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LICEALI ROMANI INVENTANO IL DANTE ENERGIA

noreply@blogger.com (luciofab) — Fri, 28 May 2021 09:24:00 +0000

Si è ispirata al disegno del giovane Dante, del pittore giottesco Puccio Capanna, la classe V CD del liceo artistico Ripetta, uno dei più prestigiosi istituti scolastici Italiani.

Gli studenti, coordinati dai Professori Beatrice Angelini, Luciano Fabale e Gilberto di Benedetto, hanno ideato un’isola digitale, a disposizione dei Cittadini che utilizzando i mezzi elettrici, quali monopattino, bicicletta e motorino, possono essere facilitati a rifornirsi di energia da queste postazioni da installare nei parchi Italiani e sulle strade principali delle citta’ Italiane.

La portavoce della classe V CD, Perla Troncone, in una nota ha dichiarato: “La nostra missione, è quella di stimolare il più possibile l’uso di veicoli non inquinanti, dando la possibilità tramite queste isole tecnologiche, di dare energia a questi mezzi green. Inoltre ogni isola sara’ dotata di una fontanella, che ci dara’ acqua pura tramite un sistema di microﬁltratura, senza contare, che in un mondo sempre più connesso, come quello del futuro prossimo, il poter ricaricare facilmente il proprio computer, o telefonino, rendera’ il telelavoro eseguibile anche all’aperto. Dopo la maturità, ci piacerebbe creare una start up innovativa, per ingegnerizzare e realizzare le nostre idee ecosostenibili poiché noi giovani siamo i primi a vivere nel mondo di domani. Conﬁdiamo quindi nelle promesse del nostro Presidente del Consiglio, Mario Draghi che ha promesso fondi concreti per i giovani che hanno voglia di lavorare. Abbiamo ricevuto poi con grande piacere i complimenti dell’On Vittorio Sgarbi, che ha dimostrato sensibilita’ verso noi giovani volenterosi. Il progetto, è stato realizzato unendo il volto di Dante, ad una spirale, dopo un adeguato studio per il bilanciamento ed il funzionamento, che sono stati ottimizzati al massimo, per permettere di avere tutte le comodità in tre metri per due e mezzo. Per agevolare l’utilizzo, saranno indicate su un’applicazione tutte le isole disponibili. Oltre ad essere un punto di sosta ogni isola, è realizzata in polipropilene, un materiale molto resistente ed eco sostenibile ed il nostro obbiettivo è arrivare ad una struttura ad impatto 0. Anche per questo l’isola è completamente alimentata da dei pannelli solari posti sulla parte superiore, per permettere, non solo il caricamento di tutte quelle biciclette elettriche che specialmente a Roma, sono abbandonate sui marciapiedi, ma ma anche la ricarica di apparecchiature elettroniche. Inﬁne l’isola, è dotata di un distributore d’acqua che sarà un servizio gratuito alla città, con annessi anche dei bidoni per la raccolta differenziata. Inserendo una tessera personale, o direttamente dal telefono verranno calcolati i punti che si potranno utilizzare per prendere a noleggio le biciclette elettriche. Nella parte interna della struttura sarà collocato un display per gli eventi della città in cui è collocato, ma potrà anche riportare gli orari degli autobus aggiornati se all’occorrenza servirà come pensilina.” Ci fa piacere che questi ragazzi della capitale, guidati dai loro insegnanti, si siano ispirati a Dante ed al suo unico “volto bello” nell’arte, che anche questa rubrica cerca di divulgare, per realizzare quest’idea innovativa, alla quale auguriamo ogni successo.

BAMBOLE SEDUZIONI QUEER

noreply@blogger.com (luciofab) — Sun, 07 Oct 2018 14:32:00 +0000

BAMBOLE SEDUZIONI QUEER

SAB 13 ott h 19 Mondrian Suite ///
Evento-esposizione ideato da Vitaldo Conte e Luciano Fabale. Interviene Helena Velena.
Festa Ritual Dionisiaco h 21

La rosa rossa è un immaginario per l’arte del desiderio. Può vivere anche attraverso una bambola abbandonata con memorie d’amore. Come la protagonista dell’evento di Vitaldo Conte ‘La bambola della rosa rossa’ (Atelier Montez, Roma 2018) che, con altri apporti visivi, “vive” oggi in un video, grazie a Luciano Fabale (riprese e montaggio). Sarà presentato in un sensualmomento d’arte nel nero della Mondrian Suite, sabato 13 ottobre 2018, con un finale festa-dionisiaco.

Collaborano: Laura Baldieri, Antonella D’Ortenzio, Laura Grispigni, Gio Montez, Tiziana Pertoso, Valentina Rimauro

Stoned 'Rockabilly'

noreply@blogger.com (luciofab) — Wed, 05 Sep 2018 09:32:00 +0000

'Rockabilly' by Stoned
The Stoned are
Luciano Fabale guitar
Andrea Santangelo drums

STONED 'Brown sugar' (Rolling Stones cover)

noreply@blogger.com (luciofab) — Sun, 05 Aug 2018 21:52:00 +0000

STONED 'Brown sugar' (Rolling Stones cover)
The Stoned are
Luciano Fabale guitar
Andrea Santangelo drums

Stoned "Enter Sandman" (Metallica cover)

noreply@blogger.com (luciofab) — Tue, 31 Jul 2018 22:13:00 +0000

Stoned "Enter Sandman" (Metallica cover)
The Stoned are
Luciano Fabale guitar
Andrea Santangelo drums

