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The Girl with the Dragon Tattoo de David Fincher

2012-01-27T13:17:00.000-08:00

Hoje, quando se vê inumeras adaptações de um livro para o cinema podemos chamar de remakes? Claro que não. Por isso que fica muito dificil afirmar ou pelo menos validar com coerencia que a adaptação do diretor David Fincher, Os Homens Que Não Amavam as Mulheres como um remake copy paste da adaptação sueca que saiu a alguns anos atrás e que despontou a grande atriz Noomi Rapace que se imortalizou como a mistériosa hacker Lisbeth Salander.

A nova adaptação literaria ficou no cargo de Steven Zaillian, que está indicado a melhor roteiro adaptado junto com Aaron Sorkin em O Homem que Mudou o Jogo, diferente a adaptação sueca, foca muito mais e de uma maneira mais sedutora do que o caso em si. Todos os personagens chaves da trama ganharam um desenvolvimento mais profundo que o original, principalmente o Mikeal, brilhantemente interpretado por Daniel Craig, no qual se descobre mais detalhes ao personagem que eram ausentes ao filme original.

A composição de Lisbeth Salander por Rooney Mara merece um destaque interessante. Um dos pontos fundamentais sem duvida foi a não repetição dos traços de Noomi Rapace e assim distanciando dos filmes suecos. A Lisbeth de Mara tem um mistério latente. Como uma camaleoa, não consegue repetir em nenhum momento seu visual. Muitas vezes seus olhos trasmitem delicadeza e irã. Talvez seja a maior vitória do filme é a indicação dela como Melhor Atriz em um ano que realmente promete uma briga de gladiadoras. Sem duvida, um grande giro para uma atriz que encontrou um diretor perfeito para aflorar seu talento.

Por falar em Fincher. A cada ano o seu estilo continua sendo polido e mais arrebatador que nunca. Parece que tudo que se viu em A Rede Social é potencializado. Fincher, ao contrário da adaptação sueca, se torna um arquiteto de situações nos quais ao lado da trilha sonora arrebatadora de Trent Renzor (duas maiores e mais duras ausencias no Oscar desse ano) não deixa que em nenhum momento piscamos aos olhos ao admirar o seu universo para o livro de Steig Larsson e a riqueza de seus personagens.

Sem duvida, a adaptação de Fincher de Os Homens Não Amavam As Mulheres consegue ter um fator fundamental em comparação o que é o livro e o que faltou na adaptação sueca que foi o deslumbre e o fascinio total do que é a história em si. Mais uma vez o filme talvez coloque em cheque os debates sobre os remakes em um ponto: uma visão particular pode fazer uma diferença em um remake? Podemos dizer que já passou a ser a uma adaptação bem sucedida? O debate é longo e talvez merece espaço em um outro texto já que o fundamental é dito: Fincher faz mais uma obra prima e que 2012 já tem um forte candidato a um dos melhores do ano.

Ficha Técnica
The Girl with the Dragon Tattoo
Diretor: David Fincher
Elenco: Daniel Craig, Rooney Mara, Christopher Plummer, Stellan Skarsgård, Steven Berkoff, Robin Wright, Yorick van Wageningen, Goran Visnjic e Joely Richardson.
Gênero: Suspense
Cotação: 100% - *****

Indicado ao Oscar 2012

Melhor Atriz - Rooney Mara
Melhor Efeitos Sonoros
Melhor Edição de Som
Melhor Montagem
Melhor Fotografia

O Homem que Mudou o Jogo (Moneyball)

2012-01-20T16:31:00.000-08:00

Assistir Moneyball nos lembra a experiencia quase recente de A Rede Social de David Fincher. Apesar de terem o mesmo roteirista, Aaron Sorkin, o filme de Bennett Miller foca de uma maneira em um personagem que teve uma peça fundamental no esporte mais popular americano: O baseball. A história se baseada em fatos reais fala de um gerente de um clube de baseball que está em uma crise de montar um time e contrata um contador que implementa a tecnica “O Jogo da Fortuna” para ter sucesso.

Brad Pitt interpreta o gerente Billy Beane e assim demonstrando o por que vive em uma fase de ascenção. Um personagem que passa longe dos maniqueismos e assim como na outra obra adaptada por Sorkin, transforma um personagem com trejeitos simples em um estudo complexo sobre aqueles que trabalham dentro do esporte. Não duvido muito uma indicação para o ator no Oscar desse ano já que é o que menos utiliza de tecnicas de overacting, mas sim esbanjando naturalidade.

Uma das maiores surpresas por parte de atuação sem duvida fica na parte de Jonah Hill. Que despontou em comédias como Superbad e O Queridinho da Vovó surpreende com uma naturalidade curiosa de um personagem que cresce durante o filme. Não necessitou assim como Pitt de trejeitos. Só pela sua naturalidade que soube durante a trama, descobrimos que estamos diante de um ator que com um profissional competente, é possível extrair elogios.

Assim como muitos filmes dramáticos, nesse ponto, a direção de Bennett Miller foca mais no tradicionalismo em como contar a história com uns lapsos curiosos com um flashback para entender mais (ou pelo menos buscar uma compreensão das atitudes) o personagem de Beane. Mas o mais importante, lembrando muito a direção de Fincher para A Rede Social, a direção de Miller se sobressai nos momentos simples, nos quais existe o contato entre os personagens e o público.

Moneyball – O Jogo da Fortuna ou O Homem Que Mudou o Jogo no Brasil seja daqueles tipos de filme que se assiste e não se conquista por grandiosas atuações ou tão pouco atos que vão revolucionar a história do cinema. É aquele tipo de filme que encontrou um diretor honesto, uma história honesta e transforma em realidade aquela naturalidade que no final da sessão, é dificil não esboçar ao emoção para cada personagem chave.

Ficha Técnica
O Homem que Mudou o Jogo (Moneyball)
Diretor: Bennett Miller
Elenco: Brad Pitt, Jonah Hill, Philip Seymour Hoffman, Robin Wright
Gênero: Drama
Cotação - 100% *****

Obrigado 2011 ...

2011-12-31T12:50:00.000-08:00

Reflexões, Medos, Alegrias, Emoções, Esperança ... Obrigado 2011 por ter sido único ...
Feliz 2012 para todos!

Dia 15 acontece a listagem dos melhores, piores e adjacentes que adoramos citar.

Hesher

2011-12-23T15:12:00.000-08:00

Filmes que tem anjos na trama carrega um frescor de bondade que muitas vezes, para muitos, se torna pura emoção. Porém ao ver Hesher a sensação é que as vezes os anjos não são como parecem. O filme toma como partida a dor de TJ, um garoto que não suporta a morte da mãe, que o pai entrou em uma tremenda depressão e vive com uma avó que não dá muita atenção como deveria. A vida de TJ ganha um giro de 360 graus quando encontra Hesher, um pirotécnico que ao parecer é a antitese do mal, que se escala para viver na casa de TJ e dai começa a mudar a vida de todos ao seu redor.

Living and dying laughing and crying
Once you have seen it you will never be the same
Life in the fast lane is just how it seems
Hard and it is heavy and dirty and mean

Lembrando esteticas curiosas de Vistor Q e Teorema, Hesher se destaca não só apenas pela tematica em si, no qual é abordada de uma maneira bem crua, cheia de analogias maravilhosas nos quais nos lembram que a vida é dura, mas que tem que seguir em frente. Também tem uma das melhores atuações do ano para Joseph Gordon Levitt que faz Hesher inspirado e extremadamente identico a Cliff Burton, baixista do Metallica que morreu em um acidente em 1986. Também completam no elenco Rainn Wilson que está incrivel como o pai do TJ e Natalie Portman que apesar de aparecer pouco, é bem mais natural que em Cisne Negro. Curiosamente, a mesma é produtora do filme.

Don't stop for nothing it's full speed or nothing
I am taking down you know whatever is in my way
Getting your kicks as you are shooting the line
Sending the shivers up and down my spine

Hesher ao mesmo tempo é emocionante e duro. A coisa mais óbvia que por ser um filme independente consegue ser mais um terreno mais pessoal para alguns explorarem ainda mais esse talento que o cinemão por muitas vezes oculta. Uma joia do cinema independente que poucos terão acesso e mais ainda poucos saberão a verdadeira simbologia da brutal Motorbreath a todo o filme. Muitas vezes os anjos não são doceis e a vida é fácil. Hesher é a prova disso.

Those people who tell you not to take chances
They are all missing on what life is about
You only live once so take hold of the chance
Don't end up like others the same song and dance

Motorbreath
It's how I live my life
I can't take it any other way
Motorbreath
The sign of living fast
It is going to take
Your breath away

Motorbreath (James Hetfield)

Ficha Técnica
Hesher
Diretor: Spencer Susser
Elenco: Joseph Gordon Levitt, Devin Brochu, Rainn Wilson, Piper Laurie, John Carroll Lynch e Natalie Portman
Gênero: Drama
Cotação: 90% - ****

Um Dia

2011-12-03T08:59:00.000-08:00

O ano de 2011 será marcado para alguns cinéfilos como o ano em que o romance se desdobrou e conseguiu cativar inúmeros adeptos. Desde os mais carrancudos até os espectadores mais simples. Claro que infelizmente aparece aqueles exemplos detestáveis do gênero no qual infelizmente apelam para aquele grupo especifico os suspiros desmedidos e uma qualidade extremadamente duvidosa ou frustrante. O romance Um Dia talvez consiga representar esse entorno de bela premissa para se tornar uma enorme decepção.

A história tem um que de interessante, não é impossível negar que poderia sair algo extremadamente genial. Dois amigos que se encontram em um dia especifico a cada ano para contar suas alegrias, conquistas, desilusões e acima de tudo a descoberta que não se pode viver um longe do outro. Anne Hathaway e Jim Sturgess formam o casal principal que em cada ano vivem um capitulo em especial.

A diretora de Educação se esforça ao máximo a criar uma linguagem sensível a história. Mas com um roteiro extremadamente apático em vários momentos e o mal desenvolvimento de determinadas fases que o filme passa que se torna difícil ter aprecio mais profundo ao casal. E mesmo com esse problema grave, a química dos dois atores conseguem pelo menos sustentar o filme todo e transmitir, mesmo com grandes falhas, as emoções vitais dos personagens de acordo com a trama.

Um Dia não é um desastre como foi a fita de Amanda Seyfried no começo do ano mas passa longe do brilhantismo de grandes filmes românticos desse ano que esse blog está cansado de citar. Pode ser que Um Dia se figura como Um Amor Para Recordar do ano no qual a qualidade da fita é extremadamente duvidosa cinematograficamente mas se tornará uma belíssima opção para casais apaixonados que pelo menos querem passar um momento juntos a ver um filme no cinema a não ser ... Amanhecer.

