Cinema e Cultura

"L'ANIMALE MORENTE" di Philip Roth

2015-04-21T10:00:00.000-07:00

"Il seno", "Il professore di desiderio" e, infine, "L'animale morente". Terza e ultima parte della trilogia dedicata a David Kepesh, professore in costante ricerca di appagamento sessuale e di libertà dalle forti restrizioni del matrimonio, della famiglia e della monogamia.
La magistrale penna di Philip Roth fa immergere il lettore in un flusso di coscienza perpetuo e delirante, tra vita, morte, sesso, desiderio e gelosia. La paura di invecchiare si instaura anche nel più stoico degli uomini; il timore di perdere una donna attanaglia anche il cuore del più Casanova dei professori. Il lettore non può far niente, è disarmato e non gli rimane che lasciarsi trasportare dal folle scorrere degli eventi, ascoltando le riflessioni di David Kepesh, il quale, cavalcando con forza e disinibizione la rivoluzione sessuale, ci permette di esplorare gli angoli più bui e remoti dell'uomo, gli anfratti più nascosti e vergognosi della lussuria e dell'eros.
Tutto gira intorno al sesso, al cocente desiderio che un uomo può nutrire nei confronti del corpo di una donna. Al centro della storia c'è la tormentata ossessione del protagonista nei confronti di Consuela Castillo, studentessa di origini cubane, formosa, giovane nell'età anagrafica ma adulta nei comportamenti, che da subito rapisce i pensieri e le attenzioni dell'ormai anziano professore. Nonostante la promessa fatta a se stesso di non avere più relazioni durature con nessuna donna, Kepesh subisce l'insolito fascino di Consuela, ne rimane stregato, a tal punto da non potersene distaccare. Soffre stando con lei ma anche senza di lei. La differenza di età e la consapevolezza che altri uomini possano adocchiare la sua donna sono ombre che seguono giorno e notte il professore.
«Il sesso non è semplice frizione e divertimento superficiale. Il sesso è anche la vendetta sulla morte. Non dimenticartela, la morte. Non dimenticarla mai. Sì, anche il sesso ha un potere limitato. So benissimo quanto è limitato. Ma dimmi, quale potere è più grande?» questa frase fa capire quanta importanza ricopra la dimensione sessuale nella vita del professore e, forse, anche di Roth.
Come detto, siamo all'ultimo capitolo della vita di Kepesh, il professore si avvicina a grandi falcate alla morte toccando con mano sentimenti mai provati prima: angoscia, solitudine, paura, gelosia, il senso dell'invecchiamento. «Forse, ora che mi sto avvicinando alla morte, anch'io segretamente desidero non essere libero». Un nuovo stadio dell'esistenza dell'insaziabile e incurabile professore, sfiorata, neanche troppo lievemente, dalla malinconia, dall'inevitabilità della Fine.
Quello di Roth è un libro dal quale dobbiamo farci prendere, trasportare, scaraventare e sconvolgere. E' un romanzo che prende forza dalla attrazione che il sesso esercita su tutti noi, dai cinici ragionamenti del protagonista sull'amore e sulla voglia d'amore, dalla bella, sensuale e complessa figura di Consuela.
Leggete "L'animale morente", ne uscirete frastornati, un po' scioccati, senz'altro toccati...forse addirittura cambiati.

"IL PROFESSORE DI DESIDERIO" di Philip Roth

2015-04-18T10:00:00.000-07:00

Di primo acchito si potrebbe pensare che si tratti del solito Philip Roth, del solito romanzo narrante i soliti fatti: protagonista ebreo, che cresce in mezzo ai doveri e all'insoddisfazione. Poi, però, continuando a leggere, si percepisce l'immenso lavoro che lo scrittore compie per far scoprire al pubblico la difficoltà della sessualità e la continua ricerca dell'appagamento.

All'inizio David Kepesh è un ragazzo come tanti altri, studioso, famelico lettore, ma con poco successo con l'altro sesso. Questo finché non incontra due ragazze scandinave, Elisabeth e Birgitta, con le quali inizia un menage a trois. La prima è una ragazza dolce e affettuosa; la seconda affamata di sesso e perversioni. Naturalmente il giovane Kepesh, dopo il tentato suicidio di Elisabeth, rimane aggrappato a Birgitta: con lei gira l'Europa, continua una relazione carnale che sfocia nella sperimentazione di ogni fantasia erotica. Dallo schiavismo all'adescamento di altre donne.

Quando decide di mettere la testa a posto, il protagonista fa ritorno in America e incontra la bella e insoddisfatta Helen. La donna è coetanea di Kepesh, ha lasciato la famiglia per seguire l'amore, per poi tornare in America e convivere con la costante sensazione di nostalgia per la vita lasciata e l'amore perduto. Tra lei e il protagonista non mancano la passione e il sesso, ma ben presto il rapporto diventa un continuo battibecco, anche sulle cose più banali. Nonostante questo, per frenare le paure, decidono di convolare a nozze. La vita da marito e moglie diventerà un inferno, arrivando a litigare per un toast o per una lettera non spedita, e nel giro di qualche anno i due si separeranno.
David Kepesh rimane solo, con l'incubo dell'impotenza, e comincia ad andare da uno psicanalista. Questa una delle frasi più brillanti rivolte al dottore: «Non riesco a mantenere un’erezione, dottor Klinger. Del resto non riesco neppure a mantenere un sorriso».

Dopo un periodo difficile, il protagonista conosce la dolce e spontanea Claire, la quale riesce a frenare le paure di Kepesh e a farlo uscire dal suo guscio. A differenza dell'ex moglie, Claire non ha grilli per la testa, ha i piedi ben piantati per terra, sa cosa vuole ed esercita un'influenza positiva su di lui. Anche questa piacevole sensazione di stabilità e appagamento, però, si dirada mano a mano che la relazione tra i due prosegue. Il professore sente che la passione gli sta sfuggendo di mano e non si dà pace. Cerca di reprimere questo sentimento, ma gli tornano alla mente i ricordi con l'insaziabile Birgitta e lo sfiora la nostalgia della moglie ormai perduta.
A questo punto Philip Roth mette il lettore davanti ad una domanda esistenziale: Se avessi agito in un altro modo o avessi scelto un'altra persona, come sarei oggi? Domanda che perseguita molti di noi e alla quale non possiamo rispondere. E alla quale neanche David Kepesh può rispondere.
Alla fine del romanzo, il protagonista chiede all'amico di suo padre sfuggito all'olocausto cosa avrebbe voluto diventare prima della guerra, e lui risponde: «Un essere umano. Una persona capace di conoscere e comprendere la vita, e cio che è reale, senza crogiolarsi nelle menzogne. È sempre stata questa la mia ambizione, fin da bambino».

Roth, nel secondo capitolo dedicato al professor Kepesh, dà ancora una volta prova di essere un grande conoscitore dei dubbi insiti nell'uomo e delle difficoltà di accettare e convivere con la propria sessualità. Sessualità che cambia il modo di vivere un rapporto e che ti spinge a fare delle scelte. La costante ricerca di soddisfazione sessuale, ma più in generale di passione, ritrovata in Kepesh, la viviamo ogni giorno nella nostra società. Una società nella quale la donna assume sempre più i comportamenti dell'uomo e il sesso diviene sempre più centrale nei rapporti quotidiani, di qualunque natura siano.

"IL SENO" di Philip Roth

2015-04-14T10:00:00.000-07:00

"Il seno" è un romanzo breve, scorrevole e alquanto curioso che racconta la vicenda di David Kepesh. Il protagonista, da un giorno all'altro, si trasforma in un enorme seno, viene ricoverato in ospedale e studiato dai dottori. Pur nell'incapacità di rendersi conto di come sia potuta avvenire tale trasformazione, il professor Kepesh scopre che il sesso e l'appagamento, seppur non totale, sono ancora possibili. Il protagonista si spinge a tal punto da non riuscire neanche a confessare alla compagna Claire le sue fantasie.
Dopo un primo momento in cui riflette sull'accaduto, il grande seno bloccato a letto si convince che è pazzo: il primo passo verso la guarigione è ammettere di essere in preda alla pazzia. Ma i dottori e le persone che lo vanno a trovare dicono il contrario.
Se a primo impatto il romanzo di Philip Roth può sembrare una lettura sciocca e paradossale, con lo sfogliare delle pagine ci si rende conto che al suo interno c'è una riflessione profonda, ovvero quella riguardante la difficoltà di essere accettati da una società e lo scontrarsi con i pregiudizi altrui.

