Mon Monde

Livre (Manga) - Radiant de Tony Valente

2013-09-14T16:58:00.000+02:00

Tony Valente - Radiant : Un Shônen addictif made in France mélangeant action et humour !!!

Note : 4 / 5

Synopsis :

Un peu partout dans le monde, des monstres nommés Némésis semblent pleuvoir du ciel et causent dès lors, de nombreuses catastrophes. Ces créatures sont confrontées à une résistance inattendue venant des infectés, des humains mis au ban de la société pour leur capacité à manipuler la magie, c’est-à-dire des sorciers.

Seth est l'un d'eux et il a pour caractéristique physique d'avoir deux petites cornes sur la tête. Ce jeune homme maladroit et volontaire apprend des sorts auprès d'Alma, une sorcière au caractère bien trempé, tout en entraînant ardemment son physique. Un jour, alors qu'il observe la ville, Seth aperçoit un Némésis s'écraser. Sans plus attendre, il saute sur l'occasion pour affronter son premier monstre mais voit que d'autres chasseurs sont déjà là : le Bravery Quartet. Ces derniers font forte impression à la population qui n'apprécie guère Seth. Pourtant, c'est bien ce dernier qui va s'illustrer contre la créature.

Critique :

Un "bon gros" shônen. Voilà comment l’amateur de manga, ou non, pourrait qualifier ce premier tome de "Radiant", dans lequel Tony Valente réussit à reprendre à son compte les principaux ingrédients du genre et à les faire siens pour offrir une aventure riche en action, combats et bourrée d’humour. La recette fonctionne très bien, le monde créé comporte son lot de mystères, les personnages se révèlent aussi prometteurs que hauts en couleur et les péripéties qui s’enchainent assurent un rythme trépidant.

Tony Valente a réussi un coup magistral avec cette nouvelle série, qui n’est pas une pâle copie d’un livre japonais. Je dirai même qu’il se classe dans les meilleures productions shônen de ces dernières années. Il faudra, bien sûr, juger la série dans la durée, mais l’auteur débute très fort, avec une excellente histoire, des personnages de haut vol et un humour omniprésent.

Fan inconditionnel de mangas, Valente s’est lancé dans une trilogie qui a toutes les apparences de la BD japonaise : sens de lecture inverse, action et explosions à gogo, univers fantasy familier, confrontation entre humains et créatures surnaturelles, blagues gentiment salaces, dessin bouillonnant et sans cesse en mouvement, découpage ultra efficace… Et grâce à un vrai talent graphique et une bonne compréhension des codes du manga, l’auteur parvient à produire un premier tome d’excellente facture, qui n’a rien à envier aux bons titres pour ados, sans non plus les singer. Car Valente réussit à ne pas s’enfermer dans les tics visuels du genre, il s’amuse avec, triture les références pour les plier à son histoire et donne énormément à lire et à voir, sans jamais ennuyer.

Cela fait maintenant quelques années que Valente ravit les lecteurs de bandes dessinées avec son style fortement influencé par les mangas. Cela a donné l'excellente série "Hana Attori" ou récemment "Speed Angels". Pourtant, en secret et tapi dans son Québec d'adoption, Valente rêve de faire du manga. L'occasion lui est offerte chez Ankama qui, devant le succès critique et populaire de "City Hall", souhaite offrir aux lecteurs plus de mangas made in France.

Jamais une production française n’aura autant réussi à atteindre le niveau de ses références nippones. L’auteur s’appuie en effet clairement sur les séries mythiques qui ont bercé les lecteurs français (de "Dragon Ball" à "One Piece"), et ne souffre pas du tout de la comparaison. Son graphisme semble libéré de toute contrainte de format. La qualité des décors, des cadrages, du remplissage de l’espace et des designs de personnages (quelle expressivité et quelle galerie hilarante !) n’a d’égale que le rythme étourdissant de ce premier tome, entre rebondissements incessants, humour non-stop et secrets bien gardés.

A première vue, "Radiant" évoque donc plusieurs séries à succès : on pense à "Fairy tail", à "Dragon Ball", à "One Piece" ou même à "Eyeshield 21". Un tel mélange pourrait paraître impersonnel et mal équilibré, mais il n'en est rien. Le récit imaginé par Valente est frais, dynamique, drôle et spectaculaire. Les codes du shônen sont parfaitement respectés et même parfaitement appliqués. L'auteur n'a pas cherché à innover à tout prix mais plutôt à créer une lecture agréable. Le héros est charismatique et attachant, et les personnages secondaires trouvent eux aussi petit à petit leur place, avec notamment la jolie Mélie ou encore la sorcière Alma.

Nous entrons avec "Radiant" dans un univers imaginaire où tout semble possible. Monstres, sorciers et magie sont le quotidien de cet univers qui regorge d'action, de mystère et de magie. On entre directement dans ce monde et on est en immersion totale durant toute la lecture du manga.

La trame narrative est prenante, cohérente et évolutive pour nous offrir un maximum de plaisir lors de la lecture de ce manga. L'action et le dynamisme sont les forces principales de ce manga qui nous fait vivre une aventure ponctuée de touches humoristiques qui nous plonge dans un univers fantastique pour une aventure merveilleuse. Tout cela est mené tambour battant par des personnages haut en couleur et charismatiques. Si les bonnes idées sont légions, le livre vaut donc aussi par ses personnages attachants. Tous sont dotés de caractères et de caractéristiques intéressantes. Même les méchants valent le détour, à l’image du Bravery Quartet et des dialogues enlevés de son chef. Cela donne une sacrée galerie de seconds rôles, c’est un régal !

L'histoire, l'univers et les personnages ont été peaufinés et travaillés dans les moindres détails. Rien n'est laissé au hasard. Les dialogues et la trame narrative ont ce petit charme que l'on trouve chez tous les mangas non japonais. Ce qui donne une touche d'originalité et un charme unique. Le récit débute sur les chapeaux de roue, puis ne connaît guère de creux. Cependant, l’auteur ne manque pas de distiller les informations nécessaires à la compréhension de cet univers fantastique, ni d’apporter des éléments enrichissant l’intrigue.

Les graphismes sont aussi réussis que l’histoire. Le trait est parfaitement maîtrisé et la diversité de la mise en scène ajoute encore à cet effet de bouillonnement de bonnes idées. Tony Valente s'est réellement retroussé les manches pour dessiner des planches totalement incroyables. Le character design est soigné, le découpage d'une lisibilité à toute épreuve, les trames bien en place, les cadrages efficaces. Les influences de l'auteur sont parfaitement digérées et se combinent si bien que la série pourrait provenir de l'archipel nippon qu'on n'y verrait que feu !

Pour faire court, les graphismes ont un style particulier qui les démarque de ceux que l'on trouve dans les mangas japonais. C'est agréable à regarder et les illustrations donnent un charme unique à cette licence.

Au final, "Radiant" est une série à découvrir pour tous les amateurs de bons shônens, de bons mangas et de mangas possédant leur propre univers. Il a un charme unique qui le fait se démarquer des autres. Une telle maîtrise de tous les codes du manga et un premier coup d’œil qui ne laisserait jamais croire à une BD française font déjà de "Radiant" la meilleure référence du genre. Il y a longtemps que je n’avais pas passé un si bon moment en lisant un shônens. Vous l’avez compris, pour moi, ce Valente a bien l’âme d’un vrai mangaka !!!

Ciné - Le Majordome de Lee Daniels

2013-09-12T19:54:00.001+02:00

Lee Daniels - Le Majordome : Un film intimisme, relevant heureusement bien plus du film indépendant que du mélo hollywoodien !!!

Note : 3.75 / 5

Synopsis :

Le jeune Cecil Gaines, en quête d'un avenir meilleur, fuit, en 1926, le Sud des États-Unis, en proie à la tyrannie ségrégationniste. Tout en devenant un homme, il acquiert les compétences inestimables qui lui permettent d’atteindre une fonction très convoitée : majordome de la Maison-Blanche. C'est là que Cecil devient, durant sept présidences, un témoin privilégié de son temps et des tractations qui ont lieu au sein du Bureau Ovale.
À la maison, sa femme, Gloria, élève leurs deux fils, et la famille jouit d'une existence confortable grâce au poste de Cecil. Pourtant, son engagement suscite des tensions dans son couple : Gloria s'éloigne de lui et les disputes avec l'un de ses fils, particulièrement anticonformiste, sont incessantes.
À travers le regard de Cecil Gaines, le film retrace l'évolution de la vie politique américaine et des relations entre communautés. De l'assassinat du président Kennedy et de Martin Luther King au mouvement des "Black Panthers", de la guerre du Vietnam au scandale du Watergate, Cecil vit ces événements de l'intérieur, mais aussi en père de famille.

Critique :

"Le majordome" est le genre de film difficilement contestable voire "critiquable". De ceux qui procèdent d'une motivation immaculée à la limite d'une certaine forme de sacerdoce cinématographique. Un genre à part entière que le cinéma américain a littéralement créé et dont il se plaît à l'enrichir de temps à autre avec des productions emblématiques.

"Le majordome" s'inscrit ainsi dans la droite lignée de films tels que "Miss Daisy et son chauffeur" ou plus récemment "La couleur des sentiments" qui tous expriment une forme de contrition de masse où la rédemption d'un passé pas folichon passe par une sorte de flagellation en public forcément expiatoire. À la différence toutefois ici que derrière la caméra on retrouve le réalisateur de "Precious" et "Paper boy", Lee Daniels, qui par la simple couleur de sa peau permet une perception différente revenant prosaïquement à enfin donner la possibilité à un black d'aborder frontalement l'Histoire afro américaine des États-Unis.

Déjà dans les salles aux États-Unis depuis quelques semaines, la plus grande réussite du film n’est pas de dominer le box-office, mais de nous imposer la mémoire afro-américaine à travers la trajectoire d’une famille. Il ressuscite l’histoire incroyable et pourtant vraie d’un homme noir, né en 1919 comme fils d’esclaves dans des champs de coton de l’Amérique et qui finit comme le majordome préféré de huit présidents à la Maison Blanche à Washington.

Inspiré parfois très librement par l’histoire véritable d’Eugene Allen, déterrée par le Washington Post lors de l’élection de Barack Obama en 2008, le majordome, dans le film de Lee Daniels s’appelle Cecil Gaines. Interprété avec brio et retenue par Forest Whitaker (Denzel Washington avait décliné le rôle), Eugene Allen a écrit à sa façon l’histoire de son pays.

"Le majordome" c'est l'histoire des droits civiques des noirs américains à travers les destins mêlés d’un domestique à la maison blanche ultra digne dans sa servilité (Forest Whitaker) et de son fils activiste, lieutenant de Martin Luther King puis des Black Panthers.
Moins vindicatif que son homologue Spike Lee mais tout aussi concerné par le sujet, le cinéaste condense en deux heures et cinq minutes un demi-siècle d'histoire américaine : les premières émeutes anti-raciales, les assassinats de John Kennedy et Martin Luther King, Sidney Poitier, premier acteur noir à recevoir l'oscar (1964), le Ku Klux Klan, les Black Panthers, la guerre du Vietnam… Pour appuyer son cours d'éducation civique, il fait défiler dans le Bureau ovale Eisenhower, Kennedy, Johnson, Nixon, Reagan, les dévoilant sous un autre jour.

J'avoue avoir été très curieux de voir comment Daniels allait traiter la chose, lui qui s'est très vite démarqué de la jeune génération indé actuelle en forçant énormément le trait cinéma via une mise en scène et une photo outrancières (mouvements de caméra sur signifiants, saturation écrasante de la palette colorimétrique...) certes pas désagréable mais tout de même un peu vaine car atténuant la plupart des émotions.

Et paradoxalement si ce que l'on voit à l'écran est l'exact reflet de ce que l'on est en droit d'attendre d'un tel produit dit classique, on est tout de même un peu déçu de le constater tant on espérait cette confrontation avec l'univers si marqué du réalisateur. En résulte donc un film classieux où affleure pour le coup l'émotion sans pour autant verser dans le lacrymal.

Pour cela Lee Daniels n'opte pas pour le biopic s'inscrivant au sein d'une époque de tous les changements mais pour la version romancée d'une histoire vraie et édifiante d'un majordome d'origine afro américaine qui entre 1952 et 1986 aura travaillé à la Maison Blanche sous sept administrations et autant de présidents. Il en profite alors pour raconter une époque. Celle de toutes les radicalités et défiances entre noirs et blancs par le prisme d'un homme et de sa famille qui en accompagne toutes les évolutions.

Les partisans de Lee Daniels saluent son goût pour la subversion et l’énergie de son cinéma. Ses détracteurs n’y voient que provocation immature et racolage. Son dernier film surprendra donc les deux camps. Exempt de scènes scabreuses, "Le Majordome" retrace, avec une incontestable élégance formelle et une véritable vision d’auteur, le parcours de Cecil Gaines.

Forest Whitaker campe impeccablement ce maître d’hôtel discret qui n’est dupe de rien. Whitaker, impeccable samouraï en livrée, démontre l'acteur exceptionnel qu'il est et porte le film à lui tout seul. Il lui donne cette touche d'humanité et sa puissance morale, celle d'un enfant pauvre du Sud devenu le serviteur zélé des plus grands.

Tout à son grand sujet, le film menacerait cependant de virer à l’académisme n’était cette tension entre le progressisme silencieux de Gaines et l’engagement de son fils dans la lutte contre la ségrégation raciale. Au centre de cet échiquier politique et familial, la femme du majordome, interprétée par une Oprah Winfrey bluffante, tente de profiter des plaisirs que lui procure le progrès (disques de soul, alcool), offrant la touche hédoniste qui fait du "Majordome" un film parfaitement équilibré.

Ainsi, si le thème principal pouvait légitimement inquiéter par son classicisme, et même son académisme, Daniels est parvenu à garder un aspect purement indépendant au film. Si le réalisateur est contraint de passer par tous les événements fondamentaux de l’histoire américaine contemporaine, il se débrouille pour les évoquer en creux, par le biais des personnages principaux et non pas frontalement. Il évite ainsi les écueils de l’illustratif et de la compilation qui menacent chaque projet de cette ampleur. En concentrant son intrigue sur la famille du majordome, et notamment sur les positions politiques différentes entre le père (respectueux des institutions et plutôt réformiste) et le fils (plus ouvertement révolutionnaire), le cinéaste parvient à synthétiser le dilemme qui s’est emparé de la population noire quant à la ségrégation qui perdurait dans les années 50-60.

Au final, lorsque le film choisit la carte de l’intime et de l’anecdote, il touche plutôt juste. Notamment les scènes d’incommunicabilité familiale dans le pavillon du majordome, ou le petit vaudeville quotidien qui se trame dans les coulisses de la Maison Blanche, ébranlées hors champ, par la fureur et les revendications du monde extérieur.

En mêlant ainsi l'intime et la grande Histoire, Lee Daniels trace un sillon connu voire rabâché mais qui reste toujours aussi efficace. Point de catharsis donc ici mais pas de surprise non plus. Juste le constat d'un travail bien fait respectant scrupuleusement tous les diktats du genre. Forest Whitaker est promis une nouvelle fois à l'Oscar et Lee Daniels montre une nouvelle fois sa faculté d'adaptation en fonction des sujets qu'il traite. Preuve s'il en était besoin encore qu'il fait déjà parti des cinéastes avec qui il va falloir définitivement compter à l'avenir !!!

BND - Junip à la Laiterie de Strasbourg Jeudi 12 septembre 2013

2013-09-09T17:42:00.000+02:00

La Laiterie - Junip : Le folk-world cosmique des Suédois de Junip s'invite à Strasbourg !!!

Note : 4.25 / 5

Au départ, il y a José González, songwriter suédois que la France entière connaît sans le savoir : sa version majestueuse du "Heartbeats" de The Knife fit l’objet d’une belle synchro pour une publicité qui peignait un tableau aussi beau que la reprise, faisant dégringoler des milliers de balles colorées dans les rues en pente de San Francisco pour un téléviseur d'une marque très connue. Depuis, on aime avec la même passion les albums solo du musicien et ses rares projets avec le groupe Junip, qui publie son deuxième album en quinze ans d’existence. Or chez Junip, rareté rime avec beauté : tout simplement baptisé "Junip", ce nouveau recueil est un enchantement aussi bien pour ceux qui aiment Nick Drake que pour ceux qui aiment Tinariwen.

Junip, ce sont trois amis d'enfance : Tobias Winterkorn (claviers : orgue et synthé), Elias Araya (batterie) et José González (chant, guitare). Formé dès 1999, le groupe suédois n'a sorti que deux albums depuis. "Fields" en 2010 et donc "Junip" en 2013. Le style musical du groupe emprunte beaucoup à la tradition folk occidentale mais également aux musiques traditionnelles africaines.

Né et élevé en Suède par un couple de professeurs exilés d’Argentine, José González a gardé le goût des voyages et des musiques lointaines, jouant aussi bien dans des festivals de rock indé qu’en tournée avec Tinariwen et Sidi Touré. González, héritier de Nick Drake, compte déjà plusieurs vies derrière lui : un doctorat de chimie, deux albums solo ("Veneer" en 2003, "In Our Nature" en 2007) et un joli succès outre-Atlantique. Sa version de "Teardrop", de Massive Attack, a même été reprise dans les séries "Dr House", "Friday Night Lights", "Numb3rs"...

José Gonzales cache donc bien son jeu : suédois, dissimulé en trio, il déploie une geste singulière, sophistiquée et contemplative entre albums solo et rares publications avec Junip. Plus que tout, il cisèle un style qui emprunte autant à la tradition folk occidentale qu'aux musiques traditionnelles venues d'Afrique.
Alors que la réalisation du premier album, "Fields", avait duré plus d’une dizaine d’années, il aura fallu seulement trois ans à Junip pour publier ce second album homonyme, né d’improvisations collectives. Le trio originaire de Göteborg a réussi à composer une formule inédite en reliant folk soyeux et krautrock hypnotique pour créer une musique à la fois répétitive et mélodieuse.

Basées sur le chant enveloppant de José Gonzàles et sur les motifs entrelacés de guitares et de claviers, les chansons en apesanteur des Suédois impressionnent par leur justesse et leur harmonie.

Ainsi, trois ans après "Fields", premier trésor folk cosmique, il sème les graines d'un deuxième album luxuriant dans les sillons fertiles des Byrds ou de Spiritualized. L'année 2013 tient son chef-d’œuvre, lumineux, hypnotique, le disque a puisé ses racines entre pop, bossa, folk, krautrock, électro et musique africaine, pour synthétiser l'ensemble avec une maîtrise sidérante des harmonies.

De l’album dans son ensemble, le groupe semble avoir voulu faire un disque d’errance, de vagabondage presque, où l’on se perd d’abord plusieurs fois pour finalement se retrouver mieux que partout ailleurs ces derniers temps. On se laisse bercer par une rythmique enivrante, des guitares tyranniques et un chant capiteux.

