Peleando a la contra

Esperanza se escribe en verde

2012-01-20T12:53:00.000+01:00

Esperando a Godot, Samuel Beckett. Traducción de Ana María Moix. Ed. Tusquets Editores, Barcelona. 2004. 155pp.

Verde, blanco y naranja son los colores de su bandera junto a su escudo: el arpa de Brian Boru, símbolo oficial de Éire desde el siglo XIV. Su himno oficial es “Amhrán na bhFiann” que recuerda las melodías celtas tan arraigadas en este país. Su orografía es muy abrupta tanto como su división religiosa entre católicos y protestantes en ciertas zonas. Su color es el verde, se ve en sus paisajes y en sus diversos símbolos como el “shamrock” conocido como el trébol de tres hojas irlandés.
Nos referimos al país de los duendes, de los escritores con carácter, que tiene como capital la obsesión de su jefe y mentor James Joyce, Dublín. Se trata de Irlanda cuna de novelistas y dramaturgos como Samuel Beckett. Este escritor nació en Foxrock, en el seno de una familia protestante. Sus estudios sobre lenguas romances como el italiano y el francés los realizó en el Trinity College de Dublín donde se licenció y más tarde se doctoró.
Pasó mucho tiempo en París donde conoció a James Joyce para el que trabajó de secretario y traductor, a la vez que entablaron una gran amistad.Su producción literaria se centra en una trilogía: Molloy, Malone muere y El innombrable, novelas que eran un gran logro según Beckett. También escribió: Final de partida, La última cinta, Acto sin palabras, Watt (que no se publicó hasta 1953) y Como es, un experimento literario radical, entre otras. Dividió la escritura de sus obras entre el inglés y el francés. Por todo ello consiguió en 1969 el Premio Nobel de Literatura.
Por lo que es recordado y seguirá siendo estudiado es por su aportación al mundo del teatro. El llamado "teatro del absurdo"; se consagra con su gran obra Esperando a Godot, escrita en 1952 y que según muchos críticos es su obra maestra.
Beckett no apuesta por grandes decorados ni por diálogos grandilocuentes sino por mensajes de trasfondo muy profundos. Este libro necesita reflexión ya que sino el lector se queda en la superficie, una superficie loca, ilógica y absurda. Es una obra cargada de símbolos a pesar de su "pobreza" escénica. Hay un camino y un árbol que juega a ser la muerte y la vida. Este árbol es testigo del deseo de los dos personajes principales de ahorcarse en él y en el segundo acto sus hojas representan la vuelta a la vida, es la belleza de lo incomprensible.
Los personajes principales, Vladimir y Estragón, son dos hombres que causan pena y risa a la vez, se aman, se entienden, no se escuchan, se cortan cuando hablan, son dos viejos amigos, tan amigos que no pueden vivir el uno sin el otro. Ambos se necesitan. Uno representa el tesón, ya que siempre aguarda y no olvida su objetivo: esperar a Godot. El otro es la despreocupación y el olvido permanentes, la desesperanza.
A éstos se les añaden otros dos personajes: Pozzo y Lucky. Ambos tienen una relación de amo y esclavo que irá evolucionando a lo largo de la obra ya que Pozzo admitirá que su esclavo le ha cambiado. Sin embargo, Lucky tiene mala suerte, cómo llamar a un esclavo “afortunado” en inglés, es una coincidencia bastante irónica. Lucky es el conformismo, Pozzo el poder.
Un último personaje llamado Muchacho pasa inadvertido por las páginas del libro, es quien comunica la demora de Godot, es la prueba. La prueba para ver cómo reaccionan los personajes, el tesón y la desesperanza. Cada uno es diferente pero juntos se consuelan y se mantienen, se apoyan en conversaciones banales, palabras sin sentido mientras el tiempo pasa y la espera es menos ardua. Todos evolucionan gracias a la espera, gracias a Godot.
Y ¿quién es Godot? ¿Alguien se lo ha preguntado en la obra? No, y eso es lo preocupante. A nadie le importa, a pesar de que no lo conocen, se conforman. Godot no ha conseguido su objetivo, que nos preguntemos por él, ella, ello...Hay que luchar y tener esperanza en la vida, una espera por algo, por alguien, por un Godot, porque sino desearemos ahorcarnos, porque será lo más divertido de nuestra vida.
Esperando a Godot es una obra abierta, sin principio ni fin, es un trozo de la existencia de unas personas que aparece y desaparece de la vida del lector sin llegar a ninguna conclusión clara al principio. Llena de diálogos cortos, rápidos, directos, pero desconcertantes, se apoya en el humor negro y la sátira con un punto corrosivo. Expone sus ideas del existencialismo, una existencia vivida con resignación a la espera de una salvación que no llega.
Esta obra es presente. El mundo es pasivo, indiferente, no espera nada y no lucha por encontrarlo, ¿cómo encontrar sino se busca? Lo que pretendemos y deseamos hay que buscarlo y lucharlo para ser dignos de tenerlo, pero esta sociedad no está acostumbrada al esfuerzo, se cansa y se sienta. Ya vendrán las oportunidades, mientras tanto espera en silencio. Silencios como los de Didi y Gogo que llegan a ser continuos marcan la falta de comunicación de una sociedad que no se expresa, que trata a los débiles sin igualdad, que no se inmuta ante las injusticias y las vejaciones.
La sociedad siempre espera un cambio, un Godot en el que creemos siempre aunque no lo veamos y que esperamos que nos haga mejores personas. Pero Godot no llega y la sociedad ha vendido su libertad y sus derechos para ser “iguales”. Se siente prostituida en sus ideales, mientras esboza una lánguida sonrisa sentada en un desolado camino intentando enarbolar la bandera de la esperanza. A lo lejos renace un trébol de tres hojas verde intenso.

Waiting for Godot from szeleczo on Vimeo.

Honor y lágrimas por los hijos de la Revolución

2012-01-19T12:22:00.000+01:00

Los de abajo, MARIANO AZUELA. Ed.Cátedra, Madrid. 1980.216pp.

“Así lo encontró su mujer, tendido en el suelo con su fusil y los ojos fijos eternamente. Demetrio Macías había luchado duramente por la revolución y tuvo un funeral de héroe clandestino, sin honores reconocidos, pero sus hazañas serían recordadas por el pueblo mexicano, por el que tanto había combatido por su libertad.”
Este podría haber sido un posible final, alternativo, diferente ya que Mariano Azuela, autor de la obra Los de abajo, nos deja en suspense, nos abandona para que recreemos a nuestro libre albedrío un final, sin tiempo predeterminado. Azuela fue un hombre convencido, amaba la justicia, la verdad y la revolución hecha por los hombres, pero éstos también cometen errores por lo que sus desencantos estuvieron presentes en sus novelas.
Su obra más conocida fue Los de abajo que se publicó por primera vez en El Paso en 1916 como folletín, pero años más tarde sería convertida en libro. En 1927 saldría publicada en España y luego se adaptaría para ser representada. En los años 40 se hizo una versión cinematográfica. Esta obra tiene gran relevancia, es la primera novela que presentó con gran realismo la revolución mexicana de 1910. Su forma es casi cruel con un lenguaje que refleja perfectamente el hablar mexicano y popular. En cuanto a su fondo es una crítica del choque entre el ideal popular revolucionario y la realidad práctica.
Según el propio autor esta novela se hizo sola puesto que tiene una gran carga histórica, son hechos reales, sus personajes como Demetrio son reflejo de personas que existieron, y sus paisajes son fruto de la realidad del país, pueblos que existen como Chihuahua. Un contraste evidente aparece en la figura de Demetrio Macías, guerrillero revolucionario, luchador por sus ideales de libertad y Luis Cervantes prototipo de futuro beneficiario político de la revolución que acaba alejado de los guerrilleros para irse a Estados Unidos, estudiar e intentar cambiar su posición social renunciando a cualquier lucha por la libertad de su país, México.
Como fruto de este realismo, a veces descomedido, se hace mucho hincapié en los aspectos brutales: sus juergas, sus borracheras, la falta de amor, las mentiras, los odios y las venganzas. Es una novela llena de ruidos ensordecedores de pistolas, de gritos, de piedras, de barullo continuo, de risas hombrunas. En general, de continuos desfases que hacen desmitificar al héroe para dejarlo caer y convertirlo en un ser normal, imperfecto, injusto que llora y que lucha por la libertad.
Azuela intenta mostrar al lector la idea de la revolución con todas sus consecuencias, una revolución que no termina, que ya no para aunque se vea sin esperanza. Así lo muestra el grandioso pasaje de la piedra que tira Demetrio para hacerle entender a su mujer que debe irse porque tiene un compromiso con la insurrección al que no puede renunciar; así se refuta la idea en los puntos suspensivos finales. La revolución sigue aunque caigan los héroes.

