Rancho Las Voces

Libros / China: Primer manual de chino para hispanos cumple 10 años y se renueva

noreply@blogger.com (RMV) — Thu, 23 May 2013 23:13:00 +0000

.
Portada de la publicación. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 23 de mayo de 2012. (RanchoNEWS).- El manual de enseñanza de mandarín El chino de hoy, creado en 2003 y que en su día fue el primero pensado para que los hispanohablantes estudiaran este idioma, cumple 10 años con una segunda edición renovada y corregida que hoy fue presentada en la consejería de Educación de la Embajada de España en Pekín, informa la agencia EFE.

El libro, publicado por la Editorial de la Universidad de Lenguas Extranjeras de Pekín (también destacada por su enseñanza de castellano a estudiantes chinos), contó con la cooperación de la Universidad de Granada y el profesor Juan José Ciruela, y en esta segunda edición ha participado en su renovación el profesor de español en Pekín Modesto Corderi.

Corderi señaló en la presentación que el libro es uno de los principales métodos utilizados por los Institutos Confucio en todo el mundo, y en clave de humor mostró a los presentes algunas de las principales dificultades del aprendizaje del mandarín, como su carácter tonal o la similitud de muchos de sus sonidos consonánticos.

El Instituto Confucio, un equivalente salvando las distancias al Instituto Cervantes del idioma español, tiene ya en el mundo hispanohablante sedes en España (Madrid, Barcelona, Granada, Valencia y León), Colombia (Bogotá y Medellín), México, Costa Rica, Perú y Argentina.

REGRESAR A LA REVISTA

Noticias / España: Annie Leibovitz, Príncipe de Asturias de Comunicación

noreply@blogger.com (RMV) — Thu, 23 May 2013 22:19:00 +0000

.
La fotógrafa estadounidense. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 23 de mayo de 2013. (RanchoNEWS).- La fotógrafa estadounidense Annie Leibovitz ha sido galardonada con el Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades en Oviedo, informa la agencia EFE.

La prestigiosa fotógrafa competía con la agencia de fotografía Magnum y la periodista inglesa Christiane Amanpour como finalistas.

A lo largo de su carrera ha retratado a mitos como John Lennon, Bob Dylan, Barbra Streisand, Mick Jagger, Bruce Springsteen o, incluso, la Reina de Inglaterra y Richard Nixon, llenado las portadas de las revistas más prestigiosas de todo el mundo.

Nació en Estport, Connecticut, Estados Unidos, el 2 de octubre de 1949 en una familia judía. Hija de militar viajó con su familia por todo el mundo por lo que comenzó a hacer fotografías para así recordar su vida.

Estudió en el Instituto de Arte de San Francisco, donde aprendió fotografía después de pasar seis meses en un kibutz israelí.

Comenzó su carrera profesional a los 19 años cuando fue contratada por la revista Rolling Stone para hacer una selección fotográfica.

En esta revista publicó en 1969 una foto de los Rolling Stone, en la que aparecía el escritor Allen Ginberg fumando un porro. Desde entonces se convirtió en la fotógrafa rebelde que plasmó la América de los setenta.

Con sólo 23 se convirtió en fotógrafa jefa de la revista, en la que permaneció durante una década retratando a todos los iconos del rock de los setenta y comienzos de los ochenta.

En 1975 cubrió la gira de los Rolling por EEUU y un año después fue la responsable del departamento fotográfico de la revista.

Tuvo la oportunidad de fotografiar en incontables ocasiones a John Lennon, y algunas de ellas han pasado a formar parte del imaginario popular. Por ejemplo, la foto de Lennon desnudo sobres su cama abrazado a su esposa, Yoko Ono, vestida de negro, hecha horas de su trágico asesinato en diciembre de 1980.

Leibovitz, que también trabjó para Vanity Fair, fue también la autora de la última foto de Nixon como presidente tomada cuando subía a un helicóptero en la Casa Blanca.

A principio de los años 1990 fundó el Estudio Annie Leibovitz en Nueva York. Una de sus fotos más polémicas fue la tomada en 1991 a la actriz Demi Moore, desnuda y embarazada. Su publicación causó tal sensación que todos los distribuidores de la revista, excepto los de Nueva York, la pusieron a la venta con la portada tapada parcialmente.

Moore posó de nuevo desnuda para Leibovitz en 1992, pero esta vez con el cuerpo maquillado y después, otra vez vestida. Fascinada por los desnudos, en 1993 retrató a Sylvester Stallone emulando a El pensador de Rodin.

Por su cámara han pasado rostros la política y los personajes más famosos del deporte, la música o el arte. Sus fotografías han ocupado portadas de revistas semanales y suplementos de periódicos como Life, Esquire, Vogue, Paris Match, Elle o El País Semanal.

Muchos de ellos quedaron plasmados en el libro Photograhs Annie Leibovitz 1970-1990, de Harper Collins Publishers. Una de sus iniciativas más conmovedoras fueron los retratos de rostros de víctimas de Sarajevo en 1993. Alejada de la sangre, en sus expresiones mostró su «calma espiritual».

Ella fue también la fotógrafa oficial del equipo olímpico americano que competió en los juegos Olímpicos de Atlanta 1996. El trabajo quedó impreso en el Olympic Portraits.

Durante más de 25 años, Leibovitz ha estado creando imágenes icónicas que capturan el estilo de vida y la cultura popular estadounidense, como refleja su libro Annie Leibovitz: La vida de una fotógrafa, 1990-2005.

Unida sentimentalmente a Sunsan Sontag, Leibovitz inmortalizó su relación incluso en los peores momentos del cáncer que padeció la escritora y que causó su muerte en 2004.

Con posterioridad, algunas de esas instantáneas, junto a otras significadas de su carrera, fueron recogidas en una gran exposición exhibida en importantes ciudades del mundo. En junio de 2009, Leibovitz la presentó en Madrid dentro de PhotoEspaña.

REGRESAR A LA REVISTA

Noticias / México: Conaculta y Caniem en la BookExpo America de Nueva York

noreply@blogger.com (RMV) — Wed, 22 May 2013 19:36:00 +0000

.
Aspecto de la feria. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 22 de mayo de 2013. (RanchoNEWS).- El dato viene de un solo sector, pero marca un panorama: 80 por ciento de las compras de libros en español que realizan las bibliotecas públicas en Estados Unidos provienen de España, aun cuando el mayor número de hispanoparlantes en la Unión Americana, poco más de 53 millones, son de origen mexicano, alrededor de 10 millones, informa Jesús Alejo Santiago para Milenio desde la Ciudad de México.

De ahí el objetivo del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta) y la Cámara Nacional de la Industria Editorial Mexicana (Caniem) de unir esfuerzos para ir a la caza del mercado del libro en español en Estados Unidos, lo que se pretende con la presencia de México como invitado de honor de la BookExpo America de Nueva York, a desarrollarse del 29 de mayo al 1 de junio.

«Esta es una extraordinaria oportunidad para la industria editorial y la cultura mexicana a fin de que el libro mexicano entra al mercado americano, de tal manera que las puertas que se abren en Nueva York, a través de los contactos que se puedan desarrollar, podrá ser uno de los logros más grandes que podamos tener. Esto no tiene otro propósito que la mejor difusión del libro mexicano y de la palabra escrita de nuestros autores», aseguró el presidente del Conaculta, Rafael Tovar y de Teresa.

Durante la presentación del programa de actividades, el funcionario resaltó la importancia de lograr extenderse no solo al ámbito de la propia feria, sino a otros lugares importantes de Nueva York, como el MoMA y distintas bibliotecas públicas, con lo que se busca lograr que la presencia mexicana sea muy amplia.

La representación mexicana estará integrada por más de 30 escritores, ilustradores y editores, pero en especial por parte del catálogo de 38 sellos editoriales y más de mil 600 títulos, lo que se convierte en el desembarco más importante de la industria editorial mexicana más importante al encuentro neoyorquino, en palabras de Ignacio Echeverría, presidente de la Caniem.

«Si bien Frankfurt es una feria donde se compran muchos derechos, muchas están vinculados con el área técnica, mientras en la de Nueva York se ofrecen muchas más disciplinas».

Lengua de cultura

El encuentro es considerado el segundo más importante en el mundo en el ámbito de los negocios, sólo detrás de la Feria Internacional del Libro de Frankfurt, de ahí la importancia que tiene como punta de lanza para impulsar el libro mexicano en el mercado editorial estadounidense.

Entre los escritores invitados se encuentran a Enrique Krauze, Juan Villoro, Alma Guillermoprieto o Carmen Boullosa, quienes podrían contribuir a un mayor conocimiento de lo que se produce en la actualidad literaria en el país y, con ello, enfrentar algunos de los problemas del libro en español, como explica Ricardo Cayuela, director de Publicaciones del Conaculta.

«Los problemas tienen que ver con el tipo de migrantes hispanos que van a EU y cómo la siguiente generación tiene la tentación natural de afincarse en ese país, con lo que el español empieza a ser sólo la lengua de la familia. Esto empieza a cambiar, el español empieza a prestigiarse como una gran lengua de cultura y esa es una labor que nos corresponde a todos».

La BookExpo America de Nueva York no es una feria de venta de libros, sino de atención de negocios, de ahí el interés por extender la presencia mexicana más allá del recinto ferial, con actividades como la exposición Retratos de México, de Manuel Álvarez Bravo, que será albergada por el Instituto Cervantes, o la proyección de la película Las paredes hablan, basada en una novela de Carmen Boullosa.

Asimismo, el Conaculta obsequiará a los asistentes a la feria la antología de cuentos Best of Contemporary Mexican Fiction, compilado por Álvaro Uribe y Olivia Sears.

REGRESAR A LA REVISTA

Arqueología / México: Hallan en Guerrero estela de jugador de pelota

noreply@blogger.com (RMV) — Wed, 22 May 2013 19:21:00 +0000

.
El monumento encontrado . (Foto: INAH)

C iudad Juárez, Chihuahua. 21 de mayo de 2013. (RanchoNEWS).- Una estela grabada con la efigie de un jugador de pelota, la cual podría superar los mil años de antigüedad, fue descubierta recientemente en el sitio prehispánico de Piedra Labrada, en el municipio de Ometepec, Guerrero. Este elemento formaba parte de uno de los cinco espacios registrados en el área, dedicados a la práctica de este antiguo ritual, y que son de los más grandes hasta ahora localizados en la región de la Costa Chica, informa la agencia Notimex desde la Ciudad de México.

El hallazgo tuvo lugar hace unas semanas, cuando miembros de la comunidad asentada en las inmediaciones del lugar instalaban un tubo de agua, acontecimiento que fue reportado al Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) en esa entidad.

De acuerdo con el arqueólogo Pablo Sereno Uribe, responsable de la investigación en Piedra Labrada, «se trata de la representación de un jugador de pelota decapitado, tiene los brazos cruzados sobre el pecho y las piernas están un poco encorvadas; se observan atavíos como un casco, un yugo a la altura de la cintura y piedras redondas o chalchihuites en las orejas».

La estela –labrada en granito– se halló fragmentada en dos partes; sus dimensiones son de 1.65 m de largo y 50 cm de ancho. Por la cercanía de Piedra Labrada con Oaxaca, se estima que la filiación cultural del monumento es mixteca; aún no se ha precisado su fechamiento exacto.

El elemento se descubrió en la sección norte de la zona, donde se ubica uno de los juegos de pelota más grandes, se trata de una cancha en forma de «I», cuya longitud de cabezal a cabezal es de 40 m, aproximadamente.

Dicho personaje tiene una base que denota que estuvo empotrado a dicho espacio como parte del paisaje arquitectónico, y posteriormente fue decapitado y sepultado durante un ritual efectuado en tiempos prehispánicos.

En Mesoamérica una gran cantidad de elementos escultóricos y ofrendas fueron objeto de diversos ritos, la mayoría vinculados con el cierre de ciclos, donde las piezas eran pintadas de rojo y después las «mataban», es decir, las fragmentaban y enterraban, refirió Pablo Sereno.

«Cabe señalar que de los cinco juegos de pelota, tres tenían dispersas en sus inmediaciones esculturas de cabezas de serpiente, y ahora que salió a la luz este jugador de pelota sabemos que la cancha de la sección norte del sitio, también tuvo elementos escultóricos asociados, en este caso de un diseño que no se había documentado antes.

«Dada la importancia de la pieza y del contexto que la rodea se propondrá al Consejo de Arqueología del INAH un proyecto para excavar el área a fin de ubicar materiales cerámicos que contribuyan a ampliar el conocimiento sobre su temporalidad y origen. Actualmente la estela se resguarda en la comisaría municipal», abundó el arqueólogo del INAH Guerrero.

REGRESAR A LA REVISTA

Música / China: Alondra de la Parra, primera extranjera que dirige una orquesta en este país

noreply@blogger.com (RMV) — Wed, 22 May 2013 19:07:00 +0000

.
La directora mexicana. (Foto: Lorena Alcaráz Minor)

C iudad Juárez, Chihuahua. 17 de mayo de 2013. (RanchoNEWS).- Es la primera directora extranjera con una orquesta foránea en China y a pesar de ser su debut aquí, Alondra De la Parra (Nueva York, 1980) tenía clara la importancia de su presencia en este país antes de llegar: «No hay que perder de vista a China, está abriendo sus puertas y ahí tiene que estar México», informa la agencia EFE desde Pekín.

Eso es precisamente lo que intentará trasladar hoy en su estreno en Pekín, donde la directora –y también embajadora de Turismo de México– debuta en un enclave único, la Ciudad Prohibida, y al frente de la Orquesta Nacional de Toulouse, en una oportunidad «inesperada».

«Fue el resultado de mi debut en París, que fue excitante y abrió muchas puertas y ésta es una maravillosa», destaca De la Parra en una entrevista concedida a EFE en la capital china, donde ofrecerá dos conciertos, uno hoy viernes, y otro, el domingo.

El programa de la orquesta francesa ya estaba confeccionado cuando De la Parra tomó las riendas de la formación musical –y después de que el director titular, Tugan Sokhiev, no pudiera hacerse cargo–, pero aún así consiguió «colar» un pedacito de su tierra.

«Ya tenían preparado todo el programa, y no pude meter una obra mexicana pero sí un bis con el Dazón nº2 de Arturo Márquez –un himno latinoamericano–», explica De la Parra, nacida en Nueva York pero quien partió a los dos años a México, el que considera su país.

De ahí que trate siempre de «colar» temas mexicanos en sus espectáculos y que hiciera lo posible por también hacerlo en China, uno de sus países «soñados» y al que nunca imaginó que llegaría «tan pronto».

De la Parra no se olvida de quien le ha brindado esta gran oferta y le faltan adjetivos para describir a Francia, «el país que más le ha ayudado» en su carrera.

Y es que, gracias a la orquesta de Toulouse, la directora ya cuenta en su currículum con el «calor y todo el cariño del público chino» recibido en la metrópolis de Shanghái y en Wuhan, capital de la provincia central china de Hubei.

Esas fueron sus dos primeras paradas en el país asiático antes de aterrizar en la capital, a la que llega –destaca– con unos músicos de un «nivel altísimo» por su incesante voluntad de alcanzar la excelencia, incluso en piezas a las que no están acostumbrados.

Como el Danzón nº2, de Márquez con el que, sin embargo, «tienen mucha sintonía».

