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GILLES BARBIER: L'OSPIZIO DEI SUPEREROI

2011-04-23T09:07:00.000-07:00

"Sono solo un uomo, in uno stupido mantello rosso, alla ricerca di criptonite, lungo questa strada a senso unico". Queste le parole di Superman (It's not easy), singolo dei Five For Fighting che nel 2000 riscosse un successo planetario.

Versi amari, introspettivi, a cui era affidata la riflessione di un Superman esausto, depresso, incline al suicidio, disposto a cercare la criptonite pur di porre fine al ruolo che la vita lo ha costretto a recitare. Un Superman combattuto, in bilico fra enormi responsabilità e la voglia di una vita normale, un uomo che concludeva pensando "gli uomini non sono stati creati per correre con le nuvole fra le ginocchia". Un testo che diviene metafora sottilissima, di una qualità indefinibile.

Perchè questa premessa? Semplice. L'artista che oggi Next vi presenta lega il suo lavoro, L'Hospice, allo stesso tenore di riflessioni. Soltanto amplificando all'ennesima potenza gli
aspetti peggiori della lettura introspettiva sopra presentata.

Gilles Barbier nasce 46 anni fa nella Repubblica di Vanuatu, un piccolo staterello insulare immerso nell'Oceano Pacifico, vicino alle coste dell'Australia. A soli vent'anni si trasferisce in Francia, dove tutt'ora risiede
e dove qualche anno fa ha dato vita a L'Hospice, una delle sue creazioni di maggior successo.

Smontare un mito, un'impresa che solo all'artista o talvolta ai secoli di storia è permessa. Questo è quello che Barbier in effetti fa nel suo ospizio, un ospizio popolato da supereroi decrepiti, invecchiati fino all'inverosimile, storpiati dalla vita e dall'artrosi, fiaccati nell'animo e nel fisico. Un ospizio spoglio, tinteggiato da pareti asetticamente bianche, immacolate, come bianchi fogli di carta a cui la vita affida le ultime parole da scrivere prima della dipartita.

Un televisore vecchio modello con antenna mobile troneggia sovrano sopra ad uno squallido comò di seconda mano. Intorno ad esso ruota la triste parata immobile, un requiem silenzioso echeggia nel nostro animo. Superman, inebetito e con lo scalpo imbiancato guarda altrove, pensieroso, l'abito è quello di un tempo, ai piedi delle pantofole. Stringe il girello di metallo che lo aiuta a mantenersi eretto, forse pensa che avrebbe fatto bene a cercare la criptonite ed a farla finita quando era in grado.

Davanti a lui un Hulk paralitico e quasi calvo sonnecchia mite, accanto Cat Woman dorme della grossa, i riflessi felini di un tempo sono affidati alle molle di un poltrona che ha il colore della malinconia.

Wonder Woman sorveglia, o forse si appoggia instabile ad un lettino dove giace in stato semivegetativo un Capitan America ingrassato, imbolsito, incosciente. Una flebo come ultimo legame con la vita terrena, accanto i colleghi di una vita. I seni scesi di Wonder Woman puntano verso il suolo che attende immobile ed impassibile la caduta degli ultimi eroi che la circondano.

La scena si conclude con l'ultimo dei Fantastici Quattro, l'uomo allungabile, Mr. Fantastic, che smollato siede ad un tavolino bianco, forse il più cosciente di tutti, legge un libro, ha l'occhio sbarrato, frammenti di vita passano sulle rotaie della sua mente, velate di cataratta, vorrebbe piangere ma non ha la forza, ormai non c'è più tempo.

La scena è macabra, ironica e grottescamente di una tristezza infinita. Sorridiamo mentre ci interroghiamo sul significato di ciò che stiamo guardando. Una provocazione per dimostrare che il mito del Superuomo ha fallito? Un ammiccamento sagace verso gli assidui appassionati della Marvel? Un semplice e furtivo paradosso? Niente di tutto questo.

Dietro quegli abiti, quelle facce ormai irriconoscibili ci siamo noi, esseri umani figli di una società che ha mandato in pensione l'uomo medio, l'anziano, colui che ha vissuto.

Colui che per una vita ha cavalcato moto, guidato auto, ha assistito al lutto dei propri parenti, genitori ed amici, ha ascoltato musica, forse l'ha suonata, forse qualche volta ha fatto qualche buona azione, forse è stato egoisticamente malvagio, ha fatto sesso, si è innamorato, ha sofferto il dolore che rompe il cuore a metà, ha sconfitto malattie e nemici sul lavoro, sulla strada, ha visto luoghi meravigliosi che forse non ha mai narrato a persona vivente, ha fatto questo ed altro ma comunque ha sempre affrontato la quotidianità.

E' lui l'Eroe di Ogni Giorno. Siamo noi. Siamo noi che regaliamo ai fumetti ed ai miti della carta stampata una vita eterna, scordandoci che per esistere è richiesta una dose di coraggio molto maggiore di quella che riponiamo nei feticci della Marvel o nella narrattiva sensazionalistica dei manga. Dietro quegli abiti, in quell'ospizio ci siamo noi che scriviamo e voi che leggete, ci siamo tutti e due, dopo aver percorso il viale della vita, mentre ci avviamo verso il tramonto.

Ci siamo noi abbandonati e soli: è l'immagine di come non vorremmo finire. L'uomo è l'unico essere vivente che ha la consapevolezza della propria morte, il problema non è la morte, è il modo che può essere molto più spaventoso della fine stessa. Finire sì, ma non finire così. Gilles Barbier ci aiuta a riflettere, se i protagonisti di questa scena non avessero indossato i loro costumi, non vi avremmo riposto così tanta attenzione. Touchè.

Claudio Capanni
(claudiocapanni@aol.com)

MIKE GIANT: TATTOO, BUDDHA E BICICLETTA

2011-04-20T12:53:00.000-07:00

Sottofondo musicale consigliato: I don't wanna grow up. Quella dei Ramones, breve come questo post. L'originale di Tom Waits, aspro, gretto, roco costituisce comunque una valida alternativa.

Oggi parliamo di Mike Giant, graffittista, tatuatore, writer e illustratore. Uno nato e cresciuto nella Frisco (San Francisco) fra bikers, hip hop ed heavy metal. Una cultura musicale cosmogoniaca che racconta le sfaccettature del carattere di Mike. Uno che nei suoi taccuini ha fissato la summa teologia della street art anni '90 e '00 ingolfando i

suoi personaggi di teschietti, crocine e pistoline.

Alla sua maniera barocca, Giant ci ha ricordato che, prima o poi, tutti dobbiamo morire, sul marciapiede o in camera di rianimazione. anche se siamo supercool e abbiamo il risvoltino ai pantaoloni, le Vans Authentic ai piedi ed il lucchetto della Colnago vintage in vita.

Nella lista di Giant ci sono i graffitari, gli skater, i fix baker, le suicide girl vestite da madonnine e pure qualche buddha meditabondo.
Writer, tatuatore, illustratore di tavole da skate, Mike Giant ha sempre raccontato la sua San Francisco che è anche la nostra: la Frisco di Fecal Face e delle miriadi di gallerie e studi di tatuatori. Le sue influenze sono una raffinata mescolanza di elementi vari, come il folklore messicano, l’iconogafia Heavy Metal, i tatuaggi giapponesi e la teologia buddista.

La sua è in apparenza una simbologia criptica, ma cercando di andare più a fondo osserviamo come tutto germini dai semi della cultura buddhista. Donne dalla bellezza languida e conturbante, segni tribali ed allegorie della morte danzano insieme su di un’affascinante singola superficie. Eros e Thanatos, amore e morte sono due tematiche senza tempo attraverso le quali si muove la logica dell’universo.

Giant spesso disegna affascinanti pin-up vicino a teschi, ossa ed altri simboli di morte. Due principi che coesistono e che trovano nella carne la loro continuità.

Un altro punto importante della simbologia Giantiana è il culto per la bici. Dopo, teschi, pistole, diavoli e serpenti, è proprio quel veicolo a propulsione muscolare umana e tutto il suo infinito universo di simboli, accessori ed elementi mitologici ad essere puntualmente celebrato nelle opere di un’artista che è anche testimonial di uno dei marchi italiani di bici da pista più prestigiosi nel mondo, la mitica Cinelli.

Non a caso San Francisco è stata la patria del critical mass, la massa critica di quegli sconfinati raduni di bici che grazie al loro numero hanno paralizzato il traffico delle grandi arterie del mondo.

MIke Giant è uno spaccato vivente di quel pulsante mondo underground californiano che tanto ci manca, un'icona trash urbana che molto ha da insegnare a molte crew italiane in cerca di identità, spacciate, condannate al manierismo ed all'imitazione di provincia. Prima un messaggio, poi un modo innovativo per comunicarlo, purtroppo nel nostro paese l'uno spesso esiste in assenza dell'altro. Amen.

Claudio Capanni
(claudiocapanni@aol.com)

SAVINI: SCULTURE DI CHEWING GUM

2011-04-11T10:41:00.000-07:00

Strutture in vetroresina ricoperte di gomma da masticare rosa. Chewing gum che diviene scultura, manipolato per la stesura sopra ad un calco di gesso rivestito in poliuretano espanso. BigBabol essiccata con antibiotico, formaldeide ed infine paraloid, una resina acrilica.

Oggi Next ha deciso di parlare delle opere di Maurizio Savini, artista romano che nella sua casa studio nel quartiere capitolino di San Lorenzo, plasma, crea e produce rose cromie scultoree realizzate con il chewing gum.

Un rosa artificiale, plastico, costruito che come pelle posticcia ricopre le sculture di Savini. Il progetto visivo di questo artista nasce nel 1996 quando casualmente nei cassonetti della spazzatura sotto la sua abitazione trova
cinque scatole di gomme scadute gettate dal vicino tabaccaio. Da lì ha inizio la sperimentazione di un genere artistico unico nel pianeta.

Uno strumento, il chewing gum, che è già diviene messaggio. Il messaggio di un artificio commerciale, di un'attività superflua, quella del masticare senza deglutire, di un colore che in toni così accesi e omogenei non è rintracciabile in natura. Dunque uno degli emblemi della cultura pop, introdotto durante la Liberazione alleata a metà degli anni '40 del secolo scorso.

Tabacco, cioccolata e gomme da masticare. Scaricare la tensione dei soldati, azzerare i loro cali di zuccheri e mantenerli svegli masticando durante la notte. Questa la triade di prodotti che vennero diffusi fra la popolazione italiana dopo il biennio fatale. Prodotti che paradossalmente servivano per affrontare meglio la guerra e che sono diventati simboli di una rinascita e di una liberazione.

