Rancho Las Voces

Radio / Bon Jovi: «We Werent Born To Follow»

noreply@blogger.com (Jaime Moreno Valenzuela) — Tue, 10 Nov 2009 19:14:00 +0000

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En RADIO Rancho Las Voces...Bon Jovi... interpreta...We Werent Born To Follow... en RADIO Rancho Las Voces...Believe that the sun will shine tomorrow....

We Weren't Born To Follow
Lyrics

This one goes out to the man who minds the miracles
This one goes out the ones in need
This one goes out the sinner and the cynical
This ain't about no apology
This road was paved by the hopeless and the hungry
This road was paved by the winds of change
Walking beside the guilty and the innocent
How will you raise your hand when the call your name?

Yea, Yea, Yea,
We Weren’t born to follow
Come on and get up off your knees
When life is a bitter pill to swallow
You gotta hold on to what you believe
Believe that the sun will shine tomorrow
And that’s a saints and sinners pleas
We weren’t born to follow
You gotta stand up for what you believe
Let me hear you say
Yea, Yea, Yea, ooooohhh,, Yea

This ones about anyone who does it differently
This ones about the one who doesn’t sit and spits
This ain’t about our living in a fantasy
This ain’t about giving up or giving in

Yea, Yea, Yea,
We Weren’t born to follow
Come on and get up off your knees
When life is a bitter pill to swallow
You gotta hold on to what you believe
Believe that the sun will shine tomorrow
And that’s a saints and sinners pleas
We weren’t born to follow
You gotta stand up for what you believe
Let me hear you say
Yea, Yea, Yea, ooooohhh,, Yea

Let me hear you say
Yea, Yea, Yea, oooohhhhh, Yea

Yea, Yea, Yea,
We Weren’t born to follow
Come on and get up off your knees
When life is a bitter pill to swallow
You gotta hold on to what you believe
Believe that the sun will shine tomorrow
And that’s a saints and sinners pleas
We weren’t born to follow
You gotta stand up for what you believe
Let me hear you say
Yea, Yea, Yea, ooooohhh,, Yea

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Medios / «Luna córnea» obtiene el Premio de diseño editorial en la Quinta bienal nacional de diseño

noreply@blogger.com (Jaime Moreno Valenzuela) — Tue, 10 Nov 2009 19:00:00 +0000

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Luna Córnea. (Foto: Cortesía: Centro de la Imagen)

C iudad Juárez, Chihuahua. 9 de noviembre 2009. (RanchoNEWS).-La revista-libro Luna Córnea, editada por el Centro de la Imagen del Centro Nacional de las Artes, obtuvo el primer lugar en la categoría de diseño de publicaciones en el marco de la Quinta Bienal Nacional de Diseño 2009. Los números 31 y 32 titulados Nacho López y Gabriel Figueroa. Travesías de una mirada fueron los ganadores de este año. La dirección de Luna Córnea está a cargo del Alfonso Morales Carrillo y el diseño editorial es de Carolina Herrera Zamarrón, egresada de la Escuela Nacional de Diseño del Instituto Nacional de Bellas Artes. Boletín de Centro de La Imagen:

El número dedicado a Nacho López comprende un estudio monográfico en torno a la vida y obra de uno de los fotógrafos más importantes de la segunda mitad del siglo pasado, que ha dado México. Sus fotorreportajes sobre la vida carcelaria en el Palacio Negro de Lecumberri, los jugadores de billar, las pulquerías, son el registro lúcido y crítico, de una ciudad contradictoria, que se debate entre la modernidad y la pobreza.

Gabriel Figueroa. Travesías de una mirada aborda la prolífica trayectoria del retratista de foto-estudio, stillman, cinefotógrafo o figura emblemática de una fábrica de sueños que ofreció a varias generaciones de espectadores entretenimiento y educación sentimental a través de sus imágenes.

La edición de los números ganadores se realizó en co-producción con el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, el Centro Nacional de las Artes, el Instituto Nacional de Antropología e Historia, el Sistema Nacional de Fototecas, el Instituto Nacional de Cinematografía, Editorial RM y Fundación Televisa.

La Bienal contó con la participación de profesionales y estudiantes del diseño o disciplinas afines, mexicanos y extranjeros residentes en el país, individualmente o en grupos, con obras diseñadas y producidas en México entre mayo de 2007 y mayo de 2009. Los premios fueron entregados por la directora general del INBA, Teresa Vicencio Álvarez el pasado 22 de octubre en el Museo Franz Mayer, que albergará la exposición de todos los trabajos seleccionados, tanto ganadores como menciones, hasta el 22 de noviembre de 2009.

La revista Luna Córnea se distribuye en todo México a través del sistema EDUCAL y a través de la editorial RM en diversos países de Latinoamérica y Europa.

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Radio / Cheap Trick: «Ain't That A Shame»

noreply@blogger.com (Jaime Moreno Valenzuela) — Tue, 10 Nov 2009 18:29:00 +0000

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En RADIO Rancho Las Voces... Cheap Trick... interpreta...Ain't That A Shame... en RADIO Rancho Las Voces...Farewell, goodbye, although I'll cry....

Aint That A Shame
Lyrics

You made me cry when you said goodbye
Ain't that a shame?
My tears fell like rain
Ain't that a shame?
You're the one to blame

You broke my heart when you said we'll part
Ain't that a shame?
My tears fell like rain
Ain't that a shame?
You're the one to blame

Farewell, goodbye, although I'll cry
Ain't that a shame?
My tears fell like rain
Ain't that a shame?
You're the one to blame

You made me cry when you said goodbye
Ain't that a shame?
My tears fell like rain
Ain't that a shame?
You're the one to blame

Farewell, goodbye, although I'll cry
Ain't that a shame?
My tears fell like rain
Ain't that a shame?
You're the one to blame

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Música / Alemania: Música en el Muro de la memoria

noreply@blogger.com (Jaime Moreno Valenzuela) — Tue, 10 Nov 2009 17:31:00 +0000

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La puerta de Brandeburgo, ayer, durante el concierto de Bon Jovi, protagonista musical, junto con Daniel Barenboim, de la ceremonia del 20º aniversario de la caída del Muro. (Foto:REUTERS)

C iudad Juárez, Chihuahua. 9 de noviembre 2009. (RanchoNEWS).- A juzgar por los atuendos, el frío de hace 20 años y el de ayer en Berlín eran poco menos el mismo. Sólo que ayer, además, llovía: una lluvia finísima, de esas que se ensañan con los huesos hasta dejarlos estremecidos. Pero los berlineses parecen estar tan acostumbrados al mal tiempo como a las grandes citas con la historia. Por supuesto, ayer acudieron en masa a la puerta de Brandeburgo y los aledaños del Reichstag para no perderse la Fiesta de la Libertad, que así fue bautizada la conmemoración de la caída de un Muro vergonzante que resistió durante 28 años, dos meses y 27 días. Una nota de AGUSTÍ FANCELLI para El País:

Un par de horas antes de que comenzara la fiesta, dar un paso en el lugar de autos era una hazaña prácticamente imposible, tanto como hacerse con una bebida o un bratwurst en alguno de los numerosos chiringuitos. La gente guardaba cola bajo el agua con esa paciencia tan ejemplar como desconocida en otras latitudes. Las sirenas de la policía aullaban sin cesar y los controles de bolsos y mochilas se repetían de tramo en tramo, pero la excepcionalidad no lograba alterar en ningún momento el sentido de orden general de la ceremonia.

Daniel Barenboim compareció en el podio a las siete de la tarde clavadas. No podía ser nadie más. Por ser el director titular de la Staatskapelle de Berlín que actuaba ayer, pero no sólo por eso. Argentino de nacimiento, trasladado a Israel a los 10 años, director y pianista a la vez, probablemente nadie encarna más intensamente el diálogo intercultural: él interpretó por primera vez a Wagner en Israel, él dirigió en 2005 a la West-Eastern Divan Orchestra -el conjunto que fundó con Edward Said en 1999, integrado por músicos israelitas y de los países árabes-, en un lugar tan dramáticamente simbólico como Ramala.

Ayer Barenboim se sentía a sus anchas. La música tuvo un papel muy destacado hace 20 años: la imagen de Mstislav Rostropóvich a los pies del Muro interpretando la Suite número 2 de Bach, forma ya parte de la historia, como también es historia la Novena de Beethoven que Bernstein dirigió el 25 de diciembre de ese año en la zona oriental, retransmitida por la televisión y con audiencias que batieron récords históricos. Fue en ese concierto cuando la palabra freude (alegría) de la oda de Schiller fue substituida por freiheit (libertad). El propio Barenboim se hallaba en la ciudad aquel 9 de noviembre para dirigir a la Filarmónica. Pocos días después ofreció un concierto para ayudar económicamente a los berlineses del Este.

