El rincón de Faka Jr.

Adam Wingard será el encargado de reunir nuevamente a Godzilla y King Kong en la pantalla grande y Neil Blomkamp busca trabajo de una forma bastante peculiar

2017-05-31T22:16:00.001-03:00

El de ayer fue un Martes bastante tranquilo en materia de noticias relacionadas al séptimo arte y lo que refiere al entretenimiento que verdaderamente nos interesa. Es decir, ¿Queda clarísimo que acá no se habla de "Showmatch" ni de toda esa movida, no? Teniendo en cuenta eso, vamos a desglosar lo que nos pendiente del día de ayer:

Arrancamos con la que es sin dudas la noticia más destacada de la jornada pasada: Se confirmó el fichaje de Adam Wingard por parte de Warner Bros y Legendary Pictures para hacerse cargo de la esperadísima "Godzilla vs. Kong". Tras el excelente recibimiento de las últimas películas en solitario de ambos monstruos, el MonsterVerse de estas dos compañías es el único al que verdaderamente hay que seguir atentamente. Recordemos que todo comenzó con "Godzilla" de Gareth Edwards (2014), continuó con "Kong: Skull Island" de Jordan Vogt-Roberts (2017) y seguirá con la secuela de "Godzilla" dirigida por Michael Dougherty ("Trick'r Treat", "Krampus") que ya se encuentra en etapa de pre-producción con miras a estrenarse en el 2019. ¿Qué podemos esperar de Wingard? La verdad es que es uno de los directores independientes más interesantes del cine norteamericano. Ahora bien, en su filmografía cuenta con joyitas tales como "You're Next"y "The Guest", pero también una enorme metida de pata como lo fue "Blair Witch", esa especie de secuela/remake del clásico de terror dirigido por Eduardo Sánchez y Daniel Myrick en 1999. Ojo que Wingard todavía nos debe el estreno de la nueva adaptación cinematográfica del exitoso manga "Death Note". Personalmente, si ya le tenía fe a este proyecto, ahora mis expectativas están por las nubes. Ojalá salga todo redondo!

Saltemos rápido al nuevo proyecto, ajeno a lo cinematográfico, de ese gran director llamado Neil Blomkamp. ¿Se acuerdan del responsable de "Districto 9", "Elysium" y "Chappie"? La primera estuvo nominada a Mejor Película por la academia en 2009, la segunda fue una superproducción que contaba con un elenco de lujo integrado por Matt Damon, Jodie Foster, Wagner Moura y Sharlto Copley y la tercera (para mi) es una interesante propuesta dramática y marginal protagonizado por Dev Patel, Hugh Jackman y los salvajes cantantes de Die Antwood. Bueno, al parecer el realizador de estas tres producciones está lejos de conseguir financiamiento para nuevos largometrajes y frente a ese panorama no tuvo mejor idea que armar su propia productora llamada Oats Studios para (atención) realizar pequeños films "experimentales" en busca de productores que quieran ampliar esas ideas en películas de gran presupuesto. ¿Eso quiere decir que Blomkamp las va a dirigir? No, él solo venderá las ideas. ¿Cómo hará para acarrear los costos de los films experimentales que subirá a la plataforma? Cobrando suscripción a la misma. ¿O sea que vamos a pagar para ver un "corto" dirigido por Blomkamp que potencialmente se puede convertir en una película dirigida por otro realizador? Básicamente, sí.

Hope people get behind this experimental studio. Trying ideas out. Monsters coming... pic.twitter.com/rF3nJBhIaT
— Neill Blomkamp (@NeillBlomkamp) 16 de mayo de 2017

La verdad es que la idea pinta interesante solo en manos de Blomkamp, quien como ya sabemos tiene sus raíces muy ligadas al mundo del cortometraje. Creo que este proyecto a la larga solo le dará buenos frutos a él como director y quizás tengamos la oportunidad de verlo nuevamente tras las cámaras de una producción original y arriesgada como a las que nos acostumbró en su momento. ¿Qué fue lo que hizo que este director se "perdiera" como si nada entre tantos nombres mediocres dando vuelta en la actualidad? Claramente su fallida incursión en el universo "Alien", al cual se acercó con una propuesta alternativa que proponía cambiar la temporalidad de la saga original, fue uno los principales motivos, pero tampoco nos olvidemos que tanto "Elysium" como "Chappie" contaron con presupuestos interesantes y en términos "mercado local USA" no funcionaron lo suficientemente bien. ¿Es Blomkamp un caballito de guerra a tener en cuenta por los grandes estudios a la hora de armar blockbusters? Talento le sobra. ¿Ganas de encaminar proyectos "por encargo"? Parece que no. Las ganas de concretar ideas propias y l espíritu independiente de Blomkamp son parte fundamental de su carta de presentación...pero quizás también su epitafio.

Damián Szifron podría ser el nuevo director de "Justice League Dark", el MCU de villanos en manos de Sony sigue creciendo, el trailer de "Wind River" transmite mucho frío y todos los ganadores de la 70º edición del Festival de Cannes

2017-05-30T00:25:00.002-03:00

El resultado de un finde bastante movidito, al que le tenemos que sumar todas las idas y vueltas de la Comic-Con, es un cansancio importante que hasta el día de hoy todavía me tiene dominado. Por ende no vamos a demorarnos mucho en el arranque de este post. Pasemos rápidamente a las destacadas de las últimas horas que son muchas y también variadas.

Durante la tarde del sábado, mientras todos estábamos atentos a lo que Besson pudiera regalarnos en la Comic-Con, estalló en las redes sociales un rumor que todos los argentinos quisiéramos que sea concrete lo antes posible. ¿Encontró Warner Bros en Damián Szifron el director indicado para la adaptación cinematográfica de "Justice League Dark"? Recordemos que hace unos días atrás les adelantamos que Doug Liman pegaba el portazo de este proyecto y que por ese motivo Warner estaba interesada en los servicios de Andy Muschietti ("It (eso)"). Ahora la cosa tomó un giro más que interesante y parece que Szifron, quién ya tenía en carpeta un enorme proyecto hollywoodense como lo es "El hombre nuclear" (basado en la serie televisiva "The Six Million dolar man"), es uno de los apuntados por el estudio para hacerse cargo del proyecto. Según la fuente que disparó el rumor, el proyecto es una prioridad para Warner, por lo que tendremos definiciones al respecto dentro de muy poco. ¿Les gustaría ver a Szifron detrás de cámaras de este rebuscado proyecto? El solo hecho de pensar en una película, con aires a "Los simuladores", protagonizada por John Constantine, La cosa del Pantano, Deadman, Zatanna y Etrigan el Demonio me pone la piel de gallina. Habrá que estar muy atentos.

Sigamos en el mundo de los superhéroes pero crucemos de vereda y peguemos el salto a la competencia. Hace un par de semanas Sony confirmó que Tom Hardy sería el encargado de personificar a Eddie Brock en la futura película en solitario de "Venom" que dirigirá Ruben Fleischer ("Zombieland"). Recordemos que este anuncio llegó para confirmar que esa inesperada unión entre Marvel y Sony solo responde a los beneficios económicos que ambas partes sueñan obtener gracias al popular trepamuros. El resto ni pincha ni corta. Ahora bien, si Sony no explota a los "satelites" de esta franquicia, todos ellos podrían regresar a las manos de Marvel y eso es algo que seguramente no está en los planes. Por ese motivo es que a "Venom" ahora, según Hollywood Reporter, hay que sumarle "Silver & Black", película que tendrá como protagonistas a Silver Sable y Black Cat y que será dirigida por Gina Prince-Bythewood ("La vida secreta de las abejas", "Beyond the lights") con miras a un estreno...¿También en 2018? No quiero sonar pesimista, pero la aceleración que tomaron estos proyectos en el último tiempo me hace suponer lo peor. ¿Se concretarán ambas películas o estamos frente a una cortina de humo que solo busca ganar tiempo de cara a lo inevitable? ¿Le interesa a Marvel recuperar todos estos personajes?

Dejemos por un rato los rumores, anuncios y otras yerbas. Enfoquemonos en proyectos concretos que solo deben aterrizar en nuestra pantalla de cine más cercana. Ojalá que "Wind River", de reciente paso por la competencia oficial del Festival de Cannes, sea uno de esos casos. Dirigida por Taylor Sheridan, guionista nominado a los últimos Oscar por su genial trabajo en la contundente "Hell or High Water", y protagonizada por Elizabeth Olsen, Jeremy Renner y John Bernthal, "Wind River" sigue los pasos de un agente del FBI que debe recurrir a un rastreador foráneo para resolver un asesinato en medio de la nada. Y cuando digo "la nada", también habló de nieve, frío, malos vecinos y alguna que otra conspiración. Pinta francamente muy bien.

Cerramos este posteo con el listado completo de ganadores de la 70º edición del Festival de Cannes. Es extenso, lo sé, pero vale la pena tener presente las producciones que se coronaron en la última edición de uno de los festivales más prestigiosos de la industria cinematográfica. Si alguno no quiere el detalle, le comento que la palma de oro de este año fue para "The Square" de Robert Östlund, Sofia Coppola se llevó el premio a Mejor Directora (la segunda mujer en la historia que alza este premio), Joaquin Phoenix se consagró como Mejor Actor y Diane Kruger hizo lo propio en la categoría Mejor Actriz. Sin lugar a dudas, el toque argentino de esta edición pasó la celebrada actuación de Nahuel Pérez Biscayart en la premiada "BPM (Beats per Minute)" de Robin Campillo. La crítica internacional reaccionó de forma unánime frente a este trabajo, dejando en claro que es de lo mejor que vimos en el 2017 hasta la fecha. Así que ya saben, habrá que estar atentos a esta producción y obviamente a los próximos trabajos de Biscayart.

A continuación el listado completo de ganadores. Recordemos también que por esta edición pasaron también "La cordillera", el nuevo film de Santiago Mitre protagonizado por Ricardo Darín y Dolores Fonzi y "La novia del desierto" de Cecilia Atán y Valeria Pivato. Ambas lo hicieron dentro de la sección "Un certain regard".

Sección Oficial

Palma de Oro: The Square, de Ruben Ostlund

Gran Premio del Jurado: BPM (120 battments par minute), de Robin Campillo

Premio del Jurado: Loveless, de Andrey Zvyaginstev

Premio especial del 70 aniversario del Festival: Nicole Kidman (con dos películas en Sección Oficial: The Killing of a Sacred Deer y La seducción)

Premio a la mejor dirección: Sofia Coppola por La seducción (The Beguiled)

Premio al mejor guión ex aequo: Lynn Ramsay por You Were Never Really Here; y Yorgos Lanthimos por The Killing of A Sacred Deer

Premio a la mejor interpretación femenina: Diane Kruger por In The Fade

Premio a la mejor interpretación masculina: Joaquin Phoenix por You Were Never Really Here

Otros premios

Palma de Oro al mejor cortometraje: Xiao Cheng Er Yue, de Qiu Yang

Mención especial: Katto, de Teppo Airaksinen

Cámara de Oro (Mejor debut): Jeune Femme, de Léonor Serraille

FIPRESCI: BPM (Beats Per Minute), de Robin Campillo

Una cierta mirada (Un Certain Regard)

Premio Un Certain Regard (Mejor película): Lerd (Un homme intègre), de Mohammad Rasoulof

Premio del Jurado: Las hijas de Abril, de Michel Franco

Premio a la mejor dirección: Taylor Sheridan for Wind River

Premio mejor interpretación: Jasmine Trinca por Fortunata, de Sergio Castellitto

Premio mejor narrativa poética: Barbara, de Mathieu Amalric

FIPRESCI: Closeness, de Kantemir Balagov

Quinzaine des réalisateurs (Quincena de realizadores)

Art Cinema Award: The Rider, de Chloé Zaho

Premio SACD (ex aequo): Un beau soleil intérieur, de Claire Denis; y L’amant d’un jour, de Philippe Garrel

Label Europa Cinema: A Ciambra, de Jonas Carpignagno

Premio Illy de cortometraje: Retour à Genoa City, de Benoît Grimalt

FIPRESCI: A Fabrica de Nada (The Nothing Factory), de Pedro Pinho

Semana de la Crítica (Semaine de la Critique)

Grand Premio Nespresso: Makala, de Emmanuel Gras

Premio Revelación France 4: Gabriel e a Montanha, de Fellipe Gamarano Barbosa

Premio Gan Foundation para la ayuda a la distribución: Gabriel e a Montanha, de Fellipe Gamarano Barbosa

Premio Canal + de cortometraje: Los desheredados, de Laura Ferrés

SACD  Award:    Léa Mysius, guionista de Ava

Canal+ Award para cortometrajes: Najpiekniejsze Fajerwerki Ever, de Aleksandra Terpińska

Luc Besson en Argentina (actualizado)

2017-05-29T00:24:00.000-03:00

La visita de Luc Besson a la Argentina se ubica sin lugar a dudas en el podio de las más importantes que hayamos vivido los fanáticos del cine en el último tiempo. Si bien el año pasado tuvimos entre nosotros a artistas de la talla de John Malkovich, Al Pacino, John Malkovich, Gerard Depardieu y Vittorio Storaro, entre otros, el paso de Besson por Argentina se sintió muy distinto. ¿Por qué? Porque atravesamos junto a este gran realizador un momento crucial dentro de su carrera.

En el marco de la presentación de su último trabajo, "Valerian y la ciudad del mil planetas", Besson desembarcó en la ciudad de Buenos Aires para brindar una conferencia de prensa y muy pocas entrevistas durante la jornada del viernes. No obstante, el día más importante de su corta agenda en nuestro país fue el sábado. El director de "Nikita", "El perfecto asesino" y "El quinto elemento" brindó una master class en la Usina del Arte por la mañana y asistió por la tarde a la séptima edición de Argentina Comic-Con para cumplir uno de sus principales cometidos: Hablar y estar cerca de los miles de fanáticos que tanto él como "Valerian" necesitan para pasar a la historia grande del cine.

Basado en el cómic "Valérian y Laureline" creado por Pierre Christin, Jean-Claude Mézières y Éveline Tranle, el nuevo film de Besson significa no solo el desafío más grande de su carrera sino también del cine europeo ya que ,"Valerian y la ciudad de los mil planetas", es la superproducción más cara de la historia del viejo continente. Y si bien el realizador de "Le grand blue", "Juana de Arco" y "Angel-A" se reconoce como un fanático de la obra original de Christin/Mézières/Tranle, su adaptación a la pantalla grande no debe verse únicamente como el cumplimiento de un sueño personal sino también como una apuesta enorme de la industria cinematográfica de Francia y otros países europeos.

¿Podrán estos personajes en sus trajes intergalácticos hacerle frente a franquicias exitosas ya instaladas en el séptimo arte? Herramientas no le faltan, entre otras cosas porque "Valerian y la ciudad de los mil planetas" tiene como protagonistas a figuras internacionales de la talla de Dane DeHaan ("Poder sin limites"), Cara Delevingne ("Ciudades de papel"), Clive Owen ("Niños del hombre"), Ethan Hawke ("Día de entrenamiento") y Rihanna ("Batalla naval"), contará con una banda sonora compuesta por el ganador del Oscar Alexandre Desplat ("El gran hotel budapest") y los efectos especiales de la super exitosa y premiada compañía Weta Digital, fundada por otro ganador del premio de la Academia, ni más ni menos que Peter Jackson ("El señor de los anillos").