Savini associa infatti al chewing gum un profondo sentimento di euforia, di cambiamento e di spensierata giovinezza è in qualche modo proseguita nei decenni successivi dalla sua generazione.

Un materiale di largo consumo che come i

jeans si è esteso a macchia d'olio sulle storie adolescenziali di milioni di ragazzi poi diventati uomini. Un materiale effimero e deperibile, come del resto la natura stessa dell'uomo. Questo lo strumento-messaggio che regge le sculture di Savini.

Sculture che mettono in risalto proprio la loro monumentalità a contrasto con la deperibilità del materiale utilizzato. Tra i soggetti scelti dall’artista, accanto a figure umane o oggetti sottratti al quotidiano, compaiono anche diversi animali in via d’estinzione. Vere e proprie riflessioni sulle sorti dell'ecologia nella post modernità.

Nel "Dissenso di un uomo", la sua ultima opera recentemente esposta a Firenze, abbiamo una natura che nasce forgiata nella gomma da masticare. Al centro della sala troneggia un enorme gorilla rosa circondato da altri piccoli animali.

Ognuno avvolto in una bandiera nazionale. Un messaggio non trasparente ma intelegibile. Per Savini sono le razze che definiscono davvero la cultura, non l’identità e le credenze dei singoli individui della specie.

Spostare i simboli dei continenti confonde, smentisce, nega le acquisite associazioni analogiche e suggerisce un movimento, concreto e simbolico, un’esperienza che turba, disturba, sconcerta, trascinandoci nostro malgrado per un viaggio immobile.

Il secolo dell'ambiente è alla porta, anzi è già iniziato. Le razze umane simili a quelle animali, non in termini dispregiativi. Anzi, egualitarie ma diverse, culturalmente lontane per universi d'appartenenza ma simili nel genere. Il messaggio è dedicato ad un uomo capace di dissentire e per questo di dialogare e rifondare. Ci riuscirà o sarà effimero e modellabile come quella dannata gomma rosa?

Claudio Capanni
(claudiocapanni@aol.com)

STREET ART FIORENTINA: ARRIVA GUERRILLA SPAM

2011-04-04T09:08:00.000-07:00

Non calpestare la tua dignità

Nella nostra Firenze è fiorito un altro interessante caso di street art. Si chiama Guerrilla Spam e si tratta di un progetto fino ad ora operativo unicamente in Toscana.

Non è dato sapere altro degli autori delle opere che Next oggi vi presenterà. Come nei migliori e rispettabili attacchi di street art l'identità dell'autore scompare di fronte alla sua creazione che parla per esso tentando di lanciare un messaggio soggettivo quanto universalizzante.

Guerrilla Spam. Un nome che si fa manifesto ideologico ed artistico. Si tratta di una guerriglia ispirata senza dubbio ai canoni del moderno guerrilla marketing, una definizione coniata nel

1984 dal pubblicitario statunitense Levinson.

Un nome per indicare una forma di promozione pubblicitaria non convenzionale ed a basso costo, ottenuta attraverso l'utilizzo creativo di mezzi e strumenti aggressivi capaci di far leva sull'immaginario e sui meccanismi psicologici degli utenti finali.

Il secondo termine è SPAM. Proprio il nome della carne in scatola inglese che nel secondo dopoguerra inondava di pubblicità le famiglie britanniche tanto da portare alla creazione del moderno neologismo, lo Spam appunto, sinonimo di pubblicità invasiva nel Web.

Tele-stupriamoci

Guerrila Spam sembra eleggersi alfiere visivo per una lotta strategica ed artistica contro il regime del tubo catodico, quel regime televisivo che gli artisti di questo progetto considerano fuorviante, disinformativo ed ottenebrante la mente dell'individuo contemporaneo. Si tratta di una critica aperta contro la madre dei media: la televisione.

Una televisione evidentemente intesa come ago ipodermico capace di iniettare sotto la cute dello spettatore contenuti manipolatori. Una critica che sconfina anche verso l'altro lato dello schermo dove giace lo spettatore.

Un individuo non inerme, ma attivo che avrebbe la possibilità di riflettere, misurare, soppesare i contenuti, filtrarli a modo suo ed ottenere un precipitato costruttivo. Ma che il più delle volte giace rannicchiato sommerso da un sovraccarico informativo che lo uccide crocifiggendolo sul divano.

Gli artisti di Guerilla Spam insinuano la loro arte visiva in maniera educata e rispettosa nei confronti dell'ambiente urbano utilizzando principalmente carta 80 gr e colla da carta da parati in polvere, sciolta in acqua.

I lavori sono così totalmente rimovibili con un intervento umano diretto, riassorbibili dallo stesso ecositema città che li ospita nel tempo. Il messaggio rimarrà vivo finchè lo vorrà la gente.

Tele Amanti

Gli attacchi d'arte eseguiti fino ad ora sono circa 8 e sono tutti visualizzabili sul blog del gruppo. In "Tele Amanti" vediamo corpi femminili e maschili caricaturali, straziati da antenne e cavi che come frecce di Cupido attraversano i corpi per generare un'attrazione che non si consumerà mai se non nella buia solitudine personale a tratti illuminata dal bagliore televisivo.

Lo studio nuoce gravemente al regime

Interessante anche "Lo studio nuoce gravemente al regime" dove un moderno San Sebastiano telecefalo, giace incatenato e trafitto in un martirio angosciante. 200 stampe di piccolo formato dell'opera sono state furtivamente introdotte all'interno di alcuni libri della Biblioteca delle Oblate di Firenze.

Tv Monarchy

In "Tv Monarchy" l'emblema di questo gruppo di artisti, un innaffiatoio inonda il cavo televisivo che ormai sembra essere l'unico artefice dell'unità del nostro Noi collettivo ed individuale.

Lungo il cavo gli schermi trasmettono seni e zone inguinali scoperte: la monarchia televisiva si nutre della ferocia sessuale inespressa che abita ognuno di noi e che trova sfogo soltanto al bagliore dello schermo televisivo.

Un messaggio forte, deciso, chiaro. Non allegorie o sopraffini rimandi. Un messaggio che è un invito a riflettere, aprire la mente. Proprio osservando questi lavori torna alla mente il vecchio slogan Popperiano degli anni '90 "spegni la tv, accendi il cervello". Troppo riduttivo, troppo banale e precostituito. A nostro parere il messaggio di Guerrilla Spam va oltre la critica al mezzo e si rivolge direttamente allo spettatore.

Tele-stupriamoci

Un uomo rapito dalla cultura dominante, incapace di soffermarsi a riflettere e di costruire un proprio profilo culturale che lo difenda da quanti in una modernità liquida tentano di soggiogarlo ed ingannarlo. Un uomo che deve avere il coraggio di cambiare.

Claudio Capanni
(claudiocapanni@aol.com)

SESSO CON IL PRESIDENTE: I QUADRI EROTICI DI JUSTINE LAI

2011-03-29T13:31:00.000-07:00

Presidente William Henry Harrison

Justine Lai nel 2006 ha iniziato a dipingere se stessa mentre fa sesso con ogni presidente degli Stati Uniti. I dipinti sono realizzati rigorosamente seguendo la successione cronologica con cui si sono succeduti i vari presidenti. Il progetto artistico si chiama "Join or Die".

L'artista lo definisce come uno studio a lungo termine sugli uomini di potere. In progetto è tuttora in fase di completamento, Justine dopo coiti ed amplessi durati nei secoli sta raggiungendo a grandi falcate l'ultimo arrivato, Obama.

Join or die. Unisciti oppure muori. Un nome che ci lega alle opere con un doppio filo. Il primo di natura erotica. Il secondo di
natura storica.

Presidente Abramo Lincoln

Unisciti o muori, una frase che incarna l'aggressività volitiva di un potente che sfocia in possente carica sessuale. Un'intimazione rivolta ad una donna sottoposta che non ha scelta: o si unisce al coito sessuale oppure verrà uccisa socialmente ma anche fisicamente.

Ma la frase Join or die possiede anche un significato storico. Questo fu il nome che uno dei padri fondatori degli USA, Benjamin Franklin, scelse per un'illustrazione da lui realizzata. La vignetta era uno slogan per convincere i coloni inglesi emigrati negli USA, a combattere nella Guerra di Indipendenza e rappresentava un fiero serpente diviso in tanti segmenti quanti lo erano le colonie inglesi dei futuri Stati Uniti.

Si trattava di un motto per incitare le 13 colonie a fondersi ed a combattere. Proprio questo è il pensiero che sottende la realizzazione dei dipinti della Lai caratterizzati da una vena di roseo realismo softcore.

Presidente Ulysses Simpson Grant

Una vena di patriottismo che non solo guarda con fierezza alla storia del proprio paese. Vuole fare di più, vuole farci sesso ed essere penetrata da essa.

Fino a questo momento l'ultimo amplesso biografico dipinto dall'artista è quello con il repubblicano Andrew Johnson, 17esimo presidente del Nuovo Mondo. Ogni coito tenta realisticamente di studiare il presidente in esso coinvolto.

Presidente James Buchanan

Ad ogni gesto corrisponde un tratto caratteriale ben marcato che ha reso popolare ogni uomo di potere americano. Celebre la fellatio di Lincoln. Si tratta di movimenti che vedono l'uomo attivo, proponente e decisivo, gesti forti e volitivi.

Justine ha definito i suoi lavori come un contributo per spogliare definitivamente i Re e renderli realmente nudi come nella fiaba di Andersen "I vestiti nuovi dell'imperatore". Si tratta di un arte che mira a colpire, scioccare e scuotere lo spettatore.

Presidente James Madison

Un pennello che come un eterno mass media ripercorre i secoli per realizzare un sogno vouyeristico che nemmeno la televisione ed il web sono riusciti a concretizzare. Suggestivo. Siamo curiosi di vedere cosa questa artista nata nel Nord Carolina da genitori asiatici, avrà prossimamente in serbo per noi.

Presidente George Washington

Presidente James Knox Polk

Presidente Franklin Pierce

Claudio Capanni
(claudiocapanni@aol.com)

STREET ART DI GUERRA ANTI-GHEDDAFI

2011-03-24T13:57:00.000-07:00

Reportage sulla street art di guerra. Esiste. Oggi ne parleremo ma sopratutto la vedremo. Poco prima dell'intervento Onu in Libia, poco prima che le forze dei ribelli iniziassero a ritirarsi lentamente dentro Tripoli, Misurata e Bengasi, Finbarr O'Reilly, coraggioso fotografo dell'agenzia stampa tedesca Reuter, è riuscito ad immortalare dei preziosissimi casi di street art contro il colonnello Gheddafi.