Stoned 'Jumpin kompressor' (Rolling Stones cover)

noreply@blogger.com (luciofab) — Thu, 26 Jul 2018 09:42:00 +0000

Stoned 'Jumpin kompressor' (Rolling Stones cover) The Stoned are Luciano Fabale electric guitar Andrea Santangelo drums

Stoned "Solo Little Wing" (Jimi Hendrix cover)

noreply@blogger.com (luciofab) — Sun, 22 Jul 2018 11:35:00 +0000

Stoned "Solo Little Wing" (Jimi Hendrix cover)
The Stoned are
Lucio Fabale guitar
Andrea Santangelo drums

Stoned "Fire" (Jimi Hendrix cover)

noreply@blogger.com (luciofab) — Wed, 27 Jun 2018 13:05:00 +0000

Stoned "Fire" (Jimi Hendrix cover)
The Stoned are
Lucio Fabale guitar
Andrea Santangelo drums

Stoned "Hey Joe" (Jimi Hendrix italian cover)

noreply@blogger.com (luciofab) — Wed, 20 Jun 2018 21:36:00 +0000

Stoned "Hey Joe" (Jimi Hendrix italian cover)

Luciano Fabale guitar and voice Andrea Santangelo drums

Stoned "Purple Haze three" (Jimi Hendrix cover)

noreply@blogger.com (luciofab) — Tue, 22 May 2018 20:52:00 +0000

Stoned "Purple Haze three" (Jimi Hendrix cover) Stoned is a garage rock band inspired by the style of Jimi Hendrix; the Stoned are Luciano Fabale on guitar, Andrea Santangelo on drums.

Stoned "Purple Haze" (Jimi Hendrix cover)

noreply@blogger.com (luciofab) — Tue, 15 May 2018 13:39:00 +0000

Stoned "Purple Haze" (Jimi Hendrix cover)
The Stoned are: Luciano Fabale guitar, Andrea Santangelo drums.

Stoned "Hey Joe" cover (Jimi Hendrix)

noreply@blogger.com (luciofab) — Mon, 07 May 2018 13:16:00 +0000

Cover "Hey Joe" by Stoned.
The Stoned are: Luciano Fabale guitar, Andrea Santangelo drums.

SPAZI APERTI - ULTRAPOP

noreply@blogger.com (luciofab) — Tue, 03 Apr 2018 20:14:00 +0000

“Spazi aperti” si compone di cinque esposizioni tra collettive e personali da tenersi presso la Sala Orsini di Formello. Il ciclo si prefigge l’obiettivo di osservare e divulgare gli ambiti del Contemporaneo, sia sul piano formale che del messaggio. Quegli “spazi aperti” in cui l’arte può delinearsi liberamente, elevandosi come portatrice di riscritture del presente e della bellezza, andando quindi oltre certi steccati dogmatici che paradossalmente finiscono con l’imbrigliarla. 

Ideazione e direzione artistica, Pier Luigi Manieri

Ultrapop
Tripersonale di Omino 71, Stefano Bolcato, Easypop
A cura di Pier Luigi Manieri e Valeria Arnaldi
8-14 aprile
Collettiva formata dalle opere di tre artisti che da anni contribuiscono in modo significativo all’affermazione di una pop art fieramente italiana. I temi si snodano tra l’icona, il gioco e il sociale. 
Tutte d’un pezzo
tripersonale di Olga Piashkp, Nora Lux, Monica Sarandrea
A cura di Pier Luigi Manieri
13- 19 maggio
Declinata tra pittura, scultura e fotografia, la mostra intende porre l’accento sul ruolo della donna nell’arte. Al di là delle quote rosa.
A cura di Pier Luigi Manieri
Assenza-Essenza 
personale di Pasquale Nero Galante
A cura di Angelo Andriuolo e Pier Luigi Manieri
17 – 24 giugno
Spaziando tra figure di donna e paesaggi, agitati entrambi da un’inquietudine resa con potenza evocativa dalla mano di Nero Galante, la mostra è un viaggio profondo nell’introspezione, nella solitudine e nel tempo che inesorabilmente scorre solo in avanti. 
Materia-Energia 
Personale di Antonio Taschini. 
8 -14 luglio
A cura di Pier Luigi Manieri e Valeria Arnaldi
La scultura vigorosa e possente eppure elegante e sofisticata di Taschini, è echeggiante di mito, forza, suggestione. Una collezione di pezzi di assoluto pregio sulla coordinata della storia. Tra leggenda e trasfigurazione
Ultrapop 2.0
Bipersonale di Giancarlo Antonini, Lucio Fabale
21 - 29 luglio
A cura di Pier Luigi Manieri
Due generazioni di artisti, lontane per età ma combinabili mirabilmente per lettura dell’icona. Metafisica e pixel da pc, personaggi che appartengono al fumetto, al cinema e al videogioco, riscritti con rara efficacia perché sottratti al loro elemento trovino nuova identità.


