El Blog de Newman (ex Jazz y Mazz)

Bill Evans - Sunday At The Village Vanguard

2009-05-21T23:07:00.003-04:00

El 25 de junio de 1961 Bill Evans (piano), Scott LaFaro (bajo) y Paul Mostian (batería) tocaron en el Village Vanguard de New York. La actuación fue histórica, como histórico es este álbum indispensable para los amantes del jazz. Diez días después del concierto, LaFaro fallecía trágicamente de un accidente de coche y este es su último legado. De ahí que como homenaje Bill Evans decidiera titular el disco "Bill Evans Trio, Sunday at the Village Vanguard, Featuring Scott LaFaro."
A pesar del revés que la perdida de LaFaro supuso para la carrera Evans, en el futuro otros grandes bajistas como Chuck Israels, Gary Peacock, Eddie Gómez o Marc Johnson, vendrían a ocupar su puesto en este trío único. Y estas grabaciones son la máxima expresión del nivel que alcanzó la pianística de Evans durante este período y del importante papel que en este fenómeno desempeño LaFaro. La presencia en las grabaciones de dos temas de LaFaro (Gloria´s step y Jade Visions), nos permite comprender la dimensión del hermanamiento de ambos músicos en un universo impresionista y modal que Evans seguiría construyendo durante toda su carrera musical. Pero escuchando a Evans y a LaFaro, no sería justo olvidar el papel que desempeña Motian en el resultado final de la obra. La importancia del bajo en los tríos de Evans, parece en ocasiones, relegar a un segundo plano a los baterías, pero es precisamente este hecho el que hace especialmente difícil su misión. El batería debe permitir y favorecer el mantenimiento del continuo dialogo piano-bajo y, sobre todo, ha de hacerlo audible al espectador y la moderación y sensibilidad de Motian, cumplen esa misión a la perfección en la totalidad de los temas que integran el álbum.

Tracklist:

1. Gloria's Step (Take 2)
2. Gloria's Step (Take 3)
3. My Man's Gone Now
4. Solar
5. Alice In Wonderland (Take 2)
6. Alice In Wonderland (Take 1)
7. All Of You (Take 2)
8. All Of You (Take 3)
9. Jade Visions (Take 2)
10. Jade Visions (Take 1)
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Musicos:

Bill Evans: Piano
Scott La Faro: Bass
Paul Motian: Drums

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Down To The Bone - From Manhattan To Staten (1997)

2009-05-21T00:08:00.005-04:00

Down To The Bone es el proyecto personal del británico Stuart Wade, en activo desde antes de 1997. La suya es una lograda fusión de jazz de vanguardia y grooves urbanos, pero también de instrumentos reales y samples sacados de la biblioteca de Wade. Con el jazz, el funk y el soul como ingredientes principales, su fundador explica que todo tiene que ver “con el groove..., que es lo que pone a la gente a bailar...”. En efecto, aunque no se pueda hablar de música de baile, el irresistible groove y los adictivos ritmos de su música convierten muchos de sus temas en invitaciones a pasar por la pista de baile. En tanto que admirador de músicos como Ramsey Lewis, Roy Ayers y Lonnie Liston Smith, Wade ha tratado de homenajearlos con un sonido que tiene mucho de actualización de esos mismos sonidos. Down To The Bone es, en cualquier caso, un valor seguro para los amantes del jazz contemporáneo con más groove.
FROM MANHATTAN TO STATEN es un homenaje a la gran manzana a ritmo de acid jazz y electrónica. Aunque, lógicamente, no está a la altura de sus magníficos trabajos posteriores, es un álbum muy recomendable para los seguidores habituales del grupo y, también, para los que quieran descubrir un acid jazz, digamos, easy listening, de muy agradable escucha, repleto de ritmo y alegres melodías. Eso sí, está claro que, sobre todo, hará las delicias de los locos del “ritmo crudo” (tomando prestadas las palabras de Javi P3z): sus bases electrónicas, entre funky y house, son uno de los mayores aciertos de este primer disco de Down To The Bone. Concretamente, la característica más positiva de este trabajo es la efectiva función de la sección rítmica como acompañamiento de las melodías, potenciando incluso los solos.
AcidJazzHispano

Tracklist:
1. Staten island groove. 9:03
2. Brooklyn heights. 7:18
3. Savour the flavour. 7:18
4. Muesli brown. 6:43
5. Yo mama’s so phat. 5:01
6. Touch of voodoo. 6:43
7. 17 mile drive. 7:14
8. Carlito’s way. 3:40
9. 3 days in manhattan. 6:00
10. On the corner of Darcy Street. 6:39
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Duración total: 1:03:52

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Frank Sinatra - My Way (The Best Of Frank Sinatra)

2009-05-19T20:44:00.006-04:00

En este mes de Mayo,se cumplen 11 años del fallecimiento de Frank Sinatra,icono de la cultura estadounidense, y símbolo de la elegancia y el refinamiento, 'La Voz' es una de las grandes leyendas del siglo XX. Su vida fue bastante intensa, marcada por los excesos.
Biografìa
Nació el 12 de diciembre de 1915 en Hoboken, New Jersey. Hijo de Natalia Della Garavantes y del boxeador analfabeto Marty Sinatra. Su madre, una mujer de carácter fuerte y emprendedor, practicaba abortos por 25 dólares. Durante la década de 1930 actuó con los grupos de Harry James y Tommy Dorsey. En los cuarenta fue el ídolo de las jóvenes que soñaban con sus románticas canciones y su voz melódica. Con fama de vividor, se casó con Nancy Barbato, su primera mujer de la que se divorció en 1951 y con la que tuvo sus tres hijos Naci, Tina y Frank Jr. Conoció a Ava Gadner lo encontró arrogante, engreído y prepotente. Se enamoraron, aunque su romance permaneció en secreto debido a la denominada Claúsula Moral que Ava tenía firmada con la Metro. Pero el idilio acabó por hacerse público y Nancy anunció su separación el día de San Valentín de 1950. Ava fue tachada de rompehogares y viajó a España a rodar Pandora y el holandés errante. Frank se apresuró en llegar a España bajo los rumores de un romance entre Ava y Mario Cabré, torero y pareja suya en la película. El 31 octubre de 1951 Nancy consigue la nulidad del matrimonio por crueldad mental. Al día siguiente, Frank y Ava consiguieron una licencia de matrimonio. Además mantuvo relaciones con Lana Turner, con las actrices Mercedes McCambridge y Donna Reed, con Juliet Prowse, Kim Novack, Jacquelline Biset, Judy Garlan, Jill St. John, Marilyn Monroe y Grace Kelly. Con Shirley Maclaine su gran amiga, formó parte del Rat Pack. Con Lauren Bacal, incluso se llegó a anunciar su boda. Mia Farrow, fue su tercer matrimonio en 1966 y otra de sus grandes amigas después de su divorcio en 1968 y Bárbara, viuda de Zeppo Marx fue con la que se casó por última vez en 1976. Jackie Kenedy fue uno de los romances más sonados, siendo ella era viuda. Sinatra pertenecía al Rat Pack, el grupo de amigos más íntimo de Sinatra de hecho se les denominaba el Clan Sinatra. Organizaron giras y realizaron varias películas. Pertenecian a el Dean Martin, Sammy Davis Jr., Peter Lawford, Joey Bishop, Shirley Maclaire y Angie Dickinson. Su primera película fue Ship Ahoy en 1942, pero no es hasta Higher and Higher cuando empieza a cosechar algún éxito, comienza a introducir canciones como You belong in a love song, The music stopped y I saw you first entre otras, su compañera en ese film fue Michele Morgan. Actuó en películas musicales como Levando anclas (1945, George Sidney) y Un día en Nueva York (1949, Stanley Donen). En 1953 ganó un Oscar por su actuación (no cantada) en De aquí a la eternidad (1953, Fred Zinnemann). Después de una breve época de descanso (1971-1973) volvió a su actividad como cantante. En 1993 grabó Frank Sinatra Duets, álbum con canciones suyas interpretadas a dúo con otros cantantes famosos como Barbra Streisand y Aretha Franklin, el cantante español Julio Iglesias y Bono, cantante del grupo de rock irlandés U2. Falleció en Los Angeles la noche del 14 de mayo de 1998 de un ataque al corazón en el prestigioso Hospital Cedar Sinaí, a los 82 años de edad y en compañía de sus hijos y su última esposa.