"STORIA IMMORTALE" di Orson Welles

2015-04-07T09:45:00.003-07:00

"Storia immortale" è un film che parla di un ricchissimo uomo d'affari che, sul punto di morte, decide di trasformare in realtà una leggendaria storia sentita molti anni prima su una nave: protagonista è un uomo ricco, anziano e senza eredi che paga un marinaio per passare la notte con la moglie molto più giovane di lui.
Mr Clay, interpretato da Orson Welles, decide di indossare i panni del vecchio uomo e incarica il factotum Elishama Levinsky di trovare la donna adatta ad interpretare il ruolo della moglie, mentre lui si occupa di 'ingaggiare' il marinaio. Elishama arriva a dare trecento ghinee a Virginie Ducrot, interpretata dalla bellissima Jeanne Moreau, che è figlia di un socio d'affari di Mr. Clay suicidatosi a causa dell'insolvenza di un debito proprio con il mercante.

Nella dimora del ricco mercante c'è l'ultimo tentativo di giungere all'onnipotenza, cercando di trasformare una leggenda in realtà e di assecondare ancora una volta prima della sua morte il desiderio di potere.
Nella mente del protagonista ci sono almeno due intenti, oltre a quello di sentirsi Dio: ricevere la riconoscenza del marinaio e fare in modo che lo stesso marinaio racconti ad altri l'insolita storia, in modo tale da portare il nome di Mr. Clay in giro per il mondo e ottenere così una sorta di immortalità. Purtroppo per lui, però, nessuno dei due obiettivi viene raggiunto perché il marinaio se ne va senza ringraziare Mr. Clay ed inoltre, nella notte trascorsa con la giovane donna, scopre per la prima volta l'amore e questa sarà una esperienza che non racconterà a nessun altro.
Il film termina con la morte di Mr.Clay e il fallito tentativo di essere onnipotenti. La realtà è una cosa e una storia non potrà mai essere tale, neppure con tutti i soldi del protagonista. Di Mr.Clay e del suo sogno non rimane che l'eco di una conchiglia, un progetto troppo ambizioso e folle da poter giungere ad un lieto fine.
'Storia immortale' è un film breve ma molto intenso, poetico e spietato allo stesso tempo. Orson Welles interpreta il più classico dei ruoli wellesiani con carisma e solidità. Questa pellicola non è tra le più famose di Welles ma è sicuramente tra le più belle e riuscite, grazie anche alla splendida colonna sonora (in particolar modo 'Gnossienne No.1' di Erik Satie) che accompagna e culla lo spettatore attraverso questa vicenda surreale e malinconica. Film da vedere assolutamente!

"IL MURO" di Jean-Paul Sartre

2015-04-03T03:19:00.000-07:00

"Il Muro" è un libro composto da cinque racconti pubblicati nel 1939, uno degli esempi più significativi della narrativa del filosofo francese Jean-Paul Sartre. Le cinque novelle narrate hanno la forza di penetrare le parti più intime dell'uomo, andando a scovare la follia, la velleità e la ricerca di identità che caratterizzano l'essere umano, ma che spesso rimangono nascosti in profondità.
Il muro è anche il titolo del primo racconto, che si riferisce al muro usato per le fucilazioni dei prigionieri e rappresenta quindi l'inevitabilità della morte. Siamo nella Spagna della guerra civile e di Francisco Franco, tre prigionieri aspettano la mattina seguente per essere giustiziati e le loro posizioni morali vengono ad intrecciarsi.

Il secondo racconto si intitola "La camera" e narra la storia di una donna sposata con un uomo divenuto pazzo. Nonostante i suoi familiari la esortino ad abbandonare il marito, la donna continua a stargli accanto e a prendersi cura di lui, come se fosse impossibilitata ad uscire da quella situazione.

La terza novella, intitolata "Erostrato", racconta la decisione di un misantropo di scolpire il suo nome nella storia attraverso un pluriomicidio. La pistola, arma con la quale il protagonista meditava di compiere il delitto, dà una sensazione di superiorità all'uomo rispetto ai suoi pari.
Il breve estratto che segue descrive bene questo senso di potere:
«Quando scendevo in istrada mi sentivo nel corpo una strana potenza. Avevo su di me la rivoltella, questa cosa che esplode e fa rumore. Ma non era più da lei che traevo la mia baldanza, era da me stesso: ero un essere della specie delle pistole, dei petardi e delle bombe».
Possiamo considerare questo racconto di Sartre una sorta di rivisitazione in chiave moderna della vicenda riguardante Erostrato, pastore greco che, pur di rimanere nella storia, nel 356 a.C. incendiò e distrusse il tempio di Artemide, una delle sette meraviglie del mondo antico.

Arriviamo così a "Intimità", quarto racconto che narra la storia di Lulù, insoddisfatta dal marito impotente ma spaventata dall'amore carnale. Rimane quindi intrappolata nelle sue contraddizioni, incapace di scegliere tra l'amore puro, rappresentato dal marito Enrico, e l'amore fisico (definito sporco), incarnato dall'aitante Piero.

Infine, quinto e ultimo racconto, "Infanzia di un capo" descrive la crescita di un ragazzo, Lucien, e il suo sogno di ereditare la fabbrica del padre e divenire così il capo dei suoi operai. Lucien cerca la sua identità facendo nuove esperienze, passando dalla psicanalisi freudiana ad avere un incontro sessuale con un poeta molto più grande di lui, fino ad arrivare alla militanza in una organizzazione fascista che lo porterà anche ad uccidere.

"Il muro" è un libro assolutamente consigliabile, scritto in un linguaggio comprensibile, intenso, inquietante e capace di mostrare a fondo l'interiorità dei protagonisti, accomunati dall'essere intrappolati in una rete, di fronte ad un muro che impedisce loro ogni possibilità di riscatto e rivincita. Jean-Paul Sartre con questo libro si conferma non soltanto un grande scrittore ma anche un fine conoscitore degli angoli più bui della psiche umana.

"LA MUSICA NEL CUORE" di Kirsten Sheridan

2015-04-01T02:47:00.000-07:00

Per un attimo ho temuto il peggio, lo confesso. Nell'ultimo periodo ho visto molti film, e in tutti ci ritrovavo la genialità del regista e la bravura degli attori, ed ho avuto il forte timore di aver perso il mio senso critico. Questo fino a ieri sera! Mi è capitata tra le mani "La musica nel cuore", pellicola datata 2007, ed ho trovato molti spunti per muovere critiche.
Premettendo che quello in questione è un buon film e senza dubbio si basa su una bella idea, ci sono alcune cose che potevano (dovevano?) essere differenti e migliori.
Kirsten Sheridan ci racconta la storia di due ragazzi, Louis (Jonathan Rhys-Meyers) e Lyla (Keri Russell), che si conoscono ad una festa nell'attraente New York. I due sono accomunati dalla passione per la musica (lui è chitarrista/cantante mentre lei è violoncellista), si piacciono e trascorrono la notte insieme.

