El Norte Del Cine

Una Batalla tras Otra

2026-03-13T13:57:00.009-05:00

De un tiempo a esta parte Paul Thomas Anderson se está volviendo algo más optimista en sus films; lejos está la crudeza de There will be blood (2007) o lo perturbador de The Master (2012), ahora parece estar más cerca de la retorcida felicidad de The Phtantom Thread (2014) o de la frescura Licorice Pizza (2021).

Adaptada libremente de la novela Vinland de Thomas Pinchon, aunque ambientada en un Estados Unidos actual, Anderson cuenta la historia de Bob (Leonardo Di Caprio), un exguerrillero que, luego de ocultarse 16 años, es redescubierto por su némesis, un psicópata militar encarnado por Sean Penn, por lo que deberá volver a huir, esta vez con su hija.

Pero sin lugar a dudas el personaje más sui generis es Perfidia, una guerrillera sanguinaria, excéntrica, y sumamente intensa, al punto que es prácticamente el motor causal de las primeras acciones de la película. Esto ha logrado que la actriz que la interpreta, Teyana Taylor se lleve una poderosa nominación al Oscar que es muy posible que gane.

La película no tiene un solo minuto de pausa, no da tregua y está salpicada de personajes cuasidelirantes (como la secta ultraderechista) y un humor bastante particular (las escenas de las llamadas telefónicas de Bob a la central rebelde son un buen ejemplo de ello). Todo se redondea con unos diálogos precisos que revelan la identidad y características de sus personajes.

Contribuye también a la espectacularidad de la película, su cinematografía en la que se ha empleado el sistema VistaVision, destaca no solo la movilidad de las escenas de acción, sino también las atmósferas de las locaciones, especialmente en esas tomas del desierto entre México y California, que evocan filmes clásicos, pero con una tecnología moderna, que les da un aspecto muy especial.

Es además una película necesaria: los escenarios en los que desarrolla, la crueldad de la represión contra inmigrantes (verbigracia ICE), la paranoia de las autoridades, la organización de la resistencia, etc. son un fiel reflejo de lo que está pasando o podría pasar muy pronto en Estados Unidos y otros países

Sin duda, fue uno de los mejores films del año que pasó y a nuestro parecer es uno de los dos más firme candidatos, para llevarse el Oscar, lamentablemente no todos en la Academia parecen pensar igual, esperemos que se lleve al menos 4 estatuillas. Esperemos también que esta nueva onda de PTA se mantenga en sus películas venideras.

El Agente Secreto

2026-02-24T13:28:00.001-05:00

Kleber Mendonça Filho era crítico de cine que escribió para diarios de su natal: Recife, capital del norteño estado de Pernambuco en Brasil. Con el tiempo decidió hacer lo mismo que hizo la gente de Cahiers du Cinema en Francia y pasarse de escribir sobre cine a hacer cine, y ha logrado hacer un cine casi único, original, centrado no en Río, Sao Paulo o Brasilia las grandes ciudades de Brasil, sino en su ciudad.

Quienes hemos tenido la suerte de seguir su carrera desde su primer largo, El Sonido Alrededor (O Som ao redor, 2013), conocemos la habilidad que tiene Mendonça para narrar historias y también para mezclar géneros, que se fue haciendo más evidente en sus posteriores trabajos como Aquarium (2016 estrenada en Netflix) en el que mezcla drama social con el documental o en el sertao western Bacurau (2018, co dirigida con Juliano Dornelles), en el que hay elementos de comedia, cine de acción y spaghetti western.

Ese deseo de experimentar lo hizo regresar al documental, cuando era ya un director destacado por sus filmes de ficción, y el resultado fue Retratos Fantasmas (2023), un documental que en realidad es un canto de amor al cine y a su ciudad natal. Fiel a su estilo, el documental muestra también elementos del cine de terror, y la ciencia ficción, en su cierre espectacular, que es otra de sus características finales desconcertantes, a veces felices, a veces no tanto, pero desconcertantes al fin.

Nos hemos detenido un tanto en Retratos Fantasmas, porque es evidente el nexo que la liga con O Agente Secreto (2025), una cinta que comienza como thriller ambientado en épocas pasadas, que tiene un enorme trabajo de investigación detrás, pero que a medida que avanza se ve invadido por escenas de otros films, comedias, dramas políticos, terror de serie Z, pero sobre todo un documental, que aparece casi súbitamente y luego va fagocitando la historia inicial, al punto de absorberla.

La historia comienza en 1977, "una época de mucha corrupción" según nos cuenta el texto introductorio. Armando (o Marcelo, según el caso interpretado por un sensacional Wagner Moura), llega en su escarabajo amarillo a Recife y se estaciona en un grifo a llenar su tanque de combustible. Pronto se da cuenta que allí cerca hay un cadáver tapado con cartones y diarios. El grifero le dice que no se preocupe, que el cadáver lleva días allí y pronto vendrán los policías a verlo. Pero cuando llega la policía, estos parecen más interesados en los documentos de Armando que en el cadáver anónimo, al final logra quitarselos de encima con cigarrillos.

Solo esta escena nos da una idea del grado de corrupción existente en esa ciudad, una ciudad a la que luego veremos que quiere mucho, pero en la que defintivamente no estará seguro, de allí que tenga que usar otro nombre. Marcelo (Armando) consigue un trabajo en el registro civil, mientras espera los pasaportes que le permitirán huir del país con su hijo, pero a la vez está averiguando sobre su madre.

Como hemos dicho al inicio, Mendonça Filho, es muy hábil para hibridar géneros, pero en esta película ha llegado a superarse a sí mismo. El director coge la cámara y con ella nos narra lo que parece ser un thriller, pero a medida que avanza va destrozando sus convenciones ante nuestros ojos y nos va insertando otros géneros, saliendo de todas estas acciones bien librado a pesar de que esto haga que su película (como casi todos sus filmes) extienda su metraje a casi 150 minutos.

No vamos a entrar en detalle en todas las líneas narrativas de El Agente Secreto, pero es muy importante destacar el carácter político del film. El director no solo ha rescatado para la memoria el oscuro pasado de las dictaduras latinoamericanas, que muchos ahora pretenden suavizar, justificar o simplemente decir que no existieron, sino que también funciona como advertencia de que esos peligros ahora están más vivos que nunca, y parecen estar resurgiendo en muchos lugares. En ese sentido El Agente Secreto no solo es una gran película o una película divertida, sino también un film necesario.

Nos alegra mucho que Mendonca Filho esté logrando por fin el reconocimiento internacional que merece, y es de esperarse que tanto su película como su actor principal, el gran Wagner Moura se lleven el Oscar de este año.

Hamnet

2026-02-16T22:07:00.003-05:00

Chloe Zhao es un caso relativamente extraño en el Hollywood actual. Nacida en Beijing, educada en Gran Bretaña y luego formada profesionalmente en la Escuela de Cine Tisch de Nueva York, pronto dio muestras de su talento con el documental en sus dos primeras películas Songs my brothers taught me y The Rider, que fueron aclamadas por la crítica.

Su consagración llegaría más adelante con Nomadland, basada en un libro de no ficción, de Jessica Bruder, sobre un grupo de personas que hacen su vida viajando por distintos lugares de los Estados Unidos y pasando algunas temporadas en campamentos. Esta película la llevaría a ganar su primer Oscar.

Luego contra todo pronóstico fue llamada a dirigir Eternals, un producto de Marvel en el que no encajo y fue uno de los fracasos más grandes del MCU.

Ahora ha regresado con Hamnet, basada en la novela del mismo nombre de la norirlandesa Maggie O'Farrell, quien narra un fgramento de la vida de Shakeaspeare y su esposa, concretamente los transcurridos entre la pérdida de su único hijo varón y el estreno de Hamlet, su obra más famosa.

La película ha tenido estrenos limitados, pero en todos ellos ha cosechado muy buenos comentarios, ha ganado premios en varios festivales y ha obtenido dos Globos de Oro (mejor película dramática entre ellos) generando altas expectativas, quizá demasiado altas.

Y es que en los tres primeros cuartos de la película podemos ver que se trata de un film bastante convencional: no hay planos ni composiciones memorables, la dirección artística es cumplidora, la narrativa es directa, lineal sin complicaciones y hasta allí las actuaciones de los protagonistas Jesse Buckley y Paul Mescal no tienen nada de extraordinario. No hay nada resaltante en el momento que se conocen, nada que destacar cuando se casan, ni tampoco cuando deben separarse para que William pueda escribir.

Mas bien, se hacen notar más los secundarios Emily Watson quiem destaca a pesar del opaco personaje (la madre de Shakespeare) que le tocó y el niño Jacobi Jupe, cuyo breve desempeño natural como el Hamnet del título logra conmover al espectador.

Se atribuye a Howard Hawks la frase una buena película debe contar al menos con 6 buenas escenas y niguna mala. Pero ¿qué pasa cuándo una película solo cuenta con una buena escena y las demás mediocres?, en esos casos solo queda asegurarse que esa escena vaya al final, porque es lo que siempre más recuerda el espectador.

Zhao sí que se ha asegurado de eso: la última escena sí es harina de otro costal, no entraremos en detalles para no espoilear, pero contiene una serie de imágenes, de actuaciones logradas, acompañadas de la música adecuada (no original, por cierto) como para conmover al espectador.

Además es un recuerdo de lo bueno que es el teatro, y el arte en general para conmover multitudes y lograr lo que los griegos llamaban catarsis. En esta escena Buckley sí está sobresaliente, su rostro cambia con naturalidad según la gama de sentimientos que va experimentando, y se complementa muy bien con sus gestos y demás movimientos corporales.

No estamos seguros si serán suficientes estos minutos al final para llevarse al Oscar, porque definitivamente son unos minutos conmovedores y bien logrados. Pero sí estamos seguros que no bastan para acercar el nivel del film al status de obra maestra que muchos le han querido otorgar.

Esperemos Zhao se supere en su próximo film.

Sinners: Pecadores

2026-02-06T13:10:00.004-05:00

La carrera de Ryan Coogler parecía conducirse a dirigir una serie de blockbusters, luego participar en las franquicias de Creed y las dos películas del universo Marvel sobre Wakanda, pero dio muestras de que su interés iba por otro lado, con la producción de Judas and the black messiah, la historia de una traición dentro del movimiento guerrillero de las Panteras Negras.

El director dice que la inspiración para escribir Sinners, le llegó de un momento a otro como una forma de rendirle homenaje a su tío fallecido y a su Mississipi natal, en el Sur de los Estados Unidos y fue tan fuerte la inspiración que se tardó solo en dos meses en escribir el guion.

La primera parte de la película, en efecto tiene mucho de homenaje, sigue a los gemelos Smoke y Stack (ambos muy bien interpretados por Michael B. Jordan) que regresan de una gran ciudad a su pueblo natal, para comenzar una vida nueva, forrados de un dinero del que hay muchos indicios de que no tiene origen muy lícito.

En esa primera parte conocemos a los personajes, tanto a los recién llegados como los que se quedaron en el pueblo. Vemos la pobreza, el retraso, la injusticia y sobre todo el racismo imperante, que esta siempre presente y se cierne como una amenaza duradera sobre la población, especialmente por la impunidad con la que actúan los blancos de la zona: violando, matando, apoderándose de propiedades entre otras cosas.

Esta primera parte está muy bien lograda: hay una buena dirección de arte, un buen trabajo previo de investigación, una excelente banda sonora y un acercamiento por momentos hasta documental para ponernos en contacto con una realidad del sur de Estados Unidos que es poco conocida.

En la segunda parte, de pronto ya pasamos a otra película. En el local que han alquilado los hermanos y se está llevando a cabo una divertida fiesta, además de la amenaza blanca, aparece también una amenaza de otra índole, y un poco más maligna: vampiros.

Si bien esta segunda parte sigue las reglas del género de terror y tiene buenos efectos en el enfrentamiento entre hombres y vampiros (por momentos hasta nos recuerda el Vampiros de Johan Carpenter), no termina de convencer. Y lo que es peor: esta segunda parte desmerece y choca frontalmente con el realismo que habíamos presenciado antes. Con un toque de realismo mágico, o algunos elementos sobrenaturales sutilmente introducidos hubiera quedado mejor, pero no, se prefiere el gore, el alboroto y la estridencia.

Y justamente reflexionando sobre esta segunda parte, es que uno se puede preguntar ¿Cómo la Academia ha podido otorgarle 16 nominaciones a este film? No porque sea una película (que no lo es), sino porque no es ninguna obra maestra. De hecho se llevará por lo menos la mitad de las estatuillas a las que está nominada, dejando en el camino a otros films que debieron estar allí.

Sueños de Trenes

2026-01-31T11:49:00.002-05:00

Clint Bentley debutó en el cine con Jockey un entretenido drama de un veterano corredor de caballos, con toques familiares. Ahora ha regresado con una producción para Netflix Train Dreams (Sueños de Trenes), la historia de un personaje que vivió entre fines del siglo XIX y mediados del XX y está basado en la novela corta de Denis Johnson.

El nombre del personaje es Robert Grainer, y su historia nos es contada por un narrador omnisciente, con una voz en off fuerte y altisonante, que aparece en los momentos más importantes de la historia y que funciona como hilo conductor, porque si bien la narrativa de la historia es lineal, está compuesta por varios momentos que se suceden unos a otros y personajes que entran y salen del film.

