Videocult

Amenaza en la niebla

2025-12-29T08:30:00.005+01:00

Morgan Hanna es una escritora a la que las fechas apremian. Tiene comprometida la entrega de un libro y apenas tiene unas escasas páginas escritas.
Paralelamente empieza a tener pesadillas con su novio, que años atrás se quitó la vida lanzándose desde lo alto de un faro. Y justamente la madre de este, llama a la escritora para que pase unos días en el pueblo costero donde ocurrió el fatal desenlace. Morgan decide ir para enfrentarse a sus temores e intentar poner punto y final a las pesadillas.

Como protagonista absoluta tenemos a Dee Wallace-Stone, la mamá por antonomásia de los 80 en Hollywood con E.T., El extraterrestre a la cabeza, pero con otros títulos tan destacables como Cujo, Critters, Aullidos o Admiradora secreta. Y en papeles secundarios hay algún nombre llamativo como Cloris Leachman, una habitual en películas de Mel Brooks (El jovencito Frankestein, Máxima ansiedad, La loca historia del mundo) y Al Strobel, el hombre manco de Twin Peaks.

Susan Shadburne estaba detrás del guión y la dirección, siendo esta Amenaza en la niebla su producción más destacable, además de escribir varios cortos de su marido, Will Vinton, que aquí aparecería como productor. Vinton fue toda una institución en el mundo de la animación claymotion, varias veces nominado al Oscar, ganándolo en 1975 por su corto Closed Mondays. Y que, además de varios anuncios televisivos (entre ellos los de las famosas pasas de California), estuvo detrás de las escenas del rey gnomo de Oz, un mundo fantástico o la de Moonwalker con Michael Jackson convertido en conejo motorista.

Amenaza en la niebla parte de una serie de elementos que, pese a ser muy recurrentes en las historias de terror clásico, siempre gustan: apariciones fantasmales, una muerte tiempo atrás, un pueblecito costero con un faro... Lamentablemente este film decanta la balanza al drama, dejando lo fantástico/terror en algo casi anecdótico. Teniendo un ritmo farragoso, lentorro, que se acrecenta porque no vamos a encontrar ni una gota de terror. Ni siquiera un triste susto. Porque apenas se juega con el "¿nuestra protagonista recibe la visita de un fantasma o se está volviendo loca?". Nada de nada. Un dramón que se acentúa con una fotografía más propia de telenovela de la época.

En USA tuvo un estreno muy limitado en cines, siendo pasto de emisión en canales por cable. Y aquí nos llegaría directamente en formato VHS para su alquiler en videoclubs de la mano de la terrible RecordVision.

D'Artacán y los tres mosqueperros (o una historia de piratas y tiburones)

2025-09-01T09:30:00.002+02:00

Por una de esas cosas que se acaban adjudicando a nuestra indiosincrasia, Claudio Biern Boyd ha sido venerado por estos lares. El Walt Disney español he llegado a leer. Pero a la que indagues un poco en su biografía te das cuenta que realmente estábamos ante el clásico tiburón en los negocios que olía el dinero y la posibilidad de hacer negocio a kilómetros de distancia.

Si fue uno de los tres impulsores de la compañía especializada en series animadas BRB (Tito Basto y José Rodríguez fueron los otros integrantes) es porque, siendo jefe de marketing de la multinacional Lever Ibérica, se le ocurrió que si él también se encargaba de crear un producto (como una serie animada) luego también podría encargarse del merchandising y matar dos pájaros de un tiro.

Su paso a la producción se inició con Ruy, el pequeño Cid, D'Artacán y los tres mosqueperros y La vuelta al mundo de Willy Fog. Es con estas dos últimas que consigue un especial éxito entre la chavalada de la época, dejando mella gracias, en parte, a una buena dosis de merchandising en forma de cromos, figuritas de Pvc, pastelitos... lo que se estilaba en los primeros 80.

Aquí eran vendidas como producciones 100% españolas, pero la realidad era una muy diferente. Si bien los guiones se gestionaban desde aquí, tanto los diseños como la animación corría a cargo del estudio japonés Nippon Animation. Detalle que ni siquiera se mentaba en los créditos de final de los capítulos, donde solo aparecían nombres españoles.

Claudio y compañía básicamente validaban o hacían alguna correción de lo que les llegaba desde tierras niponas, como el inicial diseño de d'Artacán, que fue modificado para parecerse más a Snoopy, como podemos ver en un piloto de prueba.

Con David el gnomo y su secuela, La llamada de los gnomos, volvió a catar la gloria, pero a partir de ahí la cosa se torció. En los 90 rescató a los mosqueperros y Willy Fog con sendas continuaciones que dejaron perplejos a los televidentes. Si bien la calidad técnica no llegaba al pantanoso nivel de las producciones de D'Ocón (con los Fruittis a la cabeza), ni se acercaban al nivel de los visto una década antes (que tampoco es que tuviesen un nivel superlativo). Y es que esta vez, para ajustar al máximo el presupuesto, se animó en Taiwan por el estudio Wang Film Production, que llevaba años animando producciones de Hanna-Barbera, Disney, Warner Bros o Nelvana, entre otros. Este estudio ya trabajaba con BRB desde tiempos de David el gnomo, pero aquí se lució. Estaba claro que la baja calidad era más una cuestión del poco montante que se invertía que de la pericia de los chinos a a la hora de animar. Pero es que eran otros tiempos. Si en los 70 y 80 apenas teníamos un par de canales en los 90 teníamos el desembarco de las privadas con Telecinco y Antena 3 (más la propinilla de Canal Plus) con la consecuente oleada de programas contenedor infantiles por la mañana, mediodía y tarde. De repente, de ver Barrio Sésamo y La aldea del Arce entre semana, más la serie animada de turno después del Telediario los fines de semana, teníamos varias horas diarias y con lo más puntero llegado desde el lejano Oriente o de tierras norteamericanas. Con los que la producción autóctona fue languideciendo.

Sorprendente fue que en 2021, después de la pandemia, llegase a nuestros cine una nueva aventura de D'Artacán. O mejor dicho, un refrito en animación 3D. Porque lo que nos encontramos es la trama mil veces contada de la llegada de nuestro protagonista a París con intención de convertirse en Mosqueperro, viéndose envuelto en la trama de las joyas de la reina de Francia.

A nivel técnico la película está bastante lejos de la animación de primera división que nos llega desde Hollywood. Comparación totalmente injusta porque apenas tiene una décima parte del presupuesto de una producción Disney/Pixar.

A los escenarios se les nota algo pobres, con lugares demasiado vacíos. Además, los colores son exageradamente luminosos.

Por otro lado, hay algunos detalles muy positivos. Por un lado, al resumir el grueso de la trama de la serie en apenas 85 minutos el ritmo es trepidante y no hay momentos de respiro (aunque tendremos que aguantar algunas gracietas basadas en pedos y anacronismos).
Por otro lado las escenas de ensoñación simulan una estética de animación clásica.
Y como detalle para los muy cafeteros tenemos un guiño en el doblaje. El padre de d'Artacán tiene la voz de Eduardo Jover, que en la serie de los 80 hacía lo propio con d'Artacán.
Al final, si la vemos con ojos de niño, que al final es el público a quien va dirigida, se pueden perdonar los muchos defectos que tiene.

En España tuvo una taquilla de algo más de 1 millón de euros, a los que hay que sumar 2 millones más del resto de países donde tuvo estreno. En total unos 3 millones, muy lejos de los 8 que costó. Este fracaso, unido al fallecimiento de Cladio Biern Boyd en 2022, llevó a BRB a dejar de lado la idea de convertir en largometrajes en 3D sus éxitos de los 80 y una secuela para este d'Artacán.

Mats Helge Olsson en Spain

2024-10-01T09:00:00.006+02:00

Mats Helge Olsson ha pasado un par de veces por este blog. Concretamente en las reseñas de La liga de los fantasmas, Huellas de sangre y Misión tras el telón de acero. Allí tienes explicado con bastantes pelos y señales la vida y milagros de este director sueco que en su etapa de "esplendor" en los 70 y, sobre todo, los 80 fue repudiado por todo el mundo y que desde hace unos años ha sido rescatado en documentales y estudiosos de la serie B y Z.

Pero la cuestión de este texto no es volver a tocar su historia, si no comentar los títulos de su filmografía que llegaron a nuestro país. Apenas son 6 películas que aparecerían directamente en VHS (salvo Misión tras el telón de acero, que llegó a tener estreno en cines). Y, desde luego, no merecen grandes artículos ni análisis porque son de esos subproductos que es más divertido e interesante hablar de su realización que de la propia película, que al final eran títulos muy planos y ramplones incluso.

Así pues, aquí tenemos breves reseñas de la filmografía editada en España de Mats Helge.

Misión tras el telón de acero (The Ninja Mission, 1984). Este film fue su gran éxito internacional y el primero de sus títulos que tuvo distribución en nuestro país (incluso estrenándose en cines en 1987). Un locurón con la CIA, la KGB y ninjas en las nevadas tierras suecas difícil de aguantar. Al menos en sus primeros 75 minutos, a partir de ahí festival de ninjas cortando cabezas, tiroteos y explosiones. En su intento de distribución internacional fue rechazada por la Cannon por mala. En cambio, fue recibida con alegría por la New Line para el mercado norteamericano. Se estima que la película recaudó más de 25 millones de $ en todo el mundo, de los que el pobre Mats no vería un céntimo.

Huellas de sangre (Blood tracks, 1985). Es, quizá, el título más conocido de Helge (aunque acreditado como Mike Jackson). Básicamente por ser considerada un slasher con tintes heavy metal. Aunque realmente estaría más en la línea de Las colinas tienen ojos.

Protagonizada por el grupo heavy Easy Action (su guitarrista acabaría en Europe), que encarnan a los Solid Gold (en el doblaje traducido como Oro Puro), que llegan a unos parajes nevados para grabar un videoclip con la mala fortuna que la zona está habitada por una familia de ¿mutantes caníbales? Un alud los dejará atrapados e incomunicados a merced de la familia matarife.

Aquí Helge demuestra que poco o nada le interesaba el terror. Él iba a o lo que iba, que viene siendo dar la carnaza que el espectador medio del slasher quiere: muchas muertes. Pero se olvidó de darles algo de gracejo, pues son un poco pa sucat amb oli. Mucha muerte ramplona y poco imaginativa.

Huellas de sangre no es la peor de su especie. Pero tampoco la mejor.

La isla de las águilas (Eagle island, 1986). Se dice que este film fue el intento de Mats por repetir el éxito de The ninja mission pero teniendo acceso a los beneficios. Pero poco o nada tiene que ver con aquella, salvo que en algunos países enfatizaron la presencia de ninjas que realmente eran militares con pasamontañas. Aquí un par de fotógrafas llegan a una isla con intención de estudiar a las aves del lugar, descubriendo que aquello es una base secreta militar.
Rodada al estilo del director. Esto es: realización paupérrima, diálogos amateur y escenas de acción sin acción. Parece que hay un intento de hacer una introducción épica con un tema Aor pero en cuanto vemos que los títulos de crédito están hechos con un Commodore todo cae por su propio peso.