Al otro lado

2012-01-18T11:39:00.000+01:00

La Metamorfosis, FRANZ KAFKA. Traducción de Luis Izquierdo. Ed.Salvat, Navarra. 1982. 166pp.

Kafka no llegó a publicar muchos relatos en vida pero gracias a la desobediencia de su albacea literario, Max Brod, el mundo ha podido admirar parte de su extensa obra, en especial La Metamorfosis. Esta novela fue publicada en 1915. En ella narra la rocambolesca historia de Gregorio Samsa, un comerciante de telas que una mañana se despierta convertido en un insecto.

Este gracioso comienzo es atrayente al lector ya que no llega nunca a esperarse que sea cierto, si no un simple sueño del que despertará. Pero no es así. Samsa es el personaje principal, un bicho horrible que no quiere nadie. Gregorio es un hombre responsable que lleva el peso económico de su casa lo que le supone una obligación que desearía quitarse.

Cuando esa mañana amanece convertido en una cucaracha niega su nuevo estado porque no tiene tiempo para pararse y pensar en lo que le ha ocurrido, sólo le importa llegar al trabajo pues llega tarde.

¿Quién estando en su situación pensaría en ir a trabajar? Sólo Samsa. Las primeras páginas están cargadas de un humor que roza el absurdo, es una situación surrealista o como la crítica lo ha denominado “kafkiano”, pero al lector le resulta divertido, incluso ocurrente. Conforme vamos pasando las hojas lo gracioso se torna triste; la tercera persona deja paso al yo.

¿Y si fueras tú? Su familia siente repulsa al principio comedida pero a medida que pasa el tiempo se vuelve desmesurada, es un rechazo que lo mata poco a poco. En este nuevo ambiente Samsa debe aprender deseternizar el tiempo, hay poco que hacer y sólo le queda la desesperación. Una de las circunstancias que más le duele es no poder comunicarse, sólo le quedan los ojos para hablar pero nadie se para a mirarle. Sus pensamientos le atormentan y no convertirlos en voz es su veneno.

La obra trata las relaciones rotas que convierten al personaje en un ser aislado; el egoísmo de los humanos ante el bienestar de los demás; las actitudes que tienen las personas ante una enfermedad y cómo sigue cada uno con su vida, ya que a Samsa lo tratan como un parásito llegando a sentirse libres con su muerte; y el trato de la sociedad hacia el individuo diferente.

Sí, Gregorio Samsa es diferente, ¿por qué un insecto tan horrible? Una cucaracha que se arrastra por el suelo, que a nadie infunde un poco de compasión. En este caso Kafka es el tocador de conciencia pues juega a los opuestos con el lector. Por todo, La Metamorfosis es una historia absurda, cruel, cómica, conmovedora pero del todo real y que aunque se escribió a principios del siglo XX sigue siendo aplicable a hoy.

Ruletenburgo

2012-01-18T11:22:00.000+01:00

El jugador, FEDOR DOSTOIEVSKI. Traducción de José Laín Entralgo. Ed. Biblioteca Básica Salvat, Navarra. 1982. 189pp.

Las obras de Dostoievski, como las de todos los realistas rusos, se caracterizaron por ser de gran volumen llamándolas “las grandes novelas del siglo XIX”, una de las excepciones fue El jugador, novela corta escrita en 1866.

La creación de esta obra -junto a otras dos- fue debido a la situación económica en la que se encontraba, ya que en 1865 firmó un contrato con Stellovski en el que le concedía la exclusiva de las obras ya publicadas y comprometiéndose a entregarle una obra inédita antes del primero de noviembre del año siguiente.

A pesar de esto, le ofrece a otro editor la primera parte de Crimen y Castigo lo que le supuso escribir dos novelas en un año. Cuando faltaban pocas semanas para que acabase el plazo de entrega decide contratar a una taquígrafa para agilizar la escritura (la que sería su futura esposa).

Así en tres semanas escribe esta pequeña novela llamada El jugador que trata un tema bastante familiar para Dostoievski ya que como el protagonista él es un jugador, un ludópata de la ruleta en la que pierde todo su dinero en las capitales del juego: Wiesbaden y Baden-Baden.

Sus obras son eminentemente autobiográficas, tratan un episodio de su vida, por lo que en El jugador, por medio de Alexei Ivánovich plasma un momento que desea borrar, incluyendo a Polina -la protagonista femenina- que en la vida real será una amante que lo abandona cuando estuvo en la miseria.

Alexei es un ruso pobre y culto que deambula por diferentes países y que se deja dominar por el azar de una ruleta que truncará sus esperanzas y deseos destruyendo su futuro. Pero no sólo lo destruirá a él, sino también a Antonida Vasílievna -la abuela- con la que el lector más sufre al cogerle un irremediable afecto y a la que, desde las hojas del libro, se le grita compulsivamente ¡Que no juegue!

Uno de los personajes más incomprensibles es Polina, que odia permanente a Alexei y que luego se descubre que es amor. Ese odio produce en el lector un mayor aprecio por Alexei y una antipatía hacia Polina que se desarrollará durante todo el relato.

El resto de personajes son un cúmulo pintoresco de actores internacionales de características dispares que no hacen otra cosa que darle color y ritmo a una obra ya de por sí muy bien hilada. El libro, en general, habla de la degradación humana, y en sentido figurado de Rusia, una Rusia de generales, condes y nobles que acaban humillados y deshonrados por culpa del azar y que intentan vivir sus momentos pasados de felicidad, lo que no consiguen y acaban por destruirse cada uno.

Tormento desesperado

2012-01-18T10:26:00.000+01:00

El túnel, ERNESTO SÁBATO. Ed. Cátedra. Madrid, 2001. 165pp.

“La maté porque era mía”. Casi diariamente, por desgracia, se ven estas declaraciones en todos los periódicos y siempre aparecen las mismas preguntas ¿Por qué? ¿Qué le habrá llevado a hacer semejante acto? Nunca se obtiene respuesta por considerar estas cuestiones morbosas. Sábato pone de excusa una situación semejante para entender el alma de las personas.

El túnel se escribió en 1948 y fue llevado al cine por primera vez en 1952. La novela consigue hacer una crítica de la sociedad a través de la infelicidad de los personajes. Es una obra corta, de lenguaje coloquial con el que capta al lector al instante gracias a su sencillez y claridad.

Utiliza el monólogo interior, característico de Joyce, para dar presencia a su personaje. A través de los pensamientos del protagonista se conocen y se entienden sus actitudes, sus actos y deseos, pero sobre todo sus frustraciones y también utiliza el tiempo subjetivo tan propio de Proust, donde diferencia el tiempo real monótono del tiempo que cada uno le da a cada circunstancia.