En ese sentido, la película nos hace recordar por momentos los últimos trabajos de Terrence Malick, por algunas de las tomas y movimientos de cámara (a cargo de Adolpho Veloso, nominado al Oscar por este film) que resaltan la naturaleza, y los breves momentos de felicidad de la vida familiar de Grainer, pero Train Dreams tiene una narrativa mucho más clara, y la fotografía de esta película es más funcional, no tan lírica y preciosista como en las películas de Malick.

El mérito del fillm es que si bien está contada por un narrador externo, siempre toma el punto de vista del personaje principal, nosotros vemos lo que él ve, olemos los aromas del bosque que le llegan, oímos lo que él escucha, y somos testigos de las escasas interactuaciones que tiene a lo largo de su vida, con la poca gente que llega relacionarse, y sabemos de su interior, porque el narrador nos cuenta lo que pasa no solo fuera, sino también dentro de él.

En ese sentido, la película se sostiene sobre todo por la actuación de Joel Edgerton quien dota al personaje de una gran sensibilidad, a pesar de que por momentos da la impresión de ser indiferente, especialmente en algunos momentos que interactúa con otros personajes y es testigo (y casi participante) de crímenes.

Aunque sus momentos en el film son muy breves, las actuaciones de Felicity Jones, Clifton Collins Jr, William H. Macy y Kerry Condon, son sobresalientes, le dan credibilidad y dignidad a sus personajes, y aprovechan muy bien los momentos que tienen con el protagonista Edgerton, para hacer química.

La película, que ya había tenido buenas crítics en el Festival de Sundance del año pasado y en las páginas de críticas, ha sorprendido con cuatro nominaciones al Oscar, entre ellas la de mejor película, pero tiene muy pocas posibilidades, a lo mucho se llevará una estatuilla.

Valor Sentimental

2026-01-28T13:56:00.002-05:00

Joachim Trier es un director noruego que se ha hecho conocido por acá gracias a su película anterior La Peor Persona del Mundo (2021), pero que era ya su quinto largo y con el que cerraba su hoy famosa trilogía de Oslo.

Con Valor Sentimental, Trier vuelve a trabajar con Renate Reinsve, quien ahora interpreta a Nora, una actriz teatral en crisis, que está a punto de abandonar sus presentaciones a pesar de su éxito y el gran reconocimiento del público. Su padre Gustav Borg (sensacional Stellan Skarsgaard) un director respetado y afamado, quien cree haber escrito el guion que le permita retirarse con honores, es padre de Nora y ofrece el papel principal a su hija, pero esta la rechaza de inmediato.

Desconcertado Gustav sigue adelante, y se le presenta una segunda oportunidad cuando la famosa actriz norteamericana Rachel Kemp, interpretada por Elle Fanning acepta trabajar con él. Sin embargo, a medida que intenta adentrarse en el papel, Rachel se dará cuenta que es demasiado complejo para ella.

Mientras tanto la decisión de filmar la película en la casa familiar, va a despertar en Nora y su hermana Agnes recuerdos de peleas y a partir de allí van a resurgir conflicos sin resolver, que amenazan con destruir la no tan sólida salud mental de las hermanas.

Con la habilidad que ya había puesto de manifiesto en sus filmes anteriores, Trier va aprovechar el excelente cuarteto de actores que ha reunido, y se lanza con éxito a la tarea de rebuscar en las interioridades de sus personajes, y de ponerlos en diversas situaciones que los llevan a confrontar forzosamente un pasado del que hasta el momento han venido huyendo.

Si bien hay muchos diálogos, los momentos que más comunican son aquellos en los que los actore permanecen en silencio, o bien hablan a través de sus rostros. Trier los sigue con la cámara y la acerca o la aleja, de acuerdo a lo que nos tengan que decir.

Trier además aprovecha para rendir homenaje a algunos de sus artistas favoritos: el más evidente es Personna (1966) la película del director sueco Ingmar Bergman, que además tiene un punto de partida similar: una actriz que está atravesando una crisis. La fusión de los rostros de los protagonistas, cierra el homenaje.

Otro homenajeado es el gran Henrik Ibsen, paisano del director, cuya famosa obra de teatro Casa de Muñecas, es representada por Nora en los momentos iniciales del film. Ibsen trabajó también con muchos personajes femeninos, al igual que Trier.

Se puede decir también que hay un pequeño homenaje a Hitchcock, cuando vemos a Gustav Borg emular al gran director inglés, al pedirle a la actriz que cambie su color de cabello, como Scotty le pedía a Madeleine/Judy en Vertigo.

Homenajes aparte, Sentimental Value es una película redonda, con escenas muy logradas, memorables, como el encuentro de las dos hermanas. El final tiene un cierre casi perfecto. Trier ha dado un gran paso adelante en su carrera.

Está nominada en 9 categorías, debería ganar en la mayoría.

Marty Supremo

2026-01-25T13:01:00.001-05:00

Josh Safdie es el mayor de los hermanos Safdie, de quienes hemos visto anteriormente trabajos interesantes como Good Time y Uncut Gems. El año pasado anunciaron que empezarían a trabajar por separado y Marty Supreme es el primer título que dirige Josh.

La película está basada libremente en el estafador Marty Reisman, un campeón de tenis de mesa norteamericano conocido más por sus apuestas y engaños. Aunque no aparezcan en pantalla fechas exactas, se puede decir que la película se ambienta entre 1949 y 1953.

Contribuye a la desorientación temporal el hecho de que Safdie haya decidido a usar arbitrariamente canciones de los 80 como parte de la banda sonora (Tears for Fears, The Korgis, Alphaville, Peter Gabriel, etc,) en lugar de temas de los 50, renunciando a la función ambientadora que suelen tener los soundtracks.

La historia sigue a Marty Mauser, un engreído, irreverente, megalómano y ambicioso jugador de tenis de mesa, que trabaja en una tienda de zapatos para tener algo de dinero y participar en el campeonato abierto de ese deporte en Londres.

La película tiene tres partes bien marcadas: en la primer vemos que a pesar de las no pocas dificultades Marty logra viajar y participar en el campeonato, quedando en segundo lugar, siendo derrotado por un relativamente desconocido japonés.

Cuando parece que estamos frente a la típica película de estrellas deportivas que logran el triunfo venciendo todas las adversidades, pasamos violentamente a la segunda parte, que es casi otra película. Esta se desarrolla toda en los bajos fondos de Nueva York, concretamente en el Lower East Side, donde Marty vive, se mete en un problema tras otro y está a punto de morir o ir a la cárcel en más de una situación.

Es aquí donde conocemos al personaje de Marty en toda su dimensión y se hace más repelente que nunca, algo parecido al Howard Ratner que interpretaba Adam Sandler en Uncut Gems (Diamantes en Bruto), el anterior film del director. Cada decisión que toma Mauser lo mete en un problema peor y cuando pensamos que ya no puede caer más bajo, pues no, siempre encuentra el modo de ir más al fondo.

Esta segunda parte es la más extensa de la película (demasiado quizá), y el director hace todo lo posible para hacerla la más insoportable. Es el momento en el algunos espectadores eligen para abandonar la sala y otros para taparse los ojos.

Josh Safdie filma esta escena de manera similar a como lo hacía en Uncut Gems: cámara en mano (o steady cam), movimientos rápidos, montaje acelerado, y abundancia de primeros planos o planos cortos, dándole una especie de terapia de inmersión al espectador.

Y así llegamos a la tercera parte: la de la redención en la que el protagonista por fin logra tener una segunda oportunidad, pero claro, después de todo lo visto, las dificultades continúan y no se puede decir que se trata de alguien que logra cumplir sus sueños.

Aunque estamos seguros que el director no lo planeó así, la película se hace todavía más insoportable por el deficiente doblaje al que ha sido sometida. Un doblaje que no solo emplea al mismo puñado de actores que oímos por acá en todas las películas hollywoodenses (oir a Timothée Chalamet hablar con la misma voz de Leonardo di Caprio de Una batalla tras otra, ya cansa), sino que no cuida las pronunciaciones y no se asegura de neutralizar los acentos regionales.

En una película que se construye a base de diálogos, es un muy mala decisión no proyectarla en su lenguaje original. Ahora mismo no se podría afirmar que Chalamet merece esta candidatura al Oscar porque la voz que le han puesto suena muy artificial y limita notablemente su registro. Antes las nominadas al Oscar se estrenaban en su versión original, qué lástima que también se esté perdiendo esa buena costumbre.

En suma no es un mal trabajo, pero tampoco es la obra maestra que parecen indicar sus nueve nominaciones al Oscar; quiza se lleve al menos un par. Veremos que que tal será el próximo trabajo de Safdie en solitario.

Las mejores películas del 2025

2025-12-31T16:15:00.005-05:00

Con uds las películas que más nos gustaron de lo que pudimos ver en el 2025 separadas como siempre por medio:

CARTELERA COMERCIAL Y STREAMING

Una Batalla tras Otra (One Battle after Another de Paul Thomas Anderson)

De un tiempo a esta parte Paul Thomas Anderson se está volviendo algo más optimista en sus films; lejos está la crudeza de There will be blood (2007) o lo perturbador de The Master (2012), ahora parece estar más cerca de la retorcida felicidad de The Phtantom Thread (2014) o de la frescura Licorice Pizza (2021). Adaptada libremente de la novela Vinland de Thomas Pinchon, aunque ambientada en un Estados Unidos actual, Anderson cuenta la historia de Bob (Leonardo Di Caprio), un exguerrillero que, luego de ocultarse 16 años, es redescubierto por su némesis, un psicópata militar encarnado por Sean Penn, por lo que deberá volver a huir, esta vez con su hija.

Y de eso va la segunda parte de la historia: la persecución. Pero no es una persecución cualquiera, es una en la que el supuesto héroe comete un error tras otro (ni siquiera puede reiniciar la comunicación con sus excolegas) y su fuga acabaría en una muerte segura de no ser por la intervención de un extraño maestro de karate (Benicio del Toro) y la revelación de los genes de su hija, una guerrillera en potencia. La película no tiene un solo minuto de pausa, no da tregua y está salpicada de personajes cuasidelirantes (como la secta ultraderechista) y un humor bastante particular. Sin duda, uno de los mejores cinco films del año.

La Noche de la Desaparición (Weapons de Zach Cregger)

Esta es sin duda la película de terror del año. Una madrugada, a las 2.17 de la mañana para ser más exactos, casi todos los niños de un salón de clase salen disparados de sus hogares para desaparecer sin más. Los esfuerzos de los padres y de la policía son totalmente vanos. Solamente el instinto de la profesora de los niños (a quien los padres acusan sin razón) y la obsesión de uno de los padres, parecen ser los únicos caminos con posibilidades de acercarse a la verdad.

Dirigida por Zach Cregger, quien ya había sorprendido anteriormente con Barbarian, la película más que una historia es la suma de varias historias, todas centradas en uno de los personajes del film, de tal manera que el director nos obliga a reconstruir los hechos basándonos en la información parcial que nos proporcionan estas historias. Esto le da a la película la impredictibilidad de un buen thriller, aunque ya cerca al final la cinta desemboque en las aguas conocidas del gore y el terror clásico. Estupendas actuaciones de Julia Garner, Josh Broliln y Amy Madigan.

Pecadores (Sinners) de Ryan Coogler

Esta es el segundo mejor estreno de terror del año. Se centra en la historia de dos hermanos, que regresan a su pueblo en los años 30 luego de ganar mucho dinero, para poder instalar un negocio en las afueras de la ciudad. Esta primera parte está muy lograda, y funciona como documento histórico y denuncia de una parte de la historia norteamericana que siempre ha buscado encubrirse

La segunda parte cuando se ingresa ya al terror más convencional (por ratos recuerda a los filmes de John Carpenter), decae un poco y se vuelve más previsible. Sin embargo es efectiva y está rodada con buenos efectos especiales, que hacen que en su conjunto no decaiga mucho.

El Brutalista (The Brutalist) de David Corbett

El Brutalista es que no es un biopic convencional. Es más, tampoco es seguro que sea un biopic: desde los primeros planos del film ya se puede intuir que se trata de una película en que más que los hechos y obras que han ocurrido en la vida de una persona, lo que importa acá son las sensaciones, las interioridades y los tormentos que sufre el protagonista.

Para ello se vale de una cámara muy móvil (fotografía de Lol Crawley) que sigue de manera muy cercana al protagonista Laszlo Toth y logra planos extraños como aquel de la Estatua de la Libertad invertida, o que prácticamente le respira al cuello de los personajes como aquella incómoda escena en Filadelfia, cuando Laszlo celebra con su primo Attila y su esposa Audrey. Estas sensaciones de ahogo e incomodidad se acentúan todavía más gracias a la música de Daniel Blumberg, la cual parece haber sido diseñada para irritar y aturdir al espectador en esos momentos precisos. Aunque también tiene otros momentos de grandilocuencia wagneriana, como el final del segundo acto.

Fue solo un accidente (It was just an accident) de Jafar Panahi

Ya casi cerrando el año se estrenó comercialmente (aunque de manera reducida), la ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes. La película marca el retorno del director iraní Jafar Panahi al cine, a pesar de estar bajo arresto domiciliario.

