críticas de cine

Carnage (Un dios salvaje) - 2011 Francia

2012-01-31T18:29:00.000-08:00

Género: Comedia / drama

“Adaptación de la obra teatral homónima de la autora francesa Yasmina Reza. Ha sido rodada en Europa, pero la historia se desarrolla en Nueva York. En la obra original, los protagonistas son dos matrimonios que se reúnen, en principio de manera civilizada, para hablar de la reciente pelea que han tenido sus hijos en un parque. Pero el encuentro se complicará hasta límites insospechados.”

(www.filmaffinity.com)

Calificación IMDb: 7.5

Calificación Rotten Tomatoes: 6.7

Calificación Filmaffinity: 7.3

PREMIOS 2011

Globos de Oro: 2 nominaciones, a Mejor actriz comedia/musical (Foster y Winslet)

Premios Goya: Nominada a Mejor película europea

Premios Cesar: Nominada a Mejor guión adaptado

Esta producción francesa, aunque nada tenga que ver con ese país respecto del idioma en el cual se filma, nacionalidad de los actores o la geografía del rodaje, posee el talento de Roman Polanski (nacionalizado francés luego de abandonar Estados Unidos en 1977, acusado de violación), el cual ha demostrado a lo largo de su filmografía su notable capacidad para combinar lo mejor de los cines europeo y norteamericano. En este caso, “Carnage” (“Un Dios salvaje” o “Masacre”, dependiendo del país de reproducción) se trata de una adaptación de la obra teatral francesa homónima de Yasmina Reza, adaptada en este film por la mismísima autora y Polanski. Lo teatral se imprime en el interior del film con la exquisitez de sus diálogos, pero también en la superficie, ya que se observa prácticamente un solo ambiente y cuatro personajes en escena.

Comedia dramática/negra que expone (ya desde su título) una visión sincera de la humanidad, enfocándose en las relaciones sociales, matrimoniales y familiares principalmente, aunque va tocando al pasar diferentes temas de los más diversos y variados, desde cualquier punto de vista: desde la correcta utilización de una palabra hasta el machismo, pasando por ocupaciones, apodos, crianza y compromiso de los padres, arte, costumbres sociales y Nueva York, etc. Un abordaje que se da con ironía, sarcasmo y un humor ácido y sofisticado, aunque agresivo y cotidiano a la vez. Es un film que habla de lo políticamente correcto, de una manera políticamente incorrecta.

Inconformismo, mecanismos de poder y humillación, seres débiles e impotentes ante la fatalidad integran los temas y tratamientos de la filmografía de Polanski. En su ópera prima “El cuchillo en el agua” (1962) plantea temas como el absurdo, la alienación social o la frustración, a través de la historia de dos hombres y una mujer en un espacio cerrado. Con “La muerte y la doncella” (1994) este director ya había incursionado en la adaptación de una obra teatral (anteriormente también había hecho adaptaciones de la literatura, por ejemplo, “Macbeth” en 1971 y “Tess” en 1979).

Información obtenida de “Historia del Cine”, José Luis Sánchez Noriega

En “Carnage”, un final predecible -pero merecido- termina el juego de palabras de estas dos parejas en el peor día de sus vidas. Realmente muy entretenida, la hora y cuarto pasa volando frente a la pantalla, lo mejor, la genialidad del personaje e interpretación de Christoph Waltz (junto a un elenco de lujo).

Clasificación: Muy Buena (8)

Dirección

Roman Polanski

2010 El escritor oculto

2005 Oliver Twist

2002 El pianista

1999 La última puerta

1994 La muerte y la doncella

1992 Perversa luna de miel

1988 Búsqueda frenética

1986 Piratas

1979 Tess

1976 Le locataire

1974 Barrio chino

1972 ¿Qué?

1971 The Tragedy of Macbeth

1968 El bebé de Rosemary

1967 La danza de los vampiros

1966 Cul-de-sac

1965 Repulsion

1962 El cuchillo bajo el agua

Guión

Roman Polanski,

Obra: Yasmina Reza

Fotografía

Alexandre Desplat

Música

Pawel Edelman

Reparto

Jodie Foster ... Penelope Longstreet

2011 La doble vida de Walter

2008 La isla de Nim

2007 The Brave One

Kate Winslet ... Nancy Cowan

2012 Movie 43

2011 Contagio

2008 Sólo un sueño

Christoph Waltz ... Alan Cowan

2011 Los tres mosqueteros

2011 Agua para elefantes

2011 El avispón verde

John C. Reilly ... Michael Longstreet

2012 The Dictator

2012 Tim and Eric's Billion Dollar Movie

2011 We Need to Talk About Kevin

Sitio Web

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Cine Sueco: La trilogía Millennium - 2009

2012-01-30T16:12:00.000-08:00

Género: Thriller

“Millennium” es una brillante trilogía compuesta por: “Los hombres que no amaban a las mujeres”, “La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina” y “La reina en el palacio de las corrientes de aire”, tres films suecos adaptados de las novelas de Stieg Larsson. Si bien se la clasifica dentro del género thriller, se puede decir que involucra otros géneros igual de predominantes: drama, policial, temático, suspenso, intriga, misterio y hasta romance.

Como el título lo sugiere, la primera parte (al igual que trilogía entera) trata en especial la temática de la violencia de género. Además, abuso sexual, violencia familiar e incluso pedofilia serán otros de los puntos enfocados a lo largo de la historia completa. De todas formas, hay una importante distinción entre la primera parte y las dos siguientes, que tiene que ver con la “micro” historia que se cuentan en estos dos “grupos”.

“Los hombres que no amaban a las mujeres” introduce a los dos personajes principales de la saga: Lisbeth Salander y Mikael Blomkvist. Los caracteriza, los encuentra y los une en una investigación privada que intenta resolver un caso de desaparición de hace cuarenta años. Entremezclando épocas y metodologías, el film hace partícipe al público de una investigación a través del hackeo informático y métodos tradicionales periodísticos y policiales. El ritmo y la idea de la película son ideales para quienes adoran el cine (y series) relacionado a la resolución de crímenes en serie, búsqueda de evidencias y algo de acción y suspenso. A su vez, estos asesinatos en serie y rituales religiosos que hacen acordar (un poquito) a “Pecados Capitales” son mezclados con la temática del nazismo, tráfico de armas, lavado de dinero, etc.

El pasado es otro de los temas recurrentes del film (y de la saga), sobre todo el de Lisbeth, y será cada vez más importante a la hora de avanzar en la trilogía para comprender su personaje, el cual, sin duda, es uno de las mejores héroes femeninos del cine de los últimos tiempos y donde se nota su origen en la literatura (el punto más alto de la adaptación) y con algunos aires del cómic. La bisexualidad de Lisbeth y su decisión de nunca enamorarse de un hombre, sumado a su rudeza y desprecio por lo socialmente correcto se contrapone a un hombre terco pero bueno (de los pocos que ha conocido Lisbeth en su vida), periodista ambicioso e idealista que intenta sacar a la luz en su revista “Millenium” conspiraciones y mafias en grandes empresas y el estado. Esta dupla híper atractiva es una de las razones del éxito del film (y de la novela). Como si esto fuera poco, sobre el final, una buena dosis de sentimentalismo bien logrado cierran una magnífica obra.

La revista “Millenium” en sí misma tomará fuerza a partir de la segunda y tercera parte, donde empiezan a tomar fuerza otros personajes, aliados y antagonistas, en una lucha periodística por descubrir una mafia de trata de mujeres de Europa del Este que involucra a funcionarios públicos y personal del servicio de inteligencia sueco. “La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina” hace referencia al pasado familiar de Lisbeth, en el cual se centrará gran parte del film. Narcotráfico, tratamientos psiquiátricos, abuso sexual y amistad son algunos de los tips más importantes de esta parte, bastante más densa que la primera, muy diferente y mucho más compleja de seguir.

Finalmente “La reina en el palacio de las corrientes de aire”, aún muy inmersa en la temática central de la violencia de género, será la que más indague sobre el pasado de Lisbeth mientras alterna con la extensión de la investigación iniciada en la segunda parte, añadiendo ahora la existencia de un grupo conspirativo secreto: “La sección”. Esta tercera parte vuelve a ser tan entretenida como la primera, sobre todo en lo que respecta al proceso judicial mediante el cual Lisbeth es juzgada por intentar asesinar a su padre, dos veces. Esta última parte hace un muy buen cierre, sin dejar cabos sueltos y, por suerte, lejos de la tentación de un final romántico que tendría una producción yankee. Por último, el intento de reflejar características de la sociedad oriental Europea siempre está en el interior y en la superficie de los films de la saga, así como un contrapunto entre lo viejo y moderno, no sólo desde la tecnología, sino con los mismos personajes.

En cuanto a la estética general de la saga, podemos nombrar algunas particularidades, por ejemplo, relativas a ciertas elecciones recurrentes de la cámara: uso de cámara subjetiva, planos detalle y movilidad insistente. Por otra parte, el montaje se caracteriza por alternar tiempos pasado y presente frecuentemente (en especial el de Lisbeth) a partir de fotos, comentarios, sueños, recuerdos, etc. En general, se trata de tres films poco musicalizados: sólo se usa música instrumental para hacer énfasis retórico en momentos de suspenso, misterio y drama. La particularidad más evidente es la iluminación que utiliza su composición fotográfica (que permanece en los tres films a pesar de que el director de fotografía en la segunda y tercera parte es distinto al de la primera): predominan los ambientes nocturnos en interiores, con colores fríos y oscuros, muchas veces rozando el monocromo y contrastado con alguna luz cálida (naranja) de alguna lámpara.

Tal fue el éxito de esta trilogía sueca estrenada (todos los films) en 2009 que Hollywood no se quedó atrás y ha lanzado a finales de 2011 su versión de la primera parte, denominada “The Girl with the Dragon Tattoo” (con el cual también se la conoció en algunos países al film sueco), dirigida por David Fincher y protagonizada por Daniel Craig y Rooney Mara. Mismo director y actores para “The Girl Who Played with Fire” y “The Girl Who Kicked the Hornets' Nest”, planificadas para 2012 y 2013 respectivamente.

Calificación: Muy Buena (8,5)

Fichas

Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres

“Un rico industrial llamado Henrik Vanger (Sven-Bertil Taube) contrata al periodista Mikael Blomqvist (Michael Nyqvist) para que averigüe qué fue de su sobrina Harriet, que desapareció sin dejar rastro hace 40 años. Adaptación al cine de la primera parte de la trilogía "Millenium" del escritor sueco Stieg Larsson.”

(www.filmaffinity.com)

Calificación IMDb: 7.8

Calificación Filmaffinity: 6.6

DIRECTOR Niels Arden Oplev

NOVELA Stieg Larsson

MÚSICA Jacob Groth

FOTOGRAFÍA Eric Kress

REPARTO

Michael Nyqvist, Noomi Rapace, Sven-Bertil Taube, Peter Andersson, Peter Haber, Marika Lagercrantz, Lena Endre, Ingvar Hirdwall

Millennium 2: La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina

“Lisbeth Salander es buscada por la policía, tras verse envuelta en el asesinato de dos colaboradores de Millennium, a punto de sacar a la luz un escándalo sobre el comercio sexual en Suecia. Sin embargo, Lisbeth es más un ángel vengador que una víctima indefensa, y arremete con justa ira sobre los que la han herido... Segunda parte de la trilogía Millennium, adaptaciones de las exitosas novelas de Stieg Larsson.”

(www.filmaffinity.com)

Calificación IMDb: 6.9

Calificación Filmaffinity: 5.8

DIRECTOR Daniel Alfredson

NOVELA Stieg Larsson

MÚSICA Jacob Groth

FOTOGRAFÍA Peter Mokrosinski

REPARTO

Noomi Rapace, Michael Nyqvist, Lena Endre, Georgi Staykov, Per Oscarsson, Sofia Ledarp, Hans Alfredson, Annika Hallin, Micke Spreitz, Paolo Roberto

Millennium 3: La reina en el palacio de las corrientes de aire

“En este desenlace de la saga Millennium la tensión se dispara. Tras el agónico final de La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina, puede que Lisbeth Salander haya sobrevivido a ser enterrada viva pero sus problemas están lejos de haber acabado. Está acusada de triple asesinato y fuerzas poderosas intentan silenciarla de una vez por todas. Mientras, Michael Blomkvist escarba en su oscuro pasado y pronto encuentra sus huellas.”