Ficha Técnica
Um Dia (One Day)
Diretora: Lone Scherfig
Elenco: Anne Hathaway, Jim Sturgess, Tom Mison, Jodie Whittaker, Tim Key, Rafe Spall, Joséphine de La Baume e Patricia Clarkson
Gênero: Drama/Romance
Cotação: 40% **

A Pele Que Habito

2011-11-16T18:23:00.000-08:00

Pedro Almodóvar. Aos meus olhos, se comporta como um diretor apaixonado ao que se corresponde cinema e imprime paixão e intensidade as suas peças chaves, nos quais se reside nas entregas totais de seus atores favoritos aos seus respectivos personagens. E tudo isso com cores fortes e a presença do vermelho penetrante aos olhos. Não se pode esquecer esse detalhe fundamental, a cada novo filme que lança... Não é só apenas um novo filme nos cinemas, mas sim um evento cinematográfico e uma grande oportunidade de muitos verem sua obra nos cinemas e tentar compreender o endeusamento e o respeito por ele.

A Pele Que Habito estréia nos cinemas nacionais marca a transposição do diretor a um gênero desconhecido de sua filmografia que é o suspense, a volta de Antonio Bandeiras como principal da trama após uma longa pausa e a confirmação de uma nova musa em sua filmografia e talvez a consagração da atriz espanhola Elena Anaya.

A construção de Almodóvar a trama e tudo que vai acontecer mostra um ponto fundamental em sua característica que anda em uma ausência incrível de intensidade. Tudo que os personagens fazem durante a trama não é tão jogado ou tão mal construído, melhor, a cada minuto que se passa o que se torna ojeriza se torna admiração e transforma uma idéia em uma obsessão apaixonante que só o diretor pode entregar ao espectador.

Assim como aconteceu em Penelope Cruz em Volver e Abraços Partidos, Bandeiras merece inúmeros elogios na composição do seu personagem. É como um despertar sem igual de Antonio nas mãos de Almodóvar. Seu personagem dúbio é um dos mais magnéticos do ano e que a postura de Banderas ao doutor Roberto só deixa o fascínio e admiração.

Elena Anaya sem duvida é uma diva almodoviana. Uma personagem que inicialmente não se compreende suas atitudes mas que de pouco conquista o espectador de uma maneira quase magnética sem duvida reserva os sentimentos mais sufocantes da trama. Atrelada a beleza e o sofrimento abismal, ao final da trama, é impossível não aplaudir para a força dramática que ela coloca em cena.

A Pele que Habito de Pedro Almodóvar é daqueles filmes que transcrever em palavras se torna difícil já que é extremamente difícil tanto escrever com em um texto. Talvez seja daqueles filmes que se tornam mitológico ou único nos qual tudo que se viu na tela não é para descrever e sim para sentir e guardar para si o porquê Almodóvar é um cinema a flor da pele.

Ficha Técnica
A Pele Que Habito (La Piel Que Habito)
Diretor: Pedro Almodóvar
Elenco: Antonio Banderas, Elena Anaya, Jan Cornet e Marisa Paredes
Gênero: Drama/Suspense
Cotação: 100% *****

Bellflower

2011-11-05T17:48:00.000-07:00

Sempre deixei o meu repudio aos filmes românticos. Não pelo gênero em si, mas que muitas vezes somos reféns a uma estrutura cinematográfica que parece que foi feito para criar choros e suspiros a uma parcela do publico. Não importa se a dosagem de emoções extrapole o ridículo e o bom senso do espectador, mas se o público alvo sente o romance e se sinta emocionado. Enquanto a parte sensata olha aquilo e pergunta se adiantou agüentar um filme tortuoso do gênero.

Em 2011, talvez o público que goste de filme de verdade está comemorando a esmo os rumos desse gênero esse ano. Uma boa parte dos melhores filmes desse ano é de cunho romântico. Entretanto, não são aqueles que se pode dizer, de um cunho meloso... Não, muito pelo contrário. O que fizeram que muitos filmes românticos conseguissem a excelência está no que o publico alvo perdeu em perceber ou contextualizar: uma abordagem concreta e real.

Blue Valentine, Amor a Toda Prova, Medianeras e Submarine são exemplos que o fundamental nesses filmes, o fundamental não está em sua estrutura mais sim de como abordas esses mesmos temas sem cair em um maniqueísmo que beira ao absurdo e acima de tudo, longe da realidade. Interessante é que mais um filme pode se enquadrar nessa questão de romance abordado com coerência entre seus realizadores. O drama independente Bellflower.

Dois amigos de infância aficionados por Mad Max passam o tempo construindo um arsenal para o fim do mundo e assim como o filme de Mel Gibson, viver uma aventura sem igual. Mas a chegada de uma moça vai mudar suas vidas. A base simples da trama inicialmente não pode dizer nada, mas o que diferencia esse filme de muitos outros filmes está na mesma qualidade dos outros filmes citados. Ou seja: a abordagem.

Bellflower foi escrito, dirigido e atuado por Evan Glodell não só apenas foca no romance e no que acontece depois. Também está nesse filme a questão da amizade e das inseguranças que podem aparecer durante um relacionamento. Tudo isso brindado com uma trilha sonora envolvente e atuações naturais, longe do exagero do overacting que se vê dentro do gênero romântico.

Outro fato que merece o destaque é a parte técnica. Filmado em câmera digital e acima de tudo com um orçamento extremamente baixo, o mesmo filme resgata a mágica do cinema independente no qual o mais importante é o desenvolvimento do talento dos envolvidos e o filme consegue ser tão puro que até a câmera tem pequenas sujeiras na lente fora o tom granulado em algumas cenas que conseguem ser mais ricas e por que não, mais épicas que uma tomada de um filme de grande orçamento.

Bellflower é aquele tipo de filme que sem querer bate na cabeça do espectador por ser um filme literalmente cru, mas de uma veracidade dos seus criadores que para aqueles que buscam um cinema independente mais rebuscado. Um dos melhores exemplos que o cinema deve sempre se desdobrar em seus gêneros e muito mais do que adequado ver um filme independente no qual o apocalipse mais assustador continua sendo o final de um romance.

Trailer

Ficha Técnica
Bellflower
Diretor: Evan Glodell
Elenco: Evan Glodell, Jessie Wiseman, Tyler Dawson, Rebekah Brandes e Vincent Grashaw
Gênero: Drama/Romance/Aventura
Cotação: 100% *****

Semana do Terror - Contágio

2011-10-27T16:29:00.000-07:00

A realidade que se tem que se falar de Contágio. O novo filme de Steven Soderberg conta com um dos melhores e mais talentosos elencos do ano. Talvez o maior. O filme também é um dos projetos finais do diretor no cinema fazendo assim que cada filme que saia antes da sua aposentadoria definitiva, é esperada com uma ansiedade extraordinária. Mas esqueçam esse detalhe: o principal foco é realmente o que o filme prometeu, ou o que poderia prometer: uma jornada ao brote de uma doença.

O filme recria de uma maneira mais trágica, mas sem fugir da realidade de fatos que passamos recentes como o brote de uma pandemia que foi a Gripe A. Em 2009 com a gripe H1N1, muitos se lembram da paranóia incrível que foi essa doença em inúmeros países como Argentina, México e outros. Nessa época, a paranóia chegou ao ponto de desencontros de números oficiais de doentes e pessoas nas ruas evitarem o contato um com os outros.

O filme consegue ter isso em mente, transformar a doença em um ator principal. O modo assustador como ele se alastra nos personagens no filme criando medo e desespero por onde passa. Talvez para muitos, pode ser tratado como um fantasma de um passado recente que, todavia consegue criar lembranças tristes a aqueles que ficaram doentes ou de alguém próximo que perdeu sua vida diante a doença.

Se olhar por esse ângulo farmacológico, o filme ganha olhares espetaculares. Principalmente por que tem um conteúdo inegável para se debater como as visões das autoridades sobre a doença, sobre as pessoas comuns que sofrem no isolamento e principalmente o cruzamento de noticias e a tentativa de controlar o medo. Agora se analisar como cinema... Bem, é ai que começa os pontos negativos do filme.

A começar com o óbvio: o cinema de Steven Soderberg. Mais uma vez é aquele tipo de cinema que não detêm uma personalidade. Ele consegue mesmo com uma história que é atraente por si só, uma frieza mecânica que só ele consegue criar. Outro fato incrível é de como o mesmo consegue desperdiçar um grande elenco que pelos nomes que tinha, só desenvolveu bem (ou pelo menos de uma maneira tolerável) 4 personagens e só. Destaque negativo a atuação apagada ao extremo de Marion Cotillard.

Contágio sem duvida se torna um filme atraente para criar debates sobre de como a humanidade lida com epidemias e com ela mesma. Mas olho, já que cinematograficamente, é mais um filme redundante de Soderberg, no qual detêm um grande elenco, porém poucas peças funcionam isoladamente diante a uma fita fria por parte do seu criador. Farmacologicamente brilhante, mas cinematograficamente doente.

Ficha Técnica
Contágio (Contagion)
Diretor: Steven Soderberg
Elenco: Matt Damon, Laurence Fishburne, Jude Law, Marion Cotillard, Anne Jacoby-Heron, Kate Winslet, Jennifer Ehle, Demetri Martin, Bryan Cranston, Chin Han, Sanaa Lathan, Elliot Gould, John Hawkes, Monique Gabriela Curnen e Gwyneth Paltrow.
Gênero: Suspense/Terror
Cotação: 75% ***

Semana do Terror - Videodrome, A Síndrome do Video

2011-10-25T12:09:00.000-07:00

A tecnologia a cada passo que se dá, cria novas experiências para seus consumidores. Hoje vivemos a cada segundo o deslumbramento da tecnologia por causa da retomada extrema do 3D adequado ao sistema digital e videogames que baseiam nos movimentos sensitivos do jogador. Nos anos 80, David Cronenberg nos anos 80 entrega uma jóia rara do cinema no qual explora o horror com essa perspectiva tecnologia: Videodrome.

O que é o Videodrome? Para Max Renn, dono de uma pequena transmissora de tv é sem duvida o que ele mais anseia para sua emissora. Sabendo que é uma emissora pequena, ele atende os anseios das pessoas: a busca de sexo e extrema violência. Ao descobrir um programa diferente chamado videodrome no qual se parece mais a um snuff film, percebe que pouco a pouco ao receber ondas desse novo programa, perceberá que não só perderá o controle mental e sim algo bem pior.

