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Mulher Maravilha 1984

2021-01-06T05:46:00.001-08:00

Mulher Maravilha 1984 deveria ter sido uma espécie de salvação para o cinema em 2020. Em um ano tão afetado com pandemias, tristezas e isolamento, ter um filme de uma personagem tão cativante e cheia de esperanças como Mulher Maravilha deveria ser um filme espetacular. Deveria.

Infelizmente não passa isso. O filme tem problemas bastantes visíveis, mas que ao mesmo tempo carrega um coração extraordinário. Ao começar pela duração extremadamente larga e com cenas que poderiam está muito bem em um extra de dvd ou simplesmente cortar por que não adiciona nada a trama.

Também se nota que a trama escrita por Patty Jenkins e Dave Callaham (da saga de Os Mercenários) sofre dessas inconsistências. Começa com piadas bastantes frustradas que lembram Superman III no péssimo sentido, porém quando começa o segundo ato ganha uma direção melhor e define bem o maior vilão do filme: a ganancia humana. Desde da sequência inicial de Diana nas Olimpíadas até o momento que o vilão dá o que realmente quer os humanos: os desejos mais comuns até os mais macabros.

Outro ponto importante que o filme falha: a falta de uma cena icônica. O filme original continua com uma das cenas mais importantes dos filmes de super-heróis: a sequência do No Man Land. Apesar do novo filme mostrar a renúncia de Diana para o que ela mais desejava na vida para recuperar os seus poderes ser bastante linda, não consegue ter esse impacto em comparação ao primeiro filme. Entretanto se torna até uma homenagem indireta a Superman II de Donner em como Clark Kent recupera os poderes.

Curiosamente a melhor coisa do filme se reside aqui: Na atuação de Pedro Pascal. De cara o principal motivo: existe um antagonista decente que infelizmente não existiu no primeiro filme. Outro fato também que faz com que o personagem seja sensacional: Max Lord é a síntese da falácia dos anos 80. A venda da meritocracia na tv para descobrir que é uma fraude e se transformar no homem dos desejos demonstrando mais ainda o quanto o ser humano é tão frágil. Não é à toa que ele é o dono da melhor cena do filme: a conversa final entre pai e filho.

Kristen Wiig está ok para o que é a personagem dela. Chris Pine está de recheio, porém se nota que o personagem ele é chave para o roteiro. Gal Gadot continua sendo perfeita como Mulher Maravilha e demonstrando que a personagem é falha é onde realmente Gadot brilha com seu carisma.

Mulher Maravilha 1984 é problemático como filme. Poderia ser bastante melhor por ter mais liberdade em comparação ao primeiro filme, mas fica no meio do caminho. Entretanto traz uma mensagem inspiradora para fechar um ano bastante horrível: que podemos ser melhores como pessoas. Agora fica a esperança se um capta o que realmente quis dizer Diana para todos nós.

O corte definitivo da Liga da Justiça vai sair, e agora?

2020-06-05T03:31:00.001-07:00

Após dois anos de especulações, um dos maiores mitos do cinema de super-heróis se converteu em algo concreto. Ano que vem, sairá o corte de Zack Snyder para Liga da Justiça. Constando o que já era meio que óbvio que a versão que se assistiu no cinema não era a versão de Snyder mas sim por Joss Wheldon que foi contratado após o suicídio da filha de Snyder que aconteceu no começo de 2017.

Em todas as redes e vídeos já pipocaram sobre o tema já que antes, já se considerava uma piada o DCEU até o exato dia do lançamento da Liga nos cinemas. Entretanto muita coisa mudou: os sucessos de bilheteria de Aquaman, Mulher Maravilha e Coringa, sendo que esse último ganhando Festival de Veneza, Oscar de Trilha Sonora e Melhor Ator para Joaquim Phoenix e ser o filme com a melhor relação entre custo e benefício de 2019; e os sucessos de crítica entre Shazam e Aves de Presa voltaram a trazer confiança para a DC.

Por outro lado, também acarretou a questão da vitória do fandom. Ou seja, não existe mais a necessidade de fazer um produto excelente, mas sim que agrade principalmente os admiradores dessa propriedade específica. E nos últimos anos, isso se converteu em uma dor de cabeça já que se nota a dificuldade de confiar nos autores e os produtores buscando ganâncias, buscarem a fazer mudanças graves ou censurar obras para que satisfaçam o público. Exemplos como a relação entre os produtores de Star Wars, os fãs e os diretores são perfeitos para compreender isso.

Apesar do mesmo Snyder ter uma experiência fascinante com Watchmen e sua versão Ultimate que além de ser com mais de 210 minutos que incluída a versão do diretor e Os Contos do Cargueiro Negro, não é garantia de que sua Liga da Justiça seja um filme que vai colocar um ponto referencial na história dos filmes de herói por justamente os dois primeiros filmes do DCEU dirigidos por ele não terem sido abraçados pela crítica especializada e nem pelos fãs de comic por justamente não ter a devida planificação que teve por exemplo a Marvel nos seus filmes.

Entretanto, apesar da negatividade que aconteceu nesses dois primeiros filmes da DCEU, Snyder é aquele tipo de diretor que você, espectador, sabe suas marcas registradas, que olhas uma cena específica e se dá conta que é o estilo de Snyder. Poucos diretores que trabalham nesse âmbito de adaptações têm um calibre autoral como ele. Mesmo caindo nas graças ou não, nesse âmbito de superprodução, ainda ele faz valer seu nome.

Em tese, muitos vêem essa realização, algo ruim. Porém nunca se sabe que tipo de milagre que podem fazer. Em tempos de projetos onde a mão do produtor pesa muito mais do que o diretor, a concretização dessa versão é uma vitória importantíssima. Se o novo corte transforme em um filme relevante, bom para Snyder. Se não, a vida segue. Agora é só olhar para Superman II - The Donner's Cut e pensar, se aqui funcionou, veremos o que pode passar na Liga Da Justiça.

A Primeira Noite do Crime

2018-10-01T11:49:00.002-07:00

Quando chegou a franquia de The Purge nos cinemas, veio com algo estranho: em um futuro “não tão distante”, a sociedade americana após uma crise política-econômica-social tem uma tradição que choca: durante todo o ano, a sociedade vive em prosperidade e em paz até que em um dia específico do ano, toda a sociedade pode liberar sua raiva cometendo qualquer tipo de crime durante 12 horas.

Essa premissa criada por James De Monaco foi levado ao cinema através da Blumhouse e também pela Platinum Dunes, produtora de Micheal Bay, transformando em uma das poucas franquias originais, junto com Ouija, da produtora de Bay. Todos os capítulos da franquia tiveram pontos de vista bastante pertinentes: o primeiro filme tem um ponto de vista de uma família de classe média que ganha vendendo sistemas de segurança. O segundo já vem por outro lado, gente comum que tentam escapar da loucura exacerbada do dia. O terceiro já é literalmente quando a oposição política sente o quanto esse costume da expiação está desvalorizando a sociedade.

A Primeira Noite do Crime toma em ponto de partida meses depois do novo partido, Os Novos Pais Fundadores da America, um partido extremamente conservador, ganha a eleição após uma sociedade americana em uma profunda crise estrutural. Em uma das primeiras medidas é de fazer um experimento sociológico no qual por 12 horas se pode liberar todo e qualquer tipo de sentimento negativo sem culpa.

Para que o experimento funcione, o governo decide que isso funcione na comunidade de Staten Island de Nova York. Como é uma comunidade carente, muitos decidem participar desse experimento pela indenização do governo. Quando o experimento começa, muitos não fizeram o que o governo esperava. Porém de uma hora para outra, muitos começaram a correr para sobreviver a noite da expiação.

Se tem como um detalhe que apareceu nos últimos anos é a questão que os filmes sempre tiveram essa veia de questionamento político, principalmente ao fato de que esse tipo de sociedade poderia se transformar em uma drástica realidade. Pois bem, para quem acompanha a questão política, se tem consciência da ascensão política de Trump no governo dos Estados Unidos transforma a análise dos filmes da saga da Blumhouse como uma compreensão negativa do voto de protesto. Do desprezo do ato de votar ao lado do descontentamento generalizado se transforma em um veículo real para palhaços ou “mitos” cheguem ao poder.

No que se diz na questão técnica, é louvável o que se faz muito com tão pouco. Um bom exemplo disso é o efeito nos olhos dos participantes. Na trama, aqueles que desejam participar do experimento, ganham uma espécie de lentes de contatos e em muitas cenas, dá um efeito bem assustador e impressionante. Apesar de poucas cenas de ação, assim como muitas críticas já falaram, o clímax final que lembra filmes como Attack The Block e Assalto ao 13ºDP de John Carpenter vale a pena ver.

A Primeira Noite do Crime passa longe de ser um filme perfeito do gênero de terror. Entretanto como uma obra de ficção que questiona os efeitos reais do darwinismo social, se transforma em uma obra com uma certa urgência sobre as consequências reais em votos de protesto na sociedade. Uns podem achar (e até com uma certa razão) que isso é apenas uma obra de ficção, entretanto as obras mais perturbadoras da ficção científica são aquelas que o espectador percebe que está ficando mais real do que se imagina.

A Freira

2018-09-19T01:26:00.000-07:00

A Freira chegou aos cinemas estendendo ainda mais um universo que começou timido e simples e hoje é uma das franquias de terror de maior sucesso da atualidade: The Conjuring Francise, filmes baseados nos relatos do casal Warren. O sucesso da franquia é tão absurda que com o orçamento dos 5 filmes junto (Invocação do Mal 1 e 2, Anabelle 1 e 2 e A Freira) é de 103 milhões de dólares e a arrecadação dessa mesma franquia já bate a cifra dos 1,5 bilhões de dólares.

A história essa pré-sequência se passa nos anos 50 foca em um padre caçador de milagres e uma jovem noviça britânica que foram designados para investigar um suposto suicídio que acontece em um convento que fica em uma vila remota da Romania. E lá tanto o padre quanto a jovem noviça se deparam com uma força do mal que só tem um simples propósito, sair desse convento e espalhar o mal pelo mundo.