La liga de los fantasmas (Spökligan, 1987). El film es una rareza dentro de la filmografía de nuestro director sueco favorito. Una película de aventuras juveniles totalmente blanca. Pero fiel a su espíritu todo parece rodado fuera de su tiempo, siendo una historia demasiado naif hasta para ser de 1987.
Sí, sin duda estamos ante la mejor de sus carátulas, pero lamentablemente es demasiado buena para lo que nos vamos a encontrar cuando apretamos el botón Play. Muy posiblemente añadir el término "fantasma" en el título no sea más que una triquiñuela para emparentarla con Los cazafantasmas, porque aquí lo de los fantasmas es algo anecdótico, donde un grupo de chavales intentará ayudar a un ladronzuelo a desenmascarar a una banda de contrabandistas de alcohol. Sí, algo muy demodé ya en los 80. Podrían ser los Goonies suecos pero se queda en Alfred Hitchcock y los tres investigadores con benzodiacepina y leche calentita.

Animal protector (Animal protector, 1989). Es la primera (y la única distribuida en nuestro país) de las tres películas dirigidas por Mats Helge en las que contaba con la presencia de David Carradine... aunque este solo había sido contratado para una. Estamos ante el clásico engaño a la estrella en decadencia de turno que acepta un cheque por participar en una pequeña producción en un país extranjero con la seguridad que su trabajo nunca llegará a tierras norteamericanas. Pero lo que no sospecha es que esas escenas inconexas que está rodando en 4 o 5 días, sin apenas aprenderse el guión, son realmente parte de 3 películas diferentes. Y, digámoslo ya, el que estuviera borracho durante su estancia en Suecia tampoco ayudaba mucho.
Créditos con filtros duotono y una canción de aquellas que se lo creen más que la propia película nos preparan para una de aquellas que evitabas en el videoclub. Y que escuchar a Pepe Carabias doblar a 5 o 6 personajes diferentes siempre mola.

Hired gun. Mercenarios (The hired gun, 1989). Sin ninguna duda Hired gun (Mercenarios) es lo peor de Mats Helge de todo lo que se distribuyó por aquí.
Según algunas fuentes solamente estuvo en la producción y guión, pero en esta edición su nombre aparece compartiendo tareas de dirección con Arne Mattsson, un clásico del cine sueco que cosechó premios y alabanzas en los 50s y 60s para dar paso al ostracismo de subproductos eróticos y de terror en los 70s y 80s.
Tenemos un argumento tan poco interesante e insulso como el de unos mercenarios intentando recuperar unos documentos alemanes que se encuentra en una base militar norteamericana.
Monotonía y estupor absoluto entre explosiones falleras y diálogos sin ton ni son, que se salvan por tener un protagonista que parece el clon de Kurt Russell en Golpe en la pequeña China. Parecido que se acentúa por lucir mullet y el mismo tipo de vestimenta. Si nos imaginamos que es una nueva aventura de Jack Burton igual hasta podemos llegar al final de la cinta sin sufrir daños cerebrales. Qui no vulgui pols que no vagi a l'era.

El diablillo caliente (Evil toons)

2024-09-20T15:55:00.002+02:00

A principios de los 90, cuando Antena 3 y Telecinco apenas tenían 3 o 4 años de vida y entre tarotistas y vendedores nocturnos del teletienda emitían mucho cine de fondo de catálogo, pusieron El diablillo caliente, eso sí, programada con su título original de Evil toons. Un servidor ni conocía la peli y, mucho menos, conocía al temible rey de lo zetoso Fred Olen Ray, es por eso que en cuanto leí en la sinópsis del periódico que en la película se mezclaba imagen real y animación ni me lo pensé dos veces. No recuerdo si me dormí o la quité al rato, lo que tengo claro es que lo que vi lo borré automáticamente del cerebro. Pero ya por aquellas tenía claro que cuando emitían películas con un planteamiento que parece interesante pero que ni sus protagonistas ni sus responsables son nombres conocidos y, sobre todo, que las ponían de madrugada, es que estábamos ante una mediocridad en el mejor de los casos. Y así siempre ha sido en la serie B/Z, que jugaban con un gimmick interesante que al final nunca cumplían. Porque aquí nos prometían toons, que al final era solo uno, y animación, que pasa del minuto y gracias.

Pero empecemos por el principio.
Fred Olen Ray salió de ver ¿Quién engañó a Roger Rabbit? y no pudo evitar pensar en subirse al carro pariendo una versión low cost. Le enseñó un borrador de guión a Roger Corman con la intención que invirtiera 250 mil dólares en la producción, pero el productor tenía claro que Olen Ray no podía sacar una película mínimamente decente que mezclara imagen real y animación por tan poco dinero. Así que nuestro director decidió producirla él mismo pero haciendo una última jugada. Se fue a Paramax Pictures, donde Vicky Jill estaba produciendo Camp Fear (que aquí nunca nos llegó) y aprovecharse de la infraestructura de ese film.
De una producción de serie B (siendo muy generosos en el término) pasamos a una serie Z que se rodó en apenas 8 días del lejano mes de julio de 1990, usando sobrantes de celuloide y el equipo y decorados que estaba rodando Camp Fear.
¿Y qué pasó con la parte de animación? Siendo una zetada de Olen Ray de escasos 140 mil dólares no podíamos tener nada bueno. Apenas teníamos un personaje animado, diseñado por Chas Balum, que aparecía en pantalla minuto y medio Al menos esos escasos 90 segundos son decentes, siendo animados por John Dilworth, creador de Agallas el perro cobarde y animador de multitud de series y nominado a un Oscar. Pero la fusión entre imagen real y animación ya era otra cosa. Si ya en el film de Zemeckis había momentos que Bob Hoskins se notaba que iba por un lado y Roger Rabbit por otro, en Evil toons esa interacción es simple y llanamente nula.

El argumento va de lo siguiente: un grupo de chicas de buen ver son contratadas para limpiar una casa durante un fin de semana. Allí recibirán la presencia de un espíritu que les entregará una suerte de necronomicón que al leerlo despertará a un demonio que poseerá a una de las chicas.
Como bien se ha comentado alguna vez, estamos ante Evil dead meets Looney toons. Al menos esa sería la intención, luego los resultados son lo que son.

En el apartado cast tenemos algunos nombres conocidos en papeles secundarios: David Carradine en uno de sus muchos trabajos alimenticios de apenas 10 minutos en pantalla aunque lo veamos protagonizando la carátula/poster. El cómico Arte Johnson, que disfrutó de la popularidad televisiva en los 50 y 60, pasando posteriormente al doblaje de series animadas y a pequeñas apariciones en películas de serie B y Z. Y el siempre genial Dick Miller en un papel secundario, además de la scream queen Michelle Bauer.
Pero las auténticas protagonistas son Monique Gabrielle, Madison y Barbara Dare, todas ellas actrices habituales en el cine X.

Evil toons es difícil de aguantar. Muy difícil. Al final estamos ante la clásica producción low cost que acontece en un espacio cerrado, con muy pocos personajes e interminables escenas de diálogos insulsos que no llevan a ningún sitio con el único objetivo de llegar a la duración standard de largometraje. Podríamos hacer muy fácilmente un sin fin de cortes para quedarnos en un corto de apenas 10 minutos y la historia sería exactamente la misma y mucho más entretenida. Pero lo dicho, esto es una zetada de Fred Olen Ray y aquí no se hacen concesiones al espectador salvo que alguna de las actrices enseñen las ubres a falta de escenas animadas.

Y como es menester en este tipo de subproductos, su vida natural fue el mercado videográfico. Aquí nos llegaría en VHS de la mano de la distribuidora Teacher con el título El diablillo caliente, más tarde en su paso por televisión se emitió como Evil toons, al igual que en el nuevo milenio con la edición de Tema en formato DVD. Y finalmente en Blu-Ray recibió el título de Evil toons. Dibujos maléficos por parte de una de esas distribuidoras piratas.

Contaminación: Alien invade la Tierra

2023-09-04T07:44:00.001+02:00

Con los buenos resultados ecónomicos de Star Crash era previsible que Luigi Cozzi recibiera el encargo de exploitear el último hit espacial llegado de Hollywood: Alien. Aunque, contra todo pronóstico, estuvo muy atado de pies y manos.

Más allá de evitar llevar la acción al espacio exterior y centrarla en suelo firme (por aquello de ser sabedor de los límites presupuestarios con los que contaba), poco más aportó. Los productores acabaron por imponerle el "Contaminación" en el título (en origen debía ser únicamente Alien arrives on Earth), cambiaron la localización de Santo Domingo por Colombia para ahorrarse pagar impuestos, exigieron más escenas de acción estilo James Bond (sic) y descartaron las elecciones actorales de Cozzi.

Contaminación: Alien invade la Tierra empieza tal cual Nueva York Bajo el terror de los zombi (Zombie 2 para los amigos). La policía encuentra en NY un barco a la deriva que supuestamente carga café llegado desde Colombia. En su interior encuentran los cadáveres de la tripulación y cientos de una especie de huevos fosilizados de los cuales uno, que ha quedado junto al conducto de calefacción, parece estar vivo. Una vez tenga contacto con las personas hace que a estas empiecen a reventarles el tórax. A partir de ahí entra en escena un equipo gubernamental que sospechará que todo está relacionado con una expedición que tiempo atrás visitó Marte.

Si algo tiene de bueno el film es que sabe gestionar muy bien sus cartas. Nada más empezar ya tenemos un generoso número de torsos reventando (efecto que se repetirá de forma constante durante el metraje, siendo evidente la explotación total de la escena de John Hurt en el Alien original), después pasamos por un valle algo aburrido con toda la trama en Colombia pero que nos dejan gotitas de diversión con más cuerpos explotando y, sobre todo, el flashback de Marte que, la verdad, está muy bien conseguido. Y para el final dejan la aparición de ese gran marciano que Cozzi quiso hacer en stop motion (técnica que le obsesionaba bastante) pero terminó siendo un animatronic que a duras penas funcionaba. Pero la magia del cine hizo su efecto, y gracias al montaje con tomas muy rápidas tenemos un bicho gigante que puede recordar al de Invasores de Marte y que no desentonaría demasiado en cualquier science fiction americana de los 50. Todo ello amenizado con una banda sonora de Goblin.

Protagonizada por un puñado de actores alemanes por aquello que es un coproducción e Ian McCulloch (Zombi 2), Louise Marleau (en el papel que Cozzi quería darle a Caroline Munro) y Marino Masé (Tenebre), que no engaña a nadie con una actuación puramente italiana con aspavientos de brazos continuados y un personaje entre cómico y baboso. Y justamente algo que llama la atención del film es su nulo interés por sacar señoritas ligeras de ropa como era habitual en la época. Teniendo incluso una escena a huevo que sucede cuando la protagonista se mete ne la ducha y alguien deja uno de esos huevos marcianos en el baño.

Los efectos corrieron a cargo de Giovanni Corridori que ya venía con la lección aprendida después de su paso por Zombi 2. Además de tener una filmografía tan llamativa como la que sigue: Tenebre y Opera de Argento; Fuga del Bronx, Érase una vez América, Leviathan, Máximo riesgo y un sin fin más.

