manera ustedes se aseguran que tenga la apertura deseada para obtener la nitidez apropiada y el resto lo hace la cámara. Solo asegúrense de quitar el AUTO al ISO.

Desde luego si tiene mucha experiencia, también lo pueden hacer con el modo manual y en este caso ustedes ajustan todo acorde a lo que desean. El modo A es ideal para quienes empiezan con la fotografía de paisajes urbanos.

Créditos para GAGE CAUDELL / JUL 24, 2012

A veces será necesario hacer más de una exposición, variando los datos, para evaluar el resultado o porque la escena tiene un rango dinámico muy amplio y no podemos obtener en una sola toma toda la luz de la escena; en esos casos, la solución es el HDR.

El enfoque puede ser automático, sin embargo creo que deberían probar a usar el enfoque manual y tratar de enfocar a su gusto, cuidando que la profundidad del campo y el punto hiperfocal sean los apropiados.

El sistema de medición de luz debe ser el que evalué toda la escena, para que se consideren las diferentes áreas con luminosidad y con oscuridad.

Consejo: Capturen en RAW, para poder revelar a gusto y no tener que preocuparse por el balance de blancos.

Algunos consejos finales.

Además de la configuración deben tener en cuenta algunos aspectos como son:

Siempre es mejor dejar espacio para poder re encuadrar o mejorar la composición recortando en LR o en PS.
Aun que no lo mencione previamente, lo más probable es que la velocidad del disparo sea lenta, así que es seguro que van a necesitar un buen Tripie, de esos firmes, que no tiemblan con el viento.
Si además del Tripie cuentan con un disparador remoto o por cable o si emplean el mecanismo temporizador de la cámara, podrían evitar incluso esa leve vibración de presionar el botón del disparador.
La posición del sol con respecto a la cámara, creara diferentes resultados; si se encuentra frente a ustedes deben cuidar que no se queme la foto; la mayoría de los expertos recomienda que este a sus espaldas, pero también pueden conseguir buenos resultados, si esta a un costado de ustedes.

Comentario final.

Tal vez algunos de ustedes no vivan en una gran urbe, tal vez su ciudad o pueblo sea pequeño, sin grandes rascacielos, ni avenidas o parques impresionantes; muchas veces estos lugares ofrecen algo pintoresco, que por su aire de provincia, resulta encantador, digno de fotografiar y compartir; solo deben romper con la costumbre y re descubrir su entorno.

Suerte.

Mi experiencia con el Flash Youngnuo 560 III

2014-11-12T08:49:00.001-08:00

Desde el principio de este blog he tratado de evitar hacer pruebas de productos, simplemente porque hay muchos sitios en internet que lo hacen apropiadamente; sin embargo creo que debo hacer un artículo donde les hable de mi experiencia personal usando estos equipos.

Créanme que cuando compre el primero lo pensé mucho…me daba miedo al comparar el costo de uno original Nikon contra uno de estos fabricados en China, pensaba que por ser barato seria una baratija, sin embargo me arriesgue y saben qué? No me arrepiento…déjenme contarles sobre mi experiencia.

No sabía nada.

Antes de continuar deben saber que cuando lo compre estaba como muchos de ustedes, no sabía nada sobre este flash, en realidad no sabía nada sobre ningún flash, ni lo mas básico, no tenía idea de que se trataba de un sub mundo dentro del mundo de la fotografía.

Como siempre investigue en internet y había muchos comentarios encontrados, algunos decían que el flash debería ser con TTL otros decían que debería ser manual, yo no sabía que opinar al respecto; por el precio compre uno manual y para aprender a usarlo me inscribí en un curso.

Antes del curso.

Para llegar al curso con una buena base y poder hacer preguntas y entender lo que el instructor explicara, me puse a investigar, a experimentar y lo que iba aprendiendo lo fui escribiendo en artículos en una sección de este blog.

Como ya tenía el flash, empecé a experimentar y a tratar de comprender la terminología y los conceptos relacionados a este nuevo juguete…no fueron tan fáciles como creía.

Después del curso.

El cuso me dio una visión más completa de cómo podría aprovechar la posibilidad de crear luz cuando la luz natural ya no era de calidad…créanme se abrió un nuevo mundo lleno de posibilidades que antes no podía siquiera imaginarme. Ahora podría controlar la luz.

A pesar que el curso tuvo su parte teórica y que se hablo de los flashes en general, lo cierto fue que se baso en el uso de un equipo muy sofisticado y caro, al que por el momento no podre acceder; este equipo tenía la funcionalidad del TTL, misma que el fotógrafo que impartió el curso domina a la perfección. Mi equipo no tiene TTL, así que tenía que seguir aprendiendo por mi cuenta. Eso me hizo dudar si debía tener TTL o Manual.

Descubriendo el Flash.

Lo primero que descubrí es que este flash posee un radio receptor integrado, esto quiere decir que solo debo compara un radio emisor, ya sea el RF 602 o el RF 603 y tendría un equipo para disparos a control remoto, que según el manual podría ser disparado a 100m de distancia.

Esto me pareció una maravilla, en el curso pude ver que el instructor tenía un radio en la cámara, y radios receptores en cada flash, conectados por cable a las unidades de luz, lo que significa un buen ahorro, para quienes empezamos.

Equipo tradicional.

Lo malo es que esos radios son muy sencillos y no podemos enviar ajustes sobre la potencia a los radios de manera remota (ver actualización al final del articulo), así que mientras la persona no se mueva del punto donde la hemos colocado no habrá necesidad de ajustar nada.

Uno de los principales problemas que debemos enfrentar cuando usamos un flash en un evento es el tiempo de recarga, según he podido comprobar el tiempo de recarga es alrededor de 3 segundos, incluso en un disparo a toda potencia; desde luego cuanta mucho la calidad de las baterías que empleemos, sin embargo siempre llevo al menos 4 juegos de baterías extra.

Lo segundo que nos debe preocupar sobre las unidades de flash es el recalentamiento de la misma, si se recalienta se apagara y permanecerá de esta forma hasta que se enfrié, evitando así que pueda dañarse, pero tampoco podremos usarlo, para evitar quedarme sin el flash siempre tengo uno de respaldo; aun que debo confesarles que en todo el tiempo que tengo usando estas unidades, jamás se ha recalentado.

Sobre los botones.

El manual es muy pobre con muy poca información, pero créanme que solo deben jugar unos minutos con sus botones en la parte posterior para identificar las funcionalidades, es bastante sencillo de usar; solo les diré que la mayoría de estos botones son cíclicos, o sea cambian sus modos con cada vez que presionamos el botón.

El flash tiene una pantalla en la parte posterior, que puede iluminarse de ser necesario, con controles manuales para establecer la configuración que deseemos. El botón con la nota musical activa o desactiva el beep si lo sostenemos algunos segundos; si lo presionamos una sola vez enciende la luz del display.
El botón rojo que dice PILOT, es como una prueba, al presionarlo emite una descarga del flash, así que no lo hagan mientras lo miran o quedaran ciegos.
Algunas de las funciones se encuentran pulsando al mismo tiempo dos botones, sin embargo la mayoría se pueden localizar con un solo botón.
Para cambiar entre manual y remoto pulsaremos el botón que tiene los iconos del rayo y el tradicional de wireless.
El flash puede ser configurado para que trabaje en uno de dos canales, lo que facilita su empleo de manera remota, en la misma área donde se encuentre otro fotógrafo con el mismo equipo, sin que el disparo de uno dispare los flashes del otro. Esto se hace mediante unos interruptores en el compartimiento de las pilas.
La potencia va desde 1 (máxima potencia) hasta 1/128 (mínima potencia) en avances de tercios de potencia.
Podemos ajustar la luz acorde con el lente que estemos empleando, para esto deben presionar el botón ZOOM, pudiendo ajustar longitudes desde 24mm hasta 105mm.