En la novela se habla de la soledad, del amor, de la desesperanza, de la incomunicación, todo reencarnado en Juan Pablo Castel, o en cualquiera de los lectores que llegan a sentir desnuda su alma y sus ideas como si Sábato hubiera entrado en lo más oscuro de cada lector y le hubiera arrancado sus más íntimos pensamientos.

Retrata la realidad actual. Habla de una sociedad en la que lo que impera es la soledad fruto de la incomunicación, paradoja en la era de la comunicación sin límites, el ser solitario, independiente, pero falto de la panacea de la existencia humana, el afecto íntimo. Esta visión actual del amor como solución a todos los problemas se resquebraja a lo largo del texto, por lo que Sábato apunta que el amor también es una forma de ruido y de sufrimiento.

Castel es un ser angustiado, sus desilusionados deseos son resultado de la desconfianza, el engaño y los celos que le provoca María. Todo ello le producirá un tormento interior en el que intentará racionalizar cada pensamiento. Es una continua lucha entre los sentimientos y la razón que le llevan a la locura irracional momentánea.

El libro es un mensaje oscuro y tétrico, cargado de hosca realidad, donde no se da cabida a los sueños y deseos porque son inalcanzables. Es un intento de desgajar el alma, lo más lóbrego, de sumergirnos en un túnel sin salida donde la amargura del corazón obligue a chillar para no verse solo. Es un pasadizo lleno de vacío.

Caligramando a dos genios

2010-11-07T14:56:00.002+01:00

Si hoy se levantara Isidore Isou esbozaría una sonrisa al ver Kafka Borges. Su esfuerzo persiste tras su ausencia.

Kafka Borges ya por sí llama la atención, ¿Qué nexo de unión hay entre estos dos genios de la literatura? Cualquiera pensaría que la literatura pero desde ahora debería añadirse el arte y todo, gracias a la ilustradora argentina Verónica Moretta.

Este libro-objeto es un sueño laberíntico que invita al lector a perderse por el mundo de las letras. Una pena que tan sólo haya 999 ejemplares sueltos esperando un dueño que sepa paladearlo. Kafka Borges trata, con una elegancia extrema, los temas cruciales de la literatura de estos dos escritores tan esenciales, según Moretta “temas como el laberinto, los espejos, el yo y el otro, los sueños, lo insólito, lo absurdo o las sorpresas son compartidos por los dos. Por eso los veo juntos”.

“La metamorfosis,” de Kafka, “La casa de Asterión,” “Un sueño" y “El laberinto,” de Borges, encierran los pasadizos de las claves oscuras de sus libros, un altavoz de las dudas de sus escritores plasmadas en blanco y negro dejando los matices coloristas a la reflexión del lector.

Kafka Borges es libro-pensamiento que pregunta al lector hasta dónde quiere llegar y lo evoca a través de la técnica del letrismo. "El letrismo, a través de Isidore Isou, reveló el fin de la poesía de las palabras llegando a la poética de las letras y de los signos, y ese concepto me ha influido mucho en mi trabajo,” puntualiza la ilustradora.

Nunca la imagen-palabra fue tan palabra.

Mr.Hyde aún más oscuro

2010-10-18T20:26:00.006+02:00

Uno de los desdoblamientos más conocidos del mundo literario, El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr.Hyde, ha vuelto a perturbar las calles de ese Londres del s.XIX que todos tenemos en mente.
La ilustradora Marta Gómez-Pintado ha revisado para Nórdica Libros el mito del doble dándole una visión más oscurantista si cabe a la novela de Stevenson. Así el encuentro imaginario que el lector tenía con los personajes queda acotado a la poesía expresiva que Gómez-Pintado refleja en estas ilustraciones.

Los dibujos siguen un patrón fiel a su autor respetando los rasgos que definen su literatura: misterio, la lucha entre el bien y el mal y la aventura. Por ello, el gusto por la letra no se ve diluido ni distraído por unas ilustraciones que juegan con el blanco y negro.

El misterio, sigue presente.

El quijote salta a la web 2.0

2010-10-14T13:10:00.003+02:00

Nuestro abuelito literario más preciado se ha atrevido a modernizarse de nuevo. Esta vez, Don Quijote y su prole de personajes han sido resucitados gracias a las voces de 2.149 hispanohablantes que tienen la oportunidad de revivir sus aventuras literarias con la ayuda de Youtube y la Real Academia Española de la Lengua en el Canal Quijote que se ha puesto a disposición de los usuarios.

Este proyecto pone en marcha la lectura mundial del Quijote en la red en la que colaboran también la Asociación de Academias de la Lengua Española. El sistema de participación es muy sencillo. Si quieres participar en la lectura te asignan un fragmento de la novela de Cervantes y lo debes grabar y subir a través de Youtube. Todo esto en menos de 6 horas. Así dan la oportunidad a que toda la gente se anime a formar parte de una lectura global en la que desean resaltar los sonidos, los acentos y dicciones peculiares de todos los hispanohablantes del mundo.

Después de esta fase, los vídeos son revisados por un equipo de especialistas del Centro de Estudios Cervantinos, quiénes dan el visto bueno.

La obra que se tomará como referencia para la lectura de la gran novela de Miguel de Cervantes será la edición popular que las Academias hicieron en 2004, cuando se conmemoró el IV Centenario de la publicación del Quijote.

Esta iniciativa ha tenido una gran repercusión y mucha gente se ha puesto en marcha para grabar su “momento literario mundial”, ¿por qué no te animas?

Confesiones de mamá al borde de la locura

2010-05-19T19:33:00.010+02:00

En pleno s.XXI nos llegan las confesiones una típica ama de casa de los años 60 americanos. La serie "Embrujada" nos mostró una mujer muy peculiar, extraordinaria que vivía una vida de misterios y aventuras en su propia casa pero sin embargo la verdadera mujer americana vivía entre inquietudes, insatisfacciones y aburrimiento.
Así lo muestra Diario de un ama de casa desquiciada de Sue Kaufman, novela que se convirtió en un clásico de los años sesenta en Estados Unidos. A partir del personaje de Tina Balser, una esposa y madre acomodada de Manhattan, Kaufman puso en duda la aparente felicidad de la arquetípica ama de casa norteamericana y dio voz a las inquietudes de una nueva generación de mujeres.

Tina Balser es una sofisticada ama de casa que vive con su marido, un exitoso abogado, y sus dos preciosas hijas en Manhattan. A pesar de lo que le dictan su conciencia y sus propios deseos, es incapaz de amoldarse a su, en principio, perfecta vida. Cuando sus miedos y neurosis comienzan a atenazarla, estrena un diario en el que, con sus agudas e hilarantes anotaciones sobre sí misma y su entorno, intenta arrojar un poco de luz en su aburrida vida y dar con las causas de su insatisfacción.

Este personaje logró dar forma al arquetipo del ama de casa al borde de la locura en la Norteamérica del momento y ha influido muchas obras de ficción posteriores, como por ejemplo el personaje de Betty Draper en la serie de televisión Mad Men.

Esta obra fue publicada originalmente en 1967 y está considerada como una de las novelas de la nueva conciencia femenina surgida a mediados del siglo pasado en Estados Unidos. Diario de un ama de casa desquiciada es un divertido e inteligente relato sobre el sentimiento de angustia al que todos nos enfrentamos alguna vez en nuestra vida.

La versión matona de Sherlock Holmes

2010-01-25T19:46:00.004+01:00

Si Arthur Conan Doyle levantara la cabeza desde el otro mundo demandaría -y con toda la razón del mundo- a Guy Ritchie por “desadaptar” a su personaje principal y convertirlo en un matón desequilibrado y metódico.

