A La Luz De Tu Mirada

Palabras para Julia

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 06 Jan 2015 17:15:00 +0000

Tú no puedes volver atrás
porque la vida ya te empuja
como un aullido interminable.

Hija mía es mejor vivir
con la alegría de los hombres
que llorar ante el muro ciego.

Te sentirás acorralada
te sentirás perdida o sola
tal vez querrás no haber nacido.

Yo sé muy bien que te dirán
que la vida no tiene objeto
que es un asunto desgraciado.

Entonces siempre acuérdate
de lo que un día yo escribí
pensando en ti como ahora pienso.

La vida es bella, ya verás
como a pesar de los pesares
tendrás amigos, tendrás amor.

Un hombre solo, una mujer
así tomados, de uno en uno
son como polvo, no son nada.

Pero yo cuando te hablo a ti
cuando te escribo estas palabras
pienso también en otra gente.

Tu destino está en los demás
tu futuro es tu propia vida
tu dignidad es la de todos.

Otros esperan que resistas
que les ayude tu alegría
tu canción entre sus canciones.

Entonces siempre acuérdate
de lo que un día yo escribí
pensando en ti
como ahora pienso.

Nunca te entregues ni te apartes
junto al camino, nunca digas
no puedo más y aquí me quedo.

La vida es bella, tú verás
como a pesar de los pesares
tendrás amor, tendrás amigos.

Por lo demás no hay elección
y este mundo tal como es
será todo tu patrimonio.

Perdóname no sé decirte
nada más pero tú comprende
que yo aún estoy en el camino.

Y siempre siempre acuérdate
de lo que un día yo escribí
pensando en ti como ahora pienso.

José Agustín Goytisolo

Arte.- Andre Konh

La canción de la estatua

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 05 Jan 2015 17:45:00 +0000

¿Quién me quiere de tal modo
que rechaza su amada vida?
Si se ahoga en el mar alguien por mí,
de vuelta estoy entonces en la piedra
a la vida, en la vida redimida.

Tengo anhelo de sangre rumorosa,
la piedra está muy quieta.

Sueño la vida:es buena.
¿Alguien tiene el valor
mediante el cual yo voy a despertar?

Y si llego a la vida alguna vez,
la que me da todo lo más dorada

en soledad entonces lloraré
lloraré por mi piedra. ¿Qué me sirve
mi sangre si madura como vino?
No puede desde el mar llamar al único
que es quien más me ha querido.

Rainer María Rilke
Escultura.- Antonio Corradini

Te deseo primero que ames

noreply@blogger.com (Grandolina) — Sun, 15 Dec 2013 17:34:00 +0000

Te deseo primero que ames,
y que amando, también seas amado.
Y que, de no ser asi, seas breve en olvidar
y que después de olvidar, no guardes rencores.
Deseo, pues, que no sea así, pero que si es,
sepas ser sin desesperar.

.

Te deseo también que tengas amigos,
y que, incluso malos e inconsecuentes
sean valientes y fieles, y que por lo menos
haya uno en quien confiar sin dudar.

.

Y porque la vida es así,
te deseo también que tengas enemigos.

Ni muchos ni pocos, en la medida exacta,
para que, algunas veces, te cuestiones
tus propias certezas.

Y que entre ellos,
haya por lo menos uno que sea justo,
para que no te sientas demasiado seguro.

.

Te deseo además que seas útil,
más no insustituible.

Y que en los momentos malos,
cuando no quede más nada,
esa utilidad sea suficiente
para mantenerte en pie.

Igualmente, te deseo que seas tolerante,
no con los que se equivocan poco,
porque eso es fácil, sino con los que
se equivocan mucho e irremediablemente
y que haciendo buen uso de esa tolerancia,
sirvas de ejemplo a otros.

.

Te deseo que siendo joven
no madures demasiado de prisa,
y que ya maduro, no insistas en rejuvenecer,
y que siendo viejo no te dediques al desespero.

Porque cada edad tiene su placer y su dolor
y es necesario dejar
que fluyan entre nosostros.

.

Te deseo de paso que seas triste.
No todo el año sino apenas un dia.

Pero que en ese dia descubras
que la risa diaria es buena,
que la risa habitual es sosa y
la risa constante es malsana.

.

Te deseo que descubras,
con urgencia máxima,
por encima y a pesar de todo,
que existen, y que te rodean,
seres oprimidos,
tratados con injusticia y personas infelices.

.

Te deseo que acaricies un perro
alimentes a un pájaro
y oigas a un jilguero erguir triunfante su canto matinal,
porque de esa manera,
sentirás bien por nada.

.

Deseo también que plantes una semilla,
por mas minúscula que sea,
y la acompañes en su crecimiento,
para que descubras de cuántas vidas
está hecho un árbol.

.

Te deseo también
que ninguno de tus afectos muera,
pero que si muere alguno,
puedas llorar sin lamentarte y sufrir
sin sentirte culpable

.

Te deseo por fín que
siendo hombre, tengas una buena mujer
y que siendo mujer, tengas un buen hombre,
mañana y al día siguiente,
y que cuando estén exhaustos y sonrientes,
hablen sobre amor para recomenzar.

.

Si todas estas cosas llegan a pasar
no tengo más nada que desearte.

Víctor Hugo

Canción última

noreply@blogger.com (Grandolina) — Tue, 15 Oct 2013 18:54:00 +0000

Pintada, no vacía:
pintada está mi casa
del color de las grandes
pasiones y desgracias.

Regresará del llanto
adonde fue llevada
con su desierta mesa
con su ruinosa cama.

Florecerán los besos
sobre las almohadas.
Y en torno de los cuerpos
elevará la sábana
su intensa enredadera
nocturna, perfumada.

El odio se amortigua
detrás de la ventana.

Será la garra suave.

Dejadme la esperanza.

~Miguel Hernández

Arte, Esperanza - George Frederic Watts

Lluvia

noreply@blogger.com (Grandolina) — Tue, 01 Oct 2013 15:28:00 +0000

La lluvia tiene un vago secreto de ternura,

algo de soñolencia resignada y amable,

una música humilde se despierta con ella

que hace vibrar el alma dormida del paisaje.

Es un besar azul que recibe la Tierra,

el mito primitivo que vuelve a realizarse.

El contacto ya frío de cielo y tierra viejos

con una mansedumbre de atardecer constante.

Es la aurora del fruto. La que nos trae las flores

y nos unge de espíritu santo de los mares.

La que derrama vida sobre las sementeras

y en el alma tristeza de lo que no se sabe.

La nostalgia terrible de una vida perdida,

el fatal sentimiento de haber nacido tarde,

o la ilusión inquieta de un mañana imposible

con la inquietud cercana del color de la carne.

El amor se despierta en el gris de su ritmo,

nuestro cielo interior tiene un triunfo de sangre,

pero nuestro optimismo se convierte en tristeza

al contemplar las gotas muertas en los cristales.

Y son las gotas: ojos de infinito que miran

al infinito blanco que les sirvió de madre.

Cada gota de lluvia tiembla en el cristal turbio

y le dejan divinas heridas de diamante.

Son poetas del agua que han visto y que meditan

lo que la muchedumbre de los ríos no sabe.

¡Oh lluvia silenciosa, sin tormentas ni vientos,

lluvia mansa y serena de esquila y luz suave,

lluvia buena y pacifica que eres la verdadera,

la que llorosa y triste sobre las cosas caes!

¡Oh lluvia franciscana que llevas a tus gotas

almas de fuentes claras y humildes manantiales!

Cuando sobre los campos desciendes lentamente

las rosas de mi pecho con tus sonidos abres.

El canto primitivo que dices al silencio

y la historia sonora que cuentas al ramaje

los comenta llorando mi corazón desierto

en un negro y profundo pentagrama sin clave.

Mi alma tiene tristeza de la lluvia serena,

tristeza resignada de cosa irrealizable,

tengo en el horizonte un lucero encendido

y el corazón me impide que corra a contemplarte.