Sobre el uso remoto de los flashes.

Gracias a este flash puede usar flashes fuera de la cámara desde la primera vez; dentro de la funda encontraran una pieza de plástico, que pueden colocar en el flash para que se mantenga firme y pueden usarlo sin necesidad de un light stand; aun que con el light stand resulta más versátil, porque pueden colocarlo a diferentes alturas y además pueden usar modificadores de la luz, como sombrillas o softboxes.

No es necesario que el flash tenga línea directa y sin obstáculos con el radio, solo debe encontrarse dentro del área de acción y este disparara; lo he probado en teatros, ubicándome a mas de 50 metros de ellos y no he tenido problemas.

Tal vez se pregunten cuantas luces deben tener, en realidad esto es algo muy de cada quien, yo uso al menos empleo tres flashes: uno como luz principal, un segundo flash como luz de relleno y un tercero para luz de corte o de cabello.

La ubicación de estos en torno a nuestro sujeto se conoce como SETUPS o configuraciones, hay múltiples configuraciones y esquemas para lograr diferentes efectos de iluminación, mismos que se combinan con los modificadores y las posibilidades aumentan.

Comentario final.

Si estás leyendo esto porque estas pensando en comprar uno o ya tienes uno y no sabes si es buena idea, te aseguro que una vez que aprendas a usarlo, vasa querer mas unidades y después vas a descubrir que incluso como auxiliares en sesiones de días, como luz de relleno son increíbles.

Yo? Desde que descubrí la luz artificial, la uso cada vez que puedo; me gusta la luz natural, pero creo que bien usadas estas unidades pueden participar sin que sea muy evidente su uso.

Suerte.

Actualizacaion: Unos momentos despues de haber publicado este articulo un contacto, me compartió un link para ver el fabuloso control remoto que nos permite hacer ajustes de estos maravillosos flashes de manera remota y no tener que ir a hacer estos ajustes en cada equipo; ya estoy en proceso de adquirirlo, en cuanto lo tenga les prometo un nuevo articulo con SETUPS y mi experiencia con ese radio.

Compensación de la exposición.

2014-11-10T15:17:00.001-08:00

Cuando empezamos a usar una cámara no nos preocupa cómo es posible que se genere una imagen, cuando avanzamos y empezamos con el modo manual, empezamos a prestarle atención a los valores que se deben ajustar, empezamos a descubrir nuevos botones y funcionalidades en la cámara.

Desde luego algunos conceptos pueden ser complicados de entender; hoy vamos a hablar de un tema que podría ser mal interpretado; como siempre tratare de explicárselos sin que resulte muy técnico, para que todos lo puedan comprender…

La cámara falla al exponer.

Sin importar cuál sea la marca de la cámara, o el modelo, el sensor siempre tiene de a crear imágenes al gris promedio, esto ocasiona que el blanco suela verse gris y que los colores no luzcan como los vemos en la vida real. La cámara no puede evaluar apropiadamente la luz al fondo.

Esto sucede porque la cámara trata de obtener una exposición dentro de su rango dinámico, considerando los puntos más luminosos, así como los más oscuros. Dadas las múltiples combinaciones que se presentan es una solución muy inteligente.

Como participa la compensación en la exposición?

Es una forma muy sencilla de corregir este problema. Por lo general se representa como un cuadrito con los signos más (+) y menos (-). Este botón usualmente nos permite movernos en un rango que por lo general va desde -2 hasta +2 con pasos en 1/3, con un cero al centro.

Esto ocasiona que la fotografía resulte más clara o más oscura, de tal forma que sin tener que ajustar los valores de la exposición, le estas indicando a la cámara que no estás de acuerdo con la exposición que te ofreció con esos valores. Lo que permite obtener tonalidades más oscuras o mas claras.

Como ajustar la exposición usando la compensación.

Si al ver la fotografía les resulta muy clara, pueden deslizar el valor de compensación hacia la izquierda (los valores negativos) y de esta forma oscurecer la imagen, lo que da una sensación de menos luz. Y si lo deslizas para la derecha ocurrirá lo contrario, lo que les dará una sensación de más luz.

Sin hacer más técnica la explicación, piensen que es como añadir más luz, es mucho más fácil que tratar de pensar en todos los cálculos que debe hacer la cámara, para ajustar blancos y negros, al final esta idea les ayudara a mejorar sus fotografías independientemente de lo que suceda en realidad.

Cuando usar la compensación de la exposición.

No hay una regla, es algo que vamos aprendiendo sobre la practica; en ciertas condiciones nosotros mismos descubriremos que al usar la compensación podremos mejorar la exposición que la cámara nos ofrece.

Sin embargo vamos a hablar de algunas situaciones:

En el atardecer: Se trata de un momento donde la cámara difícilmente podrá identificar la luz apropiadamente.
Escenas muy brillantes: En la playa, en la nueve; se trata de situaciones de alto contraste y la cámara no podrá evaluar apropiadamente la luz.

Solo deben recordar que han usado esta funcionalidad y regresar su cámara a 0 al terminar y pasaran malos ratos en futuras sesiones.

En modo manual?

No en modo manual no tiene sentido; es posible usar esta funcionalidad en modo P, en prioridad de disparo o de apertura, en estos casos y según el modo la compensación corregirá los cálculos automáticos realizados por la cámara, para obtener un mejor resultado; en el modo manual no tendrá efecto, puesto que nosotros tenemos el control sobre los valores de la exposición.

En algunos modelos esta compensación modificara la forma en que los sistemas de medición evalúan o miden la luz. Por ejemplo:

Si usamos la medición central y el centro es más oscuro que los bordes, por ejemplo en contra luz, el sistema ofrecerá un mejor resultado que si usáramos la medición ponderada.
Si usáramos la medición ponderara en la misma situación antes mencionada, el resultado no sea muy bueno.
El mejor para usar con la compensación de la exposición es el de la medición puntual, porque la cámara realizara la medición exactamente donde nosotros queremos y el resultado será mucho mejor.

Como ya deben saber, cada marca y modelo debe ser probada, para evaluar de acuerdo a nuestra experiencia cual será el resultado cuando usamos la compensación, porque cada una ofrece diferentes mecanismos y diferente número de zonas a medir o evaluar.

Comentario Final.

En realidad se trata de un concepto muy sencillo de comprender y de llevar a la practica, solo se necesita tener claro cuando y como usarlo; los resultados serán evidentes al revisar la próxima imagen.

Anteriormente publique un articulo que podría servir como complemento.

Suerte.

