· NO LO VAS A LEER ·

Entrevista a Fernando Sánchez Sorondo: enseñar por placer y vocación, escribir con el arte de la pasión

2013-05-23T16:27:00.000-03:00

Por Déborah López de Gomara

Es uno de los escritores argentinos más destacados de los últimos años. Sus obras fueron traducidas al portugués, inglés y francés, mientras que algunas también fueron adaptadas al teatro. A los 20 años, Sánchez Sorondo, ganó el Premio Nacional de Literatura con el libro de cuentos Por orden del azar, que lo posicionó como el autor argentino más joven en obtener ese premio. Publicó más de veinte obras de poemas, siendo la última Poemas en blanco. Fue publicista y editor, aunque desde hace un par de años se dedica a hacer lo que más le apasiona: escribir poemas y dictar talleres literarios.

- Escribiste poemas, novelas y cuentos, pero ¿Cuál es tu género predilecto?

- La poesía. Escribía un poco de todo, pero me di cuenta de que tenía que elegir porque no me estaba dedicando por completo a una sola cosa. En cierto punto es una desgracia porque no se vende, no sólo la mía, sino la de ningún escritor. Pero estoy contento igual porque por suerte no tengo que vivir de eso así que puedo disfrutar de lo que hago completamente.

- ¿Qué es lo que te atrae más de la poesía?

- La literatura gira alrededor de la metáfora. Enriquece el mundo y a la realidad. Es como cuando se habla de lo “kafkeano”, de fenómenos inexplicables que Franz Kafka desarrolla en sus obras como si fueran cotidianos, o de lo “borgeano”: los espejos, los laberintos y el infinito que planteó Jorge Luis Borges. Todas esas son comparaciones porque aluden a cosas misteriosas, raras, como los sueños, pero que forman parte de la vida cotidiana, y que al fin y al cabo componen la poesía. Eso es lo que me interesa porque sentí que era el corazón del lenguaje poético.

- ¿Tiene algo que ver con tu pasado como publicista que la mayoría tengan versos cortos?

- Antes no eran tan cortos. Es síntesis, y estoy buscando eso cada vez más. En publicidad tenía que ser muy breve y con el tiempo me empezó a gustar poder decir en menos palabras más cosas. Me parece interesante la economía de palabras en un sentido estético. Tampoco uso la puntuación porque la tiene que dar el poema mismo, tiene que generar por sí mismo las entonaciones y el ritmo.

- ¿Cuál es la etapa del proceso literario que disfrutas más habiendo pasado por todas?

- Escribir me gusta más que nada, pero enseñar tiene un aspecto que también tiene que ver con eso. Corrigiendo me voy metiendo en la obra de otro como si fuera mía. Como editor hubo una experiencia pero muy breve porque no teníamos plata y no duramos mucho porque necesitábamos un capital que no teníamos. Además yo empecé a sentir mucha responsabilidad para con los autores y por cuestiones que no tenían nada que ver conmigo me amargaba. De la publicidad también aprendí mucho de la interacción, del feedback entre lo que quiere uno y otro.

- ¿Cómo surgió la idea de los talleres literarios?

- Siempre me gustó escribir y en algún punto la creatividad publicitaria es como una máquina de picar carne, te pagan bien pero te exprimen muchísimo. Un día fui a un taller de una amiga escritora e ideamos unas clases que no duraron mucho porque tuve que volver al trabajo y después me casé y necesitaba plata. A partir de ahí tuve muchas idas y vueltas, así como diferentes trabajos, entre ellos escribí discursos para los ex presidentes Carlos Menem y Fernando De la Rúa, que alternaba con la publicidad, pero nunca abandonando las clases, hasta que en un momento dije basta y empecé a dedicarme por completo a los talleres que con el tiempo se fueron depurando hasta convertirse en lo que son hoy.

Pollo con ciruelas, de Marjane Satrapi

2013-05-23T16:01:00.000-03:00

Por Matías Spector

Un violinista famoso decide morir cuando su violín se hace pedazos. Este argumento en apariencia absurdo será detonante de otro montón de argumentos de ninguna manera absurdos: la búsqueda imposible de un violín nuevo que esté a la altura sentimental del viejo; las relaciones familiares de un padre depresivo; la fuerza condicionante de la música en la vida de los hombres; la lenta y apremiante ejecución del suicidio; y la lista sigue. Pollo con ciruelas (en su original, Poulet aux prunes), de 2011, es una película pulpo cuyos tentáculos se aferran a variadas historias y cuya maestría reside en la armonía en que cada una de estas tramas se enredan y desenredan.

Esta clase de películas que, en definitiva, retratan la vida de una persona con pinceles de todos los tamaños y de todos los colores, ya son toda una tradición en el floreado cine francés. La iraní Marjane Satrapi y el francés Vincent Paronnaud son los guionistas y los directores del film basado en un cómic en blanco y negro de la misma Satrapi. En Pollo con ciruelas la sensibilidad de cada personaje será caricaturizada mediante una buena producción animada. La escenografía, la fotografía y la dirección de arte cuidarán siempre de una ambientación realista, pero dando tanta atención a los detalles que la fantasía desbordará del marco de una ventana o del pétalo de una rosa. El drama y la comedia sabrán darse las manos, demostrando por infinita vez que el género es más una cuestión de intensidades más que de clasificaciones. Y así, al estereotipo del lento y profundo cine francés le responde una rimbombante y novedosa tradición (entre cuyas maravillosas filas se encuentra Jean-Pierre Jeunet, reconocido por Amélie y por Delicatessen) que puede hacer a cualquier persona de la talla de un cuento de hadas.

Y sin embargo, así como todo pulpo tiene cabeza, y así como todo cuento de hadas se encuentra especialmente tentado a hablar de amor, Pollo con ciruelas hallará, debajo de sus ropajes de historias, un carozo latiendo. Hacia el final, siempre hay una historia de amor. El enamorado es el violinista; la enamorada, una mujer llamada Irán. Las posibilidades interpretativas quedan abiertas; en todo caso, un país también puede romperte el corazón. El violinista e Irán soñaron con amarse para toda la vida. Pero la vida, por más adornos que vista, nunca es un cuento de hadas. Y la muerte es una infinita huida.

De La Gran Piñata: las pasiones que dan escalofríos se adueñaron del Roxy

2013-05-22T15:37:00.000-03:00

Por Stefania Giannattasio

Después del emocionante show del miércoles, De la Gran Piñata volvió al escenario de The Roxy el pasado domingo, para brindarle al público una presentación impecable y llena de sorpresas. Este era el turno de la banda que le brindó al público, a mi parecer, uno de los mejores encuentros musicales.

Todos los sábados terminan en domingo. Y esta no iba a ser la excepción. Al finalizar la banda invitada Vuelta en Falso, a las 21 horas puntuales, viviendo en un cuento y sin las hadas, la lista empezó con Malas noticias. Alejandro Zenobi en la batería, Nicolás Persig en el bajo, Lucas Martínez en la guitarra y Darío “Pantera” Giuliano, encargado de la voz y guitarra, continuaron con Escalofríos, con un gran solo de viola del frontman. “Buenas noches. Bienvenidos a nuestra segunda noche de Roxy, gracias por estar acá”, saludó Martínez, emocionado y sonriente.

“Que disfruten loco, buenas noches. Muchas gracias, volvimos, no pasó tanto pero volvimos”, agregó Pantera y continuaron con Introspectivo, con palabras que van e historias de ayer.

Un párrafo aparte merecen las visuales que se proyectaron durante todo este segundo show a cargo de Ariel Silvestre de Proyecto Ñandú, que tuvo como propuesta, al igual que tienen en cada show, dejar todo y sobre todo, transmitir un mensaje al público. Transmitir emociones. Cada una de los videos tenía relación con el tema en cuestión.

Para Clonazepam, las imágenes eran de película, como si se proyectara un film integrado al escenario, generando la sensación de límites difusos. Continuaron con Crudo, mientras en la pantalla se veían ilustraciones de la ciudad, y tal como dicen, “Buenos Aires no es querido si se vive en su ombligo, Buenos Aires no es querido, es milagroso residuo”.

Llegó el momento de (Sonrisa). “Y salimos a quemar las veredas, a enroscarnos en seda, biblia y calefón. A salvar al país, ¡No!, qué digo al país, si salvamos al mundo esa noche”, cantaban sus seguidores, con ojos cerrados, con lágrimas en los ojos, mientras otros se fundían en un abrazo, transmitiendo esa firme convicción de estar salvando al mundo

“No saben lo que se ve desde acá”, dijo Lucho, que por momentos parecía no poder creer lo que se estaba viviendo. “Vamos a invitar a un gran amigo, el Pollo en timbales de La Granja de la Gran Culona”, expresó Pantera para dar pie al primer invitado de la noche en La puerta detrás del ropero.

“Estamos muy agradecidos con lo que nos dan, no podemos creer que esto esté lleno. El Roxy está agotado y es gracias a ustedes. Son ustedes la Piñata”, se escuchó desde el escenario, en un mensaje fusionado con la emoción, la alegría y la satisfacción.

Después de anunciar la próxima fecha programada para el 15 de junio en la ciudad de Rosario en El Café de la Flor, se apagaron las luces del local de Palermo. “Es que sin luz se puede ver. La oscuridad del Under ilumina a lo que no cabe en otro lugar”, se leyó en la pantalla antes de Under que se llevó un gran solo de Zenobi en la batería.

“Vamos a invitar al Negro José de Brancaleone”, dijo Pantera, mientras Norte se iba acercando y en el escenario quedaban sólo ellos dos. Se abrazaron y la complicidad fue seguida por un sonido a viento en el Roxy. Con las voces y las guitarras a tiempo, la voz de DLGP pidió un fuerte aplauso para el Negro José. “A los que no tuvieron la suerte de haber visto esta banda hace años, desde abajo se escuchaban los gritos de tipos raros como yo. Hoy tres de ellos tocan con la Piñata, ojalá que esto siga creciendo como lo está haciendo. Un aplauso grande para ellos”, se despidió el invitado.

Para Anguilita el Roxy se inundó de emoción. “Les queremos contar otra noticia que nos tiene muy contentos. El 21 de junio vamos a estar en Ramos Mejía, en Santana Bar”, avisaron al público.