¡Oh lluvia silenciosa que los árboles aman

y eres sobre el piano dulzura emocionante;

das al alma las mismas nieblas y resonancias

que pones en el alma dormida del paisaje!

~Federico García Lorca.

Arte.- Kal Gajoum.

Vuelo

noreply@blogger.com (Grandolina) — Tue, 28 May 2013 15:54:00 +0000

Sólo quien ama vuela. Pero ¿quién ama tanto

que sea como el pájaro más leve y fugitivo?

Hundiendo va este odio reinante todo cuanto

quisiera remontarse directamente vivo.

Amar... Pero ¿quién ama? Volar... Pero ¿quién vuela?

Conquistaré el azul ávido de plumaje,

pero el amor, abajo siempre, se desconsuela

de no encontrar las alas que da cierto coraje.

Un ser ardiente, claro de deseos, alado,

quiso ascender, tener la libertad por nido.

Quiso olvidar que el hombre se aleja encadenado.

Donde faltaban plumas puso valor y olvido.

Iba tan alto a veces, que le resplandecía

sobre la piel el cielo, bajo la piel el ave.

Ser que te confundiste con una alondra un día,

te desplomaste otros como el granizo grave.

Ya sabes que las vidas de los demás son losas

con que tapiarte: cárceles con que tragar la tuya.

Pasa, vida, entre cuerpos, entre rejas hermosas.

A través de las rejas, libre la sangre afluya.

Triste instrumento alegre de vestir: apremiante

tubo de apetecer y respirar el fuego.

Espada devorada por el uso constante.

Cuerpo en cuyo horizonte cerrado me despliego.

No volarás. No puedes volar, cuerpo que vagas

por estas galerías donde el aire es mi nudo.

Por más que te debatas en ascender, naufragas.

No clamarás. El campo sigue desierto y mudo.

Los brazos no aletean. Son acaso una cola

que el corazón quisiera lanzar al firmamento.

La sangre se entristece de batirse sola.

Los ojos vuelven tristes de mal conocimiento.

Cada ciudad, dormida, despierta loca, exhala

un silencio de cárcel, de sueño que arde y llueve

como un élitro ronco de no poder ser ala.

El hombre yace. El cielo se eleva. El aire mueve.

~Miguel Hernández.

Arte.- Robert Hefferan

Arte Barroco - Pintura

noreply@blogger.com (Grandolina) — Thu, 29 Nov 2012 10:31:00 +0000

El clasicismo del siglo XVI ha impuesto una concepción del mundo
basado en lo estable, el Barroquismo se basa en lo efímero,
transitorio y cambiante. Por eso las imágenes pictóricas del siglo XVI se basan en lo táctil, en el relieve y las del barroco en lo aparente y aéreo. Lo mismo que para la ciencia el espacio no sufre interrupción, es continuo, el cuadro barroco prolonga sus márgenes por

los costados, el fondo, y a veces incluso avanza hacia el espectador.

Se produce la quiebra del gremio. Los artistas ejercen su arte sin sufrir obligatoriamente un examen, lo que espolea la iniciativa. Aumenta el número de los que se sienten animados

a la pintura. Se están sentando las bases para la libertad de trabajo.

Se inicia la producción sin encargo. El pintor realiza sus cuadros y luego los lleva a casa del tendero para buscar comprador. Se multiplica el coleccionismo y se desarrolla ampliamente el gusto estético, y con ello la crítica. El público sabe que tener cuadros es poseer un capital. Rembrandt disfrutó de una gran colección, que hubo de vender en momento de apuro.

El denominador común del Barroco es el naturalismo, la ruptura del arquetipo y de los

cánones de belleza establecidos en el siglo XVI. Se pinta cuanto se ve, lo feo y lo bonito, lo agradable y lo molesto; tanto una hermosa Venus como un cadaver putrefacto.

Se cultivan temas variados: bodegones, paisajes de todo tipo (puro, marino y urbano) el pueblo al que se sorprende en actos ordinarios, el retrato que simultáneamente es físico y moral; escenas mitológicas, martirios de santos donde se expresa refinadamente el dolor como medio eficaz de fomentar la devoción; canonizaciones y beatificaciones en las cuales triunfa el misticismo, se representa el cálido contacto de la criatura con Dios.

Se preocupa mucho por el estudio de la expresión, la risa, el grito, el terror o el dolor.

Otra característica de este arte es la grandiosidad, ya que no sólo se pintan gigantescos frescos, sino monumentales cuadros al óleo. En cuanto a la técnica, se utiliza mucho
el óleo sobre lienzo y se abandona la técnica sobre tabla.

Se desarrolla con bastante asiduidad la perspectiva aérea.

Las grandes conquistas del Barroco son la luz, el movimiento y el colorido. La luz se condensa, muchas veces expresa todo el valor de un cuadro. El movimiento es consecuencia del naturalismo. Predomina la asimetría (composición diagonal,
figuras colocadas de espalda en un primer término y los escorzoss que a veces se expresan
con violencia). El colorido es fresco y natural pero se emancipa del dibujo.
La confusión o difuminado barroco de las formas se contrapone a la nitidez de los perfiles del periodo del Renacimiento. En sus inicios empezó siendo liso y uniforme
aunque después va adquiriendo todas las matizaciones.

La pintura barroca comprende el siglo XVII y la primera mitad del siguiente.
En este último se acusan determinadas peculiaridades: los temas se hacen más profanos,
incluso los religiosos; y aparece una luz difusa, a manera de gasa que vela ligeramente
los colores.

Espejo del Tiempo

noreply@blogger.com (Grandolina) — Thu, 29 Nov 2012 09:49:00 +0000

Te invito,

mis días están sin centinela

y esta distancia vacía

es un banquete para el sueño,

una fiesta de la nostalgia por sus fructíferos árboles.

Te invito a que vengas,

el mástil de la tristeza es alto.

Quizá si reposaras, si te inclinaras

cual rama en sus vientos ocultos,

el aguamanil sería elegía o flor

y el té fuente.

Te invito a que escuches este eco

que nos llega con la hierba ebria.

...El tiempo se aleja,

la nostalgia se viste de nuestra ropa

y se convierte en incienso que se pliega

a nuestras pestañas

y sale de una antigua cúpula

que emana de su esencia.

Adonis (Ali Ahmad Said)

La habitación de Vincent Van Gogh en Arlés

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 06 Mar 2012 15:29:00 +0000

Sobre el tema de su dormitorio, Van Gogh realiza tres cuadros casi idénticos. El primero, conservado en el museo Van Gogh de Ámsterdam, fue ejecutado en octubre de 1888 y se deterioró en una inundación ocurrida durante la hospitalización del pintor en Arles. Cerca de un año después, éste emprende la realización de dos copias: una, de mismas dimensiones, se conserva hoy en el Art Institute de Chicago; la otra, la del museo d´Orsay, realizada para su familia en Holanda, es de tamaño más reducido.

En una carta dirigida a su hermano Théo, Vincent explica lo que le incita a pintar una obra semejante: quiere expresar la tranquilidad y resaltar la sencillez de su dormitorio mediante el simbolismo de los colores. Para ello, describe: "los muros lila pálido, el suelo de un rojo gastado y apagado, las sillas y la cama amarillo de cromo, las almohadas y la sábana verde limón muy pálido, la manta roja sangre, la mesa de aseo anaranjada, la palangana azul, la ventana verde", afirmando: "Había querido expresar un reposo absoluto mediante todos estos tonos diversos".
Mediante estos diferentes tonos, Van Gogh hace referencia a Japón, a sus crespones y a sus estampas. Se justifica de este modo: "Los Japoneses han vivido en interiores muy sencillos y que grandes artistas han vivido en este país."
Pese a que, para los japoneses, una habitación decorada con cuadros y muebles no parezca realmente sencilla, para Vincent es "un dormitorio vacío con una cama de madera y dos sillas." Alcanza a pesar de todo una cierta austeridad, por su composición constituida casi únicamente de líneas rectas y por la combinación rigurosa de superficies de color que compensan la instabilidad de la perspectiva.
Museo d'Orday. París.