In questo momento abbiamo la prima cosa che non torna: il padre, la mattina seguente, costringe Lyla a ripartire e lasciare così il ragazzo conosciuto qualche ora prima, il quale va sotto l'albergo della ragazza, dimostrando di tenere a lei. Ed io mi chiedo: ma se Lyla avesse provato qualcosa di vero per Louis, non avrebbe fatto resistenza? Non avrebbe disobbedito al padre? E non sarebbe rimasta con il giovane cantante? La ragazza non sembra in così tenera età da non poter respingere un ordine del padre, né cosi giovane da non poter lavorare e mantenersi da sola.
Andiamo avanti...I due, nonostante la dimostrazione di interesse (amore?) da parte di lui, non si vedranno per ben 11 anni. In questo arco di tempo, Louis smette di suonare (perché?) e Lyla scopre di essere incinta (di Louis, naturalmente). La ragazza ha un incidente fuori dal ristorante dopo una discussione con l'autoritario padre e perde (apparentemente) il figlio che portava in grembo.
E qui ho due punti interrogativi: primo, perché Louis smette di suonare? I due hanno consumato una notte d'amore soltanto, non si conoscono, lui non ha mai suonato per lei o davanti a lei. Perché dovrebbe collegare la passione di una vita con una ragazza conosciuta e persa in meno di ventiquattro ore?
Secondo, perché i due stanno undici anni senza vedersi, nonostante Lyla sapesse dell'interesse di Louis? Se ciò che la regista irlandese vuole propinarci è una storia d'amore, la protagonista femminile dovrebbe mostrare in qualche modo il suo sentimento per l'altro. Qualcuno potrebbe dire che il suo modo per dimostrare ciò che prova è la cessazione dell'attività musicale, ma sbaglierebbe. La sua è una reazione alla (presunta) perdita del figlio, che indubbiamente fa cambiare qualcosa dentro di lei. In nessun momento del film traspare il desiderio di Lyla per Louis. Sembra piuttosto una storia d'amore a senso unico, dove il ragazzo continua (senza motivo, a mio parere) a pensare a lei, ma non viceversa.
Nel corso degli undici anni vissuti separati, Louis (ovviamente) trova un'altra ragazza: bionda, carina, somigliante a Lyla. Nel film vorrebbero farci credere che la storia con lei finisce perché lui pensa ancora alla notte newyorkese del decennio prima, ma come è possibile? I due non si conoscono neanche, è impensabile che possa notare una qualche differenza tra le due ragazze. Tutto per arrivare alla conclusione che, a mio modesto parere, tra i due dovesse esserci almeno una storiella (interrotta evidentemente per un motivo che non fosse il padre), altrimenti gli avvenimenti successivi sono privi di una logica.
Siamo d'accordo che il film corre su binari di fantasia e sogno (potremmo infatti chiederci come può il bambino nato dalla loro unione essere un fenomeno musicale, non solo con uno strumento ma con tutti quelli che gli capitano a tiro, senza bisogno di lezioni, di studiare ecc..), ma credo costasse poco creare una narrazione più reale, in cui la componente romantica fosse accompagnata anche da quella razionale.
Concludo, infine, sulla scena di chiusura della pellicola: Louis e Lyla si rincontrano, dopo undici anni, al concerto del figlio. Lui prende la sua mano dopo averla vista e seguita in mezzo ad una grande folla di spettatori, e la ragazza ha una reazione del tutto inadeguata al momento: lo guarda e gli fa un sorriso che, dopo le vicende narrate, non ha alcun senso. Come non è spiegabile del resto come possa Louis capire, senza che nessuno glielo dica, che quello sul palco è suo figlio.
Sono assolutamente aperto a lungometraggi narranti amore, romanticismo e vicende fantasiose, ma ho la sensazione che la Sheridan abbia esagerato, o meglio, abbia peccato di scarsa voglia di elaborare una idea che poteva senz'altro portare ad un ottimo prodotto finale.

Le note più liete vengono da Freddie Highmore, capace di appassionare e intenerire in molte occasioni, e dalla presenza di Robin Williams, il quale, nonostante ricopra un ruolo non positivo all'interno del film, riesce sempre ad ispirare simpatia e a strappare un sorriso al pubblico.
Peccato, un film carino, ma niente di più.

"SUITE FRANCESE" di Saul Dibb

2015-03-31T09:26:00.001-07:00

Non è mai facile portare sul grande schermo un'opera letteraria, specie quando si tratta di un testo come quello di Irène Némirovsky, che racconta i tristi giorni della seconda guerra mondiale in Francia e della Repubblica di Vicky. Lo scritto è rimasto conservato per sessant'anni prima di essere scoperto nel 2004, diventando un caso letterario e un libro misterioso ed affascinante.

Un amore sfortunato, nato nel momento meno opportuno e tra persone sbagliate. "Suite francese" tratta la storia dell'unione sentimentale tra una donna, Lucille, e un ufficiale tedesco, Bruno von Falk. Possiamo considerare la pellicola un incredibile dipinto della barbarie umana, della distruzione e del dolore di cui l'uomo sa essere protagonista assoluto, ma anche del toccante sentimento che lega i due protagonisti, divisi dalla guerra ma uniti dall'amore, dalla somiglianza intellettuale e culturale. Con sapiente regia, Saul Dibb culla lo spettatore in una avventura che non appare né banale né pesante, tanto meno smielata. La donna interpretata da Michelle Williams è oltremodo affascinante perché completamente differente dalle persone che la circondano: non è diventata egoista o avida, non si è fatta corrompere, non è stata toccata dalla vigliaccheria dilagante e non si è mai arresa (al pericolo, alle minacce, alla morte, sia fisica che intellettuale). E' contemporaneamente il simbolo della solitudine e della forza d'animo.
Anche l'ufficiale Bruno von Falk è una sorta di mosca bianca, elevato rispetto agli altri tedeschi in termini di gentilezza, valori e caratura umana. In questo i due protagonisti si scoprono uguali e uniti, camminano per il piccolo paese francese nascondendo segreti, desideri e passioni. E' notevole la delicatezza con la quale la Williams incarna la figura di Lucille, confermandosi una delle attrici americane di maggior spessore, e l'intensità di Matthias Schoenaerts, che rendono il film toccante e scorrevole, profondo e vero.
Al centro di questo lungometraggio c'è ovviamente il sentimento: quello tra un uomo e una donna, ma anche per la musica e per la libertà. Tutte forme d'amore e di bellezza che riscaldano il cuore e che la stupidità umana ha cercato più volte di sopprimere...per fortuna senza riuscirci.

"MANHATTAN" di Woody Allen

2015-03-29T05:08:00.003-07:00

Un incredibile affresco dell'amata New York, la sintesi della decadenza della società e della vacuità dei rapporti umani di oggi. Manhattan di Woody Allen è un film straordinario per la capacità del regista americano di racchiudere in novantasei minuti tutta la sua arte: con i dialoghi presenti, intellettuali ma anche comici e sottili, viene tolto ogni dubbio (per coloro che ne avevano) sulla bravura di Allen come sceneggiatore.
Il film inizia con uno dei monologhi più famosi della storia del cinema "Capitolo primo: adorava New York, la idolatrava smisuratamente. Ma no, è meglio, la mitizzava smisuratamente, ecco. Per lui, in qualunque stagione, questa era ancora una città che esisteva in bianco e nero, e pulsava dei grandi motivi di George Gershwin...", quale inno d'amore per una città che "era la sua città, e lo sarebbe sempre stata" . Le note della Rhapsody in Blue di Gershwin si fondono con maestria allo skyline di una Manhattan tratteggiata in uno splendido bianco e nero, dal quale è difficile staccarsi. Le immagini della città che si susseguono lungo tutta la durata del film danno una visione poetica di Manhattan che è in grado di scaldare il cuore dello spettatore: belle le scene di vita quotidiana all'inizio, memorabile la vista del Queensboro Bridge nel cuore della notte, incantevole il giro a cavallo a Central Park.