Sala Orsini, Piazza San Lorenzo, 3 - Formello (RM)

SELF MASCOT IN GRANDI FORMATI

noreply@blogger.com (luciofab) — Thu, 07 Dec 2017 11:35:00 +0000

SELF MASCOT IN GRANDI FORMATI

Essere la mascot di se stessi, o crearsi una mascot personale. In questa oscillazione pendolare tra due forme di alienazione si danno le condizioni della fase neo pop: tra artista e opera, tra opera e merce, tra artista e merce. Crearsi un proprio personaggio pare ed è una presa di potere sulla merce imposta, ma pare ed è anche una adesione alla sua riduzione. Che vede la “dittatura del personaggio” sopravanzare l’autore. Che vede la coincidenza tra la pittura e la narratività del personaggio, contraddire una delle categorie fondanti del visivo (e di ogni altro media in una nullificante crossmedialità). Ma è qui la contemporaneità, di pitture-personaggi che esistono anche senza narrazione. Come dal buio di questa mostra, emergono da una narrazione senza storia. Tutto ciò, a dispetto del loro carattere cute, è presentato in grandiosi formati, come il gesto universale del “Ken” di Street Fighter II, trionfante (Luciano Fabale). Perché qualsiasi cosa possa accadere, sarà parte dell’immaginario che ci appartiene.

Dallo Spunky di Luciano Fabale al Tuty di Elio Varuna, da Mademoiselle Good Heavens di Katja Tukiainen al Gogolì di Natascia Raffio, alla nuova serie di Omino71, che mostra il confine comunicante tra mutilazione cute e situazionismo nelle sue icone accecate da scritte, fin proprio al pixel che sfoca il gioco amatissimo, bloccandolo in una dimensione sospesa, dove memoria e tecnica confliggono all’infinito.

Giancarlo Carpi

La mostra è accompagnata da un videodocumentario di Laura Grispigni

dal 16 al 29 dicembre 2017 (apertura al pubblico 16-17-21-22-28-29 / h 18:00-20:00)

vernissage 16 dicembre h 18:00

MONDRIAN SUITE Art Gallery

Via dei Piceni, 41 - Roma

ESCURSIONI ONIRICHE

noreply@blogger.com (luciofab) — Mon, 18 Sep 2017 19:59:00 +0000

ESCURSIONI ONIRICHE
Vitaldo Conte, Luciano Fabale, Laura Grispigni, Kali, Ruben Martinez,
Gio Montez, Valentina Rimauro, Silvia Valeri, Helena Velena
a cura di Klaus Mondrian
dall’8 al 12 ottobre 2017 h. 17.00/20.00
vernissage domenica 8 ottobre 2017 dalle h 19.00
MONDRIAN SUITE
Via dei Piceni, 41 - Roma

Domenica 8 ottobre 2017 alle ore 19.00 la galleria d’arte contemporanea Mondrian Suite ha il piacere di inaugurare la mostra Escursioni Oniriche. Gli spazi della galleria si trasformano in questa occasione in un palcoscenico per ospitare una serie di performance ispirate al tema del sogno. Nello stesso luogo si fonderanno arti performative ed arti visive, quest’ultime saranno l’impianto scenografico del luogo teatrale, dove lo spazio e il tempo diverranno un elemento unico di una esperienza collettiva.

Programma dell’evento:
h. 20,00 performance di Laura Grispigni e Valentina Rimauro
h. 20,45 performance di Gio Montez e Vitaldo Conte
h. 21,30 performance di Helena Velena

In esposizione le opere di:
Luciano Fabale, Laura Grispigni, KALI, Ruben Martinez, Valentina Rimauro, Silvia Valeri

Comunicazione visiva e ufficio stampa:
Luciano Fabale - luciofab29@gmail.com

Hyper mentalized artwors / Hypo mentalized artists

noreply@blogger.com (luciofab) — Tue, 02 Aug 2016 10:57:00 +0000

Gabriel / Elio Varuna / Esteban Villalta Marzi / Katja Tukiainen / Lucio Fabale / Omino 71

9 August - 9 september 2016

Art Yourself Gallery Bld. Dacia nr.51, etaj 1, Bucuresti -www.artyourselfgallery.ro

Passeggiata al MAAM / 20 settembre 2015

noreply@blogger.com (luciofab) — Mon, 21 Sep 2015 10:50:00 +0000

Passeggiata al MAAM: Museo dell'Altro e dell'Altrove METROPOLIZ.
Roma, via Prenestina, 913, 20 settembre 2015.

"In principio era il volto" personale di Tiziana Cera Rosco

noreply@blogger.com (luciofab) — Thu, 06 Aug 2015 09:13:00 +0000

Giovedì 3 settembre 2015 alle ore 19.00 Mondriansuite Gallery inaugura la sua stagione espositiva con la personale di Tiziana Cera Rosco "In principio era il volto". L'evento fa parte della rassegna “DUENDE//l’oscura energia dei corpi”, ideata e curata da Lori Adragna, che metterà in scena tra settembre e ottobre le opere e le azioni performative di: Tiziana Cera Rosco - Ginevra Napoleoni & Massimiliano Siccardi - Francesca Romana Pinzari. 4 artisti/performer accomunati dall'insopprimibile bisogno di spingersi oltre i confini di sé e di esprimere le proprie interiorità attraverso molteplici media: dalla poesia alla danza, dalla fotografia alla videoarte, dall’installazione alla pittura, utilizzando il corpo -vissuto come luogo di sperimentazione- per stabilire un ponte elettrico con lo spettatore. È in loro, quell’ineffabile oscura energia che si risveglia nell'inconscio nel momento creativo: il lorchiano duende*. Quel carisma che “ha bisogno dei cinque sensi e di abitare nel sangue - quel fluido inafferrabile, quintessenza dell'arte. Che scaturisce dalle profondità telluriche, attraversa il corpo e dal corpo promana - respingendo le geometrie apprese, rompendo gli stili*. Ecco allora che l'arte, oltre le qualità materiali, si fa emozione, visione condivisa presenza che impregna lo spazio, fa vibrare l'aria, fagocita I sensi determinando una sorta di rivelazione e di sovvertimento, uno stato di sospensione e di assoluto.

