いまだタイトル決めれず

エイベックス松浦さんがCEO退任で語る「コーライティングによるゲームチェンジ」

2020-05-18T22:37:00.001+09:00

●エイベックス・松浦勝人氏、CEO退任へ制作に専念すると表明「後進の育成にも励んでいきたい」

　松浦さんのCEO退任について、僕はなにか語る立場ではありませんし、何も情報を持っていません。ただ、コメントの中に、「音楽の制作手法も個人で作る手法から、Co-Writingというチームで作る手法が増え、まさにゲームチェンジの時を迎えている」との発言があって驚きました。
　僕が伊藤涼を誘って2013年1月に「山口ゼミ」を始めた時は、日本でコーライティングについて語る人は皆無でした。欧米との違いを知っていた僕らは、プロの作曲家を育てる際のテーマとして「コンペに勝つ」という現実的な目先の課題と共に、「Co-Writing（のマインドとスキル）を身につける」の二つを掲げました。実績のある作曲家がたくさんいる中、新たに入り込んでいくための「武器」として「Co-Writing」は有用だろうと思ったからです。スキルの高い作曲家ほど、一人でやれてしまいますから、実績のある作曲家はコーライトに目を向けず、むしろ見下しているような印象もありました。そこにつけ込む余地があった訳です。僕らの予測と目論見は見事に当たり、日本もCo-Writingによる曲作りが主流になりつつあります。Co-Writingに関して経験豊富な「山口ゼミ」卒業生による作曲家コミュニティ「Co-Writing Farm」活躍の場を広げています。まだスター作曲家は誕生していませんが、日本の音楽界に存在感を持ち始めていることは実感します。僕らが海外の一流作曲家とCo-Writingする機会も作っていて、貴重な経験を積み上げています。
　デジタル化によるDAWの進化で起きているクリエイション、音楽制作の変化によりクリエイターサイドに音楽制作のイニシアティブが移ってきています。以前、noteに「作詞家がコーライティングに入っている流れという文脈で触れました。興味のある方は読んでみてください。

●作詞家がコーライトソングライターになる意味〜コーライティングムーブメントが起こす音楽制作の地殻変動

　そして、このクリエイターに音楽創作、制作のパワーシフトは、音楽ビジネスのルール、スキームにも大きな影響を与えることになるでしょう。本稿ではビジネス視点で説明します。大きく二つのポイントがあります。

１）日本独特の出版権の業界慣習が続けられなくなる

　欧米では音楽出版権はソングライターに紐づきますが、日本ではアーティストサイドがコントロールするのが業界慣習です。自作自演系のアーティストでは矛盾は生じませんが、職業作曲家が楽曲提供する場合は、海外と大きな違いが生じます。ジャニーズのアーティストの楽曲の出版権はジャニーズサイドが、AKB48はAKSが、LDH所属アーティストは、、、いずれにしてもアーテイスト側がコントロールして事務所やレコード会社が出版権のルールを決めています。僕は日本の音楽業界で育ち、一番リスクを負い、結果のために努力するのはアーティスト側だと知っているので、このルールに違和感はないのですが、欧米の作曲家は納得しません。どうしても使いたい曲がある場合は、ジャニーズ事務所も外国人作曲家については出版権を渡すことに同意しています。（ちなみにAKB48のコンペに外国人作曲家の参加がNGなのはそれが理由です）海外の音楽出版社は、有望な作曲家と専属契約をして印税アドバンス（前払い）をすることで出版権を確保します。LAの作家たちと話すと、新人段階での彼らの目標は、スマッシュヒットを１曲だして、大手音楽出版社と専属契約を結んで契約金を獲得することです。（その金額が日本円で１千万円以上が相場で、マーケットが大きくて羨ましいですね）ちなみに成功した作曲家は自分で音楽出版社を設立して、自分で出版権を持ちます。　
　現状は、日本人作曲家と外国人作曲家に「逆差別」が起きている訳です。出版権は作家取り分の50%というのが国際的に標準ですから、日本人は外国人の半分しか印税がもらえていないことになります、そして悩ましいのは作家事務所の存在です。本来は音楽出版社が担うべき作曲家の育成が不十分なために、多くの新人作曲家はコンペに参加するために作家事務所に所属することになります。長年アーティストマネージメントをやってきた僕は信じられないのですが作家事務所は40%以上のマネージメント料を取ることが珍しくないのが現状のようです、印税アドバンス（前払い）などのリスクを持たずに、彼らは作家に対してどんな付加価値を付けているのでしょうか？

　さて、この状況だと外国人と日本人がCo-Writingして採用された場合、受け取る印税が、日本人が外国人の1/3以下ということがあり得るようなとんでもない「逆差別」が生じています。では例えば、LAや韓国に移住して外国人みたいなペンネームの日本人作曲家が出てきたらどうなるのでしょうか？日本でコンペに出す際にパスポートのコピーはつけませんので、見分けることは不可能で「外国人ルール」の適用が可能でしょう。意図的にペンネームを外人風にして、「海外作家扱い」を求める事例はでてくるでしょう。いや、おおっぴらにならないだけでもう起きているのかもしれません。作曲家たちの国際化が進んでいくと、このように矛盾がどんどん明らかになっていくのです。

　出版権の日本独自慣習についえは、もうひとつ大きな問題があります。地上波テレビ局の子会社の音楽出版社が、番組タイアップが決まると楽曲の出版権を持っていくという慣習です。これはアメリカでは独禁法の特権的な地位の濫用として、明確に違法ですが、日本では業界の常識として長年続いています、テレビタイアップの影響力が落ちている中で、この慣習も続けられなくなるのはそんなに先のことでは無いでしょう。

　ちなみに、日本の音楽業界が（いつものことですが）うかうかしている間に、アジアにも欧米ルールが根付きつつあるようです。国際化では大きく先行している韓国はもちろんのこと、昨年台北で行なった日本人と台湾人作曲家のコーライティングキャンプでも、台湾作家側も同様の主張がありました。大きな刺激と可能性を感じた台北キャンプのレポートはこちらです。

●台北SONG WRITING CAMP REPORT

２）原盤権（パフォーミングライツ）の位置付けの変化

　レコーディングの費用を負担したところ（多くの場合はレコード会社、事務所や音楽出版社との共同原盤の形も多い）が原盤権を持って、契約に基づき、売り上げから印税をアーティストに払うというのが従来の音楽ビジネスです。ここのルールや仕組み、そこでの金額や料率に関する「相場観」も変化せざるを得ません。これもデジタル化に伴う環境変化が背景にあります
　レコーディング関する費用が著しく下がったことも理由です。20年位前までは、1日30万円位かかるプロフェッショナルスタジオと１時間1万円位の報酬のレコーディングエンジニアでのレコーディングが一般的でした、メジャーレーベルでの契約の相場観は、アルバム制作予算は1500万円前後。「海外レコーディングして3000万円以上かかちゃったよ（笑）」みたいな会話が許される牧歌的な時代でもありました。今は能力の高い音楽家であれば自宅DAWで全てを完成させることも不可能ではありません。数十万円程度の編曲料、ミックス料を払うことで、原盤権をレーベル側を持つことが合理的と言えるのか、微妙な状況になっています。原盤譲渡や原盤供給という契約形態はこれまでもありましたが、大手レーベルは忌避することが多く、その条件も公正さに欠く場合が少なくありませんでした。

　そもそも、CDが主力商品でマスメディア露出とTVタイアップが効果的な宣伝手法だった時代は、レコード会社が音楽ビジネスのプラットフォームも担っていたので、資金力の問題だけではなく、収入の主な入り口がレコード会社であることに必然性があり、アーティストにとっても作曲家にとってもメリットがありました。ストリーミングサービスとSNSでヒットが生まれる時代になりつつある中、レコード会社が付けられる付加価値の余地はどのくらい残っているのでしょうか？
　原盤権のあり方の変化は、もう一つの変化に繋がります。音楽業界を調べようとして、業界団体がたくさんあってよくわからないなと思ったことがある人はいるかもしれません。各団体は様々な歴史的経緯に基づく存在理由があるのですが、大まかに言うと「権利ごとに団体がある」という側面があります。煩雑になるので詳細は割愛しますが、アーティストとソングライターたちがCo-Writingで作品をつくって、ストリーミングサービスで配信するようになると、そもそも権利の区分をする合理性が揺らぎます。「一箇所にまとめて分配した方が合理的なのでは？」という声は強くなっていくでしょう。コーライトが音楽制作の主流になることは、様々な変化とセットなのです。全体の大きな変化の方向は、音楽家に比重が移っていくパワーシフトです。これは環境の変化に伴う必然なので、止められず、必ず起きます。業界の中で仕事してきた人には（僕も含めて）信じられない変化ですが、５年後に今ままでと同じルールが通用するとは思えないのが厳然たる事実でもあります。

　さて、良い方向に向かっているように思える音楽ビジネスのパワーシフト。音楽家の発言力が強くなっていく際の僕の心配は、日本の音楽家がそれに耐え得るかということです。

ゲームチェンジに日本の音楽家は準備できているのか？

　松浦さんの記事を見つけて、Co-Writing Farmのメンバー何人かがいるメッセンジャーのスレッドに、興奮気味に「コーライティングに日が当たるというチャンスだよ」と投げたところ、作家達の反応は「社長が言っても、現場のスタッフに響くんですかね？ディレクターがコーライト作品に興味持ってもらえなけば、僕らにはメリットないです」とのレスで、心底がっかりしました。「どんだけ受託根性がしみついてんねん！もうお前とは話さん！」とキレました。（人間ができてなくてすいません><）
　と言いつつ実は、「山口ゼミ」では「作曲家やアレンジャーは、BtoB (toC）な職業で、まずは楽曲を採用し、リリースするディレクターやアーティストの役に立てるようにに自分のセンスとスキルを提供しなさい、独りよがりになってはダメです。」と指導しています。彼らはその教えを忠実に守り、頑張っているのかもしれません。現在の目先の課題をクリアーしていくことと、ゲームチェンジングに備えることの両立の難しさを実感しました。「山口さんは夢みたいなこと言ってればいいだろうけれど、僕らは来週のコンペで勝ちたいんです」というのが彼らの本音だとしても当然ですね。
　そんな感じでショゲていたら、古い友人でもあるサウンドプロデューサー浅田祐介が元気をくれました。実績のある作曲家、サウンドプロデューサーが集まって、「ORDI」というプロジェクトを立ち上げるのだそうです。受身だけの姿勢をやめて、クリエイター自身がビジネスにコミットしていくムーブメントのようです。藤井丈司、多胡邦夫、島野聡といった才能も経験も豊富な日本人サウンドプロデューサー達が連携して動くのは興味深いです。彼らの活躍に期待します。

　デジタル化の進展は、情報やノウハウの「ブラックボックス」を無くしていきます。民主化と中抜きは避けられず、付加価値がつけられない存在は葬り去られます。僕自身は音楽ビジネスのプロフェッショナルとして、アーテイストに貢献する（付加価値がつけられる）自負があるので、個人としての恐怖感や嫌悪感はありませんが、従来型の芸能界、音楽業界のやり方が通用しなくなることは間違いありません。音楽ビジネスは音楽家の側に戻ります。日本のアーティストやクリエイターはその責任を背負うだけの自負とビジネスに対する知見を持っているのでしょうか？権利と義務はセットです。僕が心配なのは、これまで業界に守られ（視点によってスポイルされ搾取されていたとも言えます）日本の音楽家たちのビジネスマインドと責任感の欠如です。音楽業界という村社会で、お行儀よくしていれば、誰かが引き上げてくれるという時代は終了しました。コーライティングが生まれてくる背景と、普及していく結果が、松浦さんが指摘された「ゲームチェンジ」を促進していことは間違いありません。

松浦さんは、日本のMAXとしてCo-Writingに参加を！

　最後に、松浦さんは引退する心配はしていません（笑）、新しいことに常に挑戦していく松浦さんは音楽業界に革新をもたらしてきました。これを機会に、コーライティングにディレクタースタンスで参加してワールドヒットを連発しているマックス・マーティンの存在をベンチマークし「日本のマックスマーティンは（伊藤涼ではなく）松浦勝人だ！（通称Maxだしww）」と言って、コーライティングのメンバーになる（コーライトインする）ことを期待します。作曲家たちは正直やりずらいんでしょうが、楽曲の採用率が高くなり、ヒットの確率が上がるメンバーの参加は歓迎のはずです。

●全米1位獲得曲数歴代3位のMax Martin（マックス・マーティン）が世界的プロデューサーとして世に送り出した洋楽ヒット曲とは？

テレワーク率から浮き上がる日本企業の仕事の仕方の問題。ホワイトカラーの半分以上は不要かもしれない

2020-05-03T15:11:00.001+09:00

コロナ禍で浮き彫りになったことはたくさんあります。共産党による官僚体制で独裁された国家が国際市場の中心にいるという矛盾が、ウィルスを世界中に拡散させました。安倍首相とそのブレーンは、音楽でのコラボレーションの意味を知りませんでした。日本国家は、非常事態宣言をする前に各所に根回しをし、メディアを通じて予告してから行い、しかも強制力はなく、地方自治体に委ねるという統治システムでした。揶揄することは簡単ですが、僕たちがそんな世界、時代に生きていることは事実です。その意味をきちんと受け止め、深く考えて、今後に活かすことが重要だと思います。

　僕は何事にも功罪あると考えるタイプなので、コラボの意味もわからない人たちが、星野源の価値や影響力を知ったことは素晴らしいと思いますし、日本国民としてボトムアップ型の民主主義社会には良い面もあるなと素直に思います。

●テレワーク実施率 3月 4月比較、倍増するも 3 割に届かず

　そんな時に、テレワークの実施が３割以下という調査結果を見て、率直に驚きました。僕の知人は、ほぼ全員がテレワークしています。１週間以上で公共交通機関に乗っていない人がほとんどです。エンタメやITとは違う業種は世の中にたくさんありますし、「エッセンシャルワーカー」と呼ばれる、社会経済を回すために働かく人がいることももちろん理解しています。個人的には、現状で基礎疾患をお持ちの方や高齢者以外の感染リスクはあまり高くないという認識なので、恐怖感みたいなものとは無縁ですし、むしろ外出者をパッシングするヒステリックな感情の方がよくないと思うのですが、ただ、日本中がstay homeと言っている時のこの割合には率直に驚きました。オフィスに行かないと仕事ができない人ってどういう仕事のやり方をしているのでしょうか？

　以下は、直感的な内容で論じるので、矛盾があれば、遠慮なくご指摘下さい。不愉快になった方はごめんなさい。でも直感的ですが、おそらく正しいだろうという確信があることを申し上げます。「テレワークできない７割の半分以上は、そもそもその仕事要らないのでは？」「５年を待たずに、ロボットやAIに置換えられるのでは？」ということです。7割✕8割だと56％、6割だとしても42%が、非効率なやり方、ないし本質的には不要な仕事をしていることになるなと暗算しつつ驚きました。特にホワイトカラー、事務職、営業職、総合職に関しては、致命的です。仕事のやり方が根本的に間違っている、組織の運営方法が惰性で機能していない可能性が高いでしょう。

　エンタメ業界以外のビジネススキームや組織運営には詳しくないので、具体的な例示ができなくて申し訳ないのですが、出社の主な理由に「紙の書類に押印するため」があることが象徴的です。クライアント向けのサービスでセキュリティの懸念から出社が必要というのは、そもそもそのセキュリティのやり方は、マストかつ適切だったのかが問われますね。自分たちが普段当たり前のようにやっていることが、コストや工数が無駄だったこと、組織内外の仕事上のコミュニケーションに無駄が大きかったことをCOVID-19は浮き彫りにしています。

既にIT企業を中心にオフィススペース縮小の動きが始まっています。在宅中心に仕事の仕方を切り替えることで、効率も快適さ向上できるのだとすれば、みんなが集まるオフィスは最小限で良いですし、紙の書類の保存の必要も今後はどんどん無くなり、電子化していくでしょう。経営者にとっては、経費削減と業務改善の大チャンスです。

　日本企業の場合は、そもそも経営者にテレワークに否定的な方、もしくは対応できない方も少なからずいらっしゃるようですが、まずその人達を企業の意思決定から外さないといけません。ITリテラシーが低い方は、コミュニケーションリテラシーにも欠点がある場合が多いですね。

　日本企業の最大の欠点は、高度成長期に染み付いた（昭和な）成功体験から抜けられずに、思考停止していて「仕組みのアップデート」ができていないことです。できた時には意味があったのかもしれないやり方が、その意味を問い返すことなく無自覚に続いてしまっている「無駄」の集積が残念でなりません。リクルートスーツに身を包んだ紺とグレーの若者たちを見かける度に、暗澹たる気持ちになります。学校を９月新学期にする話が話題になっていますが、４月でも９月でもよいから画一的に学生を社会に受け入れる過去の仕組みを改めることのほうが重要です。新卒一括採用を続けている限り、日本の産業界は駄目なんだろうぁ、ってまさに直感的に思います。

　COVID-19は、世界中のこれまで頬かむりをしてきた矛盾を暴き出すために、神様が与えてくれたのかもしれません。変わるための好機だと捉えたいです。Stay homeしながら、考えて未来に活かしていきましょう。

作詞家がコーライトソングライターになる意味〜コーライティングムーブメントが起こす音楽制作の地殻変動

2020-04-15T16:09:00.000+09:00

　７年目になる作曲家育成プログラム「山口ゼミ」に新しい潮流が生まれています。プロの作詞家がコーライトソングライターになるために受講するというケースです。その意味を整理したいと思います。
　当たり前ですが、J-POPを創る時に歌詞はとても重要です。日本の音楽ファンは歌詞への反応度が濃いと言われています。山口ゼミ〜Co-Writing Farmを一緒にやっている伊藤涼は「作詞力」という著書もあり、「リリックラボ」という作詞家育成プログラムもやっていますので、作詞家志望者が山口ゼミに目をつけるのは不思議は無いと思われるかもしれません。ただ、僕は日本におけるコーライティングムーブメントが新しいフェーズに入ったなと感じました。具体のケースに興味のある方は本人のブログを読んでいただくとして、僕はもう少しマクロな視点を提示したいと思います。

作詞家志望者の苦闘

　自作自演以外のアーティストの場合、近年は「曲先」と言われる、楽曲を完成させてから歌詞を発注するという形が一般的です。作詞家を指名したり、作詞家事務所を経由したコンペだったり、何人かの作詞家にお願いする「指名コンペ」だったりやり方はいつからありますが、いずれにしても「歌詞は最後にハメる」というのが一般的な作り方になっています。
　音楽に限りませんが、制作工程の最後になるということは、締切までの期間が短くなるケースが増えるということです。おのずと作詞家は辛い環境での創作を強いられることが多くなります。それでも実績があって指名をされるなら頑張り甲斐もあるでしょうが、作詞コンペに参加するだけだと、消耗ばかりしていくことになるでしょう。
　僕はこだまさおりがシンガーソングライターとしてデビューして、後に作詞家に転身して成功するまでの経緯をずっと近くで見てきたので、過酷な状況で鍛えられて、元々あるセンス・才能に職人的な技が加わっていくというプロセスに必ずしも否定的な訳ではありませんが、作詞家を目指す人全員にオススメできる環境ではありません。
　古い話で恐縮ですが、作詞家阿久悠は「詞先」の依頼しか受けなかったそうです。昭和を代表するミリオンセラーを山ほど出した大先生との比較は大げさになりますが、これを僕は「作詞家は楽曲のコンセプターだ」という意味に解釈しています。J-Popにおいて歌詞を書くということは本来「楽曲のコンセプト・核を決める」ということのはずなのです。ここでコーライティングの出現です。メロディメイク、トラックメイク、楽器演奏、シンガーなど、得意技を持ったソングライターたちが集まって、一つの楽曲を作り上げる、そこに「コンセプター」としての作詞（リリックライティング）の役割は大きくあります。
　そもそも、プロの作詞家でメロディメイクが全くできないという人はいるのでしょうか？現実にはコードが決められ、アレンジして、ミックスしてと自分で完成形まで作れないと、そもそも他人に聴いてもらえない時代です。「私は鼻歌しかできない」みたいに思って、メロディはつくれないと思っている人がケースは多いのかもしれません。トップライナーとしても関わりながら、コーライティングで作品を創っていく。そこに作詞家としての経験やセンスが活かせる場面は多いでしょう。

クリエイター主導の音楽制作へのパワーシフト

　背景として指摘しておきたいのが、音楽制作においてパワーシフトが起きていることです。20年位前までは、レコード会社のディレクターは良さそうなデモがあると、プリプロダクション（事前作業）用にスタジオを使って、完成形に近づけ仮歌を入れてみるというプロセスが一般的でした。タイアップ先やアーティスト本人や事務所の社長に聴かせるためのデモを作ります。その過程でディレクターが自分のイメージする作品に寄せていく訳です。
　デジタル化の進展で自宅録音のレベルが飛躍的に向上して、プリプロダクションは無くなりました。作曲家がそのままタイアップに出せるクオリティの高いデモを作ってくれて、それがコンペで選べるなら、その方がディレクターは楽ですし、コストも掛かりません。海外作家（アメリカ、北欧、韓国など）から、非常にクオリティの高いデモの売り込みが増えたこともそれに拍車を掛けました。ドラマのプロデューサーやCMのディレクターなど、タイアップのジャッジをするのは音楽の専門家ではありません。「この曲はこういう風にアレンジして仕上げたら素晴らしくなる」と想像力を要求するのは簡単ではなく、「これカッコいい」って聴けばわかるデモが重宝されるのは当然ですね。
　最近は、クリエイター提出デモがコンペで選ばれ、歌詞もアレンジもそのまま使われるというケースが増えてきています。具体的な工程としては、「採用なのでフル尺でください」（コンペは１コーラスのデモで行われるのが普通ですが、これもそろそろ欧米のようにフル尺になっていく気がしています）→「決定なので、ボーカル録音するためのカラオケください」→「ミックスするのでパラデータ下さい」→完成という流れです。クリエイター側にミックスの能力があるメンバーがいる場合は逆にボーカルトラックを受取ミックスも行うケースも少なくありません。つまり「ボーカル録音以外は全部クリエイターが作ったものがリリースされる」ということが普通になってきているのですが、これは欧米でも増えている現象で、決定権自体はディレクターにあっても、実質的な創作、制作のイニシアティブはクリエイターサイドに移ってきている訳です。この傾向はどんどん強まっていますし、そうなっていくでしょう。
　この音楽の制作にはコーライティングというやり方が非常に有効的です。それぞれの得意なスキルを出し合いながら、一つの目標に向かって真摯に議論し、作品を仕上げていく手法。バンドで音楽を作るときに、その人たちの組合せでなければ起きなかった奇跡的な良い作品ができると「バンドマジック」と言って喜びますが、コーライティングは、1曲ごとに「バンドマジック」を起こすようにする、「ソングバイソング・コーライティングマジック」が理想形です。一曲完成したら解散するバンドみたいないことです。やりたくなったらまた再結成すればいいのです。創作の大きな敵は「煮詰まってどうすればよいかわからくなる」なのですが、コーライティングはそれも回避しやすい方法論です。

コーライティングという手法の有効性はレコーディングエンジニアにも。

　作詞家と同じことが、例えばレコーディングエンジニアにも言えます。日本は欧米のように、エンジニアからプロデューサーへとなるパターンが少なく、天才的なレコーディングエンジニアは、職人的に名人になるというパターンが多かったです。立派なプロ仕様のスタジオが音楽制作のファクトリーになって潤沢な制作予算の時はそのことの良さがありました。メジャーレーベルと契約すると新人アーティストでも一流のエンジニアと仕事ができます。その経験で成長してサウンドプロデューサーになっていく人も多かったです。
　環境は変わりました。プロ仕様のスタジオは減っていき、レコーデイングエンジニアは絶滅危惧種となって若い才能が集まらなくなっています。その処方箋もコーライティングです。エンジニアもコーライティングソングライターになることで活路が見出せます。自分のスキルでデモに使われる音色やミックスのクオリティを上げていき、デモが採用されると作曲家として印税が入るだけではなか、ミックスエンジニアの営業にもなる訳です。参加しない理由はないでしょう？
　作詞家はコンセプターで、エンジニアは音色のクオリティアップとミックスで、アーティストは仮歌シンガーとして、それぞれの強みを活かしながら一曲ごとのプロジェクトを組んでいくというのがこれからの音楽制作になっていきます。欧米のように、ソングライターの実績と人脈からアーティストとしてデビューする事例が日本でも増えてくることでしょう。

コンペも「提案型」が主流になる

　今はまだ、A&Rが作家事務所経由でコンペシートを配って数多くの楽曲を集めるコンペが主流ですが、ここにも変化の芽があります。無駄に膨大な曲数を聴く「コンペ疲れ」を感じるのは当然です。クリエイターサイドが、こういう楽曲がこのアーティストの次のビジョンでは無いか？と提案していく形が増えいくでしょう。アーティストとクリエイターのコーライティングでの作品創りも増えてきています。

　レベルの高いクリエイターが１曲毎のコーライティングマジックを目指して作品を創る。それが生まれるクリエイターのネットワークがある、そのネットワークには日本人だけではなく外国人作曲家も入ってくる。彼らを通じて日本人クリエイターも海外市場にアクセスしていく、そんな時代が訪れています。僕が言うこと、やることは「山口早すぎ」と業界ではよく言われてますが(T_T)、同時に僕が確信したことで起きなかったことが無いのも事実です。　僕が予感した「クリエイターファースト」の世界は。コーライティングをテコに日本でも実現していくんだなと今、ヒシヒシと感じています。

　この変化は、社会環境的な必然性がありますので、必ず来ます、音楽家はこのイメージを持って、自分のキャリアプランを立てることをオススメします。僕は、山口ゼミ〜Co-Writing Farmで一つのモデルを提示しました。やり方はいろいろあり得ると思いますが、セルフマネージメントできる自立したクリエイターがネットワークを作って責任を持って創作、デジタルサービスや海外市場も視野において作品を作っていくそういう時代が来ました。

　それができないクリエイターは少しずつですが、確実に淘汰されていきます。（悩みがある人は相談にのるので、連絡ください！）

デジタル化の進展が音楽制作現場に与えた地殻変動

　異業種の方もわかる表現に替えると、業界という「村社会」、インナーサークルで完結していた音楽原盤制作の世界も、他の分野と同じように、デジタル技術によるパーソナライズ化、インターネットによる情報の民主化、緊密化するグローバル市場という大きなトレンドに覆われ、大きな変化が起きつつあるという、そんな当たり前の話です。そうなるとクリエイティビティ、コンテンツ力の勝負になるはずなので、国際基準に乗っかりさえすればレベルの高い日本人クリエイターには大いにチャンスがあるのです。

　野球に喩えるなら（わかりやすいかどうかわかりませんがww）まだ野茂の渡米以前です。ヒロイズムがLAで日本人作曲家の道を切り拓いてくれています。彼は野茂を超えて、イチローになってくれるかもしれません、そうすると松井秀喜も海外に目を向けるし、ダルビッシュも大谷も必ず出てきます。J-popは野球くらいの国際競争力があるなというのは肌感でいつも感じてきたことです。

　みなさん、これから日本の音楽家、特にソングライター・サウンドプロデューサーにご期待下さい！国際感覚のあるクリエイターが増えると日本人アーティストの作品にも貢献できます。これかラ日本の音楽家は海外で稼ぐ時代です。そして有望です。僕はこの動きが活発になるように引き続き頑張ります。

　こんな問題意識で情報発信は続けています。気になる人は、メルマガやpodcast、twitterをチェックして下さい。コロナ禍で在宅ワークになったので、オンラインイベントとかもやっていこうと思うので、peatixのフォローもどうぞ。

JASRAC改革も促すデジタルとグローバルに強い著作権信託会社NexTone。マザーズ上場後の期待。

2020-04-08T22:32:00.004+09:00

●ネクストーン阿南CEO「年3～4割売上高伸ばす」

　ネット上では、JASRACの悪口を言うのが大好きな人がたくさんいますよね。僕もJASRACの古い体質に言いたいことはたくさんあるのですが、批判する人たちのほとんどが、誤解もしくは無知からくる感情論で、それを否定していると、なんかJASRAC擁護派みたいになってしまって不本意な気分になります。70年の歴史を持ち、毎年1100億円以上の音楽著作権を徴収分配しているJASRACが日本の音楽業界に大きな貢献をしていることは間違いありません。ただ、歴史の古さ故に問題もたくさん抱えているのです。著作権の話でシンプルな基準があります。何か一家言ある風の人に「NexToneを知ってますか？」と訊いてみるのです。知らなければただの言いたがりなので、その人の著作権ビジネスに関する発言は相手にしなくて良いと思います。是非、みなさん試してみてください。

　2001年施行の著作権等管理事業法で、著作権の徴収分配がJASRAC以外に開放されました。雨後の筍のように第二JASRACができましたが、どこも立ち行かずに消えていきました。その中で残った、JRCとイーライセンスが合併してできたのがNexToneです。株式公開をして社会的な存在感もました育でしょう。コロナ禍もあって資本市場的には困難な中での船出になりましたが、日本の音楽業界が世界市場で活躍するために担う役割が大きい他に替わりのきかない存在です。日本の著作権に関して、もう一つわかりやすい基準があります。現在４％程度のNexToneのシェアが上がれば、音楽業界は良くなります。何故なら、デジタルサービスと、グローバル市場に視野をもった会社だからです。嘘だと思う人は、NexToneについて調べてみてください。僕は株持ってませんし、いわゆる利害関係者ではありませんが、非常に信頼しています。僕にサービスをはじめたばかりのSpotifyの存在を教えてくれたのは現COOの荒川さんです。音楽サービスの未来を感じて興奮して話し合ったのは10年以上前のことです。新しい潮流をチェックし、直接コミュニケーションをとっています。JASRACに一番足らないのは、徴収分配制度の透明性に対する感度ですが、NexToneは前身のJRCのときから「完璧な分配データが入手できなければ、そもそも徴収しない」というスタンスを保ってきています。法的な根拠を背景に「取れるところからで取って、できるかぎり公正に分配する」ことを正義としているJASRACとの最大の違いと言えるでしょう。
　JASRACを不正だと怒る、ファンキー末吉さんや沖野修也さんの批判も根っこはここにあります。友人でもあるので心情的には理解できますし、自分の曲を自分の店で流していて、著作権使用料だけ徴収されて、その楽曲の分配が無いとことに怒りと不信を持つのは当然です。これは大雑把に言うと、JASRACの分配データがアナログだから起きることなのです。おそらく、全体の分配の中で、その曲の分配比率が小さくて、分配データから漏れてしまっているのでしょう。JASRACはそういう事態の対応のために予備の分配枠は取っているでしょうから、きちんと手続きすればそこで対応され支払われるはずです。いずれにしても、何か不正が行われているということでは無いのです。JASRACは創業70年積み上げた信用で徴収分配を行っています、ただ、その信用にカビが生えてしまっていることに鈍感なのが罪なのです。100%透明な分配データを持たないと信頼されないという認識は無いのでしょう。最近、裁判でJASRACが勝った音楽教室での著作権利用についても同じことを感じます。
３年前に書いたBlogを紹介します。　
●誰がJASRACをカスと呼ばせるのか？

JASRACについては、あまりにも間違った言説が多いので、近いうちに、一度整理してnoteに書こうと思いますが、最大の問題点は「デジタル時代に透明性に対するシビアさに欠ける」ことです。僕はその原因は、選挙で選ばれる理事の1/3が作詞家、1/3が作曲家である（合わせて2/3、有識者の委嘱理事を含めても過半）というガバナンスが原因だと思っています。高齢で実績のある作詞作曲家の先生は人格的には素晴らしい方々なのでしょうが、デジタルサービスに対する知見をお持ちの方はほとんどいらっしゃいません。役人が大臣を向いて仕事をするように、事務局は理事会を意識しながら業務を行います。JASRACを一般ユーザーや他業種から信頼される存在にするためには、このガバナンスを変えるべきだし、そのためには監督官庁の文化庁の認識が重要なのですが、「カスラック」と言って批判している人たちにそういう指摘を聞いたことがありません。
　これからの日本にとって、音楽著作権の活用は重要です。NexToneをもり立てていきながら、JASRACにデジタル時代に適応した改革を促していく、そんな議論をしていけるとよいなとNexToneの上場に際して、改めて思いました。
　音楽サービスがグローバルになったことで、著作権ビジネスもグローバルな視点が必要です。今週末のMusicTechRadarでは山崎卓也弁護士から最新の状況を伺います。彼の帰国に合わせて組んだ日程が、結局ロンドンからのオンライン参加、どころかイベント自体もオンライン飲みになってしまいましたが、”濃密に”ZOOMで話しますので、興味のある方は是非ご参加ください。