Cronenberg cria uma fabula negativa sobre a questão dos avances tecnológicos atrelados ao consumo imediato do homem. Praticamente o personagem Max Renn que por um lado pode ser considerado vitima, também podemos dizer um culpado por que consegue representar de uma maneira feroz (aliado a uma soberba atuação de James Woods) por esse consumo excessivo, a destruição moral é mais concreta do que se imagina.

Cronenberg consegue prender o espectador facilmente com essa premissa que mesmo feito na década de 80, nunca deixou de ser tão atual quanto se imagina. Os efeitos em várias cenas, principalmente quando o personagem no alto do delírio guarda uma arma no estomago. Realmente, o trabalho de Rick Baker nesse momento explode a perfeição e mesmo com a tecnologia de hoje ser extremamente avançada, o trabalho que se vê nesse filme é praticamente eterno.

Videodrome representa em uma maneira cruel e voraz do descontrole humano sobre a tecnologia e do que ela começa a exercer sobre ele. Em palavras simples, é a transformação do homem em um videocassete, ou seja, o homem deixa de ser si mesmo e se torna uma maquina de reprodução alheia, sem vida e sem rumo. Sem duvida, um filme inesquecível, assim como a filmografia desse incrível diretor.

Ficha Técnica
Videodrome - A Síndrome do Video (Videodrome)
Diretor: David Cronenberg
Elenco: James Woods, Sonja Smiths, Peter Dvorsky, Les Carslon e Deborah Harry como Nikki Brand
Gênero: Terror/Ficção Cientifica
Cotação: 90% *****

Link da critica original: Aqui

Semana do Terror - From Beyond (Do Além)

2011-10-23T16:07:00.000-07:00

Muitos consideram que os filmes trash dos anos oitenta como expoentes de maquiagens grotescas e horripilantes que criavam ao publico medo e respulsa. Outros consideram que em realidade, isso se chama o Body Horror, no qual o desdobramento do corpo ao desconhecido leva a uma nova experiência que ultrapassa os limites do que o mundo considera... Normal.

Pode-se citar dessa leva interessantíssima O Enigma do Outro Mundo de John Carpenter e claro, os filmes áureos de David Cronenberg como Videodrome, Scanners, Os Filhos do Medo e claro o remake de A Mosca. Porém é importante citar Re-Animator de Stuart Gordon e o filme comentado nesse texto, a adaptação de Gordon para a obra de H.P. Lovecraft, Do Além (From Beyond).

Dois físicos conseguem criar uma máquina que consegue expandir uma glândula cerebral que alguns consideram a do sexto sentido. Com a criação de uma maquina chamada Resonator, a glândula consegue responder bem, sendo que ao ligar essa máquina além de abrir um novo universo, algo mata um dos doutores. Uma psiquiatra tenta saber o que aconteceu de verdade por trás disso tudo e descobre uma verdade muito mais além do que a ciência consegue explicar.

Assim como as obras citadas em cima, o verdadeiro foco não está nos efeitos visuais ou na maquiagem que sem duvida mostram o porquê do fascínio dos fanáticos do gênero a essa linguagem. Grotesca, sem limites, ao ponto da repulsa e acima de tudo sem computação. O mais interessante é que a mesma maquiagem fazia que as temáticas chegassem ao ponto de serem reais. Como exemplo, nesse filme de inúmeras cenas que mesmo com a tecnologia de hoje, consegue ter um impacto extraordinário.

O mais interessante está em sem duvida em seu roteiro. O verdadeiro foco está no estudo gráfico sobre a embriaguez do homem em querer desvendar os mistérios da mente. Mostra em um detalhe entre dois personagens a embriaguez de uma maneira quase doentia e por outro, a tentativa ou o que talvez seja a sensatez ao enfrentar o desconhecido.

From Beyond – Do Além seja um exemplo rico de um gênero que só agora está se consolidando nos dias de hoje o verdadeiro potencial. Um estudo impar, visceral, repulsivo e verdadeiro sobre a natureza humana. Terror no qual o verdadeiro temor é saber que o homem não está preparado a desvendar mistérios mais além do que ele entende. Realmente, os humanos são presas fáceis diante de seu descontrole.

Trailer do Filme:

Ficha Técnica
From Beyond - Do Além (H.P. Lovecraft's From Beyond)
Diretor: Stuart Gordon
Elenco: Jeffery Combs, Barbara Crampton, Ken Foree, Carolyn Purdy-Gordon e Ted Sorel
Gênero: Terror/Ficção Cientifica
Cotação: 85% - ****

Cedar Rapids

2011-10-18T12:04:00.000-07:00

Quando pensamos em cinema independente norte americano, vem na cabeça um simples pensamento: Serve como veiculo importante para atores darem o melhor de si em grandes atuações em filmes intimistas. E é um desses casos ficamos surpresos quando vemos atores extremamente duvidosos poderem demonstrar de uma maneira sem igual talentos que o mainstream muitas vezes não percebem. Cedar Rapids de Miguel Arteta é mais um desses exemplos de jóia independente.

Tim Lippe, um segurador de uma cidade pequena e que tem uma vida extremamente confortável. Mas ganha uma mudança interessante quando ele tem que representar sua empresa de seguros a um evento em Cedar Rapids graças a um incidente do mais alto escalão do seu trabalho. Ao chegar a essa convenção se depara com situações que ele nunca tinha se deparado na sua cidade natal e que irá mudar sua ótica de vida.

O novo filme de Arteta que após um estudo sobre os questionamentos morais de uma juventude no espetacular Youth In Revolt, Cedar Rapids mais uma vez é uma obra independente que fala sobre questões interessantes e de cunho humano, que no caso do filme, a alegoria da queda do falso moralismo. O roteiro de Phil Johnston se torna uma critica a esse tipo de comportamento transformando o evento principal do filme, a convenção como se fosse um choque de realidade para o personagem principal, que se torna um choque brutal, mas ao mesmo tempo sincera.

A força do roteiro só ganha com as atuações de seu elenco afiado. Ed Helms faz de seu personagem uma retratação de certo ponto de nossas vidas, o momento que caímos na realidade e vemos as falácias de virtudes de morais tradicionais. Helms se torna chave e ao mesmo tempo o veiculo para entregar momentos maravilhosos de seu elenco, principalmente o trio Anne Heche, John C. Reilly e Sigourney Weaver que sua ultima aparição, chega ser o momento ápice de toda a fita.

Cedar Rapids se torna uma fita especial por tratar um personagem rico ao choque da realidade. Não pense em ver um estilo de direção diferente, já que em realidade, os filmes independentes são veículos perfeitos para ver atuações preciosas que nos enchem os olhos, no caso, de todo o elenco principal e principalmente Ed Helms que consegue ser muito mais do que se imagina. Quem faz rir e ao mesmo tempo emocionar com sua atuação, é digna de premio e respeito eterno.

Ficha Técnica
Cedar Rapids
Diretor: Miguel Areta
Elenco: Ed Helms, John C. Reilly, Anne Heche, Isiah Whitlock Jr., Stephen Root, Kurtwood Smith, Alia Shawkat, Thommas Lennon, Rob Corddry e Sigourney Weaver
Gênero: Comédia/Drama
Cotação: 90% *****

Pânico 4

2011-10-11T20:22:00.000-07:00

Existem determinados revivais ou festivais de nostalgia que conseguem criar situações interessantes. Lembramos o exemplo de Indiana Jones E O Reino da Caveira de Cristal, era quase visível que o filme era feito para os fanáticos, mas que muitos não digeriram bem a trama e alguns se declararam envergonhados por ter gostado. Outro exemplo foi nos “épicos” que saíram na década passada no qual se passou e poucos são lembrados, com exceção merecida de Senhor dos Anéis.

Agora o que resta a lembrar de falar de Pânico 4? Realmente, se tornou coerente (isso mesmo, coerente) em fazer uma continuação de uma franquia que talvez deu um gás novo dentro do terror sendo que a cada fita que passava desgastava mais rápido do que tudo e ainda para completar Wes Craven dirige após uma fita desastrosa que foi A Sétima Vitima. Nostalgia que trás benefícios ou se cai ao ridículo?

Após 10 anos aos eventos do ultimo filme, a Sydney Prescott volta a cidade natal e encontra algumas mudanças. Uma é a mitologia que se criou por trás dos eventos do filme anterior junto com a celebração da cine serie “Punhalada”. Outra é que o casal Dewey e Gale vive momentos complicados na relação. Tudo muda quando novamente começa uma nova matança.

O terror teen dos anos 90 tem seus méritos já que a maioria dos cinéfilos que tem entre 25-30 anos cresceram vendo essas fitas como Pânico, Lenda Urbana e Eu Sei O Que Fizeram No Verão Passado mas ao mesmo tempo que saíram essas fitas, conseguiram se desgastar com suas fracas continuações e já em 2000 era um gênero que muitos tinham um que de vergonha de gostar e afirmar o que muitos fãs de franquia de terror sustentam: só prestou o primeiro.

Na década passada foi marcada pela redescoberta ao cinema oriental de terror e suas inconseqüentes releituras vazias americanas; A revitalização do gore na Europa; A exploração ao terror primeira pessoa; E por ultimo, um dos mais importantes e polêmicos a ser citado, o torture porn e suas vertentes. Sendo que esse ultimo, todavia carrega debates morais e éticos que por muitas vezes parece que não tem fim. E ainda na década passada, Wes Craven só conseguiu se sobressair dirigindo o suspense minimalista mas maestro em sua execução Vôo Noturno, filme que aumentou o veiculo para Rachel McAdams e Cillian Murphy e só. Dirigiu A Setima Vitima e além de ser um filme tremendamente ruim, existiu dentro desse mesmo filme uma necessidade de recriar de pouco a pouco essa energia que foi essa rama na década passada. Não funcionou. Fora isso, produziu o remake de um de seus filmes clássicos Quadrilha de Sádicos com um jovem cineasta promessa Alexandre Aja e veio ai, Viagem Maldita, um dos expoentes mais importantes da década passada. Então, o que se pode esperar em Pânico 4?

O roteiro de Kevin Williamson volta aos maravilhosos maniqueísmos desse gênero e pior, potencializado pelo seu fraco elenco. Existe também um destaque curioso que é a “critica” inicial que acontece sobre o torture porn e as falas das personagens em si entram em uma linearidade aos que são fanáticos do terror teen: a falta de qualidade nas fitas e o amor ao gráfico. Por um lado era possível comprar a idéia, porém ao decorrer do filme, o mesmo diretor busca na violência gráfica digna aos filmes do gênero e fora que o fato que o torture porn conseguiu com outras obras desdobrar esse estigma gráfico com temas políticos e debates psicológicos. Enquanto o terror teen e esse filme ficaram no mesmo: assassino mascarado que mata qualquer um e revela-se no final com argumentos que beiram o bom senso do publico.