Con el video clip oficial del corte de difusión del último disco, Viaje al centro de uno mismo, se escuchó Montaña Rusa. “Qué grandes, gracias de todo corazón”, dijo Zenobi desde la batería que acompañó el ritmo del clásico canto “Soy Piñatero, es un sentimiento no puedo parar”.

“Los queremos mucho. Vienen un par de temas de pogo, cuidense, ya saben: vinimos todos, volvemos todos”, dijo Pantera y con toda la potencia de varios corazones y un solo camino, empezó Residuos.

Luego siguieron con un material nuevo. “La soledad me hizo un blanco fácil”, dicen. “Es un nuevo integrante de la familia que como todos los temas nuevos no tiene nombre”, manifestó Pantera. “Queríamos esperar esta fecha en la que nosotros les dábamos a ustedes la sorpresa”, agregó Martínez.

“No me pone contento la muerte de nadie. Pero se murió Videla y acá estamos cantando y aplaudiendo”, advirtió Pantera antes de 30.000 luces. “Para que lo escuches, hijo de puta”, gritó Zenobi. Al finalizar el tema se escuchó un fragmento del audio del Juicio a las Juntas por parte de Julio César Strassera: “Quiero utilizar una frase que no me pertenece, porque pertenece ya a todo el pueblo argentino. Señores jueces: Nunca más".

Entre aplausos, escalofríos y un Roxy cantando “el que no salta es militar”, Lucho expresó: “Estoy orgulloso de ustedes. ¿Cómo vuelvo de esto?”. Pantera quedó sólo en el escenario y sonó La petisa inflamable, cuyo final fue con toda la banda. Con sonido de bar de fondo, llegó Borracho, Josefina y Veredas.

“Se está formando esta cosa hermosa de las caras nuevas que son recontra bienvenidas y ver a otras que hace rato no lo hacíamos. Es un placer enorme, vamos a vernos más seguido”, dijo Pantera. Polvo y arañazos antecedió a un Roxy completamente a oscuras en Melodías para ver fantasmas.

El final estaba cada vez más cerca. Puta, y luego Ella es con Migue Soifer, baterista de El Bordo y con Zenobi a cargo de la voz. “Nos estamos yendo. Gracias de verdad. Nos vamos a ir todo trapo”, avisaron desde arriba del escenario al que acudieron todos los invitados de la fecha para Despertador con el audio del gran escritor Julio Cortázar: “Preámbulo a las instrucciones para dar cuerda al reloj”. No podía faltar el bis de La historia de la mosca y la araña, a pedido del público.

Rumbo norte en una montaña rusa atravesando la puerta detrás del ropero creyendo la historia de la mosca y la araña. En veredas se encuentran cada vez más sonrisas si nos ponemos introspectivos. Los miércoles, o simplemente todos los días en forma de una canción de cuna, la piñata se infla cada día más. No hay despertador que los pueda bajar.

De La Gran Piñata: digno festejo de un Miércoles Piñatero

2013-05-22T15:32:00.000-03:00

Por Inés de Sautu

Los miércoles para De la Gran Piñata tienen una mística especial. Y por eso, una de sus fechas en The Roxy se festejó ese día. La consigna de los dos recitales propuestos por la banda fue la siguiente: el miércoles lo hacía la gente y el domingo ellos. Muy puntuales, y luego de proyectar en la pantalla ubicada en el fondo del escenario un video que recopilaba los diversos gestos de aguante por parte de su gente, y tras explicar en qué consistía la fecha de ese día, Darío "Pantera" Giuliano (voz), Lucas Martínez (guitarra), Nicolás Persig (bajo) y Alejandro Zenobi (batería) salieron a la cancha.

La noche comenzó con Clonazepam con un sonido excelente y el rock aplanador que caracteriza a De la Gran Piñata cuando tienen ganas de ponerse más heavys. “Bienvenidos a su miércoles”, dijo el violero. “Vos golpeaste su puerta y él te impuso sus normas, bendita sea la forma en que te hacés valer”, sonó Canción de cuna como segundo tema de una lista armada íntegramente por el público. Fe de ratas llegó a continuación.

“Ustedes son tan importantes para nosotros. Si no estuvieran acá, nosotros tampoco. Muchísimas gracias por dejarnos estar acá y por integrar la banda a la que queremos todos”, dijo el cantante emocionado y agradecido.

Escalofríos precedió a Puta, en el cual la gente revoleó y agitó a más no poder. Quizás así y La puerta detrás del ropero instauraron la fiesta en el público. Las 30.000 luces destellaron en el Roxy en este tema que conmemora a los desaparecidos: “Me perdí entre la noche y el día, entre tormenta y terror. Noches duras, tardes frías, mañanas de dolor, de despertar y que no estés ahí”, entonó la desgarradora voz de Pantera que sumada a la solidez de la batería que caracteriza este tema, lograron ponerle la piel de gallina a todos los que estábamos vi(vi)endo el show. Después llegaron las Malas noticias, para augurar que “nadie nos va a salvar de Dios”.

Un paréntesis importante: la banda dejó listas para que tengan y guarden los asistentes a este show tan esperado. Un gran detalle. Y en ese momento, casi de casualidad, miré la lista y entendí lo que estaba por venir. Una seguidilla de temas que logran conmover a todos. Montaña rusa y Anguilita fueron los que comenzaron con ese bloque. Y quiero hacer un punto aparte.

En lo personal, Norte es una canción que me conmueve el alma. Es simple, no es rebuscada pero es directa. Y expresa un millón de sensaciones. Pantera se quedó sólo en el escenario y la gente se sentó, como ya es costumbre. “Sesenta segundos, sesenta veces, contaba y faltaba siete veces más. Cerraba los ojos, soñaba irse lejos pero despertaba en el mismo lugar”, entonó la particular e inconfundible su voz. Miré a mi alrededor. Sentí que todos los que estaban ahí, tenían la fuerte convicción de que esa noche estaban salvando al mundo. Una unión y conexión inexplicable, pero real y sincera entre la banda y el público. Eso se sentía en el Roxy.

Y la ecuación de la Piñata funciona. Después de emocionarte y conmoverte, te patean el pecho con un rock potente. Llegó el cover sorpresa y no fue uno, sino que fueron dos: una versión muy bien interpretada de Yo caníbal, de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota; y El rito de los corazones sangrando, de La Renga. Para ambos temas subió la primera y única invitada de la noche, que lució toda su perfomance musical: Mariana Aimaretti, de Oridios, en el saxo.

“Somos la banda más feliz del mundo”, dijo el frontman, hablando por toda la banda que no se dejaba de sorprender constantemente por la respuesta de su público. A pesar de que esa emoción y agite está siempre. Y llegó el momento de salvar al mundo nomás, con Veredas. Sonrisa continuó con el show y en El postrecito hubo una invasión de globos en el Roxy. “Será que nunca estuviste sana, será que nunca vas a estar del todo mal”, gritó la gente al unísono.

“Gracias loco”, expresaron todos los integrantes a lo largo del recital. “Sonríe por vos, sonríe por mí, sonríe por todas las cosas que te hacen feliz”, dijo DLGP en Introspectivo y parecía hecha para el momento. Llegó el final con la explosión total de la gente cantando

“Qué lindas luces, qué hermoso brillan, qué bien te sale el apagón” en La historia de la mosca y la araña.

“¿Les gustó el recital? Esto está todo hecho a pulmón. Quiero que vean que la Piñata somos todos”, enunció Pantera y pasó luego a agradecer a todo el resto de la banda que no está arriba del escenario. Despertador y Residuos fueron los que cerraron una noche en donde De La Gran Piñata brilló como nunca. Porque cuando los sueños son de ese calibre, no hay despertador que los pueda bajar.

“Cuando el fuego crezca, quiero estar allí”. Vaya si lo estuvimos. Y eso que todavía faltaba el domingo...

Tres años sin Gustavo Cerati

2013-05-17T20:49:00.004-03:00

Por Inés de Sautu

A algunos podrá gustarles lo que hacía, a otros no. Pero es innegable el hecho de que Gustavo Cerati generó un cambio en la escena musical del rock nacional, fue uno de los pilares (ya sea con Soda Stéreo o en su -para mí, brillante- versión solista) y dejó un enorme vacío tras sufrir un Accidente Cerebro Vascular (ACV) hace tres años.

“El Sr. Gustavo Cerati permanece internado en Clínica Alcla, desde el 24 de octubre del 2010, como consecuencia de haber padecido un ACV en mayo del mismo año” tras un show en Venezuela, recuerda el texto difundido por la familia del cantante. El músico “continúa en ARM (Asistencia Respiratoria Mecánica), sin cambios neurológicos, clínicamente estable, sin intercurrencias agudas, y sin lesiones agregadas”, resume el último parte médico brindado por Gustavo Barbalace, director de la clínica .

"Cruza el amor, yo cruzaré los dedos", dice el músico en Puente. Y estamos todos haciendo eso hace tres años, Gustavo.

Murió el dictador Jorge Rafael Videla

2013-05-17T12:04:00.000-03:00

Por Daniela Rinaldi

Desde chiquita me enseñaron que las muertes no se festejan, ni siquiera las de los represores, porque yo no soy como ellos. Jorge Rafael Videla murió tras las rejas y condenado. Los sentimientos encontrados afloran. Por un lado, nos queda el alivio de saber que hoy existe un dictador menos en el mundo. Por el otro, el desconsuelo de pensar que se fue sin decirnos donde están nuestros nietos, nuestros hijos, nuestros desaparecidos, nuestros treinta mil pibes que su asqueroso gobierno de facto intentó callar.

"La historia seguramente considerará el genocidio que hemos sufrido los argentinos, el oprobio de una dictadura cívico-militar como la que él encabezó, de la que no se arrepintió y de la que, incluso, hizo declaraciones tardías para reivindicar todos sus delitos", recalcó Estela de Carlotto, presidenta de la Asociación Madres de Plaza de Mayo, hace algunas horas en diálogo con Víctor Hugo Morales. La cofundadora de la organización, Nora Cortiñas, también habló al respecto: “Se van muriendo los genocidas pero siguen sin decir dónde están los archivos. Para nosotros no es un festejo”.