Contaminación: Alien invade la Tierra entraría en la primera división de los exploits italianos que por aquí vimos en las famosas cajas rojas de José Frade. No engaña a nadie, pero se empeña en hacer un producto entretenido, que renquea en su parte central, pero que en conjunto deja un buen sabor de boca. Los efectos cumplen e, incluso, el flashback de Marte está hecho con gracejo, el mismo que tiene Cozzi (en nuestra edición firmando como Lewis Coates) al trufar la historia con la ciencia ficción clásica de Invasores de Marte o La invasión de los ladrones de cuerpos. Ojo, todos estas bondades son efectivas si de antemano sabes a lo que te enfrentas y gustas de la buena explotación italiana. Si eres de morro fino mejor pasar de largo.

Jennifer 8

2023-05-05T11:38:00.003+02:00

Como es habitual en cualquier género, el éxito de un tipo de película conlleva la aparición de sucedáneos que, a modo de rémora, intentan rascar algo de dinero. En el caso de Jennifer 8 nos encontramos con el previo triunfo de El silencio de los corderos, que, además de ganar mucho dinero, consiguió que una película entre el thriller y el terror recibiera una lluvia de buenas críticas y se subiera al carro de los Oscar, algo muy poco común.

Bruce Robinson, era un actor inglés que iba asomándose en películas y series haciendo pequeñas y secundarias apariciones, hasta que empezó a meterse en tareas de guión. Sería detrás de la máquina de escribir donde conseguiría notoriedad gracias a firmar el guión de Los gritos del silencio (donde estaría nominado al Oscar) y además dirigir dos comedias ácidas con Richard E. Grant como son Withnail y yo y Como triunfar en la publicidad, que en su Inglaterra natal arrastran estatus de culto.

Viendo la oportunidad de entrar en Hollywood decidió escribir un guión totalmente comercial con la intención que su primera película en USA funcionara lo suficientemente bien en taquilla para que le permitiese tener carta blanca para dirigir proyectos mucho más personales en el futuro.

En Jennifer 8 tenemos a Andy García, un policía de Los Ángeles que se traslada a una ciudad mucho más pequeña. Nada más llegar se meterá en un caso del que acaban de encontrar una mano amputada en un vertedero. Durante sus pesquisas acaba deduciendo que la mano pertenece a una persona invidente y lo enlaza con unos asesinatos ocurridos tiempo atrás del que no se encontró al asesino cuyo archivo se llamó Jennifer y la mano encontrada podría pertenecer a la víctima número 8.

Como he dicho, estamos ante una consecuencia de El silencio de los corderos, pero también ante un proto Seven. Básicamente por la cuestión estética de estar siempre diluviando, lo que le da cierto toque chanante. Pero hasta ahí. Porque Jennifer 8 es un cúmulo de clichés de este tipo de películas: el prota de oscuro pasado que llega a una localidad pequeña y que su modus operandi choca con algunos de sus compañeros; su veterano compañero de rango superior que es un perro viejo y se las sabe todas; el jefe del departamento siempre cabreado con el mundo; la testigo que acaba cayendo a los encantos de nuestro protagonista; pistas falsas y una resolución de “resulta que el asesino es…”.

Pero lo realmente alarmante no son todos esos clichés, que, como hemos visto en otras películas, si están bien utilizados pueden llegar a ser disfrutables, si no un guión totalmente lamentable. No puede ser que todos los descubrimientos de Andy García que hacen avanzar la trama le lleguen casi de forma casual. Si está esperando dentro de un coche se queda mirando a un semáforo y cuando aparece la señal para invidentes se le ocurra la procedencia de la mano amputada. O el momento en el que está en casa del sospechoso y al tumbarse en la cama y mirar arriba se percata que no hay bombillas, señal que en la vivienda reside otro invidente.
Además de detalles tan absurdos como que el compañero veterano del protagonista, que se pasa media película dándole la monserga de que no se esfuerce tanto, que no vale la pena reavivar el caso… además de estar constantemente bebiendo y/o bebido.

En defensa de su director y guionista, hay que señalar que, tal como él mismo contaba, el estudio se metió por en medio haciendo de las suyas. Por ejemplo, su idea inicial de tener un protagonista cincuentón (básicamente quería a Al Pacino) se fue al traste cuando le impusieron a GarcíaProblema que se acentúa cuando el guión apenas se adaptó para un actor mucho más joven y queda extraño.

Además de García, tenemos la siempre agradable presencia de Lance Henriksen; Uma Thurman; Kathy Baker en un personaje que durante todo el metraje es totalmente secundario para coger excesivo protagonismo en la resolución; Kevin Conway con su eterno papel de jefe cabreado; y una extra aparición de John Malkovich que casi es un cameo y parece más un favor que le debería a alguien de la producción.

El film fue un fracaso en la taquilla norteamericana con lo que, unido a la mala experiencia con los estudios, hicieron que Bruce Robinson se alejara de Hollywood y se centrara en escribir. Quizá lo más destacable fue In Dreams de Neil Jordan que originalmente estaba planeado que dirigiese Spielberg.
Y sería 20 años después que volvería a sentarse en la silla de director después de recibir la llamada de Johnny Depp para que dirigiese Los diarios del ron.

Capitán Justicia

2023-03-24T12:45:00.005+01:00

A mediados de los 80 las adaptaciones de cómic al cine eran poco menos que inexistentes. El Superman de Richard Donner tenía prácticamente una década y las secuelas decaían en interés, por no hablar que la cuarta entrega, producida por la Cannon, que estaba a la vuelta de la esquina y sería el final de la franquicia durante décadas. El film de Howard el pato había sido un fracaso estrepitoso y el Castigador/Punisher era una agradable serie B que era simplemente eso, una serie B que en el mejor de los casos sacaría algo en su paso por videoclubs. Por lo demás en televisión apenas quedaban esporádicos telefilms del Hulk de Ferrigno-Bixby y El gran héroe américano, que jugaba más en la liga de la parodia cómica. Es por todo ello que, a finales de los 80, una apuesta por una serie de televisión protagonizada por un superhéroe era nadar a contracorriente.

Lo que aquí se conoció como Capitán Justicia nació con el título de True Believer, luego pasó a ser True Colors y definitivamente estrenada como Once a Hero, en un proyecto nacido de la mano de Dusty Kay. Producida por la New World, cuando, precisamente, acababa de comprar una Marvel con grandes problemas económicos. Cosa a la que no era ajena esta empresa nacida de la mano de Roger Corman en los 70, aunque por aquellos días el productor hacía tiempo que había salido de la compañía que también estaba inmersa en una crisis con una deuda superior a los 300 millones de dólares. Es por eso que es extraño que New World se metiera en estos berenjenales, sabiendo que la serie solamente le propiciaría ingresos a la larga, cuando superase los 100 capítulos y entrara en sindicación.

Para dirigir el piloto se contrataría a Claudia Weill, que apenas había dirigido dos largometrajes. Por un lado un film independiente con cierto culto como Las amigas, que permitió dar el salto a un gran estudio con Ahora me toca a mí, comedia romántica al servicio de Jill Clayburgh y Michael Douglas que recibió malas críticas y su rodaje fue un cúmulo de problemas ante las malas maneras del productor Ray Stark. Esta mala experiencia le hizo que Weill se alejase del cine y se refugiase en la televisión.

Para encarnar al héroe se escogió a Jim Turner, que no tenía una carrera en televisión o cine que fuese demasiado destacable, y era más conocido en pequeños círculos por actuar en compañías de teatro o hacer giras con una banda que tocaban con instrumentos de juguete.

También contaron con Robert Forster; Caitlin Clarke (la chica de El dragón del lago de fuego), Milo O’Shea (el Dr. Durand Durand de Barbarella), Dianne Kay (una de las hijas de Con 8 basta), y Josh Blake (el sobrino de los Armonía en Alf).

En la ciudad de Pleasantville viven multitud de supervillanos. Por suerte para sus ciudadanos el Capitán Justicia siempre está al rescate de los más necesitados. Escondido bajo la falsa identidad de un profesor escolar llamado Brad Steele, nuestro protagonista empieza a tener una sensación de dejà vú en sus aventuras y comienza a notar que su cuerpo y el del resto empiezan a desvanecerse. Todo ellos viene dado porque en el mundo real Abner Bevis, el dibujante de el Capitán Justicia, tiene problemas para crear nuevas aventuras de su personaje y las ventas han decaído hasta el punto que la editorial planea la cancelación de su tebeo. Pero nuestro héroe, siendo consciente de su condición de personaje ficticio, decide aventurarse en la zona prohibida para llegar a nuestro mundo e intentar arreglar el desaguisado, sin tener en cuenta que aquí no tiene superpoderes.

Después de rodar el piloto y hacer las pertinentes proyecciones de prueba, los directivos comenzaron a dudar del producto y a verlo demasiado cómico, así que decidieron prescindir de Jim Turner y contratar a Jeff Lester, actor con algo más de presencia corporal (pero con un currículum más pobre) siendo un esporádico secundario en varias series televisivas. Con el nuevo fichaje se volvieron a rodar las escenas del piloto que requerían su presencia, haciendo, además, algunos ajustes tan llamativos como que Pleasantville es una ciudad formada por elementos con estética de comic en 2D (el mismo recurso que usarían años después en Cool World. Una rubia entre dos mundos). Y también se rodaron los siguientes 6 capítulos que acabarían formando la primera temporada, cada uno con un coste de algo más de 1 millón de dólares, de los que el 80% corría a cargo de la ABC..

El 19 de septiembre de 1987 sería el fatídico día que se estrenó la serie, siendo un fracaso de audiencia. Entre otras cosas porque varias de las emisoras de la ABC decidieron no emitirlo porque el piloto les había parecido muy malo y directamente emitieron episodios de Star Trek. Además, el horario de prime time un sábado por la noche nunca ha sido sinónimo de éxito en la televisión norteamericana.

El 7 de octubre, después de solo 3 capítulos, la serie sería cancelada definitivamente, permaneciendo el resto de episodios perdidos para siempre y dejándonos con las ganas del “famoso” episodio donde Adam West interpreta al actor que encarnaba al Capitán Justicia en la serie dentro de la serie. Más meta que eso ya no hay nada.

Además de no contar con el respaldo de la propia cadena, el público tampoco le hizo mucho caso. No hay que olvidar que el mundo de los comics en la época era totalmente de nicho y la gran masa apenas estaba familiarizada con Batman, Superman y poco más. Si añadimos que estamos en la época que Frank Miller y compañía estaban lanzando obras que poco o nada tenían para los más infantes, comprenderemos que Capitán Justicia ni interesase al público generalista y mucho menos a los fans de las grapas. Y eso que desde Marvel lo intentaron, lanzando un cómic que llegó a adaptar el piloto pero que se quedó en apenas 2 números publicados.