●MusicTechRadar Vol.2 グローバル著作権ビジネスWARS

AWAの聴き放題ARTISTプラン270円が安すぎる件について

2019-04-16T17:10:00.000+09:00

久々の投稿ですが、今後はnoteに移行しようと思います。使い勝手や拡散性などがnoteの方が良いのかなと言うことで。今回は全文掲載しますが、この機会にnoteのブックマークをお願いします！
https://note.mu/yamabug

　AWAが新しいアーティスト単位で聴き放題になる「ARTISTプラン」を始めました。浜崎あゆみ、AAA、倖田來未といったエイベックスの主要なアーティストが参加していますし、非常に可能性のあるサービスだと思います。AWA自体もユーザー数では伸び悩んでいるようですが、良質のサービスです。プレイリストが作りやすく、アプリもサクサク動きます。おそらくはサイバーエージェントの開発ノウハウが注ぎ込まれてるのでしょう。プロダクトとしてのクオリティは高いと、リリース当初から注目していました。

　そう思いながら詳しく見てみたら、月額270円という安すぎる料金に驚き、落胆しました。何故、アーティストの価値の毀損に繋がりかねない安い値付けをするのでしょうか？

　●AWAが“1アーティスト聴き放題”の新プランを公開　浜崎あゆみ、AAA、倖田來未などでライブ優先予約や限定メッセージ配信なども

　https://realsound.jp/tech/2019/04/post-348383.html

　そもそも、日本でのストリーミングサービスの月額金額は安すぎます。Spotifyがサービスを開始する時に、世界一のシェアを持つレーベル、ユニバーサルミュージックと話し合って定めた基準は、iTunes StoreのeAlbum1枚分の金額を月額料金にするというルールだったと言われています。

　各国でこの基準で欧米では、9.9ドル/ポンドが月額料金になっています。この基準で言うと、日本では1500円前後の値頃が目安になります。実際、Spotifyは月額1480円にするつもりでサービスを準備していました。ところがレコード会社側が、高すぎるとの意見で、980円になっています。

　もちろん、日本はCDが高すぎるという見方はできると思います。アルバムが3000円に対して、アメリカでは9〜12ドルですから、2.5倍以上の金額になっています。せっかくの、そういう市場の価格をレコード会社側が自ら壊す理由はどこにあるのでしょうか？

　そもそもサブスクリプションビジネスにおいて、pricing(値付け）は最も難しく、かつ重要なマーケティングの要素です。権利者側に発言力があり、配信事業者が一方的に値付けできない音楽ビジネスのメリットを活かしてないことが残念でなりません。

　間違った判断をしてしまう理由について、僕は2つのことが透けて見えます。

　1,i-mode公式サービスの成功の呪縛

　スマホの前のガラケー時代は、NTTやKDDIなどの通信会社がその内容を担保してユーザーに提供する、公式サービスが全盛でした。ジョブスは、i-modeとソニーのウォークマンから今のアップルの音楽サービスを考案したと言われるほど、よくできた仕組みでした。類似サービスの乱発は認めず、ユーザーはTOP画面からディレクトリー型でサービスを選びます。着うたという音楽配信サービスが大きな市場となり、レコード会社が主導した「レコチョク」というサービスがシェアの7割以上を占めて高い収益率を誇りました。YouTubeのMusicVIdeoと着うたの組み合わせで、新しいタイプのヒット曲も生まれました。

　この時が月額料金は300円〜500円だったのは、キャリア会社の基準でした、i-modeはファンクラブなど他のサービスも行い、低い手数料（10%以下）で、債権回収までキャリアが受け持ってくれる権利者にとっては夢のような生態系でした。（老獪なジョブズは低い料率だけは真似せずに、アップル手数料は30%でコンテンツ事業者を苦しめているのはご存知の通りです）

　この経験が、「日本のユーザーの月額課金は300円程度が適切」という根拠のない確信を呼んでしまっている気がします。imodeはあくまでNTTの通信網の中に閉じられた仕組みです。インターネットに開かれたスマホサービスと料金の基準が同じではありません。適切な料金設定について、音楽業界側がもっと敏感かつ巧妙であるべきでしょう。

　2. レコード会社が音楽ファンを信じていない

　「音楽は無料ではない」と、違法ダウンロード撲滅を訴え、法律における罰則化まで音楽業界は求めて、実現しました。僕はこの法律自体は賛成です。議員の方にお会いする機会があれば、音楽業界人の一人として立法実現のお礼を言うようにしています。ただ、罰則を強化しても売上は増えません。業界のエネルギーの方向としては、立法化が一番の方法とは当時から思っていませんでした。

　僕が問題だと思うのは、デジタル化が進んでいる中で、レコード会社が音楽ファンを信じていないというメッセージがでてしまっていることです。思い出したくない「コピーコントロールCD」導入もありました。業界をあげてレコードから転換したCompactDiscの規格をはみ出してノイズデータをいれてコピーをガードしようという、しかも全然ガードは不完全、という悪夢のような出来事でした。

　音楽が人生の一部に、生活の中で無くてはないものになっている人を音楽業界は大切にしなければいけません。CDバブル（今となってはバブルと言うべきでしょう）の時代に、TVCMやドラマの主題歌で聴いた曲を、音楽ライトユーザーが購入して何百万枚とCDが売れました。その成功体験がレコード会社の呪縛になっているような気がします。まさにエイベックスはミリオンセールスの象徴でしたからやむを得ないとも思います。

　しかし、今こそ音楽業界は、i-mode公式とCDバブル、2つの成功体験の呪縛から解き放たれるべきです。

　アーティストがベースに居る音楽ビジネスでは、ユーザーとのエンゲージメントが最も重要です。このエンゲージメントの濃さを活かすして、企業とのコラボなどをSNSで展開していくのがこれからの音楽ビジネスの柱の1つです。音楽ファンを信じず、音楽の値付けを下げていくレコード会社は、アーティストにとってどんな存在意義があるのでしょうか？

　音楽業界の発展は音楽ファンと共にしかありえない、ということを改めて考えていただきたいです。そして若い起業家たちは、ここにビジネスチャンスがあると思ってほしいです。

オトナたちがつくった仕組みは、時代とずれてしまい、新しいサービスが待望されています。　昨年11月に設立したエンターテックをテーマにしたスタートアップスタジオVERSUSは、エンタメ分野で起業を志す人達と一緒に新しいサービスを作っていく場です。興味のある人は、ご連絡ください

VERSUS公式サイト

https://versus.tokyo/

独断的音楽ビジネス予測2019：やっと動き始めた日本デジタル音楽シーン。アジア市場で数値目標を！

2019-01-01T00:01:00.000+09:00

　新年あけましておめでとうございます。

　去年は投稿数５と過去最低だった本ブログ、メルマガ［週刊・無料：音楽プロデューサー山口哲一のエンターテックニュースキュレーション］は毎週頑張っているから、許してね(^^)と言いつつ（まだの人は読書登録をお願いします！）、2012年から始めた元旦ブログは今年も書こうと思う。

　独断的音楽ビジネス予測2018〜犬は吠えてもデジタルは進む、メゲずに吠えるぜ！

　から1年たった。2012年から毎年予測と検証をしているけれど、今年はその必要もないくらい「ずっと前から言ったとおりでしょ？」となっているはずだ。興味がある人は見てみて欲しい。

「デジタルコンテンツ白書2018」から

　ただ、実は、去年の春辺りから音楽業界の内部の「空気」はずいぶん変わったと感じた。一言で言うと、デジタルに対するネガティブなムードが無くなった。「変わっているんだよね」「もうそうなるよね」という風に誰もが思うようになった。「空気」っていう言い方もファジーで申し訳ないけれど、「ムラ」的な社会である「業界」では、集合意識的なものがあって、それによって、促進されたり、ブレーキが掛かったりする。日本的な特徴なのだろうけれど、去年までは、僕ら（敢えて言うなら「改革派」の人たち）が海外事例やロジックを尽くして、どんなに説明しても。「とは言っても日本はむにゃむにゃむにゃ」「いろいろなことが絡んで難しいよね。だってさ、、、、。」みたいな非論理的な抵抗を感じることが多かった。１年前のブログのサブタイトルに「メゲずに吠えるぜ」ってなっているのは、自分を鼓舞してたんだと思う。それが変わった。こういうのが空気なんだと思う。

　空気が変わるのにも理由はある。一つは日本のデジタル市場が一定の規模になってきたこと。2017年の数字は約940億円。そして2018年１月〜３月の下半期ではストリーミングがDL市場を抜いたとの情報もでた。パッケージは頑張って、CD と音楽 DVD を合わせで2,964億円前年比94%だけど、長期低落は免れないから、デジタルを重視しなきゃねということになったようだ。詳細は知らないけれど、2011年設立のTuneCoreJapan社長の野田君が「音楽関係者の僕らへの態度が明らかに変わって、逆に提案をいただけるようになりました」と言っていた。音楽配信サービスへのアグリゲーション機能をきぞんのかい者を使わずに、誰でもできるようにソリューションとして提供するTuneCoreは既存の音楽ビジネスの仕組みは、大まかに言えば"破壊者側"の仕組みだ。そこに対してポジティブになったというのは大きな変化だ。海外配信サービスに対しての利便性と情報源として有益なことがわかったのだろう。

世界のレコード産業売上推移(IFPIデータ）

　グローバルメジャーレーベル経由で海外市場の情報が届いてることも大きいと思う。欧米ではストリーミングサービスが牽引して音楽市場全体が上昇するというトレンドが完全に定着したし、まだしばらくは続くと見られている。ドラスティックに変化するアメリカ市場は3/4がストリーミングだし、日本に近いと言われて、パッケージ比率が高かったドイツでもデジタル市場が過半となった。ユニバーサルやワーナーというグローバルメジャーは、正確な情報とマーケティングプランを持っている。日本法人には、早くストリーミング市場を拡大しろとプレッシャーを掛けているはずだ。（彼らも数年前までは「日本をCD売れてて素晴らしいね」って言ってたらしいけどねwww）

2018年上四半期米市場(RIAA)

　ユニバーサルミュージックジャパンの藤倉社長が契約社員330人を正社員にしたというニュースには驚かされたけれど、おそらく彼は本社からの情報で、日本市場で自社のシェアを伸ばして、収益増を図る戦略に自信が持てたのだと思う。スマートスピーカーの普及など新しい市場もできていている。（勝手な推測だけれどおそらくは５年くらいの長期契約を結んで、正社員にしたスタッフを鼓舞して、腰を据えて収益増に取り組まれるのだと思う。注目だ。）

　なので、2020年が過ぎるまでは、変革ができないかなと思っていたデジタル音楽市場には、少なくとも「空気」は変わったので、やりやすくなっている。各事務所やITサービスは、レーベルの変化を活かして欲しい。もう邪魔されることはないと思う。TikTokなんて、普通なら権利侵害の権化になりそうなサービスだけれど、ユニバーサル、ワーナー、エイベックスはいち早く原盤も含めて包括許諾しているようだ。これまで原盤権クリアで二の足を踏んでいたITサービスはTikTokという前例をうまく活用しよう。（「中国の動画共有サービスに許諾出してるんだから、日本のスタートアップにももちろんお願いしますよ」みたいなロジックでね(^_-)）

　さて数年前から指摘している３つの課題

　●マーケティングに活用できるオープン型の楽曲及びアーティストデータベースの構築

　●グローバルプラットフォーマーとの向き合い

　●中国市場への本格的な取り組み　

　　については、正直、進捗は遅い。意識を変えることが難しいようだ。

　そこで一つ年頭に提言したい。一気に状況を変えていくために、経産省と業界団体が旗を振って、数値目標決めるのはどうだろう？

　例えば、2025年にアジアの音楽市場で日本の楽曲のシェアを20％にする。

　2025年だとアジアの音楽（レコード産業）市場は１兆円超が期待できる。北米以上の規模になるだろう。ここで２割を取れれば、単純計算で2000億円。日本のレコード市場が倍近くなるイメージだ。しかも今後も上昇が期待できるマーケットでこの数字は大きい。アジアの音楽市場は、ニアイコールでオンデマンド型ストリーミング市場で、売上以外にもライブや越境ECによるMD（アーティストグッズ）など様々な広がりが期待できる。ファンクラブというビジネスモデルは日本特有のようだけれど、アーティストファンのエンゲージメントを軸にやれるマネタイズ方法はこれから増えていくだろう。
　どの国もその国の言語でその国のアーティストが行ういわゆるドメスティック（内国）音楽が市場の５割〜６割を占め、残り４〜５割を洋楽とK-POPとその他アジアの国の音楽が争うことが予測される。その中でアジア市場であれば、J-POP（＋アニソン）が一位になっても全くおかしくない。現状は残念ながら２〜３％位だろう。完全に韓国の後塵を拝している。K-POPは若い世代に届くカッコイイポップスを高いクオリティでになった。サムソンや現代といった企業とも連携、政府も後押しする「オール韓国体制」でマーケティング施策も素晴らしい。ただ、多様性という意味ではまだ日本にかなりのアドバンテージが残っている。アジア人に共通する「郷愁感」みたいなのは日本人音楽家が得意とするところだし、幅広い音楽的な情報とレベルの高い消費者を長年持っている日本のポップスの奥行きは世界レベルで見ても洗練されて、深みがある。アニメという日本発のキラーコンテンツとも連携できる。これまでもアジアの各国で日本の曲がカバーされて広まっている事例はいくつもある。「昴」「恋人」などスタンダード化した楽曲も多い。ただ、これまでは偶然でラッキーなことが多かったように思う。現地のアーティストへのカバー施策を戦略的に仕掛けていくのも有効だろう。ストリーミング再生のデータを元に声を掛けることができるので効率的な時代だ。
　これらを上手に活かして戦えば、アジア市場で20%というのは十分可能な数字のはずだ。観光立国になっていく日本の産業振興の視点でも重要だ。インバウンド活性化にエンターテイメントが果たすべき役割を役割は大きい。リピーター増、滞在期間増には、エンタメが貢献できるはずだ。
　関係各位に検討をお願いしたい。

　さて、「テクノロジーとエンターテインメントの幸せな結びつきは新たなカルチャーを創る」というのは鈴木貴歩さんからの受け売りだけれど、AI、VR/AR、IoT、BlockChainと行ったテクノロジーの急速な進展ですべての産業や生活が再定義されるxtech（クロステック）の時代にエンターテイメント分野が果たすべき役割は大きいと思う。時代の気分を醸造し、技術の普及を牽引する役回りだ。そこにスタートアップへの期待が出てくる。

　最後に僕自身の話をしたい。４年間続けていたエンタメ系のスタートアップを支援するプロジェクト、START ME UP AWARDSは去年は行わなかった。理由は実行委員長の僕が単発のピッチイベントに限界を感じたからだ。始めた頃は、エンタメ✕起業というテーマを掲げているものなど何もなかったから存在だけで意義があったけれど、エンタメ関連のピッチコンテストやアクセラレータープログラムが増えてきた中で、もっと踏み込んでスタートアップ育成に関わりたいと思った。

　そんな時にちょうど１年くらい前に世界で「スタートアップスタジオ」という仕組みが世界的に広がっていることを知った。スタジオという由来はハリウッドで、ハリウッドのスタジオがたくさんの映画を作るように、スタートアップを同時多発的に育てていくというコンセプトに惹かれた。コミュニティ形成という僕が近年取り組んでいる方法論と親和性も感じた。

　去年１年掛けて動く中で、エンターテインメント✕スタートアップにフォーカスして、0〜１のところをハンズオンで育成するスタートアップスタジオをやらせてもらえることになった。会社名は株式会社VERSUS（Visionary, Evangelistic, Revolutionary Start-Up Studio）で11月に設立済みだ。エンターテインメントは広く捉えて、食も美容もファッションも対象にする。詳細は１月中には発表するのでそれを楽しみに待って欲しい。エンタメ関連で起業を考えている人は、発表を待たずに連絡ください。

　レコード産業を始めとして、既存の仕組みが有効性を失っているエンタメ分野の業界は多い。仕組み自体を作り直すのは既存のプレイヤーだけででは難しい。スタートアップに好き勝手に頑張ってもらって、既存の仕組みのパーツで有効なものはモジュール的にハメていく。そのバランスを取るのが僕の役目だと思っている。

　その時に、忘れてはいけないのは、日本はすでにアジアでのIT後進国になっているという現実だ。一例を言えば「銀行ATMが充実して偽札の心配がないから日本は電子マネーの普及が遅れる」いわゆる「イノベーションのジレンマ」だ。日本はこれまで便利だったことの代償に次のステップへの変化が遅れてしまっている。アメリカだけでなく、中国も先を走っている。おそらく次のイノベーションについてはもう追いつかないだろう。ただ、イノベーションのジレンマはサイクルでやってくる。中国でスマホ決済が広っているので、ユーザー利便性が理想的ではないとQRコードに留まるかもしれない。諦めて何もしないという訳ではないけれど、次の勝負での負けはもう決まっているので、次の次のイノベーションを日本発で起こしていく、概念的にはそんなことだろうと思っている。今からSpotifyには追いつけない（もちろんスタートアップ的にはSpotify生態系を活かしたヤドカリ的な周辺ビジネスにもチャンスはあると思うけれど）から音楽消費のプラットフォームを作るなら、その次の音楽体験は何なのかを考えることだろう。

　デジタルが主役になって時代の変化は驚くほど早い。１年後にどんな独断的予測を書くことになるか楽しみにしながら、2019年を頑張ろうと思う。

　今年もよろしくおねがいしますっ！

●独断的音楽ビジネス予測〜2012年は目覚ましい変化なし。大変革への準備の年〜
●独断的音楽ビジネス予測2013 〜音楽とITの不幸な歴史が終わり、構造変化が始まる年に〜
●独断的音楽ビジネス予測2014〜今年こそ、音楽とITの蜜月が始まる〜
●独断的音楽ビジネス予測2015〜シフトチェンジへ待ったなし〜
●独断的音楽ビジネス予測2016〜周回遅れをショートカットして世界のトップに〜
●独断的音楽ビジネス予測2017〜もう流れは決まった。大変革の2021年に備えよう〜
●独断的音楽ビジネス予測2018〜犬は吠えてもデジタルは進む、メゲずに吠えるぜ！

３大メジャーレーベルとMerlinとTuneCoreと〜グローバル視点で音楽ビジネスを俯瞰すると〜

2018-08-22T09:02:00.002+09:00

　久しぶりの更新になってしまった。このブログはエンターテック領域を中心に自分が私的に関心をもったトピックを、個人的に書くことにしているので、気楽に書けるはずなのだけれど、責任や締切が無いとなかなか手が付かないものだなと思う。

　今日書くことは、半年くらい前から思っていることなので、このタイミングで一旦まとめておきたい。　

　これからのアーティスト、マネージメント、レーベルマネージャーの活動領域、パートナーの組み方に関するビジョンの持ち方にかんする一般論だ。

　まず、前提として確認したいことは、音楽ビジネスはグローバル化が進んでいくこと。もちろん言語や文化やメディア（放送局は各国の政府が仕切るからドメスティックになる）などの壁がなくなっているわけではないけれど、以前に比べれば障壁は低く、薄くなっている。SpotifyやYoutubeで世界中の人に自分の音楽をアピールすることができるようになっているのは誰もが実感していることだと思う。一方で人口が減り始めた日本で市場拡大は難しい。世界市場に活路を見出そうとするのは音楽に限らず、当然の発想だ。

　そんな時代にこれから音楽ビジネスをする際は、俯瞰してみると以下のような構造なのだと知ってほしい。

　グローバル市場で一番超えやすいのは音（と映像だ）。まず音源（原盤ビジネス）について考えたい。

　原盤ビジネスについては、以下の３つのレイヤーがあるころを知り、それをアーティストの状況によって時期ごとに乗り換えていくようなイメージを持つのが良いと思う。

１）３大メジャーのレイヤー

　グローバル視点で見た時の、メジャーレーベルは３社だ。ユニバーサル。ワーナー、ソニーミュージックの三社。以前は、BMGとEMIがあったけれど、合併して３社になった。いうまでもなく彼らは巨大な資本と資金と情報を持っている。契約する機会があれば、活動範囲は広がり、ファンベースを大きく拡大するチャンスになるだろう。ただ、彼らは可能性に投資して、育成したりはしないから、一定のレベルまでは下記の２および３のレイヤーで成果を出す必要がある。

２）ドメスティックレーベルからマーリン活用

日本ではまだ「メジャーデビュー」という言葉が使われている（僕もいまだに使うことがありますwwwすいません）が、エイベックスやビクターやトイズファクトリーからのリリースは、グローバル基準でいうとメジャーデビューではなく、これらの会社はインディーズレーベルだ。ドメスティックメジャーという言い方が適切かもしれないけど、グローバルメジャーとは全く違う。アーティストを売り出す時に、価値観が共有できるA＆Rスタッフと一緒に組み立てることの重要性は昔も今も変わらない。レコード会社との契約には意味があるだろう。

　ただ、海外への視点を忘れてはいけない。日本のドメスティックメジャーは海外市場に進出する意欲もノウハウも持っていない。その時に知っておきたいのがマーリンの存在だ。

　マーリンはヨーロッパを中心に世界中のインディーズレーベルの配信事業者との交渉を代行する組織で、既に大きな成果を上げている。GoogleやApple、Spotifyといった配信事業者は、3大メジャーの寡占が進むと、レーベル側の発言力が強くなるので、そこへの対抗策の意味もあって、インディーズレーベルに対して融和的な方針を持つことが多い。マーリーンはそこも上手く利用して、卓越した交渉力で、メジャー以上の好条件を引き出すケースもあるようだ。手数料も驚くほど安い（３％程度）。日本のドメスティックメジャーも、徐々にマーリンを活用する流れが出てきている。数年以内に、ほとんどの会社が契約関係を持つだろう。マーリーンは交渉代行を行うだけだけれど、デジタルマーケティングの会社と属人的に近かったり、情報共有をするなどの活動も行っているので、アーティストやマネージメントに有益だろう。

　個人会社の規模でも頑張ればマーリーンと契約することはできるかもしれない。でも日本のドメスティックレーベルと契約して、海外は直接とやるのはあまりおすすめできない。マーリーンと契約させて、海外収益もシェアするやり方の方がフェアで、ストレスが無いだろう。おそらくは少ないリソースで戦っているみんなには、リソースの集中は大切だ。

３）TuneCore活用でDIY的に配信する

　自分でやりたいなら、TuneCoreJapanを使えばいい。日本でもかなり認知度が上がってきた、ソリューション提供型のアグリゲーション会社だ。要するにアーティストやマネージャーが自分でアップロードすると、世界中のほとんど全部の配信会社で配信することができるということ。使用料は1年間1曲約1000円、売上は全額バックというのが売りだ。自分たちがやった分が、全部もどってくる。ほぼリアルタイムに売上情報もわかるので、この国のこのサービスで再生回数が上がったから、そこを補強しつつライブに行くことを考えるみたいなことが機敏にできる。フットワーク軽く自分たちでコントロールしてやりたいならベストの方法だけれど、その分、広がりに欠けるキライはある。他人の力を使わないことの是非はあるだろう。

これからのアーティスト、マネージメント、自分でレーベルやりたい人などは、この3レイヤーを使い分けるというイメージが大切だ。１つのレイヤーに固執する必要はない。もちろん、原盤契約を同時に複数の会社と結ぶことはできない。しかし、期間や作品単位で切り替えることは可能だ。現実的には。数年単位でこのレイヤー使い分けていくイメージを持つと発想が広がるだろう。

　「やっぱユニバーサルとやるとノウハウとか資金力あるから活動範囲は広がりますね。でも利益率考えて、来年のアルバムではTuneCore使ってやってみようと思ってます。」みたいな話ができるマネージャーが増えて欲しい。

　この発想は、コンサートツアーについても同様なことが言える。コンサートプロモーターの場合は、地域で契約を分けることができる。日本は自分たちでプランニングして日本のプロモーターと一緒にやり、海外は現地のプロモーターと契約するのがよいだろう。

　日本アーティストを呼んでくれるフェスティバルは世界中にたくさんあるのでSpotifyやYouTubeでの再生状況を見て、反応の良い国にコンタクトして、フェス型イベントに出ることから始めるのが現実的だ。

　アジアについては、MCIPやZEPPがライブハウスネットワークを作り始めている。PAや控室などで、日本型のステージクオリティが担保されるので安心だ。

　音源におけるユニバーサルやワーナーに当たるのは、LIVE NATIONやAIGなどの超大規模プロモーターだろう。彼らはアジアでもネットワークを作って、グローバルにコンサート市場での勝者になろうとしている。相当の知名度、動員力になるのが前提になるけれど、ワールドツアーをする日本人アーティストが増えてほしい。

　そんな思いで地道な活動を続けていたSYNC MUSIC JAPANががCip協議会の中でステップアップしたようで嬉しい。海外活動に関する情報、ノウハウが集約されているところなので、みんな活用して欲しい。

　アーテイストの音楽活動をプランニングする時に、必要なのは目標であり、ビジョンだ。これまでは「Mステに出て、オリコン1位になって、紅白に出たいです。サマソニやフジロックも常連になりたいです」だったと思うし、それがダメなわけじゃないけれど、「SpotifyのBUZZチャートでグローバル１位になって、クランストンベリーに出演して、マジソン・スクエア・ガーデンでメインアクトになる」という目標で活動を始めるアーティストが日本にももっともっと増えて欲しい。

　 2年前に僕が書いた入魂の一作『新時代ミュージックビジネス最終講義』は、”残念ながら"いまだ有効だ。日本の音楽ビジネス、音楽界の歩みが遅いのが古くならない理由なので、素直に喜べないことだけれど、このブログを読んで興味を持ったら、まだの人は読んでみてください。

　そんな問題意識で2014年から続けてきたニューミドルマンラボは、今年からコミュニティにすると宣言して、活性化してきていると思う。今週から始まる養成講座夏期は、まさにアジア市場をテーマに、今のリアルを知っているゲスト講師をお願いした。僕自身が勉強になるはずで楽しみだ。毎月MeetUpイベントもやっているので、興味のある人は覗きにきて欲しいな。

　2018年8月現在の記録して、グローバル音楽市場の3レイヤーについてまとめていました。異論反論、質問など歓迎です！

●ニューミドルマンMeetUpの情報がわかる peatixグループ

●独立系レーベルの楽曲をメジャーと同等の条件で世界に配信デジタル・ライツ・エージェンシー「マーリン」インタビュー（Musicman-Net）

「コライトやろうぜ！」と呼びかける理由〜クリエイターが主役の時代に〜タワークリエイティブアカデミーへの期待

2018-05-31T14:14:00.001+09:00

「音楽業界の感覚を持ち込んだ超実践的なプロ作曲家育成」というテーマで山口ゼミを始めたのは、2013年1月だからもう５年半になる。今は第21期生で受講生はのべで378人だ。女性比率は3割強、年齢も職業も住んでいるところも本当に多種多様な人たちが集まり、それが強いコミュニティになっているのに驚いている。受講生が仲良くなるのは、副塾長伊藤涼の厳しい指導に耐える「仲間意識」とともに、コーライティングを提唱し、上級コース「山口ゼミexntended」でコーライティングで良い作品を創るためのマインドセットと方法を伝えているのも理由なのだろう。

　山口ゼミを始めて僕が一番感じだのは、「音楽を作ることが孤独な作業になってしまっ

ている」ことだ。デジタル化が進んで、機材が安く小さくなり、パーソナルな表現ができるようになったのは、基本的には良いことだけれど、弊害もあるのだと知った。
　コーライティングの大きなメリットの一つが、創作現場でコミュニケーションが復活することだ。創作は孤独に耐えて行うという考え方もあるけれど、同時に「楽しくつくる」というのも音楽の基本だ。複数の人が集まって、そのチームならではの「化学反応」を期待しながら創作していくというのは、とても本質的な音楽の創り方だと思う。

　コーライティングのスキルを武器とする山口ゼミ卒業生によるクリエイター集団CoWritingFarmは110人を超え、作品力も非常に向上している。ノウハウが集合知的に高まっていくのがコミュニティパワーなのだろう。コミュニティが自走し始めている実感がある。２年位前から、コンペを待つだけではなく、自分たちからアーティストに作品を持ち込む「提案型」の制作活動を始めている。安室奈美恵✕ワンピースOp曲「Hope」は、その提案型による成果だ。

　様々な分野のクリエイターが良い環境で創造するというテーマで４年目となった「クリエイターズキャンプ真鶴2018 」では、ソニーミュージックが行っているSonic Academy Salonと全面的に連携して、コーライティングのワークショップと、アーティストと作家によるコーライティングキャンプを行った。新人ないしデビュー準備中の新人アーティストとプロ作曲家２名が組んで３人１組で約28時間で1曲を0からつくる。アーティストにはライブ形式での披露を依頼したので、プレッシャーは大きかったと思う。結果は素晴らしかった。８人のアーティストの新曲は、明確な個性と高いクオリティがあった。これから世の中に出ていくことだろう。
　アメリカではアーティストが参加するコーライティングが音楽制作の主流になっているというけれど、日本にも「アーティストインコーライト」の波は確実に来るなと確信した。

　一般的な視点で見ると、山口ゼミとソニアカはコンペティターに見えるかもしれないけれど、僕はそんな風に捉えたことはない。日本の音楽シーンを活性化して、クオリティを上げていくという目的は同じだと思うので、お互いの良さを生かして連携していきたい。ソニアカの言い出しっぺの灰野（一平）君とは、一緒にバンドもやったことがあるwww、古い知己で、音楽に真摯に向き合う素晴らしいミュージックマンだ。相互の会員の

CC真鶴2018の参加音楽家の記念撮影

割引などもやっている。今回のCC真鶴は初の共同企画だったけれど、成功だったと思う。

　日本の音楽業界は、洗練された仕組みや美風と言える慣習など素晴らしいところもたくさんあるのだけれど、デジタル化による時代の変化に遅れているという致命的な弱点がある。
　パッケージ（CD）とマスメディア（テレビ・ラジオ）での時代から、スマホでストリーミングで音楽を聴く時代に、そしてスマートスピーカーの普及と急速に変わっていることに既存の音楽業界は対応できていない。ユーザー体験としてのIT活用が、アジアの中でも際立って遅れた国になってしまっていることに強い危機感がある。ただ、本稿で語りたいのは、クリエイションにおけるデジタル化の話だ。

　テクノロジーの変化は表現にも大きな影響を与えるはず。PCとDAWで手軽にパーソナルに音楽をつくれる時代だからこそ、音楽家同士がコミュニケーションをとって共作することの重要性は増している。音楽家と映像制作会社のマッチングコマースAudioStockの売上急増で注目されているクレオフーガとは、オンラインでのコーライティングが円滑にいくツールとしてCoWritingStudioを共同開発している。今年中には、グローバルな作曲家SNSとしてバージョンアップする予定なので、期待してほしい。CWSで音楽家同士が出逢っていく場をつくれると思う。

　さて、前置きがめちゃめちゃ長くなったけれど、そんな問題意識と僕らがやってきたことの延長線上で、タワークリエイティブアカデミーへの期待がある。「未来型クリエイター育成」をテーマにタワーレコードが始めた新規事業だ。アドバイザーとして新規事業全体にも関わったけれど、「タワアカ」では講座のオーガナイザーをやらせてもらっている。
　タワーレコードは、CD店として日本で一番のブランドだ。元々はアメリカの会社で、会社が倒れてニューヨークの二店が無くなったときにはショックだったけれど、日本ではNTTドコモの子会社となって、音楽ファンのリアルな接点になっている。

