Estos son fun. (sí, en minúscula e incluyendo un punto en el propio nombre incluye el punto del final, así de originales son). A comienzos de 2008 The Format anunciaban su disolución, pero de lo que pudo ser una mala noticia, llegó el nacimiento de fun. de la mano de Nate Ruess.

En apenas un año publicaron su primer disco, Aim and Ignite, nada sorprendente. Pero este pasado febrero publicaron su segundo disco, Some Nights, pillando por sorpresa a muchos que daban por hecho que la carrera de Nate Ruess ya estaba en el centro de una espiral descendente de autorrepetición y fracaso anunciado.

Gran parte de la culpa de este resurgir digno de un fénix es We Are Young, un tema que tuvo la suerte de aparecer en la serie estadounidense Glee, ganando una visibilidad que han sabido aprovechar a la perfección. Y sí, se puede decir que esto fue un golpe de suerte sin el que posiblemente la canción no hubiera llegado muy lejos… pero por ello no hay que quitar méritos a la canción.

We Are Young es un tema redondo de principio a fin. Composición y lírica, todo ello son una auténtica obra de arte contemporánea. Por supuesto que el tiempo será el mejor juez, pero hasta que emita su veredicto, bien merece la pena de disfrutar de unas voces perfectamente armonizadas bajo una melodía hímnica de esas que corean estadios poniendo los pelos de punta a todos los asistentes.

La letra, con un estilo muy cuidado, habla de la propia naturaleza humana: de los errores, del arrepentimiento, del querer arreglar las cosas. Todo bajo un halo de optimismo repetido una y otra vez en un estribillo que posiblemente perdure durante décadas:

Tonight we are young
so let’s set the world on fire
we can burn brighter than the sun

Esta noche somos jóvenes
Así que prenderemos fuego al mundo
y podremos arder más brillantes que el Sol

Ahora, cuatro años después, y tras muchos meses de ensayos y grabaciones, por fin llega su segundo disco bajo el título Con la soga al cuello. El disco verá la luz el próximo 22 de mayo, pero ya está disponible para su escucha online en Bandcamp.

En cada uno de los diez temas que componen este nuevo disco se puede ver una mejora sustancial, una sonido que ha madurado y se ha alejado del hard rock más genérico para encontrar su propio estilo en algún lugar entre el folk, el blues y los sonidos más ácidos y eléctricos del rock. Gran culpa de este sonido más depurado la tiene la incorporación de un segundo violín y la presencia de varias flautas.

En este disco, Excómunion cuentan con las valiosas colaboraciones de Fernando Madina (de Reincidentes) y Óscar Sancho (de Lujuria), pero más allá de la presencia de estos dos símbolos del rock en español, las canciones tienen valor por sí mismas. Envolventes y fulminantes, los sonidos se acompañan de unas letras que incluso mejoran las de su disco anterior, tratando temas como la homofobia, el Alzheimer o la historia latinoamericana.

Este sábado 28 presentarán su disco en directo en la sala segoviana Beat Club (tal y como han anunciado en Facebook). Si tenéis la oportunidad de pasaros, no os lo perdáis. Merecerá mucho la pena.

Mientras tanto, os dejo con uno de mis temas favoritos de su disco debut, Habitación 101

La historia del rock es compleja. Grandes artistas pasaron por ella. Cantantes con voces inolvidables, baterías aporreadas con rabia, guitarras con melodías perpetuas, bajos que hicieron algo más que marcar ritmo. Por suerte para todos, en algunos momentos la historia de todos esos artistas se ha cruzado, dando lugar a bandas legendarias.

Los ejemplos de este tipo de bandas son múltiples y perfectamente enumerables por cualquier amante de la música: The Beatles, Led Zeppelin, Pink Floyd, Black Sabbath, Pearl Jam, Nirvana, R.E.M., Pixies, Velvet Underground, Iron Maiden, Metallica, Radiohead, Eagles, Creedence Clearwater Revival, U2… la lista es sin duda interminable.

Pero hay casos excepcionales, que muchas veces pasan inadvertidos para la gente de a pie. Ese es el caso de la fotografía con la que he comenzado esta entrada, donde se puede ver a Paul McCartney y David Gilmour asistiendo a un concierto en algún momento de mediados de la década de los 70.