C’est probablement là que réside la force de Junip, dans cette façon de sauter avec une cohérence inouïe du baggy au kraut, du folk aride à la pop en arc-en-ciel. Quand il ne s’agit pas de proposer tout ça à la fois sur un même titre, comme sur l’inaugural et majestueux "Line of Fire", qui n’a pas déchaîné les réseaux sociaux pour rien.
Pour la sortie de son nouvel album, Junip voyage à travers toute l'Europe depuis Barcelone jusqu'à St Malo, en passant par Lyon ou encore par Strasbourg et sa scène mythique de la Laiterie. La Laiterie, où on pourra les voir le jeudi 12 septembre prochain. Alors, je ne peux que vous recommander d'aller voir et écouter la musique aérienne et mélancolique de ce groupe de la scène indie-folk, qui n'est plus très loin de devenir incontournable !!!

Actu- Diablo III de Blizzard sur consoles PS3 et Xbox 360

2013-09-06T11:30:00.000+02:00

Blizzard - Diablo III (PS3 et Xbox 360) : Lorsque l'enfer fait un retour réussi sur consoles !!!

Note : 4 / 5

Synopsis :

"Diablo III" sur PS3 et Xbox 360 est un hack'n slash (jeu de rôle orienté action) qui se déroule dans un univers dark fantasy, vingt ans après les événements narrés dans "Diablo II". Le joueur a la possibilité de créer un héros parmi les cinq classes disponibles pour affronter le mal sous toutes ses formes.

Bénéficiant d'un mode solo et multi-joueurs, "Diablo III" vous fera voyager aussi bien dans des niveaux déjà visités dans les précédents opus que dans de nouveaux territoires.

Critique :

Adapter un blockbuster PC sur consoles n'est pas toujours aisé, surtout lorsqu'on officie dans le hack'n slash. En effet, malgré quelques exemples épars comme "Sacred 2", "Torchlight", "Crimson Alliance" ou bien encore "Realms of Ancient Wars", le genre est quelque peu sous-représenté. Si l'arrivée de "Diablo III" apporte donc un vent de fraîcheur sur Xbox 360 et PS3, la vraie question est de savoir si ledit vent souffle dans le bon sens.

Et autant le dire d'emblée, on l'espérait très fort et c'est maintenant confirmé, "Diablo III" a réussi avec brio son passage sur consoles. En sus d'une interface intelligemment retravaillée, on a droit à la disparition de la connexion internet obligatoire, ainsi qu'à celle du funeste hôtel des ventes. Par ailleurs, la possibilité de jouer à quatre sur un même écran est un vrai plus.

Il n'empêche que ce portage arrive un an et demi trop tard pour réellement soulever l'enthousiasme et, qu'avec un gameplay pensé dès le départ pour le duo clavier/souris, le jeu a tout de même un peu plus sa place sur PC. Toutefois, si vous ne jurez que par la manette, n'hésitez-pas à foncer tête la première dans la gueule du diable !
Certains ont ricané quand le développeur américain Blizzard, créateur des franchises "Starcraft" et "Warcraft", avait annoncé en février dernier que son "Diablo III" allait connaître un portage sur consoles de salon. Comment ça ? Le roi des hack’n’slash, du dézingage tous azimuts en donjons avec butin à la clé, allait être joué à la manette ? Hérésie ? Appât du gain ? Et pourtant, je le répète, "Diablo III", sorti sur Xbox 360 et sur PlayStation 3, n’a pas à rougir de sa version PC. Au contraire. Il devrait même réussir à capter un nouveau public, rétif aux touches et à la souris.

Avant tout, "Diablo III" demeure sur console ce qu'il est sur PC : un pur représentant de la race hack'n'slash, un membre de l'élite du porte monstre trésors, encore qu'il n'y ait pas beaucoup de portes dans "Diablo". Plutôt des niveaux assez vastes qu'il faut nettoyer de fond en comble, afin d'accumuler pièces d'or et expérience, et ramasser de quoi équiper son personnage à mesure qu'il gagnera des niveaux et débloquera de nouvelles compétences offensives ou défensives.

Le fin du fin étant de calibrer ses "builds", ou choix de compétences, aux circonstances : protection, points de vie en masse et coups qui assomment pour un boss énervé, sorts de zone orientés gros dégâts pour les bastons surpeuplées... Le digne représentant de ce qu'on a appelé à une époque le "power gaming", dans lequel la finesse n'a aucune place et le skill toute son importance. Rappelons d'ailleurs, pour ceux qui auraient passé les vingt dernières années en hyper sommeil, que tout se joue en vue pseudo isométrique, que l'on contrôle un seul avatar progressant à sa guise dans des décors générés à chaque nouvelle partie de manière aléatoire (ou presque), avec moult monstres, packs de créatures et autres champions surpuissants.

Mais plongeons-nous dans l'histoire de ce troisième volet. Elle se déroule vingt ans après la destruction de la Pierre Monde dans "Diablo II : Lord of Destruction" (sorti en 2000 et qui reste, à mes yeux, un must). Cette barrière destinée à isoler Sanctuary des Enfers et du paradis avait été corrompue par Baal, si bien que l'archange Tyrael s'était résolu à la détruire. Personne ne pouvait présager les conséquences d'un tel geste. Jusqu'à cette nuit où une comète est venue s'écraser sur la cathédrale de Tristram.

Depuis, le village est en proie à de funestes événements. Les morts se sont réveillés, dont le roi squelette Leoric qui sommeillait dans sa crypte. Et alors que Leah recherche activement son oncle adoptif Deckard Cain, disparu dans les profondeurs de la cathédrale au moment de l'impact, la jeune femme est victime d'une vision dans laquelle lui apparaît Asmodan, l'un des démons mineurs. A la faveur d'une superbe cinématique que vous avez sans doute déjà vue, il lui révèle son intention d'envahir le monde en y déversant ses sbires. Mais un héros va se dresser face aux Seigneurs des Enfers pour tenter d'en contrecarrer les plans. Et ce héros, c'est vous !

Voilà une toile de fond aussi sombre que de coutume, qui permet de retrouver certains lieux et certains protagonistes du premier "Diablo". Vous aurez notamment l'occasion de visiter les ruines de la vieille Tristram (rebâtie un peu plus loin) et d'y croiser quelques figures bien connues, comme le boss final de l'acte I dont je vous laisse la surprise ! Vous voyagerez par la suite dans des contrées aussi exotiques qu'inhospitalières, comme les environs de la cité de Caldeum. Tout au long de votre périple, vous profiterez bien entendu de cette fabuleuse ambiance gothique qui participe à l'attrait de la série, servie par de somptueux thèmes musicaux, mais aussi par un rendu visuel dont les immenses qualités artistiques compensent largement la désuétude technique.

"Diablo III" reste très fidèle à son modèle PC. Certes, il est moins joli à regarder, les textures se sont émoussées. Mais le son et lumière qu’offrent les vagues de sorts et de coups lors des combats n’a pas perdu en intensité, le spectacle reste total et fluide. Les possesseurs de petits écrans télé risquent toutefois de plisser parfois les yeux à vouloir scruter les détails.

Si les fondamentaux de "Diablo III" ont bien résisté pour leur arrivée dans les univers Xbox et PlayStation, le jeu a donc en revanche un peu accusé le coup visuellement. S'il est évidemment trop tôt pour se prononcer sur la version "next gen" (PS4), sur la génération actuelle les graphismes ont forcément moins de panache que sur un PC de bonne tenue. Le jeu demeure splendide, avec ses décors vastes et colorés, sa touche "peinture à la main" magnifique.

Il est tout de même évident qu'il est moins fin et moins détaillé, plus aliasé, et parfois moins fluide. Des petites baisses de framerate, des micro-saccades qui ne perturbent pas trop le gameplay et n'entachent pas la jouabilité, mais qui montrent qu'il est grand temps de changer de génération de consoles. La chose est particulièrement visible lors des combats les plus spectaculaires, comme ceux de l'Acte III, toujours insurpassés dans le domaine. Dommage, surtout que le reste du temps, le jeu est fluide et joli.

Concernant l'interface, Ce n’était pas gagné, mais Blizzard a réussi à transposer la jouabilité de la version PC. L’interface a été forcément modifiée, et optimisée pour tirer au mieux parti des touches limitées des manettes. Grâce à un habile système de roue, on habille son personnage en quelques tours de pad. Les transactions avec les marchands, les forgerons et les bijoutiers sont simples. Du côté des arbres de talent, qui définissent les compétences des personnages, on perd en profondeur. Mais il y a suffisamment de choix pour varier les rôles et les tactiques.

Pour ne rien gâcher, "Diablo III" bénéficie d'une bonne prise en main soutenue par cette interface adaptée qui permet de se concentrer sur l'action, simple mais addictive, délivrée par le genre. On massacre, on loote et on s'équipe avec grand plaisir, sachant que Blizzard a essayé, la plupart du temps avec succès, de rendre son jeu le moins répétitif et le moins lassant possible.

D'autant plus que cette version console fait l'impasse sur les deux plus grands écueils de la version PC, en d'autres termes la connexion internet obligatoire et l'hôtel des ventes. Évidemment, la disparition de la connexion obligatoire ne signifie pas que "Diablo III" s'est transformé en un jeu purement solo. S'il est possible de jouer seul et déconnecté, il suffit de se brancher sur le PSN ou le Xbox live pour pouvoir parcourir l'aventure à quatre. Plus étonnant, les nostalgiques des réseaux locaux d'autan dispose d'une option pour jouer en LAN.

Enfin un mode coopératif à quatre sur le même écran est également disponible. Cette nouvelle manière de jouer à "Diablo III" est aussi simple que conviviale. Il suffit de brancher une manette puis de choisir un personnage pour rejoindre la partie en cours. Seule limitation, l'écran n'étant pas partagé, les quatre joueurs doivent rester groupés.

L’essence addictive et immersive de "Diablo III" a été conservée, les cinq classes d’origine sont de retour. Barbare, féticheur, sorcier, moine ou démon, de quoi susciter l’envie de se créer plusieurs personnages. Et on retrouve le contenu original du jeu : les donjons avec leurs couloirs et recoins, les boss et les quêtes, et bien sûr du butin à la pelle, pour faire progresser son personnage.

On retrouve donc intactes les cinq classes de personnages, du barbare costaud au mage polyvalent en passant par le moine kickboxer ou le chasseur de démon et ses armes bruyantes. D'une manière générale, aucun contenu n'a été enlevé du jeu original, porté à l'identique sur consoles. Mieux encore, "Diablo III" nous est ici proposé mis à jour avec toutes les nouveautés de la version PC 1.0.7, et intègre même quelques mécaniques héritées de la 1.0.8 sortie en mai dernier.

Sans s’appesantir sur chaque modification de compétence ou correction apportée au gameplay, disons que le jeu a bien évolué par rapport à ce qu'on a connu au moment de son lancement en 2012. Outre l'amélioration du système d'artisanat, désormais utile, le système de loot a été revu, et que ce soit le fait des mises à jour ou d'une optimisation pensée pour cette version il faut avouer que c'est en net progrès. Les boss lâchent enfin du jaune, comme on dit dans le milieu (des items rares bien meilleurs que les items magiques classiques), et l'aventurier moyen trouvera des légendaires (objets oranges uniques) de manière régulière, au lieu d'un tous les six mois comme c'était auparavant le cas.

Le système de combats de "Diablo III" est basé sur la gestion d'une ressource qui diffère en fonction des classes (fureur, mana, puissance arcanique...), mais qui, dans tous les cas, vous permet de lancer des compétences plus ou moins dévastatrices. Même si vous laisserez vite de côté votre attaque de base, votre arme ne doit pas être négligée car ses valeurs sont prises en compte pour déterminer les effets de vos différents pouvoirs.

Il va de soi que chaque type d'armes disponible ne peut être manié que par certaines classes de personnages. D'ailleurs, laquelle allez-vous incarner : l'impétueux barbare, le fourbe chasseur de démons, le puissant sorcier, le sage moine ou l'excentrique féticheur ? Ces cinq archétypes, déclinables cette fois-ci au féminin comme au masculin, disposent bien entendu de leur propre style de combat.

Au final, si on attendait Blizzard au tournant, force est de constater que cette adaptation consoles de son hack'n slash est de fort belle facture. En ayant brillamment repensé le gameplay pour le support tout en ayant soigné la forme, "Diablo III" rayonne sur PS3 et Xbox 360. Mieux, cette version inclut quelques ajouts très intéressants sans parler des ajustements qui rendent l'expérience aussi enrichissante que sur PC (même si mon cœur reste au PC pour "Diablo"). Une excellente pioche qui démontre qu'un genre ancré dans l'histoire du PC a également sa place sur consoles, s'il est bien pensé en amont !!!

Série (Anime) - Zetsuen no Tempest des Studios Bones

2013-09-03T19:01:00.000+02:00

Studios Bones - Zetsuen no Tempest : Une intrigue sombre, originale et bien pensée, mais un final un peu trop classique !!!

Note : 4 / 5 (Jeune adulte)

Synopsis :

Depuis la mort de sa sœur Aika, Mahiro ne vit plus que dans un seul but : la venger. Lui et son ami d'enfance Yoshino s'allient à une magicienne, Hakaze, exilée sur une île déserte. Hakaze pourra retrouver le meurtrier d'Aika. Mais pour le moment, une plus lourde tâche incombe aux deux jeunes hommes : le clan de magiciens Kusaribe, dont est issue Hakaze, se détourne de son dieu, l'Arbre de la Connaissance, et tente de réveiller l'Arbre de l'Exode. Cela risque de mettre en péril la logique du monde.

Mahiro et Yoshino ont-ils croisé la route d'Hakaze par hasard, ou est-ce là l’œuvre du destin ? Et si la mort d'Aika était liée à ces évènements ?

Critique :

"Zetsuen no Tempest" ("ZnT") ou "Civilisation Blaster", adaptation d'un manga dont sept tomes sont sortis en France jusqu'à présent, est un anime très plaisant sur différents points. Pour commencer, le design et les graphismes sont très réussis. Ensuite, le manga tourne autour de la magie, mais une magie qui n’a rien à voir avec tout ce qu'on a pu voir jusqu'ici. Et enfin, une histoire de vengeance bien ficelée, avec des incompréhensions qui nous laissent sceptiques mais qui s’éclaircissent au fur et à mesure que l’on avance dans l’histoire.

Le scénario de "ZnT" paraît relativement banal au départ, une bonne vieille vengeance familiale, cependant on se rend compte assez rapidement que les choses sont plus complexes qu’elles en ont l’air. L’histoire, en elle-même, est très semblable à "La Tempête" de Shakespeare, qui est souvent cité, avec "Hamlet". L’histoire est lancée dès le premier épisode, pas le temps de s'ennuyer donc, l'anime étant très rythmée avec de l'action mais jamais au détriment des personnages qui sont très bien développés.

La trame principale se déroule pendant l'affrontement entre l'arbre de la Genèse et l'arbre de l'Exode au milieu duquel se retrouvent propulsés Mahiro et Yoshino. Pourtant, l'élément déclencheur, le point central, a lieu un an avant l'intrigue puisqu'il s'agit de la mort d'Aika, sœur de Mahiro. "Tout passé est un prologue" Shakespeare, "La Tempête".

Dans cette pièce on ne saura jamais vraiment où sont le bien et le mal. Ni même si la distinction existe. De plus, au-delà du combat des arbres, on est face à un vrai duel Shakespearien : assistons-nous à une tragédie teintée de sang, empruntée de malheur, ou les héros parviendront-ils à trouver la lumière de la rédemption et à s'arracher à ce passé qui les enchaîne ?

Cet anime est à la fois une pièce de théâtre et une mélodie. Une pièce car elle se comporte comme telle, employant codes et références. Les coups de théâtre sont légions et on se rend compte que la véritable puissance réside parfois dans les mots, et non dans la force brute. Une mélodie, car cet anime est envoûtant, fait naître en nous une foultitude d'émotions, se déroule sans fausse notes.

Rythmé et haletant, "Zetsuen no Tempest" nous prend au cœur et à l'âme et nous torture l'esprit. Loin de nous laisser en tant que spectateurs passifs, il nous force à réfléchir, à émettre des suppositions, à enquêter nous-mêmes sur la mort d'Aika. On se sent parfois perdu mais on nous prend par la main. On nous donne les réponses que l'on attend au bout du compte.

Toutefois, c'est aussi le principal reproche que l'on peut faire à cet anime : on nous explique tout trop rapidement. Pour chaque révélation importante, on nous laisse que peu de temps pour nous poser des questions et élaborer une réponse intéressante. A peine la réflexion commence à aboutir que l’on nous sert des explications en omettant totalement le principe de subtilité.

Alors, malgré une histoire pleine de rebondissements, dont les différents évènements s’enchaînent assez bien et un scénario que je qualifierais d’intelligent, la réflexion du spectateur est un peu tuée dans l’œuf au moment où elle devient intéressante. C’est bien dommage. L’histoire possède cependant un caractère épique très bien rendu.

Pour le côté fantastique de l’œuvre, la magie est vue de façon quasi rationnelle à travers l’usage de talismans qui contiennent une quantité limitée de magie. Du coup, pas besoin d’être un sorcier pour user de magie, même si les deux jeunes gens auront bien du mal à rivaliser face à des sorciers expérimentés. Ainsi, la magie n'est pas surpuissante comme dans d'autres animés, elle se calque sur la logique et donc les personnages principaux sont très loin d'être surhumains, ce qui est appréciable.

"ZnT" est un anime présenté dans un écrin chatoyant. Les graphismes sont très fins et à couper le souffle. Le chara-design est très bien travaillé et l'animation est fluide. Et la réalisation, extrêmement maitrisée, rend l'atmosphère de l'anime très prenante. D'ailleurs, je vous conseille un visionnage en HD.
Et que dire de la musique ? Elle est tout simplement splendide. Composée par l'illustre Beethoven, elle renforce l'allure épique de la série. La bande son est plus que réussi, notamment la reprise de la 17ème sonate de Beethoven "The Tempest".
Et enfin en ce qui concerne les personnages, le trio Mahiro/Yoshino/Hakaze est très sympathique. Les personnages sont très différents, mais on ne tombe jamais dans du stéréotype lourd. Autre point fort, leurs relations sont très intéressantes et sortent de l’ordinaire, s’intégrant parfaitement au déroulement du scénario, et ce malgré leurs différences. Les émotions sont détaillées et facilement compréhensibles. La galerie de personnages secondaires est également assez réussie, même s'ils ne sont pas forcément extrêmement détaillés voir même parfois caricaturaux, comme Evangeline, la flingueuse à la poitrine généreuse.
Au final, on a affaire à un très bon animé, un shônen comme on n'en voit plus des masses et dieu que ça fait plaisir. L’anime est une réussite, malgré les explications trop rapides abordées plus tôt et le fait que les derniers épisodes tombent dans les travers classiques des Shônen et laissent, c’est bien dommage, un petit sentiment d’inachevé !!!

Musique - IV de The Bronx

2013-08-31T15:16:00.000+02:00

The Bronx - IV : Un album exaltant et plus mature, même si moins énervé que ses prédécesseurs !!!

Note : 4 / 5

Ils nous avaient manqué les petits gars de The Bronx, et leur punk/hardcore énervé encore plus ! Après trois albums bien accueillis, un capital sympathie conséquent, des lives enflammés et un side-project de musique chicanos ("Mariachi El Bronx"), les angelinos de The Bronx reviennent avec un quatrième album dont le titre fleure bon la créativité puisqu'il s'intitule "IV". Oui, tout simplement. Toutefois, la créativité de The Bronx, n'est pas ce qui nous intéresse le plus. Tout ce que l'on leur demande après tout, c'est d'envoyer de la décibel grisante dans nos oreilles et c'est ce qu'ils vont s'échiner à faire plutôt bien dès le premier titre de ce nouvel opus.