Berthe Morisot: La pintora impresionista

noreply@blogger.com (Grandolina) — Sun, 22 Jan 2012 19:51:00 +0000

Berthe Morrisot. En el baile (1875)

Óleo sobre lienzo.

62 x 52 cm

París, Musée Marmottan Monet

Berthe Morisot (Bourges, 1841-París, 1895), fue la primera mujer que se unió al movimiento impresionista. Nacida en el seno de una familia de la alta burguesía francesa, fue educada en el gusto por las artes y la música y supo combinar de manera ejemplar la faceta artística con su papel de mujer moderna y activa animadora cultural. Modelo y amiga de Manet, casada con su hermano Eugène, aliada de los pintores impresionistas -como Degas, Renoir, Monet o Pissarro-, con quienes expuso en prácticamente todas sus exposiciones, y admirada por intelectuales de la talla de Mallarmé o Valéry, Morisot jugó un papel destacado y esencial en el desarrollo del impresionismo francés.

Tanto la delicadeza del paisaje, que le enseñó Corot, como la maestría de sus retratos, que aprendió de Manet, o la representación impresionista de jardines, escenas rurales e interiores domésticos, permiten conocer los aspectos más destacados de su obra pictórica. Con una pintura introspectiva, incluso melancólica, de trazos rápidos, que a veces adquieren la ligereza de la acuarela, Morisot nos introduce de lleno en su propia intimidad, en la delicada exploración de la femineidad. La representación del mundo íntimo femenino fue un asunto tan permanente en su obra que el escritor Paul Valéry afirmaba que su pintura podría considerarse «el diario de una mujer expresado a través del color y el dibujo».

Museo Thyssen Bornemisza. 15 de noviembre 2011 al 12 de febrero de 2012

Perdóname por ir así buscándote

noreply@blogger.com (Grandolina) — Sun, 18 Dec 2011 04:25:00 +0000

Perdóname por ir así buscándote
tan torpemente, dentro
de ti.
Perdóname el dolor alguna vez.
Es que quiero sacar
de ti tu mejor tú.
Ese que no te viste y que yo veo,
nadador por tu fondo, preciosísimo.
Y cogerlo
y tenerlo yo en lo alto como tiene
el árbol la luz última
que le ha encontrado al sol.
Y entonces tú
en su busca vendrías, a lo alto.
Para llegar a él
subida sobre ti, como te quiero,
tocando ya tan sólo a tu pasado
con las puntas rosadas de tus pies,
en tensión todo el cuerpo, ya ascendiendo
de ti a ti misma.
Y que a mi amor entonces le conteste
la nueva criatura que tú eres.

Pedro Salinas

El Taller de Bazille

noreply@blogger.com (Grandolina) — Mon, 14 Nov 2011 20:30:00 +0000

Procedente de una familia de notables de Montpellier, Bazille se instala en París en 1862 para seguir estudios de medicina antes de optar por la pintura. En el taller de Charles Gleyre, entabla amistad con Monet, Renoir y Sisley que comparten su admiración por Manet. El taller de Bazille deja entrever las relaciones y la intimidad que unen a estos artistas precursores.

La escena está ambientada en el taller de la calle de La Condamine que Bazille comparte con Renoir del 1° de enero de 1868 al 15 de mayo de 1870. En el centro se encuentra Bazille, con la paleta en la mano. Pero como él mismo lo escribió en una carta a su padre: "Manet se ha hecho a mí mismo". Reconocemos en efecto el vigor de la ejecución de Manet en la alta y esbelta silueta del joven. Manet, precisamente, con sombrero, observa el lienzo colocado encima del caballete. En la derecha, Edmond Maître, amigo de Bazille, está sentado frente al piano. Por encima de él, un bodegón de Monet recuerda que Bazille le ayudaba económicamente mediante compras de cuadros.
Los tres personajes de la izquierda son más difícilmente identificables. Se puede tratar de Monet, de Renoir o también de Zacharie Astruc... Rodeando a Manet y a sus admiradores, algunos de sus cuadros rechazados por el Salón como El aseo (Montpellier, museo Fabre) encima del diván y El pescador y el gavilán (Zúrich, Fundación Rau) en la izquierda, arriba, o también seguramente un "paisaje con dos personajes" rechazado a Renoir en el Salón de 1866 (el gran lienzo enmarcado a la derecha de la ventana). Bazille exterioriza sus críticas respecto a la Academia y afirma su propia visión del arte. Pocos meses más tarde, su muerte durante los combates de la guerra franco prusiana convertiría esta obra en un emocionante testamento.

Museo d'Orsay. París.

Santiago de Compostela - Ruta de peregrinos

noreply@blogger.com (Grandolina) — Mon, 25 Jul 2011 10:16:00 +0000

Quién es éste a quien la multitud de los critianos sigue con tanta devoción? ¿Quién es éste tan grande y tan importante a quien inmumerables cristianos de una y otro lado de los Pirineos se dirigen para orar? Tanta es la multitud de los van a él y vienen, que apenas nos dejan libre el camino hacia occidente. Ésta es la pregunta que hacían unos embajadores musulmanes de paso por Castilla, según una crónica del siglo XII. La respuesta no podía ser más que una: Es el bienaventurado Santiago, apostol del Señor y Salvador nuestro, hermano del apostol y evangelista Juan y uno de los hijos del Zebedeo, cuyo cuerpo está enterrado en tierras de Galicia, a quien Francia , Inglaterra, Italia, Alemania y todas las provincias cristianas, y especialmente España, venera como patrón y protector.

Meta de peregrinos, comerciantes y colonos que recorrían el «camino francés», Compostela se convirtió en los siglos XI y XII en una ciudad de vida a veces tumultuosa, cuyos habitantes no dudaron en rebelarse contra los poderosos arzobispos. El culto a Santiago tuvo una gran resonancia en la Edad Media, la marcha de gentes de todos los países hacia aquella ciudad situada en el confín de la Cristiandad, donde se alzaba una catedral maravillosa a la que acudían innumerables fieles para implorar el auxilio del santo. Compostela, con su sepulcro apostólico, irradiaba en toda la Cristiandad, donde aparecía al mismo nivel que las otras ciudades santas para los cristianos: Roma, con su doble sepulcro de Pedro y Pablo, y Jerusalén, tumba del Salvador.

Fue tan sólo en torno al año 830 cuando, en un lugar cercano a Iria Flavia (Padrón), al fondo de la ría de Arosa, un ermitaño llamado Pelayo vio una noche unas luminarias que refulgían en un bosque próximo a su celda; los fieles de una iglesia próxima observaron el mismo fenómeno. Advertido, el obispo de Iria, Teodomiro, acudió al lugar, donde se encontraban los restos de una necrópolis de época romana; tras tres días de ayuno dio con una pequeña construcción o espacio abovedado en el que, según se afirmó, encontró la tumba del apóstol Santiago. Por los ‘Hechos de los Apóstoles’ se sabía que el apóstol Santiago había sufrido martirio en Jerusalén, donde siempre se había pensado que estaba enterrado; pero ahora se creía que sus discípulos trasladaron el cuerpo a Galicia y pronto surgieron explicaciones maravillosas sobre cómo se hizo este traslado. Alfonso II (791-842) ordenó edificar una pequeña iglesia ‘supra corpus apostoli’, «encima del cuerpo del Apóstol», junto a un baptisterio y otra iglesia dedicada al Salvador, y le otorgó un territorio con las rentas correspondientes. Alfonso III emprendió también, en el lugar que todavía se llama simplemente ‘Archis Marmoricis’, la construcción de una basílica, el edificio de mayores dimensiones del arte asturiano. La sensacional noticia del hallazgo del sepulcro del apóstol se difundió por toda Europa. Empezaron a llegar peregrinos. El primero que conocemos por su nombre es Godescalco, obispo de Le Puy. En adelante, el flujo de peregrinos no se detendría: entre ellos hubo individuos ilustres y gentes humildes, laicos y religiosos, sobre todo hombres, pero también mujeres, personas piadosas y simples aventureros. Los peregrinos se confundían a menudo con comerciantes y emigrantes en busca de oportunidades: las gentes que hicieron del Camino de Santiago un eje del desarrollo económico peninsular. En unas décadas, Santiago, centro de un amplio señorío en manos de sus obispos, dejó de ser simplemente un «lugar santo» para convertirse en una ciudad propiamente dicha. Fue bajo el obispo Diego Gelmírez, en la primera mitad del siglo XII, cuando Santiago de Compostela alcanzó su primer gran momento de esplendor. Convertida en arzobispado en 1120, Santiago reivindicó por entonces su preeminencia en la Iglesia hispana, por encima de Toledo o Tarragona, sedes primadas tradicionales. El ‘Códice Calixtino’, o ‘Liber Sancti Jacobi’, una suerte de «guía del peregrino» del siglo XII, refleja la impresión que causaba la catedral y la ciudad a los que llegaban a ella. La sede románica resultaba impactante: «En esta iglesia, en fin, no se encuentra ninguna grieta ni defecto; está admirablemente construida, es grande, espaciosa, clara, de conveniente tamaño proporcionada en anchura, longitud y altura, de admirable e inefable fábrica, y está edificada doblemente, como un palacio real».