Naturalmente, director y músicos actuaban ayer a cubierto, bajo una carpa transparente que recordaba a la cercana cúpula del Reichstag. El espectáculo se abrió con el festivo preludio del tercer acto de Lohengrin de Wagner. Pero si el autor de la Tetralogía podía introducir connotaciones de un germanismo poco grato, pronto vino la pieza de Arnold Schönberg Un superviviente de Varsovia, para recitador -Klaus-Maria Brandauer, mefistofélico en su largo abrigo y una gruesa bufanda- y coro -el de la Staatsoper-. Escrita en el exilio americano, esta pieza, de ocho minutos de duración, le vino como anillo al dedo a Barenboim para recordar otro 9 noviembre, éste nada exultante: el de 1938, conocido como «la noche de los cristales rotos», cuando en Alemania y Austria se lanzó el pogromo contra los judíos que estuvo en los orígenes del Holocausto. La carga política de la actuación tal vez había asumido en ese punto una densidad excesiva. Por eso, hacía falta introducir la música de un alemán universal libre de toda sospecha: Beethoven. Barenboim y sus músicos atacaron con energía el allegro con brío de la Séptima sinfonía. El concierto debía concluir con una pieza especialmente encargada para la ocasión de Friedrich Goldmann, reconocido compositor de la Alemania oriental, fallecido en julio pasado, que ya anteriormente había afrontado compromisos similares (por ejemplo, en la Expo de Hannover de 2000). El título de la obra de Goldmann era programático: Es ist als habe einer die Fenster aufgestossen, esto es Es como si alguien hubiera abierto con fuerza las ventanas. A nadie podía escapársele la metáfora.

Fuera de programa estaba reservada una sorpresa: la actuación de Plácido Domingo, que estos días ha recalado en Berlín para cantar Simon Boccanegra. Iba a ser la guinda de la parte musical, y Barenboim y Plácido no la desperdiciaron: atacaron la popular marcha Berliner Luft (El aire berlinés) de la opereta Frau Luna, de Paul Lincke, por supuesto invitando al público a sumarse a la canción. Fin del concierto: eran las 19.30, ni un minuto más ni uno menos. Fin del concierto clásico, conviene aclarar, pero no de la música, pues ahí estaba también Bon Jovi para poner una nota pop al evento de la noche berlinesa.

Pasaban pocos minutos de las nueve de la noche cuando el inmenso dominó con piezas de 2,5 metros de altura decoradas con múltiples motivos empezaron a caer una tras otra, y de nuevo la metáfora de la reacción en cadena que causó aquel 9 de noviembre de 1989 se hizo evidente. Los fuegos artificiales que siguieron proyectaban sugestivas formas sobre la espesa niebla. Seguía lloviendo sin compasión. Entre la multitud, una voz española captada al vuelo: «También podía haberse caído el Muro en verano».

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Literatura / César Aira, Carlos Franz y Rafael Gumucio, en la Feria del Libro de Santiago

noreply@blogger.com (Jaime Moreno Valenzuela) — Tue, 10 Nov 2009 16:57:00 +0000

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Aira dijo que dejar de lado los rasgos nacionales en la literatura sería «perder algo importante». (Foto: Página/12)

C iudad Juárez, Chihuahua. 10 de noviembre 2009. (RanchoNEWS).- En el encuentro entre narradores de ambos lados de la Cordillera aparecieron cuestiones como la importancia de la nacionalidad y la tradición en la literatura. Ambos «bandos» manifestaron admiración por los «rivales». Una nota de Sylvina Friera desde Santiago para Página/12:

Apenas se puede caminar por el Centro Cultural Estación Mapocho. Los santiaguinos han decidido exorcizar la tarde de domingo por los pabellones de la Feria Internacional del Libro de Santiago. Algunos compran los carísimos libros chilenos, que pagan un IVA del 19 por ciento; otros asisten al homenaje a Jorge Edwards. Con paciencia para esquivar jóvenes, chicos y adultos, un puñado se abre paso entre la multitud hasta llegar a la sala donde se producirá el encuentro entre narradores argentinos y chilenos. El equipo visitante está encabezado por César Aira, Damián Tabarovsky y Eduardo Rubinschik; los hombres de punta chilenos son Carlos Franz y Rafael Gumucio. El arbitraje, la moderación, la llevan adelante los locales, el crítico Pedro Pablo Guerrero y Alvaro Matus. En este partido la pelota se clavará en el ángulo del realismo o se desviará hacia lo fantástico. De arco a arco, se volverá sobre la vieja división internacional del trabajo, pero no la marxista, sino la que ha planteado que los narradores habitan del otro lado de la Cordillera mientras que los poetas abundan por estas tierras. Uno de los jugadores sorprenderá con una gambeta extraordinaria: una inversión en la cuna entre «el chileno» Borges y «el argentino» Neruda cambió para siempre nuestros destinos. Otro demostrará su afición por los raros chilenos, Juan Emar y Braulio Arenas. En la primera fila se sienta el embajador argentino Ginés González García para seguir de cerca las idas y vueltas del partido.

Aira rompe el hielo y recuerda un viejo chiste de cementerio chileno, donde hay una lápida que dice: «Aquí yace fulano de tal, quiso ser poeta, pero sólo llegó a ser poeta chileno». «Todos aspiramos a ser escritores; cuando se dice que un escritor es argentino es como que lo disminuyen un poco o le sacan algo. Pero por mi parte no tengo ningún problema en ser un escritor argentino. La diferencia está entre ser un escritor argentino y un argentino profesional.» Con la globalización y la supuesta instantaneidad de las comunicaciones daría la impresión de que la narrativa no tiene fronteras. Pero Aira subraya que sigue pensando que la nacionalidad tiene importancia. «Perder el rasgo argentino o chileno y uniformizarnos como escritores me parece que sería perder algo importante.» Franz sale con los tapones de punta. «La primera invención literaria es la identidad, pero la invención ha funcionado; hay rasgos distintivos que permiten identificarnos.» El narrador chileno repasa la «curiosa» división del trabajo que se han autoasignado argentinos y chilenos en materia literaria: la prosa narrativa allá, la poesía acá. «Esto dista de ser un cliché; ha sido muy operativo. En mis primeras visitas a Buenos Aires, amigos argentinos narradores me decían: ‘¿Para qué te vas a dedicar a la narrativa si la tradición chilena es la poesía?’. Yo pensaba que al no tener una tradición narrativa tan potente, seríamos más libres para inventarnos una o para robar de la tradición literaria argentina, que es lo que por mi parte he intentado hacer.»

Otra división del trabajo más reciente que menciona Franz es aquella que sentencia que la narrativa argentina se caracterizaría por lo fantástico mientras que la chilena se inclinaría en dirección al realismo.

Tabarovsky lee dos brevísimos fragmentos de Buenos Aires-Santiago de Chile: Ida y vuelta (Ediciones de la Flor). Uno, de una de sus escritoras favoritas, la chilena Violeta Quevedo, en el que durante su periplo por el cementerio de la Recoleta le exigen «títulos de presentación»; el otro, de Juan José Sebreli, «un relato brutal en el límite del racismo». Los dos textos remiten a malas experiencias a ambos lados de la Cordillera y comparten «las imágenes encontradas en relación con la mirada del extranjero en otra sociedad», sintetiza el autor de Literatura de izquierda. «Me interesa pensar las literaturas nacionales, entender a la propia tradición nacional como una diferencia. Si no, tenemos que caer en preguntas que no quisiera hacer, como ¿qué vuelve argentina a la literatura argentina? o ¿qué hace chilena a la literatura chilena? Son preguntas que terminan en algún tipo de esencialismo. Prefiero inscribir a la literatura argentina y chilena en los márgenes de su propia tradición. Entender a este conflicto como un juego de diferencias.» Tabarovsky cita una frase de Héctor Libertella para dejar la pelota picando: «Soy un escritor periférico de un país periférico, soy un escritor central».

Siempre se agradece cuando la reflexión viene de la mano del humor. Gumucio, el más joven y tal vez el más arriesgado, recuerda que uno de los libros fundamentales de la literatura argentina, el Facundo de Sarmiento, fue escrito en Chile. «La pregunta por la civilización y barbarie es el gran tema de nosotros, aunque respondemos de manera diferente», plantea el escritor. Gumucio, autor de La deuda, novela que publicó en la Argentina Mondadori, asegura que hay pocos paralelos entre ambas literaturas, que no podría establecer cuál es el Manuel Rojas argentino o el Bioy Casares chileno: «Siempre he pensado que cuando Borges describe a Buenos Aires, describe a Santiago; los poemas de Borges sobre Buenos Aires son los poemas más santiaguinos que he leído en mi vida. Es el poeta que al gusto chileno más hubiese agradado. En cambio, Neruda venía como anillo al dedo al gusto argentino: es grandioso, marítimo, enorme. Hubo una especie de inversión en la cuna y eso transformó nuestros destinos. Borges era un poeta chileno al que le dijeron que tenía que ser argentino e inventó la literatura argentina; y Neruda era un poeta argentino al que le dijeron que tenía que ser chileno e inventó la literatura chilena». Gumucio destaca que ambas literaturas se han diferenciado, complementado y odiado. «No sé si hay en la literatura latinoamericana muchos ejemplos de esta interacción», afirma.

Rubinschik evoca el fuerte impacto que le produjo la lectura de Rojas. «Como dice un amigo mío, cuando el realismo hace un gol, es al ángulo. Y Manuel Rojas lo hizo con Hijo de ladrón.» También comenta que Borges, en el prólogo a Cuaderno San Martín, revela que tuvo la vana pretensión, en ese libro, de ser un poeta argentino y luego se dio cuenta de que era inevitable serlo. «En mi caso, nunca estuvo la nacionalidad en juego, sino las lecturas. No soy un pensador de la literatura, sino un navegante de la escritura», se define. «Lo que nos une y borra todo frontera es la pelea contra cierta uniformidad global. Todos tratamos de buscar una singularidad.» Aira también reconoce la conmoción que le produjo la lectura de Rojas, «el más grande de todos», y cuenta por qué le gustan dos escritores chilenos un tanto olvidados como Juan Emar y Braulio Arenas. «En los cuentos de Emar encontré un parecido extraordinario con Gombrowicz. De algún modo me aficioné a los raros chilenos. La literatura chilena es la más rica en locos. Y tengo una teoría; en contraste con la anarquía mental argentina, los chilenos son gente disciplinada, ordenada, racional, pero cuando esa racionalidad y disciplina tiene una grieta, aparece el chorro de la locura.» De Arenas, una debilidad personal del escritor argentino, Aira se pregunta por qué no han reeditado Los esclavos de sus pasiones, una «maravillosa» novela collage. «El autor no escribió una palabra de esa novela, sino que la hizo recortando fragmentos de viejos folletines decimonónicos chilenos.» Entre conjeturas, invenciones, escritores periféricos y centrales, raros y locos, el encuentro termina en un interesante empate.