Après un intermède ensoleillé donc, Mariachi El Bronx, qui a débouché sur deux albums assez improbables et qui a mis le groupe en quasi hiatus pendant cinq ans, The Bronx se décide enfin à revenir à ce qu’ils font le mieux, à savoir du punk.

L’expression est aujourd’hui désuète : "foutre le bronx". Mais ces Américains la remettent avec rage et morgue au goût du jour. Si les trois premiers albums du groupe ne faisaient aucune concession, au point de s'avérer un peu lassants sur la longueur à moins d'être un forcené de Punk/Hardcore bourrin, autant ce quatrième effort a visiblement bénéficié de l'ouverture des musiciens vers d'autres contrées.

Non pas que The Bronx se soit vraiment ramolli. Ce "IV" reste un concentré d'énergie pure et ne vous réconciliera certainement pas avec vos voisins. Mais le groupe nous propose sans doute son album le plus punk et le moins hardcore. Pas la peine de sortir les skates pour autant, on reste à des lieues du punk-rock à roulette type NoFx ou The Offspring. Mais l'influence de vénérables ancêtres comme les Ramones est davantage palpable.

The Bronx n'hésite plus à pondre de véritables refrains, notamment grâce aux gros progrès effectués par le chanteur Matt Caughtran. Sans abandonner son côté survitaminé, le groupe a ajouté juste ce qu'il fallait de mélodie et de légers ralentissements ici et là pour ne pas lasser l'auditeur.

Les Californiens reviennent à l’électricité la plus sournoise, la plus traître. Celle qui met ses habits du dimanche, avec des refrains ravissants ici et des harmonies sophistiquées là, pour finalement finir à poil, façon Iggy Pop, la gueule pleine de bave, le corps agité de spasmes, l’air franchement menaçant et dérangé. Car la force de The Bronx, comme de Queens Of The Stone Age, pas si loin ici, c’est de posséder un chanteur qui agresse comme un rottweiler, aboie comme un loup, se tord comme un doberman mais sait aussi se faire aussi affectueux qu’un Jack Russell.

Avec "The unholy hand", le groupe démarre sur les chapeaux de roues avec un titre percutant, un riff qui se retient facilement, une voix braillarde juste ce qu'il faut, une section rythmique qui a le feu aux fesses, bref, tout ce que l'on désire d'un groupe comme The Bronx ! The Bronx se donne avec générosité durant 14 titres qui ne dévieront pas, ou vraiment très peu, de la recette habituelle. Oui, The Bronx, c'est sensiblement toujours pareil même si le groupe s'est éloigné de la rugosité des premiers méfaits, mais franchement, la routine c'est parfois bien. Plaisir garanti à chaque écoute.

Ainsi, "IV" c'est du punk-rock tout en puissance, dont les codes sont appliqués avec une rigueur toute historique. Des débuts punk-hardcore du groupe, il ne reste rien sinon peut-être un grain dans l’arrière-voix du chanteur et une vindicte évidente dans la manière d’amener ses camarades au front. Côté production, The Bronx tape dans cette nouvelle génération de groupes punk qui a depuis longtemps quitté le garage de papa et maman pour enregistrer des disques dans des studios haut de gamme.

Si on a parfois du mal à entendre un disque de punk produit comme du Metallica, on reconnaîtra que cet habillage sonore guerrier colle à la perfection aux coups de battoirs qu’assènent ces cinq "déchireurs" surdoués. Une fois de plus, The Bronx fait ce qu’il fait de mieux, à savoir sortir un disque sans surprise, toujours aussi encadré, toujours aussi bien composé et toujours aussi insolent de talent. Le disque que tu aimes après une écoute, que tu connais par cœur après quatre autres, et que tu ressortiras souvent durant les années à venir. Un gros disque de punk, quoi !

Alors surtout pas d'inquiétude, des titres comme "The unholy hand" ou "Under the rabbit" sauront rapidement rassurer tous ceux qui pourraient s'inquiéter du léger tournant opéré sur cette nouvelle galette.

Au final, The Bronx maintient le cap en proposant une quatrième mouture de son mélange toujours aussi efficace de punk léger et de rock dur, entre caresses et coups de boutoirs, et ça tombe bien parce que c’est ce qu’on demande à un groupe comme celui-ci : une certaine constance dans les décharges. Les nouvelles enluminures de ce "IV" sont si légères qu’à aucun moment on a l’impression de figures de styles imposées par la nécessaire évolution de tout groupe vers l’album de la maturité.

Pour ma part, le sentiment qui prédomine est que les musiciens semblent avoir atteint une certaine maturité et se sont véritablement éclatés à faire cet album, sans chercher à faire autre chose qu'à se faire plaisir. La musique prend le pas sur la volonté d'épater la galerie. En résulte une collection de titres réellement imparables, avec des refrains massue à réveiller les morts. The Bronx atteint ici la quintessence de sa musique !!!

Série - The Blacklist de NBC

2013-08-28T17:29:00.002+02:00

NBC - The Blacklist : La nouvelle pépite sur laquelle mise la chaîne NBC et pas seulement !!!

Attente : 4 / 5

Synopsis :

Raymond "Red" Reddington (James Spader), le criminel le plus recherché aux États-Unis, décide mystérieusement de se rendre. Il propose de dénoncer tous ceux avec lesquels il a travaillé à une seule condition, que ce soit Liz Keen (Megan Boone), une jeune agent du FBI avec lequel il n’a en apparence aucune connexion, qui s’occupe de lui.

Attente :

Une saison de séries se termine et déjà, la nouvelle pointe le bout de son nez. En effet, alors que la plupart des séries américaines se sont terminées, les chaînes annoncent d'ores et déjà le programme de la rentrée.

C'est le cas pour la chaîne américaine NBC qui, après toutes les récentes annulations, le petit paquet de renouvellement et une première fournée de commandes, ajoute trois séries de plus à sa liste de nouveautés pour la saison prochaine. Il y aura ainsi la comédie "Welcome to the Family" (cette comédie s’intéresse au clash culturel entre deux familles, une blanche et une latino, quand leurs enfants tombent amoureux et qu’une grossesse inattendue se produit) et les dramas "Night Shift" (Anciennement "After Hours", ce drama médical se centre sur le service de nuit d’un hôpital de San Antonio) et surtout "The Blacklist".

Cette dernière est peut-être la nouveauté la plus attendue d'NBC pour la saison à venir, d'une part pour son concept, d'autre part pour son acteur principal, le charismatique James Spader. Des décennies durant, Raymond Reddington, ex-agent du gouvernement, était l’un des hommes les plus recherchés de la planète, multipliant les "coups" aux quatre coins du globe. La surprise du FBI est donc totale lorsque ce dernier accepte de se rendre et de venir en aide à l’organisation. Le contrat est clair, Red fournira des informations essentielles sur les plus grands criminels du monde à une seule condition : pouvoir travailler avec la jeune profiler Elizabeth Keen. Une jeune femme qui ne se doute pas un instant du destin qui lui est ainsi promis.

Elizabeth vit son premier jour en tant que profiler au FBI. Le moins qu'on puisse dire, c'est que, grâce à Reddington, elle fait une entrée remarquée. Cette connexion inattendue va engendrer un tas de questions de la part du FBI : Quelles sont les intentions de Red, pourquoi veut-il parler à Liz ? La jeune femme aurait-elle des choses à cacher ?

Outre James Spader, dans le rôle-titre, la distribution est constituée de Diego Klattenhoff ("Homeland"), Harry Lennix ("Man of Steel"), Ryan Eggold ("90210") et Ilfenesh Hadera ("Da Brick"). Derrière la caméra, Jon Bokenkamp ("The Call") est chargé de l’écriture du scénario, épaulé de John Eisendrath ("Alias"), John Davis ("Predator") et John Fox. A noter que le pilote a été réalisé par Joe Carnahan, qui avait déjà opéré sur "L’agence tous risques".

De ce fait, tous les feux semblent au vert pour "The Blacklist" ! Son pilote, présenté par Sony Pictures Television, qui produit la série, comme le plus apprécié de toute son histoire lors des projections test, a en effet séduit les acheteurs du monde entier. En France, c'est TF1 qui en a fait l'acquisition et qui devrait la proposer sur son antenne dans les mois (ou les années) à venir. Outre-Atlantique, la série n’a pas encore été diffusée. Elle devrait arriver à l’antenne de NBC le 23 septembre prochain. De plus, le show a hérité de la case la plus enviée de la grille de NBC : le lundi soir à 22h après "The Voice", son mastodonte d'audience, à la place de "Revolution", une autre série très attendue. Il est donc en bonne position pour créer l'événement.

NBC n’est manifestement pas la seule à voir en "The Blacklist" une pépite d’audiences puisqu’à l’international, plusieurs chaînes en ont acquis les droits. En France, c’est donc sur l’une des chaînes du groupe TF1 que les téléspectateurs pourront la regarder la saison prochaine. Dans l’un des épisodes, ils retrouveront Kiefer Sutherland, la star de "24h", puisque l’acteur a accepté un rôle dans la série. Mais contrairement à ce qui était pressenti, ce ne sera pas le rôle principal du méchant criminel.

Espérons simplement que le contenu sera à la hauteur des attentes suscitées aussi bien par les chaînes télévisuelles que par les spectateurs !!!

Livre (BD) - Amorostasia de Cyril Bonin

2013-08-25T15:58:00.000+02:00

Cyril Bonin - Amorostasia : Un roman graphique fantastique et atypique !!!

Note : 4 / 5

Synopsis :

À Paris, de nos jours. La première victime a été retrouvée figée devant sa fenêtre, une demande de mariage à la main. Puis, ce fût un jeune couple, s'embrassant dans la rue, figé lui aussi. Rapidement, l'information s'est propagée, une nouvelle épidémie sévissait à Paris, baptisée l'Amorastasie.

Rigidité, mutisme, les victimes de cette étrange maladie tombent dans un état catatonique. Les autorités médicales, en l'absence de remède, ne peuvent que recommander d'éviter toute manifestation intempestive du sentiment amoureux. Pire, la paranoïa s'installe dans la société, le moindre regard est l'objet d'interprétation fantasmatique.

Olga Politoff, journaliste enquêtant sur la maladie, le découvre à ses dépens en figeant Julien Lambert, un collègue secrètement amoureux d'elle. Alors même qu'elle et son fiancé ne se sont pas figés. L'état décide d'obliger les femmes "tentatrices" à porter un brassard discriminatoire et sexiste. L'amour est-il devenu une maladie dont on ne peut se soigner ? Un jeune homme se prénommant Kiran va l'aider à découvrir la vérité.

Critique :

L’Amour ! Délicate alchimie des sens et des humeurs, aussi indéfinissable qu’insaisissable et qui peut conduire aux chefs d’œuvre les plus sublimes comme aux pires bassesses. Au moins une fois dans sa vie, tout un chacun s’est demandé de quoi il était fait et pourquoi il frappait. Cyril Bonin n’échappe pas à la règle et a décidé d’en faire un album : "Amorostasia".

Après avoir adapté remarquablement le roman de Marcel Aymé "La belle image" et écrit à la suite, une nouvelle inédite intitulée "L'homme qui n'existait pas", Cyril Bonin revient en force avec cette histoire graphique qui conserve les ambiances surnaturelles auxquelles il nous a sensibilisé précédemment. En effet, cette fois-ci, il nous plonge dans un contexte surprenant dans lequel avoir des sentiments peut se révéler dommageable pour la santé.

C’est avec une vraie pudeur et une grande sobriété que Cyril Bonin aborde cette histoire, comme un conte de science-fiction sensible et philosophique. Qu’est-ce que l’amour ? Chimie et biologie ? Magie et impalpable ? Avec cette idée toute simple, et simplement belle, l’auteur interroge subtilement le lecteur sur ces grands thèmes existentiels, en prenant soin de pas imposer de réponse toute faite, ni de solution miracle.

Ainsi, la problématique posée dans ce one-shot ressemble à un prétexte futé pour aborder tout un tas de questions intéressantes et originales sur le sujet sans doute le plus usité dans les fictions : l’amour. Ou plutôt, il s’agit ici de chimie de l’amour : quelles interactions chimiques sont-elles mises en branle lorsqu’on tombe amoureux ? L’amour est-elle une maladie ? Selon cet aspect technique, y a-t-il différentes sortes d’amour ? La préservation de l’espèce est-elle l’unique finalité de l’appareil amoureux ?

En préface, le professeur Bernard Sablonnière, spécialiste française des mécanismes moléculaires des sentiments, souligne d’ailleurs l’ingéniosité de Bonin pour soulever les différents aspects de cette question essentielle. Car désormais en tant qu’auteur complet, en 124 planches qui se dévorent littéralement, Bonin narre brillamment une intrigue rythmée et équilibrée sur ce propos.

Force est de constater qu'une fois encore, Cyril Bonin, bien inspiré, nous entraîne dans une histoire sociale, complètement délectable, au sein de laquelle la moindre émotion, le moindre sentiment peut provoquer des effets irréversibles. Via ce concept, on ne peut plus original et des plus surprenants qui entame le passionnel, l'artiste fait état de cette pandémie qui grève la capitale et qui met en émoi la collectivité scientifique.

A cet égard, l'auteur fait monter en puissance son aventure à laquelle est liée la belle Olga dans une méthodologie adaptée, usant d'une fluidité narrative et d'une humanité confondante. Jouant sur le fait que l'amour peut se transformer en véritable pathologie, postulat à première vue fantaisiste, il nous plonge dans une dérive sociétale extrême voire paranoïaque qui n'est pas sans rappeler certains dérapages historiques. Fort de cette évolution inquiétante, le lecteur ne manquera pas de se demander comment tout ça peut se régler. A ce titre, Cyril Bonin nous en donnera la conclusion via une pirouette scénaristique sensible et plutôt surprenante.

En bon raconteur d’histoires, il donne aussi corps à son récit. Il bâtit un décor crédible d’une société qui, plutôt que de sonder son inconscient collectif et d’envisager son évolution, s’enferme dans une facile paranoïa : on demande aux couples de faire chambre à part, on ferme les boîtes de nuit, on retire les tableaux de scènes amoureuses des musées, on stigmatise les jolies filles… Tel un auteur de SF à l’ancienne (Dick, Barjavel, Bradbury, Simak…), il détourne son présent légèrement pour mieux imaginer le futur. Et ce, sans esbroufe ni effets spectaculaires, à l’image de son dessin, limpide, et de son noir et blanc, neutre et efficace, qui n’est pas sans évoquer par moments la puissance évocatrice du manga.

Si le scénario est des plus concluants, la partie graphique se révèle donc d'une grande efficience. Le style de Bonin est toujours aussi saisissant de réalisme, de sensibilité, d'humanisme. Son trait qu'il nous fait appréhender pour la première fois dans un univers noir et blanc, est juste, explicite, évocateur en terme de sentiments (dans la façon de pencher les têtes, de traiter les regards…). Ses personnages, légèrement déformés, bénéficient d'un charisme confondant et donnent du corps aux évènements qui les entourent.

A travers son dessin semi-réaliste typique en noir et blanc, simplement rehaussé d’un lavis en niveaux de gris, l’auteur nous donne à réfléchir différemment sur les conséquences sociales et intimes de son épidémie. Ce fléau est-il déclenché par Dame Nature pour endiguer la démographie galopante ? Faut-il persécuter celles (et pas ceux !) qui suscitent naturellement le sentiment amoureux sur autrui ? Peut-on contrôler son amour ? Doit-on fuir l’amour ?

Au final, "Amorostasia" est une bien belle histoire de sentiments aux ambiances fantastiques bien pesées, à porter à l'actif d'un artiste talentueux. "Amorostasia" est un livre hors du temps, qui pose un questionnement universel sur la nature de l’homme et son avenir sur cette planète, à travers un prisme original et ambitieux, l’amour. Sur un sujet aussi universel qu’intemporel, la BD analyse joliment le camaïeu des sentiments amoureux et, finalement, renonce à l’expliquer, préférant y succomber !!!

Ciné - Jobs de Joshua Michael Stern

2013-08-22T18:05:00.000+02:00

Joshua Michael Stern - Jobs : Un film superficiel, trop lisse et premier degré, qui se révèle au final assez insipide !!!

Note : 2.5 / 5

Synopsis :

Dans les années 70, un jeune étudiant du nom de Steve Jobs rêve de changer le monde. C’est avec son ami Steve Wozniak qu’il va se lancer dans l’informatique en travaillant pour Atari, mais va très vite se rendre compte qu’il veut être son propre patron. Les deux compères travaillent donc sur leur premier ordinateur, l’Apple, qui va rapidement leur permettre de recevoir un financement conséquent et de lancer leur propre entreprise.

Critique :

Que l'on aime l'homme ou pas, personne ne pourra nier que Steve Jobs, co-créateur d’Apple Inc., l'un des entrepreneurs les plus créatifs et respectés du XXIe siècle, était un visionnaire et un génie. Un génie qui aura impressionné et inspiré de nombreuses personnes. C'est donc avec une réelle et sincère envie que j'attendais ce biopic sur la vie de Jobs.

Et qu'elle ne fut ma déception à la fin de la séance ! En résumant l'affaire de manière caricaturale, on pourrait dire ceci : autant "The Social Network" de David Fincher était réussi, autant "Jobs" est raté.

Réalisé par Joshua Michael Stern, "Jobs" est un film purement narratif, racontant au premier degré ce que fut une partie de la vie du créateur d'Apple, de 1974 (il était alors en voie de déscolarisation dans un collège californien) à 2001 (année du triomphe de l'iMac). On ne saura donc rien de la fin de la vie de Jobs, de son cancer et de sa mort, à 56 ans, au faîte de sa gloire, le 5 octobre 2011 à Palo Alto (Californie).

C’est une vingtaine d’années de la vie de Steve Jobs, de la création d’Apple dans un garage californien à son retour triomphant, en 1996, à la tête de l’entreprise qu’il avait créée avant d’en être écarté que raconte ce premier biopic sur cet homme au destin fascinant. Malheureusement, ce récit réalisé de façon linéaire glorifie un peu trop l’inventeur visionnaire de l’iPod, évinçant les aspects controversés du personnage. Même s’il consacre quelques scènes à son caractère difficile, comme celle de la rupture brutale avec sa petite amie enceinte et son refus initial de reconnaître l’enfant, le film n’approfondit jamais les choses, abordant le tout de manière bien trop superficielle.

Ainsi après Mark Zuckerberg avec "The Social Network", c'est au tour de Steve Jobs d'avoir droit à son biopic. Et on peut dire que Fincher a tué le job ! Car la comparaison se révèle fatale pour Joshua Michael Stern. Il manque à ce dernier un point de vue puissant de réalisateur. Et les partis pris de son scénariste apparaissent étranges : pourquoi ainsi ne traiter la passionnante rivalité avec Bill Gates qu'en une seule scène au téléphone? De plus, pour l'incarner, le choix d'Ashton Kutcher n'est pas des plus heureux. Il a certes beaucoup travaillé. Mais, à l'écran, on ne voit justement que ça.

