Catherine M. Lavigne ~ Artiste Peintre~

My abstract paintings •cml•

2015-01-10T10:44:00.000-08:00

Abstract by Catherine M. Lavigne

Abstract Painting By Catherine Lavigne ArtistePeintre

2014-10-30T12:34:00.000-07:00

My Abstract
Catherine Lavigne

Painting - Abstract By Catherine Lavigne

2014-09-16T13:54:00.001-07:00

My Abstract ~ by Catherine Lavigne

Les formes :

Nudes by Catherine Lavigne Artiste peintre

2014-06-24T12:03:00.001-07:00

NUDES
OIL PAINTING

Art digital by Catherine Lavigne Artiste peintre

2014-05-31T09:23:00.001-07:00

CATHERINE LAVIGNE ~ Art Digital

Texture

Georges Braque ~ Cubiste

2014-04-25T09:50:00.001-07:00

Georges Braque

Peintre français (Argenteuil 1882-Paris 1963).

Georges Braque

Tournant le dos aux « suiveurs » pour être de « ceux qui vont de l'avant », selon sa propre expression, Georges Braque fut l'un des pères du cubisme. Ses amis poètes le louèrent d'avoir su exprimer la spiritualité de la matière et d'avoir créé une « poétique de l'espace ».

L'aventure cubiste

Né dans une famille de peintres en bâtiment, Braque passe son enfance au Havre, « en pleine atmosphère impressionniste », et fait seul son éducation artistique – sa première formation étant celle d'apprenti chez un peintre décorateur. Venu à Paris en 1900, il se convertit au fauvisme en 1905 et expose en 1906 au Salon des indépendants. De 1907 datent la première version de Viaduc à l'Estaque (Minneapolis), au chromatisme fauve mais au dessin géométrisant, et le grand Nu debout, qui témoigne de l'influence des Demoiselles d'Avignon de Picasso. Aux autres paysages de l'Estaque de 1908, se réduisant à ces fameux petits « cubes » que remarquent Matisse et, à la suite de ce dernier, le critique d'art Louis Vauxcelles, succèdent les paysages normands de 1909, où les masses communiquent entre elles par une série de modulations qui égalisent la lumière et tendent à décomposer les volumes en une mosaïque de plans rapprochés du spectateur.

Abandonnant le paysage pour la nature morte, Braque travaille en étroite relation avec Picasso et élabore avec lui les doctrines du cubisme dit « analytique » puis du cubisme « hermétique ». Certains tableaux – où apparaissent fréquemment des instruments de musique – sont d'une remarquable monumentalité (le Violon et la cruche, 1910, Bâle) ; d'autres comportent, entre autres, des éléments peints en trompe-l'œil. En septembre 1912 a lieu l'innovation capitale des « papiers collés », qui permet à Braque de réintroduire la couleur et de « voir son indépendance par rapport à la forme » (Nature morte au violon, 1912, Yale University).

La manière d'après-guerre

Mobilisé en 1914, grièvement blessé sur le front d'Artois en 1915, Braque se remet au travail en 1917 et, au lendemain de la guerre, se consacre à une œuvre essentiellement fondée sur la nature morte, sans les hardiesses de l'époque antérieure. Il adopte soit le petit format du genre « cabinet d'amateur », soit la grande composition ambitieuse. À la série des « Guéridons » et des sombres natures mortes de 1918-1920, où souvent une grappe de raisin voisine avec un instrument de musique, succède l'ensemble des « Cheminées » et des « Tables de marbre » (Nature morte à la table de marbre, 1925, MNAM), traitées en de puissantes harmonies de verts, de bruns et de noirs. À partir de 1928, la palette tend à s'éclaircir et la matière, étendue sur un support granuleux, devient beaucoup plus fluide (la Mandoline bleue, 1930, Saint Louis).