In questa mostra dal titolo "In principio era il volto", rivisitazione dell’incipit del Vangelo di Giovanni: (in principio era il verbo e il verbo era presso Dio e il verbo era Dio), per Tiziana Cera Rosco l'imprendibilità del volto sconvolge il corpo: l’artista lavora sempre e solo su autoscatti e impronte della sua figura. Le impronte sono realizzate ogni volta in originale, direttamente sul corpo così che non esiste una matrice meccanica, ma l'originale dell'impronta è sempre e solo il corpo vivo. Il lavoro comprende tutte le declinazioni in cui l'artista ha, consapevolmente o meno, affrontato il tema del volto e delle sue ripercussioni sul corpo: dalle fotografie in cui l'integrazione dei corpi non pare possibile, a quelle in cui interagisce con i manichini dai volti neutri nascondendo il suo, a quelle in cui il fiore è uno specchio chiaro di qualcosa di scuro, o ancora fotografie statuarie dove plastiche e corde intervengono come scudi sul viso in figure protettive, fino ai calchi di bende e gesso a volte scavati nel petto e divelti dal fuoco fino al viso, o ai lavori fatti con piccoli specchi e plastiche bombate in cui il volto, sfondato nel suo centro diventa auscultazione di tutti i riflessi possibili dell'immagine che non sa rifletterlo.

“Oscurato, riflesso, sfondato, raddoppiato, custodito o deformato dietro l'apparenza delle forme, sacrificato o salvato delle sintassi dell'immagine, il volto pare essere di noi la parte più vicina all'anima, perché dedito allo sguardo. Non potendo guardare se stesso se non riflesso, pare essere l'organo della visione centrale e se guardato direttamente, come con Dio, si viene accecati”. (Tiziana Cera Rosco)

A completare il discorso interviene il lavoro con le performance. Da Patientia, che è un'intercessione in forma di performance e che viene eseguita solo nei boschi, è una preghiera metamorfica che sfigura il volto nel suo bisogno di contatto in luoghi naturali, passando per Abluzione, in cui il lavaggio del manichino con il latte è una deposizione del corpo del mondo, fino a Medulla, una performance in duo con Annalù Boeretto, in cui il volto è completamente preda della solitudine del suo nero, ma viene protetto dalla presenza dell'altro che ne assicura l'inviolabilità.

In questo percorso pare esserci il tema di un Narciso che non riesce a completare e rompere davvero la propria immagine perché non riesce ad incontrare mai davvero il suo volto.

Se prima erano i manichini il tema del corpo dell'altro, un corpo neutro, quasi mai affettivo se non nel compianto, la figura che viene presentata nei nuovi lavori di In Principio era Il volto è la propria immagine calcificata e leggera, come un'apparenza che dovrà essere lasciata indietro e con questa apparenza anche i vecchi modi del dolore, delle relazioni, delle ferite.

In occasione dell’opening alle ore 20.30 Tiziana Cera Rosco presenterà la live performance Butterfly.

Tiziana Cera Rosco. Artista. Nasce a Milano nel ’73, dove ora vive, ma continua a crescere nel Parco Nazionale D’Abruzzo. Attratta fin da bambina dalle Sacre Scritture e dalla Natura, è esponente della poesia mistica e selvatica, poesia visionaria che ha trasportato nelle sue opere fotografiche (lavori per i quali ha inventato una tecnica di lavorazione manuale), nei suoi calchi seriali realizzati sempre e solo uno ad uno, che nelle performance. Nel suo lavoro si rintraccia l’idea umanista di artista totale che usa ogni mezzo artistico e naturale disponibile per la manifestazione di una visione che ha sempre a che fare col sacro, anche il sacro naturale. Le sue fotografie ( autoscatti) sono immerse in un orizzonte quasi religioso in cui le figure spesso nascono dal buio. Ha sempre lavorato sul tema del Corpo Iconicizzato e ha affrontato con le installazioni, la musica ( col sistema della motion capture), la fotografia, la parola, l’immagine, le performance i temi della preghiera, del corpo familiare, dell’icona domestica, del doppio, della deposizione, della dedizione e della castità selvatica.

Nei teatri è impegnata con la trilogia degli animali sulla femminilità e testi di poeti da cui è ispirata e che porta su grandi gonne che lei stessa costruisce.

Dall'autunno del 2015 inizierà Corpus, un progetto sugli alberi e sulle radici (che lei già espone, nudi, ripuliti, sollevati da terra ad altezza uomo come totem dal titolo “la scrittura non si immagina” ) e Aspera un progetto di eremitaggio artistico nella piccola Casa Del Senza in territorio Valdese.

Ha una passione per i cervi, i lupi, le icone bizantine e quando sarà molto vecchia farà il falconiere.