Esa historia que pudo ser nada más que una anécdota, fue el retrato de dos artistas que transcendieron a sus respectivas bandas, The Beatles y Pink Floyd. Como amigos, su interactuación se ha repetido a lo largo de décadas. Colaboraciones varias en actuaciones de uno y otro, incluso alguna que otra grabación como No More Lonely Nights, la balada ochentera que se publicó como tema central de la banda sonora de Give My Regards to Broad Street.

Pero, pese a la gran guitarra que David Gilmour tocó para aquel tema, hoy me voy a quedar con uno de esos momentos en la que una actuación en directo unió a ambos: El PETA concert. Pero ya puestos a ser originales, en esta ocasión no iré a por la popular actuación que muchos conocen, sino con un momento del ensayo, cuando David Gilmour y Paul McCartney tocaron juntos Lonesome Town, una versión de un tema que popularizó Ricky Nelson en 1958.

Escuchad y disfrutad:

Ah, sí, se me olvidaba. En la fotografía se puede ver a una dama a la izquierda. Se trata ni más ni menos que de Linda McCartney… pero estando junto a Paul y David, ¿a quién le podría importar?

Rammstein posiblemente sea el único grupo que manteniéndose relativamente fiel a su sonido industrial ha podido llegar a las grandes masas. Seguramente no sea el grupo más representativo de su estilo -ese honor opino que se lo merece más Fear Factory-, pero Rammstein ha sabido hacerse un hueco en unos oídos más acostumbrados a pegadizas melodías y amorosas letras.

Gracias a ello, en la cultura popular han proliferado versiones de sus temas. La gran mayoría de ellas no merecen una mención especial, ya que simplemente son una reinterpretación sin nada que aportar. Pero hoy, gracias a @Irreductible, me he topado con una versión que me ha sorprendido muy gratamente:

Este grupo de chavalines son The Children Medieval Band. Stefan, el cantante y mayor de los tres, cuenta únicamente con 10 años. Olga al piano tiene 7 años. Pero sin duda, lo más sorprendente de la interpretación es como Cornelia, con tan solo 5 años, es capaz de seguir correctamente el ritmo de la batería.

Estos chicos no son virtuosos, y posiblemente jamás llegarán a serlo, pero verles interpretar “Sonne” de Rammstein me ha alegrado el día. Encantadores, sin duda.

Round Here es una canción de los Counting Crows que alcanzó bastante popularidad en la década de los 90, dentro de su aclamado disco, August and everything after. Desde la primera vez que la escuché me fascinó, ya que es algo más que una canción del montón. Es una historia, una historia contada desde las entrañas para que todos aprendamos de ella.

Pero esa versión se queda en agua de borrajas cuando la escuchas por primera vez en directo. Visceralidad en estado puro. La poesía y la lírica se sobreponen a los típicos acordes para encontrar su propio camino, su propio canal de contar una de las historias más tristes jamás escritas.

Ahí está Adam Duritz, frente a frente con una mujer más del montón, alguien que podría haber sido cualquiera. Pero por quién poco a poco empieza a encontrar cierta atracción. Y conoce a la mujer, María, más profundamente, hasta que se percata de que es distinta. No es como todos los demás, y no quiere ser como todos los demás. Su mente yace en algún lugar entre la locura y la desesperación. El mundo en el que vive no parece encajar con ella y no parece haber una salida.

Hay una chica en el coche en el aparcamiento
y me dice “Vamos, tomemos un trago…
¿No puedes verme?,
¿no puedes ver cómo mi mundo se está despedazando?,
¿no puedes ver como mis paredes se están desmoronando?
¿no puedes ver como mi sol ha dejado de girar?
¿no puedes ver como mi cielo se vuelve negro y marrón?
¿no puedes ver como mi luna destella alrededor?
¿no puedes verlo?”

Entonces miró hacia un edificio
y dijo que estaba pensando en saltar.
Dijo que estaba cansada de la vida…
¡Pero mierda!, ¡Todos estamos jodidamente hartos de algo!

No hay palabras que mejor lo describan. Es una realidad que muchos queremos obviar. La locura y la desesperación están al límite en muchas personas y somos incapaces de ahondar en ello. Nos duele pensar que alguien ha llegado al fin y no quiere dar un paso más adelante y miramos para otro lado hasta que un día nos despertamos y nos damos cuenta de que él único lugar donde queda algo de esa persona es en nuestra cabeza, en nuestros recuerdos.