É valioso e importante ressaltar a beleza de produção desse filme. Mesmo custando relativamente alto para o gênero (22 milhões de dólares) é de admirar a direção de arte do filme. Além de ter uma ótima fotografia, sabe muito bem implementar os efeitos de computação com alguns efeitos práticos que em muitas cenas conseguem impressionar bem ao espectador. Também isso se deve muito ao maravilhoso trabalho de Taissa Farmiga que transmite o sentimento de inocência e assombro no olhar. Um olhar tão marcante quanto a irmã, Vera Farmiga.

Entretanto, a história do filme é bem fraca. Se nota uma tremenda lentidão para começar a ter algo e mesmo assim se poderia trabalhar fatos como eram as freiras antes do Segundo Concílio do Vaticano, fato que mudou drasticamente a figura do noviciado no catolicismo e por aí vai. Por outro lado, existe um detalhe bem interessante de como foi lançado o mal no convento, através de um bombardeio durante a segunda guerra. Se poderia tratar bem o demônio do filme como a figura das consequências da guerra na Europa e de como esse “demônio” ainda não foi exorcizado da vida de muitas pessoas da região.

A Freira pode passar bem longe do frescor dos filmes anteriores, entretanto não deixa de ser um entretenimento sólido e até mesmo ideal para aqueles que acham que os jump scares sejam um ótimo recurso de terror. Apesar de ter um tema que tem um leque bastante vasto, ir às vezes para um caminho da obviedade não é em nenhum momento algo negativo, porém se comparar com o panorama do cenário do terror atualmente, A Freira deixa de perder muitos pontos por ir nesse caminho dos sustos fáceis.

Postagem dupla: Hot Summer Nights\ ManHunt

2018-08-26T17:00:00.000-07:00

Hot Summer Nights consegue ter elementos que ajudam a vender o filme sem precisar em nenhum momento ver o trailer. Ter no elenco Timothée Clément e Maika Monroe em uma suposta história de amor que se passa em um verão americano no começo dos anos 90. Entretanto quando se assiste o filme se ganha alguns elementos. Alguns surpreendem positivamente e outros nem tanto.

A trama segue um jovem chamado Daniel que vai para a costa de Massachusetts e não consegue se encaixar com ninguém que era comum nessa época do verão. Porém ao encontro de Hunter, um traficante de maconha sem grandes inspirações e a misteriosa McKayla, a vida de um Zé ninguém mudará para sempre os rumos desse verão de 1991.

Hot Summer Nights não se nega em nenhum momento sua vibe estilosa que marca o início dos anos 90. Porém a fragilidade que toma os rumos da trama e principalmente um terceiro ato extremamente duvidoso quase faz que o filme seja um desperdício de talento. A sorte é que tanto Maika quanto Timothée fazem a diferença e transforma o filme em uma reflexão simples da sociedade americana no começo dos anos 90.

Muitos ainda questionam a questão se o cinema autoral fica somente restringido aos grandes diretores do cinema. Entretanto muitos conseguem ainda imprimir suas características em projetos que podem acertar a marca da excelência ou a beira da mediocridade. E mesmo assim, existe a possibilidade de tudo isso passar diante dos olhos e ninguém se dar conta. Um desses exemplos é o mais recente filme de John Woo, a fita de ação ManHunt.

Um advogado chinês de uma empresa farmacêutica japonesa é acusado de um crime que não cometeu e se transforma foragido da polícia. A trama por um lado por ser tão simplista se permite em dar liberdade para o estilo de Woo. Tiroteios acrobáticos, perseguições de lança, luta com câmera lenta e pombos voando. Sim, é o Woo que a América conheceu durante a década de 90. E no caso desse filme, ao menos camuflar os problemas que a história tem e de como deixa de ser uma perseguição simples para um terceiro ato exagerado e por muitas vezes, forçado até o mais simplório dos espectadores.

ManHunt serve por um certo ponto como um exercício de gênero para aqueles que são admiradores de John Woo. Mesmo com uma história que perde o fio da meada e estranhas decisões de uma hora o elenco falar inglês e depois sua língua nativa, o filme não deixa de ser extremamente divertido e com tiroteios característicos de Woo. Claro que o cinema de ação oriental chegou a um novo patamar nesta década, mas sempre é bem vindo um filme com a marca de um mestre.

Te Peguei!

2018-08-23T17:51:00.000-07:00

A admiração pela comédia muitas vezes vem a partir de uma premissa vinda de momentos de torpeza que envolve os protagonistas. De um momento estranhamente bizarro que parece impossível de se transformar em uma verdade. Te Peguei! é um daqueles filmes que a premissa e o que está por trás da mesma se torna mais interessante e até mais engraçado que o filme em si, com o detalhe que tem um dos melhores elencos para um filme de comédia … Porém o tiro saiu pela culatra.

A história do filme tem como ponto de partida quando uma repórter do Wall Street Journal se esbarra com um grupo de amigos que jogam de pega-pega uma vez por mês por quase 30 anos e os segue para ver a tentativa de pegar o único invicto e “intocável” do grupo que deseja se aposentar do jogo em um momento oportuno: o seu casamento.

O filme se baseia em um artículo que saiu no jornal em 2013 e a tradução no cinema não foi como foi o esperado. Claro que a produção teve a liberdade de tomar o conceito dos anos e criar um grupo “fictício” além de englobar todos os perfis desses jogadores durante os anos. Claro que com o elenco onde tem poderia ter dado certo e criado uma comédia efetiva e empolgante, entretanto não passou por aqui.

A trama do filme poderia muito bem ter focado além do jogo do pega-pega e ter trabalhado mais do por que jogam e do por que isso é importante para eles. Entretanto, vai por outro lado transformando tanto a trama quanto a brincadeira em si em algo incrivelmente sem graça e até arrastado para seu clímax. O trabalho desse elenco é um dos poucos momentos positivos da fita. A química entre todos talvez seja o único motivo para ver o filme do início ao fim. Dando destaque as atuações cômicas de Jon Hamm e Jeremy Renner.

Te Peguei! poderia ser uma grande comédia sobre como um jogo de criança mantém um laço de amizade durante os anos porém se transformou em uma fita longa sem graça de como grupo de pessoas transformou um jogo de pega pega em algo psicótico e sem graça. E em um ano no qual existiam revelações na comédia como Blockers, ver um filme cheio de grandes estrelas sem graça é tão decepcionante quanto parece ser. Um raro caso que a premissa é bem melhor do que o projeto.

No Olho do Furacão (The Hurricane Heist)

2018-06-16T02:40:00.000-07:00

O absurdo que se pode admirar em um filme ruim é de como se pode trabalhar temas insólitos ou que sejam difíceis de acreditar que saíram de um papel e se transformaram em uma realidade. Mais ainda quando o espectador saber quando olha o trailer ou lê a sinopse e pensa por um segundo: isso deve ser uma porcaria colossal … Mas eu quero ver por … razões. Bem, esse é pensamento mais latente de The Hurricane Heist de Rob Cohen.

A premissa é essa: uma pequena cidade está sendo evacuada por uma grande ameaça de furacão. Ao mesmo tempo um comboio da reserva federal está pela cidade para deixar mais de 600 milhões em um cofre. Pela vulnerabilidade do acaso, um grupo de ladrões planeja roubar esse mesmo dinheiro no olho da tormenta sendo que eles vão ter que enfrentar uma destemida agente federal e um meteorológico que está preparado para esse furacão.

Ao ver o trailer, após conhecer a trama e assistir o filme em si se dá para entender o que é óbvio. É um filme ruim. O roteiro desse filme é cheio de situações ridículas e inverossímeis até dizer chega, mesmo antes do grande “espetáculo” que guarda o clímax final. Atuações horríveis e canhestras que muita das “piadas” e do “humor” são de situações involuntárias de péssimas atuações e claro: uma forçada no sotaque dos personagens que o ato dos mesmos abrir a boca já era piada literal.

Rob Cohen chegou ao ponto de literalmente colecionar fracassos. Se pode ainda dizer que seu último sucesso foi literalmente … Triplo X. E mesmo piorando em suas escolhas, não se pode negar que o clímax desse filme é um show de absurdo que o espectador quer continuar para sempre dizer: esse é o pior momento do filme, ai aparece outra cena absurdamente ridícula. Por outro lado, o filme se faz perguntar para o espectador quando o cinemão se permite se entregar ao seu próprio absurdo? Se sabe da questão de Sharknado, mas todos sabem que é um filme de tv e claro que já se sabia que iria de mal a pior.

Em um cinema que busca um caminho seguro para ganhar rios de dinheiro com projetos “seguros”, The Hurricane Heist busca uma sensação diferenciada e até algo “original”. Entretanto a ruindade desse filme ultrapassa os níveis de bom senso e se transforma em uma grande comédia involuntária que se transforma o portador de uma grande e inquietante pergunta: Aonde se encontra a linha tênue da genialidade da mediocridade quando se arrisca em um projeto como esse.

Fahrenheit 451

2018-05-24T01:52:00.000-07:00

Acredita-se que a sociedade atual está vivendo em um mundo que se tem como nomenclatura de pós verdade. Que hoje, determinadas ideias que antes parecia um extremo absurdo se transforma em uma “realidade” apenas pelo fato de repetir essa ideia várias e várias vezes. Mais ainda quando muitos não preferem acreditar no que está escrito em livros determinadas ideias. Que esses mesmos livros estão sendo ultrapassados pela “nova mentalidade” ou pela “nova verdade” dos dias de hoje. Por muitos acreditarem nisso, não se deixa de sentir calafrios em saber que possivelmente o “futuro” de Fahrenheit 451 se transforme em uma triste realidade. Ao menos a obra está aí para ajudar em uma reflexão incômoda em como viver em uma sociedade no qual a leitura é proibida e que a sociedade é tão manipulada por ideais falsos e concepções errôneas.