　これまでのコーライティングは、プロの作曲家という目線でやってきたけれど、今回は、タワレコらしく、インディーズを中心としたアーティスト、シンガーソングライター、DJトラックメイカー、バンドマン、DTMerといった人たちを対象に、自分たちの表現の幅を広げ、作品力を高めるために、コーライティングの手法を活用するというテーマにしたいと思っている。同時に、定期的に継続していきながら音楽家同士が出逢っていく場としても育てていきたい。
　タワーレコードは、自社のインディーズレーベルや発信力のあるショップバイヤーのチカラで数多くのアーティストを世に送り出してきた。参加者にとってもコーライティングの優秀作を世に広める時に、タワレコがいることは心強いだろう。同時に始めるTouchDesingerの講座では映像やビジュアルの若いクリエイターが集まるだろうから、ジャンルを超えたクリエイターコラボもやっていきたいとタワレコの人たちと相談している。

　日本のNO.1レーベルであるソニーミュージック。NO,1リテールであるタワーレコード。トップ企業が変わるインパクトは大きい。日本の音楽家のクリエイティブがもっともっと活かされ、チャンスの場が増えていくように活動していきたいと思う。
　コーライティングが初めての人は、『最先端の作曲法・コーライティングの教科書』（リットーミュージック刊）が参考になるだろう。

　今回のアーティストを対象にしたタワアカのコーライティングワークショップに向けて伊藤涼が寄せてくれたコメントが素晴らしいので、ちょっと長いけれど、最後に引用する。コーライティングがだいぶ広まって、テレビなどでも紹介されることがでてきたけれど、何故、そういう時に伊藤涼を呼ばないのか不思議だ。日本のコーライティグブームのきっかけを作った男だし、実績も経験も図抜けている。コーライトしかしないソングライターであり、ディレクターでもある。このまま日本の「マックス・マーティン」になってほしいなと個人的には思っている。

　今の日本の音楽シーンにおけるコーライティングの意義は強調してもしすぎることは無い。立場、テーマ、目指すことは、それぞれ違うと思うけれど、自分の音楽活動を充実させるために、このムーブメントを活用して欲しい。もちろんプロのソングライター、編曲家を目指す人は「山口ゼミ」で待ってます。

＜伊藤涼からのメッセージ＞
　作曲家たちが共作するコーライティングはすでに日本でもブームとなっていますが、アメリカのビルボードのトップチャートを賑わすポップミュージックも当然のようにコーライティングによるものが多いです。皆さんもご存じのジャスティン・ビーバー、ケイティ・ペリー、アリアナ・グランデなどの楽曲のほとんどがコーライティングによるものです。そして、そのコーライティングの流れから生まれてきたスターが、ブルーノ・マーズ、メーガン・トレイラーのようにソングライターとして楽曲を提供しながら、自らもアーティストとして大成功を収めた人たち。彼らはコーライティングという環境を上手く使って、自分の作品をアーティストに提供しながら、自身のアーティスト・シンガーソングライターとしてのプロモーションにも成功したと言えます。そして、いまL.Aに行くと世界中からそのチャンスを掴もうとソングライター・トラックメイカー・DJ・プロデューサーが集まってきています。その中でも特に目立つがシンガーソングライターです。彼らはトップライナー、作詞家、デモシンガーとして、その才能をコーライティングに生かし、虎視眈々とアーティストとしての成功を狙っています。もちろん、そこで培った人脈を生かして、フーチャリングシンガーなどで大成功したシンガーたちも多い。もちろんDJやプロデューサーにとっても、才能あるシンガーと出会うことが成功の鍵なのです。今や、音楽は人とのつながりで生まれ、そして広がっていっています。
　では日本のシンガーたちはどうでしょうか？見渡してみても、まだまだ世界の波になっているとは言えません。なぜなら、どうにかひとりで成し遂げようとしているからではないでしょうか？自分で作って、自分でパフォーマンスして、レコード会社が見つけてくれるのを待っている。自分ですべての作業をすること、レコード会社からのデビューがきっかけになること、もちろん悪いことではありません。ただ、今求められるものは2年も３年も育成期間の要するアーティストではありません。既にクオリティが高い楽曲とそのデモ音源をもち、完成されたアーティスト像をもってライブをできていることです。アメリカのクリエイターたちが実践していることからわかるように、それらを作るために必要なのがコーライティングなのです。制作環境、ハイクオリティな音源、ケミストリー、出逢い、客観的な視点、コネクション。そしてコーライティングこそ、それぞれのクリエイティビティを成長させる最高の方法だと、今までの経験から言えます。

　自分の夢のために、ぜひコーライティングを活用する。その一歩を踏み出してください。お待ちしています！

◆タワークリエイティブアカデミー公式サイト

◆タワアカ・コーライティングワークショップ申込みページ

◆プロ作曲家育成「山口ゼミ」

＜関連記事＞
◆クリエイターズキャンプ真鶴2018開催記念座談会「作曲家の今とこれから」
◆クリエイターズキャプ真鶴公式サイト
◆作曲家育成セミナー「山口ゼミ」を続けている理由

そろそろ2020年代の音楽の姿をCarve outしなくちゃね〜MUSIC HACK DAY TOKYO2018で感じたこと

2018-02-07T00:10:00.003+09:00

　日本では3年ぶりとなったMUSIC HACK DAY TOKYO2018をオーガナイズした。音楽好きのエンジニア、デザイナー、そしてテクノロジーに敏感な音楽家などから定員を大きく超える応募があって、申し訳なかったけれど、抽選で絞らざるを得なかった。

MHDTokyo2018発表会の様子

　２月２日金曜日の前夜祭は、海外事情に精通した鈴木貴歩さんにエンターテックの最新状況をセミナーしてもらった後、DJ付きでの懇親会。

　３日朝からはレコチョクと朝日新聞メディアラボの２会場を使って、音楽のリデザインをテーマにして20組の作品がつくられた。４日の16時からの発表会は３時間を超えるものになった、その後はみんなで懇親会。

　今回のMHDTのテーマは「音楽・エンタメのリデザイン」。熱量が高い場で、僕自身が大きな刺激となった。

　メインパートナーのレコチョクは、レコチョクラボを作って、新規サービスのトライアルをされている。VRやクラウドファンディングなど信金サービスに意欲的な取り組み。僕は不勉強で知らなかったけれど50人ほどの社員プログラマーがいるそうだ。ハッカソンにも参加してくれていて面白いプロダクトを作っていた。

　レコチョクは、元はガラケー向けサービス「着うた」のために大手レコード会社が共同で作った会社で、現在の筆頭株主はNTTドコモ。日本の音楽業界デジタル分野の正統派本流だ。　
　着うた全盛の頃は日本の市場シェアの約15%をレコチョクが持っていた。今はdヒッツの売上がメインになってしまっているようだけれど、今回MHDのメインパートナーになっていただいて、若いやる気にあるエンジニア社員がたくさんいることを肌で感じて、心強く思った。音楽業界にとって大きな財産だと思う。今度も連携していきたい。

チームビルドのためのアイデア出し風景

　テクニカルパートナーの各社も意欲的で嬉しかった。富士通はMuFoというサービスのソースコードを期間限定で公開してくれた。音楽分析系の面白い技術をたくさん持っている産総研(産業技術総合研究所)は、スタッフがハッキングタイムにしっかり張り付いてフォローしてくれた。NTTドコモのAPIも魅力的だった。音楽系だとSpotifyやGoogleなどのAPIがITの人には一般的だけれど、国産で協業の可能性があるドコモのAPI活用はとても有益だと思う。今後も使っていきたい。他にも協力してくださったパートナーの皆さんには深く感謝したい。

　SNSのインフラ化＆影響力増、センサー開発技術の低廉化、人工知能のディープラーニングの進展など、テクノロジーが加速度的に進化していく時代の中で、エンターテインメントが目指すべき方向は明確だ。海外に対して周回遅れ、それも２周位遅れて、最近は中国IT企業にも送れを取っている日本の音楽業界は本格的な再構築が死活的に必要だ。

　再編が起きるX年は2021年と判断しているけれど、そろそろ具体的な像を造形しようと思う。エンターテック・エベンジェリストと名乗る僕としては、クエリエーション（創造）、マネタイズ（ビジネス）、コミュニケーション（プロモーション）の３つの面で、新たなあり方、仕組みをCarve Outする使命感を持って取り組んでいきたい。０から創ると言うよりは、彫刻家が石や材木の中に潜んでいる形を掘り起こす作業に近いような気がしていて、Carve outって言葉がしっくりくる。

参加者全員で記念撮影。笑顔が印象的だ

　今回、MHD Tokyo 2018をオーガナイズしたのは、できたてホヤホヤの会社EnterTech Lab Inc.だ。僕が言い出しっぺで、Co-Founderとして関わっている。残りの2人の創業メンバーの本業はプログラマー。僕が2014年に始めたミュージシャンズハッカソンに当時、福井在住なのに、参加してくれて以来の付き合いだ。　　Mashup Awardsを率いてきた伴野智樹さんや、TECHS、ミュージシャンズハッカソンを一緒にやってきた浅田祐介さんと一緒に、今回セミナーで登壇した鈴木貴歩さん、審査員をお願いしたクリプトン伊藤さん、斉藤迅さん、ジェイコウガミさん、アソビシステム中川さんといった面々とも連携していきたい。

　EnterTech Labは、音楽に限らず、日本のエンターテインメントの未来を切り開く、クリエイターやプロデューサーや起業家のレバレッジをする役割を果たしていきたい。初仕事だったMHDTは素晴らしいネットワークとプロトタイプができて、上々のスタートだったと思う。

　人材育成という意味では、未来のエンタメに携わる「ニューミドルマン」を生み出すことにも注力したい。

　ニューミドルマンラボはオンライン＋MeetUpのコミュニティーをベースによりネットワーク力を強めたいと思っている。 2014年10月のプレ講座から受講経験者は100人を超えている。時代の音楽ビジネスを志向するという共通認識は持てているはずだから、それぞれのフィールドで蓄えているであろう力を結集することができれば、日本の音楽ビジネスを良い方向に持っていけるかもしれない。

　１月からオンラコインコミュニティを始めている。３月まで無料でテスト運用しているので、是非、参加してみてください。外には出せない情報の共有や、メルマガでPick Upしたニュースを踏み込んだ解説や議論も展開していくつもりだ。

●EnterTech Hub（Music Hack Day Tokyo 2018の作品一覧）

●ニューミドルマンコミュニティ

●メルマガ［週刊・無料：音楽プロデューサー山口哲一のエンターテックニュースキュレーション］

-->

Z世代に捧げる！2021年以降の日本人サバイバル術〜デジタル音痴なオトナに騙されないで！

2018-01-03T18:08:00.001+09:00

　作秋は自分が主宰するセミナー以外に依頼された講座が７つあった。テーマは音楽ビジネスに関するものだったので、自分の中の引き出し、これまで用意した資料のアレンジで対応するつもりだった。著書の出版以来、「講演の依頼は原則的に全部引き受ける」と決めている今の僕は、スケジュールが大丈夫なら、詳細は考えずにお受けしている。２週間位前から、資料作りをはじめるのだけれど、一つだけ困った講座があった。順天高校のGlobal Weekだ。

これまでの僕は、既存の音楽ビジネスで頭が固くなった人をほぐすような話をする場面が多かった。大学生に対しても音楽業界の現状から話を始める。

　ところが、高校生となると2000年代生まれ、アメリカ社会学者的に言うとGeneration Zだ。2013年に『世界を変える80年代生まれの起業家』というインタビュー集を刊行している僕は80年代、90年代生まれののY世代とは起業家、音楽家を中心に、日常的にコミュニケーションがあるけれど、Z世代は未体験ゾーンだ。一般的な高校生に今の日本音楽ビジネスについて語って何か意味があるのだろうか？
　クラウド化してパッケージではなく、スマホでストリーミングで聴くって話をしても「はい。知ってます」で、何の驚きも発見も無いだろう。
　デジタル環境の変化とコンテンツ消費の方法については、ジェネレーションギャップが大きい。60代と10代では常識が全く違うのが今の時代だ。
　2000年代生まれの高校生に対して僕が語るべきことってあるのだろうか？真剣に考えたら見つかった。「オトナに騙されるな。奴らはデジタルがわかってないから、たいていの場合、判断を間違っている」ということを伝えようと思った。大きなテーマで、消化不良だったかもしれない。改めて年始にこのテーマをブログにまとめておきたい。
　題して、「2021年以降のZ世代日本人のサバイバル術」だ

　その前に、今日のテーマとも関連がある、前回の「独断的音楽ビジネス予測2018」に書き落とした中国、アジア市場の話をしたい。2015年12月中国政府の国家計画の発表以来、それまで違法サイト天国だった中国に音楽市場が「出現」したことは前回書いた。中国の「IT財閥」テンセントが運営するQQmusicはSpotifyと同種のフリーミアムモデル、オンデマンド型のストリーミングサービスだが、月間アクティブユーザ数は約1億8,500万人。月額10元(170円)の有料会員2,500万人超したと言われている。寸年で日本市場を規模で凌ぐだろう。

さて、有料音楽ストリーミングサービスが中国で広まっていることで、起きていることがもう一つある。御存知の通り、中国はスマートフォンの普及率が高く、決済などもすべてスマホで完結する仕組みができあがっている。中国の音楽ファンは、QQmusicで聴いた楽曲がきっかけでアーティストが好きになると、そのアーティストの詳細を知り、コンサートに行きたいと思えば、電子チケットを買い、コンサート会場に行き、SNSで感想を述べつつ、感動した勢いでアーティストグッズを買う。これが全部、自分のスマホ内で完結する。おそらく多くの中国人にとっては、自然な行動だろう。

　でも、もし日本人のアーティストが好きになったらどうだろうか？コンサート情報が日本語以外で得られることはめったにない。スマホ決済もできないので、コンサートチケットが買えない。コンビニ受け取りって言われても。それでも数々の障壁を超えて、コンサートを観た後に思うだろう「日本ってなんてITの遅れた国なんだろう」。音楽を聴いたり、アーティストの情報を得るのに障害が多過ぎる。正月に、ウエブ上にジャニーズ事務所のタレントの写真がアップされたことを驚きとともに伝えるニュースがあったけれど、いくらなんでも時代にズレすぎだ。

　一方で、日本人の普通の感覚として、ITサービスで、中国やASEAN諸国に大きく遅れを取っているという認識はないのではないか？少なくとも音楽ビジネスにおいては、日本はアジアで最も遅れた国になってしまっているかもしれない。僕は音楽業界人の端くれとして、そのことが心の底から恥ずかしいし、悔しい。これは、「このままだとそうなってしまうから警笛を鳴らす！」という近未来の話ではない。まだ顕在化されてないだけで、2018年１月現在「既にそうなってしまっている」事態だ。
　僕が主張しているように、インバウンドの分野でコンサートが貢献できるとしたら、この問題をクリアにしなければならない。ユーザー向けのITサービスの後進国日本、そんな時代に僕らは生きている。

そして、ついでにいうと、日本は中国市場を無視してビジネスすることがあり得ない時代だというのも常識と言ってよいだろう。
　ネット言論に多い、無知と偏見に満ちた「嫌韓論」は、反吐が出るほど大嫌いだけれど、クールに考えれば、韓国とは付きあわないという選択肢はあり得ると思う。市場も小さいし、経済的な補完関係もあまり大きくない。文化的、政治的に摩擦があるなら、避けて通ってもそれほど大きな損失があるとは思わない。でも、中国は違う。
　世界最大の消費市場が、すぐ近くに存在していて、その国とは文化的な共通項も多く、日本のポップカルチャーに魅力を感じる若い世代もたくさんいる。日本が培ってきた、西洋型のルールやカルチャーを東洋流に昇華している、いわゆる「和魂洋才」なやり方は、アジア各国に参考になるはずだ。著作権ルールや新しいポップスの創り方など、日本流がリファレンスとしてアジアで貢献できることは多い。中国と連携できたらメリットは計り知れない。
　
　さて、今日のテーマはZ世代の日本人サバイバル術だ。僕が2000年代生まれの彼らと向き合って伝えたかったことは、以下の通りだ。当日の投影資料を並べてみよう。

　テーマ１「オトナ達はわかってないことを知る」

　・情報のデジタル化、インターネットの発展、IoT、人工知能(AI)など、近年に起きている社会、産業の変化は、本質的かつ不可逆的な人類史上でも稀にみる大きなものである。
　・ところが、（特に日本の）大人達は、気づいてなかったり、認めたくなかったりする。
　・企業もメディアも（学校も）そんな大人達が制御しているので（特に年功序列型の日本においては）これまで起きてきた過去が未来も続くという前提の言説が広まっている

自分達の当たり前が、大人には驚異的変化だと知っておこう。

　彼らの親や教師や働き始めた時の上司で、デジタル化に対して適切な言説を持っている人は日本では少数派だろう。素直な子だと、オトナの多数派の意見を正しいと思ってしまうかもしれないと心配になった。

テーマ２：未来は予測できないが、予見はできる

・半導体やコンピューター、センサリング、人工知能などの発展は、20年位先までは、どんな方向に世の中が進むことは予見できる時代になっている
・世界各国の人口構成や産業規模も20年位先までは、予見可能だ。自分の頭で考えて、きちんと未来を見通そう

未来を予見して、行動を決めることが重要な時代になっている

　これは僕の持論で、今は未来予見が可能な時代だ。20年はちょっと言いすぎかもしれない。10年位の世の中の流れは自明なことが多い。

実例：エンタメ産業視点で今起きている３つの変化

　•クラウド化　⇒「所有」から「利用」にユーザー行動が変化
　•モノのオンライン化(IoT）⇒　リアルとネットが繋がり、一体化
　•ソーシャルメディアの発展　⇒　すべてのユーザー行動が可視化

　この３つの変化によって、
あらゆるエンタメ・コンテンツ産業が、自らの役割や社会における意義を「再定義」し、ビジネススキームやノウハウを「再構築」する必要に迫られている。

これはいつも言っていることだ。Z世代向けに付け加えたのは以下だ。

今日のテーマ３：旧世代の価値観を理解し、受け入れる

　•クラウド化　⇒　エンタメコンテンツはパッケージメディアで楽しみたい。そこに思い入れ、深み、記憶、愛情を感じる
　•モノのオンライン化(IoT）⇒　なんでもネットでやることに抵抗感がある。物をネットで動かすことがピンとこない
　•ソーシャルメディアの発展　⇒　オンラインだけの人間関係は偽物だ

できれば変化を忌避したい、一時の流行だと思いたい。少なくとも自分は関係なく生きていたい

　こういう価値観、行動原理になっている日本人ビジネスパーソンをたくさん見る。日本の病巣と言ってもよい。僕らは必要に応じて、説明したり、説得したり、無視して進めたりできるけれど、若者たちはどうだろう？理解不能で、すごいストレスを感じるのではないだろうか？
　パッケージを愛好することは嗜好だから良い。（音楽プロデューサー的に言うなら、とてもありがたいことだ。）でも、そこに過剰な意味を求めて、音楽を愛好することを宗教の宗派のようにすることは間違っている。多様なエンタメの楽しみ方を許容するべきだし、そこに新たな可能性を感じるべきだ。

　ちなみにプロジェクター資料には書かなかったけれど、口頭では、「君らの年齢なら、日本を離れて仕事するという選択肢はあるよ。サンフランシスコでもニューヨークでも、シンガポールでも、ベルリンでも、その選択肢も持って良いと思う。でも日本に生まれた日本人なら、今日の話は意味がある。そして日本社会で仕事をするなら、知っていた方が良いと思う、と。

　その後に、自動車がエンジンにハンドルとシートが付いた乗り物から、OSでコントロールされる乗り物に変わるという話や、ブロックチェーンの可能性などを実例として挙げた。

　その上で、

今日のテーマ４：グローバル視点で日本人の危機とチャンスを知ろう〜国際的に見た日本社会の特徴は？

　•コンセンサス積み上げ型の社会⇒「みんなで話し合って、良き落とし所を見つけましょう」な仕組み
　•性善説の考え方、仕組みが好き
　•年功序列で、目上の人を敬うという東洋的文化がある
　•同質性が高く、島国であることと、言語の壁があることで国際競争から守られている（ように見える）
　•社会的インフラが整備され、勤勉でマナーがよく清潔で安全な国。

　必ずしも悪いことばかりとは思わないけれど、過剰に同質性を求める日本社会の功罪は客観的視点で理解しておいた方がよいだろうと思う。例えば、学校での「いじめ問題」には個人的にはあまり興味無いけれど、根っこには同じものを感じる。

今日のテーマ４：グローバル視点で日本人の危機とチャンスを知ろう〜確実に訪れる日本の危機は？チャンスは？

　•少子高齢化社社会で、人口が減る、消費市場と労働人口は下落していく
　•なのに、制度的にもマインド的にも、移民受入れの準備ができていない
　•日本の強みだった、従来型の製造業では勝ち目がない
　•イノベーションのジレンマを知る（Apple 対 Spotify、中国のスマホ向けサービスの方が日本より便利）
　•1500年以上の歴史と伝統が世界中（のインテリ層）から尊敬されている

　観光立国を意識して、食やファッションも含めた文化を売り物にする〜消費者（ユーザー）の質が高いことを如何に活用するか（UGM、二次創作等）が重要だ。

　人口が減り、従来型の産業構造のままでは国際競争に敗れて、プレゼンスが下がっていくこと。カルチャーとインバウンドが日本の武器になっていくことは理解して欲しい。

今日のテーマ４：グローバル視点で日本人の危機とチャンスを知ろう〜Z世代に必要なマインドセットは？

　•組織依存しない、インディペンデントに自分の価値を磨く
　•就職と起業を同列で検討する。スタートアップ生態系が日本でも経済構造の（重要な）一部を占めるようになってきている
　•海外市場の視点と、そこにおける日本人としての優位性を意識する

　•英語はマストスキル。必ずしも英語ネイティブスピーカーになる必要はない。翻訳技術は臆さずに活用する
　•インターネットとデジタル技術による「民主化」という概念を知る

　おそらく彼らの親世代は、今でも大企業への就職が安全という固定概念から抜けられない人が多いだろう。人生観は自由だし、公務員になれば、安全かもしれない。（彼らの世代だとそれすら怪しいとも思う。）でも、30年前とは様々な前提が変わっていること、親世代はその変化に自分の価値観をアップデイトできてない場合が多い。きちんと自分の頭で判断して欲しい。
　英語はできるにこしたことないけれど、Google翻訳もどんどん便利になっているので、技術も活用してコミュニケーションすることが大事だ。

　推薦図書として、池上彰、佐藤優、野口悠紀雄の３人の名前を上げた。気になるテーマについて書かれている入門書的な本の時に、きちんと本質を書く信頼できる書き手だからだ。
　40人くらいの高校生が僕のメッセージをどんな風に受け止めたかはわからない。でも話していて手応えはあった。5年後くらいに、何人かの役に少しでも立てたら嬉しい。

　そして、僕が最終的に語りたいのは世代論ではない。70代でもデジタルの変化をわかっている方はいるし、20代でも鈍感な人もいる。日本のピンチとチャンスを共有して、グローバル化したコンテンツ市場で、サバイブしていく仲間を増やしていきたい。
　実はZ世代だけの課題ではない。人生100年のライフシフト時代と言われている中、すべての日本人がグローバル化した世界でどのようにサバイブしていくのか？切実な問題として、引き続き考えていきたい。

　２月から始まるニューミドルマン養成講座のテーマは「超実践アーティストマネージメント篇」だけれど、基本姿勢としての中国市場への向き合い、日本のデジタル化の遅れによる課題はしっかり話し合いたいと思っている。

●ニューミドルマンラボ公式サイト

独断的音楽ビジネス予測2018：犬は吠えてもデジタルは進む、メゲずに吠えるぜ！

2018-01-01T23:08:00.003+09:00

全然勤勉ではないこのブログだけれど、2012年から毎年元旦に、音楽ビジネスの予測を書いてきた。毎年PVも高く、ご意見なども伺うので、励みになって続けている。
　昨年は、１年間の予測は意味が無いと書いた。世界的に音楽、エンタメビジネスのトレンドは７年くらい先までは明確で、周回遅れで走っている感じの日本は、五輪景気に甘えて、構造的な変化が遅れるけれど、方向は同じ。世界のトレンドの後を、ゆっくり追いかけていくことになると思ったからだ。この予測については１年経って、確信を深めるばかりだ。
　昨年の元旦のブログではこんなこと書いている。

2017年の展望なのだけれど、特筆すべきことは無いというのが正直なところだ。もう流れは明確で、多少の揺れ幅はあるにしても、
１）オンデマンド型のストリーミングサービスが、音楽体験の主流になっていく。もちろん関連サービスが増えてくる。
２）パッケージは微減しながらも健在
３）コンサート市場は、外国人観光客を取り込むことで伸びていく
といった流れは、予測するまでもなく、進んでいくことは間違いない。

　上記の１と２はまったくそうなっている。３については補足説明が必要だ。2016年のコンサート入場料売上は10年ぶりに微減した。「2016年問題」の影響でコンサート入場料収入が微減したことだ。「2016年問題」とは2020年の東京五輪の余波でコンサートに使える大型スタジアムやホールが同時期に改修に入ってしまい、コンサート会場が不足するという問題だ。音楽業界団体は問題提起をしたものの、その声は届かなかったようだ。

　正直を言うと僕は、各社の創意工夫でなんとかやりくりし、コンサート売上が減りはしないのではないと思っていたが、甘かったようだ。スタジアム運営側は、スポーツ最優先で、「空いている時にコンサートも使っていいよ」くらいの認識なのだろう。コンサートが日本の産業文化にとって大きな価値があるということを日本社会全体に認識してもらう必要がある。音楽業界側もその努力が足らなかったように思う。2017年の国内重大ニュースの１位に上げた「チケット二次流通問題」で、業界が一団結して、ユーザー、行政、警察、司法をきちんと動かすことができた。風営法改正からナイトエンターテイメントへの関心を高める運動も進展している。大規模コンサート会場の運営者の意識変革を図ることもできるのではないか？

　さて、１年前に僕が本コラムで問題提起した2021年までやっておくべきこと３つについては、残念ながらほとんど進展はない。暗澹たる気持だけれど、確認しよう。

●データベース構築
　音楽に関するあらゆるデータ、楽曲、原盤、アーティスト、コンサートなどを一元管理および多言語化して、事業者に従量課金で使用を自由に認めれば、素晴らしい音楽関連情報サービスはたくさん競い合ってくれるだろう。音楽事情の活性化に必ずつながる。僕は10年位前から叫んでいるのだけれど進んでいない。音制連、音事協、MPAで始めた海外向けのアーティスト情報プラットフォームSync Music JapanがCiP協議会に移管されて、Artist Commonsという動きにまとめられているけれど、too much slowだ。まだ実業レベルで稼働していない。

●グローバルプラットフォーマーとの向き合い

●中国市場への本格的な取り組み
　については、まだ手付かずの状態だ。ビジネスの主戦場を海外に向けるという意識改革ができてない。

　残念ながらという前置きをつけたいけれど、僕が2015年９月に出版した『新時代ミュージはックビジネス最終講義〜新しい地図を手に、音楽とテクノロジーの蜜月時代を生きる!〜』は、2018年になった今読み直しても、全く古びてない。それは僕が著者として素晴らしかったのではなく、日本の変化が遅すぎるからだ。音楽ビジネスの現状と未来に興味のある人で未読の方は、是非、読んでみてください。「残念ながら」まだ有益な本です（笑）。
　一番の問題は202１年に先送りしたツケが全部噴出だろうことで、そろそろ底に向かって準備をしておかないと、本当に日本の音楽業界が壊滅的なことになるなと危機感を持っている。そんな愚痴ばかり言っても仕方ないので、少しは読者に有益と思える未来予測を書こうと思う。

　作秋は様々なところからセミナーのお声がけを頂いて、７つほど講演を行った。

韓国のBupyeong Music Conference
大阪電気通信大学　総合情報学部
大阪工業大学　知的財産学部
順天高校 Global Week
電機連合組合
コンテンツビジネスラボ
知的財産技能士会

　新しい出逢いがあり、刺激をいただく場で感謝している。2011年に初めて著書を刊行して以来、講演などの依頼は原則断らないという方針を続けているけれど、書籍やウエブで僕の存在を知って、呼んでくださるのはありがたい。自分が主宰するセミナーもあって、本業もある中でお受けしているので、正直時間的には厳しいこともあるけれど、エネルギーをいただいて、疲れが吹っ飛ぶ。
　その経験も踏まえて、今後の音楽ビジネスについて、年頭にポイントをまとめておきたい。キーワードはX-techだ。
　X-techとは、IT技術の活用で産業が再定義、再構築されていくことだ。背景にあるのは、以下のような時代の変化だ。

・コンピューターの処理能力の飛躍的な進化
・センサー技術進化による、軽量化、コモデティ化
・AI(人工知能)、機械学習の飛躍的向上
・SNS普及によるユーザー行動の可視化（いわゆるビッグデータ分析）

　ポイントは、本質的で不可逆的な変化であることだ。人間は、昨日まで自分がやってきたことが明日以降も続くと思いたい。それが10年、20年とやってきた仕事であれば尚更だ。「一時的な流行にすぎない」「自分には直接関係ない」ということにしたくてたまらない。日本の音楽業界、メディア業界はまさにその典型で、レコード会社の経営者は、自分の定年まで大枠を維持する「逃げ切り」作戦に終止している。これが結果として業界全体、ひいては日本の国力を下げているのだ。
　僕がエンターテック・エバンジェリストと名乗り始めたのも、社会が変わる一番重要ポイントで、そこを自分のアイデンティティにすべきと思ったからだ。
　ちょっとシニカルな言い方をさせてもらえば、日本の業界の多数派が、「見ないふり」をしているので、「きちんと未来を見据えて予見」すれば優位性を持って、先回りできるとも言える。　
　本ブログの読者には、そんな発想で、先回りできる５つの視点を共有したい

●ストリーミングサービスが音楽消費の中心になると起きる変化は？

　ビジネスとして一番大きいのは、新譜旧譜の比率の変化だろう。従来の原盤ビジネスは売上の9割が1年以内に発売された新譜だった。だから小プレーションアルバムとかベスト

盤とか、過去作を「新譜」扱いにする必要があったのだけれど、これが大きく変わるおそらく新譜は5割以下の比率に鳴るだろう。これは良い作品をつくれば長期間収益があるということであると同時に初期投資の回収に時間がかかるということでも。功罪はあるだろうけれど、対応スべき変化だ。
　併せて、ユーザー行動が可視化されて、蓄積されることに寄って、レコメンデーションの精度が上がっていく。5年くらい前から海外のサービスのテーマは「ディスカバリー」だ。ユーザーと新しいアーティスト、楽曲の幸せな出逢いを作ることに注力している。これは主にアルゴリズムだけれど、属人的なリコメンデーションがプレイリストだ。人気ラジオ番組でパーソナリティが思い入れを持って薦めることヒットしたみたいなことがストリーミングサービス内でどんどん起きている。従来に比べれば、政治力、宣伝資金力などの入る余地が少なくなり、楽曲の力が求められるようになるので、アーティストにとっては大まかには良い変化と思うべきだろう。
　そして、パッケージは音楽聴取の主力ではなくなるけれど、アーティストの証を示す「記念品」、コレクションの喜びを満たす役割を果たすようになっていく。現にアメリカでは、CDは落ち続ける中、アナログレコードの売上が伸び続け、パッケージ市場の3割を占めるようになっている。日本は今のところCDがまだまだ元気だけれど、似たような傾向に向かうことになるだろう。

●VR/AR/MRと音楽ビジネス

　エンタメ全体で言えば、VR/AR/MRの存在感は傑出している。軍事技術との関連もあって、多額の資金がつぎ込まれて開発されてきた分野だ。現状はビジネス的にはゲームとエ

