BandCom

MARTA REN & THE GROOVELVETS - Entrevista

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 24 Sep 2016 00:19:00 +0000

Dizer que temos ao nosso alcance um starsystem à nossa medida é algo cruel e elíptico. Estamos finalmente a tentar navegar naquelas piscinas super-modernas que ondulam a comando próprio e ainda por cima carregamos os valores daquilo que julgamos, e na verdade é mesmo, boa música para este ou aquele público. Mas depois temos super-talentos tão perto das nossas vidas que não sabemos bem como lidar com isso à saída da mercearia mais próxima da mesma forma que desconhecemos a próxima maré que pensamos que estamos a controlar.
Só que com Marta Ren é diferente. Nós já sabemos o que vem dali há muito, muito tempo. Mas agora a atenção cresce, o foco muda para a soul que carrega com uma banda incrível ora reinterpretando clássicos perdidos como "I'm Not Your Regular Woman" ou "Well I Done Got Over It" e surpreendendo-nos em temas como "2 Kinds Of Men" quando se torna inatingível e paira por muito mais terrenos do que o da classic soul music. Com a personalidade que a manteve relevante ao longo de todos estes anos ela não é apenas a nossa Sharon Jones, a nossa Amy Winehouse.
Diz ela que é teimosa e que mais da sua personalidade fica numa entrevista com os pais. Se calhar, temos de tratar disso. Havemos de lá chegar.
Mas ela já "lá" chegou. Com a pele de galinha por conta da casa e o reconhecimento por conta dos turistas internacionais que se vêem no olho do furacão despertado pela Record Kicks especialmente desde Fevereiro, data de lançamento de "Stop, Look, Listen", só deu para estas perguntas.

BandCom (BC): Se há algum tempo atrás imaginasses como seria a melhor fase da tua carreira, dirias que estás mais perto de lá chegar?

Marta Ren (MR): Sempre que começo uma banda ou um projecto, e finalmente esta aventura a solo, entrego-me totalmente e acho sempre que esse trabalho vai dar origem à melhor fase da minha carreira. Sinto que estou no caminho certo para o que sempre quis mas também tenho aquela sensação que "o melhor ainda está para vir", embora me sinta bastante realizada com tudo que está a acontecer com o " Stop, Look, Listen" desde Fevereiro.

BC: Dirias que Marta Ren & The Groovelvets é uma consequência do teu percurso musical até aqui ou antes gostarias de ter começado por aqui?

MR: É uma consequência sem dúvida, não teria feito este disco com esta maturidade sem ter a escola dos Sloppy Joe ou a paixão pelos Bombazines, tudo foi relevante, contou e foi importantíssimo para chegar até à aventura a solo.

BC: As tuas raízes familiares e geográficas, bem como aquelas dos que te acompanham ou acompanharam, desempenham um papel objectivo na persistência de uma carreira artística como a que tens e queres ter?

MR: O meu pai foi músico amador, o meu avô adorava cantar (e cantava bem), a minha mãe sempre adorou música, sempre houve música em casa dos pais e dos avós. Geograficamente, sou da Sra. da Hora mas estudei desde cedo no Porto. Todos sabemos que temos um lado raçudo e persistente, pode ter sido este conjunto de coisas que me tenha levado a ser tão resiliente ou mesmo e só a minha personalidade. Quem me conhece e está de fora saberá respondê-lo melhor, tens de entrevistar os meus pais (risos).

BC: Quando aprecias o reconhecimento que estás a ter em países que não Portugal, achas que o mesmo depende do estilo que entretanto adoptaste para a tua carreira a solo? Estás a receber na mesma medida daquilo que queres dar enquanto "performer"?

MR: Para ser honesta, estou a receber mais do que expectei. Ter a Wax Poetics, a Blues & Soul Magazine, o Dan Aykroyd aka Elwood Blues a fazerem críticas maravilhosas e a reconhecerem o meu trabalho de igual para igual com algumas das minhas referências foi mais do que eu esperava. Não te vou mentir e dizer que nunca sonhei com isto, mas tento sempre conter as minhas expectativas para não me desiludir.

BC: Dentro do universo 'soul', e também uma vez que partes de referências clássicas deste tipo de sonoridade, o que é que vês como mais importante para criar a tua própria notoriedade, algo que sobretudo numa carreira internacional torna-se tão difícil quando importante? É mais difícil agora o tal 'stop, look, listen' que antecede um novo passo a dar em relação a outras alturas onde as coisas poderiam acontecer de forma ainda mais espontânea e crua?

MR: Estamos na era da Internet, nada é tão difícil como há 20 anos atrás independentemente do estilo de música que faças. O segredo para ultrapassar a dificuldade é trabalhar, trabalhar todos os dias para se chegar onde se quer, até se chegar lá e voltar a fazer o mesmo do início as vezes que forem precisas.

BC: A produção e a qualidade dos instrumentais em disco têm sido decisivos para elevar a voz da Marta Ren a outros patamares de relevância. Qual é o "feedback" mais importante que podem ter, ou que já tiveram, em relação aos vossos espectáculos?

MR: Todo o conteúdo deste disco é importantíssimo, desde os microfones que fizeram a captação dos instrumentos aos compressores, tudo material analógico e vintage. As músicas, as letras, os arranjos das músicas, a edição, a mistura, a masterização do disco...foi tudo feito de forma muito perfeccionista e cuidada, embora a sonoridade final se reflicta num som mais sujo e envolvente que pode parecer um contra-senso.
O melhor feedback que tivemos até agora foi 5 franceses que fizeram 300km para nos verem e poderem ter os discos assinados no final e sabiam as letras de cor do inicio ao fim.

BC: Valendo o que valem os "videoclips" para a carreira musical de alguém, é notória uma nova direcção na história e na elaboração dos vídeos que têm servido de suporte aos “singles”. Concordas?

MR: Eu acho que os videoclipes sempre foram importantíssimos. Há músicas de que nem gostas muito mas os vídeos são tão fixes que acabas por vê-los mais que uma vez. Acho muito importante um vídeo aliado a um single.

BC: Nesta altura estás a ter oportunidades que esperaste 20 anos para ter. Por um lado, grandes palcos/festivais/eventos, a projecção mediática, e por outro a projecção de uma carreira com ambições totalmente internacionais. Agora que estás a tentar atingir novos objectivos, os obstáculos que havia antes para que, quem sabe, já os tivesses atingido mantêm-se?

MR: Sim, os obstáculos são praticamente os mesmos. Estes 20 anos trouxeram-me outra paciência e sapiência para os ultrapassar. A luta não é muito diferente das anteriores. Levares uma banda de 9 elementos para a estrada nunca foi fácil nem dentro nem fora de portas, o que vale é que sou teimosa (risos).

BC: Décadas volvidas, e apesar de a “soul “ basear-se e crescer a partir da independência de género, o que é o “poder soul” visto pela óptica de uma mulher que tanto pode pegar numa história sua ou noutra que lhe sirva de inspiração para chegar ao estado de espírito que pretende passar?

MR: A soul é a alma, fala da vida, da vida vivida, do que sentes das tuas entranhas e do que sofres e aprendes com isso e a classic soul music reproduz isso tudo, traz o que muita gente passa e sente mas não o consegue expressar.

BC: Já subiste ao palco das Noites Ritual embora não em nome próprio como agora. Tens recordações destes 24 anos de concertos no Porto no final do Verão?

MR: Tenho as melhores recordações, fui a muitas edições - em 2000 com os Sloppy Joe mas antes e depois como espectadora-, são noites de reencontros, de histórias de final de Verão, de se poder descobrir boas bandas que andam com menos atenção por parte dos media. Noites Ritual = a Noites de Celebração.

BC: Qual é o “talento clandestino” que mais aprecias num outro músico ou intérprete?
MR: Que cante ou toque ou componha com verdade, com o que está a sentir no momento e não à procura de algum tipo de fórmula que deu resultado no passado ou que acha que pode repetir.

André Gomes de Abreu

DE E POR: PALANKALAMA - "Palankalama" (2016, Ed. Autor)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 22 Sep 2016 22:22:00 +0000

Pedro João, José Ricardo Nogueira, Anibal Beirão e Rui Guerreiro. Os quatro formam a partir do Porto os Palankalama e assumem de fronte a sua dedicação a uma arte quase impalpável, excepto através de prática criteriosa, que é a de chegar a um cenário mais ou menos ficcionado dentro de cenários mais ou menos quotidianos através dos seus instrumentais sem grandes fronteiras. A atenção merecida acumula-se após o lançamento do disco homónimo da banda no início da Primavera deste ano e, felizmente, tem servido para também colocar à prova da surpresa outras artes, outros públicos, outros palcos, outras ondas hertzianas para além do globo que gira dentro de outras músicas do Mundo que tratam como uma herança crescente a cada novo dia. É óbvio: por um lado falsamente domesticados, por outro conscientemente vivaços.
Nas Noites Ritual deste ano eles estarão à vossa espera logo nas primeiras horas de música nos Jardins do Palácio de Cristal mas podem ir já com o filme todo feito pelo próprio grupo. Um bom conselho? É bom que o refaçam ao vivo.

Palankalama by Palankalama

Esmeralda

'Esmeralda' é o primeiro tema dos Palankalama, foi onde a banda começou. O tema procura retratar uma personagem feminina trabalhadora da noite que vive imersa numa realidade ficcional e de faz-de-conta.

Grafite

A 'Grafite' é uma canção desprovida de letra. O tom e a dinâmica deste tema foram marcados por uma relação com o desenho e com a grafite enquanto material plástico. Chegamos a uma festa a preto e branco, cheia de energia mas com pouca cor.

A Sina da Vaca

A sina de grande parte das vacas é acabar num grelhador, e é em parte o que tentamos fazer com este tema. 'Pôr tudo no grelhador'. Trabalhar um 'balanço' que, sem grandes esquemas, seja uma evocação de um espírito festivo e de baile.

Baile Psicológico

O 'Baile Psicológico' é um baile interior, vivido a dois mas de olhos fechados.

Marcha Fúnebre

A 'Marcha Fúnebre' faz uma alusão humorística ou ligeira a uma cerimónia fúnebre. Tentamos situar-nos algures em Nova Orleães e seguir o cerimonial índio e negro.

O Gaio e a Lima

'O Gaio e a Lima' é uma dedicatória. Um elogio optimista da vida a dois.

Burro

O 'Burro' é uma viagem em círculos. Atribulada e incerta. Uma travessia solitária de um deserto de areia e cascalho, feita com toda a temperança e calma a que o calor obriga.

Um Fato Cinzento Para Dançar

'Um Fato Cinzento Para Dançar' é uma valsa com intuitos simples e sobre prazeres simples; como tirar um fato velho e cinzento do armário e usá-lo para dançar com alguém de quem gostamos muito. É um gesto de entrega e sinceridade.

Um Pires Branco Com Um Pão Quente A Fumegar

'Um Pires Branco Com Um Pão Quente A Fumegar' é uma tentativa de fixar uma sensação de conforto, tranquilidade e ternura. Como se a visão de um pão a fumegar pela manhã fosse o suficiente para nos encher o dia.

O Génio da Morte

'O Génio da Morte' nasceu de uma participação no espectáculo 'Casa Vaga' do Teatro Experimental do Porto. É claramente um exercício de estilo 'western', uma cavalgada em direcção ao sol poente depois do último tiro disparado.

WHALES - Entrevista

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 28 Aug 2016 22:47:00 +0000

Após o final súbito dos Backwater And The Screaming Fantasy, Débora Umbelino assumiu-se a solo enquanto Surma e começou a criar um novo percurso para si. Não demorou muito para que os restantes membros partissem noutra direcção enquanto Whales e logo com a perspectiva de "Big Pulse Waves" e "Half Moon Bay" em maturação, com a primeira já garantida como "single" nos primeiros meses deste ano.
Com a garantia da edição do seu disco de estreia em 2017 pela Omnichord Records, a banda aproveita a cola de um selo de qualidade para diversificar a paisagem sonora desse mesmo colectivo e a vitória no Festival Termómetro foi o trampolim decisivo para um crescimento acelerado em que o Indie Music Fest é a próxima etapa passadas outras como a presença em festivais como o NOS Alive e na colectânea Novos Talentos FNAC 2016. Encostamos, por isso, todas as perguntas a meio deste salto para o desconhecido.

BandCom (BC): Assim que os Backwater And The Screaming Fantasy terminaram, sabiam exactamente o que queriam fazer?

Whales: Não sabíamos bem o que queríamos fazer mas sabíamos perfeitamente que não queríamos deixar de criar algo que fosse nosso e diferente.

BC: Ainda estão a trabalhar no disco de estreia? Quais as vossas maiores preocupações?

Whales: Estamos. Este disco foi sempre um dos nossos grandes objetivos e já temos vindo a trabalhar nele ao longo dos últimos meses. A nossa maior preocupação é atingir os prazos por nós previstos e fazer com que o resultado final seja o melhor possível, tanto para nós como para todos os que o ouvirem.

BC: Acham que o facto de estarem a riscar rapidamente pontos de uma imaginária “lista de objectivos de uma banda bem-sucedida em Portugal” é o reconhecimento justo e exacto pelo vosso trabalho enquanto músicos desde que começaram ou esperavam que tudo se processasse com um maior espaçamento e fosse mais fácil de segmentar?

Whales: De facto as coisas têm-nos corrido bem, temos tido sorte e, mais importante, o apoio daqueles que gostam de nós. Claro que quando começámos o projeto nunca nos passou pela cabeça que as coisas acontecessem tão rapidamente, no entanto está a ser fantástico acontecer assim.

BC: O HAUS e a sua equipa têm estado associados a vários lançamentos de bandas nacionais nos últimos tempos e a muitos lançamentos de bandas com carreiras muito jovens. Quais eram as vossas expectativas antes de entrar em estúdio para gravar a versão single do “Big Pulse Waves” e de que forma elas se materializaram na evolução do disco e de vocês também enquanto banda?

Whales: Antes de entrarmos em estúdio, sinceramente, não tínhamos dúvidas de sairmos de lá satisfeitos em relação à música. No entanto, tínhamos a noção de que íamos chegar, gravar e ir embora. Ficámos surpreendidos com a forma como eles lidaram com uma banda que não conhecem de lado nenhum, a quem não devem nada. Gostámos principalmente da sinceridade deles e da forma como se entregaram à nossa música. Após a nossa passagem pelo HAUS, começámos a dar mais atenção a pequenos pormenores que se calhar antes passavam despercebidos.

BC: Depois de vermos o videoclip da “Big Pulse Waves”, há algum cuidado especial com a imagem global da banda que queiram consolidar e enfatizar?

Whales: Ainda é muito cedo para falarmos numa imagem concreta da banda. Foi um primeiro passo que achámos que correu muito bem. O Rui Gaspar fez um excelente trabalho e transmite a energia que queríamos colocar na música.

BC: Uma vez que se posicionam, para já, como uma banda indie-rock com apego a alguma electrónica, haverá material e material a montar, carregar, agrupar para cada concerto ou cada ensaio. Enquanto músicos, o desafio maior está nesta altura na exploração da electrónica ou da parte eléctrica e mais conotável com o rock?

Whales: Um dos nossos objetivos foi sempre explorar esta vertente mais eletrónica do rock alternativo de modo a individualizar-nos do resto das bandas, portanto para já essa é a nossa maior preocupação.

BC: Já não é possível particularizar apenas Leiria, como tão tentador poderia ser, enquanto um pólo de criação de novos eventos. Cada vez mais descobrem-se novos festivais, novos eventos, novas formas de chamar a atenção para a música feita em Portugal. É isso que têm sentido? Que locais e que concertos mais vos têm surpreendido?

Whales: Temos sentido, principalmente, que tem sido atribuída mais importância na música em Portugal nos últimos anos com a criação de novos festivais e novos eventos que apoiam bastante a cultura portuguesa em geral. "Puxando a brasa à nossa sardinha", um dos sítios que nos tem mais surpreendido em termos de dinamização da cultura é Leiria. Esta nossa cidade tem um conjunto de pessoas que de forma voluntária elevam a cultura a outro patamar. O Norte do país também nos é bastante especial, é aquele local onde vamos e nos sentimos sempre acarinhados e recebidos de forma quente. Não podemos deixar de falar do NOS Alive que foi um concerto único, em que fomos tratados de forma espetacular e recebidos pelo público de forma surpreendente.

BC: Pode facilmente tornar-se asfixiante a vida de estrada num país pequeno mas com cada vez uma maior distribuição de salas activas (não que haja uma variação substancialmente positiva na sua quantidade) e em que se chega a um festival de “montra” e é difícil sugerir bandas portuguesas que tocam todo o ano em todo o lado face a artistas ou outras bandas que vêm do estrangeiro, em estreia ou de regresso. A estagnação é algo que já vos preocupa ou não há outra saída senão o estrangeiro?

Whales: Acreditamos que tendo um público fiel e que nos siga de Norte a Sul do país, por muito pequeno que seja, nunca será asfixiante mas sim reconfortante. Mas qual é a banda que impõe um limite ao número de pessoas a quem se quer dar a conhecer?! O nosso objetivo é e será sempre levar a nossa música ao máximo de pessoas possível. Tocar no estrangeiro será sempre um desejo nosso.

BC: Em que fase é que estamos no que diz respeito à nova música portuguesa? Temos passos em falso que estamos a remediar ou que devemos remediar a curto prazo? O mercado internacional está mais aberto para “nós”?

Whales: Na nossa opinião existem algumas coisas que deviam mudar na mentalidade dos portugueses ligados aos grandes festivais de música em Portugal nomeadamente quando se trata de escolher as bandas que tocam nos palcos principais e secundários. Porquê pôr uma banda estrangeira pouco conhecida num palco principal quando se pode por uma banda portuguesa com mais nome?! Ou, por vezes, quando até tocam no palco principal, porque não colocá-las no horário da noite?! Quanto ao mercado lá fora, não temos a certeza de que as bandas portuguesas sejam tão bem recebidas como são as bandas estrangeiras cá em Portugal.

BC: Se os Whales são uma promessa a confirmar em breve, como é que se chamam as outras promessas portuguesas que gostariam de ver confirmadas tão rápido quanto possível?

Whales: Qualquer banda de Leiria pode ser uma promessa a confirmar!!

BC: Entre os Foals, Roberto Carlos e aquele labrador do “teaser” da versão “demo” da “Big Pulse Waves”, a quem gostariam de deixar uma mensagem e que mensagem seria essa?

Whales: Dos três, gostaríamos de deixar uma mensagem ao nosso amigo Juca, o labrador do teaser, que infelizmente nos deixou há um ano atrás. Gostaríamos de lhe agradecer a companhia que nos fez em dias e noites inteiras de trabalho na nossa sala de ensaios.

André Gomes de Abreu

DE E POR: THE WALKS - "Fool's Gold" (2015, Lux Records)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 23 Aug 2016 01:00:00 +0000

Não há como enganar: os The Walks, banda a que pertencem Gonçalo Carvalheiro (baixo), Nelson Matias (guitarra), Miguel Martins (guitarra), John Silva (voz) e Tiago Vaz (bateria) safam-se que nem banda de Coimbra, sólida, marcada, vivida em cada detalhe traduzido lirica ou instrumentalmente. Não consta que também se demorem muito entre criar e recriar se o foco ou o momento não forem os certos - não é fácil apresentar uma banda de rock n' roll por estes dias e fazer juras de castidade eterna quando o garage-rock, o punk e a densidão do blues espreitam e o apoio do "tio" Victor Torpedo é inquestionável. Ser, por isso, um dos talentos da extensa lista de "Novos Talentos FNAC" depende, assim, não apenas da execução de ideias fugazes mas sobretudo de uma capacidade de imaginação inesgotável e permanentemente insatisfeita na procura de novas conjugações.
Há apenas pouco mais de 3 anos a engolir palcos por todo o país e também pelo estrangeiro, os autores de "R" e "Fool's Gold" chegam ao Indie Music Fest no primeiro dia do próximo mês e esse é um bom pretexto para irmos tentar saber mais sobre o disco de estreia dos The Walks que todos acabarão por ouvir algum dia sempre com o pensamento naquilo que poderá (ou poderia, se chegarem atrasados) ser os seguintes.
P.S: Olhem que os The Amazing Flying Pony estão de volta. Cautela!

Clockwork

A estrutura geral da música surgiu num retiro criativo que fizemos numa casa de campo, em meados de 2014. De entre os esboços que trouxemos, escolhemos aquele que na nossa perspectiva se encaixava na linha dos temas do EP. Com uma base rítmica forte e um 'groove' demarcado, o tema ficou completo com os arranjos da secção de sopros e com toque característico da guitarra de Victor Torpedo (Parkinsons, Tédio Boys, Tiguana Bibles). Por todas estas razões, foi o tema escolhido para primeiro 'single' de apresentação do álbum.

Lost In The Crowd

Um dos primeiros temas que compusemos ainda numa fase embrionária da banda. Tem um refrão forte e uma mensagem social importante que nos fala do isolamento, da procrastinação e como esse estado de comodismo nos faz sentir perdidos na multidão. A versão de estúdio alterou um pouco a estrutura original sem que a força e intenção do tema fossem beliscados. É, na nossa opinião, um dos temas mais bem conseguidos do álbum.

Holding On

Tudo começou com este tema. Um esboço acústico, composto pelo John (vocalista), diferente daquilo que é hoje mas, sem dúvida, o ponto de partida para a sonoridade da banda. Por todo o valor simbólico e porque continua a ser um tema com o qual nos identificamos, não poderia deixar de ser incluído no álbum.

Loaded Gun

A 'Loaded Gun' foi um dos últimos temas que criámos, a poucos dias de entrarmos em estúdio. O John chegou ao ensaio com uma letra forte e directa e com a intenção de que o tema correspondesse a essa mensagem. Não foi difícil chegarmos à estrutura de uma tema, que viu parte do seu trabalho de produção ser construído em estúdio mas que não descura a intenção original. É um dos temas que mais resultam em concerto.

Move Along

O tema mais directo, 'sem espinhas' e com uma forte influência 'punk' e 'garage-rock'. Cronologicamente, foi o segundo tema a ser criado e surgiu no meio de um ensaio, enquanto trabalhávamos a 'Holding On'. É um tema cru, eficaz e orelhudo, um pouco à imagem do que caracteriza a sonoridade 'punk'. A mensagem é forte e entoada em jeito de palavra de ordem. Consideramos que é em palco que este tema tem a sua expressão máxima.

Redefine

Gravado em finais de 2013 para o nosso EP de apresentação, 'R', lançado em meados de 2014, 'Redefine' foi o primeiro 'single' escolhido para a sua divulgação. Partindo quase do nada, com este tema obtivemos um destaque bastante importante e inesperado com rodagem frequente em várias rádios nacionais, entre elas a Antena 3 e a Super FM, e com presença nos lugares cimeiros dos respectivos 'tops'. Curiosamente, antes de ser gravado, andou 'perdido' durante algum tempo no lote dos temas por acabar. Sabíamos que poderia ser um bom tema mas faltava algo e ficava sempre de lado. Felizmente, o nosso amigo Victor Torpedo aceitou assistir a um dos nossos ensaios e, depois de o ouvir, incentivou-nos a pegar nele novamente e, de um momento para o outro, parece que tudo começou a encaixar e o resultado superou as nossas expectativas.

Pleasure and Pain

Apesar de melódico, é o tema mais sombrio do álbum e com uma sonoridade 'garage' mais carregada. A sua estruturação aconteceu gradualmente tal como a composição da letra. Esse facto levou a que cada uma das partes (letra e música) se influenciasse mutuamente. O peso da mensagem, que fala da estreita relação entre o prazer e o sofrimento, conduziu a este ambiente sonoro mais 'carregado'. O refrão é intenso e orelhudo a fim de quebrar, momentaneamente, a densidade que caracteriza este tema.