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Poesía / México: Compartirán escritores versos en el Salón de la Poesía en la FIL

noreply@blogger.com (Jaime Moreno Valenzuela) — Tue, 10 Nov 2009 16:33:00 +0000

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Maram al-Masri (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 10 de noviembre 2009. (RanchoNEWS).- En el salón VIP de Expo Guadalajara, los autores compartirán sus versos en un espacio íntimo con el lector, luego de que la FIL presentará, por segundo año, el Salón de la Poesía, programa que busca contribuir a la mejor difusión de este género. Una entrega de Notimex:

El Salón de la Poesía de la Feria Internacional del Libro (FIL) Guadalajara reunirá al creador y al lector, ya que durante nueve días, igual número de poetas encontrarán los sentidos de los lectores en punto de las 18:00 horas.

En el salón VIP de Expo Guadalajara, los autores compartirán sus versos en un espacio íntimo con el lector, luego de que la FIL presentará, por segundo año, el Salón de la Poesía, programa que busca contribuir a la mejor difusión de este género.

Estarán presentes Maram al-Masri (Siria), Rafael Cadenas (Venezuela), Elicura Chihuailaf (Chile), Luis García Montero (España), Orlando González Esteva (Cuba), David Huerta (México), Fabio Morábito (Egipto/México), Vicente Quirarte (México) y Manuel Rivas (España).

En estas sesiones, el público tendrá la oportunidad de escuchar de voz de los propios autores una selección de sus poemas preferidos.

Se trata de un encuentro que busca conectar al público con los escritores que dieron origen a textos inolvidables y que permitirá conocer el matiz exacto de cada verso, esos giros del lenguaje que hacen la diferencia entre simples palabras e imágenes que cobran vida y quitan el aliento.

La Feria Internacional del Libro de Guadalajara se realiza del 28 de noviembre al 6 de diciembre y este año recibe a la ciudad de Los Ángeles como invitada de honor.

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Fotoperiodismo / Gero Breloer: « 20th anniversary»

noreply@blogger.com (Jaime Moreno Valenzuela) — Tue, 10 Nov 2009 16:24:00 +0000

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Berlin 11/09/ 2009. Fireworks are seen at the Brandenburg Gate in Berlin, Germany, during the commemorations of the 20th anniversary of the fall of the Berlin Wall on Nov.9, 1989.

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Caricatura / México: Recibirá homenaje en FIL 2009 caricaturista chileno José Palomo

noreply@blogger.com (Jaime Moreno Valenzuela) — Tue, 10 Nov 2009 16:07:00 +0000

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El caricaturista (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 9 de noviembre 2009. (RanchoNEWS).- Su trayectoria como dibujante editorial y humorista gráfico se remonta a 1963 en Chile. Su obra más conocida es la tira «El Cuarto Reich», que se publicaba en el diario mexicano Unomásuno. Una entrega de Notimex:

El humorista gráfico chileno, José Palomo, recibirá este año el Homenaje «La Catrina» en el marco del Encuentro Internacional de Historieta que el Centro de Arquitectura, Arte y Diseño organiza dentro de la FIL Guadalajara.

La trayectoria de Palomo como dibujante editorial y humorista gráfico se remonta a 1963, cuando comenzó en Chile una carrera con la que pasó por la mayoría de las publicaciones de ese país.

Entre ellas última Hora, Clarín, El Mercurio, El Siglo, Novedades, La Quinta Rueda, El Peneca, El Pingüino y La Chiva, de la cual fue cofundador.

La obra más conocida de Palomo es la tira «El Cuarto Reich», que se publicaba en el diario Unomásuno, en donde retrató, a lo largo de la década de los 70, a las dictaduras que asolaron a América Latina, una de las cuales lo obligó a dejar para siempre su natal Chile y refugiarse en México.

Su trazo también acompañó a millones de adultos mexicanos que terminaron su educación primaria gracias a la guía Primaria Intensiva para Adultos, cuyo tiraje fue de 30 millones de ejemplares, financiados por la Secretaría de Educación Pública (SEP).

En México, a donde llegó como exiliado político, fue cofundador de los periódicos Unomásuno, La Jornada y Reforma. Además, ha colaborado en El Día, El Economista y El Universal.

La obra de Palomo es reconocida por su universalidad, por su enorme capacidad crítica y por tener un humor implacable, que el autor considera como una verdadera herramienta para la meditación.

Premio de honor del Concurso Internacional de Humor Gráfico en Veracruz, México, en 1992. Ese mismo año, Palomo fue invitado a España por la «Comisión V Centenario del Encuentro de dos Mundos».

En España se integró a las actividades culturales programadas, junto a Quino y Mordillo, como representantes de Argentina; Ziraldo, de Brasil; y Sergio Aragonés, de México-España.

El 11 de noviembre de 1994, la Universidad de Alcalá de Henares le confirió el título de Profesor Honorífico del Humor.

En 2005 obtuvo el Premio Nacional «El Yelmo de Mambrino», organizado por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), la Academia Mexicana de la Lengua (AML) y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta).

En 2006 obtuvo el premio Von Pilsener, otorgado por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes de la República de Chile. Su libro Literatos, editado por el FCE, recoge cartones relacionados con personajes literarios publicados en las páginas culturales de revistas y diarios.

Este material fue objeto de una exposición organizada en 2009 en la Fundación General de la Universidad de Alcalá.

El Encuentro Internacional de Caricatura e Historieta, organizado por el Centro Universitario de Arte, Arquitectura y Diseño, de la Universidad de Guadalajara, reúne a autores nacionales e internacionales de los campos de la caricatura y la historieta.

Así como a investigadores y representantes de instituciones interesadas en este medio, lo mismo que a lectores de este género.

Este año, el programa explorará las perspectivas y posibilidades de la historieta frente a las nuevas tecnologías. Entre los asistentes estarán Sergio Aragonés, Humberto Ramos (uno de los dibujantes oficiales del Hombre Araña), Bef, Carlos García Campillo, Polo Jasso, Bachan, Trino Camacho y Rafael Barajas El Fisgón.

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Teatro / México: Sinaloa prepara Muestra Nacional de Teatro

noreply@blogger.com (Jaime Moreno Valenzuela) — Tue, 10 Nov 2009 06:09:00 +0000

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Fotografía de Jaime Moreno Valenzuela de la obra «Apaches» de Víctor Hugo Rascón Banda (1948-2008), con el grupo Tequio de Tamaulipas, dirección de Medardo Treviño. Presentada el viernes 7 de noviembre de 2008 en el Teatro Víctor Hugo Rascón Banda, del Centro Cultural Paso del Norte, en la XXIX Muestra Nacional de Teatro. (RanchoNEWS)

C iudad Juárez, Chihuahua. 8 de noviembre 2009. (RanchoNEWS).- El próximo 14 de noviembre arranca en Culiacán el evento, que estará dedicado a Óscar Liera. Una entrega de Notimex:

Con la entrega de la medalla «Xavier Villaurrutia» al poeta y promotor cultural Víctor Sandoval y del Premio Nacional de Dramaturgia a la creadora Bárbara Colio, la trigésima edición de la Muestra Nacional de Teatro se celebrará del 14 a 22 de noviembre, en Culiacán, Sinaloa.

En conferencia de prensa, la directora del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), Teresa Vicencio, afirmó que en esta ocasión el evento estará dedicado al dramaturgo mexicano Óscar Liera (1946-1990).

Señaló que se contará con la participación de 25 propuestas teatrales de 12 estados de la República y se llevarán a cabo 41 funciones durante nueve días en 10 foros de esa entidad.

Indicó, asimismo, que el equipo organizador preparó una muestra escénica a fin de despertar el interés de nuevos públicos, que potencie la posibilidad de intercambio entre los creadores teatrales.

De igual manera, Teresa Vicenio refrendó su compromiso por fortalecer eventos que a lo largo de los años han asegurado y siguen asegurando el trabajo del quehacer escénico, para que éste tenga sus espacios de locución, intercambio y formación de nuevos públicos.

La titular del INBA dijo que los integrantes del Consejo Artístico de esta edición conformado por Juliana Faesler, Edgar Chías, Raquel Araujo, Lázaro Fernández y Enrique Minjares, se dieron a la tarea de revisar 174 proyectos en 24 entidades del país, de los cuales seleccionaron 25 propuestas, mismas que participaran en esta edición.

Por su parte, Sergio Jacobo Gutiérrez, director general del Instituto Sinaloense de Cultura, expresó su beneplácito y dijo que esta muestra representa una oportunidad para que el teatro mexicano represente su vitalidad, sobre todo en tiempos de crisis económica.

En su oportunidad, Juan Meliá, coordinador nacional de Teatro del INBA, refirió que esta muestra es un escaparate múltiple a la producción teatral mexicana, para que posibilite y denote la reflexión, el intercambio, el reconocimiento y la ampliación de contacto entre los creadores.