Con su neorrealismo habitual la película cuenta cómo a partir de un accidente menor, resurgen varios fantamas del pasado: el del terrorismo de estado, las torturas y las detenciones arbitrarias. Todo ello a traves de extensos e intensos diálogos. El cierre es de antología.

Flow de Gints Zibalodis

Flow, es una película del letón Gints Zibalodis, quien antes solo tenía un largo y unos cortometrajes en su haber. Realizada con un software libre y poco más de tres millones de euros (frente a los cientos de millones de dólares que cuestan los productos de Pixar o Dreamworks), la película se impuso a pesar de la competencia. Su argumento es simple hay una enorme inundación que pone en peligro la vida de varios animales (entre los que destaca un gato), en un bosque y ellos hacen hasta lo imposible por sobrevivir, navegando en botes y barcos hasta llegar a un lugar seguro, no sin antes sortear una serie continuada de peligros.

Lo primero que destaca de Flow es la originalidad de su trazo: si bien es muy realista al mostrar los bosques, plantas, y los movimientos de los animales, estos lucen inacabados, como si los viéramos siempre de lejos y no pudiéramos observar detalles de su rostro o de su pelaje. Esto le da a la película un toque distintivo que hace que no se parezca nada a la animación que estamos acostumbrados a ver: ni las producciones hollywoodenses, ni las japonesas.

La Niña Zurda (左撇子女孩) de Shih-Ching Tsou

Cinta taiwanesa producida y co guionizada por el ganador del Oscar del año pasado Sean Baker y dirigida por la realizadora taiwanes Shih-Ching Tsou. Narra la historia de una madre y sus dos hijas en apuros económicos que deben mudarse a un mercado nocturno de Taipei. I Ching, la niña menor es zurda y eso le traerá problemas sobre todo con su abuelo, quien intenta reprimirla diciendole que esa mano "la mueve el diablo", esto desencadenará toda una serie de consecuencias que culminarán en una sorprendente revelación.

Justo al acabar el año Netflix se guardó esta especie de dramedia neorrealista, sorprendiendo a todos por su relato claro, directo y con un estilo casi documental (fue grabado con celulares). La primera media hora, en la que se presentan los personajes es algo compleja, pero luego la narrativa fluye con facilidad.

Formula 1 de Joseph Kosinski

Dirigida por Joseph Kosinski, la trama sigue a Brad Pitt un piloto con años de experiencia que regresa a la Fórmula 1 a salvar la escudería de un amigo (Javier Bardem) y a tomar a su cargo a un joven e impetuoso piloto (Damson Idris), más pendiente de las redes sociales que de su carrera.

Kosinski dirige esta película al estilo clásico, apoyándose en las buenas actuaciones de sus protagonistas, sobre todo en Brad Pitt quien nos recuerda por momentos al gran Paul Newman de los 60. Se estrenó primero en salas y luego de varios meses pasó a Apple TV.

Nosferatu de Robert Eggers

Robert Eggers regresa al terror luego de su incursión en el cine de aventuras con The Northman. Esta vez revisita un clásico del cine mudo, concretamente del expresionismo alemán: el Nosferatu ( 1924) de Murnau, que a su vez no es otra cosa que la versión alemana del Drácula de Bram Stoker.

Empleando la estética, colorización y en cierto modo hasta el maquillaje de la cinta de 1924 Eggers centra más la película en el personaje femenino Ellen, subvirtiendo la trama original. Aún así, la película no supera la versión original ni tampoco la revisión que en 1976 hiciera Werner Herzog.

Del Cielo al Infierno (Highwest 2 Lowest)

El regreso de Spike Lee tras cámaras siempre es una buena noticia y más si se trata de un retorno con una adaptación de una obra original de Akira Kurosawa. Protagonizada por Denzel Washington y Jeffrey Wright, ellos encarnan a un magnate de la música y a su chofer y confidente, quienes deben enfrentarse al secuestro del hijo de uno de ellos.

Lee aprovecha la historia para hacer una crítica dura a la música actual y al mundo de las rede sociales, al mismo tiempo que rinde un homenaje al Nueva York que ya se va y a las bandas salseras portoriqueñas. En Perú, se estrenó de frente en Apple.

FESTIVALES Y ALTERNATIVOS

O Agente Secreto

Marcelo, un hombre cercano a la cuarentena se ha mudado a Recife, al norte de Brasil, para buscar información sobre su familia. Poco a poco iremos descubriendo que es un hombre perseguido por fuerzas corrupta que están a punto de llegar a él

Premiada en Cannes y basada en un hecho real en el Brasil de fines de los 70, este nuevo trabajo del gran director brasileño Kleber Mendonca Filho, es una pieza de relojería. Se nota que el director conoce al dedillo todos los géneros que visita y termina subvirtiendo y homenajeando hasta llegar al final de una historia cuyo final aún no ha sido escrityo.

Sentimental Value de Joachim Trier

Una actriz en crisis, que está a punto de abandonar sus presentaciones a pesar del gran reconocimiento del público. Un director respetado y afamado que es a su vez padre de la actriz anterior, que cree haber escrito el guion que le permita retirarse con honores.

Estos son los puntos de partida para una historia que sin lugar a dudas es un homenaje actualizado de Personna de Bergman, solo que con dos personajes centrales en lugar de uno. El noruego Joachim Trier ha subido un peldaño más en la evolución de su cine y dirige con maestría a dos grandes actores como la noruega Renate Reinsve y el sueco Stellan Skarsgaard.

Nouvelle Vague de Richard Linklater

Richard Linklater, el creador de joyas como Before Midnight y School of Rock, regresa esta vez con la recreación de un hecho que marcó la historia del cine: la filmación de A bout de souffle, el primer largo de Jean-Luc Godard. A lo largo de poco más de cien minutos vemos desfilar en pantalla a los principales cultores del movimiento Nouvelle Vague y a la vez la historia de la nada fácil filmación de A bout de soufflé, una cinta que cambiaría para siempre el devenir del 7mo arte.

Linklater nos ha regalado un hermoso trabajo, lleno de sentimentalismo y nostalgia que da a conocer a los néofitos un hecho importante y a los más enterados los llevará de vuelta a un hermoso pasado,

Romería de Carla Simón

Designada como la mejor película de Carla Simón y la película del año en España, la directora de Alcarrás nos presenta ahora la historia de Frida una joven cuyos padres murieron durante la epidemia de sida en los 80 y fue criada por su familia materna. Años después debe sin embargo regresar a la tierra de su padre, a obtener una documentación. Este viaje funciona como una vuelta al pasado y a los orígenes.

Carla Simón nos confirma porque es una de las directoras de las que más se habla, al revelarnos con maestría los secretos de una familia, con un estilo y sutileza que nos recuerda mucho justo al Eric Rohmer de Comedias y Proverbios, su serie de films de los 80.

Un Poeta de Simón Mesa Soto

Un poeta, es comedia satírica sobre un alcohólico que quien alguna vez publicó un libro y por eso se cree poeta incomprendido e injustamente postergado. Es obligado luego a trabajar de profesor, donde conoce a una estudiante que escribe poemas y a la que quiere encumbrar como uno de los nuevas promesas de la literatura de su región.

Dirigida por el colombiano Simón Mesa Soto, y ambientada en Medellín, la película no deja títere con cabeza y despiadada con toda la fauna de pseudoliteratos que se durmieron en los pocos laureles que lograron cosechar. Solo al final se atreve de mostrar algo de piedad con su particular protagonista.

80+ de Zelimir Zelnik

Dirigida por Zelimir Zelnik, 80+ es un documental híbrido, en clave de comedia, acerca de un músico serbio que participó en una banda muy famosa en los 60 y a quien luego el gobierno le expropió la tierra de su familia. ”. Zelnik fue uno de los integrantes de la llamada “Ola Negra” (el nombre que recibió la Nueva Ola en Yugoslavia) y es uno de los pocos que todavía se mantiene en actividad a pesar de que cuenta ya con 83 años.

La película presenta personajes entrañabales que enfrentan a la vejez con optimismo a pesar de las dificultades que puedan surgir.

Gatillero de Cris Tapia Marchiori

Un ex sicario recién salido de prisión, acepta un trato aparentemente menor: disparar contra un comercio, luego se da cuenta que le han tendido una trampa y lo acusan del asesinato de una traficante de drogas del lugar desatándose una persecución en la que interviene medio barrio.

Sorprendente film debut del argentino, Cris Tapia filmado en un solo plano secuencia y en tiempo real entre la madrugada y el amanecer.

La Mente Maestra (The Mastermind) de Kelly Reichardt

Basada libremente en un hecho real de los años 70, la directora británica Kelly Reichardt, cuenta la historia de un carpintero desempleado que planea robar un museo para vender las obras de arte y poder solventar sus urgencias económicas.

A partir de aquí sin embargo, la directora subvierte todas la normas del género de robos perfectos, y más que en intentar resolver el caso, se centra más en mostrarnos las consecuencias sicológicas del atraco en el personaje.

Tardes de Soledad de Albert Serra

Polémico pero muy interesante documental del realizador catalán Albert Serra, quien sigue muy de cerca las jornadas del torero peruano Andrés Roca Rey. El director se centra en la relación hombre-toro, diferenciandose así de otros documentales que no prescinden del público, por ejemplo.

Una casa con dos perros de Matías Ferreyra

Uno de los pocos exponentes del cine cordobés (Córdoba, Argentina), vista en el Festival de Lima. Ambientada en esa ciudad durante la crisis del 2001, el director va mostrando poco a poco las luchas internas de una familia, especialmente entre una hija y su familia que viene a ocupar la casa de su madre con inicios de demencia senil.

Con buen tacto y algunos recursos de realismo mágico, Ferreyra cuenta una historia bastante original y con un final sorprendente,

CINE PERUANO

Como siempre la lista del cine peruano, es una lista incompleta. Parece mentira pero el cine más difícil de ver en nuestro país es nuestro propio cine peruano, ya es tiempo que se mejoren las condiciones de distribución y que se abandone nuestro cine a los vaivenes del mercado o de la escasísima voluntad de apoyo de los distribuidores. Se nos quedaron por ver títulos importantes como A media calle o Políticas Familiares que posiblemente hubieran estado en esta lista.

Vino la Noche de Paolo Tizón

Con esta película hay una suerte de unanimidad: de todos los que la han visto no he encontrado a nadie que le haya disgustado. Vino la noche, es un documental inmersivo, que se mete a fondo en una base militar y narra con increíble proximidad la dureza de un curso de entrenamiento del que ellos han elegido fomar parte.

El increíble realismo de las imágenes y los sonidos es algo pocas veces visto en otros documentales peruanos, sobre todo si se toma en cuenta que muchas de ellas se grabaron con celurares en entornos complicados. Todo ello sin ánimo de denunciar o lisonjear, solo mostrar las cosas como son. Paolo Tizón ha tenido un extraordinario debut en el largo, que definitivamente le augura un gran futuro.

Uchpa de Antonio Rodríguez Romaní

Uchpa (cenizas en quechua), sigue la trayectoria de Fredy Ortiz vocalista y fundador del grupo del mismo nombre que revolucionó el rock peruano de los años 80 al interpretar canciones de ese ritmo en quechua ayauchano.

Este documental sigue tres caminos: por un lado recurre al material de archivo (videos, fotografías y recortes de diarios) para narrar los orígenes del grupo, una presentación reciente del grupo en el Teatro Nacional, y testimonios tanto de Ortiz, como de personas que trabajaron y vivieron con él su etapa de policía combatiendo al terrorismo. Esta última se sigue con más interés con las anteriores, porque Ortiz es un personaje muy rico y que tiene mucho que contar.

Ramón y Ramón de Salvador del Solar

Ambientada durante la pandemia, el film nos cuenta la historia de Ramón, un exitoso contador que vive solo en un departamento y que ha vivido los últimos años de su vida alejado de su padre. Esa herida se abre aún más cuando recibe las cenizas de su padre, con quien no estuvo ni en los últimos minutos de su existencia.

Alejado del drama político de su film debut Magallanes (2015), del Solar nos trae una historia mucho más íntima: sobre las a veces complicadas relaciones paterno-filiales y que se vale del buen momento y el esfuerzo del actor Emmanuel Soriano para sacar adelante un guion que en muchos momentos es muy esquemático.

El Corazón del Lobo de Francisco Lombardi

Inspirada en un hecho real, esta película cuenta la historia de Aquiles, un niño indígena que fue raptado por Sendero Luminoso y convertido a su pesar en terrorista. Si en algún momento parece llegar a convencerse de la ideología de los terroristas, llegada la adolescencia se desengaña y está buscando siempre la oportunidad de escapar.

Se puede decir sin temor a equivocarse que estamos ante la mejor película de Lombardi de los últimos 20 años, el guion de Augusto Cabada y por momentos la factura técnica contribuyen a ello. Pero eso no quiere decir que esté entre las mejores. Está muy lejos de La Boca del Lobo (1983) y de otros títulos. Le juegan en contra la elección del protagonista y una caracterización de los senderistas más cercana al cliché.

La Memoria de las Mariposas de Tatiana Fuentes Sadowsky

En plena era del caucho, a comienzos del siglo 20, dos niños indígenas Omarino y Aredomi son capturados y llevados a la fuerza de la amazonia peruana a Inglaterra. Este documental experimental trabajadas sobre material de archivo (películas en super 8mm y fotografías), trata de reconstruir la historia de estos adolescentes, a la vez que denuncia las brutalidades cometidas por los caucheros en esa vergonzosa época de nuestra historia.