ロの分野が牽引しているけれど、音楽ビジネスでの存在感は大きくなっていく。
　みんな忘れがちだけれど、Music Videoというのは80年代のMTVの隆盛とともに広がったフォーマットだ。表現はメディア環境で変化していく。ハードの進化や普及、プラットフォームが整備されていく中で、MVの進化系、インタラクティブ性のある作品を楽曲に合わせて制作する流れは増えてくるだろう。
　Bjorkが2016年にVR型のMVをつくって日本科学未来館で展示した時の名言が忘れられない。「テクノロジーって21世紀の新しい楽器だと思っているの。」VR演出自体は、彼女の楽曲力を大きく拡張するところまではできてなかったと思うけれど、パイオニアが切り拓いた道があることで、表現は進化していく。
　ライブビューイング的な活用もどんどん増えるだろう。東京五輪に向けでスポーツのリアルな中継に皆さんご執心だけれど、コンサートへの応用も間違いなく広がっていく。収益性がポイントになるけれど、通信規格が５Gになり、通信会社がこの企画を活かしたコンテンツを積極的に求めるという追い風もある。
　既にリアルとバーチャルは対立概念ではない。東京ドームの２階席でプロジェクターに映し出されたパフォーマンスを観るのがリアルで、目の前に立体的に再現されているアーティストを他の観客と一緒に見て盛り上がる体験がバーチャルだという区別は、おそらく意味がなくなっていく。ユーザー体験としてどちらが楽しいかがポイントになる。
　いずれにしても、音楽家や音楽プロデューサーにとって、VR/AR/MRは必修科目と捉えるべきだ。

●アジア市場とインバウンド

　違法ダウンロードサイト天国で海賊版も作られなくなったと言われていた中国に音楽市場が「出現」したのは驚異だ。正直言って、僕が現役の音楽プロデューサーの間にあるのかどうかと思っていた。2015年12月の国家計画の発表から2年でQQ Musicの月間アクティブユーザ数は約1億8,500万人。月額10元(170円)の有料会員2,500万人などという数字が聞こえてくる。信頼できる知人たちの意見を総合して考えると、控えめに言っても3年以内に日本の3000億円を中国は抜くだろう。僕のイメージでは、5年後位に、朝鮮半島からミャンマーまでの東アジアの音楽市場は日本の5倍位になっていると思う。そして成長余地はまだある。この場合のポイントは、この地域ではJポップ、アニソンに競争力があることだ。
　その国も自国語のドメスティックポップスが市場の5割は占めるものだ。残り5割あるとして、そこを洋楽とJポップとKポップが争う図式になる。アニソン含めたJポップが一番人気になる潜在的な力はあるはずなのだが、今のままだとKポップの後塵を拝する可能性は高い。ストリーミングサービスはいわゆるロングテールが長く、多様性と蓄積のある日本に本来はアドバンテージがある。僕らがよく言う「歌謡曲な大衆性」は東アジアでは共通する感覚だ。個人的にはアジア各国は「渋谷系前夜」みたいな状況だと思う。様々なジャンルの音楽を取り込んだJポップライクなポップスが広く受けいられる土壌はできている。経産省などが旗を振って、アジアのストリーミングサービスにおけるJポップシェアを2割にするという目標を立てたいところだ。やり方は簡単だ。メタデータをつけて、過去の全カタログをアジアのストリーミングサービスに許諾すればよい。半年から1年様子を見て、反応のある楽曲をその国の影響力のあるアーティストにカバーを促す。それだけでヒット曲が生まれる可能性があるのだから挑戦するべきだ。5年後にベトナムで松田聖子の楽曲が大人気みたいなことは全然あり得ることだと僕は思っている。
　ストリーミングサービスが生まれたことで、音楽ビジネスのマネタイズポイントを多様化できることも大きなメリットだ。これまで中国は、いわば出稼ぎ的に、現地で入場料を稼いで、グッズを売って、以上という商売になっていた。ストリーミングサービスがあることでライブの前後で楽曲が流れで、それも売上になり、越境ECふくめた幅広いチャネルでのマーチャンダイジングが期待できる。そして、本当に好きになってくれたら、日本まで「本場のコンサート」を観に来てくれるかもしれない。日本のインバウンドのこれからの課題は、リピーターと滞在日数の延長のはずだけれど、そこに音楽業界が果たす役割は大きい。
　単純計算だけれど、5倍のマーケットで2割取れたら、日本の音楽市場は二倍になるということだ。このチャンスを逃してはいけない。

●ポストスマホのコンテンツプラットフォームは？

　現在、世界中でコンテンツプラットフォームの主戦場がスマートフォンであることに異

論がある人はいないだろう。これから発展途上国を含めて、まだまだスマホ普及率は伸びるから、普及率が100%に近づいていくことの社会的インパクトも大きいと思うけれど、未来を見据える人たちの興味は、既にポストスマホのプラットフォームだ。ひと頃はウェアラブルデバイスだと目されていただけれど、グーグルグラスのようなメガネ型も、アップルウォッチのような腕時計型も広まる様子は見えていない。2018年1月現在、ポストスマホの本命はスマートスピーカーだ。
　2017年は各社の商品が出始め、お手並み拝見という状況になっている。音楽業界にとっては、リビングルームにある「世の中との窓口」がスピーカーであるというのは大きなチャンスだ。音楽が流れることが自然で、接点が増えるはずだから。
　個人的にはこのままポストスマホがスマートスピーカーになるかどうはか微妙なところだと思っている。IoTということでいえば、鏡がついているクローゼットがスマート化して、洗濯機や冷蔵庫ともつながり、買うべき服やレシピもレコメンドされる。スマートクローゼットも例えば有力だと思ったりする。次のフェーズで来る在宅型ロボットの普及が本命ということになるかもしれない。
　現状では。音声認識＋クラウド上のAIというのがポストスマホの第一候補になったということを理解して、推移を見守っていきたい。一番大事なことは、スマホのときのように、外資系グロバール企業にこのプラットフォームを完全に牛耳られて、日本のコンテンツホルダーがゲームのルール設定に参加できないような事態にならないことだ。そういう意味でも、LINEやSONYも頑張って欲しい。日本語音声認識はNTTが世界一の技術を持っているはずだ。しっかり戦略を持って対峙したい。

●ブロックチェーンの衝撃。音楽への応用は？

　分散型台帳技術、ブロックチェーンは、インターネットが広まった時に勝るとも劣らない大きな変化を社会にもたらすそうなので、音楽だけでどうこういう話ではない。契約のあり方、取引における信用担保の構造を根本からひっくり返すような技術だ。あまりにも大きな変化すぎて予測が難しい。20年後は、今のブロックチェーン技術の思想をベースにした世界になっていることは、ほぼ間違いないのだけれど、それまでの過程は予測不能だ。
　音楽に関してだけ言えば、著作権、原盤権の徴収分配の仕組みが今の国ごとの集中管理というやり方から変わることは間違いないだろう。10年位はかかると思う。
　僕が個人的に一番関心があるのは、リミックス、二次創作への応用だ。初めてブロックチェーンの存在を知ったときから、「クリエイティブ・コモンズ」の考えかたがビジネスに持ち込める機会がやっときたのだと感じた。一般的になっているようで、リミックス、サンプリング、二次創作には、きちんとしたルールはシステムが無く、個別の相対でやるしかないのが現状だ。原則OKのオプトアウト型のルールが広まれば、新しい表現と市場が大きく伸びることが期待できる。今年は本格的にこの可能性を探る年にしたいと思う。

　ニューミドルマンも3年経って、よいネットワークになっている実感がある。今年からコミュニティ化を図りたい。ニューミドルマン養成講座と並行してオンライン＋OFF会のサロンもやっていこうと思うので、興味のある人は是非、参加して欲しい。このブログを読んで面白いと感じる人には意味のある場になっていると思う。
　音楽ビジネスに興味のある人は、まずは2月の「超実践アーティストマネージメント篇」の受講からどうぞ！

　元旦から長くなってしまったので、この辺で終わりにしたい。
　次回は作秋、高校生に話すために考えた「2021年以降のZ世代日本人のサバイバル〜オトナに騙されるな」をテーマに書こうと思います。お楽しみに。

●ニューミドルマンラボ公式サイト

●独断的音楽ビジネス予測〜2012年は目覚ましい変化なし。大変革への準備の年〜
●独断的音楽ビジネス予測2013 〜音楽とITの不幸な歴史が終わり、構造変化が始まる年に〜
●独断的音楽ビジネス予測2014〜今年こそ、音楽とITの蜜月が始まる〜
●独断的音楽ビジネス予測2015〜シフトチェンジへ待ったなし〜
●独断的音楽ビジネス予測2016〜周回遅れをショートカットして世界のトップに〜
●独断的音楽ビジネス予測2017〜もう流れは決まった。大変革の2021年に備えよう〜

アジアデジタルアート大賞展で優秀賞受賞！〜音楽プロデューサーがメディアアート作品をつくった理由

2017-12-31T14:19:00.002+09:00

　年末に嬉しい報せがあった。「2017アジアデジタルアート大賞展FUKUOKA」のインタラクティブ部門で優秀賞をいただいた。TECHS2で披露した『SHOSA/所作〜a rebirth of humonbody』という作品だ。　

　僕が生まれて初めてクリエイティブディレクターと表記された作品だ。音楽プロデューサーとして長年活動してきた中で、「エンターテック・エバンジェリスト」とも名乗るようになったのは自然な流れだった。日本の音楽業界がデジタル社会への変化に臆病で、業界的にも国際的にも取り残されていくという危機感の中で、書籍を出版したり、人材育成のセミナーや音楽家が参加するハッカソン、エンタメ系のスタートアップのアワードなどの場つくりのオーガナイザーをやりはじめるようになって、音楽プロデュサーという職域からははみ出す活動が増えた。大企業の新規事業のアドバイザーをやって、異業種間を、特にスタートアップと結びつけたりするような活動もやらせていただいている。

　新しいテクノロジーでエンタメが変わるポイントは３つだ。マネタイズシステム、ユーザーとのコミュニケーション（従来の言葉を使えばプロモーション）、そしてクリエーションだ。表現そのものもテクノロジーで変化、拡張していく。電化（トランジスタ）がエレキギターをつくって、ロックやポップスが生まれた。デジタル化は、電化以上のインパクトのある変化で、音楽制作を安価にした。民主化されたと言ってもいいだろう。以前なら、10坪以上のスペースと１億円に近い機材が無ければできなかったことが、今や１ルームのパソコンで100万円以下の投資で可能になった。もちろんプロフェッショナル制作システムが無効になったわけではないけれど、少なくとも1/100のコストでの代替案が生じているのは紛れ見ない事実だ。ところが表現を変えるような楽器という観点だとまだ成果は乏しい。強いて言えばボーカロイド。初音ミクというバーチャルスターを生み、新しい音楽シーンと市場を作った。でもエレキギターとアンプに比べれば、まだ影響力は軽微で、これから様々なテクノロジーの進化に伴う新しいツール（楽器）が出てくるはずだと僕は思っている。

　メディアアートへの関心は、そんなところは始まった。実は80年代に高校生だった頃からメディアアートには興味はあった。ナム・ジュン・パイクの作品やエピソードを聞いて友人たちと話題にしていた記憶がある。でもその程度の関心。自分の仕事とは無縁な世界だと思っていた。

ダミン・ハーストの作品

　ところがエンターテックエバンジェリストと名乗り、テクノロジーで表現をエクスパンドするみたいなコンセプトを掲げて表現を眺めていくと、未来への道を切り拓いているのは現代アート、メディアアートの分野のアーティストたちだった。エンターテックとメディアアートは出自が違うだけで、現在地点はほぼ同じ処、右から説明するか、左から語るかみたいな違いしかないなと気づいた。遠い憧れの存在だったARS electronicaには去年、今年と行ってみた、メチャメチャ刺激的だった。従来からのメディアアートの文脈に埋もれて輝かない作品と、時代の息吹を感じられる作品の違いも明快で勉強になった。
　ベネツアビエンナーレも素晴らしかった。アートが時代の先端を走り、未来を牽引しているのだと感じた。世界の最高峰の場所で観て感じることは大切で、NYでオフブロードウエイを観る、パリでクラシックバレエを観る（多分、ウィーンでオーケストラを聴くとか、イタリアでオペラを観るとかも）ことは芸能の神様に謙虚でいつつ、刺激を受けるために必要なことだと常々思ってきたけれど、ベネツアビエンナーレもそれらと同列以上だった。２年後も絶対行きたい。

　そんな中で、1年くらい前から「メディアアート的な発想で作品化してアワードに応募する」という活動をやってみようと思うようになった。ミュージシャンズハッカソン、クリエイターズキャンプ、TECHSと継続的な取り組みをしてきたので、テクノロジスト、クリエイターの人的ネットワークは出来ている。僕が一番の役割である「場つくり」を加速することもできるだろうと考えた。「賞を取る」というわかりやすさは何かを進める時に有効だ。

　ちょっと乱暴な言い方になるけれど、現代アート作品で一番大切なのはフィロソフィーだ。今の社会をどのように捉えて、切り取って形にするのか、どんなメッセージや問題提起を込めるのか、その姿勢も含めて、評価されるのがアートの世界だ。

　僕がやるなら、取り上げるべきは表現とテクノロジーの関係性だ。ライブ表現のシズル感にフォーカスして、「アルゴリズムに支配されたダンスの解放、身体性の復権」をコンセプトにすることにした。高い身体能力と日本女性のしなやかな美をもつSpininGReenに合致したコンセプトでもある。近年はプロジェクションマッピングなどの映像表現とダンスの融合はたくさんあって、素晴らしい作品も多いけれど、「予めプログラミングされた内容、時間軸に演者が合わせる」ものがほとんどで、完成度は上げやすいけれど、ライブのドキドキ感につながりにくいと常々残念に思っていた。時代としてもロボットが人間の職を奪うのではないかと不安が語られていて、人と技術の共存、美しい相互互恵関係が重要になっている。人が技術をリードし、活用して表現を拡張するというアート作品は、そんな時代へのメッセージにもなるはずだ。

　なんでもそうだけれど、言うは易しで作品にするのは大変だった。沢山の人の知恵と汗でなんとか形になった。賞をいただいたことで、少しだけど、報いることができた気がして、実はそれが一番嬉しい。一緒にこの作品をつくった時間に社会的な価値がついてくれたから。

　クリエイティブディレクターをやったのは、この分野の「師匠」である大岩さんのアドバイスだ。僕が弟子を名乗るのがおこがましいほど、輝かしい実績のある方だけれど、僕がこんな事やりたいと協力のお願いをした時に「この分野はクリエイティブディレクターをやらないと評価されない。僕がアドバイスするから山口さんがやりなさい。」と背中を押された。僕は今更、自分自身に名誉欲は無いし、クレジットがなんであっても作品が良くなるたまなら自分がやれることは全力でやる。具体の作業はほとんど変わらないのだけれど、それでもクリエイティブ全体に責任がある立場を宣言することは、紙一重だけれど、やはり気持が違う。僕にとっても貴重な経験になった。大岩さんがいてくれるからやれことなので感謝という言葉では表現できない。

（ちなみに、大岩直人さんの最初の著書は昨年「ニューミドルマン養成講座」にゲスト講師にいらしていただいた時の講座内容をベースにした電子書籍＋POD『スーパードットなひとになる。〜コミュニケーションとテクノロジーの"今"』（PHP研究所）なのだけれど、２冊目が最近出版された。『おとなのための創造力開発ドリル〜「まだないもの」を思いつく24のトレーニング』は、掛け値なしに名著だ。ジャンルを問わずクリエイティブな仕事に関わる人は是非、読むべきだ。ロボット工学の石黒浩大阪大学教授のブレイクのキッカケとなったマツコロイドの生みの親としても有名なアイデアマンの大岩さん。この本を読むと、クリエティブな思考回路について学ぶことができる。激オススメ）

　『SHOSA』は「EnterTechLab＋SpininGReen」の作品となっている。EnterTechLabは、ミュージシャンズハッカソン、TECHSでできたネットワークをベースに法人設立準備中の団体だ。代表の伴幸祐は、４年前の第一回ミュージシャンズハッカソンに福井から参加してくれたのが出逢い。優秀なプログラマーであるだけでなく、ビジネスセンスも併せ持ち、弁説もたち、周りを俯瞰する能力に長けている。彼と一緒にEnterTechLabを作ることで、日本のエンターテック分野をレバレッジしていきたい。次世代型のクリエイターを支援していく仕組みが主なサービスになると思う。

　ETLの法人としての初仕事は、2月3日4日に日本で３年ぶりに行われるMusic Hack Day Tokyo2018だ。現在申込み受付中。音楽に興味のあるプログラマー、デザイナーは是非参加して欲しい。

　『SHOSA』には、他にも山口ゼミ１期生でCWFキャプテンのhanawaya、同じくCWFメンバーで、安室奈美恵「Hope」の作編曲で今年ブレイクしたトラックメイカーTOMOLOW。アニソン分野で大御所作詞家になりはじめているこだまさおりなどがクリエイターとして参加してくれている。着物は国際的なコスチュームデザイナー谷川幸さんのオリジナルデザインで、映像とした舞う蝶々も谷川さん作で『SHOSA』の世界観の中核を担っている。田中セシルに似合うデザインだったし、セシル自身による着物を活かした振付も良かったと思う。

　たくさんの優秀なクリエイターの皆さんにお力をお借りしたことで、一つの成果を上げることが出来ました。改めてこの場を借りて、心からの感謝を述べたいと思います。本当にありがとうございました。
　技術的にはマイクロソフトのKInectに加えて、富士通が開発中のセンサーシューズという技術を使っている。富士通さんにも多大なる協力をいただいて本当に感謝です。

　そして、次の作品も構想準備中なので、ご期待下さい！。

　改めて思うのは、従来いろんなジャンルを区別してきた「壁が溶けている」ということだ。僕がメディアアート作品のクリエイティブディレクターをやるなんてまったく想像していなかった。自分が育った音楽業界を再生させるために、エンターテックエバンジェリストとして、異業種や異分野の架け橋となる場をつくっているうちに、いつの間にか、でも自然に、こんなことになった。

　海外のカンファレンスイベントに行って感じるのは、「全部同じ方向を向いている」ということだ。家電の見本市から始まったCES、音楽にはじまってITサービスのインキュベーションの場となったSXSW、広告祭だったCANNES LIONS、メディアアートの総本山であるARS electronica、どのイベントでも、「社会のイノベーションとは？」、「テクノロジーと人の関係とは？」MedTech（医療技術）、BioTech（生物工学技術）を取り込んで様々な議論、実験が行われている。行ったことは無いけれど、通信会社によるMobile CongressもクラブミュージックのフェスだったはずのSonarもそうみたいだ。スタートは全然違ったはずが、今は同じ方向を向いている。将来はまだ分化を始めるのだろうけれど、今は一旦、すべての壁を溶かして、シームレスになって、ガラガラガッチャンと古いものが壊れ、新しいものが生まれていくと世界中の人が思っている。その原因も、未来のツールも進化し続けるテクノロジーだ。そんな時代に、人々をワクワクさせ、時代の気分を醸造し、文化を作るエンターテックの役割は大きいと思う。

　そんな時代に内国の一業種の価値観、いわゆる業界の村的な論理で行動することは弊害が非常に大きい。良い部分をモジュールとして活かして再構築するべきというの僕の意見だけれど、それには新しい発想と熱量を持った人材が必要だ。

　僕が約３年前にニューミドルマンラボを始めた動機が「マジで超アタマにきた」からだというのはこのブログに書いているけれど、世界中の意識の高い人たちが同じ方向を向いているということと「ニューミドルマン」という概念も軌道を同じくしている。従来の壁が溶けていくなら、未来志向のエンタメビジネスを実践的に探っていく運動だ。2018年からはもっとコミュニティ的な動きをしていこうと思っている。オンラインサロン（＋OFF会）も作る予定なので、興味のある人は参加して欲しい。音楽ビジネスに興味がある人は、２月に行う『超実践アーティストマネージメント篇』は最適だ。音楽ビジネスをリロードする人たちの参加を心待ちにしています。

-->

　更新が不定期すぎるブログで、そして今年もブログタイトルを決められないままでしたたが、2017年はこれで終わります。私的なスタンスで見解表明をすることは続けますので、今後もお付き合いください。

●2017アジアデジタルアート大賞展受賞作品発表

●ニューミドルマン養成講座2018冬「超実践アーティストマネージメント篇」

●Music Hack Day Tokyo 2018

●山口哲一のエンターテックエベンジェリスト活動をまとめたPlayList

＜2月21日追加＞

●「SHOSA/所作〜 a rebirth of human body 〜」メイキング・ビデオ

2017年音楽ビジネス重大ニュース〜EnterTech&Global篇〜

2017-12-26T13:10:00.001+09:00

＜2017年音楽ビジネス重大ニュース〜EnterTech&Global篇＞
第１位）QQmusicの台頭〜中国音楽マーケットの「出現」
第２位）Spotifyがブロックチェーン会社を買収。AppleはSHAZAMを傘下に。
第３位）チャンス・ザ・ラッパーのグラミー賞受賞
第４位）スマートスピーカー各社発売
第５位）アリアナ・グランデのコンサート会場でテロ、2週間後に追悼チャリティ・ライブ
圏外）ポストEDM広まる。海外と日本のトレンドのズレ

山口：2017年の重大ニュース。前編は日本の音楽業界ということでやってみて、多くの方に読んでいただけたようです。後編はグローバル＋エンターテック分野でやってみましょう。最初は１回にまとめてやろうと思ったんだけど、なんか焦点距離があまりに違うというか、話がずれる気がして、前後編にジャンルでわけることにしました。海外市場ってなった瞬間に、エンターテックな話になるし、エンターテックにフォーカスすると話がグローバルになるよね。

脇田：音楽は国境を超えるといいますから、国外にも目を向けたいですね。特に新しいテクノロジーによって音楽ビジネスはすごいスピードで変化していってますから。

第5位）アリアナ・グランデのコンサート会場で自爆テロ、2週間後に追悼チャリティ・ライブ

山口：米ソの冷戦が終わって世界が平和になるかと思ったら逆で、様々な要因が重なって以前より不安定になってるよね。イスラム過激派のテロも世界中で起きている。人がたくさん集まるところが狙われているという意味では、コンサートも標的になるリスクがあるのだろうね。今回の会場はイギリス・マンチェスターでした。ワッキーがこのニュースで注目したポイントはどこ？

脇田：アリアナ・グランデのコンサート会場でのテロは、本当にショックなニュースでした。10代の若い子たち等多くの人が犠牲に遭いました。しかし、それから僅か2週間後にスタジアムで、世界的なスーパースターを集結させて追悼コンサートを開いたわけです。仕掛け人のスクーター・ブラウン（アリアナやジャスティン・ビーバーのマネージャーでもある）に注目したいですね。PSYの「江南スタイル」にも関わった彼は、SNSと既存メディアを巧みにミックスするスキルを持った“ニューミドルマン”です。まさに“ニューミドルマン”である彼の、一世一代の大イベントだったと思います。多くのスーパースターが出演するフェスを、テロという危険の中この短期間で実現させ、メディアを使って発信し、収益の寄付なども行なう。それを成功させたことにとても驚きました。もちろん発信するメッセージも熱く、考えさせるものに満ちていました。

山口：音楽の価値、社会におけるアーティストの役割がわかっている行動だよね。ファンへの感謝、社会への貢献を行なうと同時に、アーティストとしてのブランドを上げることにもつながったと？

脇田：そうですね。ティーン・スターのアリアナが世界に影響を与える「アーティスト」へと階段を上がったんじゃないか？と思い、来日公演も観に行きました。そこは、カリスマというより、普通の（？）一級のプロフェッショナルなエンタテイナーという感じのショーでしたが（笑）。

第４位）スマートスピーカー各社発売

山口：2000年以降、コンテンツ流通の主戦場はスマートフォンになり、ウエブサービスもPCから「スマホシフト」が上手にできるかどうかで、隆盛が決まる時代だよね？　ニコニコ動画の影響力が落ちているのも、スマホシフトの失敗といえると思う。一方で、「ポストスマホ時代のコンテンツプラットフォームが何か？」というのが投資家や事業家の間で

は議論されていて、一時期はウエアラブルだったんだけれど、ここに来て、音声認識技術＋クラウドAI(人工知能)とセットのスマートスピーカーが本命っぽい感じになっているね。

脇田：ネットのエンタメにおいて、PCからスマホへのシフト（ガラケーからスマホも）は明暗を分ける変化でしたね。IoTやVRは、一般利用者にとって無くても困らないですが、徐々に影響を与えて行っている。
そして、次に来るのがスマートスピーカーだ！　というトレンドが煽られて、自分としては驚きと喜びを感じました。スマホでイヤフォン、ヘッドフォンでのリスニングが主流になっていて、世の中から家で音楽を流すオーディオ装置が消えてしまっていました。このスマートスピーカーが、音楽の復権につながるんじゃないかという期待をしてしまいます。

山口：そうだね。ヘッドフォンでしか音楽聴かない若者も多くなっていると思うんだけれど、リビングルームにスピーカーが鎮座しているということは、音楽の接点は間違いなく増えるものね。ただ、心配なのは、今回も騒がれているのは、Amazon Echo、Google Home、そしてApple。LINE Cloverには頑張って欲しいし、SONYも計画しているらしいけれど、アメリカ系グローバル企業にポストスマホ時代のコンテンツプラットフォームを牛耳られるのは、日本のコンテンツ産業としては由々しき事態だよ。スマホ時代の今はゲームのルールは、AppleとGoogleに一方的に決められてしまっていて、異議申立の方法が無い。例えば、iPhoneアプリをリリースしようとして、却下されて、理由がわからず、英文メール以外問合せ方法が無く、困っている日本のスタートアップとかは惨めな思いをさせられているよ。スタートアップでスマホアプリが３ヶ月遅れるって、下手すると会社潰れかねないからね。生殺剥奪権をグローバルプラットフォーマーに握られるのは最悪の事態。スマートスピーカーは音声での言語認識技術が重要で、日本語については日系企業にアドバンテージがあるはず、NTTが世界最高の技術を持っているので、せめてそこだけでも押さえて欲しいよ。

脇田：同感です。着うた時代でも、世界同一性を求めるiTunesに比べて、レコチョクはかゆいところに手が届く細やかな対応をしてくれてました。なんでもかんでもグローバルでいいはずはないです。

山口：ジョブズは、ウォークマンとiモードから、iTunes Music StoreとiPodを考案したと言われているけれど、多分本当だと思う。日本の良さを活かしながら、グローバルサービスのプラットフォームを意識するような流れは欲しいよね。日本のスタートアップに期待しています。オープンイノベーションスタイルで大企業と組めたらチャンスあるはずなんだ。

圏外）ポストEDM広まる。海外と日本のトレンドのズレ

山口：第３位に行く前に、ワッキーが取り上げていたこの話題を

脇田：今年は「EDM」の音楽的な流行が終わったと言われました。アッパーなEDMチューンはヒットチャートに登場しなくなり、同様のエレクロニックなジャンルでは「トロピカル」だったり、レゲエ調？　のダウンな曲調が増えたように思います。カルヴィン・ハリスの最新アルバムがファンクなアルバムだったことも、話題になりました。問題は、日本はこれからのジャンルなのに、海外では終わってしまった事です。
おそらく2010年ぐらいからずっと流行り続けているEDMが日本で火が付いたのはこの1、2年だったので、最近EDMにハマった日本のパリピ的なファンにとっては、あのアゲな刺激が新曲という形で味わえなくなってしまいましたね。今のエレクトロニック系のヒットソングは「まったり」してます。あとラテンが流行ったり、ついていけないですよね。アリアナのライブでも、ZEDDと共演した「Break Free」というアッパーEDMチューンが、ダウンなアレンジされていて、その時の会場の残念な感じも印象的でした。あれこそが、世界のトレンドと日本のリスナーとのズレの象徴的な場面なんでしょう。

山口：先を見るクリエイターは４年くらい前から、ポストEDMサウンドを探しているよね。「トラップ」だったり、「フューチャーベース」だったり、いろんなジャンルが注目されたけれど、「トロピカル」は本格的に盛り上がっている感じはするね。ただ、EDMって、踊らせる音楽と言うか、マネタイズポイントはフェス型イベントでしょ？　そこはどうなんだうね？

脇田：むしろフェスや現場は、多様なトレンドに対応できてる気がします。メインストリームなPOPSとしてのEDMと現場が離れてきたように思います。逆にポストEDMサウンドを探してきたJ-POPクリエイターは、今から「ドEDM」やってみるとおもしろい。過去にもJ-POPでは、海外で流行りが終わったスタイルで大ブレイクを果すアーティストが多くいますから。

第３位）チャンス・ザ・ラッパーのグラミー賞受賞

脇田：アメリカ、シカゴのラッパー「チャンス・ザ・ラッパー」がグラミー賞を受賞。楽曲を販売したことが無いアーティストとして、初の受賞が話題になりました。2016年5月にリリースされた自身名義の3作目となるミックステープ『Coloring Book』が、ストリーミングのみのリリース作品として初めてのグラミー賞を受賞ですね。これまでは楽曲を販

売しないとノミネートされないルールでしたが、この作品によってルール変更されました。
　彼は、ミックステープと呼ばれる無料ダウンロードサイトからスタートし、ストリーミングのみで配信するという作品発表のスタイルで数々の記録を作り時代の寵児となりました。過去には、無料ダウンロードのデータを勝手にiTunesにアップされビルボードランクインするという「事件」で名を上げました。今回のグラミーも、型破りなノミネート～受賞を達成したわけです。

山口：デジタル時代の申し子だね。同時に、ニューヨークやLAではなく、シカゴというのにも注目だ。10月に韓国の音楽ビジネスカンファレンスに呼ばれて、パネルディスカッションに出たんだけれど、その時のテーマが「都市と音楽」。ベルリンのクラブ関係者、スウェーデンの音楽業界の取り組みと共に、シカゴのHIDEHOUTという有名なライブハウスのオーナーがパネラーで、シカゴは小中学校とミュージシャンが連携して、音楽に触れるようなシステムを長く続けている。町のアイデンティとして音楽を捉えていて、「チャンスが出てきたのは偶然ではないんね？」といったら、嬉しそうに頷いていたよ。ちなみに僕は、主催者からのオーダーで恥ずかしながら「渋谷系」の説明を拙い英語でしてきました。

脇田：山口さんの活動もインターナショナルになっていますね。このチャンス・ザ・ラッパーもそうですが、多くのアーティストが、ミックステープという仕組みで無名から名を上げてブレイクしている。既存曲をリミックスしたり、収録したりする。違法行為に当てはまるケースも多いですが、そこは日本と違いルールに対してゆるいところがあるアメリカですし、ヒップホップやレゲエは、このスタイルが文化として定着していることもあり、プロモーションにもなるので黙認されているようです。
アナログ時代からのヒップホップ系の伝統は、デジタル時代とマッチして威力を発揮しています。ストリーミングが台頭したタイミングでのグラミー賞ノミネート～受賞は、時代を捕えた感はありますよね。

山口：本当だね。そして、チャンス・ザ・ラッパーのグラミー賞受賞は色んな意味でエポックメイキングだと思うんだ。アメリカのミュージシャンにとってのロールモデルがJAY-Zからチャンスに変わるというのはすごく大きくて、日本の音楽シーンにも少しずつ影響が出てくる気がする。「メイクマネー」が一番だった黒人ミュージシャン文化が、お金や名声よりも地元の友人を大事にするという価値観へ変化したのが面白いと思った。結果的には、お金もたくさん入っているんだけれどね。

脇田：ヒップホップ系の「メイクマネー」は基本変わらないでしょう。文化系ヒップホップがサードウェイブみたいな、ここ数年のトレンドとくっついて、アナログなイメージとデジタルな発信を合体させている。それが何年かかけて、遂にオーバーグラウンドで認められたというシンボリックな出来事だと思います。

山口：日本のヒップホップシーンも知っている脇田さんはクールな解釈ですね（笑）。でも、真面目な話、ライブハウス（CLUB ASIA）をルーツに持って、現場感を大切にしながら、グローバル視点を持っているのがワッキーの武器だよね。９月に出版した『ミュージシャンが知っておくべきマネジメントの実務〜答えはマネジメント現場にある!』にも、そういう脇田らしさを感じたよ。

第２位）Spotifyがブロックチェーン会社を買収。AppleはSHAZAMを傘下に。

山口：海外は完全にストリーミングサービス全盛なんだけれど、各サービスに対して、どんな印象ですか？

脇田：何の記事で見たか忘れましたが、SpotifyのCEOダニエル・エクさんの「SpotifyはIT企業ではない、ITを使った音楽企業だ」みたいな発言が印象深いです。実際にプライベートでも仕事でも使っていますが、この考え方がサービスの隅々まで浸透しているように感じます。「音楽」を重要視している思想のようなものを感じるんですよね。エンジニアと

