Grupo de Teatro Boca de Cena

Histórico de Espetáculos

2013-07-29T13:45:00.000-07:00

https://www.facebook.com/photo.php?fbid=175468119292620&set=a.149481731891259.1073741832.148057288700370&type=1&theater

"Lucifer" por Anthoni Cruz.

2013-01-14T10:52:00.001-08:00

“Lúcifer”

personagem de Anthoni Quagliotto Cruz no espetáculo “Profecias” - Paixão de Cristo 2012

Os Contadores

2013-01-14T10:25:00.001-08:00

Projeto

Os Contadores

Prezados:

Os contos, lendas e histórias infantis tem papel fundamental na formação psicológica das crianças, por se tratarem de psicodramas contribuem no desenvolvimento cognitivo, facilitando o entendimento e possibilitando a solução de conflitos internos.

O Grupo de Teatro Sinapse do município de Capanema desenvolve ha dois anos o projeto de contação de histórias, onde as crianças podem apreciar belos contos.

A música ao vivo durante o espetáculo cria um clima ainda mais cativante durante o espetáculo, além de apresentar aos pequenos espectadores instrumentos musicais como violoncelo, violino, cajon e outros instrumentos de cordas e percussão, mostrando antigas canções com novos arranjos, o que contribui também com o projeto de musicalização recém implantando no sistema de ensino.

Essa estrutura oportuniza as crianças a terem acesso a cultura de boa qualidade iniciando um processo de resgate das atividades infantis e afastando o lixo audiovisual imposto pela mídia.

O grupo se coloca a disposição para uma visita a sua cidade para discutir a proposta de apresentação dos espetáculos.

Espetáculos

Contos do Samurai

“Contos do Samurai” é uma colagem de histórias orientais que tratam do resgate de valores e boa convivência.

As aventuras de Pequerrucha

Conta a história da pequena Pequerrucha e suas aventuras até se tornar a rainha das flores.

Donka - Teatro Compac Gran Vía - Danielle Finzi Pasca

2012-12-14T05:21:00.001-08:00

Mostra das Oficinas de Teatro 2012 em Capanema - PR

2012-11-21T05:14:00.002-08:00

This Side of Paradise: LUME: Dance Theatre Workshop

2012-06-12T12:59:00.001-07:00

This Side of Paradise: LUME: Dance Theatre Workshop: The context of the workshop was to share the starting point for This Side of Paradise by exploring the theme of physical manipulation. D...

Mummenschanz (2)

2012-05-24T10:33:00.001-07:00

Paixão de Cristo 2012

2012-03-29T06:52:00.000-07:00

Paixão de Cristo 2012 “Profecias”

O espetáculo “Paixão de Cristo 2012” escrito e dirigido por Anthoni Quagliotto Cruz será apresentado no dia 04 de Abril no Centro de Eventos na Cidade de Mangueirinha e dia 06 de Abril na sexta feira da paixão no Clube CRAC em Capanema ás 20h30min.

Contar a mesma história todos os anos é um grande desafio, ainda mais quando se trata de uma tão conhecida, este ano o espetáculo foi produzido de uma forma totalmente diferente das outras montagens que contará com dança contemporânea coreografada pela professora de dança Bibiana Closs e a iluminação com efeitos visuais produzidos por Gabriel Kafer e Pedro Nizer sob direção de Anthoni Quagliotto Cruz.

Sobre o espetáculo

Elenco: Jaqueline Godoi, Gabriel Ilkiu Alves dos Santos, Johnny Rockembach, Isadora da Rosa, Fernanda Cigolini, Alex Costa, Pamela Schenatto, Taisline de Oliveira, Ana Breier, Leomar Breier, Francisca Streitt, Anthoni Quagliotto Cruz, Rafael Lisi, Aluan Breier, Devanir Schiavo Junior, Dione Demarchi, Mainara Wons, Patricia Welter, Bruno Trevisan, Laura Bieger, Bibiana Closs.

Participação especial: Banda Municipal de Capanema sob regência de Delmo de Carvalho

Participação especial: Miron Gilberto Parabocz

Narração: Julio Rocha

Coreografia: Bibiana Closs

Figurino: Bibiana Closs

Operadora de Som: Gabrielle Franzoi

Iluminação: Gabriel Kaffer, Pedro Nizer, Anthoni Cruz

Adereços: Grupo

Cenário: Anthoni Quagliotto Cruz

Cenotécnica: Grupo

Texto: Anthoni Quagliotto Cruz

Correção de texto: Isadora da Rosa

Assistência de Direção: Isadora da Rosa

Direção Geral: Anthoni Quagliotto Cruz

Apoiadores: Interact Club Capanema Distrito 4640, departamento de Cultura, Secretaria Municipal de Educação, Administração Municipal de Capanema.