PERFORMANCE / INSTALLAZIONI:

Butterfly (performance Monastero di Fonte Avellana, da maggio 2015)

Qual è la parola (su Beckett, Festival della Follia, Torino, da giugno 2015)

Medulla (con Annalù Boeretto, Artefiera, progetto Macrocosmi, galleria Restarte, gennaio 2015)

Requiem per Olmo ( progetto Clorofilla con Andrea Settapiglio, dal 2014)

Patientia (in performance nei boschi dal 2014 -)

Conversazione con una pietra (su Szymborska, Sferisterio di Macerata, Musicultura 2014)

La tua ombra (su Strand, tempio di adriano, febbraio 2014, Roma)

E’ vostra la vita che ho perso (su Amelia Rosselli, tempio di Adriano, febbraio 2014, Roma)

Abluzione ( galleria Gagliardi, dicembre 2013, san Gimignano)

La chiave d’oro (Stella Withe, novembre 2013, Caserta)

Diana (MaaM, ottobre 2013, Roma)

Commento alle sette parole ( Clang, Scicli, maggio 2013, chiesa di san Giovanni)

Ritorna ( Museo Villa Croce di Genova, dicembre 2012, con lettura integrale del testo dell’Apocalisse )

Esercizi di Luogo (Sponge Arte Contemporanea, Pergola 2012, sul corpo familiare)

Il tema del padre (Arte Accessibile, Milano 2012 per SPonge Arte Contemporanea)

Pulsar -2battito– (Step’09 Museo Della Scienza e Della Tecnica, Milano 2011, galleria David Paludetto)

Pulsar -1battito- (Carceri Nuove, The Others, Torino 2011, galleria David Paludetto)

ESPOSIZIONI :

Anche il buio fa assegnamento sul vedere (Palazzo Sipari, agosto 2014, Pescasseroli AQ)

Saen Licht (Mies, maggio 2014, Modena)

Censured (Visiva, dicembre 2013, Roma)

La diminuzione (Lo Spazio, dicembre 2013, Pistoia)

Lesione del Chiaro (Arterrima, novembre 2013, Caserta)

Lesione del chiaro ( Cagli, 2013 settembre)

Apokalips (Palazzo Pirelli, Milano 2012 curat. Giacomo Maria Prati)

The Deep (Nigredo, Roma 2010)

Il Doppio (Luci Della Città, Caserta 2010)

SCHEDA INFO

In principio era il volto
di Tiziana Cera Rosco

Opening giovedì 3 settembre 2015 (fino al 19 settembre 2015)

Orario: 19.00 - 22.00 (live performance Batterfly ore 20.00)
Luogo: Mondriansuite Gallery, Via Dei Piceni, 43 (San Lorenzo) Roma

Per la rassegna DUENDE//l’oscura energia dei corpi #1

Ideazione e Curatela: Lori Adragna

Direzione: Klaus Mondrian

Organizzazione: Luciano Fabale

Ufficio Stampa: ComunicaDesidera /Roberta Melasecca roberta.melasecca@gmail.com 349.4945612

*duende = demone
*Federico Garcia Lorca, nella sua Teoria y juego del cante jondo

Compendio storico artistico / Chaïm Soutine

noreply@blogger.com (luciofab) — Tue, 02 Jun 2015 20:52:00 +0000

Carcass of beef - 1925 (Chaïm Soutine)

Soutine, russo di origine poverissima, si trasferì a Parigi nel 1913 dove visse una vita grama, nella miseria più assoluta e in condizioni igieniche disastrose. La sua vita cambiò radicalmente nel 1922, quando conobbe a Parigi Alber Barnes, medico divenuto miliardario grazie alla scoperta di un anitsettico. Soutine conobbe così la ricchezza e iniziò a frequentare i migliori sarti di Parigi, ma soprattutto affittò uno studio dove dipinse le sue opere più impressionanti: buoi squartati. Egli era attirato dai processi di decomposizione. Dal momento che dipingeva dal vero, acquistava buoi squartati dai mattatoi e li appendeva nel suo studio, cosa che gli procurò non pochi guai con i vicini. Alla carcassa aggiungeva, di tanto in tanto, sangue fresco, mentre un assistente allontanava le mosche.

Compendio storico artistico / Jackson Pollock

noreply@blogger.com (luciofab) — Tue, 02 Jun 2015 20:50:00 +0000

Espressionismo astratto americano

Jackson Pollock - Figura Stenografica (1942). In quest'opera è evidente in Pollock l'adesione alla scrittura rapida surrealista associata ad un impianto visivo di derivazione cubista; pertanto è chiara l'adesione di Pollock alla psicoanalisi di Jung, secondo il quale l'umanità condivide, nel suo inconscio collettivo, degli archetipi, delle forme primarie che hanno uno stesso significato per tutti. Sia chiaro...

Pollock, attratto dalle pitture di sabbia degli indiani Navajo, nelle quali secono lui si potevano ritrovare i segni incontaminati dell'inconscio primigenio, raggiunse l'acme della sua produzione nel 1947, quando iniziò a ingigantire i pennelli e a staccarli dalla tela.

La tela non era più uno spazio da progettare, ma un'arena in cui combattere in trance, lasciando agire l'inconscio e il pulsare del ritmo vitale.

(Jackson Pollock / number 14 gray - 1948)

IRREFRENABILI AUTOMATISMI

noreply@blogger.com (luciofab) — Mon, 01 Jun 2015 19:10:00 +0000

IRREFRENABILI AUTOMATISMI
di Daniele Statera
Testi critici di Simona Cresci e Teresa Di Gregorio.
Ufficio stampa, organizzazione e collaborazione alla curatela: Luciano Fabale, Klaus Mondrian e Lori Adragna.
Giovedì 18 giugno dalle 18:00 alle 21:00 Mondrian Suite Gallery presenta la mostra di Daniele Statera dal titolo “Irrefrenabili Automatismi”.