La figure humaine est à peu près absente de l'œuvre de Braque, sinon dans la belle série des « Canéphores » (1922-1927), qui sont le tribut payé par le peintre à l'atmosphère néoclassique de l'époque, puis dans certaines compositions sous forme de curieuses silhouettes vues de face et de profil (le Duo, 1937, MNAM). Le paysage réapparaît furtivement, réminiscence des promenades que Braque fait autour de la maison qu'il a acquise en 1930 à Varengeville-sur-Mer, près de Dieppe (Falaises, 1938). Dans cet entre-deux-guerres, il est devenu le peintre français par excellence, héritier des vertus nationales et dépositaire de la tradition classique, dont lui-même se fait le défenseur dans les maximes des Cahiers de Georges Braque (le Jour et la Nuit, 1917-1952), publiés en 1956. À cette manière on peut rattacher l'ensemble des œuvres liées à la culture de la Grèce archaïque : les eaux-fortes pour la Théogonie d'Hésiode (1931), les plâtres gravés à sujets mythologiques et la plupart de ses sculptures.

L'œuvre testamentaire

La Seconde Guerre mondiale inspire à Braque des tableaux qui sont comme un reflet de l'austérité des temps (le Pain, 1941, MNAM). À partir de 1947, le travail de l'artiste est souvent interrompu par la maladie, mais celui- réalise, entre 1949 et 1956, la série des « Ateliers », huit toiles remarquables par l'opiniâtreté avec laquelle il semble avoir voulu y rassembler tous ses souvenirs, toutes les recherches et tous les thèmes de son œuvre (Atelier VI, 1950-1951, fondation Maeght, Saint-Paul-de-Vence). Dans certaines de ces toiles apparaît un oiseau dont les ailes, déployées dans un espace abstrait, fourniront le thème de la décoration que Braque exécute en 1952-1953 pour le plafond de la salle étrusque du musée du Louvre. Il s'agit là du dernier thème de méditation d'un artiste qui éprouve le besoin d'échapper au monde clos et inanimé que représente toute sa peinture. Dans les années 1950, également, il rénove à sa manière le vitrail contemporain, dans des lieux qui lui tiennent à cœur : la chapelle Saint-Dominique à Varengeville-sur-Mer et la chapelle Saint-Bernard à la fondation Maeght de Saint-Paul-de-Vence.

Braque et Picasso

Les deux créateurs du cubisme se rencontrèrent au Bateau-Lavoir, durant l'automne 1907, à l'initiative de Guillaume Apollinaire, et se lièrent à la faveur d'une admiration commune pour Paul Cézanne. Ni leur origine, ni leur formation, ni leur tempérament n'étaient comparables, mais leurs recherches concouraient à un même projet, celui de transformer radicalement le rapport de la peinture à la réalité prise comme modèle. Pour cela, Braque se fit innovateur : il fut le premier à introduire dans ses compositions des lettres d'imprimerie, à utiliser le peigne à peindre le faux bois, à ajouter du sable, de la sciure ou des clous à la matière picturale. Seule la guerre, en 1915, interrompit le dialogue entre Braque et Picasso, qui firent désormais des carrières indépendantes.

Art By Marci Owczarek

2014-03-31T12:00:00.000-07:00

Marcin Owczarek. Apocalipsis que mueve conciencias. Micro-entrevista

Varsovia (1985)

4 . Háblanos de tus próximos proyectos y/o exposiciones.

Este año he comenzado nueva serie llamada "Cartas desde el paraíso". Título es sarcástico y

por supuesto no tiene nada en común con el Paraíso. Todavía estoy trabajando

en la parte conceptual de este proyecto, pero lo que puedo decir ahora es que

el tema principal se centrará en el abuso de los animales.

Aparte de eso sigo trabajando en mi cartera actual "Dystopy Land" que empecé

a principios de 2011 . Este es un proyecto abierto, en constante desarrollo.

Este proyecto se centra principalmente en las ciudades modernas, así como

la condición de las personas que viven dentro de esas ciudades.

Además también tengo la intención de crear algunas esculturas

que se corresponderán con el proyecto "Dystopy Land"

Los primeros bocetos para las esculturas los hice en 2012, espero que este año den sus frutos.

Colaboro con ART 14 Galería de Brujas , Bélgica ( http://www.art-14.com )

donde mis obras se pueden ver en persona y es aquí donde se podrá ver mi próxima exposición.