Paixão de Cristo: Paixão 2012 em produção

2012-03-29T06:48:00.001-07:00

Paixão de Cristo: Paixão 2012 em produção: Paixão de Cristo 2012 “Profecias” O espetáculo “Paixão de Cristo 2012” escrito e dirigido por Anthoni Quagliotto Cruz será apresenta...

Carta ao Ator D

2012-01-03T08:26:00.000-08:00

(Esta carta foi escrita por Eugênio Barba a um dos seus atores em 1967. É publicada frequentemente em livros e revistas, para ilustrar a visão teatral de seu autor e sua atitude para com um "novo ator". Foi publicada pela primeira vez no livro Synspunkter om Kunst - Pontos de vista sobre a arte, Copenhaque:1968).

"Frequentemente me surpreende a ausência de seriedade em seu trabalho. Não é devido à falta de concentração ou de boa vontade. É a expressão de duas atitudes.

Antes de tudo, tem-se a impressão de que suas ações não são ditadas por uma convicção interior ou por uma necessidade que deixa sua marca no exercício, na improvisação, na cena que você executa. Você pode estar concentrado no seu trabalho, não estar se poupando, seus gestos podem, tecnicamente, ser precisos e, no entanto, suas ações continuam sendo vazias. Não acredito no que você está fazendo. O seu corpo só diz uma coisa: obedeço a uma ordem dada de fora. Seus nervos, seu cérebro, sua coluna não estão comprometidos, e, com uma atitude epidérmica, quer me fazer crer que cada ação é vital para você. Você mesmo não percebe a importância do que quer fazer partícipe os espectadores.

Então, como pode esperar que o espectador fique preso por suas ações?
Como você poderia, assim, afirmar e fazer compreender que o teatro é o lugar onde as convenções e os obstáculos sociais devem desaparecer, para deixar lugar a uma comunicação sincera e absoluta? Você neste lugar representa a coletividade, com as humilhações que passou, com seu cinismo que é autodefesa, e seu otimismo, que é a própria irresponsabilidade, com seu sentimento de culpa e sua necessidade de amar, a saudade do paraíso perdido, escondido no passado, na infância, no calor de um ser que lhe fazia esquecer a angústia.

Todas as pessoas presentes nesta sala ficariam sacudidas se você efetuasse, durante a representação, um retorno a estas fontes, a este terreno comum da experiência individual, a esta pátria que se esconde. Este é o laço que o une aos outros, o tesouro sepultado no mais profundo do nosso ser, jamais descoberto, porque é nosso conforto, porque dói ao tocá-lo.

A segunda tendência que vejo em você é o temor de levar em consideração a seriedade deste trabalho: sente uma espécie de necessidade de rir, de distrair-se, de comentar humoristicamente o que você e seus companheiros fazem. É como se quisesse fugir da responsabilidade que sente, inerente à sua profissão, e que consiste em estabelecer uma relação e em assumir a responsabilidade do que revela. Você tem medo da seriedade deste trabalho, da consciência de estar no limite do que é permitido. Tem medo de que tudo aquilo que faz seja sinônimo de fanatismo, de aborrecimento, de isolamento profissional. Porém, num mundo em que os homens que nos rodeiam já não acreditam em mais nada ou pretendem acreditar para ficarem tranqüilos, aquele que se afunda em si mesmo para enfrentar a sua condição, a sua falta de certezas, a sua necessidade de vida espiritual, é tomado por um fanático e por um ingênuo. Num mundo, cuja norma é o enganar, aquele que procura "sua" verdade é tomado por hipócrita.

Deve aceitar que tudo no que você acredita, no que você dá liberdade e forma no seu trabalho, pertence à vida e merece respeito e proteção. Suas ações, na presença da coletividade dos espectadores, devem estar carregadas da mesma força que a chama oculta na tenaz incandescente, ou na voz da sarça ardente. Somente então, suas ações poderão continuar a viver no espírito e na memória do espectador, poderão fermentar conseqüências imprevisíveis.