Momento Eu Quero Meu Dinheiro de Volta

Não quero comentar nada sobre o elenco por que é impossível não ficar com a cara de vergonha alheia com inúmeras cenas e talvez os únicos que trazem decência a trama inteira é com certeza o trio inicial formado por Neve Campbell, David Arquette e Courtney Cox. É até simbologicamente interessante ver que mesmo ao passar dos anos, a química entre o trio de protagonistas brilha durante a trama. Já o elenco do filme... é o famoso, vamos adivinhar quem vai pro saco ou não. Wes Craven sem duvida consegue ter a incrível capacidade de se auto-estragar em sua carreira entre filmes que beiram a genialidades e outros que ficamos a questionar o por que ele é dito como muitos o mestre do horror. Em Pânico 4 ele consegue momentos geniais de construção do terror no momento da granja ou até mesmo na belíssima cena homenagem a Preludio Para Matar do grande Dario Argento. Mas ai lembramos do prelúdio inicial ridículo, a longa duração que dificilmente toma uma engrenagem ágil e acima de tudo, desenvolvimentos de personagens que nem vale a pena focar 5 minutos faz que o filme caia no fundo do poço.

Pânico 4 talvez seja um dos grandes motivos que o terror teen esteja no ostracismo. É ridículo, se sustenta somente em homenagear referencias e não se tornar uma referencia. Talvez assim como a maioria das franquias de terror, funcionará para os fãs do gênero, mas não consegue alcançar outras ramas de publico. Pelo menos existe a vontade de entrar na tela e dizer, prefiro mais um torture porn que explora a demência do ser humano do que ver um assassino panaca que consegue ter motivos mais panacas que bebe da ingenuidade do espectador que já matou o filme inteiro em questão de minutos.

Ficha Técnica
Pânico 4 (Scream 4)
Diretor: Wes Craven
Elenco: Neve Campbell, Courtney Cox, David Arquette, Emma Roberts, Hayden Panettiere, Marley Shelton, Adam Brody, Anthony Anderson, Rory Culkin, Kristen Bell, Anna Paquin e Roger Jackson
Gênero: Terror
Cotação: 20% - *

O Zelador Animal

2011-10-09T12:32:00.000-07:00

Algumas produtoras já conseguiram em criar um mau gosto extremo ao espectador. Um exemplo claríssimo é a Happy Madison, a produtora de um dos comediantes mais sem graças do universo, o grandioso Adam Sandler. A maioria dos filmes da produtora tem como o mesmo como o protagonista ou amigos de talentos duvidosos como Rob Schneider. Agora nos cinemas e por um fato bem oportunista, o dia das crianças; Vem a nova fita da produtora, O Zelador Animal.

O ponto de partida é Griffin, um zelador bondoso que com o tempo tenta esquecer o desastre que foi o pedido de casamento rejeitado por sua ex-namorada. O tempo se passou e ela volta a cidade e a paixão de Griffin se reacende. Entretanto, o zelador se encontra travado ao estar com ela e vai ganhar dicas valiosas dos animais do zoológico que vão tentar liberar o seu instinto animal.

O tema principal do filme tem algo especial, nisso não tenham duvida. Criar o debate entre a função instintiva do homem contra o racionamento será algo de uma exploração imaginável o problema é que como é uma produção de Adam Sandler, toda essa temática cai por terra para dar voz e vez a piadas físicas sem graças e de um gosto extremamente duvidoso. É muito difícil durante o filme ter algum sorriso lindo diante a uma avalanche de piadas características das produções de Sandler.

O Zelador Animal não só detém o exemplo de ter uma grande idéia e deixar a perder. Não é um dos piores filmes do ano. Um filme que talvez funcionasse melhor em um mercado de DVD já que iria economizar dinheiro e o tempo que eles iriam perder ao enfrentar isso na telona. Mas em feriado de dia de crianças, se torna extremamente difícil as crianças não quererem de deixar de ver o filme. Sem duvida, um filme que não vale a pena recomendar.

Ficha Técnica
O Zelador Animal (Zookeeper)
Diretor: Frank Coraci
Elenco: Kevin James, Rosario Dawson, Leslie Bibb, Ken Jeong. Com as vozes de: Sylvester Stallone, Cher, Adam Sandler, Nick Nolte, Judd Apatow, Maya Rudolph, Jon Favreau
Gênero: Comédia/Romance/Infantil
Cotação: 15% - *

Não Tenhas Medo do Escuro

2011-10-01T16:13:00.000-07:00

Guillermo del Toro, dono de uma mente fantástica ao respeito ao cinema fantástico sempre caminha em temas que estão ao limite do medo e o fascino ao espectador. Volta aos cinemas com a produção Não Tenhas Medo do Escuro, que é uma releitura de um filme para a televisão da década de 70 e conta no elenco Katie Holmes, Guy Pearce e a pequena Bailee Madison.

A garota Sally começa a viver com seu pai e sua madrasta em uma mansão no qual o casal faz uma restauração para começar a vender. A mansão em si tem um grande valor já que um famoso pintor já tinha morado por lá há algumas décadas atrás. Sem querer e perdida com a vastidão da casa, ela encontra no sótão uma chaminé e ao abrir sem querer descobre seres desconhecidos vivendo por lá e de pouco a pouco tentam levar a pequena Sally para a escuridão.

Não Tenhas Medo do Escuro tem um roteiro interessante, assim demonstrando uma tendência típica de Del Toro para criar para um espectador, um terror sem restrição de idade. A grande tentativa do filme é bem clara: Iniciar o gênero as crianças com um projeto que buscar criar momentos de tensão e medo sem cair na gratuidade de sustos. Por sorte, os envolvidos conseguem de uma maneira correta seus objetivos.

O filme inteiro se constrói na linguagem da construção do medo. Toda a tensão se entrega em doses leves e ao decorrer da trama fica mais pesado até chegar ao seu ápice final elogiável. Katie Holmes nunca foi uma grande atriz, mas está bem enquadrada no que se refere ao personagem. Mas a verdadeira jóia está em Bailee Madison. A sua personagem Sally é um verdadeiro encanto em cena. Seu olhar inocente e a inquietude da idade fazem com que o espectador esteja ao lado dela e tudo que ela sente, ele sentirá também. Guy Pearce aparece pouco e não consegue ser um personagem tão fundamental quanto às duas.

Não Tenhas Medo do Escuro brilha por trazer o que grandes mestres do terror no ensinaram, uma construção do medo que chega ao ponto que os sustos e gritos saem ao natural. Uma das melhores coisas que saíram da mente de Del Toro desde A Espinha do Diabo. Uma pequena jóia que sem duvida tem que ser desfrutado na telona e tudo que uma sala totalmente escura pode nos entregar.

Ficha Técnica
Não Tenhas Medo do Escuro (Don't Be Afraid of the Dark)
Diretor: Troy Nixey
Elenco: Katie Holmes, Guy Pearce e Bailee Madison
Gênero: Fantasia/Terror
Cotação: 85% - ****

Premonição 5

2011-09-22T15:43:00.000-07:00

Podem falar o que quiser, mas a saga Premonição tem um que de originalidade. Chegando numa época que já davam como morto a vanguarda do terror teen dos anos 90, Premonição vem como um simples plot, não existem assassinos com motivos esdrúxulos para matar jovens. O argumento para seguir e sustentar durante o filme inteiro é só uma: o desafio do ser humano de driblar o destino, que no caso da franquia, a morte.

A franquia já ganhou seu quinto capitulo e eles seguem a risca o principal fundamento que é ver a tentativa de muitos mudarem o destino: a sua morte prematura. Um funcionário de uma empresa de reciclagem consegue prever uma terrível catástrofe em uma ponte e consegue salvar a poucos, mas ao mesmo tempo, um por um começa a morrer e o maior desafio dos envolvidos é compreender o maniqueísmo da morte.

O filme volta a utilizar a terceira dimensão e acima de tudo, é um dos aspectos que mais compensa o filme. Em comparação ao filme anterior, se vê um 3D mais polido, aquela que sabe aproveitar bem os efeitos e que as mortes sejam mais “sentidas” para o público, não se torna difícil ouvir um sonoro grito de desespero já na primeira morte. Entretanto, o projeto chega no momento em que está visível a saturação do mal uso do sistema e assim, afastando um pouco mais do espectador a novas “imersões” convertidas do 3D. O que chega ser uma pena já que esse novo filme é para realmente, ser desfrutado em terceira dimensão.

Outro ponto positivo é a volta do personagem de Tony Todd como o senhor sinistro do necrotério que mesmo aparecendo pouco, não é difícil sentir calafrios em suas aparições. Já o resto do elenco, é o famoso “vamos apostar quem vai morrer” com um pouco mais de destaque a Emma Bell que de pouco a pouco, é possível ver uma nova Scream Queen.

Steven Quale, diretor de segunda unidade de Avatar, soube realmente aprender as lições do mestre Cameron em como saber criar tensão e ao mesmo tempo, de como usar a terceira dimensão de uma maneira ampla. Soube aproveitar com a tecnologia 3D, o preparo para as mortes e os pequenos detalhes como um prego ou um botão são ressaltados para dizer ao espectador, agora é o momento.

Premonição 5 curiosamente é o melhor capitulo da franquia após o primeiro filme. Ele é tenso, violento em suas mortes e mesmo com uma formula que para muitos, soa como desgastada, soube fazer a diferença com o que tem. Talvez para seus fãs seja uma ótima viagem ao desespero humano do drible ao destino em terceira dimensão. Já para aqueles que não são fãs da franquia, pelo menos se torna o melhor uso 3D para o gênero do terror. Até que fim, uma franquia que realmente vale à pena ver nesse formato.

Ficha Técnica
Premonição 5 (Final Destination 5)
Diretor: Steven Quale
Elenco: Nicolas D'Agosto, Emma Bell, Miles Fisher, Ellen Wroe, Jacqueline MacInnes Wood, P.J. Bryne, Arlen Escarpeta, David Koechner e Tony Todd.
Gênero: Suspense/Terror
Cotação: 75% ***

Missão: Madrinha de Casamento

2011-09-18T14:41:00.000-07:00

Mais um filme com um nome nacional que faz uma agressão ao bom senso.