Durante sus distintas presentaciones en Buenos Aires, además de explayarse con anécdotas sobre los distintos trabajos que conforman su exitosa filmografía, Besson mostró un adelanto exclusivo de poco más de 6 minutos de "Valerian y la ciudad de los mil planetas". Tuve la suerte de ver este mismo adelanto hace un tiempo (el mismo metraje se mostró en la última edición del VISTA) y la verdad es que mi postura acerca de esta superproducción sigue siendo la misma que en aquel entonces: "Valerian y la ciudad de los mil planetas" es una película que tranquilamente puede marcar un antes y un después en toda una generación cinéfila gracias a su altísimo nivel técnico. Este último aspecto solo puede, y debe, compararse con los mejores trabajos de la empresa que ayudó a hacer posible este film, Weta, responsable de otras películas generacionales tales como "El señor de los anillos", "King Kong", "Avatar", "El Planeta de los simios" y "El hombre de acero". Por eso, no es casualidad que Besson vistiera una remera de esta compañía durante sus distintas apariciones en público en nuestro país.

En el transcurso de esta semana voy a terminar de editar un pequeño video con algunos de los highlights del paso de Besson por Argentina Comic-Con. Hubo algunas anécdotas muy buenas relacionadas a su juventud y sus primeros trabajos, así como también una linda historia que tiene como protagonistas a los creadores de "Valerian y Laureline", con quienes Besson tiene una muy buena relación, al punto tal de que fueron los únicos que al día de la fecha vieron el metraje completo de su última película. ~~Atentos que ni bien tenga el video lo voy a subir a este post!~~ Ya pueden ver el video aquí abajo. En el caso de necesitar subtítulos, lo activan desde Youtube:

Gorillaz tocará por primera vez en Argentina gracias a la nueva edición del Festival BUE

2017-05-27T10:12:00.002-03:00

Después de muchísimos años de espera finalmente Gorillaz se presentará por primera vez en Argentina de la mano del festival BUE. Al fin podremos tachar de nuestra extensa lista de pendientes a la banda creada por Damon Albarn y Jamie Hewlett.

Gorillaz, la deuda pendiente de Albarn con la Argentina.

La noticia es más placentera aún ya que junto a Gorillaz llega también Arcade Fire, el grupo canadiense integrado por los hermanos Butler y Régine Chassagne. En este caso, es la segunda visita de esta tremenda banda ya que en el 2014 supo conquistar varios corazones en la primera edición del Lollapalooza Argentina.

El festival BUE nació en nuestro país en el 2004 y desde su primera edición dejó bien clara su personalidad ecléctica. En aquella oportunidad bandas extranjeras como Wheater Report, George Duke & Stanley Clarke y John McLaughlin compartieron escenario con dos inmensas figuras del plano local como lo son David Lebon y Luis Alberto Spinetta.

Con el paso de los años el BUE se dio el gusto de traer algunas de las bandas más importantes del plano internacional, como ser Daft Punk, Beastie Boys, Massive Attack, The Strokes, Frankie Knuckles, Patti Smith, Elvis Costello y Kings of Leon, entre otras.

En el 2016, tras 10 años de silencio ininterrumpido, el BUE regresó a los escenarios de gran forma gracias a un line up compuesto por nombres internacionales de la talla de Iggy Pop, The Flaming Lips, Pet Shop Boys, Wilco y Capital Cities, mientras que del plano local dijeron presentes El mató un policia motorizado, Juana Molina, Miss Bolivia y Mi Amigo Invencible.

La sexta edición del BUE se llevará a cabo el 15 y 16 de Diciembre de 2017 en Tecnópolis. Las entradas ya están a la venta en Ticketek.

Arcade Fire, de los mejores shows en vivos que vas a ver en la actualidad.

Primer trailer de la nueva temporada de "Game of thrones", Hope County es el salvaje nuevo escenario de "Farcry 5", Netflix nos presenta la serie de "Castlevania" y la Comic-Con Argentina pone primera (mientras sus estrellas hacen de las suyas en Buenos Aires)

2017-05-26T15:27:00.000-03:00

Aunque hubo un feriado patrio de por medio, la semana sigue viva y, en términos de noticias relacionadas a lo que verdaderamente nos importa tenemos bastante cantidad, por lo que comencemos bien rápido con su desarrollo.

HBO sabe que tiene en su poder la gallina de huevos de oro en lo que respecta a contenido fantástico y dramático para la pantalla televisiva. Sí, hablamos de la exitosa y multipremiada "Game of Thrones" que a casi dos meses de su estreno recién muestra su primer y esperado avance. No soy un consumidor habitual de series, mucho menos de esas que siguen al aire y dependen de buenos ratings y otros tantos factores para seguir con vida. Mi ansiedad es mas fuerte y me cuesta muchísimo sortear el tema del tiempo de espera entre una temporada y otra. Por eso prefiero unitarios u otra clase de contenidos televisivos. No obstante el bicho "Game of Thrones" me pico fuerte y en menos de dos meses me sumergí de lleno en el universo de George R.R. Martin a través de la serie, por lo que la llegada de esta nueva temporada es indispensable. En fin, la séptima temporada se estrena el 16 de Julio. ¿Ustedes qué onda con la ansiedad?

Hablando de temporadas y episodios, saltamos un ratito al mundo de las consolas para hablar del divertido y violento primer avance de "Farcry 5". Ubisoft también tiene su fuente de ingresos asegurada con esta franquicia que no hace mucho nos regalo un viaje al mesolítico con "Primal" y una excelente aventura en el Himalaya de la mano del 4to episodio. Todas estas aventuras en mapas abiertos, repletos de amenazas y con lineas argumentales que no hacen mas que ponerte en peligro todo el tiempo son más que bienvenidas por quien les escribe. "Farcry 5" recién llega a las consolas el 27 de febrero del próximo año, por lo que tendremos que esperar un tiempo largo para visitar Hope County y luchar contra los religiosos psicópatas que quieren destruirla. ¿Alguien pensó en "Red State" de Kevin Smith luego de ver el trailer?

Sin alejarnos del mundo de los videojuegos y volviendo al universo de las series, tenemos que hablar del primer avance de "Castlevania", el anime de Netflix basado en el popular juego homónimo. Ojo que este fichín también se conoció en muchas partes del mundo bajo el título "Vampire Killer" y es muy probable que lo hayas jugado en algún emulador de PC que rescataba los mejores títulos de la vieja y querida Nintendo NES. ¿Queda claro de que va esto, no? Vampiros y cazavampiros en una batalla histórica sin tregua. En fin, volviendo a lo que nos incumbe, el adelanto cumple en presentarnos el escenario principal (el castillo de Drácula) donde se desarrollará esta historia y a uno de sus protagonistas (que seguro lleva el apellido Belmont). Mucho ojo que esta producción que se estrena el 7 de Julio en la plataforma de streaming más importante del mundo lleva guión firmado por el señor Warren Ellis. No vamos a hablar de esta eminencia ahora, pero sin lugar a dudas será el toque distintivo más importante de "Castlevania".

Para cerrar este posteo, es muy importante dedicarle unas palabras a la Comic-Con Argentina, evento que acaparará toda la atención de los fanáticos de las series, el cine, la televisión y la literatura en todas sus expresiones durante este fin de semana. Desde ayer que el actor Nikolaj Coster Waldau (Jamie Lannister en "Game of Thrones") ya se pasea por la ciudad de Buenos Aires haciendo de las suyas, mientras que el inmenso Luc Besson dio una conferencia de prensa hoy por la mañana para hablar de "Valerian y la ciudad de los mil planetas". Hace instantes la joven Millie Bobby Brown se presentó en el predio Costa Salguero y, como era de esperarse, revolucionó a todos los asistentes. La verdad es que la Comic-Con Argentina está consolidándose a pasos agigantados como el punto de encuentro más importante para el fandom local y su éxito es sinónimo de alegría para los asistentes, organizadores y patrocinadores. Mañana seguramente estaré para la charla de Besson, veré a Coster Waldau y seguramente visitaré los espacios del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata y de Argentina Game Show, además de los stands de Diamond Films, Warner Bros y Paramount Pictures (voy por "Valerian", "Mujer Maravilla", "It", "Anabelle 2" y "Transformers" respectivamente!). En fin, esten atentos a Revista Toma 5, Twitter e Instagram que seguramente allí saldrán de forma más directa todas las novedades. El domingo/lunes recién me voy a poder sentar a hacer un pequeño balance de todo lo que dejó este evento. Se viene un finde movidito.

Ya estamos con el gran Luc Besson para hablar de #valerian Se viene! Se viene! 👐🎬 @DiamondFilmsArg pic.twitter.com/CHS9O4Js7I
— Punto Tiff (@Punto_Tiff) 26 de mayo de 2017

Bonus track: "Game of Thrones" inunda Entertainment Weekly y nos regala un lindo vistazo a la familia Stark. Con estas fotos, ¿Confirmamos que la ansiada reunión/venganza en la séptima temporada?

40 años del estreno de "Star Wars: Una nueva esperanza" (opinión)

2017-05-25T20:29:00.003-03:00

Tengo una envidia "sana" hacia aquellas personas que el 25 de Mayo 1977 vieron en la pantalla grande por primera vez "Star Wars: A new hope". Me los imagino como espectadores normales que al ver la película se enamoraron de ella y posteriormente empezaron la siempre difícil tarea de recomendarla a su grupo de amigos, familiares o simplemente desconocidos. ¿Alguna vez pensaron en el hermoso desafío que tuvieron que afrontar?

¿Cómo hablas de una producción que no se compara con nada que hayas visto previamente? ¿Cómo convences a alguien de que su vida va a cambiar para siempre después de ver una película? ¿Cómo seguís viendo cine después de haber experimentado la verdadera magia del séptimo arte por primera vez? Todos esos interrogantes solo los puede generar una película del calibre de "Star Wars" y es por eso que celebrar sus 40 años de vida es casi una obligación para los amantes del séptimo arte.

40 years ago in theaters not so far, far away.... #StarWars40th pic.twitter.com/6rpMMegQUY
— Star Wars (@starwars) 25 de mayo de 2017

Son pocas las películas que se graban a fuego en la retina de los espectadores con tan solo un visionado. No obstante, podemos nombrar algunas. Se me vienen a la cabeza otras de mis favoritas; "Psicosis", "2001: Odisea en el espacio", "Taxi Driver", "El Padrino", "Tiburón", "El Exorcista" y algunas más. Ahora bien, son muchísimas menos las producciones que abren sus enormes puertas imaginarias y nos invitan a recorrer universos completamente inéditos en donde todos los elementos tienen la capacidad de llamarnos la atención. Esa creo es la mayor virtud que tuvo "Star Wars: Una nueva esperanza" y fue a partir de ahí fue que George Lucas y compañía pudieron edificar una de las sagas más exitosas de la historia del cine a lo largo de todos estos años.

Poder descubrir cosas nuevas constantemente sobre algo que te gusta alimenta y fortalece toda clase de fanatismo. "Star Wars" en este sentido es el terreno de juego ideal porque durante estos 40 años de vida lo único que hizo fue expandirse de manera perfecta sin perder nunca su identidad. Pero volvamos por un segundo a 1977; ¿Qué hubieran hecho a la hora de buscar info sobre la vida y obra de ese imponente personaje llamado Darth Vader? ¿A quién recurrían si lo que querían era saber más sobre la vida del viejo y querido Obi Wan Kenobi? ¿Cómo entender la magnitud de la guerra de los clones si todavía nadie escribió de ella? ¿Cómo se convirtieron Han Solo y Chewbacca en los mejores contrabandistas de la galaxia? ¿Quién construyó la estrella de la muerte y cómo lograron los rebeldes robar los planos necesarios para llevar adelante su destrucción? "Una nueva esperanza" nos deja muchas preguntas sin responder dando vueltas en la cabeza luego de su primer visionado y fue el paso del tiempo el que se encargó de responder la mayoría de ellas.

Me considero un fanático empedernido de esta historia pero reconozco que el hecho de haber nacido varios años después de la conclusión de la primera etapa de esta saga me ayudó bastante. Cuando tuve la necesidad de saber más sobre personajes, planetas, naves, armas y otra clase de detalles pude acceder a toda clase de información sobre "Star Wars". Ya sean libros, revistas o especiales de televisión (internet ni figuraba en la vida de los que nacimos en los noventas), el universo creado por George Lucas seguía vigente muchos años después de su estreno y toda la información que necesitaba estaba al alcance de mi mano. Hoy el panorama es muy distinto y seguramente dentro de muchos años se dirá que es el mejor. Con una trilogía de precuelas ya consumada que integró a la generación Z y una nueva serie de películas (con spin-off´s incluidos) que deslumbra actualmente a todos los millenials, "Star Wars" sigue siendo una oferta irresistible para aquellos que busquen aventuras fantásticas en escenarios increíbles de la mano de una extensa galería de personajes genuinamente entrañables.

De más está decir que, si todavía no se sumergieron en toda la magia que tiene para ofrecer el universo "Star Wars", lo pueden hacer ahora sin ningún tipo de problema. Estoy seguro que quedarán maravillados con Luke Skywalker, Leia Organa, Han Solo, Chewbacca, Darth Vader, Obi Wan, C-3PO, RD-D2, los Stormtroopers y los Jawas. Estoy seguro que cada uno de ustedes se enamorará de una escena en particular y les será muy difícil borrarla de su cabeza por un largo rato y eso los llevará a que una vez que terminen de ver y disfrutar "Una nueva esperanza" arreglarán su agenda para hacer lo propio con "El imperio contraataca", "El retorno del Jedi", "La amenaza fantasma", "La guerra de los clones", "La venganza de los Sith", "El despertar de la fuerza" y "Rogue One".

No quería armar un posteo enumerando detalles, situaciones o perlitas sobre "Star Wars". Eso lo pueden encontrar en Revista Toma 5 en una genial nota escrita por Malena Baños Pozzati. Me gusta más la idea de aprovechar este lugar para invitar a todas aquellas personas que todavía no vieron estas películas a que cumplan esa deuda un día como hoy. Solo así entenderán el fenómeno de una historia que, pese a haberse desarrollado hace mucho tiempo en una galaxia muy lejana, sigue estando más vigente que nunca.

Nuevas imágenes de "Star Wars: Los últimos Jedi", Doug Liman abandona "Justice League Dark", Roland Emmerich ya tiene nuevo proyecto y los nuevos trailers de "Valerian" y "Spiderman: Homecoming" retratan perfecto las dos caras actuales del cine pochoclero.

2017-05-24T14:40:00.000-03:00

Todavía me sigo riendo de la llamativa salida a la cancha del equipo titular de Sacachispas. Resulta que por el partido de la Copa Argentina frente a Arsenal de Sarandi, el equipo dirigido por Norberto D'Angelo optó por salir al campo de juego con mascaras de distintos superhéroes, monstruos y animales. Incluso hay un stormtrooper. ¿Curioso, no? Las cargadas nos las vamos a tener que guardar, eso sí, ya que el equipo de villa soldati ganó por penales y avanzó así a los 16avos de la competencia.

Hablando de superhéroes, la sociedad Marvel/Sony aprovechó la fecha para publicar un nuevo avance de la esperada "Spiderman: Homecoming" de Jon Watts. Si no me equivoco, estamos frente al tercer trailer de esta película y la verdad es que la cosa no varía mucho: Sobran los momentos graciosos de la mano de Tony Stark (Robert Downey Jr.), las referencias al MCU siguen latentes y los villanos de turno apenas dicen presente. ¿Qué les pareció este avance? ¿Les interesa este regreso de Spiderman a la pantalla grande o solo se sienten obligados a ver esta película para no perderle el rastro al MCU? La verdad es que la repetición cansina de la formula Marvel funciona en muchos espectadores, pero a mi ya no me mueve ni un pelo. Recordemos que Tom Holland es parte importante del elenco de "Avengers: Infinity War", por lo que su primera película "en solitario" puede aportar varias pistas sobre el destino de Peter Parker. Veremos.