Cabe mencionar que en el marco de la muestra, se realizará un coloquio sobre Oscar Liera, a manera de reconocer el legado teatral de este dramaturgo sinaloense.

La muestra que tiene una inversión de cinco millones de pesos iniciará en el Teatro Pablo Vicencio, en la ciudad de Culiacán, con la puesta en escena El Jinete de la Divina Providencia.

Como actividades complementarias destacan cuatro mesas redondas, siete talleres, la presentación de publicaciones especializadas, así como actividades nocturnas y exposiciones.

También figura la presentación de cinco programas en DVD titulados Museo imaginario del teatro, lo mismo que un ciclo de cine.

Aguascalientes, Baja California, Colima, Distrito Federal, Guanajuato, Jalisco, Querétaro, Quintana Roo, Oaxaca, Sinaloa, Veracruz y Yucatán son los estados que conformarán la columna en esta ocasión.

Los espacios Socorro Astol, Oscar Liera del IMSS, el Universitario de la UAS, el Pablo de Villavicencio, el Museo de Arte de Sinaloa, la Galería de Arte Moderno, el Centro Sinaloa de las Artes «Centenario», la Sala Lumiere y el Casino de la Cultura, serán las sedes de esta muestra.

El cazador de gringos, de Daniel Serrano (Baja California); Roma al final de la vía, de Daniel Serrano (Sinaloa); Salir al mundo, de Berta Hiriart (Sinaloa); El evangelio según Clark, de Richard Viqueira (Distrito Federal) y Noche de Reyes, de William Shakespeare (Sinaloa) son algunos montajes que harán gala en esta edición.

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Artes Plásticas / Un relámpago de arte ilumina Chile

noreply@blogger.com (Jaime Moreno Valenzuela) — Tue, 10 Nov 2009 04:20:00 +0000

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El proyecto some aspects of color in general and red and black in particular se instala como una profundización de mi investigación en torno al medio fotográfico, puntualmente en torno a la especificidad de la fotografía macro, que en este caso se ve ampliada a escala monumental. En contraste a esta gran escala y a un sistema de producción que se caracteriza por la abundancia y la exacerbación de las texturas y el color, se plantea un uso de este último que se fundamenta en la restricción cromática a una escala monocroma, donde se contraponen el negro y el rojo. De MÓNICA BENGOA

C iudad Juárez, Chihuahua. 8 de noviembre 2009. (RanchoNEWS).- La primera edición de la Trienal de Arte en Chile plantea nuevas perspectivas sobre los límites de la creación actual. Una propuesta descentralizada en la que los trabajos de los artistas van al encuentro del ciudadano. La trienal coincide estos meses con las bienales de Mercosul, en Brasil, y Cuenca, en Ecuador. Una nota de JOSÉ LUIS ESTÉVEZ para El País:

La acusación más común contra el arte contemporáneo es la de ser una disciplina que funciona sólo bajo las reglas que las distintas comunidades que la integran se han comprometido a respetar, casi siempre de espaldas a los gustos y exigencias del gran público y sin importarle casi nada la función social y educativa que puede llegar a desarrollar. Esto se cumple en muchas oportunidades, pero a veces hay excepciones y una de ellas se está produciendo en Chile desde principios de octubre. La primera edición de la Trienal de Arte chilena tiene como uno de sus principales objetivos el llevar las expresiones artísticas de Latinoamérica a todos los rincones del país, desde Iquique a Valdivia pasando por la capital, Santiago.

El diseño del proyecto es muy ambicioso y no tiene parangón en toda Latinoamérica. Por primera vez las exposiciones y debates que forman el eje de cualquier acontecimiento de este tipo no se limitan a la capital del país o a una de sus principales ciudades. La trienal es un acontecimiento artístico casi inabarcable que se celebra en ciudades separadas por largas distancias. Es una de las raras ocasiones en las que se ha tenido menos en cuenta a los críticos, comisarios y turistas y se ha dado prioridad a la población local que va a tener ocasión de ver en su propia ciudad las obras de destacados artistas latinoamericanos. El carácter viajero de la trienal se ve reflejado en iniciativas como la del artista argentino Cristian Segura que ha optado por presentar sus piezas de vídeo fuera de los museos para exhibirlas en los autobuses que cubren las rutas interurbanas en Chile.

Uno de los aspectos fundamentales de la trienal es la reflexión sobre los límites del arte. Algo que ha podido verse no sólo en las exposiciones sino también en los numerosos debates celebrados en las distintas sedes. El comisario general de la trienal y ministro de Cultura de Paraguay, Ticio Escobar, explica que una de las preguntas que se harán los asistentes es qué es lo que puede considerarse arte en un mundo que ha acabado por banalizar esta palabra. Este planteamiento está muy presente en una de las muestras en Santiago, Aiwin; La imagen de la sombra, que presenta fotografías realizadas por indios mapuches sin conocimientos previos del arte fotográfico. La exposición, diseñada por el propio Escobar, ofrece un resultado sorprendente sobre las posibilidades de expresar inquietudes artísticas partiendo prácticamente de cero: «Entre nuestros objetivos está trabajar con la idea de que el arte contemporáneo no se define tanto por ocupar un puesto en un lugar consagrado como por sus efectos sociales. También se plantean cuestiones referentes a los conceptos de arte y de contemporaneidad».

En conexión con este experimento otra muestra ubicada en el Centro Cultural de La Moneda ofrece una interesante perspectiva sobre las conexiones entre el arte popular y el contemporáneo. Una mirada múltiple: el Museo del Barro trae hasta la capital chilena una amplia selección de los fondos del citado museo paraguayo que incluye piezas que arrancan en el periodo indígena y precolombino hasta obras del siglo XIX y del arte contemporáneo de ese país. Instalaciones, dibujos y esculturas de artistas actuales como Ricardo Migliorisi, Mónica González o Paola Parcerisa conviven en armonía con imágenes de santos y piezas de alfarería. No hay que olvidar que uno de los temas que plantea la trienal es el de subrayar los puntos de cruce entre el arte y otros sistemas culturales. Así, la religión, la política y el trabajo artesanal están presentes en una muestra que también sugiere un debate sobre el propio concepto de arte.

El comisario español Fernando Castro Flórez ha dirigido uno de los proyectos más ambiciosos de la Trienal. Se trata de la muestra El terremoto de Chile en la que, a través de las obras de una veintena de artistas chilenos de varias generaciones, se dibuja un panorama sobre los temas y lenguajes de los que se ocupan. El vídeo, la fotografía y las grandes instalaciones predominan en una exposición que ocupa las dependencias de una de las sedes del Museo de Arte Contemporáneo de Santiago. El buen momento del arte chileno queda patente en la espectacularidad y fuerza discursiva de las piezas seleccionadas.

La Trienal de Chile coincide durante varias semanas con otros dos acontecimientos artísticos destacados. La 7ª Bienal del Mercosur, que se celebra en la ciudad brasileña de Porto Alegre bajo el lema El grito y la escucha, tiene como eje principal una reflexión sobre el papel del artista en el mundo de hoy. La mayoría de las muestras tienen como comisarios a los propios artistas. La argentina Victoria Noorthoorn y el chileno Camilo Yáñez son los comisarios principales de esta bienal.

En Ecuador se abrirá a partir del 22 de octubre la X Bienal de Cuenca que por primera vez abrirá sus puertas a artistas de Europa, Asia y África, que se suman a la presencia habitual de creadores latinoamericanos. Intersecciones: Memoria, realidad y nuevos tiempos es el título general de un proyecto que también apuesta por romper fronteras aunque sea desde la modestia de una pequeña ciudad situada al sur de los Andes ecuatorianos.

Trienal de Chile 2009. Hasta el 5 de diciembre. www.trienaldechile.cl 7ª Bienal do Mercosul. Porto Alegre, Brasil. Hasta el 29 noviembre. bienalmercosul.art.br X Bienal de Cuenca. Ecuador. Hasta el 4 de diciembre. www.bienaldecuenca.org

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Danza / España: Programa Fokin. Ballet del Teatro Marinskii

noreply@blogger.com (Jaime Moreno Valenzuela) — Tue, 10 Nov 2009 03:34:00 +0000

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Uliana Lopátkina, para muchos la mejor bailarina del mundo, en una escena de Sheredzade. (Foto: N. RAZINA)

C iudad Juárez, Chihuahua. 8 de noviembre 2009. (RanchoNEWS).- El Programa Fokin -Las Sílfides, Scheredzade y El pájaro de fuego- del Ballet Marinskii es la historia misma del ballet de nuestra época. Se representará la próxima semana en Valencia, en el centenario de los Ballets Rusos de Diaghilev. Una nota de ROGER SALAS para El País:

No se han prodigado las celebraciones en España con ocasión del centenario de los Ballets Rusos de Diaghilev, y estas tres funciones de Valencia son probablemente su momento culminante, teniendo en cuenta que fue precisamente el Ballet del Teatro Marinskii el «mercado interno» donde Diaghilev escogió la plantilla de su aventura parisiense, tanto a bailarines como a coreógrafos, músicos y artistas plásticos.