(Tengo pendiente la arquitectura islámica que haré en breve. Estoy pasando un momento un tanto difícil e intento llenar mis días en compañía de la gente que me quiere. Espero regresar al blog prontito)

Arte Islámico

noreply@blogger.com (Grandolina) — Mon, 27 Jun 2011 17:14:00 +0000

El islám surge en Arabia, estableciéndose en el año 622, fecha en la que tiene lugar la Hegira, la emigración o expatriación de Mahoma desde la ciudad de la Meca a la Medina.
Se difunde rápidamente abarcando una enorme extensión geográfica. Sus manifestaciones se difunden desde la India a Asia Central, por el este, hasta España y Marruecos por el oeste. El arte se constituye a medida que se verifica la conquista, apoderándose de los elementos culturales de cada pueblo. Eso explica la falta de homogeneidad de aquel arte y la gran diversidad de modalidades arquitectónicas. Pero por otro lado tiene un grado de homogeneidad, ya que las creencias religiosas marcaron unas directrices determinadas.

En los casi mil años que dura el arte islámico, los acontecimientos históricos en que se desenvuelve el arte islámico se articula en una serie de fases, que coinciden con la existencia de diferentes dinastías, imperios y califatos. Tras la etapa inicial correspondiente al gobierno de los cuatro primeros califas, practicamente nula en materias artística, pero de trascendencia para la triunfal expansión del Islam, se produce un cambio importante cual es la introducción del principio dinástico en el Califato. Surge así la dinastía Omeya.

*Imperio Omeya.- Traslado de la capital de Medina a Damasco. Es el momento de la organización administrativa, del desarrollo de la vida urbana y social, de la iniciación de la arquitectura musulmana, que se manifestará en las mezquitas de Jerusalén, Damasco, Medina, etc.
Es la época de las mayores conquistas, en occidente (Magreb) y en oriente (Persia). En el año 711 tiene lugar la invasión de España, continuandose la conquista por territorio francés, hasta la derrota de Poitiers en el año 732.
La dinastía Omeya fue aniquilada en el año 750, con excepción del Abd al-Rahman, quien, tras refugiarse en España, iniciará la dinastía Omeya de Occidente.
*Califato Abasí.- Estableció la nueva capital en Bagdad. En este periodo se tendió a reunir en la persona del Califa todo el poder temporal y espiritual. A mediados del siglo IX se inició la decadencia de la dinastía, debida a cuestiones tanto internas como externas.

*Califato Fatimí.- Surge en el año 909 y la principal preocupación del Califato fue la conquista de Egipto, tarea que no se llegó a materializar hasta la segunda mitad del siglo X. En este periodo la ciudad el Cairo alcanzó un enorme desarrollo. El fin de este califato está marcado por la conquista de Egipto por Saladino, en el año 1171.

*Las dinastías Bereberes.- Desde mediados del siglo XI y por espacio de unos cien años, los almorávides, pueblos nómadas del Sahara, dominaron un amplio imperio den el que se incluían el Magreb occidental y España. Por su entusiasmo religioso y por su afán en construir mezquitas se les conoce como renovadores de la fe.
A comienzos del siglo XII apareció una nueva potencia; los almohades, que provocó la caída del poder almorávide. Estos fijan sus sedes en Sevilla y Marrakech.
A mediados del siglo XIII las fuerzas de la dinastía almohade estaban prácticamente agotadas. Cedió en España ante el ímpetu reconquistador de los cristianso y quedó como último reducto islámico el reino Nazarí de Granada, de cuyo esplendor es prueba la Alhambra. La conquista de esta ciudad por los RRCC en 1492, se pone fin a ocho siglos de presencia musulmana en España. En el Magreb, el hundimiento almohade supone la aparición de nuevos reinos, entre los que se destacan el hafsé de Túnez y el meriní en Fez.

*La Dinastía Selyúcida.- Su aparición se produce en el siglo XI cuando hay un total distanciamiento entre el oriente y el occidente musulmán. Los selyúcidas incorporaron a la tradición cultural persa, nuevas ideas y formas artísticas, de enorme trascendencia para la renovación estética del Irán.

*Ayubíes y Mamelucos.- La desmembración del imperio selyúcida dio nacimiento a la dinastía de los zengíes en la Alta Mesopotamia. Estos se hicieron con el control de Egipto en 1171, gracias a Saladino. Surge con ello una nueva dinastía, la de los ayubíes, en el gobierno hasta mediados del siglo XIII.
Los esclavos turcos que componían la guardia personal de los ayubíes se rebelaron contra ellos y usurparon el trono en 1250. Surgió así la dinastía memeluca. Este gobierno dio una prosperidad cultural a Egipto, que se tradujo en una actividad constructiva incesante.

*La Dinastía Timúrida y Safávida.- Los timíridas de Timur, pretendieron la reunificación de Asia Menor. Esta dinastía se caracterizó por su mecenazgo artístico, siendo de gran interés sus obras arquitectónicas, en las cuales se logró un perfecto equilibrio entre la forma y el color, aportada por la cerámica, empleada con profusión y riqueza cromática insuperable.
La dinastía safávida se inició en Irán a comienzos del siglo XVI, tras la derrota de los timúridas. La introducción de las formas europeas durante el siglo XVIII marca la decadencia artística del imperio.

*Imperio Mongol.- El principe timúrida Babur creó este imperio en 1526. Su arte ofrece una peculiar combinación de las tradiciones indias e iraníes. La llegada de los europeos, en el siglo XVIII, ocasionó la desmembración del imperio en pequeños principados locales.

*El Imperio Otomano.- La dinastía tomó su nombre de Ormán, jefe de una tribu tuca emparentada con los Selyúcidas. Su afán expasivo tiene lugar con la toma de Constantinopla en 1435. Alcanzó su máximo esplendor cultural con Solimán el magnífico, en el siglo XVI. La decadencia se advierte en el siglo XVII, pero hasta la primera guerra mundial no tiene su definitivo hundimiento.

La Dama del Armiño - Leonardo Da Vinci - Se exhibe en Madrid

noreply@blogger.com (Grandolina) — Sun, 12 Jun 2011 18:17:00 +0000

Todo está vivo, la luz es el pulso de las formas.

Bajo el velo de las carnes, en el aire misterioso,

todo está en calma

(Leonardo Da Vinci)

Desde el pasado día 3 de junio y hasta el 18 de agosto, puede verse en España una obra del genial artista italiano Leonardo Da Vinci: La dama del armiño, datada en 1490.