Tracklist:
01. My Way
02. Strangers In The Night
03. Theme From New York New York
04. I Get A Kick Out Of You
05. Somethin’ Stupid
06. Moon River
07. What Now My Love
08. Summer Wind
09. For Once In My Life
10. Love And Marriage
11. They Can’t Take That Away From Me
12. My Kind Of Town
13. Fly Me To The Moon (In Other Words)
14. I’ve Got You Under My Skin
15. The Best Is Yet To Come
16. It Was A Very Good Year
17. Come Fly With Me
18. That’s Life
19. The Girl From Ipanema
20. The Lady Is A Tramp
21. Bad, Bad Leroy Brown
22. Mack The Knife
23. Love’s Been Good To Me
24. L.A. Is My Lady
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Gabriela Anders - Last Tango In Rio (2004)@320

2009-05-17T23:05:00.004-04:00

Los orígenes musicales de Gabriela hay que buscarlos, con todo, en el jazz. Nacida en Argentina,hija del saxofonista Jorge Anders, tuvo la posibilidad de familiarizarse con algunos de los mejores artistas de jazz que cubrían las calles neoyorquinas cuando aún no había alcanzado la pubertad. A los catorce años ya actuaba en público y su familia no le puso ningún problema para que recibiera cualquier tipo de estudios musicales. Eso sí: ella tenía que pagárselos con el dinero que conseguía ejerciendo de vocalista de sesión: “Mi padre me introdujo en el jazz, en lo brasileño, lo cubano… Eso me facilitó un conocimiento que no podría haber adquirido por mí misma. Cuando era cría no tenía muchas compañeras de estudios que conocieran, por ejemplo, a Count Basie y eso hizo que tuviera una niñez un poco extraña y curiosa. Más tarde, el tiempo que estuve cantando en los estudios me permitió irme preparando para lo que soy ahora”. Su “descubrimiento” llegó cuando tuvo que interpretar un dúo con Michael Franks en un álbum de Artie Traum: fue terminar la sesión y ver cómo sus compañeros la solicitaban material suyo para apadrinarla ante la Warner.
Last Tango In Rio, cuyo lanzamiento fue en Octubre de 2004, con el cual hallaría la mejor respuesta entre el público y la prensa estadounidense. En ese trabajo incluye algunas canciones asociadas a Billie Holiday (otra de sus influencias) y el resto son composiciones propias. El título alude al lineamiento musical adoptado aunque sin apartarse de su fuente principal de inspiración: el jazz. Un excelente albùm que merece ser escuchado...recomendado absolutamente.

Tracklist:
01-You Go To My Head
02-Abracadabra
03-Love Is Here To Stay
04-God Bless the Child
05-Embrace Me
06-Buenos Aires Mix, The
07-Body and Soul
08-All Your Love
09-Meant To Be
10-'Til The End of Time
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Musicos:
Gabriela Anders - vocals, keyboards
Romero Lubambo-guitar
John Benitez - bass instrument
Wayne Krantz - guitar
Portinho - drums, percussion
Gabriel Rivano - bandoneon
H. Martignon - keyboards
Tito Castro-Bandoneon
Donald Edwards-Drums
Jorge Anders-Saxophone
Jorge Alfano-Flute, Andean Flute, Charango

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Eden Atwood And The Last Best Band - Feels Like Home (2003)

2009-05-15T23:38:00.005-04:00

The CD was masterfully recorded once again by Brad Edwards of Woods Recording, who attained the live sound by first taping the band live at the Emerson Cultural Center in Bozeman, then capturing Eden’s vocals in his Billings studio. Unlike many of today’s popular recordings that can take months, if not years, to perfect, ”Feels Like Home” was put together in a total of three days last May.
And unlike most jazz recordings, Eden isn’t afraid to multi-track her vocals if called for, such as on ”Baby, I Love You” or Antonio Carlos Jobim’s ”A Felicidade,” a selection that would have fit nicely on her ”Bossa Nova Session.” She loosely translated the original Portuguese into English to great effect. Hall provides some nice Brazilian guitar work as well. The other Jobim selection, ”Chega de Suadade,” looks like the lyrics were reworked by the legendary John Hendricks.
Pianist Bob Nell provides several excellent solos that are proof that his past awards were no fluke. On songs such as ”Softly As In a Morning Sunrise” and ”Puppet Man,” he really cuts loose. While Freemole and Edwards don’t have any solo spots, they don’t really need to, providing vibrant and versatile performances throughout.
But as ”best” as this band may be, it is Eden Atwood whose sexy, smoky voice carries the material (e.g., ”Billie Holiday’s ”God Bless the Child”) and whose lovely image graces the vintage packaging. In this day and age of multiple Grammy Awards going to the unseasoned neo-jazz artist Norah Jones, a still young and attractive but well-seasoned jazz vocalist such as Eden Atwood could go far toward winning those awards if she was willing to play the music biz games. But right now, she seems content to make the music that she personally enjoys, and her fans in Montana are the real winners in that decision. ~ Scott Prinzing
Biography

Tracklist:
01. Satisfaction (Jagger-Richards) 5:07
02. Ain't Got Nothin' But the Blues (Ellington) 4:10
03. Softly As in a Morning Sunrise (Romburg-Hammerstein) 4:07
04. A Felicidade (Jobim-Demoraes-Eden Atwood) 5:29
05. God Bless the Child (Herzog-Holiday) 5:53
06. Puppet Man (Sedaka-Greenfields) 4:28
07. Chega de Saudade (Jobim-Hendricks-Cavanaugh) 6:02
08. The Nearness of You (Carmichael) 5:33
09. Baby, I Love You 7:22 (Shannon)
10. Feels Like Home (Newman)4:45
11. Never Make Your Move Too Soon (Hooper-Jennings)
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Personnel:
Eden Atwood, vocal & percussion
Bob Nell, piano
Craig Hall, guitar & vocal
Mike Freemole, bass
Brad Edwards, drums & percussion

Recorded: 2002

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Sophie Milman- Take Love Easy (2009)

2009-05-12T21:07:00.008-04:00

Después de emigrar de Rusia a comienzos de la década de 1990, su familia se instaló en Israel cuando ella tenía siete años. Milman es de ascendecia judía, y pasó la mayor parte de su infancia en Israel, donde escuchó abundante música de jazz, aficionándose a ella y decidiéndose por este estilo musical. A los dieciséis años, se mudó a Canadá con su familia. Sophie Milman vendió con su primer disco casi 100.000 copias por todo el mundo, alcanzando el Top 5 en Canadá y el Top 15 en los Estados Unidos. Ha dado conciertos en Canadá, EEUU, México, Japón y en varios países de Europa. Además de sus estudios musicales, Milman es estudiante de Comercio en la Universidad de Toronto.Ha trabajado junto a artistas como Aaron Neville y Neville Brothers, Chick Corea, y Jesse Cook.

Sophie Milman- Take Love Easy
With its Canadian release on May 5, Sophie Milman’s new album Take Love Easy has debuted at #1 on the iTunes Canada Jazz chart. The album will have its U.S. release on June 2, 2009.Her take on “I Can’t Make You Love Me” sits as the #1 Jazz Single, with tracks “Take Love Easy”, “50 Ways To Leave Your Lover” and “My One and Only Love” also charting in the Top 10.Take Love Easy features Sophie’s inventive interpretations of 13 (with two bonus tracks) eclectic favorites and new classics by songwriters from Duke Ellington and Cole Porter, to Bruce Springsteen, Joni Mitchell and Paul Simon, creating an album that captures love in all its disguises. On the title track, Milman personifies the lyrics “easy breezy,” set to a simple plucking bass line and rack toms. One of Take Love Easy’s most surprising selections is “I Can’t Make You Love Me,” made famous by Bonnie Raitt, where Sophie manages to seamlessly mesh gorgeous jazz progressions with a pop ballad sound. She once again displays her prowess for arranging across genres, geniusly demonstrated on Paul Simon’s “Fifty Ways To Leave Your Lover,” set to a jamming Cuban salsa ending with an acrobatic scat. Milman’s haunting version of Bruce Springsteen’s “I’m on Fire” sizzles with a driving arrangement hinting of both acid jazz and fusion while her “Stunning …throaty, emotional alto” (Seattle Times) swings and soars through the classic “Love For Sale.”2007’s Make Someone Happy put Sophie Milman on the map in the U.S., and more than lived up to its title: it topped the iTunes jazz charts in both the U.S. and Canada for months, cracked the Top 5 on the Billboard jazz chart, and garnered the 2008 Juno Award for Vocal Jazz Album of the Year. She has shared the stage with music legends including The Neville Brothers, Chick Corea, Chris Botti and Jesse Cook, and has dozens of accolades from media around the world.
Take Love Easy was produced by Juno Award-winning producer Steve MacKinnon, (Marc Johnson, Natalie Cole), and features an all star band: Paul Shrofel (piano/Fender Rhodes), Rob Piltch (guitar), Kieran Overs (bass), and Mark McLean (drums), with special guests Wessell “Warmdaddy” Anderson (Lincoln Center Jazz Orchestra), Guido Basso, P.J. Perry, Michael Kaeshammer, and Robi Botos.