La pertinencia de un programa monográfico con coreografías de Mijaíl Fokin (San Petersburgo, 1880-Nueva York, 1942) está fuera de toda duda. Fokin es al mismo tiempo el renovador del ballet ruso y el continuador de la reforma iniciada por Marius Petipa; estas dos consideraciones no están en flagrante contradicción, como pueda parecer. Fokin no era un revolucionario absoluto, pero sí un teórico iluminado. El tríptico que componen Las Sílfides (Chopin / Keller), Scheredzade (Rimski-Kórsakov) y El pájaro de fuego (Stravinski) puede fungir como vehículo para adentrarse en la estética evolucionada y cambiante de Fokin, su capacidad de invención y su riqueza expositiva, capaz de sentar las bases de un recorrido que culmina en el neoacademicismo de Balanchine, eso que se denomina en falso y equivocadamente «neoclasicismo». Es una línea que atraviesa todo el siglo XX y es al mismo tiempo la historia del ballet de nuestra época.

Diaghilev, entre otras cosas geniales, inventó las funciones promocionales para los medios de comunicación. Ya en 1909, en el Teatro Châtelet hizo unas donde se bailó Las Sílfides, este bellísimo ballet cuya apasionante historia, trascendencia y calidad, le ha permitido llegar hasta nuestros días intacto de lectura y estilo, aun teniendo en cuenta que Fokin mismo lo entendía como un proceso moderno pues hasta que lo definió, puso y quitó músicas, fragmentos de baile y disposiciones coreográficas. El pájaro de fuego se estrenó en la Ópera de París un año más tarde, en 1910, y se da el caso de que es la primera obra de los Ballets Rusos totalmente original, pues tanto libreto, música, coreografía y diseños fueron ideados para la ocasión. Scheredzade es un apaño que tiene también su propia historia de «corte y pega» y sirvió a Diaghilev para dar el toque exótico de lo oriental, que tanto motivaba al público y al que Proust se refirió extasiado.

Con todo, Las Sílfides o Chopiniana (su nombre original) se lleva la palma como prototipo de un nuevo ballet. Fue la primera pieza creada sobre música no escrita directamente para la danza, y para ello Fokin encontró en una estantería de su teatro unos arreglos comenzados por Alexander Glazunov unos años antes donde se orquestaban cuatro piezas pianísticas de Chopin. Y así la primera Chopiniana tenía como escenario un salón de baile y las bailarinas iban ataviadas como polacas en las polonesas y las mazurcas y como napolitanas en la Tarantella. Lo de los inmaculados tutús blancos vino después y fue un homenaje de síntesis que evocaba la imagen mítica de Maria Taglioni en La Sylphide. No dispuso el coreógrafo de dinero para su estreno, usando trajes y decorados de producciones anteriores o desechados de los propios almacenes del Marinskii; esa economía le llevó a una síntesis y a usufructuar el lirismo y la delgadez de una joven solista que no gustaba a todo el mundo (tenía los dientes muy grandes y separados, las rótulas salientes y el pie un número y medio mayor del estipulado como perfecto en una ballerina): Anna Pavlova. Su perfil afilado le decidió a vestirla (más bien taparla) a «lo Taglioni» con algo que le valiera a su magra talla, y he ahí que apareció en una percha un tutú blanco y largo, que Fokin usó en el pas de deux. Otro factor importante fueron las recién instaladas y primeras bombillas eléctricas, con las que se experimentó un nuevo efecto de «claro de luna ascendente» (herencia de la iluminación de gas); tanto resultó que se creaba así el último «ballet lunar» y el primero del «neorromanticismo» fokiniano. Las fuerzas de las circunstancias incidían poderosamente en el quehacer del coreógrafo.

Pocas dudas hay hoy de que Uliana Lopátkina (Kerch, Ucrania, 1973) es, hoy por hoy, la mejor bailarina clásica del mundo. Londres se le rindió este verano en un Covent Garden hasta la bandera y en pie, con su Symphony in C (Bizet/Balanchine). Con ocasión de esas funciones, una antigua bailarina de la casa inglesa, de natural parca en elogios, dijo: «Cada varios decenios aparece una estrella así. Es raro y difícil reunir todo lo que ella reúne y hoy destaca en medio de un plantel de primeras bailarinas mundiales estupendas, de primera línea, pero ella es otra cosa: es la perfección misteriosa del arte. Será recordada». Probablemente no hay mejor elogio ni mucho que añadir. En Valencia la veremos en todo su esplendor.

Temperamental, concentrada en la musicalidad y el sentido último (artístico) del bailar, aspirando, y demostrando, una cristalización ejemplar del estilo, exquisita en las maneras y la administración de la energía, Uliana está en su madurez (que es el momento más alto de una bailarina clásica) y sólo le hace sombra su propio rigor y su leyenda de «difícil». Lopátkina ascendió al estrellato con Gergiev como director general y Majar Vassaiev como director del Ballet Marinskii. En 1991, tras graduarse en la Escuela Vagánova, entró en Kirov-Marinskii y en 1995 fue nominada bailarina principal. Verla bailar es una delicia y una experiencia estética superior, y como toda gran artista, tiene noches y noches. Uliana domina la atmósfera y el tiempo. En la Zobieda de Scheredzade (que hará en Valencia, acompañada del bailarín cubano Carlos Acosta en el papel del Esclavo Dorado, rol que consagrara Nijinski) es hoy también insuperable.

Programa Fokin. Ballet del Teatro Marinskii de San Petersburgo. Director Musical: Valeri Gerguiev. Días 9, 10 y 11. Palau de les Arts, Valencia.

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Obituario / Claude Lévi-Strauss

noreply@blogger.com (RMV) — Tue, 10 Nov 2009 02:47:00 +0000

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El sociólogo francés. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 3 de noviembre de 2009. (RanchoNEWS).- Desde Francia la agencia EFE informa del deceso del también antropólogo y etnólogo a los 100 años de edad, cuyo trabajo impulsó el desarrollo de corrientes de pensamiento como el Estructuralismo:

El antropólogo francés Claude Lévi-Strauss, uno de los intelectuales más relevantes del siglo XX, destacado antropólogo y padre del enfoque estructuralista de las ciencias sociales, falleció el sábado a los 100 años, informó hoy la editorial Plon.

La editorial informó únicamente del fallecimiento de Lévi-Strauss sin ofrecer más detalles sobre las causas o el lugar en el que se produjo.

Lévi-Strauss, que habría cumplido 101 años el próximo 28 de noviembre, influyó de manera decisiva en la filosofía, la sociología, la historia y la teoría de la literatura.

Dada su avanzada edad, el año pasado no participó personalmente en los actos conmemorativos de su centenario. Pese a todo, responsables del museo Quai Branly, donde hay un auditorio con su nombre, indicaron entonces que el intelectual se mantenía lúcido y en buen estado de salud.

Francés nacido en Bruselas en 1908, el autor de Tristes trópicos trabajó como profesor en la universidad brasileña de Sao Paulo y en la New School for Social Research de Nueva York, antes de ejercer como director asociado del Museo del Hombre de París y de enseñar en el Collège de France, hasta su jubilación en 1982.

Hijo intelectual de Émile Durkheim y de Marcel Mauss, e interesado por la obra de Karl Marx, por el psicoanálisis de Sigmund Freud, la lingüística de Ferdinand de Saussure y Roman Jakobson, el formalismo de Vladimir Propp y un largo etcétera, era además un apasionado de la música, la geología, la botánica y la astronomía.

Las aportaciones más decisivas del trabajo de Lévi-Strauss se pueden resumir en tres grandes temas: la teoría de la alianza, los procesos mentales del conocimiento humano y la estructura de los mitos.

La teoría de la alianza defiende que el parentesco tiene más que ver con la alianza entre dos familias por matrimonio respectivo entre sus miembros que con la ascendencia de un antepasado común.

Además, para Lévi-Strauss no existe una «diferencia significativa entre el pensamiento primitivo y el civilizado», indicó a EFE el profesor de antropología Rafael Díaz Maderuelo con motivo del centenario del intelectual.

La mente humana «organiza el conocimiento en parejas binarias y opuestas que se organizan de acuerdo con la lógica» y «tanto el mito como la ciencia están estructurados por pares de opuestos relacionados lógicamente», agregó.

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Artes Plásticas / Caminos de Hockney

noreply@blogger.com (Jaime Moreno Valenzuela) — Tue, 10 Nov 2009 02:24:00 +0000

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© 2009 David Hockney. Hawthorne Blossom, Woldgate No. 4, 2009.oil on canvas.36 x 48". (Foto: Jonathan Wilkinson)

C iudad Juárez, Chihuahua. 8 de noviembre 209. (RanchoNEWS).- A los setenta y dos años David Hockney sigue asomándose al mundo detrás de sus gafas enormes como un niño antiguo que mirara el escaparate de una juguetería de lujo pegando mucho la cara al cristal. Con sus gafas de búho, su gorra blanca calada sobre las cejas, su pelo teñido de amarillo, Hockney tiene un aire de jubiloso empollón que lo estudia todo y al que le gusta todo, lo mismo las óperas de Wagner que los descapotables veloces, que se interesa igual por el funcionamiento de una cámara oscura en el taller de un pintor del siglo XVII que por el de esa aplicación del iPhone que permite dibujar en colores tan sólo deslizando la uña y la yema del pulgar sobre la pantalla y enviar instantáneamente a cualquier lado del mundo un boceto tan delicado como una acuarela. Manejando el lápiz, el hilo de tinta, Hockney sabe dibujar sobre la hoja de un cuaderno con una solvencia técnica inspirada igual en Ingres que en Picasso, con un pulso tan preciso como el de esos artistas chinos por los que tiene tanta admiración. Pero siempre ha sentido a la vez una afición entusiasta por las novedades de la tecnología, y ha usado las polaroids, las impresoras láser, las máquinas de fax, las fotocopiadoras, los programas de ordenador, como esos chicos curiosos y diestros con las manos que se dejan subyugar por el mecanismo de cualquier aparato. Una nota de ANTONIO MUÑOZ MOLINA para El País:

A finales de los años setenta había alcanzado una casi insolente maestría como dibujante y pintor y un éxito comercial que le habría permitido acomodarse para siempre en la madurez de su estilo. Cuando mejor estaba pintando dejó de pintar. Lo que ya no era un desafío se convertía en un aburrimiento. Durante bastantes años, para desolación de sus amigos y de sus marchantes, se dedicó a tomar fotos y polaroids, millares de ellas, a organizarlas en collages tan complicados como rompecabezas, a usarlas para descomponer en un mareo poliédrico imágenes muy parecidas a las que antes pintaba con una esmerada determinación artesanal. Luego lo sedujeron las posibilidades del fax, esa máquina antediluviana que nos parecía a todos tan futurista hace poco más de veinte años, y más tarde las impresoras y las fotografías digitales. A finales de los años noventa sospechó que los maestros antiguos, desde los pintores flamencos del siglo XV a Caravaggio y Vermeer e Ingres, habían logrado una maestría tan asombrosa en la reproducción de lo visible gracias al uso de la cámara oscura. Tanto se sumergió en su búsqueda erudita, en su estudio de viejos documentos y de millares de reproducciones de cuadros que llenaban los suelos y las paredes de su casa y que él examinaba muy de cerca con esas gafas que parecen una lupa doble, que durante mucho tiempo apenas tocó los lápices ni los pinceles. Pero también se apasionó por la pintura china, por los paisajes que se abren delante del espectador como invitándolo a internarse en ellos, o por esos dibujos de pájaros y de ramas de bambú que había en los platos chinos del siglo XVII que llegaban a Holanda, y que tal vez, conjeturaba Hockney, influyeron en la manera de dibujar de Rembrandt. El impacto recobrado de Rembrandt y de Vermeer lo impulsó de nuevo a pintar. Pero sólo brevemente, porque entonces descubrió la acuarela, y se enamoró de su inmediatez, de la necesidad de una destreza que tiene mucho de salto en el vacío porque no admite la corrección ni la vuelta atrás. Para muchos críticos, Hockney llevaba perdido casi un cuarto de siglo: un talento agotado que se empeña en explorar callejones sin salida. De pronto volvió a su tierra natal y se puso a pintar con más furia que nunca, con la energía de un artista muy joven arrebatado por la impaciencia de representar sin descanso una parte del mundo visible que siente como exclusivamente suya.

Me gusta mucho ese activismo de Hockney, esa falta de reparo para entregarse a la sobreabundancia. En el otoño de 1983 le dio por dibujar autorretratos y lo estuvo haciendo sin parar durante seis semanas. Cómo parar, si a cada momento está cambiando la expresión de la cara, si basta un ángulo nuevo o una fuente distinta de luz para que la expresión sea otra, si cada día y casi cada hora el tiempo la está modificando. Criado en la provincia inglesa, en la estrechez y la austeridad de la posguerra, homosexual indudable en una época en la que su condición aún podía llevarlo a la cárcel, David Hockney se marchó a Estados Unidos en los primeros años sesenta, conoció a Andy Warhol en Nueva York y a Christopher Isherwood en Los Ángeles, y en enero de 1964 se instaló en California, la tierra prometida en la que había soñado viendo en Inglaterra fotos de hombres jóvenes musculosos y bronceados en las revistas de culturismo. El inglés pálido, desgarbado y miope, tan extranjero en la claridad de la costa del Pacífico, inventó una California pop de azul de cloro de piscinas y de lisos cielos sin nubes, de habitaciones blancas inundadas de sol y horizontes de palmeras y colinas terrosas en las que de un momento a otro podía aparecer el letrero de Hollywood. Inglaterra, al otro lado de un continente entero y de un océano, era el pasado opresivo y ligeramente sórdido, el lugar de la familia, de las diferencias de clase marcadas en la entonación de una palabra cualquiera, de las miradas de soslayo, censoras o sarcásticas. En el paraíso terrenal de California no existían las estaciones ni posiblemente tampoco la enfermedad ni la muerte. El amor era un hombre de pelo largo tendido al sol junto a una piscina.

Llegó el sida, y las series de retratos de David Hockney se convirtieron en galerías de muertos. En Inglaterra, al otro lado de aquella distancia planetaria, envejecían los padres, morían, iban muriendo también los amigos. Hockney empezó a regresar con más frecuencia. Y entonces descubrió algo que tal vez fue lo que lo hizo pintar otra vez: los paisajes que veía, las carreteras curvándose entre colinas y bosques, entre campos cultivados, los estaba viendo en el presente y también en la memoria. Debajo de la frondosidad de un árbol en el verano su memoria, no su mirada, distinguía la silueta que tendrían las ramas cuando las desnudara el invierno. Los copos blancos de los espinos florecidos al principio de la primavera eran tan idénticos a los de su infancia como si el tiempo no hubiera pasado, o como si estuviera leyendo sobre ellos en una página de Proust. Una casa abandonada, un sendero desierto, eran sobre todo la ausencia de gente que vivió allí y que murió muchos años atrás. Ahora esos paisajes del regreso de Hockney pueden verse en las dos sedes de la galería PaceWildenstein en Nueva York, en la calle 57 y en Chelsea, llenando los grandes espacios blancos con una vehemencia como de crecimiento vegetal, con una feracidad arrebatada que tiene algo de los cielos y campos de Van Gogh y de las selvas del Aduanero Rousseau. Después de los setenta años, en el regreso a su lugar de origen David Hockney ha descubierto otra vez la pintura.

David Hockney: Paintings 2006-2009. Galería PaceWildenstein. Nueva York. Hasta el 24 de diciembre.www.pacewildenstein.com/

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Noticias / Inglaterra: Hallada una película de Chaplin desconocida

noreply@blogger.com (Jaime Moreno Valenzuela) — Tue, 10 Nov 2009 01:39:00 +0000

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Charles Chaplin y Paulette Goddard (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 9 de noviembre 2009. (RanchoNEWS).-Un internauta de Essex (Reino Unido) que navegaba por la página de subastas eBay decidió comprar una lata antigua de las que se usan para guardar rollos de película. Pagó poco más de 3,5 euros. En su interior, para su sorpresa, encontró una bobina de negativos titulada Charlie Chaplin in Zepped, informa el diario británico The Guardian.

Morace Park, que así se llama el afortunado, acudió a su vecino, antiguo empleado del comité británico para la clasificación de películas. Ambos empezaron a tirar del hilo sobre el origen de este filme que ni los más eruditos filmógrafos de Chaplin conocían.

La película, que dura unos siete minutos -señala The Guardian- es una mezcla de secuencias de Chaplin y animación que «recuerda a Monty Python». «Comienza con Chaplin y luego se convierte e un paisaje onírico. Se ve un bombardeo con un zepelín y a Chaplin tomándole el pelo. En aquella época el zepelín era un instrumento de terror», señala Park.

Su conclusión es que el filme, un rollo de película de nitrato en 35 milímetros, pertenecía a la propaganda para la I Guerra Mundial. Su objetivo sería quitar a la gente el miedo a un ataque aéreo, como los que había lanzado Alemania sobre Reino Unido desde el comienzo de 1915.

El director de documentales Hammad Khan está rodando en Los Ángeles un documental sobre este insólito hallazgo.

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Arquitectura / España: El arquitecto Oscar Niemeyer, condecorado con la Orden de las Artes y las Letras de España

noreply@blogger.com (Jaime Moreno Valenzuela) — Fri, 06 Nov 2009 19:24:00 +0000

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Catedral de Brasilia, de Niemeyer, inaugurada en 1960. (Foto:AFP)

C iudad Juárez, Chihuahua. 6 de noviembre 2009. (RanchoNEWS.- El Consejo de Ministros, a propuesta de la ministra de Cultura Ángeles González-Sinde, ha concedido hoy la Orden de las Artes y las Letras de España a Oscar Niemeyer, según un comunicado oficial. El arquitecto brasileño ha sido reconocido por su trayectoria profesional y su contribución a la difusión internacional de la cultura española, fomentando su mejor conocimiento y apreciación por los ciudadanos de otros países, y en concreto por la relevante influencia de su obra en la configuración de la arquitectura contemporánea. Una nota de de la redacción de El País:
La Orden de las Artes y las Letras de España es una distinción de carácter honorífico, creada por el Ministerio de Cultura en julio del año pasado, con la que se pretende reconocer la labor de personas o instituciones que con sus obras o mediante su participación activa en diversos ámbitos de la creación, contribuyan sustancialmente a la difusión internacional de nuestra cultura.