Errores más comunes en fotógrafos principiantes

2014-11-07T11:26:00.001-08:00

Yo descubrí la fotografía cuando nació mi hija; un amigo me ofreció su cámara para tomarle fotos a la bebe, antes de ese momento jamás había tenido una cámara en mis manos…tome dos fotos, SOLO DOS!

Cuando vi las fotos en la computadora, comprendí que debía tener una cámara, así que compre mi primera cámara; fue una cámara de bolsillo muy pequeña, que hacia fotos de 2 megas. Conforme la usaba veía cuantas fotos salían mal y entonces decidí que tenía que aprender sobre fotografía; así nació este blog!. Hoy vamos a hablar sobre los errores más comunes de un fotógrafo principiante (y algunos profesionales también)…

Porque cometemos errores?

Es muy sencillo: porque no sabemos lo que estamos haciendo, no tenemos las bases teóricas suficientes para comprender que está causando el problema que vemos en la imagen y solemos pensar que es la cámara.

Si le dedicamos tiempo a leer sobre la teoría, los conceptos, las técnicas y si además lo practicamos, entonces los errores disminuirán; entonces podremos sacar conclusiones y aprender de estos errores. Este mismo conocimiento nos permitirá determinar que lo que vemos mal en la fotografía, es a causa de nuestra cámara, lente o mala técnica.

Que tipos de errores podemos cometer?

Bueno los primeros suelen ser de configuración, aun que también algunos son por falta de técnica y falta de práctica, pero también hay errores por desconocer los conceptos o la teoría, o por falsas ideas que nos hacemos cuando leemos algo.

La gran mayoría de estos errores se van eliminando conforme vamos aprendiendo, pero algunos suelen repetirse por descuido de nuestra parte, cuando jugamos con los ajustes de la cámara ya sea por experimentar o para solucionar algún reto y se nos olvida regresar los ajustes a como deberían estar.

Consejos.

Estoy seguro que hay muchos más que estos, pero creo que con estos vamos a hacernos una idea de lo que hablo…estoy seguro que más de uno sonreirá cuando identifique su descuido mas común.

Resetear: Cuando estén aprendiendo con el manual debes aprender a resetear la cámara a la configuración de fabrica; es mucho mas fácil que tratar de recordar lo que has cambiado para practicar.
NO puedo enfocar: Antes de revisar la configuración de la cámara y moverle a los ajustes, revisen si el botón de enfoque esta en automático o manual, es lo más común que este en manual y por eso no pueden enfocar.
La tarjeta se lleno a media sesión: Acostumbren limpiar la tarjeta en cuanto descarguen las fotos en la computadora, o justo antes de empezar a hacer nuevas fotos.

Usar una longitud focal incorrecta para un tipo de foto: No es lo mismo hacer un paisaje que un retrato; un retrato de de cerca con un angular ocasiona que la imagen resulte deforme solo porque esa lente así captara la imagen debido a su diseño. si es un retrato usen longitudes focales a partir de 35mm en sensor DX y no muy cerca.

Todas mis fotos salen movidas: Para hacer una foto debemos saber cómo sostener apropiadamente la cámara, debemos aprender a respirar y disparar en el momento apropiado. Si la cámara no es DSLR o réflex, entonces les daré un consejo adicional, después de disparar (presionar el botón) mantengan la cámara firme por unos segundos, no se muevan de inmediato, este tipo de cámaras tienen un retraso.

Las fotos salieron muy oscuras: Para hacer una fotografía debe haber luz, suficiente luz, mas de la que necesitan nuestros ojos para ver; si la escena es oscura, la cámara sufrirá para tratar de enfocar y al final tendremos una imagen oscura y con ruido. Aprendan a conocer las limitaciones de su equipo y a evaluar la luminosidad de un lugar. A veces no se puede aun que uno quiera, sobre todo si no tenemos el equipo apropiado.

Abuse del zoom: A veces nos emocionamos con el uso del zoom, sobre todo si tenemos una lente nueva que nos da 300mm; esas lentes no pueden captar todo lo que hay en una escena, son muy especificas, así que si no es un ave en una rama o algo muy remoto, siempre es mejor tener más espacio para poder recomponer.

Abuse del angular: A muchos nos gustan esas escenas amplias, donde podemos incluir todo el escenario, un edificio, un paisaje, etc. pero si estamos fotografiando a alguien, eviten capturar una escena donde podamos apreciar la grandeza del lugar, pero que la persona no se pude identificar o se ve deforme.

Mucho ruido: Cuando descubrimos que si aumentamos el valor del ISO la foto “aparenta” ser más clara, solemos abusar de las posibilidades de la cámara, a pesar que el valor del ISO que podamos ajustar sea muy grande, no siempre es soportado apropiadamente por el sensor, esto ocasionara el inevitable y molesto ruido. Hagan una prueba en poca luz con cada valor ISO y descubran cual es el tope máximo y nunca lo sobre pasen.

Obtuve siluetas: La cámaras tiene un rango dinámico menor que el de nuestro ojos, esto quiere decir que la imagen que capturemos tendrá cambios entre la luz y la oscuridad que sucederán más rápido, esto ocasionara que si en la misma escena hay mucha luz (como cuando incluimos el cielo) la cámara no sea capaz de captar entonces todas las capas de luminosidad que ven nuestro ojos y terminamos con un cielo muy bonito o con un cielo banco.

Mis fotos se ven borrosas en una parte: Como ya hemos mencionado antes, necesitamos luz y necesitamos saber sujetar la cámara apropiadamente, debemos saber enfocar apropiadamente, si algo de esto nos falla, es seguro que la foto resultara borrosa pero de mala manera, o sea enfoco en un punto que no era de interés.

Mis fotos están chuecas: Esto le sucede a todo el mundo, desde principiantes hasta profesionales; para evitarlo deben identificar algún objeto que deba ser horizontal o vertical y tratar de guiarse por este; sin embargo a veces no es suficiente y a pesar de todos nuestro esfuerzos la lente nos entrega una imagen donde las líneas se ven mal en relación unas de otras, esto es a causa de la óptica y podemos solucionarlo usando algún programa como Lightroom.

No me di cuenta que las fotos salían mal: Cuando empezamos a usar el modo manual es muy común que se nos olvide y hacer los ajustes; si no se acostumbran a revisar las fotos y se dejan llevar por el momento y disparan y disparan sin control, terminaran con fotos sub expuestas o sobre expuestas. Siempre deben revisar el modo, y los valores antes de empezar y cada vez que cambien las condiciones de luz, solo así evitaran una catástrofe.
Todas mis fotos son desde mi altura: Cuando empezamos nos mal acostumbramos a disparar siempre desde nuestra altura, o sea no nos agachamos, ni nos subimos a las cosas, y mucho menos nos acostamos en el piso para ver el mundo desde otra perspectiva. Esta mala costumbre limita nuestra visión, hagan la prueba y podrán ver todas las posibilidades que estaban dejando ir.

Comentario Final.

La verdad tengo más errores comunes, como podría ser usar JPG en vez de RAW, o viceversa, usar un preset de color para hacer una foto, ojos rojos, no poder identificar cual es el sujeto más importante de la foto, el fondo está mal, etc. Sin embargo creo que estos que he compartido suelen ser los más repetidos.