Midas Touch

Nunca foi nossa intenção criar um tema instrumental para o álbum ou mesmo para tocar ao vivo. Numa fase inicial de um ensaio, todos fomos atrás de um 'riff'. Foi um daqueles momentos em que tudo parecia sair bem e à primeira. Optámos por um nome que traduzisse isso mesmo; 'Midas Touch' assentava que nem uma luva. Criámos o tema semanas antes de irmos para estúdio e foi unânime a decisão de o incluir no álbum.

Hell Of a Dream

Um dos temas mais fortes do álbum. Tem energia, personalidade, uma mensagem intensa e uma vontade de pôr toda a gente a mexer. Um tema 'rock' genuíno, sem rodeios e dos que mais gostamos de tocar em concerto.

Riding The Vice

'Riding The Vice' conta novamente com a colaboração de Victor Torpedo na guitarra, tal como uma forte presença da secção de sopros. É um tema intenso, 'Rock FM', que fala sobre o caminho tortuoso associado a qualquer vício.

Out Of Luck

Neste tema, a maior parte do trabalho de produção foi realizado em estúdio. Composto pelo John, em formato acústico, apenas algumas semanas antes de se iniciarem as gravações. Apesar de ter mantido a sonoridade acústica original, foi sujeito a um trabalho extenso, em termos de arranjos e de elementos, a fim de poder marcar a diferença sem que perdesse o sentido no álbum. Com influências notórias do 'britpop' dos anos 90, o resultado foi, na nossa perspectiva, muito gratificante.

Inside Out

O disco termina com um tema que, de certa maneira, traça o futuro. À altura da gravação deste álbum, 'Inside Out' espelha o estado de alma que existe entre os membros da banda e o sentido que poderá servir de ponto de partida para novas composições. Um tema longo, mas coerente, com uma fluidez genuína, intensa e inevitável. Até ao momento, o nosso tema mais complexo mas também um dos mais divertidos de tocar, seja em concerto ou em ensaio.

DE E POR: RUI TAIPA - "Meia Dúzia de Histórias" (2014, Ed. Autor)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 01 Aug 2016 00:48:00 +0000

"Faz uma música para mim". Histórias como esta sabemos quase todos escrever só que estamos num tempo em que já ninguém vai atirar talento à televisão nacional desprevenido de registo próprio. E com Rui Taipa, estudante de Música no Instituto Politécnico de Bragança, não se perdem apenas os pormenores pelo meio. Perdem-se outras histórias difíceis de calar e isso dá muito jeito para “Meia Dúzia de Histórias” que são pedaços de uma só, de 2010 até 2014, dos 16 aos 20 anos de idade. Os amores e desamores têm uma importância vital, não se sabe a 100% o que se quer da vida nem do dia seguinte.
No total, são 6 canções que não terão nunca que amadurecer especialmente a tempo do Croka's Rock 2016. Basta que Rui Taipa justifique que as suas canções são canções de todos e de cada um daqueles que se deslocarem a Oliveira do Arda no primeiro dia do festival que, mais uma vez, não pede licença para entrada. Os ingredientes musicais, esses, são vários e são os mais amigos de quem ainda procura o seu habitat ao sol para que a ideia de "O Amor Em 21 Minutos", título original do EP, não seja um contra-relógio sem pernas ou sem criatividade.

Maria Manuela
A canção. A história verídica com o uso de um pseudónimo que se justifica apenas com a necessidade de uma rima com 'janela' aquando da escrita da canção. O início de uma história de amor incrível, de um percurso artístico cauteloso, o lado 'pop' que ficou para trás com o passar dos anos. Inicia-se com um solo de harmónica que, como meu primeiro instrumento musical, teria todo o direito e legitimidade de iniciar o tema que daria início a uma longa viagem por esses palcos fora. 'Maria Manuela' é a canção que tocou as pessoas e que volta e meia o público pede com nostalgia.

Why?

Criada no mesmo dia que a faixa seguinte ('Melro') e, salvo erro, na mesma hora. Transmite uma mensagem de revolta e simboliza, também, uma fase de escrita em inglês que evoluiu (não menosprezando) para a escrita na nossa língua-mãe. A malha mais 'ska' com o uso do 'kazoo' transfere um ar jocoso ao tema que o torna leve ao ouvido e propício ao sorriso assim que o ouvinte se apercebe da letra no refrão “what the hell was on your mind to leave such a guy like me? I’m the best you’ll ever get. Oh, can’t you see!' (o que te passou pela cabeça para deixares um gajo como eu? Sou o melhor que alguma vez vai ter! Oh, não consegues ver?).

Melro

Assim como a faixa anterior, é um tema revoltado, triste que fala de perda e da desilusão. O nome justifica-se facilmente com o facto de, o meu pai, na minha infância chamar-me 'melrinho' sempre que eu optava pelo caminha da rebeldia. Assim associei o melro ao “errado”, o 'lado negro da força' por assim dizer.
Conta a história de um rapaz que certo dia encontrou 'um melro' com uma 'asa partida', ajudou a consertá-la, cuidou dele e tem de assistir à fuga do melro assim que recuperado.

A dor que sente e o arrependimento por se ter dedicado e afeiçoado tanto ao melro é expressa no refrão! A força que este tema ganhou entre o público deveu-se ao facto de retratar algo comum a todas as pessoas. Toda a gente já se sentiu traída, enganada por alguém que gosta e sofreu com isso. Esse é um ingrediente fortíssimo na composição de uma canção: fazer o ouvinte identificar-se com a mensagem que está a ser transmitida.

Fuga

Numa vertente mais 'funk' surge a 'Fuga' (inicialmente, 'Vou Bazar', como é proferido no refrão. O nome foi alterado por razões óbvias). Serve como continuação da situação que a 'Why?' e a 'Melro' criaram mas, de certo modo, é contado num tom não tão de primeira pessoa mas mais como um relato da vida de alguém e, mais à frente, num tom conselheiro de como proceder face aos problemas do dia a dia, face às alturas em que o sujeito deveria dizer 'vou bazar!' e não o fez. A última estrofe surge 'feita à pressão' no dia de gravações quando reparámos que a estrutura da música era deficiente e não faria sentido o final ter apenas uma estrofe. Pararam-se as gravações e um café na pastelaria abaixo do estúdio fez o milagre de criar a estrofe 'Passas a vida a tanto querer; a procurar todo um poder. Tudo isso que não te deixa viver nem vencer!'.
Concluiu-se no 'take' seguinte.

Menina No Banco Azul

É neste tema que se dá a reviravolta na história. O tema mais bonito, mais simples e mais curto. O 'banco' é azul porque o azul é a cor do recomeço e, face à história que está a ser contada, se de repente há uma menina que se encontra triste à espera que tudo volte ao normal, à espera 'do Sol' e se, de facto, 'depois da tempestade vem a bonança' faria todo o sentido colocá-la num banco de jardim, a chorar à espera que a felicidade voltasse. E ela voltou!

Voar

O EP acaba como começou! Alegria, amor, mel (mel a mais, talvez! [perdoem-me, tinha 16 anos e estava apaixonado!] [[perdoem-me não! Congratulem-me!]]) mas difere (como vem a ser hábito ao longo do EP) no género, denotando-se um travo maior de 'rock' do que de 'pop'. Os cabelos e os olhos castanhos descritos no tema são os da 'Maria Manuela' e que (no tema anterior a este) se percebe que afinal, se tudo voltou ao normal, trata-se, também, da “cachopa” que estava triste sentada num banco de jardim à espera que o “sol” aparecesse. Embora seja claro que a história acaba como começou, o final não deixa de ser um final em aberto.

DE E POR: THE CITYZENS - "Medicine For Open Minds" (2015, Ed. Autor)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 01 Aug 2016 00:06:00 +0000

A edição do Festival Croka's Rock 2016 continua a ser um palco priveligiado para despertar atenções para novos nomes e concentrá-las naqueles que precisam apenas da constelação certa. A apontar para todos os lados, os The Cityzens ainda carregarão várias das canções de "Medicine For Open Minds", o seu disco de estreia editado no ano passado e entretanto já reeditado este ano, quando tocarem no dia 6 deste mês nas margens do Rio Arda e mostrarem o seu multifacetado rock n' roll.
Directamente de Vila Nova de Famalicão e de todos os palcos que já percorreu, o relato do colectivo - que passou de um duo após o final de actividade dos sUBMARINe para um trio na actualidade - sobre todas estas canções.

Salvation

Este é o tema que abre o disco e também o primeiro 'single' do mesmo.
O tema aborda a procura sistemática que existe em nós na esperança de encontrarmos a salvação, acreditando que este mundo pode ser melhor.

Jungle

É o desabafo de um personagem que sofre de agorafobia, com o seu medo constante de ser engolido, pela selva urbana. É o segundo 'single' do álbum.

Billy Was A Black Punk Rocker

Esta canção é a homenagem a um individuo que conheci aqui há uns anos, que dizia ser o “único negro português” que gostava de 'punk-rock'. Em suma, um figurão.

Dream On

Uma canção que retrata a dor que surge quando se está na eminência de perder alguém que se ama.

Queen Without a King

O retrato dos que querem estar na berlinda a qualquer preço.

Chameleon

Autobiográfico, fala das mudanças de atitude perante a vida.

GoGoGo

Esta fala sobre a diferença entre aquilo que vemos e o que nos querem impingir.

My Riddle

Este é um quase exercício de 'exorcismo'. A música que coloca várias interrogações relacionadas com a existência do dito 'ser criador disto tudo'.

Slowmotion

O retrato do individuo disposto a tudo para conquistar um amor impossível.

Let's Fall In Love

É um tema que simplesmente passa a mensagem de que apesar das diferenças não conseguimos viver uns sem os outros, homens/mulheres.

Red Blues for Two

Os nossos demónios andam sempre por perto. A narração de um pesadelo.

Black City Rockers

Este instrumental, 'surf-rock', fecha o disco e é uma espécie de banda sonora da vertigem acelerada que se materializa nos nossos dias.

OS MELHORES DE 2015 PARA O BANDCOM

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 08 Jan 2016 12:41:00 +0000

Nunca fugimos disto: o problema é a escolha.
Continuamos à procura de mais música nova, de conservar o que vai ficando para trás.
Damos asas para que o público se pronuncie primeiro e só depois reservamos os boletins de voto para nós.

Em 2015, talvez a produção tenha aumentado em volume mas o sumo não é indigesto.
De uma shortlist de cerca de 100 lançamentos (entre talvez mais de um milhar no total acumulado do ano), há 35 honras e "viva"s para dar.
25 discos, 10 EPs. Sem fronteiras, sem razão absoluta.

Onde estão os donos de 2016?

TOP 25 LP's NACIONAIS DE 2015:

25. Inércia, por DIE VON BRAU, Ed. Autor

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Lado a lado com o amadurecimento do Dedication For Project, Sérgio Faria cria como DIE VON BRAU "Inércia", um tratado extenso que versa sobre muito mais do que apenas uma cidade.
Faz-nos andar às voltas, perdidos pelo desavergonhamento da electrónica nacional, claramente um dos ícones do Portugal musical dos últimos anos, enquanto a fronteira fica no comentário: enquanto se disser que não se pode, estar-se-à do lado errado do jogo. Uma perfeita visão reaccionária que paira com saudades do futuro em que o techno segue o flow do momento como patrono imediato.

24. Boca de Cena, por Moniztico, Ed. Autor

Quando o hip-hop se aventura, pode ser apenas unhas de fome; quando não se aventura, o perigo é ainda maior. Material confessional, então, é para apreciar com distância.
O surgimento de Moniztico com um bonito cartão de visita deste género escava aquela essência tão amplamente discutida: ser genuíno. Se isso é para o simples fã um sinónimo de prazer momentâneo, deve ser encarado a longo prazo como antecâmara para um artista de excepção - neste caso, como alguém que pode fazer girar o hip-hop de partida de outra forma porque quer ter também outras referências.
Só que a complexidade com que tudo do dia-a-dia de um jovem setubalense encaixa em "Boca de Cena" revela-se bem mais fascinante do que prometermos que Moniztico vai escalar as vossas playlists num ápice.

23. Mensagens da Nave-Mãe, por PZ, Meifumado Fonogramas

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PZ significa em 2015 uma personalidade de sucesso, Paulo José Pimenta que consegue mais do que regressar aos seus melhores amigos de estúdio com corrente eléctrica (ou não) e pedir-lhes que corram novamente em fundo em modo aleatório entre o hip-hop, o techno minimal, o house ou a pop. Significa construir um manifesto desconcertante sobre o ridículo pantanoso querendo ser o melhor intérprete, compositor e anti-estrela possível para todos. E uma máscara de descomprometimento tão sagaz de alguém que é tão sério mas sensível quanto às variações que pode dar à evolução dos tempos e dos assuntos só pode caber numa selecção do melhor que se faz. Chovam notas, chovam Cartões do Cidadão.

22. Crossing Roads, por SHAPE, Hell Xis Records

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Directamente da melhor colheita do punk e post-hardcore nacional, os SHAPE surgem em 2015 com o estreante "Crossing Roads" e se a hora seria sempre boa (quanto mais não seja para que o legado de Álvaro de Campos seja bem reaproveitado), a forma não é descurada. Uma construção instrumental e melódica fortíssima não abandonada pelos pormenores mas sim acompanhada de imagens e vocalizações certeiras para colocar um conteúdo lírico bem trabalhado como mais do que um extra no centro do saco de boxe a longa distância. Um disco que um sucessor tratará de esticar e desapegar ainda mais da pretensa superficialidade.

21. Escabroso, por TORTO, Lovers & Lollypops

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À segunda tentativa, sabemos o que esperar dos TORTO quanto à sua estética e sonoridade, o que esperar em concreto em relação à sua consistência e coerência. Mas somos sempre surpreendidos por uma manifestação de qualidade impossível de ignorar da dupla de Jorges que mais quer trazer à baila o poder de uma secção rítmica e melódica mínima no espaço e dominante a enjugar as oscilações dos tempos com a classe e a desenvoltura do indie-rock norte-americano dos anos 90. Não é possível ficar pelo elogio da estrutura após uma experiência auditiva tão rica quanto a de apreciar estes minutos.

20. O Conto, por L-ALI, Crate Records

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"O Conto" de L-ALI é uma das histórias de encantar do hip-hop nacional pós-HHtuga dos últimos tempos. Um produtor jovem que rodeia-se cirurgicamente de amigos ou colaboradores (não é por acaso que representa a estreia nas edições da editora do altamente influente Razat) não menos jovens ou tão mais experientes oferece 11 faixas altamente divergentes do modelo do momento, seja ao nível do flow, do beat ou mesmo do ataque a cada sílaba e da sua relação com o teor da mensagem e o ambiente denso criado para um declamador que enreda e carrega tudo sem aparentemente grande esforço. Terror em directo a partir de Alfama e cruzamentos incestuosos de linhagens musicais remodeladas.

19. Heat, por Glockenwise, Lovers & Lollypops

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Perderam o "The", o caleidoscópio gira mais negro e a maturidade traz-lhes a relação mais feliz que já tiveram com a sua ambição e com o seu apurado sentido pop. "Heat" dos Glockenwise aprofunda a matéria dada e emerge como o melhor disco da carreira da banda, um dos melhores do género dos últimos anos sem o risco de estagnação nem de corrupção e um passo decisivo para o estabelecimento de uma carreira em que as verdadeiras viragens continuarão a acontecer com o perfume da multiplicidade sensorial do factor "grupo". Se o que ficar lá para trás for esquecido e abençoado, que se importe a racionalidade de saber gozar a juventude em todos os instantes para que não exista o sempiterno receio de ser adulto.

18. 10000 Russos, por 10000 Russos, Fuzz Club Records

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É sob o selo da Fuzz Club Records que os 10000 Russos reiteram os desafios à lei do EP de estreia, com mais e melhores companhias de palco mas com os amores e tributos insurrectos e escondidos de sempre - ou melhor, a vaguear livremente pelo alcance de um descampado mental específico com o embalo da quasi-atonalidade de uma incursão seca e indivisível de bateria, baixo e guitarra pelas sensações da marginalização psicadélica avant-garde.
Mas aqui, o acto de riscar mandamentos um por um é assumido como essência e como um produto inacabado. Este não é, certamente, o capítulo final e os 10000 Russos não se preocuparão minimamente se ficarmos perdidos, de gosto ou desgosto.

17. Nagual, por Albatre, Shhpuma

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O anterior "A Descent Into The Maelström" já era gigante mas os Albatre conseguem trepar esse muro com o seu mais recente "Nagual". O trio de Hugo Costa, Gonçalo Almeida e Philipp Ernsting não deixa de partir dos preâmbulos do jazz mas também não se deixa apanhar pela introversão simples do género: antes, a urgência de se libertar não cede a pressões e torna-se frenética e ameaçadora quando se cola ao doom e ao rock telúrico mais pesado e também mais minimal.
A mais séria erosão de limites de 2015...ou quando o jazzcore encharma.

16. Sou Imortal Até Que Deus Me Diga Regressa, por Tiago Lacrau, FlorCaveira/Amor Fúria

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O disco que o artista agora conhecido como Tiago Cavaco assina 10 anos depois de "Tiago Guillul Quer Ser O Leproso Que Agradece" explica-se, em parte, por si próprio: um intérprete e compositor que acumulou a sabedoria necessária para um ciclo em que é momento de gravar um disco rock n' roll que seja seu, que seja o seu espelho ou o reflexo da sua opinião e que saiba guiá-lo por mais (do que) uma auto-estrada. Um desafio para todos os que seguem a sua carreira e de quem o ajuda neste registo, um momento de combate à fobia de múmias bem conservadas para qualquer altura em que se tornem de novo imponentes e bebam da sua própria modernidade.
É reconfortantemente bom, de sentir, de ouvir, de fazer sentido aqui e em qualquer lugar. E Tiago Cavaco não é nome que se dê a qualquer incompreensão que se queira admirar: é só o nome de um rocker português.

15. V, por ATILA, Bisnaga Records

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Cenários decadentes, matéria em conflito, vibrações gélidas, desolação industrial construída, em partes quase semelhantes, pela acidez do black metal e da electrónica pálida do drone.
Colagem de sucessivas mutações de um tom inicial em que a discrição conta o romaneio mais profundo e o desgaste é sedutor em busca do enleio favorito para a salvação.
Assim é o ATILA que aprisiona em "V" um equilíbrio difícil de dominar entre o fuso e a roca e que não o irá libertar da mesma forma. Para apreciar em qualquer passeio.

14. Paradoxo, por Mic Selva x Last Hope, Ed. Autor

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Mic Selva a escrever, Last Hope a produzir. Dois nomes, uma colaboração que não é virgem e o pedido de ajuda a nomes como KappaJotta ou Valas que não só criam novas pistas (enquanto Nébula, por exemplo) mas também estão num patamar de auto-estabelecimento superior e já assinalável no panorama nacional.
Desta mistura resulta uma série de promessas cumpridas - a principal, o contraponto necessário à fúria da emergência de discos como os de L-Ali ou VULTO enquanto busca de uma aproximação das intenções do hip-hop clássico e depurado pelas décadas e pelos seus actores a elementos da pop ou do chill electrónico mais abrangente. Batam depressa a estas portas.

13. Hightower, por Equations, Lovers & Lollypops

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"Frozen Caravels" e "Hightower": duas fricções gémeas de uma banda que caminha já com a segurança de dominar o que o rock pode albergar e de criar a alternativa a si própria. As teclas mandam mais na beleza dos novos Equations que levam a destreza das guitarras e o sr. Rickenbacker para uma demanda limitada em tempo mas não em possibilidades, um novo olhar para um futuro inexacto com as ferramentas que representavam progresso no passado, uma espiral precisa do seu gosto para despertar diferentes reacções.
Agora, "Hightower" é um disco de mão cheia; amanhã, poderá ser "Frozen Caravels". Nada mais podemos pedir.

12. Coclea, por Coclea, Shhpuma

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O trabalho que Guilherme Gonçalves lançou como Coclea revela um guitarrista que opta por posicionar as cordas ao serviço do etéreo e da krautmusik estrelar que recebe uma visita aconchegante mas tão distante do blues e de esparsos assomos vocais. Para além do produtor e companheiro de banda de excelência, o reafirmar do arquitecto de um som encharcado de melodias e latitudes, com pouco adorno à sua honestidade de movimentos que só conseguimos conjecturar, sem apontar a um clímax nem fugir à lipemania.
Como se fossem jogos de sombras a contemplar a sua própria identidade.

11. Trabalho & Conhaque OU A Vida Não Presta e Ninguém Merece a Tua Confiança, por Nerve, Mano A Mano

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A próxima etapa após o porta-estandarte "Eu Não das Palavras Troco a Ordem" só chegou em 2015. Honra seja feita: sete anos atordoados pela procrastinação. Mas dificilmente poderia haver melhor vantagem, a de ser o grande "Big Brother" que analisa e assimila os esforços globais para o enraizamento do hip-hop com uma veia para o mainstream e outra para a sua própria sobrevivência. Na altura certa, Nerve demonstrou que a sua personalidade está acima do rótulo da sua própria independência; é a mesma que prevalece sobre o sample massificado e se renova pelas fracturas que cria com o passado, o presente e o futuro do género, até mesmo na difusão da sua geografia.
Está na hora de o príncipe ser perfeito. Pobres dos reis que não queiram companhia, o trono de Nerve não precisa de ser majestático para ser do seu sangue.

10. Quarto Crescente, por Márcia, Warner Music Portugal

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Não há dores de crescimento que afastem Márcia de uma escrita límpida e escorreita de belas canções pop. "Quarto Crescente" mantém a cantora e compositora perto dos temas que partilha com quem quer seguir a sua música mas todo esse poder de criar beleza evidencia-se ainda mais com a diversificação e claridade da produção instrumental, permitindo-lhe tornar-se ainda mais expansiva e concretar a soberba dos pormenores e das criptas em soluções efectivas. Mais do que um passo em frente, um passo certo e seguro de quem o tinha que dar: a própria Márcia e a sua entourage de palco.

09. Arqueologia, por Balla, EdiMusic

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Pode ser quase um pecado para um artista parecer que o público demora a gravar o seu nome e que a crítica repisa, faz por votar um passado bem sucedido ao esquecimento. Se pensarmos no nome de Armando Teixeira, aqui enquanto parte dos Balla, é estarmos ao favor ou saborear inconscientemente um crime. Et voilá: "Arqueologia". O charme maquinal e o encadeamento irresistível das composições de quem destapa sentimentos sem pudor alia-se, de novo, à forte matriz pop electrónica que contamina o rock mais pulsátil. Todas as ruas de Portugal e da sua mente são recantos luminosos de todo o Mundo, tudo o que existe pode ser substrato para o mesmo conceito. Uma ode ao romantismo das memórias para dar importância à surpresa do futuro num disco soberbo e que interage connosco.

08. The Beast Shouted Love, por Beautify Junkyards, NOS Discos

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"The Beast Shouted Love", longa-duração de estreia dos Beautify Junkyards, passou de um dos discos mais aguardados dos últimos tempos a um dos poucos que sobrevivem às expectativas mais elevadas. Soa a uma continuação séria, feliz das coordenadas do primeiro disco da banda exclusivamente dedicado a rever originais alheios: aonde a alt-folk bucólica anglo-saxónica radica, crescem pequenos focos de psicadelismo e electrónicas como souvenirs conscienciais de todo o Mundo, brota um conjunto de canções que destroem e erguem, parte a parte, uma noção de pertença global pescando a intimidade mais pura. A ligação à Natureza gentilmente revista ao toque de uma caixa de música do século XXI.

07. Cara D'Anjo, por Luís Severo, Gentle Records

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O talento fora de série de Luís Severo como compositor e intérprete não vem de ontem e as comparações com Éme, com quem convive e partilha amigos e colaboradores, também não. "Cara D'Anjo" revela mais o amigo daquele casamento, de reverência para com a desconstrução de lemas musicais aparentemente datados de um ponto de vista, felizmente, naïve, honesto mas de fato inteiro.
Se há a mesma história para ser contada de maneira diferente, será essa e outras mil as que Luís Severo adoptará para se tornar uma estrela de palco e de estúdio que poderia ser da nossa própria família. Um trovador boémio debaixo dos holofotes, um engraxador de patine enquanto os procura.