Una vera e propria esplosione artistica, una voce spinta dal sentimento di odio e di riscatto verso il dittatore libico. Come molti dittatori Gheddafi aveva

assunto uno stretto controllo sulla sua immagine.

Con l'avvento della ribellione la libertà di espressione nelle zone controllate dagli opponenti al regime è dilagata, tentando di rovesciare l'egocentrismo iconografico che ha regnato per oltre 40 anni di regime.

Caricature, graffiti sono sbocciati sui muri e le strade delle città e degli avamposti in mano ai ribelli. Si tratta di "vignette di guerra", crude, in certi casi antisemite, quest'ultime fanno riferimento alle origini ebree del Colonnello, ma cariche anche di ironia e voglia di ossigeno. Osservandole con attenzione si legge tutta la storia ma sopratutto l'attuale sentimento del popolo libico.

Una piccola conquista, quella della libertà di espressione, su cui molto poco si riflette nel nostro paese. In molti paesi occidentali simili immagini si è liberi di crearle, darle in mano ad un editore, ottenere una pubblicazione riuscendo a creare un profitto personale oltre che un capitale simbolico di successo.

In altri casi si prendono bombole, fettuccine di corda e ci si avventura in giro per le periferie dei centri urbani creando veri e propri capolavori come oscene amenità. Ma sta a noi scegliere se farlo o meno.

Questi sono i primi assaggi di libertà libica. Godiamoceli. Senza retorica e senza tirare conclusioni, prendiamoli come un dato di fatto. Perchè sì, nella vita ancora c'è qualcosa che non è legato ad un'ideologia o ad un opinione personale.

Claudio Capanni
(claudiocapanni@aol.com)

PURE EVIL: UNO TSUNAMI DI PURO MALE

2011-03-18T16:14:00.000-07:00

Lieve. Questo aggettivo sottolinea la fragilità dell'arte e la sua inconsistenza, la sua impotenza di fronte agli sconvolgimenti della natura. Nella mente risuona il rumore delle fronde dei salici di Quasimodo. Anche noi come Quasimodo e gli ebrei del salmo 137 vorremmo una cetra da appendere.

Però non siamo poeti, non siamo prigionieri. E allora non resta che continuare, dove il nostro silenzio non desterebbe stupore ne indurrebbe al lutto, dobbiamo necessariamente continuare a ficcare parole sull'arte o su quello che noi consideriamo tale.

L'occasione stavolta proviene da un grande nome della street art mondiale, poco conosciuto nel nostro paese. Uno dei pochi street artist che può permettersi di fare beneficenza ed essere seguito e notato. Stiamo parlando di Pure Evil. Un artista londinese che ha fatto del rovesciamento dei ruoli la sua caratteristica peculiare.

Un uomo che una volta ha visto un ragazzo iniettarsi eroina direttamente sul pene, un uomo che ha 12 figli sparsi fra Los Angeles e San Francisco, tanti quanti le sue donazioni alla banca del seme

delle due città californiane.

Il suo simbolo è quel coniglio malvagio (sopra) che si aggira per le città di mezza Europa digrignando i denti e ringhiando. Se lo seguiamo attraverso il suo mondo malefico e onirico, come seguiremmo il bianconiglio di Alice, ci obbligherà a scoprire che, ovviamente, il mondo è capovolto. Il sopra può anche essere il sotto. Questo il messaggio di Pure Evil, un personaggio che adora mescolare le carte.

Con la sua ultima opera questo artista ha deciso di aiutare materialmente le vittime dell'apocalisse che si è abbattuta sul Giappone ormai 9 giorni fa. Aiutarle non solo a diffondere l'urlo di dolore di un popolo mai così dignitoso quanto ferito e sanguinante.

L'aiuto oltre che catartico è nell'intenzione anche reale. Il suo ultimo lavoro "Hokusai Tsunami" (24cm x 33cm) è stato prodotto in serie e viene venduto sul sito internet di Pure Evil. Ogni stampa ha un costo di 100 euro, fino ad esaurimento scorte. I soldi raccolti andranno saranno tutti donati alla Croce Rossa giapponese.

Si tratta di una rielaborazione del celebre tsunami del pittore giapponese Katsushika Hokusai massimo realizzatore di Ukiyo-e. Letteralmente "immagine del mondo fluttuante", l'Ukiyo-e è un genere di stampa artistica giapponese realizzata su blocchi di legno. Nell'originale (qui sotto) Grande Onda di Hokusai, una gigantesca onda tsunami divorava tre barche cariche di uomini che rassegnati al proprio destino, giacciono sdraiati sul fondo delle imbarcazioni.

Una dinamicità immobile, solenne, un'onda eterna, un monito che è entrato di prepotenza nella storia della pittura mondiale. Sullo sfondo il monte Fuji ha gli stessi colori dell'onda. Due montagne identiche, una di acqua, l'altra di roccia. Entrambe immobilmente paurose. Dall'alto una nuvola assume contorni antropomorfi. L'angoscia risiede nel chiedersi se quella figura sia benigna o maligna, di salvezza o di dannazione.

Pure Evil ha rielaborato il dipinto di Hokusai traducendolo in una scala di grigi. Il blu del Pacifico si trasforma in petrolio nero, la spuma delle onde diviene grigia. La figura in cielo ora divenuta nera dirada ogni dubbio. Si tratta di una presenza maligna e inquietante che introduce e causa la morte delle povere anime sospese sulle barche.

In basso a sinistra Pure Evil ha inserito il logo della NHK la maggiore compagnia di broadcasting televisivo nipponica. Accanto al logo compare la scritta LIVE. Sta accadendo tutto in diretta. La Grande Onda di Hokusaki rimasta immobile due secoli nel dipinto è uscita dalla cornice, ha mutato il proprio colore in un nero cupo e si è abbattuta senza pietà sul Giappone.

Questa è la nostra ultima chance per capire che quello che è successo è reale. Una xerigrafia, l'ultima possibilità per cercare di provare un pò di empatia per un popolo colpito al cuore, quell'empatia che tutte le dirette televisive non riusciranno mai a trasmetterci. Orietur in tenebris lux tua.

Claudio Capanni
(claudiocapanni@aol.com)

CLASSICI FOTOGRAFIA + LEGO = STIMPSON

2011-03-14T10:02:00.000-07:00

Può una foto raccontare un'altra fotografia? Può un nuovo scatto parlare di un'immagine già catturata da un altro obiettivo, in tempi diversi, da altre mani, in epoche passate? Si possono ritrarre e raffigurare scatti passati affidandogli un nuovo significato tramite nuove parole?

Noi di Next pensiamo di sì e per dimostrarvelo oggi abbiamo deciso di presentarvi i lavori di Mike Stimpson.

Su Flickr Mike, conosciuto con il nickname di Balakov, si presenta come un ingegnere inglese con la passione per la fotografia ed una forte fascinazione per il mondo dei giocattoli.

Se vale il detto "la modestia è madre d'ogni creanza" abbiamo tutto il diritto di definire Mike un fotografo a tutti gli effetti. Fertile e creativo ci permettiamo di aggiungere.

I suoi soggetti sono proprio le fotografie stesse, scatti celebri che hanno immortalato vittorie e sconfitte del genere umano a partire dallo scorso secolo fino ai giorni nostri. Scatti celebri che rivivono tramite una fantasiosa operazione di coverage sorretta da una solida base naif che ne costituisce la peculiarità principale.

I protagonisti degli scatti di Stimpson non sono altro che i celeberrimi pupazzetti della Lego a cui vengono cucite addosso scenografie epiche ormai entrate nella storia della fotografia.

Così la celebre Tennis Girl di Martin Elliot, la ragazza che sul campo da tennis posa la mano sul proprio fondoschiena scoperto, trova il

suo equivalente in una piccola donna Lego che raffigura la modella (in realtà fidanzata diciottenne di Elliot) nella stessa provocatoria movenza.

Ancora. Piazza Tien'anmen, 5 Giugno 1989, gli studenti della Repubblica Popolare Cinese sono stremati ed al terzo mese di protesta contro il regime comunista guidato da Deng Xiaoping che ha da poco istituito la legge marziale contro di loro.

Un fila di 10 carrarmati sta giungendo lentamente in piazza dove giacciono disarmati più di 30.000 studenti poco più che ventenni. Uno studente, tutt'oggi ignoto, si erge coraggiosamente a bloccare l'accesso dei carrarmati alla piazza. Sarà un massacro. Stimpson riproduce quella drammatica immagine, simbolo della rivolta, creando uno scenario grigio, cupo.

La plastica, i Lego, la loro rigidità risultano solo in apparenza inadeguati. La loro inadeguatezza sottolinea la storicità di queste immagini. Immagini che di per sè abbiamo interiorizzato come simboli e concetti, come stendardi.

L'irrealtà della plastica giunge come acqua gelida sul volto per ricordarci che queste foto raccontano vita, imprese, gesta, sofferenze che non sono di plastica gialla ma di umano dolore. Solo vedendoci ridotti a caricatura ci rendiamo conto di essere veri.

Citazioni di plastica raffigurate su carta politenata. Che a loro volta rimandano all'uomo alla sua storia. Storia che passa anche per lo scatto di Eddie Adams. Il 1 Febbraio del 1968 un prigioniero Vietcong viene catturato dalla polizia del sud vietnamita.

La morte in diretta, l'uomo viene giustiziato sommariamente pistola alla tempia dal capo della polizia. Un soldato si volge distrattamente a guardarlo. Adams vinse in premio Pulitzer per questa foto, il suo protagonista vinse un posto in una maleodorante fossa comune.

Le irreali facce sorridenti dei pupazzi Lego ci parlano di questo scatto dall'alto della cultura popolare, la cultura di massa che interiorizza un'immagine senza coglierla. Il contrasto fra il vero ed il reale raggela.

Sotto proponiamo altri scatti accompagnati dal loro equivalente reale. Alla base dei lavori di Stimpson non c'è il semplice divertissment nè un progetto ideologico ben definito che sia stato annunciato, ognuno è libero di trarne altrettante libere riflessioni.

La nostra è una delle più banalmente scioccanti: a volte per conoscere la storia del mondo un cui viviamo è utile raccontarla, raccontarla e raccontarla, non importa con che linguaggi e quali forme, queste immagini non danno alternative.

Dicono che è andata così e basta. Se vuoi chiederti il perchè, capirne le cause e le conseguenze bisogna prima di tutto imparare ad osservare. Gli occhi a volte valgono più di mille orecchi.