Esta valiosa obra, uno de los cuatro retratos femeninos que pintara Da Vinci, es la estrella de la gran exposición “Polonia, tesoros y colecciones artísticas”, que puede verse en el Palacio Real de Madrid hasta el 4 de septiembre, que reune 195 obras de diversa tipologia.

La dama del armiño, un óleo sobre tabla, representa a Cecilia Gallerani, una joven de 17 años, hermosa y culta, que fue la amante oficial de Ludovico Sforza, el Moro, con quien tuvo un hijo. Este lienzo es innovador en su tiempo, así lo afirma Carmen Cabeza responsable del Patrimonio Nacional, institución que ha montado la gran muestra junto al Museo Nacional de Cracovia, Acción cultural de España y la Fundación Banco de Santander.

Hasta ese momento, las figuras renacestistas se mostraban de perfil para acentuar sus rasgos. Leonardo rompe con la tradición renacestista y realiza un retrato con perspectiva tres cuartos, donde se destaca ese movimiento giratorio. En este cuadro podemos apreciar los estudios de Leonardo sobre la anotomía, sus profundos conocimientos en psicología humana y de las propiedades de la luz.

Janusz Watek, conservador del Museo Nacional de Cracovia, ha señalado que al retrato

de la dama con la cabeza girada en sentido contrario al cuerpo, Leonardo dotó a la composición de un dinamismo que no existe en otro retrato, la luz proviene de un único foco superior, proporcionando mayor relieve a la figura en una retrato que da la sensación de ser tridimensional.

El lienzo fue restaurado a principio del siglo XIX y ligeramente modificado. El original

no presentaba ese fondo negro sino que tenía un tono gris-azulado con una ventana a la izquierda de la dama.

La resonancia visual de un genio

Cuando Leonardo fue pintor de corte con Ludovico el Moro, duque de Milán, tuvo que realizar obras de encargo, como los retratos de las amigas del duque Cecilia Gallerani

y Lucrezia Crivilli, a las que trataba habitualmente en la corte milanesa. Quizás por ello no envolvió estos trabajos en el esfumato que le haría famoso. No hay nada en esta La dama del armiño del misterio de La Gioconda, aquella mujer que, según Walter Pater "como el vampiro ha muerto muchas veces y conoce los secretos del sepuncro, ha buceado en mares profundos y guarda en torno a ella sus luces apagadas".

Esta señora sonríe satisfecha y acaricia su sofisticada mascota símbolo del lujo, la realeza y quizás la fidelidad, su mirada se pierde en la lejanía más con dejadez que con misterio. El valor de este cuadro reside en su perfección formal y en el hecho de que Leonardo pintó pocos óleos y la mitad han desapecido. Perdido El Paraiso que pintó para el rey de Portugal, el Neptuno para el rey de Hungría, la Medusa con que asustó a los amigos de su padre o la Leda de la que vemos diversas copias. Quedan cuatro Leonardos excelsos en París porque fue a morir en la corte de Francisco I, dos en Londres, otros dos en San Petersburgo y este de Cracovia, que ahora se exhibe en Madrid.

Leonardo dejó muy claro su dieario en el tratado de la pintura y en esas notas maravilosas de sus diarios: "Todo está vivo, la luz es el pulso de las formas. Bajo el velo de las carnes, en el aire misterioso, todo está en calma"

Cuando se comparan los leonardos con la obra de cualquier otro pintor se reconocen enseguida. Creo que su método irrepetible consiste en la resonancia visual, sus ecos coloreados de tonos que se depositan unos en otros y se responden entre ellos.

Para él todo está en todo y cada cosa es, a la vez, efluvio y reflejo, espejo y llama.

Así como sus paisajes son temperamentos de la naturaleza, sus figuras son estados de ánimo.

La expresión de emociones interiores por medio de los movimientos del cuerpo la había aprendido del innovador Massacio. Él lo elevó a un nivel no superado en la Última Cena.

Lo primero a considerar, según él, es que el movimiento sea adecuado a los estados de ánimo, que el mayor o menor relieve de los objetos en sombra se ajuste a la distancia, que la elección de poses sea apropiada al decoro de las acciones y que los detalles correspondan al prototipo representado.

En este retrato que se expone en el Palacio Real de Madrid, el modelo es una dama de la corte favorita del déspota de turno y que el versátil Leonardo tenía que dejar bien porque,

como él mismo escribió: "Io servo chi mi paga". La dama del armiño no es una de las grandes obras de Leonardo, es más bien un ejercicio de oficio, pero como al genio casi todo le sale por encima del nivel de los demás motales, esta obra es como todas las suyas,

una obra maestra. Resulta tan real y tan cercana que la leyenda le atribuye al pintor un romance con la elegante, altarena y bellísima mujer.

Luis Racionero

La que está eternamente lejos...

noreply@blogger.com (Grandolina) — Tue, 17 May 2011 20:10:00 +0000

Mariana Kalacheva

Cuando nosotros nos encontramos la primera vez,

mi corazón, lleno de música, cantó:"La que está

eternamente lejos, está a tu lado para siempre."

Esta Música no suena hoy, que he llegado a creer

que mi amor solamente está cerca,

que he olvidado que ella está lejos también, muy lejos.

La música llena lo infinito entre dos almas,

pero la ha apagado la niebla de la costumbre.

En las tímidas noches de verano,

cuando la brisa trae un vasto murmullo del silencio,

me incorporo en mi cama a llorar la gran pérdida

de la que está junto a mí.

Y me pregunto: ¿Cuándo será que pueda suspirarle,

otra vez, palabras con ritmo de lo eterno?

¡Despierta, canción mía, tu languidez;

raja el velo de lo diario, vuela a mi amor,

allí en la sorpresa infinita

de nuestro primer encuentro!

R. Tagore

La Cosecha - Jules Bastien-Lepage

noreply@blogger.com (Grandolina) — Sun, 08 May 2011 19:08:00 +0000

Jules Bastien-Lepage (1848-1884)

La cosecha 1877

Óleo sobre lienzo

Alt. 160; Anch. 195 cm.

Museo d'Orsay. París

Jules Bastien-Lepage "nieto de Millet y de Courbet", según Zola, Jules se hizo un especialista con escenas agrestes, lejos de los remilgos pastorales que abundaban en esa época. La Cosecha generó el entusiasmo de Zola, que veía en este, la obra maestra del naturalismo en pintura.

De hecho ya estamos lejos de la Siesta de Millet. El artista traduce, a su vez, con fuerza, la epopeya del campo francés, y describe a los campesinos en su simplicidad como en sus pesares: la mujer joven sentada en el primer plano, muestra en su rostro una expresión azorada, marcada por el agotamiento. La escena fue inspirada por un poema:
"Habiendo formado su lecho encima de un montón de hierba fresca,
El cosechador tumbado, duerme con los puños apretados.
Sentada a su lado la cosechadora morena,
Sueña con los ojos cerrados, aturdida y embriagada [...]."

Se puede medir hasta que punto el cuadro va más allá de este anodino texto. Fue además todo un éxito en el salón de 1878. La composición es atrevida: la línea del horizonte es inhabitualmente alta, dejando el heno epónimo "semejante a una tela de un amarillo muy pálido, tejida de plata ", ocupa la mayor parte del lienzo. Estos efectos de perspectiva acelerada, la clara paleta, la enmarcación enfocada hacia los personajes, constituyen señas de modernidad, en el mismo seno del naturalismo.

La Mandíbula de Atapuerca cuestiona nuestros orígenes

noreply@blogger.com (Grandolina) — Fri, 29 Apr 2011 19:07:00 +0000

La mandíbula del primer europeo, localizada en la campaña de 2007 en Atapuerca, sigue deparando sorpresas. Los estudios no se detienen y un ejemplo de ello son las dos sorprendentes publicaciones en Journal of Human Evolution, encabezadas por el director del Centro Nacional de Investigación sobre la Evolución Humana (Cenieh), José María Bermúdez de Castro, y la investigadora responsable del Grupo de Antropología del Cenieh, María Martinón Torres.