«Los franceses tienen afinidad con nuestras piezas, tienen sangre latina, y eso se siente», explica De la Parra, quien también ha dirigido una orquesta alemana en Berlín, con un programa íntegramente mexicano, todo un reto para los músicos germanos.

¿Y los chinos? «Me encantaría dirigir una orquesta china, sé que hay muy buenas y me gustaría poder venir un día aquí a trabajar», comenta la joven directora, quien reiteró su felicidad por poder acercar por primera vez un poco de su país, México, a China a través de la música clásica.

«Es un ejemplo muy bueno de demostrar que la cultura mexicana sí es el tequila, el mariachi y el sombrero o Cancún; pero también mucho más: somos una cultura muy diversa, con propuestas contemporáneas interesantes, compositores muy destacados y con una gran obra sinfónica», detalló la artista.

Es la primera vez en la vida de la mexicana que dará la vuelta al mundo «físicamente», cuenta De la Parra, entre el cansancio que le invade tras sus innumerables citas con medios en Pekín y su incansable voluntad por seguir acercando culturas.

Tras estrenarse hoy en uno de los palacios imperiales más conocidos del mundo, la aclamada directora partirá de vuelta a México vía Japón, y después continuará hacia Brasil, y a Alemania de nuevo, para intentar alcanzar su meta: «Seguir creciendo y compartiendo mensajes a través de la música».

REGRESAR A LA REVISTA

Noticias / Estados Unidos: III Feria del Libro en Español en Los Ángeles (LéaLA)

noreply@blogger.com (RMV) — Wed, 22 May 2013 18:46:00 +0000

.
Diseño promocional de la feria. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 17 de mayo de 2013. (RanchoNEWS).- La Feria del Libro en Español en Los Ángeles (LéaLA) es la muestra más palpable de construir más puentes en lugar de muros, afirmó hoy el alcalde de Los Ángeles, Antonio Villaraigosa, informa Notimex desde la capital de California.

Villaraigosa junto con autoridades locales, del estado de Jalisco y del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta), de México, inauguraron la III Feria del Libro en Español, que permanecerá hasta el domingo 19 de mayo en el Centro de Convenciones de Los Ángeles.

«Una feria como ésta es mucho más que una introducción a la herencia latina de nuestra cultura», señaló y jugueteó al decir que ya sólo le restan 44 días como alcalde de Los Ángeles, «pero voy a regresar, no hay duda», advirtió sin precisar.

El rector de la Universidad de Guadalajara, Tonatiuh Bravo Padilla, le provocó una enorme sonrisa ya que habló poco después para decir «así como el alcalde cuenta los 44 días esperamos que en seis a ocho años lo invitemos aquí como gobernador de California».

El próximo martes se llevarán a cabo las elecciones para alcalde de Los Ángeles, en las que se elegirá al sustituto de Villaraigosa, quien cumplió ocho años de gestión e hizo historia como el primer alcalde latino de esta ciudad en 130 años.

Villaraigosa destacó que esta feria se lleva a cabo en la segunda ciudad más importante y numerosa de mexicanos, y con 48 por ciento de su población de origen latino, en su mayoría del país al sur de la frontera.

Por su parte, Pedro Ochoa, director del Centro Cultural Tijuana, quien acudió en representación de Rafael Tovar y de Teresa, presidente del Conaculta, agradeció que a esta ciudad se le haya designado como ciudad invitada en la feria.

La ciudad fronteriza mexicana presentó numerosas áreas y trasladó a un grupo de cantantes de ópera, que deambulaban en los pasillos dando un toque más que especial al encuentro.

«Esta feria tiene una importancia vital y relevante por la presencia de hispanos en este país, que se estima que para el 2050 serán casi 100 millones, casi la misma población que México tuvo en el 2000», resaltó Ochoa.

«Es nuestro deber acercar toda actividad cultural y que ayude a saciar esta impresionante sed por el español en este país y coadyuvar a que siga creciendo como un vasto patrimonio cultural en este propio país», resaltó.

«Hay que seguir alimentando esa dualidad de la cultura del mestizaje y el mestizaje de la cultura», destacó.

En el presidium de quienes cortaron el listón para la inauguración del encuentro editorial estuvieron, además, el cónsul de México en Los Ángeles, David Figueroa, y la supervisora de la ciudad, Gloria Molina.

Asimismo Francisco Ayón, secretario de Educación del estado de Jalisco; Raúl Padilla López, presidente de la Fundación de la Universidad de Guadalajara EU, y Marisol Schultz, directora de la feria.

En esta feria participan 361 sellos editoriales y es 65 por ciento más grande que la del año anterior, con 204 stands para editoriales y siete salones para charlas y presentaciones.

REGRESAR A LA REVISTA

Artes Plásticas / México: «Asia en marfil» en el Museo Soumaya

noreply@blogger.com (RMV) — Wed, 22 May 2013 18:33:00 +0000

.
Trabajo chino Pagoda Dragón Imperial en Persecución de la Perla Sagrada. Primera mitad de siglo XX Marfil tallado de elefante. (Foto: Cortesía Museo Soumaya)

C iudad Juárez, Chihuahua. 18 de mayo de 2013. (RanchoNEWS).- El dragón ha sido un animal característico en la cultura china, ya que anuncia el principio creativo. Por ello el jueves en la noche el Museo Soumaya, en Plaza Carso, recibió con una danza de dragones a los asistentes a la inauguración de la muestra Asia en marfil, informa Patricia Curiel de Milenio desde la Ciudad de México.

Esta exposición, que cuenta con 600 piezas principalmente procedentes de China, Japón e India, elaboradas en el siglo XIX y la primera mitad del XX, ha sido posible gracias a la donación que la señora Laura Fernández MacGregor Maza hizo al acervo del Soumaya, además de las ya existentes de los fondos virreinales de Gonzalo Obregón.

«Manifiesto mi felicidad de que la colección de marfiles que fue mía ahora está en este recinto tan bello, para que todo el pueblo mexicano la pueda apreciar y gozar como yo lo hice durante mucho tiempo. En esta ocasión solamente se expusieron la mayoría de las piezas asiáticas, pero pronto seguirá la exposición de las piezas europeas, así como un libro que editará el museo con fotografías y textos de las mismas», dijo Fernández MacGregor.

A la labor de inventariado, restauración y curaduría se sumaron Benjamín Preciado y Amaury García, investigadores de El Colegio de México, para dar asesoría acerca de las piezas.

«La exposición está dividida en cinco temas. El primero es el legado cultural, tanto por el lado de las religiones como el budismo, hinduismo y taoísmo –que no fueron realizadas para el culto sino para la decoración–, como por la representación de dos países tan importantes como China y Japón; en el segundo tema se aborda cómo Asia interpreta a Occidente; el tercero nos habla de encuentros y desencuentros; el cuarto muestra la inspiración occidental de Asia y el comercio ancestral en relación con nuestro continente, principalmente con México, y el quinto son las actividades paralelas que se van a llevar a cabo en cuestiones didácticas, educativas y de investigación», explicó Carlos Slim Domit, presidente de Grupo Carso.

«La exposición tiene como objetivo exhibir los intercambios culturales y comerciales entre Asia y México, que se van a ilustrar y a materializar con las piezas inéditas donadas por la señora Laura Fernández, y que van a convivir con las que ya existían en el acervo de Museo Soumaya, que tienen que ver con el mobiliario, biombos, piezas finales de marfiles cristianos y textiles, entre otros. La idea principal de la exposición es exhibir cómo en Occidente seguimos sintiendo una fascinación ancestral por Asia», dijo Eva Ayala Canseco, curadora de la exposición.

REGRESAR A LA REVISTA

Obituario / Ray Manzarek

noreply@blogger.com (RMV) — Tue, 21 May 2013 20:32:00 +0000

El músico estadounidense. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 20 de mayo de 2013. (RanchoNEWS).- Sus referentes eran el músico barroco Tomasso Albinoni y el cineasta francés Jean-Luc Goddard. Aspiraba, como su joven compañero de clase, Jim Morrison, a explorar las fronteras de las puertas de la percepción, que así concebía William Blake a los sentidos, y con ambos poetas compartía la certeza de que el camino de los excesos conduce al palacio de la sabiduría. Se decidió por los teclados para expresar esta combinación de intereses al estilo California. Quería ser músico y se convirtió en Ray Manzarek, escribe Alfredo C. Villeda para Milenio de la Ciudad de México.

El legendario tecladista de los Doors murió ayer en Rosenheim, Alemania, a los 74 años, víctima de cáncer. Generoso y realista, siempre tuvo claro que el jefe de los Doors era Jim Morrison y no solo musicalizó la obra póstuma del cantante, An American Prayer, sino que dedicó buena parte de su vida a recuperar y difundir material no lanzado durante la existencia del grupo, que terminó en 1971 con el álbum L.A. Woman, meses antes de la muerte del Rey Lagarto, el 3 de julio de ese año.

Participó con el cineasta Oliver Stone para el filme The Doors (1991), en el que fue clave para recrear la breve y polémica vida de cinco años del grupo. Génesis y conformación de la banda, el primer contrato, la creación de rolas legendarias como «Light my Fire», los desmanes propios de la era sicodélica, abundante en mariguana y ácidos, alcohol y sexo, poesía y música. Aunque Stone dice haber presenciado al grupo en vivo, fue Manzarek quien marcó el acento en esas sesiones hipnóticas del grupo, en la playa Venice, en el desierto y en el escenario: la celebración del lagarto.

«Me ha entristecido profundamente la noticia de la muerte de mi amigo Ray. Me siento feliz de haber tocado canciones de los Doors con él durante la última década. Ray fue una parte importante de mi vida y siempre lo echaré de menos», declaró el guitarrista Robby Krieger a EFE tras conocer la noticia del deceso. En el filme de Stone, el músico se despide en términos similares de Morrison, cuando el poeta se va a París: «Fue un honor tocar la guitarra para Dionisos (dios griego del vino)». Y Jim, que solía surtir de ácido a Robby, le responde: «Ya no te drogues».

Los cinco años de la banda están resumidos en más de 100 millones de álbumes vendidos en el mundo con 19 discos de oro, 14 de platino y cinco multiplatino solo en Estados Unidos. Manzarek escribió un libro biográfico, Light my Fire: mi vida con The Doors (1998), además de ser autor de algunas producciones como solista. En el principio de milenio, quiso reunir a la banda con la inclusión de un cantante.

Si en la película Val Kilmer convenció a Stone para interpretar a Morrison, sobre la autocandidatura del ya fallecido Michael Hutchence (INXS), Ray y Robby eligieron a Ian Atsbury, ex cantante de The Cult, y a Stewart Copeland, ex baterista de The Police, para emprender una gira mundial. Sin embargo, el temperamento del hombre de las batacas fue mucho para la agrupación y el asunto acabó en tribunales. Hay que recordar que John Densmore, el miembro original de la banda, nunca quiso saber nada después del rompimiento.

Ray, Robby e Ian estuvieron en el Auditorio Nacional el 24 de octubre de 2004. Quizá haya sido el primer concierto, desde la época en que comenzaron los masivos en la capital (del 90 en adelante), en que todos los espectadores, los 10 mil que ahí caben, estuvieron parados durante todo el concierto. No hubo tregua. Atsbury apareció disfrazado de Morrison, camisa azul de mezclilla, pantalón negro de cuero. Un anciano Krieger en la lira y el líder indiscutible, Manzarek, conduciendo eso que llamaron los Doors del Siglo XXI.

Dijo algunas palabras en español y después ofreció una disculpa al pueblo de México. ¿Por qué? Porque estaba avergonzado de su presidente, George W. Bush, a quien llenó de denuestos por su política bélica.

En una época en que los competidores de grandes ligas eran mayoría, The Doors ocupó un espacio indispensable en la historia del rock. La banda ingresó al Salón de la Fama en 1993. Si bien se colapsó con la muerte de Morrison, su resonancia e influencia han perdurado por décadas. Hace no más de un mes el grupo lanzó una aplicación para Smartphone y tiene abiertas cuentas en Twitter y Facebook. En consonancia con la canción «Break on Through», no faltará quien pregunte a Manzarek, de éste o el otro lado, si disfrutó haber atravesado las puertas de la percepción.

REGRESAR A LA REVISTA

Música / Alemania: El bicentenario de Wagner

noreply@blogger.com (RMV) — Tue, 21 May 2013 20:14:00 +0000

.
La escultura del compositor germano, obra Stephan Balkenhol. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 21 de mayo de 2013. (RanchoNEWS).- El culto a Richard Wagner se repartirá mañana entre Leipzig, donde nació hace 200 años, y Bayreuth, la ciudad bávara donde mandó construir un teatro a su medida y máxima expresión de la devoción al genio alemán, informa la agencia EFE desde Berlín.

Leipzig, la llamada «ciudad de los músicos», inaugurará el monumento a su talento más universal y polémico en el bicentenario del nacimiento de Wagner, el 22 de mayo de 1813.

La figura creada por el escultor Stephan Balkenhol quedará así perpetuada en la ciudad sajona en la que también dejaron huella Johann Sebastian Bach, Felix Mendelssohn Baltholdy y Robert y Clara Schumann.

En Leipzig estará presente Katharina Wagner, bisnieta del compositor y codirectora, con su hermanastra Eva, del Festival de Ópera Richard Wagner de Bayreuth, máximo exponente de la devoción a un genio que sigue desatando amores y rechazos en dosis parejas.

La ciudad sajona se rendirá, en distintos festejos ciudadanos, a un hijo ilustre que ha «redescubierto» en el bicentenario, mientras que Bayreuth representa el culto en exclusiva a Wagner desde hace siglo y medio.

Fue un 22 de mayo también, en 1872 y coincidiendo con su 59 cumpleaños, cuando Wagner se «regaló» solemnemente ese teatro, con la colocación de su piedra fundacional y tras una larga búsqueda del lugar idóneo para la grandeza de sus óperas.

En ese mismo lugar tomará la batuta este miércoles Christian Thielemann, director actualmente predilecto de Bayreuth y de las bisnietas Wagner, que ofrecerá una especie de selección de «grandes éxitos», entre ellas fragmentos de La walkiria.

Tal vez el concierto en sí no sea histórico, puesto que no habrá estreno de grandes escenografías –la gran ocasión será el nuevo Anillo del Nibelungo, de Frank Castorf, el 26 de julio.

Pero es de por sí excepcional que se abra el teatro fuera de la temporada estricta del Festival, de la última semana de julio a final de agosto, y desde su fundación reservado exclusivamente a un ciclo de óperas, dentro de la producción de Wagner.

La última ocasión en que abrió fuera de temporada fue en 2010, para el duelo a Wolfgang Wagner, director durante más de medio siglo del festival, desde su refundación tras su etapa de entrega al nazismo y hasta que pasó al dúo de bisnietas.

La incorporación de la gala ha supuesto un gran despliegue logístico, explicaba Katharina Wagner recientemente a la televisión internacional alemana Deutsche Welle, ya que complica la fase final de ensayos hasta el estreno del esperado Anillo.

Pero Bayreuth no podía quedar al margen del bicentenario, ya que ninguna otra parte del mundo se escucha a Wagner como ahí, afirmaba la directora.