Curiosamente aquí nos llegó directamente a VHS el piloto de la mano de José Frade, no podía ser de otra forma estando detrás la New World, con la que debía tener algún acuerdo porque en aquellos años distribuyó muchísimos de sus títulos (Transilvania 6-5000, Vamp, Se busca vivo o muerto…), con el título de Capitán Justicia. Pero lo más fascinante es que el piloto que nos llegó fue el primero, el protagonizado por Jim Turner cuando se emitió bajo el título de True Colors y antes de que añadieran los decorados en 2D. Además, se conservó un prólogo con una falsa entrevista a Stan Lee. Cosa muy extraña ya que en USA y otros mercados también se llegó a editar el piloto en VHS pero sería la segunda versión ya con Jeff Lester como protagonista.

Después de unas cuantas décadas el personaje ha quedado totalmente en el olvido y seguramente descansa en el limbo que Marvel tiene reservado a los personajes ninguneados. Está claro que al no llegar a tener ni siquiera una temporada completa nadie le da cancha ni siquiera como elemento curioso más allá de alguna entrada en algún blog, lo que significa que nunca tendrá ni una aparición esporádica en algún cómic y mucho menos en una serie o película.

Las aventuras de Duncan Jax

2022-08-26T14:44:00.001+02:00

Que en los 60's o 70's aparecieran explotaciones de James Bond era totalmente normal y habitual, pero que pasase a mediados/finales de los 80 era algo muy raro. Es el caso del personaje Duncan Jax, que su condición de rémora del agente doble 0 más famoso del mundo es más que evidente en su primera aparición cinematográfica, pero que perdería bastante en se segunda entrega, acabando más cerca de Doc Savage.
Pero empecemos por el principio. Y para hacerlo hay que hablar de su director Worth Keeter, que empezó como electricista a finales de los 70 en E. O. Coporation, compañía afincada en Shelby (Carolina del Norte) de Earl Owensby (conocido como el Roger Corman redneck) especializada en producciones de bajo presupuesto, donde Keeter rápidamente ascendió a vice presidente de la compañía además de dirigir varios films.
Sus primeros trabajos como director serían en formato 3D, adelantándose a la moda de producciones tan famosas como Viernes 13 3D, Tiburón 3D o Amityville 3D, entre muchas otras. Ya en 1990 decidió dar un paso adelante en su carrera y se mudó a Los Angeles en busca de oportunidades en los grandes estudios, donde participaría en algunos thrillers como ayudante de dirección o como director, para, finalmente, recaer en Saban Entertainment y dirigir multitud de episodios de Power Rangers, VR Troopers o Beetleborgs.

Pero lo que ahora nos interesa son las dos aventuras de Duncan Jax, su intento de parir un personaje franquicia para intentar dar el pelotazo.

La maldición del ídol (Unmasking the Idol, 1986). Lo más normal en la época del videoclub es que la carátula nos quisiera vender una moto que luego no era. Imágenes de una espectacularidad que no encontraríamos en ninguno de sus fotogramas. Curiosamente en la cinta que nos ocupa es todo lo contrario. Es parca y simplona (todo lo contrarío de la carátula inglesa que tienes más abajo) hasta el punto que más de uno no la alquilaría por su simpleza, pero que lo que nos depara tiene mucho más gracejo. Y aunque entre la tradución patria y la imagen lo normal es que pensáramos que estábamos ante un Indiana Jones exploitation, lo que realmente teníamos delante era un Bond exploitation. Al menos en parte.
Duncan Jax es un experto agente secreto que siempre va acompañado de un papio, también conocido como mono babuino. En esta ocasión se las verá con una organización de ninjas que están acumulando oro para comprar misiles nucleares y desencadenar la tercera guerra mundial.

Nada más empezar tenemos a modo de prólogo a nuestro protagonista con disfraz de ninja ideando un complejo robo del que escapará en globo, para seguidamente pasar a unos títulos de créditos con fondo musical que sin ningún tipo de complejo nos lleva al terreno de James Bond. A partir de ahí tendremos a Duncan Jax en una isla con guarida secreta incluida desbaratando los planes de los malos.
Con un montón de decorados bastante conseguidos, que aunque se les nota su condición artificial tienen el gracejo de la serie B de antaño, escenas de acción más que aceptables y al mono haciendo constantemente corte de manga, nos topamos con una producción muy agradecida, de las que mezcla a los agentes secretos con ninjas y locuras pulp como malos con guarida secreta y foso de cocodrilos donde tiran a los que les plantan cara. Muy recomendable para los nostálgicos de la acción estilo a la vieja escuela y los tebeos de papel barato.

La orden del Águila Negra (The Order of the Black Eagle, 1987). En esta nueva aventura, nuestro héroe se las verá con una sociedad secreta de nazis que tienen a Hitler crionizado y tienen un arma capaz de destruir todos los satélites del planeta.
Pese a que no tenemos un prólogo JamesBondiano, nada más empezar nos topamos con la clásica escena donde Duncan recibe un montón de gadgets inverosímiles de la mano de una suerte de Q asiático. Pero a partir de ahí va a virar a una suerte de El equipo A, ya que en la aventura se van a unir un equipo de mercenarios, cada uno especialista en algo, que realmente son un poco esterotipos mil veces visto. Lo que unido a la poca pericia de sus actores, no dean un poco igual más allá de las risas por sus diálogos y comportamientos estúpidos.

No está demás mentar el cambio del protagonista, que deja de lado su estética ninja de la anterior película y tiene un comportamiento de chulo playa que incluso le da cierto toque desagradable.
Al parecer esta segunda entrega tuvo un presupuesto similar a la anterior, pero invirtieron mayor parte en explosiones y los decorados se vieron ninguneados, lo que hace que la película no sea tan disfrutable y se convierta en un episodio de El equipo A con multitud de coches explotando y militares saltando en contrapicado, lo que le hace bajar algunos enteros respecto a la primera entrega.

Y con esta segunda entrega moriría el personaje de Duncan Jax. Por su parte, el actor Ian Hunter (pseudónimo de Louis Dula) haría sus dos únicas incursiones en el cine y se dedicó a la pintura y el director Worth Keeter pondría rumbo a metas más importantes como dirigir a los Power Rangers.

Hard Rock Zombies

2022-03-31T21:39:00.006+02:00

Clásico de la serie Z que muchos conocimos por la loquísima carátula de Ízaro-Cannon, que se limitaron a su distribución.

Un grupo heavy (aunque las canciones que tocan tienen poco de ese estilo) llega a Grand Guignol, un pueblo de habitantes muy cerrados que nada más verlos prohiben su concierto. Por ahí tendremos abuelas lobo que fornican en presencia de sus nietos, nazis asilados, familias matarife, canciones que reviven a los muertos...

En definitiva, una historia de esas que cada cinco minutos te meten una locura más chiflada que la anterior. Todo ello con escasez de medios, maquillajes a base de polvo talco porque los "actores" querían salir guaepetones, poca y mala iluminación... Vamos, serie Z en todo su esplendor. A todos estos elementos hay que añadir un montaje loquísimo donde meten insertos que no vienen mucho a cuento, dejándonos la sospecha que detras de la producción habría alguna movida.

Y efectivamente, así es. Hard Rock zombies en origen era una falsa película de 20 minutos que se proyectaba dentro de American Drive-In, otra zetada del mismo director (básicamente un American Graffitih low cost), de la que alguien pensó que sería buena idea poner más dinero para convertirla en un largo con vida (es un decir) propia. Detrás de esta pantomima de rockeros de bigotillo lampiño, zombies, mujeres lobo y nazis tenemos a Krishna Shah un indú afincado en USA que, en esencia, solo parió basura y fracasos económicos pese a que siempre estaba vendiendo proyectos como si fueran lo más grande parido en Hollywood.

Otros nombres que nos pueden interesar son los de Phil Fondacaro (Troll o cualquier peli que salgan enanos), el maquillador John Carl Buechler (director de Troll y padre de los Ghoulies), el productor Sigurjon Sighvatsson (que ha estado detrás de cosas tan variopintas como Corazón salvaje o Candyman), o Paul Sabú, que aquí se encarga de la banda sonora y es hijó del famoso Sabú protagonista de El ladrón de Bagdad.

Mucha gente ha creído ver en Hard Rock Zombies una película de humor negro, que parodia el género y mil locuras más, pero que no te engañen, es una película zarapastrosa que solamente funciona para reirte de ella. ¿Que arrastra cierto culto? Sí, ¿y?

Capitán Ron

2022-02-19T07:44:00.001+01:00

Después del resurgimiento de Disney gracias a La Sirenita, su modus operandi fue seguir el mismo esquema: estrenar una gran producción animada con muchas canciones anualmente dándole estatus de "peli acontecimiento". ¿Pero qué pasaba con las producciones de imagen real?
Pues que no acababan de funcionar. Intentaron meterse en adaptaciones de cómic con Dick Tracy o Rocketeer, pero o no eran éxitos tan grandes como esperaban o directamente fracasaban.

Algunas tuvieron más o menos aceptación en cines pero en videoclub vivieron una segunda juventud que les permitió llenarse un poco los bolsillos (El retorno de las brujas) o, incluso, tener secuelas (Colmillo blanco, Somos los mejores).
Pero sí, muchas morían en el camino. Es el caso de Capitán Ron, uno de esos films que pinta a que a nadie le importaba lo más mínimo.

Martin Short interpreta al clásico padre de familia topeyankie que es un trozo de pan y está aburrido de su monótona vida en la ciudad. Para su fortuna un tío lejano muere y le deja en herencia un cochambroso barco que tendrá que ir hasta el Caribe a buscarlo. Y ya que no tiene ni idea de manejar la nave contrata los servicios de un borrachuzo marinero de nombre Ron Rico.

Realmente el esquema lo hemos visto en infinidad de ocasiones. Básicamente un pez fuera del agua (Short) al que le puede la ilusión mientras choca con la tosquedad del capitán interpretado por Russell, que acaba por engatusar a la familia del primero. El protagonista de La cosa es lo poco salvable de la cinta, interpretando un personaje estrafalario que le da el suficiente margen para divertirse y salirse de sus más clásicos action hero.
Salvo el tándem Short-Russell no se puede destacar mucho más en el cast.
En cambio, en la dirección ya nos llama más el nombre de Thom Eberhardt, responsable de un par de títulos tan llamativos como Sin pistas y la cult movie La noche del cometa, que es por la que su nombre sigue más o menos sonando entre el fándom. Además de ejercer como guionista de Cariño, he agrandado al niño. A partir de mediados de los 90 cayó en series y telefilms para desaparecer definitivamente del mapa hace más de una década.

Capitán Ron es un producto muy de su época, de esos 90 de ni chicha ni limoná que para intentar divertir a pequeños y mayores tiraba por el camino del medio y no hacía gracia a nadie. El ejemplo más claro es una escena entre Martin Short y su señora en la ducha del camarote, en la que a ella (o su doble de cuerpo) se le medio ven las ubres, que hizo que Disney frunciera el seño y la estrenara en USA bajo el sello de Touchstone y sin demasiada promoción, condenándola a desaparecer rápidamente de la cartelera. Aquí llegaría directamente a vídeo con un doblaje acartonado de esas que las voces, pese a ser de actores de primer nivel, no pegan nada con los caretos que aparecen en pantalla.