En un primer momento y en una publicación en Nature se avanzaba que probablemente la mandíbula pertenecía a antecessor, especie localizada en Gran Dolina. «Aquello le vino bien a antecessor para su confirmación en la comunidad científica pero a tenor de los nuevos resultados no podemos mantenerlo», aseguraba en rueda de prensa Bermúdez de Castro.

Tras mediciones realizadas en micro CT, que analiza las partes invisibles del fósil, el microscopio electrónico y la realización de análisis de morfometría geométrica (comparación de características físicas de la pieza con otras similares) se ha determinado que la mandíbula del primer europeo es un Homo sp, es decir, especie sin determinar. No es antecessor porque sólo le une el estudio de la morfometría geométrica de los dientes el resto de las características son más arcaicas: Cara anterior o mentón tiene caracteres muy primitivos asociados a homínidos como los aparecidos en Dmanisi (1,8 millones de años), presenta un esbozo de mentón presente también en fósiles de dos y 1,7 millones de años. Pero tampoco se puede asociar a estas especies porque su parte interna presenta rasgos más modernos como que no tiene plano albeolar.

Todas estas características hacen que el fósil no se asocie a ninguna especie anterior más antigua como Homo georgicus o Homo ergaster pero tampoco parece ser antecessor en función de los datos de los que se dispone hasta el momento. Se trata por tanto de una especie de homínido con una «nueva identidad europea» que probablemente llegó a Europa a través de Asia y Dmanisi y no de África. «Trabajamos en un nuevo escenario evolutivo en Europa en el que las poblaciones que llegan no tienen porqué venir de África», afirma la investigadora María Martinón Torres que definió estas nuevas rutas en su tesis que ha ido confirmando con los nuevos datos como los que ofrece este primer europeo. «Al hacer un estudio detallado de las poblaciones de TD-6 y de preneandertales vemos que se parecen más a las poblaciones de Asia con lo que es probable que el origen de los primeros europeos sea asiático», afirma Martinón. Pero quizás lo interesante de esta pieza de Elefante es que «probablemente evolucionó en su camino por Europa»

Fuente - Correo de Burgos. Marta Casado

La Noche - Henri Fantin-Latour

noreply@blogger.com (Grandolina) — Sat, 16 Apr 2011 22:19:00 +0000

Durante mucho tiempo se ha pensado en una influencia procedente de la música de Wagner, para este cuadro inhabitual en la obra de Fantin-Latour. Pero parece ser que el artista hubiera pintado aquí una figura de pura imaginación, envuelta por reflejos y vapores azulados y plasmada, de una manera muy libre, en una pasta ligera. Este efecto de luz crea, en la parte izquierda del cuadro, una zona abstracta, informal, sin contornos, a la manera de un Turner o de una Debacle de Monet, mientras que el velo está pintado por regueros de azul, de carmín, de amarillo, mezclándose directamente en el lienzo como en Renoir".

La flexibilidad de la pincelada, la fluidez, la ligereza y la poesía de este lienzo, asegurarán a Fantin el éxito crítico y el reconocimiento de los sectores oficiales. Gustave Geffroy escribe: "La Noche: jamás cuerpo de mujer descansó más suavemente en un cielo de pintura, encima de nubes blandas y enrolladas como olas".

Museo d'Orsay. París

Alhambra de Granada - Arte Nazarí I

noreply@blogger.com (Grandolina) — Thu, 07 Apr 2011 09:48:00 +0000

Jardín yo soy que la belleza adorna:
sabrá mi ser si mi hermosura miras.
Por Mohamed, mi rey, a par me pongo
de lo más noble que será y ha sido.
Obra sublime,

la fortuna quiere que a todo momento sobrepase.
¡Cuanto recreo aquí para los ojos!
Sus anhelos el noble aquí renueva.
Las Pléyades les sirven de amuleto;
la brisa la defiende con su magia.

(Ibn Zamrak)

"Por muchos siglos este lugar fue como un oasis para los viajeros y nómadas, un lugar de encuentro entre culturas y tradiciones. Una intersección de religiones, donde musulmanes, judíos y cristianos coexistían en armonía.

Es un lugar donde la oscuridad cede a la luz, donde cada piedra ha escuchado mil y un secretos, donde la distancia se siente tan cerca.
Es un lugar de infinita belleza; un sueño místico.

Para mí, Alhambra significa misterio. Significa eternidad. Representa el espíritu humano". ( Loreena MacKennitt)

Fotografías - Fototeca Alhambra de Granada.

Alhambra de Granada - Arte Nazarí

noreply@blogger.com (Grandolina) — Wed, 16 Mar 2011 05:03:00 +0000

El arte nazarí granadino 1232, representa la fuerza de la tradición musulmana rica, espléndida, dada a lo decorativo. Es la vuelta al arte suntuoso del primer momento y la reacción contra el arte almohade, tan austero, del que toma no obstante algunos elementos. La arquitectura granadina, pese al aislamiento geográfico del Reino, influyó poderosamente en la arquitectura norteafricana y española. Y fue ella , especialmente, la que en todo momento sirvió para representar el arte musulmán en España. Fue la Alhambra, mucho más que la mezquita de Córdoba, el monumento que recordaban viajeros y cantaban poetas. Con aquel broche de oro, lleno de barroquismo, se termina la arquitectura en la península. Y, gracias a la Alhambra, la ciudad se ha ganado merecidamente el título de “bella”. Aquí la arquitectura es un elemento del paisaje, la vegetación de la vega, el tono rojizo de la alhambra, el blanco de las nieves y el azul del cielo componen una armonía cromática imposible de superar.

Se elevaron construcciones de imponente masa, desnudas por fuera, decoradas hasta rebosar por dentro. Se levantaron las mayores fortificaciones . Granada se convirtió en el más hermoso paraíso de la tierra. Se vive en la opulencia. Hay un exquisito refinamiento. Interesa vivir bien, aprovechar los últimos instantes de permanencia en la península. Por eso es un arte civil y no religioso el granadino; sus creaciones no son mezquitas, sino palacios, muy adecuados para explayar la imaginación leyendo las Mil y una noches.

Los materiales son de poco calidad. Aquella arquitectura está hecha para ser utilizada enseguida. Casi todo es de mampostería, ladrillo y entramado de madera. La decoración luego todo lo remedia. Pero bajo esta ornamentación no hay la menor verdad arquitectónica; es todo falso. Debajo de los arcos decorativos no hay arcos constructivos. De ahí que se trate de una arquitectura adintelada. El arco más frecuente es el de medio punto peraltado, cairelado con finísimos lóbulos, las dovelas quedan ocultas tras el ornamento. El arco de colgadura o de pabellón se decora con mocárabes. El arte granadino crea un tipo de columna, el finísimo fuste apoya en base y se cubre con capitel precedido de varios collarinos. El capitel se compone de un cuerpo cilíndrico decorado con cinta continua y ondulada, imitando la almohade, y de otro cúbico, encima, decorado, éste, a veces con mocárabes. Para cubrir emplean la madera y el yeso. Los motivos son el de lazo y el mocárabe. La Alhambra cuenta con espléndidas linternas, cuajadas de mocárabes, como en las salas de Dos Hermanas y de los Abencerrajes. También emplean cúpulas, bóvedas esquilfadas y armaduras de par y nudillo. La decoración epigráfica se vale de caracteres nesjies y alcanza el límite de tu desarrollo.

La Alhambra tiene las paredes repletas de inscripciones. Las paredes hablan. A falta de imágenes, la palabra excita nuestra imaginación. Diríase una arquitectura literaria.

Solerías de ladrillo y azulejo, zócalos de alicatados (mosaicos de azulejería) paredes cubiernas de yeserías, armadura de las más variadas formas (cúpulas, limas etc) unen los motivos habituales (lazo, ataurique y letreros) tratados planamente, pero con colores vivos para evitar la confusión. El espacio se subdivide en cuadrados y rectángulos.