(www.filmaffinity.com)

Calificación IMDb: 7.0

Calificación Filmaffinity: 6.2

DIRECTOR Daniel Alfredson

NOVELA Stieg Larsson

MÚSICA Jacob Groth

FOTOGRAFÍA Peter Mokrosinski

REPARTO

Michael Nyqvist, Noomi Rapace, Michalis Koutsogiannakis, Anders Ahlbom, Lena Endre, Sofia Ledarp, Georgi Staykov, Per Oscarsson, Annika Hallin, Micke Spreitz, Alexandra Eisenstein, Agnes Kittelsen, Jacob Ericksson, Tina Berg

Otros Datos

Noomi Rapace – Lisbeth Salander

2012 Knockout

2012 Prometheus

2011 Sherlock Holmes: Juego de sombras

2011 Babycall

2010 Millennium (TV mini-series)

2009 Millenium Trilogy

2007 Daisy Diamond

Michael Nyqvist – Mikael Blomkvist

2012 Disconnect

2011 Misión: Imposible - Protocolo Fantasma

2011 Identidad secreta

2010 Millennium (TV mini-series)

2009 Millenium Trilogy

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The Twilight Saga: Breaking Dawn, Part I (Saga Crepúsculo: Amanecer, Parte I) - 2011 USA

2012-01-28T18:39:00.000-08:00

Género: Fantástico / Romance / Thriller

“El amor que Edward y Bella sienten el uno por el otro se sella con la celebración de una gran ceremonia organizada por Alice. Durante la luna de miel, los recién casados tienen relaciones sexuales y Bella queda embarazada. El rápido crecimiento del feto, mitad humano mitad vampiro, afecta gravemente a su salud, llevándola al borde de la muerte... Primera parte de la adaptación de "Amanecer" que supone la cuarta entrega de la saga cinematográfica Crepúsculo, basada en las novelas de Stephenie Meyer.”

(www.filmaffinity.com)

Calificación IMDb: 4.8

Calificación Rotten Tomatoes: 4.4

Calificación Filmaffinity: 5.3

Antes que nada, hay que considerar un par de cuestiones muy importantes. En primer lugar, ésta es la cuarta entrega de “The Twilight” y, como la mayoría de las partes de una saga (hay algunas excepciones), es terminantemente necesario haber visto las anteriores. “Breaking Dawn Part I” se complementa con sus precuelas para cobrar sentido, para generar sensaciones, para continuar la trama global, y para hacer todo lo que hace una película común en una única entrega.

En segundo lugar, como su título lo indica, este film es la “parte de una parte”, y esto es fundamental para entender su ritmo aletargado, consecuencia -quizás- además del cambio de director, Bill Condon, el cuarto de la saga (David Slade en “Eclipse”, Chris Weitz en “Luna Nueva” y Catherine Hardwicke, que había iniciado con “Crepúsculo”).

Ahora bien, los adaptadores de la novela “Amanecer” de Stephenie Meyer parecen haber elegido, al partirla en dos, “estirar” la historia (o el negocio) haciendo un film que tranquilamente podía haber llevado poco más de dos horas de duración (como varias de la saga “El Señor de los Anillos”, por ejemplo). Aunque me queden dudas de si valía la pena (esperaré la segunda parte), la realidad es que, a mi entender, es la secuela más pesada y aburrida de la saga, al menos hasta pasados los primeros treinta minutos donde despliega un interminable arsenal cursi para teenagers romanticones. Luego, una vez embarazada Bella, la intriga, el suspenso y el drama se unirán al romance para hacerla muchísimo más entretenida, pese a lo poco que tiene de un film donde pelean vampiros y hombres lobo… habrá que esperar la segunda parte para volver a ver lo mejor de Crepúsculo pero roguemos, porque esta vez, repite director.

Clasificación: Regular (5)

Dirección

Bill Condon

2012 Amanecer Parte II

2011 Amanecer Parte 1

2006 Soñadoras - Dreamgirls

2004 Kinsey: El científico del sexo

1998 Dioses y monstruos

Guión

Melissa Rosenberg

2012 Amanecer parte II

2011 Amanecer parte I

2010 Eclipse

2009 Luna nueva

2008 Crepúsculo

Novela

Stephenie Meyer

Fotografía

Guillermo Navarro

Música

Carter Burwell

Reparto

Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner, Anna Kendrick, Peter Facinelli, Dakota Fanning, Ashley Greene, Jackson Rathbone, Nikki Reed, Kellan Lutz, Peter Facinelli, Elizabeth Reaser, Christian Serratos, Billy Burke, Boo Boo Stewart, Sarah Clarke, Michael Welch, Julia Jones, Kiowa Gordon, Alex Meraz, Gil Birmingham

Trailer

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Dream House (Detrás de las paredes) - 2011 USA

2012-01-27T18:32:00.000-08:00

Género: Thriller

“Will Atenton (Daniel Craig) deja su brillante carrera de editor en Nueva York y se traslada con su mujer Libby (Rachel Weisz) y sus dos hijas a un pequeño pueblo de Nueva Inglaterra, pero pronto descubre que la casa que habitan fue el escenario de una terrible tragedia. Mientras investiga el caso, conoce a Ann Paterson (Naomi Watts), una vecina que había conocido a los anteriores propietarios.”

(www.filmaffinity.com)

Calificación IMDb: 5.7

Calificación Rotten Tomatoes: 3.6

Calificación Filmaffinity: 5.0

Las críticas han destrozado a Sheridan y su “Dream House” aunque el público parece considerarla al menos mirable, y la verdad es que las dos partes tienen algo de razón.

El guión termina siendo realmente un caos en su afán de querer contar de manera muy diferente algo que, en términos generales, ya se ha visto en varios films. La historia no es mala (tal vez esa falsa novela hubiese sido un éxito) pero la trama es un sinsentido que inicia muy bien y tiene una sorprendente primera revelación rondando la media hora de cinta, pero de allí en más transita lo absurdo en una seguidilla de malas decisiones de sus creadores.

De todas maneras y tal vez producto de la propia incredulidad de nuestros ojos y sentido común, los defectos del film pueden mantenerte en la silla hasta que, de una vez por todas, te resignes a aceptar que una película puede contarse de esta forma… durante el film te sentirás incrédulo como Daniel Craig y también tan aliviado como él cuando “Dream House” termine. El reparto es excelente y es una de las razones por la cual no puede decirse que la película es un desastre total: Craig, Weisz y Watts saben llamar la atención.

Clasificación: Regular (5)

Dirección

Jim Sheridan

2009 Hermanos

2002 Tierra de sueños

1997 The Boxer

1993 En el nombre del padre

1990 Esta tierra es mía

1989 Mi pie izquierdo

Guión

David Loucka

Fotografía

Caleb Deschanel

Música

John Debney

Reparto

Daniel Craig, Rachel Weisz, Naomi Watts, Marton Csokas, Elias Koteas, Jane Alexander, Rachel G. Fox, Taylor Geare, Claire Geare, Brian Murray, Mark Wilson

Sitio Web

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In Time (El precio del mañana) - 2011 USA

2012-01-23T18:54:00.000-08:00

Género: Ciencia ficción / Thriller / Acción

“Ambientada en una sociedad futura. El hallazgo de una fórmula contra el envejecimiento trae consigo no sólo superpoblación, sino también la transformación del tiempo en moneda de cambio que permite sufragar tanto lujos como necesidades. Los ricos pueden vivir para siempre, pero los demás tendrán que negociar cada minuto de vida, y los pobres mueren jóvenes. Después de conseguir, por casualidad, una inmensa cantidad de tiempo Will Salas (Justin Timberlake), un joven obrero, será perseguido por unos policías corruptos conocidos como "los guardianes del tiempo". En su huida Will tomará una rehén (Amanda Seyfried), una joven de una familia adinerada.”

(www.filmaffinity.com)

Calificación IMDb: 6.6

Calificación Rotten Tomatoes: 5.2

Calificación Filmaffinity: 5.8

Andrew Niccol tiene una capacidad envidiable para plasmar, a través de formas innovadoras y originales, temáticas profundas y muchas de ellas tan antiguas como la humanidad misma. Decididamente cómodo en la ciencia ficción y casi siempre rondando lo futurista, escribe y dirige “Gattaca” (1997, Ethan Hawke, Uma Thurman y Jude Law) y “Simone” (2002, Al Pacino), pero además escribe la memorable, crítica e ingeniosa “The Truman Show” en 1998 por la cual fue nominado a un Oscar. En 2004, “La Terminal” (Tom Hanks) es una historia de su autoría y en 2005 escribe y dirige “El Señor de la guerra” (Nicolas Cage), otro film muy elogiado.

En 2011 escribe y dirige “In Time”. A este film se le pueden criticar varias cosas, como su menor nivel respecto a las otras películas de su curriculum, el romance más cursi que en “The Truman Show” (más similar al de “La Terminal” si se quiere), o la floja remisión a un Robin Hood moderno, pero una vez más se lleva el premio a la originalidad (hoy más escasa que hace 10 años y esto es doble mérito). Una originalidad que en realidad no tiene tanto que ver con su pasión por las historias del futuro (el film realmente no está ambientado de esta forma) sino más bien con el elemento tiempo añadido a la propia corporalidad del ser humano. Temas viejos si los hay: búsqueda de la inmortalidad, ganarle al tiempo, injusticia, capitalismo. Niccol combina la “locura” del estilo de vida de nuestra sociedad con el canibalismo del sistema capitalista sólo cambiando dinero por tiempo… brillante.

Acción, romance y drama, sin dejar nunca de lado la reflexión porque, desde el primer minuto del film, estará rondando por tu cabeza la idea de llegar a vivir de esta manera, si es que en realidad no estamos ya en este punto…

Clasificación: Buena (7)

Dirección y Guión

Andrew Niccol

Fotografía

Roger Deakins

Música

Craig Armstrong

Reparto

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Güelcom - Argentina 2011

2012-01-21T13:45:00.000-08:00

Género: Comedia romántica

“En esta comedia Leo un joven psicólogo, se entera que su ex pareja Ana está de visita en Buenos Aires después de haberlo dejado hace cuatro años para probar suerte como chef en España. Apoyándose en las amistades, la terapia y en los recuerdos, intenta superar sus rencores y saber porque tantos argentinos como ella han querido irse. Con la excusa del casamiento de unos amigos en común (que también viven afuera) inicia un plan para poder reconquistarla. Pero la presencia de un nuevo novio y varios resentimientos del pasado van a hacer que la tarea no sea tan sencilla.”

(www.filmaffinity.com)

Calificación IMDb: 5.3

Calificación Filmaffinity: 5.0

Güelcom es la típica comedia romántica de la que no podemos esperar más que una historia de amor con idas y vueltas, un pasado que contar, muy cursi e interpretada por dos prototipos de belleza occidental (M. Martinez y E. Tobal) a los cuales se les suman los personajes que aportan el ingrediente cómico (Peto Menahem y Maju Lozano).

Es entretenida pero poco graciosa, aunque lo peor es el abuso de clichés, las mediocres interpretaciones y los flojísimos diálogos que, en la mayor parte del film, no respetan la manera que tenemos de hablar los argentinos.

Lo mejor es el recuento de las frases más dichas por los argentinos que se van a vivir al exterior y el contraste que propone el film entre estas frases y la experiencia de los personajes que están de vuelta. En este sentido sí la película logra empatar con el público y empieza a familiarizarse con nuestra cultura. Puede leerse una mirada crítica, aunque no por el hecho de la emigración en sí misma, sino más bien a la falta de sinceridad con lo que muchas veces es un capricho. Parece proponer también una autocrítica a responsabilizar a nuestro país y sociedad como excusa de nuestros propias limitaciones.

No la recomiendo, aunque sin exigir demasiado y sin mucho que esperar puede resultar entretenida.

Clasificación: Regular (5)

Dirección
Yago Blanco

Guión
Yago Blanco y Diego Nuñez

Fotografía
Iván Gierasinchuk

Música
Eduardo Schmidt

Reparto

Mariano Martínez, Peto Menahem, Eugenia Tobal, Gustavo Garzón, Eugenia Guerty, Maju Lozano, Gonzalo Suárez, Chema Tena, Ana Yovino

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Kubrick x 3, Parte III: 2001: A Space Odissey (2001: Una odisea del espacio)

2012-01-20T14:01:00.000-08:00

LEER PARTE I, “El Resplandor”

LEER PARTE II, “LaNaranja Mecánica”

2001: Una odisea del espacio

“La película de ciencia-ficción por excelencia de la historia del cine narra los diversos periodos de la historia de la humanidad no sólo del pasado, sino también del futuro. Hace millones de años, antes de la aparición del "homo sapiens", unos primates descubren un monolito que los conduce a un estadio de inteligencia superior. Millones de años después, otro monolito, enterrado en una luna, despierta el interés de los científicos. Por último, durante una misión de la NASA, HAL 9000, una máquina dotada de inteligencia artificial, se encarga de controlar todos los sistemas de una nave espacial tripulada.”

(www.filmaffinity.com)

FICHA

TÍTULO ORIGINAL: 2001: A Space Odyssey

AÑO: 1968

DURACIÓN: 139 min.

PAÍS: USA

DIRECTOR: Stanley Kubrick

GUIÓN: Stanley Kubrick (Novela corta: Arthur C. Clarke)

MÚSICA: Richard Strauss, Johann Strauss

FOTOGRAFÍA: Geoffrey Unsworth

GENERO: Ciencia ficción

REPARTO

Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester, Daniel Richter, Douglas Rain (HAL 9000 voice), Laonard Rossiter, Margaret Tyzack, Robert Beatty, Sean Sullivan, Frank Miller, Penny Brahms, Alan Gilfford, Vivian Kubrick

PREMIOS EN 1968

Oscar: Mejores efectos visuales. 4 nominaciones: director, guión y dirección artística

Calificación IMDb: 8.4

Calificación Rotten Tomatoes: 8.9

Calificación Filmaffinity: 7.7

CRITICA

Si “La naranja mecánica” es uno de los films más personales de Kubrick, “2001: una odisea del espacio” la supera largamente en este aspecto y, al tratarse de un film de ciencia ficción, termina convirtiéndose en algo distinto e innovador para la época, incluso hoy en día en difícil encontrar obras de este tipo. Por otro lado, se trata además de un film “multigénero” por así decirlo, donde hay una mezcla de ciencia ficción, drama, suspenso, intriga, misterio y algo de thriller psicológico.