06. Mar Aberto, por Medeiros/Lucas, Lovers & Lollypops

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Com O Experimentar Na M' Incomoda em pausa, Pedro Lucas e Zeca Medeiros decidem trabalhar em dupla para produzir "Mar Aberto", um trabalho que procura a melhor companhia musical para poetas mais ou menos conhecidos, nacionais ou estrangeiros, de cujo legado se esventra um complexo lírico intrincado e tenso como a reacção do mar e dos marujos. Pedro Lucas é quem toma em mãos a tarefa de fazer chegar o disco vivo ao seu término e, conseguindo-o de forma magistral ao afastar-se da linha de O Experimentar, inspira mais vida em quem também chega ao fim. Um álbum carregado de camadas de sons de todo o Mundo que não se atropelam na hora de preencher minutos adamastorescos com a eficácia e imaginação tão familiares aos melhores Radiohead.

05. Atlas, por Branko, Enchufada

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Do descanso dos Buraka Som Sistema, Branko não se satisfaz com o que todo o Mundo lhe dá para conhecer ou percorrer de novo. É a actualização e o tratamento com respeito das cores da música da comunidade global para furar com licença pelas pistas de dança que "Atlas" representa num testemunho da amizade como arte em constante evolução e não como um travão para a sua própria emergência no papel de caule de múltiplas raízes. Só as melhores intenções impedem repetições, só a ambição e a leniência moldam o sincretismo das batidas, do trabalho das vozes e da tolerância dos fragmentos melódicos. Acção-reacção.

04. Silence & Remorse, por Purple, WeDidIt Collective

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Salvé tamanha pérola. A estreia comovente em disco de Purple faz-se da liderança da sua voz baladeira, descontrolada por vibrações emocionais efémeras e íntimas, sob o isolamento e o transtorno que os instrumentais electrónicos feéricos e obscuros alimentam e abandonam qual presente envenenado pela textura e pelo palpitar dos ritmos. Um labirinto de desejos e dissonâncias cognitivas por explorar, vergar com luxúria obsessiva mas sem a rispidez de outros exemplos.
Tragam os vossos remorsos.

03. Highway Moon, por Best Youth, Ed. Autor

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A ansiedade chegou finalmente ao fim. Os Best Youth colocaram cá fora "Highway Moon", e se as pistas deixadas por "Still Your Girl" e "Red Diamond" (que abre o álbum) eram férteis em dúvidas, o disco de estreia da dupla projecta-se para muito mais do que satisfatório. E aqui é que entram as certezas, a marca d'água a denunciar que quem tem uma voz quente e fantasiosa e usa tamanho poder de delusão e sofisticação para deixar respirar os mais naturais preceitos musicais e arrancar o que pretende para cada canção só nos pode encher de orgulho em qualquer sala onde a sua música ecoe.

02. Alfarroba, por Pega Monstro, Upset The Rhythm

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O crescimento rápido das irmãs Pega Monstro não surpreende: antes, criou-se uma bonita aura de encantamento geral com o jeito que Reis & Reis têm agora para fugir mais facilmente a comparações e superar-se num terreno ágil para evocar a história riot grrl. As letras continuam a responder com realismo aos problemas de expressão que os amplificadores não têm, as suas vozes soam mais do que nunca aos responsos que recusamos e tentamos contrariar. São pequenas mudanças que só as tornam mais queridas de todos à medida que estes clássicos engrossam o catálogo.
Só se perde o dó que temos por não haver 365 canções das Pega Monstro lá porque possamos não entender de imediato que uma só canção preenche uma temporada inteira.

01. Híbrido, por Allen Halloween, Ed. Autor

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Não há qualquer vergonha nem qualquer engano: o novo tomo de Allen Halloween é, para todos aqueles minimamente identificados com o meio envolvente, um dos álbuns favoritos do ano. A actualidade e a relação do guineense com a mesma acelerou o enredo de uma salvação anunciada potenciada pelas provas poéticas exemplares tatuadas com o seu próprio sangue, pela experiência anterior com os facilitismos e as facilidades do hip-hop, pela filosofia que nos passa sem lhe tocarmos, pelo desprezo em loop de sempre contra tudo e todos os que desestabilizam e deixam de merecer ser familiares, ser humanos. Veio um guineense ensinar-nos a ser um monstro melhor e a exorcizar a aculturação que o possa merecer? Obrigado e, esperemos que não, até sempre.

TOP 10 EP's NACIONAIS DE 2015:

10. No Honor Among Thieves, por Raccoon, Ed. Autor

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No jogo de consola de Raccoon, os heróis descobrem-se rapidamente. Mas cuidado, o objectivo final não é ceder à saturação. É por isso que, dentro do fácil pinpoint de arrastar o dubstep, o witch-house ou o slowcore electrónico, percebe-se que "No Honor Among Thieves" esconde profissionalmente outras vidas vestigiais e vozes despidas em muito pouco tempo. A mesma distorção de luminosidade e de regras aquece o suspiro pela sucessão de "Burial" e "Ilunga" - a posterior e isolada "Status 1.24" não retorna, para já, a chamada...

09. Noite E Dia, por DJ Nigga Fox, Príncipe Discos

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Um ano mais de Príncipe Discos nas nuvens faz-se do cruzamento de cabos pela frescura dos artistas que lá editam. O novo EP de Nigga Fox preside a um objectivo felino pela via mais difícil: democratizar a dança fingindo que não se é coerente. Mesmo assim, é menos aziago do que tentarmos explicar a palavra single à enciclopédica África musical que desvendamos: porque estes 4 temas estão aptos a sê-lo pela sua exuberância e não por sua deliberada vontade, pelas ondas de percussão metalizada, melodias açucaradas e vozes texturadas.

08. EP5, por Galgo, Ed. Autor

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Mesmo que as comparações com os PAUS e os Quelle Dead Gazelle sejam inevitáveis (a influência da produção nos Blacksheep Studios faz-se sentir de forma massiva), a Contentor Records finalmente conseguiu furar como merecia e os Galgo oferecem trabalho e vontade para isso. Mas já se disse que os Galgo não desistem, não têm porque o fazer e o facto de a exploração das guitarras ser separada da exploração da bateria dá um outro gás a estas quatro canções com o excelente final de "Torre de Babel". Fica para outro trabalho confirmar-se a confiança no rock tropicalizado e como é que os Galgo se querem apanhar no velódromo da sua carreira.

07. Adversarial Light, por Vaee Solis, Signal Rex/Degradagem

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Também em Portugal o metal deixou de se isolar do seu poder criativo e reinventou-se. A voz de Sofia quebra o gelo brincando com ele, fazendo ferida rouca, chutando o inconveniente da cratera sludge e dronítica. Porém, os Vaee Solis resultam em doom negro e progressivo até à espinha sem nos afugentar a mania punk de os acompanhar. A pressão era relativamente inexistente para a banda mas, ao torná-la aridamente baixa na música, puxa-a agora para o rito dos ídolos.

06. When Lost At The Ocean, A Fellow Comes Out Of Anxiety, por Sease, Ed. Autor

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O espanto que nos toma pelo facto de os Sease, com o jovem AUROR de que já tínhamos ouvido falar, fazerem miséria dos The XX no seu próprio terreno não se dilui ao longo das 5 faixas deste EP de estreia. As guitarras e as electrónicas mais ou menos disfarçadas e deixadas a fluir no vazio pelo trabalho de produção posterior dão sempre a mão a vozes jovens sempre de sorriso e soluções entreabertos pelo impacto da nostalgia. Esperem para ver o que valem estes filhos do minimalismo.

05. I/II, por Papaya, Revolve

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Mesmo que a escassez seja quase ofensiva, os Papaya não são ilustres decetivos.
Os requintes math-rock, hardcore, noise e punk sobre o fundo indie-rock esticam minutos de fúria e caos como há muito não se escuta - certamente, desde que "Um/I" já erguia esse colosso de criatividade e desde que os Vicious Five nos deixaram orfãos.
Um eixo de superlatividade do DIY que se entretém a si próprio antes que haja um plano para abrir as portas a todos os ouvintes. E todos os ouvintes serão groupies.

04. Love & Forgiveness, por Vaarwell, Azáfama

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Basta um EP de estreia para que os Vaarwell tratem a indie-pop por "tu" e lhe inspirem o firmamento de outras identidades. Quaisquer semelhanças com ensinamentos dos Best Youth que os Vaarwell querem seguir por uma via mais harmónica, multicéfala e quase abstracta para que possa ser genuína em todos os cenários são líquidas coincidências.
A fragilidade dos retoques finais pede-se e recomenda-se.
Oh (já fora do alinhamento), e aquela versão de "Hotline Bling", que (novo) sonho.

03. Odyssey Of The Mind Part II, por Bison & Squareffekt, Ed. Autor

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Bison e Squareffekt estão a contas com o esoterismo e o Universo para a segunda parte de "Odyssey Of The Mind" e fazem bem em não sair de lá. A imagem rampante de marca da dupla de produtores que mais sabe sobre como raptar a essência da música de dança africana e casá-la com o seu contraponto mais parecido incorpora aqui, bem a propósito, uma dissonância futurística controlada por "Blade Runner" e pelo synthético melodrama amor/ódio com que se empurram os arpeggios. Já não nos mexemos sem estes dois.

02. Serendipity, por Isaura, NOS Discos

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Fechar o ano passado com a apresentação de "Useless" significava que o EP de estreia que Isaura preparava para este ano teria de jogar bem com a necessidade de se estabelecer e não apenas de surpreender. E, de facto, isso é conseguido. As canções de "Serendipity" fazem jus ao título cativando o poder da voz e das letras extremamente profundas sobre uma produção electrónica sóbria e invulgarmente amarga, decidida e rugosa para os hábitos do género em Portugal.
Não é fácil para ninguém sair-se tão bem e ser-se tão bom.

01. The Free Food Tape, por Slow J, Ed. Autor

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Posicionamento da voz perfeito, atacar letras em directo de um arranha-céus e a liberdade descomunual de apresentar qualquer instrumental blindando-o das regras e da solidão imerecidas. O EP de estreia de Slow J é personalidade e viralidade rápidas e gordas descentrando o risco de querer buffet livre, resvalando para a harmonia que ficou lá atrás da estagnação. Os que venerava já não o largam, a sua singularidade é lustro para o rasto dos que se seguem (como pretochinês ou Baked Donuts, por exemplo).
Com quem se pode dar a anunciar com tamanha pompa, menos é definitivamente mais.

Textos por André Gomes de Abreu

OS MELHORES DE 2015 SEGUNDO OS SEGUIDORES DO BANDCOM

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 02 Jan 2016 00:35:00 +0000

2015 foi um ano altamente positivo e repleto de dores de crescimento.
Uma atenção mais constante para a novidade face à consolidação daquela crítica ou daquela entrevista não deixa saudades mas deixa promessas e vontade de fazer ainda mais.
Palcos que começam a ser muitíssimo familiares, festivais que são velhos conhecidos estão lado a lado com novos parceiros, novas colaborações e relações, sempre, altamente movimentadas em que todos dão o seu melhor.

Chegamos ao final de 2015 e estamos já a menos de um mês de comemorar 5 anos de uma feliz existência e a poucos dias de fechar o balanço com a publicação das habituais listas de melhores do ano, para o público e para nós.

Desde o berço em que parceiros como o Music2deal, o AudioQuest, o Pinstage, a EE Music e a A.M.A.E.I. - Associação de Músicos Artistas e Editoras Independentes nos têm e vão continuar a acolher, agradecemos todas as mensagens, todas as críticas, a todos os que nos seguem, a todos os que contam também connosco.
É com as escolhas de todos estes que dizemos:

Até já. Até mais um ano. Até um excelente 2016!

DISCOS

1. MAHOGANY - "A HOUSE IN ICELAND"

a house in iceland by MAHOGANY

2. THE FINES - "GREATEST TITS"

3. WELLS VALLEY - "MATTER AS REGENT"

4. PHILL ROCKER - "HARD TO BLEED" / PEDRO MESTRE - "CAMPANIÇA DO DESPIQUE"

6. WRATH SINS - "CONTEMPT OVER THE STORMFALL

7. TELEPHONY - "MAYDAY"

8. CHAPTER NINE - "TALES OF DREAMS AND MEMORIES" / BIG ROLLING WHEEL - "BIG ROLLING WHEEL"

10. WEB - "EVERYTHING ENDS"

EPS

1. FUZZIL - "BOILING POT"

2. AMOR TERROR - "A CULPA É TUA"

3. STONERUST - "NOTHING LEFT INSIDE"

4. ANYA KARIN - "OWNER"

5. PROZAC CAMEL - "LEARNING TO FLY"

6. TWISTED FREAK - "SUMMER NIGHTS"

7. DAILY MISCONCEPTIONS & O MANIPULADOR - "LOP"

8. SECRET SYMMETRY - "EMERGE"

9. CAJADO - "ANTA DO LIVRAMENTO"

10. TIAGO SILVESTRE - "SANTA APOLÓNIA" / CAN CUN - "THIN ICE DANCE FLOOR"

PZ - ENTREVISTA

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 21 Sep 2015 20:30:00 +0000

A tour de apresentação do novo disco de PZ e sucessor de "Rude Sofisticado", "Mensagens da Nave-Mãe", conhece uma das suas últimas datas, para já, no paraíso das Noites Ritual nos Jardins do Palácio de Cristal, Sexta-feira e Sábado, onde a entrada é livre e a música não tem franquia.
Não é apenas pelo facto de a música continuar a soar, sem saudosismos, a uma espécie de Repórter Estrábico inflamados de "Viagens" de Pedro Abrunhosa, mas a ligação à terra-mãe e a utilidade acrescentada à caixa de comentários favorecem na hora do sucesso, aí cada vez mais amplificado pelo poder de despertar reacções imediatas a todo o Universo Paulo José Pimenta por parte de multidões difusas, se falamos de aplausos, ou de grupos muito concretos, se as dúvidas se instalam.
Esperava-se que PZ pudesse sobreviver sem a sua própria consciência? Não o esperamos nem o esperávamos antes, durante ou depois de o conhecer melhor.
Música de intervenção? Música é intervenção.
A pop também pode ser sinónimo de subversão.Mas agora, queremos ver o Verão a acabar em beleza com PZ dadaísta, o aprendiz eterno de super-artista. Venham daí: com PZ, ganhamos todos nós. Com as Peta Zetas, também, claro.

BandCom (BC): Este mais recente “Mensagens da Nave-Mãe” sucede ao “Rude Sofisticado”. Fala-nos um pouco das ideias principais que te levaram a este disco e a afastares-te, não totalmente, do disco anterior.

PZ: Neste projecto não existem muitas ideias principais, são mais aglomerados de memórias e visões sociais [com] que a minha mente se confronta e se debate no dia-a-dia. Daí haver uma certa coerência entre as mais recentes “Mensagens da Nave-Mãe” e o “Rude Sofisticado”, como também acho que já houve pontes que ligaram o “Rude Sofisticado” ao meu primeiro álbum, o “Anticorpos”. O processo nestes 3 álbuns foi o mesmo, solitário, livre de fazer música à minha maneira, livre de escrever letras e melodias que me fizeram sentido, sempre pronto para brincar com drum machines, samplers, sintetizadores, tocar linhas de baixo ou guitarra. Aliado a tudo isto é o conforto do meu ambiente caseiro que me deixa compor e produzir no momento em que penso nelas. Se bem que algumas melodias e letras fiquem a ruminar na minha cabeça durante alguns meses e, às vezes, anos.

BC: Qual é a pergunta que continuas a fazer à “Nave-Mãe” sem que obtenhas resposta?

PZ: O que raio é que estou a fazer aqui?

BC: Agora que também já participaste na abertura de um espectáculo de stand-up comedy, qual é o melhor sketch que tens na tua cabeça e que gostarias que se tornasse uma música?

PZ: Correcção, eu fechei um espectáculo de stand-up a convite do Eduardo Madeira e foi uma óptima experiência. Gostei muito de conhecer vários mestres da comédia portuguesa que se encontra num momento muito bom e ímpar a meu ver. Mas nunca pensei num sketch que se possa tornar uma música. São duas formas de expressão diferentes apesar das 2 artes se tocarem muitas vezes. Há músicas que nos fazem rir e há comediantes que usam a música para nos fazerem rir durante as suas actuações.

BC: És daqueles produtores e compositores que vai buscar inspiração a tudo ou que já sabem muito bem o que é que lhe vai chamar a atenção e cola-se a esse filão? És o membro perdido dos Primus, Sleaford Mods ou Fall?

PZ: Gostava muito de ser um membro perdido dos Primus ou dos Fall, sem dúvida! São bandas que por acaso sempre ouvi com atenção, especialmente os Primus. No entanto, quando faço uma música estou a pensar mais em mim e no que me define; aliás, é uma maneira de me libertar dos constrangimentos sociais que nos rodeiam. Sair da norma, procurar a ambiguidade e o surrealismo, mas sempre com uma forma de expressão muito própria e singular da língua portuguesa. Agora, claro, a minha musicalidade vai buscar muitas influências a várias bandas dos mais variados espectros musicais. É a lei da música.

BC: Entre os discos, vão aparecendo várias canções e videoclips de temas que só mais tarde ficamos a saber se vão mesmo integrar o trabalho seguinte. Depois de tanta partilha, tanta entrevista, tanto “passa-a-palavra”, quais são as medidas do sucesso da música do PZ?

PZ: É sempre difícil medir o sucesso. O sucesso nasce do caos residual provocado pelo trabalho de qualquer um em qualquer área. Quando esse trabalho é reconhecido pelos nossos pares, e em certas actividades artísticas pelo público, diz-se que é um sucesso. É um cliché o que vou dizer, mas o sucesso tem muito a ver com o trabalho que cada um faz e a dedicação a esse trabalho. Tive que passar por muitas etapas para chegar onde estou e durante esse tempo fui formando uma linha musical que começou a chegar a mais público através dos discos, dos videoclips, dos concertos, entrevistas, etc. Claro que as redes sociais e o Youtube foram importantes para chegar ao público moderno, aquele público insaciável por coisas novas, imediatas, que possam partilhar no momento, que se identifica com o que ouve e com o que vê. Foram muitas horas e momentos que gastei a produzir conteúdos e depois a divulgá-los; e muitas horas no Facebook e afins a comunicar com as pessoas que me seguem, o que é realmente algo de especial e somente possível hoje em dia. Outra vertente onde me dediquei muito nos últimos 2 anos foi nos concertos, na actuação ao vivo. Hoje em dia o PZ é uma banda ao vivo e um espectáculo audiovisual mas esta evolução vem de trás com outras bandas que toquei ao vivo como os Paco Hunter ou a Zany Dislexic Band. Para se ter sucesso é preciso tempo, que é uma dimensão muito menosprezada hoje em dia.

BC: É óbvio e recorrente o teu recurso à ironia nas canções que apresentas mas acabas também por cruzar outras referências e outras figuras de estilo. Há algum momento em que a transmissão da mensagem inicial é afectada ou isso induz mais não a personificação mas sim a personalização das canções?

PZ: Acho que a mensagem inicial que se deposita na música nunca é alterada no seu essencial, mas é uma questão onde posso estar enganado… Cada pessoa tem a sua interpretação da música. Ninguém neste Mundo vê e ouve o Mundo (passe a redundância) da mesma maneira. Mas gosto da ideia de ter músicas personalizadas e não personificadas. No entanto, há certas músicas em que me torno uma personagem diferente dentro das muitas que me habitam e que vão variando de dia para dia ou mesmo de hora em hora. Para além disso, gosto de atazanar a minha condição humana e pregar-lhe belas partidas. Às vezes, nem eu próprio, no meu estado mais consciente, sei como interpretar a minha música ou o estado de espírito que me levou a fazê-la. O que eu percebo é que me divirto a fazer música sempre na esperança que outros se divirtam e se questionem enquanto as ouvem.

BC: Concordas que, para além dos leitmotivs principais de cada disco ou tema, também o projecto PZ é feito de raízes, que tem um sentido particular de espaço e de tempo, que teria que ser adaptado para ser feito noutra altura e noutro local? Por exemplo, que mais “Dinheiro” nos bolsos não significaria imediatamente atingir outros objectivos, talvez até maiores?

PZ: Por mais imaginação que tenhamos não conseguimos sair do nosso tempo. É ele que nos define a vários níveis, principalmente se estivermos a falar de um ser social como é o ser humano. Não vale a pena fazer conjunturas sobre o que seríamos se vivêssemos noutro tempo. Isso é uma impossibilidade física. Vivemos agora, e o agora é que está a dar. Mas uma coisa é certa há muito tempo: o Tempo é Dinheiro.

BC: Dizes que sempre gostaste de fazer música para te divertires mas também que esperas que a exigência e a sua singularidade se mantenham como duas características importantes. Tendo em conta essa teia de equilíbrios finos, em que é que queres puxar mais pela música do PZ? Achas, tal como o Howe Gelb disse numa entrevista recentemente, que quando tiveres feito o teu melhor disco é altura de deixares de ser o PZ e fazer com que haja outro projecto diferente mas com o mesmo grau de importância?

PZ: Acho que nunca vou ter a certeza de qual será o meu melhor disco. Eu acho sempre que o melhor é o último pois é a experiência musical mais recente que tenho. Eu já faço outras coisas para além do PZ, e tenho outras visões musicais que espero editar brevemente, mas tudo a seu tempo.

BC: O que é a Meifumado (se não for uma espécie de “Matador” como já disseste antes) e a música independente em 2015? Esta última é a que mantém a música mainstream a respirar saúde? Ultrapassado o fantasma dos downloads ilegais, estamos a conseguir lidar bem com novidades como a implantação das redes sociais e dos festivais de Verão como um fenómeno nas nossas vidas?

PZ: Acho que não há como lidar mal com coisas positivas. As redes sociais e os festivais de Verão têm ultimamente sido muito importantes na sustentabilidade do mercado da música feita em Portugal. Promotores, editoras, agências, produtoras, estúdios, toda uma panóplia de indústrias criativas, de comunicação, etc, têm a música como a gasolina que as faz andar para a frente. E, claro, deixei para o fim de propósito, os músicos que são a peça-chave de toda esta indústria apesar de, por vezes, nos esquecermos disso. Sem os conteúdos musicais interessantes e que façam mexer as cabeças e as pernas do público nada disto seria possível. A música faz e sempre fará parte integrante, e atrevo-me a dizer estruturante, de qualquer cultura integrada numa sociedade moderna. Acho que os músicos deviam ser mais compensados pelo seu trabalho e pela sua criatividade. Não estou a dizer que não são, e é obvio que cada músico faz parte de um mercado livre onde a lei da oferta e da procura é quem dita as regras, mas há situações onde os lucros de todo este fenómeno musical deviam ser mais compensadores para quem realmente faz a música. As redes sociais ajudaram também nesse aspecto de dotar os músicos de mais independência no seu trabalho, mais controlo sobre as suas obras na medida em que podem divulgá-las de formas mais eficazes do que através dos canais tradicionais. Hoje em dia para se singrar na música não é necessário fazer parte de uma editora major. Daí estarmos a ver cada vez mais álbuns com edições próprias ou com o apoio de editoras independentes, mais pequenas, mas dotadas de estruturas eficazes para fazer chegar a música às pessoas e ao público que interessa.

BC: Que performer compõe a mais imponente figura de palco de sempre? Porquê?

PZ: Pergunta difícil… Michael Jackson, Jim Morrison, Morrissey, Kurt Cobain...há vários performers que nos enviaram e continuam a enviar para galáxias musicais distintas mas ao mesmo tempo intemporais. Acho que há sempre algo de transcendental nos grandes performers musicais.