Existe una interminable lista de escritores de todas las épocas y países cuyas obras literarias han sido llevadas al cine, con regular o total éxito, con malos y excelentes actores sobre relatos considerados clásicos como El Quijote, La venganza de Don Mendo o El retrato de Dorian Gray.

La versión de Sherlock Holmes que se estrenó el pasado fin de semana en las pantallas españolas carece de realismo con las brillantes novelas del escritor escocés. Suele decirse que una película, más allá de las presiones comerciales, tiende a ser reconocida como arte sirviéndose del toque intelectual que le proporciona la literatura pero en este caso el film ha dejado a un lado la magia de Holmes para potenciar su carácter más agresivo y su amor por el boxeo. Con esto Ritchie ha creado un producto que conecta más con el público en general y que lo divierte y ha desbrozado su parte sesuda para que éste no se pierda en las sesudas deducciones del personaje.

Según la ministra de cultura Ángeles González-Sinde, galardonada con un Goya junto a Ricardo Franco por La buena estrella, "el cine pertenece a la tradición oral, su mecanismo es más parecido al de un cuentacuentos. La dificultad estriba en que los guiones se escriben con palabras, y las palabras son sólo uno de los elementos de la película, ni siquiera el más importante. Tratamos de hablar con un lenguaje que no se habla, sino que se ve; eso es una contradicción".

En este caso nuestro cuentacuentos sufre de amnesia y olvida dar mayor protagonismo a Irene Adler que pasa por la mujerzuela de la que Holmes está enamorado y la única que ha conseguido engañarle alguna vez. La versión cinematográfica sufre, en general, de simplismo y potencia la acción al puro estilo hollywoodiense haciendo que el gran personaje detectivesco sea un ser prepotente y agresivo.

La cotidianeidad americana en los años 30

2009-06-10T18:07:00.005+02:00

El festival PhotoEspaña 2009, la principal cita anual de fotografía, ya ha comenzado. Este año hay en escena 72 exposiciones y las sedes están repartidas entre Madrid, Lisboa, Cuenca y Alcalá de Henares. El eje vertebrador de esta edición es "Lo cotidiano", un tema que desde sensibilidades y técnicas muy diferentes estará representado en las obras que se podrán ver tanto de autores contemporáneos como de maestros de la historia de la fotografía. Entre los grandes nombres de este año destaca la retrospectiva dedicada a Dorothea Lange, cuya obra es una de las más representativas de la unión crucial en una época determinada de fotografía y vida cotidiana.

En 1936, en plena Gran Depresión, Dorothea Lange realizó por encargo de la Farm Security Administration –uno de los organismos del New Deal de Roosevelt, el plan para relanzar la economía después de la crisis de 1929–, un reportaje fotográfico sobre las casi ciento cincuenta mil personas que vagaban por el estado de California ofreciéndose como temporeros para la cosecha. Procedían del medio oeste, de donde habían sido expulsados de sus granjas por la sequía y la hambruna que llevó el llamado Cuenco de polvo.

Paralelamente, John Steinbeck escribió para el San Francisco Chronicle una serie de reportajes sobre la situación de las víctimas de ese éxodo sin precedentes en una ejemplar lección de compromiso periodístico. El libro Los vagabundos de la cosecha reúne por primera vez los reportajes de John Steinbeck, que se cuentan entre los mejores trabajos del periodismo del siglo XX, con las mejores imágenes de Dorothea Lange.

Tanto para los que puedan acercarse hasta PhotoEspaña 2009, que podrá visitarse hasta el 26 de julio, como para los que no, Los vagabundos de la cosecha, que ya ha alcanzado la tercera edición en Libros del Asteroide, supone la oportunidad de reunir dos voces únicas, Dorothea Lange y John Steinbeck, cuyo retrato del dolor cotidiano sigue plenamente vigente.

Descubriendo joyas por la calle

2009-05-20T17:14:00.003+02:00

Un nuevo siglo, un nuevo concepto. Los libros saltan de las estanterías a las estatuas, parques, bancos, y como desconocidos te miran fijamente cuando pasas a su lado. Te quedas mirando a esas palabras que se han quedado mudas esperando que te acerques. Hoy has pensado que te llevas a casa un trozo de literatura callejera, a lo mejor te sorprendes y conoces a alguien nuevo. Efectivamente le das la vuelta y se presenta: Werther de Goethe.

La literatura ya no se concibe como un bien único y privado, todo lo contrario, el fomento de la lectura es una responsabilidad de todos que se debe compartir, así lo pensó Ron Hornbaker cuando en 2001 concibió el bookcrossing. Esta práctica, cada día más habitual, que ya cuenta con 750.000 miembros en todo el mundo, consiste en dejar libros en lugares públicos, identificados con una pegatina muy característica, para que los recojan otros lectores, que después harán lo mismo.

Además de una forma diferente de descubrir literatura es un concepto de red social tematizada alrededor del amor a la lectura y/o a la escritura. Los miembros pueden compartir opiniones sobre un libro, pero no es una práctica de unos pocos. El bookcrossing no tiene fronteras. España dispone de su propia web.

Alguna gente opina que este nuevo concepto puede ser perjudicial para escritores y editoriales, entre otros, pues la venta de libros se reduce. Esto no es así, esta práctica da la oportunidad de conocer autores o estilos diferentes, además de que quien ama la literatura siempre acaba comprando aquel libro del que se enamoró.

El siglo XXI permite que las nuevas comunicaciones y el papel no tengan por qué estar reñidos. Mientras un lector está descubriendo una joya “olvidada” en cualquier árbol, otro vuelve a casa, entra en internet y opina sobre ese fascinante Werther que conoció la semana pasada y que ha dejado en un árbol de su parque favorito.

Sandokan se suicidó

2009-05-20T15:32:00.007+02:00

Cansado de tanta penuria y de tanta soledad Sandokan acabó con su vida de dos estocadas. Quien diría que las andanzas de este príncipe de Borneo acabarían el 25 de abril de 1911 cuando su mentor se suicidó atrozmente: rajándose el vientre y la garganta con una navaja de afeitar.

Emilio Salgari tuvo siempre una imaginación espectacular aunque él admitió que muchos de sus personajes estaban inspirados en personas que había conocido cuando fue marinero. Los ambientes exóticos de sus novelas distaban mucho de lo que este escritor y periodista italiano vivió.

El capitán –así era como le gustaba que le llamaran- tuvo cuatro hijos y a pesar de tener una obra muy extensa y ser muy conocido entre la juventud gracias a todas las novelas de aventuras que escribió, apenas podía sustentar a su familia.

En 1910 intenta suicidarse por primera vez. Y no transcurre mucho tiempo hasta su próximo intento. Desesperado por su situación, casi ciego, con su mujer ingresada en un manicomio, escribe tres cartas de despedida y se va a pasear a un valle. Allí se detiene, extrae de su bolsillo una navaja de afeitar y se raja el vientre y luego la garganta. Tenía 48 años.

A continuación las cartas con las que se despidió:

A LOS DIRECTORES DE LOS PERIÓDICOS DE TURÍN
Vencido por todo tipo de desgracias, reducido a miseria a pesar del enorme trabajo, con mi mujer loca en el hospital, a la que no puedo pagar sus gastos, me quito la vida. Tengo muchos admiradores en Europa y América. Les pido señores directores, que abran una suscripción para sacar de la miseria a mis cuatro hijos y pagar los gastos de mi mujer mientras esté en el hospital. Debería haber tenido otra situación y suerte, debido a mi nombre. Estoy seguro que Uds., señores directores, ayudarán a mis desgraciados hijos y a mi mujer. Con las gracias más sentidas, me despido, Emilio Salgari.