La “poeticidad” de la película se combina con los excelentes efectos especiales (que le valió un Oscar en 1968) para ofrecer en varias ocasiones largos lapsos de contemplación de la composición del cuadro y la música, ambas las mayores obsesiones de este director. En 2011 se estrenaron las polémicas “El árbol de la vida” de T. Malick y “Melancolía” de Lars von Trier, en las cuales se podría trazar un cierto paralelismo con este film de Kubrick, por la idea de exaltar esta “artisticidad” que muchas veces el cine olvida al estar inmerso en la vorágine del mundo comercial.

La puesta en escena se organiza en cuatro capítulos: “El atardecer del hombre”, “Misión a Júpiter (18 meses más tarde)”, “Intermission” y “Júpiter y más allá del infinito”. Cada uno de ellos tiene ciertos temas y modos particulares, y ciertos nexos que los unen y hacen de ellos una trama que va cobrando sentido a medida que el film avanza.

En el primero, Kubrick nos lleva a la prehistoria, los personajes son monos que descubren el poder de las armas -un hueso- y su condición de carnívoros, en lo que podría verse como una crítica a la violencia de la sociedad y la naturaleza humana que viene desde nuestros más antiguos antepasados. Luego aparece el misterio y el hilo conductor de la historia: un monolito enterrado descubierto por los monos. Esta curiosa pieza es enfocada desde abajo y se alinea con el Sol… un hueso arrojado hacia arriba cae en cámara lenta y luego se suplanta en pantalla por un satélite flotando por gravedad cero: vamos al futuro.

En esta segunda parte del primer capítulo las imágenes futuristas y los efectos especiales se adueñarán de las escenas, a la vez que vemos a los primeros personajes humanos. Más allá de tocar de pasada la lejanía de la familia, el manejo de la información en los descubrimientos científicos, las potencias mundiales en astronomía, ciencia y tecnología (Rusia y USA) y una cómica inscripción “inodoro de gravedad cero: lea las instrucciones de uso”, todo parece ser una excusa para mostrar la escenografía, el estilo futurista, clásicos de la música de salón y, sobre todo, reforzar el misterio del inicio. Otra vez, sobre el final aparece este mismo monolito enterrado y la cámara vuelve a enfocarlo desde abajo antes de pasar, prácticamente de la misma forma, al segundo capítulo.

En el segundo capítulo (18 meses más tarde que el final del primer capítulo) tenemos algunas remisiones a la BBC, al ajedrez y al arte, aunque lo central pasa a ser la oposición hombre/máquina en tanto perfección, emociones, dominio, etc. Temática que un tiempo después por ejemplo explotarán films como “Yo Robot” o la saga “Terminator”. Tres personajes: Frank y Dave (humanos) y Hal (un ordenador). A raíz de un error de Hal, la duda y el suspenso coparán por momentos las sensaciones de la película y desembocará en la tercera parte: una misión intermedia. En esta “Intermission” no prevista explota el thriller psicológico entre Hal y Dave. Sobre el final, una transmisión habla sobre la primera inteligencia artificial encontrada fuera de la Tierra… nuevamente el mismo nexo que une la trama.

Finalmente “Júpiter y más allá del infinito” es la parte más surrealista del film y el más confuso. Luego de un extenso viaje de Dave a través de una galaxia de colores, llega a Júpiter y termina, mágicamente, en un cuarto (tal como una habitación de un ser humano en La Tierra) donde se ve a sí mismo más viejo. Esta secuencia se repite hasta verse postrado y señalando a este curioso monolito. Finalmente se convierte en un bebé encapsulado y es enviado aparentemente a La Tierra. Esta parte, al igual que todo el film parece ser en definitiva una gran pregunta o serie de preguntas: ¿de dónde venimos?¿hacia dónde vamos con nuestros avances?¿hay más vida en el universo?¿hay reencarnación?

“2001: una odisea del espacio” se caracteriza por ser un film relativamente largo, con pocos diálogos, muy musicalizado, con lapsos de tiempo para la contemplación de la obra, con variabilidad de géneros dentro del film y por llevar un hilo conductor cuidadosamente planificado y basado en el misterio. Es un film de ciencia ficción, pero reflexivo y personal, que se toma sus tiempos. Estos “vicios” de Kubrick se completan con una estética particular: futurista, con movilidades de cámara híper trabajadas y que exaltan el efecto de gravedad cero, alterna imágenes fijas y lapsos con pantalla en negro, profundidad de campo, fuerte presencia del color rojo, composición del cuadro detallista y con mucho contraste, las clásica aperturas de plano a lo Kubrick (lentamente desde cerrado a abierto), la cámara como un personaje más (aquí se exalta la cámara subjetiva a través del personaje Hal) y una última parte dónde la movilidad en primera persona dentro de un show de imágenes con colores en negativos o invertidos ha permanecido como una de las secuencias más hipnotizantes de la historia del cine.

Calificación: Muy Buena (8,5)

OTRAS CRÍTICAS

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CONCLUSIÓN

En este repaso por tres films de Kubrick podríamos decir que cada uno de ellos es muy particular y distinto aunque, si tuviéramos que agruparlos, “El resplandor” estaría de un lado (más del lado comercial si se quiere) y “La naranja mecánica” y “2001: una odisea del espacio” apuntando a otra cosa.

De todas maneras, a pesar de lo particular de cada uno de sus films (que sería una característica en común de hecho), sí presentan factores reincidentes:

composición del cuadro y música en lapsos suspendidos: contemplación - concepción de arte en cine;
mostración de la cámara como un personaje más;
ampliación lenta de planos;
profundidad de campo;
angulaciones exasperadas;
ambientes futuristas;
desnudos y elementos recurrentes (sangre, máquina de escribir, por ejemplo);
temáticas recurrentes (violencia, soledad y reflexión, por ejemplo)
innovación constante en su estética;
constantes remisiones al arte: música, cuadros, dibujos, esculturas, fotografía, cine, etc.

50/50 - USA 2011

2012-01-17T11:57:00.000-08:00

Género: Comedia dramática

“Adam es un joven de 27 años al que se le diagnostica un cáncer. Con la ayuda de su mejor amigo, su madre y una joven terapeuta de un centro de rehabilitación, Adam descubre cuáles son las cosas más importantes de la vida.”

(www.filmaffinity.com)

Calificación IMdB: 8.0

Calificación Rotten Tomatoes: 7.6

Calificación Filmaffinity: 7.2

PREMIOS

Globos de Oro: 2 nominaciones, incluyendo Mejor película comedia/musical

National Board of Review: Mejor guión original

Independent Spirit Awards: Nominada a Mejor película, guión novel y actriz sec.

Critics Choice Awards: Nominada a Mejor guión original

Para algún desprevenido como yo que no haya leído la sinopsis antes de empezar a mirarla, hay que decir que “50/50” son las probabilidades de vivir que tiene Adam (Joseph Gordon-Levitt) luego de enterarse que padece de cáncer y esto, de movida, resulta en un buen choque como para empezar a prestar atención.

Apelando más a la sinceridad que al sentimentalismo, el film consigue que la dupla principal (gran dúo) pueda, riéndose de sí mismos, hacernos reír, en una historia de amistad, ruptura, romance, drama familiar y, sobre todo, de aceptación. Aceptación de uno mismo, de los miedos y de los sentimientos que salen a flote en las situaciones más adversas.

Emotivo cerca del final, “50/50” se caracteriza por cerrar muy paulatinamente sus transformaciones, tanto es así que realmente se trata de un film relativamente corto (hora y media) y de muy baja renovación de la información, es decir, dice y muestra todo lo que tiene rápidamente y luego se deja disfrutar.

Cine independiente, una vez más, híper musicalizado: primero, una buena porción de “High and Dry” de Radiohead suena mientras Adam vuelve a su casa luego de tremenda noticia, y luego sonarán varios clásicos contemporáneos en esta película que parece honesta hasta con su gusto musical. Muy recomendable.

Clasificación: Muy Buena (8)

Dirección

Jonathan Levine

2012 Warm Bodies

2008 The Wackness

2006 Todo por ella

Guión

Will Reiser

Fotografía

Terry Stacey

Música

Michael Giacchino

Reparto

Joseph Gordon-Levitt ... Adam

2010 El origen

2010 Hesher

2009 500 días con ella

Seth Rogen ... Kyle

2011 El avispón verde

2009 Hazme reír

2007 Ligeramente embarazada

Anna Kendrick ... Katherine

2011 Amanecer

2010 Eclipse

2009 Amor sin escalas

Bryce Dallas Howard ... Rachel

2010 Más allá de la vida

2010 Eclipse

2004 La aldea

Anjelica Huston ... Diane

Los excéntricos Tenenbaums (2001)

Por siempre Cenicienta (1998)

Los locos Addams (1991)

Trailer

Otras Críticas y comentarios

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Kubrick x 3, Parte II: A Clockwork Orange (La Naranja Mecánica)

2012-01-15T15:33:00.000-08:00

LEER PARTE I, “El Resplandor”

La Naranja Mecánica

“Gran Bretaña, en un futuro indeterminado. Alex (Malcolm McDowell) es un joven muy agresivo que tiene dos pasiones: la violencia desaforada y Beethoven. Es el jefe de la banda de los drugos, que dan rienda suelta a sus instintos más salvajes apaleando, violando y aterrorizando a la población. Cuando esa escalada de terror llega hasta el asesinato, Alex es detenido y, en prisión, se someterá voluntariamente a una innovadora experiencia de reeducación que pretende anular drásticamente cualquier atisbo de conducta antisocial.”

(www.filmaffinity.com)

FICHA

TÍTULO ORIGINAL: A Clockwork Orange

AÑO: 1971

DURACIÓN: 137 min.

PAÍS: Inglaterra

DIRECTOR: Stanley Kubrick

GUIÓN: Stanley Kubrick (Novela: Anthony Burgess)

MÚSICA: Wendy Carlos

FOTOGRAFÍA: John Alcott

GENERO: Drama / Crimen / Thriller futurista

REPARTO

Malcolm McDowell, Patrick Magee, Michael Bates, Adrienne Corry, Warren Clarke, John Clive, Aubrey Morris, Carl Duering, Paul Farrell, Clive Francis, Michael Gover, Miriam Karlin, James Marcus, Geoffrey Quigley, Sheila Raynor, Madge Ryan, Philip Stone

PREMIOS EN 1971

- 4 nominaciones al Oscar: Mejor película, director, montaje, guión adaptado

- Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película

Calificación IMDb: 8.5

Calificación Rotten Tomatoes: 8.3

Calificación Filmaffinity: 8.2

CRITICA

Probablemente el film de mayor renombre en la filmografía de Kubrick, tanto por su contenido como por su estética y la polémica que desató en el contexto histórico de su aparición. Compleja y de abarcamientos posibles diversos, “La Naranja Mecánica” tiene múltiples capas para el análisis aunque todas ellas convergen a un factor común: la violencia. Salvo por algunos rasgos estilísticos y ciertos elementos recurrentes, nada tiene que ver con la posterior película “El resplandor”, mucho más enfocada en la ficción que en la reflexión, como es el caso de este trabajo.

“A Clockwork Orange” es uno de los trabajos más personales dentro de la filmografía de Kubrick, el cual parece apuntar a una reflexión central que podría relacionarse con el título del film: la violencia genera más violencia. Crítica a la especie humana y visión pesimista de un futuro no muy lejano invadido por una juventud violenta generada a escala industrial. Imágenes del viacrucis de Jesucristo e imágenes documentales de campos de concentración y del líder nazi Adolf Hitler son algunos de los recorridos históricos que verosimilizan el concepto.

La concepción del líder como amo y códigos de pandillas, ostentación de los sectores ricos y brecha entre clases, opresión en la fábrica y sociedad de consumo, pérdida de autoridad en los lazos familiares, mujer como objeto sexual, consumo de drogas, alcohol y libertinaje, superficialidad y vanidad, etc. Esta “ultra violencia”, al combatirse con el discurso religioso y las amenazas de un infierno, guerras, abuso de autoridad, sometimiento en cárceles y reformatorios, técnicas de reformación aún más violentas, manipulación de la prensa, hechos y personas con fines políticos, etc. sólo consigue generar más violencia en un mundo que se muestra devastado, sucio, inseguro, injusto, discriminador, indiferente y desconfiado, una sociedad que padece las mafias de jóvenes delincuentes que rechazan el mundo adulto. Muchas veces se lo ubica a Kubrick en los márgenes del Free Cinema británico (“La Naranja mecánica” fue filmada en Inglaterra) y, tal vez, sea este el film más cercano al movimiento, ya que muchos de estos motivos y temas son los tratados por directores como Tony Richardson y Lindsay Anderson, éste último productor y director de “If…”, donde también es protagonista Malcom McDowell y donde el polémico final del film guarda bastante relación con la violencia de esta obra.