Nacido en Río de Janeiro (Brasil) en 1907, con más de 70 años de reconocida trayectoria internacional, Óscar Niemeyer es considerado uno de los personajes más influyentes en la arquitectura moderna por sus aportaciones pioneras en la exploración de las posibilidades constructivas, plásticas y expresivas del hormigón armado. Sus edificios se adaptan a las condiciones medioambientales en que se integran, creando una arquitectura orgánica. Ha sido galardonado con el Premio Lenin de la Paz (1963), el Premio Pritzker (1988), el Premio Príncipe de Asturias (1989) el León de Oro de la Bienal de Venecia (1996) o el Premio UNESCO de la Cultura (2001). Niemeyer ha desarrollado en España su mayor proyecto en Europa. Se trata de un centro cultural internacional que lleva su nombre y que se inaugurará en 2010 en Avilés.
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Galería / Flor Garduño

noreply@blogger.com (Jaime Moreno Valenzuela) — Fri, 06 Nov 2009 18:45:00 +0000

Anémone, Suiza, 2007 © Flor Garduño, Courtesy Thessa Herold, Paris

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Galería / Iren Kung

noreply@blogger.com (Jaime Moreno Valenzuela) — Fri, 06 Nov 2009 18:38:00 +0000

Opéra, Paris 2007 © Iren Kung, Courtesy Galerie Forma Galleria, Milano

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Galería / Aitor Ortiz

noreply@blogger.com (Jaime Moreno Valenzuela) — Fri, 06 Nov 2009 18:31:00 +0000

Amorfosis 004, 2008 © Aitor Ortiz, Courtesy Galería Max Estrella, Madrid

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Galería / Francesca Woodman

noreply@blogger.com (Jaime Moreno Valenzuela) — Fri, 06 Nov 2009 18:26:00 +0000

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Galería / Olivia Arthur

noreply@blogger.com (Jaime Moreno Valenzuela) — Fri, 06 Nov 2009 18:12:00 +0000

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Galería / Jeff Cowen

noreply@blogger.com (Jaime Moreno Valenzuela) — Fri, 06 Nov 2009 17:38:00 +0000

Sophie L.V., 270 x 127 cm, 2009

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Teatro / Por primera vez montan en México «Egmont», pieza dramatúrgica de Goethe

noreply@blogger.com (Jaime Moreno Valenzuela) — Fri, 06 Nov 2009 17:06:00 +0000

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Escena del montaje de Egmont (Foto: CNT/ Sergio Carréon Ireta)

C iudad Juárez, Chihuahua. 6 de noviembre 2009. (RanchoNEWS).- La sublevación, la rebelión popular, el derecho de los pueblos a la autodeterminación, su capacidad de ser conscientes para generar un cambio y la tolerancia moral y religiosa son temas centrales en torno a los que se reflexiona en el montaje de Egmont, que por primera vez será puesta en escena en el país, con la Compañía Nacional de Teatro (CNT). Una nota de Carlos Paul para La Jornada:

Escrita en 1788 por Johann Wolfgang von Goethe, un año antes de que estallara la Revolución Francesa, la obra ha sido traducida y adaptada al español con la idea de proponer una renovada interpretación y actualizarla.

Del original de cinco actos se redujo a tres, ya que se trató de dar «una condición dramática más eficaz», con base en lo que indirectamente el propio Goethe propuso si su obra tuviera que ser alterada, explicó el escritor Juan Villoro, encargado de esa versión.

«Goethe tuvo en cierto momento la intención de adaptar y reducir la obra de Lord Byron, titulada El duque de Venecia, porque le parecía excesiva, prolija, desordenada y poco dramática.

«Si la redujera –llegó a decir el autor alemán–, lo haría sin eliminar ninguna de las historias y personajes fundamentales. Simplemente resumiendo la intensidad de la obra.

«Eso mismo es lo que se hizo con Egmont, del propio Goethe. No se eliminaron historias ni personajes, sino que se resumió en sus propios términos la intensidad de la obra con la intención de que funcione de manera fresca para el espectador, sin perder su poética y condición dramática», comentó Villoro.

Con las direcciones escénica de Mauricio García Lozano y musical de Fernando Lozano, respectivamente, al frente de la Orquesta Sinfónica de Xalapa, que celebra su 80 aniversario, la puesta en escena integra la partitura compuesta por Ludwig van Beethoven, inspirado por la obra de Goethe.

«Si bien Beethoven se inspiró en dicha obra, la música en términos rigurosos no forma parte de la misma, del todo dramatúrgico», por lo que el reto, explicaron los directores de escena y músical, «fue tomar unas tijeras y seleccionar ciertos temas y motivos de la partitura relacionados con el devenir dramático y de esa manera subrayar las escenas. La partitura funciona como música incidental, pues de lo que se trató fue de dar una arquitectura al discurso musical que se imbricará con el discurso dramático».

Desde el punto de vista escénico, «el formato es más cercano a lo que podría ser una ópera hablada; hay un gusto estilístico por el teatro romántico», expresó García Lozano.

Drama de un pueblo

Con la presentación de Egmont, la CNT inicia su segundo ciclo, denominado Patrimonio universal del teatro, el cual se enmarca en el contexto de las celebraciones por el bicentenario de la Independencia y el centenario de la Revolución Mexicana, por lo que la puesta en escena es auspiciada por diversas autoridades e instancias culturales estatales y federales.

La obra, destacó Luis de Tavira, director artístico de la CNT, «refleja el drama de un pueblo en la lucha por su soberanía y libertad. Historia escrita un año antes de la toma de la Bastilla, de la Revolución Francesa. La obra funda desde el teatro el paradigma del héroe, del insurgente libertario que se suma a la causa de su pueblo».

Egmont narra la historia de la visita del duque de Alva a Flandes, región que se encuentra en rebelión. La regenta considera que con «buena mano y paciencia» puede gobernar, y el duque considera que la corona española debe poner la «mano fuerte».

El personaje que discrepa es Egmont, quien es soberanista, piensa en la autodeterminación de los pueblos y empieza a liderar un movimiento que él considera de respeto al pueblo, pero se da cuenta de inmediato de que eso lo catapulta como un líder más radical de lo que él pensaba. En ese contexto hay una historia de amor, entre Clara, Egmont y un tercero en discordia.

Con la participación de 22 actores de la CNT, más ocho invitados, y la soprano Elise Caluwaerts; escenografía e iluminación de Jorge Ballina, vestuario de Carlo Demichelis y Elena Gómez Toussaint y coreografía de Marco Antonio Silva, el estreno será el 13 y 14 de noviembre, a las 20 y 19 horas, respectivamente, en la sala Emilio Carballido del Teatro del Estado, en Jalapa, Veracruz.

Posteriormente, dentro de la cuarta Muestra de Artes Escénicas de la Ciudad de México, los días 20, 21 y 22 a las 20, 19 y 17 horas, respectivamente, se presentará en el Teatro de la Ciudad. Luego, con fechas aún por confirmar, se presentará en el Centro Nacional de las Artes.

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Fotografía / España: Gervasio Sánchez gana Premio Nacional de Fotografía

noreply@blogger.com (Jaime Moreno Valenzuela) — Fri, 06 Nov 2009 16:58:00 +0000

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El fotógrafo aseguró que lo hizo al recibir la distinción fue recordar a sus compañeros periodistas, fotógrafos y camarógrafos que han perdido la vida en zonas de conflicto (Foto: EFE )

C iudad Juárez, Chihuahua. 6 de noviembre 2009. (RanchoNEWS).- Gervasio Sánchez obtuvo el Premio Nacional de Fotografía de España, por su « compromiso continuado con la fotografía como herramienta de denuncia de la violencia» en los conflictos armados, su «continuada labor» a favor de la justicia y especialmente por su trabajo sobre las minas antipersona. Una nota de EFE:

El galardón, que concede anualmente el Ministerio de Cultura y que está dotado con 30 mil euros (unos 44 mil 500 dólares), reconoce la aportación de Sánchez a la fotografía de reportaje y «cómo a través de ella se dignifica a las víctimas fotografiadas, con una mirada particular que enaltece los mejores valores del fotoperiodismo».

«Lo primero que he hecho al recibirlo ha sido recordar a tantos compañeros míos periodistas, fotógrafos y camarógrafos que han perdido la vida en zonas de conflicto», manifestó Sánchez.

Gervasio Sánchez (Córdoba, 1959) trabaja habitualmente para el Heraldo de Aragón y en enero pasado obtuvo el Premio Internacional de Periodismo Rey de España en su apartado «Fotografía», por una instantánea de su colección Vidas minadas, 10 años después.

Especializado en conflictos armados, entre 1984 y 1992 cubrió la mayor parte de los que tuvieron lugar en América Latina y publicó sus trabajos en el Heraldo de Aragón o El País. Sánchez, además, colabora con la Cadena Ser o el servicio en español de la cadena pública británica BBC.

En lo que se refiere a su trayectoria profesional, Gervasio Sánchez destaca «haber sido capaz de trabajar de forma continuada con determinadas temáticas» y no conformarse con «unas imágenes de impacto sin continuar las historias».

En 1995, Sánchez emprendió su proyecto fotográfico Vidas minadas sobre el impacto de las minas antipersonales en las poblaciones de los países más minados del mundo, entre ellos Afganistán, Angola y Camboya, que concluyó en 1997 con un libro y una exposición.

Otros libros fotográficos suyos son El Cerco de Sarajevo (1994); Kosovo, crónica de la deportación (1999) y Niños de la Guerra (2000).

En 2001, apareció su libro La Caravana de la Muerte. Las víctimas de Pinochet, y en 2005, Sierra Leona. Guerra y Paz.

En 1998, con motivo de la celebración del 50 aniversario de la Declaración Universal de los Derechos Humanos, la UNESCO le nombró enviado especial.