Woody Allen narra le vicende di Isaac Davis (interpretato da lui stesso), commediografo televisivo quarantaduenne che frequenta una studentessa di 17 anni di nome Tracy (Mariel Hemingway). La tranquillità del quartetto composto da loro due e da Yale (Michael Murphy), migliore amico di Isaac, e la moglie Emily (Anne Byrne), viene sconvolta dalla comparsa della bella e intelligente giornalista Mary (Diane Keaton), che fa perdere la testa a Yale prima e Isaac poi. Tra dialoghi divertenti e graffianti (ad esempio "Ebbene io sono all'antica, non credo nei rapporti extra-coniugali. Credo che le persone dovrebbero accoppiarsi a vita, come i piccioni o i cattolici"), diventa sempre più centrale, seppur uscendo di scena, la figura della giovane Tracy, che incarna la "perdente" del gruppo paragonata agli altri ("grandioso, sto uscendo con una che deve fare i compiti"), adulti e di successo in campo lavorativo.
In realtà Tracy è l'unico personaggio del film ad avere dei valori positivi, a possedere una semplicità autentica che le permette di restare nel cuore di Isaac (Woody Allen la mette tra le cose per le quali vale la pena vivere, insieme Groucho Marx, Joe di Maggio, il secondo movimento della sinfonia Jupiter, Louis Armstrong ecc...). Proprio nella scena finale, dopo una corsa attraverso New York, il protagonista si ritrova faccia a faccia con Tracy, pentendosi di averla lasciata preferendole Mary. In questo momento, con un maturità sconosciuta agli altri personaggi, la giovane comunica all'innamorato che sta partendo per Londra e che potranno riparlare di questo solo al suo ritorno...tra sei mesi. Con l'ultima battuta del lungometraggio il regista ci lascia con una nota malinconica e, se vogliamo, con un messaggio di speranza ("Bisogna avere un po' di fiducia, sai, nella gente"), contrapponendo il volto tranquillo e sereno di Mariel Hemingway a quello sconsolato di Woody Allen.
Emblematico il ruolo interpretato da Diane Keaton, giornalista incapace di convivere con la stabilità sentimentale, nervosa e presuntuosa negli sferzanti commenti a grandi artisti (inclusi nella categoria "l'accademia dei sopravvalutati"), troppo lasciva nell'etichettare molte persone intorno a lei come "geni". Frequentatrice assidua di mostre, cene e altri momenti mondani, sempre caratterizzata da un distacco emotivo ed una frenesia assoluta che ne fanno l'adeguata rappresentazione della nostra società.
Da sottolineare le spettacolari immagini del direttore della fotografia Gordon Willis, che fanno della città di New York non solo lo sfondo ma un personaggio attivo in questa bella storia d'amore che fonde il comico con il dramma sentimentale...forse il più grande capolavoro del regista americano.

"INTERIORS" di Woody Allen

2015-03-27T03:46:00.000-07:00

Un'opera inedita per Woody Allen, un ritratto familiare in cui la risata e la battuta cedono il passo al dramma, al dolore, all'insoddisfazione.
Il film tratta le vicende di una famiglia newyorkese, messa a dura prova dalla separazione dei genitori e la conseguente depressione della madre, Eve. Proprio attorno alla madre, arredatrice di interni, ruotano le dinamiche delle tre figlie, cresciute in un ambiente simile ad un palazzo di ghiaccio. L'amore di Eve viene rivolto principalmente a Renata, protagonista di una brillante carriera letteraria, nonostante questa non si sia mai presa cura della madre nel periodo di difficoltà. A soffrire maggiormente di questa situazione è Joey, donna ossessionata dal desiderio di fare arte e ricevere così la stima e il conseguente amore della madre. Proprio Joey vive in un senso di smarrimento lavorativo, impossibilitata ad essere ciò che vorrebbe (perché senza particolare talento) e incapace di accettare lavori che non la innalzino al rango di artista. Questo tema ha un ruolo centrale nel film, come se Allen avesse voluto sottolineare il peso del talento e della produzione artistica nella vita quotidiana, al punto da far propendere l'affetto di una madre su una figlia piuttosto che su un'altra. Toccando tematiche e sentimenti cari al regista (per esempio il timore della morte), si sviluppano i personaggi dei due compagni delle ragazze, Mike e Frederick, del padre Arthur e della sua nuova compagna (poi diventata moglie) Pearl, e della sorella minore Flyn.
"Interiors" termina con la morte di Eve, una inquadratura delle tre sorelle e del mare finalmente calmo dopo tanti anni di tempesta e un sorriso, accennato ma visibile, sul volto di Joey, come ad evidenziare quanto la figura della madre fosse stata ambivalente, da un lato base del nucleo familiare, dall'altro responsabile dell'instabilità delle figlie.

"IL NASO" di Nikolaj Gogol'

2014-10-26T03:13:00.003-07:00

"Il Naso" di Nikolaj Vasil'evič Gogol' è un piccolo capolavoro scritto nel 1836. Fa parte di una raccolta di racconti ambientati a Pietroburgo. La grandezza di questo breve testo sta nel fatto che Gogol' descrive la vita quotidiana dell'epoca collegandola ad un avvenimento di fantasia. In questo racconto, infatti, si narra la storia di un naso che si stacca dal volto di un uomo, rifiutandosi di tornarci. Il naso, travestito per non farsi riconoscere, gira per le vie di Pietroburgo e soltanto alla fine accetta di consegnarsi al legittimo proprietario.
Quest'opera può essere interpretata come la volontà di Gogol', e con lui di molti altri scrittori dell'epoca, di ribellarsi all'idea di stampo illuminista secondo la quale tutto ciò che era reale era anche comprensibile. Con la conseguenza che ciò che non rientrava nella sfera della comprensione doveva essere per forza irreale.
Questo racconto grottesco e umoristico può offrire diversi spunti: ad esempio, il naso che si stacca dal volto può essere inteso come una metafora dell'opera d'arte che si distacca dal suo autore, arrivando ad esserne indipendente e certe volte a superarlo.
Inoltre, Gogol' con questo racconto ha voluto muovere severe critiche alla società russa, incredibilmente gerarchizzata ed estremamente imbrigliata nella burocrazia, e al macchinoso apparato statale. Tanto rigido da permettere ad un naso di diventare un personaggio rispettabile, purché abbia i gradi.
L'autore traccia i lineamenti di una città dove tutto può accadere: grandissima, solenne e imperiale, nelle cui strade ci si poteva imbattere in ogni tipo di soggetto possibile ed immaginabile, teatro di stregonerie e di avvenimenti surreali...quasi avesse un'anima malefica.

"RADIO DAYS" di Woody Allen

2014-10-13T09:53:00.001-07:00

Una parte della critica non considera "Radio Days" tra i massimi capolavori di Woody Allen, ma sbaglia. Il film, datato 1987, è una splendida fotografia della società americana degli anni Trenta e Quaranta ed insieme uno struggente omaggio alla bellezza del mezzo radiofonico. Attraverso la radio, il regista americano racconta piccoli episodi: la giovinezza di Joe, la guerra, i tanti fidanzati della zia, i sogni di gloria di una Mia Farrow in versione venditrice di sigarette e molto altro.

Il film si compone di quasi duecento parti, che formano un incredibile collage, tanto ironico e divertente quanto malinconico e struggente. Il ricordo ha un ruolo centrale nella pellicola alleniana, tanto che per molti ricorda "Amarcord" di Federico Fellini.
Durante il film vengono contrapposte due realtà diverse: l'illusione che tutto ciò che attiene alla radio sia oro, da una parte, e le difficoltà di vivere in un mondo finto e troppo legato all'apparenza, dall'altro.
Dopo Manhattan, un altro struggente e delicato atto d'amore nei confronti della sua New York.
Woody Allen, come sempre, riesce a tenerci incollati allo schermo, con scene esilaranti o con frammenti di vita quotidiana ricchi di nostalgia per un tempo che non c'è...e per un mezzo che rischia di scomparire.
Ennesimo meraviglioso lavoro di un regista che non finisce mai di stupire per la facilità con la quale riesce a toccare lo spettatore...poco meno di novanta minuti di grandissimo Cinema.