La especial construcción del teatro y el foso de la orquesta hace que la música surja «de debajo de las butacas» y envuelva al público, de acuerdo a los designios de Wagner, que además de compositor era director de orquesta, poeta, ensayista y teórico musical, y revolucionó la ópera con su idea de «obra de arte total».

La búsqueda de Bayreuth fue larga y contrarió al gran mecenas de Wagner, Luis II de Baviera, el Rey Loco, que hubiera querido levantarlo en Múnich.

El compositor impuso la verde colina de Bayreuth, ahí colocó su piedra fundacional en 1872, ahí inauguró su primer festival, el 13 de agosto de 1876, con El Oro del Rin, y ahí se sigue escuchando en exclusiva a Wagner.

Nada ha roto esos deseos desde entonces. Las bisnietas han intercalado alguna innovación –como el ciclo Wagner para niños o la trasmisión de una gala sobre una explanada ciudadana, a modo de gran picnic, primero, o en salas de cine, después–.

Fuera de esas variaciones, se sigue el «Diktat» del compositor, incluida la selección de su ciclo de óperas a representar.

Queda pendiente, admitía Katharina, la investigación de la etapa de sumisión a Adolf Hitler, nacida del antisemitismo confeso de Wagner en vida y acrecentado por la veneración que Winifred Wagner, nuera del compositor, sintió por el «Führer».

Que la verdad de esa veneración –al parecer, hasta hormonal– llegue a salir a la luz depende de las voluntades de todos los herederos de una saga, famosa por los culebrones y guerras sucesorias.

El enigma nutre el «Mito Wagner», donde juega también su papel la fascinación por un genio que, en lo personal, aglutinó más defectos que virtudes, lo que a su vez se traduce en la «fascinación por lo malo», como titulaba estos días el rotativo alemán Süddeutsche Zeitung.

La polémica

El 22 de mayo se conmemora el bicentenario del nacimiento de Richard Wagner, desde que inició 2013 ha sido festejado en todo el mundo. Según la página especializada operabase.com el músico alemán es el cuarto compositor más programado en todo el mundo, por debajo de Verdi, Puccini y Mozart, y sólo en el mes de mayo habrá alrededor de 90 producciones, algunas contemplan hasta siete funciones, escribe Alida Piñón para El Universal de la Ciudad de México.

Entre la vasta programación en su honor, una ha dibujado, nuevamente, la sombra alrededor del compositor alemán: el montaje de Tannhäuser, en la Ópera del Rin de Düsseldorf, porque la propuesta del director de escena, Burkhard Kosminski, trasladó al caballero y trovador de los campos del castillo de Wartburg a los de concentración del régimen nazi.

La audacia del director puso sobre la mesa los negros tópicos de Wagner: que en vida fue un recalcitrante antisemita, que el Tercer Reich hizo de sus óperas un apéndice de su propaganda y que Hitler señoreó por Bayreuth del brazo de Winnifred Wagner, la nuera inglesa del compositor, más devota del Führer que cualquier nazi alemán.

Según diversas crónicas recogidas por medios alemanes, las cámaras de gas y la escena en la que una familia es desnudada, rapada y asesinada a tiros por los nazis, provocó la ira del público, incluso, se aseguró, algunas personas tuvieron que recibir tratamiento médico.

Estas versiones contrastan con algunas opiniones manifestadas por espectadores que aseguraron asistir a la función. Por ejemplo, en el blog infobae, un usuario sostiene que fue la minoría quien reprobó la propuesta, el resto celebró «el homenaje a las víctimas del Holocausto». Ante las reacciones, el teatro decidió cancelar el montaje y la obra sólo se presentó como concierto.

El reciente episodio recuerda que Wagner sigue causando polémica. El año pasado, por ejemplo, a pocos días de la apertura de la temporada del Festival de Bayreuth, la dirección pidió la renuncia del barítono ruso Yevgueni Nikitin de la ópera El holandés errante, porque reveló que en su juventud se estampó un tatuaje nazi en el pecho.

Años atrás, en 1981, el director de orquesta Zubin Mehta anunció al público su intención de tocar como encore el preludio de Tristán e Isolda con la Filarmónica de Israel, pero muchos abandonaron la sala, incluidos algunos músicos. En una entrevista, el músico recordó así el episodio: «Un policía me paró en Tel Aviv por saltarme un semáforo. No me multó, pero me apercibió por otro motivo. Mi padre conserva un número tatuado en el brazo, me dijo, y no queremos escuchar más Wagner aquí... Aunque lamento que Wagner siga haciendo daño, le tomé la palabra».

Veinte años más tarde, en 2001, Daniel Barenboim tocó el preludio de esa misma ópera en Tel Aviv con la Staatskapelle de Berlín, el parlamento israelí reaccionó considerándolo persona non grata.

Barenboim también cuenta una anécdota sobre el concierto: «Una señora que vino a verme en Tel Aviv cuando el debate sobre Wagner estaba candente, me dijo ‘¿Cómo puede usted querer tocar eso? Yo vi cómo mi familia era conducida a las cámaras de gas al sonido de la obertura de Los maestros cantores de Núremberg . ¿Por qué debería escuchar eso?’ Sencilla respuesta: no hay ninguna razón por la que esa señora debería escuchar eso».

El pasado de Wagner

¿Por qué Richard Wagner causa esta polémica? En el libro Wagner y la filosofía, de Bryan Magee, se sostiene que el compositor era «escandalosamente antisemita», sin embargo, asegura el autor, en el siglo XIX toda la sociedad europea era abiertamente antisemita, en particular los países de habla alemana. «Vivió en una sociedad en la que el antisemitismo era endémico. En la actualidad no es posible ver este fenómeno sino a la luz del odio racial de Hitler y los nazis, y esto nos lleva a suponer que Wagner fue una suerte de fascista antes de Hitler (…). Es cierto que su antisemitismo sobrepasaba la norma pero nunca fue un prototipo de fascista».

El escritor explica en el volumen publicado en 2001 que el músico sentía aversión por los franceses con la misma intensidad que la que sentía por los judíos, pero las razones obedecían exclusivamente a cuestiones culturales. Francia, dice Magee, tenía una abrumadora influencia cultural en la Europa del siglo XIX, además a Wagner le preocupaba que los judíos pudieran «corromper» la vida intelectual alemana.

El filósofo inglés cita al propio compositor sobre el tema: «Si tuviera que volver a escribir sobre los judíos diría que no tengo nada personal en contra de ellos, sólo que llegaron a Alemania demasiado pronto, cuando nosotros no éramos lo bastante estables para absorberlos».

La frase escrita en 1878, es para el escritor una declaración sobre el deseo de Wagner de ver una Alemania unida, «no contaminada ni dominada por influencias culturales no germánicas».

Sobre el antisemitismo supuestamente impregnado en sus obras, el director de orquesta Daniel Barenboim ha dicho que si el compositor hubiera querido realmente hacer de sus óperas una expresión artística de su ideología «hubiera llamado las cosas por su nombre, y no lo hizo. En otras palabras, mientras que está absolutamente claro que ridiculizó a los judíos, no creo que eso sea una parte inherente a sus obras».

A pesar de esto, Bryan Magee asegura que no hay indicios de que Adolf Hitler hubiera tenido influencias ideológicas de Wagner y que sólo sintió por él una pasión musical que quiso fomentar entre los nazis pero no lo consiguió.

En el libro Bayreuth: la historia del Festival de Wagner, de Frederic Spotts, se narra que se invitó a los miembros del partido a la Ópera Estatal de Berlín, pero no acudieron por «irse de juerga», ante ello, Adolf Hitler ordenó que se enviaran patrullas para recogerlos y mandarlos al teatro, pero los nazis bostezaban e incluso roncaban, el Führer desistió de su intento por inculcarles el gusto por la música del alemán.

Sobre el tema, Magee insiste: «La entusiasta identificación de los nazis con las obras de Wagner, y el constante uso que hacían de ellas (algo que ahora se da por sentado en todas partes), nunca ocurrió; es pura ficción».

Ficción o no, lo que giró en torno al Festival de Bayreuth –organizado por el propio Wagner en 1878– entre 1931 y 1944, es decir, los años del Tercer Reich, fomentaron aún más la vinculación del nombre del compositor con el nazismo, pues Winifred Wagner –nuera de Richard– fue una ferviente adoradora de Hitler y recompensaba a los heridos de guerra y oficiales distinguidos por sus acciones con entradas a la ópera.

Esta vinculación, se ha dicho, pesará sobre la genialidad del compositor.

REGRESAR A LA REVISTA

Noticias / México: Evocan a Pedro Ramírez Vázquez en Antropología

noreply@blogger.com (Jaime Moreno) — Fri, 17 May 2013 17:54:00 +0000

.
Durante la ceremonia se hizo un recorrido por algunas de las obras creadas por Ramírez Vázquez. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 17 de marzo de 2013. (RanchoNEWS).-Al rendir homenaje póstumo a Pedro Ramírez Vázquez (1919-2013), amigos, familiares y autoridades de la Secretaría de Educación Pública (SEP) y del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta) lo recordaron como un genio de la arquitectura, un hombre de gran cultura y un constructor de la historia de México. Una entrega de Notimex:

En el acto, celebrado en el Auditorio Jaime Torres Bodet del Museo Nacional de Antropología (MNA) , en esta ciudad, Emilio Chuayffet, titular de la SEP; Rafael Tovar y de Teresa, presidente del Conaculta, y el arquitecto Javier Ramírez Campuzano, evocaron el vasto legado del arquitecto homenajeado.

Igualmente, reconocieron su incursión en diversos ámbitos del arte, la cultura y el deporte, a través de grandes proyecto que dominaron el horizonte cultural mexicano en la década de los 60 del siglo pasado.

Ante el aforo del auditorio, donde se dieron cita figuras de la comunidad artística y cultural, Rafael Tovar y de Teresa honró la memoria de quien calificó como un mexicano ejemplar y uno de los grandes constructores del México contemporáneo, al tiempo que subrayó la importancia de la obra del creador del Estadio Azteca.

«Ramírez Vázquez encarnó lo mejor del siglo XX. Fue un hombre de profunda cultura, siempre leal a su vocación y capaz de entender todos los lenguajes de la vida social. En lo religioso nos legó la nueva Basílica de Guadalupe; en lo cultural, el Museo de Arte Moderno (MAM), el Museo del Caracol, el Centro Cultural Tijuana (Cecut) y el Museo Nacional de Antropología (MNA); en lo político, el Palacio Legislativo de San Lázaro, y en lo deportivo, el Estadio Azteca», indicó.

Tras hacer un recorrido por algunas de las obras creadas por Ramírez Vázquez, Tovar y de Teresa sostuvo que el legado del arquitecto está íntimamente unido al imaginario de los mexicanos.

Además, el funcionario lo recordó no sólo como arquitecto, sino como hombre de familia, destacando que fue un ser humano que miró su inmensa obra como quien observa algo natural, construcciones hechas a la medida del hombre.

«Lo recordamos junto con su esposa, al lado de sus hijos. Padre solidario que con amorosa maestría podía guiar con una firmeza que indicaba el camino sin que se notara la solidez del gesto», refirió.

Consideró que, tras su partida, tocará a los académicos y especialistas revisar el legado de Pedro Ramírez Vázquez. «Encontrarán en su propuesta estética, sin duda, una celebración de nuestro pasado prehispánico y una apuesta por el futuro del país que él ayudó a construir», expresó.

Al respecto, Javier Ramírez Campuzano recordó a su padre como el hombre, el creador y el maestro que siempre transmitió conocimiento para nutrir la creatividad, y que exigió a sus alumnos sentido de responsabilidad.

Expuso que como constructor de museo, supo visualizarlos para enfocarlos no sólo como un lugar de exposición, sino como recintos para complementar la educación extraescolar, y al mismo tiempo expresar con dignidad y respeto aquello que se exhibe, dejando constancia en museos y pabellones de África, América y Europa.

Señaló que Ramírez Vázquez fue una figura universal y no un arquitecto internacional, «razón por la cual, gobiernos, organismos e instituciones de todo el mundo lo condecoraron, reconocieron, distinguieron y aplaudieron su gran sencillez. Pero su principal legado fue haber dejado una familia unida», enfatizó.

En su oportunidad, Emilio Chuayffet recordó a Ramírez Vázquez como un referente del urbanismo y de la arquitectura en México durante el siglo XX, «una de las figuras emblemáticas de un tiempo de transformación en el país».

«Cualquiera que busque entender la historia de la arquitectura y el urbanismo de México del siglo XX podría comenzar con sólo mencionar su nombre, ya que la figura de Pedro Ramírez Vázquez, como constructor de la historia de nuestro país, está vigente desde hace más de medio siglo», subrayó el titular de la SEP.

Se refirió a Ramírez Vázquez como el arquitecto, urbanista, diseñador, escultor, funcionario público, maestro y administrador educativo que es parte esencial de la transformación del México del siglo XX.

Destacó que su talento lo hizo exportador de la imagen de un país, haciendo de un edificio un logotipo, y refirió que su arquitectura simboliza las formas más arcaicas de la arquitectura, al tiempo que exalta la condición de México como el primer país latinoamericano que se hizo moderno.

Tras el homenaje, en el vestíbulo del MNA se inauguró una exposición fotográfica con imágenes del archivo Ramírez Vázquez.

Al evento se dieron cita, también, José Sulaimán, presidente del Consejo Mundial de Boxeo (CMB), el empresario Nelson Vargas, ex titular del deporte nacional, y el nuncio apostólico de México, Christophe Pierre, así como arqueólogos y dirigentes sindicales.

REGRESAR A LA REVISTA

Noticias / España: El portugués Nuno Júdice gana premio Reina Sofía

noreply@blogger.com (RMV) — Fri, 17 May 2013 17:24:00 +0000

.
El escritor portugués. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 16 de mayo de 2013. (RanchoNEWS).- El lirismo depurado y comprometido del poeta portugués Nuno Júdice ha obtenido hoy el prestigioso Premio Reina Sofía Iberoamericana en su XXII edición, dotado con 42 mil 100 euros (55 mil 276 dólares), un galardón que supone un reconocimiento a toda la literatura de ese país.

Perteneciente a la generación de los 70, Nuno Júdice (Mexilhoeira Grande, 1949), que además de poeta es ensayista, novelista, crítico literario y catedrático de la Universidad de Lisboa, se ha mostrado en declaraciones muy honrado con este premio, informa la agencia EFE

«El galardón representa un reconocimiento al trabajo realizado durante todos estos años», ha declarado Júdice, que ha considerado que ganar el Reina Sofía «puede ayudar a ser todavía más conocido en el extranjero», a pesar de que sus obras ya han sido traducidas, sobre todo al español.

«Nuestra poesía ha sido muy conocida fuera del país históricamente. Es una de las cosas que da más valor a nuestra lengua, ya que hemos tenido siempre grandes poetas asociados a ella. Y entrar en este grupo de autores, gracias a este premio, es todo un honor», ha recalcado.

Recién cumplidos los 64 años, el Reina Sofía de Poesía Iberoamericana supone un espaldarazo definitivo a su carrera, muy influenciada por Fernando Pessoa y por la región que le vio nacer, el hoy turístico Algarve, muy presente en todos sus libros.

El autor de Las reglas de la perspectiva o Meditación sobre ruinas ha asegurado que no puede separar su vida de la poesía, un género en el que se ha distinguido por su actitud crítica.