Y sí, ya decían MASH que el suicidio es indoloro. Y sí, estoy de acuerdo, pero no para los que se quedan.

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NOTA: Un buen e impactante directo de esta canción lo podéis encontrar en el disco “Across a Wire”, y en multitud de vídeos en Youtube. No hay dos iguales. Buscad aquel que más o juste y disfrutad de él. También podéis preguntarme por Twitter (@Milhaud) para que os aconseje sobre las mejores.

At the Drive-In comenzaron su andadura en 1993 y estuvieron ocho años en activo en los que únicamente gravaron tres álbumes de estudio. Pero a lo largo de esos ocho años cautivaron a los grandes amantes de la música, no sólo por grandes composiciones como “Pattern Against User”, “One Armed Scissor” o “Arcarsenal”, sino principalmente por sus impresionantes interpretaciones dignas de iconos musicales para la historia.

Cedric Bixler-Zavala y Omar Rodríguez-López continuaron su carrera en The Mars Volta, el grupo que mantuvo a su fiel masa de seguidores. Pero pese a los éxitos cosechados por su nueva banda, una gran mayoría esperaba el regreso a sus verdaderos orígenes, aquel grupo que les hizo saltar a la fama: At the Drive-In.

De momento no hay noticias concretas, pero después de la confirmación oficial de la banda es cuestión de tiempo que se pongan todos juntos a trabajar en el cuarto trabajo de At the Drive-In y esperemos que una gira mundial lo acompañe. Mientras tanto, dejo que os deleitéis con una de sus joyas.

Pero entonces, algo que muy pocas veces pasa en esto de la música, empezó a pasar. El sonido de rock alternativo noventero y rancio en el que se habían enterrado Nada Surf al no saber sobreponerse al éxito de un único tema, comenzaba poco a poco disiparse.

El culpable Let Go, publicado en el 2002. Con este disco el grupo empezó a radiar optimismo vestido de folk. Posiblemente muchos lloraron por no escuchar un Popular II, pero muchos más se alegraron de que la gran voz Matthew Caws, acompañada de los imprescindibles coros de Daniel Lorca e Ira Elliot, se abrazara por fin al estilo que mejor le viene.

La balada Inside of Love era toda una declaración de intenciones, que no hicieron más que confirmarse con la publicación de The Weight Is a Gift y Lucky. Sin hacer demasiado ruido habían vuelto a la cresta de la ola, pero esta vez con unos cimientos que difícilmente podrían volver a tirarles de lo más alto.

Ayer tuve la suerte de asistir a la presentación de su próximo disco The Stars Are Indifferent To Astronomy en la Sala Costello de Madrid y, posiblemente potenciado por el formato acústico de la actuación, tengo que admitir que es uno de los mejores conciertos que he visto en mucho tiempo.

La banda se mostró cercana, lo que siempre ayuda a la hora de conectar con su música, pero no se le puede quitar el menor mérito a las composiciones. Todo los temas que tocaron de su próximo disco, entre los que destacaría Waiting for Something, When I Was Young y Clear Eye Cloeded Mind, sonaron frescos y directos.

A los asistentes se les vio disfrutar y la banda, cuarteto desde la edición de su disco de versiones If I Had A Hi-Fi, lo agradeció dándolo todo. Las guitarras sonaron delicadas y sinceras, los coros supieron arropar perfectamente la voz de Matthew y el sentimiento pudo fluir a raudales.

El colofón tocando grandes éxitos como Inside of Love, Always Love o See These Bones provocó una ovación que pocas veces había visto en una sala tan pequeña.

Ahora sólo toca esperar un par de meses y tendremos su nuevo disco disponible, para poder disfrutar de él en la tranquilidad de una tarde lluviosa, y tres conciertos por España para comprobar que en grandes salas la cosa no hace más que mejorar: Santiago de Compostela (17/2), Madrid (18/2) y Barcelona (19/2).

Mi más sincera recomendación. Si podéis, no os lo perdáis.

Pero de vez en cuando, nos encontramos con gratas sorpresas. Hoy navegando por reddit me he encontrado con Jon Gomm. Se trata de un auténtico virtuoso de la guitarra que, lamentablemente, no tiene una carrera exitosa y prolífera. Todo lo que he podido encontrar de él es un disco publicado en 2003 con su propio sello discográfico bajo el título “Hypertension”.