Si le côté baba cool, cheveux mal coiffés et barbe hirsute lui vont particulièrement bien d’un point de vue physique (ressemblant à s'y méprendre au Jobs de cette période), l’acteur a mis un point d’honneur à reproduire à l’identique la démarche nonchalante et mal assurée de Jobs, comme son petit sourire en coin. Toutefois, il ne se contente que de singer la gestuelle et la démarche de son modèle. On a peine à croire au Jobs qui présente en 2001 l’iPod.

Il manque cruellement de crédibilité quand il tente de jouer au méchant garçon qui ne veut pas octroyer d’actions à un des premiers employés d’Apple, Bill Kottke. Les moments d’émotion sont littéralement gâchés par le jeu limité de l’acteur, qui se cantonne généralement aux comédies romantiques et qui, à mon humble avis, devrait rester dans ce rôle.

Ceux qui ont lu la biographie officielle de Steve Jobs le savent : l’inventeur était quelqu’un d’extrêmement lunatique, colérique et émotif, doublé d’un égoïste mégalomane. Si ces traits de sa personnalité sont bien sûr évoqués dans le film, ils sont en revanche largement passés sous silence dans de nombreux moments clés de l’histoire. Steve Jobs était un patron craint de ses employés, le genre de patron capable de virer un subalterne sur un coup de tête dans l'ascenseur. Malgré les efforts du scénario pour reproduire ce côté imprévisible, le Jobs de ce film est en revanche plus édulcoré, et son histoire s’en trouve de fait largement romancée.

Mais c’est surtout la traversée du désert de Steve Jobs qui déçoit, évoquée en deux coups de cuillères à pot. Deux photos du fondateur de NeXT, sans aucune mention de l’immense réussite de Pixar, emballé c’est pesé. Pourtant, ces deux événements ont largement contribué à façonner le "nouveau" Steve Jobs, plus mûr, plus apte à prendre les rênes de l’entreprise qu’il a fondée et qu’il s’apprête à sauver. Le film prend également le parti-pris intéressant mais sans doute un peu trop appuyé que Steve Jobs aurait considéré Jonathan Ive comme une sorte d’égal. Certes, le designer en chef a toute sa part dans le succès renouvelé de l’Apple moderne, mais c’est sans doute souligner le trait trop fort.

L'acteur Giles Matthey qui interprète Jonathan Ive dans "Jobs".

C’est d’autant plus dommage que le film souffre d’un certain nombre de longueurs qui tendent à gâcher le plaisir, malgré une histoire qui aurait pu être captivante si mieux racontée.

En outre, la scène d’ouverture du film se place en 2001, et nous montre Steve Jobs montant sur scène pour présenter l’iPod. On imagine alors qu’il s’agit de l’accomplissement d’une longue période de travail, mais qui là encore ne sera pas réellement évoquée dans le film. Steve Jobs retrouve son poste chez Apple, et... c’est tout. Même dans sa conclusion, Jobs parvient à laisser un goût d’inachevé qui laissera le spectateur sur sa faim. Apple étant une marque ayant énormément fait parler d’elle dans les années 2000, de même que Steve Jobs est devenu un personnage emblématique, il est dommage que cette période ne soit même pas abordée dans le long-métrage.

Alors, tous les ingrédients étaient a priori réunis pour un biopic hors-norme et, pourtant, rien n'y fait, la magie n'opère pas. Steve Jobs est présenté comme un pionnier rebelle et visionnaire qui, pour échapper à tous ceux qui voudraient prendre le contrôle de son empire naissant, finit par devenir une sorte de gourou névrosé et paranoïaque, incapable du moindre sens de l'altérité, tout entier absorbé par l'idée d'aller au bout de son intuition. Apple, il en est convaincu, sera un jour "une devise sociale", mieux, "un statut social". Pas de quartier pour ceux qui oseraient se mettre en travers de son chemin. Il en est convaincu : "Ceux qui sont assez fous pour penser qu'ils peuvent changer le monde sont ceux qui le font".

Fort de cet adage, comme habité par l'idée de la mission qu'il doit accomplir, il va se lancer à corps perdu dans une véritable guerre technologique. IBM, Microsoft, il ne leur fera aucun cadeau. A mi-chemin entre cinéma et marketing, tout cela n'est guère convaincant. Steve Jobs, le charismatique, le créateur de génie, méritait mieux que cette saga mégalo-paranoïaque.

Le film, tout comme son sujet, n'a pas manqué de faire grincer quelques dents, notamment celles du co-fondateur d'Apple, Steve Wozniak (interprété par Josh Gad), qui a publiquement fait part de ses réserves. Le créateur des premiers ordinateurs de la marque, Apple I et Apple II, digère mal une scène du film dans laquelle on voit Steve Jobs lui décrire le potentiel extraordinaire de systèmes d'exploitation qu'il vient de créer.

"Steve me fait la leçon sur le potentiel des ordinateurs, alors que c'était exactement la situation inverse", expliquait-il récemment au Los Angeles Times. "Steve n'a jamais créé un grand ordinateur. A cette époque, il enchaînait les échecs. Il était incroyablement visionnaire, mais il n'avait pas la capacité de mettre en pratique" ce qu'il imaginait.Sony prépare d'ailleurs avec Wozniak son propre biopic de Steve Jobs, basée sur la biographie officielle de Walter Isaacson. Le projet n'en est encore qu'au stade de l'écriture du scénario, qui a été confiée à Aaron Sorkin, l'auteur oscarisé du film de David Fincher sur Facebook. Le scénariste a déjà révélé qu'il construirait le film en trois scènes de trente minutes, qui décriraient Steve Jobs à travers le lancement de trois produits phares de la marque. Ni le réalisateur, ni l'acteur qui incarnera Steve Jobs n'ont été choisis pour le moment.

Au final, "Jobs" n’a rien d’un film sur Steve Jobs. Il se contente de dépeindre un caractériel qui casse ses jouets, avant finalement de se venger puis de connaître une réussite éclatante alors que le protagoniste de cette histoire exceptionnelle était bien plus complexe et génial que cela. Une histoire illustrée ici sans talent ni éclats !!!

Actu - LaFerrari, La nouvelle supercar de Ferrari

2013-08-19T20:30:00.000+02:00

Ferrari - LaFerrari : La succession de la Enzo est assurée par une supercar ultra-puissante et ultra-révolutionnaire !!!

Note : 4.5 / 5

Depuis la sortie de la "Enzo" en 2002, onze ans de patience ont été nécessaires pour les aficionados de la marque au cheval cabré pour découvrir la nouvelle "Série Limitée" de Ferrari. Codée initialement "F150", elle est baptisée "LaFerrari" par le PDG Luca di Montezemolo. Pourquoi ? Parce qu'elle représente le summum de l'automobile, combinant la technologie hybride Hy-KERS issue de la F1, un moteur V12 développant, avec le bloc électrique, 963 chevaux, ainsi qu'un style unique, racé, agressif, qui ne laisse pas indifférent.

"LaFerrari", mythe parmi les mythes ! Il y a les Ferrari. Et il y a désormais "LaFerrari". "LaFerrari", parce que ce modèle inédit est absolument unique. Unique par sa puissance, 963 ch exactement, jamais Ferrari commercialisée n’avait été aussi musclée. Unique par sa technologie ; son légendaire V12 est pour la première fois accouplé à un moteur électrique pour prendre soin de l’air que l’on respire. Unique par ses performances ; les plus de 350 km/h en vitesse maxi (sur circuit) sont une simple formalité. Unique, enfin, par son prix ; un million deux cent mille euros tout rond.

"LaFerrari" est donc tout simplement la plus extraordinaire des Ferrari de tous les temps, sinon la plus extraordinaire automobile de ces dix dernières années comme aiment le répéter les italiens. Un objectif hors du commun que s’assigne Maranello, à rythme régulier, depuis la "GTO" (un modèle des sixties dont la cote aujourd’hui se compte en millions d’euros), dont la singularité inspirera la "F40" des années 80, puis la "F50" des années 90 avant la célèbre "Enzo" de 2002.

Depuis un peu près un an, des informations sérieuses annonçaient les caractéristiques moteur de la remplaçante de la Enzo qu’est la Ferrari "LaFerrari". Et voici que maintenant nous connaissons tout ou presque au chapitre mécanique de la plus puissante des Ferrari qui s’offre même le privilège de battre la renommée "McLaren P1" de deux secondes au 0 à 300 km/h avec des chronos respectifs de 15 et 17 secondes. De quoi aller chambouler le classement des voitures les plus rapides du monde !

Question performances donc, "LaFerrari" c’est un moteur V12 de 6,3 litres développant 800 chevaux et 700Nm de couple à lui seul, tout en pouvant pousser à 9250 tours par minutes ! En addition on trouve un moteur électrique de 163 chevaux nous amenant à un chiffre phénoménal de 963 chevaux pour une "hypercar" émettant deux fois moins de CO2 que la Ferrari "Enzo" avec 330g/km. Les batteries du moteur électrique sont attachées à la partie basse du châssis et pèsent 60kilos. Et enfin, plus de 350 km/h en vitesse de pointe, un 0 à 100 km/h expédié en moins de 3 secondes, le 0 à 200 km/h en 7 secondes et même 15 secondes pour couvrir le 0 à 300 km/h !

Ainsi la grande révolution pour cette sportive italienne, c’est son moteur hybride offrant 963 chevaux à son conducteur. Toutefois, en plus de cela, la "LaFerrari" a beaucoup développé son aérodynamique avec une panoplie d’ailerons actifs permettant, en temps réel, de stabiliser au mieux la voiture lorsque l’on roule. Le ratio du poids, quant à lui, est de 41% à l’avant et 59% à l’arrière décrit comme idéel selon Ferrari. La majorité du poids est répartie entre les deux axes de roues et aussi bas que possible afin d’optimiser le centre de gravité. Le carbone utilisé est produit dans la section Ferrari Racing et utilise les mêmes méthodes que pour leur Formule 1.

Au final, tout en rendant hommage au fondateur Enzo Ferrari, cette dernière rendra fou de joie nombre de pilotes de F1 qui compteront parmi les premiers fans. Un bonheur que devrait dépasser "LaFerrari", car le mythe des mythes organise sa rareté en ne s’offrant qu’à 499 exemplaires, alors qu'il y a déjà plus de 700 commandes, de quoi laisser de la place pour une augmentation de production financièrement intéressante. L’avenir nous dira ce qu’il en est !!!

Livre - Gonelore, T1 Les Arpenteurs de Pierre Grimbert

2013-08-16T15:32:00.000+02:00

Gonelore, Tome 1, Les Arpenteurs
de Pierre Grimbert

Note : 4.5 / 5

Synopsis :

Pour la plupart des gens, le monde de Gonelore est si vaste que seul un menteur oserait prétendre avoir visité tous ses royaumes. Et, d’ailleurs, il faudrait être fou pour se lancer dans un pareil voyage : trop de créatures redoutables hantent les territoires délaissés par les hommes, et aucune arme d’acier ne réussit à repousser ces monstres !

Il existe pourtant une confrérie d’individus de taille à relever ces défis. On les appelle "les Arpenteurs". Pisteurs, guides et guerriers, ils sont aussi des érudits en quête permanente de connaissances, sur cet univers aux multiples facettes. Pendant des siècles, ils ont lutté contre les débordements des forces élémentaires, repoussant le danger loin de la surface du monde. Puis, le calme revenu, leurs rangs se sont éclaircis, et on les a presque oubliés.

Mais une fois encore, les bêtes sont revenues pour semer la terreur. Et cette première vague semble annoncer un chaos tel qu’on n’en a jamais vu. Ni même imaginé dans les pires cauchemars. Pour les derniers Arpenteurs, le temps est venu de reprendre les chemins. Et, surtout, de former une armée de nouveaux élèves. En espérant que cela sera suffisant.

Critique :

Pierre Grimbert est un auteur bien connu des amateurs de fantasy francophone, notamment pour son cycle "Le secret de Ji" (encore aujourd'hui une des meilleures épopées fantasy à mes yeux) et ses suites. Il nous revient cette année avec le premier volume d'une nouvelle saga au titre mystérieux : "Gonelore, tome 1 : Les Arpenteurs". D'après certaines légendes, la Confrérie des Arpenteurs serait aussi ancienne que le monde où elle a vu le jour. Son but ultime : veiller, à l'aide du pouvoir des prismes, à ce que les Chimères restent à leur place, derrière le Voile, protégeant ainsi le monde des hommes.

Gonelore est un monde complexe constitué de plusieurs dimensions. Celui-ci n'est que l'une des facettes d'un même univers. En fait, Gonelore est la partie du monde visible par les hommes, et il n'est qu'une des dimensions du monde existant, séparé de ces dernières par une sorte de voile invisible.

Les hommes vivent sur la couche centrale de cet univers, et tout autour d'eux gravitent, sans qu'ils ne les voient généralement, toutes sortes de créatures plus ou moins imposantes selon leur dimension d'origine, mais rarement inoffensives. Il arrive parfois que ces Chimères traversent le Voile, poussées par la faim et le besoin d'étendre sans cesse leur déjà vaste territoire.

C'est donc pour lutter contre l'invasion de ces créatures que la confrérie des Arpenteurs a été créée. Grâce à des prismes colorés issus des mondes derrière le Voile, ils peuvent voir les Chimères et les combattre pour protéger les citoyens de Gonelore.

"Les Arpenteurs" porte décidément bien son nom, en mettant l’accent sur les personnages en question. Car, comme dans le cas de beaucoup de séries de Pierre Grimbert, ce premier tome se contentera de poser les bases de son histoire et de présenter son monde.

Ainsi, l'intrigue de ce premier tome apparaît comme très classique pour un roman de fantasy. Pierre Grimbert entame ici un roman initiatique dans lequel nous suivons quelques apprentis Arpenteurs (principalement quatre : Jona, Nobiane, Gesse et Daelfine) qui viennent tout juste d'être recrutés et qui découvrent l'école des Arpenteurs : Mageronce. Chacun d'eux voulant devenir un Arpenteur pour des raisons aussi variées que leurs origines.

Les changements de point de vue à chaque nouveau chapitre, là aussi classiques, sont toutefois intéressants, variant les éclairages proposés. En effet, la narration alterne le point de vue de différents personnages qui vont des nouvelles recrues de la Confrérie à leurs professeurs.

Pour ce qui est de l'école Mageronce, on aurait pu craindre d'être transposé dans un nouveau Poudlard, mais en réalité, ce n'est pas le cas ! Car Mageronce est en définitive bien plus qu'une école, et les maîtres-Arpenteurs plus que des professeurs. Les relations entre les différents membres de la confrérie sont biaisées par des évènements passés qu'on ne découvre qu'en partie, et on a beau tourner les pages à un rythme rendu effréné par la curiosité, le mystère plane sur tout ce premier tome. D'intrigues politiques en invasion de chimères, de découverte de la magie des prismes en interrogations sur les origines du jeune Jona, on ne s'ennuie pas une seconde.

Le livre est court, l'écriture est plaisante, et on se laisse facilement emporter par l'histoire. Ce premier tome de "Gonelore" est vraiment captivant ! Tout au long de cette lecture, il y a de nombreux éléments de surprises, d’actions, de rebondissements, qui rendent le récit vivant. En effet, dès que l'on a l’impression que l’histoire se calme, il y a, la page suivante, un nouvel élément perturbateur qui rend une nouvelle fois le récit vivant.

Au final, malgré une intrigue et une construction très classiques sous forme de roman initiatique, on se laisse très vite emporter par ce premier tome d'introduction. On prend plaisir à suivre quatre jeunes apprentis Arpenteurs dans leur découverte de cette confrérie et des dangers de Gonelore. Le livre se termine sur un cliffhanger sur de nombreuses interrogations sans réponses, mais l'essentiel est là : évasion et aventure sont au rendez-vous !

De ce fait, le dénouement de ce premier tome nous laisse dans une totale incertitude quant au devenir de nos héros ! Alors bien évidemment, on a hâte de découvrir la suite, et la bonne nouvelle, c'est que la parution de "Gonelore, tome 2 : Le Maguistre" est d'ores et déjà prévue à l'automne prochain. Personnellement, je serai au rendez-vous !!!

DVD - Blancanieves de Pablo Berger

2013-08-13T19:42:00.000+02:00

Pablo Berger - Blancanieves : Un film muet en noir et blanc extraordinairement dynamique et aux accents gothiques !!!

Note : 4.25 / 5

Synopsis :

Sud de l’Espagne, dans les années 20. Carmen est une belle jeune fille dont l’enfance a été hantée par une belle-mère acariâtre. Fuyant un passé dont elle n’a plus mémoire, Carmen va faire une rencontre insolite : une troupe ambulante de nains toreros qui va l’adopter et lui donner le surnom de "Blancanieves".

C’est le début d’une aventure qui va conduire Carmen/Blancanieves vers elle-même, vers son passé, et surtout vers un destin à nul autre semblable.

Critique :

Rendons-nous à l'évidence, les cinéastes du XXI^esiècle remontent le temps du cinéma, laissant derrière eux le moment où la parole lui est venue. Après le Canadien Guy Maddin (pionnier en la matière), le Français Hazanavicius, le Portugais Miguel Gomès, voici le carnet de voyage de l'Espagnol Pablo Berger dans les premiers temps du cinéma.

Le muet sera-t-il le nouveau gimmick à la mode après la renaissance du relief ? En tout cas, peu de temps après le triomphe public de "The Artist", puis la consécration critique de "Tabou", "Blancanieves" est une nouvelle preuve que le cinéma est travaillé par ses origines, le muet en noir et blanc !

"Blancanieves" (film espagnol, noir et blanc, muet) raconte une histoire familière, celle de la petite princesse tombée entre les griffes d'une marâtre sadique, sauvée par des nains. Mais le conte, né en Allemagne, prend racine cette fois sous le soleil d'Andalousie, aux derniers temps de la monarchie espagnole, aux premiers temps de l'électricité et du moteur à explosion.

Des trois versions de Blanche-Neige tournées l’année dernière, celle-ci est de loin la plus inventive, la plus audacieuse et la plus exaltante. La plus risquée aussi puisqu’il s’agit d’un film muet en noir et blanc.

On ne peut s'empêcher de faire la comparaison avec "The Artist", qui paraît du coup un peu scolaire, avec son parti pris de faire du muet simplement pour rendre hommage au muet. Contrairement au film d'Hazanavicius, qui revisitait cette forme d’expression oubliée avec respect et application, le film de Pablo Berger la revitalise avec un dynamisme extraordinaire, tant par le récit, qui nous mène de surprises en ébahissements, que par la forme, extrêmement forte et maîtrisée. Bien que située au début du XXe siècle, cette transposition du conte des frères Grimm a des connotations très modernes.

Cette greffe monstrueuse prend avec une vigueur inattendue. En noir et blanc, sans dialogues (et les intertitres sont réduits au minimum), "Blancanieves" est un exercice de style brillant, qui incite à accorder au réalisateur Pablo Berger (auteur, jusqu'ici, d'une aimable comédie, "Torremolinos 73") une estime inattendue. D'autant que l'exercice de style laisse peu à peu la place à un authentique mélodrame, paroxystique, servi par des acteurs spectaculaires.
"Torremolinos 73", était une farce sur le porno amateur des seventies. "Blancanieves", plus ambitieux, moins trash, plus méticuleux, transpose donc le conte Blanche-Neige dans l’univers de la tauromachie, c’est-à-dire une légende germanique dans l’Espagne traditionnelle. Non seulement Blanche-Neige y trouve ses sept nains, mais ici ils forment une troupe de toreros.