Tracklist:
01. Beautiful Love
02. Take Love Easy
03. I Concentrate On You
04. Day In, Day Out
05. Be Cool
06. My One And Only Love
07. I Can't Make You Love Me
09. Love For Sale
10. I'm On Fire
11. Triste
12. 50 Ways To Leave Your Lover
13. Where Do You Start?
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Jacques Loussier Trio - In Loussier's Mood (1988)@320

2009-05-11T22:11:00.006-04:00

Jacques Loussier (Angers, 26 de octubre de 1934), es un famoso pianista y compositor francés. Su talento se manifestó precozmente cuando tenía 10 años. Se inició en la composición musical a los 16, mientras era estudiante del maestro Yves Nat en el Conservatoire National de Musique de París. Ha sido famoso por sus interpretaciones jazzísticas de las obras de Johann Sebastian Bach. De esta combinación de música barroca con el contemporáneo jazz nació el Trio Play Bach con Pierre Michelot en el contrabajo y Christian Garros en la percusión. Especializados en revitalizar los tesoros del maestro Bach, han vendido más de seis millones de álbumes. En 1985 refundó el Play Bach Trio con dos nuevos compañeros: André Arpino (en la percusión) y Vincent Charbonnier (en el contrabajo). En sus últimas grabaciones incorporó temas de Claude Debussy (Prélude à l’après-midi d’un faune, Clair de lune), Maurice Ravel (Boléro), Erik Satie (Gymnopédie, Gnossienne), Antonio Vivaldi, Frédéric Chopin, George Frideric Handel, Ludwig van Beethoven y Wolfgang Amadeus Mozart. Además publicó en el álbum “Boléro”(1999) su propia suite neoimpresionista titulada “Les Nymphéas”, alusión a los cuadro del pintor francés Claude Monet. El maestro Loussier ha participado también en la composición de música en varias producciones cinematográficas francesas. Extracto PuroJazz

Tracklist:
01. The Way You Look Tonight (2:32)
02. Mona Lisa (4:23)
03. The Shadow of Your Smile (4:54)
04. Someday My Prince Will Come (3:40)
05. Tonight (2:59)
06. Over the Rainbow (3:17)
07. Raindrops Keep Falling on My Head (3:37)
08. La Chanson d'Orphée (3:12)
09. I Could Have Danced All Night (3:25)
10. Singin' in the Rain (3:34)
11. My Foolish Heart (3:28)
12. September Song (4:08)
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Spyro Gyra - Down The Wire (2009)@320

2009-05-03T18:03:00.007-04:00

Es una banda de jazz fusión con relevante influencia en el desarrollo del smooth-jazz, que sigue en activo con un impresionante éxito comercial, 26 discos publicados en 30 años de existencia y 10 millones de copias vendidas.Spyro Gyra tuvo sus orígenes a principios de 1970 en Buffalo (Nueva York) en torno a la banda montada durante sus años de escuela secundaria por el saxofonista Jay Beckenstein y el teclista Jeremy Wall. Ambos comenzaron tocando música instrumental, como los Tuesday Night Jams, en su mayoría versiones de canciones de R&B, años en que aparecían como una mini versión repuesta de Chicago, haciendo smokin’ blues, soul, jazz y rockabilly. Esa música combinada a otra sencilla y esotérica fue cuajando, hasta encontrar en su término medio, su propio “groove”, que les ha caracterizado, mezcla ecléctica de straight jazz, fusion, latin, blues, funk y smooth. El primer álbum homónimo fue publicado a finales de 1977 teniendo como invitados a Dave Samuels y a Rubens Bassini, que serían parte de Spyro Gyra en discos posteriores. Tras siete años de grabaciones en estudio, decidieron en 1983 testar su peculiar música con el público de los conciertos en vivo de cuya primera experiencia salió Access all areas. Desde entonces, las giras del grupo constituyen una base importante de su trabajo con una media anual de un centenar de conciertos. Good to go-go, editado por Heads-Up el pasado año, es su disco número 26, con el que han conseguido un grammy como mejor álbum instrumental.El nombre Spyro Gyra es fruto de la trascripción errónea que hizo el dueño de un club cuando les preguntó su nombre y Beckenstein contestó como broma, spirogyra, una especie de alga sobre la que había escrito años antes un trabajo de biología en la universidad

Tracklist:

01. Down The Wire (5:57)
02. Unspoken (5:51)
03. Not For Nothin' (5:02)
04. Island Pond (6:00)
05. The Tippin' Point (5:24)
06. Ice Mountain (6:58)
07. A Flower For Annie Jeanette (7:05)
08. La Zona Rosa (6:22)
09. What It Is (6:23)
10. A Distant Memory (4:42)
11. Make It Mine (5:30)
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Nina Simone - The Amazing Nina Simone+Bonus (1959) @320

2009-05-03T12:26:00.004-04:00

Nina Simone nunca fue fácil de clasificar. Fue cantante de protesta, cantante de jazz, pianista, arreglista y compositora. Se paseaba entre la canción popular, el jazz, el blues. Cantaba lo que significaba ser una mujer, de la soledad, del amor, de la dicha y la decepción. Tuvo pocos éxitos y nunca fue una estrella muy popular. Sin embargo, sus composiciones y su manera de cantar la ubicaron dentro de las grandes divas del jazz. Considerada una de las voces femeninas más personales de la música popular del siglo XX.

The Amazing Nina Simone
There is a remarkable amount of variety on this disc, Nina Simone’’s second recording. Her repertoire ranges from a swinging “Stompin’’ at the Savoy” and an emotional “It Might as Well Be Spring” to an English folk ballad ("Tomorrow"), spirituals, an R&B song ("You’’ve Been Gone Too Long") and the theme song from the movie Middle of the Night. Somehow Simone brings credibility to each of these very different songs. She does not play much piano (just cameos on two songs) and is backed by a subtle orchestra arranged by Bob Mersey that is effective accompanying her vocals. This session finds Nina Simone’’s voice in top form and with a few exceptions is generally jazz-oriented.Allmusic.com

Tracklist:
1. Blue Prelude
2. Children Go Where I Send You
3. Tomorrow (We Will Meet Once More)
4. Stompin’’ at the Savoy
5. It Might as Well Be Spring
6. You’’ve Been Gone Too Long
7. That’’s Him over There
8. Chilly Winds Don’’t Blow
9. Theme from “Middle of the Night”
10. Can’’t Get Out of This Mood
11. Willow Weep for Me
12. Solitaire

bonus:

13. I Loves You Porgy
14. Falling In Love Again (Can’’t Help It)
15. That’’s All
16. The Man With A Horn
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Diane Schuur - Some Other Time (2008)@320