Attraverso una selezione di “Ritratti” e di sculture dinamiche, i “Meccanismi immaginifici” di Daniele Statera, artista e designer romano, si indaga il rapporto tra la soggettività psicologica dell’individuo – che in Statera è volta a tracciare ritratti materici, dal supporto smaterializzato – e l’interferenza di questo con un tipo di automatismo meccanico, quello degli oggetti elettronici, interlocutori sempre più presenti nelle nostre vite.
Biografia:
Daniele Statera, Roma 1971. Laureato in Disegno Industriale allʼUniversità di Roma “La Sapienza”, opera su un confine labile tra arte e design.
Eʼ stato professore a contratto di disegno industriale presso la Sapienza di Roma, dove continua la sua collaborazione come consulente esterno, grafico e art director.
Collabora con aziende ed editori nel settore del disegno industriale, graphic design, comunicazione visiva e fotografia, sviluppando suoi prodotti attivi ancora nel mercato. La sua di indagine sconfina dai meccanismi industriali ai meccanismi psicologici e culturali: attraverso sperimentazioni di varia natura ha realizzato vere e proprie installazioni architettoniche o ambientali, in cui attivare la percezione e l’azione delle persone.
Con le Bitnative nel1998 Sergio Lombardo lo invitò ad un incontro collettivo presso il Museo di Arte Contemporanea MACRO di Roma: si annunciava un modo dʼuso della macchina arbitrario ed originale, come è dellʼarte.
Con le Bitnative – “il prodotto, scrive Daniele Statera, di un interfacciamento a basso livello dei flussi informatici e di quelli cerebrali”, – ha scelto di praticare una astinenza espressiva rigorosa che permette di indagare nella coscienza sociale informatica, affidando ogni lavoro all’azione eventuale di un altro.
Con I meccanismi immaginifici _ degli oggetti che tendono a mettere in contatto il fruitore con il suo bisogno di trascendere_ genera l’azione attraverso il gioco, l’ interazione e la contemplazione di attività apparentemente inutili: scultura pericolosa e giocabile.
Le sculture Stelle , Costellazioni e Visioni Sensibili sono chiamate dall’artista “forme generative”, “opere che vogliono essere vissute e utilizzate. Linee automatiche, sovrappensiero,ma deliberate. Significati soggiacenti. Erotismo ed energia”.

Dove: Mondrian Suite Gallery, via dei Piceni 41-43
Inaugurazione: giovedì 18 giugno ore 18-21
Orari galleria: dalle ore 16:00 alle 20:00
Durata della mostra: fino al 25 giugno

Simona Cresci
Oggetti apparentemente diversi tra loro per materia e composizione, quali “Ritratti” in silicone e le installazioni dinamiche conosciute come “Meccanismi immaginifici”, si relazionano nella mostra personale di Daniele Statera dal titolo “Irrefrenabili Automatismi”.
Il termine “Automatismo” collega immediatamente al Manifesto del 1924 di André Breton e alla sua definizione del Surrealismo, in particolare quando scrive: “Il Surrealismo si fonda sull’idea di un grado di realtà superiore connesso a certe forme di associazione finora trascurate, sull’onnipotenza del sogno, sul gioco disinteressato del pensiero.” Daniele Statera realizza sculture prevedendo l’interazione con il pubblico attraverso il gioco che “apre le porte di alcune zone della nostra essenza altrimenti raramente praticate”.
La definizione di gioco esplicitamente articolato e complesso mette in luce i molteplici sistemi di somiglianze, di sovrapposizioni, tra le cose che deputiamo arte e la personalità dell’artista che le mette in pratica. Le regole che lo definiscono sono state nel tempo sovvertite, sostituite e in alcuni casi eliminate. Basti pensare a Marchel Duchamp e alla sua associazione tra il ruolo di artista e quello di giocatore di scacchi.
Il gioco quale elemento composto da regole trasgredibili, diviene il principio della ricerca artistica di Daniele. I “Meccanismi immaginifici” sono “oggetti giocabili” e la loro interazione, necessaria al fine della loro funzione, ne autorizza un intervento attivo… giocoso… e nel concetto di gioco è spesso contenuta l’idea di competizione.
“Irrefrenabile”: come travolgente è la possibilità di giocare.
Percorrendo la mostra “Irrefrenabili Automatismi”, lo spettatore potrà non distinguere la separazione tra i vari ambiti: è design industriale? È scultura? È grafica?
Qualificherei Daniele Statera come artista del suo tempo con uno spiccato senso ironico, da sempre impegnato a sperimentare nuove tecniche e nuovi linguaggi espressivi al confine tra design, fotografia e grafica.
I suoi ritratti in silicone nero e in metallo che ben interagiscono con le strutture meccaniche e giocose esposte in un unico ambiente, sono sculture parietali con le quali ha ritratto – i quattro curatori invitati a raccontare il suo lavoro – e si è ritratto, accanto alla sua famiglia. E’ possibile che la scelta di autoritrarsi e ritrarre voglia far riflettere sul problema dell’identità personale ancora oggi inafferrabile e non ancora conclusa?