Contrairement à Miguel Gomes, Berger ne joue pas sur les décalages temporels et les niveaux de lecture, mais se contente d’un fac-similé à l’ancienne, certes pulsé par les palmas (claquements de main) du flamenco revisité avec grâce par le compositeur Alfonso Vilallonga.

Le réalisateur singularise ce fac-similé en empruntant maintes situations à Tod Browning et en les poussant jusqu’au lyrisme, sans toutefois aller au bout de la morbidité primitive du réalisateur de "Freaks". Le film déploie une plaisante panoplie cruelle avec le personnage gothique de la marâtre, infiniment plus stylé que dans les affreuses adaptations américaines de "Blanche-Neige".

Le cinéaste connaît ses classiques et les outils du muet. Quand la foule se dirige vers l'arène où le grand Antonio Villalta, futur papa de Blanche-Neige, va toréer, on se croirait dans une fresque de D.W Griffith : plans carrés, très larges, puis gros plans, très expressionnistes, sur les visages.

Pablo Berger réinvente "Blanche-Neige". Le conte devient un drame de la jalousie, où les corps sont difformes et les femmes, de sublimes objets de désir plus ou moins pervers. Ainsi le père est dans une chaise roulante après l'assaut d'un taureau, la belle-mère sadique, quant à elle, chevauche son chauffeur, cravache à la main. Et le Chauffeur qui échouera à assassiner la jeune fille, non par pitié comme le chasseur du conte, mais à cause de sa libido.
Au final, le cinéaste espagnol a manifestement assimilé les enseignements des grands maîtres du muet (Lang, Murnau), tout en empruntant des éléments à Buñuel et à Browning lors de ses incursions dans le monde du spectacle, peuplé de ses inévitables freaks. Beau et cruel jusqu’à la dernière larme, ce conte de fées sorti de nulle part est l’une des meilleures surprises de cette année. Un conte ancien, un film muet en noir et blanc, et pourtant un film moderne, bouleversant et magnifique. Toute la beauté du septième art !!!

Musique - Palms de Palms

2013-08-09T14:15:00.000+02:00

Palms - Palms : Un rock atmosphérique très onirique !!!

Note : 4 / 5

Quand ces béhémoths du métal que sont Isis se sont séparés, ils ont laissé un vide qui n’a pu être remplacé. La nouvelle que trois de ses membres s’étaient associés avec le leader des Deftones, Chino Moreno, on peut imaginer l’excitation que Palms étaient en droit d’attendre.

Ainsi Palms c’est la réunion des ex-musiciens d’Isis, regrettée légende du post metal à tendance toolesque, et de Chino Moreno, le grand ordonnateur d’un nü metal adoubé par une critique en général peu amène avec ce mouvement. En clair, Palms, c’est un peu l'Audioslave des années 2010, le genre de rencontre entre un chanteur charismatique qui n’a rien à prouver et une bande de musiciens orphelins qui s’ennuie sec. Ce projet, sitôt officialisé, a déchaîné des passions dévorantes sur la toile avant de doucher pas mal de monde avec la révélation d’un premier trailer aussi surprenant qu'à contre-courant.

Le but avoué de Jeff Caxide (basse), Bryant Clifford Meyer (guitare), et Aaron Harris avec Palms, était de continuer dans la voie d'Isis. On pouvait craindre avec l'arrivée de Chino Moreno, d'en être réduit à une formule Isis plus Chino Moreno. Il n'en est finalement rien, Palms ayant réussi à façonner sa propre personnalité tout en restant dans la continuité.

Tout le monde s’attendait, de la part d’Isis, à une musique puissante, psychotique et aliénante, et c’est tout le contraire qui nous est proposé. Le quartet a dégagé six compositions extrêmement apaisées, longues, atmosphériques, nonchalantes, contemplatives, à l’image d’un artwork dévoilant un coucher de soleil mordoré baignant un paysage maritime sauvage.

Ici les guitares tintent plus qu’elles n’agressent, s’étalant en de longues vagues qui s’échouent sur un rivage de sable brûlant, tandis que la batterie développe des tempos optant pour la rêverie et une certaine forme de félicité. Là-dessus, Moreno n’a plus qu’à déposer sans effort sa voix en modulant tranquillement ses effets en de longues plaintes tenues percluses des rares paroxysmes hystériques qui ont fait sa renommée.

C'est donc à un album de metal alternatif aux senteurs progressives que les quatre hommes nous convient. Morceaux denses, amples, et à la violence savamment contenue peuplent ce premier disque. Les neuf minutes que dure "Mission Sunset" sont propices aux ruptures et aux changements d'ambiances, sur fond de guitares prêtes à bondir. A l'inverse et pour une durée similaire, "Antartic Handshake" mise sur une lente progression qui s'achève par un atterrissage en douceur.

Il faut prendre le temps de l'apprivoiser pour profiter des paysages fantastiques et clairement abstraits que génère la découverte de cet album homonyme. Sauvage et domestique. Vous êtes bercés par ce post rock à la Isis car, dans le cœur de Palms, il y est. Avec ses structures tantôt répétitives, tantôt évolutives, les titres s'étirent en longueur sans que cela ne paraisse un instant longuet. Grâce à des compositions flirtant pour certaines avec les dix minutes, vous prenez un "ticket for a ride" dans le monde des chimères sans passer par la case succubes. Touchés par la grâce.

Il ne s’agit pas en effet d’un album frontal, il ne possède pas ces riffs à vous scier les os et Moreno n’adopte pas un phrasé vocal qui soit agressif et défiant. "Palms" est un disque au tempo mesuré, du début à la fin, plutôt post-rock à certains moments que post-metal, mais parvenant néanmoins à ne tomber dans aucune de ces catégories.

Une légère électricité appuie de temps à autre les propos du groupe, plus en appui que pour faire pulser une rage, ici inexistante. Quant aux compos elles sont agréables. Le temps est au repos, à la rêverie les yeux mi-clos, cette musique drive son auditeur dans quelque chose de post rock qui que meut soit sous la caresse d’une musique répétitive soit mutant tranquillement. Chaque titre transporte en lui sa petite particularité, de plus, bien que les compos soient longues, on ne voit pas le temps passer.

La voix de Moreno colle merveilleusement à l'ambiance de "Future Warrior", faite d'une trame lourde et déchirante. Autre voyage intense, "Patagonia" saura charmer les plus difficiles en matière de post-metal. Ecouter "Palms", c'est l'adopter immédiatement et remercier la nouvelle entité d'avoir si bien pris la suite d'Isis.

Au final, Palms est donc bien plus que les éléments qui le constituent. Moreno est sans doute au pinacle de son interprétation et le groupe semble fonctionner comme s'ils étaient destinés les uns aux autres. Il serait plus que dommage qu’une telle expérience et avancée dans le domaine du metal s’arrête là. "Palms" est un florilège d'émotions et de sentiments qui touche l'être en son for intérieur. Fermez les yeux et laissez-vous guider !!!

Actu - Ampli pour guitares THR de Yamaha

2013-08-06T14:45:00.001+02:00

Yamaha - THR : Retro et costaud !!!

Note : 4.25 / 5

Yamaha présente sa nouvelle gamme d'amplification pour guitare : la THR. Déclinée en trois modèles, le THR10X, le THR10C et le THR5A, elle associe des technologies de pointes et un design très vintage.

Avec son procédé de modélisation vintage, ces amplis bénéficient également d'un large choix d'effets (compresseur, reverb, chorus, flanger,...). Léger et facile à transporter, ce must have bénéficie également du logiciel Cubase qui vous permettra d'enregistrer où vous le voulez !

Grâce au THR, les guitaristes ont aujourd’hui à leur disposition un outil leur permettant de jouer partout ailleurs qu’en répétition ou en concert, et même d'enregistrer ses propres morceaux grâce au port USB intégré. Grâce à un design innovant, des caractéristiques uniques et une excellente qualité sonore, les THR constituent l’aboutissement d’une réflexion intensive sur le jeu et les usages des guitaristes. Ils ont été créés pour s’adapter à l’endroit, au moment et à votre façon de jouer lorsque vous n’êtes pas sur scène.

Dans un salon, une chambre ou le parc d’à côté, il est maintenant facile de jouer de la guitare sans dispositif complexe. Le design simple et compact, à la fois moderne et rétro, fait la part belle aux réglages intuitifs : le THR5 propose cinq types d’amplis sans compromis sur la qualité sonore. Le THR10, tout juste plus volumineux, apporte plus de bas-medium et des modélisations pour ampli basse, électro-acoustique et un canal "flat" (voix, clavier). Cinq mémoires utilisateur permettent également d’enregistrer ses propres réglages, effets et EQ compris.

Ces amplis sont un concentré de la technologie Yamaha. Modélisation vintage VCM, technologie stéréo étendue issue des mini-chaînes Hi-Fi Yamaha, HP spécifiques et, cerise sur le gâteau, une interface audio USB stéréo. Grâce au logiciel Cubase AI inclus, les amplificateurs THR vous permettent de profiter d’un enregistrement dans le confort de votre salon. Yamaha est une de ces compagnies qu'on ne peut qu'aimer quand on voit toute la recherche qui est mise dans leurs guitares et accessoires. C'est un fait que la qualité de fabrication et le soin porté est consistent, ce qui leur fait gagner un énorme respect, mais c'est aussi dans l'innovation que Yamaha séduit.

C'est avec les THR10 et le THR5, que l'innovation nous vient, des outils conçus comme le dit Yamaha comme un "troisième ampli". Le troisième aux cotés de votre énorme système d'amplification pour la scène, et votre petit ampli de répétition, car Yamaha pense que personne jusqu'à présent n'a vraiment créée le véritable ampli d'entrainement ou d'enregistrement d'idées. La manière de jouer à la maison n'étant pas la même que sur scène, c'est avec une version plus petite de votre ampli de scène que Yamaha vous donne exactement ce dont vous avez besoin. Et le résultat est surprenant et impressionnants !

Les dimensions du THR10 (le meilleur des deux pour seulement 100€ de plus) sont de 360x183.5x140mm pour un poids de 2.8 kilogrammes. La finition crème et son boitier métallique avec les boutons de type vintage contribue à lui donner un style très "old school", même si l’ampli reste résolument moderne dans sa conception. Les effets intégrés dans ce petit amplificateur bénéficient de la technologie de modélisation VCM (Virtual Circuitry Modeling) développée par la firme et utilisée sur pas mal de leurs produits. Cette technologie est censée reproduire les caractéristiques des circuits analogiques de nos grands-parents dignes de la chaleur de ces bonnes vieilles lampes d’antan. La très grande sobriété de cet amplificateur ne sera pas pour déplaire aux musiciens qui recherchent quelque chose de simple et efficace.

L’ampli est fourni avec son adaptateur secteur 100/240 Volts (50/60Hz), mais aussi quelques accessoires dont un mode d’emploi sous forme papier (complet et très bien documenté avec de nombreuses illustrations iconographiques), un cordon de raccordement à votre PC/MAC avec un port USB 2 et enfin un mini-jack (avec entrée et sortie stéréo) afin de raccorder l’ampli à un enregistreur audio (MD, MP3, etc.). Afin de vous enregistrer sur votre PC/MAC, le séquenceur présent Cubase Al de Steinberg sur le DVD-ROM vous est gracieusement offert.

Si votre utilisation se porte vers le jeu plutôt que l'enregistrement, l'addition des enceintes stéréo devrait vous convenir, pour vous donner, selon Yamaha, "une image stéréo incroyablement vaste et une qualité de reverb de studio". Les premières démonstrations que j'ai pu voir m'ont fortement impressionnées avec des modélisations riches, gras et plus important crédibles.

Cet ampli, s’il n’est pas assez petit afin de se glisser dans la housse de votre guitare, demeure relativement compact. Ainsi, vous pourrez, grâce à sa petite poignée chromée, facilement l’emporter dans tous vos déplacements et fera aussi bien l’affaire en loge afin de s’échauffer avant une prestation scénique que chez vous dans votre salon afin de ne pas déranger vos voisins.

L’accordeur intégré est pratique et précis. Afin d’accéder ou de quitter cet outil, il suffit simplement d’appuyer sur la touche TAP/TUNER pendant quelques secondes. Une fois enclenché, il déconnecte automatiquement aussi bien le haut-parleur que la prise casque. L’accordage est rapide grâce notamment au petit écran muni de petites diodes rouges qui vous indiqueront si la note est trop haute ou trop basse. La justesse sera bonne une fois la diode verte allumée.

Au final, le Yamaha THR est quelque chose de spécial, et reste un ampli très versatile, portable, et plutôt sympa. Dans tous les cas je pense que toutes les personnes ayant besoin de ce "troisième ampli" seront fortement intéressés. Après tout il peut même se révéler un parfait "premier ampli".

Autant dire que ce petit ampli m'a étonné grâce à son format compact et sa qualité sonore tout à fait honorable. Le THR10 pourra convenir aussi bien pour le musicien débutant que le guitariste confirmé qui cherche un petit ampli afin de se chauffer les doigts avant un concert. Son ergonomie et sa robustesse en feront un outil utilisable aussi bien à la maison qu’en extérieur grâce à son système d’alimentation par piles. Un produit vraiment séduisant !!!

Ciné - Insaisissables de Louis Leterrier

2013-08-03T13:44:00.000+02:00

Louis Leterrier - Insaisissables : Magie et charme opèrent jusqu'à un twist final ultra prévisible !!!

Note : 3.75 / 5

Synopsis :

"Les Quatre Cavaliers", un groupe de brillants magiciens et illusionnistes, viennent de donner deux spectacles de magie époustouflants : le premier en braquant une banque sur un autre continent, le deuxième en transférant la fortune d’un banquier véreux sur les comptes en banque du public. Deux agents spéciaux du FBI et d’Interpol sont déterminés à les arrêter avant qu’ils ne mettent à exécution leur promesse de réaliser des braquages encore plus audacieux.

Ils font appel à Thaddeus, spécialiste reconnu pour expliquer les tours de magie les plus sophistiqués. Alors que la pression s’intensifie, et que le monde entier attend le spectaculaire tour final des Cavaliers, la course contre la montre commence.

Critique :

Ils ne sont pas nombreux les réalisateurs français à faire leur bonhomme de chemin à Hollywood. A l'image d'un Alexandre Aja ("La colline a des yeux", "Mirrors" et "Piranha 3D"), Louis Leterrier, dans un autre genre, fait partie de cette petite vague. Après avoir approché le travail de l'image à travers quelques courts-métrages très intimistes, le jeune cinéaste prenait ses bagages pour la Tisch School of the Arts de l'Université de New York où il étudie le cinéma. Revenu en France, il a d'abord travaillé avec Jean-Pierre Jeunet (sur "Alien"), puis a rejoint l'équipe de Luc Besson, pour des spots publicitaires dans un premier temps, puis collaborer sur "Jeanne d'Arc", et ensuite se voir confier la réalisation des deux premiers opus de la saga "Le Transporteur".

Aujourd'hui, il est de retour avec une production mêlant enquête policière et milieu de la magie. Casting grand luxe pour le Français qui se permet d'aligner trois Oscarisés et douze nommés. Ce n'est pas véritablement une première pour Mélanie Laurent qui a déjà approché Hollywood. Par contre, pour le très Frenchy José Garcia, c'est le grand saut (et peu importe s'il s'agit d'un petit rôle). Depuis sa sortie aux USA fin mai dernier, ces Insaisissables ne décrochent pas des dix premières places du box-office.

Après avoir enchaîné les superproductions, Leterrier ("L'incroyable Hulk" et l'innommable "Le Choc des Titans") s’improvise cette fois prestidigitateur pour réaliser ce film au casting cinq étoiles et au scénario riche en tours de passepasse. Une bonne idée même si son numéro de magie s’avère plus proche du style de David Copperfield que de celui de Houdini. Si Leterrier n’a toujours pas réitéré son coup d’éclat de "Danny the Dog", l’élève le plus doué de l’écurie Europacorp s’est donc définitivement installé dans une belle carrière aux États-Unis.

Influencé par "Le Prestige", de Christopher Nolan, le cinéaste a pensé qu’une mise en scène ostentatoire (travellings et lents mouvements de caméra) ferait illusion. Or, il manque l’essentiel : le mystère et l’incertitude, inhérents au genre, qui auraient rendu cet "Insaisissables" moins déchiffrable. Heureusement, Leterrier est soutenu par des comédiens hétéroclites qui, sans livrer les performances du siècle, prennent plaisir à se rencontrer, à se tromper et à se renvoyer la balle. Un écheveau manipulateur qui divertit jusqu’à la révélation finale, assez prévisible.

Ainsi "Insaisissables" se frotte à un exercice dont le maître-étalon semble intouchable : "Le Prestige" donc. Le grand spectacle de la magie dont la manipulation trouve un écho logique dans celle opérée par le metteur en scène et son scénario, le sens du spectacle, et même la présence de Michael Caine. Sauf que là où le récit élaboré par les frères Nolan brillait par sa cohérence dans la multitude de rebondissements, celui dont ont accouché Ed Solomon (jadis scénariste de "Men in Black"), Boaz Yakin (scénariste de "Prince of Persia" et du "Punisher" de Mark Goldblatt) et Edward Ricourt, ne tient pas toujours la route.

A trop vouloir jouer avec la poudre aux yeux, il s’aveugle lui-même et ne va nulle part, plombé par une construction terriblement maladroite par moments. C’est d’autant plus rageant que sur le papier, "Insaisissables" possède un potentiel immense, celui de réitérer l’exploit "Ocean’s Eleven" avec en plus l’ingrédient non négligeable de la magie comme outil de braquage. Malheureusement chaque bonne idée ne se transforme pas nécessairement en bon film, en particulier si elle est exploitée que partiellement.

Côté casting, même s'il réunit un grand nombre de personnages importants, le long métrage ne fait pas l'erreur d'en oublier. Aucun n'est traité de manière trop superficielle. Il faut dire que le film peut compter sur une solide distribution. Outre les acteurs mentionnés ci-dessus, on retrouve notamment Michael Caine, Morgan Freeman, Mark Ruffalo, Woody Harrelson, Isla Fisher, Dave Franco et Jesse Eisenberg. Contrairement au film "The company you keep", le réalisateur a su tirer pleinement profit de sa distribution. On retiendra surtout les prestations solides de tous ces acteurs, avec un casting dominé de la tête et des épaules par un Jesse Eisenberg toujours aussi vif et un Woody Harrelson impérial.

Au final, "Insaisissables" est un film rythmé et sexy qui, malgré une mise en scène maladroite et légèrement épuisante au bout de deux heures, arrive tout de même à nous tromper et nous charmer. Le film aurait été meilleur si plusieurs des "punchs" principaux n'avaient pas été révélés dans la bande d'annonce et si le final ne se dévoilait pas aussi prévisible. Un bon divertissement, mais bien loin de son réel potentiel !!!

Série - Marvel's Agents of S.H.I.E.L.D. sur ABC

2013-07-31T11:12:00.000+02:00

ABC - Marvel's Agent of S.H.I.E.L.D. : La série évènement qui annonce le retour de Joss Whedon à la télé !!!