Rasgo curioso es la perforación de las paredes. La madera y el yeso fueron los materiales preferentemente utilizados. Su ligereza permitió tratar las pareces como celosía. En el patio de los leones a través de las paredes se puede contemplar el cielo, ver su azul o las estrellas. Solo un oriental puedo inventar eso.

Mohamed I (1248-1253) Inica las obras, empezando por la Alcazaba; una extensa muralla de 1400 metros envuelve todo el conjunto. En el extremo que mira a la vega se sitúa la torre de la vela. La alhambra es en un primer lugar un recinto militar ciudad palacio se adapta a la forma alargada del monte. En la parte norte cae el cerro formando enorme farallón. Como aquí no hay peligro, se ponen miradores. La muralla es en determinados lugares doble, formando un patio interior. Se accedía a la Alhambra antiguamente por cinco puertas y poseía veintitres torres, muchas de las cuales servían de vivienda. Las pincipales puertas son las de justicia y de las Armas.

En cuanto a la Casa Real Vieja, está formada por un agrupamiento inicial (cuarto de Machuca, Mexuar, Cuarto Dorado), un segundo agrupamiento formado por el Cuarto de Comares; y otro tercero, el Cuarto de los Leones. Los dos primeros corresponden a la época de Yusuf I (1333-1354): el último, al tiempo de Mohamed V (1353-1391)

El visitante está incitado por la ley de la sorpresa. Hay habitaciones grandes y pequeñas, huecos reducidos, habitaciones secretas para oir, diminutos oratorios, conducciones de agua, en parte para el exorno, pero también para el empleo doméstico. Abundan los retretes, con entrada acomodada y ventilación directa. El poeta Ibn Zamrak ha dejado sus versos en las paredes, facilitando mil explicaciones.

Se halla en primer lugar el patio de Machuca, porque en este punto radicó la oficina del arquitecto que proyectó el palacio para Carlos V. Sigue el Mexuar o sala de Audiencias. Encima de la pieza habia un pequeño recinto, desde donde el monarca escuchaba las conversaciones. Hay inscripciones como esta: “Entra y pide”. El Cuarto Dorado estaba destinado a oficina de apelación ante el monarca. En rigor su fachada corresponde más bien al cuarto de Comares. Posee un efecto monumental, pero aquí se abvierte la falta de sinceridad de este arquitectura, no hay correspondencia con el interior. Hemos de efectuar un quiebro para salir al Patio de los Arrayanes, inmersos en una cascada de luz.

Forma parte de uno de los dos grandes conjuntos de la Ahambra: el cuarto de Comares. La expresión “cuarto” responde a una vieja acepción castellana: conjunto de dependencias. El Patio de los Arrayanes tiene en su centro una gran alberca. El agua desempeña en este palacio un papel fundamental. Aumenta las perspectivas (desde un extremo se ve la doble imagen de la torre de los Comares,es decir, la real y su reflejo), refresca el ambiente durante el estío, y llena de música, con el susurro de los canalillos y surtidores, que invaden las habitaciones. En el extremo norte del patio están la Sala de la barca, así llamada probablemente por la forma del techo y la Sala de los Comares, que es el salón del trono. En una gran habitación cuadrada , montada sobre robustas paredes, cuyos huecos son tan espaciosos que sirvieron de dormitorios. Cabe incluir en este primer conjunto los Baños. En lugares imprevistos aparecen oratorios, pues la Alhambra carece de mezquita.

El Cuarto de los leones se dispone perpendiculamente al de Comares. Hoy está demostrado que era un palacio distinto, ya que entre uno y otro había una calle de separación y ambos poseían entradas independientes. Todavía queda un trozo de la portada. Constituye propiamente el palacio . Está bien provisto de agua, la mayor parte procedente del Salón del Algive. La disposición alargada que presenta se debe a que no se podía extender en sentido contrario, porque tropezaba con los baños.

El patio de los leones estuvo en su día cubierto de jardín, pero bajo, para no entorpecer la vista. Tiene pórticos en los cuatro lados, hecho infrecuente. En los lados cortos avanzan los pórticos, a manera de pabellones. Presentan esbeltísimas columnas de mármol. En esta zona el mocárabe es el elemento artístico dominante. La sala de los reyes y la de los Mocárabes están constituidas por varias habitaciones enfiladas. Las salas de Dos Hermanas y de Abencerrajes se cubren con deslumbradoras cúpulas de morárabes y poseen surtidores en el centro de esta manera el agua discurre por el suelo, hasta alcanzar el del patio, donde está la gran taza de los Leones. El Mirador de darjanos ofrece un buen ejemplo de ordenación espacial a base de pantallas.

Se quiere dotar de significado simbólico el Patio de los Leones. Vendría a ser un símbolo del Paraiso. En el centro se encuentra la pila de los leones, que son doce, en función del zodiaco. El recipiente equivale al oceano, origen de la vida. Al estanque vienen a confluir cuatro canales, que se corresponderían con los cuatro ríos del paraiso.

Fotografías- Fototeca Alhambra de Granada.

Heroínas - Homenaje a la mujer en el Museo Thyssen

noreply@blogger.com (Grandolina) — Mon, 07 Mar 2011 22:48:00 +0000

La gran escultura de Gaston Lachaise "Heroína" (1932), con la que empieza la exposición
"Heroínas", define la esencia de la muestra que el Museo Thyssen- Bornemisza dedica a las mujeres fuertes que han sido representadas en papeles activos a los largo de la historia del arte.

Las heroínas de esta muestra, que se exhibe en la sede del museo y en la Casa de las Alhajas de Caja Madrid, no protagonizan escenas relacionadas con la maternidad ni son objetos eróticos, arquetipos del arte en Occidente. Son mujeres activas, creadoras, independientes, dominadoras, triunfantes o desafiantes.

Obras de Rubens, Rembrandt, Tintoretto, Delacroix, Goya, Degas, Rodin, Guido Reni, Munch, Hopper, Matisse, Frida Kahlo, Nancy Spero o Marina Abramovic forman el relato construido por Guillermo Solana, director artístico del Thyssen y comisario de la exposición.

A pesar de que los estudios de género en la historia del arte son el paradigma más rico y productivo de una época en que hay pocos paradigmas, han tenido poco reflejo en exposiciones organizadas en museos, "principalmente en los museos históricos, que han sido más reticentes a la hora de admitir enfoques feministas", según Solana.

"Heroínas" no es un compendio de retratos de mujeres, sino que profundiza en los "contratipos", en imágenes alternativas, "con obras que no ofrecen una visión de la mujer como un ser disponible, hecho a la medida de los deseos masculinos".

El recorrido de la muestra es temático, con obras desde el Renacimiento hasta la actualidad, aunque se centra especialmente en el ciclo de la modernidad. Así, en cada una de las salas conviven diferentes épocas y lenguajes artísticos, con pinturas, esculturas, fotografías o instalaciones de vídeo, como "Ever is Over All" de Pipilotti Rist.

"Se trata de una exposición un poco irreverente y provocadora, no por las obras en sí mismas sino por el modo en que están combinadas, uniendo un maestro antiguo con una fotografía", como ocurre con la obra de Tintoretto "Tancredo bautizando a Clorinda" (1585-60) que comparte pared con la fotografía "Pietà" de Marina Abramovic.

Con estos contrastes, el comisario quiere "provocar una chispa de comprensión. Que el visitante salga del ámbito aburrido en que hemos vivido siempre, que dude de sus convicciones o se distancie del estereotipo del papel de la mujer".

Entre las 121 obras que forman este completo catálogo de personajes femeninos, hay una representación muy importante en calidad y en cantidad de mujeres artistas contemporáneas, que dan la replica a los estereotipos reflejados por los artistas masculinos del pasado, herederos de la tradición patriarcal.