School killer

2021-12-30T07:44:00.001+01:00

La aparición de Scream y su posterior éxito propició el resurgimiento del slasher con Leyenda urbana, Un San Valentín de muerte... pero eso sí, todo mucho más limpio y pulcro, con ausencia de sexo y todo más controlado para abarcar el máximo público posible.
Aquí no seríamos ajenos a ese éxito y aparecieron abortos patrios como Más de mil cámaras velan por tu seguridad, Tuno negro, El arte de morir o School killer.

Un grupo de jóvenes llegan a una escuela abandonada a pasar la noche. Allí empiezan a escuchar ruidos y ver personas. En un principio creen que otro grupo de chavales les están gastando una broma, pero cuando cuando uno de ellos desaparece y encuentran su cadáver intentarán escapar del lugar.

Si bien School Killer está dentro del pelotón de las películas antes mentadas, su inicio empezó muy pronto, a principios del 1998 cuando la productora Dos orillas encargan un guión a Tino Blanco (futuro guinosta de Cruz y Raya.com) y Mercedes Hogueras. Hago un paréntesis para remarcar que la productora solo hizo dos largometrajes: el aquí mentado y ¡chorprechá! El forastero.
Los guonistas buscando por el prehistórico internet de la época se topan con la historia de una muchacha que había sido asesinada junto a cuatro amigos en un colegio abandonado. Buscando información sobre estos hechos solamente encontraron un sumario cerrado donde se culpaba al vigilante del lugar. A partir de ahí "virgencita dame inspiración".

Dirigida por Carlos Gil, que hacía su debut en la dirección de largometrajes (ya había hecho televisión). Pese a ser su estreno este señor tenía detrás un currículum dirigiendo segundas unidades verdaderamente envidiable: Indiana Jones y el Templo Maldito y La última cruzada con Spielberg; Las minas del rey Salomón y Delta Force de la Cannon; o Nunca digas nunca jamás.

Es por esa trayectoría que cuesta creer que pariera una película tan espantosa. Pero espantosa de aquellas que roza la línea de la parodia y te lo acabas pasando mucho mejor que si nos encontraramos ante un buen slasher (si es que alguna vez ha habido uno realmente bueno). Nos encontramos todos los clichés a la hora de crear los personajes: el graciosillo del grupo, el que los lleva al lugar y sabe lo que pasó años atrás, la que es experta en el más allá y tiene respuestas para todo lo que pasa, la que va de dura, el que casi no dice nada y que en algún momento apuntan como el asesino... Además de los famosos momentos donde toman la idea de seperarse del resto del grupo para minutos después... ¡tachán! aparecer muertos. Cualquier cliché del slasher lo tienes aquí al dente.

El elenco está sacado de aquellas series juveniles de la época como Al salir de clase: Carlos Fuentes (uno de esos nombres que parecía que llegaría algún sitio y hoy está missing), Zoe Berriatúa, Manuela Velasco (mucho antes de Rec y cuando presentaba videoclips en Los 40 de Canal Plus), Olivia Molina (hija de), Carmen Morales, el Dj Kwenya Carreira, Sergi Mateu (habitual en series de Tv3 y no sé muy bien que pinta aquí) y Paul Naschy / Jacinto Molina en la época que se dedicaba a rajar de toda la industria y la mano negra que no le daba papeles y de lo muy reconocido que era en el extranjero y blao, blao, blao...
Todos ellos con interpretaciones muy intensas a la vez que risibles. A este detalle hay que añadirle que la película no tiene sonido directo y se dobló, lo que pega un cantazo muy fuerte cuando alguno de los actores no lo hace él mismo y le ponen una voz que reconoces como la de algún personaje de dibujos animados.

A la producción se le nota su modestia, siendo rodada en un hospital abandonado en la sierra madrileña donde acontece toda la acción y con algún que otro maquillaje resultón. También se le nota (y mucho) la época de realización, cuando empezaba a pegar fuerte lo digital, que permitía facilmente hacer una edición llena de cortes a tutiplén. Aquí el caso es sangrante porque está trufado de infinitos flashbacks de lo que hemos visto 3 minutos antes.

Como era de esperar, la película se llevó críticas sangrantes nunca mejor dicho) y fracasó en taquilla, donde apenas recaudó 130 millones de las antiguas pesetas (unos 800 mil euros) muy lejos de lo que hacían Tuno negro y compañía, que triplicaban lo ganado. Así pues, School killer sería el carpetazo definitivo para el spanish slasher.

Un año después, Carlos Gil estrenaría Alas rotas, un Top Gun cañí con Carlos Fuentes, Ana Álvarez (Aquí huele a muerto), Jesús Cisneros, Ramón Langa y Monica Van Campen (sí, enseña las campens y lo de abajo). El film fue un fracaso aun más estrepitoso que apenas recaudó 250 mil euros y eso que trincó más de medio millón de subvenciones. Un pufo de los guapos.

School killer ha quedado muy olvidada, al igual que el resto de sus compañeras en aquella ola del spanish slasher (si es que existe el apelativo). Y no es para menos, son subproductos que ni siquiera pueden rescatarse por un cuestión estética como el fantaterror de los 60/70 (ojo, por una estética que es la que había una época, porque la mayoría son igual de zarapastrosas), pero no se les puede negar que son hijas de una época muy concreta por sus formas y sus caras juveniles televisivas. Igual dentro de 10 años alguien las reivindica.

Despedazator

2021-11-26T07:44:00.000+01:00

Solo en los 80, en pleno boom de los videoclubs, podía llegar a nuestro mercado (incluso se emitió en TVE a mediados de los 90 a las tantas de la madrugada) un film básicamente amateur, rodado en 16 mm y con el gore más cafre que había en aquellas. Slime city, en su versión original, sería el debut en la dirección de Gregory Lamberson que, pese a contar con escasos 21 años, ya había trabajado como director de producción en La venganza de los zombies.

Lo que aquí recibió el título de Despedazator (por aquello que estaba de moda todo lo que acabara en "ator" —Terminator, Re-animator—) es casi una versión cafre de El quimérico inquilino, (aunque su director dice que fue La semilla del diablo la que le influyó), que, en cierta medida, tiene que ver con su experiencia cuando pasó de vivir en su natal Gowanda, un pueblecito de menos de 3000 habitantes, a aterrizar en Nueva York, donde su piso de estudiante estaba rodeado de yonkis, prostitutas y gente poco recomendable. La historia que nos cuenta está protagonizada por un estudiante que alquila un apartamentucho y se topa con unos vecinos bastante fuera de lo normal. Estos realmente forman un culto y pretenden convertir al estudiante en la reencarnación desu lider.

Rodada en 1986 durante un mes y con un costo total de 50 mil dólares (de los que 35 mil se usaron en alquilar una maquina de edición) que llegaron de los ahorros de sus amigos. La producción quedó congelada durante su edición, ya que Lamberson se fue al rodaje de Síndrome Plutonio requerido por su colega Scott Coulter (que había estado detrás de los efectos de Despedazator), donde quedaría acreditado como asistente de dirección y dirigiendo parte del metraje. De ahí pasó hacer las mismas funciones en Brain Damage de Frank Henenlotter (Baskecase). Cuando por fin pudo volver para acabar la edicion de Slime city el dinero se había acabado y tuvo que esperar a vender los derechos de distribución en el Reino Unido para poder finiquitarla. En USA se pudo ver proyectada algunos fines de semana en las sesiones de medianoche de Nueva York. En un primer momento iba a tener distribución de toda una clásica de la serie B como la Vestron, pero justo tuvieron un pelotazo en taquilla con Dirty Dancing y quisieron dejar atrás el lanzamiento de títulos de bajo presupuesto.
Un año después, tendría su lanamiento en VHS, su verdadero medio, donde conseguiría cierto culto.

Aun y siendo una producción hecha entre amigos podemos encontrar nombres que luego harían carrera en títulos muchos más grandes, como son los responsables del maquillaje: Scott Cuolter (Cementerio de animales, El cuervo, Los mercenarios), Dan Frye (Resident Evil, Capitán América, Juego de Tronos) y Tom Lauten (Pesadilla en Elm Street 4, King Kong de P. Jackson).
O el operador de cámara y, sobre todo, especializado en el uso de la steadycam, Jim Muro (Spookies, Abyss, Terminator 2, Titanic) y director de Street trash.

Despedazator es de esas películas que tienes que ir preparado para verla. Su condición zetosa lo llevan al terreno amateur, con lo que su realización de muchos tiempos muertos y los diálogos puramente sonrojantes hacen que no sea apta para todos los estómagos. Los encuadres son tercermundistas, tal y como reconoce su director. Aunque en su defensa dice que estaban hechos de esa forma para posteriormente recorta arriba y abajjo en un transfer ampliado a 35 mm, cosa que nunca sucedió dado lo caro del proceso. Básicamene hubiera duplicado el presupuesto.

Hasta que llegamos al último cuarto de hora, todo un festival de efectos de bajo presupuesto que nos harán reir con un cuerpo amputado al máximo. Este climax final es lo más recordado de la película y por lo que ha resistido estas décadas. Aun y así no puedo dejar de comentar las escenas en blanco y negro que forman parte de los sueños del protagonista que parecen una mezcla entre el Lynch de Cabeza borradora y Bergman. Ver para creer.

Un plato no apto para todos los paladares. Hay que saber qué es lo que se va a ver y esar preparado para el cine trash puro y duro. Pero aun y así, el divertimento está asegurado.

Todo ese anticine no le ha impedido seguir siendo recordada hasta el punto de tener edición en Blu-Ray o estar disponible en plataformas como Prime Video (al menos en USA).

¿Y qué fue de Gregory Lamberson? Intentó seguir en el cine pero nunca pudo librarse de la serie Z. Visto lo difícil que lo tenía para vivir del cine adaptó algunos de sus guiones no producidos a formato novela, que le fue medianamente bien. Al menos lo suficiente para vivir de ello, con lo que inicio una trayectoría como escritor con más de una docena de novelas a sus espaldas. Con el paso del tiempo y viendo la legión de fans que arrastraba Despedazator, rodó una secuela-precuela en 2010 titulada Slime city massacre, que evidentemente no tuvo ningún tipo de repercusión.

La cosa (y precuela)

2021-10-31T20:38:00.005+01:00

Considerada por muchos como la mejor película de Carpenter, es, a la vez, su fracaso más recordado pese a que desde mediados de los 80 la mayoría de sus películas lo han sido.
En su momento destrozada por la crítica, que básicamente la ponían como una excusa para rodar un festival de efectos especiales sangrantes. Un poco lo que ha pasado con las nuevas versiones/remakes, que se siempre se dice de ellas que solamente aportan efectos especiales de la nueva hornada.

Después de los éxitos en taquilla de Halloween y 1997 Rescate en NY, a Carpenter le llegaba esta propuesta que le permitiría dar el salto para trabajar con un gran estudio (Universal) en una producción de generoso presupuesto, y, además, siendo una nueva versión del relato Who goes there? de John W. Campbell Jr. que se había materializado en El enigma de otro mundo, uno de los films favoritos de Carpenter.
Rodada entre localizaciones reales de Alaska y estudios hollywoodenses debidamente acondicionados para estar a temperaturas muy bajas, la producción haría estragos en la saludo del propio director, del que se dijo que cogió un cáncer de piel; y de Rob Bottin, que en aquel momento apenas contaba con 21 años de edad y, ya habiendo demostrado sus dotes en Aullidos, se cargó a las espaldas un montón de maquillajes y animatrónics que lo llevaron al colapso y tuvo que ausentarse un tiempo del rodaje. A su ayuda salió todo un Stan Winston sin acreditar.