Teresa Di Gregorio
Il segno libero è quello tracciato quasi soprappensiero.
Combinando insieme spazio e materia, il segno si va tramando nell’aria. E’ una trama lontana da quella rigida e ordinata della stoffa. La sua struttura si determina ora piano ora veloce, dall’impulso distratto di chi lo compie. E’ un impulso vitale che arriva incontrollato. Ma è quell’ impulso che per diventare gesto e direzione necessita di un ordine che permette ai singoli tratti di moltiplicarsi progressivamente costituendosi in forma. Sorta di automatismo accompagnato dalla previsione, paradosso di casuale e causale, ricalca la struttura imprevedibile dell’esistenza, la traduce in tracciato grafico. Come in un gioco, tra regola e caso, prende forma l’immagine di un volto, chi vive ora piano ora veloce, certamente sospeso tra disordine e rigore.
La tensione esistenziale tra predeterminato e imprevedibile, casualità e controllo compare
anche nell’oggetto automatizzato.
In “Pendolo” e “Meccanismo immaginifico n.2 il contorsionista” ‘l’impulso umano che va
tracciando la forma del ritratto compare trasformato in forza meccanica. Entrambi sono dotati di un movimento predeterminato che non esclude impreviste interferenze con lo spazio circostante. Ancora in bilico tra regola e caso, “Pendolo” può diventare strumento molesto. Come un qualsiasi strumento, anche “Pendolo” agisce in uno spazio circoscritto. Questo è lo spazio dell’opera, ben segnato e individuabile, in cui chi guarda vi può entrare, si può muovere e interferire col dispositivo in movimento trasformandosi momentaneamente in evento estetico. Ma chi inizia a danzare con Pendolo non può non instaurare un rapporto anche con chi di Pendolo è il momentaneo padrone.
Prodotto meccanico nell’era della tecnologia avanzata “Pendolo” non vuole essere utile se
non per provocare una reazione. Curioso e manovrabile, offre una esperienza completa solo se intrapresa in due: chi sarà il soggetto che ne determinerà il movimento e chi invece ne subirà l’aggressione? Nuovo arnese a plurima fruizione, invita al gioco proponendosi come strumento di sperimentazione nel rapporto tra oggetto, persone e spazio dell’opera.
“Meccanismo immaginifico n.2″, il contorsionista” manifesta con aria vagamente minacciosa il il flusso vitale che si robotizza. Non più impulso bio-psichico che disegna ritratti nell’aria, è movimento tecno-psicotico che nell’aria fa vibrare un corpo. Sembra esausto e si sostiene tra scatti e sussulti come indotti da forza elettrica esterna. Si adagia finalmente nell’agognato riposo, ma un guizzo vitale gli impone di seguire daccapo la stessa manfrina. Immagine meravigliosa e impietosa insieme, non vorrà fare il verso ai ritmi frenetici che spesso ci riducono (quasi) così?

CLOCKWORK – PERSONALE DI FRANCO LOSVIZZERO

noreply@blogger.com (luciofab) — Sat, 21 Mar 2015 20:13:00 +0000

ClockWork è una mostra personale di Franco LoSvizzero che si terrà dal 27 marzo al 4 aprile 2015 presso la Mondriansuite, galleria di arte contemporanea romana. L’evento è curato da Lori Adragna e promosso da Klaus Mondrian e Luciano Fabale,

“Fin da tenera età Andrea Bezziccheri, è stato introdotto alla meditazione trascendentale da sua madre, e grazie alla vastità spirituale vissuta nella dimensione metafisica ha scoperto anche una nuova estensione di sé stesso che lo ha portato a voler distinguere una sua “doppia” vita; così è nato il suo alter ego Franco Losvizzero. Andrea Bezziccheri è regista cinematografico (con 4 film al suo attivo), ma Franco Losvizzero è artista pluridisciplinare.

Scultore, pittore, performer, avvezzo a praticare meccanismi mentali all’avanguardia che lo hanno portato a congegnare sculture meccaniche che sembrano provenire dall’altrove, e a ideare delle performances di forte impatto onirico, ma non solo. Ultima la celebrazione del suo matrimonio con la Bellezza e l’arte.” (fonte: Il congegno meccanico e mentale di Franco Losvizzero – http://www.arte.rai.it/articoli/il-congegno-meccanico-e-mentale-di-franco-losvizzero/23692/default.aspx)

LA MENTE DEL CORPO: INTENZIONALITÀ E INCONSCIO DELLA COSCIENZA / CONFERENZA/PRESENTAZIONE DEL LIBRO

noreply@blogger.com (luciofab) — Sun, 15 Mar 2015 21:41:00 +0000

il 25 marzo 2015 alle ore 19,00 presso il Grand Hotel Tiberio in via Lattanzio, 51 – Roma
Marta Olivetti Belardinelli e Silvano Tagliagambe
presentano
La mente del corpo: intenzionalità e inconscio della coscienza
un testo di Gian Paolo Scano

L’inconscio esiste davvero? La mente funziona realmente secondo il modello disegnato da Freud più di cento anni fa? La psicoanalisi, oltre al suo luminoso passato, ha anche un presente? E soprattutto avrà un futuro? Quale? Come? Perché?