Aaah se me olvidaba uno: la egolatría, cuando saben un poco más que sus amigos, cuando alguien los alaba se les sube a la cabeza y sienten que ya saben todo y que ellos no necesitan de reglas, ni consejos. No cometan ese error, siempre es mejor ser humilde y aprender de todos.

Que les pareció? Les gusto compartan el articulo.

Suerte.

Principales problemas y defectos de las lentes.

2014-11-05T10:35:00.000-08:00

En este blog (como en muchos otros) le prestamos mucha atención a la nitidez, muchos artículos se han escrito sobre cómo obtener buenas fotos, perfectamente enfocadas y con la mejor nitidez posible; todos sabemos que estos aspectos son aportados a la imagen por la lente que usamos. Ya sean nuevas o usadas.

Esto podría crear una mala interpretación sobre el concepto, ya que algunas personas creen que algunas lentes son más nítidas que otras, lo que les lleva a comprar lentes nuevas o usadas en busca de esa nitidez. Lo es cierto que todas las lentes tienen imperfecciones en su fabricación o defectos por el uso que podrían crearnos problemas en la imagen final…

Aberraciones ópticas.

Las aberraciones son distorsiones que se presentan en una imagen formada por un sistema óptico y que no existen en la realidad. Pueden suceder por múltiples motivos, entre ellos por las limitaciones de los componentes ópticos.

Los problemas son variados, como por ejemplo: distorsión de la imagen, diferentes colores de la luz en ciertas zonas, curvatura del plano, entre muchos otros. Las lentes que usamos en fotografía no están libres de estos problemas.

Se pueden corregir?

Estos problemas son comunes, a veces son imperceptibles ya sea por que el fotógrafo no se ha fijado o porque en realidad el problema es muy leve. Algunas cámaras contienen la solución en su software, almacenada en forma de perfiles de la lente.

Nota: Para actualizar estos perfiles en su cámara deben revisar el manual en busca del procedimiento.

Estos perfiles creados por el fabricante o por terceros, sirven para corregir el problema durante la creación de la imagen en la cámara o para realizar los ajustes en la imagen que obtuvimos usando un software especializado, como podría ser Lightroom, sobre todo si han usado RAW.

Cuáles son los problemas más comunes?

A continuaciones les presento una breve lista de los problemas más comunes:

Flare (Destellos): Ocurre cuando la luz penetra lateralmente y se refleja en los elementos de la lente, puede ser muy evidente, creando puntos de color o zonas muy iluminadas donde los detalles se desvanecen.

Prevención: Usar el parasol de la lente.

Fantasmas: Ocurre cuando alguno de los elementos regresa parte de la luz que ha logrado penetrar, lo que crea una copia suave que no se encuentra al centro, luce fuera de foco.

Prevención: Los fabricantes emplean una capa protectora que impide esos reflejos de regreso, si la lente tiene esta protección; entonces deben retirar el filtro y el fantasma se eliminara.

Distorsión: A pesar que las lentes de más calidad (y más caras) son menos propensas a este problema que las más baratas, lo cierto es que todas las lentes tienen cierto grado de distorsión. La distorsión ocasiona que las líneas rectas en la vida real, luzcan con algún grado de curvatura en la imagen, este problema se presenta principalmente en angulares y telefotos.

Prevención: Algunas lentes ofrecen cierto grado de control sobre estas distorsiones, mediante un mecanismo llamado Tilt-Sift. De lo contrario se puede corregir con algún programa de revelado o edición.

Aberración esférica: Algunas lentes presentan un problema de fabricación, que ocasiona que exista una diferencia en la refracción de los bordes en comparación con el centro de la lente; lo que ocasiona la convergencia de la luz fuera del punto focal, lo que resulta en una imagen suave, que le falta nitidez.

Prevención: Para prevenir estos problemas los fabricantes incluyen un elemento un elemento cóncavo y otro convexo, estos elementos estos elementos aesféricos, disminuyen el problema en los bordes.

Aberración cromática: Se presenta un borde sobre el borde, como un halo o destello, pero con cierto color; este problema no está relacionado con el color o el contraste, sino con la nitidez.

Prevención: Si notan que en sus imágenes se presenta este problema en los bordes, recurran al punto dulce de la lente, al mejorar la nitidez, disminuirá la aberración cromática.

Viñeteo: Es evidente, por que las esquinas de la imagen lucen más oscuras que el resto de la misma; es visible incluso en el viewfinder de la cámara. Por lo general sucede con las angulares. A pesar de formar parte de esta lista, no es tan malo y algunos fotógrafos los añaden intencionalmente a sus fotografías.

Prevención: eviten las grandes aperturas, eviten los filtros.

Defectos en las lentes.

Además de estos problemas propios de la fabricación y la óptica, debemos tener en cuenta algunos defectos que podrían presentarse en cualquier momento, sobre todo si estamos pensando en comprar una lente usada o si hemos dejado de usar nuestras lentes por un largo tiempo.

Procedimiento de revisión.

Observación: Si la lente tiene un filtro retírenlo antes de realizar la revisión. La revisión debe cubrir, cristales, anillos de enfoque y zoom, montura.

1.- Deben revisar toda la superficie de la lente, así como los elementos internos.

2.- Revisen la superficie de la lente en busca de ralladuras, tanto al frente como en la parte posterior.

3.- Si la lente tiene capa protectora, asegúrense que esté libre de manchas; podrían deberse a solventes, desgarre de la capa protectora. Si la mancha es menor a 1mm no tendrán problemas.

4.- Los hongos pueden crecer dentro de la lente afectando la nitidez; para revisar si la lente tiene hongos abran al máximo el diafragma y revísenlo a contra luz. Si ven alguna zona borrosa, esta lente podría tener hongos.

4.- Las partículas de polvo suelen colarse dentro de la lente y al revisar a contra luz la lente podrían ser visibles; estas partículas de polvo rara vez afectan el paso de la luz si son pocas, pero conforme aumenta la presencia la lente podría presentar problemas.

5.- Si la lente ha sido expuesta a calor extremo, podría presentar problemas en las hojas del diafragma, ya que el calor extremo podría ocasionar que la grasa presente en el mecanismo interno, podría licuares y esparcirse sobre las hojas del diafragma, afectando su desempeño, ocasionando que sean más lentas.

5.- En la parte trasera de la lente encontraremos la montura, se trata de una zona que debe ser revisada con mucho cuidado, ya que es por medio de esta interface que la cámara se comunica con los componentes electrónicos de la lente. Retiren la lente de la cámara y vuelvan a colocarla, debe ser un proceso suave y firme, sobre todo al llegar al punto donde se asegura la lente. No debe haber movimientos. Revisen los contactos en esa zona, no debe haber ralladuras, ni manchas de ningún tipo, un daño en esa zona ocasionara que la lente falle.

5.- Con la lente montada en la cámara, podrán revisar el anillo de enfoque y de zoom. Debe ser un proceso suave y firme, no debe haber zonas duras y después suaves; para verificar el anillo de enfoque, asegúrense que está en manual, deben enfocar sin problemas al deslizar el anillo. Con el uso estos anillos pueden presentar cierto movimiento haciéndonos sentir que no son muy estables, sin embargo eso no debe ser problema.

Comentario Final.