Pese a sus 40 años, La cosa sigue manteniendo muy bien el tipo. Nadie como Carpenter para filmar a un grupo en un lugar cerrado (tan cerrado como pueda entenderse el desolado paisaje de la Antártida) envueltos en una situación extrema (un alien que despierta de su letargo congelado). Al igual que sus efectos de maquillajes y animatrónics. Todo un show visual con multitud de transformaciones y mutilaciones que dieron mucho de qué hablar en su día. Sin ir muy lejos aquí tuvimos la anécdota que se emitieron algunas escenas subidas de tono sangriento durante el telediario del mediodía para comentar el inicio del festival de Sitges 1982 y se montó una buena.
En cambio, hay algún momento con croma (como la escena de un grupo cuando descubren la nave) que baja muchísimo el nivel. Por suerte, apenas hay este tipo de efecto.

Nunca está de más comentar la banda sonora de Morricone, que es puro Carpenter. El compositor entregó una banda sonora de la que apenas se usó una mínima parte, así que ya te imaginarás como se lo tomó el italiano.

En su momento muy criticada y con una recaudación que estaba muy lejos de las espectativas del estudio (pese a que terminó recuperando la inversión) fue un traspiés para el director que, en cierta manera, supo esquivar con otros dos encargos de un gran estudio como Christine y Starman, seguramente dos de sus obras más asépticas, que funcionaron relativamente bien en taquilla (al fin y al cabo lo que buscan los estudios). Ya sería con la siguiente, Golpe en la pequeña China, que se llevaría otro gran fracaso económico y se le acabarían las ganas de trabajar con los grandes estudios (aunque volvería a caer en sus garras con Memorias de un hombre invisible).

La cosa (The thing, 2011). Con el paso de los años la película de Carpenter adquirió el consiguiente estatus de culto, generando comics, relatos e, incluso, un videojuego en 2002. Y por aquellas nos llegaría unos cuanto remakes de los films del director como el Halloween de Rob Zombie o La niebla. Aquí que cada uno las valore como prefiera.
Y ya nos llegaría esta precuela (con tintes de remake) y no nueva adaptación ya que es evidente que no tiene en consideración el relato original pero sí al film de 1982. Tanto que todo lo que acontece es para dar explicación a lo que vimos en los 80: el hacha clavada en la pared, el cádaver deformado que encuentran, el bloque de hielo... Todas las miguitas que dejó Carpenter aquí nos explican de donde vienen. Me hace especial gracia que en 1982 se usara (al menos en la traducción) el término "imitación", mientras que en esta nueva entrega digan "réplica". Casi parece un guiño a Blade Runner, por aquello que se estrenaron a la vez y ambas fueran fracasos en su momento.
Pajas mentales aparte, el argumento es una repetición: grupo en el ártico encuentran una nave espacial y a su tripulante congelados. Como es lógico, no perderán el tiempo en sacar al ser del hielo sin tener en cuenta que este sigue vivo y les hará la vida imposible.
Lo dicho, una precuela que en esencia es un remake adaptado a los ~~malos~~ nuevos tiempos. Aquí tenemos a una chica como protagonista (Mary Elizabeth Winstead) y los efectos de maquillajes y animatrónics dan paso a los siempre temibles CGI. Estos especialmente chungos porque son bastante reguleros. Seguramente sus 40 millones de presupuesto no dieran para mucho más.
En su estreno fue un fracaso y recibió críticas que la dejaban a caer de un burro. Personalmente no me parece ningún engendro. Por un lado no deja de ser un remake encubierto y por otro se toma la molestia de hacer cuadrar lo que explica con lo que luego le sucedería a Russell y compañía (no como en Prometheus...).

Festival de trailers (CCXIV)

2021-10-18T21:12:00.002+02:00

Una pandilla de lunáticos (The Dream Team, 1989) de Howard Zieff. Con Michael Keaton, Peter Boyle, Christopher Lloyd, Stephen Furst, Dennis Boutsikaris y Lorraine Bracco.

Las locas peripecias de un señor mamá (Mr. Mom, 1983) de Stan Dragoti. Con Michael Keaton, Teri Garr, Frederick Koehler, Martin Mull, Ann Jillian, Carolyn Seymour, Christopher Lloyd y Jeffrey Tambor.

Planeta prohibido (Forbidden Planet, 1956) de Fred M. Wilcox. Con Walter Pidgeon, Anne Francis, Leslie Nielsen, Warren Stevens, Jack Kelly, Richard Anderson, Earl Holliman y George Wallace.

¿Un chico como todos? (Just One of the Guys, 1985) de Lisa Gottlieb. Con Joyce Hyser, Clayton Rohner, Billy Jayne, Toni Hudson, William Zabka, Leigh McCloskey y Sherilyn Fenn.

Hasta que tu muerte nos una (Passed Away, 1992) de Charlie Peters. Con Bob Hoskins, Blair Brown, Tim Curry, Frances McDormand, William Petersen, Teri Polo y Sally Gracie.

Nunca es pronto para morir (Never Too Young to Die, 1986) de Gil Bettman. Con John Stamos, Vanity, Gene Simmons, George Lazenby, Peter Kwong, Ed Brock, John Anderson y Robert Englund.

Salvaje kid (Wild Thing, 1987) de Max Reid. Con Robert Knepper, Kathleen Quinlan, Robert Davi, Maury Chaykin, Betty Buckley, Clark Johnson, Sean Hewitt y Theo Caesar.

El porqué de las cajas blancas de Disney

2021-09-20T07:44:00.001+02:00

Si viviste los 80 y frecuentabas algún videclub, sabes perfectamente que había unas cajas que destacaban por encima de las otras. Y no, no son las de José Frade (bueno sí, también, pero eso es otra historia). Y estas no eran otras que las archiconocidas cajas blancas de Disney.

Si tienes algún tipo de demencia o no las viviste tienes este escrito plagado de ellas, pero básicamente su diseño estaba formado por la no menos famosa firma de Walt Disney junto al Mickey de El aprendiz de brujo y un cuadro con un fotograma random de la película que tocase o parte del poster original. Todo ello en un virginal fondazo blanco nuclear, al igual que el estuche.

Para empezar, no era algo que solo tuvieramos aquí, ese diseño venía impuesto desde USA y no era una cuestión únicamente distintiva en la caja (que también, ya que en aquellos videoclubs abarrotados de cintas podía ser difícil destacar sobre la competencia), si no que era una forma de combatir la piratería.

Ediciones USA

En aquellos primeros años de explosión de los videoclubs era poco menos que el salvaje oeste. La gente se tiró en masa a esa nueva forma de entretenimiento que era ver la película que nos apeteciera cuando quisieramos y, encima, con la posibilidad de parar la reproducción o repetir las escenas que nos diera la gana.

Eso no pasó desapercibido para montones de distribuidoras que vieron que había un pastel muy goloso del que podían trincar un pedazo. Quien no lo vió (al menos en un primer momento) fueron las majors, que tardaron mucho en lanzar sus grandes títulos (Indiana Jones, E.T., Star wars, Tiburón...). Lo de siempre con las grandes compañías, que tardan mucho en reaccionar cuando llega una revolución como pasó en los primeros 2000 con Napster, Internet y el formato MP3.

Eso daría alas a las pequeñas distribuidoras que nos traerían montones de basurillas de artes marciales, comedias eróticas o bélicas de cualquier cinematografía exótica, que verían como TODO se alquilaba.
Pero claro, lo que demandaba el público era los títulos gordos y viendo que las majors todavía estaban pensando de donde les llegaba la hostia, el distribuidor nacional se sacó la chorra e hizo de las suyas.

Por un lado estaban los listillos que sí tenían los derechos de distribución de alguna película, PERO en formato Super 8, que es lo que se alquilaba y se proyectaba en las casas antes de la aparición del vídeo. Así que por sus pelotas sacaban esos títulos en VHS, pero con una calidad audiovisual más que discutible y, el gran problema, con la duración reducida, ya que lo que se editó en Super 8 eran películas resumidas, ya que por el coñazo de tener que estar cambiando bobinas se cercenaba la película.
Luego estaban los piratas puros y duros, que se aprovechaban que en UK ya se habían editado algunos títulos (recuerda que antes no existían los estrenos mundiales y desde su estreno en USA hasta que nos llegaba aquí podían pasar meses) y compraban esas cintas para luego meter el audio que grababan en las salas de cine con una grabadora de cassette. Y luego estaba lo más cutre que era plantar una cámara de vídeo de la época en la sala y grabar a saco audio y vídeo (vamos, lo que décadas después se mal llamó screener). Efectivamente, lo mismo que pasó en los primeros 2000 cuando estaba tan de moda el top manta.

La cuestión es que el catálogo de Disney era el más goloso de todos (porque todos hemos sido niños y nos hemos tragado sus producciones, fuese en los 50, 60, 70, 80...) y se editaron muchos de sus títulos de forma ilegal. Por esto es que Disney decidió que sus cintas tenían que tener un distintivo que le dejase bien claro al consumidor que se trataba del producto oficial, el que (se suponía) tenía la máxima calidad. Por un lado teníamos el tema de la carátula, pero se podían hacer copias (no con la facilidad actual, pero se podía) y dar gato por liebre. Así que Disney fue más allá y puso el estuche también blanco, con el interior impreso, y que la carcasa que contenía la cinta magnetoscópica también tuviese un elemento distintivo que garantizase la originalidad. Esto era la pieza que se doblaba una vez introducido el VHS en el reproductor para dejar paso a la cinta. Además de ser de color blanco tenía impreso su logotipo oficial.

No puedo dejar la oportunidad de comentar que Filmayer, aquí distribuidora oficial de Disney, sacó su visión de negocio más cañí y jugó a pasar muchas de sus cinta spor títulos Disney, usando el mismo diseño (eliminando algunos elementos) para cintas de Rocío Durcal, Paco Martínez Soria o Tintín.

¿Sería sabedora la compañía americana del trapicheo? ¿Le daría algún toque a Fimayer y por eso dejaron de usar ese diseño para producciones no Disney a finales de los 80?

Que intriga.

Así que, como puedes ver, la piratería no la trajo el interné,si no que siempre ha estado entre nosotros. Como los pistachos

Así lo contaba Fotogramas en 1984

Festival de trailers (CCXIII)

2021-09-18T21:16:00.001+02:00

A espaldas de la ley (The Mighty Quinn, 1989) de Carl Schenkel. Con Denzel Washington, Robert Townsend, James Fox, Sheryl Lee Ralph, Mimi Rogers, M. Emmet Walsh y Art Evans.

Don Juan Demarco (Don Juan DeMarco, 1994) de Jeremy Leven. Con Johnny Depp, Marlon Brando, Faye Dunaway, Rachel Ticotin, Geraldine Pailhas, Bob Dishy, Talisa Soto y Stephen Singer.