Claudio Capanni
(claudiocapanni@aol.com)

GESÙ ERA UNA DONNA, GLI APOSTOLI 12 MODELLE

2011-03-08T01:15:00.000-08:00

Gesù è una donna. La figlia di Dio è sopra raffigurata all'interno di un'Ultima Cena del tutto particolare. Non si tratta di una semplice piaggeria verso il sesso femminile che oggi, 8 Marzo 2011, cadrebbe a pennello. Si tratta piuttosto di un tentativo di osservare il mondo da un'altra prospettiva, alternativa, inesplorata, innovativa.

Il lavoro che oggi Next vi propone risale al 2006 e fa parte della campagna pubblicitaria realizzata dalla casa di moda francese Marithé François Girbaud.

Attorno all'immagine, all'epoca dell'uscita, si creò grande scalpore ed il risultato fu la sua censura in Italia e successivamente in Francia. La prima istituzione a vietare la riproduzione dell'immagine fu proprio il Comune di Milano, quella Milano capitale della moda, che si trovò nell'imbarazzante posizione di centro fra due fuochi: da un lato la Chiesa cattolica, dall'altro il business della moda.

Il cenacolo femminile venne considerato lesivo del sentimento religioso di tutti i cittadini. Inutile dire che proprio la sua
censura contribuì ad alimentarne il successo e la popolarità nel mondo laico. Una lezione che la Chiesa cattolica, immemore dell'effetto underdog della censura alla riforma luterana, ancora sembra non aver imparato.

Entrando dentro l'immagine osserviamo un tavolo minimale, spoglio, privo di gambe attorno al quale, saldamente sospese nell'aria, fluttuano le dodici apostole immerse in una spazialità grigia, priva di tempo e di ombre che sottolinea la crucialità e l'intensità di un momento eterno ma destinato a finire.

Immediatamente notiamo alcuni dettagli interessanti. Gli abili pubblicitari della Girbaud hanno rivisitato in chiave moderna il cenacolo di Da Vinci offrendo una nuova lettura. Per molto tempo si è pensato che la figura femminile disegnata da Leonardo alla destra di Gesù fosse l'apostolo Giovanni. In seguito al restauro del dipinto il fantomatico personaggio ha riacquistato il suo aspetto femminile trasformandosi in Maddalena. Ad ulteriore riprova di questo c'è il fatto che Leonardo le dipinse vestiti speculari a quelli di Gesù.

Nella rivisitazione moderna la Maddalena si trasforma in un uomo a torso nudo che abbraccia eroticamente un'apostola che lo cinge al fianco. Un vero e proprio rovesciamento totale dei ruoli che da spazio alla lettura "maddaleniana" del cenacolo di Da Vinci.

Un altro dettaglio interessante riguarda la modella che incarna la figura di Giuda. La donna è l'unica delle 12 che guarda fissa in camera, con uno sguardo fantomatico che penetra gli occhi dello spettatore.

Solo lei nell'eternità di quell'istante sà come si concluderà la cena e cosa accadrà in seguito. Solo lei è a conoscenza del tradimento di cui è stata artefice, per questo è pensierosa, circospetta, guarda verso di noi incerta se ammiccare sardonicamente o mostrare una indifferente quanto finta malizia. Una scelta stilistica veramente interessante.

Il dettaglio inciso sul frontespizio destro del tavolo indica la cifra 2006 A.D. accanto alla parola Spring. Bastano queste due parole per riportarci immediatamente nel più prosaico e commerciale mondo della moda, un brusco risveglio per chi si era calato con interesse in questa insolita immagine. Sacro e profano rischiano di avvicinarsi incredibilmente ma è proprio quella scritta che li mantiene ben distinti e distinguibili.

I censori del cenacolo femminile hanno fatto l'errore di confondere significante con significato. La blasfemia attribuita a questa immagine deriva da questo sbaglio macroscopico. Il significato è la drammaticità di un momento quale la cena che precede la crocifissione di Cristo, il suo calvario di uomo, i chiodi conficcati nelle carni, l'umiliazione di morire di fronte alla propria madre in una maniera atroce.

La cena come momento in cui il traditore Giuda ha già venduto la vita del maestro e amico. Una cena fotografia di molte delle nostre vite, dove spesso sediamo con fiducia accanto ad amici ma anche a subdoli nemici.

Il significante sono le 12 donne, 13 compresa la figlia di Dio, che allestiscono un significato che rimane proprio dei vangeli e che nessuno al mondo potrà equivocare o sradicare. Il significante è unicamente un mezzo, ciò che significa qualcosa e che non è assolutamente la Verità ultima o il messaggio di Cristo.

In questa immagine anzi, il significante aggiunge un surplus alla parola di Cristo. La foto di Girbaud ci dice che Leonardo da Vinci non è l'unico paradigma universale tramite cui rappresentare l'Ultima Cena, un episodio tratto dai Vangeli che esiste in quanto tale e non in quanto rappresentazione.

Per una volta in questa immagine storia e religione sembrano accucciarsi attorno a snelle gambe femminili, non volgari ma diafane, erotiche ma composte, non oggetto per occhi affamati ma protagoniste responsabili della propria vita. Non modelle ma Donne. Forse il messaggio di Girbaud era proprio questo. Mettere al centro la figura femminile infrangendo un tabù sociale e non di certo religioso.

Claudio Capanni
(claudiocapanni@aol.com)

THE CITY: LE FOTO DELL'APOCALISSE

2011-03-04T04:18:00.000-08:00

CLICCA QUI PER VEDERE LA GALLERIA

Lori Nix è una fotografa statunitense sulla quarantina. Nata e cresciuta nella piccola cittadina di Norton in Kansas, nel cuore degli States. Asfalto, villette a schiera disposte nel verde, lungo i numerosi crocevia che costituiscono lo scheletro dei centinaia di piccoli centri della provincia americana.

Strade spesso spazzate dagli impetuosi tornado del clima subtropicale dell'antico stato dei Siuox. Grandine, nevicate violente, trombe d'aria, invasioni di zanzare grosse come corvi nelle calde sere d'estate. Tutto questo si è sedimentato nell'animo di questa donna che quel vento sé lo è portato dentro sino ad oggi.

Proprio dagli sfumati ricordi di questa infanzia nasce The City, uno dei suoi ultimi lavori. La Nix non è una fotogrfa convenzionale. Le sue sono fotografie di

plastici, i cosiddetti diorama, ambientazioni in scala che riproducono il mondo di Lori, filtrato dagli occhi di una bambina stupefatta dal sublime di una natura selvaggia, pronta ad alzare la voce contro un'umanità inerme. Lori Nix è due volte artista, creatrice, demiurga.

Prima costruisce l'immagine, lo scenario, fabbrica e plasma ambienti senza tempo, incredibilmente suggestivi, poi li fotografa completando il processo di creazione. Gli dona profondità, ne sfuma i contorni in uno slancio onirico che impressiona lo spettatore. Ogni scena richiede almeno 7 mesi di preparazione e di lavoro, gli oggetti in scala vengono accuratamente selezionati e disposti, nulla è li per caso. Secondo la tradizione dei più grandi pittori romantici come Turner o Constable, la Nix affida alla scena rappresentata, l'espressione di uno stato d'animo.

Così nascono questi piccoli capolavori. Lavanderie a gettoni in preda all'abbandono, fuori dalla porta a vetri, la notte nella strada di qualche piccola città americana devastata da una catastrofe naturale. Un inverno nucleare? Un tornado? Un terremoto? Sale l'angosciante dubbio: fuori da quella porta l'uomo è ancora padrone del mondo che ha creato?

Ancora. Un centro commerciale devastato, dove la natura ha preso il sopravvento sulle macerie e sul mondo in vendita, una biblioteca imponente al centro della quale cresce imperterrito il fusto di un albero, intorno l'abbandono più totale.

I colori e tutti i graziosi dettagli che la Nix dispone nelle sue scenografie tascabili, moltiplicano il senso di inquietudine. Infine un teatro abbandonato dove la visuale è rovesciata. Per una volta è il palco a guardare un pubblico che non c'è, che avrebbe dovuto trovarsi li, ora, ma che invece è sostituito da polverose poltroncine blu dove un tempo sedevano persone.

Migliaia sarebbero le parole da spendere per descrivere questi piccoli mondi. La parola in questo caso non può sostituire l'occhio e la suggestione visiva, si deve arrendere, ci fermiamo qui. The City è un racconto, tante piccole finestre aperte sulla nostra angosce. The City è il racconto dell'angoscia dell'uomo comune per una Apocalisse che percepisce come imminente.

Noi, cresciuti fieri e orgogliosi all'ombra del fungo atomico, adesso abbiamo paura, una paura gridata dalla frastornante assenza dell'uomo nei diorami della Nix. Parafrasando Sara Teasdale, quando l'uomo sarà sparito, sboccerà la primavera e cadrà dolce la pioggia. Come se non fossimo mai esistiti. Del resto la natura sa aspettare.

Claudio Capanni
(claudiocapanni@aol.com)

GALA ON NEXT: L'ARTE È UNA NUOVA INTERPRETAZIONE DI CIÒ CHE È SEMPRE ESISTITO

2011-02-27T04:54:00.000-08:00

Il problema è sempre lo stesso, e ormai da troppi anni.

I più sostengono che nell’arte non si possa più inventare nulla, senza pensare a cosa significhi effettivamente l’invenzione.

Nell’accezione comune il verbo deriva dal latino (“inventus”, participio passato di “inveire” ossia trovare, scoprire cercando) ed è perciò inteso come un processo euristico, tuttavia nessuno si domanda mai cosa si debba ricercare, e quindi scoprire, quale sia l’oggetto da scovare.

La caccia al tesoro forse non ha come premio la novità, ma piuttosto la rielaborazione della realtà.

La realtà è sempre la stessa, i problemi esistenziali, umani, sentimentali sono gli stessi da sempre, e così anche il corpo dell’uomo, quello con qui ognuno di noi deve confrontarsi ed a cui deve adattarsi per esser parte del mondo.

E’ per questo motivo che ho amato dal primo istante due artisti che hanno saputo con intelligenza ripensare la rappresentazione del corpo umano inteso come un corpo perfetto, dalle forme rinascimentali, proporzionate dimensionalmente, inarrivabili.

David Bagbie, artista scozzese, classe ’55, realizza sculture in maglia di acciaio o bronzo, le lavora completamente a mano, senza l’ausilio di stampi, e il risultato viene spesso illuminato e proietta sulla superficie corpi disegnati con maestria, che sembrano acqueforti, ma che sono semplici ombre, e spariscono spegnendo la luce, con un clic.

Lo stesso Bagbie ammette che il corpo umano è per lui anche una “celebrazione del’esistenza fisica, della sua vulnerabilità ed intimità".

L’altro artista è invece Baptiste Demombourg che graffa tele gigantesche e attraverso 75.000 graffettate realizza corpi aggrappati alla superficie.