Fuentes Sadowsky "le saca el jugo" al material encontrado, al que complementa con gráficos que se superponen en algunas ideas, y mucha voz en off. El resultado no deja de ser interesante, pero puede llegar a cansar.

Runa Simi de Augusto Zegarra

Hace algunos años Dylan y Fernando Valencia sorprendieron al mundo al haber llegado a las puertas de la todopoderosa Disney, para que les autorizara la versión de El Rey León en quechua, para que pueda ser más apreciada en las comunidades andinas.

El guionista y realizador Augusto Zegarra vio en la noticia de los Valencia, una historia importante que contar y se decidió a grabarla en un documental. Si bien la película se deja ver, no llega a tener nunca la profundidad que debería y el resultado parece más un reportaje periodístico que un documental.

Mistura de Ricardo de Montreuil

Norma Piet (Bárbara Mori en un rol en el que no termina de convencer) una mujer franco peruana de la alta sociedad, es abandonada por su esposo y cuando está tocando fondo encuentra consuelo y recuperación en la cocina, apoyada por su fiel chofer Oscar (César Ballumbrosio en una muy correcta actuación), haciendo frente a la sociedad conservadora, clasista y machista de la Lima de los 50.

Aunque probablemente se trate del mejor trabajo de De Montreuil hasta la fecha la película no llega a cuajar en ningún momento: lo que inicia como un melodrama telenovelesco, gira hacia una crónica que pretende narrar los inicios de la comida peruana con sus chispazos de denuncia social, y se queda a mitad de camino en todos ellos. Eso sí, como siempre el director se esforzó en el acabado técnico.

Flow

2025-03-08T12:19:00.002-05:00

La animación europea, sobre todo la de Europa Oriental tiene una larga tradición animada que viene desde hace varias décadas. Países como Polonia, Chequia (ex República Checa), Letonia, Estonia entre otros han elaborado reconocidas obras de animación que lamentablemente no hemos podido ver acá, por la enorme presencia oligopólica hollywoodense, que apenas deja espacio a producciones japonesas (aunque casi solo Ghibli) y en menor grado hispanoamericanas.

Por eso ha sido una enorme y agradable primero el estreno y luego el Oscar al mejor film animado a Flow, una película del letón Gints Zibalodis, quien antes solo tenía un largo y unos cortometrajes en su haber. Realizada con un software libre y poco más de tres millones de euros (frente a los cientos de millones de dólares que cuestan los productos de Pixar o Dreamworks), la película se impuso a pesar de la enorme competencia.

El argumento de Flow es muy simple: hay una enorme inundación que pone en peligro la vida de varios animales (entre los que destaca un gato), en un bosque y ellos hacen hasta lo imposible por sobrevivir, navegando en botes y barcos hasta llegar a un lugar seguro, no sin antes sortear una serie continuada de peligros.

Otro signo propo de Flow es la enorme "movilidad de la cámara"; si bien en el cine de animación no existen movimientos de cámara como los del cine live action, el software actual para animación permite emular paneos, giros o movimientos similares a las grúas o drones. Zilbalodis aprovecha este recurso para darnos perspectivas prácticamente 360° de todos los movimientos de los personajes, y esto aumenta la sensación del espectador de encontrarse con ellos por ejemplo en las continuas caídas al agua.

Otro rasgo en el que el cineasta letón se aleja de la animación tradicional es que se aleja de la humanización de los personajes: estos no tienen en ningún momento rasgos físicos humanos, ni siquiera hablan, porque en la película no hay diálogos, solo los sonidos naturales que emiten perros, gatos, lémures, capibaras, ballenas o aves secretarias.

Usualmente la música en los filmes animados suele ser estridente, imponente, acompañan metraje sinteizado o construye momentos donde los personajes cantan y/o bailan. En Flow la música compuesta por el mismo Zilbalodis junto a Rihars Zalupe, acompaña casi toda la película, pero apena se siente. Son temas que imitan el ruido del agua, el oceáno, la lluvia o el viento, y se complementa muy bien con ellos, logrando que el espectador se compenetre más con la trama.

En las escenas oníricas o en el único momento que la cinta rompe con el realismo, la música adquiere recién mayor presencialidad, dotando las escenas de una atmósfera de ensoñación.

En definitiva nos atrevemos a afirmar que Flow es una de las mejores películas de animación que hemos visto al menos en los últimos 10 años y ha sido una suerte que haya podido llegar hasta nosotros. Ojalá sus premios le abran las puertas a toda esa importante animación europea que se mantiene en gran parte invisible para nosotros.

A complete unknown

2025-02-28T11:02:00.004-05:00

Llevar al cine la vida o los hechos de una persona cuya vida y obra ha sido tan abudante e influyente, es una misión muy difícil. Y tratándose de una figura como Bob Dylan la cosa puede ser peor, sino preguntele a Todd Haynes quien intento hacerlo con la experimental I'm not there (2017) cinta en la que Dylan era interpretado por varios actores y una actriz.

James Mangold, director quien ya antes había hecho una biopic de otro grande la música folk: Johnny Cash en Walk the line (2005), ha decidido centrarse solo en la etapa inicial de Dylan, entre 1960 a 1965 adaptando la novela de no ficción "Dylan goes electric" de Elijah Wald.

La película tiene una estructura convencional, con narrativa lineal sin saltos de tiempo, con un lenguaje audiovisual que no busca impresionar, sino que se pone siempre al servicio de la historia...si nos limitamos a esos aspectos la película no sería otra cosa que una sucesión de viñetas anecdotarias. Pero Mangold cuenta con dos ingredientes que sabe aprovechar muy bien: la extraordinaria música de Bob Dylan (y otros artistas) y un reparto sobresaliente.

Esto se evidencia desde la primera intervención de Timothée Chalamet como Dylan, cuando llega al hospital a ver a su ídolo enfermo Woody Guthrie y le dedica una canción. Aunque los biógrafos señalan que este encuentro no se dio así (y menos con Peter Seeger al lado de la cama), la forma como lo estructura Mangold es bastante efectista y la manera como Chalamet toca la guitarra y canta (sí, es su voz), simplemente es mágica. Desde este momento la película se gana al espectador.

En un tiempo donde tenemos que hacer un gran esfuerzo por distinguir lo falso de lo real, la interpretación de Chalamet luce tremendamente auténtica. Felizmente él no es el único que luce real,la producción reclutó a californiana Monica Barbaro para el rol de Joan Baez, cantante que ya era famosa cuando Dylan recién iniciaba; con ella grabó importantes temas para esa década y sostuvo una relación de pocos años.

Barbaro también canta con su propia voz, que se asemeja sorprendentemente a la hermosa voz de soprano de la Joan Baez original, y compone un personaje íntegro, acabado que si bien se deja impresionar por Dylan, no duda en echarlo o gritarle sus verdades cuando éste se pasa de la raya. Ojalá se alce con el Oscar a la mejor actriz de reparto, su trabajo realmente lo merece.

El resto del reparto también es digno de destacarse: Elle Faning como Sylvie Russo (personaje ficticio pero que guarda similitudes con Silvia Rotolo, una de las novias de Dylan), Edward Norton como el al inicio bonachón Peter Seeger, o Scott McNairy como el agonizante Woody Guthrie, Boyd Holbrook como Johnnie Cash, entre otros, que aparecen muy poco tiempo.

En suma se trata de un trabajo digno de verse, que evidentemente gustará más a los fans de Dylan y el folk rock, y que nos transporta con nostalgia a unos tiempos donde el talento acompañado de una guitarra terminaba por conquistar a millones de personas y convertirse en la voz de una generación. Muy distingo a los complicados tiempos de hoy.

Nickel Boys

2025-02-21T11:42:00.002-05:00

Ramell Ross es un escritor y documentalista norteamericano, que sorprendió con su primer largo, trabajo por el cual se llevó un Emmy y una nominación al Oscar al mejor documental. Para su segundo largo ha decidido adaptar la novela de Colson Whitehead Nickel Boys, que relata las vivencias de un par de amigos en un centro de detección para delincuentes juveniles, en los años 60, en Florida.

La película comienza con la historia de Elwood, un niño huérfano de raza negra, muy inteligente que residía en Florida, al sur de Estados Unidos. Criado por su abuela, destacó pronto en la escuela y cuando termina secundaria su profesor le propone ir a una universidad gratuita para niños destacados. En el camino a su primer día en esa institución es "jalado" por un conductor que para mala suerte resultó ser un ladrón de autos.

De nada sirvió decir que él no tenía nada que ver; eran los años 60 y si eras una persona de color en Estados Unidos ibas inmediatamente preso. Como era menor de edad fue enviado a un reformatorio llamada Nickel, donde pronto se hace amigo de Turner, quien pronto lo pone al corriente de todas las atrocidades que ocurren en ese lugar.

Como marca personal, el director Ross recurre a un estilo audiovisual particular para contarnos a esta historia: renuncia a los recursos clásicos de planos generales, movimientos y transiciones sutiles para emplear en cambio planos subjetivos (que generalmente muestran el punto de vista de los dos protagonistas), como consecuencia de ellos planos medios o enteros, con personajes rompiendo la cuarta pared (o hablandole a la cámara), transiciones bruscas e insertos de imágenes de otras fuentes (destacan documentales, la película Fuga en Cadenas de 1958, o imágenes sueltas que cobrarán pleno sentido más adelante).

Este estilo original funciona muy bien en la primera parte, donde se sugiere que lo que estamos viendo son evocaciones y las imágenes emulan muy bien la naturaleza imprecisa, opaca o nebulosa de los recuerdos. Pero esta manera de filmar no se limita a los primeros momentos, sino que se extiende a todo el metraje de la cinta y en momentos llega a cansar.

Sin embargo la película se sostiene por los diálogos e interacción entre Elwood y Turner, que tienen una amistad sincera, pero modos opuestos de ver la realidad. El primero optimista e idalista y el segundo realista y cínico, que ha aprendido que esa forma de ser podría ser su garantía de sobrevivir, en un lugar donde muchos chicos han desparecido y se sospecha que están enterrados en un cementerio clandestino.

Otro acierto de Ross es no regodearse en los momentos duros de la película, cuando estos ocurren la cámara gira y nosotros escuchamos ruidos fuera de campo o somos llevados a otra realidad por uno de los insertos mencionados. Pero igual es fácil darse cuenta de las consecuencias del racismo imperante, las injustas marginaciones a las personas de color, las torturas, abusos y los asesinatos.

A diferencia de las películas tradicionales de este tipo, donde hacia el final el director explica con lujo de detalles (incluyendo textos e imágenes) lo que ocurrió, y muestra como están los personajes en la actualidad, acá solo vemos algunas pocas escenas que son difíciles de apreciar por los planos subjetivos de los que ya hemos hablado,pero que a partir de las cuales cualquier espectador podrá deducir qué ocurrió con Elwood, Turner y se llegaron a descubrir los horrendos crímenes que ocurrieron en Nickel.

En suma, se trata de una película bastante interesante, muy lograda y sorprendente para ser la segunda obra de un realizador. Es una lástima que no se la haya promocionado lo suficiente y esté pasando práticamente desapercibida, ni siquiera se estrenará en cines sino que irá de frente al streaming. Quizá sea por esta razón que solo haya sido nominada a dos óscares: mejor película y mejor guion adaptado. Ojalá que aunque sea obtenga este último.

La Chica de la Aguja

2025-02-14T19:19:00.002-05:00

Magnus Von Horn es un director sueco, pero que estudió e inició su carera en Polonia, país del cual también tiene la nacionalidad. Tras sufrir un atroz asalto en Varsovia, ni bien llegó a la ciudad, se interesó en narrar historias de personajes violentos y sus motivaciones.

La Chica de la Aguja (Pigen med nalen, 2024) no es la excepción. Ambientada en la Copenhague de 1918, relata la historia de Karoline una muchacha que vive en la miseria y que es arrojada del cuarto en que habita porque no puede pagar el alquiler. Hace tiempo que no tiene noticias de su esposo que está peleando la primera guerra mundial y por ello al solicitar pensión de viudez en la fábrica donde trabaja, le es denegada.

Sin embargo tiene un romance con Jorgen el dueño de la empresa, de la que queda embarazada. Está muy esperanzada con casarse (eso le dice a su marido mientra lo echa de su casa, luego de que aparece desfigurado), pero la madre del señor Jorgen no quiere saber nada con ella y la echa. Sin tener donde ir intenta interrumpir el embarazo con una aguja (de allí el título), pero conoce a una señora que le ofrece su ayuda para dar en adopción a su hija y luego le da trabajo y cobijo en su casa. Hasta aquí parece haber encontrado la tranquilidad, pero la amable señora de nombre Dagmar oculta un terrible secreto.

Lo primero que llama la atención en esta película es la hermosísima fotografía en blanco y negro del polaco Michal Dymek, quien ya había dado muestras de su arte en Cold War (2018). Usando mayormente focales largas, prácticamente cada encuadre es una obra de arte, tanto por su composición clásica como por su iluminación.

Esto se complementa con la dirección de arte de Jagna Dobesz, quien ha hecho un magnífico trabajo reconstruyendo en Polonia el Copenhague de comienzos de siglo XX, con un gran nivel de detalle. Y por supuesto también con la música de Frederikke Hoffmeier, que subraya los momentos dramáticos o incrementa lo tenebroso de algunas atmósferas solo con algunos acordes.