BC: No manifesto da missão da Meifumado o epílogo rege-se com “Venham ver o barco a afundar”. No barco ou na nave-mãe, sempre com o mesmo pijama?

PZ: :) A Meifumado é uma editora/produtora em constante transmutação, formada e reformada por várias pessoas que trabalham com uma ideia que já tem mais de 10 anos. O conceito é simples: a produção e edição de boa música. Conceito original, não?

André Gomes de Abreu

DE E POR: THE BLACK ZEBRA - "The Worst Shit Demo" (2015, Ed. Autor)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 06 Sep 2015 11:38:00 +0000

Até aos The Black Zebra os irmãos Hugo e Nuno Machado só não tinham partilhado uma banda. Uma banda com ambições, com metas. Chamaram Daniel e Dinis Machado e em três meses tinham um EP criado de raiz, ex nihilo, e tinham um videoclip para mostrar; metade dos Pernas de Alicate a tratar da sua imagem, os Lupiter a tratar dos seus sentidos, um piscar de olhos ao post-rock e o desvio experimental para o stoner e o indie-rock (à procura, inconsciente, de parte do universo musical dos Pernas de Alicate) e aqueles 15 minutos de música estavam devidamente protegidos.
O cuidado na autenticidade valeu-lhes, ainda quase sem concertos para duas palmas das mãos completas, um fim-de-semana bem preenchido como este que passa no Indie Music Fest e no Sound Violence Fest. Agora, os The Black Zebra vêem os The Black Zebra e não se preocupam nas próximas linhas com os pingos da chuva.

The Worst Shit Demo - EP by The Black Zebra

Atram (pulso)
Apelamos ao sentimento do público pela batida cardíaca, forma que achamos facilitar a interpretação de cada um, sentir a música como nos sentimos a nós mesmos. Respirar música é uma forma diferente de inconscientemente chegar a pensamentos muito próprios de que nenhuma letra seria capaz.

Eco
Escolhida para 'single' e consequente vídeo. Achamos que é a nossa música mais 'singlável', direta, pouco evoluída metodicamente mas com bastante poder e movimento. Eco daquilo que começámos a fazer, foi das nossas primeiras músicas.

Lupiter

Criada depois de ver um concerto de uns amigos, é uma das nossas músicas mais intensas e expressivas. Ouvi-la é mesmo a melhor forma de interpretar a sua essência.

Chain

Cadeia de movimentos e melodias, esta é a música do nosso EP que achamos mais madura. Foi colocada em último propositadamente, sendo que é uma amostra daquilo que será o nosso álbum que gravaremos em Dezembro próximo. Muita coisa está ainda para vir.

DAVIDE LOBÃO - Entrevista

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 03 Sep 2015 16:59:00 +0000

Caro Davide, está garantido que o Benjamin Clementine volta a Portugal por ocasião do Vodafone Mexefest lá mais para a recta final do ano. Seria, evidentemente, óptimo que estreasses o teu disco em nome próprio, "Na Volta", no Indie Music Fest logo à noite com o mesmo impacto que aquele "Later With Jools Holland" teve em abrir olhos e desafiar consciências. Esperemos que estas 10 canções sejam uma das últimas Coca-Colas de um deserto de rotas claras para a maioria das pessoas que querem dar a cara e o nome pelas suas canções. Mas os Miss Titan, quem vai gravar ao Silo, outras pessoas continuarão a precisar na mesma medida de um pouco dessa personalidade que cativou acima das canções.
Agora, deixa que as pessoas saibam um pouco mais, deixa as pessoas cantar essas certezas e essas questões e tomar o pulso às canções.
Esta é a carta que não te vamos escrever.

BC: Pergunta para queijinho: tinha que ser exactamente “aquela” a hora em
que recordas que O Bisonte “terminou”? Há alguma relação com o
clique que se dá para o avanço dos Miss Titan?

Davide Lobão (DL): Há este espaço, para a dúvida, que é necessário. Começando pelo fim: Miss Titan já se vinha a desenvolver ainda O Bisonte estava de boa saúde. A
primeira vez que estreámos aquilo foi numa das malogradas festas do Quase
Fim d’Ano. Não recordo um momento em que tenha terminado, O Bisonte. As
coisas vão acontecendo e nós vamos percebendo o que se passa. Cada um,
individualmente, faz a sua parte, no bom e no mau. Na dúvida, se a questão
aponta ao final da banda e à sua relação com a "Hemingway", a resposta só
pode ser que a "Hemingway" data, talvez, de 2010.

BC: Pergunta para a faca na mão: onde é que se quebra o fio condutor entre
o Davide Lobão de banda, O Diligente e o Davide Lobão em nome
próprio? É na relação com o poder “relativo”?

DL: Não sei bem. Continua a ser mais cool ter um nome fixe, de banda, ou ter a
Pitchfork a dizer que a tua música é fixe e por isso o teu nome é mesmo fixe, ou
então os teus amigos fixes com mais uma ideia vintage fixe. A minha primeira
questão foi a responsabilidade, o dar a cara. Sempre o fiz, com as minhas
bandas, mas dava a cara por um grupo. Não mudou muito. Dou na mesma a
cara por um grupo que me ajuda a dizer aquilo que quero dizer. No fundo não
há uma quebra, antes sim uma continuação.

BC: Depois de concluíres no final do disco que já és “maior”, qual é a tua
maior certeza aos 33 anos? Que voltas há a dar à forma como se
relacionam inspirações e as respectivas composições que delas resultam
para quem já escreve e trata ao vivo há tanto tempo?

DL: Essa é a pergunta que eu ando a tentar responder. Na verdade não sei. As
certezas diluem-se e escapam-se-nos pelos dedos e a inspiração é apenas a
vontade que temos de dizer algo realmente honesto. A cena é quando eu
tentar contar uma coisa que nem sequer me faz assim tanta diferença, que
podia nem ter dito. Aí é que vai ser complicado relacionar-me com o Mundo.

BC: Não deixei de reparar num comentário feito na tua página de Facebook:
“A solo? Todos os músicos te abandonaram? Deves ser mesmo
insuportável : (“. Aparte a ironia, é de notar que efectivamente alguns
dos músicos com que tocavas antes acompanhar-te-ão agora. Deixaram
de ser “apenas” colegas de banda para ser uma segunda família?

DL: É. Não é à toa que o Nuno, que fez esse comentário, já teve uma banda
chamada Cabrões Irónicos (desculpa Nuno) com a qual eu ensaiei uma vez,
num escritório, do Gilman, na Maia. É muito importante tocarmos com os
nossos amigos, termos vontade de rir com eles e nos juntarmos para isso. Já
eram família antes de serem colegas de banda, portanto é mais uma vez um
sentido de continuação.

BC: Em Junho desabafavas: “Odeio pessoas felizes”. Afinal, o que há para
odiar na felicidade?

DL: Tudo. É um conceito abstrato, um desequilíbrio estranho. O ódio e a
depressão é que fazem o mundo girar. A auto-ajuda tem os dias contados.

BC: 10 canções, 10 títulos, 10 palavras. Independentemente da sua
complexidade e mensagem, é uma consequência da sua maturação que
as músicas tenham títulos minimais?

DL: Já me fizeram essa pergunta antes e nunca tinha pensado nisso. Algumas das
canções tinham títulos mais longos e caminharam até ali. Deve ter a ver com
esta fase. Poucas palavras mas mais acertadas.

BC: Qual é a canção que mais te orgulhas que seja tua ou também tua?
Porquê?

DL: Neste disco há um orgulho enorme. Do bom e do mau. Vou dizer só uma
delas, a "Vá", que começa com esperança e vontade de ser melhor e acaba com
um virar de costas. A ter que falar das canções de que me orgulho, nas quais
participei, teria de falar de praticamente todas que fiz, com e sem banda. Já
são umas quantas.

BC: Qual é o sabor de estrear um disco num dos maiores festivais do ano?

DL: De responsabilidade? De gratidão? Só quero tocar alto, muito alto
(e tens razão, é uma das coisas boas que por cá se faz, este Indie Music Fest!).

BC: Recordo um entre vários comentários à música d’ O Bisonte em que se
classificava a banda como “uma banda tipicamente portuguesa”. Para ti,
quando é que uma canção se pode tornar, também ela, “tipicamente
portuguesa”? Vamos cair sempre na questão linguística mesmo que haja
canções e bandas com termos como “Lisboa” e “Portugal” à mistura?

DL: Nunca tinha ouvido essa. É uma coisa boa. Uma canção não se torna
tipicamente portuguesa. Isso há-de ter a ver com a questão da identidade.
Quanto mais nos identificamos com uma coisa e quanto mais próximos nos
sentimos dela, mais diz acerca de nós. O que isso me leva a pensar é que de
facto as palavras chegaram ao interior das pessoas, elas reviram-se naquilo que
se estava a contar. Ser tipicamente português é o quê? Não é nada. Lisboa e
Portugal são termos que aparecem para contextualizar e para tentar contar
que lá na minha terra é desta maneira.

BC: Para terminar: qual é o melhor concerto que viste este ano e qual o pior
disco que escutaste (só para tentarmos ver se é possível fugir à tua
paixão pelo disco do Benjamin Clementine)?

DL: É uma paixão recente. Ofereceram-me o disco e quando dei por mim tinha
rodado umas dezenas de vezes. Este ano foi o Gregory Porter, na Casa da
Música. Pior disco não sei dizer porque hoje em dia já não se odeia bandas,
ignora-se. Se tivesse um disco que odiasse era sinal que era bastante bom.
Tudo isto é triste.

André Gomes de Abreu

malcontent - ENTREVISTA

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 03 Sep 2015 13:28:00 +0000

Sérgio Costa, Filipe Pereira e Jorge Oliveira formam actualmente os malcontent, o agora trio nortenho activo desde 2007 que se regenerou com sucesso após a sua vitória no antigo Super Bock Super Rock Preload em 2010 com as mesmas expectativas, ou até superiores, que adquiriu na altura imprimindo um forte cunho noise a uma estética semelhante à de bandas conotadas com o post-punk e o indie-rock.
De partilhar palco (e até gosto pelo mesmo material) com, por exemplo, os Föllakzoid ou A Place To Bury Strangers, óbvios compinchas, vão amanhã ao Indie Music Fest integrar um contingente de cerca de 40 outras bandas nacionais, repetindo a militância festivaleira do Indouro Fest de há alguns meses atrás. Numa altura em que "Riot Sound Effects", o seu disco de estreia pela Honeysound e sucessor de "Erased" e "Love The Gun", também está mais do que na altura certa para ser descoberto por quem se desvia do "hype" momentâneo, falámos com a banda antes de mais um degrau no seu caminho em busca de palcos maiores.

BandCom (BC): Porquê “Riot Sound Effects” como título do vosso novo trabalho?

malcontent: É um título que identifica a nossa sonoridade, a atmosfera que pretendemos criar em disco e que aponta o universo declaradamente caótico que pensamos que a música deve originar. Sinceramente, é também um título que identifica igualmente a nossa percepção do momento. Não cremos haver lugar a serenidade num país tão amarrado, tão sacrificado e tão enganado. Longe de se tratar de uma mensagem política, não deixa de ser um apelo contra a resignação. Noutra perspectiva, talvez a música, ou aquilo que a rodeia, necessite de um "riot sound effects".

BC: Olhando para uma banda com o percurso e sobretudo a sonoridade dos malcontent, há “gritos de revolta” por dar?

malcontent: O rock, seja qual for a sua vertente, significa que há gritos de revolta. Voltando à questão anterior, julgamos ser necessário agitar algumas águas onde mergulha a música. Seja pela forma como a indústria se desenvolve, seja pela forma como quem consome percepciona a música. Vamos continuar assim e não nos cansamos de dizer que estamos mais próximos do início do que do fim...

BC: O que é que a adição do Jorge trouxe aos malcontent?

malcontent: Há uma grande identificação do ponto de vista musical, o que não impede o surgimento de novas ideias, e o Jorge trouxe novas ideias. Temos agora uma formação estável, serena e madura... a melhor de sempre.

BC: Foi fácil escolher as músicas e a ordem pela qual constariam no novo trabalho? Pode-se falar de algum “conceito orientador” para o “Riot Sound Effects”, apesar de não declarado?

malcontent: Alguns temas que gravámos em estúdio ficaram à margem do álbum. As misturas finais trouxeram-nos algumas surpresas. Músicas que julgávamos indispensáveis ao novo trabalho acabaram por não entrar. Outras sobre as quais tínhamos reduzidas expectativas tornaram-se as nossas favoritas. É um processo estranho, mas que mostra a complexidade de produção de um disco. Quanto ao alinhamento do álbum, seguimos sobretudo uma sequência lógica do ponto de vista melódico, o que dá ao disco uma grande coerência.
"Riot Sound Effects" enquadra (de uma forma ruidosamente melódica) o nosso ponto de vista sobre a sociedade ou sobre as relações pessoais. É o nosso pequeno contributo para questionar o que nos surge no dia-a-dia.

BC: Havendo quem vos compare ao noise e ao indie-rock mas com uma essência pop de bandas como os Jesus and Mary Chain, que descobertas e alterações na sonoridade dos malcontent, maiores ou nem tanto, vos têm surpreendido e motivado? Tem sido também um processo de revelação das vossas verdadeiras fontes de inspiração num dado momento?

malcontent: Há um vasto conjunto de nomes, sobretudo do universo anglo-saxónico, que nos influencia, é certo, mas criamos o nosso próprio caminho. Temos por objectivo escrever canções recheadas de poeira sónica e, ao contrário do que muitos pensam, os meios inovadores para lá chegar não estão esgotados. Quase diariamente exploramos novas sonoridades, diferentes modelos de composição. É muito positivo quando o nosso próprio trabalho nos surpreende e isso vai reflectir-se no futuro. Temos muito por onde inovar sem renegar os nossos "princípios", a nossa ideia do que deve ser a música. Um tema pode ter airplay sem necessariamente resultar da fórmula clássica - intro, verse, chorus, verse, chorus, end - e é isso que estamos agora a fazer, mas sem entrar no erro de transformar as nossas canções aborrecidas...

BC: A edição do disco contou, entre outros, com o contributo dos vossos fãs. Para além da contribuição monetária, houve algum incentivo, alguma mensagem que vos tivesse encantado para além do sucesso dessa iniciativa? Consideram isso como um carimbo de qualidade, como “a melhor crítica” que poderiam receber?

malcontent: Sem dúvida. É a prova da qualidade do nosso som. Tivemos ainda muitas mensagens encorajadoras com o lançamento do álbum sublinhando a qualidade do trabalho. É naturalmente com grande satisfação que recebemos esse feedback. A reacção aos nossos concertos também é uma mensagem positiva.

BC: Com o EP “Riot” e este “Riot Sound Effects” passaram a fazer parte do catálogo da Honeysound. O que/quem é que vos conduziu à Honeysound?

malcontent: A Honeysound encarna exactamente o espírito que deve acompanhar a música. Não é uma editora, é um conjunto de pessoas/músicos que pretendem servir a música e não servir-se dela. Há um esforço solidário na promoção e divulgação de projectos. Há um espírito de entreajuda e não uma tentativa de usar a música como trampolim para promoções pessoais ou como meio de lucro fácil. Já havia contactos e a nossa entrada no catálogo Honeysound foi quase natural.

BC: A “Aggressive” do “Riot” foi objecto de uma remistura por parte do Rui Maia. O que é que acharam do resultado final? Por entre as camadas de guitarras que imprimem, é útil ter alguém de fora que vos mostre outra forma para o mesmo conteúdo?

malcontent: A remistura do Rui é excelente e é com orgulho que o vemos associado aos malcontent. Trata-se da sua própria interpretação de um tema nosso sem o desvirtuar. Mantém a agressividade, a intensidade do tema, mas transporta-o para outra atmosfera, mais electrónica e dançável. Não temos qualquer "prurido" com diferentes abordagens pois esse é outro veículo para fazer chegar o nosso som a outros públicos. Seria injusto não mencionar igualmente as remisturas de Fat Freddy e Alex FX que também estão no alinhamento do "Riot" EP. São trabalhos geniais!

BC: À semelhança do Indie Music Fest, onde vão estar, outros festivais vão surgindo por todo o país e ganhando o seu lugar apresentando nova música portuguesa e dando lugar para que inúmeras bandas se mostrem em lugares mais destacados da sua programação. Isto significa que as organizações perderam o receio que tinham de colocar a música portuguesa ao nível da música de outros países? Que razões consideram mais importantes para esta alteração do paradigma que vinha sendo comum nos cartazes dos festivais de Verão?

malcontent: Sim, há claramente uma alteração de pensamento, mas nunca percebemos esse receio de colocar bandas portuguesas numa posição de destaque. É uma questão de mentalidade. E isso não é exclusivo dos festivais onde, para além de não haver lugar de destaque, durante muito tempo a inclusão de bandas portuguesas nos cartazes era vista como algo de favor (quantas bandas não terão ouvido, algo do género "tocam à luz do dia quando o público é reduzido e não temos como vos pagar. Ainda assim é muito bom para vocês, é promoção"). Também nas lojas convencionais questionamos a razão pela qual o nosso disco e outros de bandas nacionais é colocado lado a lado com artistas de fado ou música ligeira. Qual é o sentido? Então não será mais coerente colocar o nosso som junto à dita música alternativa? Por que não fazem uma banca exclusiva de música espanhola, outra francesa, japonesa, de Vanuatu, etc.? É uma questão de mentalidade que felizmente e sobretudo nos festivais começa a mudar. No entanto, acreditamos que a alteração do paradigma está directamente relacionada com a melhoria da qualidade das bandas nacionais. Há projectos excelentes e abrem portas à divulgação do fulgor criativo que Portugal assiste.

BC: O que é que o futuro reserva no imediato para os malcontent? Espectáculos
dentro/fora do país? Novas edições?

malcontent: Estão agendados concertos em Espanha. Brevemente lançaremos em formato digital um EP onde incluiremos outtakes do álbum. Um novo trabalho está já numa fase embrionária e temos o objectivo de o editar no próximo ano. Ainda vamos fazer muito barulho!

André Gomes de Abreu

10000 RUSSOS - "10000 Russos" (2015, Fuzz Club Records)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 30 Aug 2015 20:13:00 +0000

10000 Russos by 10000 Russos

Lembro-me como se fosse hoje.
Estávamos no Inverno de 2013 e eu estava a jantar a casa de amigos.
Bebeu-se copos, ouviu-se stoner e, no final, discuti com mais dois gajos os concertos que tinha curtido no Milhões do ano passado — a edição de 2012, portanto.
Entretanto os gajos bazaram e, passado um bocado, saímos todos para ir ver um concerto à cave do Au Lait.
À chegada, cumprimentei alguns amigos e constatei que a dupla que estava em palco eram os gajos com quem eu tinha estado a falar sobre o Milhões. Eram os 10000 Russos que, na altura, eram constituídos apenas pelo Joca na bateria e micro e pelo Pestana nas cordas. Dois anos e um EP depois, a dupla tornou-se um trio com a adição do André Couto no baixo e edita o seu primeiro LP pela londrina Fuzz Club. Um LP que indivíduo vulgar poderia julgar tratar-se de um tradicional álbum. Um álbum no qual se folheiam músicas e cada uma conta uma história à sua maneira.

Bem…sim e não. Podemos folhear o LP, sem dúvida. Mas todas as histórias, todas as viagens, todas as personagens e paisagens de “10000 Russos” são páginas do mesmo conto: o alcance do nirvana, aquele que se procura alcançar não através do acto consciente de meditação mas através da audição deste abstracto e complexo conto.
Essa é a pretensão destes 3 xamãs, na infinita sabedoria das suas muitas faces.E, de facto, é assim que vos aconselhamos a ler este álbum: só assim podemos tentar compreender o sentido de todas as suas partes, só assim poderemos alcançar o derradeiro estado de êxtase espiritual.

Mas além desta viagem espiritual, “10000 Russos” está repleto de double entendres e de ícones. Um deles é "Karl Burns", com que o registo abre, um dos "grandes" da história da percussão no rock que já passou por ilustres colectivos como os PIL e os Fall. Esta é, até à data, a única faixa do LP que teve direito a videoclip: provavelmente, o motivo desta homenagem reside na confessa paixão do Joca — o baterista dos Russos — pelos Fall.
A seguinte “USVSUS” continua com a tendência do motorik e do space, talvez querendo metaforizar um hipotético conflito europeu versus norte-americano US (Europa) VS US (United States), tendo ao nosso dispor a munição do incessante motorik e a vantagem na exploração espacial, cortesia da nação russa. Talvez o título não tenha nada a ver com esta ligação mas existe, de facto, uma dimensão que transpõe
a mera condição estática da palavra.
Por outro lado, “Barreiro” é, como todos sabemos, uma terra deste nosso Portugal.
Outrora soava maquinaria e vozes de operários no Barreiro - essa voz foi tragicamente silenciada pela morte da indústria. Outrora também um dos motores da pesca em Portugal, o Barreiro é actualmente um dos pontos de encontro e convergência de várias correntes revitalizados experimentais. Iniciativas como a ocupação de bairros por massas estudantis ou a reabilitação dos espaços têm vindo a renovar a imagem da cidade e a dar-lhe um novo ímpeto com dois particulares destaques em termos musicais: o OUT.FEST e o Barreiro Rocks, duas instituições cada vez mais sonantes no calendário musical nacional e claros culpados pelo Barreiro se tornar um ponto de passagem cada vez mais aliciante neste panorama.
No entanto, outra voz se levanta: a voz da renovação. Este tema é a expressão dessa mesma voz.

“Baden Baden Baden” é a 4ª faixa do LP. Baden-Baden — noutros tempos Baden — é uma cidade do oeste da Alemanha. Esteve sobre o controlo de Hadrian na altura do Império Romano, foi demolida durante as Guerras dos 30 anos e dos 9 anos e foi um ponto estratégico para a resistência francesa na Segunda Guerra Mundial. Actualmente, Baden-Baden é conhecida pelas suas águas termais e pelos seus spas - “Baden” é a palavra alemã para “banho/tomar banho” e a origem do nome da cidade deve-se, portanto, às suas águas. As mesmas águas nas quais os xamãs se inspiraram.

“Stakhanovets/Kalumet” é a pista que encerra este trabalho e também a sua faixa mais longa. O termo stakhanovismo surgiu na antiga URSS pautado como o fenómeno do aumento da produtividade dos trabalhadores do regime por seu próprio livre arbítrio; já
kalumet (ou calumet) é o cachimbo da paz usado pelas tribos apache para celebrarem os seus acordos e tratados ou até para ser usado no contexto de algumas cerimónias religiosas, como uma forma de comunicar com o Criador, a entidade responsável pela criação do universo.
A junção dos dois termos significará, tão somente, a procura incessante pelo Criador através da incursão em viagens e demandas longas motivadas somente pelo livre arbítrio dos seus participantes...o seu real significado, esse, deverá ser bastante mais subliminar.

À imagem do homónimo EP, o percurso dos 10000 Russos continua a fazer-se ao longo dos pontos de convergência do space-rock e do kraut, com algum noise aqui e ali. Se entrássemos pelo campo da comparação, os 10000 Russos seriam uns Lightning Bolt mais virtuosos na componente kraut/space e menos dedicados ao noise.
Porém, o trio também reúne um conjunto de influências e referências conceptuais que os tornam difíceis de catalogar e de interiorizar para aqueles que não conhecem tanto destes universos sonoros. A esses, aos interessados e aos curiosos, a todos vos recomendamos a incursão nesta viagem.

Eduardo Silva

TALENTOS PARA A TROCA #7

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 29 Aug 2015 19:41:00 +0000

Mais uma edição de uma das rubricas de que mais gostamos e mais nos motivam, mais 5 tareias gigantes de outros tantos novos nomes para decorar ao nosso pequeno questionário de-Proust-que-não-é-de-Proust: Sr. Inominável, Acid Acid, The Missing Link, Surma e Yellow Low. Desta vez, 5 rampas de lançamento bem diferentes que estão mais próximas de vós a um mais curto prazo.
Porque estes são "Talentos Para A Troca", façamo-los maiores e tenhamos a certeza de que mais surgirão.
São moedas de troca para um futuro em que haja eco de algo.