A MIS EDITORES
A vosotros, que os habéis enriquecido con mi sudor, manteniéndome a mí y a mi familia en una continua semi-miseria o algo peor, pido sólo que, en compensación de las ganancias que os he proporcionado, paguéis los gastos de mi entierro. Os saludo rompiendo la pluma. Emilio Salgari.

A MIS HIJOS
Queridos hijos: Soy un vencido. La locura de vuestra madre me ha partido el corazón y todas mis fuerzas. Yo espero que los millones de mis admiradores, a los que durante años he distraído e instruido, os saldrán al encuentro. Os dejo sólo 150 liras, más un crédito de 600 liras, que recogeréis de la señora Nusshaumar. Os dejo la dirección. Que me entierren como pobre, ya que estoy arruinado. Manteneos buenos y honestos y pensad, en cuanto podáis, en ayudar a vuestra madre. Os besa a todos, con el corazón sangrando, vuestro desgraciado padre. Emilio Salgari. Voy a morir al Valle di San Martino, junto al sitio en el que, cuando vivíamos en Via Guastella, íbamos a desayunar. Encontrarán mi cadáver en un barranco que ya conocéis, porque allí íbamos a coger flores.

Anne Lamott estrena libro en España

2009-05-19T12:41:00.002+02:00

Imagina que entras en la librería de tu barrio. Te consideras un lector experto y crees que, leyendo el dorso de los libros, serás capaz de saber qué obras son buenas y cuáles no. De momento andas buscando algo distinto, en parte porque te consideras un buen escritor aunque todo lo que has hecho hasta ahora está guardado en un cajón.

Las editoriales no confiaron en tus relatos...qué se le va a hacer. Aunque te sientes frustrado, comienzas a pasearte por la librería, te acercas al estante de autores californianos y ves el libro de Anne Lamott. Te llama la atención su título Pájaro a pájaro: algunas instrucciones para escribir y para la vida. Lo agarras, te acercas al mostrador, pagas al dependiente y te vas... ¿Te fijaste en lo sucio que estaba el suelo de la librería?

Estos dos párrafos podrían ser un primer borrador de mierda, concepto que usa Anne Lamott para desmitificar aquella hermosa palabra llamada catarsis. Luego esos garabatos podrían motivar un segundo borrador, un tercero incluso un cuarto, convirtiendo ese "engendro" en algo realmente exquisito.

Así está concebido este libro que está a la venta desde hoy en España. Un primer borrador que se convirtió en una genial master class, un taller de escritura tan hermoso y divertido que permitirá a todos aquellos que se sienten escritores a no tirar la toalla, a buscar nuevas vías de experimentación y en definitiva a crecer, ya no sólo como novelistas o poetas, sino como personas.

Pájaro a pájaro es más que un manual para crear historias, es una novela con lecciones sobre la vida, la creatividad y sobre todo por la desmitificación de la figura del escritor y todo lo que ello conlleva.

Anne Lamott resulta todavía desconocida en nuestro país pero su libros han sido bestsellers en otros muchos países. Su estilo, directo, sencillo y divertido se ha ganado la fidelidad de cientos de lectores en todo el mundo.

Anne Lamott nació en 1954 en San Francisco, California. Su primera novela Hard Laugther se publicó en 1980, seguida de Rosie (1983), Joe Jones (1985) y All New People (1989). Sus memorias, Operating Instructions, aparecieron en 1993. Su novela Crooked Little Heart fue publicada en 1997. Publicó Travelling Mercies en 1999 y Plan B: Further thoughts on Faith en el 2005. Ha Ganado un Premio Guggenheim, ha sido columnista de crítica de libros en la revista Mademoiselle y crítica gastronómica de la revista California y ha enseñado escritura en la UC Davis y en muchas convenciones de escritores por todo el Estado.

Con el pretexto de contarnos el día a día como profesora de un taller literario, Lamott se sincera con los lectores y nos cuenta todo lo que ella aprendió sobre la escritura a lo largo de su vida, sus motivaciones, su forma de enfrentarse a los obstáculos como el alcoholismo, o la enfermedad de su padre, todo ello para confeccionar un libro de secretos tan humano, amable, sabio y delirante que es un verdadero regalo para todos los amantes de los libros.

Hoy 19 de mayo podría ser el momento para imaginar que usted es aquel escritor que entra en una librería de suelo sucio. Tal vez usted quiera sacar de nuevo todos aquellos cuentos que escribió y guardó en un cajón, tal vez quiera encontrar una nueva perspectiva, volver a enamorarse de la escritura. Tal vez Pájaro a pájaro de Anne Lamott sea la clave.

Cuando Chinaski se convirtió en Bandini

2009-05-18T22:46:00.008+02:00

Dos vidas paralelas llenas de causa-efecto, Bukowski-Fante, Chinaski-Bandini, tan diferentes y tan cercanos que el destino inevitablemente les ligó para siempre. Charles Bukowski, creador de una literatura tan sórdida, provocadora, violenta y triste como su propia vida. John Fante considerado, gracias a Bukowski, precursor del realismo sucio, un triste ludópata que publicó a finales de los años treinta un par de libros con más pena que gloria, un guionista de tres al cuarto con una vida de cupones por recortar.

¿Cómo consiguieron un escritor mediocre y anacrónico, y otro alcohólico y perdedor nato llegar hasta lo más alto de las cimas literarias y convertirse, de paso, en referentes para la narrativa norteamericana del siglo XX? Imagínese un día de esos tristes en la ciudad de Los Ángeles, en un contexto de pensiones de tres dólares, de camas de cartón, de suburbios fríos. Allí al fondo un lector empedernido llamado Charles Bukowski, leyendo libros de la generación perdida, de los realistas rusos o de los trágicos escandinavos, con la ferviente ilusión de encontrar un maestro, una pizca de magia más allá del metarrelato, un camino de palabras por el cual pasear tras un gesto desencantado.

"Pero cierto día cogí un libro, lo abrí y se produjo un descubrimiento. Pasé unos minutos hojeándolo. Y entonces, a semejanza del hombre que ha encontrado oro en los basureros municipales, me lleve el libro a una mesa…"

Charles Bukowski nació en Aldernach -Alemania- en 1920 aunque con tan solo dos años se trasladó a Los Ángeles. Poeta y narrador de culto, el mayor crítico del sueño americano, un infant terrible, amado y odiado por sus millones de lectores; misógino, racista y vagabundo. Un perdedor nato, el último escritor maldito de la literatura norteamericana, el factotum que siempre se declaró deudor de la obra de Fante.

"Comenzar a leer aquel libro fue para mí un milagro tan fenomenal como imprevisto. El libro se titulaba Pregúntale al polvo y el autor se llamaba John Fante. Tendría una influencia vitalicia en mis propios libros. Acabé Pregúntale al polvo y busqué más libros de Fante. Encontré dos. La calidad era la misma, se habían escrito con el corazón y las entrañas y no hablaban de otra cosa…"

Pregúntale al polvo escrita en 1939 es la segunda novela y columna vertebral de la trilogía de la desesperanza que inicia con Espera a la primavera Bandini de 1938 y que completa con la crepuscular Sueños de Bunker hill publicada en 1982.

Las tres tienen como protagonista a Arturo Bandini, alter ego de Fante, un ser alabado y rechazado al mismo tiempo, un bebedor empedernido, una mueca rota... Siempre viviendo a bandazos al igual que el propio autor, un don nadie que escribe compulsivamente palabras llenas de amargura, un ser que se encuentra y se pierde constantemente, tan mágico que hizo mella en Bukowski, hasta el punto de inspirarle al ya mítico personaje Henry Chinaski, el antihéroe protagonista de todas sus tramas.