Gala Rotelli

VIDEOGAMES UMANI: GUILLUAME REYMOND

2011-02-12T10:44:00.000-08:00

Magnetico. Semplicemente magnetico. Quello che Next vi propone oggi sono i lavori dell'artista franco-svizzero Guillaume Reymond. Un pazzo, un visionario che è riuscito a rendere omaggio alla preistoria dei giochi digitali in un modo totalmente innovativo.

Come? semplicemente recitandoli, nel vero senso della parola. Chi di noi non ha mai giocato a Pacman, a Tetris, a Space Invaders? Bene, Reymond è riuscito a realizzare delle performance di massa, dove le sue doti di coreografo sprigionano tutta la loro creatività.

Gli attori di Reymond sono dei veri pixel umani, ed incarnano proprio il ruolo degli elementi puntiformi che compongono le immagini digitali. I suoi lavori sono tutti realizzati in stop motion, montando una serie di immagini fisse, per la realizzazione delle quali sono necessarie ore ed ore di lavoro. La platea di un teatro ripresa dall’alto diventa il set di queste stravaganti creazioni.

Reymond fa muovere i suoi figuranti da un sedile all’altro in modo da ricreare con estrema precisione le schermate dei sempreverdi del gioco digitale. Nel 2007 con uno dei suoi lavori, The Original Human Tetris, è riuscito ad accaparrarsi
il premio YouTube Awards come vincitore per la categoria "filmato più creativo dell'anno". Perfetti esempi dI arte usa e getta, le opere di Raymond strizzano l’occhio ai concetti di base del NeoPop e della Pop Art, adattandosi perfettamente all’esposizione in quella enorme ed eterogenea galleria moderna chiamata Youtube.

Adesso basta con le presentazioni, oggi abbiamo deciso di farci da parte e di lasciar parlare i lavori di questo formidabile visivo della cinepresa. I video che vi presentiamo, fanno parte del progetto Game Over, una delle ultime fatiche di Reymond. E' tutto. Buona visione.

THE ORIGINAL HUMAN TETRIS PERFORMANCE

THE ORIGINAL HUMAN PONG PERFORMANCE

THE ORIGINAL HUMAN SPACE INVADERS PERFORMANCE

THE ORIGINAL HUMAN PACMAN PERFORMANCE

Claudio Capanni

(claudiocapanni@aol.com)

LSD E VOGLIA D'INFANZIA: SANDRINE ESTRADE BOULET

2011-02-08T15:04:00.000-08:00

"Ho visto un lupo mannaro sorseggiare una pina colada al Trader Vic's, i suoi capelli erano perfetti" così cantava Warren Zevon nel lontano 1978. Cosa c'entra questo con l'intervento di oggi? Quasi niente. Anzi forse un pò c'entra. C'entra con la quantità di immaginazione e fantasia che alcuni artisti impiegano nella creazione dei loro lavori. Oggi Next vi parla nuovamente di street art, in una delle sue forme più schiette e genuine. Solo fantasia, nulla di più. Proprio nei pressi dello storico Trader Vic's di Londra l'artista visiva di cui parleremo oggi ha realizzato il primo di una serie di molti lavori.

Questa persona a parte lo smisurato bagaglio di fantasia ed il Trader Vic's non ha nient'altro in comune con Warren Zevon. Senza dubbio però questa artista è l'unica che sarebbe capace di dare vita alla visione del cantante statunitense. Il suo nome è Sandrine Estrade Boulet ed è una artista francese di 41 anni capace di catturare e

stravolgere gli ordinari scenari urbani che tutti i giorni calpestiamo, viviamo, percorriamo, colorandoli con un tocco di fantasia rosa.

Non si tratta di vera e propria street art ma di un suo interessante superamento. Sandrine è solita aggirarsi per le più grandi metropoli del mondo munita di macchina fotografica. Appena sotto i suoi occhi si posa uno scenario giudicato interessante arriva lo scatto. L'immagine digitale poi viene ridipinta dall'artista sul proprio computer. Di colpo un marciapiede, una siepe, un tetro palazzo signorile si trasformano in creature animate.

E così ragazze pon pon nascono da due sottili ciuffetti d'erba, un'asse da stiro abbandonata si trasforma in una farfalla gigante, un ombrello rotto diviene in un attimo la gonna di una ragazza alzata dal vento. Così procede in un crescendo psichedelico giungendo all'ultimo gradino di questo colorato climax ascendente: un albero pubico che cinge il sesso di una ragazza nuda alta come un palazzo. Qui trovate alcuni dei suoi lavori.

Restando in tema di citazioni musicali possiamo affermate che i lavori di un'artista del genere vanno senz'altro goduti con un sottofondo musicale adeguato. Consigliamo Lucy In The Sky With Diamonds dei Beatles, si tratta infatti di un vero e proprio trip immaginario fra creature surreali e innesti fantasiosi che solo un inno all'acido lisergico, l'LSD, può permettere di apprezzare pienamente. Come la Lucy dei Beatles Sandrine sembra aggirarsi fra palazzi, cemento, pistoni, sguardi bassi e gambe frettolose, camminando mezzo metro sopra al livello del suolo, con la testa rivolta all'insù in cerca di mostri rosa e palazzi parlanti.

Una volta scesa dai suoi cieli di marmellata e dai suoi diamanti Sandrine ci riesce a trascinare ancora una voltà nell'onirico dell'infanzia regalandoci cinque minuti di estrema tenerezza e assuefazione. Così strizzando un occhio a Duchamps e l'altro ai dadaisti questa artista dipinge il suo mondo dando alla fantasia l'impressione di essere ancora una volta e per sempre, l'unica padrona del reale. Che poi reale non è.

Claudio Capanni
(claudiocapanni@aol.com)

VORMANN: MATTONI DI LEGO RIPARANO I MURI DELLE CITTÀ

2011-02-06T06:38:00.000-08:00

Un altro brillante caso di street art infetta e percorre le strade, le case, i muri delle grandi città europee come quelli del campanilismo all'italiana. Jan Vormann, un artista tedesco di 27 anni è riuscito a cucire i mondi del gioco, le dimensioni infantili del costruire e del sognare con quella solida e maggiormente seriosa della vita reale. In che maniera? Compenetrando e letteralmente incastrando questi due mondi apparentemente inconcepibili, l'uno con l'altro.

New York, Tel Aviv, Barcellona, Berlino, Belgrado ed anche l'italianissimo paesino di Bocchignano sono stati toccati dalla mano del giovane che quì ha sparso il seme di una nuova idea. Il progetto di Jan Vormann, i suoi Dispatchworks, sono nati proprio in Italia qualche anno fa mentre il nostro passeggiava nel borgo medievale di Bocchignano nei pressi di Roma. Qui Vormann è stato ispirato dal principio dell'utile che sorreggeva la costruzione dei muri del borgo. Le pietre utilizzate per i muri infatti erano tutte di natura irregolare ed ognuna era diversa dall'altra. Necessità, non design.

Questo gli permise di notare come ai costruttori delle antiche mura non importava la forma, il colore o la composizione dei mattoni, bastava infatti che questi riempissero i buchi e assicurassero la stabilità del muro. Questo semplice principio è stato unito al mondo ludico della costruzione infantile, i mattoncini Lego. Riempire con mattoncini Lego le crepe, i fori, i vuoti presenti nei muri di

alcuni dei più significativi conglomerati urbani del globo. Questo l'obiettivo.

Inutile dire che il risultato finale è qualcosa di incredibile. I fori delle pallottole della Seconda Guerra Mondiale sui muri di Berlino, le cicatrici di una delle esplosioni di violenza maggiori della storia dell'uomo, sono state riparate con tanti coloratissimi mattoncini Lego, ognuno di un colore diverso. L'intonaco decadente dei grigi muri del Bronx, le esotiche mura soffiate dal vento di Tel Aviv, le duecentesche pietre di Bocchignano, tutto è stato cosparso di una vena di colore nuova, surreale, moderna ed ironica.

Vivaci pixel rettangolari, spigolosi si innestano sulle pietre ed i mattoni di tutto il mondo. Un linguaggio basato sul protocollo comune di un infanzia vissuta e lontana ma ancora viva e degna di riemergere dalle viscere del cemento e del bitume ferroso delle città. Niente di più semplice e lineare. Come un istante di illuminazione, come un fiore cresciuto sul freddo acciaio di una rotaia. Come un sorriso, quello che si dipingeva sul nostro volto di bambini quando, frugando in fondo alla scatola, trovavamo il pezzo mancante per la nostra costruzione di Lego. Questo sorriso adesso rivive ancora, strappatoci da Vormann, alla vista di una delle sue creazioni.

Claudio Capanni
(claudiocapanni@aol.com)

UNA BARBIE TUTTA SESSO, VIOLENZA E PERVERSIONE

2011-01-28T15:23:00.000-08:00

La Barbie è stata disegnata indubbiamente per essere la donna che ogni ragazza avrebbe voluto essere e quella che ogni uomo avrebbe voluto portare nel proprio letto. Il corpo sinuoso, il miraggio platinato quanto irreale dei lunghi capelli biondi, il seno prorompente e scattante, una vita stretta ed una pancia plasticamente arata da ogni imperfezione.

Con questi presupposti negli States degli anni '50, quelli del boom economico, della Ford, delle villette a schiera e della minigonna, si affermò un nuovo ideale di femminilità che sarebbe stato croce e delizia di feticisti ed insicuri, collezionisti e bambini. Una prorompente donna in miniatura che sprizza sensualità e che lascia intravedere lunghe ed atletiche cosce che terminano idealmente nella zona pubica dove si scopre l'arcano della totale assenza di genitali.

Una Barbie eterna vergine da ormai 50 anni, una vergine che però flirta, ha dei figli, lavora, va al mare, guida aerei ed ama gli animali. In questo silente patto di sottintesa quanto incoerente purezza, di mistero mai svelato si insinua Mariel Clayton, fotografa 31enne dell'Ontario, con un solo obiettivo: immortalare la vita sessuale della ragazza senza genitali.

La Barbie fotografata e scoperta dalla Clayton è diversa. Si è trasformata in una sociopatica, frustrata dall'eterno ammiccamento verso un coito mai consumato. Così uccide, impicca, decapita, taglia e cuce le facce degli uomini che la circondano. Dall'irriverente quanto crudo obiettivo della Clayton la osserviamo fare sesso con uomini che poco dopo sgozza. La vediamo mentre schiavizza i poveri eunuchi del suo harem, li scuoia, salvo un minuto dopo fumarsi una sigaretta nuda su un divano di pelle. Cliccate qui per alcune immagini.