2009-05-02T23:01:00.006-04:00

La cantante, Diane Schuur, (Seattle, 1953) comenzó desde pequeña a interesarse por el jazz escuchando tocar el piano a George Shearing y Duke Ellington, que la ayudaron a perfeccionar su estilo en la ejecución del piano, a la vez que se fijaba en la manera de interpretar de Dinah Washington y Sarah Vaughan, para mejorar su propio estilo. En 1985, firma un fructífero contrato con la discográfica "GRP" que abarca todo el grueso de la carrera profesional de la cantante. Entre 1985 y 1997, fecha en que rompe con GRP y firma con "Concord Jazz" la cantante graba once espléndidos álbumes con los que ha sido varias veces candidata y ganadora a los premios "Grammy". Diane Schuur, obtuvo tal distinción de forma consecutiva los años 1987 y 1988 como Mejor Vocalista de Jazz por los discos "Tímeles" (GRP, 1986) y "Diane Schuur and The Count Basie Orchestra", para el mismo sello en 1987. También estuvo a las puertas de lograrlo nuevamente con los álbumes "Pure Schuur" (GRP, 1991); y Love Songs (GRP, 1993). Después de 2 años sin grabar; recordemos que su último disco fué un directo grabado en el Reino Unido en el año 2.006, Diane Schuur, “Deedles” ( así apodada por su madre ) presenta esta colección de canciones de corte típicamente jazzístico que escuchaba en la radio cuando era niña al lado de su madre. Disco enteramente dedicado a su madre al cumplirse el 40º aniversario de su muerte. En él se recogen 13 temas de compositores de la talla de George Gershwin o Irvin Berlin, por citar a algunos. Cabe destacar el corte penúltimo, el clásico “September In The Rain” grabado en el año 1.964, contando Diane tan solo 10 años, en el Holiday Inn de Tacoma en Washington y que aún conserva ese sonido que nos traslada décadas atrás. Para la grabación y la mezcla de este delicioso último trabajo de Diane Schuur se ha contado con la experiencia y veteranía de Bill Smith. De los arreglos musicales se ocupó el músico Randy Porter que da buena cuenta de su forma de tocar el piano a lo largo de prácticamente todo el disco, tan solo no participa en dos temas, “It´s Magic” y “The Good Life” que corren de cuenta de la propia Diane. En definitiva ha sido una vuelta al género con el que Diane comenzó su ya dilatada carrera después de coquetear durante un tiempo con un estilo más orientado al pop más comercial. Sin ninguna duda ha sido una decisión muy acertada y con este trabajo Diane vuelve a situarse en la cima de las grandes vocalistas de este siglo.

Tracklist:

01-Nice Work If You Can Get It
02-Beginner’s Luck
03-They Say It’s Wonderful
04-Some Other Time
05-Blue Skies
06-Without A Song
07-It’s Magic
08-Taking A Chance of Love
09-The Good Life
10-If Someone Had Told Me
11-My Favorite Things
12-September In The Rain
13-Danny Boy
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Steve Kuhn Trio - Pavane for a Dead Princes@320

2009-04-29T22:35:00.010-04:00

Anything that pianist Steve Kuhn does is likely to be beautifully executed and tasteful, and Pavane for a Dead Princess is no exception. Here, he and his empathic collaborators David Finck (bass) and Billy Drummond (drums) address themselves to the stock classical repertoire, jazzing up eleven popular pieces from Debussy, Rachmaninov, Tchaikowsky, Grieg, Brahms and Chopin. (There are actually two "Pavane"s—the title track, by Ravel, and Faure's version.)The result is nothing less than terrific. These are not classical melodies sitting stiffly on a jazz beat; instead, the trio digs deep into the structure of these well-worn compositions and thoroughly explores and expands them. Who knew "Swan Lake" or "Fantasy Impromptu" could swing like that? Or that Brahms's treacly "Lullaby" would make such a moving ballad? Listeners familiar with this music in its original form will get the biggest kick out of this release, and those who've been intimate with Chopin's piano scores will especially appreciate the brilliance of Kuhn's improvisations. But any listener can enjoy what happens to strong, beautiful melodies in expert hands like these.The recording is clear and warm, the pacing ideal. The musicians are in peak form, sounding positively inspired, and they swing like mad. What a delight!

Personnel: Steve Kuhn: piano; David Finck: bass; Billy Drummond: drums.

Biography :
Born: March 24, 1938. Brooklyn-born Steve Kuhn was fascinated with jazz very early in his life. He began classical piano lessons at age five and soon began to “improvise and syncopate the classical repertoire.” In his early teens, Kuhn studied with legendary teacher Margaret Chaloff who schooled him in the “Russian Technique”, an invaluable tool for tone production and projection. Chaloff's son, Serge, baritone saxophonist for Woody Herman, hired the 13 year-old pianist to play in his group. Throughout his teens Kuhn continued to play in Boston jazz clubs with visiting celebrities; Coleman Hawkins, Chet Baker and Vic Dickenson. After graduation from Harvard College, Kuhn attended the Lenox School of Music where he met and played in a group with fellow-students Ornette Coleman and Don Cherry. The faculty included Bill Evans, George Russell, and Gunther Schuller. While at Lenox, Kuhn met trumpeter Kenny Dorham and began a two-year stint, interrupted when Kuhn was asked to join John Coltrane's newly-formed quartet. Kuhn next joined Stan Getz's band, which included bassist Scott LaFaro. After a year with Art Farmer, he formed the first Steve Kuhn Trio, with drummer Pete LaRoca and bassist Steve Swallow. At the end of the 1960's he spent four years living in Europe, where his performances had a significant impact upon local players. Upon returning to the United States, Kuhn began his long-term affiliation with ECM, resulting in a string of important albums including Trance, Ecstasy, Non-Fiction and the collaborations with Sheila Jordan; Playground and Last Year's Waltz. In the mid-80's, Kuhn co-founded the popular 'All Star Trio', with bassist Ron Carter and drummer Al Foster, and launched a new and still evolving edition of his trio with bassist David Finck. Drummers for the latter have included Joey Baron (as on the ECM recording Remembering Tomorrow), Lewis Nash, Billy Drummond, Kenny Washington and Bill Stewart. In the 90's and up to the present time, he has recorded CDs for Venus, Reservoir and Sunnyside. In 2004, Kuhn recorded Promises Kept which includes a string orchestra for ECM Records. He is most proud of this recording. Kuhn continues to tour widely throughout the world, with a strong following in Europe and especially Japan where his CDs frequently appear on the jazz charts.

TRacklist:
1. I'm Always Chasing Rainbows/Fantasy Impromptu (F.Chopin)
2. Pavane For A Dead Princess (M. Ravel)
3. Moon Love- Symphony #5 2nd Movement (P. Tchaikovsky)
4. One Red Rose Forever- Ich Liebe Dich (E. Grieg)
5. Swan Lake (P. Tchaikovsky)
6. Nocturne In E Flat Major Op. 9, No. 2 (F.Chopin)
7. Reverie C. Debbussy)
8. Prelude In E Minor Op 28, No. 4 (F.Chopin)
9. Full Moon And Empty Arms/ Piano Concerto #2 3rd Movement (S. Rachmaninov)
10. Pavane (G. Faure)
11. Lullaby (J. Brahms)
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Michel Petrucciani - Both Worlds (1998) @320

2009-04-28T22:52:00.005-04:00

El pianista francés Michel Petrucciani falleció el 5 de Enero en Nueva York a causa de una infección pulmonar. A sus 36 años estaba considerado como uno de los grandes pianistas europeos. La grave enfermedad ósea que padecía no fue obstáculo en su interés por la música, y pese a no alcanzar el metro de estatura, sentado frente al piano se convertía en un gigante. Dotado de un virtuosismo extremo, su estilo intimista y romántico, que partía de la escuela de Bill Evans -del que era un ferviente admirador-, combinaba con inteligencia el lirismo y la sutileza con un ataque poderoso y percusivo.Había nacido en Orange el 28 de Diciembre de 1962. Estudia piano clásico y a los 12 años actúa acompañado por su padre en la guitarra y su hermano Louis en el contrabajo. Su enorme talento le hace destacar desde muy joven y a los 17 años graba su primer disco. El año siguiente inicia con un trío de excepción con Jean-François Jenny-Clark y Aldo Romano una serie de espléndidas grabaciones para el sello francés Owl. En 1982 se traslada a California y se convierte en el pianista del grupo del saxofonista Charles Lloyd cuando éste regresa a la escena después de un prolongado retiro. También actúa a dúo con Lee Konitz. Aunque sigue grabando en Francia, sus estancias en Nueva York propician sus primeros discos americanos, hasta que en 1985 inicia su período Blue Note con "Pianism", una grabación en trío con Palle Danielson y Elliot Zigmund. El año siguiente actúa en Montreux en trío con Wayne Shorter y Jim Hall, encuentro que se publica bajo el título de "Power of Three". En trabajos posteriores -"Music", "Playground"-, se acerca a las fórmulas de la fusión eléctrica con producciones en las que se diluyen sus mejores virtudes. Su último disco para Blue Note es un solo en homenaje a Ellington, uno de sus compositores favoritos. En 1994 vuelve a grabar para una compañía francesa, Dreyfus, con "Marvellous", en trío con el soberbio apoyo de Dave Holland y Tony Williams y el sorprendente añadido de un cuarteto de cuerda. Su absorbente personalidad le hacía preferir las formaciones reducidas, y en los últimos años una de las más fructíferas fue su insólito encuentro a dúo con el organista Eddy Louiss, plasmado en los dos volúmenes de "Conference de Presse". Pero por encima de todo se vuelca en el solo, del que era un verdadero maestro. El doble CD recogido en sus actuaciones en París "Au Teathre Des Champs-Elysees" es probablemente la cima de su carrera discográfica. En 1997 da un nuevo giro formando un grupo más amplio, un sexteto en el que se integran dos jóvenes revelaciones italianas de la corriente neo-bop: Stefano Di Battista y Flavio Boltro, con el que graba "Both Worlds".