Por supuesto, no hay que ignorar el trabajo del realizador. Von Horn narra con soltura y agilidad esta historia que primero parece encaminarse hacia la tragedia, luego hacia el drama romántico para finalmente adentrarse en los terrenos del thriller. Los continuos y bien estudiados giros de la historia, hacen que se vuelva impredecible y mantenga el interés del espectador.

Algunos lo acusan de regodearse en la miseria material y humana que se ve en el film, pero no es así: Von Horn solo es destallista, muestra una realidad lo más próxima posible a una época muy dura, donde hubo hambruna y muerte y además muestra a sus personajes sin juzgarlos.

Para ello obviamente tiene una gran ayuda del dúo protagonista: Vic Carmen Sonne, tiene un rostro muy expresivo que revela ampliamente las penurias físicas y mentales que le ocurren a Karoline. Y claro, la experimentada Tryne Dylrholm compone magistralmente a un personaje que encajaría muy bien la teoría sobre la "banalidad del mal" que desarrolló la filósofa alemana Hannah Arendt.

Concluyendo, se trata de un trabajo muy bien hecho, digno de verse pero que la tiene complicada en los próximos oscar a mejor film en idioma extranjera donde compite. Tiene a rivales muy fuertes como la brasileña Aun estoy aquí de Walter Salles, The Seed of a Sacred Fig producción alemana hablada en farsi dirigda por Mohammad Rasoulof y la lituana Flow de Gints Zibalodis; sin contar a Emilia Pérez a quien le pueden otorgar este premio como consuelo.

El Brutalista

2025-02-10T11:02:00.003-05:00

Lo primero que podríamos decir de El Brutalista es que no es un biopic convencional. Es más, tampoco es seguro que sea un biopic: desde los primeros planos del film ya se puede intuir que se trata de una película en que más que los hechos y obras que han ocurrido en la vida de una persona, lo que importa acá son las sensaciones, las interioridades y los tormentos que sufre el protagonista.

Estas sensaciones de ahogo e incomodidad se acentúan todavía más gracias a la música de Daniel Blumberg, la cual parece haber sido diseñada para irritar y aturdir al espectador en esos momentos precisos. Aunque también tiene otros momentos de grandilocuencia wagneriana, como el final del segundo acto.

La película que sigue el orden clásico de los llamados roadshows (programas de salas de cine a fines de los años cincuenta de la década pasada) con introducción, parte1, parte 2, epílogo y un intermedio de 15 minutos, y además está filmada en el antiguo formato VistaVisión, pretende que el espectador se sitúe en la época de la posguerra, cuando muchos inmigrantes europeos (entre ellos judíos), llegaron a los Estados Unidos intentanto rehacer su vida.

Uno de estos inmigrantes es justamente el mencionado Laszlo Toth, un ficticio arquitecto judío egresado de la famosa escuela alemana de arquitectura Bauhaus (aunque algunos han encontrado algunas similitudes con un egresado real de esa escuela Marcel Breuer, especialmente por la silla inicial para la mueblería); quien llega primero a Filadelfia para trabajar con Attila, el primo de su esposa, quien le comunica que ella está viva.

Hay que aclarar que el título hace referencia a una escuela de la Arquitectura surgida en Europa central y que se caracterizaba por grandes obras pero sin ornamentos, al contrario mostrando los elementos de construcción "en bruto", de alli el nombre.

Volviendo a Toth, luego de un trabajo fallido para el engreído hijo de un millonario de apellido Van Buren, por el que es prácticamente arrojado de la casa de Attila y tiene que vivir en alojamiento de caridad, Toth se encuentra por fin con la suerte (o al menos así parece), cuando el mismo Van Buren lo va a buscar luego de darse cuenta quién es él, se disculpa y le ofrece construir una enorme obra junto a su mansión de campo, en memoria de su fallecida madre.

Pero como dijimos al comienzo este no es un biopic, aunque tenga su envoltura. Esta escena no es el momento en el que Toth se encuentra con la posibilidad de cumplir su versión del sueño americano pues lo que el director nos muestra de allí en adelante (el segundo acto), es más bien su la concreción de su pesadilla americana, a pesar que gracias a su relación con Van Buren, podrá traer a su esposa Erzsebet y a su sobrina Szofia de vuelta.

Lo que ocurre es Laszlo es un ser humano roto. Los años en el campo de concentración de Buchenwald lo destrozaron. Sobrevivió, pero prácticamente está agonizando por dentro; es por eso que ni bien pisa un pie en América términa yendo a lugares míseros, ruines, sórdidos, sordidez por cierto que el director se empeña en retratar a fondo.

Para ayudarse a sobrevivir, Toth se ha convertido en un heroinomano incapaz de rehabilitarse, lo cual unido a ola enorme cantidad de cigarrillos que consume, lo convierten casi en un zombi vicioso, al que solo le quedan sus sueños de diseñar, construir y dejar algo para la posteridad. Ni siquiera la llegada de su esposa y su sobrina parecen ayudarle, si bien está feliz por su regreso, es incapaz de reiniciar la relación que tenía con ella antes de la guerra.

Para colmo su relación con Van Buren se complica cada vez más, de empleador y mecenas, pasa a literalmente a poseerlo, y esto se grafica de manera grotesca en una secuencia donde paradógicamente está lo más hermoso visualmente en la película (la visita a la cantera de los mármoles de Carrara, fenomenal en Vistavisión), pero a la que sigue una noche alcohol y drogas, donde Van Buren luego de recriminar duramente a un alcoholizado y desvalido Toth, abusa de él. Aunque es más un abuso metafórico (el capitalismo apoderandose del arte) y la escena no entra en detalles, no deja de ser chocante.

Aunque en el epílogo, que tiene lugar casi 20 años después, se le brinda a Toth algo del reconocimiento que merece, él ha terminado por convertirse en el zombi que se anunciaba antes, sentado en una silla de ruedas y con apenas la posibilidad de balbucear algún sonido.

Brad Corbet, un actor convertido en director, logra con esta película su obra más ambiciosa, y probablemente consagratoria, pero en más de algún momento está a punto de sucumbir por esa grandilocuencia, como ocurría con Megalopólis (2024) de Coppola.

La película obviamente no sería lo que es sin la actuación de Adrien Brody, quien sabe exteriorizar los demonios internos que devoran al personaje, así como dotarlo de cierta dignidad a pesar de todo lo que sufre.

Pero destaca particularmente el australiano Guy Pearce, quien compone a un Harrison Van Buren en toda su complejidad: un rico industrial que sin embargo tiene cierta sensibilidad por el arte, pero que al mismo tiempo envidia a los artistas porque sabe que él nunca podra ser uno de ellos. El personaje representa además un doble reto porque es un arquetipo, una representación de ese capitalismo norteamericano (ahora tan patente) que cree que todo se puede comprar.

Es muy probable que la película se lleve algún par de estatuillas, entre ellas las de mejor actor y mejor actor de reparto, pero no la de mejor director. Habrá que esperar el siguiente trabajo de Corbet, para ver si llega convertirse en un cineasta a reconocer o alguien que solo busca provocar.

Anora: pretty woman actual

2025-02-03T11:36:00.002-05:00

Sean Baker es un director muy creativo que se ha caracterizado siempre por captar en sus películas a seres marginados, excluidos del llamado "american dream", cuyos ejemplos más palpables son Tangerine (2015) realizada con iphones y The Florida Project (2017) un drama que muestra el lado opuesto a Disneyworld y que mereció mejor suerte en los Oscar al momento se su estreno.

Ahora regresa con Anora (2024), una comedia en apariencia (solo en apariencia), más ligera que las dos anteriores y que le sigue los pasos a Ani (Mikey Madison), una prostituta que reliza además bailes de tubo en un night club y que tiene permitido salir con sus clientes. Como habla ruso de manera aceptable, un día es llamada por su jefe para que atienda a Vanya (Mark Eydelshtein) un joven inmensamente rico que casi no habla inglés y con el que congenia de inmediato.

Ambos están muy a gusto juntos y empiezan a vivir un cuento de hadas. Vanya parece muy enamorado y la contrata pagándole muy bien, para que le sirva de escort durante una semana, y durante ese tiempo en un momento impulsivo le pide matrimonio y van a casarse a La Vegas, pero hasta aquí llega el cuento. Garnik, una especie de niñero pagado por el papá de Vanya, se entera del matrimonio y en vista de que el muchacho se niega a disolver el vínculo, se ve obligado a llamar a sus padres.

En una película convencional acá terminaría la comedia pero en Anora no, Sean Baker se las arregla para cambiar de ritmo y estilo, y pasamos ahora a una etapa más parecida a la comedia de enredos, y a la velocidad vertiginosa empiezan fugas, persecuciones, golpes y gritos que logran que la historia no decaiga, hasta llegar al inevitable final.

El final es el único momento serio de la película y aunque es algo grotesco, abierto y triste, es un cierre coherente para la historia que cuenta.

Definitivamente si Anora funciona es en gran parte por el aporte de Mikey Madison, una actriz de 25años, descubierta por Tarantino que le imprime a su personaje ese carisma de autenticidad y buena onda, que hacen que le caiga bien al público aún en sus momentos más salvajes. El resto del reparto no está mal, pero se ve eclipsado por el gran peso que tiene el personaje de Madison en el film.

Baker es también un buen narrador de historias y sabe cómo abrir, por donde conducir a sus personajes, qué resortes tocar para que el público no se aburra y se quede conectado con la película hasta el final.

Pero hasta allí llegamos. La película no presenta más méritos destacables, al menos no para nominarla a mejor película; como dijimos al comienzo The Florida Project sí mereció algún Oscar, en tanto que Anora no debió estar entre las 10 seleccionadas. Pero al parecer su frescura convenció primero al Jurado de Cannes y de allí a los votantes de la Academia, veremos cómo le va en la gala.

Cónclave: El Vaticano puertas adentro

2025-01-30T12:22:00.000-05:00

Robert Harris, un novelista británico que estuvo en Roma durante el cónclave que se eligió al Papa Francisco, se sorprendió tanto que decidió escribir una novela que llevaría por título justamente el nombre del proceso en el que los cardenales de todo el mundo eligen al nuevo líder de la Iglesia Católica.

La novela, publicada en el 2016, se convirtió en un best seller y el paso que hay de allí a que una historia sea llevada al cine, no suele tomar mucho tiempo y efectivamente unos años después tenemos ya la versión cinematográfica guionizada por Peter Straughan y dirigida por el alemán Edward Berger, ganador del Oscar a la mejor película en lengua extranjera del 2023 por otra adaptación literaria "Sin Novedad en el Frente" (2022).

Aunque el tiempo que transcurre la película no es discenirble, por algunos detalles ese tiempo se parece mucho a los años en que se eligió al sucesor de Benedicto XVI, justo el cónclave en el que Harris, el autor de la novela pudo contemplar de cerca.

El protagonista no es ningún Papa, ni el que acaba de fallecer ni el que es elegido al final. El personaje que conduce toda la historia es el cardenal británico Lawrence, magníficamente interpretado por Ralph Fiennes, un sacerdote que está muy apenado por la partida del Papa anterior y quien además está atravesando una crisis de fe. Sin embargo, no deja que sus tribulaciones lo nublen y está siempre atento a cualquier detalle para poder conducir impecablemente esta importante ceremonia.

Otros personajes menores aunque también interpretados dignamente son el cardenal progresista Bellini (Stanley Tucci) y sus rivales el conservador Tedesco (Sergio Castellito) , el reservado Trembley (John Lightgow) y el misterioso cardenal llegado a último momento Benítez (Carlos Diehz). Un papel menos creíble en cambio, es el de la religiosa Agnes a pesar del gran trabajo de Isabella Roselini.

Aunque por razones comerciales el idioma que predomina es el inglés, hay también varios diálogos en italiano (de los que Fiennes sale bien parado) español y otros idiomas, que intenta demostrar lo cosmopolita de esta reunión.

Pero quizá lo más destacable de la película sean los muy realistas diseño de producción, vestuario y escenografía. Obviamente la película no pudo ser filmada ni en la Capilla Sixtina, ni en la Residencia de Santa Marta, así que tuvieron que ser construidos en estudio. La grandilocuencia de los muros, el rojo de los vestuarios cardenalicios, los pequeños dormitorios donde los cardenales son recluidos, etc. todo está recreado con sumo detalle un gran trabajo de Suzie Davies, Carlo Aloisio, Cinthia Sleiter y Lisy Christy.

Lamentablemente la película se ve arruinada por el final absurdo que no vamos a "espoilear" aquí. Solo diremos que el realismo aceptable del que estaba impregnada la película se rompe abruptamente con la revelación final muy tirada de los pelos.

Sin embargo es muy probable que la película se lleve más de un Oscar, sobre todo en los aspectos de diseño de producción que hemos mencionado.

Wicked: un Musical

2025-01-28T14:30:00.002-05:00

La saga de El Mago de Oz creada por Frank Baum en el año 1900 ha generado una enorme cantidad de secuelas, adaptaciones e interpretaciones en diversos medios, siendo una de las obras más populares en los Estados Unidos.