Videla falleció esta mañana en el penal de Marcos Paz donde se encontraba cumpliendo sus condenas, todas vinculadas a los delitos de lesa humanidad cometidos bajo el genocidio de estado. “Todas las parturientas, a quienes respeto como madres, eran militantes activas de las maquinarias del terrorismo y muchas de ellas usaron a sus hijos embrionarios como escudos humanos al momento de ser combatientes”, argumentó el 26 de junio de 2012 en su último alegato del juicio que, finalmente, lo envío a prisión por considerarlo organizador y responsable del robo sistemático de bebes durante los terribles años del horror en nuestro país.

Para quienes no lo sepan, no lo recuerden o no lo quieran admitir, Videla lideró el autodenominado Proceso de Reorganización Nacional que comenzó en 1976 y que se encargó de perseguir, masacrar y desaparecer a treinta mil personas, militantes, no militantes, mujeres, hombres, grandes, chicos, ateos, cristianos, judíos, entre otros. Además, como si con la tortura y los centros clandestinos no bastaran, se adueñó de los hijos de las mujeres que parieron en cautiverio, los regaló, como si de paquetes se tratara, les quitó su identidad y los condenó así al desapego de sus familiares y amigos que, en muchos casos, hoy los siguen buscando. En materia económica, Argentina también la pagó caro. La inflación registró precios exorbitantes, los productos nacionales fueron condenados al exilio y la industria cayó desmesuradamente. La cultura, la educación. Todas las ramas del arte fueron censuradas.

Perseguidor de quienes pensaban distinto, defensor de las clases oligarcas y amigo de la iglesia católica apostólica romana, así partió Videla. Si realmente el Dios en el que siempre se escudó existe, seguro lo estará enviando al infierno. Aquí ya fue sentenciado, abajo lo juzgará su justicia divina. Lo cierto es que mientras él y sus cómplices mueren, las voces que pretendieron apagar resuenan más fuerte que nunca.

Bellagamba, un lugar donde la historia se respira

2013-05-17T12:02:00.000-03:00

Por Inés de Sautu

Este hermoso sitio, bodegón con un estilo muy porteño, pasó a ser como un clásico de Buenos Aires. Mantiene el murmullo de la gente charlando y se constituye como un sitio casi secreto, recóndito, que se popularizó por la recomendación del boca en boca, desde hace ya muchísimos años.

Antiquísimo, exhibe en sus paredes los años dorados de Buenos Aires. Por sus puertas pasaron grandes personalidades como Tita Merello, Alicia Moreau de Justo, Lisandro de la Torre y Alfredo Palacios. Y, casi mágicamente, es como si el lugar hablara y narrara sus historias, como si aquellas conversaciones pudieran escucharse aún hoy.

Nostálgico pero moderno, lleno de jóvenes pero también de muchos que salen de la oficina a tomar un café, es un retazo de pasado en plena actualidad. Bellagamba nació en 1900, en manos de un inmigrante que llegó a la Argentina buscando sobrevivir y encontrar en el nuevo continente un lugar para habitar. Formó parte de aquellos que con sus esperanzas y esfuerzo construyeron el país en el que vivimos hoy.

La ambientación es hermosa: hay una rocola en la cual uno puede elegir la musicalización del lugar, afiches en las paredes, fotos de tiempos pasados de Buenos Aires, antigüedades con mucho estilo, iluminación cálida, máquinas de coser, sillas antiguas de metal negras, banquitos, sillones. Así, cada uno de los locales se convierte en un rincón para vivir la historia de Buenos Aires dentro de un ámbito muy especial.

Hay cuatro locales ubicados en la Capital Federal. Las direcciones: Avenida Rivadavia 2138 (el más clásico), Avenida Gaona 1327, Francisco Acuña de Figueroa 1291 y Armenia 1242. Abierto por el mediodía, de 12 a 16 horas y por la noche, a partir de las 20 horas hasta el cierre (de los tipos de lugares que no te echan, sino que esperan hasta que el último cliente se vaya para terminar la noche).

Un lugar recomendadísimo para cortar con la rutina y viajar un rato al pasado.

M, de Fritz Lang

2013-05-16T17:28:00.001-03:00

Por Matías Spector

Bastó la perversión de un psicópata para que todo un pueblo se revolucionara. Es la Alemania de entreguerras, cuando el nazismo se incuba en estrecho conflicto con el comunismo. En el imaginario actual, son épocas de violencia y de crisis sociales. Sin embargo, en la película “M” de 1931 de Fritz Lang, la situación es otra. El pueblo, como comúnmente ocurre con todos los pueblos, parece ajeno a los conflictos políticos, y se encuentra empujado en los rieles de la rutina diaria. Hasta que ocurre la desaparición de varios niños. Entonces se reúnen para hallar al culpable.

Por eso, en “M” hay dos grandes personajes: el psicópata y el pueblo alemán de entreguerras. El primero es encarnado por Peter Lorre, quien años más tarde, con Hitler en el poder, se refugiaría, al igual que Fritz Lang, en los estudios de Hollywood, donde continuó participando en películas de crímenes. Unos naturales ojos saltones le daban la doble apariencia de sorpresa y de estar escondiendo algo, como si él mismo se sorprendiera de lo que tuviera oculto entre las manos. Cuando a Lorre, en “M”, le toque confesar sobre su problema psiquiátrico, sus ojos saltones girarán, y probablemente esa sea una de las mejores interpretaciones psicóticas del cine.

El segundo de los personajes se halla en las calles, en las tabernas, en las familias, en la mafia y en la policía. Una buena parte de la película, la cámara captará las distintas maneras en que una sociedad responde al estupor, lo que permitirá un enfoque absurdo de las masas sociales. Pero en otra buena parte, la cámara se detendrá exclusivamente en la policía, que quiere buscar al psicópata para restaurar el orden público, y en la mafia, que quiere el orden público para continuar con sus negocios. Ambos grupos competirán por la misma recompensa. Así, al estupor le seguirá la cacería.

Con la detención del psicópata, el pueblo sigue en sus rieles. Pocos años más tarde, con la huída de Peter Lorre y de Fritz Lang y de muchos otros más, el pueblo volvería a seguir en sus rieles. Pero entonces, el desenlace de la historia sería opuesto al de “M”. En lugar de ser detenido, el psicópata sería declarado líder de una nación. Y bastará la perversión de un psicópata para que todo un pueblo se revolucione.

Una nueva película de la saga Scary Movie, de Malcom D. Lee

2013-05-16T17:13:00.000-03:00

De Scary, ni un pelo

Por Déborah López de Gomara

En esta quinta entrega de Scary Movie, su director Malcom D. Lee demostró que las películas en saga son eficaces hasta que rozan el aburrimiento. Pese a que en los últimos años esta película se convirtió en un clásico del humor, su quinta versión defraudó a sus más fieles seguidores.

Esta historia narra la vida de Jody, interpretado por Ashley Tisdale, y Dan, a cargo de Simon Rex, una pareja que adopta a las hijas del hermano de él, que vivieron tres años en el bosque. A partir de ese momento, el matrimonio comienza a detectar una extraña actividad en su hogar, y por ello deciden, con la ayuda de expertos y cámaras de filmación, descifrar qué es lo que los acosa y combatirlo.

En este punto, las parodias están bien distinguidas: Mamá, el film de terror estrenado este año, Actividad Paranormal, El Cisne Negro, Ted y El Planeta de los Simios. No caben dudas del éxito de esos títulos, pero la realidad es que Lee podría haber utilizado otros filmes para crear un ambiente más gracioso y menos imaginable.

Desde el comienzo, la película ya parece tener final ya que no utiliza ningún nuevo recurso cinematográfico o de guión diferente a los utilizados en las versiones anteriores. Al principio, los chistes y burlas eran algo novedoso y llamativo que entretenía a todos, pero con el paso del tiempo, este tipo de historias se hicieron cada vez más comunes. El espectador, atrapado con la escena inicial, donde Charlie Sheen y Lindsay Lohan hacen gala de sus dotes como comediantes, espera ver algo que nunca llega.

El desempeño actoral, sin embargo, es algo que puede apreciarse. Es la primera vez que se ve a Tisdale en una película de esta categoría, ya que hasta el momento sus papeles más significativos fueron representando a adolescentes en películas Disney, y puede decirse que demostró ser una actriz capaz de adaptarse. De Rex, por su parte, no puede esperarse algo muy diferente a los papeles que realizó en las versiones anteriores.

Cuando la risa se convierte en incomodidad y sacar alguna carcajada se vuelve complicado, lo mejor es dar un paso al costado, ver desde otra perspectiva y pensar en otras propuestas que sorprendan a los incrédulos. Será cuestión de cambiar.

Una visita a la ex ESMA, una visita guardada en la memoria

2013-05-15T14:54:00.000-03:00

Por Stefania Giannattasio

“La ESMA no sólo era un centro clandestino de detención donde se aplicaban tormentos, sino que funcionaba como el eje operativo de una compleja organización que incluso, posiblemente pretendió ocultar con el exterminio de sus víctimas los delitos que cometía”

Informe Nunca más

Nací el 22 de diciembre de 1988. En democracia. Todo lo que sé de la última dictadura militar, es por libros, películas y sobre todo, testimonios.

Los edificios ubicados en el ex centro clandestino de detención “Escuela Superior Mecánica de la Armada”, fueron traspasados en el 2007 para transformarse en el “Espacio para la memoria y para la promoción y defensa de los Derechos Humanos”.

“Crear un espacio donde ejercitar la memoria sobre lo ocurrido durante los años del terrorismo de Estado”, explican en el sitio Memoria Abierta. Y de esta forma lo promueven a través de visitas guiadas, el Espacio Cultural Nuestros Hijos, el Centro Cultural Haroldo Conti, el Archivo Nacional de la Memoria, la Casa de la Militancia, el Espacio Patrick Rice, ubicados en los edificios que constituyen el predio de la ex ESMA.

Después de asistir a varias actividades programadas del ECuNHi, decidí ir a la visita guiada al Casino de Oficiales, utilizado por el Grupo de Tareas 3.3.2 el edificio en el cual concentraron, torturaron y desaparecieron a los secuestrados.