Sr. Inominável

Porquê Sr. Inominável?

A motivação para o nome é a criação de um personagem que procura respostas, sobretudo para o amor. Um agitador e um agitado. Partindo da obra de Samuel Beckett, 'O Inominável'.

Como definem a música que produzem?

Corpo 'roque' com alma 'pop'.

Qual é a vossa melhor canção?

'Corre Por Aí'.

Pensam que, hoje em dia, a música que criam é mais importante do que a comunicação e o marketing que têm de fazer para a promover?

A música é o principal. Trata-se daquilo que, para além da amizade, nos faz ter prazer em estar juntos. No entanto, toda a divulgação e a forma como é feita para tentar sensibilizar, emocionar as pessoas não é menos importante.

De que revista não se importariam de estar na capa?

Pitchfork.

Primavera Sound, Glastonbury ou Lowlands?

Primavera Sound.

Spotify, Pandora ou Grooveshark?

Spotify.

MP3, FLAC, WAV ou vinil?

Comprar discos.

Que nem o Prof. Marcelo, sugestões de cultura (literatura, cinema...) musical?

Cinema: 'Kynodontas' (2006).
Literatura: Dostoievski - 'Crime e Castigo'.
Musical: Festival de Paredes de Coura (sobretudo ao fim da tarde).

Qual é a pergunta mais irritante que vos podem fazer?

A clássica pergunta das influências.

5 canções para 5 cenários/situações diferentes?

Encaixando músicas em estações do ano:

Toro y Moi - Talamak: para a Primavera.
Real Estate - It’s Real: para o Outono.
Twin Shadow - Castles in the Snow: para o Inverno.
Beach House - Walk in the Park: para Outono/Inverno.
Metronomy - The Bay: para o Verão.

Acid Acid

ACID ACID live@Sabotage Club 18.04.2015 by Acid Acid

Porquê, simplesmente, Acid Acid?

O nome surgiu após um 'brainstorm' com os amigos da Nariz Entupido. Aliás, foi a

malta desta promotora que me encorajou a tirar o pó aos instrumentos. Aceitei o

desafio para um concerto e de repente precisava de um nome. Não vou revelar a

origem de Acid Acid mas assim que surgiu na conversa acabou por ficar. Acaba por

representar a música que faço, aquilo que quero transmitir. Algo fluido, progressivo e

que cause, espero eu, uma viagem a um outro universo.

Como defines a música que produzes?

De forma muito simples defino como experimental e ambiental. É inspirada pelos sons

do psicadelismo dos anos 60 e 70 e também pelas experiências do 'krautrock', em que

muitas bandas alemãs aliaram o psicadelismo a novas forma de fazer música usando, por exemplo, electrónicas pioneiras. O resultado, no entanto, acaba por ser algo muito

próprio, muito perto da minha identidade como músico.

Qual é a tua melhor canção?

Neste momento Acid Acid só tem uma música, por isso não existe propriamente uma

escala de qualidade. Não lhe vou chamar canção porque é só instrumental com vários momentos que se entrelaçam. É um tema com meia hora, sem paragens e que

pretende criar uma viagem através dos diferentes sons de guitarra e sintetizadores.

Pensas que, hoje em dia, a música que crias é mais importante do que a

comunicação e o marketing que tens de fazer para a promover?

A música é sempre o mais importante e quem pensa o contrário, na minha opinião,

não devia fazer música. No fundo, é a música que vai comunicar aquilo que o autor

quer expressar e não o 'marketing'.

Claro que todos os músicos sentem uma necessidade em dar a conhecer o seu

trabalho. Não estou de todo a menosprezar a comunicação. Mas quando só resta a

música, tudo o resto não interessa.

De que revista não te importarias de estar na capa?

Prefiro não estar na capa de revistas.

Primavera Sound, Glastonbury ou Lowlands?

Todos, por diferentes razões.

Spotify, Pandora ou Grooveshark?

Sem comentários.

MP3, FLAC, WAV ou vinil?

Gosto de ouvir música em vinil, mas não sou apologista de que toda a música deve ser ouvida neste formato. A música deve, sim, ser ouvida no formato mais aproximado em que foi gravada. Conheço óptimos discos que têm um som muito mau na sua edição em vinil, por isso não alimento essa questão.

No entanto, já sou contra o contínuo uso do MP3. É um formato antiquado que surgiu quando os computadores não tinham muito espaço. E quando surgiu foi perfeito, mesmo com a perda de informação. Foi necessário para a democratização da música. Mas hoje não faz sentido, dada a evolução dos PC's, portáteis e outras plataformas.

Ouvir música, de preferência, com a melhor qualidade possível. Mesmo que pelo meio tenha alguma 'batata frita'...

Que nem o Prof. Marcelo, sugestões de cultura (literatura, cinema...) musical?

'Pink Floyd: Live At Pompeii' e o DVD dos Led Zeppelin que saiu em 2003.

Qual é a pergunta mais irritante que te podem fazer?

Não me irrito facilmente.

5 canções para 5 cenários/situações diferentes?

Pink Floyd - The Dark Side of the Moon (álbum): para curar ressacas.

Led Zeppelin - When The Levee Breaks: para sair do banho antes de rumar a uma noitada.

Brian Eno - I'll Come Running: para ir a correr ao encontro da namorada.

David Bowie & Brian Eno - Warszawa: para superar um momento menos bom no trabalho.

Talking Heads - The Great Curve: para ganhar coragem para fazer algo de desafiante.

The Missing Link

Porquê, simplesmente, The Missing Link?

O conceito de The Missing Link (o elo perdido/o elo que falta) assenta em dois princípios base:

- O de uma busca incessante da fusão de estéticas procurando encontrar novos limites na composição musical;

- O da senda pela quintessência interior e pelo elemento último transmutador de todas as emoções humanas através da música.

Isto tudo, de um meu ponto de vista muito íntimo e pessoal.

Como defines a música que produzes?

Como antes descrevi no conceito, a forma das composições do projecto pode variar muito, sendo muitos dos temas em formato canção e estendendo-se até alguns exercícios de puro experimentalismo. O mesmo diria quanto ao exercício estético onde os limites da composição electrónica ao 'rock' são constantemente confundidos.

Qual é a tua melhor canção?

Pergunta um pouco impossível de responder, dado que existem certas músicas que correspondem a certas emoções e coisas que vivi que não posso classificar de melhores do que outras. Claro que há temas que sinto que estão melhor elaborados do que outros, ou que este ou aquele aspecto do tema foram melhor conseguidos, mas a relação interior que tenho com cada uma das composições faz com que sinta em dias diferentes que umas canções sejam melhores do que outras.

Pensas que, hoje em dia, a música que crias é mais importante do que a comunicação e o marketing que tens de fazer para a promover?

Eu acho que o produto da arte em si é sempre o mais importante, aquilo que o artista quer transmitir e partilhar e efectivamente o faz através da expressão da sua arte seja ela qual for, [esses] são o busílis desta questão. A 'promoção' e o 'marketing' são muito importantes na sua promoção e muitas vezes produtos de arte em si só também, cada vez mais, num Mundo onde a proliferação da comunicação em todas as suas formas cria um ruído informativo cada vez maior e mais denso, a promoção e o 'marketing' adquirem a função de [ir] além de procurar apresentar da melhor forma possível esse produto de arte e necessitam de conseguir que essa promoção seja filtrada no meio de todo o ruído existente.

De que revista não te importarias de estar na capa?

Rolling Stone?..

Primavera Sound, Glastonbury ou Lowlands?

Entre o Glastonbury, pela história, ou o Lowlands, pelo crescente prestigio, seria sem dúvida um prazer estar em qualquer um dos dois; no Primavera Sound também mas, dados os hábitos de consumo de arte em Portugal, acredito que me seria muito mais fácil tocar no Primavera Sound depois de ter participado em qualquer um dos outros festivais.

Spotify, Pandora ou Grooveshark?

Dos três, apesar de toda a polémica à sua volta, o Spotify parece, para já, ter sido o projecto que mais esforço tem feito em desenvolver alguma transparência no que diz respeito à gestão dos 'royalties' atribuídos aos artistas e daí talvez merecer o destaque. Parece-me um modelo de negócio com futuro mas que muito ainda precisa de crescer para se tornar um modelo justo para os artistas que têm visto durante os anos tanto do seu trabalho ser explorado por intermediários e onde apenas lhes chega uma fracção ínfima dos lucros gerados pelas suas criações. Mas, sem dúvida, o primeiro problema a resolver antes do paradigma dos meios de venda da música em si será o das percentagens irrisórias dadas pelas editoras aos seus artistas, pois as editoras criam contratos benéficos com estas plataformas mas os seus artistas nada ou quase nada vêem dessas receitas.

MP3, FLAC, WAV ou vinil?

A minha aposta aqui vai sem dúvida para o FLAC. O FLAC é um sistema de compressão de ficheiros de áudio sem perdas, o que quer dizer que é um ficheiro com as mesmas características de um WAV mas mais pequeno.

Pondo o MP3 de lado pois, na minha opinião, formatos de compressão nos quais a qualidade é comprometida em função do espaço ocupado é um paradigma do passado, onde o armazenamento era um problema a ter muito em conta nos suportes de áudio.

A questão do vinil ou do audio digital de qualidade CD (44000Hz; 16bit; stereo) é, normalmente, como também se ouvem os ficheiros em WAV ou FLAC; são todos eles representações de audio digital no formato PCM Linear (ou seja, o conteúdo da sua informação de áudio é armazenada de forma igual). É um terreno pantanoso onde o apego emocional e as sensibilidades particulares de cada um são muitas vezes confundidas com ciência. Em termos de especificações apenas, (isto partindo do princípio que estamos numa resolução de qualidade CD, pois tanto o FLAC como o WAV podem possuir resoluções maiores e aí a questão do vinil torna-se ainda mais clara) o vinil é inferior na sua capacidade de reproduzir dinâmica (Vinil 80dB-120dB; CD(16bit); 150dB) onde ainda é necessário contar com o seu natural e característico ruído de fundo e, apesar de ser capaz de reproduzir uma gama de frequências maior do que o CD, não tem a mesma margem dinâmica para cada uma dessas frequências devido a limitações mecânicas do sistema. Resumindo, o som do vinil é único e super agradável em muitos aspectos, em parte devido às suas limitações, todo o ritual associado à sua compra ao seu uso...são aspectos importantes a ter em conta na avaliação da experiência do seu consumo; mas o suporte digital sem compressão com perdas, como o WAV ou o FLAC e especialmente se falarmos em resoluções superiores às antes mencionadas, são sem a menor dúvida a forma mais fiel de tecnologia de armazenamento de conteúdo áudio que possuímos no momento.

Que nem o Prof. Marcelo, sugestões de cultura (literatura, cinema...) musical?

Gostaria de começar por destacar dois projectos de 'rock' nacional cuja recente experiência ao vivo me deixaram impressionados da melhor forma possível: os portuenses Plus Ultra, cujo nome não poderia ser mais claro na descrição explosiva e coesa do seu som; e os bracarenses Bed Legs com o seu 'rock' directo e intensamente 'soulful'.

Entre projectos electrónicos, que muito tem proliferado neste país, o trabalho das editoras Con+ainer e Extended (com as quais também tenho trabalhado e editado em outros projectos musicais um pouco mais electrónicos) têm mostrado que existe muita qualidade nacional tanto a nivel editorial como da produção musical.

De projectos internacionais que ultimamente me têm despertado o interesse: os The Brian Jonestown Massacre, com o seu álbum 'Revelations' de 2014, têm sido uma redescoberta saudável de um psicadelismo em mim de alguma forma escondido. Outro artista que merece atenção é o D’Angelo e o seu ultimo álbum 'Black Messiah': é uma revelação no que diz respeito a estender os limites estéticos do r&b e do 'soul', é um disco onde estes estilos se confundem muito bem com muitas outras estéticas, como por exemplo o 'rock', o 'funk' e o 'gospel'.

Qual é a pergunta mais irritante que te podem fazer?

Não me irrito com facilidade, mas talvez alguma que deliberadamente não seja feita para eu responder.

5 canções para 5 cenários/situações diferentes?

Vangelis - Blade Runner Blues: qualquer dia cinzento e chuvoso.

Beck - Beercan: festa na praia com amigos.

Jamie Lidell - Little Bit Of Feel Good: em qualquer altura desde que bem acompanhado.

Atom ™ - Strom: em viagem.

James Holden - Blackpool Late Eighties: ao amanhecer.

Surma

Porquê, simplesmente, Surma?

O porquê de Surma...eu tinha imensos nomes em mente para este projecto mas houve um dia em que estava a ver um episódio da Discovery em que falavam dos costumes e dos rituais das tribos indígenas e uma delas denominava-se Surma. Quando ouvi o nome fiquei deveras interessada nele (risos), pareceu-me bastante interessante e que ficava no ouvido. Então, optei por riscar os outros e mandar-me para a frente com este nome.

Como defines a música que produzes?

A música que produzo...
Não gosto muito de dar 'labels' ao género musical que sai no momento...pode-se dizer que é bastante experimental/'noise' e um pouco minimalista mas ainda não sei em que género se enquadra especificamente nem consigo 'labelar' isso (risos)...

Qual é a tua melhor canção?

A minha melhor canção...hmm...essa pergunta é difícil, cada uma tem um significado para mim e são sempre construídas um pouco de maneiras diferentes. Mas talvez a 'Maasai', é a que fica mais no ouvido e é aquela em que estou a 'apostar' mais.

Pensas que, hoje em dia, a música que crias é mais importante do que a

comunicação e o marketing que tens de fazer para a promover?

Ambos os temas são importantes porque sem divulgação da tua música e sem 'marketing' da mesma não sais da cepa torta (por assim dizer). É claro que para mim a música que crio é das coisas mais importantes mas se não tens comunicação com as pessoas nem fazes publicidade do projecto é claro que não tens um conhecimento desse mesmo projecto nem sabes a opinião das pessoas em relação ao mesmo. A música que crio é das coisas mais importantes para mim mas a comunicação tem de estar sempre lá.

De que revista não te importarias de estar na capa?

Revista...
Não me importava nada de estar na capa da Blitz (risos) ou então de uma DIY.

Primavera Sound, Glastonbury ou Lowlands?

Festival dos meus sonhos para actuar...uiii! Desses 3 os 3 certamente (risos) mas o Primavera Sound é um dos meus objectivos (um dos meus grandes sonhos).

Spotify, Pandora ou Grooveshark?

Streaming...Spotify.

MP3, FLAC, WAV ou vinil?

Formato de áudio...WAV e vinil.

Que nem o Prof. Marcelo, sugestões de cultura (literatura, cinema...) musical?

Sugestões...Para mim uma das melhores músicas actuais e que para mim é uma das principais influências é a Grouper, sem dúvida alguma...depois St.Vincent, Colleen, Nanome, Sleep Party People, Agnes Obel, Soley, Balam Acab. Em relação ao cinema, a banda sonora do filme 'Amélie' (não me venham com coisas mas aquele Yann Tiersen é um génio) e em relação à literatura a biografia de Miles Davis (fantástico).

Qual é a pergunta mais irritante que te podem fazer?

Pergunta mais irritante...hmm...não me vem nada agora, sou uma pessoa pacífica (risos) e perguntar não ofende, não é?

5 canções para 5 cenários diferentes

Grouper: para aqueles dias de chuva em que queres deprimir e comer gelado em casa a ver filmes.

Kings Of Convenience: quando vais dar uma volta de carro com os amigos e queres sentir aquele 'chill' de Verão a correr-te nas veias.

The KVB: para fritar quando estás em casa sozinho.

Joy Division: para quando te queres sentir 'hipster' e 'da cena' enquanto sentes aquelas danças Ianásticas a saírem dentro de ti sem te dares conta.

Run The Jewels: para soltares o 'badass' que há em ti e te sentires com o ego no máximo quando sais do Metro.

Yellow Low

Porquê Yellow Low?

Entre alguns nomes que tínhamos, este foi o que nos soou melhor!

Como definem a música que produzem?

Pode enquadrar-se em vários géneros mas não toma partido de um em concreto. Inicialmente definimos o projecto como indie-rock que reúne o alternativo, progressivo e psicadélico mas está ainda numa fase embrionária para ser definida.

Qual é a vossa melhor canção?

A que ainda não foi feita!

Pensam que, hoje em dia, a música que criam é mais importante do que a comunicação e o marketing que têm de fazer para a promover?

Damos maior importância ao que criamos, é isso que nos move, que nos motiva!
A promoção só compensa quando o que tens para promover é bom.

De que revista não se importariam de estar na capa?

BLITZ, MOJO.

Primavera Sound, Glastonbury ou Lowlands?

Queremos é tocar.

Spotify, Pandora ou Grooveshark?

Não utilizamos nenhuma delas de momento.

MP3, FLAC, WAV ou vinil?

Vinil e WAV.

Que nem o Prof. Marcelo, sugestões de cultura (literatura, cinema...) musical?

Cinema: quase todos os filmes de David Lynch; '9$99', de Tatia Rosenthal; 'Irreversible', de Gaspar Noé; 'Mother and Son', de Aleksandr Sokurov.

Literatura: 'A Divina Comédia', de Dante.

'Performance': Olivier Sagazan (arte da transfiguração).

Música: Pink Floyd, Sigur Rós, Mogwai, Deerhoof, Mr. Bungle, Tame Impala, Queens of the Stone Age, Temples...

Qual é a pergunta mais irritante que vos podem fazer?

Depende da pergunta.

5 canções para 5 cenários/situações diferentes?

DIIV – Doused: adolescentes largados num lugar chamado Ignorância.

Tame Impala – Feels Like We Only Go Backwards: um relógio gigante em que os ponteiros, que são dois corpos (feminino e masculino), andam no sentido inverso.

Mogwai – Take Me Somewhere Nice: um lugar onde toda gente usa uma máscara sem emoções.

Sigur Rós – Vaka: meditação.

Pink Floyd – Shine One You Crazy Diamond: nascer com a certeza de que já se viveu antes.

DE E POR: THE INTERZONE - “_______” (2015, Ed. Autor)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 28 Aug 2015 20:49:00 +0000

Os The Interzone são actualmente um trio formado por Ricardo Campos e pelos membros fundadores Stephanie França e Pedro Completo que, apesar de estar prestes a comemorar 10 anos, só agora lançam o longa-duração de estreia “_______”. Um conjunto sólido de 9 temas que conjugam o rock, o indie e um leve instinto punk como verbos e daí derivam para o lado mais opressivo do post-punk e do indie-rock mais ou menos musculados - são eles próprios, antigo estudantes de Artes e Literatura, a referir como marca de identidade as profundezas da geração e cultura "beat", que influenciaram a América do pós-guerra até à entronização da segunda metade do século passado, e isso reflecte-se, sem ser uma camisa de forças, na base dos motivos pelos quais vemos os The Interzone a compor, a tocar ao vivo e a mostrarem-se.
É com Pedro Completo que ficamos a perceber nos próximos momentos o quão se perdeu por não se ter salvo o que não se gravou e a esperança que há nos momentos que ainda estão para vir: não surpreende que se espreitem mais palcos como os do Vodafone Mexefest ou NOS Alive. Carpe diem, já.

Sound of Void

Foi a nossa primeira música. Evoluiu connosco ao longo dos anos, com as várias pessoas que nos acompanharam e é uma música que parece ter vida própria. Tem também a ver com o nosso primeiro nome, The Void.

Dig Out Misery

Foi uma música que ficou feita num ensaio e sofreu apenas alguns arranjos na altura de pré-produção do EP. É uma música sobre a procura da verdade.

Century

Está é aquela música sobre as noites de copos...que dão em manhãs em que acordas no chão da sala, com um macaco em cima das costas e não fazes ideia de como foste lá parar.

Rotation

É baseada numa letra antiga, sobre a percepção de que não é necessário nada além do que está presente no momento.

People Like Us

Esta música deu umas grandes voltas e a única coisa que sobrou do início foi a linha de baixo. Tem a ver com uma energia específica, comum entre certas pessoas, que mesmo distantes acabam por se encontrar.

Lose Against Time

Abre a parte do nosso disco sobre o tempo. Diz que a existência vai muito além da consciência. Aborda o facto de necessitarmos cada vez de mais tempo para nos sentirmos vivos mas que no fundo temos de continuar com o prejuízo de levar a nossa vida a pensar que não temos tempo para viver.

We are the Time

Continua um pouco com o mote da 'Lose Against Time', apesar de ter sido iniciada anos antes. Aborda as memórias que trazemos connosco, o pesar que sentimos quando os momentos acabam e a consciência de que temos de continuar.

For Bugs

Foi o primeiro 'single' do nosso disco com vídeo. É uma música sobre a decadência, a adição e o ambiente da noite.

To The Earth

É uma história sobre um assassino. Personifica um estado de consciência onde a libertação da culpa dá origem a um sentimento de invencibilidade.

DE E POR: FROM KIDS TO HEROES - "From Kids To Heroes" (2015, Infected Records)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 28 Aug 2015 17:26:00 +0000

Ana Beatriz Hilário, Miguel Vieira da Rocha, Pedro Duarte e David Oliveira, a somar a mais alguns amigos desembaraçados, caminham juntos pelos palcos como From Heroes To Zeros a partir de um tema dos Bouncing Souls e assumem com orgulho o punk e o pop-punk que fazem, o mesmo que em Portugal só entra via nomes como o dos Mixtapes, The Story So Far, Tonight Alive ou, claro, Paramore e sai de cá a grande velocidade directamente para a cena underground europeia se se suar mais do que aborrecer.
O disco de estreia está ainda bem fresco e é a própria vocalista da banda que nos fala com a memória à flor da pele sobre o quão impecável e sólido continua a soar mesmo que o "single" de avanço, "4 Months", o pudesse ofuscar. A evolução passa em directo da próxima vez que os vejam ao vivo.

From Kids To Heroes by From Kids To Heroes

Center Of The World

Foi o nosso primeiro original e trazido para a banda pelo Ivan Marcos (guitarrista e vocalista da banda Rés-do-Chão) que fazia parte de FKTH quando começámos em 2012. Gostámos tanto da música que mesmo quando ele decidiu sair perguntámos se podíamos ficar com ela, coisa que ele aceitou logo, e adorou o resultado final da gravação.

Penguin

Esta foi criada pelo baixista Miguel Rocha na acústica. Durante um ensaio resolvemos pegar nela e experimentar tocar com a banda toda, o que também resultou muito bem! A letra fala de uma altura em que eu me sentia muito apaixonada e naquela fase de início de namoro onde é tudo novidade. Porquê o título de 'Penguin'? Primeiro porque eu tenho uma grande obsessão com estes animais adoráveis e segundo, porque os pinguins quando acasalam pela primeira vez não trocam mais de parceiro até ao resto da vida.

Fresh Start

Escrita por mim e pelo nosso grande amigo Cláudio Aníbal, vocalista de Ash Is A Robot. Sem querer entrar em muitos detalhes, esta música fala de experiências que tivemos com antigas bandas que acabaram de uma maneira não muito agradável. O objetivo desta letra era que qualquer pessoa se conseguisse identificar, fosse com uma amizade ou um namoro que tivesse acabado.

Inner Tragedy

Esta letra é um pouco confusa até para mim. Foi escrita numa altura em que me sentia perdida e exausta, sem saber que rumo tomar. Foi numa fase em que me sentia a travar uma batalha comigo mesma. Acho que o facto de não ser uma letra a falar de algo em concreto tem uma grande vantagem, qualquer um pode ouvi-la e identificar-se com imensa coisa.