Una de las derivaciones de ese universo es Wicked, Memorias de una bruja mala, escrita en 1995 por Gregory Maguire y que tiene tres secuelas. La novela ganó rápidamente adeptos y hace dos años se adaptó como musical primero en San Francisco y luego en Broadway donde se convirtió en uno de los musicales con más permanencia de todos los tiempos.

Con esos antecedentes era cuestión de tiempo que Wicked fuera llevada al cine por John M. Chu aunque con un reparto diferente, encabezado por las dos cantantes y actrices Ariana Grande y Cynthia Erivo. La historia inicia donde termina la película de El Mago de Oz, con los restos humeantes de Elphaba, la Bruja Mala del Oeste (Erivo), luego de que Dorothy le arrojara un balde con agua liberando así a los habitantes de Munchkin.

Ellos le agradecen a Glinda (Grande) la bruja buena del Norte por haberlos liberado y le hacen varias preguntas sobre Elphaba, entre ellas "¿por qué se volvió tan mala?", por lo que Glinda que ya estaba a punto de salir, se queda a contarles la historia generando así un largo flashback sobre su amiga, la "bruja mala". En el flashback cuenta rápidamente el nacimiento de Elphaba, su difícil infancia por nacer de color verde (referencia a El Niño del Pelo Verde de Joseph Losey), su amor por los animales y luego su ingreso casual a la universidad, en donde llama la atención de una antigua profesora: Miss Morrible.

Este mundo de Oz es algo diferente al creado por Baum: aunque en apariencia es similar en el fondo se trata de una dictadura velada que poco a poco va restringiendo las libertades de sus habitantes, especialmente de una minoría de ellos: los animales quienes antes hablaban y hacían tareas de humanos, pero que ahora van rumbo a ser esclavos sin voz.

Aunque es más evidente en el musical de Broadway, en la película este mundo fascista de Oz va emergiendo poco a poco, detrás del brillo y el rosa, y los decorados un poco estilo Disney de algunos lugares de la Universidad Shiz. A pesar de las canciones (y en algunos casos gracias a ellas), la trama avanza rápido y no se sienten las casi tres horas que dura la película.

Wicked homenajea a la película de 1939 y es por eso que ofrce un musical clásico, sin experimentos, ni autotunes, ni otras cosas extrañas. Además gracias al excelente casting las voces, especialmente las principales no decepcionan en ningún momento. Ya eran conocidas las habilidades vocales de Ariana Grande, pero las de Cynthia Erivo han sido una verdadera sorpresa, y los momentos en que cantan a dúo sus voces se trenzan en armonías poco oídas.

También es de destacarse el trabajo de adaptación del guion. Se tiene mucho cuidado en que la historia no se reduzca a una lucha de buenos y malos, sino de personajes que van tomando decisiones en el camino a veces correctas a veces equivocadas. En el caso de Ariana Grande se nota un poco más, porque encarna a un personaje que al principio es frívolo y muy superficial, pero su admiración y agradecimiento con Elphaba la van cambiando hasta llegar a entir por ella real amistad. Esa transformación es creíble y hace que el personaje encaje con el espectador, aún en su etapa más antipática.

Si bien el final es algo apresurado y todavía falta una parte (se ha adaptado solo el primer acto del musical), Wicked es una agradable sorpresa y sería justo que se lleve más de algún Oscar, al menos los que se premian al mejor score y las mejores canciones.

Emilia Pérez: las razones equivocadas

2025-01-24T13:11:00.002-05:00

Jacques Audiard es un director francés que tiene en su haber algunos trabajos muy importantes y ganadores de premios como De latir, mi corazón se ha detenido (2005), Un profeta (2009) o el drama romántico De óxido y hueso (2012) , obras muy diferentes entre sí que lo han posicionado como uno de los directores más interesantes del cine francés contemporáneo.

Esta vez ha elaborado un musical ambientado en México, en el contexto del narcotráfico (de allí que algunos lo llamen "narcomusical"). Los primeros minutos nos presentan a Rita Mora, una abogada encarnada por la dominicana Zoe Saldaña quien es contratada casi a la fuerza por "El Manitas" uno de los narcos más poderosos y temibles del país.

Si la llamada fue sorpresiva, el pedido de "El Manitas" lo es todavía más: quiere que lo ayude en una operación de cambio de sexo y tiene no solo que encontrar al cirujano sino que también debe guardar el secreto a todo el mundo, incluyendo su familia. Después de 4 años, Manitas regresa convertido en Emilia Pérez quien se presenta como una prima de la persona que fue antes. Ella pide ayuda nuevamente a Rita para que su esposa Jessi (una poco creíble Selena Gómez) y sus hijos se reúnan con él.

En esta nueva etapa de su vida la ahora llamada Emilia Pérez, da un cambio radical y se dedica a buscar a las víctimas desaparecidas muchas veces por el accionar de su antiguo yo, y en ese proceso parece encontrar un nuevo amor, cosa que también esta ocurriendo con su esposa, aunque en ese caso se trata más de un reencuentro.

Todo esto sazonado con algunas canciones, o mejor dicho diálogos cantados que en lugar de lucir creativos, la mayor parte de las veces caen en el ridículo, como por ejemplo el ballet que tiene lugar en la clínica donde se operará "El Manitas".

Pero ese no es el mayo problema de Emilia Pérez. Tampoco es el marcado acento norteamericano de Gómez (auque también es una falta de respeto para los espectadores latinos). Su mayor problema es que presenta un inconveniente grave con la verosmilitud. Ojo que no estamos hablando de realismo. El realismo se puede exigir a un documental o en menor grado a una obra de ficción que pretende basarse en hechos reales. La verosimiltud en cambio es ese mínimo de aceptabilidad que debe tener una obra para que el espectador no sienta que le están tomando el pelo, y eso es justamente la sensación que deja este film.

Ya el punto de partida era difícil de aceptar: un narco poderoso que decide convertirse en mujer, equivale casi a un suicidio en ese mundo. Pero lo que sigue después es peor: en un giro mágico ese narco sanguinario, un veradero monstruo, de pronto se arrepiente de todo lo que ha hecho y decide hacer el bien, solo por qué sí, esto ya suena a estafa.

Si la película no termina de hundirse es por la valiente actuación de Zoe Saldaña, quien a pesar de todo cree en su personaje y se echa la película a cuestas dotando a su Rita Mora Castro de una dignidad que lamentablemente es insuficiente.

Se entiende que el cine sea también un negocio, que se deba recuperar dinero, y que por ello se pueda optar a la polémica y a otras razones extracinematográficas para que todos hablen de ella. Pero estas razones no deberían pesar a la hora de evaluarla. El ruido no debería ser una de las condiciones que pesen para que una película sea considerada una obra maestra.

Lamentablemente el Oscar necesita también de ese ruido y es por eso que no solo le ha otorgado una cantidad exagerada de nominaciones, sino que es bastante seguro que le entregará los premios principales en la noche de Gala en vías de asegurar rating.

Laura no está: Trenque Lauqen

2024-12-11T14:37:00.005-05:00

En un plano general vemos a dos hombres en los extremos y en el medio una camioneta suv. Uno de los hombres no para de hablar por celular y al otro se le nota incómodo, pareciera que quiere irse de allí. Desde ese primer momento sospechamos que ambos no son amigos. Poco después, ambos suben al vehículo y emprenden la búsqueda de Laura, una mujer a la que ambos aman y que ha desaparecido casi sin rastro.

Esa es la forma de arrancar de Trenque Lauqen, cuarto largometraje de Laura Citarella para El Pampero Cine, una productora argentina a la cual también pertenece Mariano Llinás y que ha dado que hablar mucho en los últimos años. De hecho, esta película estuvo en varias de las listas de las mejores del año en el 2023, hoy la podemos disfrutar gracias a un miniciclo de cine argentino que ha prepardo Max.

Desde el arranque -que por algún momento nos hace recordar a Sans toi, ni loi de Agnés Varda-, la película nos atrapa. ¿Quién es esa Laura a la que buscan? ¿Por qué se ha ido? ¿Con quién se han ido? son preguntas que surgen desde esos primeros planos y que se irán respondiendo más o menos a medida que avanza el film.

La película está dividida en dos partes y doce capítulos y estos últimos están entrelazados a través de largos flashbacks. Ya en el primero de ellos confirmamos que los hombres son rivales, no son amigos, puesto que Chicho, el más joven de ellos ha participado en una aventura investigativa en base a libros antiguos con Laura, la cual poco a poco derivará en romance.

Todos estos relatos que mezclan sonido diegéticos y extradiegéticos, voces en primer plano que terminan siendo voces en off, largos diálogos van revelando información a cuentagotas y sosteniendo la película, la cual a pesar de su ritmo pausado no decae para nada en interés. A eso hay que agregar los hermosos paisajes de Trenque Lauren (una ciudad de 36mil habitantes a casi 500 kilómetros al oeste de la capital argentina) y alrededores, que terminan siendo un personaje más dentro de la trama.

Gran parte de que sigamos metidos en la intriga la tienen los actores Laura Vásquez que es el eje sobre el que funciona toda la historia, pero también Ezequiel Perri, Rafael Spregelburd y Juliana Muras.

Hay que destacar también la eficiente musicalización de Gabriel Chwojnik la cual es vital para transportarnos a los mundos narrados por los protagonistas, para subrayar algunos momentos y también para ambientar cada salto en el tiempo, lo cuales se dan siempre sin previo aviso

Pensada como una continuación de Ostende (segundo largo de la directora), en la que interviene el mismo personaje femenino, la primera parte de Trenque Lauquen se cierra de manera natural y a pesar de tener un final abierto, es más que satisfactorio.

La segunda parte en cambio, sin ser mala, parece innecesaria, excesiva, redundante y hasta repetitiva. Se nos proporciona más pistas sobre los motivos que llevaron a Laura a desaparecer, pero no es mucho (casi nada), lo que se puede hacer con esas pistas y se nos agrega un misterio más, (el del yacaré, que fue mencionado de pasada en la primera parte) que ya no parece tan fresco y original, como la poderosa historia de Carmen Zuna contada en la primera parte.

El final tiene una similitud con el de otra buena película argentina reciente: Los Delincuentes (2023) de Rodrigo Moreno, en la que los personajes, cansados de la rutina de la ciudad se ven irremediablemente atraídos a un mundo donde la naturaleza parece aún no haber sido corrompida.

En suma Trenque Lauquen es un trabajo irregular, pero aún así enormemente atractivo y original; sin duda de los mejores estrenos argentinos de los últimos años. Veremos que nos depara el trabajo de Citarella en los próximos años.

Horizon

2024-11-21T18:05:00.002-05:00

Kevin Costner ha tenido una relación amorosa con el western durante hace muchos años: desde que fue uno de los protagonistas del exitoso Silverado (1985) de Lawrence Kasdan, pasando por su debut en la dirección en la oscarizada Danza con lobos (1991), incluyendo otros ejemplos como Wyatt Earp (1994), Open Range (2002) y en cierto modo lo fue también The Postman (1997). Y todavía podemos agregar sus intervenciones en televisión en la miniserie Hattfields & McCoys (2012) y más recientemente Yelowstone (2018-2024).

Su regreso al western, especialmente después del éxito de la mencionada serie, estaba pues casi cantado, aunque podríamos decir que Horizon es su producción más ambiciosa: es una épica de al menos 9 horas de duración, que inicialmente pensó estrenar en salas cinematográficas en tres partes, pero tras los resultados de la primera parte, lo más probable es que las otras vayan de frente al streaming.

Horizon es una historia coral, con una gran multitud de personajes entre los que se incluyen colonos, ,madres de familia, militares, indígenas, inmigrantes chinos, inmigrantes mexicanos, prostitutas, asesinos a sueldo, empresarios inescrupulosos, entre otros cuyo único punto en común puede decirse que es la localidad de Horizon, un asentamiento de colonos que se está vendiendo como el hogar del futuro, pero que en realidad es parte de una reserva apache, y estos propietarios reales no son precisamente amistosos.

En ese sentido y guardando las distnacias, Horizon tiene cierta relación con un clásico tardío del western La Conquista del Oeste (1962), película que también cuenta historias de colonos del oeste, aunque en este caso de una famlia concreta. También podemos relacionarla con La Balada de Buster Scruggs (2018) de los hermanos Joel y Ethan Coen, aunque en este último caso se trata de un filme de episiodios y de humor negro.

Al igual que en la película de los Coen, el principal problema de Horizon es la irregularidad de las historias: unas están más logradas que otras. Entre las logradas destacan la historia inicial, con la masacre del primer pueblo de Horizon que protagonizan Sam Worthington y Sienna Miller entre otros, luego la historia de la caravana de carretas en la que aparecen Luke Wilson y Will Patton y la de la venganza, cerca al final en la que aparece Jeff Fahey. En cambio la historia en la que aparece Kevin Costner cuyo personaje mata a duelo a un asesino, defendiendo a un prostituta, no termina de convencer.

En conjunto parece tratarse de una producción más que aceptable, pero todavía no podemos concluir nada, porque no hemos visto el final.

Eso sí, todas las historias tienen un diseño de producción muy profesional, se han escogido con cuidado las locaciones, las cuales además se han fotografiado con gran habilidad resaltando su belleza, rescatando sus luces y sombras. Muchos de estos paisajes, tienen un inconfundible aire a los clásicos de John Ford, Howard Hawks, Anthonhy Mann, entre otros. La música de John Debney juega también un papel importante, sin sonar estridente, estorbar o imitar el estilo de otras composiciones, aunque en algún momento hay por allí algún homenaje a John Williams.