A nova adaptação do conto de Ray Bradbury estreou essa semana na HBO e conta com um elenco de peso como Micheal Shannon, Micheal B. Jordan e Sofia Boutella. Além do mesmo Jordan produzir essa nova versão do livro. A nova versão mantém algumas bases importantes: a divisão de bombeiros Fahrenheit 451 é um dos órgãos mais respeitados nesse futuro distópico que cumpre um dever fundamental para essa sociedade: ao invés de apagar incêndios, os mesmos tocam fogos em materiais “subversivos” que são os livros. Para eles, a queima desse material traz a igualdade e com a “igualdade” uma sociedade feliz.

A trama avança quando o bombeiro Guy Montag que nessa versão é um tipo de influencer que tem sua popularidade alta por queimar livros para a mídia local e nas redes sociais. Após um incêndio massivo que leva a morte de um “rebelde”, ele começa a questionar o seu papel como bombeiro e cada vez mais começa ter sua mente aberta pelos livros e principalmente da realidade que o cerca.

Para quem ao menos assistiu o filme de Truffaut ou leu o livro sente a decepção na ponta da língua para a nova versão da HBO para o projeto. Para começar, o desperdício de não utilizar a questão da distopia para debater o medo da sociedade e quando começa os “questionamentos” da trama, não vem de uma maneira natural, mas sim em uma situação forçada que não convence nem um espectador comum que não conhece a obra original.

Por mais que Micheal B. Jordan atue muito bem e provando ser um dos melhores atores da atualidade, a sua versão de Montag não convence em quase nenhum momento da sua “conversão” literária. A única vantagem do seu personagem é de semear o debate do uso de farmacologia para controlar a mentalidade da sociedade. Micheal Shannon continua com seu caminho de fazer vilões memoráveis e acima de tudo, entregando uma atuação competente e até mesmo ser mais profundo que o protagonista. E para completar o elenco, Sofia Boutella apenas faz uma personagem que foi reduzida a interesse romântico que não entrega muito para a trama.

Se perde uma grande oportunidade de ver uma adaptação atualizada de um dos contos mais escalofriantes da ficção cientifica. A nova versão de Fahrenheit 451 é apenas mais um filme de futuro distópico que assola o cinema atual que se sabe que existe os debates e os tópicos incômodos, porém não vai além disso e somente fica com um visual arrojado e atualizado. Ao menos o novo projeto consegue fazer dois propósitos … Buscar o filme de 1966 ou o livro original. Uma grande oportunidade perdida.

Deadpool 2

2018-05-16T20:45:00.000-07:00

Sequências para muitos são uma oportunidade de ganhar mais dinheiro. Em uma indústria cinematográfica no qual está se transformando mais e mais dependente das continuações para manter vivo o maquinário monetário e cada vez mais a originalidade se transforma uma faísca adequada em um momento escuro. E mais ainda quando hoje a maior mina de ouro se chama super heróis e quadrinhos.

Muitos consideram Deadpool um alívio dentro dessa leva de filmes. Assim como foi Airplane para a saga Airport, Deadpool veio como uma paródia dentro desses filmes de heróis e sua estrutura. Mais ainda quando o personagem cresceu de uma maneira impressionante graças aos desenhos e sua arrebatadora presença do mesmo no jogo Marvel vs Capcom III. E claro vem o mais importante: a oportunidade de ouro para Ryan Reynolds para redimir após as tentativas falidas em Blade Trinty, Lanterna Verde e, como não poderia faltar, a primeira encarnação de Wade Wilson\Deadpool em X-Men Origins: Wolverine.

O primeiro filme para muitos foi um tremendo sucesso. Tanto de crítica, público e bilheteria. Apesar de não ter o orçamento em comparação a franquia de X-Men, o filme cativou o suficiente para ganhar uma continuação. Entretanto, quando se analisa o filme em si, muitas piadas são bastante sem graças e forçadas. Também isso piora quando se percebe o fundamental: o quanto o personagem é bem defeituoso e apático. Mas tudo isso em um certo ponto nem vai importar tanto: a sequência está aí.

Sequências também tem uma outra característica: a importância de fazer um filme melhor. Se ganha uma oportunidade de trabalhar elementos que o primeiro filme não funcionou ou tratar de temas que no primeiro filme não tinha a estrutura perfeita que funcione. Grandes franquias tiveram essa oportunidade de trabalhar melhor no segundo filme e em diante. Se tem como exemplo em Moscou Contra 007, Aliens, Capitão America e Soldado Invernal, X-Men 2 e entre outros. E sim, se pode agora colocar Deadpool 2 na lista.

Ryan Reynolds já se poderia considerar por si só que ele É o Deadpool, mas nesse segundo filme se abaixa o tom irritante que emanava no primeiro filme e acerta o tom de uma maneira espetacular. O humor dele consegue ser mais fluido já que consegue trabalhar temas da cultura pop mais atual e sim, divertida. Outro ponto também está a presença de Josh Brolin como o implacável Cable e Zazie Beets como a maravilhosa Dominó. Em relação às cenas de ação, não existem muitas cenas, entretanto existe uma perseguição em um comboio na metade do filme que realmente é um espetáculo por que consegue trabalhar com os personagens e sua potencialidade e em muitos momentos se transforma uma das melhores sequências de ação de todos os filmes feitos pelo Universo X-Men. Entretanto as outras cenas são apenas necessárias para que a trama continue.

Para aqueles que acham o original uma peça superestimada e ruim, o segundo filme consegue limpar todos os erros para transformar em um filme competente, dinâmico e principalmente, extremadamente engraçado. Um grande exemplo de como pode jogar uma sequência para seu favor e transformar o que antes era uma pilha de besteira para uma comédia de ação que é auto-consciente de sua loucura e insensatez.

Ready Player One

2018-04-11T16:16:00.000-07:00

Ready Player One deveria ser uma celebração de um fato que o cinema deveria ter em conta: Em nunca subestimar a arte que está se transformando os jogos e de como a mesma está mudando a sociedade. Em um ano no qual se descobre que Grand Thief Auto V quebra recordes de venda e arrecadação, ter esse tipo de filme poderia ser mais uma grande oportunidade de muita gente entrar nessa vibe e entender como os jogos fascinam desde crianças para incentivar o raciocínio lógico até os mais velhos para reativar a memória e outras áreas do cérebro que já foram afetados com o tempo.

Baseado no livro homônimo de Ernest Cline que foi escrito em 2015, o filme coloca em um futuro distante no qual o OASIS, um tipo de aplicativo de realidade virtual criado por James Halliday nos meados de 2020 que leva ao jogador a vivenciar diferentes mundos. Desde jogos que foram populares nos anos 2010 como Minecraft ou tudo que qualquer jogo como Second Life pode entreter o jogador. E quando se diz que o jogador pode ter a total liberdade de ser quem quiser, vão desde heróis do passado como Masterchief, Ryu, Chun-Li e até mesmo Tracer.

Em meados dos anos 2040, o criador morre e antes de morrer informa que ele deixou um easter egg tão poderoso que quem achar o mesmo vai ganhar uma fortuna inestimável. E em meio dessa corrida está Wade, um simples jogador que está tentando algo grande no Oasis para fugir da miséria. Mas quando ele consegue desvendar a primeira chave desse mistério chama a atenção de uma corporação chamada IOI que tenta custe ao que custar a fortuna de Halliday.

Em um certo ponto quando se percebe que a história é uma das piores coisas que Spielberg filmou fácil, fica a grande questão: A obra original é culpada? E quando começa os créditos, a resposta é bem simples: sim. Até em um certo ponto se poderia dar o crédito de como a trama utiliza O Iluminado de Sthephen King no segundo ato porém não basta. A trama trata o espectador como se ele fosse obrigado a reconhecer todas as referências possíveis e impossíveis.

Outro ponto crítico da história está no fundamental: acreditar que por estar cheio de referências e detalhes de uma grande cultura pop atual se pode contar qualquer tipo de história. Em realidade as coisas não funcionam assim. Um bom exemplo disso fica com Detona Ralph que assim como Ready Player One, utiliza os jogos eletrônicos como uma base do seu universo, que mesmo com referências óbvias e sutis não deixa de contar sua história.

Fora isso, acontece algo extremamente irritante que é a falta de empatia que gera o personagem principal. Tye Sheridan é um ator talentoso, entretanto o personagem em si carece tanto de carisma que era muito mais fácil torcer para aparecer o personagem de Lena White (a melhor em cena de longe) ou a de Samantha e seu avatar. Além disso, existia muitos momentos que o personagem passava longe de ser algo natural (a cena de Buckaroo Banzai é a prova disso). E a cereja do bolo da ruindade do filme é do desperdício sem precedentes de Ben Mendelsohn que mais uma vez faz um vilão e mais uma vez é um vilão extremamente caricato. Entretanto uma das melhores cenas do filme está com o personagem e o principal que tenta convencer a ele que sabe da cultura pop mas no final não está prestando atenção nisso e sim no desejo dele de conquistar o Oasis a todo custo.

No que se desrespeita a questão técnica, não tem como negar a maestria de Spielberg em seus filmes. Ainda os cinéfilos são abençoados com ver ainda o rei dos blockbusters em ação. Um exemplo disso está no segmento de O Iluminado que não só demonstra a habilidade de transformar aquele mundo em uma “realidade” aos personagens, mas também de homenagear ao grande Kubrick. Entretanto em outras cenas ficava difícil ter empolgação ou admiração já que todas, assim como o personagem principal, passava longe de ter um apelo. E para piorar, o clímax parecia que era uma perda de tempo difícil de aceitar.

Ready Player One deseja muito ser como o protagonista: Descolado, cheio de referência e tem como alvo agradar aqueles que cresceram vendo tanto a década de ouro dos blockbusters quanto dos jogos, como está sendo agora. Entretanto o que se vê é um filme apático, sonolento, com história absolutamente chata e acima de tudo, que acredita que por ter todas as referências mais deslocadas do universo vai ter aclamação. Um filme que deseja ser cool, entretanto falha miseravelmente. Uma celebração falha para aqueles que vibram pelos pequenos detalhes.