"Sí, Fante tuvo sobre mí un efecto poderoso. Poco después de leer los libros de Fante conviví con mi mujer. Estaba más alcoholizada que yo, sosteníamos peleas violentas y a menudo le gritaba: ¡No me llames hijo de puta! ¡Yo soy Bandini, Arturo Bandini! Fante fue para mí como un Dios, pero yo sabía que a los dioses hay que dejarles en paz…"

El personaje Henry Chinaski surge con fuerza en 1970 con Cartero, obra que le permitió a Bukowski abandonar la oficina de correos donde trabajó hasta los 49 años para dedicarse exclusivamente a la literatura. A ésta seguirían otras cinco novelas, todas protagonizadas por Chinaski, La senda del perdedor, Factotum, Pulp, Mujeres y Hollywood.

¿Qué habría pasado si no hubiese existido aquella biblioteca pública? John Fante fue un escritor por el que Bukowski profesó siempre la mayor de las admiraciones, poniéndole por encima incluso de Celine y de Hemingway. De hecho ese fue el golpe de suerte de Fante, la única razón por la que ahora se reeditan sus libros. Bukowski se ocupó durante toda su vida de recordarnos lo importante que era para él la obra de Fante.

"Al final, gracias a otras vicisitudes, he conocido al novelista este mismo año. Queda mucho que decir de la vida de John Fante. Una vida con una suerte extraordinaria, con un destino horrible y llena de una valentía tan natural como insólita…CHARLES BUKOWSKI 05/06/1979".

El Ingrismo en la literatura

2009-05-13T14:00:00.004+02:00

La forma de narrar las historias siempre ha sido muy variopinta, miles de estilos con millones de colores, lo que cree el escritor. Uno de estos estilos es el llamado “narrador no fiable”. En este tipo de novelas el lector no se siente engañado, ni siquiera piensa que el autor desee profundizar en elementos complejos pero sin embargo hay mentiras; los narradores engañan a los lectores dando una nueva dimensión al texto lo que recuerda a la pintura de Ingres.

Ingres fue un conocido pintor de finales del siglo XVIII y mediados del XIX. Este pintor fue un ferviente defensor del dibujo. En sus obras juega con la mentira, engaña al espectador componiendo una figura pintada en dos dimensiones. Por una parte, exhibe su ideal de belleza femenina y por otra su perfección llega a deformar y distorsionar los cuerpos, tanto que si fueran reales serían personas totalmente deformes. Como al escritor “no fiable” a Ingres sólo le interesaba la pura forma.

En La bañista de Valpinçon la enorme mujer que nos muestra se sienta sobre la esquina de una cama en la que destacan las sábanas de fina textura y elegante encaje. A esta hermosa mujer la vemos de espaldas, cubriendo su brazo izquierdo con una ligera tela en la que apreciamos numerosos pliegues. Los trapos que lleva en el pelo y en el codo son dos contrapuntos que potencian la figura cilíndrica y longitudinal de la modelo e incluso el fondo oscuro potencia la luz que emana de su cuerpo. Ingres logra una mujer de belleza y sensualidad especial, a primera vista una mujer perfecta.

Al someterla a una segunda lectura visual nos podemos fijar que esta bañista tiene ciertos errores anatómicos que son intencionados. Sus piernas son extremadamente delgadas y pequeñas en proporción a la figura. Además posee una la larguísima espalda, un tronco largo y grande, que conforma, en primera instancia, una visión placentera de la mujer, pero tras una segunda visión, por sus proporciones, no podría existir.

Pero así es la belleza perfecta, con la creación de líneas perfectas pero irreales consigue engañar al ojo humano creando una imagen hermosa. Muestra dos dimensiones de realidad, pero para ello debe mentir.
Lo mismo ocurre en la literatura. En las novelas existe una doble lectura y una mentira que se expande por todo el texto provocando dos niveles de realidad, dos formas de leer un mismo cuadro.

En ambas artes se utiliza la misma técnica: la figura del narrador/pintor como voz engañosa. Los narradores son elementos contradictorios: imprescindibles y prescindibles a la vez. Son los ojos de la trama y la voz del silencio de los otros. Aunque parecen ser el centro de los hechos no es así, son burladores de los lectores. Esta figura provoca que no haya una realidad única sino dos dimensiones de una misma historia, un infinito doble. Pero esto no se consigue sólo gracias a la figura del narrador sino también a la dimensión psicológica que dota el autor al resto de personajes.

Rompiendo el marco II: Literatura SMS

2009-05-11T15:28:00.005+02:00

Para muchos es un género literario peligroso, para otros todo un descubrimiento. Quién le diría a Rin, una chica japonesa de 23 años, que su novela If you, en la que Cry, su protagonista, narra su hastío a través de su teléfono móvil, se convertiría en todo un éxito.

Esta semana abordamos una nueva forma de romper el marco. Ya lo pronosticó el The New Yorker. Las novelas redactadas en un teléfono móvil y enviadas por entregas a miles de usuarios están en auge. De hecho en 2007, cinco de las diez novelas más vendidas en Japón, fueron escritas usando eso que llamamos sms.

Según recoge el periódico cultural norteamericano sus postulados son los siguientes:

1.Las oraciones son muy simples.

2.Las historias son predecibles.

3.Los autores nunca han leído una novela tradicional antes.

No hablamos de un movimiento aislado. Tras establecerse en Japón, estas novelas se difundieron por Europa gracias a obras como The last messages del finlandés Hannu Luntiala. Su relato tiene como protagonista a un ejecutivo que deja su trabajo para viajar por el mundo, y mantiene el contacto con su familia a través de mensajes de texto. Así pues nos encontramos con una novela que pone en tela de juicio el clásico género epistolar y hace hincapié en los nuevos formatos comunicativos.

En España comienza a establecerse este nuevo género gracias a gente como Gabriel Medina Vílchez lanzó El Quijote en sms y que se puede descargar y leer a través del móvil gracias a la web Costatropical.

Pero esto va más allá, incluso la RAE ha reconocido la importancia del fenómeno ya que ha anunciado que cabe la posibilidad de que elaboren una lista de abreviaturas del SMS, lo cual bien podría considerarse el reconocimiento oficial del SMS en español.

De momento ya existe el Diccionario SMS, una iniciativa de la Asociación de Usuarios de Internet con el apoyo de Amena, Msn, MoviStar, Vodafone y Lleidanet. Para todos aquellos que quieran probar suerte en este nuevo género, esta es una herramienta perfecta para hacer posible una novela rupturista.

A lo mejor tiene razón Hannu Luntiala cuando afirma que “al final del día, un mensaje de texto puede revelar mucho más de una persona de lo que uno pensaría en un principio" tal vez sea está afirmación lo que esté consagrando a esta nueva forma de romper el marco. ¿Y ustd q opina?

El Arriaga y el BBK unidos por la cultura

2009-05-11T15:20:00.003+02:00

El Teatro Arriaga y BBK han firmado este lunes un convenio de colaboración que reforzará la colaboración entre ambas entidades y aumentará la oferta cultural de Bilbao. Este acuerdo permitirá al Teatro Arriaga programar espectáculos teatrales, musicales y de danza en la Sala BBK en el antiguo cine Gran Vía en donde se ofrecerán al público espectáculos de pequeño y mediano formato de música, teatro y danza y tendrán cabida también las últimas tendencias escénicas.

El convenio une a las dos entidades durante mínimo tres años con el objetivo común de fomentar las actividades culturales a través del programa Aldiriak / Cercanías, que se celebrará en enero, febrero y marzo de cada año, ofreciendo en ese periodo hasta 5 espectáculos.

La Sala BBK se convertirá en un nuevo espacio dedicado a las artes escénicas, la danza y la música y enfocado especialmente a dar cabida a las compañías vascas y a los profesionales vascos de la danza, de la música y de las nuevas formas escénicas.