Enquanto Dullin jazia em seu leito de morte, seu rosto se retorcia assumindo as máscaras dos grandes papéis que viveu: Smerdiakov, Volpone, Ricardo III. Não era só o homem Dullin que morria, mas também o ator e todas as etapas de sua vida.

Se lhe pergunto por que escolheu ser ator, me responderá: para expressar-me e realizar-me. Mas que significa realizar-se? Quem se realiza? O gerente Hansen que vive uma existência respeitável, sem inquietudes, nunca atormentado por estas perguntas que ficam sem respostas? Ou o romântico Gauguim que, depois de romper com as normas sociais, terminou sua existência na miséria e nas privações de uma pobre aldeia polinésia, Noa-Noa, onde acreditava ter encontrado a liberdade perdida? Numa época em que a fé religiosa é considerada como neurose, nos falta a medida para julgar o êxito ou o fracasso de nossa vida.

Sejam quais foram as motivações pessoais que o trouxeram ao teatro, agora que você exerce esta profissão, você deve encontrar um sentido que vá além de sua pessoa, que o confronte socialmente com os outros.

Somente nas catacumbas pode-se preparar uma vida nova. Esse é o lugar de quem, em nossa época, procura um compromisso espiritual se arriscando com as eternas perguntas sem respostas. Isto pressupõe coragem: a maioria das pessoas não tem necessidade de nós. Seu trabalho é uma forma de meditação sobre si mesmo, sobre sua condição humana numa sociedade e sobre os acontecimentos de nosso tempo que tocam o mais profundo de si mesmo.

Cada representação neste teatro precário, que se choca contra o pragmatismo cotidiano, pode ser a última. E você deve considerá-la como tal, como sua possibilidade de reencontrar-se, dirigindo aos outros a prestação de contas de seus atos, seu testamento.

Se o fato de ser ator significa tudo isto para você, então surgirá um outro teatro; uma outra tradição, uma outra técnica. Uma nova relação se estabelecerá entre você e os espectadores que à noite vêm vê-lo, porque necessitam de você."

Teatro: Arquitetura em movimento

2012-01-03T07:55:00.000-08:00

Já dizia Gordon Craig: "O teatro é uma arquitetura em movimento".

"existe uma segurança que é resultado da inércia, da entropia e existe uma segurança que é resultado do dinamismo de forças contrárias, das tensões que se confrontam. Existe a segurança de um monte de pedras esparramadas pela terra. E a segurança do montão de pedras que, através de forças opostas, elevam-se para as alturas, convertendo-se, assim, em arquitetura. A arquitetura ajuda-nos a visualizar esta qualidade das oposições, das tensões, que são as pulsões e o coração de tudo que está vivo. Os componentes básicos das catedrais são pedras, cujo peso as destinaria a cair na terra. Imprevisilvemente, estas pedras parecem não ter peso, aéreas, como se tivessem uma espinha dorsal para cima, com uma intensidade, uma voz que canta, se eleva, voa. É este o segredo da arquitetura, mas também da "vida" do ator: a transformação do peso e da inércia, por meio do jogo das oposições, em energia que voa. O teatro, como a arquitetura, é saber descobrir a qualidade das tensões e modelá-las em ações". (Eugenio Barba)

http://www.caleidoscopio.art.br/cultural/teatro/contemporaneo/eugenio-barba-treinamento.html

Kathakali in Kerala

2011-12-30T16:58:00.000-08:00

Teatro Kathakali

2011-12-30T16:44:00.001-08:00

Kathakali,o teatro sagrado

ORIGEM

Segundo lendas hindus Vishnu reencarnou na terra pela sexta vez na forma de Parasurama, para proteger a supremacia espiritual e social da casta dos Brâmanes. Após inúmeras guerras, ele finalmente resolveu abandonar sua trajetória sangrenta e, em forma simbólica, lançou seu machado ao mar. Com o golpe, a arma caiu no sul da índia e sua violência fez emergir uma faixa de terra a qual Parasurama chamou de Malabar. Para povoar essa terra sagrada, foram levadas famílias de Brâmanes que formaram uma sociedade extremamente religiosa e ritualística.

Hoje em dia Malabar é chamada de Kerala (a terra dos templos).

O intenso comércio de especiarias e o ouro negro atraiam viajantes de todo o mundo, misturando assim diferentes culturas à forte religiosidade do lugar e o gosto por grandes rituais com a constante presença de elementos dramáticos, fazendo surgir assim a mais rica forma teatral da Índia : O teatro Kathakali.