Círculo de Fogo: A Revolta

2018-03-26T07:38:00.002-07:00

É interessante que para os amantes do blockbuster se vive um pesadelo e ao mesmo tempo o sonho de muitos anos. O sonho de muitos anos ver franquias como Star Wars saindo quase todo ano, tanto em cinema quanto em jogos e principalmente para os fãs de quadrinhos que estará sendo testemunha de um evento sem “precedentes” que é a primeira parte dos Vingadores - Guerra Infinita. Por outro lado, se transforma em um pesadelo por que em um certo momento vai existir o saturamento dos dois temas (e isso já apareceu no fracasso de Star Wars Battlefront II e praticamente os esforços em vão da DC no cinema com a belíssima exceção de Mulher Maravilha).

Por isso, ver um outro blockbuster saindo hoje é como uma tentativa arriscada de sucesso e alguns curiosamente se pagam. Dwayne Johnson com seus filmes mesmo sendo bons ou não, conseguem um interessante retorno por hora dos críticos como aconteceu com Jumanj ou por bizarramente por parte do público como aconteceu com Baywatch e outros que apareceram do nada e estão fazendo sua parte como o filme de cunho cristão I Can Only Imagine que mesmo com tanques nos cartazes, ainda não saiu do top 10. E claro, existe o caso de Círculo de Fogo: A Revolta.

O filme que é dirigido por Steven S. DeKnight que estava envolvido com Angel, Buffy, Smallville e Daredevil e tem a produção de Guillermo del Toro e também do seu protagonista John Boyega. A produção conta os impactos da salvação do mundo após Stacker Pentecost ter cancelado o apocalipse. Uma boa parte do mundo conseguiu recuperar e outros não. Além do fato que muitos começaram a utilizar os jaegers que viraram sucata após a guerra. Jake Pentecost, filho de Stacket é preso ao lado de uma jovem prodígio Amara Namani porém ganham uma nova oportunidade de entrar na Academia dos Jaegers. Mas ao mesmo tempo, uma companhia querem substituir pilotos por drones e uma sinistra ameaça que vem após um ataque terrorista em Sydney.

O filme em seu primeiro final de semana conseguiu um feito importante: se pagar. Mesmo o filme ter conseguido o primeiro lugar em seu primeiro final de semana com 28 milhões de reais e de ter conseguido destronar (mais pelo cansaço) Pantera Negra, não foi aquela explosão como muitos acreditaram. Por outro lado, os 122 milhões que arrecadou globalmente dá um gás importante para a vida útil do filme além do já citado: já se pagou. Além disso, quando se comparar com o filme original acontece um contraste engraçado: o filme no final de sua vida nos cinemas conseguiu arrecadar mais de 400 milhões de dólares sendo que se comparar com o orçamento do primeiro, quase 200 milhões.

Uma das primeiras obviedades desse filme: detém um roteiro muito fraco. Escrito por 4 pessoas que tem como material envolvido Os Contos da Aia, Demolidor da Netflix, Os 100 e a franquia Maze Runner criaram uma história que sim, tem uma potencialidade interessante como uma sociedade após a guerra e como iria reagir com aqueles robôs ainda circulando pelo mundo como patrulha e as tentativas de ser mais automatizadas.Porém é tudo tão superficial que dá uma grande lástima. Além disso, a direção de DeKnight apenas segue o básico de filme de ação e ao menos o clímax do filme é bem interessante e bem influenciado pelo estilo tokusatsu e com um easter egg de Mobile Suit Gundam que vale a pena.

Por outro lado o verdadeiro motivo para ver esse filme é esse: John Boyega. Após ter roubado a atenção com Attack the Block e Star Wars, ver o primeiro papel protagônico em uma outra franquia foi uma tremenda surpresa. O carisma que ele carrega o filme inteiro é tão impressionante que se ele fosse o principal do filme anterior, iria ser um clássico absoluto. Além disso, a quimica entre ele e a novata Cailee Spaeny é de primeira linha. Além disso o elenco conta com Scott Eastwood (que de pouco a pouco tenta escolher bons projetos), Tian Jing (Kong Skull Island) e o duo Burn Gorman e Charlie Day do filme anterior que ganharam um papel mais do que fundamental para a trama.

Se o filme cair no ostracismo dos blockbusters eventos desse ano será uma grande pena. Círculo de Fogo: A Revolta está bastante longe de ser a maravilha que foi o filme original de Del Toro, mas não deixa de ser um filme que cumpre o fundamental: a diversão e nada mais. Se tiver mais um filme da franquia, seria mais do que bem vindo, se não … Existem outros meios que podem ajudar a fazer isso como séries ou até mesmo um game sobre o mesmo. Ao menos não se pode reclamar disso: É bem melhor do que toda a franquia dos Transformers no cinema.

Remakes - Uma nova perspectiva

2018-03-22T19:48:00.000-07:00

John Green, autor de Cidades de Papel e de A Culpa é Das Estrelas, em seu twitter deu uma notícia bastante inusitada. Ele informou com felicidade que A Culpa é das Estrelas vai ganhar uma adaptação bollywoodiana e que já escolheram seus respectivos protagonistas. Ao mesmo tempo, a Fox do Brasil divulgou em sua página do Youtube o trailer de Não Se Aceitam Devoluções com Leandro Hassum. O filme é uma versão de No Se Aceptan Devoluciones do ator\diretor\comediante Eugenio Debrez. E para finalizar, a comédia Sin Filtro do diretor chileno Nicolás López conseguiu a façanha de em menos de 2 anos que sua comédia já tenha 3 remakes pelo mundo: uma mexicana, espanhola e argentina, sendo que essa última chegará esse ano.

É interessante que o argumento de que os remakes são um desserviço para o cinema em sua maioria se aplica somente ao cinema americano, por motivos quase que óbvios, o maior alcance que eles têm como meio massivo de cinema. E até mesmo se pode ver infelicidades argumentativos como se os remakes são apenas meios massivos para vender o cinema americano para outros mercados internacionais como China, Índia e etc.

Mas quando é um outro país que faz um remake, como faz para lidar com esse tipo de situação? Muitas vezes quase nenhuma e por muitas vezes acontece efeitos interessantes. Para acima de tudo é importante deixar claro que sempre se prezou a questão da originalidade. dos projetos que tomam seus devidos riscos e consequentemente conseguem pagar pelos seus atos.

Talvez o único argumento simples é de como essa mesma história é contada em outros países. De como essa mesma trama ganha uma sensibilidade local. E por muitas vezes pode ter efeitos bem interessantes como adicionar algo relevante ou apenas cortar partes desnecessárias do original. Citando um exemplo está no próprio Sin Filtro. O filme em si é uma das maiores catástrofes para um filme de comédia e quando olha as atrizes que fizeram suas respectivas versões em outros países como Maribel Verdú na Espanha e Natalia Oreiro na Argentina, é possível até esquecer o original e ficar com sua versão local.

Em outros casos, a sua maioria, os remakes são de gêneros que se podem fazer tranquilamente em outros países como dramas e comédias. Entretanto, existe a questão indiana que por muito tempo já trabalha com remakes hollywoodianos e que em alguns casos são extremamente bem sucedidos como passou com o remake indiano de Aconteceu Naquela Noite com Clark Gable que teve seu remake indiano no final dos anos 50 e já ganhou outras versões anos futuros.

Por isso que existe um cuidado extremo para falar algo sobre o tema. Já que existe uma sensibilidade ao tema e até mesmo o desconhecimento por uma boa parte dos cinéfilos que ainda acreditam que a maioria dos remakes sempre são americanos e que menosprezam as obras originais. Talvez no final, vão perceber que nem tudo é para representar falta de originalidade … mas sim da praticidade de ter uma história pronta e que daí em diante, só resta para aquele que conta a história … fazer a diferença.

Tomb Raider - A Origem

2018-03-19T05:09:00.000-07:00

O disco se repete. O debate sobre as adaptações de games para outras mídias continuam a ficar calorosos com a volta de Lara Croft sendo que ao invés da figura imponente de Angelina Jolie representando a Lara da época dos jogos do final dos anos 90, vem uma energética e ao mesmo tempo sentimental Alicia Vikander com sua Lara baseado na “nova” trilogia de Lara. O filme em si detém problemas, mas ao mesmo tempo volta a dar um espaço mais importante para um debate: o senso de espaço de uma adaptação.

O novo filme é baseado no segundo e mais bem sucedido reboot da saga de Lara que ao invés de mostrar aquela Lara que o mundo estava acostumado, veio uma nova personificação da personagem: mais nova, atlética e que tenta buscar seu lugar no mundo. No filme, chegando quase seus 21, Lara ainda não admite a morte do pai dela. Entretanto ao resolver um pequeno enigma na leitura do testamento, leva Lara a uma jornada a uma ilha misteriosa sobre uma deusa sobrenatural.

O que acontece a partir daí, para quem jogou o jogo de 2013, é uma sucessão de obviedades. Mas isso por incrível que pareça não atrapalha nada a narrativa. Enquanto o jogo é extremadamente arrastado por esse lado (também para justificar o tempo do jogo), o filme não faz perder o tempo e é bem direto em relação a isso. Além do fato também que o projeto evitou ser aquele copia e cola 100% do jogo e pegou o fundamental, as sequências de ação para manter a história caminhando.

Alicia Vikander É Lara Croft. Mesmo com muitos ficam na nostalgia e lembrar a Lara como Angelina, nunca perceberam que Angelina era Angelina sendo que vestida de Lara mas nunca foi a personagem em si. Tanto que Alicia em muitos momentos encara não somente de corpo, mas também de alma. Em uma cena em especial na metade do filme, Alicia compreendeu tanto a personagem que faz Angelina ser apenas uma lembrança de um passado.