かの方は音楽の現場に触れる事は無いかもしれないですが、会社の姿勢「音楽会社だ」という考えは一人一人に影響を与えてるんじゃないでしょうか。甘い夢を見ていられるような時代ではないですが、ギリギリのところで「音楽第一」と言いたいですよね。国内のサービスで同じように好感を持てるのはAWAです。

山口：ジョブズがミュージシャンとお友達っていうのは、まあイメージ操作で策略だったと思うけれど（笑）、ダニエルには音楽愛を僕も感じる。そのSpotifyが今年は積極的に動いた年だったね。分配の透明化を図って、ブロックチェーン会社を買収したのは機敏だった。AppleがSHAZAMを買ったのは驚いたけれど、４年前くらいにSHAZAMの役員から聞いた情報によると、その時点でSHAZAM経由で年間１億回くらいiTunesでダウンロードされていたらしいから、ユーザーへの影響力がわかっていたんだろうね。SHAZAMで知って、Apple Musicで即聴かせるという誘導は良い方法だよね。

脇田：SpotifyとAppleが音楽プラットフォームのトップを狙って、しのぎを削ってる。しかし、Appleにとって、音楽はコンテンツの一つなんだろうなと思います。ジミー・アイオヴィンやドクター・ドレーが入って始まったApple Musicですが、音楽愛よりは企業としてのApple愛が優先されている印象があります。GoogleやAmazonもそうですが、「コンテンツ」や「データ」ではなく、「音楽」を扱うサービスを期待します。

山口：まあAmazonやGoogleは、one of communication toolsとしてしか音楽を捉えないよ。だからこそ音楽家側が賢く対処しないとね。あと、Spotifyが中国の巨大なIT財閥テンセントや運営するQQmusicと提携を発表したのも驚いたな。報道によると、最初テンセントがSpotifyを買収しようとして拒否されて、提携になったらしい。おそらく、中国はQQmusicで、それ以外の国はSpotifyでという住み分け戦略なんだと思う。

脇田：ストリーミングサービスの先駆者Spotify、まだまだ注目です。

第１位）QQmusicの台頭〜中国音楽マーケットの「出現」

山口：僕にとっては、この10年くらいで最もインパクトのあったニュースです。違法サイト天国で、海賊盤すら誰も買わないと言われた中国に音楽市場が忽然と「出現」しました。2015年12月、ちょうど２年前に中国政府が国家計画で、自国の音楽産業を2020年までに3000億元（約５兆6000億円）にすると発表。日本の10倍以上だからね。大法螺かとも思ったけれど、ああいう国は政府が旗を振ると動くんだね。巨大なIT財閥テンセントがやっているQQmusicが伸びて、月額約170円の有料会員が3000万人いて増え続けている。３年後には日本の音楽市場を追い抜くという分析が一般的だね。

脇田：アジア圏に巨大なマーケットが生れるという明るいニュースですね。国内だけ見とけばいいという、日本の音楽ビジネスの発想が遂に終わりそうな話です。

山口：どの国にも自国語のポップスがあって、それが５割位のシェアを持つのが一般的。残りの５割を洋楽とK-POPとJ-POPが争う構図になるんだけれど、潜在的には日本のポップスが洋楽とK-POPを上回って全然おかしくない。日本政府も「アジアのストリーミング市場における日本のシェアを25%にする」とか目標立てて旗を振って欲しいな。５年後には、朝鮮半島からミャンマーまでの間の音楽市場が日本の５倍〜10倍になる可能性が高い。単純計算で５倍のマーケットの２割がとれたら、日本の音楽市場が二倍になるということになる。これは凄いことだよ。

脇田：新しいアジア市場でJ-POPが洋楽やK-POPを上回るのは大変そうですね。

山口：このままの状態では全然ダメだろうね。でも潜在的にはJ-POPが一番だと思っている。理由はアジア人とは感覚的に共通する部分があり、その上で多様性と文化的な奥行きがあるから。ストリーミングサービスって、いわゆるロングテールが長い、多様な音楽が存在できるサービスだから、日本のポップスの歴史と多様性が活きるんだよ。世界的に見ても日本の歌謡曲〜J-POPの歴史は豊富で多様な過去作品もある。文化大革命で切れてしまい、政府の介入も強い中国とは大きな差があるのは間違いない。この優位性はいつまでもは続かないだろうけれど、今は日本に大きなアドバンテージがある。K−POPは特定ジャンルでは優れた作品力があるけれど、多様性には欠けるからね。あとアジアには、感傷的なメロディや「歌謡感」みたいな共通性もあるから、ストリーミングサービスがきっかけで、ミャンマーで山口百恵の曲が大人気みたいなことが起きても不思議はない。

脇田：懐メロのカタログビジネスを海外展開するわけですね。

山口：日本のレコード会社は、ともかく全カタログにメタデータを付番して、全サービスに許諾することを最優先でやるべきだよ。そして１年間位再生データを追いかけて、人気の出そうな曲を、その国の歌手にカバーしてもらうように働きかける。それだけで大きく儲かる可能性が十分にあるんだから。
　これまではレコード会社は宣伝資金力も含めた、新曲のマーケティング力がシェアを決めてきたけれど、これからは旧譜も含めたカタログ力がレーベルの優劣を決めるようになるかもしれないね。

脇田：才能と資金が集まった20世紀のJ-POPの遺産を活用して世界に出よう、と。夢があるような無いような。。たしかにストリーミングは多様な趣味趣向に対応できますので、渋谷系の時代にマニアックなレコードを掘ってコンピが作られたようなニッチな現象がJ-POPで起こることはあるのかもしれませんね。

山口：僕はアジア各国の文化的な状況は「渋谷系前夜」って感じだと睨んでる。もう少しで、洗練されて様々な音楽ジャンルを包括した都市型ポップスが各国で生まれる可能性を感じるんだよね。そうなると日本人クリエイターの活躍のチャンスが広がると思う。
　ただ、実は一つ衝撃的な事実があるんだ。中国はコンサートチケットも含めて、全てのサービスがスマホで完結できるはず。ストリーミングサービスで好きになった楽曲のアーティストのコンサート情報を調べて、チケットを決済して、コンサート会場にスムーズに入場して、ライブの感想をSNSに投稿するみたいなことが、ノーストレスで自分のスマホでできる。でも、日本人アーティストのコンサートを観たいと彼らが思っても、外国語の情報はない、決済できない、電子チケットも遅れている、会場などの情報も平準化されていない、、、、。日本はアジアの中で図抜けて、不便で遅れた国になっているという現実があるんだ。これは「このままだとそうなっちゃうよね」ではなく、まだ顕在化してないだけで、「既に今そうなっている」アジアの中で少なくとも音楽分野においては、ITが一番遅れた国になっているのが、現実なんだよ。メチャメチャ悔しい。
　そんな状況でワッキーは、中国市場でどういう勝負をしようと思う？

脇田：K-POPは、インターネット以降のグローバルな展開が可能な時代に、ヒップホップベースの世界主流の音楽スタイルでネットを駆使して、日本をはじめ国外の市場を攻略した。それは得意な特定ジャンルというより、世界の主流フォーマットで勝負したんだと思います。スウェーデンのポップスも同じ。中国のような海外市場で洋楽、K-POPと競うというのは、この主流フォーマットに挑戦し、もがいていくことなのかなと思います。
　ここ数年、いくつか中国の音楽ビジネス関係者と会ったりして、実際管理楽曲がレコーディングされ中国のレーベルからリリースされたりと、仕事が実現したこともありました。彼らが日本に求めるのは、機材やエンジニアの技術の高さやサウンドクオリティでした。音楽的には歌謡曲はダメ、ループするダンスミュージック前提。これはJ-POPとはズレがある。ではどう勝負するかというと、高い技術とクオリティを持って、世界フォーマットに乗せて、オリジナリティを発揮することでしょう。ぜひ、そういうアーティストを発信していきたいです。

山口：僕は、2006年にタイのバンコクでオーディションして16歳の美少女ボーカリストを選んで日本人と組ませてデビューさせたり（Sweet Vacation）、インドネシアのロックシンガーAiu Ratnaを日本で活動させたり、アジア市場を意識したプロデュースを先駆的に挑戦してきたつもりだけれど、今、中国、アジア市場を視野に入れてアーティストをデビューさせるのは、自信が無いのが正直なところ。成功させる方法論は見いだせるとは思うだけれど、それを達成し切るまでの資金を集める自信が無いんだ。日本の音楽業界の資金調達システムがヘタリ過ぎているからね。
　音楽業界の内側では「ともかくアジア市場開拓です。それ以外やることないでしょ？」と啓蒙活動しているけれど、「音楽プロデューサーとしての山口哲一はどんな風に何を取り組むんだ？」と１年くらい悩んできた。2017年末現在の僕の結論は、「Jポップ流の音楽クリエイター育成法をアジアに持ち込んで、日本人作家とのネットワークも作って、アジア音楽シーンを席巻する」なんだ。５年間取り組んで結果が出始めているプロ作曲家育成の山口ゼミの仕組みを中国、台湾に持ち込んで、日本人作家とコーライティングさせて、アジア中の音楽市場を攻めるという取り組みを２〜３年かけてやろうと思っている。中国企業との協業はリスクが高いけれど、人間同士の信頼関係がちゃんと作れれば中国人は頼りになるというのもあるしね。来秋に山口ゼミ上海校、台北校をつくるべく動き始めたところ。３月には既に活躍している中国、台湾のプロ作曲家を呼んで、真鶴でコーライテイングキャンプをやる予定なんだ。

総評）時代はおもしろくなってる

脇田；振り返ってみると、時代はおもしろくなってる気がしますね。すごいスピードで変化する中国とアジア市場にアンテナをはっておかないと。ダイナミックな時代の到来を期待したいです。

山口：前著『新時代ミュージックビジネス最終講義』にも書いたけれど、今は「ITサービスがわからないと音楽ビジネスができない時代」になっている。15年前までとくらべて、一番変わったことって、マネージャーやプロデューサーが「マネタイズポイント」まで考えなければいけなくなったこと。以前はCDなどパッケージを幹にした生態系がよく出来ていたから、「良い曲作って、多くの人に広める」ということだけ考えておけば、お金は自然に入ってきて、回っていったけれど、今は、ITベンチャーが、無料アプリユーザー100万人いても倒産することがあるのに似て、ちゃんとマネタイズのタイミングと方法まで自分たちで考えなければいけない。そう思わない？

脇田：同感です。一方、いくらマネタイズのノウハウを持っていても、曲のヒットとアーティストのブレイク無しでは儲からないのは昔と同じ。新時代のネットやITのノウハウもマストだし、伝統的なマネージメントや育成のノウハウ、も知るべき。両方必要。

山口：テクノロジー活用は、マネタイズとプロモーション（ユーザーとのコミュニケーション）に加えて、テクノロジーを活用して表現そのものも変わらないといけない。去年から始めたTECHSは、クレイジーなくらい大変なイベントだけれど、プログラマーとアーティストが真剣に向き合ってライブステージを作っていて、熱量はすごく高い。大変だけれど「TECHS」も続けようね。

脇田：ニューミドルマン養成講座の有志がTECHSのWEB SITE「TECHS.media」を盛り上げてくれたり、私たちの取り組みに賛同してくれる人も増えてきています。この記事に興味を持った方や、音楽の仕事でおもしろい事やろうと思ってる方は、ぜひ、講座に参加してほしいです。

山口：それからミュージシャンズハッカソンをやってきたチームで、世界的な音楽ハッカソン「Music Hack Day Tokyo 2018」を２月にやります。日本でMHDやるのは３年ぶり。プログラマー、デザイナー、ディレクターは是非、参加してください。

●ニューミドルマン養成講座公式サイト

●TECHS.media
●TECHS3＠SuperDeluxeダイジェスト動画

●Music Hack Day Tokyo 2018 公式ページ

2017年音楽業界　重大ニュース振返り

2017-12-19T13:17:00.001+09:00

＜2017年重大ニュース〜日本の音楽業界篇＞
第１位）チケット二次流通問題、音楽業界の主張が認められる
第２位）SMAP解散、ジャニーズ脱退メンバーの活躍
第３位）安室奈美恵引退＋初週ミリオン達成
第４位）逃げ恥・恋ダンス現象
第５位）AbemaTVが注目される
圏外）JASRACが音楽教室から著作権料徴収で物議を醸す
圏外）avexがブルーノ・マーズと契約

　今年もブログはたまにしか書けずに、年末になってしまった。1年間の振り返りを、9月に僕が監修して、初の著作『ミュージシャンが知っておくべきマネジメントの実務』（リットーミュージック）を出版したワッキーこと脇田敬くんとの対談型で、やってみようと思う。

山口：ワッキーにとって今年は初の著作が出版されてエポックな年だったと思うけれど、何か変化はありましたか？

脇田敬

脇田：裏方である自分が、著作という形で人前に出るというのはちょっとした覚悟が要りました。これからもいいアーティストや作品を世に出すために仕事し続けると同時に音楽ビジネスの基礎をオープンに知ってもらうことで、もっともっと音楽を元気にしたい、世の中を明るくしたいと強く思いました。

山口：ワッキーの性格がよく出ていて、微に入り細に入り、音楽ビジネスの実務について、「痒いところに手が届く」本だと思うよ。これからの音楽業界のバイブルになると思う。
　では、ニュースを順に解説していきましょう

第5位）Abema TVが注目される

山口：ワッキーが推したニュース。サイバーエージェント✕テレビ朝日のインターネットテレビ局だね。

脇田：フリースタイルのヒップホップバトルの番組「フリースタイル・ダンジョン」のヒットに続き、亀田興毅に挑戦する企画もバズったAbema TVが元SMAPの3人の72時間番組を発表、ヒットを連発したのには驚きました。ネットと地上波テレビが手を組んで番組を発信する成功例が生れつつあるわけですね。

山口：サイバーエージェントの藤田社長が、赤字でも投資を続けると宣言して
話題になってたね。サイバーエージェントという会社はIT企業の中で特別の存在で、素敵だと思う。

脇田：女性社員が綺麗だからですか？（笑）

山口：俺もう合コンとか行かないから、それはよくわからないんだけれど（笑）。若手への権限委譲が進んでいて、AWAも30歳前半の小野さんが責任感を持って仕切っている。スマートフォンにおけるUI（ユーザーインターフェース）が優れているサービスがサイバーエージェントの特徴だと思うだけれど、何より若手社員が明るくてポジティブだよね。

脇田：IT企業がヒットコンテンツを連発するという点で画期的かと思います。

第４位）「逃げ恥・恋ダンス」現象

山口：TBSの人気ドラマ『逃げるは恥だが役に立つ』で、主演男優でもあった星野

源の主題歌「恋」を使ったYouTubeでのユーザー巻き込み型PR。番組のエンディングで俳優陣がダンスをしていて、その真似をユーザーにさせることで、番組や楽曲のプロモーションにもなったという現象だね。あくまで期間限定の許諾ということで、その後、ビクターが削除要請を出したという事件。

脇田：テレビ番組側のユーザー参加動画でバスらせたい！という企画に協力したんでしょうね。結果、その動画に広告を付けるユーザーとか野放しにしてしまった。

山口：まあ、そうだけれど、星野源という、小劇場演劇の俳優でもあった、カウンターカルチャーの人が、地上波テレビの連続ドラマで今をときめく新垣結衣の恋人役をやり、主題歌をやり、どちらも大当たりしたというめでたく、素晴らしい話じゃない？

脇田：星野源というアーティスト、「逃げ恥」というドラマが売れた、という点ではよかったということなんでしょう。ただ、最初からHPで期間限定だと言ってましたので、有言実行、騙したわけではないよ、という言い分なのだと思います。

山口：それが間違っているよね？

脇田：間違っているのか、わかりませんが、「英断」みたいに言うのは、ちょっと、、。

山口：実際の舞台裏は知らないんだけれど、まあ、アーティスト側にメリットが大きい結果を産んで、レコード会社の姿勢が変わることを期待したんだけどね。だってこのまま黙認してもいいじゃない？

脇田：今までYouTubeでの楽曲使用についてはしっかりブロックしていたのを、この曲に関しては解放したわけですよ。特に説明もなく。そうすると、巷に公式音源を無許可で使用したダンス動画が溢れるわけですよね。それで、今まで楽曲の二次使用は悪いことだと思って従ってきたユーザーが騒ぐわけです。「動画に勝手に音源使ってる人がいます！」と。それを見てビクターがHPに声明を出したわけです。「期間限定で許可します」、みたいな。で、番組が終わり、DVDやブルーレイが発売されたタイミングで、プロモーション期間も終わったので、「楽曲使用許可は終了ですよ、削除してください」、という流れなのかなと思います。

山口：変な前例を作りたく無いという、その考え方がおかしいと思うんだよね。僕の指摘したいポイントは２つ。まず、ファンとアーティストのエンゲージメントに水をさしたこと。この番組で星野源を知って、好きになった人もたくさんいると思うんだ。嬉しくて踊った自分の動画を削除しろって言われるって、気分悪いでしょ？ファンの星野源との幸せな出逢いを不愉快にさせるのは、一番やってはいけないことだと思う。

脇田：ドラマのエンディングのダンスを見て、動画をアップした人もそうですが、今までアーティストや原盤者の権利を守るために二次使用はしてはいけないと、ネットで自由に音楽を楽しむことを我慢してきた人とのエンゲージメントも大事にしたいですね。

山口：本当だよね。２つ目のポイントはコンテンツホルダーとしてもっと胸を張って、上手に権利行使をして欲しいということ。威張ってちゃいけないけれど、「本来は弊社の音源を使って、YouTubeに上げることは著作権的にNGです。ただ「恋」については、出来事として素晴らしいので、特別に許諾します」っていう態度で良いと思うんだよね。メリットしか無いでしょ？　今だにYouTubeに音源があったら、CD売れないみたいに思っているとしたら、時代錯誤過ぎるよ。科学的に証明されていることを信じない迷信な感じ。

脇田：コンテンツID登録をすれば、ブロックできる、または使用を許可し、音源を使用した再生には広告がつき、収入となる。ビクター音源は、基本、前者を行なっている。しかし、「恋」は、このどちらも行なわなかった。山口さんが言うように、YouTubeに音源があればCDが売れないという考えもあるかもしれないし、もう一方で、YouTubeのやり方や掛け率にも不満があり、納得できない、そこには乗りたくないという考えもあるのでしょう。以前、ロックバンドのくるりの英詞動画が、アメリカ等の国で再生されなったことがあります。これは、ビクターがYouTubeの有料動画再生「RED」への動画提供を拒否したことで起こりました。一方、YouTubeに積極的なavexは、海外アーティストが行なうようにコンテンツID登録を行ない、二次使用を許可し、使用動画の広告収入を得ている。

山口：「PPAP」（ピコ太郎）を当てたavexとは根本的にスタンス違うと？

脇田：両社の立場の違いはおもしろいですね。どっちが正しいとは言えませんが、avexは進んでいる。そして立場が明らか。ビクターは説明がわかりにくいというか、立場の取り方がわかりにくかったというべきか、、。星野源作品の音源、画像、映像など、すごく素敵ですばらしいし、そこになんだかわからないWEB CMを付けたくないみたいな心理もあるのかもしれませんけどね。

山口：YouTubeというサービス上でたくさん音楽が使われているのに、アーティスト側への分配率が低すぎるという、いわゆる「Value gap」問題があるのはわかります。むしろYouTubeは使わないというポリシーでやるアーティストがいても良いと思う。けれど、日本のレコード会社が、YouTubeには渋々動画を出して、Spotifyでは配信しないとかは、論理的に破綻しているなと思うんだ。

脇田：そこは強く言いたいですね！　YouTubeに屈しないビクター、繊細な作品性にこだわるビクターには、音楽に理解ある姿勢を明らかにしていて、分配もYouTubeより遥かに多いSpotifyにアップしてほしい（最近、サカナクションやくるりは配信された）。
この辺りのYouTubeの分配の話、Value gap問題は、今度ニューミドルマン養成講座にゲストで来て頂く、NexToneの荒川（祐二）さんにも聞いて勉強してみたいです。さらにもっと言えば、ビクターの話も聞いてみたいです。今回の星野源の案件では、いろんな事情があったのだろうと思いますが、もっと深く考えられてると思うんですよね。

山口：荒川さんは合併前のJRC社長時代からITサービスはきちんと研究されてました。実は、僕にSpotifyのサービスを教えてくれたのは荒川さんだからね。ニューミドルマン養成講座では何度か講師をお願いしているけれど、今回はYouTubeとの向き合いについて掘り下げて訊きましょう。

脇田：こういうキーパーソンのお話を直接聞けるのは、めちゃめちゃ楽しみです。

山口：さて、第3位に行く前に２つほど。

圏外）avexがブルーノ・マーズと契約

脇田：avexがブルーノ・マーズと全世界での音楽出版契約を結んだと発表されました。前年のピコ太郎のヒット、NexToneのYouTube再生数に応じた分配の発表などに続いて、大きなニュースでした。新社屋も完成したavexグループが何を仕掛けるか注目です。

山口：avexという会社は、日本の音楽業界を変えていく存在で素晴らしいと思うんだ。決してお行儀が良い会社では無いけれど、新しいことに挑戦していく姿勢で業界が引っ張られていく感じがする。ワッキーはマネージメントの立場でavexと仕事した経験あるよね？　どんな印象？

脇田：一言で言えませんが好きな会社です。mu-moや映画事業、フェス事業、海外進出、いろんなチャレンジが今のavexを作っている。その時は「何やってるんだろう？」と思いましたが、ここ数年、不可能だと思われていたことを可能にしていく姿を見て、ああいったチャレンジが今に繋がっているんだなと感心します。

山口：なるほど。ただ、今回のブルーノ・マーズは、本当に投資に見合う回収があるのかは疑問で、心配だな。アメリカ音楽業界にどんな戦略で切り込んでいくのか、訊いてみたいと思ってる。

脇田：そういう社風なんでしょうね。『レッドクリフ』や「a-nation」、数々の新人アーティストの売り出しとか、回収できてない投資は過去にも沢山あったでしょうから。そういえば、アジア副社長高橋俊太さんはニューミドルマン養成講座を受講された方だし、講師で来てくださった伊東宏晃さん（エイベックスマネジメント前社長）など、ゆかりの方は多い会社ですよね。テクノロジーにも積極的です。

山口：僕らが3年やってきたニューミドルマンラボの活動も面白いネットワークになってきているよね。これからが楽しみ。

圏外）JASRACが音楽教室から著作権料徴収で物議を醸す

山口：かなり話題になったニュースなんだけれど、あまりにも非生産的な話なのであくまで圏外扱いかなと。ワッキーはどういう印象？

脇田：困りますよね。音楽ビジネスの柱である、著作権管理の最大手団体、JASRACの存在によりミュージシャンはメシが食える。そのJASRACが、世の中を敵にまわすような誤解の種をバラまいている。「『カスラック』とか言ってる奴音楽聴くな！」ぐらい言って擁護したいところですが、当のJASRACに世の中を味方に付けようという意志が感じられないです。

山口：70年の歴史があるということは、インターネットはおろか音楽がデジタルになる前から著作権の徴収分配をしているということ。様々なルールやノウハウを積み重ねてきているから、それがネットに簡単に適応できないのは、仕方ない部分もあるよね。ただ、今の時代はテクノロジーを使えば100%に近い透明な分配ができる時代だから、そこに鈍感なのはよくないと思う。「これからは音楽教室から著作権料徴収します」という時に、明快で透明な分配方法を明示できなければ、ユーザーも事業者も納得しないのは、当然。でも、問題は事務局じゃなくて、JASRACの理事会なんだ。
選挙で選ばれる理事の2/3が作詞家・作曲家で、この方々がどれだけネット時代を理解していて、透明性やユーザーからの支持を得ることの重要性を理解しているか？　ここがJASRAC改革の本丸です。カスラックとか言っているユーザーは、JASRACの理事にメンション飛ばして欲しい。まあTwitterやってない方が多そうだけれど（笑）。真面目な話、理事会の意識が変われば、JASRACは変わります。事務局のスタッフはちゃんと勉強しているし、時代の変化を理解している人が多いよ。

脇田：音楽教室側にも問題がありそうです。

山口：そもそも音楽教室もビジネスなので、正義の味方みたいに振る舞って、著作権料を支払いたくないというスタンスはおかしいよね。挙句の果てに、どうみても勝ち目のない訴訟を自分から仕掛けているって、顧問弁護士もセンス悪いよね。例えば、以前ブログにも書いたけれど、音楽教室の著作権料で、JASRAC管理楽曲の楽譜をクラウド管理して、ユーザに使ってもらって、それで使用料いただくみたいな発想で連携すればよいのに。縮むパイを奪い合うのではなく、市場そのものを活性化して大きくする発想が大事だよ。

脇田；海外映画の楽曲使用料の徴収方法を変える問題も軽く物議を呼びました。今年はJASRAC側からの発信も以前より増えましたし、表に出る事によって議論も起こるのはいいことだなと感じました。

第3位）安室奈美恵引退＋初週ミリオン達成

山口：安室ちゃん引退は、ワッキー的にはどうですか？

脇田：一言では語れないドラマを持ったアーティストですよね。日本を代表する国民的ビッグアーティストともなると、ファンはもちろん、関係会社、業界、社会全体に対して、必要としている、いろんな人のためにコンスタントな活動を行なっていくという人生を歩まれていく方が多い。しかしある時期からの安室さんは、そういう考え方とは違う道を歩まれてますね。テレビに出ない、ライブでMCしない、ということで。

あと、この件に関して、もう一つ。2017年を代表するワードを強く印象付けました。それは「引退」です。ハロプロの「ももち」、乃木坂46の「橋本奈々未」、そして安室ちゃんと、「脱退」「卒業」「活動休止」ではない新しいワード「引退」がエンタメ業界を席巻しました。

山口：確かに、アーティストが「引退」って言葉を使うのは久しぶりに聞いた気がする。僕はなにより、ワンピースとのタイアップ曲「Hope」の作詞・作曲・編曲が僕の弟子たちなので、とても喜んでいます。

脇田：CWFですね？

山口：プロ作曲家育成「山口ゼミ」の卒業生によるクリエイター集団「Co Writing Farm」は、最近は、送られてくるコンペをこなすだけでなく、デモを作ってこちらからアーティストに提案するという活動をしているんだ。これからは日本でもこのやり方が主流になると思っている。担当を調べて、A&Rに持っていくと、喜んで聴いてくれるしね。今回も、一期生の安楽謙一が安室奈美恵って言い出して2年位かかったけれど、とても大きな成果があった。

脇田：すごいですね。おめでとうございます。

第２位）SMAP解散、ジャニーズ脱退メンバーの活躍

山口：SMAPの解散は2つの意味でバッドなニュースだったと思っている。40代の成功した男たちの意思決定を80代が覆すという、日本の悪い面の縮図だと僕には見えるんだけれど、それを美談みたいにメディアや政治家が語っているのが醜悪だった。

脇田：SMAP解散に関しての顛末は興味深かったですが、それよりインパクトがあったのが、3人での「新しい地図」と、「世界に一つだけの花」の購買運動ですね。ネットに舞台を移して新しい活動を華々しくスタートさせたこと、ファンがオリコンを舞台に、CDを買うことで意思表示し続けている、興味深いです。

山口：ファンパワーが凄いよね。。だからこそなんだけれど、残念なことのもう一つはSMAPという器があることで成立していた、最高峰にクリエイティブレベルが高いJ−POPが作られなくなってしまうこと。最後にアルバム1枚作って欲しかったけれどね。

脇田：いい作品を沢山生みましたよね。

山口：あと、辞めたマネージャーの方を被害者みたいに言うのも違和感あるんだよね。彼女は、ジャニーズ事務所の中で最もジャニーズ的な強権を使う仕事の仕方が評判の人でしたからね。これからどうするのかお手並み拝見だね。

脇田：SMAP、安室ちゃんの件で、90年代、平成に花開いた国民的エンタテイメントの一つの時代の終わりを感じますが、テクノロジーの進化がもたらす新しい時代に彼らや彼女が生み出せるものは沢山あると思います。

第１位）チケット二次流通問題、音楽業界の主張が認められる

山口：僕の知る限り音楽業界が、提案した社会的な事象が、支持され「勝った」のって初めてなんだよね。素晴らしいと思う。国会も司法も味方にすることができた。びっくりした。私的録音補償金のiPod認定も古くはレコードの貸与権も、コンテンツ制作者側の主張は軽んじられてきました。今回は満点の出来です。

脇田：話が平行線なら、戦うしかないですからね。私たち音楽関係者が大事にしている事について、ああいった会社から理解されなかったのは残念でしたよね。負けられない戦いでした。

山口：チケット二次流通の会社のロジックは、大まかに言うと「アメリカでは普通に行なわれている」「市場主義でチケットも取引するやるべき」という2つだったと思うけど、日本の音楽ファンには馴染まない考え方だったね。
僕が思うのは、アメリカで「ファンに申し訳ないから、あまりチケット代を高くしたくない」って考えるアーティストってまずいないと思うんだ。ビジネスライクな判断をしていると思う。でも、日本のアーティストは、「ファンのために」という考え方をすることが多い。マネージメントってアーティストの考えに寄り添って、それを実現させるって思う仕事だからね。今回もヒップランドの野村達矢さんが先頭に立って汗をかかれていて、素晴らしかった。日本では「コンサートはファンとアーティストの最大のエンゲージメントの場なので、単純な市場主義はそぐわない」という音楽業界側の主張が日本全体から支持されたなと感じているよ。

脇田：「ファンは高いお金を出してでもチケットを入手したいと思っている、だからこういうサービスを行なっているんだ、ファンのためだ」、みたいな論理もありましたね。「ファンのために」みたいな音楽文化への愛情や敬意が少しでもあるなら、もっと解決策を対話できたんじゃないかと思います。これからも、敬意のない乱暴なサービスや企業が現れるでしょう。敬意をもって、理解し合いたいものです。

山口：あと、チケット二次流通会社は、ネットダフ屋撲滅への姿勢も中途半端で、二枚舌な印象を持たれたよね。

脇田：ネットダフ屋を取り締まる法整備が無いのをいいことに、利益を優先して悪に加担したと思われても仕方ないと思います。

山口：個人的にはmixiの経営陣に猛省を促したいな。音楽業界ともつながりの深い中村伊知哉さんは社外取締役を辞任してまで、チケット二次流通サービスについて諫言したのに無視。上場企業が儲かれば良いって考えでサービスやってはだめでしょう？
以前は、mixiのファンコミュニティが機能していて、コンサートにいけなくなるとコミュ内で定価ベースでやりとりしていた。マネージャーはそれを黙認していたって歴史があるじゃない？　まあ牧歌的な時代と言ってしまえばそれまでだけれど、そのmixiの伝統にも泥を塗ったと思うよ。

脇田：これも残念なことです。

総評）2017年を振り返って

脇田：振り返ってみると2017年は、今までにない新しい動きがたくさん見られた年でしたね。CDが売れていた時代のような過去に決別し、何か、重い腰を上げて動き始めた実感がありました。JASRACの件、ビクターの件についても、過去にしがみついて引きこもっていたなら、このような騒ぎにならない。そう考えると未来を感じますね。山口さんはどう思われました？

山口：国際的な視点で言えば、周回遅れな感じもするけれど、やっと日本でも新しい潮流があるのかなと、希望的に考えたいです。

脇田：ニューミドルマン養成講座も新しい仕組みをスタートさせます。マネジメント本も出ましたし、音楽ビジネスに参入する人をどんどん増やしたいです。

山口：ニューミドルマンもコミュニティ化を図ろうと思います。音楽業界の変革を牽引する人がたくさん出てきてほしいです。オンライン＋オフ会のコミュティをベースにして、養成講座は回数やテーマを絞って、年４回やるような形にアレンジしようと。１月からはオンラインコミュニティもフェイスブックグループを使ってα版運用を始めるので、是非、参加して欲しいし、２月に行う音楽ビジネスに興味がある人は、２月に行う「超実践アーティストマネージメント篇」を受講してください！