Quando escutam o nome de Judd Apatow em uma produção de comédia, muitos ainda cometem o equivoco a ver e pensar em comédias de extremo pastelão e de um conteúdo vulgar que ultrapassa o nível de baixaria. Obras como Ligeiramente Grávidos, Superbad – É Hoje e Ressaca de Amor são exemplos dessa leva. Mas o que poucos sabem ou dificilmente se torna perceptível é de como dentro desses filmes a reflexão sobre o lado sentimental real. Em Bridesmaids – Damas em Guerra (mais um filme com um nome nacional difícil de colocar em um post) esse misto volta de uma maneira sublime e ainda mais, com um olhar feminino em primeiro lugar.

Annie (Kristen Wiig) que apesar de ter um carisma magnético, não vive um melhor momento da sua vida. Mesmo em ruínas, ela é convidada a ser madrinha de casamento de sua melhor amiga Lillian (Maya Rudolph). Claro que é um momento especial, entretanto a chegada de Helen (Rose Bryne) consegue transformar em uma guerra particular para Annie que tenta acima de tudo, trazer a felicidade a sua amiga.

Um dos maiores acertos do filme é sem duvida ser um filme crível. Quando se vê determinadas comédias românticas femininas, sempre existe um foco quase irreal do comportamento feminino e com isso Wiig, que escreve o roteiro junto com Annie Mumolo, cria uma jornada sobre a amizade e as inseguranças femininas. Isso se reflete na construção das damas de honra já que cada uma representa comportamentos femininos que o transforma em um filme único.

Ver a Kristen Wiig como a principal após esbanjar talentos em inúmeros filmes de comedia teve sua grande recompensa. A atriz brilha de uma maneira impar que consegue balancear o improviso e a emoção como ninguém. Destaque também para Melissa McCarthy que de inicio, parece uma personagem boba, mas ela é chave para um dos momentos mais reflexivos da trama.

Talvez o seu maior pecado esteja no estruturalismo. O filme não traz nada de novo no que significa linguagem cinematográfica. Consegue cumprir o fundamental, ser um filme que cria uma segurança fundamental para quem gosta de um passatempo. A diferença talvez seja um desdobramento para a parte dramática, característica comum dos filmes de Apatow, e ainda ganhando um ponto a mais por ter uma visão ainda mais sensível e por que não, crua do universo feminino.

Bridesmaids – Noivas em Guerra é um exemplar charmoso da comédia desse ano. Faz um balanceamento em todos os gêneros fundamentais que agradam principalmente as mulheres como uma comédia inteligente, elementos dramáticos que refletem a realidade feminina e acima de tudo, uma abordagem real, tocante, crua e divertida. É daqueles filmes que não trás nada de novo e o mesmo filme não se preocupa em fazer isso. Ser clichê, porém verdadeiro... Poucos conseguem fazer isso.

Ficha Técnica
Missão: Madrinha de Casamento (Bridesmaids)
Diretor: Paul Feig
Elenco: Kristen Wiig, Maya Rudolph, Rose Bryne, Melissa McCarthy, Wendi McLendon-Covey, Ellie Kemper, Chris O'Dowd, Tim Heidecker, Terry Crews, Jill Clayburgh, Ben Falcone, Annie Mumolo, Matt Lucas e Jon Hamm
Gênero: Comédia/Romance
Cotação - 90% *****

Analisando Franquias e Trilogias - O Planeta dos Macacos

2011-09-15T18:17:00.000-07:00

Após a estreia de Planeta dos Macacos (R)Evolução, existe a necessidade de cada cinéfilo, ou daqueles que gostaram do novo filme da franquia fazer o que podemos dizer, fundamental ou óbvio: Conferir a franquia original ou rever com um olhar muito além da maquiagem espetacular dos macacos. Após vários anos, votamos com o quadro analisando franquias, sendo que desta vez, com a saga clássica do Planeta dos Macacos.

Para evitar textos demasiadamente longos e cansativos, colocaremos em forma de parágrafos pequenos, porém diretos e sucintos sobre cada filme da franquia original que culminou no final da década de 60 com Chalton Heston sendo surpreendido com um final inusitado até o desfecho interessante com uma cena simbólica em A Batalha do Planeta dos Macacos de 1973.

De Volta ao Planeta dos Macacos de 1970 volta ao ponto onde o filme original terminou, com a revelação de Taylor sobre o planeta em que está. O ponto de partida está em outro piloto que está no planeta dos macacos a procura do astronauta perdido sendo que ele não só além descobre que está no planeta, também descobre a cidade proibida no qual vivem humanos e eles conseguem ter uma revelação mais cruel do que o planeta dos símios.

Apesar do debate interessante sobre o medo sobre o desconhecido, os protestos que remetem uma sociedade refém de guerras recentes (no caso, a Guerra do Vietnã) e uma critica ferrenha e pesada a idolatria de determinadas religiões, o filme não consegue se segurar sem a figura de Heston presente e um protagonista extremamente fraco e sem carisma quanto do filme anterior. Mesmo assim, se torna um filme importante para assistir já que a construção filosófica do seu final consegue ser mais impactante no aspecto filosófico quanto de qualidade cinematografia.

Frase marcante do filme: Entre os incontáveis bilhões de galáxias que existem no universo, existe uma estrela de tamanho médio. E um dos seus satélites, um planeta insignificante, agora... Está morto.
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A Fuga do Planeta dos Macacos de todos os filmes é um dos mais curiosos dentro da franquia. A premissa dá destaque a Cornelius e Zira, o casal de macacos interpretados com maestria por Roddy McDowall e Kim Hunter, que conseguiram escapar do inevitável fim do segundo filme e foram parar no tempo presente (diga-se passagem, 1973, ano depois da perdida do Ícaro) e por serem do futuro se tornaram a sensação da sociedade.

Essa mesma sociedade que aceitou, também tinha duvidas, principalmente Dr, Otto Hasslein que consegue extrair do casal informações valiosas de um possível futuro e ainda mais real quando se descobre que Zira está grávida e assim uma parte da raça humana começa a temer o nascimento do bebê. Sem com quem contar, Cornelius e Zira contam com os veterinários Lewis Dixton, Stephanie Branton e o dono de circo Armando.

O que torna esse capítulo especial é o balanceamento de um bom humor no começo do filme sobre o deslumbre do casal e gradualmente se torna um filme de duvidas, no quais, questionamentos pesados sobre se realmente a questão de matar um inocente se torna algo benéfico ao futuro. Aqui também se encontra frases de reflexão de Cornelius que tocam de uma maneira cruel que é impossível ficar indiferente com o que vem. Além do mais, a densidade do filme não é abrupta como acontece em determinados filmes, é dosada e muito bem arquitetada a um final sufocante e curiosamente, o único final feliz de toda a franquia.

Uma curiosidade interessante. O personagem Armando entrega para Zira e Cornelius uma medalha de São Francisco de Assis, o santo dos animais, no qual Armando é devoto. O ator que faz o veterinário Lewis, Bradford Dillman interpretou São Francisco de Assis na adaptação hollywoodiana de 1962 dirigida por Micheal Curtiz de Casablanca.

Frases Marcantes do filme: “Eu suspeito que a arma que destruiu a terra é invenção do próprio homem. Eu sei disso. Um dos motivos da queda original do homem foi o seu habito peculiar de matar um ao outro. O HOMEM DESTROI O HOMEM, macaco não destrói macaco”. - Cornelius

“Eu odeio aqueles que tentam alterar o destino, que é a vontade imutável de Deus. E se é o destino do homem ser dominado, então, por favor Deus que seja dominado por criaturas como vocês (em referencia aos chimpanzés.) – Armando.

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A Conquista do Planeta dos Macacos é um dos filmes mais sombrios da franquia só perdendo para o primeiro. 18 anos se passaram desde a vinda de Cornelius e Zira ao planeta terra e uma parte do futuro dito por ele se tornou verdade: no futuro não existirá animais de estimação. Mas começou algo pior e fundamental para o que estar por vir. Os humanos começaram a usar macacos como animais de estimação mas ao poucos se tornaram relativamente escravos e a sociedade que antes era democrática, se tornou ditatorial. Nesse futuro está César (Roddy McDowall), filho de Cornelius que agora está na tutela de Armando (Ricardo Montalban).

Após uma reclamação do uso da força da sociedade, César se revolta e infelizmente Armando para proteger o símio, se entrega. Com isso, Cesar se torna escravo e diante a crueldade humana, ele de pouco a pouco planeja entre os macacos uma insurreição definitiva. O roteiro de A Conquista foi parcialmente usado como base para o novo filme, mas ao mesmo tempo é um dos filmes mais cruéis da saga no qual mostra o ser humano a esmo.

Em uma das seqüências mais violentas de toda a saga, é mostrado sem dó e nem piedade, a mediocridade humana é demonstrada com violência desmedida e maus tratos dignos de revolta e ainda mais, faz aumentar o ódio próprio da humanidade. Também nesse filme acontece uma das cenas mais emotivas da saga, que é o choro de César sobre a morte do dono.

De todos foi o que teve o orçamento mais baixo, mas que foi revertido com uma qualidade impar sobre suas temáticas, uma direção espetacular de J. Lee Thompson, uma atuação soberba de Roddy McDowall no qual sua estrela brilha de uma maneira sublime no seu discurso final e acima de tudo, a fita impar da franquia, fechando o arco mais sombrio da linha tênue entre o homem e os símios.

Frases Marcantes: “Onde há fumaça, há fogo. E é nesta fumaça e desse dia em diante que o meu povo irá se reunir, conspirar e planejar até chegar o dia inevitável da derrota do homem. O dia em que ele finalmente irá se autodestruirá virando as suas armas contra as de sua espécie. O dia em que haverá a fumaça no céu e suas cidades estiverem enterradas sobre a poeira radioativa. Quando os mares estiverem mortos e a terra despedaçada e então EU estarei aqui para liderar o meu povo a vitória total. Construiremos nossas próprias cidades que não haverá lugar para humanos, a não ser como escravos para nos servir. E teremos nossos próprios exércitos, nossa própria religião, nossa própria dinastia e esse dia está chegando para você ... AGORA! – César

“Esta noite, presenciamos o nascimento do planeta dos macacos” – César.

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A Batalha do Planeta dos Macacos de toda a saga seja um dos mais insossos, porém fundamental para a franquia. Passaram alguns anos da conquista e César conseguiu ter uma paz relativa entre os humanos e os símios. Sendo que a busca do passado dos seus pais o faz visitar a cidade devastada no qual existem poucos humanos afetados com a radiação que torcem para que o equilíbrio entre em ruínas.