Por outro lado, se nota o quanto a mão do diretor pesou. Roar Uthaug, do mesmo diretor de A Onda, mesmo com ótimas cenas de ação (principalmente a da fuga nas cataratas) não consegue manter o ritmo em determinados momentos. Além claro de ter um vilão bem direto e fraco, mas que mesmo assim consegue ser um pouco mais interessante que o vilão do jogo de 2013.

Agora existe algo que talvez poucos comentam ou já deram indícios do tema: Tomb Raider consegue ser uma das melhores adaptações de jogos ao cinema por um motivo quase “técnico”: a escala de sua adaptação. Os passos para isso já começam pelo senso de espaço que a adaptação teria na tela grande. Ou no caso de Tomb Raider, pontos específicos que fazem que a trama evolua com naturalidade. Além disso, o benefício das mesmas aventuras de Lara se pode facilmente ser traduzido em um filme de 2 horas sem nenhum problema.

Além disso, não existe aquele problema de uma franquia gigante ser resumida em um filme de duas horas. Se tem um exemplo maravilhoso e recente de Castlevania que preferiu ser uma série animada que um filme e a jogada arriscada deu bastante certo: vai ganhar uma segunda temporada. E como uma terceira via alternativa que é fazer para serviços de streaming como Netflix ou Crackle. Isso por um lado foi pago com a adaptação de Dead Rising que mesmo não sendo um filme bom, mas por ser uma plataforma pequena, deixou aberto para ter seus méritos e seus erros.

Com uma ideia como foi vista em muitas resenhas sobre o filme, Tomb Raider seja um dos primeiros passos concretos para ver a grandiosidade que tem as histórias nos jogos transpassada ao cinema em sua plenitude. Apesar de ter problemas estruturais, em nenhum momento deixamos de ver a verdadeira Lara Croft em ação. E mais ainda, a consciência do seu espaço como adaptação e saber quais são os verdadeiros aspectos que podem ser levados ao cinema transforma a sessão do filme em algo que pode trazer tranquilidade enquanto adaptação.

Claro que os caminhos para uma adaptação perfeita ainda estão longe. Ainda existe esse desbalanceamento entre o que tem que ser adaptado ao cinema ou a uma série de tv e o desejo do jogador de ver seu jogo favorito ir às telonas. Podem dizer que os primeiros passos são tardios … claro, sem sombra de dúvida. Entretanto se esquecem que até seus livros e quadrinhos demoraram décadas para encontrar suas adaptações perfeitas … Então … o desconto para os jogos ainda continua valendo.

O Passageiro

2018-03-11T13:12:00.000-07:00

Um dos argumentos mais interessantes para uma crítica de cinema sempre será essa: não importa quantas vezes uma história é contada, o diferencial sempre será como você conta essa mesma história. Não se leva a mal, mas esse tipo de argumento sempre terá um problema: o uso dela em uma crítica e também quando o filme se permite essa oportunidade de encaixar na mesma sem parecer algo redundante. Um novo exemplo sobre esse argumento chegará nos cinemas brasileiros nesses últimos dias: o mais novo e o último projeto de Liam Neeson como action man, O Passageiro.

Dirigido pelo espanhol Jaume Collet-Serra, o filme conta o ponto de partida de um homem de negócios que tem uma rotina diária quase imutável: todos os dias pegando o mesmo trem, tanto para ir quanto para voltar. Já conhece alguns dos funcionários e dos passageiros que tomam essa determinada linha. Entretanto, quando voltava para casa, uma mulher misteriosa faz uma proposta irrecusável para que o homem de negócios encontre um passageiro que não faz parte desse mundo. O que começou como um simples jogo começa a ficar cada vez mais escalofriante.

Antes de falar a esmo sobre o filme, existe algo que é pontual comentar: o trailer do filme. Se sabe o quanto os trailers de hoje, principalmente de blockbusters, estão mostrando mais do que devia nos trailers, ao ponto de você assistir e apenas saber ordenar onde começa e aonde termina. Entretanto, o de O Passageiro apenas faz o que muitos deveriam fazer: vender somente o plot da trama e nada mais. E quando o espectador começa a assistir o filme em si, se percebe o quanto ele recebe de informações novas que não estavam no trailer, e mesmo vendo aquela cena espetacular, quando se compreende o contexto que o filme estabelece, ganha um outro frescor.

Jaume Collet-Serra conseguiu algo que poucos diretores que fizeram filmes de ação com Neeson nessa época não conseguiram fazer: explorar de uma maneira mais do que interessante o ator nesse tipo de projetos. E vendo O Passageiro se entende o por que. O diretor em todo o momento quer que você veja o que acontece com o protagonista. Tenta fazer menos cortes possíveis e mais ainda, faz tudo parecer ainda mais espetacular com o ótimo uso de coreografias e efeitos práticos.

O roteiro do filme mesmo com o terceiro ato levando até para um pouco da obviedade, traz um frescor em transformar a jornada desse homem de negócios em um inferno moral já que a cada ato que o personagem faz cria uma sensação de tensão ao espectador que deixa o thriller ainda mais sedutor e principalmente o mais importante: prender o mesmo até o desfecho. Além de contar com um competente Neeson, o elenco traz duas figuras conhecidas: Vera Farmiga, que já tinha trabalhado com o diretor em A Orfã, e Patrick Wilson, que já tinha trabalhado com Neeson em Esquadrão Classe A.

O mais admirável de O Passageiro é que mesmo com uma história contada milhões de vezes dentro do cinema de ação, e até mesmo pelo diretor em Non-Stop, o que transforma em algo sensacional é sua habilidade de contar essa mesma história aliada com um protagonista que conquista de cara e uma tensão crescente que só para nos seus minutos finais. Collet-Serra tem bem claro como transformar qualquer um em um herói de ação: não está nos cortes desnecessários por segundo, mas em cortes práticos e uma boa história.

O Que te Faz Mais Forte

2018-02-07T20:40:00.001-08:00

O Que te Faz Mais Forte, novo filme do versatil diretor David Gordon Green chegará aos cinemas brasileiros com um manjado filme autobiográfico de superação. O filme conta a jornada de Jeff Bauman, um jovem rapaz que foi a Maratona de Boston de 2013 para dar suporte a sua namorada que participou da maratona. Nesse mesmo dia aconteceu um terrível atentado no qual o Jeff perde as duas pernas. E o filme acompanha de uma maneira dura a recuperação de Jeff e ao mesmo tempo as dualidades do mesmo ser intitulado a força de Boston.

Até um certo ponto e analisando a filmografia do seu protagonista Jake Gyllenhaal, se nota uma pré-disposição estranha de fazer papeis fortes para algum tipo de premiação. Se poderia até dizer que o próprio O Que te Faz Mais Forte é um filme que essa época se pode ser chamado de Oscar Bait. Se pode colocar também nesse balaio filmes como Southpaw, Demolição e o mais recente, o infame Animais Noturnos.

Entretanto, quando se analisa diretamente o filme, Green acerta em muitos pontos em transformar um “Herói” o que ele é de verdade: uma pessoa vulnerável em vários momentos. E isso não somente vem de uma poderosa interpretação de Jake nessas cenas, sem o complemento de Tatiana Maslany em várias cenas, o filme não teria o mesmo impacto. A atriz em seu primeiro grande papel após o final de Orphan Black divide com Jake as cenas mais sensíveis do filme.

O Que te Faz Mais Forte é um filme sólido apesar de seu cunho de isca para premiações. O filme de David Gordon Green brilha em desmitificar o heroísmo e olhar as lutas internas de Jeff para superar seus traumas após o atentado. É um filme que tem como alvo o espectador simples que gosta uma história de superação, mesmo sabendo que o superador não é digno para ser admirado. Sempre será admirável ver um grande ator fazendo a diferença em um filme simples, entretanto quando se nota que sua atuação é muito grande para um filme bem pequeno, o fedor de Oscar Bait se sente de longe ...

Jem e As Hologramas

2018-01-25T18:57:00.000-08:00

Para aqueles que estão atentos no mundo das produtoras hoje, poucas conseguem criar um fascínio bem interessante que é a Blumhouse. Nesse ano já começa literalmente com o pé direito. Get Out, a estreia de Jordan Peele como diretor consegue o incrível feito de ser uma das melhores estreias de atores que viraram diretores, ser indicado ao Oscar e ainda o mesmo Peele ser indicado como produtor, diretor e roteirista. Adicionando o fato do mesmo Blum ser indicado ao Oscar dentro de um gênero que ele trabalhou durante os últimos anos: o terror. (Caso lembrar que Whiplash também é uma produção da Blumhouse). Além do fato de revitalizar a carreira de M. Night Shyamalan abrindo portas para uma das continuações mais esperadas por muito tempo: o terceiro capítulo da saga de Corpo Fechado.

Entretanto essas vitórias vem depois de um dos maiores fracassos da produtora e principalmente de como essa derrota reflete por que essa produtora consegue a cada ano chamar mais a atenção: a adaptação fracassada de Jem e As Hologramas. Dirigido por Jon M. Chu, responsável pelos documentários de Justin Bieber quando ele estava no auge e também da adaptação de Comandos em Ação: Retaliação, traz um olhar diferenciado ao desenho dos anos 80.

Jerrica vive junto com sua tia e suas irmãs e por enquanto vive uma vida tranquila. Além de sentir saudades do seu falecido pai. Quando a hipoteca da casa vem a tona, as meninas tentam fazer um clipe musical para tentar o sucesso, porém o pulso de Jerrica dá mais alto e com o codinome de Jem, consegue o estrelato pelo Youtube ao ponto de conseguir uma gravadora. Além de levar as irmãs para se aventurar em Los Angeles; Jem leva Sinergy, o robô criado pelo falecido pai. Mas ao momento que ela pisa na grande cidade, o robô se ativa e começa uma jornada para Jem além de um tesouro perdido do seu pai e principalmente para si mesma.