El autor nos trae unaa en la que interpreta el impacto de los hábitos humanos, situaciones sociales,

comportamientos humanos. La destrucción del suelo, la superpoblación,

el agotamiento de los recursos naturales son temas recurrentes en su obra,

una visión un tanto que, sin embargo, deja resquicios para el cambio.

Marcin Owczarek

nos trae un mundo deshumanizado, mecánico, donde la estandarización de la raza humana se proclama como única fórmula, un mundo escalofriante, que el autor recrea con imágenes pictóricas de gran belleza, imágenes surrealistas que ponen de relieve la cruda realidad de nuestro mundo.

El artistas nos trae una narrativa espeluznante con la que remueve conciencias, quizá con la intención de hacer que la sociedad revierta sus hábitos para llegar a ser verdaderamente humanos, o quizá, definiendo una parte que no escapa al humano, su intrínseca deshumanización.

Hemos contactado con el autor y no ha dejado una visión clara de cómo ve su obra, porqué y para qué crea.

A: ¿Cuándo, como y porqué te decantas por la fotografía como forma de expresión artística?

M.O: Con 17 años desarrollé mi primera obra, collage en papel, a partir de ese momento quise conscientemente seguir el camino del arte y tratando de encontrar el mejor medio para expresarme, me encontré con la fotografía, a partir de ahí nunca tuve duda de que era mi camino; mi única duda era si podía ganarme la vida con ello, afortunadamente ahora, después de muchos años de trabajo duro puedo decir que vivo de mi arte.

A: ¿Cómo ha cambiado la fotografía tu vida?

M.O: La fotografía es la pasión de mi vida, de forma que estoy haciendo lo que más me gusta hacer.

A: Tu trabajo es muy crítico con la sociedad de consumo. ¿Por qué?

M.O: Simplemente me refiero al grave problema tan presente en este siglo que es el llamado hiper - consumo.

Creo que las personas es han convertido en adictos, esclavizados por el consumo, incluso sin darse

cuenta de ello, tengo la fuerte impresión de que hoy en día el hombre sólo vive para consumir.

Una simple ojeada a las calles deja patente que lo que hoy se ha dado en llamar tiempo libre se ha convertido

gente consumiendo, gente que pasa la vida en supermercados , tiendas, restaurantes de comida basura,

que contiene altos niveles de grasas saturadas, sal o azúcar y es la razón de la diabetes y el cáncer.

Creemos que vivimos en una suerte de Arcadia, ya que podemos consumir y consumir sin consecuencias.

Tarde o temprano nos enfrentaremos esas consecuencias. El problema principal es que todos los recursos de

este planeta, por ejemplo, agua o combustibles son limitados pero se consumen en cantidad ilimitada .

¿Cuánta comida tiramos a los contenedores todos los días? Yo también soy parte de esa sociedad y

entiendo que la gente necesita consumir para vivir. Lo que digo es que debemos empezar

a consumir en forma más consecuente y cuidar de nuestro planeta.

A: Haces una visión apocalíptica de lo humano, has encontrado algo bueno en la especie humana?

M.O: Por supuesto que veo muchos aspectos positivos en la especie humana. En definitiva,

somos "hijos de las estrellas" y llevamos dentro de nosotros parte del universo cósmico.

La razón por la que utilizo el lenguaje apocalíptico en mi arte es porque observo el mundo que nos rodea

y denuncio muchas evidencias negativas de la naturaleza humana. Estoy convencido de que el artista

debe revelar la realidad que hay debajo de la máscara. Eso es lo que hago, cuando miramos por debajo

de la máscara, notamos esa parte apocalíptica. Por otro lado, por echar un poco de luz optimista al debate,

hay que recordar que cada civilización tiene su decadencia. Los indios tienen el concepto de eterno retorno,

idea que plantea que el tiempo repite el mismo patrón una y otra vez . De acuerdo con esta concepción,

ahora vivimos en la última fase de los grandes ciclos llamado Kali Yuga que en la cosmogonía

del griego antiguo se llama la Edad de Hierro. Por lo tanto, llegará el momento,

cuando finalmente rechacemos todas las ilusiones en las que creemos en este momento:

la tiranía del bienestar, los celos, el odio, vamos a entender la verdadera naturaleza de la vida.