"PASOLINI" di Abel Ferrara

2014-10-07T00:00:00.000-07:00

"Scandalizzare è un diritto. Essere scandalizzati è un piacere"

Forse il regista di questo film condivide la frase di Pasolini molto più di quanto pensiamo. Abel Ferrara ama stupire e scioccare il pubblico, adora navigare acque turbolente e anche attrarre su di sé le critiche. Le sue pellicole, da sempre, narrano storie di violenza, peccato, redenzione e tradimento. Quando decise di realizzare un lungometraggio su Pier Paolo Pasolini, avrà sicuramente immaginato le difficoltà che avrebbe incontrato nel portare a termine una impresa del genere. Questa volta, però, Ferrara non stupisce. Il film non dà (quasi) per niente l'idea della grandezza dello scrittore e regista bolognese, perché si limita a tracciarne i lineamenti superficiali. Non viene esplorato in profondità l'universo pasoliniano, con il risultato che gli spettatori escono dalla sala cinematografica con un senso di incompiutezza e, se vogliamo, di banalità.
Cosa ha reso Pasolini un grandissimo della cultura italiana e internazionale? Quali tormenti agivano sotto la pelle dell'omosessuale Pier Paolo? Quali erano le sfumature del suo essere? Tutte domande alle quali il regista newyorkese non riesce a rispondere. Troppo facile accennare ad una idea di film e mostrare la morte del protagonista. Troppo riduttivo realizzare una pellicola del genere per rappresentare uno degli uomini più poliedrici del XX Secolo. Se in diversi altri lavori Abel Ferrara ha stupito e convinto, in questa opera viene bocciato. A mio modo di vedere il film è un fallimento, perché viene meno l'obiettivo primario: rappresentare e far conoscere agli spettatori, anche ai più giovani, la tanto controversa quanto produttiva esistenza di Pier Paolo Pasolini.

Da sottolineare l'incredibile somiglianza tra Willem Dafoe e il protagonista; e degna di nota l'interpretazione dell'attore, chiamato a un compito di certo non facile.

"NON E' UN PAESE PER VECCHI" di Cormac McCarthy

2014-09-24T08:35:00.000-07:00

Cormac McCarthy realizza un vero capolavoro: dialoghi serrati, scene che scorrono veloci e coinvolgimento totale. Non si sofferma troppo sulla forma della scrittura, sui fronzoli...va dritto al cuore di ciò che vuole raccontare, senza giri di parole.

"Non è un paese per vecchi" è un libro che, al di là della crudezza e della follia della vicenda, nasconde una morale, la quale si evince attraverso le gesta di Llewelyn Moss, che un giorno si imbatte in una borsa piena zeppa di dollari, Anton Chigurh, killer tanto spietato quanto flemmatico, e Tom Bell, vecchio sceriffo che tenta di salvare il protagonista dall'incredibile guaio in cui si è cacciato.
Gli avvenimenti dei tre personaggi sono intervallati dal flusso di coscienza dello sceriffo: riflessioni profonde e a tratti commoventi, attraverso le quale riusciamo a capire la morale che Cormac vuole impartire: il passato incide sulle azioni presenti e future di tutti noi più di quanto pensiamo o speriamo. Siamo tutti figli di ciò che abbiamo fatto, vissuto, amato e odiato.

"Tu credi che quando ti svegli la mattina quello che è successo ieri non conta. Invece è l'unica cosa che conta. La tua vita è fatta dei giorni che hai vissuto. Non c'è altro. Magari pensi di poter scappare via e cambiare nome o non so cosa, di ricominciare daccapo. E poi una mattina ti svegli, guardi il soffitto, e indovina chi è la persona sdraiata nel letto?"

Lo scrittore americano, con dialoghi immediati e talvolta molto crudi, fa arrivare al lettore quella che è la sua opinione sul mondo di oggi: una società dove la violenza è diffusa e ingiustificata...quasi fosse normalità. Una perdita di principi e moralità che non porterà a niente di buono. Il mondo è cambiato talmente in fretta rispetto a quando lo sceriffo era giovane che quest'ultimo non è riuscito ad adattarsi a tali cambiamenti. Non riesce a spiegarsi il perché delle incredibili situazioni alle quali si trova ad assistere...troppo spesso in una situazione di impotenza.

Chigurh è senza dubbio il personaggio più affascinante: psicopatico, calmo, determinato e conciso. Ha i suoi principi e li segue fino alla fine. E' probabilmente l'unico soggetto del libro ad avere una sua morale, seppur discutibile. La sua personalità appare chiara con questa semplice frase: "Io non ho nemici. Non permetto che esistano".

"SYNECDOCHE, NEW YORK" di Charlie Kaufman

2014-06-29T09:10:00.002-07:00

Strano, cervellotico, introspettivo, ambizioso. Il primo lavoro di Charlie Kaufman alla regia è una intensa opera che cerca di scavare nell'interiorità dell'essere umano.
Al centro della storia c'è Caden Cotard (interpretato da un meraviglioso Philip Seymour Hoffman), regista teatrale che viene lasciato dalla moglie (la quale strappa al marito anche la figlia Olive) e che scopre di essere affetto da una misteriosa malattia. Dopo aver ricevuto la prestigiosa MacArthur fellowship, il protagonista decide di mettere in scena la propria vita, cercando di creare un ritratto il più possibile sincero e fedele alla realtà. Sul set si incroceranno quindi diverse persone, molteplici sentimenti tenuti insieme dalla costante solitudine di Cotard. Il regista, infatti, perde una dopo l'altra la bigliettaia Hazel e l'attrice Claire. In sottofondo sempre presente la morte, la paura ma anche la voglia di morire. In uno spettacolo teatrale, la cui preparazione richiede tutta la vita del protagonista, Kaufman riesce a parlarci dell'incredibile abisso dell'interiore, sottolineando il lento ma inesorabile scorrere del tempo. E' proprio lo scoccare delle lancette che mette fine ad uno spettacolo che, con il passare del tempo e gli scambi di persona, diventa sempre più complesso. Uno spettacolo che nasce per raccontare la vita e che termina soltanto nel momento in cui la morte prende il sopravvento sui personaggi.
Un film da vedere, difficile da capire fino in fondo se non dotati di buona volontà ma sicuramente affascinante nei suoi intrecci narrativi e apprezzabile nelle interpretazioni di Hoffman, Michelle Williams, Catherine Keener e Samantha Morton.

Classifica musei più visitati: il Louvre al comando, l'Italia fatica

2014-05-12T11:27:00.000-07:00

Non è una novità che a guidare la speciale classifica dei musei più visitati al mondo ci sia ancora una volta il Louvre di Parigi. Nel 2013, il museo francese ha registrato 9,2 milioni di visitatori. Il dato interessante è che neanche una perdita di quasi 500mila visitatori rispetto all'anno precedente è bastata a insidiare la prima posizione. Il secondo museo per numero di visitatori, infatti, è il British Museum di Londra, con 6,7 milioni di tagliandi staccati. A completare il podio c'è il Metropolitan Museum di New York con 6,2 milioni di visitatori.

Qualcuno che non conosce bene il belpaese potrebbe chiedersi: "E l'Italia dov'è?"
Il nostro paese, come sempre accade quando si parla di cultura, si trova lontana dalle prime posizione, si trova ad arrancare tra investimenti che non ci sono, ritardi, problemi strutturali, corruzione e una programmazione di quella che dovrebbe essere la pubblicizzazione del nostro patrimonio che evidentemente non funziona a dovere.
Il primo museo italiano che troviamo in questa classifica sono gli Uffizi, con 1,8 milioni di visitatori nel 2013. Nella classifica generale il museo fiorentino si attesta alla ventiseiesima posizione, staccando di 500mila visitatori Palazzo Ducale di Venezia. La top three italiana si chiude con la Galleria Dell'Accademia, anch'essa nel capoluogo toscano, con 1,2 milioni di visitatori.

Londra si impone come vera e propria capitale della cultura per quel che riguarda il 2013. La città inglese piazza ben 4 musei nelle prime 10 posizioni: oltre al già citato British Museum, anche la National Gallery, il Natural History Museum e la Tate Modern.

"GRAND BUDAPEST HOTEL" di Wes Anderson

2014-05-06T07:18:00.000-07:00

Film particolare, veloce e sicuramente eccentrico. Il regista in questa sua ottava fatica dà al lungometraggio un umorismo sottile, che spesso strappa un sorriso allo spettatore. Per due ore si è catapultati in un mondo irreale dove è impossibile non partecipare alle avventure dei protagonisti. Wes Anderson riesce a rendere verosimile anche la scena più assurda, inserendola in un contesto curato nei minimi dettagli, con una perfetta scrittura di dialoghi e un'atmosfera colorata, mix tra vignetta e novella.