El rey de la comedia (The King of Comedy, 1982) de Martin Scorsese. Con Robert De Niro, Jerry Lewis, Sandra Bernhard, Diahnne Abbott, Lou Brown, Ed Herlihy y Mary Elizabeth Mastrantonio.

El gato más rico del mundo (The Richest Cat in the World, 1986) de Mike Schondek. Con Ramon Bieri, Steven Kampmann, Caroline McWilliams, Steve Vinovich, Jesse Wells y George Wyner.

La chica que encontró la libertad (The girl who spelled freedom, 1986) de Simon Wincer. Con Wayne Rogers, Mary Kay Place, Kieu Chinh y Kathleen Sisk.

Bonus track

El rey de la comedia

2021-08-14T15:44:00.002+02:00

No soy especialmente amigo de Scorsese. After hours está entre el grupito de mis favoritas, pero salvo alguna que me hace más o menos gracia (El lobo de Wall street, Shutter island), el resto de su filmo no me interesa. Sí, ni las cacareadas Taxi driver, Uno de los nuestros, Casino, Toro salvaje... Esto va como va.

Conocía la existencia de El rey de la comedia, pero solo por su condición de fracaso y su carátula. Solo con eso ya me había montado la película (nunca mejor dicho) que estábamos ante una comedia fallida. Pero hace nada cacé el trailer y pensé "coño, esto es como Cecil B. Demente u Obra maestra, la del Trueba pequeño". Así que mis pajas mentales se iban por el retrete a la vez que me daban ganas de verla.
Lo primero con lo que me topo es con un redoblaje más o menos actual y que pillar el original de la época no está fácil. No empezamos bien.

Rupert Punkin es un aspirante a cómico que está obsesionado con Jerry Langford, un showman consagrado que presenta el late night de más éxito. Tras un encuentro fortuito (o no), Punkin conoce a su ídolo y sigue su consejo de preparar un número y grabarlo en cinta para hacérselo llegar. Evidentemente esto no es más que una forma de quitarse de encima a otro de sus muchos fans y cuando Punkin lleve la cinta recibirá un "ya te diremos algo" como respuesta.
Y hasta aquí la sinópsis porque tampoco quiero fusilar demasiado, aunque en el trailer te explican casi la película al completo.

Martin llegaba a los 80 después de un fracaso como New York, New York y Toro salvaje, que si bien había cosechado premios y grandes críticas, a nivel económico no es que hubiera reventado la taquilla precisamente, por lo que no tenía muy claro que rumbo tomar en su carrera cinematográfica.
El proyecto de El rey de la comedia no le era extraño. Ya a principios de los 70 le llegaría el guión firmado por Paul Zimmerman (¡que venía de ser guionista en El barrio Sésamo!) de la mano del mismísimo Robert De Niro, pero no sintió ningún tipo de interés y lo rechazó. El que sí estaba muy interesado era el actor que, años después, acabaría ofreciéndoselo a Michael Cimino, con el que acababa de rodar El cazador. Pero el director acabaría apeándose del proyecto cuando el film que estaba rodando, La puerta del cielo, comenzaría a darle demasiados problemas.

Paralelamente, De Niro y Scorsese habían parado el rodaje de Toro salvaje para que el actor tuviese tiempo a engordar. Mientras tanto se dedica a ensayar su personaje de El rey de la comedia con ayuda de Scorsese, que, ante la insistencia del actor y ver con otros ojos el libreto, acabaría aceptando dirigirla.

Con un presupuesto de 20 millones puestos por la Fox, el rodaje empezaría en junio de 1981, un mes antes de lo previsto para intentar evitar problemas por una huelga de directores que se avecinaba, y con Scorsese todavía aquejado de una neumonía.
Además de De Niro tenemos a Jerry Lewis encarnando al showman Jerry Langford, en un papel muy diferente al que solía enfrentarse el cómico, y que en un primer momento se le ofreció a Johnny Carson, que lo rechazó. Sin duda un papel que Lewis aceptaría de buen grado porque le permitiría revindicarse y hacer uno de esos comeback que tanto gusta en Hollywood.

Quizá me equivoque por no tener demasiado interés en la filmo del director, pero me parece que el film es bastante rompedor dentro de su carrera.
Muchos se acordarán de como el título aquí reseñado volvió a la palestra con el Joker de Todd Phillips (aunque, a falta de verla, no ignoraría otro De Niro como Fanático). Curioso como se hablaría sin complejos de la influencia del film de Scorsese cuando, básicamente, es una fotocopia. Todo lo que viste en Joker lo tienes aquí: tipo tarado que sueña con ser un gran cómico, que vive con su madre en un ~~castillo~~ apartamentucho y ve la vida de una forma muy distorsionada. ¿Quizá por ser todo tan evidente pusieron al director de Uno de los nuestros como productor?

Más allá de estas semblanzas, también se buscó un vínculo directo, queriendo ver a ese showman interpretando por De Niro que acaba lleno de balas como al mismísimo Punkin, habiendo conseguido su objetivo de convertirse en una celebridad.
Y aquí es donde me meto en el final de El rey de la comedia OJO SPOILERS cuando se nos explica (con un montaje clásico de los telefilms con aquellos epílogos de "qué pasó con...?") Punkin se convierte en una celebridad y, pese a pasar unos años en la cárcel, escribe una biografía que se convierte en best-seller y al quedar libre se montá un exitoso espectáculo que lo lleva a ser el showman televisivo que tanto soñaba.

Sin duda, un final tan happy end que parece evocado por su mente enferma. Igual que la figura de su madre (¡hola, Psicosis!) a la que oímos pero nunca vemos y nos deja la semillita sobre su existencia real. Lo mismo pasa con su amiga Masha (Sandra Bernhard) que está tan o más tarada que él. Ella es la desencadenante del encuentro "accidental" entre Punkin y Landford, y lo digo entrecomillado porque podemos llegar a pensar que estaba planeado. Además, Masha casi parece otro personaje de la mente de nuestro protagonista, durante la mayoría del metraje no interactúa con nadie salvo con Punkin, y solo lo hace al final con el secuestrado Landford mientras le hace un patético estriptease. Aquí es donde se nos rompe esa opción, pues pudiendo pensar que es el propio Punkin el que esta haciendo el desnudamiento pero bajo la identidad de Masha (una de sus múltiples personalidades) en realidad, de forma paralela, está siendo retenido por la policía.
Pero me imagino que ni Scorsese ni Zimmerman tenía la intención de dejarnos la semillita de la duda ante la posibilidad de las múltiples personalidades del personaje de De Niro, y es casual.

El rey de la comedia fue un estrepitoso fracaso que apenas recaudo 2,5 millones en USA, pese a que la crítica fue benevolente.
El fim llegó en la época que La gran puerta del cielo se comió a la United Artist y con ello despertó a los ejecutivos que estaban embelesados de los blockbusters de Spielberg, Lucas y compañía, cerrando el crédito casi ilimitado que habían otorgado a todas aquella camada que llegó en los 70. Así que Scorsese, pese a verse en la tesitura de no contar con un éxito económico desde 7 años atrás (Taxi driver) no se amedrenta y se tira unos cuantos años intentando levantar su deseada La última tentación de Cristo. Cosa que casi sucede en aquellos primeros 80, pero eso ya es otra historia.

Festival de trailers (CCXII)

2021-08-09T08:44:00.000+02:00

Con air. Convictos en el aire (Con air, 1997) de Simon West. Con Nicolas Cage, John Cusack, John Malkovich, Steve Buscemi, Ving Rhames, Colm Meaney y Rachel Ticotin.

Ejecutor (Raw Deal, 1986) de John Irvin. Con Arnold Schwarzenegger, Kathryn Harrold, Sam Wanamaker, Paul Shenar, Robert Davi, Ed Lauter y Darren McGavin.

Desaparecido en combate (Missing in Action, 1984) de Joseph Zito. Con Chuck Norris, M. Emmet Walsh, David Tress, Lenore Kasdorf, James Hong y Ernie Ortega.

Rambo. Acorralado II (Rambo: First Blood Part II, 1985) de George Pan Cosmatos. Con Sylvester Stallone, Richard Crenna, Steven Berkoff, Charles Napier y Julia Nickson.

Justicia salvaje (The Evil That Men Do, 1984) de J. Lee Thompson. Con Charles Bronson, Theresa Saldana, Joseph Maher, José Ferrer, René Enríquez y John Glover.

Marcado para morir (Forced Vengeance, 1982) de James Fargo. Con Chuck Norris, Mary Louise Weller, Camila Griggs, Michael Cavanaugh, David Opatoshu y Seiji Sakaguchi.

Good morning, Vietnam (Good Morning, Vietnam, 1987) de Barry Levinson. Con Robin Williams, Forest Whitaker, Bruno Kirby, Robert Wuhl, Noble Willingham y J.T. Walsh.

Batman 1966 (Batman, 1966) de Leslie H. Martinson. Con Adam West, Burt Ward, Lee Meriwether, Cesar Romero, Burgess Meredith, Frank Gorshin, Alan Napier y Neil Hamilton.

Festival de trailers (CCXI)

2021-08-06T09:12:00.002+02:00

Baltimore Bullet (The Baltimore Bullet, 1980) de Robert Ellis Miller. Con James Coburn, Omar Sharif, Bruce Boxleitner, Ronee Blakley, Jack O'Halloran, Calvin Lockhart y Michael Lerner.

Espías a lo loco (The Trouble with Spies, 1987) de Burt Kennedy. Con Donald Sutherland, Ned Beatty, Ruth Gordon, Lucy Gutteridge, Michael Hordern y Luis Barboo.

Cocodrilo Dundee (Crocodile Dundee, 1986) de Peter Faiman. Con Paul Hogan, Linda Kozlowski, John Meillon, Mark Blum, Michael Lombard, David Gulpilil y Reginald Veljohnson.

Hamburger (Hamburger: The Motion Picture, 1986) de Mike Marvin. Con Leigh McCloskey, Dick Butkus, Randi Brooks, Chuck McCann, Jack Blessing, Charles Tyner y Debra Blee.

Un detective muy especial (Oh Heavenly Dog, 1980) de Joe Camp. Con Chevy Chase, Jane Seymour, Omar Sharif, Robert Morley, Barbara Leigh-Hunt y Kay Tremblay.

Festival de trailers (CCX)

2021-07-16T16:28:00.003+02:00

Killerpoint. Matanza en Riverside (Kill point, 1984) de Frank Harris. Con Leo Fong,
Richard Roundtree, Cameron Mitchell, Stack Pierce y Hope Holiday.

La fórmula (The Formula, 1980) de John G. Avildsen. Con George C. Scott, Marthe Keller, Marlon Brando, John Gielgud, Beatrice Straight y Richard Lynch.

Absolución (Absolution, 1978) de Anthony Page. Con Richard Burton, Dominic Guard, David Bradley, Andrew Keir, Billy Connolly y Willoughby Gray.

Teléfono (Telefon, 1977) de Don Siegel. Con Charles Bronson, Lee Remick, Donald Pleasence, Tyne Daly, Alan Badel, Patrick Magee, John Mitchum y Sheree North.