Tracklist:
01. 35 Seconds Of Music And More
02. Brazilian Like
03. Training
04. Colors
05. Petite Louise
06. Chloe Meets Gershwin
07. Chimes
08. Guadeloupe
09. On Top Of The Roof
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Emilie-Claire Barlow - Havent We Met @320

2009-04-26T21:33:00.005-04:00

EMILIE-CLAIRE BARLOW (vocalist) was born June 6, 1976 in Toronto, Ontario, Canada to parents who are, themselves, respected jazz artists. Her mother is vocalist/composer/arranger Judy Tate and her father is celebrated jazz percussionist Brian Barlow. When the energetic, witty, and exceedingly talented jazz vocalist entertained a capacity crowd at Toronto’s Living Arts Centre on February 17, 2004, she became one of the youngest artists to ever headline a “Sound of Toronto Jazz” Concert, although already a veteran contributor to the city’s vibrant music scene. A few years ago, CBC (Canada Now) called her “the next best thing in jazz”, but Emilie-Claire Barlow is hardly a newcomer to the music scene. She started her career as a singer and voice actor at the age of seven, lending her voice to various television and radio jingles and voice-overs, an aspect of voice work that still plays a major role in her busy performing life. For five years, she attended the Etobicoke School of the Arts studying musical theatre and dance, later focusing her studies on music theory and arranging at Toronto’s Humber College. It was during that time that she put her first jazz quartet together and quickly established a key place for herself on the Toronto jazz landscape. The self-managed Barlow has been called a “truly independent artist”, exercising creative control in all aspects of her endeavors – arranging, producing, even conducting as necessary, and releasing her recordings on her own label, Empress Music Group. In the fall of 1998, she released her first CD, Emilie-Claire Barlow - SINGS. Over the next five years, in between recording the critically-lauded TRIBUTE and happy feet, she played consistently to sold out shows at top jazz clubs and festivals everywhere. 2005’s Like a Lover, and her successful 2006 holiday CD Winter Wonderland both achieved award nominations, rave reviews, and top 10 spots on important international charts which would move her already-flourishing career to new heights. Her most recent album, The Very Thought of You, has remained on top 10 charts consistently since it was launched in June 2007. A December 2007 tour to Japan saw Barlow and her band playing for ten sold-out concerts, and ever-increasing show bookings ever since their return. Emilie-Claire Barlow’s performances have been featured in movies including A Touch of Pink, and television series Lifetime in this country and State of Mind in the U.S. As a busy studio singer and voice actor, she has been heard on numerous commercials (e.g. Sun Life Financial, Tim Horton’s, The Bay). Her voice is also featured on several animated television series including Rescue Heroes, Bakugan Battle Brawlers, Martin Mystery, 6Teen, Spider Riders, and Total Drama Island.

AWARDS

2001 - Juno Award Nominee for Vocal Jazz Album of the Year (for Tribute)

2008 – Juno Award Nominee for Vocal Jazz Album of the Year (for The Very Thought of You)

2008 – Named National Jazz Awards’ ‘Female Vocalist of the Year’

Tracklist:
01. All I Do Is Dream of You
02. C’est Merveilleux
03. You’re Driving Me Crazy!
04. Comin’ Home Baby
05. Haven’t we Met?
06. I’m Glad There is You
07. Chez Moi
08. Is You Is Or Is You Ain’t My Baby?
09. Jardin d’Hiver
10. La Vem A Baina
11. Will You Still Be Mine?
12. You Make Me Feel So Young
13. You Must Believe in Spring
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Claire Martin - Devil May Care @320

2009-04-23T23:18:00.005-04:00

Claire Martin ha grabado 13 discos desde que empezó su proyecto discográfico, así mismo ha colaborado con distintos músicos. Ha sido considerada "The First Lady of British Jazz" gracias a que en cinco ocasiones distintas se le han otorgado los codiciados "British Jazz Awards", actualmente es una artista reconocida a nivel mundial.

Claire Martin grew up in a house “full of music”, and claims to have learned all of Judy Garland´s songs by the time she was 12. She cites Ella Fitzgerald´s Song Books as being the life changing influence which inspired her to attend Stage School and later to study singing in both New York and London. Her professional career started with her first engagement, aboard the QE2, where she sang in the Theater Bar for two years [1]. In 1991, at the age of 21, Martin formed her own jazz quartet, and was signed by the Scottish jazz label Linn Records. Her debut album, The Waiting Game, was extremely well reviewed and was selected by The Times as one of their “Albums of the Year”. Later that year, she opened for Tony Bennett at the Glasgow International Jazz Festival. Martin continued performing and recording, garnering numerous awards and rave reviews, throughout the 1990s and early 2000s, including awards from the British Jazz Awards and BBC Jazz Awards for Best Vocalist. She recorded a total of 11 albums (all on the Linn label). Apart from touring both in the UK and on the Continent, she also works as a co-presenter for Jazz Line Up on BBC Radio 3.

Produced by Rick Taylor

Claire Martin - vocals
Jim Mullen - guitar
Arnie Somogyi - bass
Clark Tracey - drums, tabla, African drums

Special Guests:
Nigel Hitchcock - alto saxophone
Iain Bellamy - tenor and soprano saxophones
Rick Taylor - trombone, percussion
Backing vocals: Rick Taylor, Jonathan Gee, Arnie Somogyi, Clark Tracey, Claire Martin

Arrangements by Rick Taylor, Claire Martin and Jonathan Gee
Produced by Rick Taylor
Executive Producer: Ian Middleton
Recorded at Townhouse 3, London, 8, 9 10 February 1993
Engineered by Tristan Powell, assisted by Andy Bradfield
Mixed at Castlesound Studios, Pentcaitland, 5 & 6 March, 1993

Tracklist:
1 Devil May Care (Dorough, Kirk) 5:36
2 Victim of Circumstance (Martin, Newton) 4:33
3 If Love Were All (Coward) 4:53
4 Devil's Gonna Get You (Martin, Taylor) 4:14
5 By Myself (Dietz, Schwartz) 3:32
6 Close Enough for Love (Mandel, Williams) 4:16
7 Can't Give Enough (Howlett, Martin, Richie , Taylor) 3:22
8 The Sun Was Falling from the Sky (Blair) 6:18
9 October Thoughts (Gee, Martin) 2:56
10 On Thin Ice (Martin) 5:20
11 Save Your Love for Me (Johnson) 4:42
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Ornette Coleman - Sound Grammar (2005)

2009-04-21T22:53:00.007-04:00

Ornette Coleman (Fort Worth-Texas 1930) soportó a finales de la década de los cincuenta las criticas mas feroces dirigida contra un músico de jazz en toda la historia. Fue acusado, ni más ni menos, de asesinar al jazz. Su delito fue haber grabado para el sello Contemporary, un par de discos bajo el patrocinio del productor, Lester Koening, que transgredía los espacios cerrados del jazz inmerso en un debate interiorista que a punto estuvo de reducirlo a cenizas. En realidad, Ornette Coleman, agregó a su música la libertad intrínseca en el jazz, rompió moldes armónicos que establecía que la improvisación se establecía sobre los acordes y destrozó el concepto de la melodía usando sonoridades que hasta ése momento, solo merecían el despectivo calificativo de cacofonías; alteró la métrica rítmica, base canónica del jazz sin perder el swing (lo cual hasta ese momento parecía un contrasentido) y dejaba libertad para que sus músicos avanzaran por su cuenta sin mas norma que la atención a una suerte de comunidad emocional, aspecto este que llegaría al paroxismo en su disco: "Free Jazz" grabado para Atlantic.
Todo eso era demasiado pare servirlo en un mismo plato y las reacciones de la ortodoxia jazzistica fueron todavía mas airadas que las criticas recibidas por los boopers, de los clásicos del swing. Junto a Don Cherry, compañero de aventuras y desventuras, Ornette Coleman desarrolló una faceta de compositor de gran peso. Toda su escritura está marcada por el espíritu del blues y es en las baladas, donde su solvencia se hace mas patente. El disco cumbre de Ornette, titulado "The Shape of Jazz to Come" contiene precisamente una excepcional balada titulada, "Lonely Woman" que promueve un sentimiento de desolación total que contrasta con el resto de la música del disco que tiene un carácter mas bien burlón. Los años 1959 y 1960, fueron sin duda los mejores años de la música de Ornette Coleman y el material grabado en esas fechas refleja una homogeneidad que solo puede venir de la convicción artística de un músico inmune al rechazo arbitrario de los demás.
Apoloybaco