Il film può apparire a prima occhiata una parata di stelle messe lì per far scena, invece non è così: i personaggi e gli elementi si integrano in modo efficace grazie alla maestria del regista texano. Degna di nota l'interpretazione di Ralph Fiennes, personaggio sempre pronto alla battuta e con spiccato senso dell'umorismo.
Il ritmo incalzante dà a chi guarda quasi la sensazione di essere insieme a Monsieur Gustave e Zero.
"Grand Budapest Hotel", però, non è soltanto una commedia: la pellicola attraversa una cinquantina d'anni, mostrando le dittature dell'Est e l'intolleranza del Nazismo.
Per tutti questi motivi, il film non soltanto diverte ma offre anche allo spettatore la possibilità di riflettere sui mali che hanno attanagliato la nostra società.

Premio Pulitzer 2014

2014-04-15T02:57:00.000-07:00

Il più prestigioso riconoscimento giornalistico al mondo, il Premio Pulitzer, è stato assegnato ieri a due colossi dell'editoria, lo statunitense The Washington Post e l'inglese The Guardian, per il lavoro sui documenti rivelati da Edward Snowden sulle attività della NSA. Premiati quindi Bart Gellman per il primo quotidiano e Glenn Greenwald, Laura Poitras e Ewen MacAskill per il secondo.

La scrittrice Donna Tartt

Il giudizio del Pulitzer ricorda molto la commissione che nel lontano 1972 consegnò il premio per l'attività di servizio pubblico al “New York Times” per gli articoli sui Pentagon Papers che svelarono falsità e crudeltà della guerra in Vietnam.
Nella categoria narrativa, invece, l'ambita medaglia d'oro è stata consegnata nelle mani di Donna Tartt per il romanzo "Il cardellino" (The Goldfinch).
La scrittrice statunitense iniziò la carriera nel 1992 con la pubblicazione del libro "Il Dio delle illusioni", con il quale la Tartt ha venduto ben cinque milioni di copie.

"QUANDO C'ERA BERLINGUER" di Walter Veltroni

2014-04-10T18:00:00.000-07:00

Un uomo vero. Un politico integro, leale, pulito. Questo l'Enrico Berlinguer tratteggiato da Walter Veltroni nel suo film-documentario. Per tutta la durata del film mi sono dimenticato il nome del regista e la sua storia politica. Ciò che traspare dalla pellicola è la voglia (e la mancanza) di un leader capace di catturare i cuori, convincere persone, attirare in piazza folle sognanti attraverso l'uso del carisma umano e politico e dell'integrità. Ciò che più arriva allo spettatore giovane è il senso di speranza che quest'uomo è riuscito ad infondere nell'animo degli elettori del Partito Comunista Italiano. Il regista romano alterna interviste a persone vicine a Berlinguer e scene di repertorio che fanno rivivere (o vivere per la prima volta) il clima politico di quegli anni. Alcuni momenti, come ad esempio il discorso a Padova (l'ultimo) oppure il funerale, sono estremamente toccanti e commoventi.
A mio modo di vedere è forte il contrasto, specie in alcune scene 'reali', tra l'umanità presente negli occhi di Berlinguer e la vacuità dei personaggi della politica odierna. Veltroni è riuscito a far capire (credo) a tutti quale fosse l'amore per un personaggio che si è impegnato per cambiare il paese. Possiamo considerare "Quando c'era Berlinguer" un atto d'amore nei confronti di chi ha creduto davvero nella Politica...nella buona Politica. Uscendo dalla sala, quindi, rimangono negli occhi e nel cuore la grandezza di quest'uomo (indipendentemente da come la si pensi politicamente) e l'assenza, oggi, di un politico in grado di emulare, anche soltanto in parte, ciò che Berlinguer ha fatto.
Ciò che non mi ha convinto del film è stata l'apertura, l'inutile sottolineatura dell'ignoranza dei giovani italiani e, di fatto, la scarsa centralità dell'educazione scolastica nel nostro paese. Purtroppo conosciamo fin troppo bene i problemi che attanagliano l'Italia e rimarcarli in apertura di documentario credo non abbia dato niente in più al protagonista del lungometraggio. Ho trovato fuori luogo anche il coinvolgimento di Jovanotti, protagonista solo di banalizzazioni e luoghi comuni.
Nel complesso mi sento di fare un plauso a Walter Veltroni per la capacità di trasmettere il suo sentimento nei confronti di Enrico Berlinguer, e di farci capire quanto un personaggio simile manchi alla politica nostrana. L'augurio, adesso, è di tornare a vedere la politica fatta di passione e amore, onestà e moralità...non soltanto al cinema.

Firenze punta sulla Cultura

2014-04-10T01:00:00.000-07:00

Quattro elementi che testimoniano come Firenze sia in controtendenza rispetto ad altre zone del nostro paese per quanto riguarda l'investimento sulla Cultura, sullo Spettacolo, sull'Arte.

1_ TEATRO NICCOLINI
L'antico Teatro del Cocomero, rinominato poi Teatro Niccolini, vede la luce in fondo al tunnel. Grazie all'impegno e alla passione di Mauro Pagliai, editore di Polistampa, lo storico teatro situato in via Ricasoli, il prossimo anno riaprirà. A maggio, infatti, dovrebbero partire i cantieri che permetteranno al teatro di tornare in attività, in tempo per il centocinquantesimo anniversario di Firenze capitale.
Il Teatro Niccolini viene costruito nel lontano 1648 ed era praticamente coevo della Pergola. Fino alla fine dell'Ottocento, infatti, la Pergola era il teatro lirico, mentre il Niccolini faceva la prosa. Nel 1995, però, la crisi costringe l'antico teatro a chiudere i battenti. Fino ad ora.
Nel progetto di Pagliai, c'è l'idea di costruire al piano terra dell'edificio un caffè letterario che potrà essere utilizzato anche da chi non dovesse trattenersi per lo spettacolo teatrale. Al primo piano, invece, una libreria con uno spazio dedicato alla presentazione di libri.
Quello del teatro Niccolini è un progetto importante e ambizioso che cerca di riqualificare un'area, il centro, e un'attività che piano piano stanno perdendo pezzi.

2_ LA CASA TOSCANA DEL CINEMA
Il Teatro della Compagnia, situato in Via Cavour e progettato da Adolfo Natalini negli anni '80, è un edificio considerato una delle più importanti opere di architettura contemporanea e sta per rinascere in una nuova veste. Il progetto di ristrutturazione dell'edificio lo trasformerà nella Casa toscana del Cinema, spazio destinato ad ospitare un cinema, un teatro e moltissime attività culturali.
Anche il Teatro della Compagnia, cosi come il sopra citato Teatro Niccolini, ha conosciuto anni difficili, passando dal fallimento del teatro regionale toscano alla gestione Cecchi Gori. Dopo il fallimento di quest'ultimo, lo spazio è stato chiuso e adoperato solo di rado.
La spesa totale del progetto di ristrutturazione e adeguamento supera il milione e duecento mila euro. Da contratto, i lavori dovranno terminare entro 300 giorni, quindi non oltre la fine dell'anno in corso.

3_ "LA FIGURA DELLA FURIA". LA MOSTRA SU POLLOCK
In Italia non si era mai visto. Jackson Pollock, artista americano scomparso nel 1956, a soli 44 anni, è stato un genio dell'Arte, un rivoluzionario. Il suo action painting consiste nel dipingere con secchiate di colore, senza l'uso del pennello, della tavolozza, del cavalletto. Girando attorno alla tela.
Per la prima volta in Italia l'artista viene omaggiato con una mostra, composta da 16 opere, visitabile a Palazzo Vecchio dal 16 aprile al 27 luglio. Non è un caso che l'esposizione delle sue opere avvenga a Palazzo Vecchio. Proprio in uno dei simboli della nostra città, infatti, è custodita "Il genio della Vittoria", una delle opere più importanti e famose di Michelangelo Buonarroti. La scelta del luogo sembra voler creare un parallelo tra due artisti, indubbiamente diversi ma uguali nella genialità con la quale si approcciavano all'arte.
Di particolare interesse saranno sei importanti disegni prestati eccezionalmente dal Metropolitan Museum di New York e una serie di opere grafiche provenienti dalla Pollock Krasner Foundation.