CARACTERÍSTICAS

É o estilo de dança-teatral mais popular da Índia

É um espetáculo raro, inclusive na Índia. Lá ela acontece após a época das monções, em celebrações religiosas de agradecimento.

É exclusivo para homens

Existe exatamente como visto hoje há pelo menos 400 anos

O teatro-dança de Kathakali recebe inclusive influência das antigas artes marciais de Kerala

Existem muitas passagens com reflexões morais e de sabedoria que sempre são faladas pelos personagens mais importantes e em sânscrito, uma língua que não é mais comum na Índia desde o ano 300 a.C, mas é considerada nobre e sagrada, falada até hoje pelos brâmanes. Enquanto os deuses, heróis e personagens importantes falam no dialeto aristocrático, as mulheres, escravos e personagens menores falam o dialeto da classe baixa. As peças terminam assim como começam: com uma prece.

Não há valorização de expressões ou ações nas peças hindus. A tristeza é representada por uma leve melancolia. Beijar, comer, dormir ou gritar é considerado indelicado.

Como nas peças gregas, havia um freqüente contato entre a Terra e o Céu.

Na Índia não existem palavras distintas para dança e teatro, nem em sânscrito ou em qualquer dialeto falado pelo país. Daí percebe-se o quão profundamente ligadas essas duas artes estão neste país que as vê como um só.

PALCO e MÚSICA

Na Índia acredita-se que todo palco seja sagrado pois é um local escolhido pelos deuses para que se dê a eterna luta entre o bem e o mal. Por o Kathakali ser essencialmente hindu tudo nele é cheio de significados religiosos e realizado como um ritual.

O palco é simples. Á frente usa-se uma lamparina alimentada por óleo de coco.

Por ser ritual, antes da peça começar, o vocalista inicia uma canção invocatória acompanhado por címbalos e percussão.

Durante o ritual de inicialização, um ator permanece por trás das cortinas realizando uma performance .

MAQUIAGEM E FIGURINO

A maquiagem determina, no kathakali a natureza dos personagens.

Cada personagem têm uma roupa e maquiagem específica. Ambos são altamente elaborados.

O ator leva três horas e meia só pra se maquiar e duas horas para se vestir antes de cada apresentação.

AS CORES:

Verde: herói

Bigode, protuberância no nariz ou no centro da testa (Chuttippu): demônio-guerreiro

Bigode branco (veluppu-tadi): personagem Hanuman, do épico Ramayana, que possui boa natureza

Bigode preto (karuppu-tadi): selvagem com características heróicas

Bigode Vermelho (Chokanna-Tadi): características terríveis e destrutivas

Maquiagens onde há o predomínio de preto: moradores das florestas, caçadores e demônios femininos

PERSONAGENS: (3 tipos em geral)

Sattvik (denominado Pacha) - nobre, heróico, generoso e refinado ex: Rama e Krishna

Rajasik (denominado Kathi) - não só heróis e sim pertencentes a classe dos demônios guerreiros ex: Kamsa e Ravana

Tamasik (denominado Kari) - caçadores, moradores da floresta e demônios femininos

ATOR

No kathakali temos então o Ator-bailarino e ainda com características de guerreiro. Devido a influencia religiosa, ator do kathakali é também um ator-sacerdote e, por isso, deve ser capaz de responder cada aspecto da sua vida num equilíbrio constante de sua arte que é sempre regida harmoniosamente pelos elementos.

A formação física destes atores obedece ainda a antiga tradição de guerreiros e artistas marciais de Kerala.

Em nenhuma outra forma teatral do mundo pode-se encontrar tamanha complexidade e precisão na formação técnica do ator quanto no Kathakali.

Para ser ator de Kathakali os pretendentes passam por rigoroso treinamento com dedicação exclusiva, durante anos, quase sob regime militar que começa aos 8 anos. Tudo isso serve para desenvolver uma cadeia muscular antinatural e rigorosamente definida com a finalidade de permitir o intenso fluxo de energia, assim como ter um corpo que suporte essa carga. Há a remodelagem da estrutura corporal do ator com um dia que começa às 4h da manhã com massagens, exercícios físicos e de olhos, treinamento de passos, coreografias e memorização dos textos clássicos e prática de ritmos. As intermináveis repetições associadas à severidade com que os erros são punidos moldam e disciplinam a concentração e a mente. O descanso é quinzenal, porque é obvio que os hindus não têm motivos para guardar o Domingo. Todo o processo é supervisionado por um Guru (que significa aquele que dispersa a sombra).