El jurado, que ha fallado el premio en el Palacio Real de Madrid, ha destacado que la poesía de Nuno Júdice es «muy trabajada y de un clasicismo depurado», aunque al tiempo contiene un enorme grado de compromiso con la realidad, en palabras de uno de sus miembros, el poeta Jaime Siles.

Siles ha recordado la labor como catedrático de Literatura Comparada en la Universidad de Lisboa de Júdice, quien también ocupó un cargo diplomático como consejero cultural en la Embajada de Portugal en París.

Miembro de la generación de los 70, un grupo poético que emergió tras los años de la dictadura y retomó la conexión con Europa a través de las vanguardias, Júdice es un poeta «completamente europeo», cuya amplia obra no está construida «desde una torre de marfil», sino que es muy crítica con las «disfunciones sociales» de la actualidad, según Siles.

Prueba de ello, ha dicho, es la reciente novela Implosión, muy crítica con la situación de crisis de los países del sur de Europa.

El también miembro del jurado y compatriota del premiado José Manuel Mendes ha recalcado la importancia «inolvidable» de este galardón y ha señalado que Júdice es un autor muy reconocido y aplaudido en Portugal.

Porque Júdice, ha dicho Mendes, «no es indiferente al grito del mundo» al escribir con un clasicismo depurado y muy trabajado que se «transfigura en la voz de la modernidad».

Júdice ha sido elegido por un jurado formado, entre otros, por el presidente del Patrimonio Nacional, José Rodríguez-Spiteri; el rector de la Universidad de Salamanca, Daniel Hernández Ruipérez; y la directora de la Biblioteca Nacional, Ana Santos Aramburu.

También han integrado el jurado Luis María Ansón, Soledad Puértolas, José Manuel Caballero Bonald, Luis Antonio de Villena y el galardonado de la pasada edición del Reina Sofía, Ernesto Cardenal.

Los poetas que concurren al premio, que entregará la reina Sofía en el último trimestre del año en el Palacio Real de Madrid, han sido propuestos por diferentes instituciones académicas, universitarias y culturales de España, Portugal, Estados Unidos, Brasil y los diferentes países hispanoamericanos.

¿Quién es Nuno Júdice?

Destacado por lo brillante y prolífico de su carrera, Nuno Júdice recibió hoy una de las mayores distinciones en el mundo de la poesía, el Premio Reina Sofía, que le consagra como una de las grandes figuras de las letras lusas.

Nacido en 1949 en el pequeño municipio de Mexilhoeira Grande (Algarve), en el extremo sur de Portugal, la obra de Júdice se considera influida por Luis de Camoes y Fernando Pessoa y es señalada como referencia del género por la crítica en su país.

De carácter tímido y reservado, el literato explicó en una entrevista a EFE –su voz apenas dejó traslucir emoción, pese a haber sabido del galardón apenas unos minutos antes– que se introdujo en el mundo de los versos muy pronto, «con sólo ocho o nueve años», y que desde entonces la poesía ha estado íntimamente ligada a su vida.

Su obra se encuentra marcada por un tono melancólico que utiliza en la mayoría de sus trabajos, donde el valor del cambio, las historias personales o los beneficios e inconvenientes del progreso aparecen con frecuencia, y los asuntos sociales han ido ganando importancia a medida que cumplía años.

El propio autor ha explicado en numerosas entrevistas que su objetivo como poeta «no es andar detrás de las palabras», y su vocabulario se circunscribe a aquello que prefiere decir, jugando eso sí «con la construcción del verso».

«Escribe una poesía que a José Saramago le parecía muy hermosa. Muchas noches leía algunos poemas de él antes de irse a dormir», reveló hoy en declaraciones a EFE la viuda del Nobel, la periodista española Pilar del Río, quien conoce personalmente a Júdice y participó en la presentación de su última obra, La Implosión.

En este libro, escrito en forma de novela, el autor reflexiona sobre las conexiones entre la lucha por la democracia del 25 de abril en Portugal y la que mantiene hoy en día el movimiento «indignado».

«En el fondo, es la historia de un hombre que participó en una revolución y que hoy quiere participar en esta otra, pero quien a la vez es un ser solitario», explicó Pilar del Río, quien aludió a la introspección de Júdice como característica relevante de su personalidad.

De amplia formación, el escritor se licenció en Filología Románica por la Universidad Clásica de Lisboa y se doctoró en 1989 con una tesis sobre el cuento en la época medieval. Actualmente, da clases como profesor asociado en la Universidad Nova de Lisboa.

A la más de una treintena de libros de poesía publicados –ha sido traducido en varios idiomas–, se suman otras tantas obras entre novelas, ensayos y piezas para el teatro.

Su carrera literaria comenzó en 1972 y desde entonces la ha compatibilizado con otras obligaciones, como las de comisario de Portugal en la Expo de Sevilla y la Feria del Libro de Frankfurt o la de consejero cultural de la Embajada lusa en París (1997-2004), donde al mismo tiempo dirigió el Instituto Camoes.

Ha sido galardonado con los premios de poesía más importantes de su país, como el Pen Clube por Lira de Líquen (1985), el Dinis por Las reglas de la perspectiva (1990), o el de la Asociación Portuguesa de Escritores con Meditación sobre ruinas (1995).

Su interés por los temas de actualidad se comprueba fácilmente en algunos de los poemas de Júdice, como el titulado La presión de los mercados, incluido en su libro Fórmulas de una luz inexplicable (2011) y construido como una metáfora de la situación de crisis que atraviesa Portugal.

«Préstenme las palabras del poema, o denme sílabas a crédito, para que las ponga a rendir en el mercado (...) Y cuando me vengan a pedir lo que tengo que pagar, ¿cuántos por ciento le tendré que dar? Abro la cartera, vacío los bolsillos, voy a las cuentas y todo vacío (...) ¿A quién recurrir? ¿Qué fondo de emergencia poética me irá a salvar?», reflexiona, en verso, el literato.

REGRESAR A LA REVISTA

Noticias / México: INEHRM creará fondo para adquisiciones bibliográficas

noreply@blogger.com (Jaime Moreno) — Fri, 17 May 2013 16:31:00 +0000

.
Los trabajos han incluido catalogación, digitalización y conservación. (Foto: Adrián Hernández)

C iudad Juárez, Chihuahua. 17 de mayo de 2013. (RanchoNEWS).- Con más de 80 mil ejemplares en su acervo, la Biblioteca de las Revoluciones de México que custodia el Instituto Nacional de Estudios Históricos de las Revoluciones de México (INEHRM) está en constante crecimiento gracias a los proyectos de adquisición y a las donaciones. Una nota de Abida Ventura para El Universal:

A las valiosas colecciones especializadas en historia de México, como las de los historiadores Eduardo Blanquel y Manuel González Ramírez, se sumaron cerca de 10 mil títulos del archivo personal del historiador austriaco Friedrich Katz.

Ese acervo especializado en historia y Revolución Mexicana, que incluye materiales que Katz ocupó en sus investigaciones, llegó el año pasado proveniente de la Universidad de Chicago y ahora está en proceso de catalogación. «El doctor dispuso que su acervo se dividiera entre El Colegio de México y el INEHRM», dice Rafael Hernández, jefe de atención a usuarios y control de acervos de la biblioteca.

Considerada como el núcleo fundacional del INEHRM por ser el acervo que acogió los primeros documentos sobre la Revolución que se comenzaron a recopilar en los años 50, esta biblioteca también cuenta con un Fondo Reservado con más de 7 mil volúmenes. Es posible encontrar auténticas joyas bibliográficas, como un recetario de cocina de 1782, el libro más antiguo de la colección, y un ejemplar de La grieta en el yugo, polémico libro publicado en 1952 por Salvador Nava Martínez (Dr. Nava)

El Fondo Reservado también ha aumentado gracias a las pesquisas que investigadores del instituto han realizado en librerías de viejo, en donde han rescatado ejemplares de una «rareza y riqueza extraordinaria». Entre ellos, la justificación legal del fusilamiento de Vicente Guerrero en Oaxaca, así como una edición antigua de El verdadero Juárez, obra polémica de Francisco Bulnes.

«Este tipo de materiales se estuvo rescatando durante varios años, nos metíamos a las bóvedas de las librerías de viejo, las de Donceles y de Miguel Ángel de Quevedo, así se comenzó a rescatar este tipo de publicaciones», recuerda Hernández Ángeles.

El proyecto de rescate de joyas bibliográficas en librerías de viejo funcionó de 2001 a 2005, pero se suspendió por falta de presupuesto. Actualmente, asegura la historiadora Patricia Galeana, directora del INEHRM, entre los planes de esta nueva administración está la creación un fondo especial para adquisiciones bibliográficas. «Estamos programando un fondo especial para adquisiciones dentro del presupuesto, porque una biblioteca especializada no se puede conformar sólo de donaciones, también son necesarias las adquisiciones, pero para eso necesitamos presupuesto. Lo estamos considerando para el año siguiente», comenta.

Rumbo a los 60 años

Además de los trabajos de catalogación, digitalización y conservación de sus acervos gráfico y bibliográfico, el INEHRM tiene este año una agenda de actividades conmemorativas, como el festejo de sus 60 años como instituto encargado de la investigación y difusión de los movimientos revolucionarios de México.

Rumbo a sus 60 años, el 23 de agosto, el instituto busca durante esta nueva administración implementar cursos de actualización y conocimiento de la historia a maestros de educación media y superior, además de ofrecer cursos a distancia.

«Estamos en un momento fundamental para estabilizar la enseñanza de la historia porque, paradójicamente, en estos años de los centenarios y bicentenarios, en muchos sectores de la población se dio una especie de confusión entre las diferentes visiones de historiadores y seudohistoriadores sobre los temas fundacionales de México», sostiene Patricia Galeana.

Otra propuesta es la colaboración con espacios en donde se puedan replicar las actividades de difusión de la historia que el instituto realiza en su sede. «Queremos duplicar ese trabajo. Ya lo hacemos con la Casa Museo-Carranza y buscamos otros espacios».

REGRESAR A LA REVISTA

Textos / Fernando Savater: «Las ciudades y los escritores - fragmento»

noreply@blogger.com (RMV) — Thu, 16 May 2013 18:25:00 +0000

.
Madrid en tiempos del Siglo de Oro. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 22 de mayo de 2013. (RanchoNEWS).- En Las ciudades y los escritores, Fernando Savater conjuga sus dos pasiones, la literatura y los viajes. En este libro conduce al lector a algunos de los rincones más célebres de la literatura universal, y muestra el profundo vínculo que une a un escritor con su ciudad. El Madrid del Siglo de Oro de Cervantes, Lope de Vega y Quevedo. El Londres de Virginia Woolf. El París de Albert Camús. La Praga de Kafka. El Buenos Aires de Borges. El Edimburgo de Stevenson... Savater deambula por las calles que inspiraron a estos autores y nos cuenta sus secretos.

A continuación se puede leer un fragmento de Las ciudades y los escritores (1).

El Madrid de Cervantes, Lope de Vega y Quevedo

Refiriéndose a sus Novelas ejemplares (1613), Cervantes afirma en el prólogo: «Mi ingenio las engendró y las parió mi pluma, y van creciendo en los brazos de la estampa». Es en estas palabras que se encierran las claves de una parte sustancial de las letras del período: la invención, la elaboración artística de acuerdo con determinadas reglas y, finalmente, su difusión, dominada por un cauce impreso que todavía mantenía a comienzos del siglo XVI un carácter de novedad y no pocas reticencias en gran parte de los letrados. La nómina de grandes figuras que abarca el Siglo de Oro en todos los campos de la creación es realmente apabullante. Pero en lo atinente a la literatura, resulta imposible superar el trío formado por Cervantes, Lope de Vega y Quevedo, quienes durante unos cuantos años debieron de encontrarse, y sobre todo desencontrarse, en las calles de un Madrid convertido entonces en verdadera capital del mundo.

Situado en el centro de la España seca, Madrid está ubicado en la terraza del río Manzanares, en el mismo lugar en que hace veinticinco mil años estuvo el asentamiento humano más numeroso del Paleolítico en Europa. Fueron celtas, romanos y visigodos sus primeros habitantes. Al transformarse en la capital de España, en 1560, Madrid comenzó a seducir a personalidades relacionadas con la corte y a los artistas. Cerca de veinte mil personas se trasladaron a esta ciudad, que se había convertido en un lugar de empleos y favores, de cortesanos y cazadores de cargos, de holgazanes distinguidos y de hampones. Hoy, con más de tres millones de habitantes, es una ciudad moderna y cosmopolita.

Tres de oros

Más allá de un talento extraordinario, Cervantes, Lope de Vega y Quevedo poco tuvieron en común. Miguel de Cervantes llevó una existencia difícil y atribulada, fue prisionero de los infieles y, después, de la justicia de su país; padeció una familia bastante desastrosa; alcanzó la popularidad, pero no la gloria en los géneros más «nobles», en los que él habría querido destacar, y siempre sufrió apuros económicos, no tanto por culpa de los piratas berberiscos sino de la recién inventada piratería editorial (que tanto ha progresado desde entonces). Su humor siempre tiene un fondo dolorido, pero no agresivo ni desesperado. Los sinsabores de la vida le dieron finalmente una rara tolerancia madura y viril en tierra propensa a los fanatismos.

Lope de Vega ejerció como «escritor de éxito», que es un papel social que ni implica grandeza literaria ni la excluye. Fue fácil, pródigo, incluso torrencial. Cabe decir en su favor lo que el ensayista y novelista francés André Maurois arguyó en defensa de Alejandro Dumas: «Le reprocháis una obra copiosa, pero... ¿habría sido mayor escribiendo poco y con avaricia?» Lope supo rentabilizar admirablemente su éxito controlando la red teatral de Madrid en beneficio de sus piezas: seguramente si hubiera vivido hoy, habría sido un eficaz productor cinematográfico o un promotor de series de televisión para grandes audiencias. Pero no sólo dominó los recursos de la prosa de lo cotidiano, sino que supo también renovar la poesía dramática y hacer más ágil y atractiva una perezosa y anquilosada escena teatral.

En cuanto a Francisco de Quevedo, encarna mejor que ninguno de los tres el paradigma del autor incómodo y genial. Con cierta hipérbole, pero no sin motivos, Borges dijo de él que era no tanto un escritor como una literatura. Se encontró a su gusto –mejor dicho, a su disgusto, porque era lo que él prefería– tanto en la poesía metafísica como en la sátira descarnada o la prosa picaresca, así como en la especulación fantástica o en la reflexión moralizante, donde a veces ejerció como una especie de precursor de Montaigne... pero intransigente. Precisamente es el tono moral de muchas de sus composiciones lo que nos lleva a juzgarlo con baremos éticos, y desde luego, aplicando los principios actuales contra la xenofobia y los arrogantes delirios imperiales, no sale bien parado. Es más fácil admirarlo como escritor que amarlo como ser humano, y sobre todo como ideólogo, aunque no deja de impresionar su sinceridad atribulada y desafiante, que tantos problemas le trajo.

Conozcamos los lugares y los cielos de estos tres escritores insustituibles.