Talvez ao final de tudo transformou-se em um filme que tinha que ter um ponto final de toda a franquia. Por que, após um quarto capitulo espetacular, se tornava mais viável um final. Porém as cenas de ação desse filme de toda a franquia são sem graças e dotados de falta de emoção. O que talvez salva disso tudo é novamente o fundamental de toda a franquia: o debate sobre humanidade. E nesse ultimo questiona o pensamento sobre a sociedade “utópica” de Cesar. Não é um filme desastre, mas isso não quer dizer que consiga ser tão decepcionante quanto foi o segundo capitulo.

Tornou-se aquele tipo de filme que foram feitos para terminar logo. Por sorte termina com uma das cenas mais simbólicas de toda a saga, com a conciliação definitiva e ao mesmo tempo emocionante: o choro de Cesar com a possibilidade da coexistência.

Frases Marcantes: “Símio mata símio!” – Todos os símios.
“Acho que se pode dizer que se juntaram a raça humana.” – McDonald

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E ao final de tudo, a grande pergunta... E o filme original? Continua sendo uma das melhores coisas que o cinema mundial e principalmente do gênero criou. Mas sem duvida, quando se assiste aos filmes seguintes (inclusive o novo) é possível sentir mais admiração de como a franquia se transformou: um estudo impar da humanidade. Uma humanidade que erra... Que não consegue respeitar o diferente... Que tem medo de saber que é inferior ao que desconhece. E agora com o novo capitulo... Fica na cabeça aquele ajoelhar de Heston admirando aos prantos a Estatua da Liberdade caída... Essa cena é o preço do homem por tudo que fez e o que fará.

Apollo 18 - A Missão Proibida

2011-09-07T18:08:00.000-07:00

Apollo 18 – A Missão Proibida será considerada por muitos um filme doente pela falta de renovação e ainda entrar no filão da saturação extrema do gênero de primeira pessoa para o gênero do terror. Porém poucos vão lembrar-se da verdadeira existência do filme e tão pouco da verdadeira proposta do filme dirigido pelo talentoso Gonzalo Lopez Gallego.

O ponto base da história é sobre uma expedição lunar que não tomou conhecimento publico e que um site chamado Lunar Truth descobriu várias horas de gravações sobre o ultimo Apollo, o 18. Inicialmente, os astronautas aceitaram a missão secreta e ter como plano, o funcionamento de satélites de transmissão para captarem informações sobre a União Soviética no auge da Guerra Fria. Mas o que realmente acontece é o que muitos queriam ocultar, e agora, terão a oportunidade em saber o que sucedeu na lua. Muitos podem reclamar da questão do cinema em primeira pessoa, já que infelizmente aconteceu uma avalanche de produções do tipo e curiosamente quase todos fugiram de sua estética ou proposta de ser um documentário.

Não precisamos ir muito longe, é só lembrar-se de REC que já em sua primeira obra já era ruim, e quando chegou o segundo filme, conseguiu ser pior do que se imagina. Más lembranças. Mas ao mesmo tempo, um dos detalhes importantes desse filme é saber seguir a risca da linguagem documental. O diretor manteve em sua estrutura esse comportamento e diferente dos outros filmes do gênero, não quis manter-se nos sustos gratuitos e na obviedade gráfica. Assim como sua obra anterior, o interessante O Rei da Montanha, existiu uma predominância a validar a situação que estava acontecendo e a tensão do ambiente.

Outro ponto importante e talvez o que seja o mais valioso é o questionamento que se deixa ao final. Apollo 18 resgatou o fundamental de um “falso-documentário” que é a criação do incomodo ao real. Ou seja, a criação de perguntas pertinentes ao final da trama que leva a duvidar muitos sobre a questão da chegada ao homem à lua; do por que é tão comum ter documentos ocultos por parte dos americanos; e acima de tudo, quando o falso soa mais crível do que a mesma realidade.

Apollo 18 talvez não seja lembrado pelas suas qualidades técnicas. Já se viu filmes melhores nesse ano. Mas sem duvida respeita o que talvez seja fundamental para o gênero, no qual que seus questionamentos e a busca de separar do que é uma teoria de conspiração da realidade. A busca de cinema para levar susto e ter medo será o primordial, e sem duvida esse filme não dará isso. Mas os que esperam questionamentos... Terão um filme interessante.

Ficha Tecnica
Apollo 18 - A Missão Proibida (Apollo 18)
Diretor: Gonzalo López Gallego
Gênero: Documentário/Ficção Cientifica/Terror
Cotação: 70% ***

E, sim, confira mais textos meus e de grande companheiros na revista virtual Cinefilia.net! Para quem gosta de debates sobre cinema e de visões alternativas, esse é o blog! Confiram o link aqui e no blogroll! http://www.cinefilia.net/porfalaremcinema/

O Calvário do Cinéfilo Brasileiro de Ir ao Cinema

2011-08-29T20:16:00.000-07:00

É um ritual para todos os cinéfilos a questão de ir ao cinema. Pelo menos ir uma vez por mês ou por semana gastar uma graninha para pelo menos vivenciar uma experiência sem igual de um filme na telona. Seja um filme pipoca de baixa intelectualidade ou um rebuscado filme artístico que conhece diretamente seu publico. Mas hoje, o cinéfilo se esbarra principalmente com um fator muito triste e ao mesmo tempo, digno de cólera e desprezo: o próprio cinema.

A cada rede social que passo para conferir alguma novidade do cinema ou ver o que meus companheiros estão falando sobre determinados filmes, ganha mais espaço a cada dia as reclamações sobre como está difícil ser um cinéfilo brasileiro de acordo com as salas de cinemas desse país. Dia após dia está se tornando um descaso ultrapassando os níveis descomunais entre o mau trato do espaço físico até o mau comportamento do próprio espectador ao cinema.

Hoje está se tornando até comum dizer que ver um filme 3D no Brasil se torne um adereço de luxo e por assim dizer desnecessário. Soa até ligeiramente compreensível quando entras em um blog de cinema e vê quase um texto inteiro, ou fragmentos de uma reclamação implacável contra esse sistema de terceira dimensão digital, desde a ausência de higiene do cinema que cuida do 3D quanto à falta de estrutura para o tal.

Para não dizer que não fui imune a essa situação, no começo do ano fui ao cinema ver Santuário, projeto produzido por James Cameron e em terceira dimensão. Além de assistir o filme com um aparato extremamente desconfortável, tive a infelicidade de perceber que não existia o efeito 3D, ou seja, estava com uns óculos que deixava o filme todo verde e tinha mais capacidade de ver algo do filme direito sem os óculos. Um amigo me explicou que esses óculos que estava usando a essa sala, tinha um detector que transformava o filme em terceira dimensão, sendo que na melhor das “hipóteses” não estava funcionando.

Fora que muitas vezes, quando se vê um filme de bilheteria incrível como... Transformers existiam salas de cinemas que deixava entrar mais pessoas dentro da sala de cinema, assim aumentando e extrapolando a capacidade do ambiente deixando o espectador refém a falta de comodidade em desfrutar uma aventura (?) explosiva desenvolvida por Micheal Bay. Além do fato da própria má educação dos mesmos na sala de cinema com gritos desmedidos, grosserias a níveis extremos e ausência do bom senso em respeitar ao que está ao seu lado que pelo menos tenta fazer o fundamental: Assistir o filme.

Outro fato que percebi e que é alarmante é a incrível lógica de trazer as salas nacionais filmes estrangeiros dublados. Por um lado pode ser mais uma reclamação “chovendo no molhado” que ver filme ao som original é melhor. Mas o ponto aqui está de como isso está chegando a pontos absurdos. Para se terem uma idéia, mais de 50% das cópias de Planeta dos Macacos (R)Evolução no Brasil veio dublado. Imagine para um espectador que quer desfrutar um filme como esse que o som original é primordial, uma dublagem que tira praticamente a emoção do filme e ainda mais de um trabalho aquém do esperado.

Nem precisamos pegar um exemplo longínquo como Estados Unidos para falar sobre a educação de ir ao cinema, vamos ao nosso país vizinho, a Argentina. Por aqui, se paga um preço relativamente adequado para ir ao cinema. Muita das redes de multiplex por aqui como Hoyts, Cinemark e entre outros cumprem normas de como cuidar do cinema de verdade, que não vai só além de buscar uma experiência sensorial ao espectador. Existe também o nível de responsabilidade dos mesmos para entregar ao mesmo espectador que paga, uma sessão de qualidade impar.

Desde sistemas de terceira dimensão que propicia ao mesmo espectador (o tão sonhado sistema digital que nos seduz nas televisões de LCD que se vendem em grandes conglomerados); uma limpeza rigorosa em todas as salas de cinema; o cuidado extremo em deixar o espectador confortável em uma sala de cinema no qual possa se sentir bem; numeração nas cadeiras assim evitando complicações (e ainda mais facilitado com vendas de ingressos on-line); e principalmente a cultura dos espectadores daqui a ver um filme e respeitar o silêncio para desfrutar um filme.

Com essas características sublimes de negatividade que está se tornando em ver um filme está se tornando no Brasil, uma das melhores respostas que podemos dizer que se for para ir ao cinema e evitar complicações em assistir um filme, por ruim ou maravilhoso que seja no cinema... O melhor pensamento se torna em ficar em casa, alugar um filme em uma videolocadora ou ir aquele cineclube que tem nas grandes cidades, soa mais retorno. A cada dia, se torna difícil um brasileiro viver à experiência plena da sétima arte e até mesmo dos avanços que ela está carregando entre si se as mesmas estruturas físicas e a cultura dos mesmos a cada dia que se passa está andando para trás.

Por mais grosseiro que seja os créditos entrada do filme Aqua Teen Esquadrão Força Total – O Filme representa bem o que muitas vezes queremos falar do fundo do nosso coração: a nossa cólera para a falta de respeito que é assistir um simples filme no cinema. Sim, pode ser insensível, mas quem disse que a verdade sempre vem de palavras meigas e uma melodia suave?

Fonte da noticia sobre a questão de Planeta dos Macacos link

Planeta dos Macacos (R)Evolução

2011-08-26T12:42:00.000-07:00

Falar de Planeta dos Macacos (R)Evolução inicialmente é falar de uma das melhores surpresas desse ano, principalmente se contarmos que foi um dos blockbusters mais criticados pela cogitação de ser feito com o medo de que estrague a mitologia antiga criando novas diretrizes e seja de um cunho desastroso. Por uma jogada curiosa do destino, o novo filme concretiza a idéia da surpresa no âmbito de recepção de critica e de uma ótima resposta do publico a mais um capitulo dessa saga do cinema de ficção cientifica.