En un recorrido de un poco más de tres horas junto a un guía, se realiza una reconstrucción de la historia, el funcionamiento del lugar, el sistema represivo, y los contextos políticos, sociales, culturales y económicos, en grupos de más de veinte personas.

En el Casino, también llamado Selenio, El Dorado y Casa de Oficiales, se centralizaron las principales funciones de la ESMA en el período del Terrorismo de Estado. Luego de pasar por la torre de vigilancia, que conserva la marca de la cadena que marcaba el comienzo de una zona a la cual pocos podían acceder, entramos al Casino. Un espacio frío, despojado de muebles, y también de vida.

El primer lugar donde eran llevados los detenidos era el sótano, cuyas paredes hoy están derrumbadas y sólo quedan columnas. Al formar parte fundamental como prueba en los juicios de la Megacausa ESMA, no se puede fotografiar ni apoyarse en las paredes.

El edificio sufrió modificaciones en la visita de la Comisión Interamericana de Derechos Humanos en 1979 por las denuncias realizadas por los exiliados, y la prensa internacional que había presenciado el mundial del ‘78. Por lo que la escalera principal al sótano y el ascensor, fueron quitados.

En el sótano se encontraban salas de tortura, una enfermería, un laboratorio fotográfico y de falsificación de documentación, donde obligaban a trabajar a los secuestrados, y el pasillo que conducía a cada una de las habitaciones, los militares la llamaban “Avenida de la Felicidad”. Los peores métodos de tortura se implementaron allí, a metros de la Avenida del Libertador, a cinco cuadras de la cancha de River, a dos de la General Paz.

En el salón ubicado en planta baja, estaban las dependencias del “Servicio de Inteligencia”, donde planificaban próximos secuestros y destino de los desaparecidos, las oficinas de vigilancia de las cámaras ubicadas en el edificio, el “locutorio”, donde obligaban a los detenidos a hablar con familiares o compañeros, mientras eran supervisados por otro teléfono.

En el primer y segundo piso, se hallaban los dormitorios de los oficiales, con baños propios, similares a las habitaciones de un hotel. El altillo, en el frío y oscuro altillo, se encontraba “Capucha”, donde tenían a los secuestrados en las peores condiciones, encapuchados, con grilletes en los pies y esposas en las manos, en cajones de madera de dos metros de largo por uno de alto, para evitar cualquier contacto con otros detenidos.

Recorrer Capucha es escalofriante. Pero es necesario estar in situ, para ver, pero sobre todo, para sentir. Es una forma de conexión con lo que pasó hace ya 37 años. Al otro lado del altillo, estaba la “Pecera”, que constaba de oficinas, una biblioteca y el archivo y “Pañol”, sitio en donde guardaban los “botines de guerra” que robaban y saqueaban de las casas de los secuestrados. Pero para llegar, se pasa por las habitaciones destinadas a las embarazadas a punto de parir, en la “Sardá clandestina”.

En el Centro Clandestino de Detención, Tortura y Extermio que funcionó en la ESMA, se calcula que estuvieron secuestradas, aproximadamente 5 mil personas. Las visitas son gratuitas, con previa inscripción. Hoy en día, gracias a la política de derechos humanos, la lucha de Abuelas, Madres, Hijos y Nietos recuperados, es un sitio para la memoria y para la promoción y defensa de los derechos humanos.

Es nuestra historia y nuestro pasado, hay que estudiar, investigar y saber, para que no pase Nunca más. Y para que guardemos todo en la memoria, refugio de la vida y de la historia.

Recorrido virtual CCDTyE Esma

Una ley que promueve la comunicación cultural autogestiva

2013-05-15T13:05:00.000-03:00

Por Marcelo Scarinci

El diputado Jorge Rivas, junto a muchos de sus compañeros del Frente para la Victoria, presentó ayer el proyecto de Ley de Fomento para la Producción Autogestiva de Comunicación Social por Medios Gráficos y de Internet, que busca declarar patrimonio cultural a los trabajos de producción independiente y autogestiva de los medios gráficos y online, para lograr así la promoción de estas empresas sociales.

En el tercer artículo se propone la creación de un ente del Estado que regule y dictamine quién recibirá los beneficios de esta ley: cooperativas, asociaciones civiles y pequeñas y medianas unidades productivas; dejando de lado a aquellas empresas que “estén vinculadas o controladas por empresas o grupos económicos extranjeros nacionales o extranjeros”.

Entre los beneficios que se proponen para este sector se encuentran: la exención del Impuesto a las Ganancias, del IVA, el derecho a la importación de insumos y a la exportación de publicaciones. Además el proyecto de Ley hace hincapié en la distribución de las mismas, que hasta el momento poseen una gran desventaja frente a los medios que cuentan con el respaldo de un grupo económico; en la creación de un fondo que otorgue subsidios a inversores; y dándole al estado la obligación de adquirir parte de la tirada de distintas revistas culturales para las escuelas y bibliotecas publicas.

La Ley cierra con una carta a la Presidenta, que señala que en las revistas culturales independientes han hecho lugar a testimonios que, de otra forma, no hubiesen tenido medio para expresarse. Agrega que sin este tipo de revistas, no hubiera habido “voces que se levantan contra las dictaduras militares ni de mercado” y cierra diciendo que esta Ley llega para saldar una deuda. “Con el sector tiene la Ley de Servicios Audiovisuales, instrumentos que ha significado la democratización de los espacios televisivos y radiales” sin los cuales “esa ley no hubiese tenido canales de debates y difusión”.

Las publicaciones son más, pero anotadas en el Registro Nacional de la Secretaría de Cultura de la Nación 241. Las cuales alcanzan promedio una tirada de 350 mil ejemplares por mes, con un promedio de 1,4 millones de lectores en el mismo periodo. De estas 241 revistas el 52 por ciento se producen en Capital y el resto en el Interior del país. Entre las temáticas tocadas encabezan Literatura (27 por ciento), Pensamiento y política (20 por ciento) y Filosofía e historia (14 por ciento).

Las revistas autogestivas e independientes dependen de su público y de las ventas; y trasmiten ideas, vivencias, formas de ver el mundo y “futuros posibles” que no tienen lugar en los grandes medios. Por esto, en la presentación del proyecto, el diputado Jorge Rivas señaló que se busca aportar protección del Estado a los medios realmente independientes, “independientes del poder político y de los sectores concentrados de la economía”.

Crisis, Mu, Barcelona, THC, Cultra, La Garganta Poderosa, Kiné, Vuenoz Airez, Alternativa Teatral, El Teje, Velociraptors, El Amante Cine. Estas son algunas de las revistas que forman AReCIA, la Asociación de Revistas Culturales Independientes de Argentina que buscan una sustentabilidad del proyecto-, pero que representa a muchas otras, como a No lo vas a leer.

Las revistas culturales independientes: No nos vendemos

Cumpleaños de Bono, líder de U2

2013-05-10T16:13:00.004-03:00

Por María Eugenia Stamm

Paul David Hewson, más conocido como Bono, líder y vocalista de U2, cumple hoy 52 años.

Reconocido no sólo por su trayectoria musical sino por ser un activista político, especialmente comprometido con las causas humanitarias en los países del tercer mundo, Bono supo captar la atención a través de sus alter egos y sus diversos cambios de apariencia.

El uso cotidiano de gafas de sol fueron el toque de personalidad que, en muchas ocasiones, aquejó al músico irlandés. En una entrevista con la revista Rolling Stone en 2005, Bono aseguró que el motivo por el cual utiliza lentes es debido a que sus ojos son muy sensibles a la luz y si le sacan una foto, ve el flash el resto del día. En la nota, declaró: "es en parte por vanidad, en parte para evitar que me reconozcan y en parte por sensibilidad".

Pero poco importa lo que él haga con su apariencia física, sino lo que ha logrado personal y musicalmente a lo largo de los años. Bono logró ser el único que ha sido nominado candidato para el Óscar, los Grammy -de los que U2 ha ganado 22-, el Globo de Oro y el Premio Nobel, éste último en tres ocasiones (2003, 2005 y 2006), sin contar los galardones personales.

Una de las anécdotas que más resaltan en la vida de Bono, y que no todos conocen, es su cariño y admiración por Joey Ramone, a quien le atribuyó sus ganas de dedicarse a la música. El líder de U2 contó en un recital que tuvo la oportunidad de hablar con el ex Ramone durante su internación, y que en dicha ocasión lo felicitó por la canción "In a little while". Aquel sería el último registro musical que Joey Ramone escucharía antes de morir.

"Como estrella de Rock, tengo dos instintos: quiero diversión y quiero cambiar el mundo. Tengo la oportunidad de hacer las dos", expresó alguna vez Bono. Lo que trasmite a través de sus canciones, que van acompañadas con acciones, da cuenta de que la música realmente puede cambiar el mundo porque, además, puede cambiar a la gente.

No sé si es Baires o Madrid, Fito Páez

2013-05-10T12:37:00.000-03:00

Por Inés de Sautu

Hay discos que, sin duda, logran transmitir. Este es uno de ellos. Grabado en vivo en un recital realizado el 24 de abril de 2008 en el Palacio de los Congresos, en Madrid, España, el señor Rodolfo Páez se luce de una manera deslumbrante, en un formato de disco más dvd.

La lista de temas está armada a la perfección. El show comienza con 11 y 6, y llegan luego Tumbas de la Gloria, La rueda mágica (junto con la banda Pereza), Eso que llevas ahí y la canción que catapultó al rosarino: El amor después del amor. El peso fuerte de Dos días en la vida son los múltiples invitados: Diego del Morao (una guitarra muy bien interpretada), Sabú (encargado del cajón) y Dani Noel en bajo. Son músicos que acá en Argentina no son ni masiva ni popularmente conocidos, pero escuchando en profundidad el tema, se puede notar su nivel musical.

Contigo es sino la mejor interpretación y tema del disco. Sabina aparece en escena, prensentado por Fito como Monsieur Madrid, y esta inentendible e innegable conexión entre el español y el rosarino pone la piel de gallina. “Lo que yo quiero, muchacho de ojos tristes, es que mueras por mí”, bromea Fito, fiel a su estilo en vivo, cambiando las letras y las melodías.