El príncipe de los ingenios. Miguel de Cervantes Saavedra

La obra cumbre de Cervantes, y probablemente de toda la literatura en lengua española, es El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha. Cervantes escribió la primera parte de esta novela a finales del siglo XVI y comienzos del XVII, creando un personaje humorístico, un lector desaforado, de un pueblecito de La Mancha. Sin embargo, era muy improbable que, viviendo en ese lugar, tuviera la biblioteca que poseía don Quijote.

Pero, en fin, él inventa que este hidalgo, de edad ya más que madura, de tanto leer esas obras fantásticas termina trastornando el seso y quiere convertirse en un paladín, lo mismo que Amadís de Gaula. Así, sale a través de La Mancha, un lugar muy diferente de esos paisajes frondosos, llenos de precipicios y de lugares exóticos y románticos que aparecen en los libros de caballerías. La Mancha es completamente llana, seca, batida por el sol, y en ese mundo tan poco glamuroso don Quijote trata de reproducir mentalmente las grandes aventuras y atraviesa todo tipo de episodios burlescos. La primera parte del Quijote se edita en Madrid en la imprenta de Juan de la Cuesta en 1605, e inmediatamente se convierte en un best seller. Ahora tenemos tantos prejuicios contra los best sellers y pensamos que todos son malos y vulgares; pues precisamente el Quijote fue un gran best seller, y también por eso fue despreciado en su época. Hubo gente que se burló, entre ellos Lope de Vega, porque la consideraron una obra facilona, humorística, sin categoría.

La silueta de don Quijote –ese personaje alto, delgado, desgarbado y vestido de una manera estrafalaria, acompañado de un personaje bajito, gordito y en un rucio, un asno– es conocida en todas partes del mundo y por personas que nunca han abierto el Quijote. Es ya parte de nuestra imaginación colectiva; un mito, una figura de la mitología de la humanidad, diría yo. Las novelas de caballerías fueron el género literario más seguido y popular en el siglo XVI. Todo el mundo las leía, incluso los analfabetos, quienes si bien no podían leerlas por sí mismos se las hacían leer. La gente disfrutaba con esas aventuras descabelladas, gigantescas, un género que se originó en Francia. En España los géneros fantásticos nunca han tenido verdadero arraigo. Sí en cambio la novela realista, o la picaresca. El tamaño de los héroes del género caballeresco superaba lo normal, eran muy cercanos a los del cómic actual. En esas novelas aparecen batallas gigantescas y monstruos extraordinarios. Tanto influyeron en el imaginario colectivo, que incluso sirvieron para poner nombre a tierras americanas. Por ejemplo, cuando Magallanes con su expedición llegó a lo que hoy conocemos como Patagonia, encontró a unos indios de gran tamaño y entonces los llamó «patagones» por el gigante Patagón, que aparece en Primaleón, una de las más conocidas novelas de caballerías. Todavía más: «California» es una denominación que se toma de otra novela de caballería de la época. De modo que esos nombres y personajes fantásticos llegaron a influir en la geografía y en la historia de aquella época porque había un verdadero entusiasmo por esos relatos, que luego satirizó Cervantes en el Quijote.

Uno de los episodios más famosos de los lances de don Quijote es la portentosa aventura que ocurre aquí, en la cueva de Montesinos, situada junto a las Lagunas de Ruidera, sobre las cuales también hay leyendas que nos recuerda Cervantes. Las lagunas eran damas: Ruidera, sus siete hijas y sus dos sobrinas, que fueron hechizadas por el mago Merlín y convertidas en lagunas. El escudero que las defendía, que las guardaba, Guadiana, fue transformado en río, también como castigo por oponerse a los designios del mago, y aquí está la cueva de Montesinos a la cual don Quijote se empeña en bajar. Baja atado a una cuerda y no sabemos lo que ocurre, pero cuando emerge cuenta una aventura magnífica. Ha visto cientos de personajes: damas, caballeros, al propio mago Montesinos, quien lo reconoció como el caballero más extraordinario, el caballero de la triste figura. Relata una historia que, naturalmente, sus oyentes no terminan de creer. Es curioso, porque se trata de la única vez en la novela de Cervantes que don Quijote, que normalmente es el engañado, pretende a su vez engañar. Es un desquite que el protagonista se toma, del cual todos se burlan. En ese sentido, es una aventura de gran comicidad, y a la vez con ese punto melancólico que da su sabor especial a extraordinaria obra de Cervantes.

Gigantes de largos brazos

Incluso quienes no han leído la novela conocen la aventura de don Quijote con los molinos de viento. Este episodio se ha grabado en la imaginación de prácticamente todo el mundo, y es tanto más curioso si se tiene en cuenta que la novela, en sus dos partes, forma un volumen considerable de unas mil páginas largas, y sin embargo ese episodio no llega a un par de estas. Los molinos de viento habían sido traídos de Holanda a España relativamente poco tiempo antes, y todavía eran algo sorprendente en el paisaje de La Mancha, mientras que hoy, al contrario, más bien nos sorprendería que no estuviesen allí. En su momento eran entonces una cosa nueva, de ahí que el Quijote los confundiera con gigantes. Leamos aunque sea por un momento esas líneas inmortales y que han golpeado la fantasía de millones de lectores: «En esto descubrieron treinta o cuarenta molinos de viento que hay en aquel campo, y así como don Quijote los vio dijo a su escudero:

»–La aventura va guiando nuestras cosas mejor de lo que acertáramos a desear; porque ves allí, amigo Sancho Panza, donde se descubren treinta o poco más desaforados gigantes, con quien pienso hacer batalla y quitarles a todos las vidas, con cuyos despojos comenzaremos a enriquecer, que esta es buena guerra, y es gran servicio de Dios quitar tan mala simiente de sobre la faz de la tierra.

»–¿Qué gigantes? –dijo Sancho Panza.

»–Aquellos que allí ves –respondió su amo–, de los brazos largos, que los suelen tener algunos casi de dos leguas.

»–Mire, vuestra merced –respondió Sancho–, que aquellos que allí se parecen no son gigantes sino molinos de viento, y lo que de ellos parecen brazos son las aspas, que, volteadas del viento, hacen andar la piedra del molino.

»–Bien parece –respondió don Quijote– que no estás cursado en esto de las aventuras. Esos son gigantes; y si tienes miedo quítate de ahí, y ponte a la oración en el espacio que yo voy a entrar con ellos en fiera y desigual batalla.

»Y diciendo esto, dio espuelas a su caballo Rocinante, sin atender a las voces que su escudero Sancho le daba advirtiéndole que sin duda alguna eran molinos de viento, y no gigantes, aquellos que iba a acometer. Pero él iba tan puesto en que eran gigantes que ni oía las voces de su escudero Sancho, ni echaba a ver, aunque estaba ya bien cerca, lo que eran. Antes iba diciendo en voces altas: "Non fuyades, cobardes y viles criaturas, que un solo caballero es el que os acomete". Levantose en esto un poco el viento y las grandes aspas comenzaron a moverse, lo cual visto por don Quijote dijo: "Pues aunque mováis más brazos que los del gigante Briareo, me lo habéis de pagar". Y diciendo esto, y encomendándose de todo corazón a su señora Dulcinea, pidiéndole que en tal trance le socorriese, bien cubierto de su rodela, con la lanza en el ristre, arremetió a todo el galope de Rocinante y embistió con el primer molino que estaba delante. Y dándole una lanzada en el aspa la volvió el viento con tanta furia que hizo la lanza pedazos llevándose tras sí al caballo y al caballero, que luego fueron rodando muy maltrechos por el camino».

(1) Texto tomado de El Cultural

REGRESAR A LA REVISTA

Textos / Mario Muchnik: «El oficio de editar y algunas pistas para los autores»

noreply@blogger.com (RMV) — Thu, 16 May 2013 18:07:00 +0000

.
El editor español. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 16 de mayo de 2013. (RanchoNEWS).- Cada editor, según su línea editorial, recibe un número variable de manuscritos. Algunos reciben cientos por mes, otros decenas y otros alguno que otro. Yo he recibido, a lo largo de los años, un promedio de tres o cuatro manuscritos por semana, no más. Y cuando digo «manuscritos» me refiero a manuscritos no solicitados, de esos que llegan por correo o por mensajero, habitualmente acompañados por una carta del autor con la que éste pretende ganarse la buena voluntad del editor como lector. Craso error, desde luego, porque estas cartas, llenas de elogios al editor, quedaban en mi caso sin leer hasta una vez tomada una decisión con respecto a la obra. (1)

Mi método siempre fue el mismo. Solía abrir el manuscrito en su primera página y leer en voz alta las primeras líneas. Luego iba a la última página y leía, siempre en voz alta, las últimas líneas. Finalmente abría al azar aproximadamente en la mitad, y leía unas líneas. Si este muestreo no provocaba mi hilaridad o mi indignación -algo muy habitual, hilaridad o indignación regocijadamente compartidas por mi secretaria-, volvía a la primera página y la leía entera. Luego a la última. Luego a la mitad del libro.

El manuscrito que lograba superar este somero, arbitrario y seguramente injusto procedimiento, era apartado y mi secretaria me lo mandaba a casa por mensajero, junto con los otros cinco o seis que habían logrado despertar un interés de la misma índole.

En mi casa, por las tardes, el procedimiento era exactamente el mismo pero el muestreo ya no era el de un total de tres páginas sino el de cinco o seis del principio, cinco o seis del final y cinco o seis del medio. Tal vez uno o dos manuscritos sobrevivieran a esta criba. Éstos, apartados, eran mi lectura de los siguientes días. Los demás volvían a la oficina y de ahí a sus autores.

La lectura de los manuscritos así seleccionados comenzaba, ahora con un lápiz en la mano, después de una pausa para un café y una serie de meditaciones acerca de la gramática, la sintaxis, las vocaciones equivocadas y el sentido de la vida en general. Y los peligros de escribir y los, aún mayores, de editar.

¿Cuáles eran mis criterios? En primer lugar que el autor supiera escribir. Hay muchos autores cultos que no saben escribir. Y no me refiero únicamente a ese oído musical imprescindible para que la prosa "cante", como puede cantar a veces la poesía. Me refiero sencillamente al saber usar los verbos, saber conjugar; al saber deletrear y acentuar las palabras; al tener una noción de la función de los puntos y las comas; en una palabra, al haber aprendido alguna vez lo que se enseña en las escuelas primarias. Es sorprendente hasta qué punto escritores de ley presentan manuscritos que, juzgados sólo por reglas gramaticales, serían rechazados por maestros de instrucción básica.

En segundo lugar, el contenido de la primera página. Siempre dije: una novela debe comenzar en la página 1. Es igualmente sorprendente la cantidad de autores que se sienten en la obligación de explicar la novela antes de entrar de lleno en ella. Y aunque en una novela como José y sus hermanos Thomas Mann inflija al lector unas cien páginas de filosofía antes de poner en marcha la acción, no perdamos la perspectiva y el sentido de la medida: Thomas Mann, como Lev Tolstói, era capaz de transformar cien páginas de filosofía en novela mediante el arte consumado de su prosa. Otros autores no lo son.

(1) El presente texto fue tomado del portal Ciudad Seva.

REGRESAR A LA REVISTA

Libros / Colombia: El origen de la editorial Feltrinelli

noreply@blogger.com (RMV) — Thu, 16 May 2013 18:00:00 +0000

.
Giangiacomo Feltrinelli. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 14 de mayo de 2013. (RanchoNEWS).- El cuerpo del «terrorista sin nombre», como se le llamó en las primeras horas, yacía desmembrado junto a una torre de alta tensión en Segrate, a las afueras de Milán, la noche del 14 de marzo de 1972. En un bolsillo la policía encontró una identificación bajo el nombre de Vincenzo Maggioni. Bastaba pintarle un bigote a la fotografía para adivinar la verdadera identidad: era Giangiacomo Feltrinelli, burgués y comunista reconocido, fundador de la editorial que aún lleva su nombre, escribe María Gabriela Méndez, desde Bogotá, para la revista Arcadia (1).

Feltrinelli nació para administrar la enorme fortuna que habían construido su abuelo, con la explotación de madera, y su padre, en la industria química, los textiles y la construcción.

Giangiacomo (Milán, 1926) nació en una de las cinco familias más ricas de Italia, y recibió la mejor educación sin tener que salir de la lujosa villa donde vivían. Así, sin contacto con el mundo, el niño encontró en la servidumbre a sus únicos amigos. Su madre, elitista y cada vez más distante, compró un título nobiliario para su único hijo varón y, sin saber, también lo empujó –con ese aislamiento impuesto– hacia lo que tanto adversaba: el comunismo.

A los diecinueve años, se inscribe en el Partido Comunista Italiano (PCI), al que empieza a financiar con su fortuna. En una ficha autobiográfica que redactó para el Partido, escribió: «La herencia empezó a pesarme sobre los hombros».

Antes de cumplir treinta años, Feltrinelli ya compraba documentos valiosos, manuscritos, cartas, libros y apuntes sobre el movimiento laboral que luego reunió en la Biblioteca Feltrinelli, donde hoy reposan ciento setenta mil volúmenes. Pero el verdadero germen de su editorial llegó con el fracaso de la Cooperativa del Libro Popolare, a la que se había asociado para subsanar las pérdidas que traía la venta de libros económicos. Con el fin de este proyecto, Feltrinelli estaba listo para crear su propio imperio: en 1954 fundó Giangiacomo Feltrinelli Editore.

«Feltrinelli provocó un cambio en el mundo editorial italiano: dio espacio a la neovanguardia italiana, a los alemanes y, por supuesto, a los rusos», dice Stefano Tedeschi, profesor de Literatura Latinoamericana de la Universidad La Sapienza de Roma.

Un visionario

El primer éxito de la nueva editorial llegó casi por azar. Feltrinelli recibió noticias de una novela rusa que esperaba publicación desde hacía un año. Su autor, Boris Pasternak, sospechaba las causas de la demora: su obra, por razones políticas, jamás vería la luz en Rusia. Entonces un amigo del editor italiano, Sergio d’Angelo, viajó a Moscú y se ofreció como cazatalentos para la nueva editorial. Allí descubrió a un Pasternak desesperado, quien de inmediato le confió la publicación de su obra y todos los derechos para Occidente.

Pasternak conocía las consecuencias de sus actos, y le dijo al mensajero: «Queda usted invitado a mi fusilamiento». Lo que siguió, en efecto, fue el fusilamiento moral del poeta, que un año después tendría que rechazar el Nobel presionado por el gobierno de su país. Feltrinelli, en cambio, ignoró la presión que los camaradas de la KGB le hicieron llegar a través del PCI, cuando le exigieron detener la publicación de esa novela «ideológicamente inaceptable». Feltrinelli procedió y fue expulsado del partido.

Doctor Zhivago se publicó en Italia el 23 de noviembre de 1957 con resultados asombrosos: en un país con ocho por ciento de analfabetismo, vendió treinta mil ejemplares en pocos meses y se reeditó cada dos semanas. Pronto las editoriales más importantes del mundo empezarían a traducir la obra.

Desde los primeros títulos, Feltrinelli publicó las voces más disonantes de la Europa del Este. Y lo justificó: «Si en el 55 no hubiera sido comunista, habría propuesto los mismos temas que entonces propuse, porque estoy seguro de que era lo que le interesaba a la cultura italiana de aquel momento». Su política editorial fue desde el inicio «antifascista, gramsciana, marxista y anticolonialista», según ha escrito Gean Carlo Ferretti.