La exposición, incluida en el programa "Ellas crean", comienza mostrando una de las primeras condiciones de la heroína: la "Soledad", con "Ifigenia", representada por Anselm Feuerbach, o "Camilla", en fotografía de Sarah Jones.

"Campesinas/Cariátides" refleja mujeres campesinas que sostienen como cariátides la arquitectura de la familia y la soledad, aunque su lectura es ambigua, ya que a la vez exaltan la servidumbre como un destino natural. Obras de Goya, Jules Breton, Pissarro, Malévich o Maruja Mallo ilustran este espacio.

Mujeres furiosas, destructoras de hombres y rebeldes se agrupan en "Ménades y bacantes", con obras de Emile Lévy, Rodin o Nancy Spero. Obras de Rubens, Guido Reni y Robert Mapplethorpe, entre otros, sirven para plasmar peligrosas mujeres cazadoras o atletas.

El recorrido en el Museo Thyssen finaliza con las salas dedicadas a mujeres acorazadas y amazonas, que ofrecen la imagen de la mujer guerrera.

En este espacio se exhiben obras de Tintoretto, Delacroix, Rubens, Tanya Marcuse o la visión de "El juicio de París", de Eleanor Antin, así como "Jóvenes espartanas desafiando a sus compañeros", de Edgar Degas, "pintura de la National Gallery de Londres que se presta en muy pocas ocasiones y que es la más relevante del siglo XX desde el punto de vista feminista", señaló el comisario.

Solana destacó también el préstamo por parte del Museo de Arte de Carolina del Norte de la obra "Juana de Arco" de Rubens, una pintura "muy difícil de conseguir".

El gran óleo de Jean-Jacques Scherrer "La entrada de Juana de Arco en Orléans", de 500x374 cm, domina el espacio de la Casa de las Alhajas, en la que las protagonistas son las mujeres magas, mártires, místicas y pintoras.

Obras de John William Waterhouse, Emil Nolde, Caravaggio, Ferdinand Hodler, Julia Fullerton-BattenFantin-Latour, Matisse, Artemisa Gentileschi, Berthe Morisot o Frida Kahlo dan vida a estas mujeres que forman parte del retrato de heroínas.

Fuente- EFE

Estación de los estados espirituales

noreply@blogger.com (Grandolina) — Mon, 28 Feb 2011 11:09:00 +0000

—El tiempo es arcilla y el cielo, herrumbre. ¿Qué hacer?

—Volverse trueno, agua, objeto vivo.

—¿Y cuando las distancias estén vacías hasta de sombra?

—Llenarlas con un ojo que cubra los puntos cardinales,

llenarlas con fantasmas sacados del rostro

y las caderas

que cuiden del sueño y de la memoria de los árboles.

—¿Y cuando este mundo no te sea favorable?

—Me recrearé en mis ojos para duplicar en ellos en universo:

veré dos veces el cielo,

y la tierra dos veces.

—Sólo yo

seré único.

—¿Y cuando no tengas más amigos que las piedras?

—Gritaré: ¡Molusco! ¡Yo soy tu parte de blanda!

Y orientaré mis cuernos al sol.

Adonis

En Memoria de Rosa - El Escaparate

noreply@blogger.com (Grandolina) — Wed, 16 Feb 2011 23:18:00 +0000

Querida Rosa!

Cuando en el mes de noviembre dejaste en twitter el mensaje: "Hasta siempre" me asusté mucho, no quería creer que nos abandonabas, era demasiado duro pensar que nunca más estarías con nosotros. Yo conocia tu enfermedad, aún así siempre quise pensar que había una esperanza. Y pudimos de nuevo disfrutar de tu cercanía, de tu calidez, de tu generosidad de tu ejemplo. De tu ejemplo, sí. Hoy son muchos los blogueros que no dan crédito a que nos has dejado, y es que a pesar de que tu salud era tan mala, siempre quisiste seguir con tu blog, con tu radio "dejotasradio" sin dejarnos un atisbo para preocuparnos por ti, al contrario, estuviste siempre ahí ayudando a los demás. Yo sé que te acostabas tarde respondiendo correos de muchos de tus seguidores que te pedian ayuda. Ahí queda tu legado; tu blog de ayuda, para que muchos que como yo, un día comenzamos en esta andadura, podamos encontrar apoyo, y la huella en el corazón de muchos blogueros. Hasta siempre Rosa. Gracias por haberme dejado formar parte de tu vida.

Da Vinci se inspiró en una mujer y en su amante masculino para la Mona Lisa

noreply@blogger.com (Grandolina) — Fri, 04 Feb 2011 00:34:00 +0000

La Mona Lisa de Leonardo Da Vinci esconde en sus pupilas las iniciales L y S que, según una investigación del Comité Nacional italiano para la Valoración de Bienes Históricos, corresponden a quienes inspiraron al artista italiano: la florentina Lisa Gherardini y el amante del autor renacentista, "El Salai".

El presidente del comité, Vinceti Silvano, ha asegurado que decir que la Gioconda es Gherardini es "una verdad a medias", pues la enigmática obra de Leonardo incorpora también rasgos de "El Salai". De hecho, los cuadros en los que el italiano utilizó a su amante como modelo lo reflejan como un personaje "ambiguo y extremadamente andrógeno", unos rasgos que, según Silvano, son "muy similares" a los que presenta la Mona Lisa.

"El Salai", cuyo nombre verdadero era Gian Giacomo Caprotti, era un alumno predilecto de Da Vinci con el que mantenía una relación amorosa y del que no se separó durante más de 25 años.

Además, la investigación también ha revelado que el genio italiano pintó el número 72 bajo uno de los arcos del puente que aparece al lado de la Gioconda en el cuadro.

La presencia de este número, según Silvano, "no puede ser casual", ya que se trata de una cifra "mágica" que está ligada a numerosas tradiciones religiosas y místicas.

La cabalística, por ejemplo, indica que el nombre de Dios está formado por 72 letras, mientras que para los cristianos este número puede llevar hasta la Apocalipsis defendida por San Juan.

Por su parte, el 2 es una cifra a la que históricamente se relaciona con la armonía entre el género masculino y el femenino, una fusión entre el hombre (Il Salai) y la mujer (Gherardini), que podría haber desembocado en la enigmática Mona Lisa.

Silvano, que reconoció que probablemente exista un "verdadero código Da Vinci", también quiso llamar la atención sobre el resultado de la suma 7+2, que es 9 y simboliza la "iniciación, o sea la divinidad que se manifiesta al hombre que la representa".

"Leonardo compara así la figura del pintor con la de un ser casi mitad divino, que es capaz de reflejar la realidad creada por Dios en un cuadro", señaló el presidente del comité italiano.

Todos estos descubrimientos sobre la personalidad del genio Da Vinci hacen que se considere La Gioconda "un testamento vital" de la última etapa de Leonardo Da Vinci, de la que los investigadores dicen que probablemente fuera la más mística del artista.

"Revela las dimensiones filosófica, esotérica, teológica y religiosa del último período de la vida de Leonardo Da Vinci, quizá ése sea el gran secreto de la Gioconda y la respuesta de por qué este cuadro era tan caro y lo acompañó hasta la muerte", afirmó Silvano.

Sobre la elección de un puente para acompañar a la figura principal de la obra, la investigación aseguró que se trata de un elemento simbólico que siempre se ha asociado a la muerte, pero también al retorno al vientre materno.

Por ello, Silvano indicó que eligiendo el puente como elemento decorativo del paisaje Da Vinci pretendía hacer un guiño a la maternidad y su significado.

El Comité Nacional italiano para la Valoración de Bienes Históricos explicó que la investigación que han llevado a cabo se centró, fundamentalmente, en reconstruir la vida y el pensamiento del genio italiano, lo que les permitió vincular y relacionar muchos de los elementos de la obra.

Silvano anunció que "probablemente" haya una segunda fase de esta investigación sobre La Gioconda que reportará nuevas sorpresas sobre el que seguramente sea el cuadro más enigmático de la Historia.

Fuente: EFE