Uma das maiores dificuldades que o espectador tem de inicio, tão simples quanto se imagina, de como podemos iniciar ou pelo menos quais são os principais argumentos para iniciar uma saga e ao mesmo tempo convencer os fãs antigos da saga de que essa é aquela que se encantaram saiu no final da década de 60. Os roteiristas foram seguros e tomaram principio básico ou uma idéia que se bem explorada, dá um retorno extremamente importante: a transposição ética do homem.

O filme começa com o que infelizmente é uma verdade que não se pode negar que é a captura de macacos para experimentos de saúde, fazendo assim alterações genéticas para que consigam o seu fim comum, ou seja, a cura de alguma doença. Para Will, essa doença é o mal de Alzheimer. O geneticista criou um soro que consegue regenerar células mortas por causa da doença e expandir ainda mais.

Sendo que em uma das suas cobaias, Olhos Brilhantes, cria um incidente e teve que cancelar o projeto, até que descobre que Olhos estava protegendo seu filho recém nascido, Cesar. Will tomou de criar junto com seu pai doente. O tempo passa e Will percebe que Cesar desenvolve uma inteligência fora do comum e por um acidente, Will se vê forçado a deixar seu “filho” em um santuário. E é nesse santuário que começará algo que mudará a face da humanidade.

Na essência de sua história, o filme fala sobre a dualidade da humanidade no ponto de vista de Cesar e em dois personagens chaves: o fraternal Will, um James Franco brilhante a um personagem rico, e em contra ponto Dodge Landon, um surpreendente Tom Felton que faz esquecer o que ele faz em Harry Potter, como o antagonismo da humanidade, ou seja, o que humilha e destrata qualquer um que seja inferior a ele. São personagens que entregam a Cesar os dois passos teóricos que o homem passou a milhões de anos atrás: a humanização e a hominização.

Está nesse debate chave, no quais alguns podem passar despercebido, o melhor ponto do filme. O filme desdobra de uma maneira esse debate que quando chegamos ao final ou no seu clímax da grande fuga sentimos mais empatia com a causa dos macacos e torcemos no mais profundo da nossa alma a destruição da humanidade. Pode parecer algo pequeno, mas esse debate é só um dos inúmeros pontos positivos.

Outro ponto fundamental são os mínimos detalhes aos fãs da franquia original, assim como foi com Star Trek, existiram referencias sutis e ao mesmo tempo emocionantes para os fãs antigos da saga. Principalmente na metade do filme no qual as referencias ao personagem de Heston do primeiro filme são latentes e curiosamente emulados em Tom Felton de uma maneira sublime.

O visual do filme foi feito para deslumbrar. Para alguns, soa estranho não verem atores vestidos de macacos, com maquiagem pesada e pouca transmissão de emoção (Tim Burton... WHY?) aqui, graças a tecnologia vista em Senhor dos Aneis, King Kong, Andy Serkis principalmente, um personagem “digital” conseguiu ter uma veracidade de emoções. Toda vez que olhamos nos olhos do personagem, é difícil não se impressionar com cada movimento dele. É daqueles que se tem que ir ao cinema e testemunhar um futuro que não podemos negar, quando o irreal consegue ter mais emoção que o homem.

O único defeito do filme não está no filme, mas curiosamente na infelicidade do subtítulo nacional. Colocando a questão de “A Origem” cria uma expectativa quase desnecessária de ver de imediato às conseqüências. Em realidade, ver o subtítulo argentino, sinceramente uma sacada de gênio, é um convite do que será o filme, quando o novo consegue saltar os olhos e nós mesmos não sabemos o que saber, ou o pensamento limitado se torna o ultimo passo ao borde do declínio do mesmo.

Planeta dos Macacos (R)Evolução sem duvida é uma das melhores surpresas, em relação aos blockbusters, no que se diz a respeito que mesmo com as duvidas e a falta de crença do povo. O filme cresce por seus próprios méritos pelo seu tema desenvolvido, pelo elenco que funciona de uma maneira correta ao projeto, pelos seus efeitos visuais e principalmente pelo seu devido respeito a franquia original. Fãs do original contemplem mais uma (r)evolução do cinema ... Aquela que podemos avançar e questionar, mas ao mesmo tempo, ter nos olhos o carinho e a áurea do original.

Ficha Técnica
Planeta dos Macacos (R)Evolução (Rise of The Planet of The Apes)
Diretor: Rupert Wyatt
Elenco: James Franco, Frieda Pinto, John Lithgow, Tom Felton, Brian Cox, David Oyelowo, Karin Konoval, Terry Notary e Andy Serkis como Cesar
Gênero: Drama/Aventura/Ficção Cientifica
Cotação: 95% - *****

O Brasil Necessita de uma Valeria Bertuccelli

2011-08-24T15:59:00.000-07:00

Uma grande e interessante polêmica foi levantada aqui na Argentina no que se envolve a atriz Valeria Bertuccelli e o cinema argentino. A atriz foi para um programa popular da TV aberta local chamado SabadoBus, que é um programa que ao meu ver é tão sem pé e nem cabeça, para pelo menos promover seu novo filme, a dramédia Viúvas, que protagoniza junto com Graciela Borges. Claro que Valeria estava por lá para fazer sua parte, a propaganda do seu filme. Mas o que aconteceu foi uma coisa extremamente diferente.

O programa fez antes uma propaganda da estréia mais importante da semana, ou uma das, que foi a produção de Steven Spielberg Cowboys & Aliens, e após o comercial a atriz levantou a voz e com um tom extremamente irônico ou talvez de indignação falando que o filme era uma tremenda porcaria, que não gostou e no final do escracho, aproveitou a deixa e falou sobre o seu filme e fez uma brincadeira a parte com o apresentador do programa dizendo que qualquer coisa, ela iria pagar o ingresso para o condutor do programa.

A reação foi de imediato. Uma parcela de muitos por aqui sentiram repudio pela a atitude da atriz achando que ela foi de uma má educação de alto nível e outros motivos além da conduta duvidosa dela ao decorrer do programa. Durante a semana, o que era para ser motivo de divulgação do filme, se tornou um meio de “desculpas” da atriz e ao mesmo tempo um veiculo importante de expressão da atriz para falar de um tema que é considerado extremamente espinhoso que é a necessidade da busca do publico ao cinema nacional.

Dias atrás existia um projeto do INCAA, órgão do Estado responsável pelo cinema, para limitar as estreias internacionais no país em conseqüência da falta de espaço das mesmas para o cinema nacional. A prova disso, algumas cadeias de cinemas que tem como em média 8 a 10 salas, uma estréia de grande porte como foi esse ano com Piratas do Caribe Navegando em Águas Misteriosas que ocupou a metade das salas de cinema. E ainda para piorar, o projeto foi cancelado alguns dias depois.

Em um programa diferente chamado Television Registrada, a atriz toca no tema novamente e defende sua atitude de ter dito tudo aquilo como um tom de ironia e ao mesmo tempo fala que foi uma falta de respeito do programa dar mais enfoque ao cinema estrangeiro (diga-se de passagem, americano) do que o cinema nacional que mesmo com um recém Oscar nas costas, poucos dão um investimento forte.

Bertuccelli expos fatos curiosos de outros países como França e Brasil sobre o tema, que nos dois países, existem uma quantidade limitada de propaganda de filmes estrangeiros e os investimentos do mesmo e enquanto por aqui se torna um fator opcional. E não se pode esquecer que em qualquer lugar existem pessoas que dependem exclusivamente do cinema e que o mesmo por mais estranho que possa soar, é um gerador de empregos.

Video pertence ao programa argentino Duro de Domar, transmitido pelo Canal 9

Em contraste disso tudo, estamos nós, o país soberano que é o Brasil que em dois anos, a bilheterias nacionais estão destruindo qualquer filme estrangeiro. Assim como o fenômeno que aconteceu em Coréia do Sul com Shiri, filmes como Tropa de Elite 2 e entre outros conseguiram estar a frente de filmes importantes como Avatar nas bilheterias e assim abrindo ainda mais as portas de que o cinema brasileiro é dito como forte.

Entretanto, muitos filmes nacionais conseguiram uma resposta forte com uma bilheteria e uma “resposta” do publico, mas a qualidade dos mesmos é de extrema desconfiança. Muitos filmes ditos como sucesso de bilheteria são tachados pelos críticos de cinema como o rir para não chorar. E pior ainda é saber que muitos produtores brasileiros sentiram o básico: repetir formula que sabem que irão ter um retorno imediato e se isso é para entregar algo de qualidade duvidosa, se há retorno no final... Investe pesado.

O que Valeria levanta que é a necessidade de valorizar ainda mais o cinema local. Não é de cunho de xenofobia, mas sim de um despertar quase urgente de que o cinema nacional também pode ser essa união entre a qualidade e o retorno do mesmo. Talvez no momento as suas palavras sejam de uma infelicidade tremenda, mas o choque para despertar de algo precioso local é importante.

Cada dia se percebe que produto-qualidade é um terreno delicado que ao final de tudo não se sabe o que realmente o público quer, afinal, alguns querem ir ao cinema para esquecer um pouco do que acontece e vê uma diversão rasteira como Transformers ou Os Smurfs, outros querem algo de qualidade, que enriqueça o conhecimento cinematográfico. Mas se a coisa está tão restrita, adianta ser obrigado a ver Cilada.com por falta de opção?

O Brasil necessita muito de atrizes como Valeria Bertuccelli, que valorizam o cinema nacional real. E que a recompensa para grandes atrizes ou os grandes profissionais que se dedicam a esmo a esse ramo são os aplausos calorosos do publico e o reconhecimento de que existem qualidades maravilhosas algo que foi feito com o coração e local.

Lanterna Verde

2011-08-18T19:15:00.000-07:00

Sabes quando se enfrenta aquele tipo de projeto que começou divulgando mal e depois mudam a tonalidade para ver se melhora a situação e mesmo assim continuas com a idéia que pode ser fraco? Bem, sem duvida isso será o pensamento de muitos que irão conferir Lanterna Verde, novo filme do herói da DC Comics que saiu esse ano estrelado por Ryan Reynolds. O filme mesmo com a tecnologia 3D, não conseguiu alcançar o status dos últimos filmes da DC que tiveram um retorno expressivo. A pergunta que se realiza no final do filme, valeu a pena ver?

Diferente dos filmes da Marvel que saíram esse ano que tiveram temas que conseguiram explorar ainda mais o universo dos mesmos como rivalidade familiar, propagandas políticas e as diferenças éticas sobre a humanidade, o filme do Lanterna Verde se baseia na concepção pura ou pelo menos uma construção simples de um herói, ou seja, um rapaz que ganha incríveis poderes e que nos momentos de duvida, seus valores fazem a diferença para ser um herói digno.