Galería

Vidas minadas. Diez años

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Estampas de la Frontera / 1953: Inauguran vuelo México-Cd. Juárez

noreply@blogger.com (RMV) — Thu, 05 Nov 2009 22:01:00 +0000

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«La cámara de El Fronterizo, siempre oportuna, captó a los pilotos Capitán Leonardo Henríquez y Primer Oficial Manuel Mendiolea Rodríguez en el momento de aterrizar felizmente, inaugurando así el nuevo servicio de tetramotores entre México y Ciudad Juárez, de Aeronaves de México, ayer a las 17:30 horas». Pie de grabado original de la edición del 1ero. de septiembre de 1953 de EL FRONTERIZO. (Foto: RanchoNEWS)

C iudad Juárez, Chihuahua. 1 de noviembre de 2009. (RanchoNEWS).- El lunes 4 de junio de 2001el periódico vespertino policial El Mexicano comenzó a publicar una sección histórica denominada «El Fronterizo: episodios históricos juarenses» a cargo del escritor Rubén Moreno Valenzuela, que reproducía en una página completa eventos de nuestro pasado tomados de la hemeroteca de El Fronterizo, el diario más importante de Ciudad Juárez del siglo XX. La sección, patrocinada por la Universidad Autónoma de Ciudad Juárez, fue publicada durante cinco años.

El primer episodio, que reproducimos a continuación, trata sobre la inauguración del vuelo 201 procedente de la Ciudad de México, en el que arribaron destacadas personalidades del mundo oficial, la industria y la banca del país, además de varios redactores de los diarios capitalinos y estaciones radiodifusoras:

El majestuoso avión DC-4 matrícula XA-KOK «Ciudad de Torreón», tocó tierra ayer (31 de agosto de 1953) a las 17:30 horas en la pista central del aeropuerto de esta ciudad, inaugurando en esa forma oficialmente, en vuelo especial, el nuevo servicio de Aeronaves de México, S. A., entre este puerto fronterizo y la capital de la república.

En el vuelo inaugural del nuevo servicio aéreo de Aeronaves de México S.A., arribaron a Ciudad Juárez, destacadas personalidades del mundo oficial, la industria y la banca del país, además de varios redactores de los diarios capitalinos y estaciones radiodifusoras.

Numerosa concurrencia se congregó en el aeropuerto local para dar la bienvenida a los viajeros, siendo atendidos por el personal de aeronaves gentilmente.

La tripulación que guió la moderna aeronave y que atendió a los distinguidos visitantes está integrada por el Capitán Leonardo Henríquez, el Primer Oficial Manuel Mendiolea Gutiérrez, el Jefe de Sobrecargos Roberto Márquez, el Superintendente de Vuelos Capitán Carlos León y la bella sobrecargo Srita. Carlota Téllez Girón.

«La comitiva invitada de Aeronaves de México, integrada por prominentes hombres de negocios, del gobierno, periodistas y dirigentes, deja el avión "Ciudad de Torreón", al arribar a Ciudad Juárez, en su primer vuelo rápido de Aeronaves de México». Pie de grabado original de la edición del 1ero. de septiembre de 1953 de EL FRONTERIZO. (Foto: RanchoNEWS)

Los invitados

El Fronterizo informa que entre los invitados a este vuelo inaugural, además del Sr. Gustavo Ortiz Hernán, Director General de Turismo y otros funcionarios del gobierno federal y de la empresa de aviación, se encontraban también periodistas de medios de información como El Universal, Ultimas Noticias, Mexico City News, Excélsior, Associated Press, Revista Mc Grow Hill, Novedades, Noticiero Continental, Laredo Times, Herald Post y El Dictamen de Veracruz.

Los visitantes fueron huéspedes de Aeronaves de México en esta ciudad e hicieron una visita a la ciudad de El Paso, Texas, el 1ero. de septiembre, regresaron a la Ciudad de México en un DC-4.

El 201

Especialmente invitados por la gerencia general y distrital de Aeronaves de México S.A. para inaugurar el nuevo servicio empleando aviones tipo DC-4 con capacidad para 50 pasajeros, 28 personas residentes de Ciudad Juárez, El Paso, Texas, y el suroeste del vecino país, representantes todos ellos del gobierno, las finanzas y el comercio, salieron ayer a las 18:00 horas con destino a la Ciudad de México en el avión «Ciudad Torreón», que inauguró oficialmente ese servicio.

El Ing. Armando Santacruz, Subgerente General de Aeronaves de México acompañó a los invitados de la empresa en cuyo honor se ofrecerá en la capital de la república una recepción.

El Capitán José Martínez Calderón, el Primer Oficial Edmundo Arcilla Vargas y los Sobrecargos Srita. Nélida Valcarce y el Sr. Rodolfo Guerrero B., integran la tripulación encargada de velar por la seguridad y la comodidad de la caravana de aeroviajeros, entre ellos el Sr. Hervey, alcalde de El Paso.

Nuevos horarios

Posteriormente, el jueves 17 de septiembre del año en mención, El Fronterizo comunicaba a sus lectores los nuevos horarios de los vuelos de Aeronaves de México «que llegan y salen del aeropuerto de esta población», el cual reproducimos a continuación:

Vuelo 202, diario, excepto los domingos, sale de Cd. Juárez a las 7:45 y llega a Nuevo Casas Grandes a las 8:40, a Chihuahua a las 9:55, a Parral 11:00, a Torreón a las 11:45, a San Luis Potosí a las 14:20 y a México a las 16:00.

Vuelo 204, los domingos únicamente, sale de Cd. Juárez a las 7:45 y llega a Nuevo Casas Grandes a las 8:40, a Chihuahua a las 9:55, a Torreón a las 11:45, a San Luis Potosí a las 13:30 y a México a las 15:30.

Vuelo 210, diario, excepto los domingos, sale de Cd. Juárez a las 17:15, llega a Torreón a las 19:40, a San Luis Potosí a las 14:20 y a México a las 22:50.

Vuelo 226, diario, excepto los domingos, sale de Cd. Juárez a las 17:30 y llega a Chihuahua a las 18:45.

Anuncio publicado en la edición del 1ero. de septiembre de 1953 de EL FRONTERIZO. (Foto: RanchoNEWS)

Arribos

Vuelo 201, diario, excepto los domingos, sale de México a las 10:00 y llega a San Luis Potosí a las 11:45, A Torreón a las 13:00 y a Cd. Juárez las 15:45.

Vuelo 203, los domingos únicamente, sale de México a las 8:30 y llega a San Luis Potosí a las 10:00, a Torreón a las 11:55, a Chihuahua a las 13:55, a Nuevo Casas Grandes a las 15:10 y a Cd. Juárez las 16:15.

Vuelo 211, diario, excepto los domingos, sale de Chihuahua a las 19:00, y llega a Nuevo Casas Grandes a las 20:15 y a Cd. Juárez las 21:30.

Vuelo 225, diario, excepto los domingos, sale de Torreón a las 13:30, y llega a Parral a las 14:35, a Chihuahua a las 15:40 y a Cd. Juárez las 17:05.

La sección Estampas de la Frontera es publicada con un apoyo del Programa de Desarrollo Cultural Municipal

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091 / Prólogo

noreply@blogger.com (RMV) — Thu, 05 Nov 2009 21:53:00 +0000

UN ÚLTIMO RETRATO PARA IRVING PENN

El artista en 1944. (Foto: Archivo)

Fue el primer fotógrafo moderno, dice Charlie Churchward respecto Irving Penn cuyo fallecimiento damos cuenta en la secccion Obituario. Churchward que durante más de 25 años director de arte y de diseño en Conde Nast América, fue una de las personas para las que Irving Penn trabajaría de forma más intensa.

Sus imágenes «fueron capaces de construir un puente de unión entre el mundo de las revistas, la publicidad y las bellas artes», considera Churchward quien agrega que «éste es el momento en el que concluye una era» en la nota que publicamos en la sección de Fotografía. A este gran artista dedicamos la sección de Galería.

En la Memoria de Rancho Las Voces del V y IV FICh, les brindamos los siguientes vídeos: Concha Buika: «La niña de fuego», «Tosca», «Canek», De monstruos y prodigios, Galina Vishneskaya y Olodum.

Además Jaime Moreno Valenzuela ofrece una galería fotográfica de la ópera «Carmen» con la OSUACJ y Carla Carrillo del Laboratorio de acrobacia indígena; mientras que la artista plástica Luz María Galván aporta dos acuarelas de la obra «Ni el sol ni la muerte pueden mirarse de frente».

En esta edición, con el apoyo del Programa de Desarrollo Cultural Municipal, reiniciamos la sección Estampas de la Frontera en esta ocasión con el artículo 1953: Inauguran vuelo México-Cd. Juárez.

En exclusiva ofrecemos una nota sobre la presentación del audiolibro «Caracol Solar» de Lilly Blake en la ciudad de Chihuahua, la inauguración de la exposición de Mario Arnal denominada «Dimensiones» en Ciudad Juárez, en donde también reportamos la primera Temporada de la Metropolitan Opera vía satélite.

Continuamos en la sección de Textos con la publicación de «La otra conquista - Alonso de Ercilla y su canto Araucano» de Maite Martín Duarte, además esta vez contamos con el «Breve repaso sobre la narrativa de David Toscana» de José Luis Domínguez y «Crónica de Las Horas de Junio 2009» de Margarita Muñoz Villaobos. Además proseguimos con el Medio Siglo de Teatro de Marcelo Segberg.

En el Visor Fronterizo, Jaime Moreno Valenzuela: Escudo del estado, Escudo de la ciudad, Vallas amarillas, Paisaje urbano, Mesa para dos, Anuncio en blanco y Luz María Galván contribuye con una pieza de la serie Visor Nocturno. En tanto que Carla Carrillo nos comparte su Visor Chihuahua.

En esta ocasión don Justiniano nos comenta la etimología de la palabras Honduras.

Además de las acostumbradas secciones. Ojalá la edición sea de su agrado.

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