Um fato inegável desse filme é esse: ele é fraco. O modo como acontece tudo na trama é tão simples que por muitas vezes, parece aqueles filmes musicais da Disney sendo que de uma maneira bem piorada. E mesmo com Molly Ringwald e Juliette Lewis na trama, o resto do filme não acompanha como deveria ser. Além claro da negatividade que veio da internet na época de fazer uma adaptação totalmente diferente ao original.

Mas mesmo assim, existem pontos interessantes na trama que valem a pena ser comentados. O primeiro e o mais importante: o poder da internet. Em muitos pontos, o filme sempre reforça o poder que as redes sociais e os vídeos virais entram na vida de muitos. Assim como na trama, por um vídeo viral faz explodir a personagem principal para a fama. Ainda o diretor consegue fazer algo bem interessante que pode gerar um resultado diferente: em algumas cenas específicas, ao invés de utilizar aquela música pop como montagem do que acontece, como qualquer filme musical, existe uma intercalação entre o que acontece na tela com vídeos musicais do youtube. Dando como um exemplo, existe uma cena entre Jem e a produtora que toda a conversa é por um chat de gmail junto com um duelo de dois bateristas aumentando a tensão no que acontece em cena.

Se pode criar um interessante paralelismo entre Jem e As Hologramas e Whiplash em relação de como a música motiva os personagens principais. Tanto no caso de Whiplash quanto Jem, os dois personagens sabem o quanto a música não somente é aquela válvula de escape, mas também um meio de afirmação para algo melhor, no caso de Jem de salvar a casa da família, e Whiplash, de Andrew salvar a si mesmo e não ter uma vida “medíocre” que da família deseja.

Jem E As Hologramas é uma adaptação esquecível. Um filme que será um grande milagre se lembrar do que acontece durante a trama inteira depois de horas. Mas ao mesmo tempo, diante do maior fracasso da Blumhouse, Jason Blum sempre deu entrevistas interessantes e lembra para aqueles que amam cinema que a partir do momento que produz um projeto, sempre vais carregar riscos. Riscos que em momentos parece que não dão retorno e outros que quando menos espera, vem uma recompensa inestimável. Até no seu maior fracasso, a Blumhouse demonstra a sua genialidade em apenas uma palavra: arriscar. E hoje e mais do que nunca, os riscos levaram ao prêmio máximo do cinema.

Netflix's Bright

2017-12-25T14:06:00.005-08:00

A sensação quando se termina Bright é daqueles filmes que conseguem trazer uma perspectiva diferenciada ao cinema pipocão. De um filme que não tem medo de experimentar novos territórios, estrear em uma cadeia de streaming popular fazendo que todos possam ver no conforto de sua casa e principalmente sair de um marasmo de falta de originalidade que existe no cinemão americano no qual está vivendo às custas de adaptações e continuações. Mas como sensações podem nos enganar, ao refletir de verdade Bright são ideias que são melhores em outras mídias.

Escrita por Max Landis e dirigida por David Ayer, Bright traz um conceito bem ousado: em uma realidade alternativa, as criaturas mágicas vivem entre os humanos. Em uma caótica Los Angeles, o elfos vivem na parte rica da cidade representando a elite da cidade, enquanto os humanos vivem como a classe média (tanto alta quanto baixa) e os orcs são os marginalizados dessa sociedade, que ainda vivem suas respectivas leis.

Para alguns poderia ser uma interessante perspectiva de estudo de classes já que em outras obras de fantasia, por muitas vezes os elfos são considerados marginalizados da sociedade, os orcs são os vilões e principalmente os humanos são os salvadores e principalmente os paladinos da justiça e da moral. E até nisso Bright faz a questão de quebrar esse paradigma na construção e até por um lado na sua história. Entretanto o porém quando bate é cruel.

A começar pelo plot da trama: Ward e Jacoby são dois policiais rasos de LA. Ward volta após ser baleado por um orc e por muitas vezes culpa o parceiro por não estar no momento. Enquanto os companheiros de Ward querem destituir o orc por causa do incidente passado, o orc Jacoby sofre preconceito tanto da polícia quanto da sua raça por não ser um sangue puro.

Após uma chamada de emergência, os dois policiais descobrem uma casa que foi atacado por um grupo radical mágico. E quando chegam por lá descobrem não somente uma varinha mágica que na palavra de muitos “uma bomba nuclear que concede desejos” e também uma elfa que é uma bright, um ser que pode utilizar a varinha mágica. Após o encontro, tanto Ward quanto Jacoby vão fugir de todos os perigos que encontrarão na noite além de conhecerem mais de si mesmos.

A direção de David Ayer é bastante interessante. Mesmo com o fator fantasia que a trama tem, ele mantém o estilo que marcou em filmes como End of Watch e Sabotagem entretanto, os erros de Esquadrão Suicida pesaram a mão e em muitas vezes se percebe que ele tem problemas de conexão entre o que acontece entre o espectador e os personagens da trama já que em momentos emotivos, o diretor fala em transmitir isso. Se não fosse a poderosa atuação de Joel Edgerton que em muitos momentos é o único que te faz seguir adiante com todo o “absurdo” da trama.

Outro ponto é o roteiro de Max Landis para a trama. Trazer o conceito a tona ajudou na trama mas os diálogos duvidosos, muitos personagens extremadamente mal desenvolvidos ou dignos de terem linhas decentes. Se querem entender isso bem claro, é só perceber o que acontece com os personagens de Edgar Ramirez e da “vilã” Noomi Rapace. Enquanto isso, a parte técnica é um espetaculo e o uso de efeitos práticos em determinadas cenas de ação fazem a diferença provando que Ayer é um bom diretor de ação e nada mais.

Bright detém algo muito importante: representa novos passos para o cinema blockbuster. Aquele blockbuster que deseja ser algo diferenciado e único. Mas como todo projeto que aspira mais do que se imagina, falha em ter uma história que não anda muito para frente, personagens extremadamente mal desenvolvidos e principalmente um desfecho aquém do que se deseja. Ousadia, Bright tem, mas infelizmente nem todas as ideias podem funcionar em uma mídia como filme … Se fosse um jogo, seria bem mais interessante ...

Liga da Justiça - The Joss Whedon's Cut

2017-11-29T19:18:00.000-08:00

Os questionamentos do heroísmo por muitas vezes não passa no cinema com frequência como deveria ser. Ter esse momento pequeno, frágil e até vulnerável do herói no cinema de hoje é quase um luxo ou até mesmo algo que é extremamente mal tratado. O universo cinematográfico da DC por um lado carrega essa questão da figura do heroísmo nos seus filmes. Entretanto, trazer esse conceito em realidade é bastante difícil. A rapidez de tentar criar esse universo com um planejamento tardio e principalmente a (insensível) visão de determinados autores ao tema. Isso começou a mudar literalmente com Patty Jenkins e a bem sucedida Mulher Maravilha. Claro que Liga da Justiça foi filmada quase ao mesmo tempo que o filme da heroína e ao mesmo tempo representa o passo definitivo da DC nos cinemas. Entretanto com os problemas pessoais de Zack Snyder no começo do ano e a chegada de Joss Whedon para dar alguns toques finais transformam o projeto de sonho de décadas em um filme estranho.

Como muitos sabem (caso não assistiram Batman vs Superman ou Esquadrão Suicida), Superman morreu. O mundo entra em uma profunda crise de desesperança e medo. Com isso em mente, Batman e Mulher Maravilha começam a recrutar outros heróis para lutar contra O Lobo de Estepe, o comandante de Darksied que deseja as caixas mãe para destruir tudo que existe na terra. E a Liga da Justiça fará de tudo para lutar contra esse mal.

É estranho por que se nota que após um longo tempo e desde seu surgimento, na sua primeira cena, o filme consegue com brilhantismo lembrar o que é o heroísmo ao espectador. Não precisou de uma cena espetacular, e sim de um simples gesto que nos faz lembrar por que se admira esses heróis. Além disso, o roteiro de Chris Terrio deixa de lado em construir um vilão para tentar focalizar nos efeitos do heroísmo nos dias de hoje. Não somente isso acontece na primeira cena, em vários momentos da trama, que vão desde imagens, frases e motivações.

Outro ponto fundamental é construir um cast que tenha uma química muito forte entre si e isso acontece de uma maneira primorosa. A trilha sonora de Danny Elfman é uma classe de como podes trabalhar as músicas clássicas do seu personagem mas sem extrapolar ou apelar todo o tempo ao tema integral. Ao menos por ser um filme curto em relação aos outros filmes de super herói no mercado, as cenas de ação são efetivas e tentam ao menos justificar o slow motion em muitas vezes quando existe a presença de Flash.

Não é a bomba que todos dizem, mas ao mesmo tempo é um projeto que merece glórias. A Liga da Justiça é um filme sólido e por muitas vezes direto para o espectador. Cheio de ação e até um humor sem apelar para piadas sem graças, Liga da Justiça cumpre o seu papel e isso já é muito. Claro que ao final de tudo, se fica a pergunta se vimos o corte de Whedon … onde estará o corte de Snyder?

The Square

2017-11-17T16:36:00.000-08:00

Em tempos nos quais o senso comum mediante a uma arte arrojada se transforma em um espelho bizarro de como a sociedade não entende arte ou em palavra mais dóceis, conceitos preestabelecidos de arte que foram ditadas a sociedade que não acompanhou a própria arte em si ao longo dos anos. Por esse ponto de partida, The Square ou O Quadrado se preferirem consegue criar um incômodo não sobre a arte, mas sobre a perspectiva de um sobre a mesma.

O curador de arte Christian está tentando promover uma nova exibição de arte no museu sueco. A obra em si se chama O Quadrado de Lola Arias e em palavras dele: O Quadrado é um santuário de confiança e cuidado. Dentro disso, todos compartilhamos direitos e obrigações por igual. E o filme acompanha o dia a dia do curador desde do momento que a obra chega ao museu até sua exibição.