Las lentes son el primer y más importante elemento para el fotógrafo, por lo general cambiamos el cuerpo de la cámara pero continuamos usando las lentes, a menos que cambiemos de DX a FX o que cambiemos de marca.

Es muy importante estar al tanto de los problemas relacionados con la óptica y la fabricación, así como de los defectos que pueden afectar nuestras fotografías.

Suerte.

Leíste el manual de tu cámara?

2014-11-04T08:47:00.001-08:00

NO?...no eres el único, la gran mayoría de las personas abre la caja extrae su juguete nuevo y de inmediato empieza a hacer fotografías; sobre todo lo que creemos que sabemos mas de fotografía.

Nunca es tarde para empezar!...No tienes tiempo?, te da flojera leer todas esas páginas?, te gustaría que hubiera alguna forma de leer solo lo más importante?. Está bien para ti he escrito este articulo…

Organicémonos.

La idea de este artículo es ofrecerles una guía rápida, que contenga los 7 principales puntos de interés, mismos que podrán localizar en su manual y leerlos. Sin embargo esto no quiere decir que no será necesario leer las demás partes del manual.
Es muy fácil, con organizar nuestro tiempo para practicar una hora al día, es más que suficiente, para leer y poner en práctica lo que en el manual se explica. Así que no lo olviden, deben leer el resto del manual en algún momento.

Primero: Conocer la parte exterior de la cámara.

Lo primero que notaremos serán un gran número de botones, luces, rueditas, tapitas, contactos, etc. Debemos saber al menos para que sirva cada una, así de pasadita, simplemente para tener la idea.

Todos los manuales tienen un diagrama con los nombres de las partes, la idea es que mientras los revisan evalúen si los conocen y saben para que sirven; si no los conocen, entonces pueden al menos investigar un poco de cada uno, para comprender su uso; con eso bastara por el momento.

Segundo: La fuente poder.

La cámara necesita alguna fuente de energía para poder funcionar. Los fabricantes afirman que las baterías modernas no necesitan una carga completa y que la caja contiene una batería pre cargada. Así que muchos la colocan y de inmediato a disparar.

Según mi experiencia personal, en este sentido, siempre es mejor colocar la batería en la cámara, revisar el nivel de carga y si no es al 100%, entonces colocarla en el cargador y cargarla al máximo. Tal vez en este momento no le vean la utilidad, pero tal vez el primer accesorio que deberían comprar es una pila de repuesto.

Tercero: Ajustes iniciales.

Cada quien tiene preferencias muy particulares con respecto a la configuración de una cámara; sin embargo hay algunos ajustes que no podemos olvidar, sin importar cuales sean nuestras preferencias.

El idioma podría ser un ajuste importante antes de empezar, sobre todo si nos cuesta trabajo entender otros idiomas, no creen?

La hora y la fecha, cobraran importancia cuando descarguemos las fotografías en una computadora y queramos verlas en orden. Sobre todo si las incluimos en algún administrador como Lightroom.

El tiempo de auto apagado, es aquel que apaga el visor cuando estamos revisando el menú o revisando una imagen. En serio es muy molesto que tengamos que estar presionando el botón de menú o Preview, así que lo mejor es ajustarlo.

Tercero: Calidad de la imagen.

Si te gusta revelar o editar, es seguro que debes saber la importancia de usar RAW en vez de JPG. Así como saber cuándo debes usar JPG en vez de RAW. Si vas a usar JPG debes revisar las diferentes opciones que te ofrecen las cámaras modernas.

Lo mínimo que encontraremos son 3 opciones de creación de las imágenes en JPG: Grande, Mediana o pequeña. La diferencia radica por lo general en la cantidad de información que contendré, o sea el tamaño del archivo.

Cuarto: ISO.

Si van a usar la cámara en modo manual entonces el ISO es un ajuste que debemos controlar, no podemos permitir que la cámara determine cuál será este valor, así que antes de continuar debemos asegurarnos que el ISO automático no está activado.

De inmediato deben establecer el valor de ISO más bajo que les permita el menú de opciones, de esta manera nosotros tendremos el control y podremos decidir cual ajustar primero, si quieren saber mas del tema lean aquí.

Quinto: Enfoque Automático.

El enfoque automático, es un excelente auxiliar; tal vez sea uno de los que con conviene dejar en automático la mayor parte de las veces.

El sistema es controlado por los puntos de enfoque y el modo de enfoque; es muy importante saber cómo configurarlo para usar el que más nos convenga; si quienes saber más lee aquí.

Sexto: Balance de blancos.

Aun que el nombre de este ajuste podría confundirlos, deben saber que es sumamente importante en la fotografía a color. Este ajuste repercute directamente en la tonalidad de los colores. Si lo hemos establecido correctamente obtendremos Blancos realmente blancos (un poco grises), de lo contrario nuestros blancos lucirán azulosos o anaranjados.

En este caso, podemos decir que es el segundo sistema automático de la cámara en el cual podemos confiar la mayor parte del tiempo; ya que a veces nos fallara. Por ese motivo es importante conocerlo, para saber cómo corregirlo en los casos en los cuales falle. Si quieres saber más lee aquí.

Séptimo: El espacio de color.

Ya entrados en el tema del color, debemos revisar y ajustar nuestro espacio de color. Las cámaras por lo general nos ofrecen dos: sRGB y Adobe RGB. Para poder decidir cual nos conviene es necesario saber que es el espacio de color y qué diferencia hay entre estos.

Si seleccionamos un espacio de color limitado, obtendremos imágenes con una gama de colores limitada y les aseguro que no les convendrá; si quieren saber más sobre el tema lean aquí.

Comentario Final.

Ahora si ya estarán listos para crear esas imágenes que tanto desean; recuerden que deben practicar mucho, la cámara es un instrumento electrónico de muy alta tecnología, pero las configuraciones y ajustes son bastante amigables; pero si realmente desean dominar la maquina, deben leer todo el manual.

Aun que las imágenes que les he compartido son de Nikon, los consejos son iguales en cualquier marca de cámara, solo deben localizar las opciones del menú.

Suerte.

Fotografía arquitectónica en el exterior.

2014-10-27T09:44:00.000-07:00

Uno de los principales motivos por los cuales me gustan las grandes urbes (tal vez el único ;) ) son los edificios…no sé si alguna vez lo he mencionado pero antes de interesarme por la informática y la fotografía, mi deseo era ser Arquitecto; así que creo que no se necesitan más explicaciones.

Tal vez crean que hacer una fotografía de un edificios no es un gran reto, incluso hasta podrían pensar que es difícil lograr que alguien sienta algo al ver una fotografía de un edificio. Debo decirles que se sorprenderán de saber, que ya sea un edificio de reciente construcción, como un edificio abandonado y en ruinas, es posible captar su personalidad y no es tan fácil como creen…

Introducción.

Este tipo de fotografía suele ser de valor documental, histórico si prefieren, porque a través de estas imágenes podemos ver las edificaciones del pasado. Sin embargo a mediados del siglo 20 los fotógrafos empezaron a ver la fotografía arquitectónica desde una nueva perspectiva, no se trataba únicamente de captar la edificación sino también de resaltar sus elementos de composición, como líneas, formas geométricas, etc.