●ニューミドルマン養成講座公式サイトはこちら
●脇田敬Facebook、Twitter

書籍の著者になって良かったこと

2017-08-12T16:01:00.000+09:00

音楽の仕事を始めてもう30年近くなるけれど、自分が書籍を出版するようになんて思ってもいなかった。インターネット上に本名と写真を晒して、日々発言するなんて1５年前頃までは絶対に有り得なかった。実際mixi日記もブログもやってなかったし、自分の事務所のアーティストのメイキングのビデオや写真にも写り込まないように気をつけていた。裏方の美学みたいなものもあったし、単純に自意識過剰で恥ずかしがり屋なので、避けていた。

　だから、2010年１月からTwitterを始めたことは、人生の最大の事件だった。多分、１月の２日か３日だったと思う。世田谷線に乗っていて「やる！」と決意した時の車窓の風景を何故か今でも覚えている。

　そこからは自分に対してマネージメント、プロデュースの能力をフルに発揮したので、書籍を出すまでの流れ必然的だった。ブランディングや風評リスク、本業へのマイナスなども気にしながら、活動領域を広げていったつもりだ。とは言え、書籍を出すのは一つの大きな節目だった。ふくりゅう君との共著にしたのには、初めての経験で彼に頼りたい気持と、同時に直近のプロジェクトで大きな迷惑を掛けたので、彼の初著作の機会を作ることで罪滅ぼししたいという気持ちもあった。

　さて、今日の本題はここから先のこと。

　僕の最初の著作『ソーシャルネットワーク革命がみるみるわかる本』は2011年の３月刊行予定が延期になった。最終的には震災がダメ押しだったんだけれど、その前から出版社の雲行きが少し怪しくなって、「より良い内容で良い形で出すために」という理由で延期が決まった。

その話を僕に伝えてくれる時の編集者の態度を見て気づいた。「これ、俺が普段やっている役回りの仕事だ」と。「事実は正確に伝えなければいけない。中途半端に誤魔化すことはしない。でも相手が少しでも前向きに捉えられるように、ポジティブな側面をきちんと伝える」なかなか難しい役割なのだ。編集者の僕の気持を気遣う態度に感謝した。
　そして、一番驚きだったのは、自分がとても不安になっていることだった。
　逆の立場だったら「よりベターな方法を選んでいるだし、１〜２ヶ月遅れることなんて、大したことじゃない」と思うのに、著者の立場になると「もう出版できないのではないか？」と不安になるし、自分が否定されたような気分に落ち込んでいく。

　痛感したのは、アーティストってこんな風にどうしようもなく不安なんだなということ。アーティストマネージメントの仕事を長年やって、よくよくわかっていたつもりだったけれど、これまで関わったアーティストに対して「ごめん、、。俺、わかってなかった。」謝りたい気持だった。もちろん、言っても副業な僕の著作と、全エネルギーを注ぐアーティストでは不安の程度も違う。今後はもっともっと気遣って優しくしなくちゃと思った。同時に確信したのは「やっぱり、アーティストの立場に居てスタッフに感謝の心を持てない奴は人間のクズだな」ということ。自分の育て方が悪かったという悔恨を伴った経験は、セミナーなどで本格的に人材育成に取り組むようになって糧となっていると思う。その時気遣ってくれた担当編集者は古い付き合いというのもあったけれど、心の底から感謝した。その気持は一生忘れないし、彼のためならできることはなんでもしたいと今でも思っている。
　「最初に井戸を掘ってくれた人のことを忘れない」ができるかどうかで、その後のその人の人生は変わっていく。そんな例を何度も見てきた。

　著者というアーティストとニアリーの立場を経験したことで、音楽プロデューサー、アーティストマネージメントとしての自分の仕事に奥行きが出たらいいなと思う。

　こんなことを思い出しているのは、同業の後輩、ワッキーこと脇田敬の最初の著作『ミュージシャンが知っておくべきマネジメントの実務〜答えはマネジメント現場にある!』の監修をしているからだ。発売が決まって、書籍の情報がAMAZONに載り、同時並行で文章の校正と図表や後書きなど細かなことを詰める作業をしている時には、いろんな不安がよぎっているだろう。打合せをしている脇田の顔を見て、６年前の気持を思い出した。彼も著者になるという経験を糧にして音楽プロデューサーとしても成長してくれると思う。

アーティストマネージメントの実務を微に入り細に入りその意味と具体を説明しているこの本は、業界で仕事をしている人なら誰でも知っている暗黙知を言語化するという作業で、拙著ではクリエイター向けに音楽業界の成り立ちを伝えた『プロ直伝！職業作曲家への道』と似ているところがある。全てが可視化されて、情報が隠蔽できない時代に、長く続いている音楽業界の慣習を、そもそもの意味から紐解いて言語化して公開するのは重要な作業だ。若い人が全てを盲目的に業界慣習に従う必要は全く無いけれど、知らずに損をしない方が良い。音楽業界の良き部分を語り継ぐという意義もある。もちろん時代遅れになった慣習は変えていかなければならないけれど、そのためにしっかり知っておいたほうが良い。
　自立心を持ったDIYミュージシャンと音楽業界で働きたい人、そして音楽業界とこれから仕事をしようとしている人にも有益な本なので、是非、読んでみて欲しい。

　ちなみに、この本はNEW MIDDLEMAN BOOKSシリーズの第二弾で、脇田曰く「ミュージックビジネス最終講義が設計図だとすれば、本書は現場マニュアルだ」とのこと。お陰様で重版されている『新時代ミュージはックビジネス最終講義〜新しい地図を手に、音楽とテクノロジーの蜜月時代を生きる!〜』も改めてチェックして欲しい。もう約２年の出版になるけれど、ここに書かれている課題と分析は、（残念ながら）2017年現在もほぼそのまま有効な内容だ。

　新しい世代や異業種と連携して、日本の音楽シーンを活性化して、音楽ビジネスを広げていくことは、僕のライフワークなので、もちろん続けていくつもりだ。10月１日(日)は、デジタルコンテンツ白書の音楽部分のエキストラ解説と『ミュージシャンが知っておくべきマネジメントの実務』の出版記念のトークイベントを予定している。ニューミドルマンラボの活動の一環として、ラボメンバーやゲストもお招きするつもりだ。詳細発表はもう少し先になるけれど、無料イベントになる予定なので、是非、足を運んで僕らに会いに来て欲しい。

誰がJASRACをカスと呼ばせるのか？〜状況整理と幾つかの提言

2017-06-11T20:03:00.000+09:00

音楽教室からの著作権使用料徴収問題が世間を騒がせている。AbemaTVなどのメディアからもコメントを求められることが多くなってきた。以前、本ブログで「JASRAC音楽教室から著作権徴収に関する論点整理」という記事を書いたけれど、その後もあまりにも内向きで、後ろ向きの議論が多く感じている。多少の提言を含めて、改めて本件について言及したいと思う。

●JASRACのガバナンス不全という問題

　ネット上では、「カスラック」と呼ばれることも少なくない。JASRACへの批判や不満は、誤解や無知によるものも多いのだけれど、JASARACが説明責任を果たそうとしないので、どんどん誤解が広がるという側面もある。昨今、ここまで自らのブランディングができていない団体は珍しいのでは無いだろうか？
　改めて言うけれど、JASARACは、日本の音楽業界に大きな貢献を果たしてきている団体だ。日本での音楽著作権の徴収分配は世界的に高い水準で行われてきた。過去10年以上約1100億円の著作権料を徴収し、作詞作曲家に分配し続けている。
　ただ、歴史が古いということは、ルールを決めた時期が古いということで、そのルールのアップデートがインターネットとデジタルの時代に追いついてないことは事実だ。一言で言えば、透明性が足りない。そこが批判の一番の原因だろう。そこから「悪の権化」のようなJASRACのイメージが拡散されている。実態は、JASRACの事務方は、正義を持って、真面目に仕事に取り組んでいると思う。ただ、その「正義」がもうカビが生えていて、その自覚が薄いことが問題なのだ。

　今回の騒動でも、僕は「JASRACが全音楽教室にセンサーを取り付けて全データを集めて徴収分配するという姿勢なら、断固支持する」と何度も言っている。実際は分配コストが高すぎで難しいのはわかるけれど、その位の姿勢じゃないと世の中からは認められないという認識をJASRACに持って欲しい。

　認識が甘い理由は何か？理事会が機能不全なのだと僕は思う。役人が国会議員や大臣の方を見て仕事をするように、JASRACの職員も理事を見て仕事をするのは止むを得ない、というか当然だ。彼らは職業的良心に則って真面目に仕事をしてくれていると思う。理事会に、音楽家から信頼され、ユーザーから支持されないとJASRACという団体は存在できないという意識が足らず、既得権益のように思ってしまっているのではないか？デジタル時代は、全量報告で完全透明な徴収分配が技術的に可能なのだから、透明性を担保しないと社会的に許されないという認識を持つべきだ。おそらくJASRACの理事会にその理解は無い。
　JASRACの理事の2/3は作詞家作曲家の代表で、会員作家からの選挙で選ばれている。個々人の方はよく存じ上げない。もちろん見識のある方もいらっしゃるのだろうけれど、僕に見えてくるのは悲惨な有様だ。デジタルに対する理解も、日本社会、産業界への貢献という意識も感じられない。
　政府も、音楽教室からの著作権徴収を認めるような見解を出す前に、JASRACのガバナンスを改善する要望を出すべきだと思う。理事会の2/3が作詞家作曲家という組織の構造が音楽ユーザーから意識が離れる元凶になっている。理事選任の方法から考え直すべきだろう。
　選出方法を変えるのに時間がかかると言うのなら、すぐにできることがいくつかある。まずは情報公開だ。JASRACの内部で語られたことや、使用者団体との交渉経緯をしっかり公開するのだ。ニコ生で生中継しろとまでは言わないが、きちんと議事録公開をすることがユーザーからの理解を得る一番の方法だろう。そもそもJASRACは密談的な交渉が好きなカルチャーがある。事業会社と本音と建前をぶつけ合いながら、お互いの落とし所を探っていき、公開されている使用料規程とは別に細則、補則をつくって対応し、そこは非公開にしておく、みたいなやり方の良さも日本人的な感覚で理解はできるけれど、さすがにもう時代に合わない。

　理事長か会長の直轄で諮問委員会みたいな組織をつくるのも一案だ。事業社やユーザーに近い立場の人から定期的に提言を受けるような形だ。例えば、津田大介君に、3ヶ月に1回意見を聞いて、その経緯を公開すれば、世間からの印象は大きく変わるはずだ。
　音楽業界村の中だけで通用する感覚で運営する時代ではないし、それが許されないくらJASRACの存在は日本の中で大き過ぎると知るべきだ。

●音楽教室業界への提言

　今回は心情的に音楽教室に肩入れする人が多いようだけれど、彼らのロジックも相当、貧弱に感じる。YAMAHAやKAWAIなどがやっている音楽教室は、どこから見ても商売で、少なくも保護を主張するような業態ではない。
　ただもし、JASRACから著作権使用料の支払を求められた時に、こんな切り返しがあったらなら、尊敬できる。
　「JASRACの管理楽曲の楽譜を全てクラウド上で管理するシステムを作って、それに基づいて著作権使用料を払いたい。ユーザーの利便性も上がって、音楽全体が活性化するはずなので、その開発費の半分をJASRACで出してくれないか？」

著作権支分権一覧
引用元：http://www.jasrac.or.jp/copyright/outline/index.html#anc05

　音楽教室から著作権を取る根拠に、演奏権のルールを当てはめているのは、個人的に「筋が悪い」と感じている。楽譜出版の支分権準拠にして、クラウド上の楽譜使用のアクセス権型に読み替えて、著作権使用料を取る方式が、音楽教室というビジネスの利用実態に近い。著作権法の運用という意味でもスマートなやり方だと僕は思う。
　音楽教室に通うユーザーも、タブレットや家のTVで楽譜が自由に見ることができるのなら、レッスン受講料が少しくらい上がっても納得してくれるかもしれないし、そもそも別料金で楽譜使用に関する著作権使用料を徴収することも可能だろう。
　このような音楽市場を活性化する発想をそれぞれの立場から出し合って欲しい。著作権を払う払わないだけの話は醜悪だし、後ろ向きだ。時代に即した新サービスをスタートアップと組んでやる位のフットワークの軽さと発想の柔軟さを持っていたい。

　他にも、おさえておくべきポイントを２つ加えたい。

●NexToneの存在が貴重

　日本の第２JASRAC法人二社が昨年合併してNexToneという会社になった。この会社は、前述の透明な分配の重要性を理解しているし、デジタルサービスを研究し、海外事情にも精通した経営陣による会社だ。
　JASRACを批判していて、NexToneを知らない人は、是非、ウォッチして欲しい。いわゆる第２JASRACと言われる会社の存在があることで、これまでJASRACの改革が進んできたし、今後、NexToneの影響力が増すことが、日本にとってプラスだと僕は思っている。

●そして最後は、ブロックチェーンの時代になるんだよ。

アーティストへの適正なロイヤリティ支払いのため、Spotifyがブロックチェーン開発のMediachainを買収（「TechCrunch Japan」より）

　Spotifyがブロックチェーンの会社を買収して話題になっている。いずれにしても近い将来、音楽著作権の分配の仕組みにブロックチェーンが使われるようになることは間違いないと言っていいだろう。インターネットの世界は様々な分野を「民主化」してきたけれど、音楽著作権の民主化を担うのがブロックチェーンだ。普及するには10年以上かかるだろうけれど、クリエイティブ・コモンズで提唱された音楽家主導の音楽流通が商業化できる時代がきている。ルールが曖昧なことが障害になっているリミックスや二次創作も活性化されるだろう。
　そして、ブロックチェーン到来の時代は、著作権の集中管理の有効性そのものが問われる時代だ。そういう意味で今のJASRACは２周遅れを走っているランナーのような状態なのだ。組織としてもっと危機感が必要だ。

　こんな環境下で今やるべきことは、大きく変わった市場環境に対して、新しいテクノロジーを使って、新たな産業を創出、市場を活性化することだ。今あるパイの取り合いにエネルギーを使っているのは無駄で無益なことだ。そんな余裕は今の日本の音楽業界には無いはずだ。JASRACも音楽教室側も日本政府も未来志向で考えて欲しいと心底、願っている。

関連投稿
●「JASRAC音楽教室から著作権徴収」に関する論点整理

●日本の音楽ビジネスを進化させる、JASRACの対抗軸、NexTone設立の期待

●JASRACの審決取消で、新聞が書かなかったこと。〜キーワードは、デジタル技術活用とガラス張りの徴収分配

コンテンツ＆エンタメビジネスを考えるための必読書紹介

2017-05-05T14:59:00.001+09:00

GWは真鶴町でコーライティングキャンプに参加しつつ、ニューミドルマン養成講座第6期の開講に向けて、資料をブラッシュアップしている。推薦図書をまとめて紹介するのはブログにもアップしようと思いついた。

　前回のブログでも書いたけれど、ニューミドルマンラボの目的は、

時代の変化に合った（できれば先取りした）、
次世代の音楽ビジネス（という領域自体を疑いつつ）を
再構築する方法を考え、実践していくこと。
　なので、そんな問題意識がある人にオススメしたい本だ。

『新時代ミュージックビジネス最終講義〜新しい地図を手に、音楽とテクノロジーの蜜月時代を生きる!〜』

　まずは、基本中の基本の拙著。日本で音楽ビジネスに関わる際に知っておくべきことを、2021年までの間に起きることの予見も含めて、総論的にまとめている。僕としては、「一旦、書き切った」という気持ちだ。大学や専門学校の教科書としても使われるようになっているそうで、とても嬉しい。重版が決まった。電子書籍でも読まれているらしい。まだ人は是非、読んでみて欲しい。

『10人に小さな発見を与えれば、1000万人が動き出す』

　実は、必ず読んで欲しい一冊だ。この10年間に起きている時代の変化を、ビジネスパーソン向けに、平易まとめている。扱う分野も、音楽、映像、放送、新聞、出版、自動車、IoT、UGMと章があり、幅広く横断的に捉え、デジタル化による大きな潮流の変化がわかるはずだ。僕が自動車やテレビについて語るようになるとは思わなかった。まさにそれが変化の証左なのだろう。

『最先端の作曲法・コーライテイングの教科書』

　音楽制作、レコーディングについて興味がある人は、一読しておいて欲しい。この本が後押して、日本でもコーライテイングが広まっていった。この延長線上に業界でのプロの音楽の作り方とシステムが変わる予兆がある。5年後に起きるだろうクリエイター主導の音楽制作について、この続編をそろそろ書きたいと思っている。

『世界を変える80年代生まれの起業家〜起業という選択〜』

　起業を視野に入れている人にはオススメしたい。1980年代生まれの起業が10人のインタビュー集。3年前に書いた本だけれど、すでに何人かは「EXIT」し始めている。この10人に今の活躍ぶりを見ると、僕の審美眼やアクセラーレーターとしてのスキルがあることが証明できるなと、鼻が高い。

以上は、拙著。

ここからは、推薦書籍。

『上を向いて歩こう〜奇跡の歌をめぐるノンフィクション』　佐藤剛

　いろんなところで紹介しているけれど、この本は傑作だ。ビルボード1位をとった「SUKIYAKI」誰もが知っている「上を向いて歩こう」の誕生からヒットの様子を丁寧にまとめたノンフィクション。戦後すぐの日本の芸能界の草創期の様子がよくわかる。著者は尊敬する業界の先輩だ。THE BOOM「島唄」やiTunesでUS一位になった由紀さおりさんのジャズアルバムなどをプロデュースされている。その後も、執筆活動を意欲的にやられているので楽しみにしている。

『少女時代と日本の音楽生態系』(日経プレミアシリーズ) 　三浦文夫

　関西電通時代にradikoを生み、今は関西大学教授の三浦さんは、時折、情報交換をさせ
ていただいている。以前ニューミドルマン講座の講師もお願いしたこともある。日本、韓国、アメリカの音楽業界事情を、ビジネス論と文化論を上手に交えながら分析している。

　業界側の人が音楽ビジネスについて書くと、浅薄になり、認識の間違いがあるケースが多いんだけど、この本は見事に的を射ている。

『儲けたいなら科学なんじゃないの？』　堀江貴文 (著), 成毛眞 (著)

　この本は一読を薦めたい。Technologyが時代を先導している昨今、科学について俯瞰した視点と、常識を持つことは重要な事がよくわかる。僕も刺激を受けた本だ。
　著書が多い、ホリエモン本の中でも格段に意義のある本だと思う。
元マイクロソフト日本代表の成毛さんは、時代に即した見識を持っている。彼らの話を聞いて理解できるように、自分のアンテナをチューン・アップしておく必要がある。

『アメリカ型成功者の物語―ゴールドラッシュとシリコンバレー』 (新潮文庫) 　野口悠紀雄

『超整理法』などの実用的なベストセラーと、先駆的な経済学者の2つの顔を持つ筆者の両面が活かされた名著だと思う。カリフォルニアの150年前のゴールドラッシュと、近年のシリコンバレーの隆盛を重ね合わせている。読み物としても面白い。

　歴史が教えてくれる事象のエッセンスを学ぶための方法というのがわかるようになる。

『著作権とは何か―文化と創造のゆくえ』 (集英社新書) 　福井健策

　著作権の基本を学ぶ本として、一冊上げておきたい。筆者は知財の弁護士で、ポジションは中道左派的。リベラルだけれどバランスがとれた主張をする人だと思う。リットーミュージ行くから出ているロングセラーの『よくわかる音楽著作権ビジネス』シリーズは、音楽家側の立場に寄りすぎていて、権利ばかりで、義務、責任に関する目配りが無いので、薦めない。これを若い音楽家が真に受けると、勘違いして損をすると心配だ。

『なんでコンテンツにカネを払うのさ？〜デジタル時代のぼくらの著作権入門』　岡田斗司夫、福井健策

　オタキングこと岡田斗司夫さんは、著作権に関しては、極左的過激派だ。僕ら権利ベースのビジネスをする職業から見ると、明らかに「敵」だけれど、その論理には見るべきものがある。インターネットが主流になった時代の本質を付いている。この本を読んだ時に、『だからコンテンツにカネを払うのさ』という本を前期のニューミドルマンラボの講師をお願いした知財とスポーツの専門弁護士FieldRの山崎卓也さんと組んで書きたいと思って、内容を考えているのだけれど、まだ企画書がまとめられていない。クラウド上のアクセス権がビジネスのメインになり、複製権ベースの著作権が有効性を失っている時代の著作権の在り方については、しっかりまとめないといけないと思っている。

『ルポ風営法改正　踊れる国のつくりかた』神庭亮介
　朝日新聞記者による、クラブ摘発問題〜風営法改正に関するルポ。クラブカルチャー側の人々の立場に立って書かれているが、正確な記述でためになる。知己の名前がたくさんでてきているけれど、本当にみんな頑張ってくれて感謝だ。日本の音楽文化にとって大きな貢献をした皆さんだと思う。市民運動的に始まったものが実効性を持つことが少ない日本では、今回の風営法改正は偉業と言えると思う。
　ニューミドルマン講座第一期受講生の齋藤貴弘弁護士の活躍ぶりもよくわかる本。彼の存在はニューミドルマンラボの誇りだ。

未来を予見する「５つの法則」～弁証法的思考で読む「次なる変化」　田坂広志

次世代のエンタメ・音楽ビジネスを育てる講座の名前を「ニューミドルマン」にしたのは、田坂さんの著書＆講演がきっかけだ。
　従来型のビジネススキーム、発想なら不要だけれど、音楽ユーザーとアーティストの間に仕事はあるということを、田坂さんは俯瞰した一般論として論破されていて、膝をたたきまくった記憶がある。感動して「俺ってニューミドルマンだったんだ」と思った時の衝撃が大きく、名乗らせてもらった。前述の『新時代ミュージックビジネス最終講義』では、対談もしていただいて、めちゃめちゃ嬉しかった。凄い方だった。後付だけれど、「ニューミドルマンラボ」を名乗るご許可もいただいた。田坂さんの本はどれも素晴らしいけれど、「社会は螺旋状に発展する」という視点は本当に卓見だと思う。是非、読んでみて欲しい。

　さて、以下は、今回のゲスト講師の著書。

『ヒットの崩壊』（講談社現代新書）柴那典

　大ヒットになっているようだ。音楽界の現状を業界街の人や音楽ファンに伝えた功績は大きい。音楽編集者から音楽ライターという経歴で音楽が詳しく、大好きな柴さんが脚光を浴びるのは嬉しい。今回の講座では、受講生参加型の仕組みをやりたいと意欲的に考えてくれているようで楽しみだ。
　ヒットの意味や在り方が変わった今、音楽でビジネスをする際に、知っておくべきこと、示唆してくれるだろう。

『職業、DJ、25年沖野修也自伝』

　国際的に活躍するクリエイターであると同時に、実は優秀なビジネスパーソンという顔があるのを知っているので、今回の講座では「お金の稼ぎ方」について話してもらうつもりだ。貴重な機会になると思う。

　ちなみに、彼の、『DJ選曲術何を考えながらDJは曲を選びそしてつないでいるのか? 』　という本は、音楽とは何か？という本質について考える機会になる名著だ。DJが曲を選ぶhow toの深さが凄い。

『#アソビ主義』中川悠介

　きゃりーぱみゅぱみゅや中田ヤスタカが所属する音楽事務所「アソビシステム」社長の著書。外国人は入場無料のマルチカルチャーなイベント「もしもしにっぽん！」を主催するなど、クールジャパンカルチャーを牽引する旗手である中川悠介さんは、世界における日本人のポジションと今後の展望を語るべき言葉を持っている人だ。

　さて、5月11日から始めるニューミドルマン養成講座第5期「音楽を広める、稼ぐ、その先へ〜日本の音楽ビジネス生態系の再構築を目指して」。まだ申し込みが間に合います。

こちらからどうぞ。

【ニューミドルマン養成講座第5期「音楽を広める、稼ぐ、その先へ〜日本の音楽ビジネス生態系の再構築を目指して」概要】

第1回 2017年5月11日（木）山口哲一「新時代ミュージックビジネスを識るための地図」

第2回 2017年5月18日（木）沖野修也＋山口哲一「沖野流音楽マネタイズ術」

第3回 2017年5月25日（木）柴那典＋山口哲一「ヒットの崩壊の次にやってくること」

第4回 2017年6月1日（木）矢島由佳子+鳴田麻未+山口哲一　キャンプファイヤー「アーティストとクラウドファンドの最適解」

第5回 2017年6月8日（木）ジェイ・コウガミ＋山口哲一「2017年音楽地図」

第6回 2017年6月29日（木）中川悠介＋山口哲一「原宿から世界へKawaiiの先へ」

第7回 2017年7月6日（木）梶望＋山口哲一「宇多田ヒカルPRの秘訣」

第8回 2017年7月13日（木）山口哲一「重要性を増すニューミドルマンの役割」

蛇足：
以前は、読書メモを残していた。最近電子書籍で読むことも増えて、Kindle内のメモで済ますようになってしまったけれど、過去の読書歴をまとめているので、興味のある人はここで僕の乱読がチェックできる。

MediaMaker

「ニューミドルマン・ラボ」で僕が伝えたいこと、出逢いたい人〜2021年に向けてvol.1

2017-04-28T16:54:00.001+09:00

　未来は不確定と言うけれど、今から5年先くらいまで、音楽ビジネスがどうなるかというのは、概ね確定している。わかっている人には自明のことで、あまり語られていないのは、わかっている人の中に、音楽愛が強い人が少ないからだと僕は思っている。

　僕は大学をほとんど行かずに、自分で音楽事務所をつくって、ずーーっと音楽に携わる仕事をしてきている。当たり前のように僕の人生と音楽は不可分な存在だ。業界団体の理事をやらせていただいた経験もあり、日本の音楽ビジネスに対する危機感の強さは誰にも負けないつもりだ。ただ、簡単に変われない理由もわかっているので、業界外の人たちと連携して改革しようというのが2011年頃からの僕の活動だ。

　「日本の音楽ビジネス生態系を再構築して、魅力的なものする」

　僕のすべての活動はそこに集約されている。スタートアップを支援するアワード(START ME UPAWARDS）も、作曲家を育成するセミナー(山口ゼミ/CWF）も、大企業の新規事業やベンチャーへのアドバイザー業も、エンターテックのイベントやメディアの企画（TECHS）も、SXSWでのJAPAN HOUSEも、全てそのベクトルでやっている。その中心にあるのが、「ニューミドルマン・ラボ」だ。

ニューミドルマン・ラボの目的は、

時代の変化に合った（できれば先取りした）、

次世代の音楽ビジネス（という領域自体を疑いつつ）を

再構築する方法を考え、実践していくこと。

　冒頭に書いた、自明となっている近未来については、2015年秋に出した『新時代ミュージックビジネス最終講義〜新しい地図を手に、音楽とテクノロジーの蜜月時代を生きる!〜』（リットーミュージック刊）で書ききっているので、興味がある人は読んでみて欲

しい。そして、そこから1年半経っても、事態は緩やかに進んでいるだけで、想定外のことは何もない。「ニューミドルマン」を最初に提唱した田坂広志さんは「未来は予測はできないが予見はできる」とおしゃっている。ストリーミングサービスでどの会社が勝つかは予測できないけれど、音楽消費の主流がオンデマンド型ストリーミングサービスになること、そのプラットフォームはグローバルサービスであることは確定的、というのが予見で、概ね外れることは無いグローバルな流れだ。

　ここに日本の特殊性が加わる。2020年までは変化せず、2021年に大変動が起きる、という予見も、まあよほどの天変地異でも無い限り外れないと思う。このことは、元旦のブログ「独断的音楽ビジネス予測2017」で詳しく書いたので、興味のある人はそちらを読んでほしいけれど、大まかに言うと、有効性を失いつつある既存の仕組みが、五輪景気で温存されて、その分の反動が2021年に起きるということだ。これは日本の多くの産業に当てはまることだけれど、特にエンタメビジネスには顕著に起きるだろう。

　インターネット以降に社会と文化と産業に起きている変化は、本質的で不可逆的なものだ、それを認めたくない、見たくない人と、ポジティブに対応する人で全く違う未来が見えているのが今の時代だ。

　その変化を音楽ビジネス関連でまとめれば、

・クラウド化＝アクセス権型ビジネスの伸張（複製権ベースの著作権法の限界）

・SNSのインフラ化＝ユーザー間コミュニケーションの可視化

・市場のグローバル化＝国内型モデルの限界

・IoT化＝人工知能、ロボティクスがコミュニケーションの中心になる

というようなことだ。

そして、この変化に伴いビジネスルールは全面的な改訂が必要だけど、音楽そのものの価値は、むしろ高まると僕は信じている。コミュニケーションを促進し、時に強い熱狂を、時に人生を変えるほどの内省を呼び、多くの人と言葉やグルーブや空気を共有する体験は、SNSなデジタル時代にその価値が上がる。

但、もちろん音楽の中身も変容する。電化（トランジスタ）によってロックミュージックが生まれたように、テクノロジーの進化が表現にも大きな影響を与える。例えば、今はVRARと呼ばれている分野の一部は近い将来、音楽と融合すると僕は睨んでいる。「音楽」と呼ばれる事象が拡大していくのだ。

　ここまで読んで共感してくれた人とは、確認したいことが一つある。何が目標で、誰が仮想敵かということだ。

　僕らの目標は、21世紀の日本人が持つ優位性を理解して、日本の文化に根付いたクリエイティビティを活かして、グローバル化した市場で勝つことだ。今、きちんとやらないと、10年後日本の音楽そのものが保護対象の伝統工芸品になってしまう。

　グローバル市場で「人気者」になること（これはコンテンツ輸出とニアイコールだ）と、インバウンド促進で国に貢献することが、今、日本で音楽ビジネスに携わる者が目指すべきことだ。

　仮想敵としてベンチマークすべきは、旧既得権の日本企業ではなく、アマゾン、グーグル、アップルなどの音楽をツールとしてプラットフォームを広げているグローバル企業だ。そしてこの仮想敵への対抗には世界中の音楽家、様々なクリエイター、音楽ファン、

起業家などと共闘が可能だ。

　ただ、あくまで「仮想」敵であって、退治しようとするのではなく、自覚的に対峙するべき対象だ。「敵かもしれない」くらいの警戒心が必要だというのが僕の本意だ。

　ニューミドルンラボでは、既に自明である現状分析、近未来の予見を総論的に共有した上で、各論を議論していきたい。

　そして、各人がやるべきことを見つけて、連携していきたい。2021年まで時間はある、とも言えるし、時間は無いとも思う。

3年前に始めた「ニューミドルン・ラボ」養成講座第6期を5月12日から始める。この講座のモットーは、

・インタラクティブ（一方的に受け取って何かを教わるのでは無く、一緒に考えていく）

・クリエイティブ（ビジネス構造の変化を本質的に見抜いて、新しい方法を考える）

・プラクティカル（机上の空論では無く、行動していく）

　の３つだ。

　今回は、世界的DJの沖野修也にお金の稼ぎ方を訊き、ベストセラー「ヒットの崩壊」の柴那典と崩壊後のことを話し合い、カワイイカルチャー旗手のASOBISYSTEM中川悠介とクールジャパンの真相をえぐり、8年ぶりの宇多田ヒカルの作品を大ヒットさせた梶望に、2017年のプロモーションの秘訣を教わり、All Digital Musicのジェイコウガミに世界の音楽サービズの現状を教わり、CAMPFIREを支える二人の女性(矢島由佳子+鳴田麻未)と音楽とクラウドファンドの未来を考えるという内容だ。もちろんこんな講座、どこにもない。　

　ファーストコールのゲスト講師から全員OKをもらえて、ものすごく感謝しているし、僕自身、とても楽しみにしている。

　是非、この場に参加して欲しい。新たな出逢いを楽しみに待っている。

JASRAC音楽教室から著作権徴収に関する論点整理

2017-02-06T18:04:00.002+09:00

JASRACが音楽教室から著作権を徴収するというニュースが出て、ネット上で話題になっている。　

●音楽教室から著作権料徴収へ　ＪＡＳＲＡＣ方針、反発も　

　アーティストやクリエイターから反対の声も上がっている。

●宇多田ヒカルがJASRACの方針に反対「私の曲は無料で授業に使って」　

●音楽教室から著作権料を徴収する方針に『残酷な天使のテーゼ』の作詞家が反発「音楽を不自由なものにしてはいけない」

　作詞家作曲家や音楽出版社からJASRACに管理が信託されている楽曲については、アーティストの個別の希望を反映することは制度的にできないけれど、アーティストやクリエイターの発言には影響力がある。