O indiano Nanda Kumaran levou 17 anos estudando a arte sagrada Kathakali. "Deixei de ser estudante aos 31 anos. Só depois do meu casamento é que o guru me deu permissão para deixar de ser aluno".

"Se o bailarino é aquele que busca o ar, que anseia pelo espaço, pelo etéreo, o ator vai de encontro a terra, que castiga sob seus pés para retirar dela sua energia. Suas mãos buscam o céu e seus pés agarram e excitam aterra. Se a ação do guerreiro é como a do fogo, que destrói enquanto queima, nem bom nem mau, consumindo a si mesmo sem hesitar, o sacerdote se relaciona coma água, com a qual purifica e santifica. Enquanto o fogo guerreiro se move impetuosamente e age buscando cumprir seu papel sem apegos, a água sacerdotal busca a serenidade e, ainda que seja perturbada, sua natureza a guia na direção da paz."

(The Mirror of Gesture: Abhinaya Darpana of Nandikesvara)

"Por ser o Kathakali uma dança sagrada e ritual para os hindus, ela se torna uma ambigüidade por demais complexa para os ocidentais. O ocidente não entende uma arte espiritual. É um povo adiantado materialmente, mas muito atrasado espiritualmente. O Teatro é uma manifestação da alma e por isso requer devoção e fervor, pois é necessário sempre mergulhar profundamente nas coisas às quais nos dedicamos. O ocidente nos pede minerais, água, gases. Mas devemos escavar em busca de petróleo. Porque gases, minerais e água devem ser simplesmente a conseqüência dessa busca. É sempre na intenção do petróleo que devemos escavar o que almejamos. Se eu decidisse doas um milhão de rúpias a alguém, em notas de uma rúpia, eu precisaria de um milhão de notas. Mas se preferisse doar essa quantia em ouro, bastaria um pequeno pedaço e ele teria o mesmo milhão."

(Agandanadam, velho sábio hindu)

Fonte (http://www.saindodamatrix.com.br/archives/kathakali.htm)

Auto de Natal 2011

2011-12-21T08:43:00.000-08:00

O espetáculo “Auto de Natal 2011”, escrito por Vilmar Mazzetto e dirigido por Anthoni Cruz foi apresentado nos dia 09, 18 e 20 de Dezembro.

Mais Fotos http://grupodeteatrobocadecena.blogspot.com/p/apresentacoes.html

O Livro Magico do Bom Atendimento

2011-12-07T06:01:00.000-08:00

“O Livro Mágico do Bom Atendimento” o novo espetáculo do Grupo de Teatro Boca de Cena estreou no dia 26 de Novembro na Cidade de Capanema no evento “Destaques 2011” promovido pela Associação Comercial e Empresarial de Capanema.

O tema da produção é o bom atendimento, mostrando a relação entre publico/cliente e o atendente / vendedor. O espetáculo com duração de 40min. trata-se de comédia contada através de situações de vendas satirizadas.

Mostra das Oficinas de Teatro

2011-11-30T15:28:00.000-08:00

Mostra das Oficinas de

Teatro

Mostra das Oficinas de Teatro de Capanema

2011-10-21T04:48:00.001-07:00

Oficina Cortejo Abre-Alas em Florianópolis Sc.

2011-09-29T16:07:00.000-07:00

Grupo de Teatro Boca de Cena em Florianópolis

Anthoni Cruz diretor do Grupo de Teatro Boca de Cena participou da Oficina Cortejo Abre-Alas na cidade de Florianópolis - SC. ministrada pelo Grupo de Teatro Lume de Campinas – SP. A oficina foi realizada de 25 a 30 de Setembro, no enceramento aconteceu a apresentação do cortejo.

Oficina de Expressão corporal para Coralistas

2011-08-31T11:47:00.000-07:00

A oficina de Expressão Corporal foi ministrado no II Encoro (Encontro Nacional de Coros Juvenis) aconteceu na cidade de Nova Santa Rosa nos dias 28 e 29 de agosto.

O professor Anthoni Cruz ministrou a oficina para 80 jovens das cidades de Nova Santa Rosa, Pato Bragado, Entre Rios e Capanema, onde dirigiu em parceria com o regente Gerson do município de Nova Santa Rosa as duas ultimas apresentações do grande coro formado pelos participantes do evento.