Non stiamo scherzando. Tutte le
immagini descritte sono state minuziosamente allestite in minuscoli set fotografici, ricchi di ogni dettaglio scenico e fotografati dalla Clayton. Una ragazza con la passione per i tabù, fosse anche l'ultimo del mondo, fosse anche la vita sessuale delle bambole. Così viene svelato, sfigurato e capovolto uno dei mille miti d'oltre oceano. Come gli anni '50 dell'America sono stati turbati dall'ondata di omicidi per mano dei serial killer degli anni '70. Come i pancake alla glassa di provincia sono stati rimpiazzati dall' lsd e dall'eroina delle grandi metropoli, come Roosvelt è stato seguito dal maccartismo e dal Vietnam, così Barbie è semplicemente impazzita.

Un ulteriore dimostrazione del fallimento del sogno americano oppure semplicemente voglia di correre con la fantasia? Nelle opere di Mariel Clayton ci può essere tutto. C'è qualcosa di perverso, di malsano e di affascinante nei suoi lavori. Qualcosa come mordere la carta stagnola coi denti, come tentare di scoprire se Step e Babi di Moccia si sono sposati e hanno avuto dei figli e sopratutto se hanno acceso un mutuo per comprare i 5 vani dove ipoteticamente potrebbero vivere.

Dopo il sogno, dopo la plastica, viene il reale, l'uomo, la donna in questo caso, coi suoi limiti e la sua brutta follia animale. Anche perchè tutto quello che la Clayton raffigura nei suoi lavori, se ci pensate bene, in qualche parte del mondo, in epoche diverse, è successo davvero o forse sta succedendo mentre leggete.

Claudio Capanni
(claudiocapanni@aol.com)

FLYCHELANGELO: ARTE VISIVA O PUGNO DI MOSCHE?

2011-01-24T08:59:00.000-08:00

Flychelangelo. Una crasi. L'unione di due parole: Fly, mosca in inglese, e Michelangelo, non il Buonarroti come molti credono, ma il Pistoletto, massimo esponente dell'Arte povera. Questo è tutto quello che sappiamo di uno degli artisti visivi più in voga all'interno del web.

Le sue opere sono definite da molti come un compendio tridimensionale di arte visiva, un'arte che dalla morte trae nuova vita e acquista una dinamicità insospettabile. Questa misteriosa figura realizza i suoi lavori con della carta, una matita e delle mosche morte, riuscendo a proiettare lo spettatore in una dimensione di antropomorfa vitalità.

Vere e proprie situazioni immaginarie al limite del fumettistico e del visionario. Prima il foglio, candido, immacolato. Poi alcune mosche morte su di esso. L'autore di questi lavori sfrutta la posizione che questo insetto assume dopo la morte, le zampe infatti si ritirano al di sotto del ventre, rendendosi invisibili all'occhio.

Dopo giunge la matita, che dona nuova vita a questi insetti morti inserendoli in una quotidianità tridimensionale del tutto originale. Non zampe ma piedi e mani disegnate che permettono alle mosche di vagare libere di esprimersi nello spazio del foglio. Qui una galleria di immagini.

Nascono così ironiche vignette che vedono le mosche in coda per la

toilette, in fila prima di un tuffo in piscina, forsennate durante l'accoppiamento ad una festa, oppure in compagnia durante una virile minzione di gruppo. Non sappiamo se l'intento dell'autore fosse quello di lanciare uno specifico messaggio o di creare qualcosa dall'estremo impatto visivo.

Bisogna comunque riconoscere il merito della fantasia a questo personaggio (o personaggi) del web che volontariamente o meno sono riusciti a produrre una sensazione che nasce dall'ossimoro della vitalità della morte. Mosche morte che, travestite da esseri umani, rivivono. Una velata critica verso il quotidiano e la prevedibilità esasperata dell'uomo? Un'ode nonchè un'esaltazione della fantasia dell'essere umano? Oppure semplicemente una brillante trovata?

Next ha cercato di fare un pò di chiarezza. L'idea di queste rappresentazioni nasce nel più prosaico e distaccato mondo pubblicitario tedesco. Dunque un brillante grafico pubblicitario piuttosto che la mente creativa di qualche lupo solitario del visionario. L'idea nasce all'interno della campagna pubblicitaria realizzata nel Settembre 2009 dalla Heye Group (un'agenzia pubblicitaria tedesca) per un insetticida, il Globol Insekten Spray. Il disegno dello spray accompagnava situazioni dove mosche umanizzate (che poi saranno ribattezzate mosche di Flychelangelo) giacevano morte stecchite a causa del vapore dell'insetticida.

Questa idea deve essere particolarmente piaciuta al nostro Flychelangelo che ha messo in circolazione sulla rete una ventina di interessanti lavori che vedono come protagonista un pugno di simpatiche mosche. Siamo curiosi di vedere come evolveranno i lavori del fantomatico autore, risparmiandoci, per ora, di entrare nel merito di questioni formali sul fatto che questa sia o meno arte.

Claudio Capanni
(claudiocapanni@aol.com)

CLET: UNO STICKMAN IN BILICO SUL PONTE CI PARLA DI FIRENZE

2011-01-21T09:33:00.000-08:00

Anche Firenze ha voglia di dire la sua in termini di street art. Siamo sempre più abituati a vedere la nostra città come una bellissima donna, ormai non più nel fiore degli anni, intenta nel vendere e mostrare le foto di quando era una giovane e seducente ragazza, desiderata, corteggiata ed invidiata dalle sue coetanee. In quel passato meraviglioso, ridondante, unico al mondo, siamo stati la culla del Rinascimento che ha posto le radici per la rinascita dell'uomo e dell'umanesimo. Con un passato incredibile come il suo, questa anziana ma ancora bellissima signora spesso ha paura di affrontare il futuro per paura di perdere anche un solo singolo frammento o ricordo degli anni della sua gioventù.

Così svegliarsi una mattina e vedere da uno dei pennoni di Ponte alle Grazie un uomo di piombo, un grasso stickman, che con un fiero sguardo rvolto verso Ponte Vecchio, sembra voler sfidare la forza di gravità ed accingersi a compiere il passo che lo porterà nelle acque dell'Arno, non è cosa da tutti i giorni.

L'immagine di un istante, una città che
brulica, lo scroscio dell'acqua al di sotto del ponte, i flutti del fiume che si infrangono sulla pietra dei pilastri, le auto, le nuvole in movimento. Ed un uomo sospeso nel vuoto in un'azione che non è mai finita perchè non è mai iniziata, resta incollata al suo eterno compiersi. Questa è l'opera che Clet, il cuore pulsante della street e visual art fiorentina ci ha voluto regalare.

Il merito di un'opera del genere, collocata furtivamente nella notte, si espleta nel principio della dissonanza cognitiva. Un lungarno immutato nei secoli, un Arno che perenne, come il tempo, scorre da miliardi di lune lungo la città ed una figura che non dovrebbe esserci ma che c'è. E ci induce anche solo per un attimo a riflettere. Come un ago che premendo sulla cute ci rende coscienti di essere ancora vivi.

Clet, al secolo Anacleto Abraham, è un'artista francese che da anni, innamorato di questa città, vive e lavora a Firenze. Il suo studio è quella vetrina in S.Niccolò fra il Rifrullo e lo Zoe dove la notte inconsapevoli, passiamo davanti e spesso ci chiediamo che luogo si celi dietro a quel vetro che separa l'arte rinascimentale da quella contemporanea. Clet è l'autore di quegli stickman adesivi che hanno popolato i cartelli stradali della città rendendoli vivi, valorizzandoli ed innestandosi nel quotidiano.

Adesso uno di questi stickman sembra essere uscito da uno dei molti cartelli stradali in cui era stato rinchiuso come un Gesù crocefisso, come un ladro di linee o come una moderna pietà urbana per materializzarsi sul pinnacolo di Ponte alle Grazie. Immobile guarda verso ponte Vecchio o forse oltre di questo, forse pensa al futuro e a come sia bello che per una volta Firenze, la sua città, riesca a essere la scenografia, il laboratorio ideale dove spargere i semi per un nuovo rinascimento creativo. Senza, per questo, scordarsi del passato.

Claudio Capanni
(claudiocapanni@aol.com)

JOSHUA HARRIS ED I MOSTRI DELLA METRO

2011-01-17T11:35:00.000-08:00

Nastri di cemento metropolitani percorsi da pistoni stridenti e lubrificati con in sella persone, la cui mente annega in ben altro tipo di lubrificante. Quel liquido viscido ed oleoso, morbido ed invisibile, quella noncuranza verso tutto e tutti che permette alle giornate cittadine di scorrere via lisce senza troppi intoppi.

Sotto al cemento i tunnel scavati dal Novecento e attraversati dai binari della metro, inconsapevole scrigno di sogni, passioni, angosce e desideri delle migliaia di persone che ogni giorno si lasciano cullare dal suo loculo metallico rapido come una tachicardia.

In questo ambiente nasce la street art, la parola di chi non si fa gettare a terra dal sistema della grande Babilonia moderna e cerca di offrire allo spettatore distratto, affogato nel lubrificante delle proprie preoccupazioni, un barlume di idea, di esperienza e novità. La street art e l'arte del quotidiano, il fiore che nasce nella pattumiera, il principio di scostamento dalla
realtà che anche per un attimo riesce a sollevare la nostra attenzione e immergerci nella dimensione onirica del senza tempo.

Questo è quello che è capitato di vedere a Next il mese scorso mentre camminavamo fra la 9° e la 10° strada in direzione Brooklyn, un piccola visione che ci ha strappato all'immensità della Grande Mela. Una creatura mostruosa si è eretta in tutti i suoi tre metri di altezza davanti ai nostri occhi, ringhiando ed agitandosi compulsivamente con i piedi saldamente aggrappati a uno dei tanti grigi sidewalk newyorkesi.

Joshua Allen Harris definisce quello che è il prototipo dell'artista visivo moderno. Uno che con dei sacchetti della spazzatura, con uno oggetto strappato alla quotidianità riesce a far viaggiare la fantasia. La creatura non era altro che uno dei suoi Balloon Animals composto da buste di plastica che, saldamente legate ad una grata, al passaggio sotterraneo della metro si è gonfiato riempito dai vapori e dallo spostamento d'aria del treno che percorre le vene dell'underground cittadino. Lo spettacolo è durato pochi battiti d'ali di farfalla. L'orco di polietilene si è afflosciato lentamente dibattendosi con gli ultimi gemiti, prima di soccombere.