En la actualidad los edificios son hermosas esculturas, muy visuales, con detalles y materiales que resulta imposible no disfrutar al admirarlos; esto representa una expresión artística que suele ser comisionada a fotógrafos profesionales y ha dejado de ser una instantánea para documentar el trabajo.

Selección del edificio.

No se trata de fotografiar el primer edificio que vean, desde cualquier ángulo y a cualquier hora; el edificio es su modelo, así que deben considerar todas las posibilidades para que su modelo luzca atractivo.

Si ya saben cual podría ser su modelo, visiten la zona, dedíquenle un tiempo a ver el edificio, descubran los detalles que no habían visto antes; visítenlo de día por la mañana por la tarde, por la noche; descubran cual es el mejor momento y cuál es su mejor ángulo.

Precauciones.

Tal vez les parezca exagerado, pero en algunas ciudades se considera sospechoso admirar un edificio por mucho tiempo, ya no se diga fotografiarlo. Así que deben tener cuidado para evitarse problemas, investiguen sobre las leyes de su ciudad al respecto, en algunas ciudades del mundo les pueden confiscar la cámara, en otras no está permitido ni siquiera pueden pedirles que borren las fotos.

Además traten de estar al tanto del clima para ese día, así como la hora en la cual es sol se ocultara; lo peor que puede sucederles es que lleguen con mal tiempo o que se queden sin luz, en estos casos nuestro equipo de luces podría no ser suficiente.

Si pueden vayan en compañía de otra persona, no se arriesguen en ciertas horas con el equipo fotográficos, alguien podría tratar de robarles si los ven solos y distraídos con su cámara.

Equipo.

Tal vez la lente más valiosa para un fotógrafo de arquitectura sea el angular, este tipo de lentes nos permiten obtener imágenes muy dramáticas; pero no solo este lente es importante, también un buen telefoto es de gran ayuda, para captar esos detalles del edificio.

Además necesitaran un Tripie para lograr imágenes muy nítidas y de ser posible un filtro UV, uno polarizado y uno de densidad neutra pueden ser de gran ayuda, para lograr mejores fotografías.

Luz y contraste.

La luz juega un papel muy importante en este tipo de fotografías, si interacción con los materiales del edificio le aportan esa sensación de tercera dimensión que las sombras y el contraste hacen sobre salir aun más.

El edificio no puede moverse y no siempre podemos movernos nosotros en torno a el, para conseguir un mejor ángulo donde la luz aporte algo de belleza, así que deben probar con diferentes condiciones de luz y de clima.

Exposición.

Aun que no se trata de una regla, siempre es mejor usar aperturas pequeñas, cerradas, como podrían ser f11 o f16, de esta forma estaremos garantizando la mayor profundidad de campo, que nos permitirá obtener imágenes de más calidad, aun que no deben olvidar el punto dulce de las lentes.

Este tipo de aperturas los obligaran a dispara más lento según las condiciones de luz, por eso les mencione el Tripie como parte de su equipo básico para fotografiar edificios; sobre el ISO empiecen con 200 y ajusten según sea necesario, aun que si tienen el Tripie podrán disparar muy lento sin tener que aumentar el ISO.

RAW o JPG?

Ustedes que creen?...el RAW nos permite hacer ajustes de balance de blancos, mejorar la nitidez y ajustar la exposición para lograr lo que nosotros teníamos en mente; no se dejen engañar por esos que dicen que revelar o editar es hacer trampa.

La fotografía siempre ha sido alterada, manipulada, por eso es necesario quitarle la carga de ser un documento que refleja la realidad; ésa no es su función, es algo que no puede cumplir. Es tautológico decir que es manipulada, ¿cuándo no lo fue? No hay un solo ejemplo de fotografía que no esté alterada, desde el encuadre, los colores, las distorsiones que producen las lentes. Ya debería quedar atrás la discusión en torno a la fidelidad de la imagen fotográfica respecto de la realidad. Recuerdo a fotógrafos sin duda comprometidos con la denuncia de las injusticias sociales, pero obcecados ante la evidencia de que el encuadre, el gran angular y el blanco y negro —por no hablar de efectos y trucos de laboratorio y de impresión— son alteraciones de la realidad.

- PEDRO MEYER

Paciencia.

Dependiendo de la hora del día y del movimiento en esa zona, es probable que deban esperar el momento oportuno para hacer su disparo, las mejores fotografías se obtienen con el edificio libre de personas o vehículos, aun que también podría ser un recurso artístico incluirlos.

Otro detalle que aporta mucho a la imagen, son las nubes, así que deben esperar el momento oportuno para que las nubes “posen” para ustedes con el edificio; si emplean el filtro de densidad neutra, podrán crear imágenes donde las nubes luzcan suaves a causa de su movimiento.

Distancia

La distancia dependerá de lo que tengamos en mente, sin embargo les diré que si están cerca del edificio, necesitaran una lente mas angular para incluir el edificio, pero esto ocasionara cierta distorsión de la imagen, así que de preferencia ubiquen un punto a una distancia apropiada.

Algunos edificios y monumentos lucen espectaculares en la distancia, desde un punto donde sea posible ver su entorno, ver su grandeza, su majestuosidad. Si están lejos y tienen un telefoto, podrán hacer acercamientos y capturar detalles interesantes y/o abstractos del edificio.

Crea algo diferente.

Por último deben revisar en Google las fotografías de otras personas de el mismo edificio o monumento, empieza por hacer algunas iguales o semejantes, pero en el proceso traten de identificar un ángulo nuevo, que no haya sido descubierto, un ángulo que solo sea de ustedes.

Pero no te sientas mal si no lo logras, muchas veces solo es necesario mejorar un sencillo detalle, la luz, el color, el contraste, la nitidez, cualquier cosa y tu fotografía será mejor de lo que te imaginas.

Comentario final.

Recuerden el edificio no puede posar, no puede moverse para darnos un mejor ángulo, el edificio no puede sonreír…nosotros podemos caminar en torno a el, podemos esperar el momento ideal para que la luz sea ideal y si lo logramos captar en su mejor momento, será como si hubiera sonreído a la cámara.

Suerte.

Imágenes en Blanco y negro con más impacto.

2014-10-24T08:33:00.003-07:00

Les gusta la fotografía B&N (Blanco y Negro)? A mí me gusta mucho, creo que es especial, que nos hace sentir nostalgia, nos invita a ver lo que se quiso compartir, sin que los colores distraigan nuestros sentidos.

Observación: No es un preset, únicamente se aplico la técnica sobre la de la derecha.

He publicado múltiples artículos sobre el tema, desde los más sencillos y básicos, hasta aquellos donde les explico cómo lograr mejores resultados con LR; basta escribir Blanco y negro en el buscador para poder leerlos. Hoy les traigo una técnica que les ayudara a crear aun mejores fotografías en blanco y negro.

Secretos.

Quiero aprovechar la ocasión para darles unos cuantos consejos sobre cómo deben capturar la imagen para que obtengan los mejores resultados, si han leído los artículos del blog es probable que pueden identificar estos consejos por ahí, pero aquí se los voy a poner en un solo lugar:

Dispara en RAW: Lo he repetido miles de veces (no exagero!) en un archivo RAW tenemos toda la información que el sensor fue capaz de capturar, y con toda esa información podemos hacer mucho más en revelado, que con una foto en JPG que ya fue procesada.