　一方で、JASRAC関係者からも発言もあったようだ。

●JASRACの外部理事を務める東大・玉井克哉教授（知的財産法）による大手音楽教室から著作権料徴収についてのまとめ

　いつものことながら著作権のことになると誤解や思い込みによる言説も多いので、僕なりにポイント整理したい。JASRACはネット界隈でパブリックイメージが悪すぎて、正当に評価されていない部分もあり、擁護したい部分もある。

　僕なりにまとめた論点は以下だ。

1）少人数、しばしば1対１の音楽教室で「演奏権」を適用するのが適切か？

　狭く捉えれば、この件のポイントはここになる。ただ法律論になると思うので、弁護士などの専門家の見解を待ちたい。個人的には、無理筋な印象を持っている。

2）音楽教室の音楽ビジネス生態系の効用を認識しているのか？

　当たり前のことだけれど、音楽はファンがいてはじめて成り立つビジネスだ。楽器の演奏を習っているユーザーは、音楽好きが多いだろう。その世界に制約を課すことが音楽ビジネス生態系を俯瞰して見た時に本当にプラスなのか？

　また、例えば音楽教室の先生がJASRAC管理外楽曲を選んで指導することになった場合のJASRAC会員へのマイナスなどへの想像力はあるのか？

　このまま強行すると、クラシックなどの著作権切れの楽曲と、JASRACに預けてない楽曲を選んで音楽教室が行われることもあり得る。縛りすぎると、使われなくなるという構造は理解しておくべきだろう。

３）演奏権の徴収分配がJASRAC独占で、高い手数料が放置されている。

　実業者としては、これを一番強調したい。カラオケとコンサートをセットにしてか信託できず、JASRACが独占状態で高い手数料(23%)が据え置かれているのは大問題だ。JASRACの論理は、田舎のレーザーディスクカラオケの事業社からまで徴収しようとしてコストが掛かっているみたいな話なんだけれど、それなら、通信カラオケ事業社（もう第一興商とエクシングの2社しか無い）の案件の徴収だけに絞るとか、コンサートは自己管理するとかいう「メニュー」を用意するべきだ。

　昨年合併してできたNexToneがまもなく演奏権も取り扱い始めるだろうから、そうすれば解決する方向にいくだろう。JASRACが今の著作権使用料規定を続けるなら、まともな音楽事務所は、演奏権をJASRACの管理から外すことを選ぶはずだ。

　演奏権に関しては、それほど多額になるとは思えない「音楽教室に手を付ける前にやることあるよね？」というのが、一般的な音楽業界人の感覚だろう。

４）JASRACは21世紀のビジョンがあるのか？

　音楽著作権は、既に国際競争が始まっている。音楽視聴がAppleやSpotify、グーグル、アマゾンなどのグローバルプラットフォーマーが中心になっていて、おれまでの国ごとの著作権徴収分配という仕組みが、時代遅れになり始めている。有料ストリーミングサービス、ネットラジオ、YouTubeなどサービスの形態ごとに、著作権と著作隣接権（レコード会社やアーティストの権利）の料率が違うこともあって、パワーゲームでの戦いが実は既に始まっている。そんな中で、日本人の音楽をきちんとビジネスするために、海外でも稼げるためにやるべき課題は大きい。シュリンクする国内市場で「新商品」を無理くり作ろうとするJASRACの姿勢は、「経営的な」視野の狭さを感じて残念だ。

５）著作権信託とは「信じて託されている」という意味

　前述の外部理事の方も、発言自体は正しいけれど、全体的なトンマナに大きな欠如を感じる。それは、JASRACは著作権を「信託」されているという事実だ。信託とは、「信じて託する」という意味で、JASRACに預ければ、正しく徴収し、分配するという信頼があったから、これまで多くの音楽家は楽曲管理を託し、事業社は使用料を支払ってきた。３年に一度（※注）しか変更できないけれど、JASRACから管理を外すことはできる。音楽家と音楽ファンから信頼を得ないと、作詞作曲から信じて託されることがなくなる（管理楽曲が減る）ことを知るべきだろう。今回の騒動は、現在のJASRACの方針にそういうリスクがあることを示したと思う。

　そもそもJASRACの理事会は、2/3が作詞家作曲家が務める（1/3は音楽出版社）高齢作家の方が多く、意思決定が保守的になりがちな構造を持っている。1939年設立だから、インタネットなど関係ない時代に作られたルールが積み重ねられている。著作権徴収分配を「取れるところからできるだけ沢山とって、アンフェアにならない程度に大体で分ける」というカルチャーを持つようになった理由は理解できるが、もう時代が許さない。全曲報告で完全透明な分配ができないなら徴収しないくらいの姿勢（合併前のJRCは実際そういう方針だった。）がないと、今の時代は支持をされないだろう。JASRACのネットユーザーの不信の根っこには、分配が完全透明でないことに起因している。

　JASRACには歴史的に大きな功績があるし、力が弱くなることは日本の音楽家、音楽ファン、音楽ビジネスに携わる者にみんなにとってマイナスだ。時代にアップデートした戦略的視点を持たないと自らが衰退するという危機感をJASRAC関係者は持ってほしい。

●ニューミドルマンラボ
　最後は告知。次世代の音楽ビジネスの活性化と人材育成のために、僕が継続して取り組んでいるいるのがニューミドルマンラボだ。４月１日には、ジェイコウガミ（音楽ブロガー / All Digital Music)、柴那典（音楽ライター / 「ヒットの崩壊」著者）、梶望（ユニバーサルミュージック / 宇多田ヒカル、AI、GLIM SPANKYなどの宣伝プロデューサー）の３氏を迎えた座談会を予定しているので、興味のある人は足を運んで欲しい。間もなく情報公開予定なので、このサイトでチェックしてください！

追記（2017年２月８日）：JASRACからの管理変更は３年に一度に変更になっているとの指摘があったので、訂正します。
また、演奏権の手数料に関してもご指摘ありましたが、規定では26%ですが、実効料率は23%と記憶していたので（こういうわかりづらさもJASRACのよくないところですね）書いています。正確な情報をお持ちの方がいたら教えて下さい。

2016年のエンターテックニュースTOP20＋α

2017-01-02T10:46:00.005+09:00

ブログはできなかったけれど、毎週月曜日の無料メールマガジン「音楽プロデューサー山口哲一のエンターテックニュースキュレーション」は、おおむね毎週発行できた。
　2016年のエンターテック関連のニュースから１年間の極私的TOP20＋αを紹介した、よければまぐまぐから発行しているメールマガジンも読者登録をお願いします！

＜第１位＞
●ノーベル文学賞にボブ・ディラン氏

　ニュースが多かった今年ですが、今年のNO.1は、何と言ってもこれでしょう。歴史に残る大事件ですね。文学というカテゴリーでポップミュージックのシンガーソングライターが最高の栄誉を得たことになります。びっくりですね。

　日本の純文学界の系譜と無縁だった村上春樹が取るのも日本の芸術史的に事件ですが、ボブ・ディランは世界史レベルですね。この後も表彰式を欠席するなど話題を振りまきました。ノーベル賞授賞式より優先される「先約」って何なのでしょうか？知りたいですね。
　そして、こんなニュースもありました。ストリーミングサービスでの楽曲の再生回数が、注目度に関する新たな指標になっています。再生回数がオープンなのもSpotifyの良いところです。
・ボブ・ディランのSpotify再生回数が500%アップ。ノーベル文学賞受賞を受けて

＜第２位＞
●音楽配信のSpotifyが日本参入。広告付き無料版と月額980円の有料プラン

　苦節4年という感じですか、やっと真打登場です。素晴らしいプロダクトなので、必ずや日本の音楽市場を活性化に貢献してくれると思います。関係者の皆さん、まずはおめでと

うございます！！
　Spotifyの登場でやっと日本の音楽サービスも世界標準になります。日本の音楽市場を活性化してくれることは間違いないです。

＜第３位＞
●ピコ太郎「PPAP」が米ビルボード77位松田聖子以来26年ぶりの日本人トップ100入り

　驚きました。YouTubeの破壊力ですね。ただ、今回も様々な形の「カバー」が伝搬力になりました。時代性を感じます。
　YouTubeの再生回数だけでは広告収入の分配があるだけですから、これからピコ太郎がどんな活動をしていくのか注目です。アメリカの地上波TVに進出とかなら面白いですね。
・ユーチューブ：ＰＰＡＰ年間世界２位　日本人歌手で初
　素晴らしい！ですが、過剰評価せずに、このラッキーな現象をピコ太郎がどんな風に戦略的に活かしていくか、注目したいです。

＜第４位＞
●クラブ終夜営業 23日からOK

　偉大なる一歩。関係各位の努力に最大限の賛辞と感謝を捧げたいです、日本のカルチャーを救った皆さんです。女性が接客するお店とDJが新しい音楽を提供するお店の区別が法律的にできたことには意義があります。
　クラブは、萌芽する前の様々なカルチャーがクロスして新しいムーブメントを産むインキュベーション装置です。都市の魅力を高める観光業とにとっても重要です。日本が観光＆文化立国するためにあと10歩位進めないといけませんね。

＜第５位＞
●ＢＡＢＹＭＥＴＡＬ、新アルバムが米配信チャートで一時３位

　アメリカでは日本と違って、ストリーミングに押され始めているとはいえ、iTunes Storeは、デファクト的な存在で、メジャーなサービスですから、この総合チャート3位は本当に立派ですね。
　BABY METALの成功は、2つの文脈をまとめたことにあると思っています。一つは、いわゆるクールジャパン。日本のポップカルチャーの一つであるアイドルという流れ。もう一つは、メタルロックの流れです。
マイナージャンルは、グローバルに繋がりを持っています。そのグローバルニッチな音楽ジャンルのファンからもBABY METALは支持されて、大きなロックフェスにも招聘されています。プロデューサー陣の「メタル愛」が本場のマニアにも刺さったということなのでしょう。
　2つの文脈を掛けあわせることで、「現象」となりますし、メディアも取り上げやすくなります。ビジュアル系のバンドが海外進出が多いのも同じ理由です。
　日本人アーティストの海外進出の成功方程式として、ブローバルニッチジャンル×クールジャパンというのは意識していきたいですね。

＜第6位＞
●米スナップチャットが非公開ベースでＩＰＯ申請－関係者

　おそらくsnapの経営陣が見ているのは、「スマホの次」のコミュニケーションプラットフォームでしょう。写真が消えるという発想は斬新でも、snapchatだけなら、ラッキーパンチと言えます。でもメガネにカメラ仕込んだSpectclesは面白い、これが当たれば、見晴らしが悪いウェアラブルの分野で抜きん出る可能性があります。
プロダクト開発センスは抜群なので、期待しています
・Snapchat、Spectclesメガネの自販機をグランドキャニオンに設置
　これもイケてる施策。
・Snapchat、Twitterをデイリーアクティブユーザー数で超える、Bloomberg報道
　Snapchatの勢いを感じさせると同時に、Twitterの停滞感を示すニュースですね。
　写真やメッセージが自動消滅するのが特徴のSnapchatはアメリカで若者を中心に大人気で、日本でも広まり始めていますね。

＜第7位＞
●Google翻訳，ニューラルネットワークが導入されて精度が大幅上昇

　びっくりしました。久々に技術の進歩に痺れた気がします。英語力が足らない人にとって、少なくとも英語の勉強の仕方が変わりますね。
　ワープロが普及した時に、漢字の書き方を覚えなくても読めれば大丈夫になった、というのと似ている気がします。翻訳しやすさを意識ながら日本語を書いて、出てきた英語をチェックするというやり方で、英文メールはほとんど問題無さそうです。単語のニュアンスとか英語の言い回しはある程度知見が必要ですが、英作文的な勉強はだいぶすっ飛ばせる印象です。
　英語のメールがストレスだった僕にはめちゃめちゃ朗報です。そのうち、カンファレンスの同時通訳もgoogleになりそうですね。マジで、久々に痺れる技術の進歩です。しかも超助かります。

＜第8位＞
●HTCは自社のVR技術とハードウェアを2017年までにアジアの“数千の”ゲームセンターで展開する
●HTC、巨大VRアーケード「Viveland」を台湾にオープン

　VRは中華圏で広がっていきそうな様子です。派手好きで新しもの好きで、資金が潤沢な中国人たちがVRを牽引しそうです。コンテンツ力、企画力を活かしつつ、プラットフォームを牛耳られないように、日本企業も頑張って欲しいです。
　ゲームの分野、特に家庭向けではプレステVRが優位な展開はするはずなので、そこを活かしたいですね。HTCの動きも、スペックの高さを活かして、家庭内ではなく、街中を主戦場にしようとしているように見受けられます。アーケードゲーム系の企業には脅威ですね。

＜第9位＞
●radiko、過去番組のタイムフリー聴取とシェアラジオの実験を開始へ

　あまり話題になっていませんが、素晴らしいニュースです。時代にあったテクノロジー活用の体験を提供してくれますね。
　Radikoの伸長は、だめになったのはラジオ受信機による聴取という行動であって、コンテンツとしての番組は価値があるということを証明してくれていますね。

＜第10位＞
●世界の最重要「音楽フェスティバル」　3位にフジロックが選出

　嬉しいニュースですね。フジロックは本当に素晴らしいフェスティバルだと思います。インバウンドにも、もっと活用したいです。

＜第11位＞
●売上はすでに約1億円以上か！？『ポケモンGo』、米国アプリランキングで1位獲得
●「Pokemon GO」、iOSで平均使用時間が「Facebook」や「Twitter」を上回る

　アメリカでポケモン旋風が吹き荒れています。このゲームの大人気がAR(拡張現実)を一般化するのでしょう。日本のキャラクターの強さとGoogleのネットワーク技術力の融合ということでしょうか？
　もしかしたら日本のコンテンツがグローバルに勝つ時のパターンとして捉えるべきのか？そんなことを考えています。個人的にはPokemon GOの画像を観ると6年前のセカイカメラを思い出します。

＜第12位＞
●逃げ恥「恋ダンス」の踊ってみた動画、YouTube上のアップが公式OKに

　このニュースを「ビクターの英断素晴らしい！」と一瞬でも思ってしまうのは、日本の音楽業界に毒されているのだと反省します。グローバル基準では、ユーザー動画を誘発しつつ、話題とともに広告収入を得るのは当然のことですね。
　ドラマの終了後も星野源のアーティストPRのために、許諾を継続することを望みます。

＜第13位＞
●ゴールデンタイムでNHKが視聴率１位。テレビは新しい局面を迎えている。

これはびっくりしました。けれど、ここから読み取るべきなのは、「世帯視聴率」、「ゴールデンタイム」という概念が既に指標としてあまり意味がない、少なくともTV局の編成や制作を決めるための最大のポイントではなくなっているということを関係者が認識するべきことだと思います。
　大企業の宣伝部、広告代理店、TV局の営業、編成、経営陣などが、時代に即したビジネススキームにむけて真摯に再構築することが、必要なのでしょう。
　それにしてもフジテレビ黄金時代の視聴者としては、落ち込みの激しさに驚きます。

＜第14位＞
●世界で最も魅力的都市は？１位東京、２位京都　米旅行誌
●都市総合力パリ抜き東京3位

　都市ランキングには様々な指標がありますが、東京の評価は高いですね。東京五輪までは放って置いても注目はあがっていくでしょうから、問題はその後ですね。
　2020年までに日本人のマインドや、決済や外国語での説明や、その他様々な仕組みを「観光立国」モードにすることが必須です。

＜第15位＞
●自動運転タクシー２０２０年までに実用化へ

　国際水準で見て、スピード感のある判断ですね。良いと思います。東京五輪に間に合わせましょう。渋滞解消やWifi環境整備などもセットでやる必要が出てきます。国際都市としてTOKYOのデジタルインフラ環境が良くすることは大切ですし、都市のブランドとしても、自動運転タクシーをいち早く実現することは意味があります。
　既存の運転手の雇用は問題になるでしょうが、日本の発展のためには、既得権を守る方向にいってはいけません。ロボティクス(ロボット工学)とデータ分析（人工知能）が進化した時に、人間がやるべきことは何なのか、社会全体で考えるべき時代になっています。日本は移民の代わりがロボットという国になるのかもしれませんね。

＜第16位＞
●人工知能作品に「著作権」　音楽や小説など、政府知財本部方針

　まだ産業規模も商品形態もわからない状況ですが、この段階で政府が方針を出したことを高く評価したいです。
　僕もAI作曲のプロジェクトに関わってみたいと思っています。

＜第17位＞
●サイバーエージェント、AbemaTVが1日1000万視聴、WAU100万超と好スタート！　藤田社長「事業化に確かな手応え」

　UGM型ではない、「ユーザー受身形」の動画サービスとして、「LINE LIVE」と「Abema TV」の対決という様相になっていますね。スマホ世代を取り込めると地上波テレビ以上の影響力を持つようになるかもしれません。大注目です。
　スマホ時代のUI/UX設計については、他のIT企業と比べて、サイバーエージェントが優れている印象があります。藤田社長が若手社員への権限委譲をしているのが功を奏しているのでしょうか。

＜第18位＞
●ドコモiモードケータイ出荷終了に思いを馳せる〜3分で振り返るケータイ文化〜

　Appleがグローバルに築き上げた、iTunes、AppStoreの生態系は故ジョブズがiモードをベンチマークして考案したと言われています。スマートフォン時代のプラットフォームの勝者です。NTTドコモにもチャンスがあったはずと考えると郷愁だけでは終わらせられないですね。

＜第19位＞
●アマゾン読み放題、人気本消える　利用者多すぎが原因？

ひどい話ですね。権利者も読者も無視したプラットフォーマーの横暴です。新しいサービスを始める際にサービス事業者が守るべき最低限の信義に反しています。
　同時に、収益のほとんどを投資に充てて、赤字を厭わない経営方針のAmazonが、こういう動きをするということは、電子書籍読み放題サービスの優先順位や期待度は低いのかなと思いました。
　ちなみに、拙著も６冊ほど読み放題サービスに出ていたのですが、このタイミングで４冊が取り下げられていました。一応、人気本のカテゴリーに入ったのかって、何も得はないのに、ちょっと嬉しくなってしまいました。複雑なクリエイターの気持ちが少しだけわかった気がしました。

＜第20位＞
●安倍マリオ、海外の人たちが大喜び「こんなすごい光景見たことない」【リオオリンピック】

　2020年の期待を高める演出でしたね。違和感を表明する人も居ましたが、賛否両論でも話題になる方がメリットがあるのがSNS時代です。業界人視点だと、正直「電通色」を感じてしまう部分はありますが、ポップカルチャーを全面に出して、日本をアピールする姿勢はとても良いと思いました。

＜And More＞　　
●ハイスタ16年半ぶり新作ゲリラ発売　事前プロモ一切なしで配信時代に対抗

　話題になっていましたね。ストリーミング配信やSNSの活用に注目が集まる時代に、敢えて事前プロモーション無しで店頭にCDを置くことから始めるというのは面白いやり方です。
　もちろんご本人たちの思想の表現でもあると思いますが、僕が感じたのは強運です。時代の流れは感じられても、Spotifyの日本開始日を予測するのは不可能ですから、この絶妙のタイミングは、話題性として効果抜群です。
　成功するアーティストは「思想性×強運」が必要だし、持っているのだなと改めて思いました。

●Google脱税容疑パリ支店捜索

　グローバルにビジネスを展開していると、税金をどの国に払うかは、収益を残して再投資に充てためのテクニックになりますね。
　善悪論というよりは、アメリカ系グローバル企業対EU各国の戦いという見立てで分析して、日本も参考にするべきだと思います。

●Uber China と Didi Chuxing が統合される：それはタオルを投げ入れることに等しい？

　共産党政府との関係性が重要になる中国でのインフラサービスですが、Uberは中国の同種サービスの会社と合併というのは、中国らしいできごとですね。中国人がしたたかなのか、Uberが賢いのか、「狐と狸の化かし合い」という感じもします。同床異夢でも儲かれば良いということなのでしょう。
　日本も対岸の火事ではありません。欧米系プラットフォームとのタフなつきあい方は中国から学ぶこともありますし、中国でのビジネスチャンスを逃さない姿勢も重要ですから。

＜社会編＞
●総人口初の減少 15年国勢調査

　随分前から言われていましたが、実際のデータが遂に出ましたね。日本人の人口が減り始めたのです。これは大事件です。
　科学の進歩で平均寿命は伸びていくので、出生率向上が政治的には日本最大の課題ですね。移民の問題は置いておくとして、エンタメ、コンテンツ業界的には、日本市場だけ向いていられる時代は終わったことをシビアに確認するべきですね。

●EU離脱、イギリスはどうなる？　数日後、数カ月後、数年後のシナリオ

　エンターテックの話ではないですが、先週は文句無しにこれですね。ベルリンの壁崩壊以来の世界史的な出来事ではないでしょうか？イギリス国民の今回の判断の是非は歴史に委ねるしかありませんが、目先のボンド安円高などではなくロングスパンで捉えるべきですね。スコットランドはUKを離れてEU加盟を目指すしょうし、ポンドとユーロの影響力源など、広範囲で、長期的に大きな影響が予想されます。
　日本人として、為替や株価など経済的なことだけではなく、自分たちの問題として捉えるべきと思っています。英国と日本の相違点ではなくて、共通点から考えてみることです。例えば、中国かシンガポールが経済の覇権を握って、ASEANまで取り込んだ、元（ないしシンガポールドル）経済圏を作る動きが出た時に、日本はどうあるべきなのでしょう？アジア経済圏を活性化しながら、日本の存在感を上げていくべきと僕は思いますが、今回の英国民の判断が正しいなら、違うことになりますね。沖縄問題とスコットランド離脱の相似性など、日本人にとっても他人事にはできない事件です。
⇒この件については、ブログも書きました。こちらもご覧ください。
『イギリスのEU離脱は、日本人にとっても他人事じゃないよね』

●トランプ氏が当選確実、クリントン氏を破る

　単純に投票数を足すとクリントンの方が多かったというデータも出ていて、選挙制度自体の問題も感じられる出来事でした。
　政治経験の無いトランプ大統領がどんな政策をとるかはまったく不明で、極端な悲観論も、安易な楽観論も禁物だと思いますが、国際社会全体がきな臭くなっているのは間違いないと思います。
　2016年僕が感じたのは、自分が生きている間に日本という国が戦争する可能性があるということ、裏返せば、これまで無自覚に戦争の可能性が無いと思っていたことに、気づきました。有識者によると、今の国際情勢は第一次世界大戦前に似ているそうです。

＜残念編第１位＞
●DeNAが健康情報サイト「WELQ」の広告販売を停止
　
　がっかりする記事でした。上場企業の危機管理としても非常に稚拙だったと思います。プロ野球チームの経営まで成功させて、携帯ゲーム会社という狭いカテゴリーから脱出した経営力が評価されている会社だけに本当に残念です。DeNAにはIT企業の機動力、世の中を見る目と大企業の公共性を両立させてほしかったです。
　もう一つ思うのは、PV（ページビュー）至上主義の問題点です。極端な低コストでコピペ的な記事を投稿さえて、SEOだけ充実させて、PVを稼ぐという手法は自らのメディア価値を下げていく負のスパイラルで自殺行為だと思います。
　世帯視聴率至上主義で影響力を失っていった地上波テレビの二の舞いにならないように、ユーザーとのエンゲージメントを重視したウエブメディアを作って欲しいと思います。　
　　今回の不祥事は、上場廃止になりかれない危機だという認識が必要でしょう。

＜残念編第２位＞
●SMAP解散は「極めて残念」菅官房長官がコメント「特別なオンリーワン」と活躍期待

　アイドルグループの不合理な解散について、政治家が発言するのは、気分悪いです。SMAP事件は、「40代の意思決定を80代がOKしないと通せないのが日本」だというのが僕の総括です。憂鬱な気分になるはなしばかりでした　。
　個人的には、素晴らしいJポップであるSMAPのアルバムがもう作られないことがとても残念です。

読者登録はこちら⬇
音楽プロデューサー山口哲一のエンターテック・ニュース・キュレーション
まぐまぐから無料メルマガとして毎週月曜日発行中！

独断的音楽ビジネス予測2017〜もう流れは決まった。大変革の2021年に備えよう〜

2017-01-01T09:56:00.002+09:00

　新年明けましておめでとうございます！

　見事なくらい更新が少なかった本ブログ。メールマガジン「音楽プロデューサー山口哲一のエンターテック・ニュース・キュレーション」は、ほぼ毎週出したし、3月から11月までは、「TokyoTech Street」というネットラジオ番組もレギュラーでやったから、情報発信はできたつもりだけれど、なかなかブログまでは手が回らなかった。ごめんなさい。

　毎年続けてきた元旦の「独断予測」は今年もやります。まずはいつものように、昨年の答え合わせから。

（予測１）

●サブスクリプション型ストリーミングサービスの有料会員は200万人超へ

⇒オンデマンド型のストリーミングサービスは、日本では、Apple Music、Google Play Music、LINE music、AWA，KKBOX、そして12月からやっと始まったSpotifyと６社ある。どこも日本での有料会員数は発表していないので正確にはわからないけれど、各所からの情報を集まると、おそらく150万人を超えたくらいかなと思う。Spotifyが夏に始まってくれれば200万人超えていたと思うけれど、当たらずとも遠からずという予測結果になっていると思う。

（予測2）

●Spotify いよいよ日本サービス開始

⇒御存知の通り、これは正解。僕の読みよりは４〜５ヶ月くらい遅かったけれど、日本法人を作ってから４年と随分待たされたけれど、やっとSpotifyが日本でもサービスを始めた。欧米とは多少設定が違うけれど、フリーミアムモデル。無料でも一定のサービスが楽しめる形だ。使ってみればすぐに感じると思うけれど、音楽オリエンテッドでとても良くできているサービスだ。やっと日本の音楽消費が世界水準になって、ホッとした。Spotifyの存在を前提にした様々な音楽サービスも出てくるだろう。日本のスタートアップに期待したいし、できることがあれば積極的に応援したい。

　アメリカで老舗のNapster、フランス発で世界３位のDeezerの大手２社も日本でのサービス開始を準備中で、2017年には始まる可能性が高いと聞いている。オンデマンド型ストリーミングサービスの百家争鳴という感じだけれど、同時に、合従連衡も始まっていくと思う。

（予測３）

●インターネットラジオが一般化する

⇒これは当たったかどうか、半々というところだろうか。楽天がネットラジオのプラットフォームとしてRakutenFMを開始し、TOKYO FMのidioと連携するなど注目は集めたけれど、一気に普及とまでは言っていない。

　ただ、radikoが始めたシェアラジオは注目だ。放送エリア外のラジオ番組が聞ける有料会員も着実に増えているし、放送後に誰かがシェアしたら番組が聞けるというのは、魅力的だ。ラジオ受信機の価値は落ちても、コンテンツとしてのラジオ番組にはユーザーの支持があることを証明している。

（予測４）

●VR映像とライブエンターテインメントの融合が本格的に始まる

⇒VRについては、やはりまずはゲームに注目が集まっている、おそらくアダルト映像、エロの分野が売上的にはとても大きくなるだろう。でも、ゲームセンターがVR化している現状は、エンタメ分野にも大きなチャンスだ。実際、昨年は、宇多田ヒカル、きゃりーぱみゅぱみゅなどが、360度映像の配信を行った。この予想も概ね外れないと言わせて欲しい。

　個人的には、2016年はポケモンGOの大ヒットがARを一般化した記念するべき年だ。プロデュサーとしての仕掛けところが「早すぎる」と業界で言われることが多い僕だけれど、大注目だった「セカイカメラ」と組んでアーティスト＆楽曲PRをした渋谷で恋するメッセージ―AR恋文横丁―」企画は、2010年の１月に発表しているので、６年以上、早過たということになる（汗

　思い出して検索してみたら、ソフトバンクからのプレスリリースが見つかって、感無量だった。こんなことやってたということで、見てみて下さい！

「渋谷で恋するメッセージ―AR恋文横丁―」プレスリリース

　さて、答え合わせが終わったところで2017年の展望なのだけれど、特筆すべきことは無いというのが正直なところだ。もう流れは明確で、多少の揺れ幅はあるにしても、

１）オンデマンド型のストリーミングサービスが、音楽体験の主流になっていく。もちろん関連サービスが増えてくる。

２）パッケージは微減しながらも健在

３）コンサート市場は、外国人観光客を取り込むことで伸びていく

といった流れは、予測するまでもなく、進んでいくことは間違いない。

　ざっくり言うと、レコード売上については、2020年までには、デジタル配信とパッケージの比率が半々くらいになるだろう。配信のほとんどはサブスクリプション売上になる。売上総額が3000億円位まで落ち込むか、5000億円位まで伸ばせるか、その間というのが僕の感覚だ。

　コンサート市場も日本人だけが対象だとそろそろ頭打ちになるところだけれど、訪日外国人観光客が2000万人を超え4000万人になるというインパクトは大きい。全体の20%位まで訪日外国人比率を上げられれば5000億円も夢ではない。

　お正月ということで楽観的に語らせてもらえば、併せて1兆円が音楽産業の国内市場で、あとは輸出がどのくらいできるかというのが概観だ。2017年はそのプロセスということになるだろう。

　昨年も書いたけれど、2020年までの日本の経済の流れは概ね上向きに進むと思う。安倍政権も続きそうだし、首相が代わることになっても、政策的に大きな変更は無さそうだ。

　但し、これには功罪ある。オリンピック景気で、2020年までは従来型の仕組みが維持される。象徴的に言うと、地上波テレビは世帯視聴率を基準に大企業の宣伝費を電通が制御して番組が作られるだろうし、レコード会社もおそらく１社も潰れないだろう。本来、行われるべきな構造的な変化は、全て2020年までは先送りされる。

　ついでに言うと、日本の芸能界の構造も維持される。大騒動となったSMAPの解散を一言で総括するなら、「40代の意思決定に対して80代が認めないと通らないのが日本」ということだ。政治家まで残念とか言っていて意味がわからない。本当に憂鬱なニュースだった。

（個人的には、音楽的クオリティが高い良質のJポップがつくられるSMAPのアルバムがもう制作されないことが、凄く残念だ。）

　日本の大きな病巣の一つは、70代以上の重鎮にデジタル社会に対する見識がある方がほとんどいらっしゃらないことだ。特に芸能界、メディア業界は悲惨だ。日本の芸能界、メディア業界、音楽業界などの仕組みは、今の70代以上のみなさんが戦後に苦労して作られたもので、僕らはその土俵の上でやらせてもらっている。なので、先達への尊敬と感謝は、日本人的なマインドも含めて、決して忘れてはいけないと常々思っている。ただ問題は、重要なところで意思決定をする立場の人が、デジタル化、クラウド化、SNS化、人工知能の進化、ビッグデータ解析等々、社会の本質的で不可逆的な変化に対して、無知で不勉強なことだ。そして、おそらく2020年東京五輪までは現役でいたいと思っていらっしゃるだろう。それは誰も止められない。でもいつか引退の時はくる。

　この2つの意味で、2021年は大きな節目になる。

　それまでの4年間でやっておくべきことは多い。大きく３つ

●データベース構築

　日本の音楽に関するデータベースは内側に閉じてしまっている。著作権などの分配のためのデータベースは精緻に整理されている。ところが、それを例えばITサービス側に提供して、音楽に関する情報を活性化させようという発想は無い。レコード業界は、楽曲データは自分たちのものという感覚で、存在感が低下することを怖れて、極力閉じておこうとしている。コンサートに関しても悲惨だ。コンサート会場に関する共通データベースはない。いまやどんなコンサートがいつ行われたかということ記録に、文化的な価値がある時代なのにもかかわらず、共通データベースは存在しない。5年くらい前に調べた時に、チケットサービス事業社が個々に付番しているコンサート番号は、9ヶ月程度で元に戻ると聞いて、暗澹たる気持ちになった。誰もアーカイブを作ろうという発想が持てていない。記録をまとめて「コンサートミュージアム」があれば観光名所になるだろうに。