Festival de trailers (CCIX)

2021-07-12T08:44:00.000+02:00

Tarzán. El hombre mono (Tarzan, the Ape Man, 1981) de John Derek. Con Bo Derek, Miles O'Keeffe, Richard Harris, John Phillip Law, Steve Strong y Leonard Bailey.

Los tres mosqueteros (The Three Musketeers, 1993) de Stephen Herek. Con Charlie Sheen, Kiefer Sutherland, Chris O'Donnell, Oliver Platt, Rebecca De Mornay, Tim Curry y Julie Delpy.

Tortugas ninja (Teenage Mutant Ninja Turtles, 1990) de Steve Barron. Con Judith Hoag, Elias Koteas, Josh Pais, Michelan Sisti, David Forman y Leaf Tilden.

El cuervo (The Crow, 1994) de Alex Proyas. Con Brandon Lee, Ernie Hudson, Michael Wincott, Bai Ling, David Patrick Kelly, Angel David, Anna Thomson, Rochelle David, Jon Polito y Tony Todd.

Spider-man (Spider-Man, 2002) de Sam Raimi. Con Tobey Maguire, Kirsten Dunst, Willem Dafoe, James Franco, Rosemary Harris, Cliff Robertson, J.K. Simmons y Bruce Campbell.

Spider-man 2 (Spider-Man 2, 2004) de Sam Raimi. Con Tobey Maguire, Kirsten Dunst, Alfred Molina, Rosemary Harris, James Franco, J.K. Simmons, Donna Murphy y Daniel Gillies.

Blueberry. La experiencia secreta (Blueberry: L'expérience secrète, 2004) de Jan Kounen. Con Vincent Cassel, Juliette Lewis, Michael Madsen, Eddie Izzard, Colm Meaney, Geoffrey Lewis y Ernest Borgnine.

Festival de trailers (CCVIII)

2021-07-09T12:20:00.004+02:00

Amityville 1992 (Amityville 1992: It's About Time, 1992) de Tony Randel. Con Stephen Macht, Shawn Weatherly, Megan Ward, Damon Martin, Jonathan Penner y Nita Talbot.

Warlock. El apocalipsis final (Warlock: The Armageddon, 1993) de Anthony Hickox. Con Julian Sands, Chris Young, Paula Marshall, Joanna Pacula, R.G. Armstrong y Steve Kahan.

Deep rising. Misterio en las profundidades (Deep Rising, 1998) de Stephen Sommers. Con Treat Williams, Famke Janssen, Kevin J. O'Connor, Anthony Heald, Wes Studi, Jason Flemyng y Cliff Curtis.

Mary Reilly (Mary Reilly, 1996) de Stephen Frears. Con Julia Roberts, John Malkovich, Glenn Close, Kathy Staff, George Cole, Michael Gambon, Linda Bassett, Henry Goodman y Michael Sheen.

Vampiros de John Carpenter (John Carpenter's Vampires, 1998) de John Carpenter. Con James Woods, Daniel Baldwin, Sheryl Lee, Thomas Ian Griffith y Maximilian Schell.

Festival de trailers (CCVII)

2021-07-07T07:44:00.000+02:00

Voluntad de hierro (Iron Will, 1994) de Charles Haid. Con Mackenzie Astin, Kevin Spacey, David Ogden Stiers, August Schellenberg, Brian Cox, George Gerdes y John Terry.

De vuelta a casa. Un viaje increíble (Homeward Bound: The Incredible Journey, 1993) de Duwayne Dunham. Con Robert Hays, Kim Greist, Kevin Chevalia, Veronica Lauren, Don Alder, Benj Thall, Mariah Milner, Ed Bernard y Anne Christianson.

Las aventuras de Huckleberry Finn (The Adventures of Huck Finn, 1993) de Stephen Sommers. Con Elijah Wood, Courtney B. Vance, Robbie Coltrane, Jason Robards, Ron Perlman, Dana Ivey, Anne Heche y James Gammon.

Vuelve colmillo blanco (White Fang 2: Myth of the White Wolf, 1992) de Ken Olin. Con Scott Bairstow, Charmaine Craig, Alfred Molina, Geoffrey Lewis, Al Harrington y Ethan Hawke.

Jack (Jack, 1996) de Francis Ford Coppola. Con Robin Williams, Diane Lane, Jennifer Lopez, Brian Kerwin, Fran Drescher, Bill Cosby, Michael McKean, Todd Bosley y Adam Zolotin.

Festival de trailers (CCVI)

2021-07-04T21:19:00.001+02:00

El peso de la corrupción (Storyville, 1992) de Mark Frost. Con James Spader, Joanne Whalley, Jason Robards, Charlotte Lewis, Michael Warren, Piper Laurie y Woody Strode.

Malas compañías (Bad Company, 1995) de Damian Harris. Con Ellen Barkin, Laurence Fishburne, Frank Langella, Michael Beach, Gia Carides, David Ogden Stiers, Daniel Hugh Kelly y Spalding Gray.

Uno de los nuestros (Goodfellas, 1990) de Martin Scorsese. Con Ray Liotta, Robert De Niro, Joe Pesci, Lorraine Bracco, Paul Sorvino, Chuck Low, Christopher Serrone y Debi Mazar.

Femme fatale (Femme fatale, 2002) de Brian De Palma. Con Rebecca Romijn, Antonio Banderas, Peter Coyote, Gregg Henry, Eriq Ebouaney, Rie Rasmussen y Fiona Curzon.

Una proposición indecente (Indecent Proposal, 1993) de Adrian Lyne. Con Robert Redford, Demi Moore, Woody Harrelson, Oliver Platt, Seymour Cassel, Billy Bob Thornton y Rip Taylor.

Bonus track

Misión tras el telón de acero

2021-06-09T07:44:00.005+02:00

De Mats Helge Olsson ya te hablé en la reseña de Huellas de sangre y, sobre todo, en la de La liga de los fantasmas, donde tienes su vida y milagros explicados al dedillo. Hoy toca de hacerlo de su película más famosa y la que más éxito cosechó, que eso no quiere decir que ni la hayas visto ni que la conozcas.

Después de varios meses en la cárcel por sus problemas económicos en la "superproducción" Sverige åt svenskarna, Helge, lejos de acobardarse, decidió seguir en el apasionante mundo cinematográfico sueco. Eso sí, lejos de las grandes producciones y centrándose en películas puramente exploit. Básicamente cualquier género que lo petara en Hollywood. Así que, en su mayoría de producciones, acabó tirando por el siempre socorrido mundo de la acción de bajo coste con mucho espía, la CIA, la KGB y argumentos poco claros pero que tampoco molestaba al poco exigente espectador habitual de videoclub. Y es que sus películas no buscaban el éxito en las salas cinematográficas, si no que se conformaba con hacer cuatro perra en la estanterías de los VHS y Betas.

Después de montar su base de operaciones en la ciudad de Lidköpin, empezó a perpetrar Misión tras el telón de acero (o The ninja mission, su título internacional) a partir de conocer a Bo F. Munthe, considerado el primer ninja sueco (sic) que estaba interesado en llevar al cine Ninja: Murderer in Black, un libro que acababa de publicar. A la ecuación se suma Charles Aperia, distribuidor de VHS y que en la época vive cierto éxito con el boom de los videoclubs, en especial por las películas de acción y violencia.
Así pues, ya teníamos al productor, al director (que también actuaría en un papel bastante destacable) y al instructor ninja que también sería uno de los actores. A estos hay que sumar al guionista Matthew Jacobs. Y ojito con algunos libretos que llevan su firma: Casa de papel, la cult movie de Bernad Rose; varios capítulos de El joven Indiana Jones y El emperador y sus locuras de Disney.

Aprovechando algunos contactos conseguirían que parte del equipo técnico fuese polaco, que tenían más experiencia en el cine que los suecos, además de aportar a los dos actores principales, Krzystof Kolberger y Hanna Bieniuszewicz, que, además, ayudarían a vender mejor el film en tierras polacas.
Helge se dio cuenta que no tenía el dinero suficiente, así que, lejos de amilanarse, decidió buscar inversores. Para ello rodó algunas tomas para montar un trailer promocional. Para la banda sonora fichó a Dag Uneng, un joven estudiante de 19 años que estaba haciendo prácticas en en el estudio del director. Uneng vería como en los créditos, al igual que el resto de implicados, le americanizaban el nombre a Danny Young. Además, significaría el inicio de su colaboración con el director en todas sus películas en aquella década ochentera. Y acabo apuntando que el compositor dejaría la profesión a principios de los 90 hasta que hace un par de años facturó un tema para el videojuego Hotline Miami 2.

Volviendo a The ninja Mission. El trailer se pasearía por una feria de Londres donde consiguió el dinero que faltaba para rodar la película (¡de forma cronológica!). En su estreno sueco pasó con más pena que gloria y comiéndose unas malas críticas a las que el director ya estaba más que acostumbrado.
Pero el destino a veces es caprichoso. En su paso por festivales para venderla a los distribuidores de medio planeta se encontraron con la negativa de la Cannon, que pensó que la película era una birria. Por contra acabó siendo adquirida por un montón de distribuidoras de varios países (en USA la New Line la llegaría a estrenar en 90 cines de Nueva York) que se hincharon a ganar dinero en su distribución a videoclubs. Se estima que podría haber amasado más de 25 millones de dólares de la época, convirtiéndola en la producción sueca más exitosa de la historia. Eso sí, ninguno de los implicados vería un céntimos de aquellas ganancias.
Hay que apuntar que aquí tuvo estreno en cines como Misión ninja tras el telón de acero y con un doblaje de primer nivel con voces como la de Ramón Langa. Eso sí, de forma tardía a finales de 1987.

A todo esto, ¿y de qué va la peli?, te preguntarás. Un científico ruso inventa un sistema para controlar la fusión nuclear. Así que ahí tienes a la KGB intentado secuestrarlo y a la CIA intentado evitarlo. ¿Y que mejor plan para conseguirlo? Pues mandar a un experimentado grupo de ninjas. Claro que sí. Montones de ninja vestidos de negro en los blancos parajes nórdicos.

Si te digo que los primero 75 minutos son pura bazofia me quedo corto. Mucho blao, blao, persecuciones de andar por casa y un argumento que no me acaba de quedar claro si es confuso o es que mis neuronas se han suicidado. Pero a partir de ahí la cosa cambia y nos llega la set piece que haría famosa a la película. Un montón de ninjas masacrando a los rusos a ritmo del gore más sabrosón. Torsos y extremidades explotando, cabezas reventadas, a uno se la cortan por la mitad a partir de la boca (básicamente el especialista lo hizo mal ya que debería haber cortado por el cuello), otro se muere por ácido... Muy loco todo.

Mats Helge Olsso siguió con sus mierdas que no le llevaban a ninguna parte. Un par de años después, enterándose que su película había generado un pastizal quiso repetir la jugada con una especie de remake que aquí se llamó La isla de las águilas, en la que, por supuesto, no faltaban los ninja. Pero ya sabes como es esto del éxito involuntario, cuando vas a por él no lo encuentras.