Brillante sobre el mic, la canción que arruinaron las fiestas de quince, precede a Yo vengo a ofrecer mi corazón, junto a la exótica voz de Pablo Milanés, en donde el show (y el disco, en consecuencia) sigue en un clima íntimo, profundo, reflexivo. Para Giros, tema que sigue, Fito presenta a Ariel Roth como “un músico al que amo” y tras su entrada, la interpretan juntos.

Al lado del camino se lleva todos los premios: una letra sin desperdicio, una interpretación enérgica y con matices, un ida y vuelta con la gente, un relato del modo de vivir en el siglo 21 (“En tiempos donde nadie escucha a nadie, en tiempos donde todos contra todos, en tiempos egoístas y mezquinos, en tiempos donde siempre estamos solos”) y expresa los tres caminos: uno en el que “habrá que declararse incompetente en todas las materias del mercado”, otro en el que “habrá que declararse un inocente" y el tercero en el que "habrá que ser abyecto y desalmado” . Un tema que habla de la modernidad, de nuestra época, de una autodefinición de Fito, de estar al lado de alguien, de sentirse vivo, de la muerte. Lo tiene todo.

Un vestido y un amor, el tema escrito en su momento a Cecilia Roth como su musa inspiradora, está interpretao junto a Gala Évora, y Páez y la invitada le sacan jugo a un clásico, seguido por La rumba del piano. Pétalo de Sal, junto a Marlango, es otro gran tema. La potente y sensual voz de Leonor Watling, cantante de la banda invitada, llama la atención. Y de aquí surge el nombre del disco, tan apropiado.

Dar es dar marca que el final del disco está llegando y cierra Mariposa Tecknicolor, con su reseña de todas las mañanas que vivió Fito, todas las calles donde se escondió, el encantamiento de un amor y el sacrificio de sus padres, un recorrido de pocos minutos por una descripción de vida en la que todos podemos identificarnos. “Hoy sólo te vuelvo a ver”, canta Fito, dándole cierre a lo que debe haber sido una noche impresionante y a un disco sin desperdicio que, sin dudas, vale la pena escuchar.

Groove: siempre una buena opción

2013-05-10T12:34:00.000-03:00

Por Inés de Sautu

El local ubicado en Av. Santa Fé 4389 festejó su tercer aniversario con un show de Armandinho, músico brasilero que marcó una diferencia en el reggae desde el comienzo de su carrera. La noche transcurrió con mucha gente del sector de prensa y bandas del ambiente allí presentes.

Groove llegó en abril de 2010 y para quedarse. En estos años, se consolidó como uno de los lugares en el que las bandas quieren tocar y al que la gente le da gusto ir. Se convirtió para muchos en un nicho donde sabremos que habrá música y buen clima. Una buena ambientación, un buen sonido, un escenario amplio, una capacidad interesante, un trato agradable y una eficiente organización son algunos de los factores que influyeron en que esto sucediera.

Además, no sólo se realizan shows, sino que la propuesta es más amplia. Además de los recitales de bandas consagradas, allí se realizaron mucho tiempo la Fiesta Clandestina, la Bubamara, La Mágica y fiestas de egresados, entre otros eventos.

Algunas bandas nacionales que pasaron por allí son Carajo, Andrea Álvarez, Dos Minutos, Los Pericos, Mad, Viticus, Kapanga, Resistencia Suburbana, Massacre, Bulldog, El Bordo, Cielo Razzo, Salta la Banca, 4 pesos de propina, Pampa Yakuza, Arbolito, Kameleba, entre tantos más, sin contar las internacionales que son muchísimas y variadísimas, desde Skrillex hasta Armandinho.

¡Alzamos la copa por ellos! Y te recomendamos que si este fin de semana estás buscando algún plan, te fijes en la agenda de Groove.

Después de la boda, de Susanne Bier

2013-05-09T15:49:00.003-03:00

Por Déborah López de Gomara

Bajo la influencia del género Dogma 95, Susanne Bier asombra una vez más al espectador. Pese a que no es la primera vez que la directora danesa utiliza este género como base -se pudo ver también en Corazones abiertos (2002) que ganó cinco premios de la Academia de Cine en Dinamarca-, esta mujer utiliza la cámara en mano para explorar al límite los personajes en Después de la boda (2006).

Los asuntos familiares son el punto débil de Bier, que una vez más los utiliza en la trama de esta nueva película. Siempre fiel a los parámetros del Dogma 95, la directora manipula los espacios naturales, alejados del set de grabación para dar una mirada más fresca a la vida cotidiana. Los lugares abiertos y al aire libre son empleados para darle un aire más familiar al film.

La cámara en mano, una de las características del movimiento predilecto de Bier, puede resultar excesiva ya que hay un manejo de los diferentes puntos de vista y emociones de los personajes a través de un primer plano de los ojos que, pese a que obliga al espectador a adentrarse en la vida de los protagonistas, puede marearlo y hacerlo olvidar de lo que estaba sucediendo alrededor.

Sin embargo, la excelente trama de Después de la boda no reconoce ambigüedades a la hora de expresar los sentimientos que afloran en los personajes a medida que los problemas que deben afrontar van apareciendo. El sentido del destino que plantea la directora permite hacer un análisis detallado de los dilemas morales en los que se encuentran los protagonistas que provocan que el observador se identifique y hasta sufra la agonía de ellos.

El exceso melodramático que se puede producir por los conflictos que afloran en la película y que pueden llegar a hacer creer al observador que sabe lo que va a pasar a continuación, se van opacado al segundo siguiente cuando aparecen elipsis que vuelven a provocar en los curiosos una sensación de inquietud por lo que vendrá. Son esos momentos apremiantes que dan a conocer la lucidez de un guión sencillo pero espectacular.

Las grandes actuaciones de los personajes principales- Jacob, interpretado por Mads Mikkelsen (que también se lo vió en James Bond: Cassino Royale) y Jorgen, actuado por Rolf Lassgard-, dan cuenta de la complejidad del ser humano, las relaciones entre la familia y los lazos que las unen más allá de los problemas.

La infancia de Iván, de Andréi Tarkovski

2013-05-09T15:42:00.001-03:00

Por Matías Spector

A pesar de que el famoso director ruso Andréi Tarkovski sea generalmente recordado por la sutilidad con que forjaba historias entre el sueño y la realidad, su primera gran película La infancia de Iván, de 1962, se funda en una premisa exclusivamente realista: pintar la infancia de un niño huérfano que colabora con el ejército ruso en los trechos finales de la guerra contra los nazis.

Quizá al tanto de que una infancia se nutre más de la libertad que de las responsabilidades, la película transcurrirá en los tiempos libres de la guerra, entre misión y misión, cuando los hombres se ocupan de olvidar el pasado y de planificar el futuro, y cuando el niño juega, sueña, se encapricha, hace travesuras y se sale con las suyas. En un cuartel bajo tierra, Iván sueña una y otra vez con el fusilamiento de su madre y de su hermana, juega a hallarse cara a cara con un prisionero de guerra alemán, se encapricha cuando las autoridades militares ordenan que vuelva al colegio, se escapa, y finalmente las autoridades le consienten con que siga colaborando en la causa.

Pero la máxima expresión de la infancia de Iván es una emoción instintiva sobre la que se asentarán todos los sueños, los juegos y los caprichos. Esta emoción es la venganza. La guerra de Iván, a diferencia de la guerra de los hombres, se aviva en el dolor y no en las ideas. La justicia de su posición se justifica en el dolor de su infancia. Por esta razón, diverge de la repetida frase de que “la guerra es para los hombres”, y defiende la creencia de que la guerra compete a todo aquél que la sufra, sea éste hombre, mujer o niño.

En la película sólo hay un niño, Iván, y sólo hay una mujer. Ésta es una enfermera que atrae la cámara en pocas escenas secundarias. En su tiempo libre, será una joven retraída que se debate en el miedo, la ingenuidad y la curiosidad sexual. Iván y la joven caminan en escenas paralelas, nunca llegan a cruzarse. El espectador lamenta que nunca lo hicieran, porque allí donde hay un niño huérfano y una joven asustada, bien puede haber un hijo y una madre.

El resto de los personajes son hombres, de distintos rangos militares, soldados, comandantes, generales. Donde hay un niño huérfano y una joven asustada habrá, respectivamente, padres y amantes. En sus tiempos libres, estos hombres asumen distintas formas de padres y distintas formas de amantes. Hasta que llega el momento de la misión. Entonces, no hay padres ni amantes: hay soldados, comandantes y generales. Tampoco hay jóvenes asustadas ni niños huérfanos: hay enfermeras y hay espías.

Es el momento de las responsabilidades. La película se inicia con una misión y acaba con otra. El escenario es lo único invariable: un bosque inundado con árboles flacos. La crudeza del escenario y la adversidad de las circunstancias pueden, por momentos, tajar la realidad en pliegues surrealistas. En todo caso, La infancia de Iván es, en la filmografía de Tarkovsky, un telón rojo desgarrado.

Attaque 77 cerró de la mejor manera su ciclo acústico en el ND Ateneo

2013-05-08T20:30:00.001-03:00

Por Carlos Maidana

El formato funcionó, es un hecho. La prueba fue ampliamente superada y la demostración fueron las dos funciones con las que Attaque 77 cerró, en el ND Ateneo de la Ciudad de Buenos Aires, su ciclo acústico, el 3 y el 4 de mayo. El éxito en la capital fue tal que, ante el lleno total de los dos shows, agregaron una nueva fecha para el 21 de junio.

Al igual que como hicieron en el Teatro Opera Citi en 2011 – recital que quedó registrado en un disco en vivo y en un DVD – el concierto comenzó con El ciruja. Así, el trío formado por Mariano Martínez, en voz y guitarra, Luciano Scaglione, en bajo y voz y Leonardo de Cecco, en batería, presentó además al resto de los músicos que los acompañaron en el escenario durante gran parte del show: Lucas Ninci en los teclados; la percusionista Andrea Álvarez, que también cantó Alza tu Voz; al guitarrista Alejandro Flores y el cuarteto de cuerdas liderado por Lisandro Fiks, que además fue quién más involucrado estuvo en la reversión de las canciones, acompañado por Melina Kykris, Santiago Martinez y María Paula Leiva.