Teatro Japonês Noh / Nô

2011-08-20T18:04:00.000-07:00

Teatro Japonês

Teatro NOH / NÔ

Ameaçado pela ocidentalização que se seguiu à segunda guerra mundial, como todos os valores tradicionais da milenar cultura japonesa, o teatro nô não só resistiu galhardamente como se afirmou, mais além de seu significado histórico, como arte cênica perfeitamente contemporânea.

Nô, que significa "talento" ou "habilidade", é uma tradicional forma teatral do Japão e uma das mais antigas do mundo. Ao contrário do que ocorre no teatro ocidental, em que os atores representam a ação, na peça nô os atores são simples contadores de histórias que usam sua aparência e movimentos para transmitir o drama. A encenação consiste principalmente numa metáfora visual do que numa ação propriamente dita. Os espectadores já conhecem bem o enredo e podem assim reconhecer os símbolos e alusões sutis à história cultural japonesa.

Desenvolvido a partir de formas antigas de danças e dramas religiosos que emergiram por volta do século XII ou XIII, o teatro nô assumiu características diferenciadas no século XIV e aprimorou-se continuamente até o período Tokugawa (1603-1867). Tornou-se um drama cerimonial representado em ocasiões especiais por atores profissionais para a classe guerreira, como uma espécie de prece pela paz, longevidade e prosperidade da elite social. Fora das casas nobres, porém, havia apresentações às quais o povo podia comparecer. A restauração Meiji, em 1868, chegou a ameaçar a existência do nô, mas alguns atores mantiveram suas tradições e, após a segunda guerra mundial, graças ao interesse de grande número de jovens cultos, a forma nô renasceu.

Existem cinco tipos de peças nô. O primeiro, kami (deus), envolve uma história sagrada; o segundo, shura mono (peça de combate), centraliza-se em guerreiros; o terceiro, katsura mono (peça da peruca), tem uma mulher como protagonista (representada por um homem); o quarto tipo, de conteúdo variado, inclui gendai mono (peça do dia presente), no qual a história é contemporânea e "realista", e não lendária e sobrenatural, e kyojo mono (peça da mulher louca), na qual a personagem enlouquece com a perda de um amante ou filho; e o quinto tipo, kiri ou kichiku (peça "final" ou do "demônio"), na qual se representam demônios, animais estranhos e seres sobrenaturais.

Uma peça nô típica é relativamente curta, com poucos diálogos, que servem como simples moldura para o movimento e a música. Um programa nô consta de três peças escolhidas entre os cinco tipos, de modo a atingir tanto a unidade artística como a disposição desejada; invariavelmente, uma peça do quinto tipo encerra o programa. Farsas cômicas (kyogen) são apresentadas como interlúdios entre as peças.

Existem três grandes papéis no teatro nô: aquele que é desempenhado pelo ator principal, ou shite; o do ator secundário, ou waki; e os dos atores kyogen, um dos quais é freqüentemente o narrador da peça nô. Cada um dos papéis é uma especialidade e se filia a escolas, ou tendências, de desempenho. Há ainda outros papéis: atendente, menino, transeunte etc. O acompanhamento se faz por um coro instrumental de quatro músicos, que tocam flauta e três tipos de tambor, e por um coro de oito a dez cantores. A recitação é um dos mais importantes elementos da representação. Cada trecho deve ser recitado de maneira rigidamente estabelecida, assim como os movimentos e danças que o acompanham.

Sobrevivem intactos cerca de dois mil textos nô, dos quais cerca de 230 permanecem no repertório moderno. Muitas das mais belas e exemplares peças nô foram escritas por Zeami Motokiyo e por seu pai, Kanami Kiyotsugu. Zeami também formulou os princípios do teatro nô que guiaram atores por muitos séculos. Seu Kakyo (1424; O espelho da flor) detalha a composição, a recitação, a mímica e a dança dos atores e os princípios de encenação do nô.

Nôgaku Theatre

Fonte de pesquisa:
http://www.emdiv.com.br/pt/arte/enciclopediadaarte/2560-teatro-no-e-a-cultura-japonesa.html

Bearinglight Butoh Performance 01/20/08

2011-08-13T13:12:00.000-07:00

Kazuo Ohno - mother

2011-08-10T07:02:00.000-07:00

sankai juku - butoh dance (buto)

2011-08-09T17:00:00.000-07:00

Butoh Performance Iceland Black Box Part 3

2011-07-27T08:10:00.000-07:00

SOPRO - LUME TEATRO

2011-07-27T08:09:00.000-07:00