Pero por suerte, tiene un canal de Youtube donde podemos disfrutar de sus composiciones y sus admirables capacidades tocando la guitarra. El mejor ejemplo de todos, posiblemente sea esta interpretación de “Passionflower” que os pongo a continuación.

Escuchad, observad su habilidad y las técnicas poco convencionales que utiliza. ¿Sorprendidos?

Pero si tuviéramos que quedarnos con un tema, un único tema, ese no puede ser otro que “How It Ends”. Este tema, publicado en 2004, da nombre a su cuarto disco de estudio. Se trata de una de esas canciones en la que los 7 minutos de duración saben a poco. Desde el principio te traslada a un lugar en el que la melancolía nos inunda, como si del fin se tratase.

Tristeza ante el fin, ante la muerte. Ese punto al que todos llegaremos inevitablemente al final de nuestra vida. Cada cual lo afronta como puede, pero siempre se mantiene esa incertidumbre por saber si todo aquello que nos contaron es cierto, o no es más que una mentira más.

Aún así, pese a la tristeza y melancolía que emite la canción, no cambiaría ni uno de los minutos que la he escuchado a lo largo de mi vida. Una canción para la reflexión, pero también para aprender a apreciar todo lo que tenemos antes de llegar a ese final.

Aquí, el vídeo oficial en su versión corta. Para la versión larga y completa (aún mejor) id aquí.

Esta canción me fascinó desde la primera vez que la escuché, allá a finales de 2000 o principios de 2001. Los JJ72 era un grupo totalmente desconocido en España (y en la mayor parte del mundo), pero gracias a Internet pude hacerme con su primer disco homónimo. En líneas generales me gustó, me resultó tierno y cercano, pero hubo un tema que sobresalía por encima de todos, y 10 años después aún lo hace. Se trata de “October Swimmers”.

La melancolía siempre ha sido un sentimiento que, en su justa medida, me ha resultado grato. Quizá esa sea una de las razones por las que me fascina el folk, o prácticamente cualquier buena melodía acompañada de poca o delicada instrumentación. “October Swimmers” tenía y tiene todo eso, además de una voz desgarradora y una letra lo suficientemente vaga como para poder interpretarla a mi antojo.

Los sueños de madres muriendo.
Desperté estremecido por dentro.
Los abrigos grises de la infantería,
víctimas buscando por simpatía.

El chapoteo de los nadadores en octubre.
Los vítores de los ganadores de Helsinki.
Mis mordaces huesos de inutilidad
vertiéndo tuétano de habilidad.

No necesito a nadie,
no necesitas a nadie.
Quiero ser un chico feliz,
lo que significa que tienes que valerte de mis mentiras.

… cuando te quiero.

Sobre sueños, sobre soledad, sobre independencia. Poética por momentos, directa en el punto de clímax. Un compendio de ingredientes para tener una canción de esas que marcan días, semanas, épocas de la vida… e incluso la vida por completo.

Mi historia con R.E.M. comenzó hace muchos años. Yo era todo un yogurín, con apenas 14 años, y estaba empezando a descubrir el inmenso mundo de la música. Posiblemente habría escuchado ya algunos temas del grupo, pues en el año 1996 ya se habían convertido en una de las bandas más importantes de Estados Unidos… y del mundo.

Pero como siempre sucede, es una canción la que se convierte en esa chispa que toda buena relación que se precie ha de tener. “E-Bow The Letter” fue esa canción. Michael Stipe ni siquiera se molesta en cantar, relatar un bello escrito le pareció suficiente, y a mí me pareció magnífico. La melancolía en su máxima expresión, un sonido en el que encerrarse para aferrarse a preciado pasado, y plantear un incierto futuro.

Apenas tardé unos días desde que escuché “E-Bow The Letter” hasta que me hice con “New Adventures in Hi-Fi”. el disco que lo contenía. Para muchos ese disco fue el principio de su decadencia, pero para mí fue descubrir un nuevo universo musical, el más inmenso hasta entonces. “Be Mine”, “Leave”, “New Test Leper”, “How The West Was Won And Where It Got Us”… parecía un disco hecho a la medida de mis necesidades. ¿Cómo podía haber estado 14 años de mi vida sin escucharlos?

Fue entonces cuando empecé a indagar en el cuarteto de Athens. Inevitablemente llegué a sus grandes éxitos de principios de los 90, “Losing My Religion”, “Man on the Moon”, “Everybody Hurts”… pero por alguna extraña razón, yo necesitaba ir más allá. Todas esas canciones me gustan, no puedo negarlo, pero pocas me hacían sentir una experiencia similar a escuchar el “New Adventures in Hi-Fi”.