Attente : 4.75 / 5

Synopsis :

L'agent Phil Coulson retourne au sein de l'organisation mondiale du maintien de l'ordre, le S.H.I.E.L.D. (Strategic Homeland Intervention, Enforcement and Logistics Division). Il réunit alors une petite équipe d'agents, extrêmement bien entraînés, afin de s'attaquer aux affaires qui n'ont pas encore été classées et ayant trait à l'étrange et à l'inconnu.

Attente :

Alors que la saison 2012/2013 se termine doucement aux USA, les chaînes télé américaines préparent déjà la saison 2013/2014. Et si comme chaque année on aura le droit à de nouvelles séries plus ou moins intéressantes, l'une d'entre elles sort déjà du lot, à savoir : "Marvel's Agent of S.H.I.E.L.D.". Pourquoi ? Tout simplement parce que celle-ci est dérivée du carton cinématographique "The Avengers", qu'elle est notamment produite par Marvel et qu'elle possède un très grand nom du monde des séries derrière la caméra, Joss Whedon ("Buffy", "Firefly", "Dollhouse",...). Oui, ce nouveau show a tout pour plaire et vous conquérir.

À l’origine, l’agence S.H.I.E.L.D (pour Supreme Headquarters, International Espionnage, Law-Enforcement Division – l’acronyme signifiant accessoirement "bouclier" en français) est la réponse militaire de l’État américain aux super-héros dans l’univers des comics Marvel. Plus que la police des justiciers en collant, le S.H.I.E.L.D. a aussi pour vocation d’agir contre les super-terroristes et de protéger la planète des vilains aliens. Il a été successivement dirigé par Nick Fury, son ancienne subordonnée Maria Hill et même par Norman Osborn, le Bouffon Vert de "Spider-Man".

Mais depuis quelques années, le S.H.I.E.L.D. a surtout été utilisé au cinéma, comme élément liant les différents films Marvel en préparation "d’Avengers". Le colonel Nick Fury, joué par Samuel L. Jackson, s’est invité dans les films "Iron Man" et "Captain America", tandis que son lieutenant Coulson (à l’époque une invention totale du cinéma) s’incrustait dans "Thor". Base commune à tous les films ayant précédé les "Avengers", le S.H.I.E.L.D. était forcément au centre du grand final de la "phase 1" des films Marvel. On aura d’ailleurs aperçu le personnage de Maria Hill, joué en douce par Cobie "How I met your mother" Smulder. Au cours "d’Avengers" décédait l’agent Coulson, au même moment où son personnage apparaissait pour la première fois dans les comics Marvel.

L’Agent Phil Coulson revient donc dans l’organisation mondiale chargée du maintien de la paix, le S.H.I.E.L.D. Il rassemble une petite équipe d’agents, très bien formés, pour s’occuper des affaires qui n’ont pas encore été classées, et de tout ce qui est nouveau et inconnu. Cette équipe se compose de l’Agent Grant Ward, un spécialiste du combat et de l’espionnage. De l’Agent Melinda May, une pilote et une pratiquante d’arts martiaux, du brillant, mais socialement maladroit, scientifique Agent Leo Fitz, et de l’Agent Jemma Simmons. Ils seront rejoints par une nouvelle recrue civile, une pirate informatique, Skye.

Concernant le retour de l'agent Coulson du royaume des morts, Joss Whedon a déclaré sur EW via Comingsoon : "Eh bien, c’est une explication qui sera très intéressante ... On a tout fait pour, ce n’est pas quelque chose que vous prenez à la légère". Whedon a également confirmé que la série est un "standalone" pour les nouveaux téléspectateurs, en leur offrant une entrée dans le monde Marvel.

En effet, il était très important pour lui que le show tv soit autonome, que les gens qui n’ont vu aucun des films sur l'univers Marvel puissent allumer leur poste et juste prendre plaisir à regarder. Il a continué en indiquant que nous aimons faire partie de l’univers cinématographique de Marvel, nous aimons avoir à notre disposition toute cette mythologie et pouvoir jouer avec. Mais si le show tv était du genre "vous venez juste de manquer Tony Stark, wow, il était juste là !", ce serait le show tv le plus frustrant de tous les temps.

La série s'inspirera de certains éléments des comics Marvel nous permettant de retrouver quelques éléments connus, mais elle sera aussi en lien avec les récents et futurs films. Elle n'est donc pas un simple petit caprice des studios Disney (qui possèdent la chaîne de télé ABC et rechercheraient à rentabiliser leur investissement du rachat de Marvel... enfin pas seulement !), elle a un réel intérêt dans la mythologie de l'univers Marvel.

Pourtant, là où elle devient réellement excitante, c'est dans son synopsis. Non, comme vous l'aurez compris, "Marvel's Agent of S.H.I.E.L.D." ne se concentrera pas sur un seul super-héros mais bien sur les agents les entourant. De quoi nous offrir un point de vue différent et intéressant, et de nous permettre d'assister à un petit côté "enquêtes et recherches" façon "Fringe chez les super-héros". Mais rassurez-vous, ces derniers seront tout de même bien présents dans le show, avec pour objectifs d'apporter l'action nécessaire et de faire découvrir au public de nouveaux personnages.

L'avantage d'un tel choix créatif sera de permettre de ne pas entrer dans une surenchère de scènes inutiles, de ne pas décevoir les fans en rebootant certaines intrigues et de ne pas rapidement griller son budget. Au contraire, cela facilitera l'apport de certains éléments des comics de façon intelligente et enrichira les futurs "fils rouges".

Toutefois, derrière toutes ces belles promesses se cachent tout de même quelques craintes. La première étant l’overdose, est-on prêt à encaisser, en plus des divers films, 20 x 42 minutes de télévision ? L’autre problème, plus pragmatique, est qu’à série TV, budget TV. S’il est évident que l’on ne verra pas Robert Downey Jr. faire coucou chaque semaine, n’espérez pas trop voir débarquer Hulk ou Thor non plus, parce qu’il n’y a pas les moyens tant en casting qu’en effets spéciaux.

Pour les fanboys purs et durs, subsiste le fait que les personnages les plus "cools" sont tous déjà réservés pour le cinéma. Ce qui ne veut pas dire pour autant que la série ne réservera pas quelques bonnes surprises. Dans la première bande-annonce de la série on voit un homme à la peau noire encapuchonné, qui pourrait être le cultissime Luke Cage.

Au final, quoi que l’on puisse en penser maintenant, il ne fait aucun doute que "Marvel's Agent of S.H.I.E.L.D." sera une des séries les plus populaires de l’année prochaine. Le combo Marvel, Joss Whedon et sériephilie fait des merveilles. C’est sur la durée que l’on se rendra vraiment compte du potentiel du show. Vivement la rentrée... télé !!!

Musique - All is One d'Orphaned Land

2013-07-28T13:53:00.002+02:00

Orphaned Land - All is One : Une nouvelle évolution musicale pour les fondateurs de l'oriental metal !!!

Note : 4 / 5

Les israéliens d'Orphaned land nous reviennent seulement après trois ans avec leur cinquième album studio, "All is One". Il y a une décennie ils avaient sorti leur chef d’œuvre, "Mabool", album de référence fondateur du style de l'oriental metal, symbiose parfaite du sable et de l'acier. Album qui engendrera des émules et des vocations, Myrath et Arkan pour ne citer qu'eux.

Enregistré entre Israël, la Turquie, et la Suède, "All Is One" symbolise la volonté de désenclavement d'Orphaned Land. Le groupe est du reste en bonne voie à ce niveau comme en témoigne la tournée qui suit la sortie de l'album et navigue de l'Amérique du Sud à l'Europe jusqu'à l'automne 2013. Ce nouvel opus marque également une rupture certainement définitive avec le style death metal qui était une des composantes de sa musique jusqu'à présent.

En effet, le groupe évolue et, d'un death metal oriental sur "Mabool", ils nous avaient offert un album de folk metal à tendance progressif avec "The never ending way of the Orwarrior". Cette fois ci, avec "All is one", se dégage une atmosphère symphonique et tragique. Les titres sont beaucoup plus compacts et moins alambiqués que sur leur précédant opus. Pratiquement toutes les compositions font appel à un orchestre à cordes et sur une grande partie une chorale de vingt-cinq chanteurs donne une dimension épique à la musique rappelant parfois l'approche de Therion (notamment le titre d'ouverture "All is one").

"All Is One", ce sont trois mots qui synthétisent le concept et le message que tente de diffuser Orphaned Land depuis plus de 20 ans. Le groupe tente d’unir les peuples malgré les différences ethniques, religieuses et politiques. Si ce message a été de plus en plus explicite depuis leur deuxième album, "El Norra Allila", les Israéliens ont franchi une autre étape avec un titre d’album et une pochette plus explicite, ainsi que des chansons et des paroles qui vont dans ce sens.

Fidèles à leur vision œcuménique et pacifique donc, Orphaned Land propose un voyage exaltant où les thèmes musicaux orientaux se marient aux riffs heavy avec une incroyable fluidité. Le symbole sur la pochette de l’album montre par ailleurs un rêve, une utopie, celle de voir les trois monothéismes réconciliés alors que l’album évoque plutôt la triste réalité.

Et en effet, conformément à leur vision, les chansons de cet album sont plus tragiques qu'énervées. Malgré ce côté très épique, l'ensemble demeure plus accessible que par le passé. Les paroles sont aussi plus directes, les titres des chansons plus courts. Orphaned Land est plus qu’un groupe de musique, on le sait. "All Is One" propose un univers cohérent où la musique et les paroles font ainsi partie d’un tout et du message.

Cette nouvelle galette s’ouvre à la manière de "The never ending way of the Orwarrior" avec un éponyme proche de "Sapari" dans la forme, à savoir un titre rythmé et un hymne à la fraternité. Les chœurs, les violons, les guitares orientales et le chant clair de Kobi sont à l’honneur sans oublier les soli de Yossi. C’est très dynamique et catchy !

Toutefois, musicalement, l'album est assimilable plus à une fusion world music qu'à du metal oriental, tant les percussions, bouzoukis, et autres cordes moyen-orientales y prennent de l'importance. Sans parler des mélodies, souvent elles aussi d'inspiration ethnique. Le poignant "Through Fire and Water" témoigne parfaitement de cette recherche, parvenue ici à une quasi perfection. De même "Shama'in" et "Ya Benaye" chantés en hébreu, révèlent la musicalité naturelle de cette langue trop méconnue.

Au final, Avec "All Is One", Orphaned Land nous offre un étonnant voyage musical où la richesse mélodique et la profondeur des thèmes abordés participent d'une franche réussite artistique. Clairement un pont entre les cultures, aussi tragique que magnifique. Disque de combat autant que d'espoir, "All Is One" montre qu'Orphaned Land n'est pas loin d'avoir atteint le sommet de son art. Un message bien plus concret que toutes les conférences de paix !!!

Livre (BD) - Scotland Yard, Au coeur des ténèbres T1 de Dobbs et Stéphane Perger

2013-07-25T15:14:00.000+02:00

Dobbs et Stéphane Perger - Scotland Yard, T1, Au cœur des ténèbres : Un album efficace et bien ficelé !!!

Note : 4 / 5

Synopsis :

Londres, 1890. L’inspecteur Tobias Gregson est une des valeurs montantes du Yard. Mais sa carrière serait accélérée s’il n’était pas considéré comme un humaniste trop sensible et avant-gardiste, et surtout s’il n’avait pas pour fonction principale d’être le défouloir quotidien de son supérieur Lestrade.
Alors lorsqu’un transfert de prisonniers ne se passe pas comme prévu, Gregson se retrouve au placard. Un blâme qui va vite se transformer en opportunité afin de démontrer sa vraie valeur aux yeux du patron des patrons, le commissionner Fix. À la tête d’une équipe atypique réunissant un gamin des rues, ancien informateur de Sherlock Holmes, un médecin psychiatre aux méthodes atypiques ainsi que son étrange assistante, Gregson va faire alliance avec le diable : coopérer avec la pègre londonienne pour traquer deux fous extrêmement dangereux qui ont profité du fiasco de l’opération de transfert pour se volatiliser. Deux aliénés mentaux qui vont apprendre aux citoyens de Londres la signification du mot terreur.

Critique :

Dobbs, alias Olivier Dobremel, semble avoir pris un abonnement au sein de la collection 1800 de Soleil, car il a également scénarisé le diptyque "Mister Hyde contre Frankenstein" ainsi "qu’Allan Quatermain et les mines du roi Salomon". Pour rappel, Jean-Luc Istin dirige cette collection, qui joue sur les atmosphères et les personnages fétiches du XIXe Siècle. Même si les albums se concentrent plus particulièrement sur la fin du siècle, on prend globalement beaucoup de plaisir à se plonger dans des récits fantastiques et innovants.

Comme le titre n'en fait pas vraiment mystère, "Scotland Yard, Au cœur des ténèbres", il scénarise ici un nouveau diptyque satisfaisant aux canons du thriller victorien, option crimes sordides et tueurs psychopathes. Le héros est en effet un inspecteur de Scotland Yard déchu, qui intègre une cellule d'investigations aux méthodes un brin décalées. Leur enquête va chercher à neutraliser deux meurtriers déments récemment évadés, le plus rapidement possible car les cadavres s'accumulent.

Ce nouveau diptyque adhère totalement aux principes de la collection 1800. On retrouve dans le rôle de "déclencheur" une personnalité importante de la période, l’auteur Bram Stoker, et y croise moult figures fictives de l’ère victorienne, dans des rôles plus ou moins importants (le récit s’ouvre d’ailleurs sur l’exécution de Mary Pearcey, une criminelle, coupable de crime passionnel, qui fut soupçonnée d’être Jack l’éventreur).

L’histoire se déroulant au sein des arcanes de Scotland Yard, il est donc normal d’y rencontrer les personnages principaux des romans de Sir Arthur Conan Doyle, ou de les voir citer (comme Moriarty ou Sherlock Holmes). D’autres personnalités romanesques figurent cependant en bonne place, comme le docteur Seward, qui aide l’inspecteur Gregson dans son enquête, et Reinfeld, l’un des deux dangereux psychopathes.

Dobbs monte encore en puissance avec ce récit glauque qui mêle des personnages des romans de "Dracula", "Frankenstein" et "Sherlock Holmes" à de figures historiques, tout en se lançant dans une étude des tueurs en série. On se rappelle effectivement que Dobbs avait scénarisé avec beaucoup de réussite deux albums de la collection Tueurs en série, parvenant à percer la carapace de ces psychologies anormales.

Ainsi, la bonne idée de Dobbs est de convoquer pour ce premier tome différents seconds couteaux de la mythologie victorienne, en évitant astucieusement de recourir aux cadors du registre (Sherlock Holmes, Jack l'éventreur...). Et comme s'il cherchait à consolider son petit univers, Dobbs redonne également un rôle important à la psychiatre Faustine Clerval, personnage central de son récent "Mister Hyde contre Frankenstein".

Pur thriller victorien, ce premier opus se laisse très facilement lire et s’accommode bien de la multitude de ses influences et de ses clins d’œil grâce à une intrigue plutôt bien ficelée. Dobbs fait ici mieux qu’à l’occasion de ses précédents essais dans le style. L’histoire souffre cependant du même défaut : une certaine distanciation qui fait qu’aucun des protagonistes n’est attachant. On se moque totalement du sort de l’inspecteur Gregson, et les aventures vécues par le docteur Seward et sa jolie assistante nous laissent froid.

L'autre bonne idée, c'est de s'appuyer sur les talents artistiques de Stéphane Perger, dont l'exquis lavis et les superbes aquarelles semblent avoir été précisément mis au point pour dessiner les bas-fonds londoniens et leur glauquitude. A partir de savantes ambiances de couleurs, Perger restitue les blancs comme personne et utilise à merveille l'humidité de ses pinceaux pour créer des effets éthérés angoissants, des "accidents" de reflets somptueux.

Côté colorisation, Stéphane Perger utilise la technique de la "couleur directe" (la couleur et les tracés de contour noir ne sont pas séparés). Il joue aussi beaucoup avec les ombres et les lumières permettant de donner du volume, par exemple aux vêtements mais aussi d’accentuer les expressions des visages de chaque personnage, notamment celles de Carfax, qui font parfois froid dans le dos.

Le découpage des planches est dynamique avec des cases de diverses tailles parfois superposées sur des illustrations pleines pages, ce qui donne visuellement des actions rythmées. Nul doute, Stéphane Perger est un très bon dessinateur et coloriste. On peut ne pas apprécier le style couleur directe, mais force est d’admettre qu'ici, générant moult ombres et reflets inquiétants, cela colle parfaitement à l’ambiance glauque du récit.

Au final, en découvrant ce premier tome, on s’aperçoit très vite que Dobbs et Stéphane Perger forment un duo de choc en nous servant une histoire qui retient très vite l’attention que ce soit au niveau du scénario que du graphisme. Un tome très efficace que ce "Scotland Yard, Au cœur des ténèbres". S’il souffre d’une absence de personnages attachants, il bénéficie d’une intrigue bien ficelée se déroulant dans une ambiance victorienne bien rendue. Le choix de traitement de Stephane Perger n’est pas étranger à la bonne impression ressentie à la lecture de cet ouvrage. Du bon travail au sein d'une collection qui ne cesse de se bonifier !!!

Livre - La Sybille et le marquis de Nicolas Bouchard

2013-07-22T15:50:00.000+02:00

La Sybille et le marquis
de Nicolas Bouchard

Note : 4 / 5

Synopsis :

Septembre 1797. Dans le Paris du Directoire gouverné par Barras, une série de meurtres d'une barbarie absolue touche des hommes politiques influents et leurs maîtresses. Frappée par des visions d'une extrême sauvagerie, la cartomancienne Marie-Adélaïde Lenormand décide d'enquêter sur ces assassinats, qui lui évoquent irrésistiblement ceux décrits dans les textes d'un auteur publié sous le manteau : Donatien Alphonse François Sade.
Sade, justement, vit dans le dénuement, sans cesse poursuivi par ses créanciers. Contacté par une association de femmes de lettres aux motifs pour le moins étranges, il reçoit pour mission d'écrire une pièce musicale dans la lignée de Justine ou les Malheurs de la vertu, roman prohibé pour obscénité. Dénué de scrupules, il va s'exécuter, mettant en marche à son insu une monstrueuse machine de mort.

Critique :

Après "La Sibylle de la Révolution" et "Le traité des supplices", voici la troisième partie de la trilogie consacrée par Nicolas Bouchard à Marie-Adélaide Lenormand : "La Sibylle et le Marquis". Troisième volet d’un triptyque, on retrouve la demoiselle Lenormand qui tente de déchiffrer ses visions d’horreur où elle voit tortures sexuelles et meurtres sur de jeunes femmes. Son destin va croiser encore quelques personnages historiques comme le marquis de Sade, Joséphine de Beauharnais, Fouché,...
Nous sommes huit ans après la prise de la bastille est la république mise en place est plus qu’instable. Dans ce contexte politique houleux, des femmes sont assassinées de façons violentes. Mlle Lenormand, dite la Sibylle de la révolution, voyante, a des visions de ces crimes. Ceux-ci étant susceptibles de toucher une de ses amies proches, elle se voit fortement "inviter" par un des hommes de mains de l’état de mener l’enquête. Celle-ci va l’emmener à rencontrer Sade, ce sulfureux auteurs à la mauvaise réputation.