Ojos de perro, Vacaciones permanentes y Cual es el precio le siguieron, sin variar respecto a la lista que presentaron durante la gira que los llevó por todo el país y algunos limítrofes. Para la versión de Western, con la imagen del doctor René Favaloro en pantalla, Fiks se hizo cargo de la trompeta y dio paso luego a Sueños y al clásico El cielo puede esperar, con la presencia de Emiliano Puñales en el saxo.

“La idea es hacer algunos temas que no hicimos en el Opera, porque sino van a decir que no ensayamos nunca y no modificamos la lista”, dijo Mariano, entre risas. El clima intimista generado en el ND Ateneo le permitió a la banda bromear más de una vez con la gente y hasta tener momentos de diálogo con varios de los presentes. Así fue que presentaron la primera novedad de la noche: Crecer, del disco Un día perfecto, en una versión con aires de reggae. “Esta canción quedó afuera de la lista primero, después la hicimos en el Opera y quedó, finalmente, afuera del disco”, contó Martínez antes de hacer Ciudad vacía, del disco Karmaggedon.

Plaza de Perros, Los Consejos del Abuelo, Luz y Chance, pasaron con el acompañamiento del público que, desde sus asientos, aplaudía y acompañaba en cada canción. Fue entonces cuando, sólo en el escenario, Mariano tomó la guitarra y le dedicó Volver a empezar – con la letra original – a las víctimas de las inundaciones en Buenos Aires y La Plata. “Cuando el diluvio se terminó, también llegó la televisión y les volvieron a preguntar lo mismo que la vez anterior. Buscaban algo conmovedor, algunas lágrimas que filmar, pero ya nadie quiso llorar para que el río no subiera más”, cantó a coro con la gente, poniendo en un contexto de actualidad una canción que tiene casi 20 años.

Fue entonces que volvieron a sumarse primero Luciano Scaglione, para hacer Estallar a dúo y Leonardo, para el tema Alza tu voz, que tuvo nuevamente a Andrea Álvarez en voz. Ángel, uno de los preferidos del público y Canción inútil, fueron dos nuevas sorpresas en la lista. Beatle y Espadas y Serpientes, otros dos clásicos del grupo, precedieron a Cartonero, canción que tampoco quedó en el DVD, ya que Martínez se olvidó varias veces la letra en el Opera. Precavido, esta vez, la leyó desde un atril que le alcanzaron los asistentes, sin antes dejar pasar la oportunidad de subir a una de las chicas del público para que bailara un cuarteto con el cordobés Lucas Ninci.

La última novedad en el setlist fue El camino, del disco RadioInsomnio, con una preponderancia de cuerdas abrumadora. Para el cierre: Arrancacorazones, Sententistas, Perfección y Dónde las águilas se atreven dieron fin a un show de más de 2 horas que dejó a todos muy satisfechos. “Aprovechen a decirles a sus amigos, que todavía tienen la posibilidad de venir el 21 de junio. Después se van a terminar quedando con las ganas”, cerró Mariano. Y sin dudas que acertó con la recomendación.

Ciro y Los Persas: agotaron cinco Luna Park

2013-05-08T14:41:00.000-03:00

PH: Cristian Pirovano

Por Constanza Valenzuela

“Y nadie te para hoy, ya ves”, escribió Andrés Ciro Martínez en Barón rojo, la misma canción que eligió para arrancar su quinto show de la semana. Pareciera decírselo a sí mismo, vestido de aviador, piloteando un Fokker Rojo de 1947 que lo bajó desde el techo hasta el escenario.

Nadie puede frenarlo, presentó 27, su segundo disco junto con Los Persas, en tres Luna Park llenos en diciembre de 2012, y este año rompió su propio récord agotando cinco veces (26, 27 y 30 de abril y 4 y 5 de mayo), el mítico Palacio de los deportes de Buenos Aires. “¿Se viene un estadio? Vamos a ver”, anticipó con confianza.

Domingo, a minutos de las nueve de la noche, bajó de la avioneta y cantó Babilonia, para calmar la sed de los piojosos presentes. Curtite y Antes y después completaron los primeros enérgicos quince minutos de show, y quedó claro que era “un placer verlo otra vez”, y junto a esto llegó el primer agradecimiento de la noche.

Público de todas las edades y muchos padres junto a sus hijos estaban presentes haciéndoles caballito para que puedan ver el escenario y disfrutar de la puesta. El clima familiar lo contagió también Ciro invitando a su hijo menor, Alejandro Ciro Martínez, a que lo acompañara en una canción tocando una mini batería que le armaron delante de la principal. Ale tocaba mientras su papá orgulloso le cantaba cerca, dedicándole miradas cómplices para darle confianza. Terminada la canción el niño se acercó a saludar al borde del escenario y quedó asombrado e inmovilizado por la cantidad de gente, tímido se agachó y saludó, como le había aconsejado su papá antes de salir.

Vas a bailar, Banda de garage, Me gusta y Ciudad animal sonaron del repertorio persa, mientras la armónica inconfundible anticipó el feroz comienzo de Tan solo, y remeras y banderas de Los Piojos relucieron en Luz de Marfil. Videos, luces, imágenes y divertidas proyecciones adornaron la música, además de la buena onda que fluye entre Los Persas.

El primer descanso de la banda, quedó a cargo de Juan Ávalos, una de las guitarras, que demostró su increíble talento, tocando y grabándose encima lo de tocado, para terminar en un ritmo al estilo chacarera. Luego entraron los músicos, con Rodrigo Pérez, guitarrista, en la voz, que cantó un tema de su banda La Yumba. El grupo se completa con Julián Isod en batería, Broder Bastos en bajo y Nicolás Raffetta en teclados. De esta manera, el ex líder de Los Piojos dejó que se lucieran los músicos que lo acompañan en su nuevo proyecto, mientras que algunos de los presentes coreaban con nostalgia que la banda que se separó en 2009 se vuelva a juntar.

Luces apagadas y en la pantalla Ciro, disfrazado de zombie, dieron comienzo a Murgueros que contó con bailes en vivo, seguida de un éxito de Espejos, su primer disco con Los Persas, Insisto.

“Vamos a hacer un viejo tema…”, dijo el cantante y se interrumpió a sí mismo, “¿Qué es ese sonido desagradable que viene?”, bromeó dándole pie a Mex Urtizberea para que entrara con un ukelele, aportando una gran cuota de humor, y acompañando en dos clásicos piojosos Ando ganas y Verano del 92, uno de momentos más graciosos y enérgicos del show.

Luego de un par de temas tranquilos, llegó la primera despedida, seguida de un regreso emotivo con Canción de cuna y el momento de Tango diablo con la compañía de los hermanos Cordone, guitarristas del Edmundo Rivero. También Ciro se animó a “tirarse a la pileta” por ser el último Luna y sin ensayo previo y pidiéndole “perdón a Carlitos (Gardel)”, entonó El día que me quieras.

“Muchas gracias por estos cinco Lunas, gracias por tanto amor”, se sinceró Ciro que realizó cuatro cambios de ropa durante el show, acompañado de su fiel armónica y en algunas canciones aportando ritmo con maracas amarillas.

Sin duda el hit más coreado por estos días de su disco 27, Mirenla, llegó para hacer cantar a todo el público y de fondo se pudo el video del corte, protagonizado por la actriz Isabel Macedo, a quien agradeció.

Para los nostálgicos llegó Manjar y Little red rooster, y para los más nuevos explotó el baile con Servidor, donde el bajista brasilero Broder Bastos, que cumplía años, tocó con los ojos tapados por sus compañeros de banda.

Noche de hoy, Astros, y no faltó el homenaje a los héroes de Malvinas con el himno en su inconfundible armónica. Eternamente agradecido, a los que organizaron el show, a sus persas y sobre todo al público que a pesar de los cambios, lo sigue acompañando incondicionalmente.

Querido y también criticado, el ex líder de una de las mejores bandas del rock nacional, demuestra que con madurez, trabajo y talento, se puede repetir la fórmula del éxito, y durante este año seguirá presentando su segundo disco éxito por todo el país.

Marcha del orgullo fumón

2013-05-08T14:35:00.000-03:00

Por Marcelo Scarinci

“¡Giralooo!”, le gritaban al dueño de un porro de unos 3 o 4 metros de largo y de unos 40 centímetros de diámetro aproximadamente, que prendió y alzó como antorcha olímpica frente al Congreso, mientras se leía en él la palabra “libertad”. Con sus porros en mano, todos a su alrededor, veían ese gigante arder y desaparecer delante de la extinta Confitería del Molino.

“No más presos por cultivar ¡Regulación del cannabis ya!”. Ese fue el reclamo que convocó el último sábado a más de 100 mil personas en la Ciudad de Buenos Aires y otras 50 mil en el resto del país. Esta marcha que año a año suma adherentes tiene un reclamo claro: que no haya más presos por cultivar marihuana para consumo personal y que se regularice la sustancia basándose en las libertades individuales que no dañen a terceros.

El clima de fiesta se vivió desde el mediodía en Plaza de Mayo, pero se exacerbó cuando -cerca de las 17- la marcha llegó al Congreso. Manifestantes con bombos e instrumentos, algunos disfrazados de hojas de marihuana o usando remeras con el dibujo, humo al por mayor, grupos de personas haciendo malabares o vendiendo artesanías, y una primacía de los colores etíopes: rojo, verde y amarillo, emblemas del movimiento rastafari.

Los actos políticos no faltaron, sin embargo los autoconvocados decidieron quedarse alrededor de los grupos que tocaban cóvers, sentarse en la plaza o en la misma Avenida de Mayo, ver a los malabaristas o comprarle algo de comer a algunos de los múltiples vendedores que se encontraban en el lugar. Las opciones iban desde el “bajón vegano” (hamburguesas de lentejas), pasando por alfajores de maicena, brownies, milanesas, patys y choripanes, hasta sandwiches de chorizos a la pomarola. La jornada fue extensa y acabó pasadas las 20 horas, cuando se reabrió el paso de autos por los alrededores de la Plaza de Congreso y de a poco la multitud se disipó.