Una riflessione su questi temi assai importanti per la psicologia e la cultura (e qualche risposta a queste poco retoriche domande) è offerta dal volume dello psicologo e psicoterapista Gian Paolo Scano, intitolato La mente del corpo: intenzionalità e inconscio della coscienza (Franco Angeli, 2015): un libro non convenzionale che, senza troppo riguardo per la diplomazia, affronta, (partendo dall’idea base che la “mente” è “ciò che fa il cervello”), la questione dello statuto logico della teoria psicoanalitica, esamina lo stato dell’arte della psicoanalisi attuale e s’interroga sul modo in cui si possano riformulare le geniali anticipazioni freudiane, dando nuove, accettabili soluzioni ai problemi cui Freud non poteva far fronte se non con gli strumenti di cui il suo tempo poteva disporre. La comprensione della soggettività, della mente e dei moventi dell’azione umana è tema essenziale per la psicologia clinica, ma supera i confini ristretti di questa disciplina, proponendo la tessitura delle sue domande e delle sue risposte certamente agli psicologi e agli psicoanalisti, ma anche a quanti, ancorché privi di particolari competenze specialistiche, dispongono di curiosità e cultura e s’interrogano sulla mente, pensosi delle capacità e miserie dell’Homo Sapiens.

MASSART2

noreply@blogger.com (luciofab) — Sat, 14 Mar 2015 19:53:00 +0000

L’Euroma2 si trasforma in una grande Galleria d’Arte dal 21 marzo al 12 Aprile 2015, con il progetto culturale Mass Art- IKON

http://www.dazebaonews.it/…/32916-l-arte-contemporanea-appr…

L’Euroma2 presenta, in collaborazione con il Centro Culturale Elsa Morante, dal 21 marzo al 12 Aprile la seconda edizione di “Mass Art”, un progetto culturale che comprende oltre 20 artisti italiani ed internazionali, per un viaggio tra la pittura, la fotografia e la scultura. L’inaugurazione di questa grande mostra collettiva, dal titolo “IKON”, che porterà leopere di artisti contemporanei in esposizione all’interno delle vetrine del Centro Commerciale è in programma per sabato 21 marzo, a partire delle ore 18:00. Un grande esperimento Pop che prevede l’esibizione di performer, funamboli e dj set, offrendo al pubblico un grande momento di intrattenimento e cultura all’interno della galleria del Centro Commerciale

EUROMA2 Via Cristoforo Colombo, angolo Viale dell’Oceano Pacifico (Roma)

Tel. +39 06 5262161
www.euroma2.it

Artisti in mostra
Emilio CONCIATORI, Michelangelo AREZZI, Gianpaolo ATZENI, Sabrina BARBAGALLO, Elena BOCCOLI, Fernando DI NUCCI, Luciano FABALE, Fabio GASPARRI, Paul CRISCHLEY, Roberta GULOTTA, Guido LAUDANI, Gilberto MALTINI, Pasquale MODICA, Claudio ORLANDI, Roberto PETITTI, Eva TOMEI, Giovanna ZINGHI, Esteban VILLALTA MARZI, Mirco DELLAPASQUA.

Cavie

noreply@blogger.com (luciofab) — Sat, 03 Jan 2015 15:25:00 +0000

Evento di arti performative/videoarte a cura di Klaus Mondrian e Maria Manuela Pochetti.

Artisti
Daniele Contavalli, Laura della Gatta, Luciano Fabale, Francesca Fini, Cristina Meloro, Maria Manuela Pochetti, Sabrina Rigoni.

Dal 15/02/2015 al 15/01/2015
Mondrian Suite Gallery
Via dei Piceni, 41/43 – Roma
Orario 19,30-23,00
Ingresso libero

CAVIE (concept)
Elucubrazioni di Luciano Fabale

Cavie nel linguaggio comune è sinonimo di animale da esperimento. Esso esprime la dicotomia sofferenza/benessere. Poche cavie soffrono (e non per propria scelta) per offrire un ipotetico benessere ai molti. Dal superamento di questa dicotomia nasce il conceptCavie: cavie da performance.

Le arti performative e la videoarte vengono proposte in questo evento come laboratorio di sperimentazione e ricerca nell’ottica di offrire un benessere ai molti. Ma in questo laboratorio l’accezione Cavie è positiva/propositiva, frutto del libero arbitrio. Vuole palesare la sofferenza (volontaria) di chi desidera far emergere le proprie/oggettive verità per il reale bene comune, e per questo scopo combatte il bigottismo istituzionalizzato, il luogo comune, il falso cosiddetto “bene comune”. Ma per raggiungere questo obiettivo l’artista/cavia/performer deve utilizzare i linguaggi dell’arte meno istituzionalizzati: propri delle arti performative e della videoarte.

La cavia/performer per raggiungere il suo scopo deve ingannare il censore. Nella sua azione l’artista mette in atto un’operazione psicologica di tipo freudiano: per far emergere alla coscienza le nevrosi inconsce deve superare il controllo di un preconscio (censore) vestendo il significato con un significante accettabile/plausibile oppure con un significante non convenzionale. Per questo scopo le arti performative contemporanee sono efficaci; esse esprimendosi con linguaggi poco convenzionali possono essere censurate con difficoltà. Questa difficoltà di censura ne determina la loro forza e le rende estremamente attuali; capaci di far emergere le nevrosi della nostra società con immediatezza (basta saper decifrare il messaggio) e di superare facilmente gli ostacoli che potrebbe frapporgli ilcensore/conservatore (che non comprendendo o fraintendendo lascia passare).

Per concludere, il laboratorio performativo Cavie è positivo in quanto libero e propositivo in quanto offre a tutti i frutti della propria libertà d’espressione, di ricerca formale e culturale in totale contrapposizione al laboratorio coatto dell’arte istituzionalizzata.