Sólo unos meses después del escándalo ruso, Feltrinelli publicó El Gatopardo, que había sido rechazado por la competencia: Mondadori y Einaudi. La novela póstuma de Lampedusa ganó el Premio Strega y, como Doctor Zhivago, también fue llevada al cine.

Luego vino Trópico de cáncer, la novela de Henry Miller, que había sido calificada de obscena en Estados Unidos y estaba prohibida en Italia por las mismas razones. Feltrinelli la editó de forma clandestina en 1962: la imprimió en Suiza y la hizo entrar al país en cargamentos de doscientos ejemplares.

El revolucionario

En la década del sesenta Feltrinelli inició sus acercamientos a la Revolución Cubana. Envió a Valerio Riva, uno de sus más cercanos colaboradores, a La Habana para proponerle a Fidel Castro un proyecto que debía tener el mismo impacto que Doctor Zhivago: «Un libro de memorias que empiece antes de la Sierra Maestra y termine con la Crisis de los Misiles». Pero el plan fracasó: después de varios viajes y largas horas de conversaciones estériles con Fidel y hasta competencias por hacer los mejores espaguetis, Feltrinelli abandonó el proyecto. En una de sus anotaciones se lee: «Mis sentimientos con respecto a este hombre son muy confusos. Es una especie de Garibaldi, totalmente inhábil para el trabajo de gobierno, incapaz de trabajar, razonar y pensar mucho. Impulsivo, retórico».

Pero su simpatía por la causa cubana no disminuyó. Publicó textos y discursos del Che Guevara que consideraba «libros necesarios»: La guerra de guerrillas y otros escritos políticos y militares, Diarios de Bolivia.

Los beneficios de las primeras ediciones de este último fueron donados a los movimientos revolucionarios de Latinoamérica, lo que le valió una interpelación en el parlamento italiano. Fue Feltrinelli quien imprimió miles de afiches con la imagen captada por Korda: el «Guerrillero heroico», iniciaba su periplo por el mundo.

Explica Tedeschi que Feltrinelli fue el primero en incluir la literatura latinoamericana dentro de su proyecto editorial. Así, tradujo a Carlos Fuentes, a Mario Vargas Llosa, a Miguel Ángel Asturias, a Juan Rulfo y al más taquillero: Gabriel García Márquez. La primera traducción de Cien años de soledad se hizo al italiano, y apareció sólo un año después de la edición en castellano. Vendió trescientas mil copias y se convirtió en un libro de culto.

Además de los libros, Feltrinelli será recordado por su revolución en la forma de venderlos. Era un comunista, pero también el heredero de un imperio comercial.

Feltrinelli sabía hacer negocios: exhibía los libros de frente y no de canto, ponía carteles con el precio y los presentaba en canastas para vender frutas; implantó el autoservicio e instaló en la librería de Roma una máquina de Coca-cola, entonces muy novedosa. Sus tiendas (siete cuando murió; hoy 103 en toda Italia) se convirtieron en centros culturales donde había presentaciones de libros y conciertos.

La clandestinidad

A finales de los sesenta Italia comenzaba a resurgir de los estragos de la Segunda Guerra Mundial, aunque las diferencias sociales seguían siendo muy marcadas. La violencia entra en escena de la mano de grupos paramilitares armados, tanto de izquierda como de derecha. El editor mantuvo contacto con las Brigadas Rojas hasta que fundó el Grupo de Acción Partisana (GAP). La férrea lucha entre ambos bandos dio origen a los llamados, con razón, «años de plomo». Después del atentado de Piazza Fontana, en Milán, que dejó dieciséis muertos y ochenta heridos en diciembre del 69, Feltrinelli era visto como sospechoso, pues su militancia y su poder económico parecían llegar cada vez más lejos. ¿Era una espía soviético? ¿O el principal agente castrista en Europa? No tenía orden de captura pero sabía que los servicios secretos de Estados Unidos, Francia, Israel y Alemania le estaban pisando los talones. Entregarse habría sido reconocer que confiaba en las reglas del juego: su única salida era permanecer clandestino. Consciente del peligro que corría, varias a personas le oyeron decir: «Si encuentran a un hombre muerto debajo de un puente, ese hombre seré yo».

En 1970, desde su escondite, le escribió a su hijo de ocho años una carta donde le explicaba por qué no estaban juntos: «El mundo está dividido en dos categorías de personas: los que tienen dinero, tierras, fábricas y casas, y los que no tienen dinero y deben trabajar como animales (…). Y como tu padre está del lado de los obreros, aunque tenga dinero, y, además, con este dinero publica libros que defienden la causa de los obreros, los patronos, los ricos, han organizado una violenta campaña contra él».

Feltrinelli, cada día más comprometido con la causa revolucionaria, delega sus funciones de editor pero advierte a sus apoderados que «la editorial es un instrumento de la lucha de clases». La Feltrinelli inicia un período de crisis económica que asume su esposa, la alemana Inge Schoental, quien aún hoy, ya octogenaria, lleva junto a su hijo las riendas del imperio.

En una entrevista reciente, dijo: «Feltrinelli no era un clásico hombre de izquierda, no era un clásico millonario, no era un clásico intelectual. Era un fuera de serie». Un hombre que se obsesionó con la causa que defendía y estaba dispuesto al sacrificio personal. Y como corolario, quería resultados inmediatos.

Dos días después de su muerte los periódicos informaron que el «terrorista sin nombre» era el «hijo díscolo» de Giannalisa Gianzana, el editor, el militante de grupos armados: aquella noche Giangiacomo Feltrinelli, alias Osvaldo, pretendía volar la torre y dejar sin electricidad a Milán, donde se celebraba el congreso nacional del PCI.

Cuarenta años después del suceso hay investigaciones que fortalecen la hipótesis de que el editor no murió a causa de un accidente en la manipulación de la bomba, sino que fue asesinado. El caso seguirá siendo un misterio, tanto como el hombre que creía que los libros podían cambiar el mundo.

(1) Este artículo fue publicado el 19 de julio de 2012 en la citada revista.

REGRESAR A LA REVISTA

Libros / Entrevista a Jorge Herralde

noreply@blogger.com (RMV) — Thu, 16 May 2013 17:51:00 +0000

.
El editor español. (Foto: Juan Boites)

C iudad Juárez, Chihuahua. 1 de mayo de 2013. (RanchoNEWS).- En abril de 1969, hace 44 años, Jorge Herralde, el mítico editor español independiente, comenzó a publicar los primeros libros de Anagrama; desde ese tiempo a la fecha ha conformado un catálogo envidiado por cualquier editor, ha descubierto voces nuevas, impulsado escritores de gran trayectoria pero con poca presencia internacional; ha traído a lengua española la obra de autores como Martin Amis, Ian McEwan, Paul Auster, John Kennedy Toole, Richard Ford o Julian Barnes, y fortalecido a iberoamericanos como Álvaro Pombo, Javier Marías, Sergio Pitol y Roberto Bolaño, escribe Yanet Aguilar Sosa para El Universal de la Ciudad de México.

Herralde, editor sagaz que dejó la ingeniería y la empresa familiar en la que «vegetaba» para crear una editorial emblemática, está en México para encontrarse y comer con sus amigos –escritores, editores, libreros–, recorrer librerías –conocida pasión–, y para dictar –anoche– la conferencia «Editar sólo títulos excelentes como deporte de riesgo», en la Universidad del Claustro de Sor Juana.

Ese editor que ha sido llamado «el último mohicano de la edición independiente» habla con El Universal del arte de editar y descubrir nuevas voces narrativas; de la venta de Anagrama a Feltrinelli Editore, de los hallazgos últimos, como la contratación de Leila Guerriero, una enorme crónica sobre el malambo argentino, una danza frenética que lo ha dejado azorado.

Es constante su presencia en varios países y desde luego México

Es muy constante mi visita, pero ya hacía unos años que no paraba en el DF, llegaba para irme a Guadalajara, pero a partir de 2014 haremos lo que hacíamos hace muchos años, venir en agosto, tener una semana para ver a los amigos, a los libreros y luego tener 10 días en una playa.

¿Cómo es su vida, igual de deseoso de descubrir autores?

Cuando estoy en España me he impuesto un sistema de trabajo, de lunes a viernes actividad frenética, reuniones, presentaciones de libros, autores que aterrizan y si puedo sábado y domingo no salgo de casa leyendo manuscritos y si aparte juega el Barça, pues viendo el Barça que ha sido un placer estético los últimos años. Me gusta estar cinco días sin parar y dos, que como máximo voy a comprar el periódico.

Pero de lunes a viernes hay lecturas

Sí, pero son más lecturas de revistas, algún manuscrito extranjero urgente que hay que decidir en pocos días, pero esta lectura de muchas iras por delante de manuscritos con el bolígrafo y el post-it, dos de los más grandes inventos de la humanidad, para mí, son sábados y domingos, desde muy temprano hasta las cuatro de la tarde, si terminé el libro, luego algunas tardes, no siempre, descanso o prosigo, si no sigo leyendo.

En 1969 comenzó a publicar libros en Anagrama ¿cuál es su balance de estos 44 años?

Ha sido muy estimulante porque he tenido la fortuna de vivir periodos muy distintos en España y en el mundo, donde a partir de cero, porque mi familia no tenía nada que ver con la edición, he construido un catálogo que me ha deparado muchísimas satisfacciones, muchísimos autores amigos, muchísimos colegas amigos, también establecer una relación que hubiera sido imposible, tan constante con América Latina, sobre todo con México y después Argentina; una gratificación que da leer la primera novela de un autor desconocido y que de pronto tal vez esta cosa distintiva de una voz nueva que es distinta a lo que se está haciendo, con una ambición literaria muy clara. Como ejemplos de los últimos años, desde México, Guadalupe Nettel y Juan Pablos Villalobos; al chileno Alejandro Zambra, españoles como Andrés Barba.

¿Ha cambiado su definición de por qué editar?

Editar porque por una parte es compartir entusiasmos, descubrir nuevas voces, hacer política de autor con aquellos autores en los que se confía, estar con una curiosidad permanente, muchísimo trabajo, disgustos pero más gratificaciones que disgustos y está vocación de curiosidad y de explorador.

Ha sido llamado «el último mohicano de la edición independiente».

Curiosamente ha habido una hiperconcentración de grandes grupos en lengua española, ahora ya quedarán sólo dos: Planeta y Random House Mondadori, que se ha comido a Alfaguara, y a parte de la crisis económica mundial, pero sobre todo Europea, y sobre todo de la Europa mediterránea muy fuerte que repercute en todo, esto ha sido problemas en los grandes grupos. También el surgimiento en bastantes países de editoriales independientes, en Italia también y en Inglaterra, y aquí en México tenemos fenómenos como Sexto Piso y Almadía, que en poco tiempo se han construido un perfil editorial bien interesante. Esta persistencia dará resultados. Hacer de futurólogo en estos tiempos tan opacos es un deporte de riesgo, sin embargo creo que así será. La gran fuerza son los grandes grupos, eso es evidente; sin embargo, hay vida fuera de los grandes grupos.

¿En qué punto está su convenio con Feltrinelli?

Hasta dentro de tres años seguiré siendo el director editorial y el máximo inversionista pero si con un intercambio de información, con una relación muy cálida; Carlo Feltrinelli viene a Barcelona cinco o seis veces al año, sólo dos o tres días. Pero además de Anagrama, en España después de un acuerdo con La Central, él propuso la idea de hacer una librería que ahora es la más bonita de España y la mejor que es La Central de Cayao en Madrid. La librería ha tenido un gran éxito en estos momentos precarios. En este momento Feltrinelli tiene 10% de las acciones.

Qué pasará tras estos cinco años

En principio quedaré como presidente y un poco asesor en lo que decidimos amigablemente.

¿Las editoriales deben tender a unirse?

Para mí era la primerísima opción, ya había recibido la oferta de muchas editoriales extranjeras, de grupos españoles, pero pensé que lo más coherente con la trayectoria de Anagrama era buscar una editorial que aunque sea una potencia, es una cosa familiar, una editorial que ahora dirige Carlo Feltrinelli que está interesado en la cultura, su apuesta es a través de una editorial mejorar la sociedad.

REGRESAR A LA REVISTA

Literatura / Entrevista a Alberto Manguel

noreply@blogger.com (Jaime Moreno) — Thu, 16 May 2013 17:39:00 +0000

.
El escritor ha estado en Madrid para charlas con Jean Echenoz de las lecturas que han marcado su infancia. (Foto: : Carlos Alba)

C iudad Juárez, Chihuahua. 16 de mayo de 2013. (RanchoNEWS).- Alberto Manguel (Buenos Ares, 1948) viene a menudo a España, pero son visitas relámpago. Ha estado en Madrid una noche para «conversar» en el Instituto francés con el escritor francés Jean Echenoz (Orange, 1947) autor de la famosa trilogía de Al piano, Correr y Relámpagos, que ha ganado en Francia los premios más importantes de las letras de su país. Es un gran amigo suyo: «Nos conocimos en Florencia durante un premio que se entregaba y allí pudimos hablar bastante. Recuerdo que no había visto los fra angélicos y le recomendé que los viese. Se quedó muy impresionado. Ese fue el comienzo de nuestra amistad». Una entrevista de Jacinta Cremades para El Cultural:

Nacido en Argentina, con la nacionalidad canadiense, Alberto Manguel, hijo de padre diplomático, escribe sus libros en inglés, ha vivido también en varios países de Europa. Sin embargo ha sido Francia el país en donde reside desde hace años y en donde ha instalado la gran biblioteca de 35.000 libros que siempre le acompaña. «Mi relación con Francia empieza a través del idioma. El francés lo aprendí en el colegio en Buenos Aires. Desde el comienzo, fue una relación de amor pero también de temor. La profesora nos dijo desde el primer año que una falta en francés es una falta moral. Una persona puede hacer todos los errores que quiera en castellano y nadie lo nota. Aquí confunden el objeto directo con el indirecto. En Argentina, si bien se habla mejor, se cometen también errores. Quizá sea en Colombia donde se hable mejor el castellano, pero en ninguno de los países de habla hispana hay una relación de profundo respecto con el idioma. Con la lengua inglesa pasa lo mismo. Es como si no importase ese tic lingüístico 'you know' que se ha incorporado en la lengua inglesa y que es equivalente al 'ya sabes'. En Francia no es así. Yo vivo en un pequeño pueblo, en el Poitoux Charente, y mi vecino que es agricultor me corrige faltas de subjuntivo. Eso no ocurriría en España. Ahí comienza mi relación con Francia».

Aunque no estuvo sólo en esa aventura inicial. Tuvo cierta ayuda la primera vez que decide quedarse en Francia. El escritor Hector Bianciotti, de la Academia Francesa, le proporciona contactos en editoriales galas que permiten a Manguel de ganarse la vida entre Paris y Londres con apenas veinte pocos años.

Sin embargo, el concepto de identidad en literatura no va en absoluto con sus teorías de la lectura.

Es una idea que existe pero que es impuesta. Yo no creo que sea posible objetivamente definir una literatura francesa, inglesa o italiana. ¿Qué tienen en común Lorca y Cervantes, Quevedo y Javier Cercas? Luego suceden cosas absurdas. En los países de la antigua Yugoslavia se puede visualizar una visión del mundo más común que, por ejemplo, en Francia. Con la división de Yugoslavia se ha insistido en la identidad de la literatura serbia, croata, etc., y son diferencias que no se pueden ver. Cualquier identidad puede inventarse.