Todo llegó de forma progresiva. En apenas dos años me hice con toda su discografía hasta la fecha, y me ponía todos los discos una y otra vez descubriendo cada día grandes melodías, grandes historias atrapadas en poesía añeja, canciones para bailar, canciones para pensar, canciones para compartir. Y cuando me quise dar cuenta, estaba inmerso en un mundo en el que yo, aquel chaval que no conseguía que dos discos de un mismo grupo me gustasen, jamás me hubiera imaginado.

Escuchar la música de R.E.M. para mí se convirtió en una continua aventura. Es como si de la noche a la mañana tu grupo favorito sacase un total de 10 discos… sin que ninguno de ellos fuese desechable. A medida que pasaban las pistas, iba percatándome de nuevos detalles. Nuevas melodías que se asentaban en mi cabeza con poéticas letras para poder disfrutarlas una y otra vez.

Para mí, aún a día de hoy, intentar destacar un disco sobre el resto, o un tema por encima de los demás, me resulta totalmente imposible. Muchas canciones han marcado momentos importantes de mi vida, y muchos discos sonaron en la pletina de mi radiocasete hasta que se rallaron por completo.

- We Walk, el tema que me enseñó a mirar hacia adelante.
- Don’t Go Back to Rockville, el tema que me enseño a apreciar aún más el country americano.
- World Leader Pretend, el tema que me incito a no pasar por alto la política que me rodea.
- It’s The End of the World as We Know It (And I Feel Fine), el tema que me enseñó a quitar hierro a esos asuntos sobre los que no podemos hacer nada.
- Find The River, el tema que me enseñó a plantear mi futuro al margen de predisposiciones innecesarias.
- Be Mine, el tema que me enseñó a amar.
- Talk About the Passion, el tema que me enseñó a superar una mala época.
- Nightswimming, el tema que me enseñó a apreciar las buenas melodías.
- Leave, el tema que me enseñó que de nada sirve huir hacia adelante.
- I’ll Take The Rain, el tema que me enseñó a ser testarudo cuando es necesario.
- Country Feedback, el tema que me enseñó a llorar.
- Half a World Away, el tema que me enseñó a ser fuerte.
- Let Me In, el tema que me enseñó a abrirme a los demás.
- Welcome To The Occupation, el tema que me enseñó a luchar por mis derechos.
- …

Quizá podría seguir así hasta completar la discografía completa de R.E.M., o al menos con todos los temas que aparecen en alguno de sus primeros 13 discos.

Así que, ahora, al decir que se separan, es como si perdiese de forma definitiva una parte de mí. No esperaba que fuesen a sacar ningún disco que me hiciera sentir todo aquello que he sentido y aún siento cuando escucho alguno de sus temas más clásicos, pero en parte esperaba el poder verlos en concierto tres o cuatro veces más.

Pero siendo retrospectivos y echando la vista atrás, la separación de R.E.M. comenzó hace muchos años, en 1997. Aquel fue el año en el que, una formación que se había mantenido estable desde su formación, empezó a tambalearse. Bill Berry, el batería fundador, abandonó la formación para empezar a vivir su vida apartado de la música.

Sea como fuere, parece que el final definivo ha llegado. Por ello quería homenajearlos con esta entrada, y seguiré haciéndolo durante todo el día de hoy en mi cuenta de Twitter, donde he programado varios Tweets con vídeos y grandes momentos de la banda, usando el hashtag #graciasREM. Os animo a que hagáis lo mismo.

En aquel verano de 1976 Cecilia se encontraba en el punto cumbre de su carrera. Con tan sólo tres discos a sus espaldas consiguió encontrar un hueco de honor en España. Podemos decir que sus influencias estaban en la península, en autores como Joan Manuel Serrat o Lluis Llach, pero obviaríamos lo evidente. Cecilia supuso para España lo que Joan Baez supuso para el mundo anglosajón, tanto en estilo como en concienciación.

Las muestras de su grandeza son muchas, quizá tantas como canciones llegó a escribir e interpretar. Algunas de lo más sobrecogedoras, como la de sobra conocida Ramillito de Violetas, la pícara Dama, dama o la escondida reivindicación de Mi querida España.