En el marco de una escenografía futurista, con ambientes ricos, disarmónicos y caracterizados, el decoupage deja su lugar muchas veces a un montaje rey, donde la yuxtaposición de imágenes impartirá el sentido. Fiel a su estilo, Kubrick usa y abusa de los travellings lentos desde planos cerrados a planos abiertos, el zoom y primerísimos planos, movimientos laterales, cámara en mano, cámara subjetiva que suplanta la mirada de los personajes, angulaciones marcadas, juego con las sombras y elecciones que exaltan la manipulación de la cámara y la mostración del aparato cinematográfico como lentificaciones, aceleraciones y cruces por delante de la cámara. Además de presentar a un narrador en la voz de McDowell, el cual relata en primera y tercera persona y alterna pensamientos en tiempo presente y explicaciones u opiniones sobre secuencias en tiempo pasado, el uso de la música es sumamente particular, al punto de que muchas secuencias presentan una armonía rítmica entre imagen y música clásica.

Por otra parte, se trata de un film con inmensidad de remisiones de todo tipo: al arte, mediante la música y la obsesión del personaje con Beethoven o la recurrencia al clásico “Cantando bajo la lluvia”; a la concepción del arte, en la secuencia previa al asesinato que comete Alex; al sexo, con muchísimas imágenes explícitas (casi pornográficas), cuadros, esculturas; citas bíblicas; citas al cine mismo; a Hitler, no sólo mediante la imagen documental sino a través del oficial que recibe a Alex en la cárcel. Al igual que se verá en “El resplandor”, la sangre, la máquina de escribir y los espejos forman parte constantemente de los elementos recurrentes del film.

“A Clockwork Orange” es “ultra” violenta en todos los sentidos: verbal, físico, sexual, visual y sonoro.

Calificación: Muy Buena (8)

OTRAS CRÍTICAS

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LEER PARTE III, "2001: una odisea del espacio"

Real Steel (Gigantes de acero) - 2011 USA

2012-01-10T13:42:00.000-08:00

Género: Ciencia Ficción

“En un futuro no muy lejano el boxeo es robótico: en los combates ya no se enfrentan seres humanos, sino robots humanoides, sofisticadas máquinas diseñadas para luchar. Charlie Kenton, un antiguo púgil que casi llegó a alcanzar la gloria, está pasando una mala racha como promotor de combates. Un día, encuentra un viejo robot desechado y, al comprobar que es un gran boxeador, decide entrenarlo.”

(www.filmaffinity.com)

Calificación IMDb: 7.4

Calificación Rotten Tomatoes: 5.8

Calificación Filmaffinity: 6.2

Promedio: 6.5

Shaw Levy nunca ha sido dueño de algún film verdaderamente inolvidable -tal vez “Una noche en el museo” haya sido su mejor incursión- y esta no es la excepción. Disiento con la calificación de IMDb y con varias críticas que, a mi entender, sobrevaloran a “Real Steel”. Como toda producción de Steven Spielberg y compañía (aparece también Robert Zemeckis, entre otros) los mejores efectos especiales y el entretenimiento están asegurados. A esto le podemos sumar una buena dosis de la emoción “deportiva” que siempre ofrecen las películas de boxeo y, en este sentido, Real Steel cumple muy bien, sobre todo en la recta final del film. Ahora bien, si le sacamos esto (que no es poca cosa, aunque tampoco es demasiado), sólo nos queda la misma basura sentimentaloide yankee que no se cansa de reiterar los viejos y malogrados arquetipos de su cultura cinematográfica y que sólo pueden creérsela los chicos, que parece ser a quienes apunta la película. Al chico todavía le falta camino por recorrer, pero Hugh Jackman parece haber caído bajo y Evangeline Lilly, bueno, al menos hizo “Lost” (… y sigue tan linda).

Clasificación: Regular (5,5)

Dirección

Shawn Levy

2010 Una noche fuera de serie

2009 Una noche en el museo 2

2006 Una noche en el museo

2006 La pantera rosa

2003 Más barato por docena

2003 Recién casados

Guión

Leslie Bohem

John Gatins

Dan Gilroy

Jeremy Leven

Historia corta: Richard Matheson

Fotografía

Mauro Fiore

Música

Danny Elfman

Reparto

Hugh Jackman ... Charlie Kenton

2012 Movie 43

2011 Butter

2011 Snow Flower and the Secret Fan

2009 X-Men orígenes - Wolverine

Dakota Goyo ... Max Kenton

2011 Thor

2009 Defendor: Un héroe sin igual

2007 Emotional Arithmetic

2007 Resurrecting the Champ

Evangeline Lilly ... Bailey Tallet

2012 The Hobbit: An Unexpected Journey

2004-2010 Lost (TV series)

2008 Afterwards

2008 Vivir al límite

Sitio Web

Otras Críticas y comentarios

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Kubrick x 3, Parte I: The Shining (El Resplandor)

2012-01-09T14:52:00.000-08:00

Introducción

Stanley Kubrick es considerado uno de los directores más respetados y más influyentes de la historia del cine, no sólo por su talento sino también por su profesionalismo y capacidad/obsesión para los detalles a la hora de la composición fotográfica, la dirección y la musicalización de sus films. Ha dejado un estilo único e influyente en el cine contemporáneo… el estilo Kubrick.

Sobre trece largometrajes dirigidos, sólo sus dos primeros films tienen una calificación menor a 7 puntos, otros dos menor a 8, y los restantes 9 films tienen puntajes que superan los 8 puntos (fuente: www.IMDb.com). Esto no es poca cosa, ya que si utilizáramos esta base de datos para guiarnos, nos encontraríamos que muy pocos films superan los 7 puntos. En esta seguidilla “Kubrick x 3”, analizaremos “La naranja mecánica”, “El resplandor” y “2001, una odisea del espacio”… tres films de considerados de culto y pertenecientes a la filmografía obligatoria de cualquier academia de cine.

Filmografía

1999 Ojos bien cerrados

1987 Nacido para matar

1980 El resplandor

1975 Barry Lyndon

1971 La naranja mecánica

1968 2001, una odisea del espacio

1964 Dr. Insólito o: Como aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba

1962 Lolita

1960 Espartaco

1957 La patrulla infernal

1956 Casta de malditos

1955 El beso del asesino

1953 Fear and Desire

El Resplandor

“Jack Torrance se traslada con su mujer y su hijo de siete años al impresionante hotel Overlook, en Colorado, para encargarse del mantenimiento de las instalaciones durante la temporada invernal, época en la que permanece cerrado y aislado por la nieve. Su objetivo es encontrar paz y sosiego para escribir una novela. Sin embargo, poco después de su llegada al hotel, al mismo tiempo que Jack empieza a padecer inquietantes trastornos de personalidad, comienzan a producirse extraños y espeluznantes fenómenos paranormales.”

(www.filmaffinity.com)

FICHA

TÍTULO ORIGINAL: The Shining

AÑO: 1980

DURACIÓN: 146 min.

PAÍS: USA

DIRECTOR: Stanley Kubrick

GUIÓN: Stanley Kubrick & Diane Johnson (Novela: Stephen King)

MÚSICA: Rachel Elkind & Wendy Carlos

FOTOGRAFÍA: John Alcott

GENERO: Terror

REPARTO

Jack Nicholson, Shelley Duvall, Danny Lloyd, Scatman Crothers, Barry Nelson, Philip Stone, Joe Turkel, Lia Beldman, Billie Gibson, Barry Denne, David Baxt, Manning Redwood, Kisa Burns, Louise Burns, Alison Coleridge, Norman Gay

Calificación IMDb: 8.5

Calificación Rotten Tomatoes: 8.1

Calificación Filmaffinity: 8.2

CRITICA

Obra maestra de Kubrick basada en la novela de Stephen King que se ha convertido en un film de culto por su innovadora manera de pertenecer al género terror. Pocos films de terror pueden ser capaces, como éste, de producir sobresaltos en el público sin basarse en la oscuridad, en sofisticados efectos especiales y, además, a partir del suspenso y la intriga de algo que realmente ya se sabe que va a suceder o al menos en gran parte.

Inicia con campos larguísimos que dan cuenta del imponente paisaje de las montañas de Colorado para empezar a dar cuenta de uno de los temas recurrentes del film: el aislamiento y la soledad. A la vez, empezamos a escuchar la particular musicalización que, sin lugar a dudas, es uno de los elementos más importantes del film para producir lo que pocos como Kubrick pueden: perturbar.

Primeros capítulos: preparación del escenario. En estos pocos minutos, The Shining nos va a dar los informantes e indicios necesarios para que nuestra cabeza empiece a funcionar, casi inevitable e incontrolablemente. La figuración fuerte de los ambientes del hotel, la historia escalofriante, el anticipo de soledad y el aislamiento, la particularidad del pequeño Danny, indicios sobre la personalidad de Jack y su relación con su esposa y un “accidente” pasado con el alcohol son algunos de los condimentos que propone el film en su inicio.

Hasta aquí, prácticamente sabemos todo lo que hay que saber y más o menos como seguirá, sin embargo, restan casi dos horas de film donde los movimientos de cámara, la composición del cuadro y el manejo del sonido nos darán todo el suspenso que hace falta en una película de este género.

El manejo de la cámara es de lo más destacado en Kubrick. En este film podemos ver pequeños planos secuencias fundidos con travellings en carro, grúa y en mano, exasperación de la profundidad del campo mediante movimientos laterales de la cámara que alternan figura y fondo, amplia variedad de tamaños de plano sin abusar del primer plano (raro en films de terror), juego de angulaciones, campo y contracampo, toma y contratoma de una misma posición de personajes, cámara subjetiva suplantando mirada de los personajes, etc. Sin duda, la obsesión por la composición del cuadro es una marca de su estilo: el enmarcado o “cuadro dentro de cuadros”, los espejos y el manejo del fuera de cuadro sumado a la infinidad de travellings lentamente hacia adelante y hacia atrás y la combinación del travelling carro-cámara baja se llevan los premios a las escenas más escalofriantes de la película (sólo basta pensar en las secuencias de Danny en su triciclo para erizarnos la piel).

Temáticamente, además de la soledad, El resplandor tiene ciertos motivos y elementos recurrentes: el matrimonio y los conflictos conyugales, el alcohol, la escritura, el miedo, la reencarnación y las “vidas pasadas”, la sangre, elementos filosos, insomnio, locura, alucinación y esquizofrenia, entre otros. Finalmente, hay que destacar que The Shining no sería el mismo film sin Jack Nicholson: su gestualidad y su impresionante interpretación hicieron también de éste un film de culto.

Calificación: Muy Buena (8)

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LEER PARTE II, La Naranja Mecánica

Free Cinema británico, Parte IV: If…

2012-01-07T04:40:00.000-08:00

Leer Parte III: Tom Jones

If…

“Polémica película en la que el pionero del Free Cinema inglés arremete contra la enseñanza superior, satiriza los high schools y el establishment británico sin matices y con un tono violento.”

(www.filmaffinity.com)

FICHA

TÍTULO ORIGINAL: If...

AÑO: 1968

DURACIÓN: 111 min.

PAÍS: Inglaterra

DIRECTOR: Lindsay Anderson

GUIÓN: David Sherwin

MÚSICA: Marc Wilkinson

FOTOGRAFÍA: Miroslav Ondrieck

GENERO: Drama

REPARTO

Malcolm McDowell, David Wood, Richard Warwick, Robert Swann, Christine Noonan, Hugh Thomas, Rupert Webster, Peter Jeffrey, Anthony Nicholls, Arthur Lowe, Mona Washbourne

Calificación IMdB: 7.7/10

Calificación Rotten Tomatoes: 7.8/10

Calificación Filmaffinity: 7.1/10

PREMIOS

1969 Festival de Cannes: Palma de Oro - mejor película

CRITICA

“If…” tematiza en la línea del Free Cinema, de hecho, exaspera la crítica mediante su agresividad transformándose en uno de los films más polémicos del movimiento. Estéticamente, es el más distintivo de los cuatro films y el más detallista, pero a la vez es el más libre respecto de los cánones del cine comercial al que se oponen.

If realiza una crítica/sátira sobre el conservadurismo de instituciones británicas como la escolar, la iglesia y el ejército. Tematiza una “cruzada de rebeldes” dentro de estas instituciones construida a partir de motivos y tips como la disciplina, autoritarismo, sexualidad, religión, educación, guerra, opresión, violencia, castigo, lealtad y tradición. En este sentido, temáticamente guarda mucha relación con “The Loneliness of the Long Distance Runner”, a la vez que se aleja con su final más que polémico.

En relación con los otros tres films, la “forma” de “If…” parece ser la que más juega con el montaje, la movilidad y la composición fotográfica, y además, la más alejada de todas de la escritura clásica. Además del uso frecuente de campos largos, el film tiene la particularidad de alternar todo el tiempo el blanco y negro con el color, aunque no pareciera ser de manera arbitraria, sino más bien referencial (por lo general, momentos de soledad de sus personajes, de encierro y particularmente en la misa, las imágenes son mayormente en blanco y negro). También hay un mayor juego respecto a los encuadres (inclinaciones extremas por ejemplo) y a la movilidad de la cámara.

Por otra parte, el film está basado en el script original “Crusaders” y mantiene el formato de la literatura respecto a la separación en capítulos. En este caso, “If…” se divide en 8 capítulos mediante fundidos a placas en negro con los títulos en blanco y rojo: 1 “Casa College…la vuelta”, 2 “College… una vez reunidos”, 3 “El periodo”, 4 “Ritual y romance”, 5 “Disciplina”, 6 “Resistencia”, 7 “A la guerra” y 8 “los cruzados”.