Avec le personnage authentique de Marie-Adélaïde Lenormand, Nicolas Bouchard tient une héroïne hors-pair qui lui offre la possibilité d'imaginer des intrigues tout en virtuosité. Le don de prescience qu'il prête à la Sibylle autorise des développements attrayants avec l'imprécision liée à des visions, par nature, parcellaires.

Son héroïne partage la vedette avec Louis Sade, comme se fait appeler, en cette période peu faste aux titres de noblesse, Donatien Alphonse François, marquis de Sade. L'auteur brosse de ce personnage un portrait d'une grande véracité, alors qu'en 1797, âgé de cinquante-sept ans, il est obèse et n'a plus rien d'un fringant séducteur.

Le Directoire est une étape particulière de la période révolutionnaire. Finie la Terreur, place au divertissement. Si manigances et complots menacent la tête de l’État, l’ambiance se veut festive dans la vie parisienne. La danse, la mode et les arts retrouvent une place de choix chez les nouveaux riches. Il est probable que, plus discrets, les plaisirs décadents soient aussi courants, dans quelques salons mondains.

De la luxure à la perversion, il n’y a qu’un pas. C’est un marquis de Sade encore vif, bien que déjà d'un certain âge et malgré ses treize années en prison, que nous présente Nicolas Bouchard. Son vocabulaire ne s’embarrasse pas de périphrase, s’adressant à des lecteurs avertis. Il semble qu’on s’inspire de ses histoires pour assouvir de cruels penchants, avec le décorum qui s’impose. Pas plus chaste qu’une autre, la voyante Marie-Adélaïde ne peut qu’être troublée ou horrifiée, par des pratiques criminelles et sadiques, auxquelles elle sera mêlée de près.

Bien que l’authenticité historique soit respectée, l’auteur nous invite à traverser le miroir. En imaginant, au fil d’un récit fluide et idéalement construit, une noire face cachée de ces années-là. Mystère et pires vices sont au rendez-vous dans ce roman fort original.

Nicolas Bouchard pratique, avec un sens aigu de l'intrigue, l'art de la chute. Cette fois encore, il ne déroge pas à sa réputation. Ce troisième volet des enquêtes de la Sibylle marque un point culminant dans la violence des meurtres. L'auteur avait déjà secoué ses lecteurs avec des traitements particulièrement cruels dans "Le Traité des supplices".

La présence du "divin marquis" comme il fut surnommé, en référence au "divin Arétin", le premier auteur érotique des temps modernes, aurait pu apporter une surenchère fricotant avec le sadisme. Mais l'auteur innove en revisitant une partie de l'œuvre de Sade, modifiant les points de vue en se plaçant sous l'angle d'une vision féminine. Permettant, de ce fait, au récit d'acquérir une certaine légère fluidité plus que rafraîchissante.

Au final, sur fond de post-révolution, où se côtoient personnages historiques romancé et personnages fictifs, Nicolas Bouchard nous emmène sur des pistes où l’amour, le sexe, la douleur et la vengeance sont étroitement liés. Bouchard signe, avec ce nouveau titre, un superbe roman policier historique, mettant tout son talent d'écrivain de fiction au service de la Grande Histoire afin de fusionner intrigue politique et libertinage dans un Paris où la République naissante a bien du mal à s’affirmer !!!

Ciné - Pacific Rim de Guillermo Del Toro

2013-07-20T18:49:00.001+02:00

Guillermo Del Toro - Pacific Rim : Un blockbuster au scénario plus que classique, mais oh combien sublime visuellement !!!

Note : 4.5 / 5 (pour les amateurs du genre)

Synopsis :

Surgies des flots, des hordes de créatures monstrueuses venues d’ailleurs, les "Kaiju", ont déclenché une guerre qui a fait des millions de victimes et épuisé les ressources naturelles de l’humanité pendant des années. Pour les combattre, une arme d’un genre nouveau a été mise au point : de gigantesques robots, les "Jaegers", contrôlés simultanément par deux pilotes qui communiquent par télépathie grâce à une passerelle neuronale baptisée la "dérive". Mais même les Jaegers semblent impuissants face aux redoutables Kaiju.
Alors que la défaite paraît inéluctable, les forces armées qui protègent l’humanité n’ont d’autre choix que d’avoir recours à deux héros hors normes : un ancien pilote au bout du rouleau (Charlie Hunnam) et une jeune femme en cours d’entraînement (Rinko Kikuchi) qui font équipe pour manœuvrer un Jaeger d’apparence obsolète. Ensemble, ils incarnent désormais le dernier rempart de l’humanité contre une apocalypse de plus en plus imminente.

Critique :

Blockbuster visuellement dingue, "Pacific Rim" est un grand spectacle épique et naïf. Un rêve d'enfants (ceux qui, comme moi, ont grandi avec "Goldorak", "Mazinger", "San Ku Kaï" et autre "Evangelion") devenu réalité !

Dans un futur proche, des lézards hauts comme des gratte-ciel surgissent de l’océan. Pour combattre ces Kaiju, les hommes ont inventé des robots géants commandés par deux pilotes dont les cerveaux sont couplés. Cette fois-ci, Guillermo del Toro ("Le labyrinthe de Pan", "Hellboy") fait dans la sidérurgie lourde, le heavy metal cinématographique. "Pacific Rim", c’est du lourd, voire du lourdingue côté scénario, mais sur le plan visuel et sonore, ce tour de manège en 3D vaut son pesant de pop-corn. Impressionnant, immergeant, ce film est un sumo digne d’écraser "Superman" au box-office.

Ainsi "Pacific Rim" ne va pas au-delà du sujet simplissime et manichéen qui l'anime, la lutte de l'humanité contre des extraterrestres pour sa survie, la lutte du bien contre le mal. A de très rares moments près, tout le film suit ce chemin balisé jusqu'à son inévitable conclusion héroïque et martiale. D'ailleurs, plutôt que de s’appesantir dans un épilogue mou, le film s'arrête dès son dernier enjeu dramatique résolu, à la façon des bons vieux blockbusters 80's. Cela est à la fois un défaut et une qualité.

Ces enjeux et personnages simplistes, construits à partir d'une seule idée (sauver le monde), ne dépassent jamais leur archétype : le scientifique guindé, le savant pile électrique, le héros ultra héroïque... Mais ce schématisme, quoique regrettable, ne tire cependant pas le film par le bas et a au moins le mérite d'assurer au film la lisibilité totale et rassurante d'un blockbuster familial, mais sans star ni licence connue pour tenter d'assurer son succès au box-office.

Les abysses sont un formidable réservoir de peurs primales, Steven Spielberg et James Cameron en savent quelque chose. Les monstres surgissent des failles de l'océan comme autant de cauchemars d'apocalypse. Nées dans le Japon post-Hiroshima, ces créatures sous-marines géantes (le fameux Godzilla) ont longtemps permis d'exorciser le péril nucléaire. En opposant aux bestioles venues des flots des robots géants pilotés par des humains, le réalisateur mexicain, maître du conte fantastique et psychanalytique, réunit à l'écran deux sous-genres de la science-fiction japonaise. Son inventivité est toujours aussi ludique, et l'ébouriffante fluidité des effets spéciaux numériques, élaborés par les champions du genre, comble notre désir cathartique de destruction. Finie l'époque des maquettes piétinées par des sauriens en caoutchouc !

Mais assez de psychologie, et c'est le film lui-même qui nous le dit. Aller voir "Pacific Rim", c'est vouloir assister à des combats entre des robots et des monstres grands comme des immeubles. C'est le retour de Godzilla, mais sans la peur du péril atomique qui donnait naissance au film d'Ishiro Honda en 1954, et les ennemis sont de commodes envahisseurs aliens qu'on peut exterminer sans aucun remords. En fait, c'est "Godzilla" Vs. "Transformers". Mais qui serait mis en scène avec les moyens techniques d'ILM et le savoir-faire de Del Toro. Dès le départ, on est conditionné par ce qu’on va voir : du combat pur et dur entre Jaegers et Kaijus enragés.

Les scènes de combats sont purement titanesques. Combats qui se retrouvent magnifiés par une 3D splendide alors que le film est converti ! Mais grâce à l’utilisation massive d’effets spéciaux, la véritable profondeur de champ recréée font du film une nouvelle référence en la matière, à ranger aux côtés "d’Avatar", "Pi" ou encore "Hugo Cabret". On ne peut décemment pas dire ici que la 3D est inutile et invisible.

Et on prend un pied gigantesque à voir des monstres de chair et de métal s'étriper à l'échelle d'une ville. Comme d'habitude chez Del Toro, les scènes de combat sont particulièrement bien écrites, la dimension gigantesque et la lenteur de mouvement des adversaires lui permettant de s'attarder sur le moindre coup de poing dévastateur. Dans cet opéra de la destruction, les ponts s'effondrent, les buildings explosent, un bateau est utilisé comme gourdin, des containers comme poings américains...

La qualité et l'élégance des effets visuels sont à s'en décrocher la mâchoire, le film enchaînant les money shots cyclopéens lors de la séquence de bataille centrale dans les néons d'un Hong Kong cyber et pop. Un storytelling naïf (taper des monstres dans un cosmos fait de principes bons et mauvais) éclipsé par une mise en scène plus que surexcitante. En fait, "Pacific Rim" accomplit une bonne synthèse de l'art de Del Toro. Le bouillonnant Mexicain semble ici réaliser un rêve d'enfant, voir grandir et s'animer pour de vrai des jouets robotiques et monstrueux, et faire tout péter.

Toutefois, paradoxalement, l'idée la plus originale du film est celle qui est la moins exploitée. Pour venir à bout des monstres préhistoriques, dotés de deux cerveaux comme certains dinosaures, l'homme va devoir utiliser ses neurones. C'est la riche idée et le fil conducteur du film : le salut passera par la connexion. D'abord entre les binômes de pilotes des robots, dont les cerveaux sont reliés pour mutualiser leurs réflexes, avec toutes les conséquences psychologiques imaginables. Connexion encore lors d'une expérience où un scientifique tente de pénétrer dans le cerveau d'une bestiole ennemie pour trouver la faille de son système de défense. Quel dommage que la "dérive", cette belle idée de cinéma (les deux pilotes du robot partageant leurs souvenirs via un programme, la "dérive", pour piloter leur engin) ne soit pas plus développée.

Au final, Guillermo Del Toro livre avec "Pacific Rim" une pellicule ultra généreuse aux effets visuels et sonores renversants. Il convoque par ailleurs tout une génération de geek et autres fans de la culture nippone. Un vrai petit plaisir savoureux qui compose avec un certain savoir-faire, propre et unique de la part de son réalisateur. On va voir "Pacific Rim" pour ce qu’on pense avoir : des combats entre robots géants et monstres géants, matérialisation complète du fantasme japonais !!!

Musique - Idiots de The Electric Soft Parade

2013-07-17T15:22:00.000+02:00

The Electric Soft Parade - Idiots : D'incroyables et discrets représentants de la british pop !!!

Note : 4 / 5

De quelque côté de la Manche qu'on se trouve, The Electric Soft Parade (TESP) n'est pas le genre de groupe qui fait s'enflammer les rédactions ni fleurir les couvertures de gazettes rock. Pourtant, depuis son premier album "Holes in the Wall" en 2002, ce n'est pas faire injure de dire que le duo est l'un des plus dignes représentants anglais du genre, dont les mélodies parfumées à l'essence sixties ravissent les oreilles et devraient rendre jaloux les faiseurs et poseurs qui polluent le marché.

De 2002 à 2013, TESP a brillamment occupé une dizaine d’années de carrière sous les éloges de la presse. Si le succès commercial n’a pas toujours été au rendez-vous, les terribles frangins de Brighton ne se sont pas démontés pour autant et les voilà qui reviennent bien décidés à envahir les ondes estivales avec dix nouveaux titres ensoleillés. Leur quatrième galette d’indie rock pour certains et de british pop pour d'autres, sobrement intitulé "Idiots", était bien évidemment attendue au tournant et ne devrait pas décevoir les fans de cette drôle de formation anglaise, lesquels patientaient depuis "No Need To Be Downhearted" paru en 2007.

Le groupe est constitué à la base d’Alex et Thomas White, frères de leur état. Se sont ensuite ajoutés Matthew Twaites, à la basse, et Mathew Priest, à la batterie. Comme son nom l'indique, The Electric Soft Parade marie la power pop à guitare et la dentelle de Brighton avec élégance.

Près de onze ans se sont écoulés depuis leur premier album studio et, pourtant, l’insouciance juvénile de The Electric Soft Parade ne semble pas avoir pris une ride. Ayant emprunté leur nom à l’album "The Soft Parade" des Doors, Alex et Tom White n’ont pas perdu la manie de s’approprier ce qui ne leur appartient pas et de lui donner un second souffle. A force de piocher sans scrupules dans les sixties américaines des Beach Boys et de Simon and Garfunkel, aussi bien que dans la brit pop des La's ou même de Blur, ces rétros actifs sont parvenus à trouver une identité qui appartient bien à leur temps.

"Idiots" est un disque de gens élégants drogués à la pop. Les frères White convoquent les Kinks et Macca et passent le tout à la moulinette. Mais comme ces deux types sont complètement défoncés à l’arrangement luxueux et à la mélodie de première bourre, seuls quelques heureux dépendants pourront gouter aux plaisirs des quatre minutes de "Mr Mitchell" et de sa gourgandine de "Lily". Et on ne s’arrête pas en si bon chemin.

"Idiots" est donc composé de dix titres dont les meilleurs sont, sans conteste, les deux premiers. La première chanson est "The Sun Never Sets Around Here". On y découvre une pop sympathique et douce. On peut également noter l’influence notable d’Oasis ce qui n’est pas très surprenant quand on sait que TESP a tourné pendant quelques temps avec High Flying Birds, le nouveau groupe de Noel Gallagher. Même constat sur "Summertime In My Heart" où l’on retrouve ce côté pop très frais qui rend le morceau idéal pour une écoute le matin, histoire de commencer la journée d’un bon pied.

"Idiots" est un disque intelligent et racé qui, cependant, distille en plus un étrange sentiment de liberté. Ce dernier semble découler du fait que ce nouvel opus est un pur TESP, mais plus mûr et raffiné. On y perçoit l'esprit de leur jeunesse, complémenté toutefois par une sensibilité plus nuancée et mesurée.

Bref, "IDIOTS" ouvre sur une pop aux airs enthousiastes et à l’énergie aussi caféinée qu’une injection matinale dans les oreilles de "Looking Back Over My Shoulders" de Mike And The Mechanics. Les guitares électriques partagent les arrangements léchés avec un clavier électronique échappé de la new wave pour jouer la modernité. "Summertime In My Heart" sonne le point d’orgue d’une douce désinvolture qui s’installe sur ce début d’album encore plus naturellement qu’un soleil d’été en juillet.

Brise fraiche, les guitares mélancoliques de "The Corner Of Highdown And Montefiore" insufflent une mélodie toute en puissance qui ne manque pas de faire frissonner. Ce qui est venu avec l'âge et l'expérience est la manière dont le son des TESP s'est étendu. Ainsi, "The Corner Of Highdown And Montefiore" va démarrer sur un passage folk pour se transformer en ballade douloureusement grandiose, pleine de solos de guitares languissants.

Le titre éponyme sonne comme un hymne à reprendre à volonté, tandis que l’on rencontre en chemin des personnages épiques et colorés : "Mr Mitchell" et "Lily". L’aventure se terminant accompagnée des notes de velours de la balade "Never Again", entièrement jouée au piano.

Trop intelligent pour les masses, trop complexe pour les stations FM, "Idiots" va probablement et malheureusement se déguster qu'entre initiés. Certains disques vous font réfléchir, d'autres redéfinissent un genre et d'autres encore, comme "Idiots", vous rendent tout bonnement heureux et empli d'un sentiment de liberté.

Au final, anachronique et efficace d’un bout à l’autre, l’album est si riche et complexe qu’on pourrait en parler jusqu'à l’aube. Les frères espiègles s’amusent à frôler les frontières du génie en faisant preuve paradoxalement d’une simplicité déconcertante. Tantôt pop-rock optimiste, tantôt nostalgique mais toujours imprévisible, fort d’arrangements et d’une production minutieuse, l’album pourra tourner en boucle dans le casque, il restera un excellent remède à la monotonie !!!

BND - La Grange à Bécanes, Musée de la moto ancienne à Bantzenheim

2013-07-15T16:08:00.000+02:00

La Grange à Bécanes : De l'ancien plus que jamais vivant !!!

8, rue du Général De Gaulle

68490 Bantzenheim

Tel. : 03.89.26.23.36.

www.lagrangeabecanes.com

Note : 4 / 5

Installée à Bantzenheim dans le Haut-Rhin, "La Grange à Bécanes" vous propose de découvrir, depuis le 2 avril 2013, une collection unique en France. Ce musée vivant de la moto ancienne abrite dans une ancienne grange de 750 m2 près de 90 modèles parmi les plus rares et surprenants des années 20 à 60. Mais "La Grange à Bécanes" va plus loin qu'un musée traditionnel, permettant aux visiteurs d'enfourcher des motos d'époque et de découvrir l'atelier et ses objets anciens en lien avec la moto.

Créé à l’initiative de la Communauté de Communes Porte de France Rhin Sud, et grâce à la donation de Raymond Lemoine, "La Grange à Bécanes" est le premier Musée Vivant de la moto ancienne qui permettra aux amoureux de mécaniques d’antan d’admirer des modèles d'exceptions et d'époque, tout en goûtant aux impressions qu’apportaient la conduite de ces engins.

Située au cœur de ce triangle d’or des sciences et techniques du transport, le musée des motos anciennes de Bantzenheim s’inscrit dans un parcours découverte pour les amoureux de belles mécaniques. Celui-ci vous amène à quelques kilomètres de Mulhouse et de Colmar, pour découvrir une collection unique en France : près de 90 modèles de motos surprenantes, tant sur le plan esthétique que mécanique, mises en scène de façon très originale et ludique. Ce musée vient s’ajouter, en Alsace, aux vingt-six lieux de découvertes dédiés aux amoureux des sciences et techniques, dont les célèbres "Cité de l’Automobile" et "Cité du Train" de Mulhouse.

Ravat, Radior, Monet-Goyon, Terrot, Libéria et autre Hercules... autant de marques qui circulaient sur les routes de France et d'Europe jusque dans les années 60. "La Grange à Bécanes" vous fait découvrir nombre de modèles de ces marques mythiques, françaises et étrangères, aujourd'hui disparues. D'ailleurs, une collection unique de motos Ravat (fabriquées à Saint-Etienne de 1920 à 1958) y est très fortement représentée et s'avère en tout point remarquable par la diversité de ses modèles.

"La Grange à Bécanes" s’est donc installée dans une ancienne grange de 750m2, réhabilitée et dédiée entièrement à l’histoire de la moto. Grâce à une scénographie particulièrement originale, cette collection est parfaitement mise en valeur et illustre l’histoire des deux roues et de leurs évolutions via un film de 12 minutes, très bien réalisé, où l'on peut voir Raymond Lemoine se souvenir de sa découverte de la moto, dans les années 50. Mais "La Grange à Bécanes" va plus loin et permet aux visiteurs de vivre une expérience unique et riche en sensations en enfourchant des motos d’époque, et en assistant à la restauration de motos.