Little Girl Is Gone

Criada pelo Bruno Farinha (um guitarrista que fez parte de FKTH durante bastante tempo), esteve quase a ser descartada do álbum por ser tão diferente de todas as outras. Conta com a participação de um grande amigo – Dani Cross, vocalista de The Medusa Smile. Esta música fala de problemas familiares que estava a viver e a tentar ultrapassar naquela altura.

4 Months

É a nossa música preferida e a escolhida para o nosso primeiro vídeo. Foi escrita às 6:30 da manhã depois de ter ouvido pela primeira vez o último álbum de Tonight Alive ('The Other Side') que me inspirou de uma forma que até hoje ainda me dá arrepios. Foi a única letra que escrevi toda de seguida à primeira tentativa e sem poder cantá-la (devido às horas). Quando acabei de a escrever pensei que quando a fosse cantar ia achar horrível e não ia encaixar de todo, pois é praticamente impossível estar a escrever uma letra para uma música sem fazer qualquer som, só imaginando na minha cabeça. A minha grande surpresa foi tentar umas horas mais tarde e ter ficado perfeita, não mudei sequer uma palavra. Fala das saudades que tinha do meu namorado que naquela altura esteve fora do país durante quase 4 meses.

Make Me Believe

Esta letra foi escrita pelo nosso amigo Leandro Pires, que chegou a tocar connosco num concerto. Sabemos o que significa para ele, mas não queremos expor o lado pessoal do Leandro. Novamente, consegue ser abrangente o suficiente para cada um ter a sua interpretação. É uma música muito alegre que me deixa sempre bem-disposta e com vontade de ir sair com amigos!

We Won’t Back Down

Esta letra fala da felicidade que sinto em poder fazer música com mais 3 pessoas que considero minha família e do facto de estar constantemente a sonhar acordada com palcos, concertos e o meu grande sonho que é viver da música.

Don’t Let The Kid Die Young

Confesso que um dos meus maiores medos é crescer e tornar-me numa adulta chata com a rotina do 'trabalho–casa–trabalho–casa'. Observo tanta gente que se esqueceu de rir, de sair com amigos, e não se preocupa que um dia vai morrer e não se lembrou de ser feliz. Esta música fala precisamente disso e do facto de eu ter 20 anos, sentir que ainda ontem tinha 5 e estar a lutar para que no futuro nunca me esqueça de rir e aproveitar a vida ao máximo.

SERUSHIÔ - Entrevista

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 26 Aug 2015 19:04:00 +0000

Vida de banda portuguesa em festivais de Verão é a vida de banda portuguesa ao longo de todo o ano: todos procuram uma reacção, por pequena que seja, e poucos palcos asseguram essa fortuna. A julgar por quem os viu no Croka's Rock e depois, à chuva, no Festival Paredes de Coura, os Serushiô desafiaram os limites da sua música, ressuscitaram memórias marcantes e fizeram o seu próprio "palco principal" antes das visitas ao Festival Philantra e à Festa do Avante 2015.
É com as músicas do sucessor dos EPs "Sights & Scenes" e "Life On Extended Play" que todos os vão querer encontrar: nós já o fizemos, no entretanto, para que Sérgio Silva, Serushiô se a envolvente for nipónica, nos falasse um pouco sobre o momento actual do grupo

BandCom (BC): Serushiô é um nome japonês mas a música que fazem tem fortes raízes ocidentais. O nome escolhido para este projecto é, segundo esta aparente contradição, acessório ou a relação entre forma e conteúdo é mais profunda do que parece?

Sérgio Silva (Serushiô): Na realidade é mais um fruto de coincidências! Comecei por utilizar o nome a solo pois achava engraçado o modo como alguns amigos japoneses pronunciavam o meu nome. No entanto, olhando agora em retrospectiva é interessante ver o triângulo criado no mapa-mundo: Portugal, Delta do Mississippi e Japão. Numa era de simbiose artística e unificação mundial é bom sentir que abraçamos o Mundo.

BC: Descobre-se mais da 'folk', do 'blues', do 'rock' ouvindo e conhecendo as histórias e músicas de outros ou construindo as próprias canções?

Serushiô: Construindo canções próprias! : ) Penso que, como em tudo na vida, a experiência em primeira mão é sempre o cerne da existência.

BC: Que pontos principais têm notado na evolução dos Serushiô de disco para disco?

Serushiô: A interacção entre os músicos, quer a nível composicional quer de execução. Eu e o Zé começamos a sentir que a musica é mesmo nossa, de um modo compartilhado. Acho isso fantástico, o facto de duas pessoas sentirem como própria uma criação em conjunto.

BC: Qual é o síndrome com que é mais complicado de lidar: o da primeira 'demo' ou o do disco que se vai seguindo a cada um dos anteriores?

Serushiô: Acho que as bandas que esperarem demasiado ou pensarem demasiado acerca da primeira demo só vão criar um problema. Do mesmo modo, uma banda que lança um trabalho e é bem sucedida, se deixar o ego inflar também pode ter problemas. Nos Serushiô não existe qualquer um destes problemas. Compomos por vocação e necessidade existencial, como tal, não existe espaço para preocupações com a aceitação. Apenas uma enorme satisfação quando isso acontece.

BC: Há alguma comparação que seja um elogio? Como lidam com essa tentação de se avaliar e descrever recorrendo a quem já está lançado?

Serushiô: Penso que a maioria das comparações são elogios. É o modo natural das pessoas catalogarem aquilo que ouvem de modo a poderem organizar os seus pensamentos e emoções. Sinceramente, ainda não ouvi qualquer banda ou músico que possa dizer “soa como Serushiô”. Provavelmente isso acontece do mesmo modo que, na maioria dos casos, um pai reconhece os seus filhos como únicos.

BC: Quer o “I'm Not Lost ... Just Don't Want To Be Found” quer o “Life On Extended Play” tiveram direito a masterização no exterior: um nos Estados Unidos da América, outro na Alemanha. Era indispensável, para vós, que tal sucedesse? É uma formação, também para vós, em relação à vossa sonoridade e os instrumentos que devem utilizar para a procurar?

Serushiô: Não é uma necessidade, mas algo que gostamos que aconteça. Isto pela simples razão de que nesse processo de finalização é bom ter alguém com os ouvidos “limpos”, ou seja, que ainda não conheça o trabalho e consiga assim tomar uma decisão estética imediata.

BC: Os Serushiô apostam bastante também na imagem e sobretudo nos 'videoclips'. É uma maneira de dar um enquadramento às histórias que contam e que poderiam ajustar-se a diferentes cenários ou preferem que sejam um veículo para adensar ainda mais o poder de sugestão e da imaginação?

Serushiô: Achamos simplesmente que é agradável ter uma história visual a acompanhar as canções. Nos dias correntes existe uma grande predominância visual latente na existência e vivência: assim, os vídeos ajudam o ouvinte a conseguir manter um elevado nível de atenção quando ouvem uma canção.

BC: O que é que sentiram, para além do reconhecimento e da simpatia, e puderam reflectir após a passagem pela Canadian Music Week? Sentiram vontade de voltar/ir para o estrangeiro ou ainda têm maior vontade de vingar em Portugal e partir daqui para o exterior?

Serushiô: Ambos. Queremos continuar a tocar no estrangeiro e se possível apresentar a nossa música em todo o Mundo. Ao mesmo tempo, o publico português é especial porque é a nossa raiz e casa. É muito agradável quando somos reconhecidos em casa.

BC: Uma banda que toque um pouco por todo o país guarda sempre no fim várias histórias para contar, algumas menos boas do que outras. Aquilo que nos separa das realidades de outros países no que diz respeito ao investimento colectivo nos músicos é recuperável sem que a questão financeira seja essencial?

Serushiô: Vale sempre a pena tocar para quem nos quer ouvir. Obviamente, por vezes as questões sociais e de subsistência não nos permitem tocar em todos os locais que gostaríamos.

BC: Para além da Canadian Music Week, que outros palcos ficaram na memória dos Serushiô até à data e que palcos vos criam expectativas para o futuro?

Serushiô: Felizmente, temos tido várias experiências das quais guardamos muito boas memórias. É difícil individualizar…penso que todos os palcos vão melhorando com o crescimento da nossa música. Se as pessoas conhecerem melhor as nossas músicas vão divertir-se mais e assim nós vamos sentir essa energia.

André Gomes de Abreu

SATURNIA - Entrevista

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 25 Aug 2015 20:34:00 +0000

Muitas têm sido as oportunidades de se conhecer o trabalho de Luís Simões ao longo das últimas duas décadas. Muitos projectos, muitos instrumentos, muitas colaborações e o nome Saturnia ecoava pelo subterrâneo musical a partir dos finais de 1996. Transformava-se, adaptava-se e redefinia-se, como um bem essencial e muito querido, de forma a perpetuar o seu core musical enquanto o desenvolvimento tecnológico não lhe disponibilizava outras ferramentas igualmente intuitivas. Pelo caminho mais cerceado e mais pulsante, por uma estrada de tal maneira íngreme em direcção a uma nova forma de conceber música, a ligação à alemã Elektrohasch tornou-se umbilical e seria inevitável, a partir da edição de debute do ano passado, que uma das raras aparições de Saturnia ao vivo, em formato banda, estivesse reservada para um cartaz do Reverence Valada onde Daevid Allen, Nik Turner e Stefan Koglek, renomeados colaboradores em disco, se sentiram (ou sentiriam) também confortáveis.
Mesmo que o dia 28 de Agosto amanheça em Valada do Ribatejo com os Saturnia e Miguel Fonseca aka Astroflex, muitos continuarão sem saber onde estavam na altura em que ouviram pela primeira vez os Saturnia. E muitos continuarão à espera que esse momento aconteça, excepto aqueles que leiam as próximas linhas partilhadas com o todo-poderoso Luís Simões.

BandCom (BC): Na sua génese, os Saturnia não eram meramente um projecto musical, correcto? Como é que surgiram?

Luís Simões (LS): Não eram, de facto, os Saturnia surgiram fruto da minha vontade de trabalhar de forma totalmente diferente e de fazer algo totalmente diferente daquilo que tinha feito até então.
A ideia era fazer uma “banda” multimédia que envolvesse música, vídeo, performance e todas as formas de arte que o conceito Saturnia pudesse assimilar. Uma ideia muito idealista e ligeiramente megalómana...
Na fase mais inicial dos Saturnia eu estava a reagir contra a minha educação feita no rock e dos seus paradigmas, basicamente a experimentar, procurar e tentar coisas novas numa luta consciente contra o dogma na arte e na minha vida.

BC: Quando é que decidiste focar-te inteiramente na música?

LS: A mudança para um projecto puramente musical acontece quando se torna para mim óbvio, em 1998, que no caminho que estava a seguir os Saturnia iriam ser basicamente umas texturas sonoras com vídeo e uma performance; era muito pouco e muito limitador para o que eu queria atingir artisticamente e então decidi apontar a energia para a minha área, a música.
Deixei de perder tempo com coisas supérfluas. É aí que passa a fazer sentido para mim, como multi-instrumentista, trabalhar sozinho; é algo que essencialmente dura até hoje. Aquilo que faço pode ser apresentado ou percebido como uma banda mas é demasiado detalhado para ser produzido num contexto de trabalho de grupo.

BC: Há alguma cena musical que te fascine particularmente? O 'krautrock' da Alemanha dos 60, o 'prog' italiano da década de 70...

LS: É difícil falar de uma cena especificamente pois sou um melómano amante de discos e Saturnia bebe de muitas fontes: numa camada mais superior, a psicadelia inglesa dos anos 60, todo o prog europeu dos anos 70, as bandas alemãs (nomeadamente as electrónicas) mas também a música concreta e classica-indiana e até algum easy- listening e exotica. Embora hoje seja uma influencia menor, no inicio de Saturnia a musica electrónica da segunda metade dos anos 90 também foi extremamente importante pois mostrou-me uma abordagem composicional diferente e abriu-me os horizontes para novas formas de abordar, trabalhar e estruturar a criação.

BC: Quando José Cid decidiu recentemente tocar o "10 000 Anos Depois" ao vivo, muitas pessoas descobriram uma faceta que não sabiam existir nele e, talvez, mesmo na música portuguesa dos anos 70. Quais são, para ti, as pérolas nacionais esquecidas pelo tempo?

LS: É curioso que fales desse álbum em particular pois lembro-me de ser motivo de risinhos nos anos 90 por admirar desse álbum e muito do trabalho do José Cid; realmente, e felizmente, a vida dá muitas voltas…
Talvez o disco dos Experiencia, “Passo A Passo”, ou o primeiro do Rão Kyao, “Malpertuis”, mereçam ser escutados com mais atenção; para mim, os dois primeiros álbuns de Tantra, “Mistérios e Maravilhas” e “Holocausto” (e o próprio Manuel Cardoso), são absolutamente incontornáveis.

BC: Podes falar um pouco do teu percurso enquanto músicos? Qual foi o teu primeiro instrumento e como é que foste expandindo horizontes?

LS: Comecei por aprender guitarra clássica e na adolescência passei à guitarra eléctrica e baixo. A meio dos anos 90 comecei a gravar em casa, ainda num contexto tecnicamente analógico: primeiro comecei a trabalhar com caixas de ritmos e sintetizador, depois a necessidade de mais instrumentação cresceu e assim comecei a tocar órgão, mellotron, gongo, sitar indiano, theremin, flauta e vários outros instrumentos conforme as peças em que trabalhava.
Sempre tive facilidade em tocar vários instrumentos e para mim foi um processo natural no qual fui crescendo tecnica, artistica e intelectualmente e que se foi desenrolando paralelamente às gravações e ao próprio trabalho de criação.
Em 1999 a mistura de sonoridades de Saturnia, embora na sua infância, já existia como uma identidade sonora, o que é perceptível no primeiro álbum; curiosamente ela cristalizou muito rapidamente e no segundo disco, “The Glitter Odd”, já temos algo que, embora num contexto de impressionismo lo-fi, é o que ainda hoje encontras em Saturnia embora, actualmente, com a evolução e experiência de mais alguns álbuns e as metamorfoses da própria passagem do tempo.
Numa nota mais biográfica, toquei e toco em três projectos: Shrine (entre 1989-1997), Saturnia (1996- ) e Blasted Mechanism (2003- ); gravei e toquei com artistas como Cool Hipnoise, The Gift, Nigga Poison, Lulu Blind, The Firstborn, Ena Pá 2000, More Republica Masonica ou Plastica.

BC: Este parece ter sido sempre um projecto bastante "caseiro". Como é que se convence os Saturnia a tocar ao vivo?

LS: Sim, Saturnia é música homegrown e a ideia sempre foi não tocar demais ao vivo; basicamente se o interesse dos promotores nos Saturnia for musical e artístico e existirem as condições técnicas, se os planetas estiverem no alinhamento correcto e eu estiver para aí virado (o que não é muito frequente) a coisa pode dar-se.
Saturnia é um artista que ao contrário dos outros não busca o sucesso ou reconhecimento por si mesmo mas sim a satisfação artística e estética.
Aquilo que na promoção dos Saturnia, ou ausência da mesma para ser mais objectivo, é visto como alienação por alguns e elitismo por outros sempre foi uma forma de preservação da integridade do projecto e da minha saúde mental. O grande contra disto é que é uma constante da carreira de Saturnia aparecerem permanentemente pessoas a dizerem-me coisas do género "como é que vocês têm cinco álbuns e só vos conheci agora?”.

BC: No final deste mês vais marcar presença no Reverence Valada. Por acaso foi ideia do Passos Coelho tocarem com os Astroflex ao nascer do sol?

LS: Pois é, Saturnia vai tocar no Reverence Valada, já não tocávamos em Portugal há algum tempo e eu vou fazer a Sunrise Jam com o Miguel Fonseca - foi um convite do Alexandre Travessas e do Miguel Fonseca.
Conheci o Miguel Fonseca em 1992 quando ele estava nos Thormenthor e eu nos Shrine, tocámos [em] vários concertos juntos e mais tarde gravei sitar, mellotron e gongo em dois discos dos Plastica e toquei ao vivo com eles - gosto de todo o seu, também já extenso, trabalho e estou sempre interessado em fazer coisas com ele.

BC: Para estarem frescos em dois concertos a horas tão tardias vão passar o dia a dormir ou há concertos que considerem absolutamente imperdíveis?

LS: Penso que vamos passar o dia o mais calmamente que conseguirmos mas Amon Düül II, Sleep, The Jon Spencer Blues Explosion e Electric Moon são para ver.

BC: Em 2016 os Saturnia atingem o seu vigésimo aniversário. Como o vais celebrar?

LS: Continuando a fazer aquilo que considero ser válido e útil na minha existência e também para a espécie humana: mais musica.
O novo álbum de Saturnia está a começar a ser misturado e à partida em 2016 vamos ter álbum novo. Além disso também vão aparecer mais vídeos da série Official Bootleg.

Daniel Sampaio

d3ö - ENTREVISTA

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 22 Aug 2015 20:55:00 +0000

Habituámo-nos ao muito que parece pouco. Deixámos o tempo passar e já lá vão quase 15 anos em que a presença dos d3ö nos palcos, nas conversas ou nos escaparates de música portuguesa é constante - primeiro pela tentação de continuar a seguir grandes vultos, mais tarde pela certeza de uma bela carreira, de uma bela identidade tatuada com o blues e o rock n' roll que, por ser o mais despudorado e o mais apegado a uma vivência completa, é também o que mais prepara um futuro sóbrio.
Primeiro uma série de 3 EPs, depois uma série de dois discos de originais: "Exposed" e o mais recente "Love Binder" editado pela Lux Records. As mudanças, mesmo na formação original, parecem mínimas se podem ser pouco notadas. Só são amplificadas quando assim o merecem, quando assim tem que ser, tal como o magnetismo quase inevitável para as luzes mais brilhantes que já os empurrou para palcos como o do agora NOS Alive.
Uma das perfeitas "instituições do rock" que continua viva, incendiária e refrescante para um público cada vez mais alargado. A propósito de mais uma paragem, desta feita no festival Croka's Rock em Castelo de Paiva, fomos às aulas com o professor Toni Fortuna e vivemos para contá-lo.

BandCom (BC): Como é que os d3ö chegam a 2015? De boa saúde? De bem com o passado e com o seu percurso?

Toni Fortuna (TF): Sim, o trio está de boa saúde e recomenda-se. Tem sido um caminho trilhado com alguns momentos atribulados, mas isso faz sempre parte da vida e das escolhas que vamos fazendo.
Mas estamos bem, focados no que ainda queremos fazer e no percurso que ainda nos falta trilhar.

BC: O projecto inicial era mesmo o de apenas gravarem um EP por cada membro da banda? A oportunidade de gravarem o “Exposed” nasce de que forma? Mais como um impulso após perceberem que gostavam de prolongar o projecto ou porque houve algo que vos fez mudar cirurgicamente e em definitivo de planos?

TF: Não, o conceito dos 3 EPs foi uma abordagem diferente: queríamos poder editar trabalhos sem pressão, só as músicas que queríamos, achámos que o facto de sermos 3 e poder "brincar" com isso também nos agradava...mas nunca pensámos em só fazer 3 EPs. Quem sabe se depois de fazer 3 álbuns fazemos mais 3 formatos diferentes.

BC: Gravar e lançar o “Love Binder” fez-vos, de alguma forma, apreciar ainda mais o legado discográfico que deixam ou não existe forma de se “cansarem” de tocar ao vivo e de ansiar pelo próximo concerto?

TF: Nós gostamos muito de tocar ao vivo, temos necessariamente de gravar discos para o podermos fazer e podermos também pensar em coisas novas. Esperamos nunca nos cansar de tocar ao vivo, que é sem dúvida onde nos sentimos mais à vontade.

BC: O aparente descomprometimento com manter um formato e uma fórmula para o que fazem, incluindo os discos, é uma liberdade que vos custou caro em algum momento? Ou ficaram mais perto da perfeição, da auto-realização, da satisfação com o vosso próprio trabalho?

TF: Já pagámos algumas "facturas" por termos feito determinadas escolhas ( o exemplo dos 3 EPs, foi um desses momentos), mas foi e tem sido uma escolha consciente. Assumimos o que daí advém em prol da satisfação (e também auto-realização que falavas) de podermos decidir o nosso caminho. Estamos sempre a aprender.

BC: É também fácil e/ou rápido ficarem satisfeitos com uma determinada canção nova ou podem passar mais tempo a debater uma canção do que um disco inteiro?

TF: Já aconteceu ficarmos satisfeitos rapidamente tanto como passado pouco tempo já acharmos que precisa de alterações mas nunca tivemos grandes casos de uma música demorar mais que um disco. Se não funciona, ou se dá a volta (tocando, experimentando às vezes até ao vivo) ou então segue-se para outra coisa é e eventualmente mais tarde voltamos lá só para perceber se vale a pena.

BC: O “efeito ‘Love Binder’”, resgatando a referência ao concerto com que fecharam o ano passado e passando-o para as vossas relações com outros músicos também ou não de Coimbra, está cada vez mais alargado e mais sólido mesmo que a cidade de Coimbra possa não dizer o mesmo?

TF: A partilha e união está bem presente em quase tudo (senão tudo) o que fazemos; por outro lado, gostamos de experimentar o que ainda não fizemos e essa reunião com outros músicos foi verdadeiramente isso. E isso pode acontecer em Coimbra como em outro lado qualquer.
Não sabemos o que a cidade de Coimbra acha...ela não nos fala com frequência...

BC: O Miguel Benedito, membro original dos d3ö, deixou de tocar com a banda e agora encontra-se, inclusivamente, fora do país. Embora não tenham deixado de tocar no estrangeiro, passa-vos/passou-vos a ideia de que também poderiam vingar lá fora em definitivo como banda? Houve desafios que ficaram por ultrapassar? Quais?

TF: O Miguel deixou de tocar (no trio) porque saiu do país, senão ainda estaríamos a partilhar palcos. Já pensámos muitas vezes em sair do país por algum tempo ( mesmo que isso sejam anos) mas cada vez se torna mais difícil com famílias. Mas acho que nunca foi posta de parte essa hipótese, quem sabe um destes dias ainda acontece.

BC: O que é que vos motiva num determinado público? A sua capacidade de reagirem como massa única e com personalidade própria ou a possibilidade de a manietar e provocar?

TF: Nós gostamos de partilhar; emoções, momentos, alegria, energia... E os nossos concertos vivem muito disso... cada pessoa reage de forma diferente ao que vê, ouve e sente, mas é essa individualidade que nós gostamos, e que de alguma forma nos une...é uma relação osmótica.

BC: Que concertos foram tão marcantes que por eles a vossa existência ainda tem valido mais a pena?

TF: Já tocámos com muitas bandas ou pessoas que nos dizem muito ou com quem nos
identificamos bastante, em salas ou sítios que por si só podem "fazer" um concerto, mas é a junção de tudo, incluindo o público e a partilha de energias e alegria, que nos preenche mais e nos faz pensar que aquele concerto em especial valeu a pena e nos faz continuar a querer fazê-lo.

BC: A Lux Records é um projecto de futuro que os d3ö gostaram e gostariam que contasse também para o seu futuro?

TF: A Lux Records (o Sr. Rui Ferreira) tem-nos acompanhado desde o princípio, com todos os altos e baixos que 12 anos carregam. Gostamos de pensar que isso é também o futuro, mas não queremos ter um pensamento redutor e por isso não fechamos nenhuma porta de podermos trabalhar com outras editoras ou entidades.

BC: Quais as expectativas dos d3ö para os próximos tempos em matéria de: concertos? Novo material discográfico? Novos acontecimentos (um disco novo, um livro, uma peça de teatro, um filme, etc…) em Portugal e no Mundo?

TF: Temos uma série de músicas novas que estamos a trabalhar para um novo disco, temos andado a trabalhar em "mercados" novos de forma a podermos espalhar a nossa música por outros sítios, culturas e pessoas. Gostaríamos muito de fazer bandas sonoras para um filme ou peça de teatro, mas não havendo propostas podemos sempre fazermos nós alguma coisa que se assemelhe e por isso temos feito muitos registos de imagens pelas nossas viagens. Não temos nada de concreto, mas temos uma série de ideias e muita vontade de continuar a tocar e a desenvolver coisas novas para podemos apresentar ao público.