Artist: Ornette Coleman
Title Of Album: “Sound Grammar”
Year: 2005
Label: allmusic
Genre:Jazz
Quality: MP3 (320 Kb)
Total Time: 59:17
Total Size: 136 Mb + Scans

Tracklist: 1 2

1. Intro
2. Jordan
3. Sleep Talking
4. Turnaround
5. Matador
6. Waiting for You
7. Call to Duty
8. Once Only
9. SONGX
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Greg Cohen - bass
Denardo Coleman - drums and percussion
Tony Falanga - bass
Ornette Coleman - alto, violin, trumpet

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Cassandra Wilson en Chile

2009-04-21T21:58:00.003-04:00

Considerada “La Mejor Cantante de América” (revista Time), título que defiende hoy con su ubicación número UNO en el ranking mundial del Jazz,llega a Chile. Cassandra Wilson, nacida, en Jakson,Mississipi, hija de un contrabajista de jazz, se dió a conocer a mediados de los setenta como cantante y guitarrista en grupos de folk e incluso de Rhythm and Blues. En la Universidad donde estudiaba, comenzó a interesarse por el jazz, interpretando su propio repertorio.
Casada con un saxofonista de jazz, tras una breve temporada en la cuna del jazz, en New Orleáns, a principios de los años ochenta, se instaló en New York, donde de inmediato se uniría al colectivo "M'Base" y ahí comenzaría a grabar sus composiciones y a colaborar con músicos de la talla de Steve Coleman o Greg Osby.
Cassandra Wilson se ha deslizado con igual soltura en el "regge", los ritmos africanos, los aires latinos y el más genuino "blues", e incluso ha hecho un guiño a la tierra del norte de España, donde ha cantado, interesándose por cómo estaba el público en un más que correcto euskera. "La flor negra del jazz" pasa del susurro a la potencia más absoluta, sin dejar de moverse al ritmo de la música de su banda, compuesta por Marvin Sewell en la guitarra, Jonathan Batiste en los teclados, Reginald Veal, al contrabajo, Herlin Riley en la batería y Lekan Babalola en la percusión.
¡Gran aportunidad de unir una marca de calidad a la mejor calidad de voz femenina del mundo!

Ornette Coleman En Chile

2009-04-21T21:21:00.004-04:00

El padre del Free Jazz se presentará, por primera vez en nuestro país, el próximo 9 de mayo en el Teatro Caupolicán...
El padre de la composición libre o Free Jazz, saxofonista, trompetista, violinista y compositor, Ornette Coleman es ya una leyenda del Jazz. Por primera y tal vez única vez en Chile, este 9 de mayo, a las 21:00 horas, Coleman llega al país con su saxo bajo el brazo a presentar un show que ya ha sido ovacionado en todo el mundo.
Inspirado en sus orígenes por Charlie Parker, comenzó a tocar el saxo alto a los 14 años, cultivando luego una carrera de éxitos y controversias. Sus innovaciones en el ámbito del free jazz han sido tan revolucionarias que de cierta manera cambiaron la historia del Jazz.El año pasado fue incluido en el paseo de la fama del Jazz, además, a sus 78 años acaba de ganar el prestigioso premio Pulitzer de la música por su trabajo "Sound Gramar", del año 2006.
A nuestro país Ornette Coleman viene acompañado de los músicos Tony Falange, Denardo Coleman y Al Macdowell.

Billy Cobham en Chile

2009-04-21T21:12:00.005-04:00

Para fanáticos fue la presentación que ofreció el baterista Billy Cobham junto a Jean-Marie Ecay (guitarra), Fifi Chayeb (Bajo), Christophe Cravero (teclados y violín) y Marco Lobo (percusión) el Sabado 18 recièn pasado en un teatro capitalino. A las 21:15 horas comenzó el recital que culminó con su famoso Red Baron para deleite de sus seguidores. Cobham, quien en mayo próximo cumplirá 65 años (nació en 1944), se manifestó contento con el público y con su presentación, señalando a UPI que, "me sentí muy cómodo. Se puso cada vez mejor y mejor. Cada vez que pueda ofrecer música de calidad, que ésta tenga un mensaje, siempre existirá una muy buena comunicación con los asistentes".
Por su parte, Marco Lobo, percusionista brasileño que hace tres años acompaña al baterista, y que tiempo atrás estuvo en Chile acompañando a Milton Nacimiento, indicó sobre el espectáculo que, "fue un momento muy especial, el público fue realmente caluroso, lo cual agradezco sinceramente y espero que muy pronto volvamos con Billy a tocar acá".
Respecto de que es para él pertenecer a la Banda de Billy Cobham, el percusionista manifestó que "es maravilloso, es una experiencia personal muy interesante. Billy es uno de los mejores bateristas del mundo. He aprendido mucho, es muy enriquecedor".
Sobre el espectáculo, Lobo y Cobham -solos en el escenario-, protagonizaron uno de los momentos de virtuosismo musical más especiales. El percusionista ejecutaba un birimbao junto con unos cascabeles que tenia sujetos en sus tobillos, mientras Billy comenzó a tocar diversos instrumentos de percusión y posteriormente volver a su batería para comenzar a tocar junto a los otros integrantes. Sobre ello, Marco manifestó que "este momento siempre acontece en el show y siempre es muy diferente".
El guitarrista Jean-Marie Ecay -francés de padres españoles-, quien hace 20 años vino al país, señaló sobre el samuray de la batería que, "soy su admirador desde que soy chico. Cuando me llamó para integrar su banda -también hace tres años-, fue un placer y sentí orgullo poder tocar con él. Hoy representa estar haciendo buena música, con compromiso y pasándolo bien, viajando y conociendo gente".

Eddie Higgins - It's Magic (2006)@320

2009-04-21T00:13:00.002-04:00

Born and raised in New England, Eddie (Haydn) Higgins started his professional career in Chicago, while studying at the Northwestern University Music School. For twenty years Eddie worked at some of Chicago's best known jazz clubs, including the Brass Rail, Preview Lounge, Blue Note, Cloister Inn and Jazz Ltd. His longest and most memorable job was at the London House, where he led the house trio for twelve years, playing opposite the biggest jazz stars of the 50's and 60's, including Stan Getz, Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, Errol Garner, George Shearing, Cannonball Adderley, Bill Evans and many others.
Eddie Higgins has been an active jazz musician since the late '50s, though he has developed an especially strong following in Japan, resulting in numerous opportunities to record for Japanese jazz labels. This single-disc set features the bandleader with tenor saxophonists Scott Hamilton and Ken Peplowski, along with bassist Jay Leonhart and drummer Ben Riley. The primary focus is on slow, lush interpretations of ballads, with Hamilton having more of a straight-ahead approach when compared to Peplowski's more personal, conversational style. Exceptions include the snappy, swinging take of "I Never Knew," a breezy arrangement with Peplowski's gritty solo taking top honors, and the driving explorations of "Autumn Leaves." Peplowski switches to clarinet for part of the session, especially the gorgeous take of "Mood Indigo." Throughout the date, Higgins' engaging piano seems effortless, as the songs have likely long been a part of his repertoire.