El fracaso de la guerra contra la droga

Las estadísticas oficiales muestran que los presos por causas de drogas pasaron de 4,9 por ciento en 2007 a 9,75 por ciento en 2012, y que los presos por consumir aumentan. Según el documento Estudios por delitos relacionados con estupefacientes en Argentina, realizado por Alejandra Corda, 7 de cada 10 detenidos son consumidores. Corda señala que la Ley 23.737 de Tenencia y Tráfico de Drogas, sólo hizo que la fuerza de seguridad persiga más a los consumidores y pequeños traficantes y no a los verdaderos narcotraficantes.

El caso argentino muestra la decadencia de la política de drogas que baja desde Estados Unidos y que se utiliza en América del Sur. Como indica el Premio Nobel de Economía 1992, Gary S. Becker, en el texto Es hora de acabar la guerra contra las drogas (2001) que posee una gran vigencia, esta política contra las drogas no funcionó.

En el texto señala que esta forma de atacar las drogas que viene desde Nixon “ha fracasado completamente” y legalizar la marihuana e incluso algunas drogas fuertes es una mejor alternativa. El interesante artículo señala, además, que la guerra contra la droga sólo ha logrado subir los precios, lo que no hizo otra cosa que enriquecer a los carteles.

El autor aclara que legalizar no es una panacea, pero eliminaría el grueso de las ganancias y la corrupción del narcotráfico. Como efecto contrario marca que la liberación bajaría el precio y aumentaría el consumo. Sin embargo, como solución, se le podría agregar -lo que el autor llama- un impuesto “al pecado”. Un gravamen altísimo que en muchas naciones se les cobra a las bebidas alcohólicas, al tabaco o a la nafta. Esto se podría usar para tratar a los adictos y educar a los jóvenes sobre las consecuencias.

Por último, hace hincapié en que en esta “aventura hacia lo desconocido” que es la legalización, se debe proceder paso a paso concentrándose en evitar que menores de edad consuman y castigando a quien conduzca o trabaje bajo influencias de alguna droga, pero que a la larga habrá que legalizar debido al costo humano y monetario que esta guerra produce.

¿Despenalización o legalización?

Esta marcha que se realiza, de forma simultánea, el primer sábado de mayo desde 1999 en ciudades de todo el mundo pide, según el sitio oficial de Marcha mundial de la marihuana, “normalizar la situación de la planta del cannabis y terminar con la criminalización y persecución de sus usuarios y cultivadores”. También indica que dependiendo el país cada marcha tiene reclamos particulares.

Bajo la ley actual, cualquier persona encontrada con cualquier cantidad de droga (sea cual fuera) es detenido y procesado. Y -a diferencia de lo que marca la Ley Argentina, que señala que toda persona es inocente hasta que se demuestre lo contrario- ese individuo deberá demostrar que tenía eso para consumo personal y no para vender. Pero no termina ahí: si convence al juez que lo encontrado era para consumo, la ley le deja elegir entre dos años de cárcel o un tratamiento obligatorio.

La diferencia entre despenalizar y legalizar es clara. La primera, como la palabra lo indica, busca dejar de criminalizar a quien -sin dañar a terceros- consume y cultiva su propio cannabis. Mientras que legalizar es algo más extremo. Propone un marco legal nuevo que legisle sobre la producción, consumo, impuestos y sobre quién puede producirlo. Un caso de esta es Holanda o el proyecto de ley de Uruguay, en la que el narcotráfico y el consumo de sustancias de mala calidad desaparecerían, ya que el Estado pasaría a ser el único proveedor de marihuana.

Que no sea humo

En 1986 la Corte Suprema declaró inconstitucional penalizar la tenencia de drogas para consumo personal basándose en el articulo 19 de la Constitución Nacional, que marca que las acciones privadas de los hombres que no ofendan el orden, la moral pública ni a terceros están reservadas a Dios. Este hecho fue confirmado en 2009 por la Corte.

El 2012 parecía ser el año para ley, pero, como en muchos casos, lo urgente tapó a lo importante. En 2013, con elecciones legislativas mediante, parece imposible abordar este tema tan controversial.

Hay que desencajonar los proyectos de ley, debatirlos y que se avance no sólo sobre lo penal sino también sobre las libertades individuales de quien decide fumarse un porro.
Aunque parece difícil en lo inmediato, tal vez, en pocos años, se avance en las libertades individuales; y esta marcha anual deje de ser una forma de protesta que pide la legalización de la marihuana y pase a ser una forma de festejo por lo conseguido.

The Beats: la mejor banda Beatles del mundo cumple 25 años

2013-05-03T15:05:00.000-03:00

Por María Eugenia Stamm

No existen los matices, sólo una pasión exacerbada, desmedida y tenaz que nos provoca un entusiasmo desmesurado hacia determinados temas. Eso puede considerarse fanatismo. Pero, ¿Por qué muchas veces se lo señala y considera un mal irremediable? ¿Qué tiene de malo tener 12 años y convertir tu habitación en un templo beatle? Primero fue fanatismo, y de homenaje viró a profesión.

The Beats, con 25 años de trayectoria, surgió como un tributo a la banda británica The Beatles y es reconocida mundialmente por su parecido físico y sonoro. Nació en 1987 de la mano de Patricio y Diego Pérez, hermanos que se maravillaron con la música del cuarteto desde una pronta edad.

No los reconocen pero los adoran y escucharon sus discos durante años. Los músicos que deciden ofrecer un tributo a bandas legendarias, saben que jamás sonarán igual, que aquello que alguna vez latió con los originales, no volverá en vivo. Pero, ¿es el caso de The Beats?

Elogiados en 1996 por Allan Williams, primer manager de los Beatles, llegaron a Inglaterra para figurar en todos los medios y enloquecer al público británico. Fueron invitados de honor en la Beatles Annual Convention de Liverpool y Londres, que los nombró como "la mejor banda Beatles del mundo", realizando allí shows en el LIPA (auditorio de Paul McCartney), en el Liverpool Cavern Club y en Strawberry Fields, entre otros.

El primer trabajo discográfico llamado Please, please me fue presentado en junio de 1998 y producido por Litto Nebbia bajo el sello Melopea. En el disco incluyeron los temas del LP homónimo de Los Beatles, respetando minuciosamente los sonidos y arreglos con que fueron grabados originalmente.

Sus show ofrecen la imagen de los primeros años de los Beatles: todos vestidos iguales, con el flequillo tocándole las cejas y con esas sonrisas que quedaron marcadas en el inconsciente de cualquier fanático beatle. Sí, copian las poses y los gestos. En cada presentación tienen como mínimo cuatro cambios de vestuario que reflejan desde la primera época hasta la más psicodélica. Todo temático. Todo perfectamente copiado.

Dicen que 25 años no son nada, pero para estos fanáticos confesos son muchos años de trabajo y viajes para hacer que los Beatles renazcan cada vez que el telón se abre. El grupo fue mutando y los integrantes cambiaron, menos los hermanos Pérez.

Resulta imposible utilizar un beatlenómetro para medir cuán fanáticos son ellos o los que están sentados en las butacas. Pero para confirmar que son la mejor banda Beatles, sólo hace falta cerrar los ojos y trasladarse al pasado. Eso ocurrirá, el próximo 17 de mayo, en el Gran Rex, cuando The Beats presente "Legendarios" y haga vibrar al público que siempre se retira esperando que vuelvan. Pasa que de los Beatles nadie se cansa, y eso los muchachos de The Beats lo saben perfectamente.

La Mágica: cumbia de la vieja y de la buena

2013-05-03T15:00:00.000-03:00

Cada viernes por medio, La Mágica arriba a Groove. ¿La idea? Rememorar aquellos temas bailables que todos sabemos de distintas épocas, pero quizás olvidamos. Las vísperas de feriado, se muda a Palermo Club, donde originariamente comenzaron. “Es la fiesta de cumbia que marca un antes y un después en lo que al género se refiere al ser la primer fiesta "off bailanta" en proponer un nuevo vínculo con esta cadenciosa música”, describen en su fan page.

De esta manera, ambos locales palermitanos se alternan para recibir una noche de cumbia al estilo de Ráfaga, Sombras, Tambó Tambó, La Maribel y muchos grupos más que siempre se hacen presentes y hacen que recordemos canciones que teníamos guardadas en algún recóndito rincón.

Además, tocan los clásicos grupos de cumbia que visten el ambiente de fiesta y mucho baile. Los viernes se tiñen de cumbia en Palermo. Esta noche, por ejemplo, se presenta Mala Fama, Flor de Piedra y Fantasma. ¿Te lo vas a perder?

“Bandas clásicas de todas las épocas, bandas en boga, bandas emergentes, más la especial selección de los DJs hacen que cada fiesta tenga su propia originalidad, entregando un gran abanico de colores para dejar en claro que la cumbia es un género que no conoce distinción social. La Mágica, una fiesta de cumbia. ¡No vas a parar de bailar!”, concluyen en su descripción.

Entradas: $40 por www.ticketek.com o $30 enviando lista

Listas: listalamagica@gmail.com

Lugar: Groove | Av. Santa Fe 4389

Horario: 23:30 hs

Asesinaron a Juan Herrera, baterista de Mal Momento

2013-05-03T14:58:00.000-03:00

Por Carlos Maidana

A través de un comunicado difundido en su Facebook oficial, Mal Momento dio a conocer la desgraciada noticia del asesinato de Juan Herrera, su baterista. Durante un asalto en su sala de ensayo en Garín, provincia de Buenos Aires, Herrera fue asesinado en la madrugada del jueves.

"No sabemos cómo comunicar lo sucedido. No hay palabras, no podemos entrar en razón. Nuestro amigo Juan Herrera, compañero de banda, nuestro baterista, no estará más físicamente entre nosotros. No sabemos si llamarlo víctima de la inseguridad o cómo", dio cuenta el comunicado. "Lo cierto es que un hijo de mil puta entró a robar a la sala de ensayo donde Juan trabajaba en Garín y lo mató. Estamos muy pero muy tristes. No hay más palabras que decir o por lo menos no nos salen", agregaron sus compañeros de banda.

Aún no se dieron mayores precisiones acerca de lo sucedido, más que la trágica noticia. "Siempre estarás entre nosotros. Te queremos mucho y jamás te vamos a olvidar", cierra el comunicado. El ambiente del Punk Rock local se conmovió con la noticia y todo el rock argentino está de luto.