André Gomes de Abreu

DE E POR: TIME SHIFTER - Even Dolls Can Wake Up From Their Porcelain Sleep (2015, Ed. Autor)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 26 Jul 2015 15:13:00 +0000

Sónia Vicente e Raquel Devesa demoraram apenas um ano de formação para se tornarem nas Time Shifter com um EP de estreia no bolso. "Even Dolls Can Wake Up From Their Porcelain Sleep" conserva vários dos atributos simples de uma voz, de um violoncelo e de electrónica enquanto algumas abordagens interessantes, intensas e assaz experimentais escavam pelos teatros da música que bebe directamente das inseguranças e insondabilidades da alma consciente e inconsciente da forma mais ressonante possível.
Uma pequena caixa de música selvática e não convencional que chama pelos palcos.
Entretanto, elas oferecem-se aqui em baixo para manter parcialmente o mistério e deixar a apreciação para quem as deve ouvir - por exemplo, ao vivo e depois dos festivais Encontrarte e SantoRock, já no dia 1 no regresso ao Breyner85, no Porto, e no dia 22 no Urban Jungle Free Festival em Coimbra.

Even Dolls Can Wake Up From Their Porcelain Sleep by Time Shifter

Taken
Uma batida forte com os graves bem presentes e, apesar, da melodia doce ficamos com um amargo de boca. O que farias se tivesses apenas 1 minuto para decidir o resto da tua vida?

Transmission
A primeira parte do tema é bastante soturna e quase diabólica e é claramente assoberbada pelo violoncelo que entra na segunda parte que nos transporta até à Roménia. Cheira a dança e é claramente cigana!

Sailing

Passou a ser o 'single' do EP e não estávamos a contar com isso.
Não que tivéssemos escolhido outra...

Twisted

É o grito de quem já está farto de viajar na tempestade e anseia pela sua conclusão, a bonança transformada em loucura líquida.

THE BELLRAYS + PLUS ULTRA + THE LAZY FAITHFUL @ HARD CLUB, 17/7/2015 - REPORTAGEM

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 24 Jul 2015 22:48:00 +0000

Há um dia na vida de qualquer pessoa em que somos quase forçados a redefinir algo que já está bem assente na nossa cabeça. Este dia chegou para mim.
Numa altura em que achava que nada me surpreendia a nível de concertos no Porto, eis que chegam os The Lazy Faithful, Plus Ultra e The Bellrays para me provar que estava errado, e ainda bem! Uma lição de rock 'n' roll foi o que os intervenientes deste evento deram - por isso, preparem os apontamentos para da próxima vez que estes Artistas (sim, com A maiúsculo) vierem tocar nos palcos da Antiga, mui nobre, sempre leal e Invicta cidade do Porto, ou em qualquer parte do país, poderem aplicar os conhecimentos.

The Lazy Faithful. Os enérgicos portuenses que nunca se vão abaixo – nem mesmo com os problemas técnicos que fizeram parte do concerto. Talvez a única coisa que tenhamos a dizer de negativo (sem contar com os já referidos problemas técnicos) é a não colaboração do público naquilo que foi, a nosso ver, um espectáculo muito bem conseguido como desde sempre nos habituaram. Pudemos ver potência e energia por parte de todos os elementos da banda aliadas com um profissionalismo não habitual em bandas jovens e, para além dos temas mais conhecidos do álbum de estreia como “Two Lines in the Sky” e “Good Night”, conhecer temas ainda não lançados pela banda - os exemplos de “Queen Anne” e “Seal My Fate”. Este quarteto, composto pelo groove do baixo de Rafael Silva, a demoníaca bateria de Gil Costa, a hiperativa guitarra de João Ramos e o clássico roupão de Tommy Hogg - que não atrapalha a sua técnica e maturidade -, é o que é preciso na música portuense e portuguesa: uma “chapada” de rock 'n roll em constante evolução e à espera de dar o salto para os grandes palcos (o que, para nós, já devia ter acontecido).

O que acontece quando três homens enormes de bandas igualmente gigantes se juntam? Isto. Uma nova abordagem musical a estilos como rock, stoner-rock e metal com uma pitada de insanidade que não deixa de se revelar como extremamente profissional, com todas as suas nuances. Gon (ex-Zen), Kinorm (ex-Ornatos Violeta) e Azevedo (ex-Mosh) levam mais uma vez a sua atitude e abordagem violenta ao mais alto nível. Uma execução notável, onde nem baquetas partidas pararam o espectáculo, leva o público ao rubro e a uma interacção bastante mais presente. Claro que esta interacção também se deve ao espectáculo dado por todos os membros da banda, sempre com o cuidado de chamar o público para mais perto, sem nunca perder o fio à meada. E, mesmo sendo uma actuação digna de grandes palcos por parte do conjunto portuense, somos levados a elevar Gon a um nível diferente: neste concerto, em que até se misturou com o público à procura de mais energia, Rui Silva mostrou-se como uma figura para não ser esquecida. Não nos lembramos de ver um frontman portuense com tanta atitude como a que o vocalista demonstrou: nota 20 para todos os membros, 21 para Gon.
Este concerto faz notar que a experiência e a dedicação são importantíssimos para a formação de qualquer músico. Mas tudo isto nos leva a outra questão: onde estão os grandes festivais à procura dos Plus Ultra? Onde estão as salas cheias? Se calhar, há que dar mais confiança à música local...mas esta é só uma opinião entre milhares. Não é “bonitinho” de se ouvir, mas é a mais pura verdade em guitarra, bateria e voz.

Chega o cabeça de cartaz. O crème de la crème.
Lisa Kekaula e Robert Vennum nunca desiludem e desta feita – com Pablo Rodas no baixo e Maxi Resnikosky na bateria – deram a última aula de rock 'n' roll da noite. Tema: o verdadeiro espírito do rock. É verdade que os The Bellrays sempre se revelaram como uma aliança perfeita entre o soul e o rock, fazendo dos seus concertos uma festa para todos e não propriamente algo fechado mas, à semelhança de outros concertos, nota-se que há um profissionalismo diferente das bandas portuguesas (não que estas não o tenham) que marca a distinção desta banda americana entre as três da noite.
Dado tudo isto, não ficou aquém das expectativas. São quatro músicos vindos de outro Mundo que nunca, mesmo nunca, param de dar espectáculo e de testar a resistência do público ao máximo. Tal como anteriormente, onde um amplificador de baixo não correspondia e uma baqueta não durou completa até ao fim do show, aqui foi Robert Vennum a ficar sem uma corda da sua guitarra e, como não podia deixar de ser, a nunca parar de tocar. Quanto ao público, não deixou de entrar no espírito desta dança que até teve direito a bolo, a propósito do aniversário do baixista Pablo Rodas, e suou até não poder mais, entrando em quase delírio quando os californianos brincaram, no bom sentido, com "Whole Lotta Love" dos eternos Led Zeppelin. A frase mais ouvida da noite foi "we are the Bellrays, and we are here to give you everything we got": sem dúvida Lisa, deram-nos tudo o que têm e nós como público apenas temos que agradecer e esperar que mais espectáculos destes cheguem ao nosso país. É uma máquina bem oleada do Mundo da música que merece os mais sinceros parabéns.

E assim concluímos a nossa aula de Rock 'n Roll 101. Parabéns à organização, que trouxe estes três magníficos grupos à cidade do Porto; parabéns às bandas, que nos deram tudo num evento em que podíamos ter correspondido mais como público; parabéns a Pablo Rodas, que fez anos; obrigado Pedro Soares – que me ajudou, sem saber, a escolher o título deste artigo; e um especial obrigado aos artistas portuenses que me fizeram não perder a vontade de ir a concertos na minha cidade. Espero que tenham apontado tudo o que tenham a apontar, porque não é todos os dias que temos uma aula como esta.

Texto de Sérgio Morais

Fotografias por Maria João Ferreira
(galeria completa em
facebook.com/bandcom)

TALENTOS PARA A TROCA #6

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 20 Jul 2015 20:06:00 +0000

A sexta edição da rubrica "Talentos Para A Troca" é uma edição especial dedicada às qualidades imensas de cinco projectos compostos, na sua totalidade ou não, por emigrantes e luso-descendentes portugueses.
Bernardo, TIO, Cristobal And The Sea, Crystal Pulse e crosta são cinco nomes que o exterior começa a memorizar sem que o gentílico "português" se possa apagar na totalidade ou arrancar com rudeza: pelo contrário, a exploração da sua música, do seu passado, do seu contexto, da sua intervenção é uma tormenta agradável que se cola a cada um.
Façamo-los maiores e tenhamos a certeza de que mais surgirão.
São moedas de troca para um futuro em que haja eco de algo.

Bernardo

ONE INCH PUNCH [DEMO] by BERNARDO

Porquê, simplesmente, Bernardo?

Bernardo é o meu último nome e os meus colegas sempre acharam engraçado e começaram-me a chamar Bernardo…então ficou. Mas não está nada definido ainda: na colaboração que fiz para o novo álbum do Phil Manzanera (Roxy Music) decidimos manter Sónia Bernardo.

Como defines a música que produzes?

Sei lá. Alternativa, 'bluesy'/'jazzy pop'. Grandes influências de 'bossa nova' e do nosso fado.

Qual é a tua melhor canção?

Hmmmm…acabei de escrever uma ‘Jamie’ e hoje essa é uma das minhas preferidas.

Pensas que, hoje em dia, a música que criam é mais importante do que a comunicação e o 'marketing' que tens de fazer para a promover?

Sim, sempre! A música vem sempre primeiro, mas sim, é verdade que hoje em dia temos de ser mais do que músicos/artistas, temos de ter uma mentalidade mais 'business' para conseguirmos ser notados. Não tenho grande jeito ou paciência para promoção mas tenho-me esforçado ultimamente.

De que revista não te importarias de estar na capa?

Forbes. lol

Primavera Sound, Glastonbury ou Lowlands?

GLASTO!!!! É o sonho de qualquer músico. Mas em Portugal talvez o Paredes [de Coura], deve ser dos meus festivais preferidos.

Spotify, Pandora ou Grooveshark?

Spotify.

MP3, FLAC, WAV ou vinil?

FLAC, se possível, mas por razões práticas 80% da música que oiço está em MP3. Comecei a minha colecção de vinil há pouco tempo - gosto do ritual.

Que nem o Prof. Marcelo, sugestões de cultura (literatura, cinema...) musical?

Acabei de ler hoje 'The Fall' de Albert Camus. 5*****

Qual é a pergunta mais irritante que te podem fazer?

'Que país preferes: Portugal ou UK?'

5 canções para 5 cenários/situações diferentes.

Hiatus Kaiyote - Nakamarra: como despertador, ainda não me fartei.
Tame Impala - Mind Mischief: 'falling in love'.
Marvin Gaye - I Heard It Through The Grapevine: 'broken heart'.
Drenge - Backwaters: quando estás a tomar banho e a pensar na vida.
Mariza - Por Ti: quando tenho saudades de Portugal.

TIO

Porquê TIO?

TIO é o Mundo em que existimos. Um lugar para se estar, um lugar para se sentir. Nós estamos como que a sair de alguma caverna estranha ou mundo singular, penso eu. Em breve, com tempo e com as alterações estivais, sairemos cá para fora para cantar e dançar um pouco mais.

Como definem a música que produzem?

A nossa visão era a de criar um estado de espírito: uma sensação que se perpetuasse por todas as canções que escrevêssemos. Procurámos criar um estado de espírito, um Mundo. Os tons e as texturas são o mais importante para nós. A abstracção, a experimentação e celebração, isto é TIO.

Qual é a vossa melhor canção?

"Lips Like Wine" foi a primeira canção que partilhámos e permanece nos nossos corações. Os sons, tonalidades e sentimentos representam todos a nossa visão da música.

Pensam que, hoje em dia, a música que criam é mais importante do que a comunicação e o marketing que têm de fazer para a promover?

A música está sempre primeiro. A tua música define-te. Queremos fazer a melhor música que conseguirmos: esperamos que a forma como as pessoas encontrem e ouçam o que fazemos seja um processo orgânico, um processo liderado pela música. Queremos que as pessoas ouçam, visualizem o imaginário e se liguem ao Mundo que estamos a criar.

De que revista não se importariam de estar na capa?

Revistas de moda e arte que se identifiquem com a nossa estética. A Clash Magazine estreou o nosso primeiro 'single' e seria óptimo que esse exemplo se repetisse.

Primavera Sound, Glastonbury ou Lowlands?

O Primavera Sound parece ser um festival muito divertido que apoia concertos mais experimentais e estranhos. Seria um prazer fazer parte da maior parte dos festivais europeus.

Spotify, Pandora ou Grooveshark?

Na verdade, neste momento não ouvimos música via 'streaming'.

MP3, FLAC, WAV ou vinil?

É sempre um prazer escutar o vinil.

Que nem o Prof. Marcelo, sugestões de cultura (literatura, cinema...) musical?

Há sempre uma beleza na forma escrita. Uma ligação textual que achamos íntima e cativante. Os livros permitem imaginar e criar mitos, sonhos, histórias. Ler é belíssimo.

Qual é a pergunta mais irritante que vos podem fazer?

Todas as questões são apropriadas, a forma como respondemos, autêntica, genuína e fiel a nós próprios, é o mais importante.

5 canções para 5 cenários/situações diferentes.

Sigur Ros - Glósóli: para sonhar e sentir como uma criança

Four Tet - Plastic People: para dançar, contemplando.

Gang of Four - Damaged Goods: para beber 'whisky' sozinho num 'pub'.

Tortoise - Seneca: para guiar por uma montanha em direcção a um campo aberto.

Nicolas Jaar - I Got A Woman: para beber café com os amigos a horas tardias.

Cristobal And The Sea

Porquê Cristobal And The Sea?

Cristobal And The Sea porque, como sabem, Cristovão Colombo é português...ou será espanhol? Mesmo que ele seja de Génova. É um debate intenso entre o João e o Ale no que diz respeito à origem do homem que descobriu a América (e morreu a pensar que tinha descoberto a Índia).

Como definem a música que produzem?

É uma questão difícil. É, essencialmente, música latina mas, dependendo do género que estejamos a ouvir, tudo isso passa para o que fazemos.

Qual é a vossa melhor canção?

Não nos cabe a nós dizê-lo. As nossas opiniões mudam relativamente depressa, especialmente as do Ale, Dr. Jekyll e Mr. Hyde.

Pensam que, hoje em dia, a música que criam é mais importante do que a comunicação e o marketing que têm de fazer para a promover?

De todo (risos).

De que revista não se importariam de estar na capa?

Good Housekeeping.

Primavera Sound, Glastonbury ou Lowlands?

Burning Man (João), Primavera Sound (Ale), Solidays (Leila) e BBC Radio 1's Big Weekend (Josh).

Spotify, Pandora ou Grooveshark?

A Leila gosta do 8Tracks e o Ale usa o Spotify. O João e o Josh não utilizam os serviços de 'streaming'.

MP3, FLAC, WAV ou vinil?

Vinil, porque existe sempre aquele prazer de mudar de lado.

Que nem o Prof. Marcelo, sugestões de cultura (literatura, cinema...) musical?

'Control', o 'biopic' sobre Ian Curtis (Ale); ' Walk Hard, The Legend of Dewey Cox' (João), 'Our Band Could Be Your Life', de Michael Azerrad, ou Foo Fighters - Live in Hyde Park (Josh) e 'Bird', o filme sobre Charlie Parker (Leila).

Qual é a pergunta mais irritante que vos podem fazer?

Provavelmente 'quais são as vossas influências?'.

5 canções para 5 cenários/situações diferentes.

Animal Collective - What Would I Want, Sky?: 'high on acid'.

Throbbing Gristle - Persuasion: 'high on ketamine'.

CAN - Millionenspiel: 'high on a tall building'.

George Michael - Careless Whisper: 'high on love'.

Bee Gees - Wildflower: 'high on life'.

Crystal Pulse

Porquê Crystal Pulse?

Crystal Pulse é a fusão entre a energia (Pulse) que tentamos transmitir em todas as nossas músicas e a 'pureza', a mais próxima do verdadeiro som 'rock' das nossas composições.

Como definem a música que produzem?

Enérgica, ritmada e, mais uma vez, 'clara', 'pura' na sua sonoridade.

Qual é a vossa melhor canção?

Temos duas empatadas: 'Black Out', editada em 2014, e 'Road Tripper', que saiu no início do ano. As duas correspondem à identidade da banda: 'Black Out' marca a criação do(s) 'Crystal Pulse', é quase o seu hino.

Pensam que, hoje em dia, a música que criam é mais importante do que a comunicação e o marketing que têm de fazer para a promover?

Penso que, hoje em dia, a música e a comunicação são duas coisas ligadas. Hoje, é essencial saber fazer as duas coisas se queremos ser conhecidos, ir mais além. O 'passar a palavra' agora já não chega. Temos de utilizar todos os meios de comunicação actuais se queremos ser mais do que simplesmente ouvidos, se queremos verdadeiramente ser ' escutados'.

De que revista não se importariam de estar na capa?

Rolling Stone (versão US, de preferência).

Primavera Sound, Glastonbury ou Lowlands?

Glastonbury, sem hesitar.

Spotify, Pandora ou Grooveshark?

Nenhum deles.

MP3, FLAC, WAV ou vinil?

Vinil (os originais, sobretudo e antes de tudo).

Que nem o Prof. Marcelo, sugestões de cultura (literatura, cinema...) musical?

A biografia de Keith Richards e os filmes 'Ray' e 'Jersey Boys'.

Qual é a pergunta mais irritante que vos podem fazer?

Esta mesmo, esta pergunta porque não sei o que hei-de responder (risos).

5 canções para 5 cenários/situações diferentes.

Placebo - The Bitter End: nos ouvidos, para correr.

Aerosmith - Jaded: para uma saída de mota.

Foo Fighters - The Feast And The Famine: para as noitadas.

H-Burns - Nowhere To Be: para um passeio de carro.

U2 - Where The Streets Have No Name: para fumar um cigarro (um 'verdadeiro') a pensar no futuro.

crosta

Porquê, simplesmente, crosta?

crosta é a camada rígida do planeta onde vivemos. Também é sangue seco numa ferida. Quando dito em português soa bem. É difícil arranjar um nome ... o projecto é bastante influenciado pela natureza, por isso acabou por ficar esse nome.

Como defines a música que produzes?

Algo à volta do 'post-metal', 'post-rock', 'sludge' com uma pitada de electrónica.

Qual é a tua melhor canção?

Está por gravar, espero que nunca a grave. A parte divertida é evoluir.

Pensas que, hoje em dia, a música que criam é mais importante do que a comunicação e o 'marketing' que tens de fazer para a promover?

Um tema complicado. Nem quero pensar na quantidade de música boa que está longe dos holofotes por não estar no sítio certo na hora certa. Primeiro penso na música, depois na música e finalmente na música, as minhas capacidades de 'marketing' limitam-se a usar o Gmail.

De que revista não te importarias de estar na capa?

Não consigo deixar de pensar no catálogo do IKEA...ultimamente só leio coisas 'online'... sinais dos tempos.

Primavera Sound, Glastonbury ou Lowlands?

sinceramente não sei... como espectador penso que iria ao Lowlands. Mas na realidade o meu plano a curto prazo é ir pelo menos dois dias ao FMM Sines. Sempre que posso lá estou eu - é um senhor festival, aprendes sempre qualquer coisa nova em Sines. Paredes de Coura também costuma ser muito bom .

Spotify, Pandora ou Grooveshark?

Spotify deveria ser desligado até arranjarem termos honestos com os fornecedores de conteúdo. Pandora está bloqueado fora dos EUA. Gostava do Grooveshark como utilizador antes de ter fechado, não sei como funcionava para os fornecedores de conteúdo...vulgo artistas.

MP3, FLAC, WAV ou vinil?

Para pegar nas sapatilhas e ir correr, MP3. Para ouvir em casa, FLAC. Para gravar e produzir tem que ser em WAV. Vinil está num processo de decisão... não sei se preciso de mais vícios mas o formato em si é lindo (saudades daquelas capas).

Que nem o Prof. Marcelo, sugestões de cultura (literatura, cinema...) musical?

De literatura ando a reler alguns clássicos ('Animal Farm', 'O Processo'), nada de novo. Li 'O Mapa e o Território' há uns meses...
De cinema, aderi ao MUBI - tem muita coisa interessante, principalmente documentários. Se puderem, passem de vez em quando no CCB e vejam o museu/colecção Berardo, costuma ter coisas boas e é à borla!

Qual é a pergunta mais irritante que te podem fazer?

'Então e não cantas?' .

5 canções para 5 cenários/situações diferentes.

Pink Floyd - Breathe: chegar a casa e limpar a cabeça.
Zu - Ostia: corrida antes do jantar.
Ufomammut - Sublime: 'road trip' nocturna.
Death From Above 1979 - Virgins: festa.
Tool - Right In Two: qualquer um destes...

Esta é difícil: hoje sai esta lista, amanhã sairia outra...

LÁ FORA, CÁ DENTRO #8: F U Z E T A - Entrevista

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 07 Jul 2015 20:53:00 +0000

Poucos são os grupos que, com pouco mais de um ano de existência, se podem orgulhar de ter pisado palcos como o Festival Printemps de Bourges, o Festival Les Transmusicales, o Festival Francofolies ou, agora em Julho, o FNAC Live, em Paris. É de Vannes, em França, que nos chega um projeto - com uma forte ligação a Portugal - que conseguiu esse feito: os F U Z E T A, Dorian, Charles-Alexandre, Pierre-Antoine e Jérémy, naturais da pequena aldeia de La-Roche-Bernard. De um sucesso local na Bretanha ao reconhecimento nacional depois de terem vencido o Prémio Ricard S.A. Live Music, temos seguido com particular atenção a ascensão destes indie-poppers contemplativos que se inspiraram, entre outras coisas, na luz e na doçura da Fuzeta, pequena foz de terra do Sotavento algarvio. Sonhos e desejos concretizados, esses parecem não ir faltando.

Ep DIVE - Compact Disc & Digital by F U Z E T A

BandCom (BC): Porque é que atribuíram à vossa banda o nome da aldeia onde o pai de três de vocês nasceu? Porque não escolheram La-Roche-Bernard, a aldeia de onde são originários em França? Já agora, para quem não a conhece, como é essa aldeia?

F U Z E T A: F U Z E T A nasceu de um consenso à volta das nossas histórias pessoais: queríamos transmitir algo que fosse bonito, verdadeiro, solar. Queríamos falar de coisas verosímeis, que vivemos e não projetar-nos através de uma postura ou de personagens fantasmagóricos. Encontrámos a solução nas nossas infâncias respetivas, nesses momentos doces e menos doces que vos forjam, que vos fazem avançar na vida, de que por vezes sentem falta uma vez adultos. Encontramos isso tudo na nossa música: os risos, as lágrimas, a nostalgia das alegrias estivais da nossa infância onde o sol inunda as imagens dos nossos banhos no rio. No que diz respeito a La-Roche-Bernard, teria colado perfeitamente com esse espírito mas a eficácia levou-nos a buscar algo bem mais curto. Fuzeta não é a aldeia onde o nosso pai nasceu (essa confusão nasce do facto de nós termos descoberto esse sítio graças a ele), mas conhecemos a Fuzeta por lá termos estado várias vezes durante a nossa adolescência. Pensámos em F U Z E T A porque evoca o sol, a natureza, algum exotismo e também um lado pitoresco, da "pequena aldeia perdida", que também podemos encontrar em La-Roche-Bernard.

BC: Qual é a vossa relação com Portugal ? Conhecem bandas/artistas portugueses?