Artist: Eddie Higgins
Title Of Album: It's Magic
Year Of Release: October 18 , 2006
Label: Venus Records. Tokyo, Japan, Venus TKCV-35383
Genre: Jazz / Post-Bop, Hard Bop, Mainstream Jazz
Quality:Mp3 320 Kbps (CBR) +Artwork
Total Time: 01:04:16
Total Size: 171 MB

Personnel:
Scott Hamilton (tenor sax)
Ken Peplowski (tenor sax & clarinet)
Eddie Higgins (piano)
Jay Leonhart (bass)
Ben Riley (drums)

Tracklist:
01. It's magic (J. Styne)
02. Ghost of a chance (V. Young)
03. I got it bad (And that ain't good) (D. Ellington)
04. Mood indigo (D. Ellington)
05. I never knew (Ted Fio Rito & G.Kahn)
06. A nightingale sang in Berkley Square (M. Sherwin)
07. Autumn leaves (J. Kosma)
08. I’ll never be the same (M. Matt & F. Signorelli)
09. The touch of your lips (R. Noble)
10. Autumn leaves 2 (J. Kosma)
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Buenas Nuevas!

2009-04-21T00:11:00.004-04:00

Hola ! considerando que, estoy priviligiando la calidad y no la cantidad de albunes subidos...es que subirè a contar de ahora, solo Mp3 de calidad 320 Kbps. Esto significa mejor audio, considerando que lo regular para subir es de 128 Kbps.
Quizas si el ùnico pero serìa que van a demorarse màs para bajarlo,pero creo que por la calidad,vale la pena! En todo caso..teneis que tener buen oìdo para diferenciar (profundidad de los bajos y lo estridente de las notas altas ) entre ambas, pero el que sabe..sabe. Debo mencionarles que estos albunes los tengo en formato [Flac] y de ahì a Mp3.
Si tienen alguna opinion al respecto,haganla saber..asì sabremos que opinan los entendidos
Saludos.

Diana Krall - 2001 - The Look Of Love (Re Subido)@ 320

2009-04-20T22:21:00.004-04:00

He querido resubir este albùm a una mejor calidad de audio (320Kbps) entre otras cosas..porque es uno de mis preferidos, y creo que vale la pena disfrutar la mùsica de esta encantadora y bella artista. Disfrutenlo!

No es fácil encontrar en el mundo del jazz una voz tan perfecta, delicada y a la vez con carácter, con un rico colorido y una extraordinaria técnica como la de Diana Krall. Pero mucho más difícil es encontrar todos esos atributos sumados en una cantante que además es una excelente pianista. Decir que Diana Krall es la más talentosa cantante de jazz de este comienzo de siglo, no es exagerar. Una personalidad expresiva completamente ajena a todos los estereotipos, ha logrado conquistar un merecido prestigio.”The Look of Love”, es un álbum [Photo] que muchos consideran flojo y de un corte más comercial. Pero aquellos que han criticado ese trabajo por estar más cerca del ‘bossa nova” que del jazz, olvidan que todos los grandes del jazz han respetado ese género y hasta lo han cultivado. La versión de “Besame mucho” es una muestra de lo que Krall puede aportar a una canción tan popular y tantas veces grabada por innumerables cantantes. En “The look of love” lo más interesante es la bella sensualidad que Diana Krall logra imprimir en una melodía tan simple y sencilla. Pero entre la novedad también encontramos un tema como “Cry me a river”, simplemente delicioso.Sin duda… otro gran album de Diana Krall, melodioso, de baladas romanticas y con muy buenos arreglos orquestales de Claus Ogerman. Como siempre acompañada de Christian McBride, Peter Erskine y Russell Malone. The Look Of Love fue un éxito, y ganó dos Premios Grammy.

Tracklist :
1. S’Wonderful
2. Love Letters
3. I Remember You
4. Cry Me A River
5. Besame Mucho
6. The Night We Called It a Day
7. Dancing In The Dark
8. I Get Along Without You Very Well
9. The Look Of Love
10. Maybe You’ll Be There
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Sonny Rollins - Global Warming (1998)@320

2009-04-20T21:12:00.004-04:00

Theodore Walter "Sonny" Rollins (New York, 1930) nació en el seno de una familia de emigrantes venida desde Las Islas Vírgenes, en las Antillas. Su hermano tocaba el violín y el comenzó desde pequeño a tocar el piano. Por aquella época y siendo adolescente, compatilizaba sus estudios en la Universidad con el saxofón alto, instrumento utilizado por Louis Jordan, por aquel entonces muy popular. Pasada esa afición inicial al saxo alto, adoptó definitivamente el saxo tenor y en New York, comenzó a frecuentar los ambientes boopers, y con dieciocho años, participó en sus primeras sesiones de grabación bajo la dirección del cantante Babs Gonzales, con el sello Capitol y con el trombonista, Jay Jay Johnson para Savoy. Ese mismo año de 1948, el pianista, Bud Powell, le elegía para formar parte de un quinteto -junto al trompetista, Fats Navarro - que dejó para la posteridad, los álbumes "Bouncing With Bud" y "Dance of the Infidels" para Blue Note ambos. Al año siguiente empezó a grabar regularmente para la casa Prestigie, bajo el liderazgo de Miles Davis, y ya en diciembre llegaron los primeros discos a su nombre. Con una progresiva maduración artística e instrumental, Sonny Rollins, grabaría en 1953 y 1954 al lado de The Modern Jazz Quartet, Tkelonious Monk, Art Farmer y especialmente, con Miles Davis, y en una de esas sesiones de grabación, tuvo por fin la oportunidad de grabar con su idolatrado, Charlie Parker. En aquel año presentó sus primeras composiciones y algunas de ellas se han convertido con el paso del tiempo en estándares del jazz, como : "Óleo", "Airegin" y "Doxy". Dejó New York con una excelente reputación y se instaló en Chicago donde coincidió con su amigo, el batería, Max Roach, que actuaba con un quinteto en el que estaba, Clifford Brown, a la trompeta. Roach le propuso unirse a ellos en sustitución del saxo tenor, Harold Land, y su permanancia con el baterista, duró año y medio. Sonny Rollins, grabaría al año siguiente el disco cumbre de su carrera: "Saxophone Colossus" (Prestige, 1956) con Tommy Flanagan al piano, Doug Watkins, al bajo y Max Roach a la batería. En ese disco está el tema: "St. Thomas", una composición que inaugura las inclinaciones de Rollins por el calipso -una herencia materna - y la obra maestra, "Blue Seven", un blues conceptualmente extraordinario. Aquel gran año, se cierra con Sonny Rollins de jazzman de Thelonious Monk en el disco "Brilliant Corners", otra logradísima obra de Monk. Al año siguiente modifica el formato de su música y cambia el soporte del piano y opta por el contrabajo y la batería. Así graba "Way Out West" (Contemporary, 1957), la maratoniana sesión en el Village Vanguard (Blue Note, 1957) y la "Freedom Suite" (Riverside, 1958). A pesar de su extraordinario éxito en los cincuenta, y de estar considerado uno de los grandes saxofonistas del momento, la aparición de Ornette Coleman y la eclosión de Coltrane, en su etapa moderna, le habían desplazado de la vanguardia del jazz de la época. Decidió tomarse un respiro de un par de años donde se le veía muy a menudo ensayando de noche en el puente neoyorquino de Williamsburg -que une Manhattan con Brooklyn -y a la vuelta grabó para RCA en enero de 1962, otro de sus grandes discos: "The Bridge". En ese álbum, se ve a un Sonny Rollins sereno, majestuoso y con un estilo depurado. El cuarteto que acompañó a Rollins en esa grabación fue: Jim Hall a la guitarra, Bob Cranshaw, al contrabajo y Ben Riley a la batería. Al año siguiente graba con el maestro Coleman Hawkins, otro disco extraordinario a pesar de que ambos tocaban un sonido radicalmente distinto. En 1966 grababa la banda sonora de la película "Alfie" protagonizada por Michael Caine y al año siguiente reúne la rítmica de Coltrane -Elvin Jones a la batería, Jimmy Garrison al contrabajo- mas Freddie Hubbard a la trompeta para grabar su postrero intento de subirse a la corriente free del jazz: "Broadway Run Down" (Impulse, 1966). Un nuevo retiro, esta vez desde 1969 a 1971 donde inicia un flirteo con el jazz rock que no parece convencerle. Visita la India, estudia yoga y religiones asiáticas y desconcierta a los críticos y puristas que, sin embargo, no se fijan en que Rollins conserva en el jazz rock mas elementos del bop que ningún otro músico. Ya, a principios de los ochenta, volverá a ser ese improvisador impetuoso y lírico que ha dejado atrás sus inquietudes. Riguroso y austero, preocupado por la perfección, no cesará jamás de explorar el jazz. Hoy, ya septuagenario y con un reciente disco en la calle "This is Whaty it Do" (Milestone, 2000) Sonny Rollins, es, sin duda alguna, el último de los gigantes del jazz que continúa con vida. (Apoloybaco)