El Teatro Arriaga está planificando y trabajando ya en los espectáculos que se ofrecerán en la primera edición de este nueva iniciativa cultural, que se celebrará a principios del próximo año.

Con este convenio, BBK cubre el objetivo de ofrecer un programa estable de actividades culturales y sociales en la Sala BBK, un local que pronto cobrará una nueva vida.

La paradoja de lo feo

2009-04-28T18:18:00.006+02:00

Para Platón belleza, bondad y bien son la misma cosa; estética. El concepto de estética actualmente tiene dos realidades.

A partir de la segunda mitad del s. XX nace la reflexión actual dirigida hacia la fealdad, ya que para hablar de lo bello hay que contraponer lo feo, y al revés. ¿Rubens o Mondrian? ¿La Odisea o 2666? En la posmodernidad cuando se ha reflexionado sobre la fealdad nos hemos encontrado con que hay una contradicción en la propia denominación ya que la estética de por sí es bella ¿y la estética de lo feo, qué es?

Hay dos posturas que se han superpuesto con el tiempo:

Con el idealismo se estableció un modelo perfecto de lo estético, eterno y con unas coordenadas muy rígidas e inamovibles. Este sistema de belleza eterna funcionó durante muchos siglos pero la práctica diaria lo ha ido rehuyendo hasta eliminarlo. Como deseo sí existe pero como realidad no. La belleza está sometida a la temporalidad y a la subjetividad.

El concepto de belleza-feo no es un concepto inamovible, se modifica a través de los siglos, de la evolución de los imaginarios y el pensamiento. La temporalidad ha ido modificando las modas y conceptos estéticos. Con el romanticismo comenzó a darse una simultaneidad de prácticas y usos culturales de distinta índole. A partir de ese momento histórico los periodos temporales estéticos se han reducido. Actualmente en una misma ciudad se confronta lo más moderno y lo más antiguo.

Para nuestro ámbito, el s. XXI es el momento perfecto para asumir las premisas de los estudiosos de la relación entre literatura y las artes de mitad del s. XX. Además tenemos la suerte que por una serie de fenómenos donde la comunicación y la tecnología han fomentado muchas estéticas, todo simultáneo, a la vez.

Lo feo es arte con historia, Umberto Eco también lo ha demostrado con su ensayo. La belleza de Venus se pierde por el retrete y ahora el canon se rinde a los pies de los males de Pandora: transgresión, rebeldía, provocación, subversión, mercantilismo.

La fealdad da la oportunidad de obtener una distinción original y genuina. Desde Hegel se reconoce a la fealdad como recordatorio de la realidad pero se parte de ella para que renazca lo bello. Lo feo se vende como bello dependiendo de su precio, el artista ya no vale por su calidad sino por lo que se llegue a pagar por una pieza suya.

Lo feo supone una mayor dificultad a ser copiado que lo bello, por eso la simultaneidad de oferta en una ciudad implica también la necesidad de que el receptor seleccione y también olvide.

La palabra muerta

2009-04-28T17:00:00.004+02:00

Heródoto, el padre de la historia, ya decía que no hay hombre en el mundo que no haya deseado más de una vez no despertar al día siguiente. Y añadía que lo mejor de la existencia es su brevedad, tan lamentada con frecuencia.

Lectores y aficionados en general al mundo de las artes y las letras hemos leído infinidad de veces que autores que admiramos interrumpieron su vida cuando eran aún jóvenes ¿Por qué?

En sí el suicidio es un mal que ha convivido siempre entre los pensamientos humanos y la reflexión de si la vida merece la pena vivirla o no es consustancial al ser humano. Muchos artistas se han considerado almas atormentadas que buscan una salida, de ahí que muchos sean proclives a este problema filosófico.

Durkheim estudió a fondo el suicidio y trató de refutar el conjunto de teorías de corte biológico y psicológico que auspiciaban los estudios sobre el mismo, como los Suicidios vesánicos o psicopáticos que eran fruto de desórdenes mentales que los individuos ya padecían anteriormente. Se dividen en varios:

-Suicidio maniático: Como consecuencia de alucinaciones o concepciones delirantes.
-Suicidio melancólico: La idea del suicidio nace de estados de extrema depresión. Las personas que sufren este tipo preparan su ejecución con detenimiento.
-Suicidio obsesivo: En este caso es un instinto, la idea fija de la muerte se va apoderando del enfermo. El individuo lucha contra esa idea que considera absurda pero que puede vencerle.
-Suicidio automático: Surge la idea sin fundamento y progresivamente se va apoderando de la voluntad, en un tiempo más o menos largo y bruscamente puede provocar la ejecución.

Durkheim quiso descubrir cómo lo social explicaba los datos acerca del suicidio. Los dividió en cuatro niveles:

Suicidio Egoísta: El individuo no está totalmente integrado en la sociedad y ello le produce en él un gran sentimiento de vacío lo que le lleva a la muerte. Es considerado muchas veces como el que determina a los artistas. Es el apático, el individual y el más oscuro.

Suicidio Altruista: Sucede cuando el individuo está integrado fuertemente en una comunidad o en un fin determinado y se ve obligado a suicidarse. (Suicidio masivo, fundamentalismo, secta, ejército, etc.).

Suicidio Anómico: Se presenta en sociedades en donde los negocios, el comercio y la industria son predominantes. La persona siente desorganización y que no puede hacer frente a las normas. Se da en épocas de crisis económica en círculos empresariales.

Suicidio fatalista: Es aquel que es llevado a la práctica porque existe un exceso de regulación, una opresión sobre el individuo que le conduce, como salida al suicidio.

Ante la curiosidad de la relación que existe entre literatura y suicidio cada semana trataremos uno o varios autores y sus tortuosos finales, pues los escritores ante todo apostaron su vida a crear y no siempre obtuvieron el reconocimiento que merecían.

La ramificación del arte

2009-04-15T11:05:00.003+02:00

Cuando Zeus se juntó con Mnemosine nacieron las nueve musas, lo que significó desde un idealismo griego que todas las artes convergieran ya que se concebían como hermanas o hijas de la memoria, es decir Mnemosine, y de Zeus.

Las artes a veces convergen de una manera seria a través de la creatividad y de la expresividad comunicativa. Sus sistemas de producción y recepción son parejos; hay emisores y receptores. Este planteamiento idealista sirve para ver que hay algo que nos unifica, que no hay sólo una estética sino múltiples, y esto deriva en la reflexión por la búsqueda de algo unitario y común.

Las artes convergen gracias al gusto, la temporalidad y la espacialidad. Estos gustos comunes se relacionan con otras artes y cada forma de concebir el arte tiene su vehículo y sistema de comunicación. Se denomina talento múltiple al individuo en el que convergen diferentes artes y las domina.

Miguel Ángel por ejemplo era pintor, poeta, escultor y arquitecto. Él es un buen modelo de convergencia de artes. Otro modelo es E.T.A Hoffman porque fue músico, dibujante y escritor.

Así como Miguel Ángel o Leonardo son paradigmas de diversidad en el Renacimiento, Hoffman vuelve a serlo en el s.XIX. En el caso de España se encuentra por ejemplo, García Lorca ya que fue escritor, dramaturgo, músico y poeta. Otro talento múltiple fue Rafael Alberti quien practicó la poesía, el dibujo y la pintura con éxito.

¿Cómo nació el libro de bolsillo?

2009-04-15T10:26:00.004+02:00

Aldo Manuzio, humanista, impresor y fundador de la Imprenta Aldina es conocido por haber creado el libro de bolsillo. Este italiano que nació en la ciudad de Bassiano, y se formó en latín y griego en Roma y Ferrara bajo la tutoría de Guarino da Verona, plasmó la idea de este formato gracias a las cartas de Petrarca en las que contaba una de sus anécdotas.