O filme ganhou a Palma de Ouro em Cannes desse ano e já vem considerado uma das maiores forças para ganhar o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro. O filme ele carrega um tom de humor bastante negro e ao mesmo tempo, extremamente inteligente. Claro que o humor e também a carga dramática vem sobre como eles trabalham essa ideia de arte a pessoa comum. E mais ainda, esses sentimentos cruzados sobre a arte são carregados pela perspectiva do curador, brilhantemente interpretado por Claes Bang. Além disso, também acontecem pequenas mas brilhantes interpretações de Elizabeth Moss como uma repórter americana e Terry Notary como um artista que se comporta como um macaco.

Mesmo com um terceiro ato que não consegue carregar o brilho do filme, The Square é uma excelente comédia com toques geniais de drama que faz pensar após a sua sessão. Claro que também é uma ótima lembrança do quanto é importante ir a museus e absorver novas perspetivas sobre a arte. E sobre The Square, talvez assim como uma moldura de luz no chão, o filme deixa sua marca e brilhantismo que um pode perceber de imediato … ou assim como em qualquer pintura, com o tempo.

Buio Omega - Beyond the Darkness

2017-10-25T00:06:00.000-07:00

Um dos grandes méritos do pós terror atual (além de voltar a ser os queridinhos da crítica) é ir mais além do esperado. Trabalhar temas mais densos ou diferenciados dentro de um gênero tão fascinante quanto o terror. Deixando em palavra mais simples a volta da interpretação dos fatos pelo espectador diante a um terror que muitas vezes não tem explicação. Entretanto, ainda é possível se assombrar e até mesmo sentir medo de um dos piores monstros de todos os tempos: o próprio homem. Curiosamente um desses limites foi tocado no final da década de 70 com o italiano Buio Omega ou Beyond The Darkness de Joe D’Amato.

O filme tem ponto de partida de uma governanta apaixonada pelo único herdeiro da casa, no qual o cuida durante vários anos, toma uma decisão de fazer uma magia negra para que a namorada do herdeiro morra por uma enfermidade. O jovem herdeiro, que também é taxidermista, desolado pela a morte da amada decide em um ato que podemos dizer “extremo” de subtrair o corpo da moça do cemitério e empalhar ela para a mesma ficar ao seu lado para sempre. Mas as consequências desse ato vão além da loucura e insanidade.

É estranho tomar um ponto de partida ao comentar esse filme. Por que realmente é difícil de se assistir. É uma das experiências mais viscerais após Cannibal Holocaust. E o mais engraçado é saber que em alguns países se chama Blue Holocaust. Por mais que soe estranho, esse nome alternativo consegue carregar até que ponto uma relação que deveria chegar seu fim entra nos processos de loucura e perversão.

Após o seu final, o gosto amargo que se vem ao refletir sobre as relações e seu fim é tão latente quanto cruel. Se poderia dizer que esse espiral de loucura que se retrata no filme passa longe da nossa realidade, mas quantas vezes se escuta e se é testemunha de relações obsessivas? E nesse aspecto doloroso, junto com a violência gráfica, esse projeto detém um olhar perverso e cruel a esse tema.

O gore visto no filme de Joe D’Amato apesar de ser em cenas bem específicas, quando vêm é de uma veracidade impressionante. Além do zoom macabro e incômodo em vários momentos, o mais assustador é o uso do som ao desmembrar pedaços. Seja de vísceras ou de membros, é literalmente escalofriante em muitos momentos. Apesar de não ter aqueles momentos de sustos como quase todos os filmes de terror dessa geração, o assustador em Buio Omega está literalmente no seu tema.

Com uma trilha espetacular de Goblin (Suspiria, Profondo Rosso, Dawn of the Dead), Buio Omega em sua superfície é um sólido filme de terror cheio de cenas perturbadoras e um clímax literalmente assustador. Entretanto, quando se olha além das suas camadas, verás um filme assustador onde a negação do homem em relação a perder alguém pode chegar aos limites do que muitos chamam de moralidade. É possível chamar o filme de amoral, entretanto com a realidade bate a porta, não é impossível ver situações desse filme ou ainda pior se transformarem em realidade.

Resident Evil VII - Biohazard - A reinvenção de uma franquia

2017-10-20T19:24:00.000-07:00

Uma das melhores lições que se aprende ao terminar Resident Evil VII - Biohazard é simples: Reinventar. Pode parecer piada, mas quantas vezes somos testemunhas de sagas que tentaram colocar algo diferente dentro do seu universo e tiveram tanto o equilíbrio de bons frutos e desastres colossais? Entre várias que aconteceram no cinema, um dos melhores exemplos está curiosamente no novo capítulo da saga da Capcom que ganhou um gás novo.

Influenciado por uma nova onda de terror de primeira pessoa, Resident Evil VII tem como ponto de partida as desaventuras de Ethan Walters. Após descobrir que sua namorada desaparecida Mia volta a entrar em contato com o mesmo, ele vai direto aonde ela se encontra: em uma pequena fazenda no Louisiana. Entretanto as coisas não começam bem para o mesmo já que ela se encontra viva porém com brotes psicóticos no qual quer matar-ló. E para piorar a situação, ele é sequestrado pelos Bakers: uma família macabra que esconde terríveis segredos. Agora Ethan corre contra o tempo para fugir de um pesadelo sem fim.

Antes de tudo, é bom situar o que acontece com o mercado de terror nos games: Após Amnesia, Outlast e PT - Silent Hills se transformou algo bem recorrente o terror em primeira pessoa. Entretanto o que se pode dizer que esse estilo traz de volta não é os famosos jump scares. Assim como muitos fundamentam a questão do pós-horror no cinema, os jogos de terror em 1º pessoa misturando o “walking simulator” é em realidade a volta do individualismo e a opressão do lugar ao protagonista. Mesmo podendo usar armas ao estilo da franquia, é impossível não sentir o desconforto que o lugar traz ao jogador.

Se pode lembrar de grandes exemplos positivos que aconteceram em franquias como Duro de Matar com seu Duro de Matar A Vingança que ao invés de ser um show de balas, se transformou em um grande show de quebra cabeça e correria. Ou até mesmo em A New Nightmare, no qual Wes Craven trabalha com uma metalinguagem além do absurdo com Freddy trazendo para o “mundo real”. E por último e talvez possa falar por si só: os filmes de James Bond.

Mas assim como muitas franquia de terror, a tentativa de revigorar ou criar um estilo diferente a uma franquia estabelecida pode sair pela culatra. Exemplos como Jogos Mortais que se estendeu além do esperado (mesmo com o 6º capítulo, um dos melhores de toda a franquia), Halloween e principalmente Sexta Feira 13. No caso de Sexta Feira é pior por que por mais que a ideia de Jason Vai Para o Inferno ter uma das ideias mais interessantes para um filme de terror, implementar em uma saga no qual sempre foi focado em um assassino é literalmente triste.

No caso de Resident Evil poderia dizer que o Resident Evil 4 abriu as portas para mudanças extremas para a franquia. Mas a segunda trilogia além deu foco em algo interessante, de uma ameaça global, refletindo a paranóia crescente do terrorismo além de focar na mentalidade da ação que os filmes de Paul W.S. Anderson cultivou para muitos jogadores. Entretanto existem pontos importantíssimos da mudança de tom para Resident Evil 7 que valem a pena ser debatidos.

O primeiro e o mais importante: o protagonista. Apesar de em nenhum momento vemos o seu rosto, existe algo importante nele: ele não é um militar ou alguém com habilidades extraordinárias. É apenas um cara comum. Claro que isso foi citado em quase todas as reviews do jogo e é verdade. Entretanto, diferente do que muitos dizem, ele não é uma pessoa comum a aparecer dentro da franquia Resident Evil. Também existe o caso de Resident Evil Outbreak que não era somente um e sim, vários personagens que são pessoas comuns dentro de uma situação pavorosa. A diferença é que 7 é canônico enquanto Outbreak é spin off.

O segundo é a perspectiva em primeira pessoa. Muitos dizem que isso é uma desvantagem por que quebra toda a mitologia da saga Resident Evil. Nesse ponto já começa a existir uma desavença entre os fãs porque se olhar ao pé da letra, até mesmo o Resident Evil 4 já fez essa quebra total de perspectiva de ao invés de câmeras fixas no corredores, está o famigerado ponto de vista atrás do ombro. Claro que isso tem um propósito e não é a questão dos sustos: imersão e que o jogador sinta essa pressão que a casa dos Bakers gera no jogador.

Quando se fala de volta às origens como é o novo Resident Evil, a primeira pergunta que o jogador tem que se fazer é simples: O que faz Resident Evil ser o que é? Essa pergunta não tinha uma resposta bem clara até o último jogo. Sempre diziam que era uma questão da escassez de recursos ou simplesmente ser escuro. Em realidade, o que faz o último Resident Evil voltar às origens é ser jogado em uma situação de extrema opressão. Onde não sabemos para onde ir … e o que fazer.

Se espera que essa mudança de tom na franquia continue. Que foquem mais no horror isolado que tiroteio desenfreado. Que mude esse tom de zumbis para monstruosidades que conseguem assombrar mais do que um morto vivo. Sem dúvida, um dos melhores jogos de toda a franquia e uma lição bem importante até mesmo para Hollywood … Mudanças sempre serão bem vindas, porém quando se deixa de compreender o que realmente é a saga, tudo que farás daqui em diante, será em vão.

Logan Lucky - Roubo em Familia

2017-10-16T07:08:00.000-07:00

Logan Lucky - Roubo em Família é o novo filme de Steven Soderbergh após vários anos. A trama é bem simples: Logan está sem sorte. É demitido de seu emprego de escavador por ser manco e está perto de perder a custódia da sua filha pequena. Desperado, Logan planeja fazer um roubo simples no local do seu trabalho: em autódromo da Nascar. E dentro da sua equipe está sua irmã manicure, seu irmão barman que perdeu um braço na guerra e um excêntrico fabricante de bomba chamado Joe Bang.