Hoy, para conmemorar su aniversario, me quedaré con una canción que se publicó de forma póstuma. “El Testamento” representa lo que fue Cecilia en vida, y todo aquello por lo que luchó, y que su muerte prematura le impidió comprobar. 6 partes tenía, todas y cada una de ellas esenciales:

En este mi testamento que escribo con un pie fuera,
que escribo con un pie dentro de este mundo y lo que venga.

Voy a repartir mis bienes, voy a dividir mi herencia,
en seis porciones iguales como ahora aquí se enumera.

Un Sexto dejo al obispo para que amplíe su iglesia,
más no sé porqué lo hago si casi nunca se llena.

Otro sexto al matasanos para que amplíe su ciencia,
y así al morir sus pacientes no le angustie la conciencia.

Otro sexto a las solteras para perfumes y sedas,
y un altar a San Antonio en donde quepan más velas.

Otro sexto a la alcaldía para que en obras lo invierta,
aunque luego el edil haga lo que en la gana le venga.

Otro sexto a mi patrona con quien contraje mil deudas,
a ver si así se decide a tapar estas goteras.

Por último el otro sexto lo dejo para mi epitafio,
en donde pueda leerse con buena letra y bien claro:

Aquí reposan los huesos, porque los huesos vivían,
de un hombre al que no pudieron ni estudiar su anatomía.
Aquí reposan los restos de un político altanero,
que no puso la otra mejilla pero al que en las dos le dieron.
De quien no supo de celos, de quien no tuvo prejuicios,
y así le llegó la muerte en perfecto y sano juicio.
De quien no bañó con vino su estómago y sus desgracias
y que en sus ochenta años no vivió la democracia.

Tan sólo tenía 27 años, y no 80. Tampoco era un hombre, sino una gran mujer, pero este epitafio escrito por Cecilia en su Testamento relata lo que ella misma sufrió y dejó con su propia muerte.

Fue uno de los grandes grupos canadienses de los 90. Rock poco convencional, un suspiro entre una marabunta de imitadores del sonido de Seattle. Auténticos, supieron traspasar fronteras, y a mi me conquistaron definitivamente cuando publicaron en el 1999 Heaven Coming Down, uno de los pocos temas que por muchas veces que lo escuches, no deja de resultar soberanamente sobrecogedor.

Tan extraños son los caminos.
Han cambiado,
aunque la vida se mantiene igual.
Un descanso del pasado
podría hacerla perdurar,
quizá tan sólo un poco más.

… y simplemente eso, nada más que eso. Ahora siento como el cielo se derrumba sobre mí tras la perversión de la extrema derecha estadounidense.

Al final, se ha marchado publicando tan sólo dos discos, pero habiendo tocado la cima. Y no podemos negarlo, Amy no sólo tuvo una gran voz, sino que supo ponerlas en grandes composiciones para pasar a la historia por méritos propios. Back to black pasará a la historia como uno de los mejores álbumes de la primera década del siglo XXI.

Pero desde hace muchos años, su decadencia era evidente. Algunos hablaban de alcoholismo extremo y drogadicción, otros se centraban únicamente en esto último. Sea como fuere, muchas veces entró y salió de centro de desintoxicación, aunque estaba claro que ella no estaba dispuesta a superarlo, como bien claro decía su más emblemático tema Rehab.

Amy no estaba dispuesta a hacerse mayor. Los excesos eran lo suyo, y en cierto modo, muchos estábamos seguro de que su vida terminaría convirtiéndose en una secuela de la vida de Janis Joplin. Su estilo se asemejaba, tanto o más que sus adicciones. Y la espiral decadente de ambas fue visible en sus últimos conciertos.

A Amy tan sólo le quedaban un par de meses pasar formar parte del selecto club de los 27, aquel del que ya formaban parte no sólo Janis Joplin, sino también Jimi Hendrix, Jim Morrison o Kurt Cobain. Todos vivieron deprisa, y murieron jóvenes para dejar un bonito cadáver, tal y como dijo John Derek.

Podría haber escrito una entrada de luto, de recogimiento o de pena… pero en el fondo no lo siento. Amy Winehouse vivió la vida que quiso, murió como quiso, y a nosotros nos dejó grandes joyas musicales de las que disfrutar cuando ella ya no estuviera junto a otros. Así que, simplemente la recordaré con Rehab, interpretado en el programa de David Letterman. El tema que resume su vida y su grandeza.