Si puedes disparar en RAW, entonces configura la cámara para disparar en Blanco y negro; esto te permitirá ver la foto en B&N en la cámara, pero al descargarla la tendrás a color; las fotografías a color tienen una mayor gama de tonalidades y si nosotros las revelamos tendremos mas control.
Si tu cámara no te ofrece disparar en RAW, entonces dispara color, con la mayor calidad que tu cámara te permita, no uses el modo B&N, porque siempre resultara mejor una imagen que nosotros ajustamos que lo que la cámara crea automáticamente.

Usa el menor ISO posible: En las fotografías en B&N el ruido es mucho más evidente, así que no voy a abundar en el tema.

Medición de luz: Usen la que les de la medición de toda la escena.

Porque capturar a color y convertir en la computadora?

Cuando capturamos la imagen a color, tenemos toda la gama de colores, tonalidades, luminosidad y contraste que nos ofrecen los colores; estos colores se convertirán en tonos de gris y si además estamos usando una herramienta como LR para el revelado, entonces aun que la hayamos convertido a B&N, aun después podremos hacer ajustes sobre los colores y crear efectos, que no serian posibles con una imagen que se ha creado en B&N desde la cámara.

Si quieren leer algún tutorial sobre el revelado aquí les dejo unos links:

A pesar de todos estos artículos, aun hay algo que podemos aprender para crear fotografías en B&N que impacten mas a quien las admira.

Que mas podemos hacer?

Hace poco publique un par de artículos sobre el Dodge & Burn, uno para LR y otro para PS ; en estos artículos compartí con ustedes cómo aplicar la técnica en fotografías color.

Hoy vamos a hacerlo en fotografías B&N, es un sencillo truco, que logra grandes resultados en nuestras fotografías en B&N.

Cuáles son los beneficios de esta técnica?

Desde luego que la técnica aporta a nuestra fotografía una serie de elementos que llevaran nuestras imágenes al siguiente nivel, podemos usar LR o PS para aplicar la técnica (como ya vimos previamente en los artículos que les compartí), aun que debemos reconocer que con PS es como tendremos mayor control; sobre todo si usamos una tableta para llevar a cabo este retoque, en vez de usar el mouse.

Resaltar elementos: usando apropiadamente la técnica, podemos lograr que ciertos elementos de la imagen sobre salgan entre los demás.
Añadir volumen: un de las más importantes razones para usar esta técnica es que con la combinación de luces y sombras podemos crear volumen en una imagen que se encuentra en dos dimensiones.
Tonalidades muy especiales: Al tratarse de una técnica que nosotros aplicamos, es posible crear una gama de tonalidades de gris mucho más rica de lo que hubiéramos conseguido con la conversión sin usar esta técnica.
Nitidez: Tal vez no lo habían pensado, pero si usamos inteligentemente la técnica, podemos aumentar el contraste mucho más selectivamente y eso a su vez logra una sensación de mayor nitidez.

Si lo que quieren es conocer la técnica, entonces deben leer los artículos antes referenciados, ya sea con LR o con PS, les aseguro que se sorprenderán gratamente.

Cuál es el beneficio de usar esta técnica?

Como ya deben saber la vista recorre una imagen siguiendo un patrón y esto sucede siempre, primero la mirada se posa en las zonas más iluminadas y con más nitidez, desde ahí sigue instintivamente las líneas y después el resto de la imagen; si poseemos este conocimiento podemos aprovecharlo a nuestro favor.

La combinación de ambos nos permite mejorar la textura y el efecto de tercera dimensión que podría ser el principal beneficio de usar esta técnica; además deben aprender a usar brochas o pinceles de diferente tamaño, así como con diferente opacidad.

Donde aplicar la técnica y sobre qué elementos

Si se están preguntando donde deben aplicar Dodge (Aclarar) o Burn (oscurecer), les diré que se trata de una técnica de expresión artística y que cada quien puede aclarar u oscurecer las zonas que más le llamen la tención, no hay un procedimiento definido y todo se vale.

Podemos usarla con todo tipo de imágenes, retratos, paisajes, etc. el objetivo es crear un mejor contraste y enriquecer la imagen con texturas, zonas con diferentes tonalidades de gris, mas contraste, más nitidez.

Comentario Final.

A veces tenemos los recursos al alcance de nuestra mano, a veces no somos capaces de relacionar una cosa con la otra, basta saber cómo se ha hecho para que nos pongamos a trabajar. Además esta técnica existe desde la fotografía analógica, cuando los grandes maestros de la fotografía la usaban para lograr imágenes en B&N mucho mas impactantes y que en su momento fueron una gran innovación…que esperan?

Suerte.

Imágenes en Blanco y negro con más impacto.

2014-10-24T08:33:00.001-07:00

Observación: No es un preset, únicamente se aplico la técnica sobre la de la derecha.

Secretos.

Si puedes disparar en RAW, entonces configura la cámara para disparar en Blanco y negro; esto te permitirá ver la foto en B&N en la cámara, pero al descargarla la tendrás a color; las fotografías a color tienen una mayor gama de tonalidades y si nosotros las revelamos tendremos mas control.
Si tu cámara no te ofrece disparar en RAW, entonces dispara color, con la mayor calidad que tu cámara te permita, no uses el modo B&N, porque siempre resultara mejor una imagen que nosotros ajustamos que lo que la cámara crea automáticamente.

Usa el menor ISO posible: En las fotografías en B&N el ruido es mucho más evidente, así que no voy a abundar en el tema.

Medición de luz: Usen la que les de la medición de toda la escena.

Porque capturar a color y convertir en la computadora?

Si quieren leer algún tutorial sobre el revelado aquí les dejo unos links:

A pesar de todos estos artículos, aun hay algo que podemos aprender para crear fotografías en B&N que impacten mas a quien las admira.

Que mas podemos hacer?

Hace poco publique un par de artículos sobre el Dodge & Burn, uno para LR y otro para PS ; en estos artículos compartí con ustedes cómo aplicar la técnica en fotografías color.

Hoy vamos a hacerlo en fotografías B&N, es un sencillo truco, que logra grandes resultados en nuestras fotografías en B&N.

Cuáles son los beneficios de esta técnica?

Resaltar elementos: usando apropiadamente la técnica, podemos lograr que ciertos elementos de la imagen sobre salgan entre los demás.
Añadir volumen: un de las más importantes razones para usar esta técnica es que con la combinación de luces y sombras podemos crear volumen en una imagen que se encuentra en dos dimensiones.
Tonalidades muy especiales: Al tratarse de una técnica que nosotros aplicamos, es posible crear una gama de tonalidades de gris mucho más rica de lo que hubiéramos conseguido con la conversión sin usar esta técnica.
Nitidez: Tal vez no lo habían pensado, pero si usamos inteligentemente la técnica, podemos aumentar el contraste mucho más selectivamente y eso a su vez logra una sensación de mayor nitidez.

Si lo que quieren es conocer la técnica, entonces deben leer los artículos antes referenciados, ya sea con LR o con PS, les aseguro que se sorprenderán gratamente.

Cuál es el beneficio de usar esta técnica?

Donde aplicar la técnica y sobre qué elementos

Comentario Final.