F U Z E T A: Conhecemos Portugal desde o início da nossa adolescência. Íamos surfar na Arrifana todos os anos, no Algarve, onde um amigo tinha uma pequena casa na praia. É um país maravilhoso onde a natureza e as paisagens são grandiosas. Desde há uns anos para cá, o nosso pai instalou-se em Almada, na margem sul do Tejo. Vamos lá de vez em quando passar uns dias para desfrutar da doçura lisboeta e das inúmeras riquezas da capital. No que diz respeito à cena portuguesa, não estamos muito a par. Conhecemos alguns grupos graças a Frank Darcel que durante uns tempos viveu e trabalhou em Portugal. É da Bretanha e beneficia de uma imensa "aura" na nossa zona porque é um dos fundadores com, entre outros, Marquis de Sade, da cena de Rennes do início dos anos 80.

BC: São um grupo relativamente jovem, o vosso primeiro espectáculo ao vivo ocorreu em Novembro de 2014…e desde então, são muitos os media franceses que apostam em vocês. Como explicam essa recepção e o sucesso que alcançaram localmente em tão pouco tempo? É o fruto de um trabalho árduo nos bastidores?

F U Z E T A: O nosso primeiro concerto foi no dia 8 de Novembro de 2014 no festival "Les IndisciplinéEs" mas não foi a primeira vez que tocámos o nosso set. Uma estrutura de Lorient (MAPL) acompanha-nos desde Dezembro de 2013. Esse apoio traduziu-se em períodos de trabalho em palco, no Manège, onde pudemos trabalhar e ensaiar os nossos temas. Também permitiu-nos beneficiar de intervenientes qualificados no que diz respeito ao canto, à gestão do palco mas também de conselhos permanentes sobre a promoção, os obstáculos a evitar e todas as coisas importantes que os jovens grupos nem sempre conhecem. Trabalhámos sempre com pessoas que nos permitiram preparar-nos da melhor das formas antes de sair da sombra e que sobretudo, ainda hoje nos permitem apreender da melhor das formas o Mundo no qual avançamos. No que diz respeito ao feedback positivo do público e dos media, estamos felizes que a nossa música consiga tocar as pessoas. Dá-nos ainda mais força para que o que aí vem seja à altura das suas esperanças.

BC: Uma das vossas primeiras grandes conquistas foi a vossa presença no famoso festival Les Transmusicales em Rennes. Como correu?

F U Z E T A: Foi vertiginoso. Um dos maiores festivais de novos talentos do Mundo e nós, com os nossos cavacos e os nossos 7 primeiros concertos a tentar "acender a fogueira"! Foi bastante intenso, o concerto correu bem, havia gente, as pessoas estavam contentes e nós ainda mais. Estamos muito gratos à organização do festival que nos acolheu maravilhosamente no palco do L’Etage e o resto do fim-de-semana. É muito importante para os grupos, sobretudo quando são jovens e ficam um pouco impressionados com o gabarito da coisa. Foram todos amigáveis, atenciosos e prestáveis connosco, à imagem do nosso encontro com Jean-Louis Brossard, caloroso e entusiasta acerca da nossa participação no festival. Um imenso obrigado a eles todos.

BC : Como se sentiram depois da vitória no Ricard S.A. Live Music?

F U Z E T A: Estamos muito contentes! Todo o dispositivo que nos acompanhou e os meios que a equipa do Ricard S.A. Live Music pôs ao nosso dispor ao escolher-nos foi enorme. Acelerou muito as coisas. Esperamos sobretudo desfrutar dessa exposição para encontrar um editora, um booker que se ocupe de nós no futuro. Estamos nas nuvens. Que grupo nunca teve o sonho de tocar em todas estas salas, com bastante público, quando ainda só está a dar os primeiros passos?

BC : Como é que se prepara um concerto quando editaram apenas 3 músicas? Optaram pelas 'covers' ou ofereceram aos vossos primeiros fãs músicas inéditas - algumas delas incluídas na segunda parte do EP que saiu em Maio - ou que se calhar nunca vão ser editadas? Se assim for, os vossos primeiros fãs foram uns privilegiados…

F U Z E T A: Ao vivo tocamos 11 músicas. São todas criações nossas que permitem a quem nos vem ver descobrir muitos temas que ninguém encontra na Internet: há, obviamente, as outras músicas do EP que saiu em Maio mas também temas que nem sequer gravámos. Estamos a trabalhar atualmente para apresentar um set rico para as próximas datas. Adoramos oferecer ao público algo único, sem falar em privilégios, mas queremos que a experiência vivida pelas pessoas nos nossos concertos seja marcante e o mais emocional possível. Por exemplo, tivemos a sorte, no festival Les Transmusicales, de participar com uma escola de música do Pays de Rennes e um projeto com alunos que vinham adicionar percussões, ventos ou canto. O resultado foi uma representação única num pequeno teatro. Foi intenso! As crianças pareciam mesmo felizes e nós estávamos felizes por termos criado algo novo e diferente com a nossa música. O público presente sentiu esse lado “mágico” daquele instante e ficaram todos com ótimas recordações.

BC: Parecem estar muito ligados, com um espírito que diria quase familiar, com muitas memórias e histórias em comum… Pensam que o vosso grupo podia contar uma história próxima da que nos propõem se não tivessem vivido todas estas coisas juntas quando eram pequenos?

F U Z E T A: F U Z E T A chegou numa altura em que estávamos preparados para fazer uma música autêntica e interessante todos juntos. A história que contamos é parecida connosco mas a dimensão dos temas que trazemos connosco - a infância, a fraternidade, a nostalgia... - é universal. São coisas que existem em toda a gente e pensamos que cada um pode encontrar na nossa música uma ideia, uma emoção que o pode tocar.

BC: Quando lemos as vossas entrevistas, sentimos em vocês uma certa proximidade com a natureza, como se quisessem fazer um paralelo entre ela e a vossa infância, à volta de temáticas como a proteção, a inocência, as relações com os seres vivos. Tudo isto é pensado ou nem por isso ?

F U Z E T A: Crescemos na Bretanha. É um sítio esplêndido. As luzes variáveis, as paisagens dignas de postal, o oceano em movimento perpétuo, a natureza sempre próxima, bonita e intrigante… tudo isso influenciou-nos e, mais ou menos conscientemente, construiu-nos. Os dias onde o sol desvanece e deixa de repente uma sombra que escurece e estoura, aquelas tempestades invernais potentes que nada pode parar, aquela pequena brisa de Verão que leva o sal do mar até às aldeias mais próximas… todos estes contrastes, essas cores, consegues encontrá-las em F U Z E T A. Por exemplo, a intro íntima de "Ferns", seguida por aquela subida que te leva até ao fim, onde as ondas das guitarras despenham-se por cima dos toms da bateria. Mesmo se isto acabar por ser um pouco cliché, podemos dizer que não falamos da Natureza nas nossas canções mas que é a Natureza que fala através nós.

BC: O que se sente por momentos no videoclip realizado por Mathieu Ezan...
Podem dizer-nos mais coisas sobre ele e sobre o seu passado no Mundo da música? Porque é que o escolheram?

F U Z E T A: No que diz respeito ao videoclip há uma história interessante: foi realizado no jardim da nossa infância. O rochedo do fim é o mesmo de onde saltávamos para o rio quando éramos putos. Isso resume bem a ideia de que, mesmo sem sabê-lo, uma sensação de autenticidade desprende-se dessas imagens em coerência com a música. Mathieu é um amigo de infância do Jérémy. Conseguiu, ano após ano, impor-se como uma referência no meio das músicas mais extremas, em termos de fotografia (live e imprensa) e mais recentemente na realização de videoclips. Pensámos nele porque é muito bom e sobretudo sensível àquilo que fazemos, à nossa música. Falámos longamente do universo que queríamos pôr em relevo e rodámos no final do Verão passado. Ainda não tínhamos a gravação de “Dive” mas queríamos que a luz do Verão estivesse presente: esse lugar e essa luz evocam o que é F U Z E T A para nós.

BC: Quais são as vossas influências musicais, cinematográficas? Que tipo de música acham que fazem e porquê?

F U Z E T A: O "conteúdo" é para nós a base de tudo: pouco importa a forma se a história está presente, é autêntica e inteligível.
Ouvimos muita música que em geral não tem grande coisa a ver com a estética dos F U Z E T A. Este grupo nasceu porque queríamos contar uma história, a "forma" que foi tendo aos poucos impôs-se sem termos pensado muito nela. Com alguma distância, diríamos que fazemos pop ou indie-pop. Os grupos aos quais nos comparam são oriundos da cena indie-pop americana como The Shins ou Grizzly Bear - agradecemos o elogio mas, para sermos honestos, não ouvimos muito esses grupos. Para o lado cinematográfico, tentamos que a nossa música seja expressiva, o mais humana possível, com laivos de grandes espaços e de ternura: temos de imaginar uma mescla entre "Era Uma Vez no Oeste" de Sergio Leone e "Her" de Spike Jonze.

BC: Onde foi gravado o EP ? Quais são as vossas ambições?

F U Z E T A: Este EP, composto por 6 temas, foi gravado no estúdio La Senelle, em Laval, com Amaury Sauvé. Sabíamos que ele tinha uma maneira de abordar as coisas muito particular e, sobretudo, de captar o som da bateria como pouca gente sabe fazê-lo. Foi um momento verdadeiramente intenso.. conseguiu captar esses momentos raros que fazem de um grupo mais do que a simples adição dos seus membros. Depois, fomos ter com Sébastien Lhoro (AGM Factory – Near Deaf Experience) para o mastering e aí encontrámos uma pessoa única, qualificada e sensível ao nosso universo. Entre a riqueza humana dessa aventura e o resultado final dos masterings, estávamos impacientes de poder ter nas nossas mãos o objeto final. Depois do lançamento, gostávamos de fazer muitas coisas: compor novos temas, encontrar uma editora para concretizar o nosso primeiro álbum...e claro, continuar a nossa tournée, agora via as Ricard S.A Live Sessions.

Mickaël C. de Oliveira

CAVE STORY - "Spider Tracks" (2014, Ed. Autor)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 28 Jun 2015 20:47:00 +0000

Spider Tracks EP by Cave Story

Das Caldas, lugar onde a arte é Rainha e prolifera mas nem sempre impera, vêm os Cave Story. O EP "Spider Tracks", lançado em Dezembro de 2014, catapultou a banda para 2015, e de que maneira. Eles que até então tinham publicadas algumas demos muito interessantes (oiçam "Ghost Steps!) e o single "Richman", mas com pouca projecção. "Spider Tracks" foi, de facto, a rampa de lançamento para um reconhecimento muito maior que teve início no último Vodafone Mexefest, em Lisboa, no qual tiveram a oportunidade de tocar. E esse reconhecimento é merecido. É merecido tanto pelo trabalho artístico desenvolvido como pelo risco que fazer música como esta em Portugal acarreta.

"Cleaner" abre rápido e vai directo ao assunto: estamos perante uma banda que não tem medo de falar quando quer falar, cantar quando quer cantar. Se for preciso bater na tarola em todos os tempos, que seja. Se for necessário incluir barulhos estranhos lá no fundo para a música ganhar alma, assim seja. Não é preciso mais, e assim acaba em 2 minutos e meio um bom início de EP, bem escolhido como introdução, sem dar tudo a quem ouve. Por outro lado, "Southern Hype" é uma música com bons riffs. Ficam no ouvido e são aproveitados e enfatizados num final prolongado de intensidade crescente. A voz acompanha bem, a música é boa, mas é talvez a mais desinteressante do álbum.

Depois de um pequeno tropeção, "Buzzard Feed" volta a agarrar. Novamente, riffs repetitivos e bem esgalhados mas com uma letra e interpretação vocal muito mais provocadora e rica. Pormenores de guitarras saturadas e atonais agradavelmente perturbadoras. Barulho com intenção e bem construído. Baterias imprevisíveis e um final forte. E "Fantasy Football" é daquelas em que se pensa “porque não fui eu que fiz isto?”. Dá para pôr em repeat, encostar e pensar na vida. Quem gosta de Pavement e passa pela "Gold Soundz" não consegue pô-la a tocar pelo menos mais uma vez. Foi o que senti com esta música: simples, eficaz. Uma pérola que se apanha no ar de vez em quando.

Quase a fechar, "Hair" é a melhor música do álbum e junta tudo o que todas as outras músicas têm de bom numa só sem soar desconjuntado. Rápida, melódica, barulhenta, voz confiante e suja, não se percebe bem se quer agarrar a música ou fugir dela... imprevisibilidade. E depois o final. Este final é das melhores coisas que já se fez nos últimos anos na música portuguesa. Escutem.

Aos que querem soar a Tame Impala ou ao que quer que o vento sopre, oiçam os Cave Story. Citando Billy Corgan (que no meio de muita parvoíce diz coisas boas), o rock n roll é "destruição" e é dela que vive. Pedro Zina, Ricardo Mendes e Gonçalo Formiga soam honestos e sem merdas.
Não constranger a arte e pô-la cá para fora sem medo é de valor e talvez daí o seu sucesso, talvez tão inesperado para eles como surpreendente para muita gente. As influências estão lá e são para ser mostradas - não digo, portanto, que seja original na forma, mas no conteúdo é e isso marca a diferença. Basta ouvirem.
"Guess We Could Feel Better About Worse".

Hugo Hugon

JOANA REAIS - Entrevista

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 27 Jun 2015 00:39:00 +0000

Joana Reais Pinto está à beira de completar 30 anos de vida e a sua biografia faz inveja a tão pouco tempo de vida. Um percurso que começou pelo jazz e que já a levou a trabalhos com vários artistas, coreógrafos, músicos, bailarinos e compositores quando enveredou de uma forma cada vez mais intensiva pela combinação da voz e do movimento com o teatro e a dança.
Desdobra-se em workshops e conferências que ministra e numa miríade de projectos musicais, mas é com o seu ensemble que decide finalmente colocar cá fora temas originais em que já o jazz é, de forma abnegada, uma das ferramentas que utiliza dentro do universo da música do Mundo que quer começar a descobrir melhor no Brasil onde agora está radicada.
Pelo meio, a história de um acidente aos 22 anos numa viagem de comboio.
Um pequeno apontamento para a força de vontade de quem quer multiplicar o que o seu talento alcance. Enquanto tudo o que Joana Reais fizer for a apontar para esse objectivo, ninguém da relação Joana Reais-público se quererá perder do outro.

a Lisboa by Joana Reais Ensemble

BandCom (BC): Em que momento é que te decidiste, entre a música, a dança e o teatro, por seguir a veia musical? E em que momento decides enveredar também por juntar músicas originais?

Joana Reais (JR): O momento inconsciente em que decidi tornar-me cantora foi provavelmente aos meus 6/7 anos de idade quando preparei um espectáculo musical na casa da minha bisavó para a família e adorei toda aquela emoção e a atenção dos outros sobre mim. A música sempre fez parte da minha vida e, em particular, o canto. Dentro da minha formação, tive a sorte de ter uns pais que se aperceberam de que a filha tinha “queda para as artes” - daí ter estudado dança e teatro -, mas a música sempre foi a primeira opção. Quanto a originais, esse passo dá-‐se mais recentemente, há cerca de um ano e meio, fruto de um caminho feito a cantar standards de jazz (que, naturalmente, são em inglês) e de ter pensado que tinha chegado a hora de me desafiar a cantar na minha língua, em português. Daí até ao desafio dos originais foi um pulinho.

BC: Todavia, alguns dos teus projectos já espelharam uma ligação bastante forte entre a música e outras artes. Como é que vês a ligação da música com outras artes? É fácil encontrar um meio‐termo entre o que apela mais às massas ou mais a um consumo mais demorado?

JR: Sem dúvida de que aquilo em que eu mais acredito é num território artístico que pode – e deve! – ser contaminado por várias linguagens artísticas. Lembro‐me de comentar, quando estava nas Belas‐Artes, que a faculdade também tinha cursos de Artes Plásticas pois, no dia-a-dia em Design, quase que nos esquecíamos dessa realidade devido à forma como o próprio edifício estava estruturado (Pintura e Escultura na cave, os serviços da Universidade no rés-do-chão, Design de Equipamento e de Comunicação no primeiro andar) e só nos lembrávamos que tínhamos colegas pintores e escultores quando as pausas do almoço coincidiam. Talvez tenha sido nesse momento que me apercebi de que uma maior comunicação entre as várias disciplinas beneficiaria toda a comunidade escolar e, sem qualquer dúvida, as próprias soluções artísticas encontradas pelos alunos. Desde então, tenho tentado encontrar esse campo aberto, fluido, que contamina e é contaminado não só pela música como pela dança, pela pintura, pela fotografia... o que não é fácil. No entanto, dentro das performances que tenho apresentado, onde misturo, sobretudo, as linguagens da Voz e do Movimento, o feedback tem sido sempre muito positivo. Diria que surpreendentemente positivo, o que me faz continuar nesta busca, mesmo tropeçando de vez em quando.

BC: Como é que se dá a tua ida para o Brasil? Em que é que essa estadia te tem ajudado a progredir na tua carreira?

JR: Acredito que a minha ida para o Brasil se começa a formular há muito tempo, desde os tempos em que ouvi as composições de Chico Buarque e me apaixonei, em que ouvi a voz de Elis Regina e me rendi, em que conheci alguns artistas da bossa nova, do samba e da MPB e os comecei a admirar, em que comecei a tocar com músicos brasileiros e me senti compreendida e estimulado de uma forma que não tinha acontecido até então. Sempre soube que, um dia, o meu caminho haveria de passar pelo Hemisfério Sul e, agora que aqui estou a concretizar objectivos profissionais e pessoais, acredito que o objectivo de gravar o meu primeiro disco está mais perto de acontecer.

BC: Apesar de teres aperfeiçoado mais o teu percurso no jazz, o teu primeiro EP “A Lisboa” está muito mais centrado na música do Mundo e especialmente. Pensas que o teu caminho até chegares a determinadas sonoridades que não o jazz seria o mesmo se não tivesses estudado jazz antes? O jazz foi deixando de ser um fim em si mesmo para passar a ser um meio para “algo mais”, mais livre?

JR: Sem dúvida, concordo completamente com a última afirmação: com o passar da minha carreira e com a experiência que fui ganhando enquanto pessoa e enquanto cantora, fui percebendo que o jazz, essa extraordinária escola onde tanto aprendi, não tinha que se encerrar em si mesmo – lá por ter estudado jazz, não significa que só cante temas dentro desse estilo! – e acredito que o meu desembarque na sonoridade das “músicas do mundo”, por um lado, tem tudo a ver com a pessoa que sou, com a forma como fui criada (com uma avó moçambicana e uma avó portuguesa), com o facto de ter nascido em Arroios e morado em Alfama, com aquilo que de mais genuíno e quente me apaixona na vida mas, por outro lado, sem o percurso no jazz, não teria conhecido os músicos com quem toco e as influências seriam certamente outras, assim como o resultado final.

BC: Consegues estabelecer algum tipo de comparação entre Brasil e Portugal no que diz respeito a públicos? Isto é, achas que poderias apresentar todos os teus projectos musicais em Portugal e no Brasil com o mesmo tipo de recepção?

JR: Embora Portugal e Brasil tenham todo um oceano a separá‐los, e por muito que algumas pessoas estranhem ou até discordem, o facto é que falamos a mesma língua, a Língua Portuguesa. É certo que com sotaques diferentes, mas em português. Por essa razão, acredito que os meus projectos musicais assentes nas músicas do mundo estão aptos a serem apresentados nos dois países e, por não ser tão usual este tipo de linguagem no Brasil, tenho sentido um enorme impacto no público brasileiro. No entanto, espectáculos mais performáticos acredito estarem mais democratizados em Portugal, o que não deixa de ser um desafio nesta minha estadia pelo Sul do Brasil.

BC: Existem cada vez mais públicos, mais artistas e mais formas de os artistas procurarem mostrar o seu trabalho e aprenderem sobre outras perspectivas. Já estiveste em Terena, no Alentejo, numa residência artística a convite do Projecto Lamparina. Para além de residências artísticas, workshops e outras formas de exploração artística até integradas entre si, que outras iniciativas, mais ou menos alargadas, veria com bons olhos uma Mestre em Artes Performativas como tu que existissem mais assiduamente para estimular e aperfeiçoar o crescimento dos artistas?

JR: Gosto muito do formato da residência artística. Acho extraordinário que se possa reunir um número de artistas no mesmo espaço onde, para além de criarem algo, convivem, partilham refeições, conversam, trocam experiências... Acredito que os resultados finais saem bastante mais ricos do que se estivesse cada um no seu lugar, a criar isoladamente. No fundo, acredito numa maior contaminação entre arte e vida e penso que quanto mais diversificada for essa contaminação melhor: imagine-se uma residência não só para artistas, mas também para médicos, bombeiros, engenheiros, economistas... que resultados incríveis poderiam sair desse caldeirão de experiências?

BC: O que é que mais te atrai a atenção num tema que ouças?

JR: Para te dar uma resposta genérica: o arranjo do tema. Numa resposta mais específica: a linha melódica e a sua interpretação. A voz. A respiração, a dicção, a emoção.

BC: Lembras-te do espectáculo que mais gostaste de dar?

JR: Um dos espectáculos que mais gostei de dar foi no Terraço da Associação dos Amigos do Minho, ali no Intendente, a convite da programação de Verão do Espaço SOU, em 2013. Cantei acompanhada pelo Múcio Sá na guitarra e apresentámos repertório da nossa “guaramiranga”, um duo que foi criado para viajar pelos caminhos das músicas do mundo influenciados pelo tango, pelas mornas, pelo fado, pela bossa nova... Foi um concerto muito bonito, num local simples mas com uma vista de cortar a respiração, o horário foi muito bem escolhido, pois começámos a cantar era ainda dia e terminámos à noite, um público extremamente atento e generoso... foi mesmo muito bonito.

BC: A uma pessoa com mobilidade reduzida erguem‐se muitas barreiras. Se essa pessoa decide seguir os seus objectivos pela via artística, ainda mais barreiras se erguem ao longo do seu caminho. Porém, a relação do público em geral com quem mesmo assim tenta ser bem sucedido é esquizofrénica: tão rapidamente aplaude e lhe presta atenção, muitas vezes por razões exteriores ao seu talento, como passivamente deixa que tudo ou quase tudo caia no esquecimento. Existe, em primeiro lugar, alguma altura na tua vida em que se pára para pensar ao colocareste nos sapatos de outros artistas? Sentes‐te ainda mais realizada pelo teu percurso?

JR: Bom, eu sinto imenso orgulho no meu percurso. Efectivamente, sou uma pessoa com mobilidade reduzida, ou seja, sofri um acidente que me condicionou a locomoção, alterando os meus hábitos de vida do preto para o branco. Esse foi um momento para parar, reflectir, olhar para dentro e perceber quem era e o que queria fazer. Felizmente, o acidente que sofri não me retirou a habilidade de cantar nem a capacidade intelectual para me dedicar àquilo que mais gosto de fazer, que é a performance artística. Hoje, agora, olho para trás e vejo inúmeros motivos de orgulho, em mim, nos outros, nas minhas conquistas e também nas derrotas, que me dão oportunidade para crescer. Colocarmo-nos nos sapatos dos outros nunca é fácil, mas é extremamente recompensador.

BC: Onde é que se dão as maiores lições: nos palcos ou quando te pedem para falar aos outros?

JR: São lições diferentes... nos palcos, a comunicação é mais para dentro de cada um, enquanto que ao falar aos outros a comunicação é direccionada para o todo e aberta à troca de experiências. Acredito que quando existem trocas surge um sem número de possibilidades de crescimento e de fazer futuro, que é o maior ensinamento que podes dar a alguém.

BC: Com quase 30 anos neste momento, o que gostarias de fazer até aos 40 que não fizeste até agora?

JR: Adoraria conhecer Moçambique, onde se encontra parte das minhas raízes. Espero ter a oportunidade de conhecer o país e, quem sabe, partilhar a minha música!

André Gomes de Abreu