El uso del sonido y la musicalización es también el más particular de los films analizados hasta aquí, ya que todo el tiempo está jugando en la línea música in-over, pasando de una a otra, usando elementos productores de música en escena (por ejemplo, el tocadiscos en la habitación o el coro en la misa). El uso de ruidos y sonidos no sincronizados también es algo frecuente en la película, al igual que la música religiosa.

Si bien es un film cuya estructura permite una fácil orientación, se aleja de los cánones clásicos mediante la adopción de soluciones medias y marcadas mezcladas sin un diseño previsible, puesta en evidencia de la función lingüística, exageración de puntos de vista, exaltación de la manipulación del montaje, descentramiento de objetos, angulaciones e inclinaciones marcadas, insistencia en los movimientos de cámara, uso de sonido no sincronizado y exaspera la profundidad de campo. Es el film más complejo y el que requiere un mayor esfuerzo de lectura.

Calificación: Muy Buena (7,5)

OTROS DATOS

Lindsay Anderson

1987 Las ballenas de Agosto

1982 Hospital Britannia

1975 In Celebration

1973 O Lucky Man!

Malcolm McDowell

Halloween, el comienzo (2007)

O Lucky Man! (1973)

La naranja mecánica (1971)

CONCLUSIÓN

La temática del Free Cinema es clara: “mayor compromiso social”, tratar los conflictos laborales y cotidianos, criticar las instituciones y rechazar la hipocresía de las representaciones del cine “burgués”. En este sentido, los 4 films están en línea, aunque con distintos tonos: “Saturday Night and Sunday Morning” es un poco más medida, tratando el tema de la explotación laboral y criticando sobre todo el conformismo de la sociedad británica y su apego a las tradiciones inculcadas. “The Loneliness of the Long Distance Runner” e “If…” van bastante más allá, son más duros con la sociedad hipócrita que representan y mucho más críticos de las instituciones, mientras que “Tom Jones” es una comedia que, si bien esconde una crítica a la tradición y a la diferencia y dominación entre clases sociales, parece tomárselo más ligero.

En cuanto a la iconicidad, estos 4 films del Free Cinema parecen coincidir en la figuración fuerte, profundidad de campo, uso de códigos iconográficos bien marcados y en el uso de ciertos códigos de estilo, tanto comunes en el movimiento como en el autor, por ejemplo en los tres films de Richardson (dos dirigidos y uno producidos). Esto último seguramente tenga que ver con las mayores libertades exigidas y adquiridas por estos directores, respecto de aquellos que son “empleados” de las grandes productoras.

No se puede hablar de una composición fotográfica común, tal vez por el paso de los años entre “Saturday Night and Sunday Morning” (1960) e “If…” (1968) que brindó más libertades al movimiento, se animaron cada vez a más, la misma tecnología del cine o la propia diferencia de estilos entre los directores. Lo cierto es que desde el primer film al cuarto, se paso del blanco y negro al color, hubo un aumento en el “juego” con los movimientos de cámara y los encuadres, y se exaltó cada vez más la manipulación del montaje y del sonido, es decir, se puso cada vez más en evidencia la función lingüística, el “mostrar” al espectador el aparato cinematográfico en acción.

El Free Cinema ha dejado una marca y su herencia fue recogida por gran parte del cine británico posterior, de ahí que actualmente podamos distinguir sin ninguna complicación (más allá del acento británico muy particular) un film británico de uno norteamericano (al menos de las grandes productoras, ya que el cine independiente de USA también pretende algo más que grandes ventas).

Querida, voy a comprar cigarrillos y vuelvo - 2011 Argentina

2012-01-06T06:36:00.000-08:00

Género: comedia / drama

“Un agente inmobiliario tiene la posibilidad, a través de un pacto con una persona con poderes sobrenaturales, de viajar a su propio pasado y vivir nuevamente su juventud.”

(www.filmaffinity.com)

Calificación ImdB: 7

Calificación Filmaffinity: 6.4

“Cine de autor”, raro, particular, tal vez algo pretensioso, pero definitivamente una propuesta distinta. Basado en un cuento del escritor Alberto Laiseca, famoso por su obra "Los sorias", considerada la obra más larga de la literatura argentina, y el cual se hizo un poco más conocido para el público general cuando condujo un ciclo de cuentos de terror en episodios de diez minutos en el canal I-SAT. En este caso, símil a lo hecho en tv, Laiseca nos relata su cuento -literalmente- a la vez que, alternadamente, se muestra la ficción propiamente dicha, protagonizada por Emilio Disi. Esto que parece confuso, en realidad termina siendo muy entretenido y agradable, un poco cómico y un poco triste, una historia tan sobrenatural como cotidiana… un cuento con moraleja.

La introducción y los títulos dan cuenta de movida que se trata de algo diferente. Empieza con un relato sobre una historia sobrenatural e insólita, narrada en tono burlesco, de la cual surge uno de los personajes principales: un ser inmortal, especie de demonio o diablo, encarnado en un extranjero que visita Argentina, hablando en español como hablan en general los extranjeros yankees o europeos (cortado e imperfecto en tiempos verbales y artículos) pero con frases, palabras y actitudes bien argentinas. Luego, en medio de un discurso sobre la imaginación y el cine, y la imposibilidad de diferenciar ficción de realidad, Laiseca dialoga con el espectador y además con el mismo personaje. A esta utilización de la voz over pero diegética (raras veces visto en cine) se le suma miradas a cámara de personaje y narrador y, además, una particular utilización del sonido en los títulos, simulando ovaciones y aplausos cuando aparecen los nombres de actores, director, guionista, etc.

El cuento propiamente dicho empieza con Ernesto, de 65 años, en una parrilla de Olavarría, un “pueblo chato” (mientras la música de estilo “lejano oeste” refleja esta típica representación de ciertos pueblos del interior). Allí el diablo le propone un desafío: 5 minutos de tiempo real por 10 años de viaje al pasado, pero con los conocimientos y la experiencia de sus 65 años, y a cambio de 1 millón de dólares. De aquí el título de la película: para obtener esos 5 minutos Ernesto debe decirle a su esposa “querida, voy a comprar cigarrillos y vuelvo”. Luego, el relato se divide en tres viajes en el tiempo: al 2001, a la década del setenta y a su infancia.

¿Cómo aprovecharías la sabiduría y la experiencia si pudieras llevártelas al pasado? ¿Se podría? Esta parece ser la idea general, una especie de juego del diablo o broma del destino en donde no importa cuántas veces lo juegues, todo ya está dicho. El paso del tiempo y la mediocridad son los dos ejes centrales del cuento y de las opiniones, explicaciones y acotaciones que hace Laiseca durante el film. Un repaso por tres etapas distintas de la vida: la infancia, la juventud y la adultez, pros y contras. Presente, sexo, estupidez, locura, vanidad, plagio, miedo y ciertas concepciones sociales (como el de ir a “la capital”) bien nuestras son algunos de los tips que recorre el film. Al fin de cuentas, “Ernestito es sólo Ernestito” por más que sepa el futuro y porque “una gran ciudad es una gran ciudad para gente grande, y es una ciudad de mierda para gente de mierda”

Lo mejor: en cada viaje hay una mezcla de cita, sátira y rememoración de ciertos hechos y personajes actuales e históricos, nacionales e internacionales: crisis del 2001, ataque a las torres gemelas, invención del reality y del celular, “Imagin” de The Beattles, dictadura militar, mundial 78, Oscar ganado por Campanella… hasta nuestra actual presidenta es nombrada.

Relativo a las “formas” de la película, alterna historia con “el contar la historia”: intercala la ficción en sí misma con secuencias de Laiseca relatándola y opinando sobre ella y su temática. Travellings de diferente tipo: cámara en mano, auto, subjetiva. Miradas a cámara, utilización recurrente de los reflejos, variabilidad de planos, alturas, inclinaciones y angulaciones de cámara. Alterna voz in (voces de los personajes hablando) con voz over diegética interior (pensamientos en tiempo presente, de Ernesto y del diablo que le habla). Como puede verse, la idea de mostrar el aparato cinematográfico es obvia, y en este caso se junta con la idea del narrador de cuentos, con su inmensa biblioteca y su vasta experiencia. Léxico sin censura, algún que otro desnudo y dos planos cerca del final que dan cuenta del miedo como punto crucial de la mediocridad del ser humano: tortuga metiéndose en el caparazón + Ernesto con la cabeza dentro del suéter… muy bueno.

Clasificación: Muy Buena (7,5)

Dirección

Mariano Cohn & Gastón Duprat

2009 El hombre de al lado

2008 El artista

2006 Yo Presidente

Guión

Mariano Cohn

Andrés Duprat

Gastón Duprat

Cuento

Alberto Laiseca

Fotografía

Mariano Cohn, Gastón Duprat

Música

Maxi Trusso

Reparto

Eusebio Poncela, Emilio Disi, Darío Lopilato, Emma Rivero, Daniel Aráoz, Sergio Pángaro, Alberto Laiseca

Trailer

Otras Críticas y comentarios

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Free Cinema británico, Parte III: Tom Jones

2012-01-05T14:22:00.000-08:00

Leer Parte II: The Loneliness of the Long Distance Runner

Tom Jones

“Hijo ilegítimo de una pobre mujer que se vio obligada a abandonarlo poco después de nacer, Tom Jones (Albert Finney) fue adoptado y educado por el bondadoso señor Allworthy, en cuya casa creció feliz y despreocupadamente junto a Blifil, el sobrino de su protector. Con el tiempo, ambos se enamoraron de su encantadora vecina, Sophie Western (Susannah York). Dominado por los celos, Blifil, único heredero de la hacienda familiar, decidió expulsar a Tom de la casa.”

(www.filmaffinity.com)

FICHA

TÍTULO ORIGINAL: Tom Jones

AÑO: 1963

DURACIÓN: 129 min.

PAÍS: Inglaterra

DIRECTOR: Tony Richardson

GUIÓN: John Osborne (Novela: Henry Fielding)

MÚSICA: John Addison

FOTOGRAFÍA: Walter Lassally

GENERO: Comedia

REPARTO

Albert Finney, Susannah York, Hugh Griffith, David Warner, Edith Evans, George Devine, Joan Greenwood, Diane Cilento, David Tomlinson, Rosalind Atkinson, Angela Baddeley

Calificación IMdB: 7.0/10

Calificación Rotten Tomatoes: 7.8/10

Calificación Filmaffinity: 6.6/10

PREMIOS en 1963

- 4 Oscars: Película, director, guión adaptado, música. 10 nominaciones

- Premios BAFTA: Mejor película

- Globo de Oro: Mejor película

- Venecia: Mejor actor (Albert Finney)

- National Board of Review: Mejor película

- Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película

CRITICA

Aún siendo sustancialmente diferente (es a color y no en blanco y negro por ejemplo) de los films analizados en las primeras dos partes, “Tom Jones” mantiene algunos códigos estilísticos, tanto del autor como del Free Cinema en general. La figuración fuerte de los escenarios vuelve a ser una característica repetida y llevada al extremo en este caso, ya que se trata de un film ambientado en una época mucho más antigua y siendo además una comedia que se apoya sobre todo en la sátira. La profundidad y el uso de códigos iconográficos (pobres/ricos, dama/prostituta, caballero/salvaje, bueno/malo) vuelven a verse como algo común del movimiento. También se repiten la perspectiva naturalista, variabilidad de tamaños de plano, variabilidad en angulaciones de la cámara, iluminación neutra y travellings mediante cámara en mano. Coincidente con “La soledad del corredor de fondo”, Richardson vuelve a utilizar el efecto de aceleración y además añade el uso de fotogramas fijos en algunas ocasiones. El uso del sonido y las musicalización son también bastante similares.

De todas maneras, “Tom Jones” es un film más alejado de lo clásico que los otros dos, ya que su escritura, si bien es homogénea a lo largo de la cinta, alterna elecciones neutras y marcadas, donde hay siempre una idea de poner en evidencia la función lingüística, es decir, nos dice todo el tiempo “esto es una película, es una comedia, es una sátira”. Por ejemplo, juega mucho con el espectador mediante la mirada a cámara intencional de los personajes e, inclusive, éstos le hablan literalmente al público en pequeñas escenas, buscando complicidad en el rechazo a las “buenas costumbres”, a la hipocresía y a la tradición que critica -entre otras cosas- el film.

Si bien este libertinaje que propone Tom Jones es un poco contradictorio con el espíritu del Free Cinema, puede verse escondida debajo del humor una crítica a lo tradicional y al “paqueterismo”, que estaría de alguna manera en línea con el movimiento. Explotación feudal, sometimiento de clases dominantes, mujer como objeto sexual, alcohol, riqueza y miseria, casamiento, tradición, etc. son algunos tips que, como vimos en las entradas anteriores, vuelven a aparecer conformando la temática global. Una vez más, Albert Finney (al igual que en “Sábado noche, domingo mañana” es el galán y mujeriego, pero esta vez el film parecería jugar con esto y ya no juzgarlo moralmente. Además, la película presenta inicio, desarrollo y desenlace claros y bien definidos, dejando de lado el minimalismo de los films anteriores.