El cierre de Horizon nos deja con ganas, porque en realidad no lo es. Es una secuencia elíptica musicalizada que trata de concluir algo de lo que hemos visto y adelantarnos parte de lo que vendrá, pero para ello tendremos que esperar todavía un tiempo.

Creemos que por la gran cantidad de personajes e historias, esta producción habría funcionado mejor como miniserie, especialmente por el prestigio que están adquiriendo estas producciones en la era del streaming, pero todo indica que Costner peleó hasta lo último para que se estrene en salas. Al final parece que las siguientes partes irán de todas maneras al streaming, esperemos que sea para bien.

Pedro Páramo

2024-11-10T21:51:00.002-05:00

Pedro Páramo, del escritor mexicano Juan Rulfo es una de las novelas más importantes de la literatura de su país y más famosas del llamado boom latinoamericano de los años 60 y también una de las más difíciles de adaptar a la pantalla grande por su enorme complejidad en la proliferación de voces, personajes, tramas y tiempos no lineales.

Es por eso que tanto la versión de 1967 a cargo de Carlos Velo y la de 1978 a cargo de José Bolaños dejaron mucho que desear, sobre todo en la primera, en la que incluso el protagonista era un actor estadounidense que casi no hablaba español.

El encargado de esta nueva versión producida por Netflix, es Rodrigo Prieto, un notable director de fotografía que se dio a conocer internacionalmente con su trabajo en Amores Perros (2000) de González Iñárritu y de allí en adelante desarrolló su carrera en Hollywood trabajando con directores de la talla de Martin Scorsese, Spike Lee, Oliver Stone, Ang Lee entre otros. Ha sido nominado varias veces al Oscar y al Bafta y ha obtenido premios en el Festival de Venecia y el Festival de San Sebastián. Así que aunque se trate de su ópera prima, no es que a Prieto le falte precisamente experiencia.

Prieto ha intentado ser fiel en lo posible a la novela de Rulfo, y si bien no logra reproducir toda su complejidad, sí ha logrado manejar con eficiencia los flash backs, múltiples personajes y las diversas tramas que tiene la novela, aunque centrándose en dos principales: la de Juan Preciado el hijo negado de Páramo que llega al pueblo de Comala a reclamar su herencia a su padre y la de Pedro Páramo, su padre, un hombre cruel, sanguinario que manda a eliminar a todo lo que le estorba y a quien solo logró quebrar un amor imposible, el de Susana San Juan,

El buen casting permite que los personajes sean bastante creíbles, sobre todo el de Manuel García-Rulfo a quien le bastan su voz y su presencia para componer un Pedro Páramo cruel, pero al mismo tiempo sufriente por las pérdidas y el desamor. Héctor Kotsifakis, quien hace de Fulgor Sedano le sabe dar la réplica en las escenas que aparecen juntos; también destaca Roberto Sosa quien da vida al contradictorio y atormentado padre Rentería y por supuesto también Mayra Batalla, quien encarna a Damiana, la fiel criada de Páramo.

Por el otro lado Tenoch Huerta es un muy convincente Juan Preciado y sale airoso de la difícil tarea de hacernos sentir primero su desconcierto, luego el miedo, el pánico y finalmente el descansar en paz luego de sus encuentros con los personajes de Abundio, Eduviges, Damiana entre otros.

Otro acierto de Prieto (y su editora Soledad Salfate) es el manejo de los tiempos, aunque no hay indicadores que nos avisen los saltos de un momento a otro o saber si los personajes están vivos o muertos, la forma como el director combina los diálogos y las voces en off con las imágenes hacen que el espectador se sitúe rápido en el contexto, tomando en cuenta además que el espectador de Netflix está acostumbrado a ubicarse en estos saltos temporales, porque es un recurso muy visto en las producciones de esta empresa de streaming. Si bien el haber leído la novela no es una condición para entender la película, los que lo hayan hecho tendrán una ventaja para entenderla mejor.

La música de Gustavo Santolalla es precisa: aparece solo en los momentos en que es necesaria sin intentar robar protagonismo en ninguna escena. La fotografía a cargo del mismo Prieto junto a Nico Aguilar, también está correcta aunque es más acertada al recrear la enrarecida atmósfera de la Comala a la que llega Juan Preciado, que al mostrarnos el mundo de la Medialuna y sus alrededores donde por momentos peca de preciosista (un ejemplo: los ensueños en blanco y negro de la delirante Susana San Juan).

En suma, el debut de Rodrigo Prieto en la dirección no será una obra maestra, pero podemos afirmar que es la mejor versión que se ha hecho hasta el momento de la complicada y memorable novela de Juan Rulfo.

Wild Robot: El Retorno de Dreamworks

2024-10-20T17:50:00.003-05:00

Cuando creíamos que el departamento animado de Dreamworks ya no tenía nada nuevo que ofrecer, especialmente después de haber exprimido al máximo a personajes emblemáticos como Shrek y el Gato con Botas, el estudio que en su momento fundara Steven Spielberg con Jerry Katzenberg y David Geffen, nos ha sorprendido con Wild Robot (Robot Salvaje) una tierna historia donde no aparece ningún humano.

Basada en la novela homónima de Peter Brown, Wild Robot cuenta la historia de Roz (diminutivo del nombre y código de su unidad), un robot diseñado para tareas domésticas, multipropósito cuya característica principal parece ser su tenacidad.

Ella aparece por accidente en una isla habitada por animales, luego de que un huracán hiciera estrellar el barco en el que estaba siendo transportada. Mientras la otras unidades quedan completamente inútiles Roz "sobrevive" e intenta hacer todo lo posible por entender y aprender del entorno en el que se encuentra, un entorno que es por cierto, sumamente hostil y hasta podría decirse que en muchos casos mortal.

Luego de sufrir varios ataques termina por salvar a un huevo de ganso, del que luego emergerá una cría que obviamente creerá que Roz es su madre. Con la ayuda de Fink un poco confiable zorro que se quiso comer el huevo, y una zarigüeya Roz comprende que su misión será criar al gansito, al que le ponen por nombre Brightbill. La tarea no será fácil, sobre todo por encontrarse en un lugar donde muchos los rechazan por "raros" o "monstruosos".

Chris Sanders, quien ya había dado muestras de su talento para contar historias en películas inolvidables como Lilo & Stitch y Como entrenar a tu dragón, vuelve a aceptar con fábula que sigue todas las reglas del género, pero que aún así se ve con agrado, especialmente por la creación de unos personajes muy entrañables y unos diálogos profundos, sin llegar a ser solemnes.

Aparte de Roz, a quien vemos evolucionar día a día sin por ello perder su inocencia, destaca Fink un zorro traicionero y salvaje, pero que va cambiando poco a poco por amor y termina siendo una aliado clave para la robot. Por supuesto está también Brightbill quien sigue su propia "jornada del héroe" y otros que aparecen poco pero que igual destacan como el ganso Longneck, la ya mencionada zarigüeya Pinktail, Thorn el oso y Paddler el castor.

Si tienen suerte, quizá consigan ver la versión en idioma original que cuenta con un insuperable casting encabezado por una extraordinaria Lupita Nyong'o, Pedro Pascal, Mark Hamill, Kit Connor, Catherine O'Hara, Ving Rhames y Bill Nighy.

En un año en el que la buena animación escaseaba, Sanders ha venido a salvar la temporada y es un hecho que esta película estará entre las nominadas al Oscar por largometraje animado.

La Sustancia

2024-10-02T19:46:00.007-05:00

Coralie Fargeat (París 1976), es una directora que tiene todavía pocos títulos en su haber, de ellos destacan el corto Reality (2014), el episodio "Coleccionistas" de la serie de Netflix The Sandman (2022) y su primer largo Revenge (2017), que tiene algunos puntons en común con Kill Bill.

En La Sustancia (The Substance, 2024), vuelve a elegir el tema de la tecnología, la tiranía de las apariencias, el culto a ciertos cánones de belleza y la transformación del cuerpo, ya presentes en Reality, solo que esta vez desarrollados con mucho más detalle y exageración.

A simple vista, es una versión retorcida e in extremis de El Retrato de Dorian Gray, el gran relato de Oscar Wilde, solo que en lugar de Dorian tenemos a Elisabeth Sparkle (Demi Moore) una actriz madura venida a menos, que está a punto de ser despedida de su programa de televisión.

El diablo (o al menos uno de sus seguidores) sería un enfermero que la atiende en una consulta y le recomienda The Substance, un nuevo químico que devuelve la juventud y ofrece "una mejor versión de ti misma" y le entrega material promocional. Elisabeth primero desecha la publicidad del compuesto, pero luego lo recoge de la basura y tras llamar al número del aviso recibe luego una tarjeta con un número y una dirección. Ella acude y se sorprende de encontrarse en un lugar vacío, casi ruinoso y abandonado, con desconfianza, allí recogerá los productos.

En su casa recibirá por celular las instrucciones que son bastante específicas e indica claramente lo que no se debe hacer. Como en toda película de terror, ya sabemos que este punto se ignorará y todo terminará por salirse poco a poco de control.

La directora representa el colorido mundo de Hollywood, en Los Ángeles, con días soleados y amplias avenidas llenas de las famosas palmeras. Pero los interiores son más misteriosos: están llenos de largos pasillos, con puertas, todo pintado con colores brillantes. A medida que avanza la película estos pasillos parecerán cada vez más largos. Existen también abundantes espejos (claves para mostrar la evolución de las transformaciones) y enormes ventanales donde se aprecian siempre enormes avisos en vallas.

La motivación de los personajes es también muy simple: Sparkle es la típica actriz que no quiere aceptar que pasaron sus mejores días, su nuevo yo, Sue es la jovencita que sabe lo que tiene y lo explota al máximo y Harvey es el típico magnate hollywoodense básico, bruto y despiadado que solo quiere ganar más dinero.

Todos ellos están muy bien encarnados por Demi Moore, Margaret Qualley (a quien vimos brillar recientemente en Clases de Gentileza) y Dennis Quaid. Aunque de los tres, Moore es la que destaca más porque su personaje sufre la mayor parte de los problemas de la película: tanto en la primera parte cuando parece asumir resignada su destino, como en la siguiente cuando empieza a perder el control y se queja de que siempre le toca la peor parte. Ella es el pilar en la que se apoya todo el peso del film.

Fargeat retrata a los personajes femeninos en planos enteros, donde se destaca su belleza corporal (y luego su inevitable descomposición) y al personaje de Quaid en primeros o primerísimos planos, donde su monstruosidad (porque el tipo es realmente una joyita) se revela en toda su magnitud. Un ejemplo de esto es la escena donde el está almorzando con Elisabet y se engulle un langostino tras otro, previa embadurnada en abundante mayonesa. Lo de "no se habla con la boca llena", no funciona para él.

Hasta aquí la película funciona como una fábula, pero luego nos va introduciendo en las olas del body horror, subgénero que explora los límites y capacidades transformadores el cuerpo humano. Aquí, en esta historia, tienen un rol especial no solo las tomas de sangre, miembros envejecidos, o huesos entumecidos, sino también los clarísimos sonidos que las acompañan haciendo de estos encuadres una experiencia repelente completa.

La directora no oculta sus referentes para nada, en la primera parte son evidentes sus citas a Kubrick, Zulawski, Lynch...para en la segunda parte recordarnos al David Cronenberg de La Mosca (1981) y sobre todo el Brian de Palma de Carrie (1979). Si llegaron a esta última parte, hay que advertir que se necesita todo el esfuerzo necesario para seguir mirando la pantalla.

Finalmente interesante la forma cómo Fargeat cierra la historia: con la misma estrella de Hollywood con la que abre, metáfora clarísima de cómo Hollywood, literalmente exprime a sus estrellas hasta sacarles la última gota.

Lo que vimos en el festival de Lima (II)

2024-09-15T21:35:00.008-05:00

Ahora presentaremos todas las películas fuera de competencia que pudimos apreciar.

FRIDA de Carla Gutiérrez

La realizadora peruano-estadounidense Carla Gutiérrez lleva a cabo la difícil misión de contar la vida de la gran pintora Frida Kahlo a través de sus propias palabras rescatadas de los textos que dejó en vida.

Si bien las imágenes y las animaciones dotan al documental de un bienvenido dinamismo, el hecho de usar voces archiconocidas en el doblaje internacional le quita a la película parte del realismo y carácter histórico que la película debería tener y la convierten en una cinta de tantas de las que vemos en streaming.

CAUGHT BY THE TIDES de Jia Zhanke

Precedida por su presentación en el último Festival de Cannes, esta obra d director que ganó el León de Oro de Venecia de 2010, reúne 21 años en la vida de una relación amorosa por distintas y distantes ciudades de esa enorme nación que es China.

Su inicio con videos caseros y otro tipo de material digital es algo confuso y difícil de seguir, ya hacia la mitad del film nos vamos enterando de los detalles pero aún así su visionado es complejo. Recién hacia el final en una escena filmada en plena pandemia con vistoso fondo de corredores que usan pulseras luminosas la película va adquiriendo pleno sentido.

CORAJE de Chicho Durant

A diferencia del año pasado en el que pudimos ver más películas restauradas este año se nos complicó, alcanzamos a ver este cuarto trabajo de Alberto Chicho Durant, que venía precedido de largos logrados como Malabrigo (que vimos el año pasado) y Alias la Gringa.