Tal vez entonces, esta oscura Edad de Hierro que forma parte de este momento,

pasará y los seres humanos volveremos a fijar nuestra atención en nuestra potencial espiritualidad divina,

hasta alcanzar la Edad de Oro.

Gracias Marcin por atendernos y por dejarnos tu visión de la especie humana.

Aquí lo encontrarás

Painting by Catherine Lavigne

2014-02-21T12:12:00.001-08:00

Art

CATHERINE LAVIGNE selon AntonioNavarroLlatcha.wmv

2014-02-21T12:11:00.001-08:00

Art

Art Spychedelic By Catherine Lavigne (+playlist)

2014-02-12T12:55:00.001-08:00

Art

Elena Martyniuk. ~ Photographer

2014-01-11T10:49:00.001-08:00

Elena Martyniuk. Imagination monochromatique.

Odessa - Ukraine

Ses images, souvent dans des tons monochromes, respirent la tendresse, l'ironie et de mystère, qualités qui augmentent leurs personnages avec des yeux qui semblent se concentrer sur eux-mêmes, en laissant de côté l'observateur, parfois, provoquant lancement regard direct sur le spectateur l'illusion de être découvrir ses secrets les plus intimes.

Grâce à son travail, original, créatif, plein de magie et de fantaisie montre une qualité et la beauté incontestable.

Diplômé de l'Institut pédagogique de Odessa , dans le département des Arts graphiques, i mpartió cours de dessin la peinture et la composition à l'École d'art. Cela a commencé avec la photographie comme un passe-temps, a été reconocida comme l'un des cinq meilleurs photographes d'art dans le monde en 2000 par la Photographie Annuaire de Londres. En 2006, la Guilde russe Photographes, il a reçu le prix "Golden Eye" pour son style et son originalité.

MILA ABADIA - JOSE L. CALLEJA

MEILLEURS VOEUX POUR UNE HEUREUSE ANNEE 2014! PLEINES DE CREATIVITES :)))

2014-01-02T11:15:00.000-08:00

Meilleurs voeux pour une heureuse année 2014!

Pleines de créativités

Le jour vient avec un nouveau rayon de soleil,
la vie est né avec un nouvel amour
et votre nouvelle année avec mes meilleurs voeu artistiques.

Happy New Year !

2013-12-18T09:40:00.000-08:00

~ Marc Chagall Aphorismes

Il fut un temps où j'avais deux têtes, il fut un temps où ces visages étaient trempé de la rosée de l'amour et dissous comme un parfum de rose. Maintenant, il me semble que même quand je revenir surplus à une grande porte, sur la porte il ya de vastes étendues de murs, grondement assourdi de tonnerre et la foudre reste cassé.
Mes peintures parlent peut-être d'une vision du monde, une conception qui était à l'extérieur de l'objet et l'œil.Maintenant, pensez donc, à ce moment-là "technique" de l'art, il valait la charge de tomber dans la littérature.

Si je crée quelque chose avec le cœur, très facile à utiliser, mais si j'utilise la tête sera très difficile. Vers le bas avec le naturalisme, impressionnisme et le cubisme réaliste. La révolution doit atteindre le fond et non pas rester uniquement sur la surface.
L'art me semble être avant tout un état d'esprit.

Quel génie que fut Picasso ... dommage qu'il n'a pas peint rien.
Mon seul est la maison de mon âme. Je peux entrer sans passeport et je me sens à la maison, il voit ma tristesse et ma solitude, mais il n'y a pas de maisons: ils ont été détruits pendant mon enfance, leurs locataires voler maintenant dans l'air à la recherche d'une maison, vivre dans ma âme.
Vous ne devez pas commencer par les symboles, mais pour les atteindre.

ABVH. Donner la vie à Banksy.

2013-12-02T09:24:00.000-08:00

ABVH. Donner la vie à Banksy.

gifs pour cet artiste réputés pour leur douceur et précision pour cette Photoshop et travaille avec After Effects, examiné le travail d'autres artistes qui leur donne certainement des mouvements de valeur.

Dans cette série, avec humour et bon travail, comme par magie les personnages de Banksy venir à la vie, une autre vision drôle, plein d'énergie et très bien fait.