¿Y a raíz de la literatura de un país se podría entonces crear identidad?

También resulta una ficción.

Usted que ha estudiado con detalle en diversos ensayos el proceso de la lectura, ¿cómo definiría al lector del siglo XXI?

Me resulta imposible definirlo cronológicamente porque en cuanto se me ocurre alguna definición, inmediatamente pienso en miles de excepciones. Los valores de nuestra sociedad se han convertido en valores económicos. La premura, la brevedad, la superficialidad, son valores de consumo. Algo necesita ser visto inmediatamente, consumido inmediatamente, para que se pueda consumir otra cosa. Eso también ha infectado el proceso de lectura y el lector busca obras que no requieren una atención detenida. Por eso la lectura electrónica puede ponerse de moda, basta con efectuar un recorrido muy rápido y sin necesidad de detenerse en ninguna página. Quizá sean estas ciertas características del lector del siglo XXI. Pero no todo lector es así. Una de las funciones del lector es justamente el reaccionar a este proceso y buscar otra cosa en la lectura.

Su mayor reivindicación a la hora de leer es la de no desestimar la «relectura», capaz de albergar un nuevo texto creado por el propio lector. «A mi edad es lo que me produce más placer. Durante una larga parte de mi vida, necesitaba estar al corriente de lo nuevo que se escribía. Ahora, esos descubrimientos me interesan menos. Es un poco como con los amigos: ya no tengo la necesidad de hacer nuevos amigos, tengo los de siempre. Ya nos conocemos desde hace tiempo. No hay necesidad de hacer esos preámbulos», explica.

Háblenos de un libro cuya relectura haya transformado esa primera lectura.

Me ha ocurrido a lo largo de mi vida con Alicia en el país de las Maravillas. Empecé leyendo Alicia de niño, sin entender mucho, con cierto miedo. Luego adolescente, Alicia me pareció un retrato muy exacto de lo que representa el enfrentamiento del adolescente al mundo adulto con esas reglas absurdas en un mundo desconcertante. Luego encontré que Alicia tenía un contenido político social. Muestra quiénes tienen poder y quiénes no, cuál es el poder abusivo de ciertos personajes, la obsesión con el dinero, la acumulación de la propiedad. Y, en otro momento de mi vida, leo a Alicia como literatura existencial. La pregunta que le hace la oruga, «¿quién eres tú?» es una pregunta que tiene eco en muchos otros libros. Alicia ya no se reconoce.

El escritor y el lector serían entonces dos caras de la misma moneda.

No exactamente. El acto de leer empieza cuando muere el escritor. Mientras el escritor escribe, no existe el lector. El escritor que se convierte en lector de su texto, necesita detener la obra para poder leerla. Valéry decía que un poema nunca se acaba, simplemente se abandona. El lector hace «renacer» ese texto pero con poderes propios. Nosotros creemos en la ilusión e intención del autor. Son dos funciones muy distintas y nunca coinciden. El lector se apropia de la obra, lo que enfurece a profesores universitarios e investigadores que se toman por arqueólogos de la literatura y creen que por haber encontrado una carta o un manuscrito, dan otro sentido al texto. Eso no es válido. Lo que existe es lo que está escrito en el texto. Y luego hay escritores que «inventan» sus razones, pero eso es otra historia.

Y, por último, ¿cómo «lee» Alberto Manguel?

Me despierto a las seis de la mañana y antes de desayunar leo un Canto de Dante. Luego a través del día siempre estoy leyendo. Mis trabajos siempre dependen de mis lecturas. Trato de leer cosas que no están relacionadas. Siempre son lecturas paralelas. Tengo cinco o seis libros que leo, en distintos lugares de la casa. Por ejemplo en la cocina hoy mismo tengo un libro sobre el anarquismo, en el salón Doctor Fausto de Thomas Mann, en el dormitorio tengo una novela policiaca y así sucesivamente. Por la noche ya no tengo energía...

REGRESAR A LA REVISTA

Cine / Francia: Las estrellas fugaces de Luhrmann

noreply@blogger.com (Jaime Moreno) — Thu, 16 May 2013 15:45:00 +0000

.
Leonardo DiCaprio, Carey Mulligan y Joel Edgerton en El gran Gatsby, de Baz Luhrmann. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 16 de mayo de 2013. (RanchoNEWS).- Histeria. Es la palabra que empleó Scott Fitzgerald para definir el estado mental del Nueva York años 20. La que abre paso en boca del narrador Nick Carroway (Tobey Maguire) al desfile de excesos y pasiones de El gran Gatsby. Histeria es también la palabra que se apropia de los primeros minutos, casi del metraje íntegro y excesivo (142 minutos), de la adaptación de Baz Luhrmann con que el 66 Festival de Cannes ha dado su pistoletazo de salida. Sobre el papel, la película tenía todos los ingredientes necesarios -glamour, estrellas, espectáculo, raíces culturales y un director de prestigio- para inaugurar el aquelarre cinéfilo más importante del año. Ingredientes, lamentablemente, desaprovechados, destinados a extinguirse bajo la trituradora del tedio y el deslumbramiento de fanfarria, pasajero, bombástico, redundante. Y lo cierto es que, tratándose del autor de Moulin Rouge, en su dimensión cinemática podría haber sucumbido a mayores ataques de histerismo. El desenfreno pop era imaginable, pero no el aburrimiento. Una nota de Carlos Reviriego para El Cultural:

El problema que esta vez no ha resuelto el director de Romeo + Julieta es que no se ha despegado de la novela todo lo que una versión cinematográfica hubiera requerido. A pesar de manejar un material literario perfectamente congruente con su obra (romance + tragedia + épica + barroquismo), o quizá precisamente por ello, Luhrmann peca de fidelidad literaria. Es decir, una clase de fidelidad que se vuelve en contra de la película. Sobre todo allí donde la imagen no alcanza a expresar lo que la voz en off de Carroway -tan pegada al texto de Scott Fitzgerald- nos indica que debemos sentir. Las citas directas a Casablanca, El crepúsculo de los dioses y Ciudadano Kane tampoco logran disfrazar el dispositivo. Ni los aires de jazz y los acordes de Gershwin. Solo son parches evocadores. Los fuegos artificiales en la mansión disneyana de Jay Gatsby (Leonardo DiCaprio hace lo que puede y lo hace muy bien), en una fiesta que debería haber dejado en paños menores a los desenfrenos discoqueteros de Moulin Rouge (y no lo hace), concentran el espíritu kitsch, cartoonesco, colorido y extasiado del film.

«Mi vida tiene que ser como esto», dice Gatsby. Y el primer plano de DiCaprio corta a un cometa fulgurante surcando veloz la noche estrellada. Momentos así son los que provocan tanta fascinación como rechazo en el cine de Luhrmann. Sus arrebatos de ingenio invaden la película, se apropian de ella. Pero no son más que gags visuales. Meras travesuras. No penetran en el corazón del drama. Cuando alcanzamos su momento climático, éste se ha cobrado la factura de unos personajes incapaces de llevar y sostener la acción -son tan superficiales todos ellos-, porque la acción está en los fuegos artificiales y las copas de champán. Y en las cámaras flotantes. Y en el vestuario. Y en la música. Y en un diseño de producción concebido como espectáculo y verdadero tema de la película. Eso es el cine de Luhrmann, expuesto aquí con todos sus atractivos y fragilidades. La traición al texto no pasaba entonces por la mente del director australiano -las palabras desfilan garabateadas por la pantalla, impresas en 3D, en un recurso tan viejo como ineficaz-, pero en el proceso traiciona el espíritu. Del frenesí vital a la penumbra melancólica, la tragedia de Gatsby, Daisy (Carey Mulligan) y Tom Buchanam (Joel Edgerton), a la que asiste como un guardián de secretos el narrador Calloway, se precipita hacia un vacío emocional que no provoca ni frío ni calor, si acaso impaciencia.

Pudo verse después Heli, del mexicano Amat Escalante, la primera película a concurso por la Palma de Oro, pues Luhrmann inauguraba el cotarro fuera de competición. El contraste fue profundo. Estrellas del firmamento Hollywood frente a actores no profesionales de Guanajato. Epidermis ambiental frente a una atmósfera narrativa en creciente tensión. De las riquezas del glamour neoyorquino a la violencia y sordidez del narcotráfico en la frontera mexicana. Esa clase de violencia que surge de forma tan inesperada y traumática y devastadora como debe hacerlo en los (sub)mundos que retrata Escalante, con sobriedad, hiperrealismo estilizado y profundidad psicológica. El tercer largometraje de Escalante parece concluir una trilogía en torno a las pulsiones bárbaras de la sociedad mexicana, concentradas esta vez en el hombre honesto que da título al film, pero cuya honestidad se verá inevitablemente corrompida, como si fuera una metástasis social, por un entorno de sadismo y tensión del que nadie parece poder escapar. El espectador tampoco.

Escalante ya había demostrado con Los bastardos que era capaz de hacer equilibrios entre el cine de género y la radicalidad autoral. En Heli lleva su discurso sobre el terror cotidiano más lejos, lo depura con rigor, su ética encuentra su estética. La tragedia de una familia contada desde cierta neutralidad afectiva, casi como si fuera uno de esos informes de la infamia que pueblan la novelas de Bolaño -sin variar el gesto, un niño pasa de jugar a la wii a apalear a un rehén-, se convierte en una corrosiva metáfora sobre la devastadora penetración de la violencia en todas las capas de la sociedad, especialmente en la de aquellos que han decidido mantenerse al margen. Escalante no concibe esa violencia desde el espectáculo, sino desde la certeza de su grotesca brutalidad, ordinaria y cotidiana, desde el estado de terror que va tejiendo la sofocante atmósfera de la película. El mérito es de un guión bien trazado (cuyo conclusivo final quizá no hacía falta), pero sobre todo de un cineasta que narra desde los márgenes de la acción, con pulso y dedicación al detalle, sondeando el alma del drama a partir de sus personajes, arrastrándonos sabiamente hacia algo parecido al espanto. Una gran película.

REGRESAR A LA REVISTA

Ciencia y Salud / España: La clonación terapéutica por fin se consigue en humanos

noreply@blogger.com (Jaime Moreno) — Thu, 16 May 2013 13:26:00 +0000

.
Proceso de inserción del núcleo en el ovocito. (Foto: OHSU)

C iudad Juárez, Chihuahua. 15 de mayo de 2013. (RanchoNEWS).- Casi una década después de que el científico coreano, Woo Suk Hwang, anunciara a bombo y platillo que había logrado clonar 30 embriones humanos con el fin de conseguir nuevas terapias celulares, algo que finalmente se reveló como un gran fraude, un equipo de investigadores estadounidenses ha conseguido por fin el tan ansiado paso: obtener células madre embrionarias humanas a partir de una célula adulta mediante el proceso de trasferencia nuclear, lo que se podría denominar clonación terapéutica. Una nota de Ángeles López para El Mundo:

La investigación, dirigida por Shoukhrat Mitalipov, científico de origen ruso que trabaja en el Centro Nacional de Oregón para la Investigación sobre Primates (ONPRC, según sus siglas en inglés), es en realidad una continuación de los estudios que, desde hace años, lleva realizando en estos animales y que le condujeron en 2007 a la obtención de células madre de embriones de macacos. Ahora, con la modificación de la técnica empleada en estos monos, ha conseguido dar el salto que muchos científicos habían intentado durante años pero que nadie había logrado.

«Nuestros resultados ofrecen una nueva forma de generar células madre de pacientes con tejidos y órganos dañados o deteriorados», ha explicado en un comunicado Mitalipov. «Estas células madre pueden regenerar y reemplazar a aquellas células dañadas y mejorar enfermedades que afectan a millones de personas».

Porque ése es el principal objetivo de esta técnica, la transferencia nuclear, que se hizo famosa en todo el mundo con la clonación de la oveja Dolly, hace más de 15 años. Desde entonces, científicos de diferentes partes del planeta han podido clonar múltiples animales, como perros, camellos o vacas, pero con humanos se había fracasado siempre. Y no es que ahora se haya conseguido clonar una persona sino que la técnica de la clonación se ha aplicado para, a partir de un óvulo de una donante y una célula de la piel de un paciente, conseguir células madre embrionarias.

Si vamos al detalle, en este caso el equipo de Mitalipov, del que forma parte la embrióloga española, Nuria Martí Gutiérrez, utilizó óvulos de gran calidad procedentes de voluntarias sanas a los que retiró el núcleo, y dentro de su citoplasma introdujo el núcleo de una célula de la piel (fibroblasto) de un paciente con síndrome de Leigh. Este proceso se llevó a cabo en una solución enriquecida con cafeína, que inhibe unas enzimas que entorpecían el proceso. Tras someterlos a la técnica de electroestimulación, se consiguió obtener un embrión del que derivaron células madre.

«Se ha visto que una buena calidad ovocitaria es imprescindible para realizar esta técnica con éxito. Se puede intentar mejorar la calidad de los ovocitos con una buena estimulación de la donante. Hemos comprobado que cuando recuperamos más de 15 ovocitos por ciclo la calidad es peor», explica a ELMUNDO.es Nuria Martí desde Oregón.

Por otro lado, este equipo también innovó el proceso al añadir cafeína al medio donde permanecen óvulo y célula antes y mientras son fusionados. «La cafeina es un inhibidor de las proteínas fosfatasas y es efectiva para prevenir la activación prematura de los ovocitos durante el proceso de transferencia nuclear», señala Martí. Porque el problema que se había producido en intentos anteriores es que el óvulo, al ser manipulado, tenía una activación precoz y la meiosis, es decir, el empaquetamiento de los cromosomas no se producía adecuadamente en el nuevo embrión por lo que era inviable.

Aplicaciones

«Este trabajo abre la puerta a que otros grupos del planeta intenten reproducir estos resultados. Dentro de poco, esta técnica se verá como una alternativa disponible», afirma Javier García-Sancho, presidente electo de la Sociedad Española de Terapia Génica y Celular.

Sin embargo, como apunta Felipe Prosper, director del Area de Terapia Celular de la Clínica Universitaria de la Universidad de Navarra, esta investigación, «aunque representa un avance muy significativo, tiene un impacto clínico mucho mas limitado ya que la generación de células pluripotenciales especificas de cada paciente (iPS) se pueden conseguir a través de la técnica desarrollada por el premio nobel de medicina Yamanaka que permite la reprogramación celular, de una forma más sencilla y menos costosa ».

Además, estos investigadores señalan que tanto las iPS como estas células madre embrionarias obtenidas a partir de la transferencia nuclear no han demostrado su seguridad, por lo que todavía no se podrían usar en la medicina regenerativa. Para eso, concluyen todos, hacen falta muchas más investigaciones y tiempo.

Por otro lado, la posibilidad de generar un clon humano con esta tecnología ahora es más real gracias a este trabajo. Sin embargo, los investigadores de Oregón apuntan que con su procedimiento no han logrado clonar monos, por lo que tampoco se podrían clonar personas. Para Prosper no es una idea tan descabellada, pues señala que si ya se ha conseguido con éxito un embrión, el siguiente paso podría ser implantarlo en un útero y crear un clon. «Este trabajo rompe el axioma de que la transferencia nuclear no se podía hacer en humanos».