Lo que si no podemos dejar pasar en materia de trailers es lo nuevo de "Valerian". El último trabajo de Luc Besson ("El perfecto asesino", "El quinto elemento" y "Lucy") es cada vez más imponente y apunta a ser una de las experiencias cinematográficas más importantes de este año. Sin exagerar, se parece muchísimo en términos visuales a la espectacularidad que nos ofreció "Avatar" de James Cameron en su momento. Personalmente banco muchísimo esta clase de producciones arriesgadas en términos de producción. Se me vienen a la cabeza "John Carter" de Andrew Stanton y "Tron: Legacy" de Joseph Kosinksi, películas visualmente impactantes que no tuvieron suerte en la taquilla y siguen acumulando polvo en el cajón de los olvidos. Ojalá que "Valerian" no corra ese destino y se convierta en la saga de ciencia ficción que todos los fanáticos de "Star Wars" necesitamos como propuesta alternativa para los años que vendrán. "Star Trek" ya murió en términos cinematográficos y la nueva serie que desarrolla Netflix no llama demasiado la atención.

No se olviden que Besson llega al país en estas horas para su participación en la Comic-Con Argentina. Mañana estaremos hablando de eso en este lugar. Tranquilos (?).

Arranco con las cortitas y al pie. Variety anuncia que Doug Liman, responsable de "Identidad desconocida" , "Sr y Sra Smith", "Jumper" y "Al filo del mañana" pega el portazo y abandona "Justice League Dark", ese extraño proyecto que en su momento estaba en manos de Guillermo del Toro y que también quedó en la nada. Recordemos que "Justice League Dark" es otro proyecto comiquero en el que Warner y DC Comics planean reunir a John Constantine, La Cosa del Pantano, Deadman, Zatanna y Etrigan el Demonio para hacerle frente a amenazas sobrenaturales que superan al resto de los superhéroes. No hace mucho tiempo la división animada de Warner estrenó una versión animada de esta liga de superhéroes y recibió muy buenas críticas. De ahí parece que surge el apuro de concretar una adaptación live action lo antes posible, asi los fans no tienen problemas de memoria. ¿Quién suena para reemplazar a Liman? Ni más ni menos que el argentino Andy Muschietti, realizador que al día de la fecha sigue trabajando en la nueva versión de "It".

Pasemos rápido a lo que dice MovieWeb lo cual no es otra cosa que info oficial sobre el nuevo trabajo de Roland Emmerich. El director de "Día de la independencia" (y su fatídica secuela), "El día después de mañana" y "2012", entre otras, vuelve a las películas basadas en hechos reales con "Midway", un thriller situado en la segunda guerra mundial. En el pasado Emmerich dirigió la genial "El patriota" y con "Anonymous", si bien no logró un reconocimiento similar, tuvo muy buenas críticas. "Midway" estará un poco más cercana en el tiempo ya que girará en torno a una importante batalla aeronaval que tuvo lugar durante la Guerra del Pacífico (1937-1945). Con lo imprevisible que es Emmerich podemos estar frente a la nueva "Pearl Harbor" o frente a un peliculón. Nunca se sabe.

¿Cómo cerramos? Con la tremenda galería de imágenes nuevas que Vanity Fair publicó de "Star Wars: Los últimos Jedi". Toda la sesión de fotos estuvo a cargo de la histórica Annie Leibovitz, a quien le vamos a agradecer toda la vida por fotos como las de aquí abajo:

Mañana también voy a estar desarrollando un poco más los nuevos datos que surgen de la nota de tapa de esta publicación. Si alguno pregunta por qué, recuerden que el 25 de Mayo de 1977 se estrenó en los USA "Star Wars: Una nueva esperanza", el film que lo cambió todo. Así que aprovecharé el 40° aniversario de esta saga para armar un posteo especial.

Zack Snyder se aleja de "Liga de la Justicia"; y Joss Whedon sale al rescate de Warner, Tom Holland agarra el joystick y será Nathan Drake en la adaptación de "Uncharted", Universal confirma el "Dark Universe" con Johnny Deep y Javier Bardem a bordo, James Wan no se toma vacaciones y será (uno) de los responsables del reboot de "Resident Evil" y George Romero quiere agitar algunas jaulas en el género Zombie con una propuesta similar a "Mad Max".

2017-05-23T20:39:00.001-03:00

Mientras el mundo pone sus ojos (y bien que hace) en el terrible atentado sucedido en Manchester durante un recital de Ariana Grande, noticias relacionadas al séptimo arte apenas logran llamar la atención en ese contexto. No obstante, busquemos distendernos un poquito.

La primera noticia sin lugar a dudas es la más fuerte de la semana, el mes y quizás del año. En mi caso particular fue por el New York Times que me enteré de que Zack Snyder, máximo responsable del desembarco cinematográfico del DCU, abandona la post-producción de "Liga de la Justicia " debido a un problema familiar de impensada magnitud. Según le confirmó el director a The Hollywood Reporter su hija Autumn de 20 años se suicidó el pasado mes de Marzo y junto con su esposa Deborah Snyder (productora de la gran mayoría de sus trabajos) tomaron la decisión de no abandonar sus compromisos asumidos entendiendo que quizás esta medida los ayude a atravesar tamaña situación. No obstante, el duelo es necesario y por ese motivo la familia Snyder decide dar un paso al costado desde hace unas semanas dejando a "Liga de la Justicia " inconclusa en etapas decisivas. Lo impensado de esta situación es que Warner recurre ni más ni menos que a Joss Whedon, director de las dos primeras entregas de "Avengers" y de la futura adaptación a la pantalla grande de "Batgirl", para finalizar el trabajo de cara a cumplir con la fecha de estreno del film. Recordemos que la misma esta fijada para Octubre de este año.

Si están conmovidos e impactados por la noticia, imagínense lo sacudido que está Hollywood por este caso. Mensajes de apoyo a Snyder de parte de toda la creatividad artística, Whedon dejando entrever una vez más que lo suyo es amistad y compañerismo al ritmo de un perfil bajo que emociona y Warner en una postura indescifrable. ¿Se debe a este trágico suceso el cambio de fechas y la toma de decisiones relacionadas al DCU? ¿Por qué no movieron la fecha de estreno de esta producción entendiendo la gravedad del asunto? En fin, ni me cabe la idea de pensar en los resultados artísticos tras estos sucesos. Apoyó a Snyder en este momento durísimo y mis respetos a Whedon por salir a bancar a un amigo en un momento como este.

Snyder en el set de la ambiciosa "Batman V Superman".

Cambiamos la página y hablamos de perlitas que pueden quedar opacadas por el frenesí de los tiempos que corren. Dicen los colegas de IGN que Sony ya encontró a su Nathan Drake para la futura adaptación de "Uncharted", la exitosa franquicia de Naughty Dog exclusiva para Play Station que el año pasado cerró con bombos y platillos su incursión en las consolas. El elegido no es otro que el joven Tom Holland, quien este año tendrá que confirmar su carisma en "Spiderman: Homecoming" de Jon Watts. La verdad es que desde hace un rato largo que Sony quiere sacar adelante una adaptación de este popular juego y en un momento se rumoreó que Mark Whalberg estaba a bordo del proyecto en el rol de Drake. Ahora la cosa pega un giro de 180° y el elegido es un actor bastante más joven de lo que nos imaginábamos. Vale aclarar que no hace mucho, el gran Joe Carnahan ("The Grey") terminó un guión para esta adaptación y se animó a catalogarlo como "monstruoso". ¿Sigue siendo Shawn Levy ("Una noche en el museo", "Acero puro") el director de este film? Veremos.

Siguiendo con las cortitas, Forbes anuncia que Universal confirma y le pone título a lo que casi era un secreto a voces: El regreso de los monstruos más emblemáticos a la pantalla grande de la mano del "Dark Universe". El primer paso, obviamente, lo dará "La Momia" de Alex Kurtzman. En ella se nos presentará no solo al personaje del título (encarnado por Sofia Boutella) sino también al Dr. Jekyll/Mr. Hyde personificado por Russell Crowe. Más adelante se supone que veremos a Johnny Deep encarnando al hombre invisible y a Javier Bardem haciendo lo propio con Frankenstein. La pregunta que yo me hago es ¿Qué papel juega Tom Cruise en todo esto y dónde está Dracula y el monstruo de la laguna negra? Sabemos que "Dracula: Untold" fue un tiro al aire y que David Koepp ("Misión imposible") viene trabajando hace rato en el guión de lo que se supone será el relanzamiento de "Frankenstein". ¿Fechas? Se habla del 2019 y, según indica Forbes, tendremos "Bride of Frankenstein" de la mano de Bill Condon ("La Bella y la Bestia").

Antes de ir cerrando, Deadline nos invita a hablar de James Wan ("El juego del miedo", "El conjuro", "La noche del demonio", "Rápidos y Furiosos 7" y la futura "Aquaman"), quien levantó la mano para decir presente como productor en el impensado (?) reboot de la saga "Resident Evil" de la mano de Constantin Films y Screen Gems. Tras el cierre de la saga protagonizada por Milla Jovovich y dirigida por su marido Paul W.S Anderson, el fichín de CAPCOM quiere volver a la pantalla grande con un lavado de cara importante. ¿Tendrá algo que ver con la salida del séptimo juego de la saga? Todo parecería indicar que sí. Lo curioso es que Wan no se embarca solo en el proyecto sino que lo hace de la mano de Greg Russo, guionista que en la actualidad está también trabajando en el regreso de "Mortal Kombat" y "Robotech" a la pantalla grande. Al parecer la dupla Wan/Russo va por todo el mercado asiático, terreno en el cual la última película de "Resident Evil" amasó más de 160 millones de dolares. ¿Se podrá Wan detrás de las cámaras en alguno de estos proyectos? Si uno hace cuentas, todavía nos debe "El Conjuro 3" y vaya uno a saber el destino que correrá "Aquaman" u otros proyectos dentro del DCU. Tiempo no le sobra, claro esta.

El broche de oro es sin lugar a dudas el regreso más esperado dentro de lo que se refiere al cine de zombies (de calidad). Indie Wire confirma que George Romero, el responsable de verdaderos clásicos tales como "La noche de los muertos vivos" y "El amanecer de los muertos", regresa a la pantalla grande. Tras la fallida "Survival of the Dead", el padre de los zombies modernos vuelve para contarnos una historia que "combina Mad Max y Rollerball". Si bien no se pondrá esta vez tras las cámaras, Romero escribió el guión de "Road of the Dead" y su director será Matt Birman, quién se desempeñó como asistente de dirección en sus últimos tres trabajos. Este proyecto además supone el primero de muchos films nacidos gracias al mercado de co-producción "Frontières" perteneciente al prestigioso Fantasia Film Festival que se celebra desde 1996 en Montreal. Aplausos y más aplausos para Romero que a sus 77 años sigue aportando lo suyo a un género para muchos sobre explotado pero muy mal aprovechado.

El eterno Romero tiene que estar siempre!

Lamentablemente, así como abrimos con tristes noticias, nos toca cerrar este posteo con la triste perdida del gran Roger Moore a sus 89 años (1927-2017). Moore fue uno de los actores más "viejos" que supo ponerse en la piel de James Bond, la creación inoxidable de Ian Fleming. Cuando aceptó el personaje tenía 45 años, pero su enorme carisma y talento tiraron por la borda cualquier clase de comentarios o críticas negativas hacia esta decisión. Moore tomó la posta tras el breve paso de George Lanzenby y protagonizó 7 películas como el agente 007: "Vive y deja morir" (1973), "El hombre la pistola de oro" (1974), "La espía que me amó" (1977), "Moonraker" (1979), "Solo para sus ojos" (1981), "Octopussy" (1983) y "Panorama para matar" (1985). Cuando colgó el traje, su lugar lo tomó Timothy Dalton con "Alta tensión" (1987).

En definitiva, la de Moore es una perdida que duele y mucho en los fanáticos de este gran personaje y obviamente también en los más nostálgicos. Me ubico dentro del primer grupo. Buen viaje Roger!

Hasta luego Roger!

"Kon-Tiki: Un viaje fantastico" de Joachim Ronning y Espen Sandberg (2012)

2013-12-05T00:00:00.003-03:00

En 1947 el explorador noruego Thor Heyerdal partió desde Perú junto a un grupo de 5 personas hacia la Polinesia para comprobar su teoría (sobre la cual venía trabajando desde hace varios años) de que algunas de las islas ubicadas en el océano pacifico habían sido pobladas por tribus sudamericanas precolombinas.

Debido a que dicha hipótesis sonaba como un disparate en los círculos profesionales donde frecuentaba, Heyerdal no tuvo mejor idea que realizar esa hazaña al borde de una balsa construida completamente con materiales que, en su momento, podrían haber utilizado las antiguas tribus sudamericanas.

Incluso para la construcción de dicha balsa se utilizó un modelo autóctono de tribus peruanas precolombinas, además de maderas y cuerdas hechas con cáñamo. Los tripulantes solamente llevaron consigo algunos elementos modernos como brújulas, una radio y herramientas necesarias para una sobrevivir en una odisea que duraría alrededor de 100 días.

La radio, al igual que una cámara de video, fue utilizada para dejar registro de su epopeya. Años más tarde el material filmado en dicha travesía se convirtió en una película de 77 minutos que ganaría un Óscar en la categoría “Mejor Documental”.

“Kon-Tiki: Un viaje fantástico” es el resultado del gran riesgo que corrieron los realizadores noruegos Joachim Ronning y Espen Sandberg, al decidir llevar adelante una película de ficción, basada en estos increíbles hechos reales, para contar la historia detrás de los mismos.

Relatar de forma más humana todavía aquella travesía marítima que ya fue reflejada de forma precisa en el documental que filmaron sus propios protagonistas con el material recopilado en el lugar de los hechos no era tarea fácil. Sin embargo Ronning y Sandberg se valen de tres aspectos claves a la hora de construir su film: El increíble apartado técnico, las correctísimas actuaciones y el firme guión.

Visualmente “Kon-Tiki” es abrumadora y espectacular. El trabajo que hicieron con los efectos especiales no solo para reflejar todo el viaje marítimo, sino también para la recreación de ciudades y paisajes, es cautivador y paga por completo la entrada del cine.

Lo mismo ocurre con la edición de sonido y la banda sonora. La primera es un trabajo que también, al igual que el plano visual, vale la pena disfrutarlo completamente dentro de una sala de cine. Por su parte las partituras épicas y emotivas de Johan Soderqvist que musicalizan el film son sencillamente el mejor acompañante que tienen algunas de las hermosas escenas de “Kon-Tiki”.

Por su parte las actuaciones de Pål Sverre Valheim Hagen, Anders Baasmo Christiansen, Gustaf Skarsgård, Odd-Magnus Williamson, Tobias Santelmann y Jakob Oftebro son correctísimas y se distribuyen el peso de la película en sus hombros a medida que avanza el relato, logrando crear esa tan importante química de tripulantes dispuestos a dejar todo por el bien común.

Finalmente el guión, firmado por Petter Skavlan y el mismísimo Sandberg, te mantiene atrapado de principio a fin, con varias cuotas de suspenso, sin caer en demasiados clichés y emocionándote sin necesidad de golpes bajos o giros imprevistos en su parte final.

La convicción al sostener una idea propia, el entusiasmo a la hora de hablar de ella, el asumir riesgos para defender una hipótesis, la felicidad de embarcase en un viaje que tiene como objetivos cumplir un sueño y la emoción de saber que todo el esfuerzo valió en algún punto la pena son algunas de las aristas que se lograron explotar de forma correcta en este relato ficticio sobre la travesía de los tripulantes del Kon-Tiki.