Per capire quello di qui parliamo provate a guardare qui. Le sculture gonfiabili di Harris hanno successo perché sono opere semplici ed efficaci: si innestano nel contesto urbano utilizzandone due degli elementi emblematici, i sacchetti di plastica ed i vapori della metropolitana. Sono prodotti di scarto che, apparentemente giunti alla fine del loro ciclo, si uniscono in una simbiosi vitale in grado di stupire; e la capacità di stupire, oggi, è veramente una dote rara.

In tutte le sue creazioni c’è sempre un elemento antropologico, l’essere vivente, mostro o animale che sia, prende vita con il soffio vitale dell'aria. Un tema questo da sempre presente nei miti della creazione delle culture antiche e preistoriche. Nulla è quindi più efficace di uno stimolo ancestrale ed irrazionale per colpire l’homo sapiens della giungla urbana, ricordandogli all'improvviso, come un illuminazione estatica, il mistero della sua creazione.

Claudio Capanni
(claudiocapanni@aol.com)

I SERMONI DELLA CHIESA DELLO STUPIDO SANTO

2011-01-10T11:19:00.000-08:00

Ethan Acres è un reverendo vero e proprio, un bestione di 105 kg con un piercing piantato fra due narici da orangotango. Big Ethan è un artista predicatore evangelico, un fuori di testa, che anni fa è riuscito addirittura a sposare un suo amico durante una performance clandestina alla Cappella Sistina. Oggi il reverendo ha preso dimora nel profondo sud degli U.S.A. dopo anni di nomadismo e peregrinazioni con una roulotte a caccia di fedeli a cui rivelare il suo personal Jesus.

Vive nel seminterrato di una chiesa, The Curch of the Holy Fool (la chiesa dello stupido santo letteralmente), a Sheffield in Alabama dove abita con la moglie, due figli e due iguane giganti. Qui accoglie un popolo variopinto di credenti, emarginati, curiosi, artisti e sognatori. La chiesa è una vera e propria cattedrale nel deserto che si trova a pochi minuti di strada dal mitico studio di registrazione Muscle Shoals Sound dove i Rolling Stones incisero Brown Sugar, la velata ode alla cocaina degli

anni '70. Il reverendo tiene in sagrestia una foto di Mick Jagger seduto sui gradini della chiesa.

Ethan Acres ama definirsi un ministro per l'espressione dell'estasi religiosa. Con lui si ha un ritorno all’epoca dei predicatori medievali, bizzarri figuri itineranti che annunciavano la fine del mondo con coloritissime metafore; il nostro Reverendo utilizza immagini vere e proprie per convertire e diffondere la fede.

Questo artista figurativo, reverendo o semplicemente folle creativo, oltre a possedere una chiesa tutta sua è ospite costante della Samuel Freeman Gallery di Santa Monica. Nella galleria si possono osservare alcune opere pittoriche, veri e propri sermoni figurativi, dove si manifesta il legame con la tradizione figurativa cattolica, mediata attraverso le tendenze tutta americane dei Lowbrow, il movimento di artisti figurativi che nacque nella assolata e indimenticabile California degli anni '70.

In Face vs Heel: the Battle for the soul of John Travolta, una struttura gonfiabile, è rappresentata la dura lotta a mani nude di Cristo contro il Diavolo che con la sua coda lunghissima stritola un John Travolta angelo, a dimostrare che il Diavolo al giorno d'oggi è in netto vantaggio nella lotta fra il Bene ed il Male e che la condizione terrena di attore hollywoodiano o di clochard non influisce su questo, siamo tutti uomini.

In Secret, una Madonna travestita da uomo ragno sorregge in braccio l'agnello di Dio e pone lo sguardo torvo verso un altro pargolo sorridente. Le icone del novecento che siano fumetti o il wrestling sono utilizzate per dimostrare che cambiando la posizione degli addendi il risultato non cambia. L'iconografia mariana è sfigurata per sottolineare il mistero che essa sottende che non risiede certo nel volto con cui l'uomo o l'artista la rappresenta o immagina.

In Weapon un carro armato recante un crocifisso legato sul cannone, è letteralmente farcito da una Bibbia. Una graffiante immagine che si insinua nell'orecchio della nostra anima come lo stridere del gesso su una lavagna. Un cristianesimo che utilizza la guerra come strumento è un paradosso di cui la maggior parte di noi è consapevole e cosciente. Ma un opera che raffiguri questo paradosso mancava, specie se consideriamo che è stato un prete a realizzarla.

Cosa ha da offrire all'arte questo incrocio fra un capitano di ventura, un sacerdote ed un eroinomane? Non poco. Parola di NEXT. Ethan Acres è uno dei più grandi esponenti mondiali dell'Happening, che per chi non lo sapesse non è un utile sinonimo di evento ma tutt'altro. Gli happening sono una forma d’arte che nasce a opera di Allan Kaprow con l'opera "18 Happenings in 6 Parts" del 1959 che dalla seconda metà del secolo scorso giace dimenticata.

Gli Happening sono eventi performativi a metà strada, tra spettacoli teatrali e azioni legate alle arti visive. La distorsione di giudizio che caratterizzò la valutazione e comprensione dell’happening ancora oggi è presente.

La narrazione dei misteri della fede diventa, per il Reverendo un pretesto antichissimo e modernissimo per rimettere in piedi la funzione demiurgica dell’artista che si sporca le mani con il proprio lavoro e che inscenando e illustrando i misteri della passione di cristo, diventa una inconsueta figura capace di mischiare e trattare questioni come naturale e soprannaturale, fondamentalismo e sovversione, in un modo nuovo e senza l'abuso di mezzi retorici troppo facili e scontati, elaborando una performance lucidamente folle di grande impatto emotivo e visivo.

Claudio Capanni
(claudiocapanni@aol.com)

CIBO, SESSO E PENETRAZIONI: TUTTO IL GROTTESCO DI MCCARTHY

2011-01-03T10:52:00.000-08:00

Paul McCarthy nasce a Salt Lake City in Utah 65 anni fa ed è un artista cult della scena californiana, sconosciuto a molti in Italia. Nel suo caso potremmo dire, rendendolo orgoglioso, 65 anni buttati nel cesso. Il cesso per McCarthy è quello che per Michelangelo era la Cappella Sistina. Ci scusiamo per il linguaggio ma tenerlo sotto controllo parlando di un artista come questo sarebbe politicamente scorretto. Capirete perchè.

In confronto a questo gigantesco profeta della scatologia uterana la scatoletta di merda d'artista di Piero Manzoni è come uno starnuto rispetto ad un terremoto. La Cappella Sistina di McCarthy si chiama Pig Island. 100 metri quadrati che rappresentano un'apocalisse politica, nazional popolare, disneyana e hollywoodiana senza precedenti.

Un'antologia surreale dei temi che hanno animato tutta la carriera dell'artista. L'installazione è un luna park carnevalesco in cui gli uomini si comportano come maiali: un'isola del tesoro alla rovescia, dove pirati dei Caraibi ed eroine sono coinvolti in una grande orgia, un nuovo
naufragio della speranza, una Zattera della Medusa in cui i protagonisti possono finalmente liberarsi delle loro inibizioni e manifestare la loro natura troppo umana.

Umiliare le icone popolari, sfigurarle con l'obiettivo di mettere in imbarazzo i genitori davanti ai propri figli mentre osservano insieme i suoi babbo natale serial killer e Mickey Mouse vestito di latex in versione sadomaso.

Se non avevesse trovato la sua strada nell'arte McCarthy si sarebbe iscritto alla setta di Charles Manson, compiendo con lui il massacro di Helter Skelter alla fine degli anni 60. Per nostra fortuna la sua violenza si consuma solo su poveri manichini a volte con la faccia di George Bush, altre con quelle di Angelina Jolie, persino il caro Pinocchio non viene risparmiato. Il sesso è una tematica centralissima in questo scultore a stelle e strisce.

In "Cultural Gothic" è rappresentato un quadretto familiare composto da padre, figlio ed una capra. L'insieme a grandezza naturale si muove e svela dopo un primo sguardo rassicurante, l'incaprettata del bimbo nei confronti dell'animale. Il tutto con il beneplacito dell'autorità paterna.

In "The Garden" l'artista ha realizzato un angolo di verde, solo rumore di foglie mosse. Basta guardare meglio tra le fronde per scoprire la statua di un uomo adulto che penetra un albero, poco distante c'è il figlio dell'uomo che tenta di penetrare la terra. Un inusuale rito di passaggio di virilità.

Semplice divertissment? Proprio no. L'artista americano, da anni residente a Los Angeles, porta avanti una feroce critica del sistema di valori made in USA fatto di sogni trasformati in bisogni tutti acquistabili, senza alcuna eccezione. Non a caso sesso e cibo sono le tematiche prevalenti in infinite variabili più o meno disturbanti. Pare che McCarthy concordi in pieno con Freud: è nell'antro buio dell'inconscio che bisogna scavare.

Dal dentro al fuori il passo è breve e scaturisce attraverso la fisicità: il corpo fatto letteralmente a pezzi in molti lavori, nei quali mai manca un coté grottesco, quasi da gran guignol, con liquidi e fluidi a profusione da cui sgorgano maionese e salsa di pomodoro.

L'ossessione feticistica per i tabù di McCarthy non è altro che la lente di ingrandimento della psiche di ogni essere umano, pervasa da sesso, fantasie inenarrabili, ossessioni deviate. Una giustificazione per la bassezza umana? No. Un semplice gradino da superare per essere meno simili agli animali che i manichini di McCarthy penetrano meccanicamente. Preparatevi, anche perchè a breve, nel 2011, secondo indiscrezioni, il nostro giungerà con i suoi lavori a Firenze.

Claudio Capanni
(claudiocapanni@aol.com)

PINAR YOLACAN: ABITI DI CARNE, MUSCOLI E BUDELLA

2010-12-29T07:32:00.000-08:00

Viscere, placenta, budella, intestini di animali. L'aritsta turca Pinar Yolacan li ha aperti, tagliati, puliti e cuciti con velluti e sete cangianti trasformandoli in abiti sontuosi e barocchi, ispirati allo stile coloniale portoghese. Poi li ha fatti indossare alle donne dell'isola di Itaparica in Brasile e le ha messe davanti all'obiettivo.

Modelle statuarie e bellissime, dolorose rappresentazioni viventi della nuda vita dei migranti, della nuova schiavitù, carne da macello dispersa nei mari di mezzo mondo. Perchè? Semplicemente per parlare di uno dei più grossi tabù del XXI secolo: la vecchiaia. Stiamo parlando di "Maria", l'ultima opera realizzata da questa mente anatolica, vedere per credere.

Pinar Yolacan è un' artista turca di nemmeno 30 anni della
Arms Gallery di New York. Cammina sulla fragile linea del reale come solo saprebbe fare un'agile equilibrista. Con la sua arte, con le sue opere, scava in una direzione precisa: si sporca le mani nella critica sociale, indaga la femminilità ponendo l'accento sul lato più materico e vivo della stessa.