Sin embargo este biopic centrado en los últimos días de la conocida lideresa de comedores populares asesinada por Sendero Luminoso María Elena Moyano es sin duda uno de sus trabajos menos satisfactorios. Ya sea por un guion que intenta ser ágil pero lo que hace es dotar la cinta de superficialidad, ya sea por la endeble dirección de actores o por los conflictos interiores del personaje principal que no terminan de entenderse, la película no logra convencer.

ROUBAIX, UNE LUMIERE de Arnaud Desplechin

De Desplechin, el homenajeado del festival de este año solo habíamos podido ver Tromperie (2022) un interesante drama basado en una novela de Philip Roth. Nos quedamos con las ganas de ver Spectateurs (2024), pero en cambio pudimos apreciar el policial Roubaix, une lumiere (2010) un interesante thriller policial ubicado en una pequeña localidad francesa fronteriza con Bélgica.

A diferencia de los policiales norteamericanos en los que prima la acción Desplechin se centra en la psicología de los personajes y va mostrando paso a paso como un policía experto y su equipo van quebrando poco a poco la resistencia de dos sospechosas de un crimen. El director muestra su habilidad al tomar un género que conoce y adaptarlo a otro tiempo y lugar.

Lo que vimos del 28 Festival de Lima

2024-08-29T19:45:00.002-05:00

Estas son las películas que vimos en las secciones competitivas: mejor película ficción, mejor documental y mejor película peruana.

Motel Destino

Lo nuevo del director Karim Aïnouz, una mezcla de thriller, comedia, drama pasional e historia criminal, nos cuenta acá la historia de Heraldo un sicario que accidentalmente se queda atrapado en un motel y no puede acudir a un trabajo que iba a cometer con su hermano. Luego debe regresar a ese motel para esconderse de quienes quieren desaparecer. Allí establecerá una tormentosa relación con la pareja dueña del local que es evidente no terminará bien.

Si bien no está entre lo mejor de su director, la película tiene sus momentos sobre todo cuando pasa de un género a otro desconcertando al espectador. Tiene también su chispa humorística entre los que destaca el que posiblemente sea uno de los letreros más inútiles de la historia del cine. La historia se desborda al final, indeciso si darle un final feliz o consecuente, el director opta por uno híbrido que no termina de satisfacer.

Carropasajero

Dirigido por los colombianos Juan Pablo Polanco y César Alejandro Jaimes, se trata de un documental que recrea a través de las voces de una familia indígena que viajan en una destartalada camioneta, una serie de desastres que justamente los llevaron a emigrar. El recurso es interesante, las imágenes muy bien compuestas, pero el problema es que se agota en menos de diez minutos.

Todo lo que sigue a partir de allí nos parece ya visto y suena repetitivo. Pudo dar para un corto documental, pero no para un largometraje. Una de las grandes decepciones del festival.

La Fabulosa Máquina de Cosechar Oro

Ganadora del premio al mejor documental, esta película de Alfredo Pourailly es de lo mejor que vimos en esta 28va edición y confirma el buen momento que está pasando el documental chileno. El film narra el día a día de la vida de Toto, el último buscador artesanal de oro de la Tierra del Fuego, al sur de Chile.

Con su salud quebrantada por vivir en ese clima tan extremo, su hijo intenta diseñarle una máquina especial que le permitirá extraer oro sin necesidad de tanto esfuerzo físico. Además de ser un testimonio de una actividad en extinción, la película explora con gran precisión y sin sentimentalismos, la aparentemente fría relación padre-hijo.

Baby

Marcelo Caetano es un director brasileño nacido en Belo Horizonte y residente en Sao Paulo. Se le conoce por su film previo Body Electric (2017) y por haber formado parte del equipo técnico de Kleber Mendonca Filho en Baccuraru y Aquarius. En esta ocasión nos presenta a Wellington un joven recién salido de un reclusorio juvenil, quien casualmente conoce a Ronaldo, un proxeneta masculino con el que entabla una relación que inicia bien, pero que va cambiando mientras avanza la historia.

Caetano muestra sin ambages toda la crudeza del submundo de prostitución masculina, drogas y proxenetismo existente en los bajos fondos de Sao Paulo causando repulsión en más de un momento. Al mismo tiempo dirige con acierto a los actores principales, quienes componen unos retratos muy realistas, de estos seres que se mueven en estos lugares.

Pepe

Esta ha sido la película más extraña y a la vez más exigente de las que hemos visto en el festival. Dirigida por Nelson Carlos de los Santos, está etiquetada como documental, pero la verdad es que se trata de un film inclasificable. Se centra en la vida de Pepe y sus descendientes, los hipopótamos que Pablo Escobar trajo del África del Sur para colocarlos en su hacienda, en el departamento de Antioquia. Al final Escobar se fue, pero sus animales se reprodujeron y hoy son una especie invasora y amenazante.

La película empieza a ser narrada en dialecto botswano y luego en alemán, los hipopótamos contando su propia historia. Luego la voz en off pasa a hablar en español con un marcado acento colombiano y luego la historia cambia bruscamente de punto de vista para mostrar las acciones y reacciones de unos pescadores de río, cuando descubren estos animales. Como hemos dicho, es una película exigente, pero vale la pena seguirla hasta el final.

El Archivo Bastardo

Logrado documental de la peruana Marianela Vega, quien a partir de unas cintas de video analógico (Hi8) que su padre grabó entre fines de los 80 y comienzos de los 90, construye una película en la que la cineasta disecciona la compleja relación con su padre y también con el resto de su familia (madre y hermanos).

Vega aprovecha todo lo que tiene, incluso las imágenes deterioradas, pixeladas y las pantallas azules sin sonidos, y los reelabora a través de la edición y la voz en off para que dotarlos de nueva vida y nuevos significados. El punto de partida recuerda otro documental de hace algunos años: No hay regreso a casa, de la peruano-argentina Yaela Gottlieb.

El Huaro

También presente en la competencia documental, El Huaro nos cuenta a través de los diálogos y testimonios de unas adolescentes escolares y sus profesores, como es la vida en un centro educativo en Imaza, ubicado en la Amazonía peruana. Dirigido por Patricia Wiesse y producido por Jenny Velapatiño, la realidad mostrada en este documental cobra especial importancia, en los momentos actuales, cuando se ha denunciado cómo varios profesores violaron sistemáticamente a alumnas como las que vemos en este film.

Hablada en español y awajún.

Tiene también valor en centrarse en los testimonios de los personajes, dándole voz a grupos humanos que difícilmente pueden hacerse escuchar.

Killapa Wawan

Tras el éxito de su ópera prima Willaq Pirqa, se esperaba que este segundo trabajo del cineasta cusqueño César Galindo sea de un nivel similar o superior, pero lamentablemente no ha sido así. El punto de partida es interesante: una adolescente que desea seguir la profesión de danzante de tijeras que tenía su padre.

Pero rápidamente todo se echa a perder: los personajes apenas están esbozados, hay una mala dirección de actores (con una Magaly Solier que aparece siempre llorando, perpetuando el cliché de la mujer andina sufriente), los efectos especiales son bastante pobres y la representación de la danza de tijeras es bastante superficial, no hay una intención de mostrar toda su vistosidad y riqueza. Ojalá Galindo pueda reivindicarse en su próximo trabajo.

Los Indomables

En esta película las cosas están mal desde el poster: la foto de una batalla épica entre aymaras y españoles registrada a full color vende otra película. Luego el primer fotograma que muestra un texto larguísimo de letras blancas en fondo oscuro acompañadas de una marcial voz en off, empieza a confirmar nuestros temores. Lo que sigue es el empleo de una de-colorización que no se justifica, pues no ayuda a la película, al contrario estorba su visionado y está lejos de los hermosos colores que este equipo usó en Wiñaypacha o Pakucha.

El guion tampoco juega a favor, está mal estructurado con diálogos extensos y solemnes y unos personajes acartonados que le brindan poco realismo al hecho histórico que pretende retratar. Con ese nivel de personajes es difícil que un actor logre destacar, felizmente de entre ellos logra destacar Maribet Berrocal, quien saca adelante el rol de Gregoria.

Album de Familia

Joel Calero cierra con este film su “trilogía de la memoria” integrada además por La Ultima Tarde y La Piel más temida. En esta ocasión nos ofrece el retrato de una familia aparentemente feliz, cuya armonía empieza a resquebrajarse con unas fotografías antiguas que descubre Alex, el mayor de los hijos varones.

A través de una serie de planos fijos y muy buenas actuaciones entre los que destacan Emanuel Soriano, María Fernanda Valera, Lucho Cáceres, pero sobre todo Natalia Torres Villar, una actriz que dice mucho con sus silencios, sus miradas y su voz susurrante. Album de familia no es solo el retrato de una familia, es también extrapolable a las distintas posiciones sobre el pasado que existen en nuestro país.

El Tío Lino

Luego de su documental Los Shipibos, Omar Forero regresa con la no ficción, esta vez para mostrarnos a un personaje casi legendario que habitó la sierra norte de La Libertad, a fines del siglo XIX. Una especie de Barón Munchausen liberteño, el tío Lino encandilaba a muchos con sus historias y está presente en sus relatos que cuentan sus descendientes y hasta en representaciones escolares.

El film además recrea algunas de esas historias con actores locales y hasta inserta animaciones para ilustrar las partes más fantásticas de las historias del tío Lino. Buen trabajo de Forero, un director que cuenta ya con una importante trayectoria, pero que lamentablemente sus películas no han tenido la difusión merecida.

Album de Familia

2024-08-18T22:01:00.002-05:00

Joel Calero (Lima, 1968) cierra con esta película la llamada “trilogía de la memoria”, que inició en el 2016 con La Ultima Tarde y continuó el año pasado con el estreno de La Piel más temida, y que sin ser precuelas o secuelas una de la otra, tienen como punto en común las heridas y rezagos que dejaron los años del terrorismo en algunas personas y que son examinados décadas después.

Si en La última tarde fuimos testigos del reencuentro de una pareja de ex terroristas que se vuelven a ver en un juzgado para tramitar su divorcio, y en La piel más temida conocimos a Juana, una joven quien al regresar de Europa a ver temas de su herencia se entera que su padre acusado de pertenecer a Sendero Luminoso aún vive, en Álbum de Familia, el protagonista es Alex, un joven historietista, quien una tarde revisando con su hermana un cuarto con cosas viejas, descubre unas fotografías, que le harán cuestionarse la idea que tenía sobre quiénes eran sus padres.

La película decolorizada al blanco y negro, y cinematografiada en planos fijos a manera de fotografías antiguas, inicia con un plano general de una familia aparentemente feliz, compartiendo alegremente una cena y recuerdos. Están allí Alex, Marina su esposa, Titi su hermana, su padre militar, su hermano menor y su madrastra. En ese momento reciben una llamada de una tía para que vayan a la casa de su madre a desocupar un cuarto que quieren alquilar.

Es justamente en ese cuarto en el que van apareciendo estas fotografías, en la primera ocasión algunas de su madre e las que se enteran que tuvo otra pareja y luego más adelante revelando unos rollos, aparecen unas fotografías antiguas del padre haciendo una redada a campesinos, que se ve que termina muy mal para estos últimos.

La reacción de ambos hermanos cuando ven las fotografías ejemplifica muy bien dos posiciones comunes existentes en nuestra sociedad sobre hechos del pasado: unos tratan de seguir investigando para encontrar la verdad y otros tratan de negarlo todo u obviarlo porque son “cosas que ya pasaron” y que “pueden hacer daño a la familia”.

En este caso es Alex es quien opta por descubrir la verdad y se embarca en una búsqueda del pasado, contrariando a los consejos de su hermana. Primero tendrá que confrontar a su madre, de la que ha estado alejado un buen tiempo y luego realizará un viaje para buscar a Sabina, la mujer que ayudó a criarlo cuando era niño.

La escena que ocurre en el poblado de Sabina, es la mejor de la película: en un tono sobrio, contenido, empleando el silencio en lugar de la música, somos testigos junto a Alex de las horribles verdades que se habían ocultado hasta el momento sobre su padre y nos cuesta asimilarlas casi tanto como él.

Una vez más Calero demuestra que es un buen director de actores y además de su buena mano para dirigirlos se ha rodeado de varios que destacan en sus papeles como Emanuel Soriano como Alex, María Fernanda Valer como Tití, Camila Ferrer como Marina, y por supuesto el experimentado Lucho Cáceres como el papá militar.

Pero de todas ellos nos deslumbró Natalia Torres Villar, a quien hace tiempo no veíamos en un papel protagónico. Con su rostro endurecido, inerte casi sin expresiones y una voz monótona, representa a la perfección a una madre que ha sufrido lo indecible durante años y a la que prácticamente no le quedan ya lágrimas para llorar.

Además de las actuaciones, destaca también la fotografía de Llano ABC, que compone e ilumina prácticamente cada cuadro de la película de manera notable, haciéndonos olvidar de la poca movilidad de la cámara.

Si algo habría que reprocharle a la película es el final, que parece algo acelerado y rompe un poco con la cadencia de imágenes que nos había acostumbrado el film hasta ese momento, pero es un detalle que no afecta para nada una película que creemos es la mejor de su director, hasta el momento.