El cómo se dice y el qué se dice son puntos claves a la hora de hablar de una película. Cuando ambos se combinan de forma perfecta, salen grandes películas para recomendar como es el caso de “Kon-Tiki: Un viaje fantástico”.

Calificación: Excelente

Trailer:

Facundo J. Ramos

ramos.facundo@revistatoma5.com.ar

"Este es el fin" de Seth Rogen y Evan Goldeberg (2013)

2013-12-05T00:00:00.002-03:00

Son pocas las producciones que se ríen abiertamente de la imagen (muchas veces basadas en el imaginario popular) que tienen algunos artistas de Hollywood.

En televisión “Saturday Night Live” es el mejor ejemplo de que las caricaturas que se pueden crear en base a la fama y personalidad de algunos de los actores de la meca del cine garpan bastante en el publico.

Por eso cuando hablamos de “Este es el fin” hay que tener en cuenta que no estamos frente a una revolución del genero, ni un resurgimiento de la comedia ya que era cuestión de tiempo que alguien decidiera hacer completamente una película con ese esquema.

Los aplausos y el merito de haberlo hecho de una vez por todas se los llevan los debutantes directores Seth Rogen y Evan Goldeberg, quienes en su relativamente corta carrera del mundo del entretenimiento cuentan en su haber con guiones de la talla de “Superbad”, “Pineapple Express” y “The Watch”.

Rogen y Goldberg se rodearon de amigos del ambiente hollywoodense durante esas producciones y otras tantas en las que se vieron involucrados (sobre todo Rogen que es actor) y tomaron el coraje suficiente para reunirlos a todos y convencerlos de concebir una película cuyo eje principal es “Vamos a reírnos descaradamente de nosotros mismos”.

Como la risa es un estimulo físico que se transmite de forma contagiosa de unos a otros cuando es genuina, “Este es el fin” se puede posicionar tranquilamente como una de las mejores comedias que se hicieron en los últimos años en Hollywood.

Rogen y Goldberg decidieron hacer una sátira de sus propias vidas y de la de sus amigos para contar una historia tan absurda, ridícula, exagerada y deslumbrante que cumple su prometido de entretener a los espectadores de principio a fin.

Seth invita a su mejor amigo Jay Baruchel a pasar unos días en su casa de Los Ángeles. La misma noche de su arribo, Seth le propone a Jay ir a una fiesta en la casa de James Franco donde estarán todos sus otros amigos: Michael Cera, Jonah Hill, Craig Robinson, Rihanna, Christopher Mintz-Plasse, Mindy Kailing, Danny McBride y Emma Watson entre otros.

Pese a que Jay se opone a dicha propuesta en un principio (ya que no se banca a Jonah Hill, entre otros), termina aceptando el plan y lo que comienza como una noche de fiesta plagada de drogas y alcohol termina viéndose opacada por un evento que cambiará sus vidas para siempre.

Por eso una vez que estés dentro de la sala vas a empezar a darte cuenta que las cosas toman una magnitud increíble y terminan pasándose completamente de rosca para estrellarse de lleno en un desenlace grotescamente divertido que en ningún momento te viste venir.

Tenés que ser muy amargo para que los últimos 15 minutos de esta película no te provoquen una catarata de risas.

Ahí radica otro de los grandes méritos de “Este es el fin” y es que la película va de mayor a menor a medida que avanza el relato y realmente se nota el esfuerzo que pusieron todos los que están involucrados en este proyecto para superarse a sí mismos escena tras escena.

Por si fuera poco cuando parece que ya no quedan más recursos para explotar ahí aparece el presupuesto hollywoodense de esta producción y nos tira por la cabeza un apartado técnico increíble que justifica por completo que pagues una entrada de cine para ver esta película.

Por gente que se anima a reírse de sí mismos como es el caso de Rogen, Baruchel, Hill, Robinson, McBride y Franco y por producciones como “Este es el fin” podemos decir que la comedia sigue estando con vida.

Calificación: Muy Buena

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Facundo J. Ramos

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"Machete Kills" de Robert Rodríguez (2013)

2013-12-05T00:00:00.001-03:00

Machete se hizo muy popular gracias a un falso tráiler que se proyectó en “Grindhouse” película que fue un fracaso comercial impresionante en los Estados Unidos. Sin embargo sus primeras apariciones se remontan a la saga de “Pequeños Espías” (dirigida también por Rodriguez) en donde era el popular y siempre mencionado tío “Machete Cortez” de los pequeños protagonistas.

En el 2010 Robert Rodríguez se animó y realizó la primera película en solitario de este personaje y puso a Danny Trejo al frente de un elenco compuesto por Robert De Niro, Don Johnson, Michel Rodríguez, Jessica Alba, Steven Seagal y Lindsay Lohan.

Acompañando de una historia que parecía simple pero criticaba abiertamente la política de control de inmigrantes que ejerce los Estados Unidos, Trejo (actor que hizo una carrera en base a papeles secundarios y protagónicos en films destinados al videoclub) se subió a una montaña rusa en donde él era el eje del universo bizarro y descabellado concebido por Rodríguez.

Pese a que Rodríguez siempre fantaseó con la idea de una saga con este personaje, al igual que lo hizo con en su momento con el Mariachi (protagonizado por Antonio Banderas), el imprevisible éxito de aquella producción le jugó una muy buena pasada en esta segunda entrega de las aventuras de Machete.

En la primera película el realizador se vio obligado a seguir una línea argumental muy similar a la del tráiler que popularizó al personaje, en cambio ahora se nota que Rodriguez se tomó libertad absoluta para contar una historia mucho más exagerada, entretenida y por momentos más ambiciosa que su antecesora.

Dejando de lado esa camuflada crítica social que decía presente en el film del 2010, “Machete Kills” es puro entretenimiento dirigido a aquellos que buscan pasar un gran momento dentro de una sala de cine viendo una película con aroma a “clase b” pero llena de talento de primer nivel.

Un hilarante Mel Gibson, una deleitante Amber Head, un excelente Demian Bichir (se roba la película por completo) y momentos divertidísimos de parte de Sofia Vergara, Antonio Banderas, Lady Gaga y el gran Tom Savini, son algunas de las migajas que Rodriguez arroja al publico más exigente mientras conduce los hilos de esta aventura al terreno donde él se siente más cómodo: el delirio total.

Párrafo aparte para Carlos Estévez, una de las mejores interpretaciones que se hizo del presidente de los Estados Unidos en los últimos años dentro de Hollywood.

Con “Machete Kills” Robert Rodriguez escribe, edita, produce, musicaliza, se encarga de la fotografía y dirige una de sus mejores películas hasta la fecha, llenándola de momentos memorables y guiños hacia el cine que lo marcó en su infancia y que lo convirtió en este monstruo imprevisible que es hoy, capaz de hacer una película de forma atípica (anticipándote el final apenas arranca el film) y mantenerte en vilo igual durante 107 minutos.

Eso lo logra gracias a que desde el arranque aprovecha los personajes viejos, se toma su tiempo para desarrollar los nuevos y después sin muchas vueltas te mete de lleno en el conflicto central, cerrando todo con un desenlace a pura acción que termina por ofrecer una de las escenas más bizarras e impensadas de este 2013.

Que quede claro: “Machete Kills” no es mejor que la primera, pero es una gran secuela que respeta el esquema de segunda parte de forma perfecta y te deja al borde de una más que necesaria tercera parte donde el control absoluto lo tiene su realizador.

De concretarse esa locura, Robert Rodriguez dará por finalizada su misión de conquistar Hollywood ni más ni menos que poniendo un mexicano en el espacio.

Definitivamente Machete es el Austin Powers de esta generación.

Calificación: Buena

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Facundo J. Ramos

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"Paranoia" de Robert Luketic (2013)

2013-12-05T00:00:00.000-03:00

Después de dos somníferas incursiones en las comedias románticas como lo fueron “La Cruda Realidad” y “Asesinos con estilo”, Robert Luketic vuelve a mostrar la cara más interesante de su filmografía en esta nueva producción.

Con “21 Blackjack” el realizador había demostrado que tenia habilidad para moverse de forma genuina y entretenida por el terreno de los thrillers y el suspenso, pero se alejó de esa faceta para realizar los films mencionados anteriormente que fueron completamente irrelevantes y aburridos.

"Paranoia” supone una nueva incursión de Luketic dentro de esos géneros, nuevamente de la mano de una historia que tiene adolescentes ambiciosos decididos a participar de complots y estafas sin medir las consecuencias que estas acarrean.

A diferencia de “21 Blackjack” donde el protagonismo se repartía de forma equitativa entre un grupo de jóvenes actores y un par de actores de peso (Kevin Spacey y Laurence Fishburne) ofreciendo un resultado mucho más aceptable, en “Paranoia” gran parte del peso del relato cae sobre Liam Hemsworth, quien como no podía ser de otra forma, hace honor al apellido y ofrece mucho musculo y poco talento.

Ese es uno de los puntos más flojos de ésta película, ya que Hemsworth que no genera empatía en ningún momento y ni hablamos de transmitir credibilidad.

Su personaje pasa de ser un joven emprendedor de una importante compañía multinacional a un infiltrado que trabaja para la competencia de la noche a la mañana y en ningún momento notamos los efectos de semejante cambio ni a través de su actuación, ni por merito del film.

Hemsworth, quien homenajea a Zoolander al poner la misma cara en todas las escenas, no parece ser el único responsable de esto, ya que los guionistas (Jason Hall y Barry Levy) tampoco logran justificar la mayoría de las situaciones ni mantener el buen ritmo que la película logra por momentos.

Por si fuera poco en “Paranoia” hay un pobre y llamativo trabajo de edición que no se entiende demasiado. Ver algunas caras conocidas en personajes que a priori parecen interesantes pero ocupan pequeños huecos dentro de la historia (Richard Dreyfuss, Julian McMahon, Lucas Till y Josh Holloway) da a entender que a ésta película la cortaron con los dientes por motivos que no se entienden demasiado. Sucede todo lo opuesto con los roles de Gary Oldman y Harrison Ford, quienes en sus todas sus apariciones (incluso las más pequeñas) terminan siendo el foco de atención, ya sea gracias al trabajo de estos dos grandes actores o al peso de sus personajes en determinadas situaciones.

De todas formas los editores se encargaron de dejar por un lado todo aquello que buscan los más jóvenes (Hemsworth y Amber Head liderando una cuadrilla de carilindos que aparecen y desaparecen del relato cada tanto) y migajas de un thriller, que recuerda a “Duplicidad” de Tony Gilroy (2009), y por momentos es interesante y llevadero.

El acertado trabajo de cámaras de Luketic, una correcta fotografía, las actuaciones de Ford y Oldman sumadas a una banda sonora que le pone ritmo hasta a lo más irrelevante (muy buen trabajo de Junkie XL) hacen llevadero el camino llano y sencillo que hay que recorrer para entender, disfrutar y entretenerse sin demasiadas expectativas con una película bastante chica como lo es “Paranoia”.

Calificación: Regflar

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Facundo J. Ramos

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"Omisión" de Marcelo Páez Cubells (2013)

2013-11-28T00:00:00.001-03:00

Hace más de 10 años hubo en la televisión una gran serie argentina llamada “Tiempo Final”, cuyo éxito radicaba en que sus episodios contaban en menos de 60 minutos una historia de suspenso, con tintes policiales y a veces con algunos toques de terror.

Había grandes capítulos en aquella producción, algunos incluso dignos de ser desarrollados en otros formatos donde el tiempo y el presupuesto les jugaran más a su favor.

“Omisión” de Marcelo Páez Cubells tranquilamente podría haber encajado en aquel formato televisivo, ya que si bien es una buena historia de suspenso que logra mantener enganchado al espectador hasta su final, por momentos el cine, sus tiempos y los espacios que este tiene que atravesar le quedan muy grandes a esta película.

El guión (que también lleva la firma de Cubells) es sin dudas el punto más interesante de esta propuesta, donde además de presentarnos una serie de personajes bastantes oscuros, de pasado dudoso y con un accionar impredecible, hay una serie de pasajes bastantes perversos y sorprendentes en la trama que son dignos de un buen thriller.

Sin embargo, repito, el problema de “Omisión” es que no logra aprovechar todos los recursos del cine de forma correcta.

Desde una edición bastante floja que utiliza mucho el recurso de fundir en negro la pantalla para saltar de escenarios, una musicalización que por momentos se vuelve repetitiva y monótona (aunque en otros instantes, es una pieza clave a favor del desarrollo del film) y hasta un grupo de actores secundarios que deja mucho que desear, “Omisión” presenta falencias que se notan y los 100 minutos en los que se extiende el film nos las hacen sentir mucho más pesadas aún.

La fotografía de Leandro Martínez en cambio es un punto a su favor, como así también el trío protagónico en el que se apoya la película, compuesto por Gonzalo Heredia, Carlos Belloso y Eleonora Wrexler.

Obviamente hay momentos en los que la irregularidad de la película, la falta de ritmo y las idas y vueltas sobre un mismo hilo, les pasa factura a los personajes de estos actores, poniéndolos en situaciones innecesarias y de las cuales no salen tan bien parados.

Por eso digo que si bien la historia de “Omisión” no es mala, sino que al contrario tiene mucho viento a su favor, termina estirándose demasiado dentro del cine, desaprovechando gran parte de las buenas herramientas que éste ofrece y dejando como saldo final una película regular que no aburre y hasta puede recomendarse sin problemas, pero no con gritos de entusiasmo y alegría.

Quizás lo que si pueda festejarse es que, de a poquito, son cada vez más los realizadores que se animan a hacer cine comercial de género en nuestro país, donde existe un amplio público dispuesto a consumir esta clase de productos.

Pero todavía falta, aunque parece que no demasiado, para que alguien termine de acomodar las piezas en las medidas justas y tengamos así los grandes thrillers locales que todos queremos ver y soñamos con alguna vez poder ver.

Calificación: Mala

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Facundo J. Ramos

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"Una segunda oportunidad" de Nicole Holofcener (2013)

2013-11-28T00:00:00.000-03:00

El cine trabaja casi siempre con ficción. Y si nos ponemos más rigurosos, podemos decir que realmente la objetividad no existe dentro de ningún ámbito, por lo tanto el séptimo arte definitivamente siempre ahonda en una visión de la realidad distorsionada o en el plano de lo ficticio.

Eso no quiere decir que no existan películas, realizadores y guionistas que intenten mostrar el lado más humano y realista de una historia sino que, en general, es algo complicado trabajar sobre lo cotidiano sin caer en el aburrimiento y a su vez también lo es tratar de garantizar el entretenimiento en base a no distorsionar demasiado esa realidad.

Por eso no suelen hacerse muchas producciones de este estilo. Al menos destinadas a la pantalla grande donde el tiempo, por ejemplo, es un factor clave.

Los dramas y las comedias (géneros que suelen mezclarse con resultados ambiguos) hacen equilibrio entre lo racional y lo absurdo de sus argumentos. A veces la balanza se inclina demasiado hacia un lado, otras veces hacia el otro y la realidad es que los extremos nunca ofrecen resultados completamente buenos.

“Una segunda oportunidad” tiene un merito que se destaca por encima de todas las cosas y es que el guión escrito por Nicole Holofcener (directora también del film) logra combinar en pequeñas dosis el drama y la comedia en el contexto realista, simple y cotidiano donde se desenvuelven sus personajes.