4_ FORUM UNESCO SULLA CULTURA E SULLE INDUSTRIE CULTURALI A FIRENZE
Il vicesindaco Dario Nardella si è recato ieri a Parigi, nella sede dell'organizzazione delle Nazioni Unite, per discutere i dettagli dell'appuntamento che farà di Firenze il prossimo autunno per tre giorni la capitale mondiale della Cultura.
I precedenti appuntamenti si sono svolti a Monza ma Nardella, già da deputato Pd, sostenne con forza alla Camera l'idea di portare il forum a Firenze. Per l'organizzazione dell'evento sono stati stanziati quattrocentomila euro. Un appuntamento che ancora una volta, se ce ne fosse bisogno, sottolinea l'importanza che la nostra città dà alla Cultura. Un appuntamento che Firenze non può fallire.

"LEI" di Spike Jonze

2014-03-17T11:17:00.001-07:00

"Lei" (traduzione italiana di "Her") tratta la storia di Theodore Twombly, uomo chiuso in se stesso dopo la separazione con la moglie Catherine (Rooney Mara), che riscopre il sentimento e la gioia di vivere grazie alla tecnologia.

Joaquin Phoenix in una scena del film "Lei"

La storia è ambientata in una Los Angeles di qualche anno avanti nel tempo, dove la tecnologia ha fatto dei passi notevoli al punto che sono stati inventati dei sistemi operativi, OS, in grado di simulare una persona vera, di provare amore, dolcezza, rabbia, di dimostrare simpatia, intelligenza. Insomma, una vera personalità.
L'OS di Theodore si chiama Samantha (voce originale di Scarlett Johansson) ed è capace di portar fuori il protagonista dalla solitudine e dalla malinconia che una vita senza amore trasmette.
Spike Jonze nel film supera la dicotomia tra uomo e macchina, considerando la tecnologia non come un ostacolo ma come un mezzo per raggiungere qualcosa, in questo caso un nuovo sentimento. Theodore, infatti, si trova nell'incapacità di creare un rapporto vero con persone reali e si immerge in questa implausibile esperienza amorosa, uguale in tutto e per tutto all'amore reale, fatta eccezione per il contatto fisico e visivo.
Il regista e sceneggiatore statunitense è bravo a raccontare una storia d'amore uscendo dai canoni e dalla banalità che la trattazione di un tema così classico e dibattuto nell'arte può indurre. Viviamo in un'epoca in cui tutto è stato fatto e rifatto, in cui l'originalità appartiene soltanto ai grandi: Spike Jonze, con questo lungometraggio, dà prova di essere un brillante regista, dimostrandosi originale e non scontato.
Questo film ci vuole insegnare che l'amore, quello vero, colpisce all'improvviso, coglie impreparati, e quando arriva difficilmente siamo in grado di rimanere indifferenti. Anche se si tratta di un sistema operativo.
"Lei" trasmette la necessità di conoscere se stessi per poter vivere un sentimento a pieno, per poter perdonare e perdonarsi (come succede alla fine del film con l'ex moglie).
Bellissimo e struggente film che fa riflettere sul fatto che il cinema, certe volte, più che guardato con gli occhi va ascoltato. E' un aspetto da non sottovalutare nell'era dei grandi effetti speciali.
Un plauso a parte è riservato al superbo Joaquin Phoenix che è quasi sempre in primo piano, da solo, a dar corpo a quelle emozioni che nascono e vivono nel più profondo dell'animo.

OSCAR 2014: Vince Sorrentino con "La grande bellezza"

2014-03-03T01:00:00.000-08:00

Toni Servillo in una scena del film "La grande bellezza"

La grande attesa è finalmente terminata. E nel miglior modo possibile. "La grande bellezza" di Paolo Sorrentino conquista l'Oscar come miglior film straniero dopo ben 15 anni dall'ultima volta. Era il 1999 quando Roberto Benigni con "La vita è bella" sali sul palco per stringere tra le mani l'ambita statuetta. Oggi un altro italiano compie nuovamente l'impresa. Accanto a Sorrentino al momento della consegna del premio, anche Toni Servillo e il produttore Nicola Giuliano. Il regista napoletano si è detto felice e molto emozionato, ha ringraziato Academy, attori e produttori prima di citare le sue fonti di ispirazioni: Federico Fellini, Martin Scorsese e Maradona, "quattro campioni che mi hanno insegnato cosa vuol dire fare un grande spettacolo".

La notte degli Oscar però non si è fermata qui.
Al Dolby Theatre di Los Angeles a festeggiare è soprattutto "12 anni schiavo" di Steve McQueen, premiato come miglior film. Il regista britannico è il primo nero a vincere in questa categoria.

Una scena del film "12 anni schiavo"

Film pluripremiato è stato "Gravity", con il quale Alfonso Cuarón si aggiudica la statuetta per la miglior regia.
L'Oscar per la miglior sceneggiatura originale è andato al film "Her" di Spike Jonze.
Tra i film d'animazione vince invece "Frozen - Il regno di ghiaccio" della Disney.
Tra gli attori, vengono premiati: Matthew McConaughey, Oscar come miglior attore protagonista per Dallas Buyers Club; Cate Blanchett, Oscar come miglior attrice protagonista in Blue Jasmine di Woody Allen; Jared Leto come miglior attore non protagonista per Dallas Buyers Club, ed infine Lupita Nyong'o come miglior attrice non protagonista in 12 anni schiavo. Proprio Lupita Nyong'o, al momento della premiazione, lancia un bel messaggio: "Questa statuetta è un simbolo, per ogni bambino: significa che non conta da dove vieni. I sogni si possono avverare".

Non tutti però sono rimasti soddisfatti dalla premiazione:
Tra i grandi delusi troviamo senza dubbio "American Hustle - L'apparenza inganna" del regista David O. Russell, candidato a 10 statuette ma tornato a casa a mani vuote.

Leonardo Di Caprio in "The Wolf of Wall Street"

Anche Leonardo Di Caprio, nonostante la grande interpretazione in The Wolf of Wall Street di Martin Scorsese, rimane a bocca asciutta e non riesce ad interrompere la tradizione che non lo ha mai visto premiato come miglior attore (ben quattro le nomination ma zero i premi). Sono infatti ben 4 le candidature che Di Caprio ha ricevuto in un paio di decenni di carriera ( nel 1993 per "Buon compleanno Mr Grape", nel 2005 per "The Aviator", nel 2007 per "Blood Diamond" e quest'anno) ma ben zero le vittorie.

"SAVING MR. BANKS" di John Lee Hancock

2014-02-27T11:32:00.001-08:00

"Saving Mr Banks" narra le vicende che hanno portato Mary Poppins, personaggio uscito dalla mente di Pamela Lyndon Travers (al secolo Helen Lyndon Goff), sul grande schermo. Il film ripercorre l'incontro-scontro tra l'autrice e Walt Disney, l'una intenzionata a non cedere i diritti se non alle sue rigide condizioni, l'altro disposto a tutto (anche ad insistere per vent'anni) pur di mantenere una promessa fatta alle figlie.

Il regista John Lee Hancock è bravo a far entrare lo spettatore nella diatriba verbale esistente tra i due personaggi, senza però scadere nell'eccesso. Pamela Travers, attraverso la trasposizione del romanzo in film, rivive passo dopo passo la sua infanzia, segnata dalla scomparsa prematura del padre. Proprio attorno al padre, per certi versi sognatore come Disney, ruota il romanzo e gli avvenimenti che portano la scrittrice a collaborare alla realizzazione della pellicola. Il tema cardine del film è l'esigenza della protagonista, ma in parte di tutti noi, di anestetizzare il dolore di un passato altrimenti difficilmente sopportabile; la necessità di rendere più bella un'immagine che per anni ha turbato i suoi sogni, spingendola a rifugiarsi nell'immaginazione.
Pamela Travers attraverso la scrittura ricostruisce la sua famiglia, invocando l'aiuto di una figura (Mary Poppins, appunto) in grado di sostituirsi alla madre, troppo fragile, e salvare Robert Travers (interpretato da un ottimo Colin Farrell) dalla morte.
Hancock, assieme alla superba interpretazione di Tom Hanks ed Emma Thompson, ci regala una pellicola capace di farci sognare ed emozionare, soprattutto con un sentimentalismo finale gradevole e delicato.
Credo che per capire fino in fondo il film e la storia celata dietro questo storico personaggio occorra leggere il romanzo di Miss Travers, lasciandosi cullare dalla sua meravigliosa fantasia, quale grande eredità lasciatale dal padre.