Une perspective différente de l'art de rue.

✍ Cris Pereby ~ Sculptor

2013-11-23T12:10:00.001-08:00

Sculpteur belge et peintre Cris Pereby né dans une famille de peintre et sculpteur a passé son enfance dans la Belgique . Elle était fascinée lors de ses nombreuses visites de musées par les premiers peintres flamands tels que Hans Memling, Jérôme Bosch, Pierre Chistus, Pieter Bruegel et admiré leur magnifique art si délicat et plein de spiritualité.Elle a découvert plus tard que le génie de la impressionnistepeinture, Vincent Van Gogh , a vécu près d'elle Belgiquemaison avant de partir pour Paris et Arles. Son destin était qu'elle devrait suivre ses traces.

C'est dans le Paris région en 1983 qu'elle est devenue auto initialisé dans la modélisation d'argile, est inspiré par la sculpture égyptienne et l'alimentation du support arrière de Camille Claudel . Dans un très court laps de temps, elle a reçu de nombreux prix lors d'expositions régionales. Plus tard, elle expose ses œuvres à Cannes, St Paul de Vence, Honfleur et aussi en Belgique , en Allemagne et aux Etats-Unis.
En 2005, elle a créé pour la commune de Montereau-Fault-Yonne une sculpture monumentale d'une «femme ailée »trois mètres de haut qui décore l'un des ronds-points de la ville. En 2006, elle s'installe dans le sud de la France et créé dans la ville d'Arles le musée-galerie « Gaston de Luppé 'un endroit où de nouveaux artistes peuvent être découverts. C'est dans ce contexte que le style traditionnel de robe Arlésienne inspirera son nouveau travail.

FRANCOISE DE FELICE ~ 1952

2013-11-17T08:34:00.001-08:00

Françoise de Felice - 1952

Là, elle a développé son propre style, lâcher des chemins bien usés afin de créer son propre style. Inspiré par la magnificence du baroque sicilien et la lumière de l'île elle tendit la main suite à une ligne presque liquide et précis. Son style résulte à la fois de l'instinct et de la profondeur de la pensée. Les compositions de ses peintures sont un récit introspectif, l'un des auto-analyse. Après un certain nombre d'allées et venues entre la Méditerranée et la France, Françoise de Felice s'installe sur l'Ile de France près de Paris.Ses œuvres ont été bien exposées en France et aussi l'Europe à Padoue, Rome, Londres, Paris et Genève.

Découvrez dans Monaco 1500 œuvres confisquées par Hitler !!!

2013-11-05T09:05:00.003-08:00

De Picasso à Renoir , un trésor artistique estimé d'un milliard....

Un trésor de 1.500 œuvres d'art d'une valeur estimée de plus d'un milliard confisqués par les nazis pendant le Troisième Reich et a été considéré comme perdu est retrouvé, dans un appartement à Monaco de Bavière. Cela a été rapporté par le Mail Online, où il s'agit de chefs-d'œuvre d'artistes tels que Pablo Picasso , Renoir , Henri Matisse et Marc Chagall . Les experts ont estimé que tous ces travaux ont été perdus ou détruits dans le bombardement.

Mais il est venu aujourd'hui les nouvelles de la découverte sensationnelle: les chefs-d'œuvre du passé d'un demi-siècle gisait empilés derrière un mur de boîtes de haricots et de fruits dans l'appartement décrépit de solitaire Cornelius Gurlitt, fils de galerie Hildebrand Gurlitt dans la banlieue de Schwabing à Monaco. Pour anticiper le trouver était le hebdomadaire allemand Focus.

MailOnline / Un trésor d'une valeur de 1 milliard d'œuvres d'art près de £ saisis par les nazis et auraient été détruites par les bombardements de la RAF pendant WW2 a été trouvé derrière la nourriture en décomposition dans un appartement miteux à Munich.

Les experts ont salué la découverte des 1500 photos, que l'on croyait perdu ou bombardés, comme une découverte sensationnelle.

L'histoire des chefs-d'œuvre perdus de peintres tels que Pablo Picasso , Renoir , Henri Matisse et Marc Chagall est révélé dans l'édition de cette semaine du magazine allemand Focus qui a révélé l'affaire de l'incroyable trouver par les agents des douanes.