Y la verdad es que es interesante ya que el disparador del film es lo suficientemente consistente como para dispararse a cualquiera de los dos extremos (real o absurdo) dentro de cualquiera de estos dos géneros. Sin embargo, siguiendo su tradición de pequeños trabajos simplistas, Holofcener vuelve a demostrar que la clave siempre radica en el pulso y el tacto que se tiene a la hora de escribir una historia y dirigir un film.

Por eso seguimos los pasos de Eva (gran trabajo de Julia Louis-Dreyfus), una masajista que lleva 10 años divorciada y está al borde de afrontar un momento importante de su vida como lo es la partida de su única hija, Ellen (Tracey Farewey), a la universidad.

Dentro de ese contexto de cambios, conoce en una fiesta a Marianne (Catherine Keener) una cliente que de a poco se irá convirtiendo en su nueva amiga y a Albert (el ya entrañable James Gandolfini), con quien empieza una relación amorosa sin conocer una extraña coincidencia que le depara el destino: Él es el ex esposo de Marianne y también se prepara para la partida de su hija.

Con buenos y genuinos momentos de humor, enredos y situaciones no tan descabelladas que agitan un poco el relato y pequeños pincelazos de un drama que no es más que una leve y sencilla reflexión sobre el paso del tiempo, el amor y las inevitables vueltas de la vida, “Una segunda oportunidad” es un film que se deja ver y se disfruta bastante.

Quizás lleve el peso de ser una película chica, con una historia más idónea para desarrollarse en otros medios, pero no por eso el nuevo trabajo de Holofcener deja de ser una linda y colorida anécdota retratada de forma precisa dentro del séptimo arte que, sin ser perfecta (nunca lo aspira), es muy reconfortante y digna. Vale la pena darle una oportunidad.

Calificación: Buena

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Facundo J. Ramos

ramos.facundo@revistatoma5.com.ar

"Los Juegos del Hambre: En llamas" de Francis Lawrence (2013)

2013-11-21T00:00:00.000-03:00

Nunca fui amigo de esta clases de producciones, pero en su momento lo que me pasó con la primera entrega de “Los Juegos del Hambre” dirigida por Gary Ross fue que su historia me llamó rápidamente la atención.

Si bien la originalidad no estaba a la orden del día (en muchos aspectos es similar Battle Royale de Koushun Takami), para ser Hollywood y tratarse de un best seller, me parecía algo innovador e interesante.

El trabajo de Ross en su momento, si bien no me parece una obra de arte, acertaba en dos aspectos: Ritmo y suspenso. Ambas cosas le impregnaban a aquel film dinamismo y sorpresas hasta su final, lo cual me dejó con un buen sabor de boca.

Para esta segunda parte, habiendo digerido todas las sorpresas, los giros y las idas y vueltas de su antecesora, me esperaba mucho más y el resultado es un producto regular, casi paupérrimo.

Dirigida por Francis Lawrence (Constantine, Soy Leyenda), “En Llamas” retoma las líneas abandonadas en la primera entrega: Katniss (Jennifer Lawrence) y Peeta (Josh Hutcherson), ganadores de la 74º edición de los juegos del hambre envueltos en un falso circulo de éxito que intenta distraer a la población de los distritos de sus verdaderos problemas, se ven nuevamente obligados a participar de la competencia que los traumó hace un año, en lo que esta vez se conoce como “Vasallaje de los Veinticinco”.

En pocas palabras: Una cacería mortal entre los ganadores de todos los juegos anteriores para conmemorar los 75 años de dominación del Capitolio.

Creo que ahí radica el principal problema de la película (lo cual habla también un poco de la calidad de la saga) y es que en esta segunda incursión se vuelven a repetir los esquemas de la primera entrega, volviéndose completamente predecible y aburrida.

La última hora de “En Llamas”, que viene a ser la más interesante de esta producción en todos los sentidos, ofrece lo mismo que su antecesora, con algunos pequeños e intrascendentes cambios (el escenario, las dificultades y los participantes).

Nuevamente asistimos a la presentación de nuestros personajes a los espectadores del show, para luego verlos entrenando para los juegos, eligiendo sus aliados y finalmente participando de la cacería, algo que ya no sorprende ni puede generar mucho entusiasmo.

Poner a los mismos personajes, en la misma situación, ya sabiendo de antemano que si lograron sobrevivir en la primera ocasión, seguramente en esta lo vuelvan a lograr, es algo a lo que no le encuentro gracia ni lógica.

“En Llamas” en términos de linealidad para la saga de “Los Juegos del Hambre”, no avanza, ni tampoco retrocede. Solo se estanca y promete.

La resolución pasa a convertirla en una película puente, cuya única función parece ser un prologo de la tercera parte por llegar, la cual de por sí tendrá que tapar varios agujeros pendientes.

Desde personajes completamente chatos que de repente adquieren una trascendencia injustificada y desmedida, situaciones que se desarrollan de forma imprevisibles y casi dos tercios del film donde no pasa absolutamente nada significativo, “En Llamas” es más de lo mismo, aunque en forma de reflejo borroso de algo que funcionó en su momento y ahora (¿Tan pronto?) muestra signos de agotamiento.

Bajen las expectativas porque están frente a una película tan tibia que es incapaz de quemar a nadie.

Calificación: Regular

Trailer:

Facundo J. Ramos

ramos.facundo@revistatoma5.com.ar

"Thor: Un Mundo Oscuro" de Alan Taylor (2013)

2013-11-14T00:01:00.000-03:00

Desde que Marvel lanzó esa bomba pochoclera atómica conocida como “Los Vengadores” (Josh Whedon, 2012) el destino de todo su universo cinematográfico se vio alterado por los efectos exitosos y devastadores de aquella producción.

De hecho el primer gran movimiento polémico post-vengadores que dio el estudio es dejar afuera del tablero de sus próximos proyectos a Tony Stark (Robert Downey Jr.), quien luego de “Iron Man 3” (Shane Black, 2013) parece no tener un lugar asegurado en la denominada “Fase 2”.

Ahí entra a jugar Thor, quien en su segunda película tiene que levantar la batuta y hacerse cargo de gran parte de la suerte que correrán en el futuro las siguientes producciones de los superhéroes de Marvel, entre las que se encuentran “Capitán América: Soldado de Invierno”, “Guardianes de la Galaxia” y “Ant-Man”.

El príncipe asgardiano no escapa de tamaña responsabilidad, ofreciendo en esta oportunidad un producto muy superior en muchos aspectos con relación a su antecesora, aunque también cometiendo y ampliando algunos de los errores que presentaba la película dirigida por Kenneth Branagh en el 2011.

Dentro de lo positivo encontramos el desembarco definitivo del dios del trueno y su inseparable mjolnir en la pantalla grande, con escenas de acción grandilocuentes, épicas y visualmente espectaculares que se asemejan mucho más al comic y a lo que todos los fanáticos de los superhéroes queremos ver en la pantalla grande.

Cada vez que Thor agarra su martillo comienza una tremenda escena de acción, que acompañada esta vez del correcto uso del 3-D, termina por ofrecer gratos momentos dentro de la sala de cine.

Gran parte de eso se debe al director Alan Taylor, quien además de apoyarse en su gran capacidad de dirección para las secuencias de acción, hizo un trabajo notable en la fotografía y la música.

Kramen Morgenthau, quien sorprendentemente también viene de trabajar mucho tiempo en la televisión al igual que Taylor, realizó un trabajo soberbio en el aspecto visual de “Thor: El Mundo Oscuro”, ofreciendo no solo imágenes poéticamente bellas de Asgard, sus construcciones y ceremonias (hay una en particular que es tristemente hermosa), sino también de todos los reinos de Yggdrassil que dicen presente en esta película.

Por su parte, la música a cargo del siempre cumplidor Brian Tyler, por fin le impregna el tono épico tan esperado por todos los fanáticos a una producción de Marvel, las cuales no solían ser fuertes en este sentido.

Por lejos, la invasión de los elfos oscuros a Asgard y la batalla final con Malekith (Christopher Eccleston) en Londres son un ejemplo perfecto de esto, además de ser escenas impresionantes que pagan la entrada de cine por completo.

Los problemas nuevamente con Thor pasan a ser sus compañías. Natalie Portman como Jane Foster podrá ser hermosa, pero no le quita lo nefasto, tonto y aburrido que se vuelve su personaje a medida que avanza la película. Más que una científica parece una quinceañera con ganas de conseguir novio. Por su parte Stellan Skarsgard ya está completamente desfigurado y lo arrojaron al plano de la comedia con su profesor Erik Selvig, ofreciendo situaciones patéticas que no causan la más mínima gracia.

Sin embargo el premio mayor se lo lleva ella, la Jar Jar Binks de la saga “Thor” y el personaje más nefasto y estúpido del universo Marvel. Hablo de Kat Dennings y su infumable papel como Darcy Lewis.

Por si fuera poco, esta vez, sumaron a su versión masculina interpretada por Jonathan Howard, lo cual solo empeora las cosas.

Y ojo que lo malo de “Thor: Un Mundo Oscuro” no pasa solo porque el accionar de estos personajes es molesto, sino porque en definitiva terminan arrastrando a todo el resto con ellos para que se desenvuelvan de forma ridícula e innecesaria en momentos inoportunos.

Thor tomándose el subte en plena batalla final es algo que no funciona bajo ningún aspecto.

Lo frustrante es que todo el resto de los personajes, desde el cada vez más grande Loki (Tom Hiddleston perfecto) quien se consolida como uno de los personajes más interesantes de Marvel dentro del cine, Odin (Anthony Hopkins amoldado increíblemente al cine pochoclero), Frigga (Renne Russo impecable) hasta Heimdall (el siempre presente Idris Elba) se convierten en aliados perfectos de Thor para contar esta aventura, pero hacia la parte final de la película desaparecen por completo, dejándolo solo junto a sus malas compañías.

Si no fuera por este aspecto, sin dudas estaríamos hablando de una película digna de seguir la jerarquía impuesta por “Los Vengadores”.

Una lástima, porque “Thor: Un Mundo Oscuro” es una de las películas más grandes y arriesgadas de Marvel por su increíble apartado técnico, su grandiosa puesta en escena y porque, en definitiva, es el primer paso hacia un mundo nuevo de aventuras que recién acaba de empezar y promete un montón.

Bienvenidos a la “Fase 2”.

Calificación: Muy Buena

Trailer:

Facundo J. Ramos (@FakaJr)

ramos.facundo@revistatoma5.com.ar

"El Mayordomo" de Lee Daniels (2013)

2013-11-14T00:00:00.002-03:00

Eugene Allen nació el 14 de Julio de 1919 en Scottsville, Virginia, donde pasó toda su infancia y gran parte de su adolescencia trabajando como peón y posteriormente como sirviente de una familia acaudalada dueña de grandes campos.

Al salir de allí, donde había aprendido todo lo necesario para trabajar como mayordomo, trabajó en el prestigioso The Omni Homestead Resort, ubicado en la misma ciudad. Años después se mudaría a Washington D.C para trabajar en un reconocido Country Club.

Por esas vueltas de la vida, Allen se enteró de que la Casa Blanca estaba realizando entrevistas laborales en busca de asistentes para diferentes puestos, por lo que se presentó y quedó seleccionado como parte de un nuevo grupo de trabajo.

Desde el año 1952 y hasta 1986, Eugene Allen trabajó en la Casa Blanca donde fue subiendo peldaños lentamente (entre ellos, el de mayordomo) hasta llegar a convertirse en Maestro de Sala.

Allen atravesó a lo largo de sus 34 años de trabajo de 8 periodos presidenciales (Eisenhower, Kennedy, Johnson, Nixon, Ford, Carter y Reagan) y, por ende, vivió desde adentro algunos de los sucesos más importantes de la historia norteamericana moderna.

De toda esa historia verídica se valieron el director Lee Daniels (“Preciosa”) y el guionista Danny Strong para realizar una película que va mucho más allá del drama y el patriotismo norteamericano y se centra en un plano mucho más interesante: Los cambios sociales y políticos que generaron los afroamericanos dentro de los Estados Unidos debido a la opresión y violación de derechos que sufrieron por la segregación racial.

Ahí me quiero centrar para hablar de “El Mayordomo”, ya que se trata de un film inteligente, con una interesante puesta en escena, grandes actuaciones y un honesto y sentido mensaje social que critica en voz alta a la xenofobia, al racismo y a cualquier otra postura anti-igualitaria.

El único problema que tiene esta producción está tan encastrado, tan insertado dentro de su raíz, que resulta muy difícil hablar de él sin caer en la injusticia y la critica sin sentido.

Estoy hablando de Lee Daniels, director que se propone hacer llorar a una persona hasta llenar de lágrimas una pileta olímpica en todos sus trabajos cinematográficos a costa de golpes bajos innecesarios, personajes irrelevantes y situaciones pegajosamente dramáticas.

Si bien en esta nueva película Daniels no disparó todo su repertorio de amarillismo y sensibilidad barata como si lo hizo en “Preciosa”, se esmeró por darle un lugar importante a esas pequeñas dosis de lágrima fácil en varios momentos del film.

El inicio y el final de “El Mayordomo” son el claro ejemplo de esto, pero también hay muchas otras manchitas más que demuestran que Daniels todavía no consiguió pulso prolijo para darle el machazo justo al espectador y emocionarlo de forma honesta.

Quiero decir; Se nota demasiado, y hasta resulta chocante, cuando “The Butler” se propone pegar bajo en el espectador ya que lo hace de forma absurda, inesperada e injustificada a través de su guión.

Y es una verdadera lástima porque estamos verdaderamente frente a una gran película que, sin necesidad de caer repetidas veces en el golpe bajo, logra hacernos reflexionar sobre un contexto histórico y social que todavía sigue vigente en algunas partes del mundo (de forma menos explícita) y que se adaptó lamentablemente para castigar a nuevas minorías.

“El Mayordomo” está ligada históricamente a la lucha por sus derechos como seres humanos y personas que sufrieron y llevaron adelante los afroamericanos (con referencias a personajes como Martin Luther King, las panteras negras, Nelson Mandela y la mismísima presidencia de Barack Obama), pero tranquilamente la podes trasladar y analizar en contextos actuales donde la homofobia y el racismo todavía sigue cobrándose víctimas a lo largo de todo el mundo.

Por si fuera poco cuenta con un elenco repleto de talento, donde se destaca ampliamente Forest Withaker, seguido por David Oyelowo, Cuba Gooding Jr. y Alan Rickman.

De hecho, por momentos, la historia paralela que sigue la vida del personaje interpretado por Oyelowo termina siendo mucho más interesante que aquella que tiene como protagonista al mayordomo, lo cual es un indicio de que la película podría haberse tranquilamente encarado desde otro lado, con las mismas intenciones, y el resultado sería igual de gratificante.

Sin embargo “El Mayordomo” es una propuesta que vale la pena destacar, pese a sus golpes bajos y ciertos pasajes nacionalistas, por su sincero y directo mensaje a favor de la igualdad de derechos en el mundo entero.

Que para cumplir ese objetivo se haya escrito un guión (basado ligeramente en personajes y situaciones reales) y posteriormente filmado una película de intachable factura técnica, con excelentes actuaciones, es algo que merece la pena ser apreciado y reconocido.

Calificación: Buena

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Facundo J. Ramos (@FakaJr)

ramos.facundo@revistatoma5.com.ar

"El Abogado del Crimen" de Ridley Scott (2013)

2013-11-14T00:00:00.000-03:00

Si hay algo que no podemos negar del nuevo trabajo de Ridley Scott es que se trata de un film polémico, que busca dividir aguas y ofrecer un punto de vista sobre el mundo criminal y las organizaciones ilegales que el cine comercial no se anima a mostrar frecuentemente.