Performer: Sonny Rollins
Album: Global Warming
Genre: Jazz
Label: Milestone
Quality: MP3 @ 320Kbps
Recorded: January 7 & February 28, 1998
Personnel: Stephen Scott, Bob Cranshaw, Idris Muhammad, Clifton Anderson, Victor See Yuen, Perry Wilson
Total Time: 50:00
Size: 127 mb (RS.com)

Artistlisting:

Sonny Rollins — tenor saxophone
Stephen Scott — piano (and kalimba on "Global Warming")
Bob Cranshaw — electric bass
Idris Muhammad — drums
Clifton Anderson — trombone
Victor See Yuen — percussion
Perry Wilson — drums

Tracklisting:

1. Island Lady 9:07
2. Echo-Side Blue 7:15
3. Global Warming 6:30
4. Mother Nature's Blues 11:26
5. Change Partners 8:36
6. Clear-Cut Boogie 7:07
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Silje Nergaard - At First Light (2001)

2009-04-10T19:59:00.004-04:00

La cantante noruega Silje Nergaard se dio a conocer al público de jazz con tan sólo 16 años, cuando se unió a una jam-session improvisada con algunos ex miembros de la última banda de Jaco Pastorious. La crítica de su país se entusiasmó al vislumbrar el nacimiento de una nueva estrella del jazz vocal. Poco después, Silje se había convertido en una de las vocalistas más respetadas de Noruega, por su sentimiento y su pasión a la hora de interpretar. Su inusual y original estilo de improvisación vocal entusiasmó tanto al público como a los críticos. Incluso a músicos como Pat Metheny, que recomendó encarecidamente al productor Richard Niles que fichara de inmediato a Silje, cosa que hizo al momento. Su single de debut, Tell Me Where You’re Going (1990), se mantuvo más de 15 semanas entre los 100 mejores puestos de las listas británicas y su dúo con el guitarrista, Pat Metheny fue editado por Toshiba-EMI. Ese apoyo fue clave para que Silje Nergaard fuese la cantante de jazz mas radiada de todo Japón, y una de las mas apreciadas en el país del Sol Naciente. Algunos escarceos con estilos dispares, como por ejemplo su tercer álbum, “Cow on the Highway”, donde creó una una fascinante fusión entre el jazz, la música country y el western fueron rápidamente olvidados y su estilo empezó a definirse cuando utilizó, tras grabar dos álbumes en su lengua nativa, armonías poco habituales y a experimentar texturas vocales nuevas. En Diciembre de 1999, Silje Nergaard recibió una Mención Honorífica por su composición “I Don’t Want to See You Cry” en el prestigioso certamen “USA Songwriter”. Su canción “On and On” fue escogida como tema central de la película coreana “Interview”, y el artista de Hong Kong, Cass Phang grabó el tema “Brevet The Letter” para un álbum y un single editados en Taiwán, Hong Kong, Singapur, Malasia y China. Gran compositora, capaz de conferir a su música el empaque y la solidez de los estándares, Nergaard regresó a los estudios para grabar el elegante trabajo Su penúltimo disco, “At First Light” une sutiles texturas y ritmos armónicos, mezclados con seductoras melodías, como parte de un crecimiento artístico y personal, que subraya la identidad propia de Silje Nergaard dentro del mundo del jazz. (Extracto tomado se apoloybaco.com)

Tracklist:
1. There’s Always a First Time
2. Be Still My Heart
3. Let There be Love
4. So Sorry for Your Love
5. Now and Then
6. Two Sleepy People
7. Keep on Backing Losers
8. Blame it on the Sun
9. At First Light
10. There’s Trouble brewing
11. Japanese Blue
12. Lullaby to Erle
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Joyce Cooling - Global Cooling (2009)

2009-04-10T19:25:00.005-04:00

En el mundo del Jazz Contemporáneo no es común encontrarse con una dama y menos ejecutando la guitarra eléctrica, sin embargo en San Francisco, CA, hay una bella joven que además de interpretar muy bien este instrumento musical, ha ocupado el puesto nº 1 de las carteleras con sus dos discos compactos. Su primer CD fue Playing it Cool, puesto a la venta por Heads Up en 1997 y fue inmediatamente al puesto de honor de las más importantes carteleras del Jazz. Fueron once canciones en donde Joyce compartió junto a Jay Wagner en los teclados y contó en parte con la producción del también guitarrista Ray Obiedo

Joyce Cooling - soulful, funky, and always original - presents her seventh studio album, Global Cooling. Global Cooling features Cooling’s signature, colorful, body-moving sound, blending funky contemporary jazz with flavors and vibes from around the world. “It’s eclectic - you can dance to it, you can trance to it. It’s up to you.” “Global Cooling is like taking a transcontinental flight, touching down in fun, exciting and beautiful places. We were inspired to travel into uncharted territory, so we really stretched ourselves to get our passports in order! We played with a lot of new instruments and layered tablas, congas, bongos, sitar, berimbau and even accordion over funk, rock and jazz. It was a trip.” Joyce Cooling and songwriting partner, Jay Wagner, have crafted a stunning collection of songs that embody places, feelings and thoughts. Cobra and The Red Rose paint sound-scapes of exotic lands. Other songs are born of ideas and concepts near and dear to Joyce. In particular, the title track, Global Cooling, and We Can are driven by Cooling’s optimism and love of things global and universal. “Jay and I wanted to make music in the spirit of that interconnectedness that I like to call our global neighborhood.” Cooling, who is known for her eclectic and swinging style, is recognized as one of the most dynamic and popular contemporary jazz guitarists in the world. She invites her fans to join her on the fantastic Global Cooling trek. Global Cooling continues Cooling’s advocacy and commitment to NAMI (National Alliance on Mental Illness). Joyce will donate a portion of the proceeds from her CD sales to NAMI.

Tracklist:
1. Grass Roots
2. Global Cooling
3. Save This Dance For Me
4. Cobra
5. What Are We Waiting For?
6. Dolores In Pink
7. We Can
8. Rhythm Kitchen
9. The Red Rose
10. Chit Chat
11. In The Streets
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Laverne Butler - A Foolish Thing To Do

2009-04-05T13:26:00.003-04:00

LaVerne Butler's jazz vocals on A Foolish Thing To Do emphasizes her fluid mastery of the jazz form and her genuine joy in the music. The beautiful vocalist sings 12 blues-inflected jazz gems written by some of America's most prolific songwriters on this follow-up to her chart-topping Blues In The City. Accompanied by Terrell Stafford on trumpet, Bruce Barth on piano, Darryl Hall on bass and Victor Lewis on drums, Butler opens with "A Foolish Thing To Do," a love-gone-wrong blues she co-wrote with Bruce Barth. Terrell Stafford's trumpet announces the fateful theme and punctuates Butler's vocals throughout the song before easing into a solo with a bluesy jazz dialect reminiscent of the great Louis Armstrong.LaVerne Butler takes command of the lyrics on "Make It Easy On Yourself" and finds her wringing the tears from it whereas so many other vocalists have delivered it in such a glib matter-of-fact way. In addition to the excellent string accompaniment on three compositions and Bruce Barth's piano stylings throughout this great program, LaVerne Butler's graceful creativity, tone, phrasings and emotion are among the shining elements that make up her very cool tools of vocal expression and natural talent. ~ Paula Edelstein, All Music Guide

Tracklist:
1. Foolish Thing To Do, A
2. End Of A Love Affair, The
3. Go Away Little Boy
4. When I Fall In Love
5. Dindi
6. West Coast Blues
7. Affinity
8. Just One Of Those Things
9. Make Someone Happy
10. Make It Easy On Yourself
11. Never Let Me Go
12. Basin Street Blues
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Notes & Personnel Info
Personnel: Laverne Butler (vocals); Bruce Barth (piano); Steve Wilson (alto saxophone); David "Fathead" Newman (tenor saxophone); Terell Stafford (trumpet); Jason Uyeyama, Laura Albers, Marc Rovetti (violin); Che-Yen Chen (viola); Ani Aznavoorian (cello); Bruce Barth (piano); Darryl Hall (bass); Victor Lewis (drums).

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