Tom Jones es un film que no me animo a recomendar porque no estoy seguro que su humor resulte demasiado exitoso con los cánones actuales, de todas formas, es un film ampliamente reconocido en la historia del cine y ganadora de numerosos premios.

Calificación: Buena (6,5)

Leer Parte IV: If...

Free Cinema británico, Parte II: The Loneliness of the Long Distance Runner

2012-01-03T16:14:00.000-08:00

Leer Parte I: Saturday Night and Sunday Morning

La Soledad del Corredor de Fondo

“Colin Smith es un joven de clase obrera que vive en los alrededores de Nottingham. Un día comete un robo en una panadería y es enviado a un reformatorio. Una vez allí, empieza a correr y, gracias a sus cualidades como corredor de fondo, va ganando puestos en la institución penitenciaria. Durante sus entrenamientos reflexiona sobre su vida anterior y empieza a comprender que se encuentra en una situación privilegiada.”

(www.filmaffinity.com)

FICHA

TÍTULO ORIGINAL: The Loneliness of the Long Distance Runner

AÑO: 1962

DURACIÓN: 99 min.

PAÍS: Inglaterra

DIRECTOR: Tony Richardson

GUIÓN: Alan Sillitoe (Cuento: Alan Sillitoe)

MÚSICA: John Addison

FOTOGRAFÍA: Walter Lassally

GENERO: Drama

REPARTO

Tom Courtenay, Michael Redgrave, James Bolam, Avis Bunnage, Alec McCowen, James Fox, Joe Robinson, Julia Foster, Frank Finlay, John Thaw

Calificación IMdB: 7.6/10

Calificación Rotten Tomatoes: 7.2/10

Calificación Filmaffinity: 7.6/10

CRITICA

Dirigida por Tony Richardson y basada, al igual que “Saturday Night and Sunday Morning”, en un cuento de Alan Sillitoe, este film es otro de los emblemas del Free Cinema y, como veremos más adelante, ayuda a empezar a pensar en los rasgos distintivos de este movimiento que dejó su marca de fuego en el cine británico, influenciando a las películas posteriores y de nuestra contemporaneidad.

“The Loneliness of the Long Distance Runner” transcurre mucho por el camino de lo indicial, añadiendo escena a escena pequeñas actitudes que terminarán por explicar porqué Colin se encuentra en un reformatorio. Mientras tanto vemos a este rebelde solitario correr su propia carrera, el film articula su temática en motivos como explotación laboral, miseria, felicidad, opresión, rebeldía, amor juvenil, soledad, huida, deporte, esfuerzo, hipocresía, etc. El joven rebelde, el delincuente juvenil, el padrastro, la amistad y el primer amor son algunos de los arquetipos utilizados (los dos primeros son moneda corriente en el Free Cinema y han influenciado notablemente al cine británico posterior).

“Varias son las cuestiones abordadas que entroncan en la temática de los nuevos cines europeos: el relato biográfico de un joven, el rechazo a la moral o al estilo de vida dominantes, la iniciación sexual, la educación represiva de un internado y el cuestionamiento de la familia y el statu quo… La película hace una crítica al trabajo alienado y mal pagado, a la vida provinciana de una ciudad industrial que no proporciona oportunidades a los jóvenes, a la familia basada en la hipocresía de los afectos y, sobre todo, al mundo de los adultos, ante los cuales solo parece caber el rechazo y la burla o la hipocresía.” (José Luis Sánchez Noriega en “Historia del cine”)

Plásticamente hablando, la película es también en blanco y negro pero donde ya pueden empezar a verse algunas cosas distintas del título analizado en la primera parte. Para empezar, una historia contada en tiempos paralelos: por un lado, el pasado de Colin que recrea su vida familiar, sus amigos, su novia y las causas por las cuales termina en un reformatorio y, por otro lado, el presente en él y su relación con compañeros y supervisores. De figuración fuerte (en escenarios relativos al reformatorio sobre todo), profundidad importante e iconográficamente detallista, preciso y reiterativo, por ejemplo, oponiendo jóvenes pobres/ricos, joven/viejo, padre/padrastro, fuerte/débil, opresor/oprimido, etc. Si bien fotográficamente su perspectiva es naturalista, empieza a verse de manera más fuerte esa libertad buscada por el Free Cinema: variabilidad de los tamaños de planos y en las angulaciones (varios picados y contrapicados) e interesantes campos largos (sobre todo en la carrera final), varios travellings con cámara en mano y un efecto de aceleración en algunas secuencias que pone en evidencia el aparato cinematográfico. Mucha música over, sobre todo instrumental, acompañando a veces discretamente y otras haciendo énfasis en algunos momentos claves. De todas formas, es un film bastante clásico en su escritura, aunque un poco más alejado que “Saturday Night and Sunday Morning”.

En cuanto a su puesta en serie, los nexos son muy particulares porque la alternancia entre pasado y presente se da frecuentemente a partir de una misma acción: correr, tanto de la policía como en su carrera de fondo pero siempre es el huir de una situación particular y a la vez plantarse ante la misma, lo que hace de este film una película conceptualmente bastante compleja pero interesante, con muchas connotaciones… muy recomendable.

Calificación: Muy buena (7,5)

Leer Parte III: Tom Jones

OTROS DATOS

Tony Richardson

1994 Blue Sky

1984 The Hotel New Hampshire

1970 Ned Kelly

1968 The Charge of the Light Brigade

1965 The Loved One

1963 Tom Jones (2 Premios Oscar: mejor director y mejor película)

1962 The Loneliness of the Long Distance Runner

1961 A Taste of Honey

1960 The Entertainer

1959 Look Back in Anger

Tom Courtenay

La brújula dorada (2007)

El vestidor (1983)

Doctor Zhivago (1965)

Billy Liar (1963)

Abduction (Identidad Secreta) - 2011 USA

2012-01-03T14:22:00.000-08:00

Género: Thriller / Acción

"Un día, Nathan Harper ve su foto en una página de personas desaparecidas. Sospechando que sus padres pudieron secuestrarlo siendo un bebé, empieza a investigar y descubre que sus padres no son quienes dicen ser. Pero lo peor es que, de repente, sin saber cómo ni por qué, empieza a ser perseguido por la policía, por agentes del gobierno e incluso por asesinos a sueldo, convirtiéndose en la víctima de una misteriosa conspiración. A partir de ese momento el objetivo de su vida será averiguar su verdadera identidad.”

(www.filmaffinity.com)

Calificación IMdB: 4.3/10

Calificación Rotten Tomatoes: 3.2/10

Calificación Filmaffinity: 4.6/10

Crítica

Por lejos la peor película dentro de este blog y posiblemente entre las peores de los estrenos más publicitados del 2011. Algo de entretenimiento, buenos efectos y algunos travellings raros, y mucha acción pero absolutamente nada de sentido ni coherencia en un guión que tiene tantos huecos como la dirección y el montaje ¿y el director de films como “Los dueños de la calle”, “Shaft” o “Rosewood”?... bien gracias.

Taylor Lautner tiene su carisma bien ganado luego de la saga Crepúsculo pero en este caso su papel causa gracia, al igual que el de Frank Molina o Sigourney Weaver. Con los primeros cinco minutos del film ya se puede suponer (sin miedo a equivocarse) lo que sucederá en los restantes 100, inclusive, cuando se logra algo diferente al añadir el personaje del “nuevo” padre de Nathan, se tira todo por la borda con un final tan absurdo como todo el film… de la micro historia de romance juvenil, ni hablar.

No la recomiendo, de hecho, por amor al cine… no la miren!

Clasificación: Muy Mala (2)

Dirección

John Singleton

2005 Cuatro hermanos

2003 2 Fast 2 Furious

2001 El rey de la calle

2000 Shaft

1997 Rosewood

1995 Higher Learning

1993 Sin miedo en el corazón

1991 Los dueños de la calle

Guión

Shawn Christensen

Fotografía

Peter Menzies Jr.

Música

Ed Shearmur

Reparto

Taylor Lautner, Lily Collins, Sigourney Weaver, Alfred Molina, Michael Nyqvist, Maria Bello, Jason Isaacs, Dermot Mulroney

Trailer

Otras Críticas y comentarios

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Free Cinema británico, Parte I: Saturday Night and Sunday Morning

2012-01-02T14:13:00.000-08:00

Introducción

Los “angry young men” o “jóvenes airados” es el nombre que recibieron los nuevos cineastas británicos que iniciaron un movimiento conocido como el Free Cinema en febrero de 1956. Karel Reisz, Lindsay Anderson y Tony Richardson son sus mayores exponentes y quienes se oponen al cine “que ostenta una actitud metropolitana y que es burgués de la cabeza a los pies” (1958, Lindsay Anderson). Apoyándose en el teatro y la literatura, demandan un cine de mayor compromiso social, que trate los conflictos laborales y cotidianos, inconformista y con mayor libertad a la hora de manipular las cámaras y el montaje. “Saturday Night and Sunday Morning”, “The Loneliness of the Long Distance Runner”, “Tom Jones” e “If…” son los cuatro films cuyo análisis tal vez permita caracterizar los rasgos más importantes de este movimiento.

Sábado noche, domingo mañana
“Arthur Seaton es un joven inglés de carácter agrio y rebelde que trabaja en una fábrica. Trata de huir de su rutinaria y aburrida vida bebiendo y divirtiéndose cuanto puede los fines de semana. Ésa es la única meta de su vida: pasarlo lo mejor posible. Al mismo tiempo, mantiene una relación con la mujer de un compañero, y todo se complica cuando se queda embarazada. Mientras tanto, se enamora de una joven de estrictos principios morales que le exige un compromiso serio.”

(www.filmaffinity.com)

FICHA

TÍTULO ORIGINAL: Saturday Night and Sunday Morning

AÑO: 1960

DURACIÓN: 89 min.

PAÍS: Inglaterra

DIRECTOR: Karel Reisz

GUIÓN: Alan Sillitoe (Novela: Alan Sillitoe)

MÚSICA: Johnny Dankworth

FOTOGRAFÍA: Freddie Francis (B&W)

GENERO: Comedia / drama

REPARTO

Albert Finney, Shirley Anne Field, Rachel Roberts, Hylda Baker, Bryan Pringle, Norman Rossington

Calificación IMdB: 7.6

Calificación Rotten Tomatoes: 8
Calificación Filmaffinity: 7.3

CRITICA

Film producido por Tony Richardson, otro de los cineastas del Free Cinema, director de las películas “The Loneliness of the Long Distance Runner” (también basada en un cuento de Alan Sillitoe) y “Tom Jones”.

“Se trata de una crónica sobre la vida de un obrero inconformista que se refugia en el sexo y el alcohol; se plasma el conflicto entre el impulso del individuo y las exigencias sociales y el proceso autodestructivo de personajes apasionados…” (José Luis Sánchez Noriega en “Historia del cine”). A la vez que se contrapone a este personaje mujeriego y refugiado en el alcohol con las “obligaciones” sociales como el matrimonio, el trabajo, la primera vivienda, etc., se hace una crítica a la explotación laboral y al conformismo popular. El galán, el ama de casa infiel y la chica difícil son algunos de los arquetipos utilizados en este drama minimalista que también trata sobre la felicidad y la pasión, la miseria, la diferencia de clases, la rutina, la infidelidad, el sexo y la rebeldía.

De perspectiva naturalista, la película es en blanco y negro, con variabilidad en los tamaños de planos (si bien predominan los totales y las figuras enteras también encontraremos algunos campos largos y primeros planos), iluminación neutra, movilidad de cámara mayormente mediante travellings, angulaciones frontales e inclinaciones normales. En cuanto a la composición icónica nos encontramos con un film profundo que alterna figura y fondo en varias ocasiones, con una figuración fuerte en la fábrica y el uso de códigos iconográficos evidentes: soldados/civiles, joven/viejo, casada/soltera, rubia/morocha, rebelde/obediente, etc.

El manejo del sonido es una característica particular de este movimiento. En este film, tenemos principalmente sonido in, pero mezclado con ruidos de fuentes no encuadradas y sonidos over, por ejemplo la voz diegética interior al inicio que representa el pensamiento del personaje principal. La música alterna las tres variantes: en campo, off y over para separar las secuencias.

En cuanto al montaje, el decoupage utiliza distintos tipos de nexos: por analogía y contraste, campos y contracampos, por transitividad e incluso por identidad, en la secuencia donde Arthur y Brenda son perseguidos por los soldados en el parque de diversiones. La escritura del film es más bien clásica (es el más cercano de los cuatro films a este tipo de escritura), con elecciones neutras y homogéneas a lo largo de la película que permiten un equilibrio expresivo, funcionalidad comunicativa, imperceptibilidad de la mediación lingüística y facilidad de lectura de las imágenes.

Calificación: Buena (7)

Leer Parte II: TheLoneliness of the Long Distance Runner

OTROS DATOS

Karel Reizs

“El cine británico había sido hasta entonces muy de clase media, muy conformista, muy basado en estudios, estrellas y dirigido por grandes compañías… empezamos a hacer películas pequeñas y de pequeños presupuestos, principalmente acerca de temas de clase obrera, basándonos en la observación, el argumento y la relevancia social.”