"12 ANNI SCHIAVO" di Steve McQueen

2014-02-24T02:24:00.001-08:00

Steve McQueen porta sul grande schermo la storia di Solomon Northup, talentuoso violinista di colore che vive con la famiglia nella contea di Saratoga a New York. Siamo nel 1841 quando Solomon viene ingannato da due "amici" e venduto al mercato degli schiavi. Da quel momento inizia l'odissea che lo porterà da Washington alla Luisiana e che lo vedrà nel ruolo di schiavo negro sottomesso al proprio padrone. All'inizio della schiavitù, Northup mostra voglia di vivere piuttosto che sopravvivere, ma ben presto questa forza verrà sostituita dalla volontà di tirare avanti, evitare frustate e maltrattamenti. Dopo 12 anni di schiavitù, abusi, orrori subiti, e un tentativo fallito di inviare una lettera alla sua famiglia, il protagonista incontra Brad Pitt, nel ruolo di un bianco fermamente contrario alla schiavitù e alla disparità tra bianchi e neri, che lo aiuterà a raggiungere la libertà. Appare fin troppo evidente la metafora che vuole il personaggio interpretato da Brad Pitt come l'uomo del ventunesimo secolo, cosciente degli errori commessi dai bianchi, sintomo che la tragedia della schiavitù è ancora sentita dagli americani come una colpa da espiare.

L'inglese Chiwetel Ejiofor nel ruolo di Solomon è molto bravo e a tratti riesce ad emozionare lo spettatore per umanità e capacità di trasmettere sofferenza e disperazione. Da menzionare anche l'interpretazione di un insuperabile Michael Fassbender nel ruolo dello schiavista.

Il film di McQueen nel suo complesso è ottimo, anche se non eccezionale. Il paragone con "Django Unchained" purtroppo non regge. Dispiace dover fare un paragone tra questi, ma nella mente dello spettatore è un meccanismo automatico. Tarantino riesce ad imprimere una profondità psicologica ai personaggi che McQueen non riesce a dare. Nessuno degli uomini e delle donne di "12 anni schiavo" presenta infatti quella ambiguità umana necessaria per fotografare in modo reale quel dato momento storico. Ambiguità umana ed eccessi fondamentali per rendere un buonissimo film un capolavoro assoluto. Fin dall'inizio traspare l'idea manichea del regista, la posizione dei personaggi, la distinzione tra buoni e cattivi. In Django, invece, l'enigmatico personaggio di Samuel Jackson, maggiordomo di Di Caprio a cui non importa assolutamente niente del colore della pelle ma che offre la sua fedeltà al padrone, è un esempio di questa ambiguità.

Ciò detto, McQueen dimostra ancora una volta il proprio talento con scene drammatiche che lasciano lo spettatore attonito, come la fustigazione di Patsey (interpretata dalla brava Lupita Nyong'o) e sequenze emozionanti come il canto di gruppo degli schiavi.

Al Teatro della Pergola: "NON E' VERO MA CI CREDO"

2014-02-21T01:00:00.000-08:00

In questi giorni al Teatro della Pergola di Firenze si sta tenendo uno spettacolo da non perdere. In scena, sotto la regia di Michele Mirabella, c'è la commedia di Peppino De Filippo "Non è vero ma ci credo".

Sebastiano Lo Monaco e Lelia Mangano De Filippo

L'ultima interpretazione alla Pergola di Peppino De Filippo fu nel 1978 proprio con la commedia sopra citata, considerata il suo capolavoro comico. "Non è vero ma ci credo" andò in scena nel 1942 ed ottenne un cosi grande successo che a distanza di dieci anni fu deciso di farne un film, diretto da Grieco.

Sul palcoscenico accanto a Peppino nel 1978, due attori che ritroviamo ancora oggi: Lelia Mangano De Filippo, sua moglie nella vita e nella commedia, e Antonio De Rosa, nel ruolo di Alberto Sammaria. Oggi, il ruolo del protagonista è interpretato da Sebastiano Lo Monaco.

La storia, nota ai più, tratta le vicende del commendatore Gervasio Savastano, il quale ritiene essere perseguitato dalla sfortuna. L'intera opera ruota attorno al concetto di superstizione.

Gli affari del commendatore non vanno bene e la colpa ricade su un suo impiegato, Belisario, accusato di portare iella. Anche in famiglia ci sono dei problemi, in quanto l'unica figlia del protagonista è innamorata di un giovane impiegato non ritenuto da Gervasio alla sua altezza.

Le cose prendono un'altra piega nel momento in cui in azienda arriva un giovanotto, Alberto Sammaria, che viene fatto diventare amuleto portafortuna del commendatore. Il giovane ha una caratteristica fisica che non lascia molti dubbi nella mente di Gervasio: la gobba.

Gli affari riprendono a gonfie vele, la ruota della fortuna sembra girare finalmente dalla parte del protagonista, finché Sammaria non confessa di essere innamorato di Rosina, la figlia del commendatore. Lo Monaco allora si trova di fronte ad un bivio: convincere la figlia a sposare il fortunato impiegato oppure dire addio alla presenza del giovane gobbo e perdere cosi i benefici da questa derivanti?

Dopo un'iniziale opposizione di Rosina, Gervasio riesce a convincere la figlia ad accettare Alberto e i due convolano a nozze. I giorni che precedono il matrimonio non sono tranquilli per il commendatore: strani ed inquietanti sogni disturbano le notti del protagonista, con l'incubo di avere nipotini ereditari del difetto fisico di Sammaria.

Il commendatore allora è sul punto di annullare le nozze quando scopre, con sua e nostra sorpresa, che è stato raggirato...

Lo spettacolo è messo molto bene in scena da Mirabella, gli attori sono bravi e l'atmosfera del Teatro fiorentino gioca un ruolo importante nel far assaporare ancor di più al pubblico la bellezza di questa forma d'arte. Da sottolineare che la differenza la fa un grande Sebastiano Lo Monaco, capace di far ridere e sorridere in ogni momento, con le sue movenze e convinzioni, con il suo dialetto e le sue stravaganze. Davvero un artista a tutto tondo, in grado di attrarre a sé l'attenzione del pubblico dall'inizio alla fine.

"Non è vero ma ci credo" andrà in scena fino a domenica 23 febbraio, consiglio a tutti i fiorentini appassionati di teatro di non perdersi questo bello spettacolo.

Lutto nel mondo del cinema: scomparso Philip Seymour Hoffman

2014-02-03T06:00:00.000-08:00

E' morto ieri, all'età di 46 anni, l'attore e regista statunitense Philip Seymour Hoffman. Il mondo del cinema piange la sua scomparsa. Hoffman è stato trovato morto nel suo appartamento di New York, nel quartiere di Manhattan, probabilmente a causa di una overdose di eroina. L'attore, secondo alcuni fonti, sarebbe stato ritrovato con la siringa ed il laccio emostatico ancora nel braccio.

Nella sua grande carriera, ha girato quasi 60 film, lavorando con registi del calibro dei fratelli Coen, Paul Thomas Anderson e Bennett Miller.
Nel 2005 ha vinto l'Oscar come miglior attore protagonista grazie alla sua interpretazione dello scrittore Truman Capote in "Capote". Inoltre ha ricevuto tre candidature all'Oscar come miglior attore non protagonista, nonché tre nomination al Tony Award per il suo lavoro in teatro.
Tra i film in cui Hoffman ha recitato ricordiamo: Il grande Lebowski, Happiness, Boogie nights, Magnolia e molti altri ancora.