Teobaldo Manuzio creó el libro de bolsillo para que así llegase a la gente y les fuese más cómodo de leer. El enquirili portatile estaba en octava de tamaño para que fuera transportable. El libro debía ser reducido porque Aldo había encontrado libros más pequeños en las bibliotecas de los nobles.

Petrarca cuenta a través de sus cartas que un día llevando consigo el libro de San Agustín cayó al río con él. Gracias a este pasaje Aldo se inspiró para concebir este formato más portátil.

Para Manuzio el texto debía ser legible por lo que utilizó un tipo de papel muy blanco -con lino-. Además la tipografía debía ser más legible. Siguiendo estos parámetros consiguió crear la cursiva pues pensó que era menos compacta que la habitual. Para ello llamó a Glifo, uno de los mejores tipógrafos del momento, y consiguieron aligerar la lectura.

La concepción de Manuzio es modélica, y a día de hoy los libros de bolsillo son el gran formato dominante en el mercado editorial.

El capricho de Almodóvar

2009-04-06T13:40:00.004+02:00

Quién iba a pensar que con la aparición del personaje de Carmen Machi en Los abrazos rotos, un pequeño pero intenso papel de tres minutos, inspiraría a su director, Pedro Almodóvar para escribir y rodar el corto La concejala antropófaga.

El último día de rodaje de la película, el director manchego decidió dirigir en aquella cocina naranja un monólogo corrosivo y bizarro, en el que el canivalismo, el sexo y una montaña de cocaína fuese el pretexto perfecto para un spin off mordaz y anecdótico.

La concejala antropófaga ya es un éxito dentro de la red de redes. El vestido naranja de Machi, su mirada ingenua y su lenguaje soez pero a la vez natural ha recibido en un mes cerca de 100.000 visitas en Youtube, despertando, a través de ese humor negro, la carcajada de miles de usuarios.

Hacía mucho tiempo que Almodóvar no rodaba un cortometraje, pero según afirmó, le gustó tanto el guión que sin pensarlo decidió rodarlo. Todo fueron facilidades gracias a la actriz Carmen Machi, inspiradora y protagonista del corto.

La Concejala Antropófaga no es apta para mojigatos. La pieza gira en torno a un monólogo interior de quejas por todo menos por el sexo. Las opiniones vertidas por Machi, aunque aberrantes y políticamente incorrectas, se vuelven en evocadoras y satíricas potenciando así la historia y el personaje.

El corto como bien ha recordado Almodóvar no tiene nada que ver con Los abrazos rotos, es más bien su opuesto, un encuentro con sus primeros años en el mundo del cine que rememoran a películas como Mujeres al borde de un ataque de nervios. Recuerden hay que incentivar la cultura de la promiscuidad.

Rescatando a Alphonse Mucha

2009-04-06T11:20:00.004+02:00

Desde Peleando a la Contra cada semana queremos rescatar un pintor o una obra que nos haya impactado por alguna razón. Nuestra primera mirada se dirige a un artista decorativo ampliamente reconocido por sus importantes trabajos cartelistas del siglo XIX. Es Alphonse Mucha.

Su obra no se limita únicamente a paneles publicitarios sino que destacó en la decoración de murales como el que realizó en el castillo de Hrusovany Emmahof lo que le valió el apadrinamiento de su aprendizaje en la Academia de Bellas Artes de Munich.

Su salto a la fama lo logró de manos de la actriz Sarah Bernhardt quien le ofreció un contrato de exclusividad durante seis años. La pareja Mucha-Bernhardt consiguió el éxito mundial. El cartelismo del Art Nouveau que extendió Mucha contribuyó a fomentar la fama de esta bella actriz más allá de las fronteras francesas. Pero no sólo se centró en la publicidad sino que creó para Sara la escenografía y los vestuarios del Théâtre de la Renaissance.

Su estilo era exuberante y estilizado. Mucha trabajó para otras actrices como la excéntrica Leslie Carter, pero nunca obtuvo el mismo éxito.

Otra etapa de Mucha fue la de las creaciones para la serie de alhajas realizadas por el joyero parisino Georges Fouquet siguiendo los diseños de Mucha. A Fouquet le llamaron la atención los adornos con los que Mucha engalanaba a las mujeres de sus carteles y paneles, reproducidos con gran lujo de detalles.

El estilo que Mucha creó se conoció como Art Nouveau caracterizado por la exuberancia, el lujo y la combinación del neoclasicismo con repuntes orientales o bizantinos. Las mujeres que pintaba eran jóvenes, hermosas y saludables siempre adornadas con flores y colores pastel. Este estilo tan marcado pronto pasaría de moda y Mucha se convertiría en un artista olvidado.

El Doppelgänger en la literatura

2009-04-05T20:04:00.004+02:00

El Doppelgänger es el nombre literario del doble aunque también lo llaman sosias, alter ego, otro yo… El término Doppelgänger lo acuña Jean Paul Richter, poeta y filósofo alemán en su novela Siebenkas y define al doble como aquél que va junto a nosotros, el que nos acompaña. Una cosa es que uno sea dual, otra persona tu doble, la suplantación, etcétera.

La primera persona que estudia la figura del doble es Otto Rank -discípulo de Freud- y después el propio Freud elabora otro estudio, Der umheimlich y analiza en este estudio El hombre de arena de Hoffmann.

Hay diferentes tipos de dobles:

1) Hay duplicidad exacta: En El hombre de arena de E.T.A Hoffman el abogado y el óptico son la misma persona.

2) Emanación: Frankenstein de Mary Shelley que es una criatura nacida de la experimentación científica.

3) Sincrónica: El Otro de Borges en el que aparece el mismo personaje en dos tiempos distintos, el Borges joven y el viejo.

4) Crónica: William Wilson de Poe. En este relato el protagonista recuerda su infancia. Había un alumno que era su doble. Al final se bate en duelo con su doble y lo mata.

5) Metamorfosis: La noche de San Silvestre de Hoffman. En este cuento aparece el hombre que no tiene sombra le vende su sombra al diablo pero al no tener sombra es repudiado y apartado del mundo.

6) Cambio de identidad: Ligeia de Poe. Ligeia es una mujer de belleza extraña. El narrador está enamorado de ella pero se muere. Éste se casa con otra mujer muy distinta a ella. Alguien pone veneno en la copa de Rowena, la segunda esposa, y ésta muere. El día del velatorio resucita Ligeia en vez de la otra esposa.

7) Reduplicación en el reflejo: El Horla de Maupassant. Aparece el ser exterior y el interior al mismo tiempo; en definitiva, una posesión que posee al personaje.

8) Doble onírico: El Magnetizador de Hoffman. En este cuento se aporta el valor de los sueños. Es una tragedia y el único que consigue salvarse es el pintor que es el único que no está dentro del influjo.

9) Hay personajes especulares: Niebla de Unamuno. El narrador crea al personaje, incluso habla cara a cara con él. Unamuno acaba asesinándolo.

10) Complementarios: La casa Usher de Poe. En este cuento dos hermanos mellizos están enfermos. Son dobles entre ellos. La casa es otro doble, además se ve reflejada en el estanque de agua negra como un espejo.

11) Excluyentes o antagónicos: El Doble de Dostoievski. En este libro el protagonista crea un doble para echarle las culpas de su fracaso porque el doble consigue todo lo que él nunca ha conseguido.

12) Desdoblamiento: Dr. Jekyll y Mr. Hyde de Stevenson. El escritor utiliza la tragedia, el mito de la metamorfosis, el arquetipo del héroe trágico y el del villano gótico. Hyde produce tedio, náusea y es como un prehumano que causa desasosiego interior cuando se le mira.