1990 Todo el mundo gana

1985 Dulces sueños

1981 La mujer del teniente francés

1978 Nieve que quema

1974 The Gambler

1968 Isadora

1966 Morgan, un caso clínico

1964 Night Must Fall

Albert Finney

El ultimátum de Bourne (2007)

Big Fish (2003)

Erin Brockovich (2000)

Asesinato en el Orient Express (1974)

The ides of March - 2011 USA

2011-12-21T14:28:00.000-08:00

Género: Drama / Política

“Un joven idealista (Ryan Gosling) empieza a trabajar como director de comunicación para un prometedor candidato (George Clooney) que se presenta a las elecciones primarias del Partido Demócrata. Pero, durante la campaña, comprobará hasta qué extremos se puede llegar con tal de alcanzar el éxito político. Adaptación cinematográfica de la obra teatral "Farragut North" de Beau Willimon.”

(www.filmaffinity.com)

PREMIOS EN 2011

Globos de Oro: 4 nominaciones, incluyendo Mejor película dramática

Calificación en IMDb: 7.4
Calificación en Rotten Tomatoes: 7.4
Calificación en Filmaffinity: 6.8

Cuarta película dirigida por el exitoso actor George Clooney. Luego de un muy buen debut con “Confesiones de una mente peligrosa” en 2002, en 2005 “Buenas noches, y buena suerte” fue aún mejor, con 6 nominaciones a los Oscar, 4 para los Globos de Oro y otros galardones. En 2008 “Leatherheads” paso desapercibido y, tres años más tarde, aparece “The ides of March”, apostando nuevamente a la política y a la prensa, entre otras cosas.

Un film con muchísimas cualidades, aunque se hace rogar un poco. Hasta pasados un poco más de treinta minutos “Los idus de marzo” solo ofrece una puesta en contexto, adornado con algunos diálogos y frases del tipo “discurso político”, y algunos (falsos) indicios de que será una película sobre la lucha por el bien de la democracia, el proceso electoral, el manejo de la campaña, el “detrás de escena” del mundo de la política. Además, esta primera parte, nos presenta los distintos actores y las primeras cartas: los candidatos, sus asesores de campaña, la prensa, una “traición” y un romance. Hasta aquí, nada demasiado solemne.

Sin embargo, la historia gira 360º y se embarca en un frenesí de causas y consecuencias excelentemente imbricadas que resultan en una situación totalmente fuera de control, representado en un drama intenso que involucra varios pares de opuestos: lealtad/traición, integridad/corrupción, moral/inmoral, verdad/mentira, correcto/incorrecto, victoria/fracaso, venganza/olvido. Mientras la historia, imprevista, se vuelve cada vez más interesante, el film apabulla, tensiona y termina atrapando al que la daba por muerta en la primera media hora.

Por si le faltaba algo, el reparto es excelente. Ryan Gosling parece superarse tras cada película y, si bien no descubrimos nada al hablar sobre las aptitudes de Clooney frente a las cámaras, como director, podríamos decir que el manejo del suspenso a través del sonido y de los fuera de cuadro es estupendo y denota mucho talento.

“The ides of March” desnuda la política sin “pelos en la lengua” y concluye con una visión casi siniestra, sin dejar ninguna esperanza para algún espectador optimista en este terreno.

Clasificación: Muy Buena (8)

Dirección

George Clooney
2008 Leatherheads
2005 Buenas noches, y buena suerte.
2002 Confesiones de una mente peligrosa

Guión

George Clooney
Grant Heslov
Obra: Beau Willimon

Fotografía

Phedon Papamichael

Música

Alexandre Desplat

Reparto

Trailer de The ides of March

Calificación en IMDb de The ides of March

Calificación en Rotten Tomatoes de The ides of March

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Moneyball - 2011 USA

2011-12-19T11:19:00.000-08:00

Género: Drama

“Billy Beane es el director general de un equipo de béisbol de Oakland, que logra mantenerse en los primeros puestos de su categoría e incluso llegar a la final durante varios años consecutivos, y todo ello a pesar de contar con uno de los presupuestos más bajos de todas las grandes ligas.”

(http://www.filmaffinity.com/)

PREMIOS 2011

Globos de Oro: 4 nominaciones, incluyendo Mejor película dramática

Círculo de críticos de Nueva York: Mejor guión y actor (Brad Pitt)

Satellite Awards: 4 nominaciones, incluyendo mejor película y guión adaptado

Calificación en IMDb: 8.0/10

Calificación en Rotten Tomatoes: 4.1/5
Calificación en Filmaffinity: 6.9/10

Buenas críticas, buenas calificaciones de la audiencia, un director nominado alguna vez al Oscar, un gran actor y dos guionistas con basta experiencia y films exitosos en sus espaldas. A priori, las expectativas son altas, aunque cueste imaginarse a este Brad Pitt en un film sobre baseball.

Por suerte, no se trata de un film sobre baseball, tampoco de deportes. Se trata de un drama que gira en torno casi al 100% sobre Billy Beane (Brad Pitt) y Peter Brand (Jonah Hill). Billy es exigente y con una mentalidad ganadora que no se condice con los resultados de su equipo, odia perder, fastidioso y algo soberbio y, sobre todo, con una deuda pendiente y una espina muy profunda con este deporte. Peter Brand es un joven economista, introvertido, sumamente inteligente y con un manejo de la estadística que intentará aplicar al baseball para “romper un poco las reglas”. Esta dupla se enfrentará al resto de los asesores del equipo, al equipo mismo, a la prensa e, inclusive, a ellos mismos cuando, ante los primeros malos resultados, pongan en duda al peculiar sistema sobre el cual depositaron toda su fe para competir, con un presupuesto muchísimo menor, contra los poderosos New York Yankees. De esto se trata, David vs. Goliat, en una pelea despareja que intentará equilibrarse con el aporte de la ciencia al baseball… matemática, estadística y mucha fe.

Inspirada en una historia real (actualmente Billy Beane sigue siendo el manager general de los Oakland Athletics), es un film emocionante y con un Brad Pitt en un gran nivel. Es la película de deportes que menos tiene que ver con el deporte que he visto.

Clasificación: Buena (7)

Dirección

Bennett Miller

2005 Capote

1998 The Cruise (documental)

Guión

Aaron Sorkin
2010 Red social (screenplay)
2007 Juego de poder (screenplay)
1995 Mi querido presidente (written by)
1993 Daños corporales (screenplay / story)
1992 Cuestión de honor (play / screenplay)

Steven Zaillian
2007 Gánster americano (written by)
2006 All the King's Men (screenplay)
2005 La intérprete (screenplay)
2002 Pandillas de Nueva York (screenplay)
2001 Hannibal (screenplay)
1998 Una acción civil (screenplay)
1996 Misión imposible (story)
1994 Peligro inminente (screenplay)
1993 La lista de Schindler (screenplay)
1993 Jaque a la inocencia (screenplay)

Michael Lewis
Libro "Moneyball: The Art of Winning an Unfair Game"

Fotografía

Wally Pfister

Música

Mychael Danna

Reparto

Sitio Web de Moneyball

Calificación en IMDb de Moneyball

Calificación en Rotten Tomatoes de Moneyball

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La piel que habito - 2011 España

2011-12-16T10:00:00.000-08:00

Género: Thriller / Drama

“Desde que su mujer sufrió quemaduras en todo el cuerpo a raíz de un accidente de coche, el doctor Robert Ledgard, eminente cirujano plástico, ha dedicado años de estudio y experimentación a la elaboración de una nueva piel con la que hubiera podido salvarla; se trata de una piel sensible a las caricias, pero que funciona como una auténtica coraza contra toda clase de agresiones, tanto externas como internas. Para poner en práctica este hallazgo revolucionario es preciso carecer de escrúpulos, y Ledgard no los tiene. Pero, además, necesita una cobaya humana y un cómplice. Marilia, la mujer que lo cuidó desde niño, es de una fidelidad perruna: nunca le fallará. El problema será encontrar la cobaya humana.”

(http://www.filmaffinity.com/)

PREMIOS EN 2011

Globos de Oro: Nominada a mejor película de habla no inglesa

Festival de Cannes: Premio de la Juventud. Nominada a la Palma de Oro

Premios del Cine Europeo: 2 nominaciones, mejor bso y diseño de producción

Premios de la Crítica de Washington (WAFCA): Mejor película extranjera

Con el sello estilístico de Almodóvar, “La piel que habito” ofrece un melodrama/thriller que deambula entre una historia de maldad sin escrúpulos, un humor producto de una rara mezcla entre lo negro, lo grotesco y lo bizarro, y una serie de guiños hacia los seguidores de este particular director.

Lo mejor, un guión que encuentra varias maneras de no aburrir, ya sea desde su forma de introducir siempre un ingrediente novedoso durante el desarrollo del film, o bien desde una trama que alterna presente y pasado, yendo y viniendo cronológicamente, un poco para confundir al espectador y otro poco para aclarar esta loca historia.

“La piel que habito” tiene personajes fuertes, ninguno de los cuales permita diferenciar entre “malos” y “buenos”, ya que todos tienen su cuota de maldad y locura. Tal vez sea esto lo más llamativo, lo que termina generando una película sustancialmente diferente de la mayoría (dejando de lado la estética Almodóvar por ahora, me refiero sólo al “contenido” del film), donde los juicios de valor quedan raramente suspendidos y estamos obligados a aceptar lo malévolo, lo frío y lo calculador de la esencia del film.

Ahora sí, plásticamente es donde Almodóvar estampa su sello de la manera más visible (por supuesto, en la historia en sí misma también): la variabilidad de los tamaños de plano, la figuración fuerte, la composición detallista de colores, formas y figuras dentro del cuadro, la profundidad, el juego con las inclinaciones y angulaciones de la cámara, lo grotesco del tipo de letras utilizadas tanto en los títulos como en los textos dentro del film, las constantes citas al arte, por ejemplo a la escultora Louise Bourgeois o a la narradora Alice Munro, como así también veremos en reiteradas veces famosas pinturas de desnudos como parte de la composición fotográfica.

“La piel que habito” tiene como atractivo el delirio de su director, un buen reparto y una historia que genera desagrados adictivos, un humor que no entiendo porqué pero funciona y una cuota de suspenso que te mantiene frente a la pantalla. El film vale la pena, aunque realmente no quedará para siempre en tu memoria, tal vez mañana olvides que la viste.

Clasificación: Buena (6,5)

Dirección

Pedro Almodóvar

Volver (2006)

Hable con ella (2002)

Todo sobre mi madre (1999)

Guión

Pedro Almodóvar
Novela: Thierry Jonquet

Fotografía

José Luis Alcaine

Música

Alberto Iglesias

Reparto

Antonio Banderas ... Robert Ledgard

He Loves Me (2012)

Haywire (2011)

Black Gold (2011)

Elena Anaya ... Vera Cruz

Entre mujeres (2006)

Van Helsing: El cazador de monstruos (2004)

Hable con ella (2002)

Marisa Paredes ... Marilia

El espinazo del diablo (2001)

Todo sobre mi madre (1999)

La vida es bella (1997)

Jan Cornet ... Vicente

Camino (2008)

La noche del hermano (2005)

Motivos personales (2005)

Sitio Web de La piel que habito

Calificación en IMDb de La piel que habito

Calificación en Rotten Tomatoes de La piel que habito

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Warrior - 2011 USA

2011-12-15T10:57:00.000-08:00

Género: Drama / Acción

“Drama ambientado en el mundo de las artes marciales mixtas. Un veterano de Vietnam (Nolte) abandona el boxeo para trabajar en una fundición de acero. Sus graves problemas con el alcohol han destrozado a su familia, pero llega un momento en que, arrepentido, deja la bebida y decide entrenar a su hijo más joven (Tom Hardy) para que participe en un torneo de artes marciales, en el que se enfrentará a su hermano mayor (Joel Edgerton).”

(http://www.filmaffinity.com/)

Después de las primeras películas de Rocky o Karate Kid pasó un largo tiempo hasta que el cine supo volver a encontrar la manera de mostrar nuevos brillantes films de lucha como aquellos, y tuvo que recurrir a otras armas para hacer posible que esta clase de films nos sorprendan en esta era donde todo ya fue visto.

Recuerdo entre los últimos a “Cinderella Man” (2005) con Russell Crowe, a “The Wrestler” (2008) con Mickey Rourke o a la reciente “The Fighter” (2010) con Mark Wahlberg y Christian Bale. Todas ellas tienen en común el agregado del drama familiar y condiciones socioeconómicas que obligan a nuestros “luchadores” a sufrir físicamente y reponerse, una y otra vez. “Warrior” no es la excepción, aunque tal vez pueda compararse más con “The Fighter” y “Cinderella Man” que con “The Wrestler” y, en esta comparación, opino que es la mejor o al menos en la cual su director aprovechó de manera más eficiente los momentos cumbres y el clímax del film.

“Warrior” es una máquina de emocionar, te hipnotiza frente a cada golpe, tanto dentro como fuera de la jaula: la miseria de Nick Nolte, la esperanza de Joel Edgerton y el dolor de Tom Hardy retorcerán tus entrañas y quedarás pidiendo que no haya terminado esta maravillosa película… sacando las de boxeo (aunque compitiendo dignamente con ellas) esta ha sido la mejor cinta sobre artes marciales de los últimos tiempos.