Quest'artista ci parla di vecchiaia, raccontandocene l'estetica, senza però perdere di vista il nucleo sociologico e culturale della stessa. Pinar Yolacan supera le banali considerazioni sull'anzianità come semplice deperimento fisico, come imbruttimento di un corpo, ne studia il lato culturale, racconta come questa venga percepita differentemente a seconda della storia, della tradizione e della cultura di un paese.

Con una compostezza statuaria ed una straordinaria disinvoltura le modelle di Pinar indossano i loro abiti di carne, muscoli e budella. L'artista turca non è nuova a queste provocazioni, in un precedente lavoro "Perishable" aveva già utilizzato teste di gallina, fusi di pollo e trippe per vestire eteree signore inglesi.

Una forza espressiva rabbiosa, dove la quiete e la normalità della prima impressione vengono sostituite dal lato più vero e reale delle sue donne. Gli abiti deperiscono, come chi li sta indossando, e vi è una certa bellezza in questa esistenza così fugace, veloce, passeggera. La forza di quest'artista è che nelle sue opere si è in grado d'intravedere la violenza della verità, ma soprattutto, è nello sguardo dei suoi soggetti che si compie il grande gesto artistico: avere il coraggio di accettarsi ed accettare il fatto che vivendo, iniziamo anche a morire.

QUANDO L'ARTE DIVENTA CRIMINALE: INTERVISTA A CREW FUZZ

2010-12-23T09:42:00.000-08:00

Quella dei writers metropolitani è una lotta contro il bianco che abbaglia. Strati di vernice spray si posano silenziosi e notturni, sopra al manto cementizio degli involucri metropolitani, sparati contro i ruvidi e freddi mattoni di un muro di periferia. Il mattino seguente quel muro non sarà più lo stesso. Una forma d'arte che non viene fatta su commissione, che non accetta compromessi, parassitaria, che nasce, vive e si nutre di quel panorama artificiale che l'uomo ha costruito, parlandogli con un linguaggio a noi sconosciuto.

Un gesto che proprio dal suo compiersi trae parte del suo significato, un gesto che deve essere al di fuori della legge, dipingere con volto nuovo la proprietà privata, quella pubblica, non importa, basta che si tratti di una tela di mattoni o calcestruzzo su cui
far esplodere la propria arte. L'illegalità è colonna portante di questa forma d'espressione artistica. Qui nasce una delle domande che i neofiti, gli appassionati e chiunque si trovi davanti agli occhi un graffito, si pone: arte o vandalismo?

La domanda per quanto retorica non è scontata o banale, ma è semplicemente una goccia nell'oceano dell'eterna discussione sul bello artistico, sull'estetica e le sue forme. NEXT ha tentato di rispondere al quesito, un compito non facile, ma svolto in maniera originale. Abbiamo chiesto a chi su questa forma espressiva ci ha costruito la propria vita. Il suo tag nell'ambiente fiorentino della prima metà degli anni '90 era Crew Fuzz. Oggi ha smesso. E ci spiega il perchè.

Mercoledì 22 Dicembre 2010. Siamo entrambi seduti in un noto caffè del centro nei pressi di Piazza della Repubblica a Firenze. Non uno di quei posti in cui ti immagini che un giorno ti saresti seduto con un writer di quelli veri. È stato difficile ottenere questo incontro, ma adesso ci siamo, tavolo esterno, sigaretta accesa in attesa del cameriere, iniziamo a parlare.

Allora tu eri un writer, perchè hai smesso?

Bè nel 1990 avevo 20 anni, adesso me ne ritrovo addosso quasi 40. Ho dovuto lavorare, mi sono innamorato, oggi ho un figlio, non sono una rockstar, la mia vecchia realtà di writer era proprio come quella di tutti i giovani come te. Ho smesso a 24 anni quando il fenomeno graffiti stava maturando, quando Bansky non era un'icona e ancora i writer in Italia utilizzavano unicamente la tecnica del bombing.

Cioè?

Quelle scritte tondeggianti che vedi un pò ovunque adesso. Non qui in pieno centro chiaramente, ma in periferia, sui treni. La maggior parte sono residui della mia epoca, molte sono nuove ed a mio parere orribili.

Ti piaceva essere un writer?

Eravamo un tribù compatta, eravamo originali e la notte eravamo estremamente soli. Era bello, provavi un brivido unico. Ora non avrebbe molto senso.

Cosa pensi dei tuoi ex coetanei al giorno d'oggi, visti dal di fuori, sono artisti o vandali?

Sono 15 anni e forse più che si parla di graffiti in Italia, e continuo a leggere ancora oggi tanta confusione. Assisto a generalizzazioni sommarie su questo fenomeno. Si indica come graffito qualsiasi cosa venga disegnata o scritta sui muri della città, senza distinzione, dall’arte urbana al semplice vandalismo. Ci sono persone che fanno i graffiti con lo scopo di fare cose belle e altre che li usano come accadeva a New York trent’anni fa, quando si scriveva il proprio nome con l’idea di riappropriarsi così della città.

Ci vorrebbero delle punizioni o cosa?

La risposta è complicata. D'istinto verrebbe da dire che ci vorrebbero ma dovresti metterti a discriminare e a giudicare ogni graffito con il metro del bello artistico e chi è un assessore comunale che possa utilizzare tale metro? Anche se ci fossero persone dotate di strumenti critici adeguati la discussione ricomincerebbe per il semplice fatto che non tutti la pensiamo alla stessa maniera.

Ritorno al punto di prima: i writer li consideri artisti?

Nel 99% dei casi non lo sono. Si nascondono dietro a questo, ma in realtà parlano solo per sé e per la loro tribù, non gli importa del messaggio che portano. Le scritte sono segnalatori sociali. Il centro della città è pulito perché lì c’è attenzione da parte della comunità e delle istituzioni. D’altra parte, ci deturpano continuamente il panorama con orrendi cartelloni pubblicitari, e allora i ragazzi pensano: perché dunque non farmi la mia scritta? Insomma, la situazione non è chiara e la stanno continuando a ingarbugliare. Ma stiamo attenti: un italiano su due ha il problema di confrontarsi con una scritta, che sia d’amore, di calcio o altro. E la metà dei politici che ho conosciuto aveva un figlio che faceva graffiti.

Quando è nata la tua passione?

Ho sempre disegnato ed avevo molti amici che lo facevano. Non c'era un bel clima all'inizio degli anni '90, la città in molte sue zone era degradata, dilagava l'eroina, alcuni amici sono morti. I muri erano quasi tutti liberi e in America già da dieci anni i writer si erano affermati. Siamo stati un ponte di collegamento fra l'America e Firenze, cercando di trarne il meglio, non c'erano come oggi riviste specializzate o siti appositi. Era tutta immaginazione e sopratutto una grossa mano dava la televisione con i telefilm d'importazione.

C'è ancora da qualche parte uno dei tuoi lavori?

Forse. Il writing è momentaneo ed effimero. È esposto alle ingiurie del tempo ed a quelle dell'uomo. Sotto il ponte di Varlungo vecchi amici mi hanno detto che si è conservato un mio graffito quasi preistorico. Ma non ci sono più tornato. E non ti dirò cos'era se è questo che stai per chiedermi.

Fin dove ti sei spinto a disegnare?

L'Olanda. Amsterdam è stato il traguardo più lontano, eravamo in 8 e facemmo un murales all'interno di un piccolo scalo abbandonato della stazione di Amsterdam. Fu una serata magica e il risultato era notevole ma ti ripeto al di là del momento aggregativo e dell'avventura vissuta non credo di poterla chiamare arte.

Ci vuoi dire il tuo vero nome?

No, per oggi dopo tanto tempo sarò ancora una volta Crew Fuzz. Chi mi conosce quando leggerà, capirà.

Claudio Capanni
(claudiocapanni@aol.com)

BORN TO BE NEXT

2010-12-21T07:55:00.000-08:00

Nasciamo sul finire di questo decennio, un decennio che il Time ha definito The decade from Hell. Gli anni 00, scivolosi e rotondi come la mezzanotte, sono finiti.

Nasciamo e proviamo ad aprire a modo nostro la decade a venire, ben consapevoli che queste divisioni numeriche abbiano poco a che fare con l'idea stessa di tempo e di prospettiva che la gente oggi percepisce. Il nostro sentire come il nostro toccare la superficie delle cose è ben diversa da quella che generazioni precedenti possedevano.

L'oggi è il regno della fusione, delle sensazioni ibride. Sensazioni che si accendono al volo se ci si mette a percorrere a piedi la High Line, a New York, da quando è stata riaperta due anni fa, in fondo al Meatpacking di Manhattan. Una promenade verde, dove è possibile prendere il sole, osservare, respirare e passeggiare su una vecchia linea sopraelevata del metrò che Diller Scofidio + Renfro hanno trasformato in una sorta di ponte tra il vecchio e il nuovo mondo.

I binari sono stati lasciati così com'erano, arruginiti. Le erbacce che erano cresciute nei 20 anni di abbandono sono state lasciate libere di espandersi e di fiorire, diventando un giardino spontaneo che copre la ruggine con colori delicati e meravigliosamente naturali. Una sopraelevata ferroviaria, emblema dinamico di marcia insostante è oggi trasformata in uno slow movement capace di rapire e paralizzare con un manto di ruggine ed erbacce in fiore.

NEXT e la nostra generazione nascono dall'incontro di quella ruggine e di quelle erbacce, noi siamo quella vecchia sopraelevata ed il nuovo che vi passeggia. Siamo sospesi fra una massa di vita e luci, una città che sfreccia al di sotto delle antiche arcate industriali che ci sorreggono, e il cielo, le idee, lo skyline newyorkese.

Questo spazio nasce con l'intenzione di farvi sporgere dal nostro parapetto per guardare giù. Per sentire e vedere al di sotto di noi il formicaio della vita con le sue sfaccettature, le sue ombre, il suo underground, la sua arte e le sue forme di espressione. Cercheremo di farvi sollevare lo sguardo saldamente posati su di un ibrido manto d'erba e ruggine per creare, riflettere, per inalare ossigeno respirando parole.

Ma sopratutto percorreremo con voi quei verdi binari panoramici che serpeggiano verso l'orizzonte di Manhattan con lo scopo di spiegare perchè oggi la High Line non è nè un parco, nè una sopraelevata, ma siamo noi, la nostra generazione, qualcosa di nuovo ed ibrido, ancora senza un nome ma non per questo non degno di essere raccontato.

Claudio Capanni
(claudiocapanni@aol.com)