Generalmente cuando se habla de narcotraficantes y criminales dentro del cine estadounidense se cae dentro del cliché de que “los malos son los de afuera” (casi siempre mexicanos u latinos) y los buenos, los únicos que luchan contra el consumo de drogas y estupefacientes, son los nacidos en aquel país del Norte.

Por si fuera poco, a todo ese combo, se le agrega una dosis de cinismo que termina por retratar a estos criminales como gente de bajo recursos, organizada en asentamientos en medio del desierto y que subsisten gracias al apoyo y complicidad que reciben por parte de corruptos gobiernos estatales.

Ridley Scott (director inteligente, maduro y con suficiente huevos) y el escritor Comac McCarthy (autor de “No Country for Old Men” y “The Road”) decidieron romper con esa línea fantástica, cargada de estereotipos y prejuicios, para ofrecer una visión mucho más realista y acertada de cómo se mueven en la actualidad aquellos sujetos que forman de uno de los negocios ilegales más rentables del mundo, después de la venta de armas y el tráfico de mujeres.

Por ese motivo “El Abogado del Crimen” (titulo explicito si los hay) retrata el destino de un abogado (Michael Fassbender), del cual nunca sabemos su nombre, que en vistas a formar una familia y establecerse bien económicamente junto a su esposa Laura (Penelopé Cruz) decide invertir una cantidad de dinero importante en una operación de narcotráfico, donde también está involucrado un amigo suyo, Reiner (Javier Bardem) y su excéntrica novia Malkina (Cameron Díaz).

Cuando las cosas salen mal, fuera del rumbo planeado por un intrigante personaje llamado Westray (Brad Pitt), todos los protagonistas de esta historia conocerán la verdadera cara del mundo al cual quisieron ingresar, sin siquiera conocer sus reglas.

El punto más alto de la nueva película del director de “Prometheus”, “Black Hawk Down” y “Blade Runner” es precisamente ese: Mostrarnos lo fácil que puede resultar hoy en día ingresar a estos negocios turbios y como la gente ambiciosa pretende ejercer también su dominio en un verdadero territorio hostil y violento, donde la única ley que rige es la de la selva.

Los paralelismos que podrían trazarse entre la realidad (sobre todo con hechos que sucedieron en el plano local) y la trama que propone “The Counselor” son numerosos, por lo que repito nuevamente, ahí está la clave y el gran merito de esta película que sin embargos presenta falencias en otros aspectos.

El numeroso y prestigioso elenco parece estar solo para el poster, a excepción de Michael Fassbender y Cameron Díaz, que son los únicos actores que a través de sus personajes rompen de forma certera estereotipos y logran traspasar la pantalla.

Lo de Díaz sobre todo, si bien no es para alquilar balcones, es un gran trabajo parte de esta actriz, acostumbrada a otra clase de producciones y protagónicos.

Cruz, Bardem y Pitt, en cambio, son meros accesorios del que Scott dispone para aportar cuotas innecesarias de drama, humor (Reiner parece un personaje sacado de otra película), diálogos y secuencias previsibles que no convencen ni aportan demasiado.

Ni hablar de las pequeñas e intrascendentes apariciones de Bruno Ganz y Rubén Blades, que son para el aplauso y el comentario infortunito y molesto de la dama mayor dentro de la sala.

Claro está que esto se debe a que, durante algunos momentos, el guión de McCarty pierde los estribos que le aseguran mantener el buen ritmo intenso, digno de un acertado thriller, por lo que la salida fácil a dicho problema parece que fue llenar esta producción de caras conocidas.

Técnicamente, como toda película de Scott, estamos frente un notable trabajo de fotografía de Dariusz Wolski (“Prometeo”) y una musicalización soberbia del casi debutante Daniel Pemberton, quien viene de muchos años de trabajar solo en la televisión.

En definitiva, lo que me interesa destacar de “El Abogado del Crimen” es su gran acierto al mostrarnos personajes mucho más realistas y cercanos a la realidad, haciendo lo suyo en el mundo del narcotráfico, dándose cuenta no solo de lo violento que vuelven a la sociedad donde viven (la escena de la marcha en Mexico, claro ejemplo) sino también del riesgo al que arrojan a todos sus seres queridos. Cometer errores en un mundo desconocido e intentar solucionarlos en la realidad, solo puede terminar de una forma.

El gran Ridley Scott tomó la posta y se encargó de reflejar esa cruzada. Y no es la que todos quieren ver, ni están dispuestos a entender.

Calificación: Buena

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Facundo J. Ramos (@FakaJr)

ramos.facundo@revistatoma5.com.ar

"Muse: Live At Rome Olympic Stadium"

2013-11-12T16:25:00.000-03:00

Es más fácil analizar y entender una situación estando fuera de ella, observándola de lejos y analizando todos esos detalles que desde la vertiginosa cercanía son imposibles de contemplar y entender plenamente.

Pero no deja de ser un análisis, algo que te posiciona en una situación privilegiada pero al mismo tiempo distante, algo que te hace un espectador omnisciente pero no un protagonista que vive los hechos, que los tiene al alcance de su mano y que forma parte de ellos.

Cuando vean “Muse: Live At Rome Olympic Stadium” aquellas personas que tuvieron la suerte de poder disfrutar del show que brindó el trío más importante del rock actual en nuestro país, sentirán que una fría sensación les correrá por la espalda y que la piel se les pondrá como de gallina al contemplar y entender de una vez por todas que acaban de formar parte de la historia grande de la música.

Si algo le faltaba a Muse era un disco como “The 2nd Law”, que sin ser una obra de arte, le permitiera montar el show musical más imponente y grande de la década, solo comparable con “The Wall” de Roger Waters.

No tengo dudas que este es el MEJOR momento de la banda británica y que la gira que están haciendo con este show es el quiebre en su carrera. El único que marcara completamente un antes y un después en su historia.

Con la misma impresionante puesta en escena, que es con la que giran por todo el mundo (incluido el show que brindaron en Argentina el pasado 13 de octubre), “Live At Rome Olympic Stadium” es la prueba más concreta y tangible de la jerarquía, el respeto y el increíble poder que se ganó la banda liderada por Matthew Bellamy en los últimos años.

Pero además es el mejor ejemplo de en base a qué logró semejante posición. Todas las razones que necesitas para entender el titulo que define a Muse como “la mejor banda para ver en vivo” la vas a encontrar en esta película, o viéndolos en tocar en persona “The 2nd Law”.

Cuando en este recital veas “Knights of Cydonia”, “Hysteria”, “Follow Me”, “Madness”, “Time Is Running Out” y “Survival”, no solo vas a sentir que tu mandíbula choco contra el piso sino también que tu manera de ver música en vivo cambio para siempre.

Ahí vas a entender lo grande que se volvió esta banda en base a pasos agigantados que la posicionaran a lo largo de los años como una de las mejores de la historia del rock, a la altura de otras bandas británicas como Queen, Pink Floyd y Led Zeppellin.

Con varios planos secuencia que te ayudan a contemplar la monstruosidad a la que se sometieron Bellamy, Howard y Wolstenholme al tocar en un estadio olímpico cargado de 60.000 personas, vas a ser testigo de un espectáculo audiovisual que te dejara atónito durante horas y horas.

Incluso terminada la película vas a seguir viendo en tu cabeza imágenes que demuestran el control absoluto que puede llegar a lograr solo un arte tan precioso como la música sobre una multitud de personas.

“Live At Rome Olympic Stadium” tiene mucho de eso, y está hecho adrede.

Cuando Muse toca “Uprising” y “Starlight” (últimos temas del show), Bellamy no tiene mejor idea que agarrar la cámara y ponerla en su micrófono para que vos, como espectador, veas lo que él y su banda provocan en el público.

Semejante muestra de dominio y poder pone la piel de gallina y emociona hasta la médula a cualquiera que la vea. No me quiero imaginar lo que provoca esa situación en los miembros de esta banda.

Seguramente ese panorama, con el que se enfrentan show tras show, es su elixir, su combustible y la única droga que necesitan para seguir adelante con una carrera que no tiene más limites para romper, pero si mucha más historia para escribir.

En tiempos que en los que se habla de jóvenes estrellas de la música, de vídeos exitosos en youtube y de shows que tienen más polémica que música, Muse viene a robar cerebros y cambiar la forma de ver música de toda una generación.

Mientras algunos piden que les devuelvan la plata por un show que no fue, otros a quienes una de las mejores bandas de la historia les robo la cabeza con su música, solo dicen “Gracias”.

"Metallica: Through The Never" de Nimród Antal (2013)

2013-11-07T00:00:00.000-03:00

El paso del tiempo es lo que define a los héroes, a las grandes batallas y la inmortalidad de sus protagonistas. Los años, posteriormente, almacenan todo esto y lo dejan al alcance de todos aquellos que estén dispuestos a aprender algo de historia.

Metallica es una banda que dentro del Rock ocupa un lugar privilegiado. La banda liderada por James Hetfield a través de todos estos años no tuvo que renovarse como sí lo hicieron otras. Metallica siempre se ocupo de estar escribiendo historia.

“Through The Never” es un capítulo más dentro de esa extensa línea que empezaron a recorrer en 1981, que incluye desde recitales increíbles (su exitosa gira “The World Magnetic Tour”), anécdotas dignas de formar parte de un libro (“Some Kind of Monster”, el mejor de ellos), altas y bajas de músicos en la formación de la banda (David Mustaine, fundador de Megadeth, salida de las propias entrañas de la banda de Hetfield) y discos increíbles (¿Hace falta nombrarlos?), cuyas canciones y sonidos ninguna otra banda pudo igualar.

No quiero entrar en terreno pesimista, pero creo que al verdadero artista y a los verdaderos movimientos artísticos no se los puede reemplazar con nada ni nadie. Metallica, pese a sus más de 30 años de existencia, sigue manteniéndose vigente y esa es otra de las grandes características que tiene esta formación. No hay nada que se le asemeje.

No hay nada que despierte la misma pasión y entusiasmo en sus fans, ya que nunca dejó un hueco ni un espacio vacío en su camino recorrido hasta la fecha.

Teniendo en cuenta toda esa responsabilidad, Nimrod Antal encaró una misión muy difícil al realizar “Through The Never” (Metallica se caracteriza por trabajar siempre con una libertad artística muy amplia, en todos aquellos proyectos que encabeza) y la verdad es que el realizador húngaro sale airoso de semejante tarea al ofrecer un espectáculo audiovisual imperdible para todos los fanáticos del Rock.

Y digo Rock porque voy más allá de los fanáticos de Metallica, el metal o el trash metal.

“Through The Never” es una producción que te permite disfrutar de este género musical tan hermoso e importante apelando a recrear las sensaciones que provocan los recitales en vivo.

La línea argumental, muy fina por cierto, básicamente tiene como principal objetivo posicionar al espectador en “el sueño de todos los fanáticos”.

El personaje de (Trip) es un pibe que trabaja por primera vez como asistente en la organización de un recital, ni más ni menos, que en un show que brinda Metallica (banda de la cual es fanático) en Canadá.

Lo que comienza como la mejor noche de su vida, obviamente por razones más que entendibles (esta allí para trabajar, no como espectador), se terminará convirtiendo en una odisea a lo largo de la ciudad, musicalizada por todos los clásicos de Metallica tocados en vivo de forma impresionante.

Intercalando la ficción con los temas en vivos tocados por Hetfield, Hammett, Ulrich y Trujillo, la película de Antal empieza a girar y no se detiene hasta su final, ofreciendo un repertorio extenso de imágenes increíbles que conforman sin dudas, el videoclip más épico, largo y de mejor producción que brindó Metallica en los últimos años.

Pero dentro del rock, de las secuencias de acción, de los momentos cómicos que ofrece el film (la primera aparición de los miembros de la banda es un gran chiste) hay una calidad técnica de factura imperdible que es digna de aplausos.

Antal se luce arrancando el film con un plano secuencia sobre Canadá y que termina dentro del mismísimo estadio donde tocará Metallica, como así también ubicando la cámara en lugares claves para mostrar un show en vivo de esta banda como nunca jamás vimos ni volveremos a ver.

Ni hablar de la secuencia en la que el público entra al estadio y posteriormente lo hace la banda, donde suena de fondo Ennio Morricone con uno de sus temas más épicos y emblemáticos de su carrera.

Un delirio total que ya de por si te pone la piel de gallina. Por si fuera poco el 3-D en esta producción adquiere un carácter clave, ya que básicamente la función que cumple aquí es la de ponerte a la misma altura de los músicos arriba del escenario.

Vas a ver lo que ellos ven. Sentir lo que ellos provocan. Disfrutar su propio accionar.

Sin lugar a dudas, “Metallica: Through The Never” es un capítulo más en la historia de una de las bandas más importantes del Rock y si de verdad te consideras un fanático de este género, y un exquisito que sabe cómo y dónde disfrutar la buena música, tenes en la cartelera una propuesta que no podés dejar pasar.

Calificación: Excelente

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Facundo J. Ramos (@FakaJr)

ramos.facundo@revistatoma5.com.ar

"Un camino hacia mi" de Nat Faxon y Jim Rash (2013)

2013-10-31T13:27:00.003-03:00

Paradójicamente es difícil y fácil hablar de esta clase de películas indies en las que tranquilamente podemos encasillar a “Un camino hacia mi” de Nat Faxon y Jim Rash.

Lo fácil pasa por el lado del esquema repetitivo y en cierto punto cansino que tienen estas producciones pequeñas. Es decir, si ya viste todos los films de esta clase que salieron de Estados Unidos luego del suceso que fue “Pequeña Miss Sunshine”, le encontrás rápidamente la vuelta a este tipo de películas.

¿Eso las convierte en malas producciones? No siempre. De hecho, es muy raro que el cine indie norteamericano la pifie demasiado, ya que en los últimos años se convirtió en un sub-genero que creció bastante y sirvió a su vez como plataforma para grandes directores, guionistas y actores.

Las películas indies últimamente se pueden convertir, eso sí, en productos predecibles. Y eso, generalmente, no suele ser divertido a la hora de verlas.

Cuando me refiero a lo difícil de hablar de producciones de este estilo lo digo por algo que va más allá de la comprensión y análisis que pueda hacerse mediante palabras y es ni más ni menos que la emoción que transmiten.

El buen cine indie norteamericano siempre te llega, te roza, te acaricia y te hace emocionar de una forma que otras películas no lo hacen. Y a eso no hay que con que darle.

La clave puede estar en sus historias pequeñas, casi introspectivas y cotidianas que atraviesan sus personajes humanos y realistas. Es muy difícil sentirse distante hacia todos los personajes que suelen ofrecer esta clase de films.

De hecho, creo que los numerosos extensos y pequeños personajes puestos en escena por los realizadores de esta clase de trabajos, apuntan básicamente a eso: A darle a todos los espectadores algún personaje con el cual puedan identificarse en cierto punto.

“The Way Way Back” es el debut tras las cámaras de Nat Faxon y Jim Rash, guionistas de “The Descendants” de Alexander Payne, y la verdad es que estamos frente a una película destinada a soportar miles de visionados hasta que pierda su característica principal: Ser inoxidable.

No está anclada históricamente a ningún contexto, sus personajes no reflejan ningún estereotipo que pueda pasar de moda y su guión apela a un humor tan básico, acido y sano que se mantendrá vigente por un largo tiempo.

Y la magia radica también en esa paradoja: ¿Se puede hacer un humor acido, reírse de situaciones que políticamente son incorrectas y estar al mismo tiempo haciendo algo bueno y ofreciendo un entretenimiento sano?

Faxon y Rash lo confirman con creces a través de una galería de personajes y situaciones que te desprenderán risas por montones dentro de la sala de cine, o donde sea que veas esta película.