Clasificación: Muy Buena (8,5)

Dirección

Gavin O'Connor

2008 Código de familia

2004 Miracle

1999 Huyendo del pasado

Guión

Gavin O'Connor
Anthony Tambakis
Cliff Dorfman

Fotografía

Masanobu Takayanagi

Música

Mark Isham

Reparto

Joel Edgerton ... Brendan Conlon

The Thing (2011)

Star wars: Episodio III - La venganza de los sith (2005)

El rey Arturo (2004)

Tom Hardy ... Tommy Conlon

El origen (2010)

RocknRolla (2008)

No todo es lo que parece (2004)

Nick Nolte ... Paddy Conlon

Hotel Rwanda (2004)

La delgada línea roja (1998)

Cabo de miedo (1991)

Jennifer Morrison ... Tess Conlon

Star Trek - El futuro comienza (2009)

Sr. y Sra. Smith (2005)

Dr. House (2004)

Sitio Web de Warrior

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Contagion - 2011 USA

2011-12-14T15:43:00.000-08:00

Género: Thriller

“De repente, sin saber cuál es su origen, un virus mortal se propaga a nivel mundial y, en pocos días, empieza a diezmar a la población. El contagio se produce por mero contacto entre los seres humanos. Un thriller realista y sin efectos especiales sobre los efectos de una epidemia que se centra en la enfermedad que causa el virus a través de varias líneas argumentales.”

(www.filmaffinity.com)

Film de Steven Soderbergh, ganador de un Oscar por “Traffic” (2000) y director, por ejemplo, de la trilogía que se inicia con “La gran estafa” (2001). A pesar de estos laureles, “Contagion” es una máquina que se queda a mitad de camino en todas partes.
Hay algo de ese suspenso/terror de los muchos films sobre epidemias y virus que se propagan exponencial y letalmente, pero parece faltarle convicción y, por lo tanto, más terror y más suspenso. Luego, se esfuerza por mostrar la miseria humana en situaciones de caos, contraponiendo el egoísmo de muchos versus la solidaridad de algunos… lo logra por momentos, se desvanece en otros.
El film dedica mucho tiempo a retratar la investigación científica en sofisticados laboratorios pero le faltan argumentos entendibles y convincentes. En su temática también parece haber una especie de crítica al manejo irresponsable de la información por parte de los medios digitales pero, al mezclarlo con acusaciones de una conspiración entre la industria farmacéutica y los organismos de salud y con la generación de conflictos internacionales a raíz del contagio de la enfermedad, todo termina siendo confuso y poco claro. Tal vez, al abarcar tanto, le faltó intensidad en los puntos potencialmente fuertes de la historia.
Sin embargo, “Contagion” es atractiva. Tiene una temática que reaviva esta fantasía/miedo que sigue rondando socialmente aún pasados los años y con muchas versiones en el mundo cinéfilo y, por eso, se dejar mirar sin mayores complicaciones y ayudado por un reparto de lujo. A veces el error es creer que con eso basta, sin duda, las estrellas llenarán las salas, pero el espectador saldrá de allí con un sabor raro.

Clasificación: Regular (6)

Dirección

Steven Soderbergh
2011 Haywire
2008 Che - El argentino
2007 Ahora son 13
2004 La nueva gran estafa
2002 Solaris
2001 La gran estafa (Ocean's eleven)
2000 Traffic

Guión

Scott Z. Burns
2009 El desinformante
2007 Bourne: El ultimátum
2006 The Half Life of Timofey Berezin

Fotografía

Peter Andrews

Música

Cliff Martinez

Reparto

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Margin Call - 2011 USA

2011-12-13T06:14:00.000-08:00

Género: Drama

“Crónica de la vida de ocho trabajadores de un poderoso banco de inversión durante las 24 horas previas al inicio de la crisis financiera de 2008. Cuando Peter Sullivan (Zachary Quinto), un analista principiante, revela datos que podrían conducir la empresa a la ruina, se desencadena una catarata de decisiones tanto morales como financieras que producen un terremoto en las vidas de los implicados en el inminente desastre.”

(www.filmaffinity.com)

PREMIOS EN 2011

Festival de Berlín: Sección oficial largometrajes

Círculo de críticos de Nueva York: Mejor debut

National Board of Review: Mejor nuevo director

Premios Gotham: Nominada a Mejor reparto

Independent Spirit Awards: Nominada a Mejor ópera prima y mejor guión novel

El cine independiente de USA va tomando cada vez más fuerza, y cada vez más son los actores de primer nivel que se suman a este tipo de films… por suerte. En este caso, “Margin Call” es aterradoramente honesto con su público, autocrítico y resignado acepta la naturaleza de las sociedades capitalistas y de su principal criatura en la “tierra de las oportunidades”: Wall Street.

A principio de año “The company men” de John Wells (con Ben Affleck, Tommy Lee Jones, Chris Cooper y Kevin Costner) había tratado la misma temática, aunque centrándose en la vida después de la crisis para ciertos personajes. “Margin Call” es diferente: se enfoca en las 24 hs. anteriores al desplome financiero de 2008 para relatar las decisiones que toma un puñado de altos ejecutivos que ganan varios millones al año. A través de un número acotado de personajes y espacios se despliega un brillante repertorio de diálogos, para los cuales no hace falta saber nada del sistema financiero, puesto que se trata de un film que parece intentar una lectura más bien sociológica de los distintos estratos, así como provocar continuamente al espectador para que realice juicios de valor sobre la moralidad de su sistema, personificado en trajes y corbatas.

“La gente quiere vivir así: carros, casas, los cuales ni siquiera pagan. La única razón por la cual viven como reyes es porque les damos la mano, si saco mi mano, todo este mundo se volvería rápidamente más justo pero nadie realmente lo quiere… dicen que si, pero no es así.

Ellos quieren lo que nosotros les damos, quieren parecer inocentes como si no supieran de donde sale. Esa es más hipocresía de la que me trago así que al diablo, al diablo con la gente normal.

Lo más divertido es que, si mañana todo sale a flote, nos crucificaran por ser tan imprudentes, pero si estamos equivocados y todo vuelve a lo normal, esos mismos se reirán hasta que se arranquen el ombligo porque quedaremos como los peores tarados que Dios ha creado.”

(Margin Call)

Clasificación: Muy Buena (8)

Dirección y Guión
J.C. Chandor

Fotografía

Frank G. DeMarco

Música

Nathan Larson

Reparto

Kevin Spacey - Sam Rogers

Paul Bettany - Will Emerson

Jeremy Irons - John Tuld

Zachary Quinto - Peter Sullivan

Penn Badgley - Seth Bregman

Simon Baker - Jared Cohen

Demi Moore - Sarah Robertson

Stanley Tucci - Eric Dale

Sitio Web de Margin Call

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Drive - 2011 USA

2011-12-11T11:57:00.000-08:00

Género: Género: Acción / Thriller / Drama

“Hasta que no se subió a un coche, la vida de Drive fue un calvario, pero cuando has tenido a un padre ladrón que te ha reclutado como socio, resulta difícil apartarse de las carreteras con curvas. Por eso Drive compagina el dinero limpio que hace como especialista en películas de acción con el dinero sucio que saca participando en golpes. Hasta el día en que un trabajo fácil se tuerce y se encuentra con tres muertos y un maletín cargado de dólares.”

(www.que-leer.com)

PREMIOS EN 2011
Festival de Cannes: Mejor director
Círculo de críticos de Nueva York: Mejor actor de reparto (Albert Brooks)
Satellite Awards: 8 nominaciones, incluyendo mejor película y director
Independent Spirit Awards: 4 nominaciones, incluyendo mejor película y director

Cuando un film deja mucho por decir y admite varios lugares desde donde abordarse, genera una satisfacción muy grande en quienes miramos el cine de esta manera. Drive es una gran obra del cine independiente, basada en la novela policial negra homónima de James Sallis.

Desde los títulos en cursiva, de color rosa y sobre fondos oscuros parece haber un aire a cine independiente y luego, pasada la escena inicial, la música anestésica de Cliff Martínez lo confirma. Drive se ubica dentro del cine noir o cine negro y, sin las presiones comerciales de las grandes productoras de Hollywood y con la participación de tremendos actores, resulta un film tan interesante como oscuro, tan atractivo como sombrío, intenso por momentos y aletargado en otros, que experimenta una puesta en evidencia del aparato cinematográfico pero nunca pierde de vista la premisa del entretenimiento.
Se trata de un film plásticamente muy profundo y en cuya composición fotográfica podemos diferenciar el uso del enmarcado y una iluminación muchas veces antinaturalista que, combinada con la musicalización, logra “suspender” el film en el espacio y tiempo. Alterna elecciones neutras y marcadas pero siempre de manera homogénea a lo largo de toda la cinta.

En cuanto a su puesta en escena, podemos hablar de una diferenciación bien marcada entre un personaje principal y el resto como secundarios. En primer lugar, respecto a los informantes del film, podemos hacer notar que casi no existen para nuestro “piloto”: no sabemos su nombre, su origen, su pasado, sólo sabemos su ocupación, se dice que apareció de la nada pidiendo trabajo en un taller y que es un “buen muchacho”. Parece como un personaje salido de un cómic, siempre con su campera blanca con el dibujo de un escorpión en la espalda, su mirada seria y calculadora, frio, arquetipo de un antihéroe solitario que da indicios de cargar con una cruz muy pesada, más allá de las reglas, en busca de redención. El escorpión, muchas veces interpretado en la mitología como un ser peligroso y mortífero, solitario y noctámbulo le queda bien a este personaje que tiene todos los méritos para tener su propia secuela. El resto es bien conocido: la madre soltera, los villanos mafiosos, la soledad, el peligro y la violencia, el amor prohibido y secuencias sanguinarias, pocas pero suficientemente intensas como para obviarlas. Excelente adaptación bien oscura de una novela negra.

Clasificación: Muy Buena (9)

Dirección

Nicolas Winding Refn
2009 Valhalla Rising
2008 Bronson
2007 Marple: Nemesis
2005 Pusher 3
2004 Pusher II
2003 Fear X
1999 Bleeder
1996 Pusher

Guión

Hossein Amini
Las cuatro plumas (2002)
Las alas de la paloma (1997)
Jude: Corazones atormentados (1996)

Novela: James Sallis

Fotografía

Newton Thomas Sigel

Música

Cliff Martinez

Reparto

Ryan Gosling ... Driver

Loco y estúpido amor (2011)

Blue Valentine - Una historia de amor (2010)

Lars y la chica real (2007)

Carey Mulligan ... Irene

Nunca me abandones (2010)

Enseñanza de vida (2009)

Orgullo y prejuicio (2005)

Bryan Cranston ... Shannon

Breaking Bad (2008)

Pequeña Miss Sunshine (2006)

Malcolm (2000)

Albert Brooks ... Bernie Rose

Taxi Driver (1976)

Defending Your Life (1991)

The Muse (1999)

Trailer de Drive

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The Hangover II (¿Qué pasó ayer? Parte II) - 2011 USA

2011-12-10T11:40:00.000-08:00

Género: Comedia

“Alan (Zach Galifianakas), Stu (Ed Helms) y Phil (Bradley Cooper) vuelven a despertarse en otra habitación de otro hotel, y para no perder la costumbre en esta ocasión tampoco recuerdan nada. Esta vez sólo saben que están en Tailandia, adonde han viajado, junto a Doug (Justin Bartha), para asistir a la boda de Stu.”

(www.filmaffinity.com)

Esta segunda parte repite la misma lógica que hizo tan divertida a la primera, pero claro, la originalidad… bien gracias. De todas formas, esta previsibilidad se ve aminorada por lo imprevisible del personaje interpretado por Zach Galifianakis, lo único por lo cual dedicarle tiempo a este film.
Dentro de estas repeticiones hay cosas que siguen funcionando: no se puede negar que estos tres actores tienen una química especial y que la idea de volver a traer al personaje chino mejora la situación, así como las fotos del final, que son lo más esperado por quienes vieron la primera parte. El resto es cuento sabido, poco interesante y mucho menos gracioso, pero sirve como entretenimiento (al menos, lo mínimo para evitar que la dejes de ver).
Como diferencias, el mono es un punto a favor, especie de humor agresivo que nos hace cómplices y culpables sin poder evitar encontrarle gracia. La localización es distinta, cambia Las Vegas por Bangkok, aunque esto es indiferente.
En resumen, pareciera ser un film más apto para quienes no vieron la primera parte (cabe aclarar que no es para nada necesario haberla visto para entender su secuela), puesto que se trata, ni más ni menos, de la misma cosa.

Clasificación: Regular (5)

Dirección

Todd Phillips
2010 Todo un parto
2009 ¿Qué pasó ayer?
2006 School for Scoundrels
2004 Starsky & Hutch
2003 Aquellos viejos tiempos

Guión

Craig Mazin
Scot Armstrong
Todd Phillips
Jon Lucas
Scott Moore

Fotografía

Lawrence Sher

Música

Christophe Beck

Reparto

Bradley Cooper ... Phil

Sin Límites (2011)

Brigada A (2010)

¿Qué pasó ayer? (2009)

Ed Helms ... Stu

The Office (2005-2011)

Cedar Rapids (2011)

¿Qué pasó ayer? (2009)

Zach Galifianakis ... Alan

Todo un parto (2010)

Amor sin escalas (2009)

¿Qué pasó ayer? (2009)

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