La mise en scène est extrêmement maitrisée, dès le début de la visite, vous êtes plongés dans une ambiance sonore et lumineuse qui vous fera découvrir sous forme de défilé, une sélection de motos présentant un intérêt historique, technique ou esthétique. Cette collection thématique changeant régulièrement.

La visite se fera en diverses étapes. Ainsi, il n’y aura pas seulement à admirer que les motos, mais aussi, dans "l’Atelier", les objets et les pièces détachées qui feront le bonheur de ceux qui réparent, collectionnent ou utilisent tout simplement un vieux modèle de moto. Parmi les centres d’intérêt prometteurs, l’exposition "Dans le détail" vous fera découvrir les innovations notables pour la moto : pneus, moteurs, cadres, roues, phares, etc.

Notons aussi qu’avec la "Chicane tous motards", vous pourrez par exemple approcher, virtuellement, les sensations que l’on peut rencontrer au guidon des motos de ces époques : assis sur la selle de l’une d’entre elles, un grand écran vous mettra dans l’ambiance. Mais "La Grange à Bécanes" n’est pas réservée aux seuls passionnés de moto. Elle veut attirer les amateurs de belles mécaniques en général, et les simples curieux de la chose, en leur proposant une visite la plus pédagogique qui soit.

Au final, "La Grange à Bécanes" offre un très beau parcours, dans une ambiance où l'on s'immerge dans un monde passé pour vivre une heure hors du temps, vraiment très agréable !!!

Série - Defiance de SyFy

2013-07-13T16:25:00.000+02:00

SyFy - Defiance : Une série ambitieuse et aux possibilités incroyables, mais qui peut vraiment encore aller plus loin !!!

Note : 3.75 / 5 (saison 1)

Synopsis :

Ravagée par plusieurs décennies de guerre intergalactique, suite à l'arrivée de plusieurs espèces extraterrestres, la Terre a énormément souffert. Après 30 ans de combats, la civilisation commence tout juste à se reconstruire.

Joshua Nolan, un ancien Marine qui a perdu sa femme et sa fille lors des conflits, se retrouve malgré lui shérif de Defiance, l'un des rares endroits où les humains et les extraterrestres parviennent à cohabiter. Située dans une vallée cernée de montagnes, la ville va devoir faire face à de nombreux dangers. Des menaces venant aussi bien de l'extérieur qu'à l'intérieur.

Critique :

Ce qu'il y a d'intéressant avant toute chose c'est que "Defiance" représente le retour de Syfy à la science-fiction. Après s'être épanchée dans les séries fantastiques ("Being Human", "Alphas") ou racheter les droits d'une tonne de séries grand public ("Merlin", "Lost Girl"), elle lance ici son premier projet ambitieux depuis un bon bout de temps. Et pour tout vous dire, c'est vraiment rafraichissant.

Derrière "Defiance" il y a de très grands noms. Tout d'abord, Kevin Murphy ("Desparate Housewives", "Caprica"), ensuite Michael Taylor ("Battlesatar Galactica"), mais surtout Rockne S. O'Bannon. Le créateur de "Fascape", qui reste à mon sens l'une des séries SF les plus abouties jusqu'à aujourd'hui et qui est entrée dans le Pantheon de ces séries.

L'action de "Defiance" se situe trente ans après l'arrivée soudaine et effrénée de plusieurs espèces extraterrestres. La guerre fut dévastatrice et laissa comme conséquence une Terre désolée où chacun doit lutter pour survivre. Dans ce monde désormais placé sous l'emprise du désarroi, Joshua Nolan (Grant Bowler) et sa fille adoptive Irisa (Stephanie Leonidas) vont découvrir que dans l'ancienne ville de Saint-Louis, rebaptisée Defiance, est né un lieu ou extraterrestres et humains tentent de cohabiter et reconstruire un semblant de civilisation. Pour autant, le danger n'est jamais très loin, et des menaces subsistent à l'intérieur même de l'enceinte.

En voyant le premier épisode, on ne peut que se dire que les scénaristes de la série sont allés piocher assez largement leurs références, bien que la première idée qui nous vienne à l’esprit pour décrire l'ambiance de "Defiance", soit le jeu vidéo "Fallout". Pour le reste, l'épisode pilote nous propose tout un tour d'horizon du monde de la science-fiction. "Mad Max", "Terra Nova", ou encore "Babylon 5" de par la propension de la série à faire coexister dans un même lieu toute une tripoté de races différentes.

Toutefois, malgré toutes ces références plus qu'évidentes, la série en fait un melting pot assez réussi et laisse transparaitre une réelle cohérence à l'ensemble. Bref, l'univers qui nous est proposé est plus que crédible. Un univers particulièrement ambitieux faisant interagir pas moins de cinq races différentes.

Tout d'abord les Humains. Puis les Castithans, plus communément appelé "spectres" du fait de leur cheveux et peau d’une extrême blancheur, ils possèdent une culture relativement complexe et basé sur un système de hiérarchie de liro, famille, et des aspects clairement guerriers même s’ils semblent beaucoup plus portés sur les manœuvres politiques. Ensuite les Indogènes, ils sont beaucoup moins charismatique et semble très porté sur les poste requérant une connaissance avancé, d'apparence beaucoup moins proche des humains que les Castithans mais restent de forme humanoïde.

Les Irathiens, quant à eux, semblent plus organisé en tributs et plus à l’aise dans les vaste étendus naturelle que dans les villes. Parfois Cannibale, ils semblent être d’excellent survivant. La plupart sont en effet regrouper en horde de maraudeur, pillant tout ce qu’ils trouvent. Irisa, la fille adoptive de Nolan est irathienne. Et enfin les Volges, mixe entre de gros orcs et des robots de combat, sont les plus à même de faire la guerre et sont d’ailleurs la seule race à continuer de la faire. Lourdement équipé, ils sont de redoutables adversaires, craints par toutes les autres races.

La principale originalité de "Defiance" tient cependant à sa forme hétéroclite, car, outre les moyens considérables qui apparaissent à l'écran, la série fut pensée dès sa conception comme un projet transmédia. En effet, le concept fait cohabiter en parallèle une série télévisée et un MORPG de tir en ligne à la troisième personne dans un monde ouvert, dont les initiateurs affirment d'ores et déjà un fort niveau d'interactivité et une interdépendance avec l’histoire télévisuelle. Un concept particulièrement original et qui, s'il tient toutes ses promesses, offrira des perspectives sans précédent. Les deux univers partagent donc le même fil conducteur, en s’influençant mutuellement.

Cette première saison est assez prenante et installe assez bien les différents personnages principaux ainsi que les diverses intrigues, principales et secondaires, de la série. Les intrigues, bien que classiques, se montrent assez accrocheuses pour donner envie de voir la suite. Toutefois, aux vues du panel des possibilités qu'offre "Defiance", elles mériteraient d'être plus approfondies et fouillées. Espérons que cela sera le cas dans la deuxième saison, prévue en 2014.

Côté personnages, la plupart des personnages principaux se démontrent d'un certain charisme. Bien que, il faut l'avouer, les personnages féminins éclipsent peu à peu la vedette aux hommes. Mention spéciale pour l'actrice Jamie Murray, qui campe le rôle de la castithane Stahma Tarr. Magnifique, froide, calculatrice, perfide et plus venimeuse qu'un serpent de Belcheri, c'est la véritable surprise de la série !

Nolan, lui, est incarné par Grant Bowler ("Ugly Betty", "True Blood"), qui ne s'en sort pas trop mal. Convaincant dans ce rôle, même si au début il peut paraître un peu froid, c’est un guerrier aguerrit dont on va vite comprendre que c’est aussi une âme sensible. C’est un de ses héros très à la mode en ce moment. Il a des biceps, un cerveau, un cœur, une tête qui plait à tout le monde, et un humour à la Jack O’Neill.

Au final, les décors magnifiques et la variété des peuples, des technologies et des mœurs de chacun donne un cocktail explosif soutenu par de bonnes, même si classiques, intrigues. "Defiance" est une série post-apocalyptique particulièrement ambitieuse proposant de surfer entre conflits politiques, complots, action et romances. A la base pas foncièrement originale, la série porte en son sein des possibilités illimitées pouvant l'entrainer à devenir l'équivalent en science-fiction de ce qu'est "Game of Thrones" à l'heroic fantasy. Les paris sont lancés. On espère ne pas être déçu !!!

Ciné - Le grand méchant Loup de Nicolas et Bruno

2013-07-10T18:00:00.000+02:00

Nicolas et Bruno - Le grand méchant Loup : Une comédie classique, mais racée, élégante et réellement très efficace !!!

Note : 4 / 5

Synopsis :

Il était une fois trois frères qui vivaient heureux. Du moins le pensaient-ils. Un jour leur maman eut un accident. Alors Henri, Philippe et Louis se mirent à se questionner sur le sens de leur vie. Une grande vague de doutes pour ces quarantenaires versaillais sans histoire, qui suffit à leur faire entrouvrir la porte à l'inédit, à l'interdit, à l'aventure... au Grand Méchant Loup.

De maison de paille en maison de bois, le loup aussi sexy soit-il délogera-t-il nos trois frères ? Et l'hôtel particulier en pierre de taille de l'aîné, est-il vraiment si solide ? Et si au bout du compte la vie d'adulte n'était pas complètement un conte pour enfant ?

Critique :

Après le très conceptuel "La Personne aux deux personnes", Nicolas & Bruno revisitent "Les Trois Petits Cochons" et signent une comédie piquante sur un de leurs sujets fétiches, la schizophrénie, celle de quadras tiraillés entre le désir et la raison. Les auteurs pratiquent avec esprit l’hommage (notamment à Jean-Loup Dabadie) et le détournement (les films d’Arnaud Desplechin, la série "Big Love"). Offrant de plus des répliques drôles et qui font mouche, comme celle de Poelvoorde : "Où tu es, l’interroge sa femme. – A la cafèt. – Avec qui ? – Un sucre".

Après l’échec de leur premier long métrage, Nicolas & Bruno ont décidé de revenir à une forme de comédie nettement plus balisée. Le pitch de leur deuxième long a déjà fait ses preuves ailleurs (il s’agit du remake d’un gros succès du cinéma québécois) et la présence massive de stars au générique est censée réconcilier les réalisateurs avec le box-office.

Nicolas et Bruno ont décidé de réunir trois acteurs majeurs de la comédie française dans leur nouveau projet. Au casting kad Merad, Fred Testot et Benoît Poelvoorde. Ils incarnent trois frères mariés dont la vie va basculer le jour où leur mère a un accident. Dans "Le grand méchant Loup", ils s’interrogent alors sur leurs vies et l’un après l’autre cèdent à la tentation, à l’aventure et à l’inattendu. Leurs écarts de conduite vont avoir des conséquences et les trois frères devront faire face à leur famille et plus particulièrement leur compagne.

Outre les trois rôles principaux, notons Valérie Donzelli, Charlotte Le Bon, Zabou Breitman, Léa Drucker, Linh-Dan Pham, Denis Podalydès... Ce n'est plus une ronde, mais une véritable farandole de grands acteurs !

En voyant le synopsis et le casting, on ne peut s'empêcher de penser à une sorte de blockbuster français. Une réunion de grands noms de l'humour francophone tenant les rôles principaux. De plus, le scénario reprend l'histoire du conte pour enfants "Les trois petits cochons", tout en s'inspirant librement du film du canadien Patrick Huard, "Les Trois P'tits Cochons". Pourtant, malgré tous ces éléments qui pourraient nous pousser à nous méfier, le film fonctionne.

Plus rigoureux que "La Personne aux deux personnes", ce "Grand méchant Loup" est très classique dans la structure de son scénario. Cependant, agréablement porté par un casting de vedettes jouant au cordeau, le film est d’une haute précision comique et d’une vraie classe formelle qui confirme que ces garçons, quoi qu’ils fassent, planent cent coudées au-dessus de la concurrence.

Le métrage ne tombe jamais dans les blagues trop faciles ou trop lourdes. Au contraire, l'humour se place assez subtilement. On rit des situations, de la nullité des personnages en matière d'adultère, de leur naïveté et aussi de leur malheur, mais jamais de gags trop prévisibles. De plus, au-delà de la dimension humoristique, le film s'attarde également sur un côté plus profond.

Le fait de traiter trois relations distinctes permet aux réalisateurs de revenir sur des amours différents. Henri (interprété par Fred Testot) est un jeune marié et déjà dans la routine, pendant que Philippe (Benoît Poelvoorde) semble vivre une relation qui marche tout en ayant des peurs et des doutes sur l'avenir, alors que Louis (Kad Merad) est installé avec sa femme dans un quotidien qui lui plait, bien qu'il soit dénué d'amusements.

Ces réflexions sont amenées par une narration des différentes histoires par les personnages eux-mêmes, chacun ayant ainsi un segment du film lui étant réservé. Par ce biais, Nicolas et Bruno permettent une meilleure compréhension des questions et des doutes auxquels font face ces trois quarantenaires. De plus, cela rajoute au côté conte pour enfant, qui reste le postulat de départ, bien que l'histoire est pris un tournant plus adulte sur le thème abordé.

Au final, "Le grand méchant Loup" est une comédie racée, lointainement inspirée des "Trois Petits Cochons", emmenée par une brochette d’acteurs et actrices parfaitement assortis, mériterait d’être le succès comédie de l’été. Quant à l’ex-Miss Météo Charlotte Lebon, qui fait ici ses débuts au cinéma, elle prouve qu’elle a d’autres arguments à faire valoir que son affolante plastique. Une bonne surprise qui donnera aussi bien à rire, qu'à réfléchir !!!

Livre (Manga) - Green Blood de Masasumi Kakizaki

2013-07-08T19:54:00.001+02:00

Masasumi Kakizaki - Green Blood : Un western hallucinant qui pourrait être le best-seller manga de l'été !!!

Note : 4.25 / 5

Synopsis :

A Manhattan à la fin du XIXe siècle, misère, criminalité et prostitution ravagent le quartier de Five Points. La pègre, qui a corrompu les autorités, y fait régner sa loi. Au sein de la marée d'immigrants qui transitent par New York jour après jour, le jeune Luke Burns s'efforce de rester honnête et joue les dockers pour survivre. Il sait, comme tout le monde, que le clan mafieux le plus dangereux de la ville, les Grave Diggers, s'appuie sur des assassins pour asseoir son autorité.
Mais ce qu'il ignore, c'est que le plus célèbre d'entre eux, le Grim Reaper, n'est autre que son frère aîné, Brad.

Critique :

Après "Rainbow" et "Hideout", c’est pour notre plus grand plaisir que l’on retrouve Masasumi Kakizaki qui nous propose cette fois un western. En prenant comme contexte la sixième circonscription de Manhattan, à l'époque de l'immigration massive vers les États-Unis (fin XIXe siècle), Masasumi Kakizaki dévoile un scénario d'une noirceur sans commune mesure. Tout au long du volume, la trame est enveloppée d'une aura dévastatrice qui favorise une immersion plus que réussie dans ce ghetto nommé Five Points.

Le décor, c’est donc le quartier de Five Points en 1865, une époque où les gangs ont la mainmise sur certains districts de New York et se livrent une lutte sans merci. On y suit le parcours de deux frères qui tentent de survivre dans cet environnement où vols, prostitutions et meurtres fleurissent. Le plus jeune s’appelle Luke et essaye de mener une vie honnête tout en se comportant comme un bon samaritain, tandis que le deuxième travaille la nuit pour un gang en tant que tueur impitoyable.

Sombre, cruel et sans pitié, le récit se montre très prenant et captivant. Il faut dire que la retranscription de l’époque est très réussie, que l’intrigue est très réaliste et que le scénario se montre déjà bien ficelé.

Immense fan des westerns spaghetti de Sergio Leone et compagnie, je suis heureux de retrouver cette ambiance dans "Green Blood" : des gueules d'ange (le héros, son frère), des gueules cassées, des personnages bourrus, des personnages amoraux, des duels au flingue, etc. Mais "Green Blood", ce n'est pas que ça. Kakizaki va un peu plus loin que le simple hommage. Il emprunte certains codes, mais va aussi lorgner du côté de "Gangs of New York" en nous présentant un monde urbain sale et impitoyable. Les immigrant(e)s venant chercher prospérité ou fortune aux USA se retrouvent dans un monde violent et sans espoir.

Le lecteur se retrouve ainsi plongé dans un environnement hostile, où tout se règle par la violence, laquelle submerge le volume par des scènes à caractère explicite qui confirment que ce titre ne s'adresse clairement pas à des enfants. Entre règlements de comptes et prostitution, "Green Blood" illustre le quotidien difficile vécu par ces recalés au rêve américain, sur un rythme cadencé, ralenti seulement par quelques touches d'optimisme disséminées.

Ce premier tome étant une introduction, il remplit parfaitement son office. Le monde est bien décrit et les personnages déjà approfondis. Les personnages ont presque tous un côté sombre et violent qui les rend terrifiants mais aussi très charismatiques. Pour l’instant, on fait surtout connaissance avec les personnages et leur environnement, mais on a déjà le droit à des règlements de compte et des assassinats en bonne et due forme, le tout étant aussi terrible que captivant. A côté de cela, le "Gangs of New-York" de Martin Scorsese, qui a pour théâtre le même lieu à la même époque, fait pâle figure !

L'intrigue ne serait pas aussi agréable sans la présence d'un personnage aussi charismatique que Brad Burns. Ce grand paresseux le jour, toujours à faire semblant de chercher du travail mais préférant dormir, devient, le soir, le tueur à gages le plus redoutable et redouté des gangs, sous le nom de Grim Reaper. Sa détermination à protéger son petit frère par tous les moyens, mais également sa crainte que ce dernier découvre son secret, font de lui un personnage emblématique, tandis que l'insouciance et innocence de Luke le rendent également attachant. Le chef mafieux est très bien représenté, ainsi que son fils psychopathe et grosse réussite pour les flics corrompus.

Côté graphisme, la maîtrise de Masasumi Kakizaki n'est plus à prouver. Le dessin s'avère très incisif, illustrant parfaitement le scénario offert et la violence exposée. L'ambiance pesante instaurée par l'auteur se ressent à travers les différentes touches de gris et de noir employés, tandis que les visages présentent une certaine brutalité dans leur approche et leurs contours.

Le dessin est d'une beauté à couper le souffle. On pourra trouver des similitudes avec Buronson ("Hokuto No Ken") mais avec de la finesse. Tout est réaliste, des décors aux personnages, les pages sont quant à elles très fournies, et on a réellement l’impression d’être au XIXème siècle. Les passages se déroulant de nuit sont sombres mais lisibles, ce qui les rend d’autant plus effrayants.

Au final, "Green Blood" est seinen haletant dans lequel Masasumi Kakizaki exprime tout son talent. Le manga offre plus que du divertissement, il propose un western dont la puissance de feu amorcée laisse présager du lourd pour la suite. D'autant plus qu'il est prévu en seulement 5 tomes. Bref, un premier volume absolument superbe, qui a toutes les caractéristiques d'un véritable carton : beau, violent, racé !!!