Duncan (interpretado de forma contundente por el joven Liam James) es un adolescente de 14 años bastante tímido y reprimido que tiene que pasar el verano con su madre Pam (la siempre correcta Toni Colette) y su nueva pareja Trent (Steve Carrell, grande como una casa) en un pequeño pueblo costero.

Durante el transcurso de esos aburridos primeros días conocerá a su vecina Susanne (la hermosa AnnaSophia Robb), al hermano de Sussanne, Peter (personaje entrañable si los hay) y al bizarro, fantástico, loco y maravilloso encargado del parque acuático del pueblo, Owen (soberbio Sam Rockwell), quien se merece párrafo aparte.

Ya sabemos que Rockwell es un tremendo actor cuando le dan rienda suelta a su locura, pero lo que ofrece este hermano no reconocido de Matthew Bellamy (el cantante de Muse) en “Un Camino hacia mi” es simplemente brillante y paga todas las veces que sea necesaria una entrada de cine para ver esta película.

Momentos imborrables, risas aseguradas y emoción legitima, sin necesidad del golpe bajo, son algunas de las miles de cosas que le ofrece Sam Rockwell a esta película a través de un trabajo que puede considerarse de lo mejor de su ya exitosa filmografía.

Un tipo que a la vista de todos parece un irresponsable, inmaduro y estúpido se convierte a lo largo de la película en la clave y piedra angular de un relato perfecto que ilustra que la vida es maravillosa porque la familia no puede elegirse, pero los amigos sí.

“Un camino hacia mi” es, en definitiva, una gran oportunidad que te da el séptimo arte para pasar un muy buen momento, manteniendo los pies en la tierra, una sonrisa en la boca y las manos listas para aplaudir todo el tiempo.

Calificación: Muy Buena

Facundo J. Ramos (@FakaJr)

ramos.facundo@revistatoma5.com.ar

"Kick-Ass 2" de Jeff Wadlow (2013)

2013-10-22T21:15:00.000-03:00

Recuerdo que cuando hace algunos años tuve la posibilidad de ver “Kick-Ass” de Matthew Vaughn por primera vez lo hice, al igual que muchos de ustedes, a través de internet debido a que su estreno en nuestro país todavía no estaba anunciado y nada parecía cambiar ese destino a favor de esta película.

Cuando terminó aquella primera entrega lo primero que pensé fue “Hay que tener muchos huevos para hacer una película de este tipo” y mi asombro y fanatismo por aquel héroe adolescente enfundado en un traje verde y amarillo duró varios meses hasta que, finalmente, “Kick-Ass” llegó a los cines argentinos y fue allí donde hice mi conclusión final sobre este producto: Estamos frente a una película que no necesita del paso del tiempo para volverse en una de culto.

“Kick-Ass” es ahora, inmediatamente, en este momento, un suspiro y adentro. Una verdadera piña en la cara que no sabes de donde vino y que te deja aturdido y completamente lleno de adrenalina.

La secuela de aquella producción dirigida por Matthew Vaughn era un hecho casi evidente, no solo debido al éxito que tuvo el film en distintas partes del mundo (sin ser arrasador, pero si sorprendente) sino también a que la historia de estas personas comunes y corrientes que decidían convertirse en superhéroes tenía todavía muchas más aristas para ofrecer, además de la obligación de cerrar una historia.

Y ahí es donde me quiero posicionar para arrancar a hablar de los aspectos positivos de “Kick-Ass 2” dirigida por Jeff Wadlow.

En primer lugar, si viste como se inició esta historia, es una obligación que veas esta secuela porque todo adquiere una dimensión mucho más grandilocuente, violenta y épica en esta segunda parte, ofreciendo un cierre a todo trapo digno de esa mente brillante, retorcida, original y violenta que posee Mark Millar (guionista del comic en el que se basa el film).

De hecho, esta película está plagada de guiños a la obra del autor, ya sea a su obra cumbre “Wanted” (la impagable batalla final entre los buenos y los malos en un galpón), “Nemesis” (El heredero millonario que decide convertirse en supervillano) y “Hit-Girl” (que funciona como prologo a la trama de esta película).

Pero además “Kick-Ass 2” viene a cumplir una función muy similar a la que tiene la saga “Año Dos”, escrita por Mike W. Barr y dibujada por Alan Davis y Todd McFarlane, en el universo de Batman.

Si el objetivo de la primera entrega fue sentar las bases, el de la segunda es ponerlas a prueba. Eso es algo que todo lector de comics y, de ahora en más, espectador de estas clases de producciones debería tener en cuenta a la hora de valorar un film.

En “Año Dos” había una arista muy importante que era el encuentro, y posterior lucha, entre Bruce Wayne (Batman) y Joe Chill (el asesino de sus padres), teniendo en cuenta todas las implicancias que esto tenia.

Poner a la victima devenida en héroe y defensor de ciudad gótica cara a cara con el victimario, responsable de la mayor tragedia de su vida, fue algo que ofreció resultados impresionantes y bastante reveladores.

¿Qué pasa cuando la búsqueda de justicia (o venganza, según el punto de vista que lo veas) alcanza la vida privada de las personas y amenaza a aquellos seres amados que están fuera de ese ámbito en el que se desenvuelven los superhéroes? ¿Cómo reaccionan nuestros protagonistas frente a esos hechos?

Básicamente arranca lo que se conoce como “El Circulo Mortal”, donde la ley del talión es la única regla que obedecen todos los personajes, aun sabiendo que entrar en ese espiral de violencia es lo mismo que arremeter a toda velocidad contra un callejón sin salida.

¿Hay un final? Absolutamente no. En todos los círculos final y principio son invisibles, por lo que en “Kick-Ass 2” el resultado es una escalada de acción y violencia que parece no terminar hasta dejar en el suelo a todos sus protagonistas.

En el caso de la película de Wadlow, la rivalidad entre Kick-Ass y TheMotherFucker alcanza un nivel de locura y espectacularidad digna de un buen comic que sirve para desatar el circo que ofrece ese “Circulo Mortal”.

Precisamente la transformación de Red Mist en The MotherFucker es la segunda clave de este film, básicamente por ser el empujón necesario para arrancar con todo ese círculo de violencia, venganza y búsqueda de (falsa) justicia por parte de estos dos protagonistas.

De hecho, The Motherfucker, interpretado de forma muy convincente por Chistopher Mintz-Plasse, termina convirtiéndose en la gran atracción del film con algunos momentos más que memorables.

Eso no es casualidad, ya que tanto Kick-Ass (a quien se lo explotó de forma correcta en la primera película) aquí no es el centro de atención absoluto, como así tampoco lo es Hit Girl, quien en este film es el punto más flojo.

Decir eso no es poca cosa, ya que sin dudas el personaje interpretado por Chloë Grace Moretz era una de las piezas claves de la película dirigida por Vaughn, pero aquí el error es grosero al darle elementos innecesarios y estúpidos a su historia.

¿Era necesario ver a Hit Girl tratando de sobrevivir de sus compañeras de clases en la secundaria? ¿Era necesario, además, que se tomaran tanto tiempo para resolver esa subtrama y el desenlace sea tan estúpido y absurdo?

Ver a Hit Girl en el colegio, es como ver a John McClane trabajando de seguridad en una biblioteca. No tiene sentido alguno, carece de gracia y es una pérdida de tiempo.

Una vez que la producción de Wadlow se saca de encima esa floja subtrama, donde ni siquiera la comedia ni la acida critica a la adolescencia moderna y sus relaciones funcionan de forma correcta, “Kick-Ass 2” muestra sus verdaderos dientes y difieren bastante de los que mostró su predecesora.

Mucha acción (y de la buena), mucha más violencia y mucho más alejada de ese tono realista que se le impregnó a la primera parte, para entrar de lleno así en lo absurdo, polémico y tremendamente divertido que puede ser un mundo donde la gente arrega sus problemas escondiendo su identidad bajo mascaras y ridículos disfraces.

De hecho, Wadlow se da hasta el gusto de meter personajes entrañables e interesantes que son explotados de forma correcta a lo largo del film terminando por ofrecer una galería a la cual solo puedo resumir en las siguientes palabras: “Kick-Ass 2” es la mezcla perfecta de “Wathcmen” y “Wanted”.

Desde The Mother Russia, el Dr. Gravedad, Battle Guy, Black Death y Tumor hasta la bellísima Night Bitch, interpretada por la hermosa Lindy Booth.

Párrafo aparte para un conjunto de superhéroes que agregan ese toque amargo y critico que verdaderamente funciona en “Kick-Ass 2”. Uno de ellos es el caso del “Coronel Barras y Estrellas” interpretado notablemente por Jim Carrey, quien luego de ver el corte final del film decidió alejarse por completo de toda la campaña de promoción de “Kick-Ass 2” debido a que consideró su alto contenido de violencia como un mensaje no favorable para el desarrollo de los jóvenes en estos tiempos.

Sin embargo, el personaje de Carrey (un mafioso devenido en vigilante nocturno), recuerda muchísimo al de The Comedian (Watchmen) donde un personaje detestable por su pasado termina convirtiéndose en una de las pocas personas cuerdas dentro de una sociedad que está cada vez más loca.

El pasado no lo condena, sino que al contrario y paradójicamente, termina por entregarle las herramientas necesarias para tratar de poner orden dentro del caos que define al presente.

Otro de los casos es el de la dupla de “héroes” denominada “Los Papás de Tommy” que consiste básicamente en dos padres que perdieron a su hijo y deciden salir a la calle como vigilantes enmascarados para tratar de que eso no le suceda a otra familia debido a la inoperatividad de las fuerzas policiales.

“Kick-Ass 2” tiene esa cuota de seriedad también, escondida debajo de todo ese manto de explosiones y violencia desenfrenada, que no es más que un simple pero eficaz llamado de atención en forma de crítica hacia los niveles de ridiculez que han alcanzado la inoperancia política como así también los intentos de los mismos ciudadanos de tratar de mantenerse seguros en una sociedad que ellos mismos parecen alterar a propósito.

El realismo de esta historia radica en que los fundamentos que justifican el accionar de nuestros protagonistas son tapa de diarios todos los días, ya sea en nuestro país, como en cualquier otra parte del mundo.

Pero uno seguramente ira a ver “Kick-Ass 2” con un solo objetivo: Entretenerse y divertirse, pese a que el contexto (repito por enésima vez, muy violento) a veces parezca tan cercano a nuestra realidad.

A veces hay que reírse de ciertas cosas, a través del ridículo, para poder asimilarlas y entender la verdadera seriedad del asunto.

“Kick-Ass 2” se convierte así en un entretenimiento garantizado que no alcanza los niveles de excelencia de su predecesora porque es consciente de querer ofrecer otra clase de entretenimiento, con las mismas herramientas, pero objetivos diferentes.

Como diría el Coronel Barras y Estrellas: “Lo importante es divertirse” y no importa, claro, si hay que hacerlo tratando de sobrevivir en un mundo cada vez más violento e irracional.

Calificación: Muy Buena

Trailer:

Facundo J. Ramos (@FakaJr)

ramos.facundor@revistatoma5.com.ar

"Los Elegidos" de Scott Stewart (2013)

2013-10-22T20:59:00.000-03:00

Luego de dos productos muy flojos a nivel argumental y bastante llamativos en el plano visual, como lo fueron sus primeros grandes trabajos “Legion” (2010) y “Priest” (2011), finalmente Scott Stewart encontró su pequeño lugar dentro de Hollywood.

Paradójicamente, a diferencia de lo que suele suceder en las carreras de los nuevos directores, Stewart realizó un camino inverso: Pasó de filmar con 60 millones de dólares derrochados en efectos especiales a hacerlo tan solo con 3 millones para filmar una película de suspenso que se sostiene por su argumento, su ritmo y algunas de sus actuaciones.

Quizás ese sea el sabor de boca más importante que nos deja “Dark Skies”. Saber que el talento y el buen trabajo pueden ofrecer un resultado mucho más llamativo que lo que puede salir de un abultado presupuesto.

Y también empezar a entender que hay directores que tienen que tropezar dos veces con la misma piedra para enderezar su rumbo, sin que eso sea un estigma para toda su carrera.

Puede resultar gracioso, pero los extraterrestres significaran para la carrera de Stewart todo lo opuesto de lo que significaron para la carrera de Shyamalan. Y esta relación no es casual, ya que ahí me quiero posicionar para hablar de “Los Elegidos”.

Básicamente la trama de esta película sigue la línea de aquella protagonizada por Mel Gibson y Joaquin Phoenix, que en su momento tanto malestar generó en el público y en la crítica. “Dark Skies” es una versión más simple, dinámica y oscura de “Señales”, sin que eso la haga un producto inferior ni superior al trabajo de Shyamalan ya que al contrario, podría decirse que son películas compatibles.

Es decir, si no te gustó aquel trabajo de Shyamalan, difícilmente lo nuevo de Scott Stewart sea de tu agrado. Aunque también va un poco más allá de ese plano: Si no te gustan las películas con historias pequeñas sobre extraterrestres, esta producción tampoco te resultará interesante.

Los extraterrestres son (casi) un género por sí mismos. Los podes usar para asustar (“Alien: El Octavo Pasajero” de Riddley Scott), para entretener (“Mars Attacks” de Tim Burton), para emocionar (“E.T” de Steven Spielberg), para hacer comedia (“Paul” de Gregg Mottola) o simplemente como excusa para contar una película de acción donde el eje pasa por la destrucción y la invasión a gran escala (“Día de la Independencia” de Roland Emmerich, “La Guerra de los mundos” de Byron Haskin, “La invasión de los usurpadores de cuerpos” de Don Siegel y la más reciente “Battle Los Angeles” de Jonathan Liebesman).

Son pocos los realizadores y las producciones que cuentan historias más pequeñas con estos personajes. Por poner algunos ejemplos: Shyamalan lo intentó en su momento con “Señales”, Spielberg lo logró con “Encuentros cercanos del tercer tipo” y Ron Howard también lo hizo con “Cocoon”.

“Dark Skies” está lejos de convertirse en un film de jerarquía como los anteriores, pero al menos puede aspirar a posicionarse como una de las pocas producciones que utiliza a los extraterrestres de forma correcta para lograr sus objetivos: Asustar y sorprender.

La clave, quizás, radica en que a la hora de producir una película lo importante es tomarse a estos personajes como lo que verdaderamente son: Uno de los enigmas más importantes y desveladores para la ciencia moderna.

Abarcarlos de ese modo permite que el espectador se ponga de tu lado, se sorprenda y se asuste con una historia que puede resultarnos quizás hasta creíble o realista.

Por ese motivo podemos perdonarle a “Los Elegidos” dos de sus puntos más bajos, como ser las actuaciones de Josh Hamilton (en un rol más que importante) y del joven Kaddan Rockett, a quien Stewart no supo encontrarle la vuelta y el hecho de que el guion caiga durante su segunda parte en el punto innecesario y repetido hasta el hartazgo de la utilización de cámaras hogareñas (al peor estilo Actividad Paranormal) para contar parte de la trama.

En definitiva, hacía rato que no teníamos una peli decente con extraterrestres sin caer en la necesidad de invasiones a gran escala, destrucción masiva y conclusiones convencionales.

Si te gustan los enfoques realistas en las pelis de extraterrestres, no la dejes pasar porque “Los Elegidos” no será un clásico, pero te atrapa desde el principio, te asusta varias veces y te sorprende de forma grata al final.

Eso es algo para agradecer cuando hay películas con extraterrestres de por medio.