REGRESAR A LA REVISTA

Fotografía / España: Las últimas fotos de los Romanov

noreply@blogger.com (Jaime Moreno) — Thu, 16 May 2013 12:47:00 +0000

.
El Zar Nicolas II enseña a fumar a su hija Anastasia.(Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 16 de mayo de 2013. (RanchoNEWS).- Pasaron varios meses recluidos antes de ser ejecutados el 17 de julio de 1918. Todo lo que rodea la muerte de Nicolas II, último zar de Rusia y el resto de su familia -la zarina Alejandra y los hijos de ambos, Alexei, Olga, Tatiana, María y Anastasia- ha sido objeto de curiosidad morbosa, mito y leyenda. Desde los acontecimientos inmediatamente anteriores a su muerte, los detalles de la ejecución y el lugar donde fueron enterrados, hasta las historias que circulan sobre la hija menor, Anastasia, que según diversas teorías fantasiosa habría conseguido escapar. Una nota de Julio Martín Alarcón para La Aventura de la Historia:

Lo único cierto es que tras la caída del Zar despuéas del triunfo de la Revolución de Febrero, los Romanov fueron evacuados a la localidad de Toblosk donde fueron recluidos en la mansión del Gobernador en agosto de 1917 y desde donde asistieron a los suceso de la Revolución de Octubre que depuso al Gobierno de Kerenski. Allí permanecieron, con relativo lujo hasta el 30 abril de 1918 cuando fueron trasladados a Yekaterinburg.

Durante ese tiempo, en el que esperaban una liberación, la intervención de alguna de las monarquías europeas, o un rescate, el zar Nicolás II se dedicó a confeccionar un álbum de fotos familiar muy distinto de las pomposas imágenes oficiales que se conservaban del Zar y su familia.

En ellas se muestra una familia distendida en la que incluso destaca una foto de la mítica Anastasia fumando con su padre a pesar de su corta edad, una costumbre que entonces no era considerada tan dañina para la salud.

Las fotos, más de 200, habían permanecido desde 1920 en los archivos del museo local de historia de Zlatous, una pequeña ciudad en el oeste de Rusia. Allí permanecieron escondidas durante la época soviética, como ha explicado a los medios Yury Okuntsov director del Museo de Zlatous:

«Tuve constancia de la existencia del álbum en los ochenta, cuando era impensable que se hiciera público». En las décadas siguientes según aumentaba el interés por la familia de aristocrátas, Yury Okuntsov, siguio la publicación de los diarios de Nicolás II y otras investigaciones catalogando y ordenando las fotos cronológicamente, que en el album que confeccionó Nicolás estaban de manera temática.

Ahora se ha recuperado todo material fotográfico, en su mayor parte inédito, en una exposición en Yekaterinburg, denominada durante la época soviética como Sverdlovsk, lugar donde la familia real de Rusia pasó los últimos dos meses y medio de cautiverio y donde fueron brutalmente asesinados el 17 de julio, junto a sus sirvientes, hace casi un siglo.

La exposición que ha despertado gran interés en Rusia coincide con el 400 aniversario del inicio de la dinastía de los Romanov. Son imágenes distendidas en la playa o la nieve, de una familia alejada del a pompa de la corte y que datan en su mayoría de los años 1916 y 1917 , cuando vivían ajenos a la tragedia que les aguardaba.

REGRESAR A LA REVISTA

Noticias / España: Saskia Sassen Premio Príncipe de Asturias en Ciencias Sociales

noreply@blogger.com (Jaime Moreno) — Thu, 16 May 2013 12:23:00 +0000

.
El concepto de ciudad global de Sassen es aceptado y empleado en todas las ciencias sociales. (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 16 de mayo de 2013. (RanchoNEWS).- Esa mujer, flamante ganadora del Premio Príncipe de Asturias en Ciencias Sociales por su contribución «al análisis de las dimensiones social, económica y política de la globalización», la creadora del concepto de ciudad global, es la socióloga holandesa Saskia Sassen. Si le piden que se presente, sonríe comprensivamente, con esa sonrisa que sabe graduar, en su justa medida, confianza y calidez. «Soy profesora e investigadora, fui reclutada por Joseph Stiglitz cuando trabajaba en la Universidad de Chicago para que me fuera con él a Columbia. Allí codirigimos el Comité Sociológico para el Pensamiento Global. ¿Que qué es eso? Trabajamos a partir de una suposición: que para entender la globalidad no es suficiente computar datos. Hay que reteorizar qué significan realidades como el sistema financiero, los países, las ciudades –dijo en una entrevista reciente–. Nací en Holanda, viví en Buenos Aires y por eso tengo este acento en español. Mi familia se fue a Roma y pasé dos años en Italia. Después, me instalé en Estados Unidos. Siempre he sido una inmigrante, con la suficiente identidad, el suficiente coraje para identificar esa característica. Creo que ésa es la clave de mi modalidad de pensamiento.» Una nota de Silvina Friera para Página/12:

Sassen (La Haya, 1949), la tercera mujer que obtiene el Príncipe de Asturias en Ciencias Sociales –antes lo ganó la filósofa estadounidense Martha Nussbaum, el año pasado, y la ex presidenta irlandesa Mary Robinson, en 2006–, se ha dedicado a reflexionar sobre el poder y la desigualdad que provoca la globalización en La ciudad global (1991), Territorio, autoridad y derechos: de los ensamblajes medievales a los ensamblajes globales (2006) y Una sociología de la globalización (2007), ambos publicados por la editorial argentina Katz, entre otros títulos. «Yo diría que el concepto (de ciudad global) es más famoso que yo. Si hubiera hecho un copyright o tuviera derechos de propiedad intelectual como las farmacéuticas, hubiera ganado mucho dinero», bromeó ayer la socióloga, desde Londres, en una entrevista telefónica con la agencia EFE. El jurado ha subrayado los aportes de Sassen a la sociología urbana, la dimensión internacional de sus ideas, sus estudios sobre las migraciones y el papel de las grandes ciudades en la dirección de la economía internacional, además del concepto de ciudad global, una de sus mayores contribuciones, «actualmente aceptado y empleado en todas las ciencias sociales».

Casada con el sociólogo estadounidense Richard Sennet, la primera escala del itinerario de Sassen comenzó en 1950 en Buenos Aires, donde vivió dieciséis años. Las primeras referencias de Marx y de Saussure las escuchó de profesores argentinos en la escuela secundaria. Acá descubrió su interés por la justicia social en la enorme biblioteca paterna. Tenía sólo 13 años, muchas ganas de cambiar las injusticias que rodeaban su mundo y decidió estudiar ruso porque entonces le gustaba el comunismo. De formación multidisciplinaria en las ciencias sociales –sociología, filosofía, economía y ciencia política–, esa mujer no quedó encadenada a ninguna coraza teórica. Hacia fines de la década del ’60 continuó su periplo por Roma y Francia, hasta que en 1969 optó por quedarse en Estados Unidos. La perfecta nómada nunca puede estar quieta; de un tiempo a esta parte vive entre Nueva York y Londres. Aunque habla cinco lenguas, suele aclarar que lo hace a su manera, habitando la lengua como zona de experimentación. A su intensa vida académica hay que añadir su rol de intelectual pública y su destreza en la comunicación de su pensamiento cuando arroja tentadores titulares: «Nos hemos vuelto consumidores de todo, de nuestra democracia, de nuestra ciudadanía».

El año pasado estuvo en la Argentina, invitada por el Programa Lectura Mundi de la Universidad de San Martín (Unsam). «El Estado nacional es la construcción social más compleja, capaz de manejar lógicas muy diversas y es un actor clave de las transformaciones actuales –advirtió–. Hay componentes que se desnacionalizan porque se vinculan directamente con la economía global. La cuestión es pensar la posibilidad de ese internacionalismo del Estado desde otro lugar, es decir, no sólo impulsado por las finanzas.» A Sassen le importa el «espacio subjetivo» que los actores no formales experimentan a través de las tecnologías. «Un militante de derechos humanos que está en un pequeño pueblo, que milita incluso arriesgando la vida, tal vez no sepa usar las tecnologías en el sentido clásico, pero esas tecnologías le provocan una sensación importante: sabe que no está solo. Esta es otra función que no es lo que solemos llamar comunicación.» A este tipo de actores los denomina «actores globales no cosmopolitas», que son «fundamentales para pensar lo global de otra manera». Lo que ocurrió en plaza Tahrir, en Egipto, fue «muy mal interpretado en Estados Unidos», donde ligeramente etiquetaron los hechos como «la revolución Facebook». «Ahí la comunicación empieza por los barrios marginales que tienen una estructura urbana, material, muy diferente a lo que son los suburbios estadounidenses. Es esa estructura de comunicación vecinal la que cuando se junta con Twitter y Facebook genera una convocatoria impresionante. Pero es ridículo obviar esa dimensión territorial», explicó la socióloga.

La calle es el espacio ideal, ha planteado, para promover el cambio social. La socióloga afirmó que los movimientos callejeros «se han convertido en espacios para hacer política y están haciendo historia». Alguien escribió en Twitter: «Matar a Saskia Sassen y pretender que parezca un accidente». No se traumatizó por el anónimo ni ha dejado de hacer lo que siempre hizo: ir más allá de las categorías dominantes, hurgar en lo que queda en penumbras.

REGRESAR A LA REVISTA

Fotografía / Alemania: Los chicos de la morgue

noreply@blogger.com (Jaime Moreno) — Thu, 16 May 2013 02:08:00 +0000

.
Max Merz retrata el día a día de Remigijus y Nerijus, embalsamadores en Vilnius (Foto: Max Merz)

C iudad Juárez, Chihuahua. 15 de mayo de 2013. (RanchoNEWS).- Hay quien piensa que en tiempos de crisis hay que regalar a los pueblos imágenes ligeras y humorísticas, para mejorar el estado de ánimo colectivo. El fotógrafo alemán Max Merz opina todo lo contrario, sugiere que en tiempos de crisis resulta especialmente provechosa una mirada al mundo muy apegada a la cruda realidad, y que no hay nada más real y más crudo que la muerte. Una nota de Rosalía Sánchez para El Mundo:

Las fotografías de estos dos hermanos, aficionados al heavy metal por la tarde y operarios de una morgue por la mañana, no tienen como objeto deprimir a nadie, según Merz, sino «explorar los límites» y quizá recordarnos lo afortunados que somos. «Los problemas se relativizan ante estas imágenes», dice el fotógrafo, que reconoce que su actitud durante el reportaje fue «esconderme detrás de la cámara».

Remigijus, el mayor de estos dos hermanos que viven y trabajan en Vilnius, se presentó un día en la puerta de la morgue en busca de trabajo. El dueño pronto se percató de que tenía mano firme manejando cadáveres y lo contrató en seguida. Años después trajo a su hermano pequeño, Nerijus, y desde entonces trabajan juntos. «El jefe sabe que beben algo de alcohol antes de comenzar los embalsamamientos, pero lo entiende», relata el fotógrafo. Las fotos dejan constancia, además, de que las pausas para fumar un cigarro, entre cuerpo y cuerpo, cobran una vital importancia en esta jornada laboral, que teóricamente no requiere trabajadores cualificado, pero para la que no vale cualquiera. Merz confiesa que, cuando uno de los hermanos apareció en la habitación con la primera bolsa de plástico negro con un cadáver dentro, sólo tenía un pensamiento en la cabeza: «Por favor, que no sea un niño».

En blanco y negro y primeros planos que respetan solo el rostro de los muertos, Merz recoge la rutinaria incisión desde el pecho hasta la pelvis, el desagradable proceso de retirada de los fluidos corporales y la costura posterior. Son imágenes que se repiten a diario pero que casi nadie ha visto nunca. «El día siguiente me permitieron volver, ya sin que su jefe estuviese presente, y me encontré con imágenes aún más difíciles. Había un suicida que se había ahorcado y al que la soga había abierto una fea herida en el cuello. Curiosamente, sonreía. Eso sí, no me permitieron hacerles preguntas, no querían hablar, solo me dejaron tomar las fotos y por la noche me invitaron a un concierto de heavy», recuerda Merz.

«Son dos personas sencillas, muy cordiales. No tienen grandes sueños, les gusta divertirse y disfrutan con la música», describe.

Otro valor de este trabajo fotográfico inicialmente publicado por 'Der Spiegel' es la actitud del autor ante la muerte como objeto asépticamente fotografiado. "Yo nunca había visto un cadáver, no tenía miedo pero sí mucho respeto. Detrás de la lente, yo veía gente muerta y nada más, me ocupaba solamente de las características del diseño, por ejemplo las líneas, cruciales en estas fotos", resume Merz su trabajo. El resto, lo ponía la realidad.

REGRESAR A LA REVISTA

Visor Fronterizo / Rubén Moreno Valenzuela: «Calle Vicente Guerrero cerrada»

noreply@blogger.com (RMV) — Wed, 15 May 2013 18:34:00 +0000

CALLE VICENTE GUERRERO CERRADA

Ciudad Juárez, Chihuahua. 14 de mayo de 2013. (Redacción / RanchoNEWS).- Aspecto del primer tramo de la calle Vicente Guerrero, en el centro histórico, cerrada a la circulación por las obras de construcción de un túnel vial subterráneo en el área.

REGRESAR A LA REVISTA

Visor Fronterizo / Rubén Moreno Valenzuela: «El ex Galgódromo de Ciudad Juárez / 11»

noreply@blogger.com (RMV) — Wed, 15 May 2013 18:30:00 +0000

EL EX GALGÓDROMO DE CIUDAD JUÁREZ / 11

Ciudad Juárez, Chihuahua. 14 de mayo de 2013. (Redacción / RanchoNEWS).- Esta mañana fue colocada la primera piedra de la construcción del Centro de Convenciones y Exposiciones de Ciudad Juárez en las instalaciones del antiguo Galgódromo e Hipódromo de la ciudad, cuyo terreno (cinco hectáreas) fueron donadas por el gobierno federal en conjunto con 30 millones de pesos para la edificación del inmueble, mismo que será el centro de convenciones más grande del país. Se contempla integrar el antiguo galgódromo en el actual proyecto arquitectónico, cuya maqueta puede apreciarse parcialmente en esta gráfica.

REGRESAR A LA REVISTA

Visor Fronterizo / Rubén Moreno Valenzuela: «El ex Galgódromo de Ciudad Juárez / 10»

noreply@blogger.com (RMV) — Wed, 15 May 2013 18:28:00 +0000

EL EX GALGÓDROMO DE CIUDAD JUÁREZ / 10

Ciudad Juárez, Chihuahua. 14 de mayo de 2013. (Redacción / RanchoNEWS).- Esta mañana fue colocada la primera piedra de la construcción del Centro de Convenciones y Exposiciones de Ciudad Juárez en las instalaciones del antiguo Galgódromo e Hipódromo de la ciudad, cuyo terreno (cinco hectáreas) fue donado por el gobierno federal en conjunto con 30 millones de pesos para la edificación del inmueble, mismo que será el centro de convenciones más grande del país. Se contempla integrar el antiguo galgódromo –cuyo mural interior se veía así este día– en el actual proyecto arquitectónico.

REGRESAR A LA REVISTA