Talvez que nessa construção digna está em sua falha. Poderia se disser que é uma construção tão simples, tão direta, que a soma de tudo, é pobre. Diálogos simples, sem algo profundo a questionar, apenas entregar uma aventura direta que se sustenta em seus efeitos especiais. Por falar nisso, pelo menos o trabalho 3D desse filme é bem interessante, até mais satisfatório das conversões de 3D esse ano. Pelo menos o que podemos dizer é Reynolds convence como herói, a Blake Lively como a mocinha, e Peter Saargard como vilão. (E ainda bem melhor do ridículo visto em Plano de Vôo).

Lanterna Verde é aquele tipo de filme de super-herói que não vai mudar a estética do cinema como foi com outros filmes da DC, mas pelo menos consegue ser aquela aventura que dá para assistir em um final de semana com a família. Talvez os pequenos se sintam mais atraídos já que a formula de ser um herói (ou pelo menos uma pessoa melhor) se torna uma boa lição para eles. Não tá no nível de Batman e Robin, mas tão pouco há de cobrar um Batman Begins a um filme que só foi feito para pura diversão.

Ficha Técnica
Lanterna Verde (Green Lantern)
Diretor: Martin Campbell
Elenco: Ryan Reynolds, Blake Lively, Peter Saargard, Mark Strong, Angela Bassett e Tim Robbins
Gênero: Ação/Aventura
Cotação: 65% ***

Professora Sem Classe

2011-08-16T09:53:00.000-07:00

A personagem de Cameron Diaz em Professora Sem Classe, novo filme de Jake Kasdan, é puro repudio para muitos. Ela representa todo tipo de comportamento que está longe de ser um exemplo de uma professora. Já a personagem de Lucy Punch, que brilha nesse filme, é meiga, atenciosa ao extremo aos alunos e tem uma dedicação extrema ao que ama, ou seja, o valor de ensinar. Só tem um problema, a malvada é boa e a boa é má.

A história do filme tem como ponta pé o declínio extremo de Elizabeth Halsey (Diaz), no qual vivia na pura mordomia até ser chutada pelo noivo rico e vai conviver em um apartamento minúsculo com um cara detestável. Ela volta a ser o que não queria, ser professora que utiliza a melhor técnica de classe, passando filmes que envolvem professores, e ainda vai o corredor com Amy Squirrel (Punch) uma professora idealista que tenta ser a melhor do mundo, mesmo sabendo que os alunos a olham como uma idiota.

A história muda quando ela sente rivalidade pela sua vizinha pelo professor Scott Delacorte (Justin Timberlake) um professor riquinho, porém tão sensível quanto se imagina. Elizabeth crê que colocando silicone irá conquistar o riquinho, e ai começa uma jornada imoral da mesma para conseguir seus objetivos, ou seja, tudo para se dar bem no final.

É interessante o desenvolvimento do roteiro em colocar em cheque para o espectador e torcer para que a personagem de Diaz e sentir uma repulsa bizarra pela personagem de Punch já que ela extrapola as barreiras da bondade e cria uma vilã que acredita mais pela sua moralidade pedagógica do que é concreto. As duas atrizes arrasam de uma maneira belíssima seus personagens extremos em suas concepções, porém maravilhosos para o publico. E fiquem de olho em Lucy Punch, ela vai dar muito que falar.

Pelo lado masculino, temos Justin Timberlake e Jason Segel que estão muito bem adequados aos seus papeis representando a questão da estética das duas personagens principais, o sentimentalismo contra o realismo sendo que eles desenvolvem de maneiras interessantes e mais engraçadas, principalmente Segel que trata determinadas tiradas do personagem de Timberlake como se fosse um pastiche.

Talvez o maior pecado de Professora Sem Classe seja de carregar um humor difícil, negro ao extremo e principalmente chocante para uma parcela do publico que com esse tipo de história acreditarão em mudanças. É um filme que critica o que é politicamente correto e coloca em voga que a realidade de determinadas situações consegue ultrapassar o que é correto. Risos negros, porém dotadas de uma realidade impar.

Ficha Técnica
Professora Sem Classe (Bad Teacher)
Diretor: Jake Kasdan
Elenco: Cameron Diaz, Lucy Punch, Justin Timberlake, John Micheal Higgins, Thommas Lennon e Jason Segel
Gênero: Comédia
Cotação: 65% - ***

A Serbian Film ... A Brazilian Shame ...

2011-08-10T18:22:00.000-07:00

Quando estudei o capitulo peculiar da ditadura militar argentina, a professora para descontrair a classe contou algo bem interessante. No auge da repressão desmedida, o filme Laranja Mecânica de Stanley Kubrick foi censurado e proibido na época, os motivos são inúmeros. Mas o fato que chama a atenção é a história de muitos que viveram aquilo para ver o filme cruzaram o Rio de La Plata para assistir no Uruguai em praças publicas o filme de Kubrick. O genial foram os mesmos falarem “Eu assisti Laranja Mecânica no Uruguai”.

Pode parecer uma frase inocente, mas nunca vi combinar tanto com o que está passando no Brasil nos últimos dias. Principalmente no fato de que voltamos ao que não imaginaríamos após 26 anos veríamos em um estado livre, democrático que é o nosso país voltar a vivenciar um dos piores aparatos da ditadura militar, a censura. Pois bem, vocês, espectadores brasileiros estão privados do direito de assistir A Serbian Film nos cinemas por tempo indeterminado.

Os motivos da privação do cinéfilo ao ver esse filme são inúmeros, e muitos sempre emana uma questão moral extremamente forte, no qual dentro do mesmo filme tocam em temas que chocam seus pensamentos com o que para eles é ao borde do assustador. Acontecer em momentos incríveis da sociedade nacional como a vibração de inúmeros espectadores a morte de um personagem homossexual em uma novela onde 60 milhões de pessoas assistindo e gostando e principalmente o surgimento de um dia sem necessidade para criar ainda mais a intolerância legalizada. A censura ao filme surge como a cereja do bolo do neo-moralismo brasileiro.

Eu não me preocuparia com a questão da qualidade do filme, já que hoje vivemos (ou creio nisso) em uma sociedade que temos liberdade em validar opiniões, pensamentos e acima de tudo escolhas. Se muitos se incomodaram em ver os temas do filme, eles tem o direito em não ver e não recomendar aos seus amigos próximos e respeitar principalmente aqueles que viram o filme e não viram nada do que muitos alegam.

Se eu botar na minha cabeça o pensamento fundamental da censura ao filme, que foi o mal estar do público em determinadas situações, poderia muito bem argumentar a proibição de filmes medíocres brasileiros como Cilada.com ou qualquer enlatado brasileiro criado pela Rede Globo pela extrema má qualidade de seus filmes a todos nós, um publico decente. Ou até mesmo filmes que colocam um moralismo irreal por falta de proximidade a realidade de hoje.

Se o filme é bom ou não, pouco importa, o que importa é que nasci e fui criado em uma sociedade livre e sem censura. Seria mais coerente por parte daqueles que censuraram a responsabilidade de fiscalizar extremadamente cinemas de todo o país e pedir a identidade para impedir pessoas equivocadas a assistir e depois evitar problemas graves. Agora, aquelas pessoas que viram no cinema vão dizer com “orgulho”: Vi A Serbian Film no cinema! Após essa pergunta, apareceria... Você gostou? E responderiam ... Não, mas eu vi no cinema.

É lamentar e confirmar uma celebre frase do Away de Petrópolis, vivemos em uma sociedade criada a leite com pêra e ovomaltine. O filme pode ser sérvio, mas a vergonha, brasileira.

Submarine

2011-08-07T12:04:00.000-07:00

O cinema muitas vezes chega ao ponto em que a inovação cansa. Não é que não goste de vivenciar algo novo no cinema, muito pelo contrário, o cinéfilo hoje sempre necessita de uma renovação, mas quando encontramos algo que não sentimos algo dos produtores ao publico, isso vem a falhar. Submarine, dramédia britânica produzida por Ben Stiller é um exemplo perfeito que se tens uma formula conhecida, mas se exerces de coração, podes fazer a diferença.

A história do filme se passa nos meados dos anos 80 no qual o jovem Oliver Tate (Craig Roberts) vive sua rotina peculiar no qual sempre questionando seu papel no meio aonde vive. Mora com os pais Lloyd (Noah Wyle, A Fantástica Fábrica de Chocolate) e Jill Tate (Sally Hawkins, Simplesmente Feliz) que estão vivendo um momento peculiar, porém agradável aos olhos do rapaz.

Agora ele viverá duas situações diferentes, uma envolve em tentar namorar a misteriosa Jordana Bevan (Yasmin Tate) e tentar que ela seja sua primeira vez e salvar o casamento dos seus pais de Graham Purvis (Paddy Considine, Terra de Sonhos), um guru bizarro que foi um amor do passado de sua mãe. Essas mesmas situações serão as que vão modelar e transformar a vida de Oliver.

A novela de Joe Durthorne é retratada com uma sensibilidade sem igual pelo diretor Richard Ayoade. O filme inala a transformação da adolescência e toca em temas joviais que se difere com uma linguagem cinematográfica que dá privilégio aos indies. Ou seja, o filme carrega aqueles estilos de videoclipes de bandas britânicas e ainda com uma trilha de Alex Turner do Arctic Monkeys, tudo se torna extremamente gosto, para os fãs.

O elenco brilha nesse filme. O casal Craig Roberts e Yasmin Tate entra como o casal do ano. Um casal que não enaltece um romantismo ilusório como determinados casais americanos. As juras de sentimento não são feitas por palavras, mas nos gestos doces dos dois protagonistas emaranhados nas canções de Turner que se tornam mais um capitulo dos românticos cults. Também o “triangulo” amoroso dos adultos é retratado de uma maneira interessante e longe dos clichês. Sally Hawkins, Noah Wyle e Paddy Considine fazem a diferença.

Submarine é um projeto maravilhoso que saiu esse ano. Pode se dizer que é o romance Cult do ano ao lado de Blue Valentine, mas diferente do filme de Michelle Williams, Submarine não só foca o romance, mas a busca do amadurecimento sem cair em piegas. Talvez, em um futuro próximo, o novo xodó dos cinéfilos indies por trazer elementos que eles tanto amam. Mas para os dias de hoje, é um filme que transmite o porquê é tão especial ser verdadeiro no cinema. E esse filme é em sua pura essência.

Ficha Técnica
Submarine
Diretor: Richard Ayoade
Elenco: Craig Roberts, Yasmin Tate, Noah Wyle, Paddy Considine e Sally Hawkins como Jill Tate.
Gênero: Drama/Comédia/Romance
Cotação: 100% - *****