Les historiens d'art examen de la demande de collecte jusqu'à 300 de la collection Gurlitt apparu dans une exposition nazie appelée Art dégénéré - affichant ce qu'ils jugeaient être pauvres.

Le reste a été acheté à "honteusement" bas prix de Juifs en échange d'une voie de sortie hors du pays.

Un des tableaux est un portrait d'une femme par le maître Matisse français qui a appartenu à la collection du connaisseur juif Paul Rosenberg, qui a dû laisser derrière lui sa collection avant son évasion de Paris où le pays est tombé en 1940.

Sa petite-fille Anne Sinclair, l'épouse de l'ancien haut déshonoré banquier Dominique Strauss-Kahn, a lutté pendant des décennies pour le retour de ses photos volées par les nazis, mais selon Focus elle « ne savait rien de l'existence de cette peinture.

Il a été constaté, aux côtés de quelque 1500 autres pièces, dans la grotte du Aladdin derrière un mur de boîtes de haricots et de fruits dans l'appartement décrépit de solitaire Cornelius Gurlit dans la banlieue de Munich Schwabing.

Cette oeuvre par certains des géants des 19e et 20e siècles a été jugé «dégénéré» par la hiérarchie nazie province d'esprit, volé des collectionneurs - beaucoup d'entre eux juive - et condamné à être enfermé par Hitler et ses sbires.

D'autres œuvres découvertes dans l'appartement sont par Emil Nolde , Franz Marc , Otto Dix, Max Beckmann, Paul Klee ,Oskar Kokoschka , Ernst Ludwig Kirchner et Max Liebermann.

L'histoire étonnante de leur récupération est comme l'intrigue d'un thriller.

Concessionnaire Hildebrandt Gurlitt avait acquis les peintures et croquis dans les années 1930 et 40 pour un salaire de misère des Juifs terrorisés et rapporté qu'ils soient tous détruits à la fin de la guerre pendant les bombardements féroces de Dresde.

On ne sait rien au sujet de la collecte jusqu'à Septembre 2010, près de 100 ans plus tard, lorsque les douanes a effectué un contrôle de routine dans un train en provenance de Suisse.

Arrêter son seul fils survivant - qui n'avaient jamais travaillé et qui avait aucun moyen visible de revenu - ils ont découvert qu'il avait une enveloppe contenant € 9000 en numéraire, et une cachette d'enveloppes vides.

Beaucoup d'Allemands riches déposent de l'argent illégalement en Suisse pour échapper à des taux d'imposition élevés sur leurs économies dans leur patrie et les contrôles sur les personnes sont monnaie courante.

Sydney Long ~ Art Nouveau and Symbolist painter

2013-10-30T10:47:00.003-07:00

Sydney Long ~ Art Nouveau and Symbolist painter :

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Sydney Long [1871-1955] is Australia's foremost Art Nouveau style painter and a major Symbolist. In works such as The Spirit of the plains 1897, Pan 1898 and Fantasy c 1914, as well as in his many versions of Flamingoes, he created magical images.

Long's Art Nouveau paintings are like reveries, an escape from the everyday; they create a feeling of spiritual elevation, of another reality. And yet, seeking imagery which conveyed the 'lonely and primitive feelings of this country', he captured something of the soul and tone of the Australian bush.

Born on 20 August 1871 at Ifield, Goulburn, New South Wales, Sydney Long began formal art classes at the New South Wales Art Society in 1890. In 1894 his Heidelberg School-influenced painting By Tranquil Waters caused a small scandal, but was purchased by the Art Gallery of New South Wales. The sale brought him to the attention of Julian Ashton, a Trustee of the Gallery and founder of the influential Julian Ashton Art School (at that time called the Sydney Art School), and in 1907 he became Ashton's second in command in the school.