Calificación: Buena

Trailer:

Facundo J. Ramos (@FakaJr)

ramos.facundo@revistatoma5.com.ar

"Capitán Phillips" de Paul Greengrass (2013)

2013-10-17T00:21:00.000-03:00

El cine es el más elaborado de los mensajes que pueden presentar los medios masivos de comunicación, no solo hoy, sino a lo largo de toda su historia. Siempre lo fue. Y como mensaje de medio masivo es unidireccional, de emisor a receptor, y tiene por ende un objetivo.

Dicho mensaje a veces suele ser muy explicito, otras ocasiones no tanto y rara vez está ausente dentro de una película. Todo film quiere decirnos algo. Al menos lo intenta, porque claro está, el emisor es el que le pone punto final a ese proceso de comunicación otorgándole sentido al mismo.

El espectador dota de significado ese mensaje. Le da un sentido, muchas veces ayudado por el trabajo de los responsables de esas producciones, aunque a veces no nos demos cuenta.

Paul Grengrass, a quien todos conocemos por su exitosa incursión en la saga Bourne, es uno de los directores modernos que mejor sabe hacer llegar al público sus distintos mensajes a través de sus películas.

El realizador británico es un gran narrador de historias, no solo desde el punto de vista técnico ya que utiliza todos los recursos del cine, tales como la edición, la música, la fotografía y la iluminación de forma perfecta, sino también en materia de llegar al público.

Dejemos de lado a Bourne: ¿Con qué nos encontramos dentro de su filmografía? Con un director que narró la travesía de un soldado ingles abandonado en Malvinas que debe volver a su tierra (Resurrected, 1989), que contó también los violentos e históricos hechos ocurridos en Irlanda durante una protesta de civiles (Bloody Sunday, 2002) y que además es responsable de la mejor película que se hizo sobre el mayor atentado que sufrió Estados Unidos en Septiembre del 2001 (United 93, 2006).

A Greengrass le fascina contar historias ficticias sobre hechos reales y lo hace tan bien que podríamos denominarlo el Truman Capote del cine.

Su principal arma es el non-fiction, es decir, narrar hechos reales de alto impacto en forma de ficción (porque resulta casi imposible saber con exactitud y objetividad lo que sucedió) aun contando con la desventaja de que el espectador sabe de antemano cual es el desenlace de lo que se le cuenta.

Así y todo, Greengrass sale airoso siempre de estas incursiones y no solo recibe el apoyo del público a lo largo del mundo sino que también un espaldarazo tremendo de algunas personas dentro de la industria de Hollywood que le permiten seguir haciendo lo que le gusta.

Y ahí viene la clave: No estamos frente a un realizador que cuenta historias por razones desconocidas, sino que nos encontramos cara a cara con uno de los directores más críticos de los diferentes contextos, situaciones y conflictos internacionales modernos.

“Capitán Phillips” es la historia de Richard Phillips, capitán de la embarcación Maersk Alabama, que en el 2009 fue atacada por piratas somalíes en lo que representó uno de los primeros y más trascendentes ataques de estos grupos organizados a barcos de bandera norteamericana.

Lejos de caer en el patriotismo que puede implicar contar una historia como esta, Greengrass se sacó de la manga un tremendo film de suspenso que no da suspiro y ofrece además una de las mejores actuaciones de Tom Hanks de los últimos tiempos.

Ritmo frenético, acompañado por una soberbia banda sonora ejecutada por Henry Jackman (Kick-Ass, X-Men: First Class), una edición impecable de la mano del ganador del Oscar Christopher Rousse (con quien Greengrass trabaja habitualmente) y actuaciones secundarias que realmente sorprenden (todo el grupo de piratas somalíes está a la altura de las circunstancias y mucho más).

Pero hay más detrás de todo eso, porque “Capitán Phillips” se sostiene también por el guión escrito por Billy Ray (State of Play, The Hunger Games) que deja todas las piezas acomodadas para que Greengrass se luzca y ofrezca, además de una dirección notable, un film con un doble sentido intrínseco que se agradece por estos días.

Durante la primera parte de su película, Greengrass se encarga de presentar a los dos bandos protagonistas. Por un lado toda la tripulación del Maersk Alabama, mientras que por el otro todo el grupo de piratas que llevará adelante el ataque. Sin caer en subjetividades, en la evidencia de quien es bueno y quien es malo, lo que nos ofrece el director son las razones necesarias para entender porque nuestros grupos de personajes hacen lo que hacen.

En la segunda parte, cuando ambos grupos finalmente se ven la cara y sacan a la luz sus distintas realidades nos empezamos a encontrar con el doble sentido que plantea Greengrass y que puede resumirse básicamente en una serie de líneas como “Todos tenemos un jefe” y en la pregunta que realiza el personaje de Hanks a uno de sus secuestradores: “¿Es este tu negocio?”.

Es decir, aquí en esta historia, ninguno de los bandos puede torcer ese destino, el de dejar de depender de otros para poder hacer su vida y eso es algo que los define por completo.

Narrar la historia de un laburante que ve amenazado su trabajo por otra persona que justifica sus actos porque su país no le da oportunidades no es a priori un panorama que incline la balanza hacia un solo costado.

Al espectador le cuesta en cierto punto aclarar los grises y no sabe que postura tomar frente a lo que sucede en la pantalla. Sin embargo el director de “Capitan Phillips” al ingresar un tercer elemento clave termina cambiando por completo el relato y deja bien en claro su postura al respecto.

Lamentablemente, ese tercer elemento clave es el ejército norteamericano. Digo lamentable, porque seguramente todos aquellos que no razonen dentro de una sala de cine saldrán a decir que estamos frente a una película pro-bélica y en realidad estamos frente a todo lo contrario.

Greengrass con tan solo un par de escenas te describe de pies a cabezas un panorama triste y realista del mundo real: Todos somos prescindibles, todos somos marionetas de una estructura que nos mueve según su conveniencia y todos sabemos que la violencia es la solución favorita que brindan a nuestros problemas aquellas personas que están a cargo de mantenernos a salvo.

El plano que muestra a los francotiradores abandonando su posición, sin música de fondo, sin muecas ni gritos de alegría, sino tan solo caminando como quien sale de su trabajo en una simple oficina es un retrato perfecto de la situación que atraviesa actualmente los Estados Unidos en materia bélica.

La naturalidad con la que se asume la violencia como profesión e instrumento de poder para controlar todos sus problemas es apabullante y Greengrass remarca eso no para valorarlo, sino al contrario, para criticarlo abiertamente.

¿Por qué digo esto? Porque después viene la escena clave, donde la actuación de Tom Hanks se hace meritoria de ser reconocida por todos los miembros de distintos jurados que otorgan premios, y donde además Greengrass cierra de forma contundente su mensaje.

La violencia en este caso sirvió para la resolución de un conflicto en particular, pero si se llegara a utilizar como una solución posible frente a un problema real como la pobreza y la falta de oportunidades, el resultado es desalentador, amargo y tan triste que emociona de forma genuina, sin golpes bajos.

“Capitán Phillips” es una gran película, no quedan dudas. Y todo el éxito y reconocimiento que obtenga se deberá, sobre todo, a que detrás de esta producción hay un gran narrador de historias, a quien le basta con cambiar un mínimo detalle para ofrecer un mensaje solido e interesante.

Recomiendo ampliamente su visionado, y una vez que finalicen el mismo, busquen en internet imágenes y secuencias sobre como terminó verdaderamente esta odisea para el Capitán Phillips.

Solo así entenderán las palabras con las que abrí esta opinión: El cine es el más elaborado de los mensajes y todo tiene un objetivo y un sentido, nos demos cuenta de ello o no.

Calificación: Excelente

Trailer:

Facundo J. Ramos (@FakaJr)

ramos.facundo@revistatoma5.com.ar

"Gravedad" de Alfonso Cuarón (2013)

2013-10-12T13:08:00.002-03:00

Es difícil generalizar sobre por qué el cine nos genera tanta atracción y alegría a través de toda su historia. Por eso se habla, obviamente, del séptimo arte ya que estamos frente a una expresión artística de magnitud inigualable e histórica que modificó la cultura de todo el mundo a través de su sola existencia como lo hicieron en su momento otros medios.

Ese análisis es a nivel macro, en una escala masiva e histórica. Ahora les propongo que antes de seguir con estas palabras cada uno tome conciencia e intente recordar cómo fue que el cine llegó a sus vidas para cambiarlas sin que ustedes se hayan dado cuenta de eso de forma inmediata.

Seguramente es una tarea difícil, como lo fue para mí también, recordar aquella primera vez en la que dentro de una sala de cine me sentí completamente feliz adentrándome un mundo que no existe, o al cual no puedo acceder, pero sin embargo pudiendo experimentar todas esas sensaciones y emociones como si realmente yo estuviera ahí.

Durante esa experiencia, ese viaje, uno deja de ser uno mismo por unas cuantas horas hasta que finalmente llega el momento clave, el cual siempre me pareció el más importante de todos los que tiene para ofrecer el séptimo arte: levantarse de la butaca, dar los primeros pasos fuera de ese mundo y empezar a asimilar a nuestra realidad todo aquello que recibimos gracias a una película.

Hay veces que ese proceso de asimilación está determinado por un mensaje, por un personaje, por una escena, por una situación, por un dialogo o simplemente por la experiencia en sí misma.

Si el cine es un arte que apela principalmente a lo emotivo (por lo tanto la subjetividad es la regla) cualquiera sea la razón que conduzca a ese proceso interno de apropiación de lo que transmite el cine es válido y solo uno mismo puede darse cuenta de si valió la pena o no.

A nivel personal con “Gravedad” de Alfonso Cuarón pude volver a experimentar aquella primera vez en la que el cine me dio la posibilidad de disfrutar de una experiencia de proporciones inmensas, emocionarme y dejarme completamente feliz porque el proceso de interiorización de aquello que viví se desató por dos razones que como cinéfilo y trabajador dentro de este ámbito amo con locura: la experiencia y el mensaje.

“Gravedad” es un exponente inigualable de lo mucho que el cine puede ofrecer al espectador dentro de una sala. Es un ejemplo perfecto y hermoso que de solo pensarlo puede ponerte la piel de gallina. Estamos frente a una película que te ofrece sentarte en una butaca, dentro de un cine con otras personas y de un momento a otro te transforma en un astronauta y pasas a experimentar en carne propia una de las experiencias más impactantes que debe existir en la realidad como lo es viajar al espacio.

El apartado técnico de esta producción de Cuarón es inexplicable, su magnitud es inmensa y el resultado es simplemente cautivador. Desde los efectos visuales más correctos y realistas que pudiste ver en una sala de cine, la edición de sonido (pese a que en el espacio no hay ruido existe la sensación de vacío) que por momentos te deja con el oído cansado, la fotografía de Emmanuel Lubezki que retrata de forma hermosa el espacio (y ese trabajo que todos algunas vez soñamos realizar mirando a las estrellas), hasta la música emotiva y estimulante de Steven Price que atraviesa hasta los huesos. “Gravedad” tiene todo los ingredientes para ofrecer una experiencia que nunca antes habías disfrutado dentro de una sala de cine.

De más esta hablar del uso del 3-D que define también por completo a esta película, la cual carece de sentido al no ser vista en este formato.

Todo eso, obviamente, comandado por Cuarón quien en tan solo 90 minutos puede regalarte en medidas justas las dosis de suspenso, acción y drama que necesitas para que ese viaje sea inolvidable.

Para lograr eso Cuarón cuenta con dos aliados: El guión y las actuaciones de Sandra Bullock y George Clooney.

Quiero arrancar por los segundos, ya que el análisis me parece más acotado sin que eso signifique que son pocos relevantes. Bullock y Clooney se toman la enorme responsabilidad de transmitir de forma idónea todo lo trascendental que puede resultar la experiencia de viajar al espacio, agregándole (sobre todo Bullock) tremendas cuotas de emoción en base a un trabajo actoral descomunal que la posiciona y la consolida como la gran actriz que es.

Sandra Bullock está en todo su derecho de hacer con su talento lo que le parezca conveniente o redituable para su carrera, no quedan dudas. Nosotros como espectadores podemos pensar y decir cualquier cosa, menos que estamos frente a una mala actriz, sino que al contrario, nos encontramos frente a una de las mujeres que con sus trabajos marcó casi por completo a una generación.

Lo mismo ocurre con Clooney, de quien podes pensar lo que sea, pero cuando le ves en la pantalla sabes que estás frente a uno de los pocos actores que puede hoy en día convencerte plenamente de que es otra persona.

Ambos actores son piedras angulares, las bases que sostienen toda la inmensidad que intenta transmitir Cuarón con este proyecto el cual, sin embargo, se justifica definitivamente por su guión.

“Gravedad” tiene una premisa simple que consiste en contar la odisea de un grupo de astronautas que queda varado no en una nave ni en un planeta, sino flotando en la inmensidad del espacio luego de un accidente. Pese a esa sencillez, nunca habíamos visto una película de este estilo.

Obviamente hay más, porque a esa historia le tenes que sumar mucho suspenso (de ese que no te deja sacar los ojos de la pantalla en ningún momento), mucha acción (de aquella que solo los grandes realizadores pueden ofrecer y que puede consistir en algo tan simple como desajustar un cable en poco tiempo) y un componente dramático que la atraviesa por completo y le da el empujón necesario para convertirla en una película de lucha personal por la supervivencia que alcanza limites increíbles y apabullantes.

Y ahí es donde me quiero centrar para ir cerrando estas palabras, ya que precisamente creo que es en ese aspecto donde se encuentra la clave que convierte al film de Cuarón en la inmensa película que es, destinada a ser vista y analizada tantas veces como estrellas hay en el cielo.

El realizador mexicano no cuenta una película de supervivencia del hombre frente a la naturaleza ni frente a otras amenazas de la vida, sino lo que hace es poner al hombre frente a la inmensidad, lo desconocido, lo infinito, lo que rodea todo, lo que sostiene nuestro mundo y lo que todavía no podemos racionalizar después de miles de años de vida originada precisamente en ese lugar. Hablamos del espacio.

Tranquilamente podes ver “Gravedad” como una enorme experiencia dentro del cine o como una película de supervivencia humana en un contexto desfavorable y está perfecto, porque así y todo te vas a encontrar con algo que nunca antes habías visto y te va a volar la cabeza, además de emocionarte.

Yo pude hacer eso, pero lo que no logré es dejar de interpretar en el trabajo de Cuarón la necesidad del realizador de tratar de explicarnos de forma visualmente imponente como tratar de llevar con nosotros mismos todos los días de nuestras vidas la mayor de las responsabilidades y la única realidad que no podemos negar: algún día todos vamos a morir.

La muerte es, al igual que el espacio, algo inmenso, desconocido, infinito y eterno, irracional y que de solo pensarlo nos provoca miedo y temor, pero sobre todas las cosas nos genera muchas dudas existenciales que, supongo (al igual que ustedes), la vida nos ira ayudando a resolver según el camino que recorramos.

Quizás el mayor de estos interrogantes, el que más urgente queremos responder es aquel al que, sin pensarlo, todos los días les damos una respuesta válida viviendo nuestras vidas con un solo objetivo, el de disfrutar este viaje, y una sola verdad: nadie puede escapar de nuestro inevitable destino.

Aceptar eso, lo desconocido, lo inmenso y el miedo, seguramente nos define día a día como las personas que somos y como las personas que queremos y soñamos ser. Algún día, quien dice, entenderemos el resto de las cosas.

Nunca sentí dentro de una sala todo lo que tiene para ofrecer Alfonso Cuarón en este trabajo.

Nunca había visto una película tan grande como “Gravedad”.

Calificación: Clásico

Trailer:

Facundo J. Ramos (@FakaJr)

ramos.facundo@revistatoma5.com.ar