　大きな会場が同時に改修してコンサート会場が不足するという問題も、コンサートが日本にとって必要な文化の一部だという社会的なコンセンサスが不足しているから起きていることだ。自分達の記録も残せないようで、社会における価値を胸を張って主張ができるだろうか？
　このままだと、ここでも外資、例えばSongkickが日本のコンサート情報を一番持っているというようなことになりかねない。火急の課題なのだ。

●グローバルプラットフォーマーとの向き合い

　著作権に関する法律は、それぞれの国ごとで決まるということもあり、言葉や文化の違いや、主たるメディアがドメスティックであったことなどが理由で、音楽ビジネスはドメスティックな産業だった。インターネットの普及でこの状況は変わってしまっている。Spotify、Apple、Googleなどすべて、グローバルサービスで、契約もグローバルに行うことになる。日本のアーティストが海外で稼ぐためにも、これらグローバルプラットフォーマーと交渉力を持つことと、グロバールになっている流通で戦略的なマーケティングができることは、これからの日本の音楽業界にとって、死活的に重要だ。

　海外市場での著作権徴収については、昨年できたNexToneに期待したい。グローバルエージェントと伍する存在になって欲しい。

●中国市場への本格的な取り組み

　僕は2007年にタイでシンガーオーディションを行って、16歳の美少女と日本人と組合せてSweetVacationというグループをデビューさせた。これもまた「早すぎ」だったのかもしれないけれど、アジアでの取り組みはいち早くやってきたつもりだ。インドネシア人シンガーAiu Ratnaも日本に何度も呼んだ。ただ、その時のテーマは、「without China」だった。

　著作権遵守の意識が無く、共産党政府の恣意的な政治で物事が決まる、法治ではなく、「人治」社会の中国でのビジネスはリスクが大きすぎて、避けるべきだと言い続けてきた。

　その時代も終わったようだ。象徴的なのは、中国の巨大IT企業テンセントが有料のストリーミングサービスを成功させていることだ。海賊版すら買わないと言われていた中国人が定額サービスの有料会員になるとは驚きだ。

　隣りにある巨大なマーケット。政府の反日誘導などカントリーリスクは相変わらず大きいが、もう音楽ビジネスにとっても避けては通れない状況になっている。訪日外国人観光客も一番多いのは中国人だ。

　これらの状況を踏まえて、音楽ビジネスの生態系を作り直す必要がある。新人開発は日本型クラウドファンディングの普及が鍵だろうし、ファンクラブもソシャゲーの様なオープン型に移行するべきだろう。この辺の処方箋は、拙著『新時代ミュージックビジネス最終講義』(リットーミュージック刊）にまとめているので興味のある人は読んでみて下さい。
　僕が育った音楽業界には素晴らしいところがたくさんある。パーツとして見れば今でも有益だ。イマドキの言い方で言うと、モジュールとして捉えて、的確に再構築すれば、音楽ビジネスの生態系は息を吹き返すと思う。オールドとニューの融合が肝要だと僕は思っている。

　2021年の大変革に向けて、やるべきことは山積だけれど、まだ4年あるので、しっかり備えていきたい。そんな元旦の抱負にしたい。

　2014年から始めた「ニューミドルマンラボ」は、旬のゲスト講師と共に考える「養成講座」とサロン＆ゼミ的に個々の目標を達成するためのフォローアップをする「インキュベーションプログラム」の二軸で続けて、成果が出始めている。今年も継続していくので、コンテンツビジネスについて学びたい人や、起業および転就職を考えている人は、受講を検討して下さい。

　まもなく情報解禁のイベントをフライングで告知しておく。『ヒットの崩壊』（講談社現代新書）著者でお額ライターの柴那典さん、宇多田ヒカルのヒットで大活躍した宣伝プロデューサーの梶望さん、「ALL DIGITAL MUSIC」でお馴染みの音楽ブロガージェイコウガミさんの3人を招いて、座談会をやります。日程は4月1日の午後帯。ニューミドルマン養成講座第6期のプレイベントしてやるのだけれど、この3人には、第6期のゲスト講師もお願いする予定。詳細は、東京コンテンツプロデューサーズラボのサイトを見て下さい。まもなく情報解禁のはず。

●ニューミドルマンラボ公式サイト

　それから、「テクノロジーで音楽を拡張する」をテーマに始めた、ライブイベント＆メディア「TECHS」を今年は強化していきたい。ライブイベントのためにハッカソンを開催するなんて、これまで無かった試みと思う。プログラマー、デザイナー、映像クリエイターなどと同じ目線で、一緒に新しい音楽シーンを作っていきたい。

●TECHS公式サイト

　TECHS2＠六本木SuperDeluxeは2月14日に行いますでの、ぜひぜひご来場下さい。

　おまけとして、過去の元旦ブログはこちら。同じこと言ってるなとか、日本の動きはおせーなとか思いながら、読んでみて欲しい。

独断的音楽ビジネス予測　〜2012年は目覚ましい変化なし。大変革への準備の年〜

独断的音楽ビジネス予測2013 〜音楽とITの不幸な歴史が終わり、構造変化が始まる年に〜

独断的音楽ビジネス予測2014〜今年こそ、音楽とITの蜜月が始まる〜

独断的音楽ビジネス予測2015〜シフトチェンジへ待ったなし〜

独断的音楽ビジネス予測2016〜周回遅れをショートカットして世界のトップに〜

-->

輝けダイヤの原石！新人発掘プロジェクト始めます。

2016-09-14T20:45:00.001+09:00

　無名の新人アーティストを発掘して、サポートする新プロジェクトを始めます！

追記：デモテープを公開品評するラフダイアモンドミートアップの詳細はこちらです！

　音楽事務所はアーティストを見つけて、育てるのは本業中の本業なので、ずっとやってきたことだけれど、レコード会社を中心とした日本の音楽業界の生態系が壊れてしまって、ここ数年は新人開発よりも以前にやることがあるような気がしていた。だから、一流音楽家とプログラマーでミュジシャンズハッカソンを始めたし、エンタメ系スタートアップを支援するアワードや、次世代の音楽家やプロデューサーを育成するセミナーとフォローの仕組み（山口ゼミ〜CoWritingFarm、ニューミドルマンラボ）、インターネットラジオRakutenFMでの「Tokyo Tech Street」の企画監修、など新分野に注力してきた。

　最近、名乗り始めた「エンターテック・エバンジェリスト」的な活動だ。

　でも、僕の本籍は音楽ビジネスで、肩書も音楽プロデューサーがアイデンティティだ。音楽の分野で新しいスターが生まれることに関わりたいという気持ちは変わらず持っていた。

　旧知の人に会うと「いろんなことやっていますね？」と言われることが増えた。褒められているのか、揶揄なのかわからないけれど、確かにいろいろやっているなという実感もある。でも、セミナー主宰もモデレーターも番組企画も企業のアドバイザー業も僕の活動のベクトルは「日本の音楽ビジネスの生態系を再構築する」という動機から始まっていて、同じ問題意識で取り組んでいるので、全て繋がるなという実感がある。

　そして、この活動を行うときのマインド、スキルは、全て、「アーティストマネージメント」をやってきた方法論で取り組んでいる。例えば、拙著『世界を変える80年代生まれの起業家』(SPACESHOWER BOOKS）の出版したり、START ME UP AWARDSのオーガナイザーをやってりし、たくさんの若い起業家と付き合っているけれど、コミュニケーションをするときは、新人アーティストに対するマネージャーのやり方が有効だった。

　ちょっとだけ毒を吐くと、ほとんどのアーティストは何かが上手くいかないと、スタッフのせいにするけれど、起業家は自己責任で生きていて、他人のせいには絶対しないので気持ち良い。

　日本の音楽業界は、音楽を創るアーティストは、売れる前からちゃんとリスペクトして付き合うという素晴らしい伝統があって、僕もその系譜の上で仕事してきているつもりなのだけれど、時にアーティストを甘やかし、スポイルする側面がある。アーティストにビジネス面でも自己責任を持たせて、イコールパートナーになるというやり方に切替えたいと、自分に対して思っている。

　日本人音楽家でセルフマネージメントを立派にやっている方はたくさんいらっしゃるけれど、みなさん「売れた後に自分でやる」というパターンだ。売れる前からビジネス面を自分でリスクを取ってマネージメントしてサクセスした音楽家は、僕の知る限り日本には一人も居ない。そう見えていても、実は裏に敏腕マーネジャーが必ずいる。それが学生時代の同級生で未経験な素人の場合もあったりするのが、このビジネスの面白さなんだけれど、いずれにしても、金銭面に関してはシビアな場面に直面せずにやっている場合がほとんどだ。世の中には、音楽家が事務所やレコード会社に搾取されているという偏見を持っている人も少なくないけれど、初期リスクを取ってもらって、道筋もつくってもらえるのだから、もし一定の期間、「搾取」されたとしても当然というのがビジネス的な感覚だろう。

　でも、そんな状況がそろそろ変わる時代かなと思っている。SNSの普及でコミュニケーションコストは著しく下がった。マスメディアに頼らずとも自分の作品を広げる方法がたくさんある。レコーディングのコストを下げることも可能になった。（あまりにも安直で安価なレコーディングが横行していることには不安を覚えていて、レコーディング・エンジニアの価値を再確認する運動もしたいと思っていけれどね。）Tunecoreを使えば、世界中の配信サービスに簡単に楽曲を流通させることができる。まだまだ日本では弱いけれど、資金集めにはクラウドファンディングも広まり始めている。レコード会社に頼らなくてもできることがほとんどだ。

　一方で、変わらないこともある。経験と人的ネットワークだ。創作上の課題をクリアーする方法は経験が役に立つ。エンタメビジネスは属人性が高い分野だから、相談できる相手がどれだけいるかは財産だ。著作権関係の知見も必要だし、明文化されてないことが多い業界慣習も知っておけば、地雷を踏むことがない。そんな分野では僕らが役に立てると思っている。

　今回のプロジェクトのキッカケは、年末の加茂啓太郎さんのFB投稿。ユニバーサルミュージックを辞めて、フリーランスになるとのこと。すぐに連絡をとって「一緒に新人開発プロジェクトをやりませんか？」と声がけした。加茂さんは、東芝EMI時代に「グレートハンティング」という新人開発部門を始めた、業界では知らない人はいない、掛け値無しに日本一の新人開発A&Rマンだ。ウルフルズ、氣志團、ナンバーガール、相対性理論、赤い公園などなどなど数々の才能あるアーティストを発掘、売り出してきている。ただ、これまで新人開発は、大手レコード会社のコストセンターだった。

「その考え方はもう古いし、無理じゃないですか？新人開発の仕組み自体を可視化して、ユーザーと一緒に育成していく新しい仕組みをつくって、それ自体をビジネスにしましょうよ！」

クレバーな加茂さんは、僕の意図はすぐ理解してくれて、乗ってくれた。そして流石だなと思ったのは「山口さんの言っていることは２年早いね」と看破されたことだ。だいたい僕が音楽業界で仕掛けたことは、２〜３年早いことが多い。ARの旗手だったセカイカメラとコラボして、自分がプロデュースするアーティストのキャンペーン（セカイカメラ × Sweet Vacationコラボレーションイベント「渋谷で恋するメッセージ〜AR恋文横丁〜」）を仕掛けたのは、2010年２月だから、PokemonGoでARが一般化したと考えると６年早かったことになる(*_*)

　素晴らしいミュージックラバーで、抜群の目利き力を持つ加茂さんと組んで、僕のIT関係の知見、ノウハウ、人的ネットワークを注入して、無名の新人がスターダムを上っていく手伝いをしたいし、それが可能になるシステムを作っていきたい。

　やることが早過ぎるということは、功を焦らなければ、ゆっくり準備できるということのはずだ。僕もオトナになる年齢なので（遅すぎ！）今回は、2年位かけて新しいアーティスト育成のモデルを作ろうと思っている。

　募集ページのコメントには、「他力本願でも、タナボタ期待でも無い、才能とガッツのあるインディペンデントアーティストの応募を待っています。」と記した。

　まずはCreofugaのウエブサイトの楽曲を投稿してもらって、ユーザー投票が一次審査、tweet数などの上位を「ラフ・ダイアモンドMeet Up」と称する、公開デモテープ品評会で直接、僕らがアドバイスする。第１回は10/21（金）に渋谷LOFT９に決まって、ゲストコメンテーターで元pillowsの上田健司さんが出てくれる。誰でも観られるトークイベントなので、興味のある人は、覗きにきて欲しい。

　そもそも、この「ラフ・ダイアモンド」は、好きなアーティストを見つけて、応援する人を「ダイアモンド・ディガー」と呼んで、ネットワークしていきたいと思っている。アーティスト育成プロセスを可視化するというのは、ユーザー参加型のオープンな仕組みにするということだ、加茂啓太郎フォロワー、ミニ啓太郎も輩出したいと思っている。

　●ラフ・ダイアモンド投票はこちら

　音楽ビジネスに興味のある人は、来月から始める。ニューミドルマン養成講座も来て欲しい。今回も素晴らしいゲスト講師の方をお呼びすることができた。「テクノロジーでエンタメを拡張する」という僕のテーマに大きな示唆をもらえる方々なので、ホストの僕が楽しみにしている。

　●ニューミドルマン養成講座第５期はこちら。

イギリスのEU離脱は、日本人にとっても他人事じゃないよね

2016-06-30T23:52:00.001+09:00

　イギリスの国民投票で、EU離脱が選ばれた。様々な視点で語られている話だけれど、僕なりの私見をまとめておきたい。日本人の悪癖として、ポンド預金とかしてないかぎり、自分とは関係ない事的なスタンスの言説が多い気がする。

　僕自身は、めちゃめちゃ身につまされている。

１）ベルリンの壁崩壊以来の世界史的な大事件でしょ？

　普通に生きていると気づかないけれど、僕らは歴史の上に生きている。もう少しリアルに言うと、僕らが生きている時代も、人類が滅亡しない限り、歴史の教科書に掲載される（かもしれない）くらい、今回のイギリスの国民投票結果は、事件だ。

　間違いなくキャメロン首相は、否決できると思っていただろうし、世界中の人、そしてイギリス人もそうだったろう。冷静に論理的に考えれば、EU離脱はマイナスの方が大きい。

　そもそも、議院内閣制の元祖であるイギリスで、国家の重要な決定事項を国民投票にするって、構造矛盾だ。実際、法的根拠がないから従う必要が無いみたいな議論もあるようだ。民意が反映される仕組みのない中国で行われたなら画期的だけれど、イギリスでやるって意味不明だなとそもそも個人的には思っていた。

　その理由や結果の細かな分析は、僕の専門分野ではないので、ここでは触れないけれど、国の大事な決定事項を国民投票に委ねるのは、時代遅れだなと思う。どうしてもやりたいなら、ネット投票にして、95%以上の投票率を担保するべきだろう。

　キャメロン首相の「ええかっこしー」が、イギリスを不幸にしたのかもしれない。リーマン・ショックとの比較をしているのは矮小化で、経済問題と捉えるべきじゃないよね。

２）EU対イギリスをアジア対日本のアナロジーで見ようよ。

　僕が気になったのは、精緻な分析をしているように見えたブログのまとめが「日本人でよかったな」みたいなことになっていたこと。　

　「日本とは無関係なこと」みたいな根拠の無い言説が広まっているようだ。僕は、日本の危機（とそれの裏腹の可能性やチャンス）を重ねあわせるべき事件に感じている。違いを際立たせて理解するのではなく、島国という共通点もあるイギリスと日本の相似点を浮き彫りにした方がためになる。

　大英帝国を展開し、世界的に超勝ち組だったイギリスが、one of 大国になり、EUの加盟国になりながら、自国通貨ポンドだけを維持しているのは、微妙なバランス感覚だと僕は思っていた。それをイギリス国民が否定したのが今回の結果だ。例えばだけど、5年後に中国かシンガポールがアジアの覇権国、今のヨーロッパにおけるドイツみたいな存在になり、ASEANを巻き込んだ経済圏をつくろうとなった時に、日本はどうするべきなのだろう？僕は、そういう動きのイニシアティブを積極的に前倒しで日本がとるべきという意見を持っているけれど、そうじゃないにしても、今回のイギリスのEU離脱は、そんなイメージのリアリティの中でとらえるべきだと思っている。

　本当にイギリスがEU離脱したら、スコットランドはEU加盟に動くだろう。そのことを沖縄の基地問題と重ねあわせて見ることができないとしたら目が濁っている。沖縄県議会が日本離脱、アジア連合加盟となるというのは容易に想像できる。

　３）エンターテインメント、インバウンドが日本の生きる道だよね。

　人口が減り始めていて、少子高齢化が進む日本は、製造業では戦えない。「ものづくり日本」みたいなキャッチフレーズは反対ではないけれど、グローバル市場で、日本的な感覚を「ユーザーオリエンテッドな製造」と読み替える必要はある。従来型の大企業と、下請けの仕組みを守ることに意味があるのではなく、本質的な日本の強さを守ることが大切なのだと思う。

　ざっくり言うと、消費者のわがままレベルが高いことと、それに丁寧に対応できるノウハウが日本の強みなのだろう。空気を読む（＝気遣いができる）日本人が観光業に活路を見出すということが国民的コンセンサスになれば良いよね。そして、日本的な価値観をわかりやすく伝えられるのがエンタメ業界だというのが僕の認識で、背筋を伸ばして頑張らなければいけないと思っている。

　個人的な話をさせてもらえば、日本はピンチという危機感でSTARE ME UP AWARDSをやっているつもり。自分のアイデアで世の中変えたいと思っている若者は是非、エントリーして欲しい。危機感を共有する意識の高い「大人」たちが関わっているプロジェクトだから。

　同時に、日本人音楽家のクリエイティビティを信じて、チームに第一線の音楽家が加わるというミュージシャンズハッカソンも始めた。グローバル市場を意識せざるを得ない時代に、日本人がどう生き残っていき、国際競争で勝っていけるのか、真剣に考えたい。

　音楽プロデューサーである自分が、そんな思いになる時代だし状況なんだなと、イギリスの国民投票は教えてくれた。気持ちが重くなる事件だけれど、個人的には感謝したいと思う。

みんな誤解しないでね。SXSWの本質は勉強会だよ。〜それでもSXSWが発展を続ける理由

2016-04-25T21:02:00.000+09:00

　SXSWに初めて行ったのは13年前だったと思う。オースティンは本当に田舎町でステーキとアメリカンフードしかなかったし、今やおしゃれ＆グルメスポットになっているイーストエリアは危ないから行くなと言われていた。メインは音楽祭で、映画祭もやっている

JAPAN HOUSE外観

んだねという感じだった。インタラクティブ部門もあるにはあったけれど、存在感はほとんど無かった。その頃から、トークセッションはたくさん行われていた。1986年に始めたのは地元のマネージャー（とローカルメディア編集者）で、自分のアーティストを音楽業界に売り込むためのカンファレンスとショーケースライブという内容だったらしい。そもそも南南西(South By South West)というネーミングは、映画「北北西に進路を取れ」に因んで、当時音楽業界の中心だったNYから見て南南西に位置するから付けられたらしい。

　大きく変わったのは2007年に始まったばかりのTwitterが、SXSWをきっかけいに世界的なブレイクをしてからだ。狭いエリアにリテラシーの高い人たちが集まっていたから、Twitterの即時性と爆発的な情報伝達力が活きたのだろう。以来、ITサービス事業者

トレードショーから

は、SXSWを意識して新サービスを発表するようになっていった。投資家と起業家が相乗効果で集まるようになり、ITサービスとスタートアップのイベントの様相を呈していった。

　ところが日本のIT業界からは全くノーマークで、JAPAN REPの麻田浩さんたちから相談されて、当時、セカイカメラで注目を集めていた井口尊仁さんを推薦した。「SAMURAI1000」というキャッチフレーズで、日本人スタートアップにSXSWの存在が広まっていった。

　この数年、日本からの参加者は急増した。今年はトレードショーに日本のスタートアップが普通にブースを出すようになっていて、良いことだなと思う。あのトテツモナイ情報量とエネルギッシュな場で自分たちのサービスをアピールする経験は貴重だろう。

　ただ、有名になったことでSXSWに過大な期待をしたり、勘違いしている人も出てきてるような気がする。「CES（全米家電見本市）のブースの方が活気があった」と発言している人が居て驚いた。SXSWはトレードショーイベントではない。カンファレンスとネッ

音楽×テック感あるヘッドフォン

トワーキングが核心だ。世界中から旬な人が集まって、近未来のテーマについて意見交換をする、そこに集まる人達がつながっていくところに本質的な価値がある。REP麻田浩さんの言葉を借りれば、「SXSWは勉強会」なのだ。

　音楽から始まって、映画、ITサービスと守備範囲を広げたSXSWの近年のホットなテーマは、ロボット工学、人工知能、医療技術(Med-Tech)、VR/AR（仮想現実/拡張現実）だ。社会の課題を解決させ、世界を発展させるイノベーションに関する「これからのテーマ」が話し合われている。ドローンの話は一昨年くらいに一旦「済んだ」印象。ストリーミングサービスの是非や効用にについて話していたのは6年位前だから、今頃「ストリーミングサービスが根づくか？」みたいな話をしている日本はいくらなんでも世界の潮流に遅れ過ぎだね(笑)。

　デジタル技術の圧倒的な進化で起きる様々な軋轢や課題について一番最初に、深く広く、そして自由に話をされる場になっている。テキサスは独立国だったこともあってアメリカの中での反骨気質がある。アンチ・ハリウッド、アンチ・ワシントン、アンチ・シリ

テキサス州の形の看板

コンバレーという空気が自由な議論をするのに適しているのだろう。

　僕も自分がプロデュースするアーティストを連れて行ったり、SXSWにはずっと関わってきた。2012年からはトレードショーの中でJAPAN PAVILIONをつくり、昨年からは街中にも拠点を持つJAPAN HOUSEを始めた。他国が積極的にやっているのに日本だけ置いてきぼりなのが悔しいと思って、大声での言い出しっぺ的役をやっただけで、プロデューサーといえるほどの仕事はできてないけれど、今年のJAPAN HOUSEは意義深かったと自負している。

　日本ではマツコロイドのTV番組とTVCMで一般的に知られている石黒浩大阪大学教授は、ロボット工学の分野で世界的に評価されている研究者。神戸大学の杉本医師も最先端

技術の外科医療への導入の先駆者の1人だ。この二人をSXSWが主宰する公式セッションで登壇できるように後押しをした。特に石黒先生は1700本あるセッションの内の選りすぐりのTOP50、「フィーチャードセッション」に選ばれ、アンドロイドと人間の英語での雑

石黒ロイドと話すアメリカ人

談実験などをステージ上で行い、最後はスタンディングオベーションだった。アメリカで一番部数が多い大衆新聞USATodayのトップページを飾るという大きなオマケも付いた。

　JAPAN HOUSEはオースティン最大の繁華街6番街のライブハウスを2日間借り切って、これらの公式セッションの受け皿として、フォローアップのトークイベント、関連するブース展示、ミートアップイベントなどを行った。2日間で4000人以上の来場者。他にも、NEDOが推薦する技術系スタートアップのピッチイベントや、NTT研究所の技術を取り入れたYun*chiのライブ・ショーなど充実した内容で、JAPANの技術やコンテンツへの興味を喚起することができたと思う。インタラクティブ部門のディレクターHugh Forrestにも登壇してもらったが、彼もJAPAN HOUSEを高く評価してくれていた。運営自体はバタバタで課題がたくさんあったけれど、「勉強会＋ネットワーキング」というSXSWを活用するフォーマットとしては、これまでに、日本はもちろん、他国でもやれてない成功モデルを見せることができた。

　先日AOI Pro本社で行った報告会には、120名程の熱心な参加者がメモを取りながら聞いてくれていた。前半はAOIproの研修チームによるSXSW2016総括もあって充実した内容

ホテルからオースティンを望む

だったので、みなさん満足して下さったようだった。

　その時にも申し上げたけれど、日本のテクノロジーとコンテンツの進化のためにSXSWを活用する動きは今後も広げていきたい。

　オースティンがコンテンツ活用の地方創生の、世界一の成功モデルだというのは去年もブログに書いたから、ここでは繰り返さないけれど、不動産価格の上昇率が全米一らしいオースティンの開発はますます進んでいるようだ。SXSW2017の4つのトレンドの一つは「Smart City〜IoT homeと次世代交通」だから、ますます地方創生視点での重要度が高まる。やる気のある自治体をオースティンとつなぐ役割もやっていきたい。ちなみに、残りの３つは「AI&ロボティクスドリブンな未来」「VE/ARの更なる進化」「政治とテクノロジーコミュニティ」だ。

　音楽と映画の祭典から、ITサービスが加わり、近年は世界のイノベーションを牽引するイベントへと進化している。SXSWをウォッチすることは、世界のイノベーションの最先端を知ることに繋がる。

　「SXSWも変質したよね」という声も聞く。まあ成功すると僻みも含めてディスられるのは世の常だし、JAPAN HOUSEを運営すると、近年は「ゼニゲバ」ぶりを感じて、鼻白む気分になる時もあるけれど、SXSWの存在感は落ちるどころか、ますます大きくなっていくだろう。

トヨタiROAD

　そして、一言言っておきたい言いたいのは、SXSWは音楽祭から始まって、今も音楽をリスペクトしたイベントで、期間中はオースティンの街に音楽が溢れていること。そのことがSXSWの魅力を高めていることは間違いない。音楽とテクノロジーの美しい関係がここにはあるんだ。

　僕がエンタメ系スタートアップのアワードとしてのSTART ME UP AWARDSを有志の実行委員会で立ち上げ時も、関連イベントとした神奈川県真鶴町でクリエイターズキャンプ真鶴を始めた時も、頭の片隅ではSXSWを意識しているし、あの空気を吸ってきたから企画できたという思いも強い。

CommUを踊らせる

　SMUA2016のキックオフイベントを5/11にやるので、エンターテインメントとテクノロジーとスタートアップに興味のある人は、是非来て欲しい。

●STARTME UP AWARDS 2016 キックオフイベント

　THE BIG PARADEのCo-Founder鈴木貴歩さんがユニバーサルミュージックから独立してエンタテック・アクセラレーターを始めた。「エンタテックenter-tech」という言葉を広めようというに賛同して、僕も最近使うようにしている。同じような問題意識でニューミドルマン・ラボもやっている。第4期に集まったメンバー多様で、意識が高くて早速、刺激をもらっている。時代の変革期には、新しいエネルギッシュな人材が必要だ。日本のエンタテックシーンを活性化していきたい。

●ニューミドルマン・ラボ・公式サイト

　SXSWでTwitterが登場するのに20年かかった。SMUAやCC真鶴がSXSWのような影響力を持つのには、20年位は必要なのかもしれない。その頃に日本社会は、世界はどうなっているのか？不安もあるけれど、ポジティブ思考で、イノベーションの行末に、きちんと関わっていけるように頑張りたい。

劇伴作曲家になる方法について、今ここ。

2016-01-12T22:03:00.002+09:00

　2013年から作曲家育成「山口ゼミ」を始めて、発見したことはいくつかあるけれど、その内の一つが、アニソンと劇伴をやりたい若い作曲家がとても多いということ。アニソンについては、ある程度予想がついていたことだし、フライングドック、スターチャイルド、ランティス、アニプレックスなどレーベルも具体的で、上層部は知己の人たちなので、コンペ情報も取れるし売り込むルートもある。チャンスをつくってあげることは難しくない。実際、CWFはアニソンで結果が出始めている。ところが、劇伴については、めちゃくちゃハードルが高い。

　BUGは以前インスト系のアーティストのマネージメントをやっていたので、劇伴音楽の現場の状況は知っている。スタジオミュージシャンという言葉が健在な頃で、高いギャラをもらいながらスタジオを渡り歩いて稼ぐことと、自分がやりたいジャズ・フュージョン系の作品をリリースするアーティスト活動とスタジオミュージシャン活動をバランスよく両立させてあげることが僕らマネージメントの役割だった。縁にも恵まれて、村上ポンタ秀一、佐山雅弘、村田陽一といった日本で最高級のミュージシャンと仕事をすることができたのは、僕にとって財産になっている。音楽を仕事にする素晴らしさと大変さと、たくましさを学ばせてもらった。

　その頃は、劇伴というのが業界用語だと思っていたけれど、誰も普通に使うようになっているみたい。ドラマや映画、アニメやゲームなどにつくサウンドトラック、映像を引き出すために作られる音楽だ。坂本龍一、久石譲、菅野よう子といったスター音楽家がいる。

　困ったことに、この分野に新しい人が入るのは非常に難しい。情報も無いし、どうすればよいかわからないと思う。おおまかに言うと、方法論は2つ。一つは、既に活躍している劇伴作曲家ないしは劇伴音楽に関わっている事務所に、丁稚奉公的にアシスタントをして人脈をつくっていくこと。もしくは、TAKU TAKAHASHI☆やKen Araiのようにアーティストとして認められて、監督に望まれること。どちらもハードルは非常に高い。

人と人との繋がりが大切な世界だし、特にテレビドラマなどは、追い詰められた音楽家が「もうできません」と書き置きして、連絡がつかなくなる（シャレではなく起こりえること）リスクがあり得る。沢山の人とお金が動く世界だから、そういうリスクは100%避ける必要がある。才能だけでなく人格や覚悟も問われる世界なのだ。そもそも劇伴作曲家コースの受講資格が、山口ゼミを受講経験者とするのは、そういう理由だ。人柄がわからなければ、キメの細かい指導はできないし、無責任に人を紹介できない。

　フジパフィシックミュージックというフジサンケイグループの会社は、フジテレビが関わるドラマ、映画のすべての劇伴を仕切っている。たまたま何だけれど、その責任者の吉田雅裕という人は、僕にとって、音楽業界で古い付き合いで最も信用できる友人の1人だ。ビクターエンターテインメント時代に、暴れん坊との評判の村上ポンタ秀一のアルバムを作り、今は作詞家として大活躍しているこだまさおりや、ちょっと話題を呼んで後に崩壊した東京エスムジカを一緒にメジャーデビューさせた。苦楽を共にした、いわば戦友だ。『プロ直伝！職業作曲家の道』を著すときに、劇伴の章でインタビューさせてもらった。新しい劇伴作曲家がなかなか出てこないという悩みもあるようで、今回の「山口ゼミ・劇伴作曲家コース」は、全面的にコーディネートしてもらっている。onemusicという硬派な日本一の劇伴音楽系音楽事務所に協力していただいた。

　劇伴音楽というのは、あくまでメインは映像。そこをひきたてながら、魅力的な音楽を主張していくということが必要だ。大切なのはバランス感覚と即戦力のスキル。同時に、フレッシュなオリジナリティ無いと、わざわざ新しい作家を使いたいとは思われない。新たな劇伴作曲家を世に出すことは、針の糸を通すような難しいことだけれど、突破口の作り方はわかった。実際、去年の劇伴作家コースを受講した山口ゼミ4期生、CWFメンバーの植田能平は、最後の公開添削、「劇伴作家としての自分のデモをつくる」というテーマで認められて、フジパシフィックミュージック預かりになり、運良く1月クールのドラマで劇伴作曲家デビューできた。「山口ゼミ」に入った頃から、「どうしても劇伴作家になりたい」と訴え続けていたから、その思いが届いたのかもしれない。僕から見ると課題もまだあるのだけれど、結果をだしたことは尊い。去年の望年会で「山口ゼミMVP」として表彰した。本当に頑張って欲しい。

　僕としては、「劇伴音楽事務所での丁稚奉公」、「アーティストして認められた上で監督から望まれてのデビュー」。以外の「第三の道」を山口ゼミ/CWFで作りたいと思っている。事務所に入るにしても、３つくらいは実績が必要だ。Jポップのコンペをやりながら、劇伴音楽ができたらクリエイターとしてはハッピーだとも思う。実際、「ザクセスヘブン」というゲーム＆ショートアニメでは、CWFメンバー4人が連携してサウンドトラックを創ったという実績もできた。

　業界標準、完全プロ志向、という山口ゼミの基本コンセプトに基づいた「劇伴作曲家コース」。おそらく、日本で唯一のプロの劇伴作曲家になれる可能性のある講座だ。興味のある人は、まずは「山口ゼミ」の門を叩いてみて欲しい。

●劇伴作曲家コース2015レポート

●今、日本でプロの音楽家になるということ。そして、CWFが目指すこと

●作曲家育成セミナー「山口ゼミ」を続けている理由