Um dos elementos mais interessantes deste filme é a habilidade do diretor em contar uma história de roubo. Se for comparar com sua famosa trilogia de Danny Ocean ou dos 11 Homens e Um Segredo é bem simples. Mas de ter uma trama bem sincera do começo até o filme, personagens bem carismáticos, uma estrutura de roubo bem interessante e principalmente uma ótima química entre os atores.

Apesar de ter o Channing Tatum como protagonista, quem realmente rouba o filme tranquilamente são os personagens de Daniel Craig e Adam Driver. O fabricante da bomba que somente anda com sal falso é extremamente divertido e dono de cenas extremadamente engraçadas. Além do Driver ser um personagem bem deslocado em tudo que acontece, mas cada cena é de uma preciosidade incrível.

Logan Lucky se transforma em um filme excelente por motivos bem engraçados por assim dizer. É um filme simples, com um roteiro simples, com cenas bem dirigidas e orquestradas que chamam bem a atenção do espectador. Mas acima de tudo, é um filme que conhece seu espectador e que sabe que o espectador deseja nesse tipo de projeto: um filme feel good bem executado. E acreditem, isso não acontece com tanta frequência.

Kingsman - O Círculo Dourado

2017-10-05T16:58:00.000-07:00

Nessa década, os filmes de espiões tomaram tons mais sérios do que se imaginava. O tom da ação que foi gerada pela aventuras de Jason Bourne e também a volta do tom sério de James Bond supostamente enterraram aquelas aventuras fantasiosas que muitos cresceram e tiveram aprecio em relação aos filmes de espiões. Até a chegada de Kingsman - Serviço Secreto de Matthew Vaughn. O tom de megalomania nas cenas de ação e o resgate ao absurdo dos filmes de James Bond dos anos 70 deram um gás único a produção e com o anúncio do segundo, O Circulo Dourado, poderia dizer que o filme perdeu sua mão já que de todos os filmes que dirigiu, é o único com médias de críticas abaixo do esperado. Por sorte, quando se compreende bem a filmografia de James Bond e afins, consegue encontrar um brilho maravilhoso em Kingsman que o mesmo Bond não conseguiu nos anos 70 com a sua aventura mais megalomaníaca.

Um tempo se passou da última grande aventura do jovem Eggsy. Consolidado na agencia Kingsman junto com Merlin e Roxy. Além de seguir com sua relação com a Princesa Tilde do primeiro filme. Mas um ataque inesperado de um ex-rival de Eggsy e da organização O Círculo Dourado, a agência Kingsman é dizimada apenas sobrevivendo Eggsy e Merlin. Sem para onde ir, eles vão contar com seus “primos” americanos, a agencia Statesman e juntos tentarão destruir O Circulo Dourado, liderada pela megalomaníaca Poppy.

Vaughn faz aqui sua primeira continuação direta de uma obra que dirigiu e por incrivel que pareça, mesmo cometendo deslizes de continuações, se reflete que ele é imaginativo nas cenas de ação. Ele entende como poucos a essência de uma ótima adaptação de quadrinhos e ainda mais, traz de volta essa magia dos filmes de espionagem onde realmente tudo parece uma fantasia, ou como se pode dizer literalmente: de um quadrinho tomando vida.

O carisma de Taron Egerton mais uma vez volta a brilhar em um cast bastante forte. A volta de Colin Firth traz os momentos mais engraçados do filme e também o mais emocionante. Mas nada se compara ao brilho da única Julianne Moore. Poucas atrizes no mundo entendem o que é fazer cinema como Moore. Quando é um filme mais íntimo, ela brilha e quando é um blockbuster, ela brinca de uma maneira tão maravilhosa que talvez aqui esteja seu papel mais divertido de sua carreira.

Se o primeiro Kingsman se comporta como O Espião Que Me Amava, O Círculo Dourado é o Moonraker dessa geração. Exagerado no seu estilo, mas tudo no simples propósito de transformar isso em pura diversão. A continuação mantém a aura especial do primeiro e brinca mais ainda com os gêneros e clichês. Apesar de Moonraker ser o pior filme de James Bond ao lado de Um Novo Dia Para Morrer, O Círculo Dourado toma todos os elementos de Moonraker e faz o que original não conseguiu ser … Um filmaço.

Mulher Maravilha

2017-06-02T01:58:00.001-07:00

Mulher Maravilha chega aos cinemas no mundo inteiro com a sensação de dever cumprido. Ao mesmo tempo que vem em um momento complicado da DC no cinema que vão desde recepções negativas pelos seus projetos até desconfiança e descrença sem projetos futuros como de Flash que até agora não encontrou um diretor para assumir. O filme de Patty Jenkins não somente consegue alcançar voos que o próprio universo da DC no cinema estava devendo, mas como também em um tema que fazia falta em um filme de super-herói atual: A vulnerabilidade que o transforma em um herói.

Assim como todo o filme de origem, o filme começa contando as “origens” da Mulher Maravilha desde do ponto que ela recebe a foto original dela na 1ºGuerra Mundial de Bruce Wayne. Criada na Ilha de Temyscara, a jovem Diana é treinada para ser a maior amazona de todas, mas os planos mudam quando a ilha é invadida por um jovem espião americano fugindo de alemães. O espião fala que está acontecendo a Grande Guerra e Diana lembra que isso pode ser obra de Ares, o deus grego da guerra. E ela vai para a guerra somente com esse objetivo em mãos: a destruição do Deus da Guerra.

O que transforma o filme da Mulher Maravilha um evento único dentro do cinema de herói atual é literalmente entregar o quanto a personagem é vulnerável. Vulnerável no sentido que por mesmo com os poderes que tem, a derrota e a perda de uma vida é sentida de uma maneira latente. Esse tipo de sensação não foi em nenhum momento tratado nos últimos filmes de herói em uma maneira tão emocionante quanto foi em Mulher Maravilha.

Até mesmo a própria trama consegue fazer que todas as aparições da heroína não sejam em vão. E sem duvida a primeira aparição dela como Mulher Maravilha já pode se transformar em uma das melhores cenas desse ano. Também o filme ganha pelos pequenos respiros durante a fita. Enquanto as cenas de ação são graduais até o final, o entremeio vem com momentos de um bom humor e ingenuidade que esse tipo de filme pode permitir.

Tudo isso vem graças aos poderes de Gal Gadot e Patty Jenkins. Gadot que consegue fazer o que Christopher Reeve em Superman de Richard Donner: Ela É a Mulher Maravilha. Ela detém a força, a graça, o poder e o carisma que a personagem sempre teve desde sua origem. Além disso, Jenkins dirige com maestria as cenas de ação de uma maneira sublime. Dando destaque ao estilo de luta das amazonas que não apenas lutam, literalmente bailam como beldades gregas. Fora isso, destacar algo bem interessante que é o uso das cores na trama. Mesmo com a primeira parte da trama bem colorida e quando passa o mundo real e cinzento, o filme deixa bem claro que cada cena que ela se encontra, encontras cor, vida e personalidade.

Mulher Maravilha não é somente um dos melhores filmes desse ano, mas também uma das melhores transposições de um herói na telona desde muito tempo. A personagem chama o espectador não somente por uma aventura épica, mas também para uma jornada de descobrimento, uma jornada onde o reconhecimento da vulnerabilidade não é fraqueza, e sim valor. E isso, faz com que o olhar de sensível e poderoso de Jenkins fala toda a diferença.

Mulher Maravilha vai trazer no coração de todos as esperanças que a personagem carrega em seu semblante: poder, coragem e justiça.

Rei Arthur: A Lenda da Espada

2017-05-15T15:28:00.000-07:00

Existem casos interessantes de filmes que utilizam recursos diferenciados para contar uma história. Pode citar o exemplo de The Love Witch que utiliza os efeitos e recursos do movimento giallo para contar uma história romantica de uma bruxa. Ou a rotoscopia digital que foi utilizada em A Scanner Darkly de Richard Linklater para adaptar um conto de Phillip K. Dick. Já o novo filme de Guy Ritchie, Rei Arthur: A Lenda da Espada, faz algo que é bem recorrente da sua filmografia que é seu estilo frenetico de edição e cortes rápidos. Entretanto, não é um tipo de recurso que ajuda a contar uma história classica.

Na visão de Guy Ritchie existe a questão dos elementos classicos do conto: a existencia de Excalibur, que ela foi tirada de uma pedra e aquele que tira essa arma da pedra, se tornaria o novo rei da Inglaterra. Entretanto a visão de Ritchie detem todos os elementos que todos conheceram desde seus primeiros filmes. Entretanto, como a história de Arthur é além de classica e querida por muitos, existe uma obrigação no diretor e na equipe em criar uma história que o espectador possa ter essa conexão e em muitas cenas não consegue para nada. Não que o estilo de Ritche seja ruim, apenas não consegue encaixar como deveria ser.

Ainda sim, existem interessantes momentos dentro do filme. Ao começar com a impressionante sequencia inicial com seu tom bem denso e aquela sensação exagerada e ao mesmo tempo bem vinda de fantasia e aventura mágica. Outro ponto também é de como Ritchie traz o silencio pausado nas cenas de mortes de personagens importantes para a trama, deixando uma estetica bem simbolica e até linda dentro de sua filmografia. Ao resto para se destacar é a incrivel e poderosa trilha sonora de Daniel Pemberton que se casa de uma maneira perfeita ao estilo e a proposta de Ritchie para a trama.

Rei Arthur: A Lenda da Espada detem um conjunto de erros e acertos. Os acertos vem pela sua direção energica de Ritchie em muitos momentos e ainda se permite em fazer cenas belissimas porém o seu proprio estilo muitas vezes se choca com a história classica e por muitas vezes pode fazer que o espectador que cresceu vendo Excalibur e A Espada Era A Lei um pouco fora de lugar. Talvez não fará aquele sucesso estrondoso já que pode ser o primeiro grande fracasso do ano, porém mediante aos filmes em cartaz, sempre é valido ver um diretor que tem suas marcas autorais na tela, mesmo não sendo a sua obra prima.