In 1898 he had a short engagement with Thea Proctor. In 1910 he moved to London, where he learned etching and became an associate of the Royal Society of Painters, Etchers and Engravers. He returned to Australia in 1921 and helped found the Australian Painters, Etchers and Engravers Society, lived in England for the period 1922-1925, then returned once more to Australia, becoming President of the Society. He won the Wynne Prize twice; in 1938 for The Approaching Storm, and in 1940 for The Lake, Narrabeen. He remained a director of the Society for many years, as well as remaining an active art teacher.
In 1952 he returned once again to England.
While influenced by the Heidelberg School, Long's first successful painting, By Tranquil Waters, 1894, shows a markedly different engagement with the Australian scene: where Heidelberg artists such as Arthur Streeton and Frederick McCubbin showed the Bush as a place of work and struggle (and occasional sentimentality), Long's painting of young naked bathers is hedonistic and charged with low-key eroticism - the eroticism, rather than the nudity per se, was the cause of the scandal.

SCULPTUR by EVELYNE GALINSKI - 1950

2013-10-05T10:06:00.001-07:00

Evelyne Galinski - 1950

Born in Marseille, French sculptor Evelyne Galinski began sculpting quite late.

Her inspiration:

Meditation, silence, zen, body arts, self knowledge and one’s relation to others. In pursuit of her own story, Evelyne Galinski searches for herself in clay. She speaks of a people, ancestral or new. Her people are without race for when mixed, they exude the white light containing all colors

Paintings by HOSSAM DIRAR.

2013-09-27T10:14:00.001-07:00

HOSSAM DIRAR.

And Waiting

At Night

Wedding

FERNAND LÉGER

2013-09-20T09:04:00.001-07:00

FERNAND LÉGER

Antonio Ermolao Paoletti (Venezia, 1834-1912)

2013-09-13T12:37:00.002-07:00

Antonio Ermolao Paoletti :

Il pittore Italiano Antonio Ermolao Paoletti (Venezia, 1834-1912) è considerato uno dei più brillanti pittori Macchiaioli veneziani. Frequentò l'Accademia di Belle Arti di Venezia insieme allo scultore Antonio Dal Zotto e il pittore Edgard Chahine. I suoi quadri richiamano spesso e volentieri momenti di vita veneziana. Con sobrietà e attenzione ai particolari, Paoletti ama ritrarre le attività commerciali della città, con assidua presenza di fanciulli.

Tra i numerosi affreschi realizzati dal pittore in Veneto spicca la pala dell'Altar maggiore della parrocchia di Melara, eseguita nel 1863, nella quale sono raffigurati Sant'Antonio, San Materno e la Madonna del Rosario col bambino.
I suoi dipinti sono stati oggetto di una sensibile rivalutazione da parte della critica.
Nel presbiterio della chiesa di San Lazzaro, nell'isola veneziana dedicata al santo, nonché casa madre dell'ordine mechitarista, sono collocate due edicole lignee con due dipinti di Ermolao Paoletti, raffiguranti S. Giovanni Battista e S. Stefano protomartire.

Eduardo Úrculo ~ Spanish painter and sculptor

2013-09-07T08:54:00.003-07:00

Eduardo Úrculo ~ Spanish painter and sculptor

Posted: 05 Sep 2013 02:22 PM PDT

Spanish painter and sculptor Eduardo Úrculo Fernandez [1938-2003], one of the greatest Pop Art's artist in Spain. He is also known by his works in other styles like Neo-Cubism and Black Expressionism. He also worked as a graphic designer, illustrator and set designer. Most of his paintings were about nudes, suitcases, trrips and hats.

Lilianne Milgrom ~~ CERAMICS: FIGURINES

2013-08-29T08:53:00.002-07:00

Céramics by Lilianne Milgrom :

Inspired by the delicate porcelain figurines of my childhood, I hope to revive a lost tradition.

Talking heads.

Cockatoo dreams.

Wet dream. Approx. 3.5" high.

Lilianne Milgrom's figurines indeed belong in this age-old tradition of intriguing figurines, expressive of their time and creators. The white heads that contrast with elaborate polychrome headdresses - are these dreams? Thoughts? Figments of imagination? (Dr. Irit Ziffer, Curator of Ceramics and Metals, Ha'aretz Museum,

Tel Aviv, Israel)

Ceramic conceptual by Lilianne Milgrom :

Bulwark : Graphic Evolution Par Guillaume Vincent

2013-08-25T09:20:00.001-07:00