Laberinto, de Jim Henson

2013-05-02T17:09:00.001-03:00

Por Matías Spector

La película Labyrinth (“Laberinto”) fue estrenada en 1986, y, como muchos de los films del género fantástico, sólo nos ha llegado en cariñosas reminiscencias. Las producciones fantásticas envejecen rápido porque la tecnología cinematográfica crece a grandes pasos, y lo que era una escenografía maravillosa luego pasa a verse como un mal truco de magia. Sin embargo, el género fantástico hace de la imaginación su primera poética, y con una vara mágica crea personajes que se graban en la memoria del espectador con la ternura de un escondite o de un juguete de la infancia. Laberinto no es la excepción. De la historia participan una joven fanática del teatro medieval, un bebé caprichoso, un hada, un gusano que habla, un enano quisquilloso, un zorro caballeresco que galopa sobre un perro pastor inglés, un ejército de duendes, el rey de los duendes, y un gran etcétera más.

Como si la fantasía de la ficción no fuera suficiente, detrás de los personajes y de toda la producción fílmica, habrá una espectacular miscelánea de celebridades de carne y hueso, curiosidades del cine, la música y la literatura. En el papel de la joven heroína, Jennifer Connelly, una adolescente que años más tarde se consagraría en la película Una mente brillante; en el papel del rey de los duendes, David Bowie, quien, con calzas apretadas, un peinado estilo punk desmechado, delineador azul y brillo en los labios, intercalará en la historia canciones como Magic Dance o As the World Falls Down. En la dirección, Jim Henson, creador de los Muppets; en la producción, George Lucas; en el guión, Terry Jones, miembro de Monty Python, un memorable grupo de humoristas ingleses de los años sesenta y setenta; en el diseño artístico, Brian Froud, famoso ilustrador británico de literatura fantástica. Y detrás del ejército de duendes habrá un ejército de titiriteros. A veces da más curiosidad la vida de un titiritero que la ficción de un títere. También, un grupo de personas de carne y hueso puede ser más fantástico que un personaje de fantasía. En lo personal, la dupla de Jennifer Connelly y de David Bowie se me grabó en la memoria como la cara de un duende.

El argumento es más o menos clásico: cuando sus padres salen a cenar, una adolescente queda a cargo de su hermano menor, un bebé caprichoso, que luego será secuestrado por un ejército de duendes; para que el bebé no se convierta en un duende, la joven deberá cruzar un laberinto plagado de peligros en sólo trece horas. Sin la sabiduría de la obra Alicia en el país de las maravillas, la película Laberinto sabe regular la tensión necesaria a cada aventura, trazar la ternura de cada uno de los personajes, reproducir paisajes que por momentos se tiñen de surrealismo, y sobrellevar un erotismo velado e infantil entre Jennifer Connelly y David Bowie. El lector escéptico o curioso puede buscar en internet los videoclips de canciones como Magic Dance o As the World Falls Down. En caso de que quiera dar un paso más, le quedará la fantástica aventura de desenterrar una película del sótano del cine.

Matemática para todos, de Adrián Paenza

2013-05-02T14:52:00.001-03:00

Por Déborah López de Gomara

“Una verdad matemática no es ni simple ni complicada por sí misma, es una verdad”, afirmó Émile Lemoine, ingeniero civil y matemático francés. Por definición, esta ciencia deductiva se encarga de estudiar las propiedades de entes abstractos y sus relaciones, es decir, trabaja con números, símbolos, figuras geométricas y demás. Con sólo escuchar de qué se trata, para algunos ya resulta cansador. ¡Qué suerte que llegó Adrián Paenza para explicar de forma muy sencilla y divertida algo que a simple vista parece complejo y aburrido!

Asistir a las charlas que ofrece este periodista y doctor en ciencias matemáticas está lejos de ser algo tedioso e inentendible. Desde el comienzo hasta el final, Paenza explicó con una soltura de vocabulario increíble y buen humor problemas matemáticos que con una rápida lectura confunden hasta la mente más despierta.

“¿Cuánto es 25 dividido 5?”, empieza a preguntar el matemático, que lejos está de parecerse a un nerd de los números, como los personajes de The Big Bang Theory, la serie norteamericana que retrata con exactitud el mundo de los científicos y fanáticos de los números. Así, de a poco, desarrolló cada uno de los problemas que les entregó a las personas que asistieron a la reunión en la Feria del Libro 2013. Tanto los que saben mucho, como los que saben poco, entendieron cada parte de lo que resolvió Paenza, a tal punto que es inevitable cuestionarse “¿Cómo no me di cuenta?”.

El calor, la humedad y el encierro fastidiaron a todos los asistentes, tanto al mago de los números como a sus ayudantes y espectadores. Sin embargo, todo lo malo se minimizó con el entusiasmo con que Paenza narró historias sobre los matemáticos de la historia y los chistes que al pasar contó. La sala, llena de niños, jóvenes y adultos se convirtió en una reunión de amigos en la que todos opinaron.

Luego de presenciar una de sus conferencias, es indiscutible la capacidad de oratoria de este hombre, que a los 64 años ya tiene publicados 8 libros, entre los que se encuentran Matemática… ¿Estás ahí?, en sus varios episodios; ¿Cómo, esto también es matemática?; y su última presentación Matemática Para Todos, motivo de su aparición en la Feria que todos los años tiene lugar en la Rural.

Después de casi dos horas de resolver cuestiones matemáticas, la Rural quedó casi vacía, pero lejos de retomar el viaje a casa, Paenza agarró una silla (la primera vez que se sienta desde que apareció en la sala de conferencias), y empezó a firmar cada uno de los ejemplares, no sin antes preguntarle a cada uno de los fanáticos su nombre y darle un beso en forma de agradecimiento.

La presentación de su libro fue todo un éxito y, demostró una vez más, la facilidad que tiene Paenza para hacer fácil lo difícil.

El Bordo en Auditorio Oeste

2013-05-01T12:17:00.000-03:00

PH: Facundo Suárez

Por Stefania Giannattasio

Minutos pasadas las 20:30 horas, De la Gran Piñata, la banda invitada a acompañar a El Bordo, salió al escenario de Auditorio Oeste y los primeros acordes de Montaña rusa empezaron a sonar. Darío “Pantera” Giuliano en voz y guitarra, Nicolás Persig en el bajo, Lucas Martínez en la guitarra y Alejandro Zenobi en la batería, continuaron con Escalofríos seguida de Introspectivo, del último material titulado Viaje al centro de uno mismo. (Sonrisa) y la tan coreada Veredas anticiparon el final de esta presentación. DLGP se despidió con Despertador y Residuos, apaciguando las ansias de sus próximos shows, el doblete en The Roxy el 15 y 19 de mayo.

Cerca de las 21:30, las luces se apagaron y el tiempo se fue en una canción junto a El Bordo. La lista empezó con un fragmento de Sueños de libertad enganchada con Quiero ver. “Bienvenidos a esta Noche extraña”, anticipó Alejandro Kurz, y mientras los papeles volaban y las chicas estaban listas a hombros para cantar más cerca de los músicos, Leo Kohon con la armónica dió inicio a Vientos de locura, correspondiente al cuarto disco de estudio Yacanto, editado en 2007.

Siento (el cielo va a brillar) y la movida Jazz barrial, donde resaltaron los dos vientos que los acompañaron, antecedieron a Tesoro. “A ver si me ayudan con esta, que quizás no me la acuerdo porque es viejita”, dijo la voz de la banda y entre todos entonaron las estrofas de Mal trago.

“No tenemos más que palabras de agradecimiento por haber colmado esto. Vamos a continuar con una canción, una historia de fantasías, aunque a veces la realidad nos sorprende superándolas. Para los inundados de La Plata”, presentó Kurz a Llueve en Buenos Aires y desde el público que se había trasladado hacia el Oeste, a pesar del mal clima, fieles a la música cantó: “Si vuelvo a ser de nuevo en esta piel / Lo haría todo de la misma manera / Quiero ser yo el que elija el reto al que enfrentar / En la perfecta imperfección que nos rodea”.

Siempre original, Así y Guitarra y canción, prosiguieron en la lista que, desde las redes sociales, ya habían avisado que sería extensa. Luego, una segunda parte de Sueños de libertad, en un escenario casi a oscuras, iluminado por algunos reflejos azules y violetas, puso en clima a este tema, desglosado durante el show, acerca de una de las peores épocas de nuestro país. La fatídica dictadura que mató, violó, torturó y desapareció a una generación, por pensar, por tener otros ideales, por intentar un sueño imaginado.

PH: Facundo Suárez

Antes de volver a referirse a los bordolinos presentes, fue el turno de Donde vagan los sueños. “Queremos agradecer a todos los poetas que escribieron para Silbando (en la luna). Estamos muy contentos de estar acá. Hay cosas que nos aterran como lo que pasó ayer en el Borda, luchemos para que no vuelva a pasar”, dijo Kurz.

Continuaron con La banda, que explica aquellas cosas que la ciudad no entiende, porque “cuando se siente no hace falta entender”. El día no me avisó, El regreso y Volando fueron otros de los temas elegidos para la noche en el Oeste.

“Yo sé que son muy buenos haciendo pogo, pero vamos a hacer un tema para bailar rocanrol, los queremos ver”, presentó Kurz a Aquella nochecita, y pocos obedientes le hicieron caso.

Desde 1998 El Bordo emprendió un camino con un incansable trabajo y empeño. Llegando al final no podía faltar En la vereda, que se lució en el medio con Heartbreaker de Led Zeppelin.

“No tenemos palabras de agradecimiento, o sí tenemos, pero con acordes”, dijo la voz de El Bordo antes de Los perdidos y presentó a los músicos que lo acompañan: Pablo Spivak en el bajo; Migue Soifer en la batería, Leo Kohon en teclado y armónica y Diego Kurz en guitarra.

A mi favor, Cansado de ser y uno que estaba fuera de la lista, pero que “ustedes se la han ganado”, como dijo Ale antes de Guerreros del viento. “Es una fecha muy especial, gracias por haber venido esta noche. Como dijo Fellini, cuidemos nuestros sueños que ellos son nuestra única vida real”, se despidió antes de Soñando despierto y, con una especie de marcha militar, sonidos de helicópteros, sirenas y la voz de Videla, concluyeron con el final de Sueños de libertad.