Suerte.

Plug-ins de Lightroom.

2014-10-21T09:11:00.001-07:00

Sabes lo que es un Plug-in?...también les dicen add-in, add-on y extensiones; son componentes o programas adicionales que tienen la habilidad de incluirse en un programa más grande y trabajar como si fuera parte de este desde su creación.

Yo se que el programa es ya de por sí bastante extenso, con múltiples módulos y más de diez mil funcionalidades como para que además les complique la existencia con aplicaciones o funcionalidades que podemos añadirle…hoy vamos a conocer un poco de este mundo dentro de LR.

Los plugins de LR.

A pesar que LR nos ofrece una gran cantidad de funcionalidades para trabajar con nuestras fotografías y con video, los creadores de este, han permitido que programadores externos puedan crear extensiones de este programa, que nos ofrecen una amplia variedad que podemos descargar, instalar y ampliar nuestra versión.

Solo deben tener cuidado con estas extensiones, ya que algunas son autorizadas y han sido validadas por ADOBE, pero también existen algunos que han sido desarrollados y publicados por sus creadores y que no han sido probados ampliamente, por lo tanto podrían dañar su versión.

Donde puedo conseguir Plugins?

El primer lugar al que deberían dirigirse es a la página de ADOBE, en este link . Además de ese lugar podrán encontrar mas (aun que algunos no son gratuitos) en esta otra dirección.

Ahí podrán descargar extensiones para:

Exportar: Son extensiones que nos ayudan a enviar nuestras fotografías por medio de la interface de exportación de LR.
Publicar: Nos ayudan a enviar nuestras fotografías a servicios de fotografías en línea, como Flickr.
Galerías Web: Añaden plantillas y estilos para que podamos emplear con el modulo de sitios web de LR.
Flujos de trabajo: Simplificaran nuestro trabajo para determinadas tareas especializadas.
Edición externa: Envían nuestras fotografías a programas de terceros que nos ofrecen herramientas o técnicas que no nos ofrece LR.
Entre otras.

Además podrán visitar otros sitios donde podrán obtener plugins que no son gratuitos, los cuales podremos probar por cierto tiempo y después será necesario realizar un pago para tener la versión completa de los mismos.

Consideraciones sobre los plugins.

Una vez que lo han identificado, deben descargarlo en alguna carpeta de sus computadora; yo acostumbro tener una carpeta de descargas con sub carpetas donde puedo identificar lo que he descargado de la red. Pero eso es tarea de cada quien.

Los plugins suelen estar empaquetados o comprimidos en un archivo, por lo que si la extensión del archivo es .zip o .rar será necesario extraer el contenido para poder instalarlo.

Si la extensión del archivo es .lrplugin no será necesario usar ningún programa para extraerlo, ya que esta es la extensión de los plugins en LR, en estos casos solo procedan con la instalación.

Observación: Para los usuarios con Windows, después de descargarlo, les aconsejo usar su vacuna para escanear el archivo en busca de algún virus o programa mal intencionado antes de abrir el paquete.

Como instalarlos.

LR nos ofrece un administrador para estas extensiones, desde esta interface podemos instalar y administrar todas las extensiones que tengamos. Para abrir la ventana, hagan clic en el menú File (Archivo) y de ahí Plug-in manager (Administrador de extensiones):

Al hacerlo se abrirá una ventana desde la cual podemos instalar nuestro plugin:

Para agregar un plugin.
Para eliminar un plugin.
Para cerrar la ventana.

Para instalarlo, deben hacer clic en el botón de agregar, esto nos permitirá localizar nuestro plugin:

Una vez que lo seleccionas aparecerá en la lista de plugins; las secciones del panel de la derecha dependerán del plugin, o sea cada plugin tendrá sus secciones de configuración.

Solo deben estar seguros que el plugin está activado, esto es posible de dos formas:

Botón rojo indica que no está activado (Flecha roja)
Botón verde indica que esta activado.
Además en este caso podrán deshabilitarlo o habilitarlo usando los botones del panel de estatus.

Al terminar hagan clic en el botón de la esquina inferior derecha.

Como usarlo.

Para usarlo, deben ir al menú File (Archivo) opción Plug-in extras y ahí localizarlo y hacer clic en el.

La ventana que se presentara dependerá del plug-in, para aprender a usarlo, deben ir al sitio web del creador y leer las instrucciones.

Comentario final.

Como podrán ver, estas extensiones pueden ser muy útiles, sin embargo, deben tener cuidado, algunos podrían crear problemas, interfiriendo con otros ya instalados, así que como último consejo les diré que deben usar la extensión inmediatamente de haberla instalado y antes de instalar otra; de esta forma se aseguraran que si ha quedado instalado correctamente y que si funciona.

Si les gusto el artículo, compártanlo.

Suerte.

Plug-ins de Lightroom.

2014-10-21T09:10:00.001-07:00

Los plugins de LR.

Donde puedo conseguir Plugins?

El primer lugar al que deberían dirigirse es a la página de ADOBE, en este link . Además de ese lugar podrán encontrar mas (aun que algunos no son gratuitos) en esta otra dirección.

Ahí podrán descargar extensiones para:

Exportar: Son extensiones que nos ayudan a enviar nuestras fotografías por medio de la interface de exportación de LR.
Publicar: Nos ayudan a enviar nuestras fotografías a servicios de fotografías en línea, como Flickr.
Galerías Web: Añaden plantillas y estilos para que podamos emplear con el modulo de sitios web de LR.
Flujos de trabajo: Simplificaran nuestro trabajo para determinadas tareas especializadas.
Edición externa: Envían nuestras fotografías a programas de terceros que nos ofrecen herramientas o técnicas que no nos ofrece LR.
Entre otras.

Consideraciones sobre los plugins.

Los plugins suelen estar empaquetados o comprimidos en un archivo, por lo que si la extensión del archivo es .zip o .rar será necesario extraer el contenido para poder instalarlo.

Si la extensión del archivo es .lrplugin no será necesario usar ningún programa para extraerlo, ya que esta es la extensión de los plugins en LR, en estos casos solo procedan con la instalación.

Como instalarlos.

Al hacerlo se abrirá una ventana desde la cual podemos instalar nuestro plugin:

Para agregar un plugin.
Para eliminar un plugin.
Para cerrar la ventana.

Para instalarlo, deben hacer clic en el botón de agregar, esto nos permitirá localizar nuestro plugin:

Una vez que lo seleccionas aparecerá en la lista de plugins; las secciones del panel de la derecha dependerán del plugin, o sea cada plugin tendrá sus secciones de configuración.

Solo deben estar seguros que el plugin está activado, esto es posible de dos formas:

Botón rojo indica que no está activado (Flecha roja)
Botón verde indica que esta activado.
Además en este caso podrán deshabilitarlo o habilitarlo usando los botones del panel de estatus.

Al terminar hagan clic en el botón de la esquina inferior derecha.

Como usarlo.

Para usarlo, deben ir al menú File (Archivo) opción Plug-in extras y ahí localizarlo y hacer clic en el.

La ventana que se presentara dependerá del plug-in, para aprender a usarlo, deben ir al sitio web del creador y leer las instrucciones.

Comentario final.

Si